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Capire cosa stai ascoltando di Alessandro Un argomento spesso sottovalutato, quando si parla di dar un giudizio sulla qualità di mixing e master, è la compressione. Il compressore è uno strumento che nella maggior parte dei casi limita o riduce (ma può anche espandere) il rapporto dinamico di un brano. Per spiegarla all’uomo della strada si potrebbe dire che se una traccia audio ha livelli di volume sia alti che bassi il compressore fa come un contrappeso che spinge in giù il segnale in maniera selettiva alzando di conseguenza quelli più deboli. Questo avviene attaverso il threshold, o “soglia” in italiano, che è la quantità di rumore a partire dal quale il compressore inizia ad agire. Pensiamo ad percussionista che scuote una sola volta una maracas o a una nota fatta con la chitarra. Abbiamo un hit iniziale, un colpo, che probabilmente nella maggior parte dei casi è più forte del suono che viene dopo ad esso. Con un compressore si può ridurre l’impatto iniziale e alzarne la coda o abbassare anche entrambe. Funziona proprio come se il segnale venisse spinto in giù da un peso: superato il thereshold inizia ad agire il ratio che è la misura della forza che viene applicata per fermare il segnale. Con un rapporto oltre il 10:1 il compressore viene definito limiter, perché limita del tutto e quindi taglia di netto qualsiasi suono oltre la soglia. Molto più comune è invece sentire musica compressa 2:1, ovvero con una riduzione della metà del volume, che fa passare comunque 1db ogni 2. Infine si inserisce il Make-up Gain, che non ha niente a che vedere con ombretto fondotinta o rossetto, ma che serve semplicemente ad ri-aggiungere volume al suono processato. Questo strumento di produzione viene usato dappertutto e quasi sempre viene usato più di una volta. La batteria e il basso sono strumenti che solitamente passano per questo processo e lo stesso per la traccia finita. Ma la parola compressione ha acquistato nel corso degli anni una sorta di accezione negativa, associata soprattutto al mondo della compressione dei file. Un file MP3 si sente peggio dell’originale su CD e se chiedete perché ad un esperto aspettatevi la risposta è per via della compressione. Ma la compressione in musica non serve a far occupare meno spazio agli strumenti come invece è per la compressione dei file. Serve soprattutto a rendere più amalgamati gli stessi e viene anche utilizzata per motivi artistici. Prendiamo per esempio She Said She Said dei Beatles. Il compressore impostato sui piatti della batteria di Ringo qui è utilizzato in modo che l’attacco, ovvero il tempo in millisecondi prima che l’effetto entri in funzione, sia velocissimo e annientando praticamente l’impatto iniziale delle bacchette, in modo da mantenere solo la coda. Questo ha un specifico scopo ed è un antentato del reversed crash oggi usato in tutta la musica EDM. Nella Italo Disco e nel Funk utilizzavamo tempi di attacco molto più lenti, per far arrivare il colpo iniziale il più possibile prima di livellarlo, in modo da avere un brano pulito ma molto dinamico e aggressivo. Questa differenza dipende dall’estetica stessa del brano. Il fascino e
il mistero più grande di questo strumento di registrazione però è come mai i fonici pensano, visto tutti questi esempi, che per usarla bene la compressione deve essere SEMPRE invisibile. Non è del tutto vero. Se è vero che un attacco molto veloce del compressore può cancellare le piccole imperfezioni umane del musicista è anche vero, io credo, che utilizzare un effetto per correggere una mancanza di un musicista abbia poco senso. Delle due si cambia il musicista. Molta musica pop americana cade in questo errore. Da quando le grandi radio hanno iniziato a sponsorizzare per lo più musica frastornante in termini volume, sì è creata un po’ l’esigenza nelle case di produzione di spingere il più possibile il master del brano sempre al limite, appena sotto la distorsione vera e propria. Ma farlo di nascosto, in sordina, rinnegando poi di aver mai utilizzato tali metodi o anche solo sentiti per caso, manco sia la peste, non è la soluzione migliore. Non si fa partecipare emotivamente l’ascoltatore e non accresce in nessun modo il suono. Come nel cinema anche per gli effetti audio vale la regola se non è strettamente necessario non metterlo. Con il passare dei decenni però sono state anche molte le sperimentazioni che hanno permesso di ottenere un suono originale e estetico da questo trend. Come Elvis usava il delay reverb per creare l’ipnotica melodia volcale della sua versione di Blue Moon ecco che una sperimentazione dei limiti aggressivi della compressione ci ha portato il suono dei Death Grips per cui il gruppo è tanto riconosciuto. Sporco, esagerato, pieno, diretto in faccia come un cazzotto, che arriva e stordisce l’ascoltatore come un tuono. Usato con vari settaggi diversi ma sempre onnipresente nelle composizioni del trio hardcore hiphop questa caratteristica ha fatto sì che la violenza di musica e testi venga trasportata anche nell’immediato del mixaggio creando un muro del suono che è riconoscibile subito tra tanti altri. Siccome applicando una compressione audio si vanno ad accentuare rumori di sottofondo, riverberi naturali ed armoniche degli strumenti è stato utilizzato con efficacia anche nel campionamento, per rendere più apparente all’ascoltatore dove il sample finisce e viene loopato sviluppando una trance del tutto analogica e umana, come per il montaggio analogico fatto con le forbici. Questo è utilizzatissimo nella Techno vecchia scuola e nella French House dove la compressione diventa fondamentale anche sulla grancassa per arricchirla di armoniche e alle volte saturazione. Ma dobbiamo ricordarci che in quasi tutti gli altri casi di musica mainstream avere un corretto rapporto tra momenti di quiete sonora e assordante caos è fondamentale, specie se comprimere all’inverosimile non incrementa le qualità di un brano ma serve solo a farsi accettare alla radio locale. Ricordo ancora il primo momento in cui capì veramente qual’era il vero scopo di avere un range dinamico alto nelle canzoni. Era la prima di molte volte che ascoltavo Amarok l’album uscito nel 1990 dal genio di Mike Oldfield, tuttora il mio album preferito. Dopo 25 secondi di una melodia molto “lazy” e arpeggiata suonata con un volume bassissimo entrano degli “stab” (pugnalate) di chitarra elettrica a violentare le orecchie dell’ascoltatore. Un gesto che va visto come un affronto di Oldfield e che io cito spesso come uno dei momenti più incredibili della musica del novecento.
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