The Mayab Times

Año 9 // Edición 2366 www.mayabtimes.mx Viernes 16 de febrero de 2016 // Mérida, Yucatán, México
Los 10 mandamientos
de las
tipografías: Una
infografía con las
principales pautas
del uso de las tipografías.
// pág. 8
>> Nace
Aristocrazy
Design
Bootcamp
Tres días en los
que 12 jóvenes
diseñadoras no dejarán
de crear.
Helsinki en Madrid
>> Arranca la primera edición de
Madrid Design Festival // pág. 2
>>La BBC presenta el nuevo logo para
la 11ª temporada de Doctor Who // pág. 9
// pág. 3
* Doctor Who es una serie de televisión británica de ciencia ficción producida
por la BBC. Está dividida en dos etapas: la denominada serie clásica, emitida
entre 1963 y 1989, y la serie moderna, iniciada en 2005 y que continúa emitiéndose
en la actualidad.

2
¿Y si Madrid fuera
Helsinki?
{Arranca la primera edición de Madrid
Design Festival con 200 actividades,
320 diseñadores, 48 exposiciones, 28
museos y 40 espacios del circuito }
Texto: Armando Martinez // Foto: Cortesía
DISEÑO
Las instalaciones efímeras son parte
importante del festival y aparecen a lo
largo de este mes por diferentes puntos
de la ciudad. Como la que ha creado
el colectivo de arquitectos y diseñadores
Enorme Studio, junto a MINI. Se
trata de Montaña en la Luna (plaza de
Santa María Soledad Torres Acosta), un
espacio pop up con forma de montaña
artificial en cuyo interior se alberga un
taller efímero. Es un lugar de encuentro
creativo para ideas innovadoras, Bench a
day. El exterior de esta instalación se ha
convertido en un espacio verde con puntos
de carga USB con energía cinética y
puntos de lectura con energía solar.
También, el creador Nacho Carbonell
ha instalado un punto de encuentro
para el ciudadano en DIMAD/Central
de Diseño (Matadero Madrid) formado
por diferentes sillas creadas con pasta
de cebada y una cubierta con vidrio
obtenido de la fundición de 10.000 botellas
de Cervezas Alhambra.
Mérida, Yucatán, México.
Viernes 16 de febrero de 2018
9 de febrero.
Análisis del ‘food
design’
Quico Vidal, impulsor de Nadie, la
consultora independiente de Estrategia
y Desarrollo de Marca, analiza
en Question Marks, el impacto de
las nuevas culturas sobre el consumo
(Club Matador), en un momento de redefinición
de la imagen y el desarrollo
de las marcas. Una jornada de análisis
similar al think tank denominado Off
Topic: Diseño Industrial & Cocina
(Medialab Prado) que la Asociación
para la Ingeniería y Diseño Industrial
(AIDI) organiza, para abordar el papel
del diseñador dentro del food design.
Por su parte, la firma Vitra (Padilla, 21)
muestra las historias que hay detrás de
cada una de sus piezas en El Original
es de Vitra, una exposición que hace un
recorrido desde los bocetos originales
a la figura del fabricante, teniendo en
cuenta procesos esenciales como la
elección de materiales o la distribución.
* “De lo imaginario a lo real”. El Fernán Gómez Centro Cultural de la villa
acoge la exposición Backstage, Jaime Hayon.
6 de febrero.
¡Hola Hayon!
Arranca esta cita del diseño con la inauguración
de tres grandes muestras
en el Fernán Gómez Centro Cultural
de la Villa, epicentro expositivo del
festival. Backstage, Jaime Hayon. De
lo imaginario a lo real es un homenaje
a este autor multidisciplinar donde se
pueden ver sus máscaras africanas,
Mask Hayon Monkey y toda su colección
de pájaros de cerámica que realizó
para Bosa, entre otras piezas.
En otra sala son 200 objetos de uso cotidiano
de la Colección Alfaro Hofmann
los que exhiben de manera didáctica,
para comprender que el Tocadiscos
Phono Boy de Mario Bellini para Grundig
de 1968 o el teléfono Grillo que Richard
Sapper creó en 1965 son el origen
de muchos de los gadgets de hoy.
La tercera exposición es Vinilygráfica.
Maestros del diseño gráfico musical,
que recoge más de 200 portadas de discos
editados, desde 1940 hasta la actualidad,
con portadas de artistas y directores
de arte como Juan Gatti, John Berg,
Javier Aramburu o Storm Thorgerson.
* El diseñador Jaime Hayon en su
estudio.
7 de febrero. Una
ciudad invitada
Helsinki ejerce de Ciudad Invitada
de Madrid Design Festival. Para ello,
el Instituto Iberoamericano de Finlandia
ha instalado en el Only You
Hotel Atocha una sauna finlandesa
temporal, diseñada por el arquitecto
Jairo Rodríguez. Un tributo a esta
construcción esencial en la vida del
país nórdico, donde hay 3,2 millones
de saunas para 5 millones de habitantes.
También, el restaurante de este
hotel acogerá un menú del chef Jyrki
Tsutsunen, y el Museo ABC organiza
el encuentro Diseño arquitectónico
finlandés. Lecturas desde España.
* Durante el festival se instalará
una sauna en un hotel de Madrid.
Sobre estas líneas, la sauna Löyly de
Helsinki.
Madrid siendo
testigo de lo nunca
ántes visto
8 de febrero.
Balenciaga y las
ciudades
15 estudiantes del Design Academy
Eindhoven (Holanda), junto con 12 estudiantes
de diferentes de varios centros
de formación de diseño de Madrid,
llevaron a cabo el mes de octubre pasado
un workshop sobre la sostenibilidad
del futuro en las ciudades. De estos
encuentros surge Here and Out, una
muestra que se puede ver en DIMAD/
Central de Diseño (pº de la Chopera,
14), donde se ven sus trabajos de reinterpretación
alrededor del concepto
Flow –flujos sociales, económicos, urbanos
y medioambientales–.
* Originales de Vitra, algunos
presentes en la exposición de la calle
Padilla de Madrid.

The Mayab Times // Mérida, Yucatán, México.
Viernes 16 de febrero de 2018
DISEÑO 3
Nace Aristocrazy Design Bootcamp
Tres días en los que 12 jóvenes diseñadoras no dejarán de crear.
{ La firma de joyas española une fuerzas con la London College of Fashion para
ofrecer un taller de joyería para mujeres al comienzo de su carrera en el marco del
Madrid Design Festival } Texto: Armando Martinez // Foto: Cortesía
* Un momento del taller de Aristocrazy Design Bootcamp.
“Sigue aprendiendo y sigue mirando”.
Esos son los mensajes que los profesores
del London College of Fashion, Dai
Rees y Naomi Filmer, transmitirían a
sus alumnas si solo pudiesen quedarse
con una enseñanza. Ambos serán
los encargados de impartir, hasta el
16 de febrero, el Aristocrazy Design
Bootcamp. Gracias a esta iniciativa,
que se enmarca dentro de las jornadas
profesionales de Madrid Design Festival,
12 jóvenes creadoras ampliarán
sus conocimientos sobre joyería de la
mano de una de las universidades más
prestigiosas del sector de la moda.
* El taller de joyería se ha impartido
dentro del proyecto Aristocrazy
Affairs de la firma.
El objetivo del curso es el de reflexionar
sobre la función del objeto en la
moda y su relación con respecto al
cuerpo, así como recuperar técnicas
y valores de la artesanía tradicional.
Para ello, lo primero que le han pedido
los profesores a las alumnas es que
busquen un pequeño recipiente –vale
cualquier elemento que pueda contener
algo en su interior, como una concha–
que tenga valor sentimental para
ellas. A partir de ahí, trabajarán con
cuero para hacer de ello un accesorio
que se pueda vestir. Dai Rees, director
del Master of Arts Fashion Artefact,
explica por qué el curso tiene también
una importante dimensión teórica: “Es
necesario para cualquier disciplina mirar
hacia dentro y abrir un debate para
seguir evolucionando. Debemos instar
a los estudiantes a poner en entredicho
lo que se ha hecho hasta el momento,
solo así podrán decidir si las cosas necesitan
cambiar o no en el futuro”.
Un enfoque con el que se muestran de
acuerdo varias de las participantes en
el taller. “El diseño de moda debe estar
conectado al cuerpo. Esa es una de sus
principales funciones, aunque muchas
veces se nos olvida”, señala Teva Guibal,
una de las jóvenes creadoras de entre 18
y 28 años que han sido seleccionadas tras
presentarse a una convocatoria pública.
* El taller es impartido por el London
College of Fashion.
“Solo así podrán
dicidir si las cosas
necesitan cambiar
o no en el futuro”
Un enfoque con el que se muestran
de acuerdo varias de las participantes
en el taller. “El diseño de moda debe
estar conectado al cuerpo. Esa es una
de sus principales funciones, aunque
muchas veces se nos olvida”, señala
Teva Guibal, una de las jóvenes creadoras
de entre 18 y 28 años que han
sido seleccionadas tras presentarse a
una convocatoria pública.
El éxito de la iniciativa se debe a la
unión de fuerzas del festival, la marca y
la universidad, aunque el planteamiento
de abrir el certamen solo a la participación
de mujeres ha sido un requisito de
la firma de joyas española, que acaba de
crear Aristocrazy Affairs, una división
que se encargará de gestionar las colaboraciones
sociales con otros organismos.
“Nuestro objetivo es apoyar el
talento femenino emergente, y el primer
hito es este bootcamp. Cada diseño
va ser único e impredecible. Dejando
la creatividad fluir, van a ser tres
días grandes”, señaló Juan Suárez,
director creativo de Aristocrazy.

4
Sí, puedes llevar
aquel bolso de
invitada en un look
Texto: Amira Saim //
de diario
{Te acompañó en una boda de verano,
te acompañará de paseo en invierno, o
así lo defienden las protagonistas del
‘street style’ }
Entre las tantísimas paradojas de la moda y el vestir hay una que se repite, mínimo,
una vez al año. Dice así: el tiempo que dedicamos a buscar esa pieza (de vital
importancia) es inversamente proporcional a su futuro uso. Sucede con el look
MODA
de un evento importante, más si hablamos
de una boda y, claro, su máximo
exponente es la propia novia, que
nunca –o casi nunca– volverá a llevar
su vestido. Pero, incluso, esta fórmula
se da en los accesorios: bolsos o zapatos,
también pendientes, que adquirimos
para una ocasión concreta y tan
concreta que se olvidan para siempre.
Bien será porque ya reciben el apellido
‘de etiqueta’ o que los quemamos
con mil y una fotos ese día, pero (oh,
sí) estamos de suerte: las reglas están
para romperse, más si implica amortizar
una inversión.
Parece que algo así ocurrió a algunas
invitadas de las semanas de la moda
internacionales que, según observamos,
han incluido en sus looks de diario
bolsos que cumplen el patrón estético
del gran evento, a saber, pequeños
–lo suficiente para que quepa el móvil,
maquillaje y pañuelos–, embellecidos
con telas nobles o abalorios y manejables
gracias a una cómoda asa –para
evitar la dependencia que generan los
Mérida, Yucatán, México.
Viernes 16 de febrero de 2018
clutches–. Pero no es algo nuevo: The
Row, la firma de las gemelas Olsen,
lanzó un bolso de nombre Ascot realizado
en terciopelo que se volvió omnipresente
en el street style del pasado
septiembre, recibiendo el aprobado de
insiders como la consultora de moda
Kate Foley o la directora de moda de
Net-a-Porter, Lisa Aiken. Su consigna
era la misma: funcionaba en la calle,
pero también en una boda.
Esta vez, los accesorios que han llamado
nuestra atención bailan entre
dos registros: pequeños cestos de ecos
tribales, con plumas o conchas, y con
un cuerpo de mimbre o sucedáneos
que visualizamos en una boda campestre
o rústica; o, por otra parte, las
limosneras –portada en estas imágenes
por la influencer italiana Eleonora
Carisi–, de espíritu más sofisticado,
realizadas con terciopelo y adornadas
con borlas, y oficialmente el mejor
complemento para una boda clásica.
>> Kaia & Gigi te presentan el peinado
perfecto para esos días de flojera // pág. 5
>> Los zapatos que se estarán
usando esta primavera // pág. 6
A L E X A
couture

The Mayab Times // Mérida, Yucatán, México.
Viernes 16 de febrero de 2018
Kaia Gerber y Gigi Hadid
tienen la solución perfecta
Para esos días en los que no te has lavado el pelo.
{Este look off-duty de las modelos solo puede quedar bien si no
te has lavado el pelo en varios días }
Texto: Amira Saim // Foto: Getty Images
¡Oh, las semanas de la moda! Esos
días donde se condensa lo mejor de
la Industria, donde podemos determinar
las tendencias que dominarán las
próxima temporada y, también, donde
tomamos inspiración para renovar
nuestros beauty looks. Además de
nuevas ideas, son un caldo de cultivo
para soluciones a problemas estilísticos
y Milán nos ha dado uno de los
más útiles para esos “segundos días”,
es decir para cuando pasas más de 48
horas sin lavar tu pelo y, simplemente,
no está en su mejor momento.
El peinado que llevaron las modelos
en el desfile de Max Mara es una de
las mejores opciones para estos bad
hair days. Una media cola despeinada
con mechones lisos y otros rizados,
que dan la apariencia de dread locks,
pero mucho más estilizados. Es un
peinado que no podría quedar tan bien
con el pelo recién lavado, si entienden
lo que queremos decir…
MODA 5
Kate Middleton:
El esmeralda es el
nuevo negro.
{¿Quién dijo que la
realeza era aburrida?}
Texto: Karina Gonzalez //
Foto: Getty Images
Cuando se trata de llevar clásicos, hay
una alta posibilidad de caer en la monotonía,
pues la estabilidad de los tonos
neutros y aquello que queda bien con
todo, a veces no posee ese toque edgy
que se necesita. Aunque, en ocasiones
los accesorios y algún detalle simple
(como unos botones metálicos) pueden
hacer que estos se reinventen. ¿No lo
crees? Pregúntaselo a Kate Middleton.
Cuando se trata de seguir las reglas
de lo clásico, sin duda la duquesa de
Cambridge es una que busca darles el
toque que la haga verse distinta… y
hasta el momento, no hay reglas protocolarias
que se lo hayan impedido.
* Kate con el abrigo que lo comprueba.
* Gigi Hadid luciendo el look que está marcando tendencia.
Después del show, Kaia Gerber y Gigi
Hadid mantuvieron sus respectivos
peinados, convirtirtiéndose en la inspiración
perfecta para lograr este look
que, por supuesto, tiene reminiscencias
punk, espcialmente de principios de los
años 80s, una década que está pisando
muy fuerte y que promete apoderarse
de la temporada Otoño-Invierno.
Prueba de ello fue su reciente presencia
en una construcción cerca de
River Wear, a la que fue acompañada
de su esposo el príncipe William y un
abrigo en color esmeralda de un corte
sencillo pero que destacaba por los detalles
metálicos que traía en los botones,
unos aretes sin demasiado detalle
y el maquillaje natural que siempre ha
caracterizado a Kate.
La mente detrás de este peinado fue el
artista capilar Sam McKnight, el cual
se inspiró en la estilista inglesa, Judy
Blame -quien falleció recientementey
su característico estilo punk. McKnight
describió el resultado final como
“una explosión de rastas que parecen
plumas”. El toque final fue una pinza
en forma de M con brillantes, un
twist que puede lograrse también con
simples pasadores o con el accesorio
de moda, un listón, el cual le dará un
toque femenino que le puede quedar
muy bien. Y, para lograr esa textura
desordenada sin la ayuda de profesionales,
lo ideal es recurrir al shampoo
seco y rociarlo en tu cabello antes de
dar vida a la media cola y peinarlo.
* Kaia Gerber con el peinado de moda
La madre del príncipe George terminó
de darle el “british chic” a su
abrigo con unos block heels y medias
negras a juego para lograr una complicidad
perfecta entre los tonos.
¿Peinado? Su clásico (y soñado) cabello
suelto que prueba que un buen
corte es a prueba de todo. Con este
look, la duquesa admite que es hora de
decirle adiós al negro para dejarlo solo
en los accesorios y llevar el esmeralda
como el nuevo must de tu armario. Palabra
de Kate Middleton.

6
MODA
Estos son los zapatos
que serán tendencia
esta Primavera
Texto: Amira Shaim // Foto: Showbit
{Ya hemos hablado de lo que se llevará
en belleza y accesorios, es momento de
dedicar nuestra atención a esas piezas
que nos obsesionan, los zapatos }
Ya estamos muy cerca de que llegue la Primavera y con ella las flores, el calor y
las nuevas tendencias. En septiembre las pasarelas hablaron y el street style se ha
encargado de interpretar las propuestas que se vieron en las Semanas de la Moda.
Hay códigos claves para vestir esta próxima temporada y los zapatos no pueden
escapar de estos. Aquí un paseo por los modelos que dominarán nuestros pies, las
vitrinas y las calles en los próximos meses:
Este piercing de
los 90s amenaza
con volver
Este fin de semana, JonBoy interrumpió
su oda a la tinta en tamaño XS
haciéndose eco de un piercing muy
concreto que había realizado en
un estudio de NYC y de una posible
The Mayab Times // Mérida, Yucatán, México.
Viernes 16 de febrero de 2018
tendencia que no nos ha dejado indiferentes:
los piercings con cadena que
llevábamos en los 90s.
Estas perforaciones, que incluían minicadenas
que iban desde el lóbulo de
la oreja hasta el cartílago, fueron una
de las grandes modas de los 90s junto
con los piercings situados en la nariz,
el ombligo, la ceja o la lengua, incluso
los podías encontrar como pendientes
falsos que trataban de emular a los
reales sin dolor alguno.
El discreto encanto
del pástico:
Una tendencia que se la debemos totalente
a Chanel, se ha visto cómo trench
coats y bolsas se han sumado al uso del
PVC para dar vida a piezas que invitan a
bailar, sin ningún problema, bajo la lluvia.
Lo mismo con los zapatos. Más que
una protección es un extra de diseño.
Grrrrrrr!:
Serán botines y serán con estampado
de leopardo. Un accesorio que atrapará
miradas, fotógrafos y likes. Lograrás
looks clásicamente provocadores.
Mary Janes 2018:
La manera de llevar este clásico modelo
es con correa gruesa, tacón cuadrado
y punta redonda. Embellecidos
con pedrería o detalles brillantes.
Los favoritos de
Olivia Palermo:
Los mules, con tacón (kitty heels) o sin
tacón, se han ido popularizado entre las
street-stylers, con punta y detalles de volúmen
o texturas, tipo lazos o pompones.
Son über femeninos y elevan cualquier
look a un nivel más alto de elegancia.

La nueva camiseta con
mensaje no es una camiseta.
MODA 7
Texto: Marina Valera // Foto: Getty Images
{Los pasadores de Ashley Williams
comunican sentimientos, no
necesariamente positivos, y son el
fetiche capilar de Alexa Chung}
* Ashley Williams.
Dicen que la generación Z (y gran parte de la millennial)
no concibe sus vacaciones, ni sus experiencias en general,
si no puede contarlas. ¿Qué sentido tiene estar en el lugar
más bello e increíble de la tierra si no lo comparto con mis
cientos (o miles) de seguidores? La moda parece haber recibido
esta necesidad de comunicar sentimientos, pensamientos,
ideas y opiniones acerca de todo lo que nos rodea desde hace
ya varias temporadas. Desde las camisetas a las sudaderas,
pasando por los bolsos –que, actualmente, están en nuestro
‘street style’–, las frases y los conceptos se han convertido en
el mejor accesorio. Pero si existe un complemento destinado
a coger la babuta de los mensajes analógicos en este mundo
digital –que luego se comparten en Instagram para rizar el
rizo del todo–, esos son los pasadores de palabras de pedrería
de la diseñadora Ashley Williams.
“Chicas”, “ansiedad”, “paranoia”, “miseria” o “paraíso” son
algunas de las evocadoras palabras escritas con cristales que
decoran los ‘hair pins’ de esta joven diseñadora de origen inglés.
Sus colecciones hablan a las nuevas generaciones de tú
a tú y de diversión, sí, pero también de ciertos daños emocionales
que contrastan con el acabado centelleante de sus accesorios
para el cabello. Un humor mordaz y cándido al mismo
tiempo que ha conquistado a celebrities como Alexa Chung.
No en balde la presentadora inglesa los puso en el mapa cuando
llevó su pasador GIRLS al desfile de primavera 2017 de
Burberry en septiembre de 2016. Y aunque ha llovido mucho
desde entonces, Williams no ha dejado de diseñarlos y también
han estado presentes en su último desfile en Londres.
Su reaparición en el ‘street style’ de Milan Fashion Week, a
través de la popular blogger Susie Lau –autora del blog Style
Bubble–, ha vuelto a desatar nuestra vertiente más “urraca”
y coleccionista. La también conocida como @susiebubble
en las redes explicó en su cuenta de Instagram que, después
de tratar de comunicarle sus sentimientos acerca de sus películas
al director de cine Luca Guadagnino sin mucho éxito,
esperaba que su pasador con la palabra PARADISE pudiera
hacerlo por ella. Y es que, en un mundo dominado por la fotografía,
volver a hacer uso de las palabras como si fueran
imágenes en sí mismas cobra más sentido y fuerza que nunca.
* Pasadores con mensaje * by @eolhcsheppard

8
Playmobil recrea
pasajes de la
historia de México
{ Playmobil recrea pasajes de la historia
de México y son exhibidas en un
museo de la capital del país. }
Texto: Alejandro Rodríguez // Foto: Alejandro Rodríguez
El objetivo principal de Playmo historia es demostrar que se pueden hacer diversas
representaciones de la historia universal y de México con piezas de juguetes de
playmobil, de manera que, desde el punto de vista lúdico se puedan conocer y
aprender hechos históricos.
Para que las aproximadamente cuatrocientas figuras que la integran tuvieran semejanza
con los personajes históricos se utilizaron accesorios de otros sets, de manera
que ninguna pieza fue hecha exprofeso, sino que cada una se caracterizó con la
utilería disponible, para ello se contó con el apoyo de la Asociación Mexicana de
Coleccionistas de Playmobil.
Esta exhibición muestra seis maquetas: las dos primeras representan momentos de
la historia universal. Por un lado a la antigua civilización egipcia (cuyo surgimiento
fue 3100 a. C.) que se estableció a las orillas del río Nilo, y se caracterizó por la
creación de enormes pirámides y monumentos como los templos de Ramsés II. Por
el otro, un modelo sobre los vikingos, pueblos originarios de Escandinavia dedicados
a la agricultura, la ganadería y la navegación.
Las siguientes tres maquetas aluden a La Plaza Mayor de México y la piratería
durante la Nueva España, así como al Puente de Metlac, gran obra de ingeniería
ferroviaria que se construyó para comunicar a la Ciudad de México con el puerto
de Veracruz en el siglo XIX.
Finalmente, la sexta maqueta titulada “México. Árbol de la vida” es una síntesis
de la historia de nuestro país, desde la fundación de México-Tenochtitlan hasta la
promulgación de la Constitución Política de 1917. En ella, destacan personajes
como Hernán Cortés, Miguel Hidalgo, Ignacio Allende, José María Morelos y Pavón,
Benito Juárez, Maximiliano de Habsburgo, Porfirio Díaz, Emiliano Zapata y
Venustiano Carranza.
Playmo historia estará en exhibición hasta el domingo 29 de octubre en la Galería
de Historia del Museo del Caracol, ubicado en la Primera Sección del Bosque de
Chapultepec, anexo al Museo Nacional de Historia. Horario de martes a domingo
de 9:00 a 16:15 horas.
INDUSTRIAL
*Playmovil de la guerra de independencia
Todos se topan con
botellas de plástico
y aprenden sobre
una nueva forma
de utilizarlo.
Joining Bottles:
uniones plásticas
de Micaella
Pedros
Texto: Equipo Editorial //
Foto:Equipo Editorial
Platanaceae:
vendajes para
quemaduras
Texto: Equipo Editorial //
Foto:Equipo Editorial
La hoja de plátano es un material que
ha demostrado tener propiedades calmantes
y cicatrizantes y se usa en algunas
regiones tropicales del mundo con
fines terapéuticos.
En un trabajo de investigación y exploración
inspirado en el uso culinario
de las hojas de plátano, la diseñadora
peruana Paula Cermeño León propuso
el proyecto Platanaceae, una serie
de vendajes de primeros auxilios para
quemaduras que ocurren en el hogar.
Realizado dentro del programa de
Master in Product Design de la ÉCAL
– Ecole Cantonale d’art de Lausanne
en Suiza y seleccionado como finalista
del panel para los Lexus Design Award
2017, este singular proyecto también
fue expuesto en la Triennale di Milano
durante el Salone del Mobile en la Milan
Design Week 2017.
En Platanaceae se propone una familia
de vendajes esterilizados y de uso cotidiano
para el tratamiento de quemaduras.
Están diseñados para adaptarse a
Mérida, Yucatán, México.
Viernes 16 de febrero de 2018
El reciclaje de botellas plásticas PET
ha sido el tema de cientos de proyectos.
Una buena parte de estas propuestas
se limita únicamente a la creación de
otros objetos, que más parecen mover
la basura de lugar que hacer un uso inteligente
del material.
La diseñadora guatemalteca Micaella
Pedros reutiliza botellas de plástico
desechadas para conseguir, de una
forma totalmente experimental, uniones
entre piezas de madera. Coloca
fragmentos del cuerpo de las botellas
en los elementos a unir, tanto en juntas
continuas o en uniones que aumenten
el grado de colaboración de las piezas.
Una técnica sencilla que utiliza el calor
de un secador de cabellos para conseguir
una ‘contracción térmica’ y transformar
el plástico en anillos maleables
que pueden adaptarse cualquier forma.
El proceso se presenta como una colección
de mobiliario utilizando igualmente
madera recuperada.
Micaella desarrolló el proyecto Joining
Bottles como trabajo final en el MA
Design Products del RCA y fue presentado
en la ShowRCA graduate exhibition
en junio de 2016, la presentación
de los proyectos de posgrado del Royal
College of Art en Londres.
*Silla con botellas reutilizadas
diferentes partes del brazo, la muñeca,
la mano y los dedos. La hoja de plátano
es un recurso abundante en las partes
tropicales de nuestro planeta. Sus
grandes dimensiones y propiedades
de retención de agua lo hacen atractivo
para el uso humano. “Me encontré
con el uso de este material como un
apósito para pacientes quemados, en
varios hospitales de India y Filipinas”,
comenta Cermeño sobre el proyecto.
Los estudios muestran que la efectividad
de los vendajes de hojas de plátano
es igual o mejor que los vendajes
sintéticos.
*Vendajes a base de hoja de
plátano

The Mayab Times // Mérida, Yucatán, México.
Viernes 16 de febrero de 2018
Walking Wheel: balance del cuerpo y
el diseño universal
El bastón ha sido utilizado históricamente
por el hombre en innumerables
situaciones. Un instrumento capaz de
ser complemento en el vestir, elemento
de medida, arma de defensa, adminículo
de juego, artículo mágico y simple
compañero. A medida que envejecemos,
unos más que otros, necesitaremos
caminar con bastones buscando
un apoyo físico, en una mezcla de accesorios
de moda utilizados por adultos
de todas las generaciones.
Walk On – Walking Wheel es un proyecto
del estudiante de diseño Markus
Erlando Gekeler de la Escuela de Diseño
Industrial de la Universidad de
Ciencias Aplicadas Hochschule für Technik
und Wirtschaft – HTW en Berlín.
Fue el resultado de un ejercicio de diseño
realizado a finales de 2016 en un
taller que dirige el diseñador británico
3 en 1: alfombra reciclada
en la bicicleta de Wishbone
Design Studio
*Bicicleta de Wishbone
Texto: Equipo Editorial // Foto:Equipo Editorial
Adrian Peach en la HTW. Con el tema
Forever young- A new walking stick
for universal everyday use, el objetivo
del proyecto fue re-visitar el bastón.
“Mi concepto se basa en la tecnología
de giroscopio que es más común en los
dispositivos Segways. Un giroscopio
es un dispositivo que usa la gravedad
de la Tierra para ayudar a determinar
la orientación. Esta misma tecnología
se puede usar para equilibrar una sola
rueda o moverla casi sin esfuerzo”, nos
comenta Markus.
La singularidad de esta respuesta está
en la modificación del arquetipo formal
del bastón por una rueda. “La Walking
Wheel no está diseñada para reemplazar
una muleta, sino para personas
que necesitan de un apoyo temporal
en situaciones diarias, como un bastón
común”, aclara Markus y continua:
Texto: Equipo Editorial //
Foto:Equipo Editorial
La gente del estudio Wishbone Design,
en Nueva Zelanda, diseñó hace
ya varios años una singular bicicleta de
madera para niños. En 2014, el mismo
modelo transformable que pasa de un
triciclo a una bicicleta para luego aumentar
su altura, puso en el mercado
un modelo hecho de alfombra reciclada
junto a su tradicional versión de
madera.
Se llama la Wishbone Bike Recycled
Edition, está fabricada con 100% de
alfombras recicladas y fibra de vidrio
“entrevisté a usuarios de bastones de
Berlín como parte del proceso de diseño
y el mensaje clave fue que la mayoría
de ellos estaban satisfechos de tener
un apoyo diario, pero descontentos con
la mala asociación de un bastón. Así
que para mi un círculo parecía ser la
evolución lógica de la línea”.
La Walking Wheel utiliza el mismo
diámetro de un rueda de bicicleta básica
para hacer que sea variable a las
necesidades de la gente. De esta manera
se pueden cambiar los cauchos de
ciudad para unos de uso en el campo.
Los estigmas que flotan alrededor de la
vejez y la incapacidad tienen que ser
vencidos por soluciones inclusivas,
propias del Diseño Universal.
Markus Erlando Gekeler está en su último
año de estudios de Diseño Industrial
en la Universidad de Ciencias
Aplicadas de Berlín, trabajando en su
proyecto de licenciatura para terminar
sus estudios. Además, trabaja en Londres
en una pequeña agencia de diseño
de productos.
para aumentar su resistencia y pesa
menos de 5 kilogramos. La empresa
comenzó a recolectar alfombras viejas
de los rellenos sanitarios para reciclarlas,
convertirlas en pellets y luego en
marcos de bicicleta.
La 3 en 1 puede ser usada por niños
desde los 12 meses hasta los 6 años de
edad. Un producto que está conectado
con la idea de acompañar el crecimiento
de los niños, pero no solamente en
una operación de aumento de tamaño
sino en una verdadera transformación.
El sistema Rotafix es la articulación
central que permite una rápida y fácil
re-configuración del bastidor y el ajuste
del asiento desde 23 hasta 51 cm de
altura. Las ruedas de 12 pulgadas utilizan
neumáticos, que preparan a los
niños para montar luego una bicicleta
real con pedales.
INDUSTRIAL 9
Origami: la
calefacción
del diseñador
italiano Alberto
Meda
Equipo Editorial
El diseñador Alberto Meda
diseñó el año pasado un radiador
eléctrico (plug&play) de alta
eficiencia para la compañía
italiana Tubes Radiatori. Se trata
de Origami, una calefacción
fabricada con 100% de aluminio
reciclado que habita el espacio
del hogar como una divisoria de
espacios.
Origami es una pieza escultórica
que utiliza el doble propósito
para ofrecer atributos cotidianos
dentro de la casa. Un objeto
plegable diseñado en una versión
auto-portante, como un paraban,
un tótem modular y flexible; y
una edición para ser instalada
en la pared, que funciona
perfectamente como un toallero
retráctil. Este dispositivo nómada
adopta la forma de una pieza de
mobiliario, mientras trafica con
las funciones de calefactor.
El calefactor de Alberto Meda,
quien fuera en los años setenta
el Director Técnico de Kartell y
ganador del Compasso d’oro por
la icónica lámpara Lola diseñada
en 1987 junto a Paolo Rizzatto
para Luceplan, recibió el premio
como Mejor producto – Sector
Cuarto de baño 2016 en los
premios del Salone del Mobile.
Milano Award y fue ganador en
los RedDot Award 2017.
*Calefador cuyo diseño es inspirado
por el origami

10
GRÁFICO
Los 10 mandamientos de las tipografías
Mérida, Yucatán, México.
Viernes 16 de febrero de 2018
Texto: David Carreño // Foto: Equipo Editorial
*Infografía: Los 10 mandamientos de la Tipografía
Después de haber visto las principales
pautas para el uso del color, hoy vamos
a ver las principales pautas del uso de
las tipografías. Igual que en el caso anterior,
vamos a mostrar una tipografía
que, por si misma, explica este denso
mundo a la perfección.
Estos 10 puntos que muestra la infografía,
son básicos para el buen manejo
de las tipografías por parte de los diseñadores,
sobre todo el punto 10.
De todos modos, hay cosas que este año
han dado un giro importante, aunque
seguramente se trate de algo temporal,
me refiero sobre todo al punto 6. Como
podréis ver en el artículo que linkeo al
final llamado: Tendencias tipográficas
para el 2014, este año se está jugando
bastante con las tipografías y su variedad
en una misma composición.
Aún así, dicen que para romper las normas,
primero hay que conocerlas, y es
más que evidente que estás pautas son
básicas para todo buen diseñador.
• Conocer los distintos tipos de
fuentes.
• ¿Conoces GHOTMS?
• Combinar una fuente sans-serif
con una fuente serif.
• Combinar una fuente serif con
una fuente sans-serif.
• Combinar dos fuentes similares
no queda bien.
• El contraste entre tipografías es
la clave.
• Utiliza solo dos fuentes, tres si es
inevitable.
• No combinar tipografías de diferentes
épocas.
• Combinar fuentes de estilos y
eras similares.
• Combinar diferentes grosores de
la misma familia.
• Y para terminar: no utilizar las siguientes
tipografías: Comic Sans,
Papyrus, Curlz, Viner, Kristen…
El logo “c” se reemplaza por la nueva
imagen “El Gobierno de todos” en los
edificios públicos
Texto: David Carreño // Foto: Equipo Editorial
El logotipo “Ecuador ama la vida”,
considerado signo emblema de la Revolución
Ciudadana, se diluyó a fines
de enero y fue reemplazado en los
edificios públicos por el símbolo del
nuevo gobierno: un colorido círculo
de aves y pétalos con el nuevo eslogan
“El Gobierno de todos”, la frase
del actual presidente constitucional de
la República del Ecuador, Lenín Moreno
Garcés.
La imagen “Ecuador ama la vida”,
utilizada inicialmente para la inauguración
del hospital del Instituto Ecuatoriano
de Seguridad Social de Manta,
fue reemplazada por el nuevo logotipo
“El Gobierno de todos”. Días después,
el nuevo logo de pétalos y aves apareció
en el hospital de Latacunga, en
una unidad educativa del Milenio, en
Cochasquí y en una Unidad de Policía
Comunitaria, en Naranjal. La sociedad
ecuatoriana se empezó a preguntar si
se trata de otro intento del Ejecutivo de
separar su imagen de la de la Revolución
Ciudadana.
Aún no se sabe si el nuevo logo se
expandirá también a nivel internacional,
reemplazando a “Ecuador ama la
vida”, vigente desde 2010. Hasta ahora,
el único dato oficial ha provenido del
secretario de la Comunicación, Álex
Mora, quien indicó a un medio local,
Expreso, que la marca país fue mal utilizada,
porque se la incluyó en todas las
obras del Gobierno, convirtiéndola en
una marca del expresidente de la República,
Rafael Correa.
*Logo reemplazado por el emblema
de la Revolución Ciudadana

The Mayab Times // Mérida, Yucatán, México.
Viernes 16 de febrero de 2018
‘Frank’, el primer álbum ilustrado de
la vida de Francisco Franco
Texto: María Bon // Foto: Equipo Editorial
GRÁFICO 11
Recordando a Michael Mitchell, uno
de los mejores tipógrafos de su época
Texto: María Bon // Foto: Equipo Editorial
Más de cuarenta años después de la
muerte de Franco surge ‘Frank, la increíble
historia de una dictadura olvidada’,
el primer álbum ilustrado sobre
el dictador. ‘Frank‘ cuenta la vida de
Francisco Franco, desde su nacimiento
hasta su muerte, y es una especie de sátira
que pretende explicar a los más pequeños
un tema delicado y duro, pero
que conviene no olvidar.
El autor de esta obra ilustrada, Ximo
Abadia, es un dibujante e ilustrador de
Alicante que nació ocho años después
de la muerte del general Francisco
Franco. Interesado por la historia de su
país, Ximo fue preguntando a diversas
familias momentos vividos durante la
dicturadura pero se encontró con que
nunca recibía respuesta. Con el deseo
de mantener viva la historia surge
‘Frank‘, un álbum ilustrado que narra
una importante etapa de nuestra historia
y que sigue siendo todavía un tema
tabú en muchas familias.
«Somos un país atípico. Creo que no
se nos enseña en los colegios, por lo
que el acercamiento al personaje es
muy limitado. Se han borrado 40 años
de nuestra historia. Preguntaba a personas
que habían vivido esa etapa y casi
La BBC presenta el nuevo logo para
la 11ª temporada de Doctor Who
La serie del Doctor Who que se inició
en 2005 a modo de remake de la original,
que se mantuvo en antena durante
26 años, estrena su temporada número
11 este año y para ello, desde la BBC,
han decidido cambiar el diseño del logotipo.
El diseño del nuevo logotipo llega debido
al estreno de la décimo-primera
temporada de Doctor Who. El diseño
todo el mundo me decía que ya era un
tema pasado. Nadie te cuenta nada. Se
ha creado una amnesia colectiva. Es
injusto que crezcamos sin saber una
parte de nuestra historia. Que se haya
normalizado que hubo una dictadura»,
cuenta Ximo en una entrevista realizada
al periódico El País.
Frank surge cuando Ximo decide hacer
un libro para poder explicar a los más
pequeños, mediante ilustraciones, la
vida de un personaje clave en la historia
de España. Sin embargo, sus páginas
están dedicadas tanto a los jóvenes
que no vivieron esa época como a los
que sí que la vivieron y no pueden olvidarse.
El nombre escogido para su personaje,
Frank, tiene un gran trasfondo;
con él quiso dar un toque más cómico,
crear una especie de sátira que recordara
lo ridículo que es imponer a la fuerza
una ideología.
Ximo Abadía consigue tratar este tema
tan delicado de una forma muy natural,
normalizando así este importante
acontecimiento histórico de nuestro
país. Narra la historia de la dictadura
de forma alegórica, con un dibujo expresionista,
que hace de este álbum
ilustrado un título imprescindible.
*Una de las portadas del libro donde Franco se une al ejército.
Texto: María Bon // Foto: Equipo Editorial
fue presentado por la BBC en su propia
cuenta de Twitter acompañado de un
fondo con la silueta del Doctor Jodie
Whittaker y su máquina del tiempo
TARDIS.
El rediseño, que presenta tonalidades
amarillas y naranjas, también fue
introducido por la cadena en un clip,
entre gemas preciosas. Este clip lo
acompañó la cadena con el siguiente
Michael Mitchell (1939-2017), tipógrafo,
diseñador y autor de manuales
de diseño definitivos para diseñadores,
falleció a la edad de 78 años.
Su dominio en el diseño de libros y
su habilidad como impresor le permitieron
dedicarse tanto a ayudar a
diseñadores y editores a crear y diseñar
libros como a crear su propio
estudio: Libanus Press. Michael,
además, no estaba sujeto a la moda,
sino que recurrió libremente a varios
estilos, desde el clasicismo hasta el
modernismo para hacer que cada
página de sus diseños fuera lo más
perfecta posible.
Michael Mitchell y Susan Wightman
Michael Mitchell nació el 13 de julio
de 1939 en Leicester (Inglaterra) y
falleció el 17 de noviembre de 2017.
Comenzó estudiando odontología y
trabajando como dentista, y no fue
hasta la edad de 36 años cuando Michael
comenzó a imprimir folletos
y pequeños libros de poesía. Tras
13 años trabajando como dentista,
un día decidió dejarla de lado y comenzar
su carrera como impresor y
editor. Fue entonces cuando fundó
Libanus Press, junto a Susan Wightman,
y comenzar a perseguir su afición
por la impresión de libros.
En su época como tipógrafo, Mitchell
no solo imprimió textos y diseñó
publicaciones, sino que también
coescribió diversas biblias tipográficas
junto con Wightman y enseñó
a muchos diseñadores gráficos y editores
sobre las mejores prácticas para
diseñar y escribir libros. Su taller de
tipografía cerró en 2006 y él murió
hace tan solo unos meses, en noviembre
de 2017, pero Libanus Press
sigue vivo como estudio de diseño
especializado en tipografía, producción
de libros y diseño para impresión,
y es ahora dirigido por la tipógrafa y
autora Susan Wightman.
Entre sus obras más destacadas destacan
los libros que escribió junto a
Susan Wightman: The Typographic
Style Handbook, una reciente publicación
de 2017 para diseñadores que
proporciona diversas pautas sobre tipografía,
puntuación, encabezados, subtítulos,
ilustraciones, diagramas, textos,
etc. En definitiva, todo lo necesario
para publicar una obra, tanto impresa
como en sitio web. También, Book
Typography: a Designer’s Manual, un
guía dirigida tanto a estudiantes como
a editores sobre todos los aspectos de
la producción de libros, desde el uso
de una adecuada tipografía, diseño e
ilustraciones, hasta el encuadernado
y acabado de la cubierta. Esta última
fue publicada en 2005 por su taller de
tipografía Libanus Press, justo un año
antes de que se cerrara definitivamente.
Cabe destacar que antes de compartir
sus conocimientos sobre tipografía,
Mitchell también ayudó a redactar
guias informativas para los visitantes
de diversos museos e instituciones
culturales de Reino Unido. Sir John
Soane Museum: a Complete Description
es una guía para visitantes y académicos
que desean explorar y orientarse
por el museo, conocer su historia
y saber más acerca de las ilustraciones,
fotografías y planos arquitectónicos
del museo.
*Última fotografia con Mitchell
mensaje: «Nuevo Doctor. Nueva serie.
Nuevo logo. #DoctorWho». El diseño
ha recibido críticas y elogios por parte
de los fans de la serie, aunque por lo
general son más los comentarios positivos
sobre el cambio.
La agencia creativa LittleHawk fue
quien creó los nuevos diseños, trabajando
estrechamente con Chris Chibnall
y el productor ejecutivo Matt Strevens.
Jodie presentó el diseño en un
evento de la BBC Worldwide Showcase
en Liverpool y se lanzó simultáneamente
a través de las redes sociales
para la audiencia mundial. El sonido
para el logotipo animado fue creado
por el músico, productor y artista británico,
Matthew Herbert.

12
GRÁFICO
Nick Liefhebber:
«Nunca ilustro con
el estilo de otra
persona»
{ Los colores y estampados son uno
de los aspectos que más destaca en las
obras del diseñador Nick Liefhebber.
Con su marcado estilo el artista prefiere
la ilustración al diseño y, en este mismo
sector, diferentes marcas como Desigual
han contado con él para pedirle
colaborar en sus proyectos. }
The Mayab Times // Mérida, Yucatán, México.
Viernes 16 de febrero de 2018
Texto: Isabel Adalid // Foto: Todscana
Nick Liefhebber es un ilustrador y
diseñador holandés fascinado por el
contraste de colores y el estampado
de formas, aspectos que ha añadido a
su obra haciéndolos propios. Al artista
le fascinaba el arte desde pequeño por
lo que siempre tuvo claro que se tenía
que dedicar a algo estético. La decisión
más difícil por la que se debatía
era elegir entre el diseño gráfico y la
ilustración, problema que se resolvió
cuando no le aceptaron en el segundo.
Sin embargo, esta rama volvió a encontrarse
en su camino al darse cuenta de
que le faltaba libertad para expresarse.
«Si tuviera que elegir entre una de las
dos disciplinas en las que trabajo, me
quedaría con la ilustración, me parece
más fascinante y con la que es más
sencillo contar mis historias. Como diseñador
gráfico ayudo a las personas a
contar las suyas, no las mías», añade
Liefhebber.
Toscane
«Me gusta usar patrones como los estampados
en mi trabajo, en ellos un
mismo color se puede ver de forma
diferente».
El uso del color es una parte esencial
de su estilo que utiliza para poder otorgarle
un aspecto vibrante para mantener
a los ojos ocupados y pendientes de
la obra. «El color es una parte fundamental
de la mayoría de mi obra, me
ayuda a enfocar o desviar la atención
sobre algo y a crear un contraste entre
formas».
Nick añade que nunca ilustra con el
estilo de otra persona, sino que son
los clientes quienes suelen buscar su
propio estilo. Además, se puede diferenciar
dos procedimientos a la hora
de observar sus trabajos: uno más
limpio construido a partir de formas
claras y, habitualmente, hecho a mano
con papel y utilizando el collage como
herramienta. Y por otro lado, uno más
pesado de manera visual que suele ser
realizado a través del ordenador.
‘Make it Magic’ – Desigual
Uno de sus últimos trabajos ha sido
un packaging para la compañía de
ropa Desigual que se asemeja mucho
a su propio estilo. Tanto Liefhebber
como la marca de ropa suelen utilizar
formas y patrones diferentes para un
mismo trabajo, por eso en este proyecto
(“Make It Magic”) tuvo libertad
para ajustarse al estilo y a la vez hacerlo
suyo. La magia y el simbolismo son
descripciones que se podrían usar para
este trabajo con el que ambas partes
acabaron felicitándose por el resultado.
«Normalmente solo suelo usar tres o
cuatro colores base que mezclo y superpongo»,
afirma el artista.
Pese a que los colores son una parte
fundamental de su trabajo uno de sus
*Diseño de packaging para Desigual
proyectos, Terranium, destaca por la
total ausencia de color. Este se realizó
con técnicas de impresión analógica
como el grabado. Esto no fue un problema,
sino una nueva forma de expresarse,
más táctil. La textura del papel
y la mirada de las capas mejoraban el
resultado del producto.