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INTRODUÇÃO À HISTÓRIA DA ARTE<br />

PROF. ROGERIO LIMA<br />

DIVISÃO DA PRÉ-HISTÓRIA<br />

Paleolítico" ou "Idade da Pedra Antiga (lascada)" é um termo criado no século XIX para definir o período<br />

mais antigo da História do Homem, anterior ao "Neolítico" ou "Idade da Pedra Nova (polida)". A duração<br />

deste período, o mais longo da História da Humanidade, é de cerca de 2,5 milhões de anos, desde o<br />

momento em que surgiram os primeiros seres humanos que fabricaram artefatos líticos até ao fim da última<br />

época glacial, que terminou há cerca de 10 000 anos.Durante o Paleolítico, o Homem vivia da exploração<br />

dos recursos silvestres. As atividades de subsistência resumiam-se à pesca, à caça e à coleta de vegetais.<br />

As analogias que se podem fazer com as sociedades de caçadores-coletores atuais permitem concluir que a<br />

unidade social básica devia ser o bando, isto é, um agrupamento de dimensão reduzida (vinte e cinco<br />

pessoas em média) formado pela união voluntária de um pequeno número de famílias. Estes grupos<br />

deslocavam-se regularmente, em função das variações na abundância dos recursos alimentares, no interior<br />

de um território delimitado. Era no quadro desta vida itinerante que tinham lugar, quando os grupos se<br />

reuniam para a realização de caçadas conjuntas ou a celebração de cerimônias religiosas, os acordos de<br />

acasalamento e a transmissão de idéias, de técnicas e de modas artísticas. O Paleolítico pode ser dividido<br />

em três fases distintas, que se definem em função dos tipos de utensílios de pedra sucessivamente<br />

utilizados: Inferior, Médio e Superior. A utilização deste critério de periodização deve-se ao fato de as peças<br />

fabricadas em pedra serem aquelas que melhor se preservam e, portanto, serem também as mais<br />

numerosas e fáceis de encontrar.<br />

PALEOLÍTICO INFERIOR<br />

É o período em que surgem os primeiros utensílios em pedra. Estes são de início pouco elaborados (por<br />

exemplo, simples seixos lascados) e encontram-se em África, associados, num primeiro momento, à mais<br />

antiga forma humana conhecida, o Homo habilis, que foi o antecessor do Homo erectus, o primeiro<br />

hominídeo a colonizar o continente eurasiático. Porque um dos sítios onde estes utensílios primeiro foram<br />

caracterizados se chama Olduvai, no Quénia, a indústria lítica desta época é conhecida sob a designação<br />

genérica de Olduvense. Progressivamente, os utensílios líticos adquiriram formas mais complexas. Os<br />

bifaces, peças que caracterizam o Acheulense, apareceram em África há mais de 1 milhão de anos. É deste<br />

período que data o primeiro povoamento humano da Europa.<br />

• aproximadamente 5.000.000 a 25.000 a.C.;<br />

• primeiros hominídeos;<br />

• caça e coleta;<br />

• controle do fogo; e<br />

• instrumentos de pedra e pedra lascada, madeira, ossos: facas, machados.<br />

PALEOLÍTICO SUPERIOR<br />

Aproximadamente 30.000 anos a.C. e A principal característica dos desenhos da Idade da Pedra Lascada é o<br />

naturalismo. O homem primitivo representava os seres, um animal com uma função ritual. Atualmente, a explicação<br />

mais aceita é que essas manifestações eram realizadas por caçadores, e que faziam parte do processo de magia<br />

por meio do qual procurava-se interferir na captura de animais, ou seja, o pintor-caçador do Paleolítico supunha ter<br />

poder sobre o animal desde que possuísse a sua imagem. Acreditava que poderia matar o animal verdadeiro<br />

desde que o representasse ferido mortalmente num desenho. Utilizavam as pinturas rupestres, isto é, feitas em<br />

rochedos e paredes de cavernas. O homem deste período era nômade. O homem do Paleolítico Superior realizou<br />

também trabalhos em escultura. Mas, tanto na pintura quanto na escultura, nota-se a ausência de figuras<br />

masculinas. Predominam figuras femininas, com a cabeça surgindo como prolongamento do pescoço, seios<br />

volumosos, ventre proeminente e grandes nádegas: Vênus de Willendorf.<br />

• instrumentos de marfim, ossos, madeira e pedra: machado, arco e flecha, lançador de dardos, anzol e linha;<br />

e desenvolvimento da pintura e da escultura.<br />

Este período é marcado pelo desenvolvimento de pontas de projétil modeladas com matérias duras de<br />

origem animal (osso, marfim, corno de cervídeo), pela utilização de objetos de adorno pessoal (dentes de<br />

animais e conchas furados para serem usados como pendentes, por exemplo), e pela arte. Os utensílios em<br />

pedra passam a serem quase sempre fabricados sobre lâminas (lascas alongadas, de bordas paralelas,<br />

cujo comprimento é significativamente superior à largura), e contêm micrólitos. Estes últimos são pequenos<br />

objetos de pedra usados como barbelas que eram montadas, por encaixe ou fixação com resina, sobre<br />

pontas de zagaia feitas em madeira ou em matérias ósseas. Em certas épocas, no entanto, as pontas de<br />

zagaia eram também inteiramente em pedra, e a sua fabricação fazia-se através de técnicas muito<br />

sofisticadas (aquecimento prévio do sílex, retoque por pressão) que permitiam a obtenção de peças de<br />

grande beleza. A evolução destes utensílios permitiu uma subdivisão mais detalhada do Paleolítico superior,<br />

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que, do mais antigo para o mais recente, compreende, no Sudoeste europeu, as seguintes fases (de que se<br />

dão os limites cronológicos aproximados): Aurignacense (de 40 mil a 28 mil anos antes do presente);<br />

Gravettense (de 28 mil a 21 mil anos antes do presente); Solutrense (de 21 mil a 17 mil anos antes do<br />

presente); e Magdalenense (de 17 mil a 10 mil anos antes do presente). Estas designações baseiam-se nos<br />

nomes de sítios arqueológicos franceses em que aqueles tipos de vestígios foram pela primeira vez<br />

identificados de forma clara. O tipo humano representado nas jazidas do Paleolítico superior é o Homem<br />

anatomicamente moderno, Homem de Cro-Magnon, ou Homo sapiens sapiens. Na Europa, o Paleolítico<br />

superior corresponde aproximadamente à época da última Idade do Gelo, durante a qual a Inglaterra e a<br />

Escandinávia estiveram cobertas por uma extensa calota glacial e o clima era significativamente mais frio e<br />

seco, mesmo nas regiões meridionais, do que na atualidade.<br />

Materiais Utilizados<br />

Óxidos minerais, ossos carbonizados, carvão, vegetais e sangue de animais. Os elementos sólidos eram<br />

triturados e dissolvidos em gordura animal. Ou seja, uma técnica rústica de têmpera à óleo. Como pincel,<br />

utilizavam os dedos, e pequenas varetas com penas ou pêlos. Outra técnica é a de mãos em negativo, pó<br />

colorido a partir de rochas trituradas, misturados à um elemento fixador, provável a gordura animal, é<br />

soprado por um canudo sobre a mão pousada sobre a parede da caverna, obtendo-se assim o contorno da<br />

mão no meio da mancha colorida. É interessante perceber a necessidade técnica para utilizar a tinta sem<br />

que ela escorresse pela pedra. É provável, que as mãos fossem utilizadas para treinar o artista na dosagem<br />

de tinta e sopro necessários na execução das pinturas, mais ou menos como um air-brush primitivo!<br />

Representações Naturalistas<br />

Perfeccionistas na reproduções dos animais, deixam transparecer traços mais vigorosos nos animais<br />

maiores ou ferozes, e traços mais leves nos animais delicados, como alces e cavalos. Nesse período<br />

também fazem esculturas, de formas femininas grávidas. São chamadas Vênus. Também, parecem<br />

inspiradas por uma força de reprodução e preservação da espécie. Nesse período não há apresentações da<br />

figura masculina. Mas temos provas de que haviam já escolas de artes para os mais jovens. Este período, o<br />

Paleolítico Superior também é conhecido como período da Pedra Lascada. Caverna de LASCAUX, França,<br />

suas pinturas foram descobertas em 1940, possuem aproximadamente 17.000 anos. A cor preta, por<br />

exemplo, contém carvão moído e dióxido de manganês. Caverna de ALTAMIRA, Espanha, quase uma<br />

centena de desenhos feitos há 14.000 anos, foram os primeiros desenhos descobertos, em 1879. Sua<br />

autenticidade, porém, só foi reconhecida em 1902. Caverna de CHAUVET, França, há ursos, panteras,<br />

cavalos, mamutes, hienas, dezenas de rinocerontes peludos e animais diversos, descoberta em 1994.<br />

NEOLÍTICO<br />

Cerca de 10.000 anos a C. A fixação do homem da Idade da Pedra Polida, garantida pelo cultivo da terra e pela<br />

manutenção de manadas, ocasionou um aumento rápido da população e o desenvolvimento das primeiras<br />

instituições, como família e a divisão do trabalho. Assim, o homem do Neolítico desenvolveu a técnica de tecer<br />

panos, de fabricar cerâmicas e construiu as primeiras moradias, constituindo-se os primeiros arquitetos do<br />

mundo. Conseguiu ainda, produzir o fogo através do atrito e deu início ao trabalho com metais.<br />

Todas essas conquistas técnicas tiveram um forte reflexo na arte. O homem, que se tornara um camponês, não<br />

precisava mais ter os sentidos apurados do caçador do Paleolítico, e o seu poder de observação foi substituído<br />

pela abstração e racionalização. Como conseqüência suas manifestações artísticas surgem simplificadas e<br />

geometrizadas.Os símbolos, signos, sinais e figuras mais sugerem do que reproduzem os seres com eles são na<br />

natureza. Os próprios temas da arte mudaram: começaram as representações da vida coletiva. Além de<br />

desenhos e pinturas, o homem do Neolítico produziu uma cerâmica que revela sua preocupação com a beleza e<br />

não apenas com a utilidade do objeto, também esculturas de metal. Desse período temos as construções<br />

denominadas dolmens. Consistem em duas ou mais pedras grandes fincadas verticalmente no solo, como se<br />

fossem paredes, e uma grande pedra era colocada horizontalmente sobre elas, parecendo um teto. E o menir<br />

que era monumento megalítico que consiste num único bloco de pedra fincado no solo em sentido vertical. O<br />

Santuário de Stonehenge, no sul da Inglaterra, pode ser considerado uma das primeiras obras da arquitetura que<br />

a História registra. Ele apresenta um enorme círculo de pedras erguidas a intervalos regulares, que sustentam<br />

traves horizontais rodeando outros dois círculos interiores. No centro do último está um bloco semelhante a um<br />

altar. O conjunto está orientado para o ponto do horizonte onde nasce o Sol no dia do solstício de verão, indício<br />

de que se destinava às práticas rituais de um culto solar. Lembrando que as pedras eram colocadas umas sobre<br />

as outras sem a união de nenhuma argamassa.<br />

• instrumentos de pedra polida, enxada e tear;<br />

• início do cultivo dos campos;<br />

• artesanato: cerâmica e tecidos;<br />

• construção de pedra;<br />

• primeiros arquitetos do mundo<br />

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Materiais Utilizados<br />

As pedras, agora, utilizadas como revestimento, são deslocadas, e constroem moradias. Deve datar daí a<br />

invenção das rodas, ou preferível, 'rolamento' de objetos pesados. O fogo, também, já é elemento comum e<br />

totalmente dominado, as primeiras lâminas metálicas é desse período. Há ainda o cozimento da argila, para<br />

a cerâmica. A reciclagem do material de colheitas dá lugar as primeiras cestarias, o que por sua vez, insinua<br />

as primeiras técnicas de tecelagem.<br />

Representações Geométricas e Estilizadas<br />

A estilização é uma técnica, onde interferimos na forma representada, porém sem tirar-lhe as características<br />

principais. A geometrização dessa época, esboça a intenção da escrita alfanumérica. Ela aparece na<br />

contagem de estações, na divisão do espaço, distinguindo o de animais do de pessoas. Em alguns grupos,<br />

a geometrização se refere à pele de alguns animais, considerados, em tese, protetores. Vale a pena<br />

pesquisar mais a respeito.<br />

ARTE RUPESTRE BRASILEIRA<br />

De todos os capítulos da até hoje tão pouco conhecida Arqueologia Brasileira, um dos mais importantes e<br />

relativamente dos mais pesquisados é decerto o da chamada arte rupestre, a qual vinha despertando a<br />

curiosidade de bom número de amadores e de uns poucos profissionais nacionais ou estrangeiros desde<br />

pelo menos começos do Séc. XIX (embora a ela já se refiram autores antigos, como Ambrósio Fernandes<br />

Brandão e Barleus entre outros), mas cujo estudo científico só tomaria impulso na segunda metade do<br />

nosso próprio Séc. XX, depois que em 1950 Paulo Duarte fez vir ao Brasil a especialista francesa Annette<br />

Laming Emperaire. A partir principalmente da década de 1980, com o fim do regime militar, várias missões<br />

científicas francesas têm atuado no Brasil, chefiadas por pesquisadores como Anne Marie Pessis (1984,<br />

Piauí), Niède Guidon (1989, Piauí), Gabriela Martin (1989, Nordeste), Denis e Agueda Vilhena Vialou (1992,<br />

Mato Grosso) ou André Prous (1992, Minas Grais), os quais, após terem suplantado não poucas difiuldades,<br />

chegaram a significativos resultados quanto a um primeiro mapeamento das incisões e pinturas<br />

pré-históricas do país, com vistas ao futuro estabelecimento de um corpus da arte rupestre brasileira.<br />

Ressalte-se que a preocupação maior dos que têm estudado nossa arte rupestre volta-se muito mais para<br />

as pinturas que para os petroglifos. Como regra geral, somente uma cor era utilizada na elaboração de uma<br />

pintura rupestre, com o emprego de pigmentos minerais como o óxido de ferro para o vermelho (a cor mais<br />

difundida) ou vegetais urucum, genipapo, carvão -, por vezes misturados a resinas também vegetais. Por<br />

outro lado a coexistência, por vezes numa única pintura, de formas abstratas geométricas e de formas<br />

figurativas de seres humanos e de animais poderia corresponder, segundo certos estudiosos, à<br />

antiquíssima divisão entre o trabalho feminino e o masculino: as mulheres, às quais sempre tocou o fabrico<br />

de cestos, têxteis e cerâmicas -atividades nas quais a forma e sobretudo a decoração são obtidas pela<br />

utilização de padrões repetitivos -podem ter sido as autoras de todos esses pontos e círculos, losangos,<br />

cruzes e lancetas que ocorrem nas pinturas rupestres brasileiras; já os homns, essencialmente caçadores e<br />

por isso mesmo obrigados a conhecer com precisão a aparência e a natureza de cada animal, terão sido os<br />

responsáveis pelas formas orgânicas e pelas representações naturalistas. Com exceção do litoral, pode-se<br />

afirmar que todas as regiões do imenso território brasileiro conservam ainda hoje inúmeros exemplos de arte<br />

rupestre, a despeito das depredações ocorridas nas últimas décadas, motivadas o mais das vezes por<br />

motivos econômicos. Existem no entanto regiões que hoje se nos apresentam como possuidoras de acervos<br />

rupestres mais ricos do que outras, o que talvez apenas signifique que nelas as pesquisas começaram mais<br />

cedo, ou com maiores recursos. Assim, entre os sítios particularmente notáveis pela abundância de sua arte<br />

rupestre devem ser destacados São Raimundo Nonato e Sete Cidades, no Piauí; o Vale do Seridó, no Rio<br />

Grande do Norte; a Pedra do Ingá, próximo a Campina Grande, na Paraíba, e a Pedra Furada, no município<br />

pernambucano de Venturosa; numerosas cavernas distribuídas pelos municípios de Lençois, Morro do<br />

Chapeu e Montalvânia, na Bahia; Serranópolis e Caiapônia, em Goiás; Lagoa Santa e Januária, em Minas<br />

Gerais, e Canhemborá e Pedra Grande, no Rio Grande do Sul.<br />

Piauí. São Raimundo Nonato, com suas inúmeras tocas -do Paraguaio, do Boqueirão da Pedra Furada, do<br />

Baixão das Europas, da Chapada da Cruz etc.-foi o ponto de onde se irradiou o que os especialistas<br />

chamam de Tradição Nordeste, tematicamente caracterizada por abundantes cenas de caça a tatus, veados<br />

e onças, representadas com auxílio de pinceis vegetais ou com os dedos. Predomina o vermelho, ocorrendo<br />

em menor escala o amarelo, o preto, o branco e o cinza. As pinturas mais antigas -que são também as mais<br />

antigas já encontradas no Brasil -remontam a 17 mil anos, ancianidade essa comprovada pelo teste do<br />

Carbono 14. Na Toca do Baixão das Europas I descobriu-se curiosa representação, feita há uns 7 mil anos,<br />

de três figuras humanas cujas estaturas diversificadas sugerem uma canhestra perspectiva. Já nas pinturas<br />

rupestres achadas em Sete Cidades e de uma ancianidade estimada entre 6 mil e 4 mil anos, predominam<br />

os padrões geométricos, executados exclusivamente a tinta vermelha, se bem que ocorram raras figuras<br />

muito estilizadas e quase sem detalhamento anatômico de seres humanos e de animais.<br />

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Rio Grande do Norte. Ao longo do Vale do Seridó espraiou-se o chamado Estilo Seridó, cuja principal<br />

característica é a sugestão de movimento e a expressão que o artista pré-histórico procurou imprimir às<br />

difereenetes figuras. Pintadas em branco, amarelo, laranja ou vermelho, tais figurinhas de 15 cm e menos de<br />

altura raras vezes ocorrem isoladas, mas antes em grupos caçando, dançando, copulando, a dança sempre<br />

associada a árvores, ou a galhos e ramos. No sítio Xique-Xique I de Carnaúba dos Dantas, por exemplo,<br />

foram representadas com nitidez duas figuras que dançam em torno a um tronco de árvore.<br />

Paraíba. Em sítios como a Pedra do Ingá, vasto paredão de 24 metros de extensão por três de alto, coberto<br />

de petroglifos realçados a vermelho, amarelo, preto e branco, predominam as formas geométricas e padrões<br />

simples, como pontos, círculos, cruzes ou lancetas. São raras as formas animais, e mais raras ainda as<br />

humanas, umas e outras tratadas num estilo linear abstratizante.<br />

Pernambuco. Destacam-se entre os principais sítios rupestres o da Pedra das Figuras, com representações<br />

estilizadas de répteis e emas em vermelho, e o da Pedra Furada, onde ocorrem figuras humanas e de animais<br />

simplificadas quase até à abstração.<br />

Bahia. Animais, aves principalmente, sempre muito estilizados, constituem a temática predominante na arte<br />

rupestre baiana. Particularmente importantes são os acervos rupestres localizados em Lençois e<br />

Montalvânia.<br />

Goiás. Calcula-se que 500 gerações humanas tenham-se sucedido na região hoje ocupada pelo Estado de<br />

Goiás, na qual se destacam os sítios de Serranópolis e Caiapônia. As pinturas são em número avultado, por<br />

vezes ocupando suportes de 80 metros de largo. Em Serranópolis foram localizadas pinturas de seres<br />

humanos e de animais alternando-se a figuras geométricas de elipses, círculos, triângulos etc., por vezes<br />

executadas sobre pinturas muito mais antigas, de até 11 mil anos atrás. Dessa mesma ancianiadade podem<br />

ser as pinturas rupestres "de gênero" encontradas em Caiapônia, mostrando figuras humanas em cenas de<br />

dança, executando piruetas, acompanhadas de crianças etc., invariavelmente feitas a vermelho ou preto.<br />

Motivo muito comum na arte rupestre achada no sudoeste de Goiás é o de uma ave de asas distendidas,<br />

como se prestes a alçar vôo, em primitiva mas convincente sugestão de movimento.<br />

Minas Gerais. A partir de Lagoa Santa -estudada já na primeira metade do Séc. XIX pelo paleontologista<br />

dinamarquês Peter Wilhelm Lund (1801-1880) e onde recentemente foram identificados mais de 200 sítios<br />

com pinturas rupestres, algumas com 12 mil anos de idade -, descendo até ao Paraná, predomina a<br />

chamada Tradição Planalto, com representações de animais executados monocrômicamente e se<br />

alternando a raras figuras humanas e a ainda mais raros padrões geométricos. Ao contrário do que em geral<br />

ocorre na pintura rupestre, onde pinturas mais recentes encobrem as mais antigas a ponto de torná-las<br />

ilegíveis, aqui certas pinturas parecem ter sido deliberadamente preservadas, quando não reavivadas de<br />

tempos em tempos pelas gerações mais novas. Em Santana do Riacho, enorme paredão de 100 metros de<br />

comprido, recoberto de figuras sempre inter-relacionadas de peixes e veados, surge com inusual frequência<br />

estranho animal compósito com cabeça de veado e pernas pisciformes. A Tradição Planalto é<br />

predominantemente figurativa; já a Tradição São Francisco, que se desenvolveu ao longo do grande rio, é<br />

ao contrário dominada pela geometrização, com mínima incidência de formas animais. Na Lapa dos<br />

Desenhos, em Januária, descobriu-se raríssima representação de uma plantação com pés de milho,<br />

palmeiras e uns poucos animais.<br />

Rio Grande do Sul<br />

Mostrando ainda resquícios da monocromia original, quase sempre em preto mas também em verde, branco,<br />

castanho ou lilás, as incisões de Canhemborá -pegadas de aves e mamíferos, representações sumárias de<br />

órgãos sexuais etc. -ligam-se à Tradição Humaitá (c. 1000 a. C.); já as da Pedra Grande, em São Pedro do<br />

Sul, datando as mais antigas de até 800 a. C., foram produzidas sucessivamente por grupos humanos<br />

procedentes de Canhemborá, por indígenas da Tradição Umbu e, bem mais recentemente, por Tupiguarani.<br />

Santa Catarina<br />

A atividade humana na Ilha de Santa Catarina teve início por volta de 5000 anos atrás, com a chegada dos<br />

primeiros caçadores e coletores, grupos pré-ceramistas que construíram os Sambaquis. Depois dos<br />

caçadores e coletores, ocuparam também o território ilhéu os ceramistas Itararé, vindos do planalto e,<br />

finalmente, o Carijó, índio guarani que viria a ter o contato com o europeu colonizador. Os Sambaquis são<br />

montes cônicos de conchas que podem atingir até 30 metros de altura. A palavra tem origem guarani:<br />

Tambá -conchas e Qui -monte cônico. Os caçadores e coletores, primeiros grupos humanos a habitarem o<br />

litoral de Santa Catarina, consumiam os moluscos e amontoavam as cascas para morarem sobre elas, pois<br />

constituíam um local alto e seco. Ocupação após ocupação fez com que estes montes atingissem alturas<br />

fantásticas. O Estado de Santa Catarina possui os maiores sambaquis do mundo, espalhados por seu litoral,<br />

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de norte a sul. Nos extratos arqueológicos de um sambaqui encontramos vários vestígios da ocupação<br />

humana, como sepultamentos, instrumentos líticos, fogueiras, restos de cozinha (como ossos de peixes,<br />

aves e mamíferos consumidos) e diversos tipos de adornos, como colares e enfeites labiais. Mesmo sendo<br />

os grupos pré-cerâmicos de caçadores e coletores os construtores dos sambaquis, muitos foram<br />

reocupados pelas culturas ceramistas Itararé e guarani. A partir daí, para estudar a região, contamos com<br />

dois hemisférios de análise arqueológica: a fase pré-cerâmica e a fase cerâmica. Era comum a escolha de<br />

dois ambientes sub aquáticos por estas populações para o estabelecimento de um assentamento: o mar e a<br />

água doce.<br />

No passado, havia a exploração dessas jazidas arqueológicas para a fabricação de cal. Esta atividade de<br />

exploração calcária destruiu grande parte dos sambaquis, não só em Santa Catarina, mas em diversas<br />

partes do Brasil. As oficinas líticas, também chamadas de estações líticas ou brunidores, são vestígios<br />

deixados pelos indivíduos pré-históricos que se utilizavam o diabásio (rocha basáltica) e mais raramente do<br />

granito para afiarem e polirem seus instrumentos de pedra. Os polidores: depressões circulares em forma<br />

de pratos, decorrente do polimento de instrumentos. Depois de adquirido o formato, acredita-se que<br />

poderiam ser utilizadas como moenda de grãos e outros. Os afiadores: marcas em forma de frisos deixadas<br />

pelo homem pré-histórico que se utilizavam das pedras também para dar fio aos seus machados e lâminas<br />

EGITO<br />

A arte no antigo Egito divide-se em quatro grandes períodos:<br />

I — I à X dinastia – Antigo Império (pirâmides)<br />

II — XI à XVII dinastia – Médio Império<br />

III — XVIII à XXVI dinastia – Novo Império – ápice da arte egípcia<br />

IV — XXVI á XXXI dinastia – Império Tardio<br />

A cultura egípcia desenvolveu-se no decorrer do IV milênio a. C. a partir de concepções e formas pré-históricas, e<br />

no início do III milênio havia atingido seu apogeu. A escrita (c. IV milênio) remonta sua origem na Mesopotâmia<br />

(Iraque) contribui para que a pré-história se tornasse história. A sociedade egípcia estava associada a um<br />

sistema politeísta que unia e ordenava todos os fenômenos cósmicos e terrenos. A relação entre os deuses e os<br />

homens era assegurada pela figura do faraó, que era ao mesmo tempo deus e homem. Cabia a ele, a sua família<br />

e a seu círculo mais íntimo de conselheiros e funcionários receber a vida eterna abrigados em preciosos túmulos;<br />

dessa forma o culto aos deuses, aos soberanos e aos mortos tornaram-se idênticos. O que sabemos do Egito e o<br />

que se conservou de sua cultura baseia-se, exceto por testemunhos escritos, quase exclusivamente nos templos<br />

e no conteúdo dos túmulos. Também sobre a vida do povo temos informações somente de oferendas colocadas<br />

junto aos mortos nos túmulos e representações em relevos e pinturas de túmulos nobres. Ao longo da bacia do<br />

Nilo surgiu em épocas remotas a civilização egípcia. Durante três milênios desenvolveram um aparato cultural e<br />

tecnológico cujas transformações repercutiram no decorrer da história da humanidade. Essencialmente religiosa<br />

toda sua arte e manifestações culturais estavam subordinadas ás suas crenças religiosas, baseadas no milagre<br />

renovado da fertilidade do rio Nilo e na possibilidade da existência de outras vidas além da morte. O legado<br />

egípcio é essencialmente voltado aos mortos, a posteridade a vida pós-morte. Desta maneira a concepção<br />

político-religiosa influiu no caráter expressivo de uma cultura em que as idéias de permanência e imutabilidade<br />

são princípios que a regem. A concentração em construções de templos e túmulos, únicas edificações em<br />

material não perecível, não permite reconhecer exatamente o aspecto das moradias dos faraós e de sua corte.<br />

Devem ter sido construídas com outros materiais que diferenciavam das construções do povo egípcio: o adobe e<br />

materiais vegetais.As pirâmides do deserto de Gizé são as obras arquitetônicas mais famosas e, foram<br />

construídas por importantes reis do Antigo Império: Quéops, Quéfren e Miquerinos. Junto a essas três pirâmides<br />

está a esfinge mais conhecida do Egito, que representa o faraó Quéfren, mas a ação erosiva do vento e das<br />

areias do deserto deram-lhe, ao longo dos séculos, um aspecto enigmático e misterioso.<br />

As características gerais da arquitetura egípcia são:<br />

solidez e durabilidade; sentimento de eternidade; aspecto misterioso e impenetrável. As pirâmides possuem<br />

base quadrangular eram feitas com pedras que pesavam cerca de vinte toneladas e mediam dez metros de<br />

largura, além de serem admiravelmente lapidadas. A entrada principal da pirâmide voltava-se para a estrela<br />

polar, a fim de que seu influxo se concentrasse sobre a múmia. O interior era um verdadeiro labirinto que ia<br />

dar na câmara funerária, local onde estava a múmia do faraó e seus pertences. Os templos mais<br />

significativos são: KarnaK e Luxor,<br />

ambos dedicados ao deus Amon. Os monumentos mais expressivos da arte egípcia são os túmulos e os<br />

templos. Divididos em três categorias: Pirâmide túmulo real, destinado ao faraó Mastaba -túmulo para a<br />

nobreza Hipogeu -túmulo destinado à gente do povo Os templos da pirâmide de Quefren em Gizé de c. 2600<br />

a .C. da IV Dinastia do Antigo Império (Antigo Império: 2778-2200 a .C.) estão bem conservados que seu<br />

princípio de ordem se torna claro. De leste para oeste seguem-se o vestíbulo, um primeiro salão de colunas<br />

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mais largo e um segundo estendido para baixo, em exata disposição áxil-simétrica. O templo do Vale, menor,<br />

encontra-se em um deslocamento do eixo, o que é normalmente evitado, e está ligado através de uma<br />

barreira murada de 450 m ao templo funerário maior diante da pirâmide coma mesma estrutura. A pirâmide<br />

de Quefren, situada entre a pirâmide de Miquerinos, menor e de construção posterior, e a pirâmide de<br />

Quéops, um pouco mais antiga e maior, possui uma altura de 143 m por um comprimento do lado de 215 m.<br />

É a única em cujo ápice ainda conservados restos do revestimento original de lajes polidas. Esfinge: Esta<br />

imensa estátua representando um leão deitado (força) com cabeça humana (sabedoria) era colocada na<br />

alameda de entrada do templo para afastar os maus espíritos. Esculpida na rocha ao pé das grandes<br />

pirâmides de Gizé, guarda a tumba do filho e sucessor de Queóps, o faraó Quéfren (c. 2520-2494 aC.) As<br />

pirâmides mais antigas, que datam da III dinastia, constituem em vários “degraus”. A câmara funerária ficava<br />

situada abaixo do nível do solo e o seu acesso era feito pelo norte, por um poço descendente. A pirâmide é<br />

rodeada, nas suas faces leste, norte e oeste, por galerias subterrâneas (armazéns) . A primeira de degraus,<br />

e provavelmente a única que foi terminada, fica em Saqqara e pertenceu a Netjerykhet Djoser. O Egito é um<br />

dos mais antigos núcleos de arquitetura onde predominam as linhas horizontais e os telhados sempre<br />

terminam em terraços. As tumbas reais, as dos altos funcionários e os templos solares ou divinos são<br />

ornados com seqüências de colunas com inspiração em troncos de palmeiras e feixes de papiro e junco, que<br />

junto com flores de lótus deram a forma a capitéis. O arquiteto Imhotep é o criador desse formato de colunas<br />

e capitéis com inspiração nos elementos da natureza.<br />

VALE DOS REIS<br />

Os faraós do Novo Império escolheram um vale na margem ocidental de Tebas para lugar do seu último<br />

repouso. Oficialmente, era conhecido como Ta Sejet Âat, "a Grande Pradaria", mas Chapollion, no século<br />

XIX, deu-lhe pela primeira vez o nome de Vale dos Reis. A escolha deste local não foi uma questão do acaso,<br />

mas sim para seguir o costume religioso de situar no horizonte ocidental o reino dos mortos. Este caráter<br />

funerário foi reforçado pela presença de uma montanha em forma de pirâmide, el-Qurn, que presidia o Vale<br />

dos Reis é um Wadi (leito seco de um rio), escavado entre as montanhas tebanas. O seu curso bifurca-se<br />

em dois ramais: o ocidental, o Vale dos Macacos, onde se encontraram quatro sepulturas, entre elas as de<br />

Ay e de Amenófis III, e o principal, que forma o Vaole dos Reis, onde foram escavadas mais 58 sepulturas.<br />

Este afastado vale proporcionava aos reis um repouso sossegado, garantido por meio da vigilância de um<br />

corpo especial da polícia, o medyai, e da proteção da deusa-cobra Meretseger. Esta divindade, também<br />

chamada "a que ama o silêncio", encarregava-se de zelar pela segurança das necrópoles tebanas. O<br />

primeiro faraó a utilizar este vale para construir o seu túmulo foi Amenófis I (1527-1506 a.C.). O conceito de<br />

complexo funerário existente até essa época mudou com ele: o túmulo foi separado do templo, este passou<br />

a ser construído próximo à margem do rio ou em outro vale. A estrutura dos túmulos mudou ao longo dos<br />

séculos. As plantas seguiam dois modelos: o da XVIII dinastia, em forma de ângulo reto, e o da XX dinastia,<br />

de tipo retilíneo. Em ambos os casos, o sarcófago era depositado na sala mais profunda, e as paredes<br />

cobertas de abundante decoração. Quando os europeus redescobriram o vale no século XVIII, começou a<br />

tarefa de desenterrar os segredos que faraós haviam levado para os túmulos. Esta investigação culminou<br />

em 1922, com a abertura, por Howard Carter, do único túmulo intacto do Vale: o hipogeu de Tutancâmon.<br />

Pintura<br />

Os enormes templos e extraordinários monumentos funerários do antigo Egito com profusão de hieróglifos<br />

são fonte de perplexidade para a concepção moderna, que não compreende facilmente sua utilidade ou<br />

significado. Entretanto esses monumentos conservam sua grandiosidade e deixam de ser tão perturbadores<br />

quando nós os entendemos como expressão dos conceitos que os egípcios tinham de seu universo e das<br />

soluções. Diversas imagens e relatos sagrados de todo o tipo, se somados em conjunto podem ajudar a<br />

compreender diversos fenômenos. O céu impenetrável é um oceano, um teto, uma vaca, um corpo de<br />

mulher. Toda imagem enraizada na tradição é pertinente, apesar de aspectos contraditórios, e ajuda-nos a<br />

compreender e estabelecer como divino. Pintura aristocrática ou ÁulicaA decoração colorida era um<br />

poderoso elemento de complementação das atitudes religiosas: Suas características gerais são: a)<br />

ausência de três dimensões; b) ignorância da profundidade; c) colorido a tinta lisa, sem claro-escuro e sem<br />

indicação do relevo. Lei da frontalidade: representação da cabeça, pernas e braços de perfil, olho e coração<br />

frontais. Arte Funerária. Arte zoomórfica Quanto à hierarquia na pintura: eram representadas maiores as<br />

pessoas com maior importância no reino, ou seja, nesta ordem de grandeza: o rei, a mulher do rei, o<br />

sacerdote, os soldados e o povo. As figuras femininas eram pintadas em ocre, enquanto que as masculinas<br />

pintadas de vermelho.<br />

Desenvolveram três formas de escrita: Hieróglifos — considerados a escrita sagrada; Hierática — uma<br />

escrita mais simples, utilizada pela nobreza e pelos sacerdotes; Demótica — a escrita popular.<br />

Escultura<br />

Os escultores egípcios representavam os faraós e os deuses em posição serena, quase sempre de frente, sem<br />

demonstrar nenhuma emoção. Pretendiam com isso traduzir, na pedra, uma ilusão de imortalidade. Com esse<br />

objetivo ainda, exageravam freqüentemente as proporções do corpo humano, dando às figuras representadas<br />

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uma impressão de força e de majestade. Os Usciabtis eram figuras funerárias em miniatura, geralmente<br />

esmaltadas de azul e verdes, destinadas a substituir o faraó morto nos trabalhos mais ingratos no além, muitas<br />

vezes coberto de inscrições. Os baixos-relevos egípcios, que eram quase sempre pintados, foram também<br />

expressão da qualidade superior atingida pelos artistas em seu trabalho. Recobriam colunas e paredes, dando<br />

um encanto todo especial às construções. Os próprios hieróglifos eram transcritos, muitas vezes, em<br />

baixo-relevo. A mumificação é um método de preservar artificialmente os corpos das pessoas e animais mortos.<br />

A civilização do Antigo Egito não é a única no mundo a ter praticado este costume.<br />

O processo consiste das seguintes etapas: -Extração do cérebro -Remoção das vísceras através de incisão no<br />

flanco esquerdo; -Esterilização das cavidades do corpo e das vísceras; -Tratamento das vísceras: remoção do<br />

seu conteúdo, desidratação com natrão, secagem, unção e aplicação de resina derretida; - Enchimento do corpo<br />

com natrão e resinas perfumadas; - Cobertura do corpo com natrão, durante cerca de 40 dias; -Enchimento<br />

subcutâneo dos membros com areia ou argila; -Enchimento das cavidades do corpo com panos ensopados em<br />

resina e sacos com materiais perfumados, como mirra e canela, serradura, etc; -Unção do corpo com ungüentos;<br />

-Tratamentos das superfícies; - Enfaixamento e inclusão de amuletos, jóias, etc.<br />

GRÉCIA – DO SÉC. VII AO SÉC II a.C.<br />

GRÉCIA – PERIODIZAÇÃO<br />

Pré-Homérico XX-XII a.C.— Invasão dos indo-europeus e formação do homem grego<br />

Homérico XII-VIII a.C. — Época das comunidades gentílicas.<br />

Arcaico VIII-VI a.C. — Formação das polis (cidades-estados)<br />

Clássico V-IV a.C. — Guerras contra os persas; apogeu da Grécia; guerra entre os gregos<br />

Helenístico IV-II a.C. — Domínio macedônio sobre a Grécia e expansão de Alexandre para o Oriente.<br />

Cronologia da Grécia Antiga Pré-Homérico (2000a. C. — 1200a. C.)<br />

2000 a.C. — apogeu da civilização micênica (ou cretense)<br />

1900 a.C. — início da invasão dos aqueus<br />

1250 a.C. — aqueus derrotam Tróia<br />

1200 a.C. — Invasão dos Dórios destruindo a civilização micênica<br />

Homérico (1200 a.C. — 800 a.C.)1150 a.C. - uso de armas e instrumentos de ferro<br />

Arcaico (800 a.C. — 600 a.C.)750 a.C. - colônias gregas na Itália 600 a.C.<br />

uso da moeda se espalha pela Grécia<br />

Clássico (600 a.C. — 400 a.C.) 490a.C. - os persas do rei Dario são derrotados pelos gregos (guerras<br />

Médicas) 480 a.C.- os persas do rei Xerxes são derrotados pelos gregos (guerras Médicas) 462 a.C.<br />

-Reformas de Péricles em Atenas 431a.C.<br />

Início da guerra do Peloponeso (Atenas & Esparta) 404 a.C. - Esparta derrota Atenas<br />

Helenístico (400 a.C. — 146 a.C.) 371a.C. - Tebas derrota Esparta 338a.C.- Felipe da Macedônia torna-se<br />

o rei de toda Grécia 334 a.C.- Alexandre Magno comandando os gregos, inicia suas conquistas 323a.C. -<br />

Morte de Alexandre 146 a.C. — Grécia é dominada por Roma<br />

ASPECTOS CULTURAIS<br />

Religião: a religião dos antigos gregos era politeísta.Entre os vários deuses o mais importante era Zeus,<br />

símbolo da justiça, da razão e da autoridade. Habitava o monte Olimpo, juntamente com os outros<br />

deuses.Os deuses gregos foram criados a imagem e semelhança dos homens, além de se casarem entre si,<br />

os deuses gregos casavam-se também com seres mortais. Os filhos desses casamentos eram chamados<br />

de herói e considerados semideuses. Sobre seus deuses e heróis, os gregos contavam muitas lendas que<br />

deram origem à rica mitologia grega.<br />

Filosofia: em grego quer dizer amor à sabedoria. O clima de liberdade e debates existentes nas cidades<br />

gregas que adotavam o regime democrático favoreceu o aparecimento de grandes filósofos, entre eles<br />

Sócrates, Platão e Aristóteles. Sócrates, que era um educador, preocupou-se mais em conhecer o indivíduo<br />

que os fenômenos naturais. Platão, assim como seu mestre Sócrates preocupou-se com a formação moral<br />

do indivíduo. Aristóteles, o principal discípulo de Platão, é considerado o filosofo grego que mais influenciou<br />

a civilização ocidental, um dos motivos era o de que ele dedicava-se aos mais diferentes tipos de<br />

conhecimento.<br />

Matemática: os dois mais importantes matemáticos gregos foram Tales de Mileto e Pitágoras. Tales<br />

formulou, por exemplo, o teorema segundo o qual se duas linhas se cruzam, os ângulos opostos pelo vértice<br />

são iguais. Já Pitágoras construiu um teorema dos números, classificando-os em pares, impares, primos<br />

etc., e descobriu o teorema que, em sua homenagem foi chamado de teorema de Pitágoras.<br />

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Arquitetura: os gregos construíam templos harmoniosos sustentados por graciosas colunas. Observando<br />

essas colunas, conclui-se que os arquitetos gregos criaram três principais estilos de construção: o dórico, o<br />

jônico e o coríntio.<br />

Escultura: usando principalmente o mármore e o bronze, os escultores gregos produziram estátuas<br />

expressivas, singelas e ao mesmo tempo vigoras. Entre os mais geniais escultores gregos estão: Fídias,<br />

cujas principais obras foram às estátuas de Atena e de Zeus; Míron autor de Discóbolo; e Praxíteles, que se<br />

notabilizou representando divindades humanizadas.<br />

Teatro: os gregos produziam texto e espetáculos teatrais de excelente qualidade e foram os inventores da<br />

tragédia e da comédia. Esses gêneros teatrais nasceram nas grandes festas onde se misturavam danças,<br />

musicas e coros, em homenagem a Dionísio, o deus do vinho. Entre os dramaturgos gregos que produziam<br />

obras imortais, encontram-se Ésquilo, Sófoles, Eurípides e Aristófanes.<br />

História: a história também nasceu na Grécia Antiga. Um de seus historiadores mais famosos foi Heródoto,<br />

autor de Histórias, obra na qual narra as guerras Médicas, mas ele narrou essa história claramente a favor<br />

dos gregos.Coube ao ateniense Tucídides fundar a história como ciência, apresentando os fatos históricos<br />

de modo objetivo e preciso.<br />

Medicina: conhecido como o pai da medicina, o grego Hipócrates lançou bases à clínica médica. Sua maior<br />

contribuição foi afirmar que as doenças possuíam causas naturais e, portanto, não podem ser explicados<br />

pela força do destino ou pela vontade dos deuses. Ainda hoje, médicos recém-formados continuam<br />

prestando o juramento de Hipócrates, através do qual se comprometem a dar o máximo de si para defender<br />

a saúde dos enfermos.<br />

Jogos olímpicos: centenas de jovens gregos se reunião em Olímpia para disputar os jogos em honra aos<br />

deuses. A competição que reúne os melhores atletas da Grécia pretende estimular o maior aprimoramento<br />

técnico e intelectual dos jovens gregos. As olimpíadas eram realizadas de quatro em quatro anos no estádio<br />

de Olímpia.<br />

Cultura helenística: caracterizou-se por apresentar uma arte mais realista, exprimindo a violência e a dor,<br />

componentes constantes dos novos tempos. Na agricultura predominavam o luxo e grandiosidade, reflexo<br />

da imponência do Império Macedônia. Na escultura, turbulência e agitação eram traços significativos.<br />

Período Arcaico (800a.C. — 600a.C.) Esparta – GUERRA<br />

(Oligárquica–conservadora–militarista)<br />

Fundada pelos dórios, na Península do Peloponeso, cercada por montanhas de pequena altitude. A<br />

organização sociopolítica estava baseada na posse da terra, porém em Esparta a terra era propriedade do<br />

ESTADO, mas utilizada pelos esparciatas ou espartanos. Sendo os detentores da terra, eram também os<br />

detentores do poder. Os espartanos ou esparciatas dedicavam-se tão somente à vida militar e à política,<br />

eram soldados profissionais, sempre prontos a defender Esparta. Não podiam exercer atividades comercias,<br />

artesanais ou agrícolas. Sendo uma sociedade militarista, sua organização educacional, sob a<br />

responsabilidade do Estado, voltava-se para a preparação desde a infância, dos guerreiros espartanos. Os<br />

jovens eram treinados nas artes da guerra, estimulavam o laconismo e a xenofobia. Os periecos (os da<br />

periferia), camada intermediária da sociedade, viviam à margem do poder, sem qualquer direito político e<br />

realizavam as atividades que os aristocratas consideravam desprezíveis, entretanto, eram obrigados a<br />

servir o exército e a pagar os impostos. Os hilotas, maioria da população, formavam a base da sociedade<br />

espartana. Eram descendentes das populações dominadas e constituíam-se em propriedade do Estado. Por<br />

essa razão, alguns autores denominam o modelo espartano de "escravismo-público". Cultivavam a terra dos<br />

espartanos, pagavam os impostos em produtos e não possuíam qualquer direito político, sendo um foco<br />

constante de revoltas. Contrariamente aos escravos de outros Estados, os hilotas muitas vezes iam à guerra,<br />

como escolta, carregadores, criados. Kriptéia – matança indiscriminada de hilotas, periodicamente<br />

autorizada pelo Estado, como forma de conter possíveis revoltas. Os jovens espartanos em treinamento<br />

militar é quem praticavam a kriptéia. A mulher em Esparta recebia uma educação similar a do homem, tanto<br />

na parte física quanto na formação cívica, gozava de liberdade, possuía riqueza e podia praticar comércio,<br />

atividade vedada ao homem, entretanto não exercia qualquer direito político.<br />

Período Arcaico (800a.C. — 600a.C.) ATENAS – ARTE<br />

(Humanista–democrática–libertadora)<br />

Cidade fundada pelos jônios, na região da Ática, próxima ao litoral e cercada por montanhas, Atenas não<br />

sofreu com a invasão dos dórios e manteve sua prosperidade. Após a desagregação das comunidades<br />

clânicas, a população dividiu-se em três camadas: os eupátridas (donos das melhores e maiores terras),<br />

portanto os detentores do poder; os geomoros (pequenos proprietários rurais) e os demiurgos (camada<br />

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formada por artesãos e comerciantes). Democracia — ao assumir o poder em 509 a.C., Clístenes implanta<br />

em Atenas o regime democrático. Ao assumir o governo, redividiu Atenas em 10 tribos, composta por<br />

cidadãos independentes de sua posição social: aristocratas, camponeses, artesãos, comerciantes,<br />

marinheiros, etc., reduzindo assim a influência dos eupátridas. De cada tribo eram escolhidos 50 homens<br />

para formar a Bulé que passou a ser o Conselho dos 500. Criou a Eclésia – Assembléia Popular, órgão<br />

supremo da política em Atenas, formada por todos o cidadão maior de 18 anos. Para evitar a usurpação do<br />

poder por parte dos tiranos, Clístenes estabeleceu o ostracismo – que consistia no exílio por um período de<br />

10 anos, de todos aqueles que colocassem em perigo a democracia ateniense.<br />

Estátuas e Esculturas<br />

Os Kouros eram definidos pela existência de ombros largos e fortes, dado serem representações de jovens<br />

atletas ou heróis; os peitorais eram bem marcados; a cintura mostrava-se muito delgada; as ancas<br />

apresentavam-se estreitas; o ventre era liso; tinha os punhos cerrados; os braços encontravam-se colados<br />

ao corpo; existia uma grande preocupação no realce dos músculos e articulações; as pernas eram, portanto,<br />

muito fortes, verificando-se um adiantamento da perna esquerda em relação à direita; os olhos eram<br />

salientes e oblíquos, com a forma de amêndoa; notava-se um sorriso doce e o cabelo e a barba eram locais<br />

privilegiados de decoração e pormenor. As Korés tinham também características próprias: apresentavam<br />

vestes luminosas, vivas, cintilantes e repletas de encantos; os cabelos normalmente encontravam-se soltos<br />

ou entrançados; vestiam: túnicas com pregas que lhes caíam até ao nível dos tornozelos e xales de lã<br />

pesada e colorida, presos com alfinetes, o que lhes conferia uma gentileza e graciosidade.<br />

Cerâmica<br />

De todas as formas de Arte, a cerâmica pintada foi a que mais resistiu à ação do tempo. Restam-nos<br />

numerosos exemplos de todos os estilos e períodos artísticos.Inicialmente, somente os vasos utilizados<br />

como oferendas fúnebres eram pintados. Com o tempo os vasos de utilidade diária passaram a ser também<br />

cuidadosamente decorados em quase toda a superfície com motivos geométricos, figuras de animais, cenas<br />

mitológicas e do dia-a-dia.A forma e o tipo de vaso teve grande variação ao longo da História Grega, e de<br />

modo geral pode-se dizer que o uso ditava a forma. Os tipos mais importantes de vaso no apogeu da<br />

cerâmica grega (épocas arcaica e clássica) estão esquematizados na figura ao lado.A ânfora e a hídria eram<br />

recipientes de armazenagem (vinho, azeite, cereais); a cratera,a enócoa, o cálice e o skýphos eram<br />

utilizados em refeições festivas; o lécito,o alabastro e o aríbalo guardavam azeite ou perfume para higiene<br />

pessoal; o lutróforo era usado somente em certos rituais das cerimônias de casamento. A confecção dos<br />

vasos seguia em geral o seguinte procedimento: primeiro, a argila era preparada e o pote moldado, em<br />

partes separadas, em uma roda simples de oleiro, posta a girar pelo próprio ceramista ou um ajudante.<br />

Depois de secar algum tempo ao ar livre e serem novamente levadas à roda, para dar a forma final, as peças<br />

eram unidas com argila líquida, as alças eram colocadas e as superfícies alisadas. Depois disso vinha a<br />

pintura, efetuada com diversas técnicas e, finalmente,<br />

o vaso era levado ao fogo. O apogeu da pintura dos vasos pode ser situado no século -VI e nas primeiras<br />

décadas do século V, época dos vasos de ' figuras negras ' de ' figuras vermelhas' dos quais os museus<br />

contém numerosos exemplos. Diversos artistas puderam ser identificados; outros são conhecidos apenas<br />

por apelidos mais ou menos sugestivos, em geral começando com a expressão "Pintor de" e mais o nome da<br />

cidade, do ceramista, de um vaso ou de uma cena famosa.Eis uma pequena lista dos mais importantes:<br />

Pintor de Amásis (séc. -VI); Exéquias (c.550/-530); Epicteto (c. -520/-500); Eufrônio (c. -515/-480); Onésimo<br />

(c. -505/-485); Pintores de Berlim, de Brigos e de Cleofrades (c. -500/-480); Douris (c. -500/-470); Pintor de<br />

Pã (c. -480/-450); Pintor dos Nióbidas (c. -465/-450); Pintor de Pentesiléia (c. -465/-445); Pintor de Erétria (c.<br />

-430/420); e o Pintor de Midias (c. -420/-400).<br />

Vasos De Figuras Negras A técnica "de figuras negras", inventada em Corinto por volta de -700, atingiu o<br />

auge mais de um século depois nas mãos dos ceramistas e pintores de Atenas. Algumas obras notáveis, no<br />

entanto, também foram produzidas em outras regiões.<br />

Vasos De Figuras Vermelhas A técnica "de figuras vermelhas", inventada em Atenas por volta de -530, em<br />

poucas décadas suplantou os vasos de figuras negras. Aqui foram reunidos alguns exemplos dos mais<br />

importantes pintores dos primeiros 50 anos da técnica.<br />

Período Clássico (600 a.C. — 400 a.C.)<br />

Com as reformas de Clístenes e a implantação do regime democrático, Atenas passou viver seu apogeu a ter a<br />

hegemonia do mundo grego a partir do governo de Péricles (461 a 431 a.C.). Este período passou a ser conhecido<br />

como o "Século de Ouro" ou "Século de Péricles". O governo de Péricles marcou o avanço da democracia<br />

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ateniense com a ampliação das possibilidades de participação política das camadas populares, apesar dessa<br />

participação estar restrita aos homens que tivessem pais atenienses. Eram excluídos os escravos, os metecos e as<br />

mulheres.Enquanto Atenas fortalecia suas estruturas democráticas, os persas, já dominavam grandes extensões<br />

no Oriente e começavam a avançar sobre o mundo grego. O imperialismo persa chocava-se com o imperialismo<br />

ateniense na Ásia Menor e representava uma ameaça aos gregos em geral. A invasão dos persas em Mileto, deu<br />

início aos conflitos militares. Momento início na história da Grécia Antiga, a união das cidades-estados em uma<br />

confederação não sobreviveu ao final do conflito. O imperialismo ateniense ficou evidente principalmente quando<br />

Péricles se apoderou dos recursos da Liga de Delos para fortalecer Atenas. A hegemonia ateniense estimulou as<br />

rivalidades internas fazendo com que Esparta organizasse a Liga do Peloponeso. Toda a arquitetura clássica<br />

(produzida entre os anos 500 e 300 a.C.) caracteriza-se por um senso absoluto de organicidade e equilíbrio,<br />

subordinando-se suas proporções à ordem matemática. Nessa época, que se estende do término do templo dos<br />

Alcmeônidas, em Delfos, ao início do "século de Péricles", quando se empreendeu o embelezamento da acrópole<br />

de Atenas, os esforços dos arquitetos concentraram-se particularmente no aperfeiçoamento da ordem dórica. As<br />

cidades e ilhas jônicas caíram em poder dos persas, o que talvez explique a raridade dos templos jônicos na época.<br />

Em contraposição, os arquitetos esforçaram-se para harmonizar as relações entre os diversos elementos<br />

arquitetônicos e determinar módulos para a ordem dórica.<br />

A primeira grande construção dórica do período foi o templo de Zeus, em Olímpia, erguido segundo risco de Libão<br />

em 456 a.C. Quando Atenas foi reconstruída, no governo de Péricles, concentraram-se na colina da Acrópole<br />

vários templos dóricos, dos quais o mais importante --que, na verdade, marcou o apogeu do estilo clássico — é o<br />

Partenon, construído por Ictino e Calícrates e decorado com esculturas concebidas por Fídias. A partir de então,<br />

essa obra, com oito colunas de frente e 17 de cada lado, influenciou toda a arte e toda a arquitetura da Grécia,<br />

fornecendo-lhe um padrão em que se une a concepção ideal da forma e das proporções humanas e um enfoque<br />

emocional sereno e despojado. Os templos jônicos do período clássico se perderam em amplitude quando<br />

comparados aos da época arcaica, superaram-nos em graça e pureza. As ordens dórica e jônica lançavam mão de<br />

motivos abstratos ou semi-abstratos para simbolizar a vida orgânica. Os arquitetos do período clássico tardio, ao<br />

contrário, preferiram traduzi-la mais literalmente e para tal fizeram uso de ornamentos inspirados no acanto e outras<br />

plantas. Surgiu assim a última ordem da arquitetura grega, a coríntia, anunciada no templo de Apolo, em Bassas, e<br />

que se fez popular a partir de 334 a.C. Em seguida, o estilo coríntio combinou-se ao dórico em muitos edifícios:<br />

aquele reservado para o interior, este para a fachada (templos de Atena, em Tégea, por Escopas). O fim do período<br />

clássico presenciou uma revitalização do estilo jônico, por influência do arquiteto Píteas (túmulo de Mausolo, em<br />

Halicarnasso), que abandonou a busca do refinamento em troca da monumentalidade.<br />

Estátuas e Esculturas<br />

O período clássico representa o apogeu da escultura grega em todas as suas manifestações; as estátuas<br />

livres, especialmente, estão entre as obras mais notáveis que chegaram até nós. Os mais importantes<br />

escultores do período foram Policleto, Míron, Fídias, Lisipo, Praxíteles e Scopas. Fídias (498 aC.-432 aC.)<br />

Nascido em Atenas, estudou nesta cidade e em Argos. Considerado o maior escultor grego, ganhou fama<br />

não pelo seu trabalho em mármore, mas pelas criselefantinas, que são estátuas em marfim, com roupas em<br />

ouro. As três mais famosas são obras com cerca de 12 metros de altura: Atena de Lemnos, Atena do<br />

Paternão e o Zeus de Olimpo, considerado uma das sete maravilhas do mundo. Só fazia estátuas de deuses,<br />

imprimindo-lhes nobreza, austeridade e dignidade. Seu estilo deixou marcas permanentes na arte grega. Os<br />

principais mestres da escultura clássica grega são:<br />

- Praxíteles, celebrado pela graça das suas esculturas, pela lânguida pose em “S” (Hermes com Dionísio<br />

menino), foi o primeiro artista que esculpiu o nu feminino;<br />

- Policleto, autor de Doríforo -condutor da lança, criou padrões de beleza e equilíbrio através do tamanho<br />

das estátuas que deveriam ter sete vezes e meia o tamanho da cabeça.<br />

- Fídias, talvez o mais famoso de todos, autor de Zeus Olímpico, sua obra-prima, e Atenéia.<br />

Realizou toda a decoração em baixos-relevos do templo Partenon: as esculturas dos frontões, métopas e frisos<br />

- Lisipo, representava os homens “tal como se vêem” e “não como são” (verdadeiros retratos). Foi Lisipo<br />

que introduziu a proporção ideal do corpo humano com a medida de oito vezes a cabeças<br />

- Miron, autor do Discóbolo -homem arremessando o disco.<br />

- Praxíteles. Foi o maior escultor grego do século IV a.C. Trabalhou com mármore e distinguiu-se na arte de<br />

reproduzir fielmente a figura humana. Suas estátuas mostram jovens deuses cheios de graça, com alegria<br />

de viver e corpos descontraídos. As figuras apresentam o quadril flexionado em uma pose conhecida como<br />

"a curva do S de Praxíteles" e seus rostos têm uma expressão sonhadora. Várias de suas obras originais<br />

foram preservadas. Sua habilidade principal era o perfeito acabamento que dava a cada trabalho; parecia<br />

realmente carne, cabelo e verdadeiros panos. Sua obra mais famosa é a estátua de Hermes, com Dionísio<br />

no colo, que se encontra em Olímpia.<br />

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ARQUITETURA GREGA: UMA INTRODUÇÃO<br />

A Antiguidade Clássica Grega, relativamente ao campo da arte, identifica-se em três épocas ou fases: a fase<br />

arcaica (pré-arcaico e arcaico), onde sobressai o esforço pelo inteligível; a fase clássica (clássico severo e<br />

clássico de ouro), na qual existe o sentido de superação da matéria, e, finalmente a fase helenística,<br />

caracterizada pelo poder de observação, do gosto pelo concreto, pelo individual e pelo singular. Na<br />

civilização clássica grega, podemos considerar dois aspectos relevantes que a constituem: a arquitetura e a<br />

escultura, os quais se apresentam como os dois elementos que mais se evidenciaram na constituição deste<br />

povo, e que o permitiram obter uma glória eterna. A Arquitetura grega mostra-se como um dos aspectos<br />

mais importantes da civilização grega, dado os seus colossais monumentos arquitetônicos provocarem<br />

grande admiração perante os olhos daqueles que os observam e mostrarem o grande controlo que os<br />

gregos exerciam sobre si mesmos, revelados nas suas obras através da perfeição, do equilíbrio e da<br />

harmonia. No período clássico a arquitetura inclina-se para a comunidade e revela-se uma verdadeira<br />

ciência na construção de templos e outros monumentos arquitetônicos. Realiza-se a construção da obra<br />

mais conhecida do tempo da Antiguidade Clássica, o Parténon e, também, da Acrópole de Atenas, outra das<br />

obras consagradas como os colossos da arte grega.Finalmente, no período helenístico identifica-se uma<br />

passagem da ordem dórica para a coríntia e os monumentos colossais revelam-se como os grandes<br />

empreendimentos arquitetônicos. As edificações que despertaram maior interesse são os templos. A<br />

característica mais evidente dos templos gregos é a simetria entre o pórtico de entrada e o dos fundos. O<br />

templo era construído sobre uma base de três degraus. O degrau mais elevado chamava-se estilóbata e<br />

sobre ele eram erguidas as colunas. As colunas sustentavam um entablamento horizontal formado por três<br />

partes: a arquitrave, o friso e a cornija. As colunas e entablamento eram construídos segundo os modelos da<br />

ordem dórica, jônica e coríntia.<br />

As Ordens A Ordem Dórica<br />

A ordem dórica, revelada como a mais antiga das existentes na arte grega, apresenta: formas geométricas,<br />

regras rígidas, uma elegância formal e um equilíbrio de proporções.Relativamente às colunas que a<br />

constituem: mostram grandes diâmetros; são compostas por arestas vivas; não possuem qualquer tipo de<br />

base, assentando diretamente no estilóbato; têm um capitel de ordem muito simples, constituído por uma<br />

gola e um coxim; contém um friso dividido em métopas, normalmente esculpidas, e triglifos, Dado não<br />

conterem qualquer tipo de decoração, com excepção da encontrada nas métopas, à coluna da ordem dórica<br />

assemelha-se a definição de masculinidade, visto possuir uma imagem robusta e maciça. Como exemplo de<br />

monumentos característicos desta ordem temos: o templo de Poseidon.O templo, que media 31,39 m x<br />

76,82 m, era um octácilo, isto é, tinha oito colunas dóricas na frente, e 17 delas nas laterais. Na cela do<br />

santuário, repousava a imensa estátua criselefantina de Atena partenos, esculpida em mármore, ouro e<br />

marfim por Fídias. No frontão e nos lados, espalhavam-se estatuas e métopas em alto relevo, representando<br />

vários episódios onde o humano enfrentava o animal, onde a razão superava a superstição, e a civilização<br />

vencia a barbárie.. Harmonia, simplicidade e beleza, isso define o Pártenon. Péricles indicou como<br />

supervisor das obras a serem iniciadas na acrópole em 447 a.C. o grande escultor Fídias, que também era<br />

seu amigo. Além dele, um como arquiteto e o outro construtor, atuaram Ictinus e Calicrates. O projeto do<br />

templo, concluído em 438 a.C., concretizou os ideais do iluminismo jônico: um prédio onde as formas<br />

geométricas (o retângulo, sustentado por colunas verticais, encimado pelo triângulo), excluíam qualquer<br />

artifício ornamental. Ele, ciente da sua majestosa simplicidade, dominando inteiramente a paisagem lá do<br />

alto da acrópole, representava a razão em seu estado puro, tendo a planície as seus pés. Era a<br />

materialização arquitetônica da relação que o nous de Anaxágoras, tinha com a hile, a matéria dócil (a<br />

cidade lá embaixo) subordinada à inteligência (o templo lá encima na acrópole).<br />

A Ordem Jônica<br />

A ordem jônica percorreu uma lenta evolução desde a sua criação (séc. VI a.C.) até à sua constituição final<br />

no período clássico.A ordem jônica é caracterizada pela existência de: uma base seguida ou não de um<br />

plinto (denominado como uma peça chata e quadrangular sobre a qual assenta uma coluna ou um pedestal);<br />

Tem igualmente um fuste delgado, na generalidade feito por uma só pedra, que possui mais caneluras, do<br />

que as existentes na ordem dórica; estas apresentam-se mais profundas e semicirculares, não possuem<br />

quaisquer arestas vivas e a sua ênfase mostra-se pouco notória; do mesmo modo apresenta um capitel<br />

muito característico com faces iguais duas a duas (normalmente são quatro volutas ou espirais unidas por<br />

linhas curvas); apresenta ainda um arquitrave composto por três faixas progressivamente salientes e um<br />

friso contínuo e decorado.O estilo jônico revela-se uma ligação entre o interior e o exterior do templo e entre<br />

as paredes e os suportes; nota-se igualmente a existência de colunas esbeltas, decorativas, conectadas<br />

com o símbolo feminino e apresentando-se menos rigorosas. Temos como exemplos de templos<br />

estritamente ligados com a ordem jônica: o Templo de Atena Níké, o Tesouro de Delfos e o Parténon. A<br />

Junção da ordem dórica e da ordem jônica originou o que designamos por propileus, ou seja, a entrada<br />

monumental dos antigos edifícios gregos. O Erecteion de Atenas, talvez o mais belo dos templos jônicos,<br />

levantando em honra de um lendário herói ateniense chamado Erecteu, terminou sua construção em 406 a.C.,<br />

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estando localizado sobre a Acrópole da cidade. No interior do templo, guardavam-se os mais sagrados<br />

objetos de arte. Na parte sul da construção há um pórtico, o das koré ou cariátides (donzelas, em grego),<br />

sustentado, não por colunas, mas por seis estátuas de moças com cestas à cabeça. O templo de Atenéia,<br />

"Nike Aptera", foi construído em 429 a.C. em homenagem a Atenéia vitoriosa. Dentro do templo de Atenéia,<br />

os atenienses colocaram a estátua da vitória alada, mas, por via das dúvidas, cortaram-lhe as asas, para<br />

que não saísse voando do templo.<br />

A Ordem Cariátide<br />

Ligada à ordem jônica temos o surgimento de uma nova ordem, a ordem cariátide, que, inicialmente foi<br />

pouco utilizada. Para desempenhar o papel de colunas nos templos que adoptaram esta ordem temos as<br />

esculturas de mármore das jovens de Cária (jovens que foram reduzidas à escravidão, dado o seu povo ter<br />

realizado um pacto com os Persas). Como exemplo deste caso temos a existência do Templo de Erectéion,<br />

que simboliza a representação da graciosidade e da serenidade.<br />

A Ordem Coríntia<br />

A ordem coríntia nasceu através do "enriquecimento decorativo" da ordem jónica.A ordem coríntia tem<br />

como características: a existência de uma base mais trabalhada do que as anteriores; de um fuste mais<br />

delgado do que o existente na ordem jónica; de um capitel representado na forma de sino invertido,<br />

constituído por duas filas de folhas de acanto (designada por uma planta herbácea, espinhosa, de folhas<br />

recortadas), que se encontram ainda muito estilizadas, com as pontas recurvadas para fora, encimadas<br />

por quatro pequenas volutas nos cantos; finalmente, a existência de um entablamento e de um frontão,<br />

os quais eram carregados de relíquias decorativas e precisão nos detalhes, de modo a simbolizar a<br />

ambição, a riqueza e o poder. Os monumentos que adaptaram esta ordem foram: o Monumento<br />

Corégico de Lisícrates e o Templo de Zeus. O templo de Olympeion de Atenas começou a ser<br />

construído em 170 a.C, e só terminou muito tempo depois. Dedicado a Zeus Olímpico, foi o maior<br />

edifício coríntio, restando apenas ruínas do templo. Esse estilo seria mais tarde retomado e modificado<br />

pelos romanos, que procuravam o luxo e a ostentação.<br />

Período Helenístico (400 a.C. — 146 a.C.)<br />

No final do século IV a.C., o decadente mundo grego foi conquistado e passou a fazer parte do Império<br />

Macedônico. Sob a liderança de Filipe II, tem início a formação de um grandioso império que alcançou seu<br />

apogeu sob o comando de Alexandre Magno. Alexandre foi o responsável pela integração cultural no seu império,<br />

que resultou na formação da cultura helenística, fusão da cultura helênica com a cultura oriental. Diferente da<br />

arte helênica, marcada pelo equilíbrio, pela leveza e pelo humanismo, a helenística caracterizou-se pelo realismo<br />

exagerado, com a grandiosidade e com o luxo.<br />

A Escultura Helenística<br />

No Período Helenístico podemos observar o crescente naturalismo: os seres humanos não eram<br />

representados apenas de acordo com a idade e a personalidade, mas também segundo as emoções e o<br />

estado de espírito de um momento. O grande desafio e a grande conquista da escultura do período<br />

helenístico foi a representação não de uma figura apenas, mas de grupos de figuras que mantivessem a<br />

sugestão de mobilidade e fossem bonitos de todos os ângulos que pudessem ser observados. Além das<br />

tradicionais estátuas e relevos cultuais representando deuses, heróis e outras figuras mitológicas,<br />

tornaram-se comuns durante o período helenístico os retratos individualizados de estadistas, filósofos e<br />

literatos e as representações de pessoas comuns.<br />

ROMA do século VI a.C. ao século V d.C.<br />

No auge do esplendor, o Império Romano estendia-se da Inglaterra ao Egito e da Espanha ao sul da Rússia.<br />

Expostos aos costumes de terras estrangeiras, os romanos absorveram elementos de culturas mais antigas<br />

– notavelmente da Grécia – e transmitiram essa mistura cultural (greco-romana) a toda a Europa Ocidental e<br />

ao Norte da África. No primeiro momento, os deslumbramentos romanos foram voltados para a produção da<br />

arte grega. Diversos imperadores importaram galeões carregados e mármores e bronzes para adornar os<br />

fóruns romanos, somente Nero importou quinhentos bronzes de Delfos e, quando não restavam mais<br />

originais, os romanos começaram a fazer cópias. A arte romana sofreu duas fortes influências: a da arte<br />

etrusca popular e voltada para a expressão da realidade vivida, e a da greco-helenística, orientada para a<br />

expressão de um ideal de beleza. Um dos legados culturais mais importantes que os etruscos deixaram aos<br />

romanos foi o uso do arco e da abóbada nas construções.<br />

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Arcos<br />

São elementos de construção em forma de curvas, obtidos com aduelas, destinado a cobrir um vão de<br />

abertura. E quanto a forma dividem-se em: ARCO FERRADURA; ARCO MONTANTE OU RAMPANTE arco<br />

cujas extremidades não se nivelam horizontalmente; ARCO ABATIDO OU REBAIXADO TRICÊNTRICO<br />

Cuja curva é inferior a do arco pleno; ARCO TRILOBADO ARCO PLENO, PLENICENTRICO OU<br />

SEMICIRCULAR Cuja secção corresponde à semi-circunferência; ARCO AGUDO OU OGIVAL Formado<br />

por dois arcos que se cortam no vértice de um triangulo imaginário, cuja base é a do arco.<br />

Abóbadas<br />

Cobertura encurvada, obtida com pedras ou tijolos cortados em forma de cunha. No Brasil é feita geralmente<br />

com tábuas. A técnica de construção dividi-se em: ABÓBADA DE BERÇO O prolongamento do arco apoiado<br />

sobre duas paralelas ou geratrizes; como o ARCO, pode ser abatida, ogival, alteada, plena ou cilíndrica.<br />

ABÓBADA DE BARRETE DE CLÉRIGO Resultante da intersecção das abóbadas de berço, cujas geratrizes<br />

são paralelas aos lados do quadrado correspondente, produzindo arestas reentrantes no interior. ABÓBADA<br />

EM CÚPULA Resultante de uma geratriz ou muro, circular formando um espaço interno mais ou menos<br />

semi-esférico. ABÓBODA DE ARESTA formada pelo cruzamento de duas abóbadas de berço iguais,<br />

produzindo arestas salientes no interior do espaço aberto, ou seja, com as geratrizes perpendiculares aos<br />

lados do quadrado correspondente.<br />

Arquitetura<br />

As duas grandes bases da arquitetura romana são etrusca e grega, mas ao longo de sua história, Roma<br />

assimila várias culturas, as culturas dos povos que conquista, assim as bases da arquitetura romana, ou até<br />

da sua cultura, são diversas.<br />

No que se refere á arquitetura, os romanos seguiam fielmente alguns princípios de utilidade racionalidade e<br />

ordem. Marco Vitruvio Polion foi e é fonte constante de inspiração de arquitetos de todos os tempos.<br />

Com o começo do império, Roma precisou reformular totalmente sua política, que vive três séculos de<br />

esplendor, até encontrar seu fim, no ano 476 d.C. Porem, a arquitetura romana não seguiu à risca o mesmo<br />

caminho da política.<br />

De um ponto de vista mais restrito, a primeira parte era baseada nos etruscos, a segunda nos gregos e a<br />

terceira, uma arquitetura, digamos independentes. Nesse terceiro período, a os monumentos serviam como<br />

um veículo de romanização das terras que vai submetendo.<br />

Os arquitetos romanos usavam o material que tinham mais a mão em cada província (um exemplo é na<br />

Espanha, onde usavam paredes de barro prensado).<br />

Entre os elementos fundamentais da arquitetura romana, destacam -se as colunas, os arcos, as abóbadas e<br />

cúpulas.<br />

O caráter unificador do império romano faz que encontremos construções semelhantes em seus diversos<br />

recantos, da mesma forma como as cidades eram análogas quanto à vida quotidiana e à organização<br />

política e social de seus habitantes. As cidades cresceram, pois os pequenos proprietários que viviam no<br />

campo, perderam suas terras para os latifundiários (que naquela época eram muitos e privilegiados). Assim,<br />

o pequeno proprietário só tinha um lugar para ir, que era a cidade mais próxima.<br />

Assim o crescimento urbano se acelerou, surgindo desafios relativos a esse desenvolvimento. No entanto,<br />

os problemas de habitação, equipamentos, trânsito, etc., foram eficientemente ultrapassados pelos<br />

arquitetos romanos.<br />

Em termos de urbanização, foi adotado um sistema de ruas retas que se cruzam. As duas principais, uma<br />

em direção norte-sul (cardo maximus), outra em direção leste oeste (decumanus maximus) cruzam -se no<br />

foro, grande praça principal que era o centro político da cidade e em cujas proximidades se erguem os<br />

edifícios públicos mais importantes. As ruas restantes correm paralelamente a esses eixos. Em geral, eram<br />

ruas amplas, com pórticos, estátuas e monumentos, que desembocam em praças vazias.<br />

Tão importante quanto o foro era a praça do mercado ou macellum, onde se situavam as lojas. Esse tipo de<br />

organização se repetiu nas cidades medievais.<br />

Cada cidade se abastecia de grandes reservatórios de água, construídos em lugares próximos, de onde<br />

partiam canais ao ar livre que levavam a água vencendo os desníveis mediante arcos e sifões. Para os<br />

grandes desníveis, construíam -se aquedutos, formados geralmente pelas sobreposições de arcadas para<br />

suportar, na sua parte superior, um canal por onde corria a água. Na própria cidade, a necessidade manter<br />

reservas de água obrigava a construção de cisternas.Por último, construíram -se redes de esgotos para a<br />

eliminação das águas residuais.<br />

A princípio, as cidades romanas não tinham muralhas. Isso mudou a partir do século III, quando, em muitos<br />

lugares do império a ameaça de invasões obrigou a construí -las para a defesa dos cidadãos. A casa urbana<br />

(domus), na sua forma mais simples, consta de um vestíbulo ou saguão que dá para um pátio (atrium) com<br />

colunas ou pilares, criando uma galeria em volta da parte central descoberta para recolher as águas da<br />

chuva numa pequena cisterna sob o chão, da qual se abastecerá o poço. Aos lados do atrium encontram -se<br />

os quartos (cubícula) e ao fundo a sala de estar, que serve ao mesmo tempo de sala de jantar. Nas casas<br />

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mais nobres, além de dois quartos, atrás da sala de estar há um pátio com colunas, com quartos nos lados e<br />

uma sala de jantar ao fundo. Atrás, um jardim ou pequena horta. Os quartos eram decorados com pinturas e<br />

o chão com mosaicos. Este modelo de casa dá lugar ao palácio, que o desenvolve em tamanho e<br />

complexidade.<br />

Nas proximidades das cidades, construíam -se numerosas vilas ou casas de campo, umas para moradia e<br />

outras para estadias. Nelas havia uma organização parecida com a da domus, mas dando grande<br />

importância aos jardins. Especialmente interessantes são o famoso complexo de Capri, construído por<br />

Tibério e a Vila Adriana de Tivoli.<br />

Para a vida social, tiveram grande importância as termas, que, com freqüência e, sobretudo em Roma,<br />

deram lugar a grandes construções. Nelas encontramos câmaras para banhos frios (frigidarium), mornos<br />

(tepidarium) e de água quente ou vapor (caldarium ou laconicum), além de dependências destinadas a<br />

massagens, a palestras etc.<br />

Junto às termas, deve-se mencionar os edifícios de caráter cultural, tais como bibliotecas e arquivos.<br />

O centro da vida política romana estava na cúria, edifício assim chamado devido ao nome da assembléia na<br />

qual o povo outorgava o poder a um magistrado. Igualmente importante era o pretório, ou residência da<br />

autoridade militar. Outras construções muito repetidas eram as chamadas basílicas.<br />


As características gerais da arquitetura romana são:<br />

• busca do útil imediato, senso de realismo;<br />

• grandeza material, realçando a idéia de força;<br />

• energia e sentimento;<br />

• predomínio do caráter sobre a beleza; • originais: urbanismo, vias de comunicação, anfiteatro, termas.<br />

As construções eram de SEIS espécies, de acordo com as funções:<br />

1) Religião: Templos Os mais conhecidos são o templo de Júpiter Stater, o de Saturno, o da Concórdia e o de<br />

César. O Panteão, construído em Roma durante o reinado do Imperador Adriano foi planejado para reunir a<br />

grande variedade de deuses existentes em todo o Império, esse templo romano, com sua planta circular fechada<br />

por uma cúpula, cria um local isolado do exterior onde o povo se reunia para o culto. 2) Comércio e civismo:<br />

BasílicaA princípio destinada a operações comerciais e a atos judiciários, a basílica servia para reuniões da bolsa,<br />

para tribunal e leitura de editos. Mais tarde, já com o Cristianismo, passou a designar uma igreja com certos<br />

privilégios. A basílica apresenta uma característica inconfundível: a planta retangular, (de quatro a cinco mil<br />

metros) dividida em várias colunatas. Para citar uma, a basílica Julia, iniciada no governo de Júlio César, foi<br />

concluída no Império de Otávio Augusto. 3) Higiene: Termas Constituídas de ginásio, piscina, pórticos e jardins,<br />

as termas eram o centro social de Roma. As mais famosas são as termas de Caracala que, além de casas de<br />

banho, eram centro de reuniões sociais e esportes. 4) Divertimentos: a) Circo: extremamente a feito aos<br />

divertimentos, foi de Roma que se originou o circo. Dos jogos praticados temos:<br />

jogos circenses -corridas de carros; ginásios -incluídos neles o pugilato; jogos de Tróia -aquele em que<br />

havia torneios a cavalo; jogos de escravos -executados por cavaleiros conduzidos por escravos;<br />

Sob a influência grega, os verdadeiros jogos circenses romanos só surgiram pelo ano 264 a.C. Dos circos<br />

romanos, o mais célebre é o "Circus Maximus". b) Teatro: imitado do teatro grego. O principal teatro é o de<br />

Marcelus. Tinha cenários versáteis, giratórios e retiráveis. c) Anfiteatro: O povo romano apreciava muito as<br />

lutas dos gladiadores. Essas lutas compunham um espetáculo que podia ser apreciado de qualquer ângulo.<br />

Pois a palavra anfiteatro significa teatro de um e de outro lado. Assim era o Coliseu, certamente o mais belo<br />

dos anfiteatros romanos. Externamente o edifício era ornamentado por esculturas, que ficavam dentro<br />

dos arcos, e por três andares com as ordens de colunas gregas (de baixo para cima: ordem dórica,<br />

ordem jônica e ordem coríntia). Essas colunas, na verdade eram meias colunas, pois ficavam presas à<br />

estrutura das arcadas. Portanto, não tinham a função de sustentar a construção, mas apenas de<br />

ornamentá-la. Esse anfiteatro de enormes proporções chegava a acomodar 40.000 pessoas sentadas e<br />

mais de 5.000 em pé. 5) Monumentos decorativos Arco de Triunfo: pórtico monumental feito em<br />

homenagem aos imperadores e generais vitoriosos. O mais famoso deles é o arco de Tito, todo em mármore,<br />

construído no Fórum Romano para comemorar a tomada de Jerusalém. Este Arco de Triunfo situado em<br />

Roma, ao lado do Coliseo, foi construído pelo povo e pelo senado Romano para comemorar a vitória de<br />

Constantino sobre Majencio no ano de 313 d.C. O grande friso que coroa os arcos traz a inscrição que<br />

justifica sua construção: “ Ao Imperador e Cesar Constantino, o grande, o mais afortunado que por<br />

inspiração de Deus, grandeza de espírito e valor de seu exército livrou o Estado do Tirano e de seus<br />

partidários, o Senado e o Povo de Roma dedicam este Arco de Triunfo”. b) Coluna Triunfal: a mais famosa é<br />

a coluna de Trajano, com seu característico friso em espiral que possui a narrativa histórica dos feitos do<br />

Imperador em baixos-relevos no fuste. Foi erguida por ordem do Senado para comemorar a vitória de<br />

Trajano sobre os dácios e os partos. 6) Moradia: Casa Era construída ao redor de um pátio chamado Átrio.<br />

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Poderemos sentir dificuldades em distinguir a pintura grega da romana.<br />

A maioria das pinturas de estilo helenístico foram realizadas na Itália. Os romanos admiravam a cultura e a<br />

pintura de cavalete dos gregos, que foram copiadas em muros e decoraram cidades e palácios. Famosas<br />

escolas continuaram o trabalho dos gregos. Na verdade, a pintura romana (não por inteiro) foi apenas à<br />

continuação da pintura grega. Este “não por inteiro”, se refere ao fato de que a pintura romana talvez tenha<br />

uma certa individualidade, mas, infelizmente, não temos muitas provas disso. A pintura de cavalete é muito<br />

escassa e isso beneficiou as pinturas murais. Nessa época as cenas heróicas e mitológicas deram lugar a<br />

paisagens, natureza morta e coisas do gênero, fugindo assim da “herança helenística”.<br />

Infelizmente, a desaparição de pinturas murais helenísticas priva-nos de ter uma referência básica no<br />

momento de analisarmos os afrescos romanos que foram conservados graças à erupção do Vesúvio, em 79<br />

d.C., que cobriu algumas cidades e assim isolou-as do ar e suas impurezas.<br />

Pelo menos dois dos quatro estilos de afrescos romanos têm origens helenísticas e coincidindo já com as<br />

tendências helenísticas, coloca em prova a originalidade da pintura romana. O quarto e o segundo estilos,<br />

por exemplo, estão bem presentes nas decorações dos teatros.<br />

Podemos observar que o mais simples e antigo dos estilos, o de incrustações, foi usado desde o século II e<br />

início do século I a.C. no revestimento das paredes, imitando placas de mármore de cores incrustadas.<br />

Estilo arquitetônico, por sua vez, apareceu no início do século I a.C. e continuou pelo seguinte. Nele, uma<br />

moldura fingindo uma coluna recobre a parede e, nos requadros, são representadas cenas, paisagens ou<br />

naturezas mortas. Procurava-se produzir efeitos de profundidade, negando a evidência física da parede<br />

para ampliar ilusoriamente o espaço. As representações da Vila dos Mistérios, em Pompéia são exemplos<br />

de pinturas desse estilo. O terceiro estilo, o ornamental, desenvolveu se entre 15 a.C. e 60 d.C. Apresenta<br />

elementos arquitetônicos muito finos que sublinham a evidência do plano da parede, ao perderem<br />

consistência e sentido volumétrico, ficando reduzidos a simples elementos decorativos, como se pode ver<br />

nas pinturas da Casa dos Vétios de Pompéia. O quarto estilo, fantástico ou ilusionista, derivou-se do<br />

segundo e, a partir do ano 60 d.C., o gosto pela cenografia e pelos espaços fingidos encontrou de novo o<br />

caminho livre. A Damos Áurea, levanta por Nero após o incêndio de Roma do ano 64 oferece um dos<br />

primeiros e mais belos exemplos deste estilo.<br />

Outro gênero que convinha especialmente ao gosto dos romanos era o retrato, como mostra o<br />

desenvolvimento de sua escultura. As amostras que chegaram até nós são muito escassas, embora<br />

bastante ilustrativas. Alguns desses retratos, pintados enquanto os personagens eram vivos, estavam<br />

destinados a serem colocados sobre a sua urna a altura do rosto, como uma derivação das representações<br />

do antigo Egito. Eram realizados sobre madeira, e às vezes sobre tela. Um grupo de representações<br />

procedente de Pompéia os efigiados de meio corpo, olhando nos de frente com os olhos fixos e fortemente<br />

caracterizados no seu individualismo. O retrato de Paquia Próculo e da sua esposa é a obra principal deste<br />

grupo, onde a melancolia e um ar de sonho predominavam. Este tipo de retrato foi encontrado bastante em<br />

Roma e no Egito, no oásis de Al Fayum realizado durante o domínio romano, entre os séculos I e IV. O<br />

Mosaico e o afresco foram muito utilizados na decoração dos muros e pisos da arquitetura em geral. A maior<br />

parte das pinturas romanas que conhecemos hoje provém das cidades de Pompéia e Herculano, que foram<br />

soterradas pela erupção do Vesúvio em 79 a.C. Os estudiosos da pintura existente em Pompéia classificam<br />

a decoração das paredes internas dos edifícios em quatro estilos: Primeiro estilo: recobrir as paredes de<br />

uma sala com uma camada de gesso pintado; que dava impressão de placas de mármore. Segundo estilo:<br />

Os artistas começaram então a pintar painéis que criavam a ilusão de janelas abertas por onde eram vistas<br />

paisagens com animais, aves e pessoas, formando um grande mural.Terceiro estilo: representações fiéis da<br />

realidade e valorizou a delicadeza dos pequenos detalhes. Quarto estilo: um painel de fundo vermelho,<br />

tendo ao centro uma pintura, geralmente cópia de obra grega, imitando um cenário teatral.<br />

Mosaicos<br />

É difícil saber onde termina a época helenística e começa a época romana dos mosaicos, pois a transição é<br />

praticamente imperceptível, tanto na capital, Roma, como na periferia do Império. Após o rico apogeu<br />

helenístico, que podemos observar em Pompéia, temos a época dos Flávios (século I).<br />

Nessa época, na África, o mosaico apresentava cores fortes e ao mesmo tempo, no Oriente, eles<br />

apresentavam tendências helenístico-romanas.<br />

E na etapa final dos séculos IV e V, com cenas mitológicas, alegóricas, cinegéticas, de estilo vivo e<br />

naturalista, mas com um reflexo de uma rigidez futura.<br />

Depois de Constantino, o mosaico romano começa a esquematizar -se e a ser dominado pelas alegorias, o<br />

que já denota o início da era paleo-cristã.<br />


No período de Augusto V, a escultura romana sofreu forte influência grega. É nesta época que a escultura grega<br />

(apesar de anteriormente já ter grandes artistas) se encontra plena e assumida. Respeitando os romanos, isto é, sem<br />

chegar a afirmações de que os romanos eram inferiores aos gregos, a influência neoática foi muito importante. Não foi<br />

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totalmente uma cópia, pelo menos no campo da escultura. Podemos dar o exemplo de uma estátua de Augusto que<br />

está com o braço levantado, contrapondo-se ao resto do corpo. O braço levantado nesta posição foge às regras da<br />

escultura grega.<br />

Outro exemplo, na mesma estátua citada, é que as estátuas gregas, da época helenística, davam idéias de<br />

movimento e esta estátua não dá, pois a túnica oculta qualquer movimento proposto. Devemos nos lembrar, no<br />

entanto, que esta estátua é baseada nas obras de Policleto, escultor grego.<br />

Por outro lado, foi dada muita importância a detalhes como a “decoração” da couraça usada por Augusto, algo<br />

desprezado nas estátuas gregas.<br />

Octávio teve várias imagens, nas quais prevaleceu o realismo. Estas estátuas representavam o poder do imperador.<br />

Onde havia estátuas dele, ali era seu domínio, pois representavam o próprio imperador. Passava-se o tempo e mais<br />

estátuas eram refeitas. No caso de Augusto, as estátuas novas eram colocadas junto das antigas. Existiam três tipos<br />

de retratos, que eram divididos por traços fisionômicos:<br />

1 – Accio - provavelmente criado após sua vitória sobre Antonio em Accio (31 a.C.) - A estátua tinha os cabelos<br />

desarrumados.<br />

2 - Prima Porta - criado na concessão do título de Augusto (27 a.C.) - A estátua tinha formas mais sublimes.<br />

3 - Os cabelos se recolhem para um lado, predominando intemporabilidade, ou até um caráter imoral que implica<br />

numa certa ruptura com o realismo.<br />

Ruptura que, aliás, nunca foi total, pois, ao longo da evolução da escultura, os artistas sempre (ou quase sempre)<br />

conseguiam captar o ser da pessoa esculpida, que normalmente era o Augusto.<br />

Percebe-se isto também, nos retratos da família imperial, como por exemplo, à estátua de Lívia sentada (por volta do<br />

século I a.C., museu Arqueológico Nacional, Madri). Mas há ocasiões que ao realismo sobrepõe-se outras tendências,<br />

como o Retrato de Lívia, em basalto, no Louvre que tem um corte moderno. Repara-se que a fisionomia é algo sólido,<br />

não dando a impressão de ter sido modelado, como a maioria das esculturas romanas, mas sim, talhados, tal o<br />

aspecto de dureza e energia da massa. Dava um ar de monumento.<br />

Já na época da dinastia Júlio-claudiana, esse aspecto desaparece e a plasticidade predomina e enlaça as feições,<br />

eliminando o aspecto clássico conquistado no período de Augusto. No entanto, os retratos de Augusto não são a<br />

única manifestação da escultura monumental romana. O Foro de Augusto, do século dois a.C., foi à obra mais<br />

importante, porém, atualmente está em ruínas.<br />

Por sorte não é o caso de outra grande obra daquele período: o Ara Pacis, que é fundamental para a compreensão da<br />

arte -ou cultura romana -pois projeta sua influência na arte das províncias e nas futuras esculturas que não serão, no<br />

entanto, uma pura reprodução de seus relevos. Os membros da família Júlio-claudiana, que aparecem no Ara Pietatis<br />

(43 d.C. museu Arqueológico de Rávena) acentuam o realismo da época de Augusto, mesclando com mudanças que<br />

afetam as figuras e o conjunto em si. As figuras são mais espaçadas, o que acentua a individualidade de cada uma,<br />

praticamente sendo independente uma da outra. Assim, a visão se intensifica com as atividades de cada personagem,<br />

não se perdendo, no entanto, a visão do conjunto. Os gestos das estátuas são bastante enfatizados, denotando uma<br />

grande habilidade técnica dos escultores, bem como a influência grega que é evidente.<br />

Para podermos comparar uma obra monumental com o Ara Pacis devemos ir à época de Trajano onde encontramos<br />

três grandes monumentos, que enfocam as grandes conquistas romanas: Arco de Trajano, em Benevento (107 -117<br />

d.C.). Arco de Constantino, (106 -117 d.C.). Coluna Trajana, (110 -117 d.C.). Na época do imperador Adriano, os<br />

monumentos rendiam culto à beleza: Villa Adriana, (cerca de 130 d.C.). Estátua de Antínoo (130 -138 d.C. Museu<br />

Arqueológico de Nápoles). Retrato de Adriano (Cerca de 117, Museu de Canea, Creta). No reinado de Adriano, bem<br />

como no de Antonino Pio, parece que os escultores expressam o Hedonismo, um dos ingredientes da cultura romana<br />

muitas vezes esquecido pela arte do Estado, mas nem por isso menos presente na vida do império. No período de<br />

Marco Aurélio a preocupação com a beleza dá lugar a outros interesses, mais próximos da arte romana tradicional,<br />

que enfoca as virtudes e os feitos dos imperadores, os ideais de seus governos bem como cenas de guerras: Estátua<br />

eqüestre de Marco Aurélio (cerca de 166 Roma). Arco de Marco Aurélio (173 Roma). Columna Aureliana (180 -192,<br />

Roma).<br />

A ÉPOCA IMPERIAL TARDIA<br />

Na época imperial tardia, havia ocasiões em que não dava tempo de fazer o retrato dos<br />

imperadores-soldados. Então, a cabeça de um substituía à do outro no mesmo corpo. Exemplos de<br />

imperadores da época imperial tardia, assim retratados: Maximiano, o Trácio; Puerpino; Balbino; Gordiano III;<br />

Filipo, o Árabe; Filipo, o Jovem; Valeriano; Aureliano, entre outros. Tal sucessão política expressa na arte<br />

dessa forma, debilitou profunda e irreversivelmente o império.<br />

Deste período histórico, data a importante obra conhecida como o Arco de Constantino. Nele, as cenas são<br />

apresentadas dentro de uma rígida hierarquia, onde o imperador é maior e está mais presente que os<br />

simples cidadãos, assinalando um poder e domínio que excedem o propriamente humano. Da estátua<br />

colossal de Constantino se conservam alguns restos, especialmente a Cabeça (cerca de 330, Palazzo do<br />

Conservatori, Roma).<br />

No entanto, neste mesmo período, o poder do império entrou em decadência e uma estátua, por colossal<br />

que fosse, não foi suficiente para mantê-lo.<br />

16


Os romanos eram grandes admiradores da arte grega, mas por temperamento, eram muito diferentes dos<br />

gregos. Por serem realistas e práticos, suas esculturas são uma representação fiel das pessoas e não a de<br />

um ideal de beleza humana, como fizeram os gregos. Retratavam os imperadores e os homens da<br />

sociedade.<br />

Mais realista que idealista, a estatuária romana teve seu maior êxito nos retratos.<br />

Com a invasão dos bárbaros as preocupações com as artes diminuíram e poucos monumentos foram<br />

realizados pelo Estado. Era o começo da decadência do Império Romano que, no séc. V precisamente no<br />

ano de 476 -perde o domínio do seu vasto território do Ocidente para os invasores germânicos.<br />

IDADE MÉDIA<br />

A Idade Média compreende entre os séc. V e XV, aproximadamente desde a queda de Roma até o<br />

Renascimento. No período inicial, chamado de Idade das Trevas, depois da queda do Imperador Bizantino<br />

Justiniano, em 565, até o Reinado de Carlos Magno, em 800, os bárbaros destruíram o que se levara três mil<br />

anos para ser construído. Mas a Idade das trevas foi uma parte da Idade Média. Há muitos pontos de luz na<br />

arte e na arquitetura, desde o esplendor da corte bizantina, em Constantinopla, até a imponência das<br />

catedrais góticas. Três deslocamentos importantes tiveram ampla repercussão na civilização ocidental:<br />

1. A liderança cultural se deslocou do norte do mediterrâneo para França, Alemanha e Ilhas Britânicas.<br />

2. O Cristianismo triunfou sobre o paganismo e o barbarismo.<br />

3. A ênfase se deslocou do aqui e agora para o além, e da concepção de corpo belo para a de corpo corrupto.<br />

Uma vez que o foco cristão se dirigia para a salvação e a vida eterna, desapareceu o interesse pela<br />

representação realista do mundo. Os nus foram proibidos e até as imagens de corpos vestidos revelavam a<br />

ignorância da anatomia. Os ideais greco-romanos de proporções harmoniosas equilíbrio entre corpo e<br />

mente desapareceram. O interesse nas manifestações de arte do período medieval residiam<br />

exclusivamente na busca pela essência, pela alma, e com o objetivo de iniciar os novos fiéis nos dogmas da<br />

igreja. A arte se tornou serva da igreja. Os teólogos acreditavam que os cristãos aprenderiam a apreciar a<br />

beleza divina através da beleza material, e o resultado foi uma profusão de mosaicos, pinturas e esculturas.<br />

Na arquitetura, essa orientação para o espiritual tomou a forma de construções mais arejadas, mais leves. A<br />

massa e o volume da arquitetura romana deram lugar a edificações que refletiam o ideal cristão: discretos no<br />

exterior, mas refulgentes com mosaicos, afrescos e vitrais espiritualmente simbólicos no interior. As artes<br />

medievais compõem-se de três estilos diferentes: o Bizantino, o Românico e o Gótico.<br />

ARTE SACRA BIZANTINA<br />

Se o foco principal da arte bizantina foi originalmente Bizâncio (Constantinopla), seu território compreende a<br />

Ásia Menor, a Síria, a Itália, a Grécia, os Bálcãs e a Rússia. A denominação “arte cristão do oriente” seria<br />

mais exata. Seu real desenvolvimento inicia-se com a conversão do imperador Constantino e a proclamação,<br />

em 325, do cristianismo como religião de Estado, seu pleno desenvolvimento estende-se do século VI ao<br />

século XV.Oriunda da Antigüidade helenística e romana, a arte sacra bizantina foi essencialmente religiosa.<br />

O espaço arquitetural era aproveitado em função do jogo de luz e sombra e, reluzindo de ouro, o mosaico<br />

destaca a arquitetura. Distinguem-se três períodos principais:<br />

• O período justiniano (527-565). Corresponde à fixação dos grandes traços dessa arte imperial. As plantas<br />

arquitetônicas diversificaram-se: planta retangular com armação, ou centrada, com número de naves<br />

variável e coberta com uma cúpula. Santa Sofia de Constantinopla, atribuída a Artêmios de Talles e Isidoro<br />

de Mileto, é o templo mais notável dessa época, ao lado das igrejas de Ravena e Santa Catarina do Sinai. A<br />

crise do iconoclasmo, caracterizado pela rejeição da representação do divino, favoreceu o aparecimento da<br />

escola capadociana.<br />

• A renascença macedônica (867-1057). A arte sacra imperial humanizou-se: os santuários passaram a ter<br />

proporções menos imponentes, mas a planta em cruz inscrita chegava à perfeição e tornava-se perceptível<br />

do exterior. Colocada sobre pingentes ou sobre trompas de ângulo (porção da abóbada que sustenta uma<br />

parte saliente do edifício), a cúpula é sustentada pelas abóbadas em berço ou abóbadas em aresta. Na<br />

Grécia, Dáfni, São Lucas na Fócida e os Santos Apóstolos de Atenas são exemplos desse tipo, assim como<br />

a igreja do Pantocrator, em Constantinopla. As artes menores são testemunhos de um luxo refinado. Foi sob<br />

o reinado dos Comnenos que foram erguidas as numerosas igrejas da Iugoslávia (Ohrid, Nerezi, etc.).<br />

• O período dos Paleólogos (1258-1460) . Realismo e decoração narrativa tenderam a generalizarse. As<br />

cenas estão plenas de personagens (mosaico de São Salvador-in-Cora, hoje Kahriye camii, de<br />

Constantinopla); os afresco multiplicaram-se. Os grandes centros de arte sacra bizantina são Tessalônica,<br />

Trebizonda e Mistra. Apesar do desaparecimento do Império, a marca da arte bizantina manteve-se nas<br />

regiões mais diversas, como o monte Atos, a Iugoslávia, a Bulgária, a Romênia e a Rússia, a qual<br />

continuaria a produzir notáveis ícones.<br />

• A arte sagrada dos ícones<br />

17

• Oriente e Ocidente: iconógrafos e artistas<br />

• Enquanto o Ocidente expressa essa fé vivida mediante a experiência pessoal do artista, o Oriente atem-se<br />

aos cânones estabelecidos pela Igreja. O primeiro expressa sua própria experiência e os próprios<br />

sentimentos que experimenta sua fé, pintando com total e absoluta espontaneidade qualquer motivo<br />

religioso que lhe é sugerido, solicitado ou que, simplesmente, expresse o que ele sente ou experimenta. No<br />

Oriente, os iconógrafos, seguindo os ensinamentos do Mestre Dyonisios e, em geral, as determinações da<br />

Igreja, buscam reproduzir as mesmas passagens dos Evangelhos, omitindo qualquer experiência ou<br />

sentimento pessoal vivido, tratando, simplesmente, desde uma profunda vida de oração, expressar o<br />

conteúdo dos Evangelhos. Os iconógrafos, antes de a iconografia ter passado a ser objeto de ocupação de<br />

pessoas amantes das artes manuais eram sempre monges e a iconografia uma função conferida pela Igreja.<br />

A tarefa do iconógrafo sempre foi comparada ao do sacerdote. Primeiro porque ambos pregavam a Palavra<br />

de Deus, o primeiro com a pintura e as colores, o segundo mediante a palavra ou a escritura.<br />

• Desde o aparecimento dos ícones na história da Igreja, estes não eram considerados como uma mera obra<br />

artística. Os primeiros iconógrafos, tratavam de retratar com cores e pinturas o que os Evangelhos<br />

expressavam com palavras (Concílio de Nicéia II). Contudo, os ícones e, em geral, a cultura bizantina, é uma<br />

mescla de cultura, arte, historia, fé... que se faz viva no coração dos habitantes do Império. Desde os<br />

Imperadores até a pessoa mais humilde, viviam a experiência dos ícones como expressão da fé de um povo<br />

que experimentava diariamente a intervenção de Deus, da Theotokos e dos Santos na sua vida cotidiana, tal<br />

como viviam as primeiras comunidades cristãs de Jerusalém. Toda a cultura bizantina: arquitetura, escultura,<br />

pintura, bordados e manuscritos, entre outros, está iluminada por essa fé que impregna cada uma das<br />

atividades e da vida dos habitantes do Império.<br />


A arquitetura das igrejas foi a que recebeu maior atenção da arte bizantina, elas eram planejadas sobre uma<br />

base circular, octogonal ou quadrada imensas cúpulas, criando-se prédios enormes e espaçosos totalmente<br />

decorados. A Igreja de Santa Sofia (Sofia = Sabedoria), na hoje Istambul, foi um dos maiores triunfos da<br />

nova técnica bizantina, projetada pelos arquitetos Antêmio de Talles e Isidoro de Mileto, ela possui uma<br />

cúpula de 55 metros apoiada em quatro arcos plenos.Tal método tornou a cúpula extremamente elevada,<br />

sugerindo, por associação à abóbada celeste, sentimentos de universalidade e poder absoluto. Apresenta<br />

pinturas nas paredes, colunas com capitel ricamente decorado com mosaicos e o chão de mármore polido.<br />

Mosaicos O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar as<br />

paredes e abóbadas, mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo, dos profetas e dos vários<br />

imperadores.Plasticamente, o mosaico bizantino em nada se assemelha aos mosaicos romanos; são<br />

confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem inclusive os afrescos. Neles, por<br />

exemplo, as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade; a<br />

perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com<br />

maior bem existente na terra: o ouro.<br />

Ícones Eram pequenos painéis em madeira com imagens pintadas, supostamente com poderes<br />

sobrenaturais. As imagens dos santos e seres sagrados são rígidas, em pose frontal, geralmente com halo e<br />

olhar fixo. Acreditava-se que os ícones tinham propriedades milagrosas, tão fortes se tornou a devoção e o<br />

culto aos ícones que eles foram proibidos, entre 726 e 843, por desobediência ao mandamento contra a<br />

idolatria.<br />

ARTE ROMÂNICA<br />


Com a instituição da fé católica romana, uma onda de construções de igrejas varreu a Europa feudal de<br />

1050 a 1200. Os construtores tomaram emprestado elementos da arquitetura romana, como as colunas e<br />

arcos redondos, surgindo assim o termo “romana” para definir a arte e a arquitetura desse período. Como os<br />

prédios romanos tinham os tetos em madeira, suscetíveis a incêndios, os artesãos medievais passaram a<br />

fazer os tetos da igrejas em abóbadas de pedra. Com esse sistema, abóbadas cilíndricas ou com arestas<br />

apoiadas em pilastras proviam grandes espaços, livres de colunas e obstáculos. Outra características<br />

destas construções está ligada a sua grandiosidade, pois nesse período as peregrinações aconteciam em<br />

grande escala e era necessário criar templos para abrigar essas pessoas. A planta dessas construções é<br />

Cruciforme, com uma longa nave atravessada por um transcepto mais curto, simbolizando o corpo de Cristo<br />

crucificado. Distinguem-se dois períodos na arte românica: a primeira arte românica (fim séc X ao segundo<br />

terço do séc. XI) representa a sua gênese, a segunda arte românica, a maturidade. O que distingue as<br />

construções românicas das demais é o seu tamanho. Elas são sempre grandes e sólidas. Daí serem<br />

chamadas: fortalezas de Deus. A explicação mais aceita para as formas volumosas, estilizadas e rígidas<br />

dessas igrejas é o fato da arte românica não ser fruto do gosto refinado da nobreza nem das idéias<br />

18

desenvolvidas nos centros urbanos, é um estilo essencialmente clerical. A arte desse período passa, assim<br />

a ser encarada como uma extensão do serviço divino e uma oferenda à divindade. A mais famosa é a<br />

Catedral de Pisa sendo o edifício mais conhecido do seu conjunto o campanário que começou a ser<br />

construído em 1.174. Trata-se da Torre de Pisa que se inclinou porque, com o passar do tempo, o terreno<br />

cedeu. Na Itália, diferente do resto da Europa, não apresenta formas pesadas, rígidas e primitivas. As<br />

características mais significativas da arquitetura românica são:<br />

• abóbadas em substituição ao telhado das basílicas;<br />

• pilares maciços que sustentavam e das paredes espessas;<br />

• aberturas raras e estreitas usadas como janelas;<br />

• torres, que aparecem no cruzamento das naves ou na fachada; e<br />

• arcos que são formados por 180 graus.<br />

Pintura e Escultura<br />

No período Românico poucas pessoas sabiam ler, a Igreja recorria à pintura e à escultura para narrar<br />

histórias bíblicas ou comunicar valores religiosos aos fiéis. Não podemos estudá-las desassociadas da<br />

arquitetura. A arte tinha uma função catequizadora. A pintura românica desenvolveu-se, sobretudo, nas<br />

grandes decorações murais, através da técnica do afresco, que originalmente era uma técnica de pintar<br />

sobre a parede úmida. Os motivos usados pelos pintores eram de natureza religiosa. As características<br />

essenciais da pintura românica foram a deformação e o colorismo. A deformação, na verdade, traduz os<br />

sentimentos religiosos e a interpretação mística que os artistas faziam da realidade. A figura de Cristo, por<br />

exemplo, é sempre maior do que as outras que o cercam. O colorismo realizou-se no emprego de cores<br />

chapadas, sem preocupação com meios tons ou jogos de luz e sombra, pois não havia a menor intenção de<br />

imitar a natureza. Na porta, a área mais ocupada pelas esculturas era o tímpano, nome que recebe a parede<br />

semicircular que fica logo abaixo dos arcos que arrematam o vão superior da porta. Imitação de formas<br />

rudes, curtas ou alongadas, ausência de movimentos naturais.<br />

DAS TREVAS A LUZ: NASCE O GÓTICO<br />

O auge do desenvolvimento artístico na Idade Média, rivalizando com as maravilhas da Grécia e de Roma da<br />

antiguidade, foi a Catedral Gótica. Essas imensas catedrais superam até mesmo a arquitetura clássica em termos<br />

de ousadia tecnológica. Entre 1200 e 1500, os construtores medievais ergueram essas estruturas elaboradíssimas,<br />

com seus interiores atingindo uma altura sem precedentes na história da arquitetura. O que tornou possível a<br />

catedral gótica foram dois desenvolvimentos da engenharia: a abóbada com traves e suportes externos chamados<br />

arcobotantes, ou contrafortes. A aplicação desses pontos de apoio nos locais necessários permitiu trocar paredes<br />

grossas com janelas estreitas por paredes estreitas com janelas enormes e com vitrais inundando de luz o seu<br />

interior. As catedrais góticas não conheceram a Idade das trevas. Sua evolução foi uma contínua expansão de luz,<br />

até que as paredes se tornaram tão perfuradas que ficaram verdadeiros pinázios emoldurando os imensos campos<br />

de vitrais coloridos que contam histórias religiosas.<br />


A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a românica é a fachada. Enquanto, de modo geral,<br />

a igreja românica apresenta um único portal, a igreja gótica tem três portais que dão acesso à três naves do<br />

interior da igreja: a nave central e as duas naves laterais. A rosácea é um elemento arquitetônico muito<br />

característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e<br />

XIV. Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os arcos góticos ou ogivais e os vitrais<br />

coloridíssimos que filtram a luminosidade para o interior da igreja. As catedrais góticas mais conhecidas são:<br />

Catedral de Notre Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres.<br />

Iluminuras<br />

Iluminura é a ilustração sobre o pergaminho de livros manuscritos (a gravura não fora ainda inventada, ou<br />

então é um privilégio da quase mítica China) Durante o século XII e até o século XV, a arte ganhou forma de<br />

expressão também nos objetos preciosos e nos ricos manuscritos ilustrados. Os copistas dedicavam-se à<br />

transcrição dos textos sobre as páginas. Ao realizar essa tarefa, deixavam espaços para que os artistas<br />

fizessem as ilustrações, os cabeçalhos, os títulos ou as letras maiúsculas com que se iniciava um texto.. Da<br />

observação dos manuscritos ilustrados podemos tirar duas conclusões: a primeira é a compreensão do<br />

caráter individualista que a arte da ilustração ganhava, pois destinava-se aos poucos possuidores das obras<br />

copiadas, a segunda é que os artistas ilustradores ao períodos gótico tornaram-se tão habilidosos na<br />

representação do espaço tridimensional e na compreensão analítica de uma cena, que seus trabalhos<br />

acabaram influenciando outros pintores.<br />

19


A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII, XIV e no início do século XV, quando começou a ganhar<br />

novas características que prenunciam o Renascimento. Sua principal particularidade foi a procura o<br />

realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas. Os principais artistas na pintura<br />

gótica são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento):<br />

• Giotto — a característica principal do seu trabalho foi a identificação da figura dos santos com seres<br />

humanos de aparência bem comum. E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante<br />

das cenas que pintava, ocupando sempre posição de destaque na pintura. Assim, a pintura de Giotto vem ao<br />

encontro de uma visão humanista do mundo, que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no<br />

Renascimento. Obras destacadas: Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis (Itália) e Retiro de São<br />

Joaquim entre os Pastores.<br />

• Jan Van Eyck — procurava registrar nas suas pinturas os aspectos da vida urbana e da sociedade de sua<br />

época. Nota-se em suas pinturas um cuidado com a perspectiva, procurando mostrar os detalhes e as<br />

paisagens. Obras destacadas: O Casal Arnolfini e Nossa Senhora do Chanceler Rolin.<br />

RENASCENÇA 1400 – 1600<br />

A RENASCENÇA: O COMEÇO DA PINTURA MODERNA<br />

Durante os séculos XV e XVI intensificou-se, na Europa, a produção artística e científica. Esse período ficou<br />

conhecido como Renascimento ou Renascença. As características principais deste período são as<br />

seguintes:<br />

• Valorização da cultura greco-romana. Para os artistas da época renascentista, os gregos e romanos<br />

possuíam uma visão completa e humana da natureza, ao contrário dos homens medievais;<br />

• As qualidades mais valorizadas no ser humano passam a ser a inteligência, o conhecimento e o dom<br />

artístico;<br />

• Enquanto na Idade Média a vida do homem devia estar centrada em Deus (teocentrismo), nos séculos XV<br />

e XVI o homem passa a ser o principal personagem (antropocentrismo). -A razão e a natureza passam a ser<br />

valorizados com grande intensidade. O homem renascentista, principalmente os cientistas, passam a utilizar<br />

métodos experimentais e de observação da natureza e universo.<br />

Principais representantes do Renascimento Italiano e suas principais obras:<br />

• Michelângelo Buonarroti (1475-1564)-destacou-se em arquitetura, pintura e escultura. Obras principais:<br />

Davi, Pietá, Moisés, pinturas da Capela Sistina.<br />

• Rafael Sanzio (1483-1520) -pintou várias madonas (representações da Virgem Maria com o menino<br />

Jesus).<br />

• Leonardo da Vinci (1452-1519)-pintor, escultor, cientista, engenheiro, físico, escritor, etc obras principais:<br />

Mona Lisa, Última Ceia.<br />

Os pintores e escultores renascentistas investigaram novas soluções para problemas visuais formais e<br />

muitos deles realizaram experiências científicas. Neste contexto, surgiu a perspectiva linear na qual as<br />

linhas paralelas eram representadas em ponto de fuga. Os pintores passaram a ser mais exigentes com o<br />

tratamento da paisagem, dedicando maior atenção à representação de árvores, flores, plantas, distância<br />

entre montanhas e os céus com suas nuvens. O efeito da luz natural e o modo como o olho percebe os<br />

diversos elementos da natureza, tornaram-se novas preocupações. Assim nasceu a perspectiva aérea, na<br />

qual os objetos perdemos contornos, a cor e o sentido de distância à medida que se afastam do campo de<br />

visão. Os pintores do norte da Europa, especialmente os flamengos, revelaram-se mais avançados que os<br />

italianos na representação das paisagens e introduziram o óleo como nova técnica pictórica, contribuindo<br />

para o desenvolvimento desta arte em todo o continente. Embora o retrato se consolidasse como gênero<br />

específico em meados do século XV, os pintores do Renascimento alcançaram o auge com a pintura<br />

histórica ou narrativa. Em uma paisagem ou moldura de fundo, figuras relatavam passagens da mitologia<br />

clássica ou da tradição judaico-cristã. Dentro de um contexto, o pintor representava homens, mulheres e<br />

crianças em poses reveladoras de emoções e estados de espírito. O renascimento das artes coincidiu com o<br />

desenvolvimento do Humanismo que estudava e traduzia textos filosóficos. O latim clássico foi revalorizado.<br />

A par desta renovação de idéias, ocorreu o período de descobrimentos de novas terras. As embarcações se<br />

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lançaram em busca de novos caminhos marítimos, colhendo, como resultado, diferentes rotas para a Ásia e<br />

a imensidão das Américas. Pintores, escultores, arquitetos e navegadores sentiam o mesmo anseio de<br />

aventura, o desejo de ampliar conhecimentos e obter novas soluções. Assim, tanto Leonardo da Vinci e<br />

Michelangelo, como Cristóvão Colombo e Pedro Álvares Cabral descobriram mundos novos e surpreendentes.<br />

O Renascimento na Itália<br />

O berço do Renascimento foi a Itália, extraordinário depósito de ruínas clássicas. Encontram-se vestígios do<br />

Império Romano em quase todas as cidades italianas. Os sarcófagos de mármore, decorados com relevos, são<br />

o exemplo mais comum. O idioma, uma corruptela do latim falado pelos antigos romanos, foi sistematizado no<br />

século XIV por Dante Alighieri, Francesco Petrarca e Giovanni Boccaccio. As primeiras manifestações do<br />

Renascimento italiano ocorreram em Florença. Três ourives e escultores, Brunelleschi, Ghiberti e Donatello,<br />

realizaram inovações que romperam com as convenções da arte gótica. Donatello, que também trabalhou em<br />

Veneza, Pádua, Nápoles e Roma veiculou, por toda a Itália, as novas formas estéticas. Na pintura, Masaccio<br />

introduziu um conceito naturalista e expressivo, assim como a perspectiva linear e aérea. O introdutor, em<br />

Veneza, do ideário renascentista foi Bellini. Mais tarde, Veneza disputou com Florença o privilégio de ser o centro<br />

do movimento que modificou o pensamento humano. Após esta extraordinária explosão criativa, foi pouco<br />

significativa a produção artística italiana no começo do século XV. Mas logo surgiram os nomes mais destacados<br />

do Renascimento e que influenciaram toda a obra ocidental posterior: Leonardo da Vinci (1452-1519) e<br />

Michelangelo (1475-1564). Pintor, escultor, arquiteto, engenheiro e cientista, Leonardo da Vinci foi importante,<br />

principalmente, na pintura onde introduziu o conceito de perspectiva atmosférica. Michelangelo, pintor, escultor,<br />

arquiteto e poeta, transformou-se em um dos maiores criadores que o mundo já conheceu. Entre os artistas<br />

quatrocentistas, destacam-se Filippo Brunelleschi, Lorenzo Ghiberti, Donatello, Masaccio, Paolo Uccello, Fra<br />

Angelico, Pisanello, Jacopo Bellini, Gentile Bellini, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna, Piero della Francesca,<br />

Leon Battista Alberti, Antonio del Pollaiuolo, Andrea del Verrocchio, Sebastiano del Piombo, Giorgione, Tiziano e<br />

Sandro Botticelli. Entre os artistas quinhentistas, destacam-se Leonardo da Vinci, Donato Bramante, Rafael,<br />

Michelangelo, Giorgione, Tiziano e Correggio. No norte europeu, as manifestações artísticas do gótico tardio<br />

foram contemporâneas dos descobrimentos marítimos e das mudanças de visão de mundo produzidas na Itália.<br />

Países como Alemanha, Holanda e Inglaterra foram menos receptivos ao incipiente Renascimento.<br />

O Renascimento na Holanda<br />

Uma das obras-primas da miniatura cortesã, Riquíssimas horas do duque de Berry(c. 1416), realizada pelos<br />

irmãos Limbourg, contém iluminuras que prenunciam van Eyck e revelam uma atenção pelo detalhe<br />

naturalista até então desconhecido. O pintor flamengo Jan van Eyck foi o criador da pintura renascentista em<br />

Flandres e na Holanda. Van Eyck combina, com talento e habilidade, um estilo que é o contraponto da arte<br />

que Masaccio realizava, nesta mesma época, na Itália. Sua obra Retábulo de Gent, concluída em 1432, é<br />

uma das mais extraordinárias do Renascimento. Apesar da ousadia de van Eyck, as inovações no uso da luz<br />

surgem com outro pintor, Robert Campin, conhecido como o Mestre de Flémalle. Destacam-se também<br />

Rogier van der Weyden, Dirk Bouts, Hugo van der Goes, Hans Memling e Jerônimo Bosch.<br />

O Renascimento na França<br />

Leonardo da Vinci viajou para a França em 1516 a pedido do próprio rei, mas, devido a sua idade avançada,<br />

morreu antes de realizar trabalhos de importância. Os franceses foram resistentes em aceitar as inovações<br />

artísticas oriundas da Itália. Apenas no século XVI, conseqüência da presença de muitos artistas italianos na<br />

corte de Francisco I, a França começou a adotá-las. A obra do Château de Fontainebleau é o ponto central<br />

da arte renascentista francesa.<br />

O Renascimento na Alemanha<br />

Entre os mais destacados estão Konrad Witz, Albrecht Dürer e Matthias Grünewald.<br />

O Renascimento na Espanha<br />

Na Espanha, os pintores renascentistas nunca chegaram a alcançar o nível artístico da Itália e dos países do<br />

norte da Europa, embora se ligassem às duas tradições. Os mecenas espanhóis confiaram a pintores e<br />

escultores estrangeiros as obras mais importantes. A confirmação deste fato é Tiziano, sem residência fixa<br />

no país, ter sido o pintor da corte espanhola no século XVI. Na arquitetura, edifícios no estilo renascentista<br />

remontam ao final do século XVI. Um exemplo é El Escorial, complexo arquitetônico próximo de Madri,<br />

construído por Felipe II. Artistas destacados dessa época são Diego de Siloé, Alonso Berruguete, Juan de<br />

Juni e Pedro Berruguete.<br />

O Renascimento em Portugal<br />

Apesar da esmagadora vigência do estilo manuelino como ideologia estética, o Renascimento revelou-se,<br />

em Portugal, através de gravuras de livros impressos com tarjas decorativas, iluminuras, bronzes,<br />

tapeçarias, pinturas e jóias. A arte que refletiu, em primeiro lugar, o novo movimento foi a pintura já que, nos<br />

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quadros manuelinos, quase sempre as figuras são do góticotardio, de origem flamenga, enquanto os<br />

espaços em que elas se situam são renascentistas. Na arquitetura, a nova estética italiana constituiu um<br />

obstáculo aos mestres-pedreiros habituados aos sistemas construtivos góticos. A escultura compreendeu a<br />

renovação formal e criou um novo universo plástico que se reflete na Igreja Matriz de Caminha, cuja capela<br />

e o fronteiro portal lateral são obras claramente proto-renascentistas.<br />

Leonardo da Vinci [Leonardo di ser Piero da Vinci]<br />

Leonardo da Vinci nasceu em 15/04/1452. Existem dúvidas sobre o lugar de seu nascimento: para alguns<br />

historiadores, seu berço foi uma casa de Anchiano, uma localidade de Vinci, enquanto para outros, foi o próprio<br />

lugar de Vinci, situado na margem direita do rio Arno, perto dos montes Albanos, entre Florença e Pisa. Foi um<br />

dos mais notáveis pintores do Renascimento e possivelmente seu maior gênio, por ser também anatomista,<br />

engenheiro, matemático músico, naturalista, arquiteto e escultor. Suas idéias científicas quase sempre ficaram<br />

escondidas em cadernos de anotações, e foi como artista que obteve reconhecimento de seus contemporâneos.<br />

Estagiou no estúdio de Verrochio (importante artista da época), em Florença. Mudou-se para Milão em 1481,<br />

onde trabalhou para a corte de Ludovico Sforza. Até 1506 Leonardo trabalhou principalmente em Florença e tudo<br />

indica que nesta época tenha pintado a Mona Lisa, sua obra mais famosa. Entre 1506 e 1516, viveu entre Milão e<br />

Roma. Convidado por Francisco I , viajou para a França em 1516, onde faleceu no ano de 1519.<br />

Rafael [Raffaello Sanzio, pintor, arquiteto] (1483-1520)<br />

Rafael é um dos únicos pintores que mereceram a honra de serem sepultados no Vaticano. Considerado por<br />

antonomásia um dos artistas clássicos de sua época, esse pintor oriundo de Urbino soube combinar em sua<br />

obra as linhas puras de Michelangelo e o sfumato poético de Leonardo. Aos 30 anos já era considerado por<br />

muitos o grande mestre do cinquecento. Depois da morte do pai, Rafael se mudou para Perugia, com a<br />

finalidade de se formar sob a tutela do pintor Perugino, cuja influência foi fundamental para suas obras<br />

posteriores. Em seus primeiros quadros descobrem-se o lirismo e a arte do mestre, tanto na delicadeza das<br />

figuras quanto no tratamento da perspectiva na paisagem. Suas primeiras obras são encargos da nobreza<br />

florentina. Nelas, graças ao estudo das obras de Da Vinci e Michelangelo, seu estilo tão característico<br />

começa a se firmar paulatinamente. São dessa época os numerosos afrescos da Sagrada Família. No ano<br />

de 1508, com a morte de Bramante, Rafael é nomeado arquiteto oficial do Vaticano. Deve então se mudar<br />

para Roma. Aí tomaram forma seus afrescos mais importantes: as residências de veraneio dos papas Júlio<br />

II e Leão X. Também desenhou os motivos dos tapetes e dos afrescos das abóbadas. Em pouco tempo,<br />

devido ao volume do trabalho, teve de deixar muitos deles nas mãos de ajudantes. As reformas<br />

arquitetônicas lhe tomam mais tempo do que imaginava. Deve-se a Rafael a acertada mudança da planta<br />

central da catedral de São Pedro de cruz grega para latina. Em suas obras nas casas de veraneio do<br />

Vaticano -A Disputa, A Escola de Atenas e Heliodoro Rafael introduz as linhas fundamentais da nova<br />

corrente maneirista: arquitetura desmedida, agrupamentos geométricos de figuras em intensa superposição<br />

de planos e modelagem exagerada da anatomia, com estudadas e complicadas torsões musculares.<br />

Sandro Botticelli [Alessandro di Mariano Filipepi], Florença, (1445? - idem, 1510)<br />

Pintor italiano. Tem estudos literários e forma-se como discípulo de Fra Filippo Lippi. A partir de 1470 tem a sua<br />

própria oficina, começa a trabalhar para os Médicis e recebe numerosas encomendas. Em 1478 já alcança a<br />

maturidade que representa um quadro maravilhoso, A Primavera. Em 1480 leva a cabo notáveis pinturas murais na<br />

Igreja de Todos os Santos de Florença, sua cidade natal. Uma ano mais tarde está em Roma, onde faz parte da<br />

equipa encarregada das composições murais para a Capela Sistina. Em 1482 já está de regresso a Florença, onde<br />

tem numerosas encomendas: mártires, crucificados, virgens, a Pietà... Cerca de 1485 pinta as quatro tábuas da<br />

História de Nastagio degli Onesti (três delas conservam-se no Museu do Prado de Madrid). Cerca de 1490 começa<br />

uma série referente à Divina Comédia de Dante. Os seus últimos anos vêem-se ensombrados pelas dificuldades<br />

económicas. Botticelli é o pintor mais notável da segunda metade do século xv. É um homem culto e de<br />

temperamento artístico apaixonado. Vive com o coração a aparição do humanismo na corte de Lorenzo de Médicis.<br />

No final da sua vida, influenciado pelas prédicas de Savonarola, reformador religioso que propugna a austeridade,<br />

deixa de tratar temas mitológicos e profanos e renuncia aos achados da perspectiva, voltando assim a uma pintura<br />

medieval (A Natividade Mística). Como Gozzoli e Ghirlandaio, Sandro Botticelli desenvolve uma pintura narrativa.<br />

Trata com nova amplitude temas não só profanos, mas inclusive de mitologia pagã. Os seus personagens são<br />

sensuais, delicados, melancólicos. Botticelli é um grande pintor da Virgem. Em contraposição às Virgens de Fra<br />

Angélico, que expressam a beatitude e a contemplação de Deus, as de Botticelli apresentam um olhar de sonho e<br />

uma expressão melancólica, quase triste. É também pintor de Epifanias.No domínio do profano tem obras de<br />

inspiração literária, como as cenas da Historia de Nastagio degli Onesti, do Decameron. Entre as obras de temas<br />

pagãos, a mais notória é O Nascimento de Vénus. Uma Vénus carregada de simbolismo, pois no ambiente<br />

neoplatónico dos Médicis, ao qual Botticelli pertence, Vénus representa o humanismo, a harmonia, a beleza ideal.<br />

A Primavera é uma composição alegórica povoada por figuras principalmente femininas: Vénus, Flora, Natura,<br />

Primavera, as Graças, Cupido, Céfiro... Os nus de mulher são belíssimos. Os corpos, cobertos por véus<br />

transparentes, estão enfeitados por cabeleiras doiradas. Cabe também citar A Calúnia e Vénus e Marte.<br />

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Ticiano (c. 1487-1576) [Tiziano Vecellio]<br />

Pintor italiano, activo em Veneza. É considerado um dos maiores artistas do renascimento pleno. Em<br />

1533, foi nomeado por Carlos V pintor da corte, tendo Filipe II, que lhe sucedeu, sido patrono de Ticiano.<br />

O trabalho do pintor revela um rico colorido e esquemas compositivos muito inventivos. Executou<br />

inúmeros retratos, pintura de temática religiosa e mitológica em que se incluem Baco e Ariadne<br />

(1520-1523), hoje na National Gallery (Londres), Vénus e Adónis (1554), no Museu do Prado (Madrid) e<br />

a Pietà (c. 1575), na Accademia (Veneza). Ticiano foi provavelmente discípulo de Giovanni Bellini, mas<br />

também aprendeu muito pelo contacto com Giorgione, pensando-se que tenha acabado algumas das<br />

obras deixadas incompletas por este pintor, como Vénus Adormecida (c. 1510), na Gemäldegalerie<br />

(Dresda). A sua primeira obra de vulto foi a Assunção da Virgem (1518), na igreja dos Frari (Veneza). O<br />

brilhante uso da cor é visível nas três grandes telas com cenas mitológicas que executou nos anos<br />

seguintes para a família d’Estes, de Ferrara, com numerosas figuras influenciadas pelos cânones da<br />

escultura clássica. Por volta de 1530, a reputação de Ticiano estava já firmada. A sua Vénus de Urbino<br />

(1538), hoje Galeria dos Uffizi (Florença), com a sua subtileza de gradações foi também um significativo<br />

passo no estudo do nu. Ticiano provocou, com a sua pintura, (crescentemente liberta e com uma paleta<br />

mais sombria ao longo dos anos) um grande impacto, quer na pintura veneziana, quer na arte européia.<br />

Michelangelo (c. 1475-1564) [“Miguel Ângelo" di Ludovico Buonarroti Simoni]<br />

Escultor, pintor, arquiteto e poeta italiano (Caprese, 6-III-1475 - Roma, 18-II-1564). Muito moço começou a<br />

estudar pintura com Domenico Ghirlandaio, em Florença. A partir de 1489 voltou-se para a escultura, que<br />

estudou com Bertoldo. Falecendo Lourenço o Magnífico, seu protetor, transladou-se para Veneza, onde<br />

trabalhou no sarcófago de são Domingos. Pouco depois regressou a Florença, ali realizando um de seus<br />

mais famosos trabalhos no campo da escultura -o David. Com essa obra adquiriu grande nomeada, e graças<br />

a ela foi chamado em seguida a decorar (juntamente com Leonardo da Vinci) a sala do Grande Conselho,<br />

em Florença. De tal incumbência não se desobrigou jamais, embora executasse diversos desenhos<br />

preparatórios para afrescos.<br />

Em 1505, foi chamado a Roma para executar na abside de São Pedro, o túmulo de Júlio II, projeto que<br />

logo abandonou. Entre 1508 e 1512 pintou no teto da capela Sistina, os gigantescos afrescos hoje tidos<br />

como sua obra-prima em pintura — e dos quais o mais notável é A Criação de Adão. Júlio II faleceu em<br />

1513, e Michelangelo novamente trabalhou em seu túmulo. Concluídas as estátuas de Moisés, da Vida<br />

Ativa e da Vida contemplativa — a primeira é uma de suas criações mais altas — abandonou<br />

definitivamente esse trabalho.<br />

Deixando Roma em 1527, para se instalar em Florença, logo depois foi chamado a decorar a parede da<br />

retaguarda da capela Sistina, vinte e quatro anos após a execução dos afrescos do teto. Pintou, então,<br />

O Juízo Final, cuja elaboração durou cinco anos, e que se alinha entre as obras-primas da arte universal.<br />

Em 1542, enceta a realização de dois afrescos na capela Paolina, no Vaticano, concluindo-os nove anos<br />

depois. Essa será a última obra de Michelangelo no campo da pintura, e no conjunto de suas criações<br />

ocupará lugar apenas discreto. A partir de 1550, Michelangelo — que aparentemente não tinha maiores<br />

predileções pela pintura, e sim pela arquitetura, e principalmente pela escultura — será somente<br />

escultor e arquiteto. Cultivará ainda a poesia, sendo autor de uma coletânea de Rimas.<br />

Sobre a pintura de Michelangelo influíram a arte de Massacio e a de Luca Signorelli. Os afrescos<br />

executados pelo primeiro na capela Brancacci foram objeto de minuciosos estudos, de parte de autor do<br />

Juízo final. Mas à grandiosidade de Masaccio alia Michelangelo maior liberdade de gestos e atitudes,<br />

enquanto de seus personagens titânicos se irradia uma sensação de movimento virtualmente oposta à<br />

estática masacciana, graças à arrojada disposição espacial que lhes emprestou o artista, e que<br />

repercutiria intensamente sobre a arte dos séculos futuros.<br />

Michelangelo foi, como seu grande rival, Leonardo da Vinci, um gênio criador e um talento universal,<br />

ocupando lugar de primeiríssimo plano entre os mais ilustres representantes da Renascença italiana.<br />

Espírito inquieto, temperamento irascível, num tempo que era costume identificar gênio e loucura.<br />

Michelangelo viveu intensamente o drama moral e religioso de sua época, tendo sido na mocidade<br />

adepto de Savonarola, e mais tarde do evangelismo anti-reformista do papa Paulo III.<br />

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HISTÓRIA DA ARTE – PROF. ROGERIO LIMA<br />

GLOSSÁRIO<br />

ACADEMIA. Pintura ou desenho do nu -masculino, de início, feminino depois -executado não como um fim em si<br />

mesmo, porém como parte de uma aprendizagem levada a cabo numa oficina ou academia de arte. No Brasil, coube<br />

ao pintor Manuel Dias de Oliveira -o Brasiliense ou o Romano -introduzir a prática da academia, em sua Aula Pública<br />

de Desenho e Figura criada no Rio de Janeiro em fins de 1800. As aulas de nu eram efetuadas à noite, posando<br />

como modelo um indivíduo já maduro, "descarnado, mesmo malfeito" -como escreveu, no Spectador Brasileiro de 12<br />

de agosto de 1826, anônimo missivista que se assina "O Carioca Constitucional B.F.G.".<br />

ACRÍLICA, Pintura. Pintura que utiliza como medium uma resina acrílica em emulsão. Tem merecido as<br />

preferências de diversos artistas, sobretudo porque seca mais rapidamente que a pintura a óleo. No Brasil, onde vem<br />

sendo empregada desde a década de 1960, destacam-se entre os seus cultores Aldemir Martins Benjamim Silva e<br />

Antonio Maia, entre outros<br />

AFRESCO. Técnica de pintura mural que consiste em aplicar os pigmentos, diluídos num veículo aquoso, ao reboco<br />

ainda fresco de uma parede. Os pigmentos entranham no reboco, combinando-se quimicamente com ele, o que<br />

evita que a pintura se desprenda. Essa técnica, denominada igualmente buon fresco, tem sido pouquíssimo<br />

praticada no Brasil, destacando-se, entre seus cultores, Emeric Marcier, Fulvio Pennacchi, Antonio Gomide, Samson<br />

Flexor e poucos mais.<br />

AQUARELA. Técnica de pintura (ou, mais adequadamente, de desenho) que consiste em aplicar, sobre um suporte<br />

de papel, cores dissolvidas em água e aglutinadas com goma arábica, mel, açúcar ou outra substância similar.<br />

Conhecida já no Egito do Séc. II d. C., e utilizada em tempos medievais para iluminar manuscritos ou colorir<br />

xilografias, a aquarela alçouse ao nível de grande arte com Albrecht Dürer, mas só com os paisagistas ingleses de<br />

fins do Séc. XVIII e começos do Séc. XIX atingiria seu ponto máximo de desenvolvimento.<br />

ARTE BRUTA. O equivalente em Português ao Francês Art Brut, expressão criada pelo pintor Jean Dubuffet para<br />

designar um tipo de criação artística produzido por crianças, psicóticos etc. no qual a matéria artística manifesta-se<br />

como que em estado bruto -caso, por exemplo, da produção de Arthur Bispo do Rosário, entre outros artistas<br />

brasileiros.<br />

ARTE COMPUTADOR. O equivalente em Português ao Inglês Computer Art; designando a arte produzida com<br />

utilização de computadores. Os primeiros exemplos de arte computador surgidos no Brasil deveram-se a Waldemar<br />

Cordeiro, trabalhando com Giorgio Moscati em 1968.<br />

ARTE FRACTAL. Aquela produzida em conformidade com os postulados da estética fractal, por sua vez nascida em<br />

decorrência da descoberta em 1975, pelo matemático Mandelbrot e pelos estudiosos da Teoria do Caos, de uma<br />

nova geometria à qual foi dado o nome de fractal. Agindo intuitivamente, os artistas fractalistas não pretendem ilustrar<br />

com suas obras a teoria científica fractal, e por outro lado diferenciam seu trabalho do dos que operam com imagens<br />

simplesmente obtidas por meio de programas especiais de computação. No Brasil, pioneiros da Arte Fractal já desde<br />

fins dos anos 60 foram Frans Krajcberg, Domenico Calabrone e Maria Bonomi os quais, com vários outros artistas,<br />

arquitetos, fotógrafos, músicos e poetas brasileiros e de outras nacionalidades integram o IFAG -International Fractal<br />

Art Group, surgido em São Paulo nos anos iniciais da década de 1990.<br />

ARTE POSTAL Também chamada Arte Correio, Arte por Correspondência, Arte a Domicílio. Forma de expressão<br />

antiartística, anti-comercial e anti-sistêmica na qual são utilizados desenhos, colagens, textos, xerox, propostas,<br />

carimbos, inscrições etc., executados sobre envelopes depois remetidos por via postal a um ou mais receptores. O<br />

pioneiro da Arte Postal teria sido Marcel Duchamp em 1916, mas o novo meio surgiria de fato apenas em 1960, nos<br />

Estados Unidos, com Ken Friedman e outros componentes do Grupo Flexus. Na década de 1970 inúmeras foram as<br />

exposições de Arte Postal realizadas em vários países, inclusive no Brasil, onde em 1975 Paulo Bruscky e Ypiranga<br />

Filho realizaram a 1ª Exposição Internacional de Arte Postal. A 27 de agosto de 1976, no auge da repressão militar,<br />

abriu-se a II Exposição Internacional de Arte Postal, no saguão do edifício-sede dos Correios em Recife, com a<br />

participação de 3.000 trabalhos de artistas de 21 países: fechada pela Polícia minutos depois de inaugurada, seus<br />

organizadores Paulo Bruscky e Daniel Santiago foram detidos por três dias, e os trabalhos só liberados 30 dias<br />

depois.<br />

ARTEÔNICA. Qualquer tipo de produto artístico realizado mediante o uso de recursos eletrônicos de comunicação. O<br />

vocábulo aparece no título de uma exposição realizada em São Paulo em março de 1971 na Fundação Armando<br />

Álvares Penteado -"Arteônica: o uso criativo de meios eletrônicos nas artes" -apresentada por Waldemar Cordeiro.<br />

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ASSINATURA. Marca ou sinal pessoal, representado pelo nome do artista, suas iniciais ou mesmo um arabesco ou<br />

rubrica, aposto a uma pintura, de modo a lhe particularizar a autoria. O hábito de assinar pinturas aparece tardiamente,<br />

no Brasil: com as raríssimas exceções de sempre, irá tornar-se comum somente a partir de fins do Séc. XVIII. Não<br />

que os artistas de épocas anteriores não tivessem consciência de sua individualidade, mas porque não os seduzia a<br />

posteridade; mesmo porque ou eram religiosos, ou leigos trabalhando para a glória de Deus e dos seus santos,<br />

preferindo modestamente o anonimato. A assinatura do grande pintor colonial do Rio de Janeiro Frei Ricardo do Pilar<br />

não aparece por exemplo em nenhuma de suas pinturas, mas -uma única vez -em sua Profissão de Fé que é de<br />

1695.<br />

ATRIBUÍDA. Pintura não assinada que, por motivos ponderáveis de natureza estilística ou histórica, pode ser<br />

imputada a determinado pintor. O historiador Valentín Calderon, após demoradas comparações estilísticas, foi<br />

levado a atribuir a uma só mão as várias pinturas antigas que ornam ainda hoje a capela-mor da Catedral de<br />

Salvador; e como tais pinturas datam do terço final do Séc. XVII, época em que apenas um pintor -o jesuíta<br />

Domingos Rodrigues -trabalhou naquele templo, concluiu pela autoria de Domingos Rodrigues para todas aquelas<br />

pinturas.<br />

AUTO-RETRATO. Uma pintura na qual o artista ele próprio se representou, parcialmente ou de corpo inteiro,<br />

isoladamente ou em grupo. Entre os pintores brasileiros que mais produziram auto-retratos é lícito destacar Eliseu d'<br />

Angelo Visconti, José Pancetti e Emeric Marcier.<br />

AZULEJARIA. O vocábulo Azulejo, que deriva do árabe al-zullavcha, pedra cintilante, e nada tem a ver, por<br />

conseguinte, com azul, designa uma pequena placa de barro cozido, de forma regular, geralmente quadrada, tendo<br />

uma das faces esmaltada, com motivos decorativos geométricos ou figurativos, e servindo para o revestimento<br />

arquitetônico, em padrões repetitivos ou em painéis representando grandes composições figuradas.<br />

O verdadeiro azulejo, de origem árabe ou bérbere, foi introduzido na Europa através da Península Ibérica e da Itália<br />

Meridional ao tempo das grandes invasões islâmicas, encontrando na Espanha, em Portugal, na Itália e<br />

posteriormente na Holanda solo propício onde se desenvolver. Em Portugal, os mais antigos azulejos recuam ao<br />

Séc. XVI. Monocrômicos, formam arranjos enxaquetados ou enxadrezados. Sucedem-se, a esses azulejos<br />

chamados de caixilho, os azulejos de lacaria e rosas, tricrômicos e com ornamentação abstrata. Só do Séc. XVII em<br />

diante ocorrem azulejos em azul e branco, que terminariam por se impor quantitativamente.<br />

O criador do azulejo artístico português figurado foi Antonio de Oliveira Bernardes, ativo entre 1690 e 1720, e que<br />

criou uma verdadeira escola de azulejaria. À medida que o Séc. XVIII avança, nota-se a crescente influência da<br />

azulejaria holandesa de Delft. Por volta de 1740, diminui a utilização dos grandes painéis figurados, verificando-se a<br />

retomada de uma azulejaria mais singela. No fim do Setecentos aparecem os azulejos de grinalda e os de rosácea,<br />

que sobreviveriam até começos do Séc. XIX. No Oitocentos, finalmente, o azulejo passa a ser produto<br />

semi-industrial, estampilhado, com predomínio da ornamentação floral e da coloração policrômica ou azul e branca.<br />

O azulejo português, transplantado para o Brasil, aqui se desenvolveu substancialmente, tendo sido certamente a<br />

maior contribuição brasileira à arte do azulejo o revestimento de fachadas e muros externos, porquanto em Portugal<br />

os azulejos eram empregados exclusivamente no revestimento interno (Santos Simões). Não admira que a imensa<br />

maioria dos azulejos encontrados no Brasil -notadamente na Bahia, em Pernambuco, no Maranhão e no Rio de<br />

Janeiro -sejam de origem portuguesa, muito embora Santos Simões tenha encontrado azulejos holandeses<br />

figurados no Convento e Igreja de Santo Antonio, em Recife.<br />

Após a Independência começa a importação de azulejos franceses, alemães e belgas, sem que cesse de todo a<br />

utilização de peças portuguesas. Por volta de 1861, Survillo & Cia. fabricam, em Niterói (RJ), os primeiros azulejos<br />

brasileiros, que gradativamente começam a substituir os estrangeiros na aceitação geral.<br />

Entre os mais belos espécimes de azulejaria conservados no Brasil destacam-se os conjuntos do claustro do<br />

Convento de São Francisco em Salvador e da Matriz do Rosário em Cachoeira (BA), os da Capela Dourada e da já<br />

citada Igreja de Santo Antonio, em Recife, e da Igreja da Misericórdia, em Olinda (PE); os do Convento de Santo<br />

Antonio (PA), e da Igreja da Glória do Outeiro (RJ).<br />

Por longos anos caído em desuso, o azulejo conheceu uma fase de admirável revitalização quando arquitetos como<br />

Lúcio Costa, em começos da década de 1940, tentaram restabelecer o uso da azulejaria no revestimento<br />

arquitetônico, momento em que Portinari desenhou e Rossi Osir executou os painéis de azulejos para o edifício-sede<br />

do Ministério da Educação, no Rio de Janeiro (OSIRARTE).<br />

CARNAÇÃO. Numa imagem religiosa, a camada de pintura que reveste as partes não-cobertas da anatomia,<br />

simulando a cor e a textura da carne humana. A carnação era feita geralmente a óleo, depois polido, por pintores ou<br />

por artesãos especializados, os encarnadores. Durante o período colonial, muitos pintores, inclusive dos mais<br />

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importantes, incumbiramse, ao lado de obras maiores, de pintura de painéis ou de tetos, de trabalhos de encarnação<br />

ou de douramento. Assim, Manoel da Costa Ataíde encarnou em 1805 as imagens de São Roque, Santo Ivo, São<br />

Francisco, do Pontífice, de São Luís e de dois Cardeais para a Igreja de São Francisco de Ouro Preto.<br />

CATALOGUE RAISONNÉ. Expressão francesa utilizada internacionalmente para designar o catálogo completo da<br />

produção de determinado artista, com indicações como origem, medidas, técnica, natureza do suporte, detalhes de<br />

assinatura e datação, bibliografia e ainda outros dados que caracterizem perfeitamente cada obra, da qual é também<br />

fornecida uma ilustração fotográfica. No Brasil foram raros até hoje os pintores que mereceram os cuidados de um<br />

catalogue raisonné, entre eles Tarsila do Amaral (Aracy A. Amaral) e Pancetti (José Roberto Teixeira Leite).<br />

COLAGEM. O equivalente em português ao francês collage, termo que designa um recurso fartamente empregado<br />

por dadaístas e surrealistas, e que consiste na utilização em pinturas de pedaços de papel ou jornal, bilhetes de metrô,<br />

fotografias, cartões postais, cromos e materiais análogos. A força expressiva de uma colagem reside na justaposição<br />

inesperada e não raro chocante de imagens ou fragmentos de imagens despojados de seus significados originais, e<br />

que por isso mesmo causam, no espectador, um impacto psicológico capaz de, no dizer dos surrealistas, "liberar as<br />

fantasias mais recônditas do subconsciente".<br />

CONSERVAÇÃO e Restauração de Pinturas. Chama-se conservação ao conjunto de técnicas e processos<br />

destinados a preservar uma pintura contra os fatores que lhe afetam a integridade, abreviam-lhe a duração e<br />

terminam por destruí-la; restauração é uma verdadeira cirurgia estética, aplicada na medida do necessário a pinturas<br />

já afetadas. O correto tratamento de uma pintura consistirá, por conseguinte, em tentar prolongar ao máximo sua<br />

existência física (conservação), mediante um mínimo de intervenção recuperadora (restauração). Esse tratamento é<br />

antes de mais nada uma operação de natureza técnica, mas implica também em considerações de ordem estética.<br />

A conservação adequada de uma pintura requer medidas como o controle da temperatura ambiente, da umidade e<br />

da exposição à luz, fácil sendo concluir que, no Brasil, onde raríssimos museus dispõem dos recursos necessários<br />

para esse tipo de controle, ainda se está muito longe das condições ideais de preservação, só encontráveis em<br />

países de avançada tecnologia, como Estados Unidos, Japão, Alemanha, Países Baixos, Bélgica, Itália, Reino Unido<br />

e Canadá, entre poucos mais. Quanto às operações de restauro mais comuns citem-se a simples limpeza, a remoção<br />

dos vernizes, o retoque, a parquetagem ou consolidação do suporte, a transposição, etc.<br />

A história da conservação e da restauração, no Brasil, abrange um período empírico, que vai do séc. XIX até a criação,<br />

em 1947, do Laboratório Técnico do Serviço do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional -confiado a Edson Motta, que<br />

concluíra dois anos de estágio na Universidade de Harvard, como aluno de George Stout, R. Gettens e Richard Buck<br />

-, e um período a que chamaríamos científico ou técnico, daquela criação até nossos dias. Edson Motta também foi o<br />

responsável pela formação de uma nova geração de restauradores, lecionando desde 1951 na então Escola<br />

Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro Teoria, Conservação e Restauração de Pintura. Uma lista de profissionais<br />

que se destacaram no campo da restauração de pinturas, entre nós, certamente abrangeria, além do próprio Edson<br />

Motta, Luís Carlos Palmeira, Fernando Barreto, Marilka Mendes, Carlota Santos, João José Rescala, Jordão de<br />

Oliveira, Ado Malagoli, Claudio Valério Teixeira, Sergio Lima, Jair Afonso Inácio, Renzo Gori, Sartori, Thomas<br />

Christian Brixa e Marino Cardini.<br />

CONTRAFAÇÃO. É a cópia de uma pintura, apresentada como se fosse a pintura original. A principal característica<br />

da contrafação é a utilização de um modelo, imitado em seus mínimos detalhes de técnica, cromatismo,<br />

envelhecimento e desgaste, com apelo a suportes e materiais apropriados<br />

CÓPIA. Pintura cuja finalidade é reproduzir servilmente outra, original; quando feita pelo próprio autor da original,<br />

chama-se réplica.<br />

Existem diferentes tipos de copistas, desde o aluno que tenta aprimorar-se reproduzindo o original de um mestre, até<br />

ao criminoso interessado em impingir como original uma imitação ou cópia. Por outro lado, bons pintores realizaram<br />

cópias de célebres originais alheios -caso, por exemplo, de Oscar Pereira da Silva, que copiou o Descanso do<br />

Modelo,de Almeida Júnior. Do mesmo modo, antes do advento e da generalização da Fotografia, o único jeito de se<br />

obter a duplicação de uma pintura era fazê-la copiar por um pintor, expediente esse que explica o avultado número de<br />

retratos de Dom Pedro I, de Dom Pedro II e de outras personalidades imperiais, ainda hoje existentes em óleos<br />

não-assinados.<br />

Finalmente, em leilões e antiquários, coleções particulares e até em museus não é incomum encontrarem-se velhas<br />

cópias de originais menos conhecidos de famosos mestres europeus, apresentadas como se fossem os originais eles<br />

próprios.<br />

COR INEXISTENTE. Efeito tecnicamente controlável de percepção visual de cores em contraste, verificável em<br />

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função da distância em que se posta o espectador, dos tons de cor primária e da forma que esses assumem em dada<br />

pintura. O domínio da cor inexistente deveu-se ao pintor Israel Pedrosa em 1967, após cerca de 15 anos de<br />

experimentações com a cor, a partir de 1951. O próprio Israel Pedrosa assim explicou o porquê da denominação:<br />

A descoberta a que chamei domínio da cor inexistente é o controle prático do fenômeno produzido por uma<br />

cor-pigmento em várias gamas, levada ao paroxismo, resultando na produção de uma cor complementar que<br />

poderemos chamar de inexistente, se analisada do ângulo da cor-pigmento, pois tal complementar, não tendo sido<br />

pintada, não existe como cor/pigmento. Daí sua denominação de cor inexistente em sua utilização estética.<br />

A descoberta da cor inexistente valeu a seu autor o Prêmio Thomas Mann, instituído pela Embaixada da então<br />

República Federal da Alemanha, com o qual Israel Pedrosa viajou por esse país, dando palestras e demonstrações<br />

práticas.<br />

CURADOR. Neologismo originado do Inglês Curator e de uso corrente em anos recentes no Brasil para designar o<br />

profissional, crítico de arte ou teórico, a quem compete a curadoria, ou seja, a concepção, conceitualização,<br />

concretização e supervisão geral de uma exposição de arte em seus menores detalhes, incluindo seleção de obras,<br />

contato com autores ou proprietários, seguro, embalagem, transporte, montagem, divulgação etc., feitos<br />

pessoalmente ou o mais das vezes por meio de agentes e pessoal especializado, além do preparo do respectivo<br />

catálogo, contendo um estudo crítico introdutório, relação descritiva e reprodução fotográfica de obras expostas, além<br />

de outros dados técnicos julgados necessários.<br />

DECORATIVA, Pintura. 1. Diz-se de uma pintura que complementa a arquitetura de uma igreja, de um palácio e<br />

assim por diante. Nesse sentido, pode-se falar na pintura decorativa de um José Soares de Araújo, em Minas Gerais,<br />

durante o Séc.<br />

XVIII. 2. Representação pictórica que se realiza por ocasião de uma grande festividade pública, como um casamento<br />

real, uma coroação, uma entrada triunfal, etc. Assim, Jean-Baptiste Debret organizou, em 6 de fevereiro de 1818, a<br />

pintura decorativa e mais serviços de ornamentação do Rio de Janeiro, quando da Aclamação de Dom João VI como<br />

Rei de Portugal, Brasil e Algarve. 3. Num terceiro significado, esse de natureza depreciativa, diz-se de uma pintura na<br />

qual o elemento ornamental, decorativo, supera o expressivo ou o emocional.<br />

DOURAMENTO. Revestimento em ouro de imagens, retábulos, tocheiros, peanhas etc., do qual se ocupavam<br />

comumente, durante o período colonial, os pintores artísticos. A 22 de maio de 1823, Manoel da Costa Ataide ajustou<br />

pela soma de 1:300$000 a pintura e douramento da Capela da Senhora do Rosário dos Pretos e do altar-mor da<br />

Igreja de Nossa Senhora do Rosário, em Mariana, trabalho esse concluído a 23 de janeiro de 1826, e que consistiu,<br />

no que respeita ao douramento, em raspagem e limpeza da madeira, aplicação de gesso, cola de pelica, nova<br />

camada de gesso, pintura à base de tinta fosca, lixamento, aplicação do bolo armênio (argila vermelha),<br />

assentamento de lâminas ou pães de ouro e brunidura final<br />

ENCÁUSTICA. Técnica de pintura já praticada no Egito e na Grécia, e que consiste em misturar os pigmentos em<br />

cera aquecida (de onde seu nome, do Grego Encaustikos, preparado com fogo), assim aplicando-os ao suporte.<br />

Entre suas propriedades acham-se a durabilidade e sobretudo a possibilidade de traduzir maravilhosamente a<br />

aparência das formas e cores naturais, de vez que, sendo a cera translúcida, a superfície da pintura assemelha-se<br />

quase a uma epiderme humana -o que explica a estranha sensação de vida que ainda hoje se evola dos retratos de<br />

múmias achados em Fayyum, no Egito, os quais recuam aos séculos iniciais da Era Cristã. Por outro lado, a pintura a<br />

encáustica não se adultera, jamais amarelecendo ou escurecendo, e também não é afetada por craquelures, ou<br />

rachaduras.<br />

A fórmula da encáustica perdeu-se durante a Idade Média e foi desconhecida dos pintores renascentistas e barrocos,<br />

tendo cabido a Caylus refazê-la, em 1752. Mesmo assim, o processo jamais se tornaria popular, raríssimos tendo sido<br />

os pintores que dele fizeram uso -entre eles devendo ser mencionado, no Brasil Eugenio de Proença Sigaud<br />

(1899-1979).<br />

ESTOFAMENTO. Numa imagem religiosa, a camada de pintura aplicada para simular a indumentária, opondo-se<br />

assim a carnação, que é a pintura em simulação da carne, isto é, das partes desnudas da figura. Era comum, durante<br />

todo o período colonial, que os pintores se ocupassem, indiscriminadamente, tanto da pintura propriamente artística,<br />

em painéis e tetos, obras de cavalete, etc., quanto de trabalhos de menor importância, dourando retábulos,<br />

encarnando ou estofando imagens. O pintor baiano Domingos Duarte de Almeida, por exemplo, que trabalhou entre<br />

1781 e 1819 no Convento do Desterro, em Salvador, ainda nesse último ano recebeu 82$000 pela encarnação,<br />

estofamento e douradura de dois anjos tocheiros da capela-mor.<br />

ESTUDO. A primeira versão, geralmente apenas esboçada e em dimensões menores, de uma obra de pintura a que<br />

posteriormente o autor dará acabamento. Por sua própria contingência, reveste-se de uma espontaneidade e de uma<br />

27

frescura de execução que nem sempre o original concluído conservará. Os estudos foram muito comuns entre os<br />

pintores brasileiros do Séc. XIX e começos do Séc. XX, tombando a seguir em desuso. O Descanso do Modelo, de<br />

Almeida Júnior, cuja versão definitiva se acha no Museu Nacional de Belas Artes, foi precedido, por exemplo, por<br />

vários estudos, de pequeno formato e não-assinado.<br />

EXPERTISE. Palavra francesa de uso internacional para designar um documento, geralmente escrito à mão no dorso<br />

de uma foto em preto e branco, no qual um especialista -perito ou expert -opina sobre a autenticidade de determinada<br />

pintura. Tal documento transforma-se assim numa espécie de certidão oficial da obra a que se refere, servindo-lhe de<br />

aval, tanto mais válido quanto maior a reputação daquele que o assina.<br />

Uma expertise evitará fazer menção a preços e a contingências de mercado, limitando-se a considerações objetivas<br />

sobre a obra em estudo no que se refere a técnica, tema, dimensões, suporte, estado de conservação, características<br />

de assinatura e todas as demais que se fizerem necessárias, bem como esclarecerá sobre se tal pintura foi<br />

examinada pessoalmente ou através de fotografia, com auxílio de aparelhos e técnicas especiais etc.<br />

Freqüentemente, as expertises são fornecidas por historiadores e críticos de arte, professores ou pesquisadores<br />

especialmente capacitados a falarem com autoridade sobre determinado pintor, ou determinado período ou escola de<br />

pintura, sendo menos confiáveis aquelas expedidas por comerciantes, que se pressupõem interessados.<br />

Obrigatórias em vendas públicas em diversos países, como a França por exemplo, as expertises são ainda<br />

facultativas no Brasil, funcionando como garantia de vendas, em casos de avaliações para fins de seguro,<br />

partilha etc. Paradoxalmente, já<br />

o Decreto-Lei nº 25, de 30 de novembro de 1937, que organizou a proteção do patrimônio histórico e artístico<br />

nacional e se acha em pleno vigor, fala especificamente na obrigatoriedade das expertises em vendas de obras<br />

de arte de qualquer natureza, manuscritos e livros raros ou antigos, estipulando em seu art. 28 e respectivo<br />

parágrafo único:<br />

-Nenhum objeto de natureza idêntica à dos referidos no art. 26 desta Lei poderá ser posto à venda pelos<br />

comerciantes ou agentes de leilões, sem que tenha sido previamente autenticado pelo Serviço do Patrimônio<br />

Histórico e Artístico Nacional, ou por perito em que o mesmo se louvar, sob pena de multa de 50% sobre o valor<br />

atribuído ao objeto. A autenticação do mencionado objeto será feita mediante o pagamento de uma taxa de<br />

peritagem de 50% sobre o valor da coisa, se este for inferior ou equivalente a um conto de réis, e de mais cinco<br />

mil réis por conto de réis ou fração que exceder.<br />

EX-VOTO. Pintura oferecida por alguém beneficiado por uma intervenção sobrenatural de Cristo, da Virgem Maria ou<br />

dos Santos, em memória da graça obtida, e exposta em igrejas ou capelas para edificação dos fiéis.<br />

FAISCADO. Pintura que imita a textura e a aparência do mármore, também chamada mármore fingido. Tais pinturas<br />

que fingiam mármore ou pedra foram comuns no período colonial. O baiano José de Souza Aguiar, falecido em 1757,<br />

obrigouse, em setembro de 1749, a executar diversas obras de pintura no cemitério e na Igreja da Ordem Terceira do<br />

Carmo, em Salvador, inclusive a pintura das tábuas das bocas das sepulturas com "fingimento de pedra".<br />

FALSIFICAÇÃO. Denominação genérica para qualquer pintura que, mediante meios fraudulentos, tenha sido<br />

executada para enganar outras pessoas, passando como obra original. A falsificação compreende diversos gêneros,<br />

como a truquage, a contrafação, o pasticho e a chamada falsificação integral, na qual o falsário imagina o tema e o<br />

desenvolve, adaptando sua técnica à do pintor que, com finalidade dolosa, deseja imitar.<br />

Tudo quanto possui valor já foi falsificado, pois a falsificação é conseqüência direta da valorização financeira da obra<br />

de arte; no entanto, as falsificações pictóricas são de longe as mais numerosas, mesmo porque foi imensa, em todo o<br />

Séc. XX, a valorização financeira experimentada pelas pinturas.<br />

Quase sempre, o falsário lança mão de um original, que modifica (truquage) ou copia (contrafação); os falsificadores<br />

mais requintados, porém, combinam as diferentes partes de diversos originais (pasticho), enquanto os de gênio, como<br />

Dossena, Bastianini ou Van Meegeren, a tal ponto assimilaram o estilo do artista e da época que o viu trabalhar, que<br />

quase chegam a criar, como se agissem mediunicamente.<br />

É mais fácil falsificar pinturas modernas -posteriormente a 1900 por exemplo -do que antigas, pois o falsário utiliza,<br />

nas modernas, materiais e técnicas que lhe são familiares. Para as pinturas tanto modernas quanto antigas existem<br />

porém numerosos testes físico-químicos capazes de desmascarar o engodo, a começar pelo exame dos pigmentos<br />

utilizados que proporcionam já um método de datação adequado -, pelo aspecto das rachaduras da camada pictórica<br />

e pelo teor de oxidação das tintas, chegando à análise à luz infravermelha ou ultravioleta, à radiografia etc.<br />

No Brasil são numerosíssimas as falsificações de pinturas, e já Olavo Bilac, numa crônica de 1904, afirmava a<br />

existência de bom número de falsos Castagnetos, a quatro anos de distância do falecimento do célebre marinhista.<br />

28

Uma lista de pintores brasileiros que se têm revelado os favoritos dos falsários incluiria decerto, além do já citado<br />

Castagneto, nomes como os de Pancetti, Guignard, Di Cavalcanti, Bonadei, Djanira, Volpi, Portinari e -entre os mais<br />

antigos -Visconti, Batista da Costa e Parreiras.<br />

FANTÁSTICA, Pintura. Segundo o velho Dicionário Técnico e Histórico de Assis Rodrigues, publicado em<br />

Lisboa em 1875 e ainda hoje digno de consulta, por Fantasia deve-se entender, em Belas Artes, "uma<br />

composição fantástica, nascida da imaginação caprichosa dos artistas, sempre mais ou menos fundada nos<br />

objetos da natureza. Daqui as produções singulares do gênio, como os ornamentos de capricho, as caricaturas,<br />

os grotescos, etc., por onde é costume dizer-se que tal artista é pintor de fantasias". De onde se conclui que<br />

fantástico deriva de fantasia, palavra que vem do Grego phantozomaí, facilidade de imaginação. É portanto pela<br />

imaginação que o pintor, partindo da realidade, atinge o fantástico, que outra coisa não é senão a ruptura da<br />

ordem natural, a subversão da lógica e do racional.<br />

FOTO-PINTURA. Uma fotografia ampliada que, retocada a óleo, guache ou pastel e colada sobre tela, dá a nítida<br />

impressão de uma pintura. Foi processo grandemente usado no Brasil, nos primórdios da arte fotográfica entre nós.<br />

Assim, num anúncio de janeiro de 1858, estampado no Correio Mercantil do Rio de Janeiro, Joaquim Insley Pacheco,<br />

fotógrafo e pintor, a ele se refere neste termos:<br />

-O ilustrado público pode visitar no nosso estabelecimento de ambrótipo um retrato sobre vidro por esse método, o<br />

qual reúne todas as vantagens da fotografia às da pintura a óleo, de tal perfeição que nem a máquina de Daguerre por<br />

si só, nem o pintor só com o pincel, pode conseguir tal semelhança, tanta finura de contornos nem tanta beleza. A isto<br />

acresce que se pode obter um retrato perfeito, igual ao do mais excelente pintor por um preço bastante módico.<br />

Novo anúncio publicado em 1862 num periódico do Rio de Janeiro, esse da Chaix Photographia, referia-se a "retratos<br />

fotográficos sobre tela de pintor, coloridos a óleo de tamanho natural". Nessa oficina, aliás, trabalhou, entre 1866 e<br />

1870, o pintor José dos Reis Carvalho, que fora aluno de Debret e se notabilizara como autor de naturezas-mortas e<br />

flores.<br />

Vários outros pintores se dedicaram a colorir fotografias, entre eles Ernst Papf e Henri Langerock, Auguste Moreau e<br />

Steffen. Tratava-se na maior parte dos casos de realçar cores em retratos, muito embora também ocorressem<br />

foto-pinturas decorativas, como as obtidas por Carlos Hoenen em São Paulo, com a ajuda do pintor vienense F.<br />

Piereck, conforme se lê no número de 30 de abril de 1878 de A Província de São Paulo:<br />

-Chama-se a atenção dos Srs. amadores das Belas Artes para um quadro feito neste estabelecimento, o qual é<br />

destinado para embelezar o teto da sala de jantar do novo e grande hotel do Sr. Glete, da rua de S. Bento. É obra<br />

própria para decorar as salas de luxo dos Srs. proprietários de palacetes.<br />

A voga das foto-pinturas foi tão grande, que em 1866 o próprio Vítor Meireles, analisando a II Exposição Nacional,<br />

sentiu-se na obrigação de se pronunciar sobre as mesmas, fazendo-o nesses termos:<br />

-Trata-se da arte de fazer um retrato a óleo de dimensão natural, sem grande incômodo para a pessoa que deseja ser<br />

retratada, sendo bastante o tempo indispensável de alguns minutos, a fim de obter-se unicamente um retrato nas<br />

dimensões de um cartão de visita, que depois serve para reprodução em grande, sobre papel ou diretamente sobre a<br />

tela. Este primeiro trabalho obtido é entregue ao pintor que, considerando-o já como um esboço, encarrega-se de<br />

colorir. Esta arte de retratar, que está hoje tão em moda, tem desgraçadamente de contribuir para o regresso da<br />

verdadeira arte, a qual só deveria ser exercida segundo os seus indeclináveis preceitos. Por este novo meio<br />

conhecido pelo nome de foto-pintura foram executados todos os retratos, que ali vimos expostos entre a fotografia, e<br />

que, se algum merecimento podem ter é certamente devido ao pintor, e não ao fotógrafo.<br />

FUNK ART ("Arte fétida"). Expressão inglesa de uso no jargão artístico internacional e a princípio aplicada para<br />

designar um tipo de arte produzido nos meados dos anos 50 por Bruce Connor e outros artistas norte-americanos<br />

ativos na área de San Francisco; tem sido em época mais recente utilizada, no Brasil inclusive, para caracterizar<br />

trabalhos híbridos de pintura e escultura que combinem ou empreguem materiais insólitos ou bizarros, enfocando não<br />

raro temas repulsivos, escatológicos ou francamente pornográficos.<br />

GRAFFITI. Inscrições, desenhos ou pinturas feitas em muros e paredes, geralmente de logradouros públicos. Os<br />

primeiros graffiti surgiram nos últimos anos da década de 1960, nos Estados Unidos da América, de onde se<br />

propagaram para as principais metrópoles do mundo ocidental -do Brasil inclusive. Primo pobre da arte muralista,<br />

dificilmente enquadráveis como ela -na categoria de grande arte, os graffiti caracterizam-se pela liberdade<br />

bem-humorada de leitura e pelo apelo ao onírico e ao fantástico, atingindo não raro aquela co-Realidade a que se<br />

refere o critico Olívio Tavares de Araújo:<br />

29

-Também na mesma linha estão alguns dos grafiteiros que, numa vigorosa floração, invadem nos últimos anos os<br />

muros das grandes capitais. Mas mesmo entre os grafiteiros, pode-se notar uma alta incidência poética de fantasia,<br />

humor e evasão. E parece-me que, mais do que reivindicar ou protestar, a tendência dominante hoje, no país, entre<br />

os artistas que procuram sair do cavalete e ampliar seu circuito de audiência, é a de intervir no espaço urbano com a<br />

intenção de nele instalar uma co-Realidade.<br />

Afastados do circuito tradicional da arte, voltando as costas ao mercado e à crítica, os grafiteiros são guerrilheiros<br />

estéticos que se recusam a atuar nos estreitos limites da galeria ou do museu, necessitando do espaço urbano para<br />

realizarem seu trabalho. Do mesmo modo, dispensam o connaisseur, o colecionador ou o aficionado, para se<br />

dirigirem diretamente ao cidadão comum, por isso utilizando imagens do quotidiano -aparelhos eletrodomésticos por<br />

exemplo -e lançando mão de uma estética popular urbana. Autênticos marginais da pintura, dispensam até mesmo o<br />

patrocínio de empresas particulares ou de organismos oficiais -ao contrário, por exemplo, dos muralistas urbanos -,<br />

preferindo manter sua independência a todo custo.<br />

No Brasil, foi compreensivelmente São Paulo a cidade onde os grafiteiros mais se sentiram à vontade, e ali também<br />

foi que surgiram, desde fins da década de 1970, os principais representantes do gênero, inclusive o mais típico deles<br />

-Alex Vallauri, o qual, chegando ao Brasil em 1965, daria início em 1978 a uma série de pichações a spray de<br />

silhuetas de cupidos, acrobatas e bruxas, ao lado de intrigantes botas pretas de cano longo e salto pontiagudo,<br />

televisão, guitarras elétricas ou telefones, imagens - diz Maurício Villaça - "de símbolos que estão no inconsciente<br />

coletivo". A participação de Vallauri na 18º Bienal de São Paulo, em 1985, com sua divertida manifestação ambiental<br />

Festa na Casa da Rainha do Frango Assado, seguida pouco depois pelo precoce desaparecimento do artista, em<br />

1987, tiveram o dom de congregar uma legião de novos grafiteiros, exercitando-se sob os viadutos e à margem dos<br />

muros em comoventes homenagens à memória de seu paladino. O sucesso do personagem criado por Alex Vallauri<br />

foi tamanho, que a Rainha do Frango Assado deixou sua condição visual de representação bidimensional ou plástica<br />

para se transformar em bem sucedida personagem teatral.<br />

GUACHE. Técnica de pintura similar à da aquarela, mas na qual as cores são opacas e mais encorpadas. Também<br />

ao contrário da aquarela, na qual as pequenas partículas de pigmento diluídas em água penetram nas fibras do papel,<br />

o guache forma uma camada sobre o suporte, já que a densidade dos pigmentos impede a penetração por entre as<br />

fibras. Os brancos e de modo geral as colorações cremosas são obtidos com o emprego de pigmentos brancos, em<br />

geral branco de zinco. Não é incomum, por outro lado, que o artista utilize, num mesmo trabalho, o guache, a aquarela<br />

e o pastel.<br />

HAPPENING. Vocábulo inglês de uso recente no jargão artístico internacional, para designar um acontecimento<br />

(happening) que sintetize teatro e artes visuais numa ação em parte planejada, em parte improvisada, e com<br />

participação ativa dos espectadores. Os happenings surgiram em Nova Iorque, por volta de 1957, e eram a principio a<br />

extensão, no tempo e no espaço, da improvisação reinante no Expressionismo Abstrato, tendo também<br />

desempenhado papel primordial na evolução da Pop Art. O compositor John Cage, com suas teorias sobre o acaso,<br />

foi uma das grandes influências que determinaram o aparecimento do gênero -que se diferencia do teatro pela<br />

ausência completa de narrativa. No Brasil, o primeiro happening passa por ter sido o organizado em 1963 por Wesley<br />

Duke Lee no João Sebastião Bar, de São Paulo, com o título "Atração da Ambigüidade".<br />

INDÍGENA, Pintura. Muito embora seja com alguma freqüência executada sobre couros, esteiras, abanos e outras<br />

superfícies, a pintura dos indígenas brasileiros utiliza como suporte predileto o próprio corpo humano, que assim se vê<br />

embelezado pela aplicação de padrões decorativos de infinita variedade, com predomínio absoluto das estilizações<br />

geométricas.<br />

Arte eminentemente feminina, a pintura corporal chegou a ter seus expoentes, cuja memória é reverenciada pela tribo.<br />

Darcy Ribeiro menciona uma famosa pintora Kadiweu, Anoã, a quem conheceu sexagenária, cercada do respeito da<br />

comunidade. No passado, a pintura corporal era também praticada pelos kudina -homens que assumiam a condição de<br />

mulheres, chegando a se casar com outros homens -, e persistem padrões decorativos que seriam típicos dos kudina.<br />

Os melhores pintores índios são certamente os Kadiweu, cuja arte impressionou todos os antigos naturalistas de<br />

passagem pelo Brasil, e que aparece já em 1560 reproduzida numa xilogravura de Ulrich Schmmidel. Mas várias<br />

outras tribos -como os Karaja, os Kayabi, os Timbira - destacaram-se também nessa atividade.<br />

As cores empregadas reduzem-se a umas poucas tonalidades: vermelho, à base de urucum, negro, obtido do sumo<br />

do jenipapo, e branco, de tabatinga, são as mais utilizadas. O sumo do jenipapo, por entranhar-se fundamente na<br />

epiderme, empresta-lhe uma tonalidade negra que não empalidece senão ao cabo de semanas.<br />

As pinturas são feitas individualmente sobre a pele, embora certas tribos possuam rolos ou carimbos com os quais<br />

produzem os padrões.<br />

30

KITSCH. Palavra alemã de uso relativamente recente no vocabulário das artes visuais. Deriva do verbo verkitschen,<br />

vender abaixo do preço, e é empregada em contextos tão divergentes, que se torna problemática sua exata<br />

conceituação. De acordo com o The Thames and Hudson Dictionary of art Terms (Londres, 1984), é o produto<br />

artístico massificado, que macaqueie os padrões estéticos da cultura superior. Nesse sentido, as novelas de televisão,<br />

Esther Williams em Escola de Sereias e certas telas de fins do Séc. XIX podem ser consideradas corno típicos<br />

produtos Kitsch. Ao Kitsch -que surge com<br />

o Romantismo, na aurora das sociedades de consumo e altamente civilizadas da Europa -, acham-se indelevelmente<br />

relacionados conceitos como o de mau gosto (Eco), sentimentalismo, felicidade burguesa (Moles), irrealidade e<br />

inautenticidade ou imitação barata. Alguns exemplos de Kitsch na pintura brasileira incluiriam possivelmente o imenso<br />

pano-de-boca do Teatro Municipal do Rio de Janeiro, obra de Eliseu d' Angelo Visconti, ou o célebre tríptico da<br />

Faiseuse d'Anges, de Pedro Weingãrtner, na Pinacoteca do Estado de São Paulo. Por outro lado, alguns pintores<br />

contemporâneos brasileiros utilizaram criticamente o kitsch -caso, por exemplo, de Rubens Gerchman, em obras da<br />

década de 1960, como Um Amor Impossível - A Bela Lindonéia de 18 anos morreu instantaneamente, O Rei do Mau<br />

Gosto etc.<br />

Em 1984, no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, o crítico de arte Olney Krüse organizou a I Exposição<br />

Nacional do Kitsch, reunindo objetos de sua própria coleção.<br />

MONOTIPIA. Processo artístico a meio caminho entre a gravura e a pintura e participando da natureza de ambas.<br />

Consiste em pintar a óleo ou por outro qualquer meio sobre uma superfície lisa, geralmente uma placa de vidro.<br />

Colocando-se uma folha de papel sobre a pintura assim produzida, e calcando-a úmida ainda contra a matriz,<br />

obter-se-á uma única imagem, invertida, na folha (daí o nome monotipia). Inúmeros pintores brasileiros utilizaram com<br />

felicidade a monotipia, entre eles Portinari e Graciano.<br />

MOSAICO. Composição pictórica formada por diminutas pedras multicoloridas de aspecto brilhoso (tesserae), que se<br />

incrustam numa parede. É técnica antiquíssima, que já existia na Mesopotâmia em 3.500 a.C., foi muitíssimo<br />

praticada em Grécia e Roma e conheceu sua fase de maior esplendor na Itália e em Bizâncio, depois que Constantino<br />

concedeu aos cristãos liberdade de culto. São admiráveis os conjuntos musivos ainda hoje conservados em Ravena<br />

e Istambul (Sécs. V e VI), Monreale, Palermo e Veneza (Séc. XII).<br />

Considerada autêntica pintura para a eternidade, em face da durabilidade dos seus materiais, o mosaico seria<br />

progressivamente abandonado à medida que, principalmente na Itália, os artistas iam desenvolvendo as novas<br />

técnicas do buon fresco e do fresco; por volta da segunda metade do Séc. XV o gênero praticamente deixara de ser<br />

cultivado.<br />

Tentativas de revitalização do mosaico ocorreram em pleno Séc. XX, graças a pintores como o italiano Gino Severini,<br />

autor, a partir de 1922, de uma série de trabalhos musivos em igrejas de França e da Itália. Foi justamente com<br />

Severini que uns poucos artistas brasileiros -como Antonio Carelli, Luís Carlos Palmeira e Plínio Lopes Cipriano<br />

-aprenderam a técnica do mosaico em começos da década de 1950, em Paris. Foram porém nulas todas as suas<br />

tentativas no sentido de popularizarem entre nós a arte musiva, permanecendo essa técnica como simples recurso de<br />

ateliê, sem maiores conseqüências no revestimento decorativo. Mesmo assim, existem alguns raros exemplos de<br />

utilização moderna de mosaicos em edifícios brasileiros, tendo sido executada nessa técnica a avantajada decoração<br />

mural de Di Cavalcanti na fachada principal do Teatro Cultura Artística, em São Paulo.<br />

MURAL, PINTURA. Uma das grandes subdivisões da pintura, opondo-se, nesse sentido, à pintura de cavalete. A<br />

pintura mural é eminentemente arquitetônica e de caráter social, integrando-se à superfície de uma parede com<br />

finalidade decorativa, ilustrativa ou didática. Quando aplicada diretamente à parede, a pintura mural requer o emprego<br />

de técnicas que vão desde o mosaico ao secco, ao fresco, ao silicato de etila (que aderindo ao concreto possibilita a<br />

execução de murais externos), ao duco, ao acrílico, à piroxilina, etc.; se, contudo, a pintura deva antes ser executada<br />

sobre um suporte de madeira ou tela depois afixado a um muro, as técnicas usuais da pintura de cavalete -óleo,<br />

têmpera, etc. -podem ser utilizadas.<br />

MURALISMO URBANO. Expressão que, na ausência de outra mais precisa, designa certas pinturas executadas nas<br />

superfícies externas de edifícios -seja por um artista, seja por vários, ou mesmo por indivíduos sem treinamento<br />

profissional -, para lhes disfarçar ou atenuar a aridez ou feiúra ou para dissimular sua verdadeira função. Esses murais<br />

urbanos costumam ocorrer nos mesmos locais preferidos pelos grafiteiros -geralmente paredes de velhos prédios, ou<br />

de edifícios mesmo novos que se caracterizem por sua indistinção, situados em pontos amorfos da cidade, que assim<br />

avivam por seu colorido, pelo inesperado de sua presença e de sua figuração. Os murais urbanos, que necessitam de<br />

vastos recursos financeiros para sua concretização, não dispensando portanto o patrocínio, destacam-se<br />

tematicamente por certa tendência ao insólito e tecnicamente pelo emprego de cores chapadas de vivos matizes,<br />

para fácil visualização.<br />

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OBRA DE ESTÚDIO. Também dita de ateliê, ou de oficina, é uma pintura de qualidade inferior, feita no estúdio de<br />

determinado pintor, sob sua direção e a partir de seus esboços originais, por um ou mais ajudantes. Vários painéis de<br />

Cândido Portinari foram realizados com emprego de ajudantes, entre os quais devem ser mencionados pintores de<br />

fôlego como Graciano, Mário Gruber, Enrico Bianco e Otávio Araújo, sendo, por conseguinte, obras de estúdio.<br />

Também Di Cavalcanti utilizou ajudantes até na execução de muitas pinturas de cavalete, assinando-as mais tarde<br />

como obra exclusiva.<br />

PALHETA. Utensílio portátil, geralmente de madeira e podendo assumir variados formatos (predominando o<br />

retangular e o cordiforme do tipo "Diaz"), sobre o qual o pintor distribui e mistura suas cores; por extensão,<br />

chama-se de palheta de determinado pintor as cores de que usualmente se utiliza, o que se pode verificar pelo<br />

exame dos seus quadros.<br />

PASTEL. Técnica de desenho que consiste em utilizar giz artificial colorido sobre suporte de papel, papelão ou cartão,<br />

com a obtenção de efeitos tanto gráficos quanto "pictóricos". Os desenhos produzidos a pastel devem ser fixados, sob<br />

pena de se desintegrar ao mínimo toque ou impacto.<br />

PASTICHO ou PASTICHE. Uma pintura cujo autor selecionou na obra de outros pintores os elementos com que<br />

plasmar seu próprio trabalho, que assim se revela amaneirado e sem originalidade. Uma imitação ou arremedo do<br />

estilo de outro pintor, evidentemente sem grande expressão nem qualidade. Uma falsificação que combina elementos<br />

tirados de várias pinturas autênticas de um dado pintor.<br />

PICTÓRICO. Termo posto em circulação pelo célebre historiador de arte alemão Heinrich Wöllflin, em seu livro de<br />

1915 Princípios de História da Arte: o pictórico opõe-se ao linear, e descreve a tradução das massas em termos de cor,<br />

tom, luz e sombreado.<br />

Também poder-se-ia fazer uma distinção entre pictórico e pitoresco: pictórico é o que é próprio à pintura, o que só em<br />

linguagem de pintura pode ser externado, ao passo que pitoresco seria, como o definiu Aurélio Buarque de Holanda,<br />

o "graciosamente original". O vocábulo pitoresco, aliás, no seu sentido original equivalia ao atual pictórico, e assim o<br />

utilizou, por exemplo, Cyrillo Volckmar, ao escrever:<br />

-No seu primeiro estilo, menos acabado e mais pinturesco, são feitos os dois painéis que estão em São Roque.<br />

Do mesmo modo, tanto Debret quanto Rugendas utilizaram o vocábulo -pittoresque, Malerische -na sua acepção de<br />

pictórico, no título de suas Viagens pitorescas ao Brasil publicadas em começos do Séc. XIX.<br />

PLÁGIO. A utilização não-assimilada de motivos ou elementos derivados de uma pintura alheia. Na história da pintura<br />

brasileira, as acusações de plágio têm sido mais ou menos comuns, quer no passado como no presente, e assim é<br />

que no Séc. XIX tanto a Primeira Missa no Brasil, de Vítor Meireles, quanto a Batalha do Avaí, de Pedro Américo,<br />

não escaparam a essa pecha, dizendo seus detratores que não passariam de plágios respectivamente de Une<br />

Messe en Kabilie, de Horace Vernet, e da Bataille de Montebello, de Gustave Doré. Essa acusação a Pedro<br />

Américo, feita em 1879, parece ter calado fundo na alma do artista, que só um ano depois publicaria em francês o<br />

Discurso sobre o plágio na literatura e na arte, a pretexto de comentar a imputação de plagiário havia pouco lançada<br />

em Paris ao dramaturgo Victorien Sardou.<br />

Já no Séc. XX sucederam-se os casos de alegado plágio, tendo o mais trágico deles ocorrido com o jovem pintor<br />

Gaspar Puga Garcia, contemplado com o prêmio de viagem ao estrangeiro no Salão de 1911 com uma pintura,<br />

Pastor da Arcádia, que não seria senão um plágio de um original de Amoedo. Vítima de terrível campanha,<br />

Puga Garcia terminaria por suicidar-se, enforcando-se em seu ateliê. Muitos anos mais tarde, em seu livro<br />

autobiográfico Viagem da minha Vida, Di Cavalcanti, que era um menino quando o conheceu, assim se referiria<br />

ao rumoroso caso:<br />

-Sempre desconfiei da acusação que lhe fizeram: talvez fosse injusta. Aliás, no Brasil, é coisa comum, entre pintores,<br />

plagiar, e há legítimas glórias nacionais que são os melhores plagiários do mundo.<br />

Mas mesmo Di Cavalcanti, Portinari e outros pintores contemporâneos foram vez por outra acusados de plagiários.<br />

Assim, numa entrevista concedida em 1984 Roberto Burle-Marx não hesitou em insinuar:<br />

“— Eu vi uma exposição aqui, onde tinha vários Picasso, o que me deixou muito impressionado. Foi logo depois da<br />

Guerra e trouxe uma repercussão muito grande. Eu me lembro que Portinari levou um Picasso para casa e depois<br />

começaram a aparecer uma série de quadros com as mesmas poses e cores... “<br />

PLEIN AIR. Expressão francesa de uso internacional para designar uma pintura (e, sobretudo uma paisagem)<br />

executada ao ar livre e não no interior de um ateliê. O pleinairisme surgiu em começos do Séc. XIX com os<br />

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paisagistas ingleses Constable e Bonington, e a partir de Jongkind, Boudin e dos impressionistas tornou-se<br />

procedimento usual entre os paisagistas.<br />

REGRAXO. Processo ou técnica de pintura pelo qual se aplica, a uma camada prévia dourada ou prateada, uma<br />

segunda camada de tinta, de tal forma que o dourado ou o prateado se destaquem do fundo. A técnica do regraxo foi<br />

muito empregada até o séc. XIX na pintura de imagens.<br />

RÉPLICA. É a repetição ou a duplicação de uma pintura feita pelo próprio autor. Difere por isso da mera cópia, que é<br />

a duplicação de original alheio. As réplicas, mesmo as mais fiéis, revelam menor liberdade de fatura e sinceridade de<br />

expressão que os originais que reproduzem. Há, todavia, réplicas que se afastam deliberadamente em certos<br />

detalhes dos originais: são as chamadas réplicas com variações, ou variantes. Exemplo de pintura da qual existem<br />

réplicas é o Descanso do Modelo, de Almeida Júnior.<br />

RETRATO. Representação pictórica de um indivíduo ou mais (retrato individual, retrato coletivo ou de grupo). Quase<br />

sempre limita-se a enfocar o ser humano no que tem de mais expressivo e particularizável -o rosto, observado de<br />

perfil, de face ou, combinadas uma e outra visões, voltado a três quartos; mas ocorrem também retratos de corpo<br />

inteiro, da cintura ou dos ombros para cima, eqüestres, etc. Quando reproduz a própria imagem do autor, chama-se<br />

auto-retrato; se é imaginário se busca recriar idealmente os traços fisionômicos de personagens dos quais somente<br />

restaram descrições literárias (por exemplo: um retrato imaginário do Aleijadinho). Gênero antiquíssimo -os retratos<br />

naturalistas das múmias de Fayum recuam ao primeiro século da Era Cristã -, na Idade Moderna continuou<br />

desempenhando sua função de resguardar a aparência das pessoas notáveis, de modo a lhes garantir a<br />

sobrevivência post-mortem; por isso os primeiros retratos representavam reis e príncipes, militares e conquistadores,<br />

lideres políticos e legisladores, chefes religiosos, etc., quase sempre em atitudes, envergando trajes ou ostentando<br />

símbolos e atributos capazes de lhes caracterizar nitidamente a elevada posição social. Nos retratos que se limitavam<br />

a reproduzir o rosto, buscou-se de início a imagem de perfil, delineando-se cuidadosamente o contorno da cabeça,<br />

com a obtenção de efígies do tipo das que ainda hoje só ocorrem em moedas ou medalhas. Assim, muitos dos<br />

melhores retratos renascentistas são perfis de homens e de mulheres ilustres, traçados com vigor e sensibilidade<br />

inexcedíveis. Passou-se mais tarde à representação frontal, que possibilitou maior minúcia no detalhamento dos<br />

traços do rosto e uma expressividade mais refinada. Finalmente tentou-se incutir animação e volumetria à imagem,<br />

conjugando-se perfil e visão frontal, tudo realçado pela perspectiva recém-desenvolvida, que possibilitava ao retrato<br />

habitar um espaço ou cenário particular. Por todo o Séc. XV a regra foi o retrato que somente enfocava cabeça ou<br />

rosto do retratado; no Séc. XVI, porém, começaram a surgir os retratos de corpo inteiro, ou então, como símbolos de<br />

autoridade e liderança, insuperáveis retratos eqüestres, alguns em tamanho próximo ao do natural. Pela mesma<br />

época manifesta-se a tendência oposta: o retrato miniaturizado, criado por Holbein a partir da antiga arte da miniatura,<br />

e no qual tanto iriam destacar-se os ingleses. No Séc. XVII, notadamente nos Países Baixos, o retrato deixará de ser<br />

privilégio dos nobres para realçar os êxitos da burguesia enriquecida no comércio. Ao mesmo tempo, e como<br />

tradicionalmente muitos retratos eram produzidos aos pares -rei e rainha, marido e mulher – e de tal modo que o<br />

segundo plano de cada pintura parecia prosseguir no da outra, formando assim um cenário continuado, despontam<br />

os retratos coletivos -famílias, militares, corporações, etc. -, dos quais o exemplo mais notável é decerto a assim<br />

chamada Ronda Noturna, de Rembrandt. Foge evidentemente aos limites do presente verbete o estudo da evolução<br />

do retrato na pintura ocidental. No que respeita ao Brasil, os mais antigos retratos recuam ao Séc. XVII. O gênero,<br />

como escreveu Hannah Levy, constitui "ao lado da pintura religiosa decorativa, a parte mais numerosa do patrimônio<br />

artístico brasileiro do período colonial". As Santas Casas de Misericórdia, conventos e irmandades de Salvador, Rio<br />

de Janeiro e São Paulo conservam um acervo respeitável desses anônimos retratos coloniais, a maior parte<br />

representando fundadores, benfeitores, provedores, grandes beneméritos e outros personagens grados além de<br />

prelados, letrados, etc. Raríssimos são os retratos familiares como o de Teodoro Gonçalves da Silva e sua mulher, da<br />

Santa Casa da Misericórdia de Salvador; quanto a retratos de mulheres e crianças só iriam ocorrer Séc. XIX, talvez<br />

porque na sociedade colonial brasileira, como observou Gilberto Freyre, "esposas e filhos se achavam quase ao<br />

mesmo nível dos escravos". Além dos mencionados retratos de irmãos de confrarias e de ordens terceiras, devem ser<br />

citados os retratos de vultos destacados da administração civil e religiosa, constituindo uma classe à parte os retratos<br />

da família real portuguesa. Como norma, os retratados aparecem de pé, figurados de corpo inteiro em dimensões<br />

pouco aquém das naturais, em atitudes estáticas, rígidas e convencionais, não demonstrando qualquer sinal de<br />

emoção ou vida subjetiva, sendo essa apatia ou severidade mais acentuada pelo colorido sombrio e terroso. Quanto<br />

à composição é sempre muito simples, ocupando o retratado o exato centro do espaço pictórico, no primeiro plano,<br />

enquanto o segundo é valorizado por um detalhe de interior -cortinado ou móvel -, quando não por uma abertura de<br />

janela, através da qual vê-se ao longe algum detalhe paisagístico. Categoria bem distinta de retrato colonial é o<br />

chamado retrato de erudito, no qual o retratado é representado apenas em busto, quando não sentado, visto a três<br />

quartos. Esses retratos são quase todos de religiosos, que aparecem lendo ou escrevendo, em meio a livros e<br />

utensílios de escrita, tendo a fisionomia grave e concentrada e freqüentemente, perto de si, sobre a mesa ou carteira,<br />

a borla de doutor. São exemplos de retratos de eruditos o do Padre Antonio Vieira, no Colégio São Luís de São Paulo,<br />

e o do Bispo D. José Caetano da Silva Coutinho da Igreja de São Francisco de Paula no Rio de Janeiro, esse<br />

atribuído a José Leandro de Carvalho. Comparados a tais retratos por assim dizer burgueses ou plebeus, os retratos<br />

da família real, dos membros da nobreza e da alta administração possuem maior majestade ou dignidade,<br />

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prendendo-se, como ressaltou a já mencionada Hannah Levy, ao "estilo internacional barroco e grandiloqüente do<br />

retrato, tão de gosto dos príncipes absolutistas". Destacam-se, nesse tipo de retrato por assim dizer oficial, a atitude<br />

nobre do modelo, seu vestuário opulento, o altivo olhar, etc. etc.<br />

Do ponto de vista do estilo, os retratos coloniais brasileiros -sejam os de nobres, sejam os de plebeus -continuam, em<br />

pleno Séc. XVIII, a tradição seiscentista lusitana, calcada, por sua vez, em anteriores modelos italianos, franceses ou<br />

flamengos. A partir do Séc. XIX, contudo, o gênero irá conhecer novos rumos sob o influxo das concepções estéticas<br />

introduzidas em 1816 no país pela Missão Artística Francesa. Assim, a uma plêiade de retratistas coloniais que inclui<br />

José de Oliveira Rosa, Manuel da Cunha, Leandro Joaquim, José Leandro de Carvalho e Francisco Pedro do Amaral,<br />

sucedemse os artistas franceses da Missão de 1816 e seus discípulos e continuadores, alguns dos quais -como os<br />

próprios Nicolas-Antoine Taunay e Jean-Baptiste Debret, e ainda Simplício de Sá, Souza Lobo e Manuel de Araujo<br />

Porto-alegre -iriam alcançar notoriedade, além de iniciar no gênero artistas das gerações mais novas, como Augusto<br />

Müller, José Correia de Lima ou Joaquim Lopes Cabral Teive.Também a partir de começos de Oitocentos diversos<br />

foram os retratistas europeus que atraídos pelo Brasil fixaram-se no Rio de Janeiro, onde chegaram a construir<br />

carreira e fortuna. Alguns dos mais conhecidos retratistas europeus do tipo foram os franceses Barandier, Jules Le<br />

Chevrel e Auguste Petit, os alemães Krumholz e Ernst Papf e o italiano Cicarelli.<br />

No período que vai da Regência até a Proclamação da República, disse Araújo Viana, bastaria, para estudar a<br />

evolução da pintura no Brasil, "tomar como elemento inicial ou fundamental a efígie do imperador menino,<br />

adolescente, imberbe, com pouca barba, completamente barbado, e encanecido; o imperador, em to-dos os tempos,<br />

com todas as idades". Na verdade, aí estão ainda hoje os numerosíssimos retratos de Dom Pedro II a atestarem a<br />

predominância de um gênero e a predileção por um modelo! Foi ao longo desse período que trabalharam muitos dos<br />

melhores retratistas brasileiros, embora raros fossem aqueles que se entregassem ao retrato como especialidade ou<br />

com exclusividade. Ao contrário: para muitos pintores de história ou paisagistas o retratismo funcionava, ao lado do<br />

magistério, como uma espécie de derradeiro recurso ou ganha-pão com que enfrentar o descaso de uma sociedade<br />

culturalmente tacanha, que no que respeitava às Belas Artes somente tinha olhos para apreciar a própria imagem<br />

reproduzida com fidelidade em óleos "tirados do natural"! Por isso é que são tão numerosos os retratos de um Vítor<br />

Meireles ou de um Almeida Júnior, por exemplo: porque lhes propiciavam recursos materiais, no longo intervalo entre<br />

as encomendas oficiais, quando as havia, ou quando o permitiam as intermináveis aulas na Academia ou no ateliê. O<br />

retrato experimentaria nas duas últimas décadas do Séc. XIX novo surto de prestígio, chegando a se tornar um dos<br />

gêneros favoritos da Belle Époque. Nesse momento, ver-se representado em tela por um dos numerosos mestres em<br />

voga tornou-se a aspiração maior de todo comerciante bem-sucedido. É que possuir seu retrato na sala de visitas,<br />

para negociantes de prosperidade recente, dava-lhes uma confortável sensação de segurança, como se nele vissem<br />

não a própria imagem, mas a de algum ilustre antepassado. Carentes de tradição inauguravam sua própria dinastia; e<br />

se não dispunham de brasões, sobravam-lhes em contrapartida os cifrões. Os homens, de preferência em interiores<br />

sombrios, rodeados de bens materiais, símbolos do seu status, e as mulheres, ataviadas em bizarras vestimentas e<br />

ostentando extravagantes chapéus, proporcionavam aos pintores alambicados retratos, nos quais uma técnica às<br />

vezes brilhante mal disfarçava a superficialidade do sentimento. Não que faltasse talento aos pintores: é que aos<br />

retratados o que importava era unicamente a semelhança, o parecido, capaz de os tornar imediatamente<br />

individualizáveis, numa época de feroz individualismo. A isso, força é dizê-lo, prestavam-se docilmente os artistas<br />

mediante é claro, vultosos pagamentos, que a alguns deles possibilitaria ingressar com o passar dos anos, naqueles<br />

fechados círculos sociais a que coniventemente serviam com os pincéis. Tais retratos compõem, como um todo, o<br />

retrato maior de uma sociedade fútil, cujo maior interesse cultural resumia-se a, em dias de Salão, comparar face a<br />

face retrato e retratado, tudo sob o olhar complacente e cúmplice dos artistas.<br />

Os retratistas europeus da Belle Époque -Bonnat e Carolus Duran, Boldini e Sargent, La Gandara e Clairin, entre<br />

tantos outros -criaram um tipo de retrato mundano que os pintores de outros países, do Brasil inclusive, imitariam.<br />

Nossos críticos da Belle Époque referem-se com freqüência a "retratos de cold-cream e veloutine", a "adoráveis<br />

cabeças penteadas com chic" ou a retratos "temperados com chocolate", como que a sublinhar o artificialismo que os<br />

dominava. Citemos, entre os principais retratistas do período, os nomes de Eliseu Visconti, Latour, Décio Vilares,<br />

Rodolfo Chambelland e Lucílio de Albuquerque.<br />

A partir da irrupção do Modernismo restringiu-se gradativamente a prática do retrato, que sem embargo ainda<br />

teria cultores extraordinários em pintores como Lasar Segall, Guignard, Cândido Portinari, Pancetti e Emeric<br />

Marcier, entre outros.<br />

SANGUÍNEA. Técnica de desenho que consiste em utilizar, sobre um suporte de papel, giz ou lápis à base de óxido<br />

vermelho de ferro, com a conseqüente formação de traços encorpados de grande maciez e característica coloração<br />

rubra. Também são denominadas sangüíneas os desenhos assim produzidos.<br />

TACHISMO. Neologismo derivado do francês tachisme (de tache, mancha) que designa, de modo aliás incompleto,<br />

um tipo de pintura não-figurativa surgido na década de 1950 em França, nos Estados Unidos e em outros países<br />

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ocidentais, muito sob a influência da caligrafia japonesa. O tachismo procura criar tensões dinâmicas através da<br />

manipulação inconsciente de manchas de cor, que por sua vez produzem no espectador um impacto emocional. Por<br />

seu aspecto dinâmico a tendência recebeu, nos Estados Unidos, o nome de action painting, mesmo porque, para o<br />

pintor tachista, o gesto é mais importante até do que a técnica, o virtuosismo de desenho e de pintura. Situando-se no<br />

avesso do não-figurativismo geométrico, o tachismo é uma das grandes vertentes da chamada arte informal. Seus<br />

representantes mais típicos foram, na Europa e nos Estados Unidos, Wols, Hartung, Pollock, Sam Francis, Alan Davie,<br />

Mathieu, Tapies, Cuixart, Feito, etc.; no Brasil praticaram-no com constância e proficiência variáveis Manabu Mabe,<br />

Fukushima, Sheila Brannigan, Laszlo Meitner e vários outros.<br />

TAPEÇARIA. Trabalho de agulha destinado a adornar, forrar ou revestir uma parede -nisso, aliás, distinguindo-se do<br />

tapete, para o chão -, cuja decoração naturalista, estilizada ou abstrata nasce dos próprios fios que se entrecruzam,<br />

sem utilização adicional de bordados. Verdadeira pintura têxtil, emprega como matéria-prima a lã, o algodão, a juta e<br />

outros materiais, em suas tonalidades naturais ou tintados com pigmentos de origem animal, vegetal, mineral e, mais<br />

recentemente, sintética (anilinas). Pode ser feita à mão ou à máquina, e se desenvolve a partir de um risco, tirado a<br />

seu turno de um desenho ou cartão original. A urdidura de uma tapeçaria pode ser disposta horizontalmente (baixo<br />

liço) ou suspensa da vertical (alto liço), e a trama é desenvolvida com ajuda de bobinas, uma para cada cor, o que<br />

possibilita o emprego de uma variedade praticamente infinita de matizes (mais de 14.000, ao que se diz, em certos<br />

exemplares fabricados na Manufatura dos Gobelins.<br />

TÊMPERA. Técnica de pintura já conhecida no Egito e na Grécia, e que antes da adoção da pintura a óleo no Séc.<br />

XV era de uso generalizado entre os pintores europeus. Consiste em diluir os pigmentos numa emulsão,<br />

estabilizando-os em seguida por meio de um agente que pode ser o ovo, por exemplo, ou a caseína. A têmpera<br />

comum, a ovo, muito diluída em água, assemelha-se às cores da aquarela; se adensada com pigmento branco<br />

aparenta-se ao guache ou ao pastel;se se lhe acrescenta óleo, o resultado é a têmpera a óleo, insolúvel em água e<br />

que ao secar adquire uma tonalidade fosca.<br />

TOPOGRÁFICA, PINTURA. Gênero de pintura descritiva que consiste em reproduzir em seus menores detalhes<br />

geográficos, descendo a minúcias de localização, particularidades de terreno, ocorrência de prédios e outras<br />

construções, determinado cenário natural ou urbano. Originou-se no Séc. XV em xilografias que ilustravam relatos e<br />

crônicas, para nos Sécs. XVII e XVIII desfrutar de popularidade em vários países da Europa.<br />

VERNISSAGE. Vocábulo francês significando envernizamento, em alusão ao antigo costume de os pintores, um dia<br />

antes da inauguração oficial de uma exposição, se reunirem para aplicar verniz em seus quadros. O vernissage,<br />

intimamente ligado aos Salons e ao academicismo do Séc. XIX tombou em desuso, permanecendo hoje a palavra<br />

para simplesmente designar o dia de inauguração de uma exposição.<br />

VITRAL. Composição ornamental formada por pedaços de vidro colorido de diferentes formatos e dimensões,<br />

interligados por nervuras metálicas. A técnica surgiu possivelmente no Oriente Médio, por volta do Séc. IX, mas já no<br />

Séc. X era Veneza o centro principal de produção.<br />

Usualmente relacionado com as catedrais dos Sécs. XI a XV, o vitral continuaria sendo praticado durante os Sécs.<br />

XVI, XVII e XVIII, e no Séc. XIX Burne-Jones e outros criariam o vitral romântico, como se pode verificar na Catedral<br />

de Salisbury. Já no Séc. XX inúmeros seriam os que tentariam revitalizar o gênero, entre eles os alemães Heinersdorff,<br />

Thorn-Prikker e Schmidt-Rotluff, o inglês Hogan e o norueguês Haavardsbon.<br />

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INTRODUÇÃO À HISTÓRIA DA ARTE DIVISÃO ... - Rickardo.com.br

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