BienNoLo 2019

BienNoLo
Eptacaidecafobia
a cura di ArtCityLab, Matteo Bergamini e Carlo Vanoni
postmedia●books

ArtCityLab
2501
Stefano Arienti
Mario Airò
Elizabeth Aro
Francesco Bertelè
Stefano Boccalini
Marco Ceroni
The Cool Couple
Vittorio Corsini
Carlo Dell’Acqua
Serena Fineschi
Giovanni Gaggia
Giuseppina Giordano
Riccardo Gusmaroli
Sergio Limonta
Loredana Longo
Iva Lulashi
Massimo Kaufmann
Francesca Marconi
Alessandro Nassiri
Adrian Paci
Federica Perazzoli
Matteo Pizzolante
Premiata Ditta
Alfredo Rapetti Mogol
Margherita Morgantin
Sara Rossi
Alessandro Simonini
Monica Sgrò
Ivana Spinelli
T-yong Chung
Eugenio Tibaldi
Luisa Turuani
Massimo Uberti
Vedovamazzei
Bea Viinamäki
Italo Zuffi
Artisti progetto “Mi abito”:
Francesco Bertelé, Francesca
Marconi, Farmacia Wurmkos,
Margherita Morgantin, Clara Rota
PRATICHE URBANE:
Scuola di Santa Rosa: Luigi Presicce
e Francesco Lauretta
PERFORMANCE:
Stefano Arienti, Margaux Bricler,
Marco Ceroni, Laura Cionci,
Carlo Dell'Acqua, Giulio Lacchini,
Francesca Marconi, Pawel und
Pavel, Bea Viinamäki.
Segreteria organizzativa
ArtCityLab
Coordinamento
ArtCityLab, Chiara Rosati
Logistica
ArtCityLab, Enrico Bongiorno
Ufficio stampa
PCM Studio di Paola C. Manfredi
Fotografie
Fabrizio Stipari, Yayzaveda
Bohachova, Adrienne Lawson,
Angela Maderna, Laura Maggiore,
Chiara Rosati, ArtCityLab
Il logo di BienNoLo è di Riccardo
Gusmaroli
BienNoLo è un marchio registrato
col numero 302018000024783
BienNoLo. Eptacaidecafobia
a cura di ArtCityLab, Matteo Bergamini e
Carlo Vanoni
© 2019 Postmedia Srl, Milano
www.postmediabooks.it
ISBN 9788874902835

BienNoLo
Eptacaidecafobia
a cura di ArtCityLab, Matteo Bergamini e Carlo Vanoni
postmedia books

Abbracciare il paesaggio
Abbracciare il visibile e l’invisibile, come nel
“tramonto in cattività” di Francesco Bertelé, che
si rivela solo per mezz’ora al giorno nel passaggio
tra il calare del sole e l’arrivo della sera, nato in
stretto dialogo con l’installazione Mediterraneo di
Sara Rossi, combinazione di 35 metri di cartoline
postali, ideale landscape ottico. Un omaggio alla
natura tra il reale e l’onirico è il tema della scultura
in vetro blu di Vittorio Corsini, mentre Adrian Paci
pone lo spettatore in condizione di contemplare
la vegetazione spontanea dell’ex spazio Cova in
quello che possiamo considerare un unico invisibile
abbraccio fra uomo e natura.
Muffe, camouflage e trasformazione
All’interno del percorso espositivo si trovano delle
opere che, per loro natura, nascono effimere e
transitorie come nello storico intervento di coloritura
delle muffe di Stefano Arienti, o nello skyline di Milano
realizzato in occasione di RAID, nel 2017, di Eugenio
Tibaldi. All’ex spazio Cova nascono, crescono e
si colorano non solo le muffe ma anche le opere,
ricordandoci che l’arte spesso ci racconta di visioni
e non per forza di materia, come nell’intervento di
Mario Airò che crea una relazione fra una vecchia
tabella educativa aziendale e i muri che la ospitano.
La forma delle parole
Tutti conoscono il peso delle parole, soprattutto
quando vengono scritte, ma non tutti ne conoscono
la forma o ne ricercano la struttura: Alessandro Nassiri
Tabibzadeh incide a mano su un vecchio specchio
una frase che ci parla di razzismo, parole invisibili che si
riflettono in chi si guarda; parole reticenti invece quelle
dell’opera di Margherita Morgantin nascoste alla
vista di chi non sa cercare. La parola “dono” diventa
un campo dove coltivare la diversità nell’intervento
di Stefano Boccalini, mentre V for Victory di Loredana
Longo parte dall’idea di mettere insieme immagini o
elementi in netta antitesi: gli estremi possono sempre
incontrarsi e dare un senso nuovo alle immagini
precostituite. Lo sconfinamento è il primo passo di
una civiltà ci ricorda Giovanni Gaggia ricamando
su una coperta grigia dell’esercito tedesco la parola
Presentazione di BienNoLo all'Hug - 28 febbraio 2019 e al
Mercato Comunale Crespi - 30 aprile 2019

SCONFINARE, in cui lo sconfinamento non presuppone un luogo ma un movimento
costante e un processo che si sviluppa intorno alla bellezza della parola condivisa. Per
tutta la durata della manifestazione il pubblico interagisce con l’artista rispondendo
alla domanda "Qual è stato l’avvenimento più importante della tua vita che ti ha spinto
a fare la valigia?" Partner attiva del progetto è RadioNoLo.
Metodo, materia e meditazione
I processi di metodo prevedono pratiche che potremmo quasi definire meditative in cui
l’artista sviluppa l’opera processando la materia: T-Yong Chung recupera e dà nuova
vita a oggetti provenienti da fabbriche abbandonate attraverso un’azione costante
sulla superficie degli stessi, utilizzando carta vetrata rimuove la ruggine del tempo,
restituendo loro una nuova funzione; un incessante corpo a corpo con la materia
caratterizza invece l’intervento di Serena Fineschi che realizzerà un’opera che cita
l’Action painting: un grande dripping di chewing-gum masticati e sputati, tentativo
di trasformare, provocare, assimilare e ricomporre la materia. L’intervento ambientale
di 2501 evidenzia un processo creativo in cui il segno pittorico, la tensione del gesto,
il movimento circolare e continuo come in un loop trasformano la materia, lo spazio,
la superficie e l’architettura stessa, in un rito dove artista e luogo si fondono attraverso
quella che potremmo definire una pittura automatica.
Inquietudine relazionale
La colonna di cemento e perlite installata da The Cool Couple è un monumento
che il pubblico è invitato a prendere a mazzate, trasformandolo in una scultura
modellata attraverso la veemenza. Laura Cionci invita lo spettatore a partecipare al
racconto, all’incontro, allo scambio e al confronto sullo stato dell’essere tra dolore,
consapevolezza, vita e morte.
Soggetto/Oggetto
Attraverso la metamorfosi di alcune carene di scooter Marco Ceroni crea sculture in
bilico tra demoniaco e animale, innescando così un cortocircuito continuo tra reale
e verosimile, tra quotidiano e perturbante; Sergio Limonta, in Solo la bandiera, lascia
aperte allo spettatore infinite possibilità di interpretazioni sui simboli e sul concetto di
monumento contemporaneo. Storno di Vedovamazzei, opera del 1995, riflette sul
delirio di onnipotenza: chi vuole volare troppo alto rischia, in questo caso, uno schianto
tra il tragico e l’ironico. Italo Zuffi, con l’opera Rarefatto, invece ci pone di fronte a
una natura morta “mimetica” in cui materiale e soggetto riscrivono la relazione tra
significante e significato. Federica Perazzoli costruisce un’opera (casa-autoritratto) dal
titolo All I need: un ambiente domestico dove lo spettatore potrà accedere ma anche
un involucro contenente il “minimo” contro la bulimia della vita contemporanea.
Antropologie del trauma
Attraverso la disposizione forzata in verticale di una parete di cactus, Carlo Dell’Acqua
ci pone di fronte al concetto di resistenza al trauma, che se non affrontato diventa
stato allucinatorio. Le quattro sculture in vetro di Massimo Kaufmann riproducono
alcuni frammenti del corpo sezionato di un condannato a morte, utilizzati per costruire

un atlante anatomico online. Un lungo filo spinato nel quale
sono inseriti boccioli di rosa rende meno respingente la paura
del confine nell’opera di Giuseppina Giordano. E di confini e
attraversamenti, di sradicamento e cronache ci parla anche
Riccardo Gusmaroli, con un intervento realizzato per gli
spazi esterni dell’ex spazio Cova, attraverso l’uso di coperte
termiche e cerotti. Nei quadri di Iva Lulashi viene invece
mixata l’iconografia erotica e quella di regime attraverso
l’immagine di alcune donne seminude, in riferimento anche
a questioni omofobiche.
Geografie e tag
Se Città ideale di Massimo Uberti ci racconta del desiderio
dello spazio urbano immaginario, attraverso un’installazione
di duecento candele quotidianamente accese, Cartografia
dell’Orizzonte di Francesca Marconi indaga lo spazio del
confine umano/geografico facendo dialogare territorio e
persone, ricordandoci l’attraversamento come incontro. Con
Elizabeth Aro tutti i continenti hanno perso la loro collocazione
e convergono irrimediabilmente, vorticosamente verso
sud, come a sottolineare la perdita dei punti di riferimento;
Premiata Ditta costruisce, invece, una topografia di tags
attraverso la mappatura di una serie di odori registrati nel
quartiere di NoLo.
Vertigo
L’ipocondria è il tema scelto da Alessandro Simonini, che
attraverso una vecchia scatola del primo soccorso resa
specchiante, ci costringe di fronte al nostro ritratto, alla
nostra stessa paura della fine. Stand Up di Matteo Pizzolante
è una trasformazione scultorea della climacofobia, la paura
delle scale, che caratterizzava le scene di Vertigo di Alfred
Hitchcock. Nell’ipercinetica epoca contemporanea, Luisa
Turuani ci pone di fronte alla paura della lentezza. Bea
Viinamaki, con un atto performativo, riflette su creazione,
nascita e identità, mentre Alfredo Rapetti Mogol trasformerà
il seminterrato di ex spazio Cova in uno spazio al limite tra
sacro e profano.
Le iniziative fuori BienNoLo
Venerdì 3 maggio: Carlo Vanoni spiega Marcel Duchamp
e Lucio Fontana dando appuntamento al pubblico alla
pensilina (numero 12256) della fermata dell’autobus 56 di via
Padova.
Allestimento di BienNoLo, 13-16 maggio 2019

BienNoLo Border. Manifesti
Sui muri perimetrali della facciata dell’ex Laboratorio
Panettoni Giovanni Cova di via Popoli Uniti 11 vi sarà una
mostra “urbana” visibile 24 ore su 24 che comprenderà dieci
manifesti dalla forte iconografia, realizzati da altrettanti artisti
(i nomi saranno svelati il 17 maggio), sul tema dei confini,
realizzati con torchio offset grazie alla partnership di Paolo
Nava Studio e alla supervisione degli artisti.
Al Mercato Comunale Crespi Ivana Spinelli, per tutta la
durata di BienNoLo, dispone un “banco relazionale” che
ridisegna per ri-concettualizzare l’idea di “mercato” e il suo
rapporto con pubblico, società e cultura. Il banco diventa
luogo di relazione e scambio, dove ciò che viene scambiato
non sono merci e denaro ma beni ed esperienze.
Al Tranvai di via Zuretti, martedì 21 maggio, si tiene
l’appuntamento con la Scuola di Santa Rosa (progetto
ideato da Francesco Lauretta e Luigi Presicce). I due artisti
portano a Milano una pratica che hanno inaugurato nel
2017: trovarsi, insieme a pubblico, amici, studenti e curiosi
per disegnare insieme, raccontarsi la vita, in un’esperienza
apparentemente “fuori tempo”.
Al Parco Trotter, Monica Sgrò coinvolge gli studenti della
Scuola del Sole, le Associazioni Amici del Parco Trotter e
Viva Padova Viva, il Liceo Artistico Statale Caravaggio e i
passanti. Il workshop preliminare dal titolo Disegna il nostro
tappeto, coinvolge la classe 4°D del maestro Paolo Limonta
(Scuola del Sole), e produce una serie di disegni utili per
l’elaborazione della forma da dare all’opera in feltro. I
partecipanti creano un grande tappeto con lana naturale
che viene prima infeltrito collettivamente eppoi tagliato
come tappeto singolo a misura della persona; l’intervento
si chiuderà con un’esperienza di immobilità e silenzio nel
parco, ciascuno disteso sul proprio tappeto.
Dopo BienNoLo (in data da definirsi) Sara Rossi porterà gli
abitanti del quartiere a fotografare la natura nascosta e a
scoprire i “terzi paesaggi” dell’area.
HABITAT.
A seguito della nascita di BienNoLo il quartiere ha dimostrato,
oltre ogni misura e aspettativa, un ampio coinvolgimento

ed entusiasmo. A riprova di questo si annuncia che, oltre la
mostra “ufficiale”, c'è anche un programma off-BienNoLo
intitolato “Habitat”. Il quartiere da venerdì 24 a domenica
26 maggio, quando tramonta la luce del sole sulla mostra,
accende le luci nelle case e negli studi dei creativi del
quartiere, in un programma “porta a porta” dove si manterrà
viva la dimensione partecipativa.
Le iniziative dentro BienNoLo
Il giorno sabato 25 maggio è dedicato interamente alle
pratiche performative.
Mi Abito
Mi Abito è un progetto di Fondazione Wurmkos in collaborazione
con Cooperativa Lotta Contro l’Emarginazione, a cura di
Gabi Scardi. Si tratta di un progetto artistico partecipato
sul tema dell’abito inteso come strumento per presentarsi
e rappresentarsi. Il progetto si sviluppa nell’arco di un anno
e comprende una serie di quattro laboratori condotti da
Francesco Bertelé, Francesca Marconi, Margherita Morgantin
e Wurmkos con il supporto di Clara Rota – Bassa Sartoria.
Gli artisti accompagnano i partecipanti nell’elaborazione
dei capi, stimolandoli ad assumere una posizione attiva e
generativa, valorizzandone l’abilità e l’autonomia creativa
individuale, fornendo strumenti tecnici e progettuali,
contribuendo alla capacità di confrontarsi con il mondo
esterno. Durante BienNolo è previsto, inoltre, un laboratorio
aperto al pubblico. Mi Abito è vincitore del bando “Prendi
pArte! Agire e pensare creativo” promosso dalla Direzione
Generale Arte e architettura contemporanee e Periferie
urbane (DGAAP) del Ministero per i Beni e le Attività Culturali.
Piano City Milano @ #BienNoLo
Sabato 18 maggio, alle ore 11, si tiene il primo concerto negli
spazi dell’Ex Laboratorio Panettoni Cova promosso nell’ambito
di BienNoLo da Piano City Milano, in collaborazione con
ArtCityLab. In occasione di BienNoLo, Piano City Milano
presenta i concerti di Adriano Bassi con Alessandro Nardin,
con la musica di Eric Satie e Maurice Ravel a quattro mani,
e di Thomas Umbaca, vincitore del premio Hermès – Premio
Piano City Milano “Renato Sellani”.
Allestimento di BienNoLo, 13-16 maggio 2019

ArtCityLab
L’associazione ArtCityLab nasce il 17 novembre 2015 con
l'intenzione di far interagire attori privati e istituzioni pubbliche
interessate alla produzione di format culturali in alternativa
alle tradizionali politiche culturali. Grazie all'esperienza
maturata in alcuni eventi prodotti dai fondatori di ArtCityLab
(Rossana Ciocca e Gianni Romano) abbiamo registrato
e trovato conferma di quanto il pubblico desideri vivere in
prima persona nello spazio pubblico eventi che riflettono
dinamiche culturali complesse. ArtCityLab è quindi
quell'associazione che si occupa di eventi legati allo spazio
cittadino; qui vengono messe in scena pratiche performative,
eventi relazionali che è possibile ripetere in altri luoghi e città
indipendentemente dalla identità territoriale nel caso in cui
l'artista li abbia ideati a prescindere dal territorio e dalla
presenza dello stesso artista nell'opera. Lo spazio pubblico
diventa in questo modo luogo d’incontro di una progettualità
urbana che si sviluppa a partire da un’idea creativa ma
che automaticamente perde la centralità del creatore
per aiutare lo spettatore ad essere attivo e partecipe del
processo di creazione o della visione. ArtCityLab riporta nello
spazio pubblico tradizionale molti di quegli stimoli innovativi
che ormai siamo abituati a vedere sul Web, restituendo
un idea più coinvolgente della cultura e riproponendo
nel contesto urbano una fruizione aperta a chiunque di
fenomeni culturali: stimoli veri di una produzione culturale
che cambia radicalmente rispetto al vecchio panorama
mediale e salvaguarda quello che abitualmente definiamo
bene comune. Tra i numerosi eventi ricordiamo: l'installazione
Riflessioni riflesse di Paolo Masi a Piazza San Fedele (ottobre
2016); il convegno Arte Fuori dall’Arte all'Università Cattolica
di Milano (ottobre 2016); l'installazione di Sophie Usunnier, I
would so much like that you remembered (novembre 2017-
gennaio 2018) nella sede dell'ASP Golgi-Redaelli; la collettiva
AndarXporte (ottobre-dicembre 2017), in collaborazione
con l'ASP Golgi-Redaelli grazie alla quale viene aperto alla
cittadinanza Palazzo Archinto.
INFORMAZIONI PER IL PUBBLICO
BienNoLo 2019 #eptacaidecafobia
Da venerdì 17 a domenica 26 maggio 2019
c/o Ex Laboratorio Panettoni Giovanni Cova
Milano, via Popoli Uniti 11
www.biennolo.org
IG: biennolo_milano | FB: biennolo

Allestimento di BienNoLo, 13-16 maggio 2019

Carlo Vanoni
Ero straniero in una città che ho sempre amato e dove non avevo mai
vissuto. Camminavo. Pensavo: ora che ci vivo finalmente, vorrei dare
qualcosa a questo quartiere a nord di piazzale Loreto che mi accoglie.
Per sentirlo un pò più mio. Per sentirmi un pò più suo.
Un luglio caldo quello del 2018, un luglio di trasloco e di incertezze
quando Carlo mi presenta Christian e insieme andiamo nell’ex fabbrica
di panettoni Cova in via Popoli Uniti 11, spazio decadente, esempio
perfetto di Terzo Paesaggio, luogo industriale dimenticato dall’uomo,
che rovi e sterpaglie sono andati a riprendersi.
Dentro, la mancanza del tetto amplifica il cielo terso di luglio, “il cielo di
Lombardia, così bello quando è bello”.
Questo è il posto, mi dico. Tra il cielo e il pavimento squarciato dalle
radici delle piante, tra i muri macerati da muffe brunite, ripeto a me
stesso che questo è il posto. Così forte e potente che il suo scheletro mi
inchioda in un omaggio alla sua maestà. Questo è il posto per artisti di
carattere. Questo è il posto per BienNolo, la prima Biennale di Milano.
E poi via, lungo viale Monza, dentro il mese d’agosto dove ogni progetto
lo si rimanda a settembre.
Era già lì, settembre.
Era nella via parallela, io e Vittorio dentro il ristorante cinese a
fantasticare di inaugurare il 17 maggio, venerdì per l’esattezza, come
a sfidare la superstizione e le paure. Sì, questa edizione intitoliamola
proprio Eptacaidecafobia, la paura del numero 17. Porterà bene a noi
e al quartiere, che ogni giorno sfida la paura più profonda dei nostri
tempi.
Centocinquanta etnie diverse.
Questo si nasconde dietro l’acronimo NoLo, North of Loreto.
I cingalesi e i negozi di generi alimentari aperti fino a tarda notte
dirimpetto al ristorante pugliese e di fianco ai massaggi thailandesi,
i Latinos di via Padova, le pizzerie napoletane nelle traverse che
collegano viale Monza al parco Trotter e i bar dei cinesi, NoLo multietnica
e multiculturale, NoLo, mi dicevano, è il quartiere dove vivono gli artisti.
NoLo, in quel luglio agosto settembre azzurro, era un nuovo territorio
che volevo attraversare.
Ma ci vuole una squadra per esplorare. Perché “da soli è una ressa”,
diceva qualcuno.
Qui entrano in scena Rossana Ciocca e Gianni Romano di ArtCitylab
Matteo Bergamini di Exibart, abbiamo sei, sette mesi di tempo ma non
oltre, l’inaugurazione, ricordiamolo, era fissata per il 17 maggio.

Prime riunioni e prime visite negli studi degli artisti. Primi sopralluoghi.
Insieme a loro visitiamo lo spazio espositivo e decidiamo dove collocare
i lavori, molti dei quali site specific. Alla fine saranno 37 gli artisti invitati,
alcuni molto noti, altri emergenti.
E poi gli sponsor. Amici, imprenditori, collezionisti, entusiasti del progetto
decidono di finanziarlo senza esitare un istante. Troviamo un ufficio
stampa, contattiamo la vigilanza, paghiamo l’affitto dello spazio
espositivo, contribuiamo ai trasporti delle opere d’arte, facciamo un
appello per trovare qualche volontario e se ne presentano 30.
Il quartiere si dà da fare, a propria volta, e gli artisti che ci lavorano
decidono di aprire al pubblico i propri studi la sera, dopo la chiusura
della mostra.
Il 17 maggio alle 12 in punto BienNoLo apre il cancello.
A visitarla ci vengono critici affermati e giornalisti, galleristi, addetti ai
lavori e gente di passaggio, gente incuriosita dall’evento, bambini
e cagnolini, famiglie, un pubblico eterogeneo che si avvicina con
rispetto e ringrazia i volontari che li aiutano nella lettura delle opere più
complesse, opere perfettamente integrate in questo spazio decadente
che mette a proprio agio, che fa sentire a casa anche chi è poco
avvezzo ai linguaggi contemporanei, al mondo dell’arte che troppo
spesso crea barriere.
A BienNoLo di barriere non ce n’erano. A BienNolo si è fatta famiglia.
E per questo, nell’arco di dieci giorni, dalle 12 alle 20, di persone ne sono
entrate ottomila. Gratuitamente. Però ottomila.
BienNolo - ben oltre le aspettative - è diventata un evento, uno di quei
posti dove bisogna andarci assolutamente, io ci torno e ti accompagno,
mi hanno detto che, vai a vedere, guarda, hai letto su…, non me
l’aspettavo, c’è quell’opera che…
L’ex fabbrica di panettoni Cova con sede in via Popoli Uniti 11 era
uno spazio vuoto. Noi l’abbiamo riempito di entusiasmo, gioia e
partecipazione, di voglia di stare insieme guardando opere d’arte
contemporanea. Opere stimolanti, forti, che hanno affrontato i temi del
nostro vivere quotidiano con intelligenza e gentilezza.
La gente lo ha capito.
E per questo ci ha ringraziato.
BienNoLo non è un gioco di parole, ma una parola che diventa gioco.
Perché giocare è una cosa seria.
Soprattutto quando di mezzo c’è l’arte contemporanea.

Sergio Limonta

Si tratta di una grande bandiera italiana in stoffa della larghezza di un metro e mezzo per
una lunghezza di circa diciotto metri. È retta da un’apposita asta di oltre quattro metri, che si
prolunga nel vuoto partendo dal porta asta, a sua volta aggettante, che si regge al muro. A
causa della sua lunghezza, parte della bandiera rimane piegata a terra. Le pieghe che si creano
naturalmente formano un basamento e questo rende l’opera una scultura, che va letta dal
basso verso l’alto. In realtà l’opera, essendo in stoffa, è leggerissima e fragile, basta un minimo
movimento d’aria per cambiare la sua forma. Il titolo lascia spazio a infinite interpretazioni:
potrebbe voler dire “ci è rimasta solo la bandiera” o “questa è solo la bandiera ma c’è molto di
più”. È un lavoro che si fa raccontare da chi lo osserva.

Marco Ceroni

Quella di 2501 è una pittura automatica che tenta
di escludere la volontà pittorica. Wall painting dai
tratti precisi con l’intento di conferire una sorta di
spessore al dipinto che alteri la percezione della
superficie bidimensionale. Tratti che imprimono
movimento, tensione, loop. L’idea è quella di
sviluppare una pittura basata sulla continuità
dell’esperienza, una sorta di flusso legato al
movimento. Dipingere come antidoto in quanto
pratica, modo di esprimersi con il corpo e con la
mente in una sorta di rituale ripetuto, che si tramuta
in pratica meditativa nel momento in cui l’attività
pittorica crea uno spazio interiore di raccoglimento
in cui nascono idee e suggestioni.
2501

Giovanni Gaggia

“Lo sconfinamento è il primo passo di una civiltà” (dalla prefazione di Furio Colombo nel libro:
Sconfinare, di Donatella Ferrario, San Paolo Edizioni), ci ricorda Giovanni Gaggia ricamando
su una coperta grigia dell’esercito tedesco la parola SCONFINARE, in cui lo sconfinamento
non presuppone un luogo ma un movimento costante e un processo che si sviluppano intorno
alla bellezza della parola condivisa. Per tutta la durata della manifestazione il pubblico potrà
anche interagire con l’artista in dialogo con l’autrice, rispondendo alla domanda: “Qual è stato
l’avvenimento più importante della tua vita che ti ha spinto a fare la valigia?”. RadioNoLo
(https://radionolo.it) è partner attiva del progetto.

Francesca Marconi

Italo Zuffi

Cosa accadrebbe a un uccello nel momento in cui non avesse più voglia di volare? Gli uccelli
non si siedono, gli uccelli non si sdraiano, gli uccelli riposano sui cavi dell’alta tensione e poi
ripartono verso altri cieli, consapevoli che non troveranno né poltrone dove sedersi, né tanto
meno letti dove sdraiarsi. Il nido è troppo piccolo per chi solitamente frequenta il cielo. L’uccello
vola alto e, quandanche si stancasse, mai potrebbe sostare sulla strada, non sarebbe quello
il suo mondo. Quindi, ancora una volta, cosa accadrebbe a un uccello nel momento in cui
non avesse più voglia di volare? La risposta è in quest’opera di VedovaMazzei. L’uccellino
imbalsamato è immobile con il becco infilzato nel muro, non per aver sbagliato traiettoria, ma
per aver trovato il modo di fermarsi in quota, liberi di aprire o di chiudere le ali, immobili, ma
vivi. Non hanno più voglia di volare questi uccelli. Non si sono arresi. Sono stanchi… Chi l’ha
detto che gli uccelli debbano sempre volare? Dove sta scritto che debbano sempre girovagare
inesorabilmente? Lasciamoli lì, se è lì che hanno scelto di stare. Finché il becco tiene, noi non
ci dobbiamo preoccupare.
VedovaMazzei

L’artista realizza un’opera pensata appositamente per questi spazi che cita la pittura
informale della Scuola di New York; un’opera pittorica di chewing-gum masticati, schiacciati,
strappati e sputati. L’artista già in precedenza ha omaggiato i grandi maestri dell’arte al fine di
esorcizzarne la fama e segnare una linea di continuità tra irriverenza, consapevolezza e rispetto
del passato. In questi lavori, parte della serie “Trash” e iniziati nel 2017. Il materiale che utilizza
è il chewing-gum che per l’artista ben rappresenta la società odierna: l’unico “alimento” che
mastichiamo e poi sputiamo, anziché digerirlo, come l’innumerevole quantità di informazioni
alle quali siamo quotidianamente esposti. La materia ci appare così trasformata e sublimata
al fine di porre le basi per una riflessione critica e sociale, tanto nella dimensione intima,
quanto in quella pubblica; un modo per scontrarsi con la decadenza sociale e esistenziale in
cui viviamo che percepisce il suo declino senza assumersene pienamente la responsabilità.
Serena Fineschi

Luisa Turuani

Eugenio Tibaldi

Realizzata in occasione di Raid, evento in cui un insieme di artisti fanno irruzione in luoghi dalla
forte identità e realizzano in sole sei ore delle opere utilizzando esclusivamente i materiali presenti
in loco, l’opera di Eugenio Tibaldi, ottenuta grattando via le muffe del muro dell’Ex Fabbrica
Panettoni Giovanni Cova, omaggia la città di Milano ricreandone uno skyline raso terra.
Senza avere alcuna immagine di Milano ho raccolto i ricordi dalla mia memoria ed ho
immaginato una sequenza di volumi e forme che potessero rappresentare un profilo.
Qualcosa che risuonasse esteticamente come Milano pur non seguendo le regole dello
skyline reale. Per me era un omaggio alla Milano che tutti i provinciali (come me) guardano
da lontano. (Eugenio Tibaldi)

Ad un primo sguardo Mundo non ha nulla di insolito, ma solo prestando maggiore attenzione
ci accorgiamo che qualcosa non va… tutti i continenti hanno perso la loro collocazione
conosciuta e convergono irrimediabilmente verso sud. L’opera, realizzata in feltro bianco, ha
un diametro di tre metri e un colore delicato. Il materiale accentua una sensazione di calore e
di accoglienza, ma la caduta dei continenti e la perdita dei punti di riferimento lasciano nello
spettatore un senso di inaspettata inquietudine.
Elizabeth Aro

Stefano Arienti

Come suggerisce il titolo (All I need, Tutto ciò di cui ho bisogno) questa installazione raggruppa
simbolicamente tutto ciò di cui l’artista sente di avere necessità. Pensando alle fobie che
possono colpire un artista Federica Perazzoli ha racchiuso in pochi oggetti accatastati senza
un ordine particolare le proprie esigenze: lo spettatore si ritrova davanti a un accumulo, ma
invertendo il senso di questo “disordine” bisogna convenire che in realtà si tratta anche di una
selezione: questa raccolta elimina ciò che l’individuo sente come “troppo”, come ingombro non
necessario alla propria vivibilità. Sin da bambina l’artista è accompagnata dal pensiero di avere
uno spazio proprio dove potersi rifugiare, ma anche accogliere, dove è possibile continuare
una sorta di sopravvivenza sia personale, sia artistica. “Mi piace stare in spazi piccoli e in
mezzo alla natura, uno spazio dove vivo, leggo, studio... Per me il minimo indispensabile sono
un tavolo, una sedia e le mie cose per dipingere”.
Federica Perazzoli

V for Victory di Loredana Longo parte dall’idea di mettere insieme immagini o elementi in
netta antitesi: gli estremi si possono sempre incontrare e dare un senso nuovo alle immagini
precostituite. Tutti i lavori di Loredana Longo nascono nella tensione, nel contrasto degli
opposti, nel conflitto della materia, perché è solo lì che si crea e si forma un nuovo tipo di
energia creativa: quella dei contrari.
Loredana Longo

Riccardo Gusmaroli

Mario Airò

Margherita Morgantin

Stefano Boccalini

Oggi la parola è diventata un vero e proprio strumento di produzione e di captazione di valore.
Col mio lavoro cerco di spostare l’attenzione da un valore di tipo economico ad un valore
di tipo sociale. La paura della diversità che oggi spesso si trasforma in fobia, in quest’opera
viene ribaltata attraverso la parola DONO che diventa un “vaso”, un contenitore mobile,
dove all’interno ho sistemato della terra in cui ho piantumato varietà vegetali eterogenee,
trasformando idealmente l’opera in un spazio in cui la diversità diventa un terreno comune da
coltivare e non il luogo della paura. (Stefano Boccalini)

Adrian Paci
Foto di Dario Azzaro

Massimo Kaufmann

L’opera di Kaufmann si ispira al libro Ghiaccio Blu (1997) di Pino Corrias, che narra la
vicenda di un condannato all’esecuzione capitale in Texas nel 1993, il cui corpo è sezionato
e fotografato al fine di costituire il più aggiornato e realistico atlante di anatomia online. Le
sculture, quattro elementi che costituiscono un lavoro unitario, riproducono le sagome di
alcune parti del corpo. Il titolo, Resurrezione, allude alla vita eterna che le immagini hanno
su internet.

L’opera medita sulla paura attraverso la carezza, la dolcezza. Una scala in vetro sale verso il
cielo (la natura) portando in dono una piantina, insieme aiuto e gesto del portare i fiori, come
quando si va a trovare un amico. Il vetro, da sempre tra i materiali di interesse per l’artista, sia
per la trasparenza, sia per l’idea di mettersi in mezzo a qualcosa, sia per la fragilità, l’attenzione,
simile alla meditazione, di cui necessita, rende la scala non utilizzabile e appartenente al mondo
delle possibilità, a differenza degli altri elementi, come il vaso di fiori, che appartengono alla
dimensione del reale.
Vittorio Corsini

Quando siamo coperti dall’anonimato spesso ci sentiamo protetti, al punto di sentirci liberi
di dare il peggio di noi stessi. Fino a qualche anno fa i bagni pubblici, gli ascensori, le sale
d’attesa erano piene di scritte e simboli che inneggiavano all’odio razziale, frasi volgari a sfondo
sessuale e altri tipi di messaggi che rivelavano una necessità di sfogarsi. Ora questi sfoghi
li troviamo nei social network, che li amplificano, dando la possibilità di sentirsi, falsamente,
coperti dall’anonimato. Su alcuni specchi, realizzati prima della seconda guerra mondiale, ho
inciso alcune frasi che ho preso dai commenti di utenti alle dichiarazioni di un importante uomo
politico su un noto social network. (Alessandro Nassiri Tabibzadeh)
Alessandro Nassiri Tabibzadeheh

Alessandro Simonini

Per BienNoLo Alessandro Simonini ha concepito un ready-made utilizzando una vecchia
cassetta del pronto soccorso trovata alle pareti dell’ex panettonificio Cova. La riflessione,
che parte dal tema della paura, è incentrata sul senso di ipocondria, fobia legata all’erronea
interpretazione di sintomi somatici da parte del “malato immaginario”, che non riconosce
la natura psicologica del suo problema e ricerca la soluzione medica della patologia
organica. La cassetta del pronto soccorso rappresenta, e con essa la sua funzione, il
simbolo della medicina allopatica prefigurando nel senso comune l’ideale di una “cura” di
fatto irraggiungibile. Svuotata del suo contenuto, internamente rivestita di specchi e aperta
alla vista del visitatore, questo oggetto lo induce inevitabilmente alla riflessione verso la
conoscenza di sé e del proprio corpo.

T-Yong Chung

Sara Rossi

Sara Rossi

Francesco Bertelé

All’orizzonte, di fronte al mare, al crepuscolo, la frontiera è una linea immaginaria
e realissima che separa e insieme unisce due mondi (come scriveva Alessandro
Leogrande). Vedere, non vedere. È qui che si dilata lo spazio della messa in scena.
(Francesco Bertelé)

PianoCity
18 maggio 2019

Serena Fineschi

The Cool Couple

Matteo Pizzolante

Carlo Dell'Acqua

MiAbito
Francesco Bertelé, Francesca Marconi, Margherita Morgantin, Wurmkos, Clara Rota e
Bassa Sartoria
Fondazione Wurmkos e Cooperativa Lotta contro l’Emarginazione collaborano per dare
vita a Mi Abito: progetto artistico partecipato, a cura di Gabi Scardi, incentrato sul tema
dell’abito inteso come interfaccia tra individuo e mondo e come strumento per presentarsi
e rappresentarsi. Il progetto si sviluppa nell’arco di un anno e comprende una serie di
quattro laboratori condotti da artisti. Francesco Bertelé, Francesca Marconi, Margherita
Morgantin e Wurmkos, con il supporto di Clara Rota di Bassa Sartoria, accompagneranno i
partecipanti nella creazione di una collezione di capi a propria misura. Mi Abito è un progetto
vincitore del bando “Prendi Parte! Agire e pensare creativo” promosso dalla Direzione
Generale Arte e architettura contemporanee e Periferie urbane (DGAAP) del Ministero per i
Beni e le Attività Culturali. Foto di Cesare Lopopolo.
MiAbito

Massimo Uberti

Il lavoro di Rapetti Mogol si basa principalmente sulla scrittura. è una scrittura non
traducibile che, proprio per questo, diviene universale. Il segno, svuotato del proprio
significato, diviene puro significante, traccia dell’artista lasciata sulla superficie come
testimonianza che non lascia intendere una provenienza. Come orme sulla terra, i segni
di Rapetti Mogol diventano segnali di presenza umana che non conoscono scrittura, ma
al contempo comunicano il proprio passaggio, la propria testimonianza attraverso questi
segni stessi. L’installazione esposta a BienNoLo consiste in blocchi di cemento con segni
incisi che simulano nomi propri di persona posizionati sopra altrettante vasche di ferro
intese come acquasantiere che raccolgono lacrime di gioia e di dolore provenienti da
tutto il mondo.
Alfredo Rapetti Mogol

Stefano Arienti

Alessandro Nassiri Tabibzadeh

Premiata Ditta

Per BienNoLo Premiata Ditta realizza un lavoro site specific costituito da odori raccolti nei
giorni 27-28 febbraio 2019 durante il sopralluogo alla ex fabbrica Cova e in occasione della
prima conferenza stampa. La serie “Odori” nasce dalla frequentazione quotidiana con il
quartiere: «Ogni giorno, per un paio d’ore, camminiamo per il nostro quartiere telefonando,
organizzando il lavoro, discutendo tra noi su come realizzarlo. Durante questo tempo
registriamo gli odori che costituiscono queste raccolte. In questa sorta di archivi c’è quindi
il portato del tempo e del pensiero dedicati a ideare non solo queste ma anche future opere.
Per realizzare l’installazione abbiamo raccolto pezzi d’asfalto e piccoli sassi lungo le strade,
a questi abbiamo legato dei fili elastici trasparenti a cui sono fissate delle strisce di carta
velina. Su questa carta, estremamente volatile e leggera, sono stampate le descrizioni degli
odori insieme alla geolocalizzazione di ognuno. I sassi sono fissati al soffitto e i fili con le
carte pendono verso il pavimento, fluttuando o fremendo a secondo dei soffi d’aria che li
percorrono».

The Wall of Delicacy (Ode to America) è una pratica meditativa, una riflessione sui confini e
sulla delicatezza che si realizza attraverso gesti semplici e pieni di grazia: l’artista inserisce
lungo un filo metallico un bocciolo di rosa dopo l’altro prestando attenzione a non rovinarli,
e osservando i petali che inevitabilmente cadono a terra. Nato come intervento site specific
durante la residenza dell’artista al MASS MoCA di North Adams (Massachusetts), si è
trasformato in un progetto itinerante e partecipato.
Giuseppina Giordano

Tutto parte più di vent'anni fa al momento del mio concepimento. Ancora dentro l'utero,
chissà per quale motivo, il mio corpo prese attributi femminili che nel tempo si tradusse
nell'arrivo del primo mestruo. Questo piccolo dipinto è un regalo, forse per mia madre.
(Bea Viinamaki)
Bea Viinamaki

Iva Lulashi

Ivana Spinelli
Banco relazionale
(al Mercato Comunale Crespi)
Al Mercato Comunale Crespi, Ivana Spinelli, per tutta la durata di
BienNoLo, dispone un “banco relazionale” che cerca di ridisegnare
e ri-concettualizzare l’idea di “mercato” e il suo rapporto con
pubblico, società e cultura. Il banco diventa luogo di relazione e
scambio, dove ciò che viene scambiato non sono merci e denaro
ma beni ed esperienze. Sul bancone, corredato dei contrassegni
zigzag, vengono così disposti libri, stoffe, spezie, supporti audiovisivi
(CD, chiavette usb, dischi), che possono essere presi e sostituiti
con beni simili. Una modalità di ripristino di baratto ed economie
alternative, che al termine dei dieci giorni di mostra diventa anche
una sorta di indagine antropologica basata sul concetto di fiducia
nell’epoca urbana contemporanea.

MONICA SGRÒ
Disegnare con la classe 4D della Scuola del Sole
(workshop al Parco Trotter)
Il progetto Margini Trotter Biennolo ’19 è stato proposto per il Parco Trotter e ha
coinvolto gli studenti della classe 4D della Scuola del Sole con i maestri Paolo
Limonta e Antonella Meina, insieme alle Associazioni Amici del Parco Trotter
Onlus , Via Padova Viva e i passanti; il workshop si è svolto in classe e nel cortile
della Stanza delle Scoperte dedicata a Bruno Munari.
Si è trattato di un’esperienza individuale e collettiva, in cui i bambini della
scuola hanno ideato la forma di un grande tappetto in lana naturale partendo
dall’unione di tappeti da loro disegnati in piena libertà nelle settimane
precedenti. Dopo aver osservato i disegni realizzati, si sono infatti unificate
le loro forme considerandone le caratteristiche salienti: buchi, tagli, margini
morbidi o rigidi, ecc. La creazione di un cartamodello del tappeto collettivo
ha permesso il passaggio alla seconda fase del lavoro, la stesura della lana,
successivamente infeltrita tutti insieme. L’infeltritura manuale è una tecnica
antica che prevede movimenti rotatori delle mani e l’uso coordinato dei
piedi: durante il rito il gruppo ha camminato scalzo tra acqua calda e sapone
cercando di procedere come un unico corpo.

Nei giorni successivi i partecipanti si sono diversificati, generando relazioni
multietniche e transgenerazionali. L’ultima fase di lavoro prevedeva la
divisione del grande tappeto - che copriva gran parte del cortile della Stanza
delle Scoperte - in tappeti più piccoli, da destinare alle future attività libere
dell’associazione e della scuola. Tutti i partecipanti si sono stesi sul tappeto
gli uni accanto agli altri: l’intera superficie è stata così segnata dai margini
dettati da ciascun corpo, il quale fungeva da unità di misura di un singolo
tappetino. L’area totale è stata quindi suddivisa in 12 tappeti più piccoli di
diverse forme e dimensioni: tappeti la cui matericità ricorda pelli di animale,
cortecce d’albero, superfici che stanno dentro, fuori, ai margini degli esseri
viventi; tappeti usati per sdraiarsi nel parco, leggere, scrivere o semplicemente
per contemplare la natura.
Le foto del workshop sono di Antonio Maniscalco

Matteo Bergamini
La delicatezza disfunzionale e necessaria
Suona Memento mori di Luisa Turuani. La più giovane artista invitata a
prendere parte alla prima BienNoLo ha disposto negli spazi dell’Ex Cova
sessanta piccole sveglie dal forte bip bip. Suonano ogni otto minuti, dalle
12 alle 20, gli orari di apertura quotidiani: è una riflessione che riguarda
la fobia della lentezza.
Abbiamo scelto di non realizzare mappe per i visitatori; alcuni se la
sono un po’ presa. In questi milleseicento metri quadrati consumati dal
tempo le opere si sono inserite con una modalità interstiziale: si possono
incontrare, udire misteriosamente nel loro trillo elettronico, metallico.
Possono accadere come colpi di fulmine o, per altri occhi, passare
inosservate. È la vita che scorre con il suo tempo, anche meteorologico;
è la stessa vita che ritorna e si rivela attraverso la vegetazione spontanea
in grado di farsi largo tra le marmette rosse, emblema di un’epoca di
produzione e consumo che – dall’interno di questo “terzo paesaggio”
che sembra la distopica evoluzione di un cortile milanese – si direbbe sia
tramontata in maniera drammatica.
Quello che invece è sembrato rinascere, con BienNoLo, è stata una
dimensione dell’arte che ha avuto come focus la razionalizzazione di
un atteggiamento poetico che attualmente sembra essersi perso nella
lotta all’ultimo evento, nella conquista della visibilità.
BienNoLo, in questo senso, si è posta come un’esperienza disfunzionale ad
un obiettivo di comunicazione: una mostra d’ombra, di prestidigitazione.
Una mostra necessaria per tentare di riprendersi la dimensione più
sfuggente del contemporaneo; una mostra fuori dal tempo che ha
incoraggiato, quando non imposto, la ricostruzione del momento
necessario per l’osservazione, la riflessione, la relazione con l’opera
e la sua ricerca in uno spazio fagocitante, e per questo ancora più
energizzante.
BienNoLo è nata respirando gli ambienti di via Popoli Uniti 11, dove
tutti gli artisti, a turno, hanno effettuato continui sopralluoghi. È nata
in relazione a un edificio la cui conservazione è in prognosi a dir poco
riservata e che a sua volta è inserito in un quartiere, in una città, in un
tema-mondo dai contorni complessi, frastagliati e taglienti.
BienNoLo è nata indagando muffe e pozze d’acqua, ascoltando un
silenzio quasi irreale per una zona semi-centrale di Milano, lavorando a
contatto con polvere, spifferi, riflessi.

In un’altra ex fabbrica, in un altro quartiere, in un altro tempo,
BienNoLo non sarebbe potuta nascere nelle forme in cui l’abbiamo
vista: “Eptacaidecafobia”, titolo della prima edizione passato un po’
in secondo piano rispetto al neologismo BienNoLo, catalizzatore di un
intenso successo mediatico grazie alla sua aria svagata e irriverente,
si può dire sia stata un’esperienza di “contesto” in tutte le sue forme:
riflettendo sull’area milanese di NoLo, pensando alla sua ricchezza
e complessità, oltre che all’architettura dell’Ex Cova e la sua storia e
simbologia.
Situato tra piazzale Loreto e via Ferrante Aporti, chiuso a nord dalla
ferrovia che taglia viale Monza e via Padova, confinante a est con
lo storicamente impegnativo Casoretto questo NoLo Nord of Loreto,
acronimo copiato scimmiottando il SoHo South of Houston Street
newyorchese, ha una conformazione urbanistica che non lascia spazio
a una gentrificazione architettonica. A NoLo si sta guardando il futuro
comprendendo il passato, curandolo anziché abbattendolo.
Una forte identità urbana che sembra rispecchiare esattamente quella
della sua popolazione, meticcia da tempi non sospetti, attraversata
negli anni da fasi complesse di incontri, scontri e integrazioni reali
o mancate, in indifferenze scambiate per libertà. NoLo, ancora,
designata come un’area pericolosa nell’immaginario comune a causa
di una comunicazione politica, e dunque mediatica, mirata alla paura
e dunque al controllo.
Poi, grazie a quattro lettere simpatiche e sciocche, il risveglio di quello
che è diventato NIL, nucleo di identità locale.
Mi piace citare – per fare un parallelismo - Milton Glaser, ideatore del logo
I ♥ NEW YORK nel 1976: “Alla gente sembrava di non meritare niente. Si
camminava giorno dopo giorno in una città lercia, piena di immondizia.
Ma poi successe una cosa incredibile: ci fu un cambiamento nella
sensibilità delle persone. Un bel giorno qualcuno ha detto: ‘Sono stufo di
pestare merda, levatemela dal marciapiede’. E la città ha cominciato
a reagire. Ci hanno detto: ‘Se fate cacare il cane sul marciapiede sono
100 dollari di multa’, e nel giro di pochissimo tempo divenne un tabù
sociale far cacare il cane per la strada. Fino al giorno prima nessuno
ci faceva caso e poi all'improvviso tutti i newyorchesi si sono stufati e
hanno detto: ‘La città è nostra e adesso ce la riprendiamo. Certe cose
non devono più succedere’. Questa campagna [I ♥ NY] è stata una
parte di quel momento storico. Anche se lo slogan era una trovata per
incoraggiare il turismo”.
Oltre al turismo si è incitata una nuova coscienza sociale. La stessa – sarà
il tempo a dirlo – che sta facendo muovere NoLo.
Un respiro fresco e allo stesso momento un geyser bollente arrivato dopo
una lunga apnea.

BienNoLo è nata con la volontà di calpestare i terreni infuocati della
personalità, mettendo in scena l’incontro tra pubblico e privato,
della salvaguardia della terra, della vita e della morte, resocontando
tensioni sociali, del conflitto, della rabbia; della tutela e del linguaggio,
dell’omaggio alla vita e alla fantasia.
BienNoLo è stata una mostra di crisi, probabilmente necessaria per
riprendere il filo interrotto dalla logica puramente commerciale del
prodotto, verso una declinazione dell’arte come pensiero, come
frattura.
Potremmo dire romanticamente, ma senza scadere nella citazione
biblica, che BienNoLo è stato un frutto della conoscenza in grado
di trasgredire i precetti imposti. In grado di ritagliarsi ancora una
nicchia di resistenza che va di pari passo con il desiderio di scoperta,
di riappropriazione di luoghi e temperature di un’anima trascurata
dove vento, pioggia e sole come componenti di una natura esplosiva
diventano anche materiali dell’arte.
BienNoLo è stato un lampo di poesia necessaria, la descrizione
visiva contro le barriere come costruzioni funzionali alla paura, un
ragionamento intorno alla necessità fondamentale di lasciar mescolare
le acque della cultura e della discussione.
Abbattendo resistenze, diffidenze e riuscendo, non in ultimo, a prendere
forma e vita grazie all’incontro con una serie di donatori privati. Perché
senza sostegno l’arte non può esistere, e l’innovazione sociale deve per
forza passare dalla coscienza condivisa, dall’idea di responsabilità e
valore delle azioni di supporto.

Scuola di Santa Rosa
21 maggio 2019
Al Tranvai di via Zuretti, martedì 21 maggio, si è tenuto l’appuntamento
con la Scuola di Santa Rosa (progetto ideato da Francesco Lauretta
e Luigi Presicce). I due artisti portano a Milano una pratica che
hanno inaugurato nel 2017 a Firenze: trovarsi, insieme a pubblico,
amici, studenti e curiosi per disegnare insieme, raccontarsi la vita, in
un’esperienza apparentemente “fuori tempo” che corrisponde invece
alla gioia della spontaneità e di una ritrovata condivisione.
Disegnano insieme, si raccontano ciò che vedono, i propri pensieri.
“Una pratica semplice, apparentemente ottocentesca e fuori luogo,
poco contemporanea, ma ti assicuro che aspetto quel momento con
un’euforia indescrivibile”, confida Luigi Presicce. “Non dipingiamo
quadri come gli impressionisti, ma ci dedichiamo a piccoli disegni,
che sono tutto quello che di più spontaneo e gioioso c’è. Sono piccoli
miracoli, niente che nascerebbe altrove o nella singolarità dello
studio”. Questo movimento spontaneo di idee, poi diventato progetto,
assumendo – per garantire una prosecuzione con momenti nobili
della storia dell’arte – il nome di Scuola di Santa Rosa, lascia trasparire
inoltre un bisogno, sempre più sentito dagli artisti, di ritornare dopo anni
flagellati anche da un certo individualismo (non è il caso di Presicce
che con le esperienze di Lu Cafausu e Brown Project Space ha sempre
fatto “gruppo” con i colleghi, né di Lauretta), a parlarsi, confrontarsi e
di aprirsi a nuovi fronti della cultura.
(Santa Nastro, Artribune, 14 gennaio 2018)

Performance
25 maggio 2019
STEFANO ARIENTI
Muffe, 50'
MARGAUX BRICLER
La Pizia e il significante cavallo (tête à tête), 10'
MARCO CERONI
Pupa, 35'
LAURA CIONCI
Stato di grazia, 2'
CARLO DELL’ACQUA
Acufeni, 10' (con Valeria Manzi)
GIULIO LACCHINI
Accordo e disaccordo, 22'
FRANCESCA MARCONI
Tranhumus, 50'
PAWEL UND PAVEL
Uscita n. 9, 60'
BEA VIINAMAKI
Learning the Laws, 60'
IVANA SPINELLI (al Mercato Crespi)
Banco relazionale
MONICA SGRÒ (al Parco Trotter)
Disegnare con la classe 4D della Scuola del Sole

Stefano Arienti
Muffe, 50'
#performance

Margaux Bricler
La Pizia e il significante cavallo (tête à tête), 10'
Tramite un dispositivo estetico, l’artista invita il fruitore ad appartarsi
per attraversare una curiosa esperienza psicoanalitica.

#performance

Marco Ceroni
Pupa, 35'
PUPA è un’azione che dialoga con l’immagine di un incidente e quella di un
atto sessuale, come se questo schianto permettesse la liberazione di un’energia
erotica che ridefinisce le forme e la percezione dei corpi e del paesaggio. La
performer esegue movimenti della disciplina di pole dance ma invece che una
musica ritmica la accompagna il suono costante e atono degli scooter portati
al massimo dei giri. L’urlo dei motorini da così voce al movimento atletico
e sensuale della performer, che a sua volta si fa carne degli assemblaggi
meccanici che compongono il suono.
(Marco Ceroni 2019)

#performance

Laura Cionci
Stato di grazia, 2'
#performance
(performer Sara Facchinotti; assistenza tecnica GLAMOURGA Macao;
foto Fabio Tarantola)
Benvenuta/o.
Prima di avvicinarti all’opera, ti presento Sara.
Oggi, 25 Maggio, è il suo onomastico. Santa Sara protettrice dei
viaggiatori, degli zingari.
Io sono una di loro.
In questo momento mi trovo in viaggio dentro il deserto australiano alla
ricerca della mia cura.
Sara è la voce più dolce che io conosca, rappresenta il mio viaggio.
Lei potrà raccontarti la mia paura, i dubbi, le domande che ho vissuto
in questi mesi invernali. Paure che forse senti anche tu, che hai vissuto o
che hai sfiorato accanto a qualcuno.
La paura della morte.
Ho bisogno di condividere con te questi momenti bui della mia vita.
Non è facile per me, ma so che lo scambio creerà energia tra di noi e
per noi.
Avvicinati a lei. Non ti parlerà finchè non entrerai in un contatto più
intimo pronunciando le parole:
“La materia un mezzo, il fine lo spirito”.
Ora sei dentro. Potrai accomodarti di fronte a Sara che sceglierà per te
un brano del mio diario.
Ascolta la sua voce rassicurante, dolce, e lasciati rilassare dal suono.
Ascolta il mio racconto.
Una volta finito, se vorrai, potrai scrivermi una lettera, lasciarmi una
poesia, una canzone, un disegno. Rendimi l’incontro, se credi. Fissa il
momento ed il tuo sentimento per quello che hai ascoltato.
Chiudilo in una busta. Arriverà a me e diventerà parte del mio diario.
Altrimenti, se non vuoi scrivere nulla, alzati, l’incontro è terminato.
Sara ti ringrazierà: abbracciala, e cingendola, appoggia le tue mani
sulla sua schiena. Sentirai una strana vibrazione della voce nelle parole
“La materia un mezzo, il fine lo spirito”. E’ il suo dono.
Respira, sorridi e continua la tua ricerca.
Sei viva/o.

Carlo Dell’Acqua
Acufeni, 15' (con Valeria Manzi)
Un megafono appeso alla parete diffonde un audio composto da enunciati
scanditi da una sequenza di “colpi”.
Sotto il megafono una donna ondeggia ossessivamente premendosi due
bicchieri sulle orecchie.
Il megafono amplifica la voce maschile dell’artista impegnato in discorsi e parole
continuamente ribadite da una voce femminile che ripete immediatamente
ogni singola parola pronunciata.
Il contenuto spazia da improbabili descrizioni scientifiche per crollare dentro
ricordi e considerazioni tra il pulsionale e il politico sino ad abbandonarsi a un
flusso delirante come se la parola, i suoi enunciati, passassero decisamente al
vaglio dell’inconscio.
(Carlo Dell'Acqua 2019)

#performance

Giulio Lacchini
Accordo e disaccordo, 22'
La performance consiste nelle azioni di accordare una chitarra classica scordata,
riscordarla e riaccordarla nuovamente.
La lentezza degli atti di accordo e disaccordo fanno dell’azione della tradizionale
accordatura una sonorizzazione quasi musicale.

#performance

Francesca Marconi
Tranhumus, 50'
#performance
Il progetto indaga lo spazio del confine
umano/ geografico (border scape)
realizzato insieme a comunità miste; è il
risultato di un dialogo fra territorio e persone
che lo attraversano e lo abitano. Transhumus
è il luogo, lo spazio o il paesaggio scelto
dall’altro in uno stretto dialogo con l’artista
durante una passeggiata all’interno della
residenza Urban Heat a Centrale Fies (Drò).
Il titolo ci rimanda alla transumanza, agli
spostamenti, alla libertà di movimento e di
essere in qualunque luogo. Diventare così
noi stessi quel luogo o la trasformazione del
luogo operata dal passaggio dell’uomo.
Questi i temi centrali dell’opera che porta in
sé le tracce dei muri dell’ex Fabbrica Cova,
avvolgendo coloro che lo indossano.

PAWEL UND PAVEL
Uscita n. 9, 60'
Intervento performativo per una persona di nazionalità polacca. L’azione si
svolge attorno ad una lastra di vetro su cui è presente lo stemma con aquila
della bandiera polacca. Acqua colorata, bianca e rossa, viene prelevata dai
secchi e passata sul vetro, più volte, nel tentativo di fissare e rimuovere i colori
della propria bandiera nazionale.
#performance

BEA VIINAMAKI
Learning the Laws, 60'
È una sostanza spessa che ci unisce tutti, in una materia densa e mobile, in questo
stato le forze invisibili hanno effetti diretti, esse si rivelano a chi le cerca. Tre performer si
muovono nello spazio, i corpi punteggiati da stelle, interagiscono fra di loro con lente
movenze, influenzandosi a vicenda, mossi da forze invisibili. Questa performance
pone al centro della ricerca l'energia invisibile ad occhi inesperti, utilizzato come
generatore di movimento, riprendendo tecniche orientali come il thai chi, il qi gong
ma anche l'euritmia. La paura dell'invisibile, su cui l'essere umano ha da sempre
ricamato sopra miti e leggende, viene in questa performance vista in ottica positiva,
come forza che permea il tutto.

#performance

BienNoLo Border
Paolo Nava Studio
11 manifesti per i confini sulla facciata di
via Popoli Uniti 11, Milano
Grazie alla collaborazione di Paolo
Nava Studio, stamperia d’arte, i muri
esterni dell’Ex Laboratorio Panettoni
Cova di via Popoli Uniti diventano
un display espositivo per una serie
di manifesti d’artista. Ogni mattina
dal 17 al 26 maggio i manifesti sono
affissi come nella normale pratica
cartellonistica: uno sostitusce l’altro,
raccontandoci dell’incontro fra
la strada e l’arte. Undici artisti di
diversa generazione sono stati invitati
a partecipare partendo dall’idea
di confine, nel suo significato più
semplice, una linea che al tempo
stesso separa e unisce. Economia e
mercato (anche dell’arte), lo sguardo
su questioni politiche e di genere
attraverso la sostituzione dell’identità
delle più immortali icone del cinema,
i confini e il “peso dell’esistenza”, la
chiusura e l’esplorazione tagliente
dello stereotipo della femminilità
nel mondo della comunicazione,
così come la volontà di riscattare
gli “ultimi” della società, sono i
temi toccati in affissioni declinate
attraverso immagini di natura grafica
o fotografica.

Elena Bellantoni
Fabrizio Bellomo
BiancoValente
Ivo Bonacorsi
Monica Carocci
Daniela Comani
The Cool Couple
Paola Di Bello
Kensuke Koike
Francesca Marconi
VedovaMazzei

Volontari
Giorgio Bernasconi
Yayzaveda Bohachova
Enrico Bongiorno
Paola Bordini
Alexandra Buzalis
Claudio Caffi
Petra Chiodi
Elena Corbella
Alessandra Cortellezzi
Erica Prous
Christian Putelli
Monica Rebecchi
Chiara Rosati
Elisa Sterpetti
Elisa Suardi
Federico Trotti
Nicoletta Valenti
Roberto Ziranu
Marina Cotelli
Piera Digonzelli
Salvatore Fazio
Gianluca Fava
Adrienne Lawson
Francesca Lombardo
Laura Maggiore
Lorena Mentasti
Alessio Oliveri
Marco Paleari
Vittoria Parrinello
Alessia Perrino

Didascalie delle opere (in ordine di apparizione)
Sergio Limonta
Lecco - 1972. Vive e lavora a Oggiono (LC)
Solo la bandiera, 2018
Marco Ceroni
Faenza - 1987. Vive e lavora a Milano
Nitro, Spirit, Pegaso, Rocket, 2019
La ricerca di Marco Ceroni deriva dal fascino per gli spazi e
gli immaginari quotidiani. L’artista stesso racconta così il suo
progetto per BienNoLo: «Feticci che collassano violentemente su
se stessi sincretizzano frammenti di realtà e la loro esaltazione.
Le carene anteriori di alcuni scooter vengono alterate attraverso
l’innesto di altre forme, creando immagini in bilico tra demoniaco
e animale. Si innesca così un cortocircuito continuo tra
reale e verosimile, tra quotidiano e perturbante, tra banale e
soprannaturale. Alterando elementi dell’esistenza quotidiana
questi cessano di apparirci come siamo abituati a vederli e ci
mostrano una faccia diversa della realtà, magari qualcosa che
non siamo in grado di nominare: si aprono così traiettorie di
possibilità parallele all’interno del quotidiano. Forme che oscillano
tra passato e futuro ricollassando nel presente in una corsa in
motorino attraverso la città».
2501
Milano - 1981. Vive e lavora a Milano
Senza titolo, 2019
Giovanni Gaggia
Pergola (PU) - 1977. Vive e lavora a Pergola
Sconfinare, 2019
Francesca Marconi
Milano - 1972. Vive e lavora a Milano
Cartografia dell’orizzonte/Transhumus, 2018-19

Il progetto indaga lo spazio del confine umano/
geografico (border scape) realizzato insieme
a comunità miste; è il risultato di un dialogo
fra territorio e persone che lo attraversano e lo
abitano. Transhumus è il luogo, lo spazio o il
paesaggio scelto dall’altro in uno stretto dialogo
con l’artista durante una passeggiata all’interno
della residenza Urban Heat a Centrale Fies
(Drò). Il titolo ci rimanda alla transumanza, agli
spostamenti, alla libertà di movimento e di essere
in qualunque luogo. Diventare così noi stessi
quel luogo o la trasformazione del luogo operata
dal passaggio dell’uomo. Questi i temi centrali
dell’opera che porta in sé le tracce dei muri dell’Ex
Fabbrica di panettoni Cova, avvolgendo coloro
che lo indossano.
Luisa Turuani
Milano - 1992. Vive e lavora a Milano
Memento mori, 2019
________BeepBeep________BeepBeep________
BeepBeep________BeepBeep________
L’intervento obbliga lo spettatore a essere fuori
luogo; l’opera è l’impossibilità di stare a passo con
il tempo, è la certezza di un accadimento futuro e
l’imbarazzo di non poterne coglierne le coordinate
spaziali.
Eugenio Tibaldi
Alba - 1977. Vive e lavora Torino e Napoli
Senza titolo, 2017
Italo Zuffi
Imola - 1969. Vive e lavora a Milano
Rarefatto, 2019
Si tratta di una natura morta “mimetica” in cui
materiale e soggetto riscrivono la relazione
tra significante e significato. La pratica
artistica chiede di essere espliciti, di dichiarare
immediatamente cosa si è piuttosto che passare
attraverso una forma che imita il dato esteriore,
e per queste ragioni la scultura porta in sé un
interrogativo. Ciò che interessa l’artista si trova
forse nel lavoro di ricopiatura: l’attenzione
impiegata nel ripercorrere la forma di qualcos’altro,
in questo caso attraverso l’utilizzo di mattoni
antichi e acrilico, quale possibile risposta.
VedovaMazzei
(Stella Scala e Simeone Crispino)
Milano - 1962 e 1964. Vivono e lavorano a
Milano
Storno, 1995
Serena Fineschi
Siena - 1973. Vive e lavora tra Siena e Bruxelles
Flowers (VIXI) Trash Series, 2019
Elizabeth Aro
Buenos Aires. Vive e lavora a Milano
Mundo, 2004-2019
Stefano Arienti
Asola (MN) - 1961. Vive e lavora a Milano
Muffe, 1985-2019
Nel 1985 Stefano Arienti partecipava con Muffe
alla sua prima collettiva dal titolo Bi Bi, in una
ex fabbrica abbandonata di motori elettrici nel
quartiere Isola, la Brown Boveri. Fin da allora
l’artista si afferma con una modalità processuale
e una ricerca che da sempre caratterizzano il suo
lavoro.Questo processo prevede la trasformazione
della superficie di materiali esistenti rivelando, non
solo un nuovo senso e significato all’immagine,
ma anche una vera e propria trasformazione
della materia. Muffe è un intervento semplice,
quasi effimero, in cui l’artista colora con i gessetti
le superfici ammuffite e scrostate dello spazio
quasi come fossero spore colorate. L’opera viene
riproposta diversi anni dopo per Isola Art Center,
mentre allo spazio Cova Stefano Arienti interviene
in modo fortemente diffuso, modificando su più
punti e piu muffe nello spazio. L’opera viene
completata dal vivo durante l’inaugurazione di
BienNoLo del 17 Maggio 2019.

Federica Perazzoli
Milano - 1966. Vive e lavora a Milano
All I Need, 2019
Loredana Longo
Catania - 1967. Vive e lavora a Milano
Victory, 2019
Riccardo Gusmaroli
Verona - 1963. Vive e lavora a Milano
Coperta termica, 2019
La coperta isotermica, solitamente utilizzata per
la stabilizzazione termica di un paziente in attesa
di soccorso, è qui appesa in modo tale da offrire
allo spettatore la parte dorata, che consente il
passaggio di luce e calore, e che è quella visibile in
caso di utilizzo in occasione di traumi o infortuni.
Il retro, di colore argenteo, è invece la parte che
nell’uso medico rimane a contatto con il corpo,
perché respinge luce e calore, e nell’installazione
resta celata allo sguardo. è proprio questa la
coperta dorata nella quale vengono avvolti i
migranti salvati dal mare. è una coperta fragile,
così per ovviare allo spessore sottile, l’artista ha
rinforzato la coperta con grandi strisce di cerotto,
bucandola poi in più punti. Il cerotto tiene insieme,
il cerotto unifica, il cerotto cicatrizza, il cerotto
aiuta a guarire le ferite. E, in questo caso, il cerotto
consente di creare dei fori per guardare attraverso
qualcosa che, altrimenti, se bucato si romperebbe.
La “coperta dei migranti” diventa quindi un invito
a guardare oltre, superando le barriere tra noi e lo
straniero.
Margherita Morgantin
Venezia - 1971. Vive e lavora a Milano
Reticenza, 2019
Reticenza è quell’atteggiamento di studiata
cautela nel parlare: è anche il titolo dell’opera
di Margherita Morgantin. Si presenta come due
anonime cassettine in metallo grigio, portachiavi,
come quelle che troviamo in alcuni
alberghi e uffici. Lo spettatore potrà decidere se
aprirle per scoprirne il contenuto. L’opera parla
di quel sentimento di reticenza che sviluppiamo
quando dobbiamo farci vedere, conoscere,
trovare, come il buio all’interno della scatola.
Stefano Boccalini
Milano - 1963. Vive e lavora a Milano
Parole/Dono, 2019
Adrian Paci
Scutari (Albania) - 1969. Vive e lavora a Milano
Il silenzio delle piante, 2019
L’ex panettonificio Cova può essere descritto
come quello che Gilles Clément ci indica
come Terzo Paesaggio, un luogo abbandonato
dall’uomo, un’area ex industriale dismessa
in cui crescono rovi e sterpaglie. L’opera di
Adrian Paci pone lo spettatore nella condizione
di ascoltare, contemplare o semplicemente
guardare questo angolo di verde incolto. Una
struttura in ferro dalla forma orbitale, di circa
otto metri di lunghezza circonda una gigantesca
pianta di “Buddleja davidii”, detta anche “albero
delle farfalle”. Ai due poli di fronte alla pianta
due sedute, per gli spettatori che avranno voglia,
tempo e pazienza di ascoltare il silenzio della vita.
Mario Airò
Pavia - 1961. Vive e lavora a Milano
Nerita, 2019
L’artista crea una relazione fra una vecchia tabella
educativa aziendale e i muri che la ospitano.
Massimo Kaufmann
Milano - 1963. Vive e lavora a Milano
Resurrezione, 2001

Vittorio Corsini
Cecina - 1956. Vive e lavora a Milano
Scala, 1991
Alessandro Nassiri Tabibzadeh
Milano - 1975. Vive e lavora a Milano
Senza titolo, 2019
Alessandro Simonini
Modena - 1985. Vive e lavora a Milano
Pharmakon, 2019
Sara Rossi
Milano - 1970. Vive e lavora a Milano
Mediterraneo (Carosello), 2019
Carosello è un loop cartaceo, una sequenza
lineare che si svolge nello spazio, un paesaggio
realizzato come un puzzle aperto alla scoperta di
continue coincidenze. 36 metri di cartoline postali
ci raccontano un possibile giro dello sguardo a 360
gradi come una macchina ottica in cui lo spettatore
stesso anima il paesaggio, reale ma tuttavia
immaginario, in un viaggio di pochi passi attraverso
luoghi distanti nello spazio e nel tempo. Luoghi
souvenir che hanno viaggiato portando messaggi
brevi dai mittenti ai destinatari, un ricordo, un
pensiero, una immagine.
T-Yong Chung
Taegu (Corea del Sud) - 1977. Vive e lavora a
Milano
Untitled 1, 2012
In quest’opera senza titolo T-Yong Chung, recupera
e dà nuova vita a oggetti provenienti da fabbriche
abbandonate. Attraverso quella che possiamo
considerare quasi una pratica meditativa, l’artista
rimuove con un’azione costante, attraverso la carta
vetrata, la ruggine del tempo, delle intemperie
e dell’abbandono. Parti di putrelle, avanzi di
un’epoca occidentale e industriale nati con una
funzione precisa vengono, attraverso il gesto
dell’artista, invece che rottamati, resi al mondo
ancora più preziosi. Impossibile non pensare,
guardando quest’opera, al modo di approcciare il
passato nella filosofia orientale dove la cura di ciò
che è stato, permette una visione più lucida del
futuro, un po’ come se noi riuscissimo guardando
quei frammenti provenienti dallo stabilimento di
Marghera a darci delle risposte, invece che porci
solo domande.
Francesco Bertelé
Cantù (CO) - 1978. Vive e lavora a Canzo
Apocalisse 21.1, 2019
Matteo Pizzolante
Tricase (Le) - 1989. Vive e lavora a Milano
Stand up!, 2019
Stand up! è una riflessione sul concetto di
Climacofobia, ovvero la paura persistente e
ingiustificata delle scale, sia di salirle che della
possibilità di cadere da esse. L’opera è composta
da una serie di elementi scultorei e fotografici: le
immagini sono visioni di scale interne, ottenute
attraverso un paziente lavoro di ricostruzione
digitale, tramite l’utilizzo di software di modellazione
3D. Queste immagini sono proiezioni mentali, tracce
evocative, miraggi caratterizzati da una visione
antica e circolare del tempo e dello spazio. Gli
elementi scultorei in acciaio e tessuto amplificano
questa vertigine, con l’intento di suscitare squilibrio
e instabilità percettiva.

The Cool Couple
(Niccolò Benetton e Simone Santilli)
Vicenza e Portogruaro - 1986 e 1987. Vivono e
lavorano a Milano
Turborage, 2017
L’opera prende ispirazione da una favola di Gianni
Rodari, Il palazzo da rompere, che racconta di
una comunità in cui i bambini sono così iperattivi
da distruggere qualunque cosa. Per trovare una
soluzione, un personaggio pensa di costruire
un palazzo in cui rinchiuderli e lasciarli sfogare,
permettendogli di rompere tutto. Il piano funziona:
i bambini tornano a casa sfiniti e ritornano alla
normalità. Questo racconto anticipa il fenomeno
delle anger room, ed è metafora della capacità di
ogni forma di potere di gestire la violenza, isolandola
e rendendola inoffensiva. Considerando i molti
modi in cui la libera espressione del nostro corpo è
sottoposta a rigidi protocolli (e le numerose fessure
attraverso cui la violenza riemerge nella nostra
vita quotidiana) The Cool Couple trae ispirazione
dalla fiaba per costruire una scultura partecipativa.
Turborage, infatti, consiste in un pilastro di
cemento fresco, contro il quale il pubblico (proprio
come i bambini del racconto di Rodari) può
sfogarsi, grazie a delle mazze. La malleabilità del
materiale (cemento più perlite) rende ogni pilastro
una scultura astratta e la registrazione di un atto
aggressivo partecipato.
utilizzando nelle sue sperimentazioni l’alterazione,
la sospensione e la ripetizione. Ciò che emerge
dall’opera è una continua necessità di verifica
della verità dell’oggetto e della partecipazione del
soggetto.
Massimo Uberti
Brescia - 1966. Vive e lavora a Milano
Città ideale, 2019
Massimo Uberti ama costruire luoghi per abitanti
poetici. Per questa mostra realizza un’opera site
specific, Città ideale, composta da duecento
candele che, disposte sul pavimento, disegnano
la città ideale del Filarete. Sforzinda è la
rappresentazione rinascimentale di un’architettura
utopica, una città che non esiste, se non come
segno, forma o come luogo mentale. Oggi, ci
racconta l’artista, la città ideale è un luogo che
possiamo solo immaginare che tende a essere
spazio, necessario, amato e infinito.
Alfredo Rapetti Mogol
Milano - 1961. Vive e lavora a Milano
Sei la mia cura, 2018
Abbi cura di te, 2018
Acquasantiere, 2012
Carlo Dell’Acqua
Bormio - 1966. Vive e lavora a Milano
Costellazioni (in cattività), 2019
Il lavoro riprende nella forma l’opera Costellazioni,
che l’artista ha realizzato per la prima volta nel
2002: un raggruppamento di cactus casualmente
disposti e violentemente costretti su una parete
ci appaiono nella loro bellezza respingente, come
possibile metafora di una resistenza/residenza
difficile. L’intenzione dell’artista, nel cercare un
posizionamento forzato e verticale delle piante,
è di spostare lo spettatore entro una dimensione
allucinata dello spazio. Carlo Dell’Acqua è da
sempre interessato ai meccanismi psichici che
sottendono la percezione della realtà spesso
Premiata Ditta
Anna Stuart Tovini e Vincenzo Chiarandà. Vivono e
lavorano a Milano
Odori, 2019
Giuseppina Giordano
Mazara del Vallo - 1987. Vive e lavora a Milano
The Wall of Delicacy
(Ode to America), 2019

Bea Viinamaki
Bloody Bunny, 2018
Iva Lulashi
Tirana (Albania) - 1988. Vive e lavora a Milano
Tea Time, 2017
Il lavoro di Iva Lulashi nasce da una ricerca
iconografica che attinge da frame di video di
diverso genere, ad esempio appartenenti al
periodo comunista albanese, oppure filmati erotici,
in riferimento all’assenza di materiale vietato ai
minori durante il regime. Nel suo corpus di lavoro
è presente anche la religione, che a sua volta era
stata “abolita” in quel periodo. In alcuni frame dei
filmati erotici scelti per essere dipinti dall’artista
si ritrovano le ripetizioni di gesti o movimenti che
ricordano i momenti di ginnastica collettiva imposta
dalla dittatura comunista. Il lavoro di ricerca
del materiale avviene attraverso canali comuni:
YouTube, o comunque siti facilmente accessibili.
In alcuni casi Lulashi sceglie frame tratti da film di
cui, però, non segue la trama né ascolta i dialoghi,
per non farsi influenzare e perché non vi siano
elementi riconoscibili o diretti nell’opera. Una volta
catturato il frame, l’artista lo modifica tagliandolo,
cancellando alcune parti o aggiungendone altre, in
modo da personalizzare l’immagine.

ArtCityLab
BienNoLo
Eptacaidecafobia
AA.VV
postmedia books 2018
160 pp. 240 ill.
ISBN 9788874902385
Si ringraziano
Carlo Bellomo, Marco Bianchi, Eredi Gambini, Antonella e Pietro Gallotti, Daniela Nocivelli,
isorropiahomegallery (no profit exhibition space), Antonio Romanelli, Leonardo Manera,
Riccardo Rossi e Alfons Pepaj (Ristruttura Interni), Carlo Turati, Luciano e Cristina Viganò,
Antonella Vizzari, Giorgio Gherarducci e Licia Negri
Uno speciale ringraziamento a Fastweb per la collaborazione all'opera di Carlo Dell'Acqua; a
Paolo Nava Studio per la serie di manifesti BienNoLo Border; a Oltremodo Srl di Marianna
Cappellina e Christian Tortato per il restauro dell'opera di Eugenio Tibaldi.
BienNoLo 2019 è stata realizzata grazie ai seguenti sponsor
Finito di stampare nel mese di giugno 2019
presso Ediprima, Piacenza
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