Anselmi/Johnson It abroad Edifici Commerciali ... - Etruria design

PiX
Interiors & Components
Anselmi/Johnson
confronto a distanza
gespräch aus der ferne
It abroad
lightarchitecture/ mit design lab
italienische architekten im ausland
Edifici Commerciali
tecnologia e comunicazione
technologie und kommunikation
Materiali e Tecnologia
la scenografia televisiva
tv szenografie
Etruria Design
progetti&realizzazioni
projekte&objekte
Know-How
la ceramica evoluta
die neue keramikgeneration
numero 6 - ottobre 2007

indice/inhaltsverzeichnis
presentazione/präsentation .....................................................................................................................................................................
editoriale/editorial ............................................................................................................................................................................................
Alessandro Anselmi - Michael P. Johnson. Confronto a distanza/
Alessandro Anselmi - Michael P. Johnson. Gespräch aus der Ferne .............................................................................
IT abroad. Architetti e designer italiani in altri paesi/
IT abroad. Italienische Architekten und Designer im Ausland .............................................................................................
Architettura, Tecnologia e Comunicazione. L’edificio commerciale nello spazio urbano contemporaneo/
Architektur, Technologie und Kommunikation. Das Einkaufsgebäude im zeitgenössischen urbanen Raum ................
Tecnologie da Sogno Televisivo. Materiali, luci ed apparati a servizio della scenografia/
Technologien im Zeitalter des TV-Traums. Materialien, Lichter und Geräte im Dienst der Szenografie ............................
Progetti&Realizzazioni ...............................................................................................................................................................................
Know-how. La ceramica evoluta. La poetica del diamante nell’architettura/
Know-how. Die neue Keramikgeneration. Die Poesie des Diamanten in der Architektur .................................
Eventi e notizie da ETRURIA design. Milano Triennale, Coverings Chicago e Neocon/
Events und mitteilungen von ETRURIA design. Triennale in Mailand + Coverings in Chicago + Neocon ....................
Rassegna Stampa. Creativitiles: la ceramica materia prima per la creatività/
Pressestimmen. Creativitiles: Keramik als Rohstoff für die Kreativität ...........................................................................
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Tutti i diritti di riproduzione degli articoli pubblicati sono riservati. È vietata la riproduzione senza l’autorizzazione di ETRURIA design.
Alle Rechte auf Nachdruck der veröffentlichten Artikel sind vorbehalten. Die Reproduktion ohne Genehmigung von ETRURIA design ist untersagt.
Un’iniziativa
Eine initiative
Gruppo di lavoro interno al Dipartimento di Progettazione e studio dell’architettura dell’Università degli Studi
Roma Tre, finalizzato alla collaborazione tra università ed attività produttive.
Internes Arbeitsteam des Departments für Projektierung und Architekturstudien der Universität Roma Tre, das
auf die Zusammenarbeit zwischen Universität und Produktionsaktivitäten fokussiert ist.
Coordinamento/Koordination: prof. Paolo Martegani http://host.uniroma3.it/progetti/design
Via Jugoslavia 74/76 - 41100 Modena (Italia) - Tel. 059.452188 - Fax 059.452191
e-mail: info@etruriadesign.it
www.etruriadesign.it
Pubblicazione Semestrale - Numero 6 - Ottobre 2007
Iscrizione al Tribunale di Modena n° 1724 del 12 Novembre 2004
Direttore Responsabile: dott. ssa Giulia Ligabue - ETRURIA design
Direzione Scientifica: prof. arch. Paolo Martegani, dott. arch. Mauro Corsetti - Design&Sinergie
Progetto Grafico: Mauro Corsetti
Fotografie: Luciano Busani
Traduzioni: INTERLANGUAGE srl
Stampa: Litographic Group spa
Finito di stampare: Settembre 2007
in copertina: Grafica sui pannelli di rivestimento della facciata del Toys’r’Us Building a Times Square, New York.
in einband: Muster auf den Verkleidungspaneelen der Fassade vom Toys’r’Us Building auf dem Times Square, New York.

Andrea Ligabue
Presentazione
Präsentation
Design e creatività sono gli ingredienti principali del successo dell’Italian Style
nel mondo, risorsa competitiva di grande tradizione, ma che ora va addizionata
ad una grande dose di innovazione tecnologica.
Puntare sulla ricerca è quindi fondamentale perché non basta più disegnare e
produrre il bello, ma deve essere anche tecnicamente innovativo.
Rispetto ad una qualsiasi produzione di design, in cui l’oggetto è finito e pronto
per l’utilizzo, la piastrella di ceramica deve essere posata a pavimento o a
parete, con tutta una serie di problematiche, che, se male interpretate, trasformano
un prodotto bellissimo in una realizzazione finita molto scadente.
ETRURIA design, da sempre molto attenta all’argomento, avendo una produzione
che fa della progettualità il suo punto di forza, si è dedicata alla ricerca di complementi
si belli, ma che al tempo stesso andassero a risolvere problemi di posa.
Per ultimo lo “Sguscio Diamantato”, che, coperto da Brevetto Internazionale, sarà
presentato al prossimo Cersaie di Bologna dal 2 al 6 Ottobre p.v., andando a rivoluzionare,
per il suo grado di innovazione, la posa della piastrella diamantata.
Voi architetti e interior designers potrete visionarlo in anteprima dai primi di
Settembre nell’area a voi riservata PiX Club sul nostro sito
www.etruriadesign.it.
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Design und Kreativität sind die maßgeblichen Faktoren für den weltweiten Erfolg des Italian Style.
Er bildet traditionell eine Ressource im Wettbewerb, zu der sich heute in erheblichem Maße auch
die technologische Innovation fügt.
Da es nicht mehr ausreicht, allein schöne Formen zu entwerfen und zu produzieren, sondern auch
innovative Technik gefragt ist, muss ein zukunftsorientiertes Unternehmen auf Forschung und
Entwicklung setzen.
Im Vergleich zu jedem anderen Designartikel, der als gebrauchsbereites Fertigerzeugnis gilt, muss
die Keramikfliese als Bodenbelag oder Wandverkleidung erst noch verlegt werden. Dieser Vorgang
ist mit einer Reihe von Problemstellungen verbunden, die, sofern sie nicht richtig bewältigt werden,
ein wunderschönes Produkt in ein mangelhaftes Endresultat verwandeln können.
Dieses Thema ist seit jeher für die Marke ETRURIA design, die den Projektgedanken zu einem
Pluspunkt ihrer Artikel werden ließ, ein ganz besonderes Anliegen. Deshalb widmete man sich der
Entwicklung von Zubehör, das zwar schön ist, aber auch Verlegungsprobleme löst.
Die letzte Neuheit ist die „Sguscio Diamantato“ (Facettierte Übergangsleiste), die auf der nächsten
Cersaie in Bologna vom 2. bis 6. Oktober präsentiert wird und aufgrund ihres Innovationsgrades für
die Verlegung der facettierten Fliese neue Wege aufzeigen wird.
Architekten und Innenarchitekten wird ab der ersten Septemberhälfte auf unserer Homepage
www.etruriadesign.it im Memberbereich „PiX Club“ eine exklusive Preview geboten.
Presentazione
Andrea Ligabue
Presidente ETRURIA design

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Digitopolis. Pannello informativo multimediale ed interattivo al Museo della Scienza di Londra. Il messaggio è: “In che modo la tecnologia digitale ti condiziona”
Digitopolis. Multimedia and interactive information panel at the London Science Museum. The message is: “How does digital technology condition you”
Digitopolis. Multimediale und interaktive Präsentation im Science Museum in London. Die Message lautet: „Wie wirst du von der digitalen Technologie beeinflusst“

Paolo Martegani
editoriale
editorial
Il diamantato, pur nella propria chiara matrice geometrica tronco-piramidale, si evolve continuamente.
Si caratterizza con il colore, prima unico e uniformemente distribuito, poi diverso
sulle varie facce; ripercorre l’esperienza Optical, sperimenta il lettering con la trasposizione
del codice grafico digitale, applica con successo la tridimensionalità dei graffiti in bassorilievo
e ora rivisita e attualizza la componibilità delle figure ottagonali.
Il diamantato è un elemento classico per la propria origine lontana nel tempo, ma straordinariamente
duttile e capace di esprimere valenze attuali nell’ambito del design, ne dà conferma
Giulia Ligabue, che tratta della partecipazione al “Sit_Down_Please” prestigiosa manifestazione
che ha visto il proprio epilogo alle Triennale di Milano nella primavera di quest’anno.
L’azienda mira ad occupare, pur nella propria dimensione, un ruolo riconoscibile e propositivo
nel design contemporaneo e i vari media a propria disposizione contribuiscono al perseguimento
di questo obiettivo. Le pagine web si rinnovano nella veste grafica e migliorano
i servizi offerti. La rivista amplia e articola continuamente l’informazione con articoli che trattano
temi variegati, dalla scenografia, allo spazio dei centri commerciali, fino all’attività dei
progettisti italiani all’estero; PiX diviene sempre più uno strumento per dialogare come nel
confronto a distanza Anselmi/Johnson sui temi dell’architettura.
Il sesto numero coincide con la nascita di PiX Club, iniziativa tesa a riconoscere, valorizzare
e ampliare le valenze espresse da tutta la filiera, privilegiando però i progettisti, gli architetti
che con la propria inventiva e professionalità contribuiscono al continuo miglioramento
del prodotto e delle sue applicazioni; attività della quale viene data circostanziata testimonianza
nella rinnovata sezione progetti & realizzazioni, una “revisione” dello spazio dedicato
ai progetti, che unisce le rubriche di progetti e schede, in cui le proposte di ciascuno hanno
occasione di confronto e di scambio in un ambito integrato e arricchito di riferimenti significativi.
Uno spazio nella rivista dove il lavoro di ognuno resta riconoscibile, ma è posto all’interno
dello scenario comune relativo al processo di evoluzione che, mantenendo i valori
della radice, documenta realizzazioni classiche, contemporanee e talvolta innovative.
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Das Facettendesign erfährt eine kontinuierliche Weiterentwicklung, wenngleich es deutlich an der
Grundform des Pyramidenstumpfes festhält. Den Unterschied macht die Farbe. Zuerst in homogener
Uni-Optik, dann in diversen Nuancen auf den einzelnen Facetten. Das Facettendesign greift auf optische
Effekte zurück, es setzt die Beschriftung in einem grafisch-digitalen Motiv um, übernimmt die
Dreidimensionalität der in Basrelieftechnik ausgeführten Sgraffiti und aktualisiert den Modulcharakter
der Oktagonalfiguren, der zeitgemäß überarbeitet wird. Aufgrund ihrer uralten Tradition ist die
Facettierung ein klassisches Element. Zugleich lässt sie sich außerordentlich gut gestalten und kann
sie aktuelle Wertbegriffe des Designs zum Ausdruck bringen. Das bestätigt auch Giulia Ligabue in
ihrem Bericht über die Teilnahme an der renommierten Veranstaltung „Sit_Down_Please“, die im diesjährigen
Frühjahr auf der Triennale in Mailand ihren Abschluss fand. Das Unternehmen möchte, selbstverständlich
im Rahmen seiner eigenen Dimension, eine unverwechselbare, proaktive Rolle im zeitgenössischen
Design spielen. Auch die diversen verfügbaren Medien kommen bei der Verfolgung dieses
Ziels zum Einsatz. So wurde die grafische Aufmachung der Internetseiten überarbeitet und das
Serviceangebot verbessert. Das Magazin wartet anhand von Artikeln zu verschiedenen
Themenbereichen, beginnend bei der Szenografie über Einkaufszentren bis hin zur Arbeit von italienischen
Designern im Ausland, mit einem erweiterten, detaillierteren Informationsangebot auf. Wie das
aus der Ferne geführte Gespräch von Anselmi/Johnson zum Thema Architektur belegt, entwickelt sich
PiX immer mehr zu einem Podium für den Meinungsaustausch.
Die sechste Ausgabe fällt mit der Gründung des PiX Club zusammen. Diese Initiative soll zur
Anerkennung, Betonung und Festigung der Wertbegriffe beitragen, die von der gesamten
Wertschöpfungskette zum Ausdruck gebracht werden. Hierbei stehen die Planer und Architekten im
Vordergrund, die mit ihrem Erfindungsreichtum und ihrer Professionalität zur ständigen Verbesserung
des Produktes und seiner Anwendungen beitragen. Von dieser Tätigkeit legt die erneuerte Rubrik
„Projekte&Objekte“ Zeugnis ab. Sie ist den Projekten und ihren Merkmalen gewidmet, eine
Präsentationsplattform für Entwürfe und Pläne in einem integrierten Kontext und mit signifikanten
Beispielen. In der Rubrik bleibt die Arbeit des Einzelnen zwar erkennbar, sie wird jedoch in den gemeinschaftlichen
Kontext des Entwicklungsprozesses eingebettet, der unter Wahrung der ursprünglichen
Wertbegriffe klassische, zeitgemäße und mitunter innovative Umsetzungen dokumentiert.
Editoriale

Giulia Ligabue
Alessandro Anselmi - Michael P. Johnson
Confronto a distanza
Gespräch aus der Ferne
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Monitor
Alessandro Anselmi
Architetto nasce a Roma nel
1934, dove si laurea nel 1963.
Nel 1962 è uno dei fondatori
del GRAU (Gruppo Romano
Architetti Urbanisti), uno dei
gruppi più vivaci del panorama
romano.
È docente di Composizione
Architettonica presso la Facoltà
di Architettura della Terza
Università di Roma ed è stato
più volte "visiting professor" in
varie scuole d'architettura francesi
e svizzere tra cui l'Ecole
Spécial d'Architecture e l'U.P.8
dell'Ecole National Superieur
d'Architecture a Parigi e la
Facoltà di Architettura del
Politecnico di Losanna.
È Accademico Nazionale
dell'Accademia di San Luca.
Nel 1999 ha ricevuto il Premio
del Presidente della
Repubblica Italiana per
l'Architettura.
E' autore di numerosi saggi;
dal 1974 al 1981 è stato redattore
di "Controspazio" ed
attualmente fa parte del
Consiglio Scientifico della rivista
d'architettura "Area".
PiX e la sua redazione si fanno carico di dare seguito a
questa interessante necessità, coinvolgendo l’architetto
italiano Alessandro Anselmi, molto sensibile a questi
temi, invitando Johnson a formulare i quesiti su cui lui
stesso ed Anselmi possano esprimere le proprie idee.
La conversazione prende spunto
da una premessa: Solamente il
5% di tutti gli edifici costruiti
possono essere considerati
“architettura”, mentre il restante
95% dell'ambiente costruito consiste
in mere strutture edilizie.
AA: In realtà la percentuale è inferiore,
ma questa situazione è
riscontrabile in qualunque epoca storica. L’architettura,
almeno quella definibile con parametri conoscitivi all’interno
della disciplina, con tutti i propri simboli e significati, è
sempre stata in minima proporzione nell’insieme delle
costruzioni; si può invece rilevare che le varie epoche
hanno espresso maggiore o minore qualità nel rapporto
tra architettura ed edilizia corrente. Prendiamo una città
che viene considerata un gioiello dell’architettura:
Venezia, anche qui la percentuale non è enorme, grande
parte del costruito non è architettura, è però edilizia di alta
qualità. La medesima situazione è riscontrabile in quasi
tutti i centri storici italiani ed europei, che fino alla fine
dell’Ottocento presentavano una buona qualità anche nell’edilizia
corrente, anche nella “città normale”. Il fenomeno
si pone quindi non tanto tra ciò che è architettura e ciò che
non lo è, quanto sulla qualità media dell’edilizia in un territorio
urbanizzato.
Il salto qualitativo è nel Novecento, dopo le avanguardie, il
Movimento Moderno si vuole distaccare dall’edilizia corrente;
soprattutto negli anni Venti, con la caduta dell’ordine
architettonico e del rapporto di tutte le arti con la natura, i
nuovi stilemi e segni vogliono essere diversi. L’architettura
moderna si pone già dall’inizio in contrasto con la città della
consuetudine, con un inconveniente: quando la colta
volontà innovativa espressa dalle avanguardie viene assorbita
dal consumo e ricade nella città risulta fortemente
manomessa e re-interpretata in maniera grossolana.
MPJ: Secondo il sito web dell'American Institute of
Architects (AIA), negli Stati Uniti gli architetti laureati sono
all'incirca 108.000. Inoltre, l'AIA riporta dati in base ai quali
nel 2005, "il valore degli appalti per la costruzione di edifici
progettati da studi di architettura ammontava a 400
miliardi di dollari, pari a circa il 4% della produzione totale
dell'economia statunitense". Considerata la portata di
queste cifre, sembra logico aspettarsi che gli edifici di
qualità siano, se non proprio comuni, almeno non eccezionalmente
rari. Invece, l'"inquinamento visivo" di cui
parlava Beadle dieci anni fa persiste tuttora. In gran parte
(se non nella totalità) delle principali città statunitensi,
guidando per 20 km in qualsiasi direzione, si riesce a
vedere a malapena un solo esempio di vera architettura.
Si potrebbe dire che trovare buona architettura è come
trovare un ago in un pagliaio. In realtà, la situazione è ben
più problematica: un ago non solo è difficile da trovare in
un pagliaio, è anche imprevisto. L'architettura, invece, è
prevista nelle nostre città, o perlomeno, lo era in passato.
Altre forme di espressione artistica, quali musica, arte, letteratura,
ecc., possono essere più o meno evitate volontariamente,
se non sono confacenti al nostro gusto.
L'architettura (o gli edifici che molto spesso vengono
spacciati per tale) non può essere evitata con altrettanta
facilità. Ci circonda costantemente. Se è scadente, urta
inesorabilmente i nostri sensi. Così tanti architetti, così
poca architettura. Cosa sta succedendo
La traccia prosegue con quesiti che analizzano la problematica
in relazione con il ruolo delle scuole di architettura:
Se questa tesi corrisponde effettivamente alla realtà,
chi può essere considerato responsabile per tutta la
cattiva architettura che inquina “visivamente” l’ambiente
costruito Quali possono essere le cause dell’attuale
sottovalutazione del ruolo dell’architettura Il
curriculum di uno studente universitario non è sufficiente
ad insegnargli l’architettura come una forma
d’arte o come un soggetto degno di essere inserito a
pieno titolo nella storia dell’arte Le scuole di architettura
ed i loro metodi di istruzione La generale scarsa
considerazione del ruolo sociale dell’architettura che,
visto che raramente si realizzano grandi progetti, offre
troppo di rado reali benefici per la collettività
MPJ: A mio parere, sono due i principali fattori che contribuiscono
alla diffusione dell'"inquinamento visivo" nel
nostro tessuto urbano, da un lato le carenze della professione
di "architetto", dall'altro quelle del pubblico. In altre
parole, la responsabilità è di molti.
In questo paese, la laurea in architettura è incentrata unicamente
sulla conformità ai regolamenti edilizi, basati
principalmente su problemi legati alla sicurezza.
Naturalmente, la sicurezza pubblica è dovunque una
grossa responsabilità per gli architetti, ma non è l’unica
responsabilità di cui gli architetti devono farsi carico.
Nella sua struttura attuale, il corso di laurea trascura completamente
la qualità della progettazione architettonica
prodotta da quanti, una volta ritenuti idonei a tutti i requisiti
prescritti, conseguono una laurea per esercitare la
professione di architetto. Forse, a questo punto, il titolo
stesso di “architetto” andrebbe sostituito con “tecnico
delle costruzioni” così da rispecchiare in modo più realistico
il ruolo di questi professionisti. L'AIA, da parte sua,
rappresenta al massimo una confraternita, il cui principale
interesse è la promozione della professione in sé; la qualità
dell'architettura prodotta dai suoi membri è in gran

Chicago, aprile 2007. In occasione di
Coverings, principale fiera americana dedicata
a pavimenti e rivestimenti ceramici, dall’incontro
con l’architetto Michael P. Johnson emerge
l’importanza del confronto con colleghi di
nazionalità e formazione diverse sui principali
temi dell’architettura, per addivenire ad un
miglioramento della stessa. Nello specifico
“cosa fare come architetti e formatori per risollevare
nella coscienza collettiva il ruolo oggi
spesso sottovalutato dell’architettura e dell’arte
Quale messaggio dovremmo cercare di
promuovere e veicolare”
Chicago, April 2007. Anlässlich der Coverings, der
wichtigsten amerikanischen Messe für keramische
Fußbodenbeläge und Wandverkleidungen,
findet eine Begegnung mit dem Architekten
Michael P. Johnson statt. Sie verdeutlicht die
Wichtigkeit des Meinungsaustausches zwischen
Kollegen unterschiedlicher Nationalität und unterschiedlichen
Bildungshintergrundes. Aufgrund
des Verbesserungsbedarfs der Architektur stehen
hier große Themen zur Debatte, wie: „Was müssen
Architekten und Lehrtätige tun, um der heute
häufig unterbewerteten Rolle von Architektur und
Kunst im kollektiven Bewusstsein mehr Geltung zu
verleihen Welche Botschaft sollten wir unterstützen
und vermitteln“
parte ignorata. Naturalmente, l'AIA compie qualche debole
sforzo per promuovere la progettazione architettonica
di qualità (ad es. tramite l'organizzazione di concorsi, l'attribuzione
di medaglie d'oro, ecc.), ma non prevede alcuna
forma di reprimenda in caso di lavori scadenti. In altre
parole, l'appartenenza all'associazione ha ben poco a che
vedere con le prestazioni o produzioni dei membri (il che,
naturalmente, solleva seri interrogativi sul reale valore di
tale appartenenza). Tutto questo non deve sorprendere,
considerato che la maggior parte degli architetti si preoccupa
più delle commesse che della produzione di buona
architettura, quel tipo di architettura iconica destinata a
durare. Troppo pochi considerano ancora l'architettura
una forma d'arte. Ma, come dicevo, le responsabilità sono
da ricercare anche altrove. Un ruolo importante va riconosciuto
anche agli utenti che, seppure non sempre in veste
di potenziali committenti, sono comunque tutti direttamente
condizionati dagli edifici in cui vivono, lavorano e
vedono quotidianamente. Mi pare che siamo diventati
una società priva di cultura, troppo spesso pronta a far
proprio il vecchio adagio I know what I like, and I like what
I know (conosco ciò che mi piace e mi piace ciò che
conosco). La cattiva architettura viene tollerata semplicemente
perché chi la tollera non conosce niente di meglio.
Se la nostra società domandasse architettura (al posto
degli edifici di cui ci accontentiamo oggi), i professionisti
sarebbero obbligati a fornirla (proprio come la richiesta di
architettura verde da parte dei consumatori sta facendo
pressione sulla professione). Se invece i consumatori
rimangono nella loro beata ignoranza, la professione è
poco incentivata a cambiare (come avviene da anni con
l'edilizia ecosostenibile). La soluzione (ammesso che ne
esista una) a questo triste problema passa dunque per
l'istruzione. Senza un radicale miglioramento del nostro
sistema educativo, tanto per gli architetti quanto per gli
utenti, il problema non può che peggiorare.
AA: La città storica aveva stabilito un rapporto di consuetudine
tra l’architettura aulica e l’edilizia normale, la quale
presentava naturalmente un abbassamento di tono, ma
sempre all’interno di uno stesso sistema di valori estetici.
Il passaggio dall’edilizia popolare alla grande architettura
risultava sfumato in una integrazione che il Novecento non
ha ancora raggiunto. I cento anni che sono trascorsi dalle
avanguardie ad oggi non sono sufficienti perchè si riformi
sul territorio quella serie di sfumature che permettano alla
grande architettura di convivere con una edilizia media.
La scarsa considerazione dell’architettura dipende dal
ruolo della cultura generalizzata, non dagli architetti:
sono i consumatori/utenti che non sono interessati al
costruito “esterno” al proprio privato, l’architettura intesa
come oggetto urbano non interessa più di tanto.
In Italia l’architettura non è uno dei valori importanti, al cittadino
medio non interessa molto l’esterno della propria
casa, è invece molto più attento all’interno, ai suoi mobi-
li, in cui si riconosce direttamente ed infatti il design è uno
dei valori italiani, come la moda.
Questa situazione non è uguale dovunque, ad esempio i
paesi del nord Europa, la stessa Londra e quel luogo felice
per l’architettura che è l’Olanda sono da sempre più
maturi nell’attribuire importanza al costruito anche dell’edilizia
corrente ed all’immagine della città.
Il lavoro da fare quindi non è solo quello volto a migliorare
la preparazione dei futuri architetti - che pur con le
dovute differenze che possono essere rilevate all’interno
di una naturale variabilità - nell’insieme appare sufficiente;
il compito altrettanto importante è quello di creare sensibilità
nella collettività, attraverso il coinvolgimento degli
amministratori che la rappresentano.
Si deve tener conto che i benefici che la buona architettura
può indurre nella società sono legati alla capacità di
conoscere, o almeno riconoscere, le qualità; solo una
società molto matura è in grado di godere dei valori estetici
della buona architettura, che anche nella storia è stata
più una conseguenza che una causa della società evoluta.
È da notare inoltre che nella società contemporanea molti
oggetti architettonici arrivano in ogni città dall’esterno e
questo può essere un dato positivo per aiutare la formazione
del gusto e stimolare la capacità critica nei riguardi
dell’architettura stessa. Contemporaneamente però
appaiono aspetti molto complessi, infatti prima con
l’International Style ed ora con la globalizzazione, le culture
tendono ad assomigliare l’una a l’altra, abbandonando
le radici profonde a cui appartengono, con conseguenze
molto problematiche.
Si sollecitano posizioni sul lavoro professionale: Oggi
purtroppo sembra che molti architetti siano più interessati
alle parcelle piuttosto che alla gioia di produrre
un’icona durevole. La cattiva progettazione degli
edifici non è il risultato di architetti incompetenti, è ciò
che avviene quando l’obiettivo riduce per vantaggio
economico i tempi necessari alla creazione artistica.
AA: Il lavoro dell’architetto è una professione con i connessi
aspetti etici, ma potrebbe essere utopistico o almeno
romantico elevarlo fino al ruolo di missione.
L’attività edificatoria è una attività collettiva, si basa su
piani edilizi, su programmi economici e si svolge all’interno
di realtà complesse in cui sono presenti componenti
con ruoli diversi che devono necessariamente relazionarsi
reciprocamente; tuttavia le componenti fondamentali
possono essere ridotte a tre: la committenza, l’architetto
e l’impresa. La committenza, che a propria volta può
essere pubblica o privata, ha una rilevante importanza e
può essere buona o cattiva. A Roma ad esempio anche
la committenza privata fino alle Olimpiadi degli anni ’60 è
stata buona, ha utilizzato architetti valenti come Monaco
o Luccichenti, poi è decaduta. L’edilizia pubblica pur
Michael P. Johnson
Architectural Designer, è nato nel
1938 a Milwaukee, Wisconsin
USA.
È docente presso The Frank
Lloyd Wright School of
Architecture a Scottsdale,
Arizona USA e Spring Green,
Wisconsin USA.
È vincitore di numerosi premi e
riconoscimenti in concorsi di
progettazione.
Ceramic Tiles of Italy Design
Competition: Yoder-Doornbos
Residence, 2001 - Wilkinson
Office Building, 2005 - McCue
Residence, 2005 (unico vincitore
in più di una edizione del concorso)
The Crescordia Award: Cave
Creek Desert Awareness Park,
1998 - Yoder-Doornbos
Residence, 1999 - Silverman
Residence, 2006
Spectrum Awards: Wilkinson
Office Building, 2005 - Silverman
Residence, 2006
The National Concrete Masonry
Association Award: Zweig
Residence, 2002
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Alcune importanti opere dei due architetti: Residenze alla Bufalotta (AA), Allestimento della mostra “Alessandro Anselmi - PianoSuperficieProgetto” al MAXXI di Roma (AA), Silverman
Residence (MPJ), Piazza, Terminal della metropolitana e Centro Commerciale a Sotteville-les-Rouen (AA), Hiller Residence (MPJ), Casa-studio in Arizona (MPJ), Municipio di Rezè-le-
Nantes (AA), YoderResidence (MPJ), Municipio di Fiumicino (AA).
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Monitor
Alessandro Anselmi
Architekt, geboren 1934 in Rom.
Hochschulabschluss 1963,
ebenfalls in Rom.
Im Jahr 1962 Mitbegründer der
GRAU (Gruppo Romano
Architetti Urbanisti), die zu den
aktivsten Gruppen der römischen
Architekturszene zählte.
Dozent für Architektonische
Komposition an der Fakultät für
Architektur der Terza Università
di Roma und mehrmals
Gastprofessor an diversen
Architekturschulen in Frankreich
und in der Schweiz, z.B. Ecole
Spéciale d'Architecture, U.P.8 der
Ecole Nationale Supérieure
d'Architecture in Paris und
Fakultät für Architektur des
Polytechnikums in Lausanne.
Nationales Mitglied der
Accademia di San Luca.
Im Jahr 1999 Auszeichnung mit
dem Preis des Präsidenten der
Italienischen Republik für
Architektur.
Autor zahlreicher Aufsätze, von
1974 bis 1981 Redakteur von
„Controspazio“, gegenwärtig
Mitglied des Wissenschaftlichen
Beirates der Architekturzeitschrift
„Area“.
essendo meno sensibile alla qualità ha utilizzato architetti
capaci come Ridolfi, Gardella, Albini, ma recentemente
è meno presente nella città che, si ribadisce, risponde
alle necessità medie di una cultura in continuo adeguamento.
Per l’architetto intanto si profilano le nuove esigenze
legate alla sostenibilità che spinge a intendere gli
edifici anche nella loro dimensione temporale, nel proprio
ciclo di trasformazione.
MPJ: Troppo spesso, la produzione migliore di un architetto
è il lavoro che esegue da studente (quando alla
massima libertà di espressione si associa la tentazione
minima di "svendersi" al cliente). Oltre agli aspetti teorici
e tecnici dell'architettura, il percorso curricolare dovrebbe
affrontare anche gli aspetti etici dell'architettura, intesi
come responsabilità di svolgere un buon lavoro.
Altrimenti, i nostri laureandi sono poco attrezzati per continuare
a fare del loro meglio nel mondo "reale".
Durante i miei viaggi in Europa, ho visto i musei affollati di
bambini con i loro insegnanti, mentre quando vado al
Museum of Modern Art di New York, vedo ben pochi
ragazzi. Naturalmente, è questo il punto di partenza del
processo, ma in questo paese si fa ben poco a livello
d’istruzione primaria ed elementare per incoraggiare
l'educazione artistica e musicale, per non parlare dell'educazione
architettonica. Nell'istruzione secondaria
viene dato maggior spazio all'educazione artistica e musicale,
ma in generale l'educazione e/o la storia dell'architettura
viene totalmente ignorata. La situazione migliora
ulteriormente in ambito universitario, con l'offerta di corsi
di educazione artistica, musicale, architettonica e altro
ancora, ma esclusivamente in base all'indirizzo scelto;
l'educazione architettonica è richiesta solo per il conseguimento
della laurea in architettura. Non deve dunque
meravigliare se in questo paese la domanda di buona
architettura è tanto esigua — la stragrande maggioranza
delle persone non la riconoscerebbe nemmeno se ci
andasse a sbattere contro! Se davvero vogliamo migliorare
la qualità dei nostri edifici, dobbiamo iniziare con
l'istruire meglio i committenti.
Ed infine sui rapporti con la committenza: Quando poi gli
architetti permettono ai propri clienti di influenzare il
processo progettuale, condizionando le specifiche
sul luogo, sul progetto o sul budget, possiamo dire
che il risultato è che la nostra professione capitoli
davanti al potere economico della committenza
MPJ: Lo scrittore e critico irlandese George Bernard Shaw
una volta ha detto, “La democrazia è un sistema che ci
garantisce che non siamo governati meglio di quanto ci
meritiamo”. Forse si può dire lo stesso per l'architettura:
parlando in generale, abbiamo ciò che ci meritiamo. Se
vogliamo alzare il livello, dobbiamo avere una "cittadinanza
informata", in grado a sua volta di esercitare pressione
su professionisti non abbastanza impegnati a offrire un'architettura
di qualità. Probabilmente alle persone continuerà
a “piacere ciò che conoscono”, ma la portata di ciò che
conoscono si estenderà oltre gli scialbi edifici di oggi; in
questo modo potranno conoscere realmente la buona
architettura. Se invece continuiamo come abbiamo fatto
finora, per il problema dell'"inquinamento visivo" non avremo
da biasimare altri che noi stessi.
AA: Il bravo architetto ha la capacità di ascoltare molto il
proprio committente. I rapporti si complicano, specie in
epoca moderna, se il committente è un ignorante e le sue
domande confliggono con la cultura dell’architetto.
Quando nel Medioevo e nel Rinascimento il Priore del
convento o il Signore chiamava l’artista ad intervenire
dando delle indicazioni precise, l’artista era attento a
seguirle perchè ogni parte del suo lavoro era carica di
valori simbolici e le richieste della committenza dovevano
essere riproposte attraverso la propria sensibilità. L‘architetto,
come l’artista, è sempre anche un interprete, capace
di esprimere con il proprio gusto inteso come “capacità
critica nell’estetica” le esigenze connesse all’incarico
che gli viene affidato. Le situazioni non possono essere
sempre favorevoli come quando papa Giulio II chiama
Michelangelo per affrescare la Cappella Sistina e tra i due
esiste un’affinità culturale, un rapporto che non è comune.
Tuttavia anche a livelli modesti il capomastro che
interpretava un edificio o una casa colonica possedeva
solide competenze tecniche, aveva una cultura affine ad
un determinato strato della società ed era capace di tradurne
in senso positivo le esigenze funzionali ed espressive.
Queste affinità ora si sono perse, non solo per l’architettura,
ma piuttosto in generale all’interno dei grandi
fenomeni sociali dell’antropologia. Nell’Europa occidentale
e in particolare in Italia, l’utente medio della città proviene
da una cultura non cittadina ed ha perduto i riferimenti
precedenti, senza ancora aver focalizzato i nuovi
modelli. È necessario un tempo di assestamento che
deve essere consentito agli operatori ed agli utenti/consumatori
per crescere culturalmente e sviluppare la propria
sensibilità nei confronti dell’architettura.
I due interlocutori ampliano molto i temi adombrati nella
traccia iniziale; i caratteri delle due complesse personalità si
svelano e denunciano atteggiamenti diversi nei confronti
dell’architettura, attenzioni che sembrano orientarsi lungo le
due linee, complementari, dell’oggetto e della città.
L’interesse nella lettura deriva dai contenuti espressi ma anche
dal confronto di pensieri che, pur percorrendo una stessa strada,
presentano una riconoscibile personale autonomia.

Bedeutende Werke der beiden Architekten: Wohnanlage in Bufalotta (AA), Gestaltung der Ausstellung „Alessandro Anselmi – PianoSuperficieProgetto“ im MAXXI in Rom (AA), Silverman
Residence (MPJ), Piazza, Metro-Terminal und Einkaufszentrum in Sotteville-les-Rouen (AA), Hiller Residence (MPJ), Studiohaus in Arizona (MPJ), Rathaus in Rezè-le-Nantes (AA), Yoder
Residence (MPJ), Rathaus in Fiumicino (AA).
PiX und seine Redaktion möchten dieser interessanten
Notwendigkeit nun Folge leisten. Das geschieht unter Einbeziehung
des italienischen Architekten Alessandro Anselmi, der sich vorrangig
mit diesen Themen auseinandersetzt. Michael P. Johnson formulierte
die Fragestellungen. Aus den sich daraus ergebenden Darlegungen
von Johnson und Anselmi entstand das nachfolgende „Gespräch“. Den
Ausgangspunkt für den Dialog bildet eine Behauptung: Lediglich 5 %
aller Gebäude können als „Architektur“ betrachtet werden, die
restlichen 95 % des Baubestandes bestehen lediglich aus bloßen
Baustrukturen.
AA: In Wirklichkeit ist der Prozentsatz niedriger. Die Aussage gilt übrigens
für alle Geschichtsepochen. Die Architektur, zumindest die als solche
anhand von Parametern mit all ihren Symbolen und Bedeutungen definierbar
ist, nahm stets nur einen geringfügigen Anteil im
Gesamtbaubestand ein. Interessant ist hingegen das Verhältnis zwischen
Architektur und Alltagsbaukultur, das sich in den einzelnen Epochen auf
einer jeweils höheren oder niedrigeren Qualitätsstufe befand.
Betrachten wir einmal die Stadt Venedig, die als architektonisches Juwel
gilt. Auch hier ist der Anteil nicht riesig. Ein großer Teil des Baubestandes
entspricht zwar keiner Architektur, aber hoher Bauqualität. Die gleiche
Situation ist in fast allen italienischen und europäischen Altstädten anzutreffen,
die bis zum Ende des 19. Jahrhunderts auch im Alltagsbau, der
„normalen Stadt“, eine hohe Qualität aufwiesen. Was Architektur ist und
was nicht, tritt hier eher hinter die Fragestellung zurück, wie hoch die mittlere
Bauqualität in einem urbanisierten Gebiet ist.
Der Qualitätssprung erfolgt im 20. Jahrhundert. Im Anschluss an die
Avantgardebewegungen will sich die Moderne von der Alltagsbaukultur
lösen. Vor allem in den zwanziger Jahren, nach der Auflösung des
architektonischen Regelwerkes und des Naturbezuges sämtlicher
Künste, drängen die Stilelemente und Zeichen auf Veränderung. Die
moderne Architektur stellt sich bereits in ihrer Anfangsphase der Stadt
entgegen, die dem Alltag verpflichtet ist. Allerdings mit einem Problem:
Der hehre Innovationswille der Avantgarde wird vom Konsum vereinnahmt
und wirkt sich später nur in einer arg entstellten, plump überarbeiteten
Form auf die Stadt aus.
MPJ: Laut der Webseite des American Institute of Architects (AIA) gibt
es in den USA rund 108.000 diplomierte Architekten. Das AIA weist
Daten aus, gemäß denen im Jahr 2005 „der Wert der
Bauausschreibungen für Gebäude, die von Architekturbüros geplant
wurden, ungefähr 400 Mrd. Dollar betrug, was zirka 4 % der US-amerikanischen
Gesamtproduktion entspricht“. Aus diesen hohen Zahlen
könnte man folgerichtig schließen, dass die Qualitätsbauten zwar keine
gängige Erscheinung, aber zumindest nicht allzu rar sind. Die „visuelle
Umweltverschmutzung“, von der Beadle vor zehn Jahren sprach, gibt
es heute noch. Fährt man in den meisten Großstädten der USA (wenn
nicht sogar in allen) rund 20 km in eine beliebige Richtung, lässt sich
nur schwerlich ein einziges Beispiel für wahre Architektur auftreiben.
Man könnte sagen, dass es sich mit guter Architektur wie mit der Nadel
im Heuhaufen verhält. In Wirklichkeit ist die Lage weitaus ernster. Eine
Nadel findet sich nicht nur schwer, sondern auch unvorhergesehen in
einem Heuhaufen an. Die Architektur hingegen ist in unseren Städten
vorgesehen, zumindest war sie es in der Vergangenheit.
Andere Kunstformen wie Musik, bildende Kunst, Literatur etc. können
mehr oder weniger absichtlich gemieden werden, wenn sie nicht unseren
Geschmacksvorstellungen entsprechen. Der Architektur (beziehungsweise
die Gebäude, die sehr häufig als solche gehandelt werden) kann man
nicht so leicht aus dem Weg gehen. Wir sind ständig von ihr umgeben.
Wenn sie schlecht ist, martert sie unsere Sinnesnerven bis aufs Äußerste.
So viele Architekten und so wenig Architektur. Was geht da vor
Im Folgenden steht die Rolle der Architekturschulen im Mittelpunkt:
Wenn diese These tatsächlich der Wirklichkeit entspricht, wer kann
dann für die ganze schlechte Architektur verantwortlich gemacht
werden, die unsere bauliche Umwelt „visuell“ verschmutzt Wo
liegen die Gründe für die gegenwärtige Unterbewertung der
Architektur Ist der Bildungsgang eines Universitätsstudenten
nicht ausreichend, um ihm Architektur als Kunstform und festen
Bestandteil der Kunstgeschichte zu lehrenSind es die
Architekturschulen und ihre Lehrmethoden Bietet die allgemeine
Unterbewertung der Architektur in ihrer gesellschaftlichen
Funktion zu selten wirkliche Vorteile für die Kollektivität, da kaum
große Projekte realisiert werden
MPJ: Meines Erachtens tragen vornehmlich zwei Hauptfaktoren zur
Verbreitung der „visuellen Umweltverschmutzung“ in unserem städtischen
Baubestand bei: Einerseits sind es die Unzulänglichkeiten des
Berufsbildes „Architekt“ und andererseits sind es die
Unzulänglichkeiten der Gemeinschaft. Mit anderen Worten, die
Verantwortung liegt vielerorts.
In diesem Land konzentriert sich das Diplomstudium der Architektur
ausschließlich auf die Beachtung der Bauvorschriften, die vorrangig
Sicherheitsnormen betreffen. Selbstverständlich ist die öffentliche
Sicherheit überall eine große Verantwortung für den Architekten, sie ist
jedoch nicht seine einzige Verantwortung. Das gegenwärtige
Lehrangebot des Studienganges vernachlässigt vollständig die Qualität
des Bauentwurfs, der von den Bewerbern für die Erteilung der
Berufslizenz vorgelegt wird. Vielleicht sollte an dieser Stelle der Titel
„Architekt“ gegen die Berufsbezeichnung „Bautechniker“ ausgetauscht
werden, um die Aufgabe dieser Fachleute realistischer wiederzugeben.
Das AIA seinerseits repräsentiert höchstens eine Bruderschaft, deren
Hauptanliegen die Promotion des Berufes an sich ist. Die Qualität der
von seinen Mitgliedern geschaffenen Architektur ist weitgehend unbekannt.
Selbstverständlich unternimmt das AIA einige schüchterne
Versuche zur Würdigung der Entwurfsplanung (z.B. durch Ausruf von
Wettbewerben, die Verleihung von Goldmedaillen etc.), sie sieht
jedoch keinerlei Maßregelungen im Fall von mangelhaften Arbeiten vor.
Mit anderen Worten, die Mitgliedschaft im Verband hat nur sehr wenig
mit der Leistung und dem Schaffen des jeweiligen Mitgliedes zu tun
(was selbstverständlich Fragen zum tatsächlichen Wert der
Mitgliedschaft aufwirft). Das darf allerdings nicht überraschen, da sich
die meisten Architekten eher mit der Auftragsbeschaffung als mit dem
Entwurf guter Architektur befassen, die als Ikone zum Überdauern
bestimmt ist. Zu wenige betrachten die Architektur noch als Kunstform.
Wie ich jedoch sagte, sind die Verantwortlichen auch anderswo zu
suchen. Ein wichtiger Beitrag ist nicht zuletzt der Öffentlichkeit zuzuschreiben.
Die Menschen, wenngleich sie nicht immer potentieller
Auftraggeber sind, werden von den Gebäuden beeinflusst, in denen sie
leben und arbeiten, die sie besuchen und tagtäglich vor Augen haben.
Mir scheint, dass wir zu einer kulturlosen Gesellschaft herangewachsen
sind, die nur zu häufig in das alte Denkschema „Ich kenne, was ich
mag, und ich mag, was ich kenne“ verfällt. Schlechte Architektur wird
einfach deshalb toleriert, weil man nichts besseres kennt. Wenn unsere
Gesellschaft Architektur (anstelle der Gebäude, mit denen wir uns
heute zufrieden geben) fordern würde, wäre die Branche gezwungen,
diese auch zu liefern (genau wie die Verbrauchernachfrage nach ökologischem
Bauen auf die Branche Druck ausübt). Wenn die
Verbraucher hingegen in ihrem Dämmerzustand verbleiben, ist die
Branche kaum zu einer Änderung stimuliert (wie es seit Jahren mit dem
Michael P. Johnson
Architectural Designer, geboren
1938 in Milwaukee, Wisconsin,
USA.
Dozent an der The Frank Lloyd
Wright School of Architecture in
Scottsdale, Arizona, USA, und in
Spring Green, Wisconsin, USA.
Sieger zahlreicher Preise und
Anerkennungen bei
Projektwettbewerben.
Ceramic Tiles of Italy Design
Competition: Yoder-Doornbos
Residence, 2001 - Wilkinson
Office Building, 2005 - McCue
Residence, 2005 (einziger
Sieger mehrerer Editionen des
Wettbewerbs)
The Crescordia Award: Cave
Creek Desert Awareness Park,
1998 - Yoder-Doornbos
Residence, 1999 - Silverman
Residence, 2006
Spectrum Awards: Wilkinson
Office Building, 2005 - Silverman
Residence, 2006
The National Concrete Masonry
Association Award: Zweig
Residence, 2002
7

8
Monitor
nachhaltigen Bauen erfolgt).
Einen Ausweg (sofern es einen gibt) aus dieser traurigen Situation zeigt
das Bildungswesen auf. Ohne eine radikale Verbesserung unseres
Bildungssystems – sowohl für die Architekten als auch für die Nutzer –
kann sich die Lage eigentlich nur noch verschlechtern.
AA: In der historischen Stadt hatte sich ein
Selbstverständlichkeitsverhältnis zwischen erhabener Architektur und
Alltagsbaukultur ausgebildet, die, wenngleich auf einer niedrigeren
Ebene, dasselbe ästhetische Wertesystem repräsentierte.
Alltagsbauten und architektonische Kunstwerke waren in einem integrierten
Kontext fest miteinander verwoben. Diese Integration hat das
20. Jahrhundert bis heute nicht geschaffen. Die einhundert Jahre, die
seit den Avantgardebewegungen vergangen sind, reichen nicht aus, um
im Baubestand die Reihe von Abstufungen zu schaffen, die der großen
Architektur das Zusammenleben mit der Durchschnittsbaukunst gestatten.
Die niedrige Wertstellung der Architektur ist von der allgemeinen Rolle
der Kultur und nicht von den Architekten bedingt. Die
Verbraucher/Nutzer sind nicht an der „äußeren“ Konstruktion ihres
Privatbereiches interessiert. Die Architektur als urbaner Gegenstand ist
eher unerheblich. In Italien gehört die Architektur nicht zu den wichtigen
Wertbegriffen. Den Durchschnittsbürger interessiert das Äußere
seines Wohnhauses recht wenig. Er ist hingegen sehr auf den
Innenraum, auf seine Möbel bedacht, in denen er sich direkt wieder
erkennt. Nicht zuletzt gehört das Design wie die Mode zu den italienischen
Wertbegriffen. Das ist nicht überall so. Nordeuropa zum Beispiel,
selbst London und auch die Niederlande, in denen die Architektur eine
hohe Gunst genießt, sind seit jeher wegweisend, wenn es um das
Thema Qualität im Alltagsbau und im Stadtbild geht.
Deshalb muss nicht nur die Ausbildung der künftigen Architekten verbessert
werden (wenngleich diese selbstverständlich nicht überall
gleich ist, so erscheint sie jedoch insgesamt ausreichend). Es gilt auch,
die Gemeinschaft durch die Einbeziehung der Verwaltungsbehörden,
die sie vertreten, zu sensibilisieren.
Man muss berücksichtigen, dass die positiven Auswirkungen einer
guten Architektur auf die Gesellschaft mit der Fähigkeit verbunden sind,
die Qualitäten zu kennen oder zumindest zu erkennen. Nur eine
Gesellschaft mit einem hohen Reifegrad kann die ästhetischen Werte
guter Architektur genießen, die auch in der Geschichte eher eine Folge
denn eine Ursache eines hohen gesellschaftlichen
Entwicklungsstandes war. Überdies gelangen in der heutigen
Gesellschaft viele architektonische Objekte von außerhalb in die
Städte. Das kann die Ausbildung des Geschmacks begünstigen und
die kritische Haltung gegenüber der Architektur anregen. Gleichzeitig
treten auch sehr komplexe Aspekte auf, zuerst mit dem International
Style und jetzt mit der Globalisierung. Die Kulturen gleichen sich zunehmend
einander an und entfernen sich hierbei von ihren ursprünglichen
Wurzeln, was sehr problematische Folgen hat.
Es werden Stellungnahmen zur professionellen Arbeit angeregt:
Heute scheint es leider, dass viele Architekten eher am Honorar als
an der Freude interessiert sind, eine dauerhafte Ikone zu schaffen.
Die schlechte Entwurfsplanung der Gebäude ist nicht das
Ergebnis von inkompetenten Architekten. Sie entsteht, wenn das
Kostenziel die notwendigen Zeiten für den künstlerischen
Schaffensprozess reduziert.
AA: Die Arbeit des Architekten unterliegt einer Berufsethik. Es könnte
jedoch als utopisch oder zumindest romantisch gelten, wollte man sie
als Mission begreifen. Die Bautätigkeit ist eine kollektive Tätigkeit, die
auf Bau- und Kostenplänen beruht. In ihr komplexes Umfeld fließen verschiedenwertige
Faktoren ein, die notwendigerweise aufeinander
abzustimmen sind. Das Ganze lässt sich indes auf drei
Hauptkomponenten reduzieren: Bauherr, Architekt und
Bauunternehmen. Der Bauherr, ob öffentlich oder privat, hat eine erhebliche
Bedeutung und kann gut oder schlecht sein. In Rom gab es bis
zur Olympiade in den 60er Jahren auch eine gute private
Bauherrenschaft, sie nutzte wertvolle Architekten wie Monaco und
Luccichenti, dann hat sie jedoch nachgelassen. Die öffentliche
Bauwesen griff, wenngleich es weniger auf Qualität achtet, auf fähige
Architekten wie Ridolfi, Gardella und Albini zurück. Es hat sich jedoch
jüngst in der Stadt vermindert, die überdies den durchschnittlichen
Bedürfnissen einer sich kontinuierlich anpassenden Kultur entspricht.
Für den Architekten selbst zeichnen sich die neuen Erfordernisse der
Nachhaltigkeit ab, die das Gebäude auch in seiner zeitlichen
Dimension, seinem eigenen Wandlungsprozess begreifen lässt.
MPJ: Nur zu häufig sind die besten Werke eines Architekten seine
Arbeiten als Student (wenn bei maximaler Ausdrucksfreiheit nur eine
minimale Versuchung besteht, sich an den Kunden zu „verkaufen“).
Neben theoretischen und technischen Aspekten müsste der
Studiengang auch die ethischen Aspekte der Architektur umfassen, die
als Verantwortlichkeit für eine gute Arbeit verstanden werden.
Andernfalls sind unsere Absolventen nur unzureichend gerüstet, um in
der Praxis später ihr Bestes zu geben.
Auf meinen Reisen in Europa habe ich in Museen viele Kinder mit ihren
Lehrkräften gesehen, während ich im Museum of Modern Art in New
York nur ganz wenige Kinder zu Gesicht bekomme. Der ganze Prozess
muss selbstredend hier ansetzen. Das hiesige Schulwesen kümmert
sich in der Grund- und Mittelstufe recht wenig um die Kunst- und
Musikerziehung, von der Architekturerziehung ganz zu schweigen. In
der Oberstufe wird der Kunst- und Musikerziehung mehr Platz eingeräumt,
die Architekturerziehung bzw. -geschichte indes völlig vernachlässigt.
Die Lage verbessert sich in der Universität mit
Kursangeboten zum Thema Kunst, Musik Architektur und anderem,
jedoch ausschließlich in Abhängigkeit von der gewählten
Fachrichtung. Die Architekturerziehung ist lediglich im Studiengang
Architektur erforderlich. Daher verwundert es nicht, wenn in diesem
Land die Nachfrage nach guter Architektur so gering ist. Die übergroße
Mehrheit der Leute würde sie selbst dann nicht erkennen, wenn man
sie mit der Nase darauf stoßen würde! Wenn wir wirklich die Qualität
unserer Gebäude verbessern wollen, müssen wir unsere Auftraggeber
besser erziehen.
Schließlich noch zum Verhältnis mit dem Bauherrn: Wenn die
Architekten den Kunden auch noch gestatten, den
Entwurfsprozess zu beeinflussen, indem sie auf die Vorgaben zum
Ort, zum Projekt oder zum Budget einwirken, könnten wir dann
nicht eigentlich sagen, dass unser Metier letztlich vor der wirtschaftlichen
Macht des Bauherrn kapituliert
MPJ: Der irische Schriftsteller und Kritiker George Bernard Shaw sagte
einst: „Demokratie ist ein Verfahren, das garantiert, dass wir nicht besser
regiert werden, als wir es verdienen.“ Vermutlich lässt sich das auch
auf die Architektur anwenden. Allgemein gesehen, haben wir das, was
wir verdienen. Wenn wir die Messlatte höher anlegen wollen, dann
brauchen wir eine „informierte Bevölkerung“, die auf einen
Berufsstand, der die Qualität bisher vernachlässigte, Druck ausüben
kann. Vermutlich wird den Menschen weiterhin „das gefallen, was sie
kennen“. Ihre Kenntnisse werden allerdings über unscheinbare
Gebäude hinausgehen. Auf diese Weise können sie wirklich gute
Architektur kennen lernen. Wenn wir hingegen so weitermachen wie
bisher, dann haben wir die Schuld an der „visuelle
Umweltverschmutzung“ nur uns selbst zuzuschreiben.
AA: Der gute Architekt kann seinem Bauherrn Gehör schenken. Die
Beziehungen komplizieren sich, vor allem in der heutigen Zeit, wenn
der Bauherr ein Ignorant ist und seine Forderungen mit der Kultur des
Architekten in Konflikt geraten. Als im Mittelalter oder in der
Renaissance der Klosterabt oder der Adlige den Künstler berief und
ihm genaue Anweisungen gab, leistete der Künstler diesen genau
Folge, weil jeder Teil seiner Arbeit symbolträchtig war und die
Anforderungen des Bauherrn mit der eigenen Sensibilität umgesetzt
werden mussten. Auch der Architekt ist ein Künstler. Er bringt mit seinem
eigenen Geschmack, der als „ästhetische Kritikfähigkeit“ verstanden
wird, die Anforderungen des ihm übertragenen Auftrages zum
Ausdruck. Die Gegebenheiten können nicht immer günstig sein. So
beauftragte Papst Julius II. Michelangelo mit der Freskenausstattung
der Sixtinischen Kapelle. Zwischen beiden bestand eine kulturelle
Verwandtschaft, was nicht alltäglich ist. Aber auch der Baumeister, der
ein Gebäude oder ein Bauernhaus errichtete, verfügte über eine solide
Fachkompetenz und die gleiche Kulturstufe wie eine bestimmte
Gesellschaftsschicht. Außerdem war er in der Lage, die funktionalen
und ausdruckstechnischen Anforderungen umzusetzen.
Diese Affinitäten sind heute abhanden gekommen. Nicht nur in der
Architektur, sondern vielmehr generell in den großen gesellschaftlichen
Erscheinungen der Anthropologie.
In Westeuropa und insbesondere in Italien entstammt der durchschnittliche
Nutzer der Stadt einer nichtstädtischen Kultur. Er hat die vorherigen
Maßstäbe verloren, ohne neue Modelle fokussiert zu haben.
Für die Branchenspezialisten und die Nutzer/Verbraucher ist eine
Reifezeit erforderlich, um sich kulturell weiterentwickeln und eine eigene
Sensibilität gegenüber der Architektur ausbilden zu können.
Die Gesprächspartner setzen sich weitgreifend mit den Themen auseinander,
die von den Denkansätzen vorgezeichnet werden. In ihrer
Debatte treten die Charaktere der beiden komplexen Persönlichkeiten
und die unterschiedlichen Standpunkte zur Architektur hervor. Die
Gedankengänge scheinen stets zwei komplementäre Linien, das
Objekt und die Stadt, zu verfolgen.
Das Interesse dieses Artikels beruht sowohl auf den dargelegten
Inhalten als auch auf der Gegenüberstellung der Gedanken, die, wenngleich
sie den gleichen Weg gehen, eine deutlich individuelle
Eigenständigkeit aufweisen.

Paolo Martegani
IT abroad
Architetti e designer italiani in altri paesi
Italienische Architekten und Designer im Ausland
È possibile riconoscere l’imprinting originale nel lavoro
degli architetti e dei designer italiani che vivono e operano
all’estero Si, infatti l’appartenenza culturale lascia
tracce indelebili. Basti pensare all’accento, alla cadenza
della lingua originale, che permane in quella di adozione
anche dopo anni di permanenza nel paese ospitante. La
fantasiosa inventiva, il costante riferimento alle radici antiche
delle realizzazioni umane, l’approccio “morbido” e
l’attenzione e la cura per il dettaglio, costituiscono solo
alcuni dei connotati riconoscibili nell’attività, sia di ricerca
che di applicazione pratica, del “progettare” italiano. Per
dare consistenza a queste affermazioni si esamina, con la
necessaria sintesi che l’occasione consente, l’attività di
due personaggi in parallelo, due italiani che vivono e
lavorano all’estero: l’uno Gianni Ranaulo prevalentemente
a Parigi e l’altro Federico Casalegno a Boston.
Ranaulo è nato a Napoli (1957) e della città natale conserva
la vivacità. È l’ideatore della LightArchitecture, con particolare
riferimento alla realizzazione del Mediabuilding©,
la sua attività si pone nella zona di confine tra il mondo
fisico e lo spazio immateriale che talvolta sconfina nel virtuale.
Casalegno, 38 anni, è torinese, ha un dottorato di
ricerca alla Sorbona di Parigi e da sette anni è a Boston,
direttore del MIT Mobile Experience Lab e “associate
director” del MIT Design Laboratory.
Nelle architetture di Ranaulo l’acqua è l’elemento naturale
ricorrente. In molti dei suoi lavori e delle sue immaginifiche
proposte progettuali questa è trattata in modo fluido:
a Parigi, intorno alla Tour Montparnasse, propone
anelli evanescenti di microscopiche particelle, a Roma
due veli liquidi creano uno spazio, isolato acusticamente
dal traffico e percorribile pedonalmente, all’interno della
galleria del Traforo. Nell’uno e nell’altro caso video proiezioni
di parole e immagini in movimento integrano la realtà
fisica del contesto con l’altra, mutevole e mutabile a
piacere secondo la programmazione controllata delle
proiezioni. I suoi progetti più recenti si riferiscono a spazi
interni ed esterni caratterizzati sempre dalla programmatica
fusione delle due realtà, quella fisica della costruzione
e quella immateriale suggerita dalle proiezioni, che si
sovrappongono in un gioco ambiguo ed inquietante.
Sulla base di queste premesse è inevitabile che alcune
delle sue più attuali proposte progettuali si collochino in
contesti problematici dove tuttavia si sperimenta, quasi
senza limiti, una parte dell’architettura contemporanea.
Interactive bus stops: con
l’impiego di tecnologie
appropriate e per i loro
carattere programmabile,
divengono emergenze riconoscibili
nei differenti contesti
e forniscono, in tempo
reale, informazioni sui trasporti
e una rete di relazione
per la comunità locale.
Interactive bus stops. Durch
Verwendung von geeigneten
Technologien und dank
ihrer Programmierbarkeit
werden diese Bus-Stops in
den unterschiedlichen
Kontexten zu erkennbaren
Haltestellen und stellen sie
in Echtzeit Informationen
zum Transportwesen und
ein Verkehrsnetz für die
lokale Gemeinschaft bereit.
G. Ranaulo The VIP Room –
Paris – 2005 Locale notturno al
centro del “Triangle d'Or” al
numero 76/78 di Avenue
Champs Elysées. La filosofia
progettuale di LightArchitecture,
integra in un gioco ambiguo il
virtuale e il reale.
G. Ranaulo. The VIP Room –
Paris – 2005. Nachtlokal inmitten
des „Triangle d'Or“ auf der
Avenue des Champs Elysées
76/78. Das Konzept von
LightArchitecture integriert die
virtuelle und die reale Welt in
einem ambivalenten Spiel.
G. Ranaulo. Plaza Tower– Dubai –
2006 Due torri con forme concava e
convessa, concepite come gemelle,
ma non identiche. Le proiezioni
sulla base dello sferoide ellittico
creano l’impressione che la costruzione
galleggi su Dubai Marina.
G. Ranaulo. Plaza Tower – Dubai
– 2006. Zwei Türme von konkaver
und konvexer Form, die zwar als
Zwillinge aber nicht als identische
Türme konzipiert sind. Die
Projektionen an der Basis der
elliptischen Kugelfigur schaffen
den Eindruck, dass das Bauwerk
auf Dubai Marina schwimmt.
9

Non sono cervelli in fuga ma ambasciatori
della cultura progettuale italiana all’estero.
Attivi presso centri di ricerca, collaborano in
studi professionali e talvolta ne fondano di
propri muovendosi agilmente in contesti
molto differenti ma sempre portatori di un
riconoscibile modo di fare.
Sie sind keine ausgewanderten Talente, sondern
Botschafter der italienischen
Projektkultur im Ausland. Sie arbeiten in
Forschungszentren, Architekturbüros oder
als selbstständige Unternehmer und finden
sich problemlos in den unterschiedlichsten
Kontexten zurecht, selbstverständlich stets
mit einem unverkennbaren Savoir-faire.
10
Il lavoro di Casalegno, che si svolge prevalentemente
all’interno del MIT Mobile Experience Lab, si incentra
sulla locuzione “design connections”, ovvero la progettazione
di connessioni tra persone, conoscenza e luoghi
fisici. In pratica l’integrazione di servizi, spazi urbani, relazioni
sociali e nuovi media.
Monitor
Le batterie di LED ricoprono ampie porzioni delle superfici delle pensiline delle
fermate, le caratterizzano, forniscono informazioni e sono occasione di intrattenimento;
i monitor touch screen sono parte integrante delle installazioni.
Die Led-Einheiten bedecken große Oberflächen an den Haltestelleninseln. Sie bilden
deren Kennzeichnung, liefern Informationen und bieten auch Unterhaltung.
Die Touch-Screen-Monitore sind fester Bestandteil der Installationen.
Interactive Social Networking screen Blaise Pascal varò il primo sistema di trasporto
pubblico “five-penny”: carri trainati da cavalli e un calcolatore; ora Smart
urban mobility systems spinge queste intuizioni verso nuovi orizzonti.
Interactive Social Networking Screen. Blaise Pascal entwickelte mit den „carosses
à cinq sols“ (Fünf-Groschen-Droschken) das erste öffentliche Verkehrsnetz,
das aus Pferdekutschen und einer Rechenmaschine bestand. Heute zeigt Smart
urban mobility systems dieser Grundidee neue Horizonte auf.
Il MIT Mobile Experience Lab è un nuovo laboratorio di
ricerca all’interno del MIT Design Laboratory. Attraverso la
collaborazione dei membri di un gruppo di lavoro numeroso
e multidisciplinare che svolge ricerche teoriche e
sperimentali con l’intento di migliorare la qualità della vita
attraverso esperienze ricche di significati partendo dall’impiego
programmatico delle tecnologie più avanzate e
in evoluzione. Poter lavorare in un luogo, il mitico MIT,
dove esiste la più alta concentrazione di premi nobel,
pone Casalegno in una situazione di privilegio. Infatti non
è comune a tutti poter realizzare progetti che riguardano
la popolazione dell’intero pianeta, che si riferiscono ad
esempio alla gestione avanzata delle metropolitane,
oppure alle nuove forme di interazione tra i cittadini e
amministratori attraverso l’Information Communication
Technology. La mobilità e i cellulari sono al centro dell’interesse
della ricerca applicata del designer che sottolinea
infatti come questi stiano divenendo sempre più dei veri
computer, ma che a differenza dei PC, sono concepiti per
la comunicazione diretta, non isolano le persone, sono
sempre a portata di mano, facilitano le relazioni sociali e
possono essere proposti anche per funzioni direttamente
collegate allo spazio fisico dell’architettura. Uno sviluppo
che vede all'orizzonte il sodalizio sempre più stretto tra
Internet e il cellulare. In sintesi due progettisti diversi per
età, formazione, che lavorano in contesti differenti, ma
che hanno tuttavia in comune l’essere italiani e l’intento di
coltivare nel proprio lavoro un particolare interesse per
l’integrazione dell’architettura e del design con quanto di
più attuale le tecnologie offrono, sia sul piano delle potenzialità
intrinseche, che in quello della rappresentazione
del progetto nelle varie fasi di elaborazione.
Entrambi mantengono costanti contatti con l’Italia e svolgono
attività di divulgazione scientifica nelle sedi universitarie
di riferimento e in altre, numerose, in cui sono invitati
per trasmettere alle più giovani generazioni i contenuti,
la determinazione e l’entusiasmo che caratterizzano la
propria articolata attività.

Logotipo dell’”Esposizione
Permanente del Made in
Italy e del Design Italiano”.
Das Logo der „Esposizione Permanente
del Made in Italy e del Design Italiano“.
La Fondazione Valore Italia è stata costituita nel 2005 dal Ministero delle
Attività Produttive con il compito di progettare a Roma l’”Esposizione
Permanente del Made in Italy e del Design Italiano”.
Dove: “Il Palazzo dovrà esprimere ed esaltare in forma chiara, evidente e
comprensiva, la sintesi della Civiltà italiana dalle origini ad oggi, nell’arte,
nella tecnica, nella scienza, negli eventi storici, nelle leggi sociali, nel pensiero
filosofico, politico, religioso”. Estratto dal bando di concorso per il Palazzo
della Civiltà Italiana, 1937. http://www.valore-italia.it/IT/
Die Fondazione Valore Italia wurde im Jahr 2005 vom italienischen
Ministerium für Produktionstätigkeiten gegründet und hat die Aufgabe, die
Konzeption für die „Esposizione Permanente del Made in Italy e del Design
Italiano“ (Ständige Ausstellung des Made in Italy und des Italian Design) in
Rom zu erstellen. Hierbei gilt: „Der Bau soll klar, deutlich und verständlich die
Synthese der italienischen Kultur von ihren Ursprüngen bis heute in den
Bereichen Kunst, Technik, Wissenschaften, Geschichte, Sozialgesetzgebung,
Philosophie, Politik und Religion vermitteln und hervorheben.“ Auszug aus der
Wettbewerbsausschreibung für den Palazzo della Civiltà Italiana, 1937.
http://www.valore-italia.it/IT/
Smart mobility, Interactive bus
stops, Metro 2.0: smart crowds e
Sustainable cities sono alcuni dei
progetti di ricerca illustrati nel sito:
http://mobile.mit.edu/bus_stop/
Smart mobility, Interactive bus stops,
Metro 2.0: smart crowds,
Sustainable cities sind ausgewählte
Beispiele von Forschungsprojekten,
die im Internet präsentiert werden auf
http://mobile.mit.edu/bus_stop/
Mediabuilding© e LightArchitecture
sono le locuzione che in una sintesi
estrema descrivono gli studi, le ricerche,
i progetti e le realizzazioni di Gianni
Ranaulo, architetto italiano che lavora in
diversi contesti.
http://www.lightarchitecture.net/index2.php
Hinter den Begriffen Mediabuilding© und
LightArchitecture verbergen sich die Studien,
Forschungen, Objekte und Umsetzungen
des italienischen Architekten Gianni Ranaulo,
der in verschiedenen Kontexten arbeitet.
http://www.lightarchitecture.net/index2.php
Ist in der Tätigkeit der italienischen Architekten und Designer, die im
Ausland leben und arbeiten, ihre Herkunft erkennbar Sie ist es,
denn die kulturelle Zugehörigkeit hinterlässt unauslöschliche
Spuren. Man denke nur an den Akzent, an den Tonfall der
Muttersprache, der auch noch nach Jahren des Aufenthalts im
Zuwanderungsland heraushörbar ist. Der Erfindungsreichtum, die
ständige Rückbesinnung auf die Wurzeln des menschlichen
Schaffens, die umsichtige Herangehensweise und die Liebe zum
Detail sind nur einige der Erkennungszeichen ihrer Tätigkeit, ob in
der Forschung oder in der Praxis, die typisch italienische
„Projektarbeit“ verraten. Diese Aussagen sollen, notwendigerweise
in sehr knapper Form, am Beispiel von zwei Personen, zwei im
Ausland lebenden Italienern, verdeutlich werden: Gianni Ranaulo,
der vorrangig in Paris lebt, und Federico Casalegno in Boston.
Ranaulo ist aus Neapel gebürtig (Jahrgang 1957) und hat sich die
Vitalität seiner Geburtsstadt bewahrt. Als Begründer von
LightArchitecture und insbesondere des Mediabuilding©
Konzeptes ist seine Tätigkeit im Grenzbereich zwischen der materiellen
und der immateriellen, mitunter virtuell erscheinenden Welt
angesiedelt. Casalegno, 38 Jahre, ist Turiner und hat ein
Forschungsdoktorat an der Sorbonne in Paris. Er lebt und arbeitet
seit sieben Jahren in Boston als Direktor des Mit Mobile Experience
Lab und Associate Director des Mit Design Laboratory. In den
architektonischen Werken von Ranaulo ist Wasser ein immer wiederkehrendes
Element. Viele seiner Arbeiten und seiner einfallsreichen
Projektentwürfe greifen es als fließendes Medium auf. In Paris
wird der Tour Montparnasse mit flüchtigen Ringen aus mikroskopisch
kleinen Partikeln umgeben, in Rom schaffen im Traforo-Tunnel
zwei flüssige Schleier einen Raum, der akustisch vom
Straßenverkehr getrennt ist und von Fußgängern durchquert werden
kann. Im einen wie im anderen Fall wird die physische Realität
vermittels Videoprojektionen von sich bewegenden Wörtern und
Bildern mit der nichtphysischen Realität integriert, die anhand der
Videoprogrammierung veränderlich und veränderbar ist. Seine jüngeren
Projekte betreffen Innen- und Außenräume, die ebenfalls von
der programmierten Verschmelzung beider Realitäten, der materiellen
Realität des Bauwerks und der immateriellen Realität der
Projektionen, gekennzeichnet sind, die sich in einem ambivalenten,
beunruhigenden Wechselspiel überlagern. So ist es denn unvermeidlich,
dass sich einige seiner jüngeren Entwürfe in einen problematischen
Kontext fügen, in dem jedoch nahezu unbeschränkt mit
einem Teil der zeitgenössischen Architektur experimentiert wird.
Die Arbeit von Casalegno, die hauptsächlich im MIT Mobile
Experience Lab erfolgt, konzentriert sich auf den Begriff „design connections“,
sprich: die Planung von Verbindungen zwischen Personen,
Wissen und physischen Orten. In der Praxis heißt das: Integration von
Services, urbanem Raum, sozialen Bindungen und neuen Medien.
Das MIT Mobile Experience Lab ist ein neues Forschungslabor des
MIT Design Laboratory. Ein vielköpfiges und interdisziplinäres
Arbeitsteam forscht theoretisch und experimentell zur Verbesserung
der Lebensqualität anhand von signifikanten Versuchen, die auf
dem programmierten Einsatz der modernsten und fortschrittlichsten
Technologien basieren. Der Arbeitsort MIT, an dem die höchste
Konzentration von Nobelpreisträgern besteht, versetzt Casalegno in
eine privilegierte Situation. Die Erarbeitung von Projekten, welche
die Bevölkerung des gesamten Planeten betreffen, ist keine alltägliche
Arbeit. Die Projekte beziehen sich zum Beispiel auf das moderne
Management von U-Bahnsystemen oder auf die neuen Formen
des Zusammenwirkens von Einwohnern und Verwaltungsbehörden
anhand der Information Communication Technology. Mobilität und
Mobiltelefone stehen im Mittelpunkt der angewandten Forschung
des Designers, der betont, dass diese zunehmend zu regelrechten
Computern werden, im Unterschied zum PC jedoch für die direkte
Kommunikation konzipiert sind, die Personen nicht isolieren, immer
in Reichweite sind, die sozialen Beziehungen vereinfachen und
sich auch für Funktionen eignen, die direkt mit dem physischen
Raum der Architektur in Verbindung stehen. Diese Entwicklung wird
eine immer engere Verbindung zwischen Internet und Mobiltelefon
schaffen. Kurzum, zwei Designer, die sich in Alter, Bildungsweg und
Arbeitsumfeld unterscheiden, jedoch beide aus Italien stammen
sowie die Absicht gemeinsam haben, in der eigenen Arbeit die
Integration von Architektur und Design mit den modernsten
Technologien sowohl auf der Ebene ihrer spezifischen
Potentialitäten als auch auf der Ebene der Projektdarstellung in den
verschiedenen Ausarbeitungsphasen voranzutreiben. Sie halten
beide den Kontakt mit Italien permanent aufrecht und werden von
renommierten Universitätseinrichtungen sowie zahlreichen weiteren
Lehrinstituten zu Vorträgen geladen, um den neuen Generationen
die Inhalte, die Beharrlichkeit und den Enthusiasmus zu vermitteln,
die für die eigene vielschichtige Arbeit erforderlich sind.
G. Ranaulo. REEM Mediabuilding©
Sales Office – Abu Dhabi – 2006
L’edificio riflette le suggestioni dell’architettura
araba tradizionale rivisitate in
maniera moderna con l’uso di materiali
nobili insieme a tecnologie d’avanguardia.
È composto da un volume
semplice, nero, con un impianto centrato
attorno ad un patio.
G. Ranaulo. REEM Mediabuilding©
Sales Office – Abu Dhabi – 2006. Das
Gebäude ist von der traditionellen arabischen
Architektur beeinflusst, die unter
Verwendung von edlen Materialien und
Spitzentechnologien in eine zeitgemäße
Formensprache umgesetzt wurde. Es
besteht aus einem einfachen, schwarzen
Volumen mit einer zentralen Anlage,
die ein Patio umschließt.
G. Ranaulo The ROK VEGAS
Concert Hall – Las Vegas – 2006
Uno spazio barocco digitale collocato
nel casinò “New York New
York”. Un trompe-l’oeil elettronico
rompe la fissità teatrale del
casinò e trasforma l’edificio in un
nodo visivo costantemente inondato
di informazioni.
G. Ranaulo. The ROK VEGAS
Concert Hall – Las Vegas – 2006.
Ein digitales Barockobjekt im
Casino „New York New York“. Ein
elektronisches Trompe-l’Oil lockert
die theatralische Geschlossenheit
des Casinos auf und verwandelt
das Bauwerk in einen Blickfang, der
konstant mit Informationen überschwemmt
wird.
11

Ghisi Grütter
Architettura, Tecnologia e Comunicazione
L’edificio commerciale nello spazio urbano contemporaneo
Architektur, Technologie und Kommunikation
Das Einkaufsgebäude im zeitgenössischen urbanen Raum
12
Monitor
Lo sketch di Robert Venturi
mostra un edificio indifferenziato
che ha bisogno dell’insegna
comunicativa per connotarne
la funzione.
Die Skizze von Robert
Venturi zeigt ein undifferenziertes
Gebäude, das ein
Kommunikationszeichen
benötigt, um seine Funktion
mitzuteilen.
Paul Valéry.
Il rito consumistico è diventato un’esperienza
sensoriale che stimola la percezione
e l’emotività. L’immagine del prodotto, il
packaging e la pubblicità costituiscono la
“pelle” comunicativa che si sovrappone al
prodotto stesso. Così anche l’architettura
deve seguire questo trend; il contenuto si
riduce all’essenziale mentre il contenitore
assume una nuova importanza comunicandone
tutte le informazioni. Il nuovo rapporto
tra interno ed esterno in architettura ha
portato, inoltre, ad una diversa percezione
anche degli spazi urbani.
La nuova destabilizzante combinazione tra interno ed
esterno degli spazi architettonici sta portando ad una
nuova percezione della realtà urbana. Il “rito consumistico”
è diventato una sofisticata esperienza sensoriale che
stimola i meccanismi dell'emotività e della percezione.
Poiché ciò che conta è l’immagine del prodotto, questo è
ridotto alla sua essenzialità mentre il packaging e la pubblicità
ne diventano la “pelle” impregnata di tutte quelle
caratteristiche che vengono a mancare al prodotto stesso.
Così anche l'architettura deve segue questo trend; il
contenuto si riduce all'essenziale mentre il contenitore
assume una nuova importanza dovendo comunicare
tutte le informazioni. L’involucro diventa, in tal modo, il
supporto del sistema comunicativo così come individuato
da Robert Venturi nella sua analisi di Las Vegas negli
anni Settanta. Anche la profezia di Paul Valèry sembra
ormai un dato acquisito; così affermava “Come l’acqua, il
gas e la corrente elettrica, entrano grazie ad uno sforzo
quasi nullo, provenendo da lontano, nelle nostre abitazioni
per rispondere ai nostri bisogni, così saremo approvvigionati
di immagini e di sequenze di suoni che si manifestano
ad un piccolo gesto, quasi a un segno, e poi ci
lasciano”. Oggi, infatti, la comunicazione visiva ha assunto
un ruolo così importante che si potrebbe affermare
che, all’interno dei meccanismi comunicativi della società
contemporanea, esista prima l’immagine e poi il prodotto.
Il fattore seduttivo dell’architettura diventa un “valore”
di cui ogni progettista deve tener conto. Esistono oggi
rapporti stretti tra ditte ed architetti anche nel settore della
moda (basti citare i progetti per Prada di Rem
Koolhaas/OMA a New York e di Herzog & De Meuron a
Tokyo) e tra ditte e progettisti grafici (basti pensare a Bob
Noorda, David Carson ed Armando Testa).
Non è possibile non considerare, oltre al messaggio pubblicitario,
lo shopping come uno dei protagonisti della
città contemporanea che hanno trasformato la condizione
urbana e non solo da un punto di vista quantitativo. Si
può, dunque, affermare che oggi è prevalentemente
attraverso lo shopping che si percepisce e si fa esperienza
degli spazi urbani. Negli ultimi anni è in atto una riabilitazione
degli spazi commerciali come spazi strutturanti
la città, attraverso nuove architetture pensate da importanti
progettisti a livello internazionale fino a costruire
intere città specializzate nel ruolo di turismo commercia-

le (basti pensare a Dubai). Gli scambi commerciali sono
da considerarsi strategici per la stessa nascita delle città
più antiche; non è un caso che esse nascano lungo un
fiume o mare dove il porto le possa mettere in rapporto
con il più vasto territorio.
Il negozio al dettaglio costituisce l’archetipo commerciale e
si inserisce all’interno del tessuto urbano come elemento
puntuale specializzato nell’offerta di un particolare prodotto,
o categoria di prodotti, solo o associato ad altri lungo
una strada o attorno ad una piazza. Un caso esemplare di
aggregazione urbana programmata è il passage parigino
del XIX secolo cioè un “connettore” urbano, che, attraverso
una sequenza generalmente speculare di negozi, mette
in comunicazione due parti di città precedentemente separate.
Così pure tutte le esperienze italiane di galleria, da
quella di Milano a quelle di Genova e di Napoli.
Nel caso della boutique è lo stesso spazio commerciale
ad insinuarsi nella struttura urbana collegandone fisicamente
alcune parti ed il consumatore vive l’esperienza
urbana attraverso i negozi. Tale esperienza è un aspetto
fondamentale anche per l’ultima generazione della tipologia
boutique, cioè il concept store caratterizzato dall’offerta
di esclusività, che si può far risalire al 1986 con
l’inaugurazione del primo concept store di Ralph Lauren
a New York, progettato con l’obiettivo di sottolineare il
tema dell’americanità all’ennesima potenza e cioè uno
stile di vita ideale e lussuoso ricostruito come in un set
cinematografico. Sempre in quegli anni lo stilista Fiorucci
riuniva in un unico spazio-vendita moda, articoli per la
casa e gadgets con grande attenzione all’atmosfera e allo
shopping come esperienza, infatti, nel caso dei marchi
più prestigiosi della moda, la proposta del negozio come
“luogo di esperienza” deriva direttamente dal fenomeno
del total living; l’appartenenza ad uno stile di vita, inizialmente
testimoniata dal prodotto, è ora proposta in senso
lato, offrendo luoghi dove, prima ancora che trovare
oggetti, è possibile vivere esperienze esclusive.
L’ambiente negozio sembra prevalere sul prodotto in un
processo di spettacolarizzazione della merce dove il
punto vendita diventa teatro ed i prodotti non più allestiti
ma messi in scena. Importante è intrattenere il più a
lungo possibile il fruitore anche ottimizzando la redditività
dello spazio attraverso l’attrazione di targets diversi di
clientela, in fasce orarie diverse e con offerte differenzia-
Un fotogramma tratto da The Fabolous Baker Boys di Steve Kloves del
1989, mostra una vista di Seattle, Washington, come supporto delle insegne
di comunicazione.
Ein Szenenfoto aus dem Film „Die fabelhaften Baker Boys“ von Steve
Kloves aus dem Jahr 1989 mit einer Ansicht der Stadt Seattle,
Washington, als Kommunikationsträger.
La rappresentazione interpretativa di Dubai mostra la città turistico commerciale
in continua costruzione ubicata tra il mare e il deserto; elaborazione di
Matteo Incognito.
Die interpretative Darstellung von Dubai zeigt die Einkaufs- und
Touristenstadt zwischen Meer und Wüste, die sich in einer ständigen
Bauphase befindet. Ausführung Matteo Incognito.
Due esempi di negozi monomarca concept-store a Tokyo in cui l’atmosfera
progettata come “luogo di esperienza” contribuisce al total living: Mikimoto
di Toyo Ito del 2005 e Christian Dior dei SANAA del 2003.
Zwei Beispiele für Concept-Stores mit Einmarken-Vertrieb in Tokyo. Das
Ambiente wurde als „Erlebnisort“ konzipiert und entspricht dem Total-
Living-Gedanken: Mikimoto von Toyo Ito aus dem Jahr 2005 und
Christian Dior von SANAA aus dem Jahr 2003.
13

14
Monitor
Il mestiere di un personaggio del
film Paris, Texas di Wim Wenders
del 1984, è quella di costruttore
di billboards come mostrato nel
fotogramma.
Der Beruf einer Figur aus dem
Film „Paris, Texas“ von Wim
Wenders aus dem Jahr 1984
besteht in der Herstellung von
Reklametafeln, wie im
Szenenfoto zu sehen ist.
Totem segnalitico a base triangolare
per una mostra di architettura
di Adalberto Libera, prospetto
e fotoinserimento; progetto di
Alessandro Faiella del 2007.
Informationstotem mit dreieckigem
Sockel für eine
Architekturausstellung von
Adalberto Libera, Prospekt und
Bildeinfügung. Projekt Alessandro
Faiella aus dem Jahr 2007.
Un’insolita visione della strip di
Las Vegas; l’immagine diurna
rende quasi del tutto irriconoscibili
gli edifici-insegna.
Eine ungewöhnliche Ansicht
des Las Vegas Strips.
Das Tagesbild macht die
Reklamegebäude nahezu unerkenntlich.
te. L’architettura commerciale è in continua evoluzione e
partecipa attivamente alla costruzione dell’immagine dell’azienda
nei suoi “caratteri architettonici” divenendo un
vero e proprio strumento di marketing. Infatti, anche l’architettura
non va né pensata dall’architetto, né percepita
dal consumatore, come una categoria isolata ma deve
esistere insieme ad una serie di decisioni strategiche di
contorno che definiscono le modalità di fruizione dello
spazio ed i caratteri non
architettonici dell’immagine
coordinata.
L’immagine della marca di
molte brands ha portato,
inoltre, ad una sorta di livellamento
verso l’alto dell’immagine
generale dei negozi,
con una difficile individuazione
dello scarto tra
originale e copia e tra lusso
e grandi numeri.
Die neue destabilisierende Kombination von architektonischen
Innen- und Außenräumen hat eine veränderte Wahrnehmung der
urbanen Räume zur Folge. Das „Konsumritual“ ist zu einer raffinierten
sensorischen Erfahrung geworden, welche die Gefühlsund
Wahrnehmungsmechanismen anregt. Da nur das
Produktimage zählt, ist das Produkt selbst auf das Wesentliche
reduziert und werden das Packaging und die Werbung zu seiner
„Hülle“, die mit allen Merkmalen durchtränkt ist, die dem Produkt
nun entzogen sind. Auch die Architektur hat diesem Trend zu folgen.
Der Inhalt wird auf das Wesentliche reduziert, während der
Behälter eine neue Bedeutung annimmt und sämtliche
Informationen weitergibt. Die Hülle wird somit zum
Kommunikationsträger, wie Robert Venturi in den siebziger
Das Konsumritual ist zu einer sensorischen
Erfahrung geworden, welche die Wahrnehmung
und die Emotivität stimuliert. Produktimage,
Verpackung und Werbung bilden die
Kommunikationshülle des Produktes. Diesem
Trend hat auch die Architektur zu folgen. Der
Inhalt wird auf das Wesentliche reduziert,
während der Behälter eine neue Bedeutung
annimmt und sämtliche Mitteilungen über den
Inhalt weitergibt. Das neue Verhältnis zwischen
Innen- und Außenraum in der Architektur führte
zu einer veränderten Wahrnehmung der heutigen
urbanen Räume.
Jahren bei seiner Analyse von Las Vegas feststellte. Auch die
Prophezeiung von Paul Valéry scheint sich mittlerweile erfüllt zu
haben: „Wie Wasser, Gas und elektrischer Strom von weither auf
einen fast unmerklichen Handgriff hin in unsere Wohnungen kommen,
um uns zu bedienen, so werden wir mit Bildern oder mit
Tonfolgen versehen werden, die sich, auf einen kleinen Griff, fast
ein Zeichen einstellen und uns ebenso wieder verlassen.“ Heute
hat die visuelle Kommunikation eine derart wichtige Rangstellung
eingenommen, dass man behaupten könnte, dass innerhalb der
Kommunikationsmechanismen der modernen Gesellschaft zuerst
das Bild und anschließend das Produkt kommt. Das verführerische
Element der Architektur wird zu einem „Wertfaktor“, den
jeder Planer berücksichtigen muss. Auch im Bereich der Mode
bestehen enge Beziehungen zwischen Unternehmen und
Architekten (man denke nur an die Projekte für Prada von Rem
Koolhaas/OMA in New York und von Herzog & de Meuron in
Tokyo) sowie zwischen Unternehmen und Grafikdesignern (wie
Bob Noorda, David Carson und Armando Testa).
Man kommt nicht umhin, neben der Werbebotschaft das
Shopping als eines der Hauptelemente der modernen Stadt
anzuerkennen, die das Stadtleben nicht nur in quantitativer
Hinsicht verändert haben. Es lässt sich daher behaupten, dass die
urbanen Räume heute vorrangig durch das Shoppen wahrgenommen
und erschlossen werden. In den letzten Jahren erfolgte eine
Rehabilitierung der Einkaufsgebiete als Strukturelemente der
Stadt anhand von neuen Architekturen, die von weltweit berühmten
Namen konstruiert wurden, bis hin zum Bau von ganzen
Städten, die auf den Einkaufstourismus spezialisiert sind (zum
Beispiel Dubai). Der Handel hatte auch bei der Entstehung der
ältesten Städte eine strategische Funktion. Nicht rein zufällig wurden
sie an Flüssen oder Meeresufern gegründet, wo der Hafen sie
mit dem breitesten Einzugsgebiet in Verbindung setzen konnte.
Das Einzelhandelsgeschäft ist der kommerzielle Archetypus
schlechthin und fügt sich in die städtische Bausubstanz als eine
Verkaufsstelle, die auf das Angebot eines bestimmten Produktes
oder einer bestimmten Produktkategorie spezialisiert ist und einzeln
oder im Verbund mit anderen an einer Straße oder an einem
Platz liegt. Als ein Paradebeispiel für das geplante urbane Gefüge
gilt die Passage im Paris des 19. Jahrhunderts. Sie ist ein urbanes
„Verbindungsglied“, das über eine in der Regel spiegelverkehrte
Abfolge von Geschäften zwei Teile der Stadt, die zuvor
getrennt waren, in Verbindung setzt. Das gilt auch für die
Geschäftspassagen in Italien, von Mailand über Genua bis hin

nach Neapel.
Im Fall der Boutique ist es der Verkaufsbereich selbst, der sich in
die städtische Bausubstanz fügt und einige Teile davon miteinander
verbindet. Der Verbraucher erlebt die Stadt über die
Verkaufseinrichtungen. Dieser Umstand ist auch für die jüngste
Boutiquengeneration, die Concept-Stores mit einem exklusiven
Angebot, ein grundlegender Aspekt. Ihre Entstehung geht auf das
Jahr 1986 mit der Einweihung des ersten Concept-Stores von
Ralph Lauren in New York zurück, der das Ziel hatte, das Thema
des amerikanischen Stils, d.h. eines idealen und luxuriösen
Lebensstils, der gleich einem Filmset nachgestellt ist, in höchster
Potenz zu betonen. Ebenfalls in jenen Jahren vereinte der
Designer Fiorucci in Mailand in einem einzigen Verkaufsbereich
Mode, Heimartikel und Gadgets. Im Vordergrund standen hier die
Atmosphäre und das Shopping als Erlebnis. Bei den renommiertesten
Marken ist die Verkaufsstelle als „Erlebnisort“ direkt vom
Total Living-Konzept abgeleitet. Die Zugehörigkeit zu einem
Lebensstil, die anfänglich vom Produkt bezeugt wurde, wird nun
im weiten Sinne mit Orten interpretiert, wo man nicht nur Waren
findet, sondern in erster Linie exklusive Erfahrungen erleben
kann. Das Ambiente „Verkaufsstelle“ scheint vermittels eines
Prozesses, in dem die Ware Teil eines Schauspiels wird, in dem
die Verkaufsstelle die Bühne ist und die Produkte nicht mehr nur
ausgelegt, sondern in Szene gesetzt werden, die Vorherrschaft
über das Produkt übernommen zu haben. Es ist wichtig, dass der
Nutzer möglichst lang unter- und folglich aufgehalten wird. Auf
diese Weise wird die Rentabilität des Verkaufsbereiches optimiert,
werden verschiedene Kundenzielgruppen zu unterschiedlichen
Tageszeiten und mit unterschiedlichen Angeboten angesprochen.
Die Verkaufsraumarchitektur befindet sich in ständiger
Weiterentwicklung und nimmt aktiv an der Herausbildung des
Unternehmensimages anhand seiner „architektonischen
Merkmale“ teil, wobei sie zu einem regelrechten
Marketinginstrument wird. Auch die Architektur wird als isolierte
Kategorie weder vom Architekten entworfen noch vom
Verbraucher wahrgenommen, sondern sie muss mit einer Reihe
von strategischen Grundentscheidungen einhergehen, die den
Nutzungsmodus des Bauwerkes und die nicht architektonischen
Merkmale eines koordinierten Erscheinungsbildes definieren.
Das Markenimage vieler Hersteller führte außerdem zu einem
Abgleich des Gesamtimages der Verkaufsstellen nach oben,
wobei es schwierig ist, zwischen Original und Kopie und zwischen
Luxus und großen Zahlen eine Trennlinie zu ziehen.
Le immagini mostrano che
anche nella Cina contemporanea,
nella sua recente trasformazione,
gli edifici sono
diventati supporti per la
comunicazione informativa.
Die Bilder zeigen, dass
auch im heutigen China
und seinen jüngeren
Wandlungen die Gebäude
zu Kommunikationsträgern
geworden sind.
Times Square dipinta negli anni Ottanta da Stephen
Wiltshire, un giovane londinese autistico che sapeva
ritrarre città viste anche solo un attimo dall'elicottero.
Ein Gemälde vom Times Square aus den achtziger
Jahren. Der Maler ist Stephen Wiltshire, ein junger autistischer
Künstler aus London. Er konnte das Bildnis
von Städten schaffen, die er auch nur einen kurzen
Moment aus dem Hubschrauber gesehen hatte.
Anche i pittori iperrealisti registrano l’importanza
della segnaletica comunicazionale nell’architettura
come Davis Cone in Thompson
Theatre del 1980.
Auch die hyperrealistischen Maler verzeichnen
die Bedeutung von Kommunikationsmitteln in
der Architektur wie zum Beispiel Davis Cone
mit „Thompson Theatre“ von 1980.
15

Lucia Nigri
Tecnologie da Sogno Televisivo
Materiali, luci ed apparati a servizio della scenografia
Technologien im Zeitalter des TV-Traums
Materialien, Lichter und Geräte im Dienst der Szenografie
16
Monitor
La Corrida, ed. 2007 (Canale5 scene S. Conti) la possibilità di variazione
cromatica di una scenografia in base al diverso utilizzo delle luci. La
parte di scena è sempre la stessa, ma al variare della luce, dei colori e
dell’intensità di essa il risultato è differente.
„La Corrida“, Saison 2007 (Canale 5, Szenenbild S. Conti). Die farbliche
Veränderung eines Szenenbildes erfolgt durch wechselnde Beleuchtungen.
Der Szenenbereich ist unverändert, mit der Veränderung des Lichtes, der
Farbe und der Helligkeit werden unterschiedliche Resultate erzielt.
Il Senso della Vita,
ed.2006 (Canale5,
scene G Castelli),
pavimento led coperto
da perspex trasparente,
vive e cambia al
modificare dei temi
trattati, partecipa ai
contenuti della trasmissione.
„Il Senso della Vita“,
Saison 2006 (Canale
5, Szenenbild G.
Castelli). Der Led-
Fußboden mit transparentem
Perspexbelag
ist ein lebendiges
Element und verändert
sich in Abhängigkeit
von den abgehandelten
Themen. Damit ist
er ein Bestandteil der
Programminhalte.
Sommare o sottrarre volumi, decorare o ridurre all’essenziale
le superfici, modificare cromaticamente o rendere la
scena una base neutra pronta ad essere “colorata” con il
solo uso delle luci, delle proiezioni, dei laser. Gli scenografi
televisivi non hanno mai smesso di lavorare in questo
senso, ed ora più che mai associano al progettare,
l’inserimento anche formale, di quei supporti protagonisti
ormai indiscussi delle scene.
Ci si lascia tentare dalle tecnologie, e il risultato è a dir
poco entusiasmante. Ormai un segno distintivo degli ultimi
anni. Sebbene la conformazione di una trasmissione
tipo, al di là del suo genere, continui a mantenere una
distribuzione quanto mai tradizionale degli spazi: un
palco o zona di spettacolo, le sedute per il pubblico, gli
ingressi, i percorsi per i movimenti delle telecamere; le
innovazioni dei supporti tecnologici hanno inevitabilmente
segnato un grosso cambiamento, e ad oggi permettono
di individuare con facilità la collocazione temporale di
un prodotto televisivo. Una sorta di marchio che prescinde
addirittura dalle reti. Quello che si poteva fare per le
immagini, articolando volumi e colori è stato fatto, in notevole
quantità nel bene e, purtroppo, anche nel male.
Ispirati a volte dalla pittura, a volte dall’architettura, spesso
dal design così come dalla moda. Ma con la tecnologia
si è assistito ad una vera novità, che ha modificato le
scene televisive sin dalla fase progettuale.
Ledwalls di varie dimensioni campeggiano negli impianti
scenici, a volte prendendo essi stessi interamente il
sopravvento e diventando star della serata. Ad oggi un
ledwall, al di là delle sue caratteristiche tecniche, fa scenografia.
Il ledwall pavimento, il ledwall parete, il ledwall
copertura, persino il ledwall oggetto d’arredo…
A questo strapiatto contenitore di immagini fisse o in
movimento, multicolor o monocromatiche, tutto è permesso,
e giustamente gli si affida il fondo principale.
Sempre più siamo abituati a vedere il conduttore televisivo
agitarsi davanti ad una articolata parete di pixel.
L’importate è non svelare quanto, i piccoli punti luminosi,
si distanziano gli uni dagli altri, per non incappare in una
immagine poco definita e ad una dichiarazione plateale
del budget a disposizione. Problema facilmente risolvibile
da un’abile regia.
La versatilità è poi una componente fondamentale: questo
schermo potrà ospitare contributi video, immagini
fotografiche, grafiche di supporto, textures decorative (e
diventare un semplice fondo scenografico) alternando

Da una decina d’anni il modo di progettare scenografie televisive ha
subito forti mutazioni, adattandosi alle novità tecnologiche e al modificarsi
delle forme dei supporti video e delle fonti luminose.
Di pari passo alle innovazioni tecnologiche, il progettista ha modificato
gli impianti scenici tradizionali, inserendo forme e soluzioni che
potessero sfruttare al meglio simili novità.
Il risultato visivo è notevole e camaleontico, e il prodotto, così realizzato,
risulta a favore di una diminuzione dei tempi di realizzazione e quindi
dei costi di manodopera.
Una forte sinergia tra il progettista e gli sviluppi tecnologici nel campo.
staticità a movimento. Così il pavimento de Il Senso della
Vita (Canale 5 - scene G. Castelli) vive e cambia al modificare
dei temi trattati, partecipa ai contenuti della trasmissione,
accoglie e fa navigare gli ospiti su di una sorta di
zattera trasparente adagiata sul mare delle immagini. E il
grande tavolo de L’Eredità dell’ultima edizione (Raiuno -
scene A. Cappellini e G. Licheri) presenta il piano interamente
a led e, proprio per queste sue caratteristiche, interagisce
con i concorrenti in un movimentato scambio grafico.
Può anche succedere che il tavolo centrale dello studio
televisivo del Grande Fratello (Canale 5 - scene E. T.
Zitkowsky) settima edizione, altro non sia che parte del
pavimento a led: quando si rende necessaria la sua presenza,
tramite un sistema motorizzato comandato fuori
campo, quattro mattonelle del pavimento si staccano dal
piano e salgono verso l’alto adattandosi ergonomicamente
ad una differente funzione.
Ne La Storia Siamo Noi (Rai Educational, scene C. Canè)
gli schermi a led e i monitor al plasma diventano il contenitore
le cui superfici sono immagini in movimento, supporto
necessario ai racconti del conduttore.
Superfici mutanti in grado di partecipare allo show ed
adattarsi alle atmosfere dello stesso: una bella trovata
che permette tutti quei cambi scena, un tempo fattibili
esclusivamente con nuove costruzioni, e quindi tempi
lunghi e costi aggiuntivi. Certo, l’investimento iniziale è
maggiore, ma viene poi fortemente ammortizzato con le
varie puntate del programma, regalando una grande versatilità
all’impianto scenico.
Anche nel campo scenografico, con netto ritardo rispetto
a quello architettonico o del design, gli infiniti fogli di
carta lucida appesantiti da enormi quantità di grafite,
hanno dovuto cedere all’invadenza dei programmi di grafica
che, fortunatamente, hanno sveltito non poche operazioni.
Uso il termine cedere perché il passaggio del
testimone, lento e faticoso, è stato sentito, dagli addetti ai
lavori, quasi come una violenza: ancora oggi in alcuni
studi lo sfumato si rifiuta di andare in pensione…
Una delle novità introdotte è stata quella di poter lavorare
di pari passo con le macchine a controllo numerico dei
laboratori di costruzione: un file che proviene da uno studio
di progettazione, viene acquisito dalla macchina e le
informazioni si tramutano direttamente nella lavorazione
sui materiali. I tempi di realizzazione si accorciano e spariscono
tutti quegli errori causati dal passaggio di informazioni
tra chi progetta e chi costruisce.
Si può traforare il legno,
tagliarlo in forme particolarissime,
lavorare il forex,
articolare una lamiera, e
così via.
In Speciale per me (Raiuno
– scene A.Cappellini e G.
Licheri), ad esempio, la
balaustra in perspex traforato
è frutto proprio di questa
particolare lavorazione.
All’utilizzo di macchine così
innovative il progettista ha
risposto inserendo nei progetti
forme e soluzioni che
potessero sfruttare al
meglio simili novità. A favore
di una notevole diminuzione
dei tempi di realizzazione e quindi della manodopera.
Stessa cosa per le vesti grafiche. Nel caso di pavimenti
o pareti, ad esempio, se fino ad una decina di anni fa
gran parte delle decorazioni, nelle scene televisive, era
opera della mano dell’uomo, oggi, attraverso la creazione
di textures con il computer e la stampa digitale di queste
su supporti di vario genere, è possibile ottenere risultati
di alto livello in tempi ridottissimi. I grandi pavimenti
degli studi televisivi o i lunghi fondali dipinti di un tempo,
hanno lasciato posto alle grafiche digitali stampate su
materiali diversi a seconda delle necessità del progettista
e quindi del risultato finale.
Il file della decorazione, dallo studio di progettazione,
passa direttamente ai laboratori di stampa e successivamente
gli elementi si assemblano in cantiere. Le quinte
grafiche di Magixter (GXT – Sky, scene
Studio TondOQuadrO) posizionate sul
palco principale secondo piani sfalsati,
altro non sono che lavorazioni grafiche
di carte da gioco fuori misura su policarbonato,
retro illuminabile. Stessa
cosa per il Seven Show (Europa 7,
scene Studio TondOQuadrO) ultima
edizione, dove il logo del programma,
elemento fortemente riconoscibile, ha
dato vita alla grafica decorativa delle
quinte alternate a telai di lamiera.
L’Eredità, ed. 2006-07 (Raiuno,
scene A. Cappellini e G.
Licheri) il tavolo a led interagisce
con i concorrenti in un
movimentato scambio grafico.
„L’Eredità“, Saison 2006-07
(Raiuno, Szenenbild A. Cappellini
und G. Licheri). Der Ledtisch interagiert
mit den Konkurrenten
durch eine dynamisch wandelbare
Grafikoberfläche.
Il Grande Fratello, ed. 2006
(Canale5, scene E.T. Zitkowsky)
Il tavolo a led è motorizzato;
totale scena, quando il tavolo è
a quota pavimento.
„Il Grande Fratello“, Saison 2006
(Canale 5, Szenenbild E.T.
Zitkowsky). Der Ledtisch ist
motorisiert und ist in bodenebener
Höhe Teil der Studiobühne.
17

18
Monitor
Festival di Sanremo, ed.2005
(Raiuno, scene G. Castelli). I
grandi schermi a led che decoravano
la scena e la scalinata
d’ingresso variavano i fondi in
base ai diversi ospiti ed ai contenuti
del programma.
Festival von Sanremo, Saison
2005 (Raiuno, Szenenbild G.
Castelli). Die großen Ledwalls,
die das Szenenbild und die
Bühnentreppe gestalten, verändern
die Hintergründe in
Abhängigkeit von den einzelnen
Gästen und Programminhalten.
La Storia Siamo Noi, (Rai
Educational, scene C. Canè)
modellino e realizzazione dello
studio. Le superfici a led e i
monitor al plasma diventano il
contenitore le cui superfici
sono immagini in movimento,
supporto necessario ai racconti
del conduttore.
„La Storia Siamo Noi“ (Rai
Educational, Szenenbild C.
Canè). Modell und Umsetzung
im Studio. Die Ledwalls und
Plasmamonitore übernehmen
die Funktion der Studiowände,
auf denen Videos die Berichte
des Moderators begleiten.
È inevitabile che a nuove tecnologie si abbinino nuovi
supporti e quindi la progettazione cambi in funzione di
ciò che il mercato offre.
Un movimento continuo che spinge il progettista ad una
continua ricerca, i cui risultati, visto il campo d’azione,
hanno, inoltre, un riscontro immediato.
Raum hinzufügen oder entfernen, Flächen ausschmücken oder
auf das Wesentliche reduzieren, das Szenenbild farblich verändern
oder zu einem neutralen Hintergrund werden lassen, der
lediglich mit Licht, Projektionen und Laser in Farbe getaucht
wird. Die Szenenbildner des Fernsehens haben von diesen
Gestaltungsmethoden niemals abgelassen und verbinden heute
mehr denn je mit der Szenografie die auch formale Einfügung
jener Bildträger, die mittlerweile zu den unangefochtenen
Hauptelementen des Szenenbildes avanciert sind.
Man lässt sich von den Technologien verführen und das Resultat
ist mehr als begeisternd. Ein typisches Merkmal der letzten Jahre.
Die szenische Gestaltung einer Standardsendung gleich welchen
Genres behält weiterhin eine eher traditionelle
Raumaufteilung bei: eine Bühne oder ein Spielraum, die Sitze für
das Publikum, die Eingänge und die Kamerabahnen. Infolge
neuer Medientechniken haben sich jedoch unvermeidlich weitgreifende
Veränderungen vollzogen,
die heute eine problemlose
Datierung der
Fernsehproduktion gestatten.
Es handelt sich um ein regelrechtes
Markenzeichen, das
sogar kanalübergreifend ist.Die
Möglichkeiten zur Gestaltung
des Szenenbildes anhand von
Volumen und Farben wurden
vollständig ausgereizt, sowohl
im Positiven wie leider auch im
Negativen. Man ließ sich hierbei
von der Malerei, mitunter von
der Architektur, häufig vom
Design und auch von der Mode
anregen. Die wirkliche
Umwälzung in der
Fernsehszenografie, beginnend
bei der Projektphase, brachte
jedoch die Technologie.
In die heutigen
Szenenaufbauten haben
Ledwall-Systeme Einzug gehalten.
Es kann vorkommen, dass
sie sogar in den Vordergrund
rücken und damit zum Star des
Abends werden. Heute macht eine Ledwall, abgesehen von ihren
technischen Merkmalen, das Szenenbild. Die Ledwall als
Fußboden, als Wand, als Verkleidung und sogar als
Einrichtungsgegenstand…
Dieser ultraflachen Bild- oder Videowand in Multicolor- oder
Monochromoptik ist alles erlaubt und zu Recht wird ihr der
Haupthintergrund zugedacht.
Wir sind immer mehr daran gewohnt, den TV-Moderator vor einer
Pixelwand zu sehen. Hierbei darf auf keinen Fall verraten werden,
wie weit die einzelnen Lichtpunkte voneinander entfernt sind, um
womöglich ein unscharfes Bild zu riskieren oder die Höhe des
verfügbaren Budgets für alle augenfällig bloßzulegen… Für eine
geschickte Regie ist das allerdings kein Problem.
Ein ganz wesentlicher Faktor ist die Nutzungsvielfalt. Auf einer
solchen Bildwand können Videofilme, Fotos,
Informationsgrafiken und dekorative Motive (was sie schlicht und
einfach zu einem Szenenhintergrund werden lässt) in einem
Wechsel von Statik und Dynamik projiziert werden.
Auf diese Weise wird der Fußboden der Fernsehsendung „Il
Senso della Vita“ (Canale 5 – Szenenbild G. Castelli) lebendig
und verändert er sich in Abhängigkeit vom jeweils abgehandelten
Thema. Er nimmt die Gäste auf und lässt sie wie auf einem durchsichtigen
Floß über ein Bildermeer fahren.
Oder nehmen wir das Beispiel des großen Tisches in der letzten
Staffel der Show „L’Eredità“ (Raiuno – Szenenbild A. Cappellini
und G. Licheri). Die Tischfläche besteht vollständig aus
Leuchtdioden und interagiert mit den Konkurrenten in einem
lebhaften Bildwechsel.
Und so kann es auch geschehen, dass der zentrale Tisch im
Fernsehstudio der italienischen Big Brother-Version „Il Grande
Fratello“ (Canale 5 – Szenenbild E. T. Zitkowsky) in der siebenten
Staffel nichts weiter als ein Teil des Fußbodens ist. Sobald er
benötigt wird, lösen sich, von einem unsichtbaren motorisierten
System angetrieben, vier Module vom Fußboden ab und fahren
sie bis zu einer entsprechenden Höhe nach oben.
In der Geschichtssendung „La Storia Siamo Noi“ (Rai
Educational – Szenenbild C. Canè) werden die Ledscreens und
Plasmamonitore zu Studiowänden, auf denen Begleitvideos zu
den Berichten des Moderators projiziert werden.
Mutierende Flächen, die an der Show teilnehmen und auf die
jeweilige Atmosphäre abgestimmt werden können: Dieses vielseitige
Instrument ermöglicht beliebig viele Szenenwechsel, die
einst nur mit neuen Konstruktionen und damit einem hohen Zeitund
Kostenaufwand verbunden waren.
Die Anfangsinvestition ist sicherlich höher, sie gestattet jedoch
einen flexiblen Szenenaufbau und amortisiert sich recht bald mit
den einzelnen Sendungen des Programms.
Auch im Szenenbildentwurf sind – mit einer erheblichen
Verspätung im Vergleich zu Architektur und Design – die unendlich
vielen Transparentfolien und Unmengen an Grafit dem Andrang der
Grafikprogramme gewichen, die glücklicherweise nicht wenige

Seit einem Jahrzehnt hat die Fernsehszenografie
erhebliche Veränderungen erfahren, die den
neuen Techniken und Formen der Bildträger und
Lichtquellen Rechnung tragen. Im Zuge der
technischen Innovation musste auch der
Szenenbildner die traditionellen szenischen
Anlagen überdenken. Er führte Formen und
Lösungen ein, die das Potential dieser
Neuheiten optimal ausschöpfen. Das optische
Resultat ist erstaunlich und farblich abwandelbar.
Zudem kann es mit einem geringeren Zeitund
Personalaufwand erzielt werden. Eine große
Synergie zwischen dem Szenenbildner und der
Entwicklung der Branchentechnik.
Arbeitsschritte beschleunigt haben. Der Begriff „gewichen“ ist
bewusst gewählt, denn er bringt sehr treffend den zögernd,
schleppend vollzogenen Wechsel zum Ausdruck, der von einigen
Fachleuten nahezu als gewaltsame Verdrängung empfunden
wurde. In einigen Studios will man immer noch nicht wahrhaben,
dass der Bleistiftentwurf mittlerweile in die Jahre gekommen ist…
Das TV-Design konnte mit den numerisch gesteuerten Maschinen
in den Werkstätten Schritt halten. Eine wichtige Neuerung. Die
Datei aus dem Designbüro wird direkt von der Maschine übernommen
und die Informationen werden unmittelbar für die
Bearbeitung des Materials verwendet. Damit entstehen kürzere
Umsetzungszeiten und entfallen sämtliche Fehler, die bei der
Informationsweitergabe vom Designer zum Hersteller entstehen.
Man kann Bohrarbeiten an Holz ausführen, es in ganz spezielle
Formen schneiden, Forex bearbeiten, Bleche biegen und so weiter.
In der Show „Speciale per me“ (Raiuno – Szenenbild
A.Cappellini und G. Licheri) ist zum Beispiel die Balustrade aus
Perspex das Ergebnis einer solchen Bearbeitung.
Auf die Verwendung dieser hochmodernen Maschinen reagierte
der Szenenbildner mit Formen und Lösungen, die derartige
Neuheiten optimal ausschöpfen konnten. Selbstverständlich
zugunsten einer erheblichen Verringerung des Arbeitsaufwandes
und der Personalkosten. Das gleiche gilt auch für die grafische
Aufmachung. Im Fall der Fußböden und Wände zum Beispiel war
bis vor einem Jahrzehnt die Dekoration noch Ergebnis menschlicher
Handarbeit. Heute können mit der Gestaltung von Mustern
auf dem Computer und deren Druck im Digitalverfahren auf
Träger verschiedenster Art in kürzester Zeit erstklassige Resultate
erzielt werden. Die großen Fußböden der Fernsehstudios und die
langen Hintergrundflächen, die einst angemalt waren, sind digitalen
Dekoren gewichen, die je nach Bedarf des Szenenbildners
und des Endresultats auf verschiedene Materialien gedruckt werden.
Die Datei mit der Dekorausstattung gelangt aus dem
Szenenbildstudio direkt in die Druckerei. Die Elemente werden
anschließend vor Ort zusammengebaut.
Die grafischen Kulissen von „Magixter“ (GXT – Sky, Szenenbild
Studio TondOQuadrO), die auf der Hauptbühne versetzt aufgestellt
sind, sind nichts weiter als grafische Aufarbeitungen von
überdimensionalen Spielkarten auf hinterleuchtetem
Polycarbonat. Das gleiche gilt für die letzte Staffel der „Seven
Show“ (Europa 7, Szenenbild Studio TondOQuadrO). Hier bildete
das Programmlogo als Element mit hohem
Wiedererkennungswert die Vorlage für das grafische Dekor der
Kulissen im Wechsel mit Aluminiumrahmen.
Es ist unvermeidlich, dass die neuen Technologien mit neuen
Trägermaterialien kombiniert werden und folglich die
Szenenbildgestaltung in Abhängigkeit vom Marktangebot eine
Veränderung erfährt.
Diese kontinuierliche Weiterentwicklung zwingt den Szenenbildner
zu stets neuen Experimenten, deren Resultate, angesichts des
Wirkungsbereiches, ein unmittelbares Feedback haben.
Seven Show, 2007 (Europa
7, scene Studio
TondOQuadrO) ultima edizione,
dove il logo del programma,
elemento fortemente
riconoscibile, ha
dato vita alla grafica decorativa
delle quinte alternate a
telai di lamiera e della fascia
applicata a pavimento.
„Seven Show“, 2007 (Europa
7, Szenenbild Studio
TondOQuadrO), letzte Saison.
Das Programmlogo bildete als
Element mit hohem
Wiedererkennungswert die
Vorlage für das grafische
Dekor der Kulissen, die im
Wechsel
mit
Aluminiumrahmen gestaltet
sind, und des Bodenstreifens.
Speciale per Me, 2005 (Raiuno, A. Cappellini e G. Licheri) la balaustra in
perspex trasparente è stata realizzata con la macchine a controllo numerico
dei laboratori di costruzione: un file che proviene da uno studio di
progettazione, viene direttamente acquisito dalla macchina e le informazioni
si tramutano direttamente nella lavorazione diretta sui materiali.
„Speciale per Me“, 2005 (Raiuno, Szenenbild A. Cappellini und G.
Licheri). Die Balustrade aus durchsichtigem Perspex wurde in den
Werkstätten an CNC-Maschinen gefertigt. Eine Datei aus dem
Designstudio wird direkt von der Maschine übernommen und die
Informationen verwandeln sich direkt in Bearbeitungsdaten.
Magixter, 2007 (GXT, Sky – scene Studio TondOQuadrO) totale palco. La
stampa della decorazione, nel caso specifico lavorazioni grafiche di
carte da gioco fuori misura, si fa direttamente sul materiale scelto dal
progettista (in questo caso è anche retro illuminabile) attraverso un file
grafico realizzato direttamente in studio. Foto: A. Mestichella.
„Magixter“, 2007 (GXT, Sky, Szenenbild Studio TondOQuadrO). Totale der
Bühne. Die Dekoration, in diesem Fall grafische Bearbeitungen von überdimensionalen
Spielkarten, wird direkt auf das Material gedruckt, das
vom Szenenbildner gewählt wurde (in diesem Fall ist es auch hinterleuchtet).
Als Vorlage dient eine Grafikdatei, die direkt im Studio erstellt
wurde. Foto: A. Mestichella.
19

20
Walter Grupius. Stanza del direttore del Bauhaus.
Walter Gropius. Raum des Bauhausdirektors.
Progetti&Realizzazioni
“Progetti&Realizzazioni” è la nuova rubrica, evoluzione
delle precedenti pagine dedicate, che intende
offrire una più complessa e circostanziata testimonianza
delle proposte progettuali firmate dagli architetti
e designers che lavorano con le collezioni
ETRURIA design.
La nuova concezione di questa sezione di PiX è
mirata al confronto ed allo scambio tra idee differenti,
arricchite da accostamenti curiosi e provocatori
con riferimenti selezionati dal panorama dell’architettura,
del design e della storia dell’arte.
Ne risulta un variegato mosaico dove tuttavia l’opera
di ciascun progettista resta riconoscibile ed il suo
valore viene enfatizzato dal far parte di un comune
processo di evoluzione.
La produzione ETRURIA design è ampia e differenziata
e pur traendo valore dalla tradizione storica
che gli appartiene, è comunque in grado di dare
risposta anche alle istanze più attuali: ne deriva una
gamma di Progetti&Realizzazioni classiche, contemporanee
e talvolta innovative.
„Projekte&Objekte“ lautet der Titel der neuen Rubrik, die
an die bisherige Sonderrubrik anknüpft und ein komplexeres,
konkreteres Zeugnis von den Projektentwürfen der
Architekten und Designer ablegt, die mit den Kollektionen
von ETRURIA design arbeiten. Der neu konzipierte
Sonderteil von PiX soll die Möglichkeit für die
Auseinandersetzung mit neuen Ideen bieten, die von
kuriosen und provokatorischen Gegenüberstellungen mit
ausgewählten Beispielen aus der Architektur, dem Design
und der Kunstgeschichte begleitet werden. Daraus ergibt
sich ein buntes Mosaik, in dem das Werk jedes Designers
erkennbar bleibt und als Bestandteil eines kollektiven
Entwicklungsprozesses herausgestellt wird.
Die Produktionspalette von ETRURIA design ist breit gefächert
und vielschichtig. Wenngleich aus der eigenen
Tradition geschöpft wird, wird sie auch den modernsten
Trends gerecht. Daraus ergibt sich eine Reihe von klassischen,
zeitgemäßen und mitunter innovativen
Projekten&Objekten.

Progetti&Realizzazioni
Uno scambio di idee tra architettura, design, arte e suggestioni
Projekte&Objekte
Ein Ideenaustausch über Architektur, Kunst, Design und Eindrücke
I primi cinque lavori che hanno occasione di essere presentati
secondo la nuova “filosofia” della rubrica sono
estremamente differenti tra loro; innanzi tutto per la varietà
dei contesti in cui vengono inseriti - che spaziano dal centro
storico di una città d’arte alla campagna Toscana, fino
agli interni di abitazioni con caratteri e fisionomie proprie -
poi per tipologie d’intervento: a fianco dei tradizionali ambiti
d’applicazione del rivestimento in ceramica, il bagno e la
cucina, viene presentato anche un impiego dai caratteri
particolarmente interessanti per la propria singolarità.
Da alcuni anni si sta diffondendo sul territorio la consuetudine
di realizzare strutture effimere che arricchiscono,
dotandoli di elementi funzionali al miglior godimento, gli
spazi urbani, ed in particolare quelli che presentano le
caratteristiche idonee ad ospitare abitanti e turisti in
ambienti che così acquisiscono il ruolo di soggiorni disponibili
per l’intera comunità; si tratta di un’attività che vede
coinvolti molti attori: dalle amministrazioni ai progettisti
delle strutture, da coloro che selezionano gli arredi a chi
cura la regia degli spettacoli che animano nel periodo estivo
alcuni ambiti delle città d’arte di cui l’Italia è così ricca.
Un’attività complessa, colta ed estremamente utile per la
continua valorizzazione del patrimonio culturale alle varie
scale del contesto. L’architettura diviene l’involucro spaziale
in cui si inseriscono le strutture effimere, coordinate con
il design degli arredi e delle finiture; le installazioni infatti si
compongono di molte parti, tutte concorrenti alla creazione
di luoghi in cui è piacevole soggiornare sia per la qualità
ambientale, sia per l’interesse suscitato dalle manifestazioni
che vi si svolgono.
Esempio di questa tendenza è il bancone bar che vive, nel
periodo della buona stagione, in un punto privilegiato della
città di Firenze, installazione della quale si propongono le
immagini di progetto e realizzazione, commentate dal progettista:
“In occasione della rassegna “Estate Fiorentina” è
stato allestito nel centro storico di Firenze uno stand bar
all’aperto sotto la “Loggia del Pesce” del Vasari in Piazza
dei Ciompi che rimarrà attivo fino al 15 settembre. Durante
questo periodo, la Loggia ospiterà una serie di eventi e
spettacoli: mostre, videoproiezioni, performances musicali
live ed installazioni artistiche. Per il rivestimento del banco
bar, la scelta del materiale è stata affidata all’architetto
Francesca Gaetani, che ha scelto il mezzo triangolo diamantato
(15x15/4) color Deep Gray Lux, definendolo adeguato
al livello artistico del luogo. La scelta è stata inoltre
concordata con la Soprintendenza ai Beni Monumentali. Gli
arredi, tavoli e sedie in legno scelti tra componenti di
design anni Venti e anni Sessanta, sono stati resi unici attraverso
delicati interventi artistici firmati dall’artista tedesco
Andreas Schwarzkopf e dall’artista fiorentina Katia Giuliani.”
La stessa Giuliani così racconta il suo contributo al progetto:
“La Loggia del Pesce è un grazioso spazio in piazza dei
Giorgio Vasari.
Firenze. Bancone Bar sotto la
vasariana “Loggia del Pesce”.
Florenz. Bartheke in der
„Loggia del Pesce“ von Vasari.
21

Firenze. Bancone Bar sotto
la “Loggia del Pesce”. Vista
generale ed elaborati grafici.
Florenz. Bartheke in der
„Loggia del Pesce“ von
Vasari. Gesamtansicht und
Entwürfe.
Ciompi. Un bar sotto la storica loggia del Vasari offre tutte le
sere live music, dj set e visual art a random. Il particolare
progetto di interior design nasce da una collaborazione che
ho stretto con il giovane architetto Francesca Gaetani, ed è
concepito come l’estensione dell’adiacente mercatino delle
pulci della piazza. Tavoli e sedie di seconda mano e dal
design anonimo sono resi unici da piccoli interventi artistici
che io ed Andreas Schwarzkopf abbiamo operato per caratterizzarli.
Sedie imbottite anni ’50 ricamate di farfalle, severe
sedie parrocchiali corrette con cartine geografiche, piccoli
animali di pelliccia che animano gli schienali di massicce
sedie di legno, vecchie testate di letti in ferro battuto trasformate
in panchine da giardino si presentano come curiose
opportunità di reinterpretare gli arredi per le zone di sosta. Il
banco bar allocato nella campata centrale è rivestito di piastrelle
grigie che rievocano l’antica funzione di mercato del
pesce della loggia. Tutti gli arredi saranno messi in vendita
a fine stagione.”
22
Progetti&Realizzazioni
Bagno in abitazione a
Montale Rangone.
Baderaum in einer
Privatwohnung, Montale
Rangone.
Nel più ampio progetto di ristrutturazione dell’abitazione
in Montale Rangone (MO) si analizza invece l’intervento
relativo al bagno destinato ai ragazzi della famiglia, realizzato
con un utilizzo minimale della collezione Optical in
due colori: il bianco e l’arancio. La volontà del progettista
emerge chiaramente dalle sue parole: “Trattandosi del
bagno dei ragazzi, volevo ottenere un ambiente vivace ed
allegro; per questo ho favorito la predominanza cromatica
dell’arancione: un colore giovane che peraltro si affianca
bene al pavimento in rovere”. La trama utilizzata nel progetto
richiama alla mente le esperienze del movimento
dell’Optical Art (a cui la stessa collezione ETRURIA design
si ispira), che ebbe momento di massima espressione
intorno agli anni Sessanta. L’opera “Army” di Victor
Vasarely anticipa l’esperienza artistica attraverso la composizione
di una grande figura geometrica per mezzo di quadrati
e cerchi di colori degradanti di cui si perde l’immagine
complessiva per una sofisticata illusione ottica. Di quegli
stessi anni sono le sperimentazioni di Sol LeWitt, che
attraverso le sue “Composizioni” gioca a realizzare plastici
di elementi tridimensionali basati sul quadrato, affiancati e
sovrapposti. Alla stessa maniera la decorazione del rivestimento
ricalca le geometrie che questi artisti proponevano
e ne assimila la componente “giocosa” per proiettarla nella
dimensione minima del bagno per una giovane utenza.
Altrettanto carica di colori e di riferimenti all’arte figurativa
del Novecento è la cucina realizzata in un’abitazione di
Reggio Emilia. La saturazione cromatica dell’involucro,
mentre avvolge le presenze ospitate, conferisce loro una
precisa riconoscibilità, quasi a voler rivisitare la tecnica
della scomposizione tipica delle esperienze artistiche dei
primi decenni del Novecento, riferibili al movimento De
Stijl, che trattano gli elementi geometrici elementari, privilegiando
le superfici piane, come appartenenti ad una estesa
matrice concettuale riferibile alla pittura, al design e
all’architettura. È immediatamente possibile fare una liaison
tra l’immagine della cucina realizzata ed il “Progetto di
contro-costruzione” in cui Theo Van Doesburg scompone
lo spazio di progetto per piani cromaticamente definiti;
altrettanto interessante è la comparazione della composizione
cromatica e figurativa della cucina con il dipinto
“Rythme” che Robert Delaunay dipinge nel 1934: in
entrambi i casi si ritrova il medesimo approccio nella ricerca
di coordinare elementi circolari concentrici e superare il
dualismo tra bianco/nero e colore.
In questo scenario viene introdotta una componente, una
superficie incorniciata, capace di arricchire la continuità del
piano geometrico con le due, minime ma sensibili, vibrazioni
tridimensionali delle piramidi tronche del rivestimento
diamantato e dei graffiti concentrici che scavano la superficie
evidenziando la materia sottostante. Un ambiente che
stimola la riflessione e favorisce il confronto intellettuale
come appare dal commento del progettista: “La cucina

s’inserisce perfettamente nell’ambiente open space formato
da salotto e soggiorno, sovrastato da un angolo ricreativo
creato nel soppalco che porta alle camere da letto.
L’obiettivo principale era quindi quello di dare importanza
ad ognuno di questi settori, rispettando una coerenza stilistica.
Il rivestimento è stato il mezzo con cui ho sottolineato
la cucina come luogo di incontro e discussione. Perché
non discutere di arte e trattare il rivestimento come un quadro,
incorniciato in una cornice d’acciaio. L’uso della collezione
Haring mi ha permesso di creare un gioco circolare
che si prestava bene ad essere riquadrato.”
È un atteggiamento romantico e diffuso quello di voler far
rivivere, qui e ora, atmosfere lontane nello spazio e remote
nel tempo. La personalità di ciascuno è influenzata dalle
esperienze vissute ed è forte l’esigenza di proiettare nello
spazio circostante l’aspetto figurativo legato ad esse, con
la volontà di riproporre i colori, le immagini e il tentativo di
ricreare il pathos che ha accompagnato periodi importanti
della formazione della propria personalità o particolarmente
cari nella memoria. Nel secondo dopoguerra, specie in
Italia, la cultura americana ha avuto una straordinaria diffusione
nella letteratura, nel cinema, nella musica leggera e
negli oggetti della vita quotidiana. In questa situazione la
quantità pervasiva delle forti suggestioni visive ha costituito
una indelebile componente nella formazione di chi ha
vissuto quegli anni e ne ha apprezzato la vitalità.
La realizzazione presentata in queste pagine è tuttavia più
complessa, quasi un esperimento che si propone di spaziare
su un periodo storico ampio ed evidenziare le caratteristiche
tipiche di vari periodi del “Mito Americano”, quel
mito che trae le radici nelle caratteristiche realtà urbane disseminate
sul territorio, che a tutt’oggi è possibile incontrare,
non appena ci si allontana dalle grandi metropoli e che
rappresentano il cuore popular della società americana.
È proprio a questa realtà che Andy Warhol attinge, trasformando
in arte le icone popolari del suo tempo, dai simboli
del consumismo, come i barattoli di zuppa Campbell e le
bottigliette di Coca Cola, ai miti della musica e del cinema,
come Elvis Presley e Marilyn Monroe.
Come testimonia lo stesso progettista: “Da una passione
forte come quella per l’America degli anni Trenta, Quaranta
e Cinquanta, nasce il concept di questa abitazione. Una
coppia di giovani sposi alle prese con la ristrutturazione
della loro prima casa, decidono di riportare in vita gli anni di
Elvis Presley, ricreandoli nella loro vita quotidiana. L’esterno
dell’abitazione non presenta caratteri particolari, ma la struttura
interna, completamente rifatta, si sviluppa su più piani e
percorre con ogni piano un determinato periodo storico e
artistico. Il primo piano si rifà all’Art Decò degli anni Trenta e
Quaranta: in particolare il bagno ripresenta la piastrella diamantata
rettangolare (7,5x15) tipica di quel tempo. Al piano
terra, un secondo bagno e la cucina si avvicinano con i loro
colori pastello agli anni Cinquanta. La realizzazione dei rivestimenti
è stata la normale evoluzione di una raccolta di
materiali, complementi e mobili in stile che da anni la coppia
porta avanti. In particolare, sono state scattate immagini
di vecchi Motel dell’epoca, che hanno permesso di riprodurre
qui quello stile intramontabile, tramite la ricerca degli
stessi colori e l’utilizzo di una posa ad altezza 160 cm, che
caratterizzava i bagni di quegli anni.”
Sol LeWitt, Costruzione Cubica, 1971.
Bagno in abitazione a Montale Rangone.
Baderaum in einer Privatwohnung,
Montale Rangone.
Victor Vasarely, Army, 1967-68.
23
Estremamente impegnativo è lavorare in un luogo carico di
connotati storici e ambientali, come la campagna toscana,
un ambiente che è logico cresca e si sviluppi, ma per il
quale è altrettanto importante mantenere il carattere fortemente
definito dalla propria storia.
Ci troviamo in questo caso a confrontarci con la campagna
di San Gimignano, un contesto ricco di storia, frequentemente
descritto da poeti e pittori della tradizione artistica
italiana. Tra le molteplici rappresentazioni, una bella vista
delle torri della città fortificata fa da sfondo al magnifico
affresco che narra le “Esequie di Santa Fina”, che

24
Cucina in abitazione privata a Reggio Emilia.
Küche in einer Privatwohnung, Reggio Emilia.
Theo Van Doesburg, Progetto di contro-costruzione, 1923.
Robert Delaunay, Rythme, 1934.
Domenico Ghirlandaio realizza nel 1475 per decorare la
Collegiata di San Gimignano.
L’intervento che viene presentato, si propone di rispettare
le preesistenze, intese in senso lato, quali l’ambiente naturale
e antropizzato con le proprie riconosciute valenze, la
tradizione che ha caratterizzato le costruzioni contadine
che di esso fanno parte e le consuetudini edificatorie stratificatasi
nel tempo, con le caratteristiche dei materiali e dei
colori impiegati. Un’occasione per dimostrare come alcuni
prodotti attuali ma con profonde radici nell’inconscio collettivo,
possono contribuire ad una positiva e misurata trasformazione
di habitat ricchi di qualità da preservare ed
eventualmente sottolineare con delicata attenzione; questi
propositi appaiono chiaramente nel programma del
Progettista: “L’obiettivo principale di questa realizzazione
era di creare una casa vacanza inserita in una realtà produttiva
di un’azienda viti-vinicola, quindi definibile “agriturismo”,
destinato ad un’utenza medio-alta. Si è trattato sia del
recupero e restauro degli edifici, sia di uno studio paesaggistico
per inserire correttamente l’agriturismo nella natura
circostante. Questo si è concretizzato in uno studio del
giardino limitrofo, per riproporre un brano del paesaggio
tipico della zona di San Gimignano. Per quanto riguarda il
contesto storico, San Gimignano è una delle città storiche
più importanti della Toscana. In particolare, l’edificio principale
risale al Seicento, ma purtroppo sono rimasti pochi
caratteri di quell’epoca a causa di successivi interventi
devastanti dei primi anni del Novecento e negli anni
Cinquanta e Sessanta, che avevano cancellato completamente
l’immagine di edificio colonico dell’epoca.
L’intervento ha teso quindi anche a riportare in vita questi
caratteri per ridargli appartenenza storica. Come riferimento
stilistico, mi sono ispirato al tipico casale toscano, che
ha influenzato anche la scelta dei colori: in passato i contadini
dipingevano le camere con le calci, dando una policromia
con colori molto accessi come rosso o azzurro. Ho perciò
riproposto le stesse tonalità nelle stanze abbinando il
rivestimento dei bagni. Cucine e spazi comuni sono invece
state trattate con il grassello di calce come in passato, che
gli dona il tipico colore ambrato. Ho scelto di utilizzare la
piastrella diamantata per rivisitare in chiave contemporanea
l’uso della ceramica negli anni Venti e Trenta.”
Progetti&Realizzazioni
Die ersten fünf Arbeiten, die gemäß der neuen „Philosophie“ der
Rubrik vorgestellt werden sollen, sind stark voneinander differenziert.
Insbesondere aufgrund ihres unterschiedlichen Kontextes – der vom
historischen Stadtzentrum einer Kunststadt über die ländliche
Toskana bis zu Wohninterieurs verschiedener Charaktere und
Physiognomien reicht – als auch aufgrund der verschiedenen
Maßnahmen, die neben traditionellen Anwendungsbereichen wie
keramische Wandverkleidungen, Bäder und Küchen auch eine sehr
eigenwillige, interessante Verwendung beinhalten.
Seit einigen Jahren findet die Gewohnheit Verbreitung, die urbanen
Räume mit zeitweiligen Serviceeinrichtungen zu versehen, die mit
allen notwendigen Funktionselementen ausgestattet sind. Das gilt
insbesondere für die Gegenden, die sich als Anziehungspunkt für
Einwohner und Touristen eignen und über das hierfür notwendige
Ambiente verfügen, was sie zu Aufenthaltsräumen für die gesamte
Kollektivität macht. In diese Tätigkeit sind viele Subjekte eingebunden,
die von den Gemeindeverwaltungen über die Planer der
Serviceeinrichtungen und die Verantwortlichen für die Auswahl der
Ausstattungen bis hin zu den Organisatoren der Veranstaltungen reichen,
die in den Sommermonaten einige Viertel der zahlreichen
Kunststädte Italiens beleben.
PATTERN BICROMATICO
Andrea Rovatti c/o UNO C.
Via degli Adelardi, 7 – 41100 Modena
arovatti.unoc@infinito.it
Bagno in abitazione privata
Montale Rangone (MO), 2006-07
Materiali Utilizzati/Materials used:
15x15 Diamantato White Lux
15x15 Optical mod. A White/Orange Lux
15x15 Piano Orange Lux
EFFIMERO URBANO ALLA LOGGIA DEL PESCE
Inta Studio arch. Francesca Gaetani
Via S. Maria, 3 – 50125 Firenze
inta-studio@yahoo.it
Bancone Bar Temporaneo per Comune di Firenze
e Associazione Culturale It’s Yoga
Piazza dei Ciompi, Firenze, 2007
Materiali Utilizzati/Materials used:
15x15/4 MezzoTriangolo Diamantato Deep Gray Lux
2x15 Bullnose Deep Gray Lux

Diese komplexe, qualifizierte Tätigkeit erweist sich für die beständige
Promotion des kulturellen Erbes auf den verschiedenen
Kontextebenen als äußerst nützlich. Die Architektur wird zur räumlichen
Hülle, in die zeitweilige Strukturen mit abgestimmtem
Ausstattungs- und Verarbeitungsdesign eingefügt werden. Die
Installationen bestehen aus vielen Teilen, die sämtlich zur Schaffung
von Orten beitragen, an denen man sich aufgrund des hochwertigen
Ambientes und des Interesses an den hier stattfindenden
Veranstaltungen gern aufhält. Ein Beispiel für diesen Trend ist die Bar,
die in der warmen Jahreszeit an einem privilegierten Standort in
Florenz zu finden ist. Auf diese Installation beziehen sich die Bilder
der Projekt- und Umsetzungsphase, die der Designer wie folgt kommentiert:
„Anlässlich der Veranstaltungsreihe „Estate Fiorentina“
wurde in der Altstadt von Florenz eine Bar im Freien unter der
„Loggia del Pesce“ von Vasari auf der Piazza dei Ciompi eingerichtet,
die bis zum 15. September geöffnet sein wird. Während dieses
Zeitraums werden in der Loggia Events und Programme wie
Ausstellungen, Videoprojektionen, Livemusik und Kunstinstallationen
veranstaltet. Die Materialwahl für die Thekenverkleidung übernahm
die Architektin Francesca Gaetani, die sich für den Artikel Mezzo
Triangolo Diamantato (15x15/4) Farbe Deep Gray Lux entschied, weil
sie ihn dem künstlerischen Niveau des Ortes angemessen erachtete.
Diese Entscheidung wurde überdies in Abstimmung mit dem
Denkmalschutzamt getroffen. Die Ausstattungen, Tische und Stühle
aus Holz wurden unter Designelementen der zwanziger und sechziger
Jahre gewählt und mit dezenten Gestaltungen des deutschen
Künstlers Andreas Schwarzkopf und der florentinischen Künstlerin
Katia Giuliani zu Unikaten gemacht.“ Katia Giuliani berichtet über ihren
Beitrag zum Projekt: „Die Loggia del Pesce ist ein reizender Winkel auf
der Piazza dei Ciompi. Eine Bar unter der historischen Loggia von
Vasari bietet allabendlich Livemusik, DJ-Sets und Visual Art. Das
besondere Einrichtungsdesignprojekt entstand aus meiner
Zusammenarbeit mit der jungen Architektin Francesca Gaetani und ist
als Erweiterung des daneben befindlichen Flohmarktes auf der Piazza
konzipiert. Den anonymen Tischen und Sitzen aus zweiter Hand wurde
durch kleine künstlerische Gestaltungen von mir und Andreas
Schwarzkopf Unikatscharakter verliehen. Gepolsterte Sitze im Stil der
50er Jahre mit aufgestickten Schmetterlingen, strenge Sitze aus der
Kirchgemeinde mit Landkartendekorationen, kleine Plüschtiere an den
Rückenlehnen massiver Holzsitze und alte Kopfteile von schmiedeeisernen
Betten, die in Gartenbänke umfunktioniert wurden, bieten
kuriose Möglichkeiten für eine neue Art von Freiraumausstattung. Die
Bartheke im Mittelschiff ist mit grauen Fliesen verkleidet, die an die alte
Funktion der Loggia als Fischmarkt anknüpfen. Sämtliche
Ausstattungen werden am Ende der Saison zum Verkauf freigegeben.“
Il Mito Americano.
Der amerikanische Mythos.
Elaborazione pittorica digitale di una tipica cittadina statunitense,
Barnesville, GA.
Eine typische amerikanische Kleinstadt, Digital Art, Barnesville, GA.
25
Beim weitgreifenderen Rekonstruktionsprojekt für eine Wohneinheit
in Montale Rangone (Modena) steht hingegen die Neugestaltung
des Badezimmers für die Kinder der Familie im Mittelpunkt, die mit
der sparsamen Verwendung der Kollektion Optical in den zwei Farben
Weiß und Orange erfolgte. Die Absicht des Architekten tritt deutlich
aus seinen Worten hervor: „Da es sich um das Bad für den
Nachwuchs handelt, wollte ich ein farbenfrohes, freundliches
Ambiente schaffen. Aus diesem Grund habe ich als vorherrschenden
Farbton Orange gewählt. Diese jugendliche Nuance passt außerdem
gut zu dem Eichenfußboden.“
Der Leitfaden des Projektes ruft die Optical Art (an welche die
Kollektion von ETRURIA design anlehnt) in Erinnerung, die ihre
Blütezeit in den sechziger Jahren erlebte. Das Werk „Army“ von Victor
Vasarely greift dieser Kunstrichtung mit der Komposition einer großen
geometrischen Figur aus farblich abgestuften Quadraten und Ringen
voraus, deren Gesamtbild eine raffinierte optische Täuschung ergibt.
Aus den gleichen Jahren stammen auch die Experimentalarbeiten von
Sol LeWitt, der mit seinen „Kompositionen“ Gebilde aus aneinander
gereihten und übereinander gelagerten Kuben schafft.
Das Verkleidungsdekor greift die geometrischen Konstruktionen dieser
Künstler auf und übernimmt die spielerische Komponente, die es
IL MITO AMERICANO
Caterina Manzini
Rivenditore/Reseller:
SASSI S.R.L. – Forlì (FC)
Bagni in abitazione privata
Forlì (FC), 2007
Materiali Utilizzati/Materials used:
15x15 Piano Dark Lux
15x15 Piano Peach Lux
7,5x15 Piano Peach Lux
7,5x15 Diamantato Peach Lux
7,5x7,5 Diamantato Peach Lux
7,5x15 Diamantato Dark Lux
11x15 Battiscopa 900 Dark Lux
2x15 Listello Piano Dark Lux
7,5x15 Cornice Crane Dark Lux
Materiali Utilizzati/Materials used:
15x15 Piano Acquamarine Lux
15x15 Piano White Lux
7,5x15 Piano Acquamarine Lux
7,5x15 Diamantato Acquamarine Lux
7,5x7,5 Diamantato Acquamarine Lux
7,5x15 Diamantato White Lux
11x15 Battiscopa 900 White Lux
2x15 Listello Piano White Lux
3x15 Cornice Flavin White Lux

26
Quattro diverse versioni della celebre “Marilyn Monroe” di Andy Warhol.
Vier verschiedene Versionen des berühmten Werkes „Marilyn Monroe“
von Andy Warhol.
Il Mito Americano.
Viste degli interni e schema
grafico.
Der amerikanische Mythos.
Ansicht der Innenräume
und Skizze.
in die Kleinstdimension des Bades für die Kinder versetzt.
Ebenfalls farbenfroh und reich an Zitaten aus der figürlichen Kunst
des 20. Jahrhunderts ist die Küche einer Wohneinheit in Reggio
Emilia. Die satte Farbe der Wände ist eine deutliche Hommage. Auch
der Verweis auf die abstrakten Kompositionen ist unverkennbar, die
im frühen 20. Jahrhundert die De Stijl-Bewegung kennzeichneten.
Diese beschränkte sich auf die elementaren geometrischen Elemente
und privilegierte die ebene Fläche als Bestandteil einer erweiterten
Konzeptmatrix, die der Malerei, dem Design und der Architektur
zugrunde liegt. Es drängt sich nahezu ein Vergleich zwischen der fertig
gestellten Küche und der Entwurfszeichnung „Kontra-
Konstruktion“ auf, in der Theo Van Doesburg den Projektraum in
Flächen unterschiedlicher Farbe aufteilt. Ebenfalls interessant ist der
Vergleich der chromatischen und figurativen Komposition der Küche
mit dem Gemälde „Rythme“ von Robert Delaunay aus dem Jahr 1934.
In beiden Fällen stellt sich beim Versuch, konzentrische
Kreiselemente zu koordinieren und den Dualismus zwischen
Schwarz/Weiß und Farbe zu überwinden, der gleiche
Konzeptgedanke heraus.
Diesem Szenarium wird eine weitere Komponente hinzugefügt. Eine
eingerahmte Fläche unterbricht die Kontinuität der geometrischen
Ebene mit den beiden geringfügig, jedoch spürbar dreidimensionalen
Pyramidenstumpfformen der facettierten Verkleidung und den
konzentrischen Sgraffiti, die das unter der Oberfläche befindliche
Material freilegen. Ein Ambiente, das zum Denken anregt und den geistigen
Austausch fördert. In diese Richtung geht auch der Kommentar
des Architekten: „Die Küche fügt sich nahtlos in das Open-Space-
Ambiente von Salon und Wohnzimmer ein, über dem sich eine Relax-
Zone auf der Galerie befindet, die zu den Schlafzimmern führt. Als
Hauptziel galt es, jedem dieser Bereiche in einem einheitlichen Stil
seine Bedeutung zu verleihen. Die Wandverkleidung war das Mittel,
mit dem ich die Küche als Begegnungs- und Gesprächsraum betont
habe. Warum nicht über Kunst sprechen und die Wandverkleidung
als Kunst behandeln, indem sie in einen Stahlrahmen gefasst wird
Die Kollektion Haring ermöglichte mir die Kreation eines Kreisbildes,
das sich perfekt für eine Umrahmung eignete.“
Progetti&Realizzazioni
Hier und jetzt räumlich und zeitlich entfernte Atmosphären aufleben
lassen zu wollen, ist ein weit verbreiteter romantischer Wunsch. Die
Persönlichkeit jedes einzelnen wird von den eigenen Erfahrungen
bestimmt. Es besteht daher ein starkes Bedürfnis, den damit verbundenen
figürlichen Aspekt in den umgebenden Raum zu projizieren.
Und zwar mit der Absicht, die diesbezüglichen Farben und Bilder neu
erstehen zu lassen, und dem Versuch, das Pathos der Zeitabschnitte,
die in der Ausbildung der eigenen Persönlichkeit wichtig waren und
an die man sich besonders gern zurückerinnert, wieder zu erschaffen.
Nach dem Zweiten Weltkrieg fand, insbesondere in Italien, die amerikanische
Kultur in der Literatur, im Film, in der Unterhaltungsmusik
und in den Alltagsgegenständen eine außerordentliche Verbreitung.
Die starken visuellen Reize, die auf die zeitbewussten Menschen in
jenen Jahren einströmten, sind in deren Persönlichkeitsentwicklung
unauslöschlich verankert.
Das auf diesen Seiten präsentierte Objekt stellt sich allerdings komplexer
dar und kann nahezu als Experiment gelten. Es umspannt einen großen
historischen Zeitabschnitt und greift die typischen Merkmale der
verschiedenen Perioden des „Amerikanischen Mythos“ auf, der in
den charakteristischen Ortschaften des weiten Landes wurzelt, auf die
man noch heute außerhalb der großen Metropolen trifft und die das volkstümliche
Herz der amerikanischen Gesellschaft bilden.
Auf diese Seite Amerikas greift auch Andy Warhol zurück, der die seinerzeit
populären Ikonen in Kunstwerke verwandelt, beginnend bei
Konsumsymbolen wie den Dosen der Campbell-Suppen und den
Coca Cola-Flaschen bis hin zu Musik- und Filmstars wie Elvis Presley
und Marilyn Monroe.
Der Architekt: „Aus einer starken Leidenschaft für das Amerika der
dreißiger, vierziger und fünfziger Jahre entsteht das Konzept für dieses
Wohnobjekt. Ein junges Ehepaar rekonstruiert seine erste
GRAFFITI E COLORI
arch. Giorgio Mariani
Via F. Filzi, 7 – 20124 Milano
giorgio.mariani@libero.it
Cucina in abitazione privata
Reggio Emilia, 2007
Materiali Utilizzati/Materials used:
15X15 Haring Mod. E Antracite Silk
AGRITURISMO GUARDASTELLE
arch. Marco Pozzoli
Via delle casine, 31/A – 50100
Firenze
studio.pozzoli@tin.it
Rivenditore/Reseller:
PAVIM snc – Gambassi Terme (FI)
Bagni in azienda agrituristica
San Gimignano (SI), 2006
Materiali Utilizzati/Materials used:
15x15 Diamantato Deep Gray Lux
15x15 Diamantato White Lux
15x15/2 Triangolo Diamantato White Lux
15x15/4 Mezzo Triangolo Diamantato
White Lux
7,5x15 Cornice Metro White Lux

Wohnung und möchte die Jahre von Elvis Presley in ihrem Alltag wieder
auferstehen lassen. Das Äußere des Wohnobjektes weist keine
Besonderheiten auf, die vollständig neue Innengestaltung hingegen
nimmt mehrere Geschosse in Anspruch und zitiert auf jedem
Geschoss eine bestimmte historische und künstlerische Periode.
Das erste Geschoss lehnt an die Art déco der dreißiger und vierziger
Jahre an. Das Bad weist die facettierte rechteckige Fliese (7,5x15)
auf, die typisch für jene Zeit war. Das Erdgeschoss, ein weiteres Bad
und die Küche nähern sich mit ihren Pastellfarben an die fünfziger
Jahre an. Die Ausführung der Wandverkleidungen war die folgerichtige
Erweiterung einer Sammlung von stilgemäßen Materialien,
Zubehör und Möbeln, die das Paar seit Jahren vorantreibt.
Insbesondere wurden alte Motels aus der damaligen Zeit fotografiert,
anhand derer im Objekt der unvergängliche Stil mit den gleichen
Farben und mit einer für die damaligen Badräume typischen
Verlegehöhe von 160 mm wieder aufgriffen wurde.“
Die Arbeit an einem Ort wie der Toskana, der reich an historischen und
landschaftlichen Konnotaten ist, ist äußerst anspruchsvoll.
Selbstredend kommt auch diese Umgebung nicht ohne Wachstum und
Weiterentwicklung aus. Andererseits ist die Wahrung des typischen
Charakters wichtig, der stark von der eigenen Historie geprägt ist.
Wir sehen uns in diesem Fall mit der geschichtsträchtigen ländlichen
Umgebung von San Gimignano konfrontiert, die häufig in den
Werken italienischer Dichter und Maler zu finden ist.
Zu den zahlreichen Darstellungen zählt auch eine schöne Aussicht
auf die Türme der bewehrten Stadt, die den Hintergrund für das herrliche
Fresko „Die Beisetzung der Hl. Fina“ bildet, das Domenico
Ghirlandaio im Jahr 1475 für die Collegiata S. Maria Assunta in San
Gimignano malte.
Das hier vorgestellte Projekt soll die vorhandenen Gegebenheiten im
weitesten Sinne, wie die natürliche, vom Menschen geprägte
Umgebung mit ihren anerkannten Eigenwerten, die Tradition bäuerlicher
Bauwerke und die zeitlich gebundenen Baugewohnheiten mit
ihren typischen Materialien und Farben berücksichtigen.
Hierbei soll belegt werden, wie einige aktuelle Erzeugnisse, die allerdings
tief im kollektiven Unterbewusstsein verwurzelt sind, zu einer
positiven, behutsamen Verwandlung von hochwertigen
Lebensräumen beitragen, die es zu wahren und eventuell dezent zu
betonen gilt. Diese Absichten dringen aus dem Vorhaben des
Architekten deutlich hervor: „Das Hauptziel dieses Objektes bestand
in der Realisierung eines Ferienhauses, das sich in den Kontext eines
Winzerbetriebes fügt und als solches als „Ferienhof“ für eine mittlere
bis gehobene Klientel definiert werden kann. Es handelte sich sowohl
um die Wiederherstellung und Restaurierung der Gebäude als auch
um eine Landschaftsplanung, die den Ferienhof korrekt in die umgebende
Natur fügen sollte. Das konkretisierte sich in einem Entwurf für
den angrenzenden Garten, der das typische Landschaftsbild aus der
Umgebung von San Gimignano aufgreift. Bezüglich des geschichtlichen
Kontextes ist San Gimignano eine der bedeutendsten historischen
Städte der Toskana. Das Hauptgebäude zum Beispiel stammt
aus dem 17. Jahrhundert. Aufgrund der späteren verheerenden
Baumaßnahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert sowie aus den fünfziger
und sechziger Jahren, die das Bild des historischen Gehöftes
völlig ausgelöscht haben, sind nur wenige Kennzeichen aus der
Entstehungszeit erhalten geblieben. Das Projekt sollte auch diese
Merkmale neu erstehen lassen, um dem Komplex eine historische
Zugehörigkeit zu verleihen. Stilistisch habe ich mich am typischen
Gehöft der Toskana orientiert, was auch die Farbwahl beeinflusste. In
der Vergangenheit verputzten die Bauern ihre Zimmerwände mit Kalk,
für den sie eine große Farbenvielfalt in sehr kräftigen Nuancen wie Rot
und Azurblau wählten. Küchen und Gemeinschaftsbereiche wurden
hingegen wie in der Vergangenheit mit Sumpfkalk behandelt, der
ihnen eine typische Bernsteinfarbe verleiht. Ich habe die facettierte
Fliese gewählt, um die Keramik der zwanziger und dreißiger Jahre in
eine zeitgemäße Formensprache umzusetzen.“
San Gimignano. Agriturismo
Guardastelle.
Domenico Ghirlandaio, Esequie di
Santa Fina (particolare delle torri di
San Gimignano), 1475.
27
Materiali Utilizzati/Materials used:
15x15 Diamantato Burgundy Lux
7,5x15 Diamantato Burgundy Lux
15x15 Diamantato Peach Lux
15x15/2 Triangolo Diamantato Peach Lux
15x15/4 Mezzo Triangolo Diamantato Peach Lux
7,5x15 Cornice Metro Burgundy Lux
Materiali Utilizzati/Materials used:
15x15 Diamantato Victoria Blue Lux
7,5x15 Diamantato Victoria Blue Lux
15x15 Diamantato White Lux
15x15/2 Triangolo Diamantato White Lux
15x15/4 Mezzo Triangolo Diamantato White Lux
7,5x15 Cornice Metro Victoria Blue Lux

28
Know-How
Il diamante è il cristallo perfetto, simbolo di
rarità e purezza; la sua eleganza da sempre
affascina e fa sognare e la sua trasparenza
ha talvolta assunto valenze esoteriche e
mistiche.
La storia dell’arte e dell’architettura è ricchissima
di rimandi, allusioni e citazioni
della geometria del diamante e dell’utilizzo
di componenti ad esso ispirate.
Il rigore rinascimentale come le avanguardie
del Novecento condividono, con differenti
interpretazioni, la poetica del cristallo.
Il Decostruttivismo e le correnti architettoniche
più recenti rivisitano ulteriormente il
tema, con risultati a volte stupefacenti.
Proviamo ad immaginare cosa potremmo
ottenere con l’applicazione della ceramica
diamantata “evoluta” ad alcuni interni di
celebri edifici museali dei nostri giorni.
Der Diamant ist der perfekte Kristall, Symbol für
Seltenheit und Reinheit. Seine Eleganz fasziniert
von alters her, er verleitet zum Träumen und seiner
Transparenz wurden sogar esoterische und
mystische Bedeutungen zugesprochen. Die
Geschichte der Kunst und Architektur ist reich
an Verweisen, Anspielungen und Zitaten bezüglich
der Geometrie des Diamanten und der
Verwendung von Elementen, denen er als
Vorlage diente. Die Strenge der Renaissance
und die Avantgarde-Bewegungen des 20.
Jahrhunderts haben, wenngleich in unterschiedlichen
Darstellungsarten, die Poesie des
Kristalls gemein. Der Dekonstruktivismus und
die Strömungen der neueren Architekturszene
setzen sich erneut mit dem Thema auseinander,
was zu mitunter verblüffenden Resultaten führt.
Versuchen wir uns einmal vorzustellen, was wir
mit der Verwendung der facettierten Keramik,
die der neuen Generation angehört, in einigen
Innenräumen berühmter Museumsbauten der
Gegenwart erreichen könnten.

Mauro Corsetti
La ceramica evoluta
La poetica del diamante nell’architettura
Die neue Keramikgeneration
Die Poesie des Diamanten in der Architektur
Un celebre slogan pubblicitario recitava che “un diamante
è per sempre”; in effetti la sua rara preziosità, la
purezza del cristallo e la perfezione geometrica della
sua forma ne hanno da sempre fatto un simbolo di unicità
ed eccellenza.
Artisti ed architetti hanno subito il fascino della pietra
preziosa, sia come riferimento puramente formale e
compositivo, che nell’utilizzo di componenti “diamantate”
per la decorazione degli edifici.
Già nel Cinquecento, Biagio Rossetti decide di ornare i
prospetti del palazzo che sta costruendo a Ferrara per
Sigismondo d’Este con blocchetti di marmo tagliati a
forma tronco-piramidale, in modo da conferire all’edificio
un aspetto maestoso ed elegante; il rivestimento
delle facciate è talmente caratterizzante che l’edificio è
oggi noto come Palazzo dei Diamanti.
Anche il Ventesimo secolo è ricco di esempi di architetture
che citano o rimandano alla poetica del “cristallo”;
il Raggismo, movimento pittorico russo di inizio secolo,
aveva introdotto un nuovo modo di vedere il mondo,
scomposto come la luce che attraversa un prisma di
cristallo. A partire da queste prime avanguardie cominciano
a formarsi varie correnti architettoniche che sviluppano
le tematiche concettuali e le riversano nella
progettazione degli edifici; d’altra parte il clima sociale
e politico del periodo, i fermenti avanguardistici e l’evoluzione
delle tecniche costruttive, sollecitano alcuni
architetti a redigere programmi e manifesti, che esaltano
la purezza del cristallo come mistica ispirazione
dell’”architettura del vetro”: gli edifici realizzati da
Bruno Taut, Hans Poelzig e dagli altri pionieri dell’architettura
espressionista rappresentano a pieno titolo
questo nuovo modo di fare architettura che, mondato
da alcuni eccessi misticisti, evolverà nella nascita del
Bauhaus. È significativo che l’immagine selezionata
per il frontespizio del programma del Bauhaus sia proprio
l’incisione della Cattedrale di Lyonel Feininger, che
sintetizza nei suoi tratti le teorie espressioniste.
Una figura particolarmente rilevante nel panorama dell’architettura
italiana è stata rappresentata da Giò Ponti
(1891-1979), la cui ricerca spazia dall’arte ed il design,
fino alla progettazione edilizia ed urbana, senza escludere
l’impegno nella diffusione della “cultura del progetto”
che lo porterà nel 1928 alla fondazione della rivista
Bruno Taut, Padiglione in
vetro per l’esposizione del
Werkbund, Colonia, 1914.
Bruno Taut, Glaspavillon
für die Werkbund-
Ausstellung in Köln 1914.
Il cinquecentesco Palazzo dei Diamanti di Ferrara, progettato da Biagio
Rossetti, è così chiamato per la decorazione bugnata dei prospetti,
costituiti di circa novemila blocchi “diamantati” di marmo.
Der Palazzo dei Diamanti in Ferrara, der im 16. Jahrhundert von Biagio
Rossetti erbaut wurde, erhielt seinen Namen aufgrund des Bossenwerkes
seiner Fassade, die aus ungefähr neuntausend Diamantquadern aus
Marmor besteht.
Lyonel Feininger, Cattedrale,
1919. Quest’opera costituiva
il frontespizio del manifesto
fondativo del Bauhaus di
Weimar.
Lyonel Feininger, Kathedrale,
1919. Dieses Bild schmückte
die Frontseite des
Gründungsmanifestes vom
Weimarer Bauhaus.
29

30
Domus, che ancora oggi è una delle testate più autorevoli
della critica architettonica internazionale.
In tutta la produzione di Ponti ricorre costantemente il
tema del “diamante”, che rappresenta per l’architetto una
vera e propria ossessione e che costituisce tematica ed
allusione in ogni progetto, ad ogni scala.
Sulla copertina del libro Amate l’architettura del 1957,
decorata con motivi geometrici romboidali, Ponti declama
con forza “l’architettura è un cristallo”, espressione
sintetica del suo pensiero.
Oltre al riferimento geometrico, Ponti fa un uso anche
reale di componenti diamantate, come le “piastrelline a
diamante” che impiega nel rivestimento dei prospetti di
alcuni edifici a Milano; Ponti ha peraltro dedicato uno
spazio significativo della sua attività proprio alla progettazione
e decorazione di elementi ceramici.
La produzione architettonica più recente, condizionata
dai nuovi canoni estetici imposti dal Decostruttivismo e
dalle forme che scaturiscono da un utilizzo sempre più
massiccio dei sistemi di progettazione informatizzata, ha
repentinamente riportato d’attualità il tema del
“Diamante”, che si esplicita oggi attraverso l’immagine
disorientante di interni complessi di acciaio e vetro, di
facciate eleganti di cristalli riflettenti e di superfici sfaccettate
e mutevoli, che evocano la geometria del minerale.
In questo panorama si inseriscono i provocatori esempi di
applicazione delle più recenti collezioni ETRURIA design che
presentiamo in queste pagine, con ipotesi di decorazione
degli interni di tre celebri edifici museali con composizioni dei
diversi formati delle collezioni Optical, Haring e Digital.
Know-How
La collezione Optical, nelle sue varianti cromatiche, decora ed enfatizza le grandi superfici espositive
dell’ala dell’High Museum di Atlanta di Renzo Piano.
I violenti tagli e le linee diagonali degli interni del Museo Ebraico di Berlino di Daniel Libeskind ispirano
la composizione decorativa realizzata con la collezione Haring.
I pannelli informativi del Museo della Scienza di Londra potrebbero essere realizzati con i moduli della
collezione Digital, eventualmente smaltati con vernici fotosensibili.
Die Kollektion Optical dekoriert und betont in ihren verschiedenen Farbvarianten die großen
Ausstellungsflächen im Flügel des High Museum von Renzo Piano in Atlanta.
Die scharfen Schnitte und Diagonalen im Jüdischen Museum von Daniel Libeskind in Berlin bilden die
Anregung für die Dekorkomposition, die mit der Kollektion Haring realisiert wurde.
Die Präsentationstafeln im Londoner Wissenschaftsmuseum könnten mit den Modulen der Kollektion
Digital, eventuell mit einem lichtempfindlichen Glasurauftrag, realisiert werden.
Ein berühmter Werbeslogan lautete: „Ein Diamant ist unvergänglich“.
Seine rare Kostbarkeit, der reine Kristall und die geometrische
Perfektion seiner Form macht ihn von jeher zu einem
Symbol für Einzigartigkeit und Erlesenheit. Künstler und
Architekten waren der Faszination des Edelsteins erlegen.
Sowohl als rein formale und kompositorische Vorlage als auch
bei der Verwendung von „facettierten“ Elementen für die
Fassadengestaltung von Gebäuden. Bereits im 16. Jahrhundert
beschließt Biagio Rossetti, die Fassaden des Palastes, den er in
Ferrara für Sigismondo d’Este baut, mit pyramidenstumpfförmig
zugeschnittenen Marmorblöcken zu verkleiden, um dem Bau ein
majestätisches, elegantes Aussehen zu verleihen. Die
Fassadenverkleidung ist dermaßen prägnant, dass das Gebäude
heute als Palazzo dei Diamanti bekannt ist. Auch die Architektur
des 20. Jahrhunderts ist reich an Beispielen, die auf die Poesie
des „Kristalls“ verweisen oder an sie anknüpfen. Der
Rayonismus, eine malerische Stilrichtung in Russland zu Beginn
des 20. Jahrhunderts, führte eine neue Darstellung ein, die wie
das Licht in einem Kristallprisma zerlegt wird. Ausgehend von
diesen ersten Avantgardeströmungen beginnen sich verschiedene
Stilrichtungen in der Architektur zu entwickeln, die konzeptuale
Themen aufarbeiten und auf die Gebäudeplanung übertragen.
Das soziale und politische Klima der damaligen Zeit, die avantgardistischen
Keime und die Weiterentwicklung der Bautechnik
regen einige Architekten zur Abfassung von Programmen und
Manifesten an, in denen die Reinheit des Kristalls als mystische
Inspiration der „Glasarchitektur“ gefeiert wird. Die Bauwerke von
Bruno Taut, Hans Poelzig und anderen Pionieren der expressio-

architettura, design e diamanti
nistischen Architektur sind vollgültige Vertreter dieses neuen
Ansatzes, der, von einigen Mystizismen befreit, zur Entstehung
der Bauhausarchitektur führt. Und so ist es nicht ohne
Bedeutung, dass der Holzschnitt der Kathedrale von Lyonel
Feininger, die in ihren Grundzügen die expressionistischen
Theorien wiedergibt, das Deckblatt des Bauhaus-Manifestes zierte.
Eine besonders wichtige Figur in der italienischen
Architekturlandschaft war Giò Ponti (1891-1979), der sich mit
Kunst und Design bis hin zur Bau- und Stadtplanung beschäftigte,
ohne das Engagement in der Verbreitung der „Projektkultur“
zu vernachlässigen, das ihn 1928 zur Gründung des Magazins
„Domus“ führte, das noch heute zu den einflussreichsten
Zeitschriften der internationalen Architekturszene gilt. Eine
Konstante des gesamten Werkes von Ponti ist das Thema
„Diamant“, das der Architekt geradezu obsessiv in jedem Projekt,
auf jeder Ebene aufgreift. Auf dem Deckblatt des Buches „Amate
l’architettura“ von 1957, das mit rombenförmigen geometrischen
Motiven verziert ist, findet sich die nachdrückliche Deklamation
von Ponti „Architektur ist ein Kristall“, was seinen Gedanken synthetisch
zusammenfasst. Neben dem geometrischen Zitat verwendet
Ponti auch facettierte Elemente wie die facettierten
Fliesen, die er für die Wandverkleidung einiger Mailänder
Gebäude nutzt. Ponti widmete überdies einen erheblichen Teil
seiner Tätigkeit dem Entwurf und dem Dekor von
Keramikelementen. Die jüngere Architektur, die von den neuen
ästhetischen Grundsätzen des Dekonstruktivismus und den
Formen, die sich aus dem zunehmend massiveren Gebrauch von
computergestützten Planungssystemen ergeben, diktiert wird,
griff wiederholt das Thema „Diamant“ auf, das sich heute anhand
des desorientierenden Bildes komplexer Innenräume aus Glas
und Stahl, eleganten Fassaden von spiegelnden Kristallen und
facettenreichen, veränderlichen Oberflächen konkretisiert, die an
die Geometrie des Minerals erinnern. In diesen Kontext fügen
sich die provokatorischen Anwendungsbeispiele für die neueren
Kollektionen von ETRURIA design, die wir auf diesen Seiten präsentieren.
Die Kompositionen der verschiedenen Formate der
Kollektionen Optical, Haring und Digital dienen dem Entwurf der
Innenraumgestaltung von drei berühmten Museumsgebäuden.
Le stazioni della metropolitana
parigina sono tradizionalente rivestite
e decorate attraverso piastrelle
di ceramica diamantata.
Die Bahnhöfe der Pariser Metro
sind traditionsgemäß mit facettierten
Keramikfliesen verkleidet und
ausgeschmückt.
a lato: ETRURIA design: il nuovo
ottagono diamantato.
Links: Das neue facettierte Achteck
von ETRURIA design.
Tre architetture recenti che trovano
ispirazione nella geometria del diamante:
- L’estensione della Royal Library of
Denmark, nota come “il Diamante
Nero”, realizzata a Copenaghen
nel 1999 dallo studio Schmidt,
Hammer & Lassen.
- Il Cinema UFA di Dresda del 1998,
opera di Coop Himmelb(l)au.
- Il Parco della Scienza Futuroscope
di Poitier, progetto del 1987-99 di
Denis Laming & Pierre Tuloup.
Drei jüngere Werke der Architektur,
denen die Geometrie des
Diamanten als Vorbild diente:
- Erweiterungsbau der Royal Library
of Denmark, bekannt als „Der
schwarze Diamant“, erbaut 1999 in
Kopenhagen vom Büro Schmidt,
Hammer & Lassen.
- UFA-Kino in Dresden von 1998,
Entwurf von Coop Himmelb(l)au.
- Wissenschaftspark „Futuroscope“
in Poitier, erbaut 1987-99 von Denis
Laming & Pierre Tuloup.
L’opera di Giò Ponti è condizionata da un riferimento quasi ossessivo
per la forma del diamante, citato ad ogni scala: dal design della serie
di posate “A Diamante”, alle piante del grattacielo Pirelli di Milano, alla
facciata della chiesa di San Francesco di Milano.
Das Werk von Giò Ponti ist nahezu vollständig von der Diamantform
geprägt, die in allen Bereichen zitiert wird, beginnend beim Design der
Besteckserie „A Diamante“ über den Grundriss des Pirelli-Hochhauses in
Mailand bis hin zur Kirche San Francesco, ebenfalls in Mailand.
Una recente evoluzione di moduli tassellabili di rivestimento è costituito dal
sistema sperimentale Light Brix, progettato dallo studio HeHe, che realizza
una parete di moduli esagoni plastici interattivi e reattivi, che allo sfioramento
si accendono, si spengono o variano l’intensità luminosa.
Eine jüngere Weiterentwicklung von mosaikfähigen Verkleidungsmodulen
ist das experimentelle System Light Brix, das vom Büro HeHe entworfen
wurde. Es wird eine Wand aus interaktiven und reaktiven plastischen
Sechskantmodulen gestaltet, die bei kurzer Berührung erleuchtet oder verdunkelt
werden oder ihre Helligkeit verändern.
31

Eventi e notizie da ETRURIA design
Milano Triennale, Coverings Chicago e Neocon
Triennale in Mailand + Coverings in Chicago + Neocon
32
News
Michael P. Johnson siede sulla
sua Golden Ratio Bench.
Michael P. Johnson auf seinem
Golden Ratio Bench.
PiX ha deciso di osservare più da vicino la recente
mostra Sit_Down_Please, organizzata da Confindustria
Ceramica nella primavera di quest’anno. Abbiamo interpellato
i visitatori dei saloni che hanno ospitato la mostra
per raccogliere le loro reazioni e riflessioni sul connubio
tra ceramica e arredamento.
LE PREMESSE
Tutto ha inizio nel 2006, quando Confindustria, insieme al
curatore della mostra Aldo Colonetti, commissiona a un
gruppo di nove designer e architetti la creazione di una
serie di sedute rivestite in piastrelle di ceramica per sottolineare
la versatilità di questo materiale. La collaborazione
con il famoso architetto Mario Botta ha dato vita a una
mostra originale e stimolante, sviluppata per esplorare la
contaminazione unica tra il mondo dell’architettura, dell’arredamento
e della ceramica italiana. Inaugurata contemporaneamente
alla celebre Triennale di Milano, Italia,
in occasione della fiera I Saloni 2007, e al Coverings 2007
a Chicago, Illinois, la mostra si è poi trasferita al
Merchandise Mart per il NeoCon 2007.
Oltre alla seduta di ETRURIA design, progettata sulla base
della Sezione Aurea dall’affermato architetto modernista
Michael P. Johnson, con studio in Arizona, la mostra era
composta da altre otto sedute con rivestimento ceramico,
frutto del lavoro dei seguenti designer e architetti: Marco
Acerbis (StepbyStep), Michela e Paolo Baldessari (Leia),
Riccardo Blumer (Earthframe), Diego Grandi (Double C),
Giulio Iacchetti (Zerobench), Massimo Iosa Ghini (In Attesa),
Setsu & Shinobu Ito (Arrow), Paolo Ulian (Side Shadow).
I visitatori della manifestazione hanno potuto sperimentare
di persona la resistenza e comodità offerte da queste
sedute innovative. Con forme che spaziano da una struttura
ondulata simile alla panchina di un parco a una chaise
longue con schienale alto rivestita di tessere che
richiamano la pelle di coccodrillo, ognuna di queste
sedute in ceramica ha riscosso un grande successo
presso il pubblico della mostra.
PiX ha incontrato alcuni importanti operatori del settore,
a cui ha chiesto di esprimere un parere sulla mostra itinerante
Sit_Down_Please. In particolare, abbiamo domandato
loro se queste sedute potranno diventare prodotti fattibili
in futuro e quale mercato si possa intravedere per essi.
MILANO (18-23 aprile 2007)
Il rinomato architetto Mario Botta ha contribuito al progetto
con la creazione di Guscio, un gigantesco arco avanguardistico
sovrastante lo scalone della Triennale, interamente
realizzato con ceramiche innovative di Floor Gres.
Secondo il curatore Aldo Colonetti, “Salendo le scale al
suo interno, i visitatori della Triennale compivano una
sorta di percorso rituale dalla terra al prodotto, dal mate-
riale alla forma.” Uscendo dal Guscio in cima alle scale, i
visitatori raggiungevano il pianerottolo del piano ammezzato
dove potevano letteralmente sperimentare la mostra.
Fabio DiLiberto, Senior Design Strategist presso Design
Continuum di Milano, aggiunge, “Ho trovato la mostra
davvero affascinante, soprattutto per le insospettate
potenzialità della ceramica. Inizialmente ero piuttosto
scettico perché il rivestimento ceramico mi sembrava un
materiale freddo, apparentemente inadatto per realizzare
strutture su cui sedersi. Le sedute esposte hanno proposto
un’applicazione del tutto nuova e interessante, che a
mio parere può trovare una collocazione ideale in spazi
pubblici o all’aperto. I formati di maggiori dimensioni mi
sembrano particolarmente indicati, data la minore presenza
di giunti. Nel contesto della Triennale di Milano,
questa mostra è stata presentata soprattutto come allestimento
artistico, un po’ come sul piedistallo di un museo.
In futuro, mi piacerebbe vedere queste opere inserite in
giardino o nel bar della Triennale, dove le persone avrebbero
l’opportunità di utilizzarle realmente”.
Rita Catinella, Senior Product Editor per la rivista
Architectural Record Magazine afferma, “Credo che la
combinazione del rivestimento ceramico con le sedute
possa rappresentare un’idea di prodotto fattibile per usi
specifici, e penso soprattutto a bagni, bordi di piscine,
saune o centri benessere. Ritengo che le sedute in ceramica
offrano il duplice vantaggio dell’igiene e dell’impermeabilità,
ma gli architetti dovranno trovare soluzioni che
le rendano anche comode. Vedo spesso tavoli rivestiti in
ceramica nei punti vendita di arredamenti interni e trovo
che racchiudano in sé qualcosa di solido ed essenziale.”
COVERINGS (17-20 aprile 2007)
Al Coverings, la mostra, che esponeva sei delle nove
sedute, è stata allestita accanto allo stand principale di
Ceramic Tiles of Italy, quale completamento ideale delle
innovazioni nel campo della ceramica presentate nel
padiglione italiano. Nella sua nuova location di Chicago,
Coverings 2007 ha attirato un numero record di architetti
e designer (con un aumento di presenze dell’80% rispetto
alle precedenti edizioni) e richiamato una folta schiera
di giornalisti, desiderosi di condividere le ultime novità del
settore con la comunità del design.
Katie Weeks, Senior Editor di Contract Magazine dichiara
“Penso che mostre di questo tipo siano sempre di grande
impatto visivo alle fiere. Questi allestimenti solitamente
contribuiscono ad allargare i confini del consueto,
combinando l’impulso a reinterpretare oggetti o concetti
quotidiani con un mix di materiali inconsueti. Di conseguenza,
non sono più solo i designer dei prodotti a pensare
fuori dagli schemi, ma anche i visitatori, ispirati dalle
creazioni finali. Probabilmente non tutte le opere sono

La mostra Sit_Down_Please attraversa
l'Atlantico per stupire i professionisti del
design di due continenti.
Die ausstellung Sit_Down_Please bringt dies
und jenseits des atlantiks anregungen in die
designszene.
adatte a un contesto pratico, ma il concetto che sta alla
base di ciascuna di esse può portare a interessanti scoperte
strada facendo.”
Katie Weeks prosegue, “La fattibilità di queste sedute è
strettamente legata all’ambito in cui vanno inserite.
Dubito, ad esempio, che possano essere accolte in contesti
aziendali estremamente formali, tuttavia, data la crescente
presenza dell’arte sul posto di lavoro, l’offerta visiva
di queste sedute potrebbe inserirsi in un numero sempre
maggiore di spazi. Le immagino esposte tanto nei
punti vendita di arredamento quanto di rivestimenti ceramici,
anche se non so esattamente a chi spetterebbe di
gestirne la distribuzione.”
La Weeks conclude quindi, “Sono anche convinta che la
maggiore consapevolezza del grande pubblico in materia
di design, e del suo impatto sul nostro quotidiano, ci porterà
ad assistere a una commistione sempre più frequente
tra ceramica e arredamento, in quanto sia i designer
che i clienti tendono a convergere su un’unica angolazione.
Gli oggetti esclusivi (anche se in realtà prodotti in
serie) esercitano un tale fascino che qualcosa di assolutamente
nuovo come una seduta realizzata in ceramica ha
buone probabilità di attirare l’attenzione di molte persone”.
L’architetto Phu Hoang, attualmente titolare dello studio
Phu Hoang Architects con sede a New York e in passato
dello studio Bernard Tschumi Architects aggiunge,
“Come architetto, mi fa molto piacere assistere a un uso
nuovo e creativo di un materiale che inserisco spesso nei
miei progetti. La ceramica viene tradizionalmente considerata
una superficie architettonica, mentre la mostra ha
offerto spunti di riflessione sulle sue possibili applicazioni
a una scala e materialità completamente diverse.
Prosegue Hoang, “Date le qualità altamente tecniche
della ceramica italiana, penso che il prodotto si presti particolarmente
alla realizzazione di arredamenti esterni.
Immagino che potrebbe essere venduto presso punti
vendita di arredamento che commercializzano linee di
arredi per esterni. Essendo il design dell’arredamento a
scala umana, i rivestimenti ceramici offrono grandi possibilità
di mediazione tra le diverse scale. Le applicazioni a
larga scala della ceramica sono possibili grazie alla scala
relativamente piccola del modulo piastrella. Di conseguenza,
la flessibilità del rivestimento ceramico presenta
numerose opportunità di design, dalla scala dell’arredamento
a quella dell’architettura.”
Mario Paone, Presidente di Fyndit ed ex-CEO di Hastings
Tile, Il Bagno Collection dichiara, “Ho trovato la mostra
davvero magnifica – esteticamente pregevole e ben allestita.
È stato interessante vedere un prodotto che ho sempre
considerato “duro” reinventato come superficie “morbida”.
Davvero molto originale! Penso che queste sedute
sarebbero perfette in un contesto esterno o come pezzi
artistici di spicco in un allestimento interno. Sono talmente
colorate che valorizzerebbero qualunque ambiente dell’abitazione.
Stiamo assistendo a un ampliamento della
gamma di applicazioni della ceramica, ed è quindi naturale
che questo materiale venga richiesto sempre più spesso
per la produzione di arredi. È talmente decorativo che
si presta alla realizzazione di piani per tavoli, ecc.”
NEOCON (9-11 giugno 2007)
A seguito dello straordinario successo nazionale e internazionale
della mostra, le sei sedute provocatorie sono
state trasferite dal Coverings al padiglione ASCTEX del
NeoCon 2007 per un intrattenimento visivo. Allestita al
settimo piano dell’imponente Merchandise Mart, la
mostra ha rappresentato uno dei pezzi forti del salone,
richiamando al suo interno folle di visitatori per mini meeting
e coffee break.
Edie Cohen, Deputy Editor, Interior Design Magazine rileva,
“Considero le sedute esposte alla mostra dei veri e
propri pezzi artistici. Come materiale, la ceramica racchiude
un immenso potenziale. Le sue possibili applicazioni
nel campo dell’arredamento dipendono dalla visione
dei designer e dalle potenzialità del materiale. Le
sedute erano talmente favolose che le ho viste perfettamente
inserite in un design store estremamente curato.”
Cohen continua, “Ho trovato estremamente interessante
osservare come, sebbene la mostra Sit_Down_Please
sia stata pensata e allestita per essere un evento visivo, il
pubblico ne sia stato fisicamente coinvolto, facendo proprie
le sedute. I visitatori utilizzavano gli spazi come uffici
o aree di incontro a distanza, e invitavano altri visitatori a
entrare per pranzare insieme!”
Cathy Zekes, insegnante di Arti Visive a Columbus, Ohio,
replica, “Ho particolarmente apprezzato il contrasto tra i
colori e la linearità delle forme. Quanto penso a una seduta,
generalmente immagino un oggetto dalle linee curve.
Queste opere mi ricordano i lavori di Frank Lloyd Wright.
Non ho mai pensato di vedere la ceramica utilizzata in
questo tipo di applicazione. Lo svincolamento di questo
materiale dal tradizionale contesto del rivestimento per
pavimentazione lo rende interessante e stimolante!”
Le sedute esposte hanno realmente colpito il pubblico di
tutte le mostre. Qualunque nuovo concetto che spinga le
persone a riconsiderare assunti e applicazioni tradizionali
deve essere considerato un grande successo.
La mostra Sit_Down_Please sarà a Toronto in occasione
del Neocon il 27 e 28 settembre 2007.
PiX vi terrà aggiornati su ulteriori future location di questa
esposizione che ha suscitato tanto interesse nel pubblico.
La mostra Sit_Down_Please al
Palazzo della Triennale di
Milano.
Die Ausstellung Sit_Down_Please
im Palazzo della Triennale,
Mailand.
Mario Botta: Guscio.
33

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Show
La mostra Sit_Down_Please al
Coverings 2007 di Chicago.
Die Ausstellung Sit_Down_Please
auf der Coverings 2007 in
Chicago.
PiX möchte über die jüngst erfolgte Ausstellung „Sit_down_please“
berichten, die vom italienischen Verband der Keramikhersteller
Confindustria Ceramica im diesjährigen Frühjahr veranstaltet wurde.
Hierzu haben wir die Besucher der Messen, bei denen die Ausstellung
zu Gast war, zu ihren Reaktionen und Gedanken über die Verknüpfung
von Keramik und Einrichtungselementen befragt.
DIE URSPRÜNGE
Die Initiative geht auf das Jahr 2006 zurück. Confindustria beauftragte
damals, gemeinsam mit dem Ausstellungskurator Aldo Colonetti, eine
Gruppe von neun Designern und Architekten mit der Schaffung einer
Sitzmöbelserie mit Keramikverkleidung, um die Nutzungsvielfalt dieses
Materials aufzuzeigen. Die Zusammenarbeit mit dem berühmten
Architekten Mario Botta hat zu einer originellen und anregenden
Ausstellung geführt, die eine einzigartige Begegnung von Architektur,
Einrichtungsdesign und italienischer Keramik ist. Nachdem die Schau zur
gleichen Zeit auf der Mailänder Triennale in Italien anlässlich des
Rahmenprogramms I Saloni 2007 und auf der Coverings 2007 in
Chicago, Illinois, eröffnet wurde, reiste sie anschließend in den
Merchandise Mart zur NeoCon 2007 weiter.
Neben dem Sitzmöbel von Etruria, das im Goldenen Schnitt vom modernistischen
Architekten Michael P Johnson, der in Arizona sein Büro hat,
entworfen wurde, umfasste die Ausstellung weitere acht keramisch verkleidete
Sitzmöbel der folgenden Designer und Architekten: Marco
Acerbis (StepbyStep), Michela und Paolo Baldessari (Leia), Riccardo
Blumer (Earthframe), Diego Grandi (Double C), Giulio Iacchetti
(Zerobench), Massimo Iosa Ghini (In Attesa), Setsu & Shinobu Ito
(Arrow), Paolo Ulian (Side Shadow).
Die Besucher der Ausstellung konnten sich persönlich von der
Widerstandsfähigkeit und Bequemlichkeit überzeugen, die diese innovativen
Sitzgelegenheiten bieten. Mit Gestaltungen, wie eine parkbankähnliche
Wellenform oder eine Chaiselongue mit hoher Lehne, deren
Fliesenverkleidung eine Krokodillederoptik aufweist, fanden die
Kreationen bei den Besuchern einen großen Zuspruch.
PiX sprach mit einigen wichtigen Branchenvertretern und befragte sie
um ihre Meinung über die Wanderausstellung „Sit_down_please“.
Insbesondere wollten wir wissen, ob diese Sitzmöbel künftig
Produktionschancen haben und welcher Markt sich ihnen auftun könnte.
MAILAND (18.-23. April 2007)
Der renommierte Architekt Mario Botta trug zum Projekt mit der
Installation „Guscio“ bei, die als riesiger avantgardistischer Bogen den
Treppenaufgang der Triennale überspannte und vollständig aus innovativen
Keramikfliesen von Floor Gres gefertigt wurde.
Der Kurator Aldo Colonetti führt hierzu aus: „Wenn der Triennale-
Besucher die Treppen im Inneren des Bogens hinaufging, legte er einen
rituellen Weg von der Erde zum Produkt, vom Material zur Form zurück.“
Bei Heraustreten aus dem „Guscio“ am Ende der Treppe erreichten die
Besucher den Absatz des Zwischengeschosses, wo sie den Titel der
Ausstellung „Sit_down_please“ auch wörtlich nehmen konnten.
Fabio DiLiberto, Senior Design Strategist bei Design Continuum in
Mailand, setzt hinzu: „Ich fand die Ausstellung wirklich faszinierend, vor
allem aufgrund der unvermuteten Potentialitäten von Keramik. Anfangs
war ich eher skeptisch, weil mir die Keramikverkleidung als Material zu
kalt und für Sitzgelegenheiten eher ungeeignet erschien. Die ausgestellten
Sitzmöbel warteten mit einer völlig neuen und interessanten
Anwendungsmöglichkeit auf, die meines Erachtens ideal für den Einsatz
in öffentlichen Bereichen und im Freien ist. Die größeren Formate scheinen
mir besonders angebracht, weil weniger Fugstellen vorhanden sind.
Im Kontext der Mailänder Triennale wurde die Schau vor allem als
Kunstinstallation wie ein Museumsexponat präsentiert. In Zukunft würde
es mir gefallen, diese Werke im Garten oder im Café der Triennale zu
sehen, wo die Besucher sie auch wirklich benutzen können.“
Rita Catinella, Senior Product Editor der Zeitschrift „Architectural Record
Magazine“: „Ich glaube, dass die Kombination von Keramikverleidung
und Sitzmöbel als Produktidee für spezifische Anwendungen machbar
ist. Ich denke hier vor allem an Badräume, Schwimmbäder, Saunen und
Wellness-Zentren. Die Keramiksitze bieten mit Hygiene und
Wasserundurchlässigkeit gleich zwei Vorteile. Die Architekten müssen
allerdings Lösungen finden, um sie auch bequem zu machen. Ich sehe
in Läden für Innendesign häufig Tische mit Keramikverkleidung und
finde, dass sie etwas Solides und Wesentliches zum Ausdruck bringen.“
COVERINGS (17.-20. April 2007)
Auf der Coverings wurde die Schau, die sechs der neun Exponate zeigt,
neben dem Hauptstand von Ceramic Tiles of Italy eingerichtet und bildete
damit eine ideale Ergänzung zu den keramischen Innovationen, die im
italienischen Pavillon zu sehen waren. An ihrem neuen Veranstaltungsort
in Chicago lockte die Coverings 2007 eine Rekordzahl von Architekten
und Designern (mit einem Zuwachs von 80 % gegenüber den Vorjahren)
sowie eine große Schar von Journalisten an, die sich über die letzten
Designneuheiten der Branche informieren wollten.
Katie Weeks, Senior Editor der Zeitschrift „Contract Magazine“ erklärt:
„Ich glaube, dass Ausstellungen dieser Art auf Messen stets einen sehr
wirkungsvollen optischen Auftritt haben. Diese Installationen tragen im
Üblichen dazu bei, die Sichtgewohnheiten zu erweitern, indem sie
Alltagsobjekte oder -konzepte mit einem Mix aus ungewohnten
Materialien neu interpretieren. Daher sind es nicht mehr nur die Designer,
die unkonventionell denken, sondern auch die Besucher, die von den
Kreationen angeregt werden. Vermutlich sind nicht alle Werke für einen
praktischen Kontext geeignet, aber das ihnen jeweils zugrunde liegende
Konzept kann nach und nach zu interessanten Entdeckungen führen.“
Katie Weeks führt weiter aus: „Die Machbarkeit dieser Sitzmöbel ist fest
mit dem Umfeld verknüpft, in das sie eingefügt werden. Ich bezweifle
zum Beispiel, dass sie in einem extrem formellen Geschäftsambiente
Aufnahme finden können. Aufgrund der zunehmenden Präsenz von
Kunst am Arbeitsplatz könnte sich die Optik dieser Objekte in einer
zunehmenden Anzahl von Räumen integrieren. Ich kann sie mir sowohl
in Verkaufsstellen für Möbel als auch für Keramik vorstellen, wenngleich
ich nicht genau weiß, wer den Vertrieb übernehmen sollte.“
Zum Abschluss sagt Katie Weeks: „Ich bin auch überzeugt, dass das
größere Designbewusstsein der Kollektivität und die Auswirkungen des
Designs auf den Alltag zu immer häufigeren Berührungspunkten von
Keramik und Möbeldesign führen werden, da sich Designer und
Kunden in der Regel um die gleiche Perspektive bewegen. Exklusive
Objekte (obwohl sie in Wirklichkeit aus der Serienproduktion stammen)
üben eine derartige Faszination aus, dass etwas völlig neues wie ein
Sitzmöbel aus Keramik gute Chancen hat, die Aufmerksamkeit vieler
Leute auf sich zu ziehen.“
Der Architekt Phu Hoang, gegenwärtig Inhaber des Büros Phu Hoang
Architects in New York und in der Vergangenheit des Büros Bernard
Tschumi Architects, fügt hinzu: „Als Architekt freut es mich besonders, die
neuartige, kreative Verwendung eines Materials zu sehen, das ich häufig
in meine Projekte einfüge. Keramik wird traditionell als eine architektonische
Oberfläche betrachtet, während die Ausstellung Denkanstöße für
Anwendungsmöglichkeiten auf einer völlig anderen Ebene und mit einem
ganz anderen Materialcharakter gibt.“
Phu Hoang weiter: „Aufgrund der hohen technischen Qualitäten der italienischen
Keramik denke ich, dass sich das Erzeugnis besonders für
die Freiraumausstattung eignet. Ich kann mir vorstellen, dass es in

Golden Ratio Bench. Dettaglio
della seduta realizzata con i prodotti
ETRURIA design.
Golden Ratio Bench. Detail des
Sitzmöbels, das unter Verwendung
von Erzeugnissen der Marke ETRU-
RIA design angefertigt wurde.
Einrichtungsverkaufsstellen angeboten werden kann, die
Freiraumausstattungen verkaufen. Da das Möbeldesign einer menschlichen
Größenskala entspricht, bieten die keramischen
Fliesenverkleidungen große Möglichkeiten für die Vermittlung zwischen
den diversen Skalen. Die skalenübergreifenden Anwendungen der
Keramik sind aufgrund des relativ kleinen Maßstabes des
Fliesenmoduls möglich. Demnach bietet die Flexibilität der
Keramikverkleidung zahlreiche Möglichkeiten für das Design, beginnend
bei Möbeln bis hin zur Architektur.“
Mario Paone, Präsident von Fyndit und ehemals CEO von Hastings Tile, Il
Bagno Collection, erklärt: „Die Ausstellung war wirklich wunderbar –
sowohl optisch ansprechend als auch gut eingerichtet. Es war interessant,
ein Produkt, dass ich immer als „hart“ betrachtet habe, als „weiche“
Fläche zu sehen. Wirklich sehr originell! Ich glaube, dass diese
Sitzgelegenheiten in einem Außenbereich oder als prägnante
Kunstobjekte in einer Inneneinrichtung perfekt wären. Aufgrund ihrer
Farbigkeit werten sie jedes Wohnambiente auf. Die Anwendungsbereiche
für Keramik erweitern sich, daher ist es nur selbstverständlich, wenn dieses
Material immer häufiger für Möbel gefragt ist. Es ist derart dekorativ,
dass es sich für Tischplatten und ähnliches eignet.“
NEOCON (9.-11. Juni 2007)
Im Zuge des außerordentlichen nationalen und internationalen Erfolgs der
Ausstellung, wurden die sechs provokatorischen Sitzmöbel als visuelles
Highlight von der Coverings zum ASCTEX-Pavillon auf die NeoCon 2007
geschickt. Als Ausstellung im siebenten Geschoss des imposanten
Merchandise Mart zählte die Schau zu den Attraktionen der Messe, die
Scharen von Besuchern zu kleinen Gesprächen und Pausen anlockte.
Edie Cohen, Deputy Editor der Zeitschrift „Interior Design Magazine“ meint
hierzu: „Ich betrachte die ausgestellten Sitzgelegenheiten als echte
Kunstobjekte. Als Material hat die Keramik ein riesiges Potential. Ihre
Anwendungsmöglichkeiten im Bereich der Einrichtungsgegenstände sind
abhängig von der Vision des Designers und den Materialeigenschaften.
Die Sitzmöbel waren so herrlich, dass sie im Ambiente eines äußerst gepflegten
Design-Stores genau passen würden.“
Cohen führt weiter aus: „Ich fand die Beobachtung äußerst interessant,
dass die Ausstellung „Sit_down_please“ ja eigentlich als visuelles Event
konzipiert und aufgebaut wurde und die Besucher trotzdem physisch
angesprochen wurden und es sich bequem machten. Die Besucher
nutzten den Bereich als ausgelagerte Büro- und Beratungsräume und
luden andere Besucher ein, einzutreten und gemeinsam zu lunchen!“
Cathy Zekes, Dozentin für Visual Arts in Columbus, Ohio, meint: „Mir hat
besonders der Kontrast zwischen den Farben und den linearen Formen
gefallen. Wenn ich an ein Sitzmöbel denke, dann stelle ich mir generell ein
Objekt mit geschwungenen Linienführungen vor. Diese Werke erinnern
mich an Frank Lloyd Wright. Ich hätte nie gedacht, Keramik in diesem
Anwendungsbereich zu sehen. Die Loslösung des Materials vom traditionellen
Kontext des Bodenbelags macht es interessant und anregend!”
Die ausgestellten Sitzobjekte haben die Besucher der Ausstellungen wirklich
beeindruckt. Jedes neue Konzept, das Personen zum Überdenken
traditioneller Gegebenheiten und Anwendungen zwingt, ist als ein großer
Erfolg anzusehen.
Die Ausstellung „Sit_down_please“ wird vom 27. bis 28. September
2007 anlässlich der Neocon in Toronto zu sehen sein.
PiX wird Sie über weitere künftige Veranstaltungsorte dieser erfolgreichen
Ausstellung informieren.
PiX Club è la nuova iniziativa di ETRURIA design
tesa ad implementare il coinvogimento dei professionisti,
come ulteriore sviluppo di una delle principiali
finalità per cui PiX è nato e continua a crescere.
PiX Club si inserisce nella serie di nuove iniziative
di comunicazione e visibilità che includono tra l’altro
il rinnovamento delle pagine web.
Compilando il breve questionario on-line presente
sul sito www.etruriadesign.it è possibile iscriversi a
PiX Club ed ottenere una serie di servizi esclusivi
dedicati ai membri:
- essere informati di eventi e notizie in anteprima;
- consultare l’anteprima digitale della copia dei nuovi
numeri di PiX;
- ricevere materiale specificatamente studiato;
- consultare il Listino Prezzi in vigore;
- trovare le voci di capitolato per tutti i prodotti ETRU-
RIA design;
- avere accesso ad un’area riservata sul sito, in cui
presto sarà possibile scaricare la libreria dei prodotti
in 3d, per l’utilizzo nei programmi di progettazione;
- disporre di uno spazio web personale in cui pubblicare
i propri progetti e realizzazioni con ETRURIA design;
- essere coinvolti nelle iniziative che saranno progressivamente
varate dall’Azienda con la consulenza
scientifica di Design&Sinergie.
PiX Club ist die neue Initiative von ETRURIA design und ist
dem Dialog mit der Fachwelt gewidmet, womit er das
Hauptanliegen und die Grundidee von PiX in einer erweiterten
Form aufgreift. PiX Club fügt sich in eine ganze
Reihe von neuen Kommunikations- und Werbeinitiativen, die
unter anderem auch einen überarbeiteten Internetauftritt
umfassen. Wer Clubmitglied werden möchte, braucht lediglich
ein kurzes Online-Formular auf www.etruriadesign.it
auszufüllen. Den Mitgliedern des PiX Club werden die folgenden
exklusiven Services geboten:
- Vorabinformationen über Events und Neuheiten;
- Digitale Voransicht der neuen Ausgaben von PiX;
- Zusendung von spezifisch erarbeitetem Material;
- Einblick in die gültige Preisliste;
- Ausschreibungstexte für alle Produkte von ETRURIA design.
- Zugang zu einem beschränkten Benutzerbereich im
Internet, der demnächst das 3D-Produktarchiv zur
Benutzung in Planungsprogrammen bereitstellt;
- Persönlicher Webspace für die Präsentation eigener Projekte
und Objekte, die mit ETRURIA design umgesetzt wurden;
- Teilnahme an Initiativen, die vom Unternehmen mit der wissenschaftlichen
Beratung von Design&Sinergie gestartet werden.
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Rassegna Stampa
Creativitiles: la ceramica materia prima per la creatività
Pressestimmen. Creativitiles: Keramik als Rohstoff für die Kreativität
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Press
Il CERSAIE festeggia quest’anno il suo
25° anniversario con la mostra
“Creativitiles”, allestita nel Quartiere
Fieristico di Bologna dal 2 al 6 ottobre,
in concomitanza con lo svolgimento
del Salone.
Die CERSAIE feiert in diesem Jahr
mit der Ausstellung „Creativitiles“,
die vom 2. – 6. Oktober auf dem
Messegelände in Bologna
besucht werden kann und zeitgleich
zur Messe veranstaltet wird,
ihr 25-jähriges Jubiläum.
Il progetto “Creativitiles” che si svilupperà su una superficie
di 600 mq, si sintetizza in una mostra promossa da
Confindustria Ceramica e organizzata da Edi.Cer. spa.
La mostra, che avrà come curatore artistico il Prof. Enrico
Manelli - Direttore dell’Accademia di Belle Arti di
Ravenna, ha l’intento di contestualizzare il prodotto ceramico
in ambiti inesplorati e quasi surreali, a prova del
fatto che la piastrella di ceramica è un prodotto così completo
e poliedrico che può prestarsi ad interpretare le più
diverse suggestioni ed atmosfere.
Per avvalorare questa idea, si è scelto di estrapolare il
concetto ed utilizzare prodotti ceramici già in commercio
per ricreare l'atmosfera di alcune famose opere pittoriche,
trasformandole in ambientazioni in cui le due realtà -
quella “artistica” e quella “industriale” - convivono in
maniera sinergica; non si tratta di pedisseque riproduzioni
di opere d’arte, ma di originali interpretazioni artistiche
giocate fra scenografia e trompe-l’oeil.
Tra le 16 opere realizzate con piastrelle di ceramica italiane
ricordiamo Il Bacio di Gustav Klimt, Jeanne Hebuterne
di Amedeo Modigliani, Soldier of the first division di
Kazimir Malevic, Notte stellata di Vincent Van Gogh.
La produzione tridimensionale di ETRURIA design si
cimenta nella reinterpretazione della Sfera a settantadue
facce e punte di Paolo Uccello (1397-1475), che viene
ricreata attraverso la composizione dei differenti formati
della piastrella diamantata.
Das Projekt „Creativitiles“, das ein Areal von 600 m 2 in Anspruch nehmen
wird, wird von Confindustria Ceramica veranstaltet und von
Edi.Cer. spa organisiert. Die Ausstellung, deren Kurator Prof. Enrico
Manelli, Direktor der Akademie der Schönen Künste in Ravenna, ist,
will das Keramikerzeugnis in bisher unerforschte und nahezu surreale
Kontexte bringen. Damit soll belegt werden, dass die Keramikfliese
aufgrund ihrer Vollendung und Mannigfaltigkeit auch die unterschiedlichsten
Themen und Atmosphären umsetzen kann. Um dieser Idee
Gestalt zu verleihen, wurde das Konzept erarbeitet und beschlossen,
bereits im Handel befindliche Keramikerzeugnisse zu verwenden, mit
denen das Flair einiger berühmter Gemälde in einem Ambiente
nachgestaltet werden sollte, in dem zwei Welten – die „künstlerische“
und die „industrielle“ Welt – synergisch zusammenleben. Es handelt
sich nicht um bloße Reproduktionen von Kunstwerken, sondern um
originelle künstlerische Umsetzungen, die auf szenografische Effekte
und die Trompe-l’Oil-Technik zurückgreifen. Zu den 16 Werken, die
aus italienischen Keramikfliesen angefertigt wurden, zählen unter
anderem „Der Kuss“ von Gustav Klimt, „Jeanne Hébuterne“ von
Amedeo Modigliani, „Soldat der ersten Division“ von Kasimir
Malewitsch und „Sternennacht“ von Vincent Van Gogh genannt. Die
dreidimensionale Keramik von ETRURIA design wurde für eine
Neuinterpretation des Sternpolyeders von Paolo Uccello (1397-1475)
verwendet, das durch die Zusammensetzung von unterschiedlichen
Formaten der facettierten Fliese neu erschaffen wurde.

PiX_6 a cura di/ von:
Paolo Martegani
Giulia Ligabue
Ghisi Grütter
Lucia Nigri
Mauro Corsetti
Architetto, docente dell'Università degli Studi Roma Tre, si occupa di progettazione architettonica, design e Information Communication
Technology. Ha organizzalo alcune mostre e collaborato con numerose riviste. Tra le pubblicazioni: "architettura, componente, computer".
“Digital Design. New Frontiers for the Objects". Coordina l'iniziativa "Design&Sinergie". Ha fondato e curato dal 2002 al 2005 la rubrica “design”
su AR. periodico dell'Ordine degli Architetti di Roma. La pubblicazione più recente “Digital Habitat, evolving architecture international network”.
È membro dell’ADI - Associazione per il Disegno Industriale.
Architekt, Dozent an der Università degli Studi Roma Tre, beschäftigt sich mit architektonischer Planung, Design und Information Communication
Technology. Er hat zahlreiche Ausstellungen organisiert und an zahlreichen Zeitschriften mitgearbeitet. Neuste Veröffentlichungen sind: “architettura,
componente, computer” [Archichtektur, Einrichtungsobjekt, Computer], “Digital Design. New Frontiers for the Objects”. Er koordiniert
die Initiative “Design&Sinergie”. Er gründete und besorgte von 2002 bis zu 2005 die Rubrik “Design” der Zeitschrift AR, dem Organ der
Römischen Architektenkammer. Die neueste Veröffentlichung “Digital Habitat, Evolving Architecture International Network”. Er gehört dem ADI,
dem Verband für Industriedesign, an.
martegan@uniroma3.it
Laureata in Economia e Marketing Internazionale presso l'Università degli Studi di Modena e Reggio Emilia. Responsabile Marketing e
Comunicazione ETRURIA design.
Hochschulabschluss in Internationaler Betriebswirtschaft und Marketing an der Università degli Studi di Modena e Reggio Emilia. Leiterin der
Abteilung Marketing und Kommunikation bei ETRURIA design.
marketing@etruriadesign.it
Architetto e Professore Associato di Disegno presso la Facoltà di Architettura dell’Università degli Studi Roma Tre dove insegna Disegno
dell’Architettura, Percezione e comunicazione visiva e Tecniche di Rappresentazione; svolge attività di ricerca e di didattica post-lauream presso il
Dipartimento di Progettazione e Studio dell’Architettura. È autrice di numerosi libri e saggi, tra cui si ricorda Disegno e Immagine tra comunicazione
e rappresentazione, Kappa edizioni, Roma 2006, e di articoli per le riviste "Disegnare, idee, immagini", “AR” e "Controspazio".
Architektin und außerordentliche Professorin an der Fakultät für Architektur der Università degli Studi Roma Tre in den Fächern
Architekturzeichnung, Visuelle Wahrnehmung und Kommunikation und Darstellungstechniken; Forschungs- und Unterrichtstätigkeit post-lauream
bei der Fachabteilung für Architekturplanung und -forschung. Autorin zahlreicher Bücher und Aufsätze, darunter „Disegno e Immagine
tra comunicazione e rappresentazione“ (Kappa Edizioni, Rom 2006) und von Artikeln für die Zeitschriften „Disegnare, idee, immagini“, „AR“
und „Controspazio“.
grutter@uniroma3.it
Architetto scenografo, vive a Roma. Insegna presso il Corso di Laurea in Disegno Industriale della Facoltà di Architettura “L. Quaroni” dell’Università
di Roma “La Sapienza”. Da anni si occupa di Scenografia Televisiva e delle sue influenze nell’architettura degli interni, dei materiali, delle tecniche
costruttive scenografiche e dell’arredamento. Numerose le pubblicazioni di arredamento e di allestimento televisivo. Ha pubblicato “Cappellini e
Licheri, segni e disegni di sogni”, Kappa edizioni, 2001.
Architektin und Szenografin, lebt in Rom. Lehrtätigkeit im Diplomkurs für Industriedesign an der Fakultät für Architektur „L. Quaroni“ der
Universität „La Sapienza“ in Rom. Sie beschäftigt sich seit Jahren mit Fernsehszenografie und deren Einfluss auf das Innenraumdesign, die
Materialien, die szenografischen Bautechniken und die Einrichtung. Zahlreiche Veröffentlichungen zum Thema Einrichtung und TV-Design.
Autorin von „Cappellini e Licheri, segni e disegni di sogni“ (Kappa Edizioni, 2001).
Architetto, dottore di ricerca in “Progettazione Ambientale” presso il dipartimento Itaca dell’Università degli Studi di Roma "La Sapienza".
Si occupa di allestimento ed architettura alla piccola scala. Nel DIPSA dell’Università degli Studi Roma Tre partecipa all'iniziativa
“Design&Sinergie”. Insegna presso il corso di Laurea in Disegno Industriale della Facoltà di Architettura dell'Università degli Studi di Roma “La
Sapienza” e collabora al corso di Allestimento della Facoltà di Architettura dell'Università degli Studi Roma Tre. Ha pubblicato il libro
“BrandProject - La progettazione degli spazi espositivi nell'era del franchising” ed articoli su libri e riviste di settore.
Architekt mit Promotion in „Umweltplanung“ im Fachbereich Itaca an der Universität “La Sapienza” in Rom. Er beschäftigt sich mit Ausstellungsgestaltung und
Architektur im kleinen Maßstab. Bei der DIPSA der Universität Roma Tre nimmt er an der Initiative “Design&Synergien” teil. Er hält Vorlesungen im Studiengang
Industriedesign an der Fakultät für Architektur der Universität “La Sapienza” in Rom und ist Mitarbeiter des Studiengangs “Ausstellungsgestaltung” an der
Fakultät für Architektur an der Universität Roma Tre. Er hat das Buch “BrandProject- La progettazione degli spazi espositivi nell'’era del franchising”
[BrandProject-Die Planung von Ausstellungsräumen in der Ära des Franchising” und Artikel in Büchern und Zeitschriften des Sektors veröffentlicht.
design@uniroma3.it
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Auslandskorrespondentenbericht
Il design del prodotto industriale
Industriedesign
Componenti per l’architettura
Komponenten für die Architektur
nel prossimo numero:
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