yvan salomone - Galerie Xippas

galerie xippas
108, RUE VIEILLE-DU-TEMPLE
75003 PARIS
yvan salomone
REVUE DE PRESSE
TÉL + 33 1 40 27 05 55
PARIS@XIPPAS.COM

Yvan Salomone,
la traverSée
deS aquarelleS
Cet artiste voyageur, à la dérive des continents,
explore les vagues à l’âme et les routes inexplorées
de notre conscience. Ses couleurs aquatiques dessinent
avec simplicité un monde profond qui nous observe
et nous analyse. Il en fait un objet abstrait et réel,
qu’il peint et écrit dans une tension permanente.
Embarquement hors cadre.
PIGMENTS
PIGMENTS
Yvan Salomone,
the watercolour
croSSing
this nomadic artist, a continental drifter, explores
the undulations of the soul and the unexplored roads
of our conscience. his aquatic colours portray with
simplicity a deep world that observes and analyses us.
the subject becomes abstract and real, painted and
written about in a state of permanent tension.
all boarding now for a visual journey.
113

sAint-MAlo. lA cité des corsAires.
Début mars. Il m’avait dit qu’il revenait
d’Afrique et, pour mon voyage, m’avait
donné à lire cinq cents textes aux titres
sonnant comme de petits exercices
joyciens : [nAkeddAMper], [fishinferno],
[MirlitorAle], de ceux qu’il écrit sur
chaque œuvre deux ans après, comme
des retours sur paysage, occasion de leur
découvrir parfois une seconde nature.
Et j’avais aussi à feuilleter ces éditions
en noir et blanc, où il mêle photos et
documents, et qui doivent nous dire
encore autre chose de ce qui le travaille.
AquArelle, écriture, édition, les trois
éléMents insépArAbles de son activité,
comme les trois cercles d’un nœud
borroméen.
Extrait de [pentefaible] qui lance la
machine : « Du désert, je prends la route
avec l’intention de trouver des objets
dans tous les sens… La première fable
le long d’un quai se présente sous
l’apparence d’un cargo : le nom qu’il porte
est Diane ! Je me détourne et abandonne
d’anciens monuments pour rentrer chez
moi avec ce preMier pAs dAns le pAysAge.
Il s’effectue dans le tumulte où j’entretiens
une douce querelle entre des pensées
et des étendues, où mes mouvements
sont des motifs. » Voilà les débuts d’une
aventure qu’il poursuit depuis 1991.
Action.
Au début étAit le désespoir
« L’élément déclencheur a été mon désespoir.
Dans les années 88-89 je me suis retrouvé
dans l’atelier, plus rien à dire, sécheresse
absolue, physique et psychologique. Tout
autour de la pièce, j’avais tracé une ligne à
hauteur des yeux, une sorte de ligne d’horizon,
où je punaisais et défaisais en permanence
des restes d’expressions. L’extrême fin
de toute une série de tentatives abîmées par
de trop grandes admirations. Alors je suis
sorti. J’habite à Saint-Malo, pas loin d’un
port, je trouve du plaisir à me promener sur
les quais, autant pour la mobilité de ce que
j’y trouve que comme dernier espace, quand
le désespoir vient buter sur une limite physique,
géographique. Et curieusement, ces
ports qui auraient dû m’amener à une sorte
d’admiration maritime, à toute une mythologie,
m’apparaissaient comme un immense
atelier où tout était plaisant, changeant, une
leçon d’architecture permanente avec des
ruptures d’échelle. D’un seul coup, un navire
de la taille d’un immeuble modifie l’espace.
Il n’y a pas d’autre endroit sur la planète où
un immeuble arrive et s’en va dans l’heure.
Et qui, de plus, porte un nom de grande
poésie, nom d’une femme, d’un personnage
mythologique. D’un seul coup Diane est là,
et demain ce sera Persée et après-demain
Irène. Bernard Lamarche-Vadel, qui écoutait
mes histoires à l’époque, m’a aidé à accélérer
le processus devant m’amener à traduire ces
situations éprouvées chaque jour. Et parmi
les possibilités qui s’offraient à moi, j’ai
pensé que la technique de l’aquarelle pouvait
convenir. »
peindre pour réfléchir
« Pour moi, passé par une lignée Chirico,
Pollock, Guston, Beuys, arriver avec un paysage
aquarellé, c’était un peu inquiétant au
vu de ce que j’avais admiré avant. Surtout en
sachant l’image que je produis dans l’esprit
des gens, quand on sait le genre de peinture
pratiquée dans ces cités balnéaires. C’est
devenu passionnant parce que je suis passé
d’un mode ironique à un véhicule. Je ne suis
pas vraiment un peintre au pur sens de la
peinture, quelqu’un qui baigne dedans, non.
J’utilise la peinture pour réfléchir. Il y a une
grande ambiguïté quand on ne voit dans mon
travail qu’un réalisme de plus. Pour reprendre
Freud sur le rêve, j’aime à dire que la
figuration n’est pas faite pour être comprise.
Aujourd’hui, après vingt ans de conduite
de ce véhicule, la conduite est plus aisée, je
prends les virages un peu plus vite, et quand
survient un dérapage, j’ai mes « rustines »,
ces éléments noirs à la fois masques, lest
de rééquilibrage d’une composition, ardoise
magique de mon inconscient, ou qui sait
symptômes d’une éruption à venir. »

les zones
« J’ai toujours bougé. Mais initialement j’étais
très attiré par les zones portuaires. Surtout
pas la friche, surtout pas l’abandon, pas ce
romantisme-là, mais des lieux qui fonctionnent
avec une face qui ressemble à l’abandon.
C’est ça qui m’intéresse. Comment, à un
moment donné, il y a des interstices de fonctionnement,
des zones qui pour un certain
temps vont s’arrêter de fonctionner, avant de
redémarrer. Par référence au personnage du
Stalker d’Andreï Tarkovsky, je me considère
comme un chasseur d’approche, je rentre
sur une zone, donc potentiellement, le film
ayant été tourné sur quelque chose comme
trois hectares, j’aurais pu développer toute
mon activité à Saint-Malo, d’autant qu’il y
a vingt ans je pouvais y rentrer, alors que
maintenant, pour de multiples raisons, zone
franche, clandestinité, danger des outils,
c’est grillagé. Mais je n’ai pas résisté à aller
voir comment ces zones-là étaient ailleurs,
pour finalement vérifier qu’elles étaient les
mêmes. D’où une indifférence géographique
totale. Que je sois en Afrique, aux États-Unis
ou en Chine n’a aucune importance. Et c’est
là encore où le réalisme de mes paysages
s’effondre. Peu à peu, pratiquer ces zones
m’a ouvert les yeux sur d’autres interstices
existant dans ce monde. Alors, que je sois en
Auvergne ou en train d’attendre quelqu’un
à la gare, je peux apercevoir quelque chose
que je n’aurais pas vu avant, sans cette
initiation. »
l’AquArelle sur le divAn
« Faire une aquarelle hebdomadaire crée
beaucoup de tension, dans la mesure où je
cherche à obtenir, non pas la description de
ce que j’ai vu, mais une histoire planquée
dans le paysage qui m’a regardé. Quelle est
cette rencontre qu’on a eue ensemble ? C’est
cette énigme que je cherche en permanence
et que je ne trouve pas. Une phrase est
essentielle pour moi, celle de Freud décrivant
la cure analytique : « Élever l’impuissance
jusqu’à l’impossible ». À un moment, il faut
aller chercher quelque chose tout en sachant
qu’on ne le trouvera pas. Et là, on est quasiment
à la naissance du désir. Et vingt ans
après, j’ai encore du désir. À une époque,
la tension était telle, avec cette impression
de recevoir mes paysages, recevoir l’histoire
qu’ils avaient à me dire, que j’avais souhaité,
comme un psychanalyste, rentrer en contrôle
pour me réparer un peu de cette tension. Le
travail avec les jus est lent, quand le malade
est trop mouillé il faut attendre qu’il sèche
et, devant m’interrompre, j’ai le temps de
la réflexion. Qu’est-ce que ce paysage me
veut ? Et je n’abandonne jamais un paysage
sans qu’il m’ait dit quelque chose. Donc, si je
peux l’exprimer comme ça, j’ai des paysages
en analyse. »
fin de lA trAversée
Les remparts accueillent ma promenade
devant une mer retirée. Ces œuvres ne
sont-elles pas l’exemple même de celles qui
cachent leur identité réelle sous le masque de
l’habitude ? N’est-ce pas l’artiste d’ailleurs
qui dit aimer l’idée d’avancer masqué ? Je
repense à cette phrase lancée au moment
de l’au revoir, « mon œuvre est comme un
coffre-fort qu’il ne faudrait pas ouvrir ».
Lui serait-il comme un regret si cela nous
menait trop loin dans la connaissance de son
être intime ? Ou bien est-ce que, comme la
lampe d’Aladin, sa maîtrise est difficile ? Les
questions s’enchaînent. Curieusement, et
comme en antithèse, les œuvres imposent
leur composition, leur solidité, une sorte
d’immanence. Dans un entretien récent
avec l’artiste pour Peinture parlée au Centre
Pompidou, Didier Semin évoque l’embarras
de certains conservateurs à ranger ce travail
dans la catégorie « art contemporain », car s’il
lui emprunte ses protocoles, rythme de production,
format toujours identique, titre de
onze lettres précisément, il s’en écarte par la
pratique ancienne choisie. Fortifiées par des
textes qui leurs sont liés, les aquarelles nous
reviennent autrement. Y gagnent une profondeur
et comme un au-delà. Aujourd’hui,
l’art figuratif ne peut plus faire l’économie
du concept.
JIM PALETTE
Yvan Salomone est représenté en France par la
galerie Xippas, en Belgique par la galerie Baronian-
Francey et en Suisse par la Galerie Zannettacci.
Son ouvrage, Le Point d’Ithaque, Cahiers 1991-2006
(Les Presses du réel, collection Mamco, Genève),
paraîtra en juin 2010.
141

[u n d i v i s i b l e]
[a e d i f i c a n d i]
[sansypenser]
[ a p o l l i n a i r e ]
[commeprevue]
[l a n c e p i e r r e]
Aquarelles de 1991 à 2008. 95 × 138 cm
Titres des œuvres
[n i k e h e r c u l e]
[u n i n v i s i b l e]
[b a t t l e d r e s s]
[ p e t i t e j u l i a ]
[chateaudeau]
[f a u x e n t r a i t]
[m o l e c u l a i r e]
[r i c k d e c k a r t]
[bonaventur e]
[ j o u r d e p l u i e]
[homomorphou]
[m e l a n k h o l i e]
[ p a v i l l o n o i r ]
[c omposi tion]
[t e c h n i c o l o r ]
[mar ionne t te]
[c a p i t u l a i r e]
[secondscene]

[ p u m i l i o a l b a]
[f u n a m b u l i s t]
[p a thofgr e en]
[d e s a l l i a n c e]
[d i s p a r a i t r e]
[a p p a r a t c h i k]
Watercolors from 1991 to 2008, 95 × 138 cm
Titles of works
[i m m o b i l i e r e]
[u l t i m a r a t i o]
[i n f l a t a b l e s ]
[o l i e b e r g e r e]
[ c e l i b a t a i r e ]
[e r e e l e e r e e l]
[ p r e s c r i p t i o]
[ a i n s i l a n u i t ]
[s ansepolcr o]
[a u j o u r d n u i t]
[ensemblason]
[d i s j o n c t e u r]
[recommencer]
[a b s t r a c t i o n]
[h e l i m a t l o s t]
[e v a p o r a t i o n]
[ t r a i t d u n i o n]
[m a r i b a r b o l a]
143

[legislateur]

145

sAint-MAlo. the corsAir city.
Early March. He told me that he was
coming back from Africa and, for the
journey, gave me five hundred texts
to read, with titles redolent of brief
joyceAn exercises: [nAkeddAMper],
[fishinferno], [MirlitorAle], the ones
he writes about each work, two years on,
like some kind of journey back to
the scene, an opportunity to find a second
nature within ; and to leaf through these
black and white editions where he mixes
photos and documents, and which must
tell us still more about what torments him.
wAtercolours, texts, editions, the three
insepArAble eleMents of his work, like
the three rings of a Borromean knot.
An extract from [pentefaible (slight slope)]
to start off: “From the desert, I set out
with the intention of finding objects in all
directions... The first tale from along the
quayside appears in the form of a freighter
bearing the name Diane! I turn away and
abandon ancient monuments to return home
with this first forAy into the lAndscApe.
This happens in a turmoil, in which
I maintain a small quarrel between thoughts
and spaces, and in which my movements
are patterns.” These are the first steps of an
adventure he has been pursuing since 1991.
Action.
in the beginning wAs despAir
“The catalyst was my despair. In the years
1988–1989, I found myself at the studio
with nothing to say, a complete drought in
physical and psychological terms. Running
right around the room, I had marked out a
line at eye level ; a kind of horizon where I
continuously pinned up and unpinned the
remnants of my expression. The very end
of a sequence of tentative pieces damaged
by over-admiration. So I went out. I live in
Saint-Malo, near a harbour. I love to wander
along the quays, not just for the mobile quality
of what I find there but also as a final
space, where despair butts against physical
and geographical limits. And curiously, these
harbours which should have nudged me
towards some kind of maritime admiration,
towards a whole mythology, appeared as
a giant studio where everything was pleasant,
changeable, an unceasing lesson in
architecture with fractures in scale. All of a
sudden, a ship the size of a building alters
the space. There is nowhere else on earth
where a building can arrive and leave in the
space of an hour. Added to which it bears
a name from great poetry, a woman’s name,
that of a mythological character. In one
fell swoop Diane is there, and tomorrow it
will be Persée; the next day, Irene. Bernard
Lamarche-Vadel, who listened to my stories
at the time, helped me to speed up the
process, which would bring me to translate
these situations experienced daily. And from
among the possibilities available to me, I felt
that the watercolour technique might suit.”
pAinting in order to think
“For me, having followed in the traditions
of artists such as Chirico, Pollock, Guston,
Beuys, to finish with a watercolour landscape
is a little worrying, when you consider what
I used to admire. Particularly knowing the
image I evoke in people’s minds and when
you know the style of painting produced
in seaside towns. It has become absorbing
because I have gone from an ironic mode to
a vehicle. I am not really a painter in the true
sense of the word, someone who is totally
immersed in it, not really. I use painting as a
way of thinking. There is huge ambiguity if
you can only see in my work another form
of realism. To go back to Freud and dreams,
I like to say that representation is not meant
to be understood. These days, after twenty
years of using this vehicle, driving is easier,
I take my corners a little faster and when I
skid, I have my ‘patches’, those black elements
which are all at once masks, ballast
for restoring the balance of a composition,
the magical blackboard of my unconscious
or, who knows, the signs of an eruption to
come.”

the AreAs
“I have always been on the move. However,
initially I was greatly attracted to harbour
areas. Definitely not wasteland, not abandonment,
or that sort of romanticism, but
places which function with a face that looks
like neglect. That is what interests me. How,
at any given moment, there are interstices in
the workings, areas which for a certain time
will to cease to function, before starting up
again. In reference to the character in Stalker
by Andreï Tarkovsky, I think of myself as a
hunter of approaches. I enter an area, therefore
potentially, the film having been shot
on something like three hectares, I could
have developed all my work in Saint-Malo,
in the same way as twenty years ago I could
gain access to areas, whereas nowadays, for
various reasons, free zoning, illegal immigration,
dangers of equipment, these are fenced
off. But I couldn’t resist going to see what
those areas were like in other places, to be
able to verify whether they were the same
in the end. Which brings us to complete geographical
indifference. The fact that I was
in Africa, the United States or China made
no difference. And this again is where the
realism of my landscapes crumbles. Little
by little, working on these areas opened my
eyes to the other interstices that exist in the
world. Therefore, whether I am in Auvergne
or waiting for someone at the station, I can
catch a glimpse of something that I might not
have seen before without this initiation.”
wAtercolour on the couch
“Doing a weekly watercolour creates a huge
amount of tension, in so far as I try to obtain,
not so much a description of what I have
seen, but the story behind the landscape that
looked out at me. What is that encounter we
shared? It is the enigma I hunt endlessly and
which I cannot find. There is a sentence that
is essential for me; one from Freud describing
analytical therapy, “Raise powerlessness
to impossible heights.“ At some point,
you must seek something knowing full well
you will not find it. And here, more or less
we find the birth of desire. Twenty years on
and I still have this desire. At one period, the
tension was so great, with that impression
of receiving my landscapes, receiving the
story they had to tell me, that I wished, like
a psychoanalyst, to regain control in order
to restore myself after this tension. Working
with colourwashes is slow. When the patient
is too wet, you must wait till he dries out,
so I am obliged to take a break and I have
the time to think. What does this landscape
want from me? I never give up on a landscape
until it has said something to me. So,
if I express it this way, the landscapes are
undergoing analysis.”
the end of the crossing
The ramparts welcome my walk before a
retreating sea. Are not these works the very
examples of those who hide their true identity
beneath the mask of habit? Is it not
the artist, moreover, who claims to like the
idea of advancing under a mask? I think
back to this sentence thrown down at the
time of a goodbye, “My work is like a safe
which must not be opened.” Would it be like a
regret which brought us too far into intimate
self-knowledge? Or rather is it because, like
Aladdin’s lamp, his craft is difficult? The
questions are all connected. Oddly, and as
if in antithesis, the works impose their own
composition, their solidity; a kind of immanence.
In a recent interview with the artist
for Peinture parlée at the Pompidou Centre,
Didier Semin mentions the difficulty for
certain curators to categorize this work as
“contemporary art”, for although it employs
the protocol; the pace of production, the ever
identical format and titles of precisely eleven
letters, it diverges in the chosen use of
traditional form. Strengthened by the texts
linked to them, these watercolours strike us
differently. Depth and an other-worldliness
predominate. Nowadays, representational
art can no longer dispense with the concept.
JIM PALETTE
Yvan Salomone is represented in France by the
Xippas Gallery, in Belgium by the Baronian-Francey
Gallery and in Switzerland by the Zannettacci Gallery.
His work Le Point D’Ithaque, Cahiers 1991-2006
(Les Presses du Réel, collection Mamco, Geneva),
is due to appear in June 2010.
147

[parcataules]

144 RUE DE RIVOLI
75001 PARIS - 01 42 44 16 16
XIPPAS
4383936100508/GST/ARR
Marine and
Peintre des zones portuaires
et des chantiers navals,
YVAN SALOMONE expose ses
aquarelles d'un monde lessivé.
st ce parce qu il a renonce à les enca
drer et les mettie sous verre 7 Est-ce
parce qu'au lieu de les accrocher bord
a bord, comme il le fait souvent, il les a
mm ici légèrement écartées et isolees les
unes des autres 9 Reste que les aquarelles
d'Yvan Salomone sont ici comme a nu, epm-
glees a meme le mur, et ainsi
exposées elles n ont jamais paru
aussi intenses ni aussi évidentes
Intense paradoxe en ef
fet que ces paysages industriels,
ces vues de zones portuaires
traduites par le moven désuet et suranné de
l'aquarelle Et I emploi de ces couleurs vives
(le vert d'une cuve, la "granderouge" d'un
container) pour dire un monde en demi teinte
et son economie décroissante
Et pourtant ces peintures a l'eau collent parfaitement
au su]et, a ce monde délave, défraîchi,
lessive Accrochées en ligne sur tout
le mur de la galerie Xippas, les 'mannes
contemporaines" de Salomone forment un
long panorama, un double travelling latéral
sur une zone industrielle et portuaire deso
lee vide de tout habitant, en proie a une
desaffection chionique G est un paysage ho
mogene qui se déroule ici, une bande continue
entre terre et mer, quand bien même l'ar
liste effectue ses reperages photogi aphiques
dans les ports de Samt-Malo, Rotterdam,
Shanghai ou ailleurs
Tout aussi bien, on pourrait etre au Havre, a
Gênes, Toulon, Saint-Pétersbourg ou Seattle,
e est dire si ces peintures a l'eau ont la qualité
d'images generiques - et par association
d'idées me revient a l'esprit la lecture de Sm
Errant dans ces
ports désolés,
l'œil traverse des
souvenirs visuels.
ade d'Edouard Levé, autre adepte des images
géneriques, et dont le dernier roman est a lire
comme un texte ambient ou suicide et paysage
constituent un même état d'âme depressionnaire
"Peu d'indices permettaient de dire ou les
vues avaient ete prises Les paysages montraient
des lieux anonymes, des zones industrielles ou mm
meraales dans des banlieues de villes modernes,
souvent a la limite entre fe? territoires urbains et
ruraux On ne voyait aucun personnage Tune
parvenais pas a désirer ces non lieux que l'on te
donnait o von La vie semblait s'en etre échappée
Qui pouvait vouloir vivre dans ces lieux ingrats,
immenses et désertés '"
Et c'est d'ailleurs un "journal",
autre titre d'Edouard Levé, intime
maîs distancie, que ce mur
d'aquai elles réalisées a raison
d'une par semaine depuis main
tenant plus de vingt ans, dont les séchages
peuvent former a la surface du papier de
grosses gouttes d'écume - comme une "rivière
de larmes', commente l'artiste qui donne par
fois un sous-titre poétique et psychologisant
a ces réalités sociales "douxvnages", 'jourdepluie",
"enfermement", "melankhohe '
Errant dans ces ports désoles, l'œil traverse
encore des souvenirs visuels on pense aux
photographies de sites industriels des Bêcher,
on songe a la poétique des ruines chère a Di
derot, et Yvan Salomone apparaît alors
comme un Hubert Robert des chantiers na
vais On songe encore a l'artiste americain Robert
Smithson, avec la sensation de longer non
plus un chantier naval a l'arrêt, maîs un ci
metiere de land art, avec ses "ruines a l'en
vers", ses hangars et ses containers comme
autant de 'monuments involontaires"
Jean-Max Colard
Yvan Salomone Jusqu au 26 juillet a la galerie Xippas
108 rue Vieille du Temple Paris lll 8 tel 0140270555
wwwxiDoascom
Eléments de recherche : Toutes citations : - GALERIE XIPPAS - Les artistes : * VIK MUNIZ * LUCAS SAMARAS * TAKIS
08 JUIL/14 JUIL 08
Hebdomadaire Paris
OJD : 37296
Surface approx. (cm²) : 340
Page 1/1

Untitled Document
Maigres citadelles
http://www.crdp.ac-creteil.fr/artecole/galerie/pagesalomone.htm
YVAN SALOMONE
intervention face aux oeuvres dans l'exposition Maquis
au centre d'art Le Plateau à Paris dans le cadre des
rencontres DE VISU du CRDP
Les auteurs qui se sont penchés sur l'œuvre de Yvan Salomone
insistent tantôt sur la singularité - du moins au regard de la création
contemporaine - de sa technique et de ses motifs, tantôt sur la
prétendue dimension systématique qui sous-tend sa démarche. Soit
des données et des entrées dont l'artiste souhaite peu entendre
parler, bien qu'elles soient consubstantiellement et intrinsèquement
rattachées à son travail. Yvan Salomone aime au contraire insister
sur l'importance que requièrent à ses yeux les différentes
excroissances et métastases qui se sont développées à partir de
son Lebenswerk à proprement parler, à savoir un grand nombre
d'aquarelles peintes depuis l'été 1991. Or il est le premier à
reconnaître que ces débordements - écrits, publications,
photographies, films, projections, bandes-sons, site - parasitent son
travail pictural. pour mieux le faire ressortir, dévoilant avec une
parcimonie savamment dosée des fragments de significations que
l'opacité iconique s'évertue de dissimuler.
Il est difficile d'établir avec certitude ce qui est réellement en jeu
dans l'œuvre de Yvan Salomone. Nous sommes en effet conscients
que ses aquarelles ne renvoient pas exclusivement à la présence
(l'absence ?) d'un passé qui tenterait de refaire surface. Nous
10/05/2008 16:26
Quels récits innervent ces aquarelles ? Quelles histoires racontentelles
? Celles de leur producteur, assurément, qui ne craint pas
d'investir un champ autobiographique aussi fragile que
problématique, nous laissant entrevoir ses obsessions et sa
solitude.Solitude et vide qui trouvent, faut-il le préciser, leur
traduction dans ces paysages portuaires désertés et désincarnés,
dans ces cargos, containers et autres vestiges industriels "
suspendus " qui forment la trame iconographique de son œuvre.
Quant aux obsessions, elles infiltrent avec une inquiétante
irrégularité le corpus de Yvan Salomone, se donnant à voir à
travers des reconfigurations incessantes de motifs originels (la
grille, le " bloc " etc.) telles ces variations sur le mazzocchio
uccellien qui ont finit par constituer l'un des leitmotiv de son travail,
cette forme torsadée sidérant " encore " l'artiste " par sa perpétuelle
et fantastique actualité ".Perpétuelle et fantastique actualité qui
résume à elle seule ce qui est en germe dans l'œuvre de Yvan
Salomone, tant cette formulation ô combien paradoxale nous oblige
à entrer dans ce que Georges Didi-Huberman nomme, en
hommage et en référence à la " survivance " warburgienne, un
autre temps.
L'œuvre de Yvan Salomone ne saurait donc se conjuguer au
singulier et encore moins se plier au mainstream moderniste. Elle
ne cesse de se dérober, de transgresser la prétendue linéarité qui
la caractérise. Elle enveloppe plusieurs strates temporelles qui se
juxtaposent, se prolongent, se complètent ou se neutralisent. C'est
dire à quel point la supposée dimension " chrono-logique " de son
travail est essentielle, celle-ci constituant une sorte de colonne
vertébrale à partir de laquelle et à travers laquelle l'artiste tisse ses
réseaux de temporalités et les séries de déplacements qui animent
son œuvre.
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Untitled Document
sommes tout aussi conscients que ces territoires incertains qu'elles
représentent ne se désintègrent pas dans un mode mnémonique
précis pour la simple raison que le dispositif de répétition mis en
place par l'artiste - Freud parlerait de " compulsion à répéter "
(Wiederholungszwang) - ne fait qu'accentuer ce que ce dernier
nomme " les résistances du refoulement ". Ce faisant, toute
possibilité offerte au spectateur mais aussi dans une certaine
mesure à l'artiste de véritablement mener à bien l'anamnèse soustendant
son travail est inexorablement retardée, périclitée.
http://www.crdp.ac-creteil.fr/artecole/galerie/pagesalomone.htm
10/05/2008 16:26
NOTES
1- Contrairement à ce qui est souvent avancé, Yvan Salomone ne peint pas "
C'est bien fragment par fragment que le monde de Yvan Salomone systématiquement " une aquarelle par semaine. Disons qu'il peint une aquarelle après
se dévoile et fragment par fragment qu'il semble paradoxalement et l'autre et que cette chronologie correspond plus ou moins à un découpage
définitivement (?) nous échapper. L'imperméabilité de ce monde aux hebdomadaire. Les tampons que Yvan Salomone appose en guise de signature sur ses
images ne renvoient d'ailleurs qu'au nombre, variable, d'œuvres réalisées dans le mois
flux interprétatifs, le refus qu'il nous impose de le pénétrer
(par exemple 03 02 02 correspond à la troisième aquarelle du mois de février 2002
pourraient d'ailleurs sans peine faire l'économie de cette logique etc.).
répétitive contraignante. Les aquarelles sont en effet, prises 2- Sigmund Freud, " Note sur le ''Bloc-notes magique'' " (Notiz über den Wunderblock)
(1925) in Résultats, idées, problèmes, vol. II (1921 - 1938), Paris, PUF, 1985 pour la
isolément, suffisamment imprévisibles pour que leur mystère ne traduction française, p. 121.
puisse être percé. Aquarelles dont la déliquescence - tout
3- " A la mémoire est attachée une ambition, une prétention, celle d'être fidèle au passé
particulièrement soulignée par les troublantes auréoles corrodant ; à cet égard, les déficiences relevant de l'oubli ne doivent pas être traitées d'emblée
fréquemment ses images -, ne fait que renforcer la précarité d'une " comme des formes pathologiques, comme des dysfonctionnements, mais comme
l'envers d'ombre de la région éclairée de la mémoire, qui nous relie à ce qui s'est passé
peinture à l'eau " sur le point de s'ensevelir. Une peinture diluvienne avant que nous en fassions mémoire " (Paul Ricour, La Mémoire, l'Histoire, l'Oubli,
qui essayerait donc par tous les moyens de provoquer sa propre Paris, Seuil, 2000, p.26).
dislocation. Et qui semble y parvenir sans peine.
4- Ibid, p. 37.
5 - Cf. Sigmund Freud, " Remémoration, répétition et perlaboration " (1914) in La
technique psychanalytique, Paris, PUF, 1953 pour la traduction française, pp. 105 - 115.
Texte de ERIK VERHAGEN
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le 7.IX.1996
Cher Yvan,
Vous continuez donc à nous donner des nouvelles des confins, et à décrire
la lisière concentrée du pays, dans ses ports, ses entrepôts, ses
machineries portuaires.
Pour une bonne part, et la meilleure souvent selon moi, l'entreprise
artistique moderne par une variété d'ambiguïté congénitale mesure sa
profondeur et sa sincérité à là hauteur de l'élément comique qu'elle
instaure; l'exigence semble y rire d'elle même dans sa caricature, son
double, le jeu et l'auto-ironie. Sans doute parce que vous êtes
foncièrement moderne, vous déduisant autant de Kafka que de Picabia, de
Beckett que de Chirico, de Céline que de Gasiorowski ou de Malcolm
Morley, immanquablement vous avez visé la situation comique par
excellence; aquarelliste donc, et de surcroît, destin étrange des
prolongements de l'absurde, peintre de marines et vivant à Saint Halo. Au
ras des touristes, dans des factures réputées caduques et des figures
très désuètes, qui configurent l'espace du clown, de quoi vous moquez
vous ? aux frais de qui rit-on dans le décalage entre la posture timorée
et l'éclat d'une volonté toute contemporaine de peindre ?
On rit d'abord des moyens de la peinture. Terribles années 80, les
tournesols tournoyaient sur les téléviseurs en raison de leur prix, et
quelles lourdes tartines ne nous a t-on pas servies ? Prendre le chemin
opposé à ce que réclame l'époque reste la seule attitude saine et
respectable pour un artiste. En optant pour l'aquarelle, ouvrages de
Dames, sensibilité atmosphériques, travaux d'enfants, exquise suavité du
délayage des pigments, vous avez commencé par mettre la peinture en tord.
Rire de ses petits moyens, sa fragilité, son caractère mineur,
transparent, poétique de base. Et l'on voit bien comment, astucieusement,
à ces moyens de l'aquarelle choisis par volonté d'imposer une épreuve à
la peinture en la bridant dans sa matérialité mineure, vous apportez une
juste compensation par la taille de vos peintures. Le rire souvent est
déclenché par la saisie d'une série de ruptures d'échelle. Vos peintures
qui ne sont que des aquarelles atteignent des formats de tableaux..
Minoration, - renversement -, agrandissement, - renversement à nouveau -,
ces grandes aquarelles présentent au sens strict du terme des no man's
land. Vos paysages, c'est bien le cas de le dire, sont terriblement
flottants. Pas un sur lequel on hésite entre reconnaître l'érection
industrielle et constater ses résidus. Et rupture donc à nouveau; ces
faibles moyens mais luxueusement déployés ne servent qu'à présenter une
étape supérieure de l'ambiguïté de vos grandes peintures marines; le
monument industriel se mire dans sa ruine et sa poussière. Votre affaire
se redouble encore, vous croisez Francis Bacon, dans l'aquarelle sous
verre, je vois où j'en suis, dans le no man's land; et je crois hélas
comprendre pourquoi à l'intérieur de ce nouveau catalogue de vos
peintures vous protégez chacune de vos oeuvres du sens de l'apparition
d'un même entonnoir en regard des travaux. L'entonnoir, non seulement
nous l'avons sur la tête en signe d'idiotie pour avoir métamorphosé nos
confins en aires abstraites et désertes, traversées exclusivement par des
valeurs économiques ; mais l'entonnoir, ce sont ces sites eux-mêmes,
devant nous et derrière nous, le monde tel qu'il devient en lequel nous
tombons comme dans le puits du non-être.
Bien à vous, cher Yvan, et dans cette perspective métaphysique, bon
courage !
Bernard Lamarche -Vadel