Théâtre V id y-Lausanne Janvier à mars 2012

Théâtre Vidy-L
Janvier à mars 2012
N˚ 35
Théâtre Vidy-Lausanne
Janvier à mars 2012

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La part
du risque
Pas de théâtre sans « phynances » (pour reprendre l’orthographe
de Jarry Roi !). Notre « maison » du bord de
l’eau, comme quantité de théâtres d’ici ou d’ailleurs, est
soutenue pour les collectivités publiques, prioritairement
par la Ville de Lausanne et le Canton de Vaud. C’est
un choix de société, la volonté d’une communauté de se
doter d’un lieu voué au spectacle vivant. Alors, économiquement,
où est le risque ? Eh bien dans le fait que cette
manne publique, depuis une quinzaine d’années, représente
40 à 50 % du budget annuel (la proportion ordinaire
des théâtres de France et d’Europe oscille entre 70 et 80 %).
Saison après saison, il s’agit donc d’inventer, sur le fil du
rasoir, des recettes propres. Elles viennent, pour l’essentiel,
des apports en coproduction, de la vente des spectacles,
du magnifique accompagnement de divers sponsors et
mécènes. Mais cet équilibre est, comme toute chose miraculeuse,
d’une fragilité extrême. Le spectre de l’annulation
de représentations ou de tournées guette, alors que des éléments
conjoncturels, qui échappent à tout contrôle, peuvent
avoir des e±ets ravageurs. Les pertes de change liés au
franc fort en sont un bon exemple : de l’ordre de 1 200 000
francs sur trois ans pour Vidy (dont la gestion reste à ce
jour, malgré tout, totalement maîtrisée). Dans le même
temps, ce chi±re témoigne d’une formidable capacité d’exportation
vers la zone euro.
Pas de théâtre sans artiste, bien sûr. Et là réside sans
doute le risque le plus passionnant : celui de la création.
A cet égard, le trimestre qui vient ne manque pas de défis.
Jean-Quentin Châtelain est au pied d’une nouvelle montagne
à gravir : Lettre au père de Kafka. Laurence Vielle,
mot par mot, pas à pas, pénètre dans le caveau d’un secret
de famille. L’inénarrable paire Zimmermann & de Perrot
invente un dispositif technique impressionnant, inspiré de
certaines machines foraines, pour déployer son univers
aussi humoristique que captivant. Nadia Vonderheyden
se frotte à l’horlogerie humaine de Marivaux. Le magicien
Belkheïr révèle la vie secrète des cartes. Patrick Sims lève
le rideau sur le peuple fabuleux de ses marionnettes. Anne
Conti plonge dans le feu de Marina Tsvetaeva. Roland Auzet
choisit de faire résonner à sa façon l’Histoire du soldat de
Ramuz et Stravinsky. Jacques Rebotier, malaxeur de verbe
et de son, s’intéresse aux triades féminines. Comme tombé
d’une autre planète, François Gremaud invente de drôles
de gestes spectaculaires. Tous ces artistes ont une patrie en
commun : celle où brillent l’utopie et la poésie. Tous vivent
sous le signe du risque. Le pas dans le vide. La tentation de
l’inconnu. Le rêve de l’inouï.
Pas de théâtre sans public. Et c’est donc vous, spectateurs,
qui assumez l’ultime part du risque, celle de la curiosité, de
la confiance, de la recherche de la lumière : « Que le risque
soit ta clarté » (René Char).
Sommaire
Lettre au père
Entre émotions et questions
existentielles, un monologue
fondateur de Kafka . . . . . . . . . . . . . . . . . . 4
Du Coq à Lasne
L’épopée poétique où
Laurence Vielle fouille dans
la mémoire de sa famille. . . . . . . . . . . . . 5
Hans was Heiri
Avec humour, Zimmermann &
de Perrot explorent
la volonté dérisoire de l’homme
de se démarquer de
ses semblables . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 6
La fausse suivante (ou le fourbe puni)
Un classique de Marivaux,
maître des quiproquos et
travestissements ! . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9
Belkheïr ou une carte ne vous sauve
pas la vie pour rien
Cartes, magie et mystère ! . . . . . . . . . . . 9
Hilum
Patrick Sims lève le rideau
sur un univers enchanteur
et déroutant, peuplé d’êtres
singuliers. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11
Histoire du soldat
A la rencontre de Ramuz
et Stravinsky répond aujourd’hui
celle de Roland Auzet et
Thomas Fersen . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12
Vivre dans le feu
Anne Conti dans les flammes de
Marina Tsvetaeva . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15
Les 3 Parques m’attendent
dans le parking
Jacques Rebotier poursuit son
exploration du fil de la pensée . . . . . 17
Re et KKQQ
Deux pièces de François
Gremaud, captivant
bidouilleur de l’absurde . . . . . . . . . . . . 18
Directeurs de publication :
René Gonzalez & René Zahnd
Photographie :
Mario Del Curto
(sauf mention contraire)
Publicité et coordination :
Sarah Turin
(s.turin@vidy.ch)
Coralie Rochat
(c.rochat@vidy.ch)
Correctrice :
Julie Weidmann
Design :
Ateliers du Nord/Werner Jeker
Benoît Deschamps
Photolithographie :
Bombie, Genève
Impression :
Swissprinters Lausanne SA
Ont contribué à ce numéro :
Marc Berman
Anne Fournier
Alexandra Gentile
Jacques Rebotier
Coralie Rochat
Jean-Yves Ruf
Nadia Vonderheyden
René Zahnd
Photo de couverture :
Zimmermann & de Perrot
© Mario Del Curto
Théâtre Kléber-Méleau
Dämonen – Démons porté à
la scène par Thomas Ostermeier
et trois poèmes d’Oscar Wilde
dans la vision de
Philippe Mentha. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 21 Le Théâtre Vidy-Lausanne est subventionné
par la Ville de Lausanne, par le Canton
Informations . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 22 de Vaud et par le Fonds intercommunal de
soutien aux institutions culturelles de
Calendrier . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23 la région lausannoise.
Remerciements
A nos fidèles partenaires
A nos généreux donateurs
Fondation de Famille Sandoz
Fondation Leenaards
Fondation Hoffmann
Fondation Landis & Gyr
Fondation Ernst Göhner
Fondation Sophie et Karl Binding
Bovay & Partenaires
Fondation Julius Baer
Un merci particulier à une mécène généreuse
et anonyme
Main sponsor
www.richardmille.com
Partenaire média
Partenaires culturels
Archipel
Collection de l’Art Brut
La Cinémathèque suisse
Musée de l’Elysée
Orchestre de Chambre de Lausanne
Verbier Festival
Fondation 2 Montreux Jazz
Théâtre Sévelin 36
HEMU
A ceux qui contribuent au soutien
de notre activité
Association
des Amis
du Théâtre
Assura
Banque Julius Baer
et Cie SA
Banque Wegelin
Bongénie – Grieder
Cafina SA
Cinétoile Malley
DSR
Ebel
Ecole Athenaeum
Feldschlösschen
Filofax
Groupe Mutuel
Hermès
Hertz
Honda
Hôtel Alpha-Palmiers
Hôtel d’Angleterre
Hôtel Aulac
Hôtel Beau-Rivage
Ikea
Théâtre Vidy-L
Janvier à mars 2012 | N˚ 35
03
La Clinique
de La Source
La Montre Hermès
La Semeuse
Laurent Perrier
Lausanne Palace & Spa
Leuba+Michel SA
Migros Pour-cent
culturel
Moyard Meuble
Payot
Pernod Ricard
Philip Morris
RTS – La 1 ère
Sicpa
Sunrise
Swissprinters
Lausanne SA
Swissquote
Switcher
Testuz
Transports Publics de
la Région Lausannoise
Voyages et Culture

Lettre au père
de Franz Kafka
Du 10 au 19 janvier
et du 14 au 25 février 2012
La Passerelle
Traduction :
Monique Laederach
(Editions Mille et une nuits)
Mise en scène :
Jean-Yves Ruf
Scénographie :
Laure Pichat
Son :
Jean-Damien Ratel
Lumière :
Christian Dubet
Avec :
Jean-Quentin Châtelain
Durée :
environ 1h15
Age conseillé :
dès 14 ans
Genre :
théâtre
© DR
Production déléguée :
Théâtre Vidy-Lausanne
Coproduction :
Chat Borgne Théâtre
Le Chat Borgne Théâtre est une compagnie
conventionnée par le ministère de la Culture
et de la Communication – DRAC Alsace
Création au Théâtre Vidy-Lausanne
le 10 janvier 2012
Mardi 10.01. 20h00
Mercredi 11.01. 20h00
Jeudi 12.01. 20h00
Vendredi 13.01. 20h00
Samedi 14.01. 20h00
Dimanche 15.01. relâche
Lundi 16.01. relâche
Mardi 17.01. 20h00
Mercredi 18.01. 20h00
Jeudi 19.01. 20h00
Mardi 14.02. 20h00
Mercredi 15.02. 20h00
Jeudi 16.02. 20h00
Vendredi 17.02. 20h00
Samedi 18.02. 20h00
Dimanche 19.02. 18h00 *
Lundi 20.02. relâche
Mardi 21.02. 20h00
Mercredi 22.02. 20h00
Jeudi 23.02. 20h00
Vendredi 24.02. 20h00
Samedi 25.02. 20h00
* complet
Théâtre Vidy-L
Janvier à mars 2012 | N˚ 35
04
Un combat, mené jusqu’au bout
Kafka est un des rares auteurs qu’on a l’impression
de connaître sans en avoir entendu parler,
sans en avoir lu une seule ligne. On dit juste
« Kafka », et la chose est déjà dite. Ces deux syllabes
sont passées dans le langage courant pour
désigner notre angoisse contemporaine. Il est
plus qu’un écrivain tchèque né à Prague en 1883,
il est plus qu’un écrivain doué qui marque l’histoire
de la littérature, il fait partie de l’histoire
de nos vies et de nos pensées. Il s’est introduit
dans nos rêves, a colonisé nos peurs profondes.
Qui a lu La métamorphose sans se sentir glisser
dans une couche très secrète de sa personne, sans
s’identifier avec terreur à Grégoire, sans se sentir
devenir insecte ? Kafka n’a pas créé de personnages,
il a créé des intensités, il a transformé ses
propres angoisses en une parabole de la condition
humaine. Son style, d’une précision redoutable,
sans artifices, sans e±ets, est une langue chirurgicale
derrière laquelle il s’e±ace jusqu’à en devenir
imperceptible, donc universel.
Qui aurait pu prédire un tel destin à ce pâle jeune
homme travaillant comme comptable dans une
société d’assurances ? Sans doute pas lui qui
demandera à son ami Max Brod de brûler après
sa mort la plupart de ses écrits. Remerciements
à Max Brod d’avoir non seulement désobéi, mais
consacré une grande partie de sa vie à défendre
et à éditer les manuscrits de son ami disparu.
Brod comme plus tard Alexandre Vialatte (le
premier à traduire Kafka en français) ont été des
sourciers et des passeurs, on ne le dira jamais
assez. « Je pense parfois que les bons lecteurs sont
des oiseaux rares, écrit Borges, encore plus ténébreux
et singuliers que les bons auteurs » 1 . Il nous
semble aujourd’hui évident que Kafka est génial,
mais rien ne l’était moins à l’époque. Vialatte
nous le dit magnifiquement : « Il a d’abord passé
trop haut pour le public qui n’avait pas de lunettes.
Le public l’a connu par d’autres écrivains. Il se
trouvait en librairie depuis longtemps sans jamais
se vendre, qu’une atmosphère Kafka s’était déjà
créée. Comme le soleil il avait pompé l’humidité,
il avait formé un brouillard au fond duquel il
apparut soudain. Jusqu’à ce moment-là il n’était
qu’allusion. Le public eut soudain l’impression
d’avoir trouvé le responsable d’une chose qu’il
connaissait déjà 2 . » C’est vrai, lisant Kafka, nous
ne cessons de le reconnaître. Il était déjà là.
Kafka était tuberculeux et se savait condamné,
il a continué à écrire jusqu’au dernier sou≥e. Le
2 juin 1924 au matin, sou±rant de la faim et de
la déshydratation, il travaille encore aux épreuves
de son dernier texte, Un artiste de la faim,
changeant l’ordre des nouvelles, exécutant les
dernières corrections. A midi, il s’endort, épuisé.
Il mourra le lendemain, au petit matin, à l’âge de
41 ans. Il aura tout consacré à l’écriture, sa santé,
ses tentatives de mariage, sa vie sociale. Mais
avait-il le choix ? Quand on est ainsi traversé
par de telles intensités, de telles visions ? Kafka
a capté quelque chose de plus grand que lui, de
plus puissant que sa petite a±aire privée, quelque
chose qui concerne le monde. Sa description d’une
administration aveugle résonnera étrangement
avec l’Histoire de la Seconde Guerre mondiale et
de l’Holocauste du peuple juif. Il mourra avant,
mais une bonne partie de sa famille et de ses amis
disparaîtront dans les camps nazis.
Une scène reportée par le même Vialatte m’a aidé
à entrer dans le travail : en juillet 1914, alors qu’il
était fiancé à Félice Bauer, il convoque ses futurs
beaux-parents dans une chambre d’hôtel à Berlin,
près de la gare d’Anhalt. Là, entre le lavabo et le
lit, il tentera d’expliquer et de justifier sa décision
de rompre ses fiançailles, arguant de sa situation
matérielle, de son caractère di≤cile, des
contraintes que lui impose son activité d’écrivain.
Le père de Félice, siégeant en bras de chemise,
écoute calmement et absout son ex-futur beaufils.
Il comprend ses raisons et ne peut qu’adhérer.
Kafka est déclaré innocent. Il ne se sentira pas
libéré pour autant. Le soir de ce jour fatidique,
dans son carnet, il se condamne lui-même d’une
« innocence diabolique ». Il se reproche de ne pas
assez aimer, de ne pas être capable de dépasser
ses contradictions. Il invente un autre procès,
devant son propre tribunal, plaide coupable
d’« innocence diabolique », est condamné soit à
« l’acquittement apparent », soit à « l’atermoiement
illimité ». K. sera exécuté à la sauvette dans une
carrière par deux bourreaux cérémonieux. C’est
Le procès. Dans le même temps, Kafka commence
La colonie pénitentiaire.
Plus tard, en 1919, il se lie avec Julie Wohryzek.
Dans la même année, il écrit Lettre au père, puis
rompt définitivement sa liaison amoureuse l’année
suivante. Ici ce n’est plus le beau-père devant
qui il tente de s’expliquer, mais son propre père.
Au bout, c’est à chaque fois le même échec, Kafka
ne se mariera jamais. Je dirais que c’est à chaque
fois le même combat. Le mot « combat » revient
souvent sous la plume de Kafka, c’est pour moi
une clé de lecture, une notion centrale.
J’ai lu Lettre au père quand j’étais adolescent.
Ce fut un choc. Je suis sorti de cette lecture
avec la sensation physique d’avoir traversé une
contrée sauvage et violente, d’avoir lutté contre
les éléments, contre des monstres enfouis sous le
sable. Avant d’être une lettre, c’est d’abord une
expérience dans laquelle Kafka se plonge à corps
perdu. Une expérience chimique, comme celle du
papier argentique qu’on trempe dans un bain de
révélateur. Kafka, phrase après phrase, creuse
son propre devenir d’homme, avec systématisme.
Sa syntaxe est celle de la taupe de son Terrier. Il
vérifie tout, n’oublie rien, creuse des chemins,
revient à son point de départ, de virgule en virgule,
sans jamais se donner le temps de respirer.
Sans même oublier d’imaginer son père lui répondre
sans complaisance et détruire ses propres
arguments.
S’il aimait le théâtre et fréquentait les acteurs,
il n’a pas écrit pour le théâtre (à part quelques
courts dialogues retrouvés par Max Brod). Il aura
par contre inspiré et nourri nombre de metteurs
en scène tant au théâtre qu’au cinéma. Mais sa
langue ne se prête pas immédiatement au plateau.
Elle n’est pas directe, portée vers l’avant. Elle
tourne sur elle-même, semble se mordre la queue,
comme le serpent Ouroboros. C’est toujours
un magnifique défi de la faire entendre sur un
plateau. Il faut trouver le nerf de l’écriture, les
lignes de force qui font filer la syntaxe vers un
adversaire secret.
Plus qu’une lettre adressée au père, j’ai la sensation
qu’il s’agit avant tout d’une lettre à lui-même.
Il passe par le père pour se traquer, sans retenue.
Il invente une machine d’écriture infernale, qui
pourrait faire penser à la machine de La colonie
pénitentiaire. Il se livre aux coups du père, revisite
tous les traumas de sa construction personnelle,
fait la liste de toutes les vies non vécues, de tous
les rôles qu’il n’a pu tenir, de toutes les régions
humaines qui lui seront à jamais interdites. Par
creusements successifs, il met à jour le seul bout
de terre habitable pour lui, le seul petit îlot incertain,
aride : l’écriture.
La sœur qui le veilla a conservé de sa fin un
souvenir très précis : « son esprit était avant tout
absorbé par ce qu’il écrivait (…) il ne montra
aucun signe de cette joie de vivre et de cette
euphorie qui caractérisent les tuberculeux juste
avant leur mort » 3 . Le combat mené, jusqu’au
bout.
Jean-Yves Ruf
1
Cité par Alexandre Vialatte, in Mon Kafka, Les Belles Lettres.
2
Idem
3
Sœur Anne citée par Gérard-Georges Lemaire in Kafka,
Gallimard.
Franz Kafka (1923-24)

Du Coq à Lasne
un projet de Laurence Vielle
Du 11 janvier au 5 février 2012
Chapiteau Vidy-L
Ecriture et jeu :
Laurence Vielle
Images :
Jean-Michel Agius
Composition et interprétation :
en alternance
Vincent Granger (clarinettes)
Helena Ruegg (bandonéon)
Regard extérieur à l’écriture
et à la mise en scène :
Pietro Pizzuti
Lumières :
Gaëtan Van den Berg
Eléments scénographiques :
Philippe Henry
Conseillère costumes :
Sabine Siegwalt
Durée :
1h15
Age conseillé :
dès 12 ans
Genre :
documentaire poétique
Production :
Stoc! Asbl
Coproduction :
Théâtre Le Public
Théâtre Vidy-Lausanne
Collectif Travaux Publics
Avec l’aide du ministère de la Communauté
française de Belgique – Service du Théâtre
Création au Théâtre Vidy-Lausanne
le 11 janvier 2012
Mercredi 11.01. 20h30
Jeudi 12.01. 20h30
Vendredi 13.01. 19h00
Samedi 14.01. 20h30
Dimanche 15.01. relâche
Lundi 16.01. relâche
Mardi 17.01. 20h30
Mercredi 18.01. 20h30
Jeudi 19.01. 20h30
Vendredi 20.01. 19h00
Samedi 21.01. 20h30
Dimanche 22.01. 17h00
Lundi 23.01. relâche
Mardi 24.01. 20h30
Mercredi 25.01. 20h30
Jeudi 26.01. 20h30
Vendredi 27.01. 19h00
Samedi 28.01. 20h30
Dimanche 29.01. 17h00
Lundi 30.01. relâche
Mardi 31.01. 20h30
Mercredi 01.02. 20h30
Jeudi 02.02. 20h30
Vendredi 03.02. 19h00
Samedi 04.02. 20h30
Dimanche 05.02. 17h00
Théâtre Vidy-L
Janvier à mars 2012 | N˚ 35
05
Quand on la voit sur une scène, Laurence Vielle
semble frôler des dimensions rares : là où le corps
se fait verbe, où le verbe devient corps. Chaque
organe, chaque parcelle de chair, chaque os parle,
et chaque phrase devient peau, ou muscle, ou
battement de tambour dans les artères. Celle qui
porte ainsi la parole, la sienne et celle des autres,
sera doublement présente à Vidy au cours du
premier semestre de l’an 2012. D’abord avec une
création très personnelle, Du Coq à Lasne, qui
fouille dans la mémoire collective de sa propre
famille. Ensuite, elle viendra faire entendre le
verbe foisonnant, dense et très imagé de Laurent
Fréchuret : Sainte dans l’incendie évoque une
certaine Jeanne, consumée de visions et de
flammes.
Du Coq à Lasne… d’où vient ce titre ?
On connaît l’expression du coq à l’âne… En fait,
Le Coq, c’est une ville en Belgique, au bord de la
mer du Nord. Et il y a une autre ville qui s’appelle
Lasne, qui est en Wallonie. Pour aller du Coq
à Lasne, il faut traverser la région flamande, la
région bruxelloise, traverser encore une toute
petite lamelle de région flamande, puis on arrive
en Wallonie. Ça faisait très longtemps que je
voulais faire cette marche. Pour le jeu de mots.
J’aime beaucoup, avec mon compagnon, Jean-
Michel Agius, faire des marches de ce genre.
Parallèlement, cela faisait longtemps que je
voulais travailler sur un secret de famille. Ce n’est
d’ailleurs pas tout à fait un secret, parce qu’on
nous en disait des bribes. Il y avait, pendant la
guerre, deux résistants et deux collaborateurs
dans la famille flamande de ma mère. J’avais
envie d’explorer cette mémoire, d’interroger
des gens qui pouvaient encore me raconter des
choses, de faire des recherches dans les archives,
puisque l’un des collaborateurs était connu en
Belgique pour ses activités. Je me rendais compte
que ma mère, en ne me parlant jamais de sa
famille flamande, ne m’avait pas permis d’avoir
une histoire de la Belgique. Je ne savais pas quels
étaient les enjeux, pour ce pays, de la Deuxième
Guerre mondiale.
Au cours de cette marche, j’ai découvert les
paysages de Flandre, que je ne connaissais pas
du tout. Jean-Michel faisait plein d’images et,
en arrivant à Lasne, il a repéré dans un sousbois
deux petites chaises bleues d’enfant qui se
faisaient face, avec un grand tronc d’arbre au
milieu. Sur ces deux chaises, j’ai vu les membres
de ma famille qui se parlaient alors qu’ils ne
s’étaient plus jamais parlés. Je les ai donc assis sur
ces deux chaises et toute l’écriture a commencé.
Comment cela va-t-il se traduire dans le
spectacle ?
Je serai seule en scène, traversée par toutes les
voix que j’ai récoltées. J’ai retrouvé le dernier
enfant vivant du collaborateur, j’ai rencontré des
historiens. C’était une sorte d’enquête. Il est vrai
qu’ensuite le propos va sauter du coq à l’âne. Ce
titre permet beaucoup de liberté. Le jeu de mots
est lié à une réalité.
On a l’impression que chez vous, entre le corps
et le verbe, il y a quelque chose d’essentiel qui se
passe.
Je ne sais pas pourquoi, mais j’ai en e±et un
besoin très fort que les choses passent par le
corps, comme une décantation. Quand on a
marché, on n’écrit pas la même chose que quand
on a passé son temps assis à son bureau. Dans
ce projet, il y a clairement un mois qui était
dédié à la marche, aux rencontres. Pendant
cette période, tous les jours j’ai pris des notes.
Cette enquête vous a-t-elle menée à des
découvertes ?
Oui. Les deux frères résistants étaient dans le
réseau Comète qui sauvait les aviateurs anglais
tombés sur le territoire. Un des deux est mort en
camp de concentration. L’autre a également été
interné mais a survécu. Grâce aux enfants du
survivant, j’ai récupéré tous les papiers de celui
qui a disparu. J’ai alors découvert qu’il y avait non
pas un, mais deux collaborateurs dans la famille.
Et en fait, c’est l’un d’eux, qui était donc le cousin
des résistants, qui les a dénoncés. Ma mère le
savait. Elle ne l’a jamais dit. Mais j’ai retrouvé la
lettre où mon oncle révélait qui l’avait trahi… Il
y a encore des éléments plus intimes, mais que je
ne tiens pas à raconter ici. Ces histoires que l’on
creuse donnent des clés de compréhension. C’est
drôle que ce soit notre génération qui s’occupe de
tout cela. Nous nous posons des questions sur les
silences. Je pense que dans cette famille, après la
guerre, il y a eu une sorte de grand silence.
Pourquoi ce choix d’être seule en scène ?
Ces gens qui m’ont parlé l’ont fait parce que nous
étions dans une relation de grande intimité. Il fallait
donc retrouver cette émotion, cette dimension
d’intimité, pour restituer cette traversée à la fois
physique, dans les paysages, et dans la mémoire.
Il y aura aussi de la musique et des images.
L’écriture évolue-t-elle sur le plateau ?
Il y a même une partie de l’écriture qui naît sur
le plateau. Mais j’ai beaucoup écrit en amont.
Après ça se coupe, se taille, se sculpte, se
retravaille donc énormément sur le plateau, à
partir d’une matière existante. Il y a également
l’accompagnement d’un œil extérieur, qui est
mon grand ami Pietro Pizzuti, qui a été mon
professeur au conservatoire : un écrivain,
traducteur, metteur en scène, en qui j’ai une très
grande confiance. Il vient de temps en temps, et
m’aide à avancer. Par exemple, il m’incite à être
claire sur le début, pour que les gens puissent
comprendre le contexte. Dans l’écriture ellemême,
il y a des parties très parlées, d’autres plus
poétiques. J’ai également inséré un texte de Gilles
Deleuze, quand il parle du « R » de résistance dans
L’abécédaire, et quelques lignes de Primo Levi.
Laurence Vielle
Le spectacle épuise-t-il une matière d’une telle
richesse ?
Il y aurait sans doute là de quoi faire un livre,
mais je ne suis pas une romancière. Je suis
vraiment quelqu’un de la scène. En revanche
il me paraît important de conserver une trace
de ce que j’ai accumulé. Je pensais photocopier
tous les documents et rédiger au propre toutes
les interviews que j’ai faites, pour remettre
l’ensemble à ma famille. Dans le spectacle, je ne
pourrai pas tout dire. En plus, j’introduis une
dimension fictionnelle, puisque je fais parler ceux
qui sont morts. J’ai appelé ça un « documentaire
poétique ».
Cette démarche est si personnelle qu’on doit
forcément ressortir changé d’un tel voyage, non ?
Je suis très heureuse de faire ce voyage. C’est
chouette quand notre petite histoire rejoint
la grande Histoire. C’est fort. C’est fort aussi
de comprendre que dans une même famille on
peut soit résister à l’ennemi, soit collaborer, et
qu’il ne s’agit pas d’êtres bons ou mauvais au
départ. Comment se font les destins ? Comment
se retrouve-t-on à une place plutôt qu’à une
autre ? Et que ferais-je si j’étais confrontée à des
événements de cette nature ? Jusqu’à présent,
j’étais totalement dépolitisée. Et je pense que
c’est l’héritage que j’ai reçu. Evidemment, ma
perception de ces questions change.
Vous jouez aussi des textes d’autres auteurs,
par exemple Sainte dans l’incendie de Laurent
Fréchuret. Que vous apporte le fait de vous
frotter à d’autres écritures ?
Quand on plonge dans l’écriture de quelqu’un,
c’est comme si on apprenait une nouvelle langue,
une nouvelle grammaire. Chaque fois, ça me
donne des clés pour écrire. En l’occurrence, même
si le sujet et le style n’ont rien à voir, ce sont deux
traversées solitaires peuplées de voix.
Et le rôle du metteur en scène ? On a l’impression
qu’il n’est pas central chez vous.
Non. Il n’est pas central. Cela fait longtemps qu’il
n’est plus central dans mes propres créations. J’ai
tout de même besoin que quelqu’un soit présent,
intervienne, et je suis très réceptive à ce qu’il me
dit. Mais l’essentiel du cheminement se fait en
dehors de ce regard. J’ai un rythme très solitaire
de travail. Ce qui est central, pour moi, c’est la
démarche globale et la façon que vont avoir les
ingrédients de se mettre ensemble, avant même
que le metteur en scène intervienne. Le dire est
indissociable de l’écrire.
Propos recueillis par René Zahnd
A signaler que Laurence Vielle jouera
Sainte dans l’incendie de Laurent Fréchuret au
Théâtre Vidy-Lausanne du 29 mai au 10 juin 2012.
Plus de détails dans notre prochain journal…

Hans was Heiride Zimmermann
& de Perrot
Du 17 janvier au 5 février 2012
Salle Charles Apothéloz
Conception, mise en scène et décor :
Zimmermann & de Perrot
Composition musicale :
Dimitri de Perrot
Chorégraphie :
Martin Zimmermann
Dramaturgie :
Sabine Geistlich
Lumière :
Ursula Degen
Son :
Andy Neresheimer
Construction décor :
Ingo Groher
Christiane Voth
Ateliers du Théâtre Vidy-Lausanne
Costumes :
Franziska Born
Direction technique :
Ursula Degen
Créé avec :
Tarek Halaby
Dimitri Jourde
Dimitri de Perrot
Gaël Santisteva
Mélissa Von Vépy
Methinee Wongtrakoon
Martin Zimmermann
Durée :
env. 1h15
Age conseillé :
dès 8 ans
Genre :
théâtre-cirque-musique-danse
Production :
Verein Zimmermann & de Perrot
Coproduction :
Théâtre Vidy-Lausanne/Athens & Epidaurus
Festival/Düsseldorf Altstadtherbst Kulturfestival/
ECT|SCT Scène catalane transfrontalière –
Théâtre de l’Archipel (Perpignan) – El Canal (Salt)/
Equinoxe, scène nationale de Châteauroux/
Espace Jean Legendre, Théâtre de Compiègne/
International Istanbul Theater Festival/La
Filature, scène nationale de Mulhouse/Le Lieu
Unique, scène nationale de Nantes/Le-Maillon,
Théâtre de Strasbourg – scène européenne/Le
Volcan – scène nationale du Havre/Les Théâtres
de la Ville de Luxembourg/Pour-cent culturel
Migros/Movimentos Festwochen der Autostadt
in Wolfsburg/Napoli Teatro Festival Italia/Théâtre
de la Ville, Paris/Zürcher Theater Spektakel
Avec le soutien de :
SSA-Société suisse des auteurs
Merci au Theater Neumarkt, Zürich
Zimmermann & de Perrot bénéficie d’un
contrat coopératif de subvention entre la ville
de Zurich – affaires culturelles, le service aux
affaires culturelles du Canton de Zurich et
Pro Helvetia – Fondation suisse pour la culture.
Zimmermann & de Perrot bénéficie du soutien
de la Fondation BNP Paribas depuis 2006 pour
le développement de ses projets.
Zimmermann & de Perrot, la machine à faire
tourner les têtes
Un livre sur Jacques Tati, quelques machines à
coudre, le 33 tours Bad de Michael Jackson ou
une maquette en carton de la scène. Tout paraît
à sa place sans vraiment l’être. Ou peut-être
l’inverse. Martin Zimmermann et Dimitri de
Perrot ont installé leur atelier à Zurich, dans une
ancienne usine promise à la disparition, bientôt
remplacée par les immeubles modernes du quartier
ouest. Ils en sont les derniers ouvriers, venus
là en août avec leur machinerie pour sculpter
Hans was Heiri, littéralement « Jean comme
Henri ». Pour, fidèles à leur goût du calembour
ou de l’anomalie, susurrer que « c’est du pareil au
même ». La pièce est créée le 17 janvier 2012 au
Théâtre Vidy-Lausanne, où sont déjà nées Gopf
(1999), Hoi (2001), Ga± A± (2006) et Öper Öpis
(2008), chasses aux tics, aux instants filous qui,
sans un mot, sou≥ent à l’oreille la grande magie
de la vie. De l’homme stressé à l’être en bascule.
Martin, c’est le danseur, le contorsionniste,
l’agitateur qu’on aurait presque peur de renverser,
formé au Centre national des arts du cirque de
Châlons-en-Champagne. Dimitri, lui, le musicien,
c’est le prestidigitateur du platine, jongleur autodidacte
de 33 tours, agitateur d’idées reçues. Voilà
plus de dix ans qu’ils travaillent ensemble, dialoguent,
inusables complices. Est-ce vraiment du
pareil au même, blanc bonnet ou bonnet blanc ?
Parfois graves, souvent caustiques, ils garantissent
le trouble. Ces dernières années, leur univers
qu’ils disent en pâte à modeler a fait le tour du
monde, de New York à Sydney.
Ce matin, peu retenus par le froid d’une journée
automnale, ils racontent leur genèse, comme ils
sont. Un peu sérieux, un peu pointilleux, un peu
fous, un peu la tête en bas, le regard parfois sombre.
L’un fulminant, l’autre les pieds sur terre. Ou
peut-être l’inverse. Pour des artistes qui disent se
méfier des mots, ils rendent les leurs captivants.
Qu’il soit question d’art ou de Roger Federer.
« Au début, il y a toujours notre dialogue, nos
questions sur la vie. Chacun avance. Comme on
est en duo nous cherchons à la fois notre individualité
et notre sens commun. C’est une lutte.
C’est un travail de rester en couple. »
C’est en 1999 que Martin (41) et Dimitri (35)
se lancent dans l’aventure, d’abord à trois. Les
frères de scène sont nés. Ils parlent désormais
sans rougir d’un « couple », grâce auquel chacun se
rencontre un peu plus lui-même, voit dans l’autre
qu’il avance. Jongleries de corps et de sons, leurs
pièces-sculptures posent les mêmes questions
identitaires sur l’être à la recherche de son nid,
de son équilibre mais dont la formulation reste
modulable en fonction des expériences et du
temps qui file. Ainsi, les artistes ont peu à peu,
frasque après frasque, tracé leur chemin avec
un langage scénique sans qualificatif approprié.
Acrobates, clowns, ils ont aussi cette gri±e d’un
Marcel Duchamp, désireux de faire d’une chaise
le personnage central d’un univers en remueménage.
Aujourd’hui, Zimmermann & de Perrot, sans
doute l’une des compagnies suisses les plus attendues,
est une entreprise qui réunit une quarantaine
de personnes, sillonne la planète, toujours
sans domicile fixe. Pour monter Hans was Heiri,
elle a trouvé résidence à Zurich, encouragée par le
Service culturel de la Ville. Plus de pression ? Le
but n’a jamais été d’être grand mais d’avancer, de
comprendre ; même lentement, avec toujours des
questions dangereuses. « Tu finis une pièce et déjà
tu as envie d’en faire une autre parce que tu n’as
pas pu tout dire. »
l’angoisse de ressembler à son voisin, la sensation
d’enfermement.
Martin et Dimitri ont créé un mini-monde de
cinq individus, un peu bourgeois-bohèmes. C’est
une « machine à laver géante » ou une « roue de
hamsters », selon qui la décrit, dans laquelle tout
devient semblable mais où chacun conserve sa
solitude. Pourquoi les énergies ressenties quand
on est seul disparaissent-elles derrière des masques
une fois franchi le pas de porte ? Pourquoi
devons-nous avoir peur de nos désirs, surtout
si l’on sait que le voisin est dans la même roue ?
Toutes ces choses qui habitent un être humain et
qui le laissent finalement seul.
« Le décor est notre point de départ. C’est une
situation de vie qui va détourner le monde
comme on le connaît. Tout part de lui. Notre
théâtre est une sculpture, une invention que l’on
doit exploiter avec le corps. »
Quand il ouvre l’usine dans laquelle ils répètent,
Martin a déjà le regard sur elle. Elle, elle est le
monde qui tourne, celle qui fait germer leur théâtre.
Au fond de la salle se trouve une immense
roue sombre en bois à laquelle est accroché un
carré divisé en quatre espaces égaux. Tout est
sombre. Tout peut devenir sol ou plafond. Le
technicien la fait tourner. On imagine des corpssalamandres,
désespérément accrochés aux murs.
Ceux de Hans ou de Heiri. Dimitri : « dans certaines
situations, la tête en bas, celui qui réfléchit va
tomber. Celui qui ne se pose pas la question reste
sur sa chaise. C’est celui qui ne sait rien mais qui
sait être seul, être lui-même. »
Comme les précédents, le nouveau décor de
Zimmermann & de Perrot constitue l’incipit de
leur travail, celui pour lequel ils se présentent
en « artisans », en inventeurs, récompensés cette
année par le Prix design de la Confédération. Ils
ont travaillé depuis la feuille blanche durant plus
d’une année, accompagnés de trois ingénieurs et
de Ingo, leur responsable décor, pour construire
cette « machine à laver », dont certains clous
heureusement oubliés dans les tubes chantent
l’histoire du temps qui passe. Ils dessinent beaucoup,
brossent des croquis avant toute autre
chose, imaginent une maquette pour comprendre
l’espace. Ensuite le contenu s’intègre. L’image est
née. Elle raconte ses mythes.
« Nous sommes très alémaniques dans notre
travail. Nous avons cette minutie, cet amour
pour le détail que l’on trouve chez un Christoph
Marthaler. Parallèlement nous n’avons pas le
poids d’un héritage culturel comme l’ont les
Romands. On est un peu du n’importe quoi. On
est un peu des libertés. »
Le bruit de la machine à coudre rappelle l’urgence
des horaires. Martin et Dimitri sont des
pointilleux. Des rêveurs qui gardent les pieds sur
terre, avec chacun son univers, sa famille, son
amoureuse, ses enfants. Leurs tours du monde
n’ont pas fait pâlir leur « être suisse ». Même invités
au Théâtre de la Ville de Paris, ils se répètent
que « c’est bien mais qu’après il va falloir quand
même rentrer ».
Naïfs ? Ils préfèrent « curieux », comme des
oiseaux libres qui observent le monde, qui savent
que les choses ne sont pas toujours telles qu’on
a voulu nous les apprendre. Et qui disposent
d’un « mystère » : celui de pouvoir marcher sur
une scène pour raconter des histoires qui font
grandir. « Vous l’avez peut-être déjà lu quelque
part : on aime bien dire que nous faisons tout très
sérieusement mais que nous ne prenons rien au
sérieux. »
Anne Fournier
Résidence de fin de création au Théâtre
Vidy-Lausanne, première le 17 janvier 2012.
Mardi 17.01. 19h00
Mercredi 18.01. 19h00
Jeudi 19.01. relâche
Vendredi 20.01. 20h30
Samedi 21.01. 19h00
Dimanche 22.01. 17h30
Lundi 23.01. relâche
Mardi 24.01. relâche
Mercredi 25.01. 19h00
Jeudi 26.01. 19h00
Vendredi 27.01. 20h30
Samedi 28.01. 19h00
Dimanche 29.01. 17h30
Lundi 30.01. relâche
Mardi 31.01. relâche
Mercredi 01.02. 19h00
Jeudi 02.02. 19h00
Vendredi 03.02. 20h30
Samedi 04.02. 19h00
Dimanche 05.02. 17h30
« Nous dessinons nos personnages durant plusieurs
mois, brossant les caractères à partir d’un
casting. On amène les interprètes à parler d’euxmêmes,
à s’ouvrir ; mais ils sont aussi un miroir
de nous-mêmes. Ensuite naissent les scènes,
les tensions qui nous travaillent. C’est comme un
paysan avec la pioche qui travaille le sol. »
Martin et Dimitri se regardent, sourire en coin,
l’un tapote sur la table, presque nerveusement ;
l’autre continue de dessiner. A l’aube de la quarantaine,
c’est aussi le temps de la maturité, des
questions sur le corps qui vieillit, sur la roue
qui tourne. Metteurs en scène hors jeu avec
Chouf Ouchouf, tous deux foulent à nouveau les
planches pour Hans was Heiri : sur le plateau de
répétition la sono de Dimitri semble faire o≤ce
de garde-fou. Les deux Zurichois ont réuni à leurs
côtés cinq talents issus du cercle de théâtre-danse
né de créateurs comme Alain Platel ou Anne
Teresa De Keersmaeker. Ils les veulent autonomes,
pour puiser dans leur savoir-faire, pour avec
eux inventer quelque chose de nouveau. « C’est un
vrai laboratoire. »
Théâtre Vidy-L
Janvier à mars 2012 | N˚ 35
06
Alors, d’abord la poule ou l’œuf ? Blanc bonnet
ou bonnet blanc ? Jean ou Henri ? Martin ou
Dimitri ? Martin comme Dimitri ? Leur nouvelle
énigme a de quoi donner des cheveux
blancs. La vie ne serait-elle que l’échec de notre
ambition de devenir des individus uniques ?
Hans was Heiri est un jeu de projection, couplé à

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1450 Sainte-Croix | 0041 24 454 44 77
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Prix de design 2011
de la Confédération suisse
19 oct 2011 – 12 fév 2012
Une exposition du mudac et de
l’Office fédéral de la culture
mudac
Musée de design et d’arts
appliqués contemporains
6, place de la Cathédrale
CH – 1005 Lausanne
www.mudac.ch
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La fausse suivante
(ou le fourbe puni)
de Marivaux
Du 18 janvier au 5 février 2012
Salle de répétition
Mise en scène :
Nadia Vonderheyden
Dramaturgie :
Michèle Antiphon
Lumière :
Ronan Cahoreau-Gallier
Son :
Jean-Louis Imbert
Scénographie :
Christian Tirole
Nadia Vonderheyden
Costumes :
Eric Guérin
Maquillages :
Cécile Kretschmar
Régisseur scène :
Jean Fortunato
Avec :
Mohand Azzoug
Catherine Baugué
Julien Flament
Lamya Regragui
Arnaud Troalic
Nadia Vonderheyden
Durée :
env. 1h45
Age conseillé :
tout public, dès 10 ans
Genre :
théâtre
Production :
Espace Malraux, scène nationale de
Chambéry et de la Savoie
Coproduction :
Théâtre national de Bretagne – Rennes
MC2 : Grenoble
Théâtre Vidy-Lausanne
Scène nationale de Sénart
Mercredi 18.01. 19h30
Jeudi 19.01. 19h30
Vendredi 20.01. 19h30
Samedi 21.01. 19h30
Dimanche 22.01. 18h30
Lundi 23.01. relâche
Mardi 24.01. 19h30
Mercredi 25.01. 19h30
Jeudi 26.01. 19h30
Vendredi 27.01. 19h30
Samedi 28.01. 19h30
Dimanche 29.01. 18h30
Lundi 30.01. relâche
Mardi 31.01. 19h30
Mercredi 01.02. 19h30
Jeudi 02.02. 19h30
Vendredi 03.02. 19h30
Samedi 04.02. 19h30
Dimanche 05.02. 18h30
Théâtre Vidy-L
Janvier à mars 2012 | N˚ 35
09
Marivaux écrit La fausse suivante en 1724, une
année qui marque une grande rupture tant au
niveau personnel que dans son travail théâtral.
Il perd tous ses biens en 1720 dans la faillite de
la banque Law et sa femme décède en 1723.
Louis XIV meurt en 1715, l’absolutisme laisse
place à la Régence ; en 1723 Louis XV arrive au
pouvoir. On est donc dans des temps de transformation
politique, économique et sociale, les
modèles sociétaux se transforment, et les modes
de représentations changent.
Dans la pièce, six personnages se côtoient et s’entremêlent,
trois valets et trois nobles, chacun
défendant âprement ses intérêts et ses gains, chacun
ayant à perdre gros, de sa fortune et de luimême.
Parmi ces six figures, deux font alliance
dès le début – ceux qui ont tout à gagner et peu
à perdre –, une femme travestie en homme, le
Chevalier, et Trivelin, un homme sans situation
qui passe d’un état à un autre, faisant fortune
ou la perdant. Quand la pièce commence il vient
de tout perdre (situation dans laquelle se trouve
Marivaux) et se fait embaucher par Frontin
en qualité de valet. Ce travestissement va agir
comme un « trouble dans le genre », bouleversant
et re-questionnant l’ordre des désirs chez chacun.
On pourrait ici tirer un lointain parallèle avec le
jeune homme de Théorème de Pasolini.
La fausse suivante est en e±et une des rares pièces
de Marivaux qui ne finit pas sur un « happy end »,
mais reste comme en suspens après que l’on a
suivi le combat de chacun des protagonistes entre
désirs et mensonges, alliance et survie. Ils sortent
de cette bataille comme hagards, ne sachant
bien quelle expérience exactement ils viennent de
faire, défaits et troublés.
On voit bien en quoi Marivaux peut être l’un des
annonceurs (même malgré lui) de la révolution à
venir, d’un « intenable » de cette société où une
noblesse dépérit, où une bourgeoisie financière
prend sa place, pendant que des valets commencent
à nommer leur condition, où les contrats qui s’y
concluent – qu’ils soient d’intérêts et amoureux –
doivent se repenser. L’ancien ordre des choses commençant
à se fissurer, place est faite pour que de
nouveaux désirs émergent, y compris violemment.
Tout cela est pris dans un lendemain de bal où
interviennent des chants et des danses, faisant
relais à ces joutes oratoires que sont les dialogues
de Marivaux, où chacun faisant face à l’autre,
improvisant ses réparties, se découvre lui-même ;
où chaque joueur est pris à son propre jeu. Où,
masqués voulant démasquer l’autre, ils se révèlent
à une partie d’eux-mêmes.
Il faudrait arriver à les laisser là, haletants, en
suspens après une ronde éperdue, une série de
rounds, les laisser savoir ce qu’ils vont devenir.
La pièce raconte cela : on n’est pas quelque chose,
on le devient. Et la vie et les êtres ne sont peutêtre
que cela, un devenir et un advenir permanent
et sans cesse renouvelé, avec ses crises inéluctables.
Et on sait à quel point les mises en crises
sont justement génératrices de changement.
Pour faire ce travail, j’ai cheminé deux ou trois
ans, je me suis laissé le temps de faire des rencontres,
d’attendre qu’il y ait des évidences. C’est
ce qui s’est passé. J’avais une lecture de la pièce,
mais je ne voulais pas faire une « application » dramaturgique
de cette lecture, il fallait un sou≥e
venant des acteurs, et surtout de leur rencontre.
Mais cette envie concernait toute l’équipe, la rencontre
avec Michèle, dramaturge, sa façon de penser
et d’éclairer le travail, Cécile aux maquillages
et Jean-Louis au son que j’avais rencontré sur des
spectacles où je jouais. Et il y a des compagnons de
longue date, Ronan à la lumière, Christian à la scénographie
et au plateau, Eric aux costumes, mais
que j’ai d’abord rencontré comme acteur alors que
l’on jouait ensemble, et l’équipe de Chambéry…
Il y a eu ensuite une façon d’organiser le travail,
il fallait pouvoir se donner du temps. Alors
nous avons travaillé tout le mois de juillet et nous
avons repris le travail en décembre pour la dernière
ligne droite. Il y avait un temps de décantation
nécessaire que nous avons pu avoir.
Ce qui me semble le plus déterminant dans cette
aventure, c’est le sou≥e qu’a ce collectif. Il faut
le préserver et lui donner de la force. C’est aussi
cette force qui permettra de donner vie à la langue
de Marivaux et à ses inventions, de traverser
les expérimentations qu’il donne à faire du langage
et par le langage.
Et peut-être que ce que le théâtre peut à son
endroit apporter à nos vies, à nos collectivités,
c’est justement cela : il y a des mondes, et en
inventant des moments de regroupement nous
pouvons réinventer de l’en-commun.
Nadia Vonderheyden
© Didier Grappe
Belkheïr ou une carte ne vous sauve pas la vie pour rien
de et par Belkheïr Djénane
Du 25 janvier au 11 février 2012
La Passerelle
Ecriture :
Nathalie Papin
Mise en scène :
Anne Artigau
Conception et jeu :
Belkheïr Djénane
(Bébel le magicien)
Durée :
1h
Age conseillé :
dès 10 ans
Genre :
magie nouvelle et théâtre
Production :
Cirque-Théâtre d’Elbeuf – centre national des
arts du cirque de Haute-Normandie
Coproduction :
L’Hippodrome, scène nationale de Douai
Les Nuits de Fourvière – Département du
Rhône
Le Merlan, scène nationale de Marseille
D.S.N, scène nationale de Dieppe
Itinéraires Bis, Côtes d’Armor
Théâtre Vidy-Lausanne
Avec le soutien de :
Centquatre
Ce projet a bénéficié du dispositif SACD et
SYNDEAC : « En 2011, passez commande »
Création au Théâtre Vidy-Lausanne
le 25 janvier 2012
Mercredi 25.01. 20h00
Jeudi 26.01. 20h00
Vendredi 27.01. 20h00
Samedi 28.01. 20h00
Dimanche 29.01. relâche
Lundi 30.01. relâche
Mardi 31.01. 20h00
Mercredi 01.02. 20h00
Jeudi 02.02. 20h00
Vendredi 03.02. 20h00
Samedi 04.02. 20h00
Dimanche 05.02. 18h00
Lundi 06.02. relâche
Mardi 07.02. 20h00
Mercredi 08.02. 20h00
Jeudi 09.02. 20h00
Vendredi 10.02. 20h00
Samedi 11.02. 20h00
Théâtre Vidy-L
Janvier à mars 2012 | N˚ 35
09
Un nuage de mystère autour des cartes
Quand on demande à Anne Artigau de nous
parler du spectacle Belkheïr ou une carte ne vous
sauve pas la vie pour rien dont elle assure la mise
en scène, elle commence par sortir de son sac un
jeu de cartes qu’elle a≤rme avoir toujours sur
elle. Texture glacée qui trahit une qualité utilisée
par les professionnels des tours de magie, les
cartes glissent avec facilité et finesse dans les
mains. Elle poursuit en expliquant que Belkheïr
signifie « le bienfaisant » et tourne autour d’un
homme : Belkheïr Djénane, dit Bébel, un magicien
qui réussit à faire graviter le mystère à quelques
centimètres du nez du spectateur. Le souci d’Anne
Artigau est d’adapter l’art de cet homme à la scène
de théâtre pour nous permettre « d’entrer dans
l’intimité des cartes ». Pour ce faire, la metteure
en scène aimerait jouer sur deux plans : une table
où Bébel émerveillera par ses tours et un écranmiroir
reflétant l’invisible, o±rant une palette de
possibilités scéniques.
Pourquoi faire un spectacle sur la magie des
cartes ? Selon Anne Artigau, le travail du prestidigitateur
ne se situe pas si loin de la tâche du
metteur en scène puisque tous deux s’attachent
à accrocher l’œil du public et à le diriger à leur
convenance. Ce rapport l’intéresse, lui plaît et
l’interroge. De plus, le langage poétique utilisé
dans la cartomancie révèle une véritable mythologie
qui la fascine peu à peu. Comme un livre
qu’on feuillette, les cartes ont des légendes, elles
parlent du passé, du futur, des étoiles aussi. « On
peut y voir l’avenir. Peut-être. Mais pas sûr. Juste
l’espoir de cela, c’est formidable ! »
Le défi de mettre en mots l’imaginaire de ces
petits êtres de carton et leurs paroles revient à
l’auteure Nathalie Papin qui œuvre depuis plusieurs
années dans le paysage théâtral. Lors de sa
rencontre avec Belkheïr Djénane, la magie a opéré
et leur collaboration s’est imposée comme une
évidence. Ensuite, Anne Artigau s’est incorporée
au projet, se chargeant de mettre en valeur cette
littérature de l’imagination qui « nous fait partir
très loin en quelques mots », de la laisser fleurir et,
surtout, de la positionner, avec soin, en contraste
avec les tours du personnage incarné par Bébel.
Par ailleurs, la metteure en scène souhaiterait
pouvoir retranscrire le langage du plus petit, ces
bruits humainement inaudibles, « ce qu’on ne
peut entendre à l’oreille nue » comme peut-être le
chuchotement des cartes.
Belkheïr ou une carte ne vous sauve pas la vie
pour rien relate le voyage d’un individu qui, lors
d’un accident, se retrouve face à face avec le Roi
de Carreau. Invité à explorer le monde des cartes,
il plonge dans leur univers, découvre leur
immortalité, leurs confidences et bon nombre de
surprises. Construit à la manière d’un kaléidoscope,
le spectacle esquisse l’entrelacement de
deux histoires : celle des cartes qui a évolué main
dans la main avec celle des hommes. « Le public va
découvrir des épisodes de la vie des cartes, ce qui
leur est arrivé mais également notre rapport avec
elles. » Leur symbolique n’est jamais figée ; elles
traduisent les changements du temps, parfois des
événements historiques, souvent une instrumentalisation
politique. Ici, la magie servira de décor
aux péripéties étonnantes d’un homme perdu,
précipité dans l’inconnu, « quelque part ailleurs ».
C’est toute une partie de notre humanité, de notre
comportement à travers les siècles qui passera, avec
poésie, sous la loupe d’Anne Artigau et ses complices
Belkheïr Djénane et Nathalie Papin, en révélant
peut-être, qui sait, quelques secrets çà et là.
Alexandra Gentile

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THÉÂTRE LE POCHE
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Edwige Baily, comédienne

Hilum
de Patrick Sims
Du 8 au 26 février 2012
Chapiteau Vidy-L
Ecriture, mise en scène,
scénographie et marionnettes :
Patrick Sims
Masques, costumes, accessoires
et marionnettes :
Josephine Biereye
Création musicale :
DJ Final Rinse
Construction plateau
et lumière :
David Hayter
Administration et diffusion :
Sophie-Danièle Godo
© Jean-Pierre Estournet
Avec :
Josephine Biereye
Céline Chevy
Zana Goodall
Patrick Sims
Durée :
55 minutes
Age conseillé :
surtout pour les adultes, mais accessible
dès 9 ans
Genre :
spectacle de marionnettes envoûtant
et plein d'humour
Production :
Les Antliaclastes
www.antliaclastes.com
Depuis 2010 la compagnie est accueillie
dans les murs du Footsbarn Theatre.
Mercredi 08.02. 20h30
Jeudi 09.02. 20h30
Vendredi 10.02. 19h00
Samedi 11.02. 20h30
Dimanche 12.02. 17h00
Lundi 13.02. relâche
Mardi 14.02. 20h30
Mercredi 15.02. 20h30
Jeudi 16.02. 20h30
Vendredi 17.02. 19h00
Samedi 18.02. 20h30
Dimanche 19.02. 17h00
Lundi 20.02. relâche
Mardi 21.02. 20h30
Mercredi 22.02. 20h30
Jeudi 23.02. 20h30
Vendredi 24.02. 19h00
Samedi 25.02. 20h30
Dimanche 26.02. 17h00
Théâtre Vidy-L
Janvier à mars 2012 | N˚ 35
11
Le sous-sol d’un musée d’histoire naturelle se
dévoile dans un grincement, on pénètre dans
cette laverie improbable où une foule d’objets
hétéroclites habitent le plateau. Le décor nous
plonge instantanément dans un univers intemporel
aux nuances de blanc délavé. L’espace s’anime.
Nos yeux s’écarquillent.
D’abord, il y a comme point de départ ce mot :
« hilum ». Terme médical, biologique ou botanique
employé pour désigner la marque du point d’attache
vital – tel le nombril pour les humains –,
il signifie également un portail par lequel peut
transiter une ribambelle de choses ou un endroit
tactique duquel on peut tout voir. Cette notion,
de par la multitude de sens et de pistes évoquées,
amorce d’ores et déjà une proposition intrigante,
propice à la création. Ensuite, il y a la volonté
d’explorer le temps suspendu qu’implique le
processus de blanchiment du linge – cette « phase
calme où il n’y a rien à faire » nous explique
Patrick Sims, à la tête du projet. Le cadre est
posé, maintenant ce terrain de jeu peut donner
naissance à des interactions inespérées au milieu
d’une faune de spécimens aussi surprenants
qu’espiègles.
Après une formation en cinéma et en animation
au Middlebury College dans le Vermont, Patrick
Sims découvre le travail d’Alfred Jarry. Subjugué,
il décide de s’intéresser de plus près à l’art vivant
et la pratique des marionnettes s’installe peu à
peu au centre de ses préoccupations. Il démarre
dans sa ville natale au Bread and Puppet Theater
où il cultive cette passion. Au fil des années, il
vogue vers d’autres terres, notamment Java pour
y apprendre et se nourrir d’autres techniques
comme le théâtre d’ombres. A son arrivée en
Europe, désireux d’approcher la philosophie de
Jarry, il se lance dans une recherche consacrée à
la pataphysique et l’interprète inhumain à l’Université
de Dublin. Plus tard, il migre en France
pour endosser le rôle de directeur artistique
du Buchinger’s Boot Marionnettes à Marseille
pendant cinq ans. En 2010, il cofonde la compagnie
des Antliaclastes avec Josephine Biereye.
L’artiste allemande se charge de l’élaboration
des masques, des costumes et autres accessoires
qu’elle peaufine progressivement durant le
développement de la création de chaque pièce.
Les Antliaclastes, littéralement les « casseurs
de pompes », constitue la première œuvre pour
marionnettes écrite par Alfred Jarry à l’âge de
13 ans ; un clin d’œil logique au mentor du jeune
américain.
Hilum est une machine à enchantement rodée
par quatre marionnettistes – Josephine Biereye,
Céline Chevy, Zana Goodall et Patrick Sims –
maniant avec dextérité ces êtres articulés par
des fils. Tantôt invisibles, tantôt masqués, les
manipulateurs jouent sur l’alternance. Selon
l’échelle, l’œil s’adapte aux personnages à taille
humaine qui apparaissent de temps à autre, mais
également aux petits détails, aux gestes gracieux
de ces créatures « adorables mais inquiétantes ».
Dans cette buanderie, l’espace d’un instant, on en
arrive à oublier l’existence des hommes. Comme
on ouvre un co±ret magique, Hilum invite à un
imaginaire peuplé de spécimens ne rentrant dans
aucun système de classification préétabli. Rejetés,
délaissés ou cachés du monde, ces « monstres de
seconde zone » nous sidèrent, peut-être parce
que derrière leur allure un brin e±rayante ils ont
quelque chose de familier, une attitude presque
naïve qui nous rappelle étrangement des images
de dessins animés, des fragments de notre
enfance. L’inquiétude laisse place à l’étonnement
puis à l’a±ection. Un mélange de sentiments se
déverse dans ce « linge sale du conte de fée ».
De même qu’une machine à laver changeant au
fur et à mesure de ses di±érents cycles – laine,
coton, délicat, couleurs, synthétique –, cette
aventure onirique se calque sur des rythmes,
des environnements sonores, des compositions
visuelles dans lesquelles on discerne une panoplie
de micro-intrigues éparses, construites indépendamment
ou en écho à d’autres. L’élaboration de
ces tableaux vivants part de la recherche d’une
émotion autour de laquelle gravitent petits et
grands personnages. Les possibilités se déclinent
à l’infini ; en e±et, des dizaines d’autres épisodes
pourraient être envisageables selon Patrick Sims
qui les garde dans un coin de son esprit. Son
travail s’élabore sur les bases jetées par Alfred
Jarry : « Il m’a donné la confirmation qu’en art
la liberté complète est possible. L’important est
la pensée de chacun. » Cette révélation, source
de la constante recherche de Patrick Sims avec
les marionnettes, justifie une approche créative
« sans lois, ni règles ». Le théâtre « post-humain et
populaire » des Antliaclastes, à l’image de leurs
petites créatures, défie toute catégorie.
Grâce à leur fable pour adultes sans adoucissant,
ils dépoussièrent les recoins de notre imagination
d’enfant, de notre fantaisie enfouie et nous
expédient sans scrupule en territoire inexploré.
En route pour une visite à travers une collection
de curiosités insolites exposée avec une originalité
déroutante.
Alexandra Gentile

Histoire du soldatde Charles-Ferdinand
Ramuz
Du 14 au 23 février 2012
Salle Charles Apothéloz
Musique :
Igor Stravinsky
Conception et mise en scène :
Roland Auzet
Dispositif vidéo :
Wilfried Wendling
Création lumière :
Bernard Revel
Scénographie :
Gaëlle Thomas
Construction des décors :
Ateliers du Théâtre Vidy-Lausanne
Avec :
Thomas Fersen
Ensemble instrumental de la
Haute Ecole de Musique de Lausanne
(HEMU)
Direction musicale :
Geoffroy Jourdain
Durée :
env. 1h15
Age conseillé :
dès 13 ans
Genre :
théâtre/musique
Production déléguée :
Théâtre de la Renaissance (Oullins –
Grand Lyon)
Coproduction :
Théâtre Vidy-Lausanne
Act-Opus
Avec l’aide du Nouveau Théâtre de Montreuil –
Centre dramatique national
Mardi 14.02. 19h00
Mercredi 15.02. 19h00
Jeudi 16.02. 19h00
Vendredi 17.02. 20h30
Samedi 18.02. 15h00
Samedi 18.02. 19h00
Dimanche 19.02. 17h30
Lundi 20.02. relâche
Mardi 21.02. 19h00
Mercredi 22.02. 19h00
Jeudi 23.02. 19h00
Théâtre Vidy-L
Janvier à mars 2012 | N˚ 35
12
Roland Auzet était il y a quelques mois à Vidy
pour Deux hommes jonglaient dans leur tête. Il
présentait en tant que percussionniste un spectacle
de cirque musical créé avec le jongleur Jérôme
Thomas. Aujourd’hui il revient en tant que metteur
en scène de l’Histoire du soldat, le célèbre
drame musical signé Charles-Ferdinand Ramuz
et Igor Stravinsky et créé à Lausanne le 29 septembre
1918. Roland Auzet a choisi de monter
cette œuvre pour marquer sa nomination à la
direction générale et artistique du Théâtre de la
Renaissance d’Oullins en juin 2011, car, selon lui,
elle représente un moment crucial dans l’histoire
du rapport entre la musique et le théâtre. Or la
relation entre ces deux disciplines a, depuis ses
débuts, été au centre de son questionnement
artistique.
Roland Auzet, vous êtes avant tout musicien, quel
a été le déclencheur pour aller vers le théâtre ?
En fait, il ne me semblait pas possible de faire
un chemin dans la musique sans m’intéresser
aux autres arts vivants. Parce que la question du
corps, notamment avec l’instrument que je joue,
la percussion, est prépondérante. En étudiant la
percussion, on est confronté à l’idée de mouvoir
son corps dans un espace entouré d’instruments
et, du coup, la question du geste et du sens de ce
geste est centrale. Alors, par curiosité, je suis allé
fouiller dans le sens que peut avoir ce geste dans
les autres disciplines, le théâtre, la danse et les
arts du cirque.
Les arts du cirque sont peut-être les plus proches
de la musique parce qu’il y a l’idée de l’instant : un
jongleur, quand il a cinq balles dans la main et les
lance se doit, à un instant précis, de réaliser quelque
chose qui convoque l’horizontal et le vertical.
En musique, il y a la même chose : à un moment
donné, on doit faire correspondre une hauteur
avec un espace-temps. Du coup j’ai trouvé des
espaces communs de poésie entre la musique et le
cirque.
Puis j’ai cherché la rencontre avec ces autres
personnes qui pratiquent ces espaces-temps et
ces espaces poétiques : je me suis inscrit à l’Ecole
de cirque Fratellini, j’ai pratiqué la corde volante,
une espèce de trapèze sans la barre en bois, et j’ai
appris à ressentir, à me questionner sur le sens de
ce corps dans la musique, la danse et le théâtre.
C’est comme ça que, de plain-pied, je suis entré
dans ce rapport avec les autres arts.
De plus, dans mon cursus au conservatoire, j’ai
été amené à ce questionnement par certains de
mes professeurs comme Jean-Pierre Drouet ou
Gaston Sylvestre ; ils sont les grands interprètes
qui ont permis à des compositeurs comme
Georges Aperghis ou Mauricio Kagel de faire le
boulot que l’on sait.
Et, par rapport à l’engagement corporel du musicien,
on se souvient du concerto pour timbales
de Mauricio Kagel, à la fin duquel il demande au
soliste d’éclater la peau de la timbale avec sa tête.
D’ailleurs, c’est Jean-Pierre Drouet qui a créé
ce concerto. En allant jusqu’à demander à l’interprète
de mettre la tête dans le chaudron, et
donc de signifier son inféodation au compositeur,
Mauricio Kagel fait un théâtre musical engagé et
politique par essence. Pour lui, comme pour John
Cage, cette domestication dans le rapport au chef
et à la partition est un héritage symbolique très
fort transmis plus ou moins tacitement au cours
de la formation musicale. Ces compositeurs ont
utilisé le lien entre théâtre et musique pour que
le sens politique puisse aider les musiciens à faire
grandir leur vocation et leur présence. Les musiciens
ne sont pas des machines, mais peut-être
que la confrontation à l’orchestre symphonique
au service de musiques du XVI e au XIX e siècle
leur fait perdre la notion de la personne et de
l’individu. La musique est confrontée à l’idée que
l’héritage prédomine. De plus, pour être un bon
instrumentiste, on commence par être pendant
quinze ans dans un studio de cinq mètres carrés
à se taper la tête contre les murs, c’est ça le début.
Donc quand on sort de cette expérience-là, on a
aucune éducation politique, c’est impossible. Tous
les bons musiciens, peut-être moins maintenant,
mais en tout cas il y a vingt ans quand je suis
sorti du conservatoire, tous les bons musiciens
n’avaient aucune conscience de la relation politique
à l’art. Alors ça doit s’apprendre et je trouve
que le théâtre dans son partenariat avec la musique
fait œuvre pédagogique pour permettre une
prise de conscience des êtres : on peut signifier
le monde avec une possibilité d’évolution pour
l’individu.
Comment vous est venue l’envie de monter
l’Histoire du soldat ?
C’est précisément ce cheminement avec le théâtre.
Pour nous musiciens, l’œuvre première qui
redéfinit un nouvel espace-temps entre texte et
musique au XX e siècle, c’est l’Histoire du soldat.
Et pour ma nomination à la direction du Théâtre
de la Renaissance d’Oullins, j’ai eu envie de
reconvoquer une œuvre du répertoire qui a du
sens pour l’histoire du rapport entre théâtre et
musique.
Mais plutôt que de suivre la distribution originale,
deux acteurs, un lecteur et une danseuse,
vous confiez tout le spectacle à un seul interprète
: Thomas Fersen. Pourquoi ?
Toujours pour trouver des articulations entre
théâtre et musique, il s’agissait de donner un
éclairage nouveau à cette œuvre pour pouvoir,
par elle, encore réinterroger le monde. Or Thomas
Fersen est un conteur, un chanteur populaire,
son métier c’est de raconter des histoires. Je veux
que ça soit une seule personne qui arrive, se
mette en situation de celui qui va conter à la face
du public l’histoire qu’il porte depuis la nuit des
temps. Il va la jouer aussi, parce que, où qu’on se
situe dans le monde, les conteurs jouent les personnages
avec leurs mains et avec leur voix ; et
Thomas Fersen le fait formidablement bien. Pour
moi, dans ses concerts, il pratique l’art populaire
de conteur : il alterne entre chansons et histoires,
il se met seul au piano pour chanter, l’orchestre
revient, puis à nouveau une chanson sans
musique. Or c’est typiquement la structure de
l’Histoire du soldat, un récit ponctué de musique ;
c’est une alternance entre des moments contés
et des moments musicaux. Il y avait une sorte
d’évidence d’apprivoiser ce texte et cette partition
avec lui. Une évidence qui permettra aussi
de rééclairer cette œuvre : certaines personnes
viendront pour voir Thomas Fersen et découvriront
peut-être Ramuz et Stravinsky. Et si ça
arrive, alors j’aurai fait mon boulot de passeur.
C’est Stravinsky qui avait proposé à Ramuz le
sujet de l’Histoire du soldat, un mythe universel
plongeant ses racines dans un conte populaire
russe. Que voulez-vous raconter aujourd’hui
avec cette histoire ancienne de soldat qui vend
son âme au diable ?
Des histoires de soldat, on en a tous les jours à la
radio et à la télévision : des histoires d’imbéciles –
mais imbéciles parce que trahis par l’humanité –
qu’on envoie à l’autre bout du monde porter un
projet foireux dont ils ne savent pas grand-chose.
Ces gens payent du prix de leur vie un jeu qu’ils
ne comprennent pas.
Pour revenir au texte de Ramuz, le soldat donne
au diable son violon en échange d’un livre ; or,
en regardant la position pour tenir un violon, je
me suis rendu compte qu’elle est similaire à la
position pour tenir un fusil. De plus « vendre son
âme », si on ajoute un « r » à « âme », devient « vendre
son arme ». Avec Thomas Fersen, nous avons
beaucoup travaillé sur cette question-là pour
décider de reconvoquer l’arme sur le plateau :
c’est-à-dire qu’il n’y a pas le violon sur scène. Le
violon, c’est un flingue.
Ce soldat, c’est un type illettré qui arrive au bout
d’une campagne, épuisé, perdu, et qui se fait
enlever la seule chose qu’il avait dans sa poche,
c’est-à-dire cette arme, échangée contre un bouquin
qu’il ne peut pas lire. Donc nous travaillons
sur cette opposition entre cette arme, élément
de la destruction de l’homme par l’homme, avec
l’autre choix en vis-à-vis, qui est le livre dans
lequel est réuni la connaissance pour que l’humanité
puisse être sauvée. Et sur les fondements
de la pièce, il s’agit bien de ça : va-t-on continuer
de détruire l’humanité, oui ou non ? et sinon
est-ce qu’on ne pourrait pas imaginer passer par
la connaissance. Pour moi, aujourd’hui il y a une
vraie question : est-il plus intéressant d’avoir un
flingue ou un livre ? L’Histoire du soldat de Ramuz
peut réinterroger cette chose-là.
Pourtant le livre que le diable donne au soldat est
un livre terrible dans lequel on peut, même sans
savoir lire, voir l’avenir et accumuler des richesses
insensées aux dépens d’une quelconque
vie affective. Je n’ai pas l’impression que vous
donnez au livre du diable la même signification
que Ramuz.
Evidemment on peut considérer ce livre comme
une sorte de livre de la bourse qui ramène de l’or
et des billets, il y a cet aspect-là du livre, mais il y
a aussi un autre aspect, peu évoqué, qui est celui
de ce que peut contenir cet ouvrage et symboliquement
les livres en général. C’est là-dessus que
je m’appuie pour cette opposition. Je trouve cela
bien plus nutritif que si on fait référence au livre
comme objet d’une forme de marchandisation de
la vie. Je reconnais que cette lecture est un exercice
périlleux, mais c’est comme quand je vois
un metteur en scène qui empoigne Shakespeare,
lui met les pieds au plafond et essaie d’en sortir
quelque chose de nouveau. Notre mission, c’est
de prendre les ouvrages du répertoire et de les
requestionner avec un éclairage actuel, organisé
entre le sens musical, théâtral, politique et
poétique.
Un dernier mot sur la partition de Stravinsky,
selon vous où se trouve la théâtralité de cette
musique ?
Dans l’architecture de la pièce, le rôle de la métrique
est fondamentale : Stravinsky assemble des
mesures dont les pulsations sont di±érentes les
unes des autres, des mesures à 3/8, 4/8, 7/8,
3/4, 4/4, etc., il évite une métrique routinière
pour construire les rebondissements de l’histoire,
pour créer le sentiment de quelque chose
qui avance dans le temps. L’idée d’une métrique
avec des mesures toujours di±érentes permet de
signifier que l’avenir ne ressemblera pas au passé :
Stravinsky traite le temps comme une chose qui
n’est pas linéaire, la chose passée n’existera plus
jamais et une nouvelle est à venir. Et c’est avec
cette organisation du temps qu’il compose une
vraie musique pour un conte.
Propos recueillis par Marc Berman
moserdesign.ch photo : olivier pasqual
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Avec le soutien de :
Banque Cantonale Vaudoise, Commune
d’Ecublens, Etat de Vaud, Fondation Ernst
Göhner,La Semeuse, Le Courrier, Librairies
BASTA !, Loterie Romande, Musée cantonal
de Zoologie, Pour-cent culturel Migros,
Société Académique Vaudoise - Fondation
Pittet, Ville de Lausanne.
OBJECTIF MARS
LE FESTIVAL-ANNIVERSAIRE
DU 1 ER AU 31 MARS 2012
1 thème :
« Qu’est-ce que la guerre ? »
Théâtre, musique, cinéma, conférence,
expo et plein de surprises !
3 lieux :
Théâtre La Grange de Dorigny
Tour Vagabonde
Cinémathèque Suisse

Vivre dans le feu
d’après Marina Tsvetaeva
Du 9 au 19 février 2012
Salle de répétition
Conception :
Anne Conti
Adaptation :
Anne Conti
Agnès Delbarre
Direction d’acteur :
Nadine Pouilly
Regard scénique :
Jos Verbist
Chorégraphie :
Serge-Aimé Coulibaly
Vidéo :
Nicolas Devos
Lumière :
David Laurie
Musiques :
Rémy Chatton
Vincent Le Noan
Son :
Moon Le Noan
Diffusion et production :
Céline Vaucenat
Avec :
Anne Conti
Rémy Chatton (cordes)
Vincent Le Noan (percussions
et samples)
Elena Zhilova (en voix et en images)
Durée :
1h
Age conseillé :
dès 15 ans
Genre :
théâtre/musique
Production :
In Extremis
Coproduction :
L’Hippodrome, scène nationale de Douai
Théâtre Vidy-Lausanne
Avec l’aide du ministère de la Culture DRAC
Nord-Pas-de-Calais, du Conseil régional Nord-
Pas-de-Calais et de la SPEDIDAM.
Résidences au Channel, scène nationale de
Calais.
Remerciements au Théâtre du Nord
Jeudi 09.02. 19h30
Vendredi 10.02. 19h30
Samedi 11.02. 19h30
Dimanche 12.02. 18h30
Lundi 13.02. relâche
Mardi 14.02. 19h30
Mercredi 15.02. 19h30
Jeudi 16.02. 19h30
Vendredi 17.02. 19h30
Samedi 18.02. 19h30
Dimanche 19.02. 18h30
Théâtre Vidy-L
Janvier à mars 2012 | N˚ 35
15
Si elle aime se mettre au service de projets
collectifs , Anne Conti est parfois aussi à l’origine
de certains spectacles, qu’elle porte alors de tout
son talent. Au-delà des décennies et des distances,
la rencontre avec Marina Tsvetaeva relève
du coup de foudre : une alchimie de flamme et de
poésie qui préside à la naissance de Vivre dans
le feu. En amont de la création, Anne Conti a
répondu par écrit à nos questions.
Marina Tsvetaeva aujourd’hui, pourquoi ?
Je cherchais un texte sans vraiment chercher.
J’attendais de croiser, d’être happée.
Et voilà Tsvetaeva qui me tombe dessus. Bien sûr
je connaissais ses poèmes (Tentative de jalousie
résume très bien ce mélange d’acéré, de fêlure et
d’humour qui la distingue), mais en découvrant
ses correspondances et ses carnets, j’ai découvert
l’intime, celle qui se raconte, celle qui dit
tout, écrit tout : rêves, colères, excès, quotidien,
peurs, joies, désespoir. Elle déroule sa vie sur le
papier, lettres et notes, et ainsi la poétise. C’est
une immense dame et un personnage incroyable
car elle est absolument, intégralement engagée
dans ce qu’elle dit. Elle questionne la vie dans
tous ses états, elle interroge son fonctionnement,
elle refuse le monde formaté. Elle voudrait être
soulevée de terre. Elle brûle d’aimer, regrette de
ne l’être pas plus. Elle vibre. C’est une vivante.
Je me sens de la même famille qu’elle. J’y travaille
tous les jours.
Et pour moi, aujourd’hui, c’est la personne idéale
pour transmettre la marche en avant, le poing en
l’air et le feu déployé. Elle réénergise, elle stimule,
elle tranche, elle élève.
Comment avez-vous conçu et réalisé le montage
des textes ?
Je voulais un aller-retour entre sa correspondance
et ses poèmes.
La correspondance est vraiment son reflet vivant,
la peinture de son intérieur, de ses peurs et
fureurs. En la lisant, on plonge dans une époque
mais Tsvetaeva ne nous y laisse jamais baigner,
elle ne nous parle principalement que d’humain et
de rapport à l’autre et à soi-même : amour, liberté,
argent, folie, filiation, solidarité, voyages, exil…
Et c’est ce qui m’intéressait avant tout. Parler du
profond et ne pas rester à la surface. J’ai donc axé
mon travail de montage avec ce postulat de départ.
J’y évoque ses événements personnels mais pas
les événements du monde.
C’est la femme, l’humain qui est le fil rouge de
cette adaptation, afin que chacun puisse, face à
elle, se retrouver face à lui-même. Tsvetaeva est
d’une étonnante modernité. On ne sent absolument
pas le siècle qui nous sépare.
Les poèmes quant à eux, je les ai choisis en fonction
du coup de cœur que j’ai eu en les lisant.
Mais aussi en fonction de leur rythme et les
images qu’ils évoquent, l’émotion et le tumulte de
vie qui s’en dégage.
« Ecrire-vivre » ou « écrire – c’est vivre », dit-elle.
Pour vous l’art et la vie ne font qu’un aussi ?
Oui. Résolument oui. Ma vie est entremêlée à
mon art : raconter des histoires, raconter, écrire,
mettre en scène, jouer, danser, chanter. Ma
vie n’est que questions. Comment faire danser
à l’intérieur, comment donner des idées, de la
force, de la rage, de la douceur à ceux-là que je
croise, par le biais de mes histoires, de mes images
? Comment parler du monde, le tordre et le
sublimer ?
J’aimerais faire de ma vie une œuvre d’art.
Comme Tsvetaeva. Mais ne pas être engloutie par
la matière, rester le sculpteur. Est-ce possible ?
Que dire de la musique dans ce projet ?
Je construis mes spectacles sur plusieurs piliers.
La musique en est un. Les autres sont l’écriture
et le corps. La musique est essentielle. Elle porte,
suggère, calme ou tempête.
Elle est créée par Rémy Chatton dans un premier
temps puis développée, en duo, avec Vincent Le
Noan.
C’est un travail d’équipe. Au démarrage, Rémy
s’inspire de ce que je lui raconte bien sûr, du
texte, mais aussi du rythme que j’impulse à la
lecture des poèmes. Certains poèmes ne sont pas
restés mais la musique, oui. Ce sont des musiciens
qui ne reproduisent pas un morceau, mais
le vivent en direct car tout est lié à l’énergie du
plateau et à mon placement des mots. Dans Vivre
dans le feu, il n’y a pas de chansons comme dans
mon précédent spectacle Infiniment là, c’est un
travail de parlé-chanté, il y a donc un placement
légèrement aléatoire des mots dans la musique.
Cela ne fige pas les choses. La structure est
là, nous avons des rendez-vous, mais on peut
s’attendre à tout, espérer tout, se surprendre !
On retombera toujours sur nos pattes de toutes
Anne Conti
façons. De plus, j’aime la remise sur le feu, à chaque
représentation. Ne pas reproduire. Explorer
encore et encore, les placements, les ruptures,
les silences. Nous vivons ensemble sur le plateau
cette recherche.
De plus, sur ce spectacle, la musique et la danse
représentent une partie de Marina Tsvetaeva,
la partie intime, celle qui s’exprime au-delà des
mots : l’autre langage. Le sublime langage.
Vous avez abordé toutes sortes de formes : le jeu,
la mise en scène, la danse, l’écriture, la marionnette,
le chant… Quel est le lien entre tout ça ?
Pouvez-vous parler des rapports qu’entretiennent
le corps et les mots ?
La marionnette reste un art que je ne maîtrise pas
bien mais qui me fascine. Je ne l’utilise pas dans
mes spectacles. Sinon, danse, mots, chant, tout
est lié pour moi. Ce sont mes outils pour sculpter
le message, le personnage. Raconter l’histoire.
Donner à voir et entendre. Le corps est là avant
le Verbe. Le corps permet tout, il est notre instrument,
j’ai un grand respect pour lui. La danse,
le mouvement raconte nos lacs et nos cascades.
Les mots sont matière, chair. Et comme le corps,
je malaxe les mots, je relaxe aussi, je tords, je
caresse, je bondis, je ralentis, je répète, j’écoute
le son comme j’écoute le geste, j’improvise les
sons comme j’improvise les gestes. Parler est
aussi physique que danser et chanter. Je suis une
personne résolument physique. Et comme je suis
envahie d’images (je rêve beaucoup – debout ou
allongée) alors cela doit s’exprimer par tous les
moyens. Un jour peut-être, je me mettrai aux pinceaux,
comme mon grand-père qui a commencé
à peindre à l’âge de 60 ans et à jouer de la flûte à
85 ans.
De spectacle en spectacle y a-t-il chez vous
comme la poursuite d’un rêve ultime ?
Non, c’est le chemin que je goûte à chaque spectacle
et à chaque spectacle je réalise un rêve.
Je remercie et savoure à chaque fois de pouvoir
accéder aux moyens de création. D’être entourée,
entendue, soutenue.
Vers quoi je cours ?
L’apaisement peut-être.
Mais une fois que j’y serai, ne vais-je pas regretter
le feu ?
Propos recueillis par R. Z.

P
L
I
U
I
T
B
C
E
CONCERTO POUR CINQ
CUIVRES ET ORCHESTRE
KOETSIER
SONGE D'UNE
NUIT D'ÉTÉ
MENDELSSOHN
NUIT SUR LE MONT CHAUVE
MOUSSORGSKI
OUVERTURE DES TROMPETTES
MENDELSSOHN
Prix: Fr. 30.- / 25.-
AVEC LE GENEVA BRASS QUINTET
ANTOINE MARGUIER, DIRECTION
1 er FÉVRIER 2012, 20H
SALLE PADEREWSKI, LAUSANNE
DIS VOIR,
ÇA JOUE
OU QUOI?
27, 28, 29 janvier
Joël Pommerat / Compagnie Louis Brouillard
du 1 er au 19 février
Albert Cohen / Denis Maillefer / Théâtre en Flammes
10, 11, 12 février
Antoine Jaccoud / Compagnie Léon
Du 28 février au 4 mars
Ludovic Chazaud / Compagnie Jeanne Föhn
16, 17 mars
Gilles Jobin / Compagnie Gilles Jobin
LES ARTISTES DE LA CONTREFACON 19, 20, 21 avril
Christian Geffroy Schlittler / Agence Louis-François Pinagot
11, 12, 13 mai
Denis Maillefer / Théâtre en Flammes
25, 26 mai
Thierry Romanens / Format A3
du 31 mai au 10 juin
épisode 1, Perfect day / épisode 2, Sweet dreams / épisode 3, Sunday morning
d’après Tchekhov / Alexandre Doublet / Compagnie Alexandre Doublet
ENTRE (titre de travail) 15, 16, 17 juin
Oskar Gòmez Matta / Haute école de théâtre de Suisse romande / La Manufacture, Promotion E
30 juin
theatre-les-halles.ch / sierre
graphisme, anouk andenmatten / photo, julie langenegger lachance

Les 3 Parques m’attendent dans le parking
de Jacques Rebotier
Du 6 au 18 mars 2012
La Passerelle
Texte et mise en scène :
Jacques Rebotier
Lumière :
Bertrand Couderc
Son :
Bernard Valléry
Masques :
Alexis Kinebanyan
Avec :
Caroline Espargilière
Nicole Genovese
Vimala Pons
Durée :
1h15
Age conseillé :
tout public
Genre :
théâtre
Production :
Compagnie voQue/Rebotier
Coproduction :
Théâtre Nanterre-Amandiers
Théâtre Vidy-Lausanne
L’Apostrophe, scène nationale de Cergy-
Pontoise et du Val d’Oise
La Compagnie voQue/Rebotier est
subventionnée par le ministère de la Culture et
de la Communication – DRAC Ile-de-France et
la SACEM (division culturelle).
Mardi 06.03. 20h00
Mercredi 07.03. 20h00
Jeudi 08.03. 20h00
Vendredi 09.03. 20h00
Samedi 10.03. 20h00
Dimanche 11.03. 18h00
Lundi 12.03. relâche
Mardi 13.03. 20h00
Mercredi 14.03. 20h00
Jeudi 15.03. 20h00
Vendredi 16.03. 20h00
Samedi 17.03. 20h00
Dimanche 18.03. 18h00
Théâtre Vidy-L
Janvier à mars 2012 | N˚ 35
17
Trois filles en transit, roulettes, valises. Trois
soldat(e)s, sans doute. Dans un au-delà de la mer,
Afghanistan, Irak ? Attente, danger. Tous sens
en alerte, elles pensent à voix haute, rêvent,
se remémorent. Rêve, Evénement, Souvenir,
R.E.S. : la réalité (de la pensée) repose sur ces
trois pieds. Rien d’autre à signaler. Ah si ! Parfois
elles meurent ; et les morts parlent aussi, mais en
chœur. Les morts ont des masques et vivent eux
aussi dans le présent (quoique un peu arrêté), et
beaucoup dans le passé ; mais pas du tout dans
l’avenir.
Les trois visages du temps sont aussi les trois
Parques, qui filent leur propre vie, et les nôtres,
et les cassent. Elles porteront des masques d’ellesmêmes
; parfois aussi de lion, de loup et de chien,
selon une très ancienne statue égyptienne du
dieu Sérapis, qu’interpréta ainsi Macrobe : « La
tête de lion désigne le présent, vigoureux et
ardent ; le passé est la tête de loup, qui rapte le
souvenir des actes accomplis et les emporte au
loin ; le chien toujours nous flatte, il nous promet
un temps futur, dont l’espoir, même incertain,
nous sourit. »
Les triades féminines, sous la figure des trois
Parques, des Grâces, des Fata, des Moires, des
Matres, ou Mères, ensuite christianisées en
Maries, jusqu’aux trois fées de nos contes, ont
parcouru le monde méditerranéen. Elles rendent
toutes hommage à nos derniers nomades, qui se
réunissent chaque année aux Saintes-Maries-dela-Mer,
qui tirent leur nom des « trois Mères de la
mer ».
L’une tient la quenouille, ou la toison, la deuxième
guide le fil sur le fuseau, la dernière le rompt. Elles
tissent le texte de ce spectacle.
Les 3 Parques m’attendent dans le parking, après
Les ouvertures sont, est le deuxième spec tacle de
la trilogie R.E.S., entièrement dédié au fil de la
pensée.
Jacques Rebotier
Jacques Rebotier fait partie de ces inclassables
qui semblent prendre un plaisir malin à brouiller
les codes. Pourtant, dans son explosion de formes
et de propositions, son travail recèle de formidables
cohérences intérieures. Brève rencontre avec
un de ces « artistes singuliers » qui, aujourd’hui,
rendent le spectacle encore un peu plus vivant.
Comment se conjuguent chez toi le travail d’écriture
et le travail théâtral ?
Je n’ai pas vraiment de projet d’écriture. J’écris.
Des notes, des textes qui s’agglomèrent et ça finit
par faire des blocs. Quelquefois je les lis en public,
quelquefois j’ai envie de prolonger la chose avec
des acteurs… Je puise donc dans un grand sac qui
est toujours un peu en élaboration et j’assemble
des éléments pour des spectacles. Il est rare que
j’écrive une pièce en me fixant un thème et en
cherchant à le développer. Je pars souvent de la
vie quotidienne et de ma vie d’écriture.
Mais te sens-tu un homme de théâtre qui écrit,
un auteur qui fait du théâtre…
Je me sens un « artiste », qui travaille avec des
mots, avec du son, parfois avec des images… Par
exemple, j’envoie depuis trente ans des lettres à
Beethoven. Je prends des en-tête un peu partout,
ministères, hôtels, théâtres, et je mets des adresses
de Beethoven inventées, des timbres un peu
bidon, et mes coordonnées sous la rubrique expéditeur
: souvent ça me revient, après des parcours
qui peuvent être amusants. J’ai comme ça
200 lettres à Beethoven. A partir de là, je peux
imaginer des installations sonores, des musiques
que j’écris… J’adore le texte, j’adore l’écriture, et
après il y a des matières qui ne correspondent pas
du tout au théâtre.
Quel est le lien entre toutes ces directions ? Ton
regard sur la réalité ?
C’est beaucoup l’écart qui existe entre le désordre
du monde et le désordre intérieur de la pensée.
Quand on se parle, on contrôle à peu près ce
qu’on dit, on canalise, on essaie en tout cas. Mais
dès qu’on marche dans la rue ou qu’on fait la vaisselle,
le cerveau vit sa vie. Il y a donc un désordre
intérieur profond, qui donne une sorte de texte
à plusieurs voix de la naissance à la mort. Ce qui
m’intéresse, c’est le rapport entre ces deux dimensions.
J’ai l’impression de faire un théâtre réaliste,
au sens où j’essaie de rendre compte de cette réalité
du désordre.
Vous faites aussi des lectures, des sortes de performances
scéniques en live.
C’est une sorte de passerelle pour moi, entre
le travail d’écrivain, le rapport au texte et aux
livres, et puis le travail de créateur de spectacle.
Jacques Rebotier
C’est un petit laboratoire d’expérimentation.
J’aime beaucoup aussi partir de textes écrits pour
aboutir à des moments de flottement, d’improvisation.
J’aime lâcher les livres, ne pas savoir exactement
où je vais, réagir à ce que le public me
renvoie.
Mais tu ne viens pas du théâtre, tu n’as pas une
formation d’acteur.
Justement, je me sens libre. Je ne me sens pas
jugé en tant qu’acteur. Encore que j’aime bien
lire des textes d’autres écrivains, de Beckett par
exemple.
Ta formation relève de la musique, de la composition.
C’est le fil rouge de ton existence ?
Il y a l’écriture de texte et l’écriture de musique.
Ce sont mes deux jambes. Souvent je mélange
d’ailleurs, en montant des concerts avec mes textes,
où les musiciens jouent mes partitions et parlent
en même temps. Dans le théâtre, j’utilise des
méthodes musicales et réciproquement.
Propos recueillis par R. Z.
R.E.S.
Rêve, Evénement, Souvenir
Rêve, Evénement, Souvenir ; ou encore avenir,
présent, passé : la réalité, c’est-à-dire notre pensée,
est faite de ces strates indémêlables, qui sont
les trois visages de Janus. R.E.S. jette sur le plateau
ce flux incessé de la pensée intérieure et des
sensations vécues, ce « bruissement de la langue »
dont parlait Barthes. Les outils de cette restitution
sont autant musicaux que « chorégraphiques
», tant cet oratorio du quotidien, avec ses
tutti, ses solos, ses reprises de thème, est d’abord
une danse de mots. Interprétée par des comédiens-musiciens
virtuoses, rompus à mes partitions
de paroles.
Parlé-chanté (d’enchanteur à désenchanté), un
travelling : le spectacle nous voyage à travers des
paysages mentaux successifs, simultanés parfois…
projections amoureuses, rêves éveillés,
fondus-enchaînés de slogans définitifs, publicités,
répondeurs téléphoniques, war games, fragments
de discours de campagnes ou de rues, la ruée des
soldes de Wal-Mart écrasant l’employé qui hésita
pourtant avant d’ouvrir les portes, une mise en
fuite des derniers chevaux sauvages, l’exécution
par piétinement d’une femme adultère… R.A.S.
Du petit matin au grand soir, l’étrangeté familière
de la rumeur des choses.
Jacques Rebotier

Re
KKQQ
par la 2b company
Du 7 au 23 mars 2012
Chapiteau Vidy-L
Mise en scène :
François Gremaud
Assistante à la mise en scène :
Piera Honegger
Travail plastique
et scénographique :
Denis Savary
Travail chorégraphique :
Delphine Lorenzo
Confection costumes :
Evelyne Villaime
Peinture :
Sibylle Portenier
Direction technique :
Manuel Ducosson
Lumière :
Jonas Bühler
Administration et production :
Michaël Monney
Médiation :
Veronica Tracchia
Assistante médiation :
Milena Buckel
Diffusion :
Tutu Production
Avec :
Tiphanie Bovay-Klameth, Catherine Büchi,
Michèle Gurtner, Silvia Hodgers, Thomas
Kohler, Pierre Mifsud, Léa Pohlhammer,
Emmanuelle Ramu
Genre : arts vivants
Coaccueil avec l’Arsenic dans le cadre
de sa saison S.T.F. (sans théâtre fixe)
Coproduction :
Arsenic, Nuithonie, Théâtre du Loup,
2b company, Cie Les gens d’à-côté
Avec le soutien de :
Label + Théâtre Romand, Loterie Romande,
Canton de Vaud, Pro Helvetia/Fondation suisse
pour la culture, Ernst Göhner Stiftung
Re bénéficie de la promotion du Pour-cent
culturel Migros.
La 2b company est au bénéfice du contrat de
confiance 2011-2013 de la Ville de Lausanne.
Mercredi 07.03. 20h30
Jeudi 08.03. 20h30
Vendredi 09.03. 19h00
Samedi 10.03. 20h30
Dimanche 11.03. 17h00
Lundi 12.03. relâche
Mardi 13.03. 20h30
Mercredi 14.03. 20h30
Jeudi 15.03. 20h30
Vendredi 16.03. 19h00
Samedi 17.03. 20h30
Dimanche 18.03. 17h00
Lundi 19.03. relâche
Mardi 20.03. 20h30
Mercredi 21.03. 20h30
Jeudi 22.03. 20h30
Vendredi 23.03. 19h00
par la 2b company
Du 27 mars au 5 avril 2012
Chapiteau Vidy-L
Concept et musique :
François Gremaud
Ecriture du logiciel, vidéo, son :
Filippo Gonteri
Lumière :
Jonas Bühler
Direction technique :
Manuel Ducosson
Administration :
Michaël Monney
Diffusion :
Tutu Production
www.tutuproduction.ch
Jeu et création collective :
Tiphanie Bovay-Klameth
François Gremaud
Michèle Gurtner
Durée :
45 minutes
Age conseillé :
tout public, dès 12 ans
Genre :
théâtre, performance
Coproduction :
2b company, Arsenic, Les Urbaines
PRAIRIE – Modèle de coproduction du
Pour-cent culturel Migros en faveur de
compagnies théâtrales innovantes suisses
Avec le soutien de :
Ville de Lausanne, Canton de Vaud, Loterie
Romande, Ernst Göhner Stiftung, Artephila
Stiftung, CORODIS
Remerciements :
Théâtre Sévelin 36, Jo Monney
Création 2009 & 2011
Mardi 27.03. 20h30
Mercredi 28.03. 20h30
Jeudi 29.03. 20h30
Vendredi 30.03. 19h00
Samedi 31.03. 20h30
Dimanche 01.04. 17h00
Lundi 02.04. relâche
Mardi 03.04. 20h30
Mercredi 04.04. 20h30
Jeudi 05.04. 20h30
Théâtre Vidy-L
Janvier à mars 2012 | N˚ 35
18
Explorateur insatiable et décomplexé du monde et
de l’art, François Gremaud propose en mars deux
de ses pièces au bord de l’eau.
Re, d’abord, une création proposée en coaccueil
avec l’Arsenic. François Gremaud o±re ici une
pièce élaborée au fil des répétitions. Partant
de la scénographie imaginée par Denis Savary
pour Simone, two, three, four – créé en 2009 à
Nuithonie – qui avait donné lieu à des « commentaires
», c’est-à-dire l’expression de pensées
nées du rapport entretenu avec les objets présents
sur scène et donc sans lien avec l’histoire
elle-même, les sept comédiens et le metteur en
scène procèdent à une écriture de plateau. Pas de
fable préétablie donc, mais des axes à explorer : la
réjouissance, la responsabilité, la résistance ainsi
que la répétition et la représentation.
KKQQ, ensuite, initialement créé au Théâtre
Sévelin 36 en décembre 2009 dans le cadre des
Urbaines. Ordinateurs, webcams et écrans géants,
voilà les accessoires incontournables de la pièce
ou « propositions de forme » comme aime à l’appeler
le metteur en scène. Sur le plateau, installés
dans des cabines de traduction insonorisées,
François Gremaud et ses deux consœurs enregistrent,
chacun à un rythme di±érent, leur partition
avant et pendant la pièce. Le spectacle est
le fruit de la di±usion simultanée des trois films
qui, après compression, donnent l’illusion que les
comédiens dialoguent et interagissent en temps
réel. La pièce repose en grande partie sur une
technologie complexe et a connu quelques couacs
dans le passé… mais, loin d’avoir entamé l’enthousiasme
du metteur en scène fribourgeois, ils
ont été accueillis comme une bénédiction. Cap
sur l’univers d’un homme qui n’aime rien tant que
surprendre et se laisser surprendre.
François Gremaud, vous acceptez volontiers que
l’on vous traite d’idiot… pourquoi ?
C’est en lien avec une définition de l’idiotie que
fait le philosophe Clément Rosset qui revient à
l’origine du terme : étymologiquement, le mot provient
du grec idiotes et réfère à quelqu’un qui
adopte un langage singulier et unique. Ainsi, dans
l’acception du terme idiot aujourd’hui, il y a un
hiatus puisque, s’il est perçu comme un synonyme
de bête, l’étymologie révèle tout autre chose.
J’aime cette contradiction et je trouve intéressant
que l’on puisse considérer que ce que je fais suscite
un questionnement.
Quand vous parlez de votre travail de mise
en scène, vous utilisez un vocabulaire très
scientifique. Vous faites référence à KKQQ
comme à une « expérience théâtrale » pour
laquelle vous avez effectué des « recherches
artistiques et techniques ». Vous mentionnez que
le « taux de réussite » de la pièce devrait approcher
les 100 %. Pour Re, vous parlez de « territoires
de fouille » et de « références théoriques ». On
sent que la science n’est pas étrangère à votre
démarche artistique…
C’est drôle, je ne l’avais jamais remarqué. Je
suis fils de scientifique – mon père est professeur
de physique à l’EPFL – et je pense qu’il y a
des similitudes dans notre manière respective
de travailler. Mon père, en tant que scientifique,
essaye de comprendre le monde avec ses propres
outils, en l’occurrence la physique et les
sciences. J’ai les mêmes préoccupations que
lui, je m’interroge également sur le fonctionnement
du monde. Ce n’est pas étonnant que
mon vocabulaire ait des accents scientifiques,
j’adopte un esprit de recherche, je m’interroge
et, comme en philosophie, je m’étonne
du monde et des choses qui m’entourent. C’est
Gilles Deleuze qui dit qu’il y a trois territoires
de la pensée humaine qui sont la philosophie,
la science et l’art. Je pense que ces trois
disciplines cherchent, chacune à leur niveau,
à comprendre comment le monde fonctionne.
Dans KKQQ, vous avez souhaité mettre en
lumière la solitude qui résulte des moyens
technologiques auxquels nous recourons
quotidiennement. Lors des premières représentations
de la pièce, vous avez dû composer
avec les bugs informatiques. Comment
avez-vous pris ces aléas ? Ne vous êtesvous
pas fait prendre à votre propre jeu ?
Cette solitude est présente de manière inéluctable
dans nos vies. On a beau vouloir travailler collectivement,
par exemple, il y a toujours un moment
dans la journée pendant lequel on se retrouve
seul et j’avais envie de prendre cela en compte
dans le travail.
Dans ce spectacle, il y a une omniprésence de la
technologie qui fait que l’on est totalement solitaire
face à notre parcours tout en essayant de
donner l’illusion aux spectateurs que l’on communique.
Quand le spectacle n’a pas fonctionné,
nous avons été obligés de prendre en
charge la représentation et d’improviser la suite
du spectacle. On a d’abord pensé que c’était
horrible, mais, finalement, aussi parce que le
public a adoré la représentation qui a foiré, on
s’est dit que c’était heureux de savoir que l’accident
et l’imprévu font partie de la condition
humaine. C’était non seulement une leçon
d’humilité, mais également une leçon de théâtre.
Cela nous a complètement fait sortir de la
solitude et on a retrouvé ce que sont les arts
vivants, c’est-à-dire un art où des gens vivants
face à d’autres doivent collaborer et coexister.
Il y a eu quelque chose de l’ordre de la réconciliation,
ou même mieux, de la solidarité. C’était
très beau de voir le vivant prendre ainsi le pas
sur la technique. En fait, j’aime la part de KKQQ
qui peut nous échapper. Ce n’est pas agréable à
vivre… mais c’est une chance que cela existe !
Dans KKQQ, vous avez pris des risques techniques.
De quelle nature est la prise de risque dans
Re ?
La prise de risque dans Re se situe dans la
démarche. On ne part pas d’un texte préexistant
; on a des intentions, on sait dans quelle
direction on va avec l’équipe artistique, mais
c’est au fil des répétitions que le spectacle va
vraiment s’inventer. Le risque est immense dans
la mesure où l’on va vers l’inconnu. On sait que
l’on part à la découverte d’une terre, mais on ne
sait pas ce que l’on trouvera en chemin. Le spectacle
sera constitué du voyage. Nous n’avons
aucune certitude hormis l’envie de faire le
voyage. Par contre, je ne sais pas quel sera le
risque pour les spectateurs…
Justement, dans Re, vous souhaitez que les
comédiens se passent du personnage, qu’ils
« jouent simplement à jouer » et qu’ils soient euxmêmes.
Qu’attendez-vous du public qui prendra
place face à eux ?
Il y a toujours une notion de risque partagé
quand on fait le choix d’aller voir une œuvre,
quelle qu’elle soit. On prend le risque d’être déstabilisé
et d’être amené à se poser des questions
que l’on ne s’était jamais posées auparavant.
J’attendrais donc du spectateur qu’il soit ouvert
et prenne le risque de ressortir de la pièce en se
disant « ça, je n’y avais jamais pensé ! » C’est cette
même attitude que j’ai adoptée vis-à-vis de l’art
et qui m’aide à vivre. Depuis que j’aborde l’art de
cette manière, en me disant que je suis susceptible
de modifier ma grille de lecture du monde au
contact d’une œuvre, j’aborde les œuvres comme
des chances qui, potentiellement, peuvent changer
ma vie.
Vous aviez travaillé avec Denis Savary sur
Simone, two, three, four. Vous collaborez à nouveau
pour Re. Qu’est-ce que cette rencontre a
changé dans votre manière d’envisager la création
théâtrale ?
Denis Savary m’a fait découvrir L’idiotie : art,
vie, politique-méthode, ouvrage de Jean-Yves
Jouannais. C’est par ce biais que j’ai abordé des
choses qui ont fondamentalement changé ma vie
et m’ont permis d’avoir un rapport décomplexé à
l’art.
Denis Savary est un artiste passionnant qui a
une connaissance très pointue de l’histoire de
l’art. Contrairement à l’idée que l’on pourrait se
faire des artistes contemporains, il ne se place
pas en rupture par rapport à l’histoire de l’art,
mais, au contraire, y fait souvent référence.
Son attitude m’a beaucoup appris et m’a permis
d’oser inscrire mon travail dans cette histoire-là.
A son contact, je me suis senti décomplexé
et j’ai eu l’audace de puiser dans ce grand réservoir
artistique. Je crois que, au contact de Denis
Savary, les comédiens ont ressenti la même
chose. Nous nous sommes ouverts à des mondes
nouveaux sans jamais faire fi du théâtre. Faire
des liens concrets entre notre travail et le surréalisme
ou le dadaïsme, par exemple, a considérablement
enrichi notre travail et nous a permis
d’aborder le jeu plus librement. Si les dadaïstes
ont osé faire ça, pourquoi ne pas essayer ceci ou
cela ?
Nous avons appris à aller chercher ailleurs, autrement,
et à requestionner sans cesse les choses.
Nous adoptons désormais une démarche exploratoire
à tous les niveaux du travail.
Cette année, vous avez mis en scène Comme un
vertige, le spectacle musical d’Yvette Théraulaz.
Comment cette aventure a-t-elle commencé et
que vous a-t-elle apporté ?
Yvette Théraulaz est venue voir plusieurs de mes
spectacles et, à la sortie de Simone, two, three,
four, m’a dit : « il y a une chose que j’aime beaucoup
dans vos spectacles, c’est que j’y vois des
comédiens libres. Et j’aimerais pouvoir éprouver
ça. Est-ce que ça vous intéresserait de travailler
avec moi ? » J’ai beaucoup vu jouer Yvette
Théraulaz et j’ai un souvenir très précis de J’étais
dans ma maison et j’attendais que la pluie vienne
qui avait été créé ici à la Passerelle en 1997. Je me
souviens avoir trouvé cette comédienne vraiment
magnifique et m’être dit que si, un jour, j’avais
la chance de travailler avec elle, j’aurais réussi à
accomplir quelque chose.
Nous avons travaillé de manière très proche tout
en respectant le territoire de l’autre. C’est un
spectacle qui fait la part belle à l’intime, qui touche
à des thèmes universels, mais dont le propos
est simple, dépouillé d’e±et et s’adresse très généreusement
aux spectateurs. On y trouve, j’espère,
une dimension d’intimité. En fait, mon ambition
est toujours la même : que l’on puisse se retrouver
dans une communauté d’êtres humains qui
ont des choses à mettre en partage. Si on se met
les uns et les autres en écoute, on est susceptible
d’être ému, touché, traversé…
Vous envisagez le théâtre comme un lieu de découverte
et d’exploration. Pouvez-vous imaginer monter
un texte classique ?
Oui, je pourrais imaginer le faire à condition
qu’un texte me pose une question qui m’intéresse,
qu’il m’intrigue. Toutefois, jusqu’à présent,
je n’ai jamais éprouvé le besoin de le faire
pour plusieurs raisons. D’une part, beaucoup
de gens le font déjà d’une manière très intéressante
et je n’ai pas l’impression de pouvoir apporter
quelque chose de plus. D’autre part, j’ai pour
le moment trop d’envies de travail et d’explorations
collectives pour imaginer monter un texte.
Quelles sont les terres inconnues que vous souhaitez
fouler après la création de Re ?
J’aimerais poursuivre un travail entamé avec
Michèle Gurtner et Tiphanie Bovay sur la création
de KKQQ et d’autres pièces plus petites
comme Récital et Présentation. Ce travail consiste
à démarrer avec des improvisations que l’on
reprend ensuite telles quelles, mot à mot, sans
aucune modification. Il s’agit donc d’un matériau
que l’on pourrait qualifier de non noble qui est
rendu intéressant par un travail de jeu et de mise
en œuvre, un processus de recyclage artistique.
J’ai envie que nous continuions ce travail-là en
nous autorisant à explorer des formes qui ne
seraient pas forcément théâtrales, mais qui pourraient
prendre la forme d’une exposition ou d’un
film par exemple. Mais, au lieu que cela soit une
décision intellectuelle qui fasse sortir le théâtre
de la salle, je souhaiterais que l’on s’interroge
d’abord sur les possibles avant de décider d’un
médium adéquat.
En juin 2011, nous avons présenté Récital au
Centre culturel suisse à Paris dans un espace a
priori dédié aux expositions. Une représentante
de la Fondation Cartier était présente et s’est intéressée
à ce travail. Cela nous a permis de nous
rendre compte que le public des arts plastiques
et celui des arts vivants sont très di±érents. Cela
m’intéresse beaucoup de comprendre pourquoi
les arts ont de la peine à se parler. Je pense qu’on
a des choses à mettre en commun, mais comment
arriver à se rencontrer les uns les autres ?
Propos recueillis par Coralie Rochat

François Gremaud

P
L
I
U
I
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B
C
E
Inspiring Visions
Le défi du développement durable
MASTER DAYS 2011-2012
www.athenaeum.ch/masterdays
Ecole du Théâtre des Teintureries Lausanne
A u d i t i o n s d ’ e n t r é e e n 1 è r e a n n é e
d u 1 0 a u 1 3 m a i 2 0 1 2
Formation professionnelle
de comédiens en 3 ans
Ecole reconnue d’utilité pu blique
T. +41 (0) 21 623 21 00
Rue Sébeillon 9b, CH-1004 Lausanne
www.ecole-theatre-teintureries.com
www.lasemeuse.ch
Café en grains, moulu, en portions, soluble et milky ice cool coffee torréfié à 1000 m d’altitude.

Théâtre Kléber-Méleau
Dämonen – Démons
de Lars Norén
du 17 au 22 janvier 2012
Théâtre Kléber-Méleau
Spectacle en allemand,
surtitré en français
Mise en scène :
Thomas Ostermeier
Dramaturgie :
Bernd Stegemann
Vidéo :
Sébastien Dupouey
Musique :
Nils Ostendorf
Scénographie et costumes :
Nina Wetzel
Lumière :
Erich Schneider
Traduction du suédois en allemand :
Angela Gundlach
Surtitres français :
Uli Menke
Avec :
Lars Eidinger
Brigitte Hobmeier/Cathlen Gawlich
Eva Meckbach
Tilman Strauss
Production :
schaubühne berlin
Mardi 17.01. 19h00
Mercredi 18.01. 19h00
Jeudi 19.01. 19h00
Vendredi 20.01. relâche
Samedi 21.01. 20h30
Dimanche 22.01. 17h30
© Arno Declair
Frank, 38 ans, et Katarina, 36 ans, s’aiment et ne
peuvent plus se supporter.
« Ou je te tue ou tu me tues, ou on se sépare ou
on continue : choisis ! » Ils invitent leurs voisins
du dessous, Jenna et Thomas, spectateurs, complices,
victimes horrifiées ou consentantes d’un
règlement de comptes sans fin et sans espoir,
dont l’humour est plus noir à mesure que l’alcool
imprègne les esprits. La démence poindra sous
l’ivresse et, par-delà les transgressions, révélera
une sincérité désarmante.
L’écriture de Lars Norén est puissante, poétique,
déstructurée. Il a écrit plus de cinquante pièces.
« L’une des plus belles mises en scène de Thomas
Ostermeier, qui entraîne le spectateur dans le
dédale de l’intime. Et quel jeu fantastique des
comédiens, quelle force d’interprétation ! »
Du 16 au 26 février
Théâtre Kléber-Méleau
Mise en scène :
Philippe Mentha
Avec :
Lise Ramu
Philippe Mentha
La ballade de la geôle de Reading
Le rossignol et la rose
Le géant égoïste
A la rencontre d’Oscar Wilde…
Jeudi 16.02. 19h00
Vendredi 17.02. 20h30
Samedi 18.02. 20h30
Dimanche 19.02. 17h30
Lundi 20.02. relâche
Mardi 21.02. 19h00
Mercredi 22.02. 19h00
Jeudi 23.02. 19h00
Vendredi 24.02. 20h30
Samedi 25.02. 20h30
Dimanche 26.02. 17h30
Célèbre pour son Portrait de Dorian Gray, pour ses
comédies, ses contes, ses poèmes, Oscar Wilde
écrivait en 1897 La ballade de la geôle de Reading ;
condamné lui-même à deux ans de travaux forcés,
Wilde y connut Charles Thomas Wooldridge,
jeune o≤cier pendu le 7 juillet 1896 pour avoir
assassiné sa femme. Wilde dédie à sa mémoire ce
chef-d’œuvre, et fait de son poème un bouleversant
réquisitoire contre la peine de mort.
Deux contes nous feront retrouver la grâce et
l’humour du grand écrivain : Le rossignol et la rose
et Le géant égoïste.
La ballade de la geôle de Reading
Traduction :
Henry-D. Davray
Le rossignol et la rose
Le géant égoïste
Traduction :
Jules Castier
Théâtre Kléber-Méleau
Janvier à mars 2012 | N˚ 35
21

Théâtre dans les écoles :
L’avare mis en scène par Dorian Rossel
Pour cette nouvelle année 2012, le Théâtre Vidy-
Lausanne se propose de franchir d’un pas franc
et décidé les portes des établissements scolaires
et de s’installer quelques jours dans les collèges
et gymnases de Suisse.
D’habitude des centaines d’élèves viennent
assister aux di±érents spectacles proposés
par le théâtre. Aujourd’hui, nous inversons le
mouvement : nous allons perturber les habitudes
de chacun et proposons une traversée de L’avare
directement dans les classes !
Le spectacle sera interprété par trois comédiens
professionnels, sous la direction du metteur en
scène Dorian Rossel. Dans son ensemble, l’intervention
durera deux périodes. Une première
consacrée au jeu, où les comédiens proposeront
une traversée de la pièce sur un mode ludique.
La seconde sera réservée à l’échange, à la
discussion, à l’improvisation. Le contenu de
celle- ci se dessinera en fonction des envies et
des réactions de chacun.
Contact :
Fanny Guichard
f.guichard@vidy.ch
Expositions dans le hall du théâtre
Vidy-Lausanne
Quartier lointain – Jirô Taniguchi
Jusqu’au 15 février 2012
En écho à l’adaptation théâtrale de Quartier
lointain par Dorian Rossel présentée en décembre
dernier, BD-FIL, le Festival de bande dessinée
de Lausanne, propose une courte installation
d’extraits de la bande dessinée de Jirô Taniguchi
ainsi qu’une sélection, en lecture, d’autres
œuvres de l’auteur. Un projet réalisé avec
l’aimable autorisation des Editions Casterman et
le soutien de Payot Libraire.
Photomaton (titre provisoire)
Du 10 février au 25 mai 2012
En écho à l’exposition Derrière le rideau –
L’esthétique du photomaton présentée du
17 février au 20 mai 2012 au Musée de l’Elysée
Lorsque les premières cabines de photomaton
furent installées à Paris en 1928, les surréalistes
en firent un usage intensif et compulsif. Depuis,
des générations d’artistes se sont emparées
du photomaton pour jouer avec leur identité,
raconter des histoires, ou simplement faire des
mondes.
Application iPhone
Le Théâtre Vidy-Lausanne o±re une application
gratuite sur iPhone disponible sur l’App
Store. Conviviale et interactive, cette application
vous permet de consulter en tout temps et
tout lieu notre programmation et d’e±ectuer vos
réservations.
Rejoignez-nous…
sur www.twitter.com et www.facebook.com
et recevez des informations régulières sur le
Théâtre Vidy-Lausanne.
Le prochain journal paraîtra
le vendredi 2 mars 2012
Théâtre Vidy-L
Janvier/février 2012 | N˚ 35
22
Au théâtre pour seize francs
Carte de réduction Vidy-Kléber
Les avantages de la carte, entre autres :
f Vous payez votre place Fr. 16.– au lieu de Fr. 42.–
à tous nos spectacles.
f Informations régulières à domicile sur les activités
des Théâtres Vidy-Lausanne et Kléber-Méleau.
f Abonnement gratuit au journal du théâtre.
f En cas de nécessité, les adhérents ont la possibilité
d’échanger leurs billets 4 fois par saison.
Renseignements et commandes :
Chantal Pelet, tél. 021 619 45 48 ou
chantal@vidy.ch
Points de vente
Théâtre Vidy-Lausanne
Av. E.-Jaques-Dalcroze 5
1007 Lausanne
ouvert du mardi au samedi
de 10h00 à 19h00
Tél. 021 619 45 45
Fax 021 619 45 99
www.vidy.ch
A noter que le dimanche, la caisse du théâtre est
ouverte environ une heure avant le début de la première
représentation.
Sous réserve de modification durant les vacances
scolaires.
Librairie Payot
Pl. Pépinet 4, 1003 Lausanne
Nouveauté, ouvert le lundi !
Du lundi au vendredi
de 13h00 à 18h30
le samedi
de 10h00 à 14h00 et de 14h30 à 18h00
(pas de réservations téléphoniques).
Théâtre Kléber-Méleau
Ch. de l’Usine-à-Gaz 9
1020 Renens
Tél. 021 625 84 29
Fax 021 625 84 34
ouvert uniquement les jours
de représentation
dès 14h00 jusqu’à l’heure du spectacle.
Les billets ne sont ni échangés, ni repris, ni remboursés.
Tarifs
Carte de réduction
Plein tarif :
Fr. 130.–
AVS, AI, chômeurs :
Fr. 80.–
Prix des places
Plein tarif :
Fr. 42.–
AVS, AI, chômeurs :
Fr. 27.–
Avec la carte de réduction :
Fr. 16.–
– 26 ans, étudiants, apprentis :
Fr. 16.–
Nouveauté !
Carte jeune : au théâtre pour Fr. 10.–
Carte de réduction 11-12 pour jeunes (moins de 26 ans)
et étudiants à Fr. 20.– (valable de janvier à juin 2012).
Cette carte vous permet d’accéder à chaque spectacle
pour Fr. 10.–.
La carte de réduction est délivrée uniquement sur
présentation d’une pièce justificative à la caisse.
Renseignements et commandes :
chantal@vidy.ch
021 619 45 48
Réservations et délais
Réservations plus de 20 jours avant une représentation :
f Par téléphone au 021 619 45 45.
f Par correspondance à l’aide de la carte de commande
par correspondance (délai : environ 3 jours ouvrables,
vérifier disponibilités sur internet ou par téléphone).
Toutes les réservations sont gardées jusqu’à 20 jours
avant la date du spectacle. Passé ce délai, les places
sont remises en vente.
Réservations moins de 20 jours avant une représentation :
f Par téléphone au 021 619 45 45.
Les habitants de Lausanne et environs sont priés de
retirer leurs billets au plus tard 48 heures avant la représentation.
Les spectateurs habitant hors de la région lausannoise
peuvent retirer leurs billets à la caisse du théâtre le soir
même.
Tous les billets non retirés sont remis en vente 15 minutes
avant le début du spectacle.
Modes de paiement
f Cash, par carte de crédit ou bulletin de versement.
f Sur simple demande une facture vous sera adressée
par courrier (Fr. 5.– de frais, 3 semaines de délai)
Achat en ligne
Vos billets vous sont envoyés en format pdf (vente
directe uniquement)
Le paiement s’effectue par carte de crédit (système
sécurisé, jusqu’à 3 jours avant la date choisie).
La commande n’est définitive qu’après confirmation de
notre part par courrier électronique.
Bar du Théâtre Vidy-Lausanne
ouvert au public avant et après chaque représentation.
Librairie Théâtre Vidy-Lausanne
ouverte du mardi au samedi de 10h à 19h et pendant les
spectacles.
Bourse d’échange de billets en ligne
Vous avez la possibilité d’échanger vos billets par le
biais de notre site internet www.vidy.ch
Panneau d’échange de billets
Un panneau est à votre disposition dans le hall du théâtre
pour échanger vos places avec d’autres spectateurs.
Le service se gère exclusivement entre spectateurs.
Retardataires
Nous ne garantissons pas l’accès aux salles après le
début des représentations.
Mobilité réduite
Si le Chapiteau Vidy-L, La Passerelle et la Salle Charles
Apothéloz sont facilement accessibles, nous vous rendons
attentifs au fait que l’accès à la Salle de répétition
est problématique pour les personnes à mobilité réduite.
Afin d’accueillir les personnes concernées dans les
meilleures conditions, nous les prions de s’annoncer
à la billetterie au moment de l’achat de leur place ainsi
qu’auprès du personnel de l’accueil le soir de la représentation.
Listes d’attente
Lorsqu’un spectacle est complet, il est possible de
s’inscrire sur une liste d’attente le soir même à la caisse.
Les inscriptions sur la liste commencent 1 heure avant
le début de la représentation pour la salle Charles
Apothéloz, et 30 minutes avant pour les autres salles.
Le Théâtre Vidy-Lausanne en tournée (janvier et février 2012)
Salle d’attente de Lars Norén
Mise en scène : Krystian Lupa
Du 7 janvier au 4 février – Théâtre de la Colline (Paris)
Du 7 au 11 février – MC2 Grenoble (Grenoble)
Le 16 février – L’Equinoxe (Châteauroux)
Les 28 et 29 février – Théâtre de l’Archipel (Perpignan)
Hand Stories de Yeung Faï
Du 4 au 14 janvier – Théâtre national de Bordeaux
(Bordeaux)
Les 20 et 21 janvier – Théâtres en Dracénie (Draguignan)
Les 24 et 25 janvier – Château Rouge (Annemasse)
Le 31 janvier – Scène nationale du Pays de Montbéliard
(Montbéliard)
Du 8 au 11 février – Théâtre national de Nice (Nice)
Du 23 au 25 février – Le Channel (Calais)
Quartier lointain adapté du manga Jirô Taniguchi,
© Shogakukan Inc., Editions Casterman
Mise en scène : Dorian Rossel
Les 5 et 6 janvier – Le Carreau (Forbach)
Les 10 et 11 janvier – Forum Meyrin (Genève)
Le 13 janvier – Château Rouge (Annemasse)
Les 17 et 18 janvier – L’Espal (Le Mans)
Le 24 janvier – Le Rive Gauche (Saint-Etienne-du-Rouvray)
Le 26 janvier – Le Salmanazar (Epernay)
Les 31 janvier et 1 er février – Le Toboggan (Décines)
Le 4 février – Salle CO2 (Bulle)
Le 7 février – Centre des arts vivants (La Chaux-de-Fonds)
Le 23 février – Kurtheater (Baden)
La compagnie des spectres d’après le roman
de Lydie Salvayre
de et avec Zabou Breitman
Du 7 au 15 janvier – Théâtre de la Commune (Aubervilliers)
Les 20 et 21 janvier – Maison des arts (Thonon)
Le 24 janvier – Théâtre de Carcassonne (Carcassonne)
Les 27 et 28 janvier – Théâtre Simone Signoret (Conflans-
Sainte-Honorine)
Le 31 janvier – Théâtre Casino (Le Locle)
Le 4 février – Théâtre Liberté (Toulon)
Le 7 février – Thé’V–Théâtre Edwige Feuillère (Vesoul)
Le 24 février – Le Rive Gauche (Saint-Etienne-du-Rouvray)
Tartuffe de Molière
Mise en scène : Eric Lacascade
Du 4 au 14 janvier – Théâtre national de Bretagne (Rennes)
Les 17 et 18 janvier – Maison de la culture (Amiens)
Le 21 janvier – Espace Philippe Auguste (Vernon)
Du 25 au 27 janvier – La Coursive (La Rochelle)
Le 31 janvier – Théâtre Jean Vilar (Saint-Quentin)
Les 3 et 4 février – Le Théâtre musical de Besançon
(Besançon)
Du 7 au 10 février – Théâtre de Caen (Caen)
Du 14 au 18 février – Théâtre, scène nationale (Saint-
Quentin-en-Yvelines)
Le 21 février – Théâtre des Salins (Martigues)
Du 27 février au 2 mars – Le Grand T (Nantes)
Lettre au père de Franz Kafka
Mise en scène : Jean-Yves Ruf
Du 24 janvier au 11 février – Bouffes du Nord (Paris)
Le 28 février – Maison des arts (Thonon)
Max Black de Heiner Goebbels
Du 14 au 19 février – Bouffes du Nord (Paris)
André un projet de Marie Rémond
Du 17 au 20 janvier – Théâtre des Bains-Douches
(Le Havre)
L'avare de Molière
Mise en scène : Dorian Rossel
Janvier, février, mars – Tournée en Suisse dans les écoles
Conseil de fondation
Présidente du conseil :
Vera Michalski
Présidents d’honneur :
Michel Pierre Glauser
Raymond Junod
Direction :
René Gonzalez
Directeur adjoint :
René Zahnd
Administrateur :
Thierry Tordjman
Administratrice
de production :
Julie Bordez
Responsable de
la comptabilité :
Patrick Oulevay
Secrétaire-comptable :
Erika Malherbe
Informatique :
Eric Ecoffey
Secrétaire-réceptionniste :
Francine Perren
Responsable presse
et communication :
Sarah Turin
Assistantes presse
et communication :
Coralie Rochat
Anne-Lise Tacheron
Chargées des R.P. :
Corinne Doret Baertschi
Fanny Guichard
Accueil des artistes:
Isabelle Imsand
Responsable tournées :
Xavier Munger
Administrateurs de tournée :
Sylvain Didry
Lucie Montier
Olga Timofeeva
Directrice de la diffusion :
Barbara Suthoff
Assistante à la diffusion :
Elizabeth Gay
Archives :
Leonor Garrido
Responsable des relations
avec les adhérents :
Chantal Pelet
Responsable location
et librairie :
Virginie Favre Ademi
Bar :
Emmanuel Do Nascimento
Jules Hox
Nouri Montasri
Entretien :
Fatmir Ademi
Membres du conseil :
Anne Biéler
Pascal Broulis
Pierre-Henri Dumont
Patrick Ferla
Nathalie Fluri
Anne-Claude Gilli-Studer
Jean-Claude Grangier
Grégoire Junod (vice-président)
Frédéric Maire
Jean-Yves Pidoux
Fabien Ruf
Pierre Starobinski
Oscar Tosato
Brigitte Waridel
Elisabeth Wermelinger
Photographie :
Mario Del Curto
Design :
Les Ateliers du Nord
Werner Jeker
Benoît Deschamps
Photolithographie :
Bombie
En formation :
Laure Cohades
Mathieu Devaud
Lauranne Krümel
Coraline Kury
Gaëtan Wild
Accueil :
Marie Ammeter
Baptiste Aubert
Silvia Boquete Rivera
Natacha Gonzalez (resp.)
Cécile Greset
Rebecca Joly
Katy Kühni
Jonas Lambelet
Claudia Malherbe
Renata Mamina
Adrien Mani
Sophie Mayerat
Xavier Michellod
Sara Oswald
Raphaël Rapin
Murielle Tenger
Location :
Magali Charlet
Monique Corradini
Lucas Emery
Jonas Guyot
Stéphanie Luginbuehl
Marlyse Müller
Jeanne Perrin
Shpend Raka
Thi Samet Tang
Webdesigner :
Jeanne-Lucie Schmutz
Le suicidé de Nicolaï Erdman
Mise en scène : Patrick Pineau
Du 6 au 15 janvier – MC93 (Bobigny)
Du 17 au 21 janvier – Scène nationale de Sénart (Combsla-Ville)
Du 24 au 28 janvier – Théâtre Firmin-Gémier/La Piscine
(Châtenay-Malabry)
Le 31 janvier – Théâtre de l’Agora (Evry)
Le 4 février – Théâtre Louis Aragon (Tremblay)
Les 7 et 8 février – Le Volcan (Le Havre)
Le 11 février – Théâtre Jean Arp (Clamart)
Du 15 au 23 février – Théâtre du Nord (Lille)
Du 29 février au 4 mars – Les Célestins (Lyon)
Donka une création de Daniele Finzi Pasca
Les 4 et 5 janvier – Théâtre de l’Agora (Evry)
Le 7 janvier – Pôle culturel (Alfortville)
Les 10 et 11 janvier – Théâtre Edwige Feuillère (Vesoul)
Du 19 au 21 janvier – Espace Jacques Prévert
(Aulnay-sous-Bois)
Les 27 et 28 janvier – Cirque-Théâtre (Elbeuf)
Les 10 et 11 février – Théâtre Victoria Eugenia (San Sebastian)
Du 17 au 19 février – Théâtre Arriaga (Bilbao)
Du 24 au 26 février – Théâtre Calderon (Valladolid)
Du 1 er au 3 mars – Théâtre du Crochetan (Monthey)
Micro de Pierre Rigal
Les 10 et 11 janvier – Le Lieu Unique (Nantes)
Du 7 au 9 février – MC2 (Grenoble)
Bullet Park d’après l’œuvre de John Cheever
Par le Collectif Les Possédés
Du 8 au 10 février – Théâtre de Nîmes (Nîmes)
Les 15 et 16 février – Théâtre Firmin-Gémier (Châtenay-
Malabry)
Du 1 er au 10 mars – Théâtre Garonne (Toulouse)
Invisibles de et par Nasser Djemaï
Les 5 et 6 janvier – Le Granit (Belfort)
Le 14 janvier – Théâtre Liberté (Toulon)
Les 17 et 18 janvier – Espace des arts (Chalon-sur-Saône)
Du 1 er au 3 février – Domaine d’Ô (Montpellier)
Du 7 au 18 février – Le TARMAC (Paris)
Les 22 et 23 février – Maison de la culture (Bourges)
La fausse suivante (ou le fourbe puni) de Marivaux
Mise en scène : Nadia Vonderheyden
Du 6 au 14 janvier – Espace Malraux (Chambéry)
Du 15 au 17 février – Scène nationale de Sénart (Combs-la-Ville)
Les 23 et 24 février – Espace des arts (Chalon-sur-Saône)
Sans objet d’Aurélien Bory
Du 10 au 14 janvier – Le Grand T (Nantes)
Du 31 janvier au 3 février – Théâtre national de Bordeaux
en Aquitaine (Bordeaux)
Les 8 et 9 février – Scène nationale (Foix)
Du 14 au 16 février – Théâtre de l’Espace, scène nationale
(Besançon)
Du 24 au 26 février – Hong Kong Arts Festival (Hong-Kong)
Les 3 Parques m’attendent dans le parking
de Jacques Rebotier
Texte et mise en scène : Jacques Rebotier
Du 19 janvier au 12 février – Théâtre des Amandiers (Nanterre)
Home de Chantal Morel
Les 28 et 29 février – Espace Malraux (Chambéry)
Hans was Heiri de Zimmermann & de Perrot
Du 28 février au 3 mars – Le Lieu Unique, scène nationale
(Nantes)
Equipe technique
Saison 2011-2012
Direction technique :
Michel Beuchat
Directeur technique adjoint :
Samuel Marchina
Secrétaire direction
technique :
Laurence Diot
Régisseur général
de production :
Nicolas Bridel
Chef d’atelier
construction décor :
Thomas Beimowski
Chef département
électrique :
Thierry Kaltenrieder
Chef département son :
Fred Morier
Chef département
audio-visuel et graphisme :
Jérôme Vernez
Cheffe département
expositions et dessins :
Simira Raebsamen
Régisseurs généraux :
Julio Cabrera
Marcel Challet
Félix Dorsaz
Christophe Kehrli
Stéphane Sagon
Régisseurs généraux
de scène :
Frédéric Aguet
Christian Mayor
Pascal Rosset
Accessoiristes :
Mathieu Dorsaz
Georgie Gaudier
Stagiaire accessoiriste :
Yûki Quentin Nicole
Responsable costumes,
maquillage et coiffure :
Rosi Morilla
Constructeurs :
Hervé Arletti
Stéphane Boulaz
Thuy Lor Van
Machinistes :
Jean-Daniel Buri
Bruno Dani
Xavier De Marcellis
Fabio Gaggetta
Natacha Gerber
Mathieu Pegoraro
Nicolas Pilet
Philippe Puglierini
Régisseurs lumière :
Mattias Bovard
Claude Burgdorfer
Roby Carruba
Boussad Deghou
Adrien Gardel
Christophe Glanzmann
Benoît Michellod
Jean-Luc Mutrux
David Perez
Nicolas Widmer
Erik Zollikofer
Electricien :
Roger Monnard
Régisseurs son :
Patrick Ciocca
Ludovic Guglielmazzi
Denis Hartmann
Aurélien Stuby
Régisseur audio-visuel :
Stéphane Janvier
Régisseurs son –
monteur vidéaste :
François Planson
Michaël Romaniszin
Couturière et habilleuse
d’entretien :
Machteld Vis
Collaborateurs occasionnels
pour la saison 2011-2012
Régisseur général :
Joël L’Hopitalier
Machinistes :
Santiago Martinez
Enrique Méndez-Ramallo
René Périsset
Régisseurs lumière :
Jean-Jacques Beaudoin
Claire Gondrexon
Electro :
Olivier Francfort
Régisseurs son :
Benjamin Bard
Jocelyn Raphanel
Peintre :
Sibylle Portenier
Couturière :
Christine Emery
Habilleuses :
Célia Franceschi
Emilie Vial

Calendrier Vidy-L
janvier
février
mars 2012
Avant-programme
De mars à juillet 2012,
Encore 12 spectacles !
Résumons-nous : la semaine
a été désastreuse !
d’Alexandre Vialatte
Du 14 mars au 1 er avril 2012
Salle de répétition
Mise en scène :
Charles Tordjman
Age conseillé : dès 12 ans
Genre : théâtre-comédie
Le syndrome d’Orphée
d’après Vladimir Maïakovski
et Jean Cocteau
Du 19 au 30 mars 2012
Salle Charles Apothéloz
Mise en scène :
Vladimir Pankov
Age conseillé : dès 14 ans
Genre : théâtre, musique et danse
Janvier
Février
Mars
Avril
Salle Charles Apothéloz La Passerelle Salle de répétition Chapiteau Vidy-L
Hans was Heiri
Histoire du soldat
Le syndrome d’Orphée
Mardi 17.01. 19h00
Mercredi 18.01. 19h00
Jeudi 19.01. relâche
Vendredi 20.01. 20h30
Samedi 21.01. 19h00
Dimanche 22.01. 17h30
Lundi 23.01. relâche
Mardi 24.01. relâche
Mercredi 25.01. 19h00
Jeudi 26.01. 19h00
Vendredi 27.01. 20h30
Samedi 28.01. 19h00
Dimanche 29.01. 17h30
Lundi 30.01. relâche
Mardi 31.01. relâche
Mercredi 01.02. 19h00
Jeudi 02.02. 19h00
Vendredi 03.02. 20h30
Samedi 04.02. 19h00
Dimanche 05.02. 17h30
Mardi 14.02. 19h00
Mercredi 15.02. 19h00
Jeudi 16.02. 19h00
Vendredi 17.02. 20h30
Samedi 18.02. 15h et 19h
Dimanche 19.02. 17h30
Lundi 20.02. relâche
Mardi 21.02. 19h00
Mercredi 22.02. 19h00
Jeudi 23.02. 19h00
Lundi 19.03. 19h00
Mardi 20.03. 19h00
Mercredi 21.03. 19h00
Jeudi 22.03. 19h00
Vendredi 23.03. 20h30
Samedi 24.03. 19h00
Dimanche 25.03. relâche
Lundi 26.03. relâche
Mardi 27.03. 19h00
Mercredi 28.03. 19h00
Jeudi 29.03. 19h00
Vendredi 30.03. 20h30
Lettre au père
Radio clandestine Les 3 Parques… Lettre au père Belkheïr ou une carte…
Mardi 10.01. 20h00
Mercredi 11.01. 20h00
Jeudi 12.01. 20h00
Vendredi 13.01. 20h00
Samedi 14.01. 20h00
Dimanche 15.01. relâche
Lundi 16.01. relâche
Mardi 17.01. 20h00
Mercredi 18.01. 20h00
Jeudi 19.01. 20h00
Mercredi 25.01. 20h00
Jeudi 26.01. 20h00
Vendredi 27.01. 20h00
Samedi 28.01. 20h00
Dimanche 29.01. relâche
Lundi 30.01. relâche
Mardi 31.01. 20h00
Mercredi 01.02. 20h00
Jeudi 02.02. 20h00
Vendredi 03.02. 20h00
Samedi 04.02. 20h00
Dimanche 05.02. 18h00
Lundi 06.02. relâche
Mardi 07.02. 20h00
Mercredi 08.02. 20h00
Jeudi 09.02. 20h00
Vendredi 10.02. 20h00
Samedi 11.02. 20h00
Mardi 14.02. 20h00
Mercredi 15.02. 20h00
Jeudi 16.02. 20h00
Vendredi 17.02. 20h00
Samedi 18.02. 20h00
Dimanche 19.02. 18h00 *
Lundi 20.02. relâche
Mardi 21.02. 20h00
Mercredi 22.02. 20h00
Jeudi 23.02. 20h00
Vendredi 24.02. 20h00
Samedi 25.02. 20h00
* complet
Mardi 06.03. 20h00
Mercredi 07.03. 20h00
Jeudi 08.03. 20h00
Vendredi 09.03. 20h00
Samedi 10.03. 20h00
Dimanche 11.03. 18h00
Lundi 12.03. relâche
Mardi 13.03. 20h00
Mercredi 14.03. 20h00
Jeudi 15.03. 20h00
Vendredi 16.03. 20h00
Samedi 17.03. 20h00
Dimanche 18.03. 18h00
Mardi 20.03. 20h00
Mercredi 21.03. 20h00
Jeudi 22.03. 20h00
Vendredi 23.03. 20h00
Samedi 24.03. 20h00
Dimanche 25.03. 18h00
Lundi 26.03. relâche
Mardi 27.03. relâche
Mercredi 28.03. 20h00
Jeudi 29.03. 20h00
Vendredi 30.03. 20h00
Samedi 31.03. 20h00
Dimanche 01.04. 18h00
Lundi 02.04. relâche
Mardi 03.04. 20h00
Mercredi 04.04. 20h00
Jeudi 05.04. 20h00
La fausse suivante
Vivre dans le feu
Résumons-nous : la semaine…
Mercredi 18.01. 19h30
Jeudi 19.01. 19h30
Vendredi 20.01. 19h30
Samedi 21.01. 19h30
Dimanche 22.01. 18h30
Lundi 23.01. relâche
Mardi 24.01. 19h30
Mercredi 25.01. 19h30
Jeudi 26.01. 19h30
Vendredi 27.01. 19h30
Samedi 28.01. 19h30
Dimanche 29.01. 18h30
Lundi 30.01. relâche
Mardi 31.01. 19h30
Mercredi 01.02. 19h30
Jeudi 02.02. 19h30
Vendredi 03.02. 19h30
Samedi 04.02. 19h30
Dimanche 05.02. 18h30
Jeudi 09.02. 19h30
Vendredi 10.02. 19h30
Samedi 11.02. 19h30
Dimanche 12.02. 18h30
Lundi 13.02. relâche
Mardi 14.02. 19h30
Mercredi 15.02. 19h30
Jeudi 16.02. 19h30
Vendredi 17.02. 19h30
Samedi 18.02. 19h30
Dimanche 19.02. 18h30
Mercredi 14.03. 19h30
Jeudi 15.03. 19h30
Vendredi 16.03. 19h30
Samedi 17.03. 19h30
Dimanche 18.03. relâche
Lundi 19.03. relâche
Mardi 20.03. 19h30
Mercredi 21.03. 19h30
Jeudi 22.03. 19h30
Vendredi 23.03. 19h30
Samedi 24.03. 19h30
Dimanche 25.03. 18h30
Lundi 26.03. relâche
Mardi 27.03. 19h30
Mercredi 28.03. 19h30
Jeudi 29.03. 19h30
Vendredi 30.03. 19h30
Samedi 31.03. 19h30
Dimanche 01.04. 18h30
Du Coq à Lasne
Hilum
Re
KKQQ
Mercredi 11.01. 20h30
Jeudi 12.01. 20h30
Vendredi 13.01. 19h00
Samedi 14.01. 20h30
Dimanche 15.01. relâche
Lundi 16.01. relâche
Mardi 17.01. 20h30
Mercredi 18.01. 20h30
Jeudi 19.01. 20h30
Vendredi 20.01. 19h00
Samedi 21.01. 20h30
Dimanche 22.01. 17h00
Lundi 23.01. relâche
Mardi 24.01. 20h30
Mercredi 25.01. 20h30
Jeudi 26.01. 20h30
Vendredi 27.01. 19h00
Samedi 28.01. 20h30
Dimanche 29.01. 17h00
Lundi 30.01. relâche
Mardi 31.01. 20h30
Mercredi 01.02. 20h30
Jeudi 02.02. 20h30
Vendredi 03.02. 19h00
Samedi 04.02. 20h30
Dimanche 05.02. 17h00
Mercredi 08.02. 20h30
Jeudi 09.02. 20h30
Vendredi 10.02. 19h00
Samedi 11.02. 20h30
Dimanche 12.02. 17h00
Lundi 13.02. relâche
Mardi 14.02. 20h30
Mercredi 15.02. 20h30
Jeudi 16.02. 20h30
Vendredi 17.02. 19h00
Samedi 18.02. 20h30
Dimanche 19.02. 17h00
Lundi 20.02. relâche
Mardi 21.02. 20h30
Mercredi 22.02. 20h30
Jeudi 23.02. 20h30
Vendredi 24.02. 19h00
Samedi 25.02. 20h30
Dimanche 26.02. 17h00
Mercredi 07.03. 20h30
Jeudi 08.03. 20h30
Vendredi 09.03. 19h00
Samedi 10.03. 20h30
Dimanche 11.03. 17h00
Lundi 12.03. relâche
Mardi 13.03. 20h30
Mercredi 14.03. 20h30
Jeudi 15.03. 20h30
Vendredi 16.03. 19h00
Samedi 17.03. 20h30
Dimanche 18.03. 17h00
Lundi 19.03. relâche
Mardi 20.03. 20h30
Mercredi 21.03. 20h30
Jeudi 22.03. 20h30
Vendredi 23.03. 19h00
Mardi 27.03. 20h30
Mercredi 28.03. 20h30
Jeudi 29.03. 20h30
Vendredi 30.03. 19h00
Samedi 31.03. 20h30
Dimanche 01.04. 17h00
Lundi 02.04. relâche
Mardi 03.04. 20h30
Mercredi 04.04. 20h30
Jeudi 05.04. 20h30
Radio clandestine
d’Ascanio Celestini
Du 20 mars au 5 avril 2012
La Passerelle
Mise en scène :
Dag Jeanneret
Age conseillé: dès 16 ans
Genre : théâtre récit
Séance
de Michel Viala
Du 23 avril au 13 mai 2012
La Passerelle
Mise en scène :
Attilio Sandro Palese
Age conseillé : tout public
Genre : humour sarcastique et tendre
Les enfants de Jéhovah
de Fabrice Murgia
Du 24 avril au 16 mai 2012
Salle de répétition
Mise en scène :
Fabrice Murgia
Age conseillé : dès 15 ans
Genre : drame contemporain
Invisibles
de Nasser Djemaï
Du 25 avril au 6 mai 2012
Chapiteau Vidy-L
Textes et mise en scène :
Nasser Djemaï
Age conseillé : dès 14 ans
Genre : théâtre
Ô mon pays ! (C.D.I. Sandrine/
C.D.D. Chacal)
diptyque de la Compagnie Pôle Nord
Du 1 er au 6 mai 2012
Salle Charles Apothéloz
Age conseillé : dès 13-14 ans
Genre : théâtre
Anniversaire de terre (lettres secrètes)
de Paola Berselli et Stefano Pasquini
Du 8 au 13 mai, du 22 au 25 mai
et du 29 mai au 3 juin 2012
Chapiteau Vidy-L
Age conseillé : spectacle pour adultes
Genre : théâtre autobiographique
Viï – le roi terre
d’après la nouvelle de Nicolas Gogol
Du 29 mai au 10 juin 2012
Salle Charles Apothéloz
Mise en scène :
Vladislav Troïtskyi
Age conseillé : dès 12 ans
Genre : thriller mystique
Sainte dans l’incendie
de Laurent Fréchuret
Du 29 mai au 10 juin 2012
La Passerelle
Mise en scène :
Laurent Fréchuret
Age conseillé : dès 13 ans
Genre : poème dramatique
Tous ceux qui tombent
de Samuel Beckett
Du 5 au 17 juin 2012
Salle de répétition
sous la direction de Jacques Nichet
Age conseillé : dès 15 ans
Genre : pièce radiophonique en trois dimensions
Pour le meilleur et pour le pire
par le Cirque Aïtal
Du 20 juin au 6 juillet 2012
Chapiteau extérieur
Conception et interprétation :
Kati Pikkarainen et Victor Cathala
Age conseillé : dès 6 ans
Genre : cirque
Ce programme est présenté sous réserve
de modification.

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en veau Swift.
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