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AAMNBA - año 1 - nº5
R E V I S T A D I G I T A L D E C O M U N I C A C I Ó N C U L T U R A L Y A R T Í S T I C A .

indice
número cinco +
mariano sapia +
enio iommi +
mari carmen ramírez en la AAMNBA +
gorri: la vida de Carlos Gorriarena +
huellas y legados en las américas +
ana eckell +
merchandising +
agenda aamnba +
agenda mnba +
staff +

5Este mes de mayo visitó nuestro
número cinco
pionero de la vanguardia argentina de Arte Concreto, Los invitamos a no perderse la presencia del Doríforo,
y un análisis sobre su muestra retrospectiva en el C. C. invaluable escultura de Policleto, prestada por el
Recoleta a mediados del año pasado.
Mari Carmen Ramírez
estado Italiano hasta el 30 de junio a nuestro Museo
Nacional.
auditorio en la AAMNBA brindándonos tres magistrales Obviamente no falta nuestra agenda cultural y
s e m i n a r i o s s o b r e a r t e c o n t e m p o r á n e o educativa, junto a algunas novedades en nuestra
latinoamericano y publicamos en este número, en sus
propias palabras, la propuesta sobre su trabajo.
tienda.
Revisando todo este material y teniendo en cuenta la
Recordamos el estreno de “Gorri” la película de cantidad de atención necesaria para sostener una
Carmen Guarini acerca del pintor argentino Carlos publicación artística y cultural de esta calidad, les
Gorriarena, su impresionante aporte al arte argentino recordamos que seguimos buscando voluntarios
y a la formación de actuales artistas nacionales como para a+r.
Mariano Sapia, Jorge González Perrin, Germán Tanto periodísticos como corresponsales, editores y
Pasado un tiempo desde la última entrega, hemos
decidido cerrar una nueva edición de nuestra revista.
Seleccionado el material inauguramos un nuevo
número de a+r.
En esta edición abrimos con una imperdible
entrevista a Mariano Sapia,
artista plástico y docente
de importante trayectoria, que con un compromiso
Gargano y Susana Saravia.
En octubre del 2010 se realizó en la AAMNBA,
en el
marco de la Catedra UNESCO de Turismo Cultural el
Segundo Seminario Internacional del Programa de
la UNESCO, La Ruta del Esclavo “Huellas y legados
de la esclavitud en las Américas” . Un ejemplo de
revisión histórica y revalorización cultural de los
pueblos que –por medio de charlas de especialistas
críticos de arte. artistas y estudiantes. Sostenemos
nuestra convocatoria para formar parte activa de
este proyecto.
Queremos crecer y sumar personas e ideas y así,
llegar a lograr nuestro objetivo; una revista cultural
independiente, de circulación masiva, que
contemple y difunda la enorme propuesta del MNBA
y la Asociación.
estético, educativo y social admirable, nos abre las invitados de Benín, Senegal, Haití, Sudáfrica, Estados Esperamos que disfruten de la revista digital, hasta
puertas de un mundo de colores e ideas, que invitan Unidos y Argentina entre otros- tanto enriquecieron el próximo número.
a una seria reflexión sobre su producción pictórica. como fundaron nuestra historia, música, arte y
Seguimos con Enio Iommi,
imperdible artista y sociedad.
STAFF

mariano sapia

mirar
por Sol Abango
Mariano Sapia,
artista plástico argentino,
nació en Buenos Aires en
1964. Fue Becario de la
Fundación Guillermo Kuitca
y la Fundación Antorchas.
Realizó un mural para el Aula
Magna de la Facultad de
Ciencias Exactas de la UBA.
Sus obras se exhiben en The
Metropolitan of Modern Art,
New York; Museo Eduardo
Sívori, Buenos Aires; Museo
de Bellas Artes de Arrecife,
Pcia. de Buenos Aires; Casa
de las Américas, La Habana,
Cuba. Sus obras están
presentes en diversas
colecciones públicas así
como también en el Museo
Rally Puntas del Este.
Fundación OSDE Buenos
Aires, Colección Aerolíneas
Argentinas Buenos Aires.

S. A. El inicio en la pintura, ¿cómo tomaste
la decisión de dedicarte al arte?
M. S. De alguna manera siempre supe que iba a
ser pintor, recuerdo tener 6 o 7 años y saber
claramente que iba a ser pintor. Nunca pensé en
otra alternativa no pensé: ¿que hago con mi
vida?, simplemente me dediqué a serlo. No fue
una elección, simplemente hice eso.
¿Como definirías tus momentos de
formación? tus maestros o escuela.
Yo tenia 15 años, veía dibujar mucho a mi papá,
que es un gran artista (Armando Sapia) Él me
veía dibujando todo el tiempo (iba a la escuela
secundaria a la mañana) y me dijo: - porque no
entrevista a MARIANO SAPIA
vas a un taller a dibujar… y empecé con Ernesto,
ahí aprendí a dibujar, y también grabado….
aprendí de ver como trabajaba Ernesto, como se
plantea una escultura, un dibujo o una acuarela,
como se va desarrollando una idea y cuando el
trabajo llega a un callejón sin salida hacia donde
va.
Aprendí un montón de cosas, de todas maneras,
también hay que tener en cuenta que uno puede
construir el pensamiento, la información… yo
vivía en una casa llena de pintura, esculturas de
dibujos… de libros. Mi mamá era escultora,
murió joven, todas las esculturas que tengo son
de una persona extremadamente sensible y
después, volviendo a lo que me preguntabas,
pase a estar con Ernesto Pesce más o menos el
mismo tiempo que pasaba en la secundaria. Iba
a la escuela secundaria a la mañana de 7 a 12 y
después al taller de Ernesto los martes y jueves
de 3 a 10 de la noche y los sábados toda la
mañana…. Iba como veinte horas a dibujar y de
estar en el ambiente del arte, con el tiempo sentí
la necesidad de aprender a pintar. Ahí es cuándo
empecé a ir al taller de Gorrierena donde
aprendí las situaciones de la pintura y bueno…
ese fue mi aprendizaje.
Quería agregar el enorme privilegio de estudiar
de esta manera, aparte eran grandes artistas
pero al mismo tiempo tenían la vocación de
transmitir. En el taller de Gorriarena había un

cartel con una frase de Gastón Bachelard que
decía: “Un conocimiento no transmitido se
convierte en resentimiento” y es verdad. En
occidente esto no pasa, pero en oriente… dice
Herrigel, un hombre que escribió el “Zen en el
arte del tiro con arco”, hace una mención
diciendo que en oriente no existe la posibilidad
de maestría sin al mismo tiempo la transmisión
de la maestría, de cualquier actividad. En ese
sentido para los maestros, si bien es cierto que
necesitaban el dinero de las clases, era una
parte esencial de su ser la transmisión de lo que
sabían. En ese sentido, yo enseñando, estoy
pagando mi deuda con ellos.
Habiendo sido Gorriarena tu maestro,
¿quisieras comentar algo acerca de la
película de Carmen Guarini “Gorri” en la
cuál participaste?
Sobre la película no voy a opinar. Sí puedo
opinar, lo que me toco a mí… yo lo conocí mucho
a Gorri, no es lo mismo para mi escucharlo
hablar…cuando yo lo escucho hablar, viéndolo en
una filmación; revivo una cantidad de
situaciones, recuerdo una cantidad de
situaciones, recuerdo una cantidad de palabras,
de ideas de sentimientos…. Y entonces no sé
como lo verá otra persona que no tiene otra
noticia de Gori….
Yo creo que de lo más importante de la pintura
de Gorriarena es lo que aparece en sus cuadros,
no lo que se pueda hablar de él. El año pasado en
el Musée d'Orsay viendo cuadros de van Gogh,
me di cuenta el enorme pintor que era
Gorrierena… Y viendo una enorme muestra de
Matisse en Madrid, también sentí claramente el
enorme pintor que era Carlos Gorriarena. Sería
didáctico ver mucha obra de él…interesar al
público que no lo conoce para que conozca la
obra.
¿Cuál es el momento de inflexión en donde
el artista deja de ser “emergente” y pasa a
s e r “ c onsagrado”?, o ¿cómo f u e
particularmente en tu caso?
Todo según lo que consideres, ser “consagrado”
o no. Hay una cantidad de pintores
absolutamente desconocidos que viven muy
bien de lo que hacen y no los conoce nadie, no
los invitan a mostrar. El parámetro de vivir de la
pintura es relativo, no significa ser consagrado.
Yo creo que hace mucho tiempo muchos
artistas, hoy consagrados o muy nombrados que
la verdad no le vendían un cuadro a nadie…por lo
cual evidentemente tampoco es un tema, la
verdad habría que despejar cada una de las
palabras de lo que entendemos por
“consagración”…
Pero a nivel personal, en algún momento
de tu vida, tal vez trabajando con
Gorriarena, hubo un momento donde
dijiste, ¡ya está! pinto solo, hago lo que
considero que sé….
Bueno, Gorriarena me echó, ¡ya está! Es una
manera de decir, estas pintando tus cuadros,
estás exponiéndolos, ganas algún dinero con
eso…dedicas la mayor parte de tu energía a eso.
En ese sentido yo te puedo decir cuando tenía 23
años sentí que empezaba a pintar cosas que me
importaban de verdad, empecé a desarrollar
una poética que los elementos elegidos
(elegidos es una manera de decir) me
importaban de una manera en particular, me
tocaban de una manera en particular, me
interrogaban de una manera particular, en ese
sentido ya tenía 23 años. Tengo que decirte por
lo menos que cuando yo me fui de lo de Gorri
haber estado cuatro años pintando, de los cuales
no me quedó casi ningún cuadro porque los tapé
todos; estaban flojos o no me interesaban o a

m i t a d d e c a m i n o .
Aparecía alguna punta,
nada más. Pero en el
sentido más amplio de lo
que decís vos, coincidió
con una muestra que hice
en la Fundación del Banco
Patricios en el año '89 que
bueno… de mi trabajo
salieron notas de prensa,
se me empezaba a
considerar como a un
pintor pero la palabra
“consagrado” esta tan
devaluada, ¿consagrado
por quién?
En Argentina hay una
situación de este tipo: el
arte en argentina esta
inmersa en una situación
más grande que es la
situación del país… yo
tengo la sensación de que
en el arte hay un como si,
todo es como si…hay
gente que hace como si
pintara, galeristas que
pertenecen al mundo del
arte y creen que son
galeristas, y gente que adquieren y hacen como
que están en el mundo del arte, pero vos ves en
la mayor parte de los casos, galeristas que en
realidad especulan con las amistades y familias
de gente que va a exponer, de gente que hizo
algunas cosas y consiguió vendérselas a alguien
y coleccionistas que piensan que participan del
arte y en realidad están comprándole por
cuestiones de relaciones a una cantidad de
gente. Yo estoy seguro que esto es un circuito
que se muerde enseguida la cola y enseguida se
acaba…pero la prueba más fácil está en que el
95% de las cosas que se venden dentro de cinco
años no tienen valor…. Suponete, un señor va a
un lugar…y son gente conocida, amistades etc. y
piensa: - me compro un cuadro, ¿cuánto sale? –
5 mil dólares, el tipo está en una buena y lo
compra. Luego a ese señor le va mal en su
negocio y le queda el cuadro y el auto… vende el
auto…y el tipo necesita vender el cuadro (si lo
pagó 5 mil dólares). - ¿Qué
me dan? (se pregunta.)
–No, yo eso no se lo puedo
comprar (le dicen)… o si
tiene algo de suerte: -el
bastidor es bueno, la tela
no me sirve, pero el
bastidor es de buena
madera…$100. -¡Yo lo
pagué 5 mil dólares!, -
bueno señor, así es la
vida…
Esta es una manera muy
cruel de revisar el mundo
del arte, estar pensando
todo en un negocio a
minutos, a días, a horas. A
un corto plazo, a un
e x t r e m í s i m o c o r t o
plazo…pero bueno, en
otros países donde hay
más dinero siempre hay
gente que por ejemplo un
profesor de la Universidad
le gusta un buen pintor. Al
tipo le gusta y confía en lo
que siente, tiene 5 mil
euros para sacarlos de su
bolsillo -capaz que gana 4
mil euros- es un buen profesor reconocido. A fin
de año se va de viaje, cambia el auto y se da un
gusto como comprarse un cuadro. ¿Te imaginas
un profesor de acá ahorrando mil quinientos
euros por mes? No existe, entendés lo que te
quiero decir… también es cierto que ahora está
todo más tecnificado, es decir los espacios en los
medios son todos pagos, no era así hasta hace
relativamente poco. Había criterios personales,
gente que decía esto lo considero de calidad,

esto no…ahora esta todo absolutamente
tecnificado. Pero también es cierto que son
momentos porque por otro lado el arte bueno se
sigue manteniendo, es decir su propia presencia
se impone.
Como vivís el proceso productivo.
¿Trabajas en serie? ¿Una obra te lleva a la
otra?
Yo creo que son como fragmentos de una misma
situación que pinto. No trabajo exactamente en
serie, sí hay algunos temas que repito. También
los repito porque los estímulos a veces son
repetidos, vengo caminando acá todos los días
(a su taller) son 50 cuadras…lo que veo en un día
podría llevarme toda una vida pintarlo, tendría
tema para pintar por lo menos muchos años. En
ese sentido no trabajo es serie pero también es
cierto que el óleo te obliga a dejar los trabajos
para no dejar sufrir demasiado el material y
esperar que se seque y volver a entrar otra vez
cuando están secos. Ahora estoy trabajando con
muchos trabajos a la vez, en este momento
tengo 25 telas empezadas, la mayor parte en
tamaños grandes, esto te obliga a que de alguna
manera tenga toda una sensación de serie que
también está ligada por la circunstancia.
¿Qué pensás del dibujo y la pintura en
términos de lenguajes, los utilizas de
manera complementarios, reflejan
diferentes inquietudes…cómo los utilizas?
Para un artista la preocupación esencial es lo que
lo mueve a relacionarse con eso que lo mueve.
Es decir, veo un árbol grande; 10 metros, 12
metros, 15metros, 20 metros…un edificio
despejado, gente que pasa por abajo
chiquitita…entonces el artista quiere pintar,
tiene una cantidad de elementos para pintar,
tiene los colores más vibrantes, menos
vibrantes. Fríos, cálidos… contrastes de luz,
materia. El artista quiere esa escena pero dice,
la voy a dibujar. ¿Qué es lo que hace?: reduce
drásticamente los medios de expresión, eso es
lo que hace. Es como si de repente tenes un
presupuesto de mil pesos para una cosa y pasas
a tener ciento cincuenta… tenes que arreglarte
con eso. Cuando vos dibujas lo único que tenes
es la línea y un grupo de líneas que te ayuden a
lograr una sensación de mayores valores de
luminosidad y no tenes más, es eso nada más.
Pero básicamente la preocupación del artista no
es tanto el lenguaje en sí, puede ser que haya
artistas que su preocupación sea el lenguaje,
pero yo en mi caso particular estoy preocupado
por las cosas que quiero pintar, en el clima, las
situaciones, cosas que te llaman a trabajar. Si
tengo que dibujarlas me veo drásticamente
limitado en los recursos, pero nada más.
¿Lo usas como planteo preliminar de la
pintura?
Si muchísimo, cuando pinto modifico mucho, en
el momento que estas pintando estás midiendo
y tomando decisiones permanentemente, esto
me parece mejor o esto me parece peor. Y al
mismo tiempo de repente aparecen cosas que
no esperabas, cosas que te quedan más lindas
de lo que esperabas o cosas que quedan mucho
menos interesante de lo que esperabas, es
cuando aparece el azar. Sin darte cuenta en vez
de haber puesto el pincel sobre el blanco,
pusiste el pincel sobre el blanco y un poquito del
rojo y pusiste un rosa en vez un blanco y en
realidad queda mucho mejor de lo que vos
esperabas del blanco… el trabajo empieza a ir
hacia otro lugar, es decir, el azar existe todo el
tiempo. Y como eso tantas cosas. Muchas veces,
o yo por lo menos, tengo una sensación confusa
de lo que quiero pintar, no lo tengo claro,

entreveo algunas cosas. Tengo una sensación de
cómo me gustaría que quede pero no tengo la
imagen, el dibujar de alguna manera te ayuda a
despejar algunas cosas que si lo tenes que hacer
todo el trabajo en la pintura, en el caso del óleo,
sufre muchísimo, igual por más que después de
varios dibujos llego a una imagen que me gusta
y me pongo a pintar, igual sigue cambiando.
Es como las pinturas de Velázquez donde
se notan las correcciones…marcas de la
posición de las manos, o brazos…
Tal cual, exactamente, y en Tiziano y en
Corot…en todos los pintores. Es lo que pasa, uno
siente que eso iba a funcionar y después resulta
no funcionándote, o calculaste mal algo que
parecía que conseguiste un equilibrio. Sí
conseguiste un equilibrio pero es un equilibrio
que no funciona.
¿Crees posible la aplicación de las teorías
del color…como por ejemplo la manera en
que teorizó Kandinsky?
Para mi él hizo una descripción de una cantidad
de emociones que sentía respecto a
determinados colores. Yo me siento muy
cercano a Kandinsky, no creas que hizo una
“teoría del color”, con eso no podes pintar un
cuadro. Es decir, vos tomas el libro de Kandinsky
y no te sale un cuadro como Kandinsky. ¿Por
qué? porque él hizo otras cosas que no se
pueden transmitir en una teoría. Hay una
anécdota de Leonardo, que dice que él tenía una
idea de cómo tenían que ser los pasajes de
luminosidad en un cuerpo, por ejemplo en un
brazo, entonces pensaba que entre el tono más
claro y el más oscuro tenía que haber cuatro
tonos. El más claro sería el uno y el más oscuro
el cuatro y en el medio el dos y el tres. Un día en
su taller un discípulo le dice a otro estudiante, - A
mi no me sale como a Leonardo, -Y claro, le
contesta, - si el maestro no lo utiliza… Es decir,
las teorías del color sirven para marcar una
estética, un conjunto de normas que en
definitiva son aceptadas en determinado
momento, en determinado lugar pero aquellos
que son artistas tomando esa estética o
rechazándola, independientemente de esa
estética, además hacen otra cosa.
De un artículo que escribió Elena Oliveras,
extraje esta frase: Sapia no solo pinta la
marginalidad, el mismo desarrolla una
estética de alguna manera marginal… ¿Se
refiere a los temas que trabajas?
No, no se refiere a los temas…ella lo está
diciendo en el sentido de que si vos vas ahora a
ver un salón, o una muestra colectiva o haces
una recorrida por treinta o cuarenta galerías en
Bs. As. te vas a dar cuenta que mi pintura no es
“lo que se pinta”, en ese sentido lo dice, así lo
interpreto yo.
Para mi lo escribió como un elogio y se refiere a
la manera en que pinto, porque podría pintar los
mismos temas a la manera que se usa en
Buenos Aires ahora…poner en medio de los
cartoneros un dibujito animado, o brillantina,
algún transfer. Por eso no esta hablando del
tema sino se refiere a que mi pintura retoma la

tradición de la pintura en general y no solamente
la de occidente sino la pintura inclusive de
oriente. En ese sentido soy totalmente marginal,
pero como tantos otros pintores, es decir yo
admiro enormemente a Fermín Eguia que es un
marginal, yo creo que es uno de los mas grandes
pintores que hay en la tierra. Es un marginal, no
veo artistas así en otras partes…capaz que esta
escondido como Cezanne que no quería
acercarse por las galerías de Paris. Capaz que
existe algún artista que está escondido en un
lugar, tiene algún dinero y no le hace falta salir…
para mí en Buenos Aires los artistas mas
importantes son marginales en este
sentido…también destaco la obra de Pablo
Suárez que también considero que era un
marginal.
Ya mencionaste tu relación con la docencia,
pero ¿solamente das clases en la
Asociación Amigos del MNBA?
También tengo en mi taller un grupo de gente
que ya esta pintando, hacen muestras. Gente
que dedica una parte importante de su vida a ser
artista. El trabajo en la Asociación tiene que ver,
en la mayor parte de los casos, con gente que
quiere agregar algo a su vida. Cosa que me
parece absolutamente válida. En el curso tengo
gente que muchas veces, en sus propias
profesiones son muy reconocidos y que quieren
agregar a su vida un espacio, otro. Pero un
espacio distinto en su vida, que es el espacio del
arte, el espacio donde uno se relaciona con otra
cosa. Yo creo que durante mucho tiempo me
había negado a dar clases, creía que no había
que dar clases. Posiblemente porque mis
maestros tenían que ganarse la vida de este
modo y yo no quería eso. Hasta que me llamo
Susana y como era poquito tiempo… yo nunca
tuve demasiadas clases en la Asociación. Y me di
cuenta la enorme cantidad de cosas que empecé
a aprender, en ese sentir a mi me abrió
muchísimo la cabeza para enseñar un genio:
Richard Feynman uno de los pesos pesados
teóricos de la física cuántica y el desarrollo
actual de la nanotecnología esta relacionado a
los trabajos de él. A Feynman a principio de la
década del 60, lo llamaron para dar las clases
iniciales a los cursos de física, en una facultad,
no me acuerdo si era en la facultad de
California…una universidad importante.
Entonces a raíz de su obra “Seis pieza fáciles”
donde se desarrolla la idea de cómo enseñar, él
plantea de idea que uno tiene que tener “que”
enseñar y “por que” enseña eso que quiere
enseñar. Si vos tenes esas respuestas, las
maneras de enseñar se vuelven infinitas. Se
vuelve extremadamente creativo el trabajo

porque cada persona es única… conociendo a la
persona y al grupo vos podes encarar las cosas
para que las tomen de la mejor manera posible.
En ese sentido la enseñanza se vuelve mas
eficaz por un lado para la gente y para uno se
vuelve mucho mas descansado. Por otro lado se
vuelve muy burocrático si estas asediado a un
plan y me terminé dando cuenta que en todas las
profesiones aquellos que enseñan son los
mejores. Recién te contaba este caso de la física,
este hombre Feynman… mirá la UBA, fijate lo
que son las cátedras pesadas de medicina,
¿quién las dirige? Los tipos que dirigen los
mejores hospitales, los mejores médicos. ¿Y las
cátedras de abogacía? La tienen los tipos con los
mejores estudios, los juristas mas importantes,
lo mismo en arquitectura… pero vos miras en el
arte, y ¿quienes estás? Los quesos. Pero en el
resto de las cosas no pasa así.
¿Porqué pensas que es así?
Eso exigiría una cantidad de charlas que
excedería esta entrevista. En el arte a partir del
romanticismo, privó la idea de que el artista
tiene algo único para decir. Que lo que vale es su
expresión y su forma es única. En ese sentido es
difícil conciliar la idea del arte enseñado algo que
hace alguien que lo siente profundamente él.
Entonces que vas a enseñar ¿algo que sentís
profundamente vos? Es decir, empieza a haber
un cuestionamiento general de una cantidad de
reglas, deja de haber una norma, deja de haber
un canon. Eso vuelve dificultosa la enseñanza
del arte. Por otro lado en los países
desarrollados aquellos que son buenos artistas
generalmente están con la agenda hasta las
orejas por sus propias cosas. Con lo cual se les
vuelve imposible entrar en un circuito de
enseñanza, no hay tiempo físico y por otro lado
esos lugares han sido ocupados (la enseñanza)
por gente que generalmente es mala y mediocre
pero que ¿en realidad no es que eran genios e
incomprendidos? Pero eso sí dan cátedras muy
bien rentadas con lo cual mantienen una
cantidad de cosas que muchas veces son
ridículas. Entonces todo empieza a decaer…
decae, decae, decae… hay una película que
describe muy bien esta situación, una película
de Kitano “Aquiles y la Tortuga” esta muy bien
descrita esta situación, pero como te decía el
tema excede esta charla.
Para cerrar, te pido una reflexión
relacionada a tu pintura en el futuro.
Estoy en un momento de mi vida donde estoy
tratando de deshacerme de cosas que siento no
esenciales, básicamente eso. Trato de dejar que
todo siga un curso, de alguna manera trato de
ser menos torpe, de incidir en torpezas, evitar
esas situaciones. Trato de pintar mejor, pintar
mejor ¿qué seria en mi caso? hacer una pintura
donde inclusive mi inexperiencia pueda ser
plasmada con la menor cantidad de torpezas
permitidas por mi mismo. Eso nada más. Y dejar
que todo vaya surgiendo.
Mariano Sapia
OPTIMIZANDO LAS TÉCNICAS DE
LA PINTURA.
Prof. Mariano Sapia
Horario: sábado de 11.30 a 13.30.
S e d e s a r r o l l a r á u n a s e r i e d e
aproximaciones con el fin de aprender a
optimizar el uso de las técnicas de la
pintura, en especial lo referido al color.
DIBUJAR DESDE CERO.
Prof. Mariano Sapia.
Horario: sábado de 9 a 11.
El punto, la línea, la mancha y el
contorno. Comenzar a dibujar sin
ninguna base e incorporar al dibujo los
conocimientos, a medida que se
desarrolla el taller, son los objetivos que
se compartirán entre los asistentes.
Asociación Amigos del Museo
Nacional de Bellas Artes
Lunes a viernes de 10 a 20.
Sábados de 10 a 13.
Teléfonos: 4803-4062 4804-9290
Av. Figueroa Alcorta 2280.
Buenos Aires, Argentina.
www.aamnba.org.ar
mail: info@aamnba.org.ar

enio iommi

torsión
por Victoria Abella
EL FILO DEL ESPACIO.
Obras 1945-2010.
Durante agosto del 2010 se
realizó en la Sala Cronopios
del Centro Cultural Recoleta
un homenaje a Enio Iommi,
pionero del arte concreto en
la Argentina.
La exposición planteó un
recorrido por sus distintas
épocas, desde la etapa
concreta (1945-1951) hasta
la actualidad.
Su obra, a pesar de ser
a b s t r a c t a c a s i e n s u
totalidad, es muy crítica y
representa, a partir del modo
de trabajo con el material
una visión del contexto social
y político a lo largo de toda
su producción.

La primera etapa concreta surge en
A r g e n t i n a e n 1 9 4 4 y p l a n t e a
manifestaciones plásticas en las que se
evade toda narración ajena a las formas
geométricas, Iommi integró el grupo de
artistas de esta vanguardia denominado
Asociación Arte Concreto-Invención. Una
de sus obras de esta etapa es Continuidad
Lineal, en la cual plasma el movimiento
incesante de una línea de metal que recorre
e inventa el espacio que atraviesa.
Esta primera etapa está plasmada de las ideas
de construcción, invención, estética, belleza y
humanismo y eso se expresa en la armonía de
las formas, precisas y despojadas.
La segunda etapa es la de geometría orgánica
(1951-1970), en la que predomina la búsqueda
del espacio como volumen y la conquista del
espacio. A partir de cortes continuos y torsión de
placas finas de acero, busca la multiplicación de
planos, abrir los planos y que se introduzca el
espacio en la obra. Una de las obras de esta
etapa se llama Torsión de planos.
Tanto Continuidad Lineal como Torsión de Planos
son obras que pertenecen al patrimonio del
Museo Nacional de Bellas Artes.
Decía Berni de Iommi que éste “…presenta el
mundo físico haciéndose y deshaciéndose
diariamente en su totalidad: sea en la industria,
en la construcción, en la catástrofe o en los
rezagos”.
La gran ruptura en la obra de Iommi se produce
en 1976, año en que la dictadura cívico-militar
toma por la fuerza el poder en nuestro país. Su
producción pierde el apego a la pureza de las
formas abstractas y la búsqueda de la belleza y
es en este momento, 1977, que se inaugura la
muestra Adiós a una época.
“Lo que hemos vivido en nuestro país me llevó a

sentir de otra manera al arte. Si he utilizado
adoquines y alambres, fue para expresar la falta
de libertad, la falta de sensibilidad del país en
aquel momento. Lo expresé por medio del
material porque no soy un escultor figurativo.
Toda la sensación de barbarie la desarrollé con el
material”.
A partir de los años 70, el “grito” sustituye al
“estilo” en la obra de Iommi. Su obra se plaga de
materiales brutos, toscos y representa un
espacio dramático que denuncia el desgaste, la
ruptura y la violencia que representan esa
época.
En su última etapa, Nuevo Milenio, que abarca el
período de 2001 en adelante, su obra conserva
una fuerte crítica, esta vez hacia la sociedad de
consumo y el nuevo milenio. Con una estética
p r o vocativa y g r o t e s c a , q u e b u s c a
intencionalmente el mal gusto, hace una
denuncia de la banalidad, el vacío, la moda y el
rol de la tecnología.
BIOGRAFÍA
Nace en Rosario, Argentina, en 1926. En 1938 se
instala en Buenos Aires. En 1945, funda la
Asociación Arte Concreto-Invención, que
constituye un movimiento vanguardista en el
medio local. Forma el grupo Artistas Modernos
de la Argentina, agrupación creada por iniciativa
del crítico Aldo Pellegrini. Representó a la
Argentina en la exposición Internacional de Arte
Concreto en Kunsthaus, Suiza; la Bienal de San
Pablo (1961), la Bienal de Venecia en (1964); la
Bienal de Nüremberg (1969) y la Bienal de Artes
Visuales del MERCOSUR (1997).
Fue miembro de la Academia Nacional de Bellas
Artes (1975-1999). Realizó la Exposición
Retrospectiva 1945-1963 en el Museo Nacional
de Bellas Artes (1963), la Retrospectiva
1945/1980 en el Museo Eduardo Sívori; también
expuso en salas de México, EEUU, Brasil,
Canadá y Japón. En 2008, arteBA lo incluyó en el
marco de Homenaje a grandes maestros.

mari carmen ramírez

artelatino
SEMINARIOS
mari carmen ramírez en la AAMNBA
Durante los días 10,
11 y 12 de mayo de
2011, se brindó un
exclusivo seminario
dictado por Mari
Carmen Ramírez.
C u r a d o r a W o r t h a m y
Directora del International
Center for the Arts of the
Americas, The Museum of
Fine Arts, Houston.

Las tres conferencias magistrales de arte
latinoamericano dictadas por Mari Carmen
Ramírez, nos presentaron un original
enfoque sobre el color, la forma y los
soportes. Estos fueron los ejes de lecturas
tanto plásticas como históricas que
plantean un nuevo enfoque sobre la
producción artística del cono sur.
Marco crítico
En la última década, nuevos enfoques
metodológicos han sido elaborados a partir
tanto de la curaduría como de la historia del arte.
Su pertinencia nos ha permitido abordar el tema
de las vanguardias latinoamericanas como
fenómeno dialógico que nos coloca en pie de
igualdad, una vez que produjo figuras artísticas
tan innovadoras u originales como las ya
reconocidas de la propia vanguardia europea.
Tal encuadre crítico, de igual a igual, privilegia la
centralidad —inobjetable con las debidas
salvedades— de las llamadas “periferias” en la
reconfiguración tanto del discurso como de la
práctica del arte moderno desde una
perspectiva compatible y no más subordinada,
derivativa, refleja. En este contexto, una serie
de artistas se destacan no sólo por su
contribución inédita al nuevo arte del continente
sino por el impacto que su aporte tuvo en la
desestabilización no sólo de la Historia Oficial
sino, más precisamente, de la fijeza intocable de
categorías, géneros, tendencias, movimientos o
manifestaciones importantes del arte del siglo
XX, tanto en Europa como en los Estados
Unidos. De esa manera, el concepto de bisagra
experimental, aquí aplicado, identifica a
personajes altamente visionarios de nuestra
vanguardia artística —inclasificables dentro del
canon hegemónico— al mismo tiempo que nos
permite dilucidar la especificidad de su
contribución al proyecto modernizador aquí y
allá. Situados en el entrecruce de las
modernidades tanto centrales como periféricas,
tales bisagras de nuestra vanguardia artística
nos brindan sesgos cuyos horizontes de
posibilidad (de la praxis a la teoría) abren
derroteros no trillados que escapan a
encasillamientos convencionales o trillados
estereotipos. Este seminario crítico ha escogido
tres casos específicos a los cuales me ceñiré con
apego estricto y que se embreñan en áreas tan
poco previsibles como la abstracción de corte
constructivo, la dinámica del movimiento virtual
y tanto la percepción como el comportamiento
del color en el plano y en lo ambiental. Tomando
como punto de partida mis investigaciones
realizadas en el marco de proyectos expositivos
de largo alcance, el presente seminario
abordará los casos paradigmáticos del artista
franco-venezolano Carlos Cruz-Diez y su
propuesta del “color en el espacio y en el
tiempo”; la noción de “precariedad” introducida
por el maestro uruguayo Joaquín Torres-
García, además de los experimentos realizados
a través del “cuerpo del color” por algunos de los
integrantes de los grupos Concreto y Neoconcreto
brasileños, entre los cuales descolla la
propuesta de Hélio Oiticica. En cada uno de los
casos, la reflexión oscilará entre las
coordenadas teóricas de una historia crítica del
arte y las exigencias pragmáticas de una
práctica curatorial consciente de que al
exponer… se expone.
Mari Carmen Ramírez

“Gorri”, la película de Carmen Guarini

Gorri, la película de Carmen
Guarini acerca del pintor
argentino Carlos Gorriarena

En septiembre de 2010 se estrenó “Gorri”, la
película de Carmen Guarini acerca del pintor
argentino Carlos Gorriarena. Se trata de un film
íntimo que busca reconstruir el pensamiento y
las intenciones del artista poco después de su
muerte, a partir de los testimonios de sus
familiares, discípulos y amigos más cercanos.
Anécdotas, recuerdos y algunos videos caseros
constituyen un relato fragmentado que
reflexiona acerca del hombre, padre, amigo,
maestro, artista plástico, y deja vía libre a
cualquier conclusión que finalmente depende
del espectador.
A través de las imágenes de sus cuadros en el
interior de su taller y el recorrido por la última
muestra retrospectiva que se realizó de su obra
se discute su sentido y mensaje. Esta muestra
fue “Gorriarena, entre el color y el poder” y
estuvo exhibida en el Centro Cultural Recoleta.
Los relatos de su familia y la visita guiada a la
muestra que realizan Mariano Sapia, Jorge
González Perrin, Germán Gargano y Susana
Saravia ayudan a construir esta mirada acerca
de una obra que dialoga con la realidad social y
al mismo tiempo tiene un carácter muy sensible
y expresivo, caracterizado por la exaltación del
color y las texturas.
Mariano Sapia y Jorge
González Perrin dictan
actualmente talleres en la
Asociación Amigos del Museo
Nacional de Bellas Artes.
OPTIMIZANDO LAS TÉCNICAS DE LA
PINTURA.
Prof. Mariano Sapia
Horario: sábado de 11.30 a 13.30.
Se desarrollará una serie de aproximaciones
con el fin de aprender a optimizar el uso de las
técnicas de la pintura, en especial lo referido al
color.
DIBUJAR DESDE CERO.
Prof. Mariano Sapia.
Horario: sábado de 9 a 11.
El punto, la línea, la mancha y el contorno.
Comenzar a dibujar sin ninguna base e
incorporar al dibujo los conocimientos, a
medida que se desarrolla el taller, son los
objetivos que se compartirán entre los
asistentes.
CREATIVIDAD Y COLOR.
Prof. Jorge González Perrín.
Horario: miércoles de 10 a 12, miércoles de
16.30 a 18.30 o miércoles de 19 a 21.
Se desarrollarán dos aspectos: expresión y
técnica. Partiendo del color como base y a
través de una serie de ejercicios, se introduce al
alumno en la problemática pictórica y la
elección de su propia estética.

II Seminario Internacional de
La Ruta del Esclavo en la Asociación

ACTIVIDAD DESTACADA
HUELLAS Y LEGADOS DE LA
ESCLAVITUD EN LAS AMÉRICAS
Se realizó el 4 y 5 de octubre de
2010, en el marco de la Cátedra
UNESCO de Turismo Cultural, de la
que somos sede.
El II Seminario Internacional del
Programa de la UNESCO La Ruta del
Esclavo “Huellas y legados de la
esclavitud en las Américas” se realizó
el 4 y 5 de octubre de 2010, con la
participación de Elisée Soumonni
(Benin), Doudou Diène (Senegal),
Läennec Hurbon (Haití), Nigel
Worden (Sudáfrica), Ana Lucia Araujo
(Estados Unidos), Marta Goldberg
(Argentina) y otros importantes
especialistas, bajo la dirección
académica de la Lic. Marisa Pineau.
Fue organizado por la Cátedra
UNESCO de Turismo Cultural, que
nuestra Asociación lleva adelante
en conjunto con la Universidad
Nacional de Tres de Febrero, y tuvo
como objetivo cimentar los vínculos
de África y América latina a partir de
un enfoque sustentado en el
reconocimiento de la diversidad
cultural, la tolerancia y el respeto de
los derechos humanos.

“La Ruta del Esclavo: huellas y legados de la
esclavitud en las Américas" abordó cuestiones tales
como la antropolgía de la esclavitud; las formas de
legitimación del fenómeno esclavista en épocas
diferentes; la pervivencia de la esclavitud en las
sociedades actuales y las nuevas formas en que se
manifiesta; la influencia de los esclavos en la
constitución de las sociedades africanas y
latinoamericanas; las huellas de la cultura aportada
por los esclavos en las artes contemporáneas, la
diversidad cultural y el multiculturalismo.
Atención especial recibió el caso de la hermana
República de Haití, en consideración a la dimensión
que conoció en ese país la esclavitud, así como el
papel que cumplió en el proceso de su
Independencia, sumando a la trágica coyuntura que
vive la sociedad haitiana tras el terremoto de enero
de 2010.
El programa estuvo dirigido a historiadores,
s o c i ó l o g o s, a n t r o p ó l o g o s, m i e m b r o s d e
organizaciones no gubernamentales vinculadas a los
derechos humanos, legisladores, periodistas,
diplomáticos, docentes y mundo académico
Trescientos participantes asistieron a lo largo de los
dos días a las conferencias, que se realizaron en el
auditorio de la Asociación Amigos del Museo
Nacional de Bellas Artes, con entrada libre e
inscripción previa. El Seminario Internacional contó
con el auspicio del Ministerio de Relaciones
Exteriores, Comercio Internacional y Culto de la
República Argentina, de la Representación de la
UNESCO ante el Mercosur (Montevideo); de la
Embajada de los Estados Unidos en la Argentina, y
con el especial apoyo de la Agencia Española de
Cooperación Internacional para el Desarrollo
(AECID).
En tanto que el miércoles 6 de octubre, de 9 a 18, se
realizó el II Taller de Sitios de Memoria de la Ruta del
Esclavo en Argentina, Uruguay y Paraguay.
Este Taller trinacional es coordinado por la Cátedra
UNESCO de Turismo Cultural y está inserto en el
Proyecto Internacional “La Ruta del Esclavo”, creado
en 1993 a propuesta de Haití y de varios países
africanos y se propone, en concordancia con las
directrices de la UNESCO, garantizar el entendimiento
mutuo entre las culturas, algo particularmente
destacable en el año 2010, que fue el Año
Internacional del Acercamiento de las Culturas,
cuyo propósito fue estimular la cohesión social, el
diálogo intercultural, el conocimiento mutuo y el
respeto, que nos permitan a todos vivir en este mundo
juntos y en paz.
El Proyecto La Ruta del Esclavo busca extender su
labor a distintas regiones del planeta. Una de las
formas de hacerlo es a partir de la revalorización del
patrimonio y de las culturas vivas, haciendo hincapié
en la comprensión de las manifestaciones artísticas y
culturales que surgieron como resultado del diálogo
entre los africanos y los demás pueblos que se
encontraron en las rutas de la esclavitud.
Se organiza en distintos programas, uno de los cuales
es el de Turismo Cultural para la identificación,
restauración y promoción de los sitios y lugares de
memoria.
Así como el I Taller tuvo como anticipo y fundamento
teórico el Seminario Internacional “La Ruta del
esclavo en el Río de la Plata: aportes para el diálogo
intercultural”, organizado por la Cátedra UNESCO el
26 y 27 de octubre de 2009, este II Seminario
Internacional “Huellas y legados de la esclavitud en
las Américas" aspira a avanzar en ese sustento
teórico indispensable para el objetivo comprometido
de este II Taller: la identificación de sitios de memoria,
materiales, inmateriales o mixtos, en los tres países,
con su historia, ubicación geográfica, antecedentes
históricos, sociales, culturales, su grado de
preservación y su apropiación por parte de la
comunidad en la que están insertos.
Es un trabajo arduo, ya que no existe una estrategia
regional ni nacional para trabajar en ese sentido, pero
vale la pena destacar la alianza público-privada,
académica e institucional de este proyecto. La idea
es partir de consensos mínimos y objetivos realizables
en el tiempo y el espacio. Este trabajo, que es posible
gracias a la colaboración de la Oficina Regional de
Cultura de la UNESCO en Montevideo, es una tarea
compleja, pero estimulante.
Estamos abriendo un camino y eso, de por si, justifica
el esfuerzo.

ECKELL, Ana
"El candidato (1986)”
MNBA

El Doríforo en Buenos Aires.
Procedente del Museo Arqueológico
Nacional de Nápoles.
DEL 1DE ABRIL AL 30 DE JUNIO
El Museo Nacional de Bellas Artes, la Embajada de
Italia en Argentina y el Instituto Italiano de Cultura
presentan la escultura Doríforo, en ocasión de
celebrarse los 150 años de la unidad de Italia. Se trata
de una copia romana realizada en mármol de Luni en
el Siglo I a. C., procedente del Museo Arqueológico
Nacional de Nápoles.
Del 1º de abril al 30 de junio de 2011 Planta Baja – Hall
central martes a viernes de 12.30 a 20.30, sábados y
domingos de 9.30 a 20.30 Entrada gratuita.
La Escultura Doríforo realizada por Policleto
mencionada en la obra de Plinio, - escritor, naturalista
y militar latino nacido en el siglo I de la era cristiana –
quién en su Naturalis Historia da la siguiente
descripción de la obra “Policleto de Sición….
representó también al Doríforo, muy joven pero viril.
Creó también lo que los artistas llaman canon,
derivando de ello, como de una ley, las características
del arte”.
+ info: www.mnba.org.ar

STAND - LIBRERÍA - PRODUCTOS EXCLUSIVOS - REGALOS - MERCHANDISING OFICIAL
Nueva colección
de paraguas,
cuadernos y
chalinas con obras
del patrimonio
MNBA.

CONCIERTOS EN LA AAMNBA - Ciclo de Otoño
Del 13 de Mayo a 15 de Julio - Viernes a las 19:00
Director Musical: José Luis Juri. Co-director: Tomás Furque
trata de experiencias fundacionales.
4 clases del martes 7 al 28 de junio.
AGENDA AAMNBA
ABIERTA LA INSCRIPCIÓN A NUESTROS TALLERES DE ARTE:
Próximos Conciertos
3 de junio
“I Solisti del Teatro San Carlo”, Cuarteto de cuerdas con piano
(Italia)
José Luis Juri, piano
10 de junio
Raquel Boldorini, piano (Uruguay)
17 de junio
Jorge Pepi-Alos, piano
25 de junio
Filippo Gamba, piano (Italia)
8 de julio
Cinzia Bartoli, piano (Italia)
15 de julio
Patricia Vila, piano
Elena Buchbinder, violín
Bono Contribución: $20.-
Estudiantes, jubilados y Socios con acreditación: $10.-
Auditorio mayor de la
Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes.
Av. Figueroa Alcorta 2280. Buenos Aires, Argentina.
Desde el 7 de julio:
HISTORIA GENERAL DEL ARTE. NIVEL INICIAL.
PRIMER AÑO
Por: Lic. Miguel Ángel Muñoz.
Horarios opcionales: jueves de 10 a 11.30 ó de 19.30 a 21 ó
sábado de 11.30 a 13.
LAS ARTES EN LA EDAD DEL HUMANISMO. EL RENACIMIENTO
ITALIANO.
Se estudiarán las artes plásticas del siglo XIV al XVI en Italia y las
principales proyecciones en Europa. Se analizarán las obras
más destacadas de la arquitectura, la pintura y la escultura,
subrayando el proceso de constitución de un lenguaje y una
estética que se mantienen vigentes en nuestros días.
11 clases del jueves 7 de julio al 29 de septiembre o del
sábado 16 de julio al 8 de octubre.
Desde el 5 de julio:
HISTORIA GENERAL DEL ARTE. NIVEL INICIAL.
SEGUNDO AÑO.
Por: Lic. Susana Smulevici.
Horarios opcionales: martes de 10 a 11.30 ó de 19.30 a 21 ó
TALLER DE COLLAGE.
Por: Prof. Claudia Contreras.
Horario: miércoles de 18.30 a 21.
El objetivo de este taller está planteado hacia la investigación
y el desarrollo que supone el Collage en Formato Pequeño.
Esto posibilitará experimentar variadas cualidades como el
manejo del espacio y la capacidad en ensamblaje de las
materias que suponen un desafío.
TALLER DE APROPIACIÓN Y RESIGNIFICACIÓN
DE LA IMAGEN.
Por: Prof. Adriana Escalona.
Horario: viernes de 14 a 16.
La finalidad de este taller es lograr generar imágenes nuevas
partiendo del material fotográfico que todos tenemos (álbum
familiar, fotos de viajes, material gráfico de libros y revistas).
Utilizando diversos recursos para transformarlo plásticamente,
logrando así, hacer de un imaginario de origen doméstico el
disparador para un trabajo creativo.
TALLER PARA NIÑOS.
Próximos Cursos:
Desde el 7 de junio:
EXPERIENCIAS CURATORIALES.
Por: Lic. Florencia Battiti
Martes de 19 a 20.30.
VACANTES LIMITADAS. PRIMER PISO POR ESCALERA.
EL CASO DE LA I BIENAL DEL FIN DEL MUNDO Y EL ARTE PÚBLICO
EN EL PARQUE DE LA MEMORIA-MONUMENTO.
A partir del análisis de dos casos puntuales, el curso nos invita
a reflexionar sobre los aciertos, desengaños, desafíos y
negociaciones a los que la curaduría se enfrenta cuando se
sábado de 9.30 a 11.
DE MANET A GUSTAV KLIMT. LA PINTURA DEL IMPRESIONISMO AL
SIMBOLISMO.
La idea es reflexionar con los asistentes acerca del complejo
sistema de relaciones estéticas, sociales y políticas del arte
europeo en el último tercio del siglo XIX. Para tal fin, se ha
tomado a Francia, Bélgica, Inglaterra, Alemania y Austria
como centros de expansión artística por sus fuertes presencias
en el desarrollo de la cultura europea y occidental.
11 clases del martes 5 de julio al 27 de septiembre o del
sábado 16 de julio al 8 de octubre.
Habrá un receso invernal del 18 al 30 de julio inclusive.
PERMITIDO MANCHARSE.
Por: Prof. Sol Abango conjuntamente con Victoria Abella.
Horario: sábados de 10 a 12.
Les proponemos crear un espacio de juego y recreación
explorando diferentes materiales. Se harán experimentos
creativos con dibujo, pintura y escultura como medios que
alienten la expresión y la comunicación en los niños. Al mismo
tiempo se trabajarán técnicas artísticas no convencionales
como el ensamble de objetos reciclados, el grabado y el
collage. Se motivará al niño al interés por las manifestaciones
plásticas de distintas culturas vinculándolo con las obras del
Museo Nacional de Bellas Artes.

Doríforo, procedente del Museo
Arqueológico Nacional de Nápoles.
01 DE ABRIL AL 30 DE JUNIO
El Museo Nacional de Bellas Artes, la Embajada de
Italia en Argentina y el Instituto Italiano de Cultura
presentan la escultura Doríforo, en ocasión de
celebrarse los 150 años de la unidad de Italia. Se
trata de una copia romana realizada en mármol de
Luni en el Siglo I a. C., procedente del Museo
Arqueológico Nacional de Nápoles.
Del 1º de abril al 30 de junio de 2011 Planta Baja – Hall
central martes a viernes de 12.30 a 20.30, sábados y
domingos de 9.30 a 20.30 Entrada gratuita.
Este texto permitió reconocer en la escultura hallada
en 1797 en el gimnasio de Pompeya “Palestra
Sanítica”, no sólo la copia en mármol de la obra del
gran escultor griego, sino identificarla con el modelo
descrito por el mismo Policleto en el Kanon, un tratado
desaparecido, en el que establece la proporción que
deben guardar las diferentes partes del cuerpo en la
representación del cuerpo masculino ideal.
La obra presenta la figura de un joven desnudo en
actitud de marcha. La pierna derecha sólidamente
plantada en el suelo, mientras que la izquierda,
retrasada, toca el suelo con la punta del pie. El brazo
derecho cae a lo largo del cuerpo y el izquierdo está
doblado a la altura del tórax en actitud de sostener un
objeto. La cabeza está ligeramente vuelta a la
derecha. La armonía y el equilibrio de las
proporciones, la alternancia de tensión y flexión son
característicos de la obra de Policleto, gran artista del
bronce, activo a medidos del siglo V y principios del IV
antes de Cristo. Las numerosas variantes de este tema
y las réplicas realizadas en otros materiales prueban la
enorme difusión del modelo inspirador. En las
versiones en mármol, se agrega un puntal con forma
de tronco, para asegurar la estabilidad de la pieza.
Algunos historiadores vieron en esta escultura la
imagen de Aquiles; otros, la de Orestes o la de Teseo,
el héroe que derrotó al Minotauro. Tales
interpretaciones no ponían en duda el hecho de que
el joven sostuviera con la mano izquierda una larga
lanza, y que el brazo derecho abandonado a lo largo
del cuerpo, fuese inerte. Recientemente, se atrajo la
atención sobre la posición de los dedos de la mano
izquierda, determinando que no sostenían un asta
cilíndrica sino un objeto arqueado como el asa de un
escudo. Se ha proyectado así la imagen de un joven
con un gran escudo redondo en la mano izquierda y
una espada en la derecha. A partir de estos análisis se
constata que tales atributos corresponderían a Teseo,
héroe ateniense vinculado con la formación civil y
militar de los jóvenes griegos. Esta interpretación se
refuerza por los sitios donde fueron halladas copias de
las esculturas: palestras y gimnasios reservados a la
juventud romana. Estudios recientes la datan entre
fines del siglo segundo y principios del siglo I a. C.
Se trata sin duda de una de las obras más famosas de
AGENDA MNBA
la antigüedad que ha
llegado hasta nosotros, y la
copia pompeyana en
mármol del original en
bronce, a pesar de estar
reconstruida con los
fragmentos originales, tiene
la virtud de estar completa.
Estas características, que
muy pocas obras poseen,
indujeron a seleccionar
esta escultura para que
p u d i e r a r e p r e s e n t a r
dignamente a Italia en la
Argentina, mostrando los
vínculos de una identidad
cultural, basada en raíces
comunes que aseguran la
amistad entre los dos
países.
Visitas guiadas
Público general: de martes a domingo, a las 18.
más+
www.mnba.org.ar

Colectivos que pasan en las proximidades, avenidas del Libertador, Figueroa Alcorta,
Pueyrredón y Las Heras:10, 37, 38, 41, 59, 60, 67, 92, 93, 95, 102, 108, 110, 118, 124, 128, 130
MAPA

La revista A+r es una publicación digital de
libre circulación y no comerciable de la
Asociación Amigos del Museo Nacional de
Bellas Artes.
Queremos agradecer la colaboración en este
número de:
Mariano Sapia
Enio Iommi
Mari Carmen Ramírez
Carmen Guarini
Carmen María Ramos
Área Educativa MNBA
Departamento de Investigación
STAFF
Federico Orlando
Andrés Carrasco
Sol Abango
Victoria Abella
revista@aamnba.org.ar
Presidente
Doctor Julio César Crivelli
Vicepresidente 1ero
Lic. Eduardo C. Grüneisen
Vicepresidente 2do
Doctor Juan Ernesto Cambiaso
Tesorero
Doctor Ángel Schindel
Pro Tesorero
Doctor Germán de Elizalde
Secretario
Señora Josefina María Carlés de Blaquier
Pro Secretario
Señor Andreas Keller Sarmiento
Museo Nacional de Bellas Artes
Martes a viernes de 12.30 a 20.30. Sábados, domingos
y feriados de 9.30 a 20.30.
Teléfono de informes: 5288-9900
Av. Del Libertador 1473.
Buenos Aires, Argentina.
www.mnba.org.ar
Entrada Gratuita
Área de Extensión Educativa
Museo Nacional de Bellas Artes
Teléfono: 5288-9960
Horario: martes a viernes de 10 a 18.
INFORMACIÓN ÚTIL
Vocales
Señora Nelly Arrieta de Blaquier
Señora Susana María T. de Bary Pereda
Señora Inés Barón Supervielle de Stegmann
Señora Claudia Caraballo de Quentín
Señora Ximena Elizalde de Lechère
Señor Eduardo José Escasany
Arq.Enrique Francisco Fornieles DIRECTIVA
Señora María Irene de los Angeles Herrero
Señora María Delfina Mazzini de Blaquier
Señor Carlos José Miguens
Señor Alfredo Pablo Roemmers
Lic. Santiago María del Sel
Señor Julio Suaya
Señor Andrés M. von Buch COMISIÓN
Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas tes Ar
Lunes a viernes de 10 a 20.
Sábados de 10 a 13.
Teléfonos: 4803-4062 4804-9290
Av. Figueroa Alcorta 2280.
Buenos Aires, Argentina.
www.aamnba.org.ar
mail: info@aamnba.org.ar
Stand y Librería de la Asociación en el MNBA
Martes a viernes de 13 a 20.
Sábados, domingos y feriados de 10 a 20.
Teléfonos: 4803-4062 4804-9290. Int. 218.
Av. Del Libertador 1473.
Buenos Aires, Argentina.
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