Exibart.onpaper 25 - Eventi artistici in Italia

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La Biennale asciutta
A poche settimane dalla chiusura della cinquantunesima edizione torniamo a parlare di Biennale d'Arte di Venezia.
Con un articolo che pone la mostra costruita dalle due curatrici spagnole in un flusso espositivo che parte dalla fine
degli anni Novanta e dunque dalle Biennali curate da Harald Szeemann passando per quella di Francesco Bonami...
�� Come tutti i fenomeni complessi,
ogni Biennale è il riflesso
ineluttabile di una miriade di fattori
contingenti e di pochi fatalistici
riflessi della propria epoca.
"Nessun tema determina la scelta
degli artisti" diceva il compianto
Harald Szeemann, una frase
luminosa che pare valere per
molte grandi mostre e che rende
l'idea anche di questa 51esima
edizione.
Sempre l'omone Szeemann sposava
nel 2001 quell'"appello a
ciò che di eterno c'è nell'uomo",
lanciato dalle centinaia di artisti
scovati negli angoli remoti del
"pianeta arte" dopo un lungo
viaggio di meditazione e preparazione
della Biennale. "Appello -
diceva - che è valido soltanto se
si riferisce a ciò che è locale e
radicato". Szeemann, che con la
mostra dAPERtutto (1999)
superò ogni separazione tra artisti
affermati e giovani, equiparando
gli stili. Era il regista universale,
l'instancabile globetrotter indipendente,
inafferrabile, utopista,
"asceta" sul suo Monte Verità
che mentre scopre la Cina pensa
al Messico, sempre in cerca di
nuove zone vitali dell'arte. Questo
autentico "curatore indipendente",
questo collezionista d'incontri
umani, allestitore infaticabile
delle proprie mostre, lo ricordiamo
nell'ufficio stampa subissato
come sempre dalle richieste dei
giornalisti. Sapeva rispondere
con calma, riflettendo in profondità
ad ogni domanda. Nella sua
seconda Biennale aveva posto il
Pensatore di Rodin al centro di
assembramento di maschere e
statue tribali di ogni parte del
mondo. Stava riconoscendo la
centralità all'arte occidentale,
ma anche l'esistenza di realtà
artistiche marginali, che in
Biennale non potevano arrivare
in quanto considerate reperti
antropologici.
Due anni dopo giungeva
Francesco Bonami da Chicago
e firmava una Biennale "polifonica",
singolare perché pluralista:
dodici curatori invitati (anche
molto giovani), tematiche audaci
ed un titolo generale da provocare
i brividi al sistema. Tra Sogni e
Conflitti la dittatura dello spettatore
suscitava perplessità. Molti
erano abituati a considerare dittatori
i collezionisti, i curatori,
direttori di musei o i politici della
cultura. L'ultimo anello della catena
sembrava invece a Bonami
quello decisivo. Riservando alla
Pittura/Painting la retrospettiva
del Correr, tentava di "ridare allo
spettatore il controllo del proprio
sguardo e della propria immaginazione"
facendolo "diventare il
dittatore della propria esperienza
di mostra". "Il pubblico potrà
fare le proprie scelte, creare un
itinerario individuale" diceva a chi
lo interrogava sulla ricchezza e
complessità dell'impianto. Un giudizio
che appare adatto più al
mondo della televisione che dell'arte,
a quel media domestico
dove il telecomando è scettro e
l'audience a potere su tutto.
Come Szeeman prima di lui,
anche Bonami affrontava un
tema vasto, dalle implicazioni
sociali e pensato per affrontare il
mondo contemporaneo da un
punto di vista esterno, piuttosto
analitico. Bonami ci ricordava
che proprio l'arte, vista la forte
specificità dei suoi linguaggi, rappresenta
l'ambito maggiormente
tutelato dall'influenza delle
masse, un luogo di autodeterminazione
del soggetto che crea e
di quello che osserva. Il sottotesto
di Bonami sembrava scritto
in inglese americano, lingua di un
sistema in cui gli sponsor, il marketing,
la vendita di gadget e
biglietti influiscono sui musei in
Da sinistra Maria de Corral, Davide Crof, Barbara Kruger con il suo Leone
D'Oro e Rosa Martinez
misura maggiore rispetto ai più
protetti musei italiani.
Se Szeeman era il regista factotum,
l'onnivoro divulgatore di
un'immagine del contemporaneo
che, per quanto frammentato,
ritiene in sé la possibilità di essere
ancora raccontato, Bonami è
il cavaliere del post-moderno,
colui che sa essere vano il tentativo
di costruire una visione del
mondo (dell'arte) in Biennale e
quindi opta per la spartizione
dello sguardo con colleghi scelti
per aree geografico-tematiche,
in modo da rifondare una sorta
di geopolitica degli immaginari
del contemporaneo che nel XXI
secolo si sviluppano per vaste
aree geografiche e per civiltà,
piuttosto che per nazioni.
Szeeman è figlio degli anni
Sessanta, dei diritti universali,
della scoperta entusiastica delle
culture dei mondi terzi, della
venerazione di saperi antichi,
ancestrali non più trattati come
mere superstizioni. È l'uomo dell'utopia.
Bonami è invece personaggio
degli anni Ottanta, del
professionismo, dello yuppismo
meritocratico: il suo è lo sguardo
più freddo e compiaciuto di chi
conosce a fondo la professione e
la logica mediatica della nuova
popolarità globale. Il sistema dell'arte
evoluto, quello dei Mister
Saatchi e dei Monsieru Pinault,
ha in Bonami il suo curatore e
nella 50esima Biennale la dichiarazione
fattiva dell'inadeguatezza
di un unico monolitico percorso
di senso. Bonami lo sa e gioca ad
indebolirsi per lasciare spazio ai
discorsi dei colleghi: una mossa
astuta e onesta da parte di un
curatore che non si sente più
l'impositore di ordini storico-critici
(alla Jean Clair o alla
Germano Celant) o l'inesausto
esploratore che espone quanto
dell'arte "assomiglia" alla vita
(come Szeemann o Achille
Bonito Oliva). Bonami è il
modello "debolista" della nuova
arte, il curatore preso nel flusso,
che sa usare strategie di condivisione
e corresponsabilità perché
alla fucina interiore del proprio
pensiero preferisce la dialogia
socratica. Alla grande domanda
della Biennale si risponde insie-
me, non più soli.
Dopo due anni e diversi rivolgimenti
politici, Rosa Martinez e
Maria De Corral si aggiudicano
l'onere di costruire la mostra
internazionale della Biennale più
famosa del mondo. Il presidente
Davide Croff, con piglio imprenditoriale,
sa che occorrono novità
e sa proporne di belle. Dopo centodieci
anni di maschi propone
due donne, due spagnole, complementari
per età e forma mentis.
Non hanno dimenticato il
femminismo e si avverte nel
Leone d'Oro che tributano a
Barbara Kruger, anima anticonformista
di un'arte contestataria
che critica la società adottando
il punto di vista disincantato
delle minoranze.
La prima grande domanda di
questa Biennale riguarda dunque
lo sguardo femminile. Il femminismo
è femminile? La prima
sala dell'Arsenale in mano alle
Guerrilla Girls sembra esprimere
intelligenti slogan di un
tempo trascorso, davvero difficile
da ritrovare nell'era delle veline.
Pare più un'operazione "di
facciata", di make up, che l'affermazione
del nuovo universo
donna. Le due "direttore" non si
lasciano andare alla sfida,
rischiosa ma interessante. Forse
perché il mondo dell'arte sembra
l'isola felice in cui le donne si
sono maggiormente affermate. Il
femminile nell'arte contemporanea
è ben presente, ma in quali
forme e modalità è difficile dire e
analizzare. Le due curatrici
avrebbero potuto mettere un
punto fermo. Ma sarebbe stata
una nuova "analisi" con giudizio
perentorio annesso.
Ogni Biennale è espressione del
proprio tempo e questa sembra
il riverbero di un'epoca stanca di
esteriorità, volta a cercare nuove
frontiere nelle pieghe intime della
persona e delle sue esperienze
più radicali, come quelle dell'arte,
della religione o del benessere
individuale. Le due spagnole scelgono
il rifugio eccentrico di due
titoli significativi: L'esperienza dell'arte
accoglie Maria De Corral
tra le pieghe di un mare sempre
in tempesta, da cui sgorgano
sognanti omaggi a Melies da
parte di William Kentridge,
artista assoluto. L'arte si pone
come esperienza totalizzante,
inarrestabile promessa di felicità
e di angoscia, ma al di là dei proponimenti
"come da testo in
catalogo", il titolo resta il rifugio
impenetrabile della soggettività
dello spettatore e della curatrice,
la quale mira all'intensità, al coinvolgimento
suscitato da artisti
già "compagni di viaggio", lasciando
il fianco scoperto all'arbitrarietà.
Di fronte al pericolo, dichiara:
"Mi piacerebbe che il labirintico
percorso dell'arte fosse vissuto
non come una storia compiuta
ma come un processo definito in
termini di relazione tra soggetti,
forme, idee, spazi diversi, assomigliando
esso più a un centro di
sperimentazione che ad un
cumulo di certezze". Il Padiglione
Italia, però, mantiene una quiete
che non rende giustizia alle
aspettative sturm und drang che
il termine "esperienza" oggi comporta.
E di "viaggio frammentario come
una drammaturgia soggettiva e
appassionata" parla Rosa
Martinez, che propone Corto
Maltese, il personaggio dei
fumetti di Hugo Pratt, come il
Caronte delle istanze neoromantiche
nel nostro mondo disincantato.
Una scelta che sembra dettata
da una passione inconfessata
della curatrice. Anche l'approccio
della Martìnez resta
quindi lontano da quello di
Szeeman o di Bonami. Concorda
con la De Corral un approccio
complementare e decide di spingersi
Sempre un po' più lontano,
in luoghi letterari e immaginari
radicali come quelli della bad
painter turca Semiha Berksoy
o del performer tedesco John
Bock.
La Biennale dei cento artisti contrasta
le sue precedenti anche
nei mesi di preparazione: soltanto
cinque "operativi" questa volta,
a dimostrare che flessibilità e
precarietà appartengono anche
alla massima istituzione d'arte
italiana, spesso sferzata dai venti
di una politica che tende all'ipertrofia.
Specchio di uno zeitgeist
segnato da un maggior senso di
volatilità dell'esistenza, al quale lo
sguardo femminile risponde con
l'atteggiamento più personale
del racconto e non con quello
distaccato dell'analisi. Distinzioni
labili ma che forse possono per
ora indicarci una differenza di
approccio tra i due curatori precedenti
e le due curatrici di oggi.
Comunque sia, la più "asciutta"
Biennale della laguna segna
comunque il record di padiglioni
nazionali. Che non siano loro, in
tempo di massima globalizzazione,
il vero corpo sognante delle
future Biennali? �
[nicola davide angerame]