La dissoluzione dell'opera d'arte da Pollock

colori fondamentali nell'arte".
A parte qualche sporadico episodio, il monocromo viene dimenticato per riaffiorare solo intorno al
1950 in America e con qualche ritardo anche in Europa.
In Italia un posto centrale all'interno della nostra indagine è occupato da Lucio Fontana nel cui lavoro il
monocromo si lega a una più ampia e articolata problematica sul concetto di spazio che rimane per
tutta la sua carriera un nodo cruciale di sviluppo. Non esiste in effetti un interrogativo specifico
dell'artista sul monocromo ma una generale "questione spaziale" affrontata da molteplici punti di vista,
attraverso i linguaggi della pittura, della scultura e dell'architettura. Sulla strada di una progressiva
elaborazione del concetto di "spazio", Fontana arriverà a produrre già dal 1949 delle tele monocrome, i
Buchi e più tardi i Tagli, che rispondono alla necessità di trovare una nuova arte lontano tanto dalla
finzione della rappresentazione quanto dall’astrattismo statico e razionalista della prima avanguardia.
Nato in Argentina da genitori italiani, Fontana (1899- 1968), negli anni ’30 con la sua forte capacità di
sperimentazione raggiunge il successo come uno dei più dotati esponenti dell’astrattismo milanese.
Rigore progettuale e improvvisazione, assolutezza intellettuale del segno e piacere per la sensualità della
materia, sono già allora le sue qualità. Allo scoppio del secondo conflitto mondiale, torna in Argentina
dove nel 1946 stila il Manifesto blanco, il primo testo programmatico del Movimento Spaziale. In questo
testo, Fontana riconosce il tentativo futurista di incorporare il movimento dinamico nello spazio e nel
tempo, ma indirettamente ne critica l’illusorietà, e invoca invece un’arte capace di esprimere in modo
sintetico l’unità del tempo e dello spazio contemporaneo, poiché “l’esistenza, la natura e la materia sono una
perfetta unità. Si sviluppano nel tempo e nello spazio. Il cambiamento è la condizione essenziale dell’esistenza. Il
movimento, la proprietà di evolversi e di svilupparsi è la condizione base della materia. Questa esiste in movimento e in
nessun’altra maniera. Il suo sviluppo è eterno. ” Dunque, Fontana crede fermamente che le conquiste del
progresso scientifico e i mutamenti in atto nella vita sociale, si debbano riflettere nel lavoro degli artisti:
“Siamo entrati nell’era spaziale, l’uomo ha definito le distanze dei pianeti, l’uomo tende alla loro conquista, l’uomo in
questi ultimi anni con le invenzioni ha precipitato l’umanità all’impossibile- ebbene tutto questo ha influito e influisce
nello spirito creativo dell’artista, gli ismi hanno la ragione nel nostro tempo. L’arte non è una decadenza ma sta
penetrando nuovamente nella nuova evoluzione del mezzo per l’arte. La pietra, il bronzo inesorabilmente cedono alle
nuove tecniche, così come in architettura il cemento, il vetro, i metalli hanno portato un nuovo stile architettonico. La
materia è statica, l’intelligenza dell’uomo la definisce, la domina nel calcolo nell’arte e la colloca nell’umanità..” La
critica ha riallacciato i fili tra lo Spazialismo di Fontana e la cultura europea dell'epoca, dalla teoria della
relatività di Einstein agli approfondimenti sulla biologia molecolare alle dottrine filosofiche di Husserl,
Merleau-Ponty e Bergson.
Dal 1949, Fontana realizza i suoi Concetti spaziali bucando con un punteruolo la carta o la tela, applica la
sua “energia” a una superficie che da quel momento apre alla realtà sensibile: la luce, lo spazio,
l’ambiente entrano così a fare parte dell’opera che si presenta in maniera relativamente indeterminata.
Nato e vissuto da scultore, Fontana affronta la superficie del quadro "plasticamente", come fosse un
blocco di creta. La tela così perde la sua qualità di piano, sia in senso rinascimentale di "piano di
proiezione", sia in senso astratto e simbolico di "campo di forze". L'atto di penetrazione nella materia,
sia essa tela, terracotta, bronzo o quant'altro, diventa la polarità prioritaria e altamente turbativa del
rapporto artista-opera. Insomma l’opera diventa teatro di un “evento”, come succede anche per Pollock
e per gli altri esponenti dell’Action Painting. Ma a differenza di questi, Fontana riduce al minimo gli
elementi linguistici del segno e del colore, fino ad approdare al monocromo. Oltretutto il "buco" non è
considerato dall’artista un segno, un simbolo, una figura, ma la conseguenza materiale di un gesto: non
rappresenta ma è. E' spazio che entra ed esce dalla tela, presenza fisica, elemento costruttivo dell'arte.
In una bozza di lettera indirizzata a Giampiero Giani nel 1949, spiega:" (...) il problema di fare dell'arte
istintivamente si chiarisce in me, nè pittura nè scultura, non linee delimitate nello spazio, ma continuità dello spazio nella
materia" Nel buco, come anche nel taglio o nello squarcio degli anni '60 "passa l'infinito di lì, passa la luce,
non c'è bisogno di dipingere (...) tutti hanno creduto che io volessi distruggere: ma non è vero, io ho costruito, non ho
distrutto, è lì la cosa." L’apertura dell’opera all’ambiente, trova una nuova via in Fontana con il suo
Ambiente spaziale a luce nera di Wood nel 1949, il papà di tutti gli esperimenti di arte ambientale.
Altro “evento” altamente spettacolare è il “taglio”, al quale Fontana lavora dal '58 al ’68, anno della sua