CURSOS ESPECIALIZACION MUSICAL 10-11 ... - Aula de Música

2010
cursos de especialización
aula de música
2011
musical
universidad de alcalá

Cursos de
especialización
musical
2010-2011
Universidad de Alcalá
Aula de Música

Subdirección técnica:
María José Colorado
Subdirección artística:
Laurence Schröder
Asesores:
Blanca Aller
José Luis de Delás
José Luis Téllez
Colaboradoras:
Itziar Garaizabal
Verónica López
Alicia Lucena
Diseño gráfi co y maquetación:
Lufercomp
Impresión:
Gráfi cas Algorán
Depósito Legal: M-37758-2010

Análisis
8 Polo Vallejo. Hacia el estudio de la gramática musical georgiana
10 Carles Guinovart. El arte de la orquestación
12 Enrique Igoa. La música de cámara en los conservatorios. Aproximación analítica
14 Lambros Liavas. Introducción a la tradición musical griega
16 Benet Casablancas. Las cuatro Sinfonías de Johannes Brahms: una aproximación
Música Contemporánea
20 Dieter Schnebel. Métodos compositivos de Robert Schumann, vistos desde
consideraciones psicoanalíticas. Schnebel sobre sus obras
22 Alicia Díaz de la Fuente. Seis miradas hacia la música europea en el último cuarto
del siglo XX
24 Beat Furrer. La voz en mis Óperas “FAMA” y “Wüstenbuch” (Libro del desierto)
Didáctica del piano
28 Károly Binder. Pensamiento vertical y horizontal en las improvisaciones
30 Eva Alcázar. Introducción a las vanguardias pianísticas del siglo XX y XXI
32 Elisa Agudíez. ¡Hay muchas posibilidades para estudiar una obra!
34 Rita Wagner. Curso de didáctica del piano dirigido a profesores de grado
elemental y profesional
36 Miriam Gómez-Morán. Claves interpretativas históricas de la música para piano
de Liszt
Didáctica de los instrumentos de cuerda
40 Claudio Forcada. Efectividad en la enseñanza de los instrumentos de cuerda
42 María Macedo. El Violonchelo: la ausencia de la música difi culta la técnica.
La ausencia de la técnica difi culta la realización musical
44 Eduardo Ortega. Improvisación en el violín
46 Christophe Bossuat. Refl exiones sobre la enseñanza de los instrumentos de
cuerda para los tiempos venideros
Didáctica de la guitarra
50 Avelina Vidal. Didáctica de la guitarra contemporánea. El repertorio:
características y secuenciación
ÍNDICE

ÍNDICE
Música en la enseñanza obligatoria
54 Wolfgang Hartmann. Los instrumentos Orff: técnica y potencial creativo
56 Lola Bosom. La voz del niño, conciencia corporal y conectividad emocional
58 Barbara Haselbach. Interrelación de las Artes
60 Ángel Botia. Cantar y tocar para la audición
Enseñanzas elementales y escuelas de música
64 Christa Coogan. El cuerpo como instrumento
66 Rubén Fernández. El profesor-director de orquestas infantiles y juveniles
68 Soili Perkiö. Juegos musicales y música tradicional para niños entre 4 y 8 años
70 Judit Faller. La educación de la voz y del oído en la enseñanza del lenguaje musical
Musicoterapia
74 José Fernando Fernández. Perspectiva psicosocial de la Musicoterapia
Multidisciplinar
78 Gloria Ruiz Ramos. Yogaterapia-Energética® para profesionales de la música
Interpretación
82 Imre Rohmann
84 Josep Colom
Informaciones
88 Profesores colaboradores desde 1990
92 Información general
95 Información transportes y alojamiento
96 Plano
97 Boletín de inscripción

Análisis
Polo Vallejo 18 y 19 de diciembre
Carles Guinovart 22 y 23 de enero
Enrique Igoa 12 y 13 de febrero
Lambros Liavas 12 y 13 de marzo
Benet Casablancas 9 y 10 de abril

[ 8 ]
Hacia el estudio de la gramática
musical georgiana
Profesor: Polo Vallejo
Este taller de análisis propone una inmersión práctica en el mundo musical de
Georgia, uno de los orígenes de la civilización musical occidental. Siguiendo
un trabajo de investigación en curso, podremos apreciar la belleza, diversidad,
originalidad y complejidad estructural de sus polifonías vocales, profanas y
religiosas.
I. Georgia: contexto geográfi co, histórico y cultural
II. Universo musical georgiano: polifonías vocales
III. Lenguaje musical: primeras impresiones y características generales
IV. Parámetros constitutivos:
a. Modos georgianos: intervalos melódicos y armónicos
b. Tipos de cadencias y semicadencias
c. Procedimientos plurivocales: bordón, homorritmia y contrapunto
V. Principios armónicos: acordes y su sintaxis
VI. Métodos de grabación y trascripción en el campo: multipistas/re-recording
VII. Creación de modelos para el análisis: aplicación y praxis
VIII. Validación de los resultados; estado de la cuestión
IX. Tradición y transmisión: concepción polifónica de la música en los niños
georgianos
X. Recapitulación
Información del curso
Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 14 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Polo Vallejo
Nace en Madrid en 1959.
Doctor en Ciencias de la Música, compositor.
Investigador en el Laboratoire de Musicologie Comparée et Anthropologie de la
Musique (MCAM) de la Universidad de Montreal, Canadá.
Miembro asesor científi co y artístico de la Fundación Carl Orff (Munich).
Reconocido internacionalmente por su labor en el campo de la etnomusicología
experimental y de la pedagogía musical práctica, es profesor invitado en prestigiosos
centros musicales como la Universidad McGill de Montreal (Canadá),
Princeton y Pensilvania (EE.UU.), Academia Sibelius (Finlandia) o la Universidad
Mozarteum de Salzburgo (Austria) entre otros, así como ponente en congresos
y cursos de especialización musical en los cinco continentes. Viaja a África desde
1987 donde realiza una rigurosa labor de investigación materializada en su tesis
doctoral Patrimonio musical de los wagogo (Tanzania): contexto y sistemática
(CNRS París y UCM Madrid), Premio Extraordinario de Doctorado 2005 y de Humanidades
2007. Ha publicado numerosos artículos, libros, documentos de audio
y un película (“Africa: The Beat”) junto con el compositor Javier Arias Bal, el
realizador Pablo Vega y el pintor Manuel Velasco con quien además prepara
la edición de un libro de “Cuadernos de campo en Tanzania”. En la actualidad,
además de programas educativos y presentaciones de conciertos didácticos,
realiza junto con el etnomusicólogo Simha Arom en la asociación Polyphonies
Vivantes (CNRS, París), un trabajo experimental en el terreno a propósito de las
polifonías vocales de Georgia (Cáucaso), su transcripción y análisis así como de
los procesos de transmisión y aprendizaje de adultos a niños, publicado en la
Oxford University Press.
ANÁLISIS
18 y 19 de diciembre
[ 9 ]

[ 10 ]
El arte de la orquestación
Profesor: Carles Guinovart
Escribir para orquesta es una labor fascinante y compleja que requiere familiaridad
con el medio y un gran dominio técnico de la instrumentación. Es pues
un arte altamente imaginativo, tanto en la combinatoria químico-acústica de
los instrumentos en su mutua relación, como en el estudio y explotación de las
diferentes posibilidades de cada uno de ellos en su propia peculiaridad.
Programa en tres sesiones:
1. Ejercicios para las pruebas de acceso de aspirantes a Composición y
Dirección de Orquesta a un Centro Superior.
A partir de la realización de bajos cifrados a cuatro voces se efectuará
una orquestación en el formato clásico (2.2.2.2./2.0.0.0./Cuerdas).
¿Cómo orquestar en tutti de 15 líneas las cuatro voces? Se analizarán
diversos modelos. Se verán también diferentes casos del pensamiento
orquestal según época y estilo.
2. El estilo orquestal de Igor Stravinsky: Variaciones Canónicas de J. S. Bach
y de la Fuga de la Sinfonía de los Salmos*. (Precisión y efectividad)
3. Klangfarben (El color de los sonidos) –Variaciones sinfónicas sobre la
obra plástica de Salvador Alibau- de Carles Guinovart.** Análisis detallado
de la partitura y audición del día del estreno. (Ed. Periferia)***.
* Se recomienda, en la medida de lo posible, proveerse de esta partitura
** El ponente aportará varios ejemplares de la partitura editada
*** www.periferiamusic.com
Información del curso
Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 14 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Carles Guinovart
ANÁLISIS
22 y 23 de enero
Músico por ascendencia familiar, Carles Guinovart i Rubiella se formó inicialmente
en Barcelona. Nacido en los oscuros años de la posguerra, el ejemplo paterno
despertó en él una profunda vocación musical como principal catalizador de
grandes ideales artísticos. Pasado el tiempo, en Francia conoce a O. Messiaen en
el Conservatorio de París. Se afi rma así la inquietud compositiva y el estudio de
partituras de diferentes repertorios y estilos que aplica, ya como profesor y después
como catedrático del CSMM de Barcelona, en su pedagogía, impartiendo,
además de Análisis Musical, Composición desde 1985 hasta 2001.
Ciertos hitos importantes marcan su trayectoria, tales como la creación del Curso
Internacional de Música de Girona, durante 13 veranos, o el ser requerido como
profesor de Análisis Musical en la Escuela Superior de Música “Reina Sofía” (Madrid)
desde su fundación (1991-2002), así como más tarde en Musikene (País Vasco) o,
fi nalmente, en la ESMUC (Barcelona). Ha colaborado frecuentemente con el Aula de
Música de la Universidad de Alcalá.
Su obra compositiva, aunque moviéndose en posiciones estéticamente avanzadas
dentro de un amplio eclecticismo, suele captar el favor del público gracias
también a su transparencia de intenciones, coloración tímbrica y fi ligrana sonora.
Es, desde 2005, miembro de la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi.
[ 11 ]

[ 12 ]
La música de cámara en los
conservatorios.
Aproximación analítica
Profesor: Enrique Igoa
Partiendo de la consideración del análisis como aportación a la interpretación,
no como un fi n en sí mismo, resulta evidente que se debería emplear esta herramienta
para realizar una aproximación previa a las obras más representativas
de los programas de estudio instrumentales en los conservatorios. En el terreno
del piano existen ya muchos estudios analíticos dedicados a obras de todos los
tiempos, pero el número de monografías desciende cuando se habla de obras
para cuerda y prácticamente es nulo en el terreno de obras para viento o percusión.
Pero hay otro campo de trabajo en el que apenas hay aportaciones útiles
para profesores y alumnos (salvo en algunos géneros, como los tríos y cuartetos
clásicos), y es el terreno de la música de cámara: se trata de un repertorio que
todos los profesores de instrumento tienen que trabajar y sobre el que hay muy
pocas referencias.
El curso propone un recorrido por algunos de los géneros y formas representativos
de épocas y estilos diversos, desde el Barroco hasta el siglo XX, con el fi n
de ofrecer modelos de análisis que se puedan aplicar a obras semejantes en los
diversos programas de música de cámara.
Repertorio (ejemplos): triosonata barroca, sonata (dúo), trío y cuarteto clásicos
y románticos, quinteto de cuerda y de viento clásicos y románticos, selección de
obras más programadas del siglo XX.
Los alumnos de este curso pueden sugerir aquellas obras que les interese analizar.
Estas sugerencias serán atendidas en la medida de lo posible con la misma
obra u otra de tipo similar.
Información del curso
Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 14 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Enrique Igoa
Nacido en Madrid, titulado por el Real Conservatorio Superior de Música de esta
ciudad en Piano y Composición. Es también licenciado en Geografía e Historia por
la Universidad Complutense. Con una beca Fulbright realizó estudios de perfeccionamiento
en Boston. De vuelta a España, ha sido profesor en el Conservatorio
Profesional de León, en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y en
el Conservatorio Profesional Arturo Soria de esta ciudad, en las asignaturas de
Acústica, Armonía, Análisis, Contrapunto y Composición. Actualmente es profesor
de Análisis Musical en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Imparte
asimismo cursos de Análisis Musical en varios conservatorios y ha colaborado
frecuentemente en el Aula de Música de la Universidad de Alcalá.
Colabora regularmente en diversas publicaciones con artículos sobre análisis
musical y ha formado parte del jurado en varios concursos de composición. Es
autor del libro Fundamentos de análisis musical, escrito gracias a una licencia
por estudios concedida por el Ministerio de Educación y Cultura, así como del
libro El legado musical de Ángel Barja. La obra instrumental.
Autor ya de un extenso catálogo, ha recibido encargos de diversos festivales
internacionales y ha sido galardonado con diferentes premios, entre los que se
destacan: el Concurso del Festival de Música Sacra de Friburgo, el de Princeton
(Nueva Jersey), el Andrés Segovia, de La Herradura (Granada) y el 2º premio
del International Composer’s Competition “Jihlava 1998” (República Checa). Sus
obras han sido estrenadas e interpretadas en España, resto de Europa y países
americanos.
Recientemente ha sido incluido en el anuario Who’s who in the World, así
como en los 2000 Outstanding Intellectuals of the 21st Century, publicado por
el International Biographical Centre de Cambridge, Inglaterra.
ANÁLISIS
12 y 13 de febrero
[ 13 ]

[ 14 ]
Introducción a la tradición
musical griega
Profesor: Lambros Liavas
Traductor: José Miguel Vicente Espinosa
La música folclórica griega presenta un interés especial por su rico repertorio y sus variantes
según la situación geográfi ca, época del año y contexto social, así como por su
condición de depositaria de tradiciones musicales previas.
Grecia posee una de las más antiguas y continuadas tradiciones musicales en el mundo a
lo largo de más de cinco milenios. Si existe una relación entre la antigua lengua griega y
la moderna, existe igualmente entre la música griega antigua y la actual. Sin conocer el
sistema antiguo posiblemente no habríamos podido comprender el moderno y sin éste
nunca habríamos podido estudiar y confi rmar la autenticidad de lo que leemos en los
libros o vemos en la música manuscrita de los textos antiguos y los códices bizantinos.
Por supuesto, hay muchas discontinuidades con respecto a la música antigua; pero también
se preservan muchas similitudes en la teoría y la práctica, los instrumentos, el canto
y muchos más aspectos de ambas músicas. Las escalas modales de la antigüedad clásica
(harmonies) se convirtieron en los echoi de la música bizantina, desde donde pasaron a
los modos del canto gregoriano (siglo VI), una infl uencia seminal en la naciente música
occidental, así como en otras músicas tradicionales como el fl amenco, antes de que éste
se expandiera entre los árabes y los gitanos.
La música bizantina eclesiástica era exclusivamente vocal; pero la profana hizo uso de
muchos instrumentos y constituyó el punto inicial de la música folclórica subsiguiente,
como muestran las primeras canciones folclóricas griegas escritas en los monasterios del
Monte Athos (siglos XVI y XVII). Investigaciones más recientes muestran una sorprendente
continuidad entre la música bizantina propiamente dicha y la música postbizantina.
El estudio de la música griega pone de manifi esto el particular papel cultural que juega
Grecia como encrucijada entre el Este y el Oeste, el Norte y el Sur.
En las clases escucharemos ejemplos musicales característicos referentes a las escalas
modales, la enorme variedad de ritmos, los instrumentos musicales, así como los diferentes
idiomas musicales de la Grecia continental e insular (“mapas musicales”, combinando
los elementos balcánicos y mediterráneos).
Veremos también un documental producido por el profesor Liavas referente a los rituales
anuales del Norte de Grecia, asociados con canciones, danzas e instrumentos específi cos
que suponen la supervivencia de muchos elementos de los antiguos rituales dionisíacos.
Información del curso
Horario: Sábado y Domingo de 10,30 a 13,30 y de 15,30 a 18,30 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Lambros Liavas
Nacido en Atenas en 1959, se forma en el Conservatorio de su ciudad natal bajo
la dirección de Yannis Ioannidis. El profesor Lambros Liavas amplió sus estudios
con Simon Karas en la Escuela Superior de Música de la Sociedad para la Difusión
de la Música Nacional Griega, profundizando en el estudio de la música bizantina
y la música popular. Posteriormente realizó estudios de antropología social,
etnología, etnomusicología, así como estudios orientales en L´École des Hautes
Études en Sciences Sociales y en el Centre d’Études des Musiques Orientales de
París. Se doctoró con una tesis sobre la historia de la lira con forma de pera en
Creta y el Dodecaneso (diciembre 1986).
Colaboró con la Asociación para la Promoción del Folclore del Peloponeso entre
los años 1980 y 1988, realizando trabajos musicológicos de campo en todo el
país y en las regiones grecófonas del sur de Italia.
Entre 1987 y 1989 estuvo a cargo de la gestión del archivo musicológico “Samuel
Baud-Bovy” de Ginebra, y desde 1991 es director del Centro Etnomusicológico
y Museo de instrumentos tradicionales griegos. Desde el mismo año es profesor
asociado y profesor de etnomusicología del departamento de música de la
Universidad de Atenas.
Ha sido asimismo organizador de numerosas exposiciones en Grecia y en el extranjero
sobre música tradicional popular helena, en colaboración con el Ministerio
de Cultura, así como de numerosos conciertos y muestras de danza y música
tradicional griega. Su espectáculo “2500 años de herencia musical griega” fue
presentado en 2008 en la inauguración de las Olimpiadas de Pekín.
Es editor de numerosos libros, grabaciones y artículos científi cos sobre música
griega. Recientemente ha publicado una historia de la canción de su país entre
principios del s. XIX y mediados del s. XX.
Entre 1995 y 2004 trabajó con la asociación Amigos de la Música, dirigiendo un
grupo de trabajo para la grabación y archivo de muestras sonoras de la tradición
musical de Tracia y Macedonia oriental. Ha asesorado a la Compañía Nacional
de Ópera de Grecia en cuestiones musicológicas, participando en un programa
de recuperación de la opereta griega.
El profesor Liavas colabora desde 1979 con diversas emisoras de radio y televisión,
tanto estatales como privadas, para la realización de programas sobre
música tradicional griega.
ANÁLISIS
12 y 13 de marzo
[ 15 ]

[ 16 ]
Las cuatro Sinfonías de Johannes
Brahms: una aproximación
Profesor: Benet Casablancas
El legado sinfónico de Brahms ocupa una posición central en el canon musical de
la segunda mitad del siglo XIX y su pervivencia en la vida musical no ha perdido
ni un ápice de su vigor hasta nuestros días. Ello no fue siempre así, aunque la
calidad inigualable de las cuatro sinfonías, obras maestras del género, con su
perfi l singular y diferenciado a la par que complementario, su soberbio poderío
estructural y prodigiosa factura técnica, su elocuencia expresiva, su condición de
verdadera suma de toda una tradición, interiorizando el pasado para proyectarse
al futuro, terminaron por imponerse en el repertorio como uno de los puntos
álgidos del sinfonismo post-beethoveniano.
El presente curso aspira a ofrecer una mirada de conjunto sobre cada una de las
sinfonías, para detenerse en el análisis más pormenorizado de algunas de sus
páginas, profundizando en sus recovecos más originales y signifi cativos. Todo
ello sin ánimo de exhaustividad pero prestando atención a la constelación de
vertientes que concurren en dichas piezas, de orden histórico, estilístico, técnico
y estético. Trabajo motívico, crecimiento de la frase, estancamientos (Furtwängler),
extrañeza armónica, tópicos estilísticos o la composición de la interpretación,
serán algunos de los conceptos clave que guiarán nuestra exploración. A
lo largo del trayecto se examinarán también pasajes procedentes de otras obras
del autor, así como de otros compositores, contando en todo momento con el
apoyo de diferentes documentos audiovisuales de gran interés y contrastada
solvencia artística. Los participantes deberán aportar sus propias partituras, aunque
a lo largo de las distintas sesiones se les facilitará copia de los materiales y
documentos adicionales examinados.
Información del curso
Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 14 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Benet Casablancas
Formado musicalmente en Barcelona y Viena (F. Cerha, K.H. Füssl), es también
licenciado en Filosofía por la Universidad Autónoma de Barcelona y doctor en
Musicología por la misma Universidad. Desde muy temprano combinó la composición
con la docencia y la investigación. Asesor de distintas instituciones
y medios, ha publicado numerosos artículos sobre temas históricos y analíticos
(The New Grove, Arietta, The Journal of the Beethoven Society of Europe,
Quodlibet). Es autor del libro El humor en la música. Broma, parodia e ironía
(Reichenberger, 2000) y ultima el volumen Paisajes del romanticismo musical.
Ha sido responsable de materias teóricas en diferentes conservatorios del país,
director pedagógico de la JONC (Jove Orquestra Nacional de Catalunya) y profesor
asociado de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, desarrollando una
intensa labor como profesor invitado en distintos centros de ámbito internacional.
Ha colaborado de modo regular en los Cursos de Especialización Musical de
la Universidad de Alcalá de Henares, siendo también requerido frecuentemente
como jurado en concursos de composición e interpretación musical europeos. En
el año 2002 asumió la dirección del Conservatorio Superior de Música del Liceo,
responsabilidad que compagina con la composición y la investigación.
Sus obras, distinguidas con numerosos encargos y premios (Musician´s Accord
de Nueva York, Premio Nacional del Disco del Ministerio de Cultura, Ciudad de
Barcelona, Composer´s Arena de Amsterdam, Oscar Esplà, Ferran Sors, etc.), son
interpretadas regularmente en los principales países de Europa, y en Canadá,
Japón, EE.UU. y Latinoamérica por formaciones de gran prestigio (London Sinfonietta,
Arditti Quartet, Orchestre National de Belgique, Saint Petersburg´ State
Hermitage Orchestra) y por las principales orquestas y grupos españoles: Orquesta
Nacional de España, Sinfónica de Galicia, Filarmónica de Gran Canaria,
OBC, etc.. En el año 2008 la BBC Symphony Orchestra ofreció el estreno británico
de las Siete Escenas de Hamlet y sus New Epigrams representaron a España en
los ISCM World Music Days de Vílnius. En 2007 fue distinguido con el Premio
Nacional de Música que otorga la Generalitat de Catalunya. Sus obras, editadas
por Tritó, Emec y Boileau, están recopiladas en ocho compactos monográfi cos
(Naxos (3), Stradivarius, Columna Música, Tritó, Anemos, Emec y Fundació ACA).
Entre sus compromisos recientes destacan sendos encargos del Miller Theatre
de Nueva York (Composer Portrait), The Royal Liverpool Philharmonic Orchestra,
Ensemble 88 de Maastricht, Ensemble Cantus de Zagreb y Tokio Sinfonietta.
ANÁLISIS
9 y 10 de abril
[ 17 ]

Música Contemporánea
Dieter Schnebel 20 y 21 de noviembre
Alicia Díaz de la Fuente 15 y 16 de enero
Beat Furrer 2 y 3 de abril

[ 20 ]
Métodos compositivos de Robert Schumann,
vistos desde consideraciones psicoanalíticas.
Schnebel sobre sus obras
Profesor: Dieter Schnebel
Traductor: Luis Gabriel Juretschke
Métodos compositivos de Robert Schumann, vistos desde consideraciones psicoanalíticas
En 1981, apareció un ensayo muy extenso de Dieter Schnebel en la publicación musical “Musik-konzepte”, fundada
y dirigida por Heinz-Klaus Metzger y Rainer Riehn. En él examinaba las principales obras de Schumann bajo un
doble aspecto: el del análisis musical más profundo y riguroso y el de las perturbaciones psíquicas que, en mayor
o menor grado sufrió Schumann y que se refl ejaron en dichas obras.
Procede cronológicamente, es decir, desde las extraordinarias y revolucionarias piezas para piano de los años 1832-
1840 hasta las últimas obras de los años 1852 y 53, ya muy poco antes de la catastrófi ca crisis que hizo que se
tuviera que internar a Schumann en una clínica mental.
Va examinando las depresiones y accesos de pánico que sufrió Schumann, ya desde sus comienzos compositivos.
Trata este delicado y difícil tema con profundo respeto y admiración por el genial compositor. En opinión de
Schnebel, las inestabilidades psíquicas de Schumann se fundieron, por así decirlo, con la originalidad tan grande
de ideas del compositor. Se originaron así sorprendentes disociaciones, desplazamientos rítmicos y armónicos,
audaces superposiciones de estratos armónicos y polifónicos, inhabituales desarrollos formales y muy irregulares
acentuaciones rítmicas.
Hacia 1840, algunas piezas de Schumann se volvieron algo más convencionales para recuperar una gran originalidad
en algunas obras del último periodo.
Schnebel ha seguido ocupándose en los últimos años de la música de Schumann y según ha manifestado piensa
rehabilitar varias obras de la última fase, a las que, opina, no supo, en 1981, enjuiciar debidamente.
Schnebel sobre sus obras
Dieter Schnebel comentará y analizará varias de sus obras y se referirá también a los cambios estilísticos que se
han ido produciendo con el paso del tiempo.
La extensa obra de Schnebel ofrece múltiples facetas y puede resultar por ello algo desconcertante. Junto a piezas
de música de cámara, obras para orquesta y óperas encontraremos también una abundante música vocal religiosa
(“Missa”, “Salmo 139”, “Missa brevis”, etc.).
Original y compleja es la tendencia del compositor hacia conjuntos instrumentales y vocales inhabituales y, sobretodo,
hacia concepciones ya claramente de tipo experimental. En “Körper-Sprache” (Lenguaje corporal) para 3 a 9 ejecutantes
(1980) deben realizar diversos movimientos corporales y adoptar distintas posturas. En “Zeichensprache”
(Lenguaje de signos) para gestos y voces (1989) fi guran diversos “Poemas”: para 4 cabezas, 8 pies, 7 brazos, etc.
Volviendo al terreno de lo estrictamente musical conviene citar que ha escrito también numerosos Lieder, por
ejemplo recientemente sobre poesías de Ingeborg Bachmann, para voz, saxofón, percusión y piano (2003).
Sobre todo ello hablará el Profesor durante el curso y mencionará también sus numerosos escritos sobre diversos
temas musicales y fi losófi cos. Todo ello contribuirá a hacer comprensible una personalidad muy rica en ideas y
también en laberínticos caminos.
Información del curso
Horario: Sábado y Domingo de 10,30 a 13,30 y de 16 a 19 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Dieter Schnebel
MÚSICA CONTEMPORÁNEA
20 y 21 de noviembre
Dieter Schnebel nació el 14 de marzo de 1930 en Lahr (Baden, Alemania). Estudió
piano, teoría e historia de la música en la Escuela Superior de Música de
Freiburg (1949-1952) así como teología evangélica, fi losofía y musicología en
Tübingen. A continuación trabajó como párroco y profesor en Kaiserslautern,
Frankfurt y Munich. Su interés temprano por la composición, las visitas a los
cursos de verano de Darmstadt y sus encuentros con Adorno, Boulez, Messiaen,
Nono, Stockhausen, Varèse y Cage hicieron que su dedicación a la música se
intensifi cara. Las primeras obras las escribió en el sistema serial. Bien pronto
fue evolucionando hacia soluciones más personales. Signifi cativa fue la composición
de una “música fonética”, que se concretizó en “Glossolalie” (1961),
para 4 locutores y 4 instrumentistas. Fue una obra básica para Schnebel y que
se aproximó ya a las piezas de tipo experimental (piezas de “música visible” y
“Música orgánica”). Los “Maulwerke” son un ejemplo de música para órganos
fonéticos de articulación y fueron compuestos de 1966 a 1970. En las obras de
esa época se percibían los estímulos procedentes del mundo de Cage y del movimiento
“Fluxus”. Para Schnebel tuvo también mucha importancia la fi losofía
de Ernst Bloch, con sus ideas de libertad y esperanza.
En 1992 se estrenó en el Festival de Donaueschingen la “Sinfonía X”, para contralto
y gran orquesta. La obra suscitó grandes polémicas ya que se apartaba
claramente de las concepciones de la vanguardia que se había formado en
Darmstadt.
En los años siguientes continuó Schnebel escribiendo obras instrumentales,
vocales, así como experimentales.
En 1978 realizó varios viajes a los EE.UU., Canadá, Japón, Israel y a países latinoamericanos.
Durante varios años Schnebel ha sido profesor de composición y
música experimental en la Hochschule der Künste de Berlín.
Junto a sus actividades musicales y pedagógicas sigue ejerciendo Schnebel como
Pastor protestante y ha escrito varias obras religiosas de gran envergadura.
En 1998 se estrenó su ópera “La muerte de Mayakowski–Danza macabra” en la
ópera de Leipzig.
En 2008 Schnebel compuso los llamados “Kafka-Dramolette”, interpretados recientemente
en Berlín.
Dieter Schnebel es miembro de la Academia de las Artes de Berlín y de la
Academia de las Artes de Baviera.
[ 21 ]

[ 22 ]
Seis miradas hacia la música
europea en el último cuarto del
siglo XX
Profesora: Alicia Díaz de la Fuente
En este curso se propone una aproximación a la música del último cuarto
del siglo XX desde un ángulo poco convencional: la relación entre lenguajes
representativos de algunos compositores españoles y del resto de Europa con
el fi n de establecer nexos de unión entre estéticas diversas pero con fuentes
compartidas.
Se partirá de una contextualización del compositor objeto de estudio para proponer
después el análisis de algunas de sus obras más representativas.
Los temas que servirán de hilo conductor al curso serán:
– Europa a partir de la posmodernidad
– La fl exibilización del estructuralismo: de Pierre Boulez a Alberto Posadas
– La voz del lirismo: de José Luis de Delás a Salvatore Sciarrino
– Hacia la esencia del sonido: de Giorgy Ligeti a José Manuel López López
Información del curso
Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 14 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Alicia Díaz de la Fuente
MÚSICA CONTEMPORÁNEA
15 y 16 de enero
Nace en Madrid, donde cursa las carreras de órgano y composición en el Real
Conservatorio Superior de Música de Madrid. Amplía estudios de órgano en Barcelona,
con M. Torrent, y de Composición en el Aula de Música de la Universidad
de Alcalá, con J. L. de Delás. Asimismo, asiste a cursos de composición y análisis
musical con L. de Pablo, S. Sciarrino, B. Ferneyhough, T. Murail, G. Grisey,
H. Lachenmann, etc. En París, realiza cursos de composición e informática musical
en el IRCAM con M.A. Dalbavie, N. Schnell, J. Harvey y R. Reynolds, entre
otros.
De sus obras podemos destacar: “Ecos del pensamiento” (2º premio SGAE
1995), “En el azul” (encargo INAEM 1995), “Siluetas sobre fondo de silencio”
(Premio INAEM 1997),“Elde” (Festival Aujourd´hui Musiques 2000), “El destino
de Euterpe” (encargo del E. Télémaque 2002), “Redes al tiempo” (encargo del
CDMC, 2002), “Pleamar” (encargo del CDMC 2005), “Aymará” (encargo FIMTC
2007), “La noche en ti no alterna” (encargo CNE e INAEM 2007), etc.
Doctora en Filosofía por la UNED, ha impartido cursos y conferencias sobre Análisis
Musical, Composición y Estética Musical en diversas universidades y conservatorios
(Conservatorio Superior de Música de Salamanca, Aula de Música de la
Universidad de Alcalá, Universidad Internacional Menéndez Pelayo, Manhattan
School of Music, Staatliche Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart…)
Ha sido profesora de Composición en el Conservatorio Profesional de Música
“Joaquín Turina” de Madrid y en la actualidad desarrolla su actividad docente
como profesora de Análisis en el Real Conservatorio Superior de Música de
Madrid y como profesora del Máster en Creación e Interpretación Musical que
organiza la Universidad Rey Juan Carlos.
[ 23 ]

[ 24 ]
La voz en mis Óperas “FAMA” y
“Wüstenbuch” (Libro del desierto)
Profesor: Beat Furrer
Traductor: Luis Gabriel Juretschke
Partiendo del sonido de la voz hablada, he convertido una y otra vez de forma
diferente el paso del hablar al cantar en tema compositivo.
Apoyado en el análisis de voces habladas y cantadas de diferentes culturas del
canto, se ha convertido la relación de la voz con el aparato instrumental en el
centro de mi trabajo compositivo.
He sondeado diferentes formas de expresividad del sonido de la voz y su relación
con la palabra y el signifi cado.
Información del curso
Horario: Sábado y Domingo de 10,30 a 13,30 y de 16 a 19 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Beat Furrer
MÚSICA CONTEMPORÁNEA
2 y 3 de abril
Beat Furrer nació en Schaffhausen (Suiza) en 1954 y recibió en la Escuela de
Música de esa ciudad su primera formación de piano. Después de su traslado
a Viena en el año 1975, estudió dirección de orquesta con Otmar Suitner y
composición con Roman Haubenstock-Ramati en la Hochschule für Musik und
Darstellende Kunst de esa ciudad. En el año 1985 fundó el Klangforum Wien que
dirigió hasta 1992 y con el que mantiene desde entonces estrechos lazos como
director musical. Su primera ópera, “Die Blinden” (Los ciegos), fue un encargo
de la Staatsoper de Viena, “Narcissus” se estrenó en 1994 en la ópera de Graz
dentro del festival “steirischer herbst”. En 1996 se le nombró “Composer in
residence” durante las Semanas Musicales de Lucerna. Su pieza de teatro musical
“BEGEHREN” se estrenó en 2001 en Graz, en 2003 su ópera “Invocation”
en Zürich y en 2005 “FAMA”, obra teatral para escuchar, en Donaueschingen.
Desde otoño de 1991, Furrer es catedrático de composición en la Hochschule
für Musik und Darstellende Kunst de Graz. Desde 2006 es catedrático invitado
de la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst de Frankfurt. En 2004 recibió
el Premio de la Música de la Ciudad de Viena y desde 2005 es miembro de la
Academia de las Artes de Berlín. En 2006 se le otorgó el León de Oro de la Bienal
de Venecia por su obra “FAMA”.
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Didáctica del piano
Károly Binder 20 y 21 de noviembre
Eva Alcázar 5 y 6 de febrero
Elisa Agudíez 26 y 27 de febrero
Rita Wagner 12 y 13 de marzo
Miriam Gómez-Morán 7 y 8 de mayo

[ 28 ]
Pensamiento vertical y horizontal
en las improvisaciones
Profesor: Károly Binder
Traductora: Judit Faller
1. Textura orgánica y fi guraciones en el jazz
2. Aplicación del sistema axial a la melodía y a la técnica de rearmonización
3. El juego “In” y “Out” en la creación melódica
4. Extrapolaciones
5. Técnicas de rearmonización
6. Pentatonía e improvisación
El profesor Károly Binder ofrecerá un concierto el sábado 20 de noviembre a las
19,30 horas en el Aula de Música
Información del curso
Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 17 horas
Domingo de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 18 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Károly Binder
DIDÁCTICA DEL PIANO
20 y 21 de noviembre
Pianista y compositor, nacido en Budapest en 1956, comenzó sus estudios musicales
en la Escuela Elemental de Música de Bajza a los 5 años para continuar en
el Departamento de Jazz del Conservatorio (Centro Profesional de Enseñanzas Integradas)
“Béla Bartók”, bajo la tutela de Janos Gonda, donde se graduó en 1979.
Completó sus estudios en el Departamento de Jazz de la Escuela Superior de Formación
del Profesorado de la Academia “Ferenc Liszt” de Budapest como pianista
de Jazz, profesor de piano y de teoría del Jazz, compositor y orquestador de Jazz.
Mientras tanto continuó con sus estudios clásicos y se graduó en Música, Teoría
musical y Dirección por la Academia “Ferenc Liszt” con las mejores califi caciones.
Es profesor de piano de Jazz (además de teoría e historia del Jazz y composición
y orquestación de Jazz) desde 1979, comenzando en el Departamento de Jazz de
la Escuela de Música “Ferenc Erkel” (1980-88), más tarde en el Departamento
de Jazz del Conservatorio “Béla Bartók” (1988-90), después en el Departamento
de Jazz de la Academia “Ferenc Liszt” (1990-2000) y fi nalmente catedrático de
piano de Jazz en el Departamento de Jazz de la actual Facultad de Formación del
Profesorado de la Academia “Ferenc Liszt” de Budapest, a partir del año 2000.
Actualmente es Decano de dicha Facultad.
Imparte clases magistrales regularmente desde 1991 (Budapest, Pécs, Londres,
Berlín, Helsinki…).
Concertista habitual, ha interpretado sus creaciones por todo el mundo (Londres,
Hamburgo, Berlín, Frankfurt, Estocolmo, Ámsterdam, Helsinki, Copenhague, Colonia,
Essen, Friburgo, Atenas, Viena, Ankara, El Cairo…) en más de 800 ocasiones, como
solista o acompañado de diversas formaciones (grupo de percusión Amadinda,
Orquesta Filarmónica de la Radio de Hungría…) y ha colaborado con músicos de
todo el mundo y de todas las tendencias, como Trilok Gurtu, Márta Sebestyén,
Ramesh Shotham, etc.
Autor de más de 100 composiciones para piano, piano preparado, dos pianos,
cámara y orquesta, con 42 creaciones para bandas sonoras de cine, teatro y radio.
Su discografía consta de 61 CDs hasta el momento, algunos de los cuales han recibido
premios (Kontinentspiel en 1989, Dance-Music con R. Shotham en 1991…).
Otros galardones:
1º Premio en el Encuentro Internacional de Jazz de Kalis (1981)
1º Premio de la Radio Húngara (1986)
Premio “eMeRTon” al mejor solista (1989)
Premio “Ferenc Erkel” (2003)
[ 29 ]

[ 30 ]
Introducción a las vanguardias
pianísticas del siglo XX y XXI
Profesora: Eva Alcázar
Objetivos:
• Proporcionar al profesor las herramientas adecuadas, tanto práctica como
estéticamente, para transmitir a los alumnos el interés y la curiosidad por
las vanguardias pianísticas del siglo XX y XXI
• Conocer y practicar en el piano las grafías más utilizadas en la escritura pianística
contemporánea
• Conocer y experimentar el sonido del piano preparado
• Conocer todas las posibilidades del piano como fuente sonora, incluido el
encordado
• Experimentar el piano integrado a la música electro-acústica
Contenidos:
• La revolución atonal: Schönberg y la reivindicación de la disonancia
• Anton Webern. Brevedad y economía de medios
• Alban Berg, Sonata Op. 1
• Olivier Messiaen: la tímbrica, los colores y el ritmo
• Serialismo Integral: Pierre Boulez y Karlheinz Stockhausen
• Piano preparado: John Cage. Materiales para modifi car el timbre
• Nuevas grafías y música aleatoria
• El piano en la música electro-acústica
Información del curso
Horario: Sábado de 10,00 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 14,30 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Eva Alcázar
DIDÁCTICA DEL PIANO
5 y 6 de febrero
Nace en México en donde inicia sus estudios de piano y música con Adela Ruiz
Flores y Berthe Huberman de Odnoposoff.
Durante varios años es alumna de Luz María Puente. Termina su carrera de pianista
concertista en el Conservatorio Nacional de Música de la Ciudad de México.
Becada por el Instituto de Cooperación Iberoamericana, perfecciona sus estudios
con Joaquín Soriano, Beata Monstavicius y Agustín Serrano.
Su repertorio abarca tanto la música tradicional como la contemporánea. Ha
estrenado numerosas obras de compositores españoles y mexicanos.
Ha tocado en varias ocasiones en las temporadas del Centro de Difusión para la
Música Contemporánea (CDMC).
Representó a España en las ediciones XVII (1989) y XXX (2002) del Festival
Internacional Cervantino de Guanajuato, México, donde fueron estrenos absolutos
Morfología Sonora I de Carlos Cruz de Castro y Refl exiones y Memorias de
Francisco Núñez (ambas obras dedicadas a ella y escritas especialmente para la
ocasión) en 1989, así como Tango Herreño de Zulema de la Cruz en 2002. Radio
Clásica de Radio Nacional de España ha grabado varios de sus recitales. Ha estrenado
obras de Tomás Marco, Ramón Barce, Daniel Zimbaldo, Carles Guinovart,
Josep Soler, Agustín González Acilu, Manuel de Elías, Manuel Enríquez, Gerhart
Muench, Heberto Alcázar, Ramón Montes de Oca, Itziar Fadrique, Jorge Torres
Sanz, Mario Lavista, etc.
En 1993 grabó un CD por encargo del Instituto Nacional de Bellas Artes de México
con obras que compositores mexicanos y españoles le han dedicado expresamente.
Desarrolla una intensa labor pedagógica, siendo desde 1988 Profesora de Piano
en el Conservatorio Profesional de Música “Adolfo Salazar” de Madrid.
Imparte los cursos “Didáctica de la Técnica Pianística” y “Vanguardias Pianísticas
del siglo XX y XXI” en conservatorios y escuelas de música en España y en
México.
[ 31 ]

[ 32 ]
¡Hay muchas posibilidades para
estudiar una obra!
Profesora: Elisa Agudíez
El trabajo continuado en el instrumento es la condición indispensable para
aprender una obra.
¿Cómo ha estudiado el alumno para preparar su clase?
Nosotros, los profesores, ¿les preparamos adecuadamente en este terreno?
Todo empieza con nuestra propia historia como alumnos de piano.
A través de las lecciones de nuestros maestros hemos desarrollado estrategias
que nos conducen al éxito o al fracaso.
Mi experiencia en este tema, me muestra a diario que muchos pianistas no son
conscientes de este aspecto esencial de la vida de un músico.
En el curso trataremos sobre métodos para mejorar nuestro trabajo diario y
también hablaremos sobre varios aspectos de la práctica pianística, no sólo pedagógicos
sino también psicológicos, fi siológicos, históricos, etc.
La práctica del piano (o de cualquier otro instrumento) no fi naliza con el aprendizaje
de las obras. La preparación para el concierto o el examen es igualmente
importante si se quieren mostrar los resultados del trabajo realizado.
Y como fi nal, no debemos olvidar que el método de estudio utilizado, refl eja un
modelo de nuestra visión frente a la vida, y que trasmitimos, como maestros, a
las generaciones más jóvenes.
Información del curso
Horario: Sábado y Domingo de 10 a 13,30 y de 15,30 a 18 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Elisa Agudíez
DIDÁCTICA DEL PIANO
26 y 27 de febrero
Realizó sus primeros estudios musicales en el Real Conservatorio Superior de
Música de Madrid, su ciudad natal. En 1974 se trasladó a la ciudad alemana
de Friburgo, donde realizó cursos de piano, música de cámara y dirección de
orquesta. Allí obtuvo el diploma de concertista de piano.
Fue miembro del conjunto del Institut für Neue Musik de Friburgo. Con este
conjunto actuó en numerosos conciertos y tomó parte en grabaciones de radio
y televisión en diversos países europeos.
Ha sido profesora de música de cámara en la Musikhochschule de Trossingen y
actualmente es profesora de piano en la Musikhochschule de Karlsruhe, ciudad
en la que reside.
Colabora frecuentemente con el Aula de Música de la Universidad de Alcalá,
destacándose sus cursos de Pedagogía de Música de Cámara dirigidos a profesores
de cuerda y de piano de grado profesional de conservatorio o los dedicados
a Ludwig van Beethoven y Carl Czerny.
Paralelamente a su labor docente cabe destacar su dedicación a la música de
cámara en todo tipo de formaciones, su trabajo como acompañante y su gran
interés por la música del siglo XX. Su repertorio abarca desde el tradicional hasta
las obras más recientes de la literatura contemporánea. Ha realizado numerosos
estrenos.
[ 33 ]

[ 34 ]
Curso de didáctica del piano
dirigido a profesores de grado
elemental y profesional
Profesora: Rita Wagner
El curso está dirigido a profesores de piano de las etapas elemental y media,
que podrán a su vez participar como activos con sus propios alumnos.
El repertorio que se trabajará en las clases (obras y estudios) será propio de las
etapas mencionadas.
Los participantes activos podrán acogerse a una de estas opciones:
a) Profesor matriculado que recibe clase de 60 minutos.
b) Profesor matriculado que recibe 30 minutos de clase y su alumno otros
30 minutos (las dos clases pueden hacerse con la misma o distinta obra).
Los participantes oyentes que deseen que sus propios alumnos (máximo 2)
reciban 30 minutos de clase de la Profesora, deberán inscribirlos al formalizar
su propia matrícula.
Todas las matrículas de activos serán aceptadas por riguroso orden de llegada.
En la inscripción se deberán detallar las obras a interpretar. El Aula de Música
podrá rechazar obras o estudios que por su envergadura excedan los planteamientos
del curso.
Los alumnos de profesores participantes no podrán obtener diploma del curso.
Información del curso
Horario: Sábado y Domingo de 10 a 14 y de 16 a 19 horas
Duración: 14 horas lectivas
Matrícula: Participante activo: 172,00 €
Participante oyente: 132,00 €
Alumno de participante oyente: 20,00 €
Consulte la información general en la página 92

Rita Wagner
DIDÁCTICA DEL PIANO
12 y 13 de marzo
Es profesora de la Academia de Música “Ferenc Liszt” de Budapest. Especialmente
interesada en la pedagogía, ha realizado una gran labor educativa en su
país. Desde el primer curso impartido en el Aula de Música de la Universidad de
Alcalá en 1992, ha mantenido una estrecha relación con España a través de numerosos
cursos y también con alumnos españoles que no han dudado en irse a
Hungría a estudiar con ella. Destaca por su gran optimismo, siempre dispuesta a
sacar lo mejor de cada alumno, y por su capacidad de hacer entender el espíritu
de la música de una manera lúdica y amena.
[ 35 ]

[ 36 ]
Claves interpretativas históricas de
la música para piano de Liszt
Profesora: Miriam Gómez-Morán
En nuestros días es cada vez más frecuente que la música anterior a Beethoven
y Schubert se toque de una manera lo más fi el posible a como se hacía en la
época. En cambio, cuando llegamos al repertorio romántico, comprobamos que
hay muy pocos ejecutantes que lo aborden con un criterio histórico sólido. Esta
carencia se hace especialmente patente en el caso de la obra de Liszt. El presente
curso trata de ayudar a los profesionales a familiarizarse con los principales
aspectos interpretativos de la producción pianística del compositor húngaro, del
cual celebramos en 2011 el 200 aniversario de su nacimiento.
En el curso se tratarán los siguientes aspectos:
• Los pianos de Liszt y su infl uencia en la escritura y la imaginación sonora
de éste
• Costumbres interpretativas generales de la época. Coincidencias y divergencias
• Tempo, fraseo y articulación
• Improvisación en obras escritas y alteraciones del texto
• Pedalización
• El problema del concepto estructural lisztiano
• El programa como ayuda para la interpretación
Para ello, se empleará el siguiente material:
• Grabaciones efectuadas con instrumentos históricos
• Grabaciones históricas de alumnos de Liszt
• Tratados de interpretación
• Testimonios escritos de personas que oyeron tocar o dar clase a Liszt
• Datos extraídos de partituras que presentan correcciones efectuadas por
el compositor durante sus clases
Información del curso
Horario: Sábado y Domingo de 10,30 a 13,30 y de 16 a 19 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Miriam Gómez-Morán
DIDÁCTICA DEL PIANO
7 y 8 de mayo
Alan Walker, autor de la célebre biografía de Liszt en tres volúmenes y gran
especialista en el músico húngaro, ha dicho de ella: “Me quedé profundamente
impresionado por su recital con obras de Liszt. Su ejecución de las Variaciones
“Weinen, Klagen” fue un tour de force, mientras que su interpretación del formidable
“Valle de Obermann” fue la mejor que yo haya escuchado jamás. No
era sólo una cuestión de técnica, que ella posee en abundancia. Uno se daba
cuenta de que una verdadera artista estaba presidiendo al teclado.”
Nacida en Madrid, Miriam Gómez-Morán comienza sus estudios de piano a los 11
años en el Real Conservatorio Superior de Música de su ciudad natal, donde obtiene
su Título de Profesor Superior de Piano en 1994, teniendo como profesores a Carmen
Deleito, Manuel Carra y José Luis Turina. Durante este período recibe con frecuencia
consejos de Josep Colom. En 1992 se traslada a Budapest (Hungría), donde
realiza un posgrado de cuatro años en la Academia de Música “Ferenc Liszt” bajo la
dirección de Ferenc Rados. Otros profesores suyos durante este tiempo fueron
Károly Botvay y Kornél Zempléni. Entre 1998 y 2000 realiza estudios de clave y
fortepiano en la Musikhochschule de Freiburg (Alemania) con Robert Hill y Michael
Behringer, así como de piano con Tibor Szász. Asimismo, recibe consejos del clavecinista
Vital Julian Frey. Obtiene los títulos de Musiklehrer (2000) y de Künstlerische
Ausbildung (2002) en la especialidad de Instrumentos Históricos de Teclado.
Galardonada en numerosos concursos nacionales e internacionales, Miriam Gómez-
Morán mantiene desde los doce años una creciente actividad concertística con actuaciones
en diversos países europeos y en Norteamérica como intérprete de piano,
fortepiano y clave. Además de sus apariciones como solista en recital y con orquesta,
realiza frecuentemente conciertos como componente de grupos de cámara y de
música contemporánea. Forma dúo habitual con Javier Bonet (trompa). Es miembro
fundador del Trío “Auf dem Strom” y del Ensemble Dreisam.
Ha realizado estrenos de compositores como Rogelio Groba, César Camarero,
Vicente Roncero, Icli Zitella y Alejandro Trapero.
Su producción discográfi ca ha aparecido en los sellos VERSO y ARSIS, entre otros.
Cabe destacar el CD Liszt: Piano Works (VRS 2014) y los dos grabados junto a
Javier Bonet: Tableau Musical (ARSIS 4191) y Sonatas para fortepiano y trompa
natural (ARSIS 4191). Todos ellos han sido acogidos con grandes elogios por la
crítica. También ha participado, junto a otros cinco pianistas españoles, en el
registro de la Integral de las Sonatas para piano de Mozart, promovido por la
Universidad Autónoma de Madrid. Además, ha grabado en varias ocasiones para
radio y televisión en diversos países.
Es autora de varios artículos sobre música en revistas especializadas y es invitada
a impartir clases magistrales con regularidad. Desde el año 2000 es catedrática de
Piano en el Conservatorio Superior de Música de Salamanca.
[ 37 ]

Didáctica de los
instrumentos de cuerda
Claudio Forcada 18 y 19 de diciembre
María Macedo 19 y 20 de febrero
Eduardo Ortega 5 y 6 de marzo
Christophe Bossuat 26 y 27 de marzo

[ 40 ]
Efectividad en la enseñanza de los
instrumentos de cuerda
Profesor: Claudio Forcada
Independientemente del método utilizado, hay profesionales de la enseñanza
de la cuerda que sobresalen sobre el resto, llamando la atención de alumnos
y colegas. Unos destacan porque consiguen buenos solistas, otros porque son
capaces de elevar el nivel técnico y musical de alumnos con características y
orígenes muy diversos, otros por las dinámicas de sus clases y otros porque saben
priorizar las difi cultades a trabajar así como dar al alumno las herramientas
adecuadas en cada momento.
En un estudio realizado entre 2008 y 2010 se analizaron los hábitos de enseñanza
de 20 profesores procedentes de Estados Unidos, Reino Unido y España que
utilizan ideas de Suzuki, Rolland, Havas y otros. Se observaron características
comunes a aquellos más experimentados que pueden servir de guía a los más
noveles y que serán analizadas en el curso. Entre ellas fi guran aspectos como
la planifi cación, estructura e intensidad de las clases, la comunicación con los
alumnos, padres y compañeros, las herramientas utilizadas para evaluar, así
como las estrategias para desarrollar la memoria y mantener altos niveles de
motivación en el alumnado.
El Profesor sugiere que los participantes traigan sus instrumentos y además
todos los interesados podrán asistir con sus propios alumnos (entre 4 y 12 años)
para ilustrar en breves sesiones prácticas los aspectos teóricos analizados. Para
un buen funcionamiento del curso, se ruega comunicarlo con antelación al Aula
de Música.
Información del curso
Horario: Sábado de 10 a 14 y de 16 a 19,30 horas
Domingo de 9,30 a 14 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Claudio Forcada
DIDÁCTICA DE LOS INSTRUMENTOS DE CUERDA
18 y 19 de diciembre
Nacido en Córdoba, es profesor de violín especialista en los métodos Suzuki
(diplomado por la European Suzuki Association) y New Approach (formado en
Oxford con Kato Havas). Ha impartido clases en los conservatorios de Ciudad
Real, Albacete, Alcañiz y La Coruña, así como en el Reino Unido desde 2006.
Desde 1988 ha formado parte de numerosas agrupaciones incluyendo la Orquesta
Ciudad de Córdoba, Orquesta Joaquín Turina y el “Phantasy Quartet”. En
2007 fundó el “Altísimo Ensemble”, con el que grabó un CD en 2008 e hizo su
presentación en el Royal Festival Hall de Londres en febrero de 2009. Recientemente
ha ofrecido conciertos con “Tactum-Ensemble” en España e Inglaterra.
En 2001, fue seleccionado por la Xunta de Galicia para elaborar el currículo del
grado superior de enseñanzas artísticas. Ha dirigido las Aulas de Verano del
Ayuntamiento de Oleiros (A Coruña), el Seminario de Pedagogía del Violín (A
Coruña), el Aula Internacional de Música Caixa Galicia (Cambados –Pontevedra)
y ha sido director artístico de Edartmus.
En la actualidad tiene su residencia en Londres, es responsable de la asignatura
de Didáctica de la Cuerda en la VIU (Valencian Internacional University), imparte
clase de violín en el Bayswater Suzuki Group y dirige su propio proyecto en el
norte de Londres. En 2009 y 2010 ha trabajado para la fundación London Music
Masters en el “Bridge Project”, un proyecto de “community music” en zonas
desfavorecidas del sur de Londres. Habitualmente ofrece cursos para profesores
en centros como el Aula de Música de la Universidad de Alcalá, ESMUC de
Barcelona, Conservatorio Superior de Zaragoza, Institute of Education (Londres),
Birmingham City University, y otros centros de España, Islandia, Irlanda, Italia
y Reino Unido. Claudio Forcada es director del Scherzo Suzuki Workshop y del
Seminar for String Teachers, ambos en Londres, miembro del comité de administración
del London Suzuki Group, realiza una tesis doctoral en la Birmingham
City University y ha publicado artículos en revistas especializadas de España,
Italia, Reino Unido e Irlanda.
[ 41 ]

[ 42 ]
El Violonchelo: la ausencia de la música
difi culta la técnica. La ausencia de la
técnica difi culta la realización musical
Profesora: María Macedo
1. La diferencia de actitud entre estudiar y tocar
2. El concepto de rigor
3. Música y cultura
4. Razón y emoción
5. Música e imaginación
6. El Grado Elemental, Profesional y Superior se conectan entre sí por idénticos
principios musicales
7. Métodos de trabajo de: Fuillard (Daily exercises), J. Starker (A Method of
Cello Playing), Sevcik, Galamian. Estudios de Duport, Popper, Piatti, Servais.
Escalas. Repertorio
Información del curso
Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 14 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

María Macedo
DIDÁCTICA DE LOS INSTRUMENTOS DE CUERDA
19 y 20 de febrero
Inicia sus estudios de violonchelo en Oporto (Portugal) hasta obtener el grado
superior con la profesora Madalena Costa. Le otorgan el premio “Suggia”.
Sigue su formación en Europa con Pierre Fournier y Enrico Mainardi y continúa en
EE.UU. (Bloomington) con una beca como alumna y asistente de Janos Starker.
Se formó en música de cámara con G. Sebok, B. Greenhouse y M. Pressler y en
música antigua con Safford Cape en Bélgica.
En la década de 1950-60 realizó una intensa actividad como solista, ofreciendo
recitales, conciertos con orquesta y realizando grabaciones. Esta actividad culminó
con su presentación en el Wigmore Hall de Londres.
Fue miembro de las orquestas Sinfónica de Oporto, Nacional de Lisboa y durante
diez años en la Orquesta Gulbenkian como solista.
Ha impartido numerosos cursos en diferentes lugares de la geografía española.
En el año 2001 creó el prestigioso Forum de Violonchelos de España que sigue
funcionando y constituye un referente para los estudiantes de violonchelo de
los conservatorios españoles.
Reside en Madrid desde 1975 dedicándose a la enseñanza.
[ 43 ]

[ 44 ]
Improvisación en el violín
Profesor: Eduardo Ortega
La improvisación en el violín es una herramienta musical y didáctica.
Estudiar técnica puede resultar divertido si tenemos las herramientas necesarias. Las
metodologías que se utilizan para el estudio de cualquier estándar de jazz, blues,
swing, etc… son igualmente válidas para el estudio de la técnica violinística y cuando
las incorporamos al aprendizaje:
– ayudan al alumno a afrontar sus horas de estudio personal de una forma más
dinámica y creativa.
– ayudan al maestro a estimular la motivación de sus alumnos facilitando el aprendizaje
de la técnica violinística y combinándolo a su vez con una actividad creativa
y artística.
A su vez enriquecemos la autocrítica al conectar artísticamente con otros estilos que
potencian rasgos musicales y creativos complementarios e indispensables para la formación
integral del músico como pueden ser el oído armónico, la música en grupo en
el estudio individual, la utilización de nuevas tecnologías aplicadas al violín, la historia
de la música moderna.
El proyecto recorre los siguientes puntos:
• La Improvisación
– Recursos de improvisación
– Organización del estudio de la improvisación básica
• Técnica
– Escalas de improvisación
– Fraseo y respiración
– Forma y discurso
• Estilos musicales
– Acercamiento a grandes fi guras
– Creación de un repertorio
• Nuevas tecnologías
• Composición
• Audiciones y conciertos
• Material didáctico
La motivación de los alumnos de violín se ve multiplicada cuando introducimos en su
aprendizaje nuevos elementos en este sentido, que complementan su educación y
que abren el camino hacia nuevas especialidades que ya están vigentes desde hace
mucho tiempo.
Información del curso
Horario: Sábado de 10 a 13 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 13 y de 15 a 17 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Eduardo Ortega
DIDÁCTICA DE LOS INSTRUMENTOS DE CUERDA
5 y 6 de marzo
Nace en Madrid en 1978. Estudia violín con Patricio Díaz Canas, Sergio Castro, Ara
Malikian, Polina Kotliarskaya, Vartan Manoogian, Agustí Coma, Mikhail Milman,
Joaquín Clerch, Liang Chai (Juilliard School), Manuel Guillem, Arpad Bodó, Cristoph
Bruggemann. Estudia con beca de A.I.E. un postgraduado en L´Aula de Jazz del Liceu
de Barcelona, programa de la Berklee College of Music de Boston.
Ha actuado por todo el mundo, Estados Unidos, Canadá, Francia, Italia, Noruega,
Holanda, México, Alemania, España, Rusia, China (Macau, Hong Kong), Korea del Sur,
Portugal, Escocia, Bélgica, Braga, San Sebastián, Ibiza, Luxemburgo.
Profesor en el Conservatorio de Madrid. Aparte de su carrera clásica colabora habitualmente
con el panorama de pop, rock y fl amenco nacional.
Toca la mandolina y la guitarra, colabora en diversas bandas sonoras de cine como
“Hable con ella” de Pedro Almodóvar de la mano de Alberto Iglesias y compone
junto a Luis López de Segovia su primera banda sonora original para el largo “La
venganza de Ira Vamp” de Álvaro Saez de Heredia.
Premios
En 1997 Primer Premio en el Primer Concurso Internacional de Música de Cámara
de Sigüenza.
En 1999 Premio al mejor intérprete de rock de la Comunidad de Madrid en el Festival
Villa Rock de Madrid, premio otorgado por A.I.E.
En 2008 Premio al mejor espectáculo “Pagagnini” en el Fringe Festival de Edimburgo.
En 2008 Premio del público a “Pagagnini” en el Festival de teatro de Chiclana, Cádiz.
En 2009 Moers Comedy Preis, “Pagagnini” en el International Comedy Arts Festival
en Moers, Alemania.
En 2009 Mejor espectáculo musical, “Pagagnini” en el Teatro Rojas, Toledo.
Formaciones recientes
Miembro fundador del cuarteto de teatro y comedia musical “Pagagnini”. Fue miembro
del Cuarteto Creativo y Camerata Creativa de la Escuela de Música Creativa de
Madrid, del Quinteto de Jazz del contrabajista Baldo Martínez y actualmente es productor,
arreglista y director musical en el proyecto de teatro musical “Stradivarias”.
Pone voz a sus propias canciones en el proyecto de rock “Los chicos de los viernes”.
[ 45 ]

[ 46 ]
Refl exiones sobre la enseñanza de
los instrumentos de cuerda para
los tiempos venideros
Profesor: Christophe Bossuat
Traductor: David Marco
– ¿Por qué formamos a violinistas hoy en día? ¿Cuáles son nuestras motivaciones?
¿Cómo vemos a nuestros alumnos?
– Relación entre el instrumento y el cuerpo: equilibrio, peso y movimiento
– La expresión del sonido y la expresión de uno mismo
– ¿Qué pedagogía para qué edad?. La contribución de la pedagogía Suzuki
– La conexión de lo físico, lo mental y lo emocional. El lugar de la imaginación
– La dinámica de la enseñanza colectiva
– La improvisación
– El desarrollo del repertorio y el principio de integración
– Conservar un sentimiento positivo y una buena energía en la enseñanza
– Eventuales demostraciones prácticas con alumnos o grupos
El Profesor sugiere que los participantes traigan sus instrumentos y además todos
los interesados podrán asistir con sus propios alumnos (niveles principiante,
medio y avanzado) para ilustrar en breves sesiones prácticas los aspectos teóricos
analizados. Para un buen funcionamiento del curso, se ruega comunicarlo
con antelación al Aula de Música.
Información del curso
Horario: Sábado y Domingo de 10 a 13,30 y de 15,30 a 18 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Christophe Bossuat
DIDÁCTICA DE LOS INSTRUMENTOS DE CUERDA
26 y 27 de marzo
Nacido en Bourges (Francia). Obtiene su título de bachiller en 1972 y termina
con éxito sus estudios de música en la Escuela Nacional de Música de Bourges,
y prosigue sus estudios superiores de violín en París con Pierre Doukan y Sylvie
Gazeau. Es laureado en 1973 en el Concurso General de Música Léopold Bellan
en París. El mismo año, consigue el premio de la Villa de Bourges por los resultados
obtenidos en sus estudios musicales.
En 1976, el Ministerio de Asuntos Exteriores francés le otorga una beca para iniciar
investigaciones pedagógicas sobre la enseñanza de cuerdas, con el maestro
Shinichi Suzuki, en Japón. Estudia durante dos años con el maestro en el Instituto
de la Educación del Talento de la ciudad de Matsumoto, y seguirá manteniendo
el contacto con él durante diez años.
Después de sus estudios en Japón, pone en práctica durante seis meses la pedagogía
aprendida en colaboración con los pioneros de este movimiento en Estados
Unidos. De vuelta a Francia, crea el Instituto Musical Suzuki de Lyon junto
con Judy Weigert-Bossuat al principio de los años ochenta. En este mismo período
crea la Asociación Nacional del Método Suzuki en Francia, que se convertirá
en 1988 en la Federación Musical Suzuki francesa, que tiene como objetivo la
formación de profesores, la información sobre la pedagogía Suzuki y la creación
de diversos centros en este país.
Docente de la Asociación Europea desde 1982 (de la cual es uno de los fundadores),
dirige la formación de profesores y enseña en numerosos países de Europa.
Este mismo trabajo lo lleva a cabo en EE.UU. y Canadá desde hace más de 25
años. Bossuat ha enseñado en numerosas conferencias internacionales sobre
la pedagogía Suzuki y las cuerdas en general en Londres, Berlín, Matsumoto,
Dublín, Melbourne, Tae-Jong, Santiago de Chile y Amherst (EE.UU.).
Desde el año 2000 desarrolla esta pedagogía en Sudáfrica y fomenta programas
de enseñanza en las zonas urbanas desfavorecidas en Pretoria y Ciudad del
Cabo. Ha sido nombrado presidente del Comité Internacional para el violín en
2002 por la Asociación Internacional Suzuki.
Desde 2008 desarrolla en Turquía un programa pedagógico para diversos
instrumentos.
[ 47 ]

Didáctica de la guitarra
Avelina Vidal 7 y 8 de mayo

[ 50 ]
Didáctica de la guitarra
contemporánea. El repertorio:
características y secuenciación
Profesora: Avelina Vidal
La legislación vigente y el currículo de las asignaturas instrumentales ponen
de manifi esto la importancia que supone para la formación de un músico el
conocimiento de los diferentes estilos. Sin embargo por razones socio-culturales
de diversa índole, la música llamada de vanguardia no ha merecido a veces la
atención necesaria por parte de profesores y alumnos, que se resisten a trabajar
un repertorio a priori poco difundido en las salas de concierto.
El presente curso, dirigido a profesores y pedagogos, pretende dar a conocer el
repertorio fundamental de música contemporánea para guitarra y aportar las
herramientas necesarias para su estudio en el aula. Mostrará además cómo, a
partir de los primeros cursos de enseñanza elemental y mediante la secuenciación
lógica y progresiva de las distintas difi cultades, el alumno puede llegar a
abordar el repertorio de vanguardia de manera natural.
Centrándose en el estudio de obras compuestas después de 1950 se ofrecerá
una visión lo más amplia posible de las innovaciones técnicas o estéticas que
surgieron durante este período, de las peculiaridades de la notación y de los
diferentes lenguajes.
Información del curso
Horario: Sábado y Domingo de 10 a 13,30 y de 15,30 a 18 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Avelina Vidal Seara
DIDÁCTICA DE LA GUITARRA
7 y 8 de mayo
Estudió en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid bajo la dirección
de Rocío Herrero.
Becada por el MEC amplió su formación con Eliot Fisk en la Hochschule für Musik
de Viena y en el Mozarteum de Salzburgo. Ha asistido a cursos de perfeccionamiento
con J. Williams, J. L. González-Mohino y L. Brouwer. En la especialidad de
música de cámara ha trabajado con E. Arizcuren y con J. P. Dupuy en la de música
contemporánea.
Como solista ha ofrecido conciertos en diversos países de Europa y Asia con programas
especialmente dedicados a la música española del s. XX.
Su interés por dar a conocer el repertorio de música de cámara con guitarra la
ha llevado a ofrecer diversos monográfi cos infrecuentes (N. Paganini, M. Castelnuovo-Tedesco,
…) y a formar parte de distintas agrupaciones camerísticas: Dúo
Vidal-Asensio (fl auta y guitarra), Dúo Aequaliter (dos guitarras), Trío Hispalia (violín,
guitarra y acordeón), Dúo Contraste (acordeón y guitarra), Música Desiderata
(mezzo-soprano y guitarra), Enarmonia (dos sopranos y guitarra)…
Desde hace algunos años está especialmente dedicada a la promoción de la música
contemporánea, siendo dedicataria de numerosas obras para y con guitarra.
Han escrito para ella, entre otros: J. M. Sánchez-Verdú, M. M. Mary, J. M. Mestres-
Quadreny, M. Manchado, A. Díaz de la Fuente, A. Casanova, C. Tupinambá, …
Ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Madrid, el Plural Ensemble y el Ensemble
Residencias. Así mismo ha formado parte del espectáculo interdisciplinar Música
y espacios para la vanguardia española, estrenado en el XVII Festival Internacional
de Danza de La Habana, y ha sido guitarra solista de la ópera La Profesión, del
compositor madrileño Enrique Igoa, estrenada en el XVIII Festival Internacional de
Música Contemporánea de Alicante en octubre de 2002.
Sus grabaciones más importantes las ha realizado para RNE-Radio Clásica, RTHK-
Radio 4 (Radio Televisión de Hong Kong) y Canal Satélite ECO TELEVISA (México).
Su experiencia pedagógica y el estudio de la música de su tiempo han confl uido
en el trabajo de investigación El repertorio contemporáneo para guitarra en el
currículo de Grado Medio LOGSE, realizado bajo el auspicio de la Consejería de
Cultura de la Comunidad de Madrid.
En estrecha colaboración con compositores y escritores ha creado junto a la actriz
Zulima Memba el Dúo Berenice, cuya intención es llevar a cabo proyectos de nueva
creación que integren música y palabra.
Ha impartido clases magistrales en el Oatridge International Scotland’s Guitar Festival.
Actualmente es profesora del Conservatorio Profesional de Música “Teresa
Berganza” de Madrid y del Curso Internacional de Música “Pirineos-Classic”.
[ 51 ]

Música en la
enseñanza obligatoria
Wolfgang Hartmann 6 y 7 de noviembre
Lola Bosom 12 y 13 de febrero
Barbara Haselbach 26 y 27 de febrero
Ángel Botia 7 y 8 de mayo

[ 54 ]
Los instrumentos Orff: técnica y
potencial creativo
Profesor: Wolfgang Hartmann
Hoy en día los instrumentos Orff forman parte del equipamiento del aula de música
en la mayoría de los centros educativos de Primaria y Secundaria. Estos sencillos
instrumentos ofrecen la ventaja de que permiten tocar y hacer música en grupo sin
necesidad de pasar antes por el proceso de aprendizaje de un instrumento a largo
plazo, los que conocemos por instrumentos tradicionales.
Pero el manejo relativamente fácil de este grupo de instrumentos de percusión,
puede originar un malentendido, además del menosprecio de estos instrumentos. Es
cierto que pueden producir un sonido bastante bueno de modo relativamente fácil;
pero la multitud de posibilidades sonoras que se hallan en estos instrumentos se
descubre sólo a través del uso de los mismos. Los alumnos pueden obtener experiencias
musicales propias con estos instrumentos y ésta fue la principal motivación
de Carl Orff para introducirlos en el aula.
Aunque esté lejos el papel del profesor como “profesor de instrumento”, debería
conocerlos técnicamente en profundidad para ayudar a los alumnos en este proceso
a tocarlos de manera correcta. ¡Cuántas veces se puede observar que los alumnos
tocan los instrumentos de láminas con una sola baqueta!
El curso quiere facilitar una información y un conocimiento profesional sobre los
instrumentos Orff a los profesores de música de Primaria y de Secundaria, así como
a los profesores de las Escuelas de Música y de otras instituciones que trabajan con
estos instrumentos.
Se abordarán los siguientes temas:
– La técnica de los instrumentos Orff (instrumentos de láminas y de percusión de
altura indeterminada)
– El mantenimiento de los instrumentos y la composición de un equipo razonable
para el aula
– Cómo emplear estos instrumentos en arreglos de canciones
– Piezas instrumentales para un Conjunto Orff
– Improvisación y aplicación de los instrumentos en el aprendizaje del Lenguaje
Musical
– Creaciones musicales libres a través de historias, de notación gráfi ca o partiendo
de otros recursos.
Información del curso
Horario: Sábado de 10 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 14,30 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Wolfgang Hartmann
MÚSICA EN LA ENSEÑANZA OBLIGATORIA
Nació en Würzburg (Alemania), donde realizó estudios de Trombón y de Pedagogía,
además de Música Elemental en el Orff-Institut de la Universidad Mozarteum,
Salzburgo.
Trabajó como profesor de “Colegios especializados en pedagogía Orff” en
Munich.
Director de la Escuela de Música de Klagenfurt (Austria). Profesor en el Conservatorio
del Estado Carinthia de Klagenfurt y Jefe de Departamento de Pedagogía
Instrumental, Jefe de Departamento de Pedagogía Musical y Pedagogía Musical
Elemental.
Docente en las Universidades de Música y Artes Escénicas de Viena y Salzburgo
(Mozarteum), profesor invitado en las Universidades de Música de Pekín y de
Shanghai, (China). Desde 1998, autor de programas de Pedagogía Musical en la
radio “Bayerischer Rundfunk”.
Profesor de la especialidad de Educación Musical Temprana y docente de asignaturas
pedagógicas en Musikene (Centro Superior de Música del País Vasco)
desde 2006.
Publicaciones:
6 y 7 de noviembre
Libros de texto y canciones para los centros de Educación Primaria (Austria).
Co-editor (junto con Rudolf Nykrin y Hermann Regner) de la colección de métodos
de iniciación instrumental para fl auta de pico, violín, piano y percusión
(“Querfl öte spielen und lernen”, etc. Editorial Schott, Mainz).
[ 55 ]

[ 56 ]
La voz del niño, conciencia corporal
y conectividad emocional
Profesora: Lola Bosom
A menudo los responsables de la educación musical-vocal encuentran muchas
difi cultades para extraer las potenciales capacidades de sus alumnos y a veces
abandonan la tarea, aduciendo falta de musicalidad o de oído, máxime cuando
aquellos no tienen formación musical previa.
Abordaremos el trabajo vocal en el aula o coro de niños desde una perspectiva
basada en la conciencia corporal, la relajación y la autoestima individual y
colectiva.
A través del juego, la imitación, la vivencia..., entenderemos la voz y su emisión
y afi nación como consecuencia lógica de la conectividad emocional.
El curso va dirigido a todo aquel que tenga interés por el tema y trabaje vocalmente
con niños: maestros, profesores, directores de coro...
Se contará con niños y adolescentes para realizar sesiones prácticas. Asímismo,
los participantes interesados podrán asistir al curso con sus propios alumnos,
debiendo comunicarlo al Aula de Música con antelación.
Información del curso
Horario: Sábado de 10 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 14,30 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Lola Bosom
MÚSICA EN LA ENSEÑANZA OBLIGATORIA
12 y 13 de febrero
Nace en Madrid. Es licenciada en Geografía e Historia por la UAM, título de
concertista por el Conservatorio de Lucerna (Suiza) y por la Escuela Superior de
Canto de Madrid. En 1994 fue admitida en el Estudio Internacional de Ópera de
Zürich. Ha actuado como solista bajo la batuta de P. Maag, Ros Marbá, J. Casas,
J. Company, F. Eldoro… abarcando su repertorio desde la música del Renacimiento
hasta nuestros días. Desde el 2007 es cantante del Coro Nacional de
España. Paralelamente a la interpretación ha desarrollado una intensa actividad
pedagógica tanto encaminada a niños como a adultos, y a cantores como a
profesores en diferentes marcos: UAM, Carlos III de Madrid, coro de niños de
la CAM, coros de niños y adultos de la Orquesta Sinfónica de Galicia, centro de
formación regional “Las Acacias” en Madrid, Fundación Caja Madrid, Colegio
Alemán de Madrid, Cursos de Interpretación y Técnica de Canto en Ponteareas
(Galicia), Alpedrete y Alcalá de Henares (Madrid), Fundación Magistralia, “Orff
Schulwerk” (Orff España) etc.
[ 57 ]

[ 58 ]
Interrelación de las Artes
Profesora: Barbara Haselbach
Curso teórico-práctico dirigido a profesores de Música, Danza y Artes Plásticas,
así como a personas interesadas en la interrelación de las Artes.
Todas las artes, tanto escénicas (danza, música, etc.) como fi gurativas (pintura,
escultura, etc.), tienen un origen común en la expresividad humana, como nos
muestran multitud de obras de arte de todas las épocas de la historia. Nos
proponemos hacer sentir, entender y refl ejar las semejanzas y contrastes entre
ellas.
Para eso, trataremos de experimentar y practicar, improvisar y componer con
los parámetros de tiempo, energía y espacio a través de música, dibujo, movimiento
y modelaje.
También estudiaremos ejemplos de interpretación creativa de esculturas y pinturas
del s. XX a través del movimiento, la danza y la música. Así completaremos
todas las etapas de creación, observación, comparación y refl exión didáctica.
Acudir con ropa cómoda y calzado cómodo para bailar. Se ruega traer pinturas y
block de dibujo (DIN A3).
Información del curso
Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 14 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Barbara Haselbach
MÚSICA EN LA ENSEÑANZA OBLIGATORIA
Catedrática de Didáctica de la Danza en el “Orff-Institut” de Pedagogía de la
Música y la Danza de la Universidad “Mozarteum”, Salzburgo.
Autora de varios libros y numerosos artículos sobre temas relacionados con la
danza y el movimiento, la improvisación, la educación estética y la interrelación
de las artes.
Ponente y profesora invitada en congresos y cursos realizados en más de 30
países.
Trabajos coreográfi cos para teatro, televisión y cine. Representaciones sobre la
interrelación de la Danza con las Artes Plásticas en diversos museos del mundo.
Asimismo es profesora de Yoga por la Unión Europea de Yoga.
26 y 27 de febrero
[ 59 ]

[ 60 ]
Cantar y tocar para la audición
Profesor: Ángel Botia
Describir la música con palabras es tarea difícil, si no imposible. Sin embargo, es
un clásico recurso de quienes han de introducir a otros en la escucha musical.
Este “método”, aun enriquecido con comentarios sobre el autor, época, estilo,
etc. se ha revelado poco efi caz para interesar a los más jóvenes. En busca de
una didáctica de la audición surgen sistemas de representación de la música:
dibujos, gráfi cos, los conocidos “musicogramas” (suerte de mapas que tratan de
mostrar el itinerario del discurso musical, refl ejando los acontecimientos sonoros
más de superfi cie)... Su virtud: involucran al alumno en el proceso auditivo
canalizando su atención, si bien con fuerte implicación visual. Otras propuestas
basadas en el análisis más o menos elemental de las obras completan el panorama.
En este curso se propone otra vía, que no excluye, sino complementa las anteriores:
englobar expresión y audición. Las actividades de expresión musical
(cantar, tocar, sonorizar, danzar…) tienen valor por sí mismas, fundamentando
la experiencia musical del alumno. La elección de actividades relacionadas de
diversas maneras (tema musical, melodía, ritmo, expresividad, asunto…) con
obras concretas del repertorio universal permitirá al alumno proyectar su experiencia
en el acto auditivo, estableciendo un vínculo emocional con la obra
escuchada.
La metodología del curso es activa e implica la participación del profesorado
asistente en el montaje e interpretación de los ejemplos de canto, instrumentos,
movimiento, especulación, etc., preparatorios de la audición. Al instrumentarium
escolar se añadirán, ocasionalmente, otros instrumentos de arco, pulso,
tecla o viento, en función de las posibilidades interpretativas de los asistentes,
debiendo aportar éstos sus instrumentos.
Información del curso
Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 14 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Ángel Botia
MÚSICA EN LA ENSEÑANZA OBLIGATORIA
Ha desarrollado su labor docente como profesor de Análisis Musical del Conservatorio
Profesional de Música “Teresa Berganza” de Madrid y de la Facultad de
Formación del Profesorado de la Universidad Autónoma de Madrid. Fue director
de la Capilla Musical del Seminario de Estudios de la Música Antigua. Cofundador
y profesor del Centro de Enseñanza y Desarrollo de Aptitudes Musicales
(CEDAM). Ha sido profesor de Polifonía en los Cursos Internacionales “Música en
Compostela” y profesor de Análisis y Pedagogía Musical en los Cursos de Especialización
Musical del Aula de Música de la Universidad de Alcalá.
Coautor, junto con Manuel Angulo, de material didáctico para Primaria y, en
equipo con Mª Ángeles Galán y Juan Dionisio Martín, de materiales de referencia
para la implantación de la LOGSE (Currículo ofi cial de la asignatura de Música en
ESO) por encargo del MEC.
Ponente habitual en seminarios, congresos y cursos sobre didáctica musical.
7 y 8 de mayo
[ 61 ]

Enseñanzas elementales y
escuelas de música
Christa Coogan 11 y 12 de diciembre
Rubén Fernández 15 y 16 de enero
Soili Perkiö 26 y 27 de marzo
Judit Faller 9 y 10 de abril

[ 64 ]
El cuerpo como instrumento
Profesora: Christa Coogan
Traductora: Blanca Aller
Inicialmente centraremos nuestra atención en el desarrollo de un vocabulario
elemental y creativo del movimiento, que nos conducirá a la conciencia del
cuerpo como un instrumento para la expresividad física y musical. El uso de
historias, poemas, juegos rítmicos de lenguaje y repertorio musical servirá de
trampolín para improvisar y para asentar el propio material del movimiento.
Se tratará sobre las propuestas artístico-pedagógicas de la enseñanza del movimiento
y la danza en el marco del “Orff-Schulwerk”.
Información del curso
Horario: Sábado y Domingo de 10,30 a 13,30 y de 16 a 19 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Christa Coogan
ENSEÑANZAS ELEMENTALES Y ESCUELAS DE MÚSICA
11 y 12 de diciembre
Coreógrafa, bailarina y pedagoga de la danza con interés en las correlaciones
interdisciplinares del conocimiento. Extensa experiencia en el área de la comunicación
y la didáctica de la danza contemporánea para adultos. Fundadora y
directora del programa de desarrollo profesional Tanzkunst in die Schule, curso
anual de formación para la enseñanza de la danza creativa-artística en la escuela,
del departamento de Ciencias del Deporte de la Universidad de Tecnología de
Munich. Experta en la realización y puesta en escena de coreografías avanzadas
para afi cionados con diferentes niveles iniciales. Avezada en danza educacional
relacionada con los procesos exitosos de aprendizaje y master en Musicoterapia.
Asimismo, como artista en residencia de Tanz und Schule, realiza proyectos coreográfi
cos con niños y jóvenes.
Profesora en diversas universidades y conservatorios de danza (“Leopold
Mozart” Center de la Universidad de Ausburgo, “Orff-Institut” de Salzburgo, Dance
Center “Iwanson” de Munich) y bailarina en compañías como “Randance”
o la “Juilliard Dance Ensemble”. Realiza talleres, cursos, clases de ballet clásico
y danza moderna y contemporánea, técnica de desbloqueo, improvisación
de contacto, notación y método “Laban”, danza barroca (con maestros como
H. Holm, A. Corvino, R. Steinberg y M. Morris) en USA, Korea, Taiwan, Turquía,
España, Italia, Suiza, Alemania, Austria...
[ 65 ]

[ 66 ]
El profesor-director de orquestas
infantiles y juveniles
Profesor: Rubén Fernández
La orquesta es uno de los equipos humanos mejor organizados y estructurados. Contar
con una buena partitura proporciona un guión de funcionamiento perfecto. El director
no tiene más que traducir en gestos las indicaciones del compositor y conseguir de los
instrumentistas el máximo rendimiento individual para que el resultado del grupo sea
óptimo. Para ello es imprescindible elegir un repertorio adecuado, un buen trabajo en los
ensayos y una actitud motivadora.
En la orquesta se encuentran algunos de los mayores tesoros culturales que la música
occidental ha generado. Acceder a ellos no siempre es fácil para los alumnos por falta de
medios como el tiempo, los instrumentos necesarios o la propia difi cultad de las obras.
Sin embargo, practicar música en grupo es, con toda seguridad, una de las actividades
que mayores benefi cios aporta al estudiante. Tanto en pequeños grupos de música de
cámara como en la orquesta (y en todo tipo de conjuntos instrumentales) es donde se
adquieren habilidades y destrezas que van a permitir desarrollar las capacidades imprescindibles
para entender, apreciar y disfrutar la música.
Cuanto antes acceda el alumno a estas actividades grupales, más fácil será ayudarle a
adquirir los recursos técnicos y psicológicos necesarios para ejercerlas correctamente.
Habilidades tales como el oído polifónico, el sentido del ritmo, la afi nación, el equilibrio
sonoro, la adaptación y coordinación con el grupo, la adaptación a la batuta, el fraseo
musical, la comprensión del carácter, los diferentes estilos musicales, en fi n, la lectura
comprensiva de la partitura, han de ejercitarse desde el inicio de la práctica instrumental
para desarrollarlas.
Asimismo, la orquesta contribuye a desarrollar aspectos de la personalidad, como la
socialización, la corresponsabilidad, el liderazgo, la sensibilidad, la generosidad y la disciplina,
a través de un trabajo de equipo que obliga a todos a someterse al colectivo para
conseguir juntos un mismo fi n: convertir los signos musicales, que permanecen anónimos
para el público en la partitura, en sonido y presencia vital de la expresión del compositor.
Esta labor mediadora entre el creador y el público, sin la cual el hecho musical no
es posible, convierte la experiencia orquestal, enfocándola con el espíritu adecuado, en
una vivencia apasionante y enriquecedora.
Información del curso
Horario: Sábado de 10 a 14 y de 16 a 19,30 horas
Domingo de 9,30 a 14 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Rubén Fernández
ENSEÑANZAS ELEMENTALES Y ESCUELAS DE MÚSICA
15 y 16 de enero
Director, violinista y profesor de Música de Cámara, se formó en el Real Conservatorio
Superior de Madrid y en el “Robert Schumann” Institut de Düsseldorf.
Con el trío “Kronos” obtuvo el Premio de Honor del Conservatorio Superior de
Madrid y el Premio “Ruiz de Morales” de Santiago de Compostela y desarrolló
una intensa labor camerística por toda España. Con el Grupo “Círculo” ha grabado
25 compactos de música contemporánea y ha tocado en las mejores salas de
España, Francia e Italia.
En 1980 se incorpora al Real Conservatorio de Música de Madrid como profesor
de Música de Cámara. Ha sido profesor de los conservatorios de Cáceres, Mérida
y Salamanca.
Entre 1989 y 1993 dirige el curso y Festival de Música de Cámara “Luigi Boccherini”
en Arenas de San Pedro. Dirige desde 1986 el Curso de Música de Cámara
y Orquesta y el Centro Pedagógico Musical “Arcos”. Desde el 2000 es profesor
de orquesta en el Curso de Cuerda, Música de Cámara y Orquesta de Badajoz. En
1992 fue nombrado primer director del Conservatorio Profesional “Arturo Soria”
de Madrid, donde en la actualidad es profesor titular.
Su trabajo como director se ha desarrollado en el campo de las jóvenes orquestas,
como la “Gaudeamus” de Madrid, la de Cámara de Salamanca, la del
Conservatorio de Cáceres, la de la Academia de La Filarmónica de Gran Canaria
y la de Jóvenes de Murcia, pero fundamentalmente con la orquesta “Inventas”
que fundó en 1986 y con la que ha dado un gran número de conciertos por
toda España, realizando una intensa labor formativa. Actualmente es el director
titular de la Orquesta de Cámara “Ciudad de Cáceres”.
[ 67 ]

[ 68 ]
Juegos musicales y música
tradicional para niños entre 4 y
8 años
Profesora: Soili Perkiö
Traductora: Eva Gómez Santos
Cantar, jugar, bailar juntos… es estar juntos, disfrutar, aprender, tener éxito.
¿Cómo pueden contribuir al desarrollo general del niño las actividades de Educación
en Música y Movimiento?
¡Qué gran sabiduría esconden las canciones y danzas tradicionales infantiles!
En el taller cantaremos, bailaremos y jugaremos, así como analizaremos los
elementos de las actividades que ayudan a los niños a crecer y desarrollarse.
Información del curso
Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 14 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Soili Perkiö
ENSEÑANZAS ELEMENTALES Y ESCUELAS DE MÚSICA
Nacida en Helsinki en 1958, estudió educación musical, piano y voz en la Academia
“Jean Sibelius”, especializándose en Música y Movimiento, Música Folclórica
y Educación Musical para la Primera Infancia. Título Superior en Música y Danza
en la Educación por el “Orff-Institut” de la Universidad “Mozarteum” de Salzburgo
(1991-1992).
Desde 1987, ponente de didáctica de la Música en la Universidad de Jyväskylä y
desde 1989, directora del Departamento de Formación del Profesorado en Educación
Musical de la Primera Infancia en el Conservatorio de Finlandia Central.
Desde 1995, ponente y jefa del Departamento de Educación Musical de la Academia
“Jean Sibelius” de Helsinki. Desde 1998 es ponente invitada en los estudios
superiores de Música y Danza en la Educación de la Universidad “Mozarteum” de
Salzburgo.
Desde 1985 ha escrito cerca de 50 libros, la mayoría con grabaciones incluidas,
sobre música para la Escuela Elemental y la Educación Musical de la Primera
Infancia (“Time to sing with your baby”, “Singing with children”, “Listening music
with children”, “Music and movement for children”, “Let’s make music with
choir”, “Baby Music”, “Let’s sing in the evening”, “Time to listen”, etc.) además
de libros de aprendizaje de la lengua fi nlandesa e inglesa con música y ediciones
de libros de música para todos los niveles de Educación Primaria, tanto para
profesorado como para alumnado.
Ha trabajado para la Finnish Broadcast Company realizando programas de radio
para niños desde 1984. Viaja por todo el país dando conciertos didácticos de
presentación de los instrumentos folclóricos en escuelas infantiles y colegios.
Ha compuesto canciones para niños y música para grupos de danza y espectáculos
teatrales.
Desde 1979 ofrece cursos de Educación Musical en todo el mundo.
26 y 27 de marzo
[ 69 ]

[ 70 ]
La educación de la voz y del oído
en la enseñanza del lenguaje
musical
Profesora: Judit Faller
Voz y movimiento son las dos vertientes de este curso que pretende mostrar
unos recursos para el aprendizaje musical, cuyo principal objetivo es el desarrollo
de la personalidad de los alumnos.
Algunas de las pautas que se estudiarán de manera práctica a lo largo del curso:
– Vivencias musicales: sensibilidad, creatividad, concentración, memoria, sociabilidad.
– El canto y la escritura y lectura musicales como medios del desarrollo del
oído interno.
– La entonación basada en la secuenciación de intervalos, los pasos hacia la
polifonía, los juegos didácticos para introducir la lectura y escritura musicales...
– El baile libre para descubrir y asimilar la música con atención intensiva: su
contenido, sus herramientas (elementos musicales) y su mensaje.
– Dramatización e improvisación
El nivel de la educación no depende de la cantidad de conocimientos, sino de
su capacidad de activar las fuerzas motrices fundamentales del alma humana
y encauzar esas fuerzas hacia un buen camino (Z. Kodály)
Información del curso
Horario: Sábado de 10,30 a 13,30 y de 16 a 19 horas
Domingo de 10 a 14 y de 15,30 a 17,30 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Judit Faller
ENSEÑANZAS ELEMENTALES Y ESCUELAS DE MÚSICA
9 y 10 de abril
Inicia sus estudios musicales a los siete años en la Escuela de Música Municipal
de Veszprém (Hungría). Posteriormente realiza estudios profesionales de Piano
en el Conservatorio de Györ (Centro Profesional de Enseñanzas Integradas).
Licenciada en Filología Hispánica e Italiana por la Universidad de Budapest.
Se establece en Madrid en 1981 y se titula en Piano y Pedagogía Musical. Participa
en cursos sobre distintos métodos activos de Pedagogía Musical: Willems,
Orff, Dalcroze,etc.
Desde 1982 imparte cursos relacionados con la enseñanza del Lenguaje Musical,
Coro Infantil y Música y Movimiento. De sus cursos destaca su colaboración en
los de Formación Pedagógico-Musical del Real Conservatorio de Madrid, en la
Escuela Universitaria de Formación del Profesorado “María Díaz Jimenez” de Madrid
y en la Universidad de Cantabria. Ha ofrecido cursos para profesores de conservatorio
en distintas ciudades españolas, relacionados con la implantación de
la LOGSE para Educación Musical realizada por el Ministerio de Educación y Ciencia.
Ha sido invitada para impartir cursos por el Centro Regional de Formación de
la Comunidad de Madrid “Las Acacias”, por los Cursos Internacionales “Stage”
de la Caixa en Barcelona, por los Cursos Internacionales de Música “Manuel de
Falla” de Granada, por los Cursos de Especialización Musical del Aula de Música
de la Universidad de Alcalá, etc. Impartió clases como profesora asociada en la
Escuela Universitaria de Formación del Profesorado de la Universidad de Alcalá.
Desde hace cerca de veinte años enseña Lenguaje Musical y Coro en la Escuela
Municipal de Música de Tres Cantos y desde 2003 es catedrática de Pedagogía
Musical en el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza.
[ 71 ]

Musicoterapia
José Fernando Fernández 22 y 23 de enero

[ 74 ]
Perspectiva psicosocial de la
Musicoterapia
Profesor: José Fernando Fernández
1. Introducción a la musicoterapia
• Métodos
• Aplicaciones terapéuticas de la música
2. Técnicas de intervención
3. Dinámicas de grupo
4. Musicoterapia en Escuelas de Música: modelos y aportaciones
• Música desde el comienzo de la vida
• Música e integración
• Música y mayores
El curso será eminentemente práctico e irá acompañado de proyecciones audiovisuales.
Información del curso
Horario: Sábado de 10 a 14 y de 16 a 19,30 horas
Domingo de 9,30 a 14 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

José Fernando Fernández Company
MUSICOTERAPIA
22 y 23 de enero
Musicoterapeuta por la Universidad Autónoma de Madrid y Especialista en Intervención
Psicoterapéutica por la UNED. Licenciado en Música, especialidad de
trompa, ha realizado estudios de especialización en la Indiana University (EE.UU.)
y en la Norges Musikkhøgskole (Oslo). DEA en Sociología. En la actualidad está
realizando su Tesis Doctoral en Sociología en la Universidad Pontifi cia de Salamanca
y desde 2005 es profesor del Máster en Musicoterapia Avanzada y Aplicaciones
de la Universidad Autónoma de Madrid. Facultad de Medicina.
Actualmente imparte cursos, ponencias y conferencias en Escuelas de Música,
Universidades, Asociaciones, Centros de profesores, Congresos, Cursos, etc. y es
musicoterapeuta, supervisor de prácticas y coordinador del proyecto de musicoterapia
del Ayuntamiento de Pozuelo de Alarcón, la Fundación General de la
UAM y el Máster de Musicoterapia de la Universidad Autónoma de Madrid.
Ha sido profesor de música y director en diferentes instituciones y Escuelas de
Música de Noruega desde el año 1998 hasta 2002. Como intérprete, desde 1994
ha sido colaborador habitual de la Orquesta Nacional de España y miembro
fundador del cuarteto de trompas “Mediterráneo”, formado por los solistas de
la Orquesta Nacional de España. Ha colaborado con algunas de las principales
orquestas españolas, como la Orquesta Sinfónica de Madrid, la Orquesta de la
Escuela Superior de Música Reina Sofía o la Orquesta Sinfónica de Bilbao. Ha
realizado conciertos en EE.UU., República Checa, Noruega, Suecia, Inglaterra y
España. Ha realizado estudios de especialización en Dirección de Orquesta, con
profesores de la talla de Vaktan Jordania o Enrique García Asensio. Perteneció a
la FNMT, ha colaborado con diferentes hospitales e instituciones en Noruega y
ha sido director de las Jornadas de Musicoterapia de la Comunidad de Madrid y
de Castilla-La Mancha.
[ 75 ]

Multidisciplinar
Gloria Ruiz Ramos 27 y 28 de noviembre

[ 78 ]
Yogaterapia-Energética ® para
profesionales de la música
Profesora: Gloria Ruiz Ramos
“La práctica del YOGA a lo largo de los años me ha convencido de que la mayoría de
nuestras actitudes fundamentales hacia la vida corresponden a las expresiones psíquicas
de nuestro cuerpo.”
Yehudi Menuhin
El conocimiento, actualmente comprobado por la Neuro-Ciencia sobre la “memoria corporal”
en las diferentes estructuras (desde cerebro y médulas hasta las brechas musculares),
condicionante de la capacidad motora, postural, gestual, hasta la capacidad
expresiva y la respuesta ante el medio, es la base científi ca en la que se fundamenta
la aplicación de las Ciencias: Yoga Físico o Hatha-Yoga y Medicina Tradicional China o
Energética.
La Yogaterapia-Energética ® nace de la fusión de ambas, desarrollada por una profesional
de la música como medicina del arte.
Objetivos de la Yogaterapia-Energética ® :
– Combatir asimetrías posturales y tensiones inconscientes mediante la escucha y
manejo de la conciencia corporal incrementando la percepción y desarrollando la
capacidad de atención.
– Controlar el proceso lineal de pensamiento e intensifi cación del proceso cognitivo y
la capacidad interpretativa desde el “silencio interior y la escucha”, desarrollando la
concentración.
– Desarrollar la inmovilidad y la permanencia mediante el control voluntario de la
respiración en estado de relajación combatiendo el “impulso de huida” y la abolición
del pánico escénico.
Metodología de la Yogaterapia-Energética ® :
– Al estar orientada al propio intérprete, la técnica se adapta personal y directamente
a éste, lo que desencadena la vivencia directa en el practicante.
– En el trabajo colectivo del docente se desarrollan y agrupan las técnicas globales por
familias de instrumentos y especialidad, considerando a su vez las características
morfológicas y caracterológicas (psicofísicas) de cada alumno, combinando y adecuando:
técnicas posturales, respiraciones específi cas y técnicas de concentración.
Información del curso
Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas
Domingo de 10 a 14 horas
Duración: 12 horas lectivas
Matrícula: 140 €
Consulte la información general en la página 92

Gloria Ruiz Ramos
MULTIDISCIPLINAR
27 y 28 de noviembre
Titulada por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid en la especialidad
de canto con Primer Premio Fin de Carrera (1966). Especializada en la Hochschule de
Viena en: Lied, Oratorio y Opernschule (1968) Con Erick Werba y A. Kolo. Semifi nalista
y fi nalista respectivamente en los concursos internacionales de Sofía y Toulouse.
Primera soprano del octeto “Cantores de Polifonía”. Participando como solista en
Oratorios dentro de los ciclos: Semanas de Música Religiosa de Cuenca y Decenas de
Toledo. Liederista en las Quincenas Musicales de Segovia. Ciclos internacionales de
Intérpretes Españoles y sociedad Adamun, cantando bajo las batutas de los maestros:
L. A. García Navarro, A. Tamayo, G. Albrecht, I. Marquevitch, O. Alonso y J. López
Cobos. Formó parte del elenco de la Deutsche Oper de Berlin, en donde debutó con
“Muerte en Venecia” de B. Britten en 1975.
Diplomada en Medicina Tradicional China y Acupuntura por la UCM (1987), con los
doctores Ives Requena y Abelardo Roldán.
Titulada con Sobresaliente en Yogaterapia por la Escuela Académica Asanga (1995).
Profesora y colaboradora de su director y maestro, Doctor Miguel Fraile, durante 18
años de docencia en los Cursos de Formación en el centro Asanga.
Creadora en 1991 del sistema Yogaterapia-Energética ® desarrollado a partir de su
formación multidisciplinaria unifi cando los principios curativos del Yoga Físico y de
la M.T.Ch., e integrándolos en el aprendizaje postural, de ejecución, interpretación y
respuesta escénica de los intérpretes profesionales.
Su labor docente específi ca para los profesionales de la música, comenzó en 1993 en
el Conservatorio Profesional “Padre Antonio Soler” de San Lorenzo de El Escorial, extendiéndose
a lo largo de los útimos 17 años en conservatorios profesionales, escuelas
de música, formaciones orquestales de toda España. Participó con su enseñanza en el
primer encuentro realizado en el 2005 con motivo del nacimiento de la Escuela de Excelencia
Musical y las formaciones Joven Orquesta Sinfónica y Banda de Castilla–León.
Directora del Centro de Formación Superior en Yogaterapia-Energética ® Metha inaugurado
en 1999 en San Lorenzo de El Escorial.
Durante los últimos ocho años (2000-2007) colabora con la Fundación Albéniz como
profesora de Yogaterapia-Energética ® en la Cátedra de Canto “Alfredo Kraus” junto a
Teresa Berganza, con la Escuela Superior de Música “Reina Sofía”, con la Fundación
“Eutherpe” de León, y con el Aula de Música de la Universidad de Alcalá.
Es autora del libro “Amo hacer música”(Tratado de Yogaterapia-Energética ® específi
co para los profesionales de la Música. Ed. Mandala 1999).
[ 79 ]

Interpretación
Imre Rohmann
Josep Colom

[ 82 ]
Curso de Música de Cámara
Profesor: Imre Rohmann
INFORMACIÓN DEL CURSO
Fechas:
octubre 23 y 24
diciembre 4 y 5
febrero 19 y 20
abril 2 y 3
mayo 21 y 22
Horario:
De 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19 horas
Concierto de alumnos:
21 de mayo a las 19 horas
Duración:
75 horas lectivas (alumnos activos:
Música de Cámara una clase de 90
minutos por encuentro, Piano una
clase de 60 minutos por encuentro)
Matrícula alumno activo:
Piano: 445 Ð + tasas
Dúo: 848 Ð + tasas
Trío: 912 Ð + tasas
Cuarteto: 982 Ð + tasas
Quinteto: 1.020 Ð + tasas
Sexteto: 1.044 Ð + tasas
La matrícula se podrá abonar en tres
plazos:
1º. 23 de octubre:
50% de la matrícula + tasas
2º. 4 de diciembre:
30% de la matrícula
3º. 19 de febrero:
20% de la matrícula
Matrícula alumno oyente:
Curso completo: 214 Ð + tasas
Un encuentro: 52 Ð
Un día: 27 Ð
Prueba de admisión:
Envío del boletín de inscripción, fotocopia
del título y una grabación
reciente en CD ó DVD.
Las grabaciones deberán llegar al
Aula de Música antes del 29 de
septiembre.
Será imprescindible poder asistir a la
totalidad de las clases en las fechas
programadas para poder ser seleccionado
en la prueba de admisión.
El Aula de Música se pondrá en contacto
con las personas que superen
la prueba.
Los horarios de la totalidad de las
clases acordados en el primer encuentro
serán inamovibles. Los posibles
cambios que los alumnos
puedan acordar entre sí, no podrán
alterar el horario establecido. El Aula
de Música en ningún caso organizará
ni se responsabilizará de estos cambios.

Imre Rohmann
INTERPRETACIÓN
Del 23 de octubre al 22 de mayo
Nacido en Budapest (Hungría) en 1953. Terminó sus estudios musicales en la
Academia de Música “Ferenc Liszt” después de estudiar piano y música de cámara
con Kornél Zempléni, György Kurtág, Ferenc Rados, Albert Simon y Jörg
Demus. Estudió dirección de orquesta con Karl Österreicher durante un año en la
Academia de Música de Viena (1980-1981).
Ha recibido el Premio Especial en el Concurso de Piano de la Radio Húngara
(1974), el Tercer Premio en el Concurso Internacional de Piano “Liszt-Bartók” en
Budapest (1976) y el Primer Premio en el Concurso Internacional de Música de
Cámara “Leo Weiner” en Bloomington, EE.UU. (1980).
Desde hace muchos años forma dúo con su mujer Tünde Kurucz, también pianista.
Ha actuado como director de la Orquesta Savaria Symphony, la Orquesta
Sinfónica de Baleares y otras orquestas de cámara.
Ha sido profesor ayudante en la cátedra de Piano y Música de Cámara en la Academia
“Ferenc Liszt” de Budapest (1977-1984), Catedrático de Piano invitado
en la Hochschule der Künste de Berlín (1985-1986) y desde 1990 Catedrático de
Piano en el “Mozarteum” de Salzburgo. Fue además Catedrático invitado en la
Academia Internacional Mozart en Cracovia y Praga (1994-1998).
Ha impartido clases magistrales anuales en el Seminario Bartók Internacional
en Hungría (1986-2001), desde 1998 en la Academia Auer en Veszprém (Hungría)
y desde 1990 de forma regular en diversas ciudades de Japón. El Aula de
Música de la Universidad de Alcalá le invita regularmente desde 2002 a impartir
el curso de Interpretación de Música de Cámara y Piano en los Cursos de Especialización
Musical.
Es también autor de transcripciones para piano solo y para dúo de pianos de
obras de J. S. Bach, R. Strauss, J. Strauss hijo, I. Stravinsky, P. I. Tchaikovsky, G.
Rossini, etc.
Consulte la información general en la página 92
[ 83 ]

[ 84 ]
Curso de Interpretación de Piano
(piano solo, dos pianos y cuatro
manos)
Profesor: Josep Colom
INFORMACIÓN DEL CURSO
Fechas:
noviembre 27 y 28
diciembre 18 y 19
enero 29 y 30
febrero 26 y 27
marzo 26 y 27
abril 16 y 17
mayo 28 y 29
Horario:
De 10,30 a 13,30 y
de 15,30 a 18,30 horas
Concierto de alumnos:
30 de mayo a las 19 horas
Duración:
84 horas lectivas (alumnos activos: 7
clases individuales de 90 minutos cada
una)
Matrícula alumno activo:
Piano solo: 934 Ð + tasas
Dúo: 1.186 Ð + tasas
La matrícula se podrá abonar en tres
plazos:
1º. 27 de noviembre:
50% de la matrícula + tasas
2º. 29 de enero:
30% de la matrícula
3º. 26 de marzo:
20% de la matrícula
Matrícula alumno oyente:
Curso completo: 240 Ð + tasas
Un encuentro: 40 Ð
Un día: 21 Ð
Prueba de admisión:
La prueba de admisión constará de dos
partes:
• Envío del boletín de inscripción, fotocopia
del título y una grabación
reciente en CD ó DVD con dos obras:
– una sonata clásica a elegir entre
las de Mozart, Haydn, Beethoven
o Schubert
– una obra de diferente estilo a elegir
por el interesado
Las grabaciones deberán llegar al Aula
de Música antes del 8 de octubre.
• Una entrevista personal, seguida de
una audición privada con el profesor
Josep Colom el 26 de noviembre
– El programa para la audición privada
será el mismo que el presentado
en la 1ª parte
El Aula de Música comunicará a las
personas que superen la 1ª parte de
la prueba de admisión, la hora de su
entrevista.
Será imprescindible poder asistir a la
totalidad de las clases en las fechas
programadas para poder ser seleccionado
en la prueba de admisión.
Las fechas establecidas en el curso de
interpretación podrán sufrir alguna
modifi cación a causa de compromisos
profesionales que le puedan surgir al
Profesor Colom. Todo cambio de fechas
se hará de acuerdo con los alumnos
participantes como activos.

Josep Colom
INTERPRETACIÓN
Del 27 de noviembre al 29 de mayo
Natural de Barcelona. Estudia piano en Barcelona y en París. Primer Premio de
los Concursos Internacionales de Santander, Jaén, Epinal, etc.
En 1980 fue invitado a participar como miembro del jurado del Concurso Chopin
de Varsovia.
Frecuentemente actúa con las mejores orquestas y directores del país, siendo
numerosos sus recitales y sus colaboraciones en música de cámara con muy
diversos conjuntos e intérpretes. Su discografía incluye la integral de Blasco de
Nebra (Etnos) –que fue premiada por el Ministerio de Cultura–, Falla (Circé) y
Mompou (Le Chant du Monde), además de un disco con las obras más importantes
de C. Franck. Ha terminado la grabación de la integral de Brahms para el
sello Le Chant du Monde.
En 1998 el Ministerio de Cultura le concede el Premio Nacional de Música de
Interpretación.
El Aula de Música de la Universidad de Alcalá le invita regularmente desde 1990
a impartir el curso de Interpretación de Piano de los Cursos de Especialización
Musical.
Consulte la información general en la página 92
[ 85 ]

Informaciones
Profesores colaboradores desde 1990
Información general

[ 88 ]
Profesores colaboradores de los
Cursos de Especialización Musical
desde 1990
Richard Aaron
Samuel Adler
Elisa Agudíez
Pedro Alcalde
Natalia Ardila-Mantilla
Luis M. Álvarez
Manuel Angulo
Elliott Antokoletz
Rafael Argullol
Eduardo Armenteros
Simha Arom
Gerardo Arriaga
Manana Avazashvili
Félix Ayo
Paul Badura-Skoda
Anna Baget
Gloria Bakhshayesh
Andrew Ball
Eustaquio Barjau
Tom Beghin
Javier Benet
Camino Bengoechea
LuisÁngel de Benito
Boris Berman
Christophe Bossuat
Konrad Boehmer
Ester Bonal
Pedro Bonet
Josep Borrás
Lola Bosom
Ángel Botia
Evelyne Brancart
Reinhold Brinkmann
Clive Brown
Hans Brüderl
Wolfgang Brunner
Regina Busch
Sylvano Bussotti
Diana Campóo
César Camarero
Almudena Cano
William Caplin
Manuel Carra
Elisenda Carrasco
Benet Casablancas
Ricardo Casero
Heidi Castleman
Sergio Castro
Miguel A. Centenero
Luca Chiantore
Nicolás Chumachenco
Lluís Claret
Ramón Coll
Josep Colom
Gonçal Comellas
Sergiu Commissiona
Nicholas Cook
Enrique Correa
José Antonio Coso
Richard Crawford
Jonathan Cross
Hermann Danuser
Lyle Davidson
José Luis de Delás
Carmen Deleito
Nino Díaz
Alicia Díaz de la Fuente
László Dobszay
Thuan Do Mihn
Philippe Donnier
Hugues Dufourt
Jonathan Dunsby
Jean-Pierre Dupuy
Maria Eckhardt
José Luis Estellés
Judit Faller

Lorand Fenyves
Laurent Feneyrou
François Fernández
Paloma Fernández
Rubén Fernández
Bryan Ferneyhough
Constantin Floros
Dieter Flury
Claudio Forcada
Wolfgang Freiss
Paul Friedhoff
Michael Friedmann
Walter Frisch
Mauricio Fuks
Mª Ángeles Galán
Antonio Gallego
Ángel J. García
Ecaterina Gerson
Michael Gieler
María Asunción Gómez
Miriam Gómez-Morán
Miguel A. Gómez Martínez
J. Vicente González Valle
Doug Goodkin
David Graham
Barry Green
Bernard Greenhouse
Ana Guijarro
Juanjo Guillem
Joan Guinjoan
Carles Guinovart
James Harding
Wolfgang Hartmann
Jonathan Harvey
Georg Friedrich Haas
Robert Hatten
Peter Heilbut
Herbert Henck
Profesores colaboradores
Violeta Hemsy de Gainza
Elíes Herrandis
Manuel Hidalgo
Kathleen Horvath
Roy Howat
Klaus Huber
Philippe Hurel
Enrique Igoa
Jeffrey Irvine
Miguel Ituarte
Alexander Ivashkin
Timothy Jackson
Xavier Joaquín
Mauricio Kagel
Gary Karr
William Kinderman
Tess Knighton
Klára Kokas
Elza Kolodin
Alan Kovacs
Klaus Kropfi nger
Sigiswald Kuijken
Hiro Kurosaki
Helmut Lachenmann
Anne Landa
Pascal Le Corre
Joel Lester
Robert Levin
Walter Levin
Arnoldo Liberman
Andreas Lindenbaum
Ángel Liz
Montserrat López
Arantza Lz. Barinagarrementería
Jesús López Cobos
Julián López Gimeno
José Manuel López López
Sofía López-Ibor
[ 89 ]

[ 90 ]
Profesores colaboradores de los
Cursos de Especialización Musical
desde 1990
Alicia Lorenzo
Marilyn Lowe
Sherri Lynn Luostari
Hartmut Lück
María Macedo
Daniel Machado
Claus-Steffen Mahnkopf
Vartan Manoogian
Gerhard Mantel
Miguel Ángel Marín
Sebastián Mariné
Víctor Martín
Juan D. Martín
Eduardo Martínez
José Miguel Martínez
Magdalena Martínez
Sofía Martínez Villar
Eduard Martínez Borruel
Ricardo Mz. Descalzo
Salvador Mas
Alexander C. Maschat
Verena Maschat
Paul Mast
Emilio Mateu
Herbert Mayr
Patrick McCreless
Mary Ruth McGuinn
Rafael Melenchón
Inmaculada Méndez
Heinz-Klaus Metzger
Pedro Mínguez
Boris Mir
Frank Mol
Cristina Molina Sarrió
Ernesto Molinari
Uli Molsen
Ramón Montes
Alejandro Moreno
Emilio Moreno
Juan M. Moreno Calderón
Isabel Mundry
Tristan Murail
Michael Musgrave
Sheila Nelson
Bruno Nettl
Albert Nieto
Yvan Nommick
Antonio Notario
Faustino Núñez
Maite Oca
Ángel Oliver
María Jesús del Olmo
Eduardo Ortega
David Padrós
Fernando Palacios
József Pállay
Siegfried Palm
Eliseo Parra
Nacho de Paz
Marisa Pérez
Eduardo Pérez Maseda
Marianne Murray Perkins
Soili Perkiö
Maria João Pires
Víctor Pliego de Andrés
Eduardo Polonio
Josep Pons
Marc Ponthus
Alberto Posadas
David del Puerto
Pedro Purroy
David B. Quiggle
Ferenc Rados
Wolfgang Rathert
Koen Rens
Vincenzo Restagno

José Rey
Ruggiero Ricci
Presentación Ríos
Leonardo Riveiro
Paul Roberts
Luis Robledo
Elisa M. Roche
Imre Rohmann
José Manuel Román
Albert Romaní
Diego Romero de Solís
Antoni Ros Marbá
Charles Rosen
William Rothstein
Francisco Rubio
Jesús Rueda
Gloria Ruíz Ramos
Stefano Russomanno
Herman Sabbe
Jim Samson
F. Javier Sánchez González
Enrique de Santiago
Jordi Savall
Carl Schachter
R. Murray Schafer
Jaap Schröder
Salvatore Sciarrino
Larry Scripp
Ernest Seiler
Nuria Sempere
Irene Sharp
Jurrien Sligter
László Somfai
Mauricio Sotelo
Mathias Spahlinger
Harry Sparnaay
Claudio Spies
Michael Spitzer
Profesores colaboradores
Wolfgang Stange
Janos Starker
Joseph Swain
Katalin Székely
Géza Szilvay
Arturo Tamayo
José Luis Téllez
José Luis Temes
Keith Terry
Domingo Tomás
Esperanza Torres
Jacinto Torres
Eugenio Trías
José Luis Turina
Horacio Vaggione
Polo Vallejo
Marc Vanscheeuwijck
Luis G. Vázquez
Alfonso de Vicente
Isabel Vilá
Willem de Waal
Rita Wagner
Alan Walker
Marcus Weiss
Alicia Wechsler
Arnold Whittall
Jan Wijn
Anthony Williams
Allen Winold
Mark Withers
Jürg Wyttenbach
Phyllis Young
Bell Yung
Álvaro Zaldívar
Vicente Zarzo
Walter Zimmermann
Mimi Zweig
[ 91 ]

[ 92 ]
Información general
AULA DE MÚSICA. Universidad de Alcalá
Colegio de Basilios. c/ Colegios, 10
E-28801 Alcalá de Henares. Madrid (España)
Tel.: 91 878 81 28. Fax: 91 880 29 11
e-mail: aulademusica@musicalcala.com
Requisitos para matricularse por correo
1. Boletín de inscripción adjunto
2. Fotocopia del DNI/ Pasaporte/ Tarjeta de Residencia (legible y actualizado)
3. Resguardo del ingreso del importe de matrícula y 22 € de tasas de secretaría
(excepto los aspirantes a los cursos que requieren prueba de admisión,
que abonarán matrícula y tasas una vez admitidos)
4. Los ingresos se realizarán mediante transferencia bancaria a:
Notas
Fundación General de la Universidad de Alcalá. Aula de Música
Datos bancarios: 2038 • 2249 • 81 • 6000321371
– El importe de la matrícula de cada curso, más 22 € de tasas de secretaría, se
abonarán al formalizar la inscripción correspondiente. Las tasas de secretaría
se abonarán una sola vez para el curso 2010-2011, independientemente del
número de cursos en que se matricule el alumno.
– Los alumnos de cursos con prueba de admisión abonarán matrícula y tasas
una vez superada dicha prueba.
– La devolución del importe de la matrícula sólo se contemplará en caso de
suspensión o aplazamiento del total de las fechas previstas y anunciadas. En
ningún caso se devolverá el importe de la matrícula por retrasos o cambios
en el horario previsto.
– El Aula de Música se reserva el derecho de suspender un curso en el caso de
no alcanzar el mínimo de matrículas.

Condiciones especiales
El Aula de Música ofrece la posibilidad de inscribirse en tres, cuatro, cinco o más
cursos de los programados para el curso 2010-2011 con un descuento sobre el
importe total:
Matrícula en tres cursos: 10% descuento
Matrícula en cuatro cursos: 20% descuento
Matrícula en cinco o más cursos: 30% descuento (*)
INFORMACIÓN GENERAL
www.musicalcala.com
Se excluyen de la posibilidad del descuento los cursos con matrículas de alumno
activo, aunque sí se contabilizarán para el total del número de cursos y obtener
así el descuento correspondiente en los restantes cursos.
Los descuentos nunca serán acumulativos, el Aula de Música aplicará en cada
caso el más favorable para el alumno.
Asistencia a los cursos por sesiones sueltas: consultar tarifas en el Aula de Música.
(*) Los alumnos que se matriculen en cinco o más cursos y acrediten una asistencia mínima
del 80 % en cada uno, recibirán un certifi cado y un diploma acreditativo de cada uno
de ellos y un certifi cado con el total de horas acumuladas.
Para recibir este certifi cado, deberán solicitarlo en la secretaría del Aula de Música.
[ 93 ]

[ 94 ]
Información general
Requisitos para la obtención del diploma
1. Acreditar asistencia como:
a) alumnos activos (de los cursos de interpretación): 100% de sus clases
individuales
b) resto de los alumnos: 80% de las clases
2. Haber abonado el importe total de la matrícula y las tasas de secretaría
3. Acreditar –con documento compulsado o cotejado con el original en la secretaría
del Aula de Música- haber fi nalizado los estudios correspondientes
para la obtención del título de Profesor o Profesor Superior de los planes 42
y 66, y del Grado Superior de LOGSE en un conservatorio ofi cial, o del título
de licenciado o diplomado universitario
Los alumnos extranjeros deberán aportar documentación –compulsada o cotejada
con el original en la secretaría del Aula de Música- sobre los estudios
realizados.
Aclaración
Los estudiantes de Grado Profesional y Superior de Música podrán matricularse
en cualquier curso como alumnos oyentes, sin derecho a obtención de diploma.
Se emitirá un certifi cado de asistencia como oyente en el que consten las horas.
Recomendaciones
– Los alumnos que tengan pendiente algún documento deberán presentarse
media hora antes del comienzo del curso en la secretaría del Aula.
– Se ruega puntualidad.

Información de transportes y alojamiento
Comunicaciones Madrid – Alcalá de Henares
Tren de Cercanías
Líneas C1, C2 y C7 Tel: 902 240 202
Paradas Madrid: Alcobendas – Cantoblanco
Chamartín
Tres Cantos – Príncipe Pío
Nuevos Ministerios – Recoletos
Atocha...
Parada Alcalá: Alcalá de Henares
Autobuses Madrid – Alcalá de Henares
Empresa “La Continental”. Tels: 91 745 63 00
Paradas Madrid: Intercambiador de Avenida de América
(Metro Avda. de América)
Canillejas (Metro Canillejas)
Parada Alcalá: Avda. de Guadalajara, 5
INFORMACIÓN GENERAL
Taxi desde Madrid: de 40 a 50 Ð aproximadamente
Radiotaxi Alcalá: Tels: 91 882 21 88 – 91 882 21 79 (servicio 24 h.)
Alojamiento
La Universidad de Alcalá ofrece la posibilidad de hospedarse temporalmente en
la Residencia San Ildefonso (a 200 metros del Aula de Música).
Para más información y reservas llamar a Tel: 91 878 81 46. fax: 91 878 80 63
Información Alcalá de Henares
http://www.ayto-alcaladehenares.es
[ 95 ]

[ 96 ]
Plano

Datos personales:
Apellidos:
Nombre:
Fecha de nacimiento: Nacionalidad:
DNI/Pasaporte/Tarjeta de Residencia:
Domicilio:
Localidad:
Provincia: Código Postal:
Teléfonos:
e.mail:
Estudios realizados:
Título:
Especialidad:
Centro:
Cursos en los que desea matricularse:
BOLETÍN DE INSCRIPCIÓN
Los datos personales facilitados voluntariamente por Vd. serán tratados de forma confi dencial e incorporados y/o
actualizados en un fi chero cuya titularidad es del Aula de Música de la Universidad de Alcalá y la Fundación General de
la Universidad de Alcalá. La fi nalidad del mismo es mantenerle informado sobre nuestras actividades. Ud. podrá ejercer
los derechos de acceso, cancelación, rectifi cación y oposición mediante escrito al Aula de Música c/ Colegios, 10 (28801)
Alcalá de Henares, Madrid o mediante correo electrónico a aulademusica@musicalcala.com
[ 97 ]

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R E V I S T A D E E S P E C I A L I Z A C I Ó N M U S I C A L
Quodlibet 46
ENERO - ABRIL 2010 15 €
“PRÉLUDES POUR PIANO, DE OLIVIER MESSIAEN: UN ACERCAMIENTO DESDE ...” Miguel Gironés
“APUNTES PARA UNA VISIÓN LINGÜÍSTICA DE LA MÚSICA” José Luis Téllez
PROPUESTA DE UN “MODELO ECOLÓGICO” DE SELECCIÓN DE ALUMNOS... Rebeca Ema Maté
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