Brochure 2013 - 2014 - Théâtre 95

Se souvenir
des belles choses…
Venez inaugurer la saison
le vendredi 20 septembre à 19 h
LE CAFÉ DE LA PLAGE
Les soirs de spectacles, l’équipe du Café de la Plage est heureuse de vous accueillir à partir de 19 h,
avant ou après chaque représentation, pour vous régaler d’une cuisine légère et conviviale
ou prendre un verre entre amis.

Le théâtre est peu de choses, son utilité est paradoxale.
Un art si précaire et fragile, dont les œuvres sont vues par un nombre si faible
(et quand bien même tous les théâtres seraient emplis tous les soirs ce serait encore
dérisoire !), un art dont l’ambition semble se limiter à être le laboratoire
des conduites humaines, cet art-là pourtant me semble voué à la compréhension du
temps et des temps, rejouant perpétuellement les anciens poèmes avec les nouveaux,
les comparant, éclairant les uns par les autres, ce qu’aucun autre art ne fait.
Antoine Vitez
Déjà une deuxième saison pour cet équipement tout neuf !
L’effervescence des premiers spectacles des fêtes de l’inauguration
et les beaux succès artistiques et publics, de la création
d’Une Maison en Normandie, de Tartuffe, de Signum…, mais
aussi des premières conférences-débats sur les grandes questions
qui traversent nos sociétés ont composé sur un rythme
soutenu la saison inaugurale. Des milliers de spectateurs
ont également pu découvrir des œuvres contemporaines de
jeunes créateurs et l’éclat de ce théâtre, si bien conçu, même
s’il reste, ici et là, quelques finitions et ajustements « bien
naturels » à opérer après cette première saison « de rodage » !
Mais si nous nous réjouissons de cet événement, si rare aujourd’hui,
qu’est la réouverture d’un équipement culturel, rénové,
agrandi, qui s’inscrit pleinement dans le Grand Centre
de notre agglomération, notre joie ne peut être sans réserve,
puisque nous sommes confrontés dans le même temps à une
crise économique et sociale qui n’en finit plus de meurtrir
nos sociétés.
Car nos sociétés occidentales n’envisagent plus vraiment
l’avenir avec enthousiasme et confiance, ne savent plus
trop comment construire un projet rassembleur, alors que
d’autres crises se profilent à l’horizon : crise écologique, crise
démographique, crise sociale…
Il nous appartient collectivement de dépasser l’idéologie de
l’occidentalisme déclinant. La France et l’Europe ont des ressources
extraordinaires et, au-delà des savoirs technologiques,
scientifiques ou industriels, nous nous devons de croire en
notre patrimoine culturel contemporain et classique, intellectuel
ou artistique comme vrai vecteur de progrès.
Plusieurs observateurs, parmi ceux que nous avons reçus lors
de nos conférences-débats, le confirmaient sur notre scène
ou l’ont écrit dans des ouvrages très récents. Les forces de
notre pays et celles de l’Europe sont avant tout de l’ordre
de la pensée, de l’invention conceptuelle, de l’innovation
artistique. De Frédéric Martel à Olivier Poivre d’Arvor, de
Bernard Stiegler à Edgar Morin, tous nous ont encouragés à
affronter la complexité de notre monde, la nécessité de préparer
notre héritage en lui inventant un à-venir défendable.
Face à la crise « morale » qui se généralise, laissant la place
à toutes les confusions – même les plus néfastes et les plus
absurdes – nous ne pouvons qu’entrer dans une « guerre de
position » intellectuelle et politique telle que Gramsci la définissait,
dont les théâtres, les lieux d’art et de culture, les lieux
de pensée devraient être les avant-postes.
En effet se profile une idéologie de la crise qui risque de briser
les derniers espoirs citoyens, en évitant de remettre en question
le modèle économique ultra-libéral, en affirmant qu’aucun
autre n’est envisageable, hormis quelques rustines sur fond de
désespérance. Le politologue Gaël Brustier nomme cette idéologie
« occidentalisme », « version angoissée et paroxystique » de
l’Occident, désormais synonyme de consumérisme, de croissance
aveugle et de capitalisme dérégulé.
Il nous appartient à nous aussi, gens d’art et de culture, de
lutter contre cette idée d’un déclin inéluctable grâce aux
éclairages des auteurs de théâtre d’aujourd’hui, aux propositions
ou analyses novatrices des intellectuels que nous invitons,
mais aussi grâce à l’engagement de chaque spectateur,
afin de se rencontrer toujours plus nombreux dans les lieux
d’art et de culture et évacuer de notre espace mental toute
résignation.
Le théâtre, depuis ses origines, répond à deux fonctions sociales
essentielles : être un forum démocratique de la Cité, et
être le lieu de la catharsis.
En faisant vivre le mieux possible ce nouveau théâtre, nous
avons voulu consolider et perpétuer ces deux axes majeurs
de notre action originelle. Nous vous attendons donc encore
plus nombreux, plus motivés encore, dans notre nouvelle
salle Luchino Visconti ou dans la salle « historique », rénovée,
dite désormais salle Hannah Arendt, pour découvrir cette
seconde saison pleine de surprises, imaginées, conçues, préparées
à votre intention.
Joël Dragutin
1

2
SOMMAIRE
AGENDA
Le Café de la Plage
Edito de Joël Dragutin
page 1
Les Décalés
Ouverture de saison
Du 20 au 22 septembre 2013
pages 4-5
Dossier
« Le Théâtre 95 : un théâtre de création »
pages 6-9
Concert Val d’Oise Océan
Partenaire
Le 28 septembre 2013
page 66
Bérénice de Jean Racine
mise en scène Yannik Landrein
Création
Du 8 au 18 octobre 2013
pages 10-11
Dossier
« Jeune création »
pages 12-13
Roman
texte et mise en scène Clément Bondu
Jeune création
Du 6 au 8 novembre 2013
pages 14-15
Dossier
« Le théâtre, le territoire,les habitants »
pages 16-18
Le Banquet de la vie
texte et mise en scène Léa Dant
Coproduction
Du 15 au 17 novembre 2013
page 19
Sous la ceinture de Richard Dresser
mise en scène Delphine Salkin
Coproduction
Les 22 et 23 novembre 2013
pages 20-21
Dossier
« Jeune public »
pages 22
Un chien dans la tête
de Stéphane Jaubertie
mise en scène Olivier Letellier
Jeune public
Les 25 et 26 novembre 2013
page 23
La Maison et le Zoo d’Edward Albee
mise en scène Gilbert Desveaux
Coproduction
Les 28 et 29 novembre 2013
pages 24-25
Ravel de Jean Echenoz
mise en scène Anne-Marie Lazarini
Coproduction
Du 4 au 6 décembre 2013
pages 26-27
La Grenouille…
du Vélo Théâtre, mise en scène
Francesca Bettini - Jeune public
Du 7 au 11 décembre 2013
page 28
Dossier
« Le théâtre au service de la démocratie »
pages 30-31
La démocratie confisquée, ébranlée :
à réinventer ?
Colloque
Le 7 décembre 2013
page 32
Catherine Clément
« Les questions du genre »
Conférence-Débat
Le 11 décembre 2013
page 33
Le Guide du démocrate
d’Éric Arlix et Jean-Charles Massera
mise en scène Simon Delétang
Le 13 décembre 2013
page 34
Le Dindon de Georges Feydeau
mise en scène Vica Zagreba
et Hélène Lebarbier
Les 17 et 18 décembre 2013
page 35
Somewhere
textes et mise en scène
Christian Eymery
Concert de Noël - Partenaire
Le 21 décembre 2013
page 66
Détails de Lars Norén
mise en scène Lena Paugam
Jeune création
Les 9 et 10 janvier 2014
pages 36-37
Blue Monday Jazz Apéro
Partenaire
Le 13 janvier 2014
page 67
La Vie extérieure d’Annie Ernaux
mise en scène Hugues Demorge
Coproduction
Les 17 et 18 janvier 2014
page 38
Récital Piano Campus
Daniel Petrica Ciobanu
Partenaire
Le 24 janvier 2014
page 67
Mythologies enfantines
texte et mise en scène Joël Dragutin
Création
Du 28 au 31 janvier, du 5 au 14 février 2014
pages 40-41
Patrick Pelloux « La Santé / Une
soirée sans ordonnances »
Conférence-Débat
Le 29 janvier 2014
page 33
Les coproductions du Théâtre 95
en tournée
page 42

Blue Monday Jazz Apéro
Partenaire
Le 10 février 2014
page 67
Dakini - Incantations
d’Olivier Boninnec et Valérie Capdepont
Le 28 février 2014
page 43
La Parité
Création
Les 6 et 7 mars 2014
pages 44-45
Blue Monday Jazz Apéro
Partenaire
Le 10 mars 2014
page 67
Spirale d’Anne Provoost
adaptation et mise en scène
Eric de Dadelsen - Jeune public
Le 14 mars 2014
page 46
Dal Vivo de Flop Lefebvre
Jeune public
Du 19 au 22 mars 2014
page 47
Lune Jaune… de David Greig,
mise en scène Baptiste Guiton
Coproduction
Du 20 au 22 mars 2014
pages 48-49
Maître Fendard (ah, ah, ah)
de Fred Tousch et François Rollin
Coproduction
Du 2 au 4 avril 2014
pages 50-51
i
13 e Rencontres internationales de
composition musicale
de Cergy-Pontoise - Partenaire
Les 5 et 6 avril 2014
page 68
Blue Monday Jazz Apéro
Partenaire
Le 7 avril 2014
page 67
Les Contemporaines : Jon Fosse
Le Manuscrit des chiens / Hiver / Rambuku
Festival
Du 9 au 11 avril 2014
Pages 52-55
Alan Sokal « Sciences, savoir, vérité –
tout est relatif ? »
Conférence-Débat
Le 30 avril 2014
page 33
Les Présidentes de Werner Schwab
mise en scène Yordan Goldwaser
Jeune création
Les 6 et 7 mai 2014
pages 56-57
Chantier de la classe théâtre du CRR
Partenaire
Les 9 et 10 mai 2014
page 68
Blue Monday Jazz Apéro
Partenaire
Le 12 mai 2014
page 67
Denis Podalydès « La culture »
(sous réserve)
Conférence-Débat
Le 14 mai 2014
Page 33
Norma Jean
texte et mise en scène John Arnold
Les 15 et 16 mai 2014
page 58
L’Estivante, La Spectatrice
texte et mise en scène Joël Dragutin
Création
Du 20 au 23 mai 2014
pages 60-61
Marie Tudor de Victor Hugo
mise en scène LA gALERIE
Jeune création
Les 27 et 28 mai 2014
pages 62-63
La Chute d’Albert Camus
mise en scène Géraud Bénech
Hors les murs
page 64
CNSAD - Les autres « Journées de juin »
Partenaire
Du 3 au 8 juin 2014
page 65
L’Histoire du Soldat d’Igor Stravinsky et
de C. F. Ramuz
Partenaire
Le 18 juin 2014
page 69
Action culturelle
pages 70-71
Courrier des spectateurs
page 59
Mortagne
page 39
Infos pratiques
page 72
Le club entreprises
page 73
Partenaires
page 76
Tarifs
page 77
Devenir un ami du Théâtre
page 77
Bulletin de réservation
page 78
Calendrier des spectacles
pages 79-80
3

4
LES
DÉ
CA
LÉS
VENDREDI 20 SEPTEMBRE
DE 21 h À MINUIT
SAMEDI 21 SEPTEMBRE
DE 12 h À MINUIT
DIMANCHE 22 SEPTEMBRE
DE 12 h À 18 h
RAPPEL :
PRÉSENTATION DE SAISON
VENDREDI 20 SEPTEMBRE
À 19 h

Pour ouvrir sa saison 2013-2014, le Théâtre 95 braque ses projecteurs sur les formes brèves.
Au programme de ces trois jours « décalés », une quarantaine de « microformes » – de 2 à 12 minutes –
ont été sélectionnées par un jury composé principalement de jeunes Cergypontains.
On trouvera du théâtre bien sûr, et sous toutes ses formes, mais aussi d’autres expressions artistiques
populaires : humour, danse urbaine, chanson, poésie, musique, arts de la rue, installations…
Autant de propositions qui attestent une vitalité culturelle qu’il est temps de prendre en compte.
Véritable « poste d’écoute » implanté
dans une réalité urbaine qui préfigure le
monde de demain, le Théâtre 95 ne cesse
d’interroger l’ensemble des pratiques
culturelles des habitants de l’agglomération.
Majoritairement jeune, diversifiée
et populaire, complétée de façon plus
transitoire par les étudiants répartis sur
les différents campus cergypontains,
cette population ne se reconnaît pas
toujours dans l’offre que lui proposent
les institutions culturelles traditionnelles
(théâtres, musées, médiathèques…).
Elle lui préfère d’autres formes d’expression
appartenant le plus souvent à la
catégorie du divertissement : spectacles
d’humour relayés par les petits écrans,
web, TV, films « blockbusters », concerts
« géants » de stars internationales. Ce
mainstream culturel est volontiers méprisé
par les héritiers de la culture « officielle
», au prétexte qu’il induirait des
comportements de consommateur (passivité,
addiction, « panurgisme »). Mais,
heureusement, cette catégorisation
simpliste ne résume pas l’ensemble des
pratiques culturelles de cette génération.
Un regard attentif à ce qui se crée localement
ou à ce qui s’expose sur le Net et se
diffuse largement au moyen des réseaux
sociaux, nous apprend que, à Cergy-
Pontoise comme ailleurs, la culture ne
cesse jamais de se transformer, d’innover,
de vivre.
Aussi, plutôt que de déplorer une fréquentation
trop faible de nos salles par
cette jeune génération, de stigmatiser
son manque d’adhésion à des pratiques
aux antipodes de ses codes et de ses représentations,
nous faisons au contraire
le choix de lui ouvrir ce théâtre. Ces
jeunes gens pourront s’en approprier
chaque recoin, pour y créer le plus librement
possible, sans frontières disciplinaires.
Nous leur proposons un format
court, mieux adapté à leurs standards
(clips, sketches, chansons…), et l’accueil
d’un grand nombre de propositions sur
trois jours. Enfin, nous avons renoncé
à la distinction entre amateurs et professionnels,
le plus souvent inopérante
lorsqu’il s’agit d’artistes qui n’appartiennent
ni aux réseaux officiels ni aux
lieux institués.
Les Décalés seront l’occasion pour tous
ceux qui ne vont pas « naturellement »
au théâtre de découvrir de jeunes talents
qui leur ressemblent et de s’approprier
un lieu de culture et de création qui est
aussi le leur. Et, pour tous ceux qui sont
des fidèles, de comprendre et apprécier
l’expression artistique des nouvelles générations
Génération LOL
En « stand up » ou sous forme de
« buzz » sur Youtube, au travers de
jeux verbaux ou de situations insolites,
l’humour, la poésie, l’invention
rythment la vie quotidienne
de la jeune génération. Ils sont le sel
des rapports sociaux, des échanges
en « live » ou par SMS, comme des
commentaires lâchés sur les murs
virtuels. Les médias et les communicants
s’en sont emparé depuis
longtemps. L’humour, la poésie, le
décalage, ce sont en quelque sorte
les couleurs d’une génération !
Ils seront donc naturellement au
centre des propositions de ces trois
jours « décalés ».
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6
« J’AI
BEAUCOUP,
BEAUCOUP,
BEAUCOUP
AIMÉ… »
Joël Dragutin, La Spectatrice

LE THÉÂTRE 95 :
UN THÉÂTRE DE CRÉATION
C’est la création théâtrale qui fonde
l’identité du Théâtre 95. Écriture, mise
en scène, utopie sociale d’une vie émancipée
du consumérisme et de toutes les
formes d’aliénations fabriquent le quotidien
d’un outil et d’une équipe de
production ancrés dans la Cité.
L’histoire du Théâtre 95 commence
avec un parti pris radical : il s’agit
d’expérimenter des formes scéniques
et des écritures, et de solliciter la participation
du public à l’élaboration de
l’œuvre artistique, apportant par là une
légitimité nouvelle à la jeune structure.
Au fil des années, le projet évolue, la
mise en œuvre gagne en maturité : élargissement
du champ des mythologies
contemporaines, dialogue avec les auteurs
vivants, invitation du public à la
prospective sociale et regard réflexif sur
les esthétiques de la société du spectacle
et sur les conséquences des mutations
en cours dans tous les domaines du
savoir et des disciplines...
Le processus de création mis en œuvre
par Joël Dragutin va révéler l’identité
de ce théâtre, la nourrir et constamment
la modeler.
L’auteur-metteur en scène conçoit la
création théâtrale comme une échappée
belle au-delà des idéologies, des
propagandes et des censures de toutes
natures – même lorsque celles-ci se parent,
comme parfois dans notre société
consumériste, des attributs d’un combat
pour la liberté de pensée.
Signifier scéniquement sa « vérité » de
l’humain, formuler des bribes d’utopies
encore audibles, lutter contre tout
renoncement à la vie de la pensée, à
la « spiritualité » de la poétique, à la
critique de la comédie sociale, à cette
fameuse « lueur d’espoir » qui a fait
l’objet de si nombreux débats au sein
du Théâtre 95 : telles sont les pistes
dramaturgiques poursuivies.
Depuis l’origine, à partir d’une investigation
aux frontières de l’ethnologie
et de la sociologie, tentative de mise
à jour des structures des mythologies
qui dessinent la réalité de nos classes
sociales, Joël Dragutin reconstruit les
cadres dans lesquels les histoires de ses
personnages se jouent : les images du
bonheur des magazines ou des spots
publicitaires, l’univers viril et déchaîné
du succès managérial, les dérives
du discours politique ou de la sphère
culturelle, la novlangue des technologies
de la communication et de la globalisation,
le catastrophisme des idéalismes
brisés…
Ce travail de création original se situe en
outre dans un territoire particulier : l’agglomération
nouvelle, génératrice et
avide de mythologies contemporaines,
inventrice de modes de vie et de paroles
spécifiques. Il correspond à un dialogue
engagé entre les habitants de ce territoire
– à la fois sujets de la pièce, acteurs
volontaires ou inconscients de la
prise de parole des personnages, et public
recherché et désiré – et un auteur,
entouré d’une équipe de création, qui,
si elle n’est plus la troupe rêvée d’une
utopie théâtrale désormais révolue, a su
maintenir des fidélités, des amitiés et
des engagements sans faille pour ce travail
singulier entre tradition (la troupe,
l’humour, la passion) et postmodernité
(la sémiotique, la technologie, l’autoréflexivité).
Sous l’impulsion de son auteur-directeur,
le Théâtre 95 vise donc à une
critique au scalpel de notre société,
certes teintée de compréhension, de
tendresse et toujours accompagnée
d’un humour bienveillant. Décryptant
les pouvoirs de tous ordres, les aliénations
politiques, névrotiques ou amoureuses,
les mirages du matérialisme, du
libéralisme, de la consommation, la
confusion entre croissance et progrès,
il défend, tout en l’illustrant par ses
modes de création et le rapport qu’il
entretient avec ses publics, une pensée
7

8
libertaire et vivifiante, la recherche d’un
gai savoir, le plaisir partagé de l’intelligence,
la réconciliation avec l’« être » du
monde et du langage.
C’est ainsi que, au-delà de la création
et des représentations des pièces de Joël
Dragutin, l’ensemble de la programmation
et des travaux du Théâtre 95 se
fabrique dans l’esprit du processus créatif
que nous venons d’esquisser, depuis
l’accueil de nombreux auteurs et metteurs
en scène contemporains qui expriment
une proximité dans leurs créations
avec les partis pris esthétiques et
citoyens, jusqu’aux ateliers de pratique
et d’éducation artistiques, en passant
par la mise en scène d’auteurs classiques
envisagés d’abord comme des « contemporains
de leur temps », sans oublier les
cycles de conférences-débats, les festivals
internationaux, la découverte de
jeunes artistes, les tournées de petites
formes proactives…
La liste est désormais très longue des
auteurs vivants souvent jeunes, des
metteurs en scène ou des compagnies
qui ont nourri les saisons du Théâtre 95
(et, dans cette liste, nombre de projets
et de spectacles n’auraient pu voir le
jour sans le soutien de ce lieu d’invention
et de liberté) : René Loyon, David
Ayala, Philippe Calvario, le collectif
DRAO, Léa Dant, Gilles Gleizes, Sylvie
Ollivier, Stéphane Braunschweig,
Florence Giorgetti, Michael Batz, Julie
Duclos, Maxime Franzetti, Serge Cribus,
Howard Barker, Xavier Maurel,
Mario Gonzalez, Catherine Anne,
David Noir, Éléonore Weber, Frédéric
Constant, Elsa Solal, Geneviève Rosset,
Gerold Schuman, Anne-Marie Lazarini,
Rémi De Vos, Stéphanie Loïk, etc.
Ainsi l’ensemble du travail de l’équipe
artistique au sein du théâtre constituet-il
une sorte de mise en abyme de la
démarche créative de l’auteur-metteur
en scène. Sans doute parce que créer
n’est pas reproduire, ni même tout-à-
fait exactement produire, et que les modalités
de la création influencent profondément
sa concrétisation et jusqu’à
sa finalité.
Ajoutons que, si l’humour et la dis-
tance irriguent l’ensemble du projet
artistique du Théâtre 95, si ces modes
de représentations accompagnent le
plus souvent des démarches artistiques
profondément impliquées dans
leur époque, voire politiquement exigeantes,
la programmation du théâtre a
toujours fait la part belle à des œuvres
dont le travail sur la langue et la rigueur
littéraire renouvellent le répertoire dramatique,
et dont les mises en jeu proposent
également des visions scéniques
profondément originales.
Mais, répétons-le une fois encore, pour
le Théâtre 95, l’ambition artistique ne
doit jamais aboutir à une sacralisation
élitiste de la culture, et tous les créateurs
qui s’y retrouvent partagent avant
tout le souci d’être sérieux le plus possible
sans pour autant se « prendre au
sérieux », et tous préservent, dans leur
démarche, la part de la mise en doute,
voire en crise, de cette démarche ellemême.
Pour illustrer la poursuite de cette
délicatesse en forme de « marque de
fabrique » du Théâtre 95, on peut évoquer
encore, dans le travail de son directeur,
la série des petites formes sur
la société du spectacle égrenées à des
moments clés de l’évolution du théâtre :
La Spectatrice, Chantiers publics, et, qui
sera créée cette saison, L’Estivante. Ces
petites formes permettent à Joël Dragutin
de porter sur son propre théâtre
un regard décapant, le comique provocateur
de la satire sociale, la démystification
des postures et le décodage des
conditionnements…
Valérie Battaglia
LES RENDEZ-VOUS
CRÉATION
BÉRÉNICE
PP. 10/11
MYTHOLOGIES ENFANTINES
PP. 40/41
LA PARITÉ
PP. 44/45
LA SPECTATRICE, L’ESTIVANTE
PP. 60/61

10
BÉRÉNICE
de Jean Racine
mise en scène de Yannik Landrein
Bérénice est l’histoire
d’un mensonge long de cinq ans,
d’une passion aveugle et de
leur « effet papillon ».
L’empereur Titus achève de rendre les
honneurs funèbres à son père Vespasien.
La rumeur dit que, se sentant libre désormais,
il va épouser Bérénice, la reine de
Palestine. Antiochus, le roi de Comagène,
confident du couple, s’apprête, après cinq
ans d’amour muet, à lui déclarer ses sentiments,
avant de quitter Rome pour
toujours. Dans le même temps, conscient
que son devoir s’oppose à cet union, car
le Sénat a toujours interdit à l’empereur
d’épouser une reine étrangère, Titus se
résout à renvoyer Bérénice dans son pays
et demande à Antiochus de lui délivrer le
message d’adieu et de départ qu’il n’a pas
osé lui adresser lui-même. La reine refuse
de le croire. Elle tente en vain de fléchir
Titus et semble décidée à mourir plutôt
que de renoncer à son amour…
mardi 8, mercredi 9, vendredi 11,
samedi 12, mardi 15
et vendredi 18 octobre à 20 h 30,
jeudis 10 et 17 octobre à 19 h,
vendredi 11, mardi 15
et vendredi 18 octobre à 14 h 30,
dimanche 13 octobre à 16 h

Yannik Landrein
Né en 1984, Yannik Landrein
débute sa formation théâtrale au
CNR de Versailles, avant d’intégrer
l’ESAD, puis d’entrer au Conservatoire
national supérieur d’Art dramatique,
dans les classes de Daniel
Mesguich et Nada Strancar.
Ces années lui ont permis de
rencontrer et de travailler avec
des artistes tels que Jean Claude
Cotillard, Nicolas Bouchaud,
Michel Didym, Sophie Loucachevski,
Yves Beaunesne, Hans Peter
Cloos, Caroline Marcadé, Christophe
Patty…
En 2012, il interprète le vicomte de
Valmont dans Les Liaisons dangereuses,
mis en scène par John Malkovich
au Théâtre de l’Atelier, et il
jouera en 2014 dans Comme il vous
plaira de Shakespeare sous la direction
de Patrice Chéreau au Théâtre
de l’Odéon. Bérénice est sa première
mise en scène.
avec Julien Bouanich, Florent Dorin,
David Houri, Pauline Huruguen,
Yannick Landrein, Julie Moulier
et Stanley Weber
scénographie Charles Vitez
lumière Julien Dubuc
son Grégoire Letouvet
coproduction Mouvement du 22, Théâtre 95,
Théâtre d’Annonay / avec la participation artistique
du Jeune théâtre national
Bérénice de Racine a été écrit dans un
contexte particulier, que pouvez-vous
nous en dire ?
Yannik Landrein : Un an auparavant,
une cabale fomentée par Corneille avait
fait tomber Britannicus.
Mû par un désir de revanche et de reconnaissance,
Racine s’attelle aussitôt à l’écriture
de Bérénice. En même temps, Corneille
compose Tite et Bérénice. Les deux
pièces sont présentées à une semaine
d’intervalle.
Il est fréquent à l’époque que plusieurs
auteurs s’emparent d’un même sujet,
mais, cette fois, ce sont les deux poètes
les plus puissants de leur temps qui se
confrontent, deux auteurs qui au surplus
se détestent. Le concours d’écriture
devient vite une guerre qui oppose deux
mondes, deux générations, deux manières
de penser le théâtre. La Tradition
contre le Renouveau.
Avec, en jeu, ni plus ni moins que la
supériorité incontestée de l’un sur l’autre.
La victoire est sans appel. Si Tite et Bérénice
rencontre un succès plus qu’honorable,
Bérénice de Racine le surclasse dans
tous les domaines et le public parisien
adopte instantanément la tragédie nouvelle
proposée par Racine.
Ainsi, trois ans après qu’Andromaque eut
révélé le talent prodigieux de Racine, Bérénice
consacre son génie.
Que vous évoque cette histoire de la
guerre des Bérénice ?
Quand Racine écrit les premiers vers de
sa pièce, il est seul contre tous. Ses seuls
alliés sont sa confiance et son talent.
Cette histoire nous dit d’abord le courage,
la foi, l’audace, l’impertinence, la
fougue, la révolte, l’insoumission avec
lesquels Racine a composé cette œuvre et
avec lesquels nous devons travailler Bérénice,
si nous voulons lui être fidèle.
Surtout, Bérénice était le manifeste de la
révolution théâtrale voulue par Racine.
Elle nous dit que l’art est un combat pour
exister dans un monde qui ne nous appartient
pas, mais qu’il nous faut conquérir.
Et nous souffle que, pour arriver à
cela, nous devons croire en notre génie.
Quels ont été vos partis pris dans la
mise en scène ?
Ce qui est ironique, c’est qu’aujourd’hui
on voit la tragédie classique de la même
manière que Racine voyait la tragédie
cornélienne. À savoir poussiéreuse, emphatique,
invraisemblable, et très éloignée
de nos réalités.
Racine voulait une tragédie dépouillée,
concentrée sur l’essentiel, une tragédie
pure, rajeunie, et surtout qui peindrait
de la manière la plus fidèle qui soit toutes
les subtilités de la passion humaine. La
mise en scène s’attachera donc à traduire
le désir de Racine, en offrant aux acteurs
un terrain de jeu propice au spectacle
des passions, et aux spectateurs un laboratoire
fantastique où l’homme devient
tout et tout devient humain.
Pourquoi un jeune metteur en scène
s’attaque-t-il à un classique comme
Bérénice ?
D’abord, il y a eu ce constat que mes
batailles et mes révoltes sont les mêmes
que celles de mes contemporains : une
réaction aux réalités sociales et politiques
dans lesquelles nous évoluons…
Mais parce que je crois à l’idée que l’art
doit inspirer le quotidien bien plus que le
quotidien n’inspire l’art, mettre en scène
Bérénice s’est imposé comme une respiration
nécessaire par rapport à cette colère
générationnelle dont je suis moi-même
porteur. La force du théâtre racinien, c’est
que, loin d’être une mise à distance, il est
une prise de hauteur.
Bérénice n’a pas vocation à être un pansement
sur la fracture sociale, son objet est
de mettre l’homme dans ce qu’il a de plus
éternel face à ses questions essentielles.
Elle ne se préoccupe pas du particulier,
seul le fondamental l’intéresse.
De fait, il était important pour moi de
faire entendre que le terme « classique »
définit certes un cadre littéraire, mais pas
un propos, ni une pensée. « Classique » ne
signifie ni « archaïque » ni « conventionnel
». Les questions que pose Bérénice, les
faiblesses qu’elle éclaire, l’humain qu’elle
révèle ne sont pas d’un autre temps. C’est
nous, dans ce que nous avons de plus
contemporain.
propos recueillis par le Théâtre 95
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12
LES RENDEZ-VOUS
JEUNE CRÉATION
ROMAN
PP. 14/15
DÉTAILS
PP. 36/37
LES PRÉSIDENTES
PP. 56/57
MARIE TUDOR
PP. 62/63
CRÉATION

En 2012-2013, quatre jeunes compagnies ont eu carte blanche pour proposer au public cergypontain
des créations souvent surprenantes, parfois déroutantes, mais toutes débordantes d’un désir et d’une
énergie qui sont la marque d’une génération montante d’artistes et de créateurs de théâtre.
Cette saison 2013-2014, le Théâtre 95 reconduit ce cycle « Jeune Création » qu’il avait initié sans savoir
qu’il deviendrait l’une des grandes priorités du ministère de la Culture.
Pour son directeur, Joël Dragutin, soutenir l’émergence de ceux qui « produisent déjà le théâtre
de demain » est au cœur de la mission d’une scène conventionnée aux écritures contemporaines.
Qu’entend-on par «jeune création » ?
Par quels critères peut-on la distinguer
de la création théâtrale en général ?
Joël Dragutin : La notion de « jeune
création » est par essence subjective. Si
par « jeune » par exemple on entend « novateur
», alors un spectateur peut en effet
trouver une création très « jeune » dans
son esthétique, dans son approche, sa
thématique, tandis qu’un autre la jugera
plutôt conventionnelle. Restent alors les
critères de l’âge du créateur et de son
expérience vécue, qui peuvent sembler
arbitraires, mais qui ont au moins l’avantage
d’être objectifs, et ce sont ces critères
qui ont été retenus par le ministère de la
Culture. Un mot sur cette priorité définie
par le ministère : il se trouve que ce souci
est le nôtre depuis longtemps. Nombreux
sont les auteurs ou les metteurs en scène
que nous avons soutenus dans le début
de leur carrière. Le Théâtre 95, il faut le
répéter, a été et demeure, comme l’a dit
l’un d’entre eux « un lieu du possible ».
Oui, nous avons beaucoup accompagné
la « jeune création » sans qu’on nous le
demande !
Quel est le profil de ces jeunes créateurs
?
Il s’agit de metteurs en scène ou d’auteurs-metteurs
en scène qui ont entre
vingt et trente ans. Il doivent posséder
une relative expérience du travail de plateau
et justifier d’un nombre suffisant de
créations à leur actif (deux ou trois) pour
pouvoir être identifiés.
En quoi consiste pratiquement cette
aide à la jeune création ?
Chaque compagnie est accueillie pour
une résidence d’au moins une semaine.
Le temps de finaliser un travail de création
et de l’adapter aux exigences techniques
de la salle. Je rappelle que selon
les propositions, les jeunes compagnies
disposent de la salle modulable (salle Visconti)
ou de la salle « historique » (salle
Arendt). Le spectacle est ensuite proposé
au public pour deux ou trois représentations,
ni plus ni moins que la moyenne
des spectacles accueillis au Théâtre 95
Pouvez-vous nous tracer en quelques
mots les grandes lignes du cycle « Jeune
création » 2013-2014.
Nous avons choisi à la fois un jeune auteur,
comme Clément Bondu, qui ouvrira
ce cycle en novembre 2013 avec une
pièce inédite, et de jeunes metteurs en
scène – Lena Paugam, Yordan Goldwaser,
Céline Champinot et le groupe LA
gALERIE – qui posent un regard nouveau
sur des œuvres du répertoire classique
ou contemporain : Norén, Schwab,
Hugo… Chacun a une approche du
théâtre qui lui est propre, qu’il s’agisse du
propos, des matériaux employés ou du
processus de création. Mais ils sont tous
des artistes de leur temps et dans leur
temps, et s’adressent de façon consciente
à un public d’aujourd’hui.
Qu’est-ce qui, selon vous, rapproche
ou distingue les jeunes créateurs d’aujourd’hui
de ceux de la génération précédente
?
La civilisation du verbe peu à peu cède
le pas à une civilisation de l’image et
du son. Aujourd’hui, le processus de la
création théâtrale se rapproche de plus
en plus de celui de la création cinématographique
ou vidéo, avec lesquels les
jeunes créateurs et le public jeune sont
souvent plus en phase. Les croisements
disciplinaires qui s’opèrent naturellement
permettent de multiplier les possibilités
créatives. D’ailleurs, la division même du
travail artistique entre créateurs (auteurs,
metteurs en scène), techniciens et interprètes
est remise en cause. Dès leurs années
d’études, les jeunes gens se trouvent
engagés dans des projets collectifs où ils
assument des rôles divers – auteur, dramaturge,
chorégraphe, acteur, vidéaste,
créateur sonore, metteur en scène –, en
fonction des désirs ou des conditions
dans lesquelles ils produisent.
Vous êtes à la fois directeur du Théâtre
95 et auteur. Cette réflexion sur la
jeune création que vous menez depuis
longtemps a-t-elle une incidence sur
votre écriture ?
Tout créateur a été un jour un jeune
créateur… et ne doit pas l’oublier ! La
confrontation permanente avec les
jeunes artistes de la génération montante
n’a jamais cessé de nourrir mon
travail de création : dans Une maison
en Normandie, créée à l’automne 2012,
j’ai exploré à ma façon les mêmes voies
qu’empruntent bien des jeunes créateurs
d’aujourd’hui. J’ai construit ce spectacle
à partir de « chantiers » et en grande partie
sur le plateau, en laissant la parole aux
acteurs, jeunes pour la plupart. Ils ont
mis à l’épreuve de leur vision propre de
ce monde que nous partageons pourtant
le canevas que j’avais prémédité. Le texte
que j’ai produit en dernière étape porte la
marque de leur vécu, de leur regard, de
leurs aspirations.
propos recueillis par Géraud Bénech
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ROMAN
texte et mise en scène de Clément Bondu
Je meurs d’espoir d’embrasement je meurs je meurs pendu égorgé je meurs mais je ne dis pas notre
amour est fini et mort non notre amour est impérissable.
Mahmoud Darwich
Un homme et une femme se retrouvent
dans les ruines d’un bar « karaoké ». Une
maison abandonnée. Un appartement
vide. Tout est blanc. Dévasté. Lui et elle.
Dans cet espace clos. Intérieur. Elle et lui.
L’un à l’autre. Confrontés. Un homme.
Une femme. Une femme. Un homme.
L’un à l’autre. Affrontés.
Roman. Le langage veut se faire histoire.
Mais il n’y a pas d’histoire. Tout juste le
flux continu des mots qui nous assaillent,
des idées qui nous hantent, des ombres
avec Julien Allouf et Naïs El Fassi
scénographie Élodie Dauguet
voix-off Michel Archimbaud
Algérie News : Votre pièce Roman est
une sorte de chronique obsessionnelle
dont on n’arrive pas à fixer la portée.
Est-elle purement existentialiste ou
plutôt liée à l’amour torturé du personnage
de l’homme face à la femme
impossible ?
Clément Bondu : L’enjeu réside justement
dans cette multiplicité thématique
qui englobe l’ensemble des questionnements
formulés par les deux figures de la
pièce, Lui et Elle, dont la pierre angulaire
est : comment vivre sa vie ? Sans qu’on
sache grand-chose, la pièce débute avec
Lui, face à Elle. Ce sont des retrouvailles,
on le comprend peu à peu. On est dans
un endroit détruit, fantomatique ou rêvé,
un lieu de tous les possibles, comme on
en trouve chez Antonioni, Melville, ou
dans les films de Théo Angelopoulos.
Elle, on le comprend aussi peu à peu, c’est
qui nous poursuivent, des fantômes de
l’enfance, des fantasmes de l’adolescence.
Notre vie. Comme un roman. Vanité,
vanité. Nature morte dans un karaoké.
Un homme et une femme cherchent la
joie. Souvenirs. Flash-backs. Images d’un
passé révolu. L’amour. L’amour fou. La
jeunesse. Ou quelque chose comme ça.
Dans les ruines d’un bar « karaoké ». Une
maison abandonnée. Un appartement
vide. Tout est blanc. Dévasté. Il pleut. Il
pleut des cordes. À l’intérieur. Il pleut. La
production L’Impossible et la Comédie de Reims-CDN
/ coproduction Théâtre 95 /avec la participation du
JTN et le soutien de l’Espace Plasti d’Alger
une sorte de miroir pour ses fantasmes à
Lui, ses projections masculines, égoïstes,
angoissées. Elle est comme un personnage
de roman, le personnage du roman que
Lui se fait. C’est le début du Bleu du ciel
de Bataille : « Un peu plus, un peu moins,
tout homme est suspendu aux récits, aux
romans qui lui révèlent la vérité multiple
de la vie. » Pour ça, la structure temporelle
de la pièce est heurtée, comme la mémoire,
elle fonctionne par à-coups, séquences
courtes, flash-backs. Et l’espace dont je
parlais est ce lieu vide, vidé, comme une
page blanche, où révéler ces tentatives
désespérées.
On remarque un contraste entre la volubilité
de la pièce et le propos véhiculé
dans le prologue qui affirme a priori
que les limites du langage sont celles
du monde… Peut-on en déduire que la
pluie lave les paroles. La bave. La pluie
lave. Les visages des vivants. Les douleurs.
Les retrouvailles. Les séparations. Il pleut.
Il pleut des cordes. À l’intérieur. La pluie
emporte la blancheur. L’eau coule. Le vide
s’efface. Enfin. La pluie découvre les couleurs.
Révèle le temps disparu.
Clément Bondu
Roman a été écrit lors d’une résidence
à la Chartreuse de Villeneuve-lez-Avignon
(Centre national des écritures du spectacle).
mercredi 6
et vendredi 8 novembre à 20 h 30
jeudi 7 novembre à 19 h
pièce questionne cette impossibilité de
vivre sans définir la vie par des mots ?
Oui. Ce sont des mots empruntés à
Godard. On serait quelque part entre le
poème et la psychanalyse. Tenter de savoir
comment on peut se libérer de l’étroitesse
de sa vie par la profusion du langage.
Pour se rendre compte qu’on a vécu, saisir
un peu du passé, et envisager les luttes
à venir. Mais ça, d’ailleurs, c’est son problème
à Lui. Elle est beaucoup plus forte,
concrète, capable de silence. Roman, c’est
ma première pièce qui ne soit pas l’adaptation
d’un texte préexistant (Dostoïevski,
Brecht), alors forcément, c’est un peu
autobiographique, c’est un acte de naissance,
je me libère, et c’est bien sûr de ma,
de notre jeunesse qu’il s’agit. C’est la genèse.
Je voulais parler de tout. L’amour, la
mort, le désir, l’angoisse. Dans cet état de
tremblement. D’une rencontre. Devant

quelqu’un qu’on aime. Je voulais sans
doute retrouver une forme de candeur.
Loin du cynisme désabusé de l’époque.
Roman est donc votre première pièce
en tant qu’auteur-metteur en scène.
Quelle est votre vision du théâtre tant
par rapport à la tendance en France
qu’aux références connues de la production
théâtrale contemporaine ?
En France, il y a depuis plusieurs années
une nouvelle vague d’auteurs-metteurs
en scène, de collectifs, d’écriture de plateau,
dont je me sens proche. Et face à ça,
des metteurs en scène de répertoire. Ce
qui est très bien aussi, mais qui ne représente
pas du tout le même métier, si c’est
un métier. De toute façon, au fond, je me
fous un peu du théâtre. Ce qui me fait
vivre, ce sont les romanciers, les poètes,
Clément Bondu
Né en 1988, Clément Bondu écrit
principalement pour le théâtre et la
musique. Il est cofondateur de La
Meute et de L’Impossible, structures
avec lesquelles il monte ses
textes depuis 2010. De ses nombreux
voyages, il tire une série de
poèmes qu’il porte régulièrement à
la scène avec le compositeur Jean-
Baptiste Cognet et le label Music
for a train. En 2011, Clément
Bondu reçoit l’encouragement du
CNT pour sa pièce Idiots, d’après
les cinéastes. Pasolini, Duras, Kateb Yacine,
Roberto Bolano, etc. D’ailleurs je
fais autant du théâtre que de la musique,
comme avec Errances, que je prépare, qui
est un truc hybride où je parle et chante
pendant une heure et demie, avec huit
musiciens qui m’accompagnent. Un
peu comme du Ferré dernière période.
En tout cas, ça me plaît, ça m’excite.
J’ai envie de tout essayer, faire des films,
écrire des tas de textes, changer. Je ne sais
pas. Voyager. Regarder le visage des gens.
Et me rentrer dans le crâne que tout ça,
même si c’est important, bien sûr, ça n’est
pas non plus la seule raison de vivre.
propos recueillis par Sarah Haidar
Algérie News, janvier 2013
Dostoïevski, mise en espace par
Frédéric Maragnani aux Rencontres
d’été de la Chartreuse de
Villeneuve-lez-Avignon. En 2012,
en résidence à la Chartreuse, il écrit
La musique la liberté d’après Baal
de Brecht, qu’il met en scène à Paris
au CNSAD (atelier de troisième
année) et publie son recueil Premières
impressions (L’Harmattan),
dont deux disques sont nés : Premières
impressions (EP, 2011) et Premières
impressions # 2 (EP, 2013).
En 2013, dans le cadre d’Acte zéro,
résidence de la compagnie L’Impossible
au Studio de la Comédie de
Reims menée de pair avec Julien
Allouf, il compose et interprète la
musique de Prose du Transsibérien
d’après Blaise Cendrars, et présente
Roman dans une première étape de
chantier. En 2014, Clément Bondu
créera Errances, poème-oratorio-rock,
présentera À nos adieux,
d’après Hamlet de Shakespeare, et
poursuivra l’écriture d’un livret
d’opéra intitulé Révolution. Il sera
également intervenant au Conservatoire
de Lyon (CNR) et au Studio-théâtre
d’Asnières.
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16
LES RENDEZ-VOUS
LE TERRITOIRE ,
LES HABITANTS
LE BANqUET DE LA VIE
P. 19
LA VIE ExTÉRIEURE
P. 38

LE THÉÂTRE,
LE TERRITOIRE,
LES HABITANTS
« Le théâtre (…) même dans ses formes les plus épurées
reste porteur d’un message social et (…) ne peut « passer » que sur la
base d’un accord immédiat et profond avec les valeurs
et les attentes du public. »
Pierre Bourdieu
Le Théâtre 95 s’est développé sur un territoire
porteur de l’imaginaire puissant
d’une ville nouvelle pionnière et novatrice.
Il est allé à la rencontre d’un public
nourri des mythologies contemporaines
d’une société d’abord fondée sur la certitude
d’un progrès et d’une croissance
permanente, puis désorientée par la remise
en cause définitive de ces postulats,
et enfin ébranlée par l’absence de projet
collectif pour son avenir.
Joël Dragutin et son équipe de création
ont mené ici depuis des années, un travail
théâtral participatif, engagé, décalé,
empreint de tendresse et d’humour, un
travail théâtral qui a interrogé l’histoire,
l’identité, les aspirations de cette communauté
qui, sous bien des aspects, représente
la diversité et la singularité de notre
société tout entière.
Parce que le théâtre ne peut exister sans
son public, parce que le public est le sujet
même du théâtre, parce que rien au
monde pour les êtres humains ne peut
exister sans sa représentation, parce que
« être et paraître coïncident » (Hannah
Arendt), notre théâtre ne peut que représenter
ce qu’il est, son identité profonde :
un théâtre ancré dans sa cité, qui trouve
son origine et sa pérennité dans un dialogue
et un échange permanents avec le
territoire et ses habitants.
Que ce soit dans les créations de Joël
Dragutin, dans les ateliers de création
collective, et dans le cycle La parole des
Habitants, qui suscitent, recueillent, puis
interprètent la parole des Cergypontains,
dans de nombreuses petites formes itinérantes,
ou encore dans les cycles de
conférences-débats, le public se trouve au
17

18
centre du projet artistique du Théâtre 95.
Les créations de Joël Dragutin mettent en
scène des personnages aux prises avec la
complexité d’une époque où le consensus
autour du « sens de l’histoire » s’est effrité
pour laisser place à la saturation publicitaire
et aux slogans consuméristes qui
tournent à vide. Ces personnages, souvent
issus des classes moyennes ou aspirant à
les intégrer, traversent des « crises de sens »
symptomatiques des maux que nous ressentons
tous, mais la nostalgie de l’utopie
reste présente, une utopie illustrée par le
projet de la ville nouvelle, une ville où tout
est à nouveau possible dès que l’étincelle
collective rallume l’espoir.
Les quatre épisodes des Habitants, puis
la pièce Butterfly ont ainsi raconté l’imaginaire,
l’identité et l’histoire de Cergy-
Pontoise et de ceux qui vivent cette ville.
En donnant la parole aux habitants, en
écoutant les récits de leur vie dans la ville
et de la ville dans leur vie, en croisant les
histoires des quotidiens individuels avec
les évolutions de la communauté, en mettant
à jour l’intrication des destins particuliers
avec les perspectives de la cité, nous
sommes revenus à l’une des sources du
théâtre : représenter le chœur des citoyens
au sein de la polis. Faire que le théâtre
intime de chacun devienne le théâtre citoyen
de tous.
Cette saison, Le Banquet de la vie met
en scène de façon originale et complice
autour d’un dîner convivial auquel sont
« invités » cinquante spectateurs, les récits
et les histoires personnelles d’habitants de
Cergy-Pontoise, d’Eaubonne et de Marines.
Autour des nourritures de l’esprit et
du corps, la diversité des expériences et la
reconnaissance d’un vivre ensemble seront
interprétées par les comédiens et les spectateurs
attablés ensemble.
Par la mise en scène d’un texte d’Annie
Ernaux, nous entendrons la voix littéraire
d’une auteure importante de notre
époque, qui a su révéler l’extraordinaire
influence de cette ville nouvelle sur son
écriture et sa perception du réel. Nous assisterons
à « cette expérience bouleversante
d’étrangeté » de découvrir un espace sans
histoire, créé ex nihilo, un espace tellement
semblable à la page blanche du livre à venir,
à la scène encore vide du théâtre avant
la représentation. La ville comme une
œuvre, les habitants comme des acteursspectateurs.
Un lieu d’art et de culture est avant tout
un lieu de vie, un lieu d’échanges, un lieu
où l’on peut faire advenir un rapport différent
au monde. Il nous invite à entretenir
avec nos semblables ce « commerce
non commercial », qui fonde un authentique
« vivre ensemble ». C’est un lieu de
« gratuité », dans la mesure où le premier
de ses apports est, précisément et avant
tout, simplement un apport humain.
Le Théâtre 95 fait écho aux attentes exprimées
par nos publics, attentifs à la qualité
de nos créations et propositions artistiques,
au brassage des savoirs, des idées et
des esthétiques mais aussi à la qualité des
rencontres qu’il permet.
Les cycles de conférences-débats, les colloques,
les ateliers de pratique artistique
hors les murs participent à cette vocation
du théâtre au service de la Cité à laquelle
nous sommes profondément attachés.
Le théâtre comme art vivant se doit d’inventer
toujours des démarches, des pra-
tiques et des ouvertures nouvelles pour aller
vers un public qui, de plus en plus avec
l’essor des technologies, communique,
interagit, expérimente et crée des relations
inédites entre le local et le global, entre sa
ville et le monde.
Ainsi dans la dynamique d’un théâtre qui
a dû – et pu – se réinventer hors ses murs
pendant les travaux du nouveau bâtiment,
nous avions invité des auteurs de théâtre à
visiter la ville et à écrire des petites formes
autour du lien entre le théâtre et son espace
urbain.
Nous prolongeons de façon originale cette
manière d’expérimenter notre ancrage
dans le territoire et l’approche de nouveaux
publics par la mise en place d’un
Conseil des Jeunes Habitants qui participera
à des réunions de programmation
pour élaborer avec l’équipe du théâtre les
futures saisons et des projets inédits. Parce
que le théâtre, comme pratique de la démocratie,
est un territoire de négociation,
de reconnaissance, de dialogue, d’identité,
notre théâtre entend ainsi renouveler sans
cesse son ouverture à ses habitants, l’autre
nom du public, l’autre nom de sa raison
d’être.
Le Théâtre 95 fortifie ainsi son lien organique
avec son implantation géographique
et sociologique. Son évolution
accompagne, dans un rapport dialectique
permanent, celle de Cergy-Pontoise et du
Val-d’Oise.
Valérie Battaglia

LE BANqUET DE LA VIE
texte et mise en scène de Léa Dant
Racontez-nous…
qu’est-ce qui vaut vraiment la peine d’être vécu ?
quand vous êtes-vous senti le plus vivant ?
quand et qu’avez-vous osé ? Et qu’est-ce qu’une vie réussie ?
Et goûtons ensemble au plaisir d’être vivants !
Il paraît que nous n’en avons qu’une seule… Alors ne passons pas à côté de la vie.
(Telle est l’invitation qui a été faite à ceux qui se sont prêtés au jeu de l’interview pour ce banquet…)
La vie se trouve-t-elle seulement dans le
bien-être, le bonheur ?
Cette quête permanente semble habiter
notre société et les images-mirages que
l’industrie de consommation nous donne
comme « nourriture ». Mais la joie pourrait-elle
être éprouvée sans nos difficultés ?
La vie ne se trouve-t-elle pas nichée dans
toute expérience nouvelle ?
Dans toute expérience pleinement vécue ?
Dans la vitalité, l’intensité ?
La part d’ombre dans nos vies n’est-elle
pas à accepter tout simplement ?
Peut-on dire oui à toutes les expériences
que la vie met sur notre chemin ?
La vie a beaucoup plus d’imagination que
nous… Ce spectacle est une invitation à
nous rappeler toutes ces nuances que la
vie nous offre et à les déguster pleinement
ensemble.
vendredi 15 novembre à 20 h 30
samedi 16 novembre
à 12 h et à 20 h 30
dimanche 17 novembre à 16 h
avec Frank Baruk,
Marie-Pascale Grenier, Estelle Kerkor,
Isabelle Saudubray et Laurent Savalle
costumes Candice Arnouil
chorégraphie Pjilippe Lafeuille
régie générale Cyrille Nitkowsky
coproduction Théâtre 95, l’Atelier 231, Centre national
des Arts de la rue, Sotteville-lès-Rouen, Lieux Publics,
Centre national de création, Marseille, le Moulin fondu,
Centre national des Arts de la rue, Noisy-le-Sec, Festival
théâtral du Val d’Oise / avec le soutien du ministère de
la Culture (DRAC Île-de-France), du Conseil général du
Val d’Oise, de la Ville d’Eaubonne, du Conseil général
de la Seine-Saint-Denis
Léa Dant nous invite à un banquet, pour
célébrer la vie et se nourrir mais également
pour partager nos expériences de vie
mutuelles. Véritable création-miroir, née
de paroles partagées, ce banquet est un
temps de célébration, de partage, de communauté
humaine, une mise en avant des
différents regards portés sur l’existence.
Dans la morosité ambiante, le contexte
de crise, l’usure des batailles et la fatigue
du quotidien, ce banquet est l’occasion
de nous rappeler, ensemble, que l’on est
vivant, vibrant, à chaque instant.
Le concept :
Cinquante spectateurs sont invités à
s’attabler en cercle autour d’un banquet
foisonnant et baroque. Dans ce cercle,
chacun peut se voir et la rencontre peut
naître. La trame du spectacle se compose
d’histoires vécues et de récits d’habitants
recueillis par Léa Dant lors de son processus
de création et désormais incarnés par
les acteurs attablés parmi les spectateurs.
La nourriture est également présente,
riche du sens à transmettre et véhicule
de sensations et d’actions rituelles partagées.
À la fois spectateurs et acteurs, les
invités sont à l’écoute des récits comme
lors d’une veillée mais également parties
prenantes par l’intermédiaire de gestes
simples tels que choisir ce qui est goûté
ou simplement chuchoter un mot à son
voisin.
Tous dégustent ensemble les plats préparés
et apportés par chacun pour terminer
cette rencontre dans la convivialité. Avec
ce spectacle, chacun a ainsi accès à la poésie
du vivant, et tous peuvent vibrer de
vie, de plaisir et d’émotion.
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SOUS LA CEINTURE
de Richard Dresser
mise en scène de Delphine Salkin
Une pièce qui décrit avec une remarquable acuité un certain monde de l’entreprise,
un huis-clos où l’hilarité et la vivacité, loin de nuire à la gravité du propos, lui donnent un relief inattendu.
Trois hommes dans un désert. Dobbitt,
le nouveau venu, de nature conciliante,
occupe un poste de Vérificateur dans un
site industriel hautement polluant qui fabrique
des unités dont on ne sait pas grand
chose. Hanrahan, l’ancien, voit aussitôt
en lui un possible rival et le traite comme
tel. Quant au cynique Merkin, leur supérieur,
il éprouve pour sa part autant de
plaisir que d’intérêt à souffler les braises.
Jalousies, harcèlement et manipulations
en tous genres ponctués de coups bas et de
mesquineries comiques jalonnent les existences
de ce trio de solitudes.
Mais pendant que les hommes se déchirent
et s’égarent dans leurs propres pièges au
milieu du désert, le monde nocturne et
son peuple inquiétant accentuent silencieusement,
inexorablement, leur pression
sur les palissades…
avec Olivier Cruveiller,
Jean-Philippe Salério
et François Macherey
traduction Daniel Loayza
lumière Daniel Lévy
costumes Catherine Somers
assistée de Muriel Lemaître
création sonore Pascale Salkin
spectacle de Nonumoï / coproduction Théâtre
national de Bordeaux en Aquitaine, Théâtre 95
/ aide à la création des textes dramatiques du
CNT / aide à la création de la Spedidam pour
la bande originale / avec le soutien du Théâtre
Varia à Bruxelles, du Théâtre de L’Europe–
Odéon et du Théâtre de Gennevilliers
La traduction de la pièce est parue
aux Editions Actes Sud-Papiers (2013).
L’Auteur est représenté dans les pays de
langue française par l’Agence MCR, Marie
Cécile Renauld, Paris, en accord avec The
Gersh Agency, New York.
vendredi 22 novembre à 20 h 30
samedi 23 novembre à 20 h 30
Une rencontre avec l’auteur,
le traducteur et l’équipe artistique
aura lieu le vendredi 22 novembre
à l’issue de la représentation.

Comment avez-vous découvert ce
texte ?
Delphine Salkin : Thomas Ostermeier
l’avait monté en allemand en 1998-
99. A l’époque, le programmateur de
l’Odéon avait trouvé le texte formidable
et avait demandé à Daniel Loayza
de le traduire en français pour une lecture.
Alors que je cherchais un texte qui
me permette de particulièrement travailler
sur le jeu de l’acteur, Daniel, qui
est mon mari, a ressorti celui-là d’un tiroir.
La pièce n’avait jamais été mise en
scène en français. Richard Dresser est
inédit en France : Sous la ceinture est la
seule de ses pièces traduite dans notre
langue. Je l’ai lue et j’ai immédiatement
voulu la monter !
Que raconte cette pièce ?
Elle évoque un univers qui rappelle
Brazil, un monde qui oscille entre Kafka
et Beckett. On rit beaucoup mais,
derrière le rire, se révèle une épaisseur
absurde et cauchemardesque. Sur une
plateforme en plein désert, travaillent
trois hommes. Ils sont vérificateurs,
sans qu’on sache ce qu’ils vérifient. Ils
sont perdus, seuls, sans loisirs ni plaisirs
; le travail est le seul point de mire.
Ces trois hommes se racontent mais
sont comme extirpés de ce qui fait le
sens et le goût de la vie humaine. La
pièce raconte une société pleine de solitude,
où les hommes ne parlent pas de
ce qui les anime vraiment. L’ensemble
apparaît comme le cauchemar d’une
fin du monde où ne resteraient que des
rescapés absurdes. Ils passent le temps
à s’infliger les uns aux autres, par la
parole, tous les coups bas possibles.
Sous la ceinture, dit le titre, désignant
ainsi les coups interdits dans un combat
loyal.
Quels acteurs faut-il pour une telle
partition ?
Il faut des acteurs à la palette très large.
Comme toute comédie, elle doit être
jouée avec précision et vélocité. Cela
requiert une grande technicité, et au-
tant d’ironie et d’humour que d’épaisseur
tragique. Les trois rôles sont équivalents
en force et en présence : il faut
donc trouver une égalité de jeu où
les comédiens peuvent se renvoyer la
balle et se motiver les uns les autres.
Et en même temps, il faut des acteurs
capables de rendre la poésie, la beauté
et l’élégance du texte, qui n’est ni trivial
ni vulgaire. Les personnages sont
méchants avec finesse et intelligence : il
faut des acteurs qui aient cette cruauté
élégante, rapide et inattendue.
propos recueillis par Catherine Robert
La Terrasse, septembre 2012
21

22
LE JEUNE PUBLIC
Le théâtre pour enfants c’est le théâtre pour adultes, en mieux !
Constantin Stanislavski
Le théâtre jeune public est devenu un espace de création déployant la liberté d’imaginaires
riches et colorés à l’image de l’inventivité, de la légèreté, de l’humour, de la poésie,
et aussi de l’absence de censure que le monde des rêves et des douleurs de l’enfance suggèrent
aux auteurs et aux artistes de théâtre.
Nombreux sont les auteurs, nombreux
sont les metteurs en scène
et non des moindres (Jean-Claude
Grumberg, Fabrice Melquiot, Jon
Fosse, Olivier Py, Joël Jouanneau,
Joël Pommerat, Alfredo Arias, Eric de
Dadelsen…) qui, à un moment ou
un autre de leur œuvre, ont exploré
cet univers.
Ils accèdent par là à un public souvent
nouveau, sans aucune expérience
de la pratique théâtrale, ouvert à la
découverte, ou qui – intimidé par la
« Culture » ou le « Théâtre », avec un
grand C ou un grand T – ose pourtant
pousser la porte d’une maison de
théâtre, accepte d’aller au spectacle,
moins impressionné que face à l’affiche
d’un texte classique ou contemporain,
même dit « tous publics ».
Le Théâtre 95 a toujours réservé une
place privilégiée à cette rencontre entre
les émotions contrastées de l’enfance
et les auteurs de théâtre. Souci d’éducation
d’un futur public, enthousiasme
pour ces spectateurs spontanés
et encore sans vernis conformiste,
écriture de textes souvent très forts
car influencés par les sources mêmes
de la création, les racines de nos sentiments,
de nos mythologies, les structures
de notre inconscient, le théâtre
et ce jeune public composent souvent
ensemble des moments de théâtre
inédits, joyeux, et prometteurs. Joël Dragutin
présente cette saison une création
pour les enfants autour d’un sujet qui les
concerne particulièrement : leur langage,
la construction de leur « micro-société »
dans la nôtre, leur ressemblance avec les
enfants que nous avons été, et leurs radicales
différences d’enfants du XXI e siècle
techno-scientifique. Une création forte,
attentive, poétique, dont les enfants sont
le sujet et les spectateurs à la fois : des
débats passionnés et prometteurs se profilent
à l’horizon.
Les enfants, spectateurs d’aujourd’hui et
de demain, sont souvent prescripteurs
auprès de leurs parents, grands-parents,
frères ou sœurs de la séance de théâtre, si
proche du jeu qu’ils connaissent bien au
quotidien.
C’est à celle-ci que nous vous convions,
car elle est ouverte à tout un chacun, à
tous les âges, à toutes les inclinations,
pour goûter le plaisir du spectacle vivant,
savourer cette expérience collective
d’entrer dans une salle et frémir, rire ou
s’émouvoir aux paroles, aux sons, aux
images et partager ensemble un temps
hors du temps, lors d’épopées, d’histoires,
de contes, de tragi-comédies pour
les petits et pour les grands.
Cette programmation est élaborée en
partenariat avec la ville de Cergy (dans
le cadre de « Pestacles »). Des séances
ont lieu sur temps scolaire, mais aussi
en matinées et en soirées pour que les
classes, les groupes, les familles ou le
public individuel puissent voir ou revoir
les spectacles.
À noter : les jeunes qui ont découvert un
spectacle sur temps scolaire,
reçoivent une invitation pour « accompagner
» leurs proches à une séance tout
public.
Un spectacle pour le jeune public
permet aux adultes de retrouver la
part indestructible d’enfance qu’ils
possèdent et aux enfants de laisser
s’ouvrir un imaginaire dont on
connaît la richesse.
Jean-François Perrier
LES RENDEZ-VOUS
JEUNE PUBLIC
UN CHIEN DANS LA TÊTE
P. 23
LA GRENOUILLE
P. 28
MYTHOLOGIES ENFANTINES
PP. 40-41
SPIRALE
P. 46
DAL VIVO
P. 47

UN CHIEN
DANS LA TÊTE
de Stéphane Jaubertie
mise en scène d’Olivier Letellier
« Cette histoire, dis-toi que c’est l’histoire
de ce Fils. Dans un jardin, immense et inconnu,
il ira s’abriter. Là, deux personnages
viendront à sa rencontre. Celle qui reste,
jeune fille transparente à force d’être normale,
et le Fils de la Baleine, fils d’une mère
tellement grosse qu’elle prend toute la place.
Avec eux, dans ce jardin, peut-être apprendra-t-il
à dépasser sa honte… »
Stéphane Jaubertie
Ce projet est né de ma rencontre avec
Stéphane Jaubertie. J’ai trouvé des préoccupations
d’auteur qui rejoignaient mes
désirs : les thèmes, la dimension intime et
intérieure, le rapport à la narration et au
merveilleux, la poésie des images, le sens du
dialogue, le travail sur l’oralité…
Nous avons parlé de la honte : sentiment
fort que je souhaitais explorer sur le plateau…
nous nous sommes lancé le défi
d’une commande d’écriture, qui mêlera
dialogues et récit.
J’ai donné à Stéphane très peu d’indications : il
s’agira d’un spectacle de théâtre tout public,
accessible aux jeunes spectateurs à partir de
8 ans, qui réunira trois comédiens sur le
plateau.
Olivier Letellier
lundi 25 novembre à 14 h 30
mardi 26 novembre
à 14 h 30 et 19 h
Tous publics à partir de 8 ans
(En partenariat avec la programmation
« Pestacles » de la ville de Cergy)
avec Camille Blouet, Alexandre Ethève,
et Lionel Lingelser
dramaturgie Caroline Girard
scénographie Antoine Vasseur
costumes Nathalie Martella
conseil en marionnettes Simon Delattre
lumière, régie Sébastien Revel
création sonore Mickael Plunian
production Fanny Spiess-Théâtre du Phare /diffusion
Marielle Carteron-agence SINE QUA NON
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24
EDWARD ALBEE
LA MAISON ET LE ZOO
adaptation de Jean-Marie Besset
mise en scène de Gilbert Désveaux
New York. Dans le bel appartement où
vivent Anne et Peter. L’éditeur manie nerveusement
un pavé scolaire, tandis que sa
femme lance, à l’autre bout de la pièce :
« Il faut qu’on parle. » Anne, installée dans
son couple, cherche des solutions à la
mort du désir. De son côté, Peter ne comprend
pas ce désarroi, mais finit par livrer
les secrets d’une expérience qu’il a vécue
dans son adolescence.
On pense à Feydeau, un rire grinçant,
la peinture d’une bourgeoisie un peu
ridicule, ou chacun rêve de redécouvrir
l’« animal » qui sommeille en lui.
On retrouve ensuite Peter, assis sur un
banc de Central Park où il se fait haranguer
par un drôle d’individu. Jerry,
d’un milieu beaucoup plus modeste,
raconte les lubies de ses extravagants
jeudi 28 novembre à 19 h
vendredi 29 novembre à 20 h 30
Au début, The Zoo Story, écrit en 1958 par Edward Albee.
Cinquante et un ans plus tard, l’auteur américain écrit Homelife.
Ensemble, ces deux actes constituent La Maison et le Zoo, dans une adaptation de Jean-Marie Besset.
voisins, plongeant peu à peu dans un
récit proche du délire. Peter, interloqué
et intéressé, est comme « sous
hypnose » jusqu’à ce que la situation
dégénère.
Une fin imprévisible plonge la pièce
dans une certaine noirceur et éclaire
de manière acide la première partie.
Lors des premières représentations du diptyque, un critique américain décrivit dans le New York Times : « Une expérience haletante
et essentielle. Si Homelife est une gifle, The Zoo Story est un coup de poing dans l’intestin. Edward Albee n’a aucun
équivalent dans le théâtre américain. »

Qui sont Peter, Ann, Jerry ? Des figures
de naufragés du monde occidental ?
Gilbert Désveaux : Ann et Peter sont
issus de la bourgeoisie intellectuelle,
blanche et chrétienne (WASP - White
Anglo Saxon Protestant) qui a longtemps
été (et demeure en grande partie)
la classe dirigeante des États-Unis
d’Amérique. Edward Albee, dans son
théâtre, s’est évertué à décortiquer
l’image policée et civilisée que donne,
en société, ce couple hétérosexuel idéal.
Car, dans l’intimité, alcool aidant, les
masques tombent et les rancœurs, les
aigreurs, les frustrations surgissent... Et
ces puissants apparaissent misérables et
fragiles. Jerry est un mystérieux agent
provocateur qui vient bousculer la vie
sage des gens civilisés. Est-ce un animal
sauvage échappé du zoo? Peut être…
En tout cas, un « mauvais garçon » qui
hante le parc en quête de rencontres
(sexuelles ?) nocturnes et un rebelle à
tout engagement. Finalement, hors ou
dans le système, il n’y a aucun espoir de
vivre une vie digne et belle dans ce pays
à cette période.
La pièce se divise en deux parties :
monde domestique et monde sauvage…
Quelle est la thèse défendue
par Albee ?
La première partie – La Maison, ou Vie
domestique – a été écrite quarante après la
seconde – Le Zoo ou Vie sauvage – qui a été
créée, et jouée longtemps, sous le titre de
Zoo Story. La maison éclaire le zoo. Elle en
est, paradoxalement, l’antichambre. Nous
sommes tous, plus ou moins, prisonniers
de conventions, de règles, de lois comme
des animaux derrière des barreaux. Mais,
nous sommes tous des animaux. Et il suffit
de peu pour que nous, êtres civilisés et
éduqués, retombions dans notre état sauvage
originel.
Il est beaucoup question de mort et de
sexe, et crûment. Comment représenterez-vous
cela sur le plateau ?
Le travail au plateau avec les acteurs n’a
pas encore commencé. Nous sommes au
stade de lectures préparatoires. Donc…
Des idées. Des choix. Des propositions.
Nous verrons ce qui apparaît lors des répétitions.
En revanche, c’est un théâtre
qui s’appuie sur une langue puissante et
précise qui doit être prise en charge par
les acteurs. Les frustrations de Peter et
Ann se retrouveront dans leurs corps.
Un appel à la jouissance bestiale pour
l’une. Un blocage physique, lié à une
homosexualité refoulée, pour l’autre.
Quant à Jerry, il est comme un lion
lâché dans la jungle des villes et cette
liberté doit être palpable dans une sensualité
affichée. Le travail de conception
de l’espace démarre. Je ne sais pas encore
s’il y aura un seul lieu ou s’il se transformera...
Comment raconter la ville, la
nature, la prison ? L’Upper East Side et
Central Park (devenus depuis territoires
woody-alléniens par excellence) ?… La
civilisation qui domestique la nature
sauvage en croyant l’idéaliser. N’était-ce
pas la chimère même de Frederick Law
Olmsted (1822-1903), l’architecte-paysagiste
qui inventa Central Park ?
En quoi la pièce vous semble-t-elle
essentielle aujourd’hui ?
La pièce est un chef d’œuvre qui révélera
ses secrets et ses richesses avec le
temps. Mais, la question centrale est
celle du vivre ensemble. À deux, en
couple. À plusieurs, en société. Faut-il
céder aux injonctions éternelles et se
marier pour la vie avec une personne
du sexe opposé? Alors que l’épanouissement
sensuel passe peut être par
d’autres types de relations plus fugaces
et sauvages. Faut-il accepter tous les us
et coutumes en vigueur pour se civiliser
et vivre sagement en communauté?
Mais, sans lois, l’humanité retomberait
dans le chaos où la loi du plus fort serait
la seule règle...
propos recueillis par Pierre Notte
pour le Théâtre du Rond-Point
février 2013
avec xavier Gallais, Anne Loiret
et Jean-Pierre Lorit
scénographie Annabel Vergne
lumière Maryse Gautier
son Serge Monségu
costumes Annabel Vergne
et Marie Delphin
collaboration artistique
Régis de Martrin-Donos
Edward Albee
Edward Albee est né à Washington
en 1928. Son père étant propriétaire
de théâtres, il se familiarise
très jeune avec cet univers. Proche
de sa grand-mère maternelle, il
lui dédie en 1960 sa pièce Le Bac
à sable (The Sandbox). À dix-huit
ans, sa mère le chasse à cause de
son homosexualité. Il écrira pour
elle Trois femmes grandes.
Installé dans Greenwich Village, il
compose en trois semaines sa pièce
The Zoo Story (1958). Refusée à
New York, elle est créée à Berlin
en 1959. Quatre mois plus tard,
elle est programmée à Greenwich
Village.
En 1963 est présentée à Broadway
son œuvre la plus connue : Qui a
peur de Virginia Woolf ?, récompensée
par un Prix Pulitzer.
Il en sera tiré le film à succès de
Mike Nichols avec ElizabethTaylor
et Richard Burton. Albee obtient
le prix Pulitzer également pour A
Delicate Balance en 1966, Seascape
en 1975, et Trois femmes grandes
(Three Tall Women) en 1991. En
2001, il crée The Play About the
Baby.
En 2005, Albee obtient un « Special
Tony Award » pour l’ensemble
de sa carrière.
production
Théâtre des 13-Vents-CDN Languedoc-Roussillon-Montpellier
At Home at the Zoo est représentée dans les pays
de langue française par Dominique Christophe/l’Agence,
Paris, en accord avec William Morris Endeavor Entertainment,
New York.
Edward Albee’s At Home at the Zoo was originally
produced under the title Peter and Jerry by Second Stage
Theatre, New York, 2007, Carole Rothman, Artistic Director.
Homelife was originally commissioned and Peter and Jerry
originally produced by Hartford Stage.
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RAVEL
de Jean Echenoz
mise en scène d’Anne-Marie Lazarini
Ravel retrace les dix dernières années de
la vie du compositeur français Maurice
Ravel (1875-1937), « le musicien le plus
considéré du monde ».
Nourri d’un long travail de documentation
sur l’homme et son époque, Jean
Echenoz nous entraîne à la suite de son
Ravel imaginaire et réel à la fois, dans
sa « petite maison compliquée » à Montfort-l’Amaury
avec sa vue sur la vallée,
dans sa tournée grandiose aux États-
Unis, puis dans les affres de la maladie
neurologique qui le frappe et l’emportera…
Une star mondiale mais aussi un
homme solitaire malgré la présence de
ses fidèles amis proches.
Cette fiction biographique ouvre un
triptyque qu’Echenoz a dédié à trois
figures historiques, les deux autres, Courir
(2008) et Des éclairs (2010), étant
consacrées respectivement au sportif
Émile Zatopek et au scientifique Nikola
Tesla.
Si ces incursions dans la « vraie vie » sont
liées à un désir d’écrire sur une autre
époque que la sienne, Jean Echenoz avait
d’abord pensé inviter le personnage Ravel
dans une fiction, avec d’autres figures de
son temps, mais peu à peu, cette fiction
s’est transformée en la biographie romancée
du célèbre compositeur.
Malgré « toutes les ressemblances avec un
personnage ayant existé » et l’incroyable
précision avec laquelle Jean Echenoz
s’empare de données biographiques, de
détails scrupuleusement nommés, empruntés
à sa vie quotidienne comme à
l’actualité navale, Ravel reste un roman,
et Ravel, un personnage de fiction.
Autour de cet homme et de son destin,
Jean Echenoz compose, improvise, sur
un fil tendu entre réalité historique et
mercredi 4 décembre à 20 h 30
jeudi 5 décembre à 19 h
vendredi 6 décembre à 20 h 30
liberté littéraire. Maître du rythme, il
joue du défilé de ces années, tantôt en
s’attardant à la description particulière
d’une journée ou d’une heure, tantôt en
précipitant son personnage vers sa fin. Et
cela avec la précision d’un orfèvre.
Anne-Marie Lazarini donne à voir et
entendre, non une adaptation théâtrale,
mais le roman même de Jean Echenoz.
Avec une grande intelligence et tout
son talent, elle nous offre à entendre la
partition littéraire si particulière de Jean
Echenoz, le rythme et le son inimitables
de Maurice Ravel, la musique originale
et le phrasé ravélien du jazz d’Andy
Emler. Avec une mise en scène subtile et
des comédiens épris du personnage et de
son auteur, la pièce nous invite à entrer
dans l’utopie chimérique d’un spectacle
littéraire, musical et théâtral.

« J’ai lu Ravel quelques jours après sa publication
et je crois que le projet d’aujourd’hui
s’est dessiné dès que j’en ai eu parcouru les
premières pages… quelques saisons plus
tard, après avoir partagé mes sentiments
de lectrice avec mes compagnons de route,
imaginé avec eux une forme de représentation
possible, le travail avance, ponctué de
rencontres avec Jean Echenoz…
Trois comédiens et… un pianiste, car il
y a aussi la musique qui est au cœur du
texte et que nous souhaitons présente et
vivante. Celle de Ravel, bien sûr, mais pas
seulement : pour la musique de scène, un
compositeur d’aujourd’hui, Andy Emler,
imprégné de cet univers musical et littéraire,
a créé une partition nouvelle. Car, si
Jean Echenoz est un grand amateur de jazz,
Ravel y prêtait une oreille très attentive et les
jazzmen d’aujourd’hui la lui rendent bien. »
Anne-Marie Lazarini
« Cette partition explore (explose !) librement
le langage ravélien et ses couleurs,
joue avec lui, un peu à la manière des artistes
cubistes. Pour nombre de compositeurs
de jazz, la musique de Ravel est une
compagne de route mais chacun la réinvente
sans cesse. En écho à certains des
extraits ou thèmes choisis dans l’œuvre
du compositeur, j’écris des « suites » libres
à travers lesquelles se retrouvera mon
« phrasé » particulier. Mais je souhaitais
aussi renouer avec une pratique familière
à Maurice Ravel : celle de composer « à la
manière de… ». Il l’a fait en son temps,
rappelons-nous ses compositions à la manière
de Chabrier, de Borodine. »
Andy Emler
LA PRESSE EN PARLE…
Anne-Marie Lazarini réussit
admirablement cette adaptation
tout ensemble abstraite et
sensuelle de son Ravel, dans une
délicate mise en scène aux oniriques
décors bleus. La vie est un
rêve.
Fabienne Pascaud, Télérama
Anne-Marie Lazarini orchestre
avec délicatesse cette touchante
partition aux lueurs d’océan…
et la musique est aussi celle de
Jean Echenoz.
Armelle Héliot, Figaroscope
avec Coco Felgeirolles, Michel Ouimet,
Marc Schapira et, en alternance,
Andy Emler et Yvan Robilliard
assistant à la mise en scène
Bruno Andrieux
musique originale Andy Emler
décors et lumière François Cabanat
costumes Dominique Bourde
avec la collaboration de
Sophie Heurlin et Henri Lazarini
création Les Athévains / coproduction La Compa-
gnie aime l’air
Le livre de Jean Echenoz
est publié par les éditions de Minuit.
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LA GRENOUILLE
AU FOND DU PUITS CROIT qUE LE CIEL EST ROND
du Vélo Théâtre
mise en scène de Francesca Bettini
La maison natale est plus qu’un corps de logis, elle est un corps de songes.
Gaston Bachelard.
Nous sommes tous remplis des souvenirs
de notre première maison et des
premières expériences que nous y avons
faites du monde. Premier terrain de jeu,
lieu de rêverie.
Trois employés modèles nous ouvrent les
portes de l’univers plastique et sensoriel
d’un cabinet de curiosités aux images et
évocations oniriques. Ils nous invitent
ainsi à parcourir les territoires de l’intime
d’un personnage énigmatique, et pour-
avec le bricoluminologue
Flop Lefebvre, Tania Castaing,
José Lopez et Charlot Lemoine
musique Fabien Caltalade
production Vélo Théâtre / avec le soutien de la
Drac PACA, de la Région PACA, du Département
de Vaucluse, de la Ville d’Apt-en-Luberon /
coproduction 3 bis F, Lieu d’art contemporain, Aixen-Provence,
Théâtre Massalia, Marseille, Centre
culturel Pablo-Picasso, Homécourt, Festival Momix,
Kingersheim, L’Yonne-en-Scène / avec le soutien du
Théâtre Durance, Chateau-Arnoux
tant si familier. L’image, comme verbe,
tient une place centrale dans l’évocation
de cette maison onirique où la coquille
initiale devient notre pays natal.
Le Velo Théâtre, fondé en 1981 et animé
par Charlot Lemoine et Tania Castaing,
est une compagnie essentiellement jeune
public. Elle développe un travail de créations
et de résidences d’artistes depuis
1992 où le théâtre, la danse, la musique,
les arts plastiques se croisent pour que les
samedi 7 décembre à 16 h
lundi 9, mardi 10
et mercredi 11 décembre
à 10 h et à 14 h 30
Théâtre d’objets et installations
Tout public dès 6 ans
(En partenariat avec la programmation
« Pestacles » de la ville de Cergy)
spectateurs et les artistes vivent à chaque
fois une expérience unique et inoubliable.
Elle est soutenue par le Conseil
général du Vaucluse et la ville d’Apt. Elle
est « Tête de réseau du Pôle départemental
de création artistique en pays d’Apt ».
Cette installation-spectacle est, pour le
Vélo Théâtre, l’occasion de poursuivre sa
collaboration avec Flop Lefevre et Francesca
Bettini.

HOMMAGE ANNUEL AU CHANTEUR
Cécile avait fait des guirlandes
Rouges et dorées pour le 24
Un pudding une truite aux amandes
Elle a revu un peu Agathe
Vincent Delerm Châtenay-Malabry
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LE THÉÂTRE
AU SERVICE DE
LA DÉMOCRATIE
La liberté d’opinion est une farce si l’information sur les faits n’est pas garantie et si ce ne sont pas les
faits eux-mêmes qui font l’objet du débat.
Hannah Arendt
Alors qu’une extrême confusion semble
oblitérer la possibilité même d’élaborer
un projet de société partagé, il nous paraît
plus que jamais nécessaire de continuer
nos cycles de conférences-débats et nos
colloques concernant les grandes problématiques
de notre époque.
Le théâtre, rappelons le encore, est né avec
la démocratie athénienne. Il a validé et
illustré cette idée, alors révolutionnaire,
selon laquelle la création de la « polis »,
de la Cité, de la civilisation urbaine, ne se
produirait plus dans la violence, le clivage,
la loi du plus fort mais dans le dialogue,
dans la persuasion, dans le récit d’une
histoire commune et dans la formulation
contradictoire d’un avenir souhaitable.
Au début, nous avons initié ces « forums »
démocratiques pour mettre en discussion
des thématiques d’actualité qui nourrissaient
nos créations théâtrales et leurs dramaturgies.
Nous voulions susciter, entre
les intellectuels pertinents ou novateurs de
notre époque et le public de ce théâtre, des
échanges, des débats, des questionnements
qui viendraient ensuite enrichir le travail
dramaturgique préalable à nos créations.
Petit à petit, au fil des saisons, ces rendezvous
sont devenus des moments de démocratie
participative incontournables car ils
ont répondu à un véritable besoin d’élucidation
et de sens ressenti tout autant
par les penseurs invités et confrontés à des
questions directes et spontanées, que par
un public à la recherche de pensées fortes
et efficaces qu’il peut interroger.
Nous avons ainsi invité des noms qui
résonnent encore dans la mémoire de ce
théâtre : Edgar Morin, Albert Jacquard,
Axel Kahn, Gisèle Halimi, Jacques Attali,
Emmanuel Todd, Ariane Mnouchkine,
Claude Hagège, Laure Adler, Armand
Gatti, Bertrand Stiegler, Marcel Gauchet,
Daniel Sibony, Dominique Méda, Toni
Négri, Monique Canto-Sperber, Michel
Wieviorka, Bernard Cassen, Catherine
Breillat, Patrick Viveret… et tant d’autres
que nous ne pouvons tous citer ici.
Dans le même esprit que ces conférencesdébats,
nous organisons chaque saison
une journée de réflexion, un « colloque »,
sur un thème unique autour de différentes
tables rondes qui associent des intellectuels,
des responsables politiques, des acteurs
associatifs et des citoyens impliqués
dans le sujet abordé.
Nous avons ainsi proposé au public du
Théâtre 95 de réfléchir collectivement sur
des propositions comme : « L’Éducation
artistique, de quoi parle-t-on ? », « L’Humour
? », ou bien : « Faut-il encore lire La
Princesse de Clèves ? »
Cette saison, nous explorerons, dans nos
conférences-débats, des thèmes importants
et actuels : le défi social inacceptable
de la précarité et de la grande pauvreté, les
enjeux de la santé, la nouveauté que représente
dans nos sociétés l’émergence des
« gender studies », des mouvements queers
qui réfutent l’hétérosexisme de la pensée
et de la politique.
Nous avons sollicité pour nous apporter
des éléments de réponse : Catherine Clément,
Patrick Pelloux, Alan Sokal, Denis
Podalydès…
Notre colloque enfin sera consacré à la
démocratie. Nous vivrions aujourd’hui
une crise de la démocratie dans les pays
occidentaux où elle est cependant revendiquée
comme seul modèle. Étrange paradoxe
que nous allons interroger dans ce
colloque : qu’est-ce qui ne fonctionne pas
ou ne fonctionne plus dans nos institutions
et notre vie politique ? Pouvons-nous
penser que la démocratie est réellement
« confisquée » ? L’on incrimine les élites
politiques, économiques, financières, les
experts dont la légitimité serait contestable,
autant de pouvoirs qui dominent le
jeu politique alors que leurs liens avec le
citoyen sont distendus voire inexistants.
Nous analyserons cette situation, les
modes de représentation et les contrepouvoirs
à l’œuvre, ainsi que les formes
alternatives de vie démocratique, car toute
crise ouvre le champ des possibles et la
démocratie est sans cesse à réinventer.
Valérie Battaglia

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LA DÉMOCRATIE CONFISqUÉE, ÉBRANLÉE : à RÉINVENTER ?
COLLOqUE NATIONAL
samedi 7 décembre de 9 h à 19 h
entrée libre sur réservation
La démocratie, qui désigne un régime politique dans lequel le pouvoir
est exercé par le peuple, est une invention au long cours, de la
Grèce antique à Facebook.
Elle a connu des accélérations et des régressions. Nous vivons aujourd’hui
une période paradoxale, témoins à la fois de progrès de
la démocratie et de reculs. La revendication démocratique connaît
une expansion mondiale et apparait comme universelle et non le
propre des nations occidentales. Nous applaudissons au réveil des
pays arabes, où la population s’est battue et se bat encore contre
les régimes autoritaires et dictatoriaux, et entame ce long chemin
pour obtenir droits, libertés, citoyenneté. Mais au même moment
les démocraties occidentales, et particulièrement la démocratie française,
sont ébranlées.
Nous vivons une crise de ce que l’on nomme la « démocratie représentative
», qui, là où elle est dominante, est pourtant considérée
comme supérieure à d’autres types de régimes.
En effet, rares sont celles et ceux qui, dans les milieux populaires, se
sentent vraiment représentés par les professionnels de la politique.
Peu se sentent concernés par l’offre politique existante, même si
l’expression de leur frustration varie, du désenchantement au sentiment
d’impuissance, en passant par l’« indignation » et le refus de
voter. Ils ont le sentiment que la démocratie consiste à élire à la
majorité (toute relative) des représentants qui vont défendre une
minorité de privilégiés. Le malaise est grand et le sentiment d’un
abandon des principes démocratiques est partagé par une grande
partie de la population.
Aussi nous semble-t-il intéressant de nous interroger sur ce phénomène
: qu’est-ce qui ne fonctionne plus dans nos institutions et
notre vie politique ? Sommes-nous dans une société « post-démocratique
» ?
Nous analyserons les symptômes de cette crise de la représentation
qui, en France mais aussi ailleurs, se manifeste par la montée de
l’abstention au sein des catégories populaires et des jeunes, par de
nombreux mouvements sociaux, comme celui des « indignés » qui
témoignent du refus des logiques institutionnelles et politiques.
Dans ce contexte, peut-on parler de « confiscation de la démocratie
» ? Si oui, quelles en sont les causes ? Par qui la démocratie est-elle
confisquée ? Et selon quels mécanismes ?
Le pouvoir de tous n’est-il pas accaparé par une minorité qui s’« autoreproduit
» ? Ne sommes-nous pas comme le dit Jacques Rancière
dans « un état de droit oligarchique » ?
Qui sont les élites, politiques, économiques, administratives, financières,
ces «experts» à la légitimité contestable, largement médiatisés,
qui dominent le jeu politique alors que leurs liens avec le citoyen
électeur est distendu, souvent inexistant ?
N’utilisent-ils pas la complexification des processus de décisions
pour éloigner le peuple de ses représentants et multiplier les processus
opaques ? Les instances « supra » sont nombreuses, au niveau
européen mais aussi au niveau local (l’intercommunalité en est un
exemple parlant), tendant à rendre « invisibles », en tout cas « illisibles
», les acteurs politiques et les processus de décision.
En même temps, comme toute crise, celle de la représentation peut
ouvrir un nouveau champ de possibles, dans la mesure où la démocratie
n’est pas un modèle achevé mais plutôt une expérimentation
qui se poursuit à travers les époques et les sociétés.
Cette crise est l’occasion de réinterroger la forme actuelle de la démocratie,
réduite au processus électoral, où la légitimité s’appuie sur
les procédures formelles du vote et le multipartisme.
Comment retrouver une vitalité démocratique ? Comment refonder
la démocratie ?
N’est-ce pas en redonnant aux citoyens la capacité de participer
réellement aux débats et aux choix, tout autant qu’à la vie artistique
et politique de leur ville, de leur région, de leur pays ?
Comment, dans ce cadre, en corriger les défauts actuels par une
meilleure représentation des femmes, de la diversité, des milieux
sociaux, par le contrôle de l’action des élus, le développement de
contre-pouvoirs dont on connait l’efficacité à travers les réseaux
sociaux.
Peut-on imaginer des formes alternatives, tout au moins complémentaires,
à la démocratie représentative ?
Ce colloque, ouvert à tous, réunira des philosophes, des sociologues
et des spécialistes des sciences politiques qui dialogueront avec les
participants, acteurs sociaux, culturels, citoyens porteurs d’expériences
et d’interrogations.
En partenariat avec
Anita Weber

CONFÉRENCES / DÉBATS
CATHERINE CLÉMENT
LE 11 DÉCEMBRE à 20 H 30
« LES QUESTIONS DU GENRE »
Catherine Clément est philosophe et romancière. Normalienne, agrégée de philosophie, elle a été l’assistante de Vladimir Jankélévitch
à la Sorbonne, puis, suite à ses rencontres avec Claude Lévi-Strauss et Jacques Lacan, elle s’est beaucoup consacrée à l’ethnologie et à
la psychanalyse. Elle a dirigé la rubrique culture du Matin de Paris (quotidien aujourd’hui disparu) de 1976 à 1982, et l’Association
française d’action artistique (aujourd’hui Institut français) de 1982 à 1987. Plusieurs de ses très nombreux livres, romans ou essais, ont
rencontré un vif succès, notamment ceux qui lui ont été inspirés par ses années de vie à l’étranger (en particulier en Inde, mais également
en Autriche et en Afrique). Citons entre autres Pour l’amour de l’Inde (Flammarion, 1993), Le Voyage de Théo (Seuil, 1998), Le
Sang du monde (Seuil, 2004), Dix mille guitares (Seuil, 2010, prix Historia)… Elle a fondé et dirige actuellement l’Université populaire
du Musée du Quai-Branly, et produit et anime une émission hebdomadaire sur France Culture : « Culture de soi, cultures des autres »…
PATRICK PELLOUx
LE 29 JANVIER à 20 H 30
LA SANTÉ / « UNE SOIRÉE SANS ORDONNANCES »
Patrick Pelloux est médecin urgentiste, et s’est fait connaître du grand public au cours de la canicule de l’été 2003, se servant des médias
pour alerter sur la gravité de la situation, et ses conséquences dans les services d’urgence. Il quitte en 2008 l’hôpital Saint-Antoine où
il a exercé pendant une quinzaine d’années, et exerce actuellement pour le SAMU de Paris à l’hôpital Necker. Il a été président de
l’Asscociation des médecins urgentistes de France et vice-président de la Confédération des praticiens des hôpitaux. Chroniqueur
dans Charlie-Hebdo et dans diverses émissions de télévision et de radio, il est notamment l’auteur de Urgentiste (Fayard, 2004), Histoires
d’urgences (Cherche-Midi, 2007), Urgences pour l’hôpital (Cherche-Midi, 2008), On ne meurt qu’une fois, et c’est pour si longtemps
(Robert Laffont, 2013)…
ALAN SOKAL
LE 30 AVRIL à 20 H 30
« SCIENCES, SAVOIR, VÉRITÉ : TOUT EST RELATIF ? »
Alan Sokal est physicien et épistémologue. Américain, il enseigne actuellement à l’University College de Londres, après avoir enseigné
longtemps à l’université de New York. Il est très connu pour l’« affaire Sokal », polémique qu’il lance en 1996 en faisant paraître dans
la très sérieuse revue Social Text un article-canular où il parodie les prétentions scientifiques d’un certain nombre d’intellectuels des
sciences humaines et sociales. Cet article, remplis d’énoncés absurdes, prétend mettre en évidence le peu de rigueur, voire le charlatanisme
des auteurs qu’il vise. Sa démarche sera notamment interprétée comme une violente attaque contre la « french theory », dont des
représentants comme Jacques Lacan, Jacques Derrida ou Bruno Latour sont très célébrés dans certains départements des universités
américaines. De son côté, Alan Sokal affirme avoir surtout voulu combattre une sorte de relativisme postmoderne généralisé qui fait
fi, selon lui, des principes les plus élémentaires de la recherche de la vérité, au sens scientifique du mot. Il reviendra sur l’« affaire » dans
un livre coécrit avec Jean Bricmont, Impostures intellectuelles (Odile Jacob, 1997), ainsi que dans Pseudosciences et postmodernisme (Odile
Jacob, 2005) et dans un livre publié en 2008 mais non encore traduit en France, Beyond the Hoax : Science, Philosophy and Culture (Audelà
du canular : science, philosophie et culture).
DENIS PODALYDÈS (SOUS RÉSERVE)
LE 14 MAI à 20 H 30
LA CULTURE
Denis Podalydès est acteur de théâtre et de cinéma, metteur en scène de théâtre, scénariste, écrivain. Depuis 2000, il est sociétaire de
la Comédie-Française, où il est entré comme pensionnaire en 1997. Il a joué dans de très nombreux films, notamment sous la direction
de son frère Bruno (Dieu seul me voit, Liberté-Oléron, Le Mystère de la chambre jaune, Le Parfum de la dame en noir, Bancs publics,
Adieu Berthe…), mais aussi sous celle, notamment, d’Arnaud Despleschins, Coline Serreau, Michel Deville, Bertrand Tavernier, Diane
Kurys, Pascal Bonitzer, Robert Guédiguian, Raoul Ruiz, Emmanuel Bourdieu, Michael Haneke, Valérie Lemercier, Lætitia Masson,
Xavier Durringer (son interprétation de Nicolas Sarkozy dans La Conquête reste mémorable), Noémie Lvovsky, Jean-Marie et Arnaud
Larrieu… Nommé plusieurs fois aux Césars, comme acteur et comme scénariste, il a reçu deux Molières, dont celui de meilleur metteur
en scène pour Cyrano de Bergerac de Rostand, créé à la Comédie-Française en 2006. Il a notamment publié, aux éditions du Seuil,
Scènes de la vie d’acteur (2006) et La peur, Matamore (2010) et Voix off, au Mercure de France (2008)…
33

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LE GUIDE
DU DÉMOCRATE
d’après Éric Arlix et Jean-Charles Massera
mise en scène de Simon Delétang
« Définition et objectifs des mecs et des nanas qui se font chier grave
et qui ne se sentent plus porté(e)s par des trucs »
Ainsi débute l’un des chapitres du Guide
du démocrate, livre aux questionnements
urgents et ultra-contemporains. Né de la
volonté de réunir deux ouvrages Le Guide
du démocrate, d’Éric Arlix et Jean-Charles
Masséra, et We are l’Europe, de Jean-
Charles Masséra, ce spectacle désopilant
met à plat nos pratiques sociales contemporaines
contaminées par l’imaginaire
marchand. Deux hommes et une femme
avec Lise Chevalier, Steven Fafournoux
et François Rabette
scénographie Daniel Fayet
lumière David Debrinay
son Nicolas Lespagnol-Rizzi
production Théâtre Les Ateliers-Lyon
se font tour à tour procureur, avocat ou
cobaye d’une expérience démocratique.
La pièce s’appuie sur le livre pour développer
une structure dramaturgique, sous la
forme d’une soirée type « connaissance du
monde »…
Ce qui pourrait n’être qu’un pensum
politique de plus est ici une matière jubilatoire
pour les acteurs grâce à la verve et
l’humour des auteurs. Ils s’emparent de ce
vendredi 13 décembre à 20 h 30
qu’ils appellent « la langue de l’ennemi »,
du marketing, des politiques et des slogans
tout faits, pour mieux réinventer une
langue dont nous sommes pourtant envahis
ad nauseam : la langue « mdr » du
démocrate, un être menacé d’auto-extinction.
Simon Delétang adapte pour le
théâtre cet essai à quatre mains et explore
la crise existentielle de l’homo democraticus
dans une sorte de catharsis drolatique.
Dans le prologue du livre, vous évoquez
le contexte d’un imaginaire post-politique,
comme si le ou la démocrate ne
vivait plus tellement en « démocratie ».
Qu’est-ce qui a changé ?
Éric Arlix : La plupart des démocrates
sont seuls (même à plusieurs), stressés,
flippés de perdre leur emploi ou de ne pas
en trouver, endettés jusqu’au cou, sûrs
de rien, dépolitisés, en surcharge pondérale,
au régime (même sans surcharge
pondérale), accros au shopping et au
renouvellement incessant de leurs objets
« intimes ». Un démocrate 2.0, cette foisci
bien mondialisé, avec les mêmes pulsions
d’achat de Rio à Osaka en passant
par Limoges ou Tolmin, si tout ça n’est
pas un changement radical… Ce qui a
changé, c’est l’apparition d’une nouvelle
culture, une culture mondiale, de facture
modeste, faite d’ambitions moyennes,
ayant abandonné toute idée d’actions collectives,
une culture mondiale atomisante
ayant enterré à jamais tout effort de transmission
des savoirs. Un nouveau monde
où les adolescents, le soir, pleurent parce
qu’ils non pas eu le tout nouveau smartphone
qui est trop bien.
propos recueillis par Cyril De Graeve
Chronic’art, mai 2010

LE DINDON
Dindon : servir de dupe dans une affaire bancale.
Pontagnac, coureur invétéré de jupons,
suit une inconnue jusque chez elle pour
lui faire des avances. Soudain surgit Vatelin,
son mari, qui semble également
reconnaitre son vieil ami. En position
de faiblesse, Pontagnac voit la situation
se retourner lorsqu’un événement imprévu
vient semer la zizanie…
mardi 17
et mercredi 18 décembre
à 20 h 30
de Georges Feydeau
mise en scène d’Hélène Lebarbier et Vica Zagreba
Violons, guitares, flûtes soutiennent
le tempo de la langue, et traduisent
l’instabilité des rapports humains et
des états, en un crescendo virevoltant.
« Y a d’la folie » dans Le Dindon ! Ce
délire saltimbanque nous plonge au
cœur d’une partition subtile, enlevée,
et provocante. Six musiciens campent
LA PRESSE EN PARLE…
Les jeunes acteurs en font des
tonnes, mais avec brio. Ainsi Sébastien
Rajon et Jean Barlerin qui ne
boudent pas leur plaisir. Le public
ne le boude pas non plus, il glougloute
d’aise.
Jacques Nerson, Nouvel Observateur
Parmi les œuvres les plus connues de
Georges Feydeau, ce Dindon prend ici
un sacré coup de jeune grâce à l’excellente
idée de l’habiller de musique
tzigane. Violons, guitares, flûtes, soulignent
le rythme effréné des situa
sur le plateau. Ils font partie de cette famille
loufoque et burlesque composée
de neuf comédiens ; les corps dansent,
s’emmêlent, les esprits s’échauffent,
les notes volent, les personnages se
fondent en irréductibles fêtards, coupejarrets,
tire-bourses, et magouilleurs
increvables.
avec Vahid Abay en alternance avec
Aurélien Osinski, Jean Barlerin,
Léonard Cortana, Perrine Dauger,
Aurélia Decker, Céline Hilbich,
Laure Portier, Sébastien Rajon,
et Clément Vieu
et les musiciens Steeve Barré,
Fabien Bucher, Marine Goldwaser,
Aline Haelberg, Stélios Lazarou
et Elodie Messmer
scénographie Alice Gervaise
costumes Laurence Barrès
lumière Jérémy Riou
graphisme Lucille Bot
production le Guépard Echappé
tions tout en symbolisant la versatilité
des rapports humains. Sans jamais
trahir Feydeau, six musiciens et neuf
comédiens nous entraînent dans une
sarabande d’une virevoltante vitalité.
Michèle Bourcet, Télérama
Pendant presque deux heures,
l’énergie des jeunes comédiens ne
faiblit jamais. Sautillants et tourbillonnants,
ridicules quand il le
faut, ils sont réjouissants.
20 minutes
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DÉTAILS
de Lars Norén
mise en scène de Lena Paugam
Détails est le troisième projet que la compagnie
Lynceus-théâtre réalise dans le
cadre de mon doctorat d’Art et de Création
« SACRe » (PSL Research University)
que j’ai intitulé La Crise du désir - états de
suspension, espaces d’incertitude.
Cette crise est à la fois une crise du sens
(signification et direction) et des sens
(sensations). Celle de ceux qui sont amenés
à douter de leur existence. Celle de
ceux qui ressentent la nécessité de résister
contre l’accumulation des détails insignifiants
de leur vie.
Dans ma recherche sur la question du
désir dans les écritures contemporaines,
je choisis une œuvre pour ce qu’elle a de
Emma, une jeune femme qui aspire à
devenir écrivain, rencontre Erik, un
éditeur, à qui elle a envoyé son premier
roman. Ensemble, ils débutent une histoire
d’amour. En parallèle, Stefan, un
dramaturge talentueux, se retrouve aux
urgences suite à de graves insomnies. Il
est soigné par Ann, la femme d’Erik.
Durant les quinze années que traverse
la pièce, ces quatre visages se croisent,
seuls ou en couple, dans des salons littéraires,
au café, au théâtre, en salle de
singulier et pour sa langue. Je m’intéresse
aux manières dont les dramaturges impriment
cette question dans leur dramaturgie.
Monter Détails de Lars Norén, c’est faire
le choix de se confronter à une langue très
complexe, qui a ses faux-semblants, ses
trompe-l’œil, et qui s’amuse du réel, du
réalisme traditionnel. Ce théâtre ne supporte
pas d’être pris au premier degré. Il
tord les événements, les « réalités », les situations
« normales », du quotidien ; nous
surprend par des excès incontrôlables,
des saillies inattendues. C’est un théâtre
violent, drôle, grinçant, piégé au bord du
précipice.
sport, de Stockholm à New York, en
passant par Florence et Tel Aviv.
Le spectateur suit leurs trajectoires entrelacées,
liées par le temps et l’espace
dans un inévitable désastre, celui d’un
bonheur ardemment recherché, sans
doute jamais vraiment vécu.
En une trentaine de séquences, nous
sommes menés au cœur de la vie de
chacun. Leurs secrets, leurs desseins,
leurs mensonges, leurs espoirs et leurs
abattements ont pour toile de fond la
scène du monde de la fin du XX e siècle.
jeudi 9 janvier à 19 h
vendredi 10 janvier à 20 h 30
Dans ce théâtre, la perte du désir se traduit
comme la prise de pouvoir d’une
absence, comme une soumission à l’invisible,
comme la marque d’un vide oppressant
qui investit tout. Les personnages
sont des ombres explorant les territoires
liminaires de la mort.
Le désir de désir est un moyen de conjurer
la mort. Détails pose la question du
corps de l’autre, comme nécessaire lien
de survie, il peut dire le désir de désir, la
nécessité de réveiller son désir, le besoin
de s’y confronter pour se sentir en vie.
avec Ludmila Dabo, Lena Paugam,
Benjamin Wangermée
et Charles Zevaco
traduction
Camilla Bouchet et Amélie Wendling
dramaturgie Sigrid Carré Lecoindre
création sonore Samuel Gutman
costumes Valérie Montagu
production compagnie Lynceus-Theatre / avec le
soutien du Jeune théâtre national, du Conservatoire
national supérieur d’Art dramatique, de PSL Research
University (doctorat d’art et de création SACRe),
du Théâtre 95, du Théâtre des Cinq-Diamants, de
Confluences, du Conseil général des Côtes d’Armor
et de la Mairie de Binic
Détails est publié en français par L’Arche Éditeur
Lena Paugam
Cette pièce, aussi drôle que grinçante,
aussi dure que poignante, examine la
crise du désir aujourd’hui comme un
microcosme vu au microscope.

Le titre de la pièce Détails vous va
comme un gant, si l’on considère votre
œuvre dévolue à l’esprit et à l’art du
détail.
Lars Norén : C’est une pièce que j’ai écrite
à la fin des années 90, qui s’étend sur
dix ans. Des choses minimes, des détails
collectés minutieusement, des fragments
de vie qui, rassemblés, font une histoire.
Chacun de ces événements permet de
cerner les relations à l’intérieur d’un
quatuor et la vie avec ses bonheurs et ses
trahisons. Les intrigues ont lieu dans de
grandes villes, New York, Stockholm,
Florence, où j’ai pu vivre à cette époque.
Détails est aussi une pièce qui parle du
monde à travers des détails infimes, on
sait la présence de guerres dans le Golfe,
au Moyen-Orient, en Europe, on parle
du sida, des problèmes de l’Afrique, etc.
De la même manière, à un niveau intime
ou mondial, on croit toujours qu’il s’agit
de détails, mais en fait on comprend
à quel point c’est important. J’ai aimé
écrire cette pièce qui s’apparente à l’étrangeté
d’un cauchemar fantastique même
s’il ne s’agit que d’une composition faite
de détails réalistes.
Que diriez-vous de la question de
l’amour aujourd’hui ?
C’est un sentiment, une valeur, qu’il est
difficile d’appréhender tant la réalité que
recèle le mot « amour » varie. Quelles sont
les raisons qui font que l’on reste sa vie
entière avec la même personne, si ce n’est
la rigueur de schémas sociaux bien ancrés ?
Forcément, le désir par nature naît, grandit
et meurt en chacun, mais nous cultivons
aussi un idéal personnel, nous pensons à
la survie de notre famille et à la sauvegarde
de nos enfants. Tout aujourd’hui va si vite,
la vie au jour le jour comme les passades
amoureuses. On essaie de bâtir de toutes
ses forces une relation avec autrui. Si l’on
échoue, on souffre puisqu’on perd la maîtrise
de la situation, on meurt d’un suicide
mental tout en continuant à survivre dans
une existence matérielle. Dans les pays
pauvres africains et les pays fondamentalistes,
il est plus difficile de « se séparer »,
en raison de la société et de la religion. En
Occident, on change de partenaire aisément,
personne ne se soucie de vos liens,
ce qui est aussi un problème… D’une
façon générale, il est difficile de trouver
l’âme-sœur tant le poids social pèse sur
les individus. L’amour exige que l’on se
batte pour construire une vie nouvelle ;
en même temps, on fait abstraction de soi
dans sa relation à l’autre et on perd ainsi
un peu de sa vérité…
propos recueillis par Véronique Hotte
La Terrasse, septembre 2007
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LA VIE
ExTÉRIEURE
de Annie Ernaux
mise en scène d’Hugues Demorge
Quand je suis arrivée à Cergy, j’ai eu le
désir d’écrire sur ce que ça signifiait de
vivre ici, dans cette « ville nouvelle » de la
région parisienne, moi qui avais toujours
vécu en province. Je me suis mise à tenir
un journal dans lequel je consignais les
choses vues, entendues dans les lieux que
je fréquentais habituellement, ces lieux où
l’on croise les gens, le centre commercial
des Trois-Fontaines, les supermarchés,
la gare RER, les transports en commun.
Une sorte de journal extérieur pour fixer
des mots tagués sur les murs, des scènes
fugitives, des conversations, ces multiples
fragments d’existence saisis aux caisses de
Leclerc et d’Auchan, chez le coiffeur, dans
les couloirs du métro. Retenir le temps
mais aussi déchiffrer les signes de plaisir ou
de souffrance sociale, de la banalisation de
l’exclusion. Donner à voir ce que tout le
monde voit sans voir, sans vouloir voir, car,
comme le dit Heidegger, « le chemin des
choses proches pour nous autres hommes
est de tout temps le plus long et le plus
difficile ». Et sans doute le plus politique.
Aujourd’hui, dans la pureté de sa mise en
scène, Hugues Demorge offre à ces choses
proches un surcroît d’existence et d’inter-
vendredi 17
et samedi 18 janvier à 20 h 30
pellation. Par cette présence absolue qu’est
le théâtre, il confère un accès direct, troublant,
à notre vie et à la vie des autres.
Annie Ernaux
Lorsqu’on s’intéresse à l’œuvre novatrice
d’Annie Ernaux et que, par ailleurs, on se
préoccupe de théâtre, on peut – doit ? –
s’interroger sur la place particulière qu’il
convient de réserver aux fragments qui
composent ses journaux extérieurs, Journal
du dehors, publié en 1993, La Vie extérieure,
en 2000.
Après avoir lu au fil de son introduction :
« J’ai eu envie de transcrire des scènes, des
paroles, des gestes d’anonymes (…) des
graffiti… », ou bien : « qu’on se découvre
soi-même davantage en se projetant dans
le monde extérieur que dans l’introspection
du journal intime… », comment ne
pas songer alors à d’autres termes ? « Adaptation
», par exemple. Des « scènes… »,
qui, paradoxalement, n’avaient jamais été
mises en scène. A fortiori, près du théâtre
des opérations…
Hugues Demorge
Annie Ernaux
Depuis son premier roman Les Armoires
vides en 1974, cette écrivaine,
agrégée de lettres et originaire d’un
milieu ouvrier, n’a eu de cesse de
parler de sa vie, d’elle-même, et plus
particulièrement de ses émotions.
Souvent accusée d’impudeur, elle
nie en bloc expliquant que l’exhibitionniste
se cache en espérant
être pris en flagrant délit. Pas Annie
Ernaux qui ne cache rien, se justifiant
par un simple « ça s’est passé »,
même si elle avait conscience de sa
tendance à vouloir écrire des livres
« qui rendent le regard d’autrui
insoutenable... » C’est de ce paradoxe
que jaillit son écriture épurée.
Non pour se singulariser ; mais pour
exprimer les plaies intérieures, celles
de sa difficulté à surmonter le fossé
entre ses origines et ses amours littéraires,
celles de ses relations passionnées
et complexes avec les hommes
et l’amour en général, celles de la
maladie d’Alzheimer, celle de son
avortement illégal dans La Honte.
Prix Renaudot pour La Place,
Annie Ernaux dérange, agace, fascine
mais ne cède jamais aux sirènes
du business qui domine tant les lois
du marché littéraire.
Hugues Demorge
Professeur de lettres au collège de
Vigny, il est aussi, parfois, auteur et
metteur en scène, créant alors, au
sein du collectif L’Excès inverse, des
formes poétiques un rien déjantées :
En jeu(x) (2001-2002), Ni l’ombre
ni la lumière (2005-2007), Rare fil
(2008-2009). Montrées au Théâtre
95, ou ailleurs. Ses rencontres avec
Annie Ernaux l’incitent, depuis
quelque temps, à revoir sa copie…
avec Corianne Mardirossian
production L’Excès inverse / avec le soutien du Théâtre 95

Des os et du boudin
MORTAGNE
Le mois dernier, en page une du bulletin
municipal L’Écho des Remparts
(n° 328), un article sur cinq colonnes,
signé de la belle plume de René
Pichegru – président d’honneur de
la Société mortagnaise d’archéologie
– apprenait aux administrés une nouvelle
qui depuis n’a pas manqué de
se propager, telle une onde sismique,
dans les milieux scientifiques internationaux.
Quelques semaines plus tôt,
les travaux d’excavation au 4 e niveau
du futur parking souterrain, place
du Général-de-Gaulle, avaient mis
au jour trois squelettes d’hominiens
(deux adultes et une fillette) vieux de
plus de 8 millions d’années.
Dépêchés sur place en toute hâte, les
deux éminents paléo-anthropologues
David F. Becker et Wolfgang Hugues
s’accordaient aussitôt à dire qu’il
s’agissait là des « plus anciens spécimens
de ce qu’il est convenu d’appeler
nos ancêtres ».
Le défilé hautement médiatisé de personnalités
issues du monde politique
et du spectacle venues s’incliner sur
ces restes vénérables, a permis en un
second temps de les faire connaître au
grand public.
Depuis lors, la ville de Mortagneau-Perche,
soutenue par le Conseil
général de l’Orne, cherche par quels
moyens valoriser ces nouvelles « ressources
humaines » en termes de dé-
veloppement touristique et culturel.
Selon des indiscrétions émanant du
conseil municipal, plusieurs projets
seraient déjà à l’étude, parmi lesquels
la construction d’un grand complexe
muséal à vocation pédagogique
(murs et projections vidéos sur écrans
géants), où seraient exposées des répliques
en silicone des précieux ossements.
Si le choix du lieu porte encore
à polémique (on a évoqué un temps
le site de l’ancien centre de formation
canine), il semblerait toutefois que le
principe en soit acquis.
Nous avons d’autre part appris par le
biais de Susan MacLean, responsable
du service de presse du National Museum
of Natural History de Washington,
que le célèbre musée américain
se proposait d’acquérir le squelette
de la fillette pour une somme encore
tenue secrète mais que des indiscrétions
situent au-delà des 3 millions de
dollars. Une manne dont la ville aurait
bien besoin en ces temps difficiles où
le chômage frappe un actif mortagnais
sur quatre et bon nombre d’exploitations
agricoles.
On retiendra aussi la proposition
audacieuse de la présidente du Comité
des fêtes, mademoiselle Céline
Chartier, qui souhaiterait voir la
cité mortagnaise inscrite au registre
de l’UNESCO sous le titre flatteur
de « berceau de l’Humanité ». Le
Conseil municipal l’a d’ores et déjà
assurée d’un indéfectible soutien, alors
que s’élèvent les cris indignés de l’association
« Laissez-les dormir en paix »,
soutenue (ce n’est un secret pour personne)
par le puissant lobby des producteurs
de boudin noir, qui craint de
voir sa célèbre spécialité charcutière
passer au rang de simple faire-valoir
folklorique.
Quant au non moins puissant lobby
des « anonymes de tous les pays » établi
à Mortagne depuis le début des
années 90, il n’a pas attendu sa réunion
plénière annuelle pour réagir par
un tweet cinglant de son président :
« Nous craignons qu’une telle découverte,
pour peu qu’elle soit validée
(sans parler des polémiques qu’elle est
en train de faire naître à l’échelle régionale),
ne menace, à court ou moyen
terme, la pérennité de ce beau titre de
“capitale mondiale de l’anonymat”,
qui continue de faire le prestige de la
cité mortagnaise, et que la plupart des
bourgs alentours nous envient. »
Jean-Christophe Gallo
39

40
AU DÉBUT…
MYTHOLOGIES ENFANTINES
texte et mise en scène de Joël Dragutin
Porter un regard curieux, étonné, émerveillé,
respectueux sur les enfants. Mesurer
l’écart entre ceux que nous avons été et
ceux dont nous avons – parents, artistes,
citoyens – la responsabilité.
Plus encore aujourd’hui, qu’hier peut-être,
cette responsabilité nous interroge : par
l’extension de son champ, par la difficulté
de l’exercer.
Diagnosticien des symptômes des mutations
sociales, auteur de tragi-comédies sur
nos mythologies contemporaines, capteur
des affects exprimés dans nos mises à jour
linguistiques, Joël Dragutin met ici en
scène une observation attentive, inquiète
parfois, amusée souvent et toujours généreuse
et aimante de l’univers des enfants
à l’heure de la techno-communication
mondialisée. Un spectacle pour les enfants
et leur liberté de rêver, d’expérimenter,
d’inventer, une liberté indispensable à leur
apprentissage d’adulte citoyen et émancipé.
Un spectacle pour les adultes qui
pensent nécessaire de préserver le temps de
l’enfance comme celui de la mise en forme
mardi 28
et vendredi 31 janvier à 19 h,
jeudi 30 et vendredi 31 janvier
à 14 h 30,
jeudi 6, vendredi 7, jeudi 13
et vendredi 14 février à 14 h 30,
samedi 8 février à 17 h,
mardi 11 et vendredi 14 février
à 19 h,
mercredi 12 février à 10 h
Centre culturel de Jouy-le-Moutier
le mercredi 5 février à 9 h et 18 h
à partir de 6 ans
(En partenariat avec la programmation
« Pestacles » de la ville de Cergy)
distribution en cours
de leur capacité de penser, de la construction
progressive de leur autonomie.
À partir d’un fait divers banal de la vie
quotidienne d’un enfant (le vol d’une tablette
numérique), Joël Dragutin partira à
la découverte de la réalité et de l’imaginaire
d’un groupe d’enfants de notre début de
siècle.
Comment nos enfants parlent, rient,
pleurent, s’effraient, aiment, rêvent,
jouent, grandissent ? Sont-ils encore les
enfants que nous avons été ou est-ce que
notre monde – avec ses grandes mutations
économiques et culturelles, sa complexité
tissée de technologies, d’univers virtuels,
d’images, de sons – aurait profondément
modifié les petits de l’être humain ? Quels
rapports entretiennent-ils avec leur famille
(composée, décomposée, recomposée…) ?
Comment vivent-ils l’école, le quartier, les
autres ? Comment perçoivent-ils l’avenir ?
Une des originalités de ce projet théâtral
consiste à faire interpréter les rôles de ces
enfants de 6 à 8 ans par des comédiens
adultes, en étant le plus proche possible de
leur langage, de leur syntaxe, de leur codes
verbaux, de leurs hésitations. Ce décalage
ouvrira la voie à un surréalisme de situations
propices à la distanciation et aux décadrages
qui permettent le surgissement de
considérations inattendues, surprenantes,
éclairantes.
À un moment où la culture occidentale
s’interroge sur le sens de son histoire,
doute de ses valeurs et de ses certitudes,
explorer les mythologies enfantines peut
nous permettre d’apporter quelques pistes
intéressantes et peut-être quelques débuts
de réponses quant à notre avenir…
Dans le travail dramaturgique autour de
cette création, les concepts de « natalité »,
d’« avènement », de « révolution » qui sont
au cœur de la pensée d’Hannah Arendt
sur l’éducation, la politique et l’histoire,
ont trouvé un écho particulier et ont donné
du sens à ce désir de porter sur la scène
ces personnages enfantins depuis toujours
héritiers et pionniers de notre aventure
humaine.

C’est également avec l’éducation que
nous décidons si nous aimons assez nos
enfants pour ne pas les rejeter de notre
monde, ni les abandonner à eux-mêmes,
ni leur enlever leur chance d’entreprendre
quelque chose de neuf, quelque chose que
nous n’avions pas prévu, mais les préparer
d’avance à la tâche de renouveler un
monde commun.
Hannah Arendt
Joël Dragutin
Metteur en scène, directeur du Théâtre
95, il est également l’auteur d’une dizaine
de pièces dont La Baie de Naples,
Tant d’espace entre nos baisers, Sens
unique, Haute altitude, La Spectatrice,
Grande vacance, Petits voyages au bout
de la rue, Chantier public, Une maison
en Normandie…, représentées tant en
France qu’à l’étranger. Il a également
met en scène une trentaine d’auteurs
classiques et contemporains : Molière,
Courteline, Michaux, Vinaver, Kroetz,
Havel, Musset, Brecht…
41

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LES COPRODUCTIONS DU
THÉÂTRE 95
EN TOURNÉE
Chaque année, le Théâtre 95 reçoit en Résidence et participe à la production de créations
en partenariat avec les compagnies et de nombreux théâtres en France et à l’étranger.
Vous pouvez les voir, revoir ou informer votre entourage que les spectacles du Théâtre 95
sont visibles ailleurs.
Rosilyn
Centre culturel, Jouy-le-Moutier le 20 septembre 2013
La Maison et le Zoo
Les 13-Vents-CDN, Montpellier, représentations du 1 er au 12 octobre 2013
Théâtre du Rond-Point, Paris, représentations du 3 au 29 juin 2014
Bérénice
Centre Culturel Aragon, Oyonnax, quatre représentations les 26 et 27 novembre 2013
Le Banquet de la vie
Cormeilles-en-Parisis, deux représentations les 23, 24 novembre 2013
Marines, deux représentations le 29 novembre 2013
Saint-Gratien, deux représentations le 7 décembre 2013
Eaubonne, deux représentations le 13 décembre 2013
Rencontres d’ici et d’ailleurs, Noisy-le-Sec, quatre représentations en mai 2014
Lune Jaune
TNP, Villeurbanne, dix représentations du 11 au 21 février 2014
Marie Tudor
Centre culturel Aragon, Oyonnax, 20 et 21 janvier 2014
Théâtre l’Esplanade du Lac, Divonne, 24 janvier 2014
Théâtre de Bourg-en-Bresse, 28, 29 et 30 janvier 2014
Sous la ceinture
Théâtre des Célestins, Lyon, dix représentations du 1 er au 11 avril 2014
L’Estivante et La Spectatrice
Le Lucernaire, Paris, du 19 mars au 26 avril 2014
Au début…
Centre culturel, Jouy-le-Moutier, deux représentations le 5 février 2014
Les 13-Vents-CDN, Montpellier, trois représentations du 22 au 24 avril 2014

DAKINI Incantations
La dakini, déité féminine, entre ciel et terre, entre cri et chuchotement, entre parole et chant,
parle « la langue des oiseaux », la langue de la musique.
Trio issu des différentes disciplines du spectacle
vivant (théâtre, musique et danse),
le laboratoire Dakini est une expérience
collaborative entre des musiciens créant à
partir d’improvisations pour aboutir à des
formes écrites ou semi-écrites, voire pour
inventer en public.
Sur scène, ils offrent un concert littéraire
autour du fourmillement des langues, de
la rencontre des textes et de la musique,
à la recherche de l’origine de la parole,
du dire. Véritable espace vivant, à la croisée
des langages et des matières sonores
contemporaines, leur spectacle Incantations
va à la rencontre des textes d’auteurs
vivants ou plus anciens tels que : Édith
Azam, Aimé Cézaire, François Cheng,
Marguerite Duras, Louise Labbé, Wajdi
Mouawad, Fernando Pessoa, Jean Racine,
Saint-John Perse, Jean-Pierre Siméon…
Leur musique flirte avec différents styles
(voix chantée et parlée, guitare, percus-
« Elle chantait, si c’est chanter, mais non. C’était plutôt entre voix et langage,
Une façon de laisser la parole
Errer, comme à l’avant incertain de soi,
Et parfois ce n’étaient pas même des mots,
Rien que le son dont les mots veulent naître,
Le son d’autant d’ombre que de lumière
Ni déjà la musique ni plus le bruit ».
Yves Bonnefoy
sions, piano, sons électro) et interroge,
explore l’univers des mots. Texture, grain,
espace sonore dessinent les contours d’une
esthétique contemporaine.
Incantations est une expérience entre
concert, théâtre et poésie, où les mots se
font musique…
vendredi 28 février à 20 h 30
Laboratoire de poésie sonore
/ concert littéraire
voix Valérie Capdepont
guitare, piano électro Olivier Bobinnec
percussions, batterie Anne-Laure Gros
basse, ordinateur Érik Baron
production Dakini création
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LA PARITÉ
VARIATION EN 6 PETITES FORMES THÉÂTRALES DE 15 MINUTES CHACUNE
POUR 6 AUTEURS (3 F ET 3 H)
POUR 6 METTEURS EN SCÈNE (3 F ET 3 H)
ET 2 ACTEURS (1 F ET 1 H)
Dans le cadre de leur engagement dans la Saison Égalité 1, orchestrée par l’association « H/F Île de
France», le Théâtre 95 et le Théâtre du Lucernaire à Paris proposent d’impulser la production de six
courtes formes théâtrales sur l’égalité homme-femme.
Ces deux théâtres soucieux de soutenir
la production de textes théâtraux
d’auteurs vivants se sont emparé de
cette thématique qu’ils soumettront
aux sociétés d’auteurs, aux associations
regroupant les écrivains et auteurs de
théâtre et à tous.
L’objectif est de créer six formes théâtrales
brèves qui seront présentées en
un seul spectacle, ou de manière fragmentée
pour des levers de rideau, des
présentations de saison, etc.
Un appel à projet a été lancé invitant
des auteurs à proposer des textes courts
(15 minutes environ) sur l’égalité
femme/homme et sur la question de la
parité.
Au cours de la saison une comédienne
et un comédien seront choisis. Ils joueront
les six pièces qui auront été sélectionnées
par un jury paritaire et mises
en scènes par six metteurs en scène,
trois hommes et trois femmes. Ces
créations se répéteront en février et seront
présentées en mars au Théâtre 95,
au Centre culturel de Jouy-le-Moutier
et au Théâtre du Lucernaire.
distribution en cours

jeudi 6 mars à 19 h
et le vendredi 7 mars à 20 h 30
Constat et Mobilisation
Depuis plusieurs années maintenant la
parité femmes/hommes fait l’objet de
débats et de décisions politiques pour
rééquilibrer les inégalités, réduire les
discriminations. Cette préoccupation
touche depuis peu le monde de la
culture. Au milieu des années 2000, des
personnalités de notre secteur se sont
penchées sur ce que l’on considère, à
juste titre, comme une situation peu
acceptable. Des études, notamment
statistiques, révèlent un état des lieux
fort défavorable quant à la place des
femmes dans le monde de l’art et de
la culture, au sein duquel le spectacle
vivant ne fait pas figure d’exception.
Quelques chiffres cités ci-dessous décrivent
cette réalité.
Forts de ce constat, des collectifs se sont
constitués dans de nombreuses régions
françaises, et militent pour développer
une prise de conscience, proposer des
actions et susciter des initiatives.
En Île-de-France, le collectif H/F a
d’ores et déjà fédéré plus de vingt
théâtres, qui se sont engagés à adhérer
et à appliquer une charte triennale tendant
à la parité dans les programmations
et productions et dans la gouvernance
interne des établissements. Leur
Le saviez-vous ?
Dans nos institutions culturelles nationales…
85% des textes représentés sont écrits par des hommes.
78% des spectacles joués sont mis en scène par des hommes.
97% des musiques interprétées sont composées par des hommes.
81% des dirigeants de l’administration culturelle nationale sont des hommes.
75% des théâtres nationaux dramatiques et lyriques sont dirigés par des
hommes.
96% des opéras sont dirigés par des hommes.
En moyenne, les subventions et les budgets accordés aux femmes sont d’un tiers
inférieurs à ceux des hommes.
Pensez-vous vraiment que les femmes aient moins de talent ?
(Chiffres extraits des rapports de Reine Prat en 2006 et en 2009 sur le spectacle vivant,
commandés par le ministère de la Culture et de la Communication.)
action emblématique sera le lancement
de la Saison Égalité en 2013/2014.
Le Théâtre 95 s’inscrit avec conviction
dans cette démarche, engagé tant dans
l’esprit que dans sa programmation
tout au cours de cette saison.
Une initiative
d’H/F Ile-de-France
L’association H/F Île-de-France
a pour objectif de parvenir à une
égalité femmes/hommes dans les
politiques et pratiques artistiques
et culturelles. H/F Ile-de-France
s’inscrit dans le mouvement H/F,
fédération interrégionale.
La Saison Égalité Hommes/
Femmes en Île-de-France
est soutenue par le Fonds social
européen et la Région Île-de-
France.
H/F Île-de-France est soutenue
par la Région Île-de-France et
l’Observatoire de l’égalité entre les
femmes et les hommes de la Ville
de Paris.
Retrouvez H/F sur Facebook
et sur Twitter
Informations: :
http://www.hf-idf.org
contact@hf-idf.org
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SPIRALE
d’après le roman Vallen d’Anne Provoost
adaptation et mise en scène d’Eric de Dadelsen
Des vacances d’été chez sa grand-mère
ou comment passer un séjour entre ennui
et bonheur de retrouver Caitlin, une
jeune danseuse contemporaine. Lucas,
jeune adolescent, passe des vacances sans
histoires, quand la maison est visitée
par de petits voleurs. Dans la bourgade,
aucun doute, les rumeurs circulent aussi
bien du côté des villageois que des gendarmes
: « trop d’étrangers, trop d’arabes,
on n’est plus en sécurité ».
Lors d’un passage à l’armurerie, Lucas
rencontre Benoît, un garçon brillant, soidisant
journaliste et défenseur de l’ordre
et des valeurs occidentales. Alex, son
acolyte, joue pour sa part les hommes
de main. Les liens entre eux se nouent
rapidement d’autant plus que Benoît et
vendredi 14 mars 2014
à 14 h 30 et 19 h
À partir de 13 ans
Alex semblent tout connaître du grandpère
de Lucas, de ses idées, de son passé
durant la guerre. Un ensemble d’histoires
dont Lucas, lui, ignore tout…
Une spirale se dessine, peu à peu Lucas
prend conscience du secret de sa famille
et du silence qui l’entoure. Sous l’emprise
de Benoît et de sa vision du monde, il
participe à des actes xénophobes et se
transforme en un véritable activiste :
cocktails molotov, ratonnades…
Lucas est tiraillé… D’un côté, ses convictions
humanistes et son attirance pour
Caitlin, jeune fille juive issue d’une famille
au passé tragique. De l’autre, sa fascination
pour Benoît, pour son charisme
et ses idées. Tourmenté par ces pensées
antagonistes, il plonge et se laisse empor-
avec Laurent Cazanave,
Thomas Pasquelin, Frédéric Pichon
et Lina Schlageter
chorégraphie Loïc Touzé
scénographie Jean-Pierre Gallet
costumes Pascaline Chavanne
lumière Stéphane Chesnais
création vidéo Stéphane Pougnand
production Goldmund Théâtre de la Bouche d’Or–
Ploërmel / avec le soutien de la DRAC Bretagne, du
Conseil régional de Bretagne, du Conseil général du
Morbihan et de la CDC de Ploërmel
d’après le roman Vallen d’Anne Provoost, paru en
français sous le titre Le Piège (Seuil, 1997)
ter inexorablement vers les profondeurs.
En mettant en scène le texte d’Anne Provoost,
Eric de Dadelsen nous présente
une véritable fable contemporaine et apporte
des éléments de réponse à de nombreuses
questions toujours très actuelles:
Comment peut-on manipuler les gens en
utilisant leur propre histoire ? Sur quels
mécanismes subtils jouent les idéologues
du néonazisme ? Comment peut-on distiller
des idées au nom du bien commun
et de l’intérêt général tout en maquillant
leur intolérance et en pratiquant l’ostracisme
? Comment le discours populiste
peut-il séduire en se déguisant habilement
derrière une apparence de démocratie ?

DAL VIVO
de Flop Lefebvre
Une escapade lumineuse
Performance sur le geste et la lumière
Étonnante expérience que Dal Vivo !
Sous nos yeux ébahis, Flop construit
des images vivantes et fragiles qui
naissent du mouvement et de la rencontre
entre la lumière et la matière.
D’un dispositif désuet manipulé et
éclairé entièrement à vue, apparaît une
peinture éphémère dans laquelle les
particules de lumières remplacent les
pigments.
Dans une baraque de bois qui lui sert
d’atelier-laboratoire, plongé dans une
semi-obscurité, il cherche à faire parler
des objets de récupération accumulés
au cours de sa vie, il redonne à ces objets
du quotidien toute leur dimension
poétique et nous embarque dans un
monde peuplé de chimères.
Avec des bricolages exposés sous nos
yeux : variateur de lumière à manivelle,
petites machines qui impulsent le mouvement
de la matière, lentilles, miroirs,
diapos, bouts de Scotch suspendus ici
ou là, Flop fait parler des ustensiles de
cuisine, de la vaisselle, des bougeoirs,
des petits systèmes mécaniques et les
transpose sur grand écran en une réalité
ineffable et vibrante. Il crée en direct un
paysage en perpétuelle construction, une
image vivante et fragile. C’est un nouveau
monde animé qu’il nous offre dans
l’intimité de son atelier. Chaque reflet,
mercredi 19 mars
à 9 h 30 et 15 h,
jeudi 20 et vendredi 21 mars
à 9 h, 10 h 30 et 15 h,
samedi 22 mars
à 9 h 30 et 17 h
À partir de 2 ans
(En partenariat avec la programmation
« Pestacles » de la ville de Cergy)
chaque transparence, chaque ombre ou
diffraction lumineuse devient la composante
de tableaux animés dont nous
sommes les spectateurs.
Cet artiste inclassable crée un nouveau
monde, hors du temps et de l’espace,
dans lequel chacun se raconte son histoire.
Pas à pas, comme un peintre à
l’affût de l’inattendu, il provoque une
émotion qui fait remonter de lointaines
sensations : l’exaltation de l’enfance face
à la magie.
Embarquement immédiat pour une
escapade lumineuse au croisement de la
peinture et du cinéma qui émerveillera
petits et grands.
coproduction Le Channel-Scène nationale de Calais,
A.T.H. Associés, Lili Désastres
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LUNE JAUNE, LA BALLADE DE LEILA ET LEE
de David Greig
mise en espace de Baptiste Guiton
Lune Jaune est la rencontre improbable entre Leila la silencieuse et
Stag-Lee le mauvais garçon, deux adolescents rejetés et stigmatisés,
à l’existence fragile.
Lee vit seul avec sa mère Jenni, depuis
que son père est parti quand il avait cinq
ans, lui laissant pour seul souvenir une
casquette. Lee rêve de faire fortune grâce
au crime, de devenir, tiens, pourquoi pas
le premier mac d’Inverkeithing ? Leila
est «une bonne petite», mais son corps
l’encombre, une jeune fille qui ne se sent
exister que lorsqu’elle se passe une lame
de rasoir sur le corps en rêvant aux célébrités
de la presse people. Quant à Billy,
le beau-père de Lee, il aimerait offrir une
bague à Jenni.
Un mauvais départ, une erreur, un
meurtre, et voilà Lee fuyant en plein
hiver dans les collines hostiles, à la recherche
de son père. Accompagné de
Leila la silencieuse, ils sont recueillis par
Frank le garde-chasse. Trois êtres perdus
qui passent à ça de se trouver. Ou qui se
trouvent… Et se perdent.
avec Émilie Chertier,
Grégoire Isvarine, Jérôme quintard
et Tiphaine Rabaud Fournier
traduction Dominique Hollier
musique originale Sébastien quencez
dramaturgie Adrien Cornaggia
scénographie et costumes Gaëlle Viémont
lumière Arianna Thöni
régie générale Julien Imbs
régie son Clément-Marie Mathieu
administration
Coralie Guibert et Julie Lapalus
production Le Théâtre Exalté / avec le soutien du TNP,
Villeurbanne, du Théâtre 95
L’auteur est représenté dans les pays de langue
française par l’Agence MCR, Marie Cécile Renauld, Paris,
en accord avec Casarotto Ramsay, London.
Leila et Lee, deux destins réunis
Leila est un personnage entre souffrance
de la chair et quête spirituelle qui
s’acharne à exister, à sortir d’elle-même.
Lee, inconséquent et impulsif, ressasse le
passé d’un abandon paternel. Il est celui
qu’on exclut, qu’on bannit. Tous deux ne
sont nulle part. Dès lors, leur rencontre
féconde le projet d’un territoire commun,
d’une renaissance. Lune Jaune est
une mémoire, morcelée, l’élaboration
d’un mythe intime dont la restitution
se fait par le biais de multiples procédés
narratifs : ce théâtre s’empare de la forme
romanesque, du polar, du poème, de la
chanson de geste, du slam, de la ballade
enfin. Ce mélange des registres démultiplie
les points de vue et confère à l’œuvre
une dimension tragi-comique. Il s’agit
moins de tout comprendre que de tout
reconnaître.
jeudi 20 mars à 19 h
vendredi 21 et samedi 22 mars
à 20 h 30
Une scène comme un terrain de jeu
Baptiste Guiton installe ses comédiens
dans un espace homogène et escarpé,
une tourbe blonde au sol que l’on peut
modeler à souhait, et dont on extirpe les
nécessités du plateau (table, biche, banc
costumes etc.). Un espace scénique tel
un bac à sable, dans lequel l’enfance sédiment
ses jeux, utilisé ici comme principe
inhérent à toute théâtralité : les enfants
passent plus de temps à définir les règles,
à organiser leur relation et leur terrain de
jeu qu’à jouer, en définitive.
Peut-être que personne
n’imagine ce que c’est
d’être nous. (Leila)

Pourquoi avoir choisi de mettre en
scène Lune Jaune, la Ballade de Leila
et Lee de David Greig ?
Baptiste Guiton : J’ai découvert Lune
Jaune dans la perspective d’une réalisation
radiophonique pour France Culture.
Ému par l’histoire de Leila et Lee, figures
adolescentes et précaires que l’on peut retrouver
notamment dans les films de Ken
Loach, j’ai été immédiatement saisi par le
traitement de la question identitaire : où
va-t-on quand on ne sait pas d’où l’on
vient ? Personne n’est à sa place dans cette
histoire, et on ne fait de place pour personne
– situation passionnante à mettre
en scène au demeurant. Lune Jaune fait
la lumière sur ces oubliés, adolescents
violents ou mutiques, parents dépassés
ou carrément absents. Ce sont des bouts
de littérature juxtaposés : Oreste tuant
son beau-père, Hamlet s’interrogeant sur
le fait d’être ou de n’être pas, Ophélie
se laissant couler sous les eaux. C’est un
texte d’une richesse inouïe, mêlant l’ordinaire
et le mythe, le profane et le sacré, la
culture et la nature.
Dans le texte de David Greig, on perçoit
une tension saisissante entre une
interrogation profonde sur le réel, le
monde âpre et dur, puis une sorte de
poésie étrange qui s’immisce par la
forme du texte et à travers certaines
situations. Comment vous situez-vous,
en tant que metteur en scène, par rapport
à cette dualité ?
David Greig est manifestement un
auteur de théâtre très concerné par le
plateau, par les possibilités d’écriture
au plateau de ses textes. Les ellipses par
exemple sont traitées par l’auteur, nul besoin
d’user d’artifices ou de nouveautés
technologiques pour passer d’une scène
à une autre. La langue, servie par une
traduction brillante, est poétique, incisive
et franche ; c’est l’apanage des grands
textes de lier le réel et la fiction poétique
sans complaisance. C’est pourquoi nous
avons souhaité prendre notre temps pour
sertir ce texte, en en faisant une première
lecture publique puis une mise en espace
pour enfin en proposer la création. Il
fallait travailler minutieusement avec les
acteurs, ne pas sombrer dans un réalisme
télévisuel, éviter l’écueil de l’oratorio, clarifier
les situations et laisser le verbe agir.
Comment parvient-on à se saisir au
théâtre et sur scène des problématiques
de la marginalité et de la condition sociale,
telles qu’elles sont abordées dans
le texte de David Greig ?
J’aurais tendance à penser que c’est là une
des fonctions premières du théâtre. Cela
étant dit, le terme « ballade » est à définir,
il est utilisé dans l’univers de la musique
populaire rock pour désigner un morceau
calme et doux dans lequel la ou les
voix sont accompagnée(s) d’instruments
acoustiques. Il ne s’agit pas d’un docu-fiction
sur la marginalité, mais d’un poème,
d’une longue chanson, d’un concert
presque, comme si Jeff Buckley et Léonard
Cohen s’étaient passé le mot pour
nous parler de deux gosses aussi détestables
qu’attachants.
Avec votre compagnie Le Théâtre Exalté,
vous accordez énormément de place
à la composition musicale dans vos
spectacles. Quelle place occupe la musique
dans votre processus de création
autour de Lune Jaune ?
Je crois que, à chaque étape de ma vie,
une musique, un album m’a accompagné.
La musique est une madeleine, il
49
suffit de l’écouter et des souvenirs jaillissent.
Composer pour le théâtre, c’est
donner à la représentation un souvenir
commun. Pour Lune Jaune, Sébastien
Quencez a arrangé des musiques des années
80, citées dans le texte, et en a composé
d’autres, la Ballade de Leila et Lee par
exemple. Le théâtre est verbe, essentiellement,
l’acteur en est le sanctuaire, il me
semble cependant que les mots ne suffisent
pas toujours, il faut convoquer le
silence, et la musique comme liant. Je ne
comprends pas toutes les langues, mais je
peux entendre toutes les musiques.
propos recueillis par Audrey Hadorn
avril 2013

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Maître Fendard (Ha !Ha !Ha !) est un avocat spécialisé dans les affaires à caractère poétiques et surréalistes.
Expert dans le droit à la fantasmagorie et à l’incohérence, défenseur de l’inimaginable,
il s’est distingué notamment dans l’affaire du vol du château de sable.
Accompagné de Ménardeau son fidèle musicien-greffier il nous narre et chante son plus beau procès.
MAÎTRE FENDARD
(AH, AH, AH)
de Fred Tousch et François Rollin
mise en scène de François Rollin
« On a volé le château de sable… »
Une famille décomposée se retrouve en
vacances au bord de la mer et décide
de construire un château de sable. Ils
s’investissent corps et âmes dans leur
construction au point que petit à petit
leurs liens se resserrent et un espoir de
recomposition naît.
Le soir venu, ils se promettent de continuer
leur œuvre mais, à leur retour le
lendemain matin sur la plage, ils découvrent
que le château a totalement disparu
!
La famille décide alors de faire appel à
Maître Fendard pour la défendre, trouver
et punir les coupables qui ne sont
autres que la mer et la lune. Le grand
avocat devra à la fois trouver les arguments
justes et faire preuve de détermination
tout en sachant qu’il n’a jamais
mis les pieds dans un tribunal… Dès
lors, il est aisé de deviner que l’affaire ne
sera pas si simple… Fort heureusement,
Maître Fendard (Ah, Ah, Ah) possède
une larme redoutable ; une larme de cristal
dans laquelle sont emprisonnés tous
les pleurs de l’injustice…
Avec Maître Fendard, Fred Tousch
poursuit son exploration de la prise de
parole et du discours sous ses différentes
formes. Après le discours narratif dans
Benoît de Touraine, la prise de parole
philosophique dans le Cabaret philosophique,
son étude de la langue de bois
et de l’art de la parole avec La Foirce, et
plus récemment le discours politique
dans Knût, il se lance ici dans la plaidoirie
avec en filigrane la manipulation du
langage.
À l’heure où les politiques sont avocats
et que les victimes deviennent des
coupables, la futilité de la plaidoirie
de Maître Fendard démonte ces mécanismes
grâce à l’allégorie pour tenter
d’affûter le regard critique.
Fred Tousch ne déroge pas à sa tradition
d’interpréter des personnages décalés
avec Maître Fendard : un personnage
à la John Cleese coincé entre rigueur
judiciaire et loufoque logique. Comme
un besoin de défendre l’indéfendable et
l’irrationnel, ce Don Quichotte en robe
accompagné d’un sancho-greffier a un
but ultime, celui de donner une jurisprudence
à la poésie.
mercredi 2 et vendredi 4 avril
à 20 h 30,
jeudi 3 avril à 19 h
avec Fred Tousch et Laurent Mollat
collaboration artistique Joël Dragutin
lumière Nicolas Gili
régie Baptiste Chevalier Duflot
production-diffusion
Fabienne quéméneur et Claire Bidet
coproduction Le Nom du Titre, L’Archipel, Granville,
et le Théâtre 95

FRED TOUSCH ET LA PRESSE
Une question universelle s’impose :
par quelle énigme ces accès de délirium
font-ils l’effet d’une bombe
intelligente ? Sans doute notre philosophe
absurdophile est-il porteur
d’un gène de l’« humour jaune », qui
fait rire de travers, entre ingénuité
grinçante et subtilité camouflée.
Télérama
Révolutionnaire dans tous les sens
du terme, cette conférence philosophico-burlesque,
qui aborde pas
mal de thèmes politiques, poétiques
agit comme un exutoire
jubilatoire, un défouloir général.
Le Point
Un show hallucinant, d’une très
rare intelligence, qui explose littéralement
et dans tous les sens.
Criticomique
Fred Tousch
À la fois poète, clown, philosophe de
l’absurde, imprécateur improbable,
Fred Tousch passe d’un registre à
l’autre en deux secondes, susurre,
éructe, tremble, danse. Après des débuts
sur les scènes de rock alternatif
avec les Béruriers noirs puis bouinax
et clown de tôle avec le cirque Archaos,
il se lance dans deux créations
de solistes : Oui je suis poète puis
Benoît de Touraine ou la Véritable
Histoire du fils du pintadier. Il créé le
délirant Cabaret philosophique avec
Laurent Petit et Arnaud Aymard
puis fait en 2006 des interventions
remarquées dans Le Grand Mezze
d’Édouard Baer et François Rollin
présenté au Théâtre du Rond-Point.
En 2009, c’est en Jean-Claude Fischer
qu’il intervient dans Looking for
Mr. Castang d’Édouard Baer.
Pour diffuser ses spectacles il a créé en
2001 Le Nom du titre. Il assure également
par ce biais la mise en œuvre
de projets artistiques atypiques avec
Fabienne Quéméneur : Les Enchoufflichures
et Les Rendez-vous de la
cervelle en sont les exemples les plus
marquants. A quarante et un ans, il
décide de dépasser ses limites grâce à
Knüt présenté en Avignon en 2010
puis réalise désormais ses rêves en
créant Le Retour du grand renard
blanc et Maître Fendard.
François Rollin
Auteur, metteur en scène, scénariste,
comédien et humoriste, François
Rollin a néanmoins débuté sa carrière
en tant que journaliste au journal
Le Monde où il restera dix ans
avant de devenir chroniqueur pour
Fluide glacial. Il acquiert une véritable
notoriété grâce à la série télévisée
Palace et forge son personnage
de professeur Rollin avec lequel il va
multiplier les apparitions sur scène et
sur le petit écran. Il participe également
aux scénarios des Guignols de
l’info et intervient à la radio dans des
émissions humoristiques sur France
Inter, Europe 2 ou France Culture.
Une de ses grandes compositions
est Vertiges, un poème de huit lignes
sur lequel il brode un sketch qui lui
ouvrira le rôle du roi Loth dans la
série Kaamelott.
De septembre 2005 à juin 2006, il
présente Les FMR de Rollin à l’Européen.
Il y joue une série de dix
spectacles uniques et inédits souvent
accompagné par des invités tels que
Ramzy Bedia et Emmanuel Depoix.
Avec Édouard Baer il coréalise le
happening théâtral Le Grand Mezze
et tourne sous sa direction La Bostella
et Akoibon.
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52
LES
CONTEM-
Jon Fosse
Le Théâtre 95 est un lieu dédié
aux écritures d’aujourd’hui. à ce
titre, il se doit de porter un regard
attentif à la production des auteurs
dramatiques vivants. Pour cela il
a initié depuis plusieurs années
le cycle « Les Contemporaines ».
Ce festival est conçu comme un
temps consacré à la découverte
sous plusieurs de ses facettes
d’un auteur majeur de la création
théâtrale contemporaine, afin
de s’immerger dans son univers
singulier.
Durant trois jours, le public pourra
découvrir des spectacles, assister
à des lectures ou mises en
espace, à des débats autour de
ses textes.
Le Théâtre 95 après avoir présenté
le travail de Fabrice Melquiot,
de Rémi De Vos, de Véronique
Olmi notamment, propose cette
annéede se pencher sur l’œuvre
d’un auteur norvégien de tout premier
ordre, traduit et joué dans de
nombreux pays : Jon Fosse.
PO-
RAINES
LES RENDEZ-VOUS :
MERCREDI 9 AVRIL
À 19 H
JEUDI 10 AVRIL
À 19 H
VENDREDI 11 AVRIL
À 19 H
Jon Fosse
Né en 1959 sur la côte ouest de
la Norvège, Jon Fosse grandit au
bord des fjords. Il n’écrit pour
le théâtre qu’après une quinzaine
de romans et de multiples
récits, essais, recueils de poèmes et
livres pour enfants. Dans ses pièces,
les personnages sont souvent génériques
(Lui, Elle, Le Père, La Fille,
Personnage 1, Personnage 2), ils sont
deux ou trois, parfois quatre, ils se
confrontent à leur solitude.
Avec une écriture simple, minimaliste
et répétitive, mais presque baroque
dans la multiplication et la transformation
infinie de ses motifs, Jon Fosse
capte les pensées intimes, les contradictions
et les soubresauts des sentiments
qui nous assaillent. Ses écrits
(romans, nouvelles, poésie, essais et
théâtre) ont été traduits dans plus de
quarante langues, et ses pièces ont été
montées par les meilleurs metteurs en
scène : Thomas Ostermeier, Claude
Régy… Il fait partie des plus grands
auteurs contemporains.

LE MANUSCRIT
DES CHIENS I : QUELLE GALèRE !
de Jon Fosse
mise en scène de Christophe Laluque
Websterr est un chien d’appartement
qui rêve d’aventures lointaines. Chez la
vieille Oline, il n’en peut plus ! Impossible
d’être un chien solitaire digne de ce nom
lorsqu’on a une maîtresse comme Oline qui
vous habitue aux effusions et aux caresses.
Websterr, lui, est un chien solitaire, c’est sûr.
Il rêve de voir la mer et de porter secours
à la petite chienne blanche dans la forêt,
comme tout chien solitaire qui se respecte.
Il ne lui reste qu’une solution : partir. Au fil
des rencontres, confronté à la bassesse canine,
Websterr réalise que la vie d’un chien
solitaire n’est pas si facile… Et quand en
plus le remords le gagne, quelle galère !
Christophe Laluque
Il a dirigé le Théâtre de l’Envol à Viry-
Chatillon de septembre 2005 à juin
2011, après une résidence de deux ans
en partenariat avec le Conseil général de
l’Essonne.
Depuis janvier 2012, il dirige La Friche
des Lacs de l’Essonne, en partenariat
avec le Conseil général de l’Essonne.
En 1994, il monte Aden Arabie de Paul
Nizan. Dans l’optique d’un théâtre de
recherche accessible à tous, il monte
Bertolt Brecht, Gertrude Stein, Alphonse
Daudet, Rainer Maria Rilke,
Robert Walser. Il intègre la vidéo à ses
spectacles, puis entame des collaborations
avec des auteurs vivants.
Il met en scène L’Enfant prodigue,
Prométhée un trou dans les nuages,
Mirlababi, et Vagabonds de Marc
Dans les textes pour la jeunesse de Jon
Fosse, les enfants ont une incroyable détermination,
des désirs qui ne cèdent à rien,
un esprit de conquête prêt à toutes les
épreuves. Ils représentent des forces auxquelles
on a envie de s’identifier.
Dans Le Manuscrit des chiens I : Quelle galère
!, c’est la question du désir d’émancipation
qui se dégage. Le désir de grandir, de
ne plus être considéré comme un bébé, de
faire partie des grands…
L’âge où l’on oscille entre soif de l’inconnu et
besoin de protection, c’est celui de l’enfance
par excellence ! On pense à cette période où
certains enfants ont un peu honte, devant
Soriano, Que disent les cochons quand
le ciel est gris ? de Patrick Lerch. En
2008, il monte Le Manuscrit des chiens
III : Quelle misère ! de Jon Fosse, puis
en 2009 Au panier ! d’après l’album
d’Henri Meunier et Nathalie Choux. Il
met en scène Le Dernier Dodo en 2010,
inspiré du texte Le Dindon et le Dodo de
Gilles Clément, Noir et humide de Jon
Fosse, L’Arrestation et Même l’hiver en
2011. En 2012, il monte Quand à peine
un nuage, « poésie contemporaine pour
les jardins », Le Manuscrit des chiens I :
Quelle galère ! de Jon Fosse et La Magie
des marais (Work in Progress).
mercredi 9 avril à 19 h
leurs camarades, de l’amour prodigué par
la famille. Cela se traduit concrètement
par la volonté de ne pas être accompagné
à l’école, ou de ne plus embrasser son père
ou sa mère…
C’est une étape nécessaire pour la construction
de l’enfant. C’est ce qui lui permet de
s’émanciper.
Christophe Laluque
avec Catherine Bayle, Loïc Le Roux
et Bruno Pesenti
traduction Terje Sinding
scénographie
Christophe Laluque et Franz Laimé
musique et sons Nicolas Guadagno
vidéo Frédéric Bonnet
lumière Franz Laimé
coproduction Amin Théâtre et Le Théâtre Dunois /
aide à la production DRAC Île-de-France, Adami /
aide à la diffusion au Théâtre Dunois de la Mairie
de Paris / aide pour les actions artistiques autour
de la création Arcadi
L’Amin est soutenue par l’Acsé, le ministère de
la Culture et de la Communication (DRAC Île-de-
France), la Région Île-de-France, le Conseil général
de l’Essonne et la Communauté d’agglomération
Les Lacs de l’Essonne.
Elle est associée au Théâtre Dunois, théâtre pour
l’enfance et la jeunesse (Paris 13 e ).
Elle est en partenariat artistique et pédagogique
avec l’École départementale de théâtre (EDT91),
et en partenariat technique avec TICE pour le
Théâtrobus.
Le Manuscrit des chiens (I, II, et III)
est publié en français par L’Arche Éditeur
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HIVERjeudi
10 avril à 19 h
de Jon Fosse
mise en scène d’Émilie Anna Maillet
Un homme et une femme. Un banc
public puis une chambre d’hôtel. Se
connaissent-ils ? Une rencontre, un vacillement,
une lente disparition… Qui
sont-ils ? Sont-ils bien réels ? C’est l’histoire
de la rencontre d’un homme et
d’une femme aux vies presque opposées.
Deux êtres qui se trouvent, peut-être pour
mieux se perdre, peut- être pour simplement
se sentir vivants. Ils sont dans un de
ces temps d’arrêts, de vide où les actes paraissent
inconséquents. Jon Fosse parle de
nos glissements hors du monde, de nos
disparitions du réel. Ce sont des sensations
de vertiges, de confusion, de doute
sur notre matière même et notre réalité
qui conduisent la mise en scène vers la
« magie nouvelle », les hologrammes. Les
spectateurs, pris dans une démultiplication
des images et des illusions d’optique,
nagent au travers des sensations des personnages
entre fantasmes et fantômes.
Pour transcrire la dimension au-delà du
réel dans laquelle s’engouffre le couple,
Émilie Anna Maillet crée un croisement
subtil des langages : les mots et la magie
nouvelle confondent peu à peu la réalité et
l’illusion dans une insolite danse se jouant
de nos perceptions et de notre imaginaire.
Hiver devient une poésie des sens, étrangement
drôle, conçue en complicité avec
Raphaël Navarro, co-auteur du Manifeste
pour une magie nouvelle (2010).
La magie nouvelle permet de rendre
visible l’invisible, d’animer l’inanimé, de
matérialiser ou suggérer l’irréel, de créer
le doute, de travailler sur notre identité et
notre perception, de dépasser le domaine
visuel pour s’adresser aux autres sens.
C’est aussi l’une des rares techniques
qui ne soit pas incarnée au départ : elle
peut prendre n’importe quelle forme
tant qu’elle arrive, dans le réel, à incarner
ce qui n’existe pas. Les personnages
se trouvent immergés dans des images
fantomatiques, entourés d’hologrammes,
pris en étau dans une réalité modifiée
provoquant des sensations de confusion
du réel, de troubles optiques. Une disparition
des repères d’espace, du temps, des
corps, de la réalité, qui pose la question
de l’existence de notre matière même,
de manière physique. C’est une réalité
modifiée et en doute permanent que j’ai
souhaité installer.
Le trouble de la perception est un principe
créateur.
LA PRESSE EN PARLE…
Des trouvailles judicieuses correspondant
bien à l’écriture
minimaliste du dramaturge qui
joue des blancs, des silences et
livre des bribes de vie saisies
dans un univers fantômatique.
Claude Régy, Patrice Chéreau
ont porté à la scène avec bonheur
cet auteur énigmatique,
mais les inventions de la jeune
Compagnie Ex Voto sont ici
particulièrement réussies.
Sylviane Bernard Gresh,
Télérama
avec Violaine de Carné, Airy Routier,
et Clotilde Evrard
traduction Terje Sinding
création numérique Maxime Lethelier
scénographie Émilie Anna Maillet
et Maxime Lethelier
conseiller magie nouvelle
Raphael Navarro (Cie 14:20)
musique Asaco Fujimoto
production Compagnie Ex Voto, À La Lune, Résidence
de création à la Ferme du Buisson-Scène nationale de
Marne-la-Vallée / avec le soutien du Centquatre Paris
Hiver est publié en français par L’Arche Éditeur

RAMBUKU
de Jon Fosse
Joël Dragutin proposera la mise en voix d’un des derniers textes inédits de Jon Fosse, Rambuku.
On retrouvera l’atmosphère incertaine, floue mais persistante, de l’attente et de l’incertitude qui caractérise nombre de textes de
l’auteur. Celle aussi, des temps, des souvenirs, des époques mêlés confusément. Un univers fantomatique nimbé des lumières du
nord. Dans un nulle part rêvé. Un théâtre de la parole, de la presque immobilité physique et de l’oscillation mentale.
Ici, il est question d’un homme et d’une femme : un couple, ELLE et LUI.
Ils doivent partir à Rambuku.
Elle se souvient de cet endroit.
Où ils sont allés.
À moins que Rambuku ne soit le souvenir de LUI ?
L’ATELIER LES CONTEMPORAINES
vendredi 11 avril à 19 h
à travers différentes formes théâtrales sera appréhendé l’unviers de Jon Fosse,
auteur invité des « Contemporaines » de cette saison.
vendredi 11 avril à 20 h 30
Une rencontre consacrée
à Jon Fosse aura lieu
à l’issue de la représentation.
Cet atelier, sous forme de stage, sera animé par Thierry Le Gall tous les jeudis de 19 h à 21 h de novembre à avril.
Thierry Le Gall a été formé à l’école internationale de Jacques Lecoq. C’est sur ces bases qu’il vous propose de découvrir
ou d’approfondir les techniques de l’improvisation collective, le voyage du masque neutre, le chœur antique.
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LES PRÉSIDENTES
de Werner Schwab
mise en scène de Yordan Goldwaser
Ce sont des gens qui croient tout savoir, et veulent décider de tout. Je viens moi-même d’une famille de
Présidentes. Werner Schwab
Les Présidentes s’ouvrent sur une messe
télévisée papale regardée par trois femmes
dans une cuisine qui ressemble à un musée
du kitsch. Les trois femmes parlent de
leurs vies fracassées, de leurs enfants abrutis,
de leurs animaux indomesticables, de
sexe, d’argent, de religion : tout leur quotidien
graisseux et vulgaire se déverse ainsi
à pleins seaux, dans une langue bancale,
déformée, défoncée. Erna, championne
de l’épargne, est obsédée par son charcutier
polonais Wojtyla et porte la charge de
son fils alcoolique. Grete, ancienne reine
de la séduction sur le retour, se retrouve
seule avec ses rêves de nymphomane. La
petite Marie, incarnation de l’innocence,
règne sur le cloaque humain, en tant que
spécialiste du débouchage manuel des toilettes,
activité qu’elle pratique en public,
sans utiliser de gants et qu’elle considère
comme un don divin. Toutes trois sont
des machines à évacuer les paroles, le langage,
la solitude endeuillée des rêves et des
espoirs.
Mais lorsque l’on touche le fond du sordide,
peut-être finit-on toujours par faire
remonter des fragments de rédemption,
d’expiation, de nostalgie du martyre… ?
Avec des Présidentes aussi féroces et aussi
déjantées, à l’image d’une société autrichienne
que Werner Schwab vomit littéralement,
tout peut arriver, l’atroce et
mardi 6 et mercredi 7 mai
à 20 h 30
le miracle. Tout peut s’inverser aussi : la
langue, les apparences, l’ordre, la société
ne (se) tiennent plus. Alors, quand l’une
d’entre elles, hystérisée par l’apparition
cathodique divine, rompt la loi du silence
et confesse les secrets les plus intimes et les
plus obscènes des autres, cela ne peut que
vraiment très mal tourner… Tellement
mal d’ailleurs que la pièce n’en finit plus
de rejouer sa propre fin comme si la société
post-hitlérienne dessinée par Schwab
ne savait plus sortir de ses obsessions pour
s’inventer une possibilité d’avenir.

LA PRESSE EN PARLE…
La nuit de la Saint-Sylvestre 1993, Werner Schwab se coucha ivre mort et le
resta. Ainsi s’achevait, à 35 ans, la vie d’un dramaturge autrichien dont la réputation
n’a fait que croître depuis. Les pièces de Schwab ne font pas dans la dentelle.
Scatologie et pornographie sont les deux mamelles d’une écriture-chasse d’eau,
où l’Autriche et ses habitants tiennent le rôle du tas de merde. À côté, Thomas
Bernhard passerait presque pour un optimiste à l’eau de rose et Fassbinder pour
un jeune homme BCBG. On ne voit guère que Jelinek, pour la littérature, et
Hanecke, pour le cinéma, qui puissent s’aligner.
René Solis, Libération
Le théâtre est une sorte de déchetterie supérieure
Werner Schwab
Yordan Goldwaser a choisi trois angles
d’attaque pour la mise en scène de ce
texte décapant : le langage, l’idiotie, l’utopie.
Le langage comme objet et outil
de domination, comme instrument de
sublimation du réel lorsque celui-ci ne
peut plus masquer l’horreur. L’idiotie, qui
comme dans Dostoïevski, est l’autre nom
de la vérité insupportable qui appelle au
sacrifice le plus violent. L’utopie, comme
envers de la dénonciation d’un ordre social
qui produit inéluctablement ces Présidentes
maléfiques et grotesques.
Pourquoi monter Schwab aujourd’hui ?
Yordan Goldwaser : Parce que, derrière
une tradition déjà établie, qui ferait de
Schwab le pape d’un théâtre grotesque,
héritier à la fois du vaudeville et de la
farce populaire, se cache une matière extrêmement
riche et complexe, pour peu
que l’on se donne les moyens d’y regarder
de plus près.
La structure de la pièce, en dépit même
des déclarations provocatrices de l’auteur,
repose sur une architecture d’une extrême
précision.
Récurer des toilettes peut être un acte de
foi, l’éducation d’un animal de compagnie,
une raison d’être. C’est dans ce sens
que nous entamerons le travail. Donner
aux désirs des personnages de la pièce le
même crédit qu’à ceux qui nous meuvent.
Pour essayer d’ausculter avec précision les
mécanismes de leurs expressions, les systèmes
de défense qui les protègent.
C’est pourquoi, pour rompre avec une
certaine tradition schwabienne, nous extirperons
les protagonistes du carcan dans
lequel l’auteur lui-même les a engoncés.
Pas de vieilles bigotes à la retraite, issues
d’un terreau provincial et petit-bourgeois,
mais des personnages indéfinis, sans âge,
et sans appartenance sociale, pour que les
enjeux de la pièce puissent être lus sans la
distance que provoque le grotesque.
Mais plus profondément encore nous
serons amenés à entendre cette œuvre
comme une mise en garde face à l’abdication
de nos rêves, de nos désirs fondamentaux.
Une remise en question de
notre capacité à les faire vivre et fructifier
dans un monde régi par la concurrence,
avec comme seul contrôle, celui des règles
d’une société dont nous ne maîtrisons pas
l’évolution.
Schwab nous pose ainsi à nouveau la
question de notre capacité à vivre ensemble,
en bonne intelligence, et nous
offre avec Les Présidentes un espace de
réflexion à l’échelle d’une microsociété.
Un espace que nous voulons habiter, avec
le plus d’acuité possible.
Ce projet concerne la pièce de Schwab,
mais il est aussi, à notre échelle, un moyen
de créer une zone éphémère d’expérimentation
de notre capacité à nous entendre,
C’est déjà assez grave
comme ça que l’homme soit
obligé de toujours faire caca et
d’avoir souvent des sensations si
mauvaises. Je me suis souvent demandée
pourquoi l’homme
doit-il avoir un derrière.
Ce n’est pas beau du tout,
un derrière comme ça.
Mais les hommes n’arrêtent
pas de fabriquer des derrières et s’en font
des images.
(Erna)
nous comprendre, et à faire cohabiter nos
désirs.
La scène finale, qui voit les trois femmes
assister elles mêmes à la représentation
des Présidentes, nous pousse à questionner
notre capacité d’identification à la scène,
pour que le théâtre que nous voulons
ne soit pas qu’une parenthèse, le temps
d’une représentation, mais plutôt une
invitation à l’engagement, une pierre sur
laquelle pourront s’ériger nos utopies.
propos recueillis par le Théâtre 95
avec Pauline Huruguen, Sofia Teillet,
et Tamaïti Torlasco
assistant à la mise en scène
Barthélémy Meridjen
création lumière Samaël Steiner
création vidéo Robin Fresson
production compagnie Jackie Pall
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NORMA JEAN
d’après Blonde de Joyce Carol Oates
adaptation et mise en scène de John Arnold
Norma Jean, c’est l’histoire d’une Blonde-
Cendrillon de la côte Ouest. Si les citrouilles
se transforment en carrosses,
elles carburent au whisky et à la vodka et
laissent dans leurs sillages des traînées de
cocaïne, les rôles des petites souris sont
tenus par des rats et des porcs, et le prince
charmant ne l’est pas du tout.
LA PRESSE EN PARLE…
Montrer sur scène l’histoire de Marilyn
Monroe, par le biais d’un monologue de
sa mère internée ou d’un dialogue avec un
médecin ou des infirmières, la voir, elle, en
chair et en os, avec tous les autres, Di Maggio,
Miller, Kennedy, Zanuck…, célèbres
ou pas, bref, Hollywood, tout un monde
qui, l’instant d’une représentation, redescend
sur terre et s’incarne.
À la manière de Dogville, le film de Lars Von Trier, cette pièce de presque trois
heures donne une place centrale aux treize acteurs excellents et à leurs mouvements.
« Marilyn est la Cendrillon du XX e siècle », souligne John Arnold. La pièce
se déroule comme un conte, et débute comme un thriller.
Claire Baudéan, France Info
La jeune actrice menue, Marion Malenfant, brûle véritablement les planches.
En nuisette et chaussettes blanches, elle compose une femme-enfant poignante
avant de s’imposer dans le rôle d’une star qui semble s’être toujours punie de
n’avoir pas été aimée. Marion Malenfant sait restituer la complexité de Norma
Jean Baker, devenue une icône qui « appartient au regard du monde ».
Nathalie Simon, Le Figaro
C’est le grand carnaval carnivore qui dévore
des yeux la déesse avant de l’immoler
et de faire de son cadavre une légende et,
cette Blonde, c’est la fille sur qui tombe la
malédiction.
jeudi 15 mai à 19 h
vendredi 16 mai à 20 h 30
John Arnold
avec Aurélia Arto, Philippe Bérodot,
Bruno Boulzaguet,
Jean-Claude Bourbault, Samuel Churin,
Evelyne Fagnen, Antoine Formica,
Jocelyn Lagarrigue, Marion Malenfant,
Olivier Peigné, Fabienne Périneau,
Maryse Poulhe et John Arnold
assistant à la mise en scène
Grégory Fernandes
scénographie et costumes Aurélie Thomas
lumière et direction technique Olivier Oudiou
couturière Magali Angélini
assistant lumière et régie générale
Thomas Cottereau
création sonore Marc Bretonnière
vidéo Michel Ferry
administration Laurent Pousseur
production déléguée Théodoros Group / coproduction
Théâtre des Quartiers d’Ivry / avec l’aide à la production
de la DRAC Ile-de-France, ministère de la Culture
et de la Communication et le soutien de l’ADAMI / avec
la participation artistique du Jeune théâtre national /
avec le soutien du Théâtre Firmin-Gémier-La Piscine,
du Fonds d’insertion pour jeunes artistes dramatiques,
DRAC et Région Provence-Alpes-Côte d’Azur, de
Scènarts et de Tango Prod
Le spectacle Norma Jean est librement
inspiré du roman Blonde de Joyce Carol
Oates (Stock, 2000), des écrits de Don
Wolfe, des rapports d’autopsie du F.B.I., de
la police du comté de Los Angeles et des
interviews de Marilyn Monroe.

Monsieur le directeur,
COURRIER DES SPECTATEURS
Déjà, permettez moi de vous dire que je ne comprends pas très bien pourquoi un théâtre donne pour noms, à ses différentes
salles, ceux d’un cinéaste italien et d’une philosophe allemande, comme s’il n’y avait pas assez d’auteurs de « théâtre », français
ou mêmes étrangers, plus adaptés !
Bon, passons, on aura sans doute voulu se montrer original… Mais, au-delà de cette confusion délibérément
entretenue, faut-il rappeler que, la plupart du temps, nous n’apprenons qu’au dernier moment dans quelle salle
se joue le spectacle que nous allons voir ? D’où une certaine irritation, car comme vous pouvez l’imaginer, nous
ne nous préparons pas de la même façon à entrer dans la salle Visconti que quand nous pénétrons la salle Arendt.
Si cela vous est égal, il aurait fallu leur donner le même nom ou leur affecter un simple numéro, (salle 1 et salle 2).
Mais les choses malheureusement ne s’arrêtent pas là : il fait souvent très froid dans la salle Visconti et très chaud dans la
salle Arendt. Pourquoi cette différence de température ? Est-ce que cela relève d’un choix délibéré ? Serait-ce une mise en
condition particulière ? Quelle en est la perspective dramaturgique, sans doute trop subtile pour moi ? Pourquoi fait-il très
froid pour Tartuffe et très chaud pour Mère Courage ? J’avoue qu’à ce degré d’aberration j’ai du mal à vous suivre… Pouvezvous
nous donner (car je ne suis pas le seul à m’interroger sur ces extravagances diverses) quelques explications cohérentes
et recevables ?
Cordialement,
Mesdames et messieurs les artistes,
J.-P. Faideau, Cergy
Permettez-moi de vous soumettre une petite suggestion : il ne vous a pas échappé que la télévision propose quotidiennement
de nombreuses émissions qui s’attachent à aider les familles à imaginer chaque jour des plats originaux, équilibrés, en
prenant toujours soin de nous montrer qu’il suffit de quelques euros et de quelques minutes pour s’affranchir des surgelés,
des livreurs et des fast-food. La presse, elle aussi, ne manque jamais, fût-ce habilement dissimulées par des articles-prétextes
sur des sujets prétendument d’actualité, de réserver ses plus belles pages à des recettes colorées et appétissantes. Les librairies
regorgent d’ouvrages s’attachant à répertorier les multiples facettes de la créativité humaine dans les domaines de la bouche.
Aussi ai-je pensé que le théâtre, lui aussi, pourrait, de temps à autre, nous offrir des conseils culinaires et des astuces pour
reconnaître les ingrédients sains et goûteux auxquels nous aspirons tous. Car, si nous votre public est avide des nourritures
de l’esprit, celles du corps, sachez-le, ne le laisse pas non plus indifférent. Je vois déjà la scène : au centre un fourneau, de
la vaisselle et divers ustensiles ; derrière ce dispositif, un personnage en toque, qui, devant nos yeux ébahis, découperait,
désosserait, émincerait, ébarberait, farcirait, larderait, glacerait, napperait, panerait, assaisonnerait, braiserait, pocherait,
grillerait, ferait revenir, enfournerait, désenfournerait, que sais-je, enfin – bref, cuisinerait pour nous apprendre à le faire.
J’ajoute que vous, artistes de théâtre, avez sur ce terrain des atouts uniques : vous seuls en effet pouvez nous faire sentir la
présence encore palpitante de la viande et des légumes, la chaleur de la marmite où ils mijotent et le fumet qui s’en dégage…
Car, je dois vous le dire, c’est bien souvent qu’il nous arrive de nous rendre au spectacle le ventre vide et le cœur lourd.
En espérant qu’il vous sera possible de donner suite à cette modeste idée, bien à vous,
K. Hamsun, Puiseux-Pontoise
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PORTRAITS
texte et mise en scène de Joël Dragutin
mardi 20, mercredi 21
et vendredi 23 mai à 20h30,
jeudi 22 mai à 19h
Deux impromptus, deux adresses au public, deux récréations dans les langues de communication de notre époque.
Deux portraits de femmes, deux consommatrices de la culture, de l’espace et du temps,
prisonnières de leurs représentations symboliques contemporaines.
La Spectatrice, créée en 2006, connaît un grand succès public lors de chacune de ses reprises.
Elégant et ironique clin d’œil au public des salles de théâtre, des festivals, et des événements culturels en général.
Quand la société du spectacle métamorphose spectaculairement le spectacle lui-même, la Spectatrice se libère…
Cette Estivante, créée cette saison, poursuit ainsi le projet de Joël Dragutin, de composer une série
de « miniatures ». L’Estivante est une héroïne « hype » dans l’air de notre temps : une femme en quête d’émotions fortes
dans l’espace spectaculaire de la société globalisée. Il nous propose une nouvelle variation
autour du tourisme, qui consomme le monde et son histoire, jusqu’à paraître devenir l’abîme de tous les mythes.
avec Stéphanie Lanier
production Théâtre 95

L’ESTIVANTE
De la France, Olga ne connaissait au fond que Paris, se dit Jed en feuilletant le guide French Touch ; et lui-même, à vrai dire,
guère davantage. À travers l’ouvrage, la France apparaissait comme un pays enchanté, une mosaïque de terroirs superbes
constellés de châteaux et de manoirs, d’une stupéfiante diversité mais où, partout, il faisait bon vivre.
Michel Houellebecq
Elle voyage, globe-trotte, excursionne,
randonne, admire, flâne, explore, déguste,
découvre, s’émerveille…
Elle a déjà « à son actif » un safari-photo au
Kenya, un trekking au Népal, un city-trip
à Londres, un stage de yoga en Californie,
un festival de musique sacrée à La Chaise-
Dieu, le tour des villes impériales japonaises,
une croisière-conférences « grandes
civilisations de l’Antiquité ».
Elle s’est laissée tenter par une semaine gastronomique
le long de la route des vins de
Bourgogne, elle a expérimenté un séjour de
tourisme durable en Namibie et repéré un
circuit « châteaux et cyclotourisme » dans la
vallée de la Loire, elle s’est offert un weekend
shopping et spas à Florence, avant de se
décider pour une cure de remise en forme
et une chirurgie plastique mammaire dans
un vieux palace de Budapest.
Elle s’entraîne à l’utilisation des épices
dans la cuisine ayurvédique en Inde, elle
participe à un atelier sur la reforestation
amazonienne à Manaus, avant de goûter
aux charmes des nuits étoilées sous une
yourte avec d’authentiques nomades dans
l’Atlas, mais ressent par ailleurs le besoin
LA SPECTATRICE
Soudain, nous assistons à son lever et à sa
prise de parole. Elle, toujours assise, toujours
silencieuse, toujours anonyme, se
retrouve maintenant debout, en pleine
lumière, dans une des travées du théâtre.
La voici en scène, investie des mots du
théâtre. Et cette femme, qui brûle du désir
de l’art et qui maîtrise brillamment une
langue chauffée à blanc par l’attente du
plaisir esthétique, que nous dit-elle ?
Que le désir ne donne plus signe de vie,
que le désir déserte les scènes et aussi les
salles, que les signes du désir s’évaporent
dans un murmure inaudible.
Avec l’humour provocateur et la tendresse
humaniste, qui sont la griffe de son écriture
libertaire et vivifiante, Joël Dragutin
dresse ici le portrait de cette femme d’au-
de témoigner sur les lieux de mémoire qui
ont marqué l’histoire polonaise, puis part
se recueillir et rechercher la vraie sagesse
dans une retraite monastique en attendant
de s’échapper pour assouvir une libido
cougar sur les plages cubaines.
Elle a « fait » Bali, la Grèce, la Thaïlande, le
Brésil, le Périgord noir, Avignon, Vienne,
New York…
Le menu de la consommation des espaces
et du temps sur notre planète tombée sous
l’empire de la société du tourisme est absolument
infini.
Au début du XXI e siècle, le tourisme a absorbé
et saturé toute l’histoire humaine, la
terre entière, et toutes les pratiques sociales
et culturelles imaginables.
De loisir, il est devenu une pratique existentielle
qui donne du sens à la vie d’occidentaux
gavés, stressés et désorientés, et donne
du travail et des revenus, non seulement
aux populations des pays émergents, mais
de plus en plus à celles des pays désindustrialisés
et démotivés, comme ceux de l’Europe
du Sud, dont la France. Et les voyages
« équitables » ou « humanitaires ne dérogent
pas à cette dynamique de consommation.
jourd’hui, de cette spectatrice éponyme.
Plutôt intelligente, plutôt raffinée, en
quête de sensations rares, elle combat pour
discerner encore, sous un clinquant et
luxueux « packaging », le produit culturel
courant de l’authentique chef-d’œuvre.
Elle s’aventure ainsi, (dés)enchantée, dans
l’immense galerie des glaces de l’art et de
la culture, elle se sent perdre pied dans le
vertige de la consommation effrénée, en
proie au pire des cauchemars : non, elle
ne pousse pas un caddie en folie ! Oui, elle
a bien le programme entre ses mains et
attend son ami dans le hall du théâtre… !
Que reste-t-il du théâtre dans nos vies saturées
d’images, toujours plus médiatisées et
surexposées ? Cet espace civilisé, où le désir
de l’altérité et de la séduction des symboles
Paradoxalement, cette quête d’aventure,
de dépaysement dans de nouveaux espaces
à découvrir contribue à leur destruction.
Nature et culture sont progressivement
aménagées, préfabriquées et standardisées
pour garantir le succès de ce tourisme de
masse, exportation de l’idéologie occidentale
du « développement et de la croissance
illimités ».
Tourisme culturel, écologiste, humanitaire,
sexuel, gastronomique, historique,
médical, sportif, religieux, industriel,
scientifique… la liste est impossible à compléter
tant le tourisme se love désormais
dans l’ensemble des activités humaines. Le
dernier homme, la dernière femme seront
à n’en pas douter les derniers touristes…
Joël Dragutin nous livre là l’instantané
d’une « vacancière » d’aujourd’hui, égarée
dans l’immensité de la grande vacance du
consommable.
Valérie Battaglia
NB : Le tourisme est devenu la première industrie mondiale,
devant l’agro-alimentaire, l’industrie du pétrole et
celle de l’armement. Il représente 200 millions d’emplois,
730 milliards de dollars de CA (OMC, 2012).
triomphent de la violence et de la brutalité,
peut-il encore exister ?
Courageuse, naïve et obstinée, la Spectatrice
ne se résigne pourtant pas à l’illusoire,
au factice et à la standardisation de la
production artistique. Elle veut continuer
malgré tout à rechercher et à éprouver des
sensations inédites.
Et si la confusion qu’elle exprime nous fait
sourire, son désir, allumé et encore vivace,
nous réconcilie avec nous-mêmes.
Valérie Battaglia
(extraits de la préface
à La Spectatrice, éditions de l’Amandier)
61

62
MARIE TUDOR
de Victor Hugo
mise en scène groupe LA gALERIE
Marie Tudor, reine d’Angleterre malade et
vieillissante, s’entiche du jeune et séduisant
Fabiano Fabiani, un aventurier sans scrupules.
Elle lui offre une fortune, des titres
et lui ouvre son lit. Mais elle doit épouser
le roi d’Espagne, qui a envoyé son ambassadeur
Simon Renard pour organiser le
mariage. Quand il s’aperçoit que la reine
a un favori, il va comploter pour éliminer
Fabiani. Le hasard lui fait alors rencontrer
Gilbert, ouvrier ciseleur à la cour d’Angleterre,
fou de douleur parce que Jane, sa
fiancée, s’est laissée séduire par Fabiani.
Renard va utiliser Gilbert et son désir de
vengeance pour organiser l’assassinat du
jeune aventurier. Lorsqu’elle apprend la
trahison de son amant, Marie Tudor accepte
d’entrer dans le complot, avant de
tout tenter pour le sauver finalement…
Dans Marie Tudor, le drame amoureux se
superpose à la tragédie où le véritable enjeu
est la prise de pouvoir, où les rancœurs
privées servent un dessein politique, où
un homme, au demeurant condamnable,
est exécuté pour un crime qu’il n’a pas
commis.
Théâtre, politique et passion amoureuse
– thèmes récurrents chez Hugo –
s’imbriquent dans ce drame qu’il a rêvé
comme un modèle du genre. Écrite trois
ans seulement après les Trois Glorieuses
(révolution de juin 1830), Marie Tudor ne
met pas en scène le soulèvement théâtral
d’un peuple contre le despotisme, mais,
sur fond d’émeutes et d’exécutions arbitraires,
une révolte populaire en coulisse,
rythmées par le son de la cloche, les passions
d’une femme qui est aussi la reine.
mardi 27 et mercredi 28 mai
à 20 h 30
Un parti pris scénique
résolument moderne
Dans cette mise en scène, le groupe
LA gALERIE a choisi de raconter
Marie Tudor dans un espace littéral,
sans artifice. Sur scène, un décor
constitué principalement du matériel
technique et des objets sortis tout droit
de notre quotidien manufacturé. Les
matériaux sont choisis et exploités pour
leurs propriétés plastiques. La mise en
jeu de ces quelques éléments scénographiques,
associée à la lumière, permet
aux images d’advenir et sont des tremplins
à la fiction. Les volumes, objets et
matières servent d’obstacles aussi bien
que d’appuis concrets aux corps des
comédiens.

AVANT-PROPOS
En 1827, Victor Hugo entreprend la composition de Cromwell, œuvre
dont la préface est un véritable manifeste du drame romantique ; six ans
plus tard, des notes conservées sur le XVI e siècle anglais nourriront son
nouveau projet, Marie Tudor, un drame sur Marie I re d’Angleterre dite
Marie la Sanglante…
Il y a deux manières de passionner la foule au théâtre : par le grand et par le vrai.
Le grand prend les masses, le vrai saisit l’individu. [...] L’écueil du vrai, c’est le petit,
l’écueil du grand, c’est le faux. [...] Le drame selon le dix-neuvième siècle, ce n’est pas
la tragi-comédie hautaine, démesurée, espagnole et sublime de Corneille ; ce n’est pas
la tragédie abstraite, amoureuse, idéale et divinement élégiaque de Racine ; ce n’est
pas la comédie profonde, sagace, pénétrante, mais trop impitoyablement ironique,
de Molière ; ce n’est pas la tragédie à intention philosophique de Voltaire ; ce n’est pas
la comédie à action révolutionnaire de Beaumarchais ; ce n’est pas plus que tout cela,
mais c’est tout cela à la fois ; ou, pour mieux dire, ce n’est rien de tout cela. Ce n’est pas,
comme chez ces grands hommes, un seul côté des choses systématiquement et perpétuellement
mis en lumière, c’est tout regardé à la fois sous toutes les faces.
Victor Hugo, préface de Marie Tudor
Groupe LA gALERIE
avec André Antébi,
Sébastien Chassagne, Thomas Favre,
Maëva Husband, Élise Marie
et Adrienne Winling
création collective
dirigée par Céline Champinot
scénographie Émilie Roy
son Samuel Favart Mikcha
lumière Claire Gondrexon
coproduction Théâtre de Bourg en Bresse (EPCC) et le
Centre culturel Louis-Aragon (Oyonnax) / avec l’aide
de la DRAC Rhône-Alpes, de la région Rhône-Alpes
et du Conseil général de l’Ain / avec le soutien à la
Jeune création du Théâtre 95 et du Moulin de l’Etang
de Billon (63)
Nous.
Nous croyons à une histoire, celle de l’instant qui rassemble acteurs et spectateurs
dans un espace unique
Un humain qui parle à un autre humain Tout part de là Pour nous 1+1+1+1+1
etc. c’est toujours mieux que 1 (même quand c’est raté)
Nous croyons que la manifestation artistique n’est que la partie visible d’un processus
plus global
Nous aimons voir émerger du collectif, de ses frictions, de son fatras, l’œuvre
inattendue que nous n’imaginions pas
Chacun d’entre nous sera garant de cette machination collective
Nous sommes un groupe
63

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LA CHUTE
d’après Albert Camus
mise en scène Géraud Bénech
Cette année, le centenaire de la naissance
d’Albert Camus est l’occasion de revisiter
de façon théâtrale ce récit écrit par l’une
des figures les plus marquantes de la pensée
du XX e siècle.
Aujourd’hui, La Chute est devenu un classique,
et son auteur l’archétype de l’intellectuel
à la française, naviguant en solitaire
entre liberté philosophique et engagement
humaniste.
Cette étrange confession s’inscrit à présent
dans un autre contexte historique, loin
des affrontements idéologiques des années
50 (Guerre froide, décolonisation, forte
influence du marxisme dans les courants
de pensée en Europe) qui lui donnaient
des allures de manifeste. Nous l’abordons
avec nos préoccupations et notre sensibilité
contemporaines, davantage tournées
vers l’intime et les enjeux à court terme.
Elle résonne dans notre quotidien avide de
coming out et où les médias et les réseaux
sociaux ont banalisé jusqu’à saturation le
déballage de l’intime.
Que signifie, pour notre temps envahi par
la toute-puissance de la communication et
la manipulation des images, cette « entreprise
» émanant d’un homme rompu à
l’art de la parole, brillant avocat comme il
se décrit, comédien comme il se prétend,
et qui va se mettre à nu dans un « jeu de la
vérité » sans concession ?
La mise en perspective théâtrale de ce texte
s’appuie sur la stratégie d’écriture de Camus.
Le spectateur, tout comme le lecteur,
n’est pas pris à partie directement. La parole
de Jean-Baptiste Clamence, portée par
le comédien Stanislas de la Tousche, est
adressée à cet interlocuteur invisible qu’il
tente de convertir et d’entraîner dans sa
chute salvatrice. Mais, dans ce miroir qu’il
lui tend, chacun d’entre nous est conduit,
par étapes, à reconnaître sa propre image.
On ne peut porter seul le poids de sa
condition d’homme.
Un ancien avocat réfugié à Amsterdam
sert de guide à un Français de passage,
rencontré dans un bar du port. Jour après
jour, il se raconte et se dévoile, se faisant de
plus en plus intime. Au cœur de sa révélation,
un événement catalyseur : le suicide
par noyade, sous ses yeux, d’une jeune
femme, un soir, alors qu’il traversait un
pont parisien. Mais, au-delà de sa propre
expérience, il rend compte de cette com-
Durée du spectacle : 1 h
Installation dans les lieux :
2 h avant la représentation au minimum.
La Cie25ter propose également
un débat d’une vingtaine de minutes
après le spectacle.
Ce spectacle est proposé dans le cadre d’une programmation Hors les Murs, tout particulièrement à
l’intérieur des établissements scolaires.
Pour l’accueillir dans votre lycée ou collège vous pouvez joindre le service des relations publiques
au 01 34 20 11 07 ou à l’adresse resp.relations.publiques@theatre95.fr
plexité irréductible que nous partageons
tous, des choix qui composent la trame de
nos existences, de nos intentions, de nos
actes ou nos immobilités, face au regard
de l’autre, face aux injonctions sociales ou
aux intrusions fracassantes de l’Histoire
dans nos vies.
L’homme se confie : il a été un avocat
brillant, un séducteur, un homme du
monde, vivant pour et par les autres,
n’existant qu’au travers du jeu des regards.
Puis soudain, à la faveur de ce suicide, la
lucidité l’a saisi. Le sentiment de sa lâcheté
intrinsèque, de sa vanité, s’est mis à affleurer.
Toutes ses tentatives pour le refouler
ont échoué. Sa carapace d’être social s’est
fissurée puis brisée. C’est un écorché vivant
qui se voit en transparence, à la fois
sujet et objet de cette « leçon d’anatomie »
qu’est La Chute.
En s’affranchissant ainsi du mensonge
qui est notre lot commun et grâce auquel
il nous est possible de vivre avec nousmêmes
et en société, Jean-Baptiste Clamence
accède à un statut supérieur, omniscient.
Mais il est condamné à errer dans
les limbes en quête d’individus à convertir.
avec Stanislas de la Tousche
adaptation Stanislas de la Tousche
et Géraud Bénech
scénographie, création sonore et vidéo
Géraud Bénech
lumière Rémy Chevillard
production Cie25ter (cie25ter.fr)

CNSAD
Les autres « Journées de juin »
du Conservatoire national supérieur d’Art dramatique
Le Conservatoire de Paris, désormais très
engagé dans le paysage de l’enseignement
supérieur français, a créé en 2012 un nouveau
cycle d’études, de niveau deuxième
cycle. C’est ainsi que, pour la première
fois en 2012-2013, il a ouvert, par un
concours spécifique réservé aux acteurs
titulaires du diplôme national supérieur
professionnel de comédien, l’accès à une
quatrième année d’études (les études « traditionnelles
» durent trois ans au Conservatoire).
Ces élèves, d’un genre tout à fait
nouveau dans une école supérieure d’art
dramatique, effectueront donc leur cinquième
année en 2013-2014.
Ce deuxième cycle d’études est organisé
selon une logique analogue à un deuxième
cycle universitaire (aboutissant à un diplôme
de Master), mais adaptée à un établissement
d’enseignement artistique.
Les jeunes artistes dramatiques en formation
dans ce cadre, interprètes ou metteurs
en scène, poursuivent pendant deux ans, au
travers d’enseignements spécifiques, d’ateliers
de recherche pratique et d’un accompagnement
artistique et intellectuel, la réalisation
d’un projet théâtral personnel, qui
leur permettra d’obtenir un diplôme, dit
de cinquième année, et dont la vocation est
d’être reconnu au grade de Master.
du mardi 2 au dimanche 8 juin
Chaque année, le Conservatoire de Paris présente au mois de juin les travaux
de ses classes d’interprétation. Ce sont les « Journées de juin » du Conservatoire.
Ce moment fort de la vie théâtrale parisienne s’augmente cette année d’un volet nouveau
– et c’est à Cergy !
C’est au Théâtre 95 que seront présentés
ces premiers travaux de fin d’études, véritables
spectacles proposés par certains des
plus prometteurs parmi les jeunes artistes
dramatiques français. Pour la plupart, ils
sont du reste déjà engagés dans la vie professionnelle
de façon très active.
Pendant une semaine, leurs spectacles se
succéderont dans les deux salles du théâtre,
selon un programme qui sera commu-
niqué ultérieurement.
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PARTENARIATS
Le Théâtre 95 s’adresse au public, aux publics, sous différentes formes, il lui paraît important
de s’ouvrir à d’autres approches de la scène, à d’autres disciplines, et il a, dans cette optique,
noué depuis longtemps de nombreux partenariats, sur le territoire cergypontain et bien au-delà.
C’est ainsi qu’il s’associe aux programmations et aux activités du Conservatoire national supérieur
d’Art dramatique, du Conservatoire à rayonnement régional de Cergy-Pontoise,
du Festival d’Auvers-sur-Oise et à de nombreux autres encore…
CONCERT DANS LE CADRE DE VAL D’OISE OCÉAN
Un concert interprété par l’Orchestre symphonique du Conservatoire à rayonnement régional de Cergy-Pontoise
avec les solistes Sarah Brayer, François Ducasse, Pierre Dutrieu, et Isabelle Lagors.
Au programme de ce concert exceptionnel, La Mer, La Cathédrale engloutie, la Rhapsodie pour clarinette et le Trio pour flûte et
harpe de Claude Debussy, ainsi que deux Gymnopédies d’Erik Satie orchestrées par ce même Debussy.
Les œuvres seront ponctuées par des poèmes ou d’autres textes de contemporains de Debussy et par des odes maritimes.
Cette soirée est organisée en partenariat entre le Conservatoire à rayonnement régional de Cergy-Pontoise, le Conservatoire à
rayonnement départemental d’Argenteuil et le Théâtre 95, dans le cadre de Val d’Oise Océan, opération du Conseil général du
Val d’Oise.
samedi 28 septembre 2013 à 20 h 30
SOMEWHERE
Bernstein – Gershwin – Sondheim
piano Bruno Perbost / percussions Franck Steckar / contrebasse Bernard Lanaspèze
trompette : Fabien Mary / saxophone David Sauzay
avec les 23 interprètes du Chœur des CRÉA’tures
direction musicale Didier Grojsman / arrangements Bruno Perbost
textes et mise en scène Christian Eymery / chorégraphie Linda Faoro
scénographie : Claire Belloc / costumes Isabelle Pasquier
lumières Marie Hélène Pinon / son Laurent Dujarric
régisseur général Saïd Mechehar
Trois compositeurs, une même passion : « The musical ».
Somewhere nous entraîne dans l’univers des années 50 et nous invite le temps d’un réveillon de la Saint-Sylvestre à partager
les retrouvailles d’un groupe d’amis. Au cours de la soirée, petites histoires, confidences et révélations vont se mêler pour nous
transporter à des milliers de kilomètres dans le monde de la comédie musicale américaine made in Broadway.
Les jeunes interprètes du CRÉA, accompagnés par cinq musiciens, rendent hommage à trois compositeurs mythiques du
« musical ».
Somewhere livrera des standards incontournables issus de West Side Story, Porgy and Bess, Un Américain à Paris, mais aussi des
airs injustement méconnus du grand public comme le sont la plupart des œuvres de Stephen Sondheim, le plus estimé des
compositeurs de Broadway encore vivants !
samedi 21 décembre 2013 20 h 30

BLUE MONDAYS JAZZ APÉRO
Fort du large succès du précédent Cycle Jazz qui a vu s’exprimer de jeunes musiciens au talent remarquable. Art vivant par excellence,
art de l’instant saisi au vol, le jazz présente plus d’une analogie avec l’art théâtral : prise de parole, improvisation, écoute
mutuelle, émotion livrée ou retenue, autant de termes que l’une et l’autre discipline ont en partage. De leurs multiples unions,
toutes librement consenties, sont nées plusieurs formes hybrides dont le cabaret est sans doute l’une des plus anciennes et des
plus familières. Leurs publics, proches en sensibilité et en attentes, y puisent la même énergie et y goûtent la même sincérité du
geste offert. Le Théâtre 95 poursuit sa recherche de la « note bleue » en proposant cinq lundis soirs répartis de janvier à mai au
Café de la Plage, dans une atmosphère empreinte de cabaret, de club ou de cave de jazz, et consacrés à la découverte de jeunes
artistes issus de l’excellente classe de jazz du Conservatoire à rayonnement régional de Cergy-Pontoise…
lundis 13 janvier, 10 février, 10 mars, 7 avril, 12 mai à 19 h
PIANO CAMPUS, PRIx DU THÉÂTRE 95
RÉCITAL DANIEL PETRICA CIOBANU
Ce festival, consacré à la découverte de jeunes talents et à leur promotion, est une Grande « fête du piano »,
un concours international dans un esprit d’audace, de dynamisme et de jeunesse.
Le Théâtre 95 offre cette soirée permettant au Lauréat du Piano Campus de Bronze et Prix du Public 2013
de se produire. Ce prix scelle un peu plus encore le partenariat entre Piano Campus et le Théâtre 95.
Diplomé de la Victor Brauner’s Music Highschool de Roumanie, Daniel Petrica Ciobanu totalise quarante premiers prix et vingt
deuxièmes prix de concours de piano en Roumanie. Il participe à de nombreux concours nationaux et internationaux de musique.
Il a obtenu notamment le Premier prix des Olympiades nationales de Roumanie, le Grand Prix du concours Carl Czerny
et le Premier prix du Carpinetto in Musica d’Italie. À partir de 2005, il intègre la fondation humanitaire Musica in Amicizia
dirigée par Iulian Arcadi Trofin. Pendant trois ans, il donne une série de concerts en Italie, en Suisse, en Hongrie et aux États-
Unis. Il joue dans des académies prestigieuses : la Musik Hochschule Winterthur de Zurich, l’Accademia Nazionale di Santa
Cecilia en Italie, la Romanian Embassy de Budapest et le Musicians Institute College of Contemporary Music à Hollywood.
En 2007, il obtient la bourse Constantin Silvestri qui lui permet d’étudier dans la prestigieuse université Stewarts Melville en
Ecosse. Puis il est récompensé en 2008 par le Rotary Club d’Edimbourg en tant que « Jeune Musicien de l’Année ». La même
année il obtient une bourse de quatre ans pour étudier à la l’Académie royale d’Écosse. Il gagne le Premier prix du concours
Morey d’Elgin. Il est invité à se produire aux côtés de Lang Lang au Royal Festival Hall. En juin 2012 il gagne le Deuxième prix
du concours internatonal Adilia Alieva à Gaillard en France.
vendredi 24 janvier 2014 à 20 h 30
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LES 13 E RENCONTRES INTERNATIONALES
DE COMPOSITION MUSICALE DE CERGY-PONTOISE
Ce festival de musique contemporaine qui se déroule durant une semaine sur notre territoire permet à de jeunes compositeurs
venus des quatre coins du monde de travailler ensemble, et d’échanger leurs savoir-faire.
C’est l’occasion pour eux de faire entendre pour la première fois une œuvre originale créée lors de ces rencontres par
un ensemble professionnel de grande qualité.
CONCERT DE CRÉATION
samedi 5 avril 2014 18 h
Les rencontres reçoivent cette année des jeunes compositeurs d’Argentine, du Liban, d’Italie, de Belgique et de France,
et seront inspirées par des poèmes de Max Jacob.
Création des œuvres par l’Orchestre-Studio de Cergy-Pontoise.
CONCERT DE CLôTURE
dimanche 6 avril 2014 à 17 h
Lors de ce concert de clôture, les trois pièces retenues par le Comité de sélection seront données à entendre,
suivies de la création d’un opéra de poche commandé à la compositrice Xu Yi, en partenariat avec le Grame de Lyon.
Orchestre-Studio de Cergy-Pontoise et Conservatoire à rayonnement Régional de C-P.
Tarif plein 11 e, Réduit : 8 e, Etudiants 5 e
CHANTIER DE LA CLASSE DE THÉÂTRE
DU CONSERVATOIRE à RAYONNEMENT RÉGIONAL
DE CERGY-PONTOISE
Ils sont une douzaine, issus de la classe de théâtre du Conservatoire à rayonnement régional de Cergy-Pontoise.
Ils vont travailler au théâtre et se produire dans le cadre d’un chantier qui les plongera dans un environnement
artistique professionnel. C’est un metteur en scène de la saison 2013-2014 qui les dirigera dans ce travail.
vendredi 9 mai 2014 à 20 h 30
samedi 10 mai à 20 h 30
Dans le cadre de ses diverses collaborations avec le Conservatoire à rayonnement régional de Cergy-Pontoise, le Théâtre 95
ouvre à nouveau ses portes à une partie des étudiants de théâtre du CRR dirigés par Coco Felgeirolles, afin de leur donner
l’occasion de réaliser un spectacle dans un cadre pré-professionnel.
L’aventure commencera en début d’année avec la constitution d’un comité de lecture.
Le but sera de choisir un texte contemporain qui les mobilisera dans un processus de création.
Véritable engagement individuel et collectif dans le temps avec le regard d’un metteur en scène sur le travail du groupe et de
chacun et in fine, la possibilité de répéter avec celui-ci et de le présenter au Théâtre 95.

L’HISTOIRE DU SOLDAT
musique de Igor Stravinsky
texte de Charles-Ferdinand Ramuz
mercredi 18 juin 2014 à 20 h 30
L’Histoire du soldat est née en 1918 de la rencontre d’Igor Stravinsky, réfugié en Suisse pour échapper aux horreurs de la Première
guerre mondiale, avec Charles-Ferdinand Ramuz, écrivain suisse francophone. S’inspirant d’un conte russe d’Afanassiev,
Le Déserteur et la Diable, Ramuz conçoit un livret qui dépasse le caractère spécifiquement russe du texte en lui donnant une
portée universelle qui rejoint le mythe faustien. « C’est d’ailleurs ce côté essentiellement humain qui nous tenta, Ramuz et moi,
dans cette tragique histoire du soldat devenant fatalement la proie du diable… » (Stravinsky)
En dépit de son apparente simplicité, c’est l’un des chefs-d’oeuvre les plus secrets de Stravinsky, offrant un modèle de pure
musique dont les matériaux sonores, qui subissent des torsions imperceptibles, lui confèrent une fraîcheur absolue.
Il fallait bien réunir un des plus grands comédiens français, Didier Sandre et un des meilleurs ensembles de l’Hexagone pour
donner vie à ce bijou du répertoire du XX e siècle qui allie texte et musique.
L’Histoire du soldat est présenté au Théâtre 95 en partenariat avec le Festival d’Auvers-sur-Oise.
Philippe Berrod
Didier Sandre
Olivier Charlier
Jean Christophe Gayot
avec Didier Sandre
et les musiciens de l’Orchestre de Paris :
violon Olivier Charlier
clarinette Philippe Berrod
contrebasse Axel Salles
basson Giorgio Mandolesi
cornet à pistons Bruno Tomba
trombone Guillaume Cottet-Dumoulin
percussions Éric Sammut
direction musicale Jean-Christophe Gayot
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ÊTRE SPECTA(C)TEUR,
L’ECOLE DU SPECTATEUR, UN ENJEU MAJEUR…
Depuis sa création, le Théâtre 95 a toujours placé la rencontre avec le public au cœur de son projet. Le brassage des
savoirs, des idées et des esthétiques nourrissent le public et notre démarche artistique. Mais fréquenter la création ne
va pas de soi, cela se prépare, s’accompagne pour s’épanouir et enrichir le public. La transmission et la pratique
artistique des jeunes, des enseignants et du public constituent naturellement un enjeu majeur de notre projet.
Nous souhaitons que chacun invente avec l’équipe des relations publiques les conditions de la sensibilisation et de
l’échange avec pertinence, en adéquation avec les exigences des uns et des autres.
Les Parcours spectacles scolaires et associatifs
Allier le plaisir du spectacle et l’apprentissage
Le Théâtre 95 propose aux enseignants relais, à leurs élèves ainsi qu’aux responsables de groupes associatifs de cheminer
au fil de la saison 2013-2014 à travers des parcours, articulés autour d’un abonnement de 3 spectacles, qui les conduiront à
découvrir les créations de Joël Dragutin, celles des artistes en résidence ou les spectacles accueillis.
Des outils sont à votre disposition pour composer suivant les spécificités de chaque groupe :
> Un abonnement à au moins 3 spectacles,
> Un dossier pédagogique,
> Une visite guidée permettant de découvrir l’envers du décor ainsi que les métiers du théâtre : artistiques, techniques, administratifs, etc.,
> Des rencontres en amont ou en aval des spectacles,
> Des ateliers de sensibilisation.
De nombreux enseignants proposent ces parcours où sensibilisation, rencontres, travail en classe, exploration des textes et
analyse des représentations sont la base de nos partenariats, dans le cadre d’une démarche éducative par laquelle les élèves
apprennent à devenir des spectateurs actifs et désirants et acquièrent jugement esthétique et esprit critique.
Les Ateliers et options théâtre : université, lycées, collèges, écoles…
Apprendre en jouant et en regardant !
Partager, transmettre, s’éveiller aux côtés des équipes artistiques sont les objectifs des ateliers de pratique artistique.
Le Théâtre 95 a à cœur de développer les espaces de « jeu » : écriture, théâtre, expression corporelle…
Ces espaces sont nécessairement mis en perspectives avec une pratique de spectateurs,
par la fréquentation des œuvres jouées au Théâtre 95.
Vivre la représentation en tant que spectateur conscientise d’une autre manière l’épreuve du plateau.
Pour la plupart, les travaux réalisés au sein de ces établissements sont présentés en fin d’année au Théâtre 95.
Ateliers de pratique artistique, options facultatives et « lourdes », modules de formation, projets d’établissements :
Un certain nombre d’établissements partenaires du Théâtre 95 sont engagés dans des dispositifs de longue durée :
Université de Cergy-Pontoise, lycée Jacques-Prévert (Taverny), institution Saint-Martin-de-France (Pontoise), ESSEC (Cergy-Pontoise),
lycée Paul-Emile-Victor (Osny), lycée Camille Claudel (Vauréal), lycée Jeanne d’Arc - Fondation Cognacq Jay (Argenteuil),
lycée Kastler (Cergy-Pontoise), lycée Notre-Dame de la Compassion (Pontoise), lycée Jules-Verne (Cergy le Haut),
lycée Louise-Michel (Gisors), école des Plants (Cergy).
D’autres établissements sont engagés dans des dispositifs ponctuels (classes à Projets artistiques et culturels)…
Des ateliers se développent aussi au sein de structures telles que le Centre d’insertion Césame (Eragny), l’EPSS (Cergy), l’OPEJ
(Saint-Ouen-l’Aumône), le Centre social de Marcouville (Pontoise).

Les Ateliers de pratique amateur au Théâtre 95
De la même manière, au sein du Théâtre 95, des ateliers d’écriture ou de pratique théâtrale hors temps scolaire sont proposés dès la
rentrée, les participants y développent une pratique et une connaissance par la fréquentation des œuvres en tant que spectateurs :
> Enfants (7/13 ans) les mercredis matins
> Adolescents (14/17 ans) les mercredis après-midi
> Adultes les lundis soirs
> Atelier d’écriture (5 journées tout au long de l’année)
Inscriptions à partir du 21 mai 2013
Réunion de présentation des ateliers le mercredi 25 septembre 2013 à 18h30
Un Conseil consultatif des jeunes
« S’approprier le théâtre, c’est peut-être la meilleure façon d’apprendre à l’aimer »
Antoine Vitez
Le Théâtre 95 constitue chaque année le Conseil consultatif des jeunes en partenariat avec les chefs d’établissements scolaires,
les bureaux des étudiants de l’agglomération et plus largement des associations environnantes.
Un ou deux délégués par structure sont ainsi conviés à participer à des rencontres. Référents culturels des établissements scolaires,
enseignants, relais d’associations de l’agglomération de Cergy-Pontoise sont invités à contacter le service des relations
publiques afin de constituer ce Conseil consultatif des jeunes.
Des tarifs attractifs pour les jeunes
> Pour les -18 ans : les 3 spectacles dans le cadre de l’abonnement, soit 6e le spectacle,
spectacle supplémentaire au même tarif.
Avantages abonnés :
> Priorité de réservation aux groupes abonnés,
> Une boisson au tarif préférentiel de 2i au Café de la Plage tout au long de la saison,
> Une visite du théâtre
> Une rencontre avec l’équipe artistique
> 8i le spectacle (12/25 ans)
> 5i le spectacle (moins de 12 ans)
> 3i le spectacle jeune public (repérage des spectacles JP)
Renseignements : service des relations publiques 01 34 20 11 07
Un centre ressources : la librairie du théâtre
Afin de préparer ou de prolonger les découvertes théâtrales, un centre documentaire / librairie est à la disposition du public.
Il propose principalement les textes des pièces présentées au cours de la saison, et un fond documentaire riche d’ouvrages
modernes et anciens, théoriques et théâtraux.
La librairie est ouverte aux heures d’ouverture de la billetterie.
Amateurs et professionnels
Les associations
Des partenariats sont mis en place avec des associations de pratiquants amateurs dans le domaine du théâtre et de la
musique. Elles sont accueillies au Théâtre 95 pour des répétitions et certaines de leurs représentations publiques. Elles sont
régulièrement spectateurs (à des tarifs préférentiels) des créations et des accueils du Théâtre 95.
MUSAÏQUES, groupe vocal mixte de 150 choristes amateurs, animé par un chef de chœur, Rosario Pulcini, et un pianiste professionnels,
chante exclusivement des chansons en français, et son répertoire comprend aussi bien des grands classiques
de la variété française (Aznavour, Brel, Goldman, Cabrel, Souchon, Bénabar, Dutronc, Julien Clerc, Françoise Hardy…) que des
œuvres moins célèbres (Romain Didier, Zaza Fournier, Ours, Juliette…).
CODEVOTA, L’association est l’intermédiaire entre professionnels, collectivités et troupes amateurs. Elle a pour mission de proposer
des manifestations, de la formation et de la mise à disposition de matériel aux troupes amateurs du Val d’Oise.
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INFOS PRATIqUES
THÉÂTRE 95 / ALLÉE DU THÉÂTRE / BP 70098 / 95021 CERGY-PONTOISE CEDEx 01
LOCATION, RÉSERVATION
Sur place : aux heures d’ouverture de l’accueil, du mardi au vendredi, de 14h à 18h30, le samedi de 14h à 17h.
Par téléphone : 01 30 38 11 99
Autres modalités : FNAC 08 92 68 36 22 ou www.fnac.com ou www.billetreduc.fr
RÈGLEMENT
Par chèque bancaire ou postal, à l’ordre de « Théâtre 95 » • Par carte bleue, à l’accueil du théâtre
Par téléphone au 01 30 38 11 99 • Par internet, directement sur notre site www.theatre95.fr
Les billets réservés doivent être réglés impérativement 15 jours avant la date de la représentation, faute de quoi ils seront remis à la vente.
COMMENT NOUS JOINDRE
Réservations : 01 30 38 11 99 • E-mail : reservation@theatre95.fr • Administration : 01 34 20 11 00 • Fax : 01 30 38 73 32
COMMENT SE RENDRE AU THÉÂTRE 95
Le parvis du théâtre se trouve avenue Bernard-Hirsch, face à la Préfecture et à l’ESSEC.
En voiture :
À partir de La Défense ou de la porte de Clignancourt, prendre l’autoroute A15, direction Cergy-Pontoise,
Sortie n°9 « Cergy-Préfecture ». Suivre le fléchage « Préfecture », puis « Théâtre 95 ».
Les soirs de spectacles, stationnement au parking de la Préfecture.
En RER :
Ligne A3, direction Cergy-le-Haut, arrêt Cergy-Préfecture (35 minutes de Charles-de-Gaulle-Étoile,
départ toutes les 20 minutes). Depuis le parking de la gare RER, suivre « Préfecture » par l’avenue de la Poste.
Le parvis du théâtre est juste après le tunnel, sur la gauche.
directeur de la publication Joël Dragutin
édition xavier Maurel, Romaric Doublet
rédaction Valérie Battaglia, Joël Dragutin, xavier Maurel, Géraud Bénech, Jean-Philippe Lucas Rubio
secrétariat de rédaction Émilie Barneff
conception graphique La Vache Noire - Alexandre Petitmangin
impression Digi-France Impression Masson
Crédits photographiques
La Maison et le Zoo © Marc Ginot
Le Banquet de la Vie © Alessandra Cabral
Dakini © Lou is
Détails © Lie xie, Martin Skoog
Hiver © Juliette Guénon
Les Présidentes © Jean Gaumy
Marie Tudor © LA gALERIE
Norma Jean © Hervé Bellamy
Ravel © Marion Duhamel
Portrait Ravel © D.R.
Sous la Ceinture © Frédéric Desmesure
Un chien dans la tête © Christophe Raynaud de Lage
Fred Tousch © Philippe Cibille
Lune Jaune © Roxane Kasperski
Le Guide du démocrate © Davic Aménian
Se souvenir des belles choses, Un théâtre de création, Le territoire et les habitants © Jean Piard
Hommage annuel au chanteur, Spirale, Rambuku, Au début… © Souhir Boujday
Dal Vivo © Lila Lütah
Le théâtre au service de la démocratie © Alexandre Petitmangin
Portraits © Inès Noussa
CNSAD © Philippe Chardon
Partenaires et Abonnez-vous ! © Dominique Chauvin

LE CLUB ENTREPRISES
DU THÉÂTRE 95
Investir dans l’art et la culture, c’est investir dans les savoirs et les idées, les formations, les capacités de création et d’initiative.
C’est pourquoi il nous semble capital d’y associer certains acteurs importants de ce territoire par le biais d’un Club Entreprises
associé au théâtre.
Le Théâtre 95 est lié de façon organique à son contexte géographique et sociologique et son évolution est parallèle à celle de
l’agglomération de Cergy-Pontoise, important centre économique riche de ses 5000 entreprises, devenue en quarante ans
une cité porteuse d’imaginaire et de modernité. Ce nouvel espace urbain dédié à l’art et à la démocratie est plus que jamais
ouvert à tous et à tous les possibles.
Une agglomération comme Cergy-Pontoise, un département comme celui du Val-d’Oise, et plus largement une région comme
celle de l’Ile-de-France doivent garantir l’accès du plus grand nombre à la culture et à la connaissance en soutenant la création
artistique, un des enjeux majeurs pour nous projeter collectivement dans l’avenir.
Enfin, le nouveau Théâtre 95 est un lieu plus vaste, avec son grand Hall (l’Atrium) ses 2 salles de spectacle (Arendt et Visconti),
son convivial espace de restauration : le Café de la Plage. Adapté aux scénographies contemporaines, notre équipement permet
d’engager des partenariats importants ou prestigieux tout en captivant un public à la fois plus nombreux mais aussi plus diversifié.
LES PARTENAIRES
De nombreuses entreprises, médias et associations ont déjà construit des partenariats ponctuels ou pérennes avec le
Théâtre 95 alors n’hésitez plus et rejoignez-les !
Nous pouvons à tout moment mettre en place des actions sur mesure pour chaque entreprise ou groupe d’entreprises
au gré de nos volontés communes.
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ABONNEZ

-VOUS !
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PARTENAIRES
Le Théâtre 95, scène conventionnée aux écritures contemporaines, est subventionné par la Communauté d’agglomération de Cergy-Pontoise,
le ministère de la Culture et de la Comunication/DRAC Île-de-France, le Conseil général du Val d’Oise,
le Conseil régional d’Île-de-France, et est en convention avec la Direction des services départementaux de l’Éducation nationale du Val d’Oise.
Le Théâtre national populaire de Villeurbanne (CDN)
www.tnp-villeurbanne.com
Le Centre dramatique national de Reims
www.lacomediedereims.fr
Le Centre dramatique national de Montpellier
www.theatre-13vents.com
Le Jeune théâtre national
www.jeune-theatre-national.com
Le Conservatoire national supérieur d’Art dramatique
www.cnsad.fr
Le Théâtre du Lucernaire
www.lucernaire.fr
Le Théâtre 13 – Paris
www.theatre13.com
La ville de Cergy
www.ville-cergy.fr
La ville de Jouy-le-Moutier
www.jouylemoutier.fr
La ville de Menucourt
www.menucourt.fr
La ville de Courdimanche
www.ville-courdimanche.fr
La ville de Vauréal
www.vaureal.fr
La ville d’Eragny
www.eragny.fr
Le lycée Jacques-Prévert, Taverny
Le lycée Paul-Emile-Victor, Osny
Le lycée Camille-Claudel, Vauréal
Le lycée Alfred-Kastler, Cergy
L’institut Saint-Martin-de-France
Le lycée Jeanne-d’Arc
Le collège des Explorateurs, Cergy
L’école des Plants, Cergy
compagnie ACTA, Festival Premières Rencontres
L’université de Cergy-Pontoise
www.u-cergy.fr
L’ESSEC
www.essec.fr
Le Festival d’Auvers-sur-Oise
www.festival-auvers.com
Piano Campus
www.piano-campus.com
Le Conservatoire à rayonnement régional de Cergy-Pontoise
www.cergypontoise.fr
Le Festival théâtral du Val d’Oise
www.thea-valdoise.org
La Fondation Royaumont
www.royaumont.com
H / F Île-de-France
www.hf-idf.org
France Culture
www.franceculture.fr
VO News
www.vonews.fr
Radio RGB
www.radiorgb.net
La ligue de l’enseignement
www.ligue95.com
La Ruche
www.assolaruche.fr
Espace Cesame
www.espace-cesame.org
CODEVOTA
www.fncta.fr
MUSAIQUES
www.musaiques.com
MGEN
www.mgen.fr

ABONNEMENTS
Carte Pass Intégral : 100e €
valable pour toutes les manifestations de la saison 2013-2014 (possibilité de payer en plusieurs fois)
Carte Pass Intégral pour les « Amis du Théâtre » : 90e €
Abonnement 3 spectacles : 30e €
Spectacles supplémentaires : 12e €
Abonnement 6 spectacles : 48e €
Spectacles supplémentaires : 12e €
Offre spéciale partenaires :
A partir de 50 places, un spectacle/une place : 8e €
Achat en une seule fois, places valables pour tous les spectacles
Abonnement 3 spectacles - scolaires et associatifs
Moins de 25 ans ou groupes (min. 10 personnes) : 18e €
Spectacle supplémentaire : 6e €
TARIFS HORS ABONNEMENT
Tarif plein : 16e €
Tarifs réduit*: 12e €
Tarif plein pour les spectacles « jeunes publics » : 8e
Demandeurs d’emploi, intermittents, étudiants, 12-25 ans : 8e €
Conférence-débat, Pass Culture, moins de 12 ans : 5e €
Spectacles jeune public : 3e € (sous conditions)
* Amis du Théâtre, plus de 65 ans et +, familles nombreuses, groupe de plus de 10 personnes et +, CE et collectivités, carte
SACD, adhérents Fnac, CODEVOTA, abonnés des structures partenaires : sur présentation d’un justificatif.
DEVENEZ UN AMI DU THÉÂTRE 95
Adhésion : 10e €
Vous avez envie d’entrouvrir des portes inconnues, de passer la tête par l’entrée des artistes, de vous glisser dans les
coulisses, de rencontrer des équipes artistiques,
de débattre, d’échanger, de partager un peu la vie de la « maison », de participer à des soirées conviviales au Café
de la plage, de rencontrer de nouveaux interlocuteurs ?
En devenant membre de l’association, vous bénéficiez des offres suivantes : un tarif préférentiel sur tous les spectacles,
des invitations à des répétitions publiques et à des rencontres avec les artistes, une réduction – 50% pour un
spectacle dans un théâtre-partenaire du Théâtre 95, participation au soirées des Amis du Théâtre 95, autour d’un
buffet dînatoire.
En devenant membre de l’association, vous bénéficiez des offres suivantes : un tarif préférentiel sur tous les spectacles,
des invitations à des répétitions publiques et à des rencontres avec les artistes, une réduction – 50% pour un
spectacle dans un théâtre-partenaire du Théâtre 95, participation au soirées des Amis du Théâtre 95, autour d’un
buffet dînatoire.
Pour cela, il vous suffit d’adhérer à l’association des « Amis du Théâtre 95 ». Envoyez sur papier libre vos
noms, prénoms, adresse, téléphone, e-mail et profession (facultatif), ainsi qu’une cotisation de 10e à l’ordre
de : Association des Amis du Théâtre 95
à l’adresse suivante : Association des Amis du Théâtre 95 / BP 70098 / 95021 Cergy-Pontoise Cedex 01
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THÉÂTRE 95 – BULLETIN DE RÉSERVATION
Je coche mes choix (spectacles et dates) dans le calendrier. Chaque abonnement est nominatif.
Merci de nous préciser les noms des personnes concernées pour chaque abonnement.
Vous pouvez également télécharger des formulaires d’abonnement directement sur notre site www.theatre95.fr.
Nom Prénom
Adresse
Code postal Ville
Téléphone Téléphone portable
E-mail
ABONNEMENTS
Carte Pass intégral x 100 i = i
Carte Pass intégral
« Amis du Théâtre » x 90 i = i
Abonnement 3 spectacles
Tarif plein x 30 i = i
Spectacle supplémentaire x 12 i = i
Abonnement 6 spectacles
Tarif plein x 48 i = i
Spectacle supplémentaire x 12 i = i
Abonnement 3 spectacles x 18 i = i
(scolaires, association, -25 ans +groupes)
réservations à retourner au
Théâtre 95
Allée du Théâtre
BP 70098
95021 Cergy-Pontoise cedex 01
HORS ABONNEMENTS
Tarif plein x 16 i = i
Tarif réduit x 12 i = i
Demandeurs d’emploi, intermittents, étudiants, 12-25 ans
x 8 i = i
Conférence-débat, Pass Culture, moins de 12 ans
x 5 i = i
Spectacle jeune public*
Concert Clôture du C.R.R.
x 3 i = i
x 11 i = i
* Un Chien dans la tête, Dal Vivo, Grenouille et Au début…

SEPTEMBRE SPECTACLE HORAIRES
VENDREDI 20 LES DÉCALÉS 21h > minuit
SAMEDI 21 LES DÉCALÉS 12h > minuit
DIMANCHE 22 LES DÉCALÉS 21h > 18h
SAMEDI 28 CONCERT VAL D’OISE OCÉAN 20h30
OCTOBRE SPECTACLE HORAIRES
MARDI 8 BÉRÉNICE 20h30
MERCREDI 9 BÉRÉNICE 20h30
JEUDI 10 BÉRÉNICE 19h
VENDREDI 11 BÉRÉNICE 14h30 20h30
SAMEDI 12 BÉRÉNICE 20h30
DIMANCHE 13 BÉRÉNICE 16h
MARDI 15 BÉRÉNICE 14h30 20h30
JEUDI 17 BÉRÉNICE 19h
VENDREDI 18 BÉRÉNICE 14h30 20h30
NOVEMBRE SPECTACLE HORAIRES
MERCREDI 6 ROMAN 20h30
JEUDI 7 ROMAN 19h
VENDREDI 8 ROMAN 20h30
VENDREDI 15 LE BANQUET DE LA VIE 20h30
SAMEDI 16 LE BANQUET DE LA VIE 12h 20h30
DIMANCHE 17 LE BANQUET DE LA VIE 16h
VENDREDI 22 SOUS LA CEINTURE 20h30
SAMEDI 23 SOUS LA CEINTURE 20h30
LUNDI 25 UN CHIEN DANS LA TÊTE 14h30
MARDI 26 UN CHIEN DANS LA TÊTE 14h30 19h
JEUDI 28 LA MAISON ET LE ZOO 19h
VENDREDI 29 LA MAISON ET LE ZOO 20h30
DÉCEMBRE SPECTACLE HORAIRES
MERCREDI 4 RAVEL 20h30
JEUDI 5 RAVEL 19h
VENDREDI 6 RAVEL 20h30
SAMEDI 7 COLLOQUE 9h > 19h
SAMEDI 7 GRENOUILLE 16h
LUNDI 9 GRENOUILLE 10h 14h30
MARDI 10 GRENOUILLE 10h 14h30
MERCREDI 11 GRENOUILLE 10h 14h30
MERCREDI 11 CONFÉRENCE-DÉBAT / CATHERINE CLÉMENT 20h30
VENDREDI 13 LE GUIDE DU DÉMOCRATE 20h30
MARDI 17 LE DINDON 20h30
MERCREDI 18 LE DINDON 20h30
SAMEDI 21 SOMEWHERE 20h30
JANVIER SPECTACLE HORAIRES
JEUDI 9 DÉTAILS 19h
VENDREDI 10 DÉTAILS 20h30
LUNDI 13 BLUE MONDAY APERO JAZZ 19h
VENDREDI 17 LA VIE EXTÉRIEURE 20h30
SAMEDI 18 LA VIE EXTÉRIEURE 20h30
VENDREDI 24 PIANO CAMPUS 20h30
MARDI 28 AU DÉBUT… 19h
MERCREDI 29 CONFÉRENCE-DÉBAT / PATRICK PELLOUX 20h30
JEUDI 30 AU DÉBUT… 14h30
VENDREDI 31 AU DÉBUT… 14h30 19h
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FÉVRIER SPECTACLE HORAIRES
JEUDI 6 AU DÉBUT… 14h30
VENDREDI 7 AU DÉBUT… 14h30
SAMEDI 8 AU DÉBUT… 17h
LUNDI 10 BLUE MONDAY APERO JAZZ 19h
MARDI 11 AU DÉBUT… 19h
MERCREDI 12 AU DÉBUT… 10h
JEUDI 13 AU DÉBUT… 14h30
VENDREDI 14 AU DÉBUT… 14h30 19h
VENDREDI 28 DAKINI 20h30
MARS SPECTACLE HORAIRES
JEUDI 6 LA PARITÉ 19h
VENDREDI 7 LA PARITÉ 20h30
LUNDI 10 BLUE MONDAY APERO JAZZ 19h
VENDREDI 14 SPIRALE 14h30 19h
MERCREDI 19 DAL VIVO 9h30 15h
JEUDI 20 DAL VIVO 9h 10h30 15h
JEUDI 20 LUNE JAUNE 19h
VENDREDI 21 DAL VIVO 9h 10h30 15h
VENDREDI 21 LUNE JAUNE 20h30
SAMEDI 22 DAL VIVO 9h30 17h
SAMEDI 22 LUNE JAUNE 20h30
AVRIL SPECTACLE HORAIRES
MERCREDI 2 MAÎTRE FENDARD 20h30
JEUDI 3 MAÎTRE FENDARD 19h
VENDREDI 4 MAÎTRE FENDARD 20h30
SAMEDI 5 RENCONTRES CRR 18h
DIMANCHE 6 RENCONTRES CRR 17h
LUNDI 7 BLUE MONDAY APERO JAZZ 19h
MERCREDI 9 LE MANUSCRIT DES CHIENS 19h
JEUDI 10 HIVER 19h
VENDREDI 11 RAMBUKU 19h
MERCREDI 30 CONFÉRENCE-DÉBAT / ALAN SOKAL 20h30
MAI SPECTACLE HORAIRES
MARDI 6 LES PRÉSIDENTES 20h30
MERCREDI 7 LES PRÉSIDENTES 20h30
VENDREDI 9 CHANTIER DU CRR 20h30
SAMEDI 10 CHANTIER DU CRR 20h30
LUNDI 12 BLUE MONDAY APERO JAZZ 19h
MERCREDI 14 CONFÉRENCE-DÉBAT / DENIS PODALYDèS (sous réserve) 20h30
JEUDI 15 NORMA JEAN 19h
VENDREDI 16 NORMA JEAN 20h30
MARDI 20 L’ESTIVANTE ET LA SPECTATRICE 20h30
MERCREDI 21 L’ESTIVANTE ET LA SPECTATRICE 20h30
JEUDI 22 L’ESTIVANTE ET LA SPECTATRICE 19h
VENDREDI 23 L’ESTIVANTE ET LA SPECTATRICE 20h30
MARDI 27 MARIE TUDOR 20h30
MERCREDI 28 MARIE TUDOR 20h30
JUIN SPECTACLE HORAIRES
DU 2 AU 8 CNSAD horaires à préciser
MERCREDI 18 HISTOIRE DU SOLDAT 20h30

RÉSERVATION
01 30 38 11 99
reservation@theatre95.fr
WWW.THEATRE95.FR