bresciaMUSICA 132 Febbraio 2013 ( PDF 2,5 Mb) - Isidoro Capitanio

IN QUESTO NUMERO:
•RICORDO DI
REMO CROSATTI
•ANNIVERSARI:
GESUALDO DA
VENOSA,VERDI,
WAGNER, BETTINELLI
•IL FESTIVAL DI SANREMO
•SPAZIO AMATORIALE:
IL CONCERTO AL GRANDE
DELLA “I. CAPITANIO”
•UN CORSO DI
PERCUSSIONE NEL
CARCERE DI VERZIANO
SPEDIZIONE IN A.P. 70% - FILIALE DI BRESCIA
Già si vedono iniziative
di rilievo in
questo 2013 verdiano
e wagneriano,
bicentenario della
nascita dei due giganti
dell’opera. Alla fine di
gennaio si segnalava a
livello nazionale un convegno
sul duplice anniversario
organizzato dall’Istituto
Lombardo Accademia
di Scienze e
Lettere presso il Ridotto
dei palchi della Scala di
Milano con la partecipazione
di autorevoli studiosi
italiani, mentre nel
Bresciano venivano tenute
al Teatro Sociale di
via Cavallotti due conferenze
rispettivamente da
Roberto Gazich (Wagner
e la nascita della tragedia)
ed Ermanno Paccagnini
(Verdi e i suoi librettisti)
nell’ambito della
rassegna Gli incontri del
Foyer curati dallo stesso
Roberto Gazich che a loro
volta rientrano nella
Stagione di prosa del
Teatro.
Il buon giorno si vede
dal mattino. È lecito attendersi
ulteriori celebrazioni
e momenti di studio
di alto livello sia nel panorama
nazionale sia locale
(per quanto questa
distinzione sia appropriata)
ed è probabile che
132
FEBBRAIO 2013
brescia
MUSICA
BIMESTRALE DI INFORMAZIONE E CULTURA MUSICALE
DELL’ASSOCIAZIONE FILARMONICA “ISIDORO CAPITANIO”
A PROPOSITO DI ANNIVERSARI
OLTRE WAGNER E VERDI
sentiremo parlare solo di
loro, o quasi. Tuttavia, il
2013 non coincide solo
con i numeri di Verdi e
Wagner bensì, guardando
al passato, anche di
di CARLO BIANCHI
Gesualdo da Venosa e
Arcangelo Corelli, nonché
di alcuni caposaldi
del Novecento come
Britten, Poulenc, Hindemith.
Un piede nell’Otto-
cento e uno nel Novecento
per Mascagni, altro
nome importante dell’opera.
Classe 1913 era
Bruno Bettinelli, che ha
lasciato a suo modo
un’impronta indelebile
nella vita musicale italiana
soprattutto tramite la
sua attività di insegnamento
al Conservatorio
di Milano. I nomi di certi
suoi allievi si commentano
da soli, anche se solo
pochi sono diventati
compositori, e pazienteranno
gli esperti se li citiamo
ancora una volta: da
Claudio Abbado ad Aldo
Ceccato, da Riccardo
Muti a Maurizio Pollini,
e poi Uto Ughi, Gary Bertini,
fino ai nostri Giancarlo
Facchinetti e Umberto
Benedetti Michelangeli.
Milano sta rendendo
onore alla figura di Bettinelli
con varie iniziative,
conferenze, tavole ro-
Il 5 per mille per la “Isidoro Capitanio”
L’associazione Amici della Banda cittadina di Brescia per lo sviluppo
sociale e sostenibile si impegna a sostenere tutte le attività
della Banda cittadina di Brescia.
Nell’apposita casella della dichiarazione dei redditi scrivete il codice fiscale
9 8 1 5 2 3 9 0 1 7 9
ANNO XXVII N° 132 - FEBBRAIO 2013
tonde, concerti, all’interno
delle “Cinque giornate”
della musica in programma
a partire dal 18
marzo, e con un concorso
pianistico intitolato al
compositore nella città
di Treviglio. Iniziative perfino
all’università di Boston.
BresciaMusica ritiene
di dare ai lettori un
contributo originale raccogliendo
in questo numero
la testimonianza di
Silvia Bianchera, moglie
di Bettinelli e parte attiva
delle “Giornate” milanesi,
che evidenzia alcuni
dettagli poco noti riguardo
all’attività del marito
– senza tralasciare l’aggancio
“bresciano” che
ella rappresenta.
A proposito di anniversari
“bresciani”, sono trascorsi
giusto vent’anni
dalla scomparsa di Camillo
Togni. Su una delle
più importanti riviste
musicologiche italiane, Il
saggiatore musicale, è
stato pubblicato recentemente
un ampio articolo
di uno studioso bresciano,
Alessandro Venzi.
BresciaMusica da parte
sua non passerà la ricorrenza
sotto silenzio. Altro
anniversario bresciano,
rivolto però al repertorio
classico, quello di Ferdinando
Gasparo Bertoni.

2 -
bresciaMUSICA
I
o e Remo siamo stati
compagni di studio, fin
da piccoli, nella classe di
organo dell’allora neonato
Conservatorio di Brescia.
All’inizio con Eva Frick, la nostra
prima e giovane maestra, poi
un anno con Walter Zaramella,
infine con Luigi Benedetti che
ci ha portati al diploma, a Milano.
Remo si è diplomato un anno
prima di me. Lui era nato
musicista: si sedeva davanti alla
consolle con la disinvoltura
che è propria di chi “deve” fare
musica, e lì suonava, improvvisava,
leggeva a prima
vista, cantava. Era molto più
bravo di me, davvero, ma
questa cosa non mi ha mai fatto
ingelosire perché già fin da
allora intuivo che ci sono predisposizioni
naturali che neanche
con anni di studio matto e
disperatissimo avrei potuto
sperare di sfiorare.
Abbiamo quindi passato insieme
gli anni della giovinezza,
dei quali ho ricordi anche molto
divertenti. Ma non ci siamo
abbandonati dopo il diploma.
Ci si trovava di frequente, si sapeva
l’uno dell’altra, ci si voleva
bene. Difficile, del resto,
non voler bene a Remo, sempre
gentile e disponibile.
Nella vita, Remo aveva scelto
di fare – oltre che l’insegnante
alle scuole medie dopo
un anno di docenza in un
IN RICORDO DI REMO CROSATTI
NATO MUSICISTA
SOMMARIO DEL N° 132
di MARIELLA SALA
Conservatorio – il musicista di
chiesa: ruolo sconosciuto ai
più, ma importante anche se,
ormai, fuori moda, almeno qui
in Italia. Per fare il musicista di
chiesa ci vogliono molte doti:
bisogna essere disponibili non
solo nel tempo, ma anche nella
testa; sapere rimediare quello
che occorre, spesso al momento;
superare gli ostacoli imprevisti
che, sempre, arrivano
in una funzione (specie se importante).
E, poi, ci vuole molta
pazienza, virtù – questa –
che (come dice il parroco della
chiesa dove anche io suono
l’organo) non è una noiosa
virtù da vecchi.
Siamo anche stati vicini, molte
volte, in occasione di alcune
sue idee concertistiche: lui
era un vulcano, aveva idee in
continuazione e riusciva sorprendentemente
ad arrivare in
fondo a tutte le proposte inconsuete
che elaborava. Pietro
Gnocchi, per esempio, l’ha
scoperto lui, molti anni fa, in un
concerto in Duomo con vari
cori; anni dopo ha organizzato
una tournée per le Ancelle della
Carità riscoprendo musiche
sconosciute depositate nel loro
archivio; altre volte, numerose,
ha organizzato i concerti
per San Filippo Neri, alla Pace,
presentando spesso opere
nuove appositamente scritte
per l’occasione. Negli ultimi
anni, poi, si era dato alla ricer-
pag. 1 Oltre Wagner e Verdi di Carlo Bianchi
pag. 2 Ricordo di Remo Crosatti di Mariella Sala e c.b.
pag. 3 Biscrome di al.m.
pag. 4 Anniversari:
Giuseppe Verdi e Richard Wagner
di Andrea Faini
Gesualdo da Venosa di Alessandra Moreni
Bruno Bettinelli a cura di Carlo Bianchi
pag. 8 Jazz:
La recente scomparsa di Dave Brubeck
di Giuseppe Gioacchini
pag. 9 Rock e dintorni:
Il festival di Sanremo di Piero Tarantola
Isaia & l’Orchestra di Radio Clochard
a cura di Olmo Chittò
pag. 11 Le 4 Stagioni della musica
pag. 12 Se la musica muore:
Si va verso la fine del genere colto?
di Augusto Mazzoni
pag. 13 ... con mordente di gus.tro.
pag. 14 La nuova “Officina” di Filippo Fasser
a cura di Giacomo Baroni
pag. 16 Spazio amatoriale:
Il concerto al Teatro Grande della
“Isidoro Capitanio” di Marisa Viviani
e Luigi Fertonani
Il Coro “Calliope” a cura di Paola Donati
pag. 19 Il concorso per studenti nell’ambito
del Festival pianistico 2013
pag. 20 Il corso di percussioni nella Casa circondariale
di Verziano a cura di Paolo Tesi e Olmo Chittò
pag. 22 Gli organi delle chiese di Gargnano
di Umberto Perini
pag. 23 La musica nella letteratura:
Sospiri al pianoforte di Antonio Fogazzaro
pag. 24 Canti della tradizione popolare bresciana
Illustrazioni fuori testo:
immagini del Concerto al Teatro Grande
della Banda cittadina di Brescia
[Fotografie di Gianpietro Mazzelli, Prisca Pezzagno e Luciano Saia ]
ca musicologica, pubblicando
numerosi (e consistenti) volumi:
il catalogo dell’archivio musicale
della Pace, per esempio,
o l’ancora più voluminoso catalogo
del Fondo musicale delle
Ancelle della Carità.
Per non dimenticare poi il
lungo impegno con il suo Insieme
Vocale Gregoriano che ha
fatto sentire, per molti anni,
quel canto durante le Messe
nel nostro Duomo.
Qualche mese fa, era estate,
ha regalato molti dei suoi libri
alla Biblioteca del Conservatorio
(se guardate, nel catalogo
di SBN, talvolta si trova
scritto, in nota, “Dono di Remo
Crosatti”). E io, intanto che insieme
guardavamo i libri, gli facevo
presente con amarezza
che non mi pareva un bel gesto
disfarsi di una biblioteca,
cosa preziosa in sé e che poteva
ancora essergli molto utile.
C
redo che fosse un Siheko,
uno di quei mezzacoda
coreani che
forse non suonano come
gli Yamaha ma vanno benissimo
per chi come me preparava
l’ottavo e poi il diploma.
Si trovava al terzo o quarto
piano dell’oratorio di S. Agata,
dove Remo aveva il suo stu-
Ma lui diceva che doveva fare
un trasloco (proprio così: un
trasloco) e che nella nuova casa
i libri non ci potevano stare.
È stata l’ultima volta che ci
siamo visti. Era ammalato. Senza
troppo clamore, perché era
una persona molto riservata
SULLA PUNTA DELLE DITA
dio, in un mare di libri, spartiti e
strumenti d’epoca. Lui era stato
di una disponibilità rara,
quasi inaspettata, per me, che
non lo conoscevo, quando gli
chiesi se potevo esercitarmi su
quel pianoforte onde svincolarmi
un po’ dal mio verticale e
non tartassare sempre i miei familiari
con il maledetto Gradus
nel suo privato. E poi se ne è
andato, troppo presto, una
mattina di gennaio. Il giorno
del suo funerale nevicava.
La città ha perso un grande
musico (definizione da lui scelta
per il suo ex-libris), io anche
un caro amico.
di Clementi (passi per Bach,
che è sempre musica). “Vieni
pure. A me non dai fastidio,
anzi mi fa piacere”. Ma non immaginavo
che i pomeriggi passati
su quel pianoforte erano
parte di un mondo musicale
che mi si stava schiudendo.
segue alla pagina 3

segue dalla pagina 2
Eravamo entrati in contatto
tramite due membri del gruppo
di canto gregoriano che lui
aveva fondato e dirigeva, Bruno
Angoscini e Giambattista
Tura (anni dopo avrebbero dato
vita per conto loro a un coro
di canti popolari molto apprezzato,
“Le Rocce Roche”,
testimoniando secondo me il
valore dell’esperienza con Remo).
Già che ero lì a studiare,
mi invitò a un concerto in cui
dovevano eseguire pagine del
lliber vermell.
Sapendo che avevo fatto
un buon liceo, mi chiese di tradurre
un testo dal latino all’italiano
per le letture, lo ricordo
benissimo, Stella splendens.
“Ma visto che la musica la sai,
perché non vieni anche a girarmi
le pagine all’organo?”.
Tra un canto e l’altro aveva infatti
l’abitudine di suonare dei
pezzi organistici a sé stanti, per
dare varietà al concerto.
E fu lì, voltandogli le pagine
di una qualche Toccata, che
mi resi conto che dietro quei
modi cortesi e quel volto sempre
sorridente si annidava, in
verità, un gran musicista.
Forse quella Toccata non la
leggeva per la prima volta, ma
la sua facilità esecutiva era
sconcertante, specie se rapportata
alla difficoltà del pezzo.
Ero più in difficoltà io a seguire
il rigo. “Aspetta che abbia
finito di leggere, prima di
girare” si preoccupò di avvertirmi,
e mentre scandiva questa
frase suonava in totale indipendenza
una specie di contrappunto
doppio in sovrapposizione
al bordone dei pedali.
Era quella rara capacità di
Opinioni
Recentemente, nel corso di una
intervista, un illustre concertista
ha affermato che
per capire Chopin è sufficiente
ascoltare alcuni suoi Preludi, come,
per capire Beethoven, ascoltare le sue
Bagattelle per pianoforte. Forse intendeva
dire che nei Preludi e nelle Bagattelle
c’è, per così dire, un particolarissimo
concentrato di energia musicale,
chopiniana e beethoveniana. Opinione
condivisibile. Ci si consenta però
di osservare che affermazioni siffatte,
nella loro perentorietà, si prestano facilmente
a generare equivoci, come
quello di credere che, una volta individuate
quelle che ci sembrano le pagine
più salienti di un compositore, il resto
sia di secondario rilievo, addirittura
trascurabile, una specie di “aggiunta”
non proprio necessaria. Vengono in
mente, a proposito, i pronunciamenti
tipo: “La Traviata è un’opera meravigliosa,
e così verdiana, che, per capire
Verdi, non c’è bisogno d’altro”
(l’abbiamo letta su un settimanale).
Affermazioni dettate certo dall’entusiasmo
di chi scopre qualcosa di entusiasmante,
ma forse anche dalla inclinazione
a concedere spazio al gusto
dell’esprimersi per paradossi, e forse
anche dalla tendenza che giace
nel nostro inconscio a voler dare valore
assoluto a una nostra più o meno
estemporanea opinione (le opinioni, si
“avere la musica sulla punta
delle dita” come diceva Mendelssohn
a proposito dei grandi
pianisti, che però nell’organo
si unisce a quella dei piedi.
Questo volevo ribadire per
evitare che andasse dimenticato
nel caso non si cogliesse
dalle sue incisioni e dato che
non sono cose scritte. A differenza
di altre: perché poi Crosatti
ha curato alcuni lavori
editoriali significativi per la storia
della vita musicale a Brescia,
su fondi, istituzioni, congregazioni
e compositori, e fra
le varie cose ha anche scritto
parecchia musica – mi pare
addirittura qualche oratorio –
che saranno i segni più evidenti
del suo ricordo.
Lo avevo incontrato ancora
negli ultimi tempi, affabile come
al solito. “E un po’ che non
vieni a suonare ma ti vedo
sempre volentieri, e poi ti leggo
sempre su BresciaMusica”.
Ti sia lieve la terra, Remo.
Quelli che ti hanno conosciuto
davvero sapevano che la tua
religiosità non era solo nella
musica.
c.b.
SOSTENETE
BRESCIAMUSICA
ASSOCIANDOVI
ALLA
FILARMONICA
“ISIDORO
CAPITANIO”
sa, si muovono nella soggettività, ma è
irresistibile il bisogno di pensarle, direbbero
i filosofi, come epistéme, vale a
dire come certezza incontrovertibile).
Diversamente opinando, e concedendoci
a una lapalissiana ovvietà,
potremmo però anche essere dell’opinione
che per capire Chopin, o
Beethoven, o etc. etc. quant’altri potremmo
elencare, sarebbe bene
ascoltarli con qualche apprezzabile
attenzione alla ampiezza di quel che
ci hanno lasciato in eredità. Certo siamo
tutti indaffarati in mille impegni e
quotidiane quisquilie, e non si può
concedere molto tempo all’“ozio”
dell’ascolto. Però visto che quell’eredità
è lì, disponibile per chi la voglia
godere, forse è il caso di concederle
qualcosa del nostro tempo. Se è vero
come pare sia vero, che la musica
“favorisce la crescita del nostro esserci
come uomini” cerchiamo di conoscerla.
Non accontentiamoci di un
Preludio di Chopin o di una Bagattella
di Beethoven, e nemmeno, per capolavoro
che sia, de La Traviata. C’è
qualcos’altro; molto altro.
Le due facce della musica
Abbiamo già avuto l’occasio
ne di accennare, in questa
rubrica, alla opinione che
attribuisce alla musica le
BISCROME
caratteristiche e le qualità di una
“droga”. Una droga che consente
l’oblio della realtà. Come tale, straordinario
conforto, ma anche preoccupante
strumento di “allontanamento”
da qualunque assunzione di responsabilità.
Obliosa indifferenza. Perfino
Daniel Barenboim, che di musica abbondantemente
si intende e si nutre
(pianista più che eccellente, direttore
d’orchestra impegnatissimo, convinto
assertore della utilità “sociale” della
musica) in un suo libretto-intervista da
poco dato alle stampe afferma: “Se
vuoi dimenticare tutto e scappare dai
problemi e dalle difficoltà, o semplicemente
dall’esistenza, la musica è il
modo perfetto”.
Inquietante concessione a una diffusa
convinzione? Probabilmente no.
Poco più oltre, infatti, nello stesso testo,
si legge: la musica è “uno dei modi
migliori di apprendere qualcosa
della vita umana”. Siamo di fronte a
una contraddizione? Insomma: è una
droga che ci permette di sottrarci alla
realtà o è uno strumento di conoscenza
della realtà?
Può sembrare un comodo stratagemma
– di quelli che servono per salvare
capra e cavoli – se diciamo che
la musica è l’una e l’altra cosa? Forse
no. Possiamo infatti tranquillamente
osservare che questa è la “ambi-
bresciaMUSICA - 3
guità” della musica: ambiguità inquietante,
ma affascinante. E altamente
produttiva. Si tratta, del resto, di una
ambiguità che è propria anche di tutte
le altre arti, ma che certo nella musica
è di più evidente e corposa evidenza.
Non per niente gli antichi greci
avevano inventato il mito delle Sirene
(la musica che affascina e “distrae”,
perfino può “uccidere”) e al
tempo stesso attribuito alla musica origine
divina: un dono degli dei. Si creda
o no negli dei e nei loro possibili doni,
certamente la musica ci dà conoscenza
della realtà nella molteplicità
della sua fenomenicità (ogni pagina
musicale dà voce a qualcosa di umano)
e, contemporaneamente, proprio
in forza di questa conquista di “conoscenza”,
ci appaga, ci “affascina”. E
anche Barenboim, infatti, poco più oltre
dice: la musica “da un lato offre la
possibilità di evadere dalla vita e dall’altro
di capirla molto meglio”. In questa
compresenza di “evasione” e di
strumento di conoscenza sta indubbiamente
la forza (“il dono divino”)
della musica. Ognuno può sperimentarlo,
e riuscire a vivere di entrambi di
questi suoi due risvolti, di queste sue
due facce. Anche se, certamente (va
proprio detto) in alcuni momenti, nei
quali la realtà è insopportabile, il risvolto
“conforto”, o “evasione” che sia, si
fa preponderante. E non è il caso di
rimproverarcelo.
al.m.
Forse non tutti sanno che... la Banda cittadina di Brescia è la più antica istituzione musicale della provincia

4 -
bresciaMUSICA
T
ripla V o Volkswagen?
Scegliete il gioco di parole
che preferite, ma
rassegnatevi: nel 2013
sentiremo parlare solo di loro,
Verdi e Wagner. Sono passati
duecento anni dalla nascita
dei due giganti del teatro musicale
dell’Ottocento e l’occasione
è troppo ghiotta per non
riaccendere la miccia di un
mai sopito confronto tra il principe
del melodramma e il demiurgo
dell’opera d’arte totale.
Concerti, incisioni discografiche,
saggi, dibattiti, tavole rotonde
su Verdi e Wagner ci terranno
compagnia per i prossimi
dodici mesi e, pur setacciando
un terreno crivellato da
infinite esplorazioni, promettono
di svelarci nuovi segreti della
strana coppia e magari di
dichiarare infine il vincitore della
secolare contesa per la corona
di re dell’opera musicale.
Naturalmente, non ci riusciranno:
gli anniversari sono come
le elezioni, decisivi... fino alla
prossima volta. Ma per non
lasciarsi sorprendere e orientarsi
nel mondo della tripla V, ecco
un breve vademecum che
raccoglie (quasi) tutto quello
che dovremmo sapere di loro.
Dalla A alla Z.
A come Antisemitismo
È la macchia indelebile che
sfregia l’arte dell’autore del
Lohengrin. Nel feroce libello del
1850 Il giudaismo nella musica
Wagner semina parole di pietra,
che sembrano non lasciare
spazio a dubbi: “Diventare uomo
nello stesso tempo di noi,
ciò significa per l’Ebreo cessare
di essere Ebreo [...] c’è un solo
modo per scongiurare la maledizione
che pesa su di voi: la redenzione
di Assuero, l’annientamento”.
E a molti è parso di
riconoscere tratti più o meno
velatamente antisemiti anche
nei drammi musicali di Wagner.
Eppure, tra i fedelissimi della
cerchia del compositore, non
mancavano gli ebrei, come il
suo direttore d’orchestra favorito,
Hermann Levi. E molti direttori
ebrei hanno alzato la bacchetta
per dirigere Wagner,
compreso Daniel Barenboim,
che nel 2001 ruppe l’incantesimo
di pregiudizi che teneva
lontana la musica wagneriana
da Israele. Come spesso accade
– si pensi anche a Nietzsche
– la storia successiva – il nazismo,
lo sterminio – distorce la
visione del passato: se indubbiamente
Wagner fu antisemita,
ebbe a cuore assai più la
sua arte, vero spartiacque tra
amici e nemici. Il critico musicale
Hanslick viene messo alla
berlina nei panni del Beckmesser
dei Maestri Cantori assai più
perché fiero anti-wagneriano
che perché ebreo.
B come Bayreuth
Insieme apoteosi e tramonto
del Romanticismo, la musica di
Wagner aspirò più di ogni altra
a diventare religione, culto per
iniziati, porta d’accesso all’Assoluto.
E come ogni religione
che si rispetti, richiese la costruzione
di un tempio per la propria
adorazione e questo tempio
è il teatro di Bayreuth. Edificato
con il denaro di Ludovico
II di Baviera – ultimo e più munifico
di una lunga lista di benefattori
dell’arte wagneriana –
le idee di Wagner e il braccio
dell’architetto Gottfried Semper,
fu inaugurato nel 1873. Tra
le innovazioni che lo caratterizzano,
spicca la “scomparsa”
dell’orchestra, occultata nel
cosiddetto “golfo mistico”,
commentatore invisibile delle
vicende rappresentate sulla
scena. Ancora oggi, Bayreuth
è meta di pellegrinaggio obbligatoria
per i wagneriani osservanti.
C come Colonialismo
È l’accusa che alcuni, tra cui
Edward Said, hanno mosso ad
ANNIVERSARI
GIUSEPPE VERDI (1813-1901) E RICHARD WAGNER (1813-1883)
VADEMECUM PER DUE GRANDI
di ANDREA FAINI
Aida, opera che Verdi compose
nel 1870 per l’inaugurazione
del Canale di Suez; troppi finti
esotismi tradirebbero l’appropriazione
mistificante dell’Oriente
da parte dell’Occidente.
Se Verdi in effetti si compiacque
di qualche effetto retorico,
la musica pare tuttavia
parteggiare più per gli Etiopi
oppressi che per gli Egizi imperialisti.
E più che un saggio antropologico,
l’Aida rimane uno
spettacolo sfarzoso e monumentale.
D come Donne
Nella vita di entrambi i compositori
ci furono un primo matrimonio
nel 1836 e due mogli,
ma le similitudini – in fatto di
rapporti con l’universo femminile
– finiscono qui. Verdi, infatti,
si sposò due volte con convinzione
e due volte rimase dolorosamente
vedovo: prima
con Margherita Barezzi, figlia
del primo benefattore e mecenate
di Verdi, spentasi nel 1840
dopo aver sepolto due figli, e
poi con la cantante Giuseppina
Strepponi, con cui condivise
per lunghi anni amore e musica.
Wagner, invece, si sposò
prima con la mediocre cantante
Minna Planner, senza
amarla – almeno a suo dire –
ma solo cercando un antidoto
alla propria mancanza di senso
pratico. La tradì in innumerevoli
occasioni, a volte per amore
– come con Mathilde Wesendonck,
musa ispiratrice del Tristano
– a volte per interesse,
circuendo dame e fanciulle
per puntellare la sua sempre
catastrofica situazione finanziaria.
Infine, abbandonata
Minna, si risposò con Cosima Liszt,
figlia del compositore e moglie
di Hans von Bülow, direttore
d’orchestra e suo grande
ammiratore, che gradì assai
poco lo scippo. Cosima darà
alla luce tre figli e, alla morte
del marito, prenderà le redini di
Bayreuth come depositaria
della sua memoria artistica.
E come Educazione musicale
Sia V. che W. non ebbero
certo la strada spianata nel
coltivare le proprie attitudini
musicali. Verdi, che aveva ricevuto
nella natia Busseto i rudimenti
della composizione, non
fu ammesso al Conservatorio
di Milano – che oggi porta il
suo nome! – per aver superato
i limiti d’età, e si dovette accontentare
delle lezioni di contrappunto
di Vincenzo Lavigna
e di frequentare i teatri musicali
per carpirne i segreti. A
Wagner andò anche peggio.
A cinque anni venne avviato
allo studio del pianoforte, presto
interrotto perché il suo insegnante
lo giudicò del tutto privo
di talento; l’anno seguente
si riprovò col violino, con analoghi
risultati. Così Wagner dovette
aspettare i sedici anni – e
un ascolto rivelatore del Fidelio
di Beethoven – per decidere di
diventare un compositore, formandosi
prodigiosamente come
autodidatta.
F come Falstaff
All’ultima opera, dopo decenni
di fortune costruite sulla
tragedia, Verdi firma un capolavoro
di musica e umorismo.
Nel raccontare in pentagramma
le vicende shakespeariane
del ridicolo Sir Falstaff, il compositore
di Busseto dimostra di
aver compreso la lezione del rivale
Wagner, morto dieci anni
prima, trovando nuove formule
per coniugare parole e note,
in un irresistibile addio al
melodramma, in bilico tra sorriso
e malinconia.
G come Gesamtkunstwerk
Nella lingua di Dante: opera
d’arte totale. È il concetto su
cui poggia l’intera estetica di
Wagner: rifacendosi alla tragedia
greca, nella sua opera il
compositore mirava a recuperare
la perduta unità di parola,
musica e danza (con quest’ultima
un po’ defilata, per la verità).
Per questo divenne anche
librettista dei suoi drammi
musicali, riassumendo così in
una sola, titanica visione l’atto
della creazione artistica.
H come Habanera
No, questa in Verdi e Wagner
proprio non c’è. Però, ricordandoci
Carmen, ci ricorda
che l’opera dell’Ottocento
non è tutta nel segno della tripla
V.
I come Isotta (e Tristano)
Il capolavoro di Wagner.
Una macchina drammatica
perfetta e una musica sublime,
inquieta e sensuale, bruciata
da una tensione armonica mai
consumata, sono le architravi
di un dramma che esprime
segue alla pagina 5

segue dalla pagina 4
nella maniera più alta la battaglia
di Amore e Morte. Apoteosi
del Romanticismo – le
emozioni soverchiano la ragione,
l’assoluto afferrato nella
notte che sfugge al sorgere
del giorno – ne rappresenta
anche il tramonto, facendo
esplodere nella figura di Tristano
fragilità e incongruenze
che anticipano le angosce
dell’uomo del Novecento.
L come Leitmotive
Sopprimendo la poco realistica
distinzione tra recitativi
(che sospingono la narrazione)
e arie (che esprimono gli “affetti”
dei personaggi sulla scena)
tipica dell’opera italiana,
Wagner ha bisogno di trovare
nuovi perni a cui ancorare la
struttura fluida della sua melodia
infinita. Li trova in quelli che
battezza Grundthemen e poi
saranno chiamati Leitmotive,
cioè motivi conduttori: ogni
personaggio o situazione drammatica
viene associato a un
inciso musicale, che ricorre
ogni qual volta questi si presentano
o sono evocati sulla scena.
Per l’opera musicale, è la
conquista della terza dimensione:
parole e musica non solo
sono portatrici di autonomi
significati, ma realizzano una
polifonia delle idee in cui ogni
parte rimanda al tutto e viceversa.
Una rivoluzione dal successo
duraturo, basti osservare
come il principio dei Leitmotive
sia massicciamente impiegato
nelle colonne sonore dei film.
M come Messa di Requiem
Verdi ci aveva già provato
nel 1869 per celebrare la morte
di Rossini, ma era riuscito a
completare solo un brano, Libera
me. Nel 1873, per la morte
di Alessandro Manzoni, come
lui padre nobile della giovanissima
Italia indipendente,
al compositore riuscì infine di
scrivere un’intera Messa di Requiem.
Ateo dichiarato, Verdi
donò alla pagina sacra il fuoco
del melodramma, trasformando
l’invocazione al cielo
in un conflitto tra l’uomo e il
destino che a volte esplode
con violenza – come nel celebre
Dies Irae – altre si inabissa
in un oscuro scrutare oltre l’ultimo
orizzonte, reso con una tavolozza
armonica di spiazzante
modernità.
N come Nabucco
Il primo grande successo
verdiano, accolto con tripudio
alla prima al Teatro della Scala
1842. Un trionfo che si vuole legato
agli afflati risorgimentali
che attraversano l’opera – in
realtà quasi esclusivamente
circoscritti al Va’ pensiero cantato
su melodia felicissima intonata
dal coro degli ebrei prigionieri
a Babilonia – ma deriva
anche dalla schiettezza
che da lì in poi caratterizzerà il
linguaggio musicale verdiano,
capace di esprimere una leggerezza
popolare anche descrivendo
aspre tragedie.
O come Otello
Penultima opera verdiana,
sbocciata dopo vent’anni di silenzio,
è la prova che: 1) Tra
Verdi e Shakespeare c’è una
consonanza profonda, nel segno
di un affine senso del tea-
tro. 2) Verdi ha ascoltato Wagner:
le forme chiuse si aprono,
le transizioni orchestrali fanno
lievitare le melodie vocali, il
flusso sonoro scorre riflettendo
il tempo della vita. 3) Verdi non
si arrende a Wagner: nell’opera
riaffiorano come relitti fecondi
forme antiche, echi della
storia del melodramma, occhiate
al passato dagli sviluppi
imprevedibili. Conservazione e
innovazione: per non scontentare
il pubblico, ma anche per
disegnare una via personale
verso la modernità.
P come Parsifal
L’ultimo dramma musicale di
Wagner e il compimento del
suo sogno d’artista. Se tutta la
poetica wagneriana si fonda
sul recupero di un’unità perduta,
rappresentata dalla metafora
dell’androginia come
superamento della distinzione
tra i sessi – non è un caso che
in tutti i drammi wagneriani, su
tutti il Tristano, attraverso il sacrificio
d’amore della protagonista
femminile si celebri
un’ideale fusione con la controparte
maschile – Parsifal,
eroe-redentore senza macchia,
ne rappresenta l’incarnazione.
Rappresentazione sacra
ANNIVERSARI
concepita per il teatro-tempio
di Bayreuth, è il vertice della
concezione romantica dell’arte
come religione, capace di
offrire agli uomini una via di salvezza
attraverso la bellezza. E
non pare azzardato ritenere,
considerato l’ego del personaggio,
che sotto i panni del
suo medievale salvatore Wagner
immaginasse se stesso.
Q come Quartetto
Verdi non è solo opera: ha
scritto un solo quartetto, ma è
un capolavoro.
R come Ring
L’Anello del Nibelungo, la Tetralogia,
è uno dei progetti
creativi più monumentali mai
concepiti da mente umana.
Quattro drammi musicali – dall’Oro
del Reno al Crepuscolo
degli Dei – e quindici ore di
musica, per raccontare la nascita
e la fine di un mondo, un
mitologico eterno ritorno in cui
si dibattono ambizione, sacrificio,
amore e vendetta. È quasi
una trasposizione drammatica
dell’estetica wagneriana: tre
figlie del Reno come le tre arti
sorelle, il malefico “ebreo” Alberich
che rinunciando all’amore
per conquistare il potere
rompe l’equilibrio naturale per
imporre la supremazia della
tecnica, l’eroina Brunhilde che
sacrificando la vita per l’amato
Sigfrido rompe la maledizione
e ripristina l’unità perduta.
Più che un’avventura teatrale,
un’esperienza estetica che è
come la musica: non si può
raccontare, ma soltanto vivere.
S come Successo
In vita arrise più a Verdi che
a Wagner. Salvo rare eccezioni,
l’autore di Rigoletto fu presto
riconosciuto come il più illustre
operista italiano e celebrato
come gloria nazionale da
un pubblico che non cessò
mai di coltivare, seminando innovazione
nel solco delle convenzioni.
Wagner, invece, faticò
non poco a far apprezzare
i suoi lavori e divise sempre
gli spettatori in tifosi pro e contro.
Oggi, dopo che tutti i divi
del palcoscenico e della regia
li hanno celebrati, V. e W. sono
due marchi di sicuro successo,
l’usato garantito che non passa
mai di moda.
T come Trilogia popolare
A differenza che la tetralogia
wagneriana – monumento
bresciaMUSICA - 5
musicale concepito come un
unico blocco creativo – “trilogia
popolare” è più che altro
un’etichetta di comodo che
associa tre successi verdiani –
Rigoletto, Trovatore e Traviata
– perché i protagonisti sono
personaggi del popolo – un
buffone, il figlio di una zingara
e una cortigiana – e non nobili,
anticipando così una tendenza
che caratterizzerà il cosiddetto
“verismo musicale” di
Mascagni, Leoncavallo e Puccini.
Tra le tre opere, scritte tra
il 1851 e il 1853, la continuità è
però assicurata soprattutto
dalla capacità della musica
verdiana di aderire al testo
drammatico, affiancando alla
sempre felice vena melodica
un uso più accorto delle potenzialità
orchestrali e un arricchimento
del vocabolario armonico.
Non manca qualche
effetto facile di pronto consumo
per il pubblico – la trilogia è
popolare anche in questo senso
– ma altrimenti non sarebbe
stato melodramma.
U come Un giorno di regno
Il grande fiasco verdiano.
Seconda opera del compositore,
è un lavoro buffo scritto
mentre il compositore piangeva
la perdita della prima moglie,
su un libretto vecchio e
scadente. Un cocktail perdente
e la Scala non perdonò.
V come Viva Verdi
Viva Vittorio Emanuele Re
D’Italia. Grazie all’acrostico, il
cognome del compositore divenne
un motto dello spirito risorgimentale
italiano, ma non
si tratta solo di una fortunata
coincidenza: Verdi, in maniera
più o meno esplicita, nelle sue
opere lasciò trasparire alti sentimenti
patriottici, solleticando
anche per questo l’entusiasmo
del pubblico. E non è quindi un
caso neppure che, nel 1874,
Verdi diventi Senatore del Regno
d’Italia; peccato che, da
allora, i compositori abbiano
perso la buona abitudine di sedersi
nella stanza dei bottoni
(con le conseguenze che sappiamo
per la musica del nostro
Paese).
W come Wagneriani e Wagnerismi
Wagner fece di tutto per diventare
una religione e in gran
parte ci riuscì già in vita. Tra i
wagneriani di stretta osservanza,
vanno ricordati Franz Liszt e
Anton Bruckner, oltre ad una
lunga schiera di per lo più trascurabili
epigoni. Ma il “fenomeno
Wagner” – ed è un fatto
unico nella storia della musica
– fu soprattutto una febbre culturale
che contagiò poeti come
Baudelaire, scrittori come
Thomas Mann e D’Annunzio, filosofi
come Nietzsche e tanti
altri, influenzando persino i detrattori.
Simbolismo, decadenza,
tragedia: nel wagnerismo si
indovinano le tracce che conducono
al ventesimo secolo.
Z come Zum - pa - pa
Per i detrattori, la musica di
Verdi si accartoccia sempre lì,
sull’aria belcantistica appoggiata
su un trito zum-pa-pa
buono per tutte le stagioni. E
da wagneriano convinto, almeno
in chiusura di articolo, lasciatemi
dire che qualcosa di
vero c’è.

6 - bresciaMUSICA
ANNIVERSARI
Sono trascorsi quattrocento
anni da quando
Carlo Gesualdo, principe
di Venosa, si spense
nel suo castello. Sembra il
protagonista di un’oscura leggenda
d’altri tempi, ma la sua
musica ci rammenta come
questo incredibile personaggio
sia realmente esistito.
Gesualdo nasce a Venosa,
piccolo scorcio partenopeo,
intorno al 1560. È il capo di
un’antica casata aristocratica
e nipote di S. Carlo Borromeo,
e la sua privilegiata condizione
gli consente di dedicarsi in piena
libertà allo studio della musica,
avvalendosi dei maggiori
maestri presenti sul territorio, e
componendo per il solo piacere
di scrivere musica, senza la
necessità di compiacere i gusti
di una superiore committenza.
Gesualdo è lui stesso illustre liutista
e mecenate, oltre che
compositore.
Carlo Gesualdo è “Principe
dei musici”, libero di inventare
un personale linguaggio musicale.
E così fece, dando una
brusca virata alla tradizione
del madrigale, il genere vocale
profano simbolo dell’epoca.
Compone anche musica sacra:
due libri di mottetti a 5 e 6
voci e un libro di responsori a 6
voci, ma è nel genere del madrigale
che Gesualdo lascia la
sua indelebile impronta nella
storia della musica. Del compositore
ci sono pervenuti circa
centodieci madrigali a cinque
voci, raccolti in sei libri.
Il madrigale del Cinquecento
ha poco a che vedere con
quello del Trecento: la forma
musicale si libera dalla costrizione
delle ripetizioni strofiche, per
seguire passo a passo il testo
poetico nel suo svolgersi. Le voci
da tre diventano cinque, le
sonorità si fanno più piene, i giochi
polifonici più audaci e stupefacenti.
Verso la metà del XVI
secolo compositori fiamminghi
come Orlando di Lasso e Cipriano
de Rore e italiani, tra i quali
Andrea Gabrieli e Pierluigi da
Palestrina, compongono madrigali
sempre più sperimentali,
che abbandonano l’omoritmia
per introdurre giochi di “cromatismo”,
ossia valori sempre più
piccoli che in alternanza alle
note lunghe creano varietà nella
resa musicale del testo poetico
(ecco che in corrispondenza
di parole come “fuggire” o “volar
via” la musica evapora in un
guizzo ascendente).
Dalla seconda metà del XVI
secolo la necessità di andare
oltre le regole della teoria musicale
per esprimere al meglio il
contenuto della poesia da musicare
conducono a un progressivo
superamento della
tradizione. Già il bresciano Luca
Marenzio, nato a Coccaglio
nel 1553, fa sentire l’esigenza
di cambiamento facendo
abbondante uso di “madrigalismi”,
ossia soffermandosi a
descrivere con pennellate sonore
singole parole, come
“morte”, espressa con armonie
dissonanti o “salir” con una linea
ascendente della melodia.
Marenzio utilizza anche gli
artificiosi espedienti della cosiddetta
“Augenmusik”, ossia
“musica da vedere”, in cui le
note nere appaiono in corrispondenza
di parole relative
all’oscurità. Nonostante queste
licenze sonore, i madrigali di
GESUALDO DA VENOSA (1560 CA.-1613)
IL PRINCIPE IRREQUIETO
Marenzio mantengono generalmente
un certo equilibrio
strutturale e un saldo legame
alla tradizione polifonica.
Gesualdo, suo contemporaneo,
arriva invece a spezzare i
vincoli con il passato e parla
con un linguaggio proprio,
creando sonorità rivoluzionarie,
accostamenti prima mai
sentiti e utilizzati perché ritenuti
troppo violenti, insopportabili
per l’orecchio umano e troppo
vicini all’idea di peccato. Nel
madrigale Baci soavi e cari,
tratto dal I libro, Gesualdo ricrea
un intreccio virtuoso delle
voci, che quasi stordisce l’ascoltatore
in un gioco di stretti
dall’effetto ipnotico. L’uso delle
dissonanze è sprezzante, di
una modernità che trafigge e
spiazza l’ascoltatore.
È curioso notare come lo
stesso testo, musicato da un
primo Monteverdi (nel 1587),
colui che sarà poi considerato
l’apoteosi del madrigale, risulti
più tradizionalista, dal canto
spianato e comprensibile in
ogni parola.
Nei madrigali di Gesualdo
di ALESSANDRA MORENI
c’è tutta la doppiezza della
sua anima e l’irrequietezza del
suo spirito. “Non t’amo, o voce
ingrata, la mia donna mi disse;
e con pungente strale di duol
e di martir, l’alma trafisse(...)”,
così recita uno dei più interessanti
madrigali del III libro.
Le parole, di un certo Ridolfo
Arlotti, sembrano aprire un
nuovo scenario. Gesualdo fa
risaltare nella musica il contrasto
della serrata dichiarazione
di non amore, con una dolcissima
e lenta discesa melodica
che si dissolve nella parola
martir, come in un’amara presa
di consapevolezza.
***
A partire dal III libro di madrigali
notiamo in Gesualdo una
frattura rispetto alle musiche
pubblicate precedentemente:
la parola morte inizia a insinuarsi
quasi ossessivamente in
ogni nuovo madrigale.
Le tinte diventano violente,
come feroce è la morte della
sua sposa Maria d’Avalos, sorpresa
da Gesualdo nell’atto di
tradirlo. Gesualdo, per vendi-
Del compositore
sono
pervenuti
circa
centodieci
madrigali
care l’onore ferito, la uccide
barbaramente.
La legge partenopea gli dà
ragione, ma il compositore inizia
a fuggire: prima da Napoli,
per non essere a sua volta vendicato
dalla famiglia d’Avalos,
rifugiandosi a Ferrara e sposando
Eleonora d’Este, e poi dal
mondo, ritanandosi gli ultimi
anni della sua vita in un’isolata
e inquietante fortezza nella sua
terra d’origine.
La sua musica emancipata
dalla tradizione, scaturisce da
un modo di accostarsi troppo
individuale perché potesse generare
una scuola durevole.
Ma i suoi madrigali dovettero
comunque colpire l’attenzio-
ne, se già nel 1613 venne pubblicato
un volume che conteneva
in partitura tutti i sei libri.
Questo aspetto è interessante,
se si pensa che a quel tempo
venivano pubblicati in partitura
quasi solo le musiche destinate
agli studenti di composizione.
Nel IV libro compare un raffinatissimo
madrigale a carattere
spirituale, dalla scrittura musicale
accordale e il solenne
incedere: “Sparge la morte al
mio Signor nel viso tra squallidi
pallori e pietosissimi horrori, poi
lo rimira e ne divien pietosa;
geme, sospira, e più ferir non
osa. Ei, che temer la mira, inchina
il capo, asconde il viso, e
spira”. Il soggetto del testo che
Gesualdo sceglie di musicare
è la morte ingiusta, che non risparmia
neppure Cristo. Dalla
scelta di questo testo emerge il
tormento interiore di Gesualdo,
che da testi che trattano
di rifiuti amorosi, passa a temi
di espiazione.
La modernità della sua scrittura
è palese nel madrigale O
dolorosa gioia, dal V libro: “O
dolorosa gioia, o soave dolore,
per cui quest’alma è mesta e
lieta more! O miei cari sospiri,
miei graditi martiri, del vostro
duol non mi lasciate privo poiché
sì dolce mi fa morto e vivo”.
L’invocazione, che con un
ossimoro esprime la natura allo
stesso tempo dolce e amara
dell’amore, è ben resa musicalmente
da un forte cromatismo
melodico che nella sovrapposizione
delle voci origina giochi
armonici fortemente dissonanti
e all’avanguardia per i tempi. Il
testo è di Guarini: assieme a
Tasso rappresenta la scelta
poetica preferita da Gesualdo,
che però dedica anche la sua
attenzione a testi di autori minori.
Per cromatismo non s’intende
più un accorciamento di
valori, ma una melodia fatta di
piccoli intervalli che intonati
contemporaneamente da più
voci generano sonorità aspre.
Questi cromatismi armonici si
infittiscono sempre di più nel VI
libro. Nel madrigale Io pur respiro
in così gran dolore, la sua
musica “dolcemente aspra”
rende al meglio il senso di sconfitta
e di morte racchiuso nel
testo: “E tu pur vivi, o dispietato
core? Ahi, che non vi è più
speme di riveder il nostro amato
bene! Deh, morte, danne aita,
uccidi questa vita! Pietosa
ne ferisci, a la vita dia fin ed al
gran duolo”.
Gesualdo, a partire dalla
metà del XIX secolo, per l’unicità
della sua scrittura e la sua
capacità di precorrere i tempi
ha affascinato e ispirato molti
artisti, come Richard Wagner o
Igor Stravinskij, che negli anni
Sessanta gli dedicò Monumentum
pro Gesualdo, composto a
partire dall’arrangiamento di
alcuni suoi madrigali. Numerose
anche le opere liriche nate intorno
alla sua tormentata biografia,
come Tenebrae Super
Gesualdo (1972) del compositore
inglese postmoderno Peter
Maxwell Davies.
Ancora oggi la figura di Gesualdo
non smette d’incuriosire,
disorientare, ispirare: da
Franco Battiato al regista Werner
Herzog la sua attualità è
tangibile, e l’inquietante doppiezza
del suo animo e della
sua musica un richiamo diabolicamente
irresistibile.

Negli anni scorsi, BresciaMusica
ha dato spazio alla figura
di Bruno Bettinelli in vari modi,
ospitando un suo intervento a
proposito della “questione filologica”,
recensendo il volume
di Giulio Mercati e realizzando
un’ampia intervista al compositore.
Ora in occasione del
centanario della nascita, la rivista
porta un ulteriore contributo
con questa intervista alla
moglie di Bettinelli, Silvia Bianchera.
Bresciana di origine,
completata la sua formazione
al Conservatorio di Milano con
lo stesso Bettinelli, attualmente
insegna canto presso la Scuola
diocesana “S. Cecilia” del Seminario
Vescovile di Brescia.
***
Lei si pone certo in una
prospettiva del tutto particolare
nel restituirci la
figura del maestro, per
certi versi privilegiata. Anche
la sua provenienza bresciana
costituisce per noi un motivo di
interesse.
“Sono nata a Roma ma da
genitori bresciani. A Brescia ho
avuto le mie prime basi musicali.
Ho studiato all’Istituto
‘Venturi’ teoria, solfeggio e pianoforte
con Ada Capitanio, armonia
e composizione con Luigi
Manenti. Il nome di Bettinelli
ricorreva moltissimo a Brescia,
tanto che io conobbi la musica
di mio marito nel salone Da
Cemmo in un concerto diretto
da Mario Conter. Poi venni a
sapere che Conter era anche
suo allievo. Nella mia classe
con il maestro Manenti si parlava
spesso di Bettinelli, perché
Manenti lo stimava molto. Del
resto la stima fra i due era reciproca.
Quando diedi il quarto
di composizione a Milano e
venni ammessa nella sua classe
– era il ‘64 – lui alla prima lezione
mi disse: ‘Hai studiato
con Manenti? Bene, allora sei a
posto, le basi le hai’”.
Da cosa scaturì la decisione
di spostarsi da Brescia a Milano?
“All’epoca il ‘Venturi’ non
era pareggiato. Quando tentai
l’ammissione a Milano per
composizione, già vi studiavo
canto da tre anni. Fu proprio
Manenti a incoraggiarmi a venire
via da Brescia. Testualmente:
‘Te che ta pödet va a
Milà. Sta mia che en mes a
chei paesà!’. Entrai nella classe
di Bettinelli perché gli altri
docenti tranne Maggioni portavano
solo fino al settimo, invece
Bettinelli e Maggioni portavano
fino al diploma. Mi ritrovai
con Bettinelli perché la
classe di Maggioni era piena.
Nella classe di Bettinelli il nome
di Brescia ricorreva spesso. Già
in quella prima lezione mi disse:
‘Tu sei quella di Brescia? Sai
che sono un po’ bresciano anch’io?’.
All’inizio cercava sempre
qualche frase per mettere
a loro agio gli allievi. La sua
nonna paterna in effetti era di
Brescia. Poi era molto affezionato
a Margola e a Togni. Erano
tre personaggi molto legati,
sempre con tante cose da dirsi,
accomunati da una grande
solidità musicale generale, non
solo compositiva. E poi erano
grandi docenti”.
Ci può dire qualcosa sulle
sue concezioni didattiche?
“Bruno diceva sempre: ‘Quando
dò lezione, rivivo ciò che ho
vissuto quando ero allievo io.
Non mi permetto mai di trattare
male un allievo perché la fatica
che vedo in loro è la stessa fatica
che ho fatto io’. Era molto
legato al suo maestro, Giulio
Cesare Paribeni, lo considerava
un secondo padre. Per quanto
riguarda le sue idee in fatto di
didattica, negli ultimi tempi se
ne era parlato pubblicamente
sulle pagine della Rivista Musicale
Italiana perché Paolo Fragapane,
noto docente e musicologo
toscano, aveva mandato
una lettera in cui asseriva
di sentirsi impotente nei confronti
dei suoi allievi di composizione
perché non sapeva bene
cosa insegnare loro. E mio marito
a sua volta rispose affermando
che un insegnante di composizione
non deve insegnare
uno stile in cui scrivere, ma de-
ANNIVERSARI
BRUNO BETTINELLI (1913-2004): INTERVISTA A SILVIA BIANCHERA
NON SOLO MAESTRO DEI MAESTRI
a cura di CARLO BIANCHI
Bruno Bettinelli con la moglie
Silvia Bianchera e, in mezzo,
Riccardo Allorto
ve fornire il materiale per farlo,
come è sempre avvenuto anche
per le botteghe di pittura e
di scultura. Non credo che – cito
a caso – il maestro di Matisse
gli abbia insegnato a fare il fauvista.
Gli avrà dato tutte le conoscenze
che servono ad un
pittore. Così, l’insegnante di
composizione deve dunque
dare all’allievo tutte le conoscenze
che gli servono per diventare
un musicista, dal gregoriano
alla scrittura di Machaut,
il contrappunto antico e
quello più vicino a noi, il contrappunto
ai tempi di Bach e di
Hindemith, la strumentazione ai
tempi di Vivaldi e ai tempi di
Beethoven, la dodecafonia…
Quando l’allievo si sarà impadronito
di tutto questo, allora
troverà il suo cammino musicale
e la sua personalità, se ha talento.
Questo era il credo di
Bruno”.
Si sentiva più insegnante o
più compositore?
“Più compositore, senza
dubbio. Certo amava essere
apprezzato come insegnante
e che tanti ragazzi sparsi in tutto
il mondo gli dimostrassero
gratitudine, anche quelli che
sono diventati maestri famosi,
come Riccardo Muti, Claudio
Abbado o Aldo Ceccato, ma
l’essere riconosciuto solo come
insegnante gli dava un po’ fastidio”.
C’era qualche sua opera a
cui teneva in modo particolare?
“In generale i lavori con la
voce. Del resto amava moltissimo
le composizioni con la voce
di Mahler. Certo andava fiero
anche delle sue opere strumentali,
le sinfonie. In particolare il
suo quarto concerto e le Strutture.
Poi certo la Sinfonia breve
che all’inizio fece la sua fortuna
perché fu il brano con cui vinse
il concorso ‘I littoriali’ nel 1938.
A questo proposito ci fu un episodio
che lui mi ha sempre
chiesto di non menzionare, perché
chiama in causa direttamente
Mussolini e Bruno sosteneva
che ci sono troppi ricordi
spiacevoli per gli italiani legati a
quel nome. ‘I littoriali’ erano un
premio importante internazionale
e per Bruno fu una fortuna
anche perché la Sinfonia venne
diretta da Bernardino Molinari
uno dei più importanti direttori
dell’epoca. Bruno seppe
della vittoria al concorso quando
era via militare, si recò a Roma
grazie ad un permesso per
assistere all’esecuzione. Mussolini
era nel palco e alla fine dell’esecuzione
lo invitò personalmente
in quel palco per conferirgli
una medaglia, che io conservo
tuttora, e si congratulò
con lui: ‘Molto interessante
questo suo lavoro, soprattutto
quel finale’, che è il Corale ostinato,
tuttora uno dei suoi pezzi
più eseguiti. Fu anche in quella
occasione che conobbe Petrassi.
Era seduto fra il pubblico,
gli andò vicino e gli fece molti
complimenti. Da quel momento
diventarono inseparabili, si
telefonavano spessissimo”.
Quel concorso lo agevolò
anche nel trovare il posto al
Conservatorio a Milano?
“Mah non credo, poi vinse
anche altri concorsi, il premio
bresciaMUSICA - 7
‘Bolzani’, vinse ai concorsi della
Gioventù Universitaria Fascista,
ci fu la guerra… ma va detto
che era anche un compositore
molto eseguito e poi aveva
tantissime attività, faceva il
maestro sostituto al teatro ‘Dal
Verme’ di Milano, che sostituiva
la Scala nel periodo estivo. Incoraggiava
anche i suoi allievi
a praticare ogni tipo di attività
musicale, ci stimolava ad andare
nelle altre classi di composizione,
ad ascoltare anche gli
strumentisti. Poi, per converso,
secondo lui lo studio della composizione
era necessario per
occuparsi di musica in generale.
‘Vuoi diventare critico musicale
giornalista, o il ricercatore
di musica? Devi conoscere la
composizione. Vuoi fare il direttore,
il pianista o il violinista?
Idem. Se non conosci a fondo
come si costruisce un brano,
come si combinano i suoi elementi
sarai sempre un dilettante,
un impotente della musica,
in qualsiasi campo’. Ha avuto
anche allievi che hanno fatto
carriera nella musica leggera”.
Qualche nome?
“Gianna Nannini. Veniva da
lui a lezioni private di armonia e
composizione. Bruno diceva
che era anche brava e infatti
quasi la rimproverava: ‘Ma cosa
ti metti a fare questa musica
di serie B, con il talento che hai,
perché non provi a fare qualcos’altro?’.
Ma lei, facendo
una bella risata rispondeva: ‘No
guardi, io mi sento portata per
la musica leggera, voglio fare
questo’. Con Bruno faceva armonia
contrappunto e un primo
livello di composizione. Aveva
anche il quinto di pianoforte.
Voleva fare anche l’ottavo
e allora mio marito l’ha affidata
da una sua allieva, la Soffritti,
ma ha fatto solo qualche lezione
perché non aveva mai tempo,
era sempre in giro per il
mondo, ha preso qualche lezione
da Eli Perrotta che abitava
vicino a noi. Poi non ha più continuato,
perché ha intrapreso la
carriera che tutti sanno. Ma era
seria e impegnata, molto coscienziosa.
Basti pensare ai sacrifici
che faceva per venire da
Siena, passare tutta la giornata
a Milano, prima di passare dall’editore
Ricordi per le sue cose.
E non era nemmeno una che
pensava solo a strimpellare, conosceva
il repertorio: Chopin,
Beethoven, Bach. In generale,
la musica la conosceva benissimo.
Mi ricordo sempre di questa
ragazza così carina e cordiale,
quando andavo ad
aprirle la porta. Secondo Bruno,
ripeto, la scuola di composizione
non era solo per diventare
compositori ma in generale per
conoscere la musica, al di là
delle note”.
Ricorda qualche altro noto
cantante “leggero” che si era
presentato da suo marito?
“Ne ricordo due, Johnny Dorelli
e Umberto Bindi. Ma Bruno
non volle intervenire con loro
perché diceva che erano delle
personalità già formate”.

8 -
bresciaMUSICA
S
Se chiedi ad un cinquantenne
americano quale
musicista per primo
lo ha portato sulla via
del jazz, in molti risponderanno
Miles, Trane, Duke, Monk, ma la
maggior parte vi dirà Dave
Brubeck. Non così in Italia, dove
è noto principalmente per il
mega-hit Take Five, ma dove
non ha mai trovato altrettanti
ammiratori. A questo proposito
ricordo una definizione piuttosto
tranchant che ne diede Arrigo
Polillo (cito a memoria con
possibile approssimazione): “Il
più dozzinale dei pianisti raffinati,
ed il più raffinato dei pianisti
dozzinali”. Forse anche per
la enorme popolarità che Brubeck
si costruì con il suo storico
Quartetto.
Dave Brubeck nacque a
Concord, California, il 6 dicembre
1920, da padre allevatore
di bestiame e da madre insegnante
di pianoforte. Di famiglia
con ascendenze svizzere
(cognome originario Broadbeck),
ma anche tedesche e
inglesi, lo stesso Brubeck rivelò
nel ‘91 al critico Gene Lees di
avere forse anche un quarto di
sangue nativo americano, dato
che uno dei tre matrimoni
del nonno paterno era stato
con una donna Modoc, della
riserva indiana di Pyramid Lake
nel Nevada, nei pressi della
quale la famiglia Brubeck aveva
il suo ranch.
Diplomatosi al Pacific College,
e dopo avere prestato il
servizio militare durante la II
Guerra mondiale, alla smobilitazione
il giovane Dave ritornò
al college, questa volta il Mills
College, per studiare sotto l’ala
del compositore francese
Darius Milhaud. Lì formò il suo
primo gruppo professionale, il
Dave Brubeck Octet, con un
nucleo di studenti del Mills. Tra
di essi alcuni musicisti che collaboreranno
in seguito in numerosi
album, come Paul Desmond,
Bill Smith, Cal Tjader
ecc. Nonostante il duro lavoro,
l’Ottetto giunse a una sua naturale
conclusione, riformandosi
come trio. Nel 1951 un incidente
di surf a Honolulu
sconvolse i piani del pianista e
quasi mise fine alla sua carriera,
ma dopo una lunga convalescenza
Dave scrisse una lettera
a Paul Desmond, lettera
che quest’ultimo conservò fino
alla sua morte, nella quale diceva:
“Forse ora possiamo dare
il via ad un quartetto”.
Brubeck firmò il suo primo
contratto discografico nel ‘49
con la Coronet Records, ma la
sua carriera cominciò a prendere
il largo solo con l’inizio del
contratto con la nascente etichetta
californiana Fantasy
Records. Invece di cercare
scritture nel circuito dei jazz
clubs, con acume e lungimiranza
si rivolse invece al circuito
dei college, con la moglie
Iola come manager, riuscendo
ad arrivare a una media di circa
250 concerti all’anno. Ciò
gli permise di essere conosciu-
to da un pubblico giovanile e
costituì la base del suo futuro
successo negli anni a venire.
I primi album come Jazz at
Oberlin, Jazz at the College of
the Pacific e Jazz goes to College
(quest’ultimo per la Columbia),
risultarono molto popolari
presso gli acquirenti di
dischi americani. Il passaggio
alla potente Columbia sancì il
definitivo successo del Quartetto.
Fu un altro disco per la
Columbia, Dave Brubeck at
Storyville (1954), registrato nell’omonimo
club di Boston, che
portò il Quartetto in classifica
per la prima volta, raggiungendo
l’ottavo posto di Billboard
all’inizio del ‘55.
***
Il personaggio Brubeck ricevette
un’ulteriore spinta quando
la rivista Time lo mise in copertina
nel numero dell’8 novembre
del ‘54. Prima di lui solamente
Louis Armstrong, tra i
jazzmen, era riuscito a tanto.
Ormai una istituzione alla Columbia,
il Quartetto (con Paul
Desmond, Gene Wright e Joe
Morello) piazzò nel solo ‘55 ben
due album nella Top 10: Bru-
JAZZ
LA RECENTE SCOMPARSA DI DAVE BRUBECK
UNA RAFFINATEZZA ACCESSIBILE
di GIUSEPPE GIOACCHINI
Il pianista
ottenne
ampia
popolarità
e successo
discografico
beck Time e Jazz: Red, Hot and
Cool. Ma alla popolarità di
massa mancavano solo pochi
anni, fino alla pubblicazione di
Time Out, registrato e uscito nel
‘59, che trasformò Brubeck in
una superstar internazionale.
Costruendo gradatamente la
sua reputazione, l’album entrò
nella classifica di Billboard verso
la fine del 1960, fino ad arrivare
alla posizione n° 2, diventando
il primo album di jazz da un milione
di copie vendute. La Columbia
pubblicò Take Five anche
come singolo un anno e
mezzo dopo, e si accorse con
una certa sorpresa che anche i
singoli jazz avevano un mercato
quando Take Five, con sul lato
B Blue Rondo à la Turk, raggiunse
il n° 25 della classifica
dei singoli (o se preferite 45 giri).
La metrica dispari delle due
composizioni (Take Five, scritta
da Desmond, è in 5/4, Blue
Rondo in 9/8) era stata ispirata
dalle musiche ascoltate durante
un tour nel Medio Oriente e
India, sponsorizzato dal Dipartimento
di Stato americano. Brubeck
più di una volta approfittò
della sua posizione per intervenire
e prendere posizione
su questioni sociali. Nel 1958 rifiutò
un’offerta di esibirsi in Sud
Africa quando i funzionari insistettero
perché suonasse con
un gruppo composto da soli
bianchi (Gene Wright era afroamericano).
L’incidente ispirò
Dave e la moglie Iola a scrivere
insieme un musical per i diritti
civili, The Real Ambassadors.
L’album della colonna sonora
aveva tra i protagonisti Louis
Armstrong, il Trio Lambert, Hendricks
& Ross e Carmen McRae,
e venne eseguito al Festival di
Monterey nel 1962. Un altro album
conquistò la Top Ten, Time
Further Out (1962), e diversi altri
piazzamenti in classifica negli
anni seguenti (Bossa Nova
U.S.A. e At Carnegie Hall vendettero
piuttosto bene), ma
anche quando le vendite non
furono più così importanti
quantitativamente, Brubeck rimase
un’importante attrazione
a concerti e festival.
Anche se la critica non sosteneva
lui o il Quartetto, il
pubblico non si stancò mai di
lui. Per tutto il tempo dopo lo
scioglimento del Quartetto nel
1967 (Desmond morì nel 1977,
Morello nel 2011, Wright ha attualmente
89 anni), Brubeck
ha continuato a tenere concerti
da tutto esaurito in ogni
parte del mondo. Nel 1968
formò un nuovo gruppo con il
baritonista Gerry Mulligan, e in
seguito, quando i suoi figli divennero
musicisti professionisti,
Brubeck lavorò spesso con loro
nel progetto “Two Generations
of Brubecks”. Negli anni ‘70 costituì
un nuovo Quartetto col
quale ha continuato a esibirsi
fino alla fine della carriera. Al
posto di Desmond, negli ultimi
anni il saxofono era affidato a
Bobby Militello. Da non dimenticare
le sue composizioni più
ambiziose, per orchestre, cori e
piccoli gruppi, come The Light
in the Wilderness (Cincinnati
Symphony Orchestra, 1968), o
The Gates of Justice, ispirata a
Martin Luther King. Il Quartetto
storico si riunì una sola volta nel
1976 per il tour del venticinquennale.
Brubeck verrà ricordato per
aver riportato il jazz a un’ampia
popolarità in un periodo in
cui le prospettive commerciali
del genere erano ormai in vistoso
calo, usando una musica
accessibile che combinava
melodie efficaci, innovazione
metrica e il frizzante e anche
un po’ erudito temperamento
del West Coast jazz. Anche nelle
sue opere più classicheggianti,
non perse mai di vista le
sue radici jazzistiche, come
nelle improvvisazioni “stride”.
Da un punto di vista squisitamente
jazzistico, Brubeck fa
parte della categoria dei pianisti-compositori,
come Ellington,
Bill Evans o Erroll Garner. Le sue
più famose composizioni, The
Duke e In Your Own Sweet Way,
sono diventati degli standards.
Tipico del suo pianismo era il
suo stile martellato sui tasti del
pianoforte, come pure la ricerca
di armonie complesse, che
lo portava a improvvisazioni anche
imprevedibili, specialmente
nel dialogo privilegiato con
Desmond, saxofonista che contribuì
in maniera determinante
al successo del Quartetto.
“Come Bach, Dave Brubeck
alterna periodi di tensione e relax.
I diversi temi sono sezionati
e modulati. Dall’alto di tutto
ciò Brubeck sfoggia il suo swing
impressionante accostato a un
tempo perfetto. Nelle sue improvvisazioni
egli usa tutta la
sua erudizione musicale acquisita
nel corso degli anni”. (Juul
Anthonessen)
Il cuore di Dave Brubeck ha
ceduto il 5 dicembre del 2012,
un giorno prima del suo 92°
compleanno.

T
utto inizia mesi prima
quando bisogna scegliere
le canzoni. È
chiaro che gli esclusi
ci rimangono male: una comparsata
a Sanremo vale molte
serate in locali e piazze e magari
si riesce anche a vendere
qualche disco. Quindi c’è chi
ha protestato. Ma come si sono
permessi di lasciare fuori
Anna Oxa? Con tutto il suo palmares
(addirittura una conduzione
del festival, mica bruscolini).
Eppure è successo. Sono
mancate in effetti le vecchie
glorie. Abbiamo rivisto Albano,
ma solo come ospite (perché
lui sì e altri no non è dato sapere
comunque...) e poco altro.
Come sempre le vere star si
astengono e se ne stanno alla
larga. Si guarda quello c’è che
sulla piazza e quindi il cast è
quello che è.
Una volta selezionati i partecipanti
bisogna decidere come
votare il vincitore. Ne abbiamo
viste di tutti i colori e soprattutto
ne abbiamo sentite
di tutti i colori. Molti, in passato,
hanno espresso dubbi sulle votazioni,
si è ipotizzato l’uso massiccio
dei call center per il televoto,
le giurie sparse per l’Italia
non le ha mai viste nessuno e
così via. E quest’anno? Quest’anno
viene rispolverata la
“giuria di qualità” già comparsa
in altre edizioni, in special
modo nelle precedenti condotte
da Fazio (qualcuno ricorderà
la vittoria degli Avion Travel).
Cerchiamo di capirci: i giurati
(quelli della giuria di qualità)
hanno a disposizione venti
gettoni e devono indicare almeno
tre interpreti con un tetto
massimo di dieci voti. Il loro
verdetto pesa al 50% e viene
combinato con quello del televoto
del giovedì (25%) e della
serata finale (altro 25%). I primi
tre artisti vengono nuovamente
sottoposti al voto della giuria
di qualità (6 gettoni a cranio:
tre per il primo, due per il secondo,
uno per il terzo) che
conta al 50%, alla pari del televoto,
sul verdetto finale. Avete
capito naturalmente. Meccanismo
chiarissimo e soprattutto
limpido. Così limpido che mentre
andava in onda il festival
scorrevano sullo schermo scritte
che ricordavano come la
RAI non potesse controllare i
call center e invitavano a un
uso corretto del televoto.
La giuria di qualità è composta
da personaggi del mondo
della musica, dello spettacolo
e della cultura. Il presidente
della giuria di qualità è Nicola
Piovani e poi Eleonora Abbagnato,
Stefano Bartezzaghi,
Cecilia Chailly, Claudio Coccoluto,
Serena Dandini, Paolo
Giordano, Nicoletta Mantovani
e Rita Marcotulli. Era previsto
anche Carlo Verdone che
però si è dato malato ed è stato
sostituito da Neri Marcorè.
Conosciamo meglio i membri
della giuria. Nicola Piovani:
compositore celebre per le sue
colonne sonore, è anche autore
di teatro musicale e di musica
da concerto. Ha ricevuto
l’Oscar per la miglior colonna
sonora nel ‘99 per “La vita è
bella” di Benigni. È il presidente
di giuria. Eleonora Abbagnato:
ballerina e attrice, è la prima
italiana a essere ammessa alla
prestigiosa scuola dell’Opéra
di Parigi. Nel 2009 ha affiancato
Paolo Bonolis alla conduzione
di una serata del Festival di
Sanremo. Stefano Bartezzaghi:
enigmista, giornalista, e scrittore,
ha pubblicato il primo rebus
nel 1971 per La Settimana Enigmistica.
Cecilia Chailly: arpista,
compositrice, cantante, ha
collaborato, fra gli altri, con
John Cage, Ludovico Einaudi,
Mina, Fabrizio De André e Lucio
Dalla. Claudio Coccoluto:
deejay e produttore. Serena
Dandini: nota conduttrice e
autrice televisiva. Ha pubblicato
due romanzi e tra il 2012 e il
2013 ha messo in scena il suo
primo testo teatrale sul femminicidio
dal titolo “Ferite a morte”.
Paolo Giordano: scrittore e
autore del romanzo “La solitudine
dei numeri primi” che ha
vinto nello stesso anno il Premio
Campiello Opera prima e il
Premio Strega. Nicoletta Mantovani:
produttrice e manager
italiana. Vedova del celebre
tenore Luciano Pavarotti, è stata
direttore artistico e deus ex
machina del concerto di beneficenza
Pavarotti & Friends
(dal 1995 al 2003). Rita Marcotulli:
pianista e musicista jazz
molto apprezzata in Europa; è
stata premiata con un David di
ROCK E DINTORNI
Donatello per il miglior musicista
nel 2011.
Quindi di tutto un po’: sicuramente
musicisti competenti
ma anche attori di varia estrazione
.
***
Partiamo dall’inizio. Marco
Mengoni, nella terza serata del
14 febbraio, ha ottenuto la
percentuale più alta di televoto
tra tutti i concorrenti: il
25,28% su 14 artisti, guadagnando
così la prima posizione
nella classifica provvisoria. Dietro
abbiamo trovato i Modà
(20,32%) e Annalisa terza con
meno della metà dei voti
(8,97%), cifra che già si stacca
completamente dai primi due
concorrenti.
Questo dato, come da re-
golamento, ha determinato il
25% del voto complessivo. L’altro
25% spettava al televoto di
sabato e il restante 50% al voto
della giuria di qualità di cui abbiamo
già parlato.
Nell’ultima serata del 16 febbraio
è stato quindi determinante
il voto della giuria di
qualità, che ha ridefinito in
parte il podio votando nella
prima fase quasi all’unanimità
Elio e le Storie Tese e poi a seguire
Malika Ayane, Raphael
Gualazzi e Daniele Silvestri. Tra
gli ultimi Mengoni e ancora
peggio i Modà, con il solo 4
per cento delle votazioni di
qualità.
Il primo televoto (sui 14 concorrenti)
di sabato ha visto invece
la vittoria dei Modà (con
il 25,04%), invertendo la situazione
della prima votazione
popolare di giovedì, con Marco
Mengoni secondo (con il
20,72% dei voti) e terza Annalisa,
lei sempre con una percentuale
drasticamente più bassa
di votazioni. È quindi solo grazie
alla giuria che Elio e le storie
tese hanno guadagnato il podio.
E Chiara Galiazzo? Quarta
alla fine della prima serata,
grande successo di vendite,
bresciaMUSICA - 9
IL FESTIVAL DI SANREMO
NIENTE TRASH, MA POCA MUSICA
Alla
giuria
di
qualità
si aggiungeva
il televoto
di PIERO TARANTOLA
nelle radio e Itunes, è lentamente
scivolata fino all’ottavo
posto. Evidentemente la “vis a
tergo” è venuta a mancare
proprio nello sprint finale.
I primi tre si sono riaffrontati
nel finale e, a questo punto il
voto verso Mengoni da parte
della giuria è arrivato nel momento
in cui i dieci giurati hanno
lasciato il 48% dei voti complessivi
agli Elio e le Storie Tese
e gli altri due a pari merito.
Quindi il televoto sul trio finale
diventa decisivo: Mengoni
prende il 44% staccando i
Modà, che ricevono il 33,90%
delle preferenze ed Elio che
raccoglie il 21% circa.
Chiaro?
Comunque ha vinto Mengoni,
lanciato da X factor che
però ha un discreto riscontro in
giro, si vede su MTV, ha delle
ottime qualità vocali. Alzi la
mano chi ricorda come fa la
sua canzone. Nessuno naturalmente,
come nessuno ricorda i
brani di Emma, Marco Carta,
Valerio Scanu, i precedenti vincitori.
Quando va in onda Sanremo
si parla solo dei conduttori,
degli ospiti, di eventuali
gaffes e di tutto quello che gira
intorno.
Crozza interrotto da quattro
scalmanati ha fatto più audience
di Mengoni, il duetto
tra Stefano Bollani e Caetano
Veloso è stato straordinario e
ha avuto un grandissimo impatto
anche la serata di venerdì
nel corso della quale sono
stati eseguiti vecchi pezzi
del festival (più o meno noti).
Le grandi star della canzone
italiana (Vasco, Ligabue, Jovanotti)
se ne stanno alla larga e
fanno capire che il loro target
è ben diverso.
Il festival è stato inoltre molto
apprezzato per la sua conduzione
e per essere rimasto lontano
dal trash di precedenti
edizioni e di questo va dato
merito a Fazio e alla Littizzetto:
garbati, simpatici, spiritosi mai
volgari come in generale è stato
tutto lo spettacolo.
Ultime ruote del carro naturalmente
le canzoni, ma questa
non è una novità.

10 -
bresciaMUSICA
Isaia Mori, vuoi parlarci di
questo tuo progetto?
“Isaia & l’Orchestra di Radio
Clochard è il terzo
grosso progetto negli ultimi dodici
anni della mia vita. Gli altri
sono stati i Nunc Bibendum Est
e gli 00Talpa. Quando si sono
sciolti i Nunc tantissima gente
mi chiedeva perché cantassi
ancora le loro canzoni con gli
00Talpa [ndr. tuttora in attività]
non sapendo che le canzoni
erano mie, non del gruppo. Intendo
dire che l’unico ragionamento
che non funzionava
era quello che attribuiva ai
Nunc la paternità di canzoni
che invece avevo scritte io in
prima persona. Così quando
anche gli 00Talpa hanno iniziato
a calare la loro attività ho
deciso di riproporre tutte le mie
canzoni – e anche inediti – con
una nuova formazione, indipendentemente
dal fatto che
fossero già state suonate dall’uno
o dall’altro gruppo”.
Una ragione commerciale
dunque?
“Diciamo piuttosto che ho
tagliato la testa al toro. Non ti
immagini nemmeno quanta
gente mi fermava nei locali iniziando
discussioni più finite sul
fatto che suonassi con gli 00Talpa
canzoni considerate dei
Nunc... La gente si affeziona
molto alle band che ascolta.”.
Perché Radio? Perché Clochard?
“Clochard perché il progetto
nasce per strada. All’inizio
solo io, poi in tre, infine tutti sei
abbiamo iniziato a suonare per
le piazze d’Italia, a cappello.
Era il 2006. Avevo appena
comprato un piccolo amplificatore
economico e ho pensato:
‘Perché non provarlo a
Bergamo in Piazza Vecchia?’.
In un’ora ho fatto sessanta euro.
È stato lì che ho iniziato a interrogarmi
sul perché mai debba
andare a suonare nei locali
che piangono miseria quando
per strada oltre che alla
soddisfazione si ottiene la gratificazione
economica. Questa
cosa è durata circa un anno,
anno in cui abbiamo partorito
tutte le canzoni del primo disco,
Spacciatori di serenate. A
questo disco è legata la storia
della nostra etichetta, Diffusionearte.
Tutti gli editori che abbiamo
contattato infatti avevano
delle mire monetarie
molto grosse sugli artisti. Così
abbiamo fatto due conti ed
abbiamo deciso di aprire la
nostra etichetta, con cui tra
l’altro abbiamo pubblicato, oltre
che tutti i Cd di Isaia & l’Orchestra
di Radio Clochard
[ndr. Lo spacciatore di Serenate,
Diffusionearte 2010, ...Barcollo
ma non Crollo... - Live,
2011, sempre per Diffusionearte]
anche tre edizioni della
compilation di musica dialettale
bresciana Gòi de cöntàla.
Ci tengo molto a dire che l’etichetta
Diffusionearte nasce
con uno statuto Arci per promuovere
senza scopo di lucro
le situazioni musicali locali e
ISAIA & L’ORCHESTRA DI RADIO CLOCHARD
UN’IDEA CHE NASCE PER STRADA
non. Per tornare alla domanda,
ho optato per Radio perché
è un qualcosa di legato al
concetto di diffusione: mi piace
pensare che quando sei in
una piazza e c’è un musicista
che suona dal vivo ci si sintonizzi
sulla sua radio... su Radio Clochard”.
Quali sono i tuoi autori di riferimento?
“Da piccolo ho iniziato con
Branduardi, che mi piaceva
tantissimo e che tra l’altro so-
a cura di OLMO CHITTÒ
miglia non poco al nostro violinista
Stefano Zeni. Ho seguito
per poco Vasco e Ligabue, fino
ai tredici anni, ossia fino all’incontro
con De André, di cui
ho assistito nel ‘97 al concerto
a Brescia nel tour ‘Anime salve’.
Lo ricordo ancora benissimo
perché era il 7 aprile, il giorno
del mio compleanno. Per
parecchio tempo De André ha
messo la bandierina al mio cervello,
come nel Risiko. Sempre
di musica italiana Guccini
ma, parallelamente, anche Dire
Straits, Alan Parson Project,
qualcosina dei Pink Floyd a cui
più tardi si aggiungono Bob
Marley e Manu Chao. Comunque
tutti gli artisti che mi hanno
maggiormente influenzato li
ho anche visti dal vivo qui a
Brescia: De André, Mark Knopfler
e Manu Chao”.
Che percorso di studi hai fatto?
“Dopo il Copernico nel 2004
mi sono laureato in lettere e filosofia
indirizzo discipline arte
musica spettacolo, presso l’Università
Cattolica del Sacro
Cuore di Brescia. Per quanto riguarda
la musica ho iniziato
come chitarrista classico a undici
anni, prima con la M° Elena
Baronio, poi col M° Giulio
Tampalini. Negli ultimi anni ho
dato in Conservatorio tutti gli
esami fino all’ottavo anno di
corso ma non ho potuto proseguire
a causa della recente
riforma che impedisce ai non
iscritti di diplomarsi”.
Ritieni che questo tipo di studi
sia stato d’aiuto o di ostacolo
alla tua preparazione?
“Mah, ho sempre vissuto lo
studio della classica focalizzato
ai grandi classici, coltivando
solo parallelamente l’interesse
per la musica leggera. Forse
avendo una conoscenza appena
più approfondita dello
strumento sono riuscito ad arrivare
dove volevo, sempre con
lo scopo di divertirmi però, cosa
che a volte i ragazzi del
Conservatorio sembrano perdere
di vista. A conti fatti lo studio
tecnico è stato di aiuto più
che di ostacolo”.
E con la musica leggera?
Come sei arrivato al sound
odierno?
“La svolta è arrivata attorno
al ‘98. Personalmente non mi ritenevo
un buon chitarrista leggero:
ce ne erano tanti molto
meglio di me. La mia fortuna è
stato un tape che per caso trovai
tra la roba vecchia di casa
mia, una cassettina di un genere
di musica molto poco noto
nell’ambiente musicale bresciano
di allora: lo ska. Nella
zona gli unici che iniziarono a
riproporre quel genere furono i
Nunc Bibendum Est e i Lemon
Squeezer. Nonostante riconosca
tutti i limiti di questa musica
devo dire che è stata una vera
ventata di freschezza nell’ambiente:
siamo iniziati a piacere
alla gente ed i Nunc poco alla
volta sono riusciti a distinguersi.
A dire il vero penso che i Lemon
fossero molto più bravi di
noi, tecnicissimi... Noi eravamo
quelli musicalmente un po’ più
sporchi ma che tiravano di
brutto. Ci divertivamo un sacco
e penso che questo sia passato
al pubblico.”.
Qual è la formazione attuale
di Isaia & l’Orchestra di Radio
Clochard?
“Al momento siamo io, chitarra
e voce, Stefano Caprini,
mio fedelissimo collaboratore
fin dal primo progetto, fisarmonica
e voce, Stefano Zeni, violino,
Federico de Maria, contrabbasso
e basso elettrico,
Antonio d’Alessandro, banjo,
chitarra, cori e logistica, Paolo
Decca Rodriguez, batteria,
Max Pietta, tromba ed infine
Maurizio de Virgilis, trombone.
Questo è il nostro zoccolo duro,
ma con noi hanno suonato
nel disco e anche dal vivo Carlo
Poddighe, chitarria solista
già nel progetto 00talpa nonché
eccellente polistrumentista,
Gabriele Mitelli, tromba e
percussioni, Giovanni ‘Lenny’
Scalvini, bassi vari. Non posso
non citare anche Giorgio Signorile,
che ha arrangiato un
mio minuetto – 3/4 d’ora – per
4 chitarre poi suonato oltre che
da me anche da Antonio D’Alessandro
e Jacopo Dutti – miei
colleghi presso l’Accademia
della Chitarra di Brescia – e Michele
de Vincenti, giovane
promessa bresciana della chitarra
classica. Infine l’avv. Flaminio
Valseriati, eclettico musicista
e collezionista di strumenti.
Nonostante i molti take ci ha
molto aiutati con la registrazione
del theremin”.
Come lavorate col vostro
gruppo?
“Io scrivo più o meno il testo,
butto già gli accordi e la melodia,
che poi propongo al gruppo,
poi dipende. Nei nostri dischi
ci sono due generi di canzoni:
quelle diciamo ‘festaiole’
e quelle un po’ più intime. Nel
primo caso si va tutti in studio e
poco a poco ognuno mette
del suo, democraticamente. Si
cerca di andare d’accordo, è
un compromesso. Nei brani più
tranquilli invece ci si trova con
una formazione ridotta e si cerca
di lavorare massimo in tre o
in quattro. Solo in un secondo
momento si integra il materiale
ottenuto nell’organico completo”.
Conflitti?
“Beh certo, facciamo delle
belle litigate. Ad esempio la sezione
ritmica è importantissima
nei pezzi in cui si deve ballare,
ma il batterista e il bassista a
volte si scazzano a fare sempre
segue alla pagina 11

segue dalla pagina 10
primo, quinto, primo [ndr. i gradi
dell’armonia], allora si sta
delle ore a cambiare il giro di
basso e la parte ritmica affinché
siano semplici ed efficaci
ma non banali, interessanti anche
per i musicisti stessi. Penso
infatti che se facessi sempre
come voglio tutto si appiattirebbe
sui miei ascolti. Il conflitto
crea interesse perché abbiamo
background molto diversi,
ci sprona ad integrare i
nostri punti di vista particolari al
fine di ottenere sempre qualcosa
di nuovo”.
Ho notato che in alcuni testi
c’é una certa appartenenza a
uno spirito “politico” un insieme
di idee e valori in cui credi e
che traduci in musica. Questa
cosa ti ha mai dato problemi?
“Ovviamente se sei schierato
perdi una parte di pubblico ma
sinceramente non mi sembra di
esserlo. Secondo noi la cosa
che fa veramente male all’uomo
sono le ingiustizie e noi siamo
contro chi le ingiustizie le fa,
sotto qualsiasi bandiera. Le ingiustizie
abbruttiscono l’uomo e
noi nella nostra musica cerchiamo
di denunciarle: non abbiamo
ancora imparato a subirle e
non restiamo zitti, indipendentemente
dalla loro origine”.
Sembra quindi che la musica
abbia un valore in buona
parte etico. È così?
“La prendo un po’ alla larga:
per quanto mi riguarda la fase
creativa musicale è abbastanza
indipendente da quella di
creazione del testo. Pertanto le
canzoni che vengono con un
testo più leggero non determi-
nano necessariamente una
musica più leggera né nelle
canzoni più impegnate ho inseguito
degli stratagemmi armonici
per sottolinearne la tensione
drammatica. Nulla è fatto in
funzione del testo e la genesi
musicale dei pezzi non è mai
programmata per raggiungere
un dato fine. Che poi questo fine
a posteriori ci sia è tutt’altra
faccenda. Ovviamente sta solo
all’artista e alla sua personalità
decidere se essere veicolo
di messaggi più o meno importanti,
ma quello che è importante
per me non lo è necessariamente
anche per un altro”.
Cosa pensi della scena musicale
bresciana?
“A Brescia la scena underground
fermenta, brulica, ribolle
di creatività, ci sono tantissimi
musicisti eccezionali, a partire
dai fratelli Poddighe, poi Felice
Cosmo, e ancora forse un gradino
sopra Carmelo Leotta e
Mirko Dettori, anche loro di S.
Eufemia come me. Purtroppo
gli spazi musicali dove esprimersi
sono molto limitati. Io vorrei
musica dal vivo ovunque”.
C’è secondo te in questo una
qualche responsabilità dell’Amministrazione
comunale?
“Guarda, magari si fanno iniziative
molto belle ma molto
costose, che tagliano fuori un
sacco di gente che potrebbe
esprimersi, così come buona
parte del pubblico. D’altro
canto i soldi sono quello che
sono e anche se fossi io ad amministrarli
so che sarei soggetto
ad un sacco di critiche...”.
Che consigli daresti ai giovani
gruppi?
“Tirerò acqua al mio mulino
Giovedì 21 Marzo ore 20:45 - Associazione GIA - XLIV Stagione Concertistica
Omaggio a Paul Wittgenstein - Massimiliano Motterle pianoforte - Auditorium San Barnaba
Venerdì 22 Marzo ore 18:00 - Associazione Danzarte - Brescia Festival di Danza
Danzarte / Danza. Autori - Luigi Fertonani, Luisa Cuttini - Rudolf von Laban - Foyer del Teatro Sociale
Domenica 24 Marzo ore 16:00 - Parrocchia di Sant’Agata - Concerti Quaresima Pasqua 2013
Passio Domini Nostri Iesu Christi - Corale Polifonica Ars Nova
Michela Tononi direttore - Mario Tononi direttore - Chiesa di Sant’Agata
Domenica 24 Marzo ore 17:00 - Associazione Oltre la musica - Musica e oltre …
Le emozioni: il dolore e la gioia - Conferenza con Nedo Brunelli e Federico Nicoli
Intermezzo musicale - Pianoforte a 4 mani - Daniela Piovani e Claudia Giacopini pianoforte
Museo Diocesano
Domenica 24 Marzo ore 17:00 - Apindustria Associazione per le imprese
Festa dei Santi Patroni - Concerto della Banda Cittadina di Brescia - Auditorium San Barnaba
Martedì 26 Marzo ore 18:00 - Associazione Cieli Vibranti
Duecento anni con Giuseppe Verdi e Richard Wagner - Corso di introduzione alla lirica
Centro Clinico Brescia
Mercoledì 27 Marzo ore 20:30 - Conservatorio Luca Marenzio - Le Stagioni del Conservatorio
Omaggio a Richard Wagner - Orchestra “Luca Marenzio” di Brescia e Darfo
Michele Tagliaferri violoncello - Roberto Tolomelli direttore - Chiesa di S. Giuseppe
Sabato 30 Marzo ore 15:30 - Associazione Elea in collaborazione con Arte con noi
Dipingere la Passione - Visita teatralizzata - Ermanno Nardi attore - Museo Diocesano
Martedì 2 Aprile ore 21:00 - Jazz in Eden - Barbara Casini presenta il libro
Se tutto è musica. Pensieri e Parole di alcuni tra i più importanti compositori brasiliani
Nuovo Eden
Venerdì 5 Aprile ore 20:45 - Associazione Oltre la musica - Musica e oltre …
Strumenti a pizzico nel repertorio classico tradizionale
Antonio D’Alessandro chitarra - Orchestra a Plettro Giovanni Paolo Maggini
Stefano Ghisleri direttore - Chiesa di San Giorgio
Sabato 6 Aprile ore 17:30 - Coro Filarmonico di Brescia - Concerto in favore di APB
Associazione Parkinson Brescia - Fabio Piazzalunga direttore - Auditorium San Barnaba
Sabato 6 Aprile ore 21:00 - Associazione Danzarte - Brescia Festival di Danza
Il Tavoliere delle Alpi - Compagnia della Vocata - Pizziche e Tarante - Spazio Danzarte
Domenica 7 Aprile ore 11:00 - Fondazione del Teatro Grande
Il solista: l’oboe e il corno inglese - Ensemble del Teatro Grande - Ridotto del Teatro Grande
Domenica 7 Aprile ore 15:30 - Associazione Elea in collaborazione con Arte con noi
La Domenica a teatro - Percorsi teatralizzati nel centro storico: Via Moretto
Serena Facchini - e Ermanno Nardi attori - Partenza da Caffè della Stampa
ROCK E DINTORNI
ma sappi che con Diffusionearte
stiamo cercando di
creare degli appositi spazi. Col
nostro ultimo bando di concorso
per gruppi emergenti italiani
siamo riusciti a pubblicare una
raccolta che contiene brani di
14 gruppi giovanili inediti, per
la maggior parte bresciani. Tenere
d’occhio queste situazioni
è importante. Che dire poi?
Non fare cover, cercare di dire
qualcosa di proprio”.
Sono ormai diversi anni che
sei in attività: dopo tutto questo
tempo non c’è il rischio di perdere
un po’ di entusiasmo?
“Inevitabilmente la routine
può portare a questo, a volte sei
molto stanco ed è sabato, potresti
andare a fare un giro, conoscere
gente nuova... e invece
devi andare a suonare a
Ponte di Legno. Ma quando inizi
a montare e bevi una birra inizi
a ricordarti perché sei lì. È come
in ogni lavoro: anche chi deve
fare i film porno probabilmente
ha questi problemi. Bisogna infatti
partire dal presupposto che
la vita del musicista è una vita di
stenti e patimenti: per soldi nessuno
lo farebbe. Parti alle 4 e
torni alle 4 per un centinaio di
euro. Devi farlo perché ti diverti:
questa è la chiave”.
Cosa pensi di avere ancora
da raccontare?
“Mah, penso di aver detto
talmente tante cavolate finora
che le cose serie sono ancora
tutte da dire”.
Progetti futuri?
“Siamo un attimo fermi fino
ad aprile, perché ho in cantiere
una decina di canzoni nuove
bresciaMUSICA - 11
che sto cercando di sistemare.
Il 17 marzo però con Diffusionearte
abbiamo lanciato una
grande iniziativa: vogliamo portare
mille chitarre in Piazza Loggia.
Una grande nota di merito
per questo progetto va ad Antonio
D’Alessandro, che ha fatto
valere tutte le sue raffinate
doti organizzative per rendere
possibile questa mia folle idea.
Sarà il nostro primo progetto di
diffusione nella socialità. Non
c’entrano i Clochard in prima
persona ma saremo tutti lì a
suonare La canzone del sole e
Gianna. Spero che la partecipazione
sia numerosa”.
Sono invitato?
“Assolutamente”.
Sito ufficiale di Isaia & lìOrchestra
di Radio Cloachard:
www.isaia.tv.
Lunedì 8 Aprile ore 18:30 - Fondazione del Teatro Grande - Serata Dannunziana
Renato Borsoni relatore - Ridotto del Teatro Grande
Martedì 9 Aprile ore 18:00 - Associazione Cieli Vibranti
Duecento anni con Giuseppe Verdi e Richard Wagner - Corso di introduzione alla lirica
Centro Clinico Brescia
Venerdì 12 Aprile ore 21:00 - Associazione Danzarte - Brescia Festival di Danza
La scatola dei sogni - Soggetti Smarriti/Elea - Danza e musica - Auditorium San Barnaba
Domenica 14 Aprile ore 15:30 - Associazione Elea - in collaborazione con Arte con noi
La Domenica a teatro - Percorsi teatralizzati nel centro storico: Corso Zanardelli
Serena Facchini - e Ermanno Nardi attori - Partenza da Caffè della Stampa
Domenica 14 Aprile ore 18:00 - Associazione Aref - Aref in musica - Aura Ensemble - Spazio Aref
Martedì 16 Aprile ore 20:45 - Conservatorio Luca Marenzio - Le stagioni del Conservatorio
Premio Luca Marenzio - In collaborazione con Lions Club Brescia Cidneo
Alberto Chiari clavicembalo - Matteo Benedetti flauto - Auditorium S. Barnaba
Martedì 16 Aprile ore 21:00 - Fondazione del Teatro Grande
Metamorfosi. La musica di Philip Glass - Sentieri Selvaggi - Ridotto del Teatro Grande
Martedì 16 Aprile ore 21:00 - Jazz in Eden - Joyce & Band - Joyce voce e chitarra
Helio Alves pianoforte - Rodolfo Stroeter contrabbasso - Tutty Moreno batteria - Nuovo Eden
Venerdì 19 Aprile ore 18:00 - Associazione Danzarte - Brescia Festival di Danza
Danzarte / Danza. Autori - Luigi Fertonani, Luisa Cuttini - Mats Ek - Foyer del Teatro Sociale
Venerdì 19 Aprile ore 20:30 - Associazione Oltre la musica e Lions Club Clisis Brixia
Musica e oltre … - Concerto di beneficenza - Juan Lorenzo
Flamenco Libre company - Juan Lorenzo guitarra flamenca - Auditorium San Barnaba
Venerdì 19 Aprile ore 21:00 - Associazione Danzarte - Brescia Festival di Danza
Serata eXpLo - Galli, Tanzi, Calvaresi - Giovani danz’autori - Spazio Teatro Idra
Sabato 20 Aprile ore 16:00 - Fondazione del Teatro Grande - Brimborium! Favola per musica
Carlo Boccadoro maestro concertatore e direttore - Teatro Grande
Sabato 20 Aprile ore 16:30 - Associazione Usci - Dodici mesi di coralità - Concerto corale
Ensemble femminile Sifnos - Gloria Busi direttore - Chiesa di San Giorgio
Sabato 20 Aprile ore 20:45 - Conservatorio Luca Marenzio - Le stagioni del Conservatorio
Omaggio a Poulenc e Britten - Claudio Marini violoncello - Gabriele Prodi pianoforte - Teatro S. Carlino
Domenica 21 Aprile ore 15:30 - Associazione Elea in collaborazione con Arte con noi
La Domenica a teatro - Percorsi teatralizzati nel centro storico: Corso Cavour
Serena Facchini - e Ermanno Nardi attori - Partenza da Caffè della Stampa
Giovedì 25 Aprile ore 16:00 - Comune di Brescia - Festa della Liberazione
Concerto della Banda Cittadina - Porticato Palazzo Loggia

12 -
bresciaMUSICA
La musica sta morendo?
Molti, forse tutti, scorgono
i gravi sintomi che la
tormentano, ormai da
qualche tempo. Diagnosi concorde:
l’arte musicale, in particolare
per quel che concerne
il genere colto, versa in condizioni
serie, affetta da un morbo
pericoloso. Più incerta la prognosi:
tra pessimismo e ottimismo,
tra previsioni infauste e
speranza fiduciosa, ognuno
esprime il suo giudizio personale.
A chi evoca già la fine della
musica e si prepara al suo imminente
decesso, chi ritiene invece
che la malattia, per quanto
nient’affatto trascurabile, sia
tuttavia solo transitoria, obietta
che nel corso della storia musicale
si sono presentati altri frangenti
difficili, eppure sono stati
sempre brillantemente superati.
Altri periodi della produzione
compositiva sono stati caratterizzati
da un forte ristagno creativo,
eppure hanno fatto soltanto
da preludio a nuove fasi di
fioritura artistica: parentesi di
quiescenza in preparazione di
ulteriori vividi slanci.
Certo, guardando retrospettivamente
alla storia della musica,
si possono rintracciare diversi
momenti, durati talvolta
anche parecchi decenni, in
cui prevalse un senso di ripetitività
o addirittura di stanchezza
sul piano della produzione
compositiva. Quando si denuncia
l’attuale mancanza di
novità creativa e il ricorso alla
citazione e al rimescolamento
continuo di stili del passato
(anche recentissimo), perché
si dovrebbe pensare che, questa
volta, la benamata arte
musicale sia giunta al termine
dei suoi giorni? Perché non
pensare viceversa alla preparazione
di chissà quali fervidi
impulsi vitali pronti a sbocciare
rigogliosamente magari solo
tra qualche anno, appena terminato
questo periodo di pausa?
Per l’appunto, perché privarsi
della speranza di una possibile
ripresa, con l’apertura di felici
futuri orizzonti? Il problema è
che ciò a cui si assiste oggi
sembra avere tratti del tutto
eccezionali. Per la musica colta
non è in atto una banale
standardizzazione o un impoverimento
di ordine epigonale
e nemmeno quella brutale
semplificazione stilistica che
talvolta ha davvero aiutato a
voltare pagina nel libro della
storia musicale. Al contrario,
pure in questo ambito ciò che
si dispiega è uno scenario postmoderno
complessissimo, dove
è impossibile rintracciare
una chiara tendenza dominante,
sebbene improntata a
un infiacchimento generale
dell’ispirazione.
Più che di ristagno creativo,
di un flusso che perde forza
perché prossimo a fermarsi,
forse sarebbe meglio parlare di
un vortice disordinato di correnti
e controcorrenti. O forse si
potrebbe dire che il fiume millenario
della musica colta è
giunto ormai al suo delta e, prima
di gettarsi definitivamente
nel mare, si sta dividendo in rami
dalle direzioni diverse, ciascuno
dei quali segue la sua incerta
estrema via.
Ci sarà ancora un compositore
capace di riassumere in
una sintesi originale gli aspetti
migliori di quanto è emerso da
ultimo o un genio in grado di
valide invenzioni musicali tali
da fornire un’altra grande spinta
alla storia della musica? L’esame
della situazione induce a
credere di no. La confusione
babelica a cui si è arrivati con
la composizione contemporanea
probabilmente resisterà a
ogni tentativo sintetico, sconfiggendo
le forze di qualsiasi
musicista, per quanto dotato. E
non è nemmeno escluso che,
dopo le audaci esplorazioni
delle avanguardie novecentesche,
non rimangano più territori
vergini da scoprire, privando
pertanto chiunque di uno
spazio sufficientemente ampio
per autentiche innovazioni.
***
Anche concedendo che la
storia musicale di genere colto
sia davvero pervenuta al termine,
entrata nel suo delta fi-
SE LA MUSICA MUORE
SI VA VERSO LA FINE DEL GENERE COLTO?
ESTINZIONE E TRASMUTAZIONE
Il passaggio
definitivo della
musica
dal sacro
alla
merce-spettacolo
nale, restano tuttavia dei buoni
argomenti in favore di chi si
oppone all’idea di una morte
della musica. Se è vero che
quel corso fluviale millenario si
è ormai disperso in molti rivoli,
avviene però che le sue acque
gloriose stiano comunque
per alimentare l’enorme oceano
della musica. Detto altrimenti:
se il genere “alto” della
musica è destinato a smarrire
la sua identità, è pur vero che
la musica in generale continuerà
a esistere anche grazie
a una fusione del genere “al-
di AUGUSTO MAZZONI
to” con i generi più “bassi”. Ciò
forse non è affatto un male,
anzi prefigura il superamento
di certi pregiudizi di valore, con
lo scardinamento di ogni chiusura
elitaria e aristocratica della
musica colta.
Mai come adesso la musica
riempie ogni angolo del mondo.
Suoni musicali riecheggiano
ovunque e di continuo, diffusi
dai più moderni mezzi tecnici
di riproduzione. Si deve far
fronte ormai all’insorgere di
una sorta di inquinamento
acustico, provocato non solo
dai rumori di una società sempre
in azione ma anche da
un’invasione di musica amplificata.
Ma allora, in una tal circostanza,
quando pure la musica
colta dovesse agonizzare
ed estinguersi, come si potrebbe
nutrire il pensiero di una
morte della musica? Non certo
intendendola quale morte della
musica nella sua totalità.
Sì è vero. L’eventuale estin-
zione della musica colta non
sembra portare con sé la
scomparsa di tutta la musica:
per nulla! Ma è importante sottolineare
che, se il genere musicale
colto dovesse effettivamente
estinguersi, si manifesterebbero
le più acute conseguenze
di quella che appare
come una vera trasmutazione,
i cui segnali del resto si presentano
già da parecchio tempo
e non soltanto in riferimento all’ambito
musicale e artistico.
La questione principale riguarda
la definitiva perdita di
sacralità che si impone nel
mondo attuale. In relazione alla
musica ciò significa non solo
che la musica sacra (religiosa)
ha da secoli ormai ceduto la
sua posizione eminente in favore
della musica profana
(non religiosa), ma altresì che si
è smarrito quel senso di sacralità
“laica” quale si è espresso
segue alla pagina 13

segue dalla pagina 12
allorquando la musica rivestiva
un profondo valore culturale e
civile.
Nel destino della musica che
si profila d’ora in avanti sembra
esserci l’assenza più assoluta
di ogni senso del sacro:
qualcosa che oltrepassa gli effetti
di un semplice processo di
secolarizzazione. Al posto della
sacralità, religiosa o civile, che
ha caratterizzato, pur se in modo
e in misura diversi, la musica
colta (ma non solo essa) nel
corso della sua storia, si sostituiscono
soprattutto due aspetti
radicalmente differenti: il carattere
di merce e quello di
spettacolo.
Non che la musica colta non
sia stata essa pure talvolta
merce o spettacolo: anzi, fin
da epoche lontane, è stata innervata
da fenomeni di mercificazione
e di spettacolarizzazione,
forse anche più della
stessa musica etnico-popolare.
Si consideri però, quale caso
esemplare, l’opera lirica nel
suo sviluppo storico e si vedrà
come in essa si siano intrecciati
e fusi tutti questi aspetti, con
la messa in scena di spettacoli
impresariali che tuttavia assunsero
significati civili (oltre che
sociali, strettamente politici)
della massima importanza.
***
Al di fuori della musica colta
è lecito aspettarsi qualcosa di
simile? No, non almeno nel futuro
immediato. L’impegno sociale,
che pure qualche decennio
fa aveva contagiato
certi settori della musica extracolta,
sembra già da un pezzo
svanito. Del resto, l’impiego
funzionale della musica quale
può presentarsi ancor oggi all’interno
della sfera religiosa (a
contorno della concreta pratica
liturgica) o all’interno di
quella socio-politica (a rinforzo
di una campagna propagandistica),
è da intendersi più
che altro come un uso meramente
strumentale, piuttosto
che un tentativo riuscito di recupero
di senso.
Bisogna constatare che la
musica, una volta che sia privata
delle possibilità del sacro,
possiede solo quelle della merce-spettacolo.
Essa tende a
essere fagocitata, nella sua interezza,
dal sistema economico
che la produce e la riproduce
puntando esclusivamente
su tali caratteristiche. Anche
la musica colta, se dovesse
mai sopravvivere, rischierebbe
d’ora in poi di essere quasi
esclusivamente merce-spettacolo
e non più autentico fenomeno
culturale.
Come affrontare la scomparsa
della musica colta, ove
effettivamente si verificasse nei
termini qui descritti? Nell’animo
di chi l’ama sinceramente,
l’evento esiziale, anche solo
nel momento in cui lo si presagisce
come imminente, non
può che provocare un grave
lutto. L’esaurimento di una così
grande tradizione non può
che gettare nello scoramento
chi l’ha coltivata e ha contribuito
finora a tenerla in essere,
magari facendone una propria
ragione di vita.
C’è un risvolto consolatorio
in tutto questo, che lenisce tuttavia
il dolore. Se pure va estinguendosi
il vigore di una produzione
compositiva su cui la
tradizione musicale nel corso
dei secoli si fondava, si tratta
però, almeno per adesso, solo
di un’estinzione parziale. Sussiste
infatti tuttora la possibilità di
riportare in essere, di volta in
volta, la musica del passato
continuando a eseguirla e ad
ascoltarla. In tal modo, nella
trasmutazione radicale della
musica dal sacro alla mercespettacolo,
il genere colto permane,
ma divenendo paradossalmente
ciò che torna a
esistere nel suo non esserci più:
ciò che non viene più creativamente
prodotto, ma pure è
ancora possible riprodurre.
Proseguire la tradizione della
musica colta con rinnovate
esecuzioni e rinnovati ascolti, in
generale con ulteriori nuove interpretazioni
(anche mediante
gli studi musicologici) forse può
essere un atto dovuto di
omaggio e di testimonianza,
un atto di nostalgica celebrazione;
o forse è qualcosa di
meno solenne, un atto mosso
dalla semplice volontà di trattenere
l’eco di ciò che è stato
importante, per quanto caduco,
con l’opportunità di farne
partecipi in qualche maniera
le future generazioni.
CAMPAGNA
ASSOCIATIVA 2013
Quota minima € 20,00
(Socio ordinario)
€ 100,00 (Socio benemerito)
Il versamento può essere effettuato
tramite il c/c postale n. 10580256
intestato a: Associazione Filarmonica
“Isidoro Capitanio”
Banda cittadina di Brescia
Via delle Battaglie 61/1 - 25122 Brescia
o con bonifico bancario Iban:
IT72Q0350011210000000018860
A proposito della Siae
N
ell’autunno del 2010 si scopre un
buco di bilancio di ottocento milioni
di euro. I vertici della Siae
danno il ben servito al presidente
Giorgio Assumma e si riuniscono per nominare
i nuovi membri del consiglio di amministrazione.
Per mancanza del numero legale in
più di un incontro e per varie irregolarità formali
di fatto sfuma la nomina di una nuovo
organo dirigenziale. Per necessità il Governo
decide il commissariamento, affidato all’anziano
Gian Luigi Rondi, noto critico cinematografico.
Fin qui una breve cronistoria delle ultime vicende
che hanno colpito l’ultracentenaria
Società italiana autori ed editori – nacque a
Milano nell’aprile del 1882 e si pensi che del
primo Consiglio direttivo fecero parte eminenti
figure del mondo della musica, della
letteratura e del teatro quali Giuseppe Verdi,
Giosuè Carducci, Francesco De Sanctis, Edmondo
De Amicis; tra i promotori della Società
vanno inoltre ricordati Roberto Ardigò,
Arrigo Boito, Ulrico Hoepli, Edoardo Sonzogno,
Giovanni Verga, Pasquale Villari, Giuseppe
Zanardelli – che ora si trova a fare i
conti con le acuite tensioni fra i suoi associati
a causa del nuovo statuto, approvato il 9
novembre scorso dal Presidente del Consiglio
dei ministri su proposta del Ministero per i
beni e le attività culturali in accordo con il
Ministro dell’economia, che sancisce l’adozione
di regole fortemente inique se non addirittura
illegittime che affidano la Siae alle
mani dei più ricchi, trascurando i numerosissimi
altri associati meno facoltosi a un ruolo assolutamente
marginale e irrilevante.
In sostanza secondo il nuovo Statuto ogni
associato ha diritto, in assemblea, a un voto
più un voto per ogni euro incassato: così facendo,
le delibere delle assemblee relative
essenzialmente alla nomina del Consiglio di
sorveglianza al quale lo Statuto affida, di fatto,
attraverso la nomina di un Consiglio di gestione,
tutte le decisioni inerenti l’attività e la
vita della società, dipendono esclusivamente
dagli associati più ricchi vale a dire i grandi
editori collegati a poche multinazionali
straniere e i più importanti cantautori della
musica leggera italiana. Quindi, grazie alle
nuove norme, pochi associati (circa una
ventina) potranno decidere delle sorti della
società infischiandosene altamente del volere
e delle indicazioni delle decine di migliaia
di iscritti. Bell’esempio di democrazia.
La Siae che si dovrebbe soprattutto occupare
di tutelare il diritto d’autore, raggranellando
ed erogarando i proventi che ne derivano,
ha attraversato in questi ultimi anni un
evidente crisi palesando uno stato di ineffi-
... CON MORDENTE
bresciaMUSICA - 13
cienza veramente imbarazzante. Quella che
dovrebbe essere una società con una forte
incidenza nel sostegno della creatività artistica,
proprio per la sua natura redistributiva, è
in realtà un carrozzone che risponde a vecchie
logiche di potere che tendono a favorire
pochi referenziati a scapito di tantissimi
onesti intelletuali e artisti.
Questa situazione non viene sicuramente
superata dal nuovo statuto che sancisce la
trasformazione della Siae in Spa e permette,
come si diceva in precedenza, a un importante
autore o a una grossa casa editrice di
avere in sede di voto un potere incontrastabile
che rende pressoché impossibile opporsi
alle scelte decise dai pochi ricchi e potenti
soci. Si verifica così l’attuazione di un sistema
che si basa assolutamente su principi economico-finanziari
– le finalità della SIAE dovrebbero
essere ben altre – ove il voto che vale è
quello di coloro che dispongono di maggiore
ricchezza così come capita, per esempio,
nella governance degli istituti di credito e dei
grandi gruppi finanziari: contano solo i soldi.
La nostra senzazione è che così facendo si
vada a impoverire il sistema culturale, già di
per sé ampiamente trascurato dalle istituzioni
nazionali in questi utimi anni, con una visione
di stupefacente ottusità sotto il profilo
strategico, politico e ideologico.
Con la trasformazione in atto, che sancisce
in concreto la fine del monopolio della
Siae – unico caso in Europa –, probabilmente
si possono aprire le porte alla possibile nascita
di nuovi enti analoghi in regime di concorrenza.
In questo modo la Siae potrebbe rischiare
un forte ridimensionamento e un inevitabile
cambiamento della propria natura
operativa, creando una situazione difficilmente
controllabile ove le mani nella marmellata
le metterebbero solo e sempre i soliti
noti e potenti.
Qualche settimana fa Acep (Associazione
autori compositori e piccoli editori), Arci, AudioCoop
(associazione delle etichette discografiche)
hanno presentato un ricorso al TAR
del Lazio per verificare e dichiarare l’illegittimità
del nuovo statuto della Siae.
Ci auguriamo che la notifica venga accolta
positivamente dal TAR del Lazio e che il futuro
Governo manifesti la volontà di riportare
la Siae a svolgere in assoluta trasparenza, salvaguardando
l’interesse di tutti gli oltre centomila
iscritti, quel ruolo di promozione e tutela
del sistema culturale italiano non riducendo
l’attività e la creatività artistica e l’impegno
intelletuale di un compositore, di un autore o
editore a un fatto puramente economico. Si
ritorni quindi ai nobili intenti per i quali Giuseppe
Verdi e gli altri contribuirono alla nascita
della Siae nel lontano 1882.
gus.tro.

14 -
bresciaMUSICA
Un involucro concettuale
e accattivante, che
nasconde un’anima
più concreta e artigianale.
Un salotto confortevole
e accogliente, un ambiente
raccolto, che unisce design e
tradizione. Il prodotto ideale
del connubio di due figure professionali
che nell’immaginario
comune rappresentano l’innovazione
e il patrimonio culturale:
l’architetto-designer, e il liutaio.
“Da un lato può essere così,
sì. Almeno in linea di massima
la ricerca del liutaio è una ricerca
nel passato, che quindi
tenta di mettere in luce il più
possibile quello che è stato fatto,
mentre il designer cerca il
futuro. Questo però non è necessariamente
vero, anzi. Lo
sguardo a ciò che è stato realizzato
in precedenza e a ciò
che è bello e funziona è comune.
Comunque la nostra non è
stata una scelta fatta a tavolino,
pensando a quali fossero
gli ingredienti migliori, ma il
prodotto di un’amicizia che
dura da anni”.
È Filippo Fasser che da buon
padrone di casa ci mostra la
nuova sede del suo laboratorio,
e il salotto che è diventato
il cuore del nuovo progetto da
lui creato insieme all’architetto
Antonio Gardoni, inaugurato
l’8 dicembre in via Fratelli Ugoni
16 a Brescia.
“È da quando ho traslocato,
che Officina Musicale, già attiva
in città fin dal 2001, si è arricchita
di un nuovo spazio,
che è appunto Officina da
Camera. Una difficoltà non
trascurabile, quando si vogliono
proporre eventi e iniziative,
è quella di riuscire a farsi riconoscere,
distinguersi per ottenere
un luogo, dei contributi o
dei finanziamenti, che consentano
di guadagnare una determinata
sala o chiamare determinati
artisti. L’idea di avere
un ambiente proprio significa
invece non appartenere a
nessuno, non dover chiedere
A COLLOQUIO CON FILIPPO FASSER
UNA NUOVA “OFFICINA”
nulla. Ciò che mi piace lo faccio,
se l’artista mi piace lo invito:
può sembrare una maniera
un po’ brutale per descrivere il
cambiamento a cui sono andato
incontro, ma è un ostacolo
che abbiamo dovuto affrontare
per anni. Soprattutto
quando abbiamo cominciato
con Officina Musicale, quando
ci siamo presentati all’Amministrazione
e a chi si occupava
di cultura a Brescia. Credo che
non sia un problema solamente
della nostra città, ma una
difficoltà comune a tutte le
realtà: la presenza di blocchi,
gruppi ai quali non solo bisogna
appartenere, ma anche
rendere conto. Iniziative, come
la mostra che abbiamo allestito
sui liutai bresciani dal Cinquecento
al Settecento, diventano
così possibili solo a
patto di coinvolgere altre
realtà più o meno vicine o affini.
Insomma, si sentiva un bisogno
d’indipendenza, anche
perché questi passaggi rischiano
molto spesso di appesantire
il lavoro, non necessariamente
lo rendono più facile. È vero
tuttavia che uno spazio come
a cura di GIACOMO BARONI
il nostro non permette certamente
di fare qualsiasi cosa”.
Il mondo che si è creato intorno
alle vostre iniziative è già
attivo, pieno di partecipazioni
e collaborazioni anche con artisti
noti. Sembra che il fine sia
un coinvolgimento totale di
tutte le parti in causa, anche
del pubblico. L’Officina è il
mezzo con il quale l’artista può
porsi alla stessa altezza dell’uditorio?
“Sono da poco tornato da
Mosca, dove ho partecipato
alla giuria del concorso per
viola ‘Yuri Bashmet’. Qui, ancora
una volta, ho avuto modo di
notare come la vera ricchezza
del vivere, in generale, sia
quella della relazione, dello
scambio, della capacità di
ospitare e di farsi ospitare. È
dove si creano connessioni,
scambi ed energia nuova che
tutto funziona al meglio. Più si
viene presi da questo mulinello
e intersecarsi di vite, e più la
propria esperienza diventa ricca.
Si perdono i fronzoli inutili e
rimane un nucleo di vero interesse.
L’idea sulla quale poggia
l’Officina da Camera, forse
proprio perché l’ambiente di
cui disponiamo è piccolo, è un
po’ quella di allargare casa
propria, e invitare le persone
con cui di fatto ci si trova bene
o che provano un interesse
reale per ciò che facciamo, e
da qui fare nascere relazioni,
connessioni, insomma una vera
e propria rete. Il mio lavoro,
come anche quello di Antonio
Gardoni, non può essere rivolto
al locale, non certo per una
avversione al localismo o al
provincialismo, ma per sua
stessa natura. Ad esempio la
professione di liutaio nasce nel
Cinque-Seicento già globalizzata,
gli artigiani tanto amati
come Gasparo da Salò lavoravano
per le corti di tutta Europa,
vale a dire tutto il mondo
allora conosciuto. È sempre
stato un mercato globale, e a
maggior ragione oggi se non
sei nella rete – al di là di Internet
– non esisti. L’Officina da
Camera è una cosa che va
molto oltre il semplice evento
proposto, è un progetto per
creare connessioni”.
Quali sono le iniziative che
avete già realizzato?
“È solo da due mesi che abbiamo
aperto Officina da Camera,
quindi gli eventi che
possiamo citare sono ancora
pochi. Abbiamo concentrato
nel periodo inaugurale, cioè
da sabato 8 dicembre a sabato
2 febbraio, quattro concerti.
Il primo è stato la performance
jazz di un pianista bresciano,
nato però come batterista,
che è Emanuele Maniscalco,
attualmente residente a Copenaghen.
Da notare ancora
l’idea dell’essere in comunicazione
con l’esterno, parte integrante
del disegno di Officina
da Camera. Nella giornata del
9 dicembre abbiamo proposto
due incontri. Durante la mattina
Ugo Orlandi, che è secondo
me il maggior appassionato,
esperto, ricercatore e conoscitore
di tutto quello che riguarda
il mandolino nel mondo,
e Luisella Conter, ci hanno
intrattenuto con un concerto
di mandolino e chitarra; tra
l’altro dovremmo iniziare in
febbraio proprio con Orlandi
una serie di appuntamenti per
celebrare l’anniversario della
nascita di Raffaele Calace,
uno dei più grandi costruttori e
compositori di musica per
mandolino. Durante la serata
invece abbiamo ospitato due
musicisti più noti nel giro bresciano,
che sono Daniele Richiedei
e Andrea Bettini, con
un percorso fuori dal classico,
dal sapore vario, che ha spaziato
dal Sud americano al balcanico.
Infine il concerto di
Giovanni Sollima e Luca Ranieri,
quello un po’ più ‘classico’,
nelle intenzioni. In contemporanea
si è tenuta una mostra
dei lavori di Livio Scarpella e
Fausto Salvi. Riapriremo con
una nuova mostra dal 14 febbraio
al 30 marzo, ‘Life Before
Death’, l’unione delle opere di
un bresciano, nome d’arte Valvola,
proveniente dalla cultura
del graffito e di Dan Hillier, un
londinese che fa grafica. Abbiamo
poi proposto ‘prova
aperta’ con i Birdcage, e il
concerto di fine anno con Giulio
Plotino, Gianpaolo Peloso,
Marco Misciagna e Paolo Bonomini.
Una cosa molto interessante
è stato l’incontro avvenuto
il 17 gennaio sempre
con Scarpella e Salvi, una sorta
di sfida di idee cronometrata
tra i due artisti. E la risposta è
stata sempre soddisfacente,
tenendo comunque conto
che la disponibilità è di solamente
quaranta posti a sedere,
per cui non è difficile riempire
la sala”.
Qual è il supporto degli enti
pubblici?
“È chiaro che con maggiori
risorse sarebbe più facile proporre
un maggior numero di
persone interessanti, tuttavia
non riceviamo alcun aiuto, ma
nemmeno lo abbiamo cercato.
Ritorniamo al discorso sul bisogno
d’indipendenza: per le
iniziative che ho organizzato fi-
segue alla pagina 15

segue dalla pagina 14
no a oggi, ho notato che è
sempre stata un pochino limitante
la richiesta, da parte dell’ente
pubblico in particolare,
di coinvolgere altre realtà. Non
è certo la voglia di collaborare
che manca, anzi, però non è
sempre facile far squadra con
tutti”.
Via Fratelli Ugoni, oltre a
ospitare la sala di Officina da
Camera, è anche la nuova sede
del suo laboratorio. Qual è
stato il valore della sua esperienza
nel centro della città?
Quali nuove prospettive offre il
cambiamento?
“Io sono nato musicalmente
al Carmine, in Vicolo dell’Anguilla
con il Centro giovanile di
educazione musicale di Giovanni
Ligasacchi, è seguita Via
Odorici, dove si trova la sede
della Banda cittadina. Man
mano mi sono allontanato dalla
musica ‘praticata’: mi sono
spostato per un breve tempo
in corso Matteotti, dopo di che
nel ‘91 mi sono trasferito in Rua
Confettora, che non è Carmine
ma la zona è comunque la
stessa. Dal ‘94 al 2012 infine sono
stato in Via Paitone. Credo
che il Carmine sia un quartiere
magnifico della città, e che
fornisca l’evidenza di come
qualsiasi cultura, e quella occidentale
maggiormente, possa
raggiungere un livello d’eccellenza
solo grazie alla sua mescolanza
con tante altre diverse.
Molti stupidamente non si
rendono conto che solo grazie
al continuo incontro di civiltà si
possono raggiungere risultati
davvero interessanti. Il nostro rinascimento
ad esempio, dei
cui strascichi viviamo ancora
oggi, è stato possibile soltanto
perché in Italia si incontravano
e si fondevano le culture di tutta
Europa e del Mediterraneo.
È lo stesso spirito del Carmine.
Purtroppo il quartiere è stato
trasformato negli ultimi anni: l’idea
di ristrutturarlo dal punto di
vista architettonico, un’operazione
tutto sommato interessante,
ha fatto sì che i locali raso
strada, un tempo magazzini,
botteghe e laboratori, siano diventati
tutti posti macchina.
Oggi la gente si lamenta che il
quartiere sia abitato solamente
dagli stranieri – perché quelli
vivono ancora la strada, a
differenza nostra – oppure della
presenza dei locali aperti
perché c’è l’università. Questo
è il frutto di una politica che
non aveva magari l’intenzione
di far chiudere le attività, ma di
fatto ha incentivato la creazione
di autorimesse. Quindi il mio
spostamento, a parte l’opportunità
offerta dall’avere trovato
dei locali che mi piacevano,
mi ha anche dato la possibilità
di allargare ulteriormente lo
sguardo. Brescia ha un po’ la
difficoltà di voler costruire
qualsiasi iniziativa intorno a
piazza della Loggia, mentre
tutto sommato è anche una
città più grande, con altri luoghi.
Sono queste le nuove prospettive:
una visione un po’ più
ampia, e la possibilità di ospitare
in uno spazio mio”.
La vostra proposta spazia
dal classico al contemporaneo.
Lei è un liutaio, esercita
un mestiere antico, basato sulla
costruzione di strumenti che
contano ormai centinaia d’anni.
La musica colta e non del
futuro, può passare attraverso
gli strumenti della tradizione?
Se è necessaria, da dove passa
l’innovazione?
“Il violino, la viola e il violoncello
sono ancora gli stessi, è
nel modo di suonare piuttosto,
che c’è stata la vera evoluzione.
Certamente, il futuro può
passare da qui, e io credo che
con questi stessi strumenti si
possano fare cose molto nuove.
Secondo me uno dei maggiori
musicisti, solisti, esecutori
di strumenti ad arco, proiettato
molto in avanti, è Giovanni Sollima.
Lui è la dimostrazione che
con un violoncello del Seicento,
un Ruggeri realizzato a Cremona,
si possono eseguire cose
nuovissime, che nemmeno
si pensava fossero possibili,
però sempre con quello stesso
strumento”.
Progetti per il futuro?
“Un’idea che ha già preso
forma è quella di una serie di
concerti vietati ai maggiori di
venticinque anni, il primo dei
quali si è tenuto il 18 febbraio, il
concerto per pianoforte di
Margherita Gulino. L’intenzione
è che questa diventi un’iniziativa
fissa. Resta il fatto che la
base del progetto è la creazione
di incontri, connessioni e relazioni.
Di conseguenza le iniziative,
i pensieri e le idee nascono
mano a mano. Non
avere una programmazione,
può permettere di cogliere al
meglio tutte le occasioni che si
presenteranno”.
bresciaMUSICA - 15
L’Associazione Amici della Banda
cittadina di Brescia per lo sviluppo
sociale e sostenibile contribuisce
concretamente alla realizzazione
di tutte le attività della “Isidoro Capitanio”.
Con la prossima dichiarazione dei
redditi (CUD, 730, UNICO) puoi destinare
il tuo 5 per mille alle Associazioni
di volontariato: dai il tuo 5
per mille per le attività della Banda
cittadina di Brescia.
Sul tuo modulo di dichiarazione dei
redditi:
• metti la tua firma nel primo riquadro
(associazione di volontariato,
ecc.)
• scrivi il codice fiscale della Associazione
Amici della Banda cittadina
9 8 1 5 2 3 9 0 1 7 9
A te non costa nulla! Non è alternativo
all’8 per mille (per la Chiesa,
lo Stato, ecc.).
FIRMA PER IL
TUO 5 x mille
ALLA BANDA
CITTADINA DI
BRESCIA
I contributi raccolti con il tuo 5 per mille andranno
a sostenere le attività della Associazione
Filarmonica “Isidoro Capitanio” - Banda
cittadina di Brescia: • Stagione concertistica
e Rassegna bandistica; • Pubblicazione
della rivista BresciaMusica; • Scuola popolare
di musica; • Progetto “Conoscere la
Banda” nelle scuole; • Progetto “Facciamo
la Banda” nelle scuole; • Altri interventi didattici
nelle scuole primarie e secondarie di
primo grado; • Campo estivo musicale per
giovani; • Seminari di aggiornamento e di
studio per gli strumentisti della Banda cittadina
e per i docenti; • Concorsi nazionali di
composizione ed esecuzione bandistici,
scambi culturali con altre realtà bandistiche
e rassegne musicali; • Allestimento e messinscena
di favole musicali didattiche; •
Coinvolgimento di affermati compositori
nella realizzazione di brani per organico
bandistico; • Incisioni discografiche; • Implementazione
dell’archivio musicale.

16 -
bresciaMUSICA
L’ESECUZIONE AL GRANDE DELLA “ISIDORO CAPITANIO”
CRONACA BUFFA DI UN CONCERTO SERIO
La Rassegna Bandistica
“Giovanni Ligasacchi”
si conclude a fine anno
al Teatro Grande con il
Concerto della Banda cittadina
di Brescia; questo concerto
è offerto ai soci della Associazione
“Isidoro Capitanio” e alla
cittadinanza, è molto apprezzato
ed è atteso con interesse
dal pubblico degli aficionados,
molto attenti a non perdersi
il posto a teatro: posti che
sono numerati, quindi non illimitati.
Ecco perché il giorno della
distribuzione dei biglietti scatta
l’assalto alla diligenza. Dove la
diligenza è rappresentata dall’ufficio
del povero Enio Esti,
che per due giorni deve armarsi
di santa pazienza per accontentare
tutti. Quasi tutti,
perché quando i 900 biglietti
sono finiti, come si fa a far capire
al 901esimo pretendente
che non può andare a sedersi
sul palco, tra le quinte o in terra
tra le due file di poltrone della
platea per seguire il concerto,
ovvero che doveva arrivare
prima per accaparrarsi l’agognato
biglietto?
Infatti qualcuno capisce e si
rassegna senza far storie – sarà
per l’anno prossimo, si organizzerà
meglio, si alzerà alle sei
per mettersi in fila, manderà la
madre che conosce le tattiche
di accerchiamento della
clientela ai saldi di fine stagione
e saprà come battere sul
tempo i temibili contendenti;
ma qualcuno non accetta ragione
e storie ne fa, pretendendo
da Enio una riedizione
aggiornata del miracolo dei
pani e dei pesci, nello specifico
la moltiplicazione dei palchetti
e delle poltrone, e si offende
molto se il nostro non ci
riesce: non si fanno miracoli
nemmeno su ordinazione, varrà
la pena di specificare d’ora
innanzi quando si dovranno assegnare
i biglietti per il Concerto
di Natale (e anche quando
la cassa piange, cioè quasi
sempre).
Per l’appuntamento bandistico
del 2012 avevo la responsabilità
di prendere i biglietti
anche per degli amici, vale a
dire che dovevo alzarmi io all’alba,
affrontare il caos dell’ora
di punta, attraversare tutta
la città, trovare un parcheggio,
per arrivare davanti al
cancello dell’Associazione al
momento dell’apertura e poter
anche prendere i posti migliori;
e conoscendo l’antifona,
ecco che la strategia dell’attacco
preventivo funziona e
SPAZIO AMATORIALE
di MARISA VIVIANI
quando mi trovo a scegliere i
posti c’è ancora tutto il teatro
a mia disposizione, una meraviglia,
e posso trovare le postazioni
più adatte anche per fotografare,
alla redazione di
BresciaMusica qualche foto
può sempre tornare utile. Così
sono riuscita ad avere dei bei
posti, ancora migliori di quelli
dell’anno precedente, per la
gioia mia e di tutti quelli che
sono rimasti a dormire intanto
che io facevo la fila.
***
Il giorno del concerto, il 23
dicembre, sempre conoscendo
l’antifona del caso, lasciamo
l’auto in tanta malora e ci
facciamo una bella sgambata
per raggiungere il teatro, perché
oltre che antivigilia di Natale
è anche domenica, po-
In
galleria
tra
disagi
e delizie
sonore
meriggio, e il centro della città
è un putiferio (ma quando mai
non lo è, ora è solo peggiore
del solito); pregustiamo però la
tranquillità del teatro, quando
salendo la scalinata del Grande
ci si lascia alle spalle il molesto
frastuono della vita urbana
e ci si immerge nella calma
ovattata del teatro, dove i rumori
sembrano assorbiti dai
velluti degli arredi e delle passatoie
e dove la musica, al
contrario, si amplifica senza
mai divenire strepito, schiamazzo,
fastidio.
Rinfrancati andiamo a sederci
ed ecco la sorpresa sotto
l’albero, i bei posti centrali dove
si sente bene e si fotografa
meglio, esattamente sopra il
palco reale, hanno proprio il
baldacchino ligneo che sporge
davanti alla balaustra della
galleria e per dirla tutta, stando
comodamente seduti, non
si vede un tubo; per vedere il
palco bisogna sporgersi completamente
in avanti, allungare
il collo che pare di essere
come quel pollo a cui fanno la
festa, flettendosi chi a sinistra
chi a destra secondo il posto;
altro che godersi lo spettacolo,
che è sì di musica, ma anche
di scena, di colore, di rappresentazione,
e un concerto a
teatro lo si gode con tutti i sensi,
non solo con l’udito.
Così mi attendo da tutti una
strigliata con sfottimenti vari,
“Brava, bella scelta”, mio marito,
il fotografo sacrificato, me
ne ha già cantate alcune, e le
altre le incasserò dagli amici,
che però sono in ritardo, che si
siano persi nel gorgo dell’antivigilia,
chissà. Infatti arrivano
trafelati dopo aver battuto tutta
la città per trovare un parcheggio,
gratis o a pagamento
che fosse, costretti a lasciare
l’auto in periferia e a precipitarsi
al galoppo verso il centro,
incerti di ritrovare quella
strada, che venendo da fuori
non si raccapezzano più tra
sensi unici, divieti, ZTL, nuove
costruzioni, ristrutturazioni, e
punti di riferimento spariti; salvo
il Teatro Grande che fortunatamente
è ancora lì: con il suo
baldacchino reale che impedisce
la vista. Sorvoliamo per
pudore i commenti intercorsi e
attendiamo l’inizio del concerto
con le sue delizie musicali e
con l’inevitabile mal di schiena
che ci starà addosso per tutto
il tempo; beh, al secondo tempo
ci scambieremo di poltrona
in modo da compensare i do-
segue alla pagina 17

segue dalla pagina 16
lori dal lato opposto: così avremo
mal di schiena un po’ a
destra e un po’ a sinistra, cioè
dappertutto. Ma bando alle
lagnanze, inizia il concerto.
***
Entrano i musicisti, in bell’ordine,
con gli strumenti luccicanti,
la divisa impeccabile,
l’atteggiamento sicuro e calmo
di chi è avvezzo a presentarsi
al pubblico e a dar prova
della sua preparazione musicale.
Io che ho già le vertebre
un po’ girate e cerco un’occasione
per rilassarmi e compensare
gli sfottò ricevuti, guardo
l’ineccepibile sfilata dei
bandisti, ma vedo scorrere le
immagini dell’Orchestra del
Bolshoi nel film “Il Concerto” (1) ,
e cinicamente mi attendo che
qualcuno inciampi in una sedia,
o si lasci sfuggire di mano
lo spartito, o si precipiti sul palco
in ritardo e con la divisa
sbagliata (se suoni in cinque
bande diverse può capitare di
confondersi: al mio amico Stefano
più di una volta), spero in
sostanza che l’atmosfera di
compostezza si attenui, e magari
irrompa sulla scena un M°
Biscroma (2) ad allietarci inaspettatamente
con le sue trovate
divertenti; insomma a me
è venuta voglia di ridere, invece
il programma che ci attende
è serissimo e molto impegnativo.
Sul palco si alterneranno infatti
i tre direttori, Sergio Negretti,
Giuliano Mariotti, Arturo
Andreoli con un programma di
tutto rilievo all’insegna di brani
originali per banda, scritti da
importanti compositori passati
e contemporanei, tra cui l’affermato
musicista bresciano e
collaboratore di BresciaMusica,
Rossano Pinelli, autore di
Játék Bandára, un pezzo recentissimo
già presentato in
anteprima dalla Banda cittadina
nel giugno 2012, che evoca
la fanfara con ritmi rapidi di
grande effetto sonoro. Sì, il programma
proposto è decisamente
ragguardevole e prevede
pezzi di grande interesse
musicale, a cominciare da Lincolnshire
Posy, del 1937, il capolavoro
del compositore australiano
Percy Grainger, costituito
da sei brani distinti su temi
popolari frutto di una ricerca
etnologica musicale. Aprirà la
rassegna Bridges over the River
Cam del compositore inglese
contemporaneo Derek Bourgeois,
le cui opere costituiscono
testi guida per gare tra
band; a dirigere i preparatissimi
strumentisti nell’esecuzione
di questi brani sarà il M° Sergio
Negretti, direttore titolare dal
2000 della Banda cittadina di
Brescia.
Seguirà, per la direzione del
M° Arturo Andreoli, già direttore
della Banda cittadina per oltre
dieci anni e ospite sul palco
in questa occasione, l’apprezzatissima
Piccola Sinfonia per
Banda del poliedrico compositore
marchigiano Giancarlo
Aquilanti, opera del 2012 in tre
movimenti, raffinata e di grande
personalità.
L’ultima parte del concerto
sarà diretta dal M° Giuliano
Mariotti, condirettore della
Banda cittadina, con un brano
dell’inglese Gustav Holst, la Se-
cond Suite for Military Band,
opera del 1911 che rappresenta
una delle maggiori composizioni
per banda sinfonica della
storia della musica; e a conclusione
la Suite Française del
francese Darius Milhaud, considerata
il capolavoro della musica
originale per banda, di
grande difficoltà esecutiva,
scritta nel 1944, e composta
da sei brani dedicati alle regioni
francesi dove gli Alleati combatterono
contro i nazifascisti
durante la seconda guerra
mondiale.
***
E a ben guardare, questo
programma pare tutto improntato
alla scelta di autori che
per origini, per formazione culturale,
per carattere e personalità,
si distinguono oggi, o si
distinsero in passato, per scelte
di vita, di studio e di lavoro all’insegna
della libertà di pensiero
e di espressione, valori
che la Banda cittadina di Brescia
persegue oggi con convinzione,
in coerente continuità
con il grande insegnamento
del M° Giovanni Ligasacchi.
Non c’è che dire, la Banda
cittadina di Brescia per capacità
esecutiva, per repertorio,
per storia passata, per impegno
e presenza nel panorama
musicale bresciano fa onore
alla musica e alla comunità,
come del resto ben sintetizza il
progetto “10 Anni di... musica,
cultura, didattica, editoria, volontariato”,
realizzata nell’ambito
del Bando “10 Anni di...
con Fondazione Comunità Bresciana”,
che ha coinvolto l’Associazione
“Isidoro Capitanio”
dal 14 settembre al 23 dicembre
2012 con iniziative mirate
alla diffusione della cultura
musicale a Brescia. Tra cui il
concorso rivolto agli studenti
universitari e delle scuole superiori
per la creazione di un nuovo
logo della Associazione “Isidoro
Capitanio” - Banda Cittadina
di Brescia, premiati nel
contesto del concerto (3) .
E così con il consueto impeccabile
aplomb (alla faccia dei
miei riprovevoli pensieri), la
Banda cittadina di Brescia sotto
la guida dei tre direttori conclude
in gloria la sua ennesima
fatica; io e la mia compagnia
lasciamo il teatro soddisfatti
ma un po’ sghembi, ripromettendoci
di indicare nel libro nero
i posti n° 13-14-15-16 della
prima galleria, ovvero di consigliarli
in futuro a qualche arrogante
conoscente con cui abbiamo
conti in sospeso.
***
NOTE:
1) Il Concerto, regia di Radu
Mihaileanu, 2009 – film commedia
con momenti drammatici
– da vedere.
2) Eugenio, ovvero il M° Biscroma,
opera buffa in un atto,
ispirata a Il maestro di cappella
di Domenico Cimarosa; musica
di Marco Tamanini, libretto
di Luigino Bertuetti; presentata
al Concerto di Natale nell’edizione
del 2011.
3) Il logo vincitore del concorso,
già divenuto ufficiale
per l’Associazione “Isidoro Capitanio”
- Banda Cittadina di
Brescia, è stato ideato da Alessandra
Vecchi di Romanengo
(Cr).
SPAZIO AMATORIALE
Il giudizio critico
Successo completo
di LUIGI FERTONANI
Rientrava nel progetto realizzato per
il “10 anni di… 10 anni con Fondazione
Comunità Bresciana” il concerto
che la Banda cittadina ha tenuto
nel pomeriggio di domenica 23 dicembre,
offerto a una cittadinanza che come
sempre ha risposto numerosa al richiamo
della musica e della “storia” del complesso
bandistico bresciano: in quest’ottica è stata
anche un’ottima occasione per ospitare, per
una parte del programma, un direttore come
Arturo Andreoli che ha guidato per oltre
un decennio la “Isidoro Capitanio”.
Presentato da Renato Krug e da Rossella
Pluda il programma è iniziato col direttore
principale della Cittadina, Sergio Negretti,
che ha proposto Bridges over the River Cam
di Derek Bourgeois, compositore inglese molto
prolifico (basti pensare alle sue ben quindici
Sinfonie e ai quattordici Concerti) e del
quale è stato scelto invece un brano meno
“importante” ma non privo di fascino, nel
quale l’autore racconta l’atmosfera spensierata
del periodo universitario a Cambridge
che, come del resto in tutto il mondo accademico,
è fatta non solo di studio a volte accanito,
ma anche di giovanili e indimenticabili
momenti.
Nel clima di nostalgia di questo brano d’esordio
siamo comunque rimasti anche per il
brano successivo, Lincolnshire Posy di Percy
Aldrige Grainger. Si tratta di una serie di sei
brani, un mazzo di fiori musicali (da “posy”,
appunto) di temi popolari del Lincolnshire nei
quali l’autore ha descritto, o meglio evocato
paesaggi e personaggi, dalla Baia di Dublino
al solenne “Harkstow Grange” col suo finale
a tratti dissonante e solenne, quasi wagneriano
nella trattazione dei fiati; senza contare
la danzante “The Lost Lady Found” che ha
concluso la serie intrecciando più temi musicali.
Nella prima parte del concerto una gradita
sorpresa, con quella Játék Bandára del
compositore bresciano Rossano Pinelli, una
commissione di Mauro Montalbetti che avevamo
già avuto l’occasione di ascoltare all’aperto,
l’estate scorsa sotto i portici di Palazzo
Loggia e che ci aveva profondamente
bresciaMUSICA - 17
colpito grazie al suo impatto estremamente
aggressivo. Anche in teatro il risultato è stato
lo stesso, se non ancora più efficace grazie
alla sua timbrica che unisce quella della fanfara
ad altre sezioni della banda in un gioco
breve – in fondo si tratta “solo” di quattro minuti
– ma incessante, oseremmo dire implacabile.
Coniugando le polifonie africane (il riferimento
all’etnia Bambara è dichiarato) alle
irregolarità ritmiche tipiche di Béla Bartók, il
risultato è stato anche stavolta raggiunto in
pieno, il pezzo di Pinelli diretto da Sergio Negretti
è stato uno dei più applauditi dell’intero
concerto.
Poi, come dicevamo all’inizio, Arturo Andreoli
è arrivato sul podio per dirigere i tre
movimenti della Piccola Sinfonia per Banda
di Giancarlo Aquilanti, omaggio alla bellezza
straordinaria della famosa isola siciliana di
Favignana che, oltre alle sue meraviglie naturali
ospita anche un complesso, la Njcabanda,
che Andreoli ha diretto e per la quale
Giancarlo Aquilanti ha scritto questa breve
ma intensa, lirica composizione divisa in Poco
mosso, Adagio, Valzer.
Dopo questo gradito ritorno in scena di Arturo
Andreoli, il terzo direttore del pomeriggio
in musica con Giuliano Mariotti per la Second
Suite for Military Band di Gustav Holst e
soprattutto la Suite Française di Darius
Milhaud. Quest’ultimo è un brano molto bello,
che avevamo già avuto modo d’ascoltare
nel marzo scorso al Palabrescia con l’Orchestra
di fiati della Northern University dello
Iowa diretta da Ronald Johnson, ospite della
nostra città. Un omaggio alla Francia e ai
suoi eroi, a quelle regioni dove combatterono
le truppe americane nel corso della Seconda
guerra mondiale, dalla Normandia
alla Bretagna, dall’Île de France all’Alsazia-
Lorena e alla Provenza; un’ottima esecuzione
da parte della Banda Cittadina.
Successo completo dunque per il concerto
che ha concluso la Rassegna bandistica
del 2012 intitolata a Giovanni Ligasacchi, col
patrocinio dell’Assessorato alla Cultura della
Provincia di Brescia, del Comune di Brescia,
della Circoscrizione Centro e dell’Associazione
Bande Musicali Bresciane.

18 -
bresciaMUSICA
Abbiamo ricordato la recente
scomparsa di
Antonella Landucci
sul numero di dicembre
della nostra rivista. Ci piace
dare un ulteriore spazio alla
sua memoria parlando del coro
che ha diretto per molti anni
con un’intervista al presidente
Elio Caccagni, compagno di
Antonella in questa avventura
artistica ma anche nella vita.
Proprio alle porte della città,
a Gussago, lavora il coro Calliope,
che raggiunge quest’anno
il traguardo della maggiore
età, poiché fu fondato
nel marzo 1995 dal maestro
Antonella Landucci. Grazie alla
propria pazienza ma anche
alla propria tenacia Antonella
ha messo in campo numerose
attività e ha saputo creare e
far crescere tra le tante anche
questa realtà amatoriale.
A cosa si deve il nome del
coro? Come e quando è nato?
“All’inizio avevamo chiamato
il coro ‘La Santissima’. Trovandoci
a Gussago ci sembrava
un bel tributo al vecchio castello
che sovrasta il paese. Ci
siamo poi accorti che nelle
promozioni dei primi concerti
‘La Santissima Corale’ o ‘Corale
Santissima’ suonava molto
male! Così decidemmo di trovare
un nome più carino, che
suonasse bene. Calliope fu una
scelta azzeccata: nella mitologia
greca Calliope (in Greco significa
‘dalla bella voce’) era
la musa della poesia epica”.
Quale scopo ha spinto Antonella
Landucci a fondare un
gruppo di canto corale?
“All’inizio degli anni Novanta
Antonella da 15 anni dirigeva il
coro parrocchiale del Villaggio
Sereno. Quando le maestranze
di Gussago proposero di istituire
un coro nel paese Antonella
ne fu entusiasta. Le adesioni furono
di circa 60 persone e così
iniziammo questa nuova avventura”.
Quale è il repertorio inizialmente
proposto? Ci sono state
poi evoluzioni (es. maggiore
difficoltà del repertorio affrontato,
collaborazioni con altri
organici, etc) nelle scelte dei
programmi da concertare?
“Forte delle esperienze legate
al mondo della lirica, Antonella
già da subito aveva idee
molto chiare su quello che si
doveva fare. All’inizio il repertorio
fu lirico, ma crebbe nell’arco
degli anni, arricchendosi con
brani polifonici, popolari e natalizi,
tanto che a oggi il nostro
curriculum vanta circa 150 brani,
anche di compositori bresciani
contemporanei. Abbiamo
tenuto numerosi concerti in
Brescia e provincia ottenendo
lusinghieri consensi. Negli anni
ci sono state anche esperienze
teatrali, come Caffè Chantant,
spettacolo indimenticabile rappresentato
nel giugno del 2003,
nel quale un cameriere tra i tavoli
di un bar ricorda i bei tempi
di quando gli avventori seduti
ascoltavano della bella musica.
In questo spettacolo eravamo
riusciti a ottenere la collaborazione
di Luca Madalin al
flauto di Pan: una chicca. Potemmo
così proporre brani che
hanno accompagnato un secolo
della nostra storia da Funiculì
Funiculà a C’era una volta
l’America passando da Vecchio
Frack e tante altre. Abbiamo
cantato con la Skenderbeg
Chamber Orchestra e L’Orchestra
Camerata, dirette sempre
da Antonella, abbiamo collaborato
con il soprano Paola
Moroni in Brescia e provincia
proponendo La storia di Violetta.
In occasione dei 150 anni
dell’unita d’Italia riuscimmo a
creare uno spettacolo veramente
bello e apprezzato, con
proiezioni di diapositive che riguardavano
l’unità d’Italia e
brani che spaziavano dal repertorio
classico, a brani leggeri
(Volare, Grazie dei fior, ecc)”.
Considerato il suo variegato
impegno in campo artistico e
SPAZIO AMATORIALE
IL GRUPPO CALLIOPE FONDATO DA ANTONELLA LANDUCCI
LA “BELLA VOCE” DEL CORO
didattico, qual era la dote musicale
precipua di Antonella?
“La dote principale di Antonella
era di avere il cosiddetto
‘orecchio assoluto’, a detta
degli intenditori cosa molto rara.
Comunque Antonella riusciva
a far cantare tutti, anche
i più stonati”.
In un ambito amatoriale è
fondamentale per il raggiungimento
degli obiettivi che ci si
propone un clima di stima e fiducia
reciproca tra tutti i componenti.
Come era il rapporto
umano tra Antonella e i “suoi”
coristi?
a cura di PAOLA DONATI
“Bellissimo, era un clima molto
famigliare; Antonella metteva
la casa a disposizione di tutti,
soprattutto di chi si sentiva
non preparato rispetto ad altri.
In occasione dei concerti lei
cominciava ad agitarsi almeno
una settimana prima. A volte
diventava anche intrattabile,
non voleva sfigurare davanti
al pubblico, e allora le prove
per la preparazione ai concerti
a volte diventavano estenuanti,
e non tutti riuscivano a
condividere il ripetersi di certi
brani in continuazione per trovare
la perfezione. Per fortuna
alla fine dei concerti gli applausi
del pubblico gratificavano
il lavoro fatto, e anche Antonella
rientrava nella normalità”.
Quali sono state le maggiori
soddisfazioni che hanno gratificato
il coro in questi quasi
venti anni di attività?
“Le soddisfazioni sono state
molteplici. Il coro Calliope ha
incisio un Cd amatoriale, registrato
presso il Salone Da Cemmo
a Brescia nel febbraio
2005, dal titolo Verdi e dintorni
in cui gran parte del repertorio
era dedicata a Giuseppe Verdi.
Ci sono poi tutti i concerti di
solidarietà con associazioni
con scopi umanitari, come
Ant, Amnesty International,
Note per il mondo, Sichar Onlus,
Il Granello di sabbia, Avis di
Brescia e tante altre. C’è stata
inoltre la partecipazione a
Opera Fondo in Trentino con la
rappresentazione di tre opere
complete, con tanto di orchestra
e costumi di scena: Lucia
di Lammermoor, Un ballo in
maschera, Manon Lescaut, insomma
una tournée”.
Lei è il presidente del coro.
Come intende dare seguito all’impegno
di Antonella e dare
così un futuro all’attività del
coro Calliope?
“Antonella mi ha lasciato un
compito difficile, un vuoto incolmabile:
trent’anni vissuti assieme
non si dimenticano in
breve tempo. Spero di continuare
degnamente quanto lei
era riuscita a fare. Fortunatamente
tutti i coristi vogliono
continuare a proporre tutto
quello che ci aveva insegnato,
ma rimane il problema di riuscire
a trovare un sostituto che
riesca ad adeguarsi a noi: la
maggior parte dei coristi non
conosce la musica, riuscivamo
a cantare grazie alla magia di
Antonella”.

CHE BELLO IL BOMBARDINO!
(TEMA N° 2 - SCUOLA SECONDARIA DI 1° GRADO)
Lo strumento più simpatico
in assoluto, secondo
me, è il flicorno baritono
o euphonium o, come
viene chiamato in Italia,
bombardino.
L’euphonium nasce intorno
al 1830 per mano di Adolph
Sax che in quegli anni perfezionò
la tipologia dei flicorni;
successivamente ne presentò il
brevetto a Parigi che, nonostante
le proteste di altri costruttori
di strumenti musicali
che non consideravano i flicorni
una vera e propria classe
strumentale, venne approvato
e registrato nel 1845.
Il flicorno baritono è composto
da un tubo di ottone ripiegato
su se stesso in modo circolare
e il suo diametro aumenta
progressivamente dai
pistoni fino alla campana; è
costituito dall’imboccatura su
cui si fissa il bocchino e circa a
metà del canneggio si trovano
quattro pistoni che quando
vengono premuti deviano l’aria
attraverso altri tubi di ottone
abbassando il suono rispettivamente
all’ordine di un tono,
mezzo tono, un tono e mezzo e
due toni e mezzo. Alla fine si
trova la campana, rivolta verso
l’alto, da dove esce il suono.
Uno strumento musicale fatto
da quattro pistoni e da un
tubo di ottone però non è nulla
senza colui che lo suona, infatti
la bellezza del suono non
è data solo dalla qualità dello
strumento, ma soprattutto dall’abilità
del musicista di creare
la vibrazione perfetta.
Chi vuole suonare questo
strumento deve prima di tutto
Da sempre, i giovani di
ogni città o paese si
incontrano, si riuniscono
e trascorrono la
giornata insieme cantando o
suonando. La musica è infatti
un elemento centrale che permette
la socializzazione delle
persone, diventando un punto
di riferimento essenziale per la
loro vita. A volte si ha l’esigenza
di far nascere un qualcosa
di più importante e impegnativo
come piccoli gruppi, quali
bande, cori o complessi musicali,
in genere formati soprattutto
da giovani oltre che da
maestri professionisti.
Oggi ci sono bande di paese
che di solito hanno numerosi
strumentisti e suonano nelle occasioni
importanti o nelle feste.
Oltre a queste, esistono anche
delle realtà più piccole, come,
ad esempio, i cori o i gruppi di
musicisti che suonano in chiesa
oppure i semplici amici che si ritrovano
a suonare nei garage
o nelle cantine. Ci sono anche
dei gruppi più o meno grandi,
formati o da professionisti o da
NELL’AMBITO DEL FESTIVAL PIANISTICO 2012
IL CONCORSO PER STUDENTI
saper leggere gli spartiti in
chiave di basso o di fa, perché
è quella su cui suona il bombardino;
dopo di che deve
possedere una grande capacità
polmonare per riuscire a
produrre un bel suono ampio e
pulito.
Nei concerti organizzati dalla
banda del mio paese mi ha
colpito questo suono che sa
essere forte e deciso, ma anche
leggero, e mi piacerebbe
diventare un buon “flicornista”
per trasmettere agli altri le emozioni
che provo quando suono.
Quattro anni fa, infatti, accostandomi
alla Banda “Santa
Cecilia” di Manerbio l’ho scelto
come strumento tra i molti che
mi sono stati proposti. Dalla prima
volta che l’ho visto ha suscitato
in me molto interesse
AMICIZIA E DIVERTIMENTO
(TEMA N° 3 - BIENNIO)
semplici amatori che suonano
su commissione a matrimoni o
altre cerimonie. La consuetudine
di trovarsi a suonare insieme
è piuttosto diffusa tra i giovani:
infatti, conosco ragazzi e ragazze
che fanno parte di piccoli
complessi fondati da loro e
che si divertono a suonare le
loro musiche preferite. Molto
spesso eseguono motivi famosi,
più raramente interpretano dei
pezzi scritti da loro.
Personalmente, non faccio
parte di un gruppo musicale,
ma nella mia parrocchia c’è
un bellissimo coro formato da
giovani e meno giovani, a cui
appartiene anche mia mamma.
Ciò che ha reso possibile il
formarsi del gruppo è stata sicuramente
la passione per la
musica, oltre alla necessità di
avere un coro parrocchiale
che cantasse durante le messe
più importanti. Inoltre, il coro
“Sant’Antonio da Padova” è
anche una risposta alle esigenze
che alcune persone hanno,
come la voglia di stare insieme,
l’amicizia, l’entusiasmo di co-
con quella forma e quelle dimensioni
e, quando poi l’ho
sentito suonare, ho capito subito
che era fatto per me, perché
quando lo ascolti ti dà
quel senso di sicurezza e di forza
che secondo me non si prova
con altri strumenti. Ne è un
esempio emozionante la colonna
sonora del film “Pirati dei
Caraibi”, creata da Klaus Badelt.
È suddivisa in cinque parti,
ma la mia preferita è l’ultima:
“He’s a Pirate”. Nel film fa
da sfondo all’entrata e all’uscita
di scena del capitano Jack
Sparrow, introdotta dai flicorni,
che, forti e decisi, sembrano
dare al protagonista la spinta
nei suoi movimenti.
Grazie alla mia esperienza
nella minibanda ho capito che
il flicorno ha quasi sempre una
parte da controcanto, cioè seconda
voce di un brano, ma
questo non mi ha scoraggiato,
perché anche se la parte è se-
noscere gente nuova e anche
l’orgoglio di creare qualcosa
che prima non c’era. Far parte
del coro significa anche coltivare
nuove amicizie e nuove
conoscenze; vuol dire ritrovarsi
spesso con gli altri per le prove
e anche avere un’occasione e
un modo diverso di uscire e divertirsi.
Essere nel gruppo significa
anche condividere interessi
in comune con gli altri. Spesso,
infatti, si partecipa a concerti
oppure si trascorre del tempo
insieme, parlando e scherzando,
oltre a far musica.
La nascita di questi gruppi
che si ritrovano a fare musica insieme
è un aspetto molto importante
soprattutto nella società
di oggi, dove le persone
sono spesso sole. Per i singoli
componenti del gruppo c’è
una motivazione particolarmente
positiva che è quella di
voler andare avanti insieme e di
essere stimolati dagli altri a proseguire.
Molti di questi gruppi
nascono dal nulla e solo alcuni
crescono a tal punto da diventare
più o meno famosi, ma ciò
che unisce tutti i gruppi, famosi
e non, è l’amore per la musica
e la voglia di coltivare questo
interesse insieme ad altri.
Secondo me, la musica è
condaria, il ruolo dell’euphonium
è comunque quello di sostenere
l’intera banda. Inaspettatamente,
dopo quattro
anni di studio individuale e di
gruppo, ho avuto l’opportunità
e la fortuna di poter entrare
nella banda ufficiale grazie
al maestro Arturo Andreoli che
ha ideato un nuovo programma:
il progetto permette ai
giovani musicisti come me di
far parte di un’organizzazione
musicale di un certo livello:
uno stimolo a impegnarmi per
riuscire a tenere il passo con
persone molto più brave e con
più esperienza di me.
Le parti che ci hanno assegnato
in banda sono equilibrate:
ci sono dei punti in cui i tre
flicorni devono fare delle note
lunghe per sostenere la parte
principale e altri in cui noi dobbiamo
fare da solisti per spezzare
la monotonia dei flauti e
dei clarinetti.
una disciplina molto importante
ed è necessario che venga
sviluppata anche nell’ambito
scolastico. Infatti, ciò permetterebbe
alle persone di avere
non solo la possibilità di approfondire
un interesse culturale,
ma anche di interpretare
ed esprimere alcuni sentimenti
ed emozioni che senza di essa
resterebbero nascosti. Io non
faccio parte di un vero e proprio
gruppo musicale, ma grazie
all’ambiente scolastico sono
riuscita a creare forti legami
d’amicizia durante le prove
per i saggi di metà e fine anno,
con i ragazzi del mio stesso corso
e strumento. Nei periodi di
prove musicali o esibizioni, passo
molto tempo a scuola; spesso
mi sembra che il “Gambara”
sia la mia seconda casa.
Tutto ciò non mi pesa minimamente,
anzi per me è un vero
divertimento e il tempo scorre
via in un baleno. Questi anni
trascorsi al liceo sono stati i più
belli della mia vita; saranno per
me sempre un magnifico ricordo
e l’indirizzo musicale è stata
una scelta azzeccata, in quanto
la musica è fantastica!
Elena Martina Prandelli
Classe 5 M - Liceo “Gambara”
bresciaMUSICA - 19
Tra i brani che ho avuto modo
di suonare, il mio preferito è
Highlights from Ratatouille, presa
dalla colonna sonora del
film “Ratatouille”, perché alterna
pezzi costituiti da note costanti
di sottofondo, presenti
nel primo tema, con la parte
dominante avente note energiche
e vigorose.
Il più grande strumentista
contemporaneo di flicorno baritono
è sicuramente Steven
Mead, un uomo capace di
deliziare il pubblico con ogni
singola nota e in grado di suonare
nelle migliori orchestre
d’Europa. Ho solo tredici anni e
ancora poca esperienza musicale,
ma mi trovo a volte a sognare
di poter ripercorrere le
sue tappe e suonare in tutto il
mondo.
Stefano Baldini
Classe 3 F
Scuola media
“A. Zammarchi” - Manerbio
Forse non tutti
sanno che…
… l’Associazione
Filarmonica
“Isidoro
Capitanio”
promuove
numerose
iniziative
musicali,
didattiche e
culturali.
Il tuo contributo
può essere
fattore vitale
per la loro
realizzazione.
Associati
alla Banda
cittadina
di Brescia!

20 -
bresciaMUSICA
INTERVISTA A FRANCESCA PAOLA LUCREZI, DIRETTRICE DEL CARCERE DI VERZIANO
UN PROGETTO DI “EVASIONE COSTRUTTIVA”
Promosso dall’Associazione
Amici della Banda
cittadina di Brescia
per lo sviluppo sociale
e sostenibile, ha preso avvio
nel novembre scorso il progetto
“Sentirsi liberi con la musica
- L’arte per la cooperazione
sociale: corsi di musica per i
detenuti della Casa circondariale
di Verziano”.
L’Associazione Amici della
Banda cittadina di Brescia si è
costituita nel 2009 allo scopo di
utilizzare e valorizzare le attività
dell’Associazione Filarmonica
“Isidoro Capitanio”, per promuovere
e sostenere iniziative
di carattere sociale, oltre ad
attività culturali, educative, ricreative
nel rispetto dei principi
di pari opportunità tra uomini e
donne. Propone iniziative per
favorire lo sviluppo della cooperazione
internazionale, contribuisce
alla diffusione dei valori
di solidarietà, di rispetto delle
persone e dell’ambiente, all’adozione
di stili di vita corretti.
Partendo dal presupposto
che la divulgazione della cultura
musicale fra i soggetti che
vivono situazioni di disagio risulta
essere sovente lacunosa, si
è pensato di realizzare un intervento
che coinvolgesse direttamente
i detenuti in un’esperienza
musicale concreta, con
l’intento di far vivere loro un
percorso in grado di stimolare
lo sviluppo della personalità
artistico-musicale individuale,
puntando in modo particolare
sul lavoro di gruppo per far sì
che i soggetti coinvolti siano
messi nella condizione di esprimere
al meglio le loro sensibilità
e le loro abilità.
Il progetto è sostenuto finanziariamente
in parte dall’Associazione
Amici della Banda cittadina
di Brescia e in parte dall’Assessorato
gestione albi dell’associazionismo
e del volontariato
della Provincia di Brescia
che ha erogato un contributo
sulla base di un bando a
favore delle associazioni senza
fini di lucro iscritte al registro
provinciale.
È questo un intervento che
ha anche risvolti di notevole rilevanza
sociale e umana e
che si realizza in un contesto
dove più forte si palesa il bisogno
di introdurre aiuto e solidirietà.
Ne parliamo con la direttrice
della Casa di reclusione di
Verziano, dott.ssa Francesca
Paola Lucrezi.
Come è nata l’idea di questo
progetto?
“Da un incontro fortuito, da
una sensibilità particolare di
Enio Esti e dell’Associazione
‘Amici della Banda’. Da sempre
ritengo che la musica sia
medicina per l’anima, metodologia
di comunicazione interculturale,
e per tali ragioni
da anni cercavo di realizzare
un corso di musica per i detenuti
ristretti presso la Casa di reclusione
di Verziano; l’opportunità
è arrivata iniziando a frequentare,
per il tramite di mia
figlia, l’associazione e di lì si è
iniziato a costruire questo bellissimo
progetto”.
Quali strumenti vengono insegnati
ai partecipanti al corso
e come è stato possibile dotarsi
delle attrezzature musicali
necessarie?
“Al momento il corso è incentrato
sulle percussioni. Ritengo
che tali strumenti, particolarmente
‘fisici’ come il
sound che esprimono, possano
essere assolutamente ‘terapeutici’
in un ambiente qual è il
carcere, istituzione assoluta,
dove la giornata è scandita da
regole preordinate e assai poco
è lasciato al libero arbitrio.
In questo contesto la possibilità
di esprimere se stessi, attraverso
il ritmo, fornisce uno strumento
diverso di lettura della
realtà che si sta vivendo. Contiamo,
comunque, nell’ambito
a cura di PAOLO TESI
Francesca
Paola
Lucrezi
delle disponibilità dell’Associazione
‘Amici della Banda’ e dei
maestri di musica, di poter implementare
l’esperienza con
l’aggiunta di nuovi insegnamenti.
Tutte le percussioni utilizzate
nel corso sono state messe
a disposizione gratuitamente
dall’Associazione stessa”.
Il corso è aperto a tutti i detenuti
che desiderano parteciparvi
senza limitazioni?
“Sì, come per tutte le attività
trattamentali che vengono
svolte presso la Casa di reclusione
di Verziano. Affinché il
tempo della detenzione non
sia solo tempo di ozio cerchiamo
di presentare una variegata
gamma di attività a cui i detenuti
possono aderire liberamente,
secondo i bisogni individuati
preventivamente dall’équipe
formata anche dagli
educatori e dalla Polizia penitenziaria.
L’adesione del condannato
al così detto ‘patto
trattamentale’ consente di verificare,
a posteriori, l’impegno
e la capacità di tenuta del
soggetto, e ciò è indice di valutazione
anche per la possibilità
di ammissione ai benefici
esterni. La cooptazione rispetto
a quanto suddetto oltre a
essere improduttiva, sarebbe
sicuramente fuorviante”.
Un intervento come il corso
di musica in quale misura può
influire sul recupero del detenuto?
E la presenza di operatori
esterni alla struttura carceraria
quali benefici comporta?
“Ogni intervento della comunità
esterna influisce sul recupero
del detenuto, senza
l’apporto del volontariato, del
terzo settore, del privato socia-
le, il carcere rimarrebbe monade
isolata, braccio monco, un
‘non luogo’ fisicamente presente
ma inaccessibile e, quindi,
inesistente; un ‘non tempo’
all’interno del quale la vita del
condannato si sospende, ma
non si cancella, e in qualche
maniera occorrerà ricostruirne
le fila allorquando il detenuto
smetterà di essere tale e ritornerà
a essere semplicemente
cittadino. In quest’ottica il carcere
deve essere ‘ponte’ e
‘passaggio’, paradossalmente
il contrario di quello che sino a
qualche anno fa si percepiva.
Non possiamo pensare di essere
autosufficienti e autoreferenziali,
c’è bisogno dell’apporto
di una rete di cooperazione
con cui collaborare per
la durata della detenzione, e
che accompagni il detenuto
nel delicato passaggio di riacquisizione
della propria libertà
personale”.
Possiamo quindi affermare
che il progetto è un contributo
importante al recupero della
dignità della persona?
“Il progetto ‘Sentirsi liberi con
la musica’ risponde pienamente
a quanto detto, in quanto
costituisce momento educativo
individuale, attraverso l’acquisizione
di competenze in
campo musicale, ma soprattutto
momento di insegnamento
del rispetto delle regole e
della capacità di gestione della
vita all’interno di un gruppo.
Da non ultimo la capacità di
espressione offerta dalla musica
e dagli strumenti a percussione,
in particolare, costituisce
una grande opportunità di riflessione
introspettiva e di ‘evasione
costruttiva’ per misurare
le proprie capacità e mettere
a frutto l’impegno profuso”.
È ipotizzabile il proseguimento
dell’esperienza musicale
per i detenuti che avranno
ultimato il periodo di detenzio-
segue alla pagina 21

segue dalla pagina 20
ne? Magari continuando a frequentare
i corsi della Banda
cittadina di Brescia?
“L’intento è proprio quello di
creare contatti positivi e opportunità
di cambiamento che
inizino all’interno del carcere e
possano continuare anche oltre
la detenzione, e speriamo
che quanto seminato possa
poi trovare piena realizzazione.
L’integrazione e l’abbattimento
del pregiudizio sono obiettivi
di difficile realizzazione, ma è
sicuramente il fine ultimo a cui
mirare. La prosecuzione dei
rapporti positivi dopo la scarcerazione
costituisce il concretizzarsi
della teorica ‘seconda
possibilità’. È importante che il
detenuto sappia che, scontata
la condanna inflitta dall’autorità
giudiziaria, non debba
scontare un ulteriore condanna
costituita dal pregiudizio
della società, perché allora si
rischierebbe il così detto fine
pena mai”.
È previsto al termine del percorso
di quest’anno scolastico
uno spettacolo pubblico?
“Stiamo progettando uno
spettacolo aperto al pubblico
all’interno del carcere di Verziano,
probabilmente nel mese
di giugno, a cui si dovrebbe
aggiungere una performance
esterna, magari con la presenza
concomitante dei detenuti
che seguono il corso di percussioni
e dei maestri della Banda
cittadina”.
Oltre a questo progetto quali
altre attività educative e didattiche
svolgono abitualmente
i detenuti di Verziano?
“A Verziano sono presenti le
scuole di ogni grado: dall’alfabetizzazione
per gli stranieri, al
corso di scuola media, alla
scuola superiore (ITG ‘Tartaglia’
e IPSIA ‘Fortuny’). Abbiamo
attivato una convenzione
con l’Università Statale di Brescia,
con le Facoltà di Giurisprudenza,
Economia e commercio
ed equivalenti; vi è la
convenzione con l’Accademia
di Belle Arti “S. Giulia”, il cui
Corso di scultura e arti visive è
arrivato all’ottavo anno, e ha
originato numerose mostre e
collaborazione con enti locali
che hanno commissionato alcune
opere. Abbiamo un rapporto
continuativo con l’Università
Cattolica di Brescia che
organizza un laboratorio di
Teatro sociale, con la partecipazione
anche di alcuni studenti
dell’Università. Ormai da
due anni la Compagnia Lyria
organizza un corso di danza,
con diverse performance anche
esterne, in particolare nell’ambito
della rassegna ‘Danza
al parco’, e quest’anno il
progetto prevede anche la
possibilità di contatti con le
scuole per effettuare opera di
prevenzione ed educazione
alla legalità. All’interno vi è la
possibilità di partecipare a
gruppi di sostegno psicologico,
gruppi per detenuti tossicodipendenti,
corsi di integrazione
per stranieri, corsi di educazione
alla legalità. Storica è la
collaborazione con l’UISP per
le attività sportive: il ‘Vivicittà’
all’interno del carcere aperto
agli studenti delle scuole cittadine,
il torneo di calcio aperto
alla cittadinanza esterna, il torneo
di pallavolo. Positiva, infine,
è l’esperienza del Corso di
yoga. A ciò aggiungasi, quest’anno,
la collaborazione con
il FAI, che vede il coinvolgimento
del carcere durante ‘le
giornate di primavera’, e la
realizzazione all’interno del
carcere di alcune conferenze
divulgative, aperte anche alla
cittadinanza”.
È da considerare la prosecuzione
del corso di percussioni
anche per il prossimo anno
scolastico?
“Spero proprio di sì, considerata
l’affluenza e le richieste
da parte dei detenuti. Questo
è sicuramente indice di riuscita
e di gradimento, grazie anche
al maestro Chittò, che si è dimostrato,
al di là dell’indubbia
professionalità, persona molto
sensibile, duttile e disposta a
entrare a far parte di questa
‘strana realtà’, dalla quale si
può ricavare, anche inaspettatamente,
un bagaglio di
esperienza umana non comune”.
Tutti i nomi degli iscritti al corso sono stati
sostituiti con nomi di fantasia per diritto di privacy.
Mercoledì 17 ottobre
V
isita della Casa circondariale e di
reclusione di Verziano e incontro
con la direttrice Francesca Paola
Lucrezi per stabilire le modalità
d’intervento e di attivazione del corso di strumenti
a percussione. Difficoltà di incastro
con l’articolato calendario di attività già presenti.
Sarà venerdì, dalle dieci a mezzogiorno.
Attesa.
Venerdì 16 novembre - I incontro
Con anticipo rispetto all’arrivo degli studenti
tolgo dall’imballaggio gli strumenti e il
resto del materiale acquistato, poi allestisco
lo spazio dedicato al corso: la cappella del
carcere. Musica celeste. Al momento il numero
degli iscritti è nove, sei donne e tre uomini.
La prima mezzora trascorre ottimamente.
Clapping Music poi gestualità, battito,
pulsazione, che cos’è uno strumento, che
cos’è un suono. Prima pratica, fare, poi teoria,
parole.
Cerco di vincere la loro diffidenza iniziale, la
naturale resistenza verso chi è nuovo a questo
complicato sistema di relazioni. I frequentanti
sono ricettivi, hanno bisogno di ridere, talvolta
parlano tra loro e nel complesso sono attenti
e disponibili a mettersi in gioco.
Venerdì 23 novembre - II incontro
L’inizio della lezione tarda. Difficoltà nello
spostamento dei detenuti dalle varie sezioni
alla cappella. Bene i primi venti minuti in cui ricorro
al medesimo espediente della prima lezione:
solo gesti, no parole. Assisto a un superficiale
episodio di attrito tra i corsisti e l’agente
assistente che li ha richiamati all’attenzione.
Rilevazione empirica: sembrerebbe che
chi insegna possa migliorare la qualità dell’apprendimento
non tanto grazie alla preparazione
ricevuta o all’esperienza maturata,
ma grazie a una qualità non meglio definita
di “presenza”. Puro e semplice esserci. Naïf?
Essere nel tempo e nello spazio in cui si è –
pensare e soprattutto fare ogni istante della
relazione – ha un valore terapeutico oltre
che didattico: lenisce la mancanza di senso,
colma il vuoto dell’attimo. Come si coniuga
questa presenza con l’indispensabile programmazione
dell’intervento didattico? Riflessione
da sviluppare. Obiettivi a breve termine:
abbattere le interferenze, materiali e
non. Far sì che i partecipanti si sentano parte
di qualcosa.
Venerdì 30 novembre - III incontro
- Chiara: interessata, si mostra predisposta
e cerca la comunicazione diretta, faccia a
faccia.
- Lidia: il lavoro musicale risulta molto difficile
ma grande è la forza. Cerca conforto?
- Giulia: scettica, poco a poco si lascia
coinvolgere. Grandi potenzialità, prende appunti,
lavora anche tra un incontro e l’altro.
- Ester: sorridente, richiama all’attenzione i
compagni che spesso chiacchierano. Segnale
di appartenenza?
- Paolo: dopo la prima lezione un po’ sottotono,
segnali di apertura ma anche di sfida.
Ancora non si espone abbastanza.
- Rebecca: molto precisa nella percezione
della pulsazione, davvero promettente. Segue
ed esegue molto bene.
- Anna: ricettiva, ma si lascia facilmente distrarre
da Pietro, appunta l’indispensabile
ma lavora molto bene. Meglio quando non si
fa distrarre.
bresciaMUSICA - 21
I primi mesi del corso di percussione
Report dalla casa circondariale
di OLMO CHITTÒ
- Pietro: dopo l’iniziale diffidenza, buone
potenzialità. Il fatto che parli con Anna non
costituisce per il momento un grande problema.
Valutare in seguito.
- Matteo: poco presente, iniziali difficoltà di
inserimento nel gruppo causa assenza alle
prime lezioni.
Rilevo la maggiore solerzia della controparte
femminile nel prendere appunti e nel
seguire con precisione le mie consegne.
Buona anche la partecipazione maschile,
qualitativamente da migliorare. Proposito.
Venerdì 7 dicembre - IV incontro
La lezione inizia con più di trenta minuti di
ritardo causa controlli in entrata. Telefonino,
computer, siamo sicuri che sia stato segnalato?
Mentre aspetto che venga aperta la porta
di accesso alla cappella i detenuti che
dalla palestra stanno tornando in cella mostrano
segni di insofferenza: battono contro il
vetro al di là delle inferiate.
Poco distante un ragazzo che deve andare
a prendere la felpa lasciata in palestra si
lamenta di non poter ancora entrare. Arrivano
Paolo e Pietro. Attesa. Dicono che il carcere
rovina le persone, che chi commette il
delitto deve pagare i suoi debiti ma che così
non ci sono prospettive di recupero. Presenza
vuol dire mostrare il contrario. Ecco le
chiavi.
Ore undici e quaranta: arrivo delle detenute
e inizio del quarto incontro. Canone a
due, tre, quattro voci, formalizzazione scritta
di una sequenza ritmica e sua esecuzione
strumentale. Poco tempo ma sufficiente. Lavoro
a coppie, imitazione. Primi feedback: la
lezione di percussioni è percepita prima di
tutto come un ottimo momento aggregativo.
Poi il divertimento, ancora poi la musica.
Missed ascolti sul canone – Bach, Ligeti – e il
lavoro sugli ostinati. Venerdì prossimo.
Venerdì 11 gennaio - VI incontro
Per rendere più efficiente il lavoro ho pensato
di dividere il gruppo in due sottogruppi
fino a metà marzo. Per questo motivo ricevo
alcune lamentele da Paolo. La divisione del
gruppo comporta una iniziale instabilità. Ricreare
clima di fiducia. Il secondo gruppo risente
di una certa eterogeneità di abilità e
predisposizioni. Spero che il piccolo numero
mi consenta di lavorare con maggiore attenzione
sui singoli.
Fine lezione: ricevo una busta chiusa da un
detenuto. Senza aprirla lo prendo in disparte
e gli spiego che ho delle direttive rigidissime
in merito alla comunicazione con l’esterno e
al materiale che posso portare dentro e fuori
dal carcere. Mi dice che sono solo auguri di
Natale. Grande imbarazzo, poi scuse. Vilissimo
pregiudizio.
Venerdì 1 febbraio - IX Incontro
Dieci nuove domande di iscrizione. Attivazione
di un secondo corso e ridefinizione degli
orari: il venerdì dalle 9.00 alle 11.00 inserimento
dei nuovi iscritti, slittamento di un’ora
dei veterani (11.00 - 13.00) che vengono riaccorpati
in un unico gruppo viste le difficoltà
di gestione dei numerosi spostamenti (troppi
tempi morti).
Si prendono accordi per i saggi di fine corso,
uno interno e uno esterno alla Casa. Forte
scetticismo dei corsisti in merito alla possibilità
di essere portati all’esterno.
La musica aiuta ad evadere?
***
Approfondimenti: http://www.osservatorioantigone.it/,
osservatorio sulle condizioni delle
carceri italiane; http://www.ristretti.it/, testimonianze.

22 -
bresciaMUSICA
SUL LAGO DI GARDA
GLI ORGANI DELLE CHIESE DI GARGNANO
Il vasto territorio del Comune
di Gargnano, ubicato
nel Parco dell’Alto Garda
Bresciano, comprende numerose
frazioni: il capoluogo,
Villa e Bogliaco sono posti in riva
al lago; Villavetro, Fornìco e
Zuino, nell’immediato entroterra
collinare; Liano, Formaga,
Sasso, Musaga e Navazzo, costituiscono
le cinque borgate
di Montegargnano; Muslone è
appartato su un dosso a picco
sul lago; Costa, all’interno nei
monti, si trova a circa diciotto
chilometri dal capoluogo e
detiene il primato nazionale di
frazione più distante dalla sede
comunale.
Innumerevoli sono le chiese
sparse nelle varie borgate che
inizialmente tutte dipendevano
dalla pieve di Gargnano e
che nel tempo si costituirono
nelle parrocchie autonome di
Bogliaco, Navazzo, Sasso, Costa
e Muslone, contrade nelle
quali, le principali chiese, quelle
parrocchiali, vennero sempre
dotate di un organo musicale.
Dalle carte degli archivi e
dalla accuratezza delle registrazioni
a noi pervenute, appare
come l’organo venne
sempre considerato un prezioso
irrinunciabile arredo, tenuto
nella massima considerazione
quale sostegno della liturgia e
delle celebrazioni religiose, per
il decoro dell’edificio sacro e
per l’accompagnamento del
canto dei fedeli, per suscitare
sentimenti di fede e per richiamare
alla meditazione, a maggior
gloria di Dio.
Traspaiono da questi scritti i
pluriennali sacrifici economici
sostenuti dalle Fabbricerie, dalle
Confraternite e dalle intere
povere comunità nel sostenere
le rilevanti spese per tenere in
dotazione nel tempo strumenti
aggiornati e di prestigio e per
seguire le incessanti riparazioni
necessarie.
Sulla scorta della documentazione
esaminata presentiamo
qui di seguito brevi note
storiche di sintesi che riguardano
i sei organi ancor oggi visibili
nelle parrocchie di Gargnano
e i due non più esistenti.
***
Il 7 ottobre 1810 il Municipio
di Gargnano, la Congregazione
di Carità e la Fabriceria promuovevano
l’erezione del
nuovo organo “a gloria del Signore
e a maggior lustro del
paese” nella chiesa parrocchiale
di San Martino Vescovo
e invitavano i sottoscrittori a
versare per tre anni le carità e
le dispense nelle mani del cassiere
per l’organo, il dottor
Francesco Pederzani.
Già era installato nella chiesa
più importante del paese un
vecchio organo non più funzionante,
ma non sappiamo
chi l’avesse costruito. Da molto
tempo gli abitanti desideravano
un nuovo strumento musicale
e si dichiaravano disposti
a sostenerne la spesa. Così il 29
maggio 1811, regnando Napo-
L’organo Montesanti
leone I, si stipula un contratto
con Luigi Montesanti di Mantova
per la costruzione del nuovo
organo da allestire per la
Pentecoste dell’anno seguente,
con un costo previsto di
5.760 lire italiane, da versare in
tre rate uguali: la prima in acconto,
la seconda alla consegna,
e la terza dopo la revisione,
trascorso un anno dal collaudo.
Interviene il nobile Carlo
Becelli della Zuana q. Gian An-
di UMBERTO PERINI
drea di Villa, a garantire col
proprio patrimonio i puntuali
adempimenti del pagamento.
Il professore di musica Domenico
Cerutti q. Andrea di Gargnano
fungeva da mediatore
nella trattativa e il contratto
era firmato anche dai tre fabbricieri:
Francesco Zangherle,
Angelo Silvestri e Francesco
Giorgi.
Al nobile Becelli, per ricompensa
del suo impegno di ga-
rante, veniva lasciato il legname
usato nei ponteggi e il ricavato
dalla vendita dell’esistente
organo. Le clausole contrattuali
prevedevano la fornitura
di un primo organo e di un secondo
di risposta, con la descrizione
dei registri di ripieno e
di concerto e della pedaliera.
Erano previste due tastiere da
cinquantaquattro tasti, con indicazione
delle canne di stagno,
legno, piombo e miste,
nonché sei grandiosi mantici.
Montesanti chiede anche il
rimborso delle spese viaggio, le
cibarie, l’alloggio, un levamantici
a disposizione e alla fine gli
venne offerto anche “un decente
regalo” che si concretizzerà
in un certo numero di limoni,
essendo Gargnano in
quel tempo, molto famoso per
la coltivazione e il commercio
degli agrumi.
Montesanti fu puntuale alla
consegna e il 28 giugno 1812
venne eseguito il collaudo dal
prof. Fernando Turini di Salò, insigne
musicista, il quale non
potendo scrivere per la sua cecità
incaricò Giacomo Pederzoli
(nota personalità locale
del tempo napoleonico) di redigere
il verbale. Una porzione
dell’ultima rata del prezzo venne
dilazionata e i pagamenti
che terminarono nel 1817, assommarono
a un totale di L.
6.130,23.
L’organo rimase attivo fin
verso la fine dell’Ottocento
quando troviamo traccia di un
intervento di rinnovo eseguito
dall’organaro don Cesare Sora
di Pontevico il quale presentò
dei progetti di sistemazione
con la sostituzione di molte
canne logorate. Sul somiere interno
appare ancora la scritta
del suo operato nell’anno
1904.
La parrocchia non approvò
poi, per carenza di mezzi finanziari,
un preventivo dei Fratelli
Pedrini di Cremona per applicare
un motore elettrico (1941)
e venne pure rinviata la proposta
di intervento di Armando
Maccarinelli di Brescia a causa
della forte spesa prevista
(1944-1945). Lo stesso Maccarinelli
poserà un elettroventilatore
nel giugno 1952, pur rimanendo
la manticeria ancora
funzionante anche a mano.
Di recente, nel 2009, Federico
Lorenzani, organista di
Guastalla e studioso dei Montesanti,
ha osservato che la
chiesa è veramente grandiosa
e bellissima e degna di un siffatto
apparato organario. La
cassa e la controcassa sono
proprio della tipica fattura
Montesanti, ma dell’opera di
costui non rimane forse che
l’imponente facciata e alcune
centinaia di canne interne. È
un organo del 1904 quello attuale,
costruito dall’autore cremonese,
di buona fattura, realizzato
in modo solido e razionale.
Essendo ancora utilizzabili
molte delle canne Montesanti,
egli decise di tenerle. L’organo
comunque è in buono stato
anche se scordato a causa
della polvere sedimentata; necessiterebbe
di una pulitura e
manutenzione non troppo
onerosa.
È da segnalare che anche
nella chiesa di San Francesco
di Gargnano, ubicata nel centro
del paese, vi era un organo,
ora non più esistente, costruito
dai celebri Antegnati,
ubicato sopra la porta laterale
di destra, e così pure a Bogliaco,
nella chiesa santuario del
Crocifisso vi era un organo in
controfacciata costruito nel
1794 da Giulio q. Giovanni Doria
(rinomata famiglia di organari
locali), strumento che
andò perduto a seguito del
crollo del campanile sulla chiesa
avvenuto nel 1831.
***
A Bogliaco, nella parrocchiale
di San Pier d’Agrino, esisteva
un vecchio organo seicentesco
(deciso nel 1662, iniziato nel
1668, inaugurato nel 1672, costato
380 ducati da 6 lire cadauno),
di cui non si conosce
l’autore. Dopo essere stato trasportato
nel coro verso il 1704,
subì successivi intervenienti manutentivi
da parte dei Doria per
tutto il Settecento, finché questo
strumento andò perduto nel
1892 quando venne commissionato
quello attualmente esistente,
opera di Facchetti-Bianchetti,
eseguito nel 1902. Notevole
l’apparato seicentesco
d’intarso ligneo in cui è collocato,
con ornati e figure di angeli,
su cui domina una grande
statua di San Pietro.
La chiesa parrocchiale di
Santa Maria Assunta in Navaz-
segue alla pagina 23

segue dalla pagina 22
zo ebbe il privilegio di possedere
un organo dei Callido fin dal
1770, poi sostituito da un Bianchetti
nei primi anni Venti del
Novecento. Nel 1986 è stato ripulito
e nuovamente accordato
da Ezechiele Podavini, professore
d’organo al Conservatorio
musicale di Merano.
La chiesa di Sant’Antonio
Abate, parrocchiale di Sasso e
Musaga, possiede un gioiello
di arte organaria, uno splendido
esempio dell’arte di fra’
Damiano Damiani, costruito
nel 1826 con ventun registri. La
facciata è di venticinque canne
a cuspide e meriterebbe
adeguato restauro.
L’iniziativa di dotare di organo
la chiesa di San Matteo
Apostolo di Muslone risale ai
primi dell’Ottocento, quando
venne affidato l’incarico probabilmente
a fra’ Damiano
Damiani, al quale nel 1834 era
ancora dovuta parte di un pagamento.
Pochi anni più tardi
lo strumento veniva ricostruito
dal tignalese Giovanni Tonoli,
ma l’organo era spesso bisognoso
di interventi di cui rimane
traccia già nel 1845. Altra
costosa manutenzione è del
1888, affidata a Giuseppe Leali
di Salò, ma nel 1894 durante
un furioso temporale un fulmine
si abbatté sul campanile
con terribile fragore e scese in
chiesa distruggendo l’organo
quasi completamente. I tenaci
muslonesi non si diedero per
vinti e il nuovo organo, quello
attuale, venne sùbito costruito
da Angelo Ghidinelli, Facchetti
e Bianchetti, come reca la
targa sopra la tastiera. Per le
estreme difficoltà economiche,
i pagamenti si protrassero
fino al 1911. Lo strumento cadde
poi in abbandono finché
venne risistemato in anni recenti
dal parroco di Gargnano
don Valerio Scolari.
Infine la chiesa di San Bartolomeo,
parrocchiale di Costa,
aveva originariamente un organo
di Fra’ Damiano Damiani,
all’origine eseguito per la
parrocchiale di Tremosine e
poi acquistato da quei montanari
nel 1834. Ebbe poi manutenzioni
da Giovanni Tonoli di
Tignale nella prima metà dell’Ottocento,
e in seguito da un
certo Giacomini di Vestone nel
1864. Nel 1882 venne sostituito
dal costruttore Prospero Foglia
di Palazzolo sull’Oglio, come risulta
dal cartiglio sopra la tastiera
di cinquantasei tasti. Già
sottoposto a restauro nel 1924,
l’organo è stato ultimamente
sistemato nel 1993 per interessamento
del parroco don Luigi
Bontempi coi fondi raccolti tra
i residenti e i simpatizzanti.
Gli strumenti musicali brevemente
presentati fanno parte
del patrimonio storico artistico
del paese e come beni culturali
meritano grande attenzione
per la loro salvaguardia, la
riattivazione e il mantenimento,
poiché sono espressione viva
di valori collettivi di cui tramandare
la memoria. Si auspica
che con le loro vive note
possano continuare a essere
stimolo di crescita culturale e
spirituale, testimoniando la nobilissima
tradizione che attraverso
le generazioni passate
affonda le proprie origini in secoli
ormai lontani.
Il brano che pubblichiamo di
Antonio Fogazzaro è tratto da
Un’idea di Ermes Torranza in Il
fiasco del maestro Chieco
(Racconti musicali), Passigli
Editore, Firenze, 1992.
***
Bianca rispose di non aver
sonno. Sarebbe andata
volentieri nella
saletta del piano a fare
un po’ di musica. La mamma
voleva tenerle compagnia,
ma ella protestò tanto
nervosamente che la signora
Giovanna le chiese scusa, e,
accesale una candela, salì le
scale con la sua cerea faccia
curva sul lumicino a petrolio.
Bianca si avviò invece per il
corridoio che mette alle camere
deserte nell’angolo nordovest
della casa. Entrò in una
sala non grande, ma molto alta,
tutta istoriata di affreschi mitologici,
vuota; e accese con
la mano ferma le candele del
suo piano attraversato a un
canto. La lenta luce si allargò,
a destra, sopra un tavolino zeppo
di musica; a sinistra, sopra
una giardiniera; in alto, su per
le membra enormi di non so
quali divinità. Non vi erano altri
mobili in tutta la sala; i passi
della giovine signora vi pigliavano
un suono lungo, vibrante.
Ella guardò l’orologio: le dieci
erano imminenti. Cercò un
pezzo di musica e lo posò sul
leggìo del piano. Poi si trasse
dal petto il ritratto di Torranza,
guardò a lungo la calva testa
scultoria, del poeta. Oh, voleva
bene accontentarne l’ultimo
desiderio quando anche
fosse una follia, voleva fedelmente
comporgli la scena
poetica, cui egli aveva forse
pensato con qualche compiacimento
prima di morire!
Si giustificava così, con se
stessa, dei suoi preparativi e
della sua emozione, senza confessarsi
che aspettava davvero,
con un oscuro istinto del
cuore, qualche cosa di straordinario.
Posò il ritratto sul leggìo
LA MUSICA NELLA LETTERATURA
Sospiri al pianoforte
di ANTONIO FOGAZZARO
e stette un momento, involontariamente,
in ascolto. Che cosa
si muoveva dietro a lei?
Niente, un foglio scivolava dalla
catasta della musica. Bianca
si ripiegò a leggere i versi riprodotti
sulla copertina del
pezzo che aveva davanti. Erano
stati composti, lo sapeva,
fra il contrasto della passione
con il sentimento religioso, da
un giovane amico di Torranza,
morto pochi mesi dopo, presso
la donna non sua che amava
malgrado se stesso, in silenzio;
e dicevano così: Ultimo pensiero
poetico / Le finestre spalanca
a la luna; / T’inginocchia, mi
sento morir. / Da i terror de la
cieca fortuna, / Da la guerra
de i folli desir, / Esco e salgo ne’
placidi rai / Lo splendente universo
a veder, / A bruciar ne
l’amor che bramai, / Che non
volli qui impuro goder. / Ma se
orribile un ciel senza Dio / Tra le
stelle funeree mi appar, / Ricadrò
su quel cor ch’era mio, / Disperato
m’udrai singhiozzar.
Bianca si coperse il viso con
le mani, si rivide dentro alla
fronte le sinistre parole: Ma se
orribile un ciel senza Dio / Tra le
stelle funeree mi appar.
Immaginava con un brivido
quel che proverebbe se udisse
piangere vicino a sé nel vuoto.
Aperse la romanza per dar una
passata alla introduzione non
troppo facile, che aveva letto
una volta sola. Ma le pagine
non volevano stare aperte, si
chiudevano tutti i momenti fastidiosamente.
Le fermò col ritrattino
di Torranza, e suonò, sotto
voce, le quindici o venti battute
di introduzione che ricordano
molto, in principio, la Dernière
pensée musicale di Weber.
Dio, come parlava quella
musica! Che amore, che dolore,
che sfiduciato pianto! Entrava
nel petto come un irresistibile
fiume, lo gonfiava, vi metteva
il tormento di sentire la passione
sovrumana senza poterla
comprendere. Bianca si alzò
con gli occhi bagnati di lagrime,
andò ad aprir le imposte
della porta che mette in giardino.
“Le ombre della notte”
aveva scritto Torranza “devono
poter entrare nella camera”.
La notte era chiara. Gli alberi
del giardino si vedevano sfumati
nella nebbia lattea. Non
un sussurro, non un soffio; la
nebbia, muta e sorda, era immobile.
Bianca tornò con un leggero
tremito al piano. Guardò ancora
l’orologio; erano le dieci
e un quarto.
Allora si decise, si raccolse
nella musica che aveva davanti,
bandì ogni altro pensie-
bresciaMUSICA - 23
ro, ogni trepidazione come se
vi fosse dietro a lei una attenta
folla severa e strappò dal piano
con la sua grazia nervosa il
primo accordo.
Ella suonava ansando, per lo
sforzo di mettere tutta l’anima
nella musica, di non pensare a
quel che forse verrebbe dopo.
Le fu impossibile seguire le ultime
note smorzate della introduzione;
il cuore le batteva
troppo forte. Passarono dieci,
venti, trenta secondi eterni. Silenzio.
Bianca alzò un poco la testa.
In quel momento due colpi
sommessi, affrettati, suonarono
vicino a lei, che balzò in
piedi con un subito ritorno di
energia calma, e stette in
ascolto.
Altri due colpi affrettati, più
forti dei primi; poi un tocco leggero
sulla soglia della porta
aperta alle ombre della notte.
Bianca guardò. Era entrata
una ombra, una figura umana.
La giovine signora gittò un grido:
“Emilio!” disse ella. Era suo
marito.
[…] Ma, improvvisamente,
un lieve suono blando la scosse.
“Zitto!” diss’ella rialzando il viso.
Puntò le mani al petto di
suo marito e guardò là ond’era
venuto il suono.
Al leggìo del piano la romanza
Ultimo pensiero poetico
si era chiusa sul ritrattino
che Bianca, poco prima, vi
aveva posato a trattenere le
pagine; Ermes Torranza non si
vedeva più. Parve all’amica
sua che quello fosse il promesso
segno sensibile, l’addio del
poeta il quale, compiuta l’opera
propria, si ritraesse chetamente,
si dileguasse nell’ombra,
o per le condizioni misteriose
della sua esistenza superiore,
o, fors’anche, per effetto
di un malinconico sentimento
che si poteva comprendere.
“Cosa è stato?” disse Emilio.
“Cos’hai che sospiri?”.
Bianca tornò a piegargli il viso
sul petto. “Niente” diss’ella.

24 -
bresciaMUSICA
CANTI DELLA TRADIZIONE POPOLARE BRESCIANA
Fai finta di dormire
Il canto Fai finta di dormire compare al n° 26 della
raccolta di Vittorio Brunelli e al n° 41 della raccolta
di Giovanni Bignami, in Brescia e il suo territorio,
secondo volume de Il mondo popolare in Lombardia.
L’arrangiamento è di Marco Ruzzenenti.
Arr. Marco Ruzzenenti
brescia
Musica
Bimestrale di cultura musicale
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Vice-direttore editoriale CARLO BIANCHI
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