c'est beau à vivre dossier de presse 2008-2009 - Théâtre Le Public

QUINZIÈME SAISON 

…C’EST BEAU À VIVRE 

DOSSIER DE PRESSE 

2008-2009

En introduction à ce dossier, nous voulons parler de notre nouveau contratprogramme. 

Tenter de mettre des mots sur le pourquoi nous pensons que nous 

avons acquis la confiance des pouvoirs publics. 

Tout au long de l’aventure du Théâtre Le Public depuis 1994, une grande part de 

notre énergie aura été mise au service de la rencontre entre artistes et 

spectateurs. 

Au fil des saisons, une grande partie de cette énergie aura été générée par ces 

relations tissées entre artistes et spectateurs. 

Créer et entretenir ces liens est encore le préalable indispensable à toutes nos 

démarches. 

Faire venir, concerner, fidéliser les spectateurs demande une action volontariste 

et dynamique de la part de toute une équipe. Et cette tâche est première et sine 

qua non. Cela implique que toute une équipe ait cela à l’esprit, avant même que 

les spectacles aient lieu. Cela implique de faire un théâtre comme une maison 

ouverte, un théâtre habité de jour comme de soir, dans lequel aucune cloison 

véritable ne sépare l’activité préparatoire à l’élaboration des représentations, et 

les représentations elles-mêmes. 

Cela demande à toute une équipe de mettre la qualité de la relation au centre de 

son travail. 

Rendre aux spectateurs le privilège de la relation sociale, pour les rendre 

disponibles et sans à priori, pour qu’ils se reconnaissent dans une appartenance 

à un lieu. 

Ce théâtre a tressé des liens qui font sa permanence ; cette relation nous définit 

fondamentalement. 

L’acte politique le plus fort sans doute que nous ayons accompli depuis 

l’ouverture aura été de proposer des spectacles à des gens qui n’avaient à priori 

ni le désir, ni la pensée de ce qu’on leur présente, et, de leur avoir donné l’envie 

de revenir, de les avoir fidélisés. D’avoir activement participé à concerner par le 

théâtre un grand nombre de gens, à leur donner le goût des planches et de la 

représentation vivante. 

VENEZ VOIR …. C’EST BEAU A VIVRE 

Rue Braemt 64-70 │ 1210 Bruxelles │ 0800 / 944 44 │ www.theatrelepublic.be 

2

Permettre aux spectateurs une expérience naïve du théâtre, une confrontation 

simple aux spectacles tout en veillant à éveiller la curiosité à des formes 

nouvelles, créer l’enthousiasme par l’émotion et leur permettre d’éprouver par le 

cœur avant de mesurer par la conscience,… faire ce que nous appelions, un 

« théâtre pour le plaisir », a permis de constituer, saison après saison, des salles 

bigarrées et a donné à ce théâtre sa raison d’être. 

Les nouvelles missions qui nous ont été confiées vont dans ce sens : amplifier le 

travail sur les publics. 

Quelques mots relevés dans le nouveau contrat-programme : diversité, 

multiplicité, synergie, mixité, rencontre, sensibilisation, initiation. 

En résumé, favoriser l’accès A TOUS au théâtre, et donc, on y revient, mettre les 

RELATIONS au centre de notre travail. 

La saison écoulée 

C’est dans cet esprit qu’en collaboration avec les comités de quartier, (pour 

d’une part, favoriser l’ancrage du Public dans la commune et d’autre part, 

favoriser la mixité culturelle), un grand nombre de spectateurs habitués du 

Public ont pu venir applaudir « Missing », spectacle en co-production avec le 

Brocoli Théâtre et la Commune de Saint-Josse. Nous avons vécu trois 

représentations à bureaux fermés, preuve que la curiosité était au rendez-vous. 

Les rencontres ont eu lieu, les difficultés ont été surmontées. Forts de cette 

expérience, nous recherchons activement un autre projet pour la saison 2009- 

2010. 

C’est toujours dans cet esprit qu’en collaboration avec les écoles et la commune 

de Saint-Josse, nous avons élaboré et organisé des cours de théâtre destinés aux 

enfants entre 9 et 15 ans. Pendant 8 mois, d’octobre à mai, Hakim Louk’man et 

Layla Nabulsi ont travaillé avec les enfants, une à deux fois par semaine, pour 

élaborer, écrire et mettre en scène « Moi je ». 

Tant le corps enseignants, les parents, les responsables communaux, les 

spectateurs du Public, que les enfants ont applaudi à la fois l’initiative et le 

résultat, et il est déjà entendu que nous repartons avec la même équipe, et la 

confiance des professeurs pour une nouvelle aventure à partir d’octobre 

prochain. 



3

Les saisons à venir 

Dans les saisons à venir, c’est dans le même esprit que nous allons poursuivre 

nos démarches vers les spectateurs, amplifier notre travail sur les publics. 

1. DEVELOPPEMENT DES ACTIVITES PEDAGOGIQUES : nous avons le projet de 

constituer plusieurs équipes d’étudiants comédiens. Ces équipes iront dans 

les classes faire des animations spécifiques à un spectacle ou à un auteur, 

pendant les heures de cours. 

Chacune des animations devant répondre à un projet spécifique, les 

équipes d’animateurs seront amenées à venir assister à quelques 

répétitions du spectacle, imaginer et répéter une animation en fonction de 

chaque projet (avec l’aide éventuelle des metteurs en scène), et présenter 

leur travail avant d’aller dans les écoles. 

Cela nous permettra d’une part, d’assurer un travail pédagogique sérieux 

et en ligne avec les spectacles, d’autre part, d’entrer en relation plus 

étroite avec les jeunes comédiens. 

Ces équipes accueilleront aussi les groupes d’élèves au théâtre pour des 

séances d’initiation, organiser des rencontres avec les artistes, animer des 

débats… Ces mêmes étudiants pourront aussi faire partie du staff d’accueil 

des spectateurs le soir avant les représentations. 

Chaque projet sera accompagné d’un dossier pédagogique, également 

disponible pour les spectateurs : « Pistes et documents ». 

La saison prochaine, 5 spectacles feront l’objet d’une animation pour les 

écoles. 

2. COMITE DE LECTURE : un comité de lecture composé de 15 lecteurs, 

professionnels et passionnés des arts de la scène, a été mis en place. Les 

pièces qui leurs sont proposées font l’objet d’une sélection préalable 

(retenues pour leur valeur littéraire et/ou susceptibles d’être produites sur 

scène), chaque texte sera lu par au moins deux lecteurs, le comité se 

réunira environ toutes les 6 semaines. 

Nous avons veillé à réunir des personnes de générations, de sensibilité et 

d’origines différentes (pouvant lire dans d’autres langues). Nous avons le 

projet de travailler en synergie avec d’autres théâtres de la Communauté, 

notamment pour l’organisation des lectures publiques. 



4

3. ACCUEILLIR DE NOUVEAUX ARTISTES : la rencontre avec les jeunes 

comédiens et metteurs en scène continuera de se faire par le biais des 

lectures de dossiers et de discussions en vis-à-vis autour de leurs projets. 

Des auditions ouvertes seront organisées dans le courant du mois 

d’octobre. Le projet des Planches leur permettra via de courtes formes, de 

se confronter au public. Nous les rencontrerons aussi à travers les équipes 

formées pour le projet pédagogique. 

4. LES PLANCHES : créer des opportunités d’échanges entre artistes et 

spectateurs. 

Sous l’appellation « les Planches » nous accueillerons toutes les formes qui 

ne trouvent pas de place dans une des 3 salles du Public : cette saison, 

des lectures publiques, quelques petites formes et deux spectacles 

nécessitant des mises en espace particulières. 

Scène ouverte, les planches permettront aussi de rencontrer les tout 

jeunes comédiens désireux de proposer des esquisses (en public ou pas). 

Cet espace destiné à accueillir les spectateurs avant et après les 

représentations, un peu à l’écart de l’effervescence, permettra aussi 

d’organiser facilement (même en dernière minute !) des rencontres, des 

débats… il offre en outre un local de répétitions supplémentaire. 



5 

Voir page 83 

5. CULTURUM : développer des activités qui favorisent l’insertion sociale et 

professionnelle par les métiers du théâtre. 

Voir page 20 

6. JEUNE PUBLIC : la saison à venir, aucun spectacle spécifiquement destiné 

au jeune public n’a été programmé. Cependant, certains spectacles seront 

tout à fait susceptibles de pouvoir accueillir des enfants (pour trois d’entre 

eux, c’est même recommandé !). Nous allons encourager les adultes à 

venir avec des enfants, un courrier spécifiant les spectacles « tout public » 

sera envoyé.

7. L’INTERNATIONAL : des projets sont en cours d’élaboration avec la Suisse 

et la France. Cet été le Public présente 3 spectacles dans le off du Festival 

d’Avignon, des tournées sont programmées. Nous allons encore amplifier 

les rencontres et la mise sur pied de projets entre metteurs en scène 

étrangers et acteurs belges. 



6 

Voir page 90 

8. DEUX ARTISTES ASSOCIES POUR CINQ SAISONS : deux artistes en résidence. 

Deux artistes à demeure pour inventer, rêver, tenter, réfléchir, proposer, 

se tromper, recommencer,… prendre le temps et remettre l’ouvrage sur le 

métier, voyager dans les salles, s’immiscer dans le public. Et puis écrire, 

mettre en œuvre, mettre en scène et jouer. 

Voir page 15 

Tous ces points, tous ces projets ne pourront exister sans mettre au centre de 

nos travaux la qualité des relations. 

Quotidiennement, patiemment, tisser des liens, interagir, mettre en relation… 

activement. 

Profiter de toutes les bonnes volontés, faire un travail de terrain. 

Vouloir par tous les moyens que les choses se réalisent. 

Nous pensons que c’est cela qui a motivé les pouvoirs publics et en particulier la 

Ministre Fadila Laanan et son Chef de Cabinet Gilles Mahieu, à nous soutenir en 

nous octroyant une progressive et importante augmentation. 

Bien sûr les chiffres parlent aussi : volume d’emplois artistiques, grand nombre 

de créations, grand nombre de représentations et d’auteurs de la communauté, 

de notre pays... 

Saisons après saisons, nous avons veillé et veillerons à rétribuer de mieux en 

mieux les artistes et les travailleurs du spectacle, ainsi qu’à leur donner de 

meilleurs moyens de création.

Octroyer cette augmentation au Théâtre Le Public, le pérenniser dans son action, 

contre l’avis d’une partie du champ théâtral, n’était pas facile. D’abord cela 

n’était jamais arrivé à un théâtre aussi « jeune », ensuite par les choix de sa 

programmation et ses prises de position, par sa genèse, le Public a une fonction 

polémique dans le champ théâtral. Mais nous ne comprenons pas pourquoi, alors 

que nous l’avons souvent proposé, ceux qui nous attaquent, créent de fausses 

rumeurs, refusent le débat ouvert… nous appelons une fois de plus tout ceux qui 

souhaitent remettre en question notre nouveau contrat-programme, à le faire 

ouvertement pour qu’un débat démocratique et contradictoire ait lieu. 

Nous sommes fiers d’avoir reçu la reconnaissance des pouvoirs publics. Nous 

mettrons tout en œuvre pour être à la hauteur des missions qui nous ont été 

confiées : faire entendre le théâtre d’aujourd’hui à un large public, participer à 

l’accès de tous à la culture. 

Patricia Ide Michel Kacenelenbogen 

Co-directrice Co-directeur 



7

Saison 2008 – 2009 

VENEZ VOIR… C’EST BEAU À VIVRE 

NOUVELLES MISSIONS ......................................................................... 10 

Quelques chiffres significatifs ..................................................................... 10 

Emploi artistique ......................................................................................... 11 

Accessibilité ................................................................................................ 11 

Cahier des charges du nouveau contrat-programme ................................... 12 

ARTISTES ASSOCIES ............................................................................. 15 

CULTURUM ............................................................................................ 20 

LES CREATIONS .................................................................................... 22 

Hygiène de l’Assassin .................................................................................. 23 

Les femmes ont de la chance ...................................................................... 26 

Le Dieu du carnage ..................................................................................... 28 

Un jour j’irai à New York avec toi ................................................................ 30 

L’affaire Lambert ........................................................................................ 32 

Cet enfant ................................................................................................... 35 

Le rêve d’un homme ridicule ....................................................................... 37 

Faut pas payer ! .......................................................................................... 40 

Paternel ...................................................................................................... 43 

Facteur humain ........................................................................................... 45 

Dom Juan .................................................................................................... 47 

La meilleure volonté du monde ................................................................... 50 

Ubu à l’Elysée .............................................................................................. 53 

LES ACCUEILS ....................................................................................... 57 

Jouliks ......................................................................................................... 58 

Le peuple sans nom .................................................................................... 60 

Minute Papillon ........................................................................................... 62 

Bash, latterday plays .................................................................................. 64 

Le cercle des amis ....................................................................................... 68 

LES REPRISES ....................................................................................... 70 

Le mariage de Figaro................................................................................... 71 

Garde à vue ................................................................................................. 75 

Monsieur Ibrahim ........................................................................................ 77 

Les mangeuses de chocolat ......................................................................... 79 

Tout au bord ............................................................................................... 81 



8

LES PLANCHES ...................................................................................... 83 

Le silence des communistes ........................................................................ 84 

Hélène ......................................................................................................... 87 

BILAN CHIFFRE DE LA SAISON 2008-2009 A BRUXELLES ..................... 89 

DIFFUSION DES SPECTACLES ............................................................... 90 

En France .................................................................................................... 90 

En Suisse .................................................................................................... 93 

En Communauté française de Belgique ....................................................... 94 

BILAN CHIFFRE DE LA SAISON 2008-2009 HORS BRUXELLES ............... 98 

SYNTHESE GENERALE DE LA SAISON 2008-2009 .................................. 98 

PARTENAIRES ..................................................................................... 100 

REMERCIEMENTS ................................................................................ 101 

LE PUBLIC PRATIQUE ......................................................................... 102 

RESERVATIONS ................................................................................... 103 

TARIFS................................................................................................ 104 

L’EQUIPE DU PUBLIC .......................................................................... 105 



9

NOUVELLES MISSIONS 

Quelques chiffres significatifs 

A titre indicatif, voici une liste des obligations fixées au Théâtre Le Public par son 

premier Contrat-Programme (2002-2007): 

Volume d’équivalents-emplois 

temps plein mensuels 

Volume d’équivalents-emplois 

temps plein mensuels dévolus 

au personnel artistique 

Représentations données au siège et 

hors siège en Communauté française 

Pièces d’auteurs belges 

de langue française 

ou adaptations d’auteurs belges 

de langue française 

Masse salariale minimale représentant 

Masse salariale du personnel 

de direction, des personnels 

administratifs et de promotion 

ne peuvent excéder 

Obligation 

contratprogramme 


Réalisation 

800 1 971,15 

450 1 079,60 

1 500 4 755 

8 35 

60% 

des charges 

totales 

30% 

de la masse 

salariale totale 

65,72% 

des charges 

totales 

16,25% 

de la masse 

salariale totale 

En ce sens, toutes les missions fixées par le politique ont été remplies et 

amplifiées. 


10

Emploi artistique 

Outre le volume d’emploi artistique décrit au paragraphe précédent, nous 

voulons souligner que le salaire mensuel moyen artistique a évolué de manière 

très significative durant les cinq premières années du premier contratprogramme 

du Théâtre Le Public. 

2002 2007 

Salaire brut mensuel moyen 1 929,41 € 2 694,90 € 

Ici aussi, la mission dévolue par le politique au Théâtre Le Public a été remplie et 

amplifiée tant au point de vue du volume d’emploi qu’au niveau salarial proposé 

aux artistes. 

Accessibilité 

«Chacun, d’où qu’il vienne et quel que soit son niveau de fortune, doit avoir la possibilité 

d’entrer en contact avec l’ensemble des productions culturelles» 2 . 

Le Théâtre Le Public pratique des tarifs démocratiques permettant à TOUS 

d’assister aux spectacles proposés : 

• Tarif pour les abonnés réduisant le prix de la place jusqu’à 9€. Plus de 

60 000 places sont vendues chaque année au tarif réduit abonné. 

• Tarif pour les étudiants et les demandeurs d’emploi: 7€ à 8€ par place. En 

moyenne, près de 9 000 places d’étudiants ont été vendues par an durant 

le premier contrat-programme. 

• Tarif sociaux : en dehors des démarches dirigées vers des associations 

particulières, le Théâtre Le Public fait partie des trois institutions théâtrales 

en Communauté Française accueillant le plus de personnes bénéficiant du 

tarif Article 27. 

2 

«Priorités cultures» ‐ Recueil de propositions adoptées par le gouvernement de la Communauté 

française le 7 novembre 2005. 



11

Cahier des charges du nouveau contrat-programme 

Evolution des missions 

Volume d’équivalentsemplois 

temps plein mensuels 

Volume d’équivalentsemplois 

temps plein 

mensuels dévolus au 

personnel artistique 

Nombre de spectacles 

présentés 

… dont émanant de 

compagnies ou de 

créateurs actifs sur le 

territoire de la région 

wallonne 

Nombre de spectacles 

présentés qui sont des 

productions propres 

et/ou des coproductions 

… dont émanant de 

jeunes créateurs de la 

Communauté Française 

(1 er , 2 ème et 3 ème projets 

aidés CAPT) 

… dont accessibles au 

jeune public 

Pièces d’auteurs belges 

de langue française ou 

adaptations d’auteurs 

belges de langue 

française 

Représentations 

données 

au siège et hors siège 

en Communauté 

française 

Mission 1 er 

contrat-programme 

(2003-2007) 


Mission 2 ème 


(2008-2012) 


12 

800 1 500 +87,5% 

450 800 +77,8% 

Non défini 

Non défini 

Non défini 

Non défini 

Non défini 

8 

pièces ou 

adaptations 

1 500 

Bruxelles et Com. 

Fr. 

15 

par saison soit 

75 

sur la durée du contratprogramme 

2 


8 


9 


45 


2 


8 


2 


8 


15 

pièces 

(hors adaptations) 

2 000 

Bruxelles 

(hors Com. Française)

Nouvelle mission affirmée: soutenir la création théâtrale 

Dans le nouveau contrat-programme, le politique donne pour mission au Théâtre 

Le Public de soutenir la création théâtrale. A cet effet : 

• Il recherchera comment faire entendre le théâtre à un large public. 

• Assurera la production et/ou la coproduction de spectacles émanant 

d’artistes ou de compagnies indépendantes qu’il valorise et 

promeut. 

• Il tissera des liens avec d’autres théâtres subventionnés de la 

Communauté française. 

• Il accueillera et accompagnera le travail artistique de minimum deux 

artistes ou compagnies auxquels il octroie une aide administrative et 

des soutiens financiers en biens et services. 

Nouvelle mission affirmée: accueillir des spectacles de la RW 

Le politique demande au Théâtre Le Public d’être attentif à accueillir des 

spectacles conçus et réalisés par des compagnies ou des théâtres situés 

en Région wallonne. 

Mission reconfirmée: valoriser auteurs de la CF 

Afin d’encore amplifier la valorisation par le Théâtre Le Public des auteurs de la 

Communauté Française, il lui est demandé de mettre en place un comité de 

lecture dans la perspective de découvrir des textes belges et étrangers et 

d’organiser des événements pour les valoriser et les faire connaître. 

Mission reconfirmée: diffusion 

Le politique confirme au Théâtre Le Public sa mission de diffusion des spectacles 

en Communauté Française. 

Nouvelle mission affirmée: l’accès à TOUS à la culture 

A cet effet, le politique donne pour mission au Théâtre Le Public de 

• Développer des activités pédagogiques et culturelles à destination 

des milieux scolaires, associatifs et défavorisés, des publics jeunes et 

aînés : animations, ateliers d’expression, rencontres, … . Le Théâtre Le 

Public devra amplifier ses activités pédagogiques et d’accueil de groupes 

par rapport au contrat-programme précédent. 

• Création d’un service pédagogique qui réalisera des dossiers 

pédagogiques et organisera des rencontres préparatoires et à l’issue des 

représentations. 

• Travailler avec les associations de Saint-Josse pour donner accès à la 

culture aux publics défavorisés. 



13

Engagement spontané: soutenir l’emploi 

Le Théâtre Le Public continue à s’engager dans la revalorisation des métiers 

artistiques. A cet effet, il s’engage à poursuivre l’augmentation du salaire 

artistique moyen mensuel. 

Salaire brut 

mensuel moyen 

Premier 




14 

Deuxième 


2002 2007 2012 

1 929,41 € 2 694,90 € 3 000,00€

Deux artistes associés 

ARTISTES ASSOCIES 

Pour répondre à nos nouvelles missions tout en restant fidèle à la genèse du 

Public, théâtre rêvé et créé par deux comédiens, nous avons demandé à deux 

comédiens de devenir nos compagnons de route pour 5 saisons. 

Nous l’avons beaucoup dit et nous le répéterons encore, toute cette formidable 

aventure n’aurait pas été possible sans complicités. Pietro Pizzuti et Valérie 

Lemaître font partie de ces complices qui nous accompagnent depuis les débuts, 

depuis l’ouverture, depuis avant l’ouverture, depuis… longtemps. 

Deux comédiens donc comme associés, qui, parce qu’ils ont toujours fait dans la 

pratique de leur art, l’exercice ordinaire et quotidien de la rencontre et de 

l’échange, inscriront lentement, patiemment, leurs travaux dans ce théâtre. 

Acteurs au sens premier de « ceux qui font le théâtre », auteurs et metteurs en 

scène, ils pourront, depuis la conception jusqu’à la transmission, par la 

fréquentation régulière des lieux et des publics, participer pleinement à la 

cohérence de cette maison théâtre. 

Pendant 5 saisons donc ils auront tout le loisir d’écrire, de jouer, d’initier et de 

concevoir des spectacles. 



15

Valérie Lemaître 

Quand Patricia et Michel m’ont proposé d’être artiste en résidence au Théâtre le 

Public pendant 5 ans, je me suis évidemment dit que c’était un énooorme 

cadeau. Je me rappelle avoir ressenti un vertige, mon dieu, 5 ans, 2012, où 

serai-je en 2012?... 

En Communauté française, on n’est pas habitués à ce genre de nouvelles... Avoir 

la possibilité de créer sans trop se soucier des problèmes matériels, avoir la 

liberté de proposer des projets qu’on a ruminés dans sa tête en compagnie 

d’artistes qu’on aime... C’est comme mettre ses pieds devant un bon feu quand 

on vient d’escalader l’Everest. Plus concrètement, cela signifie une 

reconnaissance de son travail. (Dans un métier où l’on doit recommencer chaque 

fois à zéro et où beaucoup ne croient pas ou ne défendent pas la valeur de nos 

artistes, je ne citerai pas de nom, ce genre de reconnaissance, c’est le 

nirvana.)... Donc Merci Patricia. Merci Michel. De simplement me faire confiance. 

J’ai toujours multiplié les chemins qui m’amènent à créer. Par nécessité. Par 

amour de l’art. Par un besoin maladif de raconter des histoires. La danse, la 

musique, le jeu, l’écriture, la mise en scène m’ont tous permis de raconter des 

histoires. Sans limites, sans vérités, sans morales, avec j’espère, humilité. Je 

continuerai donc à paver la scène de mauvaises intentions, en mélangeant les 

disciplines, sans me soucier du joli et du “c’est comme ça qu’on monte ceci ou 

cela”. J’essayerai de trouver du sens ou du non-sens (humour) à offrir au 

spectateur. Je penserai d’abord à lui, car tout ce que je fais est pour lui, avec lui. 

La résidence commencera avec le jeu, dans “Le Dieu du Carnage” de Yasmina 

Reza, mis en scène par Michel Kacenelenbogen. Elle se poursuivra début de la 

saison 2009 avec l’écriture: “ Mister Bates”, une comédie noire dans le monde 

impitoyable des Cadres d’une Multinationale; 5 acteurs m’accompagneront : 

Claire Bodson, Ingrid Heiderscheit, Monia Douieb, David Pion et Michelangelo 

Marchese. Pour la suite c’est encore en discussion. Je pense continuer sur ma 

lancée avec l’écriture et la fabrication de spectacles ouverts sur la création. Je 

continuerai à chercher dans l’univers de la comédie ce qui me pousse à créer. 

Tragi-comédie, comédie-tragique, humour-gravité, cette alternance j’aime m’y 

balader; elle représente pour moi le tourbillon joyeux et absurde de la condition 

humaine. 

Pour finir, je participerai aussi à l’élaboration du projet des planches initié par 

Patricia Ide, j’espère y apporter une touche... rock and roll?... 

Valérie Lemaître 



16

Pietro Pizzuti 

Nel mezzo del cammin di nostra vita*… 

ou 

la DéclaraCtion d’un nul en calcul 

Au risque de ne pas plaire - en ces murs, ne pas confondre théâtre pour le plaisir 

et théâtre pour plaire - ceci n’est pas une note d’intention, encore moins une 

déclaration - comme à la douane : rien à déclarer -, ce serait plutôt un brouillon 

qui attend la mise au net, un bout de chemin où l’on s’engage par confiance 

mutuelle, une déclaraCtion, ça sonne mieux au théâtre. 

Suis nul en calcul. J’ai cinquante ans, La Déclaration Universelle des Droits de 

l’homme en a soixante. J’ai dix ans à rattraper, bordel ! 

Dix ans. Une vie. Deux contrats-programmes ! 

Dix ans de limbes, tandis que La Déclaration grandissait, sans moi. Et son 

accouchement ? 

Raté aussi. Ratés les millénaires de guerres, de génocides, de barbarie, de 

trahison, de tortures, d’horreur, d’inhumanité qu’il a fallu à l’Humanité pour que 

le vendredi 10 décembre de l’an de grâce 1948, pressée comme tout le monde 

de partir en week-end, elle déclare solennellement : 

Tous les êtres humains naissent libres et égaux en dignité et en droits. Ils sont 

doués de raison et de conscience et doivent agir les uns envers les autres dans 

un esprit de fraternité. 

Et hop, pondu le premier article ! Suivi des 29 autres, vous imaginez le boulot ! 

Comment ils ont réussi, putain ! Comment !? Et moi pendant ce temps… 

Dix ans de retard ! 

Suis nul en calcul, c’est dit. Ceci dit, nous sommes nés à deux. Ma mère a 

poussé et a eu mal pour deux. Ça doit faire mal une douleur au carré. Mon 

jumeau et moi on a tout partagé, y compris les dix ans de glandage limbique, qui 

de ce fait sont divisés par deux. Cinq ans ! Et voilà ! Plus que cinq ans ! Un 

retard plus convenable ! C’est le temps qui s’écoule du coït à l’enfant. C’est pile 

le temps qui m’est donné pour rattraper le temps loupé à limbifier. Un temps 

béni pour organiser des contes de théâtre tout en étant nul en calcul. Au boulot ! 

Mais comment ils ont réussi ! Trente articles ! Ça donne envie d’espérer, de 

croire en l’inhumaine Humanité. Réussir non seulement à les déclarer mais aussi 

à proclamer La Déclaration : 



17

…comme l’idéal commun à atteindre par tous les peuples et toutes les nations 

afin que tous les individus et tous les organes de la société, ayant cette 

Déclaration constamment à l’esprit, s’efforcent, par l’enseignement et l’éducation 

de développer le respect de ces droits et libertés et d’en assurer, par des 

mesures progressives d’ordre national et international, la reconnaissance et 

l’application universelles et effectives, tant parmi les populations des États 

Membres eux-mêmes que parmi celles des territoires placés sous leur juridiction. 

Suis nul en calcul, c’est redit ! N’empêche, trente articles, numérotés de 1 à 30 

comme en homéopathie ! Et moi pendant ce temps ? 

J’ai passé trente ans à faire du théâtre. Trente ans : une demi-vie de La 

Déclaration ! 

Trente ans et toutes ses dents, grâce à l’homéopathie, moi aussi. Et en avant le 

bilan ! 

Trente ans à quoi faire ? Pour quoi ? Pour qui ? Si ce n’est pour ma santé psycho 

éthico motrice. Pas de réponse. Ce qui se sait, c’est que tôt ou tard ça passera, 

comme presque tout le reste et c’est bien comme ça. Il en restera ce qu’il faut, 

un minimum de confiance tout de même ! 

En attendant que ça passe, je ne peux pas m’en passer. Et donc en avant ! 

M’émeut, m’épate, m’indigne, puis me cogne à un texte ou à La Déclaration et 

vlan ! Sur les planches ! 

Essaye, répète, cherche, écoute,… « Ne parle que quand tu ne peux plus faire 

autrement, garçon ! » nous disait Claude Etienne. Depuis, je cherche comment… 

faire autrement. 

Patricia Ide et Michel Kacenelenbogen me proposent de chercher ensemble. Ils 

l’ont fait depuis le début, nous allons le faire encore cinq ans. Ça compte. Alors 

contons ! 

La DéclaraCtion Universelle des Droits de l’Homme sera notre compteur. 

À mi-chemin, semés comme de petits cailloux d’étoiles, émergent mes bouées de 

vie, un petit archipel dans la mer de l’improbable, des hommes et des femmes 

qui me grandissent. 

Parmi elles, il y a Laurence Vielle et Magali Pinglaut. Rencontrées en tant 

qu’élèves au Conservatoire, du temps de ma charge de cours, reçue des mains 

mourantes de Bernard De Coster et bénie par le maître tutélaire Pierre Laroche : 

inconditionnellement adoptées comme compagnes de travaux. Bossant depuis, 

dans une Belle au bois dormant, que la première a écrite et qu’elles ont jouée 

avec Vincent Marganne coauteur et plus de quinze camarades sur les ruines de 

Villers-la-Ville. Récidivant dans le nécessaire questionnement d’une Inquiétude 

de Valère Novarina qu’elles ont offert à mon regard extérieur… et intérieur. Puis, 

dans un François où Laurence me chuchotait dans l’oreille ses mots d’auteur 

encore chauds tandis que Jean-Michel Agius me bombardant d’images me tentait 

jusqu’à la danse. 



18

Aujourd’hui sommes complices de ce chantier au Théâtre Le Public, comme si 

c’était le premier… 

Sommes à pied… d’œuvre. Questionnons plus que jamais la nécessité d’acter. 

Voudrions cueillir dans le monde ses bruits, ses fureurs, pister, comprendre, 

tenter de s’engager contre les forces qui tirent vers le bas et faire fête à celles 

qui poussent en direction opposée. Sollicitons nos muses et démons pour qu’ils 

se penchent sur le berceau de la petite œuvre à venir et lui donnent bon fil à 

tordre… au moins jusqu’au fuseau fatidique. 

Sommes à pieds, à mains, à paroles et donnerons souffles à trois réunis avec 

notre décennie d'écart. Tous trois mangeurs de poussières d'étoiles. Chttt, trop 

de mots, actons maintenant ! 

Pietro Pizzuti, 

avec la plume et l’œil complice de Laurence Vielle et Magali Pinglaut 

_________________________________________ 

* « À mi-chemin de notre vie… » Dante, La divina commedia Inferno, Canto I 



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CULTURUM 

L’objectif de Culturum est de développer des activités qui favorisent l’insertion 

sociale par les métiers du théâtre. 

Depuis 15 ans, notre théâtre a pour objectif d’aiguiser le regard du public, entre 

autres sur les problèmes de société; aujourd’hui nous aimerions pousser plus loin 

notre questionnement. Peut-être que les métiers du théâtre peuvent s’ancrer 

dans les tissus de la vie de la commune par le biais de la réinsertion 

professionnelle? Tenter de voir si nous pourrions par le « foyer » théâtre, 

contribuer à faciliter les échanges et rendre les collaborations possibles …, 

faciliter la communication, concerner les habitants par les activités du théâtre 

situé dans leur commune, enrichir les relations entre le théâtre et les habitants, 

et permettre par ce biais un meilleur ancrage. 

En plus de la mission cultuelle, nous voulons élargir notre horizon en créant des 

emplois qui se rapportent aux métiers du théâtre. Ainsi une population de la 

commune peu habituée à fréquenter les salles de théâtre, serait amenée à être 

actante et par là-même participerait à un projet collectif. 

Trois secteurs du théâtre nous apparaissent probants pour créer des liens avec le 

marché de l’emploi et les cibles concernées : la couture, la fabrication de décors 

et l’art dramatique. 

La Couture 

L’idée est de mettre en place un atelier de couture composé d’une équipe de 

professionnels pour répondre aux besoins du Théâtre Le Public et à d’autres 

théâtres (cette activité est actuellement traitée en extérieur). 

Parallèlement à cette activité seraient formées des couturières qui travailleraient 

à la réalisation de retouches de vêtements pour des particuliers (un nouveau 

service proposé aux magasins de vêtements à Bruxelles). 



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Fabrication de décors 

L’idée est de mettre en place un atelier de fabrication de décors composé d’une 

équipe de professionnels pour répondre aux besoins du Théâtre Le Public ainsi 

qu’à d’autres théâtres (cette activité est actuellement traitée en extérieur). 

Parallèlement à cette activité seraient formés des ouvriers susceptibles de 

répondre aux demandes liées à ce domaine d’activité, (de petites réparations 

pour les particuliers, ex : les personnes âgées, les handicapés, …) 

Ecole d’art dramatique 

L’idée est de mettre en place des cours d’art dramatique à destination des 

personnes à la recherche d’un emploi, ou en difficulté d’insertion sociale. Ces 

cours contribueraient à la mixité hommes femmes, meilleur apprentissage du 

français, confiance en soi et présentation de chacun. 

Ces ateliers ont également pour but d’aider la prise de parole dans le cadre d’une 

recherche d’emploi, de permettre une prise de confiance et de faciliter la 

communication. 

Excellente activité pour les jeunes, elle favorise un lieu d’échange qui nécessite, 

pour chacun des participants, écoute et respect. 

Le projet Culturum serait réalisé en partenariat avec la Commune de Saint-Josse 

et les associations de Saint-Josse qui travaillent déjà sur le terrain de l’insertion 

sociale. 



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LES CREATIONS 



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01 • Comédie sulfureuse 

Hygiène de l’Assassin 

d’Amélie Nothomb 

CRÉATION 

Avec Daniel Hanssens, Vincent Lécuyer et Valérie 

Marchant 

Mise en scène Pierre Santini 

Assisté de Fanny Duroisin 

Adaptation Philippe Jeusette et Alexandre Trocki 

Scénographie Elisabeth Schnell 

«Le célèbre romancier Pretextat Tach, quarante-trois ans, prix Nobel de 

littérature et auteur de vingt-deux romans, est atteint d’une curieuse maladie 

incurable. Peu avant sa mort, ce vieil acariâtre misogyne et misanthrope sera 

sollicité par les journalistes du monde entier, avides du témoignage qui tiendra 

lieu de scoop à sensation. Quelques-uns d’entre eux seront sélectionnés pour 

interviewer l’irascible Pretextat. 

Comme Ulysse dans l’île du Cyclope, ils vont pénétrer la caverne du monstre et 

se confronter à lui pour tenter d’extraire la vérité des marécages de sa 

mémoire.» 

La transposition scénique d’un roman cela revient à « libérer » les mots de leurs 

pages. Ici les mots sont des armes, les dialogues se déroulent comme un jeu, un 

jeu dangereux car le but est l’élimination définitive de l’adversaire. 

Le célèbre roman à huis clos d’Amélie Nothomb sera l’occasion d’une 

collaboration entre le metteur en scène et comédien français Pierre Santini avec 

de grands comédiens belges. 

UNE COPRODUCTION DU THÉÂTRE LE PUBLIC ET DU THÉÂTRE DE NAMUR 

Grande salle 

Du 20/9 au 1/11/08 à 20h30 

Relâches les dimanches et lundis 



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A propos de… 

Pour un metteur en scène, il y a deux sortes de pièces : celles qu’il veut absolument 

réaliser et pour lesquelles il est prêt à se battre (et souvent longtemps !) pour y parvenir 

et celles auxquelles il n’avait pas pensé et qu’on lui propose de monter parce qu’on a 

pensé à lui. 

«Hygiène de l’assassin» entre dans cette deuxième catégorie. 

Après avoir mis en scène la pièce de Roberto Cavosi à Louvain-la-Neuve et à Spa en 

2007, j’ai eu l’agréable surprise d’un appel de Michel Kacenelenbogen, Directeur du 

Théâtre « Le Public » de Bruxelles, me proposant de travailler sur la pièce d’Amélie 

Nothomb. 

Michel et moi nous étions rencontrés dans son théâtre où j’avais assisté à une excellente 

représentation de « Scènes de la vie conjugale » d’Ingmar Bergman et nous avions 

évoqué la possibilité d’échanges et de partenariats entre son établissement et celui que 

je dirige à Paris, le Théâtre Mouffetard. 

Il aura fallu peu de temps pour passer concrètement à l’acte puisque « Scènes de la vie 

conjugale » viendra la rentrée prochaine au Mouffetard et que simultanément je 

présenterai le texte d’Amélie Nothomb à Namur puis à Bruxelles, perspective dont je me 

réjouis personnellement beaucoup. 

J’avais vu à Paris, il y a quelques années, une représentation d’« Hygiène de l’assassin » 

avec Jean-Claude Dreyfus et Nathalie Cerda et ma connaissance de ce texte s’était 

arrêtée là, bien que le spectacle m’eût intéressé et que l’interprétation des deux acteurs 

principaux fût de qualité. 

Je me suis donc replongé dans l’étude de cette pièce ou plutôt, devrais-je dire, dans celle 

de la version scénique que Philippe Jeusette et Alexandre Trocki ont faite du roman 

d’Amélie Nothomb. 

Plusieurs éléments de réflexion sautent immédiatement aux yeux : la qualité d’écriture 

des dialogues, l’intensité des relations entre les personnages et, derrière la violence 

provocatrice des mots et des situations, l’humanité qui se dégage de cette grotesque 

tragédie. 

C’est donc avant tout une pièce à jouer, une pièce d’acteurs car aussi bien Prétextat Tach 

que Nina ou le premier journaliste sont inscrits dans un combat de mots et d’idées qui, 

même s’il choque, touche parfois aux racines de l’être dans ce qu’il a de plus secret, 

contradictoire et paradoxal. 

Les deux interviewers venus enquêter sur le mourant devront « mouiller la chemise » 

pour sortir du « monstre », à quelques heures de la fin de sa vie, les non-dits de sa vie 

précisément et le « monstre », caché derrière l’obèse carapace de sa boulimie, de sa 

maladie, de sa violente misogynie, de sa tonitruante misanthropie et de son insolence 

méprisante et provocatrice, nous révèlera qu’il est capable d’amour, capable de tuer par 

amour, capable d’expier son assassinat tout au long d’une vie douloureuse d’écriture, de 

dégradation de soi-même et de son corps, de solitude et d’incompréhension. Ses 22 

romans sont sans doute un appel aux autres à venir tirer de lui, du plus profond de luimême, 

au creux de son antre de reclus, une indicible, inexprimable vérité cachée,

enfouie dans sa paranoïa, qui, une fois révélée, nous montre, de façon touchante, 

l’humain et le fragile qui dormaient en lui depuis si longtemps. 

Nina, elle, en bonne journaliste mais aussi en femme insultée, humiliée, bafouée, sera 

l’agent révélateur de cette rédemption. Parce qu’elle est d’une trempe au moins égale à 

celle de Prétextat Tach et parce qu’elle possède les armes imparables de sa féminité et 

de son intelligence, saura avoir raison de son « adversaire » au terme d’un combat 

intellectuel, verbal et parfois physique de deux titans qui iront au bout de leur 

affrontement. 

Le premier journaliste sera, comme dans les corridas, le banderillo, le picador, celui qui 

prépare le taureau au vrai combat : celui de la rencontre sans pitié, les yeux dans les 

yeux, avec le torero, le matador. 

Nous sommes à la fois sur un ring, dans un antre, une tanière qui est aussi « le rez-dechaussée 

d’un immeuble modeste », comme il est dit dans le prologue de la pièce. 

La réalité du quotidien, la misère de la maladie, du refus des autres et de la solitude 

devront se mêler à une vision plus symbolique, plus stylisée de ce que peut être pour ce 

Nobel de littérature renfermé et isolé, ce réclusionnaire, l’univers mental d’un homme qui 

va livrer son dernier combat. 

De la musique ? Sûrement. Un instrument seul. Peut-être les suites pour violoncelle de 

J.S.Bach. 

La lumière ? Celle de ceux qui se cachent pour mourir, associée à l’éclairage violent et 

concentré des interrogatoires et des opérations chirurgicales. 

La silhouette du patient, énorme baudruche blanche de tissus précieux, contrastera avec 

le look réaliste et quotidien de ses deux adversaires. 

J’attends beaucoup de la rencontre entre les trois comédiens et le comédien-metteur-enscène 

que je suis, car, je le répète, il tiendra essentiellement à la qualité et à la rareté du 

jeu des acteurs et des affrontements entre les personnages, de porter ce texte à 

l’incandescence qu’évoque sa lecture. 

Pierre Santini 

Paris, 8/04/08 



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02 • Facéties 

Les femmes ont de la chance 

d’Anton Tchekhov et 

de Georges Feydeau 

CRÉATION 

Avec Vanessa Compagnucci, Christophe Sermet et 

François Sikivie 

Mise en scène Mise en scène collective 

Assistante mise en scène Ioana Zaharia 

Scénographie Christophe Sermet et Catherine Somers 

Costumes Catherine Somers 

«Trois petites pièces en un acte pour un spectacle vaudevillesque. 

Dans l’une, un propriétaire terrien célibataire ne trouve rien de mieux que de se 

prendre le chou à propos d’un coin de terre avec la jeune personne qu’il vient 

demander en mariage... 

Dans l’autre, un officier à la retraite, ours mal léché s'il en est, vient chercher 

des noises à une éplorée de veuve qui sera à ça de lui loger une balle dans le 

buffet. Ce qui n’empêchera pas l’affaire de se résoudre par un baiser brûlant… 

Dans la troisième, deux prétendants au titre d’hommes de paille se prennent 

réciproquement pour la promise, réputée proverbialement laide… 

Avec des hommes de ce tonneau-là, pas de doute, les femmes ont de la 

chance!» 

Quand le cul-terreux Tchekhov rencontre le Feydeau du Paris polisson, ça devient 

presque surréaliste. 

Niaiseries, mesquineries, malices et turbulences… et des chansons d’amour à 

l’italienne à vous déchirer le cœur… Un peu d’amour dans ce monde de brutes 

que diable ! 

Pas de l’amour, de la rage pour des duos d’acteurs. Deux gars une fille, comme 

Jules et Jim en quelque sorte qui étaient trois… Jeanne Moreau a de la chance ! 

UNE PRODUCTION DU THÉÂTRE LE PUBLIC 

Petite salle 





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Après avoir abordé en 2005 une pièce plutôt âpre, «Vendredi, jour de liberté», de la 

veine naturaliste d’Hugo Claus, dans la Petite salle du Public, j’avais envie d’y revenir 

avec quelque chose de franchement plus drôle. Alors pourquoi pas carrément du 

Vaudeville… 

En amoureux de Tchekhov, j’ai relu les pièces courtes, qui sont certes loin d’être 

inconnues, mais auxquelles une nouvelle traduction d’André Markovitz donne comme une 

nouvelle jeunesse. 

La découverte d’une pièce longtemps inédite de Feydeau « L’homme de paille », 

sensiblement du même volume que « La demande en mariage » et « L’ours » (notre 

sélection tchekhovienne), m’a donné l’idée de les faire se rencontrer, d’arranger un 

mariage franco-russe. 

Au départ du projet une envie de comédie et de chansons sentimentales. 

De mélanger les époques… 

Tchekhov le campagnard et Feydeau le parisien les ont écrites à la même époque, dans 

leur innocente jeunesse d’écrivain débutant. 

Ici, pas encore de grandes profondeurs psychologiques chez Tchekhov, pour Feydeau, la 

question ne se pose pas… 

La mécanique de vaudeville n’est pas de même nature chez l’un et chez l’autre et nous 

verrons bien s’ils seront appelés à faire bon ménage. 

Mais dans les deux cas, il s’agît bien de vaudeville à l’état brut, sans fioritures ni états 

d’âmes, qui exige trois choses fondamentales de ses interprètes: du rythme, du rythme, 

du rythme. 

Pour faire le lien, rien de plus incongru que des chansons d’amour et de variété 

italiennes, pour la plupart, qui viennent interrompre le vaudeville. 

Des titres tels que «Gli uomini non cambiano», «Quello che le donne non dicono» nous 

permettrons de tourner avec désinvolture autour du sujet que l’on pourrait grossièrement 

définir comme celui de l’accouplement incongru, dénominateur commun des trois pièces. 

Des bottes de pailles, des costumes du dimanche et des bottes en caoutchouc. 

Une brève nouvelle de Tchekhov servira d’amorce à la soirée et fourni le titre du 

spectacle : «Les femmes ont de la chance!» C’est à voir… 

Christophe Sermet

03 • Comédie féroce 

Le Dieu du carnage 

de Yasmina Reza 

CREATION 

Avec Véronique Biefnot, Damien Gillard, Valérie Lemaître 

et Olivier Massart 

Mise en scène Michel Kacenelenbogen 

Scénographie Vincent Lemaire 

Lumière Laurent Kaye 

Musique (Création sonore) Pascal Charpentier 

Ferdinand Reille a attaqué Bruno Houillé à l’aide d’un bâton et lui a cassé deux 

dents au cours d’une bagarre après l’école. 

Les parents du blessé ont convié ceux de l’agresseur à leur domicile afin de 

résoudre l’affaire avec civisme. 

Tout le monde est de bonne éducation et soucieux de faire preuve de tolérance… 

Mais bon, faut pas pousser le bouchon ! 

Finalement, les deux partis sont peu enclins au compromis. La conciliation tourne 

court. C’est la débâcle et de suffisances en coup bas les « conciliateurs » ouverts 

et généreux ne parviennent plus à se contenir, les masques tombent et la 

courtoisie de façade se noie dans une mer de mesquineries… La guéguerre des 

deux garnements va servir de ring de boxe à leurs bobos de 

parents, péremptoirement ouverts d’esprit et au final très peu enclins au 

« dialogue ». 

Yasmina Reza évoque avec jubilation nos paradoxes et les limites de nos discours 

éthiques et généreux ; petite scène de massacre ordinaire entre adultes civilisés, 

toute la force de la pièce réside dans sa capacité à rendre audible la vacuité du 

monde moderne. 

Un moment de théâtre drôle, cruel et jouissif servi par une formidable équipe 

d’acteurs, impatients d’entrer dans l’arène. 

UNE COPRODUCTION DU THÉÂTRE LE PUBLIC ET DU THEATRE DE NAMUR 


Du 12/11/08 au 10/01/09 à 20h30 

Relâches les dimanches et lundis – Relâche les 23, 24, 25/12/08 et le 01/01/09 



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Petite scène de massacre ordinaire entre adultes civilisés. 



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Au départ d’une situation d’une grande banalité, l’auteur tire un portrait féroce de nos 

comportements. Nos discours éthiques et généreux sont battus en brèche, et sous 

l’apparente légèreté de nos relations bien huilées, se logent les non-dits, la frustration et 

la solitude. Sous le confort de nos certitudes, sous nos costumes d’occidentaux civilisés, 

demeurent toute la violence et la souffrance de l’être humain. 

Attention !! Ce n’est pas parce nous nous disons larges d’esprit, compréhensifs et 

pondérés, ouverts et généreux, voire conciliateurs, que nous nous assurons un avenir 

collectif meilleur ! 

Nous ne sommes plus à un paradoxe près et sans admettre notre animalité, notre 

individualisme forcené et nos trouilles, on court au désastre. 

Les personnages de la pièce, un peu bobo, un peu « gauche caviar », bien pensants, sont 

en fait de féroces prédateurs, serviteurs d’un monde capitaliste, mercantile et 

consumériste dans lequel ils vivent bien et auquel ils s’abreuvent. 

Une remise en question leur serait trop éprouvante, trop installés qu’ils sont dans leurs 

certitudes d’être des gens bien… Il ne suffit pas de vouloir aider le Darfour, pour 

éradiquer la misère, il faut vouloir changer de comportement, à commencer bien 

entendu par les relations entre voisins. 

Il n’y a pas de bien-être collectif possible dans une société où l’humanitaire bien pensant 

remplace le projet politique. 

Etre de gauche, socialiste, sans s‘attaquer au capitalisme, c’est s’installer un peu plus 

dans la maladie qui nous ronge. 

Comment être crédible et efficace si on ne combat pas les fondements mêmes du 

capitalisme? On peut se «dire» progressiste, «l’être» c’est une toute autre affaire… 

L’auteur le pense et le dit : après les palabres, seuls les actes comptes. 

Je le pense aussi. 

Michel Kacenelenbogen

04 • Co-mélo-die 

Un jour j’irai à New York avec toi 

de Bruno Belvaux et 

de Jean Lambert 

CRÉATION MONDIALE 

Avec Olivier Darimont et Elie Belvaux 

Mise en scène et en Bruno Belvaux et Jean Lambert 

espace 

Coaching piano Anne-Cécile Pirlot et Vincent Antoine 

Coaching guitare Didier Indot 

Dramaturgie Kabi Bajraktari 

Costumes Maryse Mathy 

Construction décor Dirk Claecen 

Max a grandi à côté de ses parents assistant impuissant à leur séparation; 

malheureux sous sa couette, perturbé à l’école, mal partout… Malgré tout, Max, 

13 ans, a découvert la thérapie par le rire. Il a trouvé dans le piano un monde 

extraordinaire qui lui a permis de s’évader… Et de rencontrer des tas de gens 

formidables : Audrey Hepburn, Jack Lemmon, une diva noire, Glen Gould, 

Chopin,… Avec tous il a parlé de la vie, de serments, de loyauté, de femmes. Il 

aurait aussi bien voulu en parler avec son père Olivier mais Olivier n’a pas le 

temps, il doit trouver une femme, il a quarante-neuf ans et le temps presse. 

«Tragicomédie musicale, mélopéra ?», comment appellerait-on en français un 

spectacle d’infinie tendresse qui réunit un père et son fils autour du piano, du 

chant… de la ligne d’un sein et du galbe d’une hanche ? Un adulte, un enfant, un 

piano et deux guitares… Une soirée particulièrement recommandée aux familles, 

toutes les familles : les familles composées, les décomposées, les recomposées, 

les papas divorcés, les fistons délurés… Et les autres. 

UNE CRÉATION ET PRODUCTION DU ZONE URBAINE THÉÂTRE ET DE LA COMPAGNIE 

TOUT VA BIEN 

Petite salle 


Relâches les dimanches et lundis – Relâche les 23, 24, 25/12/08 



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Bruno Belvaux rêvait de monter ce spectacle depuis des années… 



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Dans une salle d’attente un fils et son père sont perdus parmi d’autres, mais petit à petit 

ils vont quitter l’anonymat. Le père demande à un membre de l’assemblée « le piano là 

vous croyez qu’il est accordé?». 

C’est l’histoire d’un fils qu’on exhibe, c’est aussi l’histoire d’un père fier de son petit 

garçon… pianiste. Il le force à une prestation improvisée. Le malaise va en grandissant, 

puisque la prestation donnera lieu à un règlement de compte entre père et fils. C’est une 

enfance taillée à la hache qu’on livre aux spectateurs… Un piano pour raconter une 

enfance… 

C’est l’histoire d’un enfant qui a assisté impuissant au divorce de ses parents. Le petit 

garçon de treize ans a une sensibilité exacerbée, (un enfant « prodige » selon son père), 

il a trouvé dans le piano un monde extraordinaire qui lui a permis de s’évader. Un enfant 

dont la réussite devient l’enjeu du père. Ce père a quarante-neuf ans et après son 

divorce toute son attention s’est focalisée sur son fils. Mais pour cet homme qui consacre 

sa vie à son fils , il est devenu urgent de trouver une femme et de se caser. Soir après 

soir, Elie raconte son enfance tourmentée et ses rêves d’évasions, d’émancipation. Qui 

est majeur ? Qui est mineur ? D’abord trouver une femme pour son père puis s’envoler 

pour les Etats-Unis ! 

Bruno Belvaux et Jean Lambert veulent à travers cette aventure retrouver l’essence du 

théâtre : deux corps, un piano, un plein feu, un public, un texte fort et drôle… et du jeu. 

La voix fragile de l’enfant, l’imperfection de la partition sera également une fenêtre 

ouverte sur sa vie, ses blessures. Pour créer une situation d’intimité avec le public, la 

« proximité » doit être un principe sur lequel repose les confidences du fils et les 

explications gênées du père. 

Mais l’enfant est décidé, il veut s’envoler, vivre de sa musique à New York. Il a repéré 

dans un catalogue d’agence une cabane perdue dans les Rocheuses. Comment prolonger 

le rêve quand on a eu une enfance chahutée ? Puisque son père lui trouve tant de talent 

il ne comprend pas pourquoi il ne pourrait pas déjà gagner sa vie. Puisqu’on exhibe ses 

talents, pourquoi ne pas jouer le jeu jusqu’au bout ? 

C’est un texte grave: avec « Un jour j’irai à New York avec toi » Bruno Belvaux et Jean 

Lambert nous racontent aussi ces enfants qui ne s’endorment pas le soir et qui entendent 

les cris, les pleurs et les coups de leurs parents derrière la porte. Rien ne leur échappe, 

ils tendent l’oreille chaque soir pour écouter ce qu’on chuchote. 

Mais c’est un texte drôle aussi, les enfants sont pleins de ressources et ont le sens de la 

répartie… un spectacle qui se veut émouvant et festif avec de bons moments musicaux 

en direct… les grosses blessures dont on guérit. Ça reste une histoire d’amour !

05 • Une comédie très noire! 

L’affaire Lambert 

de Véronique Stas 

ACCUEIL 

Avec François Bertrand, Philippe Grandhenry, Véronique 

Stas, Patrick Waleffe, … 

Mise en scène Charlie Degotte 

Scénographie Johan Daenen 

Création costumes Lady Violette 

Interprétation musicale Karine Germaix 

L’affaire Lambert est une comédie noire…très noire. Ce huis clos familial met en 

présence un veuf, Albert Lambert, sa fille Jennifer, et leur chien Fricadelle. Ulcéré 

par l’apathie scolaire de sa fille, Albert Lambert va prendre les choses en main ! 

S’entame alors l’inéluctable descente aux enfers dudit Albert… C’est que ça va 

vite quand ça va mal ! Il suffit d’une peccadille récurrente dans votre vie 

professionnelle, ça tourne à l’agacement et vous devenez irascible et mesquin. 

Du coup ça jase… Et puis ça vous dénonce au comité de direction et il y avait 

justement une nouvelle restructuration du personnel sur le feu, votre C4 devient 

passeport pour la cour des Miracles. C’est à ce moment que vos proches vous 

virent et votre banque aussi… C’est l’engrenage. 

L’écriture truculente et liégeoise de Véronique Stas, navigue sur un comique 

subversif sans ambages qui ne manquera pas de faire s’esbaudir Bruxelles et 

toute la Wallonie. Grâce à son humour féroce et cruel, l’élégance du désespoir de 

l’affaire Lambert n’a d’égal que la brutalité de notre époque turbocapitaliste. 

Une fine équipe s’est lancée à cœur joie dans le vertueux challenge de composer 

pour vous la véritable et redoutable « décomposition » d’Albert Lambert. Et 

roulez rudesse !! 

UNE COPRODUCTION DU THEATRE LE PUBLIC, D’AUCUN MERITE (ASBL) ET DU THEATRE 

DE LA PLACE 

Salle des Voûtes 


Relâches les dimanches et lundis – Relâche les 23, 24, 25/12/08 



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C’est que ça va vite, quand ça va mal. 

La descente aux enfers est fulgurante et sans retour. 

Il suffit d’une peccadille récurrente dans sa vie professionnelle, ça tourne à l’agacement, 

on se permet de laisser transpirer son exaspération et puis, par dépit, on devient 

irascible et mesquin. 

Du coup, ça jase : « Il a changé ! », « Il attaque à m’énerver ! », « T’as vu son S.M.S. à 

Noël ! », « Il est là, le Gros ? », « Il devrait prendre un rendez-vous pour un détartrage 

dentaire ! », « Chez lui, il n’y a plus que son cancer qui est malin ! ». 

Et puis, ça vous dénonce au comité de direction et il y avait justement une nouvelle 

mesure de restructuration du personnel sur le feu. 

Le C4 devient le passeport pour la Cour des Miracles. 

C’est à ce moment-là que votre fille vous malmène et s’envole vers sa vie qui sera 

inévitablement plus lumineuse que la vôtre. Elle vous vire. 

Ca tombe bien vous ne supportiez plus son anorexie juvénile et son acné puérile. 

C’est à ce moment-là que votre épouse vous balance qu’elle ne supporte plus votre 

langue chargée, ni l’épaisseur de vos silences et que de toute façon elle a toujours 

simulé. Elle vous vire. 

Ca tombe bien depuis sa sclérose en plaques, vous simuliez aussi ! 

C’est à ce moment-là que votre propriétaire vend la maison aux enchères. Il vous vire. 

Ca tombe bien, avec votre travail abrutissant, vous n’aviez jamais pris le temps de vous 

occupez de la mérule galopante qui s’était développée entre la baignoire et la tv ! 

C’est à ce moment-là, que l’Onem contrôle votre investissement personnel dans la 

recherche d’emploi. Il vous vire. 

Ca tombe bien, ça fait un chômeur de moins en Wallonie ! 

C’est à ce moment-là, que la sérotonine de votre cerveau part en goguette dans les 

dédales de la dépression nerveuse. 

Ca tombe bien, une kyrielle de marchands du mieux-être ont un panel de thérapies 

douces et onéreuses dans leurs cabas de charlatans. 

C’est à ce moment-là que votre banque vous évalue comme un client insolvable. Elle 

vous vire. 

Ca tombe bien vous ne vous sentez plus redevable de rien. 

Vous vous enfoncez dans la noirceur du monde, comme un ours polaire qui part à la 

dérive sur un petit bout d’iceberg, comme un petit garçon qui sera le trophée involontaire 

lors d’un safari pédophile en Thaïlande, comme un cycliste qui se voit dans l’obligation de 

se doper et de foutre son rêve en l’air, comme la marée grandissante des sans domiciles 

fixes. 

L’Affaire Lambert, c’est l’histoire d’une grande et profonde dépression qui finit mal, très 

mal, traitée avec humour féroce et picaresque, cruauté opiniâtre et consciencieuse. 

La pièce aborde un camaïeu de thèmes profondément désespérants comme le manque 

d’emploi, le mal-être familial, le cul de sac de l’adolescence, les prises d’otages 

patronales, la déroute de l’armée, les difficultés scolaires, l’incarcération, le 

réchauffement de la planète, l’augmentation des produits de première nécessité, la 

paralysie canine, la fugue, le cannibalisme, le suicide, les sectes, la domination 

parentale, les enterrements catastrophiques, l’amour raté, l’hypocrisie amicale, le 

racisme ordinaire avec une tornade verbale qui ne manquera pas de dérider les plus 

tristes sires.

LE PITCH 

C’est l’histoire d’un père veuf, Albert Lambert, en charge de l’éducation de Jennifer, sa 

fille de 7 ans. Ulcéré par son empathie scolaire, il décide de prendre son avenir en main. 

L’Affaire Lambert, c’est un peu « Sauvez Jenny». 

Avec un torrent de bonne foi, il fera des tentatives éducationnelles peu fructueuses. 

L’Affaire Lambert, c’est un peu « Harry Potter contre le pot de fer ». 

Arrivée à l’adolescence, Jennifer, toujours accompagnée de son chien Fricadelle, décide 

de ne plus supporter les dérives Jupilériennes de son paternel et fait une fugue. 

L’Affaire Lambert, c’est un peu « Voyage jusqu’au bout de l’amer ». 

Albert lors d’une nuit d’alcoolémie sublime rencontre une sdf, qu’il confond avec une fée. 

Révélé par cette apparition, il décrète de prendre une année sabbatique auprès de son 

employeur. Malheureusement, l’entretien tourne mal, Albert prend son patron en otage, 

lui coupe un doigt et ivre de colère : l’ingère. 

L’Affaire Lambert, c’est un peu « Imbécile Dundee ». 

Après un entretien psychiatrique corsé, notre antihéros est incarcéré. 

Interpellée par la police, Jennifer se retrouve au poste et y rencontre son père. 

Anéanti, il se suicide devant elle en prison. 

L’Affaire Lambert, c’est un peu « Le Nom du Morose ». 

L’enterrement est l’occasion inespérée pour Jennifer de rencontrer le grand Amour et de 

s’installer en ménage. 

L’Affaire Lambert, c’est un peu « Coup de foudre à Strepy Bracquegnies ». 

Dix ans plus tard, divorcée avec un enfant, qui ressemble étonnement à Albert, Jennifer 

se surprend à reproduire tout ce qu’elle exécrait chez son père. Après une prise de 

conscience flamboyante de son amour pour son fils, l’Affaire Lambert se conclut comme il 

se doit. 

L’Affaire Lambert, c’est pas du tout un documentaire de Françoise Dolto, ni « Rosetta ». 

Véronique Stas 



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06 • Portraits de famille 

Cet enfant 

de Joël Pommerat 

CRÉATION 

Avec Rosalia Cuevas, Gaël Maleux, Claude Semal et 

Anouchka Vingtier 

Mise en scène Thierry Debroux 

Assisté de Peggy Thomas 


Lumière Nathalie Borlée 


Dix petites histoires pour dresser l’inventaire des malentendus qui nous tissent à 

ceux qui nous ont donné la vie ; elles ont ces accents d’amour, de colère, 

d’agacements, de dérision que nous connaissons bien… Il y a toujours un 

manque ou un trop plein… Un abandon, une démission, une petite culpabilité qui 

se transmet de génération en génération, une violence aussi qui surgit, faute de 

trouver les mots justes… Et c’est tout l’art de Pommerat : trouver les mots 

justes. Cela sonne si vrai et nous sommes si loin de la téléréalité, de la « télédéballage 

». Ce n’est jamais complaisant, c’est le théâtre vérité d’un auteur 

impliqué. Les mots vibrent, racontent ces relations qui nous tissent et nous 

tricotent si intimement qu’on ne parvient jamais véritablement à dénouer les 

nœuds des liens du sang ; il faut dire que parents et enfants s’entendent si bien 

à se méprendre ! Et pourtant, l’humour est là, en embuscade, derrière chaque 

malentendu… 

Pas étonnant que cette pièce fasse le tour du monde. Les mots d’un des auteurs 

français les plus brillants de sa génération, une langue magnifique qui nous 

plonge dans l’infinie complexité des rapports entre parents et enfants et nous 

renvoie à ce que nous avons de plus intime. 

UNE CRÉATION DU THÉÂTRE LE PUBLIC 






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DECOUVRIR L’ECRITURE DE JOËL POMMERAT EST UN CHOC. 



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Lorsque j’ai vu Cet Enfant aux Bouffes du Nord, j’ai su immédiatement que j’allais monter 

la pièce. 

Ce n’était pas gagné d’avance car Pommerat n’avait encore jamais confié l’un de ses 

textes à un autre metteur en scène que lui. 

Ecriture et mise en espace sont tellement liées dans son travail qu’on pourrait se 

demander légitimement s’il est possible de les dissocier. 

Mais Cet Enfant est une pièce à part dans son œuvre. 

C’est une commande de la Caisse d’allocations familiales du Calvados. 

Voilà qui est singulier ! 

A partir d’une rencontre avec un groupe d’habitantes d’Hérouville-Saint-Clair, Pommerat 

dresse en 10 scènes l’inventaire des malentendus entre parents et enfants. 

Chaque scène est un bijou d’humanité. 

C’est simple, universel… soufflant ! 

Quatre acteurs m’accompagneront dans cette aventure. Deux hommes, deux femmes qui 

joueront la vingtaine de rôles écrits par Pommerat. Une sorte de chœur antique qui vient 

témoigner, sur la place de la cité, de la complexité des relations humaines. Devant le 

public, ils se métamorphosent, laissant les mots les transformer. Ils sont père, fils, mère, 

fille… 

Le public n’est pas tenu à l’écart… ce sont les citoyens réunis sur la place, venus écouter 

le poète leur parler d’eux-mêmes. 

Par la magie du théâtre, le corps de l’acteur devient un petit garçon et dans la scène 

suivante… un père. 

Les personnages ne livrent pas tous leurs secrets. On les saisit dans un instant de leur 

vie… chaque spectateur remplit les silences, les non-dits… 

Les coulisses n’existent pas. Le public n’est exclu d’aucun espace. Il est avec les acteurs. 

J’ai demandé à Vincent Lemaire pour la scénographie, Nathalie Borlée pour les lumières 

et Catherine Somers pour les costumes d’intervenir comme des partenaires de jeu. Ainsi, 

par exemple, une lumière définie avant un moment de répétition peut devenir une 

contrainte riche pour les acteurs et orienter la musique des corps. 

Nous allons fouiller les mots, les phrases dans tous les sens, pour tenter d’en extraire les 

non-dits inconscients mais, in fine, riches de cette recherche, nous tenterons simplement 

de donner à entendre le texte avec ses silences, ses fractures, ses surprises, sa musique 

et cette formidable émotion qui s’en dégage. 

Thierry Debroux 

Juin 2008

07 • Récit initiatique 

Le rêve d’un homme ridicule 

de Dostoïevski 

CRÉATION 

Avec Pierre Laroche 

Mise en scène Sandrine Laroche 

Assistée de Benoît Joveneau 

Un homme qui depuis toujours se trouve ridicule décide de mettre fin à ses jours 

pour trouver le néant. 

Une rencontre va cependant bouleverser ses projets. Il s’endort et rêve de sa 

mort. C’est au travers de ce songe que notre désillusionné fera son chemin 

initiatique. A son réveil un homme nouveau est né, et le voilà devant nous, fort 

de sa nouvelle vérité. 

Toute la dimension fantastique, métaphysique de l’auteur se révèle dans ce texte 

puissant. Emouvant témoignage d’un personnage dont le ridicule pose bien des 

questions sur nos croyances, nos combats… Emouvante obsession aussi d’un 

homme hanté par les mots de Dostoïevski : Pierre Laroche. Ce merveilleux 

comédien et grand homme de théâtre, sera cet « homme ridicule ». Pierre 

Laroche le père, sera mis en scène par Sandrine Laroche la fille, une même 

passion les unit pour Dostoïevski, la Russie, le théâtre ; une association filiale 

magnifique pour créer sur la scène ce flambeau contre l’indifférence, cet hymne 

à l’amour, à la vie. 

UNE CRÉATION DU THÉÂTRE LE PUBLIC 

Petite salle 





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Dostoievski, Pierre, Sandrine... Pourquoi? 



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Dostoievski fut et demeure pour Pierre un maître à penser qui l’a accompagné tout au 

long de sa vie d'homme et d'homme de théâtre. Un auteur, certes tourmenté, plein de 

doutes, mais un homme qui pose les vraies questions existentielles, implacablement et 

sans relâche. Après avoir approché, il y a 40 ans « Mémoires écrits dans un souterrain » 

ricanement désespéré de l'ombre, il éprouve le besoin d'y faire un écho de lumière avec 

« Le rêve d'un homme ridicule ». Autrement dit: une utopie fondée sur une folle 

espérance, celle de l'amour! 

Sandrine a 'rencontré' Dostoievski au cours de plusieurs mois de laboratoire avec Anatoly 

Vassiliev. Une expérience qui plus qu'une rencontre fortuite fut un rendez-vous. Les 

questions, les idées émanant de son oeuvre ainsi que du travail furent et restent pour 

elle un grand moment aussi bien au niveau philosophique que théâtral. 

Riche d'expériences diverses, Pierre et Sandrine, ont le désir de partager cette passion 

commune au travers du « Rêve d’un homme ridicule ». 

« Je suis un homme ridicule. Maintenant, ils disent que je suis fou, ce serait une 

promotion, s'ils ne me trouvaient pas toujours aussi ridicule. Mais maintenant je ne me 

fâche plus, maintenant je les aime tous... » 

L'histoire d'un homme, transfiguré par un rêve. 

Un homme qui ne croyait plus en rien, que plus rien n'atteignait, décide de se suicider 

pour trouver le néant. Mais une rencontre va bouleverser ses projets, ses convictions… 

Hanté par sa rencontre, il s'endort et rêve de sa mort, mais loin de trouver le néant voilà 

que notre homme s'envole vers un monde fantastique. 

C'est au travers de ce songe, plein de rebondissements, que notre désillusionné fera son 

chemin initiatique. A son réveil un homme nouveau est né, et le voilà devant nous fort 

d'une révélation, porteur de sa nouvelle vérité. 

« Un rêve, un délire, une hallucination. Qu'est-ce qu'un rêve? Et notre vie, elle n'est donc 

pas un rêve? » 

Thème éminemment contemporain, où les pertes de repères et de valeurs nous 

déconnectent de notre vérité intérieure. 

Où notre élan vital est parfois mis à rude épreuve. Où la raison, le mental, le 

narcissisme, l'orgueil, nous mènent inexorablement vers l'indifférence! 

Trop souvent à contre-courant de nos aspirations, nous n'écoutons plus nos rêves! Nos 

utopies. 

Parfois des événements, des êtres, réveillent notre conscience un peu trop endolorie. 

Qu'il s'agisse de la marche blanche, ou de catastrophe naturelle.... Et tout à coup le 

monde entier se soulève dans un élan de fraternité, de solidarité et d'amour. Au-delà de 

toutes croyances religieuses ou politiques, l'homme porte en lui cette faculté de dignité

et de compassion pour soutenir ou venir en aide à ses semblables; c'est alors que nous 

pouvons dire que nous sommes 'des hommes debouts'. 

Parfois ce sont des êtres qui nous réveillent à cette conscience enfouie! 

Que cela soit Martin Luther King et son rêve, l'Abbé Pierre, Soeur Emmanuelle, Ghandi… 

Tous sont habités d'un amour immense et ont déplacé des montagnes ou ouverts nos 

convictions vers un peu plus d'humanité. Des utopistes? Comme notre homme ridicule? 

« Aime ton prochain comme toi-même. (....) ce n'est qu'une vieille vérité qu'on rabâche, 

qu'on a lue des billions de fois, mais voilà, elle n'a pas pris racine! » 

Le voilà avec nous, cet homme incarnation d'un espoir retrouvé, écoutons-le nous 

raconter son rêve. 

Avons-nous aussi envie d'y croire? 

Sandrine Laroche 



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08 • Farce satirique 

Faut pas payer ! 

de Dario Fo 

CRÉATION EN LANGUE FRANÇAISE 

Avec Sarah Brahy, Jean Budde, Didier Colfs, Béatrix 

Ferauge, Hervé Guerrisi et Guy Pion 

Mise en scène Carlo Boso 

Assisté de Kim Leleux 

Scénographie et costumes Lionel Lesire 


Construction décor Les Ateliers de la Fabrique de Théâtre – SPAS 

Les prix ne cessent d’augmenter ! Le baril de pétrole atteint des sommets ! Les 

répercussions dans tous les secteurs se font sentir et ce y compris - et d’abord !- 

dans le cabas de la ménagère ! 

Les femmes d’un quartier populaire décident donc de pratiquer l’auto-réduction 

des prix dans leur supermarché habituel et de faire la razzia sur les produits de 

première nécessité sans payer… 

C’est une blague ?!... Non, non… C’est une farce ! 

Très vite, la police les poursuit. Pour échapper à la perquisition, mais surtout 

pour éviter d’avouer la vérité à son mari, Antonia cache un énorme sac de 

provisions sous le manteau de Margherita, sa jeune voisine. Le mari puis les 

policiers croient aussitôt à une grossesse avec risque d’accouchement 

prématuré… ! 

A la violence sociale, Dario Fo veut répondre par un éclat de rire libérateur. 

L’auteur évoque la crise sociale que connut l’Italie au début des années 70… Les 

loyers qui ne cessent d’augmenter, la bourse qui dégringole, les usines qui 

délocalisent, les denrées alimentaires qui flambent… Tiens… Y a de l’écho, non ? 

Faut pas payer ! ou l’escalade dans le délire, l’inflation des quiproquos et 

l’envolée burlesque. C’est irrésistible. 

UNE COPRODUCTION DU THEATRE LE PUBLIC ET DU THEATRE DE L’EVEIL 






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CREEE EN 1974 SOUS LE TITRE ORIGINAL «NON SI PAGA! NON SI PAGA!» - (ON NE PAIE PAS, 

ON NE PAIE PAS ) - CETTE COMEDIE DE DARIO FO A ETE REECRITE PAR L’AUTEUR EN 2007. 

OUTRE LA REACTUALISATION DE CERTAINES SEQUENCES, DARIO FO A EGALEMENT CHANGE LE 

TITRE ORIGINAL EN LE TRANSFORMANT EN «SOTTO PAGA! NON SI PAGA» CE QUI POURRAIT SE 

TRADUIRE PAR «ON EST SOUS-PAYES! ON NE PAIE PAS !» 

PREFERANT GARDER LE TITRE DE LA TRADUCTION FRANÇAISE D’ORIGINE – FAUT PAS PAYER – 

C’EST POURTANT BIEN LA VERSION 2007 QUI SERA ICI PROPOSEE PAR LE THEATRE DE L’EVEIL 

ET LE THEATRE LE PUBLIC DANS UNE MISE EN SCENE DE CARLO BOSO ET C’EST SANS HESITATION 

QUE NOUS POURRONS ANNONCER LA « CREATION MONDIALE EN LANGUE FRANÇAISE » DE LA 

DEUXIEME VIE DE CETTE COMEDIE SATIRICO-POLITICO-GROTESQUE DU MAITRE DU GENRE, 

DARIO FO. 

A l’occasion de la publication de cette nouvelle version, Dario Fo écrivait un 

court texte d’avertissement : 

Créée en 1974, cette comédie apparaissait à l’époque quelque peu surréaliste. Nous 

racontions en effet des événements qui ne s’étaient pas encore produits. Dans la salle, le 

public écoutait assez perplexe et nous regardait comme si nous étions des fous. Nous y 

racontions l’histoire de femmes de la périphérie de Milan qui, allant faire leurs courses, se 

retrouvaient face à des prix de vente de leurs produits de base démesurément 

augmentés et qui, furieuses, décidaient de payer les marchandises à la moitié des prix 

étiquetés. Exactement la moitié! Notre histoire tenait de la pure fantaisie, mais s’inspirait 

de plaintes entendues auprès de ménagères et ayant trait au vol arbitraire pratiqué par 

les commerçants. 

Quelques mois plus tard, l’idée mise en scène dans notre comédie nous fut volée et la clé 

du spectacle fut projetée dans la réalité avec une similitude impressionnante: des 

femmes et des hommes prirent d’assaut deux supermarchés et ne payèrent leurs achats 

qu’à hauteur exacte de la moitié du prix affiché sur l’étiquette. 

Notre version fut même surpassée en imagination: quelqu’un quitta le magasin en 

emportant quelques paquets de riz et quelques bouteilles sans rien payer. 

Beaucoup de ces clients furent arrêtés et le procès instruit très peu de temps après. 

Quelques mois plus tard, la même scène se répéta exactement de la même manière dans 

un autre supermarché de Milan. Exactement de la même manière! On put lire dans les 

journaux qu’une centaine de femmes, soutenues par quelques ouvriers 

«exceptionnellement» en grève, avaient même répété très exactement les répliques que 

Franca Rame, l’une des protagonistes de notre comédie, donnait à entendre chaque soir 

sur scène. Nous fûmes à deux doigts de réclamer des droits d’auteur, mais finalement on 

a laissé tomber… 

Un quotidien édité par Silvio Berlusconi nous accusa d’être, par le biais de notre 

spectacle, les véritables instigateurs moraux de ces délits. 

Néanmoins, au cours du procès, il fut reconnu et établi que les prix fixés par les 

supermarchés relevaient du vol pur et simple et à l’issue de ce même procès, l’ensemble 

des clients furent lavés de toute accusation, leur action ne constituant pas un délit. En 

résumé, le tribunal établit que ces consommateurs avaient payé la juste valeur des 

produits.

Qui sait si aujourd’hui la remise sur le métier de «Faut pas payer» reproduira le même 

processus satirique et grotesque vérifié à la création? 

Il arrive souvent que la réalité soit la copie conforme de l’imaginaire théâtral – de 

manière isolée ou répétée. De toute manière on verra bien… les comédiens capables de 

faire goûter les situations dramatiques sont là, le public capable de goûter au jeu 

satirique est prêt … il ne reste plus qu’à donner le signal: «Allons-y, on commence!» 



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Dario Fo 

Traduit de l’italien par Guy Pion

09 • Comédie funéraire 

Paternel 

de Philippe Blasband 


Avec Claire Bodson, Jacqueline Bollen, Muriel Jacobs et 

Michèle Shor 

Mise en scène Philippe Blasband 

Scénographie et Elisabeth Schnell 

costumes 

La mort, sujet tabou ? En Occident, les rites, il faut les inventer de toute pièce… 

Ceci donne l’occasion de conflits entre les proches, la cérémonie se réduisant à 

une peau de chagrin, laissant les gens désemparés, ne parvenant plus à trouver 

de sens à cet événement pourtant si répandu et inévitable. 

Dans « Paternel », quatre femmes se retrouvent à l’occasion de la mort du père. 

Elles vont se partager les objets du défunt. A travers cette « répartition », elles 

vont marcher dans ses traces, découvrir qui il était, chaque objet ouvrant le 

champ à l’évocation et au souvenir. Mais le partage des biens va aussi faire office 

de rite sauvage et improvisé. L’héritage devient un champ de bataille, et au lieu 

de se « partager » le corps, comme cela se ferait dans des ethnies plus civiles 

que la nôtre, ici on se l’arrache, on se le déchire, ça tourne au pugilat ! 

« Ma mort sera un des grands évènements de ma vie. Autant être prêt... Je 

voudrais l’accueillir avec la sérénité, la fureur, la tristesse, la joie qu’elle 

mérite. » 

UNE COPRODUCTION DU THEATRE LE PUBLIC ET D’AUDIENCE ASBL 

« Paternel » sera joué en diptyque avec « Les Mangeuses de chocolat » 

du même auteur les vendredis et samedis du 27/03 au 25/04/09. 

19h Les Mangeuses de chocolat - 21h Paternel 



Les vendredis et samedis du 27/03 au 25/04/09 à 21h00 




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Certaines ethnies mangent les corps de leurs défunts, pour absorber leur substance, leur 

force, leurs souvenirs. 

Ce que font les quatre personnages de « Paternel », c’est une des versions occidentales 

de cette cérémonie : elles partagent les objets d’un père. Par ce partage, 

automatiquement, elles évoquent le passé et la mort de ce père. Et, je l’espère, elles 

aideront les spectateurs à évoquer le passé et la mort de leurs propres défunts (passés 

ou à venir). 

Le théâtre est un rituel, indispensable pour des raisons sociologiques à l’Occident. N’étant 

pas sociologue et manquant d’intelligence, je n’ai aucune idée de ce que sont ces raisons. 

Mais à cause de ces raisons, il est capital en Occident que des acteurs, tous les soirs, 

suivent un fil d’actions et de textes. Que tous les soirs, naisse cette tension qui crée des 

gestes purement théâtraux. (…) 

Les spectateurs ne sont plus considérés comme des consommateurs mais comme des 

partenaires. Si les spectateurs payent pour participer, c’est probablement pour mieux 

s’impliquer dans le spectacle - une raison similaire à celle qui exige, de la part du client 

d’un psychanalyste, de toujours payer lui-même la séance. Si l’on considère les choses 

de cette manière, les comédiens et techniciens ne sont plus les gens qui fabriquent un 

produit ; ils sont ceux qui effectuent le rituel. 

« Paternel » est donc une cérémonie de deuil. 

Une cérémonie pour l’auteur, pour le metteur en scène, pour les personnages, pour les 

comédiennes, pour les spectateurs. 

« Paternel » est une pièce en creux. 

Pour un spectateur un peu distrait, cette pièce se résume à une liste d’objets, avec 

quelques digressions. 

Mais dans une simple lecture à quatre voix et à voix haute, le creux se remplit et on y 

entend tout l’humour, la tristesse, le passé, le futur, qui sous-tend la pièce. 

Le moindre nom d’objet, prononcé par une des quatre comédiennes, ouvre le champ à 

l’évocation et à l’imagination du spectateur. 

J’ai écris cette pièce pour célébrer ceux qui m’étaient proches et qui sont morts ; célébrer 

ceux que j’ai croisés, qui m’ont marqué et qui sont morts. 

Je célèbre aussi ma propre mort. 

Ma mort sera quand même un des grands événements de ma vie. 

Autant être prêt. 

Philippe Blasband

10 • Comédie extraterrestre 

Facteur humain 

de Thierry Janssen 


Avec Jo Deseure, Thierry Janssen et Erika Sainte 

Mise en scène Guy Theunissen 

Assisté de Mathilde Schennen 

Scénographie et Vincent Lemaire 

costumes 


Création sonore et Sébastien Fernandez 

vidéo 

Chorégraphie Edith Depaule 

Ludovic est un extraterrestre, c’est lui qui l’affirme. C’est pourquoi, il passe le 

plus clair de son temps à construire une soucoupe volante afin d'aller un jour 

rejoindre son père, sur sa planète. Il vit avec sa maman qu’il remplace 

régulièrement au kiosque à journaux : une mère envahissante qui se réfugie 

« somewhere over the rainbow », dans le monde enchanté du magicien d’Oz. 

Un jour, il rencontre Cendre, une jeune fille à la beauté troublante qui semble en 

savoir beaucoup sur lui. Elle l'intrigue, le fascine. Elle va peu à peu l'amener à 

réaliser pourquoi sa mère se comporte comme elle le fait, et pourquoi lui n'est 

peut-être pas, finalement, si extraterrestre que ça. 

Inspiré d’un remarquable reportage de l’émission « Striptease », Facteur humain 

met en scène, de manière habile, percutante et souvent drôle, un conte moderne 

de la folie ordinaire, à travers trois personnages complexes, poétiques et 

bouleversants. 

UNE COPRODUCTION DU THÉÂTRE LE PUBLIC ET DE LA MAISON EPHÉMÈRE, 

COMPAGNIE THÉÂTRALE. AVEC L’AIDE DE LA COMMUNAUTÉ FRANÇAISE WALLONIE- 

BRUXELLES ET LE SOUTIEN DU MINISTÈRE DE L’ÉCONOMIE ET DE L’EMPLOI DE LA 

RÉGION WALLONNE 






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Nous ne sommes pas libres. Et le ciel peut encore nous tomber sur la tête. 

Et le théâtre est fait pour nous apprendre d’abord cela. 

Antonin Artaud, in « Le théâtre et son double », p. 123, éd° Folio Essais, 1964. 

Tous mes projets de création ont toujours été sous-tendus par la nécessité d’interroger le 

monde. La représentation théâtrale me paraît le lieu idéal pour cette fin. Car le temps de 

la représentation est un temps pour s’attarder : un moment pour voir, pour sentir, pour 

réfléchir, sans la précipitation du réel. 

Interroger le monde avec bien sûr la volonté d’agir sur la réalité, mais de façon sensible, 

fragile et nuancée. La création théâtrale est une manière d’inventer, à partir du réel, une 

autre réalité, porteuse d’espoir, qui aide à vivre, à survivre, … une consolation parfois. 

Ses outils sont la raison et la conscience, mais aussi toutes les émotions humaines. 

Si j’ai choisi de mettre en scène « Facteur humain », c’est parce que ce texte aborde des 

thèmes qui, curieusement constituent l’essence même des dysfonctionnements de notre 

société : le mensonge organisé et l’entretien de la peur. Ces travers empêchent 

l’individu, nous empêchent, de faire des choix dictés par la raison et dès lors nous 

poussent à des actions compulsives de fuite qui se traduisent par l’enfermement dans 

l’ultra-individualisme et sa conséquence, le consumérisme à tous crins, par l’évasion dans 

le rêve à bon marché dont la télé réalité est la caricature ou encore par la fuite dans la 

réalité virtuelle – voir l’énorme succès d’un « jeu » interactif sur internet appelé « Second 

Life » où le joueur est amené à se créer un ersatz dans un monde de remplacement : 

double qui sera toujours beau, puissant, et bien sûr, hyper-sexué. 

Ludovic, le héros – ou plutôt l’antihéros - de « Facteur humain » pressent (sans en avoir 

une conscience claire) qu’une vérité terrible se cache dans l’histoire de sa famille, 

l’intuition de ce secret le terrifie. Il choisit, comme la plupart d’entre nous, la fuite. Mais 

ce qui le rend touchant, c’est que sa fuite est aussi absurde qu’active, car il s’invente une 

identité d’extra-terrestre dont la conséquence est la nécessité de construire une 

soucoupe volante : un bricolage aussi gigantesque que dérisoire qui, à terme, « coûtera 

comme un avion. Pas un Concorde mais bon … » (in «Facteur humain») 

Il s’agit donc bien de raconter cette histoire comme une métaphore de l’état du monde et 

de la nature fragile de l’être humain. Thierry Janssen nous réinvente « à la belge », un 

mythe d’Icare, avec ce sens très particulier de la dérision que partagent nombre de nos 

créateurs : Ludo, notre Icareke, est un antihéros qui lui aussi se brûlera les ailes pour 

s’être approché trop près de la vérité. 

Créer « Facteur humain » répond enfin à l’absolue nécessité artistique de monter des 

auteurs belges ; cet auteur belge. Car chez Janssen, le rire rivalise avec l’absurde et le 

dérisoire, il éclate sous « un ciel bas et lourd qui pèse comme un couvercle » 

(Baudelaire). 

Guy Theunissen

11 • Comédie mythique 

Dom Juan 

de Molière 

CRÉATION 

Avec Serge Demoulin (Dom Juan), Jean-Michel Balthazar, 

Olivier Massart, Quentin Milo, … 




Personnage légendaire et archétype du libertin impie, Dom Juan défie toutes 

formes d’autorités, de règles, de morales. 

Maître de la transgression, il nous entraîne à sa suite dans une quête 

obsessionnelle de la provocation. Infidèle, aventurier, Dom Juan utilise 

mensonges, flatteries, usurpation, scandales, critiques, et nous plonge par ces 

thèmes au cœur de l’acte théâtral. Insolent libertin que rien n’inquiète, ni son 

avenir sur cette terre, ni son salut dans l’autre monde. Il accumule les conquêtes 

amoureuses, séduisant les jeunes filles nobles et les servantes avec le même 

succès… 

Quand on s’inscrit contre toutes les valeurs bien pensantes d’une société : est-ce 

supportable ? Quel est le prix à payer ? Peut-on dire de quelqu’un qu’il est vaincu 

quand il a renoncé à ses convictions ? 

Censuré à son époque, Molière a injecté toute une ambiguïté dans ce personnage 

déjà célèbre de la littérature espagnole. Ce mythe du théâtre classique remet en 

cause des interdits qui, en quatre siècles n’ont pas pris une ride ! Mais d’où vient 

que cet « insolent blasphémateur » soit devenu au fil des siècles ce « grand 

séducteur » ? Autres temps, autres mœurs ?... Pas si clair… 

UNE COPRODUCTION DU THÉÂTRE LE PUBLIC ET DU THEATRE DE LA PLACE 

AVEC L’AIDE DU CENTRE DES ARTS SCENIQUE 






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Les raisons profondes qui m’amènent à vouloir m’emparer du « Dom Juan » de Molière, 

je n’en ai pas encore fait le tour ; je pressens qu’il doit y avoir là-dessous de fortes 

présomptions de dénis d’une part de moi-même : je ne me trouve pas beau ! Le « Dom 

juanisme » n’est pas dans ma nature, sans doute parce que la nature ne m’a pas 

mandaté pour cela. Cependant les séducteurs m’interpellent : un des héros de mon 

enfance était 007, golden boy à la raison froide, sans attaches, auquel rien ne résiste, au 

poil et à la mise impeccable, à l’humour ravageur… mais le Dom Juan que j’ai en rêve 

n’est pas là. 

Il y a d’un côté la figure d’un homme qui se mesure, à la société, à ses règles, aux lois, à 

ses congénères, aux croyances, aux puissants ; et sur l’autre face, la figure d’un homme 

qui a peur, qui n’ose pas, qui ne s’autorise pas une liberté de pensée, par peur des 

représailles, du retour de bâton, peur de la confrontation, des conséquences. Les deux 

profils d’une même personne qui prend, d’une part, le vent de face et de l’autre, le vent 

de côté pour ne pas tomber. Une même personne qui au gré des circonstances 

s’accroupit ou se redresse, comme moi… ou vous ? 

J’aborderai « Dom Juan », par le biais des deux protagonistes qui forment l’épine dorsale 

de la pièce : Dom Juan et Sganarelle. 

Il se fait que j’ai à nouveau l’opportunité de mettre en scène deux comédiens avec 

lesquels j’ai une grande complicité : Serge Demoulin et Olivier Massart. 

A priori, aujourd’hui, trois axes me poussent dans l’exploration de la pièce : 

• Les contradictions de la nature humaine : Molière ne brandit aucune bannière, 

(rien ne dit qu’il n’était pas libertin et rien ne dit non plus qu’il était contre la 

religion), il ne met aucun personnage en « raisonneur », il éclaire les problèmes 

de manière contradictoire et exprime ainsi les tensions qu’ils suscitent. La 

confrontation des vérités et des réalités de chacun, les petits et grands duels que 

chacun est obligé de mener pour tenir sa place et vivre ou survivre (c’est selon). 

• La langue : tous ces protagonistes se caractérisent d’emblée par un langage qui 

leur est propre et n’appartient qu’à lui, la variété des tons est virtuose et donc 

jouissive à orchestrer ; les registres sont tellement différenciés que les tensions et 

les contradictions naissent d’emblée. Le langage dans « Dom Juan » est « une 

harmonie de discordances », un patchwork de styles et de rhétoriques. Dom Juan 

est rapide, limpide, moqueur face à un Sganarelle aux accents gouailleurs mais 

aussi ampoulés, un Sganarelle intempestif qui ne comprend même pas tout ce 

qu’il dit. C’est donc une sorte de combat au fleuret du langage qui nous attend ; 

Dom Juan se mesurant en combat singulier avec chaque personnage, à la pointe 

de la langue et du verbe. 

Je pense que dans « Dom Juan » les caractéristiques et les modes de langage de 

chacun tiennent moins à la qualité sociale de chacun qu’au caractère profond des 

personnages. Au-delà de l’appartenance à une caste, au-delà de la naissance, la 

langue est vraiment le reflet de la personnalité de chacun (la bêtise, l’égoïsme, la 

peur, l’élégance, l’humour… et souvent plusieurs à la fois dans le corps d’une 

même personne). 

Dans « Dom Juan » le monde des gens de cour et de leurs alliances y est très peu 

reluisant, voire pourri ; mais le monde des gens de la campagne n’est pas plus 

« pur » malgré des protagonistes simples et proches de la nature. Les 

personnages de Pierrot, Charlotte et Mathurine sont plus divertissants mais aussi

sans doute plus cruels. Pierrot est un petit coq vantard et couillon, son étroitesse 

d’esprit n’a d’égal que son égoïsme et fait de lui un personnage comique mais 

borné et sans horizon. Quant à Charlotte, elle n’est pas tellement mieux lotie, elle 

se vend au plus offrant sans aucun état d’âme et suggère même à Pierrot que ce 

mariage avec un seigneur pourrait être une aubaine pour lui aussi. 

Chacun déploie sa propre langue, personne n’ayant une langue liée uniquement à 

sa classe sociale (du moins en profondeur) c’est donc que cette langue est liée au 

caractère des personnages. 

C’est à cela aussi que je veux m’attacher. Travailler dans le sens de chacun et de 

cette façon, donner aux duels cités plus haut, toute leur violence, leur acuité, leur 

humour aussi. 

• L’homme et le féminin : le désir, la séduction, la possession, l’incompréhension, 

l’absolue nécessité et donc sa nécessaire destruction. 

Mettre en scène les aspects contradictoires de chacun par le jeu de la langue géniale de 

l’auteur, mettre en scène une comédie enlevée mais aussi un huis clos sans issue sur la 

condition humaine, une comédie lucide, désespérée et diabolique. Mettre en scène ces 

duels verbaux qui sur scène seront de véritables corps à corps, corps à cœur, un duel à 

mort… voilà mon projet. 

Michel Kacenelenbogen 



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12 • Fable contemporaine 

La meilleure volonté du monde 

(L’inertie et la fureur) 

de Lorent Wanson 


Avec Patricia Ide, Magali Pinglaut et Alexandre Trocki et 

un enfant 

Mise en scène Lorent Wanson 

Assisté de Anne-Catherine Regniers 

Scénographie et costumes Olivia Barisano 

Lumière Zvonock 

Musique Jean-Sébastien Bach 

Chansons Lorent Wanson 

Arrangées par David Nunez 

Que faire si vous retombez sur votre amie d'adolescence, celle avec laquelle vous 

avez fait de grands rêves d'avenir, délaissée dans les cartons jetés à l'arrière 

d'une grande surface commerciale. Deux femmes, un homme, un enfant. La 

première s'est rangée, mariée à l’homme, un illustre chirurgien esthétique qui fût 

naguère médecin de "guerre", ils ont adopté l’enfant originaire d'Afrique. 

L'autre, ancienne frondeuse militante s'est un beau jour, par dégoût, exclue de la 

"société des hommes". La première doit-elle venir en aide à l'autre? L'autre doitelle 

accepter cette aide, au risque de se sentir endettée puis domestiquée? 

Le spectacle se veut un cri à notre monde confus où la bonne volonté se confond 

souvent avec l'exploitation. C'est aussi un hommage appuyé à ceux que Lorent 

Wanson a rencontré lors de ses expériences au Congo, en ex-Yougoslavie, ou 

dans les quartiers les plus abandonnés de la capitale de l'Europe. Un voyage aux 

frontières de nos interdits, à la recherche de l'homme dans toutes ses diversités, 

avec amour, crudité, générosité et violence. « La Meilleure volonté du monde » 

est un spectacle d'acteurs, avec trois de nos ambassadeurs les plus passionnants 

et un enfant si proche et si loin… 

UNE PRODUCTION DU THEATRE LE PUBLIC 






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51 


Depuis quelques années, outre les spectacles et les pièces que j'ai mis en scène dans des 

théâtres bruxellois, wallons, flamands et internationaux, j'ai développé un travail plus 

spécifique sur la parole de ceux qu'on n'entend jamais. Ce furent « Les Ambassadeurs de 

l'ombre », avec des familles du quart monde de Bruxelles, « Trous/Rupê/Gaten » avec 

les réfugiés et les troués des différents conflits ex-yougoslave, et dernièrement 

«Africare» en république démocratique du Congo; je reviens d'ailleurs d'une tournée 

nationale dans ce pays dévasté par les guerres, les misères, mais qui se bat chaque jour 

pour exprimer une dignité battue en brèche.... Et nous dans tout ça, et moi dans tout ça? 

« La meilleure volonté du monde » est une pièce en 13 stations. C'est donc un chemin. 

On lui donnera le nom qu'on veut: de croix, de pénitence... Car nous sommes pétris 

d'une culture contradictoire qui négocie la main qui donne et celle qui reçoit, une culture 

de la compassion avec intérêts, de l'aide qui crée la dette, de la dette qui crée la 

frustration et de la frustration qui crée la violence. La première violence est donc peutêtre 

l'aide. Mais comment faire pour ne pas aider ou tenter d'aider celui qui souffre 

ostensiblement et, juste après, comment faire pour ne pas peser et soupeser l'ingratitude 

de l'être aidé quand celui-ci demande une forme quelconque d'indépendance? 

Mais je vous raconte en deux mots la petite fable de la pièce, qui ne se déroule ni en 

Yougoslavie, ni en Afrique, mais entre nos ruelles, à l’arrière de nos obèses superdiscounts, 

et à l'intérieur d'une maison comme nous en avons tous. Donc une sorte de 

chemin qui relierait nos organes à notre conscience, notre pitié à notre peur... Soit. 

Deux amies se retrouvent plusieurs années après leurs études communes. Leurs 

"destins" les ont conduites aux deux extrémités du chemin. La première s'est "rangée", 

elle a épousé un ex-chirurgien de guerre, converti dans le botox et le silicone des faux 

seins. Ils ont adopté un enfant africain, qu'ils éduquent du mieux qu'ils peuvent dans 

des valeurs de tolérance. 

L'autre s'est « stockée » dans la rue, elle a abandonné le succès et l'engagement militant 

qui la forgeait car elle n'en a plus trouvé le sens. Elle s'est prostrée dans l'impuissance, 

l'inertie. Bien sûr la première ne peut pas ne pas aider la seconde. Bien sûr la seconde 

ne veut surtout pas être aidée. Mais dans le dépouillement le plus total, l'aide ne peut 

pas se refuser. Suivront alors des séquences de domestication, avec la meilleure volonté 

du monde et, en son nom, les bilans vont s'alourdir et devenir parfois malsains. 

« La meilleure volonté du monde » n'est pas une pièce réaliste. Elle fonctionne selon de 

courtes séquences entrecoupées de chants et de danses. La pièce est parfois 

dérangeante mais ne veut jamais être méchante, car, tout un chacun et qui que nous 

soyons, qui peut dire qu'il sait comment faire face à la douleur, à la misère? Cette pièce 

est plus un état des lieux des questions qui se posent dans notre monde qui, on le voit 

chaque jour, produit l'injustice et maintient les plus fragiles d'entre nous, sous l'étouffoir 

de la peur.

« La meilleure volonté du monde » n'est pas une pièce tragique, elle est même drôle à 

mes yeux, elle cherche à bousculer nos certitudes ; je veux aussi parler des miennes, et 

de ce que j'ai pu observer de moi-même sur des terrains qui furent minés par les guerres 

et les déstructurations sociales. Car moi aussi, en Afrique, avec la meilleure volonté du 

monde, je jongle avec des contradictions qui me creusent. Et les aides qu'il m'arrive d'y 

prodiguer, je le sais, seront d'autres plaies. Excusez-moi de cet aveu, je n'ai de leçon à 

donner à personne, ça nous évitera d'en recevoir... 

Cette pièce, je l'ai écrite pour des acteurs, Patricia Ide, Magali Pinglaut et Alexandre 

Trocki, trois ambassadeurs magnifiques de nos scènes, car j'espère que cette pièce sera 

tout autant un matériel ludique à la réflexion qu'une machine à jouer déboussolante. 

Lorent Wanson 



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13 • Farce Satirique 

Ubu à l’Elysée 

(ou le mariage d’Ubu) 

de Claude Semal et 

d’Ivan Fox 


Marionnettes, jeu et scénographie Claude Semal et Ivan Fox 

Mise en scène Laurence Warin 

Texte et musique Claude Semal 

Vidéographie Tanguy Cortier 

Comment le petit coq Ubu, Sénéchal de Pologne et de Hongrie, changea de 

femme et de pays pour devenir Président, s'acheter une nouvelle Rollex et 

déclarer la guerre à la Suisse. 

Comment il augmenta le pouvoir d'achat en doublant son salaire et en 

confondant la France qui se levait tôt avec celle qui se couchait tard. Comment il 

se fit élire par les pauvres en ne fréquentant que les riches. Avec la participation 

exceptionnelle de Marla Caroni, Princesse de Bologne, dans le rôle de madame 

Ubu. Un spectacle de marionnettes multidisciplinaire, satirique et résolument 

sarcophage. 

Ubu à l'Elysée, un spectacle de marionnettes d'Ivan Fox et Claude Semal (très) 

librement inspiré du personnage d'Alfred Jarry. 

UNE COPRODUCTION DU THEATRE LE PUBLIC, DU THEATRE DU CHIEN ECRASE ET DE LA 

CHARGE DU RHINOCEROS 

Petite salle 





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DE SARKO AU PERE UBU 



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Sarkozy est un merveilleux personnage de comédie et un cadeau Bonux pour les 

caricaturistes. A lui tout seul, il a réhabilité Louis de Funès dans la politique française. 

Petit, agité, accablé de tics, il s’est en outre affublé des accessoires de son rôle : la 

Rollex, comme les riches, les Ray Bans, comme les Américains, et les talonnettes, 

comme les bergers landais. 

Car ce qui est ridicule, ce n’est pas son apparence physique. C’est sa volonté désespérée 

de s’en défaire. Ce qui fait rire, ce n’est pas le chauve, mais la moumoute. Sarkozy est 

un véritable concentré de moumoute. 

Et de ses multiples tentatives pour masquer sa véritable nature naît évidemment une 

multitude de situations comiques. 

Ainsi, quand il parle de « se retirer dans un monastère pour habiter la fonction 

présidentielle », c’est pour fêter sa victoire au « Fouquet’s », chanter en plein air avec 

Mireille Mathieu et se retrouver, 24 heures plus tard, au milieu de la Méditerranée, sur le 

yacht d’un milliardaire. Bonjour le couvent et cherchez l’erreur ! Nous n’étions pourtant là 

qu’au premier jour de son règne. 

Enfant gâté de la société du spectacle, pour ne pas dire pourri gâté, Sarkozy est, à lui 

tout seul, un « stand up » et un « soap-opéra », un « reality-show » et un « peepshow 

» permanent. Dans un aussi petit corps, il arrive à caser quelques-unes des figures 

majeures du théâtre comique : le cocu, le tyran, le menteur, le traître …et même le Don 

Juan. 

On le sait, le cocu est la figure centrale du Vaudeville. Nicolas Sarkozy est, à ma 

connaissance, le seul candidat à avoir fait campagne à une élection présidentielle 

pendant que sa femme faisait la couverture des magazines avec son amant. Ce qui ne 

l’empêchait d’ailleurs pas, comme tout Président de la République qui se respecte, de 

sauter gaillardement sur tout ce qui bougeait, inaugurant ainsi la figure originale du Don 

Juan cocu. Cocufier les électeurs, c’est un métier. Etre cocu, c’est une vocation. Je ne 

doute pas que Carla Bruni, sa nouvelle épouse, lui donnera l’occasion de rajouter 

quelques chapitres à ce feuilleton. 

Le théâtre aime les menteurs, qui sont aussi savoureux en scène que détestables dans la 

vraie vie. Les hommes politiques ont souvent la (fausse) réputation d’en faire partie. Ils 

payent souvent un lourd tribut au fossé qui sépare l’utopie de la réalité. Mais il est vrai, 

comme disait Pasqua, que les promesses électorales n’engagent que ceux qui y croient. 

Est-ce la faute des hommes politiques si les électeurs sont tellement cons ? 

Nicolas Sarkozy a pourtant su révolutionner le genre. Il a littéralement ôté les mots de la 

bouche de ses adversaires pour s’approprier leurs mythes et leur vocabulaire. Pour 

désorienter la gauche, il lui a ainsi suffit de citer quatre-vingts fois Jaurès dans un 

discours… Cet ami intime des parachutes en or du CAC 40 et des noctambules du showbiz 

a ainsi, été élu en parlant de la « France qui se lève tôt » et de la « valeur travail ». Il 

est vrai qu’à six heures du matin, Johnny Hallyday a dû croiser quelques fois dans la rue 

un éboueur malien.

Le « président du pouvoir d’achat » a aussi, fort logiquement, commencé son mandat en 

augmentant son propre salaire de 87 %. 

Encore une fois, cherchez l’erreur ! 

Les tyrans sont de beaux personnages de théâtre car, instruits par la volonté de leur 

seule fantaisie, leurs actes les portent souvent en dehors du cercle de la raison. Ils 

rejoignent ainsi la joyeuse cohorte des fous et des bouffons. 

Sarkozy a beau avoir été élu, ce n’en est pas moins un tyranneau dans sa volonté 

absurde d’être partout à la fois et de faire tout à la place de tout le monde. A trois 

occasions, il a déjà ainsi, par exemple, édicté, en dehors de toute concertation, ce qui 

devait être enseigné dans les écoles de la République. Un de ses premiers actes de 

président a été d’obliger tous les professeurs à lire en classe l’émouvante lettre d’adieu 

de Guy Moquet, un jeune résistant communiste fusillé à 17 ans par les nazis. 

Enthousiasmé par cette nouvelle pédagogie, Bernard Laporte, l’entraîneur de l’équipe de 

France de rugby, s’est aussitôt empressé de lire cette lettre à ses hommes avant qu’ils 

ne se fassent casser la gueule par l’équipe d’Argentine. Ses joueurs avaient compris la 

leçon: ils devaient mourir en chantant la Marseillaise. Depuis, Sarkozy a fait de Bernard 

Laporte son Ministre des Sports. 

On le voit, un bon Prince sait aussi bien s’entourer. 

Comme la figure du Don Juan est venue se superposer à celle du cocu, la figure du traître 

vient se juxtaposer à celle du tyran. Ah ! Les traîtres… Que resterait-il de toute l’œuvre 

de Shakespeare sans ses traîtres ? 

Sarkozy est devenu maire de Neuilly en trahissant Pasqua, puis il a fait le reste de sa 

carrière en trahissant Chirac, avant de devenir Président en se trahissant lui-même. Il a 

évidemment voulu convertir ses adversaires à une stratégie qui lui avait si bien réussi. 

En pleine campagne électorale, il est ainsi parvenu à débaucher Eric Besson, un second 

couteau du P.S. qui, précisément, avait été chargé de dénoncer dans un livre les méfaits 

de sa politique. Au paroxysme de la confusion politique, après avoir dragué les électeurs 

de Le Pen à coups de Karcher, de charters et d’ADN, il a ensuite été chercher le tiers de 

ses ministres dans les rangs de la gauche. A croire que Sarkozy aime s’entourer de 

traîtres pour faire oublier ses propres trahisons. 

Mais la vraie spécialité de Sarkozy, celle qui définit je crois le mieux l’acteur, son cynisme 

et son talent, c’est un numéro de music-hall : la marionnette et le ventriloque. 

Tous les hommes politiques ont toujours eu, dans l’ombre, des « nègres » qui les 

aidaient à écrire leur discours. Mais jamais personne n’en a eu un comme monsieur 

Guaino. Assis au milieu du premier rang à tous les meetings de Sarkozy, il bougeait les 

lèvres en même temps que la marionnette qui, là-haut, récitait le texte qu’il avait rédigé 

pour elle. 

Comment ne pas voir qu’il y avait là un personnage de théâtre et un auteur à l’œuvre ? 

C’est ainsi, tout naturellement, que la marionnette de Sarkozy a croisé dans mon esprit 

celle du Père Ubu et les pantins de bois d’Alfred Jarry. 

Rassurez-vous. Nous n’allons pas monter la nième version « d’Ubu Roi », cette 

savoureuse pochade lycéenne dans laquelle de doctes dramaturges voudraient voir 

aujourd’hui l’acte de naissance du théâtre contemporain. Croyez-moi, si c’était vrai, le 

théâtre contemporain serait certainement beaucoup moins chiant. 



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Non : comme Sarko a kidnappé Jaurès, nous allons prendre le Père Ubu en otage pour 

raconter une histoire originale : « Ubu à l’Elysée ». 

A Jarry, nous emprunterons donc les personnages, la verdeur – pour ne pas dire la 

scatologie – du langage, le grotesque des situations, la cruauté de la satire et, nous 

l’espérons, la drôlerie de la pièce. 

En nous appuyant sur la riche tradition des marionnettes bruxelloises et liégeoises, nous 

raconterons cette tragi-comédie politique avec des pantins de bois et des vers de 

mirliton. 

Vous y croiserez le Père Ubu et tous ses amis du Caca 40 ; sa première épouse, 

Chinchilla ; sa seconde épouse, Marla Caroni, Princesse de Bologne ; son fidèle second, 

Brise-Couille Portefeux, ministre de l’ADN et des Charters, et bien sûr, son ministre des 

Bonnes Affaires Etrangères, le célèbre docteur Kouchparter, celui qui a dit : 

– « Je suis né socialiste, je mourrai socialiste ! ». 

Ce à quoi le Père Ubu a évidemment répondu : 

– « Tu peux naître et mourir si tu veux communiste, 

Du moment qu’entre les deux, je te nomme ministre ! » 

– « J’ai mes propres idées… Kosovo ! Tien an Men ! » 

Et le Père Ubu de conclure : 

– « Tu peux garder tes idées… du moment que tu sers les miennes ! ». 

Le reste appartient déjà à l’histoire. 

Claude Semal 



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LES ACCUEILS 



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14 • Comédie dramatique 

Jouliks 

de Marie-Christine Lê-Huu 

ACCUEIL 

Avec Jacques De Bock, Emmanuel Dell’Erba, Christine 

Enkart, Sophie Linsmaux, Nicolas Ossowski et Cécile 

Vangrieken 

Mise en scène Marine Haulot 

Assistée de Sébastien Fernandez 

Scénographie Marcos Viñals Bassols 

Assisté de Valérie Yourieff 

Costumes Danielle Campé et Valérie Yourieff 

Lumière Aude Ottevanger 

«J’ai 7 ans, on m’appelle La Petite et je vais vous raconter comment j’aimerais 

que mon histoire arrive jusqu’à vos oreilles et votre cœur. Dans mon histoire il y 

a un Zac et une Véra, mes parents ; il y a La Mé et le Papé, mes grands-parents 

et il y a aussi un Guillaume. Après sept ans de silence, mes grands-parents sont 

venus nous voir et on a fait un bout de chemin ensemble et ça a provoqué la 

catastrophe… 

Mais retenez bien ceci : faudrait pas me prendre pour une criminelle, vu que 

c’est une histoire d’amour, un désir d’union éternelle. En prenant la peine 

d’entrer dans ma logique vous comprendrez toute la part lumineuse de mon 

histoire.» 

Jouliks, c’est une histoire de famille, de silence. Il n’y a pas plus violent que 

l’amour qu’on ne sait pas exprimer. Il n’y a pas plus violent que l’amour qu’on a 

désappris à offrir, qu’on se retient de donner pour éviter d’avoir mal. 

C’est l’histoire d’une petite fille qui grandit en regardant tout ça et qui veut à tout 

prix recoller les morceaux. 

Jouliks, c’est une histoire lumineuse interprétée par une troupe d’acteurs 

bouleversants et passionnés. Une histoire d’amour pour tous les publics à partir 

de 15 ans. 

UNE CRÉATION ET PRODUCTION DU ZONE URBAINE THÉÂTRE ET DE LA COMPAGNIE 

TOUT VA BIEN 

Petite salle 





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Dans la vie, il y a toujours ces fameuses histoires de rencontres. Mon histoire de 

rencontre avec « Jouliks », je la dois à une personne qui au préalable avait voulu me 

rencontrer, Georges Lini. 

Georges est un homme de partage. Il offre au ZUT certains de ses trésors de lecture et 

moi j’y ai trouvé une perle rare, une pièce qui m’a prise à l’âme, à cette petite âme que 

j’étais enfant, là où la conscience n'a pas de prise. 

Cette histoire tire par les cheveux, écorche les genoux et rappelle ces maux de ventre de 

"quand on est trop petit pour mettre du baume aux grands qu'on aime mais qu'on fait 

tout pour y arriver". 

Cette histoire s’appelle « Jouliks ». 

Je suis tombée en amour pour elle. Probablement parce que c’est une histoire d’enfant, 

d’enfance. 

Les enfants ne regardent pas comme nous, ne respirent pas comme nous, n’écoutent pas 

comme nous. Ils boivent et sentent la vie avec un amour inconditionnel, pur et 

désintéressé. 

Et les enfants sont parmi les adultes, à absorber toutes les valeurs qui font notre société. 

Alors imaginons un instant des parents différents, en marge de nos valeurs et une Petite 

de 7 ans qui grandit yeux et oreilles ouvertes, sans avoir encore jamais rencontré la 

désapprobation. 

Imaginons encore que ses grands-parents, qu’elle n’a jamais vus, viennent les visiter 

avec leurs bonnes convenances et leurs certitudes. Ils savent eux. 

Et enfin, écoutons cette petite nous raconter leur rencontre de quelques jours. 

Sans même que l’on s’en rende compte, notre enfance est assise sur nos genoux à 

écouter l’histoire. Elle reconnaît les mots qui font partie de la logique enfantine, bruts, 

pas encore censurés, et d'autres qu'elle s'empressera d'adapter à la réalité de son âge 

parce qu'elle ne les comprend pas. 

J’aime avoir le droit d’aimer la petite fille que je suis, j’aime avoir le droit de la remercier 

pour la femme que je suis devenue, j’aime encore et encore écouter la vie avec les yeux 

de mes enfants. 

J’aime, à travers ce texte, retrouver le droit d’aimer comme je l’entends et non comme il 

faut. 

Marine Haulot

15 • Conte chinois 

Le peuple sans nom 

ou la colère du fleuve 

de Layla Nabulsi 

ACCUEIL 

Avec Marie Bach, Yamina Cheurfa, Jo Deseure, Cachou 

Kirsch, Sophia Leboutte et Catherine Salée. 

Mise en voix Layla Nabulsi 

Assistée de Elise Vandergotten 

Scénographie Olivier Wiame 

Costumes Françoise Colpé 

Eclairage Xavier Lauwers 

«C’est l’histoire d’un peuple sans nom ; on ne lui accorde pas beaucoup 

d’importance. Le village du peuple sans nom risque de se faire engloutir par le 

fleuve en crue. Les autorités chinoises ont décidé de sacrifier ce village situé en 

aval en faisant sauter les digues pour éviter que l’eau du fleuve ne submerge les 

grandes villes. On ne fait pas d’omelette sans casser des œufs… 

Eté la petite, habite ce village. Pour fuir la montée des eaux et ne pas être 

englouti, il n’y a plus qu’à prendre la route et changer de rivage… 

Pendant son voyage elle croisera une foule de personnages, curieux, insolites, 

cruels… Le fleuve ivre mort, le dragon prosélyte, le soldat en mal de sexe, la 

maquerelle en mal d’argent, Monsieur Ning le cynique et Madame Ning 

l’insouciante…» 

Six comédiennes épatantes interprètent 16 personnages entraînés au fil de l’eau 

et des remous d’un fleuve qui gronde. Un spectacle satirique où l’impuissance 

des « sans nom » côtoie la vanité de ceux qui les entourent. C’est une farce… et 

c’est une tragédie. 

Ce spectacle sera l’occasion d’organiser des rencontres/débats/controverses 

autour de cet immense pays qui nous intrigue, nous étonne, nous fait peur, nous 

interroge : la Chine. 

UNE PRODUCTION DU THEATRE DE L’L 






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En 1998 ont eu lieu en Chine de sévères crues qui obligèrent les autorités chinoises à 

faire sauter les digues dans les campagnes, préférant inonder ces dernières pour 

épargner les villes qui se trouvaient en aval. 

Des centaines de milliers de personnes ont dû être déplacées. 

J'ai choisi ce drame climatique pour mettre en évidence la solitude de l'individu face aux 

éléments naturels, face au monde politique de son pays si celui-ci décidait de sacrifier la 

partie la plus fragile de la population, face à tous ceux qui profitent de la main d'œuvre 

bon marché et clandestine. 

Pourtant ce spectacle est traité comme une farce, une farce cynique, puisqu'au bout du 

compte, de cette Eté la petite, héroïne de l'histoire, tout le monde s'en fout. 

Layla Nabulsi

16 • Recueil d’histoires 

Minute Papillon 

de Stéphanie Lepage 

ACCUEIL 

Avec Manon Faure et Stéphanie Lepage 

Œil extérieur Patrick Bébi 

Scénographie et Marie-Hélène Tromme 

construction décor 

Création sonore et vidéo Stéphanie Lepage 

Costumes Stéphanie Lepage 

«Quand un vieux meurt c’est une bibliothèque qui brûle» ! 

Stéphanie Lepage, toute jeune comédienne, est partie à la rencontre de ces 

bibliothèques oubliées. De son périple, elle a ramené des monceaux de 

souvenirs, de larmes, de tendresse, d’humour, de temps qui passe… Ensuite, 

avec tous ces trésors, Stéphanie 23 ans, a créé Lucette, 87 ans. 

Lucette Bonnier vit seule avec son perroquet… et quelques fantômes. Elle a bien 

des petits-enfants qui l’aiment, mais ils sont loin, ils travaillent. Enfin, vous 

connaissez l’histoire... 

Une thématique rare et précieuse, loin de toute idée préconçue, un regard 

aiguisé et une tendresse infinie pour l’humain dans ses diverses étapes de la vie, 

de la chrysalide au papillon. 

Un spectacle ouvert à tous, particulièrement recommandé aux mamies bonbon 

ou mémés tarte aux pommes, accompagnées de leurs petits enfants à partir de 

10 ans. Parce que même si nous ne sommes pas tous des « bibliothèques », 

nous avons tous un précieux patrimoine à transmettre… 

UNE CRÉATION DE STEPHANIE LEPAGE 

AVEC L’AIDE DE THEATRE & PUBLICS 






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C’est dans le cadre d’un exercice pédagogique au conservatoire de Liège, nommé 

« Projet SOLO », (création obligatoire d’un seul en scène, consistant à prendre en charge 

un projet dans son entièreté), que Stéphanie Lepage ébauche la proposition d’approcher 

des personnes âgées et également d’aborder le thème de la mémoire dans un sens large. 

C’est la vieillesse des femmes qui retient son attention; celles-ci représentent la majorité 

des personnes âgées et surtout très âgées. Elles sont plus susceptibles que les hommes 

de devenir pauvres, solitaires ou de vivre dépendantes en maison de repos, et elles sont 

plus touchées par les désavantages économiques et sociaux. Le travail effectué en amont 

de l’écriture de «Minute papillon» est une enquête menée dans le home du CPAS de 

Watermael-Boisfort. De manière collective puis individuelle Stéphanie Lepage va 

rencontrer chaque résident du lieu pour qu’ils racontent « leurs souvenirs ». Livrant avec 

une grande générosité les souvenirs les plus intimes… mais aussi des rires gênés, des 

pleurs et puis leurs silences. En un temps record la vie a changé, laissant derrière elle 

des traditions, des mœurs, des valeurs qui nous semblent rétros. Qu’a-t-on à 

réapprendre de notre passé proche ? Est-ce dans ces mouroirs qu’est parquée 

aujourd’hui notre mémoire collective ? Au début de chaque entretien, Stéphanie Lepage 

demande l’autorisation de filmer et d’enregistrer les témoignages. La richesse des images 

récoltées pousse la jeune artiste à faire un montage de façon à intégrer le travail vidéo 

au spectacle. 

Que décident-ils de raconter ou de taire ? Comment assume-t-on ses erreurs, ses choix ? 

Quels sont les regrets, les fiertés, les tabous ? Les thèmes abordés sont universels. 

Comment concevons-nous l’amour, l’amitié, l’éducation, le rapport aux anciens, la mort ? 

Désolidarisation au sein de la famille, noyau de base de toute société. On se débarrasse 

des parties défaillantes, on les écarte une fois consommées. La génération de l’an deux 

mille est pressée, (vie moderne oblige), elle n’a pas le temps de s’occuper de sa 

mémoire… 

C’est avec un regard aiguisé, une démarche honnête, une capacité à affronter la subtile 

nuance entre le monde réel observé et le monde de la fiction mise en place et une 

tendresse infinie, un amour sincère pour l’humain dans ses diverses étapes de vie, de la 

chrysalide au papillon, que cette jeune artiste de vingt-deux ans aborde sa première 

création. 

Le personnage central du texte de Stéphanie Lepage, est Lucette Bonnier. Sa vie est 

inspirée de souvenirs de chacune des personnes interviewées. Lucette est un peu toutes 

les femmes à la fois. L’accent est mis sur la grande solitude dans laquelle ils sont. Le 

personnage de Lucette vit avec le fantôme de son mari et une cage à oiseau… un 

perroquet. Des fantômes qui peuplent sa vie. Sa vie est une lutte permanente. Marcher, 

s’assoir, ouvrir un tiroir… Tout est hostile. 

L’artiste ne cherche aucunement à émettre un point de vue moralisateur, mais à soulever 

un problème de société dont on parle peu, et qui nous concerne tous.

17 • Petite mise en tableau du mythe américain 

Bash, latterday plays 

de Neil Labute 

ACCUEIL 

Avec Edwige Baily, Bruno Mullenaerts, Fabrice 

Rodriguez et Lara Persain 

Mise en scène René Georges 

Dramaturgie et adaptation René Georges 

Assisté de Grazia Di Voncenzo 

Scénographie Christine Flasscheoen 

Costumes René Georges 

Lumière Gilles Bombaert 

Images Xavier Istasse 

Trois histoires « vraies » nous prennent à travers un voyage intransigeant qui 

parle de nos existences mornes derrière l'image glacée du rêve américain. Les 

personnages de « Bash » sont si proches de nous. Ils n'ont rien d'exceptionnel, il 

est vrai, juste un instant de leur vie, une occasion, une triste coïncidence ou un 

amour déçu, font que cette normalité bascule. Ils nous ressemblent tous 

étroitement… 

Une mise en scène ciselée au scalpel de René Georges, une direction d'acteurs 

précise, les musiques superbes de Billie Holyday, les images envoûtantes de 

Xavier Istasse, ajoutent en interludes, la touche âpre et douce, où tristesse et 

beauté se fondent au noir... On reçoit le choc, on en rit, on frémit. À vous 

maintenant d'être le témoin... 

Un petit chef d'œuvre (selon le journal Le Soir !) qui fut nominé aux Prix du 

Théâtre 2006-2007 dans les catégories meilleure mise en scène (René 

Georges), meilleure actrice (Lara Persain) et meilleur acteur (Fabrice Rodriguez); 

et récompensa Lara Persain comme meilleure comédienne au Prix de la critique 

2007, vous voilà prévenus ! 

UNE PRODUCTION EXCLUSIVE DE L’XK THEATER GROUP, EN CO-RÉALISATION AVEC LE 

ZUT ET LE THÉÂTRE JARDIN PASSION. AVEC L’AIDE DU CIFAS, D’HYPOTHÉSARTS, DU 

THÉÂTRE DE POCHE, DU MINISTÈRE DE LA COMMUNAUTÉ FRANÇAISE (SERVICE 

THÉÂTRE) ET DE SMART ASBL 

Petite salle 





64

3 JUIN 2008 

I’M GONE… 



65 


En juillet 2005, j’étais en voyage dans l’Amérique profonde, et j’assistais le réalisateur 

Xavier Istasse dans la réalisation d’un documentaire. À l’époque, je pensais en avoir fini 

une bonne fois pour toute avec cette Amérique de Georges W Bush, que je trouvais si 

arrogante. Dès mon retour, mon sentiment pour cette partie du monde a changé. J’ai été 

bouleversé par les gens de cette « middle class » dont on parle peu dans les journaux, 

hormis les rubriques des faits divers quand l’un deux passe cette frontière de l’orgueil, du 

raisonnable, du conventionnel. Tous mes clichés habituels tombaient alors les uns après 

les autres. J’ai rencontré là-bas des gens comme vous et moi, loin des images vues à la 

télévision ou au cinéma. Non, là-bas, il y avait des femmes et des hommes préoccupés 

par un avenir incertain, se posant des questions essentielles liées à leur survie, leur 

société, la politique, et chose surprenante, traversés par le monde qui se transformait 

sous leurs yeux. Sur leurs visages, je voyais alors disparaître un rêve, le leur, celui 

d’appartenir quoi qu’il arrive, à un état suprême, fort, à cette Amérique à jamais 

préservée d’un grand malheur, où le futur faisait la richesse d’une pensée. Bref, j’ai vu 

s’envoler cette confiance qui donne accès à une vie meilleure et possible. J’assistais, là, 

dans ces paysages faits de fermes, et d’étendues gigantesques de cartes postales, au 

spectacle inattendu d’êtres déboussolés, en rupture de sens, devenus pour la première 

fois de leur vie, les oubliés d’un rêve qu’ils s’étaient pourtant bâtis avec abnégation et 

travail, ou plus exactement, j’étais le spectateur de l’effondrement d’un système de 

pensée... 

Rapidement, j’ai senti la nécessité de parler d’eux. 

Un changement violent au niveau des mentalités, des religions, et de la politique, se 

profilait alors dans le monde, probablement suite aux événements du 11 septembre 2001 

et à la guerre en Irak qui s’enlisait déjà dans un bourbier intolérable. 

En effet, dans la tête de l’américain de la middle class, comme dans la mienne, une 

mondialisation aux multiples visages opérait sourdement des changements planétaires 

violents, et occupait insidieusement la place centrale de l’existence ; une intranquilité qui 

modifiait les comportements des individus. La peur commençait à l’époque à occuper les 

esprits. Le repli sur soi devenait la règle, et bien entendu, ce nouveau visage du monde 

engendrait encore plus de violence intrinsèque. Nous étions à ce moment-là en pleine 

guerre d’Irak, et la Nouvelle-Orléans, si belle, était sous les eaux suite à l’ouragan 

Katrina, et faisait voir au monde, une autre Amérique noire délaissée, abandonnée à son 

triste sort, un Ouragan dévastateur arrachait le voile de ce pays qui ne prenait pas soin 

de ses pauvres, ni des minorités, soit, une nation devenue tout aussi semblable à 

n’importe quelle autre nation, une nation qui perdait aux yeux du monde sa place de 

premier de classe. Le rêve avait disparu à jamais et la Nouvelle-Orléans en était, malgré 

elle, le nouveau symbole… Des mômes partaient pourtant encore défendre ce rêve 

américain brisé, quelque part où ils pensaient ne jamais mettre les pieds un jour, sorte 

de réflexe malheureux ou pire, peut-être une obligation vécue comme une autre, voire la 

possibilité d’avoir accès à un métier, sans plus. Car, comme je l’ai souvent entendu de la 

bouche des américains : « il faut bien gagner sa vie, alors pourquoi ne pas faire la 

guerre, si ça rapporte de l’argent et paie ma maison ? »

Le comble, c’est que tout ce changement, ce délitement se passait lui aussi dans un pays 

dévasté: l’Irak. Je voulais donc dès mon retour parler de cet écroulement et trouver une 

forme théâtrale directe qui puisse traduire les impressions de ce voyage. J’ai repensé 

tout naturellement au texte « Bash, latterday plays » de Neil Labute. Il s’agit de trois 

histoires inspirées de faits réels qui abordent radicalement cette Amérique pleine de 

contradictions et de violence, où plane ce spectre brisé du rêve américain. 

Le fil rouge était donc une réflexion sur la violence, cette violence obscure qui - dans 

notre « prison » quotidienne - s’exerce d’abord contre nous-mêmes. 

La définition qu’en fait le sociologue Michel Wieviorka est fort intéressante: «Dans nos 

sociétés modernes occidentales, l’utilisation de la violence est ici, ou bien quête et 

production de sens, ou bien malheureuse. C’est-à-dire qu’elle témoigne l’expression d’un 

refus de la personne à continuer une existence où elle se sent niée ». 

Parler de la violence de manière frontale avec le théâtre n’est pas chose facile 

aujourd’hui. Le théâtre – comme notre société - a tendance à mettre ses limites sur le 

sujet, et à adopter une forme de repli. 

Et pourtant, interroger les spectateurs sur ces thèmes existentiels et fondamentaux est 

nécessaire, et les derniers événements malheureux d’Anderlecht, Nivelles, Anvers, 

Dinant, et de la gare centrale à Bruxelles avec l’assassinat de Joe Van Holsbeeck ne le 

contrediraient pas. Dans nos sociétés, de plus en plus, nous préférons construire notre 

monde en niant la violence inhérente. Mais ce faisant, c’est le travail d’avoir à la 

transformer – en refoulement ou sublimation – qui passe à la trappe. 

Le théâtre depuis toujours est l’endroit par excellence où cette question de la violence 

peut être posée intelligemment, et de façon utile. Il suffit de relire les tragédies 

grecques, Shakespeare, pour comprendre que la notion de violence est la question 

centrale qui est posée par le théâtre. C’est peut-être l’ultime question qu’il pose. Ne plus 

aborder cette question avec l’imagination du théâtre, sa liberté, et faire preuve d’une 

certaine autocensure au profit d’un nouveau consumérisme culturel, c’est aussi prendre 

le risque d’encourager le déni envers la violence – ses paradoxes. 

A ce propos, nous devons être très vigilants, nous, les acteurs, metteurs en scène, 

auteurs. Notre imagination ne risque-t-elle pas d’être incarcérée dans ce repli? 

Et qu’en serait-il alors de notre liberté d’expression? 

L'art se doit de répondre au danger d'une époque dit le dramaturge anglais 

Edward Bond. J’ai ressenti profondément cette phrase lors de mon séjour aux 

USA en 2005. Et ce sont les gens, une fois de plus, qui m’ont amené à réfléchir à 

ces mots… 

A l'XK Theater Group, nous en sommes intimement persuadés. 

Une autre question traverse cette création : comment être humain? 

Une autre pourrait s’y ajouter : qu’est ce qu’un être humain? 

Comment, aujourd’hui, répondre à ces deux questions ? 

« Bash, latterday plays » de Neil Labute présente des fables puissantes qui montrent 

cette urgence au réveil et cet ancrage précieux dans la survie de l'humain. 

Elles nous poussent encore à comprendre les mécanismes de notre époque, et c'est peut- 

être la chose la plus importante aujourd'hui. Non ? Comprendre avec notre 

imagination le monde dans lequel nous vivons et à travers cette lucidité retrouvée, 

commencer le travail du changement et de la reconstruction. 



66

Neil Labute est un auteur important dans le théâtre contemporain. Il actionne 

avec son écriture « ce dire trouble que tout le monde pense tout bas et n’ose pas 

prononcer ». Il est temps de se préoccuper de cette question, et jamais notre époque n’a 

été aussi prête pour ce théâtre-là. 

Nous avons travaillé sur « Bash, latterday plays », avec au final la création d’un réel 

triptyque qui s’interroge et analyse notre XXI ème siècle. Alors, que l’on vive ici en Belgique 

ou là-bas en Amérique, y-a-t-il une réelle différence ? 

Le public est venu nombreux voir « Bash, latterday plays », nous avons même dû refuser 

du monde. Des spectateurs sont revenus voir le spectacle à Namur. Comme quoi, parler 

de choses dures, radicales, n’est finalement pas chose impossible dans ce pays. Pour 

moi, choquer pour choquer ne veut rien dire. 

Ce que je peux vous dire aujourd’hui, avec un certain recul, c’est que je vais persévérer 

dans mes convictions artistiques. Le plus important est de parler le plus sincèrement 

possible aux gens, de rester simple, accessible et généreux, et surtout, les impliquer 

émotionnellement dans la forme théâtrale qui est proposée, pour espérer transformer 

« quelque part » ceux-ci en acteurs de leur propre vie. Qui sait ? Voilà le geste que je 

compte reproduire dans les années à venir. C’est par l’imagination que nous sortirons du 

sentiment de la catastrophe, et quitterons cette béance dans laquelle nous sommes tous 

plongés. « Bash, latterday plays » m’a appris cela. 

C’est cette approche radicale et humaniste du théâtre qui forme et formera encore le 

socle de ma démarche à venir. Y croire encore et toujours, y travailler, y mettre tout son 

cœur et sa passion, et dévoiler la question de l’existence. Rien de plus. Ce spectacle m’a 

fait comprendre bien des choses depuis 2 ans… 

Il y avait un risque important de déplaire, et d’en choquer quelques-uns avec cette 

création. Nous le savions dès le début, et avons pris ce risque, mais c’est l’inverse qui 

s’est produit avec le public. Un engouement qui fait du bien… 

Aujourd’hui, nous avons tous à l’XK Theater Group la sensation du travail bien fait, un 

lien fort nous unit, des partenariats pour le futur sont renforcés, et surtout nous avons la 

conviction d’avoir rendu notre théâtre utile aux gens. Bref, de lui avoir rendu 

quelque part sa mission initiale ! 

Pour conclure, je salue l’investissement incroyable, l’énergie, et la disponibilité 

des acteurs. Tous prennent des risques énormes pour raconter ces histoires. Les 

nôtres. 

René Georges 

Directeur artistique de l’XK Theater Group 



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18 • Ballade 

Le cercle des amis 

de la chanson d’amour 

ACCUEIL 

Avec Katia Boulay, Thierry Lefèvre et … 

Mise en scène Mise en scène collective 

Musique Renaud Grémillon 

Remerciements particuliers à Angelo Dello Spedale Catalano 

Le Cercle des Amis de la Chanson d'Amour, association sans but lucratif, qui 

comme son nom l'indique, consacre son activité à la chanson d'amour, a décidé 

d'envoyer sur la route trois de ses sympathiques membres en quête d'une 

nouvelle écriture contemporaine et poétique de la chanson d'amour. Vous serez 

invités à les aider à planter le décor et après une brève présentation des 

différentes activités de l'association braisargentine (de Braise-sur-Argent) : 

débats, analyse de textes, jumelages internationaux, organisation d'après-midi 

dansants, écriture, concerts... Lili, Lucien et Léon, les trois piliers du cercle des 

amis de la chanson d'amour qui ne reculent devant rien pour la tendresse d'un 

refrain, la caresse d'une rime, le frisson de l'harmonie feront écrire au public 

présent un quatrain d'octosyllabes qui sera, par la suite, consigné au grand livre 

parmi les autres chansons d’amour. 

Laissez-vous guider par nos trois larrons, on vous jure que vous avez du talent 

pour écrire des chansons d’amour ! 

Tout ceci a un petit air de bal musette… C’est la cerise sur le gâteau de la saison, 

et c’est à voir en tribus, en famille, en célibataire… Et c’est bon pour le moral ! 

UNE PRODUCTION D’UNE COMPAGNIE 

Petite salle 





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LA P’TITE CHANSON 

Une p’tite chanson 

Pour pouvoir dire 

Tout ce qui est bon 

C’qu’il y a de pire 

Pour raconter 

À chaque instant 

Qu’il faut aimer 

À tout moment 

Pour condamner 

Tous les bourreaux 

Les meurtriers 

Et les salauds 

Pour voyager 

Et chaque jour 

Vous rencontrer 

Parler d’amour 

Pour oublier 

Aussi parfois 

Qu’la vérité 

Ne va pas de soi 

Que l’honnêteté 

Est en chacun 

Que la corrup 

Tion n’est pas loin 

Pouvoir dire non 

Lever le poing 

Pouvoir dire oui 

Serrer la main 



69 

A propos de…

LES REPRISES 



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19• Comédie 

Le mariage de Figaro 

de Beaumarchais 

REPRISE 

Avec Benoît Verhaert (Figaro), Anne-Marie 

Cappeliez, Patricia Ide, Pierre Geranio, Marie- 

Astrid Legrand, Sébastien Marchetti, Olivier 

Massart, Guy Pion, Mathilde Schennen, 

François Sikivie, Alexandre Von Sivers, Simon 

Wauters, … 




Création costumes Catherine Somers 

Lumière Gaëtan Van den Berg 

Arrangements musicaux, Pascal Charpentier 

direction vocale et clavecin 

Création maquillages Jean-Pierre Finotto 

Création coiffures Thierry Pommerel 

Construction décor Philippe Hekkers 

Réalisation costumes David Messinger, Sylvie Thévenard, Lise 

Lejeune 

Stagiaires costumes Aurore Cosentino, Olivia Vandendriessche 

Figaro, serviteur du Comte Almaviva, veut épouser Suzanne, première camériste 

de la Comtesse. 

Mais : le Comte souhaite voir Suzanne succomber à ses charmes, Marceline veut 

épouser Figaro, la Comtesse veut récupérer son époux qui la néglige, et 

Chérubin aime la Comtesse, mais aussi Suzanne, mais aussi Fanchette… Ah! 

Femmes, femmes, femmes… 

Manigances, mensonges et tromperies ; privilèges des nantis, condition de la 

femme, dictature de l’apparence… Il y a tout cela dans ce mariage. 

Mais il y a surtout l’humeur et la liberté de l’auteur qui, au cœur des Lumières, 

ouvrait portes et fenêtres, faisait sauter les verrous de la bienséance et laissait 

pénétrer les idées nouvelles… 



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Aujourd’hui encore, ce besoin d’ouvrir les fenêtres se fait sentir! Nous voulons 

faire de cette cérémonie une fête, le bal où se bousculent nos désarrois, nos 

passions et nos rêves fous d’un monde plus juste. Nous voulons cultiver la gaieté 

et l’humour, être sans cesse amoureux et communiquer cette légère euphorie 

que l’on peut éprouver au spectacle des humains. De folles soirées en 

perspective! 

UNE CRÉATION DU THÉÂTRE LE PUBLIC AVEC L’AIDE DU CENTRE DES ARTS SCÉNIQUES 






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C’est par l’interprétation du rôle de Figaro dans une mise en scène de Serge Rangoni que 

j’ai débuté ma carrière d’acteur. 

Il y a un an, ce texte s’est à nouveau imposé à moi. 

Ah monsieur Beaumarchais, votre pièce est un chef-d’œuvre ! 

Vous me guidez depuis 30 ans pour tenter avec enthousiasme de combattre les inégalités 

et de modifier le monde. C’est bien vous qui me confirmez que l’intelligence du cœur est 

la seule intelligence qui peut nous guider vers un avenir meilleur. Vous incarnez la 

lucidité, mais contrairement à un grand nombre de beaux penseurs, vous n’êtes pas 

cynique mais généreux. 

Vous écrivez un monde à transformer... Un monde en transformation… 

Mettre en scène « Le Mariage de Figaro » c’est le moment… 

La « folle journée », non contente d’être bien de son temps, continue à être du nôtre. 

Beaumarchais écrit « Le Mariage de Figaro » a un tournant de l’histoire : les idées des 

Lumières pénètrent toute la société et s’infiltrent dans les esprits ; c’est une époque 

avide de liberté. 

Notre époque est en pleine mutation, l’avenir est inimaginable, quelque chose se 

prépare, quelque chose forcément de pas très rassurant… Chacun l’envisage à sa façon : 

avec peur, avec curiosité, avec pessimisme, avec scepticisme… c’est selon. Nous sentons 

tous confusément que de grands changements se profilent ; la société occidentale est 

sclérosée, notre système tourne fou et ni la science, ni la politique, ni la philosophie ne 

semblent pouvoir nous aider à retrouver un cadre. 

Le vent de liberté qui se dégage du « Mariage… » fait écho à notre désir de changement, 

d’ouvrir la fenêtre pour laisser pénétrer les idées nouvelles. Penser le monde autrement, 

c’est cela dont nous avons besoin… 

Et cependant, nous hésitons constamment entre aspiration à un nouvel ordre mondial, 

retourner en arrière au chaud des vieilles valeurs, ou tout révolutionner…. 

Comme dans la pièce de Beaumarchais, il y a un côté carnavalesque à notre époque ; 

elle donne l’impression d’une foule immense qui chante et danse, qui se laisse emporter 

par la force de sa propre inertie, sans destination véritable, et qui n’arrive plus à 

s’arrêter. Une foule pétrie d’idées conventionnelles et qui rêve d’idées nouvelles et de 

liberté. 

Le monde de la culture, paradoxalement, est embourbé dans le « penser comme il 

faut » ; pensées nimbées de mépris pour tout ce qui ne relève pas du politiquement 

correct.

La pièce de Beaumarchais, s’inscrit dans cette ligne : critique des « privilèges » des biennés, 

remise en question de ceux qui imposent les diktats, aspiration à une plus grande 

autonomie d’être et de pensée, aspiration à renverser les barrières du conformisme… 

Conformisme qui, à mon sens, n’est pas l’apanage des bourgeois des beaux quartiers. Il 

se loge aussi chez certains intellectuels qui se targuent de nous annoncer les bonnes 

nouvelles, à savoir, le monde est un bourbier et l’humain ne va nulle part. Tous ceux qui 

s’éloigneraient de cette belle pensée unique seraient automatiquement de dangereux 

rêveurs analphabètes, superficiels ou populistes. 

Beaumarchais, ou la remise en question des privilèges des nantis, la condition de la 

femme, le pouvoir de l’apparence… Surtout l’humeur et la liberté de quelqu’un qui aime 

raconter des histoires dans l’air de son temps. L’humeur de quelqu’un qui fait preuve 

d’une belle énergie dans ses combats et dans son désir de faire sauter les verrous de la 

bienséance. 

Je voudrais faire de ce « mariage » un lieu de vie, cultiver la gaieté et l’humour, être 

sans cesse amoureux, et communiquer aux autres cette légère euphorie que je peux 

éprouver au spectacle des humains. Faire de cette cérémonie, une fête. Permettre aux 

comédiens, de profiter du génie de Beaumarchais pour réinventer la Vie. 

Michel Kacenelenbogen 



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20 • Polar 

Garde à vue 

d’après Michel Audiard 

D’après « Le suspect » de John Wainwright, traduction française 

de Janine Herisson (© Editions Gallimard), adaptation de Michel 

Audiard, Claude Miller et Jean Vautrin 

REPRISE 

Avec Laurence d’Amelio, Patrick Descamps, Pierre 

Geranio, Alexis Goslain, Michel Kacenelenbogen et 

Nicolas Ossowski 

Mise en scène Olivier Massart 

Assisté de Alexis Goslain 

Adaptation Teff Erhat 

Scénographie Philippe Hekkers 

Lumière et son Gaëtan Van den Berg 

Stagiaire costumes Sylvie Vander Marcken 

Il y a d’abord un meurtre, un double meurtre, sans coupable. Il y a aussi une 

ville, une nuit de réveillon. Et un commissariat assoupi, une machine à café… 

Il y a un homme, c’est un flic, et un autre homme, c’est un notaire. 

Un flic qui cherche à comprendre, à savoir et un notaire qui témoigne, rien de 

plus. 

Il y a des rumeurs, des paradoxes, un autre flic qui cogne, une épouse qui 

étouffe et la nuit qui avance. 

Et puis, il y a comme un glissement… 

Deux assassinats ont eu lieu en l'espace d'une semaine. Ne possédant que très 

peu d'indices, l'inspecteur Gallien et son adjoint Belmont décident en plein 

réveillon du nouvel an de convoquer à la PJ un notable de la ville, le notaire 

Jérôme Martinaud, qui a découvert le corps d'une des victimes. 

UNE CRÉATION DU THEATRE LE PUBLIC ET DU THEATRE DE NAMUR 

Palais des Beaux-Arts – Salle M 





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Un silence, un regard et le mot qui part, qui fuse, qui percute. Le texte d’Audiard est 

théâtralement aussi redoutable qu’il l’était à l’écran. Parce que le verbe est puissant, 

choisi, coloré bien entendu, mais surtout parce qu’il demande aux actrices et aux acteurs 

de ne pas jouer mais d’être le personnage, de tout leur sang, de toute leur force, de tout 

leur souffle. Une intrigue aussi haletante qu’imprévisible fait alors éclater les carapaces 

des uns et des autres, flics, notaire, bourgeoise, pour mettre à nu la petitesse des âmes. 

Tout y passe, orgueil, brutalité, dénonciation, cynisme… Un roman puis un film et 

maintenant une pièce d’où surgit l’image au vitriol d’une société où le désespoir mène à 

l’inconcevable. 

Olivier Massart

21 • Récit 

Monsieur Ibrahim 

et les fleurs du Coran 

de Eric-Emmanuel Schmitt 

REPRISE 

Avec Michel Kacenelenbogen 

Mise en scène Olivier Massart 

Assisté de Marie Biron 

Scénographie Olivier Waterkeyn 

Construction décor Bruno Renson, Anne Schmitz et Olivier Waterkeyn 


Musique originale Quentin Dujardin 

A Paris, dans les années soixante, Momo, un petit garçon juif de 12 ans, devient 

l'ami du vieil épicier arabe de la rue Bleue. Mais les apparences sont 

trompeuses : Monsieur Ibrahim, l'épicier, n'est pas arabe, la rue Bleue n'est pas 

Bleue et l'enfant n'est peut-être pas juif. Second opus de la trilogie de l’Invisible 

d’Eric-Emmanuel Schmitt, ce récit retrace le parcours de Momo qui, entraîné par 

ce vieux soufi, cheminera jusque sur les routes du Croissant d’Or. 

UNE CRÉATION DU THEATRE LE PUBLIC 


Du 26/12/08 au 03/01/09 à 20h30 

Relâche le 30/12/08 



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A douze ans, Momo se retrouve livré à lui-même. Il a un ami, un seul, Monsieur Ibrahim, 

l'épicier arabe de la rue Bleue. 

Mais les apparences sont trompeuses. 

La rue Bleue n'est pas bleue. 

L'Arabe n'est pas arabe. 

Et la vie n'est peut-être pas forcément triste. 

Y a-t-il autre chose à chercher dans ce texte en "Je" qu'une invitation à affiner notre 

regard sur l'autre ? A tourner, tourner, bienheureux derviches, jusqu'à flotter et voir le 

monde avec un peu de hauteur ? 

Légèreté des corps, profondeur des âmes… 

Je ne crois pas. Je peux me tromper, après tout l'erreur est humaine, mais je ne crois 

pas. 

Découvrir ce qui se cache derrière ce qui est établi et, par là, découvrir ce qui se cache 

au plus profond de soi ; simplement pour expurger sa haine, pardonner et vivre en paix 

malgré la violence du monde qui nous entoure: quelle aventure ! 

Cette aventure, comme le chemin tortueux qui mène au Croissant d'Or, s'ouvre devant 

nous. 

Une aventure humaine comme je les aime, une rencontre avec un auteur philosophe et 

un acteur-directeur juif. 

Mais les apparences sont trompeuses. 

L'auteur n'est pas que philosophe. 

L'acteur n'est pas que directeur et juif. 

Et le théâtre n'est peut-être pas forcément triste… 

Olivier Massart

22 • Comédie savoureuse 

Les mangeuses de chocolat 

de Philippe Blasband 

REPRISE 

Avec Claire Bodson, Jacqueline Bollen, Muriel Jacobs et 

Michèle Schor 

Mise en scène Philippe Blasband 

Elodie, Liliane et Marielle, trois jeunes femmes savoureuses, au caractère bien 

trempé, au style et au parcours différents mais à l’obsession identique se 

retrouvent dans une séance de thérapie pour lutter contre leur vice : la 

chocolatomanie. Mais lors de la thérapie, elles refusent de plonger en ellesmêmes 

à la recherche de « l’événement déclencheur » de leur névrose 

commune. Car parler du chocolat, c’est parler de soi à travers le voile pudique 

d’un « péché mignon ». La thérapeute assiste, impuissante, à une véritable 

mutinerie qui remet son propre rôle en question… 

“Quatre actrices régalantes, pour un malaise drolatique, dont on déguste les 

répliques, et savoure les esquives.” (La Libre Belgique) 

UNE PRODUCTION D’AUDIENCE ASBL 

« Les Mangeuses de chocolat » sera joué en diptyque avec « Paternel » 

du même auteur les vendredis et samedis du 27/03 au 25/04/09. 

19h Les Mangeuses de chocolat - 21h Paternel 


Les vendredis et samedis du 27/3 au 25/4/09 à 19h00 



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Avez-vous un besoin urgent de chocolat quand vous avez le blues ? « L'odeur chocolatée 

de la rue de France ne vous manque-t-elle pas quand, désormais, vous quittez la gare du 

midi par l'avenue Fonsny ? 

Si oui, vous êtes chocolatomane et il est grand temps de faire un tour au Théâtre Le 

Public où très prochainement l’auteur Philippe Blasband et Audience production nous ont 

concocté le retour des « Mangeuses de chocolat » une thérapie de groupe décapante. 

Un vice, une drogue, le chocolat ? Allez savoir ! 

Trois jeunes femmes, une douce en bas de laine (Muriel Jacobs); la deuxième version 

"cuir" (Claire Bodson) et la troisième, enceinte, mais bourgeoise (Michèle Schor) vont 

tout nous dire. Mais la psy (Jacqueline Bollen) est trop sûre d'elle et des rapports de 

force vont s'installer. Personne ne sera guéri, sauf l'auteur, chocolatomane accro qui rêve 

de dormir le plus longtemps possible pour mieux résister à la tentation. 

Quatre actrices délicieuses vous feront déguster ce texte avec un grand pied de nez aux 

empêcheurs de manger dans la position foetale. Alors noir de noir, fondant ou aux 

noisettes, n'oubliez pas le petit carré pour la route……

23 • Comédie familière 

Tout au bord 

de Bernard Cogniaux et 

de Marie-Paule Kumps 

REPRISE 

Avec Bernard Cogniaux et Marie-Paule Kumps 

Mise en scène Pietro Pizzuti 

Scénographie Elisabeth Schnell 

Lumière Gaëtan Van den Berg 

Les enfants sont partis, Martial le cadet est venu chercher ses dernières caisses 

hier soir. 

Il y a quelques années… deux bébés entraient dans leurs vies ; aujourd’hui, 

deux jeunes hommes quittent la maison… 

Reste le couple ; les enfants partis, les parents… ne dansent pas, ils perdent 

l’équilibre. 

Pendant des années, le quotidien les a envahis, leur tenant lieu de boussole. 

Aujourd’hui un vague malaise s’empare d’eux… ; maintenant qu’ils ont du temps 

pour eux, du temps pour penser à eux, ils perdent le nord. 

D’introspections maladroites en changements de vie hasardeux, ils glissent 

doucement de situations cocasses en épisodes plus graves, trébuchent, perdent 

pied, touchent le fond puis refont surface. 

Premier texte de Marie-Paule Kumps et Bernard Cogniaux au Public, « Tout au 

bord » distille joyeusement le désarroi qui s’installe quand la maison se vide. Il 

sonde en profondeur nos vertiges de parents orphelins. On se retrouve « tout au 

bord », à la lisière de la vie. Mais, Zénon aura des grands-parents solidement 

accrochés à la vie, c’est promis ! 

UNE PRODUCTION DU THEATRE LE PUBLIC 





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82 


En 1996 nous avions écrit pour la Samaritaine une pièce intitulée « Pour qui sont ces 

enfants qui hurlent sur nos têtes ? » qui mettait en scène un couple et qui illustrait la vie 

de jeunes parents, de la naissance du premier enfant, puis du second, jusqu’aux sept ans 

(environ) de l’aîné. 

Quand le Théâtre Le Public nous a proposé d’écrire un texte que nous créerions chez eux, 

un texte proche de nous et proche du pays et de l’époque qui sont les nôtres, nous avons 

eu envie de retrouver ces personnages. 

Le temps a passé : Martial n’habite plus la maison depuis quelques années et Arthur 

vient de la quitter. Christelle et Olivier, ces deux personnages que nous avions créés 

parents se retrouvent « seuls ». Nous les avions toujours écrits occupés et préoccupés 

par leurs fils. Qu’allaient-ils nous inspirer maintenant ? Les voilà déstabilisés, sans leurs 

repères, comme des cyclistes qui auraient roulés trop longtemps le nez sur le guidon et 

qui, relevant la tête, ne reconnaissent plus le paysage dans lequel ils roulent à présent. 

« Tout au bord » est le récit de leurs divagations dans des chemins de traverses. Ils 

vont, un peu, se poser beaucoup de questions sur l’itinéraire à suivre, s’interroger sur le 

but du chemin et le sens de l’effort à faire pour encore avancer, un peu se perdre … 

avant de retrouver une route apparemment plus sereine. 

Pour écrire cette pièce nous avons dû renouer les fils de deux personnages de parents 

auxquels nous avions retiré le moteur dramatique: leurs enfants. Assez naturellement 

nous les avons perdus, retrouvés différents, et ils sont devenus (assez naturellement) 

grands-parents. 

Peut-être qu’un jour « Tout au bord » deviendra le deuxième volet d’une trilogie. 

Bernard Cogniaux et Marie-Paule Kumps

LES PLANCHES 

Les Planches : un nouvel espace au Public. 

Un espace ouvert à l’imprévu, 

Un lieu pour les palabres et les confidences, 

Une place publique pour les poètes, les lecteurs, les conteurs, 

Un tréteau pour « levés de rideaux », 

Un café théâtre, une guinguette, 

Une auberge espagnole… 

Un zinc, une zone, 

Une zone de transit, une zone d’échanges, 

Zone de turbulences, zone érogène… Une zone libre. 

Artistes, spectateurs, BIENVENUE ! 

Les Planches accueillent les comédiens dans tous leurs états : comédiensmusiciens, 

comédiens-chanteurs, comédiens-plasticiens, comédiens-conteurs,… 

Scène ouverte aux premiers publics, les Planches proposent des esquisses, des 

performances, de tout jeunes comédiens. 

Les Planches permettent également de recevoir des spectacles en cours de 

saison, des spectacles pour un seul spectateur, ou des spectacles pour un seul 

soir. 

Aux Planches, il n’y a pas de saison, la programmation s’improvise au fur et à 

mesure des propositions, tout au long de l’année. 

Les spectacles sur les Planches ont lieu généralement à partir de 18h ou à la fin 

des représentations des autres salles. 



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24 • En Janvier 2009 

Le silence des communistes 

de Vittorio Foa, Miriam Mafai et Alfredo Reichlin 

Avec Patrizia Berti, Christina Crahay, François Sikivie 

Mise en scène Jean-Pierre Vincent 

Entretien avec Jean-Pierre Vincent 

LE TEXTE QUE VOUS METTEZ EN SCENE, LE SILENCE DES COMMUNISTES, EST 

CONSTITUE D'UN ENSEMBLE DE LETTRES ECHANGEES ENTRE DES MILITANTS DE LA 

GAUCHE ITALIENNE. 

Jean-Pierre Vincent: Le texte intégral est en effet composé de sept lettres: un 

envoi et deux réponses suivies d'un envoi avec deux réponses puis une lettre qui 

clôt cette correspondance qui court sur l'année 2000. A l'origine d’échanges 

épistolaires, un militant de la gauche non-communiste, Vittorio Foa, qui écrit à 

deux membres de l'ex-parti communiste italien (PCI) de la génération de l'après 

seconde guerre mondiale, Miriam Mafai et Alfredo Reichila. Au centre de ses 

préoccupations originales, il y a la disparition du PCI et le silence de nombreux 

militants à la suite de cette disparition. Mais très rapidement cette question est 

relayée par d'autres problématiques. Vittorio Foa interroge ses camarades non 

seulement sur leur silence d'aujourd'hui mais aussi sur celui de l'époque où le 

PCI était une force vive en Italie. Le grand intérêt de cet ensemble réside dans 

l'honnêteté et la franchise des interlocuteurs qui affrontent leur passé et leur 

présent. Ils ne s'attardent pas trop sur le stalinisme de la III ème Internationale 

mais ils esquissent chacun pour eux une réflexion sur les possibilités de 

constituer une nouvelle gauche en Italie. Ce qui est très émouvant dans ce texte, 

c'est que ces militants ne sont pas des héros mais des êtres pensants et 

réfléchissants sur leurs pratiques politiques dans le monde qui les entoure, à la 

lueur d'un passé souvent douloureux. Leurs moyens ne sont pas supérieurs à 

ceux des spectateurs qui écouteront leurs textes. Ils cherchent à mieux 

comprendre ce qui est à la base de l’idée du communisme, c'est-à-dire la 

communauté. Cette recherche produit bien sûr une grande émotion sur tous 

ceux qui pensent que chaque individu membre d'une communauté a une 

responsabilité par rapport à cette communauté. 

CES MILITANTS NE SONT PAS DES HEROS MAIS ONT-ILS CEPENDANT POUR CERTAINS 

DES PARCOURS HEROÏQUES? 

Oui mais il n'y a pas que leur passé de militants et de résistants qui peut leur 

donner ce statut «héroïque» parce qu'ils disent ce que nous n'osons pas dire. 

C'est pour cela que cette parole est communicable et «théâtralisable». Ils sont 

comme tout le monde, et en même temps très différents puisqu'ils prennent la 

parole sans refuser contradictions, avec une sincérité absolue, sans aucun 

angélisme. 



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C'EST UN PRESENT ET UN PASSE DE L'HISTOIRE ITALIENNE DONT IL EST QUESTION 

DANS CES TEXTES. CELA NE POSE-T-IL PAS DE BARRIERES PAR RAPPORT AU PUBLIC 

FRANÇAIS ET BELGE ? 

Je n'ai jamais été communiste, je me suis même défini comme un marxiste anticommuniste, 

mais le PCI a joué un rôle esthétique, politique et émotionnel dans 

ma vie, en particulier en mai 68. Ce parti, qui nous apparaissait comme moins 

stalinien, était relié à un certain nombre de comportements politiques différents 

du PCF, et aussi tout un monde artistique, des modèles comme Lucchino 

Visconti, Bernardo Bertolucci ou Giorgio Strehler... C'était un véritable mythe. 

Dès que j'ai eu terminé ma traduction, je l'ai adressée a une vingtaine d'amis 

très différents pour voir si, tel quel, ce texte italien pouvait intéresser des 

Français. Toutes les réponses ont été positives, certaines s'agrémentant de 

souvenirs politiques très intimes, ce qui m'a prouvé que je n'étais pas le seul à 

être bouleversé par ces paroles militantes venues de l'autre côté des Alpes. 

Je ne voudrais pas que ce soit simplement la tournée d'un spectacle fini mais 

comme une suite d'opérations uniques qui se recréent à chaque fois en fonction 

du lieu, du nombre de spectateurs, de la géographie émotionnelle, du rapport 

politique potentiel avec une population dans un espace donné qui ne soit pas, si 

possible, un théâtre mais un lieu symbolique de la ville où nous jouerons. 

BEAUCOUP DE QUESTIONS ABORDENT AUSSI LA VALEUR DU TRAVAIL DANS NOS 

SOCIETES OCCIDENTALES DEVELOPPEES. NE PENSEZ-VOUS PAS QUE CES MILITANTS 

ITALIENS OSENT POSER DES QUESTIONS QUI DERANGENT LORSQU'ELLES SONT POSEES 

EN FRANCE? 

Peut-être la disparition du PCl a-t-elle libéré dans la tête de ces gens-là des 

possibilités de lecture de la réalité. Pendant plusieurs décennies, le travail était 

l'élément majeur, sinon totalitaire, de la socialisation des individus. Mais 

aujourd'hui, on doit se poser des questions sur la capacité des nouvelles relations 

sociales qui peuvent vraiment "socialiser" les personnes. Ce sont justement ces 

questions-là que se posent les auteurs sans d'ailleurs apporter de réponses 

définitives. Ils luttent à leur manière contre le catastrophisme ambiant face à 

l'organisation mondiale de la solitude par Internet et par la communication 

rapide. Ils n'y voient pas une fatalité absolue pour la communauté. Cette 

réflexion un peu à l'aveugle est sans doute ce qui touche si fortement le public. 

Peut-être qu'en scrutant les différences que nous avons avec nos voisins 

européens, nous en apprendrons plus sur nous-mêmes. 

C'EST AINSI QUE VOUS EXPLIQUEZ LES REACTIONS EMOTIONNELLES TANT CHEZ LE 

LECTEUR QUE CHEZ LE SPECTATEUR DONT VOUS PARLEZ? 

Ce texte appuie sur un endroit très particulier de la vie. Tous les spectateurs 

peuvent penser ce qui est dit dans ce texte, mais ils n'osent peut-être pas le 

formuler aussi clairement, ils n'osent peut-être pas en parler. C'est donc à 

l'endroit de la solitude politique dans laquelle bon nombre d'entre nous se 

trouvent que s'adresse cette correspondance puisque nous avons tous nos rêves 

éveillés, solitaires, en dehors de nos activités politiques visibles. C'est d'ailleurs 

autour de cela que peut se construire la représentation théâtrale. 



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CE TEXTE PEUT-IL ETRE REÇU COMME UNE "LEÇON" POLITIQUE ? 

Non, pas de leçon! Si j'osais l'image, et je l'ose, je dirai que ce texte est comme 

un bateau qui part d'un quai qui est le passé et qui filerait doucement, 

inexorablement, vers le présent, vers nous, d'une façon troublante, avec une 

noblesse de phrasé politique que je ne trouve pas en France en cette période 

électorale. Ces militants pensent le monde et trouvent avec simplicité les mots 

pour le dire. Ils brassent les acquis culturels que nous avons en Europe depuis 

l'époque des Lumières, si ce n'est depuis la Renaissance, et dans ce brassage, ils 

parlent de notre réalité sans donner de leçons... Je pense que c'est très rare. 

Propos recueillis par Jean-François Penter en février 2007 



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25 • En Janvier 2009 

Hélène 

3 ème acte du second Faust de J W von Goethe 

Avec Elodie Bordas et Jeanne de Mont 

Mise en scène Marc Liebens 

Conseiller littéraire Crista Mittelsteiner 

Coproduction : Compagnie BG-GB et le GRÛ/Théâtre du Grütli 

Si vous venez voir « Hélène » de Goethe, vous verrez peu de choses. Une table 

blanche rectangulaire, dix chaises blanches et deux chaises noires. Le tout 

éclairé par deux néons blancs et deux néons bleus. Un interrupteur sous la table 

éteint le tout. Deux murs de la pièce sont blancs. Le mur noir est un pendrillon. 

Le dernier mur est une double porte, noire elle aussi. 

Les chaises blanches seront occupées par les spectateurs. 

Les chaises noires par les interprètes. 

Les interprètes sont deux. Ce sont des comédiennes. Elles sont belles. Elles sont 

jeunes. L'une joue la figure d'Hélène. L'autre joue le Chœur, la Phorkyade, Faust, 

Lyncée. 

Elles jouent aussi des paysages, des voyages, des pensées - surtout des 

pensées, des bijoux, des trésors, des sommeils, des réveils, un évanouissement. 

Une table? 

J'ai vu une photo de Gilles Deleuze, enseignant à Vincennes. Il est assis à un 

bout de table. Assis autour de lui des élèves. Et d'autres aussi, nombreux, 

debout tout autour de lui. 

Un protagoniste, un Chœur. Ici, dans « Hélène » elles sont deux. Comme 

Deleuze quand il écrit avec Félix Guattari « L’Anti-Œdipe » et « Mille Plateaux ». 

Cette photo m'a touché. 

J'ai vu là un espace juste. Quelqu'un parle, les autres écoutent. Il est heureux de 

parler. Il pense à voix haute. Les autres écoutent. Ils pensent à voix basse. 

J'ai su que c'était l'espace d'Hélène. J'ai pressenti que l'« Hélène » de Goethe 

n'était pas représentable. J'ai su qu'elle était présentable. 

Goethe s'octroie toutes les libertés: d'abord écrire la première pièce sur Hélène 

(nous avons perdu celle d'Eschyle, de Sophocle et la pièce d'Euripide est un jeu 

sur le fantôme d'Hélène) ensuite dans cette même pièce écrire une Hélène avec 

Faust. Ecrire, jouer, deux fois sur trois mille ans. 

Re-écriture. 

Goethe écrit « Hélène » dans trois langues. Celle d'Eschyle, la sienne (allemand 

classique) et enfin celle, moderne pour lui, de Lord Byron. 



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A son exemple, j'ai convoqué les voix de Michèle Fabien, Marguerite Duras et 

Heiner Müller. 

Pour en finir. En revenir à la table. 

C'est une table de jeu. 

C'est une table d'écoute. 

Les interprètes joueront cartes sur table en tapant du poing s'il le faut. 

Les interprètes feront table rase du passé. 

Elles seront nouvelles. 

Et anciennes, parce que justement nouvelles. 

Les spectateurs seront nos hôtes. 

Ce n'est pas un spectacle sur la beauté, sur l'amour, sur le pouvoir. 

C'est un spectacle sur le jeu où l'on parlera de la beauté, de l'amour et du 

pouvoir. 

Marc Liebens 



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BILAN CHIFFRE DE LA SAISON 

2008-2009 A BRUXELLES 

LES CREATIONS 

01 • Hygiène de l’Assassin ........................................ 36 représentations 

02 • Les Femmes ont de la chance ............................. 35 représentations 

03 • Le Dieu du carnage ........................................... 39 représentations 

04 • Un jour j’irai à New York avec toi ........................ 20 représentations 

05 • L’Affaire Lambert .............................................. 19 représentations 

06 • Cet enfant ....................................................... 30 représentations 

07 • Le Rêve d’un homme ridicule .............................. 28 représentations 

08 • Faut pas payer ! ............................................... 33 représentations 

09 • Paternel .......................................................... 40 représentations 

10 • Facteur humain ................................................ 24 représentations 

11 • Dom Juan ........................................................ 37 représentations 

12 • La meilleure volonté du monde ........................... 33 représentations 

13 • Ubu à l’Elysée .................................................. 19 représentations 

LES ACCUEILS 

14 • Jouliks ............................................................ 20 représentations 

15 • Le Peuple sans nom ou la colère du fleuve ............ 33 représentations 

16 • Minute Papillon ................................................. 19 représentations 

17 • Bash, latterday plays ......................................... 19 représentations 

18 • Le Cercle des amis de la chanson d’amour ............ 33 représentations 

LES REPRISES 

19 • Le Mariage de Figaro ......................................... 16 représentations 

20 • Garde à vue ....................................................... 4 représentations 

21 • Monsieur Ibrahim................................................ 9 représentations 

22 • Les Mangeuses de chocolat ................................ 13 représentations 

23 • Tout au bord ...................................................... 5 représentations 

LES PLANCHES 

24 • Le Silence des communistes ............................... 20 représentations 

25 • Hélène ............................................................ 10 représentations 

SAISON 2008-2009 A BRUXELLES ............... 594 représentations 



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En France 

À Avignon 

DIFFUSION DES SPECTACLES 

Gilles et la nuit de Hugo Claus 

Théâtre des Halles – Chapelle Saint-Claire 

Rue du roi René – 84000 Avignon 

Du 5 au 31 juillet 2008 

Scènes de la vie conjugale de Ingmar Bergman 

Théâtre Le Petit Louvre – Chapelles des Templiers 

3, rue Felix Gras – 84000 Avignon 


Tout au bord de Bernard Cogniaux et Marie-Paule Kumps 

Gilgamesh Théâtre 

2bis, place des Carmes – 84000 Avignon 


À Paris 

Scènes de la vie conjugale de Ingmar Bergman 

Théâtre Mouffetard 

73, rue Mouffetard 75005 – Paris 

Du 17 septembre au 26 octobre 2008 

À Lyon 

Monsieur Ibrahim et les fleurs du Coran d’Eric-Emmanuel Schmitt 

Théâtre de la Tête d’Or 

Avenue du Maréchal de Saxe, 60 - 69003 Lyon 

Du 4 au 7 juin 2009 



90

À Chatellerault 

Monsieur Ibrahim et les fleurs du Coran d’Eric-Emmanuel Schmitt 

Accord Nouveau-Théâtre 

Rue Chanoine de Villeneuve, 21 – 86100 Chatellerault 

Le 13 janvier 2009 

À Quarquefou 

Le Visiteur d’Eric-Emmanuel Schmitt 

Espace Culturel la Fleuriaye 

Rue Léonard de Vinci - 44470 Carquefou 


À Saint-Gaudens 


Marmignon 

Place Hippolyte-Ducos BP 163 - 31806 Saint Gaudens 


À Roubaix 


Colisée de Roubaix 

31 rue de l’Epeule – Parvis du Colisée - 59051 Roubaix 


À Rueil Malmaison 


Théâtre André Malraux 

Place des Arts - 92504 Rueil Malmaison 


À Ribauvillé 


Espace Culturel Le Parc 

Route de Guémar - 68153 Ribeauvillé 




91

À Boulogne Billancourt 


Théâtre de L’Ouest Parisien 

Place Bernard Palissy, 1 (au niveau du 62 av. J.B Clément) - 92100 Boulogne- 

Billancourt 

Du 6 au 10 février 2009 

À Château Arnoux 


Théâtre Durance 

Les Lauzières - 04160 Château-Arnoux Saint-Auban 

Le 13 février 2009 

À Saint-Raphaël 


Palais des Congrès 

Port Santa Lucia – Saint Raphaël 83700 




92

En Suisse 

À Neufchatel 

Monsieur Ibrahim et les fleurs du Coran de Eric-Emmanuel Schmitt 

Théâtre du Passage 

Passage Maximilien-de-Meuron, 4 – CP 3172 2001 Neuchâtel 

Les 30 et 31 janvier 2009 

À Genève 

Monsieur Ibrahim et les fleurs du Coran de Eric-Emmanuel Schmitt 

Théâtre de Poche 

Rue du Cheval-Blanc, 7 – 1204 Genève 

Du 10 au 25 juin 2009 



93

En Communauté française de Belgique 

Monsieur Ibrahim et les fleurs du Coran d’Eric-Emmanuel 

Schmitt 

Festival de Spa 

Rue de la poste, 2 – 4900 Spa 

Les 19 et 20 août 2008 

Festival Bruxellons ! 

Château du Karreveld - Avenue Jean de la Hoese, 32 – 1080 Bruxelles 

Les 27 et 28 août 2008 

Théâtre de Namur 

Place du Théâtre, 2 – 5000 Namur 

Du 7 au 11 octobre et du 14 au 18 octobre 2008 

Centre culturel de Nivelles – Waux-Hall 

Place Albert 1er – 1400 Nivelles 


Centre culturel local de Sambreville « Crac’s » 

Complexe Emile Lacroix 

Grand place 28 – 5060 Auvelais 


Garde à vue d’après Michel Audiard 

Wolubilis 

Avenue Paul Hymans, 251 – 1200 Bruxelles 

Les 31 octobre et 1 er , 4 novembre 2008 

Centre culturel de l’Arrondissement de Huy 

Avenue Delchambre, 7a – 4500 Huy 

Le 10 décembre 2008 

Centre culturel de Spa 

Rue Servais, 8 – 4900 Spa 

Le 12 décembre 2008 



94


Centre culturel d’Auderghem 

Boulevard du Souverain, 183 – 1160 Auderghem 


Le Dieu du carnage de Yasmina Reza 

Maison de la Culture d’Arlon 

Parc des Expositions, 1 – 6700 Arlon 


La Ferme de Martinrou 

Chaussée de Charleroi, 615 – 6220 Fleurus 


Centre culturel de Nivelles – Waux-Hall 

Place Albert 1er – 1400 Nivelles 


Wolubilis 

Avenue Paul Hymans, 251 – 1200 Bruxelles 


Maison culturelle de Ath – Le Palace 

Grand Place – Rue de Brantignies, 4 – 7800 Ath 




95

Tout au bord de Bernard Cogniaux et Marie-Paule Kumps 

Centre culturel de l’Arrondissement de Huy 

Avenue Delchambre, 7a – 4500 Huy 

Le 3 mars 2009 

Centre culturel de Bertrix 

Rue de la Gare, 73 – 6880 Bertrix 


Centre culturel local de Sambreville « Crac’s » 

Grand Place 28 – 5060 Auvelais 


Maison de la culture Famenne-Ardenne 

Chaussée de l’Ourthe, 74 – 6900 Marche-en-Famenne 


Centre culturel de Tubize 

Boulevard G. Deryck, 124 – 1480 Tubize 


Théâtre de Namur 

Place du Théâtre, 2 – 5000 Namur 

Du 24 mars au 1er avril 2009 

Centre culturel régional de Verviers 

Rue Xhavée, 61 – 4800 Verviers 

Le 2 avril 2009 

Centre Hervien d’Animation Culturelle 

Les 17 et 18 avril 2009 

Centre culturel régional de Dinant 

Rue Grande, 37 – 5500 Dinant 


Centre culturel d’Anderlecht – Escale du Nord 

Rue du Chapelain, 1 – 1070 Bruxelles 


Centre culturel d’Eghezée 

Rue de la fare, 5 – 5310 Eghezée 


Centre culturel d’Andenne 

Rue Malevé, 5 – 5300 Andenne 

Le 9 mai 2009 



96

Le Mariage de Figaro de Beaumarchais 

Festival Bruxellons ! 

Château du Karreveld - Avenue Jean de la Hoese, 32 – 1080 Bruxelles 

Du 25 au 30 août 2008 



97

BILAN CHIFFRE DE LA SAISON 

2008-2009 HORS BRUXELLES 

01 • Gilles et la nuit ................................................. 26 représentations 

02 • Monsieur Ibrahim et les fleurs du Coran ............... 34 représentations 

03 • Scènes de la vie conjugale ................................. 58 représentations 

04 • Garde à vue ..................................................... 12 représentations 

05 • Le Dieu du carnage .......................................... 19 représentations 

06 • Le Visiteur ....................................................... 14 représentations 

07 • Tout au bord .................................................... 40 représentations 

SAISON 2008-2009 HORS BRUXELLES ........ 203 représentations 



98

SYNTHESE GENERALE DE 

LA SAISON 2008-2009 

Durant la saison 

2008-2009 

Le Théâtre Le Public 

présentera 

797 

représentations 



de 

28 

spectacles 

99

PARTENAIRES 

AVEC L’AIDE DE LA COMMUNAUTE FRANÇAISE WALLONIE-BRUXELLES, 

DIRECTION GENERALE DE LA CULTURE, SERVICE GENERAL DE LA PROMOTION 

DES ARTS DE LA SCENE 

LA LIGUE DES FAMILLES 

LA LOTERIE NATIONALE 

LA RTBF 

LE SOIR 

XEROX 

TAXIS VERTS 

ILS AIDENT LA CREATION 



100

AVIS 

JCDECAUX 

HLS 

MAIS IL EST OU LE SOLEIL ? 

PIERRE MARCOLINI 

PIANOS KAUFMANN 

SODEXIM 

SEGAFREDO 

REMERCIEMENTS 



101

LE PUBLIC PRATIQUE 

LE RESTO DU PUBLIC 

Dîner avant (dernière commande à 19h30) ou après le spectacle vous permet 

d’allier une soirée théâtrale de détente aux plaisirs de la table. Le chef, 

Philippe Spriet, vous propose une cuisine française inventive qui varie au 

rythme des spectacles. Ouvert à 19h00. Réservation conseillée. 

L’APARTE restaurant à tiroirs 

Bar à vins et à tapas inspirés de la cuisine d’ici et d’ailleurs. Dernière 

commande à 19h30 ou après votre spectacle. Réservation conseillée. 

Parking et navette 

Garez votre voiture au Parking Scailquin, rue Scailquin 61 (station Shell). Une 

navette Le Public vous embarquera à l’angle des rues Scailquin et Saxe- 

Cobourg jusqu’au théâtre, entre 18h30 et 20h15 (dernier départ). Retour à 

l’issue de votre soirée spectacle ou restaurant. Paiement du parking au Public: 

6 € / voiture tout compris 

SERVICE TAXI 

En collaboration avec les Taxis Verts : 8 € par trajet (aller ou retour) pour 

1 ou 2 personnes dans les 19 communes de Bxl. Uniquement sur réservation 

au 0800/944 44 avant 17h00. Paiement du taxi au Public. 

SERVICE BABY-SITTING 

Baby-sitting à votre domicile de 19h00 à 23h00 pour 5 €, après 23h00: 3,50 € 

/ heure. Service réservé aux abonnés à La Ligue des Familles en appelant le 

02/724.24.23 de 14h00 à 18h00. 

Accès 

Théâtre Le Public, rue Braemt 64-70, 1210 Bruxelles. Fléché à partir de la 

Place St Josse et de la Chaussée de Louvain. Métro: Madou (ligne 2). Autobus: 

lignes 29, 63, 65. 



102

RESERVATIONS 

Appel gratuit 

0800 / 944.44 

Du lundi au vendredi, de 10h à 18h, 

le samedi de 14h à 18h 

ou via notre site 

www.theatrelepublic.be 



103

PRIX DES PLACES 

Adulte: 22 € 

Etudiant de –26 ans*: 8 € 

Senior: 20 € 

Place groupe (min.s 10 pers.): 19 € 

Place groupe (étudiants): 7 € 

Place demandeur d’emploi*: 8 € 

Article 27 1,25 € 

TARIFS 

*places à retirer le soir même sur présentation de la carte 

ABONNEMENT ADULTE 

Avant le Après le 

21 juin 08 21 juin 08 

14 spectacles : 130 € 180 € 

10 spectacles : 115 € 145 € 

7 spectacles : 100 € 115 € 

4 spectacles : 75 € 

ABONNEMENT ÉTUDIANT DE –26 ANS 







104

L’EQUIPE DU PUBLIC 

Direction artistique: 

Patricia Ide et Michel Kacenelenbogen 

Direction administrative et financière / Accueil spectateurs: 

Olivier Moerens 

Secrétariat général / Assistanat de direction: 

Nele Quaghebeur 

Comptabilité: 

Alain Verburgh / Emeline Abomo 

Gestion du personnel / Administration: 

Géraldine Servais 

Communication / Presse: 

Valérie Nicolay 

Assistanat de production / Sponsoring: 

Gaétan Bergez 

Réservations / Location salles / Accueil spectateurs / Service pédagogique: 

Grégory Bergez 

Accueil et réservations: 

Marie Biron, Emmanuel Glab, Thomas Rahir, Lidia Rollo 

Direction technique: 

Maximilien Westerlinck 

Régie : 

Damien Zuidhoek, Dimitri Wauters, Frédéric Tillieux 

Régie (stage) : 

Louis-Philippe Duquesne, Simon Pirson, Mathieu Balmet 

Habillage : 

Imane Kertati 



105

Chef de cuisine: 

Philippe Spriet 

Chef de salle: 

Aki Rugovaj 

Conseil d’administration: 

Marion Lemesre (Présidente), Marie Bach, Hugo De Greef, Marc-André 

Domken, Laurence Everard, Hélène Gailly, Alain Leempoel, Olivier 

Massart, Magali Pinglaut et Jeanine Windey 



106

c'est beau à vivre dossier de presse 2008-2009 - Théâtre Le Public

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