FINAL 3

Retrato
Procesos de producción retórica de
de Paulina Duczman con relación a las técnicas de Rembrandt

01
02
03
04
INTRODUCCIÓN
íIndice
ESTADO DE LA FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA
EL BARROCO
3.1 El concepto barroco
3.2 Panorama General del periodo
3.3 Características de la pintura
PINTURA
4.1 Rembrandt
4.2 El claroscuro
4.3 El triangulo de Rembrandt
05 FINE ART
5.1 Concepto de Fine Art
06 FOTOGRAFIA CONTEMPORÁNEA
4.1 Paulina Duczman
4.2 Esquema de iluminación
07 LA POSTPRODUCCIÓN
08 BIBLIOGRAFIA
7.1 Separación de frecuencias
7.2 Dodge and Burn

INTRODUCCIÓN
La antigua Grecia del siglo V a. C. fue la raíz de la era que actualmente conocemos, el hombre entendió
que su manera de ser está determinada por su entorno, que es un agente de cambio social y de la
facultad para poder alterar la realidad a través de sus palabras, lo cual fue el inicio de la retórica
(Backman, 1991).
No solo las palabras le competen al lenguaje sino también las diversas formas de expresión que se
fueron creando a través del tiempo, como podría ser: la pintura, la fotografía o la ilustración. Podemos
decir con certeza que hoy en día las imágenes representan nuestra actual comunicación y que
seguimos dándole peso a la calidad presentada en una creación.
El diseñador gráfico es un productor de mensajes que precisa de imágenes y textos, Por medio de
la imagen se busca persuadir, informar o instruir, haciendo el mensaje capaz de inyectar una carga
emotiva que conlleve a un cambio de conducta. Todo esto realmente no es nuevo, cada imagen que
vemos tiene una intencionalidad, algo que quiere transmitir y que a base de la técnica es plasmada,
es algo que le concierne al diseñador gráfico pues sus mensajes emitidos a través de sus propuestas
generan cambios sociales (Montero, 2002).
Dicho lo anterior; los temas, metas y propósitos puestos en esta investigación están encaminadas a
persuadir a partir de la fotografía de color de Paulina Duczman, quien es una fotógrafa polaca que
radica en el Reino unido desde 2005 la cual ha retomado aspectos de iluminación, cromatismo y
estilismo del periodo barroco; especialmente del claroscuro conectando su trabajo con la obra de
retrato del pintor neerlandés Rembrandt (1606 - 1669), ambos trabajos serán tomados como discurso.
La técnica vista desde su origen es un saber hacer, un profesional debe conocer plenamente el uso de
las herramientas de trabajo y sus procesos de producción para poder crear propuestas gráficas. Esto es
el ejemplo que se pretende poner en evidencia de estas fotografías contrastándolas y relacionándolas
con la técnica del claroscuro dada en el barroco la cual nuevamente está siendo retomada.

ESTADO DE LA FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA
En nuestra actualidad el ser humano tiene todo al alcance de su mano, puede ver cosas en tiempo
real y está bombardeado de imágenes. Podemos observar una desjerarquización del arte y la
cultura la cual ha traído muchas mejoras en la vida cotidiana pues ahora no vemos arte solo en
galerías o museos, se logró democratizarlo y esto permite un avance en otras áreas.
La cultura o el arte, al estar en un mundo cotidiano cae en lo que le llaman “Capitalismo artístico”
mucha gente se asombra y piensa que lo comercial está completamente separado del arte o
la cultura, pero pese a tener un valor económico nunca se apartará del valor humanístico con el
que fue creado. Ahora el compromiso más grande que tenemos es producir cosas de calidad
(Lipovetsky, 2015)
Retomando lo anterior podemos decir que esto ha traído una mejora considerable en la fotografía
pues gracias a ello, fotógrafos de varias partes del mundo han retomado discursos que
involucran estilos de los viejos maestros de la pintura, cabe mencionar que la fotografía no está
separada del arte; ha sido inspiración para el trabajo de diversos autores.
Todo lo hablado anteriormente nos aporta una nueva concepción de la imagen pues muchos
artistas de distintas partes del mundo, especialmente fotógrafos de fine art o bien, que hacen
foto de autorretrato están regresando a las técnicas antiguas, retomando aspectos de distintos
estilos y corrientes artísticas y es que detrás de una obra siempre existe un concepto sobre el
que fue creado. Tal es el caso de Lidia Vives con uno de su autorretrato “The Witch” muy al estilo
de “la lechera” el cual fue un cuadro de Vermeer hecho en la época barroca y un pleno ejemplo
de la manera de retomar el arte a través del tiempo dándole un carácter más contemporáneo. Al
paso de los años el capitalismo nos trajo una nueva manera de ver el mundo donde la gente ya
no encuentra un discurso en lo que ve, se vuelven creaciones sin algo que contar y por eso deciden
regresar al arte antiguo donde pueden crear cosas de mayor calidad y un mejor discurso.

EL BARROCO
Concepto
El término fue dado por los neoclásicos franceses quienes querían ridiculizar el estilo por ser extravagante, exagerado y absurdo.
Según Camacho(2003) “El término escogido para definirlas se relaciona con la palabra portuguesa <<barroca>>
que significa perla irregular… aunque también figura de un silogismo lógico de gran complejidad”. El barroco aún es
valorado como un estilo extravagante y muy recargado
PANORAMA GENERAL DEL PERIODO BARROCO
El barroco vio sus inicios en el siglo XVI y alcanzó su desarrollo para el siglo XVIII, en realidad su extensión varió
según el país donde se desarrolló, así como sus temas. La pintura no escapó del sometimiento de toda la sociedad
es por eso que en Italia y Roma los encargos principalmente eran hechos por el mundo religioso, las imágenes tenían
como intención hacer que los cristianos pudieran observar cada uno de los pasajes bíblicos y llevarlos por el camino
de la salvación, en Francia triunfaba el absolutismo desarrollando un barroco clasicista exaltando las virtudes del
monarca. Los Países Bajos se fraccionaron en dos por la Reforma y los Nacionalistas: Países Bajos del sur (Flandes)
eran católicos dependientes de España, la pintura era dirigida a la aristocracia a la iglesia y a la burguesía mercantil,
eran pinturas de gran formato, luminosas y coloristas, retratos t temas de género. Mientras que las Provincias Unidas
del Norte (Holanda) protestantes, se desarrolla una pintura dirigida a la burguesía conformada por comerciantes, ricos
profesionales y funcionarios. Eran adquiridas como decoración de sus cosas o en los propios estudios de los artistas.
Algunos de los temas eran:
- Retrato individual o grupal
- Paisajes urbanos, campestres o navales
- Naturalezas muertas
- O escenas de la vida doméstica
CARACTERISTICAS DE LA PINTURA
La técnica usada en este periodo fue principalmente óleo sobre lienzo, aunque es muy generalizado porque también se
usaron madera y cobre para formatos más pequeños, el uso del fresco para la pintura mural y el pastel para los retratos.
Se buscaba la representación veraz del hombre y la naturaleza por medio del realismo. Según__() esta búsqueda
conduce a la plasmación de lo fisonómico, táctil y sensorial, a la profundización psicológica y emocional a la hora
de representar a un individuo o una historia, y a una percepción más perfecta del espacio, todo lo cual requerirá una
observación directa previa”.

PINTURA
Rembrandt
Nació el 15 de julio de 1606 en Leiden. Recibió educación básica
en latín y posteriormente fue a la universidad de Leiden. Según
se cuenta desde ese momento ya mostraba dotes para la pintura
artística y logró ser discípulo de Jacob van Swanenburgh y
posteriormente de Pieter Lastman. Contrajo matrimonio en 1637
con Saskia quien era de una familia acomodada de manera que
el pintor ese mismo año se convirtió en un miembro más de la
burguesía al contraer matrimonio con ella.
La joven pareja enfrentó situaciones muy complejas como la
muerte de 3 bebés hasta que en 1641 llegó Titus van Rijn quien
logró alcanzar la madurez pero su esposa Saskia debido a su
estado crítico de salud murió probablemente de tuberculosis
tiempo después de dar a luz a su cuarto hijo. Para estas fechas
dio a conocer “Ronda de noche” cuadro fue seriamente criticado
por tener sombras muy marcadas, para ese tiempo los retratos de
grupo dejaban ver a todos los integrantes en la pintura. Contrataron
como niñera del pequeño titus a Geertje Dircx quien pasó a ser
amante del pintor y que tiempo después le demandaría por perjurio
obteniendo una cifra de 200 florines al año.
Para 1640 Rembrandt contrató a Endrickje Stoffelsdochter Jaegher
con quien tiempo después comenzó una relación, con el nacimiento
de su hija Cornelia en 1654 se envió una carta acusatoria por parte
de la iglesia donde finalmente excomulgaron a Endrickje por
cometer actos de prostitución.
El pintor no se casó con ella para evitar que su hijo Titus perdiera la
herencia que le había dejado su madre.
Sus bienes económicos fueron subastados a una cifra ridícula, todo
lo que el pintor hiciera pasaría a manos del estado para pagar las
deudas, se fueron a vivir a una casa que tenía Endrickje donde junto
con Titus montaron una galería de arte protegiendo al pintor según
las leyes del país y de esta manera terminaron de pagar las deudas
que tenían. Poco tiempo después Endrickje murió y en seguida
“La gloria, la auténtica gloria tienen siempre su cruz, su
servidumbre humana. Nadie triunfa sin pena de sí mismo.
Ni siquiera los genios. Tal vez ellos menos que nadie.”
- Clavel (1972)

CLAROSCURO
El barroco es un estilo con contrastes acusados, gran libertad creativa, exageraciones pasionales y
teatralidad. Uno de los aspectos pictóricos más aparentes y meritorios del estilo barroco es el claroscuro,
llamado a veces tenebrismo. Consiste en hacer incidir la luz sobre objetos y personajes, creando unos
efectos potenciados de luces y sombras que determinan una atmósfera y una perspectiva que llaman
mucho la atención.
En épocas antiguas, las escenas se representaban sin tener en cuenta la luz y su contrario: la sombra. Es
realmente difícil pintar los efectos lumínicos ya que son muy sutiles y obligan a matizar finamente la gama
tonal de los colores, más apagados o más encendidos según la incidencia de la luz sobre ellos.
Existen también las dificultades añadidas de diferenciar la luz natural de la luz artificial y de definir el foco
emisor de luz (cenital, lateral, central, etc)
En el barroco la luz se hace muy efectista y no importa que refleje fidedignamente la realidad. Importa
más lo impactante, los contrastes brutales entre luces y sombras y la iluminación exagerada de lo que se
desea resaltar, un personaje, un objeto, una estancia…El claroscuro lo podemos encontrar en otros periodos
artísticos pero nunca tan subrayado como en el barroco.
En ocasiones la diferencia entre superficies iluminadas y no iluminadas es total, apareciendo por ejemplo
un rostro o un cuerpo bañado en luz y un fondo negro. Sabemos que esto no se da en la realidad puesto
que las transiciones luz-sombra son más progresivas y matizadas, pero los artistas barrocos persiguen lo
exagerado y brusco, convirtiendo esas transiciones en completos contrastes de algo muy iluminado y lo de
al lado totalmente oscuro. Esta técnica permite resaltar lo que se desea y centrar la atención del espectador
sobre ello, sin distracciones ni dispersiones.

EL TRIANGULO DE REMBRANDT
En fotografía Rembrandt es un tipo de iluminación
dedicado a este gran pintor pues ha sido uno de los
genios de la luz en la pintura.
El principal logro del pintor era conseguir una máxima
definición de luces y sombras, que en el caso del retrato
se traducía en que una parte de la cara estuviese
perfectamente iluminada y la otra en sombra, lo cual
producía la formación de un triángulo de luz debajo
del ojo del modelo en la parte de la cara que está en
sombra.
El esquema de iluminación consta de una luz principal
suave lateral (a unos 45 grados de la cámara) por
encima de los ojos del modelo, para suavizar sombras
se debe usar un reflector para suavizar las sombras en
el lado contrario de la luz principal, a unos 45 grados de
la cámara también, y una luz contra el fondo que nos
ayude a dar más definición y alejar un poco al modelo
del fondo; incluso puedes usar una luz principal más
dura para acentuar los rasgos del modelo.

FINE ART
El Fine Art
En el siglo XIX la fotografía se adentró en la ciencia, las investigaciones y la guerra; la mayor
parte de los fotógrafos no se consideraban “artistas”. En 1860 Julia Margaret Cameron llevó
la fotografía a otro nivel calificando sus fotos en lo que ella llamaba “arte”, usaba luces
intensas y copiaba pinturas de los clásicos para convertirlos en fotografías. Era una mujer
inteligente, había recibido educación en el campo de las artes, aunque no sabía dibujar
muy bien este fue un factor benéfico para poder impulsar su talento en la fotografía. A decir
verdad, la fotografía no era considerada “arte” ni era bien recibida en las galerías, fue hasta
el siglo XX por medio del fotógrafo Alfred Stieglitz quien luchó durante toda su carrera para
que la fotografía fromara parte del arte como una escultura o una pintura, para empezar
exploró capacidades propias como la composición, la textura, de esta manera pasó del
pictorialismo a la fotografía directa.
Literalmente Fine Art traducido del inglés significa Bellas Artes, recordemos que la fotografía
es la novena de las bellas artes. Para que una fotografía sea considerada así se consideran
varios aspectos entre ellos: el tema utilizado, la composición, la seriación de la fotografía,
así como también el método de reproducción; pues se debe asegurar que perdure al paso
de los años.
Existe una técnica para imprimir considerada la mejor para reproducir obras de arte originales;
impresión Inkjet.

FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA
Paulina Duczman
“Mi objetivo es crear fotografías que sean obras
de arte y que capturen la mejor versión posible
de usted, retratos que hacen una declaración
audaz pero que tiene una sutileza y un sentido
de atemporalidad. Me encanta capturar el estado
de ánimo y la emoción, mi cosa favorita
en el mundo es capturar los ojos del cliente.
Para mí, esta es la forma de tocar y encontrar
su alma”
-Paulina Duczman (2019)
Es una fotógrafa polaca de 35 años radicada
en el Reino Unido en los últimos 14 años,
ganadora de distintos premios. Su trabajo se
divide en dos partes principales: Ofrece sesiones
de fotografía de Fine Art y también imparte
mentorías a fotógrafos interesados en
su estilo particular.
Inició en la fotografía como una coincidencia
en las vacaciones del 2014 cuando decidió
dejar de tomar fotografías móviles y compró
una cámara Nikon con el kit básico, de esta
manera se inició en el mundo de la fotografía.
Es usuario de la marca Nikon, los modelos de
sus cámaras son: D5, D810 y D850. Sus lentes
favoritos son: Nikon 105 mm, 58 mm y el
35mm 1.4 sigma art.

ESQUEMA DE ILUMINACIÓN
Izzie
Fotografía de Fine Art tomada con sigma art 35mm
1.4 usando una sola luz de estudio.
Olivia
Fotografía de Fine Art tomada con sigma art 35mm
1.4 usando una sola luz de estudio.
Sadie
Fotografía de Fine Art tomada con sigma art 35mm
1.4 usando una sola luz de estudio.

LA POSTPRODUCCIÓN
La postproducción
La postproducción fotográfica o retoque digital es la técnica por medio de la cual se consigue una mejora del color, la
textura, densidad mediante luces y sombras, contraste y nitidez de la imagen para mejorar su calidad y realismo. Aquí presentamos
dos tratamientos apliacados en las fotografías de Paulina Duczman mediante las cuales se perfecciona la piel
de los modelos y el efecto volumétrico de la luz.
Separación de frecuencias
Es una técnica aplicada desde el programa de edición photoshop usada con frecuencia para hacer limpieza del cutis de
rostros femeninos, en fotografía de moda. Como su nombre lo indica es la separación de dos capas; la capa de textura y la
del color tratadas individualmente con el fin de que al hacer tratamientos específicos sin perjudicar la otra capa.
La imagen tendrá dos copias, una capa de color y otra llamada textura, la capa de color se encargará de unificar el color
desvaneciendo manchas o por ejemplo en el caso de las ojeras; la piel se unificará creando una mejor apariencia. Por otro
lado, la capa textura nos ayudará a sacar las imperfecciones como barros sin que el color sea modificado o se vea alterado
al clonar ciertas zonas.
Dodge and Burn
Es una técnica que ha sido usada desde la época del cuarto oscuro. Como su nombre lo dice consta de aclarar y oscurecer
zonas de una fotografía. Los principales objetivos de hacer esto son los siguientes:
- Se aclararán las zonas iluminadas y las de sombras se verán más oscuras, de esta manera conseguiremos más volumen
en los retratos.
• Aclarar sombras y oscurecer altas luces, al hacer esto se creará un estilo de iluminación mucho más plano.
El ejemplo más claro es como se puede convertir un circulo rojo en un botón o algo tan volumétrico como una esfera.
Viendo la técnica desde el mundo del maquillaje, es el equivalente al contouring este tipo de técnica se usa para favorecer
el rostro. Las luces y sombras serán marcadas de la siguiente manera:
• Sombras: Delinearemos el óvalo de la cara, el borde del tabique nasal, las sienes, la zona baja del pómulo y los lados de
la barbilla. También se suele añadir un toque de sombra en el rabillo del ojo para darle más profundidad.
• Luces: Iluminaremos la zona T de la cara (frente y tabique nasal), la punta de la nariz y de la barbilla, los pómulos, la zona
superior del labio, la zona de las ojeras y por debajo de las cejas.

Bibliografia
Backman, M. (1991). Sophistication: Rhetoric and the Rise of Self-Consciousness. Ox Bow Pr.
Dubois, P. (1986). El acto fotográfico de la representación a la recepción. (G. Baravalle, Trad.) España:
Ediciones Paidós.
Gombrich, E. H. (2010). Historia del Arte. Oxford: Phaidon.
Hammacher, A. (1974). Arte Flamenco y holandés (Vol. 3). (A.M.Salazar, Trad.) Italia: Grolier. Recuperado
el 6 de noviembre de 2019
Lipovetsky, G. (25 de 01 de 2015). Gilles Lipovetsky: ‘La gente común no halla ya la felicidad en el
súper, por eso escribe o hace fotos’. (E. Pita, Entrevistador) Obtenido de EL MUNDO: https://www.
elmundo.es/cronica/2015/01/25/54c39959e2704e8d4c8b457c.html
Montero, J. (2002). Catarsis visual. El diseñador gráfico como agente de cambio social. Revista Estética.
Recuperado el 10 de Septiembre de 2019, de https://go.gale.com/ps/anonymous?id=GA-
LE%7CA164327893&sid=googleScholar&v=2.1&it=r&linkaccess=abs&issn=18561276&p=IFME&sw=w
Rosario Camacho, C. B. (s.f.). El arte Barroco. España: Promolibro, S.A de C.V.
Schwartz, G. (1940). First impressions Rembrandt. New York.

MARÍA SANDRA JAIME JIMÉNEZ
PRESENTACIÓN DE TRABAJOS
SEMESTRE AGOSTO - DICIEMBRE 2019