Jojo le récidiviste-dossier accompagnement.pdf - Théâtre Dunois

Du 29 mai au 3 juin 2012
Jojo le récidiviste
L’Eldorado – cie Joël Jouanneau
Théâtre | 7+
Dossier d’accompagnement

Le spectacle
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Imaginer des bêtises, c’est une chose. Savoir les mettre en scène de manière à rendre
sa mère littéralement dingue en est une autre ! Jojo expérimente artistiquement les
mille et une façons de s’attirer une torgnole. Jojo démonte l’aspirateur, joue au pompier
et met le feu, mange un livre, fait rôtir une pantoufle, manque de tomber par la
fenêtre… Sa mère le gifle, il récidive !
Jojo est une pure tête à claques, ce qui suppose quand même un minimum de suite
dans les idées. Il expérimente donc aux dépends du bon ordre, tout ce qui, pense-t-il,
pourra le mener à la Connaissance. D’ailleurs, ses inventions parlent d’elles-mêmes : elles
se passent quasiment de mots.
« Jojo, le récidiviste » c’est l’histoire d’une mère et son fils qui s’aiment tous deux mais
ne se le disent pas. L’histoire d’une mère et son fils qui se cherchent, peut être tout
simplement, pour ne pas se perdre.
D’après le texte de Jospeh Danan, « Jojo le récidiviste ». Editions Actes Sud, collection
Heyoka Jeunesse. Illustrations Eric Veillé, Acte Sud, 2007
Particularité du texte :
La partition de Jojo, telle que l’a voulue son auteur Joseph Danan,
tient en un texte presque entièrement didascalique. Une aubaine
pour le metteur en scène Joël Jouanneau qui s’est totalement
identifié à cet enfant incontrôlable. Aux côtés de Delphine Lamand, il
met en scène cette cascade de bêtises burlesques, non sans
questionner l’amour inconditionnel de la gifle qui semble guider
secrètement Jojo. Les torgnoles sonores vous fouettent les oreilles,

mais les je t’aime non dits font des marques à jamais, et vous cingle le cœur.
Didascalie
Une didascalie, dans le texte d'une pièce de théâtre ou le scénario d'un film, est une
note ou un paragraphe, rédigé par l'auteur à destination des acteurs ou du metteur en
scène, donnant des indications d'action, de jeu ou de mise en scène. Elle permet de
donner des informations, notamment, sur le comportement, l'humeur ou encore la tenue
vestimentaire d'un personnage.
La forme
« Jojo se décompose en vingt-et-une séquences (si l’on se réfère au découpage
cinématographique) ou vignettes (si l’on pense à la bande dessinée). La structure
emprunte à la convention burlesque. Chaque fois que Jojo fait une bêtise, sa mère entre
et lui met une claque. On pense à Charlie Chaplin et aux coups de pieds aux fesses, à
Guignol… »
Joël Jouanneau
Distribution
Joseph Danan | texte
Joël Jouanneau assistée de Delphine Lamand | mise en scène
Valentine Alaqui, Camille Garcia, Delphine Lamand | jeu
Interview de Delphine Lamand
Réalisée par Olivier Balazuc dans « Têtes à claques » la nouvelle revue pédagogique n°5, janvier
2008, page 7
D.L. : Les enfants sont très réactifs et spontanés, ils vivent le spectacle « au présent ».
(…) Cette immédiateté de la salle est extrêmement stimulante. En revanche, le jeune
public est sans concession : si le spectacle ne le captive pas, il décroche
instantanément !
Existe-t-il un théâtre spécifique pour la jeunesse ? (…)
D.L. : Pour Joël [Jouanneau] et moi, un spectacle « jeune public » doit pouvoir
s’adresser à tous. Il s’agit de réveiller la part d’enfance en chacun. Les situations de
départ sont souvent très simples avec des personnages typés comme dans la
Commedia dell’arte. Les figures doivent être aisément identifiables pour éveiller, voire
sensibiliser les spectateurs des questions universelles : le racisme, la solitude, la vie en
société…
(…) Jojo aussi est une pièce initiatique. Le personnage est un enfant qui s’invente des
histoires, transforme le réel qui l’entoure, moins par provocation que pour réaliser ses
rêves. La pièce est un hymne à l’imagination et à la création. Comment fait-on lorsqu’on
est seul, livré à l’ennui ?
Finalement, l’ennui est fondateur parce qu’il suscite du désir…
Jojo est une pièce dont l’écriture intrigue. Il n’y a presque aucun dialogue.

D.L. : Oui, Joseph [Danan] a eu l’idée d’écrire une pièce didascalique, parce qu’il trouve le
théâtre trop bavard en général… Jojo se décompose en vingt-et-une séquences (si l’on
se réfère au découpage cinématographique) ou vignettes (si l’on pense à la bande
dessinée). La structure emprunte à la convention burlesque. Chaque fois que Jojo fait
une bêtise, sa mère entre et lui met une claque. On pense à Charlie Chaplin et aux
coups de pieds aux fesses, à Guignol… La mère représente l’effraction de l’adulte dans
l’imaginaire de l’enfant. En fait, elle essaye en permanence de réprimer l’enfance en elle,
c’est-à-dire le principe de plaisir.
(…)
Dans cette histoire sans paroles ou presque, la musique et le son sont très présents. En
ce sens
Pablo Bergel (conception sonore) est notre quatrième acteur… l’univers sonore, riche et
décalé, permet de suggérer la perception de l’enfant. Les situations sont vécues par lui
de manière affective, démesurée. (…)
Ce spectacle encourage donc une forme de désobéissance vitale ?
D.L. : Symboliquement la pièce esquisse un parallèle entre la relation enfant / adulte et
la relation artiste / société. Où se trouve la notion de limite ? Qui la pose et pourquoi ?

« Les papas de Jojo »
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Notes d’intention
Les papas de Jojo…
« J’ai longtemps hésité sur le titre. Pendant un bon moment, la pièce s’est appelée Tom
le récidiviste, mais je sentais que ce n’était pas ça. J’en ai essayé d’autre, Jim le
récidiviste, Paulo le récidiviste. Avec Pierrot le récidiviste, j’ai bien cru que ça y’était.
Mais la valse a continué, Jimmy, Nicolas, Lulu, Toto. Ca n’était toujours pas ça ! Jusqu’à
ce qu’enfin la lumière se fasse. Ce serait : Jojo le récidiviste ! Allez savoir pourquoi ! On
allait encore me dire que c’était une pièce autobiographique. Or je le sais bien, Jojo et
moi, ça fait deux, même si pendant des années dans la famille on m’appelait Jojo
(jusqu’à ce que je dise : stop ! parce que je n’en pouvais plus). Moi à la différence de
Jojo, j’étais un enfant sage, trop sage peut-être. (Aïe, je sens les parents qui remuent).
Et ma mère, je le jure, ne m’a jamais donné la plus petite gifle (mon père non plus
d’ailleurs). J’ai une hypothèse : c’est que les bêtises, je ne les faisais pas, parce que la
gifle, je me la donnais moi-même avant de les faire- je suis sûr que tu as très bien
compris.
Maintenant que j’ai grandi (un peu…..mais là, à cinquante-cinq ans, je ne me fais pas
d’illusions, je ne grandirais plus), j’écris des pièces où je peux faire tout ce que je veux
sans prendre de gifle.
Et j’enseigne le théâtre à l’université à de grands gaillards et de grandes filles que je
n’ai pas besoin de gifler pour qu’ils travaillent, parce qu’ils aiment ça !
Jojo a une maman. Ça, oui. Mais de papa, point (semble-t-il).
Je n’aurai pas écrit Jojo si je n’avais pas écrit Auren. Et je n’aurai pas écrit Auren si
Joël Jouanneau ne m’avait pas fait la proposition de l’écrire. Joël Jouanneau est un peu
le papa de Jojo.
Les enfants ne naissent pas dans un bocal. Jojo, si. Il est né dans un Bocal, à Gare au
théâtre, à Vitry-sur-Seine (comme son grand frère, Auren, d’ailleurs, quelques années
plus tôt). Le Bocal est un drôle de truc inventé par le chef de gare, Mustafa Aouar. On
met des écrivains dans le Bocal. On agite. Et on regarde ce qui en sort. C’est une sorte
d’expérience. Jojo est un bébé-éprouvette, un peu. Cette fois-là, l’agitateur du Bocal
était Daniel Lemahieu. Sans lui, pas de Jojo. Daniel Lemahieu aussi est un peu le papa de
Jojo.
Ce que papa Lemahieu avait proposé aux agités du Bocal, c’était d’écrire une pièce
didascalique. Ça tombait bien parce que la plupart des agités venaient des Balkans,
pays où on ne parle pas forcément notre langue. C’est venu rencontrer une envie qui
me démangeait.
J’ai tendance à penser que le théâtre parle trop. J’avais envie de raréfier encore la
parole (plus que je ne l’avais déjà fait). De tenter, de ma position d’auteur, depuis mon
territoire propre, qui est le texte, une écriture du geste, du mouvement. Une écriture du
gag, aussi.
Il me semble que je voulais parler d’un troisième papa de Jojo. Mais j’ai oublié qui. »
Joseph Danan

Joël Jouanneau, « la tête à claques »
« Enfant, toujours je me demandais si vraiment c'était bien ma joue gauche qui désirait
recevoir de plein fouet la paume de la main de ma mère, ou si ce n'était pas plutôt la
paume droite de sa main qui était irrésistiblement attirée par ma joue.
La réponse se trouvant dans la gifle, je la recherchais au quotidien et j'avais plus d'une
corde à mon arc pour la trouver, mais une fois la gifle reçue la question ne me semblait
pas pour autant résolue.
Et quand bien même la réponse prenait parfois la forme fulgurante d'un aller-retour, je
n'arrivais pas plus à savoir qui, de la joue ou de la main, désirait le plus l'autre.
Je n'étais toutefois pas sans remarquer qu'une fois la gifle arrivée à son port, les deux
joues de ma mère s'enflammaient contre une seule pour moi et je sortais donc
incontestablement vainqueur de l'épreuve, ce qui bien sûr ne pouvait que m'encourager
à la récidive.
Je savais y faire, m'y prenant au fil des ans de mieux en mieux pour que ça tombe, et
devins ainsi un bêtisier à moi tout seul. D'où sans doute cette ritournelle maternelle de
mon enfance : qu'ai-je donc fait au ciel pour mériter un fils pareil ? Question restée elle
aussi sans réponse, le ciel ayant mieux à faire qu'à arbitrer nos jeux dangereux
Devenu grand, mais au prix de plusieurs décennies et d'un grand nombre de cheveux
blancs, je suis aujourd'hui à peu près convaincu que ma mère et moi avions trouvé par
ce biais-là le sentier interdit de notre je t'aime journalier.
Sous réserves toutefois que cette histoire soit validée par la génitrice, on peut dès lors
comprendre pourquoi la lecture de Jojo le récidiviste, cette pièce intempestive qui a
pour héros une splendide tête à claques, m'ait réjoui au point même je crois de penser,
comme quoi je ne me refuse rien, que Joseph Danan l'avait écrite tout exprès pour moi.
Et puis, oui, il me faut l'avouer aussi, la lecture de cette pièce coïncidait avec
l'intrusion du mot récidiviste dans le vocabulaire de la sphère sociale, intrusion non
dénuée d'arrière-pensées, la plus cachée finissant même par apparaître au grand jour
sous la forme pour le moins inattendue de la nécessité de débusquer et chasser le
délinquant dès ses toutes premières années, disons, en bref, dès l'école primaire.
Je compris alors combien j'avais eu chaud, comme on dit, en mon temps.
C'est que, des bêtises, on en dit certes souvent, cela échappe, et parfois au grand jour
et souvent impunément, preuve en est la fin du paragraphe précédent. On en fait aussi,
et dès lors la claque est une simple question de désir, lequel peut se graduer de 1 à 9
sur l'échelle de Richter selon l'intensité de la marque des cinq doigts sur la joue.
Reste que personne n'est obligé d'en écrire, des bêtises, et il peut même être périlleux
de le faire, c'est pourquoi je voudrais remercier Joseph Danan d'avoir eu ce courage et
cette audace théâtrale en portant, aux côtés de Delphine Lamand, son si intrépide et
burlesque texte sur la scène. »
Joël Jouanneau
Biographies
Joël Jouanneau
(Source | http://fr.wikipedia.org/wiki/Jo%C3%ABl_Jouanneau)
Né en 1946 dans le Loir-et-Cher, Joël Jouanneau anime le collectif amateur du Théâtre
du Grand Luxe de 1962 à 1983, tout en effectuant divers métiers, d’instituteur à
journaliste.

En 1984, il fonde la compagnie L’Eldorado, alternant depuis écriture, mise en scène, et
enseignement du Théâtre au Théâtre National de Strasbourg puis au CNSAD de Paris.
Auteur d’une vingtaine de pièces (dont "Le Bourrichon" et "Allegria opus 47" qui ont
obtenues le Prix National du Syndicat de la Critique, et Gauche Uppercut celui de la
SACD), Joël Jouanneau les a toutes portées à la scène et publiées chez Actes Sud.
Joël Jouanneau contribue à l’émergence d’un véritable théâtre de répertoire pour le
jeune public. À l’origine de la création, avec l’éditeur Actes Sud Papiers, de la collection
Heyoka-Jeunesse, il fut également à l’initiative, avec l’appui du Théâtre de Sartrouville
et aux côtés de Claude Sévenier, du festival départemental des Yvelines, «Odyssées»,
qu’il anime et coordonne jusqu’à son départ en Bretagne.
Ce n’est pourtant que depuis 1988, et il a alors 42 ans, qu’il écrit des pièces adressées
aux enfants dont il précise qu’ils peuvent être « petits et grands ». Trois pièces de lui
ont en effet déjà été publiées lorsqu’il termine "Mamie Ouate en Papoâsie" (écrite avec
la collaboration de sa sœur Marie-claire Le Pavec) qu’il mettra en scène lui-même à
Sartrouville. Il fait ensuite une adaptation du "Roi Lear" de Shakespeare, "Le Roi
errant" qui sera portée à la scène par Cécile Garcia-Fogel, puis écrit pour la radio, à la
demande de France-Culture, Dernier Rayon. Il investit le théâtre musical et l’opéra
pour enfants, en mettant en scène "Les Trois jours de la queue du Dragon" de son ami
Jacques Rebotier, puis écrit "L’Indien des neiges" pour une maitrise d’enfants, livret
mis en musique par le même Rebotier et créé à l’Opéra de Lyon. Suivront trois contes
modernes pour le théâtre : "L’Adoptée", en 2003, "L’Ébloui" en 2004, "Le Marin d’eau
douce" en 2006. En 2007, c’est pour France-culture qu’il écrit "L’Enfant cachée dans
l’encrier". La même année il co-signe avec Delphine Lamand la mise en scène de "Jojo le
Récidiviste" de Joseph Danan. En décembre 2010, son film sur "Mamie Ouate en
Papoâsie" est diffusé sur la chaîne ARTE.
Ses textes :
PinKpunK Cirkus, 2011
L’Enfant cachée dans l’encrier, ill. Annie Drimaracci, 2009
Sous l’œil d’Œdipe, 2009
Hydrogen Jukebox, 2008
Dernier Caprice, 2006
Le Marin d’eau douce, 2006
L’Inconsolé, 2004
Mère et fils, comédie nocturne, 2004
L’Ébloui, 2003
L’Adoptée, 2002
Yeul, le jeune, 2001
Allegria-Opus 147, 1999
Les Dingues de Knoxville, 1999
Gauche uppercut, 1998
Dernier rayon, 1998
La Main bleue, 1998
Dernier Rayon, 1997
Le Condor, 1994
Le Marin perdu en mer, comédie pirate, 1992
Gauche uppercut, 1991
Mamie Ouate en Papôasie, comédie insulaire, 1990
Kiki l’indien, comédie alpine, 1989
Le Bourrichon, comédie rurale, 1989
Nuit d’orage sur Gaza, 1987

Joseph Danan
(Source | http://www.m-e-l.fr/Joseph%20Danan,422)
Joseph Danan est maître de conférences à l’Institut d’Études théâtrales (Paris III -
Sorbonne Nouvelle).
Ses pièces ont été créées par Alain Bézu, Jacques Kraemer, Julien Bouffier, Jean
Deloche, Jean-Frédéric Chevallier (Mexico), Gilbert Rault, Frédéric Bocquet, Jacques
Bonnaffé, Paulo Calatré (Caldas da Rainha, Portugal).
Elles sont publiées chez Médianes (« L'Enfance de Mickey » et « L'Éveil des ténèbres »),
Lansman (« Cinéma », « Sous l’écran silencieux » et « Enquêtes du désir, trois pièces »),
à Théâtre Ouvert (« Passage des lys » et « R. S/Z. Impromptu Spectre »), Actes Sud -
Papiers (« Les Aventures d’Auren » ; « Le petit serial killer », collection Heyoka Jeunesse
; « De la Révolution » ; « À la poursuite de l'oiseau du sommeil », collection Heyoka
Jeunesse”).
Il est aussi romancier (« Allégeance », Gallimard et « Avant que la mort te ravisse »,
« L. Mauguin »), poète (« Vortex, suite montréalaise » et « A poème », édités à L’Instant
perpétuel), essayiste (« Le Théâtre de la pensée », « Médianes » ; « Qu'est-ce que la
dramaturgie ? », Actes Sud - Papiers), auteur de nombreux articles sur les
dramaturgies contemporaines.

Pistes pédagogiques
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Par thèmes
Le burlesque
Définition :
Adj, Genre littéraire parodique traitant en style bas un sujet noble
Nom, D’un comique extravagant, saugrenu, grotesque.
Le registre burlesque (de l'italien burlesco, venant de burla, « farce, plaisanterie ») est
un genre littéraire en vogue au XVIIe siècle. Le burlesque est caractérisé par l'emploi de
termes comiques, familiers voire vulgaires pour évoquer des choses nobles et sérieuses
(héroï-comique le décalage inverse, qui consiste à traiter un sujet vulgaire en style
noble). Le sens du mot a évolué au cours des époques et selon les arts concernés).
« Burlesque » se dit aujourd'hui couramment pour désigner un comique exagéré,
extravagant qui repose généralement sur un décalage entre la tonalité et le sujet traité
dans un texte.
Le genre burlesque au théâtre : la farce de Molière
Molière récupèrera des éléments de la farce traditionnelle (dont les intrigues simples et
les jargons attribués aux personnages de médecins) pour créer de petits bijoux de
théâtre comique. Il soumet tout, les jeux de scène comme les débordements verbaux, à
l’action de la pièce et il donne de l’importance aux jeux physiques. Ces deux
améliorations que Molière apporte à la farce française viennent de l’influence de la
commedia dell’arte qui a imposé en comédie l’idée de structurer un spectacle comique
autour de son action.
La commedia dell’arte est née au xv e siècle avec la première comédie en prose d’Angelo
Beolco, dit le Ruzzante, où chaque personnage s’exprimait dans un dialecte différent. À
partir de là, chaque localité voulut avoir son propre caractère. Les représentations
eurent d’abord lieu sur des tréteaux. Le comique était principalement gestuel (pitreries).
Dans la comédie improvisée, le discours est sans cesse renouvelé, les acteurs s’inspirant
de la situation dramatique, des circonstances de temps et de lieu, faisaient de la pièce
qu’ils représentaient une œuvre changeante, incessamment rajeunie. Quant aux types
comiques, ce sont les mêmes que ceux de la comédie italienne : ses masques et ses
bouffons s’y retrouvent. Il y a d’abord les quatre types principaux : Pantalon, le Docteur,
le Capitan, et les zannis ou valets, avec leurs variétés de fourbes ou d’imbéciles,
d’intrigants ou de poltrons; puis les amoureux, les Horace, les Isabelle; enfin les
suivantes, comme Francisquine.
Chez Molière, certains personnages comiques sont récurrents tels que Sganarelle. Il
utilise pour le mettre en scène différents procédés comiques :
- Le comique de situation
Il intervient lorsque c'est la situation en elle-même qui devient drôle. Cela peut être le
cas lorsqu'on met un personnage en difficulté, en particulier lors de l'apparition d'un
personnage qui dérange. Par exemple, c'est le cas lorsque Mme Jourdain rentre chez elle
et trouve M. Jourdain en train d'essayer de séduire Dorimène (Le Bourgeois
Gentilhomme, Molière). Le quiproquo est un des éléments qui constituent le comique de
situation.

- Le comique de caractère
La comédie met en scène des personnages qui ont des défauts, des vices. Pour faire
rire, l'auteur accentue volontairement à l'excès ces défauts. Ainsi, M.
Jourdain (Le Bourgeois Gentilhomme, Molière) est obnubilé par son désir de devenir
noble, Harpagon (L'Avare, Molière) est soucieux du moindre sou...
- Le comique de geste
Il intervient souvent au théâtre. De nombreux éléments en font partie, comme les coups
de bâtons, les positions ridicules, les expressions du visage, le ton de la voix, mais aussi
les costumes parfois extravagants ou ridicules.
- Le comique de mots
Les auteurs de comédie usent et abusent des bons mots en faisant de la langue
française un vivier de jeux de mots, de calembours, de déformations possibles... En
jouant sur les mots, sur la langue, il est possible de provoquer le rire du spectateur.
A faire en classe
Trouver un exemple dans « Jojo le récidiviste » pour chacun de ces procédés comiques
Le genre burlesque au cirque : le clown
Même s'il tire sa filiation de personnages grotesques anciens, notamment ceux de la
Commedia dell'arte, le clown proprement dit est une création relativement récente. Il
apparaît pour la première fois en Angleterre au XVIIIe siècle, dans les cirques équestres.
Les directeurs de ces établissements, afin d'étoffer leurs programmes, engagèrent des
garçons de ferme qui ne savaient pas monter à cheval pour entrecouper les
performances des véritables cavaliers. Installés dans un rôle de serviteur benêt, ils
faisaient rire autant par leurs costumes de paysans, aux côtés des habits de lumière
des autres artistes, que par les postures comiques qu'ils adoptaient, parfois à leur
dépens.
Les clowns suivaient le mouvement des numéros présentés, en les caricaturant pour
faire rire (le clown sauteur, le clown acrobate…). Ce personnage évolua pour devenir de
moins en moins comique : distingué, adoptant des vêtements aux tissus nobles et de
plus en plus lourds avec l'emploi des paillettes, il fit équipe avec l'auguste. Ce dernier
devint le personnage comique par excellence, le clown servant de faire-valoir. C'est la
configuration que l'on connaît aujourd'hui. L'auguste prit peu à peu son autonomie,
quand certains trouvèrent le moyen de faire rire la salle sans avoir besoin du clown
pailleté. L'auguste s'imposa alors en tant qu'artiste solitaire, proposant parfois à un
spectateur de lui servir de partenaire.
Le clown peut porter un pseudonyme inspiré du langage enfantin (en langue française,
l'utilisation du redoublement de syllabe ou de sons est ainsi courant), comme Jojo, Kiki,
etc.

Antoine Watteau, Les Gilles ou Pierrot.
Le genre burlesque au cinéma : l’exemple des films de Charlie Chaplin
Charlie Chaplin est un acteur, réalisateur, producteur, scénariste, écrivain et
compositeur britannique né à Londres le 16 avril 1889, et mort le 25 décembre 1977 à
Corsier-sur-Vevey, en Suisse. Par son jeu de mime et de clownerie, il a su se faire
remarquer, et devenir l'un des plus célèbres acteurs d'Hollywood.
« Le burlesque est aussi un genre cinématographique adapté du vaudeville et typique
de l’ère muette. Il fait rire grâce à un comique de l’absurde et de l’irrationnel. Des
événements extraordinaires ne cessent de faire irruption sans raison dans le quotidien.
Le burlesque s’appelle aussi slapstick, littéralement « coup de bâton ». Le gag repose
alors sur un comique physique : il montre des chutes, des bagarres, des poursuites, des

chocs… Une approche historique permet d’affiner l’étude du genre, dont le socle est le
gag. De mesurer aussi son évolution, depuis le « slapstick » - qui désigne un type de
comique centré sur certaine violence et l’exagération de tous mouvements - et les
formes plus sophistiquées des longs-métrages de Chaplin et Keaton dans les années
1920-1930, jusqu’aux poursuites de ces motifs dans le cinéma parlant. »
Jean-Philippe Tessé, membre du comité de rédaction des Cahiers du cinéma
Pour aller plus loin :
Un site internet : http://www.charles-chaplin.net/accueil.php
Un ouvrage :
« Charlie Chaplin, l'enchanteur du cinéma comique »
Auteur : Luc Baba | Illustrateur : Pauline Sciot |Editeur : A dos
d’âne
Le genre burlesque dans la BD : Les bêtises du Petit Nicolas (1959) de Goscinny et
Sempé

Le petit Nicolas met en scène un petit garçon, dans un environnement urbain pendant
les années 1950, où se mêlent l'humour et la tendresse de l'enfance.
Le personnage, identifié par un dessin au trait, livre ses pensées intimes grâce à un
langage d'enfant créé par Goscinny.
Les thèmes sont avant tout ceux de l'enfance (comme la camaraderie, les disputes, les
rapports avec la maîtresse d'école, les premières amourettes) mais Goscinny décrypte
également le monde complexe des adultes : rapports entre voisins, avec son patron,
avec une belle-famille, l'éducation, disputes familiales...
Pour aller plus loin :
Un site Internet : L’humour visuel de Sempé. Une pratique de la sagesse populaire
http://www.persee.fr/web/revues/home/prescript/article/colan_0336-
1500_2006_num_149_1_4613
L’autorité
L'autorité correspond au droit de pouvoir commander, d'être obéi. Elle implique les
notions de légitimité, de pouvoir, de commandement et d'obéissance, et ne doit pas être
confondue avec l'autoritarisme. Au point de vue démarche, l'autoritarisme correspond
à l'attitude de la personne qui contraint physiquement et/ou psychiquement les
personnes qu'elle commande. L'autorité, en ce qu'elle nécessite la légitimité, ne peut lui
être associée. L'autorité d'un parent tient de sa fonction au sein de la famille.
Exemple de scène : « La tour de Babel » dans Jojo le récidiviste.
Le mythe de la tour de Babel
Selon les traditions judéo-chrétiennes, c'est Nemrod, le « roi-chasseur » régnant sur les
descendants de Noé, qui eut l'idée de construire à Babel (Babylone) une tour assez haute pour
que son sommet atteigne le ciel. Descendants de Noé, ils représentaient donc l'humanité et

étaient censés tous parler la même et unique langue sur Terre, une et une seule langue
adamique. Pour contrecarrer leur projet qu'il jugeait plein d'orgueil, Dieu multiplia les langues
afin que les hommes ne se comprennent plus. Ainsi la construction ne put continuer et les
hommes se dispersèrent sur la Terre.
Cette histoire est parfois vue comme une tentative de réponse des hommes au mystère
apparent de l'existence de plusieurs langues, mais est aussi le véhicule d'un enseignement
d'ordre moral : elle illustre les dangers de vouloir se placer à l'égal de Dieu, de le défier par
notre recherche de la connaissance.
Jojo tenterait donc de remettre en question l’autorité parentale, tout comme Nemrod
l’autorité divine. Pourtant lorsque Jojo devient lui-même une personne d’autorité,
lorsqu’il devient le président, dans la scène « Conférence de presse ». Il se met en
difficulté :
Extrait de « Jojo le récidiviste » de Joseph Danan, « Conférence de presse » :
« Bombardé de questions par ses copains, Jojo ne répond pas ou n’arrive pas à en
placer une.
(…) On parle d’énormes pots-de-vin… Vous ne savez évidemment rien ?
Rien »
Pour aller plus loin : bibliographie
« Les farces d'Emil » | Astrid Lindgren et Björn Berg, Hachette Jeunesse, Le livre de poche
jeunesse
En Suède, à une époque qu’on pourrait dater de la fin du XIXème siècle, vit Emil, un petit garçon
à la figure d’ange et à l’esprit très malicieux. Pas un jour ne passe sans qu’il ne fasse quelque
bêtise aux conséquences inattendues. Ses parents, sa petite sœur, et les deux domestiques de

la ferme ne savent plus quoi faire de lui ! On le voit ici avoir la tête coincée dans une soupière,
accrocher sa petite sœur à un mât, se goinfrer de saucisses…
Dans cette nouvelle traduction, le célèbre Zozo la tornade est devenu Emil, mais conserve la
même silhouette (les gravures originales de Björn Berg) et surtout la même hyper-activité. Ses
sottises partent toujours d’une intention généreuse ou pour le moins innocente, mais finissent
immanquablement par mobiliser la famille entière autour de lui pour les réparer, les uns
s’énervant, les autres tempérant (la mère fait preuve d’une conception très moderne de
l’éducation).
« Le livre qui t’explique enfin tout sur les parents (pourquoi ils te font manger
des légumes et tout le reste » | Françoize Boucher, Edition Nathan, 2012
« Les nouveaux malheurs de Sophie » | Valérie Dayre, école des loisirs, 2001.
Qui a dit que l’enfance était le temps de l’innocence ? Certainement pas Valérie Dayre, qui, dans
son dernier roman, tord le cou à cette idée reçue. « Une chose qui fait grandir, tu pourrais
m’en raconter une, toi ? » Pour répondre à son fils, Sophie, devenue adulte, accepte de se
souvenir. Oui, certaines choses font grandir parce qu’elles vous font perdre vos illusions
d’enfant...
De l’art avec presque rien
Jojo, le peintre
Extrait d’une scène « Jojo le récidiviste » de Joseph Danan : Un interrogatoire :
« Jojo revient chargé d’une quantité de fruits et de légumes (spécialement des fraises,
des bananes, des tomates…) qu’il entreprend de disposer sur le tapis ou sur un plan
incliné de manière à composer une sorte de bonhomme à la Arcimboldo. »
Dans cette scène, Jojo tente de créer des personnages avec de simples fruits et
légumes. Cette technique a été très utilisée par le peintre Giuseppe Arcimboldo (1527 -
1593). Peintre maniériste, il fut célèbre pour ses nombreux portraits suggérés par des
végétaux, des animaux ou des objets astucieusement disposés. Jojo créer donc une
œuvre en détournant les objets de leur fonction. Le détournement d’objet fut aussi
beaucoup utilisé par les artistes du mouvement Dada tel que Marcel Duchamp (1887 –
1968) ou encore John Cage.

Giuseppe Arcimboldo
Il s’agit ci dessous, d'une série de quatre tableaux peints par Arcimboldo en 1563 et offerts à
Maximilien II en 1569, accompagnés des Quatre Éléments (peints en 1566). Y est joint un poème
de Giovanni Battista Fonteo (1546-1580) qui en explicite le sens allégorique :
« L'été est chaud et sec comme le Feu. L'Hiver est froid et humide comme l'Eau. L'Air et le
Printemps sont tous deux chauds et humides et l'Automne et la Terre sont tous deux froids et
sec.»
Chaque tableau est constitué d’un portrait de profil, composé d’éléments rappelant la saison.
L’Hiver regarde ainsi Le Printemps et L’Été, L’Automne. De la version originale, ne subsistent que
l’Hiver et L’Été, exposés à Vienne. Parmi les versions les plus connues il y a celles du musée du
Louvre, copies faite par le peintre à la demande de Maximilien II pour en faire cadeau à Auguste
de Saxe. Les tableaux se caractérisent par un encadré floral qui n’existait pas sur la première
version.
Pour aller plus loin :
« Arcimboldo » | Catherine de Duve, éd Tout un art Hatier, 2007, à partir de 5ans
En découvrant l’œuvre du peintre, sous la forme d’un livre animé, l’auteur propose
également dé découvrir les recettes de cet « alchimiste ». Une bonne idée qui nous
plonge autant dans la nature, que dans la cuisine ou le jardin. Le jeune lecteur sera
aussi invité à agir et à réaliser ses propres créations à la manière de l’artiste.

« Les hommes n’en font qu’à leurs têtes » | François David, Olivier Thiebaut, éd
Sarbacane, 2011, 6ans
Dans cet album, les hommes de cœur nous proposent seize têtes d’homme mises en
boîte, seize têtes de profil, faites de terre ou de fer, de légumes ou de boutons, de
coton ou de boulons, accompagnées de seize poèmes légers ou graves, drôles ou
mélancoliques, toujours aériens et fluides.
Question à poser aux élèves :
- Jojo choisit particulièrement certains fruits et certains légumes : « Jojo revient
chargé d’une quantité de fruits et de légumes (spécialement des fraises, des
bananes et des tomates) ». Pourquoi ?
- Faire deviner aux élèves quelles saisons correspondent à quels tableaux
Jojo, le musicien
Extrait d’une scène de « Jojo le récidiviste » de Joseph Danan : Musique de chambre :
« Jojo est avec ses copains. Devant eux, sur le sol, l’aspirateur. Jojo entreprend le
démontage de l’appareil et distribue les différentes pièces. Chacune d’elles devient un
instrument à vent ou à percussion. Et chacun des copains, sitôt en possession de son
instrument, commence à émettre des sons. »

John Cage
Élève de Schönberg, John Cage s'est illustré comme compositeur de musique
contemporaine expérimentale et comme philosophe. Il est également reconnu comme
l'inspirateur du mouvement Fluxus, du groupe espagnol ZAJ et des expérimentations musicales
radicales qui accompagnaient les chorégraphies de la Merce Cunningham Dance Company. Il y a
d'ailleurs occupé la fonction de directeur musical puis de conseiller musical jusqu'à sa mort en
1992.
En 1935, faute de place pour pouvoir utiliser des instruments de percussions pour les besoins
d'une œuvre destinée à accompagner une chorégraphie de Syvilla Fort, Cage crée sa première
pièce pour piano préparé.
Dans cette pièce, John Cage propose à son public d’écouter non plus des notes mais des bruits.
Ces bruits donnent à entendre les matériaux et la forme des objets qui les produisent,
soulignant en quelque sorte leurs propriétés plastiques. Séduit par la formule d’Oskar Fischinger
qui lui parle du son comme de « l’âme d’un objet », il décide de donner à « voir les sons ». En
1938, préparant ses pianos sur l’exemple de son professeur Henry Cowell, il insère entre les
cordes dés à coudre, gommes, pièces de métal, morceaux de tissus et diverses catégories
d’objets choisis pour leurs propriétés plastiques. Au terme d’un travail d’installation qui peut
durer plus de deux heures, il transforme ainsi l’instrument à produire des hauteurs de notes en
un instrument à produire des variations de timbres. Changé en une batterie incontrôlable, le
piano préparé fait appel à un mode d’écoute qui n’était alors envisagé que dans le domaine des
instruments à percussion. Cage amène l’auditeur à porter son attention « à la surface » du son,
quand la valeur d’une composition était jugée à sa « profondeur ».
Jojo, l’artiste ?
« Dans chaque enfant il y a un artiste. Le problème est de savoir comment rester un
artiste en grandissant » - Pablo Picasso
Quelle place pour l’artiste ?
Au cours des siècles, la place de l’artiste dans la société a beaucoup évolué : jusqu’au
XVIIIe, il est un auxiliaire du pouvoir temporel ou religieux, puis au XIXe, il s’affirme
comme une alternative à une société rationaliste, qui refoule les affects individuels.
Mais la posture de l’artiste héritée du XIXe et du Romantisme, n’est plus d’actualité. Au
début du XXe, s’impose une nouvelle figure, qui érige l’artiste en analyste du social,
doublant la figure de l’intellectuel, qui émerge simultanément.
L’enfant serait donc à ses parents, ce que l’artiste est à la société. Comme l’explique
Delphine Lamand, symboliquement la pièce esquisse un parallèle entre la relation enfant
/ adulte et la relation artiste / société. Et cherche ainsi à savoir où se trouve la notion
de limite ? Qui la pose et pourquoi ?
Pour aller plus loin :
L’enfant, l’artiste et l’imagination poétique : les origines de l’évolution d’un mythe
(depuis le romantisme allemand à Gaston Bachelard) :
http://www.upm.ro/facultati_departamente/stiinte_litere/conferinte/situl_integrare_europeana/L
ucrari3/franceza/Roxana%20Ghita.pdf

« L’art pour comprendre le monde » | Véronique Antoine-Andersen,
éd Acte Sud Junior, 2003, 11 ans
Entre l’œuvre d’art et son environnement, entre livre d’art et
interrogations presque philosophiques, Véronique Antoine-Andersen
tente, par l’exemple, de donner de solutions et des pistes. Des
peintures rupestres aux expressions les plus contemporaines,
l’auteur apporte ainsi de remarquables éclaircissements. Les œuvres
d’art servent à agir sur le monde (qu’il soit réel ou spirituel), à
conquérir la beauté (où l’on comprendra que la notion de beauté est avant tout
culturelle), et à représenter le monde (avec dans ce chapitre une réflexion sur les liens
qui ont longtemps uni art et sciences). Mais les œuvres d’art peuvent aussi aider à
témoigner, enseigner et réfléchir (avec un superbe éclairage sur l’histoire et la
politique) ou à exprimer les émotions
Le mouvement Dada
Dada est un mouvement intellectuel, littéraire et artistique qui, pendant la Première Guerre
mondiale, se caractérisa par une remise en cause, à la manière de la table rase, de toutes les
conventions et contraintes idéologiques, artistiques et politiques.
Ce mouvement a mis en avant l'esprit d'enfance, le jeu avec les convenances et les
conventions, le rejet de la raison et de la logique, l'extravagance, la dérision et l'humour. Ses
artistes se voulaient irrespectueux, extravagants, affichant un mépris total envers les
« vieilleries » du passé comme celles du présent qui perduraient. Ils recherchaient la plus
grande liberté de créativité, pour laquelle ils utilisèrent tous les matériaux et formes
disponibles
« Comment parler de l’art du XXe siècle aux enfants » | Françoise Barbe-Gall, éd Le
Baron Perché, 2011
«Comment parler d’art aux enfants -, est divisé en trois grandes parties. La première vise à
rassurer le lecteur, en ancrant l’art du XXe siècle dans la réalité, la vie ordinaire, le quotidien.
Dans la deuxième, les grands thèmes de l’art du XXe sont notamment abordés. A chaque fois, les
paragraphes sont assez courts et bien titrés, pour permettre au lecteur de piocher facilement
des informations qui lui feraient défaut. Dans la troisième partie, trente œuvres d’artistes sont
expliquées, avec à chaque fois, trois niveaux de lecture. L’auteure se base sur les réflexions que
pourraient avoir les enfants de 5-7 ans, ceux de 8-10 ans et enfin ceux de 11-13 ans. Le choix
des œuvres montrent l’immense champ couvert par l’art du XXe siècle, même si la photographie
et l’art vidéo ne sont ici volontairement pas abordés.