Mona Lisa – sourire divin et histoires turbulentes - Centre PasquArt

CentrePasquArt Centre d’art 71-73 Faubourg du Lac CH 2502 Bienne
Médiation culturelle: T + 41 32 322 24 64 mediation-culturelle-bienne@bluewin.ch www.pasquart.ch
Information et documentation destinées aux écoles pour
l’ atelier
Mona Lisa – sourire divin et
histoires turbulentes
Une offre permanente de la Médiation culturelle du CentrePasquArt
Cet atelier s’adresse à tous les niveaux scolaires. Le déroulement et le contenu sont
adaptés au niveau scolaire respectif. L’atelier Mona Lisa – sourire divin et histoires
turbulentes fait partie de l’offre permanente du CentrePasquArt; possibilité de s’inscrire
en tout temps. L’atelier n’exige aucun travail préalable ou postérieur. La présente
documentation est conçue à titre d’information complémentaire sur le thème et présente
des suggestions à l’attention des enseignants.
Vous pouvez joindre la Médiation culturelle du CentrePasquArt à l’adresse suivante: tél.:
032 322 24 64 Email: mediation-culturelle-bienne@bluewin.ch
Avril 2007
Diese Dokumenation gibt es auch auf Deutsch. Exemplare können Sie bestellen bei der
Kunstvermittlungsstelle des CentrePasquArt: Tel: 032 322 24 64, Email: kunstvermittlung-biel@bluewin.ch
L’offre d’envergure proposée aux écoles, aux enfants et aux jeunes a pu être réalisée grâce à l’aimable
soutien de la fondation Stiftung VINETUM.

CentrePasquArt Médiation culturelle
SOMMAIRE
1. Informations générales p. 3
1.1 Bref descriptif de l’atelier p. 3
1.2 Objectifs pédagogiques de l’atelier p. 3
1.3 Déroulement de l’atelier p. 4
2. Documentation destinée à la préparation p. 4
de l’atelier et au travail ultérieur
2.1 Le tableau « Mona Lisa » p. 5
2.2 L’artiste Léonard de Vinci p. 8
2.4 Mona Lisa – un aimant pour le public du Louvre p. 12
3. Mona Lisa et l’histoire de l’art p. 16
3.1 Mona Lisa en tant que thème de l’art moderne p. 16
et contemporain
4. Sources p. 27
Mona Lisa – Sourire divin et histoires turbulentes - Documentation destinée aux écoles 2

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1. Informations générales
L’atelier ‘Mona Lisa – Sourire divin et histoires turbulentes fait partie de l’offre
permanente du CentrePasquArt; possibilité de s’inscrire en tout temps. L’atelier est
adapté aux différents niveaux scolaires. Le présent dossier a été sciemment rédigé sous
forme concise afin de ne pas intensifier inutilement le flux de papiers et d’informations.
Ces informations ont valeur d’orientation. L’atelier est constamment perfectionné et
adapté aux besoins. Chaque atelier représente un vécu individuel pour la classe scolaire
respective!
1.1 Bref descriptif de l’atelier
Des affiches et cartes postales de Mona Lisa, issues de la collection Jörg Leist ainsi
qu’une série d’objets du quotidien et des souvenirs sur lesquels est imprimé le motif de
Mona Lisa servent de point de départ dans cet atelier. Selon le niveau scolaire, les
possibilités de s’approprier le motif Mona Lisa de manière créative et de le transposer
dans l’art contemporain sont traitées sous forme ludique ou plutôt théorique.
L’observation de Mona Lisa, la compréhension des différentes dimensions de la peinture
(contenu, histoire, auteur et importance pour la postérité) ainsi que la déclinaison du
motif dans différents buts artistiques sont au centre du travail avec les élèves. Les
mécanismes permettant une appropriation du motif sont par ailleurs expérimentés.
1.2 Objectifs pédagogiques de l’atelier
Objectif pédagogique niveau 1 (de 5 à 12 ans)
• Les élèves observent le tableau de ‚Mona Lisa’ peint par Léonard de Vinci.
• Les élèves apprennent que l’effet d’une œuvre d’art peut être modifié en quelques
gestes, la transformant ainsi en une ‘nouvelle’ œuvre d’art contemporaine
autonome.
• Ils apprennent de manière ludique comme un tableau est composé et d’où
proviennent les effets qu’il suscite.
Objectif pédagogique niveau 2 (de 12 à 15 ans)
• Les élèves observent le tableau de ‚Mona Lisa’ peint par Léonard de Vinci.
• Les élèves découvrent l’appropriation artistique du motif Mona Lisa dans les
courants de l’art moderne (Pop Art, dadaïsme) et ont la possibilité de réaliser des
variations sur le thème de Mona Lisa.
• Leur attention est attirée sur la commercialisation douteuse du motif de ‘Mona
Lisa’.
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Objectif pédagogique niveau 3 (de 16 à 20 ans)
• Les jeunes étudient le tableau de ‘Mona Lisa’ peint par Léonard de Vinci et
découvrent que les œuvres d’art contemporain font très souvent référence à
l’histoire de l’art.
• Ils s’aperçoivent que l’appropriation créative de tableaux existant est un processus
aux multiples facettes qui peut aller de la simple copie de l’original à la réalisation
d’objets de tous les jours et à des ‘œuvres d’art globales’ ironiques.
• Les élèves sont confrontés à l’art contemporain et se rendent compte de son
ancrage dans l’histoire de l’art.
1.3 Déroulement de l’atelier
L’atelier suit un déroulement différent en fonction des niveaux scolaires respectifs. Nous
intégrons constamment les expériences acquises. De même, la forme et le contenu des
exercices pratiques qui accompagnent cet atelier sont adaptés au niveau de la classe.
Nos médiatrices modifient par ailleurs spontanément le déroulement de l’atelier en
réagissant aux différentes situations. Si vous souhaitez connaître le déroulement précis
qui est prévu pour l’atelier destiné à votre classe, veuillez contacter le service de
Médiation culturelle (tél .: 032 322 24 64 – e-mail: mediation-culturellebienne@bluewin.ch).
2. Documentation destinée à la préparation de l’atelier et au travail
ultérieur
Il n’est pas nécessaire de préparer l’atelier. Cette documentation donne cependant aux
enseignants des informations et instruments qui leur permettent de préparer les élèves
durant les cours ou d’approcher le thème après la visite. La documentation se conçoit en
tant que possibilité supplémentaire d’étudier le thème. Les exercices et les questions
destinés aux cours ont valeur d’orientation. Les illustrations ont été placées, dans la
mesure du possible, sur des pages complètes, de sorte que des feuilles détachées
peuvent être imprimées et données aux élèves.
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2.1 Le tableau de ‚Mona Lisa’
Leonardo da Vinci : Portrait de Mona Lisa (La Joconde), 1503 – 1505,
Huile sur panneau de bois, 77 x 53 cm, Musée du Louvre, Paris
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Mona Lisa (La Joconde) est le portrait d'une jeune femme, sur fond d'un paysage
montagneux aux horizons lointains et brumeux. Le flou du tableau est caractéristique de
la technique du sfumato. Le sfumato, de l'italien «enfumé», est un effet vaporeux, obtenu
par la superposition de plusieurs couches de peinture extrêmement délicates qui donne
au tableau des contours imprécis. Cette technique a été employée en particulier au niveau
des yeux dans la mise en ombrage.
La femme porte sur la tête un voile noir transparent et une robe. On remarque qu'elle est
totalement épilée, conformément à la mode de l'époque, et ne présente ni cils ni sourcils.
Elle est assise sur un fauteuil dont on aperçoit le dossier à droite du tableau. Ses mains
sont croisées, posées sur un bras du fauteuil. Elle se trouve probablement dans une
loggia : on peut voir un parapet juste derrière elle au premier tiers du tableau, ainsi que
l'amorce de la base renflée d'une colonne sur la gauche. A l'arrière plan se trouve un
paysage montagneux dans lequel se détache un chemin sinueux et une rivière
qu'enjambe un pont de pierre. La source de lumière provient essentiellement de la
gauche du tableau.
Plusieurs hypothèses ont été formulées à propos de l'identité du modèle.
En ce qui concerne l'identité du modèle, toutes les hypothèses, y compris les plus
farfelues, ont été envisagées : Isabelle d'Este, qui régnait à Mantoue lorsque Léonard de
Vinci y séjourna -nous connaissons d'ailleurs un dessin de sa main la représentant- ; une
maîtresse de Julien de Médicis ou de Léonard ; peut-être même une femme idéale ; et
même un adolescent habillé en femme, voire un autoportrait.
Selon l'hypothèse admise depuis Giorgio Vasari, le modèle s'appellerait à l'origine Lisa
Gherardini, née en mai 1479 à Florence. Issue d'une famille modeste, elle épousa à 16
ans le fils d'un marchand de soie, Francesco di Bartolomeo del Giocondo. Déjà veuf à
deux reprises, Giocondo a 19 ans de plus que Lisa. Elle lui donna trois enfants, Piero
Francesco - né en 1496 - une fille au prénom inconnu morte en 1499 et Andrea - né en
1502. Francesco del Giocondo possédait une chapelle familiale dans l'église de la
Santissima Annunziata, où il fut plus tard inhumé. Cette église était tenue par les Servites
de Marie, qui ont hébergé en 1501 Léonard, fils de Piero da Vinci, le notaire de leur ordre.
Il est probable que Léonard et Francesco ont fait connaissance à cette époque. En 1503,
Francesco del Giocondo emménage dans une demeure plus grande, via della Stufa, et
cherche un peintre pour réaliser le portrait de son épouse. Il se tourne vers Léonard de
Vinci. Lisa Gherardini était âgée de 24 ans, et Léonard de 51 au moment où il commença
son tableau. Francesco del Giocondo ne reçut jamais son tableau. Il était inachevé quand
l'artiste quitta Florence pour Milan.
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Cette thèse reste discutée, au prétexte qu'aucune trace d'un paiement n'a été retrouvée.
Les liens étroits entre Léonard de Vinci et la famille del Giocondo ont été établis en 2004
par Giuseppe Pallanti. D'après Giuseppe Pallanti (2007), les archives d'une église du
centre historique de Florence (Toscane), font référence à un acte de décès de « l'épouse
de Francesco Del Giocondo », morte le 15 juillet 1542 et enterrée au couvent Sant'Orsola.
Selon Daniel Arasse, s'il était vivant quand le tableau fut fini, Francesco del Giocondo se
serait senti outragé et l'aurait probablement refusé. D'après lui, à cette époque une
femme au front dégarni et aux sourcils épilés ne pouvait être qu'une prostituée. Des
analyses du tableau postérieures à 2000 ont montré que la Joconde a la tête couverte
d'un voile transparent ou peu visible.
Autres suggestions
Certains font l'hypothèse que le tableau de la Joconde est un autoportrait travesti, comme
l'attesterait la superposition des calques des autoportraits présents dans ses carnets de
croquis et celle de « Mona Lisa ». La dernière conjecture est basée sur une analogie : le
visage de Mona Lisa serait superposable à celui de Catherine Sforza, princesse de Forlì
(XVe siècle), dans un portrait peint par Lorenzo di Credi. Ce portrait est conservé dans le
Musée de Forlì, en Italie. La Joconde ne quitta jamais Léonard de son vivant. Il l'emporta
probablement à Amboise où François Ier le fit venir. Ce dernier en fit l'acquisition - à
Léonard lui-même ou à ses héritiers après sa mort - et l'installa à Fontainebleau. Plus
tard, Louis XIV en fit l'un des tableaux les plus en vue à Versailles, et l'exposait dans le
Cabinet du Roi. Bonaparte l'installa aux Tuileries en 1800 dans les appartements de
Joséphine, puis l'offrit au Louvre en 1804.
A ce jour, nous ne possédons aucune preuve définitive sur l'identité de la femme
représentée par Léonard. En fait, il est étonnant de noter que l'on retient davantage
aujourd'hui les aspects universels du tableau -l'idéalisation évidente du portrait,
l'imagination qui a inspiré le peintre pour le paysage, l'équilibre de la posture du modèle-,
plutôt que la référence à une personnalité ayant réellement existé. Même s'il a peint avec
réalisme un visage de femme, il est clair que Léonard s'est définitivement dégagé des
obligations de fidélité pour rechercher une description abstraite de la figure humaine.
Le vol
Le tableau fut volé le 21 août 1911. On soupçonna le poète Guillaume Apollinaire et le
peintre Pablo Picasso d'être les auteurs de ce vol, revendiqué par ailleurs par l'écrivain
italien Gabriele d'Annunzio. La Société des Amis du Louvre offrit une récompense de
vingt-cinq mille francs, un anonyme proposa de doubler cette somme. La revue
L'Illustration promit cinquante mille francs pour qui rapporterait le tableau dans les
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locaux du journal. Le voleur était l'italien Vincenzo Perugia, un vitrier qui avait participé
aux travaux de mise sous verre des tableaux les plus importants du musée. Il conserva le
tableau pendant deux ans dans sa chambre à Paris, puis de retour en Italie il proposa de
le revendre le 10 décembre 1913 à un antiquaire florentin qui donna l'alerte.
Le mythe
La Joconde est devenue un tableau mythique car à toutes les époques les artistes l'ont
prise comme référence. Elle constitue en effet l'aboutissement des recherches du XVe
siècle sur la représentation du portrait. À l'époque romantique, les artistes ont été
fascinés par l'énigme de la Joconde et ont contribué à développer le mythe qui l'entoure,
en faisant de nos jours l'une des œuvres d'art les plus célèbres du monde.
2.2 L’artiste Léonard de Vinci
Léonard de Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci, 15 avril 1452 - Amboise, 2 mai 1519) est
peintre, sculpteur, orfèvre, musicien, architecte, physicien, astronome, savant, géologue,
géomètre, anatomiste, botaniste, alchimiste, inventeur visionnaire, ingénieur mécanicien,
et militaire, horloger, urbaniste, et homme de science de génie italien multidisciplinaire
et ultra prolifique. Homme d'esprit universel, à la fois artiste, scientifique, inventeur et
philosophe humaniste, Léonard de Vinci incarne l'esprit universaliste de la Renaissance
dont il fut un des symboles majeurs et demeure l'un des plus grands hommes de cette
époque.
Biographie
Le 15 avril 1452 :Léonard nait d'une relation amoureuse illégitime entre son père, Ser
Piero da Vinci, notaire de la république d'une riche famille de notables italiens, et sa
mère, Catarina, une humble fille de paysans, dans le petit village Toscan d'Anchiano (à 2
km du village de Vinci, 80 km de Florence, 50 km de Pise en Italie) (Il nait le 15 avril du
calendrier Julien, l'année ou l'Italie adopte le calendrier Grégorien). À cette époque les
conventions d'appellation modernes ne se sont pas encore développées en Europe.
Seules les grandes familles font usage du nom de leur "tribu" (ex: Lorenzo de'Medici,
dont le clan a dû, à l'origine, compter quelques médecins). L'homme du peuple est
désigné par son prénom auquel on adjoint toute précision utile : le nom du père, le lieu
d'origine, un surnom (Botticelli), le nom du maître pour un artisan (Andrea del
Verrocchio), etc. Par conséquent, le nom de l'artiste est Leonardo di ser Piero da Vinci, ce
qui signifie Leonardo, fils de maître Piero, de Vinci. Léonard lui-même signe simplement
ses travaux Leonardo ou Io, Leonardo (Moi, Leonardo). La plupart des autorités
rapportent donc ses travaux en tant que Leonardo sans le da Vinci. Vraisemblablement il
n'emploie pas le nom de son père parce qu'il est un enfant illégitime. Leonard vit
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misérablement avec sa mère Catherina.
1457 : il a 5 ans quand sa mère se marie avec un paysan d'Anchiano. Il est alors admis
dans la maison de la famille de son père, du village de Vinci, qui, entre temps, a épousé
une jeune fille de bonne famille, âgée de seize ans, Donna Albiera Amadori. Celle-ci sans
enfant reporte toute son affection sur Léonard, mais elle meurt très jeune à l'age de 24
ans en 1465 alors que Léonard à 13 ans. Il fut considéré comme faisant partie de la
famille de riches notables de son père mais ne fut jamais légitimé par ce père qui se
maria quatre fois et lui donna dix frères et deux sœurs légitimes venus après lui.
1466 : Léonard a 14 ans et sa famille recomposée s'installe à Florence. Le jeune Léonard,
est proche de la nature qu'il observe avec une vive curiosité et s'intéresse à tout, il
dessine déjà des caricatures et écrit à l'envers (écriture en miroir) en dialecte Toscan.
Giorgio Vasari, dans sa biographie de Léonard, raconte une anecdote sur les premiers pas
dans la carrière artistique de celui qui allait devenir un des plus grands peintres de la
Renaissance. Un jour, le père de Léonard, Ser Piero, « prit plusieurs de ses dessins et les
soumit à son ami Andrea del Verrocchio qu'il pria instamment de lui dire si Léonard, s'il
devait se consacrer à l'art du dessin, pourrait parvenir à quelque chose en cette matière.
Andrea s'étonna forts des débuts extraordinaires de Léonard et exhorta Ser Piero à lui
permettre de choisir ce métier, sur quoi Ser Piero résolut que Léonard entrerait à
l'atelier d'Andrea. Léonard ne se fit pas prier deux fois ; non content d'exercer ce métier,
il exerça ensuite tous ceux qui se rattachent à l'art du dessin. » C'est ainsi que Léonard
fut placé comme élève apprenti dans un des plus prestigieux ateliers d'art de la
Renaissance de Florence sous le patronage d'Andrea del Verrocchio à qui il doit sa
formation polytechnique d'excellence, où il côtoya d'autres artistes comme Sandro
Botticelli, Pérugin et Domenico Ghirlandaio. Verrocchio était un artiste renommé
polytechnique et très éclectique : orfèvre de formation, peintre et sculpteur qui a travaillé
pour le riche mécène Laurent de Médicis. Après un an passé au nettoyage des pinceaux et
autres petits travaux, Verrocchio initie Léonard à la préparation des couleurs, la
décoration, la gravure, la peinture des fresques ainsi qu'à la sculpture sur marbre et sur
bronze, puis il confie à son élève qu'il trouve exceptionnel le soin privilégié de terminer
ses tableaux. Il n'y a pas d'œuvres de Léonard connues pendant cette période.
L’oeuvre majeure de Léonard : La Joconde
Analyse du tableau
Le titre du tableau vient probablement du patronyme du sujet - « del Giocondo » - mais
peut également être attribué à l'attitude de la femme représentée. Il est aussi appelé «
Monna Lisa » ou sa déformation plus courante « Mona Lisa », une contraction de « ma
donna Lisa » qu'on peut traduire par « Madame Lisa ».
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Symbolisme
En italien, giocondo signifie "heureux, serein". Léonard était sûrement conscient qu'il
peignait non seulement le portrait d'une femme, mais aussi le portrait d'une expression.
La Joconde constitue réellement le portrait de l'idée de sérénité. Selon certains, La
Joconde est aussi l'expression de la féminité, voire de la maternité, car elle semble
apparaître comme tenant un enfant dans ses bras.
Le sourire et le regard
Le sourire de La Joconde constitue un des éléments énigmatiques du tableau, qui a
contribué au développement du mythe. Son sourire apparaît comme suspendu, prêt à
s'éteindre. Tout en donnant l'impression de suivre le spectateur des yeux, le regard de
Mona Lisa fixe un point situé au-delà du spectateur, légèrement à sa droite, provoquant
ainsi une mise en profondeur du dialogue entre l'œuvre et le spectateur. Bruno Mathon,
critique d'art, dit ainsi que la Joconde « regarde quelque chose en vous, mais qui est
derrière vous, dans votre passé. Elle regarde l'enfant que vous avez été, comme une mère
regarde son enfant ».
Analyses techniques
En décembre 2005, le magazine britannique The New Scientist relate une étude [5] basée
sur un logiciel de reconnaissance des émotions sur le visage. D'après cette étude Mona
Lisa était 83% heureuse, 9% écœurée, 6% craintive et 2% en colère.
Le Conseil national de recherches du Canada a dévoilé le 26 septembre 2006 à Ottawa les
résultats d'une étude réalisée grâce à un système de balayage laser sophistiqué, en
couleurs et en trois dimensions. Celle-ci a permis de découvrir que Mona Lisa était
enveloppée d'un "voile de gaze" fine et transparente normalement porté à l'époque par
les femmes enceintes ou venant d'accoucher. Masqué par le vernis, ce détail n'avait
jamais été observé jusqu'à présent. Le sourire mystérieux de La Joconde serait donc celui
d'une femme enceinte ou qui vient d'avoir un enfant.
La technique parfaite de La Joconde
La recherche de la perfection est une véritable obsession pour Léonard de Vinci : "Ditesmoi,
dites-moi, a-t-on jamais terminé quoi que ce soit ?", gémit-il dans ses carnets, dans
lesquels il insiste fréquemment sur son désir d'égaler la perfection de la création divine
dans ses propres créations artistiques.
Peinte sur un mince support en bois de peuplier, demeuré très fragile -ce qui explique
qu'elle soit aujourd'hui conservée dans une vitrine-, La Joconde est une réalisation
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exemplaire, grâce aux effets subtils de la lumière sur les chairs et au brio du paysage
situé à l'arrière-plan du tableau. Le modelé du visage est étonnamment réaliste. Léonard
a exécuté ce tableau avec patience et virtuosité : après avoir préparé son panneau de bois
avec plusieurs couches d'enduits, il a d'abord dessiné son motif directement sur le
tableau lui-même, avant de le peindre à l'huile, additionnée d'essence très diluée, ce qui
lui permet de poser d'innombrables couches de couleurs transparentes -que l'on appelle
des glacis- et de revenir indéfiniment sur le modelé du visage. Ces glacis, savamment
travaillés, mettant en valeur les effets d'ombre et de lumière sur le visage, constituent ce
que Léonard lui-même appelle le "sfumato". Cette technique permet une imitation
parfaite des chairs, grâce à un traitement raffiné de la figure humaine plongée dans une
demi-obscurité -le clair-obscur-, ce qui permet à Léonard de satisfaire ses
préoccupations de réalisme.
De son vivant, Léonard fut en effet surtout célèbre pour ses capacités évidentes à imiter
la nature à la perfection et lorsque son premier biographe, le peintre Vasari a décrit la
Joconde, il insistait surtout sur le réalisme de cette oeuvre : "Ses yeux limpides avaient
l'éclat de la vie : cernés de nuances rougeâtres et plombées, ils étaient bordés de cils
dont le rendu suppose la plus grande délicatesse. Les sourcils avec leur implantation par
endroits plus épaisse ou plus rare suivant la disposition des pores, ne pouvaient être plus
vrais. Le nez, aux ravissantes narines roses et délicates, étaient la vie même. [...] Au
creux de la gorge, le spectateur attentif saisissait le battement des veines." D'autre part,
grâce au "sfumato", Léonard peut atteindre un de ses objectifs artistiques prioritaires, en
s'intéressant en priorité à la personnalité de son modèle : "Le bon peintre a
essentiellement deux choses à représenter : le personnage et l'état de son esprit", disait
Léonard. Peindre l'âme plutôt que le physique est en effet la finalité ultime de son œuvre
et le "sfumato", éclairage du portrait par le clair-obscur, accentue de fait les mystères
d'une œuvre : "plonger les choses dans la lumière, c'est les plonger dans l'infini".
À ce sujet, il est important de rappeler à quel point la question du réalisme de la
représentation du modèle est liée à l'identité de ce modèle. Et, à ce jour, nous ne savons
toujours pas si Léonard de Vinci a représenté avec fidélité un modèle existant, s'il a
idéalisé un portrait de femme de son entourage ou s'il a entièrement imaginé un type de
femme universelle.
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2.3 Mona Lisa – un aimant pour le public du Louvre
Jour après jour, Mona Lisa est admirée par d’innombrables visiteurs intéressés par l’art
au Louvre.
Salle des États du Musée du Louvre
Depuis mars 2005, la Joconde bénéficie au Musée du Louvre d'une salle rénovée et
spécialement aménagée pour la recevoir, la salle des États, dans laquelle elle fait face au
non moins célèbre tableau de Véronèse, Les Noces de Cana.
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Exercices/questions didactiques:
a) Que signifie, pour un musée, le fait que de nombreuses personnes souhaitent
(constamment) voir la même œuvre d’art?
b) Pourquoi Mona Lisa est-elle aussi célèbre et attire-t-elle autant de gens? Cela a-til
un rapport avec l’œuvre d’art?
c) Comment Mona Lisa est-elle exposée? Décris la situation au Louvre (voir
photographies ci-dessus).
Le roman policier de l'histoire de La Joconde
Ces qualités intrinsèques à l'oeuvre de Léonard, qui avaient déjà impressionné les
amateurs et les professionnels de l'art, n'auraient pas suffi au succès mondial de La
Joconde si son histoire n'avait pas été également exceptionnelle.
Acquise par François I, soit directement à Léonard de Vinci, durant son séjour en France,
soit à sa mort, auprès de ses héritiers, ce tableau est demeuré dans les collections
royales depuis le début du XVI siècle jusqu'à la création du Museum Central des Arts au
Louvre en 1793. Nous savons qu'il fut conservé à Versailles sous Louis XIV et qu'il était
aux Tuileries durant le Premier Empire. Depuis la Restauration, Mona Lisa est toujours
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restée au musée du Louvre, pièce maîtresse des collections nationales. Etudiée par les
historiens et les peintres, qui la copièrent fréquemment, la Joconde devait devenir
mondialement célèbre après son vol en 1911. Le 21 août 1911, un peintre italien un peu
fou, Vincenzo Peruggia l'avait en effet dérobée afin de la rendre à son pays d'origine.
Après une longue enquête policière, durant laquelle on suspecta tout le monde, y compris
les peintres cubistes et le poète Guillaume Apollinaire, qui avait un jour crié qu'il fallait
"brûler le Louvre". Mona Lisa fut retrouvée en Italie presque deux années plus tard et
réaccrochée au Louvre, traitée avec les honneurs d'un chef d'état, après avoir occupé,
durant toute cette période, les premières pages de tous les journaux du monde.
Depuis lors, ce tableau est véritablement devenu un objet de culte, sacralisé jusqu'à
l'excès.
Les deux voyages qu'elle effectua au XX siècle, en 1963 aux Etats-Unis et en 1974 au
Japon, furent des succès sans précédent, l'œuvre étant mieux accueillie par les foules
qu'une star du cinéma. Ces deux voyages participèrent d'ailleurs beaucoup à sa notoriété,
comme le vol de 1911, et les publics japonais et américains vouent depuis lors un
véritable culte à cette œuvre qui séjourna quelques semaines sur leur territoire et devant
laquelle des centaines de milliers de visiteurs défilèrent.
Un créateur hors du commun et une technique sans faille, liés aux mystères de son
modèle et de son histoire, furent donc à l'origine d'un engouement étonnant pour Mona
Lisa qu'aucune autre oeuvre d'art n'a connu jusqu'alors. Peut-être d'ailleurs le fait que ce
tableau représente une figure humaine, c'est-à-dire ni une scène religieuse ou profane,
thèmes toujours datés et oubliés dès que les modes s'estompent, ni un paysage ou une
nature morte, des sujets parfois trop intellectuels, expliquent sûrement cette passion des
foules. En effet, le genre du portrait, genre directement accessible pour le public, a
toujours été populaire et Léonard lui-même, semblant prédire déjà le succès de ce
portrait, n'avait-il pas écrit : "Ne vois-tu pas que parmi les beautés humaines, c'est le
beau visage qui arrête les passants, et non les ornements riches...", insistant ainsi sur les
mystères des échanges du regard d'un visiteur avec ce visage étrange et souriant.
(Source : Vincent Pomarède, Conservateur au département des Peintures du musée du
Louvre)
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3. Mona Lisa et l’histoire de l’art
Une source d'inspiration
Dès le XVIe siècle, La Joconde inspira de nombreux peintres, qui en firent des copies et
imitations plus ou moins fidèles. Parallèlement à la réalisation de nombreuses copies,
soit le tableau réputé de Léonard de Vinci était remanié, soit certains de ses éléments
créatifs étaient dégagés de l’original et intégrés dans de nouvelles compositions
picturales. Des exemples sont présentés ci-après.
Jean-Baptiste Corot, Robert Delaunay et Fernand Léger en ont tiré des variations. Au XXe
siècle les surréalistes, pour protester contre « l'art établi » détournèrent le tableau.
Mona Lisa se vit affublée d'une moustache par Salvador Dali, et par Marcel Duchamp
sous le titre « L.H.O.O.Q. », reçut une pipe dans la bouche, chevaucha une moto, fut
déguisée en ange de la mort, en chien ou en sirène... D'autres arts s'en sont emparés :
des chanteurs, comme Barbara (paroles et musique de Paul Braffort) ou Serge
Gainsbourg l'ont chantée. Des auteurs « jocondoclastes », de Jean Margat à l'oulipien
Hervé Le Tellier, ont fait d'elle un personnage littéraire.
3.1 Mona Lisa en tant que thème de l’art moderne et contemporain
Exercices/questions didactiques:
Questions pouvant être éventuellement discutées avec les élèves:
a) Qu’est-ce que les artistes ont modifié dans leur représentation de Mona Lisa?
b) Pourquoi Mona Lisa est-elle si intéressante pour les artistes d’époques ultérieures?
c) S’agit-il toujours de portraits?
d) Les œuvres d’art qui ont pour thème La Mona Lisa de Léonard de Vinci plaisentelles
aux élèves?
e) A quoi ressemblerait votre Mona Lisa?
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La Joconde par Marcel Duchamp :
L.H.O.O.Q., 1919, carte postale, crayon,
19,7 x 12,4 cm
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Marcel Duchamp: L.H.O.O.Q., 1919, carte postale, crayon,
19,7 x 12,4 cm
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Peter Marx: Mona Lisa Portraits, 1993, Limited Edition Serigraph, 200 S/N
Size - 30 x 40 inches
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Mary Ann Sampson, Mona Lisa in the Heart of Dixie Lounge, 1999, 21 x 16 x 8" mixed
media book sculpture. Small hand-made book with pages of Mona Lisa set on "lounge"
table. Housed in cardboard house with roof lifted up. Interior of box contains table with
book,.
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Robert Silver, Mona Lisa "Photomosaic"
Robert Silver, Mona Lisa, Détail
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Robert Rauschenberg, Mona Lisa, couverture de livre
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Andy Warhol: Mona Lisa, 1963, Serigraph, 44 1/8 x 29 1/8 inches, New York,
Eleanor Ward Coll
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Jean-Michel Basquiat, Mona Lisa , 1983
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Fernando Botero, Mona Lisa
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Fernand Leger, Mona Lisa with Keys 1930
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4. Sources
• Frank Zöllner: Leonardo da Vinci, Mona Lisa: das Porträt der Lisa del Giocondo,
Legende und Geschichte. Fischer, Frankfurt am Main 1994. ISBN 3-596-11344-X
• Maike Vogt-Lüerssen: Wer ist Mona Lisa?; Norderstedt 2003.
• Jean-Pierre Mohan/Michel Menu/Bruno Mottin (Hrsg.): Im Herzen der Mona Lisa -
Dekodierung eines Meisterwerks, (Eine wissenschaftliche Expedition in die
Werkstatt des Leonardo da Vinci in Zusammenarbeit mit dem Centre de Recherche
et de Restauration des Musées de France), Verlag Schirmer/Mosel, München 2006.
• Donald Sassoon: Mona Lisa: the history of the world's most famous painting.
Harper Collins, London 2001.
• Horst W. Janson: DuMonts Kunstgeschichte unserer Welt, Köln 1968
• Kenneth Clark, Leonardo da Vinci in Selbstzeugnissen und Bilddokumenten,
Rowohlt Verlag, Reinbek bei Hamburg 1976
• Bruno Santi, Leonardo da Vinci, Florenz 1986
• Elke Linda Buchholz. Leonardo da Vinci, Leben und Werk, Könemann
Verlagsgesellschaft mbH, Köln 1999.
• Ingo F. Walther (Hg.): Malerei Der Welt. Eine Kunstgeschichte in 900 Bildanalysen.
Von der Gotik bis zur Gegenwart, Köln 1999.
• Daniel Arasse, Leonardo da Vinci, Köln 2002.
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