TAMAYO - TRADICIÓN:VANGUARDIA

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TRADICIÓN/VANGUARDIA

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LA OBRA GRÁFICA DE RUFINO TAMAYO 5 

TODO EL ARTE MODERNO 

TIENE UN OBJETIVO 

FUNDAMENTAL: BUSCAR LA 

EXPRESIÓN DEL TIEMPO 

THE MAIN GOAL OF MODERN 

ART AS A WHOLE IS TO FIND OUR 

TIME’S EXPRESSION 

RUFINO TAMAYO 

1899-1991

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TAMAYO ³ OBRA GRÁFICA 1925-1991

DEL ARCAÍSMO A LA 

SOFIST ICACIÓN 

FROM ARCHAISM TO SOPHISTICATION 

FUNDACIÓN BLACK COFFEE GALLERY 

La tradición y la vanguardia son dos fuerzas 

que forman un mismo torrente en el caudal 

de la obra de Rufino Tamayo. El oaxaqueño 

recibió una herencia ancestral que tuvo el 

arrojo de ampliar y propiciar un diálogo con las vanguardias 

europeas más audaces, con lo que su trabajo 

artístico alcanzó –a través de formas y colores únicos– 

reconocimiento como uno de los artistas que 

más aportes hizo al arte mexicano. 

Sin ser su meta, Tamayo se constituyó como un 

líder artístico en América Latina; un creador sofisticado 

y exquisito en los Estados Unidos, y en la revelación 

de las fuerzas telúricas, vivas y singulares de lo 

indígena antiguo, en Europa. 

En 1948 realizó una exhibición en el Palacio de 

Bellas Artes. Con este hecho recibió reconocimiento 

oficial en México y se aceptó la trascendencia e importancia 

de su contribución al arte internacional y 

al nacional. Dicha exhibición culminó, en aquel momento, 

con el encargo oficial de dos murales para el 

Palacio de Bellas Artes. 

Aclamado internacionalmente, Tamayo mantuvo 

un apego vital hacía su patria. Residió en Nueva York 

por quince años, en París por diez más y luego en la 

Ciudad de México. Pero el pintor no dejó de propiciar 

ocasiones para que su trabajo fuese conocido en 

todo el territorio nacional. 

Tradition and the avant-garde are two forces that 

make up parallel streams in Rufino Tamayo’s rich 

body of work. This artist from Oaxaca was on the 

receiving end of an ancient cultural inheritance 

and had the grit to expand and converse about his 

work with the boldest, cutting-edge European artists. 

With unique shapes and colors, he achieved 

recognition as one of the most influential contributors 

to Mexican art. 

Tamayo established himself as an artistic leader 

in Latin America—without this being his goal— 

and in the United States he became recognized 

as a refined and sophisticated artist. In Europe 

he emerged as a channel for artistic portrayals of 

earthly forces – a living, unique representation of 

ancient Indigenous culture. 

In 1948 Tamayo put on an exhibition at the 

Palace of Fine Arts in Mexico City. With this 

showing he received official recognition in Mexico 

and accepted the significance of his contribution 

to national and international art. This exhibition 

culminated in the official commission of two murals 

for the Palace of Fine Arts. 

With international acclaim, Tamayo maintained 

a vital attachment to his country. He lived in 

New York for fifteen years, in Paris for more than 

ten years, and later settled in Mexico City. Tamayo

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TRADICIÓN/VANGUARDIA 

Así, en septiembre de 1951 –pocos meses después 

de representar a México en la XXV Bienal de Venecia, 

junto a José Clemente Orozco, Diego Rivera 

y David Alfaro Siqueiros– Tamayo presentó una 

muestra individual en la galería Arquitac de Guadalajara. 

Aquél sería el primer acercamiento del artista 

a esta ciudad, una de las más importantes en cuanto 

a desarrollo artístico. 

En 1986, con un lugar asegurado en la historia del 

arte universal, el Museo Regional de Guadalajara 

abrió sus puertas a otra muestra del artista oaxaqueño, 

conformada por 50 piezas bajo la curaduría de 

Carlos Ashida. Y en 2002 se presentó, en el Museo 

del Periodismo y las Artes Gráficas, una exhibición 

de Tamayo como ilustrador. 

La importancia y belleza de la obra de Rufino Tamayo, 

ha sido una inspiración para que la Fundación 

Black Coffee Gallery A.C. haya decidido crear una 

colección única en el mundo, en la que se reúne todo 

el corpus gráfico del artista. 

Fundación Black Coffee Gallery, en conjunto con 

el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, 

han realizado un esfuerzo para acercar una 

selección de 59 obras gráficas a los nuevos públicos. 

Ésta, además de mostrar con nitidez y elocuencia el 

talento creador de Tamayo, despliega un panorama 

de más de setenta años de creación artística, donde 

se hace recuento de las diversas técnicas que abordó 

el oaxaqueño: desde las clásicas, como el grabado en 

madera y litografía, hasta las de su propia invención, 

como la mixografía (complejo proceso de impresión 

inventado por el propio Tamayo, en colaboración 

con el ingeniero Luis Remba). 

La mixografía marcó el inicio de una nueva etapa 

del arte seriado: aportó al medio gráfico universal 

una novedosa fisonomía y vigencia al permitir incrementar 

los formatos, enriquecer las texturas reales 

y la absorción de tintas, con lo que logra una mayor 

belleza y calidad en el arte impreso. Con el uso de la 

mixografía, Tamayo pudo por fin equiparar su obra 

gráfica con lo más característico de su arte: la pintura, 

logrando así ampliar la circulación de su arte, a través 

de originales múltiples de inédita calidad y belleza. 

persistently supported opportunities for his work 

to be known all over Mexico. 

In September 1951, a few months after representing 

Mexico at the XXV Vienna Biennial—along 

with José Clemente Orozco, Diego Rivera and 

David Alfaro Siqueiros—Tamayo launched a solo 

exhibition at Galería Arquitac in Guadalajara. This 

was his first introduction to the city and a significant 

crossroads in terms of artistic development. 

In 1986, with his place secured in the history of 

universal art, the Regional Museum of Guadalajara 

opened its doors to another Tamayo exhibition, 

consisting of fifty pieces curated by Carlos Ashida. 

And then in 2002, at the Museum of Journalism 

and Graphic Art, Tamayo’s work as illustrator was 

on display. 

The importance and beauty of Rufino Tamayo’s 

art is an inspiration for Black Coffee Gallery 

Foundation, which decided to create a unique collection 

that brings together a complete selection 

of Tamayo’s visual creations. 

Black Coffee Gallery Foundation and the University 

of Guadalajara’s Museum of the Arts have 

selected fifty-nine pieces to present to new audiences. 

This collection shows the clarity and eloquence 

of Tamayo’s creations and covers a panorama 

of more than seventy years of artistic creativity, 

recounting the artist’s various techniques, from 

the classics—such as wood engraving and lithography—to 

pieces of his own creation, such as mixography 

(a complex process of printing invented by 

Tamayo in collaboration with engineer Luis Remba). 

Tamayo’s mixography technique marked the 

beginning of a new stage for serial art: to this ubiquitous 

visual medium mixography contributed 

original features and validated the enrichment 

of formats, textures and ink absorption to achieve 

greater eloquence in printed art. In his use of 

mixography, Tamayo finally placed his visual work 

on the same level as his painting, increasing its exposure 

with numerous original pieces of unprecedented 

quality and beauty.


La curaduría de Juan Carlos Pereda, conocedor 

del trabajo de Tamayo, ha puesto énfasis en exaltar 

los valores más profundos de la tradición que Tamayo 

convirtió en signos de identidad. Estos rasgos de 

añosa antigüedad se modernizaron al ponerlos en 

diálogo con las vanguardias internacionales, su magistral 

manejo del color y la inagotable inventiva, realizando 

variaciones de un mismo tema. 

La afinidad de voluntades de la Fundación Black 

Coffee Gallery A.C. y el Museo de las Artes de la 

Universidad de Guadalajara, han hecho realidad un 

ambicioso proyecto en el que figuran, desde las afamadas 

sandías de Tamayo –que tanto prestigio han 

dado al arte mexicano–, hasta los personajes y animales 

que dan cuenta de la prodigiosa imaginación 

del artista. 

La presencia de 59 innovadores grabados, serán 

punto de partida para muchos artistas emergentes e 

inspiración y ejemplo para quienes tienen trayectoria. 

Esta muestra también despertará, en el público 

general, esa alegría que concede el gran arte a quien 

lo mira. 

La Fundación Black Coffee Gallery A.C. y el Museo 

de las Artes de la Universidad de Guadalajara, desean 

honrar la figura del gran creador que es Rufino 

Tamayo y celebrar la coincidencia de intereses para el 

bien común, la creación de identidad y el sentido de 

pertenencia. La Fundación reconoce a la vez, en sus 

propias iniciativas de interés social, una empatía con 

el Tamayo filántropo, pues las obras humanistas de 

ambos tienen un origen común: el nutricio manantial 

del arte. 

The curating of Juan Carlos Pereda, an expert 

on Tamayo’s work, emphasizes and enthusiastically 

praises the deepest values of the traditions 

that Tamayo transformed into symbols of identity. 

These ancient traits become modernized when 

they enter into conversation with international 

avant-garde artists. Tamayo’s masterly handling of 

color and his inexhaustible creativity result in multiple 

variations on a single theme. 

The affinity between the commitment at Black 

Coffee Foundation and the University of Guadalajara’s 

Museum of the Arts has brought together an 

ambitious project that features pieces such as Tamayo’s 

famous watermelons—that have brought 

such renown to Mexican art—to characters and 

animals that illustrate the artist’s inexhaustible 

imagination. 

Fifty-nine innovative engravings will be launching 

points for many emerging artists as well as 

an inspiration and examples for those already well 

along their artistic paths. This sample of Tamayo’s 

work will also awaken the general public to the 

joy this great artist imbues in those who view his 

work. 

With this collection, Black Coffee Foundation 

A.C. and the University of Guadalajara’s Museum 

of the Arts are honoring the illustrious Rufino 

Tamayo and celebrating the synergy of interests in 

his work that benefit the common good, the creation 

of identity and the feeling of belonging. The 

Foundation also acknowledges, via its own initiatives 

of social relevance, an empathy with Tamayo 

the philanthropist. Our shared humanist work has 

a common point of origin: the nourishing wellspring 

of art.

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TAMAYO ³ OBRA GRÁFICA 1925-1991

T RADICIÓN/ VA NG UAR DIA 

L A OBRA G RÁFICA DE R UFINO TAMAYO 

TRADITIONAL AVANT-GARDE 

THE ARTWORK OF RUFINO TAMAYO 

JUAN CARLOS PEREDA 

Es ya un canon que los artistas de vanguardia 

busquen llamar la atención sobre sí 

mismos, hacer alarde de su vital audacia y 

de su espíritu irreverente hacia cualquier 

tradición. 

El caso de Rufino Tamayo es distinto. Aunque 

el artista ha sido uno de los creadores de vanguardia 

más audaces en el ámbito mexicano —cuyos 

aportes enriquecieron el desarrollo del arte—, 

también ha tenido como punto de partida la tradición, 

para su obra pictórica y gráfica. Tamayo 

valoró aspectos de la tradición proveniente de sus 

raíces indígenas, en una doble adscripción que incluye 

lo mismo aspectos conceptuales, como los de 

una factura evidentemente artesanal. 

Dentro de los aspectos conceptuales que Tamayo 

vertió en su obra, se puede visualizar la transcripción 

de antiguos elementos simbólicos que, en 

su síntesis, adquieren aliento fresco y cobran un 

nuevo valor que paradójicamente son convertidos 

en vanguardia. Otro aspecto de este surgir de la 

tradición, es la valoración de los rastros, de la huella 

indeleble de la mano del artista—artesano que, 

transformados en recursos técnicos, quedaron voluntariamente 

visibles en la obra, como elementos 

It is generally accepted that avant-garde artists 

want to call attention to themselves, to display 

their vital distinctiveness and their irreverent 

spirit toward tradition. 

This is not the case with Rufino Tamayo, one 

of Mexico’s boldest avant-garde artists whose 

contributions have enriched the development of 

art. His starting point was traditional for both 

his mixed media graphic creations and his painting. 

Tamayo valued aspects of tradition that 

stemmed from his Indigenous roots and melded 

these features with artisanal handcrafted methods. 

Ancient symbols are central features that 

Tamayo breathed into his work. These compositions 

take on new life and values that, paradoxically, 

transform into the avant-garde. Another 

aspect of this emerges from tradition and is the 

valuing of symbols, reconfigured by the artist’s 

hand through technical approaches that are 

clearly visible in his work, like eloquent elements 

that enrich and complicate each printed piece 

with expressive power. 

Tamayo created one of the broadest and most 

original collections of prints that twentieth cen-

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que con fuerza expresiva enriquecen y complejizan 

cada ejemplar impreso. 

Tamayo creó uno de los más amplios y originales 

corpus de estampas que se hayan visto en el 

arte del siglo XX. Sus innovaciones técnicas renovaron 

el largo y constante prestigio del campo de 

la impresión seriada, aun cuando empleó los medios 

más tradicionales del grabado en madera y la 

litografía. 

Sus más de 380 ediciones de estampas, realizadas 

en diferentes técnicas y en los talleres más prestigiados 

de Estados Unidos, Europa y México, dan 

testimonio de su interés por cultivar el campo del 

arte impreso, a lo largo de toda su trayectoria de 

más de setenta años. 

Paradójicamente, éste no era su interés central, 

pero sí corrió paralelamente a su pintura. Rufino 

Tamayo no sólo fue un virtuoso en el manejo de 

las técnicas planigráficas, también destacó como 

un investigador que logró aportes significativos 

desde su participación en los talleres parisinos, en 

la década de los años cincuenta; su estancia en el 

Tamarind Litography Workshop de Los Ángeles, 

California, y la ulterior invención de la mixografía, 

técnica que creó en conjunto con el ingeniero 

Luis Remba en el Taller de Gráfica Mexicana. Con 

ésta revolucionó el arte impreso en la década de los 

setenta. 

Con la circulación pública de la colección completa 

de la obra gráfica de Rufino Tamayo —patrimonio 

de la Fundación Black Coffe Gallery única 

en el mundo— se podrá medir, por fin, cuan largo, 

prolífico, complejo y aportador fue el internacionalizado 

camino gráfico de este artista. El oaxaqueño 

era dueño de los secretos de la expresividad 

y elegancia, vertidos en sus formas y colores; de la 

dinámica de sus composiciones; de la presencia rotunda 

de sus personajes, más simbólicos que reales, 

más espirituales que concretos, y del ya clásico colorido, 

que hizo del oaxaqueño uno de los coloristury 

art has ever seen. His innovative techniques 

revolutionized longstanding and accepted 

approaches in the field of serial printing, even 

when he used very traditional mediums, such as 

wood engraving and lithography. 

His more than 380 print editions, created via 

unique techniques (at the most prestigious workshops 

in the United States, Europe and Mexico) 

testify to his interest in advancing the field of 

printed art over his more than seventy-year career. 

Paradoxically, this was not his main focus, 

but it did run parallel to his painting. Rufino Tamayo 

was not only a virtuoso in managing planography 

techniques, he also stood out as a researcher 

with remarkable contributions from his 

participation in Parisian workshops in the 1950s 

as well as from his stay at the Tamarind Lithography 

Workshop in Los Angeles, California. 

He revolutionized the graphic visual arts in the 

1970s with his subsequent invention of mixography, 

a technique he created along with engineer 

Luis Remba at the Gráfica Mexicana workshop. 

The entry into circulation of the complete 

collection of Rufino Tamayo’s visual art—patrimony 

of the Black Coffee Gallery Foundation 

and the only collection in the world—can be 

measured by the long, prolific and complex pictorial 

internationalization of this artist. Tamayo 

was proprietor of the secrets of expressiveness 

and elegance that he imbued in his shapes and 

colors; of the dynamics of his compositions; of 

the resounding presence of his figures – more 

symbolic than real, more spiritual than concrete; 

and of the already classic use of color that made 

the artist from Oaxaca one of the most important, 

complex and exquisite colorists in the history 

of twentieth century art. 

When reflecting on the history of art and traditional 

values that contrast naturally with those 

of an innovative bent, it is important to note


tas más importantes, complejos y exquisitos de la 

historia del arte del siglo pasado. 

Al poner sobre el campo de reflexión de la historia 

del arte los valores de la tradición, que naturalmente 

se contraponen a los de las vanguardias, hay 

que hacer notar que para Rufino Tamayo —artista 

de arrasadora vanguardia en el ámbito conservador 

y politizado del arte mexicano de la segunda mitad 

del siglo XX—, fue de gran importancia conservar 

y hacer notables ciertos rasgos de la tradición, heredada 

tanto del arte mexicano antiguo, como de 

su entorno indígena que también está enraizado en 

una dilatada tradición. 

Desde su trabajo más antiguo en gráfica, se 

pueden apreciar con nitidez el paradójico entretejido 

de elementos pertenecientes a la tradición, así 

como componentes vanguardistas, todos amalgamados 

armónicamente en una sola idea. 

Un primer ejemplo es la serie de xilografías realizadas 

por Tamayo entre los años 20 y principios 

de los 30, que muestran un acento evocativo del 

expresionismo alemán, cuya agresividad visual se 

torna en un simulacro de convención tradicional. 

El diálogo estético que el artista buscó establecer 

en sus xilografías con el expresionismo alemán, así 

como con los grabadores norteamericanos que habían 

tenido cierto estudio y algún grado de absorción 

de los grabadores alemanes, se atempera con 

los temas locales perfectamente decodificables para 

el público común. Es decir que aborda temas del 

entorno popular, asuntos corrientes, para tratarlos 

desde una estética que deberá valorarse como de 

radical avanzada estética. A su vez, este ejercicio se 

corresponde con una factura tosca y poco refinada, 

proveniente de la tradición artesanal del tallado en 

madera de los pueblos de Oaxaca. 

Así, con una decisión clara, el joven artista explora 

y elige interconectar, en su trabajo gráfico, estos 

dos campos —en apariencia contradictorios— 

que habrán de identificar su propio estilo. 

that for Tamayo (a sweeping groundbreaker 

in the conservative and politicized milieu of 

Mexican art in the second half of the twentieth 

century), it was essential to conserve and give 

importance to certain established features of tradition 

inherited both from ancient Mexican art 

and from his indigenous background, which was 

also deeply-rooted in a long tradition. 

From his first visual pieces it is possible to 

appreciate clearly the paradoxical interweaving 

of traditional elements with modernist components, 

all combined in a single harmonious idea. 

The first example is a series of prints from 

woodcuts created by Tamayo in the 1920s and 

the beginning of the ‘30s. These works evoke a 

German expressionist tone; their visual aggressiveness 

revolves around a simulation of traditional 

conventions. Tamayo sought to establish an 

esthetic dialogue based on his prints made from 

woodcuts with German expressionism, as well as 

with North American engravers who had had a 

certain education and some degree of absorption 

of the German engravers. This dialogue was tempered 

with local concerns that the general public 

is perfectly capable of decoding. 

He takes on themes from traditional settings 

and everyday matters and treats them with an esthetic 

that must be appreciated as advanced and 

radical. At the same time, this approach correlates 

with an unrefined, rough handcrafting that 

is the result of traditional artisan wood carving 

from the towns of Oaxaca. 

With this approach clearly defined in his 

mind, the young artist explored and chose to 

weave together two spheres in his visual artistry 

that were apparently contradictory and that 

would become identified as his signature style. 

The avant-garde, once seen as forward-thinking, 

was quickly established as canon, as a 

stylistic element that stops being disconcerting

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La vanguardia, después de ser una avanzada, 

se estabiliza pronto en un canon, en un elemento 

estilístico que deja de ser desconcertante o amenazante, 

para convertirse en un manierismo determinado 

que pasó a ser un rasgo de identidad o una 

forma de expresión. Rufino Tamayo fundió esos 

recursos novedosos y desestabilizadores con la tradición, 

y dejó de usarlos cuando amenazaron en 

convertirse en fórmula. 

El enorme atractivo que sus “tablitas” tenían 

para el coleccionismo norteamericano, dejó de interesarle 

cuando tuvieron demasiado éxito; cuando 

otros artistas pudieron analizar y apropiarse de 

los elementos que configuraron su trabajo de grabado 

en madera, y otro tanto sucedió con lo referente 

a su pintura. 

Posiblemente la unión de elementos que se podían 

considerar de tradición y su amalgamamiento 

con aspectos de una vanguardia avanzada en la 

obra gráfica de Rufino Tamayo, se pueda apreciar 

con mayor nitidez en la obra que realizó durante 

su residencia en Europa, con París como centro de 

actividades. El pintor llegó a esa ciudad en 1949, 

después de 15 años de radicar en Nueva York. La 

invitación oficial para presentar su trabajo en la 

XXV Bienal de Venecia, propició un éxito detonante. 

La crítica especializada, instituciones culturales 

y coleccionistas, descubrieron con azoro su 

trabajo. Radicó por más de diez años en París. Su 

incursión en algunos de los talleres de impresión 

más antiguos y prestigiados de Europa, produjo 

cuando menos asombro. El tratamiento pictórico 

que el oaxaqueño dio a sus obras gráficas contravenían 

los protocolos clásicos de esos talleres, donde 

se vio a Tamayo con el recelo que se reserva a los 

artistas de arrebatado modernismo. Tamayo no 

iluminó los dibujos previos, sino que atacó las venerables 

piedras litográficas con pinceladas gestuales 

y con tintas de colores violentos y contrastantes 

animaron con una nueva visión esta disciplina. 

or threatening and becomes a particular aspect 

that in turn becomes an identified trait or form 

of expression. Rufino Tamayo merged these novel 

and destabilizing resources with tradition, 

and then stopped using them when they threatened 

to become commonplace. 

The huge appeal of his little wooden casts 

to North American collectors stopped interesting 

him when they became too popular. When 

other artists could analyze and appropriate the 

elements that formed his wood engraving, he 

lost interest in it, and this was also the case with 

respect to his painting. 

The fusion of typically traditional elements 

with aspects of ingenious innovation in Rufino 

Tamayo’s artwork can be appreciated more 

clearly in the canon he created during his time 

in residence in Europe, where Paris was the center 

of his activities. The painter arrived in Paris 

in 1949 after fifteen years of living in New York. 

The official invitation to present his work at the 

XXV Vienna Biennial brought him resounding 

success. Expert critics, cultural institutions 

and collectors discovered his work and were in 

awe. He settled in Paris for more than ten years 

where his incursion into some of the oldest and 

most prestigious printing workshops produced 

amazement, to say the least. The pictorial 

treatments Rufino gave his visual art defied the 

classical protocols of these workshops, where he 

was seen with the wariness usually reserved for 

impassioned modernist artists. Tamayo did not 

shed light on previous drawings, but attacked 

the venerable lithographic stones with gestural 

brushstrokes and violent and contrasting colors 

that brought this discipline to life with a new 

vision. 

French artists saw the possibility of renewing 

the static scene of lithography in the forays of the 

Mexican artist. His artistic book illustrations


Los artistas franceses vieron en la incursión del 

creador mexicano, una posibilidad de renovación 

para el estático escenario de la litografía. Sus ilustraciones 

para libros de artista, fueron verdaderos 

sucesos que movieron el rancio ambiente europeo 

del arte impreso. El mismo Picasso buscó acercarse 

a Tamayo después de ver su trabajo en la Bienal de 

Venecia y de conocer sus ilustraciones para el poema 

surrealista de Benjamín Peret, Air Mexicain. 

La aparición en Suiza del libro Apocalipsis de Saint 

Jean, ilustrado por Tamayo, fue un capítulo de 

gran relevancia en el ámbito artístico y del coleccionismo 

privado e institucional. En las 15 ilustraciones 

se unen el arte vanguardista con la más pura 

tradición indígena y popular que Tamayo supo 

atemperar para convertirla en una obra maestra de 

la ilustración moderna. 

Otro capítulo sobresaliente en la trayectoria de 

Rufino Tamayo como artista gráfico, fue su paso 

por el Tamarind Lithography Workshop de Los 

Ángeles, California, a donde fue invitado por considerársele 

como un artista de vanguardia internacional. 

El programa del Tamarind, fue una inteligente 

estrategia para reposicionar el arte gráfico en 

los Estados Unidos, después de la crisis que provocó 

en el arte impreso el expresionismo abstracto. 

El breve paso de Tamayo por ese taller-laboratorio 

fue de los más significativos dentro de la investigación. 

Su voluntad artesanal le permitió usar recursos 

técnicos que el resto de los artistas no podían 

concebir, ni siquiera el mismo José Luis Cuevas, 

único artista mexicano invitado como parte de ese 

grupo experimental, además del oaxaqueño, que 

sí estaba familiarizado con la factura manual. En 

las 23 ediciones que Tamayo realizó en el Tamarind, 

se puede apreciar la impronta vanguardista 

del artista, así como su factura clásica, en que lo 

artesanal ésta presente. En su obra, la mano del artista 

adquiere una elocuencia elemental, al tiempo 

de contemporánea, y de nuevo la unión de la trawere 

true successes that stirred the long-established 

European scene of printed art. Picasso 

reached out to Tamayo after seeing his work 

at the Vienna Biennial and becoming familiar 

with his illustrations for the surrealist poem Air 

Mexicain by Benjamin Péret. When the book 

Apocalypse of Saint John (illustrated by Tamayo) 

was published in Switzerland, it was a significantly 

relevant piece of work in artistic circles 

as well as for private collectors and institutions. 

In fifteen illustrations, Tamayo fuses vanguard 

art and the purest popular and indigenous traditions, 

tempering them to become masterpieces 

of modern illustration. 

Another standout chapter in Rufino Tamayo’s 

career as a visual artist was his time at the 

Tamarind Lithography Workshop in Los Angeles, 

California, where he was invited in consideration 

of his status as a cutting edge international 

artist. The Tamarind program was an 

inventive strategy to reposition visual art in the 

United States after the crisis that abstract expressionism 

had generated in printed art. Tamayo’s 

short time at this workshop-laboratory was one 

of the most significant during this program. His 

artistic will enabled him to employ technical resources 

that other artists could not conceive of, 

not even José Luis Cuevas, the only Mexican artist 

invited to be part of this experimental group 

(besides Tamayo) who was familiar with manual 

art making. In the twenty-three editions Tamayo 

created at Tamarind, it is possible to appreciate 

his innovative artistic signature as well as his 

classical artistic leanings, in which handcrafted 

creative hallmarks are also present. In his work, 

the artist’s touch takes on a primitive eloquence 

at the same time as it expresses a contemporary 

style and the union of highly intuitive tradition 

blended with avant-garde exploration – a unique 

creative cycle.

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dición más intuitiva que se funde con las indagaciones 

vanguardistas, se volvió a hacer presente en 

este ciclo creativo. 

La carpeta Mujeres, un encargo de la Ford Motor 

Company que Tamayo imprimió en el taller 

parisino Desjobert, vuelve a ser crisol de esas dos 

antípodas: los atisbos para capturar las audacias de 

lo más nuevo y los atavismos de la costumbre ancestral. 

De las 20 litografías, 13 representan cuerpos 

femeninos, logrados con una destreza de naturalista. 

El artista retomó el tema canónico del cuerpo 

femenino desnudo, para transfigurarlo en la galería 

de talles, troncos, torsos y complexiones de las figuras 

menos convencionales del arte mexicano. 

Sus mujeres son los organismos más vivos y exóticos 

que se conocieron en esa época. El espíritu 

modernista con que abordó el cuerpo, hizo que partiera 

de las formas arquetípicas que —reelaboradas 

con sofisticadas estilizaciones y reinvenciones— lograron 

una nueva visón transfigurada del cuerpo 

femenino. Así, éste consigue proyectar actitudes 

de voluptuoso reposo, sutil humor, situaciones de 

cierta violencia apasionada, o de perfumada melancolía, 

con las venus que poseen siempre una compleja 

y novedosa estructura, pues dota a sus cuerpos 

de una insólita novedad y de un inédito encanto, 

con los que el artista de Oaxaca amplió la visión del 

desnudo femenino en la historia del arte mexicano. 

Cuerpos deliciosos y frutales de estilización exquisita, 

o de rotundas formas pesadas, encuentran 

su génesis en el enamoramiento que Tamayo tuvo 

por el arte prehispánico de México, así como por el 

arte popular de distintas etnias del país. Con ellas 

sostuvo un largo y productivo diálogo estético en 

sus más de 70 años de creación, en que la tradición 

de sus ancestros fue cimiento fundamental para 

crear puentes con la vanguardia. Decía que la belleza 

nada convencional de sus mujeres, surge de las 

formas litúrgicas de un culto antiguo por la fuerza 

primitiva de la fertilidad, así como de la gracia aé- 

The portfolio Women, an assignment from 

the Ford Motor Company that Tamayo printed 

in the Desjobert workshop in Paris, again 

became a melting pot of these two opposites: 

traces that capture the boldness of the newest 

styles and the ancestral nature of tradition. Of 

the twenty lithographs, thirteen depict female 

bodies, achieved with the skill of a naturalist. 

Tamayo picked up the canonical theme of the 

naked female body and transformed it into a gallery 

of stems, torsos and physiques of the least 

conventional figures in Mexican art. 

His women are the most alive and exotic organisms 

known from this time. The modernist 

spirit with which he took on the body set the 

stage for a departure from the archetypal shapes 

that when reproduced with sophisticated stylizations 

and reinventions, created a new, transformed 

vision of the female body. With this he 

projected attitudes of voluptuous repose, subtle 

humor, situations with a certain impassioned 

violence, and with scented melancholy, with goddesses 

that possess complex and novel structures. 

He infused their bodies with unusual novelties 

and unprecedented charm and through this 

the artist from Oaxaca broadened the vision of 

the female nude in the history of Mexican art. 

Tamayo painted delightful bodies and fruit 

with exquisite stylization and the heavy resounding 

shapes that find their origins in Tamayo’s 

love affair with pre-Hispanic Mexican art, as 

well as in his love of folk art from a number of 

Mexican ethnic groups. He maintained a long 

and productive esthetic dialogue with various 

ethnic groups in Mexico throughout his more 

than seventy highly creative years. His ancestors’ 

traditions were the foundational bedrock for 

developing ties with avant-garde artists. He said 

that the unconventional beauty of the women 

he painted emerged from the liturgical shapes of


rea de los juguetes con que los niños indios distraen 

su tiempo. Sus venus aparecen de pie y a contra luz 

en umbrales que sugieren, lo mismo ámbitos de cálido 

erotismo que de interioridad mística y mágica 

de un culto olvidado o de un desenfadado humor. 

Los ciclos temáticos se suceden a la par del paso 

del creador por los más prestigiados talleres de 

impresión del mundo. Acaso el limitado repertorio 

de formas y temas, voluntariamente asumido, 

centraron la atención y la energía del artista, para 

apartarse de las argumentaciones locales que pudiesen 

asociarlo con la política y la exaltación histórica 

del nacionalismo. Así, Rufino Tamayo buscó 

crear, para su larga trayectoria gráfica, series de 

obras impresas que reiteran temas, sólo para mostrar 

su enorme capacidad creativa. las naturalezas 

muertas, protagonizadas por rebanadas de sandía; 

los animales, como los perros, y cierta tipología de 

personajes, dialogan con las criaturas de artistas 

vanguardistas internacionales como Miró, Picasso 

y Dubuffet. 

El tema de las sandías, por ejemplo, es de gran 

importancia estética y de significación en la trayectoria 

del oaxaqueño. En ese fruto, el artista ensayó 

formas, texturas, relaciones de color y situaciones 

espaciales, que su inagotable inventiva creaba 

como discursos estéticos individualizados, y; sin 

reiteración de soluciones plásticas para cada ejemplar. 

Dentro de la colección de la Fundación Black 

Coffee Gallery, se incluye la totalidad de las piezas 

en que el artista abordó ese tema emblemático de 

su quehacer artístico. Con el devenir del tiempo, 

las sandías se han convertido en seña de identidad 

de Rufino Tamayo y en tesoros culturales que 

también condensan parte de la identidad del mexicano. 

Esta selección comprende ejemplares provenientes 

de diferentes épocas y en distintas técnicas. 

Así mismo, los animales, específicamente los 

perros que fueron vehículo eficiente para que el 

artista creara una metáfora plástica de la violencia 

an ancient cult in worship of the primeval force 

of fertility as well as from the uncluttered grace 

of toys with which indigenous children played. 

Tamayo’s goddesses appear standing and backlit 

over thresholds that suggest settings of warm 

eroticism and a magic and mystical inner world 

of forgotten worship or of self-assured humor. 

The artist’s thematic cycles happen in tandem 

with his evolution in the most prestigious workshops 

in the world. Perhaps the limited repertoire 

of shapes and themes, assumed voluntarily, 

focused the artist’s energy and attention in order 

to move away from local issues that could be associated 

with politics and the historic extolling 

of nationalism. Over his extensive artistic career 

Tamayo sought to create a series of printed pieces 

with repetitive themes, simply to show his 

enormous creative capacity. His studies in still 

life, with slices of watermelon in leading roles, 

and his animals, such as dogs, and a certain character 

typology, converse with the creatures of 

avant-garde international artists such as Miró, 

Picasso and Dubuffet. 

The watermelon theme, for example, is hugely 

important esthetically, and full of meaning for 

Tamayo’s career. In this fruit, the artist tested 

out shapes, textures, relationships among colors 

and the spatial positioning produced by his endless 

creativity. He created these as individualized 

esthetic messages containing unique visual solutions 

for each example. 

The Black Coffee Gallery collection includes 

the entire group of pieces in which Tamayo 

tackled this emblematic theme of his artistic endeavors. 

As time went by, the watermelons have 

become a symbol of Tamayo’s identity as well 

as cultural treasures that also comprise part of 

Mexican identity. This selection covers pieces 

that come from different periods using various 

techniques.

18 


humana, durante los tiempos aciagos de la Segunda 

Guerra Mundial, siguieron en la preferencia estética 

del artista, ya no de tiempo completo como 

la encarnación de oscuras emociones humanas, 

sino como elementos de gran belleza y poderío estético; 

como amigos del hombre, y eventualmente 

como verdugos ejecutantes del castigo. 

La elegante y lacónica figura de un perro prehispánico, 

dibujado de perfil y puesto a contraluz, 

es tal vez el jeroglífico que con más elocuencia y 

belleza logró el artista. La economía de formas y la 

fuerza del contenido, son uno. Nuevamente, la antigua 

expresividad de formas ancestrales se vuelve 

síntesis contemporánea, despojada de detalles que 

límpidamente muestran la efectividad sin tempo 

de lo tradicional que Tamayo vuelve moderno. En 

esta litografía, el manchado terso y atmosférico, 

quizá evoque las pátinas que le han dado el paso 

de los siglos a las cerámicas prehispánicas. Otros 

perros refrendan la capacidad creativa de Tamayo. 

Y cada vez que retoma el tema, se renueva para 

mostrar nuevos abordajes de la figura de ese animal, 

que van desde las entrañables compañías que 

conviven con el hombre, hasta las simbólicas, pero 

amenazantes fieras, que destierran al género humano 

del paraíso terrenal. Con esta idea aparecen 

en la mixografía titulada Dos personajes atacados 

por perros, de 1989. 

Así, los canes de Tamayo son símbolo, juguete, 

icono, expresión y síntesis, cada uno referente de la 

inagotable inventiva del artista. 

En la segunda etapa de la vida de Rufino Tamayo, 

hubo cuando menos tres polos, marcados por 

los talleres en los que realizó mucho del trabajo 

más relevante de esa época de soberana madurez: 

el taller de la editorial Polígrafa, el Taller de Gráfica 

Mexicana y el taller Kyron, Ediciones Gráficas 

Limitadas, en la Ciudad de México. 

En los talleres de Ediciones Polígrafa, situados 

en Barcelona, realizó 84 ediciones: 15 de litografías 

Animals–specifically the dogs that were an 

efficient means for the artist to create a visual metaphor 

for human violence during the tragic times 

of the Second World War – continued to be present 

in Tamayo’s esthetic. They are not included 

as full-time elements, like the incarnation of dark 

emotions, but as representations of great beauty 

and esthetic power – as friends of men, and eventually, 

as executioners doling out punishment. 

The elegant and laconic figure of the pre-Hispanic 

dog, depicted in profile and placed against 

the light, is perhaps the most elegant and beautiful 

hieroglyphic Tamayo created. The economy 

of shape and strength of content are a key contributor. 

The ancient expressiveness of ancestral 

shapes once again becomes a stark, contemporary 

synthesis, stripped of detail, and demonstrating 

honestly and without intonation the effectiveness 

of Tamayo’s ability to fuse traditional structures 

with modern perspectives. In this lithograph, the 

flowing, atmospheric staining perhaps evokes the 

patinas that centuries have given pre-Hispanic ceramic 

pieces. 

Tamayo’s other dogs endorse his creative capacity. 

And each time he returns to this theme it is 

revitalized to show new approaches toward the 

figure of the dog – from the intimate company of 

living with people, to the symbolic yet menacing 

beasts that exile human beings from an earthly 

paradise. With this idea in mind they appear in 

the mixography Two People Attacked by Dogs, 

from 1989. 

Tamayo’s hounds are a symbol, toy, icon, expression 

and synthesis, each one a reference point 

for the artist’s endless creativity. 

During the second stage of Rufino Tamayo’s 

life, there were at least three key themes defined 

by the workshops where he created some of his 

most relevant work in this period of tremendous 

maturity: the Polígrafa publishing workshop, the


y 69 técnicas mixtas, durante seis temporadas entre 

1973 y 1984. De ese amplio grupo de obras se 

debe destacar la audacia de la inextinguible inventiva 

del artista, su gran capacidad de experimentación 

con la que alcanzó resultados de gran belleza 

y complejas soluciones técnicas. Los resultados 

alcanzados por Tamayo, en esos talleres, muestran 

una evolución sorprendente que lo mismo 

se expresa en logros técnicos como en la inventiva 

de formas y colores. Aquí, como en otros talleres, 

exigió una liberta irrestricta que le permitiera establecer 

sus propios protocolos, para lograr novedades 

originales, e instituyó una manera inédita de 

concebir y producir esa antigua expresión plástica 

múltiple. 

La litografía —una técnica clásica— por ejemplo, 

se benefició con las innovaciones, que incluyen 

texturas visuales de una densidad que no se 

conoció antes en esta rama del arte impreso. Por su 

parte, en el aguafuerte encontró un medio de experimentación 

más amplio, pues su insatisfacción lo 

motivó a probar con las texturas reales —impresas 

en el papel—, gracias al uso de materiales nuevos 

como el carborundo, una pasta maleable en el primer 

momento y de dureza resistente ya fraguada, 

con la que realizó texturas de considerable volumen. 

Ese material, derivado de minerales pulverizados, 

posee una maleabilidad que fue conveniente 

a los fines estéticos de Tamayo. Las opulentas y 

variadas intensidades de las tintas y la amplitud de 

colores, ayudaron a lograr vitales contrastes y delicados 

medios tonos, al grado de que el color pudo 

ser otro ingrediente en la creación de un cúmulo 

de gráficas que dieron prestigio al propio medio 

impreso, a los talleres y al artista. 

Un paso más en las exigencias que el artista 

había establecido para con su trabajo, fue logrado 

con su incursión en el Taller de Gráfica Mexicana. 

Situado en la Ciudad de México, donde trabajó a 

partir de 1974, Tamayo estableció una fructífera 

Gráfica Mexicana workshop, Ediciones Gráficas 

Limitadas, and the Kyron workshop in Mexico 

City, that produced limited graphic mixed media 

editions. 

In his workshops at Ediciones Polígrafa in 

Barcelona, Tamayo created eighty-four editions: 

fifteen lithographs and sixty-nine mixed technique 

pieces over six periods between 1973 and 

1984. This large group of work clearly conveys the 

artist’s enormous experimental ability. He used 

this to achieve effects of incredible beauty and 

also to solve complex technical problems. Tamayo’s 

output from these workshops shows a surprising 

evolution that is expressed through technical 

achievements such as inventive shapes and colors. 

Here, as at other workshops, he demanded unlimited 

freedom to establish his own protocols, 

to achieve innovative results and to establish an 

unprecedented way of conceiving of and producing 

his ancient multilayer visual expression. 

Classic lithographical techniques, for example, 

benefitted from his innovations, which 

included dense visual textures previously unknown 

in this branch of printed art. In etching, 

Tamayo found a more comprehensive experimental 

medium. His dissatisfaction motivated 

him to experiment with textures printed on 

paper, thanks to the use of new materials such 

as carborundum, a malleable paste that later 

hardens into a solid, and that he used to create 

surface compositions of considerable volume. 

This material, derived from crushed minerals, 

has a malleability that suited Tamayo’s esthetic 

purposes. The opulent and varied intensities of 

inks and the wide range of colors helped him to 

achieve vital contrasts and delicate halftones. 

As a result, color became another ingredient in 

the collective creation of visual art that brought 

prestige to the printed medium, to the workshops, 

and to the artist.

20 


relación profesional con el ingeniero mecánico e 

impresor Luis Remba, propietario del taller. Él, a 

la postre, contribuyó a la creación de la mixografía, 

técnica ideada para dar cauce a las exigencias técnicas 

de Tamayo, quien buscó la excelencia a través 

de la experimentación. En su descripción de la 

controvertida técnica denominada “mixografía”, la 

especialista en arte, Raquel Tibol, apunta: 

“El procedimiento de la mixografía es, en verdad, 

el de un troquel en cuya elaboración puede 

utilizarse todo tipo de materiales y texturas, los 

cuales son registrados primero en una placa de 

plástico, que después se pasa a la cera, lo que permitirá 

obtener la placa impresora en cobre. Para 

registrar todos los relieves y texturas se usa una 

prensa especial que ejerce gran presión sobre el papel 

fabricado especialmente con un grosor y una 

maleabilidad adecuados. La pasta de papel queda 

convertida en hoja durante el proceso de impresión. 

Se trata de una mixtura de gráfica y relieve 

escultórico”. 

De la productiva participación de Tamayo en 

ese taller se coligen consistentes logros, como los 

formatos cada vez más grandes; la construcción de 

volúmenes que permiten sentir las audaces texturas 

y vivenciar los espacios en la obra; además de 

los entintados de saturado y contrastante colorido, 

conseguidos con la absorción de las tintas, realizados 

con las variantes naturales de lo realizado 

manualmente y con un sentido artesanal. Con esa 

técnica, Tamayo pudo expresarse con medios que, 

sin abandonar el sentido múltiple de lo gráfico, lo 

llevaron a utilizar formas de expresión propias de 

la pintura, como el bajo relieve y el collage. 

Entre 1974 y 1977, el Taller de Gráfica Mexicana 

puso en circulación 32 mixografías impresas en 

papel industrial. En 1978 se imprimió la primera 

mixografía sobre papel fabricado artesanalmente a 

mano, material con que Tamayo logró 32 ediciones 

más de obras impresas con esta variante técnica. 

Tamayo established an additional requirement 

for his work which was achieved through 

his participation in the Gráfica Mexicana workshop. 

Located in Mexico City where he worked 

starting in 1974, Tamayo established a fruitful 

relationship with mechanical engineer and printer 

Luis Remba, who owned the workshop. Remba 

contributed to creating mixography, a technique 

devised to provide direction for the technical 

needs of Tamayo, who continually sought excellence 

through experimentation. In her description 

of the controversial technique baptized 

‘mixography’, art specialist Raquel Tibol noted: 

“The mixography method is actually that of a 

die cutter, in which production can be used with 

all kinds of materials and textures. First they 

are captured on a plastic plate, then inscribed 

on wax, which enables the printed plate to be 

converted to copper. A special press is used to register 

the textures and reliefs, and which applies 

great pressure on paper that is created with a 

certain thickness and adequate malleability. The 

paper pulp turns into a sheet during the printing 

process. Mixography is a blending of graphics 

and sculptural embossing.” 

Solid achievements were the obvious results 

of Tamayo’s productive participation in this 

workshop. These included larger and larger formats, 

the construction of volumes that enable 

observers to feel the bold textures and to experience 

the spaces in each piece, as well as saturated 

inking and contrasted coloring developed 

with natural variants of artisanal creation. 

With this technique, Tamayo expressed himself 

through mediums that, without renouncing the 

manifold potential of graphic art, led him to use 

shapes as personalized forms of expression in 

painting, such as bas-relief and collage. 

Between 1974 and 1977, the Gráfica Mexicana 

workshop released thirty-two mixographies


Hasta entonces el artista pudo equiparar satisfactoriamente 

su obra gráfica, en calidad y belleza, 

con sus pinturas. Para esto, el ingeniero Luis Remba, 

sensible a las peticiones del pintor, puso a su 

disposición herramientas y máquinas que incluso 

construyó para que el artista lograra los efectos que 

buscaba dar a sus estampas. 

En el catálogo de una de las primeras exposiciones 

de mixografía que se realizaron en México, 

Tamayo escribió: 

“Es innegable que, desde hace ya mucho tiempo, 

las artes gráficas han venido enriqueciéndose con 

toda una gama de novedosas innovaciones, consecuencia 

de búsquedas no precisamente de quienes se 

han dedicado con exclusividad a esa rama de las artes 

plásticas, sino de los pintores, quienes en su afán 

de ampliar su campo de acción han encontrado en 

las artes gráficas una nueva posibilidad para diversificar 

su forma de expresión. De este modo, bien 

podemos aseverar que la manera tradicional de ejercitar 

la gráfica prácticamente ha quedado obsoleta, y 

que son los pintores los verdaderos maestros del nuevo 

lenguaje que por ahora en ella se usa. En efecto, 

muchos de los que se consideraban errores imperdonables 

en los procedimientos tradicionales, son aprovechados 

ahora como hallazgos de gran valía, que 

junto con la introducción de elementos diversos como 

el collage y otros materiales con los que obtienen extraordinarias 

texturas, vienen a enriquecer en modo 

ilimitado las posibilidades de las artes gráficas. Creo 

sinceramente que con la mixografía se abre un insospechado 

campo de experimentación para los artistas 

no conformistas, y una novedosa y muy válida forma 

de expresión que el público amante de las artes 

plásticas ha de encontrar que encaja a la perfección 

dentro de las inquietudes del momento presente”. 

A lo largo de 17 años, Tamayo imprimió alrededor 

de 80 mixografías en el Taller de Gráfica 

Mexicana. Las realizadas entre 1973 y 1978, 

printed on industrial paper. In 1978, the first 

mixography was created on paper produced by 

hand. Tamayo used this material to create thirty-two 

more editions for pieces printed with this 

alternative technique. He was able to place the 

quality and beauty of his mixed media graphic 

art on the same level as his paintings. Engineer 

Luis Remba was sensitive to the painter’s requests 

and made tools and machines available to 

Tamayo, including those he built so that Tamayo 

could achieve desired embossing effects. 

In the catalogue of one of the first mixography 

expositions that Tamayo put on in Mexico, 

he wrote: 

“It is undeniable that, for a long time now, the 

visual arts have been enriched by a full range of 

innovative developments resulting from pursuits, 

not necessarily by those who are exclusively dedicated 

to this branch of visual art, but by painters, 

who in their eagerness to broaden their spheres 

of activity have found in visual arts a new possibility 

for diversifying their forms of expression. 

The traditional way of creating graphics is practically 

obsolete and painters are the true masters 

of the new language now in use. Much of what 

were considered to be unpardonable mistakes 

in traditional procedures are now taken advantage 

of as valuable discoveries. Along with the 

introduction of various elements such as collage 

and other materials that produce extraordinary 

textures, they enrich, in an unlimited way, the 

possibilities in visual arts. I sincerely believe that 

with mixography, we are opening an unforeseen 

field of experimentation for non-conformist artists 

– a new and very valid form of expression 

that the graphic art-loving public will find fits 

perfectly with current interests. 

Over seventeen years, Tamayo printed 

approximately eighty mixographies at the Grá-

22 


fueron estampadas sobre papeles de fabricación 

industrial. Sin embargo, sus inquietudes estéticas 

y técnicas fueron en ascenso, y a partir de 1979 

comenzó a emplear una pulpa de papel artesanal, 

cuyo proceso de fabricación fue integrado a esta 

nueva forma de obra gráfica, a la que bautizaron 

como “mixografía”. Las mixografías impresas sobre 

ese papel tienen la virtud de registrar los volúmenes 

y texturas que, antes de la invención de esa 

técnica, eran realmente imposibles de obtener en 

los papeles existentes. A diferencia de las formas 

tradicionales de hacer obra gráfica, que exigen al 

artista trabajar sobre una plancha original, en la 

mixografía se pudo incorporar cualquiera de las 

técnicas gráficas clásicas en una sola obra y, a la vez, 

se hizo posible trascender virtualmente todas sus 

limitaciones. La técnica satisfizo las expectativas 

artísticas de Tamayo, y con ella superó los nuevos 

retos que se había impuesto como creador gráfico. 

Dentro de esa técnica, y como un hecho sin precedente, 

Tamayo realizó la obra monumental titulada: 

Dos personajes atacados por perros, una pieza 

revolucionaria en la historia mundial de las artes 

gráficas. Sus medidas, de 151.2 por 240.3 centímetros, 

la hicieron en su momento la mayor obra de 

arte estampada en una sola pieza, en este caso, en 

papel fabricado artesanalmente e impresa a través 

de una sola piedra. Dos personajes atacados por perros 

constituyó un verdadero aporte al desarrollo 

de la historia de la gráfica mundial, pues entrañó, 

incluso, la creación de maquinaria especial para su 

impresión. 

El tema de la obra es una visión mexicana y contemporánea 

de la expulsión de Adán y Eva del paraíso. 

La visión poética del artista se hace presente 

en esta mixografía, creada cuando Tamayo había 

cumplido 85 años. En la escena, los perros que azuzan 

a la pareja, son de los animales más característicos 

y bellos de la iconografía de Tamayo y del arte 

mexicano. La obra posee un aura de pieza maestra 

de la gráfica, creada por uno de los artistas más 

fica Mexicana workshop. Those created between 

1973 and 1978 were printed on industrial-made 

paper. But his esthetic concerns and techniques 

were advancing, and starting in 1979 he began 

to use artisan paper pulp with a fabrication 

process integrated into this new form of visual 

art, which was ‘mixography’. Printed mixographies 

using hand-made paper have the virtue 

of recording volumes and textures that, before 

the invention of this technique, were virtually 

impossible to obtain on existing paper. Unlike 

traditional methods for creating graphic pieces 

that demanded the artist work on original plates, 

with mixography, any classic visual technique 

could be incorporated in a single piece. 

At the same time, Tamayo made it possible to 

travel beyond classical limitations. Mixography 

sought to fulfill Tamayo’s artistic expectations, 

and with that to exceed new challenges he had 

set to overcome as a visual artist. 

Within this technique, and in an unprecedented 

event, Tamayo created the monumental 

piece titled: Two People Attacked by Dogs, a 

revolutionary artistic work in the history of visual 

art. His measurements were 151.2 by 240.3 

centimeters, which made his composition (at the 

time) the largest work of printed art created in 

a single frame, and in this case, created by hand 

and printed on a single stone. Two People Attacked 

by Dogs represents an authentic contribution 

to the history of visual art. It even involved 

creating specialty machinery for its printing. 

The theme of this piece is a Mexican and contemporary 

vision of Adam and Eve’s expulsion 

from paradise. The artist’s poetic vision is present 

in this mixography, created when Tamayo 

was eighty-five years old. In the scene, the couple 

is set upon by dogs. They are the most characteristic 

and beautiful animals in Tamayo’s iconography 

and in Mexican art. The painting has the 

quality of a masterpiece of visual art, created by


propositivos y renovadores del arte impreso. Así, 

nuevamente como ocurrió en toda su trayectoria 

de artista gráfico, Dos personajes atacados por perros 

condensa aspectos de la vanguardia y recursos 

anclados en la más antigua tradición, cualidades 

opuestas que Rufino Tamayo supo unir de manera 

armónica, para hacer aportes significativos al arte 

gráfico y crear un estilo que lo caracterizó, aportando 

así uno de los capítulos más luminosos a la 

historia del arte. 

El ciclo de Tamayo como artista gráfico, creador 

vanguardista al tiempo que tradicional, se cerró 

con un ambicioso portafolio de 12 gráficas de 

las que logró concluir 10, que celebrarían su noventa 

aniversario. De entre esas litografías impresas 

a varias tintas, destaca el díptico titulado Adán y 

Eva. La pareja primigenia encarna los principios 

más elementales, como el género, el carácter, el de 

los opuestos complementarios y, a su vez, representa 

también un principio de la cosmovisión prehispánica. 

Así, el tema y la técnica clásica del arte impreso, 

y su abordaje desacralizador y humorístico, 

nos ofrecen la última clave para entender a Rufino 

Tamayo como uno de los artistas más renovadores, 

audaces y vanguardistas, que encontró el secreto 

para levantar sus audacias en la recóndita tradición 

ancestral de sus herencias. 

one of the most assertive and revolutionary artists 

in the field of printed art. 

And again, what had happened throughout 

Tamayo’s whole career, happened again with 

Two People Attacked by Dogs. It condenses aspects 

of the avant-garde with perspectives rooted 

in the most ancient traditions – opposing qualities 

that Rufino Tamayo fused harmoniously 

to create significant contributions to visual art. 

And so he created the style that characterized 

his work, fashioning one of the most brilliant 

chapters in the history of art. 

Tamayo’s cycle as a visual artist and innovative 

creator in times of tradition came to a close with 

an ambitious portfolio of twelve pieces of art, 

of which he managed to complete ten. Among 

these printed lithographs that use various inks, 

the diptych Adam and Eve stands out for its brilliance. 

The primeval couple embody the most 

fundamental principles, such as gender, character, 

the complementarity of opposites, and at the 

same time represent a principle of the pre-Hispanic 

view of the world. The thematic and classical 

techniques of printed art and its humorous and 

deconsecrating treatment give us the last piece of 

the puzzle that we need to understand Rufino 

Tamayo. He was one of the most revolutionary, 

bold, avant-garde artists who found the secret to 

presenting his audacity via the remotest ancestral 

tradition of his cultural inheritance.

24 


LA OBRA GRÁFICA DE RUFINO TAMAYO 25

26 


DOS NIÑAS MEXICANAS 

1925 | Xilografía · WOODCUT 


28 


HOMBRE Y MUJER 

1925 | Xilografía · WOODCUT

EL CAVADOR 

1925 | Xilografía · WOODCUT 


30 


SIRENAS 


HOMBRE CON MAGUEY 

1925 | Linóleo · LInocut 


32 


VIRGEN DE GUADALUPE 


PAREJA 

1933 | Litografía · LITHOGRAPH 


34 


HOMBRE CONTEMPLANDO LA LUNA 

1947 | Aguafuerte y aguatinta · Etching and aquatint

MUJER CON SANDÍA 



36 


COYOTE 

1950 | Litografía · LITHOGRAPH

DOS MUJERES 



38 


EL BRINDIS 



40 


DEUX FILS (DOS NIÑOS) 


HOMBRE EN EL SOL 



42 


PERFIL DE UN HOMBRE 


CABEZA 



44 


CARA DE LUNA 


CABEZA 



46 


CABEZA 


VENUS NEGRA 



48 


MUJER CON MALLAS NEGRAS 


MUJER EN LILA 



50 


MUJER CON MEDIAS MALVA 


MUJER EN ROJO 



52 


MUJER TEMBLOROSA 


SANDÍA #1 (SANDÍAS) 



DOS P ERSONAJES AT ACADOS 

POR PERROS 

TWO C H ARACT ERS A TTACK ED BY DOG S 

1983 | MIXOGRAFÍA | 151.25 X 240.3 CM 

Dos personajes atacados por perros es una visión 

mexicana y contemporánea de la expulsión de 

Adán y Eva del paraíso, ésta expresa la violencia 

presente en algunos de los últimos cuadros del 

artista; además de tratarse de una mixografía 

monumental lograda cuando él ya tenía 84 

años. Los perros que azuzan a la pareja son de 

los animales más característicos y bellos de la 

iconografía de Tamayo. Es claro que la obra posee 

un aura de pieza maestra de la gráfica creada por 

uno de los artistas más propositivos y renovadores 

del arte impreso de México. También es cierto que 

Dos personajes atacados por perros es la mixografía 

más grande e importante que realizó. 

Fue editada e impresa por el Taller de Gráfica 

Mexicana, en la Ciudad de México. 

Los ejemplares fueron impresos sobre papel 

fabricado artesanalmente. La edición comercial 

consta de: 

75 ejemplares numerados 1/75 al 75/75 

12 pruebas de artista numeradas con caracteres 

romanos: P/A I/XII al P/A XII/XII 

12 pruebas de taller numeradas en caracteres 

arábigos: P/T 1/12 al PT 12/12 

Dos personajes atacados por perros —the largest 

and most important print Tamayo produced 

using the mixografía © technique, when he was 

84— is a contemporary and very Mexican representation 

of Adam and Eve’s banishment from 

the Garden of Eden that echoes the violence 

of some of the artist’s last paintings. The dogs 

chasing the couple are leitmotifs in Tamayo’s 

works. This work has the unmistakable air of 

a masterpiece created by one of Mexico’s most 

proactive and progressive graphic artists. 

Dos personajes atacados por perros was printed 

on handmade paper and published by Taller de 

Gráfica Mexicana, in Mexico City. The commercial 

edition comprises: 

75 copies numbered 1/75 through 75/75 

12 artist’s proofs numbered with Roman 

nu me rals: P/A I/XII through P/A XII/XII 

12 printer’s proofs numbered in Arabic numbers: 

P/T 1/12 through PT 12/12 

All copies were signed and numbered by the 

artist in white crayon. 

Los ejemplares fueron numerados y firmados 

por el artista con crayón blanco.

58 


FAMILIA JUGANDO 

1983 | serigrafía · silk-screen print 


60 


SANDÍA #2 (SANDÍAS) 


TAJADAS DE SANDÍAS 



62 


SANDÍAS 



64 



PERRO 


66 


PERRO DE LUNA 


CHACAL 



68 


LANGOSTA 



70 


EL PERRO MUEVE LA COLA 

1974 | Mixografía

DOS CARAS 

1974 | Mixografía 


72 


CABEZA CON INICIALES 

1975 | Aguafuerte · ETCHING

PERSONAJE EN NEGRO 

1975 | Aguafuerte · ETCHING 


74 



INTERIOR CON SANDÍA 


76 


HOMBRE CON SOMBRERO 


EL GRITO 



78 


PERSONAJE EN GRIS 


MUJER AZUL 



80 


HOMBRE EN NEGRO 

1976 | Mixografía

HOMBRE EN ROSA 



82 


LA CALABAZA 


HOMBRE EN BLANCO 



84 


GALAXIA 



86 


PAISAJE 


RELOJ SIN TIEMPO 



88 


CABEZA EN NEGRO 

1978 | Mixografía

HOMBRE CON BASTÓN 



90 


FRUTERO CON MANZANAS 

1981 | Mixografía

PROTESTA 



92 


PÁJARO LIBERADO 

1986 | Mixografía

DOS HERMANOS 



94 


ADÁN 


EVA 



96 



CAT ÁLOG O 

OBRA G RÁFICA 1925-1990 

CATALOGUE 

PRINTS 1925-1990 

27 DOS NIÑAS MEXICANAS 

TWO MEXICAN GIRLS 

1925 Xilografía · Woodcut 

Área de impresión / Print area: 8.4 x 8.9 cm 

Tamaño de papel / Paper size: 24.1 x 20.2 cm 

33 PAREJA 

COUPLE 

1933 Litografía · Lithograph 


Tamaño de papel / Paper size: 36.4 x 26 cm 

28 HOMBRE Y MUJER 

MAN AND WOMAN 


Área de impresión / Print area: 25 x 25.3 cm 


29 EL CAVADOR 

THE DIGGER 



Tamaño de papel / Paper size: 28 x 20 cm 

34 HOMBRE CONTEMPLANDO LA LUNA 

MAN STARING AT THE MOON 

1947 Aguafuerte y aguatinta 

Etching and aquatint 



35 MUJER CON SANDÍA 

WOMAN WITH WATERMELON 




30 SIRENAS 

MERMAIDS 



Tamaño de papel / Paper size: 25.5 cm 

36 COYOTE 




31 HOMBRE CON MAGUEY 

MAN WITH MAGUEY 

1925 Linóleo · Linocut 

Área de impresión / Print area: 21.1 x 15 cm 


37 DOS MUJERES 

TWO WOMEN 




32 VIRGEN DE GUADALUPE 




38-39 

EL BRINDIS 

THE TOAST 



Tamaño de papel / Paper size: 40 x 54.4 cm

UNA PASIÓN QUE NO SE APAGA 99 

40 DEUX FILS 

[DOS NIÑOS / TWO CHILDREN] 




48 MUJER CON MALLAS NEGRAS 

WOMAN WEARING BLACK TIGHTS 




41 HOMBRE EN EL SOL 

MAN IN THE SUN 




49 MUJER EN LILA 

WOMAN IN LILAC 


Área de impresión / Print area: 69 x 53 cm 


42 PERFIL DE UN HOMBRE 

PROFILE OF A MAN 




50 MUJER CON MEDIAS MALVA 

WOMAN IN MAUVE TIGHTS 




43 CABEZA 

HEAD 



Tamaño de papel / Paper size: 42 x 30.5 cm 

51 MUJER EN ROJO 

WOMAN IN RED 




44 CARA DE LUNA 

MOON FACE 




52 MUJER TEMBLOROSA 

TREMBLING WOMAN 




45 CABEZA 

HEAD 




53 SANDÍA #1 (SANDÍAS) 

WATERMELON #1 (WATERMELONS) 




46 CABEZA 

HEAD 




56-57 

DOS PERSONAJES ATACADOS POR PERROS 

TWO CHARACTERS ATTACKED BY DOGS 

1983 Mixografía 



47 VENUS NEGRA 

BLACK VENUS 




58-59 

FAMILIA JUGANDO 

FAMILY PLAYING 

1983 SERIGRAFA · silk-screen print 

Medida del tríptico / Triptych size: 110 x 225 cm 

Área de impresión y tamaño de papel 

de cada serigrafía: 110 x 75 cm 

Print area and paper size of each print: 110 x 75 cm

100 


60 SANDÍA #2 (SANDÍAS) 

WATERMELON #2 (WATERMELONS) 




71 DOS CARAS 

TWO FACES 




61 TAJADAS DE SANDÍAS 

WATERMELON SLICES 




72 CABEZA CON INICIALES 

HEAD WITH INITIALS 

1975 Aguafuerte · Etching 



62-63 

SANDÍAS 

WATERMELONS 




73 PERSONAJE EN NEGRO 

CHARACTER IN BLACK 




64-65 PERRO 

DOG 




74-75 INTERIOR CON SANDÍA 

INTERIOR WITH WATERMELON 




66 PERRO DE LUNA 

MOON DOG 




76 HOMBRE CON SOMBRERO 

MAN WITH HAT 




67 CHACAL 

JACKAL 




77 EL GRITO 

THE SHOUT 




69 LANGOSTA 

LOBSTER 




78 PERSONAJE EN GRIS 

CHARACTER IN GRAY 




70 EL PERRO MUEVE LA COLA 

THE DOG WAGS ITS TAIL 




79 MUJER AZUL 

BLUE WOMAN 



Tamaño de papel / Paper size: 74.7 x 56.5 cm


80 HOMBRE EN NEGRO 

MAN IN BLACK 




89 HOMBRE CON BASTÓN 

MAN WITH CANE 




81 HOMBRE EN ROSA 

MAN IN PINK 




90 FRUTERO CON MANZANAS 

FRUIT BOWL WITH APPLES 




82 LA CALABAZA 

THE PUMPKIN 




91 PROTESTA 

PROTEST 




83 HOMBRE EN BLANCO 

MAN IN WHITE 




92 PÁJARO LIBERADO 

FREED BIRD 




84-85 

GALAXIA 

GALAXY 




93 DOS HERMANOS 

TWO BROTHERS 




86 PAISAJE 

LANDSCAPE 




94 ADÁN 

ADAM 




87 RELOJ SIN TIEMPO 

TIMELESS CLOCK 




95 EVA 

EVE 




88 CABEZA EN NEGRO 

HEAD IN BLACK 



Tamaño de papel / Paper size: 85 x 64.5 cm

R UFINO TAMAYO 

SEMBLANZA 

A BIOG RAPH ICAL S K E T C H 

ARufino Tamayo lo conocemos ampliamente 

como un pintor de caballete que 

mostró en su pintura algunos de los valores 

espirituales que definen la compleja identidad 

mexicana. A través de una poética de gran originalidad, 

una belleza única basada en la decantación 

de los valores más auténticos de lo nacional puestos al 

día y en diálogo con elementos de las vanguardias artísticas 

internacionales, Tamayo concretó esta visión 

en los epicentros artísticos del mundo, en diversos 

momentos históricos que transcurren en más de siete 

décadas. Como resultado, Tamayo se erigió en la 

figura líder de un grupo de artistas mexicanos que 

—igual a él— realizaron una búsqueda personal y 

solitaria, y que encontraron una inspiración en su 

trabajo. De un temperamento original, inclasificable, 

Tamayo tuvo el arrojo de hacer resaltar individualmente 

su presencia en los escenarios culturales 

de Nueva York y París y luego, de México, donde 

conquistó espacios ajenos a la promoción del Estado. 

Además de una extensa producción de pintura 

de caballete, Tamayo realizó 22 pinturas murales 

que dieron una nueva dirección a ese capítulo de 

la pintura mexicana que interesó a todo el mundo. 

La creación de un vitral monumental con una novedosa 

técnica, se asocia también a su trabajo mural, al 

que habíamos de aunar su amplia producción gráfica, 

Rufino Tamayo is an internationally acclaimed 

artist whose paintings reflect some of the spiritual 

values underpinning the complex Mexican 

identity, values he brought into the modern era 

with works of great originality and beauty that 

incorporate elements of the avant-garde artistic 

movements of his day. An artist whose work 

defies classification, Tamayo was a figure on the 

international art scene for more than 70 years, 

during which time he was party to numerous historic 

events. His work first came to the attention 

of cultural circles in New York, Paris and later, his 

native Mexico, where he forged a reputation for 

himself on the sidelines of the official state agenda, 

emerging as the leader of a group of Mexican 

artists who, like himself, had set out on a personal, 

solitary quest and who found inspiration in 

his work 

In addition to an extensive collection of easel 

paintings, Tamayo painted 22 murals that changed 

the course of a whole chapter in Mexican art 

which garnered international interest. Associated 

with his murals is the monumental stained-glass 

window he created using an innovative technique, 

not forgetting his many aesthetic and technical 

contributions to the graphic arts in Mexico 

and abroad. His work as an illustrator is perhaps

104 

TAMAYO ³ OBRA GRÁFICA 1925-1991 

en la que hizo aportaciones estéticas y técnicas de 

gran importancia en el campo del arte impreso, no 

sólo mexicano sino también al internacional. Acaso 

su producción como ilustrador sea la más discreta y 

modesta, sin embargo, en ese terreno a veces efímero, 

también se destacó con obras de considerable belleza 

y novedad, otorgándole imagen a la palabra escrita. 

Las obras de Tamayo tienen un sentido que constantemente 

se renueva, debido a que sus temas universales, 

inscritos en ámbitos atemporales, provocan en 

los públicos más diversos, tanto motivaciones estéticas 

como meditaciones en torno a los tópicos más 

profundos en el ánimo de cada espectador. 

Luego de lograr la aclamación internacional de su 

poética, el artista desarrolló intereses de orden filantrópico: 

además de la donación del Museo de Arte 

Prehispánico a su ciudad natal, Oaxaca, y al Museo 

Tamayo de Arte Contemporáneo en la Ciudad de 

México, donó dos asilos para ancianos, uno en Oaxaca 

de Juárez y otro en Cuernavaca, Morelos. 

En síntesis, la mirada de Tamayo fue intensamente 

personal, de austera profundidad pero expresada 

con los colores vivaces y contrastantes de la artesanía 

mexicana, con la que construyó una nueva visión de 

México que cada vez está más vigente. 

less well known, yet he also shone in this oftentimes 

ephemeral field, bringing the written word to 

life with his own brand of visual poetry. 

Tamayo’s works never grow old; their universal 

themes and timelessness continue to fascinate 

spectators from all walks of life, aesthetically and 

philosophically. 

After achieving international renown, the 

artist pursued philanthropic interests. Not only 

did he donate the Rufino Tamayo Museum of 

Pre-Hispanic Art to the city of Oaxaca, where 

he was born, and bestowed many works to the 

Tamayo Contemporary Art Museum in Mexico 

City, but he had two facilities for senior citizens 

built, one in Oaxaca de Juárez and the other in 

Cuernavaca, Morelos. 

Tamayo’s vision was a profoundly personal 

one. Although characterized by an austere depth, 

it found expression in the bright, contrasting colors 

of Mexico’s traditional handicrafts, which he 

masterfully blended to create a new perspective 

of Mexico that continues to gain relevance with 

time.

R UFINO TAMAYO 

CRONOLOG ÍA 

C H RONOLOG Y 

1899. Rufino del Carmen Arellanes Tamayo nace el 26 de 

agosto, en el barrio del Carmen Alto de la ciudad de 

Oaxaca, Oaxaca. Su infancia quedará marcada por la 

ausencia de su padre, Manuel Arellanes. 

1907. Muere su madre, Florentina Tamayo. Rufino queda al 

cuidado de su tía Amalia. 

1899. Rufino del Carmen Arellanes Tamayo is born on 

August 26, in the Carmen Alto district of the city of 

Oaxaca. His childhood would be marked by the absence 

of his father, Manuel Arellanes. 

1907. His mother, Florentina Tamayo, dies, and Rufino is 

taken in by his aunt Amalia. 

1910-1911. Rufino arriba a la Ciudad de México con su tía Amalia, 1910-1911. Tamayo moves to Mexico City with his aunt Amalia, 

que establece un comercio de frutas en el mercado de La 

who makes a living selling fruit at the city’s central market, 

Merced. 

La Merced. 

1917. Ingresa a la Escuela Nacional de Bellas Artes en la 

capital del país. Se matricula con el nombre de Rufino 

A. Tamayo. 

1921. Recibe el nombramiento de Jefe de Departamento del 

Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de Arqueología 

en la Ciudad de México. Abandona la Escuela Nacional 

de Bellas Artes, insatisfecho con la educación academicista 

que ahí se impartía. 

1926. Presenta su primera exposición individual, para cuyo 

catálogo, el poeta Xavier Villaurrutia escribe un texto 

introductorio. Viaja por primera vez a Nueva York, 

donde exhibe individualmente en la Weyhe Gallery. 

1927. Expone 52 obras (acuarelas, óleos, dibujos y grabados en 

madera) en The Art Center de Nueva York. 

1928. Regresa a la Ciudad de México e imparte cursos de 

pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes. 

1917. He enrolls at the School of Fine Arts in Mexico City, as 

Rufino A. Tamayo. 

1921. He is appointed head of the Department of Ethnographic 

Drawings at the National Museum of Archaeology 

in Mexico City. He also drops out of the School of Fine 

Arts, disappointed with its academically oriented curriculum. 

1926. Tamayo has his first one-man show, whose catalogue 

features a foreword by the poet Xavier Villaurrutia. He 

travels to New York for the first time and exhibits individually 

at the Weyhe Gallery. 

1927. The Art Center of New York exhibits 52 of his watercolor 

and oil paintings, drawings and woodcuts. 

1928. Tamayo returns to Mexico City and gives painting classes 

at the School of Fine Arts.

106 


1929. Presenta en la Galería de Arte Moderno del Palacio de 

Bellas Artes de la Ciudad de México una exposición 

integrada fundamentalmente por naturalezas muertas y 

retratos. 

1932. Es nombrado Jefe del Departamento de Artes Plásticas 

de la Secretaría de Educación Pública, puesto que ocupa 

durante un breve periodo. 

1933. Realiza su primer mural al fresco en el cubo de la 

escalera de la Escuela Nacional de Música en la Ciudad 

de México, con el título de La música y el canto. En ese 

lugar conoce a la estudiante de piano Olga Flores Rivas. 

1934. Contrae matrimonio con Olga Flores Rivas. La pareja 

viaja a Nueva York, donde habrá de radicar a lo largo de 

los siguientes quince años. 

1935. Expone individualmente en la Paul Elder Gallery de 

San Francisco, California, y participa en la exposición 

inaugural de la Galería de Arte Mexicano. Durante 

los años de su estancia en Nueva York, el matrimonio 

Tamayo pasa los veranos en México. 

1937. Presenta exposiciones individuales en la Julien Levy 

Gallery de Nueva York y en la Howard Putzel Gallery 

de San Francisco, California. 

1938. Pinta su segundo mural al fresco, Revolución, en el 

Museo Nacional de Arqueología, Historia y Etnografía 

de la Ciudad de México (hoy Museo de las Culturas). 

Comienza a impartir clases de pintura en The Dalton 

School de Nueva York. Expone en la Catherine Kuh 

Gallery de Chicago. 

1939. Presenta veinte óleos en una muestra individual en la 

Valentine Gallery de Nueva York. 

1940. Expone nuevamente en la Valentine Gallery de Nueva 

York (óleos y gouaches). La acogida de la crítica es 

entusiasta. Participa en la muestra “20 Siglos de Arte 

Mexicano” en el Museum of Modern Art de Nueva 

York. 

1929. The Modern Art Gallery at the Palace of Fine Arts in 

Mexico City organizes an exhibition of Tamayo’s work, 

comprised mainly of still life paintings and portraits. 

1932. Tamayo is appointed head of the Department of Visual 

Arts by the Ministry of Public Education but holds the 

position for only a short time. 

1933. Tamayo paints his first fresco mural, El canto y la música 

(Song and Music), in the stairwell of the National School 

of Music in Mexico City. It is here that he meets piano 

student Olga Flores Rivas. 

1934. Tamayo and Olga marry and travel to New York, where 

they live for the next 15 years. 

1935. He holds a solo show at the Paul Elder Gallery in San 

Francisco, California, and participates in an exhibition 

to celebrate the opening of the Mexican Art Gallery in 

Mexico City. During their years in New York, the Tamayos 

spend their summers in Mexico. 

1937. Tamayo gives one-man exhibits at the Julien Levy Gallery 

in New York and the Howard Putzel Gallery in San 

Francisco, California. 

1938. He paints his second fresco mural, Revolución (Revolution), 

at the National Archaeology, History and Ethnographic 

Museum in Mexico City (today the Museum of 

Cultures). He starts giving painting classes at the Dalton 

School in New York and exhibits at the Catherine Kuh 

Gallery in Chicago. 

1939. The Valentine Gallery in New York organizes an exhibition 

of 20 of the artist’s oil paintings. 

1940. The Valentine Gallery stages another exhibition of his 

oil paintings and gouaches, which meets with enormous 

critical acclaim. Tamayo participates in the “Twenty 

Centuries of Mexican Art” exhibition at New York’s 

Museum of Modern Art.


1942. Pierre Matisse Gallery de Nueva York lo incluye en la 

exposición colectiva Figure Pieces in Modern Painting, 

junto con Balthus, Chagall, Matisse, Miró, Picasso y 

otros pintores de renombre. Expone de nueva cuenta en 

la Valentine Gallery, doce pinturas y una escultura en 

bronce. 

1943. Pinta el mural al fresco La naturaleza y el artista. La 

obra de arte y el espectador, en la Hillyer Art Library del 

Smith College de Northampton, Massachussets. El Art 

Institute of Chicago adquiere su cuadro Mujer con jaula 

de pájaro (1941). El Museum of Modern Art de Nueva 

York adquiere Animales (1941). 

1945. Presenta una exposición individual en The Arts Club de 

Chicago, en la que incluye 31 óleos y gouaches realizados 

entre 1929 y 1944. 

1946. Expone individualmente en la Valentine Gallery de 

Nueva York y dirige un taller de pintura en la Brooklyn 

Museum Art School de la misma ciudad americana. 

1947. Por primera vez expone obras relacionadas con las 

constelaciones y la era espacial, en la Valentine Gallery 

de Nueva York. Polemiza en la prensa mexicana con el 

pintor mexicano David Alfaro Siqueiros. Aparece la 

primera monografía sobre el artista y su obra, Rufino 

Tamayo, de Robert Goldwater. 

1948. Se realiza un homenaje por sus veinte años de labor 

artística en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de 

México, con la exposición de 82 obras realizadas entre 

1928 y 1948. La Universidad Nacional Autónoma de 

México publica el estudio monográfico de Justino 

Fernández, Rufino Tamayo. 

1949. Viaja por primera vez a Europa y reside en París, Francia. 

Se publica en México el ensayo de Paul Westheim 

“Una investigación estética”. 

1950. Junto con los pintores José Clemente Orozco, Diego 

Rivera y David Alfaro Siqueiros, Tamayo representa a 

México en la xxv Bienal de Venecia. Expone individualmente 

en la Galerie Beaux-Arts de París. El catálogo 

incluye textos de Jean Cassou y André Breton. El 

Museo de Arte Moderno de París adquiere su Hombre 

con guitarra (1950). 

1942. The Pierre Matisse Gallery in New York invites him to 

take part in the collective show “Figure Pieces in Modern 

Painting”, along with Balthus, Chagall, Matisse, Miró, 

Picasso and other acclaimed artists. The Valentine Gallery 

exhibits 12 of his paintings and a bronze sculpture. 

1943. Tamayo paints the fresco mural La naturaleza y el artista. 

La obra de arte y el espectador (Nature and the Artist. 

The Work of Art and the Spectator) at the Hillyer Art 

Library at Smith College, in Northampton, Massachusetts. 

The Art Institute of Chicago purchases his painting 

Mujer con jaula de pájaro (Woman with Birdcage, 1941). 

New York’s Museum of Modern Art acquires Animales 

(Animals, 1941). 

1945. The Arts Club of Chicago shows 31 oil paintings and 

gouaches produced between 1929 and 1944. 

1946. Tamayo has a solo exhibition at the Valentine Gallery in 

New York and gives a painting workshop at the Brooklyn 

Museum Art School. 

1947. The Valentine Gallery organizes another exhibition of 

Tamayo’s paintings, this time featuring constellations 

and space age motifs, which are to be recurring themes in 

the artist’s work. The Mexican press reports on ideological 

clashes between Tamayo and another Mexican painter, 

David Alfaro Siqueiros. Robert Goldwater publishes 

Rufino Tamayo, the first study on the artist and his work. 

1948. The Palace of Fine Arts in Mexico City celebrates 20 

years of Tamayo’s work as an artist with an exhibition of 

82 of his works dating between 1928 and 1948. Mexico’s 

National University publishes Rufino Tamayo, a study on 

the artist by Justino Fernández. 

1949. Tamayo travels to Europe for the first time and takes up 

residence in Paris. Back in Mexico, the critic Paul Westheim 

publishes his essay Rufino Tamayo. An Aesthetic 

Study. 

1950. Tamayo represents Mexico at the 25th Venice Biennale, 

along with José Clemente Orozco, Diego Rivera and 

David Alfaro Siqueiros. He puts on a solo exhibition at 

the Beaux-Arts Gallery in Paris; the exhibition catalogue 

includes forewords by Jean Cassou and André Breton. 

The Modern Art Museum of Paris acquires Hombre con 

guitarra (Man with Guitar, 1950).

108 


1951. Octavio Paz publica el ensayo “Tamayo en la pintura 

mexicana”. El artista regresa a México y expone en el 

Salón de la Plástica Mexicana de la capital del país. 

El Instituto de Arte Moderno de Buenos Aires, 

Argentina, presenta una exposición con 26 obras suyas. 

El Instituto Nacional de Bellas Artes de México adquiere 

su cuadro Las músicas dormidas (1950). 

1952. Realiza el mural transportable Homenaje a la raza 

india (vinelita sobre masonite) para la exposición Art 

mexicain du précolombien a nos jours, presentada sucesivamente 

en el Musée d’Art Moderne de París, 

la Lilijevashe Kunst-Hall de Estocolmo, Suecia, y la 

Tate Gallery de Londres, Inglaterra. Realiza el mural 

Nacimiento de nuestra nacionalidad (vinelita sobre lino) 

para el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. 

1953. Termina su segundo mural para el Palacio de Bellas 

Artes, México de hoy. Realiza el mural transportable 

El hombre (vinelita sobre tela) para el Dallas Museum 

of Fine Arts, de Dallas, Texas. Obtiene el Gran Premio 

Internacional de Pintura (junto con Alfred Manessier) 

en la II Bienal de Sao Paulo, Brasil. 

1954. Se le dedica una exposición homenaje en el Salón de 

la Plástica Mexicana. Octavio Paz escribe el texto de 

presentación del catálogo. El San Francisco Museum of 

Art acoge la muestra Recent paintings by Tamayo. 

El artista realiza los murales en vinelita sobre masonite: 

La noche y el día y Naturaleza Muerta para el 

restaurante Sanborn’s de la Ciudad de México. 

1955. Presenta una exposición individual en el Art Museum 

de Santa Bárbara, California. Realiza el mural América 

para el Bank of the Southwest de Houston, Texas. 

Obtiene el 2° Premio en la exhibición Internacional de 

Arte Contemporáneo de Pittsburgh, Pensilvania. 

1956. Expone en la Galería Proteo y la Galería Souza de la 

Ciudad de México, y en el Knoedler Gallery de Nueva 

York. El crítico Paul Westheim publica su ensayo 

“El arte de Tamayo. Una investigación estética”. 

1957. Recibe el nombramiento de Caballero de la Legión de 

Honor del gobierno francés. Realiza el mural Prometeo 

(óleo sobre tela) para la Universidad de Puerto Rico, 

Recinto Río Piedras, Puerto Rico. Reside en París. 

1951. Octavio Paz publishes his essay Tamayo in Mexican 

Painting. The artist returns to Mexico and has a show at the 

Mexican Plastic Arts Gallery in Mexico City. The Buenos 

Aires Institute of Modern Art organizes an exhibition of 

26 of his works. The Fine Arts Institute of Mexico purchases 

Las músicas dormidas (The Sleeping Musicians, 1950). 

1952. Tamayo paints the portable mural Homenaje a la raza 

india (Homage to the Indian Race, Vinylite on masonite) 

for the exhibition “Mexican Art from Pre-Colombian to 

Modern Times”, which is shown successively at the Modern 

Art Museum of Paris, the Lilijevashe Kunst-Hall 

in Stockholm, Sweden, and the Tate Gallery in London. 

That same year, he paints the mural Nacimiento de nuestra 

nacionalidad (Birth of Our Nationality, Vinylite on 

linen) for the Palace of Fine Arts in Mexico City. 

1953. Tamayo finishes his second mural for the Palace of Fine 

Arts, México de hoy (Today’s Mexico) and the portable 

mural El hombre (The Man, Vinylite on canvas) for the 

Dallas Museum of Fine Arts. He and Alfred Manessier 

are jointly presented with the International Prize for 

Painting at the Second Sao Paulo Biennale. 

1954. The Mexican Visual Arts Gallery pays tribute to the 

artist with an exhibition of his works; Octavio Paz writes 

the introduction to the catalogue. The San Francisco 

Museum of Art shows “Recent Paintings by Tamayo”. 

The artist paints the murals La noche y el día (Night and 

Day, Vinylite on masonite) and Naturaleza muerta (Still 

Life, Vinylite on masonite) for Sanborn’s restaurant in 

Mexico City. 

1955. Tamayo gives a solo exhibition at the Santa Barbara Museum 

of Art, in California. That same year, he paints the 

mural América (America) for the Bank of the Southwest, 

in Houston, Texas and wins second prize at the International 

Exhibition of Contemporary Art in Pittsburgh, 

Pennsylvania. 

1956. He exhibits at the Proteo and Souza galleries in Mexico 

City and the Knoedler Gallery in New York. The critic 

Paul Westheim publishes his essay “Tamayo’s Art” in 

Artes de México. 

1957. The French government decorates him a Knight of the 

Legion of Honor. He paints the mural Prometeo (Prome-


1958. Expone en la Galerie de France de París. Realiza el mural 

Prometeo dando el fuego a los hombres (vinelita sobre 

cemento y yeso) para el nuevo edificio de la UNESCO 

en esa ciudad. Presenta una exposición individual en 

la Galleria II Millione de Milán, Italia, que viajará a la 

Casa de los Artistas de Oslo, Noruega. 

1959. La Universidad Nacional Autónoma de México publica 

la monografía de Octavio Paz Tamayo en la pintura 

mexicana. El artista participa en el Salón de Mayo del 

Musée de’Art Moderne de la Ville de París. Expone 

24 cuadros recientes en la Knoedler Gallery de Nueva 

York. Regresa a México. 

1960. Obtiene el Premio Internacional de Pintura en la 

Segunda Bienal Internacional de México. Recibe el 

Premio de la Guggenheim International Foundation. 

Expone individualmente en la Galerie de France de 

París. 

1961. Recibe el Nombramiento de Miembro del Institute 

and Academy of Arts and Letters de Estados Unidos. 

Expone individualmente en la Gallery One de Londres. 

1962. Presenta exposiciones individuales en la Galería Misrachi 

de la Ciudad de México, en la Knoedler Gallery de 

Nueva York, en la Hanover Gallery de Londres y en el 

Museo Nacional Bezalel de Jerusalem, Israel. Participa 

en la muestra Chefs d’ oeuvre de l’ art mexicain, des temps 

pré-colmbiens a nos jours, en el Palais des Beaux Arts de 

París. 

1963. Pinta los murales Israel de ayer e Israel de hoy (vinelita 

sobre tela) para el trasatlántico Shalom, y presenta una 

exposición individual en el Shirogane Geihinkan May 

de Tokio, Japón, con 71 obras realizadas entre 1947 y 

1963. 

1964. Realiza el mural Dualidad (vinelita sobre tela) para el 

nuevo Museo Nacional de Antropología de la Ciudad 

de México, y presenta una muestra retrospectiva con 71 

óleos realizados entre 1929 y 1964 en el nuevo Museo 

de Arte Moderno de la Ciudad de México. Recibe el 

Premio Nacional de Artes de México. 

theus, oil on canvas) for the University of Puerto Rico, 

Recinto Río Piedras, Puerto Rico, and takes up residence 

in Paris once again. 

1958. He shows at the Galerie de France and paints the mural 

Prometeo dando el fuego a los hombres (Prometheus Giving 

Fire to Men, Vinylite on cement and plaster) for the new 

UNESCO building in Paris. His solo exhibition at the 

Milione Gallery in Milan, Italy, travels on to the Artists’ 

House in Oslo, Norway. 

1959. The National University of Mexico publishes Octavio 

Paz’s essay on Tamayo in Mexican Painting. The artist 

participates in the “Salon de Mai” exhibition at the Paris 

Modern Art Museum and shows 24 recent paintings at 

the Knoedler Gallery in New York before returning to 

Mexico. 

1960. Tamayo is awarded the International Prize for Painting 

at Mexico’s Second International Biennale and the 

Guggenheim International Foundation Prize. He has an 

individual show at the Galerie de France in Paris. 

1961. Tamayo is named a member of the American Academy 

and Institute of Arts and Letters and gives a solo show at 

Gallery One in London. 

1962. He has one-man exhibitions at the Misrachi Gallery in 

Mexico City, the Knoedler Gallery in New York, the Hanover 

Gallery in London and the Bezalel National Museum 

in Jerusalem, Israel, and takes part in the exhibition 

“Masterpieces of Mexican Art from Pre-Colombian to 

Modern Times” at the Fine Arts Palace in Paris. 

1963. He paints the murals Israel de ayer and Israel de hoy (Israel 

of Yesterday and Israel of Today, Vinylite on canvas) for 

the Shalom transatlantic liner and has an individual exhibition 

at the Shirogane Geihinkan Hall in Tokyo, Japan, 

featuring 71 works produced between 1947 and 1963. 

1964. He paints the mural Dualidad (Duality, Vinylite on 

canvas) for the new National Museum of Anthropology 

in Mexico City. A retrospective of 71 oil paintings from 

between 1929 and 1964 is held at the new Modern Art 

Museum in Mexico City. The Mexican government 

awards him the National Arts Prize.

110 


1965. Participa como miembro del jurado del Salón de Pintura 

Joven, convocado en México por la Organización 

de Estados Americanos, la compañía petrolera esso 

y el Instituto Nacional de Bellas Artes, en el que se 

premia por primera vez una obra de arte abstracto en el 

país. Presenta una exposición individual en la Galería 

Semiha-Huber de Zúrich, Suiza. 

1966. Expone individualmente en la Galería Misrachi de la 

Ciudad de México. Realiza el mural Tragacañas para las 

oficinas del industrial azucarero Roberto García Mora. 

1967. Realiza el mural El mexicano y su mundo (óleo y acrílico 

sobre lino) para el vestíbulo del Pabellón de México en 

la Exposición Mundial de Montreal, Canadá. Recibe el 

nombramiento de miembro de la Academia de Diseño 

de Florencia, Italia. Se presenta la exposición homenaje 

Rufino Tamayo. 50 años de labor artística, en el Palacio 

de Bellas Artes de la Ciudad de México. 

1968. Pinta el mural Fraternidad (óleo y acrílico sobre lino) 

para el Pabellón de México en la Feria Internacional 

Hamisfair 68 de San Antonio, Texas. Presenta una 

exposición individual con 124 obras (pintura, dibujo 

y gráfica) en The Phoenix Art Museum de Arizona. 

Participa como invitado especial en la xxxiv Bienal de 

Venecia, Italia, ocupando la Sala de Honor, que antes se 

ha dedicado a Matisse, Braque, Ernst, Miró y Mondrian. 

1969. Realiza el mural Energía (acrílico sobre tela) para el 

Club de Industriales de la Ciudad de México. Recibe el 

Premio Internacional de Pintura “Ibbico Reggino” de 

Regio Calabria, Italia. 

1970. El gobierno de Francia le concede la condecoración de 

Oficial de la Legión de Honor. Participa en exposiciones 

en las Perls Galleries de Nueva York, en la Galería 

Nacional de Arte de El Salvador y en el Museo de Bellas 

Artes de Chile. 

1971. Recibe el nombramiento de Comendador de la Orden 

del Mérito de la República Italiana. Realiza el mural El 

hombre frente al infinito (acrílico sobre tela) para el hotel 

Camino Real de la Ciudad de México. El matrimonio 

Tamayo, a través del gobierno mexicano, dona al edificio 

sede de la onu, en Nueva York, el mural Fraternidad, 

realizado en 1968. 

1965. Tamayo is invited to sit on the jury of the Young Painters 

Competition sponsored by the Organization of American 

States, the esso oil company and the Mexican National 

Fine Arts Institute, marking the first time a work of 

abstract art is awarded in Mexico. He has a solo show at 

the Semiha-Huber Gallery in Zurich, Switzerland. 

1966. He has an individual exhibit at the Misrachi Gallery in 

Mexico City and paints the mural Tragacañas (Sugarcane 

Swallower) for the offices of the sugar industrialist 

Roberto García Mora. 

1967. He paints the mural El mexicano y su mundo (The 

Mexican and His World, oil and acrylic on linen) for the 

lobby of the Mexico Pavilion at the World’s Fair (Expo 

67) in Montreal, Canada, and is named a member of the 

Florence Academy of Design, in Italy. The Palace of Fine 

Arts in Mexico City organizes the exhibition “Rufino 

Tamayo. 50 Years of Artistic Endeavor”, in his honor. 

1968. He paints the mural Fraternidad (Brotherhood, oil and 

acrylic on linen) for the Mexico Pavilion at the World’s 

Fair (HemisFair 68) in San Antonio, Texas. The Phoenix 

Art Museum, in Arizona, stages an exhibition of 124 

of his paintings, drawings and graphic works. Tamayo 

is invited as a special guest at the 34th Venice Biennale, 

and his works are shown in the Hall of Honor, formerly 

dedicated to the likes of Matisse, Braque, Ernst, Miró 

and Mondrian. 

1969. He paints the mural Energía (Energy, acrylic on canvas) 

for the Mexico City Industrialists Club and is awarded 

the Ibbico Reggino International Prize for Painting in 

Regio Calabria, Italy. 

1970. The French government decorates him an Officer of the 

Legion of Honor, and he participates in exhibitions at the 

Perls Galleries in New York, the National Art Gallery of 

El Salvador and the Fine Arts Museum of Chile. 

1971. Tamayo is decorated a Commander of the Order of Merit 

of the Italian Republic and paints the mural El hombre 

frente al infinito (Man Facing Infinity, acrylic on canvas) 

for the Camino Real hotel in Mexico City. Through the 

Mexican government, the Tamayos donate the mural 

Fraternidad (Brotherhood, 1968) to the UN headquarters 

building in New York.


1972. Viaja a China como invitado especial del gobierno de 

ese país. Recibe un homenaje como “Hijo predilecto” de 

Oaxaca, su estado natal. 

1973. La Secretaría de Educación Pública de México, a través 

del Instituto Nacional de Bellas Artes, adquiere 33 obras 

pictóricas de Tamayo, representativas de sus diferentes 

épocas. Él presenta una exposición individual en las 

Perls Galleries de Nueva York. 

1974. Se inaugura en la ciudad de Oaxaca el Museo de Arte 

Prehispánico Rufino Tamayo, que alberga 1,300 piezas 

coleccionadas por el pintor. Expone individualmente 

30 óleos en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de 

México. En el Musée d’Art Moderne de la Ville de París, 

presenta una exposición que incluye 99 obras realizadas 

entre 1960 y 1974. Realiza seis litografías para el libro 

del premio Nobel guatemalteco Miguel Ángel Asturias, 

Tamayo, publicado por Edizioni d’Arte a.k.a., Roma, 

Italia. 

1975. El libro monográfico de Emily Genauer, Rufino 

Tamayo, publicado en 1974, gana el Premio Pulitzer. 

La exposición que presentara el año anterior en París, 

viaja al Palazzo Strozzi de Florencia, ciudad en la que se 

le conceden al artista el “Florín de Oro”, en el Palacio 

de la Signoria, y la “Placa de Plata”, en el Palacio de los 

Medicis. 

1976. Exhibe 28 pinturas en el Museo de Arte Moderno de la 

Ciudad de México, y 103 obras, realizadas entre 1949 y 

1976 (óleos y obra gráfica), en The National Museum of 

Modern Art de Tokio, Japón. 

1977. Presenta una muestra retrospectiva de pintura y gráfica, 

consistente en 101 obras para la inauguración del Museo 

de Bellas Artes de Caracas, Venezuela. Realiza el mural 

Eclipse total (vinílica sobre tela) para el Grupo Industrial 

Alfa, en la Ciudad de México. La xiv Bienal de Sao 

Paulo, Brasil, le rinde un homenaje continental como 

decano del arte latinoamericano, con la exposición de 

125 óleos, 60 obras gráficas y dos murales. 

1978. Presenta exposiciones individuales en The Phillips 

Collection de Washington dc, y en la Southwestr II 

Gallery de Dallas, Texas. 

1972. Tamayo travels to China as a special guest of the Chinese 

government, and his native state of Oaxaca names him a 

“Favorite Son”. 

1973. Mexico’s Ministry of Public Education, via the National 

Fine Arts Institute, buys 33 paintings representing 

different periods in Tamayo’s work. The artist has a solo 

exhibition at the Perls Galleries in New York. 

1974. The Rufino Tamayo Museum of Pre-Hispanic Art is officially 

opened in the city of Oaxaca, boasting a collection 

of 1,300 pieces donated by the artist. The Museum of 

Modern Art in Mexico City shows 30 of his oil paintings 

and its Paris counterpart exhibits 99 of his works produced 

between 1960 and 1974. Tamayo publishes Los signos 

existen, a folder containing six lithographs published by 

Edizioni d’Arte a.k.a., Rome, Italy, with a preface by Nobel 

Prize winner Miguel Ángel Asturias of Guatemala. 

1975. Emily Genauer wins the Pulitzer Prize for Rufino Tamayo, 

published in 1974. The Tamayo exhibition shown 

the previous year in Paris travels to Florence’s Palazzo 

Strozzi. In Florence, the artist is presented with the Gold 

Florin and a Silver Plaque. 

1976. Mexico City’s Modern Art Museum shows 28 of his 

paintings, and the National Museum of Modern Art 

in Tokyo, Japan, presents an exhibition of 103 of his oil 

paintings and prints from 1949-1976. 

1977. A Tamayo retrospective featuring 101 of the artist’s 

paintings and prints opens the new Fine Arts Museum 

in Caracas, Venezuela. He paints the mural Eclipse total 

(Total Eclipse, vinyl on canvas) for Grupo Industrial Alfa, 

in Mexico City. The 14th Sao Paulo Biennale pays tribute 

to Tamayo as a doyen of Latin American art, with an exhibition 

of 125 of his oil paintings, 60 prints and two murals. 

1978. Tamayo has individual exhibitions at The Phillips Collection 

in Washington dc and the Southwest II Gallery 

in Dallas, Texas. 

1979. To celebrate his 80th birthday, New York’s Solomon R. 

Guggenheim Museum organizes a retrospective featuring 

114 of the artist’s oil paintings from between 1928 and 

1979 and three murals. The National University of Mexico 

awards him an Honoris Causa doctoral degree.

112 


1979. En la celebración de sus 80 años de vida, The Solomon 

R. Guggenheim Museum de Nueva York lleva a cabo 

una gran exposición retrospectiva, consistente en 114 

óleos realizados entre 1928 y 1979, y tres murales. 

La Universidad Nacional Autónoma de México 

(unam) le otorga el doctorado Honoris Causa. 

1980. Realiza sus primeras esculturas monumentales, Homenaje 

al sol, para la ciudad de Monterrey, Nuevo León, 

y Germen, para el Centro Cultural Universitario de la 

unam, en la Ciudad de México. Recibe el Premio Interamericano 

Theodore Brent en la International House 

de Nueva Orleáns y exhibe en la Harcourts Gallery de 

San Francisco, California. 

1981. Se inaugura el Museo Tamayo de Arte Contemporáneo 

en el Bosque de Chapultepec, en la Ciudad de México, 

para el cual el artista dona su colección de más de 300 

obras (pintura, dibujo, gráfica, escultura y tapiz) de 

168 artistas internacionales, además de un importante 

conjunto de su propia obra. Acepta el nombramiento de 

director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad 

Autónoma “Benito Juárez” de Oaxaca. Presenta una 

exposición en la Marlborough Gallery de Nueva York. 

1982. La Tate Gallery de Londres adquiere su cuadro Hombre 

y mujer. Exhibe en las Bernard Lewin Galleries de 

Bervely Hills, California. Realiza el mural en vidrio 

El Universo, que se exhibe en el Museo Tamayo de Arte 

Contemporáneo de la Ciudad de México. 

1983. Presenta una exposición individual de mixografía en el 

Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino 

Tamayo. La muestra Rufino Tamayo. Graphik 1962-1982 

se exhibe en al Graphische Sammlung Albertina de 

Viena, Austria. Recibe el premio Albert Einstein del 

Instituto Tecnion del Estado de Israel, y el doctorado 

Honoris Causa de la Universidad de San Francisco, 

California. 

1984. Recibe el nombramiento de Académico Correspondiente 

Extranjero de la Academia de San Lucas de Roma. 

La Marlborough Gallery de Nueva York organiza una 

exposición de 21 óleos del artista en Tokio. 

1980. Tamayo produces his first monumental sculptures, Homenaje 

al sol (Homage to the Sun) for Monterrey, Nuevo 

León, and Germen (Seed) for the National University’s 

University Cultural Center, in Mexico City. He is presented 

with the Theodore Brent Inter-American Award, 

at the International House, in New Orleans, Louisiana 

and exhibits at the Harcourts Gallery in San Francisco, 

California. 

1981. The Tamayo Contemporary Art Museum opens in Mexico 

City’s Chapultepec Park; the artist donates his collection 

of over 300 paintings, drawings, prints, sculptures 

and tapestries by 168 international artists to the museum, 

along with many of his own works. Tamayo accepts the 

position of director of the Fine Arts School at the Benito 

Juárez University of Oaxaca. His work is shown at the 

Marlborough Gallery in New York. 

1982. London’s Tate Gallery acquires his painting Hombre 

y mujer (Man and Woman). He shows at the Bernard 

Lewin Galleries in Beverly Hills, California, and paints 

the stained-glass mural El Universo (The Universe), which 

is exhibited at the Tamayo Contemporary Art Museum 

in Mexico City. 

1983. An exhibition of the artist’s mixografía prints is shown at 

the Tamayo Contemporary Art Museum in Mexico City, 

and Vienna’s Albertina Museum shows “Rufino Tamayo. 

Graphic works 1962-1982”, in its Graphics Collection. 

The artist is awarded the Albert Einstein Prize by the 

Israel Technology Institute (Technion) and an Honoris 

Causa doctoral degree by the University of San Francisco, 

in California. 

1984. Tamayo is named a Foreign Academic by Rome’s Accademia 

di San Luca. The Marlborough Gallery in New York 

stages an exhibition of 21 of the artist’s oil paintings, in 

Tokyo. 

1985. Tamayo is appointed a member of the Royal Academy 

of London. King Juan Carlos of Spain grants him the 

Gold Medal for Merit in the Fine Arts. The San Antonio 

Museum of Modern Art dedicates a retrospective to the 

artist.


1985. Recibe el nombramiento de miembro de La Royal Academy 

de Londres. El rey Juan Carlos de España le otorga 

la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes. El Museo 

de Arte Moderno de San Antonio, Texas, le dedica una 

exposición retrospectiva. 

1986. El Museo de Monterrey presenta una exposición retrospectiva 

que reúne 110 óleos y 90 obras gráficas. Participa 

como invitado especial en la vi Bienal de Grabado 

Latinoamericano y del Caribe de Puerto Rico. 

1987. En la inauguración del Modern Museum of Art de 

Woodland Hills, California, se presenta una exposición 

retrospectiva de 61 obras de Tamayo. Con motivo 

de la celebración de sus 70 años de labor creadora, 

se inaugura la máxima retrospectiva de su obra en el 

Palacio de Bellas Artes y en el Museo Tamayo de Arte 

Contemporáneo, que conjunta más de 600 obras. 

1988. El Museo Nacional, Centro de Arte Reina Sofía de 

Madrid, España presenta la exposición Rufino Tamayo. 

Pintura. Se instala su vitral El Universo en el Centro 

Cultural Alfa de la ciudad de Monterrey, Nuevo León. 

El gobierno de la República Mexicana le otorga la medalla 

Belisario Domínguez. 

1989. El gobierno de Italia le confiere la Medalla Conmendatore. 

El artista presenta la exposición Rufino Tamayo: 

pintura y gráfica en la Sala Principal de la Unión de 

Artistas Plásticos de Moscú. La muestra viaja al Museo 

Edward Munich de Oslo, Noruega, al Museo del Ermitage 

en Leningrado (hoy San Petersburgo), Rusia, y a la 

Staatliche Kunsthalle de Berlín, Alemania. 

1990. Después de ser restaurado, se vuelve a exhibir al público 

el primer mural de Tamayo, El canto y la música. 

El artista concluye su última obra, El muchacho del 

violón. 

1986. The Museum of Monterrey organizes a retrospective 

featuring 110 oil paintings and 90 graphic works. The 

artist is invited to be a special guest at Puerto Rico’s Sixth 

Latin America and Caribbean Engraving Biennale. 

1987. The Modern Museum of Art in Woodland Hills, 

California, organizes a retrospective of 61 Tamayo works 

to celebrate its opening. To commemorate 70 years of 

artistic endeavor, the largest retrospective of his work is 

shown in Mexico City’s Palace of Fine Arts and Tamayo 

Contemporary Art Museum, with over 600 of the artist’s 

works. 

1988. Madrid’s Reina Sofía Museum presents the exhibition 

“Rufino Tamayo. Painting”. His stained-glass mural, El 

Universo (The Universe), is installed at the Alfa Cultural 

Center in Monterrey, Nuevo León. The Mexican government 

honors him with the Belisario Domínguez Medal. 

1989. The Italian government grants him the Commendatore 

Medal. “Rufino Tamayo: Paintings and Graphic Work” 

is shown in the Main Hall of the Union of Artists in 

Moscow. The exhibition then travels to the Munch 

Museum in Oslo, Norway, the Hermitage Museum in 

Leningrad (today St. Petersburg), Russia, and the State 

Art Gallery in Berlin, Germany. 

1990. Tamayo’s first mural, El canto y la música (Song and 

Music), is restored and exhibited once again. The artist 

completes what is to be his last work, El muchacho del 

violón (The Boy with the Double Bass). 

1991. Tamayo is named a member of Mexico City’s National 

College and is presented with a Doctor Honoris Causa by 

the Veracruzana University. The artist dies from pneumonia 

on June 24, in Mexico City. 

1991. Es nombrado miembro de El Colegio Nacional, en la 

Ciudad de México. La Universidad Veracruzana le otorga 

el grado de Doctor Honoris Causa. Fallece el 24 de 

junio en la Ciudad de México, a causa de una neumonía.

CRÉDITOS 

CREDIT DITSS 

curaduría / curated by 

Juan Carlos Pereda 

Coordinación editorial / Editorial coordination 

Patricia Montelongo Calleja 

Cuidado de la edición / proofreading 

Equilátero S.A de C.V. 

Textos / Texts 

Juan Carlos Pereda 

Corrección de estilo / Copy editing 

Francisco Rojas Cárdenas 

Fotografía DE OBRA / ARTWORK PhotographY 

Manuel García Díaz 

registro de obra / registrar 

Sarahí García Palacios 

Fernando Alemán Toscano 

Diseño / Art 

Javier Rosas Herrera 

Traducciones / Translations 

Jesse Tomlinson 

Jorge Lisa Ruiz J. Heller Esparza 

Jorge Ruiz Esparza 

derechos de autor / copyright 

© DR Rufino Tamayo / Herederos / México / 2017 

Fundación Olga y Rufino Tamayo, AC

FUNDACIÓN BLACK COFFEE GALLERY 

Presidente Fundación Black Coffee Gallery 

Benjamín Fernández Galindo 

Dirección de Proyectos 

Manuel Baigts Rendón 

Dirección Proyectos Culturales 

Patricia Montelongo Calleja 

MUSEO INTERNACIONAL DE ARTE 

rea de Conservación Papel 

Fernando Alemán Toscano 

Coordinación de la Colección 

Sarahí García Palacios 

Colaboradores 

Luis Fernando Talavera Benítez 

Víctor González Sánchez 

Lucrecia Vélez Kaiser 

Erica Leal Barragán 

Manuel García Díaz 

Javier Rosas Herrera 

Mariana Herrera Jiménez 

Agradecemos al Museo al de de las las Artes Artes de de la Universidad la de de Guadalajara por por su su gran 

apoyo gran y apoyo colaboración y colaboración para realización para la exposición de la exposición de “Tradición/Vanguardia. La 

La obra obra gráfica de de Rufino Tamayo” la cual la cual estuvo estuvo exhibida en en las salas salas del de recinto 

dicho recinto del 31 del marzo 31 de al marzo 18 de al junio 18 de de junio 2017. de 2017.

El cuidado de la impresión estuvo a cargo 

de Equilátero S.A de C.V. 

Su formación se llevó a cabo en el programa 

InDesign y se utilizaron las familias tipográficas 

Adobe Garamond y Neutra. 

Se tiraron mil ejemplares más 

sobrantes de reposición.

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TAMAYO - TRADICIÓN:VANGUARDIA

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