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169
desde abril de 2000
O jornal de literatura do Brasil
Curitiba, maio de 2014 | WWW.rascunho.com.br
arte: Dê almeida
A literatura nos dá o poder de sonhar,
especialmente na infância. Existe também
a literatura que dói e que faz enxergar a
dor do outro. Nada mais necessário do
que o exercício da empatia nos dias de
hoje, esses tempos de egoísmo.”
Socorro Acioli • 4/5
Inédito • Limão > Motojiro Kaijii • 28

2
169 • maio_ 2014
eu recomendo
: : Luiz Rebinski
Collor, Itamar e FHC
Uma
18.5.1991
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
QUEM SOMOS
Collor
CONTATOesteve ASSINATURA
na
DO
Biblioteca
JORNAL IMPRESSO
Nacional.
CARTAS
Uma
confraria
semana de grandes emoções, preparações. Há
RES COLUNISTAS DOM CASMURRO ENSAIOS E RESENHAS ENTREVISTAS PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRAEDIÇÕES NOTÍCIAS ANTERIORES OTRO OJOCOLUNISTAS
uns 15 DOM dias, CASMURROtive ENSAIOS que E RESENHAS enfrentar ENTREVISTAS PAIOL uma LITERÁRIO Assembleia
de tolos
PRATELEIRA NOTÍCIAS OTRO OJO
CARTAS
Ignatius J. Reilly, protagonista
de Uma confraria de tolos, é
um Quixote que ainda espera por
reconhecimento. Uma verdadeira
injustiça, porque em certos momentos
do livro de John Kennedy Toole, Ignatius
parece o neto de Quixote que suplantou
a verve nonsense do antepassado com
altas doses de cultura e um egocentrismo
sem limites, o traço mais interessante da
personalidade do herói em questão. Ignatius
é glutão, preguiçoso e pesado demais
para fazer qualquer coisa além de
teorizar contra o caos da modernidade,
a abjeta cultura pop e a desonestidade
do mundo — sobra até para os beatniks.
É um intelectual incompreendido, que
ainda mora com a mãe e nunca teve PIS.
Mas a maré muda e Ignatius é obrigado
a arranjar emprego. Primeiro como vendedor
de cachorro-quente, depois em
uma fábrica de calças onde se mete em
um escândalo e acaba procurado pela
polícia. No final, aos vinte e tantos anos,
foge de casa. Basicamente, é isso. Mas
quando se tem um Ignatius é o suficiente.
Até para ganhar um Pulitzer.
ITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
Luiz Rebinski
É jornalista e editor do jornal Cândido.
Cartas
: : cartas@rascunho.com.br : :
Importante
OTRO OJO
Rascunho tem sido um dos
mais importantes divulgadores
da literatura brasileira atual,
ao apresentar novos talentos,
abrir campo para a discussão
do texto literário e para o
debate de idéias entre nós.
Parabéns a toda a equipe!
Wander Melo Miranda •
Belo Horizonte — MG
Sábio
Dica de belo presente:
uma assinatura anual do
Rascunho, de Curitiba (PR),
um dos melhores dedicados
ao jornalismo literário.
Luiz Claudio Lins • via Facebook
Comemoração
Hoje (08/04) um dos melhores —
e um dos poucos sobreviventes
— jornais literários do país
está no berço completando
14 anos. Rapaz robusto, que
traz em si as melhores críticas
que tenho visto nas letras
brasileiras. Acompanho desde
2010 e vale a leitura de cada mês.
O melhor, para os que optam em
não assinar: eles disponibilizam
todas as suas edições para
download. Façam bom proveito
e vida longa ao Rascunho!
Ricardo Silva • via Facebook
Reverente
Maior admiração e respeito por
esse trabalho do Rascunho.
Eduardo Lacerda • via Facebook
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completo, endereço e telefone. Sem alterar o
conteúdo, o Rascunho se reserva o direito de
adaptar os textos. As correspondências devem
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quase-diário : : affonso romano de sant’anna
de centenas de funcionários, que pressionados
pela CUT queriam entrar em greve de duas horas
por dia, mais o sábado. Estão pensando em
tumultuar a vinda de Collor. Como a BN se tornou
a mais visível das instituições da cultura,
isto atrai outros interesses. Foi tensa a reunião,
mas afastei o perigo de greve e consegui que recebessem
o aumento de 75% que estava preso,
relativo ao dissídio de 1989.
A recepção de Collor era delicada. Foi o
cenário escolhido para ele anunciar a mudança
política na área cultural, a primeira visita a
um órgão da cultura. Eu havia dito ao Rouanet
quando ele assumiu que a única maneira de o
presidente mudar sua imagem era fazer um discurso
mudando sua política e ir pessoalmente à
BN dizer isto e dar, por exemplo, um milhão de
dólares para reformas.
Lá estavam autoridades várias, Brizola, governador
que aguardou Collor na porta, ao meu
lado, conforme o cerimonial. A segurança passou
toda a semana ensaiando exaustivamente tudo.
Colocaram do lado de fora uma viatura até com
CTI, além de Corpo de Bombeiros. Até médico
pessoal do presidente veio para as inspeções.
Foi ótima a presença dele. Estava atento,
delicado e seguro. Visitamos os grandes armazéns
(vários andares de livros) onde pude lhe
mostrar a beleza da arquitetura e as obras e os
estragos causados pelas chuvas, justificando assim
sua visita e a verba de 300 milhões (1 milhão
de dólares para os consertos).
Impressionante o carinho e delicadeza de
Brizola com Collor. Quem diria? Descendo a
escadaria, no final, Brizola ainda lhe disse algo
sobre a vaia encomendada pela CUT e PCdoB
no passeio defronte: “Não ligue, sr. presidente,
tem ali um pessoal da CUT”.
E Collor: “Ah, isso é desenho animado, já
conheço”. E desceu tranquilo.
Os jornais deram maior destaque. Idem
TV. Só a Folha no lugar de ressaltar a importância
política e cultural do evento, preferiu dar
foto da manifestação.
translato : : eduardo ferreira
A
tradução não é exatamente exercício
vertiginoso. A proliferação de sentidos,
sim. Mas o ofício — o velho ofício
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
— mais aposta na observação cuidadosa,
na captação criativa do momento — instantâ-
COLUNISTAS
ENSAIOS E RESENHAS
neo que congela em lâmina singular o leque de
tão múltiplos significados.
O sentido descansa na letra — um átimo
que seja — e já propicia a ocasião da colheita. Colhe
o tradutor o sentido que ali sobeja — como
que exsuda, minando em gotas o que lhe enche
as cavidades.
Palavras e suas cavidades, reentrâncias
onde se alojam significados múltiplos. Seu potencial
é miríade. Ao tradutor cabe a colheita — raspar
o sentido que descansa na superfície da letra.
Das cavidades, a erupção. Erupções de sentimentos
— dádiva da literatura, certamente. Irrupção
dessa gorda prenhez de sentidos.
Pressentir o quase gesto do autor caviloso.
O sentido que se pressente, mesmo que não
se anuncie. Captar a ideia no nascedouro, para
adestrá-la enquanto ainda é tempo. Possível, impossível?
Patinar na disjuntiva elíptica.
Preservar sentidos ou adotar a estratégia
de terra arrasada? Tabula rasa?
DOM CASMURRO PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
EDIÇÕES ANTERIORES ENTREVISTAS OTRO OJO
Gatsby (de O grande Gatsby, de F.
Scott Fitzgerald) é metáfora e base
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
da ideologia do Novo Rico. Gatsby é rico
sem ter origem na riqueza — daí a necessidade
de manusear símbolos típicos dos ricos
COLUNISTAS DOM CASMURRO ENSAIOS E RESENHAS
PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
tradicionais (como o fato de, segundo afirma ao
narrador Nick, ter frequentado Oxford). Mas o personagem
também incorpora a ideologia daqueles
que estão “fadados a vencer”. Exemplo disso é o roteiro
(roteiro dos que, pela disciplina diária, podem
“chegar lá) escrito num livro que o protagonista tinha
quando criança e mostrado para Nick Carraway
na tarde do velório de Gatsby pelo pai deste último:
Levantar da cama – 6h
Exercício com halteres e escalada de parede – 6h15-6h30
A tradução como lava que lava com fogo ao
seu redor. A limpeza abrasiva da calcinação, que
abre todo um campo novo para a nova escritura,
tradução.
Irrupções, a tradução. Traz lá de baixo os
sentidos submersos, para fazê-los brilhar sob
nova luz.
Tradução, a linguagem se fragmenta. Mesmo
antes, na leitura. Em palavras, em ideias? Sementes
da tradução.
O gosto pelo jogo, a linguagem. Jogo de
palavras, até cansar. Gosto pelos calembures,
ciladas da literatura. Tão difícil de traduzir... Já
não sabe se grava o sentido ou a dinâmica poética
(não sabe se fotografa os deslizes desse som). O
gosto por traduzir o jogo: alma de tradutor.
Ah, tantos dilemas que surgem nessa trama.
A trama da vida toda no texto. Tecer, sem
dúvida, mas não se sabe com fio fino ou grosso.
A quem cabe a decisão? Imprimir delicadeza de
filigrana e caprichar no detalhe ou traçar linhas
largas e deixar que o leitor preencha as tantas lacunas?
Dilemas da tradução.
Texto, perfuração de agulhas no papel. A distância
entre os pontos, a finura (grossura) da linha.
Perfuração também da membrana tênue e tensa da
rodapé : : rinaldo de fernandes
Anotações sobre romances (9)
EDIÇÕES ANTERIORES ENTREVISTAS OTRO OJO
21.05.1994
Nesta semana, encontro com Itamar. Estou
no Itamaraty, na recepção de reabertura do
Palácio enquanto Museu. Diplomatas por todo
lado. Gente importante. Diário de Minas me
deu as primeiras ideias sobre o texto jornalístico.
Eu vinha, na ocasião de Juiz de Fora, sabendo
quase nada de jornal.
— Mauro, lhe digo, há uma situação engraçada.
Depois que o Itamar virou presidente,
não consigo falar com ele. Os ministros morrem
de ciúme. O Antonio Houaiss quase se demitiu
por isto. Com o Collor, que não conhecia, tive
alguns contatos.
— Ah é? deixa comigo, disse ele (que é
quem faz os discursos de Itamar).
Lá pelas tantas se aproxima e me diz:
— O presidente está na casa.
Saímos andando. Vejo a uns 30 metros
o presidente e sua comitiva passando pelos
salões. O cerimonial abrindo passagem para
conduzir o presidente a uma sala para receber
cumprimentos. Mauro me conduz para a tal
sala. Lá três pessoas: o cardeal D. Eugenio Salles,
o ex-ministro Saraiva Guerreiro e creio que
uma autoridade militar. O presidente chega e
em vez de se dirigir às autoridades vem a mim
como se a gente se conhecesse desde sempre.
A última vez que falei com ele deve ter mais de
30 anos, nos tempos de Juiz de Fora. Pois ele
veio, começou a falar sobre o Granbery, Juiz
de Fora, o Cine Central, lembrou-se de Carlos
(meu irmão), que era seu colega e fazia alguma
estripulia trepando nas árvores da avenida Rio
Branco (em Juiz de Fora), perguntou por ele ,
mandou-lhe um abraço, falou que tinha estado
com a Aizinha e Renault, que foram colegas de
turma com Carlos.
As pessoas olhavam surpresas. Quando
me despedi, várias se acercaram de mim.
Mauro Durante — secretário da presidência —
o mais efusivo, falando também sobre o Cine
Central, da minha entrevista nem sei onde e me
prometendo mandar uma cópia…
Estudar eletricidade etc. – 7h15-8h15
Trabalho – 8h30-16h30
Beisebol e esportes – 16h30-17h
Praticar elocução, postura de corpo e como adquiri-la –
17h-18h
Estudar invenções necessárias – 19h-21h
RESOLUÇÕES GERAIS
Não desperdiçar tempo no Shafters ou [um nome, indecifrável]
Deixar de fumar e de mascar chiclete
Tomar banho dia sim, dia não
Ler um livro ou uma revista edificante por semana
Economizar 5 dólares [riscado] 3 dólares por semana
Ser melhor para com os pais
21.01.1995
Fernando Henrique foi à BN acompanhado
de Dona Ruth, Weffort (ministro) e Marcelo
Alencar (governador). É o segundo presidente
que recebemos. O primeiro foi Collor, quando
começou a fazer as pazes com a cultura e os intelectuais,
sendo Rouanet então secretário de
Cultura. Itamar não foi possível. Visita tranquila,
relaxada. Dividida em três partes. Peguei-o
no passeio público quando chegou pontualmente
com Ruth, às 11 horas, mostrei-lhe a fachada
refeita, entramos no salão recém-reformado,
apresentei-o ao Joaquim Falcão (Fundação
Roberto Marinho) e Ricardo Gribel (Banco
Real), que possibilitaram a reforma. Falei-lhe,
enquanto caminhava, algo sobre a história da
biblioteca. Depois fomos ao 4º andar onde o esperava
a minha diretoria para uma conversa de
quinze minutos, para expor projetos, mostrar-
-lhe alguns livros. Embora o protocolo mande
que ele sente na cabeceira, nos sentamos, com
os outros, face a face. Mostrei-lhe o livro que
editamos sobre a Feira de Frankfurt; contou que
passando pela Alemanha visitou duas das nossas
exposições: de arte primitiva e de arte negra.
Ruth sempre simpática, autografando
seus livros, ela e FHC e Weffort — para a Seção
de Obras Raras. FHC e Ruth (e os paulistas
em geral) não conheciam a Biblioteca Nacional.
Depois fomos aos grandes armazéns, vários andares
de livros, uma visão que deixou a todos
encantados, a verdadeira Biblioteca de Babel
sonhada por Borges. Marcelo Alencar (governador)
perguntando por que não abríamos essa
parte aos leitores (coisa tecnicamente impossível).
FHC perguntando sobre o peso daqueles
andares todos de livros e eu brincando que agora
temos uma moeda de peso — o real, piada
que ele repetiu para os demais.
Depois de tomar uns sucos, fomos para
Seção de Obras Raras onde estavam também
“raros” convidados especiais, representando
áreas diferentes da cultura: Ana Botafogo,
Cacá Diegues, Luiz Schwarz, Sérgio Machado,
Ênio Silveira, Tonia Carrero, Mario Machado.
Dona Ruth logo descobriu Marina que havia
sido sua colega no Conselho das Mulheres nos
anos 80. O presidente pôde conhecer o projeto
de digitalização da fantástica coleção de mapas
antigos, experimentou computadores que
executa as partituras das músicas que temos
no nosso acervo.
Ficou meia hora mais do que o previsto,
tudo tranquilo, ele fazendo um discurso final
de agradecimento. Foi importante sua visita.
Tem um valor simbólico. Colocar o livro/leitura/bibliotecas
no centro da política do governo
— essa é minha intenção ao trazer autoridades
federais aqui.
Reminiscências de uma leitura de Pompeia
palavra — sondando suas tantas cavidades.
Transitar pelo texto com donaire. Empenhar
a pena com firmeza e elegância — e transmiti-las
ao novo texto. Requisitos do tradutor.
Não deixar nada ao acaso, mesmo quando se opta
pelo texto aberto, de linhas grossas.
Fino, grosso, o fio de tradução que tece o
novo texto. Tradução, então, como criação.
Ou talvez tradução simplesmente como teatro
de sombras. A velha ideia da cópia. Jato de
luz forte no escuro e a projeção das palavras do
original no anteparo da página. Projeção do original
sobre nova página, a tradução.
Tradução como sombra, a sombra do original.
Não deixar que esse esplim espúrio — a tristeza
de que é feita toda sombra — amorteça a tua
pulsão, tradutor. Não deixar que o arrufo surdo
te arraste e afunde. Ver a bocaina não como depressão,
mas como passagem ao novo texto.
Viajar essa viagem da tradução — ir seguindo
no vento, seja austro ou minuano. Que o texto
é vento viajado, vem de longe, origem incerta,
atemporal.
Não deixar que as disjuntivas — e são tantas
ao longo desse longo texto — abatam teu ânimo.
Original ou tradução.
Eis, repita-se, o cotidiano administrado
dos que vieram para “vencer”. Mas O grande
Gatsby é ainda o romance da tragédia — da
fortuna que vira desgraça. Algo metaforizado
no livro não só pelo assassinato de Gatsby, mas
sobretudo pela casa vazia, pela ausência dos antigos
convivas no velório e enterro do protagonista
(é dramática a cena de Nick convocando
as pessoas a comparecerem ao funeral). Gatsby,
assim, é o importante que, de uma hora para outra,
se apaga. É o grande que vira pequeno. Daí
a forte ironia do título e que está na estrutura
desse complexo e apaixonante livro, que lê o materialismo
de uma época e os valores que lhe dão
base de forma aguda, penetrante.

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3
o jornal de
literatura do brasil
fundado em 8 de abril de 2000
Rascunho é uma publicação mensal
da Editora Letras & Livros Ltda.
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O fiel e a pedra
COLUNISTAS
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DOM CASMURRO PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
EDIÇÕES ANTERIORES ENTREVISTAS OTRO OJO
vidraça : : joão lucas dusi
Novos talentos
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
Foram divulgados os dois vencedores da edição 2013/2014 do Prêmio
Sesc de Literatura. A jornalista e mestranda em culturas midiáticas
Débora Ferraz, de 27 anos, venceu na categoria Romance com
Enquanto Deus não está olhando. E Parafilias, do bancário
e psicólogo Alexandre Marques Rodrigues, de 34 anos, ganhou na
categoria Conto. Em seu livro, Débora aborda a relação pai e filha, a
perda e a insegurança de ingressar na idade adulta sem preparo. Já
Rodrigues, que “escreve sobre o cotidiano”, tratou da solidão sob a
abordagem das perversões sexuais. Os autores receberão o prêmio em
cerimônia na Academia Brasileira de Letras, prevista para julho de 2014,
e participarão da programação do Centro Cultural Sesc Paraty durante a
Flip. As obras serão publicadas pela Record.
COLUNISTAS
ENSAIOS E RESENHAS
DOM CASMURRO PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
EDIÇÕES ANTERIORES ENTREVISTAS OTRO OJO
QUEM
Talvez
SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
não haja na literatura brasileira
obra ficcional tão heterogênea quanto a
do pernambucano Osman Lins, falecido
prematuramente em 1978, com 54 anos.
Seu livro mais famoso (e provavelmente menos
lido) é o romance Avalovara, de 1973. Constituído
por oito linhas narrativas aparentemente
independentes, que correspondem às oito letras
da mais impressionante frase palíndroma do mundo
(sator arepo tenet opera rotas), Avalovara
pretende ser a súmula da experiência existencial
humana, sobre o jogo lógico das interseções da espiral
(que simboliza o tempo) e do quadrado (representando
o espaço).
Romance que explica o próprio processo de
sua composição, acaba sendo também a celebração
do inominável, das realidades que escapam à
própria literatura, tanto que uma das personagens
fundamentais é designada por um signo impronunciável,
irredutível às letras do alfabeto.
Com Avalovara Osman atinge o auge da sua
fase experimental e geométrica, que conta ainda
com as novelas de Nove, novena e com o romance
A rainha dos cárceres da Grécia.
Curioso que esse mesmo autor cerebral e matemático
tenha escrito, além de teledramaturgia,
as comédias Lisbela e o prisioneiro, levada às
telas com muito sucesso, e Guerra do cansa-
-cavalo, ambas auridas nas tradições populares
nordestinas, como fizeram, por exemplo, Joaquim
Cardozo e Ariano Suassuna.
Tal diversidade é ainda mais surpreendente
quando lemos o primeiro Osman Lins, o da novela
O visitante e dos contos de Os gestos, expoentes
da nossa melhor tradição introspectiva e machadiana.
É entre essas duas últimas vertentes, a da comédia
e a dos contos, que se situa um outro Osman
Lins, o do romance O fiel e a pedra. Entramos
aqui num terreno raro nas letras vernáculas, porque
mais próximo de certo romance de ação típico
das literaturas de língua inglesa.
Bernardo Cedro, o protagonista, vai trabalhar
no engenho de Miguel Benício, que é casado com
Creusa, cujo comportamento adúltero é conhecido
de todos. Para obter o desquite sem deixar bens
para a mulher, Miguel propõe a Bernardo a compra
simulada e fraudulenta de seus imóveis — que
o empregado recusa, preso a seus princípios éticos.
Miguel Benício, então, procura Nestor. E
Bernardo pressente que Miguel, depois de passar
as escrituras, será assassinado, fato que ocorre
pouco depois. Sugerindo que houve crime (e não
acidente, como o corpo caído da escada sugeria),
Bernardo passa a ter no novo dono do engenho um
perigoso inimigo. E apesar de achar que Creusa
não merece, defende os interesses da viúva.
Começa, então, a luta de Bernardo contra os
capangas de Nestor, que quer expulsá-lo do engenho.
A narrativa é densa e culmina com cenas de
sítio e tiroteio. É quando surge a figura inesperada
de um estranho, Ubaldo, que se agiganta no fim.
Osman Lins conseguiu escrever, a despeito
da contemporaneidade, um livro que trata de heróis.
E que não perde, por isso, sua grandeza, sua
complexidade.
O fiel e a pedra, originalmente publicado
em 1961, teve edições da Martins, da Melhoramentos,
do Círculo do Livro e, recentemente, da Companhia
das Letras. Embora a última ainda esteja
em catálogo, é raro encontrá-la nas estantes das
grandes redes livreiras. Nos sebos, devem ser garimpados
os exemplares a partir da segunda edição,
de 1967, pois o texto da princeps foi revisto
por Osman. A R$ 15,00 estão bem pagos.
divulgação
colaboradores desta edição
André Caramuru Aubert
Carlos Eduardo de Magalhães
Clayton de Souza
Felipe Franco Munhoz
Gabriela Silva
Gisele Eberspächer
Guilherme Pavarin
Haron Gamal
Luiz Guilherme Barbosa
Luiz Horácio
Marcelo Antinori
Marcos Pasche
Martim Vasques da Cunha
Maurício Melo Júnior
Motojiro Kaijii
Nelson Shuchmacher Endebo
Paulo Andrade
Paulo Rosenbaum
Rodrigo Casarin
Rodrigo Gurgel
Vilma Costa
Lei 8.313/91 (Lei Rouanet)
Programa Nacional de
Apoio à Cultura (Pronac)
Apoio
patrocínio
realização
Editora
Letras & Livros
Em expansão
A revista literária Substânsia,
editada por Nathan Matos e
Roberto Menezes, chegou a sua
segunda edição e segue aberta para
autores que desejam ter seus textos
publicados. Seguindo a mesma linha
de ampliação do cenário literário,
surge a Editora Substânsia.
Idealizada pelo editor Nathan
Matos, em parceria com Madjer
de Souza Pontes e Talles Azigon,
estreará com O núcleo selvagem
do dia (foto), de Madjer.
divulgação
Pulitzer para Donna
A escritora norte-americana Donna Tartt venceu o Pulitzer na categoria
Ficção, com o romance The Goldfinch. Nele, acompanhamos a trajetória
de Theo Decker, um nova-iorquino de 13 anos que sobrevive a um acidente
em que morre sua mãe. O livro é centrado justamente na pintura Goldfinch,
de 1654, do holandês Carel Fabritius. No Brasil, a Companhia das Letras
já publicou da autora A história secreta (1995, romance de estreia) e O
amigo de infância (2004). The Goldfinch deve sair ainda neste ano.
Na categoria Poesia, 3 sections, do indiano radicado nos Estados Unidos
Vijay Seshadri, levou o Pulitzer. Os versos exploram a consciência humana
do nascimento à demência, alterando entre vozes graciosas e graves.
Nenhum livro do autor foi publicado no Brasil.
Novidades no Jabuti
O Prêmio Jabuti está com inscrições abertas. Este ano, um pouco diferente:
a curadoria passou a ser da escritora e professora Marisa Lajolo; a
cerimônia de entrega do Jabuti, realizada durante oito anos na Sala São
Paulo, desta vez será no Auditório Ibirapuera, dia 18 de novembro; e, por
fim, a criação de uma 27ª categoria, onde o British Council irá laurear a
melhor tradução de obra literária inglês-português e o vencedor participará
de um evento literário no Reino Unido, em 2015. Mais informações no site
www.premiojabuti.com.br
O conto em Floripa
De 19 a 25 de maio, Florianópolis (SC) recebe a 4ª edição do Festival
Nacional de Conto, único evento da América Latina dedicado a esse gênero.
O escritor homenageado será o carioca Sérgio Sant’Anna, quatro vezes
vencedor do Prêmio Jabuti. Entre outros, completam a programação
Daniel Pellizzari, Noemi Jaffe, Cíntia Moscovich e Altair Martins. Os
encontros acontecem no Teatro Sesc Prainha.
Literatura no sertão
O Congresso Internacional do Livro, Leitura e Literatura n o Sertão
(Clisertão) chega à 2ª edição. Acontece em Petrolina (PE), de 5 a 10 de
maio. Entre os convidados, José Luiz Passos, Rogério Pereira, editor do
Rascunho, e José Castello.
Prêmio Brasília
O 2º Prêmio Brasília de Literatura anunciou os 16 autores premiados
entre oito categorias: Biografia, Conto, Crônica, Infantil, Juvenil, Poesia,
Romance e Reportagem. Aos primeiros lugares, R$ 30 mil; aos segundos,
R$ 10 mil. Ganhador do Portugal Telecom 2013, O sonâmbulo
amador, de José Luiz Passos (foto), ficou em primeiro lugar na categoria
Romance. Em segundo, Ana Miranda com O peso da luz — Einstein
do Ceará. Na poesia, Roberval Pereyr levou o primeiro lugar com
Mirantes; Samarone Lima ficou na segunda posição, com O aquário
desenterrado. Antonio Prata ganhou novamente na categoria Crônicas,
com Nu, de botas. O segundo lugar ficou com Labirinto da palavra,
de Claudia Lage, cujas crônicas foram publicadas no Rascunho de 2008
a 2011. No conto, Noemi Jaffe venceu com A verdadeira história do
alfabeto. Em segundo lugar, a coletânea Garimpo, de Beatriz Bracher.
Em Ribeirão Preto
Entre 16 e 25 de maio, Ribeirão Preto (SP) se torna o principal cenário
literário do país. A 14ª Feira Nacional do Livro contará com 600 atrações
gratuitas em 14 espaços diferentes. Com um espetáculo inédito, a bailarina
e coreógrafa Deborah Colker abre o evento; para o encerramento, o
maestro João Carlos Martins rege a orquestra Bachiana Filarmônica do
Sesi. Dentre os escritores convidados, Antonio Prata, Cristovão Tezza,
Ignácio de Loyola Brandão e Ruy Castro. Ao todo, serão 98 escritores
nacionais, 113 escritores locais e seis internacionais. Programação no site
www.feiradolivroribeirao.com.br.
Investigações na McSweeney’s
A edição 46 da revista norte-americana McSweeney’s traz 13 contos
policiais contemporâneos de autores latino-americanos. Participam da
edição o brasileiro Bernardo Carvalho, o mexicano radicado no Brasil Juan
Pablo Villalobos, a argentina Mariana Enríquez, o cubano Jorge Enrique
Lage, entre outros.

169 • maio_ 2014
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169 • maio_ 2014
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Cheia de
histórias
:: Gabriela Silva
Porto Alegre – RS
Gabriel García Márquez e Guimarães Rosa gostariam de
entabular uma conversa sobre A cabeça do santo, de
Socorro Acioli, por diversos motivos. O primeiro é a história
— essencialmente boa. Samuel é um jovem que começa
a narrativa num estado miserável de existência. Ele vaga pelas
estradas do interior do Ceará, pelas cidades de Juazeiro, Candeia,
Canindé para cumprir a promessa feita à mãe às vésperas de sua
morte: encontrar a avó paterna Nicéia e o pai Manoel e acender velas
aos pés dos santos de sua devoção. E num fragmento de tempo a vida
do protagonista muda. Os outros motivos de que falo vão surgindo
ao longo da narrativa e da nossa leitura. Mas posso enunciar alguns,
não todos, para que o leitor possa descobrir as qualidades do texto,
como eu fiz em cada nova página.
Samuel vive uma série de peripécias, de desenlaces, descobrindo
fatores de sua própria vida e acessando as suas origens. Filho
de Mariinha com Manoel Vale, fora criado pela mãe, expulsa e
renegada pelo pai, pela gravidez e a vergonha de ter sido desonrada.
Sobrevivem, mãe e filho, a custa da ajuda de pessoas boas e do trabalho
com palha que Mariinha realiza. Doente, portadora de sífilis,
que Samuel julga ter sito transmitida pelo pai, ela morre, deixando
os pedidos ao filho.
Ao contar a trajetória de Samuel, Socorro incorpora elementos
que vão ficando evidentes na construção do romance. Um deles é
a religiosidade. Santos que estão presentes no imaginário do povo
nordestino e que funcionam como fonte de fé e misticismo servindo
de eixo para histórias contadas de geração a geração. Padre Cícero,
Santo Antônio e São Francisco formam a tríade divina que compõe a
base da narrativa. Cada um no pedido da mãe deve receber uma vela,
aos seus pés, para salvar a sua alma.
O místico em A cabeça do santo não fica apenas na crença
dos milagres dos santos. A mãe de Samuel, assim como todas as mulheres
de sua família possui o dom de prever a própria morte. Essa
característica do romance se expande no protagonista. Ele mesmo
tem a capacidade de ouvir vozes. Após ser expulso da casa da avó, ele
vai por ordem dela mesma, alojar-se em uma gruta mais afastada.
A gruta é na verdade a cabeça degolada de uma estátua enorme de
Santo Antônio, padroeiro da cidade de Candeia.
Atacado por cães, escondido, doente, Samuel
ouve as histórias contadas pelas vozes que vertem
das paredes da cabeça. Auxiliado por um garoto,
Francisco, ele se recupera e acaba achando uma utilidade
para as vozes que falam o tempo todo. Ele se
torna um Mensageiro do santo, fazendo com que as
mulheres resolvessem seus problemas amorosos.
E então a narrativa toma rumos diferentes: o
místico torna-se o começo de descobertas e desvelamentos
sobre a história de Candeia, suas personagens
e a vida de Samuel.
Sobre a cidade, descobrem-se as irregularidades
de um prefeito, a história de um santo mal
construído e da morte de uma comunidade. Por superstição
dos moradores e por descaso da prefeitura.
Samuel é odiado e perseguido pelo poder local, que
não deseja responder pelas suas ações erradas e inércia
em relação à cidade, assim como a ressurreição de um espaço que
julgavam morto: Candeia não era mais a cidade abandonada.
As personagens vão se desdobrando, mostrando suas histórias
particulares, origens. E toda a trama vai se encaixando, como as peças
que compõem a própria imagem do santo. Histórias de amor,
morte, abandono e esperança, todas depositadas na possibilidade de
que o dom de Samuel e das vozes ouvidas consiga resolver. Socorro
nos apresenta um quadro vasto de personalidades a que são atribuídas
características como solidariedade, esperança, afetuosidade e
outras ruins, mas que também fazem parte tanto das personalidades
ficcionais como reais: ganância, avareza, rancor e tantas outras.
Samuel encontra seu pai, que de forma circular contribuíra
para a decadência da cidade. A história vai se misturando à de
Candeia e o passado torna-se mais claro e o presente assume um
sentido próprio.
Descobre entre as vozes, a história de Rosário. Que herdara da
mãe africana o hábito de cantar às cinco da manhã e às cinco da tarde.
É a voz que acalma o coração de Samuel, todos os dias. A beleza
da voz — associada ao mistério das canções em uma língua que oscila
entre o português e outra desconhecida — vai despertando em Samuel
o que mais tarde se descobriria como amor.
Atendendo aos pedidos da mãe, reforçados pela avó, ele
completa o sentido da sua missão, cumpre a sua jornada de herói.
Samuel vivencia a pobreza e a dor pela perda, constrói amizades,
ajuda a reconstruir uma cidade, a bondade de um santo e o passado
de sua família.
É aos pés dos santos que ele encontra o que procura: Santo Antônio
lhe entrega o pai, exilado na estátua degolada; São Francisco
lhe entrega o caminho para Rosário, que agora lhe acalmaria o coração
não apenas com a voz, mas com a sua presença.
Lendo a biografia de Socorro Acioli, percebemos que ela procurou
aprender para exercer o que lhe sobra: talento. A cabeça do
santo é a carta fiadora de Socorro: confiamos nela como autora.
Confiamos na elaborada trama composta por elementos fantásticos
(nos fascinam tanto), sistemas de encaixes entre passado e presente
e uma circularidade que nos assombra e nos deixa curiosos. Por 168
páginas de texto, conhecemos Samuel e sua história, uma narrativa
pungente de sobrevivência, de amor e, sobretudo de esperança. Se a
literatura é o exercício artístico de representar a vida real, ou basear-
-se nela, Socorro fez isso com habilidade.
A AUTORA
Socorro Acioli
Nasceu em 1975, em Fortaleza (CE). É jornalista e doutora em estudos de
literatura pela Universidade Federal Fluminense. Foi aluna do prêmio Nobel
Gabriel García Márquez na oficina Como contar um conto, em Cuba. Entre
seus livros publicados estão A bailarina fantasma e Ela tem olhos
de céu, ganhador do prêmio Jabuti de literatura infantil em 2013.
: : entrevista : : Socorro Acioli
:: Rogério Pereira
Curitiba – PR
Socorro Acioli acaba de estrear
na literatura adulta
com A cabeça do santo,
escrita a partir de uma oficina
literária com Gabriel García
Márquez. É apenas uma nova fase
em uma trajetória literária de mais
de dez anos, iniciada na literatura infantojuvenil.
Ganhadora do prêmio
Jabuti 2013 com Ela tem olhos
de céu, Socorro é otimista em relação
ao momento literário brasileiro,
sempre mantendo um olhar crítico,
principalmente em relação à produção
voltada a crianças e jovens. Nesta
entrevista concedida por email,
a autora cearense fala de sua breve
convivência com García Márquez,
das dificuldades em ser escritor no
Brasil, do mercado editorial, da formação
de leitores e de sua paixão
pela gastronomia.
• Após 10 anos de uma bem-
-sucedida carreira como autora
de livros infantojuvenis, vocês
estreia na literatura adulta
com A cabeça do santo. Quais
as inquietações que a levaram
a escrever um romance voltado
ao público adulto?
Esse assunto rende uma resposta
cheia de desdobramentos, já que a
definição de idade do público leitor
é algo muito complexo. O que me
fez decidir a linguagem e a identidade
desse livro foi o próprio tema.
Fui arrebatada pela imagem de uma
cabeça oca, gigantesca e inacabada
de Santo Antônio que vi em uma
matéria de jornal. O texto falava dos
problemas causados pela cabeça no
meio da rua e um deles era o fato
de ter servido de morada para um
homem qualquer. Imediatamente,
percebi que tinha um tema e um
personagem muito fortes para construir
um romance a partir dali. Ao
desenvolver a narrativa, decidi que
esse homem teria o poder de ouvir
as orações das mulheres pedindo
por casamento e que armaria uma
confusão com as informações que
tinha em mãos. Pensei em adultério,
crimes, segredos, amores proibidos e
nada disso caberia em uma narrativa
infantil ou juvenil, a princípio. Eu
Abençoada
cozinha
escritor consiga viver de direitos autorais
no Brasil. O que tem ajudado
muito é o número de eventos literários
no país inteiro, que pagam cachês
e ajudam na receita mensal dos
autores. O problema é que viver viajando
para dar palestras destrói essa
rotina de método e silêncio que todo
escritor precisa ter para trabalhar nos
livros. Muitos autores encaram o dilema
cruel de ter um emprego para escrever
sem preocupações ou viver só
de escrever, mas sofrer a cada final de
mês. A falta de respeito e desconhecimento
diante da profissão também é
terrível. A pergunta “você trabalha ou
só escreve?” é o mínimo que se escuta.
Eu coleciono frases de uma grosseria
absurda, especialmente como
autora de livros infantis. Já me convidaram
para eventos onde esperavam
que eu cantasse e dançasse, coisa que
não faço. Sou escritora. O que sei
fazer diante de um grupo de crianças
é conversar sobre meu processo
criativo, contar coisas engraçadas ou
surpreendentes, ler o texto, responder
perguntas. Confundem literatura
infantil com animação de palco,
às vezes. Para ser honesta, acho que
com dez anos de estrada eu já consigo
tirar de letra. Tenho respostas ótimas
para perguntas desrespeitosas sobre
a profissão.
• Ao ler em média de seis a doze
livros por mês, você, obviamente,
é uma leitora muito acima
da média. O que você busca
na leitura de ficção?
Nem sempre consigo esse máximo de
doze livros, mas leio muito e sempre.
O que me ajuda bastante é o advento
fantástico do ebook. Tenho um Kobo
alimentado por uma biblioteca incrível
e aproveito cada minuto livre que
tenho. Tenho metas de leitura, anoto
tudo que leio, faço estatísticas, é um
negócio divertido e meio nerd. Mas
isso não faz de mim uma erudita, porque
leio muita, muita bobagem. Antes
de dormir, geralmente, opto por
livros que contem uma boa história e
não tenho o menor problema em escolher
algo mais leve e nem de perder
tempo com best-seller. Muitas vezes
eu sigo as indicações das minhas leitoras
adolescentes e compro os sucessos
do momento — a maioria dos textos
me irrita, mas eu leio. Ao mesmo
tempo, andei numa fase obsessiva
por autores africanos — Mia Couto,
Agualusa, Luandino Vieira, Pepetela,
Ondjaki, Armenio Vieira. Tive uma
paixonite pelo Ian McEwan, pelo
Murakami. Ano passado fui à Argentina
pela primeira vez e me preparei
lendo Borges. A paixão do momento
é o Valter Hugo Mãe. O que eu busco
na ficção depende do momento. Escolher
um livro é fazer um pacto com
ele, olhando nos olhos da capa. Para
alguns eu digo: “ok, eu quero rir um
pouco com você e esquecer da vida,
por favor”. Diante de outros eu reverencio
o autor e digo: “Nada menos
que arrebatamento, é o que espero”.
• Da sua experiência com jovens
leitores, é possível buscar
explicações para as dificuldades
em formar mais leitores no
Brasil? Quais seriam as principais
barreiras?
É um quadro complexo. O que cerca
um leitor em potencial? Família
e escola. Sem incentivo desses dois
pilares da sua formação, fica difícil
tornar-se leitor. Existem iniciativas
fantásticas no Brasil. Aplaudo de pé o
programa Agentes de Leitura, criado
pelo educador Fabiano dos Santos,
que leva livros de casa em casa. Também
sou entusiasta da Fundação Nacional
do Livro Infantil e Juvenil, que
mantém diversas ações impressionantes
envolvendo autores, ilustradores,
editores, família e professores.
Se eu tiver de arriscar um caminho,
creio que a saída para o problema é o
investimento na formação do professor
leitor. Eu já dei uma palestra para
um público de professores às 20h e
perguntei quantos ali tinham dado
mais de dois turnos de aula. A maioria
levantou o braço. Perguntei quem
trabalhava aos sábados e todos levantaram
o braço. Quando esse professor
vai ler? E sem ter, ele próprio, uma
vida de leitor, como vai transmitir
esse gosto para os alunos? Por outro
lado, vemos um aumento imenso no
mercado de literatura infantil e juvenil
no Brasil. Eventos de editoras
voltados para o público jovem lotam
as livrarias do Brasil, assim como as
tardes de autógrafos de autoras como
Thalita Rebouças, Paula Pimenta,
Bruna Vieira. Estamos falando de números
e nesse sentido, o momento é
de otimismo.
• De que maneira você auxilia
sua filha a se formar uma boa
leitora?
Tenho algumas regras com ela. A primeira
é nunca negar livros que ela
queira comprar. Nunca. A segunda é
não censurar as leituras. Ela escolhe
o que quiser ler, mesmo que eu ache
uma bobagem, eu compro. Comigo
não tem essa de mandar que compre
com mesada, eu invisto mesmo.
E digo sempre às mães que façam a
mesma coisa. Cada leitor tem seu caminho.
Ela viaja comigo para eventos
literários desde pequena, acompanha
minhas palestras e me vê sempre lendo
e falando de livros. Agora me pediu
um Kobo e eu comprei. Acabou de ler
a trilogia Jogos vorazes e começou
O cão dos Baskervilles — está
ado rando. Sim, ela é uma leitora.
Acho que tomei boas decisões nesse
processo.
• O que seria um bom leitor? É
possível defini-lo?
Talvez seja o que lê com prazer, porque
gosta, porque não sabe viver sem
livros. Um por mês, que seja. Talvez
seja o leitor que pensa sobre o que
leu, que sabe compreender os livros
dentro dos seus contextos, que entende
o lugar de cada autor no seu tempo
e sua posição e contrastes diante dos
demais. Talvez seja o que surta nas
livrarias, compra mais do que consegue
ler, ama os autores loucamente.
Existem inúmeros tipos de bons leitores,
não existe um gabarito.
• Na introdução de Aula de leitura
com Monteiro Lobato, você
afirma que “escrevi este livro
porque acredito, a cada minuto
da minha vida, que a literatura
pode salvar o mundo”. Por que
esta crença na literatura?
Uma vez a Fundação Nacional do Livro
Infantil e Juvenil organizou uma
exposição chamada Santos Dumont
leitor de Julio Verne. Fiquei impressionada
com aquilo, com o poder da
literatura como condutora da vida de
um inventor. A boa literatura dá sentido
à vida, no mínimo. Nos melhores
casos, alimenta grandes ideias.
O querido Bartolomeu Campos de
Queiroz disse uma vez que é a imaginação
que movimenta o mundo.
Esse computador onde eu escrevo
e esse outro de onde você me lê só
existe porque alguém imaginou. E a
literatura nos dá isso, esse poder de
sonhar, especialmente na infância.
Existe também a literatura que dói
e que faz enxergar a dor do outro.
Nada mais necessário do que o exercício
da empatia nos dias de hoje, esses
tempos de egoísmo.
• Ao percorrer o Brasil em feiras,
festivais, encontros com
leitores, como você avalia o
momento literário brasileiro
do ponto de vista de mercado?
É possível viver de literatura?
Para alguns autores, sim. Uns têm a
sorte de viver só de vendas de livros,
o melhor dos mundos. Outros conseguem
cumprindo uma agenda de
muitas viagens por mês, nas condições
mais diversas. Mas de qualquer
forma, temos um número razoável
de escritores vivendo de literatura e
isso é muito bom. Do ponto de vista
do mercado, é um momento aquecido.
Muitos eventos, muitos autores
surgindo, muitos livros de sucesso
vendendo bem nas livrarias do Brasil,
vários editais para compras de
governo por ano, concursos, prêmios
literários, etc.
• Você acompanha a produção
literária brasileira? O que mais
te chama a atenção na literatura
atual?
Acompanho, claro. Como leitora e
como amiga de muitos autores — a
maioria que vou conhecendo pela
estrada das feiras e festas literárias.
Os autores sérios estão em busca da
sua própria voz, isso é o que mais me
impressiona. Não temos uma produção
em bloco, aquela série de livros
parecidos. Adriana Lisboa, Tatiana
Salem Levy, Daniel Galera, Michel
Laub, cada um tem seu caminho
próprio, seu projeto literário muito
bem fundamentado. Já na literatura
infantojuvenil surgem muitos autores
novos todos os dias. A maioria
vem copiar o que já deu certo, o que
é uma pena. Uma minoria de muita
qualidade oferece uma voz original.
Isso sim, me anima.
• Você circula com muita desenvoltura
pelas mídias digitais,
com seus blogs, facebook,
twitter. De que maneira o mundo
digital facilita ou atrapalha
a vida dos escritores?
Facilita muito porque é mais rápido
encontrar pessoas. Editores, jornalistas,
críticos, estão todos ali, ao alcance
de um clic. Basta ser amigo virtual
e a porta está aberta para ver e ser
visto. Divulgar eventos pelo facebook
e twitter é maravilhoso e é pelas redes
sociais que os leitores chegam ao blog.
Atrapalha porque toma muito tempo.
E porque o risco de se expor demais
é enorme. É preciso saber dosar bem
quando se posta uma informação que
mil pessoas vão ler. Eu confesso que
gosto bastante, tenho muitos amigos
que conheci pela internet. Adoro receber
os recados dos leitores, especialmente
as coisas engraçadíssimas
que os adolescentes postam. Mas
transito com muito cuidado por esse
terreno virtual.
• Como transformar uma ideia
em boa literatura?
Com muito trabalho. No meu caso,
com um planejamento intenso até
encontrar a estrutura adequada ao
texto. A ficção exige uma série de
tomadas de decisão por parte do
autor. Onde acontecerá a história?
Quem são os personagens? O que
eles querem? O que os impede? Vão
conseguir? Em quanto tempo tudo
acontecerá? Quem contará a história,
um narrador onisciente? Será
em primeira pessoa? Quais as verdades
ou as perguntas que movem
esse texto? Essas são apenas algumas
das perguntas que o livro precisa
responder. O que aprendi com
cursos de roteiro e escrita criativa
me ajudou muito a facilitar o processo.
Juntando os cursos, o estudo
e minha experiência, tenho promovido
oficinas de construção de
narrativa para tentar iluminar esse
caminho entre a ideia e a literatura.
• Qual a importância dos prêmios
literários para os autores?
E qual a importância no
seu caso específico?
Prêmios conferem uma visibilidade
imensa para o livro e o autor. Para o
público leitor, é uma legitimação do
trabalho, um atestado de qualidade.
O Jabuti foi o meu primeiro prêmio
nacional e o salto da minha posição
no mercado foi estrondoso. Muitas
portas se abriram, muitos convites,
muito reconhecimento. Tudo fica
mais fácil depois quando o autor tem
um Jabuti no currículo. Na vida real,
ao menos pra mim, não muda muita
coisa. Continuo batalhando muito,
lutando no dia a dia para seguir
escrevendo, estudando, pensando
meus projetos, correndo muito para
dar palestras, fechar as contas no fim
do mês. Valorizo muito os prêmios
que já recebi, me fizeram feliz e espero
que venham mais. Porém, eles
não mudam quem eu sou.
• Por que manter um blog de
receitas gastronômicas?
Por prazer. Adoro cozinhar, pesquisar
receitas, conhecer ingredientes
novos, reproduzir em casa as
comidas que aprendo nas viagens.
Minhas malas voltam cheias de ingredientes
e utensílios. Faço comida
todos os dias para minha família e é
nesse momento que surgem ótimas
ideias para a literatura. De vez em
quando eu penso que, um dia, pode
surgir um projeto literário daí, mas
nada concreto ainda. Por enquanto,
é prazer e distração.
divulgação
A literatura infantil é arte, é feita por um
autor sensível a determinado tema, ciente
da escolha do seu universo de palavras.
poderia, sim, ter dobrado a esquina
e feito do meu protagonista, Samuel,
apenas um rapazinho brincalhão,
mas essa não era a história que eu
queria contar. Por outro lado, fico
me perguntando se, mesmo com crime,
crueldades, adultério e amores
proibidos, esse livro não poderia ser
lido por um jovem. Penso que pode,
sim. Tanto que a editora inglesa Hot
Key Books está lançando o mesmo
livro, o mesmo enredo, no seu selo
para o público juvenil. A cabeça do
santo, portanto, estaria na categoria
que o mercado internacional chama
de crossover — um texto que pode
agradar a adolescentes e adultos. É
o que tenho visto com o retorno dos
leitores que me escrevem nas redes
sociais, todos os dias.
• No momento da construção
da narrativa, há diferenças
entre escrever para criança,
jovem ou adulto — leitores, supostamente,
diferentes?
Para mim todos exigem muito trabalho,
muito mesmo. Não escrevo
facilmente, inspirada pela Musa. Eu
sofro um bocado. E não acho que
texto infantil é fácil e adulto, difícil.
Não chamo livro infantil de livrinho.
O que muda é o universo ficcional
de cada um. Alguns temas importantes
para adultos não fazem parte
do espectro de interesse de uma
criança. A linguagem também exige
uma atenção, tanto em coisas mais
visíveis, como vocabulário, quando
na composição de metáforas e pontes
de narrativa que talvez um leitor
mais jovem não consiga captar.
Infelizmente, tenho visto critérios
absurdos nesse julgamento da qualidade
no livro infantil. Já vi professoras
dizendo que um bom livro para
crianças não pode falar de morte,
não pode ter palavras de quatro silabas
ou que sejam muito distantes
do vocabulário natural da criança.
Dizem, ainda, que o bom livro infantil
é o que ensina alguma coisa — a
tal alcunha de paradidático. Costumo
fazer palestras para professores
e tento conversar sobre a diferença
entre livro para criança e literatura
infantil. O livro pra criança é aquele
que as bienais vendem aos quilos por
cinco reais, que ensinam as cores e
os tipos de formas de amarrar sapatos.
A literatura infantil é arte, é feita
por um autor sensível a determinado
tema, ciente da escolha do seu universo
de palavras. Ela pode e deve
falar de morte, dor, tristeza, alegria
porque tudo isso faz parte da condição
humana. Enfim, as diferenças
caminham mais no terreno da escolha
dos temas. Ao menos para mim,
escrever exige muito trabalho, não
interessa o destinatário do texto.
• Quais desafios você se impõe
ao iniciar o projeto de um novo
livro?
É muito bom começar um projeto
novo, cheia de esperanças. Na verdade,
é talvez o segundo melhor momento
— o primeiro é receber o livro
pronto. Quando decido por um novo
tema, a primeira providência é comprar
um caderno, onde anoto tudo
o que interessa para a construção
do texto. São muitos desafios. Para
mim, ao menos, um dos maiores é
não repetir o que já fiz antes. Não repetir
temas e estruturas. É difícil, é
arriscado. O mais certo — pensando
no mercado — é repetir o que já funcionou
bem, mas não é o que eu quero
para a minha carreira. Já escrevi
ensaios biográficos, livro infantil em
prosa, em verso, livro juvenil, ensaio
acadêmico, romance. Não sou excelente
em todos os gêneros, mas adoro
experimentar e aprender. Outro
desafio é o tempo. Sou muito lenta,
levo anos em um projeto e o prazo
apertado costuma me atrapalhar
muito. Tento organizar o tempo de
escrita a fim de cumprir os cronogramas,
mas nem sempre consigo. Mais
uma questão é a linguagem. Gosto
de dar um espaço entre um texto e
outro para ler mais e aprender com o
bordado dos grandes autores que tenho
conhecido. Já entendi que meu
forte como autora não tem nada a
ver com reinvenção de linguagem,
ao menos por enquanto. Busco o texto
mais simples enquanto dou sangue
no enredo mais surpreendente
possível. Aliás, surpreender o leitor é
um desafio gigantesco.
• Qual a importância do convívio
com Gabriel García Márquez,
em 2006, na oficina
Como contar um conto, em
Cuba, para a escritura de A cabeça
do santo?
Foi um convívio muito rápido, apenas
cinco dias de aula, mas a importância
foi decisiva. O livro só nasceu por causa
desse contato com ele. Procurei um
tema para mandar e concorrer a uma
vaga na fabulosa oficina Como contar
um conto e foi assim que encontrei
e decidi investir na cabeça do santo.
Ter o aval do García Márquez e ouvir
dele que eu tinha um material maravilhoso
em mãos foi o que me deu coragem
para não desistir. Em termos
práticos, ele sugeriu coisas importantes.
Por exemplo: eu estava na dúvida
se o personagem Samuel deveria
ouvir só as orações das mulheres ou
também os pensamentos do santo.
García Márquez disse que eu deveria
optar pelas rezas, já que conhecer segredos
de amor das mulheres de uma
cidade é uma forma de poder. Outra
coisa que ele repetiu várias vezes pra
turma toda e que me serviu muito foi
a frase: “Conte sua história como se
contasse a da Chapeuzinho Vermelho”.
Ou seja: o seu mundo ficcional
tem que ser claro e só quando conseguimos
definir tudo em um parágrafo
é que temos o domínio da história.
Quando estive com García Márquez,
eu só tinha o começo da ideia do livro.
À época, queria fazer um roteiro
de cinema e insisti nessa linguagem
por quatro anos. Em 2010, por um
conselho do diretor Lula Buarque de
Hollanda, desisti de escrever um roteiro
e comecei a trabalhar no livro,
de verdade. Há influência do García
Márquez no texto, mas vejo uma filiação
muito mais forte com Jorge Amado
e Ariano Suassuna, por exemplo.
Escrevemos a partir do nosso repertório
de leituras e experiência de vida.
Não posso negar que o Realismo Mágico
me marcou, mas não é isso que
estou tentando fazer agora.
• O que mais a marcou na convivência
com García Márquez?
A generosidade e a coragem. Acho incrível
que um Prêmio Nobel de prestígio
internacional, lido, admirado e
querido no mundo inteiro, disponha-
-se a passar uma semana sentado a
serviço de autores iniciantes. No primeiro
dia de aula ele anunciou que
“estava ali para ouvir”. Isso é raro.
Durante a fala de todos os alunos, ele
estava de fato concentrado, empenhado
em entender. Tratava de cada
personagem até esgotar as possibilidades.
Sugeria, cortava, pensava com
força no que poderia melhorar. Por
cinco dias, ele nos deu o melhor que
poderia nos dar: seu talento e experiência.
A outra coisa que me marcou
foi a coragem dele, que me contagiou.
García Márquez precisou de muita
força para enfrentar um sem número
de obstáculos na vida, inclusive a opção
de ser escritor.
• A cabeça do santo tem uma
linguagem
aparentemente
muito simples — uma das qualidades
da narrativa. Como se
deu a construção da voz narrativa
para esta história com traços
de realismo fantástico?
O objetivo era essa mesmo: o mais
simples que eu pudesse fazer. Eu
queria um narrador onisciente e
sensível, que soubesse muito, mas
soubesse dosar as informações. Meu
foco, na Cabeça do santo, foi dar
conta de amarrar essa narrativa
cheia de subenredos. Há um eixo
principal (Samuel indo a Candeia
procurar o pai e a avó) e vários outros
eixos que caminham à margem
(o passado da sua mãe, Mariinha,
o passado da cidade, a história de
Fernando, de Rosário, etc.). Eu precisava
de um texto claro e limpo para
desenvolver essas tramas todas. De
outra forma, eu não teria conseguido.
Por enquanto, pretendo seguir
escrevendo assim, um texto simples
a serviço de enredos complexos.
• Ao ganhar o prêmio Jabuti, no
ano passado, você afirmou que
“o prêmio chega na hora mais
certa possível”, mas que seguirá
“na vida caseira, lendo muito,
pensando muito, demorando
pra escrever, publicando com
cautela”. Como é a sua rotina de
criação e contra quais equívocos
um escritor deve lutar?
No momento, tomei a decisão de só
trabalhar em um projeto de cada vez.
Como eu disse antes, sou muito lenta,
detesto as primeiras versões de
tudo que escrevo e preciso de tempo
para maturar enredo e texto. A rotina
de cada texto começa com a escolha
do tema, depois o desenvolvimento
da narrativa — traçado em um caderno
— e sempre, sempre, sempre
começo tudo de uma pesquisa. Isso
vem da minha formação como jornalista.
Quase tudo que escrevi veio
de um fato real, mas o que produzo
são reportagens inventadas. Só depois
da pesquisa eu consigo traçar o
eixo principal da história, o que vai
acontecer com os protagonistas do
começo ao fim. Sem isso, nem sento
para começar. Preciso saber como
vai terminar — mesmo que depois
eu mude de ideia. Costumo planejar
os capítulos, usando um método de
fichas que aprendi na minha formação
para escrever roteiros de cinema.
Tenho uma ficha para cada capítulo
e nele eu determino o lugar dos fatos.
Isso é ótimo, porque se eu resolver
contar algo só mais à frente, basta
mudar de lugar. Eu ia começar A cabeça
do santo contando o passado
de Candeia, porque a estátua não foi
concluída. Mas depois vi que eu deveria
começar com Samuel, manter a
pergunta no leitor e explicar depois.
Foi só mover a ficha de lugar. Depois
de organizar a estrutura, vem a hora
de escrever uma primeira versão do
texto e assim prosseguir. Mais à frente
chegam os leitores que me ajudam
muito — minha agente, Lúcia Riff, os
editores, preparadores de texto. Sou
grata por esse momento, é o fim da
solidão e o começo do trabalho em
equipe para fazer o livro existir. Mas
isso tudo é só um lado da minha vida
profissional. Tenho ainda a carreira
de professora em construção. Acabei
meu Doutorado e estou ministrando
cursos livres de Construção de Narrativa.
Além, é claro, das rotinas de
dona de casa, de cuidar da família,
da vida toda ao redor.
• Você já afirmou que ser escritor
no Brasil é muito difícil.
Quais as principais dificuldades
que um autor enfrenta
num país como o Brasil?
Instabilidade financeira e desrespeito
diante da profissão. É raro que um
A cabeça do
santo
Socorro Acioli
Companhia das Letras
176 págs.
leia entrevista completa no
www.rascunho.com.br

6
169 • maio_ 2014
Vozes autônomas
Poemas de Alice Sant’Anna e Mário Alex Rosa trazem a composição de um sujeito melancólico
: : Luiz Guilherme Barbosa
Rio de Janeiro – RJ
As coleções de livros de
poemas, desde a década
de 1980, são um instrumento
de leitura da poesia
brasileira. Não só fazem o poema
se acompanhar de um projeto
gráfico colecionável, que se inscreve
na memória da leitura dos poemas,
como também intervêm na
legibilidade da poesia, ao lançarem
novos poetas, acolherem poetas
bissextos, revisarem poetas menos
lembrados, acompanharem as
trajetórias mais comemoradas. De
fato são muitos os elementos que
intervêm na maior ou menor legibilidade
da poesia, e eles incluem a
curadoria da coleção, a audácia do
editor em lançá-la, a viabilidade da
editora, os prêmios almejados ou
alcançados pelo livro. Esses gestos
críticos, mais ou menos fortes, são
muitas vezes decisivos para que o
poema alcance uma espécie de patamar
de legibilidade.
Parece, portanto, que as coleções
de poesia, decorrência do amadurecimento
do mercado editorial
— o que, diga-se de passagem, representa
para as editoras compensar
o encalhe dos livros de poemas
por meio das vendas de romances
best-sellers, livros paradidáticos ou
obras clássicas com poder de venda
a longo prazo —, simbolizam, ao
mesmo tempo, a produção de outro
olhar para o poema. É que a publicação
do livro numa coleção de
poesia inscreve-o numa série que
sugere certo olhar sobre o poema
contemporâneo, certo posicionamento
sobre o que significa fazer
poesia, certa escolha entre os poemas
que serão publicados e aqueles
que, por algum motivo, não chegarão
ao livro ou às livrarias. De um
modo ou de outro, no limiar do visível,
a poesia preserva a ambiguidade
que, desde as edições fantasmas
de pequenas tiragens dos poetas
modernistas, às edições raras da
poesia concreta, às edições mimeografadas
da poesia marginal, como
um espectro, o poema parece guardar
na vida cultural.
A não ser que se recorde a
poesia reunida de Paulo Leminski,
que desbancou, em março de 2013,
uma série de romances best-sellers
tornando-se o livro mais vendido
Rabo de baleia
Alice Sant’Anna
Cosac Naify
64 págs.
Via férrea
Mário Alex Rosa
Cosac Naify
64 págs.
no país. Mas ainda aqui seria oportuno
lembrar a leitura de Flora
Süssekind, que considera boa parte
da obra de Leminski “em diálogo
constante com hagiografias diversas”,
o que inclui “mesmo seu gosto
pelo apostolado, por uma intensa
exposição pública, mesmo quando
a cirrose já se encontrava em estado
avançado”. Seja no caso em
que o poema se expõe multicor nas
vitrines alugadas das grandes livrarias,
seja no caso em que circula invisível,
sob encomenda, em pacotes
de papel pardo da editora à casa
do leitor, é supérfluo mostrá-lo ou
escondê-lo. Tanto faz, porque o poema
não chega na hora certa para
o leitor, mesmo que a encomenda
não atrase e as metas de venda sejam
atingidas ou superadas.
A Cosac Naify lança, sob a
coordenação de Heloisa Jahn, dois
volumes da coleção Poesia contemporânea
brasileira. Depois dos 14
volumes da coleção Ás de colete,
série bolso, coordenada por Carlito
Azevedo; depois dos dois volumes
excelentes de Josely Vianna Baptista
e de Angélica Freitas; depois
ainda de Ximerix, a quimera em
quadrinhos que Zuca Sardan; a
editora lança dois outros, os segundos
livros de poemas de Alice
Sant’Anna e Mário Alex Rosa.
O que atravessa ambos os livros
talvez seja a composição de
um sujeito melancólico, que, a partir
de um olhar contemplativo às
pequenas coisas do cotidiano, projeta
uma série de reminiscências
ou imagens que progressivamente
desfiguram a paisagem do entorno.
Trata-se, portanto, de dois projetos
líricos para o poema. Tratam-se de
poemas que parecem poemas, o
que deve chamar a atenção à leitura,
principalmente se lembrarmos
que o texto de apresentação do livro
de Mário Alex Rosa foi composto
por Armando Freitas Filho, o mesmo
poeta que, em 2012, publicara
uma bonita plaquete em coautoria
com Alice Sant’Anna, Pingue-
-pongue. O mesmo poeta que em
seu último livro, Dever, dedica
versos ao livro de Angélica Freitas,
o poema Cuidado: “Tormento lê-
-lo assim/ sacudido, na superfície/
sem ir até o fundo/ por não saber
nadar/ na sua água desobediente”.
O tormento experimentado na superfície
desobediente da água dos
poemas montados com frases do
Google por Angélica Freitas, das
canções que cantam a mulher gorda
que incomoda muita gente ou
a mulher insanamente bonita que
vai ganhar um carro, contrasta
fortemente com a ambiência delicada
e melancólica e reflexiva dos
poemas de Mário Alex Rosa e Alice
Sant’Anna. O que talvez esteja em
jogo nessa diferença sejam as forças
que constituem a voz de cada poeta,
ora narrativizando as angústias e os
diversos afetos que possam compor
a subjetividade poética mais ou menos
definida numa obra (a demora
em responder uma carta, o fim de
semana na casa dos primos, em
Alice Sant’Anna; a “sombra” que
engole o tempo, as “tardes” intermináveis,
as lembranças “inevitáveis”,
de Mário Alex Rosa), ora dramatizando
as vozes díspares que
possam decompor a subjetividade
poética e pô-la em xeque na obra (o
humor e os jogos de escrita em Angélica
Freitas; os cantos indígenas e
a experiência tradutória em Josely
Vianna Baptista). Ora vozes autônomas,
ora vozes autômatas.
No caso de Mário Alex Rosa, a
OS AUTORES
Alice Sant’Anna
Nasceu no Rio
de Janeiro
(RJ), em
1988. Poeta,
estreou com
Dobradura
em 2008.
Também publicou
em edições independentes
Bichinhos de luz (2009) e, em
coautoria com Armando Freitas
Filho, Pingue-pongue (2012).
Mário Alex Rosa
Nasceu em São
João Del-Rei
(MG), em
1966. Poeta,
publicou
Ouro
Preto em
2012. Também
publicou poemas para
crianças em ABC Futebol
Clube e outros poemas
(2007) e Formigas (2013).
autonomia da voz em sua Via férrea
é duramente conquistada sob
uma dupla condição: desenvolver
um exercício de metalinguagem do
poema de modo a dizer mesmo que
sem as palavras adequadas, e cuidar
para que a luz, o clarão do poema
não dissolva o sujeito. Assim é
que num dos mais pungentes poemas
— e, no livro, a dor está sempre
alta — lê-se “a inevitável lembrança/
daquele pássaro que um dia ‘se
esfacelou na asa do avião’”. O poema
lembrado, Confissão, de Carlos
Drummond de Andrade, é “transferido
para o presente”: o poema, “jogado
à própria sorte, tenta se desviar
de si até onde pode/ e já pode
muito pouco”. O poema dificilmente
desvia de si, talvez se esfacelasse
na asa do avião, mas não: apesar de
sua parca potência desviante, o poema,
“entre um talvez e um se, pode
esperar ou retardar a confissão”. A
sua “camisa de força” (este é o título
do poema) é uma ética calcada
nos valores do poema moderno, de
certo poema moderno: a confissão
é adiada como se o poeta resguardasse
assim o poema de sua dissolução,
como um recuo estratégico
para preservar a linguagem poética
das turbinas horrorosas que, no entanto, são aquilo mesmo que torna o pássaro
memorável. Por isso a valorização do rascunhar na preparação dos poemas,
por isso a insistência na palavra que “não sai. Mata-me mas não sai”, e
sobretudo por isso a valorização do tempo cotidiano e vazio: segundas-feiras,
sábados, domingos, os dias da semana se sucedem e, mesmo que a palavra
não saia, o poema se escreve, e se erige neste paradoxo: “Tentativa 1: eu./
Tentativa 2: neutra./ Tentativa 3: silêncio”.
No caso de Alice Sant’Anna, a palavra sai, a sintaxe das frases joga
com os cortes dos versos e com a ausência de pontuação, produzindo assim
o ritmo de um acontecimento experimentado ou rememorado, como se o
poema filmasse a percepção misturando-se à imaginação, adensando gradativamente
a experiência de leitura. Há, portanto, uma afirmação da poesia
que se encontra com o mundo, este não a ameaça. O lirismo, novamente,
paga um preço: dessa vez, o da imprecisão (onde, quando isso acontece?
que jacas são essas?), o do anonimato dos personagens (m. ou d.), o do poeta
invisível (que, ao se encontrar com o próprio assassino: “que pena! que
desencontro! que perda!/ ela não mora mais aqui”). Estratégias, enfim, de
preservação da voz. Não à toa impressionam mais os poemas que não necessitam
desfigurar uma paisagem conhecida, uma lembrança familiar, uma
viagem de trem pela Europa, pois, neles, a voz consiste na figuração precisa
de um evento que não se enquadra na moldura da memória de um sujeito. É
o caso do poema Há aquilo que fica firme (um poste), que termina:
mas há também o que se movimenta
rápido demais na moldura da janela: um pássaro
sempre pode ser uma andorinha ou uma águia
e um avião nunca sabemos
de onde parte para onde segue
Pois parece ser essa indeterminação de origem e destino, para quem vê
o avião no céu, o horizonte de beleza desses versos, dessa voz.
☞
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169 • maio_ 2014
7
Literatura
Lucila Wroblewski
crua e
urgente
O AUTOR
André
Sant’Anna
Em O BRASIL É BOM, André Sant’Anna mostra
o valor da ironia em tempos de tensão social
: : Guilherme Pavarin
São Paulo – SP
Pudera, enquanto resenho,
ser visto de terno e tom sisudo,
pela tevê. Se me permitissem,
pediria emprestado
a voz de apresentador de um
desses programas de crimes/entretenimento,
cercado de helicópteros,
choro e berros, urgente. Não estranhe
além do necessário. Peço, por
um parágrafo, o alarmismo. A cena,
imagine: nossa aeronave sobrevoa
um vilarejo miserável. Imagens, eu
pediria. Me dê imagens desse absurdo!
O que vocês verão – pausa;
tiro os óculos, preocupado; esfrego
os olhos – é impressionante. Corta
para lá, gritaria. Na tela!
Seria a vez de apresentar os
personagens, os entrevistados: o
comunista de classe-média que
odeia a classe C por invadir sua
praia com carros, som alto e algazarra;
o nacionalista que culpa o
direitos humanos pelo atraso do
país; o fã de futebol que atribui o
sucesso da seleção de 70 à ditadura;
aquele que se sentencia superior
por ouvir jazz e planejar “uma
viagem inesquecível para uma ilha
na Indonésia que só ele conhece”;
o torcedor cuja terapia é transferir
as frustrações para o time do coração;
o pastor falso otimista em
busca do dízimo, entre outros. Um
a um, eles discursam em primeira
pessoa, com o aspecto sóbrio, de
quem tem consigo a segurança de
um futuro melhor. São, afirmam, a
reserva moral do país.
Intercalados, esses homens e
mulheres que poderiam participar
de qualquer programa televisivo
sensacionalista são, a bem dizer,
alguns dos protagonistas dos contos
de O Brasil é bom, do mineiro
André Sant’Anna. Cheios de vícios
de linguagem, opinam sobre os
problemas nacionais por meio de
ideias confusas, contraditórias, preconceituosas
e mal ruminadas. Portam-se
como se educados por uma
cultura violenta de mídia, aquela
em que o porta-voz – a exemplo do
tal apresentador eufórico evocado
linhas acima – ensina que a truculência
e o pragmatismo radical
os tornam mais esclarecidos, “de
bem” e ativos em seus meios. Eles
falam mal, muito mal.
A intenção de Sant’Anna é
clara: mostrar, via clichês oratórios
e frases feitas, que conhecemos
alguém com discurso similar. A
missão é bem-sucedida. Os contos
inaugurais são desenvolvidos por
meio de pensamentos tolos e imperativos
que costumam pulular por
redes sociais, propagandas e comentários
de notícias, a exemplo de
“consuma produto nacional”, “basta
que cada um faça sua parte” e,
como sugere o sarcástico título do
livro, “o Brasil não é ruim”. O efeito
é dum cinismo progressivo que
chega ao ponto máximo no conto
O que será que passa na cabeça de
um sujeito nessas condições?, cujo
interlocutor é um esquizofrênico,
que, mesmo incapaz de seguir uma
lógica, dispara, entre delírios e teorias
desconexas, lugares-comuns
como “é preciso haver uma hierarquia”,
“separar o joio do trigo”,
e impropérios como “não gosto de
neguinha”. Não há muita diferença,
sugere Sant’Anna, entre as ideias
atordoadas de um doente mental e
um homem são da classe-média.
Como mostra desde o lançamento
de Amor (1998), que acaba
de ser relançado pela Oito e Meio, e
Sexo (1999), o autor sabe destrinchar
como poucos a inconsistência
das atuais reflexões sobre a sociedade
brasileira. Parte disso pode
ser explicada pelo seu ofício fora da
literatura. Redator de publicidade,
André Sant’Anna tem, segundo seu
currículo online, larga experiência
com marketing político. Não é exagero
concluir que, desse processo de
maquiar a realidade, de inserir elementos
persuasivos em campanhas,
por vezes de modo forçoso e artificial,
o autor tenha se armado para
realizar o movimento inverso, de
desnudamento. O material cru — os
fatos, a opinião popular, a semiótica
destrinchada — está ao seu alcance,
pronto para ser reconstruído. A subversão,
para ele, se torna uma via
dupla: como publicitário, Sant’Anna
joga a favor dos partidos, dos clientes;
como escritor, contra todos.
O Brasil é bom
André Sant’Anna
Companhia das Letras
190 págs.
LEIA TAMBÉM
Amor
André Sant’Anna
Oito e meio
92 págs.
A ironia como
gás lacrimogênio
Não há, na produção literária
de Sant’Anna, quem escape da
ironia corrosiva. Políticos, pobres,
ricos, empresários, hippies, todos
são colocados na lupa do ridículo e
da falta (ou do excesso) de sentido.
E o mérito do mineiro é saber inserir
essa técnica discursiva em uma escrita
sincera, direta. Sua ironia não é
vazia — a tal ironia pela ironia, a qual
tantos críticos culturais americanos
se opõem. A ironia de Sant’Anna
tem meio (estilo) e finalidade (mensagem
crítica). É sua poética.
Faz-se necessário um contexto.
Para muitos ensaístas e pensadores
da cultura atual, a ironia não
passa de um escudo, um fácil mecanismo
de defesa que permite ao
artista se isolar num lugar seguro:
acima da inocência do mundano e,
por outro lado, longe do sublime,
duma obra sincera e redentora. De
uns anos para cá, vê-se um apelo
por uma arte nova, capaz de evoluir
sem a interferência da ironia vazia
e do niilismo que assola muitos autores
pós-modernos. A literatura,
ressalta(ra)m escritores como David
Foster Wallace (1962 – 2008),
deve se aproximar mais da criação
do que da destruição; deve elevar o
espírito humano, não rebaixá-lo.
Nenhum amante das artes
questionaria tal preceito. Mas a
questão é que a ironia de Sant’Anna
faz sentido no momento de tensões
sociais e culturais em que se
encontra o Brasil, esse país que
não é ruim. É evidente, na obra do
mineiro, como a ironia funciona
para criar um processo dialético,
uma construção e uma suspensão
permanentes, resultantes da contradição.
Com a ironia, abre-se,
para citar Hegel (e deixar essa resenha
mais prepotente, desculpe),
a possibilidade de mostrar que uma
realidade sem valor não pode ser
tomada a sério, e deve ser a todo
momento invertida e pervertida.
Eis o efeito o que o autor busca em
cada conto ao falar de um esquerdista
que se sente incomodado por
pobres ou de um homem que não
suporta os direitos do outro: subverter,
anular, apontar para a negatividade
impregnada no pensamento
do brasileiro, seja lá sua classe.
Talvez a melhor definição da
ambivalência desse tipo de ironia
tenha sido proferida pelo crítico
cultural americano Lewis Hyde. Ele
diz: “a ironia só tem emprego emergencial.
Com o tempo, ela se torna a
voz do enjaulado que passou a gostar
da cela”. No caso de Sant’Anna,
lemos uma ironia urgente. O autor
revela isso ao exibir o turbulento
cenário político e social brasileiro:
o consumo como forma de inclusão
social, a educação pífia, uma nação
de comentaristas que quase não lê,
a cega busca por ídolos na fé e no
esporte, os protestos difusos, o poder
de compra como indicador de
felicidade, entre outras críticas diretas
e retas, que não exigem esforços
de interpretação. Não há meio
melhor para tratar desses temas do
que um jogo de oposições, contrastes
e sarcasmo. O trunfo, aqui, é
conseguir fazê-lo por meio de uma
escrita franca, imediata.
E o recurso irônico-emergente
de Sant’Anna não está só no conteúdo.
A forma como ele constrói
seus contos, com erros de grafia e
concordância, pouco vocabulário,
raciocínios tacanhos e idas e voltas
de trechos revela uma emergência
dentro da própria literatura. É quase
um manifesto contra o escrever
bem onde mal se lê. Trata-se de
uma produção literária de guerra,
para não dizer de protesto. Uma
tentativa rápida de conscientizar o
leitor desses tempos de homens e
discursos partidos.
O estilo cru e a
poesia desleixada
No meio do fogo cruzado, o
grande mérito de Sant’Anna é não
se ater à ironia; com habilidade, ele
consegue em alguns textos elevar o
humor cáustico à poesia, ao sublime.
Fica evidente em contos como o
excelente Lodaçal, que já havia sido
publicado pela mesma Companhia,
no volume Essa história está diferente
– Dez contos para canções
de Chico Buarque, inspirada
na música Brejo da Cruz, uma crítica
à fome e à miséria infantil, tema ao
qual Sant’Anna se mantém fiel.
No conto, os pequenos Chiquinho
e Toninho, dois meninos
do Brejo da Cruz que não têm o
que comer, fumam charutos de
maconha sob o luar e imaginam
como seria o mundo fora dali, “da
aldeia”, “do lodaçal”. Eles vão se
transfigurando em personagens urbanos
e deslocados, vários Chiquinhos
e Toninhos da cidade, como o
peão-de-obra, o valentão do bar, o
mendigo, o ator homossexual nordestino,
o lateral-direito que passa
despercebido por times pequenos,
o jornalista de baixa autoestima
que não sabe interagir com os mais
abastados, o policial embrutecido,
o ladrão maconheiro, o evangélico
inerte, o homem que aparece na televisão
sem saber por quê
O Chiquinho na televisão,
num programa de televisão que
o Chiquinho nunca tinha visto, o
Chiquinho no programa de tarde
sendo ridicularizado pelo apresentador
por ter desafinado demais
quando tentou cantar aquela
música do Chico Buarque. O apresentador
do programa de televisão
ainda deu um chute na bunda
do Chiquinho, assim, bem de leve,
só de brincadeira, antes do Chiquinho
sair do palco meio envergonhado,
meio achando legal ter
aparecido na televisão.
Há diversas passagens em que
Sant’Anna transforma a forma irônica
em conteúdo sentimental – uma
sensação poderosa porém nunca
muito clara ou bem definida. O leitor
se constrange com a decadência
dos personagens e, em certos momentos,
consegue também se inspirar
com a criação do autor. Poderia
chamar a técnica de ironia rica, que
gera efeito poético e reflexão. É uma
expressão arriscada e bem por isso
valiosa – maldita, ácida e bela.
Outra característica forte
mantida por Sant’Anna é que a noção
de espaço se dá por nomes de
Nasceu em 1964, em
Belo Horizonte (MG).
É músico, roteirista,
publicitário e escritor.
Filho do também
escritor Sérgio
Sant’Anna, cresceu
no Rio de Janeiro,
onde tocou no grupo
musical Tao e Qual
durante a década de
80, e hoje mora em
São Paulo. Estreou na
literatura como livro
Amor, de 1998, e
depois publicou Sexo,
em 1999, ambos de
contos. Em 2006, lançou
seu primeiro e único
romance, O paraíso
é bem bacana, e,
em 2009, lançou
Inverdades, de contos.
lugares conhecidos, sem descrições
pormenorizadas: o andaime, a Baía
de Guanabara, o trânsito, a portaria,
o brejo, o estádio. Se na perspectiva
romântica, a atmosfera acontece
pela ausência de detalhes, no estilo
de Sant’Anna, ultrarrealista, o clima
dos contos ocorre por meio de
traços descritivos desleixados, carregados
de sentidos amplos, como
“uma cara meio assim, pensando,
babando, muito triste poesia”. A
técnica, quase uma camuflagem,
um esforço para não coser demais
o texto, tem efeito particularmente
eficaz e devastador em contos de temática
político-social. Outra vez, é
o meio como mensagem.
A repetição. A repetição.
O leitor de primeira viagem
talvez estranhe o número de vezes
que uma mesma palavra é escrita
numa página. Não se trata de
maneirismo. A repetição é quem
articula as tramas de Sant’Anna.
Nomes e situações são repetidos à
exaustão. Um traço traz de volta
outros traços. Como um jazz, o movimento
é circular, não-linear, musical.
Há também um componente
estético aí: a repetição carrega um
estigma de tédio, de um tempo em
que os discursos não se desenrolam
com facilidade. Sant’Anna
brinca com isso o tempo todo e
tem, como auge dessa experimentação,
o livro Sexo, em que longos
parágrafos são repetidos com pouca
ou nenhuma mudança de palavras.
Como quem diz: a vida segue
– repetindo-se, engessada.
O grande defeito de O Brasil
é bom é, por certo, a expectativa.
O leitor de outras viagens talvez
esperasse mais. Melhor: talvez esperasse
se surpreender mais. Por
mais que Sant’Anna reforce sua voz
e seu estilo, não se nota evolução
de seus trabalhos anteriores para
cá. A fórmula é a mesma dos seus
lançamentos anteriores de narrativas
curtas. O melhor conto do livro,
vale lembrar, não é inédito, fora publicado
em 2010. Seria interessante
que o autor procurasse equilibrar
mais seu inegável talento estilístico
com narrativas que apostam no
sublime, como Lodaçal, e/ou pessoais,
como o belo relato A história
do futebol, em que ele, o próprio
André, conta sua história ao se metamorfosear
em craques como Jairzinho,
Manfrini e Rivelino.
Talvez a razão para não se
notar um crescimento do autor no
livro seja a urgência de publicar o
livro. É de se compreender.
Sant’Anna é sem dúvida uma
das vozes mais originais da literatura
nacional. Precisa ser ouvido.
E, para isso, precisa falar e, sobretudo,
voltar a se arriscar mais.

8
169 • maio_ 2014
INQUÉRITO : : Godofredo de Oliveira Neto
Direto do beco
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
Alguns versos, ao descobrir o amor na préadolescência,
foram combustível suficiente
para o catarinense Godofredo de Oliveira
Neto voltar-se para a literatura. Nasceu
em Blumenau (SC), em 1951. Começou a ler cedo,
entre 13 ou 14 anos. Sempre hábil em português,
quando estava no cursinho, passou por uma situação
que definiria seu futuro acadêmico: uma redação
não foi bem aceita devido ao conteúdo e o jovem
autor precisou prestar contas com a polícia. Na
universidade, foi chamado duas vezes a depor. O
clima já começava a ficar pesado, e Godofredo via
seus amigos apreensivos; uma amiga, inclusive,
desapareceu. Para alguém que considera a literatura
sinônimo de libertação, o que poderia ser pior do
que estar vivendo a opressão da ditadura? Infeliz
com a situação, partiu para França. Em Paris, na
década de 1970, graduou-se e virou mestre em
Letras pela Universidade da Sorbonne. De volta ao
Brasil, instalou-se no Rio de Janeiro (RJ), onde se
tornou Doutor em Letras pela UFRJ. Seu primeiro
é livro Faina de jurema, de 1981. Entre outros,
é também autor de Menino oculto (premiado
no Jabuti 2006), Amores exilados (lançado
originalmente em 1997 como Pedaço de santo)
e O bruxo do contestado (1996). A ficcionista
(2013) é seu romance mais recente. Atualmente,
vive no Rio de Janeiro e leciona na UFRJ.
COLUNISTAS
ENSAIOS E RESENHAS
DOM CASMURRO PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
RES ENTREVISTAS OTRO OJO
• Quando se deu conta de que queria ser escritora?
O poder de ilusão está na cabeça de todo mundo, todo mundo
escreve ou escreveu. O mais comum é o poeminha quando da
descoberta do amor na pré-adolescência. Também comecei assim.
Depois a vida vai te levando para becos e ruelas decisivos
ou não para ações futuras, como ser escritor. Depende então
dessas estradas. Os meus becos me levaram para a escrita desde
muito cedo. Vida leva eu!
• Quais são suas manias e obsessões literárias?
Nunca perder de vista que a obra literária não é um documento.
A emoção estética deve ter prioridade. Daí a gente pode
buscar a verdade histórica. A obsessão é fazer de tudo para
não cair no redemoinho do real, que puxa a gente com força
pra baixo. Abraço do real é abraço de afogado!
• Que leitura é imprescindível no seu dia-a-dia?
A leitura do real — jornais e revistas — e romances e textos
teóricos que mostram a ausência do mundo como o verdadeiro
mundo. Leio um dia sim e o outro também trechos da obra
de Proust. Tenho uma edição maravilhosa, da Gallimard, de
2.500 páginas num só volume, que cabe numa só mão, papel
superfininho. Proust ao alcance das mãos!
• Se pudesse recomendar um livro à presidente Dilma,
qual seria?
S. Bernardo, de Graciliano Ramos. Ela veria que Paulo Honório,
o narrador, apesar de sair vitorioso como gestor de uma
fazenda, é depressivo e angustiado. É que não dá para ser feliz
sozinho!
• Quais são as circunstâncias ideais para escrever?
Espaço de muita paz às vezes, espaço de música alta e vinho
por outra, muita emoção invariavelmente. Tem que chorar,
rir, se excitar, se apavorar, se emocionar com o próprio texto.
Mas nem sempre a gente consegue.
• Quais são as circunstâncias ideais de leitura?
Luz não natural. O sol maravilhoso é para brincar de castelinho
de areia, de balde e pazinha na praia de Piçarras; ou em
Camboriú, em Santa Catarina, antes de se tornar Hong Kong.
• O que considera um dia de trabalho produtivo?
Quando a personalidade de artista vence o simples indivíduo.
Se tiver conseguido, beleza.
• O que lhe dá mais prazer no processo de escrita?
Ler o parágrafo que acaba de escrever e achar que o texto não
é teu.
• Qual o maior inimigo de um escritor?
É deixar a memória racional se sobrepujar à memória involuntária.
Perfumes, sons, tocares ou paladares é que te fazem
encontrar o eu mais profundo.
• O que mais lhe incomoda no meio literário?
F.P. (fofocas e perfídias).
• Um autor em quem se deveria prestar mais atenção.
Cruz e Sousa. O racismo no início e o equívoco interpretativo
cometido pelo movimento negro mais tarde quase destroem a
literatura de um dos maiores escritores brasileiros (mas já está
havendo uma reabilitação do genial simbolista).
• Um livro imprescindível e um descartável.
Madame Bovary, de Flaubert, e, como descarte, todos os livros
de autoajuda.
• Que defeito é capaz de destruir ou comprometer um
livro?
Escrever pensando na opinião dos colegas escritores. É letal
para a obra.
• Que assunto nunca entraria em sua literatura?
Qualquer tema que visasse, conscientemente, alterar a ordem
moral ou histórica do leitor visto como um bobinho. Mas a literatura
denuncia sempre as representações ideológicas que
aparecem na linguagem comum, como clichês, preconceitos,
ideologias, dogmas, etc.
• Qual foi o canto mais inusitado de onde tirou inspiração?
Canto? Meu cantinho ou minha música? Se for meu canto é o
Vale do Itajaí, em Santa Catarina, o único universo que existe.
Se for música, hoje foi I put a spell on you, do Creedence, outro
dia foram os Beatles, Stones, Chico, Gil, Caetano, Paulinho
da Viola, outro ainda The Cure. Em horas introspectivas, Beethoven
e Chopin misturados com Villa Lobos. Eles estão todos
ali quietinhos no Menino oculto.
• Quando a inspiração não vem...
Se trabalhar e suar e se angustiar, ela vem. A voz interior surge
do nada, cavernosa, ditando regras e passando sabão na gente.
• Qual escritor — vivo ou morto — gostaria de convidar
para um café?
O Graciliano autor do S. Bernardo, talvez o maior romance
da literatura brasileira, junto com Brás Cubas, do Machado,
e Grande sertão, do Rosa.
• O que é um bom leitor?
O que se deixa levar pela onda da narrativa. Daí ele vai entender
que a literatura é sinônimo de liberdade, já que ela traz
para o palco iluminado a ilusão consentida. Me lembrei do
Nelson Rodrigues sobre o dinheiro: o dinheiro compra tudo,
até amor sincero! A literatura também.
• O que te dá medo?
Medo de acordar e não ter mais utopias.
• O que te faz feliz?
Construir algo que seja menos a singularidade do eu e mais a
libertação da palavra e do desejo de todos.
• Qual dúvida ou certeza guia seu trabalho?

Realização

10
169 • maio_ 2014
Pássaro de fogo
Artista múltiplo e rebelde, Torquato Neto completaria 70 anos em novembro
: : Paulo Andrade
Araraquara – SP
Neste ano Torquato Neto
completaria 70 anos. O
poeta, nascido em Teresina
(PI) em 9 de novembro
de 1944, cometeu suicídio
na madrugada da data de seu aniversário
em 1972. Às vezes me pergunto,
sem resposta, como o anjo
louco da Tropicália circularia neste
espaço contemporâneo se não tivesse
cometido suicídio. Continuaria
sendo o poeta inadaptado à realidade
e que desafinava o coro dos
contentes ou seria engolido pela
máquina da indústria cultural?
Olhando em retrospectiva
a vida e a obra de Torquato Neto,
nota-se que em seus 28 anos de
existência, ele lidou com diferentes
linguagens: poesia, letra de música,
cinema, televisão, jornal, atuando,
inclusive, em vários veículos
de comunicação.
O livro Os últimos dias de
paupéria, organizado, postumamente,
pela viúva Ana Maria Silva
Duarte e pelo amigo Waly Salomão,
oferece ao leitor um conjunto
de poemas e escritos que vão
do lirismo sensível e intimista à
parodia tropicalista, até atingir,
pós-68, níveis radicais de experimentalismo
construtivo.
A sua obra composta por poemas,
letras de música, textos jornalísticos,
anotações de diários do sanatório
e experiências não verbais,
parece documentos autônomos,
mas em essência, os textos se complementam
e constituem forte unidade
interna. Seus escritos são registros
de um diálogo permanente
entre vida e arte e estão inseridos
num amplo projeto de contestação
da sociedade dos anos 60/70.
Em todas as áreas que atuou,
Torquato manteve uma atitude de
resistência, assumindo seu inconformismo.
Foi um defensor do cinema
super-8, por, além de barato
e fácil de manusear, sua linguagem
permitir um testemunho vivo da
realidade, diferente das produções
que contavam a história “oficial” em
filmes subsidiados pelo governo.
Todas as frentes as quais Torquato
aderiu apontaram um desejo
vital e dramático de registrar com
invenção e inconformismo o contexto
de sua época.
O poeta da canção
Torquato aderiu ao Tropicalismo
transformando-se num dos
seus principais articulistas, por
meio dos manifestos, roteiros de espetáculos
letras de música. Entre as
contribuições do movimento para a
cultura brasileira, destaca-se a síntese
entre música e poesia. Apesar
de o movimento ter promovido intenso
diálogo com as artes plásticas
(Rubens Gerchman, Hélio Oiticica,
Lígia Clark), o cinema (Glauber Rocha),
o teatro (José Celso), é na música
popular que emerge sua força,
já que seus protagonistas eram músicos
ou poetas-letristas.
Entre os avanços estéticos
trazidos pelos tropicalistas, em 67-
68, destacam-se a vinculação entre
texto e melodia, o domínio da entoação,
elaborando conexões entre a
dicção, o modo de cantar e a sonoridade.
Muitos textos de Torquato
Neto foram escritos para serem
cantados dentro desse clima. Ele
retoma uma tradição da oralidade
e utilizou muitos recursos da literatura
de cordel, da qual o poeta era
leitor e colecionador.
No depoimento concedido
a Tárik de Souza, (1984), ao disco
O poeta desfolha a bandeira, Gilberto
Gil, seu principal parceiro,
conta que Torquato, apesar de cantar
muito mal e não tocar nenhum
instrumento, “era muito musical”:
“O Torquato, quase sempre, vinha
Torquato Neto por Robson Vilalba
O AUTOR
Torquato Neto
Nasceu em 9 de novembro de
1944, em Teresina (PI). Estudou
no Colégio dos Irmãos Maristas,
onde conheceu Caetano Veloso
e, por meio deste, Gilberto Gil,
Carlos Capinam, Maria Bethânia,
Gal Costa, Duda Machado, entre
outros. O cinema era o centro
de interesse da turma. Desistiu
de tentar a carreira de diplomata
e decide-se mudar para o Rio
de Janeiro, em 1962, para cursar
Jornalismo. É aprovado no
vestibular na Universidade do
Brasil (hoje a UFRJ). Mas desistiu
do curso no segundo ano. Em 9
de novembro de 1972, sai com
os amigos para comemorar o
aniversário num restaurante.
Voltaram para casa às 4h30.
Quando sua mulher vai dormir,
Torquato veda todas as saídas
de ar do banheiro, abre o gás
do aquecedor, e escreve um
bilhete num caderno espiral
enquanto espera a morte.
A biografia de
Torquato Neto
Toninho Vaz
Nossa Cultura
408 págs.
com o poema completo, como Geleia
geral. Não mudei uma vírgula,
já veio eletrificado”.
A maioria das suas letras possui
uma força visceral quando cantadas,
a exemplo de Nenhuma dor, Mamãe,
coragem, Três da madrugada, Todo
o dia é dia D, A rua, Louvação, Deus
vos salve a casa santa, Lets’play that,
cantadas por Gal Costa, Gilberto Gil,
Caetano Veloso, Edu Lobo, Jards Macalé,
entre outros.
O roteirista
da Tropicália
O Tropicalismo provocou um
deslocamento da contestação política
para o espaço cultural e artístico.
Conscientes do substrato ideológico
que subjaz todo discurso, o
grupo baiano via com desconfiança
qualquer modelo político ou cultural
capaz de superar a exploração
do homem pelo homem.
Adotando um humor tragicômico
e uma atitude anárquica,
a proposta de intervenção cultural
tropicalista acabou por configurar
um painel histórico do país, por
meio de citações, jargões, fragmentos
de discursos. Uma das letras-
-síntese da imagem tropicalista do
Brasil é Geleia geral, musicado por
Gilberto Gil. A expressão foi cunhada
por Décio Pignatari: “na geléia
geral brasileira, alguém deveria
exercer a função de medula e osso”.
Ao construir um panorama
crítico do país, por meio da justaposição
de imagens díspares (o
bumba-meu-boi, a mass media, o
jornal, a cultura pop, o folclore),
os versos evitam qualquer tentativa
de conciliação ou unificação
das diferenças, assumindo as contradições,
tanto como elementos
constitutivos da estética do grupo,
quanto para criticar o discurso nacionalista
e os clichês ufanistas.
Retomando o viés crítico dos
modernistas de 22, Torquato atualiza
a leitura das contradições entre
a cultura popular e a cultura urbana
e sofisticada. Com justaposição de
imagens opostas, o poeta desenha
o cenário cultural antropofágico
do Brasil: “formiplac e céu de anil”,
referência à indústria e à natureza
nacional, “carne seca na janela”, ou
faz alusão ao período da pré-colonização
(“tumbadora na selva selvagem/
pindorama, país do futuro”).
Este último constitui uma das
sínteses da contradição arcaico/
moderno. Pindorama, mito edênico,
citado várias vezes no Manifesto
Antropofágico, é o nome pelo qual
os índios tupi-guarani se referiam
ao Brasil, já a locução adjetiva “país
do futuro”, reforça a galeria de estereótipos
nacionais.
Geleia geral parodia ainda o
Hino à Bandeira, Gonçalves Dias
e faz referência aos escritos oswaldianos
— “a alegria é a prova dos
nove” e “Brutalidade Jardim”. A
bricolagem é enfatizada no refrão
“ê bumba iê, iê, boi”, uma fusão de
dança folclórica e o ritmo do iê-iê-
-iê. Imagem permanente do conflito,
do contraste das linguagens.
Já Marginália II (letra de Torquato,
musicada por Gil), também
funde as raízes do popular e do erudito.
O resultado é uma riqueza de
sonoridade, proporcionada pelos
instrumentos populares (triângulo,
flautas de pífano) e eruditos (metais,
violinos e clarineta). O ritmo nordestino
contrapõe-se à “exuberância”
dos arranjos de influência clássica,
do maestro Rogério Duprat.
A cronista da
geleia geral
Como jornalista, foi um crítico
combativo na coluna “Geleia
Geral”, do jornal Última Hora, entre
71 e 72, atacando o pacto do cinema
com a ordem político-social
no início da década, em especial
as produções de filmes históricos,
eficazes para contar a história do
ponto de vista oficial. Seus principais
alvos foram Carlos Diegues e
Gustavo Dahl que, em 71, vinculavam
seus filmes a uma linguagem
do espetáculo: com as superproduções
históricas, patrocinadas pela
Embrafilme, transformavam o cinema
em mera diversão.
O cronista escreve a partir das
margens, criando espaços de resistência
dentro do sistema. Reiteram-se,
em seus textos as palavras
de ordem para continuar “ocupando
espaços”, numa época em que
os espaços estavam cada vez mais
restritos e proibidos. Na coluna de
30 de novembro de 1971, o cronista
dirigia-se ao leitor, ensinando-o
a “ocupar espaços”, infiltrando-se,
“pelas brechas”, minando o sistema
pelos seus interstícios. “Ocupar
espaço, (...) Não tem nada a ver
com subterrânea (num sentido literal),
e está mesmo pela superfície,
de noite e com muito veneno.”
Navilouca: o diálogo
entre as artes
Outra publicação valiosa para
entender o período pós-68 é a revista
Navilouca, organizada e coordenada
por Torquato Neto e Waly Salomão.
Tendo como subtítulo “Almanaque
dos Aqualoucos”, foi publicada em
1974, dois anos após a sua morte,
reunindo trabalhos do próprio Torquato,
Rogério Duarte, Waly Salomão,
Duda Machado, Jorge Salomão,
Stephen Berg, Luis Otávio Pimentel,
Óscar Ramos, Luciano Figueiredo,
Chacal, Ivan Cardoso, Caetano Veloso,
dos irmãos Campos, Décio Pignatari,
Hélio Oiticica e Lygia Clark.
O nome da publicação foi sugerido
pela Stultifera Navis, a Nau
dos Loucos, barco que na Idade
Média passava nas cidades banhadas
pelo Rio Reno, recolhendo os
idiotas da família e os loucos, para
“desaguarem” ninguém sabe onde.
O projeto da Navilouca exprime
esta ideia: recolher os artistas e
a intelectualidade desgarrada, à
margem, daquele momento.
Navilouca mescla rigor construtivo
com uma arte mais “suja”
em seu projeto gráfico. A intenção
era promover uma metamorfose
entre todas as artes experimentais,
posições estéticas e comportamentos,
sinalizando assim a virada da
década (60/70).
A linguagem dos ensaios “teóricos”
da revista também é experimental,
com ausência de pontuação,
mistura de fontes entre outras
“infrações linguísticas”. O artista
plástico Hélio Oiticica defende num
artigo a desintegração dos “conceitos
de pintura escultura obra (de
arte) acabada display contemplação
lineariedade”. Já que o experimental
não tem fronteiras — “os fios
soltos do experimental são energias
que brotam para um número aberto
de possibilidades?”, conclui.
O poeta rebelde
Torquato Neto não apenas
internalizou os problemas e as
tensões político-sociais dos anos
60/70, mas viveu atormentado pelos
próprios fantasmas interiores,
traduzidos em seu modo particular
de ver e sentir o mundo. Encontramos
na obra do poeta piauiense a
representação do estilhaçamento
que, por entre caminhos e descaminhos,
arrisca-se à palavra escrita
como resistência. Posicionando-se
sempre à margem de qualquer tipo
de discurso dominante, o herói rebelde
evita cristalizar o pensamento
com base em alguma ideologia.
Torquato viveu pouco, mas
com intensidade. Por isso, Waly Salomão
definiu a sua trajetória como
“um pássaro de fogo, naquele sentido
de Stravinski, de iluminação
e queima ao mesmo tempo. Uma
dose muito grande de antropofagia
acompanhada de grande intensidade
de autofagia”. A linha fronteiriça
que separa a sua vida e obra é tão sutil
que se torna difícil esta separação.
Essa fragilidade de fronteiras entre
arte/vida ficou mais evidente com
o suicídio, cujos indícios estão em
vários poemas, profetizam a morte
prematura. Muitos textos de Os últimos
dias de paupéria ilustram
a metáfora do jovem poeta abatido
em pleno voo, sina semelhante à de
muitos mitos românticos.
O suicídio tornou possível
uma releitura da obra de Torquato,
como sugere Waly Salomão:
“Muitas vezes escrever um livro ou
fazer um filme representa adiar um
suicídio, mas no caso de Torquato
Neto pode-se afirmar que o suicídio
precedeu e originou a ‘obra’”.
Como poeta, optou por viver
no limite. Nenhum emblema traduz
tão bem esse comportamento
como a imagem do vampiro. Não
por acaso ele encarnou, de modo
provocativo, a figura lendária ao
protagonizar o super-8 Nosferato
no Brasil (1971), de Ivan Cardoso.
Nesse cult pouco conhecido, Torquato
configurou seu destino de
poeta-suicida, reivindicando para
si o mito do vampiro. Depois dessa
atuação, a imagem de maldito ficou
amalgamada à figura do poeta.
Do mito vampiresco, na tela
e na vida, desdobra-se a metáfora
do escorpião, pertencente à mesma
matriz de agressividade e autodestruição.
Nascido sob o signo
de escorpião, o poeta reescreve em
versos o rito de morte que, ao mesmo
tempo, mata e se suicida com o
próprio veneno, quando se vê sem
saída, num círculo de fogo, segundo
a lenda: “um escorpião encravado/
na sua própria ferida/ não escapa; só
escapo pela porta de saída”. No último
verso, se realiza a perfeita fusão
lírica (eu/escorpião), inserindo-se
no poema de forma trágica poesia e
vida: “só escapo pela porta de saída”.
A despedida do poeta remete-
-nos mais uma vez à imagem do escorpião
acuado, enredado entre as
tensões e conflitos internos, ampliados
pelo regime de repressão, que o
tolheu e reduziu sua ação ao universo
individual. Em meio ao círculo
de fogo, o poeta rebelde proclama a
morte como saída, mas permanece
vivo na cultura brasileira.

169 • maio_ 2014
11
NOSSA AMÉRICA, NOSSO TEMPO : : João Cezar de Castro Rocha
Os produtores de texto e a
escrita expressa (final)
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
COLUNISTAS
ENSAIOS E RESENHAS
DOM CASMURRO PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
EDIÇÕES ANTERIORES ENTREVISTAS OTRO OJO
O dilema
Em debate realizado na Bienal do Livro do Rio
2013, junto com Veronica Stigger e Ricardo
Lísias, o escritor e crítico Evando Nascimento
propôs uma reflexão incontornável acerca
do dilema relativo à cena literária contemporânea: cada
vez mais, o escritor assume uma presença pública indiscriminada
e inédita na vida cultural brasileira. No
entanto, a leitura efetiva de sua obra permanece num
segundo plano desconcertante. Um sintoma perverso:
no local onde o debate ocorreu, devido às peculiaridades
da organização, nenhum livro dos três autores estava
exposto, ou seja, exemplar algum se encontrava
disponível para venda!
Eis um involuntário retrato em branco e preto
do dilema estrutural que ameaça tornar inócua a bem-
-vinda voga dos festivais literários. Afinal, não há atalho
possível: o ato que define a vitalidade de um sistema
literário não é a produção em série de textos, porém a
leitura refletida da tradição e dos contemporâneos.
Compreenda-se, assim, qual é o sentido da novidade
acima referida, pois, sem dúvida, num passado
nem tão distante, escritores ocuparam um espaço relevante
no imaginário nacional.
Dono de uma legião de admiradores, Jorge Amado
sempre fez jus ao nome. Soube por Josélia Aguiar
que os lançamentos do autor de Suor aqueciam o sistema
literário como um todo: editores, livreiros, jornalistas
culturais e leitores aguardavam o novo livro com
grandes expectativas e seu aparecimento fornecia combustível
mesmo para editoras rivais e, sobretudo, para o
circuito das livrarias, cuja frequência aumentava consideravelmente
nas datas próximas ao lançamento.
Erico Verissimo não ficava atrás e poderíamos recordar
inúmeros outros nomes capazes de galvanizar a
vida literária — não desejo, contudo, esboçar uma lista
de autores, mas ponderar um dilema estrutural.
Menciono apenas dois exemplos de romances definitivos,
publicados em 1984: A república dos sonhos,
de Nélida Piñón, e Viva o povo brasileiro, de
João Ubaldo Ribeiro. Ambos os romances desenvolvem
uma linguagem própria para tratar do conjunto da experiência
histórica nos tristes trópicos, oferecendo uma
reflexão de fôlego sobre os impasses e as promessas da
formação da cultura nacional. No instante de seu lançamento,
os dois livros foram saudados como momentos
decisivos na reflexão sobre a sociedade brasileira. A
recepção da crítica e do público reiterou o reconhecimento,
cuja consequência imediata foi a galvanização
da vida literária em torno dos dois títulos.
Então, qual é exatamente a novidade da circunstância
contemporânea?
De um lado, a presença inédita no espaço público de
autores jovens, que ainda não escreveram suas grandes
obras, mas que já circulam em meios variados, incluindo
aí a tradução de seus livros, com uma desenvoltura maior
do que a dos autores consagrados nos anos de 1980, cuja
visibilidade costumava ser um árduo processo, que geralmente
consumia anos de dedicação à escrita e à leitura,
além da adesão metódica aos rituais da vida literária.
De outro lado, a presença indiscriminada dos mesmos
jovens autores em circuitos os mais diversos: claro,
em primeiro lugar, os festivais e encontros literários, mas
também oficinas de escrita criativa; colunas ou eventuais
colaborações para jornais de ampla circulação; participação
em programas de televisão e de rádio; assiduidade
exemplar em blogs, facebook e twitter; escrita de roteiro
para cinema e televisão; circuito de conferências e curadorias
para instituições como Sesc, Senac, CCBB.
(Etc. Etc. Etc. A diversidade de opções é justamente
o ponto a destacar-se no nível atual de profissionalização
da escrita.)
Por fim, um elemento que vale o quanto paga: a
proliferação de prêmios vultosos, muitos deles dirigidos
especialmente para escritores iniciantes.
O resultado mais notável da conjunção desses três
fatores é a possibilidade que escritores jovens têm de
viver exclusivamente de literatura.
Devagar com o andor: eles não vivem de direitos
autorais, porém das inúmeras atividades propiciadas
pela projeção do escritor no espaço público.
Surge a palavra-chave: esse é um espaço propriamente
literário que assoma a esfera pública brasileira
com uma força antes desconhecida. O fenômeno, portanto,
pouco se relaciona com a acepção usual de “vida
literária”. Aliás, tal forma de convívio, definidor sobretudo
da cena oitocentista, embora presente ainda hoje
em certas áreas, estimulou um método de estudo, desenvolvido
por André Billy, e, entre nós, exercido com
brilho por Brito Broca.
Em tese, a cena contemporânea permite a profissionalização
sempre almejada pelos escritores.
No entanto...
Sistema literário ou curto-circuito?
O samba de uma nota só.
Ou: o eterno retorno do dilema estrutural que
ameaça a vitalidade da literatura hoje em dia.
Ao fim a e ao cabo, viver de literatura, mas não de
direitos autorais é tão-só outro modo de repetir o já dito:
o espetáculo dos festivais literários torna-se cada vez mais
dominante; embora ele seja independente da leitura efetiva
das obras dos autores convidados para a festa.
(Mais ou menos como ser o convidado de honra
e, ainda assim, ser barrado no baile — não na entrada,
porém na saída...)
Ora, ninguém proporia acabar com os encontros
que se multiplicam em todo o país — felizmente, ressalve-se.
Contudo, não é possível fechar os olhos para
o incômodo paradoxo, pois a experiência literária não
pode ter como fundamento livros fechados em prateleiras
empoeiradas.
O surgimento dos produtores de texto, como discuti
nas duas colunas anteriores, é o sintoma mais saliente
desse estado de coisas.
Recupero uma noção de Antonio Candido com um
objetivo duplo: entender a radicalidade do dilema contemporâneo
e, ao mesmo tempo, propor ideias iniciais
sobre formas possíveis de superá-lo; no mínimo, torná-
-lo produtivo.
Em Formação da literatura brasileira (Momentos
decisivos), Candido elaborou o conceito de
sistema literário. A distinção entre “manifestações literárias”
e “literatura propriamente dita” é a grande novidade
teórica e metodológica da Formação. Enquanto
aquelas somente dependem do “talento individual”,
esta tem por base o estabelecimento de uma “tradição
própria”. Isto é, tal distinção pressupõe o funcionamento
do sistema literário. Na definição de Candido: “entendo
aqui por sistema a articulação dos elementos que
constituem a atividade literária regular: autores (...)
públicos (...) tradição”. 1
A história da literatura imaginada por Candido é
a narrativa do processo que conduz autores brasileiros
à leitura e à citação de autores brasileiros — para além
da necessária e inevitável galeria de nomes da literatura
dita universal; afinal de contas, o sal da literatura é o
diálogo sem fronteiras e entre todas as épocas. Nessa
perspectiva, a menção a autores brasileiros cria um domínio
próprio de autorreferência. Os “momentos decisivos”,
referidos no subtítulo, são momentos de leitura
deliberada da própria tradição, plasmada no exato momento
em que ocorre o ato de leitura.
Recorde-se o significativo exemplo empregado
por Quincas Borba para explicar ao atônito Rubião o
sentido onívoro do “Humanitismo”: “(...) Humanitas
precisa comer. Se em vez de um rato ou de um cão, fosse
um poeta, Byron ou Gonçalves Dias, diferia o caso
no sentido de dar matéria a muitos necrológios, mas o
fundo subsistia”. 2 Nesse caso, além da intuição antropofágica,
constante na visão do mundo machadiana, o
fundo é a equivalência entre o poeta inglês e o brasileiro:
o sistema literário se concretiza no instante em que
ambos podem ser citados paralelamente, pois, a partir
de então, um autor (brasileiro) deve tornar-se leitor
tanto de escritores estrangeiros, quanto dos próprios
pares tropicais. Aliás, tarefa que ninguém exerceu com
a maestria de Machado de Assis: é como se os momentos
decisivos da formação conhecessem um nível maior
de autoconsciência na prosa machadiana.
Desse modo, Candido transforma a história literária
no mapeamento da criação de comunidades de
leitores. Trata-se de intuição notável; a sua maneira,
Candido intuía princípios posteriormente sistematizados
pela Estética da Recepção, tal como proposta por
Hans Robert Jauss, nos anos de 1960. O crítico brasileiro
traduziu a história literária numa inovadora análise
combinatória, com base na consideração das inúmeras
possibilidades de relacionamento entre os termos “autor”,
“público” e “obra” — e nada impede que novos
termos se imponham, tornando a equação ainda mais
complexa.
No parágrafo de encerramento do livro, por isso
mesmo, o tema retorna na imagem do “processo por
meio do qual os brasileiros tomaram consciência da sua
existência espiritual e social através da literatura” (p.
681). Nesse caso, o sistema literário supõe o exame da
dinâmica criada entre os vértices do triângulo composto
por autor, obra e público — os elementos propriamente
sistêmicos da história literária.
A relação dos três elementos definiria o caráter
social do literário e, na ausência desse circuito, costuma-se,
ainda nas palavras de Candido, “criar um autopúblico
num país sem público” — esse seria o caso das
academias árcades no século 18.
O paradoxo é que, se a síndrome do “autopúblico”
foi superada, contudo, o público leitor não foi consideravelmente
aumentado. Não há uma relação proporcional
entre o público, ouvinte, que frequenta com entusiasmo
as feiras e encontros, e o público, leitor, que idealmente
seria estimulado pelo contato com os autores.
Ler ou não ler, eis questão.
Como enfrentá-la? Como converter a potência do
contemporâneo em algo mais duradouro do que os encontros
que se multiplicam em todo o país?
(Estaremos condenados à carnavalização de todas
as esferas da cultura?)
Alternativas?
Reitere-se: nos últimos 15 anos, superamos definitivamente
o impasse estrutural do autopúblico. Porém,
ainda não dispomos de um sistema caracterizado
pela associação dinâmica entre produtores e receptores.
Como explicar essa situação propriamente anômica?
Tudo se passa como se Émile Durkheim tivesse antecipado
tal circunstância ao cunhar seu famoso conceito.
No entanto, não se trata de um caso clássico de
anomia, mas da estrutura tipicamente perversa da formação
social brasileira.
Explico-me.
Em lugar de investir seriamente na formação de
novos leitores ou, em sentido mais amplo, na criação do
hábito regular da leitura em todas as gerações, nossos
governantes preferem comprar livros, adquirir tabletes,
construir bibliotecas.
(Entre nós, as casas se edificam pelo teto...)
Daí, o desejo de festejar, pois é muito fácil celebrar
o lançamento de pedras inaugurais, difícil é o trabalho
diuturno de preparação de leitores.
O descompasso entre o caráter inédito da presença
pública do escritor e o surpreendente desinteresse
pela leitura de sua obra é ainda mais grave porque há
décadas já contamos com uma alternativa notável e que
deveria ser difundida para todo o país.
Refiro-me, claro, ao modelo da Jornada Nacional
de Literatura, criado por Tânia Rosing, em Passo Fundo
(RS), cujo esforço merece um reconhecimento nacional,
pois antecipou em décadas a invenção de uma solução
criativa para o dilema estrutural que hoje ameaça estrangular
o desenvolvimento do sistema literário.
Inspirado em seu relevante trabalho, concluo com
uma sugestão.
Segundo estatísticas recentes, a cada dois ou três
dias ocorre um festival literário no Brasil. Trata-se de
fenômeno inédito e que exige uma reflexão sem nenhum
tipo de elitismo. A literatura, assim, ocupa um
espaço público de grande importância. Contudo, como
disse, o ato posterior de leitura não tem conhecido um
crescimento similar.
Em lugar de lamentar o fato, podemos fabular caminhos
alternativos.
Por exemplo: imaginemos que cada evento literário
— de uma Flip ao mais modesto encontro — estabeleça
como regra uma ideia razoavelmente simples e de
execução nada complexa.
Eis: cada encontro homenagearia dois escritores
brasileiros. Daí, uma ou duas edições de um de seus
títulos seriam distribuídas para alunos das escolas públicas
e particulares do entorno do festival. Pelo menos
um semestre antes da realização do encontro, sessões
orientadas de leitura seriam conduzidas por professores
e monitores, devidamente preparados. Uns poucos
meses antes do festival, os autores visitariam a pequena
cidade ou o grande centro, a fim de dialogar com seus
leitores “locais”. Paralelamente um concurso de redação
seria patrocinado pela organização do festival. Em
sua abertura, os alunos seriam premiados; desse modo,
cada encontro literário no Brasil teria como protagonista
o leitor em formação, desatando o nó górdio do
momento presente.
(A formação permanente de leitores, em todas as
idades e classes sociais, é a espada de Alexandre. Na
verdade, o ovo de Colombo, pois é a resposta mais simples
e eficaz.)
A primeira edição da Flip ocorreu em 2003. Uma
década depois, verificou-se o milagre da multiplicação
dos festivais.
Por que não imaginar que o próximo passo deva
ser a criação e multiplicação não mais de ouvintes, porém
de leitores?
Leitores críticos — não preciso acrescentar.
Essa é a tarefa da próxima década.
Então, os produtores de texto tornar-se-iam propriamente
escritores, pois, em primeiro lugar, seriam
leitores.
Notas
1 Antonio Candido. Iniciação à literatura brasileira. 4º edição,
revista pelo autor. Rio de Janeiro: Editora Ouro sobre Azul,
2004, p. 16
2 Machado de Assis. Quincas Borba. Rio de Janeiro:
Civilização Brasileira, 1975, p. 113.

12
169 • maio_ 2014
169 • maio_ 2014
13
Nem isto, nem
aquilo: poeta
Reedição da obra de CECÍLIA MEIRELES
confirma beleza e autonomia de sua poética
: : Marcos Pasche
Rio de Janeiro – RJ
Há pouco mais de cinco anos tem
havido a reedição da obra de alguns
dos mais importantes poetas
brasileiros. João Cabral de
Melo Neto, Carlos Drummond de Andrade,
Mario Quintana, Manuel Bandeira, Manoel
de Barros, Ferreira Gullar e Jorge de Lima
têm voltado às livrarias em reproduções que
intentam primar pela alta qualidade: do apuro
na feitura das capas à inclusão de rica iconografia,
da supressão de gralhas à inserção
de estudos críticos, tudo parece assinalar a
iniciativa de um tratamento editorial que
faça jus à representatividade das obras dadas
novamente à luz (embora nem todas contem
com todos os itens acima relacionados).
Pode ser que alguém me advirta por
estar esquecendo algum nome. Se tal acontecer,
será ótimo, porque a advertência chegará
como um sinal da força da poesia brasileira.
Mas o que listo como o que há de mais
importante nas reedições tem a ver com a
virtude didática que é o vício crítico de nossa
historiografia literária comum, ou seja, a
concepção de obras e autores a partir de fases
ou estilos. Dentre os poetas mencionados,
não há um único sequer em cuja obra se encontre
apenas a exemplificação de tendências.
Efetivando de modo maiúsculo a ideia
de que é preciso buscar o novo e o diferente,
tais poetas subverteram padrões antigos e
não deixaram de extrapolar os atualizados,
pois — como novos e diferentes que são —
entenderam que o limite está no padrão que
se pretende absoluto e ignora outras possibilidades,
independentemente do adjetivo que
lhe apareça ao lado.
Ao seleto grupo pode-se associar o
nome de Cecília Meireles — porque sua obra
vem sendo novamente publicada nos últimos
dois anos pela Global, e por ser a sua poética
marcada pelo signo da autonomia intelectual.
Coordenada por André Seffrin, crítico gaúcho
de importantíssimas empreitadas editoriais,
a reedição de Cecília vai além de um “lançar
mais uma vez”, tendo muito e principalmente
de um lançar inaugural. Cito dois exemplos.
O primeiro diz respeito a Espectros, livro de
estreia da poetisa carioca, que durante muito
tempo esteve desaparecido (por renegado
pela autora), até que Antonio Carlos Secchin
o desentranhou da outra luz, onde resplandecem
as coisas ocultas. O livro só foi novamente
visto pelo público quando Secchin o
inseriu em Poesia completa, edição que
em 2001 celebrou o centenário da autora de
Ou isto ou aquilo. Agora, a quase totalidade
dos leitores de Cecília terá pela primeira
vez a oportunidade de conhecer o livro de
maneira independente, exclusivo em sua unidade.
Outro exemplo do que há de inaugural
nessa empresa bibliográfica é o referente aos
opúsculos Doze noturnos da Holanda e
O aeronauta, publicados conjuntamente
em 1952. Marcadas por teores diferentes, as
obras são publicadas pela primeira vez em separado,
o que é um acerto editorial.
A AUTORA
Cecília Meireles
Cecília Meireles por Fábio Abreu
Sei quem é, mas não conheço
É difícil medir o nível de circulação de
um autor, mas suponho que Cecília Meireles
ocupe uma curiosa página de nossa literatura,
por ser um nome tão conhecido quanto
ignorado. Muitos têm referências de sua
obra destinada ao público infantil; aqui e ali
se encontra alguém capaz de citar alguns de
seus versos de cor; e, pela voz de Raimundo
Fagner, suas palavras passearam por mais
de uma vez pelas paradas do sucesso radiofônico.
Entretanto, a visitação crítica à sua
obra ainda parece aquém da importância que
lhe é intrínseca. Talvez que a empreitada em
destaque estimule a mudança do quadro, e é
animador e alvissareiro o trabalho do grupo
de estudiosos convidados aos prefácios dos
livros reeditados.
Assim, destaque-se, inicialmente, o
nome do poeta e crítico Henrique Marques-
-Samyn, encarregado do introito a Espectros
(1919). Renegado pela própria autora,
o livro figura como impregnado por um
parnasianismo inconveniente às ideologias
poéticas que se consolidaram no século 20.
De opinião distinta, Henrique vê na obra da
então iniciante uma procedência que a liga à
produção posterior e que se tornou “oficial”
em Cecília: “(...) não me parece necessário,
nem pertinente, situar o volume numa ‘pré-
-história’ literária de Cecília Meireles. O que
aqui proponho, com todos os riscos inerentes
a esta decisão, é que ousemos reintegrar definitivamente
à produção poética de Cecília
Meireles esta obra, que enfim nos foi inteiramente
restituída”. A verificação dos dezessete
sonetos que compõem o volume permite
facilmente concordar com o prefaciador,
pois por meio deles já se notam alguns dos
elementos caros ao universo literário de Cecília,
como a atmosfera noturna, a evocação
de símbolos tradicionalistas e o apuro formal,
algo observável no poema de abertura, o qual
empresta nome ao livro:
Nas noites tempestuosas, sobretudo
Quando lá fora o vendaval estronda
E do pélago iroso à voz hedionda
Os céus respondem e estremece tudo,
Do alfarrábio, que esta alma ávida sonda.
Erguendo o olhar; exausto a tanto estudo,
Vejo ante mim, pelo aposento mudo,
Passarem lentos, em morosa ronda,
Da lâmpada à inconstante claridade
(Que ao vento ora esmorece ora se aviva,
Em largas sombras e esplendor de sóis),
Silenciosos fantasmas de outra idade,
À sugestão da noite rediviva
— Deuses, demônios, monstros, reis e heróis.
Considerando os livros reimpressos até
o momento (e a cronologia bibliográfica da
autora), Espectros é sucedido por Viagem
(1939), com que “a dicção de Cecília ganha
forma pessoal, inconfundível, e que seria
constante ao longo de seu itinerário”, conforme
assinala Alfredo Bosi. Em sua apresentação,
intitulada A poesia da viajante, o
afamado crítico paulista destaca a simbologia
do título para a poética que a partir dali se
tornava enfim aquela que viria a ser: “Na poesia
de Cecília Meireles o ato de viajar é mais
do que um tema literário. É uma dimensão
vital, um modo de existir do corpo e da alma”.
A tal modalidade de essência artística, somo
o símbolo da canção, também parte da pele
e da carne da poeta: “E aqui estou, cantando”,
anuncia o primeiro verso de Discurso.
Viagem e música se consorciam e se tornam
o transporte uno para destinos diversos, os
quais são sempre um pouso de ida. Viajora e
cantante, a poesia anuncia o milagre da vida,
a dispensar quês e porquês:
Pousa sobre esses espetáculos infatigáveis
uma sonora ou silenciosa canção:
flor do espírito, desinteressada e efêmera.
Por ela, os homens te conhecerão:
por ela, os tempos versáteis saberão
que o mundo ficou mais belo, ainda que inutilmente,
quando por ele andou teu coração.
Nasceu no Rio de Janeiro (RJ), em 1901. Formou-se pela Escola Normal (Instituto de Educação)
em 1917, e exerceu o magistério primário em escolas do Distrito Federal. Publicou seu primeiro
livro de poemas, Espectros, em 1919, em seguida lançou inúmeros títulos, entre livros de
poesia, crônica, literatura infantil, antologias e ensaios. Morreu no Rio de Janeiro, em 1964.
Se os termos que traduzem o ser da
poesia ceciliana são os que sinalizam para
a constituição de uma voz poética que então
se estabelecia em Viagem (o trânsito e
a música), não se pode perder de vista outro
fator responsável pelo adensamento da singularidade
da obra de que tratamos. Falo da
extraordinária capacidade de Cecília Meireles
de exprimir beleza, uma beleza em nada
previsível, ainda que em textos pautados por
assuntos secularmente explorados, como a
devoção amorosa. Se em Cânticos, de 1927,
a abertura se faz com a alta voltagem da antítese
envolvendo o efêmero e o eterno do ser
apaixonado — “O vento do meu espírito/ soprou
sobre a vida./ E tudo que era efêmero/
se desfez./ E ficaste só tu, que és eterno...” —,
no livro de 1939 é frequente o canto amoroso
que se afina pelas desarmonias da existência,
seja em Serenata — “Permite que agora emudeça:/
que me conforme em ser sozinha./ Há
uma doce luz no silêncio/ e a dor é de origem
divina” —, seja em Onda: “Quem falou de
primavera/ sem ter visto o teu sorriso,/ falou
sem saber o que era.// (...) mas quem falou
de deserto/ sem nunca ver os meus olhos.../
— falou, mas não estava certo”.
Se este Viagem é o livro em que se ouve
a Cecília já como segura regente de sua sinfonia,
não é de estranhar que ele traga, como
confirmação, um dos textos mais conhecidos
de toda a sua trajetória. Verdadeira súmula
poética, Motivo explica razões sem renunciar
à linguagem do mistério:
Eu canto porque o instante existe
e a minha vida está completa.
Não sou alegre nem sou triste:
sou poeta.
Irmão das coisas fugidias,
não sinto gozo nem tormento.
Atravesso noites e dias
no vento.
Se desmorono ou se edifico,
se permaneço ou me desfaço,
— não sei, não sei. Não sei se fico
ou passo.
Sei que canto. E a canção é tudo.
Tem sangue eterno a asa ritmada.
E um dia sei que estarei mudo:
— mais nada.
No tempo, nos tempos
Publicado em 1942, Vaga música é
um livro em forte consonância ao anterior. O
prefácio da nova edição coube a João Cezar
de Castro Rocha. Já no primeiro parágrafo de
seu texto, o crítico faz um diagnóstico fundamental
acerca da poética ceciliana. A longura
da citação feita aqui se justifica pelo alcance
do comentário de João Cezar:
Publicado em 1942, Vaga música
ajuda a esclarecer o lugar especial ocupado
por Cecília Meireles na literatura brasileira.
De fato, ela começou a marcar seu nome
em meio à eclosão do modernismo de 1922.
No entanto, desde as primeiras publicações,
Cecília se manteve deliberadamente alheia
à necessidade de afirmar-se através da negação
programática do passado. Pelo contrário,
buscou renovar as fontes clássicas
do lirismo luso-brasileiro, retomando, com
raro domínio técnico, metros tradicionais,
e revigorando, com sensibilidade contemporânea,
formas como a canção, o terceto,
o romance, entre outras. E não se esqueça
do simbolismo, pois, como os estudiosos de
sua obra sempre destacaram, a centralidade
da música e do espiritualismo na sua visão
de mundo muito deve à estética simbolista.
Nesse sentido, os poemas coligidos em Vaga
música levam adiante a fatura literária de
Viagem (1939), recordando uma autêntica
arqueologia poética da tradição.
Essas observações dão conta de traços
basilares da obra ceciliana, dizem muito do
que a autora produziu e do que sua produção
significou em meio a um contexto. Além disso,
tais observações encontram forte eco nos
outros livros agora reeditados, bem como nas
palavras de seus prefaciadores.
Conforme sublinhamos, Henrique Marques-Samyn
afirma que a, por assim dizer,
“ainda-não-Cecília” do primeiro livro, como
é vista convencionalmente, já é, sim, a poetisa
que décadas depois se consagrou. Para
a convenção, ali não há Cecília Meireles por
haver demasia parnasiana (é como em geral
se entende a hegemonia da forma fixa no
volume). O que dizer, então, de Solombra
(1963), apontado por Antonio Carlos Secchin
(no prefácio) como “aquele que viria a ser
o testamento poético de Cecília Meireles”?
Faço a pergunta porque para o estudioso —
dos maiores conhecedores da poesia de Cecília
—, Solombra reúne “alguns dos mais
densos textos de sua obra, formando um livro
austero e complexo”, o qual, ainda com Secchin,
é composto por “vinte e oito poemas de
rigorosa arquitetura”.
De modo algum pretendemos afirmar que a
forma fixa signifique, por si só, poesia de interesse,
tampouco que esse elemento baste para dizer que
Cecília teve a mesma mão do princípio ao fim. Mas
soa curioso que por conta da forma padronizada ela
tenha sido desabonada em seu princípio, e que em
seu ápice a forma padronizada esteja presente. Na
introdução a Amor em Leonoreta (1951), Miguel
Sanches Neto vê na relação do livro com a tradição
lírica portuguesa uma conexão com outras temporalidades,
o que denota um retroagir histórico que
“atende a um projeto unificador, principal energia
lírica de Cecília Meireles”. Esse retorno unificante
transborda naquele que é provavelmente seu livro
mais conhecido — Romanceiro da Inconfidência
(1953) —, tematizado por um importantíssimo
episódio da história nacional e redigido numa estrutura
antiga, mais própria da tradição lusitana do
que da brasileira. Conjugando isso ao que dissemos
no início sobre os poetas reeditados, veremos em
Cecília a independência literária que marcou sua
postura, o que, agora por outro lado, não quer dizer
desprezo pelas conquistas do Modernismo e das
tendências que a ele se ligam. Antes, isso denota
o sábio reconhecimento de que, em poesia, os recursos
não se invalidam, e sua atualidade depende
da maneira como o poeta se serve deles. Voltando
ao preâmbulo de Viagem, nos deparamos com a
afirmação (de Alfredo Bosi) de que “a viajante colhe
o sim e o não de todas as coisas”, e o retorno ao
prefácio de Vaga música permite ver uma opinião
exata a esse respeito: “Não se pense, porém, na imagem
equivocada de uma poesia de antiquário! Na
verdade, os versos de Cecília Meireles transcendem
o tempo imediato, projetando-se no horizonte da
experiência literária, cuja atualidade é assegurada
pela permanência de um fiel público leitor”.
De algumas das páginas desse belo volume
de Cecília Meireles emanam sólidas confirmações
dos juízos postos em relevo aqui. Em Canção quase
inquieta, por exemplo, a voz que canta não se afirma
aguda nem grave: “Sempre assim:/ de um lado,
estandartes do vento.../ — do outro, sepulcros fechados./
E eu me partindo, dentro de mim,/ para
estar no mesmo momento/ de ambos os lados”. A
vocação dual, tão explícita e notada, não se afigura
um ambiente confortável para quem a exprime. O
gesto deliberado de não se filiar a uma diretriz específica
é correlato de liberdade, tão desejada e inalcançável
para muitos. Mas a liberdade tem preço,
que pode se manifestar justamente como angústia
quando se constata a ausência de um porto seguro.
Daí prossegue o poema, em seu desfecho: “Fazedor
da minha vida,/ não me deixes!/ Entende a minha
canção!/ tem pena do meu murmúrio,/ reúne-me
em tua mão!/ Que eu sou gota de murmúrio,/ dividida,/
desmanchada pelo chão...”. E já que a vida
só é possível reinventada — como diz, no livro, o
poema Reinvenção, outro de seus mais conhecidos
textos —, a persona lírica vai desenhar sua imagem
de maneira unitária, ainda que a unidade se conclua
como um vácuo, matéria de Encomenda:
Desejo uma fotografia
como esta — o senhor vê? — como esta:
em que para sempre me ria
como um vestido de eterna festa.
Como tenho a testa sombria,
derrame luz na minha testa.
Deixe esta ruga, que me empresta
um certo ar de sabedoria.
Não meta fundos de floresta
nem de arbitrária fantasia...
Não... Neste espaço que ainda resta,
ponha uma cadeira vazia.
Como indicado antes, Amor em Leonoreta
veio a público em 1951. Também prefaciador da edição
do centenário da autora de Poemas escritos
na Índia, Miguel Sanches Neto assina a apresentação
da plaquete, que é, na bibliografia ceciliana, o
“primeiro livro-poema propriamente dito, revelando
aí o desejo de dar uma andadura mais narrativa
à poesia, cuja culminância será o Romanceiro da
Inconfidência, publicado logo depois”. Ao comentar
o título, Miguel Sanches alarga o esclarecimento
de uma Cecília não propriamente modernista, mas
sim autora de um fazer poético moderno, por meio
do qual o passado não é mero objeto de veneração,
sendo antes um grande mosaico em que pululam
possibilidades de inovação artística: “Amor em
Leonoreta”, prossegue Miguel, “é o portal de entrada
para o medieval luso, um túnel do tempo que
une duas idades, eliminando as distâncias. Não há
interregnos entre o século 13, de onde vem A canção
de Leonoreta, e o século 20, de onde Cecília
Meireles escreve. Trata-se de um único tempo, cerzido
pelo fio forte da poesia. Como se sabe, o refrão
de seu poema, a partir do qual vai construir o livro,
vem de uma peça produzida por João Lobeira, trovador
do século 13”.
Portanto, efetiva-se um dos exercícios mais
prestigiados pela modernidade literária — o da intertextualidade
—, aqui ainda mais denso por estruturar
todo o livro, também moderno por fundir narrativa
e lirismo: “Pela noite remorsa,/ só por alma
te procuro,/ ai, Leonoreta!/ Leva a seta um rumo
claro,/ desfechada no ar escuro.../ O licrone beija
a rosa,/ canta a fênix do alto muro:/ mas é tal meu
desamparo,/ Leonoreta, fin’roseta,/ que a chamar
não me aventuro”.
Publicados em 1952, os Doze noturnos da
Holanda confirmam a variedade e a essência conciliadora
da poesia ceciliana, principalmente por
terem sido publicados em conjunto com um livro
de extensão semelhante (curta), porém de teor distinto:
O aeronauta. Pela primeira vez os livros
circulam em separado, mas aqui a separação não
é divórcio: “Meu nome agora é diverso./ Indeclinável”,
sentencia Dois, do segundo livro. Ao apresentar
Doze noturnos, Aristóteles Angheben Predebon
faz acurada análise do livro à luz de seu vínculo
com a música, afinal, o termo “noturno” tem forte
vínculo com a arte dos sons: “Assim, nos noturnos
de Cecília, não cabe procurar uma poesia cheia de
imagens e metáforas, mas antes a musicalidade intimamente
reflexiva”. A mais, Aristóteles destaca o
caráter noturnal da linguagem do livro, o que confirma
a acepção elementar do termo que se inscreve
no título, ao mesmo tempo em que permite constatar
a imbricação entre tema e forma discursiva:
“(...) enquanto nossa tradição de noturnos veicula
uma meditação sobre a noite, seu silêncio e uma
espécie de comunhão de soledade entre os seres, a
poesia de Cecília faz-se noturna, não apenas pelo
que diz, mas em como o diz”. De quebra, vemos
nesse ponto alto da trajetória da autora mais um ligamento
com seu embrião. Afinal, os espectros têm
na noite seu habitat preferencial: “A noite levava-
-me tão alto/ que os desenhos do mundo se inutilizavam./
Regressavam as coisas à sua infância e
ainda mais longe,/ devolvidas a uma pureza total, a
uma excelsa clarividência”.
Conquanto derive da mesma experiência que
originou o livro anterior (uma viagem de Cecília à
Holanda), O aeronauta tem dicção diferente, a começar
pelo discurso conciso (se comparado ao anterior):
“Ó linguagem de palavras/ longas e desnecessárias!”.
Na prévia, Ivo Barroso acentua a distinção
entre os dois volumes: “De nossa parte, acreditamos
que O aeronauta seja bem mais que um simples
complemento poético dos Noturnos. Seria mesmo
o seu antípoda, a outra face, exprimindo uma nova
dimensão espacial da autora [consta que os onze
poemas do livro tenham sido escritos ou meditados
no voo de volta dos Países Baixos], egressa de um
outro mundo, vivendo em novo estado de espírito”.
No livro anterior, a noite não tem simbologia comum
nem unilateral — “A noite não é simplesmente
um negrume sem margens nem direções” —, entretanto,
não deixa de exibir sua vocação de obscurecer
orientações firmes: “Eu mesma não sei quem sou,
na alta noite”. Assim, O aeronauta, que também
não concebe simbologias por uma perspectiva única
— “Não clameis por sua sorte!/ Tanto é noite quanto
dia./ E vida e morte” —, tem ares amenos e cores
de nuvens, das nuvens livres de cores: “Perdoai-me
chegar tão leve,/ eu, passageiro/ dos céus, de límpido
vento”. De habitual neste livro, só a eterna novidade
ceciliana de ser singular: “E tudo que me respondem/
fica também noutras eras,/ vem de outra
idade./ Pastor que contempla ocasos,/ eu mesmo
sou o meu caminho,/ claro e sozinho”.
O Romanceiro da Inconfidência, publicado
em 1953, é um grande sucesso editorial de Cecília
(a que recebi para resenhar, de 2012, é a nona edição)
e um dos maiores feitos de toda a poesia brasileira.
Causa surpresa que esse êxito comercial seja alcançado
por um livro que, no século 20, foi escrito em forma
arcaica (o romance em verso). Poeta e historiador,
Alberto da Costa e Silva sublinha, no prefácio, justamente
o encontro complementar de poesia e história:
“(...) Cecília Meireles recria poeticamente um pedaço
de tempo e, ao lhe reescrever poeticamente a história,
dá a uma conspiração revolucionária de poetas, num
rincão montanhoso do Império português, a consistência
do mito”. Assim, discurso poético e narrativa
histórica vão aonde não iriam se estivessem amputados,
e, juntos, atingem a magnificência:
Eles eram muitos cavalos
nas margens desses grandes rios
por onde os escravos cantavam
músicas cheias de suspiros.
Eles eram muitos cavalos
e guardavam no fino ouvido
o som das catas e dos cantos,
a voz de amigos e inimigos;
— calados, ao peso da sela,
picados de insetos e espinhos,
desabafando o seu cansaço
em crepusculares relinchos.
O canto derradeiro de Cecília Meireles congrega
a luz e a treva: Solombra, de 1963, é, nas
palavras de Antonio Carlos Secchin, o “testamento
poético” da autora. Como já dissemos algo do livro e
citamos partes de seu prefácio, que ouçamos a cantora,
para que ela dê o tom do encerramento — tom
de solilóquio e sinfonia:
Quero uma solidão, quero um silêncio,
uma noite de abismo e a alma inconsútil,
para esquecer que vivo — libertar-me
das paredes, de tudo que aprisiona;
atravessar demoras, vencer tempos
pulutantes de enredos e tropeços,
quebrar limites, extinguir murmúrios,
deixar cair as frívolas colunas
de alegorias vagamente erguidas.
Ser tua sombra, tua sombra, apenas,
e estar vendo e sonhando à tua sombra
a existência do amor ressuscitada.
Falar contigo pelo deserto.
Fantasia no
Brasil colônia
: : Gisele Eberspächer
Curitiba – PR
O
nome do livro é um
tanto autoexplicativo:
Quatro soldados,
de Samir
Machado de Machado (Não Editora),
narra a história de quatro
oficiais de um antigo exército
brasileiro, em uma época colonial
de definição de fronteiras
e identidade nacionais. São os
últimos anos da guerra entre
jesuítas e índios e o país como
o conhecemos não está mais tão
longe de ser formado.
O primeiro dos soldados
que o leitor conhece é Licurgo,
jovem e inocente. Teve pouco
contato com o mundo antes
de entrar no exército (sua mãe
morreu no parto e seu pai o evitava,
fazendo com que passasse
seus dias pela casa da família) e
pouco sabia do país e das pessoas
antes de começar a lutar por
eles. Sua (des)aventura começa
já na primeira missão, quando
nem tudo vai como se esperava
e ele acaba aprendendo coisas
novas e mudando um pouco sua
visão do mundo.
Outro soldado é o Andaluz
— apesar de que o mais
certo seria chamá-lo de desertor.
É provavelmente o mais
charmoso dos quatro e se permite
ser levado pela vida. Após
abandonar o exército, encontra
vários jeitos para sobreviver,
cada um mais improvável que
o outro. De certa forma é também
um tanto hostil e arrogante.
Dentre os personagens é o
que mais lê e que mais conhece
do mundo e das pessoas.
Já o capitão Antônio Coluna
é misterioso e reservado,
e optou por dar sua vida ao
exército e leva a sério cada uma
de suas missões. Também tem
uma relação conturbada com a
família e opta por esconder seu
título de nobreza português
para viver a vida como um comum
no Brasil.
O último dos soldados,
por opção do autor, só é revelado
mais para o final da narrativa
— e a escolha será mantida
na resenha. Ainda assim,
é possível dizer que ele é uma
figura ambígua, tanto pela maneira
com que é inserido na
narrativa como no papel que
desempenha no exército.
Os quatro personagens
têm personalidades diferentes.
Em comum têm a maneira com
que vivem — andarilhos, parecem
não ter achado seu lugar no
mundo, e em alguns momentos
sequer parecem estar procurando.
Eles mantêm poucas raízes,
não têm exatamente um lugar
para o qual voltar — apenas um
novo para ir em seguida.
Mesmo que cada um dos
soldados esteja vivendo suas próprias
aventuras, o caminho deles
se cruza ao longo da narrativa.
Os encontros são curiosos e as
reações dos personagens, muito
bem montadas, acentuando as
personalidades de cada um.
Quatro soldados é dividido
em quatro partes, cada uma
destinada a narrar um episódio
específico na vida de um ou mais
dos soldados. Esses acontecimentos
são aventuras, com um
tom um tanto místico e fantasioso,
que cria uma aura que
subverte a história real dos livros
didáticos — os personagens se
deparam com labirintos de onde
ninguém sai com vida, mulas
sem cabeça e até monstros enterrados
em cavernas profundas.
O cenário criado nos
mostra apenas que os moradores
dessa nova terra não a entendiam.
O mistério de vir para
um lugar como o Brasil era tamanho
que vários mitos foram
criados no processo de compreensão
desse novo lar e as explicações
místicas eram parte do cotidiano.
O cenário da narrativa é uma terra
onde quem viaja é com frequência
atacado por índios, ainda não
completamente dividida entre espanhóis
e portugueses, habitada
por jesuítas que tentam dar uma
ordem “pacífica” para tudo isso.
Uma das coisas mais interessantes
do livro é o narrador — que
conversa com o leitor com ares de
Dom Casmurro e conta as aventuras
com um olhar quixotesco. E o autor
guarda ainda uma surpresa quanto
ao narrador da história, que se personifica
diante do leitor em determinado
momento do livro. A partir
daí, é interessante perceber como a
criação da linguagem e do tom está
completamente ligada à construção
dos personagens e ao ponto de vista
que o leitor tem da história.
O primeiro parágrafo do livro
(a seguir) já demonstra a maneira
com que o narrador transparece
uma personalidade ao longo da
narrativa. Apesar de a primeira
pessoa não estar presente em todos
os momentos do texto, fica claro
que a história está sendo narrada
por alguém que de certa maneira
soube e reproduz todas as aventuras,
fazendo com que seja determinante
para o formato da narrativa.
Uma vez que cabe a mim, teu
narrador, a obrigação de narrar, e
a ti, meu leitor, a de ler — se assim te
apraz —, faz-se mister, por questões
de cortesia, que nos apresentemos.
Porém, não sendo possível que eu te
conheça, não há sentido que conheças
a mim, posto que cá eu ficaria
em posição de desvantagem contigo.
Permita-me, então, que aqui
apresente somente minha intenção,
e esta é de narrar. E, ao fazer tal
afirmação, estabeleço o compromisso
de que te narrarei somente
aquilo que vi; o que não vi, ouvi; o
que não vi nem ouvi, li. Já aquilo
que não vi, ouvi ou li, inventei, pois,
se as passagens mais cheias de assombros
e maravilhas são todas
verídicas, coube às mais banais e
cotidianas o fardo de serem todas
fictícias, do contrário, como se sabe,
a narrativa não anda, e é preciso
dar verossimilhança aos fatos.
Além disso, logo no começo do
texto o narrador afirma não ser completamente
confiável, dando ainda
mais um tom fantasioso à obra.
Outro aspecto da narrativa é o
uso do humor e de uma ironia leve,
tanto na improbabilidade do que
acontece com os personagens como
nas reações dos personagens perante
tudo. Por exemplo, dois dos soldados
se conhecem em um bordel, que
também é frequentado por um padre
viciado em jogos que, para não cair
em pecado, não aposta dinheiro.
Durante a leitura, é quase
inevitável não se lembrar de Terra
Papagalli, de José Roberto Torero
e Marcos Aurelius Pimenta, mesmo
que esse aconteça em um período
anterior, logo após o descobrimento,
enquanto Quatro soldados se
remete ao período de colonização.
Ainda assim, as duas narrativas
usam o humor, os personagens cativantes
e um tom fantasioso para
imaginar o Brasil de antes.
Algo interessante da história
para amantes de livros é que, ao
longo da narrativa, fica-se sabendo
um pouco sobre como era o cenário
livreiro no país daquela época —
como era difícil achar obras nessas
terras e como existia até um contrabando
de itens em um mercado
negro, permitindo com que obras
chegassem aos seus leitores.
E, falando do objeto livro, a
edição de Quatro soldados traz alguns
itens gráficos que enriquecem a
obra. As aberturas de capítulos têm
ilustrações e a fonte foi desenvolvida
especialmente para o livro, baseada
na tipografia usada no primeiro livro
publicado no Brasil.

14
169 • maio_ 2014
A LITERATURA NA POLTRONA : : José Castello
Calvino e a rapidez
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
COLUNISTAS
ENSAIOS E RESENHAS
DOM CASMURRO PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
RES ENTREVISTAS OTRO OJO
Ando desconcentrado, e
me repreendo a toda hora
por essa falta de concentração,
que se assemelha
à preguiça. Minha escrita anda fluida,
sai rápido — parece se desenrolar
em uma velocidade maior que
a de meu pensamento. Isso é bom,
mas isso me assusta: parece que
não sou eu que escrevo, que alguém
escreve em meu lugar. Parece que
corro em desvario e, apesar disso,
me arrasto. Lembro-me, então,
do célebre ensaio de Italo Calvino
sobre a rapidez. Retorno a ele, na
esperança de uma luz. Algo que se
não explique, pelo menos situe esse
fluido em que me vejo perdido —
mas também me encontro.
Lembra Calvino de Mercúrio
e de Vulcano, dois deuses potentes,
mas complementares. Mercúrio é
o deus da sintonia, da participação
no mundo. Do derramamento.
Vulcano, ao contrário, o deus da
focalização, do foco, da concentração
construtiva. Ambos agem enquanto
escrevemos. Um nos puxa
para um lado, outro nos puxa para
outro — ambos estão ali. “O trabalho
do escritor deve levar em conta
tempos diferentes: o tempo de
Mercúrio e o tempo de Vulcano”,
alerta Calvino. Forças opostas, que
travam uma luta contínua — e essa
luta é a escrita.
Não, não devemos dispensar
a presença de nenhum dos dois
deuses enquanto escrevemos. A
concentração de Vulcano é condição
necessária para as aventuras
e metamorfoses de Mercúrio. A
mobilidade e agilidade de Mercúrio
são condições necessárias para
que o trabalho de Vulcano ganhe
significado. Precisamos das duas
forças, uma que nos arrasta para
a caverna, outra que nos derrama
sobre o mundo. Precisamos de ambas
para escrever. Se me sinto fluido
(Mercúrio) é porque, de alguma
forma o desejo de concentração
também atua dentro de mim. Um
se destaca: vai à frente. Outro se
arrasta, mas não perde o passo.
Mercúrio, nos lembra Calvino,
é o deus da sintonia, da comunicação,
aquele que está sempre
“entre” duas coisas. Vulcano, ao
contrário, é o deus da caverna,
do recolhimento, da fabricação
solitária. O primeiro promove a
continuidade indiferenciada (derramamento),
o segundo promove
o isolamento egocêntrico (esquizofrenia).
Ambos atuam enquanto
escrevemos, e escrever é o resultado
da luta entre essas duas
tendências. Uma não existe sem
a outra. Sem o desejo de recolhimento
não existe derramamento.
Sem o derramamento, não existe
o desejo de recolhimento. São
como que avesso e direito de um
mesmo impulso.
Para ilustrar essa convivência
necessária, Calvino nos conta
uma lenda chinesa, a história de
Chuang-Tsê, o grande desenhista.
O rei lhe pede que desenhe um
caranguejo. Ele diz que, para isso,
precisa de cinco anos e de uma casa
com doze empregados. O rei lhe dá
o que pede. Passados cinco anos, o
rei o procura novamente e ele diz
que precisa de mais cinco anos e de
outra casa com doze empregados.
Ao fim dos dez anos, o rei, persistente
em seu desejo, o procura
mais uma vez. Então, Chuang-Tsê,
em um segundo, desenha o mais
perfeito dos caranguejos. E dá ao
rei, que agora — porque contou
com a ação das forças opostas —
enfim tem o que deseja.
Sem a lentidão (derramamento,
rascunho, transe) não chegamos
à concentração (obra). Sem o desejo
de concentração, não faz sentido
nos entregarmos à lentidão e à
dispersão. Um dos lados não existe
sem o outro. Este é apenas um dos
paradoxos que ilustram o universo
da escrita. Penso nos argumentos
de Italo Calvino e já me sinto um
pouco melhor. Um pouco menos
“torto”. Se derramo facilmente uma
escrita que me ultrapassa, é porque
uma força oposta, de concentração
e foco, me espera no final. Elas só
existem por contraste, só por contraste
nós as percebemos.
Agora, enfim, posso me derramar
melhor, sem o medo de me
perder. É como alguém que, ao
arrastar um guarda-sol, arrasta
também sua sombra. Impossível
pensar em arrastar o guarda-sol
sem que a sombra seja levada junto.
Do mesmo modo, não devemos
nos assustar se nos flagramos em
uma atitude extrema, porque a
outra — que é o seu oposto — também
está ali.
NOTA
O texto Calvino e a rapidez foi
publicado originalmente no blog A
literatura na poltrona, de O Globo.
Réquiem para o passado
: : Clayton de Souza
São Paulo – SP
reprodução/ facebook
O AUTOR
Marcelo Nocelli
Em O escritor e sua
missão (em esmerada
edição de 2011, pela
Zahar), Thomas Mann
nos confidencia, no Ensaio sobre
Tchekhov, que “cultivava um certo
menosprezo” pelo gênero conto
e sua “ligeireza artística”, incapaz
de se nivelar (é o jovem Mann que
fala) com “a espera heroica ao longo
de anos ou décadas” que o romance
exige. O ficcionista alemão, porém,
haveria de mudar seu julgamento,
atentando-se enfim às “dimensões
interiores que tudo o que é breve e
sintético adquire graças ao gênio”.
A avaliação inicial de Mann,
apesar da revisão posterior, é expressiva,
pois nos faz refletir que a
preterição do conto pelo romance,
observável atualmente no leitor em
geral, é um dado histórico (embora
de natureza diversa). Um dado
passível de mudança desde que o
leitor detenha a virtude da reflexão
analítica capaz de se libertar de
avaliações preconcebidas e equívocas,
enfocando pela segunda vez (e
com lente mais apurada) as nuances
do objeto de sua análise.
Thomas Mann possuía tal virtude,
escassa, como tantas outras
que a boa leitura demanda, nesses
tempos modernos.
Retomando a afirmação do
grande escritor alemão, concluímos
que as virtudes inerentes ao
gênero — ligadas todas à contenção
— apenas vicejam sob a luz incandescente
do gênio. Escassas, portanto,
como os leitores. Como fazer
para elevar esse gênero “a uma
categoria épica” que supere “em
intensidade artística o grandioso, a
obra gigantesca”?
Não há como saber se Marcelo
Nocelli, em seu livro de contos
Reminiscências, se propõe tal
desafio. Por certo o termo épico
não se coaduna com a obra; por
outro lado, esta se beneficia grandemente
de todas as vantagens que
uma expressão lacônica propicia à
prática da narrativa curta.
O livro é composto de 17 narrativas,
a mais extensa não ultrapassando
dez páginas (numa diagramação
bastante agradável, bem
como o projeto gráfico impecável do
artista plástico Leonardo Mathias).
Grande desafio é expressar infortúnios
humanos, plasmar seres vivos
ao invés de títeres, impondo-se o artista
um número exíguo de páginas.
Não que Nocelli conceba personagens
de dimensões shakespearianas,
muito pelo contrário: os tipos
que habitam a obra são corriquei-
Reminiscências
Marcelo Nocelli
Reformatório
147 págs.
TRECHO
Reminiscências
“Nunca havia trabalhado
com tanta dedicação...
Na fresa, o som da ferramenta
afiada cortando
a peça por fazer, soava
como música de violino.
Foi se deixando levar
pelo som da lixadeira em
contratempo com o torno
do amigo ao lado.
ros; mas seus dramas, angústias e
anseios palpitam intensos sobre o
asfalto impassível da cidade.
O título da obra pode ludibriar
o leitor cuja expectativa seja
a de estar diante de um representante
da linha da autoficção
em voga, regada a memórias do
autor. Na verdade, para além de
simples recordações, Reminiscências
conota o entrechoque de
desejos de outrora e realizações
efetivas, bem como de épocas
passadas e presentes, ou a reconstrução
de passados lacunares
por um membro remanescente de
uma família esfacelada.
No primeiro conto, ambiguamente
intitulado Remissão, o leitor
acompanha o retorno de um filho,
após anos de ausência, à cidade natal,
por conta do enterro de seu velho
e austero pai. A relação conflituosa
entre ambos dá o tom do reencontro:
Aproximei-me do corpo (...) e
num ato obtuso de superioridade,
não o toquei (...) Suas mãos entrelaçadas
sobre o peito também não
se moveriam.
Em poucas páginas harmonizam-se
as sensações oscilantes
do filho, suas reminiscências e as
impressões algo ácidas da cidade
modernizada:
No terreno vizinho, onde
naqueles tempos existiu uma pasteurizadora
de leite, hoje há uma
universidade particular, dessas
pasteurizadoras de diplomas.
Nasceu em 1973, em São Paulo
(SP), cidade onde mora. É autor dos
romances O espúrio e Corifeu
assassino. É cronista da Revista ZN. Em
2008, recebeu o prêmio Lima Barreto –
Novos talentos da Literatura.
É a imagem que se impõe ao
filho pródigo que, tardando o reencontro
fúnebre, vai até a padaria em
frente buscar num espresso uma
evocação proustiana de uma época
tão morta quanto o pai. Busca vã,
pois o moderno espresso não reproduz
o sabor de um rústico coador.
Aqui, como em todas as peças
que compõem a obra, as relações
humanas são acres ou ambíguas,
em especial as familiares, cuja problemática
põe em segundo plano o
velho conflito do indivíduo/meio
(esboçado em contos como O operário
da arte). Aliás, muito além
de um competente estudo dessas
relações, Remissão sintetiza bem
os principais temas da obra, pondo
já em relevo a figura quase onipresente
em suas partes: o pai.
De fato, a figura paterna sobressai
aos demais elementos do
livro. É, no entanto, um tema de
muitas variações, indo do ressentimento
explícito (Remissão,
Domingos, O quarto dos fundos)
à empatia e identificação (Lembranças,
Alvitre, A pura, vida).
Mais notável é essa figura suscitar
um exercício de resignificação dos
signos do passado ao narrador; a
título de exemplo, o conto Domingos,
que é uma extensa lembrança
evocada pela memória involuntária,
focaliza a relação da tríade
neto-mãe-avô nos dias dominicais
na casa deste. O perspectivismo do
neto/narrador e da mãe envolve a
figura do avô numa neblina espessa,
convidando o leitor a preencher
as lacunas de seu passado.
Seria possível encontrar uma
unidade simbólica entre as variações
do tema? O que une o severo
dono de casa, o polígamo inveterado,
o utilitarista inflexível e o intransigente
“pai-patrão”?
Uma hipótese seria o assassínio
simbólico do passado (a figura
paterna está presente apenas enquanto
lembrança em muitos dos
contos), ao mesmo tempo em que
uma reinterpretação dele, a fim de
que a superação dos traumas consolide
uma maturação existencial.
As “reminiscências” transcendem
esse embate. Suas dimensões
se ampliam com a temática da velhice
e das transmutações pelas quais
passa o meio urbano, a sepultar os
cenários (e com eles os momentos)
de tanta vida plena (o conto A voz
da experiência); a sepultar mesmo
os sonhos do eu passado, e por consequência
o próprio eu (Amanhã,
um outro dia e A volta).
Eis a real dimensão do termo.
Estilo
A escrita de Nocelli é a expressão
acabada de sua concepção das
relações humanas: seca, sem adornos.
É significativo que personagens
como o velho ranzinza do conto
Planária se expressem através de
períodos curtos. Mas a segurança
no lidar com a linguagem não está
só nessa relação forma/conteúdo.
Ela também se traduz no jogo hábil
(e algo lúdico) com as palavras:
De repente ela aparecia, fumando
na janela (...) me proporcionava
admirar os pequenos,
porém, rijos, empinados, eretos e
arrogantes seios que ficavam na
altura do parapeito.
Moderação é a palavra de ordem,
abarcando o uso de metáforas
e (infelizmente) o recurso mais
atraente de Reminiscências: as
associações entre elementos díspares
como a fresa e o violino em O
operário da arte, a velhice e a lesma
em Planária, etc.
Tal moderação elide o excesso,
tornando efetivo o que é
expresso, como no trecho acima
que seria apenas outra estória obsessiva
de um quarentão por uma
ninfeta, não fosse o dado essencial:
o personagem perdera a mãe aos
três meses, guardando como única
lembrança seus belos seios...
Há que se admirar tais nuances
narrativas que o artista imprime
à obra, ampliando interpretações.
Fomento às virtudes da
boa leitura. E embora o milagre
tchekhoviano, citado por Mann,
não esteja em seu campo de visão,
Reminiscências, trilhando o caminho
da narrativa convencional,
comprova a perícia de um autor,
iniciante no conto, com seu instrumento
de trabalho.

169 • maio_ 2014
15
PALAVRA POR PALAVRA : : Raimundo Carrero
Literatura é imagem, cena e metáfora
ção no tratamento de
romances — ou prosa de
ficção — metafóricos, sobretudo na
questão política, optando, quase
sempre pelo documento, a sociologia
ou a antropologia e o panfleto,
deixando o artesanato de fora,
apesar de autores monumentais do
porte de Guimarães Rosa, Clarice
Lispector, Osman Lins ou até Machado
de Assis no século 19.
Por isso, tornou-se comum
tratar das questões da ditadura no
panfleto, na denúncia pura ou sistemática,
ou naquilo que se convencionou
chamar de romance-
-reportagem e romance-denúncia,
jornalismo com jeito de literatura
que servia, diretamente, aos objetivos
políticos. Numa trilha muito
pessoal e particular, surgiu o escritor
goiano José J. Veiga, aí pela década
de 1960, com seus romances
metafóricos, de grande qualidade
literária, mas hoje basicamente
desconhecido dos leitores.
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
A
literatura brasileira não Sombras de reis barbudos
é um grande romance
COLUNISTAS DOM CASMURRO ENSAIOS E RESENHAS ENTREVISTAS PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS OTRO OJO
tem uma grande tradi-
metafórico
ou simbólico, como foi rotulado
na época, embora seja um livro
da mais alta qualidade. Conta a
história de opressão, pânico e falta
de liberdade numa cidadezinha do
interior, pela ótica de um jovem e,
por isso mesmo, ainda mais opressiva.
Na falta de material analítico,
a crítica chamou-o também
de livro fantástico ou de literatura
fantástica, embora a rigor não seja
uma coisa nem outra. Sombras
de reis barbudos é apenas um
romance, e um romance de alta
qualidade artística, como de resto
são os romances de Kafka.
Quando Kafka diz na Metamorfose
que K. acordou transformado
num inseto está realizando
aquilo que se pode chamar
verdadeiramente de obra de arte.
Se escrevesse que K. acordou angustiado,
humilhado, derrotado,
teria feito um bom texto, sem dúvida,
mas não passaria de jornalismo
ou de ensaio. O ensaio diz as
coisas como elas são, num sentido
direto e definitivo, mas a literatura
inventa, recria, estabelece tensão
artística. Transformar o personagem
num inseto faz com que ele
atinja um grau superior de interpretação,
de invenção e provoca,
sem, dúvida, um número imenso
de interpretações.
Um homem angustiado e
humilhado é só um homem angustiado
e humilhado, com força
literária, sem dúvida. Mas falta-lhe
qualidade artística. A qualidade
transformadora. Um inseto é, em si
mesmo, um inseto abjeto, nojento;
portanto, na visão humana, derrotado,
asqueroso. Como imagem, e
literatura é imagem, transmite a visão
caótica e dramática do homem.
Assim também funciona a
obra de Clarice Lispector, cuja força
superior está nas imagens e nos
símbolos. A personagem de A paixão
segundo G. H. come e vomita
uma barata. Não poderia haver
imagem maior para definir o nojo
e a rejeição do mundo. Se ela escreve
que a personagem vomitava o
mundo talvez construísse também
um texto muito forte, mas estaria
fazendo jornalismo, por mais estranho
que pareça.
A literatura se realiza, assim,
no plano dos signos e das insígnias.
E quando se trata de literatura,
é preciso estar atento. Quando
escrevi A história de Bernarda
Soledade, que marca o início da
minha vida literária, queria, com
certeza, me engajar no Movimento
Armorial, mas precisava de elementos
para criticar a opressão e o
medo, sem necessariamente fazer
um discurso jornalístico ou ensaístico.
Era, também, e ao meu modo,
uma crítica ao regime autoritário
vigente. Por isso fui buscar os elementos
da cultura popular nordestina.
Nada mais enriquecedor e
verdadeiro. Segui, de propósito, as
lições do mestre Ariano Suassuna,
de quem sou discípulo orgulhoso.
Usei, em primeiro lugar, a
figura feminina de Bernarda para
evitar o lugar-comum do coronelismo
sertanejo, de forma a criar uma
imagem do poder e, mais ainda, da
sedução do poder. Ao lado dela coloquei
outras duas mulheres — Inês
e Gabriela, significando aí a liberdade
— Inês aparece, quase sempre
nua e desafiadora —, e a loucura do
sonho e da ilusão — Gabriela é uma
velha que atravessa os campos cantando,
com os braços levantados,
sempre vestida de noiva.
Bernarda impõe o que ela
chama de ordem, exige que todas
as terras e que todos seus animais
sejam seus. Torna-se dona
de todos os homens e de todas as
mulheres. Além disso, os animais
têm vida depois de mortos. Uma
história metafórica, que a editora
francesa chama agora de “um
western brasileiro, com toques de
realismo mágico”.
O que importa, para mim,
é que a literatura, a verdadeira e
sagrada literatura, se realiza no
plano artístico do simbólico e do
metafórico, tornando possível o
sonho e a ilusão.
O esboço de um livro
: : Rodrigo Casarin
São Paulo – SP
O
objeto livro é a principal
plataforma (ao menos
ainda) para a publicação
da literatura. Contudo,
qual seria a máxima relação
entre um livro e uma obra literária?
Não digo um entrar com o entorno
e as páginas e o outro com o conteúdo,
isso já é o que acontece. E se
dados vitais do texto estivessem no
ISBN ou na ficha catalográfica? E
se a ilustração da capa ou as inscrições
da lombada contivesse informações
essenciais para que a história
seja entendida? E se um detalhe
fundamental sobre o cenário, algo
que explica muitas das ações dos
personagens, estivesse naquela
última página, no meio do “este livro
foi composto em papel x para
a editora y e impresso na gráfica h
no outono do ano tal”? Mais, e se o
tipo de papel estivesse diretamente
relacionado com o enredo? Estaríamos
indo além da literatura, conciliando
a arte com o objeto livro em
uma simbiose total.
Faço essas perguntas provocado
pela leitura de O bibliotecário
do imperador, de Marco Lucchesi.
Não que a obra apresente alguma
dessas “contravenções”, mas
um ponto me levou à divagação. A
história começa com um prefácio do
revisor. Prefácios são comuns, mas,
de revisores, bastante raros (para
falar a verdade, nunca tinha visto
nenhum). Mais, ao final, não há
assinatura do prefácio. Ainda mais,
o prefácio é precedido por um “1”
bem grande, iniciando a contagem
dos capítulos. Ou seja, o espaço destinado
ao comentário que antecede
a obra foi incorporado à narrativa.
Pode não ser a coisa mais original
do mundo, mas é algo bastante raro
— o que é bom, convenhamos.
Nele, o revisor, que assume
pouco entender de literatura moderna,
faz algumas ponderações ao
livro que está por vir. Compara a
obra com outras que cansou de revisar,
afirma que ela não tem foco e
está alicerçada sobre terreno incerto
e movediço, diz que o autor “não
entende quase nada sobre muita
coisa”. Como se quisesse desencorajar
o leitor — a quem faz elogios
protocolares —, dispara: “Descobre-se
que o livro, que antes parecia
um rio caudaloso, não passa de
um logro, de um simples riacho,
quase sem água. Tentei preveni-
-lo [o autor], mas sua vaidade não
permitiu sequer uma troca de palavras”.
E termina com uma frase típica
dos saudosistas: “Sinto sauda-
O bibliotecário
do imperador
Marco Lucchesi
Biblioteca Azul
112 páginas
O AUTOR
Marco Lucchesi
É poeta, tradutor e ensaísta. Dentre outros,
é autor de O dom do crime e A
memória de Ulisses. Já venceu duas
vezes o Prêmio Jabuti e ocupa a cadeira
15 da Academia Brasileira de Letras.
TRECHO
O bibliotecário do
imperador
“— Perdão, Inácio, mas
não vejo como possa
ter ciúmes do passado e
preencher as qualidades
que me atribui. Pense bem,
sou eu quem o trouxe de
volta à vida, quem o tirou
do limbo do tempo, quem
o tornou contemporâneo,
quem deu voz a seu fantasma,
esse mesmo fantasma
pelo qual os leitores
de hoje sentirão um misto
de entranhada piedade e
admiração...
des dos escritores antigos, dos que
sabiam tecer uma narrativa densa
e ao mesmo tempo ágil”.
Essa intromissão do suposto
revisor tem desdobramentos ao
longo da obra. Em diversos momentos,
o narrador procura se justificar
para o revisor. Um exemplo:
“E se me perco em devaneios, meu
bom Revisor, se não vou direto ao
ponto é porque não achei infelizmente
o esqueleto de Inácio [o alvo
da investigação que deveria mover
a obra]”. Se não bastasse, em algumas
oportunidades o revisor se
torna um intruso e volta para discutir,
por meio de notas de rodapé.
A ideia até que é boa, mas a
execução não funciona bem. Primeiro
porque, no prefácio, o que
o revisor-personagem escreve soa
como uma justificativa, um mea-
-culpa do autor pelo o que está por
vir. Segundo, porque as discussões
ao longo do texto são forçadas e inverossímeis.
Não faz sentido autor
e revisor discutirem durante a narrativa,
da mesma forma que não faz
sentido um revisor atacar o autor
no livro deste, com aval até mesmo
do editor. Soa inverossímil. Ao final,
o intrometido acaba sendo um
fantoche para que o autor consiga
chamar a atenção para alguns momentos
da história, como se utilizasse
esse personagem para poder
comentar e dar alguma complexidade
ao seu próprio texto a partir
de pontos de vista conflitantes.
Alguma razão
para o revisor
Mas a obra de Lucchesi não
se resume a essa questão, é claro.
O bibliotecário do imperador é
uma espécie de busca pela história
de Inácio Augusto César Raposo,
responsável por cuidar dos livros de
dom Pedro II. Para tentar reconstruir
a vida de Inácio, o narrador vai
em busca de vestígios que mostram
a relação do personagem com o objeto
livro. Contudo, o sucesso é parco
e o texto resulta numa espécie de
biografia ficcional frustrada, apenas
com um tatear da história, como um
divulgação
esboço da pessoa que teria sido Inácio.
O próprio narrador/pesquisador
define bem o rastro daquele que
norteia o seu trabalho: é um “personagem
à procura de um autor,
porque precisa contar sua própria
vida, como no drama de Pirandello,
vestido de preto, náufrago de sua
geração. E, no entanto, desapareceu
de repente, como um fantasma,
obrigando-me a persegui-lo nas raras
pistas que encontrei”. Pistas que
foram insuficientes.
Essa busca frustrada, ancorada
principalmente em documentos
e cartas que aparecem aos montes
(empobrecendo a narrativa), acaba
por fazer com que o narrador pegue
raiva de Inácio, o que rende alguns
bons momentos, como o próprio
narrador supondo que o “biografado”
deixou parcos rastros apenas
para que sua história não pudesse
ser contada no futuro. “Vejo-me
aborrecido com sua decisão de deixar
a cena, pouco antes do fim do
ato, longamente planejado e consumado,
sem aviso prévio, fora de enredo,
a produzir graves resultados
ficcionais, trajando terno escuro,
chapéu e casemira. Como se de mim
suspeitasse, digamos, cem anos antes,
e mais obstinado se mostrasse,
e foragido, nas dobras do tempo,
despistando sempre, apagando as
provas, assaltando afrontosamente
os bolsos do futuro”.
Ao final, em um dos momentos
mais interessantes do livro,
Inácio aparece para discutir com
o narrador, chamando-o diretamente
de Marco Lucchesi. Não fica
claro como o fenômeno metafísico
se dá, mas ele resulta em um excelente
diálogo no qual o biografado
reclama do biógrafo por ter transformado
parte de sua vida em um
livro, o que nos remete à discussão
de quem possui os direitos de
uma história, da legitimidade de se
narrar uma vida alheia sem que o
objeto de inspiração e pesquisa autorize
o escritor para tal.
Não bastasse o revisor, o
protagonista da história também
não gosta da obra composta por
Lucchesi, que é um livro razoável,
com alguns bons momentos, algumas
máximas interessantes (como
“A biografia de um homem de livros
encerra uma contradição. A
vida e o livro são inimigos ferozes.
Viver no seio da biblioteca reflete
o isolamento de um bibliopata”),
mas nada muito além disso, nada
marcante. Vendo como o autor se
utilizou de elementos em sua narrativa
para, a todo momento, defender
a obra, fico na dúvida se até
mesmo Lucchesi não teria ressalvas
a fazer sobre O bibliotecário
do imperador.
Contudo, para não ser injusto,
ao final fiquei com outro pensamento:
o que acontece com a história
das pessoas comuns depois que
elas, os amigos e parentes próximos
se vão? Nós morreremos de verdade,
definitivamente, quando mais
nenhuma história sobre nós é contada
ou lembrada. Então, se nossa
vida está num livro, há uma chance
a mais de continuarmos a viver. É
algo para se pensar mais a fundo,
discutir comigo mesmo — às vezes
o Rodrigo e o Rodrigo se pegam
feio aqui na mente — e, quem sabe,
abordar em um texto futuro.

169 • maio_ 2014
16 RUÍDO BRANCO : : Luiz Bras
Pesquisa sobre a evolução
literária no Brasil (13)
Fizemos a destacados escritores, editores,
críticos, professores e jornalistas culturais
brasileiros a pergunta:
• Tendo em vista a quantidade
de livros publicados e a qualidade da
prosa e da poesia brasileiras contemporâneas,
em sua opinião, a literatura
brasileira está num momento bom,
mediano ou ruim?
Alcir Pécora
A meu ver não existe evolução literária,
nem no Brasil, nem fora dele. Se há um lugar
onde a ideia de evolução não funciona, esse é
justamente o da literatura, e me surpreende
que ninguém tenha tocado nisso até agora.
Isso deve ser sinal de alguma coisa. Espero
que não seja efeito de uma crença generalizada
numa narrativa histórica teleológica, progressiva
e etapista, em que o passado é a infância e
o presente, o ápice. Fosse assim, seria sintoma
daquilo que Hartog chamou de presentismo,
pois submete o passado à ideia de pré — ou
seja, como falta ou infância em relação ao presente
— e enclausura a potência do futuro no
imediatismo das escolhas contemporâneas.
A ideia de evolução literária tem interesse
muito reduzido no campo literário, por
muitas razões:
1) Trata-se de um campo que se constitui
como de longa duração (para não falar
em termos idealistas de eternidade ou transcendência).
Isto é, alguns autores do passado
continuam agora tão vivos e, por vezes, até
mais influentes do que quando escreveram.
Isso porque a interpretação deles, ao longo
do tempo, se enriqueceu de muitas maneiras,
tornando-os interlocutores necessários da
compreensão de diferentes tempos e igualmente
do presente. Sob muitos aspectos, podemos
dizer que esses autores supostamente
do passado determinam o presente, pois fornecem
paradigmas para a interpretação dele;
2) Não dá para falar seriamente em
evolução porque o campo da cultura — constituído
de obras de tempos diversos, alimentadas
por interpretações várias e igualmente
de tempos distintos — não tem uma direção
única: as obras não estão correndo todas para
o mesmo fim, como se fossem atletas numa
pista estreita;
3) O evolucionismo aplicado à cultura favorece
uma ideia linear de cultura, como essa
de corredores numa mesma baia, que começam
bebês e terminam atletas triunfantes. A
imagem é caricata propositalmente, porque a
ideia é caricata: quem é o bebê aqui? Homero?
Ésquilo? Virgílio? Dante? Petrarca? Camões?
Shakespeare? Góngora? etc. etc. Quem é melhor
do que quem? De que evolução se pode
falar quando se pensa em nomes como esses?
4) Não dá para evoluir para além da
forma que cada grande autor efetivamente
logrou produzir. Cada uma delas é única em
si mesmo;
5) O máximo que podemos dizer a respeito
do conjunto das obras de arte é que todas
elas têm alguma exigência do novo, mas
o novo não é o que evolui em relação ao mais
antigo, mas o que se indetermina em relação
a ele, o que não pode ser deduzível dele, uma
vez que produz uma forma que não estava
prevista nos modelos anteriores. E como falar
em evolução quando a condição do que segue
é a indeterminação?
6) Cada nova grande obra bagunça a
ordenação hierárquica inteira do campo e o
refaz de alguma maneira: o que parecia na
frente vai para trás, quem estava do lado de
um vai para o lado do outro, quem estava nos
lugares mais iluminados vai para a sombra
etc. etc. Quando falo em bagunçar os tempos
da cultura, penso não apenas no tempo do
presente, mas também nos do passado e do
futuro: a obra realmente nova desarticula a
cadeia evolutiva que não era natural, mas que
estava naturalizada de forma indevida;
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
COLUNISTAS
ENSAIOS E RESENHAS
DOM CASMURRO PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
EDIÇÕES ANTERIORES ENTREVISTAS OTRO OJO
7) Também as formas literárias não podem
ser pensadas como evolução estrita de
uma em relação às outras; ainda que elas se
sobreponham, se cruzem, uma forma nunca é
o resultado dedutivo do encontro das anteriores.
Acidentes acontecem. O romance não é
derivado das formas anteriores, mas uma resolução
que apenas se compreende em obras
particulares diversas, em diferentes momentos
e situações históricas. A epopeia não pode
ser posta na origem do manifesto de vanguarda,
a não ser como metáfora interpretativa
aplicada a casos particulares;
8) Há muito mais o que dizer, mas me
restrinjo à retomada de um ponto decisivo: boa
parte da história das obras é contingencial e
não resultado de uma intenção ou de uma superação.
Originais extraordinários, que poderiam
ter impacto decisivo, se perdem na chuva, nos
baús, nas prisões, enfim, em desastres e imprevistos;
outros papéis, secundários, passaram
a ocupar lugares chaves e tiveram um papel
histórico considerável; um incêndio matou um
autor anônimo que finalizava uma grande obra,
o suicídio de outro destruiu várias alternativas
de futuro. Isso não é evolução, é contingência,
catástrofe, sorte, fortuna, o que quiser.
Enfim, me sinto como se começasse
apenas uma conversa: escrevo velozmente, e
me sinto profundamente culpado de não poder
dedicar o tempo de reflexão que qualquer
reflexão séria exige.
Alcir Pécora é professor de literatura
da Universidade Estadual de Campinas
Chico Lopes
A despeito dos desânimos e suplícios
pelos quais passam os escritores novos, não
publicados, que têm uma compreensível ansiedade
com serem lidos, achando que a selva editorial
está fechada para os seus tambores, acredito
que o momento é de mediano para bom.
Porque acho que, a rigor, não pode ser
classificado de ruim um mundo editorial tão
agitado por visões contraditórias, autores de
todo tipo, livros de toda ordem, saindo, pedindo
atenção. Pra ser justo com isso, os críticos
teriam que ler muito, teriam que ler tudo, o
que é praticamente impossível, e, na verdade,
todos eles estão presos a certos nichos, predileções
e grupos, o que também é inevitável. O
fenômeno é daqueles cuja amplidão impele à
modéstia e à cautela nos diagnósticos.
O que me parece é que os escritores brasileiros
deveriam ter menos medo da literatura
de gênero, praticar o policial, o suspense, o terror,
a fantasia, a ficção científica, serem menos
geniais e terem mais peito pra concorrer com
um mercado estrangeiro em que muita coisa
medíocre, mas capaz de entreter, dá o tom.
Isso não seria necessariamente ceder ao
tom comercial predatório, seria ter um pouco
menos de pretensão e prestar mais atenção
ao que os leitores (que, afinal, nem são tantos)
procuram. Mas já é generalizada a percepção
de que não faz muito sentido manter
um elitismo daqueles de nariz empinado para
o cheiro de concessão prostituída do mercado.
Os autores brasileiros querem ser lidos,
percorrem pequenos e grandes circuitos de
palestras, participam de concursos, não perdem
oportunidades aqui e ali, e desejam para
seus livros difíceis o que todos desejam: leitores
atentos ou meros fruidores, o que seja.
O que se tem a fazer é aperfeiçoar o
mercado, injetar nele ansiedades estéticas
um tanto mais refinadas, mas jamais pretender
que ele seja a Grande Besta digna de
uma única coisa: bombardeios. Há muita impotência
chorona e pouco digna de confiança
em muitos autores que não fazem sucesso. O
darwinismo do mercado os apavora, mas em
nenhum sistema literário do mundo haverá
quem não alimente queixas.
As pequenas editoras querem crescer,
e merecem estímulo e uma situação menos
desesperadora, muitos autores bons querem
publicação, e a merecem. O pântano do comércio
pode ser horrendo, mas todos têm
que passar por ele. E, mesmo quem não for
capaz de atrair editores, não deve jamais desistir
de aperfeiçoar sua obra em silêncio e invisibilidade,
porque, no mínimo, viverá para
o prazer que sua criação dá.
Chico Lopes é autor de O estranho
no corredor (Editora 34)
PRATELEIRA : : NACIONAL
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
COLUNISTAS
ENSAIOS E RESENHAS
DOM CASMURRO PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
RES ENTREVISTAS OTRO OJO
A caminhada ou o
homem sem passado
Roberto Nicolato
Blanche
112 págs.
O professor Júlio Saboia está
completamente sem memória. Em
busca de sua identidade, parte para
uma viagem pelos locais sagrados
da Bolívia e do Peru, entre eles o
sítio arqueológico de Tiahuanaco e
Machu Picchu, carregando apenas um
mapa e as passagens. No decorrer da
história, fica na companhia de uma
amante boliviana, de um pesquisador
brasileiro e à mercê da paixão de uma
mulher obsessiva. Livro de estreia do
jornalista e professor Roberto Nicolato.
Outros 40
Arnaldo Antunes
Org.: João Bandeira
Iluminuras
176 págs.
Arnaldo Antunes se consagrou
como vocalista da banda de rock
Titãs, mas sua produção artística é
multifacetada. Neste livro, organizado
pelo amigo João Bandeira, são 40
textos que se concentram em música,
poesia e literatura, onde Antunes
impulsiona o pensamento através do
seu dom de equilíbrio-desequilíbrio
entre o espantosamente óbvio e o
evidentemente estranho. 40 escritos
foi a primeira coletânea organizada;
agora, Outros 40.
Lorde
João Gilberto Noll
Record
128 págs.
Talvez experimentar o diferente seja
a melhor forma de se autodescobrir.
No aeroporto de uma Inglaterra
gelada, um escritor brasileiro não
sabe o que aguarda. Recebera
de um homem misterioso um
convite, as passagens, a oferta de
hospedagem e embarcara. Em seu
destino, transita pelas ruas, hospitais,
hotéis e estabelece relações com
passageiras desconhecidas. Mas, em
suma, só trocou a solidão que vivia
no Brasil pela mesma solidão na
Inglaterra.
Reforma na paulista e
um coração pisado
Elisa Andrade Buzzo
Oitava Rima
272 págs.
Livro de crônicas organizado em
três partes: Horizontes, Vidas e
Tempos. Para a autora, as janelas
constituem o observatório de suas
reflexões — seja do ônibus, do
carro, do apartamento. Com olhar
clínico, tudo se torna prosa: o balé
dos coletivos lotados, um passeio
no shopping a fim de provar um
cupcake, reflexões sobre o outono
preenchendo o vão dos prédios,
tornando a noite colorida numa
cidade cinza como São Paulo.
A grande roda de histórias
Nélio Spréa e Milton Karam
Ilustrações: Katia Horn
Parabolé
144 págs.
Doze histórias inspiradas em relatos
reais. A coletânea surgiu de um projeto
organizado pela Fundação Cultural
de Curitiba em 2012, com a proposta
de fazer 50 sessões de contação de
histórias. Reunião de personagens
emblemáticos, surgidos de relatos
como os de Diva dos Anjos Canuto,
que contou o dia em que seu esposo
foi atacado por um galo; e de Andréa
Regina Portela dos Santos, que relatou
a ida falha dos seus parentes a um
velório: foram ao cemitério errado.
Pow-emas e outros
jabs líricos
Edson Valente
Patuá
95 págs.
Carta ao filho — Ninguém
ensina a ser mãe
Betty Milan
Record
159 págs.
Gol esquecido —
Contos de futebol
Mayrant Galo
A Girafa
96 págs.
Autópsia do bípede
Marco Polo Guimarães
Confraria do Vento
168 págs.
Dez fitas e um tornado
Teresa Urban
Arte & Letra
200 págs.
Versos peculiares sobre o pai, ídolos,
paternidade, viagem, capital da
Bélgica, Mickey Mouse e um clipe do
Joy Division. O chulo e o sagrado se
unem. Nos títulos, até arrisca inglês
e francês. Bate onde dói. Escreve
sobre amor, tema maior de nossas
jornadas existenciais, de forma atual
e com personalidade. O poeta está
no corner e se prepara, aferindo os
batimentos cardíacos do texto, já
sabendo que sempre haverá nocaute.
Neste texto biográfico, a autora se
pergunta como poderia ter evitado
todos os erros que cometeu. Deixandose
nortear pela pergunta, escreve para
o filho e remonta a história dos dois
a fim de descobrir a resposta. Entre
vários relatos, a exposição de sua vida
sentimental para o filho. Betty arrebata
com uma reflexão sobre a mãe e a
mulher, inteiramente calcada no que
viveu. Aqui não há o tabu da boa mãe
infalível.
Contos curtos, direcionados ao esporte
mais popular do Brasil, inspirados pela
poesia mística dos noventa minutos de
uma partida de futebol. Potencializando
emoções, literatura e esporte se
unem. Não só do futebol, porém, é
sustentada a narrativa: conversas em
bares são imprescindíveis para debater
aquela jogada ou o desempenho do
companheiro; na esquina, conversa sobre
garotas; o drama de ser expulso logo nos
primeiros cinco minutos; e muito mais.
Estreia de um poeta no mundo dos
contos. Enredos breves e constante
estranheza. Os personagens não
precisam de nomes, nem dependem
de cenários para existirem; como
protagonistas, suas esquisitices.
Nas memórias de Adriano, o garçom
é espanhol e Deus é doido; nos
minicontos, o político pedófilo é pego,
um novo método de faltar o trabalho,
impulsos animalescos de morder
nádegas e a sorte de não ser atingido
por um boeing.
José Suçuarana é órfão de pai e mãe
por opção. Sua data de nascimento
é incerta e seu sobrenome, um mero
apelido de infância. Mesmo com o
poder de impressionar a academia
norte-americana, continua submisso
cultural e psicologicamente ao
coronelato formador de nossa
nação. No pouco tempo de vida que
lhe resta, grava dez fitas contando
sua vida, endereçadas a Alícia,
militante de esquerda durante a
ditadura militar.

apresenta
BRASIL
Curitiba 25 e 26 Abril
Salvador 9 e 10 Maio
São Paulo 23 e 24 Maio
Rio de Janeiro 6 e 7 Junho
Curitiba
Abdelkader Djemaï Argélia
Cristovão Tezza Brasil
José Castello Brasil
Juan Pablo Villalobos México
Kim Young-Ha Coreia do Sul
Luci Collin Brasil
Mohsen Emadi Irã
Rogério Pereira Brasil
Salvador
Ana Maria Gonçalves Brasil
Carlinhos Brown Brasil
Dama Bete Portugal
Elicura Chihuailaf Chile
Jean-Yves Loude França
Jorge Portugal Brasil
Margareth Menezes Brasil
Marta Quiñónez Colômbia
São Paulo
Alessandro Buzo Brasil
Binho Brasil
Inês Bortagaray Uruguai
Jacob Sam La Rose Inglaterra
Jive EUA
Peter Demant Holanda
Roberta Estrela D´Alva Brasil
Sérgio Vaz Brasil
Rio de Janeiro
Achille Mbembe Camarões
Chacal Brasil
Fabián Casas Argentina
Francisco Bosco Brasil
Marcus Faustini Brasil
Nils Straatman Alemanha
Tatiana Salem Levy Brasil
Conferências
Bernardo Buarque de Holanda
Eduardo Jardim
Eric Nepomuceno
Iza Grispun
Marcos Alvito
Paulo Ribeiro
Rosa Maria Vieira
Yolanda Lobo
APRESENTAÇÃO
PARCERIA
REALIZAÇÃO

18
169 • maio_ 2014
Tediosa floresta
A AMAZÔNIA MISTERIOSA, de Gastão Cruls, é um romance inverossímil e repleto de figuras despersonalizadas
:: Rodrigo Gurgel
São Paulo – SP
Agrippino Grieco escreveu
que o romance A Amazônia
misteriosa, de
Gastão Cruls, lançado
em 1925, é um “livro de sólida ossatura,
com algo de Kipling, Conrad
e Chadourne”. O elogio, bem mais
longo, publicado em Evolução da
prosa brasileira, de 1932, não é
apenas imprudente, mas revela o
lado desagradável, aético, dos sistemas
literários, incluindo o brasileiro,
pois Grieco e Cruls eram sócios,
proprietários da Editora Ariel,
criada em 1930. Essa construção
artificial de celebridades, ainda que
empolgue as panelinhas e, talvez,
facilite temporariamente a venda
dos livros, dura, entretanto, como
dizem os espanhóis, un rato.
De qualquer maneira, não
importa que o louvor exagerado
prenuncie um romance repleto de
problemas ou deficiências — é preciso
ir além da desconfiança, gastar
alguns reais, abrir o livro e conceder
ao escritor a oportunidade de
comprovar que seu amigo não foi
desleal com os possíveis leitores.
Ética e personagens
Em A Amazônia misteriosa,
Cruls tenta recontar, sob o ponto
de vista tupiniquim, o romance
de ficção científica A ilha do Dr.
Moreau, de H. G. Wells, publicado
em 1896, obra de caráter darwinista,
na qual o autor discute os limites
éticos da manipulação biológica de
animais e seres humanos — prática
que hoje recebe o nome eufemístico
de “engenharia genética”.
Depois de se perder durante
uma caçada, o narrador de Cruls
acaba isolado em algum ponto da
Hileia, numa tribo composta unicamente
de mulheres, as mitológicas
amazonas que o explorador espanhol
Francisco de Orellana afirmou
ter visto em 1541. Ali, depara-se
com uma utopia silvícola, na qual, a
depender da idade, cada mulher desempenha
uma função predeterminada.
Tudo é perfeito: da arquitetura
— “habitações bem construídas,
ruas regulares, estradas largas, e
até o arremedo de praças e jardins,
onde muitas árvores deveriam ter
sido plantadas pela mão do homem”
— às relações sociais, estratificadas
e plenas daquele desprendimento
feliz que, segundo os socialistas, deveríamos
sentir enquanto o garrote
do Estado nos estrangula.
Tal lugar paradisíaco não teria
nascido, contudo, sem uma história
sanguínea: no século 16, as predecessoras
das amazonas, ao saberem
da prisão do grande inca Atahualpa
e da vitória dos conquistadores
espanhóis, liderados por Francisco
Pizarro, decepcionadas com a derrota
sofrida pelos maridos, mataram
os filhos de sexo masculino e
fugiram pela “vertente oriental dos
Andes”, vindo cair em plena Amazônia.
Apesar do desprezo que, no
romance, alimentam em relação aos
homens, uma vez por ano, na “Festa
das Pedras-Verdes”, recebem os
varões para um rito que, depois de
algumas horas, se transforma numa
orgia carnavalesca, afinal essas feministas
ainda obedecem à libido
ou à lei da preservação da espécie.
É nesse lugar idílico que o
narrador se depara com Hartmann,
médico alemão que, a princípio, esconde
os motivos de estar ali há oito
anos. No entanto, após rápida investigação,
nosso protagonista descobre
as experiências que ele realiza
com crianças e adultos, dando vida
a mutações excêntricas ou, prática
mais simples, alterando, por meio
de uma lobotomia específica, os centros
cerebrais da fala e da memória.
Apesar das aberrações criadas
pelos experimentos — o que
pode nascer, por exemplo, de um
óvulo humano fecundado com o
esperma do macaco-aranha? —, a
discussão ética surge frágil, pífia,
pois o narrador-protagonista não
passa de um pusilânime que deseja
ficar bem com todos:
Achei de bom alvitre mostrar-me
de perfeito acordo com o
seu ponto de vista, e, dali por diante,
já de regresso, mas sempre conversando
animadamente, só tive
aplausos para os seus trabalhos.
Aliás, esses trabalhos eram de tal
relevância e tão grandes e inesperadas
as novas aquisições trazidas
à ciência que, tirante a desumanidade
dos processos experimentais,
não haveria quem os deixasse de
elogiar. Elogiei-os, portanto, na
certeza de que não comprometia
de todo a minha sinceridade e com
a esperança de, assim, mais fácil,
talvez, me fosse a liberdade.
Não há espaço para crises ou
conflitos no romance. O protagonista
se refestela em seus divertimentos
bucólicos, a possível discussão
ética é jogada no limbo e os personagens,
hábeis contemporizadores,
simplesmente seguem a vida, cada
um divertindo-se em seu universo
particular — enquanto as corajosas
amazonas caçam, pescam, plantam
e se comportam de forma servil.
O desejo de fuga desse paraíso
inverossímil surge quando a
esposa de Hartmann, Rosina, que
se torna amante do narrador, praticamente
impõe a decisão, pois
o médico planeja usá-la em suas
experiências. Mesmo a relação
adúltera é descrita de forma inconsistente,
superficial — e o máximo
de emoção que o escritor consegue
oferecer são parágrafos cujo estilo
remonta ao século 19:
Filtrava-me no sangue a
exultação da natureza ambiente
e as minhas narinas arfavam
sentindo um aroma delicioso.
Seria o perfume do seu corpo ou
a fragrância das corolas recém-
-abertas, da erva tenra e dos frutos
maduros? E os nossos lábios se
colaram num longo beijo...
Um só personagem tem vida
própria, individualidade, e se expressa
de maneira natural: Pacatuba,
fiel companheiro do narrador,
nordestino eternamente arrependido
da viagem e saudoso de sua
gente. Esperto, logo percebe o mal
que se esconde sob a aparência solícita
de Hartmann; e quando é informado
das experiências, conclui:
— Eu não lhe dizia que aquele
não-sei-que-diga tinha de ser muito
miserável? Aqueles olhos de xexéu
não enganam. Lá nos meus mundos
a gente já sabe, tipo de olho
azul não presta, tem temperamento
muito sanguinário. Seu doutor entende
como é? Não presta não...
E, como eu o interpelasse, a
respeito do que pensava da nossa
situação, caso tivéssemos mesmo
de ficar prisioneiros, ele respondeu-me:
— Que é que eu penso? Eu
não penso nada... — E, depois de
uma ligeira pausa em que parecia
querer se recordar de alguma coisa:
— Olhe! E recitou-me:
A desgraça do pau verde
É ter um seco encostado,
Vem o fogo, dá no seco,
E fica o verde queimado.
Logo a seguir, inquiriu-
-me: — Seu doutor entende como
é? — Fiz que não com a cabeça, e
ele concluiu: — Pois é. O pau verde
sou eu... O doutor foi vigiar as
bruxarias desses barbaças e agora
paga o justo pelo pecador.
Movido por incrível senso
prático, medroso, bem-humorado,
parcial, religioso, fiel ao poder das
O AUTOR
Gastão Luís Cruls
Nasceu no Rio de Janeiro
(RJ), em 4 de abril de 1888,
e faleceu na mesma cidade,
em 7 de junho de 1959.
Diplomou-se pela Faculdade
de Medicina do Rio,
exercendo posteriormente
funções de médico
sanitarista no Ministério da
Educação e Saúde. Publicou
seus primeiros contos na
Revista do Brasil e por volta
de 1917 frequentou o círculo
de Antônio Torres, de quem
se tornou grande amigo. De
1931 a 1938, dirige o Boletim
de Ariel, revista bibliográfica
cujo redator-chefe era
Agrippino Grieco. No âmbito
da ficção, deixou: Coivara
(contos, 1920); Ao embalo
da rede (contos, 1923); Elisa
e Helena (1927, romance); A
criação e o criador (1928,
romance); Vertigem (1934,
romance); História puxa
história (1938, contos); e De
pai a filho (1954, romance).
TRECHO
A Amazônia misteriosa
“De espaço a espaço,
mas sempre em imensas
chusmas, os passarões
calavam-se serenamente
do azul e de asas ao pairo,
revoluteando em lindos
voos espiralados, vinham
ter às nossas vizinhanças.
Era tal a profusão dos
corpos brancos que se
diria uma abundante e
singular nevada, caindo
de chofre sobre as galas
da natureza verde.
rezas e das mezinhas, Pacatuba é o
único homem — no sentido de ter
sentimentos, fraquezas, perplexidades,
etc. — em todo o romance.
Linguagem
O que não seria problema nas
mãos de um bom escritor transforma-se,
na pena de Gastão Cruls,
em obstáculo intransponível: o livro
foi escrito sem que ele conhecesse
o Norte do país, a não ser
“através de numerosa e selecionada
bibliografia”, diz a nota da Editora
José Olympio; seu primeiro
contato com a Amazônia só ocorre
em 1928, quando acompanha a
expedição do Marechal Rondon à
fronteira do Brasil com a Guiana
Holandesa, atual Suriname.
Seu apego à bibliografia — e
não à sua capacidade de fantasiar;
o desejo de escrever uma obra que
fosse réplica da floresta — e não
exercício de verossimilhança; a
aflição evidente de transpor para o
livro cada mínimo elemento amazônico,
atribuindo-lhe seu nome
específico; tudo contribui para a
criação de uma narrativa artificial,
que obriga o leitor ao exercício de
consultar, página a página, o “Elucidário”,
formado por cerca de 250
palavras. Usar a expressão “o lago
estava saru”, por exemplo, é condenar
a um vazio mental o leitor que
não domina os regionalismos.
Mas, fosse este o único problema
do romance, Agrippino
Grieco ainda poderia dizer que
Cruls se agarra desesperadamente
à barra da calça de Joseph Conrad,
cujas narrativas utilizam, inúmeras
vezes, o vocabulário náutico.
Na verdade, Cruls não consegue
ir além do preciosismo. Tenta
repetir o que Euclides da Cunha já
fizera, mas só consegue criar retórica
destituída de dramaticidade,
mero discurso ostentatório:
Sumaumeiras gigantescas,
tocaris hercúleos, majestosos cedros,
abrindo as ramas no alto,
faziam o travejamento desse maciço
zimbório de verdura, que
transverberava claridade vaga,
deixando o recesso da mata num
crepúsculo esverdeado. Aí, numa
luta surda mas de todos os instantes,
comprimia-se, amotinada, a
legião sem fim dos outros vegetais.
Árvores portentosas confundindo
raízes e sapopemas na difícil conquista
do solo; troncos seculares
abarcados por cipós constritores;
copagens grenhudas entretecidas
de monstruosas trepadeiras; forquilhas
cravejadas de caraguatás
e parasitas; moitas espessas
de palmeiras; tufos sombrios de
folhagem; estolhos aculeados e
refilhos gavinhentos rojando pelo
chão, unhando a galharia, engrimpando-se
nos ramos; hastes
colubreantes, volutas sarmentosas
e redouças virentes — tudo
aquilo revolto, emaranhado, inóspito,
mas borbulhando viço e regurgitante
de seiva, na “frescura
eterna da vida orgânica”, subia às
avançadas para o azul, num mesmo
anseio de luz.
É o discurso de quem não viu
e, pior, não consegue imaginar,
agarrando-se aos adjetivos, tábua
de salvação do escritor medíocre.
No Capítulo 9, o problema
se agiganta. O canto do uirapuru
é formado de “vocalizações argênteas,
notas de cítara e violino,
harpejos, estridências de sistro e
suavidades de flauta, o chocalhar
de muitos guizos...”. O pássaro é
“cantor mágico” e “instrumentista
incomparável”; a melodia, “acariciadora
e envolvente”; e, depois de
alguns segundos de silêncio, “as escalas
recomeçavam cálidas, vivas,
ondulantes”. Quando o uirapuru
se afasta, os “trinados” ficam “cada
vez mais flébeis e amortecidos pela
distância, até que os sons já surdinavam
ao longe, numa toadilha
quase imperceptível”. Mas não
chegamos ao fim. Pouco depois, o
narrador se lembrará do pássaro,
“sentindo aos ouvidos, num eco
inesquecível, as dulcíloquas melodias
do gorjeador incomparável”.
“Dulcíloquas” é o tipo de vocábulo
que Cruls aprecia. Ele diz:
“nos dessedentamos”; “aos rescaldos
do licor ebriático”; “orgulho do
mais exigente ginasiarca”; “viajante
êxul”; “garridice dos seus trajes”;
“inimitável lavor artístico”. Certo
personagem não caiu, simplesmente,
mas “cambalhotou precípite no
rio”. E a lista é interminável: “os
índios lançavam mão desse alvitre”;
“insetos bezoavam no ar”; “ao
bochorno do meio-dia”; “belo animal
de pelo cetinoso e largamente
ocelado de negro”; “fauce hiante”...
Seu amor pelos arcaísmos
soma-se à afetação exagerada para
criar parágrafos em que renascem
os piores momentos de Alencar:
Estava uma manhã esplêndida,
de sol muito claro e céu azul,
sem nuvens. No ar luminoso, cortado
de voos e regorjeios, pairava
o imenso perfume da mata próxima,
a luxuriar na gala de seus verdes
mais vivos. Uma brisa ligeira
fazia estremecer a fronde dos cajueiros
vigorosos, onde concertavam
de súcia, numa traquinada
azoinante, os grandes bandos de
araçaris, anambés e pipiras que,
de momento a momento, acudiam
aos seus ramos. Ouvia-se também
o rechino de algumas cigarras; e,
pelos sibilos e assobios, macacos
deviam folgar nas fruteiras altas.
Agrippino
No início do romance, o narrador
salienta que é preciso conhecer
a “imensidade da Amazônia para
poder avaliar a mesquinhez ridícula
que assumem as cartas geográficas,
quando, diante delas, procuramos
refazer mentalmente algum trecho
já percorrido”. A Amazônia misteriosa
sofre de mal semelhante:
representação imperfeita, esta mimese
da floresta não é só inverossímil
e repleta de figuras despersonalizadas,
mas foi construída numa
escala enfadonha, tediosa — e isso
é pior do que saber que Agrippino
Grieco realmente exagerou.
NOTA
Desde a edição 122 do Rascunho
(junho de 2010), o crítico Rodrigo
Gurgel escreve a respeito dos
principais prosadores da literatura
brasileira. Na próxima edição, Paulo
Setúbal e A marquesa de Santos.

169 • maio_ 2014
19
Escritores e caubóis
O autor precisa pensar através da forma, da história, do ritmo, da palavra, da realidade ficcional
: : Carlos Eduardo
de Magalhães
São Paulo – SP
Literatura é arte em sua
forma escrita e escritores
são aqueles que a produzem,
e que só existem
através de suas obras. São as obras
que definem “ser escritor”, não o
contrário, e seu objeto é o mundo,
ou sua percepção do mundo, ou o
mundo interiorizado por ele que
emerge modificado palavra a palavra.
O objeto de acadêmicos na
área de letras, e dos críticos, é a
obra dos escritores. Literatura não
é o objeto dos escritores, que pensam,
ou deveriam pensar, o mundo.
Um escritor que só bebe, vive
e fala de literatura, em regra, tem
um trabalho pobre, um clone, uma
cópia. Mesmo que sua técnica seja
apurada, e dia a dia a técnica está
mais apurada, o que pode levar a
grandes enganos. E aí a função do
crítico, perceber e dizer. Pensar o
mundo é também pensar de maneira
original e única, moldada por
vivências únicas, obsessões, ideias,
frustrações, raivas, ressentimentos
e sentimentos únicos. E pensar
tem tudo a ver com literatura. Pensar,
não brincar, nem se divertir
ou fazer do texto um amontoado
de sacadas inteligentes, tampouco
torná-lo uma sessão de terapia.
Pensar. Pensar através da forma,
da história, do ritmo, da palavra,
da realidade ficcional.
Quais suas influências literárias,
a quem admira, o que conhece
de nomes importantes é o que comumente
se pergunta a escritores.
A técnica do ofício é outro dos temas
principais. Reflexões sobre
literatura é o que acaba pautando
suas falas. Talvez porque parte das
pessoas que consomem essas palestras
e entrevistas têm por interesse
a literatura, não o mundo. A
palavra escrita e a palavra oral têm
mecanismos de existência diferentes,
quase antagônicos. Na palavra
oral é permitido, se é que não
é quase obrigatório, o improviso.
Na boa palavra escrita, não, nada
é improviso. A reflexão dos escritores
deve estar a serviço de sua
produção literária, é de lá que deve
ser extraída, não explicada, não
por ele. Seja qual for o escritor, as
respostas dadas em palestras são
sempre parecidas porque as perguntas
são as mesmas. Pergunta
boa é aquela que só o autor pode
responder, assim como livro bom
é aquele que só o autor pôde escrever.
Aliás, esse é um dos segredos
de ensaios bons. E ensaio não é
uma dissertação de escola nem um
texto jornalístico. Ensaio é uma literatura
não ficcional.
Economistas podem se tor-
Economistas podem se tornar ótimos escritores,
porque pensam o mundo, e por isso é bem mais
interessante conversar com um economista
sério do que com um escritor.
nar ótimos escritores, porque pensam
o mundo, e por isso é bem
mais interessante conversar com
um economista sério do que com
um escritor. Mas é muitíssimo
mais interessante ler um grande
escritor que conversar com um
grande economista, ou um grande
médico, ou um grande qualquer
coisa. É uma conversa a três, você,
você mesmo e o escritor em literatura.
Em regra, economistas são
bons pra analisar o que é dado, o
que já foi, enquanto um grande escritor
vai além. Em sua obra, define
seu tempo, molda economistas,
médicos, pessoas de gerações abaixo
da sua. Deve ser por isso que escritores
são retratados velhos.
Em 2011, a Grua, editora em
que trabalho, lançou uma Temporada
de originais para captar
novos livros e bons autores. Fazia
parte do regulamento uma breve
biografia do autor. Um jovem que
trabalhava numa espaço cultural
comentou sobre isso “É bom, porque
espanta os aventureiros”. O
jovem não havia entendido nada.
A arte é aventura. Uma aventura
do espírito. A arte não tem dono.
A arte sem aventureiros não é
nada. Ele usava a palavra aventureiro
como alguém sem currículo,
alguém de fora — de fora do quê,
da academia, do mercado editorial,
do sindicato dos artistas, da
“tchurma” de escritores e agitadores
culturais, das redações dos
cadernos culturais dos periódicos
importantes? Então a literatura, ou
outra arte, exige currículo para ser
produzida em alto nível? Claro que
não. E não sejamos ingênuos, claro
também que isso tudo aí em cima
funciona, e melhor do que deveria.
Carreira literária não existe, existe
uma sucessão de livros de um autor.
Existe sua trajetória literária,
que é diferente de carreira. Carreira
é coisa de empresas e de repartições
públicas, ou da burocracia das
letras, traço cultural do corporativismo
brasileiro, dos nossos maiores
problemas estruturais, consolidado
faz décadas na ditadura de
Getúlio Vargas. E se a corporação
é ótima para defesa de interesses,
para a burocracia endêmica, para
a sobrevivência porque paga o pão
de cada dia, não faz bem à literatura
— nem ao país, diga-se. Em tempo,
a relação entre autor e editora é
bem pessoal e deve ser duradoura,
a formação de um autor é um investimento
de longo prazo. Se houvesse
uma incompatibilidade qualquer,
ou uma antipatia à primeira
vista — como por exemplo sinais
de arrogância —, o livro não seria
selecionado, por melhor que fosse.
Mas não aconteceu isso.
Me vem à cabeça Casa tomada,
conto que abre o livro Bestiário,
do escritor argentino Julio Cortázar.
Será que conseguiremos escapar?
O escritor é uma antena que
fica isolada em cima da casa, ele está
fora da engrenagem do motor e observa
o mecanismo, ele é o fotógrafo
invisível das festas de casamento.
Ele é o caubói dos filmes, que passa
pela cidade, dá um monte de tiros,
vai embora solitário no cavalo que
sacrificará quando adoecer. E depois
de um tempo ninguém mais se
lembrará dele, de seu nome, de seu
rosto, mais sua ação terá modificado
a cidade para sempre.
Bons filmes de caubói também
são uma forma de arte.
Desafios da travessia
: : Vilma Costa
Rio de Janeiro – RJ
Divórcio
Ricardo Lísias
Alfaguara
240 págs.
Divórcio, de Ricardo
Lísias, é um romance
que, sob o calor de uma
separação, discute o
amor, a crueldade e a ética ameaçada
pelo desamor e a falta de escrúpulos.
O protagonista recém-casado
encontra um diário da mulher que
o coloca frente a frente com dolorosas
revelações. Desencadeia-se aí a
construção da trama, na qual o personagem
narrador empreende uma
busca de respostas sobre a esposa,
sobre si mesmo e sobre o mundo
que ambos habitam.
Conta com elementos biográficos
de uma suposta “realidade”
e, em cima desses elementos,
elabora a tensão narrativa na qual
vão se constituindo seus demais
personagens. Apesar de o nome
do personagem-narrador coincidir
com o nome de capa do romance,
ou seja, o nome do autor, o sujeito
narrativo situa-se como o eixo problemático
diferenciado na trama.
Estabelece uma encenação de si e
de sua intimidade através do texto.
A partir do momento em que
a escrita se efetiva, personagens e
ação ganham vidas próprias e se
constituem de outra natureza. São
formados, em última análise, sobre
o papel, de palavras e tinta: são elementos
de uma narrativa literária.
A relação autor-personagem acaba
sendo íntima e pode se dar, muitas
vezes, por parte do leitor curioso
que busca também respostas e sentidos
entre literatura e vida.
Entretanto, o material autobiográfico
é apenas a matéria-
-prima dessa produção ficcional.
Segundo a reflexão de Roland Barthes,
mesmo em se tratando de uma
autoficção, é importante que ela
seja lida como um jogo de ficção,
ou seja, como algo que pertence a
um personagem de ficção, inventado
ou reinventado por um autor
de carne e osso. Inútil, portanto, a
especulação sobre verdade ou mentira
dos fatos narrados. Esta seria
uma falsa questão. Muito mais rica
é a leitura crítica que procura deter-
-se aos mecanismos de construção
narrativa e da relação estabelecida
por seus elementos. Eles se movimentam
num jogo complexo que
coloca em discussão aspectos de
uma humanidade ferida, buscando
se reerguer através da escrita de si e
da leitura de seu tempo.
Ricardo Lísias, o personagem-
-narrador, tem como primeira imagem
de si mesmo a de um homem
morto: “Depois de quatro dias sem
dormir, achei que tivesse morrido.
Meu corpo estava deitado na cama
que comprei quando saí de casa.
Olhei-me de uma distância de dois
metros e, além dos olhos vidrados,
tive coragem apenas para conferir
a respiração. Meu tórax não se
movia”. Apenas a dor insuportável
de quem vai perdendo toda a pele
é que o remete para a condição de
ser humano ainda vivo. O estado de
torpor e delírio, causado pelo trauma
por que passa, coloca em dúvida
a “sinceridade” ou mesmo a “sanidade”
desse “eu” em crise. “Tenho
pontos obscuros na minha vida
entre agosto e dezembro de 2011.
Neles devo estar morto.” Alguma
coisa morreu, é inegável. A morte
simbólica de perdas irreparáveis é
fato em separações abruptas como
a de Ricardo Lísias. Mas o personagem
vai mais além e incorpora
dados de realidade palpáveis que
radicalizam os efeitos dos danos
causados no sujeito. As declarações
de desamor da ex-mulher no diário
arrancam-lhe a pele do corpo, roubam
o ar dos pulmões e o ameaçam
de uma morte definitiva. “Resolvi
não falar que às vezes tinha alucinações
e achava que estava dentro
de um texto meu.”
Para suportar e buscar superar
a desestruturação afetiva por
que passa, lança mão de dois dispositivos
emergenciais e definitivos:
o treino para a corrida e a escrita
compulsiva da experiência vivida.
O romance é estruturado em
quinze capítulos a começar por
Quilômetro um – um corpo em
carne viva. A partir daí, seguem os
demais com a numeração antecedida
pela palavra Quilômetro, até
terminar no capítulo Quilômetro
quinze – octogésima sétima corrida
internacional de São Silvestre.
Correr e escrever, escrever e
correr passam a ser as ações sobre
as quais o personagem se debruça
na busca de resgate da sua dignidade
afetiva e de sua recuperação
e superação física. É um homem
ferido, que nesses dois aspectos
se encontra dilacerado. “O corpo
sem pele está mais exposto na
rua. Tentei ficar quieto no cafofo,
mas o medo de morrer de novo me
deixava trêmulo e o suor, toda vez
que eu deitava, incomodava a carne
viva. O jeito é andar.” O corpo
sem a pele dói, os brios e os sentimentos
gritam. A premência da
morte impulsiona para a vida, correr,
superar limites, escrever sobre
o vivido, sobre o sofrido para não
esquecer, para não sucumbir. É
imbuído dessa necessidade de registro
que empreende a invenção
de memórias. Em dado momento
do livro, algumas fotos de família,
lembranças do avô libanês e de
histórias esparsas surgem, quase
como digressões da trama central.
A leitura do diário da mulher,
meses depois do casamento,
revela, além da traição, o desprezo
expresso por ela ao homem que
a amou. O corpo em carne viva
constitui-se enquanto alegoria da
fragilidade desse sujeito exposto à
chuva, ventos e olhares do mundo.
Ferida aberta de uma intimidade
exposta ao domínio coletivo. Espaço
privado e espaço público são
constituídos por porosas fronteiras
que se intercomunicam, como
o mundo interior do personagem,
desprovido da proteção da pele do
corpo está exposto e é atravessado
pelo mundo exterior, suas intrigas,
suas farpas e venenos.
Os quinze capítulos são cortados
por fragmentos do diário da
ex-mulher e, de certa forma, ajuda
a construir a personagem. É bom
lembrar que, apesar da concretude
documental que o discurso do diário
possa apresentar, a seleção dos fragmentos
parte do ponto de vista do
narrador-personagem. As escolhas
dos depoimentos da senhora (X) é
feita pelo protagonista, que põe em
destaque a frivolidade e a crueldade
que a caracteriza, aspectos que
ele até ali desconhecia, movido pela
paixão. Os trechos do diário vão
pouco a pouco tirando a máscara da
mulher que se apresenta: “Eu gosto
de ser casada com um escritor. É só
esconder certas coisas e pronto. Eu
sou uma mulher atraente, não tenho
dificuldade de achar amantes, nunca
tive. (...) Sou a maior jornalista de
cultura do Brasil”.
Muitos desses fragmentos se
apresentam diferenciados da voz do
narrador tanto do ponto de vista gráfico
quanto do estilístico. É um discurso
simplório demais para ser escrito
pela maior jornalista de cultura
do Brasil. Aparecem repetida vezes
mesclando o texto narrativo, repetição
que fere, mas como um ritual
de sacrifício expurga, facilitará mais
tarde a cicatrização. “O Ricardo é um
retardado, não tenho dúvidas, mas
mesmo assim é um escritor, o que
me preserva de certas coisas.”
Os trechos do diário vão mostrando
aspectos mais íntimos da
senhora (X) e ajudam o narrador
na sua construção da ilustre desconhecida
que escolheu para casar:
“Minha ex-mulher é um ser narcísico
inteiramente doentio, o que a
impede de enxergar qualquer coisa
além de um nome em jornais e revistas
e vários cinquentões semipoderosos
na cama”.
Se por um lado, as declarações
do diário deixam Ricardo em
carne viva, por outro, o seu romance
crava as unhas numa ferida
aberta na sociedade brasileira
pela hipocrisia de um determinado
setor de classe, que o narrador denomina
como a elite do nosso país.
O reboliço está formado e ameaças
de processos e coisas do gênero
passam a ser dirigidos ao escritor-
-personagem. Ele responde apenas
com uma discussão metaficcional,
na qual avalia o seu fazer literário e
o produto do seu trabalho. É, nesse
sentido, bem racional e detalhista,
tentando adiantar-se, desnecessariamente,
às críticas que possam
vir. “Divórcio é um romance sobre
o trauma.” Quanto às ameaças
da senhora (X) está tranquilo: “Minha
ex-mulher não existe: é personagem
de um romance”.
A largada na corrida de São
Silvestre e o ponto final no seu livro
trouxeram ao personagem força
física e equilíbrio emocional necessários
para virar a página e deixar
para trás a dor tão aguda da separação
traumática. Para Ricardo Lísias,
autor e personagem, “A arte é
uma possibilidade de resistência”.
Bem que ele “gostaria de contar
tudo”, mas esbarra sempre com a
impossibilidade de traduzir em palavras
toda dor, toda indignação,
todo seu amor. Empreender a travessia
já é uma vitória sobre o silêncio
e a morte. Afirma no romance:
“Acredito que a arte deva desafiar
qualquer tipo de poder. Divórcio
é a minha profissão de fé contra
essas neoditaduras”. E a literatura,
consequentemente, apesar de todas
as suas limitações, é um canal para
soltar o grito, reconstruir uma nova
pele, nova proteção, recobrar as
forças e tocar a vida.

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169 • maio_ 2014
169 • maio_ 2014
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A caçada pelo poder
A obra de Thomas Harris escancara a incapacidade do
ser humano de lidar com a infinita imaginação do medo
: : Martim Vasques da Cunha
São Paulo – SP
For those of us climbing to the top of the food chain,
there can be no mercy.
There is but one rule:
hunt or be hunted. Welcome back.
Francis Underwood, em House of cards (S02, E01)
1.
“Ah, o best-seller! Esta incógnita que os literati
não querem compreender! Como eles podem existir?
Como eles podem ter algum sentido nesse mundo onde
nós buscamos o absoluto na arte e queremos destruir a
escravidão do mercado? Afinal, o que são esses monstrengos?
Eles ocupam espaço em nossas livrarias, consomem
o papel que saem das árvores, gastam os bytes
dos nossos computadores, cansam as nossas retinas tão
fatigadas com tramas que ninguém consegue entender,
personagens que jamais existirão na vida real, diálogos
frouxos, narração desastrosa, a ‘suspensão da descrença’
levada ao ponto de ser quase um culto, uma fé sempre
em busca de um milagre — o de que algum exemplar
desse gênero finalmente tenha alguma qualidade a ser
preservada. Mas e o leitor?, você me pergunta. O leitor
deve ter alguma opinião — afinal, se os best-sellers vendem
é porque eles dialogam de alguma forma com este
membro rarefeito do mercado editorial. O leitor?, eu
respondo com outra pergunta. O leitor que vá às favas!”
O pensamento acima foi retirado de forma cirúrgica
de um “fluxo de consciência” (ou stream of consciouness,
se quisermos mais técnicos, mais precisos) de um desses
seres iluminados que fazem parte do petit monde literário
— os aspirantes à fama, aqueles que acreditam piamente
que estão prontos para realizar a arte que superará todas
as artes, o romance que calará a boca de todos os romances,
mas, ao mesmo tempo, não conseguem fazer nada,
só ficam reclamando, a olharem sem nenhum brilho em
seus olhos para as estantes das livrarias, abarrotadas de
best-sellers e alguns clássicos da literatura, resumindo as
suas divagações a uma única pergunta: Por que eu não
consigo escrever algo parecido com isso e ter algum sucesso
para pagar as minhas contas?
A resposta deveria ser, se ele conseguisse ouvir a si
mesmo: Por que você sofre daquilo que é mais ordinário
no petit monde literário — a inveja. Mas esta nunca aparece
por inteiro e às claras, correto? Afinal, quem admitiria
para alguém ao seu lado que sofre exatamente do
mais vergonhoso dos pecados — a inveja, esta serpente
venenosa, que muitos comparam a um câncer, outros a
igualam aos dejetos que saem de nós, e que, no fim, paralisa
o aspirante a escritor porque faz aquilo que todo o
pecado faz: estraga a sua vida? Ninguém, óbvio. Contudo,
lá está ela, presente em cada página de um livro mal
escrito ou que jamais será escrito, presente em cada negociação
de contrato no mercado editorial, presente em
cada crítica literária que, para se autoenganar, resolve
temperá-la com o molho do esnobismo.
Vamos selecionar, por exemplo, uma crítica sobre
um determinado livro que foi um best-seller lançado há
cerca de quinze anos — crítica talvez não seja a palavra
adequada, já que atualmente elas foram fatiadas a
ponto de serem denominadas como “resenhas”. Trata-
-se do texto assinado por ninguém menos que Martin
Amis sobre o então superaguardado romance escrito
por ninguém menos que Thomas Harris — a continuação
do best-seller O silêncio dos inocentes (1988):
Hannibal (1999). Para quem ainda não conseguiu sobreviver
ao fenômeno midiático dos últimos quarenta
anos, aqui vão algumas informações — o Hannibal no
caso é ninguém menos que Hannibal Lecter, o psiquiatra,
médico e genial psicopata que, nas horas vagas,
tinha o costume de comer os órgãos de suas vítimas,
contribuindo assim para o apelido que seus pares (e,
depois, juízes) lhe dariam de “Hannibal, the cannibal”
(infelizmente, a tradução literal desta expressão a faz
perder o trocadilho fonético; se o literati em questão é
monoglota — como muitos que pululam por aí —, não
podemos fazer nada a respeito).
Hannibal foi o terceiro livro de uma série que
logo os especialistas em marketing tentaram apelidá-la
de “Trilogia Lecter” pois ela vinha em sequência de dois
romances que tinham entrado na lista dos mais vendidos
e também haviam sido transformados em dois excelentes
filmes — Dragão Vermelho (publicado em
1981, filmado três anos depois por Michael Mann como
Manhunter, um clássico cult da década de 80) e o já citado
Silêncio, também conhecido no resto do mundo
pelo seu título original — The silence of the lambs (O
silêncio dos inocentes, na tradução no Brasil) — e pela
versão em estado-de-graça que Jonathan Demme conseguiu
fazer com uma igualmente em estado-de-graça
Jodie Foster (interpretando a heroína Clarice Starling)
e um superlativo estado-em-deificação (ou demonização,
de acordo com o ponto de vista) Anthony Hopkins
entregando com prazer uma deliciosa versão de Hannibal
Lecter. Portanto, o clima de expectativa era grande:
o que Harris aprontaria dessa vez?
Ninguém poderia dizer. No caso de
Martin Amis, a expectativa foi tanta que ele
acabou frustrado. Ou não? Em seu texto sobre
Hannibal, publicada na finada revista
Talk, editada por Tina Brown, a mesma jornalista
que quase conseguiu destruir a The
New Yorker (David Remnick jogaria depois
a pá-de-cal) e que ainda hoje polui a nossa
leitura na internet com o seu (atentai para o
nome da publicação, leitores!) The daily beast,
o escritor inglês deixa claro a sua admiração
pelos livros anteriores de Harris. Aliás, é
mais do que uma admiração: se percebermos
bem — e usarmos dos instrumentais que nos
foi dado por Herr Freud — Amis sofre de uma
transferência imediata com o criador de Hannibal
Lecter. Ele queria ser Harris. O autor de
romances invulgares, mas também irregulares,
como A seta do tempo e A viúva grávida,
tinha prestígio no petit monde literário
(tudo bem que ser filho de Kingsley Amis
ajudava um pouco), mas faltava-lhe... sucesso
— o que, em termos mais claros, significa dinheiro.
Não por acaso que, na época em que
sua resenha sobre Hannibal foi publicada,
Amis ainda sofria com o fato de que pedira
a Andrew Wylie, conhecido no mercado pela
alcunha de “O Chacal”, um adiantamento
de 2 milhões de dólares para um romance
que ainda sequer tinha sido escrito — e que
depois seria o admirável A informação —
simplesmente porque ele não tinha dinheiro
para pagar um delicado tratamento dentário
que, entre outras coisas, envolvia retirar
todos os dentes da arcada superior, além de
extirpar um inchaço na gengiva, suspeito de
ser um tumor canceroso. Alguns anos depois,
Amis voltou com os dentes consertados, livre
de ter um câncer, mas, nesse meio tempo,
brigou com sua antiga agente, Pat Kavanagh,
que era, por acaso, esposa de um de seus melhores
amigos, o escritor Julian Barnes.
Pois é: essas são as coisas que fazemos
por dinheiro. Mas também por poder. Afinal,
o que Martin Amis queria ao mostrar o seu
desapontamento por Hannibal em sua resenha
na Talk, além de provar a um leitor mais
arguto que ele tinha saudades do Thomas
Harris dos outros tempos? Assim como Amis
não economizou na admiração do passado,
ele também não economizou nos adjetivos
daquele presente momento de sua vida: de
acordo com seu rigoroso padrão estilístico, a
prosa de Harris, que antes era repleta de observações
agudas que davam dignidade a personagens
imersos em um mundo de predadores,
agora havia se tornado uma “necrópole
do vocabulário” devido a sua “vulgaridade
virtuosística” em que o criador de Hannibal
Lecter havia “ficado gay” pelo seu personagem
mais famoso e, de psicopata divertido, o
transformara em uma espécie de “Camus da
carniça”, repleto de inquietações existenciais
embaladas no mais dissoluto do esnobismo
— algo que, claro, Amis podia entender perfeitamente,
pois ele era um de seus representantes
mais ilustres. Enfim, o enfant terrible
da crítica literária inglesa não gostava mais
de Harris — mas, ainda assim, mostrava o seu
poder ao petit monde de dissecar a quem antes
era visto com um old master que nunca
errara na prática do seu ofício.
Na mesma época, o caderno dominical
do New York Times publicava outro texto
sobre o mesmo livro. Desta vez, contudo, o
autor era ninguém menos que Stephen King.
Para quem ainda não sobreviveu à avalanche
de mídia, todos já devem saber quem é King:
considerado o mestre do gênero horror, este
sim é um escritor que vende, que faz sucesso,
que dá muito dinheiro. E olhem só: ele afirmava
que Hannibal era uma maravilha. Era
exatamente o contrário de tudo o que Amis
tinha dito em sua resenha — o de que o estilo
era uma perfeição, de que os personagens
eram pessoas honradas e sofisticadas que andavam
com naturalidade nos ambientes onde
viviam, que Lecter era o Drácula da nossa
época, pronto para sugar tanto o nosso sangue
como o nosso medo e transformá-los em
material literário de primeira categoria — e
que, mais do que tudo isso, era capaz de conversar
com o leitor comum de igual para igual.
É certo que, na verdade, ninguém sabe
como se dará este fenômeno que tantos querem
alcançar — o “conversar com o leitor comum
de igual para igual” — mas quando isso
acontece, ah, c’est magnifique, como diria Cole
Porter. E King sabe desses assuntos: afinal, o
Thomas Harris por
Ramon Muniz
homem, apesar de também ter uma obra irregular (no nosso padrão de qualidade, em
seus quase sessenta livros publicados, sobra-se apenas Different Seasons, uma coleção
de novelas caprichadas e que mostram que o bardo de Maine poderia ter sido um Martin
Amis do Sul), não precisa fazer adiantamentos vultosos para pagar uma mera conta
ortodentária. Mais: ele não quer ser Thomas Harris — e é muito provável que, no caso, o
inverso seja o verdadeiro, já que Harris gostaria de ter dinheiro suficiente para pagar os
seus constantes cursos no Le Cordon Bleu. Ainda assim, é de se louvar a generosidade de
Stephen King ao resenhar Hannibal. Ele faz aquilo que o crítico literário deveria fazer:
analisa o livro pelo o que ele é, querendo entender quais foram as intenções do autor e,
dessa forma, ajudando o leitor comum, este ser tão abstrato no petit monde, a se guiar se
deve ou não comprar o romance. Isso sim é a mais honesta técnica de venda — quando o
crítico entende o seu objeto sem nenhuma vontade de querer exercer o seu poder em um
mundo que não está nem aí para o verdadeiro mundo ao nosso redor.
Contudo, Thomas Harris não precisa de nada disso. Ao contrário de um Martin
Amis ou de um Stephen King, que colocam um novo romance nas prateleiras a cada
dois, três anos, às vezes ele demora uma década para entregar uma nova criação. Ao
contrário de Amis e King, que são obrigados a dar uma entrevista cada vez que alguma
coisa acontece no maravilhoso mundo da mídia, desde a política de Barack Obama até
a lista dos dez melhores filmes do ano, Harris se esconde da imprensa e não dá uma
declaração pública desde 1974. E, ao contrário desses dois, que praticamente transformaram
as suas vidas em um livro aberto para o público, Harris apenas deixa os seus
leitores saberem que ele gosta de cozinhar, tem uma companheira dedicada há mais de
quarenta anos e que parece ser um regente de coral de igreja quando se deixa fotografar,
com sua vetusta barba de Papai Noel e um olhar bonachão que não dá uma única
pista de que este sujeito é o mesmo que criou um dos personagens mais monstruosos
da literatura contemporânea.
2.
Porque antes de Hannibal Lecter, houve a reportagem policial e o Setembro Negro.
Ou melhor, Domingo negro, o seu primeiro romance, lançado em 1975. Harris
O AUTOR
Thomas Harris
Nasceu no dia 11 de abril de
1940 na cidade de Jackson,
Tennessee. Começou a
sua carreira como repórter
policial tanto nos Estados
Unidos como no México, e foi
também editor da Associated
Press, em Nova York. Seu
primeiro romance, Domingo
negro, foi publicado em 1975,
seguidos depois de Dragão
vermelho (1981), O silêncio
dos inocentes (1988),
Hannibal (1999) e Hannibal
— A origem do mal (2006).
Todos os seus livros foram
transformados em adaptações
cinematográficas de grande
sucesso nas bilheterias.
nasceu no dia 11 de abril de 1940, trabalhou
como jornalista criminal nas publicações da
cidade de Waco, Texas, depois foi repórter
na Associated Press, até que, junto com mais
dois amigos, inspirou-se no atentado terrorista
ocorrido nos Jogos Olímpicos de Munique
e os três decidiram escrever um romance
sobre terrorismo internacional. Os amigos
abandonaram o projeto, mas Harris continuou
— e o resultado foi um livro que ficou
em primeiro lugar na lista dos mais vendidos
do New York Times e um polpudo pagamento
para uma versão cinematográfica, que seria
dirigida por John Frankheiemer e com a
suíça Marthe Keller no papel de uma sedutora
árabe, Dahlia Iyad, que instilaria o “ódio-
-contra-o-Ocidente” do americano abandonado
no Vietnam, o piloto Michael Lander,
desta vez adequadamente interpretado pelo
eterno neurótico Bruce Dern.
Iyad e Lander planejam um daqueles
atentados que, anos depois, anteciparia de
forma assustadora o 11 de setembro: jogar
um dirigível repleto de explosivos em pleno
estádio de futebol americano, lotado, justo no
dia da abertura do Super Bowl. Afinal, quem
imaginaria que uma bomba pode cair literalmente
dos céus? Ninguém, nem mesmo o
superagente do Mossad, David Kabakov, um
daqueles sujeitos que sente o cheiro do Al Fa-
tah muito antes de algum míssil, tanto israelense
como palestino, atingir a faixa de Gaza.
É claro que, na década de 1970, Gaza ainda
não era notícia, e ambos os povos ainda sofriam
as cicatrizes da Guerra dos Seis Dias —
além de Munique, que, até então, tinha sido
algo que ninguém poderia vislumbrar que
poderia ser executado.
Domingo negro parece ser mais um romance
de suspense caça-níquel sobre a caçada
de gato-e-rato contra o tempo, mas já estabelece
o tema sobre o qual Thomas Harris desenvolveria
nos livros seguintes: a incapacidade do ser
humano de lidar com a infinita imaginação do
medo. Todos os personagens, de Dahlia Iyad a
David Kabakov, passando pela amante deste,
Rachel Bauman, até o revoltado Michael Lander,
respiram e suspiram o medo. E Harris o
percebe como poucos, até mesmo nos mínimos
detalhes, como podemos ver no seguinte trecho,
que faria inveja a qualquer descrição feita
por Martin Amis (e que teria um número muito
maior de vocábulos, sem dúvida):
A convalescência de David Kabakov
no apartamento da Dra. Rachel Bauman
foi uma época estranha, quase surreal, para
ela. Sua casa era clara e opressivamente em
ordem — e ele chegou nela como um gato
selvagem que voltou após uma briga na chuva.
O tamanho e a proporção dos quartos e
dos móveis pareceram mudar para Rachel
com a presença de Kabakov e Moshevsky no
lugar. Para homens tão robustos, eles não
pareciam ocupar muito espaço. Isso foi um
alívio para ela, mas depois começou a preocupá-la
um pouco. O tamanho e o silêncio
formam uma estranha combinação na natureza.
Eles são os instrumentos da danação.
Será que os livros de Harris também
são “instrumentos da danação”? Bem, Domingo
negro não aliviava na sua perspectiva
de que, mesmo com um caçador arguto
como Kabakov, o terror podia, de fato, ter a
última palavra. O mesmo pode-se ser afirmado
no segundo romance de Harris, publicado
seis anos depois do primeiro — o estupendo
Dragão vermelho (1981), no qual
somos enfim apresentados ao Dr. Hannibal
Lecter, mesmo que o livro não seja sobre ele,
e sim sobre outro personagem memorável,
Will Graham. O primeiro capítulo já mostra
que Harris domina o bom e velho estilo
Hemingway, em que toda a história do que
o leitor precisa saber que aconteceu é contada
por meio de diálogos secos, precisos e
sem nenhuma espécie de sentimentalismo.
Graham é um gênio da psicologia que tem
o dom — se podemos chamá-lo assim — de
ter empatia com assassinos em série, em
particular com os psicopatas violentos que
perturbam o dia a dia do agente do FBI,
Jack Crawford, que o convida para trabalhar
no seu departamento. O motivo? Agora há
mulheres sendo mortas e estranguladas em
suas casas — e descobriremos depois que o
responsável por tudo isso é Francis Dolarhyde,
um sujeito com lábio leporino e que,
cada vez que mata alguém, acredita estar
mais próximo de se tornar o dragão vermelho
que embeleza algumas gravuras do poeta
e pintor William Blake. Para saber mais exatamente
como esse sujeito pensa, Crawford
sugere a Graham que vá visitar na prisão o
Dr. Lecter, que foi justamente capturado
pelo jovem psicólogo graças a um golpe de
sorte (palavras do bom doutor) e que, com
isso, guardou alguma mágoa do evento.
No prefácio comemorativo aos vinte
anos de publicação do seu livro, Harris, em
uma rara declaração, afirmou que Hannibal
Lecter surgiu em sua mente quando, uma noite,
tentava entender os latidos e os gemidos
dos cães selvagens que rodeavam a sua casa.
Ele precisava de alguém que fosse um duplo
de Will Graham — de alguém que fosse o seu
igual, mas também fosse superior em algo inapreensível.
E conseguiu: o Lecter que surge
em Dragão vermelho é um ser que controla
toda a arquitetura invisível do romance — e
o que era para ser mais um livro comum de
procedimento criminal torna-se um autêntico
plano macabro de vingança em que Hannibal
(já podemos chamá-lo com essa intimidade?)
enfim ensinará ao pobre Graham quais são as
marcas permanentes de se viver em um mundo
onde o medo detém a única imaginação
possível para nossas consciências.
Pois é isso que Thomas Harris faz com
sua obra: ele nos ensina a perceber como a
nossa imaginação é muito precária para perceber
as infinitas variações que o medo traz
para as nossas pobres vidas. E Lecter é a personificação
desse medo — ao mesmo tempo
em que ele o domina, há também a fascinação
de que jamais seremos como esse sujeito porque
não conseguimos adentrar no seu “palácio
da memória”. Poderíamos dizer “graças a
Deus” e irmos em frente; mas não, queremos
saber mais sobre esse personagem, queremos
encaixá-lo nos nossos conceitos, mesmo que
ele mesmo diga que isso é impossível (“Você
não tem como me explicar”, diz. “Eu apenas
aconteci.”) e que a nossa fascinação aumente
a cada virada de página. Talvez o que Harris
quer que saibamos é o mesmo que ele aprendeu
com a parábola de um sultão, que dizia:
eu não possuo falcões, eles moram comigo.
E como toda a caçada, há um momento
em que você deixa de ser o caçado para se
tornar o caçador — afinal, mais cedo ou mais
tarde, nós cumprimos todos os papéis nesta
vida. Mas como fazer para continuar na caçada
e não ser exterminado nela? É em busca
desta resposta que Harris escreve O silêncio
dos inocentes (1988), em que Hannibal
Lecter deixa de ser um mero demiurgo para se
tornar um eficaz psicopompo na vida de Clarice
Starling, jovem agente do FBI que adentra
nos labirintos macabros do crime, em busca
de Buffalo Bill, um serial killer que assassina
mulheres gordinhas e suculentas para depois
se transformar em uma delas (sim, no mundo
predatório de Harris, os psicopatas não entram
no rol do politicamente correto: ou são
deficientes, ou são transformistas sexuais).
Não se sabe se Harris tinha plena noção de
que o seu romance pode ser lido como uma
espécie de iniciação religiosa de uma alma
inocente aos redutos infernais da condição
humana, mas é de se notar que, neste livro,
Lecter não é mais um representante do medo:
ele é o próprio medo, que instiga a brava Clarice
a ir ao fundo de si mesma e enfrentá-lo
com a coragem necessária que só o mundo
permite que os astuciosos sobrevivam.
Para permanecer viva na caçada, Starling
só pode usar da única faculdade que um
ser humano possui quando se depara com
a companhia das trevas: a imaginação. E
quando usamos esse termo, não estamos falando
de criar mundos alternativos ou então
de insistir nas fugas da realidade devido ao
fato de que a pressão existencial torna-se
algo no limite do insuportável. Falamos daquilo
que, às vezes, é a única coisa que nos
resta: colocar-se no lugar do Mal e imaginar
como ele age, sem se deixar contaminar
por ele e, daí, extrair um Bem maior. Eis a
razão deste livro, que também fez sucesso
e deu todo o dinheiro que Harris merecia,
chamar justamente (no título original) “o
silêncio dos cordeiros”. O cordeiro, é claro,
representa o Cristo sacrificado — mas o seu
silêncio é a estratégia mais forte que deve
ser usado contra o Mal Lógico que Hannibal
Lecter tenta imitar. Será este mesmo silêncio
que, no meio da caçada, apascenta os
falcões que existem dentro de nós e que nos
impelem a voar acima das nossas possibilidades,
quando, no fundo, temos de usar a
imaginação para saber que sempre existirá
uma caveira atrás do rosto. Lecter tenta enganar
Clarice, mas não consegue; no final,
ela captura Buffalo Bill por conta própria,
com o apoio de seu verdadeiro mentor, Jack
Crawford, e vence o medo dos seus traumas,
dos seus obstáculos interiores — mesmo
que seja por pouco tempo.
3.
Porque quem disse que o caçador é obrigado
a continuar na caçada? Muitas vezes, ele
pode querer simplesmente desistir — mesmo
quando sabe que isso é impossível. É o que
acontece em Hannibal (1999), a terceira
parte da saga Lecter e o romance onde finalmente
o conhecemos melhor, apesar de isso
não ser muito recomendado tanto pelos psicólogos
como por literati como Martin Amis.
E quando falamos que conhecemos melhor,
isso significa que Harris nos obriga a entrar
no seu “palácio da memória” — uma artimanha
que o “rei-dos-psicopatas” emprestou
dos renascentistas para reconstruir e colocar
em dúvida o seu passado mais do que nebuloso
—, não para humanizá-lo (como pensou
erroneamente Amis), mas para entender
como um homem qualquer se tornou o próprio
medo e como contaminou os corações e
as mentes de todas as outras pessoas — em
especial, a da brava Clarice.
No final de O silêncio dos inocentes,
Lecter havia conseguido escapar da prisão —
e agora vamos acompanhá-lo em suas andanças
por Florença, em que Harris nos confunde
se o esnobismo de seu personagem mais
famoso poderia ser também do autor (ou se
trata de mais uma caipirice no melhor estilo
jeca sulista), enquanto a polícia está no seu
encalço e Clarice Starling enfrenta a verdadeira
descida aos infernos que só a maturidade
proporciona quando percebemos que estamos
velhos demais para continuar na caçada.
A agente do FBI se vê numa ciranda de desejo
erótico e político — e o seu mentor Jack Crawford,
que contrabalançava a influência diabólica
na sua iniciação espiritual descrita em
O silêncio, se vê fraco demais para protegê-
-la de outros predadores burocráticos, como
o repugnante Paul Krendler ou então o monstruoso
multimilionário Mason Verger, uma
antiga vítima que sobreviveu literalmente às
mordidas de Lecter e que agora deseja uma
vingança implacável. O que antes era apenas
sugerido nos livros anteriores, desta vez
Harris deixa bem explícito: Hannibal é um
romance gótico, uma mistura de Bram Stoker
com Flannery O’Connor, em que os símbolos
demoníacos são levados ao limite da ironia,
em um procedimento que daria inveja a Theodor
Adorno; já que, ao mesmo tempo em
que busca alguma humanidade no psicopata
Lecter — sabemos, por exemplo, que ele tem
a sua origem homicida explicada porque sua
irmã mais nova, Mischa, foi devorada por vagabundos
na Segunda Guerra Mundial — ele
retira toda a coragem que antes esperávamos
de Clarice Starling, chegando ao ponto de
jogá-la na cova dos leões, quando Harris termina
a sua história e a transforma na amante
hipnotizada e fascinada de ninguém menos
que... Hannibal Lecter.
Sim, a brava Clarice se encanta perante
os braços de sua aparente nemesis. Mas não
será que sempre foi assim? Nada foi muito
simples no mundo macabro de Thomas Harris,
apesar de tentarem catalogá-lo na prateleira
dos best-sellers. Na verdade, ele faz pela
literatura popular (de massa, como diriam os
estudiosos da indústria cultural...) algo que a
literatura de alta cultura esqueceu há muito
tempo: comunicar ao leitor aquela saudável
suspeita pelo poder que faz uma sociedade
permanecer sã. Porque os romances de Harris
são sobre como um homem qualquer —
o dr. Hannibal Lecter, Dahlia Iyad, Clarice
Starling, Paul Krendler — se deixa envolver
na sua libido dominandi, na sua vontade de
poder, contagiando os outros ao seu redor
para imitá-lo sem pensar nas consequências
morais desses atos, deixando-se fascinar pelo
Mal e pelo medo, controlando a quem quiser,
de todas as formas — do mais baixo ao mais
alto dos escalões do governo —, chegando ao
ponto extremo de comê-las para ter o domínio
completo de seus desejos e de quem não
se submete à sua vontade.
Talvez seja por isso que Thomas Harris
não dê mais declarações à imprensa, tornando-o
assim uma espécie de Thomas Pynchon
da literatura de massa (como bem apelidou
Stephen King). Ambos os autores e seus respectivos
livros têm um código secreto, uma
mensagem que poucos conseguem decifrar:
a de que vivemos em uma sociedade repleta
de psicopatas em atividade ou esperando
apenas a possibilidade de agir. Somos todos
predadores em potencial — e não temos
como escapar da caçada que nos envolve.
Cedo ou tarde, seremos devorados ou teremos
que devorar os outros.
Em tal mundo, não há espaço para a
inocência — e este parece ser o tema do romance
mais recente de Thomas Harris, Hannibal
rising (2006), justamente o livro que
narra como foi a transformação de uma simples
criança a um psicopata sem escrúpulos.
Ao mostrar que o Mal sufoca até mesmo a
provável bondade que existe no coração de
um menino traumatizado, Harris também
mostra que o poder é, antes de tudo, uma
escolha moral que independe do que feito
contra uma pessoa e sim de como ela opta
a reagir com o desejo de vingança ou com
a aceitação da precariedade deste mundo.
E, no meio disso tudo, há sempre a caçada
atrás de um objeto misterioso e intangível
que poucos conseguem definir. Será ela que
faz o leitor perceber que talvez a grande lição
de Thomas Harris aos seus leitores, sejam de
alta ou baixa cultura, tem uma força benéfica
muito mais efetiva do que os arabescos
de Martin Amis — uma lição muito próxima
dos conselhos de Auberon Waugh (sim, o
filho de Evelyn), que uma vez escreveu: “A
sociedade deve aceitar que o desejo de poder
é uma desordem de personalidade por si só,
como o desejo de ter uma relação sexual com
uma criança ou de sentir o gosto de borracha
embaixo de suas roupas. (...) A política,
nunca canso de me dizer, é para deslocados
sociais e emocionais, gente com inteligência
limitada, que têm nada além de rancor em
suas emoções. O propósito da política, para
eles, é ajudá-los a superar essas limitações
e esses sentimentos de inferioridade e compensar
as suas inadequações pessoais na
procura pelo poder. E isso sem dúvida causa
muito mais infelicidade do que felicidade”.
Para irmos além de toda essa tragédia,
talvez possamos terminar com uma exclamação
importante de Ortega y Gasset — na
verdade, um quase-imperativo que se parece
muito com uma ordem militar — e que é um
aviso de profunda raiz moral: “Alerta!”. Em
um livro da maturidade chamado La caza y
los toros, Ortega parte de um simples fato social
do passado — o hábito da caça como um
esporte que revela a capacidade humana de
controlar ou dominar a nossa natureza violenta
— para levantar voos vertiginosos de
pensamento, e afirmar que a própria existência
humana é uma contínua caçada em que
devemos estar constantemente em atenção
imediata, para capturarmos a essência das
coisas reais e não nos deixarmos capturar por
ilusões do passado, nem do futuro e do presente.
Thomas Harris nos ajuda a fazer justamente
isso: a ficarmos alertas com os falcões
dentro de nós, simplesmente porque jamais
poderemos dominá-los. E esta é a única regra
que existe neste mundo devastado pelos canibais
que nos governam.

22
169 • maio_ 2014
Malhas que o
Império tece
O português Pedro Rosa Mendes aborda a
independência do Timor-Leste num bem-sucedido romance
O AUTOR
Pedro Rosa
Mendes
Nasceu em 1968, em
Cernache do Bonjardim,
Portugal. É autor de uma
obra heterogênea que
engloba ficção, ensaio e
reportagem, com incursões
no teatro e na poesia. É
autor de quatro romances
– Baía dos tigres (1999,
prêmio Pen de narrativa),
Atlântico (2003), Lenin
oil (2006) e Peregrinação
de Enmanuel Jhesus
(prêmio Pen de narrativa
2011). Atualmente, vive
em Genebra, na Suíça.
: : Haron Gamal
Rio de Janeiro – RJ
A
literatura
portuguesa
contemporânea sempre
nos surpreende com boas
obras, e Peregrinação
de Enmanuel Jhesus, de Pedro
Rosa Mendes, segue a mesma trilha.
Trata-se de um livro que descreve
todo o percurso que resultou na
independência do Timor-Leste do
domínio da República da Indonésia,
em 1999. Mas para os amantes da literatura
a vantagem é que a História
é narrada em forma de ficção.
Já no capítulo de abertura,
Matarufa, veterano da resistência
timorense, relata o dia em que a
ONU anunciou o resultado oficial
do plebiscito que reconheceu a
pequena ilha como país independente:
“Às 9 horas da manhã de
sábado, 4 de setembro de 1999, no
Hotel Ma’hkota, em Díli, Ian Martin,
chefe da missão internacional,
anunciou os resultados da consulta
popular em Timor-Leste: 21,5 por
cento tinham votado a favor da autonomia,
78,5 por cento votaram
contra”. É preciso esclarecer que
“a favor da autonomia” significava
permanecer como região “autônoma”
da Indonésia, o que não foi a
vontade dos habitantes de Timor-
-Leste, pois a maioria optou pela
independência.
O romance possui um eficaz
artifício literário. Começa como
um auto de missão levado avante
pelo bispo Per Kristian Kartevold,
da Igreja da Noruega (outubro/
novembro de 1999). Isto quer dizer
o seguinte: trata-se de uma investigação
sobre o suposto paradeiro
de um nativo, afilhado deste bispo,
que teria desaparecido no Matebian
(montanha sagrada conforme
a tradição local), exatamente no
dia do plebiscito na ilha.
Em forma de inquérito, são
enumerados vários personagens que
teriam concordado em falar sobre o
desaparecido, sobre o país e, enfim,
sobre tudo que estava relacionado
à luta pela libertação. Não escapam
narrativas sobre as tradições dos
vários povos que formam a etnia timorense,
mesmo aqueles que antecederam
a chegada dos portugueses.
É sempre bom lembrar que a chegada
de Portugal à região data do segundo
decênio do século 16. Entre
os personagens que depõem neste
inquérito literário, encontram-se
pessoas que estiveram ao lado da
resistência timorense e outras que
atuaram junto à administração da
ilha sob o domínio da Indonésia ou
fizeram parte do seu serviço secreto.
Como se sabe, a Indonésia invadiu o
Timor logo após a saída dos portugueses,
em 1975.
Ao apresentar testemunhos
de personagens que estiveram em
ambos os lados da luta pelo domínio
do Timor, a narrativa acaba por
tornar-se polifônica. São oito pessoas
(sete homens e uma mulher,
entre os homens há um padre) que
contam a história do país, cada um
sob a sua perspectiva. O romance
de Pedro Rosa Mendes, com isso,
filia-se à narrativa de António Lobo
Peregrinação de
Enmanuel Jhesus
Pedro Rosa Mendes
Tinta da China
376 págs.
TRECHO
Peregrinação de
Enmanuel Jhesus
“Eu nasci em 1974, tinha três
ou quatro anos na altura, não
entendia nada do que estava
a acontecer. O meu pai não
queria dar-me. O soldado
indonésio arrancou-me e
deu-me a minha mãe. Vieram
separá-la de meu pai também.
Lembro-me dos gritos nossos
e deles misturados. Uma
bulha. Depois, mais nada. A
minha mãe, os meus irmãos e
eu continuámos descendo a
encosta. Meu pai ficou para trás.
Antunes, ficcionista que melhor
soube ousar nas letras lusitanas. A
influência de Antunes pode ser observada
não apenas na forma (organização
dos parágrafos, diálogos
e pontuação), mas também na repetição
dos mesmos acontecimentos
sob pontos de vista diferentes.
Além desses aspectos estruturais,
é possível perceber no romance
o mal que toda espécie de colonialismo
foi capaz de causar mundo
afora. Até mesmo a presença portuguesa,
que acabou por predominar
porque permaneceu durante muito
tempo no local e deixou como herança
a língua, é discutida pelo autor.
Portugal colocou uma centelha
a mais na já conturbada rivalidade
existente na região à época das
grandes navegações. Povos de Java
e de Sumatra havia muito pretendiam
o domínio da região.
No final do romance, o autor
empreende uma viagem à Noruega,
aonde vai ao encontro do tal bispo
que seria o autor do relato que nos
apresenta. Após boas observações
sobre o país nórdico, os contrastes
com Portugal e com o Timor, o
suposto “editor” (este seria o papel
de Pedro Rosa Mendes na organização
do livro) estende sua viagem
ao Polo Norte, exatamente à cidade
onde o bispo reside, localizada em
território russo. Ali encontra o religioso
com a saúde já bastante debilitada,
mas ainda capaz de lhe fazer
revelações que proporcionam novo
alento às suas investigações.
Talvez o maior êxito do romance
seja a bem-sucedida exposição
do caráter mágico relativo à
resistência das hostes timorenses
contra os opressores, sejam eles de
onde quer que tenham vindo. Tais
segmentos lembram o realismo
mágico das literaturas da América
Latina. Na luta pela liberdade, até
mesmo os ancestrais estão sempre
de prontidão, habitando um passado
que de certa forma revela-se
sempre presente, ou um presente
que não se atemoriza diante de um
duvidoso futuro.
Outro ponto digno de nota é
a descrição das atrocidades perpetradas
pelas forças de ocupação da
Indonésia, que, segundo a narrativa,
não pouparam velhos, mulheres
e crianças, condenando todos à
fome, à miséria, à morte.
A estada de Pedro Rosa Mendes
no Timor-Leste, a título de
fazer uma série de reportagens sobre
a perspectiva da região após a
independência, acaba por revelar
não apenas a escolha do povo local
pela independência e pela língua
proibida pela Indonésia enquanto
esteve no poder, o português, mas
ainda esclarece que, no mundo
atual, cultura alguma é capaz de
ser autossuficiente.
O bem vence o mal
: : Luiz Horácio
Porto Alegre – RS
O
que falta ao ser humano?
Vir de fábrica com
a tatuagem, em lugar
bem visível, “aprecie
com moderação”. Pouco importa
se estranho ou familiar, o perigo é
o mesmo. Desprezo, roubos, assassinatos
e por aí afora. No quesito
assassinato, parece que o mais em
conta é cometer o crime dentro do
núcleo familiar. Fica tudo em casa.
Para enfrentar essa convivência
inevitável com seu semelhante,
o homem recorre aos ensinamentos
de gurus, de deuses, de pastores,
no mais das vezes de personal trainers.
Não fujo à regra, também tenho
meu guru, aquele que me guia,
que me impulsiona e que também
me freia, atende pelo nome, sem
sobrenome, medo. Foi o que consegui
dentro de minha precariedade.
Emma Forrest, outra classe social,
encontrou no seu psiquiatra,
apelidado de Dr. R, o seu guru. A
autora não disfarça a sua gratidão.
Guru porque ele ultrapassa os limites
profissionais e torna-se amigo e
confidente de Emma.
Nove anos atrás, o dr. R
salvou minha vida. Graças a ele,
meus pais tiveram sua filha de
volta. Temos uma dívida eterna
e somos eternamente gratos pela
dádiva de sua presença em nossa
vida. Com o passar dos anos, eu
brincava com ele dizendo que ele
era um otimista terminal. Graças
a Deus ele era assim; peguei carona
em sua fé e entusiasmo por
Sua voz dentro de mim
Emma Forrest
Trad.: Maira Parula
Rocco
192 págs.
TRECHO
Sua voz dentro de mim
“A primeira vez que fui ver o
dr. R foi em 2000, um bom
ano para mudar de vida.
Peguei o trem da linha 6 ao
sair da emergência,onde
passei a noite toda. Eu me
tornara tão entorpecida em
minha vida, que nem o sexo
eu registrava, a não ser que
doesse, e então eu, muito
distante, podia ver que era
eu na cama. Apesar dos
cor- tes e da bulimia, eu
não conseguia ser rápida o
suficiente para me machucar,
então o namorado era de
alguma ajuda.
um longo tempo. Levarei o dr. R
comigo sempre. Eu me esforçarei
para imitar sua gentileza e equilíbrio,
especialmente perto dos que
são doentes e sofrem, como eu era
quando tive a sorte de ficar sob
seus cuidados.
AUTORA
Emma Forrest
A jornalista, escritora e roteirista
Emma Forrest foi criada em
Londres, Inglaterra, e começou a
carreira ainda adolescente, quando
foi convidada para assinar uma
coluna no jornal Sunday Times.
Posteriormente, colaborou com
publicações como Vogue, Vanity
Fair e Harper’s Bazaar, entre
outras, e teve roteiros comprados
por produtoras como Plan B
Entertainment, do ator Brad Pitt,
e Miramax. Atualmente, vive em
Los Angeles, Estados Unidos.
Sua voz dentro de mim
apresenta as memórias de Emma.
Está lá seu medo, e ela o torna público
ao revelar temer seu lado escuro,
até então algo extremamente
particular.
Durante o período em que
Emma foi paciente do Dr. R, oito
anos, surgem flashbacks, alguns
emblemáticos, tanto para a narrativa
quanto para o leitor começar a
suspeitar do equilíbrio da autora/
personagem. Um exemplo: Emma,
então com 13 anos, visita a galeria
Tate, em Londres. Ela não economiza
tempo em sua observação do
quadro Ofélia, tela de John Everett
Millais.
Vale lembrar que Ofélia traduz
a mulher trágica que à época
—1852 — era presença constante
na pintura romântica. Outro detalhe:
Ofélia era a namorada suicida
de Hamlet. Na pintura de Millais, a
mulher flutua em um lago, aparenta
melancolia e resignação.
O primeiro romance de
Amélie Nothomb, Hygiène de
l’assassin, traz detalhe dessa mesma
pintura na capa. O livro narra
a história de um prêmio Nobel de
literatura ao qual restam dois meses
de vida. Jornalistas do mundo
inteiro pretendem entrevistá-lo,
poucos conseguem. Um misto de
entrevista e tortura. Cinismo e ambiguidade
podem ser a tradução da
obra de Amélie. Tudo resguardado
por Ofélia. Pontos em comum com
Sua voz dentro de mim? Vários.
Elejo um: a sombra da morte que
paira e espreita.
Essa sombra que não se limita
a perseguir a autora, incluo seus
namorados durante esse período
de terapia. Eles se tornam personagens
importantes na narrativa.
Os relacionamentos ocorrem ao
ritmo dos descompassos de Emma,
capazes de carregar ambos às profundezas
mais escuras, ou relacionamentos
tranquilos, beirando a
monotonia.
Emma Forrest até certa altura
da vida parecia não ter motivos
para se preocupar com questões
tão subjetivas, o medo que alimentamos
ou que nos acostumamos é
coisa nossa. Este aprendiz, embora
tosco, tem medos paralisantes de
alguns de seus pensamentos. Mas
deixemos isso de lado. Trouxe o
exemplo apenas para mostrar que
esse vírus ataca mentes privilegiadas
e também as simplórias. No
caso, a do resenhista. Pois bem,
tudo transcorria conforme o figurino
na vida da protagonista, talvez
até excedendo as expectativas. A
autora, ainda jovem, abandonou a
segurança familiar em Londres e
foi viver em Nova York. Ela desfilava
pela passarela da vida, seu dia a
dia era de causar inveja ao mais ferrenho
budista. Jornalista e escritora,
trabalhava para o The Guardian
e seu primeiro livro não tardaria a
ser publicado. Essa é a parte clara
da vida da autora, o lado escuro
acolhia a jovem com problemas
psiquiátricos que se manifestavam
via bulimia e automutilação.
O tema é forte e infelizmente
se propaga em nosso cotidiano —
conheci jovens que se cortavam e
a bulimia é quase um modismo —,
mas Emma trata suas memórias
com humor inteligente. Inclusive
no auge de sua depressão, pelo menos
no livro, ela não permite o domínio
da tristeza, da autopiedade.
Sua voz dentro de mim,
embora sua primorosa narração
que empresta leveza ao tema, é
mais um livro de autoajuda. O
bem, mais uma vez, vence o mal.
Mesmo quando esse bandido cruel
repousa dentro de nós.

169 • maio_ 2014
23
O falso verdadeiro
Os fenômenos excêntricos da obra de H. G. Wells produzem formas de vivência que desconhecemos
: : Nelson Shuchmacher
Endebo
Rio de Janeiro – RJ
Certa vez perguntava Paul
Valéry, após afirmar que
“o falso sustém o verdadeiro”:
“o que seria de
nós sem a ajuda do que inexiste?”.
A problemática que essa questão
invoca é tão antiga quanto o próprio
pensamento. Há, no plano das
ações humanas, um algo de impossível
que é misteriosamente a
imagem necessária das nossas realizações
concretas. Não há política
que se desprenda definitivamente
de seu veio utópico. A literatura
presta um vigoroso e matizado testemunho
disso, e o caso do britânico
H. G. Wells, pioneiro escritor de
utopias científicas, é exemplar nesse
sentido. A coletânea O país dos
cegos e outras histórias, reunindo
a segunda versão do conto-
-título e outras 17 narrativas curtas
cobrindo o período de 1894 a 1939,
dá uma amostra farta dos gêneros
pelos quais Wells passeou em sua
longa carreira, desde a ficção científica
que o fez famoso, até a aventura,
o conto policial e a fábula.
Na segunda metade do reinado
da Rainha Vitória (1837-1901)
o debate sobre as contradições
sociais do Império Britânico — à
época o mais poderoso e abastado
do mundo — foi fortemente
pontuado pelos termos gerais do
imperialismo e socialismo, que figuravam
como possíveis reações
ao predomínio, durante boa parte
do século 19, da fé inabalável no
bem-estar social e espiritual como
consequência do progresso técnico
e científico. Esse característico otimismo
é exemplificado sobretudo
no trabalho histórico de Thomas
Macaulay e na poesia de Alfred
Tennyson. Londres é a primeira cidade
do mundo a ter mais de um
milhão de habitantes, enquanto a
empresa colonial se estende por
todo o globo. É a Grã-Bretanha da
restauração católica de Oxford, um
movimento radical a seu modo; do
utilitarista John Stuart Mill e do
reformismo visionário e filantrópico
de John Ruskin. É a nação
dos dândis desinteressados, dos
estetas decadentes, de Swinburne
e Oscar Wilde; a nação pós-Malthusiana
de Marx, Engels, Darwin
e de Herbert Spencer, cujas ideias
afetaram, para o bem e para o
mal, todos os debates relevantes
da época. É o tempo também do
jornalismo, do sensacionalismo
dos folhetins, e da literatura como
ganha-pão da pequena burguesia,
como a de Wells. Um dos mais
fecundos períodos da literatura
inglesa. Wells foi socialista como
William Morris e Bernard Shaw,
crente de que a degeneração da
sociedade britânica fosse resultado
do desequilíbrio econômico,
mas a tendência de sua arte não é
a panfletagem, como é por vezes a
de Shaw, tampouco é o idealismo,
como na Inglaterra pastoral de
Morris; ela é revolucionária
na medida em que o entusiasmo
pela divulgação
científica, tão típico do
período, é direcionado
para acionar o potencial
reformador da ordem social
que a técnica conserva e
desvela. Wells fora aluno do biólogo
darwinista Thomas Huxley,
e funda suas visões renovadoras
nas ciências e nas miopias científicas
mais proeminentes do fin-de-
-siècle vitoriano, a geologia comparada,
a antropologia, a zoologia,
a física teórica e a etnologia. Nesse
sentido, embora os enredos de
Wells sejam fantásticos, ele é um
realista confortavelmente situado
na tradição romanesca inglesa,
como bem aponta o editor e tradutor
Braulio Tavares no prefácio.
O país dos cegos e
outras histórias
H. G. Wells
Trad.: Braulio Tavares
Alfaguara
342 págs.
O AUTOR
Herbert George Wells
Nasceu em 1866, em Bromley,
Kent, e morreu em Londres,
em 1946. Filho de um
pequeno comerciante, teve
de trabalhar desde cedo para
ganhar a vida. Estudou com
o cientista e humanista T. H.
Huxley. Deu aulas de biologia
antes de se tornar jornalista
e escritor profissional. Autor
de mais de uma centena
de livros, entre romances,
ensaios e contos. No fim do
século 19, publicou obras
pioneiras da ficção científica: A
máquina do tempo, A
ilha do dr. Moureau, O
homem invisível e A
guerra dos mundos.
Modernismo literário
O encouraçado terrestre
descreve os avanços na tecnologia
bélica, especulando não só a mudança
permanente que os tanques
de guerra trariam à estrutura dos
combates, como também a disputa
assídua de nações tecnocratas para
dominá-la; O estranho caso dos
olhos de Davidson propõe a visão
à distância, sugerindo que o tecido
espaço-tempo possa ser dobrado,
como um papel; o conhecidíssimo A
estrela, protótipo dos disaster movies
hollywoodianos, imagina o cataclismo
humano ocasionado pela
passagem de um cometa, e termina
com uma reflexão sobre a Terra devastada
segundo a visão dos marcianos,
que ignoram as dimensões
“reais” da catástrofe, antecipando
assim, timidamente, o perspectivismo
que marca o modernismo
literário. Esse não é entretanto um
perspectivismo nietzschiano. Wells
é um moralista de tintura cristã,
como Dickens, um democrata “na-
H. G. Wells por
Vitor Vanes
tural” para os padrões vitorianos.
Estrutura o principal conto da antologia,
um de seus prediletos, O
país dos cegos, curiosamente nos
moldes da narrativa do Evangelho,
abrindo mão entretanto de seu
conteúdo teológico específico. O
conto narra a chegada de Nunez,
um alpinista perdido nos Andes,
a uma comunidade politicamente
harmoniosa de cegos em um território
geograficamente isolado por
uma série de desastres naturais. Da
antropologia, Wells tira explicações
para a organização social do grupo,
sua religião, seus ritos e crenças; da
etnologia, a razão para os conflitos
culturais entre Nunez, que enxerga,
e os demais. Os mitos dos cegos são
desmistificados pela visão compreensiva
do narrador, francamente
sentenciosa e, dirão hoje, preconceituosa.
Nunez está certo desde o
início, mas é hostilizado e rejeitado
pelos cegos como um lunático; eles,
por sua vez, não possuem sequer o
vocabulário para verbalizarem o ato
de ver. Mas Nunez se adapta, aprende
as doutrinas cosmológicas dos
locais, se apaixona por uma mulher
cega e esquece do mundo exterior,
até o dia em que uma catástrofe finalmente
abre passagem para fora.
Nunez tenta avisar a todos sobre o
desastre iminente, mas é rechaçado
novamente como um herege, um
radical, um louco. Aquele que vê a
verdade, o salvador, é escorraçado
por uma comunidade de tolos. Mas
a estória não é um mero conto moral,
e uma leitura dela como anedota
rebaixando os cegos me parece
equivocada. Ela é uma contribuição
notável para a imaginação do futuro,
considerando uma habilidade
dir-se-ia inata, a visão, como técnica,
como artifício, deslocando o
sentido natural da percepção visual
e valorizando, portanto, o espaço
vital dos cegos em um plano de dignidade
equipolente. Nisso também
Wells adumbra o modernismo.
Outras narrativas valem menção
e admiração: A marca do polegar,
à maneira de Conan Doyle, é
um divertido conto policial que introduz
as impressões digitais como
prova de um crime, algo que fascinava
Sherlock Holmes; A história
do falecido sr. Elvesham é uma
tragédia metafísica que mantém o
interesse do leitor até o final surpreendente,
em uma das melhores
narrativas curtas de Wells; Pollock
e o homem do Porroh, uma sátira
certeira das pesquisas etnológicas
nas colônias africanas e da obsessão
do dito mundo civilizado pela
sanidade mental; O império das
formigas brinca com a ideia de que
o fenômeno da inteligência possa
emergir entre as formigas sul-
-americanas, uma bem-humorada
crítica da mentalidade imperialista
por parte do autor, que se deleita,
ao inverter os vetores do colonialismo,
com os próprios excessos da
sátira diante da invasão europeia
das formigas, para a qual ninguém
está preparado. Otto Maria Carpeaux
notou com acuidade o grande
humorista em Wells, herdeiro de
Charles Dickens. Com efeito, o monóculo
doutor Lidgett, em A história
de Plattner, ou a esposa chantagista
e interesseira do amável e
desengonçado sr. Cave, em O ovo
de Cristal, poderiam facilmente ser
confundidos com criações dickensianas.
Esse último conto, em sua
estrutura narrativa, na maneira em
que estabelece os fatos e introduz a
cena e, principalmente, como apresenta
o personagem principal “trazendo
na barba alguns farelos com
manteiga de seu desjejum”, existe
inteiramente no vastíssimo espaço
imaginativo aberto por Dickens,
que carece da psicologia moral de
um Joseph Conrad ou o senso agudo
de declínio de um Thomas Hardy,
mas que constitui, a seu modo,
um abundante e convincente uni-
TRECHO
O país dos cegos
“Falou das belezas da visão, da
contemplação das montanhas,
do céu e da aurora, e
eles o escutavam com uma
divertida incredulidade que
aos poucos foi se tornando
condenatória. Disseram-lhe
que na verdade não existia
montanha alguma, e que
aquela área rochosa onde as
lhamas pastavam era sem
dúvida o fim do mundo; (...)
verso romanesco, no qual as mazelas
e as delícias do mundo podem
ser devidamente representadas
com a sua própria gravitas, e não
como simples recurso retórico de
suporte a um argumento. Tavares,
no prefácio, comenta que O ovo de
Cristal daria um romance, e é uma
pena que Wells não o tenha desenvolvido,
pois ele me parece ser o
único conto da antologia que apresenta
personagens imediatamente
cativantes, que excedem o papel de
veículo imediato para a expressão
de uma ideia motriz. E a ideia, claro,
maravilhosa: o artefato referido no
título se comunica misteriosamente
com um outro mundo. O conto
termina, como de costume, sem
descobrirmos o que é aquilo, mas
não sem que antes tenhamos uma
crítica das teorias ópticas da virada
do século 20. Jorge Luis Borges reconheceu
a influência desse conto
em duas histórias n’O Aleph.
O editor e tradutor Braulio
Tavares, cujo trabalho com o autor
já rendeu edições nacionais dos célebres
romances A máquina do
tempo e A ilha do dr. Moreau,
fez um ótimo trabalho de seleção. A
tradução é no geral fluida e correta,
altamente legível, embora algumas
soluções não transmitam suficientemente
o sabor da prosa de Wells.
Por exemplo, em O império das
formigas, Wells escreve: “Holroyd
was learning Spanish industriously,
but he was still in the present
tense and substantive stage of
speech, and the only other person
who had any words of English was
a negro stoker, who had them all
wrong”. Tavares traduz corretamente;
a perda é estilística: “Holroyd
estudava o espanhol com toda
aplicação, mas ainda estava naquele
estágio feito apenas de substantivos
e verbos no presente, e a única
outra pessoa que sabia algumas
palavras em inglês era um negro
que trabalhava na fornalha e não
conseguia pronunciá-las direito”.
É comum nos contos de Wells
o narrador confessar que não sabe
bem o que está ocorrendo, ou que
obteve as informações do relato indiretamente.
O que é verdadeiro?
A veia utópica do autor não permite
que o fenômeno em tratamento
seja circunscrito pelo discurso
científico disponível. Mas Wells
talvez seja um otimista como seus
contemporâneos, esperando que
um dia façamos a descrição exata
do que há. Há contudo um outros
viés, igualmente contemporâneo,
que talvez seja mais visível hoje:
os fenômenos excêntricos de Wells
produzem formas de vivência que
ainda não conhecemos, como os
animais das insondáveis profundezas
em Os invasores do mar. E
não há na gramática dos homens
formas correspondentes às suas
ações. Essa falta produz a literatura,
que a busca. E assim o falso
sustém o verdadeiro.

169 • maio_ 2014
24
PRATELEIRA : : internACIONAL
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
COLUNISTAS
ENSAIOS E RESENHAS
DOM CASMURRO PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
EDIÇÕES ANTERIORES ENTREVISTAS OTRO OJO
Amor em fuga
Bernhard Schlink
Trad.: Herta Elbern
Record
288 págs.
Ao longo dos sete contos que compõem
o livro, o amor no mundo contemporâneo
está em pauta. Não possuem
preconceitos ou distinções, mas não se
tratam de romances felizes. O moderno
conta com contradições, dificuldades
e impossibilidades. Entre a queda do
muro de Berlim e conflitos armados em
países de terceiro mundo, histórias de
pessoas atormentadas por seu passado
e seu presente, de amores incompletos e
hesitantes, mas sempre esperançosos.
Elegias de Duíno
Rainer Maria Rilke
Trad.: Dora Ferreira da Silva
Biblioteca Azul
128 págs.
Em carta de 1921, Rilke apresentou a
chave para estas Elegias, ao alertar que
a religião é uma tendência do coração,
infinitamente simples. São considerados
dez dos poemas mais célebres do
século 20. Gênero que tipicamente
anda lado a lado com o fúnebre, os
versos exalam desamparo existencial,
acompanhados de uma religiosidade
peculiar. O trabalho da tradutora e poeta
Dora Ferreira foi considerado patrimônio
cultural da poesia alemã no Brasil.
Falem de batalhas, de
reis e de elefantes
Mathias Énard
Trad.: Ivone C. Benedetti
L&PM
152 págs.
O brilhante artista italiano Michelangelo
se desentende com o sinistro papa
Júlio II e aceita o convite do sultão
Bayazid para projetar uma grande
ponte no estreito de Bósforo. Misto de
romance histórico e ficção, o livro mais
celebrado do francês Énard parte de
uma passagem obscura da biografia de
Michelangelo e recria a atmosfera de
sedução do Oriente do século 16 em
oposição à Renascença, resgatando o
embate entre o Oriente e Ocidente.
Novembro de 63
Stephen King
Trad.: Beatriz Medina
Suma de Letras
727 págs.
Jake Epping é professor de inglês
em uma cidade do Maine. Enquanto
corrigia redações de seus alunos do
supletivo, descobre uma narrativa brutal
e fascinante escrita pelo faxineiro Harry
Dunning, que sobreviveu de alguma
forma à noite em que seu pai massacrou
a família com marretadas. Como se já
não fosse choque o bastante, Epping é
recrutado por um dono de lanchonete,
Al, para uma missão peculiar: evitar o
assassinato de John Kennedy.
Sangue nas veias
Tom Wolfe
Trad.: Paulo Reis
Rocco
608 págs.
O celebrado jornalista e escritor Tom
Wolfe volta à ativa, num livro que deixa
o jornalismo se submeter aos encantos
da literatura. Tipicamente polêmico,
Wolfe retrata uma Miami repleta de
imigrantes e conflitos culturais, strippers
russas e fisioculturistas, na única cidade
do mundo onde povos com línguas
diferentes tomaram controle das ruas.
Dilemas morais, limites éticos e conflitos
étnicos dão o tom à narrativa, talhada
com precisão e humor ácido.
Felicidade conjugal
Tahar Ben Jelloun
Trad.: Clóvis Marques
Bertrand Brasil
322 págs.
As duas faces de janeiro
Patricia Highsmith
Trad.: Marcelo Pen
Benvirá
320 págs.
O vendedor de armas
Hugh Laurie
Trad.: Cassius Medauar
Planeta
287 págs.
Effi Briest
Theodor Fontaine
Trad.: Mário Frungillo
Estação Liberdade
424 págs.
A última névoa e A
amortalhada
María Luisa Bombal
Trad.: Laura Janina Hosiasson
Cosac Naify
224 págs.
Um pintor precisa se aposentar após
sofrer um AVC. Convencido de que sua
relação conjugal conturbada foi o motivo
do colapso, resolve pintar um último
quadro: o de seu relacionamento. As
cores são fortes e, como toda obra de
arte, está sujeita a diversas opiniões. Com
o tempo ocioso e temendo a depressão,
resolve escrever suas memórias desde o
princípio do relacionamento, passando da
má relação com os sogros ao ódio que,
por fim, se instalou.
Rydal Keener jamais poderia imaginar
que Chester MacFarland era um
estelionatário que a polícia americana
almeja prender. De repente, Keener
está ajudando o malfeitor a ocultar o
corpo de um detetive grego. A causa
desse ato impensado pode ser a
paixão repentina de Rydal por Colette,
a sedutora esposa de Chester. Tratase
de uma cadeia de acontecimentos
que passeiam por ruínas milenares,
vielas escuras e hotéis decadentes.
Thomas Lang, ex-militar de elite, recebe
uma proposta de cem mil dólares
para assassinar um empresário norteamericano.
Ele decide, imediatamente,
alertar a futura vítima — uma boa ação
que não ficará impune. Em que estão de
horas, o benfeitor está jogando cartas
com bilionários impiedosos e colocando
sua vida (entre outras coisas) nas mãos
de muitas mulheres fatais, enquanto
tenta salvar uma linda moça e impedir
um banho de sangue mundial.
A jovem protagonista Effi Briest
sucumbe a um matrimônio indesejado,
fruto do desgosto pela submissão às
normas sociais na Brandemburgo do
século 19. Seu marido, o barão Von
Innstetten, é um burocrata frio e pouco
amoroso, mais preocupado com a
carreira do que com a esposa. Em busca
de um romance acalentado como os
dos livros, Effi cansa da vida insossa
que leva e cede a certas tentações, se
aproximando do pouco quisto Crampas.
Duas novelas que apresentaram
perspectivas completamente novas nos
idos de 1930. Em ambas, protagonistas
do sexo feminino encarando dilemas
muito particulares. Na primeira parte, A
última névoa, a história de uma mulher
aprisionada no casamento com o primo,
um fazendeiro viúvo que não esqueceu a
primeira esposa; em A amortalhada, a
protagonista Ana María repassa sua vida
e seus amores a partir do leito de morte.

26
169 • maio_ 2014
FORA DE SEQÜÊNCIA : : Fernando Monteiro
Mais tarde ou mais cedo,
vai tudo virar facebook
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
COLUNISTAS
ENSAIOS E RESENHAS
DOM CASMURRO PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
RES ENTREVISTAS OTRO OJO
Isso deveria ser o estribilho
de um rock lançado por algum
ídolo velho como Mike
Jagger (os atuais Rollings
constrangem), antes de morrer
sobre plateias sexagenárias — alguma
espécie de tributo ao estilo
de Kurt Vonnegut? —, mas, infelizmente,
não é nem uma coisa
nem outra, até porque não soa tão
bem quanto a mais nova pergunta
do Face: “Que simpatia você está
buscando?”.
As perguntas de Mark Zuckerberg
são do ramo da filosofia
de Valesca Popuzuda. O questionário
sobre se a Literatura (assim,
com maiúscula) morreu e tudo o
mais, está implícito, claro. O papel
de escrita que seria de moscas
mortas se houvesse uma grossa
superfície de cola de Burroughs
sobre as letras abandonadas, de
maneira que você pudesse escolher
continuar a ler como um rascunho
ou deixar pra lá, a página
virada, o próximo texto desfeito
na “elegante melancolia do crepúsculo”
de frases que já foram escritas
e não adianta repetir em livros
novos que nascem enrugados
como bebês sem cabeça cuja boca
falta (eu mesmo já escrevi isso em
algum lugar, não?)...
Você sabe que uma civilização
está acabando quando as frases
começam a dar a volta à cabeça
ágrafa da cultura — o mal-estar,
etc. — e ninguém precisa nos dizer
isso numa sala refrigerada de
segundo andar, em clubes literários
de forças quebradas e infinita
hipocrisia que afirma: “continue a
escrever bobagens pelo supremo
bem da arte (assim, com minúscula),
agora que tudo caminha para
ser como feed azul-branco de fotos,
autopropaganda, risos e reticências
graficamente representadas
na banalidade que estragou o
significado das coisas”.
Esse “significado das coisas”
é uma frase estragada sem significado,
uma coisa dita pela tal boca
sem cabeça que assumiu a de nós
todos, ou logo-logo assumirá plenamente,
quando, “na (i)maturidade
do tempo”, tudo for para agitar
antes de usar: caixas de suco,
destinos baratos vividos pela TV,
selvas africanas daquele quarto
de Bradbury com os leões digitais
mastigando os ossos das crianças
reais que perderam as paredes dos
livros antigos cujos meninos dormiam
nos homens da terceira, da
quarta, da quinta leitura no banco
de louça de um quintal das graças
de folhas caídas no escuro.
Lembro-me de algo importante
que havia na conversa sobre
“os grandes cemitérios ao luar” —
era quase noite, a presença dos livros
realmente lidos era opressiva
naquela sala de janelas fechadas
(sempre) como se fosse para interditar
a vida. Essa era a minha ideia
idiota: “interditar” o que quisessem
chamar de “vida”, no lusco-fusco
que trazia uma noite de vagalumes.
A pergunta na manga: todas
as suas histórias mais estranhas se
passavam na China?
“O mundo depende do que
acontece na China” — Baudelaire
havia mesmo escrito isso, num caderno
borrado que fora visto por
alguém que sumira?
Os vagalumes eram os do poema
de cabeça para baixo da gaiola
presa de palavras suspensas do
papel de arroz no qual estava escrito:
“Se você passar uma semana
no velho ‘país dos mandarins’
(argh), talvez venha a escrever
um livro de quatrocentas páginas;
mas, se você ficar seis meses entre
os palácios vermelhos da antiga
Cidade Proibida e o imenso estacionamento
de milhares de bicicletas
(que desaparecerão como
os insetos luminosos debaixo do
lenço do mágico), você, quem
sabe, escreverá um cauteloso artigo
de quatro páginas cheias de
uma perplexidade... E se você ficar
seis anos lá, então você passará
dos sessenta anos sem ter escrito
nada sobre qualquer aspecto de
quaisquer daquelas províncias de
neblina da China”.
Era sobre isso que eu queria
falar — disse o missionário, com o
seu fio de voz, o homem mais velho
que eu jamais vira, uma espécie de
fantasma de carne seca em cima
de ossos que nunca mais caminhariam
sobre aquela terra na qual estava
borrada a data da sua chegada
(olhando, gentilmente, para as
crianças descalças como a missão
falhada da sua vida levada por um
rio atravessado de chuva).
Tinha sido há tanto tempo que
ele poderia ter lido isso em Victor
Segalen — quando Segalen ainda
era lido. Não era muito forte a certeza
de estar ainda vivo, enquanto
lhe mostravam fotos, frases, frisos
azuis passando numa tela de fibra
dobrada na frente da cama de um
sobrevivente de tempos recuados
demais para gerações sem imaginação.
Ou, talvez, todos os tempos
se tornavam incompreensíveis,
embora nenhum houvesse sido assim
cancelado, anulado tão de repente
e transformado em qualquer
coisa que semelhava a vida — mas,
decididamente, não era. E o seu gaguejo
final estava para ser transformado
num “meme” que se tornaria
a febre virótica da semana, quem
sabe, no mundo inteiro para além
dos jardins de pedra de Pequim.
Uma canção de exilado
: : Maurício Melo Júnior
Brasília – DF
Darcy Ribeiro apresentava
Maíra, seu
primeiro romance, e
segundo ele mesmo o
melhor, como um livro nascido da
necessidade de mirar outros mundos.
Exilado no Uruguai, intelectualmente
esgotado pelo trabalho
de escrever O processo civilizatório,
resolveu enfrentar outro
desafio: reunir num romance todo
o imaginário que aprendeu na longa
convivência com os índios. Envolvido
com outros projetos, não
encontrou tempo e espaço para
terminar a empreitada. Em 1969,
preso no Rio de Janeiro, retomou
o texto como uma maneira de
manter a lucidez. Também não foi
desta vez que o terminou. A terceira
e última tentativa aconteceu
durante um segundo exílio, agora
em Lima. “Liberado pelos militares
depois de nove meses de cadeia,
fui aconselhado a sair ligeiro
do país (...). Fui para a Venezuela,
depois para o Chile e, afinal, fixei-
-me no Peru, para ajudar a equipe
do presidente Velasco Alvarado a
pensar a revolução que os peruanos
estavam levando à frente com
toda a força e fervor.”
Diante destes fatos é fácil
pensar em Maíra como um livro
que surgiu para matar a saudade
do exilado. Longe da própria terra,
ou preso quando nela, Darcy se
aproximou do imaginário indígena
para não perder de vez o laço que
o prendia a uma pátria idealizada,
sonhada. Anos depois, ele diria
que perdeu todas as batalhas que
enfrentou, mas só se sentiria derrotado
se estivesse ao lado dos vencedores
oficiais.
Destas utopias e lutas ele
extraiu um romance alegórico em
que apanha as crenças indígenas,
crenças que colheu na convivência
com várias etnias, e as traz para o
mundo real da exploração do índio
e de sua terra. Maíra é sim
um romance de denúncia, bem
aos modos do realismo social que
marcou os romancistas da geração
de 1930, mas foge com maestria
dos códigos sociológicos ou antropológicos.
É claro que muito se
aprende aqui do modo de vida dos
indígenas, mas tudo está diluído
nas entrelinhas de um romance
real e que se resolve muito bem
como instrumento ficcional.
Maíra
Darcy Ribeiro
Global
326 págs.
TRECHO
Maíra
“Muito tempo esteve
Maíra gozando naquele
ser esgalhado, folhento, o
sentimento de ser árvore.
Gostou. Principalmente
das palmeiras que sobem
eretas para abrir seus
leques no mais alto. Dá
gosto subir pelo parafuso
troncal acima, sentindo a
dor das cicatrizes de tantas
folhas que morreram para
a palmeira crescer e dar
coco.
Aliás, já no início, o livro
revela nuances policiais. Um pesquisador
suíço vai à delegacia de
uma cidadezinha do interior para
comunicar que encontrou o corpo
de uma moça branca abandonado
numa praia do rio Iparanã, no
Mato Grosso. Junto a ela estão os
cadáveres de dois recém-nascidos.
Não sabia dizer se a mulher teria
morrido no parto dos gêmeos ou
se teria sido assassinada. O mistério
da morte de Alma, uma aspirante
a missionária, se estende
por toda trama que conta ainda
com pelo menos mais dois bons
enredos paralelos.
O primeiro deles, de cunho
psicológico, segue o drama de Isaías
Mairum. Desde muito pequeno,
o índio foi educado por padres
O AUTOR
Darcy Ribeiro
Nasceu em 1922, em Montes Claros (MG). Formado em Ciências Sociais,
em 1946, construiu uma brilhante carreira intelectual como antropólogo
e etnólogo. Destacou-se como escritor, educador e político. Foi senador
e membro da Academia Brasileira de Letras. Como romancista, além de
Maíra, escreveu O mulo, Migo e Utopia selvagem. Morreu em 1997.
católicos para também se tornar
padre. Estudava em um seminário
em Roma quando decide voltar
para a aldeia em busca de suas
verdades pessoais. No caminho de
volta, conhece Alma, com quem se
junta para a etapa final da viagem.
Esta volta coincide com a morte de
Anacã, o tuxaua, ou seja, o líder da
aldeia, espaço que de direito passa
a pertencer a Isaías.
No segundo enredo paralelo,
Juca, filho de uma índia mairum
com um branco que trabalhava
para o Serviço de Proteção aos Índios
e pacificou os índios da região,
sobrevive explorando a miséria dos
caboclos. A exploração, aliás, começa
com o pai dele que ganhou
muito dinheiro fazendo os índios
extrair o látex das seringueiras.
Divulgação
Neste caminho segue Juca, que
vende de madeira a manteiga feita
com ovos de tartaruga. No momento
ele estava interessado em levar
os aborígenes a conseguir peles de
animais silvestres. E acredita ser o
tempo certo, pois com a morte de
Anacã, que não o queria ver por
perto, pensa poder se aproximar
daqueles que ele chama de primos.
No entanto, persiste a oposição à
sua presença na aldeia.
Esta trama social se completa
ainda com as desconfianças
de Juca. Os pesquisadores suíços
estão na região estudando o comportamento
das formigas, mas o
explorador acredita mesmo que
eles conhecem os segredos das minas
de algum tipo raro e valioso de
minério. E põe o caboclo Quinzim
para espionar os estrangeiros.
Resolvida a questão das tramas,
o romance se ocupa com a
descrição das tradições ritualísticas
dos índios. O enterro de Anacã
é descrito com minúcia, uma
descrição, apesar de mórbida, recheada
de elementos poéticos. Na
mesma trilha segue todo o adorno
lendário que enfeita a narrativa. O
nascimento de Maíra, também um
dos momentos de plena beleza do
texto, se equilibra entre o lírico e o
grotesco sem nunca perder o sentido
que tem para o romance. Ao
mergulhar o leitor em todas estas
teias antropológicas, mais do que
se colocar como ensaísta, Darcy Ribeiro
nos leva a refletir sobre como
os conceitos culturais profundos
aproximam os homens em sua dimensão.
Há nesta criação fenômenos
como o dilúvio universal e o
apocalipse, além de detalhes divinos,
como um sopro capaz de fazer
viver homens e bichos.
Trabalhar com três elementos
tão próximos quanto distintos
— o universo mítico dos índios, as
crises de consciência dos homens e
os jogos de ambição — faz de Darcy
um romancista pleno. Sua linguagem
também precisa se reinventar
a cada momento para chegar à cor
ideal para a narrativa. Neste ponto
chega a se aproximar, medidas
as devidas proporções, de Guimarães
Rosa. Naturalmente que não
descamba para uma inventividade
léxica, mas vai semeando uma poética
que sobrevive nos sentimentos
mais puros e ingênuos. “Não
somos filhos de Deus. Somos os
pais do homem que há de ser”, diz
Maíra ao tentar definir a si mesmo
e ou seu irmão gêmeo.
Maíra, enfim, é um desses
romances que atende muito bem a
todos os leitores. Aos que buscam
divertimento ele se oferece na trama
de mistérios que cerca a morte
de Alma. Para quem quer conhecimento,
os debates antropológicos
são bem honestos na apresentação
de um mundo novo que ainda guarda
seus sentimentos inaugurais.
Àquele que cata denúncia social o
texto se apresenta como um manifesto
em defesa das nossas culturas
mais profundas. No entanto é mesmo
como uma canção de exílio que
deve ser lido, afinal no romance se
apresenta um Brasil real por suas
injustiças e pela força de sua brasilidade.
E este é um elixir bem eficaz
para a cura da saudade.

169 • maio_ 2014
27
Totens da perplexidade
Paulo Rosenbaum
ILUSTRAÇÃO: Rafa Camargo
O AUTOR
Paulo
Rosenbaum
É médico e
escritor. Autor
de sete livros
na área médica
e organizador
de outros
dois. Publicou
o romance
A verdade
lançada ao
solo (Record).
É colunista do
Jornal do Brasil,
na seção Coisas
da política. Edita
o blog Conto de
notícia, publicado
regularmente
n’O Estado de
São Paulo.
Sujeitos indefinidos
peregrinam nas nações
entre benfeitorias sem transcendência,
laicismos imprecisos.
Não se veem campos, sinais de gritos, angústia das vítimas
mas, em cada parada,
a cada pequena entranha,
e, dentro da floresta negra,
cavernas preservadas, coleções intactas, predação canônica
a seleção, naturalmente objetivada
pela negação de qualquer sentido.
Não interessa que não vistes,
(nem quem nunca viu),
não importa o alimento dos dizimados
nem quem fez menos silêncio
no vapor da constância.
Saberemos quando vivermos
fora dos esconderijos desacreditados
na sonolência programada
entre qualidades instáveis,
que estão, como nós, extintas.
Nos rios sem leito, paisagens sobre trilhos
no protocolo superado, a melancolia,
e enquanto o mundo repensa uma paz
os resíduos evaporados
fazem do sensorial
a travessia que importa.
No solo tingido,
como furos de flauta
alternam sons,
das curvas do mundo
na atenuação final das vidas.
Se estamos aqui, ainda e assim
permanecemos, no tempo exato
é que nossos olhos
retêm o não expresso
e, como trens, invadimos o mundo com troncos negros
que moem cores,
para fixar nelas,
a medida do carbono.
Da matéria que se impõe
e referenda o espírito,
subtraindo contextos das proporções extremas
atraídas à latitude da ilusão.
Estivemos nos olhos
respiramos nas noites de cristais
recusamos o esfacelamento e o genocídio com certezas do impossível.
Testemunhamos a violência do descuido,
até que a perplexidade
gere seus totens.

28
169 • maio_ 2014
Limão
169 • maio_ 2014
29
O ex-eterno
marido
Felipe Franco Munhoz
Motojiro Kaijii
Uma nuvem pesada dominava meu
espírito. A sensação não era de
irritação ou tédio; parecia mais
como se tivesse entrado em uma
profunda ressaca depois de noites e noites
bebendo muito. A tuberculose e o esgotamento
nervoso não eram os culpados. E nem
mesmo a minha assustadora dívida. Era apenas
aquele peso indefinível. Me afastou da
música e da poesia que tanto amei — se incomodava
alguém para que me colocasse uma
música, sentia a necessidade de partir depois
de poucas notas. Tudo o que conseguia fazer
era vagar sem destino pelas ruas.
Me sentia atraído por coisas que apresentavam
um toque de beleza decadente. As
vizinhanças decrépitas eram os lugares que
preferia e dentro delas não eram as grandes
ruas, impessoais, que me pareciam simpáticas,
mas sim os becos sujos com aquelas
roupas manchadas penduradas a secar e as
trilhas de lixo atirado pelo chão. Espiar nas
janelas dos quartinhos miseráveis que davam
para os becos também me era prazeroso.
Entre aquelas frágeis casas com paredes de
barro decompostas, que o vento e a chuva em
breve iriam devolver a terra, a força da vida
apenas se sentia nas plantas, na surpresa
inesperada do desbotar de um girassol ou de
solitário botão de flor.
Às vezes, enquanto caminhava por
aquelas ruas, tentava imaginar que escapara
de Quioto para uma cidade distante onde
ninguém me conhecia. Sendai talvez ou Nagasaki.
Teria de ser um lugar tranquilo. Um
quarto em um pequeno hotel, grande e vazio.
Lençóis imaculados, o aroma da tenda contra
mosquitos e um quimono de verão, recém-
-engomado. Poderia passar um mês deitado
ali, sem pensar em nada. Sentia que se desejasse
com muita força, poderia transformar o
lugar onde estava naquele que imaginava... E
quando as imagens se formaram, comecei a
pintá-las, uma a uma, com as cores de minha
preferência, até que elas pudessem ser sobrepostas
àquelas vizinhanças dilapidadas. Então,
e apenas então, podia sentir o prazer de
perder de vista a minha real existência.
Eu também me confortava em admirar as
caixas de fogos de artifício baratos. Alguns vinham
alinhados em pacotinhos grosseiros vermelhos,
púrpura, ouro e azul e tinham nomes
como “Estrelas Cadentes do Templo Chusanji”,
“Guerra de Flores” e “Pálidas Palmeiras”.
Outros, conhecidos como “estalidos de rato”,
eram montados em um catavento dentro das
caixas. Coisas como estas atraíam a atenção.
Contas de vidro colorido eram tesouros
para mim — bolinhas com desenhos de peixes
e flores em relevo, contas de Nanking. Ficar rolando
aquelas bolinhas dentro da minha boca
dava-me um grande prazer, seu gosto tinha
uma sutil e singular frescura. Quando criança,
meus pais me chamavam a atenção por este
tipo de comportamento. Agora, talvez porque
o abatimento fizera estas doces memórias de
infância ainda mais queridas, havia algo especialmente
poético sobre a beleza daquela fresca
e delicada sensação em minha boca.
Como você já deve ter percebido, eu estava
completamente debilitado. E o fato de
que aquelas pequenas coisas, ainda que ligeiramente,
podiam tocar meu coração, fazia
com que sua compra fosse um luxo necessário.
Questão de alguns centavos — mas ainda
assim, uma extravagância, um detalhe de
beleza, que ainda podia excitar meus frágeis
sentidos. Em resumo, um consolo natural.
Quando ainda estava bem, eu adorava
passar meu tempo em lojas de departamentos,
como a Maruzen, com suas prateleiras repletas
de artigos importados. Garrafas vermelhas
e amarelas de eau-de-cologne e eau-de-
-quinine. Frascos de perfume elegantemente
decorados com relevos bem trabalhados, cor
de âmbar e de jade. Cachimbos e canivetes,
sabonetes e tabaco. Depois de uma hora de
busca criteriosa, eu teria esbanjado na compra
de uma lapiseira da melhor qualidade. Agora,
contudo, Maruzen se transformara em um lugar
opressivo e asfixiante. Os livros, os estudantes,
os caixas — todos eles me apavoravam
como se fossem cobradores fantasmas.
TRADUÇÃO: Marcelo Antinori
ILUSTRAÇÃO: Theo Szczepanski
Uma manhã — eu estava me hospedando
em alojamentos de amigos, mudando de
um para outro — meu anfitrião naquele dia foi
para a universidade, me abandonando em seu
quarto vazio. Não tive outra escolha que retomar
meus passeios. Uma força qualquer foi
me levando de uma pequena rua a outra, me
fez parar em frente a uma loja de doces, depois
me levou até uma mercearia onde passei
um bom tempo olhando para o peixe seco e o
tofu em conserva. Dali, fui vagando pela Teramachi
até a Avenida Nijo, parando finalmente
em frente a uma loja de frutas e verduras.
Talvez eu deva apresentar este estabelecimento,
já que era a minha loja favorita entre
todas. Na aparência, não se destacava, ainda
que representasse bem aquela beleza especial
que este tipo de loja possui, mais do que
qualquer outro lugar que tivesse visto. Suas
frutas estavam dispostas em uma banca inclinada
de madeira negra laqueada e lascada na
ponta. Tinham sido arrumadas de uma forma
que sua cor e volume pareciam congelados no
tempo e no espaço, como um grupo de dançarinos
que tivesse olhado para a cabeça da
Medusa e se transformado em pedra. Mais ao
fundo na loja, os vegetais estavam empilhados
em prateleiras cada vez mais altas. As folhas
da cenoura pareciam radiantes e os legumes e
os vegetais brilhavam com gotas de água.
A tenda era ainda mais bonita à noite.
Inundada com a luz de suas vitrines, Teramachi
é uma rua cheia de vida, ainda que
bem mais tranquila que suas equivalentes em
grandes cidades como Tóquio e Osaka. Ainda
assim a vizinhança daquela loja em particular
era curiosamente escura. Na verdade, estava
na esquina da melancólica Avenida Nijo,
mas isso não explicava por que aquela área
tão vizinha à Teramachi era tão pobremente
iluminada. Se aquela área estivesse mais clara,
entretanto, duvido que tivesse me encantado
tanto. O toldo saltava adiante como se
fosse a aba de um chapéu puxada para cima
dos olhos. (Isso não é exagero poético — o lugar
realmente dava vontade de sair gritando
“olha para aquela barraca com seu bonezinho
abaixado”.) Sem luzes ao lado para competir,
e com a escuridão acima, a fileira de lâmpadas
elétricas penduradas por baixo do toldo
banhava os produtos como uma brilhante
chuva de verão. Vista da rua, onde os focos
descobertos provocavam espirais de luz que
penetravam em meus olhos, ou da janela do
segundo andar do Café do outro lado da rua,
havia poucos lugares em Teramachi que me
inspiravam tanto como aquele.
Naquele dia em particular, eu tomei a
decisão inesperada de fazer uma compra ali.
Uma coisa rara estava à venda — limões. Óbvio
que limões não eram incomuns em lojas mais
elegantes, mas aquela barraca dificilmente poderia
ser considerada como acima da média e
por isso raramente exibia aquele produto, ou
pelo menos eu não tinha notado antes. E, meu
Deus, como sou loco por aqueles limões: sua
cor, como um punhado de puro “amarelo-limão”
espremido de um tubo de tinta; sua forma,
uma circunferência perfeitamente comprimida...
Decidi comprar um. Depois, voltei a
vagar pelas ruas de Quioto. Caminhei por um
bom tempo. Me sentia inesperadamente feliz,
como se toda aquela nuvem pesada que sentia
havia tanto tempo sobre mim tivesse ficado
mais leve no momento em que senti nas mãos
a minha nova aquisição. Um paradoxo incompreensível talvez, mas verdadeiro
— minha teimosa melancolia tinha sido enganada por uma simples
fruta. Como é estranho o espírito humano!
A frescura do limão superava qualquer descrição. Naquele momento,
minha tuberculose tinha piorado a ponto de que estava permanentemente
febril. Acho que podia mostrar a meus amigos e conhecidos quão
doente estava simplesmente por um aperto de mãos, já que a minha estava
sempre mais quente. Talvez por causa daquele calor, eu sentia que
a frescura do limão estava penetrando através da minha palma e refrescando
todo o meu corpo.
Várias e várias vezes, levei a fruta até o nariz para sentir seu perfume.
Imagens da Califórnia, sua origem provável, vinham a minha mente
entremeadas de trechos do clássico chinês O mercador de frutas que
eu estudara na escola — “invadindo o nariz” era a frase que lembrava. E
quando enchia meus pulmões com aquele perfume, um jato de sangue
aquecido parecia correr pelo meu corpo, despertando minha vitalidade.
Pensei que nunca antes tinha respirado tão profundamente.
A ideia de que na simples sensação de frescura, textura, perfume
e forma eu tinha me deparado com o que estava procurando por tanto
tempo parece agora estranha. Mas naquele momento eu sentia vontade
de gritar de cima do teto das casas.
Meus passos ficaram mais animados, avancei com excitação crescente
e mesmo orgulho, me imaginando, em alguns momentos, como
um poeta elegantemente vestido que caminhasse pomposamente pelos
bulevares. Observei o limão bem de perto, em contraste com o meu lenço
sujo, e depois contra o meu capote, para sentir melhor como suas cores
refletiam sua textura, e depois apertei em minhas mãos alertando a todos
de sua perfeição. Era isso que tinha me cansado de procurar, o peso
perfeito, a somatória absoluta de todas as coisas boas e bonitas — este
pensamento me pareceu fascinante. Considerando tudo, eu estava abençoadamente
feliz.
Como cheguei lá eu não sei, mas subitamente
me dei conta de que estava em frente
da loja de departamentos Maruzen. Ainda
que a estivesse evitando, naquele momento
não senti nenhuma dúvida em cruzar a porta
e entrar. Vamos tentar, pensei, e caminhei altivo
por suas portas.
Curiosamente, por alguma razão, aquela
sensação de bem-estar que preenchia meu
coração começou a se esvanecer no momento
em que entrei ali. As prateleiras de perfume
e tabaco me deixaram frio. Eu podia sentir
minha depressão levantando sua cabeça outra
vez, e pensei que talvez fosse devido ao
cansaço depois da longa caminhada. Me dirigi
à seção de livros de arte. Será que ainda
tinha energia suficiente para levantar, ainda
que fosse apenas um, aqueles livros pesados?
E ainda assim consegui baixá-los da estante
e abri-los, um após outro. Isso no entanto
foi tudo o que fiz — não desejava examiná-
-los com atenção. Como que enfeitiçado, eu
ia compulsivamente baixando um livro atrás
do outro; dava uma rápida olhada, e passava
ao próximo sem retornar nenhum à estante.
A ideia de continuar fazendo aquilo me parecia
insuportável. O último livro que escolhi
era um dos meus favoritos, uma enorme encadernação
dourada com os trabalhos de Ingres.
E era o mais pesado de todos. Maldição!
Senti aquela fadiga debilitando meus braços
enquanto revirava aquela pilha de livros que
tinha criado. Sentia que minha depressão tinha
retornado com força total.
No passado, eu folheava com prazer
livros como aqueles, saboreando o estranho
contraste entre suas lindas ilustrações e a decoração
monótona da loja. Por que eles não
me atraíam mais?
Assustado eu me lembrei do limão
guardado na manga do quimono. E se tentasse
colocá-lo no alto daquela confusa coleção
de cores, que será que aconteceria?
Aquela agradável delicada explosão de
entusiasmo que tinha sentido antes retornou.
Empilhei os livros ao acaso formando uma
torre, derrubei com força e empilhei outra
vez. Novos livros das estantes foram adicionados
àquela pilha, removidos e depois substituídos
por outros, assumindo a forma de
um castelo de sonhos, primeiro vermelho e
depois azul.
Finalmente estava terminada. Controlando
o palpitar do meu coração, coloquei
cuidadosamente o limão no topo daquele castelo.
Era uma combinação perfeita.
Enquanto admirava meu trabalho, silenciosa
e serenamente o limão sugou todas
aquelas cores envolventes para dentro de
sua circunferência. Dentro daquele ambiente
bolorento da Maruzen aquele ponto sozinho
parecia produzir uma estranha tensão. Permaneci
ali alguns momentos, apenas olhando
para aquela torre.
Subitamente fui surpreendido por outra
ideia insólita: por que não deixar o limão ali
onde ele inocentemente descansava e caminhar
para a saída.
Um estranho sentimento cresceu em
mim. “Devo? Por que não!” Furtivamente
deixei o edifício.
Lá fora, na rua, aquele estranho sentimento
levou-me a rir. Que tipo de vilão era
eu que tinha deixado aquela cintilante bomba
dourada armada entre as estantes da Maruzen.
Se aquela bomba realmente explodisse
com violência no coração da seção de livros
de arte em dez minutos, seria emocionante.
“E então.” Continuei entusiasmado perseguindo
aquela visão, “nada restara daquele
lugar opressivo além de um monte de poeira”.
Saí caminhando pelas ruas de Kyogoku
decoradas com aqueles grotescos cartazes coloridos
de cinema.
O AUTOR
Motojiro Kajii
Nasceu em Osaka (Japão), em 17 de fevereiro de
1901. Aos 19 anos, foi diagnosticado com tuberculose
e morreu da doença aos 31 anos. Aos 24 anos,
publicou Limão em uma revista por ele fundada e seu
trabalho, basicamente pequenos contos, apenas foi
reconhecido após sua morte. Além de Limão, outros
de seus contos — Dias de inverno e Debaixo das
cerejeiras — também se tornaram textos clássicos
da literatura japonesa. Limão foi publicado na
coletânea The Oxford book of Japanese short
stories, organizada por Theodore William Goosen, e
traduzido ao português por Marcelo Antinori a partir da
versão inglesa traduzida do japonês por Robert Ulmer.
Por ocasião do nosso aniversário
de casamento
— dois anos: dois anos
tranquilos — minha esposa,
Eliane, presenteou-me com
um romance: O eterno marido.
O romance foi escrito por Fiódor
Dostoiévski, em 1870; e talvez
seja relevante confessar-lhe que
Dostoiévski figura entre meus
autores prediletos. Junto ao livro,
Eliane anexou um cartão que
dizia, entre outras particularidades,
Para o meu eterno marido.
Comecei a ler naquela noite,
ansioso, após o jantar de comemoração.
E fui logo envolvido
pela angústia aflita do protagonista
Vieltchâninov, a quem o
narrador segue — em sutil onisciência
— com exclusividade.
Uma narrativa arrebatadora.
Quando o personagem está aflito,
o texto está aflito; essa técnica,
que é executada com precisão,
revela-nos o raro artista
maior. No caso de Dostoiévski, a
forma também é conteúdo.
Com tais ideias fermentando,
eu lia o quarto capítulo
do romance; era formulada uma
teoria sobre mulheres “que parecem
ter nascido unicamente
para serem esposas infiéis. (...)
E tudo acontece com a máxima
sinceridade; elas se consideram,
até o fim, justas no mais
alto grau e, está claro, de todo
inocentes”. Tentei recapitular se
havia alguma conhecida, alguma
amiga, Infiel-inocente.
Quando me percebi às voltas
com o parágrafo seguinte:
“Vieltchâninov estava convencido
de que realmente existia esse tipo
de mulher; mas tinha também
certeza de que existia um tipo de
marido correspondente ao dessas
mulheres, marido cuja única destinação
seria a de corresponder a
esse tipo feminino. A seu ver, o
caráter essencial de semelhantes
maridos consistia em serem, por
assim dizer, ‘eternos maridos’,
ou, dizendo melhor, em serem, na
vida, unicamente maridos e” —
Correspondente?, pensei.
— “mais nada. ‘Um homem
dessa espécie nasce e cresce tão somente
para se casar e, após o matrimônio,
tornar-se de imediato
um complemento da esposa, mesmo
que possua indiscutivelmente
personalidade própria. O principal
indício de semelhante marido
é certo ornamento. Ele não pode
deixar de ser portador de chifres,
como o sol não pode deixar de iluminar;
e ele não só ignora o fato:
de acordo com as próprias leis da
natureza, deve ignorá-lo’”.
Meus olhos debatiam-se no
parágrafo, relutavam em retornar
às terríveis palavras, até que,
derrotados, mergulharam também
na memória: mergulharam
fixos no cartão Para o meu eterno
marido. Para o meu Ela, Infiel-
-inocente? eterno marido. Para
o meu eterno marido. Portador
de chifres, como o sol não pode
deixar de iluminar. Eu, portador
de chifres, portador de chifres que
não posso deixar de exibir.
Rasguei! o cartão. Atirei
Dostoiévski à lixeira.
Eliane, boa leitora e nada
ingênua, teria conhecimento do
conteúdo do romance? Ou pior:
Eliane teria o conhecimento engavetado
e agira de forma inconsciente?
Ou pior:, ou pior:,
ou. Não há resolução. A única saída,
ainda que arrasadora, é reescrever
a primeira sentença deste
cruel relato: Por ocasião do nosso
aniversário de casamento — dois
anos; tranquilos? — minha ex-esposa,
Eliane, presenteou-me com
um romance: O eterno marido.
O AUTOR
Felipe Franco
Munhoz
Nasceu em São Paulo,
em 1990. É graduado em
Comunicação Social pela
UFPR. Em 2010, recebeu
uma Bolsa Funarte de
Criação Literária para
escrever — em tempo
integral — o romance
Mentiras, inspirado na
obra de Philip Roth. A
convite da Philip Roth
Society, Felipe leu trechos
do romance durante as
comemorações de 80
anos de Philip Roth, em
Newark, em março de
2013. Em dezembro de
2013, o conto No ringue
de Hemingway foi
publicado pela Travessa
dos Editores. É crítico da
APCA na área de literatura.

30
169 • maio_ 2014
Robert Creeley
Tradução e seleção: André Caramuru Aubert
O
poeta norte-americano Robert Creeley (1926-
2005) é, entre seus conterrâneos e contemporâneos,
um dos mais conhecidos (ou menos desconhecidos)
no Brasil. Além da qualidade de sua
obra, talvez tenha ajudado, para isso, o fato de Creeley ter
estado em São Paulo e conhecido alguns de nossos poetas. O
fato é que ele deixou por aqui alguns admiradores importantes,
como Ruy Vasconcelos e, principalmente, Régis Bonvicino,
editor e tradutor de uma excelente coletânea brasileira
(A UM, poemas. Ed. bilíngue, Ateliê Editorial, 1997).
Ainda assim, diante de tudo o que Robert Creeley produziu,
o que temos dele em português é muito pouco. Os
quarenta e um poemas presentes em A UM, embora bastante
representativos (são uma mistura de sugestões do próprio
autor com os prediletos do tradutor), não passam de uma
gota no oceano diante de alguém que escreveu continuamente
por cerca de sessenta anos, e cuja obra completa, em inglês,
espalha-se em dois volumes com mais de mil e duzentas
páginas no total.
Creeley é uma unanimidade. Discípulo de William Carlos
Williams e admirado por este, foi um líder do grupo Black
Mountain, embora sua poesia muitas vezes ficasse distante
da de outros membros. Elo de ligação entre os Beats e os
poetas da San Francisco Renaissance, e entre os grupos de
Nova York e da Califórnia, ele conseguia circular com desenvoltura
entre poetas como Jack Kerouac e Allen Ginsberg, de
um lado, e Charles Olson e Denise Levertov, de outro. Conhecido
por sua generosidade, Creeley gostava de dar aulas e
não se cansava de orientar novos poetas. Em função da combinação
de sua personalidade com uma produção rigorosa
e intensa, Creeley foi influente como talvez nenhum outro
poeta de sua geração. Segundo alguns, um “poeta de poetas”
por excelência.
A temática de Robert Creeley, como bom discípulo de
W. C. Williams, gira primordialmente em torno das pequenas
coisas, de cenas do cotidiano, de rápidas impressões de
viagem. Econômico e preciso, suas quebras de linha são únicas.
Embora afirmasse que, em poesia, a forma deveria se
subordinar ao conteúdo, poucos poetas contemporâneos são
mais formalmente rigorosos do que ele. Creeley possuía, segundo
Williams, “o mais sutil sentido da medida desde Ezra
Pound”. O que faz com que, estruturados a partir de um íntimo
conhecimento dos sons, da respiração e dos ritmos da
língua inglesa, os poemas de Creeley sejam muito difíceis de
traduzir, especialmente para uma língua tão diferente da dele
quanto é o português (Régis Bonvicino já chamava a atenção
para isso na introdução a A UM). Mas penso que, apesar dos
percalços e das limitações no resultado final, o esforço vale a
pena, tanto para quem traduz quanto para quem lê.
Para esta introdução a Robert Creeley, procurei incluir
alguns poemas de cada uma das etapas de sua carreira. Evitei
apenas os que já haviam aparecido em português, especialmente
na seleção de Régis Bonvicino (mesmo sabendo
que ali estão algumas das mais belas composições de Creeley)
porque, se por um lado eu não poderia pretender fazer
uma tradução melhor, por outro, afinal de contas, eles já estão
disponíveis em livro, em português.
RETURN
Quiet as is proper for such places;
The street, subdued, half-snow, half-rain,
Endless, but ending in the darkened doors.
Inside, they who will be there always,
Quiet as is proper for such people —
Enough for now to be here, and
To know my door is one of these.
RETORNO
Silenciosa como é próprio para lugares assim;
A rua, calma, meio neve, meio chuva,
Sem fim, mas terminando nas portas escuras.
Dentro, aqueles que estão sempre lá,
Silenciosos como é próprio para pessoas assim —
Bastando por ora estar ali, e
Saber que a minha porta é uma destas.
•••
MIDNIGHT
When the rain stops
and the cat drops
out of the tree
to walk
away, when the rain stops,
when the others come home, when
the phone stops,
the drip of water, the
potential of a caller
any Sunday afternoon.
MEIA-NOITE
Quando a chuva para
e o gato desce
da árvore
para sair
andando, quando a chuva para,
quando os outros voltam pra casa, quando
o telefone para,
os pingos d’água, a
possibilidade de um telefonema
uma tarde de domingo qualquer.
•••
FOR HELEN
... If I can
remember anything, it
is the way ahead
you made for me, specifically:
wetness,
now the grass
as early it
has webs, all the lawn
stretched out from
the door, the back
one with a small crabbed
porch. The trees
are, then so high, a huge encrusted
sense of grooved trunk,
I can
slide my finger along
each edge.
PARA HELEN
… Se eu posso
me lembrar de algo, é
do caminho que
você abriu para mim, especificamente:
como mais cedo, tem
teias, todo o campo
estendido para além da
porta, a de trás
para um pequeno, insignificante
alpendre. As árvores
estão, então, tão altas, um forte sentimento de
incrustrados e adequados troncos,
eu posso
deslizar meu dedo por
cada ponta.
•••
AS YOU COME
As you come down
the road, it swings
slowly left and the sea
opens below you,
west. It sounds out.
ENQUANTO VOCÊ VEM
Enquanto você vem
pela estrada, ela vira
lentamente à esquerda e o mar
se abre abaixo de você,
a oeste. Isso se mostra.
•••
THEN
Don’t go
to the mountains,
again — not
away, mad. Let’s
talk it out, you
never went anywhere.
I did — and here
in the world, looking back
on so-called life
with its impeccable
talk and legs and breasts,
I loved you
but not as some
gross habit, please.
Your voice
so quiet now,
so vacant, for me,
no sound, on the phone,
no clothes, on the floor,
no face, no hands,
— if I didn’t want
to be here, I wouldn’t
be here, and would
be elsewhere? Then.
ENTÃO
Não vá
para as montanhas,
de novo — não
embora, zangada. Vamos
resolver isso, você
nunca foi a lugar algum.
na assim chamada vida
com suas impecáveis
conversas e pernas e seios,
eu amei você
mas não enquanto algum
hábito grosseiro, por favor.
Sua voz
tão quieta agora,
tão vazia, para mim,
nenhum som, no telefone,
nenhuma roupa, no chão
nenhuma face, nem mãos,
— se eu não quisesse
estar aqui, eu não estaria
aqui, e estaria
em outro lugar? E então.
•••
SEA
Ever
to sleep,
returning water.
*
Rock’s upright,
thinking.
*
Boy and dog
following
the edge.
*
Come back, first
wave I saw.
*
Old man at
water’s edge, brown
pants rolled up,
white legs, and hair.
*
Thin faint
clouds begin
to drift over
sun, imperceptibly.
*
Stick stuck
in sand, shoes,
sweater, cigarettes.
*
No home more
to go to.
*
But that line,
sky and sea’s,
something else.
*
Adios, water —
for another day.
MAR
Sempre
para dormir,
a água voltando.
*
As rochas à direita,
pensando.
*
Garoto e cachorro
seguindo
pela beira.
*
De volta, a
primeira onda que vi.
*
Um velho na
beira d’água, calças
marrons enroladas nas pernas,
pernas brancas, e cabelos.
*
Leve desmaio
nuvens começam
a vaguear por sobre
o sol, imperceptivelmente.
*
Galho preso
na areia, sapatos,
agasalho, cigarros.
*
Sem uma casa mais
para onde ir.
*
Mas aquela linha,
de céu e mar,
alguma coisa a mais.
*
Adiós, água —
até um outro dia.
umidade,
agora a relva
Eu fui — e aqui
no mundo, olhando para trás
leia mais poemas no www.rascunho.com.br

hq : : ramon muniz
169 • maio_ 2014
31
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
COLUNISTAS
DOM CASMURRO ENSAIOS E RESENHAS ENTREVISTAS PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
OTRO OJO

32
169 • maio_ 2014
sujeito oculto : : rogério pereira
À espera do pai
Ilustração: Fabiano Vianna
QUEM SOMOS CONTATO ASSINATURA DO JORNAL IMPRESSO CARTAS
COLUNISTAS
ENSAIOS E RESENHAS
DOM CASMURRO PAIOL LITERÁRIO PRATELEIRA NOTÍCIAS
IÇÕES ANTERIORES ENTREVISTAS OTRO OJO
Nunca odiei tanto o pai. Eu o
esperava na porta de casa. Ele
descia a rua de pedregulhos.
Havia pouco tempo deixáramos
a roça. Agora, tínhamos de cavar
um chão de concreto e asfalto. Trocamos
a companhia de bois vagarosos pelo ronco
descontrolado de carros e ônibus. Aos
poucos, nos acostumaríamos ao ruído da
nova vida. Atrás da casa de madeira, construímos
nosso estádio — um estropiado
Maracanã ladeado por cedros e uma tímida
valeta. Nossa rede, as ancas do paiol
em cujas vísceras dormiam ratos pançudos.
E as ripas para a construção das estufas
na floricultura onde morávamos de
favor. Éramos retirantes num mundo que
nos amedrontava.
O pai carrega o pacote; vem em minha
direção. Eu o espero. A ansiedade a
pulsar nas vértebras do pescoço. Um nó
prestes a estourar no urro do animal ancestral.
Ele caminha devagar, como se
ambicionasse congelar o tempo, paralisar
o momento de entregar ao filho o pão que
jamais saciaria a fome que arranhava as
costelas delicadas. Te odiei tanto, pai, na
tarde sem fim. A mãe ali por perto cuidando
das azaleias, avencas e samambaias.
Eu já havia anunciado aos amigos. A minha
espera era a espera deles. Éramos
uma horda de gnus à beira de um rio seco,
sem crocodilos. Correríamos em disparada
ao nosso estádio de mentira. Seríamos,
enfim, pequenos deuses capazes de milagres
indecentes. Bastava o pai me estender
as mãos grossas, calosas, herança de
uma roça obsoleta e indesejada. O pai estendeu-me
as mãos. Sobre elas, o pacote.
Um simulacro de Papai Noel, cujas vestes
tornavam risível a triste silhueta. Toma,
filho. Agarrei com todas as minhas forças
de nove anos. Davi e Golias trocando carícias
e gentilezas. Rasguei o papel de cor
indefinida feito o esfomeado a estraçalhar
o vestido da amante.
À minha volta, pares de olhos em
febre. Enfim, abandonaríamos a bola
de plástico emprestada. Teríamos nossa
bola: grande, branca, de capotão. Do papel
amassado, a desilusão. Uma bola pequena,
de cor escura, de borracha, fincava
espinhos na palma da minha mão. Gostou,
filho? A pergunta do pai se perdeu no silêncio
indestrutível. Quietos e resignados,
rumamos ao nosso estádio. Eu carregava
o ódio debaixo do braço.
A bola pequena e feia — borracha
maldita — rapidamente se transformou.
Inventamos a bola perfeita. Nosso silêncio
virou algazarra. Os gnus ruidosos lambiam
o rio caudaloso. Crocodilos não nos
assustavam. Inventamos dribles para a
bola que pulava uma imensidão. Nossos
pés sofriam para dominá-la. Aos poucos,
arrefecemos a sua fúria. Driblamos e a
chutamos vida afora.
Dói menos odiar o pai quando se
está feliz.
NOTA
Texto publicado originalmente no site de
crônicas Vida Breve (www.vidabreve.com.br)