la marina te llama - Costus

la marina te llama
En 1979, buscando un traje de bote de colón, una jovencita Alaska llegaba a
una casa situada en el madrileño barrio de Malasaña. Allí fue recibida por dos
pintores, Juan Carrero y Enrique Naya. Lo que en su día no fue más que un
encuentro casual y amistoso, veintiocho años después ha sido considerado
como el nacimiento de uno de los movimientos culturales más importantes de
la España del siglo XX.
En la verdadera Movida, aquella que tarde tras tarde y noche tras noche se
reunía en La Palma-14, Costus tuvieron bastante culpa. Como reconoce la
propia Olvido, gran parte de su educación y su personalidad artística nació en
el interior de la casa de Costus.
A estas alturas se hacía necesario un estudio que analizase la historia y las
circunstancias que rodean a la que fue la primera serie de Costus. “La Marina
te llama” fue la única serie de pinturas pensada y realizada conjuntamente por
Juan y Enrique que salió completamente terminada de La Palma-14, por lo tanto,
se constituye como una obra fundamental para la Movida.
Su ejecución reunió por primera vez los talentos y las distintas formas de
entender la pintura de sus autores, que tal como vemos en la foto, se abrazaron
y se unieron para hacer de su diferencia una perfecta simbiosis pictórica. Nacía
la “marca” Costus.
En primer lugar, quiero mostrar mi agradecimiento a Ricardo Carrero por su
ayuda, ánimo y colaboración en la realización de este estudio, además de
acercarme al lado más humano y desconocido de Costus. Agradecer también a
Andrés Folgueira y a Juanma del Ojo por facilitarme gran parte de las fotos que
han ido recopilando durante años y años de coleccionismo. Igualmente citar a
la empresa “Marin´s dolls” por toda la información histórica recibida. Y por
último, gracias a toda la familia y amigos de Costus por mantener viva su llama
y luchar por la conservación y la difusión de su legado. Especialmente a Olvido
y a Fabio, cuyas continuas referencias a Juan y a Enrique me llevaron a
sumergirme en el universo Costus.
A todos los que les ayudasteis y les quisisteis en vida, Muchas Gracias.
Autor: José León Calzado. Ldo. En Historia del Arte.
Para http://www.costus.es . Sevilla, 2007.

Marina Llanos Martí
española sin dudar
nacida en plena Castilla
para alguna seña dar.
Cuando quince años tenía
de su casa se marchó
a recorrer tierra extraña
desde Galicia a León,
desde Asturias a Estocolmo
desde Cádiz a Nueva York.
Al cabo de varios años
de asistenta en Budapest
tuvo una visión extraña
estando en pedo de té;
a la Virgen y a dos Santas
vestidas de lané
que le dijeron "Marina
vuelve a tu patria otra vez
y haz un altar en tu pueblo
que yo te recompensaré".
Marina Llanos Martí
volvió a su pueblo materno
cumplió la promesa dada,
más encontró un chulo tierno
y se quedó embarazada.

“Al menos algo nos recordará con gracia”: Las Muñecas de Marín y el Kitsch.
La búsqueda de aquellos
elementos identificativos y las
raíces de la cultura propia, que
propugnaba el Regionalismo, se
sintió completamente en
Andalucía durante las primeras
décadas del siglo XX. Los artistas
andaluces plasmaron así los
rasgos típicos de su cultura en sus
obras, tanto en la pintura, como
la escultura, música, literatura y
arquitectura.
Muy importante en su desarrollo
fue la celebración de la Exposición
Iberoamericana en Sevilla
durante 1929. No es de extrañar pues que en 1928 Don José Marín, movido
por este espíritu regionalista, fundase en Chiclana de la Frontera una fábrica de
muñecas artesanales, cuyo principal distintivo y atractivo radicaba en el hecho
de ir ataviadas con los trajes regionales más típicos.
Con el paso del tiempo se consolidaron como uno de los objetos más populares,
sobretodo a partir de su transformación influida por la llegada de la Barbie.
Durante los años 70 y 80 fue el motivo decorativo imprescindible en el hogar de
cualquier familia española. Allí sobre el televisor se convertía en la identidad de
la nueva sociedad de masas.
Estos años le dieron una nueva definición por los intelectuales de la época. Se
les colgó la etiqueta de kitsch y fueron catalogadas de mal gusto y vulgares. Las
gitanas de Marín reunían todas las cualidades para ser un Kitsch: buscaban un
efecto sentimental poco profundo y rápido, no tenían contenido y mezclaban lo
pretencioso y agradable ignorando cualquier tipo de rigor, coherencia y
contexto. Sus características materiales y su carácter eminentemente popular
subrayaron aún más todo esto.
La aparición del kistch dentro de la escena española del momento es sinónimo
de que algo estaba cambiando. Los nuevos avances técnicos, hábitos,
costumbres y el desarrollo del consumismo dieron lugar al nacimiento en
España de la denominada “sociedad de masas”. La llegada de los primeros
electrodomésticos, la apertura de grandes hipermercados al estilo americano,
así como el impulso de los medios de comunicación variaron por completo la
vida cotidiana nacional y renovaron, consecuentemente, la fisonomía de los
hogares, donde la televisión se convertía en la reina de la casa al mismo tiempo
que otro tipo de objetos, más o menos efímeros, entraban a formar parte del
decorado de nuestro día a día.

Un día se rompió la rutina.
LA REALIZACIÓN.
COMUNIÓN.
Con mi padre fui a Chiclana, no sé a qué ni por qué, pero en technicolor la
recuerdo. Asolada por una inundación, presentando un aspecto
catastrófico.
El río, desbordado, había anegado toda la parte baja, donde se
encontraba la fábrica de muñecas de plástico con forma de gitana.
Violentamente, la había arrasado el agua y esparcido su contenido por
toda Chiclana.
Miles de manos, brazos y piernas, sonrientes cabecitas calvas, de entre el
barro sobresalían formando montañas en las esquinas. Las más
impresionantes, las enteras.
Desgreñadas, ahogadas, destrozadas, se revolcaban con sus batas de cola
en el fango, sin perder la compostura, sonriendo.
La población comenzaba a hacer frente al destrozo. No me acuerdo si
hubo víctimas. Lo mismo murió una vieja – no es que tenga nada en contra
de ellas-.
Grupos de hombres limpiaban las calles y a paletadas, en un camión iban
echando las embarradas gitanas.
A nadie le importaban, pero mi yo kitsch floreció y comprendí que aquello
era una desgracia.
La visita me impresionó tan vivamente que durante una larga temporada
tuve sueños y pesadillas.
Premoniciones según puedo comprobar ahora.
Pero aquél día, después de la inundación, de entre el fango, algo me llamó
y me compró.
En la mitad justa de mi noviciado, este suceso significó la comunión con la
religión en la que estaba iniciado.
Sin que nadie me viera me llevé varias cabecitas calvas. Contemplándolas
compartirían la misma atracción que por la iglesia sentía.
El sabor del oro se mezcló con el del plástico y me supo bien.
“LO PEOR DE TODO”. Enrique Naya.

“¡En un museo o nada!”: La primera serie pictórica.
La llegada del año 1980 supuso un gran impulso para la gran familia Costus;
nacía una nueva etapa que traería la estabilidad a los distintos proyectos, que
un año antes se habían comenzado a gestar en torno a la casa de la calle La
Palma número 14.
Por un lado, el grupo de la niña, “Alaska y los Pegamoides”, no sólo quedaba
completamente cerrado con la última incorporación de Eduardo Benavente en
marzo, sino que también se produciría en este año el afianzamiento de la
primera imagen y línea de la agrupación con el lanzamiento de “Horror en el
Hipermercado”, que precisamente llevaría una portada realizada por Enrique
Naya.
Otro de los integrantes, Pedro Almodóvar, eligió igualmente 1980 para terminar
y estrenar su primera película, “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón”. El
film, que fue rodado en parte y gestado en la casa de Costus, supuso el inicio
del espíritu libre, directo y desenfadado que marcó las primeras películas del
manchego.
Para Juan Carrero y Enrique Naya 1980 fue también el año en el que se
fortalecieron como pareja y como pintores, iniciando el método de trabajo y el
estilo que les hará famosos. Hacía dos años ya del encargo que recibió Enrique
para decorar el vecino local “La Vía Láctea”. La premura que exigía la
elaboración de estos paneles propició que ambos trabajasen juntos entre enero
y febrero de 1979.
La casa de La Palma, 14 en 1980. Izquierda: Juan y Enrique juegan en el sofá con
“Carmen Polo, Viuda de Franco“ al fondo. Derecha: Pedro Almodóvar dirige a Alaska,
Carmen Maura y Eva Silva en el salón de la Casa.

Aprovechando este buen entendimiento en el trabajo, la pareja se propuso
empezar a pintar juntos. Para esta especial ocasión optaron por convertir en
pintura una de las anécdotas más repetidas por Enrique, que posteriormente
plasmaría en el texto “Comunión”, incluido en “Lo Peor de Todo”.
Chiclana de la Frontera durante las inundaciones de 1965.
Ese relato fue uno de los episodios que marcaron la infancia de Enrique, una
especie de “premonición”. El 19 de octubre de 1965 una crecida del río Iro
inundó gran parte de Chiclana de la Frontera, afectando gravemente a la
fábrica de Marín, ya que estaba situada en plena Vega. La fuerza del caudal de
las aguas destruyó su interior y esparció todo su contenido por las calles de la
localidad. Al día siguiente Enrique visitó el pueblo con su padre y quedó para
siempre sorprendido ante la visión catastrófica de miles de muñecas mezcladas
y apresadas por el barro.
Durante la Semana Santa de 1979, tras una reconciliación, bajaron a Cádiz y
visitaron la fábrica de las Muñecas de Marín, donde visionaron lo que
verdaderamente querían hacer. Pensaron elaborar un conjunto de veinticinco
acrílicos con una composición muy definida. La mayor parte de su superficie
estaría ocupada por la figura de la gitana con su característica actitud y pose.
Una zona especial sería la parte inferior, donde una marabunta de colores y
formas sinuosas se mezclarían para dar una doble sensación; por un lado
resolverían así los volantes de sus trajes y por otro, figurarían la corriente de
agua y barro que envolvía y atrapaba a la muñeca. Estas obras, además,
debían destacar por su exagerado tamaño “para que no cupieran en ninguna
galería, Vandrés, Juana Mordó… ¡Un museo o nada!”.
A mediados de abril de 1980 comenzaron la ejecución de las primeras
“Marinas”. Su idea era representar este hecho bajo su personal visión y a la vez
rendir un homenaje a unos de sus kitchs favoritos: Las muñecas de Marín.

Tenían tanto aprecio a estas figuras que había varias decorando su casa. Esta
pasión desmedida fue incluso transmitida a sus más allegados, hasta tal punto
que junto a un ramo de rosas fue el regalo con el que Alaska y Ana Curra
recibieron a Adam Ant en el aeropuerto de Madrid. Años después, Almodóvar
les haría un pequeño guiño en el estilismo de una de las componentes del grupo
“Ellas” en su película “Laberinto de Pasiones”.
Una gran muñeca de Marín decoraba la mesa del salón de la casa de Costus.
La forma de trabajar fue la misma que en “La Vía Láctea”, Enrique se encargó
de pintar las caras, los brazos y otros detalles con su particular estilo realista.
Gracias al esmero que ponía y su destreza conseguía imitar a la perfección el
brillo y la textura del plástico con el que están fabricadas las muñequitas. Juan
gozó esta vez de mayor libertad creativa en la ejecución de los fondos y los
trajes de las gitanas. Suponen estas pinturas una buena oportunidad para
disfrutar de su atrevimiento en el uso de los colores, cuyas arriesgadas mezclas
confieren a la obra de una gran fuerza visual.
Desde el inicio de la primavera y durante varios meses posteriores, Juan y
Enrique estuvieron encerrados en la habitación más grande de su piso, inmersos
en sus pinturas. La jornada comenzaba para ellos por la tarde, entre las tres y
las seis, cuando sonaba a toda pastilla Las Grecas o Dolores Vargas “La
Terremoto”. Tras el desayuno, se ponían a pintar, era su diversión y su forma de
matar el aburrimiento. Frente al aglomerado pasaban las primeras horas hasta
que progresivamente iban llegando sus amigos los Pegamoides (cuando
terminaban de ensayar), Pedro Almodóvar con Blanca Sánchez, Bonezzi, Martín
Beguè, Manolo Cáceres, Capi, etc. Todos campaban a sus anchas por la casa,
mientras Enrique y Juan pintaban sus primeras “Marinas” con la misma

minuciosidad y dedicación que una “costurera” cosía un traje. Curiosamente, en
pleno proceso son captados en la película “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del
montón”.
El rodaje de la película de Pedro fue visto por Enrique como una buena oportunidad
para enseñar sus obras en escenas como ésta, donde Juan y Enrique simulan pintar las
marinas 3 y 8 respectivamente. “Pepi, Luci, Bom y otras Chicas del montón”
(P. Almodóvar, 1980).
El resultado fueron unos brillantes acrílicos sobre unos aglomerados de
inmensas proporciones (244X122 cm.) que recibieron el título de “Marina” más
una cifra que las distinguía. Este nombre no fue una mera designación, sino que
forma parte consustancial y fundamental de la propia obra, ya que con él
jugaban a la misma paradoja que veíamos en la pintura. Al igual que la imagen
de la muñeca se fundía con el mar y con el agua en los volantes del vestido, su
identidad “Marín”, también se fusionaba con el mar, generando su
denominación final, “Marina”.
Debido al cansancio y a problemas de espacio la serie quedó finalmente
conformada por un total de nueve piezas, en cuya superficie se produce un
fuerte contraste de dos estilos y formas de entender la pintura completamente
opuestas, que alcanzaban una simbiosis sublime e inédita en el panorama
artístico español de la época. Sólo algunas están firmadas en su ángulo inferior
derecho con el nombre de sus dos creadores, Enrique Naya Igueravide y Juan
Carrero Galofré, ya que aún no se autodenominaban Costus. Muy pocas, las
primeras, tienen inscrita la fecha concreta en la que fueron pintadas.
Las “Marinas” fueron sucesivamente ocupando las paredes de La Palma y
conviviendo así con otras obras anteriores, tal y como aparecen en la ópera
prima de Almodóvar, concretamente en la escena donde Pepi, Luci y Bom

pasean por el interior de la casa para ir al salón. Allí causaron el asombro y la
admiración de todos sus visitantes con su espectacular brillo fluorescente
causado por la luz negra que iluminaba el interior del piso.
Juan y Enrique terminaron muy satisfechos con el trabajo cumplido, habían
inaugurado una nueva manera de trabajar con la que se sentían cómodos y
realizados artísticamente. Esta particular técnica no sólo agilizaba su proceso de
creación, sino que les permitía realizar unas pinturas de inmenso tamaño sin
grandes dificultades.
Tal y como se desprende del texto “El Valle de los Caídos” escrito por Enrique
Naya en junio de 1987, se encontraban tan animados que nada más terminar
con esta primera serie, empezaron a trabajar con su siguiente proyecto, la serie
del valle. En este instante y por mediación de Blanca Sánchez se produce un
hecho crucial, la llegada del galerista Fernando Vijande.
Las visitas de la amiga de Almodóvar comenzaron a ser más habituales entre
junio y julio, mientras Pedro rodaba las escenas de “Pepi, Luci, Bom y otras
chicas del montón”. Blanca Sánchez en aquel momento era la mano derecha del
galerista Fernando Vijande, quien tras la insistencia de su colaboradora llegó a
la casa de Costus en torno al mes de noviembre de 1980.
En este momento el galerista estaba apasionado por todo lo que se hacía en
Nueva York, donde por entonces triunfaba el Pop Art. Vijande vio en las obras
de Juan y Enrique, especialmente en las “Marinas”, el verdadero arte pop
nacional, quedando fascinando y rendido ante la creatividad y personalidad de
los pintores.
Ya en 1981 sus frecuentes visitas, la mayoría de ellas cargado de drogas y
regalos, lo convirtieron en uno más de la familia. El galerista pasó a ser su
principal mecenas y valedor al comprar toda su obra para exponerla en la
Galería Vandrés que gestionaba junto a su socia Gloria Kirby.
Durante el verano de 1981 Enrique y Juan posan con sus amigos en el montaje de la
exposición en la Galería Vandrés. Entre ellos Pablo Pérez Mínguez, Tesa Arranz, Fabio
Mcnamara, Miguel Ordóñez, Pedro Almodóvar, etc.

En aquel verano y con las obras colgadas de la pared, Gloria y Fernando
rompieron sus relaciones laborales y la galería se clausuró. Afortunadamente
Fernando Vijande consiguió un nuevo local, un amplio garaje que se
inauguraría como Galería Vijande con la muestra “El Chochonismo Ilustrado”
durante la noche del 13 de octubre de 1981.
Esta exposición nada o muy poco tenía de similar con lo que se hacía en el
Madrid del momento. Era una muestra que englobaba varios tipos de
manifestaciones artísticas: textos, dibujos, pinturas y unas fotos, como testimonio
de perfomances que hacían en la casa de La Palma. Además de Juan y Enrique,
participaron amigos suyos como Alaska, Carlos Berlanga, Tesa Arranz, Fabio
Mcnamara, Soledad Lozano Cumbrera, Txomin Salazar, etc. Entre todo esto
destacaba especialmente las Marinas, su primera serie, que fue agrupada aquí
bajo el título genérico de “La Marina te llama”.
“Desafío”. Juan de O. 1981 “Embrujo”. Juan de O. 1981
La nueva galería Vijande era más grande que la Vandrés. Por ello, durante el verano
Juan Carrero realizó estas dos pinturas que acompañarían a los nueve acrílicos que
componían la serie “La Marina te llama”. Concretamente, la obra “Embrujo” fue
pintada durante el mes de julio.

“Desde Cádiz a Nueva York”: Entre el Pop y el Surrealismo.
A partir de la II Guerra Mundial se produce una serie de cambios en las
estructuras sociales que darán lugar a la “sociedad de masas”. El avance
tecnológico que se produjo en torno a los años 50 del siglo XX generó nuevas
pautas de comportamiento en la sociedad norteamericana e inglesa. Las
costumbres y conductas sociales se hacen más homogéneas
independientemente de diferencias geográficas, sociales, económicas, culturales,
etc.
“… Uno se sienta delante de la televisión y bebe Coca-Cola; y sabe que el
presidente bebe Coca, Liz Taylor bebe Coca; y piensa para sí, tú también te
puedes permitir beber una Coca…”. Esta cita de Andy Warhol refleja claramente
lo expuesto anteriormente y el nuevo impulso que tomará el arte del momento.
El Pop Art irrumpió en la cultura como aquel movimiento artístico encargado de
llevar a las galerías los nuevos fetiches, emblemas y otros elementos que
formaban parte de la cotidianidad y que, por lo tanto, identificaba a la nueva
sociedad de consumo de masas.
De esta manera, los grandes pancartas publicitarias, los comics, la prensa, las
latas de sopa, cajas de detergente, etc. invadieron las galerías y museos
conservando su lenguaje estereotipado. La imagen cotidiana se convierte en arte
por la referencia del espacio y por la existencia del cuadro. El Pop Art fue el
espejo más nítido donde se reflejó la nueva sociedad americana en un caso e
inglesa en otro.
La llegada de las primeras influencias del Pop Art a España se produjo de forma
paralela a la renovación de las estructuras sociales. Con la instauración de la
democracia el aperturismo es mayor y este nuevo modelo social queda
afianzado plenamente. Será ahora también cuando las ideas del Pop Art y toda
su filosofía aterricen en el país con todas sus consecuencias.
El mundo del arte en estos años volvió su mirada a Nueva York, creciendo así la
fiebre por el Neoexpresionismo Abstracto al mismo tiempo que la alegría del
Arte Pop seducía a muchos intelectuales del momento. Es durante la década de
los 80 cuando la cultura española se vuelca por completo con el Pop Art,
siguiendo e idolatrando a sus autores.
Volviendo atrás, a finales de los 60 y principios de los 70 fueron muchos artistas
españoles los que experimentaron levemente con las influencias del Pop Art,
incluyendo en sus composiciones algunos elementos propios del Pop
norteamericano. Se trata de una mera trasposición de elementos, ya que en la
mayoría de los casos se obviaba que la cultura popular española tenía muchos
e importantes matices que la distinguían de la americana.
Ejemplo de ello fue la exposición “Made in USA (Visión de Yankilandia desde
Cádiz)” de Enrique Naya celebrada en 1975. Aunque en sus dibujos ya se
atisbaba un cierto cambio.

La asimilación y el autoanálisis llegaron en 1978 con la muestra “Temas de
arquitectura nacional y otros monumentos”. Influenciado por autores pop como
Warhol o Wesselmann, Enrique mostró aquí una serie de obras, cuyo carácter
pop no está solo en su técnica, sino también en su contenido. Por primera vez,
hablamos de un arte Pop puramente nacional, puesto que la exposición
analizaba y mostraba los iconos y la estética de la cultura popular española en
su faceta más vulgar y cotidiana. Era un acercamiento al ámbito de las
“marujas”, recreando su particular y típica escenografía. A finales de este mismo
año Juan Carrero presentó su exposición “Escenas de la España Cañí”, donde
exhibió un conjunto de obras de estilo naif, que igualmente suponían una
reflexión sobre el “typical spanish” y otras visiones cotidianas.
Mientras que Juan se fue acercando más hacia las Vanguardias, Enrique siguió
analizando y estudiando la sociedad española del momento. Le interesaba
especialmente el ámbito más profundo y a la vez más cotidiano. Así comenzó la
realización en 1979 de unos acrílicos en los que plasmaría los retratos
habituales de la prensa del corazón. Hablamos de la serie posteriormente
titulada “Paso Trascendental: Del Diez Minutos al Hola”. En estas obras Enrique
seguía trabajando con un estilo “hiperrealista” muy particular que debió
perfeccionar cuando estudiaba la especialidad de Dibujo Animado en Madrid.
Sus pinturas se nos muestran con esa técnica fría y distante que caracteriza el
Pop Art, donde desaparece por completo la huella del artista, para dar sólo
importancia al objeto y a su presencia en el espacio, nada más.
Colgar en las paredes de una galería la representación pictórica de un objeto de
consumo masivo, como las Muñecas de Marín, constituye un paso más dentro
de esa corriente del pop autóctono. Sus gigantescas proporciones y su actitud
altiva creaban un complejo de inferioridad al espectador. Asimismo, estas obras
cumplían con la ironía característica del Pop, ya que incluían en un ámbito
cultural y elitista un objeto denostado por los propios intelectuales. Estamos,
efectivamente, ante la sublimación del Kitsch propia del Pop al convertir un
objeto vulgar en arte.
Al igual que ocurrió en el caso americano, también puede detectarse aquí una
cierta debilidad teórica del Pop Art. Si contemplamos detenidamente distintas
obras de Wesselmann, podremos apreciar claramente algunos rasgos que nos
invitan a pensar en un gusto por el objeto, que al elevarse al cuadro se
embellece. Son muy significativas las palabras de Marcel Duchamp para
comprender esto: “… Yo les lancé a la cara botellas y el urinario como
provocación y ahora lo admiran como lo bello-estético”. Algo muy parecido les
ocurrió a Costus con las muñequitas de Marín, ya que, como leímos
anteriormente, Juan y Enrique adoraban este tipo de muñecas que decoraban su
casa. En “La Marina te llama” aflora notablemente este embellecimiento de un
fetiche y su enaltecimiento mediante la recreación artística.
La técnica empleada también corresponde en buena medida al Pop Art. La
composición eminentemente vertical y el brillo de su colorido nos recuerdan

claramente los carteles publicitarios, que tanto influenciaron las obras de artistas
como Ronsequist y Wesselmann.
El título que recibió la serie incide aún más en su carácter pop. “La Marina te
llama” fue una frase muy difundida en España desde mediados de la década de
los 70. Con ella, el ejército de la marina iniciaba una campaña publicitaria que
animaba a los jóvenes a alistarse en sus filas. Tan hondo caló, que fue el título
propuesto para una de las películas más esperadas de la época, que finalmente
terminó denominándose “Cateto a babor”. Pero “La Marina te llama” llegaría al
publico nacional como aquel espectáculo de gran éxito, que protagonizado por
Lina Morgan, marcaría el inicio de la llamada revista moderna.
Con todo ello, Costus entraban de lleno en este fenómeno de la imagen popular
generado por la industrial cultural, sin duda, la clave del Pop.
No obstante, en esta serie hay matices que se escapan del Pop y nos remiten al
Surrealismo. Las Marinas no sólo reflexionan sobre un objeto perteneciente al
mobiliario de la experiencia compartida en la sociedad de masas, sino que
además incorpora elementos afectivos e imaginativos que la acercan al
Surrealismo.
La clave de todo esto la encontramos en la fusión de los volantes del vestido con
las formas marinas que atrapan a las muñecas. El objeto surrealista se
caracteriza porque sufre una suerte de metamorfosis mediante la cual abandona
su contexto cotidiano. En este caso, estaríamos ante un objeto real, pero con
una oscilación, provocada por la alteración de sus formas, que abre otro
universo de significado y que vincula la imagen con una experiencia sensorial,
un recuerdo del pasado en este caso.
El grupo musical Radio Futura posando delante de las Marinas.

“Un tesoro de muñecas de todos los colores, brillantes como soles”: Un recorrido
por la serie.
“Marina nº1”.
Enrique Naya Igueravide/ Juan Carrero Galofré.
Abril, 1980
244X122 cm. Acrílico/Aglomerado.
La primera Marina de la serie fue realizada entre
el 17 de abril y el 8 de mayo de 1980. Sobre una
base de brillantes lunares se encuentra la gitana
ataviada con mantilla y un vistoso traje rojo con
otras tonalidades similares al fondo. En los
volantes del vestido Juan realiza unos valientes y
fuertes contrastes entre colores calidos y fríos.
Enrique se encarga de la ejecución de los brazos
y el rostro de la muñeca, imitando perfectamente,
con su dominio del dibujo y su estilo realista, el
plástico con el que están fabricadas. También
pintó otros detalles como la guitarra, la flor y la
mantilla.
“Marina nº 3”.
Enrique Naya Igueravide/ Juan Carrero Galofré.
Mayo, 1980.
244X122 cm. Acrílico/Aglomerado.
Es la más conocida de la serie y donde mejor se
aprecia ese juego óptico de convertir los volantes
en formas marinas. Es destacable el contraste que
Juan realiza entre de colores cálidos del fondo y
los tonos fríos del vestido. Por su parte, Enrique
ejecuta los brazos, la cara y otros elementos
como la flor, la mantilla y el abanico, donde se
percibe claramente su pincelada. El brillo de su
colorido aumenta si se la somete a la luz negra.

“Marina nº 4”.
Enrique Naya Igueravide/ Juan Carrero
Galofré.
1980
122X244 cm. Acrílico/Aglomerado.
Esta Marina es la más enigmática de toda la
serie por lo extraño de su fondo. Sobre una
base neutra de color negro, donde levemente
se esboza una especie de arquitectura y
destello, se alza la altiva gitana. Vestida con
un traje y mantón siguiendo la moda de los
años 60. Llama la atención poderosamente el
bellísimo juego cromático que realiza Juan en
los flecos y los volantes del traje, así como en
los motivos que decoran el mantón. La flor, la
peineta, brazos y cabeza salen de la mano de
Enrique, cuya huella puede atisbarse en los
elementos que aparecen al fondo.
“Marina nº5”.
Enrique Naya Igueravide/ Juan Carrero
Galofré.
1980.
122X244 cm. Acrílico/Aglomerado.
En esta pintura se aprecia claramente la gran
influencia que tuvo el Expresionismo alemán
en la técnica y en el colorido de Juan. La
muñeca se encuentra sobre un fondo de calas,
también llamadas “flores de jarro”. Juan
gustaba mucho de pintar flores y esta especie
estará presente en varias obras suyas. Emplea
a su vez una pincelada muy suelta, libre y
enérgica en las fuertes formas que definen los
volantes del traje. Como siempre, Enrique
pintó los brazos, la cabeza y la flor de la
gitana.

“Marina nº 7”.
Enrique Naya Igueravide/ Juan Carrero
Galofré.
1980.
122X244 cm. Acrílico/Aglomerado.
Engalanada con un impresionante vestido
realizado con tonos violetas, lilas y rosáceos,
la muñeca porta entre sus manos una paloma,
animal al que parecen aludir las formas en V
que cubren el fondo. Resulta muy llamativo el
efecto cromático que aporta la trama de
líneas en los volantes si se ilumina con luz
negra. Una vez más, Enrique se encargó de
pintar la mantilla, las extremidades y la
cabeza de la muñeca, mostrando un especial
esmero esta vez en el peinado.
“Marina nº 8”.
Enrique Naya Igueravide/ Juan Carrero
Galofré.
Mayo, 1980.
122X244. Acrílico/Aglomerado.
En esta ocasión el fondo fue realizado por
Enrique Naya, reproduciendo esas formas
marinas que ya había empleado en la serie
“Caños de Meca” (1979). El traje, mucho más
mesurado, fue pintado por Juan, quien utiliza
una serie de contrastes para resaltar los brillos.
La cabeza, brazos, flor y peineta también
corresponden a la mano de Enrique.

“Marina nº ¿?”
Enrique Naya Igueravide/ Juan Carrero
Galofré.
1980
122X244 cm. Acrílico/Aglomerado.
Sobre un fondo que recuerda a las siluetas
marinas propias de Enrique se dispone esta
gitana que porta un cesto de uvas,
recordando así las fiestas de la vendimia tan
típicas de la zona gaditana. Juan se encargó
esta vez del traje de la muñeca, donde
sobresalen los lunares, dispuestos siguiendo la
técnica ya empleada por Enrique en algunas
obras de su exposición “Temas de arquitectura
nacional y otros monumentos”. Los elementos
realistas como la cabeza, manos y cesto son
de Enrique.
“Marina nº ¿?”.
Enrique Naya Igueravide / Juan Carrero
Galofré.
1980.
244X122 cm. Acrílico/Aglomerado.
Delante de la Alhambra de Granada posa
esta muñeca vestida con un brillante traje de
color rojo realizado por Juan, en cuyos
volantes se aprecia nuevamente esa famosa
metamorfosis. En esta obra, además de las
extremidades y la cabeza, Enrique pintó el
paisaje de fondo y elementos como las joyas,
la guitarra y el sombrero, donde destaca la
forma de representar los brillos.
** Todas las Marinas llevan inscrita en su parte trasera la firma de sus autores y su verdadero título, que no
coincide con el reseñado en los catálogos y libros editados. La imposibilidad de ver la serie al completo ha
impedido conocer las denominaciones auténticas de todas las pinturas.