Il Manierismo

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Il Manierismo
Nel secondo decennio del ‘500, si sviluppa in Italia il periodo artistico e culturale del
Manierismo o Età della Maniera, che in Italia si diffuse soprattutto dopo il Sacco di
Roma del 1527, che obbligò molti artisti a fuggire dalla città.
Il Manierismo costituisce il riflesso della crisi dei primi anni del 1500, dovuta a:
guerre, carestie, pestilenze, la Riforma luterana, il crollo degli ideali umanisti.
Il termine Manierismo, deriva dalla parola “maniera”, termine già usato per indicare
uno stile di un artista, coniato da Giorgio Vasari (critico d’arte), che però intendeva
“maniera”come sinonimo di “stile”, cioè indicando un periodo artistico ben preciso.
Lo stesso Vasari, riteneva che non fosse sufficiente imitare la natura servendosi
soltanto dei propri mezzi, che potevano essere limitati, occorreva, quindi, prendere a
modello le opere di coloro che nell’imitazione della natura erano stati riconosciuti
perfetti. Questo tipo di operazione comportava l’apprendimento dello stile, della
maniera di un grande.
Attualmente, indicante uno stile ben preciso, giudicato positivo se rappresentante la
realtà idealizzata, dai connotati negativi, se rappresentante l’esasperazione della
realtà.
Quindi “Manierismo” = corrente di artisti che realizzarono le proprie opere operando
alla maniera dei tre grandi maestri: Leonardo, Raffaello e Michelangelo, da cui
copiavano modelli figurativi, fondendoli insieme con la fantasia, unendo la regola
alla licenza.
Pertanto un’opera manierista ricerca: la grazia, la licenza della regola, il virtuosismo,
la difficoltà, l’inusuale e anche la bizzarria, l’eccentrico, il capriccio.
Per “grazia”, il Vasari intendeva l’eleganza, la dolcezza e la facilità dell’esecuzione,
che consente ti terminare il lavoro con celerità. Quest’ultima dipende dall’esercizio
del disegno, dall’aver copiato a lungo e dall’essere capaci di disegnare a memoria
qualunque soggetto. L’eleganza e la dolcezza sono raggiunte ricorrendo a una
composizione sinuosa, avvitata e alla rappresentazione di corpi allungati. La licenza
della regola, invece, consisteva nell’allontanarsi dalle regole, conseguenza del gusto
dell’artista,
In quest’epoca, è possibile affermare, che vengono a mancare quei presupposti di
ordine, equilibrio e razionalità che avevano costituito l’essenza stessa del primo
Rinascimento.

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… un breve confronto:
MANIERISMO vs RINASCIMENTO
Rosso Fiorentino,
“Deposizione”.
Pontormo,
“Deposizione”.
vs
Raffaello,
“Trasporto del Cristo morto”.
Parmigianino,
“Madonna con il collo
lungo”.
Analizzando le opere di Rosso Fiorentino e di Pontorno sono caratterizzate da uno sfondo
irrazionale, elemento inconcepibile nell’arte rinascimentale; i corpi sono a interpretazione
dell’artista, non rispettano le regole dell’anatomia.
Durante l’età manierista: si perdono le certezze, e l’angoscia e la crisi si esprimono attraverso
l’arte, la pittura.
Nell’opera “Madonna con il collo lungo”, il bambino sembra cadere, manca la certezza della
presa della madre; la madonna, invece, sembra perdere l’equilibrio.
Nella “Deposizione” di Pontormo, si notino gli sguardi persi, quasi tutti i personaggi sono in
punta di piedi.
Nelle opera manieriste è rilevante la mancanza della prospettiva.
Per quanto riguarda Rosso Fiorentino, rende l’instabilità dell’epoca, attraverso le scale,
appoggiate instabilmente alla croce, utilizzate per deporre il corpo di Cristo.

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“Deposizione”,
Rosso Fiorentino
1521
Olio su tavola, 337x196 cm.
Volterra, Pinacoteca.
Giovan Battista di Jacopo, detto Rosso
Fiorentino (Firenze 1495-Fontainebleau 1540),
fu allievo di Andrea del Sarto.
Soggiornò a Roma nel 1521, poi eseguì a
Volterra la “Deposizione”, che lo portò ad
aderire al Manierismo.
Divenne uno dei principali esportatori del nuovo
stile in Francia.
L’opera, costituisce una pala d’altare e fu
realizzata per la cappella della Croce, nella
chiesa di San Francesco a Volterra.
La composizione è dominata dall’enorme croce
che divide tutta la superficie (sembra far fatica a
stare dentro al quadro). Attorno alla croce sono
disposti una serie di personaggi, che sembrano
dei mimi di una sacra rappresentazione, bloccati
nei loro gesti.
Il paesaggio, il cielo, sono astratti, lo scenario
sembra fittizio.
I colori sono brillanti. La composizione non
rispetta alcun criterio di simmetria.
Nella parte superiore, Cristo viene staccato dalla
croce da quattro uomini che si muovono
concitatamente (movimento in contrasto con
l’abbandono del corpo di Gesù, corpo lungo e
sinuoso) e il volto è sorridente.
Alla croce sono appoggiate tre scale in
equilibrio precario e le figure assumono
atteggiamenti ed espressioni poco adatte alla
situazione (uno indica il corpo di Cristo urlando,
come se avvertisse il compagno che a fatica lo
sostiene).
Per contrasto nella parte inferiore sono
rappresentate figure immobili e dolenti: la
Maddalena abbraccia la Madonna che sta
svenendo; San Giovanni piangente si ripiega su
di se. Il giovane che regge una delle scale è
muto, cioè non manifesta alcun sentimento, è un
osservatore dentro la scena; la donna a sinistra
guarda il fedele per invitarlo a prendere parte al
dolore.
I contorni appena accennati delle colline scure e
la stesura omogenea di un cielo che va
scurendosi verso l’alto, valgono a nulla. La
composizione appare oppressiva.

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“Deposizione”,
Pontormo
1526-1528
Olio su tavola, 313x192 cm.
Firenze, Chiesa di Santa Felicita.
Jacopo Carucci, detto il Pontormo dal luogo
natio (Pontorme d’Empoli 1494-Firenze 1557).
La sua arte sin da subito si dimostrò di grande
qualità e tentò di conciliare la ricerca
volumetrica michelangiolesca con l’effetto
luministico * dello sfumato leonardiono.
L’opera la “Deposizione” la dipinse per la
Cappella Barbadori nella chiesa di Santa
Felicita.
L’opera fu realizzata per il committente
Ludovico Ficino Capponi, banchiere fiorentino,
che fece decorare a Pontormo la propria cappella
annessa alla chiesa di Santa Felicita a Firenze.
È una pala d’altare, che fu posta sopra alla
tomba del committente.
È chiamata, erroneamente, “Deposizione”, ma
poiché manca la croce, sarebbe più opportuno
chiamare l’opera “il trasporto di Cristo al
Sepolcro”.
A livello simbolico il corpo di Gesù, viene
deposto nella tomba del committente, per
rimarcare il valore salvifico del sacrificio
eucaristico, evidente richiamo all’opera di
Raffaello. Pontormo riprende, quindi, la stessa
disposizione dei personaggi. Un taglio diagonale
separa il gruppo dei portatori del Cristo, da
quello della Madonna.
La pala d’altare è anticlassica per quanto
riguarda: la composizione, i colori, i volumi, gli
atteggiamenti delle figure.
La composizione appare un’astratta visione
luminosa.
L’artista si concentra sulle figure stipate; il
corpo di Gesù viene portato al sapolcro e sembra
venire verso lo spettatore.
Le bocche sono piccole, gli occhi rotondi e
sbigottiti, che mettono in risalto un espressione
di dolore misto stupore.
L’ambiente è innaturale e la disposizione dei
personaggi rimanda a una tragica composizione
teatrale.
effetto luministico * : per luminismo si intende
la realizzazione di un effetto di luce tramite il
contrasto tra la luce e l’ombra. Nel caso
particolare di Leonardo, non tanto il
contrasto quanto il passaggio graduale dalla
luce all’ombra.