Subsonica, - Siae

PERIODICO ONLINE - ANNO 84 - N° 2 APRILE GIUGNO 2012 

Società Italiana degli Autori ed Editori 

PERSONAGGI 

Enrico Rava, 

premiato 

a Spoleto 

CINEMA 

Un sodalizio di ferro 

Silvio Soldini- 

Leondeff-Battiston 

ARTE 

Ruggero 

Savinio, 

pittore e scrittore 

vivaverdi 

Il giornale degli Autori e degli Editori 

ARTE CINEMA LETTERATURA MUSICA TEATRO RADIO TELEVISIONE 

LETTERATURA 

Premio Goliarda 

Sapienza, racconti 

dal carcere 

Subsonica, 

l’eden elettronico 

MUSICA 

Un Dente 

acuminato 

e ribelle 

TEATRO 

Mario Martone, 

esploratore 

dell’Ottocento 

BOLLETTINO 

SOCIALE 

Tutte le news 

della Siae

2 

18 

1 Solidarietà 

Una carezza per l’Emilia martoriata 

2 Musica 

Subsonica, anomalie sonore 

6 99 NOVITA’ 

8 Teatro 

Martone e l’Ottocento 

12 Letteratura 

Passione barbara, lo sport 

13 Musica 

Sanità Studio 

14 Cinema 

Soldini-Leondeff, la strana coppia 

18 Arte 

Ruggero Savinio allo Gnam 

20 Musica 

Il Dente del giudizio 

23 VIVA IN BREVE 

24 Personaggi 

Rava, musicista mondiale 

In riferimento alle immagini pubblicate, l’editore e la direzione di Vivaverdi 

dichiarano la propria disponibilità all’assolvimento dei diritti di riproduzione per gli 

eventuali aventi diritto che non è stato possibile individuare. 

VIVAVERDI 2/2012 

24 

27 COMPLIMENTI A…. 

28 Roma 

Cinema & Storia, parola agli studenti 

30 Letteratura 

Premio Goliarda Sapienza 

32 Editoria 

Manconi, un’autobiografia musicale 

34 VIVA DALL’INTERNO 

Storia della Siae-Il ruolo delle donne 

37 Palermo, Rock 10 e lode 

38 Primavera digitale al Salone di Torino 

39 Una carestia intellettuale 

40 6 aprile 2032, un racconto 

42 Ideona per la tv 

43 Concorsi 

44 Pirateria e fotocopie 

45 L’Ultimo Applauso 

48 BOLLETTINO SOCIALE 

8 

20 

Anno 84 – Nuova serie 

Numero 2 

Aprile - Giugno 2012 

Trimestrale 

Direzione, redazione 

e amministrazione 

Viale della Letteratura, 30 

00144 Roma 

Redazione: 06.5990.2795/2629 

Fax: 06.5990.2882 

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www.siae.it 

Direttore responsabile 

Flaviano De Luca 

Redazione 

Antonietta Gargiulo (segr. redaz. 

e ricerca fotografica), Massimo 

Nardi, Daniela Nicolai, Letizia 

Pozzo 

Grafica e impaginazione 

Progetto grafico Sabrina 

Fioretti e Marco Taggiasco 

Digitalialab S.r.l. - Roma 

Registrazione alla Cancelleria 

del Tribunale di Roma n. 234 

del 24.7.1948 

Chiusura in redazione: 

6 luglio 2012 

Hanno collaborato 

a questo numero: 

Vito Alfano, Linda Brunetta, 

Federico Capitoni, Gianfranco 

Capitta, Luigi Cecere, Paolo 

Ferrari, Alberto Ferrigolo, 

Maria Cristina Locori, Corrado 

Loiacono, Luigi Lopez, Valerio 

Magrelli, Franco Montini, 

Adriana Pollice, Oscar 

Prudente, Monica Scalamogna, 

Stefano Velotti 

ISSN 1972-6694 

In copertina 

La band torinese Subsonica in una 

foto di Pasquale Modica

Con un piccolo aiuto degli amici, 

l’universo delle sette note si 

è mobilitato per quelle popolazioni 

colpite dal terremoto. Un gesto 

concreto di solidarietà per le migliaia di 

persone costrette sotto le tende. Più di 

40 mila spettatori - tutto esaurito lo stadio 

Dall’Ara di Bologna, lo scorso 25 

giugno - hanno assistito al “Concerto per 

l’Emilia”, una maratona di tre ore, con 

incasso interamente devoluto alla ricostruzione 

delle cittadine travolte dal sisma 

di maggio. Gran parte dei musicisti 

e cantanti provenivano proprio da quella 

porzione di territorio regionale, ferito 

dai crolli e dalle devastazioni, che è 

stata la culla della musica giovane, del beat 

e della dance italiana, negli anni sessanta 

e dopo (Ma hai visto che roba? ha 

commentato poi Francesco Guccini. Il 

sessanta per cento del cantautorato italiano 

stava lì, l’altra sera, ed era emiliano…). 

Uno dei protagonisti di allora e di oggi, 

Beppe Carletti dei Nomadi ha chiamato 

a raccolta gli artisti ed ha organizzato 

la serata (con la collaborazione delle istituzioni 

locali, della Rai che ha curato la 

diretta tv, del Bologna Calcio, di Assomusica 

e della Siae). Il concerto è stato 

aperto da Zucchero (Per colpa di chi), seguito 

da Francesco Guccini (Il vecchio e 

il bambino) ed ha avuto un’impennata con 

Insieme a te non ci sto più, intonata da Caterina 

Caselli tornata su un palcoscenico, 

dopo oltre quaranta anni. (ho voluto 

tornare a cantare per la mia gente, fra la mia 


TERREMOTO EMILIA 

Una magnifica serata 

per ripartire insieme 

di Flaviano De Luca 

gente, con gli amici che con me hanno condiviso 

quasi cinquant’anni di carriera –ha scritto 

l’indimenticabile interprete di tanti 

successi- Ho voluto fare qualcosa di speciale, 

rimettere al lavoro le mie corde vocali irrigidite 

dal poco uso, provare ancora a emozionarmi 

e a emozionare insieme a Francesco 

Guccini, con un suo pezzo (Per fare un uomo) 

che è stato un cavallo di battaglia mio e 

dei Nomadi nei lontani anni Sessanta quando 

c’era la voce unica di Augusto Daolio, volato 

via troppo presto). 

Un altro personaggio che ha voluto esserci 

a tutti i costi è stata Raffaella Carrà 

che si è rivolta direttamente “ai potenti, 

perché facciano qualcosa subito per 

l’Emilia, subito! E noi, stasera, dobbiamo 

fare rumore” ha concluso introducendo 

Tutto esaurito allo stadio di 

Bologna e tutti i big emiliani della 

musica sul palco del Concerto per 

l’Emilia, l’iniziativa di solidarietà 

per le popolazioni colpite dal sisma, 

tenutasi il 25 giugno. E un altro 

concertone, Italia loves Emilia, è in 

programma il 22 settembre a 

Campovolo. 

uno dei suoi pezzi più famosi, Rumore. E 

poi si sono esibiti Samuele Bersani, Gianni 

Morandi, gli Stadio, Andrea Griminelli, 

Nek, Paolo Belli, Luca Carboni, 

Andrea Mingardi (With a little help from 

my friends), Cisco e i Modena City Ramblers 

(Viva la vida), i Nomadi (Io vagabondo). 

Non è mancato l’ omaggio al bolognese 

Lucio Dalla, che ha dedicato alla 

sua città la poetica e struggente Piazza 

Grande, cantata da Gianni Morandi 

con Gaetano Curreri mentre Laura Pausini 

e Cesare Cremonini hanno intonato 

L’anno che verrà. La serata è stata presentata 

da Fabrizio Frizzi. Il presidente 

della Regione, Vasco Errani, ha assicurato 

che il tessuto sociale dell’Emilia sarà 

rispettato e non saranno edificate new 

town, ma saranno ricostituite le comunità 

sul territorio. 

Un giorno di dolore e Il meglio deve ancora 

venire sono stati i brani eseguiti da Luciano 

Ligabue, chitarra e voce, che ha già 

dato appuntamento al prossimo evento 

di solidarietà, Italia loves Emilia, il prossimo 

22 settembre a Campovolo, con la 

presenza anche di tanti artisti non emiliani 

come Elisa, Renato Zero, Tiziano 

Ferro e Jovanotti. “Avete dato un segnale 

pazzesco – ha dichiarato Ligabue – In appena 

due settimane avete riempito il Dall’Ara. 

Noi siamo qui per dire che le istituzioni ci 

devono ancora dare molto”. Una serata lunga, 

emozionante, per scaldare il cuore degli 

sfollati e per ripartire in una terra meravigliosa. 

1

Con sei album in studio, tournée 

ormai internazionali, sigle radiotelevisive, 

colonne sonore, 

una partecipazione al Festival di Sanremo, 

una permanente aderenza al circuito 

indipendente e una messe di progetti 

paralleli, i Subsonica sono da quindici anni 

protagonisti di un successo crescente. 

Ne racconta modalità di lavoro, sentimenti 

e prospettive il fondatore, chitar- 

2 

INTERVISTA MAX CASACCI 

Anomalie sonore 

di Paolo Ferrari 

rista e compositore Max Casacci, decano 

del gruppo con i suoi 48 anni. Con 

lui formano la compagine torinese il cantante 

Samuel Romano, 40 anni, il trentasettenne 

tastierista Davide “Boosta” Dileo 

e la sezione ritmica formata da Luca 

“Vicio” Vicini, quarantenne, con il 

batterista Enrico “Ninja” Matta, suo coetaneo 

con una laurea in ingegneria informatica 

nel cassetto. 

Nel ’96, cinque ragazzi, “tra il 

fiume e i portici di Torino”, danno 

vita a una band che punta sulla 

gradevolezza pop e sull’uso della 

tecnologia. Scalano le classifiche di 

vendita, riempiono i palasport con 

un’intensa attività live, conquistano 

prima l’Italia e poi tutta l’Europa, 

con una capatina in Cina. 

Samuel e Max 

Foto Pasquale Modica 

u Come nascono le vostre canzoni, 

in che modo un’idea di partenza 

diventa un brano compiuto 

e chi compone? 

C’è stata un’evoluzione nel corso del 

tempo, le modalità di oggi sono differenti 

da quelle dei primi album. All’inizio i 

ruoli erano paradossalmente più definiti: 

Samuel e io lavoravamo sulla struttura, 

sulla linea melodica e sui testi, Boo- 

VIVAVERDI 2/2012

sta era l’uomo macchina che costruiva la 

musica anche con abbondanti inserti 

strumentali. Da parte mia pesava l’esperienza 

pregressa sull’elaborazione dei testi, 

in particolare delle strofe, mentre Samuel 

ci metteva soprattutto melodia e 

ritornello. Poi ci siamo evoluti, scambiandoci 

i ruoli ma ancora facendo quasi 

tutto noi tre, con Boosta sempre più 

attivo anche sul fronte dell’idea di par- 


tenza e dei testi; infine con Eden si è lavorato 

in cinque, partendo da lunghe sessioni 

in una casa isolata dentro un bosco 

dove sono rimbalzati spunti provenienti 

da tutti e cinque, con una grande confusione 

finale circa l’effettiva paternità 

delle singole canzoni. 

u La sensazione è che nel corso del 

tempo sia aumentata l’importanza 

Boosta e Samuel. Il primo libro sulla band “Anomalia Subsonica” l’ha scritto 

Paolo Ferrari, autore di questo articolo, nel 2003 (editore Giunti). 

Foto Pasquale Modica 

dei testi nel vostro lavoro: è così? 

Sì, e credo che sia una necessità fisiologica. 

Se si vuole andare avanti nel pop 

rock, dare continuità alla vita artistica di 

un gruppo, la direzione è quella. All’inizio 

vince la novità del codice, la somma 

attitudinale di un nuovo suono, di 

un’estetica, di un modo di porsi. Però 

quel che garantisce di andare avanti è in 

un secondo tempo la capacità di scrittu- 

3

In poche righe... 

I Subsonica sono nati a Torino nel 1996 dall’incontro 

tra Max (chitarra), Samuel (voce), Boosta 

(tastiere), Ninja (batteria) e Pierfunk, sostituito 

poi da Vicio (basso). Il nome della band 

venne fuori da una fusione iniziale poiché Samuel 

propose “Sonica”, come una canzone dei 

Marlene Kuntz, mentre Max propose “Subacqueo”, 

titolo di una canzone che aveva scritto 

con gli Africa Unite e così si pensò di unire i due 

suggerimenti creando così la parola “Subsonica”, 

titolo del loro primo album, pubblicato nel 

1997 per l’etichetta Mescal. Nel 2000, dopo la 

pubblicazione dell’album Microchip emoziona- 

Vicio 

4 

ra, la ricerca della 

qualità assoluta nella 

musica e nei testi. 

È una ricerca che si 

traduce anche in 

contenuti: nei primi 

dischi eravamo influenzati 

da una 

certa letteratura 

cyber punk 

Anni Novanta, 

in seguito abbiamoabbandonato 

quella 

le, partecipano al festival di Sanremo e cominciano 

un’intensa attività live che li porterà in giro 

per l’Italia. Nel 2002 pubblicano Amorematico, 

due anni dopo i Subsonica firmano un 

contratto con la Emi e pubblicano Terrestre, seguito 

poi da L’eclissi (2007) e Eden (2011). Per 

festeggiare il quindicesimo anniversario dell’esordio 

discografico, viene pubblicato un volumetto 

Subsonica x 15 (Espress edizioni) dove 

quindici torinesi, da Alessandro Baricco a 

Luciana Littizzetto, da Luca Morino a Gabriele 

Vacis, traggono spunto dalle canzoni del gruppo 

per scrivere quindici storie. 

sorta di epica fantascientifica per calare i 

nostro testi nella realtà quotidiana, senza 

tirarci indietro in materia di contenuti 

sociali e impegno civile. 

u Che rapporto c’è nel vostro sound 

tra suoni campionati di 

matrice digitale e strumenti 

analogici? 

Non avvertiamo la presenza 

di questo fossato, ci 

viene naturale utilizzare entrambi 

i procedimenti. A volte 

partiamo dall’elettronica, per poi 

personalizzarla con gli strumenti. 

Magari senti il campione di un 

disco originale su vinile che suona 

bello vintage e adatto a una certa canzone, 

e lo riproduci in studio; al contrario, 

a volte suoniamo e poi campioniamo 

le nostre stesse parti. In questi procedimenti 

è importante accantonare i 

nostri ego. Il primo della classe unanimemente 

riconosciuto, per esempio, è 

Ninja, il batterista; il più preparato tecnicamente 

tra noi. Bene, capita spesso 

e volentieri che sia lui stesso a 

scegliere un suono non suo, bensì 

campionato, perché più adatto. 

Quindi a farsi in un certo 

senso da parte. L’importante non è la provenienza 

dei suoni, ma la nostra capacità 

di personalizzarli, di renderli Subsonica. 

Tutto questo riguarda quanto accade 

in studio; dal vivo invece tendiamo a suonare 

il più possibile in diretta, è un nostro 

punto di forza, l’applicazione da cui 

siamo nati. Il pubblico lo sa, lo avverte e 

lo apprezza. 

u Cosa vi hanno dato le recenti 

esperienze all’estero? 

In Europa è stato bello toccare città nuove 

per noi come Parigi e Berlino, o suonare 

a Londra in un locale più grande 

della volta precedente. Dopo varie puntate 

estemporanee era il primo vero tour, 

e la differenza si è fatta sentire. La voce 

sta passando, i giovani italiani sono fieri di 

portare i loro amici stranieri a sentire come 

suona il pop di casa nostra. Negli Stati 

Uniti è stato forse anche più bello, partire 

da Brooklyn dove è venuta a trovarci 

una nostra cover band di New York ci ha 

dato subito fiducia; suonare di fronte a un 

pubblico praticamente vergine di rock italiano 

è stato istruttivo e divertente. 

u Come avete interpretato la missione 

affidatavi dalla Rai, che vi 

ha chiesto di rimodernare il 

sound di Radio Due? 

In un primo tempo con un po’ di soggezione. 

Percepivamo la loro voglia di 

novità, ma anche una certa paura che esagerassimo, 

che fossimo estremisti sonori. 

Per il primo jingle di rete abbiamo 

guardato d’istinto agli Anni Sessanta inglesi, 

in particolare a un certo suono vintage 

della BBC e delle sigle delle serie di 

allora. Abbiamo anche comprato degli 

effetti adatti. Quella piccola suggestione 

d’epoca è stata approvata, così per gli incarichi 

successivi ci siamo fatti coraggio 

e abbiamo osato di più. Adesso l’ascoltatore 

trova il meteo, il GR, l’Onda Verde 

che evocano rimbombi dubstep, la musica 

che secondo noi meglio legge i tempi 

odierni, e non li trova per niente fuo- 

VIVAVERDI 2/2012

i contesto, sebbene sia difficile trovare 

una certa elettronica nei palinsesti Rai. 

u Che ruolo ha il diritto d’autore 

nella vostra vita professionale? 

E’ qualcosa d’importante, come del resto 

per tutti coloro che vivono o ambiscono 

a vivere delle proprie opere. Il rapporto 

con la Siae è indispensabile per 

passare dalla dimensione dell’hobby a 

quella professionale; non credo che senza 

gli utili dei diritti d’autore potremmo 

mantenere uno studio come il nostro, per 

esempio. E quindi progredire di conseguenza. 

Un aspetto importante è poi la 

tutela dell’artista rispetto alle edizioni e 

ai rapporti con le case discografiche. Spesso 

i ragazzi più giovani ci chiedono 

un’opinione sulle licenze Creative Commons, 

e noi spieghiamo che vanno anche 

bene per fare musica a livello amatoriale, 

ma che per passare alla professione occorre 

la Siae. Che non è perfetta, intendiamoci; 

per esempio una maggiore elasticità nei 

confronti degli stessi Creative Commons 

non guasterebbe. Come pure una più 

continua e capillare promozione degli artisti 

emergenti e l’elaborazione di strategie 

di sostegno ai colleghi in difficoltà. 

Tutti temi su cui riflettere. 

u Quanto portano e quanto tolgono 

al gruppo i progetti paralleli 

dei singoli componenti? Ne ricordiamo 

qualcuno: Boosta fa dj 

set, musica in proprio, radio ed è 

fondatore di una casa editrice, la 

ADD; Samuel lavora con i Motel 

Connection, fa parte del team di 

dj Krakatoa e dirige due etichette 

dance; Casacci fa il produttore, 

di recente per Eugenio Finardi 

e Massimo Zamboni, dirige il 

Traffic Festival e manda avanti 

uno studio; Vicio fa il produttore, 

tra gli altri di Serena Abrami 

e delle Yavanna; Ninja ha fondato 

gli LNRipley… 

Credo che a conti fatti diano e tolgano 


nella stessa misura. Da una parte aiutano 

a rinnovare suono e prospettive 

della band mettendoci tutti a continuo 

confronto con altre esperienze, e servono 

a ridimensionarci, a capire come 

sia difficile imporsi senza l’ombrello 

del gruppo. La storia del rock ha dimostrato 

quanto spesso accada che le 

avventure soliste dei componenti di 

gruppi di successo non siano all’altezza 

delle loro aspettative. Dall’altra portano 

via energie e tempo, a volte sovrapporre 

i rispettivi calendari è disarmante, 

sembra che per i Subsonica 

nessuno di noi abbia del tempo. Però 

alla fine si trova, ci si ritrova, e si riparte 

più forti di prima. 

u Cosa portate a casa dalla recente 

esperienza in Cina? 

È stato molto interessante, il retrogusto 

è la sensazione che il mondo possa andare 

avanti senza bisogno che glielo imponga 

l’Occidente. Abbiamo suonato a 

Pechino e Shangai in sale eccellenti e ben 

attrezzate, con personale competente. Ci 

siamo trovati di fronti a una comunità 

Ninja 

italiana molto giovane e dinamica, composta 

di architetti, designer, cuochi, artigiani 

attenti all’arte e alla musica. I connazionali 

erano molto numerosi soprattutto 

a Shangai, che è più occidentale, 

mentre Pechino è più cinese; è un po’ il 

rapporto che ci può essere tra Milano e 

Roma. Avevamo 800 persone a serata, gli 

italiani cantavano i pezzi ed i cinesi provavano 

a fare altrettanto con risultati facili 

da immaginare. La dittatura c’è, non 

lo si può negare; a noi hanno chiesto i 

testi prima di farci suonare per eventuali 

censure che poi non ci sono state. Però 

c’è anche uno stato che investe nell’arte 

e nella cultura in modo sensibile. 

u Quali sono i vostri progetti? 

Un’ultima tranche di tournée in estate, 

per chiudere il ciclo di Eden, che è anche 

coinciso con i quindici anni del nostro 

primo album. Poi, se non salta fuori 

qualcosa di inatteso, magari sempre all’estero, 

cominciare a impostare le prime 

sessioni per il prossimo album, sempre 

in campagna nella nostra atmosfera 

familiare. 

5

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Mama Marjas e Miss Mykela 

WE LADIES 

Love University Records 

Album tutto al femminile e tutto reggae per 

Mama Marjas & Miss Mykela (Maria Germinario 

e Michela Giannini), giovani talenti 

del tacco d’Italia, che per la prima volta 

realizzano insieme un progetto discografico, 

col sostegno finanziario di Puglia Sounds. 

Con l’aiuto del famoso produttore londinese 

Adrian Sherwood e di quello salentino 

Francesco “Don Ciccio” Grassi, le due cantanti 

esplorano diversi stili, dalla jungle al 

drum’nbass, dall’elettronica al dub, dal reggae 

più classico alle nuove tendenze della 

dancehall giamaicana, con un autentico viaggio 

nelle sognanti sonorità caraibiche. Da segnalare 

alcuni brani davvero divertenti come 

Ancora, un difficile rapporto sentimentale, 

Tilt, sulla crisi economica, e Love University, 

sulle positive vibrazioni, in inglese (tutto 

il disco mischia i due linguaggi). L’album 

comprende anche un dvd, col docuvideo 

della registrazione del cd. 

6 

99 novità 

Sonohra 

LA STORIA PARTE DA QUI 

Sony Music 

Il nuovo disco di inediti dei Sonohra è composto 

da tredici brani, sette in italiano, quattro 

in inglese e due strumentali, che trattano 

d’amore e di temi sociali, come la violenza 

sui minori e la crisi di valori della società. 

Per la realizzazione dell’album, masterizzato 

presso i celebri Sterling Sound Studios di 

New York da Ted Jensen, il duo veronese, 

composto dai due fratelli, Luca e Diego 

Fainello (alle chitarre acustiche ed elettriche) 

ha collaborato con artisti come Hevia, 

Enrico Ruggeri, Eugenio Finardi, Roberta 

Di Lorenzo, la band americana dei Secondhand 

Serenade ed il rapper Michael Adrian. 

E’ un lavoro dai toni leggeri nel quale, 

leggendo i testi, si nota una ricercatezza e 

una precisione nei minimi dettagli. Un disco 

che vuole, secondo quanto dichiarato da 

Diego Fainello, risultare maggiormente rock, 

influenzato dalle nuove tendenze musicali 

dei due fratelli che si sono accostati a band 

come Muse e Nickelback. 

Giuseppina Torregrossa 

PANZA E PRISENZA 

Libellule Mondadori 

Una storia agile, ma non leggera, che attraversa 

l’atmosfera di mafia di cui è impregnata 

Palermo, insieme ai riti dedicati a Santa 

Rosalia che incantano per il coinvolgimento 

prodotto. Un canto che porta in alto la 

scrittura verso i sentimenti e il senso di giustizia, 

al di là delle convenzioni. Due indagini 

delicate. Tre poliziotti. Sette ricette di piatti 

prelibati, ma semplici come i profumi siciliani. 

Un pizzico, o forse più, di ironia. Uno 

scorcio della Sicilia che riporta alle sue tradizioni 

emotive e storiche. Cucinato come 

un buon piatto, questo libro si legge d’un fiato 

senza potersi fermare fino a scoprire il colpevole, 

il destino degli innocenti e delle passioni. 

Come afferma la protagonista: “Ogni 

delitto è per la società una ferita, perché cicatrizzi 

c’è bisogno di catturare il colpevole”. 

Giuseppina Torregrossa è stata per anni 

ginecologa, ma la propensione a raccontare 

l’ha ricondotta alla sua vera natura, quella di 

trasformare i veleni della realtà in un’efficace 

medicina della scrittura. 

VIVAVERDI 2/2012

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Walter Beltrami 

PAROXYSMAL POSTURAL VERTIGO 

Auand/Egea 

L’idea per il titolo e l’intero concept dell’album 

è venuta al chitarrista bresciano, uno 

dei più originali musicisti jazz della nuova 

generazione, durante i sei mesi passati in 

compagnia di questo disturbo, con forti giramenti 

di testa e perdita dell’equilibrio. Così 

la vertigine si è trasformata in spinta creativa, 

in apertura verso nuove dimensioni con 

una carica d’energia straordinaria, in un grande 

impatto sonoro che celebra, infine, l’equilibrio 

ritrovato. Affiancato da un super quartetto 

- Jim Black alla batteria, Stomu Takeishi 

al basso elettrico, Francesco Bearzatti al 

sax e clarinetto e Vincent Courtois al violoncello 

- Beltrami tratteggia linee melodiche 

che si incrociano e si rincorrono, si toccano, 

rifuggono, nell’imprevedibilità di gran 

parte delle improvvisazioni, avviandosi verso 

universi profondamente vicini al calore 

del rock e al forsennato ritmo vitale quotidiano. 

Il sito Allaboutjazz Usa lo ha definito 

“incendiary and electrifying”. 


99 novità 

Les Enfants 

LES ENFANTS 

ViaAudio Records- Libellula Music 

L’extended play è composto da quattro pezzi, 

prodotti artisticamente dalla band stessa 

e mixati con un risultato molto pulito da 

Manuele Santilli e Marco Manini, nato anche 

grazie agli stimoli di Matteo Camisasca 

(Aim/ViaAudio) e ai consigli di Federico 

Dragogna (Ministri). Nonostante la giovane 

età della band, si raggiunge nei brani una 

coerenza interna e un’unità di intenti ispirate 

al messaggio di speranza e di vita contenuto 

anche nei testi, che fanno riferimento 

a esperienze comuni di vita dei 

componenti del gruppo, tutti giovanissimi. 

L’obiettivo è stato quello di creare un prodotto 

molto vicino a quello del live, cercando 

di aggiungere meno parti possibili. 

La musica oscila tra il folk e il rock. Il sound 

riproduce quello della sala prove, con un 

lunghissimo riverbero. E’ stato anche realizzato 

un videoclip da Chiara Chinazzi, intitolato 

come un brano dell’Ep Io voglio bene 

ai miei amici. 

Le maschere di Clara 

ANAMORFOSI 

Materiali Musicali 

Prodotto da Max Monti dei Quintorigo, è 

un cd di una band assolutamente “unica” che 

propone “musica assoluta”. Tutto nasce dal 

desiderio di elaborare una sorta di “sfogo” 

artistico, frutto di studi classici e di una viscerale 

passione per il rock, cercando di legare 

due correnti culturali così lontane e allo 

stesso tempo idealisticamente vicine. La 

massima libertà armonica spinge inevitabilmente 

oltre la forma canzone, inducendo il 

violino ad esplorare sonorità astratte che eludono 

lo stereotipo tipicamente rock del basso/batteria/chitarra. 

A formare la band sono 

Lorenzo Masotto (voce, basso, tastiere), 

Laura Masotto (voce e violino elettrico) e 

Bruce Turri (batteria), tutti e tre con studi 

classici alle spalle. Rock, progressive, free-jazz, 

metal: tutte le etichette vanno bene per Le 

Maschere... ma, in definitiva, non si può costringerli 

in un genere preciso, tante che si 

potrebbe utilizzare per loro la definizione di 

«musica assoluta» che Ennio Morricone utilizza 

per descrivere tutto quello che non è 

leggera, rock, jazz e altro. 

7

Mario Martone è uno dei pochi 

artisti italiani a muoversi con disinvoltura 

(e notevole successo 

bisogna dire) tra cinema, opera lirica e teatro 

dove ha cominciato la sua attività. Non 

è usuale, almeno in Italia, che un regista sia 

capace di attraversare linguaggi tanto diversi, 

e di raggiungere in ognuno di questi campi 

un livello di eccellenza come il suo. Unico 

precedente di rilievo, oramai “storico” e 

lontano, fu Luchino Visconti, ma più di mezzo 

secolo fa. E un elemento di particolare 

interesse, è come nel percorso di Martone 

cinema teatro e lirica non marcino in ordine 

sparso, o separato, ma in qualche modo 

legati, tematicamente o per i riferimenti o 

le ascendenze. E’ un elemento molto particolare, 

questa “coerenza” visionaria, che merita 

di essere affrontata e approfondita con 

lo stesso regista. 

u Anche se, essendo ospiti qui di Vivaverdi, 

si deve notare come prima 

cosa che se i suoi approcci all’opera 

si bilanciavano agli inizi tra Mozart 

e Rossini, ora proprio il compositore 

di Busseto va assumendo 

un ruolo centrale nel suo lavoro: ai 

primi di giugno ha avuto esiti trionfali 

alla Scala la sua regia di Luisa 

Miller, e altri titoli verdiani ha in 

programma. 

Ed è stato anche un successo inaspettato, perché 

è un’opera difficile, che ha una tradizione 

scaligera di grandi insuccessi, e poteva 

davvero metter paura lavorarci. Dovevo farla 

due stagioni fa, poi fu rimandata, e finalmen- 

8 

INTERVISTA MARIO MARTONE 

L’inquietudine 

del presente 

di Gianfranco Capitta 

te l’appuntamento si è realizzato. E nel migliore 

dei modi: c’era un cast straordinario, e 

con il direttore Noseda avevo già lavorato 

molto bene per Fidelio: un’esperienza davvero 

felice, che dà l’avvio a un grande lavoro su 

Verdi alla Scala, dove l’anno prossimo dovrei 

mettere in scena la prima opera verdiana, 

Oberto, e si parla anche di un Trovatore… 

u E’ abbastanza curioso che in parte 

per caso (le chiamate dei sovrintendenti 

e dei teatri) ma anche per 

quello che deve essere un “disegno” 

artistico, Martone dopo essere entrato 

di prepotenza nell’ottocento 

soprattutto col film Noi credevamo, 

continua ad esplorarlo sempre più 

in profondità. 

In realtà è un viaggio nell’ottocento che partendo 

dalla preparazione di Noi credevamo e 

Dapprima regista teatrale, poi 

passato con successo dietro la 

macchina da presa, Mario Martone 

qui confessa il suo amore per 

l’Ottocento, per Giuseppe Verdi e 

per Giacomo Leopardi, 

protagonista del suo prossimo film. 

Il regista napoletano sul set di “Noi credevamo” 

arrivando alla realizzazione prossima del film 

su Leopardi, avrà la durata di dieci anni. Se 

è un “progetto”, certo non è avvenuto a tavolino: 

le cose si sono sviluppate una dall’altra, 

una dentro l’altra. Infatti mi piace parlare 

più di un “cantiere” che di un progetto. 

Tutto è cominciato nel 2003/2004 con il lavoro 

su Noi credevamo, e subito nel 2005 c’è 

stato il mio primo Verdi, che non a caso ha 

avuto luogo a Londra: è stato di grande interesse 

per me alternare alle prove del Ballo 

in maschera, la visita sempre più incuriosita (e 

con la macchina fotografica) dei luoghi che 

nell’ottocento erano stati di Mazzini e degli 

altri “cospiratori” europei. Lì si è stretto molto 

il legame con la cerchia dei libertari del 

risorgimento. Così che poi quando ho messo 

in scena Falstaff l’ho fatto in chiave risorgimentale; 

ho realizzato l’Otello a Tokio, 

VIVAVERDI 2/2012

e proprio da un brano di quell’opera verdiana, 

l’accompagnamento orchestrale di 

un’aria, è nata l’idea della colonna sonora di 

Noi credevamo, perché aderiva perfettamente 

al sentimento del film. E da lì è cominciato 

una sorta di “effetto domino”, cercando tutte 

le musiche di Verdi che dessero quell’atmosfera 

e quella senzazione. 

Posso dire che non per le loro idee, ma per 

assonanze della loro anima profonda, trovo 

molto vicine due figure come Verdi e Mazzini. 

Da un lato sono due “eroi” del nostro 

risorgimento, ma entrambi hanno dentro di 

sé una grande inquietudine, fin dagli inizi 

provano un senso profondo di disillusione, 

quasi una “nostalgia” per qualcosa che dovrà 

accadere, ma che nella loro intelligenza 

già presentono… 

u E che non finirà benissimo… 

Infatti. Ma è significativo che quando abbiamo 

cercato le musiche per il mio film, le 

abbiamo trovate non nell’ultimo Verdi, ma 

in quello degli inizi. Così come certe sensazioni 

sono esplicite nel Mazzini giovane, 

quello della Giovane Italia, un ragazzo nel 

pieno della sua forza, ma già pervaso da questa 

inquietudine, che ne fa un personaggio 

quasi shakespeariano. E’ molto bello e molto 

vero, quasi un ritratto profondo del nostro 

paese, il fatto che queste due grandi personalità 

dell’ottocento condividano quell’inquietudine 

che ancora oggi, a distanza di 

tanti anni e ormai nel XXI secolo, noi continuiamo 

a sentirci addosso. Infatti io non 

guardo a quel tempo come per un’indagine 

sul passato, ma perché è un modo di sentir 

vibrare il nostro presente. 

u Questo discorso non vale solo per il 

cinema e l’opera lirica: anche in teatro 

Martone ha preso un altro poeta 

e pensatore ottocentesco che aveva 

profonda la consapevolezza dell’infelicità 

e della disillusione, e dopo 

aver portato in scena, da Torino 

a Roma, da Recanati a Napoli e a 

Milano, le sue Operette morali, si appresta 

ora a rendere Giacomo Leopardi 

protagonista del suo prossimo 

film. 


Foto dello spettacolo “Operette morali”. 

In primo piano da sinistra Renato Carpentieri, Totò Onnis e Giovanni Ludeno. 

Sotto un’altra foto dello spettacolo, con le scene curate da Mimmo Paladino. 

Nell’ultima foto Roberto De Francesco. 

Tutto il servizio è di Simona Cagnasso 

9


Nato a Napoli, Mario Martone festeggia quest’anno 

trent’anni di iscrizione alla Siae. Ha cominciato 

a lavorare nella sua città nel 1977, nel 

clima delle avanguardie di quel periodo, fondando 

il gruppo “Falso Movimento” e realizzando 

spettacoli che fondevano gli elementi del teatro, 

del cinema, della musica e delle arti visive 

come Tango Glaciale (’82), Il desiderio preso per 

la coda da Picasso (’85), Ritorno ad Alphaville 

da Godard (’86), tutti destinati a lunghe tournée 

internazionali. Nel 1987 ha dato vita a “Teatri 

Uniti”, una compagnia tesa all’incontro tra gli artisti 

napoletani della nuova generazione, fondendo 

insieme il suo gruppo con il Teatro dei 

Mutamenti di Antonio Neiwiller e il Teatro Studio 

di Caserta di Toni Servillo. Il suo primo lungometraggio, 

Morte di un matematico napoletano, 

ha vinto il Gran Premio della Giuria a Venezia 

nel ’92. L’amore molesto (’95), Teatro di guerra 

(’98) e L’odore del sangue (‘03) sono stati tut- 

Questo rientra in quello che definivo prima 

“cantiere”. Non avevo programmato di fare 

uno spettacolo sulle Operette morali e poi fare 

un film su Leopardi. Le Operette sono nate 

proprio dal lavoro su Noi credevamo, e dal- 

10 

ti presentati a Cannes. Ha realizzato numerosi 

documentari e cortometraggi e ha filmato alcuni 

lavori teatrali tra cui lo spettacolo-manifesto di 

“Teatri Uniti” Rasoi, su testi di Enzo Moscato. Tra 

le sue regie: Filottete di Sofocle (’87), Riccardo II 

di Shakespeare (’93), Terremoto con madre e figlia 

di Fabrizia Ramondino (’94), I sette contro 

Tebe di Eschilo (’96), Edipo Re (2000) e Edipo a 

Colono (’04) di Sofocle, I dieci comandamenti di 

Raffaele Viviani (2000), L’opera segreta di Enzo 

Moscato (2005) e, nel repertorio lirico, l’intera trilogia 

Mozart-Da Ponte al San Carlo di Napoli (da 

Così fan tutte ripreso anche a Ferrara nel 2000 e 

2004 con Claudio Abbado, al Don Giovanni nel 

2002, a Nozze di Figaro nel 2006), Lulu di Berg a 

Palermo (2001), Matilde di Shabran e Torvaldo e 

Dorliska di Rossini al ROF di Pesaro (2004-2006), 

Un ballo in maschera di Verdi con Antonio Pappano 

a Londra (2005), Antigone di Ivan Fedele al 

Maggio Musicale di Firenze (2007). Ha ricevuto 

le ricerche di anni sulla lingua dell’ottocento: 

Leopardi non aveva nulla a che fare col 

film, ma Leopardi è sempre stato presente 

per me, lungo tutto l’arco di lavoro di questo 

decennio. In quest’ambito ricade anche 

numerosi premi nei suoi diversi ambiti di lavoro, 

dai due David di Donatello per il cinema al premio 

Ubu per il suo impegno nel rinnovamento del Teatro 

di Roma, istituzione che ha diretto tra il ’99 e 

il 2000 compiendo un lavoro di radicale cambiamento 

della programmazione aprendo alle altre 

arti e alle nuove espressioni sceniche e fondando 

un teatro, l’India, ricavato da una vecchia fabbrica 

in disuso sul Lungotevere. Successivamente 

ha contribuito all’evoluzione del Mercadante come 

Teatro Stabile di Napoli, facendo parte per tre 

anni del suo comitato artistico; in questa veste ha 

realizzato il progetto Petrolio dal romanzo di Pier 

Paolo Pasolini (2004). Dal dicembre 2007 è stato 

nominato Direttore della Fondazione del Teatro 

Stabile di Torino. Nell’autunno 2010 è uscito nelle 

sale italiane Noi credevamo, ispirato all’omonimo 

romanzo di Anna Banti, che ha vinto il premio 

Alabarda d’oro per il miglior film e la miglior sceneggiatura. 

uno spettacolo che feci su Napoli, L’opera segreta, 

ispirato proprio all’arte di Anna Maria 

Ortese, Caravaggio e appunto Giacomo Leopardi. 

Come avevo fatto per Rasoi, in cui attingevo 

a diversi brani della Partitura di Enzo 

Moscato, uno dei nostri più grandi autori, 

mi servii delle sue “riletture” di quei tre 

grandi per il mio spettacolo. E quello era stato 

il mio primo contatto teatrale con Leopardi. 

Ma la sua voce non mi ha mai abbandonato 

in tutti questi anni. In maniera 

quasi inversa rispetto alla conquista personale 

di Verdi e Mazzini. Per loro si scopre 

sotto la patina talvolta anche retorica che li 

circonda, l’esistenza di questa disillusa inquietudine. 

Nel caso di Leopardi grava come 

un luogo comune l’elemento della tristezza, 

del pessimismo come afflizione, che 

invece leggendolo e scoprendolo con gli attori, 

si capisce che il pessimismo c’è, ma nasce 

da una energia vitale: ha un così forte 

rapporto con la vita da non poter dare che 

gioia. La lettura di Leopardi così, si rivela disperatamente 

entusiasmante. 

VIVAVERDI 2/2012

Anna Bonaiuto nel film “L’amore molesto” del 1995 tratto dal romanzo di Elena Ferrante. 

Sotto Barbara Valmorin e Franca Penone (di spalle) nelle “Operette morali” 


11

quello che ho fatto 

della mia vita, avrei 

“Dopo 

potuto tollerare tutto, 

ma non di arrivare secondo”. Era 

questo il senso di una intervista che 

Bjorn Borg rilasciò alla vigilia del suo 

ritiro. Il sommo tennista svedese aveva 

appena avuto la medaglia d’argento 

al torneo di Wimbledon, e la dichiarazione 

svelò, davanti alla crudezza 

del fallimento, il suo vero concetto di 

sport. L’atleta, infatti, ammetteva che 

fino ad allora non aveva cercato la vittoria: 

l’aveva semplicemente pretesa, 

come qualcosa di sua esclusiva proprietà. 

“Dopo quello che ho fatto della 

mia vita”, diceva più o meno, “dopo 

averla ridotta a un’infinita serie di 

palleggi, dopo aver impoverito la trama 

del mio tempo fino a farne una 

monotona tessitura di scambi, dopo 

aver trasformato il mio destino nel 

movimento di un telaio inesorabile - 

dopo tutto questo, io non posso perdere”. 

E abbandonandosi alla sua delusione, 

con un gesto infantile e magnifico, 

lui, il numero uno della classifica 

mondiale, lui, la Macchina, smise 

improvvisamente di giocare. 

Questo ci riporta al libro di Andre Agassi, 

Open. La mia storia (Einaudi), il memoir 

di un altro grande campione, dove 

leggiamo: “Odio il tennis, lo odio con 

tutto il cuore, eppure continuo a giocare, 

continuo a palleggiare tutta la mattina, 

tutto il pomeriggio, perché non ho 

12 

LIBRI MARC PERELMAN 

Il grande flagello 

di Valerio Magrelli 

scelta. Per quanto voglia fermarmi non 

ci riesco. Continuo a implorarmi di smettere 

e continuo a giocare, e questo divario, 

questo conflitto, tra ciò che voglio e 

ciò che effettivamente faccio mi appare 

l’essenza della mia vita…” 

Ho ripensato a tali testimonianze, davanti 

al nuovo saggio di Marc Perelman, Sport 

Il nuovo libro del filosofo e 

architetto francese, Sport barbaro. 

Critica di un flagello mondiale 

(Medusa), approfondisce l’analisi e 

la riflessione sulla “religione del 

XXI secolo”. Nel circo mediatico 

mondiale si agitano enormi interessi 

economici che sostengono liturgie 

dalla spettacolarità malata. 

Barbaro. Critica di un flagello mondiale 

(Medusa). Questo filosofo e architetto 

francese ha pubblicato vari saggi 

fra cui Lo stadio barbaro (1998) e Il calcio, 

una peste emotiva (2006). A suo parere, 

lo sport odierno, paragonabile a 

un rullo compressore, spiana la strada 

a un progetto di società senza progetto, 

cioè senza ideali profondi. Perelman 

mostra inoltre le derive totalitarie 

e neofasciste dello sport, la sua 

spettacolarità malata. Ma il suo studio 

non è soltanto un tentativo di demistificare 

la “religione del XXI secolo” 

o la “decadenza della modernità”; esso 

rappresenta anzitutto una ricerca 

delle ragioni pulsionali che si scatenano 

nello sport mediatico. 

Ciò spiega come gli stadi possano diventare 

il teatro di istinti violenti e facilmente 

manipolabili. Si tratta di una 

riflessione che affonda le sue radici in 

Benjamin e nella Scuola di Francoforte. 

Sulla base di tali presupposti, 

Sport Barbaro afferma che oggi lo sport 

è arrivato a toccare livelli di autentica 

“oscenità”. Da qui la proposta di 

un neologismo, lo “sporno” (fusione 

di “sport” e “porno”), risultato, oltre che 

del doping, dello sfruttamento estremo 

della giovinezza e dell’energia fisica degli 

atleti. Così torniamo all’idea della 

macchina, una macchina orientata da forti 

interessi economici e politici, le cui liturgie 

muovono masse enormi, di cui noi 

stessi siamo parte. 

VIVAVERDI 2/2012


L’ALTRA NAPOLI 

Sanità Music Studio, 

formazione da sogno 

di Adriana Pollice 

Musica e tecnologie danno nuova 

vita alla cinquecentesca basilica 

di San Severo, nel popolare 

rione Sanità di Napoli, dove a fine 

maggio ha aperto i battenti il Sanità Music 

Studio, parte del progetto “Musica e 

nuove tecnologie” realizzato dall’associazione 

L’Altra Napoli onlus, guidata da 

Ernesto Albanese. Un percorso finalizzato 

all’inclusione sociale e professionale 

attraverso percorsi di formazione. I primi 

sei ragazzi napoletani hanno avuto accesso 

a un corso per diventare tecnico 

del suono e dell’elaborazione audio-digitale. 

Docenti Paolo Termini, laureato 

in Musica applicata ai contesti multimediali 

e dal 1990 al fianco di Renzo Arbore 

nel progetto dell’Orchestra Italiana, 

e Gianni Mantice, fondatore nel 1988 

degli Almamegretta. Padrino della struttura 

il produttore e compositore Claudio 

Mattone. 

u Lei è da sempre vicino a progetti 

che coniugano musica e impegno 

sociale, l’espressività artistica 

come strumento per elaborare un 

vissuto spesso difficile. Ci può raccontare 

la sua esperienza? 

La mia esperienza con i ragazzi non solo 

della Sanità ma di tutti i quartieri più o 

meno difficili di Napoli è iniziata 

quando scrissi e misi in scena il musical 

C‘era una volta..Scugnizzi. Facemmo 

migliaia di provini ed era la prima volta 

che si dava tanta attenzione e fiducia ai 

giovani per un progetto così importante. 

Eravamo agli inizi degli anni duemila e 

il senso di quell’impresa era più o meno lo 

stesso che ha oggi il Sanità Music Studio: 

offrire, attraverso la musica e il teatro, 

un’opportunità di lavoro (e in qualche caso 

di salvezza) a tanti ragazzi che mostravano 

talento e volontà. Oggi molti di quegli 

attori, cantanti e ballerini esordienti, 

nonché tecnici, macchinisti... sono stimati 

artisti e professionisti. Lo stesso e persino 

di più auguro a questi ragazzi del rione 

Sanità. Anche quelli più difficili da queste 

parti hanno un grande cuore. 

u Napoli ha una scena musicale 

giovane che continua a sfornare 

artisti ma non ha più quel ruolo 

centrale nell’industria discografica 

che ha avuto in passato. E’ 

possibile puntare su questo settore 

per rilanciare la città? 

La discografia tradizionale obiettivamente 

sta scomparendo e non credo che possa 

diventare un traino economico. Tuttavia 

mi sembra una buona cosa dare a dei 

Uno studio di registrazione 

tecnologicamente all’avanguardia e 

un corso di formazione per giovani 

musicisti nel cuore del rione Sanità, 

uno dei quartieri popolari della 

capitale del mezzogiorno. Ne 

parliamo con Claudio Mattone, 

autore e produttore, nume tutelare 

dell’iniziativa. 

giovani talenti la possibilità di esprimersi 

e di crescere, specialmente in un 

territorio come Napoli, che è 

storicamente un vulcano di creatività e di 

grandi artisti. Meglio la musica che altro... 

quindi io vedrei questa iniziativa 

dell’associazione L’Altra Napoli più come 

un fatto etico che come un fatto 

commerciale. Comunque si vedrà. Il 

futuro è di quelli che fanno. Intanto il 

Sanità Music Studio, oltre a essere una 

palestra dove misurarsi con le difficoltà 

di una gestione economica, è un luogo 

del sogno in un quartiere come la Sanità 

dove sognare fa bene. 

In alto due musicisti nella basilica di San Severo. 

Da sinistra Ernesto Albanese, Claudio Mattone, Luigi 

De Magistris, James Senese, Fabio Di Spirito 

(Fondazione Telecom Italia ) 

e Paolo Termini (uno dei docenti) 

13

Nel cinema italiano di oggi rappresentano 

uno dei sodalizi più 

solidi e longevi. Silvio Soldini 

e Doriana Leondeff lavorano insieme da 

oltre quindici anni: il loro primo film, Le 

acrobate, risale, quanto a scrittura, al 1996. 

“Dopo L’aria serena dell’ovest e Un’anima 

divisa in due, i miei primi due film realizzati 

in ambito industriale e scritti entrambi 

con Roberto Tiraboschi, avevo 

14 

CINEMA SOLDINI/LEONDEFF 

L’aria serena 

della sceneggiatura 

di Franco Montini * 

voglia di provare a lavorare con altri sceneggiatori. 

Così -racconta Soldini- ne 

ho incontrati diversi, fra i quali Doriana, 

che mi ha subito intrigato. Il fatto che 

poi il film di cui mi stavo occupando, Le 

acrobate appunto, avesse per protagoniste 

due donne, una del nord, ed io sono milanese, 

ed una del sud, e Doriana è nata 

Bari, mi sembrava un elemento utile a 

favorire la collaborazione. All’epoca pen- 

Una profonda amicizia e tanti 

interessi comuni, così il regista 

Silvio Soldini spiega in 

quest’intervista il lungo sodalizio 

con Doriana Leondeff, la sua 

sceneggiatrice abituale. Una ditta 

che coinvolge spesso anche l’attore 

Giuseppe Battiston. 

savo di avere bisogno di un compagno di 

scrittura molto diverso da me. Lavorando 

con Doriana mi sono invece progressivamente 

accorto che mi trovavo bene 

con lei per tutta una serie di affinità 

che ci legano. Con il senno del poi, sono 

anzi convinto che il segreto del nostro 

rapporto così duraturo sia frutto, oltre 

che di un’autentica amicizia, che nel 

tempo si è cementata, di una serie di in- 

Claudia Gerini e Valerio Mastandrea in “Il comandante e la cicogna” 

VIVAVERDI 2/2012

teressi comuni, per cui ci capita spessissimo 

di segnalarci reciprocamente un film 

che ci è piaciuto, un libro, uno spettacolo. 

Tutte cose che successivamente diventano 

spesso lo spunto per scrivere un 

nuovo film”. 

“La collaborazione professionale con Silvio- 

commenta scherzosamente Doriana 

Leondeff- si è rivelata più lunga e duratura 

di qualsiasi rapporto affettivo che 

io sia riuscita a costruire nella mia sfera 

sentimentale. E pensare che l’avvio della 

nostra collaborazione è stato molto difficile 

e faticoso. Ricordo che il lavoro di 

scrittura de Le acrobate ha richiesto tempi 

lunghissimi, complicati dal fatto che 

Silvio ed io abitavamo, come del resto 

continuiamo ad abitare, in città diverse: 

lui a Milano, io a Roma. Per scrivere Le 

acrobate mi sono trasferita per un lungo 

periodo nel capoluogo lombardo, mentre 

successivamente ci siamo un po’ scambiati 

le trasferte, anzi per un certo periodo, 

durante la mia maternità e quando 

mio figlio era molto piccolo, accadeva 

più frequentemente che fosse Silvio a 


venire a Roma, piuttosto che io a raggiungerlo 

a Milano”. 

Ma esiste un metodo di lavoro della pre- 

Giuseppe Battiston e Luca Dirodi in “Il comandante e la cicogna”. 

Sotto Doriana Leondeff e Silvio Soldini 

miata ditta Soldini-Leondeff? Gli interessati 

concordano sul fatto che una modalità 

di scrittura ovviamente esiste, ma 

sia complicata teorizzarla. “Prima ancora 

di metterci davanti al computer- spiega 

Soldini- ci si incontra, si parla, si discute. 

Nonostante la maggiore facilità di 

rapporti offerti dall’uso delle nuove tecnologie, 

personalmente avverto un bisogno 

di contatto per così dire fisico, devo 

cioè essere nella stessa stanza del mio 

sceneggiatore, devo parlargli o parlarle 

guardandolo negli occhi. Con Doriana 

discutiamo molto profondamente dello 

sviluppo della storia e della scaletta, poi 

nella fase di vera e propria scrittura, cerco 

di tenermi un po’ in disparte, lasciando 

questo compito agli altri- uso il plurale 

perché negli ultimi film abbiamo spesso 

lavorato anche con un terzo sceneggiatore- 

salvo intervenire successivamente 

per decidere cosa resta e cosa viene eliminato 

in una scena o in un dialogo”. 

“Nel nostro lavoro è difficile -concorda 

la Leondeff- teorizzare un metodo, anche 

perché ogni film ha alle spalle mo- 

15

dalità diverse. Ci sono storie che abbiamo 

scritto con grande facilità e leggerezza, 

divertendoci un mondo, come accaduto 

con Pane e tulipani, un film nato 

quasi per gioco, in attesa di riprendere 

l’attività su che un lavoro che si era arenato, 

Brucio nel vento, e poi che è stato 

realizzato solo successivamente. Mentre 

altri film, è il caso di Giorni e nuvole, hanno 

avuto una gestazione complicata e 

complessa, con molte, diverse stesure di 

sceneggiatura e alla fine hanno visto la 

luce, solo per la perseveranza e la determinazione 

con la quale Soldini ha combattuto 

per realizzarli. In ogni caso nel 

tempo, con Silvio si è creato un’intesa 

particolare che semplifica il lavoro di 

scrittura e mi consente anche libertà che 

non posso prendermi con altri registi. 

Con Silvio, ad esempio, so di poter osare 

parecchio nella scrittura, esagerare, andare 

volutamente sopra le righe, proprio 

perché Soldini è un regista che sul set 

tende a sottrarre e da qui nasce una bella 

alchimia, un perfetto equilibrio”. 

Un’altra modalità ricorrente nel lavoro 

della ditta Soldini/Leondeff è la verifica 

sul testo che viene eseguita una o due 

settimane prima dell’inizio delle riprese 

con una serie di prove con gli attori. “E’ 

in questa fase- spiega ancora Dorianache 

si sperimenta concretamente la bontà 

e la veridicità dei dialoghi. Il risultato 

è che, a volte, si è costretti ad un lavoro 

di riscrittura per rendere tutto più fluido, 

coerente e convincente. Dopo di che 

il mio lavoro è praticamente finito. Per 

consuetudine, mi capita di assistere al primo 

ciak del film, ma non frequento abitualmente 

il set, ritenendo la mia presenza 

un po’ inutile. Piuttosto mi piace 

seguire il montaggio del film, che è anche 

un modo per riappropriarmi della 

scrittura”. 

Al momento sono sette i lungometraggi 

nati dalla collaborazione fra Soldini e 

Leondeff: in ordine cronologico sono Le 

acrobate, Pane e tulipani, Brucio nel vento, 

Agata e la tempesta, Giorni e nuvole, Cosa 

16 

Pierfrancesco Favino e Alba Rohrwacher in “Cosa voglio di più” 

VIVAVERDI 2/2012

voglio di più e l’ancora inedito Il comandante 

e la cicogna, che si annuncia come una 

commedia corale di tono un po’ surreale, 

ma ricca di riferimenti alla realtà drammatica 

dei nostri giorni. Come si vede 

l’elenco comprende sia film leggeri, sia 

storie drammatiche, anzi i due generi tendono 

ad alternarsi. “Perché -confessa Soldini- 

mi piace cambiare spesso e lo spunto 

di un film, più che da un’idea di trama, 

nasce, nella maggioranza dei casi, proprio 

dal desiderio di esprimermi in un genere 

piuttosto che in un altro”. 

Ma, oltre a Doriana Leondeff, nel cinema 

di Silvio Soldini c’è un’altra presenza praticamente 

immancabile: quella di Giuseppe 

Battiston, che ha già recitato in sette 

film diretti dal regista milanese. Il rapporto 

con Soldini è cominciato nel 1993 

con Un’anima divisa in due e nei film di 


scritti con la Leondeff, Battiston ha mancato 

solo Brucio nel vento. Naturalmente 

l’attore è presente anche ne Il comandante 

e la cicogna, dove, invecchiato rispetto alla 

sua vera età anagrafica, recita il ruolo di 

un cinquantenne. La sua costante presenza 

fa pensare che già in fase di scrittura 

Soldini abbia in mente un interprete per 

un certo personaggio. Ma l’interessato 

smentisce: “Mi è accaduto rarissimamente 

di scrivere un personaggio già avendo 

individuato l’attore che avrebbe interpretato 

il ruolo. In realtà è successo solo con 

Agata e la tempesta, dove, per il ruolo della 

protagonista ho sempre pensato a Licia 

Maglietta e per quello di Romeo a Battiston. 

Ma già l’attore che ha interpretato 

il terzo ruolo, Emilio Solfrizzi, è stato 

individuato solo successivamente. Ho l’impressione 

che avere già in mente un atto- 

Margherita Buy e Antonio Albanese in “I giorni e le nuvole” 

re per un certo ruolo, mentre il film si 

scrive, limiti e condizioni la creatività. Poi 

accade che successivamente mi capita di 

rivolgermi con regolarità a certi attori perché 

mi offrono molto, come accaduto 

spessissimo con Battiston, e più di recente 

con Alba Rohrwacher, presente in tutti 

gli ultimi miei tre film. Ma, sia con 

Giuseppe, che con Alba, ogni volta si sono 

inventati dei personaggi molto diversi 

da un punto di vista caratteriale, psicologico 

ed anche fisico. Insomma nel cinema 

si può anche usare lo stesso l’attore, 

ma l’emozione arriva solo se il personaggio 

che si propone riesce ad essere 

ogni volta completamente diverso”. 

*Complimenti a Franco Montini, nostro storico 

collaboratore, eletto presidente del SNCCI, 

sindacato nazionale critici cinematografici. 

17

Il titolo della mostra (e del catalogo 

pubblicato dalle edizioni del Cigno), 

Percorsi della figura, rimanda certamente 

al percorso di Savinio nel tempo, 

alla sua fedeltà alla pittura e alla figura: 

l’attraversamento oceanico di oltre mezzo 

secolo, spesso controcorrente o in bolina 

stretta, quasi in solitaria. Nel percorso 

cambiano i colori, le luci, talvolta i 

materiali, prevalgono alcune famiglie di 

soggetti rispetto ad altre. Ma non ci sono 

virate brusche o manovre improvvisate. 

Resta costante un sentimento, a volte 

malinconico e di perdita, altre volte 

affidato alle promesse di un ritorno, il nostos 

di una nostalgia per qualcosa di inafferrabile 

e sempre cercato (“l’età dell’oro” 

– titolo ricorrente - o perfino “la bellezza”). 

C’è il ritornare di onde lunghe, che 

sembravano riassorbite, e che invece 

montano di nuovo. Ma questo è solo un 

aspetto dei percorsi che le figure compiono 

attraverso Savinio, lungo i quali si 

possono situare i compagni di viaggio 

più amati, da Carrà e Sironi a Bonnard, 

attraversando le zone d’ombra gettate da 

tanti maestri, a cominciare da quelli famigliari, 

il padre Alberto e lo zio Giorgio 

De Chirico. 

L’altro percorso, più interessante e necessariamente 

unico, è quello che si ripete 

in ogni lavoro di Savinio e che forse 

prevale su tutte le altre motivazioni di 

questa lunga fedeltà alla figura: le parole 

più frequentemente usate dallo stesso artista 

per dirlo sono “affioramento” e 

18 

ARTE RUGGERO SAVINIO 

L’immagine interna 

di Stefano Velotti 

“emersione”. Ancora un movimento in 

acqua, dunque – spesso rilucente di luce 

mediterranea, oppure atlantica e ventosa, 

o quella più muschiosa e intima di 

fiumi e torrenti -, ma questa volta non si 

bada tanto alle scie, al solco della navigazione 

in superficie, orizzontale, su cui 

misurare lo spazio percorso, il tempo trascorso, 

i cambiamenti di andatura e gli 

incroci con altre rotte. Qui c’è un moto 

verticale, dalla profondità all’emersione, 

dal disorientamento delle acque fonde 

all’affioramento in superficie. Affiora- 

La Galleria nazionale d’arte 

moderna di Roma ha dedicato una 

grande mostra personale al pittore 

torinese, figlio di Alberto e nipote 

di Giorgio De Chirico. Con 92 

opere realizzate tra i tardi anni 

Cinquanta e il 2011. 

Foto Passeri 

menti ed emersioni sempre sul punto di 

riaffondare, di disfarsi di nuovo tornando 

a quella totalità indefinita su cui si stagliano 

precariamente. 

C’è una frase di Hans von Marées (“un 

esempio possibile di classicismo moderno”), 

spesso ripetuta da Savinio e ripresa 

dai suoi commentatori, secondo cui 

l’immagine – intesa come figura – non 

è l’inizio dell’opera, bensì il suo traguardo 

finale. L’inizio dell’opera è piuttosto 

una “immagine interna”, che non è affatto 

una figura, e neppure un serbatoio 

VIVAVERDI 2/2012

di figure o di loro frammenti già definiti. 

Tutte le figure nascono da questa esigenza 

di catturare un’ “immagine interna” 

mobile, dileguante, indefinitamente 

ricca e imprendibile, attraversata da percezioni 

visive e tattili, odori e sapori, temperature, 

brezze, calme piatte o turbolenze, 

pensieri e attese, parole ricordi speranze, 

fino ad allargarsi allo stato d’animo 

di quel momento, di quel luogo, colto 

sullo sfondo di una totalità che coincide 

con il modo in cui ci si sente più o 

meno vivi. Questo sembra essere chiarissimo 

a Savinio – pittore e scrittore colto 

e riflessivo –, che scorge esemplarmente 

“la fatica della nascita dell’immagine” 

in Courbet, “l’esatto contrario dei 

pittori pompier, dallo stile nitido e le forme 

polite…”. In realtà, credo, anche uno 

stile nitido e forme polite possono non 

tradire l’immagine interna. Il discrimine 

sta semmai proprio nel punto di partenza 

e nel “lavorio” che porta all’esito della 

figura: è come se i pittori pompier partissero 

da figure già formate, e non da 

“immagini interne” indefinite e flagranti, 

occultando così – innanzitutto a se 

stessi - il percorso della nascita della figura, 

arrivando a “figurare” troppo tardi, 

a cose già fatte. Lo sapeva bene Francis 

Bacon, anche lui fedele alla figura, ma 

lontanissimo dall’idea di dare “forma illustrativa” 

alla realtà, e lo diceva a modo 

suo, senza le mediazioni culturali che possiede 

Savinio: “la forma illustrativa rivela 

immediatamente, attraverso l’intelletto, 

che cosa rappresenta, mentre la forma 

non illustrativa passa prima per la sensazione 

e solo in un secondo momento, 

lentamente, riporta alla realtà”. O ancora: 

“Per me il mistero del dipingere oggi 

è il modo in cui rendere l’apparenza. 

So che può essere illustrata, so che può 

essere fotografata. Ma come può essere 

resa in modo da catturare il suo mistero 

dentro al mistero della fattura?”. Credo 

che questo “mistero” sia l’origine comune 

di modi tanto diversi – personali 

e singolari – di dare “figura” all’indefini- 


to dell’esperienza. Eppure, sia Bacon che 

Savinio partono spesso da “illustrazioni 

fotografiche”, preferiscono avere davanti 

– specie nei ritratti – una fotografia invece 

che la realtà di persone o situazioni 

vive, attuali. Probabilmente qui la fotografia 

non guida “l’affioramento dell’immagine” 

a cui si mira – mediante 

quello strano “mirare” sospeso tra intenzionalità 

e abbandono, ricerca e caso, attività 

e passività, che è proprio del lavoro 

artistico –, quanto piuttosto funziona 

da “supporto” per una sorta di memoria 

involontaria, da madeleine rimasta sepolta 

o fluttuante nel tempo imprevedibile 

e complicato che scandisce la vita della 

mente. 

Un dipinto a prima vista inatteso può 

servire da esempio. Eseguito nel 2010, ad 

acrilico su tavola, si intitola Brighton Beach, 

ed è fatto con gli azzurri forse più 

violenti mai usati da Savinio, il quale lo 

racconta così: “viene da una fotografia di 

me stesso sulla spiaggia, scattata nel 1990. 

Si tratta quindi di una foto che ho presente 

da tanto tempo, ma che solo ultimamente 

‘mi ha chiamato’: ho sentito la 

voglia di fare qualcosa con quella leggerezza 

che stavo cercando e che ho voluto 

infondere nel quadro, era una sensazione 

nitida ma anche indefinita…”. A 

guardarlo, sembra di sentire l’odore dell’atlantico, 

la forza del vento salmastro, 

l’accecamento della luce, il freddo dell’acqua 

che lambisce i piedi nudi, il senso 

di libertà e solitudine che sanno dare 

solo quelle spiagge smisurate, e insieme 

lo sguardo attento di qualcuno che lo vede 

così, attraverso cui traspare la consapevolezza 

della fragilità e irripetibilità di 

quel momento… Chissà. È certo invece 

che – anche ammesso che abbia colto 

qualcosa di pertinente di quel dipinto – 

questo “percorso” in 92 figure non si cristallizza 

a sua volta in una figura, ma rifluisce 

ancora nelle immagini interne – 

arricchite, turbate, commosse – dei suoi 

spettatori. 

Brighton Beach, 2010 

19

Non C’è Due Senza Te, Giudizio 

Universatile, Io Tra Di 

Noi, la Settimana Enigmatica, 

e così via... Ma come nascono 

le tue canzoni? Prima il titolo, il testo 

o la musica? 

Dipende. Nascono in realtà da una necessità 

di scrivere, il che può sembrare 

molto banale, però è la verità. Ho cominciato 

a scrivere canzoni: sentivo di 

dover dire delle cose e di metterle giù, 

di concretizzare dei pensieri, forse perché 

non riuscivo ad esprimerli in un altro 

modo. Quindi ho trovato questa valvola 

di sfogo, questa via di fuga che è la 

forma “canzone”. Le cose che non riesco 

a dire in faccia, oppure parlando o 

scrivendo semplicemente, riesco a metterle 

in una canzone. Questo ti dà un 

senso di liberazione. E’ molto inutile, non 

serve a niente: non si risolvono la cose 

scrivendo le canzoni, però ti fa sentire un 

po’ meglio. Poi che cosa nasca prima dipende, 

a volte prima il titolo della canzone: 

ad esempio Non c’è due senza te, il 

titolo del mio secondo disco, lo avevo 

in mente da anni, da quando ancora non 

suonavo. Come anche Cuore di pietra. Mi 

sono detto, vorrei fare una canzone che 

s’intitoli Cuore di pietra e nel testo nascondere 

pietre preziose. 

u Ora che abbiamo rotto il ghiaccio 

vorrei entrare un attimo nel 

tuo territorio e sfidarti a calembour: 

caro Dente come ti è sal- 

20 

MUSICA INTERVISTA 

Il Dente del giudizio 

di Oscar Prudente 

Giuseppe Peveri, 36 anni, di 

Fidenza, ha una grande passione 

per i giochi di parole, i calembour 

ironici, le suggestioni agrodolci. Da 

ragazzo lo chiamavano col 

soprannome di Dente e con questo 

pseudonimo ha pubblicato svariati 

dischi e fatto tour di successo 

confermandosi uno dei cantautori 

più ironici e suggestivi delle nuove 

generazioni. 

Foto Ilaria Magliocchetti Lombi 

VIVAVERDI 2/2012

tato in mente di cantare una canzone 

di Prudente (Pensiero Stupendo 

di Oscar Prudente & Ivano 

Fossati, ndr)? 

Mi è stata commissionata da Radio Popolare 

Network e diventò la sigla della 

omonima trasmissione radiofonica. Infatti 

non la ho mai incisa tutta, son solamente 

quei 50 o 60 secondi. Ti sei arrabbiato 

quando l’hai sentita? 

u No, anzi mi ha divertito l’atmosfera 

vagamente caraibica della tua 

chitarra. È per scelta o per caso che 

ti sei legato ad etichette indipendenti 

e non ad una Major? 

Un po’ per scelta e un po’ per necessità. 

Quando ho cominciato, le proposte mi sono 

arrivate dalle indipendenti alle quali mi 

sono legato da subito. Poi sono arrivate le 

proposte delle Major che ho sempre scartato, 

un po’ perché erano tutte molto vaghe 

e un po’ perché fondamentalmente 

preferisco fare quello che mi pare. 

u Nel libro Anima Latina (di Renzo 

Stefanel, Ed. No Reply, ndr) è presente 

un tuo contributo. Il grande 

Lucio ha contagiato anche te? 

Sicuramente. Battisti è l’artista che ascolto 

da più tempo. Ho cominciato da bambino 

comprandomi le musicassette. Continuo 

ad ascoltarlo anche oggi e non mi 

stanca, anzi, ogni volta che ascolto i suoi 

dischi – specialmente Anima Latina – ci 

trovo sempre delle cose nuove. Probabilmente 

a 12 anni lo ascoltavo in modo diverso 

che non a 20, o da come lo ascolto 

oggi che faccio musica, quindi anche 

con diverse chiavi di lettura. La cosa che 

mi ha sempre affascinato di quel disco, la 

domanda che mi faccio sempre fin da bambino 

è: come ha fatto a fare un disco così? 

Non riesco a capire tecnicamente come sia 

stato possibile. 

u Battisti a parte, hai avuto altri 

modelli? 

Ho ascoltato tanta musica. Ho comin- 


ciato ad appassionarmi come ascoltatore, 

non come suonatore, perché suonare 

mi sembrava una cosa molto difficile da 

fare. In realtà lo è. Oltre a Battisti ho 

ascoltato molti altri italiani che, ovviamente 

essendo italiano, sono quelli che 

più mi colpiscono. Ad esempio tutti i 

cantautori degli anni ‘60 e ‘70, come Gino 

Paoli, Sergio Endrigo, ecc.., che ascoltavo 

nelle cassettine che avevano i miei 

genitori in macchina; che poi ho ripreso 

da un po’ più grandicello, riascoltate 

con un’altra testa. Endrigo lo ascolto 

spesso con gran piacere ancora oggi. 

u Hai curato una tua rubrica sulla 

musica ne Il Fatto Quotidiano, 

scritto la postfazione del libro 

Swordfishtrombones – Tom Waits 

(di David Smay, Ed. No Reply), inserito 

un tuo racconto nel libro Suonare 

il paese prima che cada (di Andrea 

Scarabelli, Ed. Agenzia X). Quanto 

sei attratto dalla letteratura? 

Ne sono molto attratto, ma mi sento abbastanza 

incapace. In realtà scrivere è un 

sogno che ho da tanto tempo: ho iniziato 

a scrivere senza la musica perché ho 

cominciato a suonare abbastanza tardi, 

intorno ai vent’anni. 

Scrivevo delle piccole cose che non voglio 

definire poesie e neanche racconti; 

erano microracconti tra la prosa e la poesia, 

una cosa abbastanza strana, che poi 

ho sviluppato nella forma canzone che 

è quella che mi viene meglio. 

Però la letteratura, il romanzo, il racconto 

sono cose che mi affascinano molto, 

ma sono uno che lavora molto in sottrazione 

e quindi mi riesce molto difficile 

scrivere tanto. La rubrica per Il Fatto Quotidiano 

era di 1500 battute alla settimana, 

però per me era un lavoro molto impegnativo: 

ci mettevo una giornata intera 

per scriverla perché faccio fatica a dilungarmi, 

anche se con 1500 battute non 

è che proprio ci sia da dilungarsi molto. 

Curo molto la parola: cerco la parola 

giusta, il suono giusto, anche solo nella 

lettura, e quindi faccio molta fatica. Il piacere 

di scrivere un romanzo rappresenta 

un traguardo abbastanza difficile per me: 

è un po’ come fare Anima Latina. 

u Quali sono le tue letture preferite? 

Sono un lettore abbastanza distratto. Leggo 

tante cose, specialmente romanzi, però 

non ho né un genere né un autore preferiti. 

Leggo un po’ così, seguendo dei consigli 

o magari quando vado in libreria 

compro un po’ di libri ispirato dalle note 

di copertina o da qualche altro incipit. Però 

le prime poesie che mi hanno toccato 

veramente, che mi hanno fatto capire che 

con la lingua italiana si potevano fare cose 

straordinarie, le ho scoperte a scuola 

quando ho studiato i poeti ermetici, quando 

ho studiato Ungaretti. Lì mi si è aperto 

un mondo perché ho detto: cacchio, 

questo con tre parole mi sconvolge. 

u Forme dialettali provenienti dalla 

tua terra hanno influito nella 

stesura dei tuoi testi? 

Forse, un po’ inconsciamente, sì. Amo 

molto il mio dialetto, lo parlo. Non amo 

l’inflessione parmigiana, quella che ho, 

credo che sia abbastanza orribile. Un po’ 

forse perché ci sono nato. L’erba del vicino 

è sempre più verde. 

u Credo sia questo, perché quando 

parli risulti molto simpatico... 

Eh, dicono tutti che è molto bello, anche 

la mia erre moscia è molto bella, ma 

io un po’ la odio. Comunque attraverso 

la mia ignoranza escono, sono uscite delle 

cose che vengono dal dialetto, forse un 

po’ inconsciamente, anche senza accorgermene, 

come una frase che ho scritto: 

“quel gioco qui” (vedi Oceano, dal cd Non 

c’è due senza te), che per me era italiana. 

u Il cd Non c’è due senza te contiene 

una canzone che mi ha colpito 

per il titolo: Scanto di Sirene. 

Cosa intendi per scanto? 

Per capire bisogna togliere le Esse, tutto lì. 

21

u Complimenti per la geniale costruzione 

de Le cose che contano, 

il brano contenuto nell’omonimo 

cd. “Uno non può fare così/ 

Due volte l’anno l’assegno della 

Siae/Tremando mando tutto a puttane...” 

e di seguito fino a Dieci 

quelli che non mi ami più. 

I versi di Buon Appetito, traccia 

di L’amore non è bello, sono frutto 

di un’esperienza personale? 

Sì. Purtroppo quello che scrivo è tutto 

autobiografico. Non riesco tanto a 

scrivere di altre cose, nutro anche un 

po’ invidia per chi ce la fa. Mi ricordo 

di aver letto questa storia de La donna 

cannone con De Gregori che diceva: 

“ho letto un trafiletto su un giornale e 

poi ho scritto questa canzone”; un po’ 

l’ho invidiato perché ha scritto un capolavoro 

partendo da un trafiletto letto 

su un giornale mentre faceva colazione 

al bar. Io queste cose non riesco 

a farle. 

u Charles Aznavour ha qualcosa a 

che fare con Io tra di noi? 

C’entra parecchio: Io tra di noi è un paradosso, 

e già mi piaceva il fatto che un paradosso 

facesse da titolo a un Cd, e inoltre 

rappresentava bene i contenuti del disco. 

A differenza della canzone di Aznavour 

(E io tra di voi, ndr.) in cui questa coppia 

veniva disturbata e probabilmente quasi 

sciolta da un terzo incomodo che rovinava 

la loro serata, nel mio caso - almeno 

nelle canzoni che sono in questo disco - 

il terzo incomodo non c’è: sono io stesso 

che mi si sono messo in mezzo. 

u Cosa stai progettando per il tuo 

futuro? 

Ho cominciato il tour estivo che andrà 

avanti fino a settembre. Poi comincerò 

a registrare il disco nuovo: ho già una 

manciata di pezzi. Non so in che tempi, 

perché vorrei fare con grande calma 

un lavoro abbastanza tranquillo e 

ben pensato. 

22 


Giuseppe Peveri alias Dente, nasce a Fidenza 

(PR) nel 1976. Poco più che adolescente Dente 

intraprende la sua avventura musicale come 

chitarrista dei Quic, passando per la band La 

Spina (con due album all’attivo), e poi la carriera 

solista, che lo porta nel 2006 a firmare per 

Jestrai, esordendo con il suo primo album ufficiale 

Anice in bocca. L’anno successivo pubblica 

Non c’è due senza te, subito accolto con 

calore da pubblico e critica, finendo nella rosa 

dei 20 migliori dischi italiani del 2007 scelti dal 

PIMI (Premio Italiano Musica Indipendente). Il 

14 febbraio 2009 esce l’album L’amore non è 

bello (Ghost Records/Venus), 13 tracce che 

confermano le straordinarie potenzialità del 

cantautore, con singoli in rotazione nelle radio 

nazionali, la realizzazione di due videoclip ed 

un intenso tour con la sua band nei club e nei 

festival di tutta Italia, per oltre 80 date live in 

meno di 12 mesi. Il 2010 si apre così con rinnovate 

energie, convogliate in un nuovo tour 

intitolato 1910, dedicato ai teatri, iniziato a fine 

gennaio a Modena e conclusosi a Milano il 16 

maggio, tour teatrale che ha visto il tutto esaurito 

per più di 20 date. Collaborazioni coi Per- 

Foto Ilaria Magliocchetti Lombi 

turbazione, per il brano Buongiorno Buonafortuna 

e con Il Genio, compagni di avventura nella 

rivisitazione di Precipitevolissimevolmente, il 

twist che è uno dei successi radiofonici dell’estate 

2010. Un anno tanto intenso si chiude 

con una serata speciale a novembre allo storico 

Teatro dal Verme di Milano con ospiti Manuel 

Agnelli, Le Luci della Centrale Elettrica, Il 

Genio, Enrico Gabriello, Max Collini e i Perturbazione. 

In qualche altra occasione si esibisce 

coi Calamari (Dente, Enrico Gabrielli dei Calibro 

35, Gianluca de Il Genio, F Punto e Federico 

Dragogna dei Ministri) il cui progetto riprende 

la tradizione del cabaret-canzone proponendo 

un repertorio originale affiancato ai 

grandi classici del genere, da Cochi e Renato 

ai Gufi e Jannacci. Dente scrive e canta con 

Missincat il singolo Capita che diventa una piccola 

hit in Germania, mentre per Brunori Sas 

canta in Il suo sorriso, brano incluso nell’album 

“Vol.2 - Poveri Cristi”. Da giugno 2012 è di nuovo 

in un lungo tour estivo, accompagnato da 

Andrea Cipelli (pianoforte, tastiere), Nicola Faimali 

(basso e contrabbasso), Gianluca Gambini 

( batteria). 

VIVAVERDI 2/2012

I SUCCESSI DI BELIEVE, NATA 

NEL 2006 

Dopo sei anni di attività, Believe Digital 

dispone di uffici in Francia, Italia (Milano, 

Roma e Siracusa), Inghilterra, Germania, 

Spagna, Usa, Israele. Solo in Italia 

il team di lavoro è composto da 18 

persone e prossimamente verrà incrementato 

con un unico obiettivo: fornire 

un servizio dedicato e maggiormente 

specializzato ad artisti ed etichette di 

tutti i generi musicali. Believe, infatti, 

vanta un catalogo eterogeneo che spazia 

dal rock al jazz, alla musica dance, latin, 

lounge, classica, opera, kids, hip hop, pop 

e distribuisce il meglio della musica italiana 

ed internazionale nel mondo. Sotto 

lo sguardo di Denis Ladegaillerie (nella 

foto), amministratore delegato di Believe, 

sono stati comunicati i bestseller 

del gruppo nell’ultimo anno: sul fronte 

rock Viva i romantici dei Modà, nel genere 

alternativa Hermann di Paolo Benvegnù 

e Nati per subire di Zen Circus, fra 

i cantautori H di Enrico Nascimbeni, nel 

pop Dove comincia il sole dei Pooh e Barbarossa 

social club di Luca Barbarossa, nella 

classica Sabiu no. 7 di Marco Sabiu, nel 

jazz Woman’s land di Stefano di Battista, 

nella dance il singolo Tacatà di Tacabro e 

nella children music 100 hits baby party. 


VIVA • IN BREVE 

LE MESSAGGERIE MUSICALI 

DEL GRUPPO SUGAR 

Il Gruppo Sugar lancia un nuovo progetto 

web, Messaggerie Musicali (proprio 

lo stesso nome della catena di negozi 

di dischi,esistenti un po’ dappertutto 

in Italia, dagli anni ’60 e poi passati al 

gruppo Mondadori) dedicato agli appassionati 

di musica che potranno incontrare 

in diretta su Google+ alcuni dei 

principali artisti del Gruppo per rivolgere 

domande sulla loro professione e ricevere 

consigli su come intraprendere 

una carriera musicale. Il primo appuntamento 

in videoconferenza quello dell’11 

luglio con Caterina Caselli. 

Per partecipare al progetto è sufficiente 

iscriversi su http://messaggeriemusicali.sugarmusic.com/it/home-page,scaricare 

in maniera del tutto gratuita le basi 

midi di alcuni dei più famosi brani del 

catalogo editoriale Sugarmusic e divertirsi 

a realizzare le proprie video cover, 

caricandole e condividendole sul canale 

ufficiale http://www.youtube.com/grupposugar. 

Gli otto interpreti più talentuosi 

che riceveranno il maggior gradimento 

sul canale YouTube Sugar, potranno partecipare 

ogni mese ad un’esclusiva videoconferenza 

in diretta su Google+. 

AL VIA FEEZY, 

MUSICA IN STREAMING 

E’ stato presentato, in maggio a Roma, 

Feezy, il nuovo servizio italiano di musica 

digitale sviluppato da One Italia e Televideocom.Un’azienda 

italiana che punta 

su una tecnologia di grande qualità, su 

undici milioni di brani da ascoltare in 

streaming su computer e mobile in accordo 

con le major discografiche Emi, 

Sony, Universal e Warner. Si comincia da 

uno spazio di scambio e collaborazione 

chiamato «Amiamo la musica!», un marchio 

che intende promuovere un ascolto 

responsabile: legale, in alta qualità e a 

basso costo. Feezy, infatti, integra in un 

unico servizio lo streaming, la mobilità 

e la condivisione proponendo un modello 

alternativo di fruizione della musica, 

già molto diffuso in altri Paesi: niente 

più acquisti di singoli brani o album 

da scaricare ma accesso in abbonamento 

all’intero catalogo. 

Oltre ai brani distribuiti dalle quattro major, 

si potrà ascoltare la musica di centinaia 

di etichette indipendenti, con un catalogo 

in costante crescita. Strumento 

principe diventano i dispositivi mobili, 

smartphone e tablet, che si trasformano 

in music player di nuova generazione. 

23

24 

MUSICA INTERVISTA 

Enrico Rava, 

il maestro con la tromba 

Sei figlio di una pianista, sei un 

autodidatta che ha imparato sul 

campo anche a pensare, scrivere 

e arrangiare musica. Come ti sei 

avvicinato al mondo del jazz? 

Ero un appassionato di jazz sin dall’età di 

8-9 anni, avevo un fratello più grande e 

quindi approfittavo della sua collezione di 

dischi a 78 giri, li sentivo e mi sono appassionato 

al jazz, al grande cornettista Bix 

Beiderbecke e Louis Armstrong, avevo tutti 

i dischi di Miles Davis. A 17 anni andai 

a vedere il suo concerto al Teatro Nuovo 

di Torino col Modern Jazz Quartet, mi ha 

colpito come un ciclone, fu un autentico 

shock. Oltre ad essere un musicista pazzesco, 

divino, sublime aveva una presenza scenica 

enorme, alla Marlon Brando per capirci, 

come quando la macchina da presa 

inquadra altro ma l’occhio casca su di lui e 

non lo lascia più, per Miles era lo stesso, era 

dotato di un carisma incredibile. Quel concerto 

mi indusse a comprarmi una tromba, 

inizialmente per divertimento, poi ho 

cominciato a essere chiamato per partecipare 

a delle jam session, passando prima 

con musicisti dilettanti e poi professionisti. 

Fin quando non ho conosciuto Gato Barbieri, 

a Roma, che mi ha convinto a dedicare 

la mia vita alla musica. Il mio futuro 

previsto era nell’azienda familiare… 

u Quando ti sei convinto di potercela 

fare? 

Ero ancora un dilettante e non sapevo 

cosa fare. Incontrai questo Leandro Bar- 

di Flaviano De Luca 

bieri con i capelli cortissimi, in giacca e cravatta. 

Bastano poche note e capisco che è 

un gigante. Ero alle prime armi, ma lui mi 

incoraggia e dice che ho un bel suono. Più 

tardi, nel 1964, mollo Torino, la famiglia e 

lo raggiungo a Roma, dove abbiamo inaugurato 

uno spazio a Trastevere, presso il ristorante 

Meo Patacca, lì abbiamo suonato 

per nove mesi di fila. Il padrone allora era 

un americano, mister Remington (che ha 

fatto diverse partecipazioni in piccoli film) 

che disponeva di quest’intera piazzetta con 

una cava che voleva adibire a jazz club e 

così ci ha ingaggiato in tempi brevi. Già la 

E’ uno dei più famosi musicisti jazz 

italiani che si è confrontato con i 

linguaggi e gli artisti più vari. 

Quest’anno festeggia 50 anni di 

carriera e la Siae gli ha conferito il 

Premio per la Creatività, al festival 

di Spoleto. In questa intervista svela 

passioni e idiosincrasie. 

prima settimana ottenemmo un notevole 

successo, divenne il posto dove andare a 

passare la notte, suonavamo sei sere alla settimana 

e ci venivano ad ascoltare Mastroianni, 

Fellini, Anita Ekberg. E’ stata una 

specie di università, mi ha molto migliorato 

suonare con Gato Barbieri (nel gruppo 

c’erano anche Franco D’Andrea e Gegè 

Munari) proprio un attimo prima che diventasse 

strafamoso, volandosene a Parigi 

e incontrando Don Cherry. Era un piacere 

enorme. Poi ho incontrato Steve Lacy a 

New York e mi sono ritrovato di colpo a 

suonare coi miei idoli, ho ottenuto la carta 

verde, il permesso per vivere lì, e sono 

rimasto a Manhattan dieci anni. 

u Hai una discografia sterminata. 

Quali sono quelli che ami di più? 

Un disco del ‘78 Quartet col trombonista 

Roswell Rudd, quello che ha dato una 

grande svolta al suo strumento negli anni 

’60. Oppure Il giro del giorno in ottanta mondi, 

ispirato dalla lettura del libro di Cortázar, 

un libro di istruzioni per arricchire la 

vita. Quella di Cortázar è la storia di un 

grande amore per il jazz: il suo racconto su 

Parker, el persecudor, è forse il miglior testo 

mai scritto su un jazzista. Ho un rapporto 

buono con quasi tutti i miei dischi anche 

perché evito di ascoltarli… così se c’è 

qualcosa che non mi piace o un piccolo 

errore meglio lasciar perdere. Il mio preferito 

è sempre l’ultimo, il figlio più giovane, 

Tribe, uscito a ottobre dell’anno scorso 

e sicuramente Rava on the dance floor, que- 

VIVAVERDI 2/2012

sto lavoro sulle musiche di Michael Jackson 

che portiamo in concerto anche a 

Umbria Jazz con l’orchestra del Parco della 

musica di Roma. Dovrebbe anche uscire 

il disco, tra qualche mese, con l’etichetta 

Ecm. Ho mandato la registrazione del 

concerto di maggio e subito dopo mi è 

giunta la mail con la decisione di Manfred 

Eicher di pubblicare il disco. Io conoscevo 

Michael Jackson superficialmente ma 

un paio di mesi dopo la sua morte, tornando 

a casa da un tour ho trovato mia 

moglie che guardava un dvd del concerto 

di Bucarest che faceva parte della tournée 

di Dangerous. Mi sono fermato a guardare 

un attimo e sono rimasto così, col cappotto 

addosso, fino alla fine. Ero incantato e 

non potevo staccarmi dallo schermo. Da lì 

ho iniziato ad approfondire: viaggi in mac- 


china con Michael Jackson a manetta tutto 

il giorno e ho scoperto cose straordinarie. 

Le sue ultime cose sono meravigliose. 

u Hai scritto due libri, Note Necessarie 

(Minimum Fax), un’intervista 

con Alberto Riva trasformata in 

un libro autobiografico, e Incontri 

con musicisti straordinari (Feltrinelli), 

coi ritratti di tanti strumentisti famosi 

coi quali hai diviso il palcoscenico. 

Hai acquistato un’enorme 

popolarità con l’imitazione radiofonica 

di Fiorello e fai anche 

degli affollati workshop… 

Adesso insegno molto meno. Una volta 

l’anno facevo un seminario di 15 giorni 

a Siena ma da un po’ di anni faccio solo 

tre giorni, sono molto legato alla Fon- 

© Robert Lewis/Ecm Records 

dazione Siena Jazz, ci vado da più di venti 

anni, e riesco sempre a individuare 

qualche talento fra i giovani che frequentano 

i corsi ad esempio Giovanni 

Guidi e compreso Gianluca Petrella che 

una quindicina d’anni fa suonava già benissimo, 

dopo un anno l’ho chiamato. A 

Siena lavoriamo su questi brani che io 

porto e ci mettiamo a suonare insieme 

come se fossero delle band autentiche, in 

generale faccio due gruppi, troviamo del 

materiale e lo suoniamo. La loro voglia 

di fare è una carica notevole, molto spesso 

succedono cose interessanti. Io continuo 

a parlare coi giovani, è un rapporto 

reciproco, c’è sempre qualcosa da imparare 

dai più giovani, quando una band 

funziona è un esempio di democrazia 

ideale, impossibile da riprodurre altrove 

25

nella vita. Con Fiorello ci siamo conosciuti 

lavorando ad un audiolibro per Camilleri 

e la cosa divertente è che lui si è 

appassionato alla tromba. Suonando tutto 

il giorno e facendo impazzire il suo 

entourage. All’inizio la tromba è molto 

difficile, già emettere un suono è un problema, 

non so se stia continuando ma 

suonava tantissimo… 

u Recentemente hai avuto accenti 

critici verso gli improvvisatori feroci, 

quelli che suonano le stesse 

cose da trent’anni….. 

Non so, io sento fortemente la voglia di 

cambiare, di fare cose nuove, di costruire 

melodie diverse, in qualche modo circolari. 

Invece ascolto artisti bravissimi rimasti 

intrappolati in questa ideologia del 

free jazz, una specie di lotta contro il resto 

del mondo, rimasta ferma agli anni 

‘70. Perciò non amo molto l’espressione 

musica afroamericana perché se è vero 

che c’è la memoria della schiavitù, il ritmo 

ancestrale dei tamburi, l’eredità nera 

nel dna del jazz c’è anche una componente 

di musica italiana, ebraica, europea, 

coi tanti strumentisti che provenivano 

dal vecchio continente. 

u Nel tuo gruppo abituale, Tribe, ci 

sono, Giovanni Guidi al piano e 

Gabriele Evangelista al contrabasso 

che hanno meno di trent’anni, 

Gianluca Petrella al trombone ne 

ha trentasette, Fabrizio Sferra alla 

batteria cinquantatre. E’ un giusto 

mix di giovani ed esperti. 

Sono i musicisti giusti, con una visione simile 

alla mia, non è giovani o vecchi. Basta 

che corrispondano alla mia idea, siano 

vicini a quello che io penso musicalmente, 

condividano la mia visione delle cose. 

Con la stessa curiosità che avevo da ragazzo, 

una voglia matta, sento sempre questa 

necessità di migliorare che mi mantiene 

giovane almeno mentalmente. Questi musicisti 

hanno quindi la massima libertà all’interno 

di quella che è la mia visione del- 

26 

la musica. Li ho scelti proprio perché c’è 

questa visione condivisa. Tra noi non c’è 

neanche bisogno di parlare, basta un accenno, 

un suggerimento e loro reagiscono 

nel modo giusto, che è tale perché 

è il modo loro, anche se può essere 

il contrario di quello che mi aspettavo o 

che avrei desiderato. Diverso è per i musicisti 

che vengono ai miei seminari. Io 

non do mai consigli ma a volte qualcuno 

mi chiede se facendo il musicista di 

jazz si può vivere e quanto si guadagna. 

La mia risposta è sempre la stessa: se ti fai 

questa domanda lascia perdere. Uno sce- 

I premiati a Spoleto 

glie la musica perché non ne può fare a 

meno, sei già pagato dal fatto di suonare. 

Se insieme a questo premio ti va anche 

bene economicamente tanto meglio. 

La musica mi ha salvato la vita. Vivere di 

musica è come fare un terno al lotto, non 

riesco a chiamarlo lavoro perché io l’adoro, 

una cosa che mi piace talmente, che 

mi diverte ancora oggi e forse la farei anche 

in condizioni più difficili e meno 

gratificanti …… 

u Come è il tuo rapporto con la 

Siae? 

Sono diventato socio abbastanza presto 

e sono sempre stato trattato bene dalla 

Siae. Mi ricordo che accadde in conseguenza 

del film Oggetti smarriti di Giuseppe 

Bertolucci (che l’aveva scritto con 

Mimmo Rafele, Lidia Ravera e Enzo 

Ungari). Io avevo composto la colonna 

sonora e il film fu selezionato per diversi 

premi. Ai tempi la domanda me la preparò 

il Direttore della Siae di allora ed 

ho conservato nel tempo un ottimo rapporto 

con la Società, tanto che al compimento 

dei 60 anni ho cominciato a ricevere 

il vitalizio. Poi improvvisamente 

sospeso dall’inizio di quest’anno. 

Venerdì 13 luglio, al Festival dei Due Mondi di Spoleto, è stato celebrato il “Premio Siae alla Creatività 

2012”, giunto ormai alla sua quarta edizione. Come ogni anno sono stati dati quattro Premi 

a giovani talenti emergenti (coreografo, scenografo, autore e compositore), più un premio alla 

carriera per un artista affermato. La premiazione è avvenuta sul palco del Teatro Romano prima 

della rappresentazione dello spettacolo di Danza “Semperoper Ballett Dresda”. 

Quest’anno la Siae e il Comitato di Esperti del Premio (comitato composto da: Giorgio Ferrara, 

Presidente e Direttore del Festival di Spoleto; Gaetano Blandini, Direttore Generale di Siae; Sabina 

Riccardelli, Vice Direttore Generale di Siae; Giancarlo Pressenda, Dirigente della Sezione 

Musica Siae; Alessandra Ferri;Franca Valeri e Gianni Quaranta) hanno scelto di assegnare il Premio 

alla Carriera al Maestro Enrico Rava. 

Ecco gli altri riconoscimenti. Premio Coreografo : Claudio Cangialosi (26 anni, siciliano, ballerino 

professionista prima alla Scala di Milano, dove si è diplomato, e attualmente in Germania); Premio 

Scenografo: Carlo Bondanini (33 anni, ha lavorato per la tv, il cinema, l’opera lirica); Premio 

Autore Teatrale: Giovanni Franci (30 anni, ha scritto e diretto Certi discorsi, Zoo, Questo silenzio). 

Premio Compositore: Alessandro Mannarino (33 anni, romano, cantautore metropolitano per eccellenza, 

dalle sonorità eclettiche e contaminate). 

VIVAVERDI 2/2012

VINCENZO SPERA 

A fine giugno è stato eletto nuovo presidente 

di Assomusica, l’associazione che 

con oltre 100 imprese aderenti rappresenta 

circa l’80 per cento degli organizzatori 

e produttori di spettacoli di musica 

dal vivo in Italia. Spera, promoter attivo 

dal 1974 nell’area genovese, resterà in 

carica per il triennio 2012-2015 e sarà coadiuvato 

da un nuovo consiglio direttivo. 

EPA/Ian Langsdon 

MATTEO GARRONE 

Ha ottenuto il Grand Prix al 65° festival del 

cinema di Cannes col suo nuovo film 

“Reality”, quattro anni dopo un analogo 

riconoscimento per il suo lavoro precedente 

“Gomorra”. Secondo il presidente 

della giuria Nanni Moretti: “Molti dei giurati, 

come me, sono stati colpiti dalla miscela 

di umorismo e dramma, dall’interpretazione 

del protagonista e dell’attrice 

che fa sua moglie, dal grande amore che 

il regista dimostra verso i propri attori, dalla 

capacità di rinnovare la tradizione della 

commedia all’italiana”. 


Complimenti a... 

FRANCESCO GUCCINI 

Ha ricevuto la laurea ad honorem dall’American 

University of Rome. Con la seguente 

motivazione: “Ispirato da musicisti 

come Bob Dylan, le Sue canzoni hanno 

anche contribuito a portare in Italia 

una certa idea di America, Paese che ha 

conosciuto prima attraverso le storie del 

prozio Amerigo, emigrato e poi tornato in 

Italia, e più tardi attraverso la letteratura 

e la musica della Beat Generation”. 

Foto Luigi La Selva 

LUCA RONCONI 

Ha ottenuto il Leone d’oro alla carriera per 

il settore Teatro della Biennale di Venezia. 

“Riconosciuto in tutto il mondo come uno 

dei massimi rappresentanti del teatro di regia, 

che ha attraversato dagli anni ‘60 con 

passione sperimentale misurandosi con 

spazi e tempi inconsueti, Luca Ronconi – 

secondo le parole di Àlex Rigola che lo ha 

proposto - è stato autore di grandi narrazioni 

teatrali, dall’Orlando Furioso a Gli ultimi 

giorni dell’umanità e Infinities, ma ha 

anche saputo generosamente e costantemente 

guardare alla trasmissione dei saperi 

tra generazioni, facendosi guida per 

tanti giovani allievi”. 

MANUELA GHIZZONI 

E’ stata eletta presidente della Commissione 

cultura della Camera (con 33 voti a 

favore, 2 schede bianche e nessun contrario). 

La parlamentare, deputata del Pd, 

è nata nel 1961 a Carpi, è ricercatrice in 

Storia medievale presso la Facoltà di 

Scienze della formazione dell’Università di 

Bologna. 

PAOLA MAZZUCCHI 

E’ stata eletta presidente di EDItEUR, la più 

importante organizzazione al mondo (con 

oltre 90 nazioni) sugli standard per l’editoria. 

Mazzucchi ha seguito per l’Associazione 

Italiana Editori il progetto Arrow e lavora 

dal 2005 sugli standard internazionali, in 

relazione alle attività di EDItEUR nell’ambito 

degli standard per la comunicazione delle 

informazioni bibliografiche (in particolare 

con lo standard Onix), per i processi di ecommerce 

e per i diritti d’autore. 

27

Il cinema nelle scuole? Affascina gli 

studenti e li rende migliori. Non è 

uno slogan, ma la sintesi a conclusione 

di “Cinema&Storia”, l’iniziativa varata 

nel 2009 dalla Provincia di Roma, 

per volontà del suo Presidente Nicola 

Zingaretti, giunta alla terza edizione. E 

che ha coinvolto, solo quest’anno, 50 istituti 

di Roma e provincia, 90 classi, 50 

docenti, per un totale di oltre duemila 

studenti che hanno visto e discusso con 

i propri insegnanti sei film (venti nel 

triennio), prezioso cofanetto di una più 

ampia e progressiva library a disposizione 

degli istituti, che include titoli spesso introvabili 

del nostro secondo dopoguerra. 

E che fanno parte di quel primo elenco 

di 100 e più film da salvare, e dal quale 

non si può prescindere, stilato dalle 

Giornate degli Autori. 

Il cinema li affascina per loro stessa ammissione. 

E per quella degli insegnanti, i 

più entusiasti. Dice la professoressa Fiorella 

Mariani del linguistico James Joyce 

di Ariccia: “Seguo il progetto dall’inizio 

ed è gestito in maniera eccezionale, per 

la qualità delle persone scelte, degli esperti 

invitati, degli attori e dei registi che incontriamo, 

per la qualità della formazione 

che a ogni ciclo ci viene offerta. 

Un’esperienza unica. Con la possibilità 

di recuperare film mai visti”. 

E i ragazzi come reagiscono e interagiscono? 

“All’inizio sono un po’ perplessi 

– ammette la docente –, specie per i film 

in bianco/nero. Non sono abituati, e al- 

28 

ROMA SCUOLE 

Cinema & storia, 

lezioni di qualità 

di Alberto Ferrigolo 

Veronica Pivetti con Emilio e Paolo Taviani 

lora tocca a noi guidarli. Poi apprezzano 

e finiscono con il citare le pellicole viste 

anche in contesti diversi dall’ambito scolastico. 

Un bel risultato, no…?” chiede 

con malcelata soddisfazione. 

“Non c’è dubbio che il cinema sia uno 

strumento ricco e interdisciplinare” dice 

con piglio molto sicuro Marco Zingaretti 

(omonimo e non parente, neppure 

alla lontana, del Presidente della 

Provincia, ndr) che l’anno scorso con tutta 

la 5 D del Morgagni di Roma s’è aggiudicato 

la “Menzione speciale della 

Cento film per raccontare un paese, 

l’Italia. Si è conclusa la terza 

edizione della rassegna che ha 

coinvolto insegnanti, studenti, attori 

e registi. Attraverso la visione delle 

pellicole, selezionate dalle Giornate 

degli Autori, si comprendono usi, 

costumi e mutamenti della società. 

giuria” per l’elaborato - un Dvd - Io sono 

l’universo: “Per la sua particolare forza 

narrativa, per la sensibilità, le caratteristiche 

della sceneggiatura e del montaggio 

e anche per la forza della recitazione”. 

Tanto che Cinecittà Luce, partner dell’iniziativa, 

ha segnalato il film al Festival 

internazionale di Venezia e in altre 

rassegne. “Attraverso i film – prosegue il 

ragazzo, oggi universitario – abbiamo appreso 

e approfondito quel che stavamo 

studiando, non solo il periodo, ma anche 

gli usi e i costumi, l’economia del tem- 

VIVAVERDI 2/2012

po, la società. E poi abbiamo conosciuto 

da vicino registi, sceneggiatori, attori e 

autori che mai avremmo avvicinato. Ricordo 

ancora le sensazioni che la proiezione 

di Roma città aperta mi ha trasmesso: 

quel senso di profonda impotenza e 

frustrazione storica e di vita che hanno 

subito i protagonisti dell’epoca, costretti 

ad annullarsi e nascondersi per sfuggire 

alle persecuzioni naziste”. 

Maria Luisa Michesi, che del Morgagni 

è la preside, non ha dubbi: “Il progetto 

della Provincia, che opera con partner 

competenti e qualificati come le Giornate 

degli Autori e Cinecittà Luce, è importante 

perché rende concreta la pratica 

della complessità didattica. Del sapere 

e della sua acquisizione. Gli studenti 

sono costretti a operare una sintesi di più 

materie e di più linguaggi. È evidente 

che un’esperienza simile sottopone a 

molteplici sollecitazioni, che finiscono 


per affinare le capacità cognitive degli 

studenti. Un lavoro trasversale, che ha 

molte ripercussioni e implicazioni, anche 

se magari viene caricato, in particolare, 

su talune discipline, come l’italiano 

o la storia, ma che include anche la psicologia”. 

“Io ho fatto fare anche recensioni dei 

film che abbiamo visto” dice la prof. Mariani 

“o ho fatto raccontare ai ragazzi gli 

incontri con il regista Aureliano Amadei 

o Pierfrancesco Favino. Bellissimi, poi, i 

colloqui con Gregoretti, Scola, i Taviani, 

emozionanti quelli con Monicelli e Rosi. 

Vedere i film, decodificarli, discuterli 

insieme è entrare nel linguaggio del cinema 

e costruire un antidoto alla tv”. 

Tommasina Carravetta, del Tecnico industriale 

Enrico Fermi di Frascati, che 

con le classi del suo istituto ha già vinto 

ben due edizioni di “Cinema&Storia”, 

dichiara che da tempo usa il cinema per 

L’esibizione di Fiorella Mannoia 

la didattica: “I versanti utilizzabili sono 

di diverso tipo: c’è quello meramente storico 

attraverso cui si fanno indagini documentali 

e testuali, c’è poi quello dell’emozione, 

per nulla secondario, perché 

una volta sedimentata dà struttura alla 

propria cultura. In genere, do molto rilievo 

agli sceneggiatori, perché dalla scrittura 

non si può prescindere. È da qui che 

passano le idee, tutte le idee”. E gli studenti? 

“All’inizio sono un po’ reticenti. 

Ci sono quelli che si fidano e quelli che 

non vedono prospettive. Ma poi si sciolgono. 

Il cinema finisce per diventare anche 

il loro immaginario”. 

Effetti concreti? “Che al cinema ci vanno 

di più. E scelgono meglio. A volte si 

avvicinano ai cineforum. Un anno però 

non basta, tre sono qualcosa, ma ci vuole 

tempo. Perciò auspichiamo che l’iniziativa 

della Provincia prosegua e si rafforzi”. 

29

30 

LETTERATURA PREMIO GOLIARDA SAPIENZA 

Racconti dal carcere, 

autobiografie borderline 

Oltrepassare la soglia del carcere 

romano di Rebibbia crea una 

sensazione opprimente. Un 

luogo di detenzione e sofferenza che suscita 

impressione sugli animi sensibili. Eppure, 

in un pomeriggio del maggio scorso, 

quel luogo è stato animato da un momento 

di creatività e di cultura, di riscatto 

e, a tratti, persino di gioia. Merito della 

giornalista e autrice Antonella Bolelli 

Ferrera e di Pino Insegno, che hanno 

presentato, con la giusta dose di sobrietà 

e verve intonate alla manifestazione, la 

cerimonia di premiazione dei vincitori 

della seconda edizione del Premio letterario 

“Goliarda Sapienza - Racconti dal 

carcere”, ideato dalla stessa Bolelli Ferrera 

e promosso dalla SIAE Società Italiana 

Autori Editori, dal Dipartimento 

dell’Amministrazione Penitenziaria 

(DAP), dall’Associazione Inverso e dalla 

RAI Radiotelevisione Italiana. L’iniziativa, 

che vede la presenza di autorevoli 

personalità della cultura, tra le quali Dacia 

Maraini in veste di madrina del Premio 

ed Elio Pecora in veste di presidente 

della Giuria, è rivolta ai detenuti negli 

istituti penitenziari che abbiano scritto 

un racconto dai contenuti autobiografici. 

Il teatro del carcere, divenuto noto al 

grande pubblico grazie al successo del 

film Cesare deve morire dei Fratelli Taviani, 

girato interamente all’interno di 

Rebibbia, ha visto alternarsi sul palco i 

venti detenuti finalisti, accompagnati dai 

Foto di Gaetano Pezzella 

di Massimo Nardi 

rispettivi tutor (giornalisti e scrittori affermati). 

Non tutti hanno potuto essere 

presenti di persona, ma, tra gli assenti, 

c’è stato chi ha voluto testimoniare la 

sua partecipazione con un video: è il 

caso di Federico Moccia, che ha inviato 

il suo filmato dall’Argentina, e di Valerio 

Evangelisti, tutor del primo classificato 

Francesco Fusano (titolo del 

racconto vincitore: “Borderline”). Non 

Dal premio letterario è stato tratto 

un libro con i racconti degli autori 

finalisti. L’antologia “Siamo noi, 

siamo in tanti - racconti dal 

carcere”, edita da Rai Eri, è stata 

presentata al Salone del libro di 

Torino 2012. 

sono mancati i momenti toccanti, come 

quando lo scrittore Erri De Luca, 

abbracciando il “suo” detenuto Salvatore 

Saitto (che ha ricevuto una menzione 

speciale), ha spiegato che, nella 

vita, a volte basta poco per tracciare il 

confine fra la normalità e l’esclusione 

sociale. 

Per approfondimenti: www.raccontidalcarcere.it 

VIVAVERDI 2/2012

Ci trasmettono entusiasmo 

La scintilla di tutto è stato il ricordo di una 

scrittrice, Goliarda Sapienza (1924-1996), 

che proprio nel triste scenario del carcere, 

dove fu detenuta per un piccolo furto, 

trovò l’ispirazione per scrivere L’università 

di Rebibbia, la sua opera più stimata dalla 

critica. Da qualche anno le edizioni Einaudi 

stanno pubblicando le sue opere inedite, 

a cominciare da L’arte della Gioia 

(2008), Io, Jean Gabin (2010) e Il vizio di parlare 

a me stessa (2011). Ne parliamo con Antonella 

Bolelli Ferrera, ideatrice ed organizzatrice 

del Premio Goliarda Sapienza. 

u L’antologia “Siamo noi, siamo in tanti 

- Racconti dal carcere”, contenente 

i racconti finalisti del Premio, 

è stata presentata a Torino. Quale sarà 

l’atteggiamento dei lettori nei 

confronti di storie drammatiche che 

non sono mediate dal filtro dell’invenzione, 

ma riportano in diretta un 

vissuto autobiografico? 

Posso immaginare che per molti sarà di 

curiosità e stupore di fronte a vicende che 

sembrano da film, invece sono realmente 

vissute. C’è chi sarà più colpito dalle descrizioni 

di vita all’interno delle carceri, 

che in alcuni casi sembrano farci sprofon- 

Ha letto le motivazioni dei riconoscimenti 

e ha dialogato con tutor e finalisti. 

Abbiamo chiesto al poeta Elio Pecora, 

presidente della Giuria del Premio 

Goliarda Sapienza, di raccontarci la sua 

esperienza. 

u Nella storia della letteratura, uno 

dei sentimenti più diffusi che muove 

gli autori è l’esigenza di libertà. 

Qual è, invece, l’atteggiamento di 

chi sperimenta quotidianamente 

l’assenza di libertà? 

Credo nella libertà come in un bene difficilmente 

raggiungibile, se per libertà si- 


dare nel Medioevo. Certamente desterà 

meraviglia lo stile di alcuni racconti che 

sembrano fuoriuscire da penne affermate. 

Chissà, un giorno forse qualcuno di loro 

lo diverrà per davvero…. 

u Il Premio letterario “Goliarda Sapienza” 

potrà avere una funzione per 

riaffermare il valore, anche sociale, 

della letteratura? 

Sarebbe presuntuoso pensare di avere una 

simile funzione. Certo, il nostro intento va 

in quella direzione, ma un premio letterario 

da solo è una goccia nel mare. La cosa 

importante, comunque, è dare conti- 

Antonella Bolelli Ferrera e Elio Pecora durante la premiazione 

Foto di Gaetano Pezzella 

La libertà e la memoria 

gnifichiamo l’assenza di costrizioni, di regole, 

di paure, tanto da poter affermare 

che pochi uomini, e raramente, arrivano 

a sentirsi liberi. Se a questo aggiungiamo 

l’impedimento grave che viene dal 

carcere la libertà appare una chimera. E 

pure, da una stanza con le porte aperte 

nel mondo, come dalla cella di una prigione, 

il pensiero e l’immaginazione, la 

ricerca della verità, la discesa nella memoria 

e nei significati della propria esistenza, 

significano un pieno esercizio della 

sola libertà che un uomo può conoscere, 

quella della mente e del cuore. 

nuità al progetto e non relegarlo al momento 

conclusivo della premiazione che 

passa e va. Le iniziative parallele che stiamo 

mettendo in atto – come la realizzazione 

di radiodrammi all’interno delle 

carceri, che vedono i detenuti nel duplice 

ruolo di coautori e di attori interpreti 

di personaggi letterari rielaborati per 

l’occasione – hanno proprio lo scopo di 

mantenere vivo l’interesse e l’impegno 

per la lettura e la scrittura in quel mondo 

ristretto. Ricevo tantissime lettere dai 

detenuti che hanno partecipato al Premio 

Goliarda Sapienza, anche da quelli 

che non sono stati selezionati tra i finalisti, 

è il loro entusiasmo a spingermi a 

fare sempre di più. (m.na.) 

u Gli autori pubblicati hanno scelto 

di partecipare al concorso solo per 

testimoniare la loro esperienza autobiografica, 

o anche in ragione di 

una riposta vena letteraria? 

A quel che risulta dalla lettura dei moltissimi 

testi inviati al premio bisogna 

convenire che una buona parte degli 

scriventi rivela ambizioni letterarie. Lo 

si deriva dalla qualità della scrittura, dalla 

cura con cui sono descritti luoghi e 

persone, dallo stesso piacere di raccontare 

e raccontarsi. Sono pochi però gli 

scritti che arrivano ad essere espressivamente 

risolti, ossia in grado di attrarre 

il lettore tanto per la forma che per la 

sostanza. (m.na.) 

31

32 

LIBRI LUIGI MANCONI 

Musica leggera, 

passione inesauribile 

Il sociologo, agitatore culturale e appassionato 

di musica Luigi Manconi 

non ci crede che il suo libro, di 500 

pagine, si possa leggere per intero e tutto 

d’un fiato. Invece è così. È così nonostante 

si scopra ben presto che La musica 

è leggera. Racconto su mezzo secolo di canzoni, 

non è un saggio distaccato sulla canzone 

italiana, ma una sorta di autobiografia 

di un ascoltatore. Sicché Manconi 

dovrebbe chiedersi semmai perché qualcuno 

dovrebbe leggere con passione un 

racconto estremamente parziale e personale, 

che non è una storia della musica, 

né un’enciclopedia, né tanto meno una 

cronaca obiettiva (tanti i giudizi difficili 

da condividere) di cinquanta anni di musica 

italiana. È presto detto: il libro di Manconi, 

man mano che si legge, diserta la sua 

autoreferenzialità grazie a un’aneddotica 

che avvicina a lati interessanti e rari dei 

personaggi incontrati. Il pregio del libro 

è proprio nel rapporto che l’autore ha instaurato 

con certi cantanti: Manconi ha 

passato con alcuni di loro ore, se non giorni, 

potendo rivelare particolari non possibili 

a chi, anche tra gli addetti ai lavori, 

li incontra per il solo tempo di un’intervista. 

E c’è poi l’aspetto culturalmente più 

rilevante, ossia il tentativo – su basi prettamente 

sociologiche, non musicologiche 

– di ridimensionare la musica leggera spiegandola 

per quello che è. Anche se questo 

a un primo acchito sembra sminuirla, 

in realtà è il modo intellettualmente più 

onesto per difenderla. 

di Federico Capitoni 

u Senta Manconi, riesce a spiegarci 

cos’è la musica leggera? 

Non in termini musicali, ogni musica 

leggera ha una sua radice, un suo sviluppo 

storico ed è l’esito di molte contaminazioni. 

Bisogna considerare la storia 

di un paese: come il ricercatore raffinato 

sa riconoscere nelle canzoni di Bacharach 

una radice magari trasfigurata 

della musica americana di due secoli fa, 

così la leggera italiana trae la sua autonomia 

rispetto alla musica classica dal suo 

sviluppo, non dalla sua origine. La musica 

leggera è il precipitato contemporaneo... 

Ed è solo il capitolo di una lunga 

Da ragazzo era un fan scatenato di 

Benito Urgu e Ricky Shayne. Negli 

anni ’70 ha scritto i primi libri sui 

cantautori, firmandoli col nom de 

plume Simone Dessì. In 

quest’intervista parla del suo nuovo 

volume dedicato alla felice forma 

espressiva del sentimental kitsch, 

con alcuni esempi illustri, da 

Battisti a De Gregori. 

via, perché ci saranno sviluppi futuri. 

In termini di prodotto culturale è la più 

felice forma espressiva del “sentimental 

kitsch” e cioè la più efficace espressione 

del lato debole della sfera emotiva, di 

quella componente fragile e violenta che 

si manifesta nell’adolescenza; dà voce a 

queste pulsioni. Non solo come dizionario 

amoroso ma come dimensione 

emotiva. I miei due esempi portanti sono 

Buonanotte Fiorellino di De Gregori e 

Incontro di Guccini. 

u Nel libro lei individua due momenti 

di rottura, identificabili con 

precisi interpreti, dopo i quali cioè 

la canzone italiana ha preso nuove 

direzioni e nutrimenti: Domenico 

Modugno e Gino Paoli. E 

dopo? Siamo fermi a Paoli? 

No, certamente. Ma è vero che sono gli 

interpreti per me a creare le fratture. Celentano 

è un altro momento di rottura, 

sotto tutti il profili: personalità e interpretazione. 

Io lo ritengo il più grande 

interprete. A me la figura dell’interprete 

appassiona molto. Normalmente si ragiona 

così: se la canzone è bella allor ci 

piace. Invece secondo me è l’interprete 

a essere fondamentale, non tanto la qualità 

della composizione. E Celentano è il 

più grande perché è come se ogni volta 

dimenticasse l’interpretazione precedente: 

Stai lontana da me è così diversa da 

L‘arcobaleno. Non c’è l’urlo inconsulto, 

tutto è previsto, non c’è casualità. L’altro 

VIVAVERDI 2/2012

“mostro”, per esempio, è rappresentato 

da Mina. Qui siamo nel campo della natura: 

Mina è una voce, nel senso che lei 

stessa è ridotta a emissione vocale, lei è 

strumento musicale; ci costringe ad ascoltare 

la voce. 

u Sembra, però, che nel testo ci sia 

un vizio tipico della sua generazione. 

Ovvero considerare la 

schiera dei cantautori “impegnati” 

e lasciar fuori una serie di 

musicisti, tra l’altro annoverabili 

tra i campioni del “sentimental 

kitsch”. Lei non cita Cocciante e 

Minghi, sfiora appena Baglioni… 

La verità è che non mi piacciono, anche 

se rientrano magnificamente nella categoria 

del sentimental kitsch. Margherita 

mi piace, ma come cantante Cocciante 

mi sembra, più che drammatico, melodrammatico, 

tendente al grottesco. Non 

è leggero, è pesante. Non a caso oggi fa 

le opere. Così Minghi. Il famoso “trottolino 

amoroso”... Non è quello che mi 

allontana, ma il personaggio, l’interprete. 

Di Baglioni salvo un paio di canzoni 

sentimental kitsch straordinarie, I vecchi 

e Avrai, che fanno capire che non si tratta 

di un sentimentalismo amoroso e basta, 

ma emotivo. 


Gino Paoli, Lucio Dalla e Domenico Modugno, 

campioni della musica italiana. 

Sotto Luigi Manconi 

u Viene ripresa, attraverso il divertente 

– e un po’ amaro - aneddoto 

della telefonata, anche la 

questione Battisti-Mogol come 

autori di destra. Si è fatto oggi 

un’idea? 

Battisti non credo fosse di destra. Forse 

neanche Mogol. Le letture politiche dei 

suoi testi sono forzate, sfacciatamente 

strumentali. In termini culturali però certamente 

ci sono alcuni elementi che fanno 

della letteratura mogoliana qualcosa 

di molto diverso da come andavano le 

cose all’epoca. Nei testi di Mogol non 

esiste la dimensione collettiva, tutto è ridotto 

a quella individualistica. Ciò ha un 

significato psicologico, più che politico, 

è una sorta di agorafobia. E poi è l’identità 

della donna che ha un’intonazione 

non condivisibile, estremamente subalterna. 

Si tratta di una letteratura maschilista 

non perché mostri disprezzo verso 

la donna, ma perché la mostra come persona 

incompiuta, che è nulla senza l’uomo. 

Credo che Mogol sia un curioso di 

politica, ma privo di una sua ideologia. 

u C’è un capitolo su Max Pezzali 

come portavoce di un linguaggio 

giovanile comune. Ma non 

aveva cominciato Vasco Rossi? 

Sono due autori sociologicamente diversi: 

Rossi usa un linguaggio molto mimetico 

di un segmento di generazione, 

una generazione di sballati, senza identità 

lavorativa perché vive ai margini e agli 

incroci di varie identità. Con Pezzali abbiamo 

la gioventù piccolo borghese, prevalentemente 

settentrionale che vive in 

provincia, dentro stili di vita tipici della 

piccola e media impresa, con il sogno 

dell’ascesa sociale ancora possibile, esposta 

ai media, alla tv. Una generazione per 

nulla marginale. 

33

34 

STORIA DELLA SIAE ARCHIVIO STORICO 

Creatività femminile 

Una felice occasione di collaborazione 

con la Fondazione Adkins 

Chiti - Donne in Musica 

ha sollecitato all’Archivio Storico Siae 

l’impegno di volgere l’analisi dei documenti 

in un’ottica al femminile. Per prima 

cosa era necessario individuare le fonti. 

Una normale procedura di ricerca su 

un uomo avrebbe comportato un incrocio 

fra i dati reperibili nell’Archivio Storico 

SIAE e quelli su pubblicazioni a stampa 

e altri archivi, cartacei e telematici. Per 

le donne, invece, non vi è quasi nulla di 

immediato. Innanzitutto la netta separazione 

fra “dizionari biografici” (o cataloghi) 

femminili e maschili privilegia nettamente 

questi ultimi in termini di abbondanza 

di titoli e di contenuti. Donne sprovviste 

di biografie intrise di santità faticano 

a lasciare traccia di sé; se non sono neppure 

eroine della Patria le probabilità tendono 

ad azzerarsi, perché né la Chiesa né 

lo Stato hanno avuto interesse a proporle 

come modelli per le nuove generazioni di 

cattoliche e di cittadine. Per giunta da sempre 

nella società - italiana e non solo - le 

artiste tendono a costituire una categoria 

a parte: a loro tutto o quasi è concesso, purché 

se ne stiano relegate entro i confini di 

un territorio assai noto agli uomini ma 

ben distinto da quello delle donne “per 

bene”, cioè le madri, le mogli, le figlie. 

Succede così che scorrendo i nomi dei 

componenti la base associativa della Società 

Italiana degli Autori fin dalle origini, 

nel 1882, il rapporto si riveli a dir po- 

di Maria Cristina Locori 

co sbilanciato: un prezioso elenco dei Soci 

Fondatori, 181 in tutto, ci ha restituito 

solo due nomi di donne: Antonietta Sacchi, 

scrittrice e intellettuale, corrispondente 

di Garibaldi, forse molto anziana nel 

1882 (c’erano altri due Sacchi nella fase 

remota della Società Italiana degli Autori, 

lo storico Giuseppe e lo scrittore Pietro 

Edoardo); e la baronessa Elisa Testa-Cordier, 

di Parma, autrice di testi teatrali probabilmente 

insieme con il marito Giovanni, 

che figura anch’egli fra i Fondatori. 

Ciò significa che a fronte di 179 individualità 

maschili molte delle quali ampiamente 

documentate, solo due figure 

femminili di intellettuali, all’ombra dei rispettivi 

uomini, accedono ad una iniziativa 

che avrebbe dato nuovo vigore alla creatività, 

garantendo e difendendo i diritti degli 

Autori d’ogni Arte. Vogliamo forse pensare 

che alla fine del XIX secolo, mentre 

negli Stati Uniti le Suffragette ottenevano 

il voto e altri diritti civili, non ci fossero in 

Europa e in Italia centinaia di compositrici, 

scrittrici, poetesse, autrici di opere drammatiche 

o delle arti visive bisognose di tutela 

del proprio lavoro? Il periodo remoto 

della Società, quando ancora si chiamava 

solo “degli Autori” (formalmente gli 

Editori entrarono a farne parte, anche nella 

denominazione, solo negli Anni ’20 del 

secolo scorso, quando la sede fu trasferita 

da Milano a Roma) è documentato in 

modo discontinuo e lacunoso, con conseguente 

difficoltà a ricostruire in dettaglio 

talune vicende aziendali che, come sem- 

Per decenni il colore istituzionale 

della SIAE è stato l’azzurro, 

declinato nelle diverse gradazioni 

dal polvere al blu carico. Sarà un 

caso, ma per trovare un tocco di 

rosa nella storia della Società 

bisogna cercare parecchio. Quali e 

quante donne hanno contribuito 

alla nascita e allo sviluppo dell’ente 

a tutela del diritto d’autore? 

pre, rispecchiano interessanti risvolti del 

contesto sociale. 

Sicuramente si può affermare che per decenni 

le donne non ebbero che ruoli assolutamente 

marginali nella SIA. L’Italia 

umbertina, ancora disomogenea, afflitta 

dall’analfabetismo, impegnata nell’unificazione 

linguistica, alle prese con sacche di 

povertà e l’emigrazione di massa, varca faticosamente 

il secolo idolatrando le dive 

dalla vita dissoluta, ma chiudendo in casa 

le belle menti che, solo se hanno la fortuna 

di appartenere a classi agiate, possono 

parzialmente esprimersi e realizzarsi nei 

vivaci salotti letterari e nelle sale da concerto. 

E a volte neppure questo è sufficiente: 

basti pensare che tra i Soci fondatori 

della Società Italiana degli Autori c’è 

il Ministro degli Esteri e scrittore Pasquale 

Stanislao Mancini, ma non sua figlia 

Grazia, pur nota anch’essa come scrittrice. 

Curiosamente, fra i primi Soci figura Eugenio 

Torelli Viollier, famoso giornalista e 

fondatore del Corriere della Sera, ma non la 

moglie Maria Antonietta Torriani, scrittrice 

famosa, che aderisce al sodalizio una decina 

d’anni dopo ma sotto lo pseudonimo 

Marchesa Colombi. 

Occorre a questo proposito una doverosa 

precisazione: la SIA nasce e si afferma parallelamente 

a molte interpreti femminili 

dell’opera lirica, personalità fortissime, come 

la celeberrima Adelina Patti, ma sono 

solo prestigiose, talvolta ineguagliabili voci 

e sensibilità prestate ai contenuti ideati 

ed espressi dall’universo maschile. 

VIVAVERDI 2/2012

Naturalmente di tutte queste musiciste sappiamo 

per certo che scrissero arie, ma della 

loro attività di compositrici ben poco ci 

è pervenuto. In questo senso sono preziose 

le informazioni tratte dai documenti 

contabili della SIA: ci restituiscono i primi 

esempi di compositrici che – proprio 

grazie ad un sodalizio che opera nell’interesse 

degli Autori – premia anche economicamente 

l’attività creativa, affrancando 

chi la svolge professionalmente da mecenati 

e corti. Finalmente l’Autore, uomo o 

donna che sia, può vivere del proprio lavoro 

perché ne ha diritto! 

La marginalità della componente femminile 

emerge anche dai primi elenchi degli 

associati, nei quali, dopo le due citate Socie 

Fondatrici, bisogna attendere anni per 

avere una terza adesione femminile: si tratta 

peraltro di Adelaide Ristori, celebre soprattutto 

come attrice teatrale. Al mondo 

del teatro appartiene anche Eleonora Duse 

- che probabilmente si iscrive sulla scia 

dell’impegno nel sodalizio assunto da Gabriele 

D’Annunzio, che ne sarà per anni 

presidente onorario - mentre da quello 

della letteratura affluiscono due firme di 

grandissima popolarità come Matilde Serao 

e Annie Vivanti Chartres. L’incidenza 

percentuale delle donne nella base associativa 

si mantiene bassissima anche quando 

quest’ultima, dalle iniziali poche centinaia 

di iscritti, supera i mille nel 1910 e 

i millecinquecento nel corso del primo 


conflitto mondiale. La società italiana, pur 

ricca di fermenti sociali e culturali, non intende 

ancora dare spazio alla professionale 

creatività delle donne: i rari nomi che si 

affacciano si riferiscono esclusivamente ad 

autrici e mai e poi mai vi si incontra qualche 

donna impegnata come imprenditrice 

nell’editoria. D’altronde la rilevazione 

del 2008, relativa agli autori viventi associati 

alla Sezione Musica della Siae (oltre 

74.000), fissa la partecipazione femminile, 

con meno di 9.000 associate, sotto quota 

12%! 

Assurge felicemente alla qualità di Socio 

(ovvero di componente della Siae con introiti 

consistenti, grazie ad un repertorio 

Adelaide Ristori Eleonora Duse Adelina Patti 

molto apprezzato sia in Italia sia all’estero, 

in particolare negli Stati Uniti) la compositrice 

lombarda Giulia Recli, che già nel 

1917 si iscrive come compositrice e autrice 

dei testi per la Sezione Musica e solo 

cinquant’anni dopo, ormai anziana, alla 

Sezione Lirica. E’ d’altronde la prima 

donna una cui composizione, già nel 1914, 

sia eseguita al Teatro alla Scala. 

Fino a tutti gli Anni ’30, nonostante l’avvento 

delle c.d. maschiette, rare ma motivate 

fautrici dell’emancipazione, sono assolutamente 

sporadiche anche le citazioni 

di elementi femminili nelle cronache 

del Bollettino sociale, che riferisce di presenze 

tanto eleganti quanto anonime in 

occasione di prime, feste e celebrazioni 

nel mondo della cultura e dello spetta- 

colo: gli uomini partecipano, le donne 

presenziano. E’ così da escludere con totale 

certezza, nonostante la lacunosità dei 

verbali più antichi, la partecipazione di 

donne agli organi sociali quali Consiglio 

di Amministrazione e Commissioni delle 

Sezioni competenti per la gestione dei 

diritti d’autore per pubbliche utilizzazioni 

del repertorio tutelato, per lo più 

teatrale e musicale. Bisogna arrivare al 

1947 per trovare fra i Commissari della 

Sezione Olaf l’energica scrittrice e giornalista 

Alba de Cespedes. Persino il Premio 

Nobel Grazia Deledda fu iscritta postuma. 

L’Archivio Storico della Siae conserva 

però taluni preziosi registri, i c.d. partitari, 

rigorosamente compilati a mano, nei 

quali erano annotati gli incassi per diritto 

d’autore degli associati. Da questi documenti 

contabili si può trarre una quantità 

di utili informazioni. A quel tempo, 

infatti, l’iscrizione alla Società non era 

condizionata dall’effettiva utilizzazione 

dei repertori, quindi il dato degli incassi 

costituisce la fonte più indicativa del 

reale successo dei diversi Autori. Ebbene, 

anche in questo genere di registri la 

presenza femminile è a dir poco sporadica 

e spesso si riferisce a vedove che vi 

figurano come aventi diritto per repertori 

dei mariti defunti. 

Anche la funzione assistenziale della Società 

- che erogava vitalizi e contributi 

35

straordinari rispettivamente a Soci con repertorio 

più redditizio e a coloro che invece 

versavano in difficoltà economiche 

gravi – ha prodotto numerosi documenti 

contabili dai quali risultano beneficiari, 

nei primi decenni, solo ed esclusivamente 

gli uomini (o le vedove, ma soltanto in 

loro sostituzione). Accade così che nel 

1950, rara avis, una drammaturga possa percepire 

per prima un vitalizio frutto del repertorio 

esclusivamente proprio. 

Nella musica, dicevamo, non mancano ottime 

interpreti, ma scarseggiano le fonti 

che tramandano notizie dettagliate sulle 

compositrici: basti pensare che di Lucia 

Contini Anselmi, benché fosse una pianista 

e compositrice apprezzata anche all’estero 

e medaglia d’oro in una prestigiosa 

Competizione Internazionale per Compositori 

nel 1913, si stentano a trovare le 

La misteriosa Paola Riccora 

36 

tracce dopo questa data. In questo caso, però, 

ecco il piccolo miracolo della documentazione 

Siae: dai partitari risultano i 

proventi spettanti a questo raro esempio 

di compositrice affermata, e vi possiamo 

distinguere, negli anni Venti, gli introiti (non 

particolarmente elevati) maturati dal suo 

repertorio musicale per piano. 

Durante il Ventennio, il regime fascista entra 

progressivamente e pesantemente nella 

programmazione musicale, favorendo 

anche a suo modo la produzione culturale 

nazionale. Ebbene, dal 1935 al 1943 non 

figura una sola donna fra i 58 musicisti viventi 

le cui opere e/o balletti furono rappresentati 

negli enti autonomi. 

Tuttavia qualche eccezione conferma la 

triste regola della silente creatività femminile. 

E cominciano a spiccare, fra tanti uomini, 

finalmente i nomi di qualche don- 

Grazie ad una vita lunghissima che si è snodata dal 1884 al 1976, un’altra donna merita menzione 

in questa sede perché Emilia Vaglio era una napoletana verace e perché nella sua particolarissima 

storia ritroviamo tutti i fili conduttori del destino femminile segnato, la creatività silente, 

l’uso dello pseudonimo, la capacità di coniugare i ruoli, ma anche una ragione di speranza nella 

fortuna e nel successo. Emilia Vaglio, infatti, nasce in una solida famiglia borghese, e, con l’immancabile 

prospettiva di accasarsi e sfornare figli, ha giusto il tempo dell’adolescenza per scoprire, 

attraverso semplici recite fra ragazzine, l’interesse per il teatro. Il fidanzato arriva presto 

nella persona di un giovane brillante avvocato, Caro Capriolo, che condivide con Emilia l’amore 

per le scene, dove rimedia anche i primi clienti, prima di essere chiamato alle armi per la I Guerra 

Mondiale. Emilia resta sola con due figli in tenera età ed è dura andare avanti senza notizie del 

marito e senza risorse economiche. Quando si accorge che cucendo abiti non riesce a racimolare 

abbastanza, si rivolge ai teatranti clienti di Caro, che le chiedono di tradurre il repertorio allora 

in voga direttamente dal francese al napoletano. Arriva immediatamente il successo, viene richiesto 

e ben retribuito il suo lavoro, che sbocca poi naturalmente nello scrivere testi originali. A un 

patto, che nessuno deve sapere chi sia il drammaturgo, che usa lo pseudonimo Paolo Riccora. 

La sera a teatro il pubblico applaude la compagnia, e quando invoca a gran voce “Autore! Autore!”, 

nessuno sale sul palcoscenico e addirittura Emilia, dal suo palco, si unisce al coro per non 

dare nell’occhio. Sarà Matilde Serao a svelare l’arcano e così dal quel momento, al fianco del marito 

rientrato alla guerra, avremo Paola Riccora, apprezzata traduttrice ed autrice, anche per nomi 

eccellenti come Petrolini. 

Eduardo, Titina e Peppino De Filippo si rivolgeranno a lei per fare il salto di qualità dall’avanspettacolo 

al teatro drammatico. 

La sappiamo attivissima come mamma, nonna, ottima cuoca: un esempio di donna che è riuscita 

a conciliare i ruoli imposti dalla società con la propria straripante creatività. 

na musicista, spesso con pseudonimi maschili 

o “neutri” tesi comunque a tutelare 

la rispettabilità sociale dell’iscritta. 

La Società degli Autori ed Editori è insomma 

lo specchio della realtà che la circonda 

nelle varie epoche: le donne potrebbero 

iscriversi ma non lo fanno se non 

in rari casi; le artiste tendono generalmente 

a nascondere al pubblico la propria creatività, 

privilegiando la professionalità in relazione 

alla interpretazione, campo nel quale 

riescono a ritagliarsi spazi nei quali, con 

l’evoluzione sociale del XX secolo, sono 

meno fungibili (non sono più i tempi dei 

ruoli femminili ricoperti sul palcoscenico 

da elementi maschili); e quando la creatività 

non può essere soffocata, ecco la ricerca 

di generi compatibili con la natura 

femminile (canzoni leggere o brani sacri 

nella musica; feuilleton nella letteratura). 

Un Archivio Storico si occupa prevalentemente 

dei documenti ultracinquantennali. 

Anche risalendo ai primi anni Sessanta 

l’evoluzione della base associativa ha 

continuato a seguire un percorso parallelo 

a quello della società italiana. Tuttora, a 

conferma della citata rilevazione statistica 

del 2008, parlando con le nuove leve femminili 

del cantautorato si nota ancora una 

propensione a porre l’accento sull’interpretazione 

più che sul ruolo creativo. 

Si tratta di un processo avviato ma che 

stenta a decollare. Donne sempre più coscienti, 

attive, impegnate in prima persona 

nei propri ruoli (compreso quello artistico), 

stanno lentamente procedendo nella 

giusta direzione di una parità che è irragionevole 

negare ma che è ancora lontana 

dall’essere concretamente raggiunta. 

In conclusione, la via è tracciata e sono 

sempre più numerose le professioniste della 

musica (compositrici, docenti, etc.) che 

si rivolgono alla Siae prendendo coscienza 

dei propri diritti d’autore, sia morali sia 

economici. La Siae si pone come punto 

di riferimento ed è pronta ad accoglierle 

e sostenerle, fino ad annoverarle auspicabilmente 

nei documenti di un … 

Archivio Storico del domani. 

VIVAVERDI 2/2012

Venerdì 11 maggio, al Giardino 

Inglese di Palermo, Gianni e Fabrizio 

Zichichi per la LAB Servizi 

Formativi, con lo storico patrocinio 

della Siae, hanno curato la realizzazione 

della Sesta Edizione della Rassegna 

“Rock 10 & Lode”. L’iniziativa ha consentito 

al’attento pubblico presente di 

conoscere l’estro musicale di oltre 30 studenti 

delle scuole medie superiori della 

Sicilia che tra solisti e band hanno animato 

la gara canora. 

Sono stati eseguiti i 10 brani musicali 

creati dagli stessi studenti. Una apposita 

giuria composta da autori, artisti e giornalisti 

ha dichiarato vincitore dell’edizione 

2012 di “Rock 10 e lode” il brano 

musicale Shou Gamail el Jaw, di Rawen 

Laid eseguito dall’autrice (studentessa 

del Liceo Scientifico B. Croce di 

Palermo): il testo prospetta un mondo di 

“calore, libertà, pace, inshallah”, con il ritornello 

in lingua araba. Ex aequo per 

secondo e terzo classificato ai brani Don’t 

Realise di Giuditta La Monica, eseguito 

dall’autrice e Genoard di A. Arena 

e F. Moscato eseguito dal gruppo Late 

Night Cappuccino’s. La giuria presieduta 

da Giovanna Badalamenti (dirigente 

scolastico e componente del Comitato 

per la diffusione della Musica nelle scuole 

del USR Sicilia) e composta anche dagli 

autori Carmelo Piraino e Martino Lo 

Cascio ha assegnato alla canzone Vivo di 

G.L. Sammartano e G. Guarcello eseguito 

dal gruppo A–19 il premio per il miglior 


PALERMO MUSICA E STUDENTI 

Pace e libertà 

nel segno del rock 

di Corrado Loiacono 

testo. Infine 

la giuria 

coordinata da 

Silvia Veneziano, consulente 

coordinatore della 

Web Radio dell’ITC di stato “Pio La 

Torre” di Palermo, e composta dagli studenti 

che operano all’interno della stessa 

radio, ha assegnato il premio quale migliore 

“esibizione live” alla cantautrice 

G. La Monica con il brano Don’t Realise. 

Dopo un saluto iniziale di Lello 

Analfino dei Tintura, le canzoni in gara 

sono state presentate con dinamismo 

da Ivan Fiore, fantasista comico, affermatosi 

su RaiDue nel 2003 con Bulldozer. 

Il rapper Giorgio Gulì ed il 

vulcanico gruppo dei Chester Gorilla, 

apprezzati artisti che hanno preso parte 

alle precedenti edizioni dell’evento, 

sono stati gli ospiti musicali fuori concorso 

della serata. 

La rassegna musicale, oltre a costituire 

un insolito spazio per far emergere l’ingegno 

musicale dei giovani, costituisce 

un percorso informativo su diritto d’autore, 

tra legalità e creatività. 

Un brano con testo in italiano e 

arabo ha vinto la sesta edizione di 

Rock 10 e lode, la rassegna siciliana 

dedicata agli studenti delle scuole 

medie superiori, con serata finale al 

Giardino Inglese. 

Valori 

ai quali si affianca 

quest’anno anche 

la solidarietà: l’evento è inserito tra 

le attività culturali della Festa del Consumo 

Critico organizzata da Addiopizzo, 

associazione che persegue la legalità 

sociale attraverso una condivisione 

partecipata del vissuto quotidiano. I giovani 

creativi partecipanti alla serata sono 

stati recentemente coinvolti in un 

workshop che ha offerto loro l’opportunità 

di approfondire tematiche riguardanti 

la composizione musicale, la 

normativa vigente in materia e le funzioni 

ed i servizi svolti dalla Siae. 

A conclusione della serata Gianni Zichichi 

della LAB ha dato appuntamento ai 

ragazzi siciliani per la VII Edizione della 

Rassegna Musicale Rock 10 e Lode. 

Ulteriori informazioni e novità sono disponibili 

sul sito www.rock10elode.org 

e sull’omonimo profilo presente su Facebook. 

37

Sconfiggere la crisi con la cultura… 

e con un buon libro. Questa la parola 

d’ordine che ha ispirato la venticinquesima 

edizione del Salone Internazionale 

del Libro ospitata, dal 10 al 14 

maggio scorso, negli spazi del Lingotto 

Fiere a Torino. La kermesse, promossa e 

coordinata dalla Fondazione per il Libro, 

la Musica e la Cultura, unica per densità 

di incontri, proposte editoriali e convegni 

professionali, ha chiuso i lavori con 

un segno positivo, + 4,1% per cento delle 

presenze rispetto al 2011 per un totale 

tra i 317 e i 318 mila biglietti emessi ed 

una impennata nella partecipazione delle 

scuole, quindi di giovani di tutte le età, 

per i quali è stato registrato un + 149,68% 

rispetto allo scorso anno. 

Questi i numeri riportati da Rolando 

Picchioni e da Ernesto Ferrero (rispettivamente 

Presidente e Direttore Editoriale 

del Salone Internazionale del Libro) 

che hanno spiegato come con mezzi 

economici sempre più ridotti, siano riusciti 

ad accrescere la qualità dell’evento 

e la partecipazione del pubblico: “Sono 

aumentati i visitatori, le presenze di prestigio 

e anche le vendite delle case editrici 

– ha spiegato Picchioni – ora bisogna 

rivolgersi alla valorizzazione dei piccoli 

editori”. 

E’ l’Italia che non ci sta a vedersi sopraffatta 

dalla crisi economica e che reagisce 

cercando di valorizzare uno tra i beni più 

importanti di cui dispone, il proprio patrimonio 

culturale. 

38 

SALONE DEL LIBRO TORINO 

Carta o digitale, 

l’editoria va avanti 

di Monica Scalamogna 

Il tema scelto per festeggiare la 25° edizione 

di questa Fiera, è stato: “Primavera 

digitale - Vivere in rete, mutazioni indotte 

dalle tecnologie digitali”; in un 

mondo in continua trasformazione anche 

l’editoria non può sottrarsi all’avanzare 

delle nuove tecnologie. Il difficile 

confronto tra carta e digitale è stato al centro 

di molte tavole rotonde. Vincenzo 

Russi del Cefriel (Politecnico di Milano) 

ha parlato di libro liquido, sulla falsariga 

della musica liquida, ossia un contenuto 

editoriale, sia romanzo o fantasy, che si 

modifica attraverso integrazioni degli 

utenti o app scaricabili. Per Gian Arturo 

Ferrari “Amazon e Google vivono elaborando 

software sempre più potenti e dal 

loro punto di vista i libri sono solo materia 

bruta, tant’è che chiamano l’opera dell’intelletto 

contenuto”. Insieme alla estrema 

praticità, l’ebook può contare sulla 

promozione attraverso le nuove tecnologie, 

dai siti specializzati ai social network. 

“Leggere un libro? Richiede sempre più 

fatica e dedizione. E nell’ epoca dei tablet 

e degli Ipad non è affatto scontato che un 

adulto sia capace di stare per più di un’ ora 

immerso tra le pagine”. Così Massimo Turchetta, 

direttore del settore libri Rcs, ha 

Grande successo di pubblico, tra 

dibattiti, incontri con autori 

e innovazioni tecnologiche. 

Si studiano nuove strategie di 

vendita e si aspetta il libro liquido. 

evidenziato un altro lato dello scontro carta-digitale. 

“Oggi c’ è un altro problema 

che è quello del tempo a disposizione per 

la lettura. Ho un mio personalissimo metodo 

di indagine di mercato che è la metropolitana 

di New York. Dieci anni fa erano 

tutti col libro in mano. Quattro anni fa 

leggevano su kindle ed e-reader. La settimana 

scorsa avevano tutti un tablet, ma la 

metà di loro stava ammazzando mostricciattoli 

o percorrendo labirinti”. 

Occasione di incontro per le numerose 

realtà imprenditoriali che rappresentano 

il mondo dell’industria libraria, il Salone 

ha costituito dunque lo spunto per trovare 

un accordo su nuove strategie di mercato 

e canali di vendita per un settore che 

non è stato risparmiato dai venti freddi 

della crisi generale dei consumi. 

Secondo i dati emersi dall’indagine Nielsen, 

che monitora i punti vendita, il 2011 

ha segnato un – 3,5% rispetto all’anno 

precedente, cioè il mercato ha registrato 

nel 2011 un valore pari a 1,398 miliardi 

di euro contro i 1,448 miliardi del 2010. 

Non bisogna cedere a tentazioni di inutile 

pessimismo ha spiegato Marco Polillo, 

Presidente dell’AIE,Associazione Italiana 

Editori, in quanto i dati dimostrano 

che il mercato del libro ha risentito meno 

della crisi rispetto agli altri consumi e, 

confrontandosi con altri Paesi, si è potuto 

osservare che le vendite dei libri in 

Italia sono calate in misura più lieve rispetto 

alla Spagna – 3,9%, al Regno Unito 

– 7,2% e agli Usa – 9,2%. 

VIVAVERDI 2/2012


RACCONTO INEDITO 

Una drammatica 

carestia intellettuale 

Realtà futuribile o processo già 

in atto? Nel suo racconto “6 

aprile 2032”, Luigi Lopez, noto 

autore di brani musicali, prefigura, di 

qui a vent’anni, “una drammatica carestia 

intellettuale”. 

Alcuni sintomi d’inizio di questa “carestia” 

sono forse rintracciabili nella 

cronaca recente. 

Febbraio 2012. L’Associazione Italiana Editori 

lancia l’allarme: “Se la pirateria digitale 

non sarà contrastata, il mercato degli 

e-book rischia di morire sul nascere”. 

Aprile 2012. La FIEG evidenzia che l’aumento 

della pubblicità sul web non compensa 

il calo di vendite legato alla diffusione 

incontrollata dei contenuti digitali. 

Maggio 2012. Scendono in piazza gli autori 

e i produttori audiovisivi, anch’essi duramente 

colpiti dalla pirateria online. 

E gli esempi potrebbero continuare... 

Per lungo tempo, cultura ed economia 

sono state considerate due pianeti distinti. 

Ma oggi l’importanza della cultura 

si manifesta anche come fattore di 

sviluppo economico. Basti dire che, 

stando a dati recenti, la cultura contribuisce 

al PIL europeo in ragione di circa 

il 6% e dà lavoro a 5 milioni di persone, 

pari ad oltre il 2% dell’occupazione 

totale. 

Ma al di là dell’evidenza di tali cifre, occorre 

sottolineare che la cultura va promossa 

e sostenuta in quanto fattore di 

progresso e di coesione sociale. 

E qui torniamo al tema del “diritto 

di Massimo Nardi 

d’autore”. Tutte le realtà che attengono 

al settore culturale hanno, in qualche 

misura, un punto di contatto: la natura 

“immateriale” del “bene” meritevole di 

tutela. Come quantificare, ad esempio, 

il valore delle Città d’arte? Attraverso i 

loro “brand”. È stato calcolato che il 

marchio del Colosseo vale 91 miliardi di 

euro... 

Tutto ciò suggerisce l’idea di una centralità 

del diritto d’autore che tende, in 

qualche modo, ad espandersi al di là dei 

suoi tradizionali confini, diventando un 

elemento fondante dell’attuale società 

cognitiva. 

Il principio ispiratore del diritto d’autore 

è noto: anche un bene “immateriale” 

come l’opera dell’ingegno ha un 

valore giuridicamente tutelabile, in 

quanto espressione del lavoro dell’autore, 

e di quello derivato dell’editore. 

È un’idea antica, ma che ha trovato piena 

affermazione solo all’epoca della Rivoluzione 

Francese. Ai tempi delle Corti, 

il problema non si poneva, visto che 

all’arte provvedevano i Principi e i Mecenati. 

In epoca moderna, invece, l’artista 

produce le sue opere e viene remunerato 

con il diritto d’autore in funzione 

del successo di pubblico. 

Per un po’ la cosa ha funzionato bene 

ma, con l’avvento di Internet, il meccanismo 

si è inceppato. 

È accaduto che i grandi “provider” titolari 

delle Reti hanno avviato un immenso 

sfruttamento delle opere dell’ingegno, tra- 

Riflessione a margine di 6 aprile 

2032, il racconto di Luigi Lopez 

che Vivaverdi pubblica 

eccezionalmente su questo numero, 

in ragione della inquietante 

problematicità delle sue proiezioni 

creative: un futuro senza opere e 

senza autori… senza cultura e senza 

editori… 

endone ingenti benefici, ma senza corrispondere 

nulla (o quasi) agli autori ed editori, 

titolari dei repertori. 

Le conseguenze sono oggi evidenti: l’industria 

della creatività langue e scarseggiano 

gli investimenti necessari al lancio 

di nuovi artisti e nuove opere. 

Per colmo di paradosso, il grande pubblico 

della Rete, abituatosi alla fruizione 

gratuita delle opere, si lascia soggiogare 

dai falsi profeti della “libertà della cultura”, 

non accorgendosi che ogni file scaricato 

illegalmente, ogni opera piratata, 

infligge un duro colpo proprio alla sopravvivenza 

della cultura. 

In una società avanzata, il ruolo di mediazione 

fra gli interessi in gioco dovrebbe 

spettare al decisore pubblico. Numerose 

proposte sono state avanzate dalla SIAE e 

dalle società d’autori di tutto il mondo. Ma 

non hanno fin qui trovato accoglienza nelle 

sedi legislative, né a livello italiano, né a 

livello internazionale. 

Se l’interesse miope di breve prospettiva 

dovesse perdurare, allora sì potrebbe 

manifestarsi, di qui a qualche anno, 

una crisi irreversibile del sistema cultura. 

Un impoverimento generalizzato 

che finirebbe per estendersi ad ogni livello 

esistenziale e sociale. 

In tal senso, ci sentiamo di affermare 

che il racconto di Luigi Lopez è molto 

più di un pregevole brano letterario. 

Costituisce un monito su ciò che potrebbe 

accadere “avvelenando i pozzi” 

della creatività artistica e culturale. 

39

Il 6 aprile 2032, all’Opera House Auditorium 

di Sidney, ci sarà la proiezione 

di Un sogno senza fine, il film 

dell’anno realizzato dalla Fondazione 

Spielberg-Scott. Per l’evento, dicono, sono 

attese non meno di quattro milioni 

di persone. Poche, pochissime potranno 

entrare ed assistere alla proiezione. Per 

tutte le altre verranno allestiti quaranta 

enormi schermi affacciati sulla baia. 

Noi, qui in Europa, come in Asia e nel 

resto del mondo, potremo seguire la cronaca 

della serata in Tv: finalmente qualcosa 

di nuovo dopo due anni di attesa! 

Per il film, nelle nostre sei sale italiane, 

dovremo attendere non poco. Si dice che 

arriveranno a Roma almeno diecimila 

persone.A Milano, Firenze e Bologna ne 

sono attese altrettante… D’altra parte, 

l’ultima volta che il mondo ha potuto 

godere di un’opera cinematografica inedita, 

è stato due anni fa: il 6 aprile 2030. 

Parigi è stata al centro dell’attenzione per 

la proiezione in prima assoluta planetaria 

di Viaggio nella memoria, il capolavoro 

della produzione Cameron-Carpenter-De 

Palma. 

Io sono riuscito a vederlo solo due mesi 

fa. Avevo i brividi per l’emozione… 

una sensazione che non provavo da tempo. 

Eppure nell’editoria ci sono stato tanti 

anni, e le prime, le convention, gli 

show-case, erano ai miei tempi una routine 

quasi quotidiana… 

M’è costato i risparmi di tre mesi, ma ne 

è valsa la pena! Una storia commovente 

40 

RACCONTO INEDITO 

6 Aprile 2032 

di Luigi Lopez 

che mi ha portato indietro nel tempo, ai 

miei vent’anni… più di mezzo secolo fa. 

Alla fine della proiezione, molti avevano 

pianto, come me del resto, e nei nostri 

sguardi s’intuivano cose che abbiamo tutti 

dentro… cose che si chiamano… ricordi… 

rimpianti. 

Le grandi case cinematografiche ormai 

non esistono più. Sono solo tre le Fondazioni 

rimaste: unendo le forze e la volontà 

di non mollare, possono produrre 

una media di un’opera cinematografica 

ogni due anni! 

È cominciato tutto con la “maledizione 

del web”… la diffusione di “tutto-pertutti”. 

Me lo ricordo come fosse ieri. Si potevano 

scaricare dalla rete pubblicazioni di 

ogni tipo: trattati scientifici, saggi, notizie… 

video e musica in tutti i formati… 

e i film erano a disposizione di tutti, a 

pochi giorni dalla loro uscita nelle sale 

cinematografiche. 

E tutto questo senza pagare o quasi… La 

verità naturalmente era diversa. La gente 

credeva di non pagare, ma in realtà arricchiva 

le grandi compagnie telefoniche 

che, con i loro pacchetti a... pagamento, 

offrivano un traffico illimitato e 

senza controlli. 

Poi, a poco a poco, le cose hanno cominciato 

a circolare di meno. Sulla rete si scatenarono 

polemiche: il punto cruciale sembrava 

essere… se fosse legittimo o no mettere 

tutto a disposizione di tutti. 

Tutto, proprio tutto, e senza che la gen- 

Il diritto d’autore può essere tema 

di un racconto creativo? Questo 

racconto dimostra di sì. Perchè il 

diritto d’autore non è solo materia 

giuridica ma un momento 

fondamentale della vita dell’autore 

e della sua creatività. Che si 

riverbera, nel bene e nel male, sulla 

vita collettiva... 

te avesse la benché minima percezione 

che, all’origine di quel tutto, c’era il lavoro 

di persone che lo producevano. 

Usufruire di quei beni, di quei servizi, 

sembrava fosse un diritto naturale, il fondamento 

della nuova democrazia della 

rete. 

I nostri “creativi” cominciarono, per primi, 

a sentire gli effetti di quello che sembrò 

all’inizio solo un malessere di categoria. 

Lamentavano che, per effetto della 

sfrenata “democrazia digitale” (così la 

definì un loro rappresentante), le loro 

opere, diffuse liberamente in rete, non 

portavano più i compensi di un tempo… 

E avevano ragione: l’impoverimento cominciò 

ad espandersi a macchia d’olio: 

colpì le grandi società editoriali che videro 

ridursi i loro introiti forse più degli 

stessi autori. 

Una drammatica carestia intellettuale si 

abbatté su tutte le attività correlate alle 

produzioni artistiche e dell’ingegno. 

Nella logica del mercato del “villaggio 

globale”, non si salvò nessuno. 

Crisi economiche si materializzarono con 

effetto “domino” in tutti gli ambiti della 

cultura e dello show-business del pianeta. 

Si susseguirono restrizioni, risparmi, drastica 

riduzione delle produzioni a tutti i 

livelli… nelle esistenze della maggior parte 

di noi, il cibo per il corpo sovrastò, per 

necessità, il cibo per la mente. 

E la cultura, la cultura in tutte le sue manifestazioni 

e forme di diffusione, calò 

VIVAVERDI 2/2012

drammaticamente nei consumi dell’umanità 

intera. 

L’arresto di quasi tutte le attività produttive 

basate sulle opere dell’ingegno costrinse 

i grandi network ad attingere sempre 

più spesso agli enormi cataloghi in 

loro possesso. Gli “inediti” di editoria, 

musica, spettacolo, cinematografia, cominciarono 

a scarseggiare e il pubblico 

dei consumatori, abituato a scegliere fra 

prodotti sempre nuovi, si ritrovò a doversi 

accontentare di cose già viste, già 

lette, già sentite. Le televisioni persero 

miliardi di spettatori, i palinsesti diventarono 

sempre più poveri, scemarono gli 

ascolti e, di conseguenza, gli introiti pubblicitari. 

Nel concatenarsi di disastri economici, 

scomparvero anche le immani 

piattaforme che avevano dominato il 

mercato dello spettacolo e della diffusione 

attraverso la rete. 

Il declino dell’epopea digitale si era ormai 

ineluttabilmente concretizzato. 

È da allora che alcuni produttori si sono 

accorpati in strutture multicontinentali 

(ex multinazionali) per la ricerca dei fondi 

necessari a garantire le pochissime produzioni 

ancora possibili: un grande film 

ogni due anni; venti, trenta album di canzoni 

e di musica, in genere ogni anno; 

pochi, pochissimi i libri e le pubblicazioni 

editoriali: costa troppo stampare e 

distribuire e poi non si sa più cosa stampare 

e a chi distribuire... 

Unica risorsa... ciò che è già pubblicato, 

già letto, già scritto. 

Gli autori, del resto, non ci sono più… 


* * * 

Dopo la trasmissione, mi sono messo il 

giubbotto che indossavo quando con gli 

amici si andava a un concerto… ho settantacinque 

anni ormai, ma quando lo indosso 

mi sento ancora quel ragazzino innamorato 

della musica rock che comprava 

dischi e strimpellava la chitarra… 

Non c’è molta gente in giro. La sera è 

così. 

C’è un po’ di vento e fa freddo e mi tocca 

strofinare gli occhialetti da vista che si 

appannano ad ogni respiro… 

C’è un negozio con le luci ancora accese, 

in fondo alla strada, so già che mi fermerò 

lì e mi accenderò una sigaretta… 

Dò un calcio a una lattina vuota che rotola 

davanti ai miei piedi: quando alzo lo 

sguardo, mi accorgo che c’è un ragazzino 

seduto sui gradini davanti alla vetrina 

illuminata. Ha qualcosa in mano. Sta 

scrivendo. Mi chino verso di lui, gli chiedo 

se posso dare un’occhiata e lui mi fa 

un bel sorriso e mi allunga un quadernetto 

stropicciato, ripiegato su se stesso. 

“Fa più freddo, qui, da quando sono cresciuto…” 

– la scrittura è chiara e ordinata 

– “quando ero più piccolo, c’erano 

più macchine e la strada era più calda, 

per via dei motori. Mio padre non faceva 

che ricordare di non aver mai visto 

un cielo pulito ma non finiva mai 

i suoi discorsi, sempre impegnato 

a rispondere a due cellulari e 

a leggere sul tablet. Oggi l’aria sta 

tornando pulita, come una volta 

credo, e sto imparando ad amare la strada, 

ci passo ore a giocare e poi mi diverto 

a guardare le persone perché posso 

immaginare di essere uno di loro, già 

grande…” 

Mi sto chiedendo se questi siano pensieri 

di un bambino cresciuto oppure di 

un uomo, per sbaglio chiuso nel corpo 

di un bambino, quando la sua voce mi 

interrompe: “Anzi, di più” – mi dice – 

“so già che potrò essere grande e anche 

ricco, perché da grande farò lo scrittore, 

come quello lì…”. 

Mi giro, seguendo il gesto della sua mano… 

sul muro c’è un manifesto strappato: 

si legge ancora… Un sogno senza fine, 

da un racconto di… ma il nome è coperto 

da un altro piccolo striscione, incollato 

di traverso, che annuncia: “Arrivederci 

al 2034”! 

“Puoi tenerlo” – mi dice – “tanto ne ho 

altri”. 

“Scrivi parecchio?” domando, e lui mi fa 

sì con la testa… Sembra molto sicuro di 

sé, mentre stacca con cura la pagina dal 

suo quadernetto per darmela: “Ci rivediamo 

qui domani? Ho altre cose che 

puoi leggere, se ti va”. 

Anch’io gli faccio sì con la testa, gli dò 

una carezza e accarezzo quel piccolo foglio 

di carta, mentre lo metto in tasca, battendoci 

su con un colpetto della mano. 

Ho sicuramente un sorriso stampato in 

faccia, mentre gli volto le spalle e penso: 

potrei essere il suo editore… Un giorno, 

perché no? 

Presente da più di 

quarant’anni nel 

mondo della musica 

leggera, Luigi Lopez è 

autore di numerosi 

successi, fra cui “Mi 

sei entrata nel cuore” 

degli Showmen, “La 

Voglia di Sognare” di 

Ornella Vanoni, 

“Mondo” di Riccardo 

Fogli. 

41

Il tema di quest’anno “La libertà possibile” 

è simbolicamente inserito in 

uno dei bellissimi luoghi della città 

ospite e sponsor della manifestazione: la 

Fortezza del Priamar, un tempo carcere 

(vi fu imprigionato anche Giuseppe 

Mazzini). 

Gli autori si propongono di individuare 

gli schemi, le regole, le censure, i limiti, 

gli impedimenti che attualmente soffocano 

la programmazione delle reti televisive 

del nostro paese. 

Secondo una recente inchiesta promossa 

da Tivù fra creativi pubblicitari ed inserzionisti 

“occorre ripartire dal linguaggio 

televisivo e dalla qualità del pensiero veicolato, 

quindi dagli autori e dalle loro 

idee”. Condivide questo pensiero anche 

Virginia Mouseler, fondatrice di The Wit, 

uno dei principali strumenti di informazione 

sui format televisivi del mondo, i 

broadcaster invece di rischiare “prediligono 

format ormai datati, anche se perdono 

forza di anno in anno”. 

La perdita di credibilità di Rai, la crisi di 

ascolti di Mediaset si unisce al mancato 

exploit de La7, al profilo medio basso tenuto 

da Sky, utilizzatore di conduttori e 

programmi espulsi dalle generaliste, anche 

se con diverse e più interessanti modalità 

di fruizione. Dal punti di vista economico 

la strategia che non punta sull’innovazione 

ha prodotto danni gravissimi. 

La maggior parte dei canali DDT, 

figli delle reti madri, si regge su repliche 

di programmi e serie, grazie al fatto che 

42 

TELEVISIONE SAVONA 

Ideona 2012, 

la libertà possibile 

di Linda Brunetta 

non vengono pagati (o quasi) i diritti 

d’autore. La grandiosa opportunità della 

rete è ancora poco sfruttata. Nel nostro 

paese, anche a causa dell’alto tasso di pirateria, 

è difficile organizzare un’offerta 

legale dei contenuti. Anche produttori 

più vivaci e sperimentatori, più attenti al 

mercato e all’innovazione, come Lorenzo 

Mieli, lamentano di non poter mantenere 

i diritti residuali e non comprendono 

come non venga capitalizzata una 

risorsa di idee come quella prodotta da 

una serie come Boris. Lo spreco di quelle 

rarissime situazioni virtuose, come Fazio-Saviano 

o Santoro, è veramente incomprensibile, 

da parte di un’azienda, 

così come non riuscire ad attivarsi per 

produrre serie e programmi meno costosi. 

Ideona è un rilevatore annuale della 

temperatura televisiva. I programmi se- 

L’edizione 2012 del Premio Ideona, 

la quinta dopo le due di Saint 

Vincent, Levico Terme e Rovereto, 

patrocinata anche dalla Siae, si è 

tenuta a Savona. Per quattro giorni 

gli autori radiotelevisivi italiani 

hanno parlato con esperti, produttori, 

giornalisti sul futuro del loro lavoro. 

lezionati quest’anno per tutte le reti ne 

dimostrano chiaramente lo stato preoccupante. 

Per molte reti non si sapeva cosa 

votare. Per fortuna ci sono le eccezioni, 

i percorsi che già indicano una diversa 

strada possibile. 

Il premio a Michele Santoro, per esempio, 

per la sua esperienza di giornalista ed autore, 

ma soprattutto per essere coraggiosamente 

diventato, primo in Italia, editore di 

se stesso, scegliendo di rischiare per non 

perdere la libertà ed autonomia, costruendosi 

un network alternativo. 

Il premio a Real Time, una rete intera sull’How 

to do, che produce localmente il 

95% del palinsesto, con il racconto di storie 

ed esperienze vere, oltre che con suggerimenti 

pratici. Infine l’Anart promuove 

due dibattiti mirati al riconoscimento 

della professionalità dell’autore, auspicando 

un contratto che preveda un minimo 

di garanzie, sia sul piano previdenziale che 

sociale, al pari degli altri lavoratori del settore. 

Un’industria culturale sana non può 

infatti prescindere dalla “messa in regola” 

dei rapporti con coloro che stanno all’origine 

della filiera produttiva. 

Tra le trasmissioni in gara il Premio Ideona 

è andato a Il più grande spettacolo dopo 

il weekend di Rai1, Delitti Rock di Rai2 e 

Sostiene Bollani di Rai3 per le reti generaliste, 

Apocalypse, il grande racconto della 

storia di Rete 4, Avanti un altro! di Canale5, 

Ale e Franz Show di Italia1, Quello 

che (non) ho di La7, Masterchef di Cielo Tv 

e Aniene di Sky. 

VIVAVERDI 2/2012

Area Sanremo 

Il Comune di Sanremo ha affidato a Sanremo 

Promotion SpA, anche in riferimento 

all’edizione 2013 del Festival della 

Canzone Italiana, l’organizzazione della 

manifestazione denominata “Area Sanremo”, 

edizione 2012, comprendente 

“Sanremolab”, sezione dedicata a brani 

inediti in lingua italiana, e “Sanremodoc”, 

sezione dedicata a brani inediti in lingua 

dialettale italiana. Il bando ufficiale si può 

scaricare dal sito www.area-sanremo.it. 

In base alla Convenzione in atto tra la 

Rai ed il Comune di Sanremo, la Rai si 

impegna a garantire la partecipazione al 

63° Festival della Canzone Italiana dei 

Vincitori della manifestazione in misura 

percentuale del 30%, con arrotondamento 

in eccesso, dei cantanti complessivamente 

ammessi al Festival nella categoria 

“Giovani”. Potranno partecipare alla 

manifestazione “Area Sanremo” edizione 

2012 i candidati che avranno 

un’età compresa tra i 16 ed i 36 anni. E’ 

prevista una quota di iscrizione. Per partecipare 

occorre inviare la domanda e il 

materiale richiesto entro il 15 settembre 

a Sanremo Promotion SpA, Direzione 

Area Sanremo, Villa Zirio, Corso 


Concorsi e Premi 

a cura di Daniela Nicolai 

In questa pagina sono segnalati alcuni concorsi per la creazione di opere dell’ingegno 

i cui termini di partecipazione scadono nel trimestre luglio-settembre 2012. 

Altri concorsi sono segnalati nella rubrica “Concorsi e premi” del sito www.siae.it. 

Tutte le segnalazioni riportate in queste pagine sono fatte a scopo puramente 

informativo e senza nessuna responsabilità da parte della Siae. Per i testi 

integrali dei bandi e per conoscere le modalità di partecipazione è necessario 

rivolgersi agli organizzatori delle singole manifestazioni. 

Cavallotti 51, 18038 Sanremo (IM). Per 

informazioni: www.area-sanremo.it; info@area-sanremo.it, 

tel. 0184 591600 dal 

lunedì al venerdì, dalle 9.30 alle 12.30 e 

dalle 15.00 alle 17.30. 

Premio PIVI 

Fino al 21 settembre sarà possibile inviare 

i videoclip per il PIVI – Premio 

Italiano Videoclip Indipendente promosso 

dal MEI- Meeting delle Etichette Indipendenti 

che l’anno scorso ha visto la 

partecipazione di oltre 450 filmati. Per il 

secondo anno consecutivo il premio si 

svolgerà nell’ambito del Medimex, Fiera 

delle Musiche del Mediterraneo organizzata 

da Puglia Sounds che si terrà a 

Bari dal 29 novembre al 2 dicembre 

2012. Per ulteriori informazioni: MEI – 

Meeting delle Etichette Indipendenti, tel. 

0546.24647 mei@materialimusicali.it, 

www.meiweb.it. 

Concorso di composizione 

Musica e Arte 

L’Associazione Culturale Musica e Arte 

bandisce la VIII edizione del concorso di 

composizione Musica e Arte. Ogni compositore 

potrà partecipare al concorso 

con un’unica partitura. E’ prevista una 

quota di iscrizione. All’autore dell’opera 

vincitrice sarà attribuito un premio di 

1.000,00 euro ed una copia del software 

per notazione musicale Sibelius. Questa 

edizione è dedicata alla musica per 

danza contemporanea. Le composizioni, 

della durata massima di 10 minuti, devono 

essere inedite e mai premiate in altri 

concorsi. La documentazione richiesta 

dal bando, in lingua italiana o inglese, dovrà 

essere inviata on-line attraverso il sito 

www.musicaearte.it oppure con e-mail 

all’indirizzo: concorso@musicaearte.it 

entro il 29 settembre 2012. Per informazioni: 

tel/fax 06.58209051, concorso@musicaearte.it, 

www.musicaearte.it. 

43

44 

CULTURA EDITORIA 

La clonazione pirata 

dei testi universitari 

Un danno economico di centinaia 

di milioni di euro, che colpisce 

alcune tra le più importanti 

realtà della filiera culturale, innescando 

un ulteriore fattore di recessione. 

Stiamo parlando della fotocopiatura selvaggia 

di testi universitari, che si va diffondendo, 

alimentata in parte dalla crisi, 

che spinge le famiglie a cercare ogni possibile 

forma di risparmio, e in parte dalle 

accresciute risorse delle tecnologie digitali 

che consentono “scorciatoie” un 

tempo impensabili.Ad esserne colpiti sono 

soprattutto gli editori e gli autori, ma 

anche l’indotto collegato. Basti pensare 

al pregiudizio subito dalle librerie che 

operano nella legalità, rispetto a chi consegue 

un ingiusto guadagno in violazione 

delle norme ed alterando gli equilibri 

di mercato. 

In questo difficile contesto socio-economico, 

assume un sempre maggiore rilievo 

l’attività di vigilanza e repressione 

attuata dalla Siae di concerto con le forze 

dell’ordine. La più recente iniziativa a 

tutela della proprietà intellettuale è stata 

attuata nell’aprile scorso. L’operazione è 

stata preceduta da un’accurata indagine 

sul territorio, svolta da giovani finanzieri 

del Comando Provinciale di Roma 

che, fingendosi studenti universitari, hanno 

acquisito informazioni utili. Delineata 

una “mappa” delle attività commerciali 

più a rischio, sono entrati in azione 

i “Baschi Verdi” del II Gruppo di Ostia, 

che hanno battuto le zone adiacenti agli 

di Vito Alfano (*) e Luigi Cecere (**) 

atenei della Capitale, unitamente ad ispettori 

del Servizio Antipirateria della Siae. 

In numerosi punti vendita sono stati rinvenuti, 

oltre a circa millecinquecento libri 

fotocopiati pronti per la vendita, migliaia 

di opere letterarie e scientifiche 

scansionate digitalmente all’interno di 

personal computer e di vari supporti di 

memoria, spesso presenti proprio all’interno 

degli stessi apparecchi riproduttori. 

Originali i metodi di occultamento 

del materiale illecito: dagli “hard disk” 

nascosti nelle autovetture e collegati mediante 

reti wireless ai computer dei centri 

commerciali, alle memorie usb camuffate 

da portachiavi. Numerosi anche 

i file memorizzati in cartelle nascoste e 

i Cd contenenti opere letterarie e scien- 

La legge vieta la fotocopiatura 

integrale delle opere e stampa e lo 

sfruttamento commerciale delle 

riproduzioni. E tuttavia, in ambito 

universitario, si va diffondendo un 

mercato sommerso di testi “clonati” 

che produce un grave danno ad 

editori ed autori. L’impegno della 

Siae per contrastare il fenomeno. 

tifiche, camuffati all’esterno da supporti 

musicali. 

Risultato: venti persone denunciate e il 

sequestro di ottantamila libri “clonati”, 

già pronti per le fotocopie illegali. 

La clonazione pirata di testi universitari 

produce danni di una gravità spesso sottovalutata. 

Ecco il punto di vista di una 

“fonte terza”, il portale specializzato Ateneonline.it: 

“Le fotocopie abusive riducono 

sensibilmente le vendite dei testi 

universitari e pertanto spesso risulta non 

più conveniente per l’editore pubblicare 

opere scientifiche e saggistiche più accurate 

e innovative su argomenti specialistici. 

Ogni fotocopia, riducendo il numero 

di copie vendute dall’editore, aumenta 

l’incidenza dei costi fissi a copia e 

costringe l’editore ad aumentare il prezzo; 

questo, naturalmente, fornisce un ulteriore 

incentivo a fotocopiare. Se questo 

circolo vizioso non verrà spezzato, arriveremo 

al punto in cui gli editori non 

avranno più convenienza economica a 

realizzare libri di testo per l’università (e 

gli autori a scriverli, ndr). In quel momento 

non ci saranno più neppure fotocopie”. 

Proprio così, questo è il tragico scenario 

che la Siae è impegnata a scongiurare. 

(*) Direttore del Servizio Antipirateria 

della SIAE 

(**) Direttore della Sezione OLAF della 

SIAE 

VIVAVERDI 2/2012

Foto Gabriel Bouys 

GIUSEPPE BERTOLUCCI, 

UN CINEMA DAVVERO ORIGINALE 

Il 16 giugno è scomparso a Diso, in provincia 

di Lecce, il regista e sceneggiatore 

Giuseppe Bertolucci, autore di pellicole 

cult come Berlinguer ti voglio bene, Segreti 

Segreti e L’amore probabilmente. 

Nato a Parma nel 1947, figlio del poeta 

Attilio e fratello minore di Bernardo Bertolucci, 

si interessa dapprima alla pittura, 

poi agli studi universitari di linguistica, 

e infine al cinema dove esordisce come 

attore (in La strategia del ragno), poi 

come sceneggiatore collaborando alla 

scrittura di Novecento. Si cimenta poi nella 

regia con Berlinguer ti voglio bene, nel 

1977, interpretato da Roberto Benigni, 

seguito da Oggetti smarriti, nel 1980, con 


L’ultimo applauso 

Mariangela Melato e Bruno Ganz e poi 

ancora Tuttobenigni, del 1983. Come soggettista 

e sceneggiatore lavora ai successi 

Tu mi turbi, Non ci resta che piangere e Il 

piccolo diavolo mentre la sua vena surreale 

e dissacrante si esercita nella regia de 

I cammelli e Troppo sole, con Sabina Guzzanti. 

Si dedica alle opere di Gadda e Pasolini 

e collabora con Tonino Guerra ad 

un’opera collettiva La domenica specialmente. 

Per molti anni presidente della Cineteca 

di Bologna, che così l’ha ricordato 

in una nota: “l’artista che - divenuto 

nel 1997 presidente di una giovane e fragile 

Istituzione - ha dato un contributo 

decisivo alla sua crescita, in anni molto 

difficili per il nostro Paese e per le ragioni 

della Cultura. Giuseppe Bertolucci 

ha presieduto la Cineteca di Bologna 

in una fase che l’ha vista crescere e trasformarsi, 

progettando la creazione e 

l’inaugurazione delle nuove sedi, disegnandone 

lo sviluppo, dando impulso internazionale 

alla sua attività di restauro e 

alla sua attività editoriale. L’ha lasciata alla 

fine del 2011, una volta compiuta la 

necessaria trasformazione in Fondazione. 

Lo ricorderemo, come avrebbe voluto 

lui, lavorando in Cineteca ogni giorno 

con cura e passione”. 

“Devo tutto a Giuseppe Bertolucci” ha 

commentato Roberto Benigni con il 

quale è stato legato da una lunga collaborazione. 

“Ho passato con lui gli anni 

più belli della mia giovinezza. Era il mio 

amico. Il mio primo amico, il mio pri- 

mo regista, il mio primo autore. Mi ha 

insegnato lui a leggere la poesia, a muovermi, 

a camminare nel mondo, a guardare 

il cielo, a capire da che parte arriva 

la bellezza e a riconoscerla”. 

ADDIO A SERGIO JACQUIER, 

IL MAGO DEI DIALOGHI 

di Letizia Pozzo 

E’ scomparso, il 25 giugno scorso, Sergio 

Jacquier, sceneggiatore, traduttore, dialoghista 

e adattatore, autore teatrale e radiotelevisivo. 

Se il doppiaggio italiano ha fama di essere 

il migliore del mondo, il merito è soprattutto 

di grandi autori come Jacquier 

che hanno saputo interpretare e reinventare 

giochi di parole intraducibili in modo 

letterale. Grazie alla sua capacità centinaia 

di film sono risultati comprensibili 

per il pubblico italiano, un esempio per 

tutti i film di Woody Allen, dove ha compiuto 

un lavoro sul linguaggio di cesello, 

di artigianato, di creatività. 

45

Nato a Firenze nel 1923, dove ha compiuto 

studi artistici, si è trasferito ben presto 

a Roma, la capitale dell’industria cinematografica, 

dove si è dedicato alla traduzione 

e adattamento di film stranieri. 

Ha tradotto e adattato oltre mille film dei 

maggiori registi internazionali, tra cui Billy 

Wilder, Luis Buñuel, Robert Altman, 

Lawrence Kasdan, Mel Brooks, Mike 

Nichols, Werner Herzog, Ridley Scott, 

Stephen Frears, Akira Kurosawa e tutti i 

film di Woody Allen, fin dai primi Il dittatore 

dello Stato libero di Bananas a Pallottole 

su Broadway. Per il teatro ha lavorato 

con testi di Neil Simon, André Roussin, 

Pierre Chesnot, Sam Shepard ed è 

autore di alcune commedie tra cui Il diavolo 

addosso e Due casi in Patagonia. Dopo 

un’esclusiva con la 20th Century Fox, ha 

ampliato la sua collaborazione a tutte le 

Major americane. Ha lavorato anche come 

sceneggiatore, a partire dal film di Mario 

Zampi Cinque ore in contanti fino a 

Stradivari di Giacomo Battiato e tanti altri. 

Jacquier si è dedicato anche al teatro 

collaborando alla traduzione e adattamento 

di testi stranieri, da Veber a Stout, 

Simon e Shaffer per le maggiori compagnie 

di prosa italiane. Tra i premi ricevuti, 

medaglia d’oro “La vita per il Cinema”, 

“Premio Nazionale per la Traduzione” 

dal Ministero dei Beni Culturali. 

Premio teatrale “Sandro Giovannini”, come 

finalista della commedia “Due casi in 

Patagonia”. “Premio Nazionale Doppiaggio” 

nella rassegna “Voci dall’ombra”. 

DANTE PANZUTI, 

COLONNA DI MUSICA LEGGERA 

Nella sua abitazione milanese il 5 giugno 

si è spento Dante Panzuti, nato nel 1921, 

iscritto alla Siae con lo pseudonimo di 

Danpa, decano dell’Uncla, è stato insieme 

al fratello Virgilio una delle colonne 

portanti della musica “leggera” italiana. La 

loro vita professionale nel mondo della 

canzone, durata più di sessant’anni, è stata 

coronata da numerosi successi. Dante 

Panzuti, nasce a Pietraligure (in provincia 

46 

di Savona), e si trasferisce a Milano in giovane 

età, divenendo ben presto milanese 

d’adozione. Scrive la sua prima canzone 

Pino Solitario insieme al fratello Virgilio 

con parole di Dante (pseudonimo Danpa), 

radiotrasmessa e incisa dal cantante 

Bruno Pallesi con l’orchestra del Maestro 

Carlo Zeme, che ottiene subito un buon 

successo, sia in Italia che all’estero. Entrati 

a far parte del Gruppo Editoriale Leonardi, 

per una quindicina d’anni i due fratelli 

continueranno a scrivere ogni genere 

di canzoni per i più famosi cantanti dell’epoca. 

I due fratelli partecipano a vari 

festival di Sanremo con: Famme durmì, cantata 

da Achille Togliani (1951); Una donna 

prega, da Nilla Pizzi (1952), Ma baciami, da 

Teddy Reno (1959); Splende il Sole da Fausto 

Cigliano (1960), II nostro amore, da Giacomo 

Rondinella (1962). Nel 1956 sempre 

con l’inseparabile fratello Virgilio, Dante 

Panzuti costituisce l’edizione Cielo- 

Video, al numero 2 di Galleria del Corso 

a Milano. Nello stesso anno, i fratelli vincono 

il primo premio al Festival di Sanremo 

con: Aprite le Finestre, cantata da 

Franca Raimondi. Vince anche lo Zecchino 

d’Oro nel 1965 con Dagli un spinta 

(scritta con Pinchi e Cerasoli), interpretata 

da Carlo Alberto Travaglino. 

Sfruttando la loro ormai acquisita esperienza, 

sviluppano il lavoro editoriale attraverso 

vari progetti, fra cui l’etichetta 

“Music Scene” (allora su LP a 33 giri) 

con musiche strumentali per le radio e 

le televisioni di tutto il mondo. Incidono 

per questa serie il violinista jazz ita- 

lo-americano Joe Venuti (violino jazz), 

Bruno De Filippi (chitarra e armonica a 

bocca), Attilio Donadio (clarino e sax, arrangiatore), 

Giampiero Boneschi (elettronica), 

Vittorio Paltrinieri (voce), e 

molti altri. Dante, nel frattempo, continua 

la sua attività originaria di paroliere-autore 

scrivendo testi per musicisti di 

primo piano fra come Carletto Concina, 

Peter van Wood, Don Marino Barreto 

Jr., Mario Consiglio, Gino Mescoli, 

senza trascurare il notevole corpus di traduzioni 

italiane di brani stranieri come 

s’usava all’epoca (fra queste versioni, la 

più celebre fu Con le mie lacrime, in origine 

As tears go by, dei Rolling Stones, da 

loro stessi incisa in italiano su dischi Decca) 

ma anche Please please me dei Beatles, 

incisa da Fausto Leali, Red Rubber Ball e 

Richard Cory di Paul Simon, tradotte per 

i Nightbirds, I Am A Rock, sempre di Simon, 

per The Planets e i Memphis, Peek-a-boo 

e Rosie della The New Vaudeville 

Band, tradotte per Bobby Solo). 

GIANNI MARCHETTI 

Si è spento a Roma il 9 aprile Gianni 

Marchetti, compositore, pianista, arrangiatore 

e autore di successo. Nato a Roma 

il 7 settembre 1933 e diplomato in 

composizione, Gianni Marchetti ha esordito 

come compositore, strumentatore e 

direttore d’orchestra nel 1956, raggiungendo 

il successo con numerosi brani che 

sono ancora degli evergreen. Tra questi 

Legata a un granello di sabbia di Nico Fidenco, 

Una lacrima sul viso e Se piangi, se 

VIVAVERDI 2/2012

idi di Bobby Solo, Il tangaccio di Adriano 

Celentano, In fondo al viale dei Gens 

e numerosi altri. Ha fondato le edizioni 

musicali della RCA italiana. È stato responsabile 

artistico della sede romana della 

Dischi Ricordi e del settore discografico 

del gruppo Campi. Ha scritto numerose 

canzoni con e per Edoardo Vianello, 

Giorgio Gaber, Rita Pavone, Nada, 

Gianni Meccia, Ornella Vanoni. E’ 

stato inoltre l’autore delle musiche di 

molte canzoni di Piero Ciampi, tra le 

quali Io e te Maria, Ha tutte le carte in regola, 

Sul porto di Livorno, Sporca estate, Tu 

no e di numerose colonne sonore di film 

(circa una settantina). Marchetti aveva recentemente 

raccontato questo sodalizio 

nel volume Il mio Piero Ciampi (libro + 

Cd) edito da Coniglio nel 2010. Aveva 

anche a lungo collaborato con Sergio 

Zavoli realizzando le musiche delle famose 

serie televisive “Nascita di una dittatura”, 

“La notte delle repubblica” e 

“Viaggio intorno all’uomo”. 

NICO TIRONE 

E’ deceduto il 12 aprile a Mazara del Vallo 

il musicista Nico Tirone, voce e leader 

del gruppo Nico e i Gabbiani che 

ebbe il suo maggior successo negli anni 

Sessanta, nel periodo della musica “beat”, 

con il brano Parole, un 45 giri che 

vendette oltre un milione di copie. Dopo 

lo scioglimento del gruppo nel 1969, 


Nico Tirone intraprese la carriera da solista, 

prima con l’etichetta Cgd dove incise 

la sigla dello sceneggiato “Il segno 

del comando”, la notissima Cento campane, 

scritta da Fiorenzo Fiorentini e Romolo 

Grano e poi con Isola e Five Records 

per la quale incise Amarsi, scelta come 

sigla per la soap “Sentieri”. 

E’ stato autore e interprete di Amore senza 

fine, colonna sonora dell’omonimo 

film di Zeffirelli e di altri celebri brani, 

alternando le tournée in tutto il mondo 

alle performance come cantante e conduttore 

televisivo in Italia. Al suo attivo 

una vasta discografia con 4 dischi d’oro 

e 1 di platino. 

SABINA CANGIANO 

E’ morta il 10 maggio a Londra l’attrice 

e regista Sabina Cangiano. Aveva 42 anni 

e aveva interpretato ruoli nei film 

L’amore molesto di Mario Martone e Mario 

e il mago di Klaus Maria Brandauer 

ma la sua grande passione era il teatro, 

quello di impegno sociale e di sperimentazione. 

Nella seconda metà degli 

anni Novanta, prima di lasciare Napoli, 

la sua città natale, è stata organizzatrice 

culturale appassionata e coraggiosa in un 

centro sociale atipico, il Damm di Montesanto, 

dove ha allestito numerosi spettacoli 

per grandi e piccini. A Londra, dove 

si era trasferita, insegnava recitazione 

e aveva curato la regia di autori italiani 

come Franca Rame e Annibale Ruccello 

e recentemente aveva lavorato in teatro 

a fianco di Toni Servillo in Sabato, domenica 

e lunedì. 

GIORGIO CONSOLINI 

E’ morto il 28 aprile a Bologna, Giorgio 

Consolini, vincitore del festival di Sanremo 

del 1954 con Tutte le mamme, cantata 

insieme a Gino Latilla e noto interprete di 

grandi successi come Vecchio Scarpone, Usignolo 

e Il mare. Bolognese, classe 1920, è stato 

protagonista di celebri duetti con Claudio 

Villa, Sergio Bruni, Achille Togliani, che 

hanno animato la gara canora di Sanremo; 

nel corso della sua lunga carriera artistica 

Consolini ha partecipato a numerose tournée 

in tutto il mondo insieme a Nilla Pizzi, 

Carla Boni e Gino Latilla portando la 

melodia italiana in tutto il mondo. 

STEFANO TASSINARI 

Dopo una lunga malattia è deceduto lo 

scrittore e giornalista ferrarese Stefano 

Tassinari. Nato nel 1955 si era dedicato 

alla letteratura, al giornalismo e al teatro; 

fra le sue opere ricordiamo i romanzi Assalti 

al cielo. Romanzo per quadri (2000), I 

segni sulla pelle (2003), Il vento contro 

(2008), D’altri tempi (2011), nei quali riflette 

sulle ansie e le speranze di una generazione 

che vive immersa nei grandi 

conflitti del Novecento in una società lacerata 

da violenze e contraddizioni. 

47

◗ ATTI GENERALI 

Modifiche allo Statuto Siae 

48 

BOLLETTINO SOCIALE 

Per consultare gli atti e i comunicati pubblicati nel Bollettino Sociale 

on-line del sito Siae, cliccare sul titolo del documento desiderato 

◗ SEZIONE MUSICA 

Ordinanza di ripartizione della Sezione Musica – Anno 2012 

Testo Unico in materia di cessioni 

VIVAVERDI 2/2012

COMMISSARIO STRAORDINARIO 

Gian Luigi Rondi 

SUB-COMMISSARI 

Mario Stella Richter 

Domenico Luca Scordino 

(Nominati con DPR del 9 marzo 2011) 

COMMISSIONI DI SEZIONE 

SEZIONE MUSICA 

Autori 

Giuseppe Amendola 

Giuseppe Andreetto 

Vincenzo Barbalarga 

Gianfranco Borgatti 

Bruno Mario Lavezzi 

Ezio Leoni 

Franco Micalizzi (Pres.) 

Carlo Pedini 

Cristiano Minellono 

Giuseppe Vessicchio 

Editori 

Bideri Cevel Spa – Silvia Bideri Villevieille (Vice Pres.) 

Curci Edizioni Musicali – Alfredo Gramitto Ricci 

Di Più Srl – Pier Angelo Mauri 

Emergency Music Italy Srl – Pietro Colasanti 

Galletti-Boston Srl – Anna Galletti 

Montefeltro Edizioni – Giorgio Giacomi 

Novalis Edizioni Mus. e Discografiche – Roberto 

Rinaldi 

Sym-Music Srl – Anna Lombardoni 

Mascheroni – Andrea Cotromano 

Universal Music Italia Srl – Claudio Buja 

AVVISO AGLI ASSOCIATI 

ORGANI SOCIALI 

SEZIONE CINEMA 

Autori 

Antonino Biocca detto Tony 

Laura Ippoliti 

Domenico Mezzatesta (Pres.) 

Serafino Murri 

Massimo Sani 

Vittorio Benito Sindoni 

Produttori 

Warner Bros Italia Spa – Paolo Ferrari 

Racing Pictures Srl – Alessandro Fracassi (Vice 

Pres.) 

SEZIONE DOR 

Autori 

Valentina Amurri 

Flavio Andreini 

Linda Brunetta Caprini (Vice Pres.) 

Roberto Cavosi 

Michele Mirabella 

Biagio Proietti (Pres.) 

Concessionari 

D’Arborio Sirovich Paola – Paola Perilli 

Antonia Brancati Srl – Antonia Brancati 

SEZIONE OLAF 

Autori 

Alessandro Occhipinti (Pres.) 

Franco Pallotta 

Natale Antonio Rossi 

Editori 

Giunti Editore Spa – Samantha Raugei 

Giulio Einaudi Editore – Laura Piccarolo 

Principato Giuseppe Casa Editrice Spa – Girolamo 

Potestà (Vice Pres.) 

RCS Libri Spa – Alberta Locati 

SEZIONE LIRICA 

Autori 

Marco Betta (Vice Pres.) 

Carlo Boccadoro 

Dario Oliveri 

Editori 

Fonit Cetra Music Pub. Srl – Teresita Beretta (Pres.) 

Sonzogno Casa Musicale Sas – Piero Ostali 

Sugarmusic Spa – Alessandro Savasta 

COLLEGIO DEI REVISORI 

Presidente Benito di Troia 

Giovanni Fiori 

Massimiliano Nova 

Supplenti 

Romana Sciuto 

Giampiero Riccardi 

CONTROLLO INTERNO Raffaella Gambini 

DIRETTORE GENERALE Gaetano Blandini 

Si informano gli associati che nei giorni 13-17 agosto, 2 novembre, 24-31 dicembre 2012 gli uffici della Direzione 

Generale, delle Sedi, dei Presidi e delle Filiali Siae resteranno chiusi con l’eccezione dei seguenti servizi: 

· Pubblico Registro Cinematografico 

· Pubblico Registro Software 

Si invitano in ogni caso gli associati a consultare preventivamente gli avvisi pubblicati sul sito internet della Società 

(www.siae.it) o a prendere contatto con gli uffici desiderati per verificarne l’operatività nei giorni indicati.

Believe è il distributore digitale leader in Europa, con sede a 

Parigi e divisioni in Italia e nei maggiori mercati digitali al mondo. 

La maggior parte delle etichette, artisti, distributori indipendenti 

italiani si affidano a Believe Italia ed è grazie ad essi che Believe 

distribuisce il meglio della musica italiana ed internazionale nel 

mondo: Mina, Pooh, Modà, Marco Sabiu, Angelo Branduardi, 

Fabio Concato, Checco Zalone, Eugenio Finardi, Amii Stewart, 

Tiromancino, Prince Royce, Gabry Ponte, Cristian Marchi, 

Paolo Benvegnù, Paolo Fresu, Dolcenera, Stefano Di Battista ed i 

grandi della musica di tutti i tempi, Modugno, Caruso, Miles Davis, 

Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Elvis Presley e molti altri. 

Nei prossimi mesi Believe Digital annuncerà l’implementazione di 

ulteriori servizi a favore delle rinnovate esigenze di artisti ed etichette 

al fine di trarre il massimo dai nuovi business.

Subsonica, - Siae

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