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Cuerpo, comunidad y emoción
Del miércoles 27 al domingo 31 de agosto
Puebla, Puebla
Interfaz es el nombre de la caravana cultural y social que
el ISSSTE lleva a cabo a lo largo del país durante el presente
año. Un evento multidisciplinario que hace visible la
riqueza de nuestro país y de nuestro público a través de
eventos para todo tipo de intereses y necesidades, para
los derechohabientes –objetivo principal de de nuestras
actividades– pero también para todos los interesados.
Interfaz es un encuentro de actividades culturales y sociales
que nos permiten generar espacios de diálogo y encuentro,
y, sobre todo, un espacio de aproximación, donde los otros
son la clave del encuentro con nosotros mismos.
Interfaz, como espacio de diálogo y reflexión, permite entender
la relación de los individuos y las comunidades, leer la
manera en que nuestros cuerpos conviven y toman su lugar
respecto a los otros (y con los otros) hasta generar comunidad,
hasta crear espacios de emoción/acción cotidiana.
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índice
Exposición de Artes Visuales 7
Conferencia magistral 16
Ciclo de cine FICUNAM, 2014 18
Teatro 27
Danza 28
Música 31
Infantiles 37
Eventos literarios 45
Talleres 47
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EXPOSICIÓN DE ARTES VISUALES
miércoles 27 al domingo 31 de agosto
1 0:00-18:00 hrs.
Sala Jimenez de las Cuevas, Casa de la Bóveda, BUAP
A través: geometría e historia (paisajes)
Luis Felipe Ortega, curador
Marcela Armas, Roberto Armenta, Maj Britt Jensen, Brenda
Castro, Ana Cervantes, Sergio Gutiérrez, Luis Carlos Hurtado,
Carlos Licón, Omero Leyva, Miguel Ángel Madrigal,
Andrea Martínez, Israel Martínez, Alicia Medina, Marcela
Rico, Julio Romero.
La exposición A través: Geometría e historia (paisajes), reúne
a 15 artistas jóvenes quienes han construido sus procesos
visuales desde la relación y reflexión específica con su
entorno, realizando comentarios a su cotidianidad y, sobre
todo, a la manera en que generan vínculos específicos con
el espacio “abierto”. La calle, el espacio doméstico, la ciudad,
el espacio natural, la alteración, la idea de “lo natural” y una
serie de comentarios poéticos y formales son las herramientas
que permiten a estos artistas construir propuestas
visuales que dialogan con su presente. No se trata de una
generación, pero sí de artistas que a través de sus preguntas
y mecanismos de producción dialogan entre sí. Al ‘cómo me
ubico en relación a mi tiempo, a mí mismo’, van abriendo ese
espacio de diálogo, colocándose de una manera específica
en relación a su entorno y, desde luego, a todo lo que ese
implica. Los artistas aquí reunidos vienen de diversas zonas
del país, desde ahí llegan sus modos de “hacer” y de “decir”
cómo trabajan, qué preguntas tienen, cómo las desdoblan y
las pliegan para que lleguen a nosotros como “obra”, como
algo que temporalmente se abrirá a nuestra lectura, a nuestra
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interpretación; por un tiempo estaremos en condición de ser
sus interlocutores.
Marcela Armas (Durango, México, 1976)
Egresada de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad
de Guanajuato, con estudios en la Facultad de Bellas Artes de
San Carlos de la U.P.V. en Valencia. Formó parte del colectivo
Los Ejecutistas mientras residía en Guanajuato, grupo
interdisciplinario formado por artistas, músicos, poetas y
arquitectos. El 2007 obtuvo el apoyo de Jóvenes Creadores por
el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y forma parte del
programa de residencias del Centro Multimedia del CENART.
Ha exhibido su obra de forma individual y colectiva en México,
España y Canadá.
Roberto Armenta (Sinaloa, México, 1983)
Estudia la licenciatura en ciencias de la comunicación en la
Universidad de Occidente de Culiacán, Sinaloa. Trabaja como
reportero gráfico del periódico Noroeste y en la Agencia Fotográfica
Deportiva Imago 7.
En el 2012 recibe la beca Pecdas 2012, del Gobierno de Sinaloa
y CONACULTA por el proyecto Adrenalina. Ha participado en
varias exposiciones individuales y colectivas en diferentes
espacios destacando la Galería Planta Alta ISIC, Culiacán,
Sinaloa, la galería José Luis Cuevas, Escuela de Artes Plásticas
de la Universidad Autónoma de Sinaloa.
Maj Britt Jensen (Berlín, Alemania, 1978)
Crece en Bucaramanga, Colombia. Inicia sus estudios de diseño
gráfico en Hannover (Alemania) y trabaja de asistente de fotografía
publicitaria en Bremen (Alemania), antes de mudarse
a la ciudad de México en el 2002. Estudia en la Escuela Nacional
de Pintura, Escultura y Grabado, ENPEG, La Esmeralda. Después
de haber explorado el lenguaje como fuente de su trabajo personal,
(pues aprendió el español como primera lengua y luego
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adquirió el alemán) ella ahora investiga sobre el cuerpo como
material de trabajo. Tanto en el trabajo individual como en el
trabajo en pareja y en grupo, ella explora temáticas como, por
ejemplo, la identidad y los roles de género, la relación entre lenguaje
e imagen y los espacios de encuentros afectivos. Acaba
de realizar una residencia en Colombia a través del Programa
de residencias artísticas FONCA-CONACYT y cuenta con varias
exposiciones colectivas e individuales.
Brenda Virginia Castro Rascón (Culiacán, Sinaloa, 1983)
Artista Visual egresada de la Universidad Autónoma del Estado
de Morelos UAEM (2002-2006) con especialidad en Escultura.
Obtuvo la beca de residencia artística de FONCA-CONACYT
en Banff, Canadá (2013). Fue becaria del Fondo Estatal para la
Cultura y las Artes del Estado de Sinaloa (2010-2011). Obtuvo
primer lugar en la categoría de gráfica en el Salón de la Plástica
Sinaloense (2004) y mención honorífica en la categoría de
fotografía en la Bienal Frida Kahlo en Culiacán, Sinaloa (2006).
Ana Cervantes (Nuevo León, México, 1988)
Egresada de la Licenciatura de Artes Visuales y Mediáticas por el
Centro de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey. A partir
de un interés directo en la musoeografía, su obra establece
diversos niveles de diálogo y confrontamiento con espacios
arquitectónicos en donde se construye, sirve y presenta contenidos
de carácter significativo. Ha participado en exposiciones
en espacios culturales de Santiago de Chile así como diversos
espacios de fluencia cultural en la ciudad de Monterrey como la
galería Alternativa 11 y el Centro Cultural 360. Fue becaria del programa
de estímulo a la creación y el desarrollo artístico (PECDA)
de CONARTE en el año 2010.
Sergio Gutiérrez (Ciudad de México, México, 1982)
Cursó la Licenciatura en la ENPEG “La Esmeralda”. Ha expuesto
de manera individual y colectiva en México y en el
extranjero. Ha sido acreedor a diversos estímulos como el
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Omero Leyva, Sin título, cortesía del artista.
Carlos Licón, Las formas de la memoria, cortesía del artista.
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Artista en Residencia del Museo Experimental el Eco en 2012.
Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Oaxaca.
Luis Carlos Hurtado (Campeche, México, 1970)
Estudió la licenciatura en la “La Esmeralda”. Su trabajo ha
sido presentado en Nueva York, Madrid, Colombia y la ciudad
de México. En 2010 obtuvo la residencia en Bretaña (Francia),
para realizar el proyecto fotográfico Viajes por los ríos de
Bretaña. Ha sido becario del FONCA en tres ocasiones a través
del Pro- grama de Fomento y Conversiones para proyectos
culturales, y dos veces acreedor de la beca Jóvenes Creadores.
Su libro, Bitácora de viaje, fue publicado con el apoyo
del Gobierno del Estado de Campeche, el CONACULTA y el
Programa de Desarrollo Cultural del río Usumacinta.
Carlos Licón (Sonora, México, 1979)
Fotógrafo, quién ha alcanzado tres premios que lo consolidan
como uno de los jóvenes talentos de la lente en Sonora. En
2003 obtuvo el Premio Estatal de Periodismo en categoría de
Fotografía, convocado por el Congreso del estado; en noviembre
de 2005, el segundo lugar a nivel nacional del concurso
denominado Primer Premio de Fotografía Contemporánea de
la Revista Fahrenheit, que lo llevó a Paris, Francia.
Omero Leyva (Guerrero, México, 1985)
En 2003, ingresa a “La Esmeralda”, donde cursó la licenciatura
en Artes Plásticas. Ha participado en múltiples exposiciones
colectivas, en México y en el extranjero. El brillante talento que
posee le ha permitido obtener el primer lugar en la IV Bienal del
Pacífico Paul Gauguin 2005, en la Tercera Bienal Nacional de
Dibujo Silvia Pawa 2007, y en el Encuentro Nacional de Arte Joven
2008. Durante sus años de estudio, obtuvo la Beca Talento
Artístico, de 2004 y en 2010, recibirá la Beca Jóvenes Creadores,
FONCA, CONACULTA, en la categoría Pintura. Sus obras han sido
publicadas en catálogos y revistas de circulación nacional
como revista Tierra Adentro, La Palanca y Proceso.
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Sergio Gutiérrez, de El hemisferio de la sombra, cortesía del artista.
12

Carlos Licón, Las formas de la memoria, cortesía del artista.
Andrea Martínez, de la Serie Neblina, cortesía del artista.
13

Miguel Ángel Madrigal (Ciudad de México, México, 1974)
Artista plástico. Miembro del sistema nacional de creadores.
Madrigal explora diversas formas de manipular tanto objetos
como materiales. Ha retado la gravedad el equilibrio no
solo el físico si no también el visual, además de la convencionalidad
de los soportes artísticos. Ha expuesto en varios
espacios de México y el extranjero, entre los que destacan la
galería Enrique Guerrero, en la bienal de Monterrey Femsa,
en la primera, segunda y tercer Bienal Nacional de Artes
Visuales de Yucatán, XXIV encuentro nacional de arte joven
Aguascalientes, en el museo Universitario del Chopo, en el
Centro Nacional de las Artes, en el MUCA Roma, el Centro
Cultural de España en México, entre otros.
Andrea Martínez (Campinas, Brasil, 1982)
Vive y trabaja en México D.F. Estudia la licenciatura en “La
Esmeralda”, México D.F. (2002-2007) y el Seminario de
Fotografía Contemporánea (2006) que concluyó con la exposición
“Tácticas” en el Centro de la Imagen. Individualmente
presentó el proyecto “Aquí/Allá” en Casa Vecina, México D.F.
(2007) y de manera colectiva cuenta con varias exposiciones
en México y el extranjero. En 2013 realizó una residencia artística
en The Banff Centre, Canadá con una beca otorgada por
el FONCA/CONACYT.
Israel Martínez (Jalisco, México, 1979)
El trabajo de Israel Martínez se ha caracterizado por
desarrollarse en una diversidad de propuestas y uso de distintos
soportes, teniendo como objetivo generar reflexiones
sobre la sociedad a través del sonido y la música. Ha permanecido
activo en varios campos como la creación de una
música en la intersección del pensamiento electroacústico y
la experimentación sonora; ha realizado video-instalaciones,
proyectos para sitio específico, acciones, intervenciones,
obras gráficas a través de fotografía, mecanografía, fotocopia
y otros medios. Ha participado en eventos de distintos
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territorios artísticos, principalmente en América y Europa.
En 2007 recibió el Premio de Distinción en el Prix Ars Electronica,
fue residente del Artists-in-Berlin Program del DAAD
en Alemania.
Alicia Medina (Ciudad de México, México, 1988)
Egresada de la “La Esmeralda” y miembro del Programa
Regular, SOMA. Estudió un año de intercambio en la HBK
Braunschweig, Alemania. En marzo 2014 presentó el proyecto
individual “Discurso de un objeto inanimado”. Fue seleccionada
para la Revisión de portafolios de artistas emergentes en el
MUAC. En 2013 participó en el programa SOMA Summer y en la
exposición “Demasiado Futuro” en el Centro Cultural de España.
Ha participado en otros festivales de video en el extranjero y
exposiciones colectivas. Vive y trabaja en la ciudad de México.
Marcela Rico (Sinaloa, México, 1979)
Ha sido becaria del programa de Jóvenes Creadores del FONCA
2010-2011, premio de adquisición en la Bienal de Artes Visuales
del Noroeste 2011 y mención honorífica de la Bienal de Artes Plásticas
de la Universidad Autónoma de Sinaloa, Mazatlán 2010.
Julio Romero (Baja California, México, 1988)
Estudió fotografía con Yvonne Venegas, Javier Ramírez Limón,
Luis Felipe Ortega y Allen Frame. Su trabajo fotográfico ha
recibido varios premios entre los que destacan: Premio de
adquisición en la XIVva Bienal de Artes Visuales del Noroeste,
Mención honorífica en el concurso mundial de fotografía
“International Photography Awards” (2013) en Los Ángeles,
CA. Beca de Fomento Nacional para la Cultura y las Artes.
Jóvenes Creadores 2012-2013. Su trabajo ha sido publicado en
colaboración para diferentes revistas y periódicos regionales,
así como a nivel internacional.
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miércoles 27
17:00 hrs.
Sala Jiménez de las Cuevas, Casa de la Bóveda, BUAP
Conversación con artistas y recorrido a la exposición. Luis
Felipe Ortega y Omero Leyva
Dado que Interfaz comisionó la realización in situ de un mural
a Omero Leyva, los invitamos a una charla con el artista para
dialogar sobre el proceso específico de esta pieza y cruzarlo
con las reflexiones que se han venido desarrollando en su
producción dibujística y pictórica. Sin duda el diálogo dejará
el complejo tejido entre los soportes convencionales accionados
dentro de la producción contemporánea.
Los invitamos a recorrer la exposición con Luis Felipe Ortega,
quien ha generado algunas líneas de reflexión para reunir a
este importante grupo de artistas jóvenes; un diálogo entre
soportes, ideas y procesos cuya plataforma general es el
acercamiento a nuestro presente.
CONFERENCIA MAGISTRAL
jueves 28
18:00 hrs.
Casa de la Bóveda, BUAP
Daniel Montero y Luis Felipe Ortega
MESA
Por el derecho a la representación del otro: formas del silencio
¿Es imposible la metáfora en el arte contemporáneo Esa pregunta,
que parece ya realizada desde diferentes perspectivas
en términos históricos, vuelve a aparecer en este contexto por
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las intersecciones que plantean diversos discursos que van
desde la producción de obra, hasta la posibilidad de hablar de
cualquier fenómeno bajo unas condiciones descriptivas. Es
más, si se considera a la metáfora como una elaboración que
pretende algún tipo de sustitución, se hace patente un asunto
temporal de relevo de la representación que tal vez haya que
reconsiderar para el arte reciente. Esta presentación intentará
repensar el problema de la metáfora en el sentido del re-presentar
al otro (y a lo otro) en un campo simbólico de constantes
tensiones como el del arte para empezar a pensar tanto a la
obra de arte y al sujeto como una experiencia contenida.
Daniel Montero (Bogotá, Colombia, 1980)
Es Doctor en Historia del Arte graduado con honores por la
Universidad Nacional Autónoma de México. Ha sido docente
en varias instituciones de educación superior y ha participado
en diferentes proyectos de curaduría y promoción cultural.
Además ha publicado reseñas y textos críticos en diferentes
publicaciones de México, Colombia y Estados Unidos. Ha
ofrecido cursos de crítica de arte en diferentes niveles educativos
y gran parte de su investigación tiene que ver con las
relaciones complejas entre la crítica de arte y otros espacios
artísticos como la curaduría, la historia y la producción artística
e intentar pensar desde allí cómo es y cómo podría ser
la crítica de arte contemporánea. Es autor del libro El cubo de
Rubik: arte Mexicano en los años 90.
Luis Felipe Ortega (Ciudad de México, México, 1966)
Es egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. De
sus exhibiciones individuales más recientes destacan (Anotaciones
para una inclusión del silencio) Marso Galería, México,
2013; Así es, ahora es ahora, Laboratorio Arte Alameda, México,
2010; Before The Horizon, Maisond’ArtActuel des Chartreux,
Bruselas, 2006.
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Su obra ha transitado por diversos lenguajes (escultura,
instalación, fotografía, dibujo) y el video ha sido un soporte
permanente en su producción, realizando registros de acciones
en un principio y posteriormente narrativas visuales que
transitan hacia el silencio y el vacío. En el año 2001 el Museo
Georges Pompidou adquirió para su colección Remake (1994),
pieza realizada en colaboración con Daniel Guzmán.
Entre sus publicaciones podemos mencionar Doble Exposición
(Expandida), Marso / Jumex, 2013; La Universidad Desconocida,
Last / Desiré Saint Phalle, 2011; Así es, ahora es ahora,
Laboratorio Arte Alameda, INBA / Conaculta, 2010; Ocupación,
Turner / A&R Press, 2007.
Fue miembro del Sistema Nacional de Creadores entre los
años 2006 y 2013, así como artista en residencia en el International
Studio and Curatorial Program de Nueva York en el
2002.
Actualmente es miembro del consejo académico de SOMA y
del Museo Experimental El Eco, UNAM.
CICLO DE CINE FICUNAM, 2014
miércoles 27
19:30 hrs.
Cinemateca Luis Buñuel, Casa de la Cultura, CECAP
QUE TA JOIE DEMEURE/ JOY OF MAN’S DESIRING, 2014
Que tu alegría perdure
Director: Denis Côté
Canadá
70 min.
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Alegoría de la idea del trabajo, reflexión —una vez más— del
hombre a partir de su entorno y de sus semejantes —sean
humanos o animales, o máquinas, como en el caso que aquí
nos compete— el filme-ensayo Joy of Man’s Desiring (2014)
responde al nombre del famoso décimo movimiento de la
cantata BWV 147 de Johann Sebastian Bach, pero en vez de
ser Jesús el objeto a tratar (o la fe, en términos generales), aquí
es el trabajo en el mundo moderno —la maquila sin oficio— el
trabajo de tiempo completo (“Tu tiempo es tan precioso como
el mío” dirá aquel misterioso personaje femenino, acaso un
oráculo, que abre la película). Así, cinco trabajadores de
una fábrica metalúrgica se debaten existencialmente en un
escenario de tornos, taladros y prensas donde confeccionan
un sinfín de piezas metálicas de todo tipo, en un concierto de
ideas dramatizadas en torno a la tragedia íntima y humana en
que se ha convertido la industrialización de la vida.
Ocho largometrajes realizados en ocho años conforman el lugar
que Denis Côté ha fraguado en el cine canadiense contemporáneo,
desde su temprano accionar como prolífico cortometrajista
y aún incluso desde el análisis cinematográfico como agudo
crítico. Si Bestiaire surgió como una reacción a la linealidad
narrativa y la “literalidad” —como el mismo Côté lo define— de
sus anteriores trabajos, Joy of Man’s Desiring apuntala aquella
voluntad de “mirar”, ese “enseñar sin contar”, leit-motif a ratos
evidente, a ratos superficial, donde radica el éxito formal de toda
la cinematografía del inspirado director québécois. Películas hermanas,
suerte de gemelos opuestos, si en Bestiaire el objeto son
animales encerrados en un zoológico (en realidad el objeto es
el espectador, encerrado en su humanidad y en su mirada limitada),
en Joy of Man’s Desiring la cámara escudriña la máquina
en planos que bien pudieran ser fijos, pero que “respiran” gracias
a aproximaciones que buscan despojar la herramienta de su
fuero inerte habitual, en pro de la relación descarnada que estas
entablan con el hombre.
Maximiliano Cruz
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jueves 28
17:00 hrs.
Cinemateca Luis Buñuel, Casa de la Cultura, CECAP
LACRAU, 2013
Director: João Vladimiro
Portugal
99 min.
Un viaje tan mental (y hasta lisérgico) como físico, desde
el frenesí de una ciudad vista siempre a la distancia hasta
el misterio de una naturaleza que vale la pena observar
con toda la paciencia del mundo: eso propone el primer
largometraje de João Vladimiro, gran ganador del IndieLisboa
de este año. “La fuga del caos y el vacío emocional que
llamamos progreso, de la materia sin espíritu, sin voluntad,
en busca de las más antiguas sensaciones y relaciones humanas”,
según su director. Si la imagen recurrente de un niño
a punto de saltar al agua desde una roca debe leerse como
una pista, quizá signifique que “inmersión” es la palabra clave
en Lacrau: en otros tiempos (cinematográficos y no) y otros
ritmos de vida; en la naturaleza y sus silencios que nunca son
del todo silenciosos; en el agua que, omnipresente, fluye, cae,
se estanca y vuelve a fluir. O, retomando a Vladimiro, “una
zambullida en busca de una conexión con el mundo, donde los
puntos de partida y llegada son los mismos, pero yo no”.
viernes 29
17:00 hrs.
Cinemateca Luis Buñuel, Casa de la Cultura, CECAP
NAVAJAZO, 2014
Director: Ricardo Silva
México-Francia
75 min.
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“Yo arranco costras para que sangren más”. Insubordinada, emotiva
y feroz, marginal y cercana a la vez, perversamente refinada,
esta disonancia documental, drama etnográfico dirigido por Ricardo
Silva, dibuja el retrato de algunos personajes debatiéndose
en las postrimerías de la sociedad tijuanense, crisol que reúne
los síntomas de prácticamente todas las dolencias sociales que
acaecen al sur del Río Bravo. “El navajazo es la herida que nunca
cierra, sin posibilidades de sanar”.
Sociólogo de formación, los anteriores trabajos de Silva
—todas investigaciones documentales— versan sobre temas
que van desde el diablo, la metamorfosis sexual, las drogas,
“retratos de lo que he estado observando a lo largo de mi
vida”. Navajazo funciona como suma artística de aquellas
pesquisas sociológicas —de hecho varias fueron realizadas
bajo el aval del Colef (El Colegio de la Frontera Norte)—, y vaticina
tempranamente un estilo personal de alto vuelo.
De sofisticada ética y temeraria realización, un montaje
acorde y música del ácido Albert Pla, Navajazo es una literal
cuchillada al status quo del cine mexicano, ocupado en complacer
muchas de las veces a las audiencias locales o los
festivales internacionales de cine. Más que un documental
de denuncia, estamos ante una elegía de la supervivencia,
un acto de cálida rebeldía, de amor hacia el objeto documental,
los personajes “heridos”: yonquis a la vera del río
Tijuana, prostitutas, migrantes, el músico apodado El Muerto,
un director de pornografía, un coleccionista de juguetes o el
actor de videohomes conocido como El Alacrán, entre otros.
Personajes a todas luces sobrevivientes incólumes, emancipados
gracias a una cámara que no recula ante la humanidad
en cada uno de ellos. Y por encima una voz de ultratumba (o
quizá celestial) unificando a todos estos personajes, mostrándonos
“que el reclamo es eterno, como esta lucha de clases”.
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Maximiliano Cruz

sábado 30
17:00 hrs.
Cinemateca Luis Buñuel, Casa de la Cultura, CECAP
EL PALACIO, 2013
Director: Nicolás Pereda
México
36 min.
El cine de Pereda está pasando por un período de transición. Los
mejores temas fue probablemente una despedida consciente
de un sistema de representación cinematográfica. Matar
extraños resultó una enigmática primera prueba. El palacio
es otro intento de renovación, una tentativa. Ambas películas
presentan una novedad: un corrimiento de la esfera familiar y
doméstica a un espacio público y político. La revolución como
concepto articulaba Matar extraños; en este enigmático filme
la microfísica del poder lo envuelve todo.
El plano general de apertura es genial. Las diecisiete mujeres
que protagonizan el filme se lavan los dientes al unísono. Hay
niñas, jóvenes y viejas; no es un baño el lugar elegido sino un
patio con lavaderos. La actividad las iguala, a pesar de sus disímiles
experiencias y, eventualmente, sus funciones. ¿Dónde
están Por varios minutos lo único que se verá son acciones
de limpieza realizadas por algunas de estas mujeres. Todo
sucede en una vieja casa, sin especificaciones de dónde se
sitúa. Abstracción y cotidianidad. Pereda es capaz de filmar el
acto de colgar ropa y tender una cama como si se tratara de
un acontecimiento estético.
Un burro merodea e impone momentáneamente un signo
cómico. Pero es un burro, un animal de servidumbre. Y el título
habla de un palacio. Las mujeres pueden ser vistas como un
ejército de reserva. ¿Se están entrenando La puesta en escena
aprovecha el fuera de campo. Lo que no se ve es el poder,
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pero actúa (en el filme) y se lo escucha. El poder pregunta,
asigna un salario, determina los horarios, exige puntualidad y
flexibilidad. Pereda invisibiliza al patrón, pero lo introduce en
el fuera de campo de las entrevistas (una característica de su
poética) mediante las cuales el empleador se cerciora de las
virtudes de sus posibles empleados.
Y como si todo esto fuera poco, hay un plano esplendoroso sobre
la solidaridad de las trabajadoras. El extenso abrazo entre dos
mujeres no tiene precio.
Roger Koza
ÁMSTERDAM, 2013
Director: Carlos Amorales
México
23 min.
Carlos Amorales es un artista mexicano con una sólida
carrera a nivel internacional y años de trabajos explorando
los lenguajes no semánticos. En colaboración con el autor
argentino Reinaldo Laddaga, con el que ya había compartido
incursiones en las posibilidades de la significación, se inicia al
medio del cine. El guión se construye a partir de asociaciones
de imágenes, textos y signos, que combinadas con recortes
de fotos de los intérpretes, juegan como casillas de un ejercicio
de combinaciones in-mediatas, en un especie de montaje
intuitivo, a priori, que en el momento de la filmación deja gran
espacio a la improvisación. Gestos y gritos activan el ritmo
pulsante de una comunicación que se origina íntimamente,
y se expresa a través de un lenguaje esencial centrado en la
expresividad física. El resultado es una lucha de tensiones en
un espacio tan abstracto como la situación que representa:
la síntesis misma de un encuentro, una relación, una pasión o
una lucha, o un poco de todo esto.
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El trabajo de preparación incorpora la investigación sobre
distintos autores y ejemplos del lenguaje asémico, de la mano
con el lenguaje visual que Amorales ha desarrollado en lo últimos
años y que se conoce como Archivo Líquido. La película
explota la fuerza de la interacción profunda con el actor
principal, un extraordinario Philippe Eustachon, intérprete de
excepción, que incorpora experiencias artísticas procedentes
tanto del teatro, como de la danza, del circo y del cine.
Eva Sangiorgi
TIEMPO AIRE, 2014
Director: Bruno Varela
México
27 min.
Bitácora multiformato de viaje interior, manifiesto estéticopersonal,
revisión orgánica de material audiovisual registrado
desde 1994 hasta el 2013 en diversas locaciones que incluyen
algunas comunidades oaxaqueñas, pasando por las ciudades
de Oaxaca, La Paz, Bolivia y Nueva York. Tiempo aire —del reconocido
artista visual y realizador Bruno Varela— alude a ese
elemento que requiere el universo para proseguir, que requiere
el cine para consolidarse. Involucra también a la memoria. Reconexiones
con el pasado, desviaciones formales; los atajos los
decide cada quien, también su destino. Conocemos la historia
de Hermes, el legado para su comunidad —la preponderancia
de la imagen— a partir de subtítulos en español a todo lo largo.
La distancia evidente con otras voces señala cierto camino de
lectura, también los códigos de tiempo que acompañan cada
subtítulo como si estuviéramos ante una copia de trabajo,
ante un screener. ¿Estamos acaso frente a diálogos de otra(s)
película(s) “Hermes viajó al Norte en tren, pero cuando regresó
era otro”. La historia de muchos mexicanos. Y tras un
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tiempo, Hermes decide partir de nuevo al Norte, no sin antes
recalcar: “las imágenes mienten, deben verse y luego borrarse
para no confundir el camino”. Deja la duda de las imágenes
en movimiento, “las que se ven desde el tren, paisajes que se
escriben a la velocidad del trayecto, al igual que los rostros y
las personas”. El día de su partida muere una anciana en el
pueblo. Hermes regresará cada año, como las estaciones o
los ciclos naturales.
Maximiliano Cruz
domingo 31
17:00 hrs.
Cinemateca Luis Buñuel, Casa de la Cultura, CECAP
MOUTON, 2013
Oveja
Dirección: Marianne Priestone y Gilles Deroo
Francia
100 min.
Este impactante debut a cuatro manos —rodado bellamente
en 16mm—, historia de tintes dumontianos y melancolía normanda,
tiene lugar en Courseulles-sur-mer, puerto turístico
recordado por el desembarco del ejército canadiense durante
la Segunda Guerra Mundial. Mouton (David Merabet) quien
hasta hace poco vivía en otra ciudad con su madre alcohólica,
tiene 17 años y es aprendiz de cocinero. De corazón prístino,
amplia sonrisa y espíritu infantil, su nueva pasión es la cocina
y el servicio a los demás. Sus ratos libres los adereza fumando
cigarrillos con sus colegas del restaurante, con quienes
visita la playa repetidas veces en plan de esparcimiento,
casi siempre ritualístico —en una ocasión, tras perseguirlo
y agarrarlo entre risas (incluida la de Mouton) uno a uno le
propinan salivazos en la cara, en un juego cercano a un rito
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de iniciación. Entonces a Mouton le llega la felicidad. “Sí, hoy
estoy feliz”, le recalca a su jefe, “no sé lo que me pasa”. Audrey
(Audrey Clement), la nueva mesera, “la luz de este lugar” como
le dice el chef, armoniza con Mouton, se besan a hurtadillas en
la cocina del restaurante, y hacen el amor a su muy particular
modo: Audrey permite que Mouton le chupe un pezón como
un bebé, mientras escuchan death metal.
Esta presentación es el trasfondo de una tragedia en la
que Mouton terminará siendo objeto de violencia y trauma,
alejándose para siempre de aquel lugar. Basada en hechos
reales, la película está estructurada en tres bloques narrativos
articulados por un impulso documental que refleja una
contundente postura de dirección: rescatar del olvido —por
medio de la ficción— a un personaje loable, de aquellos que le
hacen bien a este mundo corrupto en el que vivimos. Mouton
es la historia de sus amigos luego de su ausencia, adultosniños
sobreviviendo abandonados a su suerte, en una ciudad
que recuerda la desolación de los terrenos donde se instalan
los circos itinerantes.
Una película sobre la injusticia de la vida, la herida que permanece
abierta por la ausencia de un bello ser, y la inminencia
del olvido.
Maximiliano Cruz
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ARTES ESCÉNICAS
TEATRO
jueves 28
19:00 hrs.
Sala Luis Cabrera, Casa de la Cultura
EN LA SOLEDAD DE LOS CAMPOS DE ALGODÓN
Bernard Marie Koltés
Dirección: Nora Manneck
Actores: Fernando Bueno y Daniel Bretón
Asistente de dirección y traspunte: Juan Carlos Delgado
Dos hombres, en un espacio neutro a una hora nocturna
inician una transacción comercial, con base a valores
prohibidos, mediante un entendimiento tácito y diálogos
de doble sentido. La palabra reclama su valor primordial y
se convierte en vehículo de la acción del dibujo de los personajes.
La acción física y el movimiento en el espacio casi
vacío, matizan la relación establecida entre ambos. Teatro
de palabra y de acción que es metáfora de las relaciones
humanas.
27

DANZA
viernes 29
1 9 :00 hrs.
Sala Luis Cabrera, Casa de la Cultura
THE HUMAN ANIMAL
Idea original e interpretación: Lola Lince
Coreografía: Susanne Linke en colaboración con Lola Lince
Composición y diseño sonoro: Marcos García
Diseño de iluminación: Cesar “Chacho” Guerra
Asistencia de dirección: Laura Zermeño
Diseño de vestuario y escenografía: Compañía de Danza
Experimental de Lola Lince en colaboración con Susanne
Linke
Fotografía y diseño: ©Gloria Minauro/GMfoto
Producción: Compañía de Danza Experimental de Lola Lince
The Human Animal es un proyecto apuntalado por dos ejes:
Natura y Cultura en progresión continua, en complemento
indisoluble. Sobre estos ejes se viaja, se camina hacia
adelante, hacia atrás, para ir al encuentro de la memoria,
borrar el Yo, dar cuerpo a la sombra, para bailar con ella en
el amanecer de los tiempos.
28

Producción coreográfica realizada con el beneficio derivado del
artículo cuadragésimo segundo del Presupuesto de Egresos de
la Federación 2012 (CONACULTA–INBA).
Lola Lince, creadora y directora de la Compañía de Danza
Experimental, estudió Ballet clásico en Guadalajara, Jalisco,
alcanzando en poco tiempo, el rango de solista de la Compañía
de Bellas Artes de Jalisco.
Ha sido beneficiada por el Fondo Nacional para la Cultura
y las Artes (FONCA) en los rubros de Sistema Nacional de
Creadores de Arte, emisión 2006, e Intérprete con Trayectoria,
emisión 2011–2013. Sus piezas coreográficas han sido
reconocidas en prestigiados festivales tanto nacionales
como internacionales.
Susanne Linke, bailarina y coreógrafa considerada como
la máxima exponente de la danza expresionista alemana.
A principios de los noventas formó su propia compañía
“Susanne Linke Company”. Estudió en Berlín con la pionera
de la danza Alemana Mary Wigman y continuó su entrenamiento
en Essen, en el departamento de danza de la
Escuela Folkwang fundada por Kurt Jooss y que también
dirigió por más de diez años. Fue bailarina en el Folkwang
Dance Studio bajo la dirección artística de Pina Bausch.
29

sábado 30
18:00 hrs.
Casa de la Bóveda, BUAP
UMBRAL DE ECOS
Bailarines: El Raca y Paola Vidal
Intervención musical: Fernando Arias
Escenografía y dirección técnica: Jorge Vite
Producción e iluminación: Javier Rodríguez
Diseño vestuario y mobiliario escénico: PV
Realizadoras vestuario: Eva Zaragoza y PV
Una herida mala no cicatriza, con cada paso supura la sanguaza
que abona los polvosos caminos como queriendo fertilizar
los surcos y ver surgir las flores del perdón. Sobre mí asoma el
negro espantapájaros de la memoria, clava la carroña de mis
fallos, sus ecos me persiguen. Ninguna música apaga esos
murmullos; salen de las paredes, entran en mi almohada, me
aprisionan. Me enferman como un tumor que carcome mis
nervios. No hay noche que no escuche sus últimos quejidos.
Paola Vidal (Nayarit, México, 1981)
Licenciada en artes escénicas con orientación en danza contemporánea
por la Universidad de Guadalajara. Ha estudiado diversas
técnicas escénicas y coreográficas, así como lenguajes propios
de la danza experimental, la danza Butoh, del teatro de títeresobjetos,
del performance y la instalación. En 2009 fue beneficiaria
30

del programa de estímulos a la creación y al desarrollo artístico
del estado de Nayarit en la categoría de creadores y en el 2011
recibió el estímulo como joven creadora de estado de Jalisco.
MÚSICA
miércoles 27
19:30 hrs.
Capilla del Arte, Universidad de las Américas
TemA
Carmina Escobar: voz
Natalia Pérez Turner: cello
Wilfrido Terrazas: flauta
Programa
Georges Aperghis (1945)
Selecciones de Récitations (1978)
Núms. 1, 8, 13
Voz
Helmut Lachenmann (1935)
Pression (1969-1970)
Cello
31

Nicolaus A. Huber (1939)
First Play Mozart (1993)
Flauta
Intermedio
Helmut Lachenmann (1935)
TemA (1968)
Voz, flauta y cello
Helmut Lachenmann, TemA
Programa construido alrededor de la seminal obra tema (1968),
del compositor alemán Helmut Lachenmann. Reconocida entre
los estudiosos como una de las obras más significativas de la
primera madurez de su autor, y una de las primeras en emplear
la idea lachenmanniana de “música concreta instrumental”,
temA está escrita para trío de voz femenina, flauta y cello. El título
encierra un ingenioso doble juego. Por un lado, tenemos en él la
palabra “tema” (en italiano, con igual significado y pronunciación
que en castellano), con todas sus acepciones, dentro y fuera del
mundo musical. Por el otro, tenemos que temA es un anagrama
del vocablo alemán Atem, que se traduce como “aliento”. Así
pues, el gran tema de la pieza es el aliento.
Wilfrido Terrazas (Chihuahua, México, 1974)
Flautista y compositor, Es uno de los músicos experimentales
más activos de México. Wilfrido se ha dedicado principalmente
a colaborar con compositores, improvisadores, intérpretes y
artistas de otras disciplinas con el propósito de crear obras que
inviten a la escucha activa y que construyan mundos sonoros
únicos y audaces. Como improvisador ha desarrollado una muy
personal manera de abordar y explorar la flauta, que en sus
manos adquiere un poder sonoro inesperado, y es miembro fundador
y Heraldo del colectivo de obras escritas especialmente
para él, y es miembro del ensamble Liminar desde 2012.
32

*Beneficiario del Programa de Creadores Escénicos del Fondo
Nacional para la Cultura y las Artes, 2014-16.
Carmina Escobar (Ciudad de México, México)
Cantante y artista intermedia. Ha desarrollado distintos
proyectos que exploran una extensa diversidad de lenguajes
sonoros tales como la música contemporánea, ópera, arte
sonoro, música antigua, música electroacústica y corrientes
experimentales que interaccionan con instancias abocadas a
la multidisciplina, interdisciplina, performance y multimedia.
Natalia Pérez Turner (Ciudad de México, México)
Fue becaria del FONCA durante el periodo 2005-2006
(intérpretes) con el proyecto La cellista es una “instalación”
que proponía recitales de música contemporánea para
cello solo en museos y galerías. Ha tocado con diversos
ensambles de música contemporánea, se ha presentado
sola o haciendo música de cámara en diversas emisiones
del Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, en
el Festival Cervantino, en el Festival Música y Escena.
jueves 28
19:30 hrs.
Capilla del Arte, Universidad de las Américas
PIANO CONTEMPORÁNEO. TÉCNICAS EXTENDIDAS
Fernando Saint Martin: piano
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Programa
Suite para piano de juguete/ John Cage
Sonatas e Interludios para piano preparado (Selecciones) / John
Cage
Sonatas I – V
Primer Interludio
Aeolian Harp / Henry Cowell
The Banshee
Advertisment
5 piezas para piano / George Crumb
Etudes pour agresseurs / Alain Louvier
Le tombeau de Messiaen / Jonathan Harvey
Este proyecto tiene como uno de sus objetivos, la difusión de la
música contemporánea para piano. Se pretende, al presentar
estos conciertos, exhibir una pequeña muestra del desarrollo
pianístico y musical desde el siglo XIX hasta la fecha y así contribuir
a la difusión y (para algunos) al descubrimiento de esta
música, tratando de lograr en los pianistas el interés de colaborar
con los compositores, buscando el desarrollo y evolución de
la creación musical.
Fernando Saint Martin (Ciudad de México, México, 1981)
Al concluir sus estudios de la Licenciatura en Piano en la
Escuela Superior de Música del Instituto Nacional de Bellas
Artes, recibe la Beca para estudios en el extranjero que otorga
el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (México) y viaja
a Montreal para continuar su formación en la SchulichSchool
of Music of McGill University. Colabora constantemente en
varios grupos de cámara con reconocidos instrumentistas y
cantantes, con los que se ha presentado en varios foros de
la República Mexicana y Canadá. En el campo de la música
contemporánea, trabaja activamente con los compositores
en la creación y ha estrenado numerosas obras.
34

viernes 29
21:00 hrs.
Zócalo
COLECTIVO NORTEC: HIPERBOREAL
Colectivo Nortec, integrado por Bostich, Clorofila, Hiperboreal
y Fussible, es un colectivo de música formado en la ciudad
de Tijuana en México, que hace referencia a un sonido
contemporáneo que integra música electrónica, norteña
así como banda sinaloense. Aunque se trata de un colectivo,
cada integrante de Nortec realiza proyectos por separado.
Hiperboreal se presentará en formato de banda completa.
sábado 30
19:00 hrs.
Sala Luis Cabrera, Casa de la Cultura
35

LUMÍNICO
Iván Manzanilla: percusiones
Rodrigo Sigal: electrónica y difusión sonora
José Luis García Nava: visuales
Es un espectáculo original organizado como experiencia
sonora sin interrupción que explora experiencia multisensoriales,
sinestesia y el estímulo de la conciencia. Para ello, la
música y las interpretaciones tienen un carácter ritual, casi
espiritual, mezclada con video en tiempo real, nuevas tecnologías,
iluminación, difusión sonora y música electrónica.
Es un concierto multimedia de México que propone una
redefinición de formatos, enaltece la diversidad cultural y
estimula colaboraciones internacionales.
Lumínico como espectáculo escénico ofrece al espectador una
visión única sobre la realidad contemporánea, a través de metáforas
sonoras y visuales que se construyen en la integración
de un complejo repertorio, el uso de nuevas tecnologías audiovisuales
y una interpretación en vivo de alto nivel.
Cada concierto de Lumínico integra un arreglo diferente de
este repertorio musical y audiovisual, a la manera de una
banda sonora cinematográfica. Es por eso que Lumínico evita
el convencional listado de obras y compositores para dar
paso a un formato diferente que, al cancelar las etiquetas y
los prejuicios comunes de la música de concierto, promueve
la búsqueda de formas escénicas originales, innovadoras y
propositivas, acordes con la complejidad y diversidad de la
sociedad contemporánea.
36

INFANTILES
jueves 28
18:00 hrs.
Teatro Principal
EL PATITO FEO Y OTROS CUENTOS DE AVES
Mario Iván Martínez: narrador
Ricardo Rámer: pianista invitado
Alberto Cruzprieto: selección musical
Unidos por el afán de llevar a niños y jóvenes música y
literatura del más alto nivel, el pianista Alberto Cruzprieto y
el cuenta-cuentos Mario Iván Martínez nos presentan ahora
un programa diseñado para sensibilizar el oído y despertar
la imaginación.
En este caso las aves fungen como pretexto temático. Nuestro
dueto de artistas re inventan dos historias contrastantes: El
patito feo del danés Hans Christian Andersen, máximo exponente
de literatura infantil, y El pájaro Ku, entrañable leyenda
popular sonorense. Con minuciosidad se dan entonces a la
tarea de otorgar a los textos nueva luz y expresividad colocándoles
sobre el contexto de la más depurada selección musical.
Ésta proviene de la pluma de renombrados compositores como,
Liszt, Chopin, Debussy, Villanueva, Halffter y el recientemente
fallecido músico poblano, Joaquín Gutiérrez Heras.
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Programa
El patito feo
De Hans Christian Andersen
Música de Poulenc, Shostakovicwh, Khachaturian, Debussy,
Rameau, Satie, Chopin y Liszt
Nacen los patitos
Novelette No. 1 en Do mayor
Francis Poulenc, 1899- 1963
La pata vieja / Nace el patito / El rechazo
Preludio No. 24 en Re menor - Fragmentos Dimitri Shostakovich,
1906-1975
Nadando
Mouvements Perpétueles - Tercer movimiento
Francis Poulenc
El patito triste
Mouvements Perpétueles – No. 2
Francis Poulenc
Los cazadores
Toccata - Fragmento
Aram Khachaturian, 1903-1978
Aparecen los cisnes
En Bateau de La Petite Suite
Claude Debussy, 1862-1918
La tormenta de nieve
Preludios opus 28 - No. 22
Frédéric Chopin, 1810-1849
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La gallina Casilda
La Poule – Fragmento
Jean-Philippe Rameau, 1683-1764
El gato
Gnossienne – Fragmento
Erik Satie, 1866-1925
Fin del invierno
Preludios opus 28 – No. 15 – Fragmento
Frédéric Chopin
El regreso de los cisnes
De tres estudios de concierto - No. III - Un Suspiro
Franz Liszt, 1811-1866
Intermedio
El pájaro Ku
Leyenda popular sonorense
Eva Calderón de la Barca, recopilación
Música de Villanueva, Halffter, Moreno, Montiel Olvera y
Gutiérrez Heras
Rodolfo Halffter (1900-1987)
Seis apuntes: Perpetuum mobile
Bagatelas: I – II - III – VIII
Felipe Villanueva (1862-1893)
Tres danzas humorísticas - Primera colección
No. II - ¿Y por qué–Fragmento
Joaquín Gutiérrez Heras “Quinos” (1927- 2012)
Variaciones sobre una canción francesa
Fragmentos
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Armando Montiel Olvera (1917-1989)
Cuatro danzas mexicanas - No. II
Salvador Moreno (1916-1999)
Nocturno
Mario Iván Martínez, narrador
Su trabajo en teatro, cine y televisión ha sido merecedor de
múltiples reconocimientos por parte de la crítica especializada.
Destacan el Ariel y el premio ACE de Nueva York al mejor actor
por su trabajo en la cinta Como agua para chocolate de
Alfonso Arau.
Como actor y cantante de música antigua ha participado en
relevantes festivales en la República, América del Sur, Estados
Unidos, España, Polonia, Turquía, Egipto y el Reino Unido.
Ha sido narrador de los conciertos infantiles de las principales
orquestas del país, bajo la batuta de reconocidos directores
como Enrique Arturo Diemecke, Carlos Miguel Prieto, Rodrigo
Macías, José Luis Castillo, Gabriela Díaz Alatriste y José Guadalupe
Flores.
Actualmente funge como embajador de la obra perenne de
Francisco Gabilondo Soler Cri-Cri y es tenor del ensamble vocal
Armonicus Cuatro que preside la reconocida soprano, Lourdes
Ambriz.
Ricardo Rámer, pianista invitado
Estudia en el CEDART del INBA especializándose en piano y en
la Escuela Nacional de Música, UNAM. Ha sido pianista acompañante
del ensamble coral Bel Canto bajo la dirección de Paul
Aguilar, participando también dentro de la grabación del disco
“El bel canto en la época de oro en México”, así como en la
presentación del mismo en el programa Un distinto amanecer
de Manuel Pallares. En 2010 le otorgan el 1er lugar del concurso
40

de piano de la misma escuela. Se ha presentado también en el
Museo Nacional de San Carlos, Antiguo Palacio del Arzobispado,
Museo del Virreinato, entre otros importantes recintos.
sábado 30
13:00 hrs.
Sala Jorge Carreño, Talleres de Iniciación Artística, CECAP
EL CIRCO. MARIONETAS EN LA ESQUINA
Autor: Lucio Espíndola
Dirección: Lourdes Pérez Gay
Escenografía: Lucio Espíndola
Iluminación: Emiliano Leyva
Diseño de títeres: Lucio Espíndola
Diseño de vestuario: Lourdes Pérez Gay
Producción: Lourdes Pérez Gay, Lucio Espíndola, Amaranta
Leyva, Emiliano Leyva, Humberto Camacho, Carolina Lagunas
Actores animadores: Amaranta Leyva, Priscila Morales, Rafael
Quijano, Laura Hernández
En un viejo carromato, como aquellos que hace muchos años
desaparecieron de los caminos junto con las últimas columnas
de polvo, antes de las carreteras pavimentadas, el Circo
llega al plácido escenario de un teatro, a la sombra arbórea de
una plaza, a un crujiente tablado callejero o al patio bullente
de una escuela.
41

Cualquier lugar es bueno para acoger el estallido de música,
color, vistosidad y alegría que surge cuando El Circo alza la
carpa y abre sus puertas.
Bajo el arco iris de su techo suceden y se alternan alegres
ocurrencias, sorprendentes destrezas y tiernas emociones,
que agitan el corazón del viejo arte de la maroma
y el malabar.
Fundada en 1975, Marionetas de la esquina es una compañía
de teatro especializada en el teatro para niños y títeres.
Reconocida nacional e internacionalmente, algunas de sus
obras se ofrecen en español, inglés y francés. Un compromiso
asumido desde el principio fue explorar el potencial del títere
para alimentar la imaginación y transitar el complejo mundo
emocional de los niños, con obras de calidad.
Además de los espectáculos, Marionetas de la esquina ha
desarrollado una oferta académica con la que implementa un
programa social en comunidades específicas de todo el país.
domindo 31
16:30 hrs.
Capilla del Arte, Universidad de las Américas
42

GRACIAS PAPAGENO
Espectáculo basado en el libro Las Aves-introducción a la
música de concierto de Ana Gerhard que recurre al canto de
las aves para hacer que los jóvenes escuchen y disfruten la
música de concierto. Papageno atrapa los oídos de pequeños
y grandes con obras maestras que las aves han inspirado a
numerosos compositores a lo largo de la historia. “Papageno
es un hombre pájaro que trabaja para la reina de la noche…
sin que él lo sepa la reina lo hechiza y entonces…”.
Sonidos en juego es una compañía creada en 2012 e integrada
por solistas de nivel internacional. Se ha presentado en
importantes foros de la ciudad de México tales como la Sala
Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario, el Anfiteatro
Simón Bolívar del Antiguo Museo de San Idelfonso, el Teatro
Ciudadela del ISSSTE, la Estela de Luz, el Jardín Botánico/
UNAM y en los festivales El niño y la Música de la OFUNAM y El
Do le dijo al Re del INBA-IMSS.
Programa
Aria de Papageno
Ensamble
Wolfgang Amadeus Mozart
Los pájaros (Preludio)
Ensamble
Ottorino Respighi
Gallinas y gallos
Ensamble
Camille Saint-Säens
Ballet de los pequeños polluelos
Piano
Modest Mussorgski
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El colibrí
Guitarra
Julio Sagreras
El cucú y el ruiseñor
Órgano y ensamble
Georg Friedrich Händel
El Aviario
Flauta y ensamble
Camille Saint-Säens
Canarios
Guitarra
Gaspar Sanz
La primavera
Violín y ensamble
Antonio Vivaldi
Canción de la Alondra
Piano
Piotr Ilyich Tchaikovski
La danza de los pequeños cisnes
Ensamble
Piotr Ilyich Tchaikovski
El cisne
Violonchelo y piano
Camille Saint-Säens
Il Gardellino
Flauta y ensamble
Antonio Vivaldi
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Aria de Papageno
Ensamble
Wolfang Amadeus Mozart
EVENTOS LITERARIOS
miércoles 27 a viernes 29
17:00 hrs.
Auditorio Elena Garro, Facultad de Filosofía y Letras, BUAP
LOS SIGNOS EN ROTACIÓN: MESAS DE DEBATE Y LECTURA
DE OBRA.
Ruptura y convergencia
—Diagnóstico general de la literatura mexicana a partir de
la experiencia de las realidades regionales—
viernes 29
18:00 hrs.
Casa de la Bóveda, BUAP
Presentación del libro :
Y SIGO SIENDO EL REY... JOSÉ ALFREDO JIMÉNEZ
Presenta: José Alfredo Jiménez Gálvez
José Alfredo Jiménez nació en 1926 en Dolores Hidalgo, Guanajuato.
El cantautor mexicano sigue siendo el Rey, a pesar de
los años, las innovaciones tecnológicas y la proliferación
de cantantes. Hoy se le rinde homenaje al ser humano que
gracias a sus composiciones, aseguró la vigencia de su obra
y con sus canciones, ha hecho cantar por décadas a viejas
y nuevas generaciones de mexicanos y extranjeros que las
cantan por el mundo.
45

Qué mayor homenaje para un ídolo que el ser recordado a
través de Y sigo siendo El Rey... un libro de colección, impecablemente
escrito por los musicólogos Jesús Flores y Escalante
y Pablo Dueñas, quienes además de compartir la historia del
ídolo guanajuatense, su familia y algunas anécdotas, recogen
testimonios de ilustres personajes que nos cuentan la historia
de José Alfredo.
Y sigo siendo El Rey..., es un acervo literario, a través del cual
se nos heredan múltiples joyas ocultas: la historia de un ídolo
emblema de nuestro país, los textos de dos grandes estudiosos
de la música; el prólogo de la prestigiada periodista Elena
Poniatowska, los discos con sus canciones, las aportaciones
de José Alfredo Jiménez (hijo) y las imágenes fotográficas,
que al mirarlas parecieran dibujar la historia de un siglo de
México y el sentimiento del pueblo, que aún lo conserva en su
memoria y su corazón, a través de sus canciones.
viernes 29
19:30 hrs.
Auditorio Manuel Toussaint, Museo Universitario, Casa de los
Muñecos, BUAP
Lectura literaria
La literatura mexicana de la generación de los
sesenta
La generación literaria mexicana de los nacidos en los años
sesenta, cimentó las bases del sistema cultural nacional
como hoy lo conocemos, con la llegada del Fondo Nacional
para la Cultura y las Artes y la reproducción en los estados de
la república del mismo modelo de becas literarias, los usos del
internet a través de los blogs y los salones de conversación
virtual, los encuentros literarios de la UNAM que desaparecen
en los noventa, la editorial Tierra Adentro en su segunda
época.
46

Esta generación de autores, es ahora, la que principalmente
participa en las tareas de ofrecer talleres y cursos de literatura,
muchos de ellos son editores de gran prestigio y en
general realizan actividades vinculadas con los libros y su
promoción. Las obras de esta generación han alcanzado,
en muchos casos, ya su madurez y están siendo leídas por
las generaciones más jóvenes como referencias fundamentales
del quehacer literario en México.
TALLERES
miércoles 27 al viernes 29
1 0:00-14:00 hrs.
Auditorio Elena Garro, Facultad de Filosofía y Letras, BUAP
LOS SIGNOS EN ROTACIÓN
Encuentro Regional de Literatura Zona Sur de México
Puebla, Puebla
Seminario intensivo para la formación de escritores de alto
rendimiento: Balance y pronóstico -hacia la construcción de
un pensamiento crítico de la literatura mexicana-
La literatura mexicana cuenta unos mil años de edad
desde las tradiciones nahuas hasta nuestros días. Es
difícil construir un adecuado sistema de comprensión de
su pensamiento y expresividad estética; sin embargo, los
signos inequívocos de su vocación creativa han perfilado
algunos rasgos que constituyen aquello a lo que se ha
llamado identidad. Ser un escritor mexicano de nuestro
tiempo exige una postura crítica ante el pasado reciente
de nuestra literatura y una posibilidad de construcción
de nuevos referentes para su viabilidad actual y futura, la
misión de las literaturas regionales es reactivar, desde sus
47

posibilidades geográficas y potencialidades históricas, el
nuevo discurso de la literatura nacional.
miércoles 27
1 0:00 - 14:00 hrs.
Auditorio Elena Garro, Facultad de Filosofía y Letras, BUAP
Taller de Narrativa
LA NARRATIVA ACTUAL EN MÉXICO
Curso-taller sobre la narrativa que se está escribiendo en
México
Imparte: Jaime Mesa
¿Cuáles son las corrientes de la narrativa actual en México
Autores, géneros, corrientes, editoriales, títulos de la nueva
narrativa mexicana, sus usos, sus técnicas, su desarrollo.
Jaime Mesa (Puebla, México, 1977)
Narrador. Estudió Lingüística y Literatura Hispánica en la
BUAP. Fue miembro del taller de novela dirigido por Daniel
Sada en la Casa del Escritor de Puebla, de 2001 a 2004.
Ha coordinado talleres literarios en la Secretaría de Cultura
del Estado de Puebla; de lectura y escritura creativa en el
Consejo Tutelar para Menores Infractores en Puebla, y de
novela en la SOGEM de la misma ciudad. Autor de Rabia
y Los predilectos publicadas por Alfaguara. Actualmente
dirige la Escuela de Escritores de Puebla “E” del IMAC. Es
colaborador de las revistas Crítica y Blanco Móvil, así como
del suplemento Laberinto de Milenio. Ha sido becario del
FOECA-Puebla en las categorías de cuento (1997-1998) y
novela (2000-2001).
48

jueves 28
1 0:00-14:00 hrs.
Auditorio Elena Garro, Facultad de Filosofía y Letras, BUAP
Taller de poesía
POESÍA Y PENSAMIENTO
Imparte: Álvaro Solís
¿Cómo funciona el pensamiento poético ¿Es sólo inspiración
o recurre a la razón en ciertos temas o tratamientos ¿Cuál
es la relación entre poesía y filosofía ¿Se puede hablar de
un “poema filosófico” La poesía como una posibilidad de
conocimiento.
Álvaro Solís (Tabasco, México, 1974)
Es licenciado en Filosofía por la Universidad Autónoma de Tlaxcala
y Maestro en Literatura Mexicana en la BUAP, actualmente cursa
el Doctorado en Letras por la misma universidad. Ha publicado los
libros de poesía Los días y sus designios (Educación y Cultura/
El errante editores/Profética, Puebla), Cantalao (Universidad de
Guanajuato), Solisón (Fondo Editorial Tierra Adentro, 2005), También
soy un fantasma (Gobierno del Estado de Tabasco, 2003),
y el libro infantil Querido Balthus, yo también perdí a mi gato
(Gobierno del Estado de Tlaxcala), entre otros. Ha obtenido los
siguientes reconocimientos: el Premio Tabasco de poesía José
Carlos Becerra 2003, el Premio Nacional de Poesía Amado Nervo
2006, el Premio Nacional Clemencia Isaura de Poesía 2007, el
Premio Nacional de Poesía Joven Gutierre de Cetina 2007 y el
Premio Alhambra de Poesía Americana 2013 en Granada, España.
Ha sido becario en dos ocasiones de la Fundación para las
letras Mexicanas y del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes
en la categoría de Jóvenes Creadores en la emisión 2005-2006.
Fue Director Adjunto del Encuentro Iberoamericano de Poesía
de la ciudad de México 2006.
49

viernes 29
1 0:00-14:00 hrs.
Auditorio Elena Garro, Facultad de Filosofía y Letras, BUAP
Taller de crítica literaria
La crítica de poesía en México
Imparte: José Homero
¿Cómo sabemos si una crítica es justa con el texto que analiza
¿Existen modos, tendencias de la crítica según las épocas y
los intereses ¿De qué modo el mercado editorial influye en el
gusto de un país y motiva una crítica acorde a las preferencias
del mercado
José Homero (Veracruz, México, 1965)
Poeta, narrador, ensayista, editor y traductor. Estudió la licenciatura
en letras españolas en la Universidad Veracruzana. Fue
Director de El Ágora de la Ciudad del DIF-Veracruz en la ciudad
de Xalapa y jefe del departamento de publicaciones del IVEC.
Ha laborado en el departamento editorial de la UV desde 1999.
Maestro en la Escuela de Escritores de Veracruz y del Instituto
Literario de Veracruz en Xalapa; coordinador de talleres con
diversos temas literarios. Colabora en distintas publicaciones
periodísticas como Ágora, Confabulario de El Universal, El Ángel
de Reforma, El Istmo en la Cultura, Graffiti, La Gaceta del FCE,
La Jornada Semanal, México en el Arte, Revista Universidad de
México, Siempre!, Tierra Adentro, y Vuelta. Obtuvo la beca en
homenaje a Efraín Huerta, CONACULTA, 1989. Becario Jóvenes
Creadores del FOECA Veracruz, en poesía, 1992, 1994; Creadores
con Trayectoria, en ensayo, 2000 y en poesía, 2003. Becario de
Jóvenes Creadores del FONCA, en poesía, 1993 y 2000. Miembro
del SNCA. Premio Nacional de Periodismo en Divulgación
Cultural 1987. Premio Estatal de Periodismo, Veracruz, 2007. Es
autor de La Construcción del Amor; Vista envés de un cuerpo;
Luz de viento; Verano en la ciudad y La ciudad de los muertos
(Fondo de Cultura Económica, Poesía, 2012).
50

miércoles 27 al viernes 29
1 1:00-14:00 hrs.
Casa de la Bóveda, BUAP
TALLER EL POZO, EL MAPA Y LA TORRE
Imparte: Luis Carlos Hurtado
Primera sesión:
Recreación de la charla de Robert Smithson titulada “Hotel
Palenque”, que consiste en la proyección de 31 fotografías
acompañadas de una serie de textos y comentarios sobre cada
imagen. “Hotel Palenque” fue presentada por Smithson en 1972
ante un auditorio de estudiantes en la Facultad de Arquitectura
de la Universidad de Utah. Con el tiempo, esta obra se ha
convertido en un importante referente para la reflexión estética,
la interpretación de la cultura y la experiencia de la arquitectura
y el espacio. Una obra capaz de aportar una declaración artística
-no desprovista de humor- a la percepción del entorno.
Planteamiento de la dinámica general del taller.
Segunda sesión:
El objetivo consistirá en compartir estrategias significativas
alrededor de los conceptos “mapa” y “recorrido”. Poner en
práctica las funciones de la fotografía, el dibujo y la escritura
dentro de una obra visual donde se construya una narrativa
personal.
Realización de un mapa de Puebla a partir de la colaboración y
participación de todo el taller.
Tercera sesión:
Trabajaremos alrededor de la idea del emplazamiento
escultórico, el dibujo y la acción para realizar una serie de
recorridos por la ciudad de Puebla.
51

Vincular la recreación de esta charla con un proyecto que
desarrolla actualmente.
Comentaremos la pieza “El pozo y la torre”, que forma parte de
la exposición A través: Geometría e historia (Paisajes).
Luis Carlos Hurtado (Campeche, México, 1970)
Estudió la licenciatura en la “La Esmeralda”. Su trabajo ha sido
presentado en Nueva York, Madrid, Colombia y la ciudad de
México. En 2010 obtuvo la residencia en Bretaña (Francia), para
realizar el proyecto fotográfico Viajes por los ríos de Bretaña.
Ha sido becario del FONCA en tres ocasiones a través del Programa
de Fomento y Conversiones para proyectos culturales,
y dos veces acreedor de la beca Jóvenes Creadores. Su libro,
Bitácora de viaje, fue publicado con el apoyo del Gobierno del
Estado de Campeche, el CONACULTA y el Programa de Desarrollo
Cultural del río Usumacinta.
miércoles 27 al viernes 29
10:00-14:00 hrs.
Casa de la Bóveda, BUAP
FOTOGRAFÍA
Imparte: Omar Gámez
El taller de fotografía será una revisión de artistas como Hiroshi
Sugimoto, Georges Rousse, Joan Fontcuberta, entre otros, para
entender el contexto del paisaje y su inserción dentro de las
prácticas actuales de la fotografía y el arte contemporáneo. Se
realizarán ejercicios prácticos que ayudarán a los participantes
a entender estas estrategias. .
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Omar Gámez (Ciudad de México, México, 1975)
Estudió una Licenciatura en Comunicación y una Maestría en
Artes Visuales en la Academia de San Carlos, UNAM. Ha expuesto
de forma individual en Nivel 5 del Museo de Arte de Sinaloa (MASIN),
y Casa del Lago de la UNAM; de forma colectiva recientemente en
la 6ta Bienal de Bourges en Francia, 7a Bienal de Berlín, y Mexican
Contemporary Photography, Kopeikin Gallery Los Angeles. Su
serie fotográfica The Dark Book forma parte de la colección del
Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM.
Publicó su primera monografía en 2009, titulada The Dark Book,
Editorial RM. Se dedica a la docencia en estudios de fotografía en
Instituciones de educación superior desde el 2000.
miércoles 27 al viernes 29
11:00-14:00 hrs.
Auditorio Manuel Toussaint, Museo Universitario, Casa de los
Muñecos, BUAP
ACCIÓN DOBLE: CUERPO Y VIDEO
Imparte: Maj Britt Jensen
Taller teórico sobre esta tecnología de grabación - el video - y
su uso artístico. Vamos a ver, analizar y pensar la producción
audio visual actual, fijándonos, sobre todo, en su relación con
el cuerpo y la acción.
1. sesión: Introducción al medio a partir de un recuento histórico
fragmentado y voluntarioso. Vamos a revisar ejemplos que
permitan introducir las preocupaciones centrales del medio
[internacionales: Naim June Paik, Vito Acconci, Bruce Nauman,
Jean-Luc Godard, Andy Warhol, Dan Graham, Martha Rosler, Valie
Export, Paul MacCarthy, Marina Abramovic, Pipilotti Rist, Sam
Taylor-Wood, Bill Viola, Douglas Gordon, Eija-Liisa Ahtila, Harun
Farocki, Hito Steyerl, etc., nacionales: Sarah Minter, Ximena Cuevas,
Luis Felipe Ortega, Daniel Guzmán, Melanie Smith, Francis
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Alÿs, Iván Edeza, Roberto de la Torre, Calixto Ramírez, Naomi
Rincón-Gallardo, Edgardo Aragón, etc.]
2. sesión: visita guiada por la exposición “A través: geometría e
historia (paisajes)” centrándonos, sobre todo, en el análisis de
los videos de la muestra. Israel Martínez, Éxito, 2012 / Alicia Medina
Calderón, El artista está presente, 2013 / Marcela Armas,
Ocupación, 2009 / Roberto Armenta, Klein y yo, 2010.
3. sesión: reflexionaremos el video en relación al cuerpo y a la
acción, para esto nos detendremos a distinguir las formas en
las que el cuerpo busca con respecto a la arquitectura, a los
objetos, al paisaje, y su relación con el espacio público y con
el privado.
Maj Britt Jensen (Berlín, Alemania, 1978)
Crece en Bucaramanga, Colombia. Inicia sus estudios de
diseño gráfico en Hannover (Alemania) y trabaja de asistente
de fotografía publicitaria en Bremen (Alemania), antes
de mudarse a la ciudad de México en el 2002. Estudia en
la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, “La
Esmeralda”. Después de haber explorado el lenguaje como
fuente de su trabajo personal, (pues aprendió el español
como primera lengua y luego adquirió el alemán) ella ahora
investiga sobre el cuerpo como material de trabajo. Tanto en el
trabajo individual como en el trabajo en pareja y en grupo, ella
explora temáticas como, por ejemplo, la identidad y los roles
de género, la relación entre lenguaje e imagen y los espacios
de encuentros afectivos. Acaba de realizar una residencia
en Colombia a través del Programa de residencias artísticas
FONCA-CONACYT y cuenta con varias exposiciones colectivas
e individuales.
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sábado 30
14:00 hrs.
Sala Jorge Carreño, Talleres de Iniciación Artística, CECAP
TALLER DE MARIONETAS
El objetivo es mostrar de manera práctica y teórica los
beneficios exclusivos del títere como herramienta educativa
y como medio de expresión, comunicación y juego, con el fin
de apoyar o impulsar el desarrollo de sesiones y favorecer
el desarrollo de competencias de los niños, de los padres de
familia y cuidadores, así como de los integrantes de la cadena
operativa.
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SEDES
AUDITORIO ELENA GARRO
FACULTAD DE FILOSOFÍA Y LETRAS
BUAP
3 Oriente, no. 214
Centro Histórico
C.P. 72000, Puebla, Puebla
Tel. 222 242 23 10
AUDITORIO MANUEL TOUSSAINT
MUSEO UNIVERSITARIO
CASA DE LOS MUÑECOS
BUAP
2 Norte, no. 2
Col. Puebla
C.P. 72000, Puebla, Puebla
Tel. 222 242 48 25 y 222 590 05 81
CAPILLA DEL ARTE
UDLA
2 Norte, no. 6, Centro Histórico
C.P. 72000, Puebla, Puebla
Tel. 222 242 28 08
CASA DE LA BÓVEDA
BUAP
Av. Juan de Palafox y Mendoza No. 406
Centro Histórico
C.P. 72000
Puebla, Puebla
Tel. 222 637 87 97 y 222 229 55 00 ext. 5784
CINEMATECA LUIS BUÑUEL
CASA DE LA CULTURA, CECAP
5 Oriente, no. 5
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Centro Histórico
C.P. 72000, Puebla, Puebla
Tel. 222 246 69 22 ext. 109
SALA JORGE CARREÑO
TALLERES DE INICIACIÓN ARTÍSTICA
CECAP
7 Oriente, no. 2
Centro Histórico
C.P. 72000
Puebla, Puebla
Tel. 222 311 00 33
SALA JIMÉNEZ DE LAS CUEVAS
CASA DE LA BÓVEDA
BUAP
Juan de Palafox y Mendoza, No. 406
Centro Histórico
C.P. 72000, Puebla, Puebla
Tel. 222 295 500
SALA LUIS CABRERA
CASA DE LA CULTURA
5 Oriente, No. 5
Centro Histórico
C.P. 72000, Puebla, Puebla
Tel. 222 232 12 27
TEATRO PRINCIPAL
6 Oriente, Esq. 6 Norte
Centro Histórico
C.P. 72000
Puebla, Puebla
Tel. 222 232 26 86
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ZÓCALO
Centro Histórico
C.P. 72000, Puebla, Puebla
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