Areíto sábado 08 de mayo del 2021

Areíto
Isla
Abierta
ESCRIBE JUAN ESPÓSITO RODRÍGUEZ
Los matrimonios de José
Vela Zanetti
Pá g i n a 4
w w w. h oy.co m .d o
Editor: Bavegado
Diseño: Willis Humberto Aracena Martínez
S Á BA D O 8.05.2021
El muralismo
Pá g i n a 6
¡ R E TO R N O
ESPLENDOROSO
DE ALEJANDRO
SA N TA NA
Cada una de estas obras de Alejandro
Santana opera y dialoga más allá del
taller o las salas de exposiciones, pue s
la mirada sensible del espectador deviene
automáticamente en abertura, intersticio
y resguardo de resonancias de su propia
capacidad simbólica. Pá g i n a 8
Nuestro malestar
histórico: la
comprensión de
Byung-Chul Han
Hegel y el poder. Un ensayo sobre la
amabilidad (2005). En la novedosa
lectura que Han realiza de Hegel
-autor siempre mentado, muchas
veces denigrado y rara vez leído- es
muy probable que sea el primero en
asociar poder y libertad. Pá g i n a 2
EL INDOMABLE
ESPIRITU DE
CARLOS CRUZ-DIEZ
POR EL RETORNO DEL CINETICO
MONUMENTO CANQUIÑA Página 3
Iris Pérez Romero:
resiliencia desde
el encierro
Las obras peri pandémicas de Pérez
Romero no pretenden calcar, a nuestro
modo de ver, los secretos del dolor
corporal propio o ajeno; más bien ellas
revelan en el lienzo lo que la artista vivió
durante este periodo sin precedentes de
nuestra contemporaneidad...Pá g i n a 5

Sábado 8 de m ayo
2 H OY de 2021
A RE Í TO
FERNANDO I. FERRÁN PROFESOR-INVESTIGADOR PU CM M /
Aporte
Nuestro malestar histórico:
la comprensión de
Byung-Chul Han
“¡Lo igual no duele!“, Byung-Chul Han
Elensimismado individualismo narcisista
lleva a la civilización contemporánea
a “una época de conformismo
radical” en la que se procura a
toda costa la igualdad.
“Cuanto más iguales son las personas,
más aumenta la producción; esa es la lógica
actual; el capital necesita que todos seamos
iguales, incluso los turistas; el neoliberalismo
no funcionaría si las personas fuéramos
d i s t i n t a s”.
En ese tiempo, el mal-estar se manifiesta
por medio de un sistema de producción
mejor que voluntariamente priva
a uno mismo del libre disfrute de tiempo
útil, así como de la convivencia con el
resto de sus coetáneos.
Pleno de sinceridad, Han escribe que él
no sabe bien cómo salir de ese encierro. El
profesor de Berlín a lo más lega una intuición,
similar al grito nietzscheano por medio
del cual se nos enrostra que como sujetos
moralizados hemos llegado a ser incapaces
de jugar sin culpabilidad alguna como niños[1]:
la vida humana es para vivirla, gozarla
y disfrutarla, y no para sobrevolarla al
margen de ella. Por ello mismo, necesitamos
revolucionar el empleo del tiempo.
“La aceleración actual disminuye la capacidad
de permanecer: necesitamos un
tiempo propio que el sistema productivo
no nos deja; requerimos de un tiempo de
fiesta, que significa estar parados, sin nada
productivo que hacer, pero que no debe
confundirse con un tiempo de recuperación
para seguir trabajando; el tiempo trabajado
es tiempo perdido, no es tiempo
para nosotros”.
Propuesta sublime y aún más excelsa si
incluyera todos jugar natural y espontáneamente,
alejados del egocentrismo narcisista
del que por ahora ni siquiera nos libera la
creación artística o la contemplación estética.
Dicha vía sería el mejor modo para superar
el mero estar en la Red, donde no escuchamos
al otro, aun cuando nos apresuremos
a repetirlo o desdecirlo.
Aquella intuición -fruto del malestar- sirve
de bisagra o piedra angular de los más
diversos temas expuestos en las principales
obras de Byung-Chul Han.
A seguidas abro un largo paréntesis para
presentar una escueta reseña de sus
principales obras ya publicadas y alguna
de las ideas ahí consignadas, en tanto que
a mi entender develan nuestro malestar
histórico. Esta es la primera reseña de una
larga lista de ensayos.
- Hegel y el poder. Un ensayo sobre la
amabilidad (2005).[2] En la novedosa lectura
que Han realiza de Hegel -autor siempre
mentado, muchas veces denigrado y rara vez
leído- es muy probable que sea el primero en
asociar poder y libertad.
Por lo general el poder es identificado con
la coacción, la opresión, la fuerza imperiosa
o la violencia. Por supuesto que puede venir
acompañado por determinados rasgos característicos
de mera imposición, pero según
el autor no siempre depende ni se funda
en ésta pues el poder congrega y aúna no
separa ni divide.
También es falso que el poder excluya la
libertad. La magnitud del poder no se
muestra solo en el “n o” sino en el “sí”, o
mejor dicho en el múltiple viraje desde el
no hacia el sí. Y eso así porque la manera
auténtica de manifestarse el poder es la
concordia, no la discordia. Para reconocerlo
baste recordar las palabras de Tayllerand
al prototipo de héroe histórico de Hegel,
Napoleón Bonaparte, cuando le advirtió
que “las bayonetas sirven para muchas cosas,
menos para sentarse sobre ellas”.
Pero si el poder no es violencia y menos
aún abuso, vejación, dominación o subyugación,
en tanto que ejercido por el Estado
de derecho (germánico según Hegel) es autoridad,
no represión y menos tiranía. He ahí
su diferencia esencial frente a otras realidades
como la violencia y la opresión. Como la
autoridad que refuerza, el poder es incapaz
de valerse de cualquier tipo de arbitrariedad,
culto personalista o pompa monárquica o
presidencial con el propósito de anular al ser
histórico y devastar por vía de consecuencia
lo que Hegel denomina la “e t i c i d a d” (Sittli -
chkeit) del Espíritu objetivo que retiene en y
para sí el derecho y la moral.
En ese contexto hegeliano Han puntualiza
el poder como amabilidad en el lógico
transcurrir de pueblos advenidos a una formación
estatal de derecho nacional, es decir,
no internacional. En tanto que Estado moderno
de derecho nacional, cada uno de estos
procede de manera independiente y permanece
relativamente hablando al margen
de las inevitables rupturas que implican -a
través de los interregnos históricos- el resurgimiento
de la brutalidad y la barbarie que
escenifican las interminables guerras entre
Estados en sí igualmente soberanos en el
magno escenario de la historia universal.
El poder sito en ese gran teatro nacional se
define -en función de las necesidades e intereses
de cada integrante de la sociedadmediante
un intrincado tejido social hilvanado
por las relaciones socioeconómicas y
políticas de los actores, actuando a nombre
propio o institucional.
La clave para entender que Han conciba
el poder como amabilidad -y no tanto como
razonabilidad de las leyes y normas de una
sociedad, siguiendo a Hegel- está circunscrita
a este fenómeno: el sujeto humano no
es tan racional como se presupone. Y por eso
reconsidera la naturaleza del poder, pero
ahora sin privilegiar ni limitarse a su racionalidad.
Si cada individuo encerrado en sí
mismo queda racionalmente habilitado y
existencialmente posibilitado a excederse y
continuarse en los otros esto se debe al poder
aquí dinamizado por medio de su dimensión
amable.
Así, pues, debido al poder cada uno consigue
en el seno de un Estado de derecho -sin
por ello forzar ni atropellar u oprimir a los
demás- prolongarse y extenderse a sí mismo
en los otros sin que tal prolongación suponga
violencia, avasallamiento u opresión. Precisamente,
para Han la máxima expresión
del poder significa la amabilidad y aparece
allí donde uno se somete al otro voluntaria,
l i b re m e n t e. [ 3 ]
Así se entiende que Han concluya que el
“poder libre” del que se ocupa Hegel es un
pleonasmo. “La incondicionalidad del sí es
la infinitud del poder. La palabra-del-poder
de Hegel, eres carne de mi carne¨, sella la
continuidad del sí-mismo”. Gracias al poder,
de sus entrañas brotan la amabilidad y sus
adláteres de simpatía y compasión como
vínculos entre todos los sujetos reencontrados
gracias precisamente al poder. Y gracias
a la misma compleja amabilidad cada ser
humano -aun estando permanentemente
acosado por sus propios deseos y necesidades-
termina evitando el encierro que le impone
su propio egocentrismo narcisista.
A todas luces, Han explaya la argumentación
hegeliana y la desborda de manera
innovadora. Quizás, lo inspiró para ello esta
sabia evocación de Nietzsche quien escribió
epistolarmente a Erwin Rhode, que “la fruta
cae del árbol sin necesidad de un golpe de
viento... Con toda calma cae y fecunda. Nada
ansía para sí y lo da todo de sí”[4].
En cualquier hipótesis, lo significativo es
que el poder como acto bruto de imposición
puede ser transformado. Esa posibilidad
irrumpe de la mano de la amabilidad,
cuyo rasgo esencial es que “no necesita la
vuelta a sí mismo desde lo otro”. Debido a
esa compleja propiedad de la amabilidad
del poder constituido en autoridad no solo
firme -pues también es amable y compasiva-
la tendencia a la estatización del poder
en el mundo contemporáneo es capaz
de trascender su tendencia absolutista de
continuar siendo una versión moderna de
la mónada de Leibniz[5] y entonces brindar
espacios no solo a lo uno, sino también a lo
múltiple y a lo marginal.
Si de la amabilidad emana un movimiento
de simpatía distinto al de cualquier
fuerza bruta que denote negación u oposición
a la alteridad, entonces es menester
que el mundo presente se vea conmovido
por un poder original que detenga la involución
característica de cualquier voluntad
limitada en sí misma.
Al fin y al cabo, el poder entendido como
amabilidad en medio de las relaciones sociales
abre y expone a cada sujeto a los demás;
y así, no solo humaniza el poder, sino
que lo hace comprensible y aceptable como
factor fundamental de la reconstrucción
social. Darse y excederse en y al otro,
sin esperar volver a sí mismo de ninguna
forma, es el desprendimiento capaz de
fructificar en una amabilidad ilimitada de
poder, tal y como lo discierne Byung-Chul
Han a partir de Hegel.
En síntesis
[1] Ver las tres transformaciones del espíritu -de
camello moralista, a león crítico y revolucionario,
hasta convertirse filnalmente en un niño inocente,
natural y juguetón- según Federico Nietzsche en: Así
habló Zaratustra. Edición de Andrés Sánchez
Pascual, Madrid, Alianza, 2003
[2] Byung-Chul Han: Hegel und die Macht. Ein
Versuch über die Freundlichkeit. Wilhelm Fink,
Paderborn 2005. Edición en castellano: Hegel y el
poder. Un ensayo sobre la amabilidad. Barcelona,
Herder 2019.
[3] De su lado Hegel había privilegiado ese
fenómeno, -pero sin recurrir a la amabilidad ni en
el mundo subjetivo del individuo ni en el objetivo
de la familia, de la sociedad y del Estado político-, a
partir de la dialéctica del amo y el esclavo;
particularmente cuando éste último ocupa
conscientemente la posición servil como forma de
eludir consciente y voluntariamente la muerte.
Subjetivamente, la disolución final del conflicto
adviene con la superación de esa dialéctica en la
autoconciencia de cada uno que se abre así a la
cultura (“Bildung”); y, objetivamente, la superación
del conflicto surge en el mundo del derecho -que
tiene por cima el Estado de derecho nacional,
siendo las guerras internacionales (a no ser
confundidas con las revoluciones sociales) que
surgen en la historia universal cuantas veces dos o
más naciones reproducen dicha dialéctica tratando
las unas de imponer a la fuerza su derecho e
intereses a las otras. A este propósito, ver Hegel:
Fenomenología del Espíritu; traducción de
Wenceslao Roces, Fondo de Cultura Económica,
1994; Filosofía del Derecho, Buenos Aires, Editorial,
1968; Enciclopedia de las Ciencias Filosóficas:
Lógica, Naturaleza y Espíritu; traducción de
Francisco Larroyo, Porrúa, México, 1990.
[4] Friedrich Nietzsche: Werke IV, Briefe 1861-1889),
Frankfurt, Ullstein Buch, 1969.
[5] Gottfried Wilhelm Leibniz: Monadología, (edición
trilingüe), Oviedo, Pentalfa Ediciones, 1981.

Sábado 8 de m ayo
A RE Í TO de 2021 H OY 3
CARLOS FRANCISCO ELIAS
Papeles del trópico
EL INDOMABLE
ESPIRITU DE CARLOS
C RU Z- DI EZ : POR EL
RETORNO DEL
CINETICO
M O N U M E N TO
CANQUIÑA .
Carlos Cruz-Díez, artista de fama mundial, que ha pintado calles por el
mundo, artista de fama universal; con ese sobrino-nieto de Juan Pablo
Duarte, este país tiene una larga deuda y nos salvamos, porque a pesar
de todo: lo toma a chiste, modo generoso de no maldecirnos. ¿Lo
merecemos? … CFE / 2017. Areito de Hoy.
Recuerdo haber escrito entonces:
Maestro loco de contento por su
presencia aquí, ilusionados como
niños con un cándido Tiovivo
nuevo tanto tiempo esperado,
o una canquiña traída de Venezuela a Villa
Duarte, usted nos hace habitantes afortunados
de su famoso cosmos cinético.
Bordeando a distancia los silos afortunados,
habrá que acudir a la frase prodigiosa de
reafirmación de la ciencia astronómica en
los siglos: sin embargo, se mueven.
Constatación que llama a la curiosidad,
cuando uno busca el efectismo por todos los
rincones de esta ciudad, hoy con nuevo monumento,
que borra la dolorosa memoria
del 1965, cuando la mirada telescópica del
Marine Douglas, apostado en los saquitos
verdes, hiciera famosa la frase: «Están tirando
de los molinos». CFE / 1993 El Nacional...
ELIPSIS: SANTO DOMINGO, REPUBLICA
DOMINICANA DESDE LA PISCINA DE AL-
GUN HOSTAL -2021...(*)
Cuando usted se sumerge en la piscina de
ese lugar, y mira desde el agua hacia la parte
frontal del rio Ozama, en el vacío de lo blanco
pintado, en la noche o en la tarde, mucho
más en el día, se nota que algo ha sucedido
en el frente, algo se ha violado, los ojos no
dan crédito a lo que se observa: espacio
muerto, el río Ozama en duelo por su amigo
de colores mágicos, que en sus aguas jugaba.
En todos estos días, he intentado hacer el
ejercicio de mirar en las noches el lugar de la
masacre y al mismo tiempo la cobardía de
tantos gobiernos, que nunca supieron valorar
lo que es un monumento a una nación.
La cobardía del analfabetismo oficial, que
nos ha revelado el retrato triste y paupérrimo
de una clase política, que da lástima en sus
ejercicios " intelectuales " a propósito de la
materia de estética, cortedad de miras, no
hablemos de las excepciones, sabemos que
existen, que da pena son los más que no entienden
que el poder es también para educar
y hacer avanzar los conocimientos de las
personas, con menos oportunidades de entender
el valor del arte público, el embellecimiento
urbano y el aporte que todo ello
hace a la idea de nación.
Hago constar que fue un texto de mi autoría
que le bautizó como Monumento Canquiña,
cuando en 1993 analizaba como esa
obra había borrado la sangre y los malos recuerdos
del 1965.
¿Pero quién hizo la obra?...
¿Quién con tanta humildad nos la regaló?...
He aquí su historia.
CARLOS CRUZ-DIEZ ENTRE NOSOTROS,
QUEDA SU ESPIRITU Y SU SONRISA.
En esta historia que se va narrar, es posible
que Albert Einstein sin saberlo se quede
corto y se verá cómo la incultura maldita, la
ignorancia toda, puede dejar a videntes sin
ojos y sin luces al frente.
Carlos Cruz Díez nació, para divertirse, en
Caracas un 17 de agosto de 1923, casi coetáneo
con Rafael Landestoy Duluc-Bullumba-…
Contó que una tarde en pleno corazón del
llano venezolano descubrió matices de las
luces, él con la gracia y el encanto de una
persona que tiene 94 años, aún narra como
si tuviera 17, y dice:
“Porque a mí me marcó la primera vez
que fui al llano y como a las cinco de la tarde
comenzó a bajar el sol y todo se volvió naranja.
Los árboles dejaron de ser verdes, la
tierra ya no era marrón, el cielo no pintaba
de azul… ¡todo era naranja! Eso quedó grabado
en mi mente” Eso afirmaba.
(Carlos Cruz-Díez, la vida en el color, documental)
El maestro que alguna vez estuvo entre
nosotros y con orgullo junto a Martín López,
fuimos sus anfitriones, a inicios de los años
90 del siglo XX, tenía la obsesión propia de
quien tiene el segundo apellido del fundador
de nuestra República, en más de una ocasión
hablaba jocosamente del tema.
Porque Juan Pablo Duarte y Díez era su tío
abuelo, él vino a regalar una obra en 1993, a
la tierra de su pariente, esa es parte de la
historia.
LA OBRA Y LA ILUSIÓN: LOS MOLINOS O EL
MONUMENTO CANQUIÑA.
Como se recordará, Carlos Cruz-Díez visitó
la República Dominicana en los años 90,
con el fin de hacer una obra cinética, en su
mejor estilo multicromático.
Los silos de los molinos dominicanos fueron
escogidos por varias razones:
A) La obra tenía una perspectiva urbana
interesante, vista desde la parte colonial hacia
Villa Duarte.
B) El río Ozama divide el lugar de donde
estaría el monumento, y en sus espejos el
toque pluvial daría fuerza al cientismo de los
colores, tal como fue.
C) La avenida Francisco Alberto Caamaño
Deñó serviría entonces de eje de movimiento
visual para todos aquellos que, circulando
en un carro o a pie, viniese de la Ciudad Colonial
hacia Villa Duarte, como fue: chocaba
visualmente con el monumento, tenía la
sensación visual de que se movía.
Con toda honestidad: ¿Que esperamos
para recuperar de nuevo lo que nos pertenece?
La respuesta la tiene el nuevo gobierno, el
Ministerio de Cultura y el Ministerio de Turismo.
¿O pasará igual que siempre? (CFE)
(*)...
Técnica narrativa y cinematográfica que
consiste en la supresión de algún acontecimiento
dentro de la linealidad temporal del
relato o la historia.

Sábado 8 de m ayo
4 H OY de 2021
A RE Í TO
CÁPSULAS
GENEALÓGICAS
w w w. i d g.o rg.d o
Los matrimonios de
José Vela Zanetti
Por Juan Espósito Rodríguez
José Vela Zanetti nació el 22 de mayo
de 1913 en Milagros, localidad de la
provincia de Burgos, España. Fueron
sus padres el veterinario Nicóstrato
Vela Esteban y María Zanetti de Cal.
Pintor y muralista, arribó exiliado a la
República Dominicana tras concluir la
guerra civil española, conflicto que le había
costado la vida a su padre. Durante su
prolongada estadía en nuestro país cimentó
su fama en el mundo del arte por
sus murales, hoy esparcidos a lo largo del
territorio nacional, como lo son los del Palacio
Consistorial del Distrito Nacional, el
Palacio de Justicia de Ciudad Nueva, el
Castillo del Cerro en San Cristóbal, el Monumento
a los Héroes de la Restauración
en Santiago, el Hospital Dr. Salvador B.
Gautier, el Palacio Nacional de Bellas Artes,
edificios de las diferentes facultades
de la Universidad Autónoma de Santo
Domingo y la Basílica Nuestra Señora de
la Altagracia en Higüey, entre otros.
Pero no solo dejó una valiosa estela artística,
sino que también contrajo matrimonio
en dos ocasiones durante su permanencia
en República Dominicana: la
primera en San Cristóbal, el 31 de agosto
de 1950, por ante el oficial civil Manuel
Marcelino Nivar, con Sprintza Goldberg
Kornberg (n. Polonia, 28 de noviembre de
1913), ciudadana española e hija de Jacobo
Goldberg y CaroleKornberg, domiciliados
en Santiago de Chile. Casaron en
presencia del licenciado Barón F. Sánchez
Lajara, Procurador General de la Corte de
Apelación de San Cristóbal; Manuel María
Seijas, gobernador civil de la provincia
Trujillo, Altagracia Añil de Sánchez y Luis
Gordo González.
En esta ocasión declaró que su madre
estaba domiciliada en Ciudad de México,
donde aún residía en 1954, y fueron legitimadas
las mellizas Carmen y Consuelo
Vela Goldberg, nacidas en Santo Domingo
en 1940.
La segunda fue en Santo Domingo,
donde se desempeñaba como director de
la Escuela Nacional de Bellas Artes, el 19
de enero de 1954 por ante el oficial civil
Emilio E. Ravelo con María de la Esperanza
de las Cuevas y Canillas (León, España,
25 de marzo de 1916 – Madrid, 5 de
abril de 2004), domiciliada en Basilea,
Suiza, e hija de Juan María de las Cuevas y
María Canillas, ambos fallecidos entonces.
Fueron testigos del enlace los ingenieros
Juan Antonio Caro Álvarez y Samuel
Salustiano Conde, el escultor Antonio
Prats Ventos y el doctor HoriaTanasescu,
todos residentes en Santo Domingo;
Juan Cristóbal, domiciliado en Madrid,
y el ingeniero Felipe Guerra Peña,
domiciliado en México.
De este matrimonio nacieron en Santo
Domingo los también mellizos María del
Camino y José Nicóstrato Vela de las Cuevas
en 1955.
Posterior a su estadía en el país, plasmó
su obra mural a lo largo de América y Europa,
introduciéndose así en los anales de
la historia pictórica de Colombia, Puerto
Rico, México, Estados Unidos, España,
Italia y Suiza.
Jose Vela Zanetti regresó a España en la
década de 1960. Paso a una mejor vida en
su natal Burgos el 4 de enero de 1999.
MU-KIEN ADRIANA SANG BEN E n cu e n tro s
¡Mi pobre Hostos!
Honorable diputado
retire su proyecto
“Las pasiones del hombre ¡Cómo nacen, ¡cómo
crecen! Una chispa las crea, un soplo las
inflama . ”
“El deber es el freno de la conciencia. Sin él
la conciencia se desboca.”
“El tiempo es vida y consumir el tiempo en
no hacer lo que se debe es consumir inútilmente
la existencia.” Eugenio María de
Hostos
Leí estupefacta e incrédula en la
prensa que el diputado Orlando
Salvador Jorge Villegas, diputado
por la Circunscripción 1 del Distrito
Nacional del Partido Revolucionario
Moderno (PRM), había
sometido a la Cámara de Diputados, un
proyecto de ley que proponía el cambio del
nombre del Parque Eugenio María de Hostos,
para que en lo adelante se denomine,
Parque Eugenio María de Hostos Memorial
Jack Veneno, en honor a esta leyenda de la
lucha libre dominicana. Su argumento es
que ese lugar icónico de nuestra ciudad fue la
sede de las peleas más emblemáticas del luchador
y la historia de dicho parque se encuentra
muy arraigada a su carrera deportiva.
No niego que Jack Veneno fue una figura
de la lucha libre. No le quito su valía deportiva
ni la simpatía que generó en una gran
parte de la población. Pero por favor, por favor,
por favor, POR FAVOR, no mancille el
nombre, la memoria de un hombre que sin
interés alguno, fue clave en el desarrollo de
nuestra educación y que dejó como herencia
a la humanidad una serie de obras que todavía
hoy, en el siglo XXI, tienen validez y
constituyen una referencia ética, en este
mundo plagado de intereses económicos,
corrupción y sustitución de valores. Mientras
hoy en día se difunde que el TENER MU-
CHAS COSAS es el símbolo del triunfo, para
Hostos, que murió prácticamente en la miseria,
lo más importante era una actuación
basada en valores éticos y su lucha, aquí y en
América Latina, para educar al pueblo para
que salgamos del ostracismo y la ignorancia.
Al leer la intención del honorable diputado,
me pregunté: ¿Qué tienen que ver Eugenio
María de Hostos y Jack Veneno? ¿En
qué cabeza puede caber esa mezcla eclécticamente
absurda? ¿Acaso olvidó
el “honorable” diputado
‘‘
No niego
que Jack
Veneno fue una
figura de la lucha
libre. No le quito
su valía deportiva
ni la simpatía que
generó en una gran
parte de la
p oblación
quién fue el insigne educador
puertorriqueño y universal? ¿No
recuerda que Hostos fue el responsable,
junto a la gran Salomé
Ureña de la reforma educativa
más importante en el siglo XIX
dominicano?
Eugenio María de Hostos nació
en Mayagüez, Puerto Rico,
en 1839. Murió en la República
Dominicana en el año 1903. Sus
restos están honrados en nuestro
Panteón de la Patria. Tenía
solo 64 años. Su vida entera la
dedicó a escribir y a educar. Dejó
un legado de entrega y sabiduría, pero no
fortuna. Estaba convencido que solo mediante
la educación los pueblos progresarían,
por esta razón viajó por América promoviendo
las reformas educativas.
Llegó a República Dominicana en 1879, y
estuvo hasta 1888, cuando el dictador Ulises
Heureaux, Lilís, le hizo la vida imposible y
tuvo que salir. Apenas un año después de
haber llegado, en 1880, fundó la primera escuela
normal en Santo Domingo. Hostos
afirmaba que la educación debía tener por
objeto formar seres humanos completos,
fue fuesen capaces de construir sociedades
libres. En 1881 fundó la Escuela Normal de
Santiago. Y ya en septiembre de 1884 se graduaron
los primeros maestros normalistas.
Volvió de nuevo al país en el año 1900,
cuando el gobierno dominicano, bajo la presidencia
de Juan Isidro Jiménez, le propuso
reorganizar la enseñanza pública. Fue nombrado
Inspector General de la Enseñanza
Pública. Continuó con su labor efectiva educativa,
pero murió tres años después. Este
brevísimo recuento solo habla de su labor
educativa en nuestro país.
Trabajador como era, fue un prolífero escritor.
Sus obras abarcaban temas de filosofía,
sociología, educación y política. Las más
conocidas son las siguientes: Moral Social,
Tratado de Sociología, Meditando, La educación
científica de la mujer, La peregrinación
de Bayoan, solo para mencionar algun
o s.
De mis lecturas sobre Hostos la que más
me ha gustado y ratificado a través de los
años ha sido, su obra “Moral Social”. El libro
está dividido en 38 capítulos, divididos en
dos grandes partes. En la primera parte Hostos
señala que las personas que
integran una sociedad tienen
deberes que cumplir; y en la
segunda está constituida por
ensayos que hablan acerca de
la moral y de la vida. El filósofo-educador-intelectual
defiende
que lo ético debe normar
la vida de la sociedad, y,
especialmente, los vínculos
entre las personas de una sociedad,
e incluso entre las naciones.
Defiende la función ordenadora
y armonizadora que todos
debemos asumir para lograr
una verdadera convivencia humana.
Señor diputado Orlando Jorge Villegas,
retire su proyecto. Busque otro lugar para
hacer ese memorial. Vaya al pabellón donde
se realizan los torneos de lucha libre y haga
allí su memorial. Ponga las fotos que quiera
con las medallas de campeón, ponga bustos, lo
que sea, haga si quiere un museo, pero no lo
haga en el parque Eugenio María de Hostos.
Nuestro país debe no solo reconocer agradecido
el aporte de este soñador de la educación
y luchador incansable por un mundo
mejor; sino y sobre todo, rescatar su figura
para que las generaciones como la que usted
y los demás jóvenes diputados que ganaron
las elecciones, conozcan y veneren a los
hombres y mujeres que se sacrificaron y nos
regalaron un legado que debemos venerar.
Haga un proyecto de ley para que ese parque,
abandonado a su suerte, sea remodelado
y se construya ahí un pequeño museo-monumento
en memoria de ese gran
educador y filósofo que tanto hizo por nuestro
país.
“El individuo es a la vez causa y efecto de
la sociedad; causa, porque sin él no existiría
ella; efecto, porque sin ella no podría él cumplir
sus fines.”
EUGENIO MARÍA DE HOSTOS

Sábado 8 de m ayo
A RE Í TO de 2021 H OY 5
JOCHY HERRERA/
Aporte
Iris Pérez Romero:
resiliencia desde
el encierro
Corral de los apestados, Goya. 1810.jpg
Los seres humanos tenemos el arte
para que la verdad no nos haga caer.
Ni etz s ch e
“…Los negocios cerrados, calles desiertas.
Faltan médicos, muertos sin
asistencia. Huye el que puede…” Es -
tos cuasi apocalípticos comentarios
aparecían en el diario de un testigo que el 9
de abril de 1871 documentaba los estragos
causados por la Fiebre amarilla en la ciudad
de Buenos Aires. Año fatídico para la creciente
capital de la Argentina decimonónica
víctima de la transmisión epidémica de un
mal que debió enterrar a más de 15 mil habitantes,
la décima parte de su población,
contagiados por viajeros provenientes de
Brasil, o por soldados que retornaban desde
Paraguay concluida su participación en los
conflictos bélicos de la región. Tales acontecimientos
serán plasmados por el uruguayo
Juan Manuel Blanes, ¿el “pintor de la Patria”?
en un poderoso óleo que tituló “Un
episodio de la fiebre amarilla en Buenos Aire
s”, hoy exhibido en el Museo Nacional de
Artes Visuales montevideano.
Un siglo antes que Blanes, ya Goya había
vertido en el perímetro de la tela su preocupación
por las miserias provocadas por las
epidemias en jóvenes y mayores por igual; lo
hizo en un revelador grabado, Corral de
apestados, donde el maestro aragonés resaltaba
el abandono del enfermo en las solitarias
salas hospitalarias, como acontecía
con frecuencia en épocas de pestes. Sus trazados
estremecen al observador quien es sacudido
por imágenes de moribundos desahuciados,
apilados unos contra otros, mientras
algunos menos desafortunados se cubren
la nariz a fin de evitar la pestilencia que
emana de los cuerpos putrefactos. Esta tétrica
escena contrasta con el símbolo esperanzador
de la luz que proveniente de una
ventana, ilumina el grisáceo entorno de
aquel espacio y la erguida figura de una mujer
que se ha incorporado a fin de enfrentar
la desazón aquí revelada.
Son muchas las consideraciones que, sobre
la relación entre arte, ciencia, y enfermedad
han argumentado críticos y sociólogos
por igual; destacan las que califican a la
pintura como instrumento fundamental en
la documentación histórica de dichos males
o como mecanismo de expresión catártica
para el artífice. Estamos convencidos, sin
embargo, de que en la creatividad del artista
que ha sido provocado por el dolor de sus
semejantes hay un rasgo intrínsecamente
conectado con su intimidad de hombre o
mujer sensible y sensibilizada que humaniza
dicho proceso y la temática que este pueda
abrazar más allá de las condicionantes
mencionadas. Tal es el caso de Iris Pérez Romero
(1967), destacada creadora capitaleña
y directora de la Escuela Nacional de Artes
Visuales.
Hemos dicho en ocasiones anteriores que
una importante característica distintiva de la
obra de Pérez Romero es el hecho de que el
acto de pensar el cuerpo que esta refleja
constituye un robusto ejercicio de razonamiento
sobre el mundo y una prístina revelación
de lo contenido en él. La artista ha
abrazado la veracidad de tal afirmación subrayando
que, en todas sus circunstancias,
favorables o plagadas de miseria, nuestro
cuerpo ha sido útil en tanto que ha representado
el espejo delator de lo que en verdad
somos. Los difíciles tiempos que durante todo
un año hemos vivido como consecuencia
Iris Pérez Romero. Tiempos de Curación, 2020.
de la pandemia no han sido obstáculo para
dar ímpetu a la creatividad y originalidad de
Pérez Romero. Todo lo contrario: la incertidumbre,
el desconsuelo frente a las desoladoras
imágenes de muerte que invadieron
nuestras pupilas, y la necesidad de inventar
nuevas formas de conectividad con el entorno,
han traspasado la magia de la germinación
y la renovación al pincel de esta talentosa
mujer quien, asomada desde su ventana,
ha sido testigo y protagonista partícipe
de la hecatombe.
A dos metros de distancia, Fosa común, y
Tiempos de curación son tres de los trabajos
de Iris Pérez Romero completados durante
los meses de encierro los cuales, según confiesa,
nacieron como ejercicio de resiliencia.
En el primero, la paridad juega un curioso
papel protagónico en tanto que no sólo establece
la aritmética acontecida entre los
mutuos, sino que esta se traduce en la dimensión
de lo colectivo: dos figuras “sepa -
radas” por dos metros aparecen unidas por
sendas cuerdas que interconexas, aproximan
dos regiones corporales relevantes a su
propuesta, la cabeza, hogar del pensar, y el
pecho, refugio del sentir. Hay aquí, ciertamente,
una comunión que sobrevive a pesar
del distanciamiento impuesto por las circunstancias
tras el cual triunfarán, confiamos,
la fraternidad y solidaridad humanas.
Iris Pérez
Romero.
Fos a
común ,
2020.
En fosa común, aquella conducta de alerta
impuesta por el distanciamiento social
hecha evidente en la obra previamente comentada,
ha sido vencida por el bicho; ha
triunfado la parca llevándose consigo miles
de víctimas que debieron ser sepultadas
unas sobre otras ante la nunca vista saturación
de los camposantos. Hay color por
doquier a pesar de la tragedia acontecida: en
la tierra roja que acoge cadáveres azules y
blancos; en las plantas amarillas esparcidas
sobre esta fosa abierta que invita a compartir
la congoja, y en los múltiples ojos que observan
la escena, reminiscente, no cabe duda,
de las imágenes de New York, Lombardía
o Madrid que aturdieron nuestras conciencias
en aquella funesta primavera de 2020.
Tiempos de curación, por último,alude
al acto de acompañamiento
protagonizado por el allegado
ante el fenecido; al velatorio traducido
en abrazo final, podría decirse,
donde la dignidad del enterramiento
ha sido rescatada gracias a la
presencia del doliente, ceremonial
que nos había arrebatado la ciencia
epidemiológica preocupada por el
riesgo de contagio público.
Las obras peri pandémicas de Pérez
Romero no pretenden calcar, a
nuestro modo de ver, los secretos
del dolor corporal propio o ajeno;
más bien ellas revelan en el lienzo lo que la
artista vivió durante este periodo sin precedentes
de nuestra contemporaneidad: el
desconcierto ante lo que éramos testigos, y
el desgarramiento provocado por la muerte
que desquiciada como nunca, asestaba golpes
por doquier. En una carta ficticia del genial
pintor flamenco Johannes Vermeer dirigida
a van Leeuwenhoeck, constructor del
microscopio y escrita por Zbigniew Herbert,
aparece un relevante párrafo útil para ser citado
a propósito de estos comentarios: “La
ciencia debe aportar conocimientos claros y
seguros, los cuales constituyen la única defensa
contra el miedo y la angustia (…) En cambio,
el objetivo del arte no es solucionar los enigmas,
sino reconocer su existencia con la cabeza
gacha y preparar nuestros ojos para el
deslumbramiento y asombro perpetuos”.
Ciertamente, las consecuencias del Covid-19
en la salud colectiva ha sido nuestra
más ansiada preocupación en tanto que la
comunidad médica ha hecho lo propio en
busca de las efectivas medidas de prevención
que nos retornarán a la normalidad.
Mas la dedicación de aquellos artistas, que
como Iris Pérez Romero no silenciaron el
pincel al tiempo que rescataban lo mejor de
nuestra maltrecha humanidad secuestrada
entre el temor y la esperanza, es reveladora
de la valentíay resiliencia que, no cabe duda,
nos deslumbrará hasta hacernos mejores.

Sábado 8 de m ayo
6 H OY de 2021
A RE Í TO
DELIA BLANCO
De Señal a Señal
EL MURALISMO
El muralismo, es una
alta expresión artística
que nos viene desde
Méjico, como un
movimiento estético y
político a la vez, por la
exaltación de los temas
sociales y culturales que
sellaron la identidad de la
nación mejicana en su
conjunto ético y
antrop oló gico
Es a partir de los años veinte que el muralismo se convierte en un fenómeno internacional fuera de
México.
Manifestado como un movimiento
de arte y conciencia, este fue
creado a principios del siglo XX
por un grupo significativo de
intelectuales y artistas que buscaban una
manera de educar a las masas ,en su mayoría
iletradas.
Su influencia se expandió internacionalmente
caracterizándose con expresiones
singulares observables en la cultura y el arte
chicano que hoy se expresa en toda California
del sur y Nuevo Méjico y Tejas, como
la marca estética y espiritual de la comunidad
migratoria mas notoria del sur de los
Estados Unidos. Con el tiempoyatravés de
los años. el muralismo vino a comulgar con
el urbanismo y la arquitectura para alegrar
las urbes con el encanto de la imagen artística,
intención muy lograda internacionalmente
por maestros que, como Diego Rivera,
Chagall, Picasso, Tamayo, elevaron
grandes instituciones, más allá de su función
administrativa y pública, haciendo de ellas
exquisitos lugares del arte contemporáneo.
Es a partir de los años veinte que el muralismo
se convierte en un fenómeno internacional
fuera de México, debido al éxito de
los grandes maestros de la pintura mexicana
Diego Rivera, Alfaro Siqyeiros, José Clemente
Orozco.
Consideremos también que este movimiento
puso en realce y dejó en evidencia la
presencia de los indígenas mexicanos en el
contexto latinoamericano.
Diego Rivera, el artista más influyente de
aquel momento , tuvo la conciencia de educar
con su arte con obras de gran formato,
colores saturados y figuras con rasgos relevantes
del realismo social.
Toda esta sensibilidad y conciencia, están
expresados en sus frescos y murales, siempre
con una técnica propia, meticulosa, académica
y fina. Sus obras en murales, son la
fusión del arte de vanguardia europea, geometrías
, volúmenes, guiños cubistas y post
impresionistas . En su excepcional factura se
citan tanto el Renacimiento italiano, como la
artesanía de artes y oficios
mexicanos para poder entremezclarse ,y
entregarse al servicio de un resultado visual
propio y único , reconocible, e innovador,
éste siempre manifestó un gran afán en
lograr en sus trabajos efectos emotivos, dando
a sus obras una gran simplicidad gráfica
pero una tremenda intensidad en la expresión.
Sin embargo , Orozco, va a manifestar el
dramatismo de la condición humana, la trayectoria
de los destinos, envueltos en las tragedias
y el sufrimiento. Toda su obra se identifica
con una alta intensidad expresionista
pero también sico emocional sin dejar de
sentirse comprometido con las causas sociales,
pero fuera y liberado de todo dogmatismo
ideológico y autoritarismo. Plasmó
con un gran sentido y fuerza realista sus temas
como por ejemplo el de la explotación
del africano en Las Américas...
Con Siqueiros ,se confirman las tendencias
neorrepresentativas y neo icónicas que
aparecieron a partir de 1960. Le atraía la experimentación
y trabajar con la investigación
y las exigencias de la misma, así logró
crear movimiento a través de diversas líneas
en bocetos hasta alcanzar el resultado. Le
atraía el movimiento, la motricidad y el dinamismo
de las figuras. Por eso, en “El Martirio
de Cuauhtémoc” los guerrilleros en una
pared transversal, nos evidencia una sola
imagen, cuando la arquitectura del edificio
edificó tres muros, pero el artista supo
imponer una imagen llena y no sectorizada
, unificando su lenguaje visual y conceptual
en un discurso único y coherente.
Con estos tres maestros tenemos la representación
del muralismo como un género
artístico de factura universal , de ejecución y
resultado curado y antologado en la historia
del arte del siglo veinte, porque cada uno de
ellos, nunca dejó de cumplir con la autenticidad
de su obra sirviendo con su factura la
idea social y política que defendían, pero
también la conciencia educativa
y humana de lo que un mural debe
de ser para la ciudadanía, conocimiento,
cultura, evocación,
reflexión, meditación, idea y sobre
todo imagen pública de ética
y estética abierta para todos. El
muralismo llama la inteligencia
y la sensibilización artística. En
República Dominicana, V ela Zanetti,
dejó un patrimonio muralístico
que honra una ciudad tan
compleja y en abandono como
San Cristóbal más sin embargo
los frescos y murales de su catedral
atraen visitantes nacionales
y turistas que se asombran frente a ese
tesoro artístico inesperado. La obras muralísticas
de Rincón Mora enaltecen la justicia
por su impacto.
La Catedral de Santiago es un auténtico
templo pictórico.
Pero sucede que el muralismo, como todo
arte de factura confirmada, necesita mantenimiento,
respeto público y orgullo nacional,
para que a través del tiempo perdure y se
mantenga como un patrimonio exclusivo de
la dominicanidad, así como nuestros tres
maestros aquí referidos cumplieron con la
mexicanidad.
El país tiene maestros del fresco y del muralismo
como Said Musa,Toribio, Ramón
Oviedo, Candido Bidó quien dejó un mural
en La Unesco, como también Silvano Lora
quién aportó sus huellas desde la Revolución
de Abril y quien fue único y exclusivo en
crear murales efímeros tanto en el barrio
Santa Bárbara como en la calle del Conde,
compartiendo con el pasante y la ciudadanía
sus ideas y posiciones públicas.
Las autoridades han expresado y manifestado
mucho apoyo al muralismo, tanto en
las provincias como en el Distrito Nacional,
encontramos en el Mirador
‘‘
Cu a n d o
medimos las
facturas de los
maestros dominicanos,
con obras más
Sur, magníficas obras de
maestras como Elsa Núñez,
y nuevas generaciones como
Iris Pérez , Elvis Avilés, Hilario
Olivo, Carlos Hinojosa,
etc. . .
Mas sin embargo, cuando
medimos las facturas de los
maestros dominicanos , con
obras más recientes, entendemos
que el muralismo nacional
, debe de auto exigirse
más rigor, tanto en la convocatoria,
como en los espacios.
El muralismo se establece
a través de ideas, que deben de centrarse
tanto en el concepto de elaboración
artística así como de curaduría.
Se debe evitar que los artistas solo vengan
a ilustrar exaltaciones políticas del momento
con el ánimo mercantil de ganarse un dinero.
Nos parece que cuando tenemos a
maestros como Ramón Oviedo, Rincón Mora,
Vela Zanetti, Elsa Núñez, el cuidado curatorial
debe de aplicarse, por esto pensamos
que debe de constituirse un comité curatorial
y científico para el arte público , donde
el muralismo tenga sus letras de nobleza....
sobre todo cuándo ya se expresó la conciencia
de alcanzar una Marca País, donde
México es un ejemplo incomparable.
recientes, entendemos
que el muralismo
nacional, debe auto
exigirse más rigor,
tanto en convocatoria
como en los espacios”

Sábado 8 de m ayo
A RE Í TO de 2021 H OY 7
BRUNO ROSARIO CANDELIER
Aporte
LA SABIDURÍA DIVINA DE
L EO PO L D O
M I NAYA
SIMBOLISMO
MÍSTICO DE
UNA OBRA
ESTÉTICA
[El poema “La voz del ángel”, de Leopoldo Minaya, se iguala a la altura que
emplearon autores como Franklin Mieses Burgos, Manuel Rueda, Manuel Valerio
y Máximo Avilés Blonda, autores que lograron una obra luminosa y ejemplar…
Eso le garantiza una permanencia en la literatura dominicana. Yo no conozco un
poema de esa categoría en la literatura dominicana, y yo creo que… bueno, la he
estudiado bastante la literatura dominicana, y puedo dar ese testimonio.]
y3
La alta poesía es interpretación estética
y simbólica de la significación de
la vida, expresada con emoción, belleza
y verdad, mediante el lenguaje
de la imagen y la certeza de la conciencia.
Nuestro poeta tiene una clara visión de lo
existente. Todo comienza con la convicción
de la fe en los dones con que venimos a la
vida para conocer y descifrar el mundo, que
está lleno de símbolos. Somos símbolos y
habitamos símbolos, decía Emerson, cuya
exégesis inquieta a Leopoldo con la clara
conciencia de saber que hay un derrotero
final en la inextricable sombra que abruma y
desconcierta. A esa verdad irrebatible alude
el poema “La piedra existencial”, espejo del
tono borgeano que alumbra la base de lo
existente y el aire místico que le asigna Leopoldo:
No soy la piedra que mató a Goliat
—a matar no me enseña el cristianismo—,
soy la piedra angular, soy basamento
bañado eternamente por un río.
Diversidad de piedras meteóricas,
alto y raro universo que respiro,
astros (lunas y soles y planetas)
que lucen, como dedos, sus anillos:
no soy la piedra de discordia. En vano
arrimose Satán a mis oídos.
¿Piedra filosofal? ¡Nada tan bello!
¿Piedra de toque? Duelo y esclavismo…
(Pero aquel que llegare hasta estas letras,
piedra filosofal es en sí mismo
—piedra filosofal que frote piedra
filosofal dará… oro macizo—,
y si hiciese brillar este poema,
colocando la piedra de su espíritu,
afirmando o negando o descreyendo,
será dueño de ¹/³ de sus símbolos
…y en completa equidad, pues corresponde
—cual tributo al ambiguo logaritmo
recargado en los hombros de los homb
re s —
otro tanto al azar o a los designios).
Cuando las cosas se ven con la mirada del
espíritu, se aprecia mejor su dimensión hermosa
y sutil. La poesía que mana de un corazón
enamorado, como el de Leopoldo Minaya,
refleja el encanto que subyuga y el fulgor
que rutila mediante el requiebro de las
imágenes y el sortilegio de sus gemas interiores,
simbólicas y místicas, que encienden el
espíritu con la llama de lo Eterno. Leopoldo
Minaya glorifica la intuición mística de fundar
una creación que ni la muerte podrá triturar,
como sugiere en “La oda sagrada”:
Contamos las historias, las edades,
porque desembocamos en la luz,
porque al compás de desiguales años
quisimos ser caballos de más brío.
“Ser o no ser”: dilema de existencia,
discursea el hondón de los sentidos,
y en profesión de fe y de los comienzos
nos vamos, con franqueza, de las manos…
Pero es así: si piensa la materia
y te interpela por mi voz el fango,
nos revelamos cardinal progenie,
un salpique de icor corre en tu mano.
Pero es así. Nosotros, tan anónimos,
tan calladitos a mitad del prado,
por una vez vencimos a la muerte…
¡Victoria excepcional! ¡Gloria es nacernos…
que el espíritu escupe eternidades!
En “Medio de los sentidos”, la mujer es
amanuense de la gracia y de la verdad que
nos completa y redime, como se aprecia en
los versos encendidos con la llama divina
que arrebata, no sin obviar el eco sutil de la
filosofía platónica:
Así fijé en oír el Absoluto…
Llegó hasta mí la Voz Fundamental
y posose en mis tímpanos malditos
no aptos para oír su funeral.
La razón me arrogué.
¿A qué escuchar invictos?
¿La derrota a qué suena en tu cordal?
Pensé: debo tocar, tocar, tocar, no puertas,
no linos ni amatistas ni oropel,
sino lo duro, lo blando, la textura,
principio de un saber reconocer;
pero ¿cómo podré tocarte, luna,
infinito gigante, orbe, granel
de astros, nebulosas transparentes,
idea, espíritu, esencia, Alto Saber?
Hay una alternativa que se ofrece:
—¿Nunca has tocado un cuerpo de mujer?
La poesía genuina, la que sale del corazón
sensible a los encantos de la Creación, logra
la forma que encauza la gracia divina y la
llama que enciende el aura incandescente
mediante el arrebol luminoso de la palabra
sagrada para henchir el verbo de entusiasmo
y pureza, remedo radiante de las apelaciones
estelares. En su poema “Hijo pródigo”, Leopoldo
Minaya quiere restablecer la relación
fecunda del Hijo con el Padre mediante la
energía que empata el alma, el ideal y los
afectos. Como el relato bíblico, el poeta alude,
simbólicamente, a la vuelta al manadero
de la fe en la trascendencia, destino que a
todos nos apela.
Hay una singular expresión de amor en
Leopoldo Minaya, que es una clara señal de
la ternura mística de su sensibilidad trascendente.
En su poema “Re t a b l o” aflora ese
acordado sentimiento que permite sentir
con el otro, compenetrarse con el dolor o
angustia de las criaturas, como lo revelan varios
poemas del poeta interiorista cuando
pone en ejecución la capacidad de sintonía
de su sensibilidad con el doliente corderillo
que bala desesperado en su retablo, que lo
asume como símbolo de la dolencia humana
cuando reclama piedad y atención a sus
reclamos. En este hermoso poema la persona
lírica, sintiéndose abatida y sola, clama
a la Divinidad, al tiempo que ausculta una
peculiar faceta de la vida encarnada en el
pastor, que plasma en forma lírica enriquecida
con ecos bíblicos y acento entrañablemente
pastoril y cordialmente bucólico. En
este simbólico poema el sujeto lírico se autodefine
como “un corderillo solo y herido
entre los bosques”, con lo cual ha producido
una de las creaciones más hermosas de la
lírica dominicana.
La ternura mística es la más clara señal del
sentimiento divino, del ágape sagrado, brote
de amor puro y sublime el que mana de la
sensibilidad herida de compasión y ternura,
según apreciamos en los ardientes versos de
Leopoldo Minaya. La verdad es un patrimonio
de la conciencia espiritual en la que fundan
su obra filósofos, iluminados, santos y
teopoetas. La verdad poética y la intuición
mística, fuente inspiradora de la lírica trascendente,
embellece y enriquece la lírica
mística. Leopoldo Minaya es el resultado de
una corriente estética y espiritual que se ha
nutrido de grandes iluminados y estetas de
las letras universales, como san Juan de la
Cruz, fray Luis de León, William Wordsworth,
William Blake, Unamuno, Paul Valery,
Machado, García Lorca, Darío, Neruda, Octavio
Paz, Jorge Luis Borges, y de los dominicanos
Mieses Burgos, Manuel Rueda, Nelson
Julio Minaya y León David, entre otros
valiosos creadores de la literatura universal.
La suya es una poesía con los rasgos creativos
de quien tiene voz propia, tono peculiar
y tropo distintivo.
Uno de los textos místicos más luminosos
de la lírica teopoética dominicana: el poema
“La voz del ángel”, de Leopoldo Minaya, una
memorable creación de orden superior, revelado
en una experiencia mística a la luz de
edificantes vivencias sagradas. Este memorable
poema de Leopoldo Minaya confirma
no solo su inteligencia sutil y su sensibilidad
mística, sino la alta capacidad poética del
agraciado creador interiorista para sentir en
el fuero de su conciencia la llama sagrada de
la fuente divina, fuero y cauce de una sabiduría
arcana, sagrada y divina, con el lenguaje
simbólico de la creación teopoética.
La obra poética de Leopoldo Minaya revela
la huella de una ardiente sensibilidad y
el testimonio de una alta conciencia mística
cuyo venero luminoso alienta una hermosa
y edificante expresión estética, simbólica y
mística, rica en hondura interior y auspiciosa
de una cautivante belleza trascendente
con la sabiduría sagrada de la revelación.

Sábado 8 de m ayo
8 H OY de 2021
A RE Í TO
AMABLE LÓPEZ MELÉNDEZ LO PE Z A M A B LE 6 8 @ G M A I L .CO M
Arte Contemporáneo
Alejandro Santana.
Errantes de Fuego.Óleo
sobre lino belga, 62x74
pulgadas, 2020.
Vista de la exposición de Alejandro Santana. Sala de la Cúpula, Galería Nacional de Bellas Artes.
En la Galería Nacional de Bellas Artes
¡ R E TO R N O
ESPLENDOROSO
DE ALEJANDRO
SA N TA NA !
“El compromiso estético de Alexandro Santana ha sido plural y permanente en los aspectos de estilo,
contenido y forma. Al través de los períodos y secuencias, color, trazo, espacio, materia se han sumado en
composiciones poderosas y palpitantes, cual fuese su tamaño, procediendo hacia el expresionismo,
fantástico y contundente, con igual dominio que el lirismo de una belleza ext ra ñ a - “lo bello es siempre
ext ra ñ o”, dijo Edgar Allan Poe-, simbiosis de abstracción y figuración”…(Marianne de Tolentino, 2021)
Alejandro Santana. Columna Rhizomatica.Óleo sobre
tela, 48x60 pulgadas, 2010.
La Galería Nacional de Bellas Artes ha
reabierto definitivamente y retomado
su calendario expositivo con una
muestra que impone su registro por la
riqueza, diversidad y profundidad de sus aspectos
estéticos, recursivos, museográficos y
representativos. Se trata de “Repatr imento”,
formidable e impactante exposición retrospectiva
del artista y arquitecto dominicano
Alejandro Santana (1961), compuesta por
más de 200 obras entre pinturas, dibujos y
una instalación, realizadas durante las últimas
cuatro décadas.
“Repatr imento” es un título formado por
el propio artista a partir de los vocablos “re -
patr iar”(retornar) y “p e n t i m e n t o”(veladura -
sy/o trasfondos matéricosy cromáticos que
activan y reactivan la superficie final del espacio
pictórico. Este título rizomático y especular,
nos revela igualmente la condición
especialmente distintiva, en lo sensible y lo
conceptual, de la personalidad creadora de
Alejandro Santana, respecto a los artistas dominicanos
de su generación
Esa cualidad única, extraña, enigmática y
atractiva que signa las pinturas recientes de
Alejandro Santana es la que nos precipita
hacia el itinerario espectrológico, dialógico,
radiante y rematador que estalla en obras
como las tituladas “Columna Rhizomatica”
(2010); “Campo Rhizomatico” (2009); “Espí-
ritu Terrenal” (2020); “Espíritu del Fuego”
(2020); “Los Tres Magos”(2020); “Autorretra-
t o” (2020); “Poema Mítico” (2020); “Espír itu
Fl u v i a l” (2020); “Errantes de Fuego” (2020);
“Mater nidad” (2020); “Fuego de la Duquesa”
(2020); “Isla quebrantada” (2020) y “Grito de
la Naturaleza” (2020).
Mediante una particular síntesis expresiva
que asimila y transmuta realismo, clasicismo,
naturalismo, expresionismo, abstracción,
pop art y minimalismo, Alejandro Santana,
materializa una sutil y esplendorosa
taumaturgia de la forma, la línea, el espacio,
el gesto, el color, la materia, la memoria y la
libertad expresiva que le reafirma entre los
principales creadores dominicanos contemporáneos.
Cada una de estas obras, opera y
dialoga más allá del taller o las salas de exposiciones,
pues la mirada sensible del espectador
deviene automáticamente en
abertura, intersticio y resguardo de resonancias
de su propia capacidad simbólica.
Lo que ha precisado y cristalizado esta retrospectiva
de AS en la Galería Nacional de
Bellas Artes son sus reflexiones, motivaciones
e impulsos creativos capitales; la fuga; la
errancia; el desarraigo; el sumario depurador
de su dicción plástica personal; la introspección
iluminadora; las raíces espectrales
e identitarias del absurdo cotidiano, lo
real-maravilloso y la magia consubstanciales
del Caribe, así como el mismo proceso de
“Repatrimento” y/o renovación que revelan
sus obrasy su personalidad creadora en la
actualidad.
Además de la selección pictórica y dibujística,
otros tres contrapuntos expositivos,
SÍNTESIS DE ALEJANDRO SANTANA
Alejandro Santana nace en Santo Domingo (1961).
Egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes de
Santo Domingo y de la Rhode Island School of
Design (RISD), Providence, Rhode Island, EE. UU.
Durante más de cuatro décadas se establece en
Nueva York y Savannah, Georgia (Atlanta). Ha
expuesto con éxito en múltiples ocasiones, de
manera individual y colectiva, en Santo Domingo,
NuevaYork y Savannah. Sus obras, forman parte de
prestigiosas colecciones, institucionales y privadas
de República Dominicana, Estados Unidos, América
Latina y Europa. Su retrospectiva “Repatrimento”,
permaneció abierta desde el viernes 5 de marzo
hasta el lunes 3 de mayo del 2021 en la Galería
Nacional de Bellas Artes.
Alejandro Santana. Espíritu Terrenal. Óleo sobre lino
belga, 64x78 pulgadas, 2020.
tensaban y equilibraban especialmente
la propuesta curatorial.
1.“Las banderas del amor”, instalación
compuesta por 23 lienzos azules
graficados con corazones rojos
colgados en el “laberinto trujillano”
del “Salón de la Cúpula” y una “crip -
t a” de cristal llena de fotografías
manipuladas y extraídas del “Ál -
bum de la Feria de la Paz y la Confraternidad
del Mundo Lib
re”(1955), lúdica y crítica re-visión
del cinismo teatralizado, folclórico
y trágico del espanto autoritario del
trujillato.
2. Una sala con fotografías, objetos
y documentos familiares. 3.
Una sala de dibujos arquitectónicos,
dispuestos sobre el piso como
especie de “ajuste de cuentas” con
el pasado, la nostalgia y otras travesías
emocionales. “Los dibujos
están instalados en el piso de la sala,
recalcando la necesidad de enterrar
el triste pasado para salvarnos, para
encontrar las esencias de la naturaleza,
reconstruir las ciudades y
ondear las banderas del amor; porque de eso
trata la vida, de morir y de renacer, en un
eterno ciclo de regeneración”, suscribe el
propio artista.
Los penúltimos efectos de la práctica
creadora de Alejandro Santana, traslucen
una lúcida contraseña autobiográfica. Su experiencia
vital, traspasa sus inflexiones estético-filosóficas,
así como los mismos contenidos
conceptuales y metafóricos de su
obra. Sus íntimas circunstancias, inseminan
un ecléctico torrente de signos, símbolos,
gestos, mixtificaciones estilísticas y dicciones
expresivas que proliferan como apariencias
imprevistas, impregnadas de una vertiginosa
multiplicidad de significantes. En
este sentido, la obra de AS, constituye el reflejo
sublimado de su ardiente y ejemplar
persistencia creadora.
Curada con esmero y óptimos resultados
por Marianne de Tolentino, directora de la
Galería Nacional de Bellas Artes, “Repatri -
m e n t o”, gracias a una aplicada y brillante labor
museográfica de Salvador Bergés, exige
su registro como una de las más completas,
notables y significativas exposiciones retrospectivas
de un artista dominicano activo durante
el último lustro, evidenciando su atractivo
y resistente cuerpo de obras un alto grado
de artisticidad y un caudal simbólico tan
elocuente como alucinante.