Éric Barrielle, Ben, Denis Castellas - FRAC Provence-Alpes-Côte d ...

[ COMMUNIQUÉ DE PRESSE ]
Fonds régional d’art contemporain Provence-Alpes-Côte d’Azur
Présences contemporaines 2
Éric Barrielle, Ben, Denis Castellas, Leonardo Cremonini, Marie Ducaté,
Gérard Eppelé, Michel Haas, Guy Ibanez, Art Keller, Joël Kermarrec, Piotr
klemensiewicz, Jean Le Gac, François Martin, Jacques Monory, Marc Pataut,
Yvan Salomone, Antonio Segui, Gérard Titus-Carmel, Solange Triger
Œuvres de la collection du Frac Provence-Alpes-Côte d’Azur
à la Bibliothèque universitaire de Nice
du 28 août 2006 au 29 juin 2007
Pour la deuxième année consécutive, ce partenariat avec la Bibliothèque universitaire de Nice permet aux
étudiants et aux enseignants ainsi qu’à tous les visiteurs d’appréhender une large sélection d’œuvres de la
collection du Frac durant toute l’année universitaire dans les espaces de travail et de consultation. Présences
contemporaines regroupe une vingtaine d’artistes dont les œuvres construisent un parcours qui illustre le
contexte pluriel de l'art au travers de la photographie, de la peinture et du dessin. Ici, la fréquentation de l'art
d'aujourd'hui comme système de représentation du monde se fait au quotidien, face au flot d'informations et
d'images que déversent tous les médias à l'heure de la communication mondialisée Les sujets de prédilection
des œuvres – quelquefois difficile à saisir sans préparation – s’articulent autour des territoires de l’imaginaire
et des décors de notre vie quotidienne. Ce partenariat rejoint la principale mission du Frac, diffuser et
promouvoir une collection autonome auprès d'un large public, ceci afin de contribuer à la compréhension des
problématiques qui traversent notre époque. Ces œuvres invitent à entrer dans des mondes ni tout à fait
étrangers ni tout à fait familiers. Les techniques étant des plus traditionnelles, c’est le jeu de leurs
confrontations qui nous amène à observer et à comprendre les différentes démarches. Ainsi, cette rencontre
invite à aiguiser les regards en les nourrissant de sens nouveaux.
Éric Barrielle Caneb layette, 1983, Liquidation stock dame, 1983
Né en 1950 à Nîmes. Vit et travaille à Marseille.
Dans la quête d’une émotion ressentie dans des lieux qui parlent de modernité, Éric Barielle se consacre
depuis plus de vingt ans à la photographie. Les nouveaux territoires de notre imaginaire et les décors de notre
vie quotidienne sont ses sujets de prédilection. Souterrains de métro, parkings, centres commerciaux, halls de
gare nous sont confiés selon lui, comme des « Ambiances, états d’âme, impressions fugitives de choses vues
en pensant à autre chose, aperçues du coin de l’œil en regardant ailleurs, ou lorsque désœuvré et
s’abandonnant à la vacuité du regard, on voit enfin les choses. Ces photographies ne sont que des tremplins
pour l’imaginaire, des marches sur lesquelles trébuche l’intellect qui s’enlise, laissant libre le champ à
l’imagination vagabonde. Nous cessons notre dialogue intérieur et s’abolit la frontière entre les choses et
nous, nous sommes dans les choses et elles sont en nous.» Figurations de la fugacité de l’instant, Caneb
layette et Liquidation stock dame, par un jeu de flou et un cadrage resserré, rendent les personnages plus
qu’anonymes. Ils deviennent de véritables motifs de compositions colorées, qui fusionnent avec leur
environnement, lieux de la modernité, et participent ainsi à la portée symbolique de l’image photographique.
Ben C’est la vie, 1984
Né en 1935 à Naples. Vit et travaille à Nice.
Promoteur de l’art d’attitude, c’est par son intermédiaire que l’esprit Fluxus pénètre et perdure en France. Ben
ne se contente pas de produire des œuvres, il fournit aussi la matière des débats. Étant un artiste au sens
fort, un artiste inquiet, il a pour principe de s’affronter au monde. Son œuvre, considérée comme la théorie
globale d’une production de différence, nous montre que pour lui l’histoire n’est rien d’autre que celle des
différences successives. Le principe fondateur de sa démarche est de « dire la vérité. » Ses propositions se
concrétisent en objets, actions, installations, concerts et publications. Trouble-fête d’un monde qu’il incarne et
dénie à la fois, passeur et témoin à l’affût du nouveau, c’est l’écriture qui, comme un commentaire sans fin,

elie ses multiples faits et gestes. En effet, il opte pour une graphie enfantine : une écriture large, ronde, avec
des ronds sur les i. Dans C’est la vie, Ben se met au tableau et par des petites phrases courtes ainsi que par
un contenu apparemment naïf, il tente de nous expliquer le monde. Proclamant une fois encore que le « sens
de la vie c’est la diversification », il nous confirme son intérêt pour la condition humaine, sa grandeur et sa
petitesse, sa misère et sa gloire.
Denis Castellas Sans titre, 1998
Né en 1959 à Marseille. Vit et travaille à Nice .
Appartenant à une génération française qui se situe entre Supports-Surfaces et la Nouvelle Figuration des
années 80, Denis Castellas développe un travail aux multiples facettes où se côtoient peintures, dessins,
collages et assemblages de matériaux divers. Ses œuvres, issues d’un processus créatif lent et compliqué,
ont pour enjeu de retrouver l’innocence. Chaque tableau est un survivant : faut-il qu’il soit innocent pour
survivre. Le point de départ est souvent une photo. Au fur et à mesure que le travail avance, il la recouvre, lui
ôte ses détails jusqu'à ce qu'il n'en reste plus rien, en tout cas en apparence. Il se pourrait fort bien que la
peinture continue à entretenir des rapports avec l'image dont elle a pris la place, des rapports qui ne seraient
plus de ressemblance visuelle, mais de connivence dans l'expression. Denis Castellas superpose des
images-écrans puisées dans la culture ambiante. C'est dans l'intention de nous proposer une peinture
presque figurative et différentes variétés d’écritures qu'il pratique ce médium, même si son procédé n'en est
pas moins une volonté de détruire l'image afin d'obtenir de nouvelles formes.
Leonardo Cremonini Les entraves entrouvertes, 1980-1982
Né en1925 à Bologne. Vit et travaille à Paris.
Peintre appartenant à la Figuration Narrative, Leonardo Cremonini dérange nos habitudes. Il exerce sa liberté,
sa lucidité et son esprit critique au cœur même de l’utilisation des images. Séduisante par sa maîtrise
technique, sa peinture nous trouble par sa tonalité spirituelle et onirique. De nombreux écrivains et
philosophes s’intéressent à ses toiles car elles ne sont pas seulement picturales mais aussi littéraires et
philosophiques. Sous l’angle du « voyeurisme », l’artiste s’obstine à chercher le visage de l’homme. Un
homme qu’il place au centre de sa peinture et comme dans la vie sociale, véritable point de rencontre de
toutes les contradictions vitales contemporaines. Ses tableaux racontent et organisent des intrigues ambiguës
et sous-entendent une série de raisonnements sur le rôle du sujet, du regard, du désir et de la volupté.
Les bambins, embryons macrocéphales, qui apparaissent dans Les entraves entrouvertes nous fixent d’un
œil vide. Certains ont les yeux bandés rien ne se passe ici entre les êtres, ni regard, ni parole. Des châssis,
possibles cadres de miroir brisé, permettent une ouverture du regard. « Représenter un miroir, une fenêtre ou
un tableau à l’intérieur de mon tableau permet aussi de donner à la surface de ma toile le rôle ambigu du
doute, comme la crise d’une iconographie. » Ici, le temps est congelé, le silence absolu sans recours. C’est le
vertige, face à une familiarité estivale soudain devenue étrangère et menaçante.
Marie Ducaté Nu dans un cercle, 1983
Née en 1954 à Lille. Vit et travaille à Marseille.
Collectionneuse et exploratrice, créatrice polymorphe, Marie Ducaté accumule et juxtapose les genres aussi
bien que les médiums. Elle travaille de manière distanciée divers registres d’expressions tels que la peinture,
la céramique, le design, le verre. Ses toiles sont de véritables supermarchés de l’histoire de l’art dans
lesquelles les références culturelles déjà conditionnées en objets de consommation (et de décoration) sont là,
à profusion, à disposition pour une reconnaissance et une lecture immédiates. Pour l’artiste, la peinture et la
sculpture doivent se nourrir réciproquement, d’où la juxtaposition de genres qui nie les hiérarchies et présente
tout sur le même plan. « Je voudrais créer un territoire de signes qui existent par leur réunion, ouvrant une
porte sur un petit pays. ».
Ouvrant une fenêtre sur les corps, Nu dans le cercle met en scène l’homme lui-même comme objet de désir
et de plaisir. Cette peinture circulaire est présentée dans un cadre au format carré, très présent, constitué de
jouets en plastique collés, il contraste fortement avec la peinture par sa matière et par sa forme. Il nous fait
entrer de plein pied dans le travail de Marie Ducaté lié à un imaginaire collectif, chargé de références
évidentes à l’histoire de la peinture, très coloré et parfois à la limite du kitsch. Cette peinture de citation se
réfère à de grands mythes, traitant du corps, de la sensualité, des saisons… Réalisant une poésie festive,
l’artiste nous entraîne dans un univers de rêve et de liberté constitué de plaisirs charnels, de fêtes et
d’enchantements.
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Gérard Eppelé La dérive n°11, 1983
Né en 1929 à Cherbourg. Vit et travaille à Arles.
Dans une quête émotionnelle du vécu, Gérard Eppelé s’engage dans l’exploration du monde et des
sentiments. Sensible à la spiritualité de l’art africain, il met en place des représentations qui sont le reflet d’un
questionnement perpétuel concernant la société et la condition humaine. Elles racontent ses doutes, ses
tourments. « Ma peinture est la trace d’un vécu instinctif et cette foule aberrante me sert d’alibi à ma propre
certitude. » C’est pourquoi l’expérience de la douleur lui est indispensable. Ses supports deviennent le lieu
d’inscription de cette souffrance. Il agit par thème, par communauté d’idées : « à chaque fois je raconte ma
propre histoire et j’essaie de comprendre celle des autres.».
En perpétuel mouvement, les personnages intemporels de La dérive n°11, étranges prophètes chevelus,
courent, fuient nous proposant le constat de notre indigence mais aussi le confort d’une dignité. Compagnons
de quarante années de vie de l’artiste – lui-même décrit comme « mortel en défaut d’éternité » – ils nous
restituent leurs témoignages comme un portait psychologique de notre société. On ne peut donc qu’aller à
leur rencontre, comme une expérience de la conscience et du regard.
Michel Haas La suppliciée, vers 1980
Né en 1934 à Paris. Vit et travaille à Paris.
Michel Haas utilise des procédés simples comme l’eau, le fusain, le crayon, l’encre ou la colle pour travailler
(voire attaquer) le papier comme un espace pour faire apparaître des formes abstraites, ou figuratives. Il
malaxe, triture et mélange ces matériaux selon une technique contre-nature qui les coagule et les solidifie. De
cette matière brute et chaleureuse devenu support dur et rugueux, apparaissent des figures, des silhouettes
qui semblent flotter et danser comme en apesanteur. Ces formes schématisées, voire tronquées – ici , les
personnages sont coupés à la hauteur du cou et à mi-mollets – évoquent des scènes archétypales ou des
espaces narratifs qu’explicitent clairement les titres. Une image apparaît pour « activer l’espace, comme la
chute d’une pierre manifeste la profondeur d’un puits » (Pierre Scheider.cat exposition à la Galerie Noëlla
Gest .1981). II nous fait parvenir des figures, des silhouettes qui semblent flotter et danser comme en
apesanteur. Venant d’ailleurs, ces figures schématisées, emblématiques s’exhibent comme des personnages
d’un temps vécu.
Guy Ibanez Le voyage des Cigognes, avril 1988
Né en 1951 à Casablanca. Vit et travaille à Marseille.
Dans sa recherche pour établir un dialogue entre le réel et l’imaginaire, Guy Ibanez créé un univers qui nous
est familier. Son défi : que la couleur, la matière et même le style puissent montrer encore et toujours une
réalité picturale comme vraie réalité. Dans ses toiles, transparaît une quête de sens qui ouvre sur des
précipices mais qui laisse néanmoins entrevoir un sol où il sera possible de se poser, même si celui-ci, nous
le vérifions, chaque jour, n’en finit pas de se dérober. Et c’est peut-être pour cela que ses toiles sont aussi des
lieux de confrontation dans lesquels l’artiste articule un travail de recouvrements et de transparences pour
donner à voir l’histoire du tableau en train de se faire. À travers les doutes, les repentirs, Guy Ibanez prend
possession de l’espace avec une pugnacité qui ne dément ni la vigueur ni l’assurance avec lesquelles le
dessin organise la surface, empiète sur la couleur, comme pour mieux l’ébranler. À l’origine du voyage des
Cigognes, une inquiétude : l’investigation du sensible, formes ébauchées ou décantées, couleurs accidentées
et par là même, maintenues « vivantes », n’ est ce pas une origine qui est ici appréhendée ? Le travail dans
cette peinture est d’accéder à cette somptuosité qui est sa raison d’être et dont, en définitive, la forme tire sa
signifiance.
Art Keller Mise à vue, 1995, Composante essentielle, 1995
Collection Yoon Ja & Paul Devautour
Si des personnages fictifs peuvent tenir des propos qui nous font réfléchir, pourquoi des artistes fictifs ne le
pourraient-ils pas ? Faire de l’art sans en faire c’est la quête des opérateurs d’art Yoon Ja & Paul Devautour.
Pour eux, l’art est comme un jeu dont le but est d’assurer le contrôle de la définition de règles. Diversité,
abondance et imagination caractérisent leur collection, placée sous le double signe de réel et de la fiction. Art
Keller est un des artistes de cette collection et en témoigne. Dans Mise à vue et Composante essentielle,
l’artiste en connaissance des pouvoirs des mots, fait du discours sur l’art la matière même de son travail.
Comme d’autres artistes recyclent les déchets, Art keller recycle les citations extraites de revues d’art et
renverse d’un coup toute une économie de légitimation. Dans ses œuvres, le discours sur le travail et la place
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de l’artiste est directement appréhendé et l’on peut se demander si ce sont les textes qui illustrent les images
ou vice-versa ? Décontextualisation, détournement : des scènes d’actions qui restent énigmatiques flirtent
avec l’immobilité des dialogues abstraits. Signifiant et signifié, théorie et pratique, idéologie et réalité sont
totalement dissociés. Pourtant rien n’empêche le spectateur d’essayer de lier l’humour des images et le
sérieux des textes.
Joël Kermarrec Lug et Neg, 1982
Né en 1939 à Ostende (Bélgique). Vit et travaille à Paris.
La pratique de Joël Kermarrec se caractérise par la diversité de techniques abordées – dessin, peinture,
collage, installations – sous-tendue par un fil tenu mais puissant, celui de la couleur. Très tôt il conduit sa
démarche picturale sur un registre qui fait appel aux sens et à l’imaginaire. Il vit le dessin comme une activité
contradictoire entre conscience et inconscience. Des entrevues, des jeux d’apparitions-disparitions nous
amènent à une métaphysique de l’illusion. Partant toujours d’éléments pris au monde sensible (figures
humaines, objets et animaux) il gomme toute signification lisible et ne conserve que quelques traces. Peintre
complexe, à l’intelligence et la culture brillantes, il nous offre Lug et Neg sur le mode du fragment. Cette
peinture témoigne sa fascination pour les déplacements du lapin, ses zigzags et détours le fascinent. Il veut
tenir un discours qui divague autant que la course des lapins, ces êtres erratiques, qui errent dit Kermarrec
« entre la nuit et le jour, entre le non-savoir et le savoir entre le jeu et le sérieux ». Aimant les jeux des mots,
l’artiste nous raconte que si l’on enlève les deux lettres g, le mot Lune se lit sur le diptyque. Autour de ces
dessins Joël Kermarrec parle, préférant les hypothèses.
Piotr Klemensiewicz Une guerre et une histoire sans parole, 1983
Né en 1956 à Marseille où il vit et travaille.
Coloriste fulgurant et talentueux, Piotr Klemensiewicz appartient à une génération d’artistes français qui, s’ils
n’appartiennent pas à des écoles ou à un groupe, poursuivent par de multiples voies un travail qui abolit le
vieil antagonisme entre abstraction et figuration. Son véritable projet est de proposer un langage s’adressant
directement aux sens qui associe la libre rigueur de l’abstraction et la liberté de la représentation. Piotr
Klemensiewicz choisit des compositions simples : une maison qui flotte, un damier qui tourne. Un vocabulaire
de formes élémentaires que l’artiste utilise sans cesse et que l'on identifie toujours, mais qui revient de
manière différente, nous plaçant dans un doute définitif quant à savoir ce qu’est le monde réel. Ses maisons
sont soumises à des effets d’éclairage lunaire et suggèrent une ambivalence entre espace intérieur et
extérieur. Sans portes ni fenêtres, ces constructions métaphoriques, ouvertes sur la peinture et pourtant
closes sur elles-mêmes, ont l’harmonie troublante et bousculée d’un rêve dont on s’éveille à peine et dont les
fragments vous quittent l’un après l’autre, aspirés par leur terre d’origine.
Une guerre est une histoire sans parole, nous plonge dans cette énigme que peut être le tableau. Dans une
perspective vacillante, sillonnée par les lignes géométriques d’un damier, se crée un espace abstrait,
poétique, à la fois onirique et mystérieux… « la construction d’un monde qui se poursuivrait à l’infini ».
Baignées par un halo de lumière, comme en apesanteur, les figures semblent défier les lois de la physique, la
maison se fait alors métaphore d’une intimité secrète, d’un espace intangible qu’il faudrait percer.
Jean Le Gac Le délassement du peintre français (avec Florent Max), 1983
Né en 1936 à Tamaris (près d’Alès).Vit et travaille à Paris
Jean Le Gac se livre à un long travail de représentation du peintre et nous propose – au travers d’une
représentation classique de la peinture : photos et textes eux-mêmes photographiés – le récit des faits et
gestes d’un peintre anonyme. L’œuvre qu’il poursuit se confond donc intimement avec le matériel narratif qui
la constitue. L’artiste projette ses problèmes, ses doutes et ses humeurs sur son double, à la troisième
personne, en spectateur de la scène. Sa figure disparaît alors progressivement au profit de différents
personnages. Le peintre est partout et nulle part. Cette absence n’organise pas seulement la scène, elle
définit le tableau lui-même devenu tout entier signe de l’absence.
Devenant l’objet d’une enquête permanente dans laquelle alternent parodies du discours ethnographique et
nouvelles à suspens, Le délassement du peintre français, soulève la question de la propriété artistique.
L’artiste reproduit avec les techniques traditionnelles (pastel, fusain, photo et texte) des illustrations
empruntées à la littérature populaire qui permettent à son personnage de vivre de nouvelles aventures, toutes
également stéréotypées. Évocateur d’une fiction qui n’en finit pas de mettre en abyme ses procédés, cet
assemblage de textes et d’images devient garant de récits infinis pour le spectateur.
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François Martin, Les petits oiseaux méchants,1995
Né en 1945 à Paris. Vit et travaille à Paris
Inquiet et en quête de sa propre peinture François Martin construit des collages fragiles, des associations de
formes et de sujets peints à la hâte. D’une main distraite, rageuse ou épuisée, tout son catalogue d’images
est représenté sur fond de tâches, de coulures, de ratures et de graffitis variés. L’œuvre de cet artiste est
profondément étrangère à la mythologie comme horizon originaire ou récit indépassable. Rien n’est plus
absent de son sentiment des choses que le ressentiment héroïque, il se tient dans l’insistance infime du
présent multiple. Ces œuvres retournent toute perspective entropique, sans destin ni destination ; elles se
souviennent du chaos comme de ce qui advient et dansent comme au premier jour sur la boucle insensée
d’un monde épars. C’est leur triomphe de s’ouvrir à l’ordre improbable du ténu, du divers, de l’instable, pour
lui c’est « ce champ fragile où il s’agit de tenter l’organisation du disparate au plus loin possible du précaire. »
Amateur de fragments, il accumule tous les savoirs, pratique cette notion de "hasard élaboré" et fait naître
l'obligation ou l'urgence de l'image.
Jacques Monory Fragile n°12, 1989
Né en 1934 à Paris. Vit et travaille à Cachan (Val-de-Marne).
Dès 1962 Jacques Monory se rebelle contre l’abstraction et se rapproche des artistes de la Figuration
Narrative jusqu’à devenir une des figures essentielles de cette scène picturale. Peintre avant tout, il réalise
aussi des films et a écrit plusieurs livres. Jacques Monory aborde la description de la société moderne, avec
ses faits-divers, ses événements, ses images médiatiques, et construit un univers très particulier jouant de
ses obsessions, des stéréotypes et des clichés. Ses tableaux sont de véritables mises en scène – chaos,
catastrophes, violences – qui se découvrent au travers d’écrans bleuâtres. En effet, l’artiste utilise la
monochromie bleue pour renforcer le sentiment de déréalisation qu’on éprouve face aux images d’un
quotidien transformé en désastre. Fragile fait partie de la série du même nom peinte de 1985 à 1990 et dont
le sujet est la fragilité des images, des choses, de l’histoire. La précision quasi chirurgicale augmente la
contradiction entre l’impression de réalité photographique et le climat « d’onirisme actif » qui nous sont
proposés. Ambiguïté perpétuelle entre le vécu, le rêve, le cauchemar, le rêve éveillé, le cinéma mental, le
souvenir tel est une fois encore l’un des thèmes de Jacques Monory qui cite volontiers ces vers d’Edgard
Poe : « Car tout ce que nous voyons ou sentons est un rêve à l’intérieur d’un rêve. »
Marc Pataut Portrait de Yannick Venot, Compagnon d’Emmaüs, Scheerwiller, 1993, janvier 1995
Né en 1952 à Paris. Vit et travaille à Aubervilliers.
Photographe et vidéaste, Marc Pataut est sensible aux problèmes politiques et de société. Il crée en 1991 le
collectif « Ne pas plier » avec le graphiste Gérard Paris-Clavel pour développer et diffuser « des images
d’urgences » sociales et politiques. Son travail dépasse délibérément le cadre d’une pratique photographique
pour s’engager dans le social avec tous les supports de la communication. Il met ainsi les arts graphiques au
service de luttes collectives et de pratiques d’éducation populaire, ses expériences le rapprochent des
minorités et des exclus, enfants psychotiques, délinquants, immigrés... Le corps, sa présence, ses traces et
ses souffrances sont ses sujets de prédilection.
La série réalisée pour les Compagnons d’Emmaüs dont ce polyptyque fait partie répond à la question de
comment photographier une communauté qui n’existe que dans la relation à l’autre. L’idée de communauté
n’est ici, pas construite comme une unité figée, mais bien comme un ensemble de relations en constante
évolution et auxquelles la lente recherche photographique veut participer : « je vais marquer à la craie au sol
la position de chacun afin que le suivant puisse se placer dans ce groupe virtuel, un groupe qui n’existera que
dans la mémoire, dans le travail que chacun devra faire pour le constituer »
Yvan Salomone Sans titre, 2.03, 1995, Sans titre, 4.06, 1995
Né en 1957 à Saint-Malo où il vit et travaille.
Après avoir réalisé pendant presque deux ans des panoramas, Yvan Salomone adopte un programme
systématique qui repose sur la figure du détective accumulant les indices (preuves). À partir de repérages
photographiques, qu’il nomme « petits exemplaires », il réalise une aquarelle par semaine, toutes de mêmes
dimensions. Le choix de cette technique, très liquide et transparente, exprime sa volonté de ne pas réaliser
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des images qui soient des reportages ou des idéalisations forcées des lieux. Ces espaces portuaires sont
pour lui « des lieux, des bricolage en marge de cités fortement architecturées et nettoyées, des lieux clos qui
s’arrangent des moyens de bords ». Le peintre ne donne pas de titre à ses œuvres : il précise la date de
réalisation, ce qui les ancre dans la réalité. Sans titre, 2.03, 1995, Sans titre, 4.06, 1995 exhibent des traces
qui permettent de repérer une activité sociale dont l’économie et la production sont les maîtres mots, et où en
même temps l’absence de toute présence humaine détache ces lieux contemporains de leur caractère
fonctionnel. C’est avant tout à la composition plastique de ses tableaux que l'artiste s’attache. Ces sujets
éminemment modernes rencontrent ici la technique classique de l’aquarelle. Ainsi, le choix de la représenter
de matériaux bruts (espaces portuaires, béton, acier…) se confronte à la légèreté et la grâce que requière
l’aquarelle donnant ainsi toute la singularité à ces compositions. Assortie de contraintes singulières l’aquarelle
donne au motif traité une indéniable délicatesse qui nous entraîne fort loin, dans une pratique à la fois ludique
et tendue de la peinture.
Antonio Segui Le moulin rouge, 1981
Né en 1934 en Argentine. Vit et travaille à Paris.
Déclinant la thématique de l’espace urbain, Antonio Segui propose une vision allégorique de la société
moderne. Cet univers surréaliste où la condition humaine est traitée avec dérision est renforcé par la naïveté
de la touche picturale, la délimitation des contours et les aplats de couleur. Au-delà des tendances artistiques
actuelles, la peinture d’Antonio Segui raconte avec une candeur barbare le dérisoire de la vie. Mettant en
scène l’absurde, ses œuvres naissent du plaisir de peindre et de raconter des histoires ambiguës, incertaines.
Ses pièces relèvent d’une mythologie iconographique et littéraire personnelle. En décrivant un univers urbain
incohérent, infatigablement arpenté par des personnages qui se hâtent sans but, chaque tableau invite au
décryptage de petits récits tragi-comiques. Dans ses peintures, les villes ne sont pas le lieu de masses
anonymes, mais le domaine de l’individu. Ainsi, de petits bonhommes moustachus, vêtus d’un costume et
coiffés d’un chapeau, se présentent en quête de chimère individuelle. Dans le Moulin rouge, le sujet semble à
la fois traditionnel et spectaculaire, il devient une façon de manipuler le temps. Deux personnages
moustachus, emblématiques du travail apparaissent comme le double de l’artiste et rôdent comme des
fantômes dans une représentation qui bien qu’approximative semble avant tout symbolique. Ce tableau fait
partie d’une série sur un parcours touristique au travers des monuments de Paris. Il se situe entre le réel et
l’imaginaire, le fantasme et l’anecdotique, le souvenir intime et les lieux communs. C’est le récit humoristique
d’une réalité domestique, plutôt familière qui se dévoile peu a peu et donne au spectateur l’opportunité de
récréer sa propre histoire.
Solange Triger Tournesol, 1998, Tournesol, 1998, Tournesol, 1998
Née à 1958 à Safi (Maroc). Vit et Travaille à Toulon.
Les recouvrements et superpositions de peinture que Solange Triger opère provoquent un effet dramatique et
donnent au spectateur l'illusion de motifs qui se transforment sans cesse. Rien n'est net ou clairement
reconnaissable et cela donne à ses toiles une force et une profondeur pénétrantes. Avec la série des
Tournesols, elle mène une réflexion sur l'influence de la lumière, du temps et de l'espace sur l'éphémère. La
lumière ravive et détruit, éclaircit et intensifie, diffuse et focalise, elle est le transformateur qui bascule d'une
réalité à l'autre. La fleur est traitée frontalement et sa forme ronde occupe presque tout l’espace du tableau.
Le cœur de la fleur très foncé concentre la tension et l’équilibre du regard. La superposition de multiples
couches picturales de jaune donne la mesure entre apparition et disparition. Le jaune, par la diffusion de sa
lumière hors de la toile devient flou, comme un halo. « Ma peinture est là aussi, dans un espace mouvant à la
lumière du flou et du net, de l’attraction et de la répulsion. Comme « une ombre au tableau », je pose en
dernier lieu le cœur de la fleur, le centre obscur de la lumière, la tâche. Peindre est archaïque. C’est un
décalage total avec la société d’aujourd’hui. C’est ce décalage qui me pousse à peindre encore."
Gérard Titus-Carmel, Caparaçon II, 1981
Né en 1942 à Paris. Vit et travaille à Oulchy-le-Château
L'œuvre picturale de Gérard Titus-Carmel naît dans les années 70 : époque où l'art est remis en cause. Parmi
les nombreuses questions qui agitent le monde de l'art, celles de la conception du dessin et du support
émergent. Auparavant le dessin devait être réalisé selon des normes académiques précises. Dorénavant il
servira à retranscrire une image mentale. Ces idéaux sont notamment repris par le mouvement Support-
Surface dont l’artiste est proche. Ce courant artistique contestataire prône la notion d'autonomie de l'œuvre
d'art par le dépassement de son format.
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Dans le travail de Gérard Titus-Carmel, la notion de multiple constitue une base et permet la répétition d'un
même motif sur la toile selon des règles établies. Par cela l'objet représenté devient abstrait : une simple
forme géométrique dégagée de sa fonction première s'inscrivant comme une figure artistique. Cela se
retrouve dans l'aquarelle intitulée Caparaçon II issue d’une série du même nom réalisée en 1981, qui
représente une armure de cheval dépliée dont l'encolure est tournée vers le haut. Cette armure reste
reconnaissable mais est transformée par un imaginaire précis. Le spectateur a l'impression de regarder la
grande porte d'un temple ou encore un large rideau de scènes dont les plis sont traités aux antipodes du
vérisme comme les barres qui scandent le fond. « Une liberté nouvelle dans l'usage d'une aquarelle plus
fluide que jamais, et qui ne craint pas la couleur, des formes amples et rythmées travaillées sur un papier de
grand format préalablement marouflé sur toile ». Jean Frémon
Bibliothèque Universitaire de Nice / Section Droit, Sciences Economiques et de Gestion
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ouvert du lundi au samedi de 10h à 18h / contacts : Pierre Fénart,
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