Dossier de diffusion - Tutu Production

C’est une affaire
entre le ciel et moi
Une adaptation du Dom Juan de Molière
1

Enjeux
Table
Distribution et production
Introduction
Assise dramaturgique
POURQUOI DOM JUAN AUJOURD'HUI
EN QUOI C'EST UNE AFFAIRE ENTRE LE CIEL ET MOI EST-IL ENCORE
UN DOM JUAN DE MOLIÈRE
Les grands axes de la mise en scène
LA REPRÉSENTATION DE FAITS SURNATURELS
DES ACTEURS CREATEURS
ESPACE ET PLASTICITÉ DE LA SCÈNE
Conclusion intermédiaire d’un chantier
Représentations prévues
Biographies
3
4
5
5
6
8
8
9
10
13
14
15
2

Distribution et
production
Direction artistique et mise en scène :
Christian Geffroy Schlittler
Assistant mise en scène :
Adrien Barrazone
Costumes :
Karine Vintache
Scénographie :
Laurent Frattale
Création lumière :
Antoine Friderici
Régisseur général et éclairage :
Sandra Romanelli (à confirmer)
Régisseur plateau et entretien
costumes :
Carole Favre
Production :
L’agence Louis-François Pinagot
Administration, diffusion :
Tutu production
Avec :
Élodie Bordas
Alain Borek
Émilie Chariot
David Gobet
Julie-Kazuko Rahir
Olivier Yglesias
et distribution en cours
Coproduction :
Saint-Gervais Genève Le Théâtre
Arsenic, Lausanne
Théâtre du Crochetan, Monthey
Théâtre les halles, Sierre
Comédie de Caen, CDN de Normandie
Dramaturgie :
Rita Freda
Apport littéraire :
Valérie Cicurel
Documentation du projet :
Roswita Kreil
Médiation / visuel :
Sylvain Renou
3

Introduction
Texte : Roswitha Kreil
Une affaire entre Dom Juan et moi
Aller au bout des émotions, des sensations, des humeurs. Titiller la société, les
convenances et les conventions. Provoquer les autres, le ciel, le destin… Que diable (si
tant est qu’il existe) : il s’agit d’aller de l’avant.
La nouvelle création de L’agence Louis-François Pinagot (L’aLFP) interroge le donjuanisme
dans une mise en perspective singulière et pointue. À l’instar des précédents spectacles
Pour la libération des grands classiques ou Les artistes de la contrefaçon, C’est une affaire
entre le Ciel et moi propose une approche inédite de canons de l’art dramatique.
Convoquant, dans un véritable chantier théâtral, tous les métiers de la profession, cette
investigation de longue haleine entend reconnecter le spectateur avec des problématiques
antédiluviennes à travers un spectacle limpide et organique, saturé d’émotions et de
provocations à la morale.
La séduction et le désir sont depuis toujours un moteur d’inspiration dans les arts et la
littérature. Don Juan en est une figure emblématique. Parmi les nombreuses incarnations
de cet érotomane légendaire chez Tirso de la Molina, Mérimée ou Mozart, L’aLFP a choisi
de fonder sa création scénique sur le Dom Juan de Molière. Dans cette version du mythe
se mêlent comique de situation, pathos amoureux, philosophie de bas étages et réflexions
sociétales avant-gardistes, superstitions et croyance, savamment alternés, dans un
déferlement d’une virtuosité rare. Ici, ce texte jubilatoire devient un terreau à labourer pour
laisser croître les perspectives inattendues d’une écriture de plateau et d’une recherche
intenses qui définissent la méthode de la compagnie – historiens, philosophes et
sociologues à l’appui.
Loin de prétendre à une soi-disant criante actualité du texte de Molière ou de se calfeutrer
dans un confort intellectuel condescendant, cette mise en scène et en perspective prend le
risque d’explorer les possibles de ce texte foisonnant et ivre de liberté, dans une lecture
plurielle, qui rende à Dom Juan toute la verve de sa posture.
Il n’empêche : Pourquoi mettre en scène le Dom Juan de Molière aujourd’hui
Boris Vian prétendait : « Tout a été dit cent fois, et mille fois mieux que par moi. Aussi, si
j’écris des vers, c’est que ça m’amuse. »
Cette formule provocatrice ne saurait résumer les enjeux du spectacle, mais c’est dans cet
esprit que L’aLFP envisage les classiques. Bien plus que de proposer une lecture ou
compréhension d’un texte, il s’agit d’offrir une vision jouissive des terriens (vus de la lune) à
travers le prisme de grands interprètes de l’humain, comme le fut, par exemple, Molière.
Susan Sontag écrit « We don’t need an hermeneutic of arts, we need an erotic of arts »,
résumant – sur le mode du défi – l’enjeu du spectacle . L’herméneutique (en clair :
l’interprétation) et l’érotisme peuvent faire corps.
Avec des acteurs, créateurs de leurs propres personnages, c’est le pari d’une adaptation
incarnée et sensuelle du Dom Juan qui se joue de tout, et mise sur tout, que L’aLFP entend
relever avec C’est une affaire entre le Ciel et moi.
4

Assise
dramaturgique
POURQUOI DOM JUAN
AUJOURD'HUI
En tant que metteur en scène et spectateur, je m’intéresse à ce
que l’on nomme communément les « écritures de plateau ».
L’écriture (non exclusivement textuelle) y est replacée au centre du
processus de création et inclut tous les médias constituant le
spectacle. Il me semble qu’il y a une confusion dans la tradition
francophone du texto-centrisme qui défend le respect du texte au
détriment de la compréhension de l’œuvre.
Le recours aux classiques, ici à Molière, est motivé par mon goût
pour cette œuvre et par la volonté de prolonger – et non de
perpétuer – le geste artistique qui l’a fait naître. Cette approche
implique le réinvestissement et le redéploiement du contexte, des
choix sémantiques, esthétiques et artistiques qui ont accompagnés
la création initiale. Il s’agit, à partir de ma position d’homme vivant
aujourd’hui, d’interroger et de comprendre l’œuvre comme
porteuse de sens et de la rendre scénique dans des termes
esthétiques et narratifs qui soient une forme de correspondance
aux choix que fit Molière à son époque. Il est question d’instaurer
un dialogue libre et ludique avec l’œuvre, car je considère
fondamentalement le théâtre comme un jeu, un lieu de
renouvellement des désirs et une antithèse au sérieux. C’est donc
une version enlevée du Dom Juan, qui reflète la vie dans sa
légèreté et sa complexité, que j’entends proposer.
Ce qui me séduit dans la comédie de ce révolté agissant par delà
le bien et le mal, c’est l’apesanteur du propos. Dom Juan réveille
en moi le désir d’être transgressif, d’échapper aux lourdeurs du
quotidien et du qu’en dira t’on. Alain Finkielkraut prétend du
personnage qu’il est « ce remord en nous qui nous blâme de
toutes nos concessions à la tiédeur ».
Sous le couvert d’une instruction morale où les vices sont punis de
la main du Ciel, c’est de fait l’amoralité de Dom Juan qui fascine
depuis toujours. C’est donc le conflit latent entre la société et nous
qu’il m’importe d’exacerber : nos capacités de révoltes,
d’insoumission, d’indignation.
Cette dialectique n’a pourtant de sens que si les autres
personnages ne se réduisent pas à être les représentants, plus ou
5

moins anonymes, d’entraves sociales. Une vision binaire du conflit
réduirait la charge émancipatrice du Dom Juan à une
représentation de la « modernité triomphante » face aux « forces
obscurantistes » et, paradoxalement, à moraliser l’œuvre à travers
un discours prétendument antidogmatique.
Comprendre le besoin de sens, de structure et de transcendance
de la partie adverse est un facteur essentiel.
L’intolérance affichée aujourd’hui par les laïques, sous prétexte
d’être les dépositaires des clés de la liberté individuelle, à l’égard
de la religion des autres (en particulier de l’Islam) mérite d’être
remise en cause. Aussi mon appréhension du fait religieux et du
surnaturel s’abstient-elle de tout jugement de valeur. De plus,
l’athéisme de Dom Juan, qui est un défi dans le contexte de son
époque, ne saurait avoir cette valeur à l’heure actuelle.
Enfin, je ne renonce pas à l'idée que l'artiste a une fonction
d'interprétation du monde qui l'entoure.
EN QUOI C'EST UNE AFFAIRE
ENTRE LE CIEL ET MOI EST-IL
ENCORE UN DOM JUAN DE
MOLIÈRE
Ce projet s’inscrit dans une approche herméneutique, affiliée aux
théories de Hans-Georg Gadamer, qui enjoint l’interprète d’une
œuvre à trouver les questions auxquelles elle répondait par le
passé et celles auxquelles elle répond dans le présent. Ce double
mouvement du présent vers le passé et du passé vers le présent
définit à la fois le processus de création et le spectacle envisagé :
l’intention est de rendre à l’œuvre l’énergie, l’esprit et la pertinence
de l’original.
Notre interprétation implique donc d’opérer des choix : réécriture,
modification et suppression de scènes, disparition de personnages
et créations de nouveaux personnages et de nouvelles scènes.
Elle empruntera néanmoins, à peu de choses près, la même
construction dramatique que le Dom Juan.
Il s’agit de ré-historiser la pièce et non de la « moderniser ».
L’ancrage historique de la pièce et l’ancienneté du mythe sont des
facteurs qui sont au cœur de ce travail d’adaptation. Si, dans la
pièce de Molière, diverses conceptions du monde s’affrontent,
portées par les différents personnage mis en situation, il s’agit de
reformuler cette profondeur de champs historiques dans une
interprétation qui serait le rendu transhistorique (du 11 ème siècle
aux années 1960) de la logique clanique des frères d’Elvire, des
principes aristocratiques de Dom Louis, de la réalité villageoise de
Pierrot et de Charlotte, de la chrétienté matinée de superstitions de
Sganarelle et du défi jusqu’au-boutiste de Dom Juan.
6

À titre d’exemples, plutôt que de représenter les frères d’Elvire en
habits du bas Moyen Âge (révélant leur appartenance à un sens
de l’honneur remis en question par Molière au 17 ème siècle), je les
imagine en fonctionnaires imbus d’ordre et de morale
sous Louis Napoléon Bonaparte : une transposition
qui me semble être une adéquation pertinente du rôle
des frères vengeurs imaginé par Molière. Il m’est par
ailleurs apparu que le monde des fiancés Pierrot et
Charlotte résonnait en moi comme celui de la fin du
monde rural des années 1960. C’est donc par
analogies et par choix intuitifs que se développe
l’historicité plurielle des personnages, dans une
logique qui s’intéresse – là aussi en adéquation avec
le Dom Juan de Molière – au déclin de castes
historiques. Ces intuitions sont par la suite
questionnées en terme de validité du point de vue
d’une équivalence sémantique.
Les différentes époques ne s’alterneront pas, mais
coexisteront dans le spectacle. Cette juxtaposition de
milieux, de styles vestimentaires et d’objets liés aux époques
respectives constituent pour moi une matière théâtrale
potentiellement riche.
Pluralité donc des époques, des costumes, des codes moraux :
c’est à travers ces analogies intuitives et ces équivalences
sémantiques qu’il s’agit de se réapproprier et de rapatrier le Dom
Juan de Molière dans le présent.
7

Les grands axes
de la mise en
scène
Dans un mouvement qui entend saisir et comprendre Dom Juan à
l’aune d’un réel dialogue avec la pièce de Molière, la figure du
révolté et les valeurs des autres définissent la dynamique
(conflictuelle) constitutive du spectacle. Elle s’axera par ailleurs sur
des priorités qu’il est question de présenter ici.
LA REPRÉSENTATION DE FAITS
SURNATURELS
Le récit tout entier est tendu par des manifestations surnaturelles :
Le commandeur mort revenant sous la forme d’une statue de
pierre, la femme voilée devenant un spectre, Dom Juan expirant
dévoré par des flammes invisibles.
J’ai choisi de ne pas éluder ces faits et de ne pas installer de
distance ironique, mais de faire en sorte que, d’une manière ou
d’une autre, je puisse moi-même y croire.
La représentation du commandeur défunt est
primordiale. Elle constitue un défi pour tous les
metteurs en scène qui s’attaquent à l’œuvre. S’il est
certain que le public du 17 ème siècle était susceptible
d’être effrayé, ou tout au moins concerné, par la
représentation d’une statue de pierre, ce n’est plus le
cas aujourd’hui, même pour les croyants. J’ai donc
décidé de m’éloigner de ce choix de Tirso de la Molina
repris par Molière, pour me donner une chance de
trouver une équivalence sémantique.
Encore une fois par analogie, je me suis aperçu que les
tableaux ou les photos de portraits étaient susceptibles
de réveiller en moi l’idée d’une vie derrière la matière
inerte. Il m’est arrivé, devant certains portraits, de
ressentir un malaise, une angoisse… comme si la
figure peinte pouvait prendre vie, acquérir une
8

troisième dimension et m’interpeller. La littérature du 19 ème et du
20 ème siècle, ainsi que le cinéma, ont largement exploité ce
trouble. C’est donc la résurgence d’un vieux fond de
« croyance », partagé sans aucun doute par mes
contemporains, qui m’a incité à imaginer les scènes du
commandeur sous la forme du « portrait vivant ».
Le syncrétisme religieux inhérent au Dom Juan, qui
intègre des éléments de superstition populaire à un
catholicisme qui est de l’ordre de l’évidence du temps de
Molière, ne peut faire sens pour le spectateur
contemporain ; une grande partie de notre recherche
mise donc sur des trouvailles scéniques aptes à
véhiculer ce que Molière avait envisagé, notamment
concernant la chute de Dom Juan et le dénouement du
spectacle.
Dans notre version, le commandeur sera joué par une femme, et notre photo
pourrait s'inspirer de celles de Chantel Michel et Cindy Sherman reproduites ici,
et s'appropriant les styles des toiles anciennes.
DES ACTEURS CREATEURS
Dans cette recherche de solutions, le travail avec les acteurs est
essentiel. Je considère en effet l’acteur comme le co-créateur de
recherches scéniques que nous développons ensemble. J’entends
stimuler ses capacités de réflexion, son intelligence
dramaturgique, ses aptitudes à employer une diversité
interprétative en fonction de ses objectifs.
Je ne suis pas un partisan du minimalisme esthétique et de
l’homogénéité des formes. Je cherche une acceptation élargie de
la notion de personnage. Celle-ci n’exclut pas une dimension
psychologique, qui s’inscrit dans une certaine logique réaliste,
mais cette recherche est avant tout formelle. Il m’importe que
chaque acteur-personnage puisse porter sur la scène sa propre
histoire esthétique.
Dans ce projet, le travail avec les acteurs se déroule sur près de
deux années, par sessions. C’est un temps qui nous permet
d’envisager sereinement de véritables projets pour chaque acteur,
en relation avec une ligne sémantique générale et en accord ou en
friction avec certains choix esthétiques préalablement esquissés.
Dans cette co-création de l’objet scénique, les acteurs sont invités
à réécrire certaines scènes à partir d’improvisations, à en
concevoir d’autres, à travailler à partir d’écrits non dramatiques, à
tester certaines intuitions du metteur en scène et à participer à la
conception de l’espace.
9

ESPACE ET PLASTICITÉ DE LA
SCÈNE
J’envisage avec plaisir une réappropriation de l’espace scénique
que la pièce proposait à l’origine. Lors de la création du Dom Juan,
il y avait six décors : un palais et jardin, un hameau proche de la
mer, une forêt, un temple avec le tombeau du commandeur, un
intérieur (chez Dom Juan) et l’extérieur d’une ville. Le second type
d’information est que la scène est en Sicile.
Ces indications me permettent d’imaginer un concept spatial et
plastique (qui ne sera pas une succession de tableaux) incluant
ces différents lieux en tant que fragments d’un tout.
J’imagine deux concepts scénographiques :
Le premier s’apparenterait aux châteaux royaux du Moyen Âge.
Vides la plupart du temps (et sans aucun mobilier), ils ne prenaient
vie que lorsque la cour arrivait avec ses caravanes. On posait
alors les tentures, les meubles, les cloisons, les systèmes
d’éclairage. Entre la permanence des murs et l’activation
passagère de leur fonction, il y a comme une allégorie de la
ruine. J’imagine une structure composée de matières inertes et
froides qui pourrait être ponctuellement ranimée par la pose de
papier peint et de tapis.
La seconde intuition scénographique utilise des matériaux plus
légers et s’intéresse au paysage des rivages siciliens soumis aux
aléas du temps et à l’emprise de l’homme sur la nature. Laurent
Frattale, scénographe du spectacle, m’a envoyé des photos de
Sicile qui illustrent la trace fébrile et éphémère de l’activité
10

humaine dans un paysage immuable. Ces photos suggèrent l’une
des activités humaines principales liées aux étés siciliens : se
protéger contre le soleil et le vent violent, sec et chaud du sirocco
en posant, sur des échafaudages, toiles et tissus.
Notre structure scénographique pourrait
être le reflet d’une sorte de « symptôme»
de ce que les locaux (dont ne fait pas
partie Dom Juan) entretiennent avec leur
environnement naturel.
Il m’arrive aussi de projeter certaines
scènes dans cette Sicile factice.
Lorsque, au premier acte, Elvire vient se
plaindre, je la vois dans un milieu citadin
harmonieux, lié à la proximité de la
végétation et de ses senteurs, dans une
porosité entre l’intérieur et l’extérieur
toute méditerranéenne. Elle vient
d’affronter un soleil accablant, se réfugie
à l’ombre des tentures, s’assied aux
côtés de Dom Juan sur une chaise
longue. On boit du sirop glacé. Sur des
tables basses, dans des corbeilles, il y a
des amandes, des grenades, des
mandarines et des citrons. Sa grande
scène de remontrance se fond dans la
matière d’un « théâtre tchékhovien ».
D’autres lieux, en revanche,
m’apparaissent dans leur nature
métaphorique, comme la forêt :
mystérieuse, insondable, renvoyant à des peurs premières.
J’imagine évoquer ces lieux à travers des textes écrits par les
acteurs ou tirés de romans, textes que je prêterai à Sganarelle et
qui exprimeraient l'angoisse que génère pour lui la forêt.
J’imagine aussi avoir recours à des idées plastiques de l’ordre de
l’installation, dans la mesure où elles n'essaient pas uniquement
de situer, indiquer, imager ou
même suggérer, mais rendre
compte de ce que problématise
la désignation du lieu.
11

Les costumes, nous l’avons vu, seront empruntés à diverses
époques. Je m’inspire, par ailleurs, des peintures d’Edouard
Vuillard. Ce dernier s’est beaucoup amusé à brouiller la séparation
usuelle entre les personnages et le fond. Une idée que nous allons
reprendre. Ces choix plastiques induisent une posture au monde
et au milieu, sur laquelle les acteurs peuvent s’appuyer.
Si l’on peut imaginer Dom Juan changer de costumes en fonction
des lieux, il sera foncièrement vêtu en aristocrate du 17 ème siècle
dans des milieux qui n’ont rien de commun son style
vestimentaire. Le costume a donc aussi une fonction de contraste
qui accentue la friction ou la confrontation, que nous cherchons,
entre différents horizons de croyances.
Toute l’esthétique du spectacle visera à proposer une profondeur
de champs tant historique qu’intemporelle.
Edouard Vuillard
12

Conclusion
intermédiaire
d’un chantier
Si j’essaie de dégager des principes, il ne saurait être question
d’être systématique et d’oublier le caractère empirique de cette
réalisation qui se génère sur deux saisons.
Entre le scénographe, la costumière, le créateur lumière, la
dramaturge, les acteurs et moi-même, il s’agit de travailler de
manière concertée et d’encourager réflexions et réalisations
communes pour trouver une forme qui reflète, avec toute la verve
originelle, les enjeux de cette mise en perspective du Dom Juan
aujourd’hui.
Sur la base d’un plan de travail expérimenté lors de précédentes
réalisations au long cours, j’ai choisi de distinguer quatre grandes
phases de travail : 1/ Remue-méninge, 2/ Elaborations,
3/ Préparations, 4/ Répétitions & création.
Vous trouverez en annexe ce plan de travail et le descriptif de ces
différentes phases.
Mais je ne doute pas que le remue-méninge de la phase 1 risque
fort de nous accompagner tout au long de ce périple.
13

Représentations
prévues
Saint-Gervais Genève Le Théâtre, Genève
14 représentations
du 1 au 17 avril 2014
Théâtre les Halles, Sierre
4 représentations
du 21 avril au 4 mai 2014
(dates à confirmer)
Arsenic, Lausanne
6 représentations
du 13 au 18 mai 2014
Théâtre du Crochetan, Monthey
1 représentation
9 mai 2014
Comédie de Caen,
CDN de Normandie, France
Automne 2014
date à préciser
14

Biographies
Christian Geffroy Schlittler (metteur en scène)
Né en 1971 à Caen, en Normandie, France, il se forme
au théâtre, en tant qu’acteur et metteur en scène, dans
une dizaine de spectacles au lycée puis à l’Université
de Caen. En 1995, il rejoint un collectif de créateurs,
danseurs et comédiens; l’Astrakan, au CDN de
Normandie avec lequel il collaborera pendant quatre
ans, donnant lieu à trois créations originales
essentiellement non-textuelles, nécessitant chacune
plus d’une année d’élaboration.
Il s’installe à Genève à partir de 1998 et crée avec
Barbara Schlittler, Dorian Rossel et Sandra Heyn, le
collectif Demain on change de nom. Le collectif
concevra et interprètera dix formes courtes: les HLM
(Hors Les Murs) et deux spectacles « longue durée »:
Le Hors Les Murs. Les HLM étaient des « in situ »
présentés essentiellement dans des espaces urbains:
La cour intérieure d’un immeuble, un couloir, une usine
désaffectée ou encore un appartement une pièce. Les
HLM ont été présentés à La Bâtie-Festival de Genève
(2002), à Science et cité (2005) et à l’international
street festival à Beyrouth (2003).
En 2004, il crée L’agence Louis-François Pinagot,
en hommage à un livre d’Alain Corbin, historien, qui a
laissé au hasard absolu le soin de lui désigner un être
englouti dans la masse confuse des morts qui ne
laissèrent aucune trace dans les mémoires. Louis-
François Pinagot, sabotier analphabète qui vécut au
XIX e
siècle dans le bocage normand fut ce mort
ordinaire. Cette méditation sur la disparition et la
nécessité de définir autrement le travail de mémoire
est la problématique centrale de l’agence Louis-
François Pinagot, et notamment, bien sûr, sur l’usage
de nos héritages théâtraux à travers le « répertoire ».
En 2004, la création du Tartuffe de Molière fut une
première étape à laquelle succéda en 2005/06 un
vaste chantier de créations autour de Tchékhov, puis
un autre en 2007/08 au Théâtre Saint-Gervais, à
Genève, qui aboutira en mai 08 au spectacle Pour la
libération des grands classiques. En mai 2009 est
créée à Saint-Gervais Utopie d’une mise en scène, en
coproduction avec l’Arsenic, Lausanne. Le spectacle a
été repris en automne 2011 sous le nouveau titre de
UTOPIE 2 par les deux théâtres pour un total de cinq
semaines. UTOPIE 2 est parti ensuite en tournée entre
avril et juin 2012 pour une douzaine de dates en
Afrique, France et Suisse romande. En juin 2012, il
crée et joue à Saint-Gervais Genève Ne faîtes plus ce
bruit de cœur brisé, une lecture d'un texte dont il est
également l'auteur.
Comme metteur en scène invité, Christian Geffroy
Schlittler a collaboré à la pièce de l’auteur et metteur
en scène Philippe Soltermann Le réflexe de la
complainte créé à L’Arsenic, Lausanne, en novembre
2010 et repris en 2011 au Théâtre Saint-Gervais, à
l’Usine à gaz à Nyon ainsi qu’au Petit Théâtre à Sion.
En parallèle à ce spectacle, il a mis en lecture, aux
côté de la comédienne Elodie Bordas, un texte de
Philippe Soltermann écrit à son intention: Tu l’as voulu
alors démerde-toi.
Christian Geffroy Schlittler est régulièrement invité
comme intervenant à la Manufacture (HETSR) à
Lausanne. En 2010, il y a créé Les Helvètes, spectacle
de sortie des élèves (promotion D), présenté dans
plusieurs théâtres de Suisse romande, à la
Cartoucherie de Vincennes et au Festival d’Avignon
2010. Il a dirigé la partie pratique du travail de
recherche Matériau Pathos initié en 2008 et mené
conjointement par La Manufacture, L’UNIL – Université
de Lausanne le Théâtre Saint-Gervais Genève et
l’agence Louis-François Pinagot. Le résultat de ce
travail a été présenté sous la forme d'un spectacleconférence
Le laboratoire des copies ou Les artistes
de la contrefaçon, présenté à Saint-Gervais Genève
en mail 2011, dans le cadre du Festival transfrontalier
extra-11 et repris au Théâtre les Halles à Sierre en
avril 2012, puis aux Journées de théâtre suisse
contemporain (JTSC) en janvier 2013.
En 2011, le Conservatoire de Musique de Genève
(filière pré-professionnelle d’art dramatique) lui confie
la direction d’un stage d’interprétation qui donnera lieu
au spectacle «Innocence» de Déa Lohrer présenté à
La Comédie de Genève en décembre 2011.
15

Elodie Bordas (comédienne)
Elodie Bordas est née à St-Paul en Chablais, en
Haute-Savoie, le 1 er mai 1981. Elle suit les années de
préparatoire des Conservatoires d’art dramatique de
Genève et de Lausanne et obtient son diplôme en
2003 au Conservatoire de Lausanne, anciennement la
S.P.A.D (Section Professionnelle d’Art Dramatique).
Elle débute sa carrière professionnelle de comédienne
avec Hervé Loichemol dans A l’orée d’un univers
fabuleux, puis dans Cinna. Elle joue ensuite sous la
direction de Jean Liermier dans On ne badine pas
avec l’amour. Puis dans Petersbourg, mis en scène
par Manfred Karge. En 2006, elle travaille avec Oskar
Gomez Mata et l’Alakran sur la création Epiphaneïa.
Elle travaille ensuite avec plusieurs metteurs en scène
dont Marc Liebens dans Hélène de Troie, Dominique
Ziegler dans René Stirliman contre le Dr. B., Michel
Kullman dans Le Misanthrope, José Lillo dans
Elseneur-Machine.
En 2010, elle entreprend une série de collaborations
importantes avec Christian Geffroy-Schittler
comportant la lecture d’un texte Philippe Soltermann
Tu l’as voulu, alors démerde-toi (Arsenic, Lausanne et
Saint-Gervais Genève, 2010-2011), un projet maquette
autour du Dom Juan de Molière au Théâtre de
Carouge en janvier 2011, puis, participe au volet
pratique du projet de recherche Matériau Pathos,
mené conjointement par La Manufacture et l’Université
de Lausanne en collaboration avec le théâtre Saint-
Gervais Genève.
Conservatoire, il cofonde la compagnie Clair-obscur
avec laquelle il crée Le Miracle et Sous les yeux des
femmes gardes-côtes.
Il travaille notamment sous la direction de Philippe
Clévenot dans Anna Christie, Christophe Rauck dans
L’Affaire de la rue de Lourcine, Lorenzo Malaguerra
dans La Nuit juste avant les forêts, Anne Bisang dans
Roméo et Juliette,. Il joue sous la direction de Jacques
Vincey dans La nuit des Rois au théâtre de Carouge et
dans différents théâtres en France.
Puis en 2010, dans La vie est un rêve sous la direction
de Galin Stoev créé au Théâtre de La Place à Liège.
Il entame sa collaboration avec Christian Geffroy
Schittler avec Pour la libération des grands classiques
(2008) et Utopie d’une mise en scène (2009). En 2011,
il participe au projet maquette autour du Dom Juan de
Molière au théâtre de Carouge et participe au volet
pratique du projet de recherche Matériau Pathos.
Julie-Kasuko Rahir (comédienne)
Julie-Kasuko Rahir est née en Belgique en 1981.
Après avoir obtenu un Master en Lettres modernes à
Paris IV-Sorbonne, Julie-Kazuko Rahir entreprend sa
formation de comédienne à la Manufacture-HETSR
(Haute Ecole de Théâtre de Suisse Romande) de
Lausanne.
Depuis son entrée dans le monde professionnel en
2007, elle est engagée comme comédienne par divers
metteurs en scène suisses, tels que Robert Bouvier
pour Les au Théâtre du Passage, Fabrice Gorgerat
pour plusieurs créations qui l'amèneront à travailler à
de nombreuses reprises en Afrique, Cyril Kaiser, Denis
Maillefer et belges comme Paul Camus ou Ruud
Gielens. En France, elle travaille également avec
Jean-Louis Benoît dans La Mère Courage de Bertolt
Brecht au Théâtre de la Criée à Marseille et avec Eric
Vigner au Centre Dramatique National à Orléans et à
La Comédie de Reims.
Elle a également occupé le poste d'assistante à la
mise en scène, en Belgique notamment, auprès de
Philippe Sireuil et Isabelle Pousseur.
Elle aime explorer tous les aspects de son métier : elle
fait de la recherche visant à créer des ponts entre
théorie et pratique théâtrale et allie souvent son travail
de comédienne avec la danse et la musique (violon,
voix). Elle a collaboré dans cet esprit avec différents
chorégraphes et musiciens.
En 2011, elle participe, en tant que collaboratrice
artistique de Christian Geffroy Schlittler, à la recherche
Matériau Pathos (HETSR / UNIL / Théâtre Saint-
Gervais) et à son résultat scénique Le Laboratoire des
copies ou Les artistes de la contrefaçon, au Théâtre
Saint-Gervais à Genève.
David Gobet (comédien)
David Gobet est né à Genève en 1977. Il est diplômé
de l’Ecole Supérieure d’Art Dramatique en 2001.
Depuis sa sortie du conservatoire, plusieurs
collaborations théâtrales ont eu lieu, notamment avec
Anne Bisang dans La Griffe d’Howard Barker, José
Lillo dans Penthésilée de Kleist, Jean-Paul Wenzel
dans L’amour d’un brave type de Howard Barker,
Lorenzo Malaguerra dans Romeo et Juliette de
Shakespeare, Manfred Karge dans Galilée de Bertolt
Brecht, Dorian Rossel dans Je me mets au milieu mais
laissez-moi dormir.
Il a également travaillé au Théâtre de Marionnettes de
Genève, dans plusieurs mises en scène de Guy
Jutard, dont Le zoo de Monsieur Jean.
Il travaille pour la première fois avec Christian Geffroy
Schlittler dans La Cerisaie en 2006. En 2009 il rejoint
de nouveau son équipe pour Utopie d’une mise en
scène et renouvelle sa collaboration pour le projet
maquette sur Dom Juan de Molière et le projet de
recherche Matériau Pathos (Les artistes de la
contrefaçon) en 2011.
Emilie Chariot (comédienne)
Olivier Yglesias (comédien)
Olivier Yglesias est né à St-Gall le 18 septembre 1974.
Après une formation de commerce, Olivier Yglesias
débute le théâtre à l’âge de 23 ans au Conservatoire
Supérieur d’Art Dramatique de Genève (E.S.A.D.) sous
la direction de Claude Stratz. A sa sortie du
Emilie Chariot fait du théâtre dans la région de Saint
Quentin en Yvelines en France, depuis 2003. Elle
participe à de nombreuses productions, tout en
parcourant le pays pour faire des stages avec des
metteurs en scène qui l'intéressent comme,
notamment, Paul Chiributa, Ariane Mnouchkine,
16

Stanislas Nordey. En 2008, elle fonde la compagnie du
Déserteur au sein de laquelle, elle met en scène
L'Homme-Rilke. De 2004 à 2009, elle enseigne
également l'art dramatique à mi-temps dans les
conservatoires municipaux de Maurepas et Montigny
les Bretonneux (Yvelines, France) et y met en scène
une trentaine de pièces pour enfants et adolescents.
En 2009 elle entre à La Manufacture – HETSR à
Lausanne, d'où elle sort diplômée en juin 2012. Dans
le cadre de cette formation, elle a travaillé avec Oskar
Gómez Mata pour Entre, spectacle de sortie de la
promotion E, à Genève, à Paris, et à Villeneuve-les-
Avignon pendant le festival. Dans le cadre de sa
formation, elle a également travaillé avec Jean Yves
Ruf, Lilo Baur, François Gremaud, Denis Maillefer,
Jean-Louis Hourdin, Christian Geffroy Schlittler entre
autres.
Au cinéma, elle a joué dans Le retour de Daniel Torrisi
(Etilem Productions / Tsr, 2012)
En 2010, il entame sa collaboration avec Christian
Geffroy Schlittler en tant qu'assistant pour la pièce Les
Helvètes, spectacle de sortie des élèves de la
promotion D de la Manufacture HETSR, présenté dans
plusieurs théâtres de Suisse romande, à la
Cartoucherie de Vincennes et au Festival d’Avignon.
Suivra le travail de maquette autour de Dom Juan en
2011 au théâtre de Carouge.
Parallèlement à son activité de comédien, il développe
un travail de pédagogue dans diverses écoles de
théâtre et gymnases en Suisse romande comme le
Conservatoire Arc En Scènes à La Chaux-de-Fonds,
ou l'école de Théâtre Diggelmann à Lausanne.
Depuis 2005, il pratique également l'improvisation au
sein de plusieurs compagnies en Suisse romande en
tant qu'acteur ou pédagogue.
Dès 2006, il met en scène ses propres projets comme
J'ai toujours rêvé d'être un groupe de rock au Théâtre
2.21 Lausanne ou Derrière la porte au Contexte Silo
Renens et à la Grange de Dorigny, en collaboration
avec Sylvain Renou.
Antoine Friderici (créateur lumières)
Né à Morges en 1979, Antoine Friderici travaille
comme technicien depuis 2000, après avoir été
disquaire puis réparateur et vendeur d'instruments de
musique. Depuis 2008, il est directeur technique de
Numéro 23 Prod., structure au sein de laquelle il fait
les créations lumières et certaines scénographies pour
les pièces de Massimo Furlan, tout en assurant la
logistique des tournées. De 2005 à 2009, il est salarié
à 50% comme technicien au théâtre Arsenic à
Lausanne, et de 2007 à 2010, il est directeur technique
du Festival Les Urbaines à Lausanne.
Comme technicien indépendant, il assure les créations
lumières pour de nombreuses compagnies et
créateurs tels que la chorégraphe Young Soon Cho
Jaquet, la metteur en scène Muriel Imbach, la
compagnie Ad-apte – Marie Fourquet et Philippe
Soltermann, Massimo Furlan, Frédérique Recrosio et
Pascal Auberson. En 2011 et 2012, il est Stage
Manager sur la scène "La fabrique" au Festival de la
Cité.
C'est en 2011 qu'il entame sa collaboration avec
Christian Geffroy Schlittler en créant les lumières du
spectacle Utopie 2 et en assurant la direction
technique de la tournée de cette même pièce ainsi que
de Les artistes de la contrefaçon au printemps 2012.
Alain Borek (comédien)
Alain Borek est né à Lausanne en 1983. En 2009, il
obtient un Bachelor de comédien professionnel à La
Manufacture Haute école de théâtre de Suisse
romande à Lausanne. Il complètera cette formation au
sein de cette même école par une formation continue
en Art oratoire et Coaching.
Depuis 2009, il a travaillé comme comédien auprès de
Rita Freda (dramaturge)
nombreux metteurs en scène dont Anne-Lise Prudat
au Petit Théâtre Lausanne, Christophe Jaquet au
Théâtre de l'Arsenic à Lausanne, Cédric Dorier au Grü
à Genève ou encore Matthias Urban à la Grange de
Dorigny à Lausanne. En 2009, il joue dans Oneguine
mis en scène par Jean-Yves Rüf au théâtre de Vidy à
Lausanne puis en tournée en France.
Après avoir obtenu une Licence ès Lettres de
l’Université de Lausanne, Rita Freda s’est intéressée
de plus près à l’art du théâtre.
Elle a suivi une formation à l’Institut d’Etudes
Théâtrales de l’Université de la Sorbonne Nouvelle-
Paris III. Entre 1991 et 1996, elle a réalisé divers
stages d’assistanat à la mise en scène auprès de
Jacques Lassalle.
De 1998 à 2003, sous la direction de Thierry Spicher,
elle a travaillé en qualité de conseillère artistique à
l’Arsenic - Centre d’art scénique contemporain à
Lausanne, où elle a notamment conçu la publication
annuelle De l’Arsenic dont elle a assuré la coordination
éditoriale.
Depuis 2004, elle donne des cours de dramaturgie à
l’Université de Lausanne dans le cadre du Certificat de
Formation continue en « Dramaturgie et performance
du texte ».
En septembre 2007, elle intervient pour la première
fois à la Manufacture, Haute école de théâtre de
Suisse romande à Lausanne. Depuis 2009, elle y est
responsable de la formation théorique.
Elle a écrit des études, réalisé des entretiens entre
autres pour les revues Théâtre/Public, Europe,
Théâtre S ainsi que pour des ouvrages collectifs parus
aux éditions du CNRS ou aux Presses Universitaires
de Rennes. Elle a aussi collaboré avec le Dictionnaire
du Théâtre en Suisse. Aujourd’hui, elle continue de
mener des travaux de recherches sur l’histoire des
formes dramatiques et théâtrales, sur l’art de la mise
en scène.
17

Karine Vintache (créatrice costumes)
Karine Vintache est née à Soissons en 1975, elle fait
des études d’Arts Appliqués en Picardie puis s’installe
à Paris pour poursuivre des études de stylisme (ESAA
Dupperé).
Suite à l’obtention de son diplôme, elle entre chez
Issey Miyake, créateur de mode Japonais, pour qui
elle travaillera pendant plus de 8 ans comme
assistante technique des défilés, graphiste,
conceptrice visuelle image et espace de
communication puis styliste, et enfin, directrice
artistique pour la ligne Pleats Please.
Parallèlement à cela, elle poursuit un cursus d’études
théâtrales/Arts du spectacle à Censier Paris III. Ce
passage en université confirmera définitivement son
choix pour le costume et tout particulièrement le
costume de spectacle vivant.
C’est au théâtre de la ville de Paris, en 2002, qu’elle
travaille pour la première fois avec le chorégraphe
Suisse Gilles Jobin. Ce premier spectacle ouvrira une
longue collaboration.
D’autres collaborations dans la danse contemporaine
auront été marquantes : La Ribot, Manon Hotte, la
compagnie Alias, et récemment Barbara Schlittler.
Au cinéma, elle élabore des costumes pour Jean-Paul
Civeyrac, Licia Eminenti, Christophe Otzenberger ainsi
que pour la jeune réalisatrice Houda Benyamine.
Depuis 2005 son travail se dirige vers de nouvelles
formes théâtrales. Elle participe en France au travail
de Thomas Quillardet, Zaccharia Gourham, ou
Dominique Wittorski et en Suisse avec Fabrice
Gorgerat, Guillaume Béguin et Marie Fourquet.
Enfin, elle signe les costumes des dernières mises en
scène de Jean-Louis Martinelli, au théâtre des
Amandiers à Nanterre.
Sa collaboration avec Christian Geffroy Schlittler a
débuté en 2009 avec Utopie d'une mise en scène pour
continuer en 2010 avec Les Hélvètes. C'est une affaire
entre le ciel et moi sera donc leur troisième travail en
commun.
Laurent Frattale (scénographe)
Né en 1973 à Caen, Laurent Frattale est comédien,
musicien, metteur en scène et scénographe. Titulaire
d’un DEUG en Lettres Modernes (option Arts du
Spectacle) de l’Université de Caen, il se forme à la
pratique théâtrale auprès de divers créateurs tels que
Yoshi Oïda, Gregory Hlady (Anatoli Vassiliev), Andrzej
et Tereza Welminsky (Tadeusz Kantor), Maurice
Taszman (Heiner Müller), Daniel Jeanneteau (Claude
Régy), Carlo Bosso, Jean-Pierre Vincent.
Dans son parcours de comédien, il travaille en Suisse
et en France avec entre autres José Lilo et Dorian
Rossel à Genève, Jean-Pierre Brière à Evreux,
Thomas Ferrand pour Mon amour (d'après Dom Juan)
à la Ménagerie de Verre à Paris, Antonin Ménard à
Caen, etc… Depuis 2010, il interprète le personnage
de Dom Juan dans une mise en scène de Jean De
Pange de la Compagnie Astrov qui tourne encore
actuellement en France. C'est donc fort de cette
expérience qu'il abordera la scénographie du projet de
Christian Geffroy Schlittler.
Son goût pour l’ensemble des pratiques du théâtre
l’amène à participer à de nombreux projets en tant que
scénographe et créateur lumières dont : Le Château
de kafka mise en scène de Jean-Pierre Dupuy, Quai
Ouest, mise en scène de Cécile Blaizot, La nuit juste
avant les forêts de Koltès mis en scène par Lorenzo
Malaguerra , Le Cinématotographe des frères
Locomotive mise en scène collective, Gloire et Beauté
mis en scène par Dorian Rossel.
Attaché aux notions de structuration professionnelle et
collective, il initie plusieurs projets et lieux culturels
dont : L’atelier Rive Gauche / théâtre de l’enjeu
(Caen), Les Ateliers Intermédiaires, lieu de
mutualisation et de création pluridisciplinaire sur la
presqu'île de Caen qu’il fonde et dirige de 2007 à
2010. En 2012 il fonde également le G.A.S (Groupe
Artistique du Sagittaire) pour développer des projets
pluridisciplinaires autour des arts du théâtre en milieu
rural.
Valérie Cicurel (apport littéraire)
Après avoir obtenu en 1998 une Licence ès Lettres
avec mention en langue et littérature française, anglais
et journalisme, des Universités de Lausanne et de
Neuchâtel, Valérie Cicurel est engagée pour deux ans
au Gymnase Cantonal du Bugnon pour y enseigner le
français. En 1999, elle reprend des études de deux
ans afin de passer son Brevet d’aptitude à
l’enseignement secondaire I et II, français et anglais,
avec charge d’enseignement E.S. au collège des
Bergières à Lausanne. Puis en 2000, elle est à
nouveau engagée au Gymnase Cantonal du Bugnon
où elle enseigne depuis la littérature française. Elle
devient ensuite cheffe de file de français.
Parallèlement à son activité de professeur, elle
s'implique beaucoup dans la vie du gymnase en étant
par exemple co-responsable du ciné-club, cofondatrice
et responsable de la « semaine cinéma »,
en collaboration avec l’UNIL et la Cinémathèque de
Lausanne, responsable du prix Marie-Jeanne
Visinand, prix de création du gymnase puis membre du
jury ou encore présidente de la fondation Liber et
Labor. Elle est aussi responsable de l’invitation
régulière d’écrivains contemporains (dont François
Bon) pour des rencontres et ateliers d’écriture.
Passionnée de littérature et de cinéma, elle continue à
se former en participant à de nombreux séminaires,
conférences et rencontres à l'UNIL notamment.
Depuis 2011, lui a été confié un mandat de mise en
place et de gestion d’un colloque international, au
niveau ministériel (Burkina, Niger, Togo, Côte-d’Ivoire,
Sénégal et Mali) sur les nouveaux outils de
subventionnement du cinéma populaire en Afrique
francophone, Succès Cinéma Burkina Faso,
Ouagadougou.
18

Sylvain Renou (médiation / visuel)
Né en 1982, Sylvain Renou a d'abord fait un
apprentissage de décorateur à Globus Lausanne qu'il
termine en 2003. Après cela il suit une formation de
deux ans à l’Ecole des Arts Appliqués de Vevey en
Visual Merchandising. Suite à l'obtention du diplôme
en 2005, il est engagé chez Zap Design. En 2006, il
ouvre le bureau de design en visual merchandisng et
graphisme "Radiances". Actuellement, Sylvain Renou
est consultant en communication et créatif sous le nom
de « Renou », et travaille également à 40% à l’agence
de communication ACP. Parallèlement à cette activité,
il s'est toujours intéressé au théâtre. Il pratique depuis
plusieurs années l'improvisation, notamment dans le
projet Casting à la cave du Bleu Lézard à Lausanne.
De 2001 à 2006, il collabore avec Alain Borek à
l'écriture, la mise en scène et l'interprétation de quatre
spectacles, présentés, entre autres, au Café Théatre
de la Voirie à Pully, au Contexte-Silo à Renens et à la
Grange de Dorigny à Lausanne.
En 2010, il réalise son premier court-métrage Bertrand
et Julie. D'autres projets de films sont en cours.
Roswitha Kreil (documentation du projet)
Après des études de Lettres et Civilisations étrangères
à l´Université de Paris IV-Sorbonne ainsi qu’une
activité de traductrice dans les domaines de l´art et de
la culture – entre autres pour la Haus der Kulturen der
Welt de Berlin et la Freie Universität Berlin – Roswitha
Kreil s’oriente vers les arts plastiques et scéniques
suite à son établissement à Berlin en 1993.
De 1993 à 1995, elle codirige la galerie Mutzek avec
Yvonne Harder et participe aux réalisations du collectif
d’artistes Dead Chickens.
En 1995 elle cofonde la compagnie Ziguri Ego Zoo,
dont elle est la codirectrice artistique jusqu’en 2002.
Ziguri Ego Zoo présente ses créations annuelles au
Kunsthaus Tacheles, au Theater am Halleschen Ufer
puis au Theater am Ufer (aujourd’hui HAU2 et HAU3).
Dès 1998, elle est par ailleurs engagée en tant
qu’actrice par Tina Ellerkamp et Jörg Heitmann (docufiction
KillerBerlinDoc, nominé à la Berlinale 1999),
Susanne Truckenbrodt (Woyzeck, 1999) et Norbert
Stockheim (Festspiele Nideggen/Cologne, 1999-2002).
De 2003 à 2006, elle rejoint la compagnie Arthur
Kuggeleyn + Co (Lausanne – Berlin), en tant qu’actrice
et collaboratrice artistique : on peut la voir dans les
réalisations comiXtrip, Ubiquitrip (créés à l’Arsenic) et
After Effects (Théâtre de l’Octogone). Elle interprète
également deux solos : Enormous Flying Flower Jelly
Job et Intim in time au Dock11 de Berlin.
Admise en 2007 à la Maîtrise universitaire ès Lettres à
l´Université de Genève, elle l’obtient en 2012 avec la
mention Très Bien. Dans ce cadre, elle réalise des
travaux sur La Flûte Enchantée par Omar Porras en
collaboration avec le programme pédagogique du
Grand-Théâtre, sur l’adaptation filmique du mythe de
Médée par Pasolini, sur la peinture au cinéma avec
une étude du Caravaggio de Derek Jarman ou encore
sur le rôle de la musique dans les adaptations
filmiques d’œuvres littéraires.
19