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Le Vide libéré 

CLAUDE CHAUSSARD 

JEAN DEGOTTEX 

HÉLÈNE DURDILLY 

LARS FREDRIKSON 

texte de Maurice Benhamou 

Catalogue-Contenu-Le vide libere-12.2016.indd 1 20/12/16 14:24:32

Lars Fredrikson 

Sans titre 

1978, Acrylique et vinyle sur toile, 97 x 130 cm 


D’une peinture inchoative 

Lars Fredrikson, ce colosse que Jacques Dupin 

surnommait « l’énergumène de la transparence », 

approche la peinture de ce pas de colombe dont, 

nous dit Nietzsche, arrivent les choses importantes. 

Avec sa douceur violente, il tente d’exciter en nous 

une sensibilité sans affect, émotion ou sentiment. Une 

sensibilité pure, comme retenue par l’ongle. 

Peinture qui n’a rien à dire, rien à exprimer, sans 

concession au goût ni au rythme ni à l’harmonie ni à la 

composition. Tout y est présence inchoative (du latin 

inchoo, are, commencer). 

À la reproduction, rien d’elle ne passe. Le catalogue 

ne peut être de quelque utilité qu’à ceux qui se sont 

trouvés en présence de l’œuvre, leur permettant ensuite 

d’y rêver longuement. La photographie saisit ce 

qui est saisissable c’est-à-dire le passé ; l’inchoation, 

l’« en train d’être », est insaisissable puisqu’inachevée. 

D’autre part, elle implique le vide. L’œuvre se crée 

dans la mesure où elle crée l’espace vide de son 

propre développement. Ce vide lui aussi inchoatif ne 

peut rien avoir de commun avec l’infini illusoire de la 

page ou la toile blanche, infini sans commencement 

possible c’est-à-dire sans présence. La création a un 

objet. Il s’agit donc d’un vide concret toujours tenu par 

des empâtements infimes, des enfoncements à peine 

perceptibles du papier. En somme un vide-matière 

pour reprendre un concept de Jean Degottex qui le 

créait à sa manière. 

Matisse vole. Fredrikson s’envole. 



Sans titre 

1979, Aquarelle sur papier, 57 x 64 cm 

21 août 1978, Aquarelle, fil et scotch sur papier, 57 x 64 cm 



Sans titre 

1979, Aquarelle sur papier, 57 x 64 cm 


Les artistes présentés ici pourraient tous être nommés 

inchoatifs, peintres non de l’inachevé (le non finito) 

mais de l’inachevable. 

Le travail de Degottex, lui aussi éternellement « en 

train d’être », se manifeste ici dans une série de briques 

(nommée Bris-Signes) qui ne constitue qu’une 

étape dans l’immense entreprise d’un processus 

foisonnant qui conduit à abstraire, de la matière 

même, toute spiritualité. 

Ces briques faîtières plates et creuses sont récupérées 

sur une décharge de démolition. 

Elles demeureront plusieurs mois, intactes, sous les 

yeux de l’artiste dans son atelier. 

Alors qu’elles étaient insignifiantes, elles conquièrent, 

peu à peu, sous ce regard désintéressé (au sens où 

il ne considère plus la fonction) un sens esthétique 

absolu. 

Le mélange du rouge-terre avec le blanc des macules 

de plâtre n’est plus considéré comme une surface 

sale mais comme une couleur rouge nuancée de gris 

et d’une consistance troublante, la forme du fragment 

ne joue plus comme fragment mais comme une forme 

en soi. Tout cela, lentement, sensibilise l’objet au point 

d’en faire une œuvre. Transmutation esthétique obtenue 

en agissant non sur la brique mais sur sa présence 

insaisissable. 

Jean Degottex 

Débris (XXVIII) 

13-4-1980, Acrylique sur plâtre sur brique, 35,3 x 18 cm 


Les actions multiples qui s’exerceront sur la 

brique elle-même par la suite, sciage et reconstitution, 

introduction de vide, recouvrement/découvrement, pulvérisation 

de la brique, viseront à faire partager par 

le regardeur la merveille de l’œuvre obtenue par le 

peintre et pour lui seul. 

Par une dialectique subtile, la poussière de sciage de 

la brique devient non son reste mais son essence. De 

cette poussière même, le peintre capture la pure lumière, 

la poussière n’étant plus désormais une essence 

mais un reste. La matière est ainsi devenue lumière 

(mais lumière-matière, ce qui évoque le rayonnisme 

de Larionov et le suprématisme). 

À chaque phase de cette alchimie, des germinations 

naissent et se développent. Processus. C’est-à-dire 

inchoations sans fin. 

Jean Degottex 

(g. à d.) Débris (XXV) et Débris (I) 

21-1-1980, Acrylique sur plâtre sur brique, 34 x 10,5 cm 

8-1-1981, Acrylique sur plâtre sur brique, 31 x 16 cm 


Jean Degottex 

(g. à d.) Débris bleu (I) et Débris (XI) 

4-1-1980, Acrylique sur plâtre sur brique, 35,3 x 20,5 cm 

8-1-1980, Acrylique sur plâtre sur brique, 34 x 20,5 cm 


Jean Degottex 

(g. à d.) Débris (XVI) et Débris (XX) 

14-1-1980, Acrylique sur plâtre sur brique, 35,5 x 20,5 cm 

18-1-1980, Acrylique sur plâtre sur brique, 35 x 26 cm 


Hélène Durdilly 

Diptyque 2 

2016, Gesso et encre sur papier marouflé sur toile, 120 x 160 cm 


La germination emprunte d’autres voies chez Hélène 

Durdilly. Singulièrement le travail en série. 

Interminablement le thème revient. Le développement 

se réalise de façon sourde, profonde, organique. 

On ne saurait dire comment, la répétition engendre 

sa propre extension. Longtemps on ne voit que les 

mêmes lignes se mouvant dans le même espace et la 

même lumière. Mais en art, où tout compte, la répétition 

n’existe pas. D’une feuille (d’une toile) à l’autre, le 

temps a passé, la lumière imperceptiblement change 

et l’on se retrouve avec les mêmes lignes sombres, 

vivantes, différemment vivantes à chaque millimètre 

de leur parcours. 

Deux d’entre elles, rejetées contre le bord extrême de 

l’œuvre, suivent l’arête sur presque toute sa longueur 

non parallèlement toutefois. 

Bougés, interruptions procurent à notre sensibilité, 

avec un léger tressaillement, manifestation spécifique 

du sentiment d’« espace plastique », tout ce que peut 

nous apporter l’art. 

Les deux lignes à peu près casées, se libère la totalité 

du champ, d’un blanc mat, un peu croûteux et raboteux, 

parfois imperceptiblement fissuré ou empâté. 

Nous sommes passés d’une série à une autre très différente 

à partir, sans doute, de certaines des disparités, 

générées par les répétitions, sans que celles-ci 

puissent être identifiées. 

Ce n’est qu’au cœur même de « l’éternel retour » 

qu’une progression (ou plutôt une ingression) est 

possible. Et c’est moins le changement, modeste, des 

formes qui se remarque qu’un changement d’état. 

Mais toujours, à l’extrême bord du présent, le pied 

déjà sur l’angle de l’essor, Hélène Durdilly scrute non 

le futur mais l’extension de son propre temps. 



Été 2016 - 2 - C 




Été 2016 - 1 - A 




(g. à d.) Petite série - C et Sans titre 

2016, Gesso et encre sur carton marouflé sur toile, 65 x 50 cm 




(g. à d.) Petite série - D et Petite série - B 





Petite série - A 




Été 2016 - 1 - C 



Nulle trace de geste dans l’œuvre exposée de Claude 

Chaussard. Cette ligne unique n’est ni tirée ni tracée. 

Elle est « claquée », projetée comme au tir à l’arc. 

Poudre sèche de bleu charron qui claque dans le 

blanc. 

Ou bien la feuille se couvre de lignes. Et c’est comme 

si une compagnie d’archers avait lâché contre le vide 

une salve qui fait, un instant, résonner sèchement le 

silence. 

Le papier blanc est la caisse de résonance du claquement. 

Ce bleu absolu ne vit que de son propre 

creusement. Il vit sa vie dans la lumière. 

Si l’on accepte de la vivre avec lui, l’on atteint, comme 

une aubaine, le blanc du bleu, le même que les teinturiers 

appellent la fleurée. 

Dans la préparation du pastel bleu à partir des feuilles 

de guesde, cette fleurée, une mousse blanche sur 

les bords de la cuve, indique que le bleu est à son 

acmé. 

En vérité ce que projette la corde de l’arc n’est rien 

d’autre que la milliseconde neuve qui naît. Elle est 

bleue comme le sont aussi les étoiles qui naissent. 

Peindre le temps qui passe est le thème le plus 

récurrent dans l’œuvre de ce peintre. 

Il le fit naguère avec les huiles dépigmentées. 

Claude Chaussard 

16 Lignes bleues 

2010, Trait de craie sur papier, 112 x 56 cm 

Le claquement trouve ici une expression graphique 

inédite. En fait, chaque seconde qui surgit restera 

éternellement audible. Nous ne voyons pas seulement 

la trace d’un claquement, nous sursautons, chaque 

fois que nous regardons l’œuvre, au claquement 

lui-même. 



Notes N°13 et N°14 





Note N°1 




Le grand bleu 



Inchoatifs, Fredrikson, Degottex, Durdilly, Chaussard. 

D’autres. Gramatski, Casadesus, Pollock et Klein. 

D’autres encore, pas si nombreux, sans parler de Turner 

et surtout du fondateur de ce mouvement « inchoatif » 

que nous nommons ici, le plongeur rouge originel, découvert 

dans une tombe en Campanie près de l’antique 

Poseidonia, en plein saut depuis 2500 ans devant les 

falaises blanches de Leucade. 

Maurice Benhamou 


Notes biographiques 


Né à Paris en 1954, Claude Chaussard se consacre aux arts plastiques après avoir obtenu son diplôme 

d’architecte en 1985. Parallèlement à sa production picturale, Il enseigne les arts plastiques dans les 

écoles d’architecture où il se spécialise en art urbain. Conférencier sur l’art et l’architecture des années 

30, consultant pour diverses agences d’architectes et commissaire d’expositions, il a signé, au Canada 

et en France des œuvres d’aménagement urbain et public. Il a été directeur administratif et pédagogique du 

Centre d’Expression par les Arts Plastiques de la ville d’Issy-les-Moulineaux.Il a participé à de nombreuses 

expositions à l’international et ses œuvres font partie de collections privées ou publiques, au Canada, en 

France et aux États-Unis. Il travaille aujourd’hui au Québec et en France. Actuellement artiste de la galerie 

Eric Devlin, de la Galerie Correia Art-contemporain (Québec) et de la galerie Jacques Lévy (Paris). 

Jean Degottex 

Jean Degottex, né à Sathonay, près de Lyon en 1918, est mort en 1988 à Paris. 

Autodidacte, il expose pour la première fois en 1949 à la galerie Denise René, à Paris, qui soutient les artistes 

de l’avant-garde abstraite. 

« À l’origine peintre abstrait lyrique, très influencé par l’art japonais et la doctrine zen, Jean Degottex 

expérimenta beaucoup de techniques pour évacuer le geste et, au-delà, toute marque de présence de 

l’artiste. Il méditait longuement avant de passer à l’acte. Du zen, il apprit qu’aucune chose n’existe 

seule — ainsi le “vide” de la toile est une composante de l’oeuvre au même titre que les signes auxquels 

il est lié. Ce rapport quasi mystique à l’art rapproche Jean Degottex des grands peintres abstraits 

américains, Rothko ou Newman. » (Olivier Cena) 

Son oeuvre est présente dans les musées du monde entier, des États-Unis au Japon, en passant par le 

Centre Georges Pompidou, à Paris. 



Hélène Durdilly est née à Lyon en 1947. Elle expose à la galerie Jacques Lévy depuis 2007. 

D’abord influencée, dans les années 1980, par l’expressionnisme américain, sa peinture s’est ensuite 

simplifiée. Elle donne alors des tableaux gris monochromes travaillés dans un jus à l’huile d’où 

émergent des notes plus claires ou plus foncées, à peine colorées quelquefois. 

A partir de 2010, elle prend le contrepied de cette peinture, décidant de se donner les moyens d’une 

peinture plus aiguisée. Le pinceau est supprimé. La gestuelle réduite au trait. Le papier est posé au 

sol, imprégné de gesso puis tourné, retourné, raclé, frotté, percé. Le papier ainsi transformé est le 

fond sur lequel des lignes sont tracées au bâton d’encre de Chine. Le dessin est ensuite longtemps 

remanié jusqu’à ce qu’elle obtienne ce qu’elle recherche : un espace clair et ouvert. Un espace dont 

les lignes sont le contour, interrompues parfois afin qu’elles respirent. 

D’abord sinueuses, elles se sont récemment géométrisées. 


Lars Fredrikson, né à Stockholm en 1926, est venu vivre à Paris en 1947, avant de s’installer dans le 

Vaucluse dans les années 60. Après avoir travaillé dans un laboratoire de recherche de l’armée suédoise, 

fait des études d’électronique, puis s’être engagé comme officier radio de la marine marchande, 

il a recherché — dans le dessin comme dans la sculpture — des pratiques novatrices liant 

espace et son (ce qu’il nommait “les sons plastiques”) : dessins et sculptures à l’explosif, “tableaux 

sonores aux mouvements aléatoires”, sculptures en inox, matérialisations sur papier électrosensible 

de signaux et sons enregistrés dans l’espace, etc. Il a exposé, entre 1971 et 1980, dans de nombreux 

lieux, notamment à la Fondation Maeght, mais aussi réalisé de nombreux livres d’artistes avec des 

poètes (Alain Veinstein, Claude Royet-Journoud...). Il est mort en 1997.

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