ANA PELLICER

ANA PELLICER
POEMAS FORJADOS
Centro Cultural Clavijero
Morelia, Michoacán, México
Marzo - Junio 2010

Contenido
Presentación
Ana de Santa Clara
Mercedes Iturbe
7
Prólogo
Ana Pellicer, Artista universal y Tarasca por adopción
Lily Kassner
9
La Máquina Enamorada
Fernando Gamboa
12
Ana Pellicer: Escultora del Metal
Mariana Frenk
14
El Metal en el Arte
James Metcalf
15
Arte e Identidad
Juan Soriano
17
La Libertad no es una Estatua
Alain Joyffroy
18
La Pelota que Rebota
Eduardo Matos Moctezuma
20
Obra
23
Ana Pellicer
109

Presentación
Ana de Santa Clara
Mercedes Iturbe
Cobres luminosos enredados de historia, tradición fundida en el metal que al mezclarse con
resinas, lleva el propósito de crear espacios inundados de luz. Ana Pellicer juega con el pasado y
con el futuro, y con ambos va tejiendo sus conceptos y sus obsesiones que posteriormente vierte
en las piezas, convertidas en el testimonio de su universo interior. Ana lleva más de 20 años en
Santa Clara del Cobre, en donde, con su marido James Metcalf, ha desarrollado un proyecto
creativo. Ambos viven involucrados con ese lugar y especialmente con la tradición del trabajo
del cobre. Es en esa región de Michoacán en donde Ana ha gestado su trabajo escultórico y
desarrollado su talento.
Siempre me ha sorprendido el compromiso que el artista tiene con su trabajo. Ana se entrega a
cada proyecto con absoluta pasión. Nunca se queda a la mitad del camino sino que lleva todo
hasta sus últimas consecuencias.
Una de sus características más fascinantes es su explosiva naturaleza, profundamente femenina y
lúdica. No se trata en lo más mínimo de una artista atormentada, sino todo lo contrario. Copula
con el metal, con la naturaleza. Genera sensualidad a cada instante a través de su mirada, de su
risa, de sus ideas y por supuesto de su obra con la que nos revela el secreto de su mundo. Tiene
una vitalidad única que le permite encontrar excitantes la mayor parte de sus actos cotidianos;
alimenta su espíritu con la esencia profunda de la cultura tarasca, que combina con su interés y su
curiosidad por las manifestaciones más vanguardistas del arte internacional. A pesar de vivir en un
pueblo aparentemente alejado, ella y Jimmy están informados de todo aquello que trasciende en el
arte contemporáneo. Su escultura se alimenta de estos dos universos aparentemente polarizados,
pero que la han conformado como artista. Con el mismo interés con que escucha una pirekua de
Michoacán, escucha la música de Prince.
7

Ana Pellicer ama a México, al mundo y sobre todo a la vida. La vehemencia que habita su persona
queda traducida en cada uno de sus pasos y en cada uno de los objetos fabricados con sus manos
fuertes y su imaginación.
Su última serie de esculturas –Concentración de luz en los albores del siglo 21–. Atestigua esa
evolución que recoge en cada pieza su universo femenino integrado de sensualidad, de curiosidad,
de reflexión y de esa asombrosa capacidad para conjuntar la tradición con la audacia de una visión
conceptual profundamente moderna.
Los títulos de cada escultura son también reveladores de un discurso que afirma las características
de la escultora: “Flor del mal”, “Beso”, “Afrodita”, “El juego”, entre otras. Estas piezas representan
las obsesiones de Ana Pellicer, que con su inagotable energía ha esculpido una vez más la magia
que lleva en sus entrañas y el conocimiento acumulado en su espíritu. Las esculturas que ahora se
presentan en la Casa de la Cultura Jesús Reyes Heroles son joyas, pero también son sueños de una
mente alucinada que todo lo quiere convertir en luz. Ana es uno de esos seres excepcionales que
redimen al mundo con su talento, con su vitalidad y con esa mirada que busca siempre generar la
belleza. Lo logra con el solo hecho de existir.
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Mtra. Mercedes Iturbe
Directora del Museo del Palacio de Bellas Artes
2002

Prólogo
Ana Pellicer, Artista universal y Tarasca por adopción
Lily K assner
La artista y maestra del arte tridimensional, Ana Pellicer, de preclara estirpe, ha cumplido más de
cuarenta años de vivir y convivir con los artesanos de esa peculiar locación michoacana, de raíz
purépecha, llamada Santa Clara del Cobre, cuna de uno de los personajes literarios mexicanos
más entrañables de nuestro país que es, al mismo tiempo, receptáculo de características nacionales
y ha configurado muchos de los rasgos de nuestra común identidad, “Hilo lacre”, “Pito Pérez.”
Pero aparte de esta referencia literaria, estamos hablando de que Ana Pellicer, en compañía de
James Metcalf, con quien hace escultura desde 1968, lleva más de cuarenta años de residir y
trabajar en Santa Clara del Cobre: y lo celebra con esta exposición en que muestra una selección
antológica de sus aportaciones que ha compartido con los artesanos cobreros en esta zona de
extracción tarasca, donde también ha estado totalmente involucrada en el proceso de producción
de las piezas tradicionales, muchas de uso doméstico, cazos, platones, jarras, floreros, etc., cuyas
técnicas de realización provienen desde la época prehispánica.
Extraordinaria variedad de objetos de arte elaborados en este metal, mezclado con resinas u otros
materiales, maleable al calor, por manos indígenas y mestizas; trabajo que ha enriquecido con su
propia sensibilidad en el contacto directo en la elaboración de la obra de los artesanos aborígenes,
a quienes, generosamente, ha otorgado sus amplios conocimientos del arte contemporáneo,
revelándoles tendencias artísticas de nuestros días que, sin embargo, están acordes con su propia
capacidad creativa.
Una vertiente de ello es la creación de joyas en cobre de inspiración prehispánica, como una nueva
especialidad en la comunidad de mujeres indígenas que, en una escala gigantesca, propone para
ornar la estatua de la libertad neoyorquina, cuyo verdadero nombre es “La libertad iluminando el
mundo”, en el doble centenario de su erección junto a la desembocadura del río Hudson.
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Pues recordemos que esta pieza monumental, obra de Frédéric-Auguste Bartholdi, fue regalada a
Estados Unidos por Francia el año de 1886.
Ana Pellicer propone diversos adornos femeninos para engalanar en su bicentenario cumpleaños
al icono por antonomasia de Nueva York: arracada, prendedor, cadena, anillo y collar.
Mitológicamente, de alguna forma esto también nos corresponde, dado que entre los anteriores
Soles o edades –pues vivimos en el Quinto sol–, hay el antecedente de que alguna vez la tierra
estuvo habitada por gigantes, si bien no fueron del todo aceptados por los dioses que los crearon
y fueron finalmente desechados, antes de que Quetzalcóatl formara con barro a los hombres
actuales y les infundiera vida con su propia sangre, en un ritual de auto sacrificio.
Si bien aquí hay que recordar, como nos dice James Metcalf, “a los mitos de la creación de pueblos
tan apartados como los griegos del Egeo y los tarascos de Michoacán, que creían que el primer
hombre fue hecho de metal por un dios forjador”.
En esta faceta creativa, libertaria, femenina y feminista de Ana Pellicer, se incluyen asimismo
otras interesantes piezas emblemáticas de simbología localista: La Libertad Purépecha, en cobre
martillado, vidrio, madera y textil; La Libertad de Ocumichu, en cobre, fibra de vidrio, latón y
acero y, aunque no en la misma temática pero con otras cualidades expresivas de alto dramatismo,
su Homenaje a Frida, en los mismos materiales de la primera citada en este párrafo.
Entre otras piezas que rememoran el ritual cósmico del juego de pelota ancestral: yugos, hachas,
anillos, ruedas y hasta la misma representación de la cancha y los adminículos de su ejercicio,
incluida una Pelota que rebota, de hule esculpido y base de mimbre, también en este último caso
en un homenaje de gigantescas proporciones, encontramos creaciones en que la forma circular se
reitera con diversas variantes, como en Andrógino, Cíclope de Tacuchi, Él y Ella, sus Estudios sobre
la rueda, entre otras.
Otra de monumental formato, conformada por dos enormes discos cuasi empalmados
y concéntricos, muy peculiar y original, en cobre martillado y forjado, titulada La máquina
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enamorada, nombre que parecería un oximoron, pues ninguna máquina tiene el ánimo vital, pero
ésta, provista de cifras misteriosas, también guarda en su interior la efigie de una pareja humana,
producto indiscutible del amor.
Feliz celebración y homenaje a su desprendimiento y generosidad en la que Ana Pellicer se muestra
como la mayor escultora de técnica directa en metal de nuestros días, basada en una sensibilidad
que a pesar de los años transcurridos puede decirse prehispánica.
Dra. Lily Kassner
Autora de la Enciclopedia de Escultores Mexicanos
Primavera de 2010
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La Máquina Enamorada
Fernando Gamboa
Estamos aquí reunidos en torno a esta bella escultura que acaba de instalarse en el Museo. Es
obra de una joven artista, Ana Pellicer, cuyo talento es evidente. Ana viene de una de las familias
que mayor lustre le han dado a México. Es el más reciente retoño de ese frondoso árbol de gentes
valiosas cuyo primer brote fue Carlos Pellicer, uno de los más grandes poetas latinoamericanos de
nuestro siglo. Ana, una artista de plena vocación a la que puede predecírsele un gran porvenir en
el terreno de la escultura mexicana.
Ana es culta, ha viajado mucho, tiene ideas claras sobre el arte. Ha trabajado intensamente
y ha tenido la fortuna de ser guiada por un maestro, por un gran artista como es el escultor
norteamericano James Metcalf.
La técnica en que Ana ha realizado su obra, con sus ayudantes de Santa Clara, es pues antigua.
Se sirvió de ella para dar expresión a su específica voluntad de forma de artista moderna, y a
su concepción espiritual. “La Máquina Enamorada”, ese título tan ingenioso como sugestivo,
alude a la idea y los ideales de la escultora en torno a la función de la máquina. Cree ella que
la máquina en lugar de avasallar al hombre, perjudicar y acosarlo, debe ayudarlo a liberarse del
trabajo esclavizante y a emplear mejor su creatividad. Y para ayudarlo debe amarlo, debe ser,
como dice Ana Pellicer, “Una máquina enamorada.
La “Máquina Enamorada” de Ana Pellicer no tiene precisamente la forma de máquina, sus formas
son orgánicas, florales o frutales. “Por supuesto no me jacto de ser original. En la historia del
arte –prosigue Ana Pellicer– sobre todo del arte moderno, ha habido muchos artistas que han
representado la esencia de la máquina, algunos exaltándola, Fernand Leger, otros ironizándola.
Sí, ahí está Duchamp-Villon y también Jean Tingueli. Duchamp hizo la representación del
mecanismo. Jean Tingueli representa la máquina que se destruye a sí misma. Pero hay otro artista
muy importante para mí. Es Fontana, porque Fontana no pinta la tela, la viola. Yo, siguiendo su
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ejemplo, le pongo números electrónicos a “La Máquina Enamorada”, que tiene formas orgánicas,
que parecen estar a punto de moverse. Esto es como una especie de violación del objeto de uso,
puesto que “La Máquina Enamorada” repito, es una obra de arte que representa un concepto, ya
no un uso”.
Mtro. Fernando Gamboa
Subdirector Técnico del INBA y Director del Museo de Arte Moderno
México, D. F. a 2 de agosto de 1975
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Ana Pellicer: Escultora del Metal
Mariana Frenk
La escultura en cobre tiene en México una larga tradición. Se remonta a la prehispánica, a los
tiempos en que los artífices purépechas confeccionaban con este metal, en gran escala, las hachas
ceremoniales que, igual que las de piedra de la región del Golfo, eran imágenes de las hachas
del dios de la lluvia y las tormentas, con las que éste hendía las nubes para abrir camino a los
relámpagos y los truenos.
Entre los pocos artistas que hoy en día trabajan el cobre, Ana Pellicer ocupa un rango destacado.
Viviendo desde hace muchos años en Santa Clara del Cobre, en el estado de Michoacán, ha
estudiado a fondo la naturaleza de este material y la técnica empleada por los forjadores del lugar,
que no ha cambiado desde la época del México antiguo.
Mientras alrededor de la artista los artesanos purépechas producen sus obras de bellas formas
tradicionales -platos, jarras, vasijas, candeleros-, Ana crea sus esculturas, las pequeñas y las
monumentales, ambas inspiradas tanto en el arte popular de la comarca, como también en
ideas plásticas de tiempos y latitudes muy diferentes, que a veces combina con gran imaginación
escultórica, como en el prendedor “etrusco-cuanajense” o en las joyas -prendedor, anillo, collar,
cadena, arracada-, adecuadas para engalanar a gigantes; ese maravilloso y temible linaje, que según
la mitología de muchos pueblos, vivía en épocas remotas sobre nuestra tierra, cambian, gracias al
enorme aumento del tamaño, su condición de objetos de adorno, de la que partió la concepción del
artista y adquieren un rango de escultura y un aspecto fantástico, de sugestiva irrealidad.
Estas obras impresionantes por su originalidad, por la belleza de sus formas y de su material, son
muestras elocuentes del poder creativo y la maestría técnica de la joven artista.
Dra. Mariana Frenk
Sub Directora del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Mexico
Ciudad de México, 1985
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El Metal en el Arte
James Metcalf
A pesar del hecho reconocido de que el metal ha sido, sin comparación, el elemento más importante
en el desarrollo humano durante los últimos tres mil años, la disciplina de las artes plásticas
menos comprendida por los legos así como por los críticos, es sin duda la del trabajo en metal.
Los dos principales motivos de esa situación son: primero, que el valor económico del metal por
sí mismo explica el hecho de que nuestros museos carezcan de ejemplos adecuados para el estudio
del desarrollo del arte del metal. Aunque este vacío existe en los tesoros de todas las culturas, en
ningún lugar es tan grande como entre las casi increíbles descripciones de las magnificencias
del arte del metal, que fueron contempladas por los primeros europeos que llegaron a América,
y 1o que nos es dado ver hoy. Según el testimonio de artesanos de Santa Clara del Cobre, hubo
épocas en el pasado en que la única materia prima para fundir y hacer cazos eran las hachas
precolombinas de cobre y que algunas veces llegaban a ser toneladas.
La segunda razón es que la creatividad del trabajador en metal fue la víctima principal de la
revolución industrial; su talento fue pervertido hasta la extinción por las crecientes demandas
impuestas al diseño
Las piezas de Ana Pellicer que se muestran en esta exposición han sido escogidas siempre que
ha sido posible, para ilustrar las diferentes etapas de la lucha de un artista para rectificar este
mal entendimiento y reinstalar la escultura en metal en el lugar que le corresponde como medio
creativo directo. Ninguna de estas obras debe su origen a un modelo hecho en otro material,
como es este caso con la mayoría de las esculturas fundidas hoy, que son reproducciones de
modelos en yeso o en arcilla. Tampoco son acumulaciones de objetos encontrados, soldados para
formar un collage. Cuando en estas obras se utiliza la técnica del troquelado, tan frecuente hoy
en día en la industria, las matrices han sido cortadas en acero por la artista, así como las matrices
de otros materiales como el hule o la resina.
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Muchas de las esculturas de Ana Pellicer expuestas en esta exhibición tienen el tejo como forma
primaria. Tejos besándose, tejos explotando y descubriendo parejas escondidas, un árbol de la
vida con hojas hechas de tejos en forma de ombligos, hasta la maqueta de la máquina enamorada
en donde se incorpora un juego de tres tejos. En otras piezas como en Ilusión de II dimensiones
I, la simple superficie reglado de la hoja de metal empieza a asimilar la tensión y la vitalidad y la
técnica se va haciendo más competente y menos obvia y empieza a someterse a la obra como un
todo. La forma natural y casi automática en que el metal se presta a hacerse metáfora del cuerpo
humano, me parece dar una sustancia literal a los mitos de la creación de pueblos tan apartados
como los griegos del Egeo y los tarascos de Michoacán que creían que el primer hombre fue hecho
de metal por un dios forjador.
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James Metcalf
Escultor
2010

Arte e Identidad
Juan Soriano
Ana Pellicer es una de las artistas más singulares de su generación, su escultura a menudo
inspirada en las culturas prehispánicas han estimulado su imaginación y su regocijo al crear sus
obras. Ana ha realizado una extensa investigación en la utilización de diversos materiales por
lo que en su obra existe una gran gama que va del metal, al hule y a las piedras semipreciosas
y ha fusionado éstas con acontecimientos históricos. Hacer joyas tradicionales a la escala de la
Estatua de la Libertad o esculturas que rebotan, inspiradas en el juego de pelota prehispánico,
utilizando el hule de origen mesoamericano, han llevado a París y a Nueva York parte de la
esencia de nuestra cultura.
Ana ha vivido desde hace muchos años en un pueblo en el Estado de Michoacán, en donde dirige
una escuela de artes y oficios, es esta experiencia, la razón por la cual su obra está profundamente
enraizada en nuestra cultura.
Tengo la confianza en el auge de sus futuros proyectos y considero que su trabajo y su larga
trayectoria dan muestra de su talento y su singularidad.
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Juan Soriano
Pintor y Escultor
México, D.F., a 19 de junio del 2001

La Libertad no es una Estatua
Alain Joyffroy
Al realizar las joyas gigantes para la estatua de la Libertad, Ana Pellicer, que desde 1968 trabaja
con el escultor James Metcalf, responde cien años más tarde al reto lanzado por Bartholdi con su
“Libertad iluminando el mundo”. Al inspirarse, para estas joyas, en el arte de los Indígenas del
México antiguo, tomando de ejemplo a los Tarascos, ella nos incita a reflexionar sobre la función
simbólica del célebre monumento de Nueva York, que pretende confiscar el papel de defensor
de la libertad mediante la representación de ésta en forma de mujer occidental. Además del
contrasentido que implica la transformación de la libertad en estatua, del movimiento espontáneo
en inmovilidad académica, nos olvidamos en efecto de pensar que la “Libertad iluminando el
mundo” fue concebida para ocultar la realidad de todos los pueblos oprimidos por el colonialismo
y el imperialismo occidentales. En un sentido amplio, la libertad no podría ser reducida a la
definición que se le ha dado en Francia y en los Estados Unidos donde, como lo afirmó Régis
Débray, la libertad ha precisado de esclavos para existir.
Al crear un arete, un collar, una pulsera, un broche y un anillo gigantes que habrán de adornar
esta estatua para cambiar el sentido en el momento de su centésimo aniversario, Ana Pellicer ha
consumado el primer gesto simbólico de escultor con respecto a este monumento-sueño. Ella evoca
al mismo tiempo que la mujer no podría confundirse con una alegoría y que por estas joyas, ella
revela su identidad y cultura propias. En nuestros días, donde el racismo y la intolerancia religiosa se
han despertado al mismo tiempo que los nacionalismos, un artista debe mostrar lo más claramente
posible que nunca hay que ceder el poder de expresión a los más fuertes, sino al contrario, desviar
los monumentos oficiales de sus fines mezquinos. La libertad no puede reducirse a una estatua de
la academia occidental al igual que la revolución a un mausoleo en la Plaza Roja.
Al vincularse con un grupo de mujeres indígenas e introducir la joyería en cobre como nueva
especialidad en esta comunidad de artesanos cobreros, y formándolas de tal modo que ellas
18

concibieron un nuevo estilo de joyas, Ana Pellicer hace funcionar la libertad de la mujer para
fortificar su papel creador. James Metcalf recuerda a este respecto que Apollinaire pensaba que
Marcel Duchamp iba a reconciliar el arte con el pueblo. Marcel Duchamp –demasiado irónico
para asumir semejante utopía– con toda seguridad no llegó a ello. Pero desde 1968, los artistas
están buscando otros caminos, otras fórmulas, otras formas de intervención para sacar a la pintura
y a la escultura de sus perspectivas mercantilistas y museológicas. Estas búsquedas me incitan hoy
a aprobar y a respaldar el trabajo y la iniciativa de Ana Pellicer: la revolución femenina –feminista
o no– no ha pronunciado su última palabra.
Mientras que la estatua de Bartholdi no sea revestida de “Esculturas anti-estatua” de Ana
Pellicer, ésta continuará siendo lo que es: una abstracción vacía destinada a camuflar la verdad y
la identidad de todos los pueblos. Es preciso recordar a este respecto que Bartholdi fue primero el
autor de la estatua del general Rapp y del León de Belfort y que en 1886, año en que se inauguró
la estatua de la libertad en Nueva York, Nietzsche escribió: “Más allá del bien y del mal” y que
un auténtico artista creador, Antonio Gaudí, llevaba ya cuatro años trabajando en la “Sagrada
Familia” de Barcelona.
19
Alain Joyffroy
Crítico de Arte
1986
Traducción: Reynol Pérez Vázquez. Dramaturgo

La Pelota que Rebota
Eduardo Matos Moctezuma
Homenaje a Ana Pellicer
Los dioses se convocaron en Xibalba para jugar a la pelota. Ese era el lenguaje de los dioses. De
la lucha cósmica expresada a través de los mitos se daba paso a la lucha ceremonial en la cancha
del juego de pelota de donde tendría que salir un vencedor y un vencido.
Uno de ellos sería decapitado y de su cuello cercenado saldrían los torrentes de sangre
representados en forma de siete serpientes y plantas floridas como canto sagrado en honor de
los dioses. Así los vemos presentes en Chichen Itzá, en donde la pelota de hule se transforma en
cráneo con todo su contenido simbólico ancestral. En uno de los juegos de pelota del Tajín. En
uno de los juegos de pelota de El Tajín vemos, una vez más, la presencia de la muerte en uno
de los contendientes que, acostado, espera ser sacrificado. Es nuevamente la reactualización de
la lucha constante entre la noche y el día, entre Tezcatlipoca y Quetzalcóatl, entre los poderes
diurnos y nocturnos prevalecen en aquella pelota que no cesa de rodar y que lleva su giro la
vida... Y también la muerte.
Fue así como en aquel mundo de dualidades constantes el hombre supo dialogar con los dioses.
Aquella lucha quedó plasmada en el juego de pelota. Canchas para el juego las vemos presentes
a lo largo y ancho de Mesoamérica, lo mismo ocurre con la representación de jugadores. Desde
las culturas más antiguas hasta el momento del contacto con los europeos van a proliferar estas
presencias en el barro, en la arquitectura, en la piedra misma. Y algo insólito va a ocurrir: también
se encuentran las pelotas de hule. Se han recuperado tanto del interior del Cenote sagrado de
Chichen Itzá como del templo mayor de los Aztecas.
...Y en el siglo XVI llegaron otros hombres. Traían la destrucción en sus manos, en sus espadas
de hierro. Todo lo fueron destruyendo. Los viejos códices que hablaban de la cuenta de los
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días fueron quemados. Lo mismo ocurrió con los templos. Las esculturas de los dioses fueron
mutiladas y la muerte se esparció por todas partes. Cesó la flor y el canto -in cuicatl, in xochitlpara
dar paso a las cantigas coloniales. Pasaron los años y los siglos y surgieron los rostros de los
nuevos hombres...
...Pero aquel pasado estaba latente, vivo, a flor de tierra. Poco a poco la tierra empezó a devolvernos
a los viejos dioses, a los hombres que fueron. Aquel rostro ancestral empezó nuevamente a cobrar
forma y se nos mostró en todas sus facetas: pequeñas figurillas de barro; máscaras de piedra; caras
sonrientes que supieron perdurar en el tiempo; templos y palacios que encontraron la luz del día
y murales policromados que nos muestran un mundo de color en el que el simbolismo quedó
atrapado hasta en el trazo más sutil...
...y de aquellas vivencias presentes en el barro, en la piedra, en el muro hecho color, surgieron
nuevas expresiones. Los actos de creación empezaron a repetirse y se buscaba en el tiempo para
aprehender al tiempo mismo. Fue de esta manera como aquellas pelotas de hule que encerraban
así la vida y la muerte empezaron a convertirse, a transformarse en enormes pelotas gracias a
la acción creadora de manos que daban vida a lo muerto. Esas manos empezaron a moldear el
hule, lo fueron tocando, amasando. A cada contacto el hule cobraba vida, renacía, Las manos
prodigiosas creaban y creaban y la pelota crecía y crecía sin cesar. Allí; allí estaba con todo
su contenido esencial: hule-cráneo-vida-muerte-tiempo. Al igual que los dioses, se había dado
forma al tiempo...
...pero el tiempo permanecía estático. Era necesario que la vida se expresara en el movimiento y
sólo las manos que habían realizado el prodigio podrían lograrlo. Una vez más aquellas manos
acudieron a su poder creador y dieron el impulso indispensable para que el tiempo apresado en la
pelota de hule empezara a moverse...
...poco a poco el tiempo empezó a girar, como aletargado de tantos años de espera. Fue rodando
cada vez con más fuerza hasta que llegó el momento en que tal fue su velocidad que nada podía
detenerlo. Rodó por las laderas y cayó en los valles; subió montañas y cruzó ríos; atravesó y
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llegó, finalmente, al juego de pelota preparando para que en él se llevara a cabo el juego ritual
transformado en el ciclo vital de los días, de los meses, de los años...
...todo esto empezó un día en que las manos prodigiosas de Ana Pellicer decidieron atrapar el
tiempo para convertirlo en una enorme pelota de hule...
22
Eduardo Matos Moctezuma
Director del Museo del Templo Mayor
Solsticio de Verano de 1992

Secretos

Mujer Alada
2010
Cobre electroformado, repujado, yeso, madera y acrílico
Dimensiones: 80x80x10 cm.
Colección del Artista

Las Guadalupanas
1997
Fibra de vidrio, vidrio y cerámica
Dimensiones: 100x60 cm.
Colección del Artista

Quetzalcóatl bicéfalo
2010
Resina esculpida, cobre calado y amatista
Dimensiones: 15x31x70 cm.
Colección del Artista

Libro primero de arte
1970
Latón repujado, platico y papel
Dimensiones: 25x24x12 cm.
Colección del Artista

Erandipani
2009
Técnica Mixta: madera, oleo, yeso, metal y vidrio
Dimensiones: 80x80 cm.
Colección Particular

Recuerdo
2008
Cobre repujado y madera
Dimensiones: 68x80x10 cm.
Colección del Artista

Mujeres

La Tehuana
1996
Encaje electroformado, resina y fierro soldado
Dimensiones: 210x69x30 cm.
Colección Particular

La Libertad de Ocumicho
1990
Técnica Mixta, fibra de vidrio, cobre, latón y fierro esculpidos
Dimensiones: 253x115x78 cm.
Colección del Artista

Medusa
2010
Bronce fundido y cobre repujado. Mármol y madera
Dimensiones: 24x24x30 cm.
Colección Particular

La Libertad Purépecha
1987
Técnica Mixta, fibra de vidrio, yeso. Madera, textil, cobre y latón
Dimensiones: 190x60x40 cm.
Colección Particular

Homenaje a Frida
1989
Cobre electroformado, latón, textil. Madera policromada y resina
Dimensiones: 205x77x88 cm.
Colección del Artista

Luz

Ilusión de II dimensiones I
1995
Cobre martillado, fierro y resina
Dimensiones: 168x85x58 cm.
Colección del Artista

La Reina
2000
Amatista y latón martillado
Dimensiones: 168x62x28 cm.
Colección del Artista
El Rey
2000
Amatista y latón martillado
Dimensiones: 150x88x36 cm.
Colección del Artista

ELLA
1996
Cobre martillado, cristal de roca, encaje electroformado y fierro
Dimensiones: 150x77x25 cm.
Colección del Artista

El
1996
Cobre y latón martillado, vidrio y fierro
Dimensiones: 173x78x18 cm.
Colección del Artista

Querubines
1998
Cobre repujado, resina y fierro
Dimensiones: 164x51x51 cm.
Colección Particular

Objeto encontrado en la tumba de una Reina
1996
Cobre martillado, vidrio y mica templada
Dimensiones: 164x60x40 cm.
Colección del Artista

Ola Marina
1998
Vidrio emplomado y encaje electroformado
Dimensiones: 120x80x30 cm.
Colección del Artista

Ciclope en Tacuchi
1996
Cobre martillado, vidrio emplomado y fierro
Dimensiones: 160x70x30 cm.
Colección del Artista

Luna Creciente
1995
Latón martillado, resina y fierro
Dimensiones: 150x50x40 cm.
Colección del Artista

Poder

Mi Bandera Mexicana
2010
Cobre martillado y fierro esmaltado
Dimensiones: 80x70 cm.
Colección del Artista

La Maquina Enamorada (maqueta)
1975
Cobre martillado, forjado y calado
Dimensiones: 50x50x30 cm.
Colección del Artista

El Querendal
1985
Técnica mixta; fierro, querenda, yeso y resina
Dimensiones: 158x137x32 cm.
Colección del Artista

El Beso
1995
Cobre martillado y repujado
Dimensiones: 35x40x15 cm.
Colección del Artista

El SIDA si da (detalle)
2010
Cobre repujado y hule esculpido
Dimensiones: 25x60x60 cm.
Colección Particular

Libertad

Prendedor Etrusco-Cuanajense
1986
Latón martillado, repujado y granulado
Dimensiones: 464x115x30 cm.
Colección del Artista

Anillo Liliputense producto de Exportación
1986
Cobre martillado y resina
Dimensiones: 116x79x20 cm.
Colección del Artista

Arete de una gran dama
1986
Latón martillado
Dimensiones: 116x46x20 cm.
Colección del Artista

Collar de Oaxaca
1986
Cobre martillado
Dimensiones: 11 metros
Colección del Artista

Cascabel Purépecha
2004
Cobre fundido
Dimensiones: 64x20x20 cm.
Colección del Artista

La Reconstrucción de Tzintzuntzan
1996
Técnica Mixta, Papel amate, tinta y cobre repujado
Dimensiones: 125x244x4 cm.
Colección del Artista

Juego

Yugo marcador (detalle)
1994
Latón y hule esculpido
Dimensiones: 200x100x40 cm.
Colección Particular

La Pelota que rebota
1993
Hule esculpido y latón martillado
Dimensiones: 80x80 cm.
Colección del Artista

Cancha del Juego
1993
Hule esculpido, cobre electroformado y madera
Dimensiones: 440x430x6 cm.
Colección del Artista

101

Marcador Anillo rueda
1993
Latón, cobre, hule esculpido y madera
Dimensiones: 270x100x30 cm.
Diámetro del anillo: 110x 30 cm.
Colección del Artista

103

Marcador Anillo rueda
1992
Cobre electroformado y hule esculpido
Dimensiones: 270x100x30 cm.
Diámetro del anillo: 110x 30 cm.
Colección del Artista

105

Pelota de Base Ball
2000
Madera esmaltada y cobre
Dimensiones: 80x80 cm.
Colección del Artista

107

Ana Pellicer
Nace en la ciudad de México. Estudia Artes Plásticas en “The Arts Students League” y “The
New School” en Nueva York. De 1973 a 1974, Directora de Producción Artesanal de FONART
(Fondo Nacional de las Artes Populares), en la ciudad de México. Ha vivido en Santa Clara del
Cobre, en Michoacán, durante muchos años en donde trabaja hasta la fecha. En 1976 funda
el “Centro de Artes y Oficios Adolfo Best Maugard”, de Santa Clara del Cobre, el cual dirigió
hasta junio del 2002. En 1975, creó una escultura monumental hecha en cobre con la técnica
precolombina de la región, escultura que forma parte de la colección del Instituto Nacional de
Bellas Artes y que se encuentra instalada en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México.
Diseñadora del vestuario de tres piezas de teatro: “Pasiphae” de Monterland, en 1981 el Museo
Rufino Tamayo, en 1994, “El León de Invierno” de James Goldman, en el teatro Julio Prieto y en
1999 “Nahui Olín”, durante el Festival del Centro Histórico en el Teatro de la ciudad. Ha hecho
varias exposiciones tales como “Joyería de la Estatua de la Libertad”, en el Museo de Arte Moderno
de la ciudad de México en 1981 “la Pelota que Rebota” en 1992 Museo del Templo Mayor en la
ciudad de México. “Concentración de Luz en el Nuevo Milenio”, en 1995 en Casa de la Cultura
“Jesús Reyes Heroles”, en la ciudad de México. “Cobre, Piedra y Fuego”, en el 2000 en Lincoln
Center en Nueva York y “Tiempo, Piedra y Barro”. “Sirenas y Monstruos Marinos” en Lisboa
Portugal en 1998. En 2002 en el Museo de Ciencias y Artes Muca, en la ciudad de México.
En el 2009 Exposición colectiva “Las Mujeres de Michoacán” arte y artistas. En cada una de
sus exposiciones individuales ha creado un Libro Objeto. Sus exhibiciones han sido presentadas
en la ciudad de Morelia, Michoacán, México D. F., Nueva York, Chicago, Denver, Houston,
Kentucky, Tennessee y también en París, Roma, Lisboa y Hannover.
109

Gobierno del Estado de Michoacán de Ocampo
Mtro. Leonel Gody Rangel
Gobernador Constitucional
Secretaría de Cultura
Mtro. Jaime Hernández Díaz
Secretario
Centro Cultural Clavijero
Vicente Guijosa Aguirre
Director
Liviere López Ponce
Coordinadora de Logística y Planeación
Martha Estrada Soto
Coordinadora de Servicios Educativos
Pedro Cervantes Saavedra
Museógrafo
Vicente Guijosa Aguirre
Eduardo Rubio
Fotografía
Santo Diseño
Elizabeth Sanchez Gómez / René Iván Torres González
Diseño y formación
Se terminó de imprimir en julio de 2010
en ImpresionArte, S.A. de C.V. en la ciudad de Morelia, Michoacán.
El tiraje consta de 500 ejemplares.