Télécharger les notes de programme du concert de - Festival Archipel

a r c h i p e l
festival des musiques d'aujourd'hui
4-13 avril 2008, Genève
Bruissez sans entraves
Village symphonique global
programme du dimanche 13 avril 16h
Alhambra
1

Bruissez sans entraves
Les années 1960 ont cassé le carcan des règles héritées de la Seconde École de
Vienne. Contre le sérialisme, sa combinatoire, ses rejets harmoniques, surgit le Do
majeur éclatant et les simples cellules répétées d'In C de Terry Riley (ateliers publics les
7-8-9-10-11, installation du 11 au 13, concert le 13). Le Minimalisme est né.
Pour la première fois dans l'histoire de la musique, l'Europe n'a pas été à l'avant-garde.
Elle se crispe sur la complexité de son langage, notamment en France où luisent les
dernières braises d'un sérialisme flamboyant (Barraqué, Éloy, Guézec, le 5 à 20h).
Karlheinz Stockhausen, pourtant promoteur du sérialisme généralisé, est quasiment le
seul de sa génération à se laisser séduire par cette explosion de liberté. Durant cette
décennie, il fait preuve d'une incroyable audace expérimentale. Première oeuvre mixte
avec transformation électronique en temps réel (Mantra, le 12 à 20h), Spiral pour ondes
courtes (le 7 à 20h), Mikrophonie I où micro et potentiomètre deviennent des
instruments à part entière (le 9 à 20h), expérience de musique intuitive (Aus den sieben
Tagen, le 12 de 14h30 à 22h30) repoussant la notion d'auteur (il n'y a pas une note
écrite) comme celle de représentation (l'oeuvre dure de 6 à 12h). Puis délaissant la
technologie, il invente un rituel musical d'une envoûtante beauté : Stimmung, prière
syncrétique chantée selon les harmoniques naturelles (le 10 à 20h). Stockhausen est
bien l'incarnation de la liberté débridée des années 60.
2
Marc Texier
directeur d'Archipel

dimanche 13 avril - 16h
Alhambra
Concert - durée environ: 90'
Steve Reich
États-Unis *1936
Steve Reich
États-Unis *1936
Terry Riley
États-Unis *1935
Village symphonique global
Clapping music (1972) #5'
Music for pieces of wood (1973) #13'
In C (1964) #50'
musique répétitive pour ensemble
Orchestre du Conservatoire de Genève
direction Eduardo Leandro
Concert enregistré par la RSR-Espace 2
3

Steve Reich: «Clapping music» (1972) #5'
Oeuvres
Sur la pièce rythmique Clapping Music (1972), Steve Reich utilise le corps humain
comme seul et unique instrument de musique grâce aux claquements de mains de
deux musiciens.
Le premier joue un rythme régulier tandis que le second interprète un rythme fluctuant
jusqu'à ce qu'ils soient de nouveau à l'unisson...
Clapping Music servit de musique d'accompagnement pour Walking Dance de la
chorégraphe Laura Dean.
Steve Reich: «Music for pieces of wood» (1973) #13'
Music for Pieces of Wood a les mêmes racines que Clapping Music : elle relève d'un
simple désir de faire de la musique à partir des instruments les plus simples. J'avais
choisi les claves, ou plutôt les cylindres de bois dur qui nous ont servi dans ce cas, en
raison de leurs hauteurs particulières (la, si, do dièse, ré dièse et un autre ré dièse à
l'octave supérieure) et de la résonance de leur timbre. Ce morceau est l'un des plus
bruyants que j'ai jamais composé, mais n'a recours à aucune forme d'amplification.
Sa structure rythmique repose entièrement sur le processus consistant à « bâtir » un
rythme par la substitution de battements aux pauses et comporte trois sections,
chacune avec un motif de longueur différente de plus en plus bref : 6/4, 4 /4, 3/4.
Terry Riley: «In C» (1964) #50'
Steve Reich
Composée en 1964, In C est destinée à n'importe quelle formation instrumentale ou
vocale. La partition consiste en une simple feuille sur laquelle sont indiqués 53 motifs
possédant chacun une identité rythmique et mélodique (sur le mode ionien) propre.
L'architecture globale de l'oeuvre est soutenue par une pulsation régulière. Cette
pulsation une fois instaurée, chaque participant détermine quand il doit commencer,
combien de fois il répètera les motifs et comment il adaptera son cheminement à
travers les 53 motifs en fonction des autres. L'oeuvre se termine lorsque tous les
interprètes ont joué le 53ième motif.
Le compositeur précise : «la qualité de cette musique dépend de l'interaction
spontanée qui se développera dans le groupe d'interprètes. Une bonne exécution
révèle un monde fourmillant de groupes et de sous-groupes se formant, se séparant
et se reformant continuellement dans une texture modale qui passera, sur une
période de 45 à 90 minutes de do à mi et de do à sol ».
4

In C a existé pour plus de la moitié de ma vie et c'est peut-être, de toutes les oeuvres
contemporaines, celle qui est la plus jouée, j'ai eu à vivre heureux avec ses bienfaits
aussi bien que sous son joug, même si cela ne m'avait pris que quelques heures à la
coucher sur le papier, une nuit de printemps en 1964. La partition d'une page avait
été publiée sur la pochette de la version CBS masterworks en 1968 ; elle devint donc
immédiatement du domaine public, ce qui donna lieu à des prestations de l'oeuvre
partout au monde, de la Russie au Japon, jusqu'en Afrique du sud. Je considère que
ce fut là un cadeau que l'univers avait obligeamment accordé au Terry Riley de 1964,
qui pourrait bien m'être méconnaissable s'il se présentait à ma porte aujourd'hui. Il y a
eu bien des versions de cet ensemble de 53 motifs parmi lesquelles on peut compter
la performance par le Shanghaï Film Orchestra, une épopée de 3 heures à Mexico
sur de multiples marimbas, le spectacle somptueux donné par l'orchestre
symphonique de San Francisco où le public était invité à apporter ses propres
instruments, une version toute électronique à un récent festival au Lincoln Center, une
version pour un ensemble de flûte à bec, une autre pour Piano Circus, ou encore,
l'une de mes préférées, une version nommée Around D jouée par des enfants de 8 à
12 ans.
L'innocence psychédélique qui donna naissance à cette musique s'est depuis
longtemps dissoute dans les cybermondes qui nous gouvernent désormais, et
pourtant, elle a trouvé moyen de survivre. Elle n'a pas seulement survécu mais s'est
épanouie comme chant triomphal et hymne de liberté.»
5

Steve Reich (États-Unis, 1936)
Compositeur
Auteurs
Né à New York en 1936, Steve Reich a grandi en Californie et à New York. Enfant, il
étudie le piano avant de se tourner vers la percussion. Après une licence de
philosophie à la Cornell University en 1957, il étudie la composition avec Hall Overton,
puis de 1958 à 1961, à la Juilliard School avec William Bergsma et Vincent
Persichetti. Au Mills College, il suit les cours de Darius Milhaud et de Luciano Berio, et
y obtient sa maîtrise de musique en 1963.
En 1970, une bourse de l'Institute for International Education permet à Steve Reich de
s'inscrire aux cours de percussion de l'Institut des études africaines de l'Université du
Ghana à Accra. En 1973 et 1974, il travaille la technique des gamelans balinais
Semar Pegulingan et Gambang à la Société américaine des arts orientaux à Seattle
et à Berkeley en Californie. De 1976 à 1977, il étudie les formes traditionnelles de la
cantilation des écritures hébraïques.
En 1966, Steve Reich fonde son ensemble qui passe rapidement de trois à dix-huit
musiciens et davantage. Entre 1971 et 1990, le groupe Steve Reich & Musicians
tourne dans le monde et joue à guichets fermés dans des endroits aussi différents
que Carnegie Hall ou le cabaret Bottom Line.
En 1988, avec Different Trains, un nouveau mode de composition apparaît, dont les
racines se trouvent dans It's Gonna Rain et Come out, où les paroles et les textes
préenregistrés génèrent le matériau musical des instrumentistes.
En 1990, Steve Reich reçoit le Grammy Award de la meilleure composition
contemporaine pour Different Trains enregistré par le Kronos Quartet.
Steve Reich et Beryl Korot ont réalisé ensemble The Cave, « documentaire de théâtre
musical » dont l'envergure est celle d'un opéra, inspiré par l'histoire d'Abraham,
Sarah, Aqar, Ismael et Isaac : dix huit musiciens, cinq écrans vidéo, des documents et
des entretiens préenregistrés ; une musique live et échantillonnée. Les interviews
documentaires vidéo dont découlent les mélodies ainsi que les images fixes vidéo
générées par ordinateur furent recueillis au cours de quatre années de voyages au
Moyen-Orient et aux Etats-Unis. The Cave a été commandé et coproduit en 1993 par
les Wiener Festwochen, le Holland Festival, le Festival d'Automne à Paris/MC 93
Bobigny, le Hebbel Theater, le South Bank Centre et Brooklyn Academy of Music.
L'enregistrement a été publié par Nonesuch en 1996.
Au cours des années, Steve Reich a obtenu des commandes de grandes institutions
musicales internationales. Ses oeuvres, jouées par les orchestres les plus réputés,
ont aussi été chorégraphiées (Anne Teresa de Keersmaeker, Jerome Robbins, Alvin
Ailey, Lucinda Childs). De nombreuses bourses lui ont été décernées.
En 1994, Steve Reich est devenu membre de l'American Academy of Arts and
Letters. En 1999, il est fait commandeur de l'Ordre des Arts et des Lettres.
On peut citer parmi ses oeuvres récentes, deux opéras : City Life (1995) et Three
Tales (2002).
6

Terry Riley (États-Unis, 1935)
Compositeur
Né en 1935, Terry Riley fait des études de musique à l'université de Californie à
Berkeley.
Au début des années 1960, Riley fait partie du groupe d'artistes Fluxus qui explore les
« qualités monostructurelles et non-théâtrales de simples événements naturels » et
dont les manifestations extrêmes prirent, par exemple, La forme de X for Henry Flint :
dans cette pièce, le compositeur LaMonte Young monte sur scène pour frapper une
poêle à frire six cent fois sans arrêt.
Entre 1962 et 1964, Riley vit en Europe et travaille au studio d'enregistrement de
l'ORTF où il commence à exploiter les combinaisons de courtes mélodies
enregistrées sur un ruban de magnétophone. Par la suite, le compositeur développe
sa technique de composition en intégrant aux moyens de reproduction mécanique
l'intervention de l'interprète en tant qu'improvisateur. Rapidement, Riley s'écarte d'une
conception traditionnelle de la composition sur « papier ».
Pour lui, « composer », s'asseoir et écrire la musique n'a guère d'intérêt. C'est
pourquoi, préférant écrire sa musique sur de petits bouts de papier, il passe
davantage de temps à jouer qu'à écrire et ses partitions se résument, en général, à
quelques pages sur lesquelles apparaît une série de motifs.
Société de Musique Contemporaine du Québec
7

Orchestre du Conservatoire de Genève
Interprètes
Formé d'étudiants de la Haute Ecole de Musique du Conservatoire de Musique de
Genève, l'Orchestre du Conservatoire est un élément vital de cette institution. Il
collabore chaque année à des « Académies » avec l'Orchestre de la Suisse
Romande, l'Ensemble Contrechamps et l'Orchestre de Chambre de Genève.
L'apprentissage du répertoire orchestral, la capacité de s'adapter au travail d'un
groupe instrumental, de réagir rapidement aux indications d'un chef d'orchestre, de
soutenir une concentration maximale sur de longues périodes de répétitions, de
maîtriser ses nerfs, sont des qualités de première importance pour la vie de futurs
musiciens professionnels.
C'est tout au long de plusieurs années de formation et de nombreuses sessions
d'orchestre que les élèves acquièrent ces qualités. Chaque session est organisée à la
manière d'un orchestre professionnel, avec l'effectif particulier correspondant au
programme choisi, de façon à habituer nos étudiants au rythme soutenu, au répertoire
et aux formations diverses qu'ils rencontreront dans ce métier.
L'Orchestre du Conservatoire de Musique de Genève a été dirigé par des chefs tels
que : Arpad Gerecz, Michel Corboz, Franco Petracchi, Mark Kissoczy, Emmanuel
Krivine, Zolt Nagy, Laurent Gay, Armin Jordan, Michel Philippe, Fabio Luisi, Heinz
Walberg, Theodor Guschlbauer, Stefan Asbury, Arturo Tamayo, Andreas Delfs...
Lors des prochaines saisons, l'Orchestre sera placé sous la direction - entre autres -
de Roberto Benzi et Jesus Lopez-Cobos.
Musiciens du concert Barraqué-Boulez-Eloy-Guézec:
Flûte : Ander Erburu Irigoyen. Hautbois : Yu-Hey Sze. Clarinette : Marly Santamaria.
Basson : Laura Ponti. Cor : Benoît Durand. Trompette : Sylvain Aymard. Harpe :
Aurélie Communal. Piano (Barraqué) : Benjamin Kopp. Piano/célesta (Éloy) : Johan
Treichel.
Musiciens du concert Reich-Riley:
Préparation et percussion : Eduardo Leandro. Flûtes : Laure Laury et Nathalie
Recking. Hautbois : Cristian Moré Coloma, Hsiao-Hsuan Chung, Judith Simon et
Clemens Marije. Trompettes : Adrien Léger et Sylvain Aymard. Tuba : Loic Mortimore.
Violons : Carole Zanchi, Claire Penault, Nao Hasegawa, Ophélie Thouanel, Reem
Khoury, Manon Tenoudji, Yuko Tajima, Julia Boyer et Andrea Uzdi. Altos : Elodie
Gaudet et Tomoko Akasaka. Violoncelles : Gaelle Fabiani, Mathieu Foubert.
Contrebasse : Anton Florenza. Guitare électrique : Simon Aeschimann. Pianos :
Fabien Bernier et Taga Eri. Percussions : Xavier Bluhm, Stanislas Delannoy, Rémy
Durupt et Dorian Fretto.
8

Eduardo Leandro
chef d'orchestre
Eduardo Leandro est professeur de percussion à la Haute École de Musique de
Genève et directeur artistique et chef de l'Ensemble de Musique Contemporaine de
l'Université de Stony Brook à New York.
Il a fait ses études à l'Université de Sao Paulo au Brésil, au Conservatoire de
Rotterdam aux Pays-Bas et à l'Université de Yale aux Etats-Unis. Ses professeurs les
plus importants ont été John Boudler, Jan Pustjens et Robert van Sice.
De 1999 à 2007, Eduardo Leandro est directeur des études de percussion à
l'Université de Massachusetts. Comme chef, il dirige les pièces les plus importantes
du répertoire du XXe (Pierrot Lunaire et la Symphonie de Chambre de Schönberg, le
Concerto pour 13 instruments et le Concerto de piano de Ligeti, Les Oiseaux
Exotiques de Messiaen, Palimpseste de Xenakis, Dérives I de Boulez, etc.), une
trentaine de créations pour ensemble mixte ainsi qu'une grande partie du répertoire
pour ensemble de percussions.
En tant que musicien, il joue avec le New York Chamber Symphony, l'American
Symphony Orchestra, l'Orpheus Chamber Orchestra, le Steve Reich Ensemble, le
Sequitur Ensemble et le Bang on a Can All-Stars.
Eduardo Leandro joue aussi dans les festivals de renommée mondiale : Suita Music
Festival à Osaka, Ferienkurse für Neue Muzik à Darmstadt, Festspiel de Salzburg,
Ars Musica à Bruxelles, Festival Archipel à Genève, Nits de Altea en Espagne,
Encontro de Música de Espinho au Portugal, Izmir Music Festival en Turquie,
Athenaeum Concert Series en Finlande et Festival d'Automne à Paris. Il travaille entre
autres sous la direction de Pierre Boulez, Heinz Holliger et Steve Reich.
Il est percussionniste principal dans l'Ensemble Champ d'Action en Belgique et joue
régulièrement avec le Concertgebouworkest à Amsterdam et l'Ensemble
Contrechamps en Suisse.
Il a fait partie récemment du jury du Concours de Marimba d'Osaka.
Dans le cadre du duo de percussions Contexto dont il fait partie, il a créé plus d'une
vingtaine de pièces qui tournent en Europe, au Japon, en Amérique du Nord et du
Sud. Le duo Contexto est résident au Centre International de Percussion à Genève,
vainqueur du Wetbewerb für Junge Kultür à Düsseldorf et a gagné le deuxième prix
du concours Eldorado au Brésil.
9

Prochains événements
Installation - 4 » 13.4 8h » 20h
Halles de l'île
Anges & rumeurs
Oeuvre d'Agostini
Médiathèque - Théâtre du Grütli, 2e étage
ve 11.4 16h » 20h, sa 12.4 14h » 20h, di 13
11h » 16h
Un espace de rencontre, d'écoute et de
lecture proposé par Michel Pavillard de
Plain Chant et Alain Berset des Éditions
Héros-Limite.
12
Bar et restauration
1h avant chaque spectacle, Cathy Enz de
«La cerise sur le gâteau» vous propose des
boissons et des délices sucrés et salés
maison... Un bar est également proposé au
Grütli pendant les heures d'ouverture de la
médiathèque
Lieux d'Archipel
Alhambra
rue de la Rotisserie, 10
Bus 2, 7, 9, 20, 29, 36: Molard
Tram 12, 16, 17: Molard
Théâtre du Grütli
rue du Général-Dufour 16
Bus 3, 5: Bovy-Lysberg - 1, 32: Cirque
Tram 13, 15: Cirque - 12: place Neuve
Halles de l'île
place de l'île
Tram 12, 17: Bel air (cité) - 13, 14, 15, 16:
Stand
Palladium
rue du Stand 3bis
Bus 2, 10, 19, 20, D, K, L: Palladium
Studio Ansermet
2 passage de la Radio
Bus 1: École de Médecine
Pentagone de verre, toit du théâtre
Saint-Gervais
rue du Temple 5
Bus 7: Isaac-Mercier
Tram 13, 15, 16: Isaac-Mercier
Festival Archipel
rue de la Coulouvrenière 8
T. +41 22 329 42 42
F. +41 22 329 68 68
info@archipel.org / www.archipel.org