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ieri ed oggi in Europa
OMAGGIO A RENATO NESI
Renato Nesi - “I bagnanti” (1946) - Italia
olio su tela cm 71 x 81
esposizione: Galleria “Al Cavallino” - Venezia 1949 - collezione privata
PER NESI LA VITA È UNA PRIMAVERA
Renato Nesi è un pittore della città di Treviso per ispirazione e per inno corale. Egli è come certi vecchi gioielli che
hanno visto il sole inclinarsi diverse volte e sempre ne hanno ricevuto un’impressione nuova. Si è sposato ai quattro punti
cardinali e sempre ha trovato davanti a sé l’orizzonte dei grandi quadri messi al centro della vita e della storia. Egli non
è schiavo dell’impazienza, e per così dire del disgelo, per Nesi la vita ha una primavera e molte. Egli è sempre pieno
di favole e di immagini. Andare con lui per una strada sui campi che limiti i giorni è come iniziare una esplorazione di
fantasia. I suoi quadri sono intimamente di espressione Trevigiana e ricordano la vecchia e immutabile Treviso, ma le sue
mete non sono fissabili con il compasso. Egli valica e scavalca tutti gli obbiettivi della fantasia con impeto giovanile che
gli fa onore. Egli merita di avere una conseguenza vitale in modo che esistano sempre uomini come lui, opere come la
sua e sempre incantamenti.
Giovanni Comisso
1

Teresa Bonaventura “BOSCHETTO” - Italia
due pannelli di legno affiancati da cm 200 x 50 + 50
E’ scultrice del legno che ha sperimentato fin da piccola nella bottega del padre artigiano falegname. Con lui ha imparato
a riconoscere le diverse tipologie, le essenze e la duttilità dei diversi legni. Innumerevoli sono le personali e le collettive
alle quali ha partecipato così come i Concorsi ed i Simposi di scultura in Italia ed all’estero. Premi e riconoscimenti
concorrono a motivare la sua determinazione nel proseguire il faticoso percorso della scultura vissuto come rigorosa
ricerca formale ed emotiva.
T.B.
2

Maria Cristina Barbon “Ali” - Italia
terracotta cm 50 x 100 x 30
“… Maria Cristina affronta il linguaggio plastico con una potenza delicata e attenta che ci restituisce un codice visivo
“classico”, forse anche tradizionale, e immediatamente ci dice che l’arte vera è per tutti e che l’arte vera ha bisogno di
regole, di proporzioni, di conoscenza e di misura. C’è un “femminile plurale” che si concretizza in materia e sceglie il
calore della terracotta ed il rigore di una tecnica completamente posseduta in modo tale che si può anche ignorarla. Ci
sono solo due colori: il bianco ed il rosso ed un modellato sapiente e deciso, la padronanza piena di una plastica classica,
che si esprime solo- solo?- attraverso la figura, ne indaga le posture, ne studia gli atteggiamenti, conduce l’emozione nel
gesto misurato e composto…”.
Donata Demattè
3

Simon Benetton “Sogno di Icaro” 2009 - Italia
acciaio e cristallo lavorato a scheggia cm 140 x 78
Quarant’anni di ricerca di un maestro della scultura contemporanea
“... le opere degli ultimi anni, in cui emerge un nuovo elemento ricco di fascino: il cristallo lavorato a scheggia ed
incastonato nel ferro. I lavori di questo memento, figurano artisticamente la perfetta sintesi tra luce a materia, che non sono
più elementi discordanti, bensì sanno trovare una profonda comunione. Nello stesso lavoro vi è la fisicità della creazione
dettata dalla materia, ma anche la luce, sembiante della ratio che governa gli elementi. Una fusione che porta a riflettere
su uno spazio che perde i connotati meramente tangibili e diventa luce. Oppure, nonostante l’apparente contraddizione, si
potrebbe affermare che la luce assurge ad una fisicità. Il vetro è scheggiato, quasi che l’artista - una sorta di contemporaneo
alchimista - abbia “staccato” un pezzo di luce per creare una scultura fatta di un’essenza primordiale.”
Carlo Sala
4

Alessandro Cadamuro “GLASS-WAVE-POEGLASS” 2007 - Italia
vetro inciso trattato e assemblato cm 14x74x51,5 h
“…Cadamuro è l´artista dei paradossi conciliati. In questo sta la sua assoluta oltre-modernità. Offre una possibile risposta
alla sete di sintesi. Gioca con il passato fino a farlo scomparire in nuove dimensioni antropologiche dell´essere. La sua
opera origina dal regno dell´astrazione simbolica, ma l´esito è sempre fisico, carnale, sensoriale. Si incarna in futuribili
golem. Le sue vetrosculture – e ancor più le sue performance - vivono come organismo nuovo. Autonome, in evoluzione,
complici intriganti di chi le osserva, le tocca, le annusa, le assaggia. L´incontro con una vetroscultura di Cadamuro è
un viaggio iniziatico, pienamente accessibile solo a chi accetta il rischio di divenire egli stesso creatore, di farsi arte in
un gioco di rimandi e complicità con l´opera creata, che abbatte ogni confine tra creatore-creatura-fruitore. La magia
dell´artista veneziano nasce da una destrutturazione totale della materia - concettuale, emotiva, psicologica, fattuale - e
per successiva ricomposizione su inediti codici comunicativi…”.
Maurizio Venturino
5

Giuliano Caneva “Danzatori” 1995 - Italia
legno, inchiostro mordente cm 80 x 60 x 16
“... Utilizza il legno e la sua calda matericità per dare forma ad oggetti-scultura che si pongono in una relazione dinamica
con lo spettatore-fruitore e lo spazio che li contiene. Non sono opere da ammirare nella loro finezza ma oggetti dotati di una
vita propria, che sembra vibrare e pulsare nel gioco di volumi e nell’equilibrio cangiante delle forme. Armonie e contrasti,
rigore formale e gestualità sapientemente dosati suggeriscono una nuova e più attenta percezione del quotidiano, ponendosi
in una dimensione in cui gli aspetti funzionali e i valori estetici si compenetrano senza soluzione di continuità...”.
Enzo Santese
6

Fabio Ceolin “Autoritratto” - Italia
ferro mt 2,50 x 1,00
Il ferro in mano a questo artista, più che dalla fiamma della forgia è plasmato dall’ardore giovanile; fatto di slanci,
entusiasmi (a volte delusioni) nuove scoperte e vivide folgorazioni. L’impegno che Fabio Ceolin ha preso con se stesso
è quello di trasmettere alla fredda materia il soffio vitale, le sue stesse pulsazioni, la poesia della creatività. Una totale
dedizione all’ideale vocazionale che è certamente il sale esistenziale del suo’‘Essere Artista”.
G.C.Z
7

Piero De Martin “I piani del cielo” - Italia
terracotta policroma e bronzo cm 100 x 60
Docente d’arte orafa presso il Liceo Artistico di Udine.
L’opera d’arte in Pero De Martin è l’esito di una sorta d’operazione alchemica, tesa a trasformare materiali poveri in
preziosi dentro una poetica che contempera scansione dello spazio e dinamiche ornamentali. L’artista concepisce il
gioiello non come un mero oggetto con la funzione esclusiva di portare decoro alla persona, ma una scultura vera e
propria che si situa in un ambito espressivo preciso. In questa rassegna ha capovolto i termini del procedimento creativo:
il lavoro preparatorio non risiede in un disegno ma in una scultura che nel calore della materia fa provare stimoli ispirativi
per la sintesi a seguire, l’oggetto d’oreficeria, inteso non come semplice accessorio di moda ma quale completamento
della personalità umana.
Enzo Santese
8

Roberto Favaro “Maternità” - Italia
ferro cm 100 x 50
Cresciuto nella bottega del padre fabbro, si ritrova nella forgiatura del ferro. La padronanza del materiale gli permette di
tendere profondamente le superfici Prestando una grande attenzione alle proprietà strutturali dei materiali, conservandone
anche il colore naturale, modella le superfici dei metalli trattandole come fossero pelle. Non rappresenta né oggetti, né
figure umane ma plasma sculture di forme tridimensionali geometriche che ricordano le opere minimaliste degli anni ‘60
di Judd. A differenza di quelle, però, nelle sculture di Favaro non c’è il rifinito industriale ma il segno del fabbro-scultore
che fa di esse dei pezzi unici.
R.F
9

Carlo Fontanella “Substanzia” 2009 - Italia
tufo cm 38,5 x 37 x 11
Il profondo amore per la scultura fa sì che il disegno costituisca l’ossatura fondamentale della sua produzione
artistica. Anche nelle opere grafiche e pittoriche si individua la tridimensionalità dei diversi piani della scultura.
La sua ricerca iniziale, ricca di dinamismo e forti contrasti, propri della terra di origine, ha tratto nuovo
alimento dalla contiguità e dall’amicizia col pittore Armando Pizzinato. Le opere più recenti si sono allontanate
dall’astrattismo puro e sono diventate più simbolico-evocative. I materiali adoperati sono vari e preferibilmente
di recupero.
10

Herbert Perrathoner “Piccolo Universo” - Austria
castagno cm 60
Fin da giovane ha lavorato nella produzione di sculture in legno nella Ditta di suo padre a Ortisei e frequentato la scuola
d`Arte a Ortisei. Fa pratica di scultura presso due maestri scultori di Ortisei. Inizia la sua attività artistica nella creazione
e produzione di sculture in legno presso la ditta del padre. Le sue sculture sembra vogliano curiosare dentro ad ogni fibra
del legno che modella trafora, scava in un vibrare di linee armoniose e nuove. Le sue opere si trovano esposte in Italia,
Austria, Svizzera e Dubai.
11

Bruna Brazzalotto “Tarassaco a Primavera” 2010 - Italia
tecnica mista su juta cm 100 x 100
“... come il poeta, che “la bellezza è semplicità totale”, raggiunta grazie a un magistero che ha saputo rinunciare ad ogni
trucco. Solo attraverso questo sentiero di applicazione, di maestria, di libertà interiore, Bruna Brazzalotto l’artista che ha
dedicato se stessa, anche ad uno studio severo dell’arte, solo attraverso questo sentiero, poteva scoprire ed interpretare
nei suoi lavori la bellezza come, frutto meritato e come dono celeste. Sembra dunque che vi sia proprio una grazia divina
per chi ha saputo inchinarsi di fronte al miracolo ed ai dolori della vita. Talvolta si riesce a comprenderla, ad afferrarla,
talvolta svanisce effimera. Ma chi l’afferra, subito la porge agli altri. Bruna Brazzalotto ci è riuscita”.
Fausto Pajar
12

Giancarlo Caneva “Porta d’oriente” 2009 - Italia
acrilico su tela cm 50 x 70
E’ artista da far viaggiare l’osservatore lungo frequenze fantastiche in una dimensione dell’altrove, in cui vige la
combinazione magica di colore e luce su paesaggi, che conservano solo in minima parte la loro fisicità. Per il resto
sono scenari policromi, dove le forme richiamano solo velatamente le morfologie del territorio, ma sono assemblate in
un’operazione che le stilizza fino alla semplificazione estrema. Indubbiamente, al fondo dell’ispirazione c’è una capacità
visionaria che trascina lo sguardo dentro una logica onirica, sospinta a creare situazioni di seducente bellezza: arroccamenti
su costoni innestati in lande immaginarie, articolate in una serie fitta di elementi compositivi, distinti anche sul piano
cromatico da una variegata gamma di opzioni; saliscendi di ambienti digradanti verso coste sconosciute; presenze vegetali,
caratterizzate dalla parvenza originale e bizzarra di foglie e fusto; rilievi scaturiti da arcani sussulti tellurici; atmosfere di
sospensione metafisica, dove la cadenza surreale delle forme produce un senso d’attesa di eventi, prossimi ad accadere.
Enzo Santese
13

Libera Carraro “Miraggio che abbaglia” - Italia
acrilico su tela cm 70 x 100
“……..Il linguaggio torna alle radici primarie. Compaiono quindi geometrie dominate dalla linea curva, ovoidi aperti
e chiusi, l’essenza di risacca di tutte le esperienze trascorse. Il colore per questa istanza segnica si fa più denso e atono
recuperando in tal senso lo spessore di notturne profondità metafisiche, pronto tuttavia a risalire per raccontare nuovamente
la vita più urgente e leggibile. Così si dispiegano nelle tele pannelli sovrapposti quasi l’intrecciarsi dei riquadri di un
polittico dove il segno riacquista esilità e leggerezza, accompagnato, nella tensione dell’analogia, da pennellate carezzevoli
e raccolte fino all’intimismo lirico e al tocco primaverile. La metamorfosi faticosa della vita s’è risolta in farfalla che
dispiega liberamente le ali del colore. Il diuturno e faticoso interrogare il mondo impone a tratti un ripiegamento, un
ricondursi a sé per dialogare nel più stretto ma più autentico spazio dello specchio, quando siamo soli con noi stessi non
avendo già davanti il nostro volto ma piuttosto la nostra anima. E Libera ci parla come il suo nome………”
Luciano Speranzoni
14

Monique Celestri “Creation” 2009 - Belgio
tecnica mista cm 80 x 60
Monique Celestri belga di origine italiana, artista dai molteplici talenti: pittrice e scultrice. Se si analizza
il lavoro dell’artista, si sottolinea che non ci sono personaggi oppure oggetti che escono dalla tela,
ogni opera esplode di sensibilità e sentimenti profondi che si esprimono negli effetti di luminosità e di
movimento. Attualmente le sue creazioni si sono improntate di surrealismo e di astrazione di cui il risultato
è sorprendentemente riuscito.
15

Altair Dugardin “Le Pont de Marey sur Tille” -Francia
olio su tela cm 116 x 80
L’artista ha meravigliato il pubblico per la sua voce sublime. Oggi lei si lascia liberamente esprimere con l’aiuto di un
coltello, di un pennello secondo i suoi umori sulla tela vergine. La sua gestualità franca e precisa gli suggerisce una
profusione di idee alla vista di un paesaggio, di un posto visitato, di una foto o per il solo fatto della sua immaginazione
fertile e piena di sorprese. Ammiratrice della natura vive attualmente fra la Borgogna e le Cannet sulla Costa Azzurra.
Queste due regioni offrono un grande ventaglio di opportunità creative. Attirata intensamente dalla luce che cattura le
bellezze di questi ambienti che cambiano con il passare delle stagioni e l’immensa ricchezza cromatica di una vegetazione
ispirata e divina.
Edith Bordiogne
16

Luisa Fabris “Akkiko” 2010 - Italia
olio su tavola cm 90 x 70
Eleganti e soavi, sospese nel silenzio di un sorriso mistico, placate nel nitore dello spirito, inquietantemente tragiche o
languidamente appagate. E’ così che appaiono le opere dipinte da Luisa Fabris. Apparizioni ammutolite dal caso interiore,
soffocate dalle pulsioni psichiche che il subconscio partorisce con inatteso impeto espressivo nel riflesso ontogenetico.
Sabrina Falzone
17

Joe Genovese “Allegory of Spring” “Allegoria di primavera” - Malta
olio su tela – cm 80 x 100
Joe Genovese è nato a Mdina, l’antica capitale di Malta venendo da una famiglia di artisti, fu incoraggiato da suo padre
Joseph Genovese un famoso scultore, a seguire molto giovane i corsi della Scuola di Belle Arti. Le sue prime esperienze
furono il modellato sculturale e pittura. Dall’età di 15 anni incominciò pittura ed oro laminazione con un artista Italiano
che viveva a Malta.
18

Gian Gigante “ Ricordo il circo Gattolino” 2009 - Italia
acrilico 100 x 100
Iniziata fin dalla fanciullezza, la sua attività artistica come pittore si è sviluppata poi parallelamente alla professione,
in modo che le due attività si sono influenzate e condizionate reciprocamente. I quadri, dopo un’intuizione lirica di
varia ispirazione (dall’esperienza del reale, ricordi di luoghi perduti o ritrovati, dettagli architettonici, particolari naturali,
interni), vengono studiati con percorso progettuale analogo alle opere di architettura e design. La realizzazione segue, con
la messa a punto formale e l’indagine cromatica.
G.G.
19

Elena Gumirato “Anima Mundi” - Italia
acrilico cm 100 x 100
L’opera presentata in questa esposizione rappresenta la mappa sotterranea della bellezza stessa che scaturisce dal pensiero
rigorosamente razionale della Creazione. Applicazioni matematico-geometriche si fondono in un unicum armonioso la
cui figurazione ben si adatta al concetto di moto perpetuo.
E.G.
20

Milena Kunz Bijno “ Riflessi veneziani” - Germania
olio su tela cm 100 x 80
“La vita come componimento di una psicosi che ricollega l’essere umano alla trascendenza. L’arte alla spiritualità, ed
il ravvicinamento tra l’occidente e l’oriente sono gli scopi della mia ricerca personale” dice la pittrice ed aggiunge: “La
comprensione può nascere soltanto da un autentico e vero incontro, da una profonda stima e non da una superficiale
tolleranza…”.
M.K.B.
21

Renata Linnhoff “Strisciare ipocrisia” - Lussemburgo
olio su tela cm 90 x 60
La scoperta sulla “cimaise” dello Spazio di Paragon di presentare i lavori di Renata Linnhoff è stata una bella sorpresa.
Innanzitutto lei ha questa nervosità cromatica unica dove i tempi caldi fiammeggiano questi repertori vigorosi in
cromatismi di primitivismo ed di spirito etnico ..... Renata Linnhoff guarda allora senza concessione il mondo che la
circonda, sull’ingiustizia, l’indélicatezza del cuore e dell’anima. Affascinata da tutte le culture, illustra ugualmente sulla
tela di rito etnico .....
Helma Bendziula
22

Walter Marin “Il suono” - Italia
olio su tela cm 140 x 70
Il percorso culturale sembra divagare tramato di sottili trasparenze su giochi combinatori sofisticati. Un lessico da
risonanze che giustificano la scelta con riferimenti espliciti o allusivi. Una cifra figurativa caratterizzata da un impasto
delicato con materia sottile e sfumature di gradazione diversa. Il “far arte” per Marin è pratica paziente, continua ma anche
“illuminazione”. Nell’interiorità non visibile ne indagabile si realizza l’opera creativa, voce crepitante che considera
i sistemi della comunicazione. E soprattutto vocazione a mettere in gioco l’esperienza personale, la conoscenza, per
interrogare il mondo e il destino individuale e collettivo.
Luigina Bortolatto
23

Marisa Moreno Ruis Zorrilla “Paseo por la ciudad” - Spagna
olio cm 81 x 65
Nata a Madrid ha studiato Arte e Humanidades Contemporànea all’Università Autonoma di Madrid. La sua formazione
è sulla nuova tecnica di pittura, nella combinazione tra le pennellate di colore e la fotografia digitale. Questo è un nuovo
modo di sentire l’arte contemporánea. Come cento anni fa i dagherrotipi stupivano gli artisti oggi il digitale è diventato
una strada aperta all’evoluzione della pittura. E’ il nuovo strumento che accompagna l’artista. Marisa Moreno Ruiz
Zorrilla è attirata dalle nuove tecnologie, ma noi vediamo come le sue pennellate siano ispirate ad una vibrante carica
interiore dove l’artista trova l’ispirazione per esprimere le sue emozioni.
B.B
24

Tiziano Ronchin “Senza titolo” - Italia
acrilico cm 150 x 120
Ogni dipinto, oltre ad essere il prodotto di una ricerca alla perfezione, (talvolta condotta nell’arco di tempo) ha la capacità
e il potere di sorprendere. In quest’opera, si cerca di saper cogliere con l’occhio di chi fruisce la visione un’accurata sintesi
cromatica che genera impetuose narrazioni astratte.
T.R.
25

Salvatoremarcon “Dumnezeu” 2009 - Italia
olio pastello cm 80 x 80
Conoscerlo vuol dire stupirsi. L’uomo e il personaggio-artista non sono disgiunti e diversi, ma uno compenetra l’altro in
modo tanto incredibile da suscitare meraviglia. La sua dedizione per l’arte è totale e per spiegarla non c’è modo migliore
del prendere in prestito le sue stesse parole: “Non solo faccio pittura, ma la vivo”.
Patrizia Raineri
26

Vincenzo Vanin “Astronave” - Italia
mosaico cm 110 x 80
E’ fondamentale aver chiaro nella mente ciò che è nozione fra spazio e tempo assoluto. La nostra mente umana è passata
da forme magico - sensibili alla scoperta della tridimensionalità, approdando all’apertura dello spazio infinito e quindi
un’inversione di pure magie. Nella mia evoluzione, con movimento quasi hegeliano ho cercato di inserirmi nella storia
delle forme e fotocopiarle per successive alterazioni, rielaborando la materia vitrea dell’Arte Bizantina, con una rottura
formale, confermando quindi il mio desiderio di cambiamento di linguaggio e di sfida.
V.V.
27

Bruno Zago “Maternità” - Italia
tecnica mista cm 70 x 60
“... Raramente i personaggi femminili di Zago sono disposti a sottomettersi alla cerimonia della posa. Quando avviene è
risultato di un attimo, un clic fonetico per la velocità dell’impianto, l’atteggiamento inconsueto, il guizzo della pennellata,
la cromia ridotta. Eppure si tratta di un’esplorazione da cui prorompe, silenziosamente, l’intensità del volto per luci
diverse e combinate che guidano verso le abitudini, le idee, il carattere della modella….”
Luigina Bortolatto
28