MAQ PETIT BULLETIN_GRENOBLE - Le Petit bulletin

P04_05 — LE PETIT BULLETIN N°702 — DU 27.02 AU 05.03.13
CINÉMA
«Je ne fais pas des
films avec des idées»
— RENCONTRE — CETTE SEMAINE, L’INSTITUT LUMIÈRE TERMINE SA RÉTROSPECTIVE
CONSACRÉE À MICHAEL CIMINO AVEC LA VERSION RESTAURÉE DE LA PORTE DU PARADIS,
SUPERVISÉE PAR CIMINO LUI-MÊME. ENTRETIEN AVEC CETTE LÉGENDE VIVANTE DU
CINÉMA AMÉRICAIN. PROPOS RECUEILLIS ET TRADUITS PAR CHRISTOPHE CHABERT
Quelle est l’importance pour vous de cette
ressortie de La Porte du Paradis ?
Michael Cimino : C’est n’est pas une reprise au sens
classique du terme. Cette version est plus qu’une version
restaurée, c’est une version améliorée, au niveau
du son, de l’image, des couleurs, du montage. Je la
vois comme LA sortie du film.
Il y a donc encore des différences avec la
précédente version de 220 minutes ?
Oui, car celle-ci a été entièrement refaite en numérique.
Il y a des choses que j’ai pu faire en numérique
qui étaient impossibles il y a trente ans. Cela donne
une clarté que vous n’avez jamais vue auparavant.
Certains passages ont l’air d’être en 3D, notamment
parce que j’ai utilisé un objectif 30 mm qui permet de
voir les détails à l’infini. C’est grandiose pour les paysages,
mais aussi pour les gros plans, car ça leur
donne un aspect monumental. À l’époque du tournage
de La Porte du Paradis, on devait passer par un
laboratoire optique pour effectuer des changements
sur l’image et cela pouvait durer trois semaines ou un
mois. Maintenant, il suffit d‘appuyer sur un bouton et
le résultat est instantané. C’était un gâchis absolu
de temps. Je finissais épuisé dans la salle de montage
à y passer vingt-quatre heures sur vingt-quatre,
sept jours sur sept. C’est incroyable, aujourd’hui, on
peut faire en trois heures ce qui en prenait vingt ! Le
résultat donne d’ailleurs le sentiment que le film vient
d’être tourné, qu’il ne s’agit pas d’un vieux film, même
si c’est un film d’époque.
Souvent, on parle du film comme d’un
“western marxiste”. Êtes-vous d’accord
avec cette définition ?
Non, car je ne fais pas des films avec des idées ou
avec de la politique, je fais des films sur des gens.
C’est la seule chose qui m’intéresse, c’est comme ça
que j’écris.
Pensez-vous alors au genre ?
Non. Je suis autodidacte, je n’ai pas fait d’école de
cinéma, j’ai étudié l’architecture, comme Antonioni.
Enfin, lui était un critique d’architecture… Pour moi,
tout commence et finit par les personnages. Une des
raisons qui font que les acteurs aiment travailler avec
moi, même si le film ne remporte pas de succès, c’est
que toute mon énergie passe dans le fait qu’ils soient
bons à l’écran. Si on fait un film sur une idée, qu’elle
soit philosophique, politique, ou qu’elle ait un rapport
au genre, ce film va vieillir très vite. C’est un mauvais
choix. C’est comme faire des films à partir des films
des autres. J’ai connu un cinéaste qui passait ses jours
et ses nuits à regarder Le Conformiste de Bertolucci,
en espérant y voler quelque chose. On n’apprend rien
en faisant ça. Les Cahiers du Cinéma ont inventé
ce terme d’“auteur“ [en Français dans le texte], mais
être réalisateur ne fait pas de vous automatiquement
un “auteur“. Si vous avez écrit un scénario original,
que ce sont vos mots et qu’ils viennent de votre vécu,
pas de votre cinéphilie, vous pourrez être appelé un
“auteur“. C’est une erreur des Cahiers d’avoir créé ce
culte du réalisateur que je déteste.
Mais vous avez inventé des choses que
personne n’avait jamais osé avant. Par
exemple, aucun cinéaste n’avait créé une
telle interaction entre les figurants et les
comédiens, comme dans la scène du
mariage de Voyage au bout de l’enfer ou les
scènes de bal de La Porte du Paradis…
Je déteste le mot figurants. C’est un mot inhumain.
Ce sont des personnes ! Dans Voyage au bout de
l’enfer, toutes les personnes présentes à la cérémonie
de mariage sont d’authentiques Russes et Ukrainiens
venus de trois paroisses de cette zone sidérurgique en
Pennsylvanie. Ils ont fait ce qu’ils auraient fait à
n’importe quel mariage. À la fin de cette séquence, il
y avait un vieil homme assis sur la scène ; il avait
une bière à la main – j’avais dit à tout le monde de
boire et de manger autant qu’ils le voulaient – et il
pleurait. Je lui demande pourquoi il pleure, et il m’a
répondu simplement : «C’était un si beau mariage…».
L’émotion était vraie. Pendant la scène de l’évacuation
de Saigon, nous avions 9 000 véritables autochtones,
sur des kilomètres et des kilomètres, vous les voyez
quand De Niro remonte la rivière. J’ai vu ce film, Troie,
et on y voit ces milliers de figurants numériques dans
les bateaux ; mais les Troyens n’ont jamais eu autant
de bateaux ! Les gens se sont habitués à ces mensonges,
mais dans Voyage au bout de l’enfer, La Porte
du Paradis ou L’Année du dragon, vous ne trouverez
jamais ce type de choses. Il n’y a pas de trucages, il y
a des interactions entre des personnes sur l’écran,
et c’est cela qui émeut les gens à l’arrivée. Avant de
faire pleurer le public, il faut d’abord l’avoir fait rire.
Spielberg me demandait : «Michael, comment as-tu
fait pour mettre autant de tension dans la scène de la
roulette russe de Voyage au bout de l’enfer ?». Je lui
ai dit que ce n’était pas lié à la scène de la roulette
russe, mais que cela provenait de celle du mariage
une heure avant. Vous aimez ces gens, vous ne voulez
pas qu’il leur arrive quelque chose.
Il faut du temps pour créer ce réalisme…
On ne crée jamais de réalisme. On ne crée qu’un
avatar de réalisme !
> La Porte du Paradis
À l’Institut Lumière, du 27 février au 3 mars
© Raisin Mege
Quelques semaines après son ex-rival et nouveau
pote expendable Schwarzenegger, c’est au tour
de Stallone de se lancer dans la course au
meilleur senior du cinéma d’action. Différence
notable : là où Schwarzy recrutait un Sud-coréen hype
derrière la caméra de son moyen Dernier rempart,
Stallone, cohérent avec son envie de faire revivre la
série B mal embouchée des années 80, a fait appel au
vétéran Walter Hill pour cette adaptation d’un roman
graphique français. Saine initiative : Du plomb dans la
tête s’impose assez vite comme un concentré nostalgique
du genre, sec, violent, plein d’humour noir mais
jamais parodique, bien raconté et habilement mis en
scène. Stallone y campe un tueur à l’ancienne qui
n’est pas prêt à se coucher devant la loi, la morale et
l’époque, même quand celles-ci sont incarnées par un
Möbius
D’Éric Rochant (Fr, 1h43)
avec Jean Dujardin, Cécile
De France, Tim Roth…
La carrière d’Éric Rochant restera
comme un énorme crash ; ce Möbius,
qui devait sonner son grand retour
après un exil télévisuel du côté de
Canal +, ressemble au contraire à un
terrible chant du cygne. Revenant au
film d’espionnage (qui lui avait
permis d’être à son meilleur au
moment des Patriotes), Rochant se
contente d’en offrir une lecture
approximative et purement illustrative.
Qu’a-t-il à dire sur la mondialisation
des échanges financiers et
sur son corollaire, la nécessaire
coopération des services secrets
pour en endiguer les fraudes ? Rien.
Se concentre-t-il alors sur un divertissement
ludique où les frontières
de la manipulation resteront floues
jusqu’à la conclusion ? Même pas,
Möbius étant plus confus que virtuose
dans son écriture et se contentant
souvent d’aligner mollement
les plans plutôt que de mettre en
scène les séquences. Que reste-t-il ?
Une histoire d’amour entre Cécile
De France (très moyenne) et Jean
Dujardin (qui s’en tire déjà mieux)
aux dialogues impossibles (ah ! les
«bras concrets»…), à l’érotisme
grotesque et à la crédibilité très
limite (la fin, notamment, est dure à
avaler). Le gâchis est total et l’espoir
de voir renaître un cinéaste autrefois
aimé semble s’envoler en fumée. CC
Week-end royal
De Roger Michell (Ang,
1h35) avec Bill Murray,
Laura Linney…
La grande histoire par son versant
anecdotique : Week-end royal, après
Le Discours d’un Roi – avec lequel il
partage un personnage, celui de
George VI – témoigne de ce nouvel
académisme qui consiste à raconter
les événements par le plus petit
bout de la lorgnette possible. Ici,
c’est une des maîtresses de Franklin
D. Roosevelt qui retrace les dernières
années du Président (un Bill Murray
perdu au milieu du décor), et notamment
un fameux week-end avec le
nouveau roi d’Angleterre et son
épouse. Un bel exemple de ce culte
du détail : le climax du film consiste
à savoir si oui ou non le roi croquera
dans un hot dog. De cela dépend
l’avancée des relations américanobritanniques
dans la guerre contre
Hitler. Michell aimerait ainsi montrer
la politique comme un vaudeville ou
un mélodrame, mais son dispositif
(voix-off et reconstitution méticuleuse)
pèse trop lourd pour aboutir
à une telle légèreté. L’élégance
même du film est contre-productive
tant la mise en scène participe de
l’ennui poli mais ferme qui saisit le
spectateur. CC
Boule & Bill
De Alexandre Charlot et
Frank Magnier (Fr, 1h30)
avec Marina Foïs, Frank
Dubosc, Charles Crombez...
La BD et le cinéma français, c’est un
peu l’échec permanent. Pour preuve
encore Boule & Bill, prévisible catastrophe
industrielle vu le matériau
d’origine. Mais ce qui étonne le plus
dans cette adaptation, c’est sa capacité
à décevoir. Car Boule & Bill le
film n’est pas la comédie neuneu
pour marmots à laquelle on pouvait
s’attendre. Oui il y a quelques gags
mais qui tombent tous à plat. Oui on
entend la voix du chien qui pense et
c’est navrant. Le plus curieux, c’est
que les auteurs du film se foutent
presque de Roba et sa mythologie,
reléguée aux cinq dernières minutes.
Ils préfèrent s’intéresser à l’époque
où la BD vivait son heure de gloire,
Du plomb
dans la tête
flic incorruptible au milieu d’une police gangrenée
par l’argent sale et les magouilles en tout genre. C’est
l’alliance temporaire entre le vieux grincheux, brutal,
taiseux, allergique à la technologie et le jeune loup
idéaliste, naïf, scotché à son smartphone qui donne
au film son échine de buddy movie et qui permet à
Stallone de sortir (un peu) de son monolithisme habituel.
Ce drôle d’objet anachronique est bien plus
attachant que le cinéma pop corn actuel, blockbusters
diabétiques aux corps en trop bonne santé. Walter
Hill leur rappelle que l’important, dans tous les sens
du terme, c’est bien d’avoir du plomb dans la tête.
CHRISTOPHE CHABERT
> Du plomb dans la têteDe Walter Hill (ÉU, 1h31)
avec Sylvester Stallone, Sung Kang…
tournant un film rétro au look bâtard
sur l’émancipation de la femme dans
la France des années 70. Seule
compte ainsi la mère, héroïne d’un
film pensé comme une préquelle
réflexive à la BD, où le père serait
Roba découvrant son inspiration
après avoir fui la cité dortoir où sa
famille s’était installée. Nul et à la
fois limite intriguant. JÉRÔME
DITTMAR
PAS VUS !
Sublimes
créatures
De Richard LaGravenese
(ÉU, 1h58) avec Alden
Ehrenreich, Alice Englert…
Après Twilight, c’est toujours Twilight
: deux teenagers, le garçon
normal, la fille dotée de pouvoirs
surnaturels, et qui ne saura qu’à
ses seize ans si elle est destinée
au bien ou au mal, une histoire
d’amour et c’est parti pour une nouvelle
franchise…
Zaytoun
D’Eran Rikliss (Israël-Fr-
Ang, 1h50) avec Stephen
Dorff, Alice Taglioni…
L’amitié entre un jeune Palestinien
de 12 ans et un pilote de chasse
israëlien ; ils devront traverser
ensemble le Liban en guerre du
début des années 80. Par le réalisateur
des Citronniers.
Ouf
De Yann Coridian (Fr, 1h21)
avec Éric Elmosnino, Sophie
Quinton, Valeria Golino…
À 41 ans, et après un bref internement
psychiatrique, François est
plaqué par sa femme. Alors qu’il doit
subir la dinguerie de son entourage,
il va chercher à la reconquérir.
DR