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de cultura
contemporánea
PRIMAVERA [2013] 12***
SLEEPERS
mientras dormías...

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camisetas realizadas por cinco grandes diseñadores.
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SUMARIO
SLEEPERS
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PORTADA: ASHKAN HONARVAR Y ROCÍO MONTOYA
STAFF
Dirección: movimente
Dirección de arte y diseño web: Alejandro Bazal,
Mario Izquierdo, Rocío Montoya
Producción: Luis Alenda
Dirección de moda: Alejandro Meitín
Dirección de publicidad: Luigi Esposito
Redacción: Ángel Román, El Hombre Confuso, Julio Soria,
Marcos Fernández, Saioa Etxebarria, Roberto Silván, Ruth Martín Sánchez
▲▲▲▲▲▲
DOZE Magazine no se hace responsable de las opiniones de sus
colaboradores.
Esta publicación respeta los derechos de autor de cada uno de los
artistas que han participado en el número.
Para hacer uso de este material o cualquiera de sus secciones, se
necesita el consentimiento expreso del equipo directivo
▲▲▲▲▲▲
DOZE Magazine
ISSN 2171-8628
Mozart, 26 - 6º A - 28008 Madrid
www.doze-mag.com
info@doze-mag.com
DESTACADOS
COLABORADORES
FOTO
016. Berta Vicente
024. Jordan Tiberio
032. Susana Blasco
014
016
042
ENTREVISTA
Berta Vicente
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ENSAYO
David Szauder aka. Pixel Noizz
▲▲▲
Este artista húngaro afincado en Berlín ofrece
un interesante planteamiento multidisciplinar
sobre el píxel. Así, el error, la interferencia y
la corrupción que se producen en el mundo digital
terminan convirtiéndose en en elementos
necesarios para dar forma a unas obras de
arte con un sentido emocional especial.
040 074
ARTE MODA
042. David Szauder aka. Pixel Noizz
050. Pat Perry
060. Guim Tió Zarraluki
068. Zosen y Mina
Hacemos un recorrido por la obra de la fotógrafa
española Berta Vicente, una jovencísima
artista que nos ha cautivado con la frescura
de sus imágenes. Su inquietud surgió con la
cámara de un teléfono móvil y se ha convertido
en una de las promesas de la fotografía
emergente más interesantes en nuestro país.
076. Trend Box: Brian Wood
078. New Face: Six Lee
080. Ashkan Honarvar y R. Montoya
100. David Arnal
112. Pedro Walter
120. Alejandra Vacuii
128. Mónica Navarro
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EDITORIAL
MIENTRAS DORMÍAS...
Abrimos los ojos para empezar a soñar. Dejamos que la luz inunde nuestras
pupilas con la intención de que nos ilumine y pensemos que aún es
posible creer en aquello que parece no serlo… Hace 12 números pusimos
en marcha un proyecto que surgió gracias a la ilusión de crear un medio
que, bajo nuestra particular manera de entender el mundo, ofreciera un
punto de vista diferente sobre lo que sucede en algo tan raro y subjetivo
como lo es la cultura contemporánea.
Así, gracias a los pocos límites que encuentra uno cuando está en medio
de una duermevela creativa, pusimos en marcha DOZE Magazine (de ahí
el porqué de nuestro nombre ya que nos absorbió la simpleza y fortaleza
de la versión anglosajona del entresueño). Tres años en los que nuestra
publicación ha ido creciendo y mutando hasta lo que hoy en día es: un
pequeño reducto de libertad en el que damos rienda suelta a nuestras más
íntimas sensibilidades y pensamientos. Un espacio que también habéis
hecho vuestro y que, gracias a las diferentes y espontáneas pronunciaciones
que nos hemos ido encontrando durante este tiempo, ha terminado
dotando de un valor especial al número 12 que ahora presentamos.
Queremos celebrar con vosotros que nuestros sueños siguen intactos, que
la fría realidad imperante de ahí afuera no es capaz de traspasar la barrera
que alzamos para evitar que nos arrebataran las ilusiones. Un refugio
editorial que siempre ha estado acompañado de grandes colaboradores y
artistas con unos planteamientos vitales y conceptuales que han sido los
verdaderos protagonistas hasta la fecha.
Volvemos a nuestros orígenes con la intención de no olvidar nada de lo
que hemos aprendido a lo largo de estos tres años. Un regreso a nuestros
principios para recuperar detalles que dejamos por el camino, reutilizarlos
y mejorarlos. Así, este número se rodea de creadores que sueñan con
sus mundos particulares; ideas que se materializan en obras cargadas de
simbolismo y con un denominador común: son sueños hechos realidad.
Jordan Tiberio, Pat Perry, Berta Vicente o David Szauder, entre otros, son
los artistas que podrás encontrar en estas páginas y que te irán trasportando
por suntuosos y variados entornos que rebosan una creatividad
narcótica. Sleepers que nos dan la posibilidad seguir creyendo que la vida
es algo más que trabajar para vivir.
Os queremos agradecer también a vosotros estos 36 meses de alegrías,
nuevas amistades y colaboraciones especiales, así como la posibilidad de
haber vivido un continuo periodo de crecimiento personal y profesional.
Una temporada que esperamos, cuanto menos, repetir y así seguir compartiendo
con vosotros nuestros sueños y planteamientos creativos.
Y no lo olvidéis, abrid los ojos para vivir vuestro propio sueño. ▲
Dirección de DOZE Magazine
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Buscando la esencia...
Iniciamos un nuevo camino hacia la estación del estío, un viaje cuyo objetivo
fundamental será encontrarnos a nosotros mismos, sin artificios, para
rescatar la esencia primaria que nos hace diferentes.
Naturaleza y naturalidad, los dos conceptos protagonistas de nuestra
decimotercera edición, se fundirán con nuestra piel y nuestros ojos en un
compendio de colores, texturas e inherentes emociones para emprender
una aventura en la que la tierra, el fuego, el agua y el aire
nos colmarán los sentidos.
Porque el ser humano, es su incesante afán por evolucionar, ha olvidado
que todos los recursos necesarios para su existencia los ha tenido siempre
al alcance de la mano. Supernatural se presenta como nuestro refugio elemental,
una guarida sin ladrillos, sin cemento y sin avances tecnológicos.
Nos detendremos a saborear el suave perfume de las flores, a escuchar
el susurro del viento en una mañana de verano y a observar las estrellas
titilantes en el cielo abierto que nos acaricia cada noche.
¿Quieres acompañarnos en este retorno a nuestros orígenes?
La raíz de todas las cosas está ahí fuera ¡Encontrémosla!
Si quieres participar, puedes conocer todos los detalles en la sección
COLABORA de nuestra página web.
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ILUSTRACIÓN: FRANCISCO IGLESIAS · HTTP://FRANILUSTRACION.BLOGSPOT.COM.ES
LA ETERNIDAD ES UN SUEÑO HUMANO
QUE EL CUERPO ANIQUILA
TEXTO
ÁNGEL ROMÁN · WWW.ANGELROMAN.NET
En el inicio del siglo XXI los humanos hemos
empezado a dotar a la tecnología de una
poderosa y particular imaginería que conjuga
lo natural con lo artificial. El cuerpo asume
esta disyuntiva formulando nuevas identidades
corporales.
Hoy más que nunca somos conscientes de la
transformación del cuerpo a través de la tecnología.
Nunca en la historia de la Humanidad el
hombre ha sufrido una modificación tan radical
de su aspecto, se ve a sí mismo como algo vulnerable
al cambio y creo que, por primera vez, esto
no nos asusta.
El reto del futuro pasaría por cuestionar los
principios que fundamentan cualquier hecho
científico y sus posibles consecuencias, sin anteponer
ningún tipo de juicio moral.
El arte contemporáneo en general, y el cine en
particular, mira con mucha atención al cuerpo
como constatación de una realidad vulnerable. El
cuerpo es un discurso, una entidad que posee un
espacio y un tiempo propios, por lo tanto tiene y
constituye un discurso, aunque no es solamente
esto ya que a lo largo de la historia se ve argumentado
con unas connotaciones distintas en el
transcurso de los diversos procesos culturales.
Lo que parece incuestionable es que cada individuo
posee un cuerpo irremplazable. El cuerpo
nos individualiza, nos da forma, nos contiene
y alumbra la intimidad de lo que somos. Es el
continente del contenido de nuestro yo. Nuestra
identidad más profunda, nuestros miedos, deseos
y anhelos se ven sometidos al yugo de nuestra
masa corporal. Modificar nuestro cuerpo
es, en cierta manera, variar nuestra identidad.
Esto está pasando desde hace unos años de una
forma real y ficticia en el mundo que nos rodea.
Entre fantasías y verdades científicas es posible
observar cómo crece una nueva mitología que
desecha lo natural en favor de lo artificial, al
suponer que lo artificial es un síntoma de perfección
y mejora del hombre.
Siendo consciente de que la identidad afecta tanto
a la esfera de lo físico como a la de lo mental,
me atrevo a aventurarme sobre los procesos que
se intuyen cuando se deconstruye la identidad a
favor de una reconstrucción corporal.
Si un aspecto de la identidad nos lo da nuestro
cuerpo, ¿qué sucedería si los avances técnicos
nos permitiesen acercarnos a esa otra identidad
mental que tanto añoramos?
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No me cabe ninguna duda de que todo proceso
real parte del cuerpo, mediador imprescindible
para realizar cualquier tipo de relación con
el mundo. Cuanto más nos acerquemos a ese
cuerpo que nos define, mejor conviviremos en
armonía con nosotros mismos. Derribando
las identidades prefijadas culturalmente que se
argumentaban como referentes definidos se permite
en la actualidad el acceso de otros de tipos
de cuerpo, reconstruidos sobre las cenizas de
otros cuerpos que no encajan en los parámetros
de las nuevas necesidades de identidad corporal
del siglo XXI.
El cuerpo es un contenedor de identidades, el espectro
de estas identidades aumentará en tanto
en cuanto el cuerpo no comprima la identidad
con la que uno se siente reflejado.
La muerte es un hecho incontestable, nada ni
nadie puede cambiar esta condición humana.
La vejez es un síntoma radical de su final. El
cuerpo es un delator del final de una vida.
Arrugas y enfermedades se atribuyen a procesos
degenerativos corporales. No es raro atribuir a
la tecnología un significado de inmortalidad.
Inevitablemente nos constituimos como mirada,
y este es un proceso reversible. Soy lo que soy
por la mirada de los otros, y también soy lo
que soy por lo que veo yo de mí. El cuerpo nos
predetermina, pero no nos fija totalmente. A
través de él se materializa las diversas fobias
que la propia cultura subvierte ya sean estas
la mortalidad o la escisión de algún miembro.
La sombra que proyecta el propio cuerpo en
el transcurso del siglo XX se muestra ahora
inquieta y siniestra al revelarse el miedo del
hombre por el cuerpo.
El miedo al cuerpo parte de la formulación
racional de no poder controlarlo, de ser algo
ingobernable y que enferma, es la vertiente de
terror del hombre contemporáneo que siente
pánico a la muerte y se manifiesta en forma de
deterioro físico.
La metáfora del cuerpo despierta hoy más
debate que nunca. Su interés se centra en la
posibilidad de dar una nueva redefinición del
concepto. Si admitimos la premisa posthumanista
que considera que el hombre como concepto
ha muerto. El trato del cuerpo posthumano
consistiría en dotarle de una nueva valorización
totalmente desacralizada. En la era de la muerte
de Dios, era natural que también cayera el
hombre con él. El arte contemporáneo humilla,
veja, corrompe y despelleja el cuerpo como si se
tratase de un mero trasunto de carnicería. ▲
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FOTOGRAFÍA: ROCÍO MONTOYA
CREANDO SUEÑOS LÚCIDOS LOS DÍAS PARES
TEXTO:
LETICIA GARCÍA, FILÓSOFA RECONVERTIDA EN PERIODISTA DE MODA
@FASHIONPEDISTS
“La vida y los sueños son parte de un mismo libro. Leerlo es vivir, ojearlo
es soñar” Schopenhauer tenía razón. Hay lecturas que ganan más si las hacemos
en diagonal, desordenadas o con anotaciones en los márgenes. Leer,
en ocasiones, es un acto demasiado pasivo y lo importante no es llegar a
analizar hasta la última línea sino aportar algo al ejercicio de la lectura. O
al menos lograr interactuar con ella.
En nuestra rutina convergen dos relatos: el que escribimos y el que leemos.
Para contar nuestra historia necesitamos descifrar la que está escrita en
nuestro entorno y ésta, hoy más que nunca, no es muy reconfortante. Pero
estamos tan enfrascados descifrándola que siempre olvidamos que cualquier
libro, por muy aburrido o literal que sea, tiene varias lecturas. Porque todo lo
que se escribe está, potencialmente, escrito en dos lenguajes: el de la realidad
y el del sueño.
Pensarán que me dispongo a oponer sueño y realidad o que hablo de rechazar
la vida cotidiana y recluirme en la imaginación. No es eso. Creo que
el sueño forma parte de la vida y que la rutina, por muy dura que sea, hay
que enfrentarla. No creo en Freud, sin embargo. Al menos no totalmente.
El sueño es algo más que energía reprimida en nuestro subconsciente, es un
estado mental que nos ayuda a entender la realidad y que no se alcanza sólo
cuando estás dormido.
Tampoco hablo de los soñadores como idealistas que viven de espaldas al
mundo. Hablo de los sleepers, los durmientes en estado de vigilia. La duermevela
es esa fase semiconsciente previa al sueño, ese lapso de tiempo en
el que afloran pensamientos disparatados y/o creativos que están anclados
en nuestra rutina, porque aún estamos despiertos, pero que escapan de la
lógica porque casi estamos dormidos. Los sleepers practican la duermevela sin
estar tumbados. Saben que a los músicos y los poetas suelen ocurrírseles los
mejores versos y melodías cuando están a punto de dormirse. Saben, también,
que un buen puñado de filósofos tuvieron sus mejores ideas cuando se
sobrepusieron a la realidad circundante y se dejaron llevar por la mecánica
de los sueños. Y aunque no sean músicos, artistas, poetas o filósofos, creen
que romper de vez en cuando las convenciones cotidianas superponiendo
sueño y vida es algo inofensivo. Hasta terapeútico.
Todos los que vamos por la calle escuchando música hemos sentido, aunque
sólo sea por un instante, que formamos parte de un videoclip. El
sleeper no desecha esa idea, se regodea en ella. Al fin y al cabo, nos ponemos
los cascos para atenuar el bofetón de realidad que nos da el entorno
cuando vamos a trabajar somnolientos. De algún modo, escuchamos
música para perpetuar el sueño. ¿Por qué, entonces, no ser otros durante
el tiempo que dura el trayecto? Aunque sea sólo en nuestra cabeza, introducir
la ficción en la rutina, en las aceras, en el Metro, aporta notas al pie
de nuestra lectura.
El Metro, ahí donde lo ven, es uno de los campos de acción predilectos para
los sleepers. He ahí la magia de la doble lectura, que hace que los lugares más
hostiles se conviertan en los más reconfortantes. Todos hemos fantaseado
con la posible vida de nuestros compañeros de vagón. El sleeper, una vez más,
va más allá. No sólo ve vidas trepidantes, trágicas o rutinarias en los ojos de
las señoras de enfrente. Imagina cómo esos personajes interactuarían entre
ellos si el vagón se parase. Fantasea, incluso, con cómo les cambiaría la vida
si alguien de ese mismo vagón les dijera la palabra adecuada. Incluso tiene
en mente lo leen en sus libros electrónicos. Danielle Steele es el Arcipreste
de Hita, Dan Brown el Marqués de Sade y Stephen King un poema escrito
a mano. Imagina las sensaciones que sus compañeros de vagón reprimen
en sus lecturas, por aquello del qué dirán. Y anota sus fantasías, porque los
sleepers van con el cuaderno a todas partes, dejando constancia de su estado
de duermevela y releyendo sus frutos.
El Metro, también, nos lleva a lugares en los que nunca hemos estado, por
muy pequeña que sea nuestra ciudad. O, al menos, por caminos (líneas, en
este caso) que hemos utilizado muy pocas veces. Hasta en una ciudad muy
transitada hay nuevos caminos. El sleeper marca al azar destinos en el plano
y disfruta del viaje. Recala en barrios por los que nunca ha pasado y los
disfruta con ojos de turista. No le hace falta estar en Nueva York o Tokyo
para fotografiarlo todo porque sabe que lo retratable está en todas partes.
¿Cuántos de nosotros nos sentimos auténticos cuando recalamos en un barrio
local de una ciudad remota? La nuestra puede estar llena de ellos y nos
los estamos perdiendo.
La casa es su otro lugar de acción. No porque esté nuestra cama, que también,
sino porque nadie nos observa ni nos juzga. Bailar por el salón o cantar
a gritos son actividades muy catárticas. También lo es disfrazarse. Vestirte
como te gustaría vestir o emular con tus humildes medios ese desfile de Mc-
Queen que sueles ver en bucle precisamente por los mundos posibles que
pone en marcha. Ponerte esas prendas que compraste pero nunca te has
atrevido a ponerte es otra buena opción. De lo que se trata, en definitiva, no
es de ser otra persona, sino de ser profundamente tú mismo, con tus obsesiones,
tus ideales y, sobre todo, tus objetos.
Por eso el sleeper venera ciertos objetos, porque sabe que pueden albergar
múltiples situaciones. Fotografía, pinta o escribe sobre cosas sin importancia,
convierte las herramientas en objetos decorativos y los objetos decorativos
en herramientas, le da una importancia central a lo pequeño e intenta,
de esta forma, sensibilizar lo cotidiano a base de incoherencias. Como en
los cuadros de De Chirico, que inquietan por su fetichismo. O como en esa
novela de Perec, “Las Cosas” que contaba la historia de sus protagonista a
través de su ropa y sus muebles.
De lo que se trata, a fin de cuentas, es de practicar el onirismo lúcido. De
crear situaciones que no se opongan pero sí se superpongan a la estrechez
del día a día. De anotar tus sueños y pegar el papel en la puerta de la nevera
para no olvidar que siempre, por muy malo que sea el libro, se puede practicar
la lectura creativa. ▲
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FOTO
LA FUGA
TEXTO
ROBERTO SILVÁN
Tal y como está el mundo, con esta realidad tan podrida y adversa, bien
vale tomarse un descanso y desconectar. Escabullirse a un lugar mejor,
donde el dolor no duela tanto y la suerte sea tan gratuita como la felicidad.
Como la felicidad antes de transformarse en sucedáneos que vender en televisión.
Porque la felicidad cuesta impaciencias, desasosiegos, inseguridades;
se paga con cadáveres que van quedando en el camino, con lágrimas
que ahogan aspiraciones y con penas que desahucian nuestros sueños.
Sueños interrumpidos por el fluir de esos ríos de Manrique que ahora se
aceleran vertiginosamente a la mar. ¡A la mar en vida! Demasiadas piedras
en su curso y demasiados kilos de contaminación diluidos en sus venas. Por
eso es necesario un paréntesis de paz, un chute de melatonina que bordee
la sobredosis y nos empuje a un prolongado desmayo.
Hace seis mil años contemplaban el mundo de los sueños como una extensión
de la realidad. Para los griegos y los romanos eran mensajes de los
mismísimos dioses. En China buscaban en sus sueños pistas para decidir
sus actuaciones. Y ya, a finales del siglo XVIII, perdieron la trascendencia
que tuvieron a lo largo de los siglos hasta que llegó Freud para reavivar su
importancia, su significado y la necesidad de interpretarlos. Aquello de que
son una expresión del subconsciente donde el ser humano manifiesta sus
deseos más reprimidos.
Sea cual sea la interpretación por la que dejemos discurrir nuestra opinión,
la verdad es que dormir es una necesidad biológica pero soñar… soñar
es un regalo, ¡es un don! Poder sumergimos diariamente en un universo
sin fronteras donde todo puede suceder. Ya sea bueno, malo, peligroso,
excitante, terrorífico, es una ocasión de oro que se nos brinda para habitar
la propia vida desde multitud de prismas diferentes.
Y cuando somos conscientes de esta maravillosa e inagotable magia, nos
abrazamos a la almohada como el que estrecha a un amante. Nos acorralamos
a nosotros mismos con la ilusión y las esperanzas de cuando éramos
niños, mordemos con ansia la fruta envenenada y apretamos bien fuerte
los párpados para que llegue raudo el sueño. Nos abandonamos a su suerte
y –quién sabe–, quizá en ese viaje podamos dejar arrumados en el rincón
de nuestra fatídica existencia las insatisfacciones
perennes que nos acosan sin compasión.
Navegar por ese océano de milagros, sentir su
fragancia depositándose en la piel, notar el corazón
latiendo al ritmo que marca cada gramo de
sensación, conocer las instrucciones, experimentar
sus sinsentidos, disfrutarlos. Explorar sus
avenidas repletas de recuerdos, de anhelos, de
rincones nunca vistos, completamente desconocidos,
inventados quizá, subterfugios de vidas
anteriores tal vez. Deleitarse en la constatación
lúcida de que se está atravesando un sueño
y controlar su contenido. Dejarnos poseer
enteramente por su energía, que no podamos
despertar ni con las alarmas, ni con los gritos,
ni con las miles de bombas que caigan alrededor.
Que necesitemos un exorcismo y que las
mismas plegarias pierdan la fe en que algún día
deseemos regresar de ese extraordinario lugar
donde cada paso es una lección, cada mirada
un tesoro, donde el dolor no duela tanto y la
felicidad sepa a felicidad. ▲

FOTO
“DE MOMENTO NO HE ENCONTRADO
NADA QUE ME GUSTE MÁS QUE LA
FOTOGRAFÍA”
Berta Vicente

TEXTO
SAIOA ETXEBARRIA
Berta Vicente nos sorprende con la elegancia de quien lo
lleva dentro. Ser elegante no es una opción, es un don innato.
A sus 18 años pudiera tratarse de un personaje dibujado
para Sophia Coppolla, de larga cabellera ondeada, un
nacimiento de la Venús de Boticcelli. Hace pensar que ha
nacido una nueva retratista de la vida. Fotografía su entorno
más cercano y nos llena su manera de ver, llevándonos, sin
elementos superfluos de clara representación, a imaginar
dulcemente.
Ha fotografiado a Sergi López en la tele, expone
y la solicitan para el Tedx Youth. Empezó
con un móvil y desde entonces no ha parado
de hacer fotografías. Nos entrevistamos entre
Mérida y Sant Pere D´Arribas vía Skype mirándonos
a los ojos para poder hacer tangible que
ella es muy joven, que se está preparando para
partir y que se va a Australia. Qué alegría la
expectación que nos provoca.
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Berta Vicente: Todo esto empezó... Hago fotos
desde los 14 años, empecé con un teléfono
móvil y hacía fotos a mis amigas. Las fotos
las veían mis amigas y mis padres y ya está.
Pero entonces, cuando tenía 17 me presenté
al Festival de Lleida Emergent, es un evento
internacional. Lo encontré por casualidad en
Internet y les presenté una serie de fotografías. Y
era para fotógrafos emergentes. Pensé: yo creo
que soy emergente. Nunca me había presentado
a nada. Era una serie de 20 fotografías o así y
me cogieron. Estuve en Lleida enseñando mis
fotos a galeristas, comisarios y gente de todo
tipo a la que le gusta la fotografía, y a partir
de este momento me surgió la oportunidad de
hacer una exposición colectiva en Barcelona en
la galería Valid foto. Estuve allí y vendí fotos y
empezó a salir todo, me hicieron entrevistas,
ha ido todo sobre la marcha. No ha sido muy
repentino, pero bueno, yo no sé cómo debería
ser. Han salido bastantes cosas a partir de esta
exposición.
DOZE Magazine: ¿Qué hacías hoy?
BV: Hoy he ido a comprar unas chanclas, un
anorak y un polar y a buscar dólares australianos
que me ha cambiado una amiga. Después
he ido a casa de un amigo que me ha regalado
20 carretes (los muestra).
DM: ¿Porque Australia?
BV: Cuando empecé bachillerato me dije:
yo quiero irme. Estaba tan estresada que
repetía: no me quiero quedar aquí siempre.
Quería tomarme un año sabático, un año
entero. Estaba entre Australia y Canadá, aquí
cerquita, y decidí Australia porque te acogen
bien, te abren las puertas de su casa fácilmente.
Más que nada quiero ir para hacer fotos, no voy
a estudiar.
En realidad no lo he planeado como tenía
pensado. Estudio Multimedia por la UOC a
distancia y estoy haciendo primero, ahora hago
el segundo semestre y a la vuelta de Australia
me gustaría estudiar desde Francia.
“Empecé haciendo fotos
con el móvil a mis amigas
a los 13 años”
DM: ¿Vas sola?
BV: Antes iba a ir sola, pero ahora no, voy con
mi novio que también es fotógrafo.
DM: ¿Tienes algún tipo de referente?
¿Descartas fotografías porque no se
parecen a algo que quieres?
BV: No. Nunca he seguido mucho el trabajo
de un fotógrafo. Hay fotógrafos que me gustan
más que otros pero tampoco intento hacer fotos
que se parezcan a las de alguno en concreto.
Lo que si hago es alimentarme bastante. Veo fotografías
de todo tipo y eso también me inspira
de alguna manera, porque digo: ostras esto me
gusta y pienso: lo que podría hacer es poner
esto o lo otro. Al final sale una fotografía totalmente
distinta que ha nacido de esta otra. No
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“No me quiero quedar aquí
para siempre”
siempre las ideas provienen del trabajo de otros
fotógrafos. A veces surgen escuchando música o
en el autobús y me las apunto en un diario que
tengo -busca y murmura: no sé dónde está- y
después las hago aunque también hay veces que
no tengo nada preparado y que salga lo que
tenga que salir.
DM: A día de hoy ¿cómo vives la fotografía?
BV: Cada día hago algo relacionado con la
fotografía. Pero no digo: vamos a hacerlo, sino
que forma parte de mi día a día, de lo que me
apetece, ya sea mirar el trabajo de otros fotógrafos,
procesar fotos o escribir ideas. Cada día
hago algo relacionado con este campo porque
es lo que me motiva. De momento no he encontrado
nada que me guste más que la fotografía.
DM: Y trabajas con luz natural
BV: Siempre luz natural porque no tengo
mucha idea de cómo trabajar la luz artificial. El
flash directo no me gusta y a lo mejor si supiera
cómo utilizarlo, flashes, difusores... no tengo
ningún problema con ello. Pero la luz natural
me gusta muchísimo.
DM: ¿Cómo es Sant Pere D´Arribas?
BV: Es un pueblo bastante pequeño, siempre he
vivido aquí, es un lugar bonito aunque no hago
mucha vida aquí.
DM: Así que has pasado tu infancia en
un pueblo bonito que te permite hacer
cosas bonitas ¿Tiene que ver?
BV: Si, lo que pasa es que todo lo que he hecho
lo he hecho en mi habitación prácticamente.
Tengo una pared aquí mismo - señala la pared
- que voy cambiando de color según la foto
que quiero hacer. Ahora está negra porque le
hice una foto a mi padre y le pinté de negro.
También ha estado naranja, ha estado roja,
gris, verde... Ha estado de todos los colores. En
la bañera también hago bastantes fotos. Todo
sucede por aquí.
DM: ¿Qué esperas de Australia? ¿Con
qué ganas vas?
BV: Me apetece fotografiar a la gente de allí, a
la que vaya conociendo. No voy con una idea
muy clara pero tengo muchas ganas de hacer
fotos, pero hacer fotos de todo. No tengo un
proyecto en mente, digamos. Quiero fotografiar
a la gente en sus casas, no lo sé, ya lo veré. No
tengo ni idea de lo que acabaré haciendo.
DM: Y allí, ¿dónde te vas a quedar?
BV: La verdad es que sólo tenemos las primeras
4 noches reservadas. Volamos a Sidney y desde
allí haremos ruta y que venga lo que tenga
que venir.
DM: ¿Se te ha pasado por la cabeza el
audiovisual, la imagen en movimiento?
BV: Sí. Hace tres años aproximadamente hice
un vídeo a partir de fotos con música, stop motion
creo que se llama, y me gusta, es fotografía en
movimiento con orejas. Me llama bastante la
atención pero es más laborioso porque tienes
que tener en cuenta muchos factores. No es sólo
congelar un instante, es congelar ese instante y
lo que va detrás y lo que va delante.
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DM: ¿Tienes alguna exposición a la vista?
BV: Ahora hay una en Barcelona, en Valid foto que ya está inaugurada.
Es una exposición colectiva con muchos fotógrafos, muchos
nombres y hay una foto mía que ya se ha vendido. Es una que hice
en Urquinaona en un edificio.
DM: He visto por ahí que participaste en Tedx Barcelona
¿Cómo fue esa historia?
BV: Sí, en el Tedx Youth Barcelona. Hay una presentadora que
se llama Bibiana Ballvé que presenta un programa en TV3, el
Bestiari Illustrat y fui a hacerle fotos a Sergi López. Bibiana me
dijo: Berta dame tu número. Y me hizo una entrevista en la radio y
el otro día otra para la contraportada de un diario de aquí que aún
no ha salido. Ella es la que presentaba Tedx. Estaban buscando a
gente joven que hiciera cosas, que sirviera de inspiración a otros
jóvenes, para que no se tenga la imagen sólo de los ninis, sino de
gente que también tiene ganas de hacer cosas. Así que me llamó a
mí. Aún no se han colgado los vídeos pero dentro de poco estarán
en Internet. Fue una experiencia muy chula.
DM: He visto que trabajas el analógico y el digital. ¿De
qué depende?
BV: De analógico tengo esta cámara de 35 mm - la muestra a la
cámara del ordenador - y una de formato medio. Me gusta más
la calidad y la textura que tiene el analógico y que no encuentro
en el digital. Pero creo que aún puedo aprender muchas cosas del
digital que después puedo aplicar al analógico. Hago un carrete
en analógico y me salen 3 fotos que me gustan de 36, ó 2 o una o
ninguna y a lo mejor tengo que ser más selectiva. Trabajo el digital
porque es más fácil encontrar algo que me guste y el analógico
porque me gusta más el resultado. Si la foto me gusta, me gusta
más analógica.
DM: ¿De las fotos del móvil qué fue? No eran las que presentaste
en el Festival, ¿verdad?
BV: ¿Las fotos de la exposición de Lleida? Esas no fueron de móvil,
si me hubiesen cogido con las fotos del móvil ya hubiera sido...
Tenía trece o catorce años y le decía a mis amigas cómo tenían
que ponerse delante de la cámara. Empecé a ahorrar y me compré
una cámara digital compacta, después una réflex y seguí haciendo
fotos a las mismas amigas. De las que presenté al festival creo que
ninguna de ellas está en la página web porque ahora no me gustan
nada, nada. Hice fotos que me gustaban mucho más que las que
había presentado en la convocatoria del festival, así que expuse
unas distintas a las que seleccionaron inicialmente.
DM: Tu padre se presta a ser tu modelo ¿Cómo lo vive él?
BV: Yo creo que está encantado. Sí, se deja que le pinte... yo le insistí
pero tampoco tuve que insistir mucho. Tan mal no le parecía.
A él le gusta mucho que le hagan fotos, verse, y a mí me gusta
hacerle fotos, está cómodo delante de la cámara. Le gusta mucho
la fotografía y también tengo muy en cuenta su opinión así que está
muy bien delante y detrás de mi objetivo.
DM: Con esto te dejamos que partas a Australia, que disfrutes
mucho y ya nos contarás a la vuelta. Ver que hay
gente que lo tiene tan claro y nos muestra resultados tan
brillantes, es un honor. Te deseamos lo mejor.
BV: Muchísimas gracias y un placer. ▲
“Todo lo que he hecho lo
he hecho en mi habitación
prácticamente”
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FOTO
“ME GUSTA DEJAR
PERPLEJOS A LOS
ESPECTADORES”
Jordan Tiberio
Nos adentramos en el
laberinto visual de Jordan
Tiberio, una joven artista
estadounidense que nos
descubre su ingenua
y sugerente mirada
fotográfica. Asentada en
Manhattan y con muchas
ganas de comerse el
mundo, posee un suculento
portafolio, fruto de su
incipiente interés por
conseguir atmósferas
oníricas a través de la
experimentación.
TEXTO
ROCÍO MONTOYA
Jordan solo tiene 20 años pero sabe claramente a qué quiere dedicarse
el resto de su vida: a la fotografía. Amante del dibujo y el collage y ávida
lectora con una clara tendencia a la investigación de la materia visual, también
dedica su tiempo libre a practicar senderismo y a dar largos paseos
por el desierto (donde ha sido atacada frecuentemente por hiedras venenosas...)
Podremos encontrarla sentada en algún tejado de la encantadora
ciudad de Nueva York observando el horizonte surrealista que la impulsa
a levantarse cada mañana para explorar y descubrir lo mejor de si misma.
Estas fotografías son misteriosos pasajes por los que Jordan pasea su sueño,
hambriento y desgarrador, para compartirlo contigo.
▲▲▲▲▲▲
DOZE Magazine: ¿Qué sustancia adictiva has encontrado en
la fotografía para convertirla en tu herramienta de expresión
artística?
Jordan Tiberio: Vivir en una generación en la que la fotografía digital ya
está muy avanzada, me atrae muchísimo esa calidad instantánea del medio.
Me encanta poder observar mi creación inmediatamente después de
haber tomado una fotografía. Últimamente he disparado más con carrete
que en formato digital porque entro en una especie de estado de ánimo
reflexivo. Al disponer únicamente de 12, 24 o 36 fotogramas necesito un
nivel de concentración mucho mayor para conseguir la exposición y composición
perfectas.
¡Siento muchas cosas difíciles de expresar en un pequeño párrafo!
DM: Eres muy joven y ya cuentas con un extenso portafolio
¿Cuánto tiempo llevas haciendo fotos?
JT: Tengo 20 años y empecé con 16, cuando estaba cursando el 10º grado.
Elegí las dos únicas asignaturas de fotografía optativas disponibles en
mi escuela secundaria cuando tenía 15 años, pero mi interés no surgió
realmente hasta que rompí la cámara de mi madre y... ¡tuve que comprar
la mía propia! Mi mejor amiga de la infancia fue mi musa durante casi dos
años y al principio prácticamente todo mi portafolio estaba compuesto de
sus retratos o montajes que habíamos hecho juntas. Le debo mucho a ella,
así como al maravilloso programa de mi escuela de arte y al incondicional
apoyo de mi familia para llegar a donde estoy hoy.
DM: Tus fotografías contienen una carga muy emocional, poética,
mística y experimental. ¿Qué sensaciones buscas generar en
el espectador?
JT: Evocar una emoción en un visor a través de mi fotografía o definir la
exactitud de un sentimiento específico, dependerá de la imagen que he hecho.
Gran parte de mi trabajo reciente lo he concebido con mi novio por lo
que, a través de estas piezas, espero que el espectador sienta una sensación
de romance, una fuerte conexión entre los sujetos, un anhelo de otra alma
e incluso la nostalgia del momento fugaz que capturé. En algunas de mis
piezas más artísticas, la emoción no es algo que busque de manera necesariamente
consciente antes de tomar la fotografía. Tras el proceso de toma
de imágenes, cuando me siento a editarlas, doy un paso atrás y las
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“¡Me encanta la gente
extraña o peculiar!
Aunque puedo trabajar
con personas tímidas me
gustan mucho más los
que se divierten y están
cómodos delante
de la cámara”
estudio, atribuyéndoles ciertas emociones que experimento yo misma al observarlas.
No suelo hacer público lo que siento con cada fotografía porque
me gusta escuchar lo que sienten las personas cuando se encuentran frente
alguna de ellas.
DM: ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? ¿Y tus artistas
favoritos?
JT: Internet es un espacio enorme con una cantidad abrumadora de imágenes
y tengo que admitir que paso bastante tiempo navegando en la red en
busca de inspiración. Tengo una buena colección de libros de fotografía
y mi universidad posee una hermosa biblioteca con estanterías llenas de
libros especializados en esta técnica. Guardo un pequeño diario conmigo
en todo momento - ya sea en la mochila o al lado de mi cama por la noche
- ¡Siempre lo llevo encima! Y cuando se me ocurre una idea la garabateo
rápidamente para desarrollarla más adelante.
Algunos de mis artistas favoritos son: Cecil Beaton, Guy Bourdin, Nan
Goldin, Nick Knight, Ryan McGinley, Philip-Lorca diCorcia, Sally Mann
y Francesca Woodman.
DM: En la actualidad estás estudiando fotografía en el Fashion
Institute of Technology de Manhattan. ¿Cuáles son tus planes
cuando termines los estudios?
JT: Vivo en una burbuja de aire y aún estoy muy indecisa con respecto a
mis planes para después de la graduación. El próximo mes de mayo me
graduaré y volveré a la universidad en otoño para iniciar la licenciatura
de fotografía. Aún me quedan dos años para tomar una decisión, prefiero
hacer las cosas poco a poco y no preocuparme demasiado por mi futuro
laboral. Tengo mucha confianza y tal vez soy un poco ingenua, pero no
preveo que la vida después de la universidad vaya a ser un problema. Estoy
planeando empezar como ayudante de otros fotógrafos de la industria o
conseguir prácticas en algún estudio de fotografía en un futuro cercano.
DM: ¿Qué ha de tener un modelo para captar tu atención
como fotógrafa?
JT: Todavía no he descubierto lo que me incita a querer fotografiar a
ciertas personas sobre otras. En ocasiones he visto a alguien retratado
por algún amigo fotógrafo y me he sentido muy atraída por sus gestos.
Otras veces me he dirigido sin miedo a alguna persona de mi escuela para
pedirle directamente que pose para mí. Incluso una vez, en un concierto,
me acerqué a un extraño, le pregunté si quería ser mi modelo ¡y acabamos
realizando una sesión juntos el siguiente fin de semana! La personalidad
y la forma de vestir son valores en los que me fijo cuando ando buscando
un nuevo modelo. ¡Me encanta la gente extraña o peculiar! Aunque puedo
trabajar con personas tímidas me gustan mucho más los que se divierten y
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están cómodos delante de la cámara.
DM: La estética y los elementos simbólicos
juegan un papel muy importante
en tus fotografías. ¿Cómo desarrollas el
concepto previo a una sesión fotográfica?
JT: Mi trabajo más reciente está inspirado
en las relaciones personales y las emociones y
también en objetos que se han ido cruzando en
mi camino. Siento una atracción inexplicable
hacia el uso de espejos y objetos reflectantes de
cristal o vidrio acrílico. Me fascina experimentar
con este tipo de materiales y con los efectos
de distorsión que puedo conseguir para lograr
imágenes sorprendentes. Busco generar confusión
en el espectador y una reflexión acerca de
cómo se habrá hecho ésa fotografía. A menos
que sea una práctica de la escuela en las que,
por lo general, no suelo meditar demasiado el
concepto antes de la sesión de fotos.
Creo que es negativo para mí tener una idea
súper concreta antes del día de la sesión. Esto
me limita porque me siento atrapada por la
obsesión de hacerlo todo como he apuntado
en mis notas, en lugar de dejarme llevar por el
momento. Funciono mucho mejor cuando tengo
una idea menos elaborada y dejo que fluya la
improvisación. Tiendo a estar más inspirada
cuando priorizo sobre la imaginación antes que
sobre mi misma y mi cámara.
DM: Esta edición gira en torno a los
soñadores. Tus fotografías, a menudo,
evocan paisajes oníricos e irreales. ¿Por
qué buscas este tipo de efectos visuales?
¿Cómo definirías tu estilo?
JT: Como he dicho antes, me gusta dejar
perplejos a mis espectadores. Muchas veces he
mostrado mis imágenes a familiares y amigos y
han reaccionado preguntándome -¿Cómo hiciste
esto?- y lo único que puedo hacer es sonreír.
Tengo muchos pequeños trucos para conseguir
los efectos que deseo en mis imágenes, y casi
todos ellos están a puerta cerrada. Gran parte
de mi experimentación se debe a la búsqueda de
esa estética etérea que contiene mi fotografía. Es
algo que me ha acompañado desde el principio
y que me sigue gustando visualmente. Mi estilo
está en constante cambio y estoy creciendo
como artista cada día. Tengo una actitud de ensayo
y error a la hora de producir y esta técnica
es visible si observas como vuelvo a fotografiar o
modificar un concepto o una imagen antigua.
Veo mi estilo como un libro de mis sueños,
como un catálogo de recuerdos y nostalgias que
deseo compartir conmigo misma y como un
diario visual interminable.
DM: ¿Qué elementos consideras indispensables
para elevar una fotografía a la
categoría de obra de arte?
JT: Una fotografía debe ir más allá de una instantánea
casual para ser considerada como una
obra de arte. La persona que hay detrás de la
cámara debe tener la mente de un artista, o incluso
la de un científico, y conocer los elementos
que van a hacer de una fotografía algo más que
unos pocos megapíxeles o puntos en el grano
de la película. La atención a la composición y la
iluminación, la exposición correcta y la materia,
todos estos elementos son claves para crear una
obra de arte o destruirla.
“Tengo muchos pequeños
trucos para conseguir los
efectos que deseo en mis
imágenes, y casi todos ellos
están a puerta cerrada”
DM: ¿Qué equipo técnico utilizas para
realizar tus fotografías? ¿Eres de analógico
o de digital?
JT: A través de la universidad tengo acceso a
un montón de equipo de gama alta pero, con
toda honestidad, lo uso muy poco. Durante mi
estancia aquí en la FIT he realizado muchos
cursos, así que puedo dar fe de que estoy bien
informada sobre el funcionamiento e inventario
de todo nuestro equipo fotográfico. Por supuesto,
gran parte de este material es muy útil para
hacer buenas fotografías, pero yo no creo en
absoluto que una imagen solo puede ser buena
si se ha utilizado el mejor equipo. Le otorgo
una importancia vital a la mente del fotógrafo,
al tema elegido y a la emoción evocada en una
fotografía por encima del equipo técnico
que se utilice.
Estudiar y vivir en Nueva York es caro, así que
siempre trato de encontrar alternativas para
realizar fotografías a bajo coste, es más bien una
cuestión de habilidad. Realmente no tengo predilección
por lo analógico o lo digital ¡disfruto
muchísimo con ambos procesos!
DM: ¿Cómo es un día cotidiano en tu
vida? ¿Por dónde te mueves en Rochester?
JT: Un día normal en mi vida consiste en despertarme
por la mañana e ir a clase ¡en el centro
de Manhattan! Estoy con mis compañeros de
fotografía y trabajando en la sala de equipos en
mi universidad. Una buena parte del día la paso
en los laboratorios digitales de edición de fotografía
y proyectos o en la impresión de negativos
en el cuarto oscuro. Las noches las disfruto con
mis amigos, ya sea colgada en el campus o fuera
de casa en algún lugar de la ciudad. Me gusta
dedicar tiempo deambulando por ahí para estudiar
y observar lo que hay a mi alrededor, por
lo que sin duda ¡este pasatiempo también puede
ser añadido a mi lista de sustancias activas en la
vida diaria! Soy de un suburbio de Rochester,
Nueva York, pero me mude a Nueva York en
agosto de 2011 para iniciar mis estudios en el
Fashion Institute of Technology.
DM. ¿Cuáles son tus aspiraciones como
artista, hay alguna otra disciplina en la
que quieras profundizar?
JT: Espero ser capaz de sacar lo mejor de mí
como artista antes de que mi tiempo se haya
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acabado. La perfección es poco práctica, lograr
mis metas es suficiente.
En cuanto a mis aspiraciones, deseo conocer a
las mentes más increíbles, viajar a lugares cuyos
nombres desconozco, hacer diez mil fotografías o
más, y después más.
El dinero es, por supuesto, algo que todos necesitamos
para alcanzar nuestro bienestar, pero
me gustaría mucho más tener una vida llena de
experiencias antes que una vida lujosa.
Espero tener éxito como fotógrafa y que mi nombre
sea conocido más allá del ámbito familiar y
de las amistades.
Estoy muy interesada en colaborar con artistas
de otros medios, en performances o instalaciones.
Mi mente está abierta a todos los extremos del
espectro. ▲
“Le otorgo una
importancia vital a la
mente del fotógrafo,
al tema elegido y a
la emoción evocada
en una fotografía por
encima del equipo
técnico que se utilice”
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FOTO
Susana Blasco
“ME GUSTA TENER LA LIBERTAD
DE PONERME LÍMITES”
Instagram, esa red social omnipresente
en la que es habitual encontrar pies en los
más variados sitios, tartas u otras delicias
culinarias caseras o todo tipo de mascotas,
también esconde gratas sorpresas para
aquellos que no se conforman con lo
habitual. Proyectos como el de Antihéroes
ponen de manifiesto que esta nueva
plataforma también sirve para sacarle el
máximo partido a algo tan escaso como 19
filtros y la cámara de un móvil.
TEXTO: MARIO IZQUIERDO
Entrevistamos a Susana Blasco, una diseñadora gráfica, ilustradora ocasional
y collagista aficionada que, después de estudiar dos carreras (Publicidad
y Empresariales), terminó encontrando su máxima laboral en el mundo del
diseño. Cursos, talleres, seminarios, festivales o conferencias han ido formando
parte de su experiencia en este campo profesional y le han llevado
a trabajar durante más de 10 años en distintos estudios y agencias de publicidad
como diseñadora gráfica y directora de arte. Finalmente, en 2007,
decidió constituir su propio estudio gráfico y recibió un premio de la DPZ
para ampliar sus estudios en el extranjero. Así, a partir de 2008 se traslada a
Londres para alternar su trabajo como freelance con sus estudios en Central
Saint Martins College of Art and Design. En 2012 volvió a sus orígenes (Zaragoza)
aunque también repartió su tiempo con la ciudad de Berlín.
DOZE Magazine: Centrándonos en la serie que ahora presentamos
¿De qué manera surgió Antihéroes?
Susana Blasco: Fue de una manera muy casual y un poco tonta una tarde
seleccionando fotos antiguas para un collage. Las tenía todas extendidas en
la mesa y, en un momento dado, me tomé un descanso para comerme unas
nueces. Una de ellas cayó y justo fue a parar encima de la cara de un militar
con mil condecoraciones. Me hizo gracia el efecto, le hice una foto con el
Iphone y la subí a Instagram. Hasta ese momento había subido imágenes
del proceso mientras hago collages y, de alguna manera, esto me pareció
parte del proceso también. Al día siguiente probé con una ficha de dominó,
luego con una almeja... y así hasta 49 Antihéroes a día de hoy. El número
50 me da respeto.
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“Me interesa el aspecto
‘poco serio’ y efímero de
Instagram. Y por supuesto
su difusión y la capacidad
de generar un feedback
casi inmediato”
DM: ¿Es un trabajo que has desarrollado
exclusivamente para Instagram?
SB: Para mí los Antihéroes son un juego al que
no puedo ni quiero dedicarle mucho tiempo, e
Instagram me parece una herramienta fabulosa
en ese sentido. Parecerá una contradicción pero
me gusta tener la libertad de ponerme límites.
Y con este juego/proyecto fue lo que hice casi
desde el principio. Establecí unas reglas muy
claras: fotos hechas con el Iphone, con el filtro
earlybird, de objetos cotidianos dentro de una
gama muy concreta de color (marrón-negroblanco)
y colocados momentáneamente sobre
fotografías antiguas que luego utilizaría en mis
collages. Me interesa la inmediatez de hacer las
fotos con el móvil y no tener que preocuparte
de aspectos técnicos complejos ni de resolución
ni de fotografía ni de iluminación. Aún así soy
bastante obsesiva y, aunque mis fotos son aparentemente
sencillas, las repito muchas veces
hasta que consigo que todo encaje exactamente
como quiero. Por otro lado, también me interesa
el aspecto “poco serio” y efímero de Instagram.
Y por supuesto su difusión y la capacidad
de generar un feedback casi inmediato. Aunque
mi objetivo nunca ha sido obtener más followers
sino pasármelo bien.
DM: ¿Por qué los protagonistas de tu serie
son antihéroes?
SB: Son Antihéroes no por malvados ni villanos
si no porque sus superpoderes son auténticas ton-
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Retrato de Susana Blasco
© Lara Albuixech. Polaroid Propositions
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tadas que no sirven para nada. Una de las cosas
que más me gusta es que, cuando nace un nuevo
Antihéroe, en los comentarios la gente a veces se
inventa historias sobre ellos de lo más geniales
y les ponen nombres como Chinchey Temple,
Sergeant Nuts, Shell-y, Queen Eleafabeth, Señor
Curruscu, Granny Ranny, Wonder Hangover
Woman, Cara Col, Monsieur Pignon...
DM: ¿Cuál es tu favorito? Y no vale decir
que los quieres a todos por igual...
SB: Bueno, la verdad es que no los quiero a todos
por igual, soy muy mala madre.
Mi favorita es la señora que lleva un peinado
hecho con palomitas de maíz,porque es con el
primer Antihéroe que conseguí que la gente se
riera y me pillara un poco el punto de humor que
me gusta que tenga todo lo que hago, aunque no
siempre lo consiga. Muchas veces me salen antihéroes
serios, poéticos e incluso un pelín siniestros
pero me gusta mucho, mucho más cuando
consigo sonrisas.
DM: Si tuvieras que elegir a personas de
carne y hueso ¿Quiénes serían tus antihéroes
favoritos? ¿Y los más detestados?
SB: Creo que no puedo contestar a esto. Requisito
fundamental de ser Antihéroe es ser un don
nadie. Aunque ahora que lo dices molaría hacer
una serie con dictadores, papas, asesinos en serie
y gente así.
DM: ¿Qué encuentras en una fotografía
antigua que no se dé en una más actual?
SB: Más allá de lo que se reproduzca en esa
imagen, de su valor artístico, de la técnica, del
mensaje... una fotografía antigua es ya un objeto
en sí mismo con mucho valor. Como diseñadora
gráfica soy una auténtica apasionada del
papel como soporte y las fotografías antiguas
tienen mucho de lo que me gusta: ver el paso del
tiempo en el papel envejecido y en el cartón, ese
color marrón con tantos matices, las esquinas
rotas, las grietas, el olor... todo esto me produce
auténtica fascinación. Además, por supuesto
me parece muy inspiradora la carga emocional
acumulada. Cuando miras estas fotos te parece
adivinar el carácter de esas personas e inevitablemente
empiezas a construir historias en tu
cabeza sobre ellos y sobre las cosas que les han
podido pasar en la vida. A mí esto, por ejemplo,
con las fotos actuales no me pasa de una manera
tan exagerada.
▲▲▲▲▲▲
DM: Viendo tu trabajo como diseñadora
e ilustradora, uno puede comprobar la
gran carga conceptual de tus obras ¿De
qué manera te enfrentas a cada una de
ellas? ¿hay mucho tiempo previo de meditación?
SB: Cada trabajo de diseño lleva siempre un
proceso de documentación bastante importante.
Reconozco que me gusta recrearme en esa fase
y contenerme de empezar a diseñar (en el sentido
más literal) en cuanto el proyecto cae en mis
manos. Durante ese proceso de documentación
van surgiendo ideas de una manera muy natural
y espontánea. Para mí el lenguaje de las metáforas
visuales es un idioma en el que me siento
muy cómoda así que las ideas llegan con relativa
facilidad, luego ejecutarlas y darles forma puede
ser más o menos laborioso y depende de muchos
factores como tiempo o presupuesto.
DM: ¿Qué es lo mejor y lo peor de trabajar
como profesional independiente?
SB: Lo mejor es la independencia cuando las cosas
van bien. Lo peor es la soledad cuando las
cosas van mal.
DM: ¿Echas algo de menos de tu anterior
etapa trabajando en empresas?
SB: Aparte de la seguridad de cobrar a final de
mes, la verdad es que no. Tengo la sensación de
que soy una loba solitaria.
DM: ¿Qué proyectos o trabajos tienes
ahora entre manos?
SB: Trato de compensar el bajón de la cantidad
de trabajo de diseño aprovechando ese tiempo
extra para desarrollar todos esos proyectos personales
que llenaban las moleskines. Creo firmemente
que no parar es la clave.
DM: Y para terminar, teniendo en cuenta
que nuestro número se centra en los soñadores
¿Qué sueño no se te ha cumplido
todavía y esperas que llegue pronto?
SB: Cambio mucho de opinión respecto a qué
quiero y qué no y me voy adaptando según las
circunstancias y lo que me voy encontrando
por el camino. No persigo ningún sueño en
concreto. ▲
“Muchas veces me
salen antihéroes serios,
poéticos e incluso un pelín
siniestros pero me gusta
mucho, mucho más cuando
consigo sonrisas”
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ARTE A TRAVÉS DEL ESPEJO
TEXTO
EL HOMBRE CONFUSO
Alicia hacía ya mucho tiempo que había olvidado su infancia. Por las
noches, cuando cerraba los ojos, todavía era capaz de pensar en aquella
tarde en que se quedó dormida entre flores, mientras su gato correteaba
por la hierba y una voz monótona y lejana recitaba la lección. Visualizaba
al conejo blanco, al Dodo, a la enigmática oruga, a las flores que le
parecieron tan educadas pero luego dejaron de serlo, a las cartas pintando
las rosas, a la Reina de Corazones y al gato de la enorme sonrisa. Durante
años había tenido bien claro que todo aquello era verdad. ¿Cómo iba a
poder inventarse una simple chiquilla todo un universo, todo un mundo
tan diferente al que conocía? Era imposible. La única explicación pasaba
porque todo aquello era una realidad, tal vez no a la que ella y todos los
demás estaban acostumbrados, pero era una realidad al fin y al cabo. Y
así se había encargado de comunicarlo, de explicarlo hasta la saciedad,
pero nunca nadie la creyó.
Con el tiempo, ella misma empezó a dudarlo también. Las imágenes eran
cada vez más difusas y las profesoras del colegio le repetían constantemente
que siempre estaba en las nubes, que ya era mayorcita para no tener los
pies en la tierra y que ese conejo blanco nunca había existido. Sus padres
tampoco la creyeron nunca. No la trataron de forma diferente, ni intentaron
llevarla a ningún psicólogo, pero ella sabía que, por dentro, pensaban
que todo había sido un sueño. Aún así nunca se lo dijo, podían pensar lo
que quisieran, ella sabía que era la verdad. Durante años le siguieron la
corriente, escuchaban pacientemente sus historias, incluso la animaron a
escribir un cuento, todo con tal de que la fantasía acabara de forma natural.
Y, por fin, lo consiguieron. Alicia creció, dejó atrás los juegos, cambió
de ciudad, encontró nuevas amigas y, poco a poco, su vida cotidiana fue
remplazando ese mundo que se suponía que había inventado. A veces aún
creía ver al conejo blanco corriendo mientras consultaba su reloj de bolsillo,
pero no le daba más importancia. Total, todo había sido un sueño.
El futuro de Alicia, sin embargo, no fue como esperaba. Nunca consiguió
llegar a adaptarse a ninguna de las ciudades en las que le iba tocando
vivir. Las responsabilidades de la vida adulta le parecían extrañas, ajenas
a su forma de entender el mundo. Sus padres, aquellos que la escuchaban
aún sin entenderla, desaparecieron sin avisarla, dejándola sola, convirtiéndola
en víctima de una orfandad que no sabría si podría soportar.
Trataba de ocultar su vulnerabilidad tras una máscara de timidez, una
excusa para respirar entre el ruido, para sobrevivir entre la gente, pero
cada vez le resultaba más difícil. El mundo se volvía oscuro, la crueldad
había acabado con la esperanza y parecía que
a nadie le importaba ¿Y el amor? ¿y si el amor
era la respuesta? ¿y si el amor podía calmar, por
fin, aquel miedo?
Casi treinta años después, Alicia regresó a
aquel bosque. Esta vez no le hizo falta perseguir
a ningún gato ni que una voz lejana le recitara
la lección, le bastó con tumbarse en la cama
y cerrar los ojos. Volvía a ser una niña, o al
menos, eso creía. El conejo blanco corría veloz
entre las hierbas, con su chaleco y el reloj de
bolsillo. Sabía que tenía mucha prisa y que la
Reina le estaba esperando, así que no quiso importunarle.
No lo necesitaba, sabía hacia donde
iba. Alicia empezó a correr tras él. El conejo
blanco cogió impulso y se metió en la madriguera.
Creía haberle visto guiñar un ojo justo
antes de desaparecer. De hecho, estaba bastante
segura. ¿Cómo no iba a reconocerla si ya se
habían visto antes? ¿cómo no iba a acordarse de
ella si aquél era su sueño? Alicia cogió impulso
y saltó. Por fin estaba en casa.. ▲

ARTE
Imagen de portada: analogueghost_1
David Szauder aka. Pixel Noizz
"Mi actitud me lleva a utilizar
errores: a buscarlos, encontrarlos
y después aplicarlos"
David Szauder es un artista originario de
Budapest, nacido en 1976, que hace del píxel
una evocación onírica de interferencias, de
errores digitales y de algoritmos fallidos.
ENTREVISTA Y ENSAYO: MARCOS FERNÁNDEZ
Este húngaro afincado en Berlín manifiesta, desde hace muchos años, un
superlativo interés por lo multidisciplinar, posicionándole en varias latitudes
de investigación, tanto técnica como conceptual, en base a la profusión
de tangencias que pueden establecerse en relación a los nuevos medios.
Vídeoartista, vj, performer, artista generativo o artista intermedia son muchos
de los calificativos que emplea para desarrollar sus tesis que, desde la
codificación de la imagen y la realidad del lapso digital, abren paso a un
singular modo de entender el pulso del byte en la sociedad contemporánea.
DOZE Magazine: Después de haber cotejado tanto tu biografía
como tu trabajo en si, reconozco muchas referencias que
parten de la inquietud tecnológica. Es muy placentero ver cómo
tu trabajo tiene la capacidad de ensoñar, desde unos orígenes
poéticos, una realidad próxima a la ciencia ficción y a un futuro
incierto. ¿Cómo concibes la paulatina pugna entre tecnología y
lo naturalmente humano?
David Szauder: No lo valoro realmente de esa forma. El ser humano reinventó
la tecnología, convirtiéndose en una parte de nuestra vida cotidiana.
No lo considero algo malo pero no hay vuelta atrás en este punto.
Siento que es más importante entender la cultura digital y empezar a vivir
con ella. Y sí, en mi caso distingo la importancia de la utilización de diferentes
técnicas de programación digital como fundamentos de mis composiciones,
tratando también de manejar con mucho cuidado la relación
entre el concepto y la tecnología o, digamos, las emociones y la tecnología.
Su relación es tan frágil que es difícil encontrar un delicado equilibrio
entre ellos. Otros aspectos más enfáticos son un hecho que todo el mundo
puede notar al ver mis imágenes. A veces, este tipo de equilibrio me lleva a
una especie de callejón sin salida, que domina mis días por períodos largos,
pero un examen repetido y cuidadoso de mis obras es de gran ayuda para
encontrar un subterfugio. Esta escapatoria puede ser basada en la tecnología,
por ejemplo, con la introducción de un código nuevo o mejorado, pudiendo
ser la transformación del concepto. Cuando siento que el equilibrio
se obtiene otra vez, entonces puedo dar un paso adelante con mis imágenes
de nuevo. Así que para responder a tu pregunta directamente: aquí no hay
lucha, sólo una serie de repetidos intentos de restaurar y manejar la firmeza
cuidadosamente.
DM: El concepto glitch es algo que observamos como denominador
común en el mundo digital. Yo lo interpreto a modo de
fallo expresivamente útil en ciertas latitudes, pero también lo
distingo como un intervalo incorrecto en el mundo del videojuego
donde, muchas veces, éste es también parte del decálogo
cotidiano en el ámbito de la programación. Háblanos de cuáles
son tus ideas, que emergen de las interferencias informáticas,
como parte de la piedra angular de tu discurso.
DS: No soy un artista glitch ortodoxo, utilizo el fallo, el error, el artefacto,
el fracaso y la corrupción porque el mundo imaginario digital me ofrece
un sentido emocional especial. ¿Por qué? ¿Qué es la computadora, y cuál

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es su función principal? La computadora es un
sistema teóricamente perfecto. Bien diseñado
para ser un sistema inmejorable. Con un
ordenador se puede hacer un trabajo, escribiendo
textos perfectamente porque, al contrario
de la máquina de escribir, el texto puede ser
corregido o modificado en cualquier momento.
Nuestras fotos digitales pueden ser manipuladas,
refinar el color y cortar el detalle inesperado, en
cualquier momento. O crear música a partir de
muestras de sonido, añadir efectos, realizar un
gran éxito en un par de horas. Todo es posible
en teoría y cuando queramos. O simplemente
tomar los videojuegos como un shooter en 3D,
con el paradigma único de cómo hacerlos más
realistas. Pero hay más. Cuando todo está
funcionando perfectamente en una máquina
perfecta, podemos estar satisfechos y sentir
una felicidad ilimitada. Este tipo de afecto o de
reacciones son una tontería para mí. ¿Dónde
están entonces los verdaderos sentimientos y
emociones? ¿Dónde está la actitud humana al
experimentar los resultados accidentales de lo
humano? El sistema perfecto corrige nuestros
errores. Si veo un error, un fallo de funcionamiento
-un problema técnico, si se quiere-, la
máquina perfecta y el perfecto sistema desaparece,
lo que tengo delante de mis ojos es algo que
es accidental o humano: un sentimiento muy
positivo para mí. Positivo porque en esos puntos
me puede gustar el equipo informático: “uh, tú
provocaste el error, tú no eres perfecto tampoco”.
Algo como esto.
Esta actitud me lleva a utilizar estos errores: a
buscarlos, encontrarlos, para después aplicarlos.
Al igual que los temas constituyentes de mis fotos.
DM: Consigues que estas variables del
error en la cultura digital tengan un
calado más humano del que podemos
prevenir. Observo que usas la fotografía,
como receptáculo de estas tentaciones,
a través de la manipulación de antiguos
retratos familiares e, incluso, también
aprecio que haces una llamada para que
el público pueda interaccionar en tus
planteamientos colaborando activamente.
¿Qué relación encuentras entre la realidad
de la vida anónima de parentescos
y la sucesión ilusoria del deseo digital?
Se trata de un tipo de relación estrecha, llena
de sorprendentes referencias cruzadas. Hice mi
mejor esfuerzo para desarrollar una idea estúpida
como fórmula para encontrar cosas, pero
es una tarea demasiado severa para explicarla.
Brevemente: todo el proceso se basa en un código
bastante complicado que no explicaré aquí
ya que sería bastante extenso para aclarar sus
especificidades. El punto es que no es un mero
código para convertir una parte de la realidad
en otra forma, obteniendo una representación
digital diferente de una conmutación a otra
ruta de (inter)mediación. Todo el proceso está
impulsado emocionalmente porque, cuando se
utiliza este código para “convertir” a las imágenes,
cuando se filtra la vida anónima de estas
personas que vivieron hace muchos, la tentación
que reconocemos parece ser irresistible. En
muchos casos, las personas durante el proceso
no se convierten sólo en anónimos, también en
personajes sin rostro. Ellos no están perdiendo
su identidad como podríamos apreciar, ya que
no es tan simple como eso. La manipulación de
la identidad del molde original es un proceso
de sustitución que, en un momento dado, los
convierte en un mundo diferente: a partir de
ese momento, esta persona o personas que no
existen no son más que los protagonistas o los
habitantes de mi imaginación.
DM: La sinestesia parte del deseo sensible.
Un deseo que denomina Andrei
Tarkowski, en su grandiosa película
Stalker, como un objeto de sufrimiento.
¿Consideras que la fatalidad tecnológica
es un argumento para pensar que la depresión,
como plaga, aumenta la fuerza
de la descontextualización sensible de
las interferencias perceptivas?
DS: No es exactamente, según mi forma de pensar,
de ese modo. Es una especie de desafío, tal
vez, como es la forma de manejar las emociones
y la tecnología en conjunto. Tal vez sea mi problema,
porque yo no veo ningún tipo especial
de descontextualización. Cuando empecé a
trabajar con el arte digital utilicé muchas maneras
técnicas para generar los resultados. Éste fue
siempre un emplazamiento muy limpio y neutral
pero fuerte estéticamente. Por un tiempo resultó
ser agradable, ya que admiraba el poder del
código que me direccionaba a este tipo de imágenes,
pero siempre me perdía algo. Un día en el
Retrato de David Szauder aka. Pixel Noizz
“El ser humano y el
ordenador tienen diferentes
tipos de memoria, pero la
palabra que usamos para
etiquetarla es la misma”
que trabajé con una forma estructural muy común -partes de esferas dispuestas verticalmente- como
un túnel enorme con las superficies cubiertas entre sí, conocí a mi primer fracaso, mi primer error.
La primera reacción natural fue corregirlo después de haber encontrado la solución, pero entonces,
caí en la cuenta de que la estructura sin artefactos parecía menos fuerte. En ese momento descubrí la
fuerza y la importancia del error, y comencé a usarlo como un componente digital. A partir de este
momento, todavía estoy buscando este tipo de “molestias” en los artefactos, tratar de entenderlos y
utilizarlos como componentes de la composición.
DM: En tu trabajo pones en manifiesto las cualidades suficientes para que una persona
sinestésica pueda experimentar, narrativamente, los contenidos de una manera
distinta a la de una persona no sinestésica. La memoria, alojada en el hipocampo,
nos hace presentar el ensimismamiento emocional como una carta de interferencias
-destructiva o constructiva- de varios tipos de sensaciones en un mismo acto perceptivo.
¿Qué importancia tienen en tu trabajo los distintos enlaces que relacionan a la
memoria con el sueño de ésta?
DS: Ese es el punto en el que todo empezó respecto al proyecto de la sinestesia, que desarrollo desde
hace dos años. Quería crear una compleja instalación interactiva que reflejara el mundo imaginario
de ciertas personas sinestésicas. Mientras tanto, he descubierto la relación entre algunas de mis
imágenes basadas en patrones mayores y el imaginario mundo interior de este tipo de personas. Una
de ellas empezó a hacer comentarios sobre mis imágenes y, sobre la base de sus reinterpretaciones,
comenzó todo a circular en torno a la idea de la memoria visualizada. La sinestesia es una cuestión
importante, siendo una función muy especial de la mente humana, pero lo que quería era agarrar
algunas de las manifestaciones más realistas de la memoria, es decir, la memoria como parte de la
conducta humana. El ser humano y el ordenador tienen diferentes tipos de memoria, pero la palabra
que usamos para etiquetarla es la misma. El cerebro humano graba recuerdos y también lo hace
el equipo informático. Una vez que los recuerdos se almacenan, se pueden recoger y registrar en
cualquier momento, utilizándose como materia real. En el caso del tiempo de la memoria humana
que considero un factor importante: con el paso del tiempo, empezamos a olvidar ciertas particularidades
de los recuerdos como, por ejemplo, los detalles de una fotografía. Como si se tratara de una
corrupción de la memoria humana (no lo es en realidad), empezamos a no recordar los detalles adecuados.
Por ejemplo, en la foto del tío James, había un gato blanco en su regazo y estaba sosteniendo
un bate de béisbol, pero cuando el protagonista lleva 15 años sin ver la instantánea, estamos bastante
convencidos de que el tío James tiene un gato gris mientras sostiene un palo de golf. Este es el fallo de
la memoria y esto es lo que se observa en mis recuerdos fallidos, que finalmente he concebido como
composiciones de imágenes. Puedo usar la memoria de la computadora para almacenar la imagen de
la derecha, y elegir algunas piezas que quiero cambiar, sustituyéndolos por diferentes fragmentos de
la memoria del ordenador. Es como basura digital o, simplemente, la corrupción de estos fragmentos
con los diferentes códigos informáticos, mientras establezco minirrelatos en torno a ellos. ▲
Imagen de la página anterior: look_2
Arriba: story-of-”a”

46
PICNIC AL BORDE DEL ERROR Y EL DESEO
Son intensamente estimulantes muchas ideas que celosamente se arriman a
la ficción imaginaria. Sobre todo cuando, algunas de ellas, parten de unos
mecanismos tan atractivos como ilusorios, legendarios e incluso fantasiosos.
No sé si es atrevido afirmar que Andréi Tarkowski es un cineasta popular:
Desde luego, para una determinada inmensa minoría, de la que nos gusta
regodearnos, posiblemente sí pero, cierto es, que el cine de ciencia ficción
de vanguardia es un fenómeno que recorre amplitudes ineludibles como
para no hacernos partícipes de un experimento a medio camino entre el
sueño y la pesadilla.
Sin querer ponerme soporífero, he de reconocer que este cineasta persigue
algunas cotas de mi conciencia por devoción activa, que procuro poner
en práctica para consolidad mi fe y no perder el tiempo en trivialidades
pasajeras que no tienen más calado lejos de su propio consumo.
Hace pocos días, tuve el inconmensurable placer de ver ‘Stalker’, filme
dirigido por el mencionado ruso hace 34 años, basado en una novela
llamada ‘Picnic al borde del camino’, escrita por los también soviéticos
Arkadi y Borís Strugatski en 1971. Considero que, tanto la novela como
la película, parten de la idea freudiana del sueño y del deseo en distintas
categorías pero, sin duda, una de las cosas que más me llamaron al orden
sensorial fue la extraña relación que se lleva a cabo entre anomalía, codicia
y búsqueda. En ambas visiones, a pesar de las distancias argumentales,
la acción transcurre en un futuro inmediato y postapocalíptico donde se
sostiene la idea de que ha habido un contacto extraterrestre. El título de
la obra literaria se refiere a la posibilidad de que unos visitantes hubieran
abandonado objetos distraídamente, como un turista abandona sus
desechos durante un picnic, surgiendo alrededor de este hecho una serie de
intereses no sólo gubernamentales, sino también especulaciones y quimeras
en torno a lo sucedido en La Zona (denominada así en su versión cinematográfica).
El encaje filosófico, tanto de las conversaciones como de la acción
narrativa, alude a las máximas de esperanza, anhelo y obsesión dentro de
un contexto peligroso e incomprensible para los conocimientos científicos
humanos, donde entrar en ese extraño lugar hace posible cambiar la dirección
emocional de los implicados.
Existe un detalle, en el desarrollo de estas dos grandes obras, que considero
fundamentales para entender el trabajo de David Szauder, artista húngaro
del que hablaré a continuación, haciendo hincapié sobre ese motor endémico
abstraído de su discurso: la anomalía. Ésta representa una particular
manera de entender la búsqueda y la exploración, no sólo como forma de
marcar el camino.
En ‘Stalker’ (traducido del inglés como furtivo), uno de los personajes que
ocupa ese rol se dedica a atar unas cintas de tela sobre unas tuercas para
marcar el paso, pero también como fórmula para ver si el entorno modifica
la situación de los espacios, a modo de mecanismo de autodefensa, mediante
defectos y artimañas físicas un tanto confusas.
David Szauder también traza un camino muy específico sobre la metáfora
del error, recodificando la idea básica de ilusión desde el significado de la
memoria, para incubarla como un fracaso generado a un nivel pseudonarrativo.
Sus collages digitales, y sus problemas técnicos parten del concepto de arte
glitch. En informática, el glitch se considera un problema de codificación,
basado en logaritmos, que no llega a determinarse con exactitud matemática.
Cuando esto sucede, brotan rarezas que en imagen se identifican como
story of mr.wolf gil
Reginas neklace rhonda, pete, lucy and dennis aka. the fragments
47

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De arriba abajo y de izquierda a derecha: spamhead, ghost_5, shaderportrait1 y shaderportrait2
unos garabatos visualmente extraños, y que podemos interpretar como un
error de proporciones estéticas interesantes.
La memoria, aquí, se considera un arrecife de proporciones grandilocuentes
para que la bitácora de encuentros posicione el análisis a través del
vestigio. Éste parte de la tradición familiar, donde fotografías antiguas de
personas desconocidas son tratadas como partículas fallidas, como parte de
una escaramuza generada entre memoria a largo y corto plazo.
Dentro de esa dinámica, los fragmentos perdidos por una mala codificación
hacen que los detalles del puzzle del recuerdo tengan una reminiscencia
cercana al vacío existencial que, presentado como ejercicio perceptivo,
muestra y pone en evidencia la capacidad que tiene el ser humano por
rellenar las fisuras de la retentiva.
Frágiles por nuestra idiosincrasia selectiva del recuerdo, David Szauder
recorre los paisajes mentales del detalle disueltos por nuestra mala cabeza,
cuestiones que ayudan a completar los recortes disolutos por el caprichoso
balance de nuestro hipotálamo. Me parece particularmente sustancioso
cómo el artista plantea una metodología colaborativa, a modo de feedback,
para ejecutar sus espacios de memoria, donde personas anónimas alargan
las posibilidades conceptuales de un particular juego de quién es quién.
Sus estructuras generativas abren un tránsito entre existencia y el mundo
de la sinestesia que el propio artista considera como un proceso espurio
y apócrifo no ortodoxo, haciendo de sus códigos y métodos una forma de
concebir nuevas alegorías a través de innovadores sistemas compositivos.
La sinestesia -es un denominador neurálgico en la experiencia estética-
quiere revelar las complejidades de las incoherencias sensitivas. Oler un
sonido o ver un sabor es la mejor manera de entremezclar este gran campo
semántico de ironías perceptivas, por eso el desarrollo visual de las instalaciones
del húngaro hacen patentes la oportunidad de comprobar in situ qué
es lo que sucede cuando la excentricidad sensible no tiene las herramientas
adecuadas para explicar los hechos. De esta manera, la cimentación de
estas transformaciones son similares a una zona de observación, como si
se tratara de una cámara oscura o el mundo interior de la ambigüedad
inductiva: personas sinestésicas contra personas no sinestésicas.
El error casual, bien perpetrado con la destreza de un taxidermista, lo
considero un recurso muy común en lares próximos a la música electrónica.
Un fenómeno surgido a principios de la década de los noventa llamado
IDM (Intelligent Dance Music) es partícipe de estas novelerías. Un acrónimo,
del que no estoy del todo de acuerdo, puesto que este tipo de manifestación
musical no la considero del todo bailable ya que su disposición
experimental en torno al sonido la ponen en el podio de lo precisamente
inusual.
Aquí el glitch es protagonista del muestreo sonoro, donde la vibración texturológica
del mismo crea un plano tridimensional del algo descontextualizado
físicamente, porque el sonido no se puede tocar a pesar de los intentos
por cazarlo e introducirlos en un frasco del flâneur baudeleriano para su
posterior síntesis.
Propuestas como Aphex twin, Autechre, Higher Intelligence Agency,
Squarepusher, y otros devaneos ligados al sello Warp Records, hacen del
artefacto sonoro un pulso vital tan expansivo -y milimétrico- que plantean
la total agudeza de los sentidos, muy aprovechables si estamos en posición
horizontal, con un carácter lánguido y despreocupado, para invocar al
citado síndrome si es que merece la pena una conferencia de grado, dignificada
per se.
Me considero un auténtico apasionado de este género musical, que he
hecho casi propio de forma celosa, del que puedo citar tantas bondades
como experiencias sublimes, muchas de las cuales han desembocado
sin remedio en el Stendhal: un apelativo de connotaciones variables que
también es llamado como Síndrome de Florencia o ‘estrés del viajero’. Este
goce monstruoso, puede considerarse como una enfermedad psicosomática
que causa un elevado ritmo cardíaco, vértigo, confusión, temblor,
palpitaciones, depresiones e incluso alucinaciones, cuando un individuo
es aproximado a obras de arte, especialmente cuando éstas son particularmente
bellas o están expuestas en gran número en un mismo lugar. Más
allá de su incidencia clínica como afección, el síndrome de Stendhal se ha
convertido en un referente de la reacción romántica ante el hacinamiento
estético y la exuberancia del goce artístico. Puede que como placebo, tal
goce dependa casualmente de inercias introspectivas a las que no podemos
darle una explicación concreta pero, desde la sinestesia, quizás sí es posible
propinar un positivo hallazgo.
Es curioso cómo este síndrome, que considero potencialmente sinestésico,
fue considerado como tal por la psiquiatra italiana Graziella Magherini en
1979, año de mi nacimiento y año en el que se rodó la película con la que
inauguré este texto.
David Szauder altera esos órdenes porque su carácter multidisciplinar lo
eleva al humanismo digital, indagando desde todas las perspectivas posibles:
videojockey, artista sonoro y conceptual, comisario, director artístico,
etcétera. Una labor envuelta de aparentes disparidades creativas apoyadas
por una biografía extensa, repleta de acciones y hechos que confirman la
buena salud de un creador que, íntegramente posicionado, recorre a su
antojo los lugares más remotos del arte digital sobre la cuna de la vieja
Europa.
Cuando se trabaja con la memoria -y sus lapsos- como soporte artístico,
lo lógico es que sea ésta la que haga una declaración de principios a través
del testimonio directo, tanto de los implicados como de los que no, con la
intención de consolidar un tejido impermeable donde el recuerdo rebote sin
explotarnos en la cara.
Desde que una obra de arte se puede enchufar, las únicas dudas que pueden
recaer sobre su viabilidad son las de la longitud del cable y la calidad
de la corriente alterna, como metáfora del recorrido intelectual que los
espectadores han de seguir, buscando el origen de la propia sinestesia y de
los deseos contenidos que esperemos no surjan, como decía en un párrafo
anterior, de calvarios e inmolaciones experimentales puesto que, la pureza
de ésta, ha de ser una razón sublime donde la contemplación sea nuestro
amparo, nuestro refugio y nuestra conexión con el mundo. ▲
49

ARTE
UN GENIO
MISTERIOSO EN
LA "CIUDAD DEL
MUEBLE"
Pat Perry
Sus obras nos hablan de
una realidad efímera y
en constante movimiento,
pero también de un impulso
irrefrenable por degustar
cada instante como si fuera el
último. Pat Perry, ilustrador
y pintor estadounidense, no
sólo es uno de los artistas
más prometedores de su
generación, sino también
un tipo misterioso que ha
hecho de las sombras (y la
carretera) su hábitat natural.
▲ Good Morning
TEXTO
JULIO SORIA
“Para crecer como artista, debo crecer como persona;
para crecer como persona, debo lanzarme a lo
desconocido”.
Pat Perry, en declaraciones al Huffington Post.
▲▲▲▲▲▲
Grand Rapids no es un destino que el turista
medio apuntaría con letras rojas en su plan de
ruta por Estados Unidos. La oferta cultural
resulta más bien escasa y tampoco hay edificios
singulares que justifiquen el paseo por sus calles.
A fin de cuentas, no debemos obviar que se trata
de “la ciudad del mueble”, ya que en su término
municipal se encuentran cinco de las más
grandes compañías dedicadas a la fabricación
de mobiliario de oficina. Si todavía no les han
entrado ganas de bostezar, está claro que son
ustedes de piedra.
Pero entonces, ¿por qué gastar 94 palabras en
hablar de la segunda ciudad más poblada del
estado de Michigan? Pues por la simple razón
de que, en un momento indeterminado de los
últimos treinta años, la familia Perry decidió
alejarse de la depresiva Detroit e instalarse en la
51

52
anodina Gran Rapids, donde se criaría el pequeño
Pat, a quien el paso del tiempo ha convertido
en una figura indispensable del arte gráfico
contemporáneo.
Al margen de sus lugares de nacimiento y residencia,
son muy pocos los detalles que se conocen
sobre la biografía de Pat Perry.
Mantiene su edad en secreto, para evitar que una
cifra pueda servir como excusa para juzgar su
obra en uno u otro sentido, y tampoco existen retratos
en los que deje ver su rostro, como si hubiera
desarrollado una aversión a las cámaras similar
a la de Thomas Pynchon. Pero ojo, no estamos
hablando de un asocial tipo J.D. Salinger, porque
Perry mantiene contacto con sus seguidores a
través de las redes sociales y ha concedido entrevistas
a medios de diverso prestigio, sin olvidar
que pasa más tiempo de viaje que entre las paredes
de su propia casa.
“Viajar es la mejor manera que he encontrado para
liberarme de los espejismos que provoca la rutina”.
Cuando no circula a lomos de su desvencijada
Honda, Perry suele apostar por dos medios
diferentes de transporte: subir a trenes en marcha
y hacer autoestop, como si fuera Kerouac y
estuviera En el camino a un destino todavía por
descubrir. En agosto de 2012 pasó una temporada
en Maine junto al Colectivo Beehive, grupo
activista que emplea el dibujo para explicar las
consecuencias naturales y las injusticias sociales
de la globalización, y a finales de ese mismo año
asistió a una cumbre sobre prácticas indiscriminadas
de extracción energética organizada por
Earth First!, asociación que desde 1979 lucha en
Estados Unidos por el cumplimiento de las leyes
en materia medioambiental.
En todos y cada uno de sus desplazamientos, el autor
da rienda suelta a su vena fotógrafa y captura
multitud de escenas que, posteriormente, servirán
como base para sus cuadros e ilustraciones. Pero
antes de convertirse en versiones de la realidad,
esas instantáneas revelan aspectos destacados
53

▲ Ilustración para Spearia
54
55

56
▲ En esta página: Disturbance ▲ En la página siguiente: Where we were
en los intereses creativos y personales de
Perry, como un insaciable deseo de
experiencias, la inclinación por la vida
errante y la atracción por esos personajes
tangenciales que aparecen de improviso en
mitad del trayecto. Cápsulas de nostalgia,
pero con un acento de vitalismo que anima
a la esperanza, a la asunción de riesgos y a la
búsqueda ambiciosa del entusiasmo.
“En mis obras intento transmitir lo precioso que
es el tiempo. Algún día, todo lo que nos rodea se
habrá ido y será olvidado”.
Pat Perry, en una entrevista concedida a
Anormalmag.
Influido por artistas como J.C. Leyendecker,
Margaret Kilgallen, Aron Wiesenfeld,
Travis Millard o Anders Nilsen, Perry
destaca por un estilo donde el hiperrealismo
se mezcla con elementos urbanos, figuras
psicodélicas y detalles graffiteros, dando
lugar a un particular universo con patentes
influencias oníricas.
La riqueza de sus ilustraciones no ha pasado
desapercibida para la industria publicitaria,
que ha solicitado sus servicios en varias
ocasiones. Entre sus clientes, por mencionar
unos cuantos ejemplos, se hallan diarios
como The New York Times, eventos como
el Melbourne Writer’s Festival y empresas
como Ogilvy, Reef o Atlantic Records, que a
principios de año le encargó una ilustración
para el cartel que anunciaba la nueva gira
del grupo Bruno Mars.
Su trayectoria, de momento, parece firmemente
consolidada, pero haríamos bien en
no perder de vista a Perry, cuyas inquietudes
podrían llevarle a medio plazo al terreno del
celuloide. Mientras tanto, él sigue enfrascado
en varios proyectos colectivos, ultima la
publicación de su próximo libro y reserva
los billetes del avión que en junio le traerá a
Barcelona con motivo de la celebración del
OFFF Festival. ▲
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▲ Cartel para la gira de Bruno Mars
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ARTE
BROKEN
BEAUTY
Guim Tió Zarraluki
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62
Hay imágenes que esconden secretos. Éstas, en concreto,
ocultan piel, labios, cabellos y miradas perdidas entre la masa
mantecosa de las ceras de colores de Guim Tió Zarraluki, un
joven artista barcelonés que ha descubierto en las revistas de
moda su principal soporte de expresión creativa.
TEXTO
ROCÍO MONTOYA
La belleza no es siempre real. Cada día nos
vemos sometidos a las truculentas estrategias
de enormes empresas de comunicación que nos
hacen creer que la perfección estética existe y
que es alcanzable para cualquier ser humano de
a pie (si se lo propone y consume los productos
necesarios). Pero la verdad es otra y se llama
Photoshop, tampón de clonar, maquillaje en
cantidades industriales o lo que se viene denominando
“cirugía plástica editorial”.
Se podría debatir hasta el infinito esa verdad
que busca el colmo de la pureza visual, pero lo
que nos interesa no es otra cosa que conocer los
entresijos del quehacer de Guim, que re-retoca,
difumina, deconstruye y reinterpreta las fotografías
de importantes celebridades, modelos
e it-girls, impulsado por un imperante interés
acerca de la condición humana.
Guim se adentró en el terreno musical como
compositor y letrista de la banda islandesa
Sigur Ros, hizo sus pinitos en el sector de
▲▲▲▲▲▲
la moda y la televisión y finalmente decidió
asentarse en el campo de las artes gráficas. A
la edad de 19 años ingresó en la universidad
de Bellas Artes de Barcelona, iniciando así
un camino cargado de motivaciones que le ha
conducido a un éxito sin precedentes gracias a
su estilo, tan suyo y diferente.
Uno de los proyectos estrella de Guim Tió es
Magazine que, a groso modo, consiste en seleccionar
pliegos de revistas en los que aparecen
hermosas mujeres para cubrirlos con ceras de
colores hasta conseguir retratos absolutamente
nuevos y deformes. Este proceso creativo
contiene una poderosa carga crítica, irónica e
introspectiva acerca de la sociedad en la que
vivimos actualmente, bajo un sistema dominado
por las tendencias. Guim traspasa la fina
línea de la superficialidad para dar lugar a
unas composiciones perturbadoras que (en un
sentido más emocional que físico) no se alejan
demasiado de la realidad.
63

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65

66
Igualmente interesantes son The gang of childhood
y Facebook Project, series de fotografías pintadas
que el artista consigue a través de redes
sociales. Con esta propuesta Guim reflexiona
sobre el concepto de amistad en este tipo de
plataformas, de cómo se altera y se desvirtúa
la palabra “amigo” en el ámbito digital y de
esa necesidad del usuario por conseguir una
imagen pública atractiva que se contradice con
el deseo de privacidad en Internet. Para ello,
explora y estudia las diferentes relaciones entre
sus contactos y solicita a personas de todo el
mundo alguna fotografía personal. Una vez
obtenidas, pinta sobre ellas creando así un
nuevo avatar, totalmente deconstruido, como
un reflejo irónico de nuestra identidad.
▲▲▲▲▲▲
Su personalidad plástica, claramente definida,
se caracteriza por el uso de colores planos,
miradas vacías y narices pronunciadas, tres
claves estéticas que hacen que sus obras resulten
perfectamente reconocibles al primer vistazo.
Los ojos desorbitados, como pozos infinitos,
potencian la inexpresividad inquietante de
cada personaje y la geometría nasal es ya un
sello propio de la casa Tió. El hecho de respetar
algunas zonas de las imágenes originales nos
resulta especialmente cautivador porque genera
en el espectador una extraña sensación de
desconcierto, de curiosidad por saber qué se
esconde bajo la textura acerada del arte final.
Las obras de Guim Tió se han paseado a lo
largo y ancho de importantes galerías nacionales
e internacionales, entre ellas la barcelonesa
Sala Parés o la WWA Gallery de California,
y en ciudades como Ammán, Estrasburgo y
Madrid, y en la actualidad el artista continúa
maquinando nuevos proyectos en su Barcelona
natal. Entre sus trabajos más recientes
encontramos From canvas to camera, una serie
fotográfica en colaboración con Tanit Plana, y
las ilustraciones pertenecientes a Animals, con
trazos mucho más minimalistas.
▲▲▲▲▲▲
En pocas palabras, podríamos definir la obra
de Guim Tió Zarraluki como la de un soñador
que lucha por afear los ideales para descubrirnos
una verdad ficticia y ajena a los tan
aburridos estereotipos. ▲
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68
ARTE
Mina Hamada y Zosen, Fabra i Coats, Barcelona 2012
"ESTAMOS VIVIENDO EN LA ÉPOCA DE LA
PRIVATIZACIÓN DEL ESPACIO PÚBLICO"
Zosen y Mina
TEXTO:
MARIO IZQUIERDO
El dúo formado por la
estadounidense Mina y el
argentino Zosen surgió
gracias al particular e
interesante concepto que
tienen y desarrollan del
color. Un punto de partida
que les ha servido para dar
forma a intervenciones que
inundan las calles de ciudades
de todo el mundo y que
pretende hacernos olvidar,
por un momento, que la vida
es algo más que dinero y
productividad.
Cuando parece que el gris de la crisis lo inunda
todo, proyectos como el de Zosen y Mina
sirven para dar la nota (de color) y ofrecer una
alternativa mucho más positiva al momento en
que vivimos. Después de su amplia trayectoria
individual, la ciudad de Barcelona sirvió como
punto de encuentro para que ambos jóvenes
dieran forma a un puzle creativo repleto de
símbolos, elementos y criaturas que se fusionan
a la perfección. Partiendo de la idea planteada
por los Fauvistas a comienzos del siglo XX,
dan forma a Neofauvismo, una exposición
individual (que acaba de clausurarse en la Iam
Gallery de Madrid) en la que presentan una
selección de sus principales trabajos. Murales,
pinturas sobre tela, ilustraciones o serigrafías
con los que pretenden exteriorizar sentimientos
y simplificar la representación formal de
los mismos en favor de vibrantes y estridentes
colores con los que dotar de un mayor énfasis
expresivo a sus obras.
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70
Retrato de Zosen y Mina (por Núria Rius)
“Si podemos emocionar,
agitar o no dejar
indiferente a la gente,
para nosotros el esfuerzo
ha valido la pena”
DOZE Magazine: Por un lado tenemos a
Mina (estadounidense criada en Japón)
y por otro a Zosen (argentino) ¿Qué es lo
que pasó para que terminarais trabajando
juntos?
ZosenyMina: Nos conocimos en una de una de
nuestras intervenciones murales y fue la pasión
que tenemos por el color la que nos unió como
equipo. Desde entonces, hemos recorrido Europa
pintando diferentes muros y galerías.
Nuestras colaboraciones se dan gracias al fluir
de las formas y el color, cada uno a su manera
y a su ritmo. Pintar con alguien siempre es más
divertido que pintar solo y compartir es más
gustoso.
DM: Vuestras respectivas trayectorias
profesionales vienen marcadas por
numerosas intervenciones en la vía pública
¿Son las ciudades espacios vacíos
de emoción y sentimiento?
ZyM: Si la población no se expresa en la calle,
las ciudades son como grandes cementerios
llenos de hormigón; además, estamos viviendo
una época en la que cada vez es mayor la privatización
del espacio público. Por otro lado,
con la tecnología está cambiando también la
expresión de sentimientos entre las personas.
Es todo un cambio generacional, la deshumanización
de las masas.
DM: El color es una seña de identidad en
vuestro trabajo y parece casi una reivindicación
en su favor ¿Consideráis que
vivimos en un mundo demasiado gris?
ZyM: A través del color se pueden expresar
muchas cosas y es más fácil llegar a todos los
públicos. (Zosen) Tiene un poder de sanación,
transmite buena energía (o mala según la
gama) y es universal. Por poner un ejemplo, en
arte-terapia se trabaja mucho con los colores
también.
Vivimos en ciudades saturadas de publicidad
y, por tanto, de contaminación visual; así
que nuestros murales coloridos suponen un
descanso en esa guerra que pretende meterte
eslóganes en la cabeza y venderte algo continuamente.
Creo que el mundo es gris si uno quiere verlo
así, pero las posibilidades son siempre las que
cada uno quiera crear.
DM: ¿A qué personaje público le añadiríais
unas notas de color? ¿por qué?
ZyM: Te contesto con la referencia de los hombres
grises en la obra Momo (1973) de Michael
Ende. Trata sobre el concepto del tiempo y de
cómo es usado por los humanos en las sociedades
modernas:
Los hombres grises son “personas” (en el libro
no se da a entender qué son exactamente) que
intentan (y consiguen) hacer que los humanos
ahorren tiempo para que ellos lo guarden.
Sin embargo, el tiempo que los humanos
ahorran se pierde ya que los hombres grises lo
roban y viven de él dado que, por así decirlo,
están locos por el tiempo y necesitan todo el
que puedan. Sus enemigos son los niños, que
no entienden el tiempo ni los negocios, y en
especial Momo, que hace perder el tiempo a
los humanos ya que escucha sus problemas (y
eso puede llevar mucho tiempo). Los hombres
“Cementerio-Sick world” por Zosen, Mina Hamada y Gr170, Barcelona, 2012
“Eterna inocencia”, Zosen y Mina Hamada, Sant Antoni, Ibiza, 2012 - Arriba, detalle de la intervención
71

“Shibuya walkers”, por Zosen, Tokyo, 2012
Arriba: detalle por Mina, Zosen y Skount, Amsterdam, 2012 - Izquierda: Zosen y Mina, Dublin, 2012 - Derecha: “Paradise Lost” Zosen y Mina, San Adrián del Besós, Barcelona, 2012
grises, para sobrevivir, cogen los pétalos de las
flores del tiempo y se los fuman. ¡A este tipo de
personas les daríamos color!
DM: Si os dejaran intervenir en cualquier
espacio público del mundo, ¿cuál
escogeríais?
ZyM: Allí donde haga falta una buena dosis de
color en las calles, que no son pocos sitios.
DM: Además del color, la fantasía y el
surrealismo forman parte de vuestras
creaciones ¿Cuál es el mensaje final que
buscáis con ellas?
ZyM: Las pinturas de Mina cuando vivía en
Japón reflejaban una parte oscura de su persona
aunque trabajara con colores; en cambio, viviendo
y pintando en Barcelona, la energía de
la que se nutre es diferente y el resultado en sus
pinturas actuales es fresco y lleno de alegría.
Las combinaciones de color, naturaleza y formas
abstractas se mezclan con el simbolismo,
los personajes y el folklore remixado de Zosen.
Si el público logra emocionarse o sentir algo
cuando ve nuestras piezas significa que el
trabajo ha funcionado. Si podemos emocionar,
agitar o no dejar indiferente a la gente, para
nosotros el esfuerzo ha valido la pena. El hecho
de estar pintando en el espacio público sin buscar
nada a cambio ya es en sí una declaración
de intenciones. Hoy en día poca gente regala
su tiempo,energía y lo comparte con el resto
de ciudadanos. Neofauvismo es color, fusión,
compartir... No tiene prejuicios y no conoce las
fronteras ni físicas ni ideológicas. Así es mucho
más divertido.
DM: En este número hemos querido
rendir un homenaje a los soñadores
¿Son vuestros trabajos interpretaciones
de sueños hechos realidad?
ZyM: A veces las ideas vienen de los sueños,
a veces vienen de la realidad que nos rodea.
Puede ser que haya partes de nuestras pinturas
que vengan del subconsciente.
DM: Acabáis de presentar en Madrid
“Neofauvismo” ¿por qué motivo escogisteis
dicho título?
ZyM: Al igual que los fauvistas de las vanguardias
históricas, creemos en el poder del color
para expresar sentimientos, simplificando la
representación formal de los mismos en favor
de colores vibrantes y estridentes para dotar de
un mayor énfasis expresivo a nuestras obras.
72 73
▲▲▲▲▲▲
DM: Entrando de lleno en vuestra
manera de trabajar, ¿cómo ha sido la
experiencia de llevar a cabo un proyecto
de forma conjunta?
ZyM: En el caso de Neofauvismo ha sido la
primera vez que exponemos los dos juntos en
solitario (hemos participado en alguna exposición
colectiva anteriormente pero con otros
artistas).
En las piezas que presentamos hay algunas
personales y otras conjuntas, el trabajo fluye de
manera natural mezclándonos sin problema y
la mayoría de veces sin bocetos previos. En los
murales que hemos hecho juntos se puede ver
que la fusión de las formas y el color funciona
bien. A veces yo (Zosen) empiezo pintando
formas muy grandes y Mina en pequeñito,
entonces ella continua con formas más grandes
Zosen y Mina Hamada, Ibiza, 2012
y viceversa. Cada uno tiene su carácter y es
diferente al otro pero nos combinamos sin planearlo
demasiado, el proceso de preparación
de las pinturas ha sido en el mismo estudio y,
aunque trabajáramos piezas por separado, uno
veía lo que pintaba el otro y el espíritu era de
colaboración total.
Cada uno tiene su ritmo pero con la colaboración
es posible modificar esa dinámica que,
en el caso de trabajar en solitario, es difícil de
romper. Nos gusta ese cambio y no concretar
tanto el ritmo.
DM: ¿Qué es lo mejor y lo peor de trabajar
con otra persona?
ZyM: Trabajando juntos se rompe la normalidad
y hace que tengamos la mente más abierta
para que sea posible la colaboración.
DM: ¿Qué sensaciones recogéis de la
gente cuando contempla vuestras obras?
ZyM: Es difícil pensar qué siente la gente cuando
ve nuestro trabajo, ¿porqué no nos decís
vosotros qué sensación os sugiere?
DM: Y por último, ¿qué otros proyectos
tenéis ahora mismo entre manos?
ZyM: Hace unos días hemos clausurado la exposición
Neofauvismo en Iam Gallery Madrid.
También tenemos en Barcelona expuestas las
serigrafías y los ejemplares del libro Otomo
Atomico.
Por otro lado, hemos preparado algunas
serigrafías para la expo que empezó el pasado
23 de marzo en Tokyo. La galería se llama Kojimachi
Gallery y trabajamos en colaboración
con Montana Colors y Urban Force. También
pintaremos un gran mural en Saitama.. ▲

MODA
SOÑAD, SOÑAD MALDITOS
TEXTO
RUTH MARTÍN
La vida es sueño, escribía el gran Calderón de la Barca, pero en este número
queremos customizar su frase adaptándola a nuestra sección: la moda es
sueño.
Los sueños, que en ocasiones pueden ser pesadillas pero en las que no pensamos
detenernos esta vez, si algo tienen es que nos animan a pensar que
todo es posible. Que no hay imposibles que conseguir. Todo puede pasar.
¿Quién no ha soñado con ser diseñador y lo ha conseguido?, ¿quién no ha
soñado con desfilar y lo ha logrado?, ¿quién no ha soñado con escribir de
moda, asistir a las pasarelas, probar en primicia, y lo ha hecho posible?
Muchos.
Si hay algo que la moda permite, siempre y a todos, es soñar. Los diseñadores
crean, transportan sus sueños convirtiéndolos en realidad en las
pasarelas, en sus atelier, en los cuerpos que los eligen y lucen sus creaciones.
Los editoriales de las revistas, cuidados hasta el detalle, excesivos a veces,
minimalistas otras, irreales, mágicos o muy realistas, son como aquel camino
de baldosas amarillas que nos guía hacia el mundo de Oz.
O el chasquear de unos stilettos, como aquellos glitter de color rojo con los
que todas y todos hemos querido ser Dorothy para vivir en un mundo “over
the rainbow”.
Pequeños detalles, o inmensos en ocasiones, que nos ayudan a creer que
aquello con lo soñamos es posible. Porque hasta el diseño más imposible
que imaginemos, encuentra en alguna parte del mundo un cuerpo que lo
magnifica y lo hace perfecto. Ya lo dice el refranero español: “siempre hay un
roto para una descosío”.
Aunque la moda parece estar en peligro de extinción, aunque muchos se
empeñen en querer matarla, aunque vivimos inmersos en una crisis que
roza lo existencial además de lo económico, seguir soñando es de valientes.
O de ilusos, ¿quién sabe? Pero si nos quitan los sueños también, ¿qué nos
queda? Poca cosa. Por eso necesitamos, y más ahora que volvemos a ver
los primeros rayos de sol, que nos inviten y nos allanen el camino para
seguir soñando. La moda lo hace, ¡claro que lo hace!, porque con ella nos
podemos sentir protagonistas del cuento.
Príncipes. Princesas. Duendes. Hadas. Magos.
Aunque quizá no podamos comprar lo que desearíamos; aunque quizá
únicamente tengamos que tirar de fondo de armario hasta que lleguen
tiempos mejores; aunque nos conformemos con sustitutos hasta que los
originales hagan su entrada o incluso saquemos
brillo a nuestro talento y nos convirtamos en
creadores de lo nuestro…La moda nos permite
reinventarnos y elegir quién queremos ser cada
día. Cada momento. En cada ocasión.
Decían en “Come Reza Ama”: “elige tus pensamientos
como cada día eliges tu ropa”. Gran verdad.
Porque tal y como nos sentimos por fuera
(esa imagen que le mostramos al mundo) es
como nos sentimos por dentro. Podemos elegir
siempre el gris, o el negro, amparándonos en
que nos gustan los colores básicos, pero quizá
no es la realidad. Podemos elegir un universo de
colores, el arcoiris de Dorothy con el que poner,
cada despertar, un ladrillo más en el camino de
baldosas.
“No duermas para descansar, duerme para
soñar. Porque los sueños están para cumplirse”,
decía uno de los magos de la fantasía, Walt
Disney. Y tú, ¿qué sueño quieres convertir en
realidad? ▲

76
MODA
Brian Wood
Camuflaje de ciudad
TEXTO: ALEJANDRO MEITÍN
FOTOGRAFÍA: SAMUEL ZAKUTO
“La esperanza es el sueño del hombre despierto”,
lo decía el filósofo griego Aristóteles allá
por el año 300 AC. De esto saben muchos los
artistas, corredores de fondo que alimentan sus
ganas de ser reconocidos a base de esperanzas
e ilusiones, de que sus obras sean valoradas y
reconocidas tanto por todos aquellos profesionales
del sector como por parte de sus potenciales
consumidores.
Algunos de estos corredores disfrutan del
camino, no se agobian y se dejan llevar por lo
que ellos creen que son su deseos y anhelos.
Uno de ellos es un joven diseñador neoyorquino
de nombre Brian Wood que, además
de gestionar y hacer realidad sus propias
colecciones, colabora y disfruta compartiendo
su genio con otras marcas como, por ejemplo,
Alpha Industries o Crown Royal. Un creativo
que comprende que en el subconsciente no solo
se alberga un único deseo, por lo que trabaja
por y para que todos los que se le pasan por la
cabeza se hagan realidad.
Su última colección, para la primavera/verano
de 2013 y titulada Beauty Awakened, es el
despertar de una nueva forma de entender el
estampado. Su trabajo nace como una crisálida,
que después de ser oruga se convierte en
una mariposa monarca vinculada al street wear,
llevada desde su ecosistema a las calles de Nueva
York. Su manera de darle la vuelta el tan
manido print de camuflaje le lleva a traducir en
prendas los motivos de estos pequeños insectos
que vuelan desde México hasta el tan lejano
Canadá. Este motivo se traduce en chaquetas,
sudaderas, bombers y muchas otras prendas que
convierten al clásico corredor de fondo en el
monarca de las calles de la Gran Manzana.
Si la esperanza, como ya decía Aristóteles, es
el combustible de los que sueñan despiertos,
solo algunos han sabido transformar (como los
alquimistas que convierten el plomo en oro)
dichos anhelos en deseos tangibles y reales. ▲
77

78
MODA
Six Lee
TEXTO: ALEJANDRO MEITÍN
No hace mucho tiempo, un joven soñó con ser diseñador, viajar y descubrir
mundo. También en que todos estos deseos se convirtieran en algo tangible.
Y lo logró. Consiguió transformar aquello que nacía en su inconsciente en
prendas con las que otros, en un momento determinado de sus vidas, soñarían
dejándose arrastrar por los anhelos materializados de un muchacho que
nunca tuvo miedo a descubrir y ser descubierto. Este diseñador de sueños se
llama SixLee y el resto somos todos aquellos que seguimos los deseos y esperanzas
de alguien que supo hacer realidad sus más profundas aspiraciones.
DM: ¿Cómo definirías el estilo de SixLee?
SL: Yo diría que clásico, lindo, juguetón, inocente y sofisticado al mismo
tiempo. Supongo que es lo que representa mi personalidad porque a veces
soy muy serio pero tengo un retorcido sentido del humor. El carácter de
SixLee puede describirse como demasiado romántico y poético, sensible y
contemplativo. Estos ingredientes se reflejan en mis colecciones con adjetivos
como pensativo, elegante y reflexivo, inteligente, romántico, clásico y
futurista, onírico y juguetón...
DM: Talento chino en un mercado occidental. ¿Ha sido complicado
llegar hasta donde estás?
SL: Estudié en la Royal Academy of Fine Arts de Antwerp, en Bélgica. Fui
muy afortunado ya que conseguí muchos contactos mientras estudiaba allí
(conocí mucha gente interesante y medios de comunicación que han apreciado
el trabajo de los estudiantes de la Academia). Me gusta pensar en mis
cuatro años en la escuela como un periodo de educación personal en los
que he estado trabajando en mí mismo: un proceso constante de absorción
de diferentes ideas, orígenes e influencias para combinarlos y finalmente
desarrollar mi trabajo creativo. La ética que se respiraba en la academia
me ha servido para ser una persona más rica en todos los ámbitos.
DM: En la moda, el hombre ha sido siempre poco arriesgado
pero, desde los años 60, algunos diseñadores se han atrevido a
incluir prendas femeninas en sus estilismos ¿Crees necesario
dar estos toques de atención para conseguir una verdadera evolución
en la moda masculina?
SL: Nunca he sido consciente de que hubiera una diferencia entre la ropa
para hombres y la de mujeres, simplemente intento ser lo más original posible
inspirándome en ambos sexos. Gracias a la extensa investigación que he
llevado a cabo sobre los atuendos típicos del ser humano por todo el mundo,
he llegado a entender de verdad las diferencias entre las distintas culturas y
a comprender realmente el verdadero significado de la ropa.
A medida que empezamos a cuestionarnos a nosotros mismos, también
lo hacemos con nuestra ropa: cuáles son los elementos qué hacen que nos
guste, cuáles son las diferencias entre la ropa de los demás y la nuestra, etc.
Así mismo, empezamos a darnos cuenta del porqué de ciertos atuendos, de
por qué tiene sentido que se lleven ciertas prendas en determinadas partes
del mundo. Mi objetivo ideal para cada nueva temporada es “descubrir”
atuendos con usos limitados geográfica, social o sexualmente y hacerlos más
fáciles de llevar para el ser humano de este siglo o incluso del que viene.
DM: Occidente vive una de sus peores crisis desde el Crash
del 29 ¿Cómo crees que afecta a la industria textil la recesión
económica?
SL: Afecta y de muchas maneras. Como diseñador, por ejemplo, me resulta
muy difícil encontrar gente dispuesta a invertir en telas innovadoras que
resulten interesantes para el mundo de la moda si no es con cierta garantía
de que generen posteriormente beneficios; y esto supone tener que luchar
muy duramente para mantener el equilibrio entre lo innovador y lo que
vende, porque de lo contrario en esta industria no puedes sobrevivir.
DM: Sleepers es un homenaje a todos los artistas que sueñan
con encontrar su inspiración ¿En qué te basas para hacer realidad
tus sueños?
SL: Casi siempre encuentro “una historia que contar” en todos mis sueños.
Además considero que la vida te ofrece muchas fuentes de inspiración: no
sólo en la moda, también en el arte, el diseño e incluso en los oficios, la
ciencia o la literatura. Admiro a la gente que se mantiene fiel a sí misma y
que está enamorada de lo que hace.
Por otro lado, soy un adicto a las películas; admiro enormemente la obra
de Almodóvar, Lynch, David Fincher, Michel Gondry, Darren Aronofsky,
David Cronenberg, Alejandro González Iñárritu, Lars VonTrier, Steve
Moqueen, Ridley Scott, Christopher Nolan, Timur Bekmambetov, Spike
Jonze y Sofía Coppola y, en ocasiones, me doy cuenta de que sus diferentes
estilos influyen en mis sueños.
DM: ¿Podremos ver en un futuro prendas femeninas entre tus
diseños?
SL: Por qué no, estoy pensando en ello. Sin embargo, creo que el mejor
momento será cuando mi linea masculina consiga reconocimiento.
DM: Un sueño recurrente…
SL: Siempre he soñado con un montón de cubos geométricos moviéndose
a mi alrededor, me da la sensación de que están a punto de atacar o algo
por el estilo y tengo que huir de ellos. Sin embargo, también es una imagen
hermosa cuando no tienes nada más que cubos geométricos de diferentes
colores e iluminación (supongo que esto viene a raíz de que sufro mucho
estrés...).
DM: Una canción para irse a dormir...
SL: Por supuesto, algo de Billie Holiday, “My Man”, tal vez.
DM: Un libro sobre la mesilla de noche …
SL: “Cómo ser un caballero” por Brooks Brothers. ▲
Fotografía: Zeb Daemen, modelo: Lessandro Reyniers, maquillaje y peluquería: Mathieu de Mayer

80
MODA
IN YOU THE
EARTH
▲▲▲▲▲▲
Collages: Ashkan Honarvar
Fotografía: Rocío Montoya
Dirección de arte y estilismo: Alejandro Meitín
Iluminación: Alejandro Bazal
Modelos: Amarna Miller y Pep Trapiello
Agradecimientos: Félix Fernández
Producción: DOZE Magazine
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82
Amarna lleva falda: Paul & Joe Sister
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Amarna lleva: Vestido Paul & Joe Sister ▲ Bolso: Just Cavalli
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Pep lleva: Traje: Davidelfin ▲ Camiseta: Cheap Monday
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Amarna lleva: Abrigo: Just Cavalli ▲ Corsé: Leyre Valiente
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Amarna llev: falda: Stella Forest
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92
Amarna lleva: Chaqueta: Just Cavalli ▲ Pep lleva: Americana GarcíaMarid ▲ Camisa: DSQUARED2
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Amarna lleva: Abrigo: Just Cavalli ▲ Corsé: Leyre Valiente
95

96
Amarna lleva: Body y ligero: Intimissimi ▲ Vestido: Phillip Plein ▲ Pep lleva: Camisa y short: Just Cavalli
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Pep lleva: Traje: Davidelfin ▲ Camiseta: Cheap Monday
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MODA
AMANINTHEMOON
Fotografia: David Arnal ▲ Dirección de arte y estilismo: Visori Fashionart ▲ Maquillaje: De Maria
Ayudante de fotografia: German de la Hoz ▲ Modelo: Juan Mollá de Ad Models Academy
Camisa vintage customizada
Parka de pvc y gorra: Adidas
101

102
En la página anterior: Parka: Adidas ▲ Pantalón y camiseta: Selim de Somavilla ▲ Máscara: Visori
En esta página: Bomber: Selim de Somavilla ▲ Pantalón: Visori ▲ Collar del estilista
103

104
Chaqueta de pvc: Visori ▲ Pañuelo: Versace Atelier ▲ Collar: H&M ▲ Máscara: Visori ▲ Gorra customizada: Asos
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Suéter de rejilla: Visori ▲ Pañuelo: Gucci ▲ Collar y gafas: H&M ▲ Gorra customizada
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En esta página: Chaleco de pelo y casco: Visori ▲ Leggins: Jeremy Scott ▲ En la página siguiente: Chaleco de pelo y pedrería: Visori
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Camisa vintage customizada
Parka de pvc y gorra: Adidas
111

MODA
Fotografía: Pedro Walter
Asistente de cámara: Yoyo
Estilismo: Miguel Becer
Maquillaje y peluquería: Manu Fernández para Kiehl´s
y Bobbi Brown
Modelos: Lera Tribel (Unomodels)
y Nueria Niera (Traffic Models)
En todo el editorial:
Total look: Manifesto Reche
Zapatos: Cheap Monday
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MODA
STARGAZER
Fotografía, dirección de arte y maquillaje: Alejandra Vacuii
Estilismo: Black Velvet Styling
Ayudante de fotografía: Rosa Lee
Modelo: Sara Carracedo
Vestido: Marina Dopamina ▲ Tiara: Bijou Brigitte ▲ Anillo de la estilista
121

122
Top: Zara ▲ Falda y collar: Stradivarius ▲ Pendientes: H&M
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124
En esta página Sara lleva vestido: Mango ▲ Collar: H&M ▲ Capa de la estilista ▲ En la página siguiente: Camiseta: Zara ▲ Falda: Massimo Dutti ▲ Medias: Stradivarius
Zapatos: Blanco ▲ Collar: Zara ▲ Pulsera, anillo y accesorio pelo: H&M
125

126
En esta página Sara lleva vestido: Mango ▲ Collar: Stradivarius ▲ Tocado: Marina Dopamina ▲ En la página siguiente: Top: Zara ▲ Falda y collar: Stradivarius
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MODA
TWIN
TWIN
SHADO SHAD
TWIN
SHADOW
TWIN
SHADOWS SHADOW
SHADOWS
Fotografía: Mónica Navarro
Asistente de fotografía: Jaime Cortés
Estilismo: Carlutti´s Desire y Alejandro Meitín
Maquillaje y peluquería: Natalia Rodríguez
Modelos: Dacil Marreno (agencia Traffic),
Ana García y Héctor Gnomo
Camisa: Carlutti
Anillo de calavera: Lúa
Anillo de máscara de gas: Lúa
129

130
Camisa y pantalón: Carlos Díez
Collar: U de Adolfo Domínguez
Camisa y cinturón: Carlos Díez
131

132
Top: Manuela Fidalgo
Falda: María Escoté
133

Camisa: Carlutti Camisa: Carlutti
Pantalón: Hoss IntropiaCinturón:
Dsquared
Cartera: UterqüeAnillo
de calavera: Lúa
Anillo de máscara de gas: Lúa
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136
INDEX
Agradecimientos:
016
042
080
▲ Félix Fernández
www.felixfernandez.org
▲ Francisco Iglesias
www.franilustracion.blogspot.com.es
▲ Rocío Verdejo
www.rocioverdejo.es
▲ Miguel Mestre
024
050
100
032
060
112
016 ▲ Berta Vicente
www.bertavicente.com
024 ▲ Jordan Tiberio
http://jordantiberio.com
032 ▲ Susana Blasco
http://instagram.com/descalza
068
120
042 ▲ David Szauder aka. Pixel Noizz
http://pixelnoizz.de
050 ▲ Pat Perry
http://patperry.net
060 ▲ Guim Tió Zarraluki
http://guimtio.blogspot.com.es
068 ▲ Zosen y Mina
http://zosenymina.tumblr.com
128
080 ▲ Ashkan Honarvar y Rocío Montoya
www.ashkanhonarvar.com
100 ▲ David Arnal
www.davidarnal.com
112 ▲ Pedro Walter
www.pedrowalter.com
120 ▲ Alejandra Vacuii
www.alejandravacuii.com
128 ▲ Mónica Navarro
http://moninavarro.tumblr.com
137

www.doze-mag.com