e Stili

Raccontini
e
Stili
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P.Ag.
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Con i clienti, una delle storielle che racconto con maggiore
frequenza è la presente:
«Alcuni dei decori che eseguo hanno nomi collegati a paesi e culture
lontane.
«Infatti il mio è un mestiere tradizionale, in quanto uso tecniche e
concetti elaborati nel corso di secoli, dal Medioevo ai primi
dell'Ottocento. Questa tradizione si è formata insistendo sulla piccola
città di Deruta, la quale divenne presto un centro d'eccellenza nella
produzione di ceramiche decorate a mano, già famosa perlomeno in tutta
Italia nei secoli del Rinascimento, forse anche da prima.
«Quindi non c'è nulla di cui meravigliarsi se anche secoli fa certi
fenomeni e movimenti dell'economia funzionavano praticamente come
oggi: c'erano i mercanti - quelli di Venezia, per esempio - che andavano in
Oriente, e quando tornavano, riportavano tanti generi di beni di
commercio tra cui le ceramiche o i tappeti intessuti con decorazioni,
arazzi, stampe, sculture; capitava con una certa frequenza che poi i
mercanti mandassero alcuni di questi prodotti in qualità di campioni
presso gli artigiani italiani, chiedendogli di riprodurli.
«Gli artigiani accettano e lo fanno, il pezzo funziona sul mercato,
passa del tempo, si allunga in secoli, e arriviamo a oggi dove per chi
lavora sulla tradizione di Deruta, alcuni disegni che hanno origini e
caratteristiche di tempi, luoghi, mondi e culture tanto lontane da non
poterle mai conoscere, sono parte naturale del loro repertorio di lavoro».
Quando cerco di adattare questa storiella a un determinato
motivo decorativo, so perfettamente che le mie parole risulteranno
un falso storico, ma dal punto di vista concettuale, invece,
Esempio di Ceramica di Damasco

altrettante cose sono vere. Esistono innumerevoli fonti d'archivio,
come certe del XIV secolo, le quali riportano specificazioni tipo: “di
Dommascho”. Merci, per esempio, in arrivo a Venezia e Firenze.
Poiché chi eseguiva queste scritture contabili non erano conoscitori
dei vetri, il termine preciso della descrizione “di [o da] Damasco”
non è sempre chiara, ma tanto può bastare, per dare l'idea di come
certi stili e certe tecniche siano arrivate in Italia ed ebbero fortuna.
Per raccontare qualche cosa meno campata in aria, colgo
l'opportunità offerta dalle foto di questa tegola trapezioidale – una
tegola reale, robusta e pesante, utilizzata per le copertura dei tetti
delle case – di dimensioni 45 x 60 centimetri, sulla quale è stata
eseguita una decorazione tradizionale gergalmente chiamata, da
alcuni, “il Fagiolo”, ma presenta in realtà un incontro tra un
elemento e un motivo decorativo, entrambi specifici, sui quali è
difficile dire quanto siano antichi e che origine abbiano.

Pensate soltanto che alcuni si riferiscono sin da
subito e direttamente agli Antichi Greci come i primi a
scegliere e a formalizzare diverse decorazioni tutt'oggi
usate e in voga. Erano un popolo di cui ancora oggi passa
validamente l'idea per la quale a nulla si dedicavano
senza cercare di trovarne un significato di
qualche importanza. Già con le prime
foglie di sedano e di acanto sulle trabeazioni
degli edifici pubblici crearono
il senso d'unione dell'utile di tutti i giorni
intrecciato al bello naturale; le piante erano
legate insieme con doppi giri di corde, annodate
secondo gli usi dei marinai. Era tutta una
scultura: lo scalpello creava delle corde che
legavano tra loro le basi delle colonne, e risalivano
fino al Timpano come una specie di insegna.
Ma la ricerca delle origini dell'Estetica
potrebbe andare ancora più a indietro e a fondo, fino all'elementare
nucleare, se pensiamo ai Greci ancora
nelle loro capanne di legno. Queste erano sostenute da
tronchi di cipresso, un albero alto e diritto che il tempo
scortecciava, scavava e scanalava portando via la parte
tenera del tronco e creando dei segni che si accentuavano
sotto l'influsso della luce e dell'ombra. I Greci ripresero l'effetto dei
pali di cipresso scanalando con lo scalpello le colonne di pietra,
aggiungendo così al sentore di solennità offerto dal ben diverso
materiale, il senso di sicurezza e di allegria trasmesso dal ritrovare le
forme arcaiche delle loro abitazioni negli edifici più importanti.
Quando si rinunciò a queste decorazioni, favorendone altre, lo
si fece “per moda” almeno per quanto riguarda il livello privato e
quotidiano a cui si volge un lavoro come il mio, dedicato alla
realizzazione di oggetti di gusto, per l'arredamento delle case, o per
rendere sottilmente piacevoli operazioni banali e comuni.
Moltissimi di questi apparati ornamentali ormai convivono tra loro

nelle botteghe e nei negozi dove attendono di essere destinati ai loro
usi definitivi.
La loro origine sulla ceramica è stata un'adozione, in quanto da
sempre la ceramica “arte minore”, più suscettibile alla copia
rielaborata che all'ideazione primogenita. Per esempio, al centro
della tegola spunta l'Occhio della Penna di Pavone; che alcuni
chiamano come stile La Pavona. Sembra essere stato messo per le
prime volte sulle terrecotte a partire dal '400, e la sua comparsa ha
significato un arricchimento della policromia. Dopo il periodo
medioevale, specialmente le ceramiche smaltate si perfezionarono
nella bianchezza e nella corposità dello smalto di rivestimento, così
da allargare la gamma cromatica verso colori più chiari o più
brillanti, adottando colori come un giallo intenso e un turchino
lucente. Perciò, quando in modo particolare l'elemento dell'Occhio
della Penna di Pavone veniva usato ripetutamente, incastrato in
geometrie simmetriche e proporzionali, si otteneva un effetto
d'impatto e coinvolgente per l'occhio.

La Pavona fu un elemento che insieme ad altri motivi entrò a far
parte di uno stile storico detto anche Severo. Il senso del significato
è altrettanto storico: “Severo” perché tende alla stabilità – si
caratterizza diventando predominante rispetto ad altre soluzioni più
libere, fantasiose e variabili in base al capriccio momentaneo del
pittore, mentre lo Stile Severo non ammette eccezioni – i decori
annoverati sotto il suo ombrello vanno eseguiti con la rigida
formalità del canone fisso.
Lo stile può essere distinto in due momenti principali
comprendenti a loro volta delle “famiglie”, o gruppu decorativi. Nel
primo momento si individua la famiglia della “Zaffera a Rilievo”,
concentrata su tempi dervianti dal mondo bizantino. Nel secondo
momento si affiancano i tempi goticheggianti del “Floreale Gotico”,
ornati di origine medio-estremo orientale, tra cui proprio l'Occhio
della Penna di Pavone; un altro è la Palmetta Persiana, ma voglio far
puntare l'attenzione sul “Cartoccio” o “Foglia Accartocciata” che
appare proprio essere il motivo che, sulla tegola, si svolge tutto
intorno all'elemento della Penna.

Il Cartoccio viene composto essenzialmente da una o più foglie
con le estremità ripiegate su loro stesse, spesso associate con minuti
motivi di girali, spiralette, puntini e rosette. Sulla tegola già
presentata è fuso all'Occhio della Penna di Pavone che è un tema
ancora più antico e significativo. Effettivamente di origine orientale,
in origine simbolizzava il sole nascente, poi divenne un simbolo
dell'immortalità per essere assunto dal Cristianesimo come
emblema della risurrezione. Riguardo all'Occhio, si scriveva nel
1562:
«La paona porta le piume di quello osello pavone in quei oci da
sua coda che son verdi et azzurri et oro et serve bene a fare gli ornati
alli sbordi di scutelle et bordi grandi che se fanno ancora ora da noi
come se fossimo nel anticho».
I colori impegnati sono stati sempre e principalmente il
turchino, il violaceo, il verde e un giallo ambrato detto
“giallo-pavone”.
Cartoccio

La Palmetta Persiana è quel decoro del Severo che meglio si
adatterebbe a servire il mio raccontino riportato all'inizio di questo
scritto; riprende i motivi tipici delle stoffe rinascimentali importate
dall'Oriente diffusesi ampiamente in tutta Italia, ma erano anche
espressioni ceramistiche persiane come alcuni dipinti a lustro
metallifero del XIII secolo. Quindi la Palmetta Persiana è stata forse
una di quelle decorazioni che sulla ceramica subì più direttamente
l'influsso della moda del momento, e venne scoperta in Italia adatta
per le mattonelle di pavimentazione - un esempio più essere
ammirato nella Cappella Vaselli di San Patronio in Bologna (eretta
nel 1487).
Questo decoro raffigura alternativamente fiori a guisa di pigna in
turchino graduato, che si alzano da voglie verdi e piccole rosette col
punto centrale giallo. Il fiore rappresenta la sezione della pigna
mentre le rose indicano la pigna vista dall'alto.
Le famiglie del Cartoccio, dell'Occhio della Penna di Pavone e
della Palmetta Persiana vengono spesso intrecciate tra loro a
formare la base dell'ornato, o come semplice contorno per le
figurazioni umane, simboliche o zoomorfe, di blasone o per le
rappresentazioni sacre.

La falsità più grande del mio raccontino consiste nel voler far
passare l'idea che quando un artigiano ceramista trovava (e trova
tutt'oggi) un qualche nuovo decoro, si mette all'opera cercando di
carpire i segreti d'esecuzione di questo, e una volta scoperta la
modalità migliore, passa alla produzione e alla riproduzione del
pezzo, aggiungendolo al suo campionario come con totale e
meccanica acriticità. Ho commesso senz'altro una grande ingiustizia
nei confronti della miriade di teste pensanti venute prima di me.
Non andò affatto così, ne sono testimoni tutti i mutamenti che sono
venuti circa un secolo dopo la comparsa del Severo.
A partire dalla fine del Quattrocento, sulle maioliche
compaiono ornati più tipicamente rinascimentali, come fiori
quadripetali, ovali, rosette e soprattutto campeggiò la figura umana,
la quale acquista via via sempre più grande risalto pur rimanendo
basata fin alle soglie del Cinquecento essenzialmente sull'ideale
dell'individuazione di un “tipo”: La Donna, Il Paggio, Il Musico, la
figura allegorica, la “Bellezza Femminile”. In seguito la maggiore
apertura culturale e un più stretto legame tra maiolicari e pittori su
tela, fanno sì al passaggio dal valore araldico e decorativo a forme
sempre più sentite e personali della figurazione umana, avviando il
nuovo filone che per il suo gusto narrativo è detto istoriato.
Coppia di piatti Istoriati con scene dell'Età Classica e
bordo a Lustro con Grottesche

XVI Secolo
“Alla Porcellana”
Nacquero anche nuove famiglie di decori, tra cui quello Alla
Porcellana, compiutamente definito come: «si tratta di sottili tralci
ornati con piccole foglie ricurve, un monocromio blu su fondo
bianchissimo, talvolta intercalati da grossi fori rotondi elementari
interpretazioni del Crisantemo che compare negli originali cinesi.
Tavolta il motivo circonda la conchiglia esotica al centro, la Giunca
o il rotondo simbolo del Tao, oltre che a contemporanei motivi
rinascimentali.

Grottesche
Con il termine “Grottesche” si indica quel genere decorativo che
aveva preso avvio nell'arte italiana ispirandosi alle decorazioni della
Domus Aurea neronica (le cosiddette “Grotte”); la Domus offrì
subito agli artisti rinascimentli e ai ceramisti combinazioni
fantastiche di animali mostruosi, figurine stravaganti, busti,
cornucopie e trofei. Inoltre, tipiche della Grottesca vasellaria sono le
forme vegetali quali il Talamo Fogliato, la Palmetta con Pannocchia
Granata e i Festoni Legati da Nastri; all'interno di questi gruppi
si possono trovare Crateri, Conchiglie, Teste Alate e Amorini,
perfino dei Cherubini.
In questo periodo d'inizio Cinquecento le tecniche dei materiali
conobbero due perfezionamenti dagli effetti opposti: una smaltatura
più bianca, nitida e splendente, e un altro tipo di smalto ancora
capace di dare alle maioliche strati e riflessi tra il grigio e l'azzurro.

Almeno tre, se non quattro famiglie di decori usciranno da
queste innovazioni, le quali si proposero anche come basi per nuove
scelte estetiche. In reazione e in opposizione a tutto il cromatismo
sia usato in precedenza che adottato in contemporanea per altre
famiglie in qualità di soluzioni variabili, dall'essere “vivaci” fino alla
pesantezza specialmente a partire dalla seconda metà del '500, si
ridusse la tavolozza dei colori per tentare qualcosa d'effetto più fine
e languido; soprattutto venne sfruttata la già ritrovata figura del
Putto poiché si prestava al meglio per l'uso dei blu e del turchino
come colori quasi esclusivi, sia per una figura da rendere leggera e
chiaroscurata, sia per i brevi tocchi di pennello a creare la
decorazione di contorno e di finitura.

La tinta dell'ossido di cobalto invece, (anche detto “smalto
berrettino” in certe zone d'Italia) prese piede con le serie delle
Vaghezze e Gentilezze
Una tematica esaltata questi smalti dall'effetto cinerognolo, per
dei soggetti vaghi e gentili accanto alla Grottesca elaborata in
“rabesche”, o girali fogliati, festoni di foglie e frutta, nodi, trofei e
quartieri policromi.

Compendiario
In particolare, è forse questo lo stile che maggiormente si
avvantaggiò della bianchezza dello smalto stannifero, bianco, grosso
e coprente che rese immediatamente conseguente la valorizzazione
delle forme degli oggetti, in particolare quelle delle fogge mosse e
stravaganti.
Questo stile, da considerarsi come quello più esemplare nel
senso di “reazione”, più sottile e meno policromo, si trovo' bene a
essere sfruttato per componimenti decorativi quali i Trofei o
Stemmi di famiglie nobiliari.
La decorazione del in pratica si compone di semplici figurette,
Putti, Stemmi, coroncine ariose di foglie e fiori; tutto caratterizzato
dalla fattura rapida appena schizzata - per l'appunto abbreviata o
compendiata - dalla quale deriva l'adozione del termine.

i Quartieri
Sono un'ampia classe di maioliche iniziate sempre nel corso del
'500, rappresentate e definite da una produzione che si mostra
vivace e ricca come la veste di un tessuto, poiché basata su scansioni
regolari a fondo policromatico blu, giallo, arancio, talvolta anche
verde. Si alternano e racchiudono per lo più foglie di acanto,
corolle, girali, cornucopie, cherubini e delfini. Sono questi tutti
elementi tipici e contemporanei della Grottesca.

Trofei
Stile caratterizzato da composizioni di armi antiche e scudi,
strumenti musicali e libri sia su smalto azzurro che bianco.

L'arricchimento del repertorio nel periodo successivo allo stile
Severo non si fermò così. Con l'arrivo del Garofano, si puo' dire che
questa volta il raccontino sugli stili lontani e portati in Italia dai
commerci, acquisisce finalmente un fondo di verità. È uno stile
caratterizzato da un giardino giapponese sul quale campeggia un
gran fiore, il cosiddetto “Garofano delle Indie” reso irreale dalla
manifattura che mostra solo una lontanissima e vaga rassomiglianza
col fiore cui prende il nome, e si eleva sopra un improbabile prato
blu, mentre a lato appare un piccolo cancello. Lo stile Garofano è
indiscutibilmente d'ispirazione esotica, ed entrerà a far parte della
macrofamiglia chiamata “cineserie” sulla fine del '700.

Festone e Ghianda
Il decoro Ghianda associato al Festone, riassume lo spirito del
migliore Neoclassicismo di fine Settecento. I prodotti decorati con
questo stile sono caratterizzati da un rametto di quercia reciso al
centro che assume una qualche tonalità autunnale nel giallo e nel
verde oliva, mentre ai bordi si dispone un motivo continuo a
merletto ornato di Festoni e File di Perle. I colori impiegati sono
l'azzurro e il bruno manganese, il giallo e il verde.
Foglia di Vite Verde
Alla fine del '700 si inizio' a diffondere a fianco della Ghianda e
de Festoni anche il non meno elegante tema della maiolica detta
Foglia di Vite Verde. Nei diversi prodotti vengono rappresentati
generi di tralci e cespi di foglie con colori intensi.

Uva Blu Ruggine
L'Uva Blu Ruggine nasce come rivisitazione di gusto popolaresco
e di svelta esecuzione dell'elegante tema settecentesco della Foglia di
Vite Verde. Decoro particolarmente indicato sugli oggetti per la
cucina e per la tavola come brocche e boccali da abbinare alle
tovaglie ricamante o stampate dalle tele con motivi tipici.
Nell'800 nasce forse il decoro più famoso delle Ceramiche di
Deruta: il Raffaellesco. Ornamentazione del Rinascimento, trae
spunto dalle decorazioni plastiche e pittoriche riprese dalla
Grottesca del '4-500. Le decorazioni sono composte solitamente da
forme vegetali e animali, Candelabre, Arabeschi, Ghirlande,
Festoni, fini architetture e figure mitologiche in composizioni briose
e vivaci.
Forse il ritorno in auge di uno stile così potente e ricco, gonfiato
di colori e plasticità fu una nuova reazione, ma c'è anche chi indica
l'influenza di pittori come Bouchet, Fragonard e Carot.

Pittura su Ceramica
Nel secondo Ottocento, accanto al filone del Raffaellesco si
osserva l'esperienza di una vera pittura su ceramica, la quale seppe
porsi come una vera e propria specializzazione particolarmente
vocata per le vedute paesaggistiche e per la ritrattistica.

Melograno
Il Melograno e' un decoro che venne proposto a partire dagli
anni '20 del Novecento e riprende motivi decorativi della tradizione
mediterranea cui si affiancano elementi dell'Art Decò e pennellate di
oro zecchino con cottura a Terzo Fuoco.
Il decoro Melograno è caratterizzato da una composizione
monocromatica blu con il melograno circondato da foglie, ricci e
fiori. All'interno di queste composizioni si possono trovare
arabeschi, uccelli e pavoni, figura ricorrente nella manifattura del
periodo Liberty.