47 magazine - edicion7

edición n ° 7 | esp a ñol
ter cer aniversari o
paola navarrete
La primavera de un Verde Fugaz
poRNO.
Una banda de gente normal...
christian Intriago
Arte desde el Caos
Josh Herrington
Visiones y desfases
maté szabó
Postales de la India
símbolos y rostros
Un Análisis a la Apropiación Cultural

© Josh Herrington
por juan casco y Omar coloma
Los tiempos cambian, la vida sigue, los sonidos y el arte
se crean, deconstruyen y evolucionan.
Al igual que nuestra revista, que de una pequeña
publicación digital creada en la ciudad de Puyo pasó a ser
toda una experiencia visual y editorial.
Este 17 de junio del 2018, cumplimos tres años desde
que se publicó nuestra primera edición. Siendo esta la
séptima, tambien será nuestra tercera publicación en
inglés, ya que de esta manera podemos llegar a nuevos
rincones. En nuestro camino hemos entrevistado a varios
excelentes artistas del Ecuador y del mundo.
Con la firmeza de esa búsqueda de arte e historias les
invitamos a compartir nuestra revista en sus redes
sociales y con esas personas chéveres y visionarias.
Desde la Amazonía . Gracias por leernos.

edición n ° 7 | esp a ñol
ter cer aniversari o
S t aff
Juan Casco
EDITOR general
Diseñador Gráfico
Artista Visual / Tipógrafo
JuanCascoArt
www.juancasco.com
Omar Coloma
dirección de arte
Fotográfo / Cineasta
OmarColomaFoto
OmarColomaEc
ANDREA PROAÑO CELI
DIFUSIóN CORDILLERA
Fundadora y coordinadora
de contenidos
DifusionCordillera
portada:
Paola Navarrete
paolanavarretea
Fotografía:
Ana María Gutierrez
anmgutierrez
MUA :
Fabián Sesén
fabiansesen
Retoque y
producción:
Adriana Gomez
adrianoide
Ilustración:
María Puente Silva
mariapuentesilva
ana miscolta
investigación cultural
Escritora e Investigadora
AnaMiscolta
47magazine
47ecuador
47 Magazine © 2015- 2018
Prohibida la reproducción y
distribución total o parcial de esta
edición sin la autorización del editor.
anuncia en LA 47 magazine
E-mail: la47magazine@gmail.com
Contacto: 0992861321
© Josh Herrington

Contenido
Porno.
Una banda de gente normal...
música lo-fi
entrevista a:
Paola
Navarrete
La primavera de
un Verde Fugaz

Maté Szabó
Postales de la India
viajes
Josh Herrington
Visiones y desfases
artE visual
Christian Intriago
Arte desde el Caos
arte URBANO / ilustración
Un análisis a la Apropiación Cultural
Símbolos y Rostros
cultura / opinión

Porno.
“Una banda de gente normal,
para gente normal.”
Un artículo de:
Andrea Proaño Celi
Fotografías:
Ivanna Coba

Con sonidos sencillos, Porno. logra transmitir cientos de sensaciones a través de sus
melodías y sus letras altamente cargadas de cotidianidad y sentimiento. La banda
impregna tal sinceridad en cada nota, que es posible transportarse lejos, emprendiendo
un viaje emocional y muy personal que permite un equilibro perfecto entre lo simple y
lo profundo mientras recorremos las diferentes canciones de su discografía. Sin dudarlo,
es una banda con la que es posible conectarse de diversas maneras, sea por el
contenido lírico de sus canciones, como por la música que producen en general y así
también por las realidades que cada uno de sus integrantes representa.

Alineación actual:
Pablo Suarez (Guitarra, voz y letras)
Pablo Dávila (Percusión)
Gabriela Guerrero (Bajo y voz)
Edenia López (Teclados)
Alejandro Zambrano (Guitarra)
Porno. es una banda netamente independiente y
autogestionada que nace en la ciudad de Quito
gracias a la unión de 3 amigos de toda la vida: Pablo
Suárez, Gabriela Guerrero y Pablo Dávila.
Pablo Suarez inició la banda, él siempre tuvo en
mente la novela de Irvine Welsh, “Porno”. para el
nombre, y además había escrito ya algunas
canciones. “Yo no quería una banda de músicos
profesionales”, nos cuenta, así que partiendo de
esto nace su propuesta de sonido crudo e inocente,
donde prevalece el contenido emocional, antes que
la técnica. Procurando alejarse de toda pretensión,
la banda no ambiciona convertirse en un hito, sino
que se consideran gente normal, haciendo música
para gente normal.

Cada integrante de la banda,
sencillamente ama la música y
disfruta siendo parte de los
movimientos musicales, sin
embargo, además de la banda,
cada uno tiene sus proyectos y
pasiones propias.
Edenia, la más nueva
integrante del grupo, estudia
Psicología y forma parte del
coro de su universidad, además
es tutora de niños con autismo.
Pablo Dávila estudió Historia
del Arte y ahora estudia
Periodismo, actualmente
trabaja en su proyecto
“Bitácora Atonal”, un fanzine
de la escena independiente.
Gabriela es publicista
freelance, se ocupa de la
dirección de arte de la banda y
maneja la imagen de Pop Sucio
Records produciendo artes
para los discos de las bandas
adjuntas así como para las
redes sociales del sello
discográfico, también da clases
de inglés en un colegio de
Quito.
Alejandro por su parte, se
dedica de lleno a la música con
su proyecto alterno “Koala
Precipicio”, además es
baterista de la banda
“Alkaloides” y da clases
particulares de batería. Pablo
también dicta clases de música
particulares, se dedica a la
producción de varias bandas a
través de la dirección de Pop
Sucio Records, del cual
también forma parte.

Producciones
Desde sus inicios, la banda surge de
la mano de su primer EP también
llamado “Porno.”, siempre
encaminados en la estética Lo-Fi,
produjeron 6 “canciones sencillas con
letras fáciles y de estructuras
simples”, los temas fueron grabados
en casa y en cintas de cassette
manteniendo su filosofía “DIY”* que
envuelve todas sus producciones
tanto en lo que respecta su
discografía como a la imagen de la
banda y sus formas de difusión y
gestión.
*DIY: Hazlo tu mismo, del inglés: Do it by your self

Los Aliens
El Hambre
EP´s
Tanto “Porno.” (El EP), “horribles” (su segundo EP
producido para conmemorar el lanzamiento del anterior),
así como sus dos videoclips: “Los Aliens” (2016) y “El
Hambre” (2017) fueron lanzados bajo el paraguas del
sello discográfico independiente Pop Sucio Records, y su
nueva producción discográfica para el 2018, no será la
excepción. Las 12 canciones del nuevo disco ya están
compuestas y listas para grabarse a finales del mes de
Junio, incluyendo nuevos instrumentos, pero
manteniendo ante todo el formato Lo-Fi de sus anteriores
piezas discográficas.
Próximamente esperan realizar un evento de lanzamiento
del disco, además de hacerlo a través de las plataformas
digitales, y del mismo modo esperan tener ya disponible
su sitio web donde recopilarán todo el contenido de la
banda para el disfrute de sus seguidores.

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Paola Navarrete
La primavera de un verde fugaz
Una entrevista de:
Juan Casco

FICCIÓN (2015)
“Ficción” su álbum debut, nos
introduce su universo musical , el
cual conjuga el lado accesible del
pop con los riesgos de otros géneros
musicales. Son 9 las canciones que
componen con potentes arreglos de
vientos, y ambientes rock y folk.
Paola Navarrete nació en 1990 en Guayaquil,
Ecuador. En poco tiempo, se ha convertido
en un referente femenino en la escena de la
música alternativa ecuatoriana.
En el 2015, “Ficción” la posicionó como una
de las nuevas figuras del indie del país,
pegando fuerte con canciones como “El Mar”
y “Los ojazos de mi negra” y “Nadie”.
Ahora, después de girar por todo el país,
Paola presenta “Verde Fugaz” (2018), un
disco que marca una nueva etapa en su
carrera, esta vez mucho más conceptual, con
un sonido más upbeat y arriesgado.
La voz de Paola puede doblarse hacia los
registros más bajos de sus nuevas canciones,
o ensuciarse en gritos altos cuando canta “Los
Zanqueros”, su colaboración con La Máquina
Camaleón.
Ha tocado en los festivales más importantes
del país como El Carpazo, Funka Fest y Saca
el Diablo. En Abril, abrió el concierto de Mon
Laferte en Quito.

¿Cómo proyectas tu música?
Me proyecto siguiendo el camino,
dar más pasos, hacer más música,
experimentar más, salir a tocar a
otros lugares. Llegar a públicos
diferentes a la mayor cantidad de
gente y poder transmitir mi música. El
compaginar con el público, vibrar en
una misma sintonía es algo muy lindo,
Es un sentimiento, un mensaje, algo
que puede trascender.

¿Cuáles son tus
influencias musicales?
Mis influencias musicales son
bastante variadas, según el
momento en que me encuentro
y lo que estoy escuchando. La
música indie me influencia
mucho. Siempre he sido muy fan
de bandas y cantautor@s
mític@s como Radiohead, Björk,
Gorillaz y su frontman Damon
Albarn, Feist, Jack White y sus
muchos proyectos distintos, que
llevan bastante tiempo en la
escena y siempre logran
reinventarse y eso para mí, es lo
más bacán.
Creo que de esa manera me
siento muy influenciada por
ellos, son artistas que no le
tienen miedo al cambio, que
están en un proceso más allá del
género en el que estén. Haces
pop y automáticamente te
encasillan o peor aún, uno
mismo se pone las trabas y
piensa que debe hacer las cosas
según lo comercialmente
establecido. Para mí la música es
tan rica y diversa que quedarse
estancado en ese tipo de ideas,
significa retroceder como
artista.
Siento que la música es una
elección de vida, más allá de lo
que debes hacer dentro de la
industria, es un proceso interno
y personal, es una búsqueda
interminable, la cual te permite
crecer como persona, como
músico y explorar cosa nuevas.
Siempre me gustó el Jazz: Chet
Baker, Billie Holiday, cantantes
que de cierta manera me han
influenciado, actualmente
escucho a Grizzly Bear,
Homeshake,The Internet, James
Blake, Real State, el nuevo
álbum de Gorillaz, de Feist o
tambien Beach House cuyo
último disco se llama “Seven” y
está increíble. También pasa que
te encuentras a artistas nuevos
como Rosalía o Nathy Peluso y
solo te enamoras al toque. A
Juana Molina la amo, me parece
una mujer increíble,
divertidísima y muy auténtica en
lo que hace. Espero ser como
ella cuando sea grande.

RAÚL MOLINA
batería
PAOLA NAVARRETE
voz y sintetizadores
FELIPE MAQUI
guitarra y sintetizadores
¿Cómo ha sido colaborar con otros artistas o
viajar a otros lugares y festivales?
Hacer ese feat con la Máquina
Camaleón ( en “Los Zanqueros”)
fue increíble, ha sido casi que un
pretexto para viajar a lugares
como Colombia, Festivales
como el Hermoso Ruido y
Estéreo Picnic. Tenemos tan
buena amistad y mismos planes
que al final los viajes han salido
bastante espontáneos. Creo que
somos más amigos que
“cantautores” que “colaboran
juntos" jaja.
Me acuerdo en El Carpazo que
fue una de las primeras veces
que colabore con Da Pawn en
“Luz Roja”, yo pensaba que
poca gente me conocía porque
aún no salía mi disco, y me
sorprendí de ver a la gente decir
ella es la que también canta con
La Máquina. Yo pensaba: si
saben quién soy! Obviamente
colaborar con ellos a sido
importante para mi carrera y
crecimiento como artista en el
medio.
Han sido todas experiencias súper lindas.
Al final estoy tocando con mis amigos
y eso es genial.

¿Qué opina sobre la presencia
de las mujeres en la escena ecuatoriana?
Evidentemente en comparación
somos muchas menos las
mujeres en la escena. Es normal
que un festival hayamos 2 o 3
mujeres músicos, casi siempre
me ha tocado a mí compartir con
las mujeres de los Swing Original
Monks (Nathalia Madrigal
“Juana Monk” y Steph Viteri),
Mariella la cantante de Munn o
la cantante de Los Corrientes
“Doña Pepa” (o de Ehva (Renata
Nieto) y para de contar. Y bueno
ni hablar de proyectos solistas
de mujeres… muchas veces me
encontré siendo la única mujer
en un line up de 8 bandas.
Pienso que la idea de que no hay
mujeres solistas en el Ecuador es
una idea errada. Hay muchas! Yo
siempre he sido muy dura y
siempre quise que me vieran
como igual. Sin privilegios sin
condescendencias, sin trabas.
Que lo que hago tiene el mismo
valor que cualquier banda y soy
buena, más allá de adornar un
cartel lleno de hombres. Y creo
que me he ganado un puesto en
esta escena.
Siempre he tenido apoyo de las
bandas y los gestores culturales y
he tenido suerte, porque sé que
no siempre es así. Se quiera o no,
siempre termina habiendo una
condescendencia y eso hay que
cambiarlo!

VERDE FUGAZ (2018)
El segundo disco de Paola Navarrete
revela una búsqueda conceptual más
arriesgada en cuanto a composición y
letras a lo largo de 10 canciones.
La nueva fase musical de Paola trae
temas más upbeat, sintentizadores
abundantes y una renovada versatilidad
en su voz.
¿Cómo fue la transición de “Ficción” a “Verde Fugaz”?
En el 2016 pasé una etapa dura
por temas personales, tuve un
colapso bien feo y estuve un año
en tratamiento, y ese fue mi año
de preproducción ya que no
tenía previsto que “Verde
Fugaz” saliera en el 2018, Creo
que el álbum funcionó como una
salida, una salvación y aunque lo
mío no fue del todo trágico
hubiera sido muy fácil quedarse
ahí en ese hueco del que me dije
a mi misma tengo que salir ya!.
Canciones como Sentimiento
Original, Esperar y Desde hace
un tiempo, ya las había escrito
antes, pero no había logrado
que suenen del todo como yo
quería. Verde Fugaz en
contraste con Ficción es más
elaborado ya que en la
producción pasada, no nos
tomamos tanto tiempo para
arreglar las canciones. Entonces
mi cerebro me dijo tienes que
hablar con Miguel Angel
Espinosa de los M., vi su trabajo
con Tripulación de Osos, y me
encantó, lo llamé y empezamos
a trabajar, él tiene su lado
oscuro y yo estaba explorando
en ello, entonces imaginé que
iba a funcionar.

¿Cómo fue esa búsqueda de sonidos nuevos?
Para mí esta búsqueda fue muy
larga, con altos y bajos, creo que
tuve la necesidad de sacar una
parte de mí que no había
proyectado en al anterior disco,
pero que la tengo muy fuerte,
que a veces se esconde tras la
voz dulce que tengo, que sí se
presta para jazz, y de hecho me
gusta cantar jazz pero también
me gusta gritar, me gusta mucho
el rock.
Decidí que era la manera en que
tenía que ir. De hecho las
primeras canciones eran muy
oscuras, y no salieron en el corte
final del disco, eran muy
depresivas a ratos y creo que la
clave para mí, fue “Tengo que
lograr canalizar esto que siento y
darle una vuelta positiva, no
puedo hundirme.” Y cuando
pasó eso realmente todo fue
precioso, las canciones
comenzaron a tomar otro color y
más energía. Las letras se
volvieron más profundas y logré
camuflar ese lado no tan bonito
pero que era importante que
esté presente.

El disco al final me lo escribí a mí misma. Las letra son para
mi. Me hice acuerdo de porqué estoy aquí, porque estoy
haciendo lo que hago, de no olvidarme cual es el camino
que hay que seguir, y sí: olvidarme de todas esas
banalidades, que a veces terminan dominándote. que si la
gente te quiere ver, que cuantos te siguen en redes sociales.
No es que nos sea importante, pero no es la meta.

Tenía que expiar mis demonios.
Me di cuenta que tendría que
cantar estas canciones por
mucho tiempo y entonces tenían
que tener un mensaje positivo,
porque al cantarlas en vivo te
cargas emocionalmente.
“Mañana” es un tema que habla
sobre la ansiedad y como uno
tiene que vivir con ella pero
todos creen que es una canción
de amor y bueno al final sí, lo es,
es una canción que habla sobre
amarse a uno mismo y dominar
tus miedos.
Pienso que he evolucionado
como músico y persona, y estoy
bastante feliz con los resultados.
Creo que Verde Fugaz es un
disco conceptual pero a su vez
bastante escuchable.
Hay canciones pegajosas y otras
bastante feeling, pero en fin lo
bacán es que cada persona
puede interpretarlas como
quiera y sacar sus propias
conclusiones. En lo personal este
disco me recuerda lo lindo que
es este arte.

El mar
Nadie
Desde hace un tiempo

Ficción - Urband
Los zanqueros
Los ojazos de mi negra

POSTALES DE LA INDIA
artíc ulo y fot ografías de:
Máté Szabó

Kerala
Todo comenzó en el sur de Kerala, el propio país de
Dios como lo llaman, ¡con razón! Ese fue el lugar
donde compré mi primera motocicleta, el comienzo
de más de 6000 kms en varios estados. Estaba en
aguas profundas durante la estación seca: nunca
había montado una motocicleta antes de mi viaje a la
India.

Kumta
Para cuando llegué a Kumta, ya había sobrevivido a algunas
curvas cerradas casi fatales, cientos de vacas vagando en medio
de la carretera, perdí mis llaves y me separé de mi compañero
de viaje además de un poco de quemaduras solares.

trippyoddwiser
Kumta podría ser un ejemplo de libro de texto de la vida rural
auténtica en la costa de Karnataka con personas humildes,
cuyos días están llenos de prácticas antiguas, la espiritualidad
está por todas partes.
A veces, la mayor parte de la sabiduría proviene de sus caminos,
de su ser, no necesariamente de sus palabras.

Badami
Los días que pasé en Badami parecían viajar en el tiempo.
Un rincón escondido, cerca del cual Hampi se roba la fama
y sigue siendo un destino menos visitado. Los templos de la
cueva son absolutamente magníficos, hogar de fascinantes
esculturas y esculturas, que cuentan la historia de un
imperio que ya no existe: el reino Chalukyas.

Fue por pura suerte que me tropecé con un local de
camino a Bengaluru, quien me mostró a Badam y sus
alrededores. El turismo está en su infancia aquí, solo
se puede esperar que el desarrollo futuro se lleve a
cabo con prudencia y que el encanto permanezca
inalterado en las próximas décadas.

Una mañana, estaba caminando sin rumbo
fijo en este pequeño pueblo soñoliento y,
para mi mayor deleite, me encontré con un
rodaje de una película, la producción de un
estudio de Mumbai, filmada en idioma
marathi. ¡Una pieza de magia de Bollywood
en plena producción!

La escena dramática solo involucró
a los actores principales
(supuestamente), pero en la orilla
del lago había cientos de
lugareños viendo cómo la
tripulación estaba organizando el
set y todos los detalles. Niños
apuntando al cielo, siguiendo el
movimiento de una cámara de
drones con los ojos más ansiosos y
brillantes.

Cabo de Rama, Goa
Goa es mejor conocido por sus fiestas de psytrance
estimuladas por drogas alucinógenas. Estos raves suelen
estar cerca de las costas del norte, donde las playas son
soberbias, pero algo estropeadas por las multitudes.
Después de algunas noches salvajes, era hora de decir adiós
a mis nuevos amigos y descansar un poco. Sabía que la playa
de mis sueños tenía que estar allí, escondida en algún lugar.
Siguiendo la carretera principal, tomé cada posible giro a la
derecha "buscando tesoros". ¡Después de un par de intentos
grité BINGO! Allí estaba, Cabo de Rama en su impresionante
belleza. Me quede mirando por unos minutos,
completamente perdido en el paisaje.

Después me dispuse a descubrir más lejos de allí, hice un
largo paseo por la arena y pronto llegó el momento de
escalar y caminar hasta el final de la península. Esa
pequeña franja de tierra en el lado derecho de la foto
tenía una increíble variedad de vida silvestre: monos,
lagartijas, águilas, serpientes y una gran cantidad de
ruidos extraños e indecifrables procedentes de los
arbustos.
Después de mirar el sol en el borde de la tierra y
escuchar la ola, miré hacia abajo y allí vi a un hombre
pescando, sin un bote, cómo llegó hasta allí, que nunca
lo sabré, el descenso parecía imposible

EN PLANCHA DE
ROCA VOLCÁNICA
Tena, Calle Francisco de Orellana frente al Malecón
/lachinola.ec

Josh Herrington
Visiones y desfases

circlecirclemath
Cuentános sobre ti
Soy un diseñador gráfico y fotógrafo de
Austin, TX. Pasé muchos años dirigiendo
una pequeña agencia de branding y sentí
que realmente necesitaba hacer algunos
trabajos de diseño para divertirme de
nuevo. Esto es cuando mi proyecto de
Instagram, @circlecirclemath, comenzó y
prometí crear un diseño todos los días
durante un año.
Después de terminar ese año, decidí
cerrar mi negocio y encontrar otros creativos
para trabajar donde me sentiría más
recompensado y llegar a crear más cosas
más cercanas a las que amaba hacer por
mí mismo.

¿Cómo empezaste en las artes
visuales y el diseño gráfico?
Siento que mi viaje para convertirme en
diseñador gráfico fue un largo camino que no
esperaba tomar precismente. Mientras asistía
a la escuela de música, me apasionó la
fotografía y rápidamente me di cuenta de
que me divertía más que el escribir música.
Esto me llevó a viajar de gira con bandas
durante muchos años hasta que mis
habilidades fotográficas comenzaron a
convertirse en más ideas de base de diseño.
Me di cuenta de que quería volver a la
escuela para esto, así que me mudé a Austin
y realmente encontré mi amor por las artes
visuales, y aquí estoy.

¿Qué te inspira?
En casi todas partes encuentro
inspiración, aunque nada se acerca a
viajar y escuchar música. Siento que
la mayor parte de mi flujo natural
ocurre cuando puedo alejarme de mi
escritorio, ponerme los auriculares y
encontrar algo nuevo a mi alrededor.
Creo que es tan clave para explorar el
mundo y encontrar cosas nuevas,
mantiene sus ideas frescas.

Veo que te centras en momentos,
rostros con un toque emotivo
Wow, esa es una gran manera de verlo.
Esta idea me ha llegado varias veces, y
nunca he sido capaz de apuntar hacia una
razón exacta por la cual lo hago, pero es
muy cierto. El día que creé el primer
diseño con una cara visualmente
distorsionada no pude parar. Había algo
sobre los diseños que no se referían
realmente a la persona, siempre se
trataba de la postura o la emoción que
podía crear sin una expresión facial que
lo delatara por completo.
Creo que en nuestra era actual es muy
fácil mezclarse entre las multitudes y
estar sin un rostro, pero todos todavía
sentimos la necesidad de encontrar la
forma de escuchar nuestras propias
historias.

¿Cómo describirías tu técnica?
Si tuviera que usar una palabra, sería
"Deconstructivo". Cuando repaso las
fotografías que tengo para el día, las
que siempre sobresalgo son las que
creo que puedo destruir. Sentí que
este era mi primer gran cambio de
fotógrafo a diseñador. Yo siempre
trato de tomar la foto perfecta y eso
sería todo.
Ahora pienso en elementos como,
"Oh, necesito una foto de alguien
sosteniendo un marco", y "ahora
necesito una imagen de un
fantasma". Básicamente, comencé a
pensar en formas de crear una
imagen digitalmente mediante la
"deconstrucción" de varias imágenes
diferentes. en lugar de una sola
imagen.

¿Has trabajado en el cine o en la
industria de la música haciendo
visuales?
Aunque mis raíces provienen
principalmente de la industria de la
música, estoy sorprendido de lo poco
que he vuelto a trabajar dentro de ella a
través de mis diseños.
He realizado varios trabajos de álbum de
arte y fotografía para bandas, pero me
gustaría estar más involucrado en esto
nuevamente, especialmente cuando vivo
en Austin. De hecho, tengo una lista de
deseos de diseño y creatividades visuales
en movimiento para un concierto en vivo
es el número 3 en la lista. Así que cruzo
mis dedos para que pueda hacerlo un día.

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christian
Intriago
Arte desde el Caos
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¿Cómo te visualizas
como artista?
Me considero un artist outsider,un
tipo de de iconoclasta urbano, me
gusta deshacerme de rendirle
culto a la imágenes religiosas, más
bien usar todo ese bagaje de
ideologías que existen alrededor
de estas e irme en contra de estos
principios que ya están.
Me gusta fluir, utilizar todo lo que
tengo a mi lado, el sentimiento
que se tenga, para expresar, para
pintar. Ese combustible: los
sentimientos,el amor, el desamor.
El querer extrañar y pensar.
Aunque parezca divertido saber
dibujar o pintar, yo considero que
es un egoísmo, porque le dedicas
una hora como 5 minutos, sigo
pintando cosas o no no las
termino. Son horas de soledad
contigo mismo, no se puede pintar
y conversar, te aíslas, no le paras
bola a nadie, te pones tus
audífonos y te pones a pintar.

No soy un hombre perfecto,
tengo mis defectos y a veces trato
de huir, metiendome en mi
burbuja, tratando de descargar
todo ese caos, cuando pinto no
estoy en paz, simplemente es una
guerra en mi cabeza. Creo que ese
talento (es una bendición y una
maldición para algunos) hay que
expresarlo, mis arte tiene letras,
sentimientos y dice muchas
cosas. Combinó la tipografía con
dibujos, un collage, una palabra,
un poema.etc.
Trato de dibujar una mirada, un
sentimiento. Esa resiliencia que se
tiene con la personas de pronto la
extrañas, porque eres humano, no
está a tu lado. no puedes llamarla
o ya no funciona. Trato de ser ese
puente imaginario, que esa
resiliencia sea más tangible,
mientras tratas de expresar una
mirada con un trazo, hablas con lo
ausente, te comunicas y cuando
termina, lo ves de alguna manera.
Mis dibujo hablan por mi, tengo
una necesidad de hacerlo, yo
pinto para vivir y vivo para pintar y
me invento cosas. Rodar viajar y
pintar, gracias al arte. Se me han
abierto muchas puertas, se han
cerrado otras. Y eso es una
aventura.

¿Qué técnicas usas?
No me encasillo, uso técnicas
desde el stencil hasta el acrílico.
Cuando pinto un cuadro no me
limito, puedo utilizar spray,
carboncillo y óleo. En la calle es lo
mismo, me gusta el freestyle. No
voy con un boceto o lugar
preparado, sea una pared vertical
u horizontal. me gusta que sea es
una sorpresa , sea una pared,
ventana o puerta, con rajaduras,
fondeada o no , los escenarios
son distintos.
El stencil una técnica muy rica que
me gusta. Hago collage, con
rodillo con brocha. A veces cojo
par trapeadores y voy con un
balde de tinta y hago calligraffiti.
Una técnica que también utilizo
sobre mis pinturas es el mapping.
Cuando hago videoarte. Trató de
animarlo y cosas asi.
Estas son las técnicas son las que
se han aprendido a través de todo
este tiempo caminando. No me
las sé todas. recién estoy
aprendiendo a evolucionar y
seguir adelante.

Pasa que haces algo, crees que
quedó bonito. Te das la vuelta y ves
que esta chueco o mal su anatomía,
y en la siguiente oportunidad tratas
de corregirlo, y así vas buscando la
obra perfecta, que no le
encuentras, (y espero o nunca
encontrarla). Eso me da más
energía para seguir corrigiendo.
Me gusta el freestyle, divertirme.
encapsularme, la música y yo a la
pared y todo el mundo desaparece.
Soy yo hoy y lo que tengo frente.
No es que sea una idiota, te
dedicas a pintar y te olvidas que
estás a lado de quien sea. Solo
existes tu, la pintura y los colores.
Navegas
Para mi es como. El pincel o spray
van conectados de tu mente -
corazón - mano. Una conexión que
fluyen Vamos a ver qué pasa,
divertirme y eso.

¿Cómo es hacer arte
en Guayaquil?
Hago arte en Guayaquil porque es
donde vivo, pero yo soy de Balzar y
cuándo voy allá, voy a pintar, me
quedo la mitad del viaje, me bajo con
mi spray. Aunque está mal que yo
diga eso, creo que he rayado todo
Guayaquil con mis tags y caracteres,
Guayaquil norte, centro, siempre
ando con pinturas, marcadores, stencils,
pegatinas. stickers. Dónde voy.
Pego, hago.
A veces me han sacado corriendo,
dando duro, he estado preso. Entonces
Guayaquil es una plataforma,
ahora estoy acá porque estoy haciendo
unos proyectos, de aquí salen los
proyectos, pero cuando no estaba
estudiando,viajaba.

¿Cuáles han sido tus proyectos?
Hace 2 o 3 años con mi crew hicimos el
primer encuentro de arte urbano en Balzar
de arte de ahí hice Reto Mural, eso sí, me
han ayudado a muchas personas, pero las
ideas a nacieron de mi cabeza. Y los
proyectos han sido muchos. Alguno. Otro
proyectos destacados son el PCC
“Patrimonio Callejero Crew”. “El laboratorio
de ratas”. Y ahora estoy en un proyecto más
grande, un proyecto modelo. Las cosas han
salido modelo de gestión, trabajando con
instituciones públicas y privadas, dando
talleres de arte urbano. Enseñando un
poquito de lo que uno sabe.
Yo siento que el arte se comparte. Porque
aquí hay mucho egoísmo, en Guayaquil hay
un canibalismo artístico. El “ Yo soy mejor y
más bacán que tú” Creo que el arte es
menos “Bla” y más acción y pintar. Y esto me
ha ayudado a viajar, gracias a esto de darse
a conocer. He viajado mucho gracias al arte
urbano. He podido de recorrer muchos
lugares.

¿A qué lugares
has viajado con tu arte?
He estado en algunos países.
Recorriendo. El mismo Ecuador:
esmeraldas, la playa,el Oriente, Manta.
He estado en muchos lugares , he
conocido mucha gente amable y todo
Cuéntanos sobre
Laboratorio de Ratas
Laboratorio de Ratas es como una
tienda. Es un lugar donde se crean las
serigrafías, los fanzines, los afiches,
todo ese tipo de cosas. Entonces es
como un laboratorio.
Donde sea trata de hacer las cosas pro,
para crear souvenires, para sustentarse
uno. Se viaja también, a intercambiar
cosas, las que tú creaste, como
moneda. Comprar comida o un pasaje.
Laboratorio de Ratas es una plataforma.
No soy solo yo, lo he ofrecido como
vitrina para otras personas que también
quieren hacer serigrafía o stencil.
Entonces de esta manera se trabaja.

¿En qué proyecto
te encuentras ahora?
Ahora estoy en un proyecto.
me atrae mucho el color rojo o
restricciones.Entonces estoy
explorando.. Estoy creando
ilustraciones , como me gusta
mucho la calle, camino,
recorro; el material que tengo
en mi cabeza, los saco de la
calle.
A veces encuentro cosas,
ventanas, puertas, pero sobre
todo el libros, estos libros yo
los guardo. Y los intervengo,
los llamo “dibujos
expandidos” , una forma de
antropología urbana porque
en el transcurso que voy voy
dibujando es movimiento con
estos “libros expandidos”. Eso
es como una catarsis esto del
movimiento, trata de dibujar e
idear sobre estos libros.
Entonces estoy trabajando
quiero lanzar mi propio
fanzine. y quiero hacerlo a dos
colores, utilizando el rojo. Ya
tengo varias ilustraciones..
Quiero seguir creando
cuadros, oleos grandes con
color rojo predominante.

Entonces estoy en esto del
fanzine que va a ser muy
interesante. Y cuando este
creado como siempre hago un
evento. Ahora quiero hacer un
evento sólo de graffiti: Noche
de tag y música, hip hop de los
broderes. Y taggear y presentar
este fanzine y unas cuantas
obras. Que sea interactivo, con
mucha o poca gente , por que si
hay gente que le gusta lo que
hago y es una manera de
compartir .

¿Cómo vives tu arte?
Mis dibujos hablan por mi, son trozos de mi
alma y de mi vida. Por mas minimo que sea
un trazo trato de darle de significativo, valor
a las cosas. y nada esta al azar, los que
tenemos esta dicha o desdicha de pintar, por
a que veces no te entiende, te aíslas. y la
soledad se vuelve productiva, es como una
piedra en el zapatos. Esa mirada , esa
palabras, esa última conversación Son como
fotos momentánea de una retrospectiva de
tu vida.
Todo es parte de un todo. El grafiti es una
herramienta más. La computadora es otro
herramienta más. Todos se conjuga para ser
parte de alg .Y hago talleres con eso , mi tag
es malware, tengo que saber como una
antorcha y se la paso otra persona y así, con
un amuleto.
No estoy conforme con esta vida, dudo de
todo. Esto de que el poder te da
conocimiento, el conocimiento te da poder.
Yque esta vida está cada vez más intensa,
más peor de. dudar de todo, de la televisión.
Mucha gente muy conformista y uno trata
desde el arte., desde tu trinchera. Protestar.
Y de ayudar a que la gente abra su mente a
través del arte urbano talleres y todo eso.

Uso fotos de los dibujos que hago con luz, abriendo el
diafragma de la cámara y tomo la foto, esa técnica la
realizó el gran maestro Picasso.
A partir de essto, empecé a experimentar interviniendo
lugares, Dibujando con un puntero láser, como una manera
diferente de hacer un grafitti en un espacio público.

Símbolos y Rostros
Un debate sobre la Apropiación Cultural
Fotografía : Jefe de Tribu Crow ( Apsálooke)
Museum of Photographic Arts Collections
on Visual hunt / No known copyright restrictions

Una artículo de
Ana Miscolta
La apropiación cultural es un término sujeto a un
a intenso debate y a menudo ha sido motivo de
burla visto como la manifestación del discurso de
una generación milenial ‘hipersensible’, pero a la
vez es un concepto poco entendido por quienes
se burlan de él. Algunos aseguran que la cultura
fluye, que el mundo está globalizado y el
intercambio cultural es inevitable. El
razonamiento no está mal, pero fracasa en
entender las críticas claves a la apropiación
cultural.
En este artículo trataremos de explicar este
concepto, usando ejemplos de apropiación
cultural a las nacionalidades indígenas de
Ecuador y Estados Unidos . Su propósito no es
castigar ni señalar con el dedo, sino iniciar un
diálogo honesto sobre esta problemática.
El hecho de que la apropiación cultural radica en
injusticias sociales históricas y actuales que no
han sido rectificadas, un tema que va más allá que
el simple acto de ponerse la vestimenta de otra
cultura.

El aprecio desigual
y la falacia del “intercambio”
La apropiación cultural se refiere al
uso no autorizado de elementos
culturales de un grupo
sociocultural no-dominante por un
grupo sociocultural dominante*.
Los elementos culturales pueden
ser arte, maneras de vestir,
costumbres, y pueden llevar
significados milenarios y sagrados
de la cosmovisión de esa cultura.
Cuando dichos elementos son
llevados por una persona o grupo
que no entiende sus significados,
estos símbolos se tornan en cosas
puramente estéticas y cortadas de
su significado real.
*El término ‘dominante’ en este
contexto no describe ninguna
cualidad innata, sino se usa
para describir los grupos que
están favorecidos según la
jerarquía sociocultural
construida e impuesta por el
colonialismo y neocolonialismo.
Uno podría decir que el acto de ponerse la ropa
de otra cultura no hace daño a nadie, pero la
apropiación cultural no tiene que ver tanto con
el uso de símbolos culturales en sí, sino con las
relaciones de poder desiguales, y la manera en
que la sociedad tiende a apreciar el uso de
símbolos culturales cuando son apropiados y
llevados por grupos socioculturales
dominantes, mientras que históricamente ha
despreciado el uso de los mismos símbolos
cuando han sido llevados por las personas a
quienes en realidad les pertenecían.

“Entre los varios usos de la
planta amazónica achiote es la
pintura corporal y facial.
Algunas nacionalidades
indígenas tradicionalmente
aplican la brillante rojiza tinta a
la cara para festividades, la
cacería, y históricamente, la
guerra. Los símbolos pintados
varían entre nacionalidades y la
posición social del individuo. El
shuar en esta foto lleva los
símbolo de guerrero.”
Texto y Fotografía
© Kayla Vandervort
Los que defienden la
apropiación cultural muchas
veces señalan el uso de la cultura
occidental en otras culturas
como evidencia de que la
apropiación en realidad es un
“intercambio cultural” resultante
de “la globalización.”
La problemática con este
argumento son varias: en primer
lugar no tiene en cuenta la
realidad del aprecio desigual en
que los grupos dominantes son
más valorados tanto si se ponen
la ropa de otras culturas o si se
ponen la de su propia. De esta
misma manera, es poco
probable que los grupos no
dominantes que se han
“apropiado” de la cultura
occidental vayan a ser más
valorados que los de la cultura
de origen, ni que vayan a recibir
crédito por reinventar o
revalorar esa cultura.
En segundo lugar, este
argumento, usa los términos
simplistas como “ globalización”
o “intercambio,” y enmascara
una realidad violenta de cómo
muchos grupos no dominantes
llegaron a adaptarse a la cultura
occidental.
A veces la adaptación a estilos
de vestir,arte y costumbres
occidentales en culturas no
occidentales son los resultados
del colonialismo y la esclavitud;
representan la adaptación
voluntaria o no voluntaria hace
mucho tiempo de objetos en
situaciones y entornos
involuntarios. De esta manera, el
uso de la cultura occidental por
personas no occidentales como
equivalencia es una falacia, y
falla en contribuir
coherentemente al debate.

La desvalorización y subsecuente apropiación
de la cultura indígena en los Américas:
Experiencias en los Estados Unidos y Ecuador
Uno de los ejemplos que más
personifica el fenómeno del
aprecio desigual es la
apropiación de la ropa, joyería,
pintura facial, y tocados de
tribus indígenas por jóvenes no
indígenas y principalmente
mujeres. Esta tendencia se nota
especialmente en festivales de
música en Estados Unidos,
especialmente en Coachella,
donde año tras año aparecen
mujeres rubias adornadas en
tocados de plumas, pintura de
guerra, y mocasines*.
CC Wikipedia
*Mocasin: un zapato
tradicional de cuero
de algunos grupos
indígenas de
Norteamérica
En Ecuador, el mismo fenómeno se
manifiesta entre turistas europeos y
norteamericanos quienes compran
prendas indígenas en mercados
artesanales, muchas veces por
vendedores indígenas. El último
ejemplo se distingue del primero en
que esa transacción lleva consigo un
consentimiento implícito que el
cliente pueda usar la cosa
comprada, así más o menos
abordando el elemento de no
aprobación inherente a la definición
de la apropiación cultural. Además,
esa venta apoya económicamente a
los artesanos indígenas. Sin
embargo, sugiero a continuación
que, con o sin el consentimiento del
pueblo, una turista llevando joyería
indígena, como su homóloga en
Coachella, existe dentro de un
sistema del racismo social y aprecio
desigual del que necesitamos estar
conscientes.

CC Wikipedia
La gran ironía de que se ha vuelto
de moda parecer ‘nativo
americano’ es que desde la
invasión europea a las Américas,
hasta ahora, los indígenas han
tenido que luchar contra la
marginación, asimilación
violentamente y muerte por el
hecho de ser indígenas.
En Norteamérica, además de
llevar a cabo masacres y
desalojarlos de su tierra, los
gobiernos estadounidense y
canadiense en el siglo 19
empezaron implementando
políticas de asimilar
involuntariamente a la población
indígena a la cultura europea.
Los niños indígenas estaban
obligados a asistir, lejos de sus
familias, a escuelas de asimilación
cultural donde era prohibido y
castigable hablar su lengua
materna, llevar ropa típica, tener
pelo largo para hombres, usar
nombres no cristianos, o hacer
cualquier costumbre o ceremonia
considerada ‘indígena.’ De hecho,
estaba prohibido ser indígena, el
propósito de esta política era
“civilizar” y transformarles a
europeos. Cabe destacar que
muchos niños murieron en estas
escuelas por los abusos y por
enfermedades infecciosas, todo
en nombre de quitarles su
identidad indígena. Desde la
perspectiva de los colonizadores,
la identidad indígena estaba mal y
era sinónimo de ser incivilizado.

Fotografía : © Thomas Hawk
on Visual hunt / CC BY-NC
En Ecuador el indígena también
vivía en una sociedad que
despreciaba su identidad. El
periodo poscolonial llevó consigo
los estereotipos y prejuicios de
los indígenas que habían sido
construidos por los españoles
durante la coloniala, tales como
que el indígena era tonto, pasivo,
e incivilizado.
Después de la independencia, los
criollos siguieron con este
imaginario del indígena como
‘otro’ e inferior al criollo para
justificar la continuación de la
jerarquía política-social colonial
que dejó al indígena en un estado
de semi-ciudadanía, un asunto
bien resumido por Luis Fernando
Botero Villegas.
El gran esfuerzo con que los
colonizadores intentaron
arrebatarle al indígena su
identidad en Norteamérica y
subestimarles en el Ecuador,
contrasta mucho con como hoy en
día valoramos la estética de
dichos símbolos cuando son
llevados por mujeres no
indígenas, quienes son veneradas
por su ‘estilo creativo.’ Este
contraste implica que verse
‘nativo’ está de moda, con tal de
que no seas nativo de verdad. En
la moda norteamericana y
europea, la identidad indígena ha
sido reimaginada sin la presencia
del indígena – en su lugar una
mujer no indígena, a menudo
blanca, privilegiada y capaz de
pagar $500 por una entrada al
festival de música de su elección.

Aunque algunos digan que la
aparición del ‘estilo indígena’ en
la moda indica una nueva época
en que la sociedad da valor a los
pueblos indígenas, tal suposición
no estaría completamente fiel. Dar
valor a los símbolos del pueblo es
distinto que dar valor a la gente
perteneciente a este pueblo. En el
contexto de Norteamérica, si se
diera dicho valor en los pueblos
indígenas, no veríamos las tasas
más altas del suicidio, ni unos de
los peores resultados de
educación y salud en reservas
indígenas en los Estados Unidos y
Canadá, ni veríamos la instalación
de oleoductos que directamente
amenazan fuentes de agua
atravesando su tierra, como el de
Dakota Access Pipeline.
Asimismo, en el Ecuador
seguimos viendo evidencia del
racismo institucional y la
sobrevivencia de los estereotipos
de la época colonial contra el
indígena, así como también la
indiferencia por parte del Estado a
los riesgos medioambientales
introducidos a las comunidades
amazónicas por las operaciones
petroleras. No hemos llegado a
ninguna época feliz y posmoderna
en que el legado de la violencia
sistémica, discriminación y
subdesarrollo ya no exista – de
hecho, son fenómenos que
continúan hasta el día para
algunos grupos.
© Kayla Vandervort

La apropiación cultural demuestra un reconocimiento de las cosas
bonitas de una cultura, pero no a sus luchas históricas o actuales.
Partiendo de este hecho, hay que analizar y cuestionar la manera en
que la sociedad les valora a los grupos dominantes (otra vez,
‘dominantes’ según la jerarquía colonial construida) cuando se visten
en prendas indígenas a diferencia de cómo les valora a los grupos a
quienes esas prendas pertenecen. Si apreciamos la estítica de la
cultura indígena cuando se viste por una persona no indígena, pero
nos quedamos ajenos de las realidades políticas-sociales que viven
esos pueblos indígenas, cosificamos la cultura indígena mientras que
invisibilizamos a la persona indígena.
¿Cuál es la manera
correcta de usar
elementos de otras
culturas?
No es que se haga un llamado a
cerrar fronteras culturales, ni
digo que una persona de un
grupo ‘dominante’ no pueda
vestirse en prendas de otra
cultura, solo que si se lo hace,
se lo debe hacer bajo las
circunstancias correctas. En
primer lugar, el uso de dicha
prenda debe ser aprobado por
representes de esa cultura
(aunque ciertamente surge otra
pregunta de quién puede
‘representar’ a una cultura).
En el caso de la cultura indígena,
esto deja la venta de cosas
‘inspiradas por nativos’ por
cadenas como Urban Outfitters
fuera de la mesa. En lugar de eso,
debemos comprar a los
vendedores que pertenecen a esa
cultura, e intentar entender y
apreciar cómo se enmarca la
prenda dentro de la cultura para
que no se cosifique. De hecho, la
compra de la artesanía cultural es
una manera de dar apoyo
económico a un grupo. Pero hay
que decir que ni un billete de $5
dólares ni la ‘promoción’ de esa
cultura por vestir su prenda es
suficiente apoyo. Si la intención es
ser aliado a un grupo
históricamente marginado, hay
que aprender de su lucha, estar
consciente de nuestros propio
privilegios sociales, y accionar en
bien de lso intereses positivos de
ese grupo.

Fotografía : © Shell Daruwala
on VisualHunt / CC BY-NC-ND
Conclusiones
En este artículo he enfatizado que la crítica principal a la
apropiación cultural no tiene tanto que ver con las telas,
pinturas, u otros ornatos que adaptamos de otras culturas,
sino con el reconocimiento y rectificación de las injusticias
sociales, políticas y económicas históricas y actuales que
algunos grupos han experimentado. No hay nada inmoral de
manera innata en el acto de ponerse la ropa de otra cultura –
la indignación que viene de dicho acto, tantas veces tachada
como hipersensibilidad, nace de la apropiación en el contexto
de siglos de opresión y desvalorización a los mismos grupos
cuyas culturas están de moda para los grupos ‘dominantes.’
Hay que empezar pensando y conversando de manera más
reflexiva sí nuestro uso de otras culturas se aprovecha de las
estructuras de poder desiguales, y darnos cuenta de que la
justicia social prima sobre el “derecho vestirnos en lo que esté
de moda”.

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