Portugal - Axencia Audiovisual Galega

www.famafest.org

Editor: FAMAFEST ’2009 

Título: FAMAFEST ‘2009 

11º Festival Internacional de Cinema e Video de Famalicão 

“Cinema e Literatura” 

Internet: www.famafest.org 

Coordenação, Textos e Design: Lauro António 

Todos os textos são da autoria de Lauro António, 

excepto os assinados por outros autores. 

Fotografias de separadores (imagens de sedução): Louise Brooks, Cyd Charisse, 

Lauren Bacall, Marilyn Monroe, Audrey Hepburn e Natalie Wood. 

E-mail: famafest2009@gmail.com; famafest@netcabo.pt 

Tiragem: 400 exemplares 

Impressão: DPI Cromotipo 

Depósito Legal: 135.446/99 

Edição: Câmara Municipal de Vila Nova de Famalicão 

Internet: famafest@famafest.org 

Câmara Municipal de Vila Nova de Famalicão

_Cinema e Literatura, uma relação fascinante 

Sendo Vila Nova de Famalicão a terra de um das fi guras maiores da literatura 

portuguesa, Camilo Castelo Branco, faz todo o sentido a dinamização de 

um Festival de Cinema alicerçado na adaptação de obras literárias. Tem 

sido essa a fi losofi a do Famafest – Festival de Cinema e Vídeo de Vila Nova 

de Famalicão, exibindo nos vários espaços municipais a relação íntima e 

fascinante entre o Cinema e a Literatura. 

O Famafest é uma iniciativa de inegável valor cultural, que muito tem 

contribuído para a projecção de Famalicão, no País e no mundo do cinema. 

Neste festival, recebemos em Famalicão as mais diversas fi guras da cultura 

portuguesa, cujo trabalho homenageamos, consagrando as suas carreiras 

com o galardão “Pena de Camilo”. Este ano, vamos homenagear os actores 

Laura Soveral, Susana Borges e Luís Miguel Cintra e os escritores Mário 

Cláudio e Urbano Tavares Rodrigues. 

Entre 14 e 22 de Março, mês em que se comemoram 184 anos do nascimento 

de Camilo Castelo Branco, o Famafest 2009 levará o cinema a quatro salas 

municipais – na Casa das Artes (dois auditórios), na Biblioteca Municipal 

e no Centro de Estudos Camilianos –, com a exibição gratuita de mais de 

uma centena de fi lmes. 

A programação infantil volta a ser muito forte, garantindo a promoção 

do cinema entre o publico escolar. Estamos, por isso, orgulhosos do 

Famafest 2009, uma edição que contribui para a projecção de Famalicão, 

promovendo o cinema e a literatura. 

Armindo Costa, Arq. 

Presidente da Câmara Municipal de Vila Nova de Famalicão 

3 | Apresentação

_FAMAFEST 2009 

A XI edição do Famafest, Festival de Cinema e Vídeo de Famalicão, como sempre 

dedicado às relações entre “Cinema e Literatura” arranca com uma programação 

invulgarmente importante e diversifi cada, procurando não só colmatar graves lacunas 

cinematográfi cas e culturais, como ainda impor-se como um dos mais signifi cativos 

certames a nível nacional e internacional. Cerca de três centenas de obras inscritas, das 

quais mais de três dezenas foram seleccionadas a concurso, com origem em diversos 

países do mundo (particularmente signifi cativas as presenças portuguesa e francesa), 

estreia de novos realizadores (inclusive revelações famalicenses, que o Famafest 

ajudou a fazer despontar), cerca de uma centenas de obras em projecção simultânea 

em quatro salas, eis um conjunto de factores poderosíssimos para continuar a justifi car 

a realização deste festival, com este formato, desde sempre um projecto que pretendia 

ser algo de completamente diferente do que existia até então no nosso País, e mesmo 

internacionalmente: um festival para abordar as relações entre o cinema e a literatura, 

incentivando o gosto pelo cinema e pela literatura, procurando estudar as complexas 

e contraditórias relações que existiram desde sempre entre estas duas formas de 

narrativa, e também lutar contra a debandada dos espectadores das salas de cinema 

e dos leitores das livrarias. 

Uma secção presente desde a primeira edição do Famafest é “Da Palavra à Imagem”, 

que este ano volta a chamar a atenção para muitos dos fi lmes estreados em Portugal e 

que tiveram particular relevo nas relações entre a escrita literária e a cinematográfi ca. 

Desde “Ensaio sobre a Cegueira” até alguns dos melhores fi lmes que disputaram os 

recentes Oscars há um pouco de tudo para ver. 

Entre os ciclos paralelos, de homenagem a escritores, temos uma fortíssima mostra 

de Edgar Allan Poe no Cinema, por altura das comemorações dos 200 anos sobre o 

nascimento deste decisivo escritor norte-americano. De Griffi th a Corman, dezenas de 

raridades preciosas podem ser vistas. De Yukio Mishima apresentam-se igualmente 

vários fi lmes que sublinham a particularíssima relação do escritor japonês com o 

cinema. De Machado de Assis tenta-se uma aproximação idêntica, por altura do 

seu centenário, numa colaboração com a Embaixada Brasileira junto da CPLP, que 

5 | Apresentação

6 | Apresentação 

muito agradecemos. Numa curta homenagem a Alexandre Soljenitsin, cuja morte 

ocorreu em Agosto do ano passado, projectam-se obras onde se testemunha o 

pensamento deste escritor russo que teve preponderante papel crítico e humanista. 

De colaboração com o recém-criado FICAP (Festival Internacional de Cinema e Artes 

Performativas) organizam-se duas mostras absolutamente imperdíveis sobre dois dos 

maiores encenadores da actualidade, Peter Brook e Robert Wilson. Ainda associado 

às comemorações do centenário do nascimento de Carmen Miranda, recorda-se a 

vida e a obra da popularíssima actriz de origem portuguesa que o Brasil viu explodir 

em talento natural. Os 80 anos de Tintim, cinema português, animação para os mais 

jovens são outros temas não esquecidos, relembrando-se que desde a primeira edição 

do Famafest já passaram pelas suas salas largos milhares de crianças, muitas das quais 

tiveram aqui o seu primeiro contacto com o cinema. 

Tal como nas anteriores edições, também este ano o Famafest homenageia algumas 

personalidades do mundo da literatura e do espectáculo. Luís Miguel Cintra, Laura 

Soveral, Suzana Borges, no campo do teatro, do cinema ou da televisão, Mário Cláudio 

e Urbano Tavares Rodrigues, no da literatura são os nomes que este ano passarão pelo 

palco do Famafest e que o “Passeio do Famafest” irá eternizar com inscrições alusivas 

nos passeios circundantes à Casa das Artes. 

Finalmente, dois fabulosos concertos portugueses, irão abrir e fechar o Famafest deste 

ano. Carlos do Carmo e Corvos dispensam apresentação. O nosso reconhecimento pela 

presença. No Júri Internacional teremos a comparência, este ano, de gratas fi guras da 

cultura nacional e internacional, como Uxia Blanco, actriz, e Anxo Santomil, realizador, 

ambos de Espanha, e Ibrahim Spahic, director do Festival de Inverno de Sarajevo, Bósnia 

Herzegovina, além dos portugueses Laura Soveral e Susana Borges, actrizes, João 

Pereira Bastos, musicólogo, António Colaço, sociólogo, e Fernando Dacosta, escritor, 

todos de Portugal. O Júri da Juventude mantém-se e a todos os que colaboraram 

nos dois júris o meu mais sincero obrigado, em nome pessoal e do Famafest. Muito 

obrigado ainda ao Embaixador Lauro Moreira pela disponibilidade para nos vir falar de 

Machado de Assis, ao João Pereira Bastos, por aceitar relembrar Cármen Miranda, ao 

escritor António Mega Ferreira por ajudar a sublinhar a importância de Mishima. 

Finalmente, resta-me agradecer a todos quantos têm acreditado neste festival, 

nomeadamente à actual equipa que dirige o Município de Vila Nova de Famalicão, 

personalizado na fi gura do seu presidente, Arquitecto Armindo Costa, bem como 

o vereador Dr. Leonel Rocha. Sem eles este festival não existiria em Famalicão. Um 

agradecimento muito especial também ao actual director da Casa das Artes, Dr. Álvaro 

Santos, que mantém esta Casa como uma referência de programação nas casas de 

cultura deste País. Um muito obrigado ainda aos realizadores e produtores com 

obras presentes a concurso, que nos honram com a sua actividade, o seu saber, a sua 

amizade. Ainda um obrigado muito especial a todos os que colaboram anonimamente 

neste festival, ao público que acarinha esta iniciativa, ao cidadão famalicense que nos 

brinda com a sua amizade e carinho. O Famafest 2009 tem tudo para ser um sucesso. 

Famalicão bem o merece. 

Lauro António 

(Director do Famafest)

FAMAFEST 

2009 

ORGANIZAÇÃO E AGRADECIMENTOS

CÂMARA MUNICIPAL DE VILA NOVA DE FAMALICÃO 

Direcção do FAMAFEST 

Lauro António 

Comissão de Honra 

Armindo Costa 

(Presidente da Câmara Municipal de V. N. Famalicão) 

Nuno Melo 

(Presidente da Assembleia Municipal de V. N. Famalicão) 

José Pedro Ribeiro 

(Presidente do ICA) 

Jorge Vaz de Carvalho 

(Director do Instituto das Artes) 

Secretariado 

(em Vila Nova de Famalicão) 

Leonel Rocha 

(Vereador da Educação e Cultura) 

Artur Sá da Costa 

(Director do Departamento de Educação e Cultura) 

Álvaro Santos 

(Director da Casa das Artes) 

Luís Paulo Rodrigues 

(Adjunto do Presidente para a Área de Comunicação Social) 

Ivete Ferreira 

(Casa das Artes) 

Marco Magalhães 

(Dep. Educação e Cultura) 

Vasco Freitas 

(Dep. Educação e Cultura) 

(em Lisboa) 

Frederico Corado 

(secretariado / contactos internacionais) 

Maria Eduarda Colares 

(secretariado / traduções) 

Tânia Espírito Santo 

(fi chas de obras a concurso) 

Alexandra Amorim 

(secretariado / apoio júri e convidados) 

Sónia Barbosa 

(revisão) 

Rodrigo Moreira 

(design de mascote)

apoios: 

Restaurante Sara Cozinha Regional, Lda 

Restaurante Tapas & Ca. 

Restaurante Massimo 

Restaurante Torres 

Restaurante Moutados 

Residencial Francesa 

Hotel Moutados 

Jornal e Rádio Cidade Hoje – pela divulgação 

Rádio Digital e Jornal Opinião Pública – pela divulgação 

Famalicão.T.V. – pela divulgação 

Jornal de Famalicão – pela divulgação 

Povo Famalicense – pela divulgação 

Repórter Local – pela divulgação 

Viver a Nossa Terra – pela divulgação 

Noticias de Famalicão – pela divulgação 

ACB – Associação Cultural dos Trabalhadores do Município 

Salas do Famafest 

Casa das Artes - Grande e Pequeno Auditórios 

Auditório da Biblioteca Municipal - Camilo Castelo Branco 

Auditório da Casa de Camilo em São Miguel de Seide 

Agradecimentos 

Anxo Santomil 

António Colaço 

Fernando Dacosta 

João Perreira Bastos 

Laura Soveral 

Ibrahim Spahic 

Suzana Borges 

Uxia Blanco 

Pela participação no Júri Internacional 

Ana Regina Loureiro Abreu 

Andreia Silva 

Augusta Isabel Santos Figueiredo 

Cátia Filipa Gonçalves Ferreira 

Catherine Boutaud 

Cláudia Teixeira de Almeida 

Joana Andreia Paiva Mendes 

Silvana Fontes 

Tânia Espírito Santo 

Vanessa Pelerigo 

Pela participação no Júri da Juventude 

Laura Soveral 

Luis Miguel Cintra 

Mário Cláudio 

Suzana Borges 

Urbano Tavares Rodrigues 

Por existirem e terem participado nesta edição do Famafest 

9 | Organização e Agradecimentos

10 | Organização e Agradecimentos 

Carlos do Carmo 

Corvos 

Pela participação nos concertos 

de abertura e encerramento 

do Famafest 2009 

António Mega Ferreira 

João Perreira Bastos 

Lauro Moreira 

Pela participação em debates 

e ainda aos autores 

e produtores das obras 

Connie Walther 

Eric Schulz 

Claus Wisemann 

(Alemanha) 

Jorge Bompart 

(Argentina) 

Georg Misch 

(Áustria) 

Adela Peeva 

(Bulgária) 

Antón Dobao 

Maria Suarez 

Esteban Varade 

Ángel Santos Touza 

(Espanha) 

Willam Farley 

(EUA) 

Jean-Pierre Prevost 

Jean-Jacques Bernard 

Robert Bober 

Esther Hoffenbere 

Carole Giacobbi 

Bernard Gorge 

Luc Lagier 

Dominique Gros 

Jean-Jacques Bernard 

Lade Michel Follin 

Pierre Boutron 

Jean- Philippe Puymartin 

Marianne Basiler 

(França) 

Massimo Amici 

(Itália, Canadá) 

Posidónio Cachapa 

Hélder Magalhães 

Nicolau Breyner 

Isabel Chaves 

Graça Castanheira 

Alberto Serra 

Patrícia Lino 

João Osório 

Eduardo Adelino 

Francisco José Viegas 

Frederico Corado 

(Portugal) 

Lucia Hossu Longin, Dan Necsulea 

(Roménia) 

* 

DPI Cromotipo 

Pelo empenho manifestado 

na execução dos trabalhos tipográfi cos 

Atalanta Filmes 

Columbia Filmes 

Filmes Castello Lopes 

Filmes Zon - Lusomundo 

Midas Filmes 

Prisvídeo 

Valentim de Carvalho Filmes 

Pelo aluguer e cedência de obras 

Agradecimentos especiais a todos os 

funcionários da Câmara Municipal, 

Casa das Artes, Biblioteca Municipal e 

Centro de Estudos Camilianos, 

que ajudaram a tornar possível mais 

esta edição do Famafest, 

com o seu trabalho e dedicação

FAMAFEST 

2009 

JÚRIS

12 | Júri Internacional 

LAURA SOVERAL, actriz (Portugal) 

Presidente do Júri 

Laura Soveral 

Laura Soveral nasceu em Benguela, Angola, a 23 de Março de 1933. 

Com inúmeros trabalhos em teatro, Laura Soveral foi também reconhecida pela sua actividade 

cinematográfi ca, salientando “Uma Abelha na Chuva”, de Fernando Lopes (1972) como um dos seus 

primeiros trabalhos. 

Depois de trabalhar em Benguela como educadora de infância, vem para Lisboa onde cursa Filologia 

Germânica e se começa a interessar por teatro. Estreia-se em 1964 no Grupo Fernando Pessoa, dirigido 

por João d’Ávila. Foi no Conservatório Nacional, com professores como Henriette Morineau, que 

desenvolveu a arte de representar. E em 1968 recebeu o Prémio de Melhor Actriz de Cinema pelo SNI 

e pela Casa da Imprensa. Ao mesmo tempo, na televisão, ía sendo chamada para fazer teatro ou para 

declamar poemas no programa Hospital das Letras de David Mourão-Ferreira. 

Na temporada de 1970/1971 tem uma das suas mais importante época, fazendo “O Processo de Kafka” 

e “Depois da Queda”, de Arthur Miller. Representou textos de Fernando Pessoa, José Saramago, Almada 

Negreiros, Ferenc Molnar, Moliére, Kafka, Yves Jamiacque, entre outros. Esteve em cena no Teatro D. 

Maria II, Teatro São Luíz, Teatro da Cornucópia, Teatro da Comuna, Teatro Aberto, Teatro Sá da Bandeira, 

Teatro Maria Matos, Teatro Villaret, onde trabalhou com Gracindo Júnior, Adolfo Marsillach, Carlos 

Avillez, Fernando Amado, João D’Ávila, Norberto Barroca, Maria do Céu Guerra, Diogo Infante e Christine 

Laurent. 

A sua longa experiência cinematográfi ca passa por fi lmes como Vale Abraão, A Divina Comédia e 

Francisca de Manoel de Oliveira, Terra Sonâmbula de Teresa Prata, O Fatalista e Tráfi co de João Botelho, 

Quaresma de João Álvaro Morais, Uma Abelha na Chuva e O Delfi m de Fernando Lopes, Encontros 

Imperfeitos de Jorge Marecos Duarte, entre muitos outros. 

Pontualmente continuou a aparecer na televisão. Em 1976, num período da sua vida em que viveu no 

Brasil, actuou na novela Duas Vidas, da Rede Globo de Televisão, no papel de Leonor. Mais tarde, integrou 

o elenco da novela Tempo de Viver (2006), e participou na série O Testamento para a RTP no papel de 

Conceição.

Uxia Blanco 

UXIA BLANCO IGLESIAS, actriz (Galiza - Espanha) 

Actriz. Nascida em Touro (A Coruña), 1952. Licenciada en Geografia e História, durante a sua etapa 

universitária participa em diversos grupos de teatro. Em 1984 co-dirige - com Daniel Dominguez 

- a curta-metragem “O Segredo”. Uxía vai converter-se num icono popular do audiovisual galego ao 

encarnar a protagonista de “Sempre Xonxa” (Chano Piñeiro 1989). A partir desse momento Uxia será 

um rosto habitual em numerosos programas de TVG (Dezine, Planeta Cine); séries de TV, (Mareas vivas, 

Pratos combinados, El comisario, Familia Pita, Hospital central, Makinavaja, Libro de familia, Cuéntame...) 

curtas e longas-metragens do audiovisual espanhol e galego. Longas-metragens: 1989: Sempre Xonxa; 

1992: Fuxidos; 1995: Ni en sueños; 1998: A lingua das bolboretas; 1999: Terra de fogo; 2000: Dagon; 2002: 

Juegos y Mentiras; 2004: Mis estimadas víctimas, Somne, Los venenos de Ildara; 2005: La velocidad 

funda el olvido, Hotel Tívoli. 

13 | Júri Internacional


IBRAHIM SPAHIC, director do Festival de Sarajevo (Bósnia-Herzgovina) 

Ibrahim Spahic 

Ibrahim Spahiç nasceu em Sarajevo, em 1952. Licenciou-se em Filosofia na Universidade de Sarajevo. De 1974 a 

1982, foi presidente da Associação de Estudantes. Participou em numerosos foruns europeus para a juventude. 

Foi fundador e membro do Conselho de várias comissões na área da defesa dos direitos humanos. Fundador 

e co-Presidente da primeira organização ecológica “Skakavac” e editor das revistas de ambiente “Eko oko”e 

“Spektar”. Fundador e impulsionador de vários projectos culturais ligados à literatura. Entre 1990-1993, foi 

Presidente do SSRN e do DSS (Partido Socialista Democrático de Sarajevo), Presidente do City Democratic Party 

desde 1993 e membro do Sarajevo Council of City Commissioners entre 1992 e 1993. É autor da Declaração 

de Abril para uma Sarajevo Unificada e Livre (1992), para além de muitas outras actividades políticas 

onde desempenhou destacados lugares. É Presidente e organizador do Festival Internacional de Sarajevo 

“Sarajevo Winter,” presidente do International Peace Centre (IPC), e da Bienal dos Jovens Artistas da Europa 

e Mediterrâneo, de 2001-2006. A sua vastíssima actividade em defesa da cultura, dos direitos humanos e da 

liberdade têm-lhe valido numerosos prémios e homenagens internacionalmente.

Suzana Borges 

SUZANA BORGES, actriz (Portugal) 

Suzana Borges, nasceu em Lisboa, 7 de Julho de 1956. Licenciada em Filosofi a e Pós-graduada em Filosofi a 

Contemporânea. Estagiou Formação Teatral com Rudy Shelley e Lin Britt, do Old Vic Bristol School; Prof. 

Markert e Eva Winkler, do RDA de Berlim; Marcia Haufrecht do Lee Strasberg Theatre Institute de Nova 

Iorque; entre outros. 

Intérprete em inúmeras peças, salienta autores como Bertolt Brecht, Samuel Beckett, Tennessee Williams, 

Wedekind, Whitehead, Beth Henley, J. B. Priestley, José Luís Peixoto, Irene Lisboa ou Cecília Meireles. Foi 

dirigida por encenadores como João Canijo, Caldeira Pires, Osório Mateus, Rui Madeira, João Lagarto, 

Fernando Heitor, Fernanda Lapa, Manuel Cintra, João Lourenço ou Diogo Dória. 

Encenou Uale – Não Posso Encontrar, de José Luís Peixoto e Adília Lopes; fez a concepção de diversos 

espectáculos, entre os quais A Vida Não é Literatura, de Irene Lisboa. Criou e encenou espectáculos 

de poesia onde também participou, tendo trabalhado a partir de autores como Emily Dicknson, Eça 

de Queirós, Fernando Pessoa, Álvaro de Campos, Luís de Camões, Sophia de Mello Breyner. Em ópera, 

trabalhou a partir de José Saramago e A. Corghi, sob a direcção de João Paulo Santos e Jerôme Savari. 

No cinema participou em fi lmes de Ana Luísa Guimarães, José Nascimento (Repórter X e Tarde Demais), 

Jean Pierre Grasset, Rosa Coutinho Cabral, Benoit Jacquot, Luís Vidal Lopes, António de Macedo (Emissários 

de Khalom), João Mário Grilo (O Processo do Rei e A Falha), Daniel Schmid, Raoul Ruiz, Mário Gamus, João 

Botelho (Quem és Tu?, Tráfi co, A Mulher Que Acreditava Ser A Presidente dos EUA e O Fatalista), Maurizio 

Sciarra, Fernando Matos Silva, Fernando Lopes (Lá Fora), Rui Simões, João César Monteiro (Vai e Vem), 

entre outros. Trabalhou em televisão, a nível nacional e internacional, nomeadamente em telefi lmes e 

séries. 



JOÃO PEREIRA BASTOS, musicólogo (Portugal) 

J. Pereira Bastos 

Ingressa em 1967 na Emissora Nacional. Em 1977 inicia a sua colaboração regular no Diário de Notícias, 

como crítico musical. Como produtor discográfico e supervisor de som, mantém actividade regular, 

até aos dias de hoje desde o início da era digital. Em 1981 ingressa no Teatro Nacional de São Carlos 

desempenhando sucessivamente as funções de Coordenador da Produção, Director da Produção/ 

Director Técnico e Director Artístico. Em 1988 integra a Direcção da Fundação Musical dos Amigos das 

Crianças. Director Artístico do Festival Internacional de Música de Macau, cargo que acumula com as 

suas actividades em Portugal, durante 8 anos e até à realização do último Festival sob administração 

portuguesa, em 1999. É ainda nomeado Director Artístico do projecto de inauguração do Centro Cultural 

de Macau (1999), que incluiu um concerto com o pianista António Rosado e a Orquestra Nacional da 

China sob a direcção de Manuel Ivo Cruz. A inauguração também permitiu levar à China pela primeira 

vez uma ópera de Richard Wagner, O Navio Fantasma (3 récitas), com um elenco misto de cantores 

portugueses e estrelas do Festival de Bayreuth. Após 15 anos de actividade no São Carlos em 1996 regressa 

à RDP como Director da Antena 2. Da acção desenvolvida resulta a distinção da Antena 2 com o Prémio 

Bordalo da Casa da Imprensa em 1997 (só anteriormente atribuído em 1957) e às nomeações da Antena 

2 em dois anos consecutivos, para os Globos de Ouro da SIC (1999 e 2000), nas únicas edições em que 

a “modalidade rádio” foi incluída na lista dos concorrentes. Como investigador do musical americano 

aceita o convite para realizar uma série de programas na Antena 2 intitulada Da Broadway ao West End 

- o Musical, que se prolongou por três anos. Realiza e encena dez espectáculos diferentes, oito dos quais 

no Teatro Municipal de São (Os Grandes Mestres do Musical Americano - 7) e (De Regresso à Broadway). 

De Regresso à Broadway, conjuntamente com José Carreras e a Orquestra Metropolitana de Lisboa, 

inaugura o Cine-Teatro Micaelenese em Setembro de 2004. Na Antena 2, “descobre” e responsabilizase 

pela edição em CD de La Traviata-Lisboa 1958 com Maria Callas na protagonista. Agraciado com a 

Cruz da Ordem Soberana e Militar de Malta, em Maio de 1998, e com a Medalha de Mérito Cultural, de 

Governador de Macau, General Rocha Vieira.

António Colaço 

ANTÓNIO COLAÇO, antropólogo (Portugal) 

Iniciou a sua colaboração com este Festival Ecocine da Serra da Estrela promovendo as extensões de 

Serpa e Albufeira. É professor universitário na área das ciências sociais tendo exercido a actividade 

docente e investigação em Portugal e em várias partes do mundo. Sempre privilegiou a antropologia 

visual que o levou ao guionismo e consultoria de produção filmica documental. 



ANXO SANTOMIL, director Cinemas Dixitais (Galiza - Espanha) 

Anxo Santomil 

Nasceu em Santiago de Compostela em 1952. Desenhador. Foi um dos impulsores e fundadores da 

Federação de Cine clubes de Galicia (1984); Vicepresidente da Confederación de Cine Clubs do Estado 

Español durante vários anos. Fez parte da equipa que desenvolveu a unidade didáctica sobre projecção 

cinematográfi ca em todo o estado español, em colaboração com o Ministério da Cultura e a Filmoteca 

Española. Participou no desenvolvemento do programa “Cine español. Algunos jalones signifi cativos 

(1896-1936)”. Através da Federación de Cine Clubs de Galicia participa, desde 1984, nos programas de 

intercâmbio e difusão do audiovisual galego e português nos dois países. Dirigiu diversas experiências 

audiovisuais no ensino. Participou na organização das primeiras Xornadas de Cine e Video en Galicia 

(XOCIVIGA) sendo coordenador nas edicções de 2002 a 2005. Coordenou a secção “En clave-07” no 

Festival Internacional de Cine Independiente de Ourense. Membro do Júri do prémio “Don Quixote” da 

International Federation of Film Societies em diferentes festivais internacionais de cine. Tem realizado 

decorações de cenários para diversos eventos. Trabalha num estúdio de arquitectura em desenho gráfi co 

e comercial. Actualmente dirige o projecto CINEMAS DIXITAIS da Agencia Audiovisual Galega, Junta 

de Galiza. Participou na produção de “Sempre Xonxa” (1989) de Chano Piñeiro; “Camiño das Estrelas” 

(1993) de Chano Piñeiro e “A Lenda da Doncella” (1994) de Juán Pinzás; realizou os documentários de 

montagem: “Carballiño, recuperando as súas imaxes”, “A Veracruz, así se concebíu, así se construíu.”, 

“Elixio González, reporteiro gráfi co da emigración” e “Pegadas de Muller”.

Fernando Dacosta 

FERNANDO DACOSTA, escritor (Portugal) 

Romancista, dramaturgo, jornalista, conferencista, Fernando Dacosta nasceu em Luanda a 12 de Dezembro 

de 1945 de onde foi, ainda criança, para o Alto Douro. Após frequentar o liceu na cidade de Lamego fixa-se 

em Lisboa, cursa Letras e inicia-se no jornalismo e na literatura. Foi director dos “Cadernos de Reportagem” 

e co-editor da “Relógio d´Água”. A sua primeira peça de teatro, “Um Jipe em Segunda Mão”, sobre a guerra 

colonial, vale-lhe o Grande Prémio de Teatro RTP, o Prémio da Associação Portuguesa de Críticos e o Prémio 

Casa da Imprensa. “A Súplica ” (monólogo de uma mulher em ruptura com a realidade pós 25 de Abril), 

“Sequestraram o Senhor Presidente” (obra localizada no período revolucionário), “A Nave Adormecida ” 

(oratória do Portugal colonialista) e “A Frigideira” (inédito), são outros dos seus trabalhos dramatúrgicos. 

“Os Retornados Estão a Mudar Portugal”, narrativa da integração dos portugueses regressados de África, 

obtém o “Prémio Clube Português de Imprensa”. “Moçambique, todo o sofrimento do mundo ”, vence 

os prémios “Gazeta” e “Fernando Pessoa” de 1991. “O despertar dos Idosos ” recebe o prémio “Gazeta” 

de 1994. Com “O Viúvo”, metáfora sobre a perda do império, conquista o Grande Prémio de Literatura 

Círculo de Leitores. “Os Infieis”, parábola à volta dos que ousam trair o estabelecido, como os navegadores 

de quinhentos, e “Máscaras de Salazar”, crónica memoralista, são, respectivamente, os seus últimos 

romances e narrativa. Apresentou durante 1991 e 1992 uma rubrica sobre livros na RTP-1. Integrou os júris 

dos principais prémios literários portugueses. Foi agraciado em 2005 pelo Presidente da República com a 

Comenda da Ordem do Infante D. Henrique. 

Bibliografia: Romance: “O Viúvo”, edições Dom Quixote, Círculo de Leitores, 1986, Editorial Notícias 1996, Planeta Agostini (edição de 

bolso) 2001 e Casa das Letras 2007 (sete edições) — Grande Prémio de Literatura Círculo de Leitores, “Os Infieis”, edições Dom Quixote 

1992, Círculo de Leitores 1993 e Editorial Notícias 1998; Teatro: “Um Jipe em Segunda Mão”, edição Ulmeiro, 1983 (esgotado) — Grande 

Prémio de Teatro RTP, Prémio da Associação da Associação Portuguesa de Críticos e Prémio Casa da Imprensa; “A Súplica”, edição 

Ulmeiro, 1983 (esgotado); “Sequestraram o Senhor Presidente”, edição, Relógio D´Água, 1984 (esgotado); “A Nave Adormecida”, Teatro 

Aberto, 1988; Narrativa: “Máscaras de Salazar”, Editorial Notícias 1998, Círculo de Leitores 1999 e Casa das Letras 2006 (18 edições); 

“Nascido no Estado Novo”, Editorial Notícias 2001, Círculo de Leitores 2002, Casa das Letras 2007; “Mineiros”, Edições Audiovisuais, 

2001; “A Escrita do Mar”, Edições Audiovisuais, 1998; “Cartas de Amigo”, Edições Audiovisuais, 1997; “O Príncipe dos Açores”,Edições 

Audiovisuais, 1996; “A Clínica das Inovações”,edição Império, 1995; “O Despertar dos Idosos”, edições “Público”, 1994 - Prémio Gazeta; 

“Moçambique, todo o sofrimento do mundo”, edições “Público”, 1991 — Prémios Gazeta e Fernando Pessoa; “Os Retornados Estão a 

Mudar Portugal”, edição Relógio D´Água, 1984 (esgotado) — Prémio Clube Português de Imprensa; “Paixão de Marrocos”, Edições 

Asa, 1992; “A Ilha da Sabedoria”, edições Éter, 1996; Conto: “Onde o mar acaba” (antologia), Dom Quixote, 1991; “Um olhar português” 

(antologia), Círculo de Leitores, 1992; “Imaginários Portugueses ” (antologia), edições Fora do Texto, 1992.v 

19 | Júri da Juventude

20 | Júri da Juventude 

_Júri da Juventude 

ANA REGINA LOUREIRO ABREU 

Aluna de Animação Sócio cultural, da Escola Profi ssional Cior (Escola Profi ssional) 

Actividades de expressão plástica, de dinâmica de grupo, no Centro Social e 

Paroquial de Ribeirão. 

ANDREIA SILVA 


Actividades de expressão plástica, de dinâmica de grupo, no ACB- Associação Cultural, 

Benefi cente e Desportiva dos Trabalhadores do Município de VN de Famalicão. 

AUGUSTA ISABEL SANTOS FIGUEIREDO 


Actividades de expressão plástica, de dinâmica de grupo, no Centro Social Cultural 

Dona Maria Gomes de Oliveira - ATL. 

CATHERINE BOUTAUD 

Francesa. Formação no LISAA, L’Institut Supérieur des Arts Appliqués, em Nantes, 

França (Infografi a: illustração, pintura, desenho de nu, fotografi a, historia de arte, 

etc.). Frequência da Universidade Nova de Lisboa. Cinema/Imagem em movimento 

na ARCO, Lisboa. Criação de jóias, acessórios e miniaturas. 6 anos de prática teatral. 

CÁTIA FILIPA GONÇALVES FERREIRA 


Actividades de expressão plástica, de dinâmica de grupo, no Centro Social e 

Paroquial de Ribeirão. 

CLÁUDIA TEIXEIRA DE ALMEIDA 

Assistente de produção no Nextart - Centro de Formação Artística, em Lisboa. Licenciatura 

em Gestão de Actividades Culturais. Frequentou 2 anos na área de Audiovisuais e 

Multimédia, Curso de Ciências da Comunicação e da Cultura, pela Univ. Lusófona de Lisboa. 

Formação teórica na Gulbenkian e no Ar.co, na área do cinema e do vídeo. 

JOANA ANDREIA PAIVA MENDES 


Actividades de expressão plástica, de dinâmica de grupo. 

SILVANA FONTES 


Actividades Psicologia, Sociologia, Área de Expressões Plásticas e Corporal e Área de 

Estudos da Comunidade. 

TÂNIA ESPÍRITO SANTO 

Licenciada na Univ. Autónoma de Lisboa, no curso de Ciências da Comunicação, 

Jornalismo. Estagiou no teatro Actores Produtores Associados, como Assistente 

de Produção. Participou em 2008 no Festival Internacional de Cinema de Artes 

Performativas e no CineEco. 

VANESSA PELERIGO 

Licenciada em Direito (Fac. Direito, Univ. Nova, Lisboa), Curso de História de Arte; 

Mestrado na área de Ciências Jurídico-Forenses; Frequenta Doutoramento em 

Direito; Frequenta especialização em Direito Penal Económico e Europeu no 

Instituto de Direito Penal Económico e Europeu da Fac. Direito de Coimbra. 

Escreve, pinta e já fez fi guração em séries de televisão.

FAMAFEST 

2009 

PROGRAMAÇÃO

22 | Programação Geral 

Programação Geral 

CASA DAS ARTES – GRANDE AUDITÓRIO 

Sábado, dia 14 de Março de 2009 

10,00 ANIMAÇÃO: Wall•E, de Andrew Stanton (EUA, 2008); com Ben Burtt, Elissa Knight, Jeff Garlin, 

Fred Willard, MacInTalk, Sigourney Weaver, etc. Animação; 98’; M/ 6 anos. 

21,30 ABERTURA OFICIAL 

HOMENAGENS: LAURA SOVERAL, SUSANA BORGES, MÁRIO CLÁUDIO 

CONCERTO: CARLOS DO CARMO, HOMENAGEM CARLOS DO CARMO 

Domingo, dia 15 de Março de 2009 

10,00 ANIMAÇÃO: Madagascar 2 (Madagascar: Escape 2 Africa), de Eric Darnell, Tom McGrath (EUA, 

2008); 89’; M/ 6 anos. 

15,00 DA PALAVRA À IMAGEM: O Estranho Caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin 

Button), de David Fincher (EUA, 2008); com Brad Pitt, Cate Blanchett, Julia Ormond, Tilda 

Swinton, Taraji P. Henson, etc. 166’; M/ 12 anos. 

18,00 DA PALAVRA À IMAGEM: Destruir Depois de Ler (Burn After Reading), de Ethan Coen, Joel Coen 

(EUA, Inglaterra, França, 2008); com George Clooney, Frances McDormand, John Malkovich, 

Tilda Swinton, Brad Pitt, Richard Jenkins etc. 96’: M/ 12 anos. 

21,30 DA PALAVRA À IMAGEM: O Estranho Caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin 

Button), de David Fincher (EUA, 2008); com Brad Pitt, Cate Blanchett, Julia Ormond, Tilda 

Swinton, Taraji P. Henson, etc. 166’; M/ 12 anos. 

24,00 DA PALAVRA À IMAGEM: Este País não é para Velhos (No Country for Old Men), de Ethan Coen, 

Joel Coen (EUA, 2007); com Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Woody Harrelson, etc. 

122´; M/18 anos. 

Segunda-feira, dia 16 de Março de 2009 



15,00 CINEMA PORTUGUÊS: Amália, de Carlos Coelho da Silva (Portugal, 2008); com Sandra Barata, 

Carla Chambel, Ricardo Carriço, José Fidalgo, António Pedro Cerdeira, Ricardo Pereira, António 

Montez, Maria João Abreu, etc.127’; M/ 12 anos. 

18,00 DA PALAVRA À IMAGEM: Corações (Coeurs), de Alain Resnais (França, Itália, 2006); com Sabine 

Azéma, Isabelle Carré, Laura Morante, Pierre Arditi, André Dussollier, Lambert Wilson, etc. 120’; 

M/12 anos. 

21,30 HOMENAGENS: LUÍS MIGUEL CINTRA, URBANO TAVARES RODRIGUES 

CINEMA PORTUGUÊS: Amália, de Carlos Coelho da Silva (Portugal, 2008); com Sandra Barata, 

Carla Chambel, Ricardo Carriço, José Fidalgo, António Pedro Cerdeira, Ricardo Pereira, António 

Montez, Maria João Abreu, etc.127’; M/ 12 anos. 

Terça-feira, dia 17 de Março de 2009 


2008); 89’; M/ 6 anos. 

15,00 DA PALAVRA À IMAGEM: O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight), de Christopher Nolan (EUA, 

2008); com Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Michael Caine, Maggie Gyllenhaal, 

Gary Oldman, Morgan Freeman, etc. 152’ ‘M/ 12 anos. 

18,00 DA PALAVRA À IMAGEM: Gomorra, de Matteo Garrone (Itália, 2008); com Toni Servillo, 

Gianfelice Imparato, Maria Nazionale, etc. 137’; M/ 16 anos. 

21,30 DA PALAVRA À IMAGEM: A Troca (Changeling), de Clint Eastwood (EUA, 2008); com Angelina 

Jolie, John Malkovich, Gattlin Griffi th, etc. 141’; M/ 16 anos. 

24,00 DA PALAVRA À IMAGEM: O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight), de Christopher Nolan (EUA, 

2008); com Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Michael Caine, Maggie Gyllenhaal, 

Gary Oldman, Morgan Freeman, etc. 152’ ‘M/ 12 anos.

Quarta-feira, dia 18 de Março de 2009 


2008); 89’; M/ 6 anos. 

15,00 DA PALAVRA À IMAGEM: “Viagem ao Centro da Terra” (Journey to the Center of the Earth), de 

Eric Brevig (EUA, 2008); com Brendan Fraser, Josh Hutcherson, Anita Briem, etc. 93’ M/ 12 anos. 

18,00 DA PALAVRA À IMAGEM: A Valsa com Bashir (Vals Im Bashir), de Ari Folman (Israel, Alemanha, 

França, EUA, 2008); Animação. 90’; M/ 12 anos. 

21,30 DA PALAVRA À IMAGEM: Ensaio sobre a Cegueira (Blindness ou Ensaio Sobre a Cegueira), 

de Fernando Meirelles (Canadá, Brasil, Japão, 2008); com Julianne Moore, Mark Ruffalo, Alice 

Braga, etc. 120’; M/16 anos. 

24,00 DA PALAVRA À IMAGEM: Virtude Fácil (Easy Virtue), de Stephan Elliott (Inglaterra, 2008); com 

Jessica Biel, Ben Barnes, Kristin Scott Thomas, Colin Firth, etc. 97’; M/ 12 anos. 

Quinta-feira, dia 19 de Março de 2009 

10,00 ANIMAÇÃO: Bolt, de Byron Howard, Chris Williams (EUA, 2008); Animação. 103’; M/ 6 anos. 

15,00 DA PALAVRA À IMAGEM: Austrália, de Baz Luhrmann (Austrália, EUA, 2008); com Nicole 

Kidman, Hugh Jackman, Bryan Brown, Brandon Walters, Ray Barrett, etc. 165’; M /12 anos. 

18,00 DA PALAVRA À IMAGEM: A Turma (Entre les Murs), de Laurent Cantet (França, 2008); com 

François Bégaudeau, Nassim Amrabt, Laura Baquela, etc.128’; M/12 anos. 

21,30 DA PALAVRA À IMAGEM: Austrália, de Baz Luhrmann (Austrália, EUA, 2008); com Nicole 

Kidman, Hugh Jackman, Bryan Brown, Brandon Walters, Ray Barrett, etc. 165’; M /12 anos. 

24,00 DA PALAVRA À IMAGEM: Haverá Sangue (There Will Be Blood), de Paul Thomas Anderson (EUA, 

2007); com Daniel Day-Lewis, Paul Dano, David Willis, Kellie Hill, etc. 158’; M/ 12 anos. 

Sexta-feira, dia 20 de Março de 2009 

10,00 ANIMAÇÃO: A Lenda de Despereaux (The Tale of Despereaux), de Sam Fell, Robert Stevenhagen 

(EUA, Inglaterra, 2008); Animação. 93’; M/ 6 anos. 

15,00 DA PALAVRA À IMAGEM: “O Dia em que a Terra Parou” (The Day the Earth Stood Still), de 

Scott Derrickson (Canadá, EUA, 2008); com Keanu Reeves, Jennifer Connelly, Kathy Bates, John 

Cleese, etc. 104’; M/ 12 anos. 

18,00 DA PALAVRA À IMAGEM: Sedução, Conspiração (Se, jie ou Se jie ou Lust, Caution), de Ang Lee 

(EUA, China, Taiwan, Hong Kong, 2007); com Tony Leung Chiu Wai, Wei Tang, Joan Chen, etc. 

157’; M/ 18 anos. 

21,30 DA PALAVRA À IMAGEM: Frost/Nixon, de Ron Howard (EUA, França, Inglaterra, 2008); com 

Frank Langella, Michael Sheen, Sam Rockwell, Kevin Bacon, etc. 122’; M/ 12 anos. 

24,00 DA PALAVRA À IMAGEM: Tropa de Elite, de José Padilha (Brasil, 2007); com Wagner Moura, Caio 

Junqueira, André Ramiro, Maria Ribeiro, Fernanda Machado, etc.115’; M/18 anos. 



21,30 ENCERRAMENTO ATRIBUIÇÃO DE PRÉMIOS 

CONCERTO “CORVOS” 


10,00 ANIMAÇÃO: A Lenda de Despereaux (The Tale of Despereaux), de Sam Fell, Robert Stevenhagen 

(EUA, Inglaterra, 2008); Animação. 93’; M/ 6 anos. 

15,00 DA PALAVRA À IMAGEM: “O Dia em que a Terra Parou” (The Day the Earth Stood Still), de 

Scott Derrickson (Canadá, EUA, 2008); com Keanu Reeves, Jennifer Connelly, Kathy Bates, John 

Cleese, etc. 104’; M/ 12 anos. 

18,00 DA PALAVRA À IMAGEM: Virtude Fácil (Easy Virtue), de Stephan Elliott (Inglaterra, 2008); com 

Jessica Biel, Ben Barnes, Kristin Scott Thomas, Colin Firth, etc. 97’; M/ 12 anos. 

21,30 DA PALAVRA À IMAGEM: Revolutionary Road, de Sam Mendes (EUA, Inglaterra, 2008); com 

Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Michael Shannon, etc. 119’; M/ 12 anos. 

23 | Programação Geral


CASA DAS ARTES – PEQUENO AUDITÓRIO 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “Objectivo Lua” (Objectif Lune) (1991) 45’; “Pisando a Lua” 

(On a Marche sur la Lune) (1991) 45’. 

15,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “Edgar Allan Poe, a Concise Biography”, de Malcolm 

Hossick (The Famous Authors) (EUA, 1993) 30’ (V.O. inglesa). 

HOMENAGEM A ALEXANDRE SOLJENITSIN: “Alexander Solzhenitsyn” (série “Great Writers”) 

45’ (V.O. inglesa). 

18,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “Edgar Allen Poe”, de D.W. Griffi th (EUA, 1908) 7’ (V.O. 

inglesa, mudo); “The Avenging Conscience”, de D.W. Griffi th (EUA, 1914) 84’ (V.O. inglesa, 

mudo). 

21,30 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “The Fall of the House of Usher”, de J. S. Watson e Melville 

Webber (EUA, 1926) 13’ (V.O. inglesa, mudo); “La Chute de la Maison Usher”, de Jean Epstein 

(França, 1928) 66’ (V.O. inglesa, mudo). 

24,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “Murders in the Rue Morgue”, de Robert Florey (EUA, 

1932) 61’ (V.O. inglesa, leg. espanhol); “The Raven”, de Lew Landers (EUA, 1934) 61’ (V.O. inglesa, 

leg. espanhol). 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “A Ilha Negra” (L’Ile Noire) (1990) 45’; “O Ceptro de Ottokar” 

(Sceptre d’ Ottokar) (1990) 45’. 

15,00 CONCURSO: “Little White Wires”, de Massimo Amici (Itália, Canadá) 7’; “O Adeus à Brisa”, de 

Posidónio Cachapa (Portugal) 55’; “Levantado do Chão”, de Alberto Serra (Portugal) 50’. 

18,00 CONCURSO: “L’Affaire Kravchenko”, de Bernard Gorge (França) 52’; “Discorama, Signé Glaser”, 

de Esther Hoffenbere (França ) 67’. 

21,30 CONCURSO: “Cântico Negro”, de Hélder Magalhães (Portugal) 7’; “La Reine Morte”, de Pierre 

Boutron (França, Portugal) 90’. 

24,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “The Tell-Tale Heart”, de Jules Dassin (EUA, 1941) 20’ (V.O. 

leg. português); “House of Usher”, de Roger Corman (EUA, 1960) 76’ (V.O. inglesa, leg. francês). 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “As Jóias de Castafi ore” (Les Bijoux de la Castafi ore) (1991) 

45’; “A Estrela Misteriosa” (L’Etoile Mysterieuse) (1990) 25’. 

15,00 CONCURSO: “Wagner’s Mastersinger Hitler’s Siegrfried”, de Eric Schulz e Claus Wisemann 

(Alemanha) 52’; “Divorce Albanian Style”, de Adela Peeva (Bulgária) 66’. 

18,00 CONCURSO: “Hitchcock et la Nouvelle Vague”, de Jean-Jacques Bernard (França) 55’; “Godard, 

l’Amour, la Poesie”, de Luc Lagier (França) 53’. 

21,30 CONCURSO: “Contrato”, de Nicolau Breyner (Portugal) 97’; “André Gide, un Petit Air de 

Famille”, de Jean-Pierre Prevost (França) 42’. 

24,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “The Pit and the Pendulum”, de Roger Corman (EUA, 1961) 

78’ (V.O. inglesa, leg. português). 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “O Segredo do Licorne” (Le Secret de la Licorne) (1991); “O 

Tesouro de Rackham, o Terrível” (Le Tresor de Rackham le Rouge) (1990) 25’. 

15,00 CONCURSO: “La Passion Boléro”, de Michel Follin (França) 59’ ; “Fernando Lopes Graça”, de 

Graça Castanheira (Portugal) 52’; “Simone de Beauvoir, une Femme Actuelle », de Dominique 

Gros (França) 51’. 

18,00 HOMENAGEM A CARMEN MIRANDA: APRESENTAÇÃO: JOÃO PEREIRA BASTOS E LAURO 

ANTÓNIO; Documentário: “Carmen Miranda - Bananas is my Business”, de Helena Solberg e 

David Mayer (Brasil, 1995) 91’ (V.O. portuguesa). 

21,30 CONCURSO: “La Double Inconstance”, de Carole Giacobbi (França) 90’; “El Triángulo 

Imperfecto”, de Jorge Bompat (Argentina) 9’. 

24,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “Tales of Terror”, de Roger Corman (EUA, 1962) 90’ (V.O. 

inglesa, leg. francês).


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “Os Charutos do Faraó” (Cigare du Pharaon) (1990) 45’; “O 

Lotus Azul” (Le Lotus Bleu) (1991) 45’. 

15,00 CONCURSO: “Song of Myself”, de William Farley (EUA) 50’; “Welles Angels”, de Jean-Jacques 

Bernard (França) 52’; “The King Does Not Exit”, de Dan Necsulea e Lucia Hossulongin 

(Roméria) 50’. 

18,00 CONCURSO : “Re-Lectures Pour Tous”, de Robert Bober (França) 58’ ; “En Revoyant, “Lire C’est 

Vivre”, de Robert Bober (França) 58’. 

21,30 CONCURSO: “Grandes Livros, Os Maias”, de João Osório (Portugal) 50’; “Monsieur X”, de Jean- 

Philippe Puymartin e Marianne Basiler (França) 76’ 

24,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “The Raven” (O Corvo), de Roger Corman, (EUA, 1963) 75’ 

(V.O. inglesa, leg. português). 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “O Voo 714 para Sidney” (Vol 714 pour Sydney) (1991) 45’; 

“Tintim na América” (Tintin en Amerique) (1990) 25’. 

15,00 EXTRA-CONCURSO: “Laura Soveral”, de Graça Castanheira 50’; “Maria do Céu Guerra”, de 

Frederico Corado 50’; “Humberto Delgado: Obviamente Demito-o!”, de Lauro António 57'. 

18,00 CONCURSO: “Guarda-livros”, de Eduardo Adelino /Francisco José Viegas (Portugal) 4X 25’. 

21,30 CONCURSO: “12 Means: I Love You”, de Connie Walther (Alemanha) 90’; “Cuentos: Primeros 

Auxilios”, de Maria Suarez, Esteban Varade (Espanha) 55’. 

24,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “Edgar Allan Poe, a Concise Biography”, de Malcolm 

Hossick (The Famous Authors) (EUA, 1993) 30’ (V.O. inglesa); “The Masque of the Red Death”, 

de Roger Corman (EUA, 1964) 85’ (V.O. inglesa, leg. francês). 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “Carvão no Porão” (Coke en stock) (1991) 45’; “Tintim no 

Tibete” (Tintin au Tibet) (1991) 45’. 

15,00 CONCURSO: “A Road to Meca”, de Georg Misch (Áustria) 98’; “Jean-Pierre Melville 

18,00 CONCURSO: “O Cazador”, de Ángel Santos Touza (Espanha, Galiza) 25’; “O Club da Calceta”, de 

Antón Dobao (Espanha, Galiza) 90’. 

21,30 HOMENAGEM A ALEXANDRE SOLJENITSIN; “Dialogues with Solzhenitsyn”, de Alexander 

Sokurov (Rusia, 1999) 188’ (V.O. russa, leg. inglês) I Parte. 

24,00 HOMENAGEM A ALEXANDRE SOLJENITSIN: “Dialogues with Solzhenitsyn”, de Alexander 

Sokurov (Rusia, 1999) 188’ (V.O. Russa, leg. inglês) II Parte. 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “O Ídolo Roubado” (L’Oreille Cassée) (1990) 45’; “O 

Caranguejo das Tenazes de Ouro” (Crabe aux Pinces d’Or) (1990) 45’. 

15,00 MACHADO DE ASSIS NO CINEMA: APRESENTAÇÃO: EMBAIXADOR LAURO MOREIRA E LAURO 

ANTÓNIO; Documentário: “Machado de Assis, Alma Curiosa de Perfeição”, de Maria Maia. 

18,00 MACHADO DE ASSIS NO CINEMA: “Memórias Póstumas” (2001), de André Klotzel. 

21,30 MACHADO DE ASSIS NO CINEMA: “Dom” (2003), de Moacyr Góes 

24,00 MACHADO DE ASSIS NO CINEMA: “A Cartomante” (2004), de Wagner de Assis e Pablo 

Uranga. 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “O Caso Girassol” (L’Affoir Tournesol) (1991) 45’; “Tintim no 

País do Ouro Negro” (Tintin au Pays de L’Or Noir) (1991) 45’. 

15,00 OBRAS PREMIADAS NO FAMAFEST 2009 (A anunciar). 





BIBLIOTECA MUNICIPAL – AUDITÓRIO 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “As 7 Bolas de Cristal” (1990) 45’; “O Templo do Sol” (1991) 45’. 

15,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “Revenge in the House of Usher”, de Jesus Franco 

(Espanha, 1982) 99’ (V.O. francesa). 

18,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “Murders in the Rue Morgue”, de Gordon Hessler (EUA, 

1971) 98’ (V.O. inglesa, leg. espanhol). 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “Objectivo Lua” (1991) 45’; “Pisando a Lua” (1991) 45’. 

15,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “Two Evil Eyes”, de George Romero e Dario Argento 120’ 

(EUA, Itália, 1990) (V.O. inglesa). 

18,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “The Raven” (O Corvo), de Ulli Lommel (EUA, 2006) 81’ (V.O. 

inglesa. leg. português). 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “A Ilha Negra” (1990) 45’; “O Ceptro de Ottokar” (1990) 45’. 

15,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “The Raven” (O Corvo), de Roger Corman, (EUA, 1963) 

75’ (V.O. inglesa, leg. português); “The Tomb of Ligeia”, de Roger Corman (EUA, 1965) 78’ (V.O. 

inglesa, leg. francês). 

18,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “Der Rosenkönig / Le Roi des Roses” (O Rei das Rosas), de 

Werner Schroeter (RFA, França, Portugal, 1986) 103’ (Leg. português). 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “As Jóias de Castafi ore” (1991) 45’; “A Estrela Misteriosa” 

(1990) 25’. 

15,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “The Murders in the Rue Morgue”, de Jeannot Szwarc 

(França, EUA, 1986) 90’ (Leg. português). 

18,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “The Mansion of Madness”, de Juan López Moctezuma 

(México, 1973) 85’ (V.O. espanhol, leg. Inglês). 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “O Segredo do Licorne” (1991); “O Tesouro de Rackham, o 

Terrível” (1990) 25’. 

15,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “Cry of the Bush”, de Gordon Hessler (EUA, 1970) 91’ (V.O. 

inglesa, leg. espanhol). 

18,00 HOMENAGEM A CARMEN MIRANDA: Down Argentina Way (Serenata Tropical), de Irving 

Cummings (EUA, 1940) 88’ (V.O. inglesa, leg. português). 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “Os Charutos do Faraó” (1990) 45’; “O Lotus Azul” (1991) 45’. 

15,00 HOMENAGEM A CARMEN MIRANDA: “Copacabana”, de Alfred E. Green (EUA, 1947) 91’ (V.O. 

inglesa) 

18,00 HOMENAGEM A CARMEN MIRANDA: “The Gang’s All Here”, de Busby Berkeley (EUA, 1943) 99’ 

(V.O. inglesa, leg. francês). 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “O Voo 714 para Sidney” (1991) 45’; “Tintim na América” (1990) 25’. 

15,00 CICLO YUKIO MISHIMA NO CINEMA: “The Sailor Who Fell from Grace with the Sea”, de Lewis 

John Carlino, segundo romance de Mishima (Inglaterra, 1976) 105’ (V.O. inglesa). 

18,00 CICLO YUKIO MISHIMA NO CINEMA: APRESENTAÇÃO: ANTÓNIO MEGA FERREIRA E LAURO 

ANTÓNIO “Patriotism”, de Yukio Mishima, com Yukio Mishima, segundo obra de Mishima 

(Japão, 1966) 22’ (V.O. japonesa, leg. inglês). 


10,00 ANIMAÇÃO: 80 ANOS DE TINTIM: “O Ídolo Roubado” (1990) 45’; “O Caranguejo das Tenazes 

de Ouro” (1990) 45’. 

15,00 CICLO YUKIO MISHIMA NO CINEMA: “Afraid To Die”, de Yasuzo Masumura, com Yukio Mishima 

(Japão, 1960) 97’ (V.O. japonesa, leg. inglês). 

18,00 CICLO YUKIO MISHIMA NO CINEMA: “Mishima”, de Paul Schrader (EUA, 1985) 120’ (V.O. inglesa).

"CASA DE CAMILO, SEIDE" AUDITÓRIO 




18,00 MACHADO DE ASSIS NO CINEMA: “Memórias Póstumas” (2001), de André Klotzel. 


18,00 MACHADO DE ASSIS NO CINEMA: “Dom” (2003), de Moacyr Góes. 


18,00 HOMENAGEM A CARMEN MIRANDA: “Down Argentina Way” (Serenata Tropical), de Irving 

Cummings (EUA, 1940) 88’ (V.O. inglesa, leg. português). 


18,00 HOMENAGEM A CARMEN MIRANDA: “Carmen Miranda - Bananas is my Business”, de Helena 

Solberg e David Mayer (Brasil, 1995) 91’ (V.O. portuguesa). 



2008); 89’; M/ 6 anos. 

18,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “The Raven” (O Corvo), de Roger Corman, (EUA, 1963) 75’ 

(V.O. inglesa, leg. português). 



18,00 HOMENAGEM A EDGAR ALLAN POE: “The Pit and the Pendulum” (O Fosso e o Pêndulo), de 

Roger Corman (EUA, 1961) 78’ (V.O. inglesa, leg. português). 

PROLONGAMENTO DO FAMAFEST 

MOSTRA ROBERT WILSON / PETER BROOK 

DE COLABORAÇÃO COM O FICAP 

(Festival Internacional de Cinema e Artes Perfomativas) 

Horário a confi rmar durante o Festival 


18,00 MOSTRA ROBERT WILSON: The Making Of A Monologue Robert Wilson’s: Hamlet Marion 

Kessel, 1995, 62’; La Mort De Moliere Robert Wilson, 1994, 47’ (V.o. Inglesa) 

21,30 MOSTRA ROBERT WILSON: Robert Wilson And The Civil Wars Howard Brookner E Peter Leippe, 

1985, 90’; Visions Of Robert Wilson Marion Kessel, 1993, 29’30 (V.o. Inglesa) 


18,00 MOSTRA ROBERT WILSON: Absolute Wilson Katharina Otto-bernstein, 2006, 105’ ; The House 

Robert Wilson, 1965, 19’ (V.O. inglesa) 


15,00 MOSTRA ROBERT WILSON: Vídeo 50 Robert Wilson, 1978, 50’; Deafman Glance Robert Wilson, 

1981, 27’; Mr. Bojangles’ Memory: Og, Son Of Fire Robert Wilson, 1991, 7’; La Femme À La 

Cafetiere Robert Wilson, 1989, 7’ (V.o. Inglesa) 

18,00 MOSTRA ROBERT WILSON: Alice In Wonderland Thierry Thomas, 1993, 49’; Stations Robert 

Wilson, 1983, 58’ (V.o. Inglesa) 

21,30 MOSTRA ROBERT WILSON: Orphée et Eurydice Brian Large, 2000, 99’ ; Einstein On The Beach: 

The Changing Image Of Opera Mark Obenhaus, 1985, 58’ (V.o. Inglesa) 




15,00 MOSTRA PETER BROOK: Meetings With Remarkable Men Peter Brook, Reino Unido 1979, 108’ 

(V.O. inglesa, com legendas em português) 

18,00 MOSTRA PETER BROOK: Marat/Sade Peter Brook, Reino Unido 1967, 120’ (V.O. inglesa) 


15,00 MOSTRA PETER BROOK: The Beggar’s Opera Peter Brook, Reino Unido 1953, 91’ (V.O. inglesa) 

18,00 MOSTRA PETER BROOK: King Lear Peter Brook, Reino Unido/Dinamarca/1971, 131’ (V.O. inglesa) 

21,30 MOSTRA PETER BROOK: Lord Of The Flies Peter Brook, Reino Unido 1963, 87’ (V.O. inglesa) 

MOSTRA PETER BROOK: Brook By Brook Simon Brook, França 2002, 75’ (V.O. francesa e Inglesa, 

com legendas em inglês). 


15,00 MOSTRA PETER BROOK: Mahabarata – The Game Of Dice Peter Brook, Bélgica/França/Reino 

Unido/França/Japão 1989 95’ (V.O. inglesa) 

18,00 MOSTRA PETER BROOK: Mahabarata – Exile In The Forest Peter Brook, Bélgica/França/Reino 

Unido/França/Japão 1989 109’ (V.O. inglesa) 

21,30 MOSTRA PETER BROOK: Mahabarata – The War Peter Brook, Bélgica/França/Reino Unido/ 

França/Japão 1989 109’ VO em inglês (V.O. inglesa) 


18,00 MOSTRA PETER BROOK: La Tragédie d’Hamlet Peter Brook, Reino Unido/França/Japão 2002, 

132’ (V.O. inglesa) 

21,30 MOSTRA ROBERT WILSON: Aida Andre Gregoire, 2004, 159’ (V.o. Inglesa) 

CASA DAS ARTES * PEQUENO AUDITÓRIO 

CICLO CARMEN MIRANDA 

Horário a confi rmar durante o Festival 

Segunda-feira, dia 6 de Abril de 2009 

21,30 CICLO CARMEN MIRANDA: “Doll Face” (Sonhos de Estrelas), de Lewis Seiler (EUA, 46), 80’ 

(V.O. inglesa, leg. espanhol). 

Terça-feira, dia 7 de Abril de 2009 

21,30 CICLO CARMEN MIRANDA: “Greenwich Village” (Serenata Boémia), de Walter Lang (EUA, 

1944), 82’(V.O. inglesa, leg. espanhol). 

Quarta-feira, dia 8 de Abril de 2009 

21,30 CICLO CARMEN MIRANDA: “If I’m Lucky” (A Canção da Felicidade), de Lewis Seiler (EUA, 

1946), 79’ (V.O. inglesa, leg. espanhol). 

Quinta-feira, dia 9 de Abril de 2009 

18,00 CICLO CARMEN MIRANDA: ”Something for the Boys” (Alegria Rapazes!), de Lewis Seiler 

(EUA, 1946), 80’ (V.O. inglesa, leg. espanhol). 

Sexta-feira, dia 10 de Abril de 2009 

18,00 CICLO CARMEN MIRANDA: “Copacabana”, de Alfred E. Green (EUA, 1947) 91’ (V.O. inglesa). 

21,30 CICLO CARMEN MIRANDA: “The Gang’s All Here” (Sinfonia de Estrelas), de Busby Berkeley 

(EUA, 1943) 99’ (V.O. inglesa, leg. espanhol). 

Sábado, dia 11 de Abril de 2009 

18,00 CICLO CARMEN MIRANDA: “Carmen Miranda – Bananas is my Business”, de Helena Solberg 

e David Mayer (Brasil, 1995) 91’ (V.O. portuguesa). 

21,30 CICLO CARMEN MIRANDA: “Down Argentina Way” (Serenata Tropical), de Irving Cummings 

(EUA, 1940) 88’ (V.O. inglesa, leg. português).

FAMAFEST 

2008 

OBRAS A CONCURSO

30 | Obras a Concurso 

_ 12 = Amo-te 

Título original: 12 heißt ich liebe dich / Título em inglês: 

12 means I Love You 

Realização /Director: Connie Walther, Alemanha, 

2007; Argumento / Script: Scarlett Kleint, Based on 

the book by Regina Kaiser & Uwe Karlstedt; Fotografia 

(cor) / Photography: Peter Nix; Montagem / Editing: 

Sabine Brose; Som / Sound: Jochen Hergersberg, Mirko 

HÖpfner; Companhias de produção / production 

company: UFA-Fernsehproduktion GmbH, Noirbert Sauer 

/ Cornelia Wecker; Intérpretes / Cast: Claudia Michelsen, 

Devid Striesow, Winnie BÖwe, Michael Krabbe 

Duração /Running time: 90 minutos 

Contactos / Adress: Dianastr. 21, D-14482 Potsdam- 

Babelsberg; Cornélia.wecker@ufa.de 

Prémios/Awards: Fipa 2008, France - Fipa d’Or for Best 

Actress in Drama (Claudia Michelsen), German TV Award 

2008 for Best Director (Connie Walther), European TV 

Movie Festival “Zoom Igualada”2008 – Official Jury 

Award for Best Script (Scarlett Kleint), TV Movie Award 

of the German Academy of Performing Arts (Connie 

Walther, Scarlett Kleint) 

Sinopse: Alemanha Oriental 1985: a 

dissidente Bettina é detida e apresentada 

ao jovem ofi cial da Stasi, Jan, para 

interrogatório. Durante os meses de 

interrogatório o incrível acontece: eles 

apaixonam-se. O argumento é baseado 

numa história verdadeira. 

Synopsis: East Germany 1985: dissident 

Bettina is arrested and presented to the 

young Stasi officer Jan for questioning. 

During the months of interrogation the 

incredible happens: they fall in love with 

each other. The script is based on a true 

story. 

_ O Adeus À Brisa 

Título original: O Adeus à Brisa 

Título em inglês: Farwell to the Breeze 

Realização /Director: Possidónio Cachapa, Portugal, 2009; 

Argumento / Script: Possidónio Cachapa; Produção / 

Production: Maria João Mayer, François d’artemare, RTP2, 

Possidónio Cachapa; Fotografia (cor) / Cinematography: 

Cláudia Varejão; Montagem / Editing: Rita Figueiredo; Som / 

Sound: José Reis, Adriana Bolito; Pós produção áudio: Hugo 

Leitão; Companhias de produção / production company: 

Filmes do Tejo; 


Contactos / Adress: Filmes do Tejo – Av. da Liberdade, 85, 3º, 

1250-140 Lisboa, Portugal; filmesdotejo@ filmesdotejo.pt 

Sinopse: Um homem fala sobre o seu 

passado, que se confunde com o da História 

do seu país. Num discurso comovente, 

evoca a luta pela liberdade e a sua crença 

nas revoluções e na supremacia da Beleza. 

Sentado na sua sala, Urbano Tavares 

Rodrigues mantêm--se o escritor, o resistente, 

o que acredita no melhor do Homem. E se 

as coisas em que acreditou nem sempre lhe 

corresponderam foi porque ainda não tinha 

chegado o tempo certo. Mas vai haver um 

mundo novo. Vai haver. No meio do Tempo, 

Urbano refl ecte, enquanto a brisa do su! não 

cessa de soprar. 

Synopsis: A man speaks about his past, a past 

that blends with the country history itself. 

In an impressive speech, he evokes the fight 

for freedom and his belief in the power of 

revolutions and the supremacy of Beauty. 

Sitting in his room, Urbano Tavares Rodrigues, 

the writer, the resistant, the man who does 

not run away, remains the one who believes in 

the best part of Man. And if some of his ideals 

failed throughout the decades, that’s just 

because their time did not arrive yet. But there 

will be a new world. It will be. Resting in Time, 

Urbano meditates, while a warm breeze does 

not cease to blow.

_ Andre Gide, Um Pequeno 

Ar de Família 

Título original: Andre Gide Un Petit Air de Famille 

Título em inglês: André Gide: A Family Resemblance 

Realização /Director: Jean- Pierre Prevost, Suiça, 2007; 

Argumento / Script: Peter Schnyder ; Produção / 

Production: Archives Andre Gide SA ; Música / Music: 

Nocturnes de Chopin, Sonate D960 de Schubert, Editions 

Koka Média et K. Musik; Imagem/Image: Jean-Claude 

Couty, Francois Mathon ; Montagem / Editing: Anne 

Klotz; Intérpretes / Cast: Catherine Gide; Comentários de 

/ Commentation by: Marie-Pierre Simonnot, Jean-Pierre 

Prevost; Colaboração de /Collaboration: Isabelle et 

Humphrey Bowden, Dominique et Pierre Iseli, Raphael 

Carron, Raphael Dupouy ; Entrevistas/Interviews: Jean- 

Claude Perrier, Jean-Pierre Prevost ; 


Contactos / Adress: 34 Terrassenweg 5601 Olten Suisse; 

p_schnyder@bluewin.ch 

Prémios / Awards: Selection au FIPA 2009 

Sinopse: O grande escritor francês André 

Gide tinha secretamente uma fi lha 

Catherine, nascida em 1923. Catherine 

Gide fala – com apoio de documentos 

não publicados – pela primeira vez sobre 

sua relação com esse pai e descreve a sua 

vida e os seus encontros com celebridades 

como Indira Gandhi, Roger Martin du Gard, 

Marc Allégret… 

Synopsis: The great french writer André 

Gide had secretly a daughter Catherine, 

born in 1923. Catherine Gide talks – with 

unpublished documents in support – for the 

first time about her relation with this father 

and describes her life and her meetings with 

celebrities as Indira Gandhi, Roger Martin du 

Gard, Marc Allégret… 

_ Os Anjos de Welles 

Título original: Welles Angels 

Título em inglês: Welles Angels 

Realização /Director: Jean-Jacques Bernard, França; 

Argumento / Script: Jean-Jacques Bernard; Fotografia 

(cor) / Photography: Stephen Barcelo; Montagem / 

Editing: Caroline Detournay; Som / Sound: Robin Bouet; 

Companhias de produção / production company: 

Caïmans Production ; Intérpretes / Cast: Edmond 

Richard, Willy Kurant, Dominique Antoine, Gary Gaver, 

François Thomas, Jean-Pierre Berthomé. 


Contactos / Adress: 16 rue Bleue, 75009 Paris; Jerome. 

barthelemy@caimans-prod.com 

Sinopse: “ Os Anjos de Welles “ é um 

documentário que dá às últimas 

testemunhas do incrível caminho de Welles 

pela Europa, oportunidade de falar. Actores 

como Jeanne Moreau, Michel Lonsdale, 

bem como fotógrafos, como Edmond 

Richard e Willy Kurant. Pierre Cardin, 

Jean Pierre Berthomé, François Thomas 

reúnem-se aqui para nos falar sobre o 

espantoso percurso de Orson Welles, desde 

Hollywood, até à Europa. 

Synopsis: “Welles Angels” is a documentary 

that gives the last witnesses of Welles’o 

incredible path in Europe a chance to talk. 

Actores such as Jeanne Moreau, Michel 

Lonsdale, as well as photographers such as 

Edmond Richard and Willy Kurant. Pierre 

Cardin, Jean Pierre Berthomé, François 

Thomas are also here to tell us the amazing 

journey of Orson Welles, from Hollywood, 

until here in Europe. 

31 | Obras a Concurso


_O Caçador 

Título original: O Cazador 

Título em inglês: The Huntsman 

Realização /Director: Ángel Santos Touza, Espanha, 2007; 

Argumento / Script: Ángel Santos Touza; Fotografia (cor) 

/ Photography: Juan Carlos Pérez Herrero; Montagem 

/ Editing: Ángel Santos Touza; Som / Sound: Javier 

Souto; Companhias de produção / production company: 

Matriuska Producciones S.L.; Intérpretes / Cast: Lois 

Soaxe, Marta Pazos, Teté García 


Contactos/ Adress: Rua do Marco 20,36910 Lourizan 

– Pontevedra; asantostouza@hotmail.com 

Prémios / Awards: Grande Prémio – Filminho 2008, 

Prémio Cinema Minhoto – Filminho 2008 

Sinopse: A história de Anton Tchekov 

intitulada “O Caçador”. Dois actores 

sozinhos em cena construindo 

personagens. Um caçador e uma mulher 

camponesa encontram-se num campo 

com o tormento de uma relação passada 

nas suas costas. A construção da emoção, 

a elaboração da fi cção: a partir da palavra 

para a imagem. 

Synopsis: A story by Anton Tchekov entitled 

“The Hunter”. Two actors on an empty stage 

are constructing their characters. A hunter 

and a peasant woman meet on a field 

with the heaviness of a passed relationship 

behind them. The construction of emotion, 

the elaboration of fiction: from the word to 

the image. 

_Caminho para Meca 

Título original: A Road to Mecca 

Título em inglês: A Road to Mecca 

Realização /Director: Georg Misch, Áustria, 2008; Música 

/ Music: Jim Howard; Fotografia (cor) / Photography: 

Joerg Burger; Montagem / Editing: Marek Kralovski; Som 

/ Sound: Hjalti Bager – Jonathansson; Companhias de 

produção / production company: Mischief Films 


Contactos / Adress: Goethegasse 1 1010 Vienna / Austria 

Prémios / Awards: Piagonale, Austria – Best CaMelhor 

fotografia; Fiadocs, Marroco – Prémio do Grande Júri. 

Sinopse: No início dos anos 1920 Leopold 

Weiss, um judeu vienense, viajou para o 

Médio Oriente. O deserto fascina-o, e o 

Islão tornou-se o seu novo lar espiritual. 

Ele deixou as suas raízes judaicas para trás, 

converteu-se ao Islamismo e mudou o seu 

nome para Muhammad Asad. Ele tornouse 

um dos muçulmanos mais importantes 

do século XX, primeiramente como 

conselheiro na corte real da Arábia Saudita, 

e mais tarde traduzindo o Corão para 

Inglês. Asad também foi um co-fundador 

do Paquistão e seu embaixador na ONU. 

O realizador segue os seus passos em vias 

de desaparecimento, que conduzem do 

deserto árabe até ao Ground Zero. 

Synopsis: In the early 1920s Leopold Weiss, 

a Viennese Jew, travelled to the Middle 

East. The desert fascinates him, and Islam 

became his new spiritual home. He left his 

Jewish roots behind, converted to Islam and 

changed his name to Muhammad Asad. He 

became one of the most important Muslims 

of the 20th century, first as an advisor at 

the royal court of Saudi Arabia, and later 

translating the Koran into English. Asad 

was also a co-founder of Pakistan and its 

ambassador to the UN. The director follows 

his fading footsteps, leading from the 

Arabian Desert to Ground Zero.

_A Canção de Mim Próprio 

Título original: A Song of Myself 

Título em inglês: A Song of Myself 

Realização /Director: William Farley, Estado Unidos 

da America, 2007; Fotografia (cor) / Photography: D.P. 

Barry Stone; Montagem / Editing: Richard Lovien; Som 

/ Sound: Pitillip Perkins; Companhias de produção / 

production company: wm Farley Film Group; Intérpretes 

/ Cast: John O’Keefe 


Contactos / Adress: Pob 883564 San Francisco, CA 94188; 

farleyfilm@gmail.com 

Sinopse: O internacionalmente aclamado 

dramaturgo John O’Keefe adaptou o 

poema de Walt Whitman numa realização 

primorosa, equilibrando uma recitação 

directa e uma interpretação imaginativa, 

captando a grandeza de espírito e a música 

das palavras de Whitman. 

Synopsis: Internationally acclaimed 

playwrights John O’Keefe has adapted Walt 

Whitman’s poem into a dramatic tour de 

force poised between a straight recitation 

and an imaginative interpretation, 

capturing the spirit grandeur and music of 

Whitman words. 

_Cântico Negro 

Título original: Cântico Negro 

Título em inglês: Dark Hymn 

Realização /Director: Helder João Lopes Magalhães, 

Portugal, 2008; Argumento / Script: Helder Magalhães, 

a partir de um poema de José Régio; Produção/ 

Production: Helder Magalhães; Música / Music: 

Sydney Poma; Fotografia (cor) / Photography: Helder 

Magalhães; Montagem / Editing: Helder Magalhães; 

Som / Sound: Helder Magalhães, Sydney Poma; 

Companhias de produção / production company: Helder 

Magalhães Produções; Intérpretes / Cast: João Villaret 

(arquivo áudio, gravado ao vivo); Maria Bethânia (arquivo 

áudio gravado ao vivo) 


Contactos / Adress: Rua António Santos Oliveira, 397, 

1ºDto 4760-297 V. N. Famalicão; helder_magalhaes@ 

hotmail.com 

Sinopse: “Cântico Negro” procura transpor 

em imagem o poema homónimo de José 

Régio. Não se trata de uma adaptação nem 

impõe uma interpretação ao espectador; 

pelo contrário, “Cântico Negro” tenta abrir 

portas a novas interpretações e a novas 

leituras a este poema. 

Synopsis: “Dark Hymn” tries to transpose 

into image the homonymous poem by José 

Régio. It is not an adaptation neither it 

imposes an interpretation to the spectator, 

by the contrary, “Dark Hymn” tries to open 

doors to new interpretations and new 

readings of this poem. 



_O Clube da Calceta 

Título original: O Club da Calceta 

Realização /Director: Antón Dobao, Espanha, 2008; 

Argumento / Script: Sandra Senra; Texto: Antón Dobao, 

Miguel Barros; Produção / Production: Julio Casal 

Fernández-Couto; Fotografia (cor) / Cinematography: 

Alexandra Fernández Carnero, Suso Bello Giz; Montagem / 

Editing: Luis Faraón; Decoração / Set Decoration: Fernanda 

Castelo; Guarda-roupa/ Costume Design: Asier Olloquiegui; 

Maquilhagem / Makeup: Eva Fontenla; Assistentes de 

produção / production assistant: César PardiÑas, Jose 

BaÑos; Som / Sound: Joan Riba Roque; Companhias de 

produção / production company: Ficcion Producciones, 

Televisión de Galicia, Diagonal TV, Televisió de Catalunya. 

Intérpretes / Cast: Mela Casal, Susana Dans, Sonia Castelo, 

Maria Vázquez Rodriguez, Katia Klein. 


Contactos / Adress: produccion@ficcion-producciones.com 

Sinopse: Vigo. 2007. Cinco mulheres juntam-se 

para formar um clube. Este pequeno grupo 

insignifi cante aos olhos dos outros converte-se 

numa união de mulheres muito diferentes entre 

si. Através das suas reuniões elas despem-se 

dos seus medos e angústias provocados por 

uma sociedade machista. Este grupo dá-lhes 

força para lutarem por uma mudança individual 

nas suas vidas. Homens de diferentes classes 

sociais são vítimas das armadilhas delas. Estas 

armadilhas chegam cada vez mais longe e são 

cada vez mais fortes. Vingança, reivindicação e 

justiça…. Porque é uma revolução e isso não se 

pode parar... ou pode?... 

Synopsis: Vigo. 2007. Five women joined up to 

form a club. This small group insignificant in 

the eyes of others becomes a union of women 

very different. Through their meetings they will 

strip their fears and anxieties caused by a sexist 

society. This group gives them strength to fight for 

individual change in their lives. Men from different 

social classes suffer from the pitfalls of them. 

These traps come increasingly far and are growing 

stronger. Revenge, justice... Why a revolution and 

that we can not stop... or you can?... 

_Contrato 

Título original: Contrato 

Título em inglês: Contract 

Realização /Director: Nicolau Breyner, Portugal, 2008; 

Argumento / Script: Pedro Bandeira Freire, Álvaro 

Romão, Nicolau Breyner; Música / Music: Elvis Veiguinha; 

Fotografia (cor) / Photography: José António Loureiro; 

Montagem / Editing: João Braz; Som / Sound: Quintino 

Bastos e Branko Neskov; Companhias de produção / 

production company: Hora Mágica; Intérpretes / Cast: 

Pedro Lima, Cláudia Vieira, Vitor Norte, José Raposo, Sofia 

Aparício, José Wallenstein, Pedro Granger, George Felner, 

José Boavida, Joaquim Nicolau, Adelaide João e Nicolau 

Breyner. 

Duração /Running time: 1h.36m 14s 

Contactos / Adress: Quinta do Machado, 2605 – 011 Belas 

Sintra; hora.magica.pt@gmail.com 

Sinopse: Peter Mcshade é um hitman. No 

decorrer de um contrato para assassinar 

um homem em Marrocos, as coisas correm 

mal e Peter mata o sobrinho de um chefe 

da máfi a nova-iorquina. Peter volta a 

Lisboa com um novo contrato, matar um 

chefe da máfi a com o controlo de toda a 

zona da Península Ibérica. Através de várias 

peripécias somos atraídos para o universo 

de um assassino profi ssional, um sub 

mundo repleto de acção e erotismo que 

não vai deixar ninguém indiferente. 

Synopsis: Peter Mcshade is a hitman. During 

a contract to kill a man in Morocco, things 

go wrong and Peter kills the nephew of a 

mafia boss of New York. Peter returns to 

Lisbon with a new contract, killing a leader 

of the mafia who controls the whole area 

of the Iberian Peninsula. Through various 

adventures we are attracted to the world 

of a hitman, an underworld full of action 

and eroticism that will not leave anyone 

indifferent.

_Discorama, por Glaser 

Título original: Discorama, Signé Glaser 

Título em inglês: Discorama, by Glaser 

Realização /Director: Esther Hoffenberg, França, 2007; 

Argumento / Script: Esther Hoffenberg; Música / Music: 

Benjamin Bober; Fotografia (cor) / Photography: Laurent 

Fénart; Montagem / Editing: Sophie Reiter; Som / Sound: 

Benjamin Bober; Companhia de produção / production 

company: INA – Georges Groult 


Contactos / Adress: 4 avenue de l’europe 94360 Bry sur 

Marne 

Sinopse: Denise lançou o seu programa 

“Discorama” em 1959. Denise Glaser foi 

a primeira produtora /anfi triã a receber 

tratamento de estrela pela imprensa, que 

comemorou as suas descobertas: Barbara, 

Gainsbourg, Maxime Le Forestier, Michel 

Polnareff ... e muitos mais. Denise Glaser 

tornou-se a rainha das entrevistas. O fi lme 

descreve o destino de Denise Glaser e 

de muitos dos envolvidos no Discorama, 

procurando dar as suas imagens, ao 

mesmo tempo sofi sticadas e populares. 

Synopsis: Denise launched her programme 

“Discorama” in 1959. Denise Glaser was the 

first producer/programme-host to be given 

star treatment by press, which celebrated 

her discoveries: Barbara, Gainsbourg, 

Maxime Le Forestier, Michel Polnareff…and 

many more. Denise Glaser became the 

queen of interviewing. The film sketches 

the destiny of Denise Glaser and of many 

of those involved in Discorama, while 

attempting to be in their image, at once 

sophisticated and popular. 

_Divórcio ao Estilo Albanês 

Título original: Razvod po albanski 

Título em inglês: Divorce Albanian Style 

Realização /Director: Adela Peeva, Bulgária, 2007; 

Argumento / Script: Adela Peeva; Música / Music: 

Fatos Qerimaj; Fotografia (cor) / Photography: Joro 

Nedelkov; Montagem / Editing: Jelio Jelev; Som/Sound: 

Ivaylo Yanev, Mihal Pruski; Companhia de produção / 

production company: Adela Media Film & TV Production 


Contactos / Adress: 1164 Sofia, Bulgária 3, Babuna 

planina Str.; adelamedia@adelamedia.net 

Prémios/Awards: Nomination of the European Film 

Academy for: The Best Documentary 2007 – Prix Arte 

Special Award of the Jury: National Non – Fiction Film 

Festival “Golden Rython” 2007; Grand Prix “Golden Chest” 

for the Best Documentary International TV Festival 

“Golden Chest” 2007; Best Bulgarian Documentary 

2007 Award of the Bulgarian National Film Center; 

Best Documentary 2006 – 2007 Award of the Union of 

Bulgarian Film makers; SRG SSR Idée Suisse 2008 – Prize 

of the Swiss Broadcasting Corporation; Human Rights 

Award – XIV Sarajevo International Film Festival 2008; 

Special Commendation Award – Prix Europe 2008 – Best 

Television Documentary 

Sinopse: No mundo surreal da Albânia 

comunista de 1960, muitos milhares 

de famílias foram separadas à força 

pelo regime totalitário de Enver Hodha. 

“Divórcio ao Estilo Albanês” narra a história 

dessas famílias, e dos membros do partido 

e ofi ciais da polícia secreta que mudaram 

as suas vidas para sempre. 

Synopsis: In the surreal world of 1960s 

communist Albania, many thousands 

of families were forcibly separated by 

the totalitarian regime of Enver Hodha. 

“Divorce Albanian Style” tells the story of 

these families, and of the apparatchiks and 

officers of the secret police who changed 

their lives forever. 



_A Dupla Inconstância 

Título original: La Double Inconstance 

Título em inglês: Double Inconstancy 

Realização /Director: Carole Giacobbi, França, 2007; 

Argumento / Script: Carole Giacobbi, segundo peça de 

Marivaux; Produção / Production: Jean Labib; Música / 

Music: Eric Neveux; Fotografia (cor) / Cinematography: 

Pierre Cottereau; Montagem / Editing: Raphael Vetin; 

Maquilhagem / Makeup: Patrick Girault; Som / Sound: 

Damien Aubry, Thomas Pietrucci; Companhias de 

produção / production company: Compagnie des Phares 

et Balises; Intérpretes / Cast: Jean-Hugues Anglade, 

Serge Hazanavicius, Eglantine Rembauville-Nicolle, 

Clément Sibony, Elsa Zylberstein, etc. 


Contactos / Adress: Compagnie des Phares et Balises 

– 55bis, rue de Lyon, 75012, Paris, França. 0033144751133 

– eviara@phares-balises.fr. 

Prémios / Awards: Estreia mundial 

Sinopse: Sílvia e Arlequim estão 

apaixonados, mas o Príncipe quer casar 

com Sílvia e rapta-a. Com a ajuda de 

Flamínia, planeia seduzi-la e fazê-la 

esquecer Arlequim, antes de o dia chegar 

ao fi m. 

Synopsis: Silvia and Harlequin are in love, 

but the Prince wants to marry Silvia and 

kidnaps her. With the help of Flaminia, he 

plans to seduce her and make her forget 

Harlequin before the end of the day. 

_Fernando Lopes Graça 

Título original: Fernando Lopes-Graça 

Realização /Director: Graça Castanheira, Portugal, 2008; 

Produção / Production: Valentim de Carvalho, Televisão; 

Fotografia (cor) / Cinematography: Cláudia Varejão; 

Montagem / Editing: Graça Castanheira, Mariana 

Gaivão; Direcção de produção / direction of production: 

; Som / Sound: Bruno Dias; Direcção de Produção/ 

direction of production: Maria João Tomaz; Pós-Produção 

de Som: Tiago Matos 


Sinopse: Fernando Lopes-Graça, a sua obra 

musical e literária, a sua personalidade e os 

tempos da resistência. 

Synopsis: Fernando Lopes-Graça, his musical 

and literary work, his personality and the 

times of the resistance.

_Godard, Amor e Poesia 

Título original: Godard, L’Amour, La poesie 

Título em inglês: Godard, Love and Poetry 

Realização /Director: Luc Lagier, França, 2007; 

Argumento / Script: Luc Lagier; Fotografia (cor) / 

Photography: Alexandre Auque, Magali Roucaut; 

Montagem / Editing: Alexandre Auque; Companhias de 

produção / production company: Point du Jour 


Contactos / Adress: 23, rue de cronstadt – 75015 Paris 

– France; h.defremont@pointdujour.fr 

Sinopse: Godard, Amor e Poesia... um título 

que por si só é um romance. O romance de 

um período de tempo muito especial na 

carreira de um realizador muito especial. 

A extravagante e um pouco mítica 

era que conquistou a imaginação dos 

frequentadores das salas de cinema. Os 

cartazes e fotos desses tempos ainda hoje 

são vistos em dezenas de postais nas lojas 

de Paris. 

Synopsis: Godard, Love and Poetry… a title 

that is a novel in itself. The novel of a very 

special period of time in the career of a 

very special director. A flamboyant and 

somewhat mythical era that has captured 

cinema-goers’ imagination. The posters and 

pictures reminiscent of these years are still 

to be seen on dozens of postcards in the 

shops in Paris. 

_Grandes Livros – Os Maias 

Título original: Grandes Livros – Os Maias 

Título em inglês: Great Books – Os Maias 

Realização /Director: João Osório, Portugal, 2008- 

2009; Argumento / Script: Alexandre Borges; Música 

/ Music: R. Buracchio; Fotografia (cor) / Photography: 

Sérgio Correia; Montagem / Editing: João Osório; Som / 

Sound: Golden Pony Estúdio; Companhias de produção 

/ production company: Companhia de Ideias Anónimas 

Lda; Intérpretes / Cast: Gonçalo Cosmelli, João Pedreiro; 

Locução: Diogo Infante; 


Contactos / Adress: Av. António Augusto Aguiar 150 F – 2º 

ESQ 1050 – 021 Lisboa; sbroadbent@companhiadeideias. 

com 

Sinopse: “Grandes Livros” é uma série 

de 12 documentários, com 50 minutos 

cada, narrados por Diogo Infante. O 

conceito assenta na análise da obra mais 

emblemática de um escritor, neste caso 

“Os Maias”, de Eça de Queirós, a estória, o 

contexto histórico, a importância que tem, 

a história do autor. 

Synopsis: “Grandes Livros” is a series of 12 

documentaries, of 50 minutes each, narrated 

by Diogo Infante. The concept is based on 

the analysis of the most emblematic work 

of a writer, in this case “Os Mias”, by Eça de 

Queirós: the story, the historical context, the 

importance it has, the story of the author. 



_Guarda Livros 

Título original: Guarda Livros 

Título em inglês: Bookkeeper 

Realização /Director: Eduardo Adelino, Portugal, 2008- 

2009; Argumento / Script: José Fanha; Apresentação 

/ Presentation: Francisco José Viegas; Produção / 

Production: Lila Lacerda; Música / Music: Phillip 

Glass; Fotografia (cor) / Photography: Diogo Jerves d’ 

Authouguia; Montagem / Editing: Eduardo Adelino; 


Xapalhok; 

Intérpretes / Cast: Francisco José Viegas, Rúben de 

Carvalho, Urbano Tavares Rodrigues, Irene Pimentel, 

Mário Cláudio. 

Duração /Running time: 25-30 minutos cada um dos 4 

episódios a concurso. 

Contactos / Adress: Xapalhok; 

Sinopse: Francisco José Viegas visita as 

bibliotecas de personalidades conhecidas 

e conversa sobre os livros...”Guarda livros” 

convidou António-Pedro Vasconcelos, 

António Borges Coelho, Maria Filomena 

Mónica, Marcello Mathias, José Miguel 

Júdice, Rúben de Carvalho, Vasco Graça 

Moura, Lauro António, Urbano Tavares 

Rodrigues, Irene Pimentel, Mário Cláudio, 

Jaime Nogueira Pinto, entre alguns mais. 

Cerca de 15 programas, todos eles “em casa 

das pessoas, junto dos seus livros, das suas 

estantes, das suas memórias”. 

Synopsis: Francisco José Viegas visits the 

libraries of several well known Portuguese 

personalities to talk about books… 

“Bookkeeper” invited António-Pedro 

Vasconcelos, António Borges Coelho, Maria 

Filomena Mónica, Marcello Mathias, José 

Miguel Júdice, Rúben de Carvalho, Vasco 

Graça Moura, Lauro António, Urbano 

Tavares Rodrigues, Irene Pimentel, Mário 

Cláudio, Jaime Nogueira Pinto, among 

others. About 15 documentaries, all of them 

shoot “at their own homes, by their books, 

their bookshelves and their memories”. 

_Histórias: Primeira Ajuda 

Título original: Cuentos: Primeros Auxilios 

Título em inglês: Stories: First Aids 

Realização /Director: María Suárez e Esteban Varadé, 

Espanha, 2009; Argumento / Script: María Suárez e 

Esteban Varadé; Música / Music: Javier Bergia; Fotografia 

(cor) / Photography: Jose Arana; Montagem / Editing: 

Esteban Varadé; Som / Sound: Sonoris; Companhias de 

produção / production company: Nananino S.L. 

Intérpretes / Cast: Tim Bowley, Quico Cadaval, Teresa 

Carril, Andrés Conde, Lola Edu Angue, Victoria Gullón, 

Montse Gutiérrez, Ana Herreros, Virginia Imaz, 

Magdalena Labarga, Torsten Lange, Donald Lehn, Yuya 

Martín, Nina Martínez de Lafuente, Miguel Mba, Isabella 

Méndez, Aurora Merino, Maricuela María Molina, Pedro 

Nguema, María Nsue, Margarita Núñez, Boniface Ofogo 

Nkama, Casilda Regueiro, Rosita Rey, Livia Romero, 

Carolina Rueda, Rafael Santamaría, Carmen Savoini, 

Sergio Tena, Pepe Viyuela 


Contactos / Adress: C/canillas nº2, 7Dch 28002 Madrid; 

nananino@telefonica.net 

Sinopse: Uma pessoa partilha uma história 

consigo. Uma viagem através de contos, 

fantasia, medo, amor e risos. 30 Contadores 

de histórias de 13 países diferentes, a contar 

histórias. 

Synopsis: A person shares a story with you. A 

journey through tales, fantasy, fear, love and 

laughter. 30 story tellers from 13 different 

countries telling stories.

_ Hitchcock e a 

"Nouvelle Vague" 

Título original: Hitchcock et la Nouvelle Vague 

Título em inglês: Hitchcock and the “Nouvelle Vague” 

Realização /Director: Jean-Jacques Bernard, França, 2007; 

Argumento/Script: Jean-Jacques Bernard ; Produção 

/ Production: Caïmans Productions ; Fotografia (cor) 

/ Cinematography: Stephen Barcelo ; Montagem / 

Editing: Jean-Denis Buré ; Som / Sound: Nicolas Bouvet, 

David Renaud ; Interpretes/cast: Charles Bitsch, Claude 

Chabrol, Luc Moullet, Jacques Rivette, Eric Rohmer 

Duração /Running time: 58minutos 

Contactos/Adress: 16 rue Bluee, 75009 Paris, France 

info@caimans-prod.com 

Sinopse: A infl uência de Hitchcock na 

“Nouvelle Vague” francesa. A “politica de 

autores”, a redescoberta de Hitch e os 

jovens cineastas dos “Cahiers du Cinema”. 

A teoria e a prática do cinema, em fi nais da 

década de 50. 

Synopsis: The influence of Hitchcock on 

the French “Nouvelle vague”. The “ authors’ 

politic “, the rediscovery of Hitch and young 

people moviemakers of “Cahiers du Cinema”. 

The theory and practice of the cinema in the 

late 1950s. 

_ O Julgamento 

Kravchenko 

Título original: L’ Affair Kravchenko’s 

Título em inglês: Kravchenko’s Trial Cold War in Paris 

Realização /Director: Bernard George, França, 2008; 

Argumento / Script: Emmanuel Blanchard and Bernard 

George; Música / Music: Bacchenini; Fotografia (cor) / 

Photography: Jean-Louis Laforêt; Montagem / Editing: 

Pierre-Joseph Licidé; Som / Sound: Flonent Ravalec; 


Cineteve / Mrs Lucie Pastor. 


Contactos / Adress: l.pastor@cineteve.fr 

Sinopse: O processo do desertor soviético Vitor 

Kravchenko contra o semanário comunista 

francês, Les Lettres Françaises, tornou-se o 

«julgamento do século». Kravchenko chamou 

testemunhas que falaram pela primeira 

vez sobre a fome na Ucrânia, as purgas e, 15 

anos antes Solshenitsyn, o inferno do Gulag 

soviético. O jornal apoiado por Moscovo 

chamou testemunhas e intelectuais, 

que durante a batalha judicial, negaram 

ferozmente as provas. Durante três meses o 

tribunal foi um teatro de guerra-fria: o Gulag 

versus ideologia. Quais são os mecanismos 

insidiosos que conseguem forçar as pessoas a 

manterem-se cegas à verdade? 

Synopsis: Soviet defector Vitor Kravchenko’s 

libel suit against the French communist weekly, 

Les Lettres française, became the «trail of the 

century». Kravchenko called on witnesses 

who spoke for the first time about the famine 

in Ukraine, the purges, and 15 years before 

Solshenitsyn, the hell of the Soviet gulag. The 

Moscow-supported paper brought in witnesses 

and intellectuals, who in battle order, fiercely 

denied the evidence. For three months the 

courtroom was a theatre of cold war: the gulag 

vs. ideology. What insidious mechanisms force 

one to remain blind to the truth? 



_Levantado do Chão 

Título original: Levantado do Chão 

Título em inglês: Raised from the Ground 

Realização /Director: Alberto Serra, Portugal, 2008; 

Argumento / Script: Alberto Serra; Música / Music: 

Bruno Afonso; Fotografia (cor) / Photography: Pedro 

Silveira Ramos; Montagem / Editing: António Nunes; 

Som / Sound: Carlos Nunes; Companhia de produção / 

production company: RTP – Rádio e Televisão de Portugal; 

Contactos / Adress: Av. Marechal Gomes da Costa, 37 

- 1849-030 Lisboa; Alberto.serra@rtp.pt 

Sinopse: Documentário inédito sobre a vida 

e obra do Prémio Nobel da Literatura, José 

Saramago. Mais do que uma biografi a, este 

documentário pretende dar a conhecer ao 

grande público os momentos decisivos da 

vida de um homem que aos cinquenta e 

três anos ainda não era escritor. 

Synopsis: Unscreened documentary 

about the life and work of Nobel Prize 

for Literature, José Saramago. More than 

a biography, this documentary aims to 

present to the public the decisive moments 

in the life of a man who at fifty-three was 

not yet a writer. 

_ Mestre-Cantor de 

Wagner, Siegfried de 

Hitler – A vida e o Tempo 

de Max Lorenz 

Título original: Wagner Meistersänger, Hitlers Siegfried 

– Auf den Spuren von Max Lorenz 

Título em inglês: Wagner’s Mastersinger, Hitler’s 

Siegfried – The life and times of Max Lorenz 

Realização /Director: Eric Schulz, Wischmann Claus, 

Alemanha, 2008; Argumento / Script: Eric Schulz; 

Fotografia (cor) / Photography: Fariba Nilchian; 

Montagem / Editing: Peter Klum; Som / Sound: Zora 

Butzke; Companhias de produção / production company: 

EuroArts Music International GmbH; Intérpretes / Cast: 

Dietrich Fischer-Dieskau, René Kollo, Lieselott Tietjen, 

Waldemar Kmentt, etc. 


Contactos / Adress: Goldschmidtstraße 12, 04103 Leipzig; 

f.gerdes@euroarts.com 

Sinopse: O excelente cantor Max Lorenz 

era o tenor favorito de Hitler. Mas ele era 

casado com uma judia e era também 

homossexual. A biografi a deste notável 

intérprete de Wagner está intimamente 

ligada à história de Haus Wahnfried em 

Beirute. Seguindo a sua carreira fi ca-se a 

conhecer um período muito inconstante 

da história recente, da perspectiva de uma 

ambivalente personalidade artística. 

Synopsis: The outstanding singer Max 

Lorenz was Hitler’s favourite tenor. But 

he was married to a Jewess and he was 

also homosexual. The biography of this 

outstanding Wagner singer is closely bound 

up with the story of Haus Wahnfried 

in Bayreuth. Tracing his career involves 

contemplating a highly volatile period in 

recent history from the perspective of an 

ambivalent artistic personality.

_ O Mistério Segundo 

Clarice Lispector 

Título original: O Mistério Segundo Clarice Lispector 

Título em inglês: The Mystery according to Clarice 

Lispector 

Realização /Director: Patrícia Lino, Portugal, 2008; 

Argumento / Script: Patrícia Lino; Música / Music: 

Caetano Veloso – “Clarice”; Fotografia (cor) / 

Photography: Patrícia Lina; Montagem / Editing: Patrícia 

Lino; Som / Sound: Patrícia Lino; Intérpretes / Cast: 

Andreia Oliveira, Cristina Felgueiras, Dinis Leitão, Edson 

Basílio, Henrique Monteiro, Hugo Lima, Patrícia Lino, 

Tayna Borges, Tiago Lino, Tiago Sousa Garcia. 

Duração /Running time: 5 minutos; 

Contactos / Adress: Rua Padre Ricardo Marques dos 

Santos, 246-248 Valongo, Porto – Portugal; patricialino1@ 

sapo.pt 

Sinopse: “O Mistério segundo C.L.” centrase 

no mistério com que nos confrontamos 

assim que entramos em contacto com a 

obra de Clarice Lispector. 

Synopsis: “The Mystery according to C.L.” 

focuses on the mystery we face as we 

enter into contact with the work of Clarice 

Lispector. 

_Nome de Código Melville 

Título original: Sous le nom de Melville 

Título em inglês: Code Name Melville 

Realização /Director: Oliver Bohler, França, 2008; 

Argumento / Script: Oliver Bohler; Música/Music: Jessica 

Lalanne; Fotografia (cor) / Cinematography: Julien 

Selleron; Montagem / Editing: Nicolas Dupouy; Som / 

Sound: Jean-Luc Peart / Renaud Michel; Companhias de 

produção / production company: Nocturnes Productions; 

Intérpretes / Cast: Jean-Pierre Melville, Volker 

Schlondorff, Johnnie To, Bertrand Tavernier, Masahiro 

Kobayashi, Rémy Grumbach, Laurent Grousset, Pierre 

Grasset, Philippe Labro, André S. Labarthe, Léo Fortel. 


Contactos / Adress: 59 avenue de la Résistence 93100 

Montreuil – France 

nocturnesproductions@yahoo.fr 

Sinopse: Combinando entrevistas a 

cineastas, actores, amigos e parentes 

de Jean-Pierre Melville, com fi lmagens 

inéditas de arquivo e excertos de fi lmes, 

Code Name: Melville mostra como o 

trabalho do realizador foi infl uenciado 

pela sua experiência durante a II Guerra 

Mundial, e como estruturou toda sua 

abordagem ao cinema, a sua temática e 

sua estética. 

Synopsis: Combining interviews of 

filmmakers, actors, friends and relative 

of Jean-Pierre Melville, with rare archival 

footage and film extracts, Code Name: 

Melville shows how the director works were 

impacted by his experience during World 

War II, and how it structured his whole 

approach to cinema, its thematic and its 

aesthetics. 



_A Paixão “Bolero” 

Título original: La Passion Boléro 

Título em inglês: “Bolero” Passion 

Realização /Director: Michel Follin, França, 2007; 

Argumento / Script: Christian Labrande, Michel Follin; 

Música / Music: Maurice Ravel; Fotografia (cor) / 

Photography: George de Genevraie; Montagem / Editing: 

Adriana Komives; Som/Sound: Ives Laisne, Grazicla 

Barrault, Stéphan Morelli; Companhia de produção / 

production company: 13 Production 

Duração /Running time: 59m13s 

Contactos / Adress: 6 A rue crinas Prolongee 13007 

Marseille France ; 13paris@13production.com 

Sinopse: O tema do fi lme pode ser 

considerado a investigação do “Bolero 

mistério”: como é que um trabalho que 

aparenta ser tão simples se torna o maior 

sucesso do repertório da música clássica, 

repleto de musicalidade profana, mas 

também admirada pelos mais exigentes 

teóricos musicais. 

Synopsis: The theme of the film could 

said to be the investigation of the “Bolero 

mystery”: how a work which is so simple in 

appearance became the greatest success of 

the classical music repertoire, hummed by 

the musically profane, but also admire by 

the most demanding musical theorists. 

_Pequenos Cabos Brancos 

Título original: Little White Wires 

Título em inglês: Little White Wires 

Realização /Director: Massimo Amici, Itália, 2007; 

Argumento / Script: Massimo Amici; Música / Music: 

Massimi Amici; Fotografia (cor) / Photography: Carlo 

Stoppa; Montagem / Editing: Massimi Amici; Som 

/ Sound: Massimi Amici; Companhia de produção / 

production company: Acalumafilms; Intérpretes / Cast: 

Gianpiero Cognoli 


Contactos / Adress: Via Sogliano, 21 int.10-00165 Roma- 

Itália; mail@acaluma.com 

Prémios/Awards: Arrivano i Corti (Montelancio 

Itália)- Agosto 2007 Melhor argumento; CortoNOVO 

(Borgonovo Itália)- Abril 2008 Prémio do Publico; Salento 

Finibus Terrae (San Vit - Itália)- Julho 2008 Melhor Curta, 

argumento, actor; Inventa un Film (Lenola - Itália) - Julho 

2008 Revelação; Dieciminuti Film Festival (Frosinone 

- Itália) - Janeiro 2009 Melhor curta. 

Sinopse: John está a ver televisão, fazendo 

zapping. De repente, um rosto na TV 

começa a falar com ele. Embora ele não 

entenda onde a pessoa da TV quer chegar, 

ele sabe que se passa algo errado. 

Synopsis: John’s watching TV, zapping 

through the channels. Suddenly, a face in 

the TV starts talking to him. Though he 

doesn’t understand what the guy on TV 

is getting at, he knows there’s something 

wrong.

_A Rainha Morta 

Título original: La Reine Morte 

Título em inglês: The Dead Queen 

Realização /Director: Pierre Boutron, França, 2008; 

Argumento / Script: Pierre Boutron ; Música / Music: 

Angélique, Jean-Claude Nachon ; Fotografia (cor) / 

Photography: José António Loureiro; Montagem / 

Editing: Patrice Monnet; Companhia de produção / 

production company: Christian Charret, Jacques Salles; 

Intérpretes / Cast: Michel Aumont, Gaëlle Bonna, 

Thomas Jouannet, Astrid Bergès-Frisbey, Aladin Reibel 


Contactos / Adress: 8, Boulevard dês Capucines – 75009 

Paris – França; gfittante@marathon.fr 

Sinopse: Ferrante, Rei de Portugal, quer 

casar o seu fi lho Dom Pedro com a Infanta 

de Navarra. Ele não sabe que Dom Pedro já 

casou com Dona Inês de Castro em segredo 

e que ela está à espera do seu fi lho com 

Dom Pedro. A inocente Inês cativa Ferrante 

com sua seriedade e com a pureza dos seus 

sentimentos. Mas, apesar disso, o velho rei 

tem de se conformar em sacrifi car os dois 

amantes e sua paixão, para bem do Estado. 

Synopsis: Ferrante, King of Portugal, is to 

marry his son Don Pedro to the Infanta of 

Navarro. He doesn’t know that Don Pedro 

has already wedded Dona Inês de Castro 

in secret and that she is carrying his child. 

Candid Inês captivates Ferrante with her 

earnestness and the purity of her feelings. 

But the old king must nevertheless resign 

himself to sacrifice the two lovers and their 

passion for the sake of the state. 

_Re-Leituras para Todos 

Título original: Re-Lectures Pour Tous 

Título em inglês: Re- Reading for All 

Realização /Director: Robert Bober, França, 2007; 

Argumento / Script: Robert Bober; Fotografia (cor) / 

Photography: Jean-Claude Decoret; Montagem / Editing: 

Françoise Besnier; Som / Sound: Francisco Camino; 

Companhia de produção / production company: INA 

Georges Groult; 


Contactos / Adress: 4 Avenue de L’europe 94360 Bry Sur 

Marne; ggroult@ina.fr 

Sinopse: “(Re)Lectures pour tous” pode 

também ser lido como “Relectures pour tous”. 

Não é um jogo de palavras, mas antes um 

programa acerca de um programa, um dos 

mais prestigiados, num tempo em que a 

televisão tinha pouco que oferecer. Consistia 

numa conversa entre Pierre Dumayet e um 

escritor, seguida de uma conversa entre Pierre 

Desgraupes e um escritor e, por fi m, uma 

crónica de Max-Pol Fouchet sobre as suas 

leituras. Céline, Aragon, Queneau, Mauriac, 

Vailland, Schwarz-Bart participaram. Robert 

Bober seleccionou trinta programas. Depois 

fi lmou durante 58 minutos Pierre Dumayet a 

vê-los e as suas reacções. 

Synopsis: “(Re)Lectures pour tous” may also 

be read as “Relectures pour tous”. It is not a 

quibble, but rather a film concerning a tvshow, 

one of the most prestigious, in a time 

when television had little to offer. It included 

a conversation between Pierre Dumayet and 

a writer, followed by a conversation between 

Pierre Desgraupes and a writer and, at the end, 

a column by Max-Pol Fouchet on what he was 

currently reading. Céline, Aragon, Queneau, 

Mauriac, Vailland, Schwarz-Bart have been 

there. Robert Bober selected 30 shows. Then he 

shoot for 58 minutes Pierre Dumayet watching 

those images and the way he reacted to it. 



_O Rei Não Morre 

Título original: Regele NU moare 

Título em inglês: Le Roi ne Meurt Pas 

Realização /Director: Lucia Hossu Longin, Dan Necsulea, 

Roménia, 2007; Argumento / Script: Lucia Hossu Longin; 

Produção / Production: Televiziunea Romana; Fotografia 

(cor) / Cinematography: Ion Cristodulo, Valentin Ilie, 

Viorel Sergovici; Montagem / Editing: Sebastian Chelu; 

Som / Sound: Ion Holtea 


Contactos / Adress: Calea Dorobantilor 191, Sector 1, 

010565 Bucarest, Roumaine 

Relatii.internationale@tvr.ro 

Sinopse: Uma biografi a de Eugène Ionesco, 

o grande escritor de origem romena e de 

cultura francesa, o dramaturgo que criou 

o teatro do Absurdo e cujas peças são 

representadas em Paris há cinquenta anos, 

sem interrupção, no teatro de la Huchette. 

Este destino, tinha-o ele pressentido, ao 

escrever no seu diário, aos 16 anos, « Serei 

um dos maiores escritores da história do 

mundo ». 

Synopsis: A biography of Eugène Ionesco, the 

great writer of Romanian origin and French 

culture, the playwright who created the 

theatre of the Absurd and whose plays have 

been played in the theatre of la Huchette, in 

Paris, for the last fifty years, without a break. 

He had perceived this outcome, when he 

wrote, in his diary, when he was 16 years old, 

“ I will be one of the greatest writers in the 

history of the world “. 

_Revendo “Lire c’est Vivre” 

Título original: En revoyant “Lire c’est vivre” 

Título em inglês: Revewing “To read is to Live” 

Realização /Director: Robert Bober, França, 2007; 

Fotografia (cor) / Photography: Jean-Claude Decoret; 

Montagem / Editing: Françoise Besnier; Som / Sound: 

Francisco Cemeno; Companhia de produção / production 

company: INA Georges Groult; 


Contactos / Adress: 4 Avenida de l’Europe, 94360 Bry Sur 

Marne; ggroult@ina.fr 

Sinopse: Para Pierre Dumayet a questão 

da leitura pareceu então mais importante 

do que a questão do livro. E concluiu : “É 

preciso saber – e mostrar – como é que os 

livros são lidos.” Daí a ideia de dar a ler o 

mesmo livro a cinco ou seis pessoas. Os 

leitores apropriavam-se do livro, cada um à 

sua maneira. Conhecer uma personagem 

num livro, é um pouco como conhecer 

alguém na vida real. Com “Lectures pour 

tous”, Dumayet ouvia aquele que tinha 

escrito. Com “Lire c’est vivre” (“Ler é Viver”), 

ele ouvia aqueles que o tinham lido. 

Synopsis: For Pierre Dumayet the question 

of reading therefore appeared more 

important than the issue of the book. And 

he concluded: “We need to know – and show 

– how the books are read.” And he thought 

of giving the book to five or six people to 

read it. The readers got in possession of 

the book, each in his own way. Getting to 

know a character in a book, is like getting to 

know somebody in real life. In “Lectures pour 

tous”, Dumayet listened to the one who had 

written. In “Lire c’est vivre”, he listened to the 

one that had read it.

_O Senhor X 

Título original: Monsieur X 

Título em inglês: Mister X 

Realização /Director: Jean-Phillippe Puymartin & 

Marianne Basler, França, 2008; Argumento / Script: 

Adaptação do romance de Marguerite Duras; Música / 

Music: Siegfried Canto; Fotografia (cor) / Photography: 

Paco Wiser; Montagem / Editing: Jeanne Moutard; 

Companhia de produção / production company: 

Puymartin/Basler; Intérpretes / Cast: Marianne Basler, 

Jean-Phillippe Puymartin, Oliver Augrond, Anne-Laure 

Brasey, Jacques Lassalle. 

Duração /Running time: 1h16m 

Contactos / Adress: 12 Allee Les Pinsons 78170 La Celle 

ST Cloud France 

Sinopse: Paris. Junho de 1944. Vencendo os 

seus medos, Marguerite Duras dirige-se ao 

escritório da Gestapo tentando descobrir 

o que se passa com o seu marido. Neste 

lugar sinistro ela conhece o homem que 

o prendeu. Durante seis semanas, até a 

liberação de Paris, eles vão encontrar-se 

todos os dias... com a morte no fi nal do 

caminho... 

Synopsis: Paris. June 1944. Overcoming her 

fears, Marguerite Duras goes directly to the 

Gestapo’s Office trying to hear from her 

husband. In this sinister place she meets the 

man who arrested him. For six weeks until 

the liberation of Paris, they will meet every 

day… with death at the end of the road… 

_ Simone de Beauvoir, 

Uma Mulher Actual 

Título original: Simone de Beauvoir, une Femme Actuelle 

Título em inglês: Simone de Beauvoir, a Woman of our 

Time 

Realização /Director: Dominique Gros, França, 2007; 

Argumento/Script: Dominique Gros ; Produção 

/ Production: Les Films d’Ici; Fotografia (cor) / 

Cinematography: Nathalie Durand, Dominique Gros, 

Bertrand Mouly ; Montagem / Editing: Martine Bouquin; 

Som / Sound: Antoine Rodet ; 


Sinopse: Por ocasião do centenário do 

nascimento de Simone de Beauvoir (Janeiro 

1908), Dominique Gros propõe a discussão 

da personalidade da romancista, fi lósofa, 

mas também política e activista feminista. 

O fi lme vai ao encontro desta mulher, em 

toda a sua riqueza e complexidade, à luz 

de uma época cheia de mudanças. A dupla 

que ela formou com o jovem Jean-Paul 

Sartre foi um pilar para a vida literária e 

política nos anos 1940 a 1970. 

Synopsis: On the occasion of the centenary 

of the birth of Simone de Beauvoir (January, 

1908), Dominique Gros proposes to discuss 

the personality of both the novelist and the 

philosopher, but also the political activist 

and the feminist. The film reveals this 

woman, in all her richness and complexity, 

under the light of an era full of changes. The 

duo she formed with young Jean-Paul Sartre 

has been a support of the literary and politic 

life in the years 1940 to 1970. 



_ O Triângulo Imperfeito 

Título original: El Triangulo Imperfecto 

Título em inglês: The Imperfect Triangle 

Realização /Director: Jorge Bompart, Argentina, 2009; 

Argumento / Script: Claudia Gaensel, Jorge Bompart, 

segundo obra de Mari Gandolfo; Produção / Production: 

Jorge Bompart; Música / Music: Nicolas Di Paolo; 

Montagem / Editing: Jorge Bompart; Direcção artística 

/ Art Direction: Jorge Bompart; Animação / Animation: 

Jorge Bompart; Som / Sound: Ezequiel Ferrarotti; 


Contactos / Adress: Joge Bompart, Sucre 2661, PBC – CP 

1428; Buenos Aires, Argentina; jorgebompart@hotmail. 

com 

Prémios / Awards: estreia mundial. 

Sinopse: Numa tranquila cidade onde 

os habitantes vem o tempo passear, 

amarrados a hábitos, crenças ou talvez 

superstições inocentes, uma rapariga 

experimenta, a partir do seu encontro 

com uma senhora desconhecida, a dor 

de crescer bruscamente, descobrindo a 

realidade do mundo dos adultos. 

Synopsis: In a calm town where the 

inhabitants see the time pass by, tied to 

costumes, believes or perhaps innocent 

superstitions, a girl experiments from her 

encounter with a strange lady, the pain to 

grow suddenly discovering the reality of the 

world of the adults.

_Laura Soveral 

Título original: Laura Soveral 

Título em inglês: Laura Soveral 

Realização /Director: Graça Castanheira, Portugal, 2008; 

Produção / Production: Filmes do Tejo; Música / Music: 

Marco Figueiredo; Fotografia (cor) / Cinematography: 

Cláudia Varejão 

Montagem / Editing: Graça Castanheira; Direcção de 

produção / direction of production: Caroline Barraud; 

Som / Sound: Pedro Semedo; Pós-Produção: Real Ficção 


Sinopse: Vida e obra de Laura Soveral, uma 

das grandes actrizes portuguesas das 

últimas décadas, com um percurso muito 

particular tanto do teatro como no cinema, 

onde avultam interpretações marcantes, 

como a sua em “Uma Abelha na Chuva”. 

Synopsis: The life and work of Laura Soveral, 

one of the last decades’ major Portuguese 

actresses, with a very significant career, 

both in the theatre as in the cinema, 

where we can highlight some remarkable 

interpretations, such as in “Uma Abelha na 

Chuva”. 

_ Humberto Delgado: 

Obviamente Demito-o! 

Título original: Humberto Delgado: Obviamente 

Demito-o! 

Título em inglês: Humberto Delgado: Obviamente 

Demito-o! 

Realização: Lauro António (Portugal, 2008); Argumento: 

Lauro António; Fotografia (cor): Carlos Cunha; Música: 

Beethoven (Sinfonia nº 3, Heróica), Marisa (Ó Gente 

da minha Terra), Carlos do Carmo (Um Homem na 

Cidade), Amália Rodrigues (Abannono); Montagem: 

Francisco Sequeira; Som: Jorge Cabanelas, Ricardo 

Simões; Assistente de Realização: Frederico Corado; 

Genérico: Teresa Martins; Grafismo adicional: Nicolau 

Tudela; Produção: João Barrigana; RTP, Av. Marechal 

Gomes da Costa nº 37, 1080-030 – joão.barrigana@rtp. 

pt. Intérpretes: Iva Delgado, Humberto Rosa, Marcelo 

Rebello de Sousa, Mário Soares, Ramalho Eanes, Adriano 

Moreira, Fernando Dacosta, Fernando Rosas, Vasco 

Lourenço, Pezarat Correia, Otelo Saraiva de Carvalho, 

António Taborda, Luís Farinha, Maria Barroso, Jaime 

Nogueira Pinto, Manuel Cavaco, Varela Gomes, Manuel 

Serra, João Mário Mascarenhas, Joaquim Vieira, Irene 

Pimentel, etc. Duração: 58’ 

Contacto: RTP, Av. Marechal Gomes da Costa nº 37, 1080- 

030 ou Lauro António – laproducine@gmail.com 

Sinopse: No dia 10 de Maio de 2008 

comemoraram-se 50 anos sobre o início 

da campanha para as eleições de 1958, 

protagonizada pelos candidatos da 

oposição, General Humberto Delgado, e 

da União Nacional, Almirante Américo 

Thomaz. Evocando e reavivando não só os 

tempos do Estado Novo e da ditadura de 

Oliveira Salazar, numa análise crítica actual 

e despreconceituosa, como sobretudo a 

personalidade vulcânica e vibrante do 

“General sem Medo”, como fi cou conhecido 

na História, este documentário recorda 

um período particularmente quente e 

signifi cativo da luta política que terá 

marcado toda a História da segunda 

metade do século XX em Portugal. 

47 | Extra-Concurso

48 | Extra-Concurso 

_ Pessoalmente 

Maria do Céu Guerra 

Título original: Pessoalmente Maria do Céu Guerra 

Título em inglês: Maria do Céu Guerra Herself 

Realização /Director: Frederico Corado, Portugal, 2008; 

Entrevista conduzida por Júnior Sampaio; Produção / 

Production: Entrar em Palco Associação Cultural com 

Magazin Produções para Entretanto MIT Valongo; 

Música / Music: António Vitorino D’Almeida; Fotografia 

(cor) / Cinematography: Frederico Corado; Montagem 

/ Editing: Frederico Corado; Direcção de produção / 

direction of production: Cátia Garcia; Intérpretes/cast: 

Maria do Céu Guerra, Rita Lello, Changuito, João Paulo 

Guerra, Hélder Costa, Carlos Avilez, Lauro António, 

António Vitorino D’Almeida, Nuno Brederode Santos 


Sinopse: A vida e a carreira de Maria do 

Céu Guerra, uma das maiores actrizes e 

encenadoras portuguesas. Excertos de 

“Crónica dos Bons Malandros”, “Casino 

Oceano”, “O Mal Amado”, “Menino ou 

Menina”, “Play It Again”, “Agosto – Contos 

da Emigração”, “Antígona”, “Pranto de 

Maria Parda”, “Oh Que Dia Tão Estúpido”, 

“Felizmente Há Luar”, etc. Fotografi as do 

arquivo pessoal da actriz, Museu Nacional 

do Teatro, Teatro Experimental de Cascais e 

do Teatro A Barrac. 

Synopsis: The life and career of Maria do 

Céu Guerra, one of the greatest Portuguese 

actresses and director. Extracts of ““Crónica 

dos Bons Malandros”, “Casino Oceano”, “O 

Mal Amado”, “Menino ou Menina”, “Play 

It Again”, “Agosto – Contos da Emigração”, 

“Antígona”, “Pranto de Maria Parda”, “Oh 

Que Dia Tão Estúpido”, “Felizmente Há Luar, 

etc. Photos from the personal archive of the 

actress, Museu Nacional do Teatro, Teatro 

Experimental de Cascais and from the Teatro 

A Barraca.

FAMAFEST 

2009 

DA PALAVRA À IMAGEM

50 | da Palavra à Imagem 

_AUSTRÁLIA 

Baz Luhrmann não tem sorte com a maioria dos críticos encartados. Quando os seus 

fi lmes se estreiam, por exemplo em Portugal, as primeiras opiniões são francamente 

desfavoráveis, depois com o passar do tempo e com as opiniões do comum dos 

espectadores que transformam os seus fi lmes em obras de culto, muitos dão a mão 

à palmatória, dão o dito por não dito, e aclamam os lançamentos em DVD, e outras 

coisas tais. Aconteceu em “Romeo + Julieta”, aconteceu de forma dramática com essa 

obra-prima chamada “Moulin Rouge”, volta a acontecer agora com este belíssimo e 

sumptuoso épico melodramático erigido em louvor da sua terra natal, “Austrália”. 

Como já perceberam, gosto muito do fi lme, ainda que não o considere uma obraprima 

(mas que importa isso? que importa se um fi lme não é perfeito, quando nos 

sentimos tão bem na sua companhia?). Ora já convém saber o que me leva a gostar 

do fi lme, porque gostar só por gostar não interessa muito (a não ser numa perspectiva 

pessoal). 

Vamos ver se consigo colocar aqui as principais razões. A primeira, porque se trata de 

um fi lme que gosta de contar histórias, que vive de contar histórias, o que se percebe 

logo desde o início quando uma criança aborígene australiana explica o que o mágico 

seu avô lhe confessou: “O mais importante do mundo é contar histórias”, porque ao 

contar histórias estamos a perpetuar a nossa História. Esta perspectiva de “contar 

histórias”, que começou por ser oral, passou à escrita e ao papel, e agora progride nas 

imagens e nos sons, é algo de fabuloso que urge preservar. “Contar histórias” pode 

ser tanta coisa, mas é sobretudo dialogar, ofertar saber, imaginação, e transformar o 

homem num ser “culto”. A cultura alimenta-se de histórias. Um fi lme que gosta de 

personagens que contam histórias é um fi lme que gosta de contar histórias, para 

um público que goste de ouvir histórias. Agrada-me. A seguir vem a história que Baz 

Luhrmann quer contar, o que pode ser observado sob vários pontos de vista. Mas há 

um que sobressai sobre todos os outros: Baz Luhrmann é australiano e ama a sua terra, 

a cor da paisagem, o pó dessa terra vermelha, ensanguentada, os pores-do-sol, a água 

que jorra em cascatas infi nitas, as montanhas rasgadas a pique sobre desfi ladeiros 

ou planícies, ama as vacas e os cavalos selvagens, ama a vida livre e selvagem, ama os 

mágicos que se sustentam do alto das montanhas só sobre um pé, ama as crianças 

que acreditam nos poderes sobrenaturais, ama os actores e os técnicos do seu país (o 

fi lme é quase integralmente criado por um elenco e uma equipa técnica australiana) 

e consegue transmitir-nos esse enorme amor a uma terra, uma cultura, uma história, 

uma realidade presente (que se torna “presente” através de uma história do passado 

recente). Fá-lo não de forma pretensiosa, mas com uma sinceridade que surpreende. 

Nada no fi lme soa a falso, nada faz lembrar um frete de encomenda (apesar do governo 

da Austrália, ao que se sabe, ter subsidiado em grande o fi lme, para fazer dele um cartão 

de visitas condigno). É, pois, uma parte da história da Austrália que Baz Luhrmann quer 

contar, ou, como confessou numa entrevista, “explicar aos fi lhos porque eles se devem 

orgulhar da sua terra.” Aos seus fi lhos e aos fi lhos de todo o mundo que olham esta 

gesta e se devem sentir ufanos não só de serem australianos, mas humanos. Porque 

esta é também uma história sobre a grandeza do homem. De um homem que para ser 

grande tem de ultrapassar barreiras ignóbeis criadas pelo próprio homem. Essa é já 

uma outra parte da história. 

Estamos em 1939, a Alemanha nazi invadiu a Polónia e “O Feiticeiro de Oz” estreiase 

nos cinemas, com Judy Garland a cantar “Over de Rainbow”. Sarah Ashley (Nicole

Kidman), uma aristocrata inglesa, cujo marido se encontra na Austrália, criando gado 

e preparando-se para o vender ao exército, resolve viajar até Darwin, a cidade mais 

próxima de “Faraway Downs”, uma quinta de criação de cavalos e vacas, com terras a 

perder de vista, no norte do continente. Não é o marido que a recebe, mas o condutor 

de gado, Drover (Hugh Jackman). Sarah e Drover não simpatizam desde logo um 

com o outro, Sarah vem para esta terra inóspita carregada de malas, de preconceitos 

e de ideias estabelecidas (julga que o marido a trocou por alguma aborígene), mas 

lentamente descobre várias realidades encobertas, a primeira das quais que o senhor 

Ashley acabara de ser assassinado, que ela se encontra viúva numa terra estranha, 

que dirigir “Faraway Downs” vai ser matéria dura de roer, que existe nessa fazenda 

um miúdo, Nullah (Brandon Walters), órfão, que “não é preto nem branco” e foge das 

autoridades que o querem aprisionar e tornar escravo, por quem se vai tomar de 

amores. Escusado será dizer que por outros amores se tomará pelo condutor de gado. 

Mas antes há que referir a existência de um cruel e desapiedado administrador da 

quinta, Neil Fletcher (David Wenham) e o tenebroso latifundiário e proprietário de gado, 

King Carney (Bryan Brown), que não quer concorrentes neste campo e tudo faz para 

afastar Sarah e “Faraway Downs” do seu caminho. Mas quanto mais a enxotam, mais 

Sarah parece interessada em levar a sua avante, ou não fosse ela uma continuação das 

mulheres abnegadas e de rija têmpera que têm em Scarlett O’Hara modelo, tal como 

“Austrália” tem como paradigma “E Tudo o Vento Levou” (para lá de outras epopeias de 

um David Lean, por exemplo), e “Faraway Downs” recorda “Tara”. As semelhanças vão 

mais longe. Vejam-se as heroínas: uma sai da Irlanda para a América, jovem nação, que 

51 | da Palavra à Imagem


entra numa guerra de Norte contra o Sul, de irmãos contra irmãos; a outra viaja de 

Inglaterra, rumo à Austrália, onde vai descobrir igualmente os horrores de uma guerra 

devastadora, a II Guerra Mundial, com os japoneses a bombardearem e invadirem a 

Austrália, entrando por Darwin, que destroem por completo. Uma mulher “de rendas”, 

vinda do velho continente, que surpreende dentro de si as forças necessárias para levar 

a sua tarefa até ao fi m, um condutor de gado que não aceita amarras nem conluios, 

uma criança que gosta de ouvir histórias, e à volta de tudo isto, exploradores de gado 

gananciosos, assassinos a soldo, padres vendidos, missões transformadas em bases 

de recrutamento de mão de obra escrava, preconceitos de raça, de sexo e de casta 

fi nanceira, brancos, pretos e nem uma coisa nem outra, aborígenes que lentamente 

foram sendo dizimados, e a II Guerra Mundial a estoirar no centro das suas vidas. Uma 

história e tanto! 

Mas o mais curioso é que Baz Luhrmann não pega na história de uma forma realista. 

Nada disso ou não fosse ele o autor de “Romeo + Julieta” e de “Moulin Rouge”. O que faz 

é precisamente recolher os estereótipos destas histórias melodramáticas e coser um 

puzzle onde tudo se apresenta conforme a convenção, para depois se reconduzir ao 

seu lugar mais realista. A inglesa (num novo continente) surge em Darwin carregada 

de malas azuis, de roupa interior rendada, de saltos altos, tremelicando ao andar 

nas ruas de terra batida, tal como a lenda diria que o que fora, assim acontecera. O 

“condutor de gado” anda à zaragata num bar como nos bons velhos tempos do Oeste, 

sozinho contra todos e acabando por vencer. O miúdo é salvo de ser espezinhado por 

uma manada de mil e quinhentas vacas por acção mágica. E, no entanto, pelo poder 

de contar uma história, ali estamos nós, comovidos e absortos, a rir intimamente com 

os estereótipos e a chorar por fora, que bem se ouviam os soluços na sala e os lenços 

amarfanhados nas mãos. Romântico até dizer chega (o par em contraluz numa baía 

de sonho, à noite, com as luzes da cidade a refl ectirem-se na água), melodramático 

até às lágrimas (o reencontro fi nal não deixa ninguém indiferente), bem intencionado 

até à medula (com a defesa dos fracos e dos oprimidos, dos negros e dos aborígenes, 

das mulheres e das crianças, e da liberdade do mundo), “Austrália” consegue ser tudo 

isso de uma forma tão galvanizante que, partindo da mentira do espectáculo que 

todos descobrem ser falso, acaba por atingir a verdade. A verdade dos travellings de 

Baz Luhrmann sobrevoando aquela terra mágica com uma beleza selvagem e pura. 

A verdade de um elenco extremamente bem dirigido, onde os momentos míticos, na 

linha do mais puro cinema clássico americano, surgem fulgurantes (deixemos de lado 

a presença de Nicole Kidman, que já conhecemos, e que se mantém igual a si própria, 

ou seja excelente sob todos os pontos de vista, e atentemos nas “aparições” do novo 

sex symbol do cinema, Hugh Jackman, que são escolhidas a preceito: toma banho para 

valorizar o tronco, numa cena certamente das mais épicas para o público feminino – e 

algum masculino; surge de súbito no cimo de uma escadaria, em impoluto fato branco, 

deslumbrando pelo inesperado; embrenhando-se nalguns dos beijos mais sensuais do 

cinema dos últimos anos; etc.). Depois temos a referência constante a “O Feiticeiro de 

Oz”, ao seu universo mágico, e ao prazer inesquecível de “regressar a casa”, depois da 

aventura e da tormenta. Todos, no fi lme, regressam a casa, a essa Austrália que os viu 

nascer e que os lançou no cinema mundial. Agora regressam agradecidos. 

Talvez um pouco excessivamente longo, talvez um pouco desequilibrado, talvez um 

pouco … sei lá, não é uma obra-prima perfeita, mas é um daqueles fi lmes que dá um 

prazer danado ver. Por isso o cinema é grande.

_AUSTRÁLIA 

Título original: Australia 

Realização: Baz Luhrmann (Austrália, EUA, 2008); Argumento: Baz Luhrmann, Stuart Beattie, Ronald Harwood, Richard 

Flanagan; Produção: G. Mac Brown, Catherine Knapman, Baz Luhrmann, Catherine Martin, Paul ‘Dubsy’ Watters; Música: 

David Hirschfelder; Fotografi a (cor): Mandy Walker; Montagem: Dody Dorn, Michael McCusker; Casting: Nikki Barrett, 

Ronna Kress; Design de produção: Catherine Martin; Direcção artística: Ian Gracie, Karen Murphy; Decoração: Beverley 

Dunn; Garda-roupa: Catherine Martin; Maquilhage: Simone Wajon, Kerry Warn; Direcção de produção: Aaron Downing, 

Simon Lucas; Assistentes de realização: Danielle Blake, Jeremy Grogan, Bruce Hunt, Jennifer Leacey, Scott Lovelock, Guy 

Norris, Simon Warnock; Departamento de arte: Kristen Anderson, Colette Birrell, Simon Elsley, Jenny Hitchcock; Som: 

Wayne Pashley; Efeitos especiais: Brian Cox, Thomas Van Koeverden; Efeitos visuais: Myles Asseter, Viv Baker, David Booth, 

Chris Godfrey, Danny Huerta, Gemma James, Chad Malbon, James E. Price, Peter Webb; Animação (cena de cangurus): 

Gerard Van Ommen Kloeke; Companhias de produção: Bazmark Films, Twentieth Century-Fox Film Corporation. 

Intérpretes: Nicole Kidman (Lady Sarah Ashley), Hugh Jackman (Drover), Bryan Brown (King Carney), Brandon Walters 

(Nullah), Ray Barrett (Bull), David Wenham (Neil Fletcher), Ben Mendelsohn (Capitão Dutton), Sandy Gore (Gloria 

Carney), Jacek Koman (Ivan), Essie Davis (Cath Carney), Tony Barry, Tara Carpenter, Rebecca Chatfi eld, Lillian Crombie, 

Max Cullen, Arthur Dignam, Michelle Dyzla, Haidee Gaudry, Terence Gregory, David Gulpilil, Jamie Gulpilil, Peter Gwynne, 

Sean Hall, Joy Hilditch, Matthew Hills, Jimmy Hong, Bill Hunter, Jarwyn Irvin-Collins, Robert Jago, John Jarratt, Eugene 

Kang, Crusoe Kurddal, Liam Lannigan, Siena Larsson, Cody Lea, Jack Leech, Charles Leung, Jacob Linger, Mark Malabirr, 

John Martin, Logan Mattingley, Adam McMongial, Dylan Minggun, Phillippe Moon, Nyalik Munungurr, Patrick Mylott, 

David Ngoombujarra, Barry Otto, Angus Pilakui, Robin Queree, Mark Rathbone, Garry Scott, John Sheerin, Bruce Spence, 

Jack Thompson, Wah Yuen, Kerry Walker, Elaine Walker, Matthew Whittet, Ursula Yovich, Anthony Cogin, Anton Monsted, 

etc. Duração: 165 minutos; Distribuição em Portugal: Filmes Castello Lopes; Classifi cação etária: M /12 anos; Estreia em 

Portugal: 25 de Dezembro de 2008 (Portugal). 



_O CAVALEIRO DAS TREVAS 

“O Cavaleiro das Trevas”, de Christopher Nolan, baseia-se num conceito e numa 

personagem, para sobre eles erguer todo o fi lme. O conceito é a dualidade de 

potencialidades que existe no interior de cada ser humano, e que podem ser 

desenvolvidas para o Bem ou para o Mal, o que se exemplifi ca de forma bem concreta 

na personagem de Harvey Dent (Aaron Eckhart), mais tarde também chamado 

precisamente “Two-Face”, e que deita à sorte a morte ou a sobrevivência de quem consigo 

se cruza atirando uma moeda ao ar, uma cara clara ou uma coroa bem escura. Ou seja, 

para Jonathan Nolan e Christopher Nolan, que escreveram o argumento de “The Dark 

Knight”, conjuntamente com David S. Goyer, segundo lendárias personagens criadas 

por Bob Kane, na célebre banda desenhada, o Homem tem dentro de si a capacidade 

de escolher o seu caminho, investindo no Bem ou acometendo o Mal, consoante o 

seu desígnio. Mas este desígnio é prefi gurado no fi lme por dois símbolos igualmente 

muito signifi cativos enquanto tal: Batman (Christian Bale) e Joker (Heath Ledger). O 

Bem sabe-se que se chama, na realidade, Bruce Wayne, que tem uma dupla existência, 

sendo por vezes o misterioso Batman, que é milionário e se serve da sua riqueza não 

só para lutar contra o crime, como para socorrer quem precisa. Do Mal, nada se sabe. O 

Joker é, efectivamente, um enigma, como enigma são todos os grandes “monstros” da 

história humana. Como chegaram ao que foram ninguém sabe, apesar de se lançarem 

muitas pistas sociais e psicanalíticas. O Mal existe, está aí, é o Joker neste fi lme. Um Mal 

terrível, que não se preocupa com a acumulação do dinheiro ou a conquista do poder,

que não tem intenções pessoais de grandeza desmedida, que se instala e segreda ao 

ouvido de cada um, como o grilo do Pinóquio, sempre numa catastrófi ca perspectiva 

demoníaca. São as modernas “Tentações de Santo Antão”, onde as provocações do Mal 

existem apenas como forma de corromper o Homem, a sociedade e, sobretudo, o Bem. 

O Joker não tem qualquer fi to concreto na extensão do Mal a não ser precisamente 

isso, expandir o Mal. O seu olhar não repousa tranquilamente sobre as vítimas, vagueia 

no espaço, fala de forma capciosa para alguém, mas olha em redor em busca de nova 

vítima, quer multiplicar os pecadores, ampliar o horror, criar o caos total, sem intuitos 

pré-defi nidos, apenas porque o caos é assim, sem princípio nem fi m, sem arrumação 

possível, imprevisível e absurdo, tal qual a genial criação de Heath Ledger. 

Se Batman é arrumadinho e consciencioso, tem escritório e guarda-fato electrónico 

para a sua máscara secreta, se tem a ciência que o ajuda (que o aconselha sobretudo 

a ser moralmente irrepreensível e não invadir a privacidade do cidadão, coisa de 

somenos para a actual administração Bush), se tem um mordomo que vela pela sua 

comodidade, se aceita passar por vilão, para que a polis sobreviva, se Batman é a 

norma positiva da vida em sociedade, o Joker é obviamente o seu contrário, o triunfo 

do absurdo sob a forma de horror. Um horror que se estampa desde logo no seu rosto 

de um riso imposto, de boca riscada a lâmina, com múltiplas explicações, adaptadas a 

cada novo ouvinte. 

O Joker normalmente é a carta do baralho que traz fortuna (veja-se a ambiguidade do 

termo “fortuna”, que quer dizer “sorte” e “riqueza”, como se ambas se sobrepusessem). 



Aqui o Joker não anuncia nada de benigno, antes pelo contrário. Em Gotham City, o 

crime vive ameaçado por um promotor público que o quer erradicar da cidade e por 

um chefe da polícia que está igualmente disposto a não pactuar com a corrupção e 

o desmando. Batman é o aliado de ambos a quem se recorre para impor ordem na 

desordem. Basta acender rumo ao céu o holofote que a comunidade já conhece para 

que o temor e o respeito pela justiça desçam sobre a cidade. O que leva a Máfi a a saturarse 

da situação que lhe deixa pouca margem de manobra. Aceita, por isso, os serviços 

do Joker para restaurar a velha anarquia e impor de novo o caos. O Joker agradece. 

Nada lhe dá mais prazer do que o Mal. Praticá-lo, sim, mas sobretudo difundi-lo, alargar 

horizontes, contaminar, perverter, ir ao hospital onde se encontra um doente especial e 

transformar o seu rosto de belo e justo cidadão no estertor da morte. Assim seja. 

Um tal fi lme poderia passar por uma parábola simplista para incautos desprevenidos. 

Mero raciocínio falhado. Ao que se assiste é a um dos melhores fi lmes do ano, 

alicerçado num argumento escrito com inteligência e intencionalidade, sem 

primarismos nem facilidades, saído de uma banda desenhada, cujo espírito respeita, 

mas a que confere uma maturidade e uma universalidade evidentes, e que consegue 

o feito indesmentível de transmitir ao longo de toda a sua projecção um enorme mal 

estar, esse mal estar que se instalou há anos na sociedade norte-americana e que 

lentamente se vai estratifi cando numa psicose malsã. O mundo atravessa uma crise 

profunda, mas essa crise ainda se sentirá mais na sociedade norte-americana, dividida 

profundamente quanto ao que de mais essencial a democracia signifi ca, o que se pode 

verifi car inclusive pelos resultados das sondagens eleitorais. Sem querer identifi car de 

forma muito primária o Mal e o Bem com divisões partidárias, o que se pode concluir 

é que esta divisão (em grande parte consequência do 11 de Setembro, mas também 

do catastrófi co governo Bush, para lá de outras causas de menor impacto) está a 

gerar no subconsciente colectivo uma onda de insegurança, de pânico, de angústia, 

de inquietação que ninguém pode ignorar, com as consequências para o futuro dessa 

sociedade (e do mundo) que também ninguém pode antever com precisão. 

Para recriar plasticamente este clima de ameaça latente, de à beira de fi m de mundo, 

Christopher Nolan serve-se de uma direcção artística magnífi ca, de uma excelente 

fotografi a, de uma banda sonora impressionante, de uma partitura musical inspirada, 

de uma montagem que sabe criar o clima próprio, mas sobretudo de um conjunto de 

actores absolutamente invulgar. Christian Bale, Michael Caine, Gary Oldman, Morgan 

Freeman, Aaron Eckhart, Maggie Gyllenhaal, Eric Roberts e tantos outros mostram-se 

dignos uns dos outros, criando um elenco de luxo, onde será justo destacar a cereja em 

cima do bolo, o malogrado Heath Ledger que demonstra aqui o seu enorme talento 

e a justeza da sua representação. Ser vilão é muito mais fácil do que ser um honesto 

e cinzento cidadão. Mas há vilões e vilões. Este de Heath Ledger não é apenas mais 

uma fi gura pitoresca, uma máscara postiça, um fato que se veste como se despe. Ele 

carrega de vida intensa uma personagem histriónica, coloca angústia no esgar que se 

pensa apenas sorridente, mas nunca se afasta da fi gura da tragédia. Ele transforma 

o Joker num símbolo de maldade imanente e absoluta que consegue alastrar a cada 

espectador e imbuir de pesadelos os nossos sonhos ao sair da sala de cinema. Se 

há actor que se liberta da lei da morte, aqui está um que se torna inesquecível. Ele 

continuará a povoar de inquietação e de sardónico riso as ruas solitárias e nocturnas 

das grandes metrópoles.

_O CAVALEIRO DAS TREVAS 

Título original: The Dark Knight 

Realização: Christopher Nolan (EUA, 2008); Argumento: Jonathan Nolan, Christopher Nolan, David S. Goyer, segundo 

personagens criadas por Bob Kane; Produção: Christopher Nolan, Charles Roven, Emma Thomas, Kevin De La Noy, Jordan 

Goldberg, Philip Lee, Karl McMillan, Benjamin Melniker, Thomas Tull, Michael E. Uslan; Música: James Newton Howard, 

Hans Zimmer; Fotografi a (cor): Wally Pfi ster; Montagem: Lee Smith; Casting: John Papsidera; Design de produção: Nathan 

Crowley; Direcção artística: Mark Bartholomew, James Hambidge, Kevin Kavanaugh, Simon Lamont, Steven Lawrence, 

Naaman Marshall; Decoração: Peter Lando; Guarda-roupa: Lindy Hemming; Maquilhagem: Janice Alexander, Peter Robb- 

King; Direcção de produção: Chen On Chu, Bill Daly, Geoff Dibben, Jan Foster, David E. Hall, Thomas Hayslip, Michael 

Murray, Susan Towner; Assistentes de realização: Julian Brain, Michael T. McNerney, Nilo Otero; Departamento de arte: J. 

André Chaintreuil, Jenne Lee, Robert Woodruff; Som: Richard King; Efeitos especiais: Chris Corbould, Don Parsons; Efeitos 

visuais: Joyce Cox-Weisiger, Nick Davis, Raul Esparza III, Julie Verweij, Mark H. Weingartner; Companhias de produção: 

Warner Bros. Pictures, Legendary Pictures, DC Comics, Syncopy; Intérpretes: Christian Bale (Bruce Wayne ou Batman), 

Heath Ledger (The Joker), Aaron Eckhart (Harvey Dent ou Two-Face), Michael Caine (Alfred), Maggie Gyllenhaal (Rachel 

Dawes), Gary Oldman (Det. Lt. James Gordon), Morgan Freeman (Lucius Fox), Monique Curnen (Det. Anna Ramirez), Ron 

Dean (Detective Wuertz), Cillian Murphy (Scarecrow), Chin Han (Lau), Nestor Carbonell (Mayor Anthony Garcia), Eric 

Roberts (Salvatore Maroni), Ritchie Coster (The Chechen), Anthony Michael Hall (Mike Engel), Keith Szarabajka, Colin 

McFarlane, Joshua Harto, Melinda McGraw, Nathan Gamble, Michael Vieau, Michael Stoyanov, William Smillie, Danny 

Goldring, Michael Jai White, Matthew O’Neill, William Fichtner, Olumiji Olawumi, Gregory Beam, Erik Hellman, Beatrice 

Rosen, Vincenzo Nicoli, Edison Chen, Nydia Rodriguez Terracita, Andy Luther, James Farruggio, Tom McElroy, Will Zahrn, 

James Fierro, Patrick Leahy, Sam Derence, Jennifer Knox, Patrick Clear, Sarah Jayne Dunn, Chucky Venice, Winston Ellis, 

David Dastmalchian, Sophia Hinshelwood, Keith Kupferer, Joseph Luis Caballero, Richard Dillane, Daryl Satcher, Chris 

Petschler, Aidan Feore, Philip Bulcock, Paul Birchard, Walter Lewis, Vincent Riotta, Nancy Crane, K. Todd Freeman, Matt 

Shallenberger, Michael Andrew Gorman, Lanny Lutz, etc. Duração: 152 minutos; Distribuição em Portugal: Columbia 

Pictures; Classifi cação etária: M/ 12 anos; Locais de fi lmagem: EUA: Atwood Café, 1 W Washington St, Chicago, Illinois; 

Hotel 71 - 71 E. Wacker Drive, Downtown, Chicago, Illinois; IBM Building - 330 N Wabash, Chicago, Illinois; (interiors) Los 

Angeles, California; Lower Wacker Drive, Downtown, Chicago, Illinois; McCormick Place - 2301 S. Lake Shore Drive, Near 

South Side, Chicago, Illinois; Millennium Station, Chicago, Illinois; Navy Pier - 600 E. Grand Avenue, Near North Side, 

Chicago, Illinois; Old Post Offi ce, Chicago, Illinois; Old Town, Near North Side, Chicago, Illinois; Richard J. Daley Center - 55 

W. Randolph Street, The Loop, Downtown, Chicago, Illinois; Trump International Hotel & Tower - 401 N Wabash, Chicago, 

Illinois; Twin Anchors Restaurant & Tavern - 1655 N. Sedgwick Street, Lincoln Park, Chicago, Illinois. Inglaterra: Battersea 

Power Station, Battersea, London; Bedford, Bedfordshire; Cardington, Bedfordshire; Chertsey, Surrey; Criterion Theatre, 

Jermyn Street, St James’s, London; George Farmiloe Building - 28-36 St John Street, Clerkenwell, London; Leavesden 

Studios, Leavesden, Hertfordshire; Liverpool, Merseyside; London; Longcross, Surrey; Piccadilly Circus, Piccadilly, London; 

Pinewood Studios, Iver Heath, Buckinghamshire; Senate House, University College London, Malet Street, Bloomsbury, 

London; St John Street, Clerkenwell, London; Twickenham, Middlesex; University of Westminster, London. China, Hong 

Kong: International Finance Centre, Central; Queen’s Road Central, Central; The Center, Central; The Peninsula Hong Kong 

Hotel, Salisbury Road, Kowloon; Victoria Harbour; Estreia em Portugal: 24 de Julho de 2008. 



_CORAÇÕES 

A peça de Alan Ayckbourn, um dos dramaturgos mais encenados em Inglaterra, chamase 

“Medos Privados em Lugares Públicos” (“Private fears in public spaces”) e foi o original 

escolhido pelo francês Alain Resnais (84 anos de idade) para adaptar ao cinema. Não é a 

primeira vez que ambos se encontram. Em 1993, Resnais levara ao ecrã uma outra obra 

de Alan Ayckbourn (“Intimate Exchanges”), que traduzira por “Smoking/No Smoking” 

(1993). O resultado é, em ambos os casos, muito interessante, mas fi quemo-nos por 

agora nestes “Corações” que muita gente olha como destroços de uma sociedade 

onde impera a solidão e a difi culdade de comunicação (o que é uma realidade, até de 

um ponto de vista físico: as relações entre as pessoas são efectivamente difi cultadas 

pela arquitectura, a decoração, o design modernos: divisões de casas cortadas ao meio 

por paredes e tapumes, salas de trabalho com divisórias absurdas, balcões de bares, 

etc.), mas que, no seu tom geral não desemboca numa visão pessimista da condição 

humana, mas muito pelo contrário, numa muito saudável busca de felicidade e 

amor. Ou seja: realmente a vida está organizada de uma forma algo asfi xiante, mas 

as pessoas não se entregam, não desistem, não fenecem sem luta, sem procura, sem 

por vezes uma discreta exigência de felicidade que lhes traz momentos de alguma 

plenitude. Que é preciso aproveitar. Prova de optimismo, num cineasta que foi dos 

precursores da “Nouvelle vague”, que nos deu algumas das obras-primas defi nitivas 

do Cinema Francês e que continua a olhar-nos (e a olhar-se) de forma crítica mas não 

totalmente desesperada. Antes com uma ironia de percurso desarmante (veja-se o 

caso desse “anjo libertador” que durante o dia trabalha numa agência de imobiliário 

e, à noite, acalenta de forma não muito ortodoxa, por entre rezas e cabedais negros, a 

solidão de desgraçados à beira da morte). 

Três homens, três mulheres perdidos (ou achados?) em Paris: Thierry (André Dussolier) 

é um agente imobiliário que tenta encontrar um apartamento para Dan (Lambert 

Wilson) e Nicole (Laura Morante), um casal de problemáticos clientes. Na agência 

onde trabalha tem como colega Charlotte (Sabine Azéma), doce companheira de horas 

mortas que leva o seu espírito de missão até ao ponto de emprestar semanalmente 

ao seu vizinho de secretária cassetes gravadas de piedosas emissões de um programa 

de TV, “Estas canções que mudaram a minha vida”, entrevistas e variedades de teor 

religioso que ela não dispensa, e que deixa entrever, após o fi nal da gravação, cenas de 

sado-masoquismo altamente perturbadoras. Por seu turno, Thierry, vive com uma irmã 

mais nova, Gaelle (Isabelle Carré), mulher sedenta de amor, que procura concretizar 

através de encontros fortuitos em bares, onde espera pelo príncipe encantado com uma 

fl or na lapela. No bar de um hotel de Bercy, Lionel (Pierre Arditi), barman e confi dente, 

ouve os sucessivos fracassos, profi ssionais e sentimentais, de Dan, recentemente 

afastado da carreira militar e separado de Nicole. Depois de deixar o trabalho no bar, 

Lionel regressa a casa, onde cuida do pai, Arthur, um velho acamado e irascível. É aí que 

encontra Charlotte, em serviço de apoio a idosos. É Charlotte quem funciona como 

elemento de ligação neste puzzle de “corações, solitários caçadores” que a neve caindo 

sobre Paris irmana numa mesma imagem. Diga-se que esse efeito de montagem é um 

dos trunfos desta obra discreta, amável, elegante, quase secreta, sussurrada, que se 

aproxima muito de uma miniatura de extrema sensibilidade e pudor. Aliás na linha de 

outras obras de Alain Resnais, como “É Sempre a mesma Canção”, obra que mantém 

com “Corações” curiosas afi nidades temáticas e de construção. 

Excelentes actores franceses (e não só!) que infelizmente tão mal conhecemos (pois

aros são os fi lmes franceses – e europeus - que se estreiam em Portugal!) ajudam a 

transformar “Corações” numa festa de emoções que sabe bem frequentar. Será curioso 

revelar um pormenor da direcção de actores segundo Resnais. Para ele, os actores 

precisam de conhecer toda a vida anterior (e futura) do seu personagem. Assim, antes 

do início da rodagem, cada actor recebeu, juntamente com o guião, um envelope 

lacrado, com um selo de “confi dencial”!, contendo a biografi a do respectivo personagem, 

descrevendo o que pudesse ter sido a sua vida anterior, que não é revelada no fi lme, 

mas poderá ser adivinhada. Cada fi gura cria assim uma densidade de comportamento 

inesperada, muito embora pouco se saiba realmente de cada uma delas. 

_CORAÇÕES 

Título original: Coeurs 

Realização: Alain Resnais (França, Itália, 2006); Argumento: Jean-Michel Ribes, segundo peça teatral de Alan Ayckbourn 

(“Private Fears in Public Places”); Música: Mark Snow; Fotografi a (cor): Eric Gautier; Montagem: Hervé de Luze; Design 

de produção: Jacques Saulnier, Solange Zeitoun; Direcção artística: Jean-Michel Ducourty; Guarda-roupa: Jackie Budin; 

Maquilhagem: Sylvie Aid, José-Luis Casas, Patrick Inzerillo, Delphine Jaffart; Direcção de produção: Hervé Duhamel, 

Frédéric Grunenwald, Béatrice Mauduit; Assistentes de realização: Charlotte Buisson-Tissot, Dorothée Chesnot, Laurent 

Herbiet, Christophe Jeauffroy, Iris Wong; Departamento de arte: Jacky Hardouin, Philippe Margottin, Marc Pinquier; Som: 

Jean-Marie Blondel, Thomas Desjonquères; Efeitos especiais: Géraldine Banet, Pascale Butkovic, Karine Dubois, Benoît 

Rousselin, Stéphane Ruet; Efeitos visuais: Thibault Deloof, Stéphane Keller, Frederic Moreau, Frederic Moreau, Fred Roz; 

Produção: Valerio De Paolis, Bruno Pésery, Julie Salvador, Vitaliy Versace; Companhias de produção: Soudaine Compagnie, 

Studio Canal, France 2 Cinéma, Société Française de Production (SFP), BIM, Banque Populaire Images 6, Canal+, TPS Star, 

Centre National de la Cinématographie (CNC), Eurimages, Région Ile-de-France. Intérpretes: Sabine Azéma (Charlotte), 

Isabelle Carré (Gaëlle), Laura Morante (Nicole), Pierre Arditi (Lionel), André Dussollier (Thierry), Lambert Wilson (Dan), 

Claude Rich (Arthur, voz); Françoise Gillard (entrevistadora de TV), Anne Kessler, Roger Mollien, Florence Muller, Michel 

Vuillermoz, etc. Duração: 120 minutos; Distribuição em Portugal: Atalanta Filmes; Classifi cação etária: M/12 anos; 

Prémios: Melhor Realizador, Alain Resnais, e Melhor Actriz, Laura Morante, no Festival de Veneza, 2006. 



_DESTRUIR, DEPOIS DE LER 

Não custa muito acreditar que certa crítica tenha fi cado um pouco desasada com a 

última película dos irmãos Joel e Ethan Coen. Para muito boa gente, “Este País Não 

é Para Velhos” era apenas um grandioso e seríssimo fi lme de uma violência sem 

limites, sobre a violência sem limites, esquecendo que os Coen são uns brincalhões, 

uns humoristas, por vezes muito negros, que, no que eu me lembre, nunca fi zeram 

um fi lme sem uma ponta de ironia e de sarcasmo. Não está nos seus genes essa coisa 

de não se rirem, mesmo do que parece não ter graça nenhuma. Quando a coisa não 

tem graça, eles inventam-na. Uma vez por outra falham (desastroso o remake de “O 

Quinteto era de Cordas”), mas quase sempre acertam. 

Umas vezes pode pender mais para o sério, outras mais para a galhofa, mas nunca 

anda o grave e o austero sem a sua quota de ironia, nem o humor sem a sua parcela 

de crítica inteligente e corrosiva. O que se passa em “Burn After Reading” é um curioso 

equilíbrio entre a crítica a uma certa e despudorada actual sociedade norte-americana 

e a sátira a essa mesma sociedade, num fi lme em que todos os seus intervenientes se 

divertiram magnifi camente, uns a escrever e realizar, outros a interpretar fi guras de uma 

imbecilidade total, todas elas ligadas a aspectos essenciais da actualidade ianque. 

Há o agente da CIA, o inspector de fi nanças, a médica, a escritora, os empregados de 

um ginásio, os directores da CIA, e afi ns. Estamos em Washington (e por alguma razão 

os Coen escolheram a capital política do País), e esta gente toda, como num fi lme de 

Robert Altman, começa sem se conhecer entre si, mas, à medida que a acção progride, os 

cordelinhos vão-se interligando. São todos frustrados e estúpidos como as portas, andam 

todos engalfi nhados sexualmente uns com os outros e, no meio das infi delidades que 

se cometem a toda a hora, vai girando um CD com dados aparentemente reservados de 

um agente da CIA que está a escrever as memórias e cuja mulher lhe rouba os segredos 

do PC, sobretudo para lhe escamotear as contas bancárias. Os segredos vão parar à 

Embaixada da Rússia, em busca de uma boa recompensa que dê para esticar as mamas 

e adelgaçar o rabo e as pernas à empregadota de meia idade do ginásio, que leva consigo, 

a reboque, um mais que idiota “personal trainer” do mesmo estabelecimento. Não vale a 

pena imaginar a confusão, vale a pena mesmo ver in loco. 

O fi lme é divertidíssimo, interpretado com um humor irresistível por um grupo de 

excelentes actores que não só trabalham bem, como gostam de se divertir à grande e 

à americana: Brad Pitt, quase irreconhecível, com um humor de caricatura a roçar Jerry 

Lewis, George Clooney, como sempre a parodiar-se a si próprio e à imagem do garanhão 

que se lhe colou, John Malkovich, mais louco do que alguma vez já aparecera, Frances 

McDormand, numa personagem tão forte e convincente como a que interpretara em 

“Fargo”, Tilda Swinton, fria e distante, mas muito bem integrada no grupo, e ainda as 

breves aparições de J.K. Simmons, um dos chefes da CIA que não sabe nada de nada do que 

se passa na sua casa, são apenas os rostos principais de “uma conspiração colectiva” que 

aterrou nos EUA e nos oferece um retrato bem inquietante da América de Bush. Esta era 

nitidamente a intenção dos Coen. Conseguida. Ainda por cima através de uma divertida 

paródia que nos remete para algumas das obsessões e traumas da sociedade actual, 

dos encontros marcados via “chats” da Internet à mórbida dependência das cirurgias 

plásticas. Tudo em nome de encontrar um grande amor, o que quase todos procuram, 

mas nenhum consegue. Aparelhos imaginosos para provocar mecanicamente o prazer, 

almofadas para melhor orientar as “orgias” ou corridas pedestres de oito quilómetros 

para manter o físico são alguns artifícios vislumbrados, mas inefi cazes.

De resto, nada disto parece ter importância, nenhuma destas intrigas que provoca 

assassinatos e loucuras representa o que quer que seja, se vistas de longe, lá de cima, 

do majestoso universo, como nos indicam os planos iniciais e fi nais de “Burn After 

Reading”. Quando a câmara se afasta rumo à vastidão do desconhecido, a imbecilidade 

dos homens dilui-se numa paisagem liliputiana. 

Os Coen informaram que com esta obra deram por terminada a sua trilogia dos idiotas 

(os títulos anteriores tinham sido, segundo eles, “O Brother, Where Art Thou?”, 2000, e 

“Intolerable Cruelty”, 2003). A verdade é que quase toda a fi lmografi a destes irmãos 

cineastas é composta por fi lmes que não nos falam senão de idiotas em momentos de 

crise, que os levam a desbloquear situações de uma violência incontrolável. Uns mais 

sérios, outros mais parodiantes. Mas todos “loucos”. 

Não é uma obra-prima mas sabe muito bem. 

_DESTRUIR DEPOIS DE LER 

Título original: Burn After Reading 

Realização: Ethan Coen, Joel Coen (EUA, Inglaterra, França, 2008); Argumento: Joel Coen, Ethan Coen; Produção: Tim 

Bevan, Ethan Coen, Joel Coen, David Diliberto, Eric Fellner, Robert Graf; Música: Carter Burwell; Fotografi a (cor): Emmanuel 

Lubezki; Montagem: Ethan Coen, Joel Coen (sob pseudónimo de Roderick Jaynes); Casting: Ellen Chenoweth; Design 

de produção: Jess Gonchor; Direcção artística: David Swayze; Decoração: Nancy Haigh; Guarda-roupa: Mary Zophres; 

Maquilhagem: Jean Ann Black, Sherri Bramlett, Barbara Lacy, Patricia Regan, Waldo Sanchez; Direcção de produção: 

Karen Ruth Getchell, Neri Kyle Tannenbaum; Assistentes de realização: Bac DeLorme, Betsy Magruder, John Silvestri, Kurt 

Uebersax; Departamento de arte: Steve Brennan, Leann Murphy, Sha-Sha Shiau; Som: Craig Berkey, Skip Lievsay; Efeitos 

especiais: Steven Kirshoff; Efeitos visuais: Randall Balsmeyer, Eric J. Robertson, Adrienne Winterhalter; Companhias de 

produção: Mike Zoss Productions, Relativity Media, Studio Canal, Working Title Films; Intérpretes: George Clooney (Harry 

Pfarrer), Frances McDormand (Linda Litzke), John Malkovich (Osbourne Cox), Tilda Swinton (Katie Cox), Brad Pitt (Chad 

Feldheimer), Richard Jenkins (Ted Treffon), Elizabeth Marvel (Sandy Pfarrer), David Rasche, J.K. Simmons, Olek Krupa, 

Michael Countryman, Kevin Sussman, J.R. Horne, Hamilton Clancy, Armand Schultz, Pun Bandhu, Karla Cheatham- 

Mosley, Jeffrey DeMunn, Richard Poe, Carmen M. Herlihy, Raul Aranas, Judy Frank, Sándor Técsy, Yury Tsykun, Brian O’Neill, 

Robert Prescott, Matt Walton, Lori Hammel, Crystal Bock, Patrick Boll, Logan Kulick, Dermot Mulroney, etc. Duração: 

96 minutos; Distribuição em Portugal: Files Castello Lopes; Classifi cação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 2 de 

Outubro de 2008. 



_O DIA EM QUE A TERRA PAROU 

No início dos anos 50, “O Dia em que a Terra Parou”, de Robert Wise, foi um marco 

no caminho da fi cção científi ca cinematográfi ca. Narrava a história de uma nave que 

descia à Terra com um ser sob forma humana e um robô gigantesco que, em nome dos 

outros planetas habitados da nossa galáxia, nos vinham avisar que o estado bélico 

em que nos encontrávamos punha em risco a paz cósmica. Em nome de todas as 

civilizações extraterrestres, ele trazia um ultimato: ou acabávamos com o potencial 

mortífero ou seríamos aniquilados. O enviado das estrelas - ou seria do próprio Deus? 

- vinha dizer ao mundo que a insanidade tem limites. No início dos anos 50, “O Dia em 

que a Terra Parou” era uma fi ta que contrariava a Guerra Fria, a obsessão dos militares 

na corrida aos armamentos e a histeria anticomunista que grassava na América, ao 

mesmo tempo que abria uma enorme esperança e maravilha: não estávamos sós no 

Universo, a paz e a harmonia eram possíveis. Tudo sem grandes efeitos especiais, pois 

os recursos da época eram limitados e, além disso, na sua essência, tudo se passava 

mais na esfera dos sentimentos e da decifração dos personagens que na dos meios 

espectaculares. 

Mais de 50 anos volvidos, a 20th Century-Fox foi desenterrar o velho e exímio 

argumento de Edmund II. North dotando-o de adaptações aos nossos dias (é assim 

que, por exemplo, o problema dos humanos já não é a guerra, mas a destruição do 

planeta, mudando o foco da atenção do espectador). E como, nos tempos que correm, 

fi lme de fi cção científi ca sem muitos efeitos especiais parece não fazer sentido, lá 

os temos em grande escala, mostrando-nos, mais uma vez que, em matérias de 

grafi smos gerados por computador, não há limites. (Porque será que, havendo meios 

tecnológicos é preciso usá-los, mesmo que isso provoque estrondo onde deveria 

aparecer subtileza e inteligência?) Curioso: Wise terá pegado no fi lme dos anos 50 

por não ter quinquilharia associada - era uma história de gente. Meio século depois é 

precisamente a quinquilharia que toma conta do ecrã. Ao invés, o extraterrestre mal

consegue perceber como nós, os humanos, somos feitos, psicologicamente, embora 

seja essa percepção que nos salva do apocalipse. No decorrer da acção do fi lme, muito 

pouco dessa especifi cidade aparece. Keanu Reeves fecha o rosto e parece um robô (mas, 

como conhecemos o actor demasiado bem, o processo soa a falso). Jennifer Connelly 

é muito bonita e o pequeno Jaden Smith obviamente querido - e mais não se lhes 

pede. Vale isto tudo para dizer que se houvesse por aí a edição em DVD do fi lme de 

Wise se aconselharia aqui a sua aquisição. Mas não há. Serve também para dizer que o 

“remake” de Scott Derrickson é negligenciável? Não se irá tão longe assim. Atendendo 

a que o cinema é sobretudo um meio de entretenimento, a verdade é que “O Dia em 

que a Terra Parou” é bastante competente nessa função e há de servir para ocupar 

alguns sábados à tarde com um balde de pipocas - e sem pensar em nada de especial. 

Jorge Leitão Ramos, in Expresso, 13 de Dezembro de 2008 

_O DIA EM QUE A TERRA PAROU 

Título original:The Day the Earth Stood Still 

Realização: Scott Derrickson (Canadá, EUA, 2008); Argumento: David Scarpa, segundo argumento do fi lme de 1951 de 

Edmund H. North; Produção: Paul Harris Boardman, Gregory Goodman, Erwin Stoff, Marvin Towns Jr.; Música: Tyler 

Bates; Fotografi a (cor): David Tattersall; Montagem: Wayne Wahrman; Casting: Heike Brandstatter, Mindy Marin, Coreen 

Mayrs; Design de produção: David Brisbin; Direcção artística: Don Macaulay; Decoração: Elizabeth Wilcox; Guarda-roupa: 

Tish Monaghan; Maquilhagem: Jill Bailey, Susan Boyd, Veronica McAleer; Direcção de produção: Joan Kelley Bierman, 

Jamie Leigh Dake, Juliette Davis, Drew Locke, Scott Thaler; Assistentes de realização: Jeff Habberstad, Matthew D. Smith, 

Pete Whyte; Departamento de arte: Britt Bancroft, David Clarke, Peter Ochotta, Eddie Yang; Som: Dane A. Davis; Efeitos 

especiais: Clay Scheirer, Dale Shippam, Harry Tomsic; Efeitos visuais: Alden Anderson, Malcolm Angell, Jeffrey A. Okun, 

Scott Puckett; Companhias de produção: 3 Arts Entertainment, Earth Canada Productions, Twentieth Century-Fox Film 

Corporation; Intérpretes: Keanu Reeves (Klaatu), Jennifer Connelly (Dr. Helen Benson), Kathy Bates (Regina Jackson), Jaden 

Smith (Jacob Benson), John Cleese (Professor Barnhardt), Jon Hamm (Michael Granier), Kyle Chandler (John Driscoll), 

Robert Knepper (Coronel), James Hong, John Rothman, Sunita Prasad, Juan Riedinger, Sam Gilroy, Tanya Champoux, 

Rukiya Bernard, Alisen Down, David Lewis, Lloyd Adams, Mousa Kraish, J.C. MacKenzie, Kurt Max Runte, Daniel Bacon, 

etc. Duração: 104 minutos; Distribuição em Portugal: Filmes Castello Lopes; Classifi cação etária: M/ 12 anos; Estreia em 

Portugal: 11 de Dezembro de 2008. 



_O ENSAIO SOBRE A CEGUEIRA 

A história da literatura, a do cinema, enfi m toda a história da arte está repleta de utopias 

e de antecipações catastrófi cas do futuro. Umas e outras querem no fundo signifi car 

o mesmo: que o presente que se vive não é exemplar e que, de uma forma ou outra, 

urge modifi car as coisas para que a vida do Homem na Terra possa ser melhor (o que 

anunciam as utopias, pelo lado positivo) ou para que a vida na Terra não seja um 

pesadelo (o que as antecipações catastrófi cas prevêem). O romance de José Saramago, 

“Ensaio sobre a Cegueira” é do segundo tipo, podendo colocar-se ao lado de outras obras 

de antecipação como “O ÚIltimo Homem sobre a Terra” ou alguns romances e fi lmes 

de “mortos-vivos”, de “Metrópolis” ou de “Blade Runner”. Com algumas características 

a diferenciá-lo, certamente. Enquanto quase todos os outros partem de antecipações 

catastrofi stas de cunho popular, esta assume o seu lugar erudito. Todas querem dizer 

mais ou menos a mesma coisa: que, se não se arrepiar caminho, o futuro do Homem 

é sombrio, mas em Saramago não há simbologias associadas a vampiros ou mortosvivos. 

Há cegos, com tudo o que a palavra comporta igualmente de simbólico (cegos = 

os que não vêem, os que ignoram o que os rodeia). Imagine-se que, um certo dia, uma 

epidemia de cegueira grassava entre os humanos. Não numa cidade em particular ou 

país em especial, mas na Terra, na Humanidade. Por isso o fi lme de Fernando Meirelles, 

rodado entre São Paulo (Brasil) e Montevideu (Uruguai), não precisa nunca qual a 

cidade em que estamos, e procura reunir um pouco de todas as raças, dos brancos aos 

negros, dos latino-americanos aos japoneses. A parábola diz respeito à Terra na sua 

globalidade, e à Humanidade. Se atentarmos melhor no discurso, percebe-se que se 

dirige a aspectos que constituem a essência do ser humano, no que este tem de pior: a 

necessidade de poder, a avidez, a tendência endémica para a maldade, a perversidade, a 

cupidez. Quando todos fi cam cegos, há logo quem se imponha, se auto nomeie “Rei” e 

submeta pela força os restantes, ou procurando roubar-lhes as riquezas (a propriedade 

privada) ou impondo-lhes a indignidade (as mulheres são obrigadas a entregarem-se 

aos senhores da camarata que detêm o poder, o revólver, por um lado, e a sabedoria, o 

cego de nascença que sabe como ninguém conviver com a desgraça da escuridão, ou da 

luz branca). A parábola é óbvia, basta acompanhar com alguma atenção o percurso do 

livro ou o do fi lme: o homem tem de ser solidário para sobreviver, e, se for caso disso, os 

lobos têm de ser abatidos para que os cordeiros se salvem. 

De uma crueldade invulgar, com cenas que psicologicamente roçam o insuportável, o 

fi lme de Fernando Meirelles (que nos dera “O Fiel Jardineiro” e “Cidade de Deus”, entre 

outros) assume-se como um exercício de escrita coerente e compacto, sem grandes 

deslizes e uma progressão dramática tensa e obsessiva. A parábola da cegueira mexe 

com os espectadores, tal como mexe com os leitores (mas no cinema a cegueira é mais 

“visível”), pois continua a ser uma das ameaças mais temidas. Por isso livro e fi lme 

adquirem tamanho impacto e desespero. Depois, o signifi cado torna-se muito claro. 

Os propósitos do livro eram demasiado evidentes, os do fi lme são-no igualmente. Não 

é preciso pensar muito para se chegar onde os autores querem chegar. 

Neste aspecto, acho José Saramago um óptimo e fortíssimo inventor de boas histórias 

com moralidades sociais mais ou menos evidentes. Depois, dependendo dos títulos, 

a sua escrita tem pouco de subtil, não deixa grande lugar ao leitor, manipula-o 

deliberadamente com um maniqueísmo óbvio, esgrimindo “lições” compulsivas, que 

o tornam por vezes demasiado demagógico. É uma opinião pessoal, obviamente. 

Devo dizer que é um autor que não perco, mas que nem sempre chego ao fi m. O fi lme

etirado deste seu romance é, porém, uma adaptação fi el ao espírito da obra, mas algo 

que me agrada mais. Não será uma obra-prima perfeita, longe disso, mas é um fi lme 

que consegue marcar os espectadores de forma indelével. Os monólogos do velho 

negro são escusados, mas as personagens são muito bem trabalhadas, os actores 

bons, Julianne Moore brilhante (fi co a aguardar pelas nomeações para a ver incluída 

na lista e é bem capaz de haver mais umas quantas surpresas, argumento adaptado, 

por exemplo). Há cenas magnífi cas, a violação colectiva, a mulher morta a ser lavada, a 

insurreição da camarata 1, a cena de amor entre o médico e a mulher dos óculos escuros, 

logo a cena inicial do primeiro anúncio de cegueira, que nos introduz num ambiente 

de cortar à faca, e algumas mais. A solidez de Meirelles a segurar a tensão num plano 

altíssimo é de assinalar. A fotografi a colabora enormemente para este clima, não só 

de cegueira colectiva, como de morbidez e viscosidade contagiante. No que a direcção 

artística funciona bem, igualmente. As cenas de ruas, com os amontoados de carros 

e lixo, o cenário desolador de porcaria acumulada nos corredores das camaratas, e no 

interior das mesmas, os supermercados esventrados, tudo contribui para restituir um 

ambiente de fi m de mundo convincente e brutal. 

Normalmente a imagem é mais demagógica que a palavra, porque mais evidente, 

porque mostra em vez de sugerir. Neste caso, porém, o cuidado de Fernando Meirelles e 

da sua equipa em manter o fi lme num nível de grande plausibilidade consegue tornar 

uma aposta difícil e perigosa numa aposta ganha. 

Tentemos explicitar melhor por que gosto mais do fi lme do que do romance, por que 

acho o romance redundante e o fi lme não. Agarre-se no fi nal do romance. O médico e 

a mulher estão na sua sala e falam. A mulher vai à janela. 

Lê-se no livro: “Porque foi que cegámos, Não sei, talvez um dia se chegue a conhecer 

a razão, Queres que te diga o que penso, Sim, Penso que não cegámos, penso que 

estamos cegos, Cegos que vêem, Cegos que vendo, não vêem. 



A mulher do médico levantou-se e foi à janela. Olhou para baixo, para a rua coberta de 

lixo, para as pessoas que gritavam e cantavam. Depois levantou a cabeça para o céu e 

viu-o todo branco, Chegou a minha vez, pensou. O medo súbito fê-la baixar os olhos. A 

cidade ainda ali estava.” 

Este o fi nal do livro. Depois de 300 páginas de uma parábola muito interessante, mas 

óbvia, o autor ainda sentiu a necessidade de sublinhar: “Penso que não cegámos, 

penso que estamos cegos, Cegos que vêem, Cegos que vendo, não vêem.” Totalmente 

desnecessário, inútil, uma confi ssão de desconfi ança nas capacidades dos leitores: será 

que todos perceberam, vamos lá dizê-lo outra vez. 

No fi lme, o médico retoma a vista, outros se seguirão, a mulher do médico chega à 

janela, e olha uma paisagem de cores garridas (a única paisagem realista do fi lme, 

julgo que de São Paulo, com os jardins em primeiro plano e a paisagem urbana lá ao 

fundo) e afi rma qualquer coisa como “Agora vou cegar eu!?”. Mas a paisagem continua 

lá. Admirável, de cor, de vida. 

Este fi nal é superiormente inteligente e abre para uma nova leitura da obra que nunca está 

contida no fi lme: imagine-se que o que o livro e o fi lme afi rmam até aqui é que nesta terra 

de supostos cegos, a única que “vê”, mas em sentido simbólico, é esta mulher (isto é, ela é 

a única que “vê”, que sente os males do mundo e os procura ultrapassar, solidarizando-se, 

oferecendo-se para viver com os cegos, em constante iminência de contágio, perdoando 

actos de infi delidade, oferecendo o seu corpo à violência nas horas más, pegando em armas 

contra a tirania, quando tudo se torna insuportável, etc). Mas agora podemos ir mais longe: 

todo o fi lme é o resultado da imaginação dela, tudo não passou de um pesadelo (por isso 

a fotografi a é negra, irrealista, ao longo de todo o fi lme, até aqui). Ela chegou à janela, 

olhou a cidade e a paisagem, e pensou na brutalidade do dia a dia, na competição feroz, na 

desumanidade, no aviltamento de uns pelos outros, e imaginou este mundo de injustiças 

constantes levado a extremos, se as circunstâncias o facilitassem, por exemplo, se todos 

fossem cegos. Por um momento (que para nós espectadores dura duas horas, o tempo

de projecção do fi lme) imagina esse pesadelo. Lá dentro está o marido, que ela pensou 

ser o primeiro atingido. Regressada à realidade, olha a fabulosa paisagem que tem à sua 

frente, e coloca a questão angustiosa, “E se agora for eu?”, isto é, E se agora cegar eu, Deixo 

eu de sentir esta solidariedade e esta humanidade que me tem acompanhado até agora? 

Questão que dela passa para os espectadores, sem demagogia, nem constrangimento. 

Com subtileza e inteligência. Tanta ou tão pouca que vejo muitos críticos a acusar o fi lme 

de fraquezas que não deslumbro, mas não vi nenhum ainda abrir a obra a leituras novas. 

_ENSAIO SOBRE A CEGUEIRA 

Título original: Blindness ou Ensaio Sobre a Cegueira 

Realização: Fernando Meirelles (Canadá, Brasil, Japão, 2008); Argumento: Don McKellar, segundo romance de José 

Saramago (“Ensaio sobre a Cegueira”); Produção: Andrea Barata Ribeiro, Niv Fichman, Sonoko Sakai, Bel Berlinck, Sari 

Friedland, Simon Channing Williams, Gail Egan, Akira Ishii, Victor Loewy, Tom Yoda, Claudia Büschel, Aeschylus Poulos, Chris 

Romano, Austin Wong, Nicolas Aznarez; Música: Marco Antônio Guimarães; Fotografi a (cor): César Charlone; Montagem: 

Daniel Rezende; Casting: Deirdre Bowen, Susie Figgis; Design de Produção: Matthew Davies, Tulé Peak; Direcção artística: 

Joshu de Cartier; Decoração: Erica Milo; Guarda-roupa: Renée April; Maquilhagem: Debra Johnson, Janie MacKay, Susan 

Reilly LeHane, Micheline Trépanier, Anna Van Steen, Catherine Viot; Direcção de produção: Marcelo Cotrim, Andrezza de 

Faria, Ivan Teixeira; Assistentes de realização: Adam Bocknek, Penny Charter, Joana Cooper, Tyler Delben, Walter Gasparovic, 

Tomas Portella, Flavia Zanini; Departamento de arte: Mary Arthurs, Daniel Fernandez, Steve Stack; Som: Guilherme Ayrosa, 

Alessandro Laroca, Eduardo Virmond Lima; Efeitos visuais: Martin Cobelo, Madhava Reddy, Andre Waller, Andre Waller; 

Companhias de Producção: Rhombus Media, O2 Filmes, Bee Vine Pictures, Alliance Films, Ancine, Asmik Ace Entertainment, 

BNDES, Corus Entertainment, Fox Filmes do Brasil, GAGA Communications, IFF/CINV, Movie Central Network, Téléfi lm 

Canada; Intérpretes: Julianne Moore (mulher do médico), Mark Ruffalo (médico), Alice Braga (mulher dos óculos escuros), 

Yusuke Iseya (primeiro cego), Yoshino Kimura (mulher do primeiro cego), Don McKellar (ladrão), Jason Bermingham, Maury 

Chaykin, Mitchell Nye (rapaz), Eduardo Semerjian, Danny Glover (negro com olho tapado), Gael García Bernal (o “rei”), Joe 

Pingue, Susan Coyne, Fabiana Guglielmetti, Antônio Fragoso, Lilian Blanc, Douglas Silva, Joe Cobden, Daniel Zettel, Mpho 

Koaho, Tom Melissis, Tracy Wright, Amanda Hiebert, Jorge Molina, Patrick Garrow, Gerry Mendicino, Matt Gordon, Sandra 

Oh, Anthero Montenegro, Fernando Patau, Otávio Martins, João Velho, Marvin Karon, Joseph Motiki, Johnny Goltz, Robert 

Bidaman, Niv Fichman, Oscar Hsu, Martha Burns, Scott Anderson, Michael Mahonen, Joris Jarsky, Billy Otis, Linlyn Lue, Toni 

Ellwand, Mariah Inger, Nadia Litz, Isai Rivera Blas, Rick Demas, Kelly Fiddick, Matt Fitzgerald, Mike G. Yohannes, Norman 

Owen, Jackie Brown, Victoria Fodor, Agi Gallus, Bathsheba Garnett, Alice Poon, Plínio Soares, Rodrigo Arijon, Mel Ciocolato, 

Heraldo Firmino, Carol Hubner, Fernando Macário, Eduardo Parisi, Rodrigo Pessin, Domingos Antonio, Ciça Meirelles, 

Katherine East, Katia Kieling, etc. Duração: 120 min; Classifi cação etária: M/16 anos; Distribuição em Portugal: Lusomundo; 

Data de estreia: 13 de Novembro de 2008 (Portugal). 



_ESTE PAÍS NÃO É PARA VELHOS 

Um caçador que se aventura pelos arredores de uma cidadezinha americana do Rio 

Grande do Sul, com o deserto ao fundo, descobre um macabro e bizarro achado: carros 

abandonados, mortos vários, um moribundo que rapidamente passa a cadáver, à falta 

de água, quantidade de heroína em barda, 2 milhões de dólares numa mala. Tudo pode 

ser ignorado, excepto a mala que Llewelyn Moss resolve tornar sua. Essa mala, porém, irá 

desencadear perseguições variadas, entre elas a de um “serial killer” que mata friamente, 

sem emoção. O humano transformado num autómato do Mal, num “profeta da 

destruição”, como o xerife da localidade sugere, quando afi rma: “Dizem que os olhos são 

as janelas da alma. Eu cá por mim não sei de que é que os olhos são as janelas e se calhar 

até prefi ro não saber. Mas há uma outra maneira de ver o mundo e outros olhos para o 

ver e é por esse caminho que nós vamos. Eu próprio o trilhei e conduziu-me a um lugar 

na minha vida que nunca imaginei chegar a conhecer. Algures por aí anda um profeta da 

destruição, um profeta genuíno, de carne e osso, e eu não o quero enfrentar.” 

Um profeta que, realmente, é melhor não enfrentar. Até porque todos os que o encaram 

não sobrevivem para contar. Pessoa não será, pelas suposições que de “pessoa” fazemos. 

Autómato poderia ser, mas que máquina teria esse poder de matar sistematicamente 

tudo o que se lhe atravessa no caminho? É, pois, algo de completamente desumano, 

uma máquina de destruição, um robot programado para assassinar, alguém para 

quem se olha e não se reconhece nele feições de gente. Este é Anton Chigurh que se 

passeia de mortífero pneumático na mão e uma única ideia na cabeça: matar. 

Este é também o retrato de uma América de violência traumatizante, desconhecida, 

perturbante, que é atravessada primeiro pelas palavras secas e austeras de Cormac 

McCarthy neste romance, nervoso, agressivo, provocador, estimulante que nos recoloca 

na melhor tradição da literatura norte-americana. Hemingway, sim, pela aridez dos 

diálogos, pela poesia dos cenários, Faulkner, sem dúvida, pela descrição das paixões e 

das paisagens, mas também um pouco da violência ingénua de uns “Ratos e Homens”, 

mas reciclada para novos continentes de um total desencanto. Depois há quem fale 

de escritores actuais, como Don Delillo, Philip Roth ou Thomas Pynchon, é possível, 

sobretudo no retrato de uma sociedade doente, dada num registo sincopado, que 

mostra as aparências e deixa as chagas soterradas, à espera que o leitor as descubra 

por si só. Terríveis os tempos que geram obras como esta, de um cinzento pesado, de 

um ar poluído pelo desespero, de uma humanidade desgarrada e à deriva. 

Há personagens absolutamente inesquecíveis, como o assassino Anton Chigurh, ou o 

ávido e “espertalhão” Llewelyn Moss (“O Tesouro da Sierra Madre”?), ou o desalentado 

xerife Ed Tom Bell, que conheceu a II Guerra Mundial, e que tem uma ideia do Vietname 

e dos EUA muito bem condensada nesta frase: “As pessoas dizem que foi o Vietname 

que pôs este país de rastos. Mas eu nunca acreditei nisso. O país já estava em muito 

mau estado. O Vietname foi só a cereja em cima do bolo. (…) Não sei o que vai acontecer 

quando vier a próxima. Não sei mesmo.” Ora a verdade é que a próxima já chegou e o 

que os escritores (e cineastas) norte-americanos refl ectem é esse “não sei mesmo.” A 

América na encruzilhada, mas mais do que isso, nós todos na mesma encruzilhada. 

Magnífi co livro. E fi quei à espera de um igualmente magnífi co fi lme. Que veio pela 

mão dos irmãos Coen. Com Oscar para melhor fi lme do ano, e ainda Oscar para 

melhor realização. No fi nal, não tão brilhante como apregoaram, mas um fi lme muito 

interessante (nada comparado, é certo, com essa obra-prima de Paul Thomas Anderson, 

“Haverá Sangue”).

Acompanhando o percurso do livro quase a par e passo, apenas saltando aqui e ali um 

ou outro episódio e elidindo quase todos os solilóquios do velho xerife (o que acaba 

por empobrecer o fi lme, dado que é desse confronto de dois tempos de narrativa que 

nasce uma das iluminações mais fortes do romance e a ideia de que o homem pode 

transcender-se e permanecer “humano”, apesar da brutalidade que o rodeia), o fi lme 

dos Coen é uma adaptação bastante fi el da obra de Cormac McCarthy, recriando a 

mesma terra seca, o mesmo ar saturado de poeira, a mesma solidão, a mesma 

violência climática, a mesma psicologia rasteira, a mesma rudeza de comportamento, 

a mesma agressividade de uns, o mesmo desalento de outros, a frustração de tantos, 

a desilusão de muitos, os gestos repetidos sem signifi cado de alguns, o desespero, sim 

o desespero no olhar de quem morre e o olhar vítreo de quem mata. Estamos em que 

País afi nal? Na América pós-Vietname, na América pós-11 de Setembro, na América 

pós-invasão do Afeganistão e do Iraque, na América dos adolescentes “serial killers”, 

que dizimam turmas de escolas, na América profunda da opressão, do racismo, do 

fanatismo, mas também na América da auto-crítica, da má consciência, na América 

que invariavelmente ergue a voz contra as injustiças, que discute, que recusa, que se 

insurge, que faz fi lmes como este ou “Haverá Sangue”. 

Actores brilhantes e um Javier Bardem magnífi co ajudam à festa. Mas fi ca a sensação 

de que o livro é melhor e o fi lme poderia ter ido um pouco além. Não é o melhor dos 

Coen, mas não deslustra. Apenas peca por participar de uma injustiça fl agrante: 

“Haverá Sangue” é muito melhor, sob todos os pontos de vista. Na comparação, os 

Coen saem por baixo, mas foram eles que arrecadaram os Oscars. 

Julgo que será interessante, e ajuda a compreender quer o livro, quer o fi lme, conhecer 

o poema que dá título às duas obras: 



Sailing to Byzantium 

That is no country for old men. The young 

In one another’s arms, birds in the trees 

- Those dying generations - at their song, 

The salmon-falls, the mackerel-crowded seas, 

Fish, fl esh, or fowl, commend all summer long 

Whatever is begotten, born, and dies. 

Caught in that sensual music all neglect 

Monuments of unageing intellect. 

An aged man is but a paltry thing, 

A tattered coat upon a stick, unless 

Soul clap its hands and sing, and louder sing 

For every tatter in its mortal dress, 

Nor is there singing school but studying 

Monuments of its own magnifi cence; 

And therefore I have sailed the seas and come 

To the holy city of Byzantium. 

O sages standing in God’s holy fi re 

As in the gold mosaic of a wall, 

Come from the holy fi re, perne in a gyre, 

And be the singing-masters of my soul. 

Consume my heart away; sick with desire 

And fastened to a dying animal 

It knows not what it is; and gather me 

Into the artifi ce of eternity. 

Once out of nature I shall never take 

My bodily form from any natural thing, 

But such a form as Grecian goldsmiths make 

Of hammered gold and gold enamelling 

To keep a drowsy Emperor awake; 

Or set upon a golden bough to sing 

To lords and ladies of Byzantium 

Of what is past, or passing, or to come. 

William Butler Yeats, The Tower (1928) 

I 

Este país não é para velhos. Jovens 

Abraçados, pássaros que nas árvores cantam 

- essas gerações moribundas - 

Cascatas de salmões, mares de cavalas, 

Peixe, carne, ave, celebrando ao longo do Verão 

Tudo quanto se engendra, nasce e morre. 

Prisioneiros de tão sensual música todos abandonam 

Os monumentos de intemporal saber. 

II 

Um velho é coisa sem valor, 

Um andrajo apoiado num bordão, a não ser que 

A alma aplauda e cante, e cante mais alto 

Cada farrapo da sua mortal veste. 

Nem há escola de canto somente o estudo 

Dos monumentos de seu próprio esplendor; 

Por isso cruzei os mares e cheguei 

À sagrada cidade de Bizâncio. 

III 

Oh, sábios que estais no sagrado fogo de Deus 

Qual dourado mosaico sobre um muro, 

Vinde desse fogo sagrado, roda que gira, 

E sede os mestres do meu canto, da minha alma. 

Devorai este meu coração; doente de desejo 

E atado a um animal agonizante 

Ele não sabe o que é; juntai-me 

Ao artifício da eternidade. 

IV 

Da natureza liberto jamais de natural coisa 

Retomarei minha forma, meu corpo, 

Mas formas outras como as que o ourives grego 

Em ouro forja e esmalta em ouro 

Para que o sonolento Imperador não adormeça; 

Ou em dourado ramo pousado, cantarei 

Para damas e senhores de Bizâncio 

Cantarei o que passou, o que passa, ou o que virá 

Na tradução de José Agostinho Baptista

“Concordei com ele quando disse que não havia muita coisa boa para dizer sobre a 

velhice e ele disse que tinha descoberto uma e eu perguntei o que era. E ele disse: É que 

não dura muito.” - Cormac McCarthy 

Não conhecia nada de Cormac McCarthy (Charles Joseph McCarthy, Jr), até me 

alertarem para a qualidade de “A Estrada”, e para uma frase sensacionalista do 

Newsweek: “A cada livro, Cormac McCarthy vai alargando o território da fi cção norteamericana.” 

Talvez por isso recebeu o Prémio Pulitzer em 2007. Já tinha sido “National 

Book Award for Fiction”, em 1992, por “All the Pretty Horses”. Não era de esperar pouco 

da sua leitura. E não foi. 

Cormac McCarthy nasceu em Providence, Rhode Island, em 23 de Julho de 1933. Estudou 

na Knoxville Catholic High School, e depois na University of Tennessee, Knoxville, que 

deixou para ingressar na Força Aérea. Vive presentemente em Santa Fé, perto da 

fronteira sul dos Estados Unidos, com a terceira mulher e um fi lho. Foi casado com Lee 

Holleman (1961, de quem se divorciou em 1961, com um fi lho, Cullen), com Anne DeLisle 

(1966, novo divórcio), fi nalmente com Jennifer Winkley (um novo fi lho, John). 

O seu romance preferido é “Moby Dick”, de Herman Melville. É autor de nove romances 

(The Orchard Keeper (1965), Outer Dark (1968), Child of God (1974), Suttree (1979), Blood 

Meridian (1985), All the Pretty Horses (1992), The Crossing (1994), Cities of the Plain 

(1998) e No Country for Old Men (2005)), dos quais a Relógio d’Água publicou “O Filho 

de Deus”, “O Guarda do Pomar”, “Meridiano de Sangue” e “Este País não é para Velhos”. 

No cinema a sua contribuição foi até agora diminuta. Escreveu alguns episódios de 

uma série, “Visions” (1976), viu adaptado em 2000 “All the Pretty Horses” (Espírito 

Selvagem), por Billy Bob Thornton (com Matt Damon, Henry Thomas, Penélope Cruz, 

J.D. Young, Laura Poe, Sam Shepard, etc.), até chegar ao ano de 2007 e ao sucesso de “No 

Country for Old Men”. Agora tem em produção, duas outras adaptações, “The Road”, 

numa realização de John Hillcoat, e um elenco onde surgem Charlize Theron, Viggo 

Mortensen, Guy Pearce e Kodi Smit-McPhee (2008) e “Blood Meridian”, a ser dirigido 

por Ridley Scott (2009). 

_ESTE PAÍS NÃO É PARA VELHOS 

Título original: No Country for Old Men 

Realização: Ethan Coen, Joel Coen (EUA, 2007); Argumento: Joel Coen, Ethan Coen, segundo romance homónimo 

de Cormac McCarthy; Música: Carter Burwell; Fotografi a (cor): Roger Deakins; Montagem: Ethan Coen e Joel Coen 

(assinando ambos Roderick Jaynes); Casting: Ellen Chenoweth; Design de produção: Jess Gonchor; Direcção artística: 

John P. Goldsmith; Decoração: Nancy Haigh; Guarda-roupa: Mary Zophres; Maquilhagem: Brian Hillard, Geordie Sheffer, 

Dave Snyder, Christien Tinsley; Direcção de produção: Karen Ruth Getchell, Robert Graf, Omar Veytia; Assistentes de 

realização: Bac DeLorme, Peter Dress, Jai James, Betsy Magruder, Donald Murphy, Taylor Phillips; Departamento de arte: 

Mark Bankins, Sage Emmett Connell, James Fowler, Gregory Hill, Roberta Marquez; Som: Craig Berkey; Efeitos especiais: 

Peter Chesney, Megan Flagg, Jason Hamer, Diane Woodhouse; Efeitos visuais: Alexandre Cancado, Vincent Cirelli, Valy 

Lungoccia, Ashok Nayar, Ian Noe; Produção: Ethan Coen, Joel Coen, Scott Rudin, David Diliberto, Robert Graf, Mark 

Roybal; Companhias de produção: Paramount Vantage, Miramax Films, Scott Rudin Productions, Mike Zoss Productions; 

Intérpretes: Tommy Lee Jones (Ed Tom Bell), Javier Bardem (Anton Chigurh), Josh Brolin (Llewelyn Moss), Woody Harrelson 

(Carson Wells), Kelly Macdonald (Carla Jean Moss), Garret Dillahunt (Wendell), Tess Harper (Loretta Bell), Barry Corbin 

(Ellis), Stephen Root, Rodger Boyce, Beth Grant, Ana Reeder, Kit Gwin, Zach Hopkins, Chip Love, Eduardo Antonio Garcia, 

Gene Jones, Myk Watford, Boots Southerland, Kathy Lamkin, Johnnie Hector, Margaret Bowman, Thomas Kopache, Jason 

Douglas, Doris Hargrave, Rutherford Cravens, Matthew Posey, George Adelo, Mathew Greer, Trent Moore, Marc Miles, 

Luce Rains, Philip Bentham, Eric Reeves, Josh Meyer, Chris Warner, Brandon Smith, Roland Uribe, Richard Jackson, Josh 

Blaylock, Caleb Jones, Dorsey Ray, Angel H. Alvarado Jr., David A. Gomez, Milton Hernandez, John Mancha, Scott Flick, 

Elizabeth Slagsvol, etc. Duração: 122 minutos; Classifi cação etária: M/18 anos; Distribuição em Portugal: Lusomundo 

Audiovisuais; Locais de fi lmagem: Albuquerque, New Mexico (EUA); Estreia: 28 de Fevereiro de 2008 (Portugal). 



_O ESTRANHO CASO DE BENJAMIN BUTTON 

Em relação a este fi lme, arrume-se de início o caso da “infl uência” de F. Scott Fitzgerald. 

Este foi, sem margem para grandes dúvidas, um dos maiores escritores americanos 

da primeira metade do século XX, um autor pertencente à “geração perdida” (Ernest 

Hemingway, John Dos Passos, Ezra Pound, Sherwood Anderson, Waldo Peirce, Dorothy 

Parker,T. S. Eliot, ou Gertrud Stein, que, dizem criou o termo, depois vulgarizado por 

Hemingway), que se afi rmou durante os “loucos anos 20” ou os “roaring twenties”, e 

que consolidou a sua celebridade, sobretudo com dois ou três romances que ajudaram 

a construir a moderna narrativa norte-americana, como “O Grande Gatsby”, “Terna é 

a Noite” ou “Este Lado do Paraíso” (os seus romances são “This Side of Paradise”, 1920; 

“The Beautiful and Damned”, 1922; “The Great Gatsby, 1925; “Tender is the Night”, 

1934 e “The Last Tycoon”, 1940). Mas F. Scott Fitzgerald cultivou igualmente o conto, 

sobretudo como forma de sustento diário, publicando-o em revistas literárias e depois 

reunindo-os em antologias várias. “Flappers and Philosophers” (1920), “Tales of the Jazz 

Age” (1922), “All the Sad Young Men” (1926) e “Taps at Reveille” (1935) são as principais, 

agrupadas em 1989 num volume, “The Short Stories of F. Scott Fitzgerald”. 

“The Curious Case of Benjamin Button” aparece incluído na antologia de 1922, “Tales of 

the Jazz Age”, e é um divertimento muito saboroso, extremamente bem escrito, numa 

linguagem solta e livre, que dá muito bem o tom da época, e que, segundo confi ssão 

do próprio Scott Fitzgerald, parece ter sido sugerido por uma frase, ou um pensamento, 

de Mark Twain que se lamentava que “os melhores tempos de uma vida fossem no 

início e os piores quando se chega ao fi m, na velhice.” Pegando nesta sugestão, F. Scott 

Fitzgerald construiu uma metáfora curiosa, sobre as idades da vida e a possibilidade da 

sua intermutação: assim Benjamin Button nasce encarquilhado e às portas da morte 

com setenta anos e inicia a sua cavalgada para a maturidade, depois a adolescência, 

até chegar a bebé e fi nar-se durante o sono. A perspectiva não é tanto metafísica ou 

fi losófi ca, afi rmando-se mais como uma diversão escrita com o sabor algo snobe e 

diletante de um frequentador do “jet-set” nova-iorquino, do champanhe embriagador 

da Hollywood da altura ou da boémia de Paris ou de Saint Tropez. Finou-se, apenas 

com 44 anos, e um coração arrasado pelo álcool, os amores, o stress emocional e uma 

propensão evidente para o suicídio, igualmente muito em moda nesses tempos de 

vida intensa e morte súbita. 

Foi este citado conto que serviu de base ao fi lme de David Fincher com igual nome, 

mas falar de inspiração é já dizer muito. Quase nada do conto de F. Scott Fitzgerald 

passa para o fi lme a não ser a ideia central de nascer velho e morrer bebé. Esta inversão 

de ciclo de vida, que já viera de Mark Twain, passara por F. Scott Fitzgerald, toma nova 

forma no fi lme de David Fincher, que se afasta do cinema que até agora o caracterizara 

para se entregar a uma obra que, se continua a ser extremamente pessoal, não deixa 

de representar uma ruptura com o estilo de fi lmes da sua anterior fi lmografi a (onde 

sobressaem títulos como “Alien 3, a Desforra”, “7 Pecados Mortais”, “Clube de Combate”, 

“O Jogo”, “Sala de Pânico” ou “Zodíaco”). Este universo “negro” que penetra no mais 

profundo da alma humana e também no que de mais sinistro nela existe parece 

afastar-se de uma obra aparentemente romântica e com alguma esperança no futuro, 

como temos visto por aí escrito. Mas será que é assim? 

Um dos aspectos que me deixa algo confuso em relação a “O Estranho Caso de 

Benjamin Button”, é precisamente a opacidade da obra que não se deixa penetrar tão 

facilmente quanto se pensa. Há uma leitura extremamente críptica e cerrada do fi lme

que parece escapar a uma primeira leitura. A mais óbvia é tão evidente e pueril que 

não pode ser só isso. David Fincher não ia realizar um fi lme sobre um homem que 

nasce velho e morre bebé sem ter por detrás uma interpretação metafórica para este 

facto inusitado. O que se pode desde logo concluir é que os homens estão condenados, 

qualquer que seja a cronologia da sua vida, quer nasçam bebés quer nasçam velhos, o 

ciclo é idêntico e intermutável. Tanto se morre novo como velho. Mas a verdade é que o 

ciclo não é semelhante. Senão vejamos. 

No conto de F. Scott Fitzgerald a narrativa inicia-se no “longínquo ano de 1860”. Os 

pais da criança chamam-se Button e tinham aderido ao “fascinante velho costume de 

ter bebés”, mas, em vez de os ter em casa, a mãe vai pari-lo no “Hospital Particular de 

Maryland para Damas e Cavalheiros”, onde, no dia certo, dá a luz um velho de barbas, 

que provoca a indisposição em todo o hospital e a ira do médico assistente: “Peço-lhe 

que vá e veja com os seus olhos. Escandaloso! (...) Imagina que um caso como este 

benefi cia a minha reputação profi ssional? Outro igual arruinar-me-ia... arruinaria 

qualquer um. (...) Não, não se trata de trigémeos. Sabe que mais? Vá e veja com os seus 

olhos. E arranje outro médico. Trouxe-o a este mundo, meu rapaz, e há quarenta anos 

que sou médico da sua família, mas agora acabou-se! Estou farto. Não quero voltar a 

vê-lo nunca mais, nem a si, nem a nenhum dos seus familiares! Passe bem.” 

Em lugar de depositar o bebé envelhecido à porta de um lar de idosos, o que acontece 

no fi lme, o pai vai “à baixa comprar roupa” para o velho que lhe apareceu no berçário. 

“E uma bengala, não se esqueça, pai. Preciso de uma bengala!”, relembra o rebento 

ao senhor Button. Óbvio que estamos no domínio da farsa. No conto. No fi lme o tom, 

ainda que aqui e ali permita um sorriso, é mais pesado. Um bebé (mais ou menos 



parecido com Brad Pitt quando ele tiver 80 anos) é depositado na escadaria de um lar 

de terceira idade, dirigido por uma generosa negra de nome Queenie. Ela irá adoptá-lo, 

tratá-lo como um fi lho que se habitua a ver regredir na idade. Enquanto os velhos do 

lar vão murchando e morrendo, Benjamin vai transformando-se num ser cada vez mais 

novo. Ainda velhote descobre uma miúda, Daisy, que se irá tornar o grande amor da 

sua vida. Aqui ocorre o grande paradoxo do fi lme: no ciclo habitual da vida, Benjamin e 

Daisy nunca se encontrariam como casal normal. Ele tinha 60 anos, ela 9, quando ela 

tivesse 18 ele teria 69, coisa estranha para um casal (ainda que não de todo impossível, 

já se sabe, ele há casos). E se ele vivesse até aos cem anos (o que não é normal, mas 

todos nós sabemos muito possível) poderiam coexistir apaixonados ainda 31 anos. 

Uma pequena vida, muito pouco provável, mas possível. 

Mas se acontecer o ciclo inverso da vida, que o fi lme de David Fincher documenta, se 

ele tiver 60 e ela 9 quando se encontram pela vez primeira, irão reencontrar-se um 

dia com a mesma idade (qualquer coisa como ele 35, ela 34). Não é um encontro que 

permita uma vida “tranquila” de mais vinte anos sequer (quando ela tiver 54, ele tem 

15!). Quando se vive lado a lado, no mesmo sentido dos ponteiros de um relógio que 

ande para a frente, o que vemos é futuro. Quando o ponteiro do relógio desanda para o 

passado num dos parceiros, o resultado não é um encontro com futuro, mas um quase 

desencontro. Por isso, a tese que alguns apontam para o fi lme não me parece certa: 

viva-se de início para o fi m ou do termo para o princípio, o importante é viver bem a vida 

e aproveitar o que fi ca no meio, isto é os anos de vida plena. Esta interpretação pode 

ser correcta para o conto. Mas não é exacta no fi lme, que, aliás, o exemplifi ca. Benjamin 

afasta-se do seu grande amor, afasta-se da fi lha que será perfi lhada por outro, quando 

se aproxima da adolescência. A existência que se vive em comum, e que em comum 

evolui num mesmo sentido, permite o usufruto conjunto do amor, do nascimento dos 

fi lhos, do progressivo envelhecimento, da fruição dos netos… Em Benjamin Button 

nada disso acontece. O que parece apontar a intenção do fi lme numa outra direcção: 

aproveitem bem o que têm, pois, como aqui vêem demonstrado por absurdo, se fosse 

de outra maneira não seria tão agradável. Aliás, a corroborar esta interpretação está o 

facto de Benjamin viver a sua “velha meninice” num lar de velhos onde tudo acontece 

com uma absoluta calma e nenhuma intranquilidade. Ali se cumpre a última etapa da 

vida, aceitando-a com uma certa bonomia e sem grande tragédia. Como quem diz: “A 

vida é assim, nasce-se e morre-se e não há nada a fazer em contrário, senão aceitar o 

destino e aproveitar este instante de existência para se ser feliz”. 

Mas “O Estranho Caso de Benjamin Button” vai mais longe nas suas implicações. O 

fi lme inicia-se num hospital de Nova Orleans em véspera do furacão Katrina (29 de 

Agosto de 2005). Uma velha senhora, às portas da morte, pede à fi lha que esta lhe 

leia um misterioso diário que ela conserva religiosamente guardado até aquele dia. 

A fi lha inicia a leitura que recorda a invulgar vida de Benjamin Button, desde o seu 

nascimento. A leitura evoca o passado e introduz um “fl ashback” (“regresso ao passado” 

em “gíria” cinematográfi ca) e a imagem da fi lha lendo este diário à mãe transformase 

num refrão que regularmente interrompe a narrativa. Cada nova leitura reintegra 

uma nova fase da vida de Benjamin. É muito curioso este processo num fi lme que 

trabalha sobretudo com o tempo, a passagem do tempo, as intermitências do tempo, 

o aparecimento do tempo (o nascimento), a paragem no tempo (a morte) ou a História 

como a dilatação do tempo (interessante comparar este fi lme com “Forrest Gump”, 

também ele escrito pelo mesmo argumentista, Eric Roth).

Se se analisar bem a obra, esta estrutura-se como um encadeado de “fl ashbacks” (na 

actualidade, a fi lha lê o diário; no interior do diário existem novos “fl ashbacks” e bizarras 

anomalias de tempo, como o episódio em que Daisy é atropelada, onde se assinalam 

os artifícios do acaso com uma sequência rodada cronologicamente, que é depois 

invertida e relançada de novo, mas agora obedecendo a uma lei de imponderabilidade 

na existência humana). De resto, estas “evocações” da vida de Benjamin são pretexto 

para invocações mais amplas de momentos da História da América e da Humanidade 

(a II Guerra Mundial, o Flower Power e os Beatnicks, etc.). Ao ver “O Estranho Caso de 

Benjamin Button” é quase impossível não estabelecer algumas comparações com 

a obra de um escritor como Paul Auster, onde o acaso e as coincidências ocupam 

igualmente um importante lugar no decorrer da vida das suas personagens. 

Este “trabalhar do tempo” no cinema remeta para outras obras cinematográfi cas, 

como por exemplo “Intolerância”, de David W. Griffi th, na qual uma mãe vai cantando 

e embalando o berço onde se encontra a fi lha, enquanto vários episódios da eclosão 

da intolerância ao longa da História do homem vão sendo ilustrados. Aqui invertemse 

os papéis, é a fi lha que lê à mãe moribunda (inversão total: fi lha - mãe, nascimento 

– morte), mas o efeito é idêntico (ainda que superior em Griffi th, mais contido, sendo 

talvez excessivo em Fincher – há demasiadas interferências deste refrão no decorrer 

da obra). Mas o tempo é um fascínio para o cinema, com as suas viagens (os vários 

“Regressos ao Futuro”, de Rober Zemeckis; “O Efeito Borboleta”, de Eric Bress e J. Mackye 

Gruber, “Deja Vu”, de Tony Scott, “Donnie Darko”, de Richard Kelly, “The Final Countdown”, 

de Don Taylor, “Groundhog Day”, de Harold Ramis, “It’s A Wonderful Life”, de Frank Capra, 

“Je t’aime, je t’aime”, de Alain Resnais, “Melinda and Melinda”, de Woody Allen, “Peggy 



Sue Got Married” , de Francis Ford Coppola, “The Philadelphia Experiment”, de Stewart 

Raffi ll, “Planet of the Apes” de Franklin J. Schnaffner ou de Tim Burton, “Slaughterhouse 

Five”, de George Roy Hill, “Time After Time”, de Nicholas Meyers, “Time Bandits”, de 

Terry Gilliam, “Timeline 2003”, de Richard Donner, “The Time Machine”, de Pal George 

ou “Time Machine”, de Simon Wells, para só citar alguns dos casos mais evidentes e 

mais interessantes. 

“Contar-vos-ei o que aconteceu e deixar-vos-ei ajuizar por vós próprios”, afi rma F. 

Scott Fitzgerald no início do seu conto. David Fincher, numa outra perspectiva, parece 

deixar igualmente ao espectador essa tarefa, sem impor uma leitura unívoca. Sem ser 

um fi lme que nos apaixone particularmente, “O Estranho Caso de Benjamin Button” 

possui, todavia, motivos bastantes para se situar entre os títulos importantes do fi m 

de 2008 (nos EUA) e do início de 2009 (em Portugal). As treze nomeações para Oscars 

não nos espantam, sobretudo porque muitas delas se situam em domínios onde o 

fi lme é particularmente brilhante (a fotografi a de Claudio Miranda é especialmente 

notável, pelas variações de estilo que ostenta, sempre perfeita, até quando copia o 

fi lme mudo nessas deliciosas cenas do velho que recorda os sete raios que o atingiram 

ao longo da vida; a direcção artística de Donald Graham Burt e o guarda-roupa, de 

Jacqueline Westé, são igualmente extraordinários, pela forma como vão captando 

o tom das épocas por onde vai passando o fi lme; a partitura musical de Alexandre 

Desplat é admiravelmente evocativa; o trabalho da equipa de caracterização é também 

excelente). Já nos parece muito duvidoso que as nomeações principais se cumpram 

realmente em Oscars. A realização, os actores principais e adaptação do argumento 

não nos parecem merecer os prémios, apenas justifi cam as nomeações. São realmente 

bons, mas sem deslumbrarem. Caso muito diverso é o de Taraji P. Henson, na fi gura de 

Queenie, inteiramente à altura do Oscar. Resumindo, se o fi lme regressar com quatro 

ou cinco estatuetas intermédias, já será um bom resultado. 

_O ESTRANHO CASO DE BENJAMIN BUTTON 

Título original: The Curious Case of Benjamin Button 

Realização: David Fincher (EUA, 2008); Argumento: Eric Roth, Robin Swicord; Produção: Ceán Chaffi n, Jim Davidson, 

Kathleen Kennedy, Frank Marshall, Marykay Powell; Música: Alexandre Desplat; Fotografi a (cor): Claudio Miranda; 

Montagem: Kirk Baxter, Angus Wall; Casting: Laray Mayfi eld; Design de produção: Donald Graham Burt; Direcção artística: 

Kelly Curley, Tom Reta; Decoração: Victor J. Zolfo; Guarda-roupa: Jacqueline West; Maquilhagem: Colleen Callaghan, 

Brian Sipe; Direcção de Produção: Manon Bougie, Marc A. Hammer, Peter Mavromates, Daniel M. Stillman; Assistentes 

de realização: Carl Kouri, Allen Kupetsky, Steve Lonano, Maria Mantia, Bob Wagner, Pete Waterman; Departamento de 

arte: Lorrie Campbell, Tammy S. Lee, Masako Masuda, Clint Wallace, Randall D. Wilkins; Som: Ren Klyce; Efeitos especiais: 

Ted Allen, Burt Dalton, Liah Saldaña; Efeitos visuais: Eric Barba, Charlie Bolwell, Atsushi Imamura, Chris McLeod, James 

Pastorius, Wendy Pirotte, Steve Preeg, David Pritchard, Kyle Ware, Kyle Ware, Daniel Warom; Animação: Jonah Austin; 

Anthony Rizzo; Companhias de produção: The Kennedy/Marshall Company, Paramount Pictures, Warner Bros. Pictures; 

Intérpretes: Brad Pitt (Benjamin Button), Cate Blanchett (Daisy), Julia Ormond (Caroline), Tilda Swinton (Elizabeth 

Abbott), Elias Koteas (Monsieur Gateau), Taraji P. Henson (Queenie), Jason Flemyng (Thomas Button), Faune A. Chambers 

(Dorothy Baker), Donna DuPlantier (Blanche Devereux), Jacob Tolano (Martin Gateau), Earl Maddox, Ed Metzger (Teddy 

Roosevelt), Danny Vinson, David Jensen, Joeanna Sayler (Caroline Button), Mahershalalhashbaz Ali (Tizzy), Fiona 

Hale, Patrick Thomas O’Brien, Danny Nelson, Marion Zinser, Peter Donald Badalamenti II, Paula Gray, Lance E. Nichols, 

Rampai Mohadi, Troi Bechet, Phyllis Somerville, Elle Fanning, Ted Manson, Clay Cullen, Edith Ivey, Robert Towers, Jared 

Harris, Sonya Leslie-Shepherd, Yasmine Abriel, Madisen Beaty, Tom Everett, Don Creech, Joshua DesRoches, Christopher 

Maxwell, Richmond Arquette, Josh Stewart, Ilia Volok, David Ross Paterson, Taren Cunningham, Myrton Running Wolf, 

Stephen Taylor, Devyn A. Tyler, Adrian Armas, Wilbur Fitzgerald, Ashley Nolan, Louis Herthum, Katta Hules, Rus Blackwell, 

Joel Bissonnette, Deneen Tyler, Spencer Daniels, Chandler Canterbury, Charles Henry Wyson, Jessica Cropper, Katherine 

Crockett, etc. Duração: 166 minutos; Distribuição em Portugal: Columbia TriStar Warner; Classifi cação etária: M/ 12 anos; 

Estreia em Portugal: 15 de Janeiro de 2009.

_FROST/NIXON 

“Frost/Nixon” assemelha-se muito a um combate de boxe entre duas personagens 

com real existência física: o apresentador de televisão David Paradine Frost (nascido a 

7 de Abril de 1939), que ainda há pouco mantinha na televisão inglesa um programa 

de entrevistas, “Frost Over The World”, na “Al Jazeera English”, e Richard Milhous Nixon 

(nascido em Yorba Linda, Califórnia, a 9 de Janeiro de 1913 e falecido a 12 de Abril de 1994), 

que foi o 37º Presidente dos Estados Unidos da América, entre 1969 e 1974, ano em que 

resignou, depois de se ver envolvido no caso Watergate. Nixon foi o único Presidente 

dos EUA até hoje a ser obrigado a afastar-se do cargo, em virtude de ter cometido 

graves irregularidades durante a sua administração. Republicano, tinha atrás de si uma 

carreira repleta de duvidosos casos políticos, desde a sua activa e decisiva contribuição 

para o período da “Caça às Bruxas”, durante o Machartismo, tendo depois sido Vicepresidente 

de Dwight D. Eisenhower (entre 1953 e 1961). Em 1960 perdeu as eleições 

presidenciais para John F. Kennedy, e em 1962 para governador da Califórnia. Mas, em 

1968, seria eleito Presidente e reeleito em 1972. A sua Presidência seria tumultuosa, 

com graves questões internas e externas (guerra do Vietname, a que curiosamente pôs 

termo, depois de uma escalada fatídica, e de ter a aceite uma má dissimulada rendição, 

relações com a China e a URSS, com as quais logrou alguma contenção, guerra com 

o Cambodja, o Laos, crise económica e caos social nos EUA). A 14 de Agosto de 1974 

demitia-se de Presidente, com uma curta declaração, e o seu sucessor, Gerald Ford, 

anunciava, pouco depois, um perdão para todos os “crimes federais” por si cometidos. 

Assim se retirou para a sua residência “La Casa Pacifi ca”, em San Clemente, Califórnia, 

onde escreveu, em 1978, as mil páginas “The Memoirs of Richard Nixon”, a que se 

seguiram nove outros volumes (todos muito bem remunerados). 

Anteriormente, porém, em 1977, Nixon pretendeu organizar um regresso à vida pública, 

procurando de alguma forma recuperar a imagem perdida. Foi por isso que aceitou 

encontrar-se com David Frost, apresentador de shows de variedades e entrevistador de 



celebridades mediáticas, que tivera alguns programas de certo sucesso em Inglaterra, 

mas que caíra em desgraça e se encontrava então na Austrália. Forst e Nixon eram por 

esse tempo “anjos caídos” que viviam tempos de exílio forçado. Ambos combatentes 

de têmpera, ambos pretendiam um regresso em grande. As seis entrevistas que 

fi caram combinadas (por um chorudo pagamento de 600 mil dólares, quase todos 

saídos do bolso de Frost) seriam, portanto, um combate público em que só poderia 

“haver um vencedor”. Ou um “combate combinado” que assim teria dois vencedores, o 

que também chegou a ser ventilado nesse momento. 

As primeiras gravações das entrevistas não foram brilhantes para Frost, que se mostrava 

demasiado retraído, dando todos os pontos a Nixon, mas, quando chegou a ocasião 

de abordar o caso Watergate, tudo mudou de fi gura. Nixon acabaria por confessar 

publicamente alguns erros e ilegalidades (que, quando cometidas por um presidente, 

“não eram ilegalidades”, explicou perante a incredibilidade do país). As entrevistas que 

até aí não tinham motivado grande interesse por parte das cadeias de tv americanas, 

acabaram por ser um sucesso televisivo, com mais de 45 milhões (há quem fale em 50 

milhões) de espectadores em todo o mundo, o que as tornou no maior êxito de sempre 

no campo das entrevistas políticas televisionadas. 

Enquadrado historicamente o acontecimento, e o seu inequívoco interesse, cremos 

não andar muito longe da verdade se dissermos que o verdadeiro protagonista deste 

fi lme de Ron Howard é, no entanto, George W. Bush. E porquê? Porque muitas vezes 

ouvimos Frost, no fi lme, fazer perguntas a Nixon e quem ouvimos a responder é Bush, 

tal a sobreposição de questões. De certa forma as entrevistas de Frost constituíram 

uma espécie de julgamento público de um presidente que levou os EUA para a guerra 

com falsas questões, com mentiras organizadas a seu favor, acabando por desencadear 

uma das piores crises militares, políticas, económicas, fi nanceiras e sociais da história 

daquele país e do mundo. Estamos portanto a ouvir perguntas que poderiam ser 

endereçadas a George W. Bush, e a julgá-lo publicamente por interposta pessoa. O 

resultado é confrangedor para um e outro. O fi lme adquire o estatuto de requisitório 

indiscutível. 

Mas o fi lme pode (e deve) ser visto ainda sob outros pontos de vista, nomeadamente o 

das relações entre os meios de comunicação social e o poder instituído. Nixon era pessoa 

que, a bem ou a mal, “sabia” tratar com a comunicação social. Os seus processos eram 

quase sempre mafi osos, mas o fi lme relembra como “as coisas” se podem estruturar. A 

começar desde logo pelo próprio caso Watergate, que, na base, tem precisamente este 

problema: como calar certas vozes incómodas da oposição nos jornais? Foi para saber 

como que colaboradores da Casa Branca resolveram entrar em instalações do Partido 

Democrata para recolher informações. Ao serem descobertos, desbloquearam toda a 

tramóia que haveria de liquidar Nixon. 

Ao olharmos, porém, para estes dois homens em confronto, não nos restam muitas 

dúvidas de que ambos se equivalem. O duelo é de morte, mas o que está em causa 

será a reposição da verdade e o julgamento público de um Presidente crápula? Ou será 

antes os 600 mil dólares que fascinaram Nixon e saíram do bolso de Frost? Ou será o 

futuro profi ssional de cada um deles e da rede de colaboradores que os mantêm em 

exercício? Há algum quixotismo em Frost? Há algum arrependimento em Nixon? Não 

estarão ambos a investir ao mais alto nível nos seus futuros? Um a querer regressar 

à ribalta da TV de Inglaterra, outro a querer rentabilizar, o melhor possível, as suas 

memórias, impondo a comiseração por um lado e o branqueamento, limitado é certo,

da sua imagem pública? Afi nal o resultado foi o julgamento de Nixon, é uma realidade, 

mas com um perdão para todos os “crimes federais” e a nova imagem do homem que, 

apesar dos crimes cometidos, se tinha humilhado, confessando num acto de contrição 

que todo o país (e o mundo) iria compreender (e perdoar), continuando a comprar 

“as memórias” que iria futuramente publicar e tanto jeito lhe fariam à contabilidade 

pessoal. 

A forma como a televisão (e toda a comunicação social por arrasto) dialoga com o poder 

é outra questão delicada que o fi lme aborda, com alguma subtileza, mas mostrando 

bem o jogo de infl uências, sobretudo quando se apostam fortunas numa transmissão 

e se arriscam carreiras. O início da obra é esclarecedor, desvendando os mecanismos 

que estão na base dos projectos e como os mesmos se montam ou desmontam. 

Claro que Ron Howard, não sendo um cineasta particularmente criativo e um 

“autor” de primeiro plano, é um realizador atento e efi caz. O fi lme movimenta-se 

bem em interiores cerrados, as cenas das entrevistas conseguem justifi car o tom de 

quase “thriller” psicológico, adensando o clímax com habilidade. Há um momento, 

absolutamente fi ccionado no fi lme, que funciona muito bem, quando Nixon, 

embriagado (apenas um plano de copos e garrafa, anterior, prenuncia o desenlace), 

telefona a meio da noite a Frost. No dia seguinte, Frost evoca esse telefonema a Nixon, 

este não o recorda, mas essa confi dência do entrevistador irá retirar ao ex-presidente 

toda a segurança, fragilizá-lo e viabilizar a confi ssão. Também aqui as comparações 

com Bush não deixam de se estabelecer. 

Retirado de uma peça de teatro de Peter Morgan, que também a adaptou a cinema, 

“Frost/Nixon” não perde esse intimismo de “fi lme de câmara”, conseguindo sustentar 

o confronto (“aproxima-te mais dele, para o intimidares, olha-o nos olhos, interrompeo 

para o enervares, não o deixes monologar sobre o que quer”, aconselham os 

colaboradores de Frost ao apresentador, que até aí garantia a Nixon muito à vontade). 

A adaptação é por isso boa, mantendo certamente as virtualidades da peça que 



foi sucesso em Londres e na Broadway, procurando novos valores narrativos, sem 

desvirtuar o essencial. Informação adicional: Frank Langela e Michael Sheen também 

interpretavam os mesmos papéis no teatro que agora recriam no cinema. 

Vamos, pois, e fi nalmente, ao diálogo de actores. Frank Langella (Richard Nixon) e Michael 

Sheen (David Frost) são dois bons actores, particularmente o primeiro. Deve sublinharse 

o trabalho de ambos, na assimilação de características e de pormenores de gestos, 

olhares, entoações, mas se o desempenho é minucioso, e por vezes brilhante, há algo 

que nos afasta dos verdadeiros protagonistas. Percebe-se que a intenção não foi mimar 

ao extremo o físico de Nixon ou Frost, mas construir essas fi guras sobre a aparência 

física dos actores que lhe acrescentaram apenas certos tiques ou particularidades. O 

resultado, não afectando demasiado o fi lme, acaba por nos distanciar. Não sabemos 

mesmo se não haverá algo de propositado neste distanciamento (um Nixon que não 

é totalmente o Nixon das actualidades e dos telejornais da época, para o fi lme se 

centrar mais na fi gura de um Presidente dos EUA, pouco escrupuloso, dado à bebida, 

prepotente e ardiloso, populista e atávico – será só Nixon que corresponde ao retrato, 

quando o fi lme de Ron Howard se estreia em plena campanha de Barack Obama?). 

Resumindo: não será o grande cinema norte americano, mas é defi nitivamente o 

cinema norte americano liberal, que investiga, que denuncia, que tenta clarifi car, tomar 

partido, defender causas, e mostrar que, no fi nal, numa democracia, por muitos erros 

que se cometam, há sempre mecanismos que permitem de alguma forma remediar 

o mal. Claro que para quem não acredita nas democracias representativas, este fi lme 

não faz mais do que salvar a face. Aceitamos até a crítica, desde que nos mostrem 

alternativas, e alternativas viáveis. Mas não serão certamente exemplos do passado, 

carregados de prepotência, tortura e morte, que nos irão fazer mudar de ideias. Por isso 

achamos este fi lme um bom exemplo do que o cinema pode fazer para interferir na 

realidade e ajudá-la a mudar, para melhor. 

Curiosidade suplementar; parece que este projecto antes de ser entregue a Ron 

Howard passou por várias mãos que o cobiçavam: Martin Scorsese, Mike Nichols, 

George Clooney, Sam Mendes ou Bennett Miller foram alguns. 

_FROST/NIXON 

Título original: Frost/Nixon 

Realização: Ron Howard (EUA, França, Inglaterra, 2008); Argumento: Peter Morgan, segundo peça de teatro de sua 

autoria; Produção: Tim Bevan, William M. Connor, Eric Fellner, Brian Grazer, Todd Hallowell, Ron Howard, Kathleen McGill, 

Peter Morgan, Louisa Velis; Música: Hans Zimmer; Fotografi a (cor): Salvatore Totino; Montagem: Daniel P. Hanley, Mike 

Hill; Casting: Janet Hirshenson, Jane Jenkins; Design de produção: Michael Corenblith; Direcção artística: Brian O’Hara, 

Gregory Van Horn; Decoração: Susan Benjamin; Guarda-roupa: Daniel Orlandi; Maquilhagem: Colleen Callaghan, 

Edouard F. Henriques, Elizabeth Hoel, Karyn Huston, Sabine Roller, Justin Stafford; Direcção de Produção: Kathleen 

McGill; Assistentes de realização: William M. Connor, Todd Hallowell, Scott R. Meyers, Kristen Ploucha, Scott Schaeffer; 

Departamento de arte: Lorrie Campbell, Chad S. Frey; Som: Anthony J. Ciccolini III, Teri E. Dorman, Gary A. Hecker, Solange 

S. Schwalbe; Efeitos especiais: Chad Baalbergen, Jeff Miller; Efeitos visuais: Eric J. Robertson; Companhias de produção: 

Imagine Entertainment, Relativity Media, Studio Canal, Working Title Films; Intérpretes: Frank Langella (Richard Nixon), 

Michael Sheen (David Frost), Sam Rockwell (James Reston, Jr.), Kevin Bacon (Jack Brennan), Matthew Macfadyen (John 

Birt), Oliver Platt (Bob Zelnick), Rebecca Hall (Caroline Cushing), Toby Jones (Swifty Lazar), Andy Milder (Frank Gannon), 

Kate Jennings Grant (Diane Sawyer), Gabriel Jarret (Ken Khachigian), Jim Meskimen (Ray Price), Patty McCormack (Pat 

Nixon), Geoffrey Blake, Clint Howard, Rance Howard, Gavin Grazer, Simon James, Eloy Casados, Jay White, Wil Albert, 

Keith MacKechnie, Penny L. Moore, Janneke Arent, David Ross Paterson, Jennifer Hanley, Robert Pastoriza, Louie Mejia, 

Kevin P. Kearns, David Kelsey, James Ritz, Pete Rockwell, Ned Vaughn, Simone Kessell, Ben Pauley, Noah Craft, Talley Singer, 

Kaine Bennett Charleston, Gregory Alpert, Kimberly Robin, Michelle Manhart, Steve Kehela, Antony Acker, Jenn Gotzon, 

Googy Gress, Marc McClure, Joe Spano, etc. Duração: 122 minutos; Distribuição em Portugal: Lusomundo; Classifi cação 

etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 22 de Janeiro de 2009.

_GOMORRA 

Roberto Saviano é um jovem escritor italiano que se impôs com um único livro que 

teve uma recepção entusiástica: 1.8 milhões de exemplares, tradução em 40 países, 

tudo isto desde Maio de 2006. O livro aborda, de foram desabrida e frontal, o “modus 

vivendo” da Gomorra, a Máfi a napolitana, uma organização de uma violência sem 

limites e de uma desumanidade extrema. Nada a ver com outras obras romanescas que, 

muito embora denunciando os negócios ilícitos e a atmosfera criminosa da sociedade 

secreta, nela encontram códigos de ética ou fraternidades complacentes. Aqui tudo e 

feio e sujo, sem remissão. Desde a descrição dos cenários, miseráveis e arruinados, dos 

bairros de Scampia e Caserta, até ao comportamento de cada interveniente. 

O livro passou a fi lme que conquistou o Prémio do Júri em Cannes e os favores do 

público por esse mundo fora. O romancista viu-se rapidamente envolvido em ameaças 

várias à sua integridade física, o que levou as autoridades italianas a protegê-lo nos 

últimos tempos, sobretudo depois de uma petição, assinada por seis prémios Nobel, 

que, solidarizando-se com o autor, solicitaram para ele ajuda ofi cial. “Estamos fartos 

de uma fi cção á volta do crime organizado”, declarou o escritor. “Nós não falamos de 

delinquentes comuns, falamos de uma organização poderosíssima. Nop dia em que 

caíram as Torres Gémeas, enquanto o mundo olhava, aterrorizado, as imagens da 

televisão, os chefes da Gomorra falavam pelo telefone para se investir. Para eles não 

havia mortos, havia um terreno livre para se investir”. 

Falemos do fi lme. Este assume-se como uma obra de um novo neo-realismo. Cenários 

naturais, actores não profi ssionais, uma quase ausência de trama fi ccionista, uma 

procura da realidade documental sem enfeites (ou sem efeitos especiais), uma secura 

de tratamento que chega a incomodar pela austeridade. O fi lme organiza-se em forma 

de capítulos, onze, onde se vão intercalando várias histórias, cinco para sermos mais 

precisos, que documentam práticas e comportamentos mafi osos: a guerra entre bandos 

num bairro onde a polícia não tenta sequer entrar; negócios obscuros que permitem 



enterrar bidões de resíduos altamente tóxicos em terrenos abandonados, que assim 

rendem chorudas quantias e dispersam o veneno sem controle; o dia a dia nuns edifícios 

deteriorados onde se vende droga e onde vive Totó, um adolescente que se encarrega 

de pequenos recados; um alfaiate de “alta costura” que trai os gomorristas e inicia 

um trabalho para os recém chegados chineses e que por isso mesmo é “castigado”; 

Ciro, um velho “contabilista” da organização, cuja tarefa é recolher dinheiros para a 

Gomorra e que se sente abandonado e menosprezado; e dois jovens, com um evidente 

atraso mental, que se apoderam de um conjunto de armas e desatam a disparar para 

todo o lado, julgando-se os donos do mundo. Acabam mal, porque para a Gomorra 

disparar só se faz com efi cácia. 

Cada segmento destas histórias aparece isolado, intercalando-se uns nos outros 

sem aparente relação, mas o espectador “sabe” que todos eles se irão interligar à 

medida que o fi lme avança, e pressente que, por detrás de todos eles, se encontra a 

omnipresente Gomorra. O que mais surpreende, se é que nos podemos surpreender 

com algo vindo de onde vem, é a forma totalmente desumana como todos os assuntos 

são tratados, com um pragmatismo e uma “objectividade” totais. As pessoas deixaram 

de ser pessoas, são peões, objectos, números que, se funcionam de acordo com as 

directrizes, sobrevivem (por vezes em situações de clara exploração infra-humana), 

mas que se tomam alguma posição contrária aos interesses da máfi a, são abatidos 

como animais num matadouro clandestino, e enterrados na areia através de uma 

qualquer escavadora de serviço. 

A câmara movimenta-se com agilidade, na mão do operador que persegue 

personagens em planos-sequência, como um qualquer observador privilegiado, a 

fotografi a é extremamente densa, de um colorido sujo e pigmentado, o som é directo 

quase sem tratamento, o dialecto napolitano de difícil percepção, os cenários de 

um desencanto e hostilidade invulgares, a montagem, por corte seco, não permite 

qualquer tipo de adesão emocional, o resultado é de um distanciamento óbvio e de 

uma brutalidade quase física. O que permite, no fi nal, um fi lme sufocante, sobre uma 

realidade que temos difi culdade em associar a um mundo que conhecemos, mas que 

tudo nos diz existir assim mesmo, na mais perfeita i-moralidade, na mais completa 

des-umanidade. 

_GOMORRA 

Título original: Gomorra 

Realização: Matteo Garrone (Itália, 2008); Argumento: Maurizio Braucci, Ugo Chiti, Gianni Di Gregorio, Matteo 

Garrone, Massimo Gaudioso, Roberto Saviano, segundo obra de Roberto Saviano; Produção: Laura Paolucci, Domenico 

Procacci; Fotografi a (cor): Marco Onorato; Montagem: Marco Spoletini; Design de produção: Paolo Bonfi ni; Guardaroupa: 

Alessandra Cardini; Maquilhagem: Alessandro Bertolazzi; Direcção de produção: Gianluca Chiaretti, Michela 

Rossi; Assistentes de realização: Gianni Di Gregorio, Gianluigi Toccafondo; Som: Maricetta Lombardo; Efeitos visuais: 

Fabrizio Cucinotta; Companhias de produção: Fandango, Rai Cinema, Sky, Ministero per i Beni e le Attività Culturali; 

Intérpretes: Toni Servillo (Franco), Gianfelice Imparato (Don Ciro), Maria Nazionale (Maria), Salvatore Cantalupo 

(Pasquale), Gigio Morra (Iavarone), Salvatore Abruzzese (Totó), Marco Macor (Marco), Ciro Petrone (Ciro), Carmine 

Paternoster (Roberto), Zhang Ronghua (Xian), Simone Sacchettino (Simone), Salvatore Ruocco (Boxer), Vincenzo 

Fabricino (Pitbull), Vincenzo Altamura (Gaetano), Italo Renda (Italo), Salvatore Striano, Carlo Del Sorbo, Vincenzo 

Bombolo, Alfonso Santagata, Massimo Emilio Gobbi, Salvatore Caruso, Italo Celoro, Manuela Lo Sicco, Giovanni 

Venosa, Vittorio Russo, Bernardino Terracciano, Alda D’Eusanio, etc. Duração: 137 minutos; Distribuição em Portugal: 

Prisvideo; Classifi cação etária: M/ 16 anos; Estreia em Portugal: 18 de Setembro de 2008.

_HAVERÁ SANGUE 

“Haverá Sangue”, de Paul Thomas Anderson, é um fi lme notável, uma daquelas 

raras obras que por vezes iluminam uma cinematografi a e nos demonstram que 

as obras-primas continuam a fl orescer por esse mundo fora, bastando para tanto 

estar atento para as reconhecer e amar. Baseado no romance “Oil!” (1927) do norteamericano 

Upton Sinclair, “There Will Be Blood” foi rodado, em 2006, nos cenários 

impressionantes do Novo México, e de Marfa, no Texas, centrando a sua história numa 

personagem absolutamente fascinante (e nem sempre por bons motivos), o mineiro 

Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) que descobre ocasionalmente uma jazida de 

petróleo, corria o ano de 1898. Homem pobre, mas sagaz, com reduzidas condições, 

mas uma obstinação e persistência que irá manter (e robustecer) ao longo da vida, 

Plainview inicia a extracção, cria novas técnicas e novos apetrechos de exploração e, 

em 1911, é o mais bem sucedido pesquisador de petróleo da Califórnia. 

Um dia um dos seus empregados sofre um acidente fatal, e deixa órfão H.W., um miúdo 

que, a partir daí, Plainview adopta como fi lho e torna sócio do seu pequeno império 

em construção. Império que progride de forma desmedida, quando recebe a visita de 

um jovem, Paul Sunday (Paul Dano) que lhe vem vender uma secreta informação sobre 

uma propriedade da sua família, em Little Boston, Califórnia, onde afi ança que há 

infi nitas e bem abastecidas jazidas desse tão precioso óleo. 

Plainview e H.W. fazem-se passar por caçadores e iniciam as negociações para comprar 

a propriedade, depois de se certifi carem da existência de petróleo em abundância, e 

sem nada dizerem à família dessa confi rmação. Mas Paul Sunday tem um irmão 

gémeo, Eli Sunday (igualmente Paul Dano), que percebe o que se passa e exige um 

pagamento extra de 10.000 dólares, que reverteriam para a construção da sua própria 

igreja, a “Igreja da Terceira Revelação”, onde se auto-proclamaria sacerdote. Plainview 

paga-lhe 5.000 adiantados e promete-lhe outro tanto para mais tarde, e começa por 



outro lado a comprar as propriedades vizinhas, fi cando apenas uma, isolada, a quinta 

do velho Bandy (Hans Howes), que não cede à investida. 

Enquanto Plainview vai reforçando o seu império e ampliando a sua cobiça, Eli funda 

a sua própria igreja, e inicia a pregação. Certo dia um poço de petróleo explode e 

H.W. deixa de ouvir. Estão criadas as premissas para “There Will Be Blood” descolar, 

oferecendo um admirável retrato de cobiça e ambição, de esforço e dedicação a uma 

obra, que não pára perante nada, que não hesita um instante, que não coloca uma 

questão, uma dúvida, uma interrogação. Social, moral. Pragmatismo total. Tudo se 

justifi ca se a obra avança e o capital se multiplica, não importando se a solidão se 

instala, se a bebida consome, se o crime se institui. Duas obsessões demenciais que 

se cruzam, se aliam, se amparam, se confrontam, se destroem: o petróleo e a religião. 

Em nome de um e de outra, ou em nome dos dois em simultâneo, ou em conluio dos 

dois, a riqueza de um cresce, a exploração de muitos aumenta, enquanto, na igreja 

ao lado, o sacerdote bendiz, se a comunhão da receita for a dividir. Isto não lembra 

nada de muito presente, de muito ouvido e repetido em noticiários e lido em jornais? 

Pois parece que sim e é preciso não só coragem mas uma lucidez invulgar para criar a 

metáfora e mantê-la bem inteligível para os espectadores. 

Na linha de “O Gigante”, de George Stevens, por um lado, na forma como descreve 

a traços largos o universo dos campos petrolíferos e das sagas familiares que 

alimentaram impérios à sua custa; no prolongamento de “Elmer Gantry”, de Richard 

Brooks, na forma como evoca os malabarismos e puritanismos de certas seitas e de 

sacerdotes que vivem da manipulação e da demagogia barata, perante assembleias 

de crentes ingénuos; próximo de “Citizen Kane”, de Orson Welles, na maneira como 

ergue uma personagem “bigger than life”; cruzando com “O Tesouro da Sierra Madre”, 

de John Huston, no estudo da ambição que conduz à loucura e à perca; perto por esse 

motivo também de “Greed”, de Erich Von Stroheim, a vertigem da cobiça em estado 

puro numa paisagem desolada. Obviamente que também vem à memória “Escrito 

no Vento”, de Douglas Sirk. O petróleo e a avareza, a construção de impérios sobre a 

perfídia, ostentam uma ilustre fi lmografi a atrás de si. 

Não li o romance de Upton Sinclair, “Oil!”, mas, ao que dizem, Paul Thomas Anderson 

apenas retém o início desta obra de cerca de 700 páginas, que acompanha a vida 

de uma família, cuja riqueza cresce com os campos de petróleo. No romance, o 

protagonista é Bunny Ross, e tem obviamente um modelo na realidade americana 

que inspirou a sua criação, um magnata, Edward Doheny, no palacete do qual foram 

fi lmadas as derradeiras sequências do fi lme. Ironias do destino! O fi lme, no entanto, 

não fala de Bunny Ross, mas apenas do pai deste (no romance), J. Arnold Ross, e do 

dealbar da construção do império. 

Há quem surpreenda uma inspiração evidente na fi gura do vampiro para a construção 

visual da personagem de Daniel Plainview (que Daniel Day-Lewis cria de uma forma 

absolutamente magistral, na linguagem, na pronúncia, na contenção, no nervo, na 

frieza do olhar de caçador por vezes acossado, mas sempre pronto a transformar o 

caçador em sua vítima). “Nosferatu”, de Murnau, vem realmente à recordação, quando 

se recorta a silhueta de Daniel Plainview na crista do horizonte, mas sobretudo o que 

colhe é essa avidez insaciável de se alimentar do sangue da terra e do sangue dos 

outros. 

A realização de Paul Thomas Anderson é admirável de rigor, mas também de criatividade 

narrativa, de efi cácia na forma como recorre a uma simbologia que relembra os

maiores cineastas americanos da era do clássico, na dimensão de um lirismo telúrico 

como cruza panorâmicas verticais e horizontais, acompanhando as torres que se 

erguem para o céu, ou os oleodutos que escorrem para o mar as entranhas da terra. 

Há no ar poeira e óleo, o vermelho denso do desejo e o negro trágico da ameaça, numa 

fotografi a esplendorosa de Robert Elswit, mas há, sobretudo, a fabulosa partitura de 

Johnny Greenwood, o guitarrista dos “Radiohead”, que compõe lamentos de cortar a 

respiração. Um grande fi lme que tem as pragas do Egipto, do “Exodus”, como epígrafe 

que dá o nome e um sentido mais linear à obra. 

_HAVERÁ SANGUE 

Título original: There Will Be Blood 

Realização: Paul Thomas Anderson (EUA, 2007); Argumento: Paul Thomas Anderson, segundo romance “Oil”, de Upton 

Sinclair; Música: Jonny Greenwood; Fotografi a (cor): Robert Elswit; Montagem: Dylan Tichenor; Casting: Cassandra 

Kulukundis; Design de produção: Jack Fisk; Direcção artística: David Crank; Decoração: Jim Erickson; Guarda-roupa: 

Mark Bridges; Maquilhagem: Kim Ayers, John Blake, Catherine Conrad, Linda D. Flowers, David Larson, Yesim ‘Shimmy’ 

Osman; Durecção de produção: Erica Frauman, Jamey Pryde, Will Weiske; Assistentes de realização: Jeff Habberstad, 

Eric Richard Lasko, Jenny Nolan, Richard Oswald, Adam Somner, Ian Stone; Departamento de arte: Anthony D. Parrillo; 

Som: Richard King, Christopher Scarabosio; Efeitos especiais: Steve Cremin, Brandon K. McLaughlin; Efeitos visuais: Mark 

Casey, Grady Cofer, Paul Graff, Erin D. O’Connor, Robert Stromberg; Produção: Paul Thomas Anderson, Daniel Lupi, Scott 

Rudin, Eric Schlosser, JoAnne Sellar, David Williams; Companhias de produção: Ghoulardi Film Company, Paramount 

Vantage, Miramax Films. Intérpretes: Daniel Day-Lewis (Daniel Plainview), Paul Dano (Paul e Eli Sunday), David Willis 

(Abel Sunday), Kellie Hill (Ruth Sunday), Dillon Freasier (Jovem H.W. Plainview), Sydney McCallister, Christine Olejniczak, 

Martin Stringer, Kevin J. O’Connor, Jacob Stringer, Matthew Braden Stringer, Ciarán Hinds, Joseph Mussey, Barry Del 

Sherman, Russell Harvard, Harrison Taylor, Stockton Taylor, Colleen Foy, Paul F. Tompkins, Kevin Breznahan, Jim Meskimen, 

Erica Sullivan, Randall Carver, Coco Leigh, James Downey, Dan Swallow, Robert Arber, Bob Bell, David Williams, Joy Rawls, 

Louise Gregg, Amber Roberts, Robert Caroline, John W. Watts, Barry Bruce, Irene G. Hunter, Hope Elizabeth Reeves, John 

Chitwood, David Warshofsky, Tom Doyle, Colton Woodward, John Burton, Hans Howes, Robert Barge, Ronald Krut, Huey 

Rhudy, Steven Barr, Robert Hills, Rev. Bob Bock, Vince Froio, Phil Shelly, etc. Duração: 158 minutos; Classifi cação etária: 

M/ 12 anos, Distribuição em Portugal: Lusomundo Audiovisuais; Locais de fi lmagem: El Mirage Dry Lake, Califórnia; 

Greystone Park & Mansion - 905 Loma Vista Dr., Beverly Hills, Califórnia; Los Angeles, Califórnia; Marfa, Texas; Santa 

Clarita, California, EUA; Estreia: 14 de Fevereiro de 2008 (Portugal). 



_REVOLUTIONARY ROAD 

América, meados dos anos 50: numa festa de jovens, um homem e uma mulher olhamse, 

aproximam-se, falam, confessam sonhos. Paris, onde ele já esteve mobilizado, 

durante a II Guerra Mundial. Os anos passam, casaram, são os Wheelers, Frank 

(Leonardo DiCaprio) e April (Kate Winslet), vivem numa agradável casa nos subúrbios 

de Connecticut, dois fi lhos, ele empregado num escritório de uma grande empresa, ela 

dona de casa com aspirações a actriz que falham rotundamente na noite de estreia 

do grupo teatral local. A simpática senhora que lhes vendeu a casa (Kathy Bates), em 

Revolutionary Road, acha-os “especiais”, eles também se acham, mas começam a sentir 

a terra a fugir-lhes debaixo dos pés. Os sonhos vão fi cando para trás, as promessas 

de felicidade restringem-se ao mínimo. A vida dos subúrbios asfi xia-os, lentamente. 

O sonho de Paris regressa. Vender a casa, largar o emprego, pegar nos miúdos, viajar 

até à Europa (como os sonhos se cruzam: na Europa, por essa altura, alimenta-se o 

sonho de viajar até à América, “a terra das possibilidades para todos”). Ela promete 

que trabalha como secretária da OTAN, ele pode cumprir o destino que traçara para 

si, e que não sabe muito bem qual é, mas não é de certeza estar fechado o dia todo 

num escritório “open space”, com jaulas envidraçadas onde se multiplicam as vendas 

de electrodomésticos. Por isso se impõe o sonho de partir, a miragem da aventura, 

de viver perigosamente (na frente da batalha, Frank confessa que sentiu medo, mas 

acrescenta que foi nesse momento que soube o que era a vida e April olha-o fascinada, 

apaixonada). Frank recorda o pai e os “sábios” conselhos que este lhe dava e lembra 

como o detestava nesse seu sentir sem horizontes. Nunca seria como o pai a servir 

fi elmente durante 20 anos a mesma empresa, jura. 

Mas o homem sonha, e a obra quase nunca nasce. A vida, a vidinha de todos os dias, 

as promoções no emprego, os fi lhos, a comodidade do adquirido, os preconceitos do 

ambiente mesquinho destas aldeias em jeito de cidades satélites, muito convencionais, 

muito patéticas na sua arrumação (cidades que Tim Burton tão bem caricatura, nalguns 

dos seus fi lmes, cidades que Sam Mendes tão subtil e violentamente escalpelizara já 

em “Beleza Americana”), vão minando a resistência de uns e o equilíbrio emocional de 

outros. As frustrações instalam-se. A neurose progride. Até à loucura, como no caso do 

matemático, que os choques eléctricos, no hospital psiquiátrico, já limitaram a meras 

recordações. Ele faz seus os sonhos dos Wheelers, ele é o único que os compreende 

plenamente, será portanto o que menos compreende a sua renúncia. Ele que está preso, 

anseia voar. Os Wheelers que podiam voar e já tinham os bilhetes na mão, recusam o 

sonho. Não ela, April, mas sobretudo Frank. Porque há a possibilidade da promoção, 

e a promessa de um novo lugar, a anunciada chegada de outro fi lho, a vida de todos 

os dias que às vezes é madrasta para os sonhos. De quem os pressente, porque há 

muitos que vivem (ou parecem viver) felizes com o que têm. Tomem-se como exemplo 

alguns colegas de escritório de Frank, e alguns vizinhos, onde, todavia, há sempre 

dramas, o fi lho no psiquiatra, ou o desejo refreado do vizinho do lado, que explode 

uma noite, no interior de um carro, para continuar domesticado e bem comportado, 

no seu lar, deixando, no entanto, os olhos vaguear dolorosamente pelo horizonte. Que 

não existe. 

Este é um retrato magoado e confrangedor de uma América que abafa a felicidade em 

casinhas modelares e electrodomésticos? Claro que é. Estes bairros higienizados de 

subúrbios só existem assim nos EUA, e tanto Richard Yates no seu magnífi co romance, 

tanto Sam Mendes no seu belíssimo fi lme, falam essencialmente da América. Mas,

este é um problema próprio da condição humana, mais do que de um só país. É próprio 

do homem desejar o que não tem. Procurar sempre mais. Há os que se adaptam, há 

os que sofrem a cada revés, há os que se acomodam e os que explodem, há os raros 

que partem para Paris, e lá chegados descobrem que afi nal a vida está além, porque a 

vida está sempre além para os insatisfeitos. E não se trata sequer de uma questão de 

classe social. 

Ao ver a progressiva erosão dos sentimentos nesta família de bairro dos arredores, 

veio-me à lembrança uma genial sequência de Orson Welles, em “Citizen Kane”, 

vários pequenos-almoços ao longo de anos, ligados por “travellings” laterais que 

vão, de movimento em movimento, mostrando o gradual afastamento, a distância, o 

alheamento total de um casal, ele um dos homens mais ricos e poderosos dos EUA, 

ela a sobrinha do Presidente. O desgaste é algo que ataca os sentimentos como a 

ferrugem os metais. E fi ca sempre a sensação de que tudo poderia ter sido de outra 

maneira, que o presente e o futuro poderiam ter sido diferentes, que houve sempre 

o erro original da defi ciente avaliação das causas e o fracasso assumido, ou não, das 

consequências não calculadas. Por isso, entre os americanos das cidades satélites, ou 

ingleses, os franceses, os portugueses, os chineses ou os brasileiros, os problemas são 

os mesmos, ainda que os cenários variem. 

E depois há ainda os que não conseguem “perceber” sequer os problemas que estes 

romances e estes fi lmes abordam, e que são esses deserdados da terra, para quem 

o sonho é ter comida para os fi lhos e para si todos os dias, ter água corrente e luz 

eléctrica, ou mais grave ainda não estarem sujeitos a torturas diárias numa qualquer 

prisão miserável, ou não assistirem diariamente ao massacre de milhares de inocentes. 

Sem se compreender por quê. 

É, todavia, a insatisfação constante e o sonho do impossível que faz mover o Homem, 

por muito diferentes (por vezes contraditórios) que sejam esses sonhos. Um exemplo 

de colheita pessoal: em 1974, em Portugal, nos muros das ruas e nos quartos dos 



jovens, estavam afi xados cartazes de Marx, Lenine e Che Guevara. Numa viagem que 

fi z à Hungria, nas paredes das ruas, nada se via, a não ser propaganda estatal, e nas 

camaratas dos estudantes, cartazes da Coca-Cola e de Jeans. De cada lado do muro, os 

sonhos eram não só diferentes, como antagónicos. Cada um sonhava com o que não 

tinha, e quando passaram a ter, nenhum dos lados fi cou feliz. Muito pelo contrário. 

Cada homem e mulher, quando sonha, se sonha, sonha com um Paris diferente. 

Leonardo DiCaprio e Kate Winslet, que já se tinham encontrado a bordo de “Titanic”, 

voltam a reunir-se numa nova aventura sentimental num cenário onde tudo se afunda 

à sua volta. Julgo que ambos são absolutamente notáveis, mais ela, que aqui tem uma 

interpretação perfeita, controlada, rigorosa, interiorizada. A forma como “sente” a 

solidão do tigre enjaulado, e a transmite de forma tão contida nos processos, e tão 

profunda nos resultados é simplesmente brilhante. Muito acima do seu trabalho em 

“O Leitor”, onde tudo é mais estereotipado. 

Depois há um conjunto de secundários notáveis, desde logo Michael Shannon, é certo, 

na composição de John Givings, o revoltado matemático que é, na sua loucura, um dos 

mais lúcidos arautos do inconformismo, mas também todos os outros companheiros 

de cárcere dourado. Kathy Bates é brilhante, na fi gura dessa mulher que aluga sonhos 

de apartamentos “muito especiais”, para casais “muito especiais”, que rapidamente o 

deixam de ser. Mas o marido dela é igualmente notável, tão notável que o fi lme dá-lhe 

a honra de terminar sobre ele, desligando o aparelho auditivo, para mais facilmente 

suportar o ruído que o rodeia. Há ainda o casal vizinho, a mulher que se aconchega 

na vida como no sofá da sala, e o marido, que concretizou o sonho de uma vida nuns 

minutos de felicidade sexual num banco de carro, para voltar depois ao cinzentismo de 

sempre (diga-se que as cenas dele com April, a dançarem num bar e a fazerem amor 

no carro, são das imagens mais violentamente eróticas do cinema nos últimos anos). 

Saliente-se ainda a jovem secretária, que é desviada uma tarde para uma tórrida cama

onde transpirou o seu sonho de sexo e amor impossível. Tudo fragilidades da condição 

humana, que a tornam tão fugazmente feliz e tão intensamente desditosa. 

A fotografi a é deslumbrante na forma como descreve ambientes e os fi ltra em solidões 

deserdadas, a direcção artística brilhante a restituir os anos 50, e a partitura musical 

(por vezes um pouco excessiva, na sua omnipresença) igualmente muito inspirada. 

Um grande fi lme, ternamente emocionado sobre a vacuidade da vida, sobre a tortura 

dos sonhos, sobre a fatalidade de existir, numa constante busca de amor e felicidade. 

Própria do Homem. 

_REVOLUTIONARY ROAD 

Título original: Revolutionary Road 

Realização: Sam Mendes (EUA, Inglaterra, 2008); Argumento: Justin Haythe, segundo romance de Richard Yates; 

Produção: Gina Amoroso, Bobby Cohen, Henry Fernaine, Karen Gehres, Pippa Harris, John Hart, Peter Kalmbach, Sam 

Mendes, Marion Rosenberg, Scott Rudin, David M. Thompson, Nina Wolarsky; Música: Thomas Newman; Fotografi a 

(cor): Roger Deakins; Montagem: Tariq Anwar; Casting: Ellen Lewis, Debra Zane; Design de produção: Kristi Zea; Direcção 

artística: Teresa Carriker-Thayer, John Kasarda, Nicholas Lundy; Decoração: Debra Schutt; Guarda-roupa: Albert Wolsky; 

Maquilhagem: Alan D’Angerio, Linda Melazzo; Direcção de Produção: Meryl Emmerton, Jennifer Lane; Assistentes de 

realização: Amy Lauritsen, Joseph P. Reidy, John Silvestri, Christian Vendetti; Departamento de arte: Derrick Kardos, Tina 

Khayat, Erik Knight; Som: Jacob Ribicoff, Warren Shaw; Efeitos especiais: John Stifanich; Efeitos visuais: Randall Balsmeyer, 

J. John Corbett, Adrienne Winterhalter; Companhias de produção: DreamWorks SKG, BBC Films, Evamere Entertainment, 

Neal Street Productions, Goldcrest Pictures, Scott Rudin Productions; Intérpretes: Leonardo DiCaprio (Frank Wheeler), 

Kate Winslet (April Wheeler), Michael Shannon (John Givings), Ryan Simpkins (Jennifer Wheeler), Ty Simpkins (Michael 

Wheeler), Kathy Bates (Mrs. Helen Givings), Richard Easton (Mr. Howard Givings), Sam Rosen, Maria Rusolo, Gena 

Oppenheim, Kathryn Dunn, Joe Komara, Allison Twyford, David Harbour (Shep Campbell), John Ottavino, Adam Mucci, 

Jo Twiss, Frank Girardeau, Catherine Curtin, Jonathan Roumie, Samantha Soule, Heidi Armbruster, Kathryn Hahn (Milly 

Campbell), Zoe Kazan (Maureen Grube), Dan Da Silva, Dylan Baker (Jack Ordway), Keith Reddin (Ted Bandy), Neal Bledsoe, 

Marin Ireland, Max Casella, Max Baker (Vince Lathrop), Jon Sampson, Peter Barton, Kevin Barton, Evan Covey, Dylan Clark 

Marshall, Jay O. Sanders (Bart Pollack), Christopher Fitzgerald, Chandler Vinton, Kelsey Robinson, Duffy Jackson, Dan 

Zanes, Vince Giordano, Jon-Erik Kellso, Andrew Burton, Will Sanderson, Alex Hoffman, Kristen Connolly (Mrs. Brace), John 

Behlmann (Mr. Brace), David Campbell, Michael Ciesla, Mary DeBellis, Jay Ferraro, Zoe Hartman, Cristina Marie, Chris 

Miskiewicz, Jared Morrison, Joel Ney, Ted Yudain, Jonathan Yvon, etc. Duração: 119 minutos; Distribuição em Portugal: 

Lusomundo; Classifi cação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 29 de Janeiro de 2009. 



_SEDUÇÃO, CONSPIRAÇÂO 

Depois de uma permanência na América que lhe permitiu rodar dois fi lmes de 

seguida, “Hulk” (2003) e “O Segredo de Brokeback Mountain” (2006), Ang Lee parece 

ter tido necessidade de refundar a sua individualidade, regressando à China, para 

fi lmar “Sedução, Conspiração”, baseado num romance da escritora Eileen Chang, que 

aborda um tempo dramático da história da sua pátria, precisamente a época da II 

Guerra Mundial, durante a qual a China foi ocupada pelo Japão, e onde se incubou 

igualmente a China contemporânea, dividida entre a República Popular da China e 

Taiwan, ou simplesmente República da China. 

Diga-se de passagem que Ang Lee não é um nado da China comunista, da comandada 

por Mao Tsé-Tung, mas sim da China nacionalista de Chiang Kai-Shek, pois foi em 

Pingtung (Taiwan), que nasceu em 23 de Outubro de 1954, tendo estudado no National 

Taiwan College of Arts, emigrando depois, ainda novo, com a família para os Estados 

Unidos da América, onde cursaria “realização”, na University of Illinois, e produção 

cinematográfi ca na New York University. Durante o tempo da faculdade foi assistente 

de realização no fi lme de fi m de curso de Spike Lee, “Joe’s Bed-Stuy Barbershop: We Cut 

Heads”. Em 1992 estreia-se na longa-metragem com “A Arte de Viver”, a que se segue 

um pequeno grupo de fi lmes que lhe traçam uma sólida reputação: em 1993 dirige “O 

Banquete de Casamento”, que ganhou o Urso de Ouro em Berlim, em 1994, “Comer, 

Beber, Homem, Mulher”, que recebeu uma nomeação para o Oscar de Melhor Filme 

Estrangeiro (rodado em Taiwan), adaptando depois, no ano seguinte, uma obra de Jane 

Austen, “Sensibilidade e Bom Senso”, até que, depois de ter assinado ainda, em 1997, 

“A Tempestade de Gelo”, vê confi rmado e reconhecido o seu talento, com “O Tigre e o 

Dragão” (2000), fi lme com que ganha dois Globos de Ouro, triunfando igualmente 

no Festival de Cannes. A sua excelente versão de “Hulk” é de 2003, a que se segue, em 

2005, “O Segredo de Brokeback Mountain”, com apoteóticos Oscar e Globo de Ouro 

para Ang Lee. Casado e pai de dois fi lhos, divide a sua existência pelos EUA e a China. 

Realizador de uma extrema sensibilidade, voltado para as minorias e para os seus 

problemas, voluptuoso no seu cinema, quer nas imagens, quer nos temas abordados, 

onde o amor e a sexualidade impõem presença absorvente, Ang Lee é um dos grandes 

cineastas actuais, mais um a contribuir para o progressivo peso que a cultura e as artes 

orientais ocupam presentemente no panorama mundial contemporâneo, com uma 

ressonância muito especial nas culturas ocidentais. “Sedução, Conspiração” regressa 

aos tempos da II Guerra Mundial, precisamente a Xangai, 1942, durante a ocupação 

japonesa. O fi lme revela de início uma construção relativamente complexa com o 

recurso a “fl ash backs” nem sempre muito perceptíveis. Uma senhora de porte burguês, 

de nome Mak, passeia por uma das ruas de Xangai, entra num café, telefona de forma 

misteriosa, despoletando uma qualquer acção, e senta-se, olhando a rua através 

da vidraça. Boa altura para o seu pensamento, e nós com ele, retrocedermos a 1938, 

quando essa assumida senhora Mak não passava de uma estudante universitária de 

nome Wong Chia Chi, que é convidada para se juntar ao elenco de um grupo de teatro 

nacionalista e revolucionário, que não aceita representar “esse burguês drama que é “A 

Casa de Bonecas””, e opta por algo que faz levantar todas as noites o fervoroso público, 

entusiasmado, que grita “Viva a China!”. A jovem está igualmente arrebatada com a 

revelação da arte dramática, e timidamente apaixonada pelo colega Kuang, o mesmo 

que a convidara a integrar o grupo e a desvia para uma acção não já de representação 

em palco, mas na perigosa e sedutora vida real.

Wong Chia Chi aceita associar-se à conspiração urdida para matar um importante 

político chinês, Mr. Yee, que é um dos mais relevantes colaboracionistas chineses com 

o governo japonês. Wong passará a ser a senhora Mak, a quem cabe a difícil tarefa de 

se insinuar no restrito e muito bem guardado grupo de senhoras que joga todos os 

dias “majong”, entre as quais se conta a mulher de Mr. Yee. Será através dela que irá 

mais longe, até junto de Yee, tornando-se sua amante. A ligação leva tempo a assumirse 

e não será nessa primeira tentativa que o assassinato resultará. Anos depois, em 

1941, Kuang reencontra Wong, esta volta a vestir a pele da senhora Mak, e desta feita 

a relação amorosa com Yee resulta plenamente, para desilusão de ambos os amantes: 

Wong nunca terá pensado deixar-se submeter por esse desejo mórbido que a entrega 

literalmente nas mãos torturadoras de Yee, este deixa-se fi nalmente sucumbir aos 

encantos da dita senhora Mak que o entrega à morte. Nem tudo será, porém, tão 

simples, há muitas outras peripécias e um fi nal que não se revela, mas o breve resumo 

permite prever várias questões: um fi lme de fundo político, sobre a China esmagada 

pelo Japão, que tenta sobreviver como nação, e será deste cadilho de paixões políticas 

extremadas que irão surgir as duas Chinas até hoje inconciliáveis. Por outro lado, 

desenvolvendo-se em paralelo, uma outra história de submissão e tortura, mas esta a 

um nível pessoal, e atormentadamente desejada pela vítima. 

O fi lme não tem a desenvoltura formal de algumas outras obras de Ang Lee, arranca 

mal, é muito lenta e relativamente confusa na sua meia hora inicial, revela nalgumas 

sequências, um academismo não muito conforme ao autor em questão, mas é uma 

obra interessante, com uma boa descrição histórica da China desta época, e sobretudo 

um estudo muito curioso de uma relação intimamente confl ituosa entre um torturador 

sádico e uma mulher submissa no seu íntimo, mas revolucionária na sua conduta, o 

que torna toda a relação muito complexa. Wong deseja sexualmente a presença de Yee, 

que a domina, a brutaliza e a satisfaz, mas entrega-o enquanto carrasco do seu povo. 

O confl ito entre o seu desejo e o seu dever nunca se resolve até fi nal e ela (e os seus 



camaradas) vem a ser vítima desse descontrolo. O que relembra o fascinante “Senso”, de 

Visconti, sem o fulgor melodramático do mestre italiano. Mas as relações entre vítima 

e carrasco, e a sedução que delas pode advir, inclusive para o submisso, isso aponta 

para Liliana Cavani e “O Porteiro da Noite”, na altura um fi lme tão incompreendido e 

maltratado e hoje em dia tão “in” nas sexualidades alternativas. 

Mais uma vez Ang Lee se embrenha num universo de uma sexualidade reprimida 

(e repressora: uma não existe sem a outra!), demonstrando não só tacto, como uma 

grande agilidade e sensibilidade a fi lmar cenas de sexo explícito, que nunca caem 

no pornográfi co de mau gosto, apesar de rondarem perigosamente esse abismo. 

Excelentes actores, com especial destaque para Tony Leung Chiu Wai, um Mr. Yee de 

uma frieza e de um rigor de composição notáveis, que deixa explodir na cama toda 

a sua agressividade, e para a estreante Wei Tang, que consegue transmitir toda a 

perturbante duplicidade de sentimentos. 

_SEDUÇÃO, CONSPIRAÇÂO 

Título original: Se, jie ou Se jie ou Lust, Caution 

Realização: Ang Lee (EUA, China, Taiwan, Hong Kong, 2007); Argumento: James Schamus, Hui-Ling Wang, segundo 

romance de Eileen Chang ; Produção: Lloyd Chao, William Kong, Ang Lee, David Lee, Zhong-lun Ren, James Schamus, 

Darren Shaw, Dai Song, Doris Tse; Música: Alexandre Desplat; Fotografi a (cor): Rodrigo Prieto; Montagem: Tim Squyres; 

Casting: Rosanna Ng; Design de produção: Lai Pan; Direcção artística: Kwok-wing Chong, Eric Lam, Sai-Wan Lau, Bill Lui, 

Alex Mok; Guarda-roupa: Lai Pan; Direcção de produção: Gerry Robert Byrne, Eric Fong, Chiu Wah Lee, Wai Luen Pang; 

Assistentes de realização: Tze Hung Lam, Rosanna Ng; Departamento de arte: Sai Kit Wong; Som: Eugene Gearty, Philip 

Stockton; Efeitos visuais: Jeff Briant, Zachary J. Gans, Matt Glover, Sarah McMurdo, Ben Simons, Brendan Taylor, Fiona 

Campbell Westgate; Companhias de produção: Hai Sheng Film Production Company, Focus Features, Haishang Films, 

Mr. Yee Productions, River Road Entertainment, Sil-Metropole Organisation. Intérpretes: Tony Leung Chiu Wai (Mr. Yee), 

Wei Tang (Wong Chia Chi / Mak Tai Tai), Joan Chen (Yee Tai Tai), Lee-Hom Wang (Kuang Yu Min), Chung Hua Tou (Old Wu), 

Chih-ying Chu (Lai Shu Jin), Ying-hsien Kao (Huang Lei), Yue-Lin Ko, Johnson Yuen, Kar Lok Chin, Su Yan, Caifei He, Ruhui 

Song, Anupam Kher, Liu Jie, Hui-Ling Wang, Akiko Takeshita, Hayato Fujiki, Yu Lai Cheng, Li Dou, Yuji Kojima, Lisa Lu, Jacob 

J Ziacan, etc. Duração: 157 minutos; Distribuição em Portugal: Lusomundo; Classifi cação etária: M/ 18 anos; Data de 

estreia: 31 de Janeiro de 2008 (Portugal); Data de estreia: 24 de Setembro de 2007 (mundial).

_A TROCA 

Há verdades que já se sabem de há muito: Clint Eastwood fi lma a tragédia da condição 

humana como poucos. Penetra-lhe no lado mais sórdido e violento com o mesmo olhar com 

que fi lma mais adiante a pureza e a bondade de um gesto, e diz-nos, com o conhecimento 

de vida que só a idade confere, que uns e outros são autênticos, genuínos, humanos e que 

nada há a fazer para alterar essa condição que se abate sobre nós como uma tragédia, 

senão não capitular, lutar até ao fi m, procurar fazer deste mundo um mundo melhor, sem 

ilusões de que a vilania seja erradicada, mas que a mesma pode ser circunscrita. O terrível é 

que todos sabemos que, aqui ou ali, neste preciso momento, se manda para hospícios quem 

não agrada aos poderosos que ande solto, que se mata com requintes de malvadez crianças 

sabe-se lá com que justifi cação traumática, que há garotos desaparecidos que nunca 

regressam (e outros que felizmente voltam aos pais), que há polícias corruptos e políticos 

que só pensam na próxima eleição e no poder absoluto, que há médicos comprados pelo 

sistema para assinarem o que for preciso, todos sabemos pois que tudo isto acontece hoje, 

neste preciso momento, menos em sociedades mais controladas pelos direitos e deveres 

dos cidadãos, é verdade, mais nas despoticamente governadas por tiranos sem escrúpulos 

(e há-os para todas as cores e bandeiras!). Não tenhamos ilusões que nada disto mudará 

nunca. Basta o rastilho para a pólvora explodir. Por isso o melhor mesmo é afastar o rastilho 

da pólvora e esperar que a civilização vá cada vez mais controlando a barbárie, com leis 

justas e educações privilegiadas, sem esquecer o cutelo da lei sempre atento ao violador. 

Clint Eastwood é um conservador que aposta nos valores e deles não sai. Sabe-se que 

muitas vezes é difícil distinguir o Bem do Mal, mas há momentos em que o maniqueísmo 

do juízo vingará para sempre. Por exemplo, quer seja em Belém de Judá, quer seja nos 

campos de concentração nazis ou nos “goulags” estalinistas, quer seja em Guantánamo 

ou nas guerras “justas” de palestinianos (que se imolam com bombas e fazem ir pelos 

ares crianças inocentes de todos os credos) e israelitas (que bombardeiam sem cessar 

população civil), quer seja às mãos de “serial killers” isolados em qualquer pais do mundo 



sabe-se, de ciência certa, que a morte de inocentes, sejam crianças ou adolescentes, nunca 

irá parar. E isso é o Mal, qualquer que seja a justifi cação. Haverá sempre, em qualquer parte 

do mundo, um tarado (ou dezenas, ou centenas de tarados, às vezes formando governos!) 

que acham justo matar crianças. Mas nada nos fará vacilar no juízo: é um crime, venha ele 

com que justifi cação, política ou religiosa, um exemplo bárbaro do exercício do Mal. Por 

isso, Clint Eastwood não vacila. Há utopias em que ninguém deve acreditar. Não haverá 

“homem novo” nunca. O que temos é o que há, é com este “homem” que teremos viver 

até ao fi m. É com esta natureza humana que há que lidar, que aprender a domesticar, 

sem retirara a identidade e a diferença, a brandamente civilizar, a tornar mais habitável 

o planeta. Lentamente, sem grandes ilusões. Mas vagarosamente o caminho vai sendo 

feito, e, sem euforias, podemos dizer, que para cada “serial killer” privado ou militarizado, 

há milhões de gente boa que só quer viver bem e ser feliz, de harmonia com o vizinho, sem 

raivas nem ódios demenciais. 

Antigamente, quando era “Dirty Harry” (e muitos o acusavam de um comportamento 

fascista, porque era polícia e fazia justiça pelas próprias mãos, eu próprio o escrevi e não 

retiro uma virgula), empunhava a Magnum e disparava a matar. Agora, com o avançar 

da idade, segura a câmara de fi lmar e atira certeiramente no alvo. Curiosamente nos tais 

polícias que primeiro atiram e depois fazem perguntas. “A Troca” é um ajuste de contas com 

a corrupta polícia de Los Angeles no fi nal dos idos anos 20, à beira da Grande Depressão, 

denúncia de tal forma vigorosa que deixa alguns a duvidar se esta “história real” não 

será antes fi ccionada. Mas não, não é na essência, parece que o argumentista J. Michael 

Straczynski ao descobrir o caso de Christine Collins , através de uma qualquer fonte do 

“Los Angeles City Hall”, se deixou por tal forma obcecar pelo tema que removeu céus e 

terra, e sobretudo arquivos policiais e jurídicos, para reconstituir a tragédia e recuperar 

igualmente o que fi cou conhecido como o “Wineville Chicken Coop Murders” ou “Wineville 

Chicken Murders”, uma série de raptos e de assassinatos de crianças, ocorridos em Los 

Angeles, durante o fi nal da década de 20 do século XX, praticados por um canadiano de 

nome Gordon Stewart Northcott, conjuntamente com Sanford Clark, um sobrinho de 14 

anos (e diz o registo ofi cial que com a cumplicidade da afi rmada mãe de Gordon, o que no 

fi lme é elidido). 

Entre as crianças mortas (ou desaparecidas) estaria Walter Collins, fi lho de Christina Collins, 

que, a 10 de Março de 1928, havia relatado o desaparecimento da criança à polícia de Los 

Angelers. É este caso que dá origem a “A Troca”: alguns meses depois da polícia iniciar 

as buscar, Walter é dado como aparecido em DeKalb, Illinois, e trazido para Los Angeles, 

para junto da mãe. Esta não reconhece o fi lho, mas a policia insiste que o deve receber 

“à experiência”. O que faz, mas o miúdo não é defi nitivamente o seu fi lho, o dentista 

confi rma-o, a professora assegura-o, a altura do corpo não bate certo, e uma mãe sabe 

sempre quem é o seu fi lho. Excepto se tiver “louca”, o que parece ser uma boa solução 

para a polícia que, querendo resolver rapidamente a questão e aquietar os ânimos, envia 

Christine Collins para o “Los Angeles County Hospital”, com uma indicação, assinada pelo 

capitão J.J Jones, dela ser internada ao abrigo de um celebrado “Code 12”, código esse que 

servia para afastar de cena arbitrariamente mulheres indesejáveis para a tranquilidade 

das autoridades locais, por essa altura a atravessar um dos períodos de maior corrupção 

e venalidade, associada a uma brutalidade policial impressionante. O fi lme mostra-a 

rapidamente. O caso apaixonou a opinião pública, subiu aos jornais e à rádio, sobretudo 

pela intensa actividade de um sacerdote, o reverendo Gustav Briegleb, que fez de Christina 

Collins bandeira para a sua cruzada contra a polícia do Estado.

Segundo se apurou, quase todo o argumento escrito por Straczynski é de uma consistência 

factual total, obedecendo a recolha exaustiva de situações, frases de interrogatórios, de 

crónicas de jornais, de testemunhos da época, com uma excepção apenas e que se prende 

com a estadia de Christine Collins no hospício, onde a lenda é mais forte que os dados 

recolhidos. Como já dizia John Ford, mestre confessado de Clint Eastwood, “quando a 

lenda é mais forte que a realidade, imprime-se a lenda” (em “O Homem que Matou Liberty 

Valance”). 

Filme sombrio, duro, agreste, paredes-meias entre o melodrama e o negro “thriller” de 

ressonância social, “A Troca” é uma daquelas obras donde se sai com um sintoma de KO na 

alma, muito embora o pragmatismo de Clint Eastwood não seja de molde a destruir toda 

a esperança na condição humana. Muito pelo contrário, como bom americano, no fi nal as 

instâncias judiciais acabam por funcionar, a opinião pública não desarmou e a mãe não 

deixou a sua tarefa a meio. 

Para nos dar este drama intenso, Clint Eastwood não falha um plano e aponta a câmara 

com mestria invulgar. Se querem saber o cinema que mais me agrada, é este, sólido, 

clássico, austero, sem rodriguinhos de nenhuma espécie, direito ao que quer contar, sem 

efeitos nem fl oreados, não vivendo de uma montagem habilidosa, mas sim de uma 

encenação (“mise-en-scéne” lhe chamam os franceses) rigorosa. Aquelas frases célebres 

que relembram que “só há um local para colocar a câmara” e que esta deve estar “à altura 

dos olhos do realizador” são aqui paradigmas de verdade. A câmara não anda à deriva, está 

quase sempre fi xa, movimentos só os essenciais, para acompanhar uma personagem, para 

percorrer um friso de rostos que fazem ligações telefónicas, e nada mais. O enquadramento 

não mentem. Esta lição de cinema clássico é uma demonstração inequívoca de que as 

modas passam, mas o essencial permanece imutável. De Griffi th a Eastwood. Aqui o 

cinema é narrativo e poético, porque é sincero e leal. É o grande cinema que faz oscilar 

corações e verter lágrimas da mesma forma que agita consciências e introduz dúvidas. 

Depois há ainda os actores, todos eles admiráveis, desde a fulgurante Angelina Jolie ao 



radical John Malkovich a roçar o fanatismo, passando por todos os polícias, os políticos, 

os algozes e as vítimas (que brilhante é o miúdo que confessa a sua ligação aos crimes!). 

Pode dizer-se que este é um fi lme de intérpretes, genialmente dirigidos, porque este é 

seguramente um fi lme de personagens, de pessoas, que só se poderia erguer se estas 

possuíssem a densidade e a autenticidade requeridas. Neste aspecto, “Changeling” é 

também uma lição. De resto, tudo parece perfeito nesta obra de uma sublime opacidade, 

de uma contagiante angustia e de um desespero eterno. Como eterna é a esperança, não 

numa utópica redenção que nunca virá, mas numa progressiva regeneração da condição 

humana. 

_A TROCA 

Título original: Changeling 

Realização: Clint Eastwood (EUA, 2008); Argumento: J. Michael Straczynski; Produção: Clint Eastwood, Brian Grazer, Ron 

Howard, Geyer Kosinski, Robert Lorenz, Tim Moorem, James Whitaker; Música: Clint Eastwood; Fotografi a (cor): Tom Stern; 

Montagem: Joel Cox, Gary Roach; Casting: Ellen Chenoweth; Design de produção: James J. Murakami; Direcção artística: 

Patrick M. Sullivan Jr.; Direcção artística: Gary Fettis; Guarda-roupa: Deborah Hopper; Maquilhagem: Tania McComas, 

Carol A. O’Connell; Direcção de Produção: Tim Moore; Assistentes de realização: Katie Carroll, Efrain Cortes, Peter Dress, 

Donald Murphy, Ruby Stillwater; Departamento de arte: Adrian Gorton, Hugo Santiago, Dianne Wager; Som: Bub Asman, 

Alan Robert Murray; Efeitos especiais: David A. Poole, Steve Riley, Dominic V. Ruiz, George Zamora; Efeitos visuais: Geoffrey 

Hancock, Claudia Meglin, Michael Owens; Companhias de produção: Imagine Entertainment, Malpaso Productions, 

Relativity Media; Intérpretes: Angelina Jolie (Christine Collins), Gattlin Griffi th (Walter Collins), Michelle Martin, Jan 

Devereaux, Michael Kelly (Detective Lester Ybarra), Erica Grant, Antonia Bennett, Kerri Randles, Frank Wood (Ben Harris), 

Morgan Eastwood, Madison Hodges, John Malkovich (Rev. Gustav Briegleb), Colm Feore (Chefe James E. Davis), Devon 

Conti (Arthur Hutchins), J.P. Bumstead, Jeffrey Donovan (Capt. J.J. Jones), Debra Christofferson, Russell Edge, Stephen W. 

Alvarez, Peter Gerety, Pete Rockwell, John Harrington Bland (Dr. John Montgomery), Pamela Dunlap, Roger Hewlett, Jim 

Cantafi o, Maria J. Rockwell, Wendy Worthington, Riki Lindhome, Dawn Flood, Dale Dickey, Jason Butler Harner (Gordon 

Northcott), Eddie Alderson (Sanford Clark), Sterling Wolfe, Michael McCafferty, Amy Ryan (Carol Dexter), David Goldman 

(Administrador), Denis O’Hare (Dr. Jonathan Steele), Anthony De Marco, Joshua Logan Moore, Joe Kaprielian, Ric Sarabia, 

Muriel Minot, Kevin Glikmann, Drew Richards, Hope Shapiro, Caleb Campbell, Jeff Cockey, Zach Mills, Kelly Lynn Warren, 

Colby French, Scott Leva, Richard King, Clint Ward, Geoffrey Pierson, Reed Birney (Mayor Cryer), Michael Dempsey, Peter 

Breitmayer, Phil Van Tee, Jim Nieb, Lily Knight (Mrs. Leanne Clay), Jeffrey Hutchinson (Mr. Clay), Brian Prescott, Ryan Cutrona 

(Juiz), Mary Stein (Janet Hutchins), Gregg Binkley, William Charlton, Cooper Thornton, Asher Axe, etc. Duração: 141 minutos; 

Distribuição em Portugal: Lusomundo; Classifi cação etária: M/ 16 anos; Estreia em Portugal: 8 de Janeiro de 2009.

_TROPA DE ELITE 

Há uma nova geração de cineastas no Brasil que traz um olhar novo sobre a realidade 

do seu país. Nem todos alinham pelo mesmo diapasão, mas pode dizer-se que alguns 

não temem enveredar pelas favelas e focar os desgraçados que ali vivem, os gangs que 

controlam os movimentos, os polícias que ganham com o esquema montado, os governos 

que tentam passar incólumes entre os pingos da chuva, ou as balas dos tiroteios, dandonos 

o outro lado do Brasil que o turista vê. Ainda há dias escrevi sobre a Cinelândia, os 

cinemas e os cafés, a confeitaria Colombo, e obviamente não reportei as colinas que 

descem pesadamente sobre a cidade, essas favelas de pesadelo que lá do cima parecem 

controlar os movimentos de quem se passeia no Centro ou na Avenida Atlântica. Não há 

um Brasil, há vários. Há também o das favelas, do crime organizado, da droga controlada 

e difundida, da polícia que coopera, que protege mediante um tanto, que vende armas 

ao assaltante, do coronel que recebe por baixo da mesa o “mensalão” recolhido pelo 

subalterno, do burguês que consome droga, sem imaginar quantas crianças é preciso 

morrerem para o diletante chutar uns momentos de paraíso artifi cial. Há esse Brasil, 

que passou em várias obras, como “Cidade de Deus”, de Fernando Meirelles, ou a recente 

“Tropa de Elite”, de José Padilha. Não conheço o documentário “Ônibus 174” (que dizem 

ser sensacional!) com que o cineasta se estreou no cinema de longa-metragem. Vi agora 

no Brasil “Tropa de Elite” que provocou várias ondas de choque de diverso signifi cado, 

antes e depois da sua estreia. Antes, porque precedendo de dois meses a sua estreia nas 

salas do Brasil, o fi lme vendeu DVD pirata “p’ra caramba” em todas as ruas das cidades 

brasileiras, rendendo bons reais aos “camelôs” que os anunciavam clandestinamente 

(mas pouco, há todos os DVDs de momento à venda nas ruas do Rio ou de São Paulo). 

Dizem que mais de 3 ou 4 milhões de brasileiros viram o fi lme antes da estreia ofi cial 

nos cinemas (e na estreia ainda se conseguiu colocar entre os fi lmes brasileiros mais 

vistos de sempre no Brasil). É obra. Espíritos mal intencionados insinuaram mesmo e 

puseram a correr o boato de que este lançamento clandestino do fi lme fora manobra de 

marketing da própria produtora, mas a verdade é que acabou por saber-se, no tribunal, 

que foram funcionários sem escrúpulos de uma empresa de legendagem (que preparava 

cópias da obra, legendadas em inglês) quem pirateou o fi lme e inundou de reproduções 

o mercado. A polémica estoirou mesmo antes do fi lme estrear até porque a polícia se 

sentiu “insultada” e resolveu interpor providência cautelar, tentando impedir a sua 

exibição. Uma juíza da 1ª Vara Cível do Tribunal de Justiça do Rio de Janeiro, de seu nome 

Flávia de Almeida Viveiros de Castro, negou porém o pedido dos autores, destacando: 

“Não existem críticas às instituições. As críticas feitas são ao sistema”. As produtoras e 

distribuidoras Zazen Produções e Paramount Pictures do Brasil puderam portanto exibir 

o fi lme, passando por cima da denúncia de que este “violava a honra, a dignidade e até 

mesmo a integridade física dos integrantes do BOPE”. 

Aproxima-nos do âmago de uma das questões: o BOPE (por extenso: Batalhão de 

Operações Policiais Especiais). Diz quem viu (não consegui ainda ver, nem em DVD) 

que, em 1999, os cineastas João Moreira Salles e Kátia Lund rodaram um documentário, 

“Notícias de uma Guerra Particular” (vendido clandestinamente, com o título – inventado! 

- “Tropa de Elite, nº 2”, ao que me contam também, o que não deixa de ser pirataria a 

dobrar!) onde um capitão do BOPE, Rodrigo Pimentel, confessava estar “cansado” da 

batalha diária que travava contra o tráfi co, “já que nenhum resultado efectivo parecia 

estar sendo alcançado e os governantes não demonstravam o menor interesse em 

fazer algo que pudesse representar uma solução eventual para a criminalidade”. Saiu 



entretanto uma obra, “Elite da Tropa”, escrita por André Batista, Luiz Eduardo Soares e o 

mesmo capitão Rodrigo Pimentel (julgo que agora é ex-capitão) que denunciava muito 

do que se passava no interior daquela força policial. Oito anos depois da entrevista 

concedida a João Moreira Salles e Kátia Lund, Rodrigo Pimentel assina, ao lado de Bráulio 

Mantovani (argumentista de “Cidade de Deus”) e de José Padilha, o argumento de “Tropa 

de Elite”, que, inicialmente o realizador queria transformar num documentário. Pensou, 

porém, que não viveria muitos dias depois da estreia do documentário com as acusações 

que o mesmo encerraria, visando factos e personalidades reais, e resolveu ter um pouco 

de amor à (sua) vida e à dos seus mais próximos colaboradores, optando por construir 

uma fi cção. Que não será menos contundente. 

“Tropa de Elite” situa-se no ano de 1997, algum tempo antes da anunciada visita do 

Papa João Paulo II ao Rio de Janeiro. Sempre que alguma personalidade importante 

visita a cidade, a segurança é duplicada. Com o Papa, foi um pouco diferente. Nenhum 

político quer ser acusado de ver o Sumo Pontífi ce alvejado no seu país. Logo, a segurança 

é triplicada. Com meses de antecedência preparam-se os “festejos.” Prendem-se os 

“suspeitos do costume”, invadem-se os morros e vasculham-se as favelas, intimida-se 

meio mundo, tortura-se, mata-se ou deixa-se ali à mão de semear os denunciantes que 

pactuaram, para o gang do lado se encarregar deles. Agora mesmo, nesses dias ainda 

de início de Junho de 2008, uns militares em acção numa favela do Rio entregaram, 

como vingança, três rapazolas “dealers” a um grupo rival de trafi cantes que os torturou 

durante horas, cortou pernas e braços, e depois despejou nos caixotes do lixo. Percebe-se, 

pois, de que tipo são as relações entre os fora da lei e os agentes da autoridade. 

Mas voltemos ao fi lme. Este tem como protagonista o Capitão Nascimento, um dos 

comandantes do Batalhão de Operações Especiais, a quem foi atribuída a missão de 

garantir a segurança do Papa. Nascimento está cansado das suas tarefas, stressado com 

o ritmo e a violência do dia a dia, farto do desgaste físico e psicológico, toma drageias 

para sobreviver, e a sua ambição máxima é ver nascer o fi lho que se anuncia. Tem de 

arranjar um substituto para o seu cargo se quer uma trégua, está empenhado em várias 

frentes, uma delas são as aulas de recruta que ministra aos novos aspirantes. Para se 

pertencer ao BOPE tem de se possuir uma têmpera invulgar, passar por provas de tortura, 

de humilhação, de resistência, de esforço desmedido. É o que fazem Matias e Neto, os 

outros dois protagonistas desta obra. Assiste-se ao seu comportamento nas aulas, ao 

seu trabalho nas ruas, e, no caso de Matias, ainda ao seu estudo na Universidade de 

Direito, onde procura tirar um curso, passando ignorado junto dos colegas quanto à sua 

actividade policial. Descobre como alguns alunos, vindos das boas famílias do Rio Sul, 

consomem droga e entra na negociata, penetra no morro atrás de uma namorada que 

trabalha numa ONG, dá de cara com o chefe do gang, e é um dia descoberto, quando 

uma fotografi a sua, em acção, é colocada na primeira página de um jornal. Quando quer 

enviar uns óculos a um miúdo da favela, provoca uma tragédia, que irá desencadear 

outra tragédia, que irá desembocar numa espiral de fogo e dor. 

Que nos diz a obra? Que os trafi cantes matam e morrem, que os polícias morrem e matam, 

que ambos negoceiam entre si, que os poderes sabem e pactuam, que a corrupção 

passa do mais alto nível ao mais baixo, que quem não pactua no morro ou no quartel 

é linchado, o agente da autoridade é enviado ao morro pelos superiores hierárquicos 

para ser abatido, o puto delator é libertado para ser abatido, o polícia que passa na hora 

errada é abatido, neste universo de uma brutalidade asfi xiante não há quase rapazes 

bons. Quase, porque fi ca o exemplo de Neto e Matias, de Nascimento e de alguns mais

que, apesar de não fi gurarem entre os protagonistas, o fi lme deixa a esperança de, quiçá, 

existirem. Há quem acuse a obra de criar heróis, falsos heróis, porque ainda há polícias 

honestos. Querem então proclamar que “todos os agentes de segurança”, todos os 

“representantes do Poder instituído” são bandidos corruptos? Se for esse o vosso desejo, 

o melhor é desistir já. Mas há mais acusações. Que os processos de mafi osos das favelas 

e policiais de giro são idênticos. Todos torturam e matam. Pois, essa é uma das acusações 

do fi lme, parece-me, com uma ressalva. “Tropa de Elite” não é ingénua ao ponto de propor 

a história do pobrezinho desgraçadinho desde criança, e do polícia mauzinho desde o 

banco da escola, e do burguesinho de esquerda, intelectual consumidor de haxixe, que 

é a voz da consciência desta maldita sociedade destruída pelo dinheiro. Em “Tropa de 

Elite” há maus para todos os gostos. Nada é límpido e o “homem novo” está muito longe 

de existir. Há uns puros que se vão adaptando à realidade, como é o caso de Matias. 

Aliás, nesse aspecto, “Tropa de Elite” é mesmo o trajecto de uma iniciação, de uma 

aprendizagem, com aulas teóricas e práticas a toda a hora que, no quartel e cá fora, na 

vida quotidiana, em lugar de encaminharem para a honra e a dignidade, se encarregam 

de deformar o que de melhor existe dentro do homem. Essa viagem que acompanha o 

rosto de Matias, desde a sua promissora e entusiástica entrada no “corpo” da polícia até 

ao entrosamento fi nal na “fi losofi a” do mesmo, é um dos elementos brilhantes desta 

obra. O plano fi nal de “Tropa de Elite” é elucidativo desse percurso. É esclarecedor da 

forma como se destroem homens, como se fabricam “matadores”, como se limpa da face 

da terra a ternura, o amor, a bondade. Padilha oferece o retrato do polícia, e do seu ponto 

de vista (por exemplo, um deles pergunta: “Acha que vou subir o morro e arriscar minha 

vida por 500 reais - cerca de 200 euros - por mês?”). Não me parece justo que sejam 

só os marginais a serem “compreendidos”. “Compreender” os polícias, mesmo quando 

eles também se assemelham a marginais, é um bom ponto de partida para se tentar 

alterar, um pouco que seja, este estado de coisas, que é um “estado de sítio”, sem grandes 

esperanças de se ver modifi cado. 



O fi lme é ainda muito bom pela sua textura estética e a sua factura técnica. A fotografi a, 

de um colorido denso e garrido, saturado, é algo obsessiva, claustrofóbica. A montagem 

é excelente, com um ritmo nervoso, inquieto, a câmara oscilando, mudando de 

enquadramento, viajando pelo espaço, procurando o centro da acção, o rosto, o olhar, 

o fugitivo, a bala perdida ou achada. A narrativa inicia-se num determinado ponto da 

história, recua ao passado, e retoma a marcha depois de explicado o que fi cou para trás. 

É uma forma brilhante de agarrar o espectador, sem todavia tornar falsa ou rebuscada 

a descrição. Muito bons são os actores, na sua totalidade, desde o mais batido em 

representação (bom exemplo, Wagner Moura, um dos mais completos actores brasileiros 

da actualidade) ao neófi to (André Ramiro, que interpreta Matias, era bilheteiro de cinema 

do shopping “Fashion Mall”, no Rio de Janeiro). A violência do clima geral alimentase 

muito destas convulsões de caracteres em fúria, em tortura psicológica, em stress 

continuado. Por falar em stress continuado, as sequências do treino da tropa de elite são 

do melhor que o cinema mundial nos deu até hoje, e já nos deram muitos exemplos de 

casos semelhantes (sobretudo os cineastas americanos). Terminando, refi ra-se a escrita 

do guião, que é igualmente excelentemente trabalhado, os diálogos que são rigorosos e 

efi cazes, o monólogo do capitão Nascimento que é muito bem doseado e colocado nos 

espaços e tempos certos. 

De resto, Padilha e a sua equipa, fi lmando nas favelas, e introduzindo-se em espaços, no 

mínimo “difíceis”, demonstraram grande coragem. Como curiosidade, conte-se que, em 

Novembro de 2006, ainda em rodagem em cenários naturais, alguns trafi cantes do morro 

Chapéu Mangueira, na Zona Sul do Rio, onde as fi lmagens eram feitas, sequestraram 

parte da equipa que trabalhava no fi lme e roubaram as armas utilizadas nas fi lmagens. 

59 eram réplicas, mas 31 eram verdadeiras, adaptadas para balas de efeitos especiais. 

As fi lmagens foram suspensas durante cerca de duas semanas. Quer dizer: neste país, 

sobretudo nesta “cidade maravilhosa” (que o é mesmo!) ninguém deixa de pagar tributo 

a este sistema que se quer inexpugnável. Qualquer estranho que aí penetre, e que não 

seja trafi cante ou polícia, é olhado como suspeito ou vítima preferencial. O que um 

turista de passagem, olhando o morro cá de baixo, de Copacabana, não descobre. Mas 

intui. 

_TROPA DE ELITE 

Título original: Tropa de Elite 

Realização: José Padilha (Brasil, 2007); Argumento: Bráulio Mantovani, José Padilha, Rodrigo Pimentel, segundo “Elite da 

Tropa”, obra de André Batista, Rodrigo Pimentel, Luiz Eduardo Soares; Produção: Bia Castro, Eduardo Costantini, James 

D’Arcy, José Padilha, Marcos Prado, Eliana Soárez, Genna Terranova; Música: Pedro Bromfman; Fotografi a (cor): Lula 

Carvalho; Montagem: Daniel Rezende; Design de produção: Tulé Peak; Decoração: Odair Zani; Guarda-roupa: Claudia 

Kopke; Maquilhagem: Martin Macias, Ignácio Posadas, Sandro Valério; Direcção de produção: Robert Bella, Maria Clara 

Ferreira, Lili Nogueira, Edu Pacheco, Fernando Zagallo; Assistentes de Realização: Laura Flaksman, Laura C. Grant, Daniel 

Lentini, Clara Linhart, Malu Miranda, Phil Neilson, Pedro Peregrino, Rafael Salgado; Departamento de arte: Cristina Cirne, 

Dejair dos Santos, Thiago Marques; Som: Alessandro Laroca, Eduardo Virmond Lima, Leandro Lima, Fernando Lobo; 

Efeitos especiais: Marc Banich, Mauricio Couto Bevilaqua, Mike Edmonson, Sergio Farjalla Jr., Bruno Van Zeebroeck; 

Companhias de produção: Zazen Produções, Posto 9, Feijão Filmes, The Weinstein Company, Estúdios Mega, Quanta 

Centro de Produções Cinematográfi cas, Universal Pictures do Brasil, Costantini Films.Intérpretes: Wagner Moura 

(Capitão Nascimento), Caio Junqueira (Neto), André Ramiro (André Matias), Maria Ribeiro (Rosane), Fernanda Machado 

(Maria), Fernanda de Freitas (Roberta), Paulo Vilela (Edu), Milhem Cortaz (Capitão Fábio), Marcelo Valle (Capitão Oliveira), 

Fábio Lago (Claudio Mendes de Lima ‘Baiano’), Luiz Gonzaga de Almeida, Bruno Delia (Capitão Azevedo), Marcelo Escorel 

(Coronel Otávio), André Felipe (Rodrigues), Thelmo Fernandes (Sargento Alves), Emerson Gomes (Xaveco), Paulo Hamilton 

(Soldado Paulo), Bernardo Jablonsky, Daniel Lentini, Thiago Mendonça, Alexandre Mofatti, Erick Oliveira Otto Jr., André 

Santinho, Patrick Santos, Ricardo Sodré, Thogun, etc. Duração: 115 minutos; Classifi cação etária: M/18 anos; Distribuição 

em Portugal: Lusomundo; Locais de Filmagem: Rio de Janeiro, Brasil; Data de estreia: 10 de Julho de 2008 (Portugal).

_A TURMA 

François Bégaudeau escreveu o romance que, conjuntamente com Robin Campillo e Laurent 

Cantet, adaptou ao cinema, tendo este último realizado o fi lme, enquanto o primeiro fi cava 

com a interpretação do protagonista, o professor de francês François Marin, a leccionar 

numa escola de Paris, onde, numa turma do 9º ano, se misturam jovens entre os treze e 

os quinze anos, de origens diversas, apesar do todos franceses (ainda que a designação 

de “franceses”, neste caso, pouco queira dizer). Árabes, negros, mestiços, brancos, chineses, 

etc. são a massa nada uniforme dos jovens das grandes cidades, quer se trate de Paris, 

de Lisboa, de Madrid, de Londres ou de Nova Iorque. Esta miscigenação que as grandes 

emigrações acarretaram traz problemas delicados à escola pública (e “republicana”, como 

se afi rma a escola francesa). Esse é o tema de “Entre les Murs”, um fi lme extremamente 

curioso que demonstra como é falsa a teoria de que um fi lme adaptado de um romance é 

normalmente inferior à obra de origem: aqui passa-se precisamente o contrário. O romance 

é interessante, mas o fi lme é bastante superior, talvez por ter condensado de forma muito 

hábil tudo quanto de importante o romance continha, dando-lhe uma maior consistência 

e coerência. Depois, a densidade psicológica e humana das personagens ganha com a sua 

representação (o fi lme é todo ele magnifi camente interpretado por jovens e adultos, os 

alunos são espantosos de autenticidade e presença, os professores são muito bons na 

forma como desenham personagens de certa complexidade comportamental, em raras 

aparições). Há sobretudo na obra uma defi nitiva negação de todo o tipo de maniqueísmo, 

de simplifi cação de análise, de olhar a preto e branco a realidade. Todas as fi guras merecem 

uma atenção especial, sem paternalismos escusados e despropositados, nem com uma 

compreensão exagerada, ainda que se note em toda a obra um olhar de simpatia e 

sincera emoção que se transmite ao espectador. Todas aquelas personagens, nos seus 

desencontros e querelas, estão marcadas por destinos sociais, por registos humanos, por 

parâmetros económicos, por defi nições conjunturais, por aprendizagens culturais, que 

os limitam nos movimentos e na sua forma de expressão. A aula é de francês e poucos 



sabem exprimir-se correctamente nessa língua, muito embora todos (ou quase todos) 

tenham nascido e habitem em Paris, capital de França. Muitos estão ali porque os pais 

para ali vieram trabalhar, mas não se sentem franceses, sentem-se perdidos das origens 

e náufragos num oceano inóspito. Reagem enquanto tal, mas o professor pretende não 

só pô-los a falar francês, ensinar-lhes o signifi cado de certas palavras e a conjugação dos 

verbos, como sobretudo quer levá-los a pensar, a agir, a tornarem-se cidadãos com direitos 

e deveres. A educação, diga-se o que se disser, é isso mesmo: o ensino da integração de 

“rebeldes” sem civilidade numa sociedade organizada, onde existem regras. Tal como 

domar um potro selvagem, até que ele obedeça às vozes de comando. A educação pode 

ser mais ou menos “moderna”, mais ou menos liberta de amarras, mas nunca será outra 

coisa, porque essa é a sua essência. E a sua necessidade intrínseca. A sociedade só vinga se 

integrar. Qualquer sociedade. Pretender o contrário é ingenuidade. O que a escola pode e 

deve fazer é não assassinar dentro de cada um a sua personalidade, enquanto a integra no 

conjunto, na sociedade. Deve ensinar as regras de convivialidade para que posteriormente 

cada um escolha o seu caminho, até o da “desintegração”, se acaso for esse o seu desejo. 

Mas o mais interessante em “A Turma” é a sua construção que tem tudo a ver com o que 

se pretende expressar. Ao contrário do romance (que se assume quase como um esboço 

para o que viria a ser depois o fi lme), onde há curtas saídas do espaço da escola, no fi lme 

de Laurent Cantet tudo se passa rigorosamente entre as paredes da escola, em quatro 

espaços defi nidos, mas que surgem como prolongamentos naturais uns dos outros: a 

sala de aulas, a sala dos professores, o gabinete do director, e o recreio (há umas escadas 

e uns corredores a ligá-los, mas nada de muito signifi cativo). Há o espaço do confronto 

diário, a sala de aula, há o espaço de recolha e descanso do guerreiro, que é a sala dos 

professores, há o outro espaço de pausa e revigoramento do outro contendor, o recreio, 

e há o espaço de litígio (que tanto pode ser o gabinete do director, como a improvisada 

sala do conselho disciplinar). Tudo se estrutura como um confronto, uma refrega diária: o 

professor a tentar domar os alunos da sua turma, estes a debaterem-se para não serem 

domados, isto é, integrados, assimilados. Luta de classes? Não me parece. Uma luta de 

um tipo completamente novo, que, tendo como uma das bases óbvias as diferenciações 

económicas, não se limita a elas e as transcende em muito: são lutas geracionais, culturais, 

civilizacionais, rácicas, comportamentais. Se virmos bem, ali não haverá grandes distinções 

de classe: na verdade, professores e alunos integram-se facilmente numa burguesia 

trabalhadora, com ofícios diferenciados, mas com aspirações muito semelhantes: os pais 

dos alunos querem o mesmo que os professores: serem integrados, participarem todos de 

uma mesma sociedade (basta ver os depoimentos dos pais, sempre que estes participam 

na intriga). O problema maior reside numa outra perspectiva do confl ito: os alunos, melhor 

dizendo alguns alunos que se tornam focos de indisciplina, não querem ser assimilados. 

Por razões políticas? Um pouco, é certo. Há vislumbres de insubmissão política nalgumas 

das questões suscitadas ao longo das aulas, mas também não parece ser essa a questão 

fulcral. Essa cinge-se a um crescente mal estar de convivência que se vai ampliando à 

medida que o fi lme decorre. 

De resto, o professor não aparece aqui como o apóstolo da boa vontade, disposto a tudo 

para transformar e elevar o estatuto dos alunos (há vários fi lmes que, de uma maneira ou 

de outra tentaram essa via, desde o magnífi co “Sementes de Violência” (Blackboard Jungle), 

de Richard Brooks (1955), até aos mais recentes “To Sir, With Love”, de James Clavell (1967), 

“Mr. Holland’s Opus”, de Stephen Herek (1995), ou “Dangerous Minds”, de John N. Smith 

(1995), para só citar alguns). François Marin opta por uma via de constante confronto, não

aceita qualquer tipo de insubordinação, os alunos levantam o braço para falar, pedem 

para se levantar, não há telemóveis nem bonés nas aulas, levantam-se quando o director 

entra na sala, ninguém se trata por tu, há um distanciamento obrigatório entre professor 

e alunos. Há provocações ao nível das perguntas e respostas. O professor não é um pacífi co 

instrumento de transmissão de saber. É mais do que isso, porque o que ele pretende é 

impor aos alunos regras de pensamento, de actuação, de civilidade. O que os alunos 

tentam é furtar-se a esses ensinamentos. 

Enquanto alguns alunos se deixam integrar facilmente, outros reagem a essa assimilação. 

Em nome de quê? “O professor embirra connosco”, dando a ideia de que existem 

tratamentos diferenciados com base na cor da pele, na raça, no estilo de vida. Sim, existem 

vestígios de um defi ciente enquadramento social, mas quais as ambições dos jovens? Ser 

Zidane, para os originários de África, mas com curiosas nuances entre os de Marrocos e 

os do Mali. Depois, entre os brancos, lá está a camisola da equipa portuguesa, com o seu 

escudo no peito e, ia jurar, com o nome de Ronaldo nas costas. E para lá de serem famosos 

e ricos, muito ricos, que mais os norteia? O uso do telemóvel, o “gosto de fazer amor” e de 

espreitar os seios das miúdas, a utilização de t-shits com dísticos alusivos e a insolência 

de balouçar nas cadeiras. É pouco, muito pouco, como ideal de vida, mas é o que se pode 

arranjar. Ao ver este fi lme, nada diferencia muito estes jovens dos que se encontram 

numa aula pública em Portugal. Talvez os professores franceses sejam mais exigentes 

em disciplina, quando não desistem clamorosamente derrotados, como é o caso de um 

exemplo que nos é dado ver. 

Estamos no perfeito domínio da tragédia grega (o que, sendo a Grécia o berço da civilização 

ocidental, não deixa de ser uma referência muito signifi cativa neste contexto), com um 

protagonista e um coro (professor e alunos), e algumas outras personagens (que por 

vezes também podem ser vistas como um coro: os professores), onde sobressai a fi gura 

do juiz e o tribunal fi nal. De resto, as três unidades de tempo, local e personagens estão 

estritamente comportadas no esquema narrativo. Esta estrutura oferece ao fi lme uma 



densidade dramática muito forte, levando o espectador a aderir instantaneamente a uma 

teia fi ccional realista (sempre muito próxima da realidade) que se acompanha como um 

policial, sem que os autores façam a mais pequena transigência ao espectáculo ou ao 

facilitismo das plateias. Creio mesmo que este é um documento de uma séria e profunda 

refl exão sobre a educação, a escola, e sobretudo sobre o sentido a dar às sociedades actuais, 

onde se mantêm lutas de classes, mas onde se sobrepuseram outras de muito mais 

radicais consequências: o que hoje impera no mundo são lutas de culturas, civilizações, 

religiões que querem dominar economicamente o planeta e que para o conseguirem 

não hesitam em tentarem destruir-se mutuamente. Neste campo, professores e alunos, 

consciente ou inconscientemente, travam a sua luta nas salas de aulas, numa altura em 

que a globalização coloca lado a lado, numa turma qualquer de uma qualquer escola, 

representantes distintos e adversos. Ultrapassar este problema numa perspectiva moderna, 

aberta, livre, sinceramente democrática, igualitária, é o grande repto das sociedades actuais. 

Nomeadamente da sociedade ocidental, que, não devendo suicidar-se e não podendo 

renegar os seus valores e as suas características, terá de arranjar forma de coexistir com 

outras sociedades, fortemente ameaçadoras e invasivas. Um equilíbrio na desordem 

contemporânea não é fácil, mas ou se encontra, ou a tragédia global está eminente. Ver 

um fi lme como “A Turma” desbloqueia e antecipa as mais assustadoras perspectivas. 

_A TURMA 

Título original : Entre les Murs ou The Class 

Realização: Laurent Cantet (França, 2008); Argumento: François Bégaudeau, Robin Campillo, Laurent Cantet, segundo 

romance de François Bégaudeau; Produção: Caroline Benjo, Carole Scotta ; Fotografi a (cor): Pierre Milon; Montagem: 

Robin Campillo; Direcção de produção: Christina Crassaris, Michel Dubois; Assistentes de Realização: Aurelio Cardenas, 

Mathieu Danielo; Som: Jean-Pierre Laforce, Olivier Mauvezin, Agnes Ravez; Casting: Vicky Brougiannaki, Christine 

Campion; Companhias de produção: Haut et Court, Canal+, Centre National de la Cinématographie (CNC), France 2 

Cinéma, Memento Films Production; Intérpretes: François Bégaudeau (François Marin), Nassim Amrabt, Laura Baquela, 

Cherif Bounaïdja Rachedi, Juliette Demaille, Dalla Doucoure, Arthur Fogel, Damien Gomes, etc. Duração: 128 minutos; 

Distribuição em Portugal: Midas Filmes; Classifi cação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 30 de Outubro de 2008.

_A VALSA COM BASHIR 

Um cão corre para a objectiva, o mesmo é dizer que corre em direcção ao público. 

Vem bem de frente, olhos nos olhos do espectador. Olhos raiados de sangue, dentes 

afi ados, boca a espumar de raiva e ódio. Um segundo cão junta-se-lhe, um terceiro, 

um vigésimo, um vigésimo sexto. O desenho (de Yoni Goodman , excelente!) é duro, 

agressivo, as cores limpas, azuis de noite, amarelos dourados de luzes, os transeuntes 

afastam-se à passagem da matilha, cadeiras de esplanadas derrubadas, uma mãe 

que puxa para si o fi lho que tem ao colo, a corrida é impressionante de vigor até que 

tudo se suspende: os cães olham uma janela no cimo de um prédio, onde um homem 

os olha igualmente e se interroga. É esse homem que procura, num bar perdido na 

noite, Ari Folman, um realizador (o realizador de “A Valsa com Bashir”), e lhe conta o 

sonho obsessivo que o não deixa dormir: vinte e seis cães que o perseguem, tal como 

a memória de uma guerra passada, onde interveio vinte anos antes. Assim começa “A 

Valsa com Bashir”, um longa-metragem de animação, dirigida de forma totalmente 

inesperada por um israelita, abordando o confl ito que opõe judeus e árabes, há largos 

anos, no Médio Oriente. 

Esse amigo confessa a Ari Folman que não percebe o signifi cado dos cães com que 

sonha e não recorda nada da guerra. Ari Folman também não se lembra da guerra por 

onde passara há vinte anos atrás e que fi cou conhecida como Guerra do Líbano. O fi lme 

será uma procura dessa memória, invocando testemunhos de outros combatentes 

que tinham estado ao lado de Ari nesse confl ito, sobretudo quando as tropas israelitas 

invadiram o Líbano e chegaram a Beirute, passando de caminho pelos massacres de 

Sabra e Chatila, que se tornaram tristemente célebres na altura e agora serviram de base 

de apoio para esta magnífi ca película de animação (que não é para crianças, mas sim 

“para adultos”, sem que a designação contenha qualquer referência a “sexo explicito”). 

Convém, no entanto, recuar um pouco e situar historicamente os acontecimentos de 

que falamos. O Líbano tinha-se tornado, a partir de 1948, um país em constante estado 

de guerra civil, dado que possuía uma população muito heterogénea, composta por 

cristãos maronitas e muçulmanos, com entrada no confl ito de países como a Síria 

ou Israel e a OLP, de Yasser Arafat. Cada um com ideias defi nidas sobre quem devia 

governar, e com os palestinianos furiosos pela sua expulsão da Jordânia, às ordens 

de Hussein. As alianças faziam-se e desfaziam-se, tão depressa era a Síria a aliada, 

como Israel, e no meio desta onda de violência descontrolada, que causava massacres 

de inocentes dos dois lados das barricadas, o próprio país se viu dividido em áreas de 

infl uência delimitadas. A luta levou a que a OLP se instalasse no sul do Líbano. Pode 

considerar-se que a guerra teve quatro momentos decisivos: entre 1975 e 1977, com 

combates e massacres entre as comunidades religiosas, e uma intervenção síria, a 

pedido do Parlamento Libanês; entre 1977 e 1982, caracterizada por uma intervenção de 

Israel no sul do Líbano, através do que fi cou conhecido como “Operação Litani”; entre 

1982 e 1984, com a invasão de Israel, a tomada de Beirute e a posterior intervenção das 

Nações Unidas; e entre 1984 e 1990, culminando com os Acordos de Taif, assinados na 

Arábia Saudita, onde foram criadas condições para o cessar-fogo em 1990. 

Massacres de católicos e de muçulmanos foi acontecimento que se tornou infelizmente 

banal, e poucos sabem quem começou esta guerra de guerrilha e de terrorismo insano. 

Cada facção aponta o inimigo como principal culpado e um observador isento tem 

difi culdade em julgar. Mas isso pouco importa para a análise do fi lme de Ari Folman, 

que é sobretudo um olhar retrospectivo sobre a entrada das tropas israelitas no 



Líbano, em 1982, e os massacres do sul da capital libanesa, entre 16 e 18 de Setembro. 

O massacre de Sabra e Shatila imolou centenas ou milhares (os números vão de 300 a 

3.500, consoante o quadrante) de refugiados civis palestinos, numa acção perpetrada 

por milicianos cristãos maronitas, nos campos de Sabra e Shatila, então sob protecção 

de Israel. A opinião mundial voltou-se mais uma vez contra Israel e culpou o então 

ministro da defesa, Ariel Sharon, de ser pessoalmente responsável pela chacina, tendo 

falhado na protecção aos refugiados. 

Sharon, quando candidato a Primeiro-ministro de Israel, lamentou as mortes e negou 

qualquer responsabilidade. A repercussão do massacre, entretanto, fez com que fosse 

demitido do cargo de Ministro da Defesa, na época. 

Ari Folman foi um dos soldados israelitas que interveio na ocupação do Líbano, um dos 

que penetrou nas ruas da cidade, um dos que olhou o horror dos massacres, um dos que 

conheceu o pesadelo da guerra. A ele, como a milhões de outros soldados de qualquer 

guerra em qualquer parte do mundo, a memória acudiu para que a vida posterior 

fosse possível, e abafou as imagens do sofrimento. Chama-se a isso memória selectiva, 

a que enterra em zonas do subconsciente as recordações que ferem a existência do dia 

a dia. Há quem diga (muitos fi lmes o reafi rmam continuadamente) que os soldados 

quando regressam a casa não sossegam em função das memórias traumáticas da 

guerra que viveram. Outros, como Ari Folman, comportam-se de maneira inversa: é a 

falta de recordações que os leva à inquietação e à procura desesperada do passado. De 

conversa em conversa com antigos camaradas de armas, o realizador vai recuperando 

as imagens perdidas, que fi guram no fi lme como “fl ashbacks” de um puzzle que 

lentamente vai tomando forma. Ari Folman não vive obcecado pelas recordações, mas 

pela ausência delas. Diz: “Acho que é uma coisa muito pessoal. Acho que a maioria 

das pessoas suprime memórias dessa natureza por ser uma solução muito efi caz para 

a existência.” Aqui é a ausência dessas imagens que provoca a falha de consciência, 

o que é traumático. “Neste fi lme, sim. Mas apesar de tudo, as pessoas sobreviveram 

ao Holocausto. O que é que nós passámos em comparação com elas? Não é nada 

mau suprimir as imagens traumáticas. Mas quando vem tudo ao de cima, é preciso 

conseguir lidar com isso.” 

Neste processo de recuperação de memória, Ari Folman, conhecido documentarista 

israelita, entrevista nove pessoas, sete das quais aceitam dar a cara, sendo que as 

duas restantes deram os seus depoimentos a ler a actores. A animação parte então 

da imagem real, trabalhada como desenho por uma equipa de técnicos de animação. 

Há quem precipitadamente afi rme que se trata de um documentário em animação. 

Nada de mais errado, não pela técnica, mas pela pesquisa que o fi lme encerra. Não 

há nada de mais subjectivo do que a memória, logo não há nada que possa ser mais 

fi ccionado do que esta obra. O que vemos e ouvimos são recordações traumáticas, 

muitas vezes recalcadas, logo possivelmente distorcidas, de experiências pessoais que 

não têm nada de comum e de objectivo. Esse possivelmente um os fascínios desta 

experiência, essa procura de uma objectividade possível, esse ressuscitar da história 

pessoal num quadro de História colectiva que se processa através de depoimentos 

que nem sempre coincidem, mas que lentamente se vão ajustando na memória de Ari 

Folman. A memória deste homem é reavivada por testemunhos exteriores a si, fi ltrados 

por experiências privadas diversas, que ele, todavia, vai de certa forma assimilando, 

fazendo suas. A recordação da chegada a uma praia, por exemplo, num oceano 

juncado de cadáveres, vai sendo progressivamente reavivada. Mas nada nos diz que

se trate de uma reconstituição histórica correcta, mas sim de um puzzle cujas peças 

se vão ajustando com base em palavras ouvidas que encontram eco no subconsciente 

de Ari Folman. Nada de mais pessoal e intimista, nada de menos documental. Mas 

esse é seguramente um dos aspectos mais estimulantes desta pesquisa. Sobre essa 

cena da praia, que funciona como um “leit motiv”, o próprio realizador afi rmou (ao 

“Sight & Sound”): “It should be hallucinatory but also realistic,” e mais adiante, “We 

wanted to make a realistic scene in a very dreamy way, so that you would be confused 

until the very end about whether it really happened.” “Waltz With Bashir’” é, por isso 

mesmo, um trágico documento “pessoal” sobre o horror da guerra, que um israelita 

assume com invulgar coragem e desassombro. Coragem que vai até fi nal, quando, na 

derradeira sequência, a animação cede perante as imagens reais do brutal massacre. 

Da incansável procura do passado ressurge fi nalmente o passado. 

Um belíssimo fi lme de uma actualidade gritante. Quem nos dera que os palestinianos 

tivessem do seu lado a oportunidade, ou o desejo, de criarem obra idêntica. Razões não 

lhes faltarão certamente. E só da assunção das culpas por ambas as partes se poderá 

chegar a um entendimento possível, que reponha a paz na região. Que o cinema pode 

ser uma arma, “Valsa com Bashir” atesta-o. 

_A VALSA COM BASHIR 

Título original: Vals Im Bashir ou Valse avec Bachir ou Waltz with Bashir 

Realização: Ari Folman (Israel, Alemanha, França, EUA, 2008); Argumento: Ari Folman; Produção: Ari Folman, Serge Lalou, 

Gerhard Meixner, Yael Nahlieli, Roman Paul; Música: Max Richter; Montagem: Feller Nili; Direcção artística: David Polonsky; 

Direcção de Produção: David Berdah, Verona Meier; Departamento de arte: Ya’ara Buchman, Michael Faust, Asaf Hanuka, 

Tomer Hanuka; Som: Aviv Aldema; Efeitos visuais: Feller Eran, Nitzan Roiy; Animação: Yoni Goodman; Companhias de 

produção: Bridgit Folman Film Gang, Les Films d’Ici, Razor Film Produktion GmbH, Arte France, Hot Telecommunication, 

ITVS, Israel Film Fund, Medienboard Berlin-Brandenburg, New Israeli Foundation for Cinema and Television, Noga 

Communication - Channel 8; Intérpretes (vozes): Ron Ben-Yishai, Ronny Dayag, Ari Folman, Dror Harazi, Yehezkel Lazarov, 

Mickey Leon, Ori Sivan, Zahava Solomon, etc. Duração: 90 minutos; Distribuição em Portugal: Atalanta Filmes; Classifi cação 

etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 1 de Janeiro de 2009; Estreia mundial: 12 de Junho de 2008. 



_A VIAGEM AO CENTRO DA TERRA 

A herança de Júlio Verne é uma das maiores aventuras do imaginário que a humanidade 

alguma vez conheceu - e revisitá-la é sempre um acto estimável. O pior é quando não 

se respeita a herança por inteiro e se quer dar alguma consistência “científi ca” ao que 

nunca procurou avais para as façanhas que, prodigiosamente, se congeminam. É uma 

das coisas que perde este regresso transformado a um dos livros centrais da bibliografi a 

verniana. Outra é a acumulação sucessiva e desenfreada de peripécias, mais para 

mostrar as hipóteses dos efeitos especiais que para dar argamassa dramática ao fi lme. 

Eric Brevig, o realizador, vem, de resto, da área técnica dos efeitos especiais - não admira 

que o melhor do fi lme seja isso mesmo. Em algumas salas com projecção digital a fi ta 

é exibida em 3-D e o divertimento de feira aumenta de espectacularidade. 

J.L.R., in Expresso, 30 de Agosto de 2008 

_VIAGEM AO CENTRO DA TERRA 

Título original:Journey to the Center of the Earth 

Realização: Eric Brevig (EUA, 2008); Argumento: Michael D. Weiss, Jennifer Flackett, Mark Levin, segundo romance de 

Julio Verne (“Journey to the Center of the Earth”); Produção: Cale Boyter, Michael Disco, Beau Flynn, Brendan Fraser, Cary 

Granat, Charlotte Huggins, W. Mark McNair, Alex Schwartz, Mylan Stepanovich, Evan Turner, Tripp Vinson; Música: Andrew 

Lockington; Fotografi a (cor): Chuck Shuman; Montagem: Steven Rosenblum, Paul Martin Smith, Dirk Westervelt; Casting: 

Vera Miller, Elisabeth Rudolph; Design de produção: David Sandefur; Direcção artística: Jean Kazemirchuk, Michele Laliberte, 

Re’al Proulx; Guarda-roupa: Mario Davignon; Maquilhagem: Kathryn Casault, Corald Giroux, Áslaug Dröfn Sigur ardóttir; 

Direcção de produção: Ronald Gilbert, Arni Hansson, Steven Kaminsky; Assistentes de realização: Manon Célestin, Renato 

De Cotiis, David Dozoretz, Sean Dwyer; Departamento de arte: C. Scott Baker, Lucie Tremblay; Som: Timothy Nielsen; Efeitos 

especiais: Ryal Cosgrove, Eggert Ketilsson, Pascal Souvay, Philippe Souvay, Martin St-Antoine; Efeitos visuais: Michele Linse, 

Lisa Marra, Brandy Nightingale, Jonathan Reynolds, Robert Rioux, Mark Theriault, Christopher Townsend; Companhias de 

produção: Walden Media, New Line Cinema; Intérpretes: Brendan Fraser (Prof. Trevor Anderson), Josh Hutcherson (Sean 

Anderson), Anita Briem (Hannah Ásgeirsson), Seth Meyers (Professor Alan Kitzens), Jean Michel Paré (Max Anderson), 

Jane Wheeler (Elizabeth Anderson), Frank Fontaine, Giancarlo Caltabiano, Kaniehtiio Horn, Garth Gilker, etc. Duração: 93 

minutos; Distribuição em Portugal: Prisvideo; Classifi cação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 28 de Agosto de 2008.

_VIRTUDE FÁCIL 

Noel Coward é um dos maiores escritores e dramaturgos ingleses, um homem de um 

humor corrosivo, mas fi no e elegante, sarcástico e snob, mas absolutamente imprevisível. 

As suas obras criticam numa aparência ligeira os traumas mais profundos da natureza 

humana e, sobretudo, da sociedade britânica de início de século XX. Tal como Oscar 

Wilde, o escritor que nos parece que mais dele se aproxima, fez da “boutade” uma arte, 

do cinismo um modo de vida, do olhar sobranceiro sob os outros uma arte. Como ele 

próprio se defi nia, “my life really has been one long extravaganza”. 

“Virtude Fácil” foi escrita em 1925, estreada com êxito no palco, logo passada a cinema 

por Alfred Hictchcock em 1928. Surge agora uma nova versão, com direcção de Stephan 

Elliott, cineasta australiano que há anos nos dera uma extravagância fabulosa, um 

musical “queer”, “As Aventuras de Priscila, a Rainha do Deserto”. Esta nova “Virtude 

Fácil” parece afastar-se de alguma forma do original (que desconhecemos), sobretudo 

introduzindo alguns anacronismos musicais, e envolvendo-a num olhar actual, muito 

embora os cenários respeitem escrupulosamente os loucos anos vinte. 

A história passa-se quase toda ela numa casa de campo inglesa (o esplendoroso 

palacete dos falidos Whittaker), aonde regressa o fi lho da casa, o jovem John Whittaker 

(Ben Barnes), recém-casado com uma escultural americana, Larita (Jessica Biel), cujas 

maneiras chocam por completo com o puritanismo convencional e hipócrita da 

matriarca, Mrs. Whittaker (Kristin Scott Thomas), casada com o distante e cínico Mr. 

Whittaker (Colin Firth). 

Tal como em muitas outras obras de fi nais do século XIX e inícios do XX, assiste-se a 

um confronto de duas culturas e duas civilizações: de um lado a vitoriana Inglaterra, 

com preceitos e preconceitos arreigados, do outro lado, uma estouvada e algo 



inocente América, que ousa abrir-se à novidade e à aventura e arrisca novos hábitos 

e uma mentalidade radicalmente diferente. Já “Diasy Miller”, de Henry James, falava 

do mesmo, mas há inúmeros autores a abordar o tema em diversos romances, peças, 

etc. O despertar da América, com o que era considerado o seu novo riquismo e a sua 

licenciosidade, não deixava de causar entraves na Velha Grã Bretanha. Esse o confl ito 

central de “Easy Virtue”, que Noel Coward desenvolve com uma ironia cortante, um 

humor divertidíssimo, um diálogo brilhante, que a realização de Stephan Elliott 

serve efi cazmente e um elenco soberbo transforma numa pequena pérola da arte de 

representar. 

Este corpo a corpo entre uma indomável americana e uma castrante família com 

sete gerações de antepassados a tolher-lhe os movimentos é deliciosamente letal. 

As mulheres Whittaker, comandadas pela fria e seca mãe, não dão tréguas à bela 

americana que trás atrás de si um passado misterioso, que um dia é posto a descoberto. 

Mas os homens Whittaker têm, curiosamente comportamentos diferentes. O fi lho 

regressa a casa apaixonado, mas vai lentamente sendo absorvido pela conjura materna. 

Enquanto isso, o pai (um admirável Colin Firth) vai progressivamente aproximando-se 

da nora, até… um fi nal mais ou menos previsível, ou de todo inesperado (conforme a 

perspectiva). 

O humor instala-se logo desde as primeiras imagens, mas o riso nunca explode em 

gargalhadas, antes fi ca suspenso num sorriso que saboreia cada frase e uma vez por 

outra escorrega até à farsa (como na sequência de um antipático cãozinho que Larita, 

inadvertidamente, transforma em almofada). Uma belíssima comédia de costumes 

que terá passado um pouco desapercebida no volume de excelentes estreias deste 

início de 2009, mas que merece inteiramente a atenção do espectador.

_VIRTUDE FÁCIL 

Título original: Easy Virtue 

Realização: Stephan Elliott (Inglaterra, 2008); Argumento: Stephan Elliott, Sheridan Jobbins, segundo peça de Noel Coward; 

Produção: Joseph Abrams, Paul Brett, Alexandra Ferguson, Louise Goodsill, Douglas Hansen, Ralph Kamp, Cindy Kirven, 

George McGhee, Peter Nichols, Tim Smith, James Spring, James D. Stern, Barnaby Thompson; Música: Marius De Vries; 

Fotografi a (cor): Martin Kenzie; Montagem: Sue Blainey; Design de produção: John Beard; Direcção artística: Mark Scruton; 

Decoração: Niamh Coulter; Guarda-roupa: Charlotte Walter; Maquilhagem: Tamsin Dorling, Paul Gooch, Paul Mooney, Paula 

Price, Jeremy Woodhead; Direcção de Produção: Polly Duval, Charlie Simpson, Tim Wellspring; Assistentes de realização: 

James Chasey, Richard Goodwin, Christopher Newman, Carly Taverner; Som: Simon Gershon; Efeitos especiais: Mark 

Holt; Efeitos visuais: Simon Carr; Casting: Louis Elman; Companhias de produção: Ealing Studios, Fragile Films, Endgame 

Entertainment, BBC Films; Intérpretes: Jessica Biel (Larita Whittaker), Ben Barnes (John Whittaker), Kristin Scott Thomas 

(Mrs. Whittaker), Colin Firth (Mr. Whittaker), Kimberley Nixon (Hilda Whittaker), Katherine Parkinson (Marion Whittaker), 

Kris Marshall (Furber), Christian Brassington (Phillip Hurst), Charlotte Riley (Sarah Hurst), Jim McManus (Jackson), Pip 

Torrens (Lord Hurst), Georgie Glen (Mrs. Landrigin), Laurence Richardson (Marcus), etc. Duração: 97 minutos; Distribuição 

em Portugal: Valentim de Carvalho; Classifi cação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 1 de Janeiro de 2009; 

“Easy Virtue”, primeira adaptação da peça de Noel Coward, data de 1928, e é uma das 

primeiras obras de Alfred Hitchcock. O mestre do suspense anda aqui longe do seu território 

de eleição, longe ainda também da sua mestria de estilo, mas anuncia-se já um grande 

realizador em potência. O fi lme inicia-se e fecha por dois julgamentos da mesma mulher, 

Larita, divorciando-se litigiosamente de dois maridos. O primeiro julgamento, que dura 

cerca de vinte minutos, vai alternando, numa técnica muito actual, o próprio julgamento, 

com fl ashbacks ilustrando os episódios dramáticos que deram origem ao litígio, quando o 

primeiro marido de Larita a surpreende nos braços de um pintor, imaginando por isso um 

adultério que afi nal nunca existiu. Mais tarde, na Riviera francesa, Larita afoga as mágoas 

passeando por courts de ténis, onde encontra um nobre inglês por quem se apaixona e 

com quem casa. Nesta altura do fi lme surge a cena mais citada e aquela que surpreende 

pela originalidade: o jovem inglês pede Larita em casamento e os espectadores descobrem 

qual a resposta através das reacções de uma telefonista que intercepta a chamada e 

vai acompanhando o seu desenrolar. Depois, quando viaja para Inglaterra, Larita vê-se 

confrontada com uma família puritana e preconceituosa que lentamente lhe destrói 

o casamento, instalando novamente a dúvida sobre o seu comportamento. À saída do 

tribunal, os repórteres fotográfi cos esperam-na. Ela enfrenta sozinha os fl ashs, e responde 

aos jornalistas: “Shoot! Disparem. Não há mais nada que possam matar.” 

Uma adaptação muito diferente da versão de 2008, que todavia se mostra muito 

curiosa, quer a nível temático, quer a nível formal, na maneira como Hitchcock retém 

certos aspectos da estrutura teatral (sobretudo uma representação frontal), mas 

a subverte, através de planos fi lmados de outros ângulos, ou numa conjugação de 

diferentes grandezas de planos. 

Título original: Easy Virtue 

Realização: Alfred Hitchcock (Inglaterra, 1928); Argumento: Eliot Stannard segundo peça de Noel Coward; Produção: Michael 

Balcon; Fotografi a (p/b): Claude L. McDonnell; Montagem: Ivor Montagu; Direcção artística: Clifford Pember; Assistente 

de realização: Frank Mills; Companhias de produção: Gainsborough Pictures; Intérpretes: Isabel Jeans (Larita Filton), 

Franklin Dyall (Aubrey Filton), Eric Bransby Williams (Claude Robson), Robin Irvine (John Whittaker), Violet Farebrother (Mrs. 

Whittaker), Frank Elliott (Coronel Whittaker), Dacia Deane (Marion Whittaker), Dorothy Boyd (Hilda Whittaker), Enid Stamp- 

Taylor (Sarah), Ian Hunter, Alfred Hitchcock (homem perto do court de ténis), Benita Hume, etc. Duração: 79 min | 89 min 

(versão restaurada); Distribuição em Portugal (DVD): Lusomundo; Classifi cação etária: M/ 12 anos. 


http://cineeco2009.blogspot.com/ 

cineeco@gmail.com 

CINEECO2009 

XV FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA E VÍDEO DE AMBIENTE DA SERRA DA ESTRELA 

17.10 a 24.10 

SEIA_SERRA DA ESTRELA

Homenagem a 

Edgar Allan Poe

114 | Edgar Allan Poe no Cinema 

_THE RAVEN, 1 VERSÃO E 3 TRADUÇÕES 

“O Corvo”, o mais célebre poema de Edgar Allan Poe, teve duas versões 

e inúmeras traduções. Aqui fi ca a versão defi nitiva do autor e três 

traduções brilhantes, todavia, cada uma delas tão representativa de 

Edgar Allan Poe como de cada um dos escritores que as traduziram 

(Baudelaire, Fernando Pessoa e Machado de Assis). O que demonstra 

bem que quem lê, o faz segundo a sua experiência e sensibilidade, pelo 

que não há duas “leituras” iguais, e que traduzir pode não ser trair, mas 

nunca reproduz a experiência do original.

_THE RAVEN 

Once upon a midnight dreary, while I pondered, weak and weary, 

Over many a quaint and curious volume of forgotten lore — 

While I nodded, nearly napping, suddenly there came a tapping, 

As of some one gently rapping, rapping at my chamber door. 

“’Tis some visiter,” I muttered, “tapping at my chamber door — 

Only this and nothing more.” 

Ah, distinctly I remember it was in the bleak December; 

And each separate dying ember wrought its ghost upon the fl oor. 

Eagerly I wished the morrow; — vainly I had sought to borrow 

From my books surcease of sorrow — sorrow for the lost Lenore — 

For the rare and radiant maiden whom the angels name Lenore — 

Nameless here for evermore. 

And the silken, sad, uncertain rustling of each purple curtain 

Thrilled me — fi lled me with fantastic terrors never felt before; 

So that now, to still the beating of my heart, I stood repeating 

“’Tis some visiter entreating entrance at my chamber door — 

Some late visiter entreating entrance at my chamber door; — 

This it is and nothing more.” 

Presently my soul grew stronger; hesitating then no longer, 

“Sir,” said I, “or Madam, truly your forgiveness I implore; 

But the fact is I was napping, and so gently you came rapping, 

And so faintly you came tapping, tapping at my chamber door, 

That I scarce was sure I heard you” — here I opened wide the door; —— 

Darkness there and nothing more. 

Deep into that darkness peering, long I stood there wondering, fearing, 

Doubting, dreaming dreams no mortal ever dared to dream before; 

But the silence was unbroken, and the stillness gave no token, 

And the only word there spoken was the whispered word, “Lenore?” 

This I whispered, and an echo murmured back the word, “Lenore!” — 

Merely this and nothing more. 

115 | Edgar Allan Poe no Cinema


Back into the chamber turning, all my soul within me burning, 

Soon again I heard a tapping somewhat louder than before. 

“Surely,” said I, “surely that is something at my window lattice; 

Let me see, then, what thereat is, and this mystery explore — 

Let my heart be still a moment and this mystery explore;— 

‘Tis the wind and nothing more!” 

Open here I fl ung the shutter, when, with many a fl irt and fl utter, 

In there stepped a stately Raven of the saintly days of yore; 

Not the least obeisance made he; not a minute stopped or stayed he; 

But, with mien of lord or lady, perched above my chamber door — 

Perched upon a bust of Pallas just above my chamber door — 

Perched, and sat, and nothing more. [column 5:] 

Then this ebony bird beguiling my sad fancy into smiling, 

By the grave and stern decorum of the countenance it wore, 

“Though thy crest be shorn and shaven, thou,” I said, “art sure no craven, 

Ghastly grim and ancient Raven wandering from the Nightly shore — 

Tell me what thy lordly name is on the Night’s Plutonian shore!” 

Quoth the Raven “Nevermore.” 

Much I marvelled this ungainly fowl to hear discourse so plainly, 

Though its answer little meaning — little relevancy bore; 

For we cannot help agreeing that no living human being 

Ever yet was blessed with seeing bird above his chamber door — 

Bird or beast upon the sculptured bust above his chamber door, 

With such name as “Nevermore.” 

But the Raven, sitting lonely on the placid bust, spoke only 

That one word, as if his soul in that one word he did outpour. 

Nothing farther then he uttered — not a feather then he fl uttered — 

Till I scarcely more than muttered “Other friends have fl own before — 

On the morrow he will leave me, as my Hopes have fl own before.” 

Then the bird said “Nevermore.” 

Startled at the stillness broken by reply so aptly spoken, 

“Doubtless,” said I, “what it utters is its only stock and store 

Caught from some unhappy master whom unmerciful Disaster 

Followed fast and followed faster till his songs one burden bore — 

Till the dirges of his Hope that melancholy burden bore 

Of ‘Never — nevermore’.” 

But the Raven still beguiling my sad fancy into smiling, 

Straight I wheeled a cushioned seat in front of bird, and bust and door; 

Then, upon the velvet sinking, I betook myself to linking 

Fancy unto fancy, thinking what this ominous bird of yore — 

What this grim, ungainly, ghastly, gaunt, and ominous bird of yore 

Meant in croaking “Nevermore.”

This I sat engaged in guessing, but no syllable expressing 

To the fowl whose fi ery eyes now burned into my bosom’s core; 

This and more I sat divining, with my head at ease reclining 

On the cushion’s velvet lining that the lamp-light gloated o’er, 

But whose velvet-violet lining with the lamp-light gloating o’er, 

She shall press, ah, nevermore! 

Then, methought, the air grew denser, perfumed from an unseen censer 

Swung by seraphim whose foot-falls tinkled on the tufted fl oor. 

“Wretch,” I cried, “thy God hath lent thee — by these angels he hath sent thee 

Respite — respite and nepenthe, from thy memories of Lenore; 

Quaff, oh quaff this kind nepenthe and forget this lost Lenore!” 


“Prophet!” said I, “thing of evil! — prophet still, if bird or devil! — 

Whether Tempter sent, or whether tempest tossed thee here ashore, 

Desolate yet all undaunted, on this desert land enchanted — 

On this home by Horror haunted — tell me truly, I implore — 

Is there — is there balm in Gilead? — tell me — tell me, I implore!” 


“Prophet!” said I, “thing of evil! — prophet still, if bird or devil! 

By that Heaven that bends above us — by that God we both adore — 

Tell this soul with sorrow laden if, within the distant Aidenn, 

It shall clasp a sainted maiden whom the angels name Lenore — 

Clasp a rare and radiant maiden whom the angels name Lenore.” 


“Be that word our sign of parting, bird or fi end!” I shrieked, upstarting — 

“Get thee back into the tempest and the Night’s Plutonian shore! 

Leave no black plume as a token of that lie thy soul hath spoken! 

Leave my loneliness unbroken! — quit the bust above my door! 

Take thy beak from out my heart, and take thy form from off my door!” 


And the Raven, never fl itting, still is sitting, still is sitting 

On the pallid bust of Pallas just above my chamber door; 

And his eyes have all the seeming of a demon’s that is dreaming, 

And the lamp-light o’er him streaming throws his shadow on the fl oor; 

And my soul from out that shadow that lies fl oating on the fl oor 

Shall be lifted — nevermore! 

Versão fi nal, revista por Põe, 

aparecida em “Richmond Semi-Weekly Examiner”, em 1849. 



_LE CORBEAU 

Une fois, sur le minuit lugubre, pendant que je méditais, faible et 

fatigué, sur maint précieux et curieux volume d’une doctrine oubliée, 

pendant que je donnais de la tête, presque assoupi, soudain il se fi t un 

tapotement, comme de quelqu’un frappant doucement, frappant à la porte 

de ma chambre. «C’est quelque visiteur, - murmurai-je, - qui frappe à la 

porte de ma chambre; ce n’est que cela, et rien de plus.» 

Ah! distinctement je me souviens que c’était dans le glacial décembre, 

et chaque tison brodait à son tour le plancher du refl et de son agonie. 

Ardemment je désirais le matin; en vain m’étais-je efforcé de tirer de 

mes livres un sursi à ma tristesse, ma tristesse pour ma Léonore perdue, 

pour la précieuse et rayonnante fi lle que les anges nomment Lénore, - et 

qu’ici on ne nommera jamais plus. 

Et le soyeux, triste et vague brissement des rideaux pourprés me 

pénétrait, me remplissait de terreurs fantastiques, inconnues pour moi 

jusqu’à ce jour; si bien qu’enfi n, pour apaiser le battement de mon 

coeur, je me dressai, répétant: «C’est quelque visiteur qui sollicite 

l’entrée à la porte de ma chambre; - c’est cela même, et rien de plus.» 

Mon âme en ce moment se sentit plus forte. N’hésitant donc pas plus 

longtemps: «Monsieur, - dis-je, - ou madame, en vérité, j’implore votre 

pardon; mais le fait est que je sommeillais, et vous êtes venu taper à 

la porte de ma chambre, qu’à peine étais-je certain de vous avoir 

entendu.» Et alors j’ouvris la porte toute grande; - les ténèbres, et 

rien de plus! 

Scrutant profondément ces ténèbres, je me tins longtemps plein 

d’étonnements, de crainte, de doute, révant des rêves qu’aucun mortel 

n’a jamais osé réver; mais le silence ne fut pas troublé, et 

l’immobilité ne donna aucun signe, et le seul mot proféré fut un nom 

chuchoté: «Léonore!» - C’était moi qui le chuchotais, et un écho à son 

tour murmura ce mot: «Lénore!» Purement cela, et rien de plus.

Rentrant dans ma chambre, et sentant en moi toute mon âme incendiée, 

j’entendis bientôt un coup un peu plus fort que le premier. «Sûrement, - 

dis-je, - sûrement il y a quelque chose aux jalousies de ma fenêtre; 

voyons donc ce que c’est, et explorons ce mystère. Laissons mon coeur se 

calmer un instant, et explorons ce mystère; c’est le vent, et rien de 

plus.» 

Je poussais alors le volet, et, avec un tumultueux battement d’ailes, 

entra un majestueux corbeau digne des anciens jours. Il ne fi t pas la 

moindre révérence, il ne s’arrêta pas, il n’hésita pas une minute; mais, 

avec la mine d’un lord ou d’une lady, il se percha au-dessus de la porte 

de ma chambre; il se percha sur un buste de Pallas juste au-dessus de la 

porte de ma chambre; - il se percha, s’installa, et rien de plus. 

Alors, cet oiseau d’ébène, par la gravité de son maintien et la sévérité 

de sa physionomie, induisant ma triste imagination à sourire: «Bien que 

la tête, - lui dis-je, - soit sans huppe et sans cimier, tu n’es certes 

pas un poltron, lugubre et ancien corbeau, voyageur parti des rivages de 

la nuit. Dis-moi quel est ton nom seigneurial aux rivages de la nuit 

plutonienne! «Le corbeau dit: Jamais plus!» 

Je fus émerveillé que ce disgracieux volatile entendît si facilement la 

parole, bien que sa réponse n’eût pas un bien grand sens et ne me fît 

pas d’un grand secours; car nous devons convenir que jamais il ne fut 

donné à un homme vivant de voir un oiseau au-dessus de la porte de sa 

chambre, un oiseau ou une bête sur un buste sculpté au-dessus de la 

porte de sa chambre, se nommant d’un nom tel que - Jamais plus! 

Mais le corbeau, perché solitairement sur le buste placide, ne proféra 

que ce mot unique, comme si dans ce mot unique il répandait toute son 

âme. Il ne prononça rien de plus; il ne remua pas une plume, - jusqu’à 

ce que je me prisse à murmurer faiblement: «D’autres amis se sont déjà 

envolés loin de moi; vers le matin, lui aussi, il me quittera comme mes 

anciennes espèrances déjà envolées.» L’oiseau dit alors: «Jamais plus!» 

Tressaillant au bruit de cette réponse jetée avec tant d’à-propos: «Sans 

doute, - dis-je, - ce qu’il prononce est tout son bagage de savoir, 

qu’il a pris chez quelque maître infortuné que le Malheur impitoyable a 

poursuivi ardement, sans répit, jusqu’à ce que ses chansons n’eussent 

plus qu’un seul refrain, jusqu’á ce que le De profundis de son Espérance 

eût pris ce mélancolique refrain: «Jamais, jamais plus!» 

Mais, le corbeau induisant encore toute ma triste âme à sourire, je 

roulai tout de suite un siège à coussins en face de l’oiseau et du buste 

et de la porte; alors, m’enfonçant dans le velours, je m’appliquai à 

enchaîner les idées aux idées, cherchant ce que cet augural oiseau des 

anciens jours, ce que ce triste, disgracieux, sinistre, maigre et 



augural oiseau des anciens jours voulait faire entendre en croassant son 

- Jamais plus! 

Je me tenais ainsi, rêvant, conjecturant, mais n’adressant plus une 

syllabe à l’oiseau, dont les yeux ardents me brûlaient maintenant 

jusqu’au fond du coeur; je cherchai à deviner cela, et plus encore, ma 

tête reposant à l’aise sur le velours du coussin que caressait la 

lumière de la lampe, ce velours violet caressé par la lumière de la 

lampe que sa tête, à Elle, ne pressera plus, - ah! jamais plus! 

Alors, il me sembla que l’air s’épaississait, parfumé par un encensoir 

invisible que balançaient des séraphins dont les pas frôlaient le tapis 

de la chambre. «Infortuné! - m’écriai-je, - ton Dieu t’a donné par ses 

anges, il t’a envoyé du répit, du répit et du népenthès dans tes 

ressouvenirs de Lénore perdue!» Le corbeau dit: «Jamais plus!» 

«Phrophète! - dis-je, - être de malheur! oiseau ou démon, mais toujours 

phrophète! que tu sois un envoyé du Tentateur, ou que la tempête t’ait 

simplement échoué, naufragé, mais encore intrépide, sur cette terre 

déserte, ensocelée, dans ce logis par l’Horreur hanté, - dis-moi 

sincèrement, je t’en supplie, existe-t-il ici un baume de Judée! Dis, 

dis, je t’en supplie!» Le corbeau dit: «Jamais plus!» 

«Phrophète! - dis-je, - être de malheur! oiseau ou démon! Toujours 

phrophète! par ce ciel tendu sur nos têtes, par ce Dieu que tous deux 

nous adorons, dis à cette âme chargée de douleur si, dans le Paradis 

lointain, elle pourra embrasser une fi lle sainte que les anges nomment 

Lénore, embrasser une précieuse et rayonnante fi lle que les anges 

nomment Léonore.» Le corbeau dit: «Jamais plus!» 

«Que cette parole soit le signal de notre séparation, oiseau ou démon! - 

hurlai-je en me redressant. - Rentre dans la tempête, retourne au rivage 

de la nuit plutonienne; ne laisse pas ici une seule plume noire comme 

souvenir du mensonge que ton âme a proféré; laisse ma solitude inviolée; 

quitte ce buste au-dessus de ma porte; arrache ton bec de mon coeur, et 

précipite ton spectre loin de ma porte!» Le corbeau dit: «Jamais plus!» 

Et le corbeau, immuable, est toujours installé, toujours installé sur le 

buste pâle de Pallas, juste au-dessus de la porte de ma chambre; et ses 

yeux ont toute la semblance des yeux d’un démon qui rêve; et la lumière 

de la lampe, en ruisselant sur lui, projette son ombre sur le plancher; 

et mon âme, hors du cercle de cette ombre qui gît fl ottant sur le 

plancher, ne pourra plus s’élever, - jamais plus! 

(Tradução de Charles Baudelaire, 1856)

_O CORVO 

Numa meia-noite agreste, quando eu lia, lento e triste, 

Vagos, curiosos tomos de ciências ancestrais, 

E já quase adormecia, ouvi o que parecia 

O som de alguém que batia levemente a meus umbrais. 

“Uma visita”, eu me disse, “está batendo a meus umbrais. 

É só isto, e nada mais.” 

Ah, que bem disso me lembro! Era no frio Dezembro, 

E o fogo, morrendo negro, urdia sombras desiguais. 

Como eu qu’ria a madrugada, toda a noite aos livros dada 

P’ra esquecer (em vão!) a amada, hoje entre hostes celestiais - 

Essa cujo nome sabem as hostes celestiais, 

Mas sem nome aqui jamais! 

Como, a tremer frio e frouxo, cada reposteiro roxo 

Me incutia, urdia estranhos terrores nunca antes tais! 

Mas, a mim mesmo infundido força, eu ia repetindo, 

“É uma visita pedindo entrada aqui em meus umbrais; 

Uma visita tardia pede entrada em meus umbrais. 

É só isto, e nada mais”. 

E, mais forte num instante, já nem tardo ou hesitante, 

“Senhor”, eu disse, “ou senhora, decerto me desculpais; 

Mas eu ia adormecendo, quando viestes batendo, 

Tão levemente batendo, batendo por meus umbrais, 

Que mal ouvi...” E abri largos, franqueando-os, meus umbrais. 

Noite, noite e nada mais. 

A treva enorme fi tando, fi quei perdido receando, 

Dúbio e tais sonhos sonhando que os ninguém sonhou iguais. 

Mas a noite era infi nita, a paz profunda e maldita, 

E a única palavra dita foi um nome cheio de ais - 

Eu o disse, o nome dela, e o eco disse aos meus ais. 



Isso só e nada mais. 

Para dentro então volvendo, toda a alma em mim ardendo, 

Não tardou que ouvisse novo som batendo mais e mais. 

“Por certo”, disse eu, “aquela bulha é na minha janela. 

Vamos ver o que está nela, e o que são estes sinais.” 

Meu coração se distraía pesquisando estes sinais. 

“É o vento, e nada mais.” 

Abri então a vidraça, e eis que, com muita negaça, 

Entrou grave e nobre um corvo dos bons tempos ancestrais. 

Não fez nenhum cumprimento, não parou nem um momento, 

Mas com ar solene e lento pousou sobre os meus umbrais, 

Num alvo busto de Atena que há por sobre meus umbrais, 

Foi, pousou, e nada mais. 

E esta ave estranha e escura fez sorrir minha amargura 

Com o solene decoro de seus ares rituais. 

“Tens o aspecto tosquiado”, disse eu, “mas de nobre e ousado, 

Ó velho corvo emigrado lá das trevas infernais! 

Dize-me qual o teu nome lá nas trevas infernais.” 

Disse o corvo, “Nunca mais”. 

Pasmei de ouvir este raro pássaro falar tão claro, 

Inda que pouco sentido tivessem palavras tais. 

Mas deve ser concedido que ninguém terá havido 

Que uma ave tenha tido pousada nos meus umbrais, 

Ave ou bicho sobre o busto que há por sobre seus umbrais, 

Com o nome “Nunca mais”. 

Mas o corvo, sobre o busto, nada mais dissera, augusto, 

Que essa frase, qual se nela a alma lhe fi casse em ais. 

Nem mais voz nem movimento fez, e eu, em meu pensamento 

Perdido, murmurei lento, “Amigo, sonhos - mortais 

Todos - todos já se foram. Amanhã também te vais”. 


A alma súbito movida por frase tão bem cabida, 

“Por certo”, disse eu, “são estas vozes usuais, 

Aprendeu-as de algum dono, que a desgraça e o abandono 

Seguiram até que o entono da alma se quebrou em ais, 

E o bordão de desesp’rança de seu canto cheio de ais 

Era este “Nunca mais”. 

Mas, fazendo inda a ave escura sorrir a minha amargura, 

Sentei-me defronte dela, do alvo busto e meus umbrais; 

E, enterrado na cadeira, pensei de muita maneira 

Que qu’ria esta ave agoureia dos maus tempos ancestrais, 

Esta ave negra e agoureira dos maus tempos ancestrais,

Com aquele “Nunca mais”. 

Comigo isto discorrendo, mas nem sílaba dizendo 

À ave que na minha alma cravava os olhos fatais, 

Isto e mais ia cismando, a cabeça reclinando 

No veludo onde a luz punha vagas sobras desiguais, 

Naquele veludo onde ela, entre as sobras desiguais, 

Reclinar-se-á nunca mais! 

Fez-se então o ar mais denso, como cheio dum incenso 

Que anjos dessem, cujos leves passos soam musicais. 

“Maldito!”, a mim disse, “deu-te Deus, por anjos concedeu-te 

O esquecimento; valeu-te. Toma-o, esquece, com teus ais, 

O nome da que não esqueces, e que faz esses teus ais!” 


“Profeta”, disse eu, “profeta - ou demónio ou ave preta! 

Fosse diabo ou tempestade quem te trouxe a meus umbrais, 

A este luto e este degredo, a esta noite e este segredo, 

A esta casa de ânsia e medo, dize a esta alma a quem atrais 

Se há um bálsamo longínquo para esta alma a quem atrais! 


“Profeta”, disse eu, “profeta - ou demónio ou ave preta! 

Pelo Deus ante quem ambos somos fracos e mortais. 

Dize a esta alma entristecida se no Éden de outra vida 

Verá essa hoje perdida entre hostes celestiais, 

Essa cujo nome sabem as hostes celestiais!” 


“Que esse grito nos aparte, ave ou diabo!”, eu disse. “Parte! 

Torna á noite e à tempestade! Torna às trevas infernais! 

Não deixes pena que ateste a mentira que disseste! 

Minha solidão me reste! Tira-te de meus umbrais! 

Tira o vulto de meu peito e a sombra de meus umbrais!” 


E o corvo, na noite infi nda, está ainda, está ainda 

No alvo busto de Atena que há por sobre os meus umbrais. 

Seu olhar tem a medonha cor de um demónio que sonha, 

E a luz lança-lhe a tristonha sombra no chão há mais e mais, 

Libertar-se-á... nunca mais! 

(Tradução de Fernando Pessoa) 



_O CORVO 

Em certo dia, à hora 

Da meia-noite que apavora, 

Eu, caindo de sono e exausto de fadiga, 

Ao pé de muita lauda antiga, 

De uma velha doutrina agora morta, 

Ia pensando, quando ouvi à porta 

Do meu quarto um soar devagarinho, 

E disse estas palavras tais: 

“É alguém que me bate à porta de 

mansinho; 

Há de ser isso e nada mais”. 

Ah! bem me lembro! bem me lembro! 

Era no glacial Dezembros; 

Cada brasa do lar sobre o colchão refl etia 

A sua última agonia. 

Eu ansioso pelo Sol, buscava 

Sacar daqueles livros que estudava 

Repouso (em vão!) à dor esmagadora 

Destas saudades imortais 

Pela que ora nos céus anjos chamam 

Lenora, 

E que ninguém chamará mais. 

E o rumor triste, vago, brando 

Das cortinas ia acordando 

Dentro em meu coração um rumor não 

sabido, 

Nunca por ele padecido. 

Enfi m, por aplacá-lo aqui, no peito, 

Levantei-me de pronto, e “Com efeito, 

(Disse), é visita amiga e retardada 

“Que bate a estas horas tais. 

“É visita que pede à minha porta 

entrada: 

“Há de ser isso e nada mais”. 

Minh’alma então sentiu-se forte; 

Não mais vacilo, e desta sorte 

Falo: “Imploro de vós - ou senhor ou 

senhora, 

Me desculpeis tanta demora. 

“Mas como eu, precisando de descanso 

“Já cochilava, e tão de manso e manso, 

“Batestes, não fui logo, prestemente, 

“Certifi car-me que aí estais”. 

Disse; a porta escancar, acho a noite 

somente, 

somente a noite, e nada mais. 

Com longo olhar escruto a sombra 

Que me amedronta, que me assombra. 

E sonho o que nenhum mortal há já 

sonhado, 

Mas o silêncio amplo e calado, 

Calado fi ca; a quietação quieta; 

Só tu, palavra única e dilecta, 

Lenora, tu, com um suspiro escasso, 

Da minha triste boca sais; 

E o eco, que te ouviu, murmurou-te no 

espaço; 

Foi isso apenas, nada mais. 

Entro co’a alma incendiada. 

Logo depois outra pancada 

Soa um pouco mais forte; eu, voltandome 

a ela: 

“Seguramente, há na janela 

Alguma coisa que sussurra. Abramos, 

“Eia, fora o temor, eia, vejamos 

“A explicação do caso misterioso 

Dessas duas pancadas tais, 

“Devolvamos a paz ao coração medroso, 

“Obra do vento, e nada mais”.

Abro a janela, e de repente, 

Vejo tumultuosamente 

Um nobre corvo entrar, digno de antigos 

dias. 

Não despendeu em cortesias 

Um minuto, um instante. Tinha o 

aspecto 

de um lord ou de uma lady. E pronto e 

reto, 

Movendo no ar as suas negras alas, 

Acima voa dos portais, 

Trepa, no alto da porta em um busto de 

Palas: 

Trepado fi ca, e nada mais. 

Diante da ave feia e escura, 

Naquela rígida postura, 

Com o gosto severo, - o triste 

pensamento 

Sorriu-me ali por um momento, 

E eu disse: “Ó tu que das nocturnas 

plagas 

“Vens, embora a cabeça nua tragas, 

“Sem topete, não és ave medrosa, 

“Dize os teus nomes senhoriais; 

“Como te chamas tu na grande noite 

umbrosa?” 

E o corvo disse: “Nunca mais”. 

Vendo que o pássaro entendia 

A pergunta que eu lhe fazia, 

Fico atônito, embora a resposta que dera 

Difi cilmente lha entendera. 

Na verdade, jamais homem há visto 

Coisa na terra semelhante a isto: 

Uma ave negra, friamente posta 

Num busto, acima dos portais, 

Ouvir uma pergunta a dizer em resposta 

Que este é seu nome: “Nunca mais”. 

No entanto, o corvo solitário 

Não teve outro vocabulário. 

Como se essa palavra escassa que ali 

disse 

Toda sua alma resumisse, 

Nenhuma outra proferiu, nenhuma. 

Não chegou a mexer uma só pluma, 

Até que eu murmurei: “Perdi outrora 

“Tantos amigos tão leais! 

“Perderei também este em regressando 

a aurora”. 

E o corvo disse: “Nunca mais!” 

Estremeço. A resposta ouvida 

É tão exata! é tão cabida! 

“Certamente, digo eu, essa é toda a 

ciência 

“Que ele trouxe da convivência 

“De algum mestre infeliz e 

acabrunhado 

“Que o implacável destino há castigado 

“Tão tenaz, tão sem pausa, nem fadiga, 

“Que dos seus cantos usuais 

“Só lhe fi cou, na amarga e última 

cantiga, 

“Esse estribilho: “Nunca mais”. 

Segunda vez nesse momento 

Sorriu-me o triste pensamento; 

Vou sentar-me defronte ao corvo 

magro e rudo; 

E, mergulhando no veludo 

Da poltrona que eu mesmo ali trouxera, 

Achar procuro a lúgubre quimera, 

A alma, o sentido, o pávido segredo 

Daquelas sílabas fatais, 

Entender o que quis dizer a ave do 

medo 

Grasnando a frase: “Nunca mais”. 

Assim posto, devaneando, 

Meditando, conjecturando, 

Não lhe falava mais; mas, se lhe não 

falava, 

Sentia o olhar que me abrasava. 

Conjecturando fui, tranquilo, a gosto, 

Com a cabeça no macio encosto 

Onde os raios da Lâmpada caíam, 

Onde as tranças angelicais 

De outra cabeça outrora ali se 

desparziam 

E agora não se esparzem mais. 

Supus então que o ar, mais denso, 

Todo se enchia de um incenso, 

Obra de serafi ns que, pelo chão 

roçando 

Do quarto, estavam meneando 

Um ligeiro turíbulo invisível: 

E eu exclamei então: “Um Deus sensível 

“Manda repouso à dor que te devora 

“Destas saudades imortais. 

“Eia, esquece, eia, olvida essa extinta 

Lenora”. 




“Profeta, ou o que quer que sejas! 

“Ave ou demónio que negrejas! 

“Profeta sempre, escuta: Ou venhas tu do 

inferno 

“Onde reside o mal eterno, 

“Ou simplesmente náufrago escapado 

“Venhas do temporal que te há lançado 

“Nesta casa onde o Horror, o Horror 

profundo 

“Tem os seus lares triunfais, 

“Dize-me: existe acaso um bálsamo no 

mundo?” 




“Profeta sempre, escuta, atende, escuta, 

atende! 

“Por esse céu que além se estende, 

“Pelo Deus que ambos adoramos, fala, 

“Dize a esta alma se é dado inda escutá-la 

“No Éden celeste a virgem que ela chora 

“Nestes retiros sepulcrais, 

“Essa que ora nos céus anjos chamam 

Lenora!” 

E o corvo disse: “Nunca mais!” 



“Cessa, ai, cessa! (clamei, levantando-me) 

cessa! 

“Regressando ao temporal, regressa 

“À tua noite, deixa-me comigo... 

“Vai-te, não fi que no meu casto abrigo 

“Pluma que lembre essa mentira tua. 

“Tira-me ao peito essas fatais 

“Garras que abrindo vão a minha dor já 

crua” 


E o corvo aí fi ca; ei-lo trepado 

No branco mármore lavrado 

Da antiga Palas; ei-lo imutável, ferrenho. 

Parece, ao ver-lhe o duro cenho, 

Um demónio sonhando. A luz caída 

Do lampião sobre a ave aborrecida 

No chão espraia a triste sombra; e fora 

Daquelas linhas funerais 

Que fl utuam no chão, a minha alma que 

chora 

Não sai mais, nunca, nunca mais. 

(tradução de Machado de Assis)

Edgar Allan Poe 

no Cinema


_NOTAS SOBRE EDGAR ALLAN POE NO CINEMA 

_EDGAR ALLAN POE, A VIDA 

Em Janeiro de 2009 comemoram-se dois séculos sobre o nascimento de Edgar Allan Poe, 

certamente um dos vultos maiores da literatura norte-americana e um dos homens que 

mais infl uência exerceu sobre o imaginário (não só a literatura, mas também o cinema, o 

teatro, a música, as artes plásticas…) dos séculos XIX e XX. 

Nascido em Boston, nos Estados Unidos da América, a 19 de Janeiro de 1809 e falecido a 7 

de Outubro de 1849, em Baltimore, foi escritor, poeta, romancista, crítico literário e editor, 

cultivando (ou mesmo inventando) géneros como o policial, a fi cção científi ca, o terror, 

o horror, o fantástico… Na verdade, ao lado de Jules Verne, ele é um dos precursores da 

literatura de fi cção científi ca e fantástica modernas. Algumas das suas novelas, e lembramos 

“The Murders in the Rue Morgue” (Os Crimes da Rua Morgue), “The Purloined Letter” (A Carta 

Roubada) ou “The Mystery of Marie Roget” (O Mistério de Maria Roget), fi guram entre as 

primeiras obras reconhecidas como policiais. Foi ainda o autêntico iniciador de uma moderna 

literatura norte-americana. Todos lhe devem muito. 

Os pais de Edgar Allan Poe provinham de famílias irlandesas e escocesas. Era fi lho de um actor, 

David Poe Jr., que abandonou a família em 1810, e de uma actriz, Elizabeth Arnold Hopkins Poe, 

que morreu de tuberculose em 1811. Órfão aos dois anos de idade, Poe saltou para o colo de 

Francis Allan, que ao que tudo indica o idolatrava, e do marido John Allan, mercador de tabaco 

de Richmond, comerciante bem sucedido na vida que, todavia, nunca mostrou particular 

afeição pelo jovem. Nunca o adoptou legalmente, apesar de Edgar usar o sobrenome Allan. 

Viajaram até Londres, onde frequentou a escola de Misses Duborg, e a Manor School, em 

Stoke Newington, tendo depois a família regressado a Richmond em 1820. Em 1826, cursou 

durante um ano a Universidade da Virgínia, sendo expulso mercê do seu estilo aventureiro e 

boémio. Noitadas, jogo, mulheres, e álcool, a que tudo indica era ultra susceptível: o que seria 

Edgar Allan Poe Virginia Poe

uma dose inofensiva para a maioria, nele revelava-se de efeito fulminante. Por tudo isto, e 

muitas dívidas ao jogo, desentende-se com o padrasto, e alista-se nas forças armadas, sob o 

nome Edgar A. Perry, em 1827. Nesse ano, Poe publicou o seu primeiro livro, “Tamerlane and 

Other Poems”. Depois de dois anos de serviço militar, foi dispensado. Em 1829, a madrasta 

morre, ele publicou o seu segundo livro, “Al Aaraf”, e reconciliou-se com o seu padrasto, que 

o auxilia a entrar para a Academia Militar de West Point. Desobediente e rebelde, acaba de 

novo expulso, em 1831. Foi a gota que transbordou e o padrasto repudiou-o defi nitivamente. 

Morreria em 1834, sem o considerar no seu testamento. 

Edgar Allan Poe mudou-se, para Baltimore, para casa de uma sua tia viúva, Maria Clemm, 

e da fi lha, Virgínia Clemm. Durante esta época, Poe escreveu muita fi cção que o ajudou a 

sobreviver. Em fi nais de 1835, tornou-se editor do jornal “Sothern Literary Messenger”, em 

Richmond, lugar que ocupou até 1837. Entretanto, casa, em segredo, em 1836, com a sua 

prima Virgínia, que contava na altura apenas treze anos. 

Em 1837, Poe vai para Nova Iorque, onde passaria quinze meses aparentemente improdutivos, 

antes de se mudar para Filadélfi a, e pouco depois publicar “The Narrative of Arthur Gordon 

Pym”. No verão de 1839, é editor assistente da “Burton’s Gentleman’s Magazine”, onde 

publicou um grande número de artigos, histórias e críticas. Nesse mesmo ano, foi publicada, 

em dois volumes, a sua colecção “Tales of the Grotesque and Arabesque” (traduzida para 

francês por Baudelaire como “Histoires Extraordinaires” e para português como Histórias 

Extraodinárias), que, apesar do fracasso de vendas, se torna rapidamente uma referência da 

literatura norte-americana. 

Pouco depois, Virgínia Clemm descobre que sofre de tuberculose, e o desenlace é rápido. A 

doença e a morte da mulher levam Poe ao consumo excessivo de álcool e, algum tempo 

depois, este deixou a “Burton’s Gentleman’s Magazine” para procurar um novo emprego. 

Regressa a Nova Iorque, onde trabalhou brevemente no “Evening Mirror”, antes de se tornar 

editor do “Broadway Journal”. No início de 1845, foi publicado, no jornal “Evening Mirror”, o seu 

A casa de Nova Iorque onde viveram E. A. Poe e Virginia Poe. 



popular poema “The Raven” (“O Corvo”). Em 1846, o “Broadway Journal” faliu, e Poe mudou-se 

para uma casa no Bronx, hoje conhecida como “Poe Cottage”, casa museu aberta ao público. 

Aí continuaria a morar Virgínia até falecer no ano seguinte ao da morte de Poe. Cada vez mais 

instável, Poe tenta seduzir a poeta Sarah Helen Whitman, noivado que acabaria por falhar, 

alegadamente em virtude do comportamento errático e alcoólico de Poe, mas provavelmente 

também devido à intromissão da mãe da noiva. Nesta época, segundo relatos próprios, Poe 

tenta o suicídio, encharcando-se em láudano. Acaba por regressar a Richmond, onde retoma 

a relação com uma paixão de infância, Sarah Elmira Royster, nessa altura viúva. 

A 3 de Outubro de 1849, Poe foi encontrado nas ruas de Baltimore, com roupas que não eram 

as suas, em estado de “delirium tremens”. É levado para o Washington College Hospital, onde 

veio a morrer quatro dias depois. Nos derradeiros dias nunca conseguiu estabelecer um 

discurso coerente, de modo a explicar como tinha chegado à situação na qual foi encontrado. 

As suas últimas palavras teriam sido, de acordo com determinadas fontes, “It’s all over now: 

write Eddy is no more” (“Está tudo acabado: escrevam Eddy já não existe”). De acordo com 

outras fontes, as últimas palavras teriam sido “Lord, help my poor soul” (Senhor, ajuda a minha 

pobre alma!”). Se a vida de Edgar Allan Poe nunca foi linear e clara, a sua morte transformá-loá 

num mito, tal a invulgar difi culdade em ser esclarecida. As causas nunca foram apuradas, 

sendo vulgar, atribui-la a embriaguez comatosa. Mas surgem outras explicações ao longo 

dos anos, como diabetes, sífi lis, raiva, e doenças cerebrais não especifi cadas. 

Todo este universo de extrema lucidez e/ou profunda loucura acaba por ser usado/ 

aproveitado/ transfi gurado de forma brilhante e genial pelo autor na escrita da sua 

obra literária, muito mais propensa a um terror psicológico, à criação de uma ambiência 

fantástica, do que comprazer-se na descrição de actos de terror gratuito. A loucura e a doença 

dos seus protagonistas (todas as suas obras se mostram, não diremos autobiográfi cas, mas 

assumidamente pessoais, porque escritas na primeira pessoa) leva-os a actos estranhos, 

delírios, pesadelos, odientos crimes.

_ROGER CORMAN E O “CICLO POE” - NA REVISTA FILME (1963) 

A recuperação deste texto meu, datado de 1963, e aparecido na revista “Filme”, dirigida 

por Luís de Pina, é uma curiosidade que não deixa de suscitar nostalgia e um irónico 

sorriso. Creio que foi o meu primeiro trabalho para essa revista, e motivou um dos 

primeiros encontros com Luís de Pina, de quem tive o privilégio de vir a ser amigo, até à 

sua morte prematura. Depois, nesse ano, muito poucos davam atenção a obras estreadas 

em cinemas populares como o Olympia, onde se lançaram em Portugal quase todos os 

fi lmes de Roger Corman. Na altura eram salas “inferiores”, onde raramente se estreavam 

obras de certa “dignidade” cinematográfi ca. Foi lá que descobri Roger Corman, foi nessa 

altura que o defendi com unhas e dentes, este um dos textos onde isso aconteceu. Mais 

tarde, tudo mudou e Corman tornou-se um “must” da “inteligência” internacional (logo 

da “inteligência” nacional). Ultimamente até com passagem na elitista Cinemateca 

Portuguesa. Mas no catálogo do Ciclo dedicado a Roger Corman não aparece uma 

única referência a estes textos, escritos por um crítico de 21 anos. Mas surgem muitas 

transcrições de textos estrangeiros, todos eles referentes a publicações posteriores a 1985. 

Curioso. 

A recente exibição entre nós, com o curto intervalo de dois meses, de várias películas 

de Roger Corman – “A Queda da Casa Usher” (“The Fall of House of Usher”), “O Fosso 

e o Pêndulo” (“The Pit and the Pendulum”), “A Maldita, o Gato e a Morte” (“Tales of 

Terror”) e “Armas em Fúria” (“The Gunlinger”) (1), chamou a atenção do público e da 

crítica lisboeta para este jovem realizador que produziu já cerca de sessenta películas, 

tendo realizado, dentre estas, quarenta e tantas. 

Roger Corman (2) nasceu em Michigan (Detroit), a 5 de Abril de 1926. Fez os estudos 

primários na Califórnia e frequentou a Universidade de Standford. Durante a 2ª Grande 

Guerra, encontramo-lo num curso preparatório para ofi ciais da Marinha, donde sai 

bacharelado em ciências marítimas. Quando a guerra terminou, Corman trabalhou 

como engenheiro, “durante quatro dias” (como ele próprio afi rma), fi ndos os quais se 

emprega na Twentieth Century Fox. 

Tendo passado por quase todos os lugares que conduzem à criação cinematográfi ca, 

propriamente dita, Corman tornou-se, rapidamente, um “story analyst”, altura em 

que partiu para Inglaterra, a fi m de apresentar uma tese na Universidade de Oxford, 

sobre literatura inglesa. Antes de regressar à América, viajou pela Europa, tendo-se 

fi xado algum tempo em Paris. De volta à Califórnia dispersou colaboração literária 

por diversas revistas e escreveu alguns argumentos que mereceram a adaptação ao 

cinema. 

Finalmente, em 1954, produziu um fi lme sobre um “script” seu (“Monster from the 

Ocean Floor”) e nesse mesmo ano funda uma nova empresa produtora de fi lmes (a 

American-lnternational-Pictures) cuja primeira película foi “The Fast and the Furious”, 

com Dorothy Malone e John Ireland. 

No ano seguinte (1955) realiza o seu primeiro fi lme (“Five Guns West”), um “western” 

que teve muito bom acolhimento e lhe abriu as portas a uma carreira fecunda e 

promissora. 

Quase nunca a abundância refl ecte qualidade ou, pelo menos, honestidade de 

processos e de fi ns. Poderá, portanto, começar por pensar-se que Roger Corman, 

realizando uma média de sete ou oito fi lmes anuais (quarenta e cinco, em sete anos), 

alcançando mesmo os dez, nalguns anos, é o género de realizador puramente comercial, 



sem pretensões de qualquer espécie, a não ser as sempre deploráveis intenções de 

mistifi car, agradando ao público, servindo-o nos seus instintos mais primários. Ora 

tal não parece ter sido nunca o caso de Roger Corman, de quem conhecemos apenas 

três das obras atrás mencionadas, mas de quem colhemos excelentes referências de 

probidade profi ssional e cujas duas últimas obras conhecidas – “Young Racers” e “The 

Intruder” - refl ectem preocupações de ordem social, bem defi nidas. 

O caminho percorrido por este jovem - o inverso do de um Martin Ritt, de um Sidney 

Lumet ou de um Delbert Mann, que começaram as suas carreiras com obras que 

se recusavam moldar ao esquema comercial da máquina de Hollywood - parece 

igualmente assegurar um interessante futuro onde serão possíveis películas de grande 

qualidade. 

É interessante referir o tipo de produção que Corman adoptou e que revela, apesar de 

ser genuinamente americano, uma certa originalidade de processos. Para conseguir 

um ritmo de produção que lhe permitisse alcançar a média de sete a oito fi lmes por 

ano, Corman rodeou-se de uma equipa de colaboradores, que tem mantido, o mais que 

lhe é possível, de película em película, desde 1960. 

Deste grupo homogéneo e seguro fazem parte o operador Floyd Crosby, o director 

artístico Daniel Haller, o escritor Richard Matheson (que, como veremos, foi o homem 

da ideia de um ciclo de adaptações cinematográfi cas de obras do grande escritor 

norte-americano Edgar Allan Poe), o músico Ronald Stein, o primeiro actor Vincent 

Price e mais alguns actores secundários. Uma equipa assim estruturada possibilita 

a realização duma película, num tempo de rodagem mínima e com um orçamento 

reduzido, em comparação com o que é normal e usual entre as empresas norteamericanas. 

Assim, uma película para este jovem director demora, em regra, quinze dias em 

fi lmagens (Roger Corman conta que terminou uma das suas histórias em dois dias e 

uma noite!) e o orçamento nunca ultrapassou os 750.000 dólares, tendo até conseguido

dirigir alguns com a importância de 15.000 dólares. No respeitante ao elenco, Corman 

chama, somente, para cada uma das suas obras, um actor de nomeada, a quem entrega 

o papel mais espinhoso (Boris Karloff, Peter Lorre, Ray Milland, Dorothy Malone ou 

Vincent Price), trabalhando, nos restantes personagens, com actores desconhecidos. 

A maioria das suas obras são de uma grande honestidade e as suas pretensões 

nunca vão além do que lhes é lícito pedir. Na sua fi lmografi a encontramos fi lmes de 

“cow-boys”, musicais (de “rock-and-roll”), de fi cção-científi ca, biografi as de gangsters, 

reconstituições históricas, fantasias interplanetárias, fi lmes de terror, adaptações 

shakespearianas e, por último, obras de pretensões sociais (como a luta anti-racista 

e anti-fascista em “The Intruder”). Em todos estes géneros, segundo o testemunho 

de críticos conhecedores de grande parte da sua fi lmografi a, revela-se Corman um 

director que sabe enquadrar e se integra bem em qualquer espécie de confl ito e dele 

extrair as necessárias ilações, que tornam as obras curiosas e interessantes. 

Autor extraordinariamente fecundo, Roger Corman, ao falar dos seus fi lmes, afi rmou: 

“Os fi lmes de pequeno orçamento que fi z no passado foram para mim uma excelente 

ocasião de aprender o meu ofício e creio que divertiram muita gente.” 

Noutra passagem, Corman diz: “Verdadeiramente não me lembro de todos os meus 

fi lmes, mas entre os mais importantes que produzi e realizei, posso citar, por ordem: 

“Five guns west”, “Apache Women”, “The day the word ended”, “Swamp women”, 

“Thunder over Hawaii”, “Rock all night”, “The Undead”, “The Gunshinger”, “Not of this 

Earth”, “Machine gun Kelly”, “l Mobster”, “Bucket of blood”, “War of the satellite”, “The 

wasp woman”, “Ski troop attack”, “The lost woman on earth”, “Little shop of horrors”, 

“The fall of the house Usher”, “The pit and the pendulum”, “The primature burial”, “The 

intruder”, “Tales of terror”, “The young racers”, “The Terror” e “The Raven”. 

Roger Corman tornou-se conhecido e admirado sobretudo a partir de 1960, altura em 

que, como vimos, resolveu adaptar ao cinema um ciclo de obras de Edgar Allan Poe. 

Entregando o trabalho da adaptação ao argumentista Richard Matheson, que Iho 



havia sugerido, Corman rodou em três anos, cinco películas baseadas em histórias 

desse escritor (em 1960, “A Queda da Casa Usher”; em 1961, “O Fosso e o Pêndulo”, “The 

premature Burial”, “A Maldita, o Gato e a Morte” e 1962, “The Raven”. 

Na realização destas obras, importantíssimas numa futura história do fantástico 

no cinema, Corman conseguiu uma reconstituição felicíssima da ambiência 

fantasmagórica, característica de Poe, desse “universo necrófi lo”, perfeitamente 

captado das obras literárias, que conferem a estas películas um lugar destacado, no 

que poderemos chamar, a tradição aristocrática, de fundo literário, do fi lme de terror. 

Galeria de monstros psicológicos, de heróis dementes, de homens atacados pela 

loucura, de seres em cujo inconsciente se revelam as mais completas e profundas 

obsessões, eis o que se poderá generalizar, através duma visão rápida do ciclo dedicado 

a Poe. Convém aqui lembrar que Richard Matheson concebeu os argumentos mediante 

o estudo de Marie Bonaparte (discípula de Freud) das obras completas do desditoso 

escritor norte-americano. Assim compreenderemos melhor e mais facilmente 

aceitaremos este universo poético, é certo, mas psicologicamente doentio, patológico, 

atormentado pelos mais variados casos de demência, que vão desde a alucinação, ao 

sonambulismo, ao estado cataléptico, à hipersensibilidade, passando pelas heranças 

hereditárias, pela obsessão ou pelos espíritos visionários, onde o espectro da morte 

balança, constantemente, frente aos olhos aterrados das suas vítimas, em quem 

parece pesar um destino inalterável. 

Em “A Queda da Casa Usher” encontramos Roderick Usher que, por herança familiar, é 

hipersensível, atormentado com um som mais agudo, numa luz mais forte, um odor 

mais penetrante. Esses sentidos haviam causado já a perdição dos seus ascendentes 

que degeneraram em loucos assassinos. A sombra da fatalidade, fazendo-se sentir 

ao longo de toda a película, predispunha os espectadores a aceitarem como única a 

destruição daquela casa, no interior da qual, em ambientes de requintado bom gosto, 

evoluíam os personagens. 

É, igualmente, um caso de hereditariedade o narrado em “O Fosso e o Pêndulo” (cuja 

sequência fi nal, no fosso, é digna de uma antologia do simbolismo em cinema). Aqui, 

o protagonista é Nicholas Medino, que em criança vê o pai matar o tio e emparedar 

viva a mulher, que o atraiçoara, depois de a haver fl agelado, selvaticamente. Esta visão 

gravou-se no espírito de Nicholas que, auto-sugestionando-se, pensa igualmente ter 

emparedado viva a mulher. Como por fatalidade as previsões confi rmam-se e acaba 

por se repetir a história. 

Em “A Maldita, o Gato e a Morte” é a morte o elemento de ligação entre os três contos que 

constituem o fi lme. Se bem que não respeitando totalmente as intrigas engendradas 

pela prodigiosa imaginação de Poe, Corman capta, de modo feliz, este ambiente 

doentio, mórbido e fatalista do genial poeta. As três histórias são “Morella” (um caso de 

vingança, tendo por base a transmudação dos espíritos; “O Gato Preto” (onde Corman 

se compraz na descrição do emparedamento dum casal, levado a cabo por um marido 

atraiçoado e da sua consequente descoberta, tudo isto envolvido em momentos de 

espirituoso sadismo) e “O Estranho Caso do dr. Valdemar” (um problema de hipnotismo 

“in articulo mortis”). Dentre todas estas narrativas fantásticas, preferimos, sem dúvida 

“O Gato Preto” que é, estrutural e esteticamente, o melhor pedaço de cinema deste 

fi lme. “Morella”, aparte uns pequenos e dispersos apontamentos de bom efeito, não 

logra alcançar o nível a que Corman nos habituou já, o mesmo se podendo dizer de “O 

Estranho Caso do dr. Valdemar”, por demais estético para subjugar o espectador.

O mérito de Roger Corman, ao fi lmar as películas consagradas ao ciclo Poe, consiste 

na perfeita identifi cação conseguida com o universo do escritor, quer na ambiência 

escolhida (exteriores, decoração de interiores, guarda-roupa, etc.), quer na utilização 

frequente duma simbologia em que Poe se revelou um antecessor de Freud e da 

psicanálise, quer na composição de “fl ash–backs” ou na construção de sonhos (fi lmados 

por intermédio de lentes de uma só cor), quer ainda na escolha dos intérpretes, donde 

sobressai, de forma brilhante, o trabalho de Vincent Price, actor de extraordinários 

recursos histriónicos e vocais que conseguiu, tanto em “O Fosso e o Pêndulo” (onde, 

em sucessivas gradações, se vai observando a sua lenta evolução para a loucura), como 

em “A Queda da Casa Usher”, criações duma perfeita concepção. Neste particular, 

“A Maldita, o Gato e a Morte” é um fi lme decisivo: Vincent Price interpreta nele três 

fi guras diferentes e em qualquer delas o seu trabalho é magnífi co. Em “O Gato Preto”, 

encarnando um conhecido e enfático provador de vinhos, contracenando com esse 

magnífi co Peter Lorre, “arranca” um desempenho notável. Como afi rmou Robert 

Benayoun, Roger Cormon, “nesta série incomparável, rende a mais bela homenagem 

do cinema a Edgar Poe.” 

“The Intruder” foi exibido, no ano passado, no Festival Internacional de Veneza, 

alcançando uma inegável corrente de simpatia por parte da crítica presente. Como 

esta obra nos não visitou ainda, vejamos o que dela disseram: 



Roger Corman: “De todos os meus fi lmes o que prefi ro é “The Intruder”. Quando o fi z 

estava para fi nanciar qualquer fi lme de pequeno orçamento, mas incapaz de obter 

um fi nanciamento qualquer para um fi lme mais caro ou um assunto mais sério. 

Comprei os direitos do romance por duas razões: primeiramente, acreditava no tema 

e estava seguro de poder extrair dele um bom fi lme, e em segundo lugar, estava um 

pouco fatigado com o género de fi lmes que rodava e queria ensaiar qualquer coisa 

de fundamentalmente diferente. Quando preparava o argumento apercebi-me com 

surpresa que ninguém me queria fi nanciar o fi lme. Todos os grandes estúdios de 

Hollywood me desencorajaram e fi nalmente decidi jogar todas as minhas economias, 

que me vinham dos fi lmes de pequeno orçamento, e adiantar eu próprio os créditos.” 

“O fi lme foi inteiramente rodado em exteriores no Sul e em três semanas, com todos 

os papéis (excepto os protagonistas) interpretados por pessoas da região. Até agora os 

críticos americanos têm-no elogiado bastante e espero que ele anunciará para mim 

uma série de fi lmes mais signifi cativos”. 

Roberto Benayoun (crítico de “Positiv”): “The Intruder” continua fi el à linha geral do 

seu autor. Corman descreve o fanático Adam Cramer, vindo para sabotar a integração 

numa pequena cidade do Sul, como um revolucionário, um visitante de um outro 

mundo. Cramer, de físico sedutor, apresenta-se a todos de uma gentileza extrema, com 

a frase-chave: “Vamos ser amigos, não é verdade?” Depois, com o nome de Patrick Henry 

Society, começa a semear a dúvida nos espíritos, sobe a uma tribuna e lança mensagens 

infl amadas, onde sugere a invasão da América, pelos judeus e pelos comunistas: “Quereis 

dirigentes negros como em Chicago? Quereis que sejam médicos negros a trazerem os 

vossos fi lhos ao mundo?” Por fi m, assegura a colaboração dos elementos turbulentos 

da cidade, blusões negros, políticos desonestos e linchadores em potência, constrói com 

todas as peças um véu de licenciosidade que poderia lançar fogo à pólvora.” 

“Mas como todos os heróis de Corman, Cramer tem falhas características que o 

perderão. Pueril e galanteador, brinca com o revólver diante do espelho e ensaia os 

seus dotes juvenis de sedução nas mulheres alheias. É um marido enganado, inimigo 

subestimado, que o desmascarará fi nalmente e voltará contra ele a cidade revoltada.” 

«Corman reuniu aqui um testemunho incisivo, um retrato inquietante sobre um 

aspecto contemporâneo do fascismo nos EUA, sem qualquer tipo de conciliação 

específi ca do género, nem atenuando a realidade. Seria muito fácil proclamar que 

Corman se entrega por fi m a um assunto sério. “The Intruder” para mim não fez senão 

confi rmar o génio dum realizador cuja obra, rica e diversa, sobe o declive.” 

Júlio C. Acerete (crítico de “Nuestro Cine”): “Sem dúvida, “The Intruder” não chega 

aonde seria necessário, o que não impede que o fi lme tenha sofrido pressões para a 

sua distribuição nos Estados Unidos. De qualquer modo, fi ca claro que a prolixidade 

criadora de Corman não signifi ca vulgaridade, já que os seus fi lmes possuem um certo 

interesse. Mas, como acontece com muitos realizadores, pode ser que Corman tenha 

mais importância em fi lmes como os pertencentes ao seu ciclo dedicado a Poe que em 

obras aparentemente mais importantes, como este “The Intruder”. 

in Revista “Filme” (1963) 

(1) - Da lista de programação da Sif para 1963-64, consta ainda uma película de Roger Corman, “The 

Prematore Bureal”, com o título, “Enterrado Vivo”, pelo que é natural que o vejamos brevemente. 

(2) - Sobre Roger Corman, chamo a atenção dos leitores para o excelente estudo de Robert Benayoun, 

publicado no n.º 50-51-52, da revista “Positif”, e ainda para o artigo “Presentación de Roger Corman”, de 

Júlio C. Acerete, vindo a público no n.° 20 de “Nuestro Cine”.

_NOTAS SOBRE EDGAR ALLAN POE NO CINEMA 

Ao analisar de forma muito rápida e sucinta a fi lmografi a extraída de obras de Edgar 

Allan Poe, cumpre desde logo fazer ressaltar algumas ideias chaves. A primeira é a de 

que, apesar deste escritor ser um dos expoentes máximos da literatura fantástica e um 

dos mestres da literatura mundial, mais ainda um dos iniciadores da literatura moderna, 

um poeta admirável, um contista exemplar, um precursor do romance policial, poucos 

foram os grandes mestres da História do Cinema que dele se aproximaram buscando 

inspiração para obras suas. Há casos, certamente, Griffi th e Fellini são dois exemplos 

possíveis, mas nem os fi lmes daí resultantes foram dos mais conseguidos, nem dois ou 

três títulos em mais de duas centenas de fi lmes são marca signifi cativa. 

Vejamos, então, quem se tem interessado pela obra de Edgar Allan Poe no campo do 

cinema. Não erraremos muito se os juntarmos em três grupos: alguns, não muitos, 

vanguardistas europeus e norte-americanos, ligados a escolas surrealistas ou 

expressionistas (Jean Epstein, Robert Florey, Edgar G. Ulmer, etc.), alguns mestres de 

série B, que representam o que de melhor a inspiração de Poe nos legou no cinema 

(nomeadamente Roger Corman, Gordon Hessler, ) e um grupo vasto de artesãos 

de série Z, mais interessados no negócio do que em arte, mas que não deixa de ser 

signifi cativo preferirem Poe em tantas ocasiões, umas por oportunismo, servindo-se 

do nome e do prestígio do escritor, outras por sincero interesse literário, nem sempre 

devidamente vertido em imagens, é certo!. 

Outro aspecto curioso a sublinhar: as obras de Edgar Allan Poe raras vezes são adaptadas 

de forma muito fi el à intriga e ao esquema dramático das mesmas, preferindo-se-lhes 

uma adaptação ao espírito, à atmosfera, às obsessões do escritor. Nem por isso, no 

entanto, muitas das adaptações não serão conseguidas, sobretudo na forma como 

continuam ou prolongam o clima gótico de uma indisfarçável estranheza e mistério. 



_“MURDERS IN THE RUE MORGUE”, VÁRIAS ABORDAGENS 

No início da década de 30, nos EUA, uma produtora, a Universal, inspirando-se nas 

obras expressionistas que tinham feito o sucesso do cinema alemão nos anos 20, 

recorreu a um conjunto de clássicos da literatura fantástica que adaptou ao cinema, e 

lançou no mercado um grupo de fi lmes de terror que marcaram uma época. “Drácula”, 

“Frankenstein”, “O Homem Invisível”, “O Homem Lobo”, “A Múmia” foram alguns títulos 

dos mais recordados, onde se notabilizaram cineastas como Tod Browning ou James 

Whale, e actores como Boris Karloff e Bela Lugosi. Mas houve outros títulos igualmente 

notáveis, alguns retirados de obras de Edgar Allan Poe, como “Os Crime da Rua Morgue”, 

“O Corvo” e “Magia Negra” (The Black Cat). São todas elas de princípios dos anos 30, 

assinadas por realizadores de prestígio, como Robert Florey ou Edgar G. Ulmer, todas 

interpretadas por Bela Lugosi, então no auge do seu fascínio, em duas delas ao lado de 

Boris Karloff, e que não fi cam muito atrás dos clássicos sempre citados deste período. 

“Os Crime da Rua Morgue”, de 1932, parte do romance homónimo de Edgar Allan Poe, 

não se cingindo nem muito nem pouco à intriga original da obra literária, antes usando 

e abusando das liberdades criativas dos seus argumentistas, realizador e produtores. 

Desta adaptação consta, aliás, uma lista de participantes bem larga (Robert Florey, Tom 

Reed, Dale Van Every, John Huston e Ethel M. Kelly) que devem ter mexido e remexido o 

caldo até este conhecer a espessura que hoje lhe dá o sabor da época. 

Consta que Bela Lugosi e Robert Florey, actor e realizador do elenco fi xo da Universal 

e que estavam indigitados para representar e dirigir “Frankenstein” (substituídos, à 

ultima hora, respectivamente por Boris Karloff e James Whale), vieram parar a “Murders 

In The Rue Morgue” como compensação pela saída dessa outra obra que se tornaria 

um dos mais sólidos clássicos da história do fantástico no cinema. Mas, na verdade, 

tanto Bela Lugosi, que triunfara brilhantemente meses antes em “Drácula”, como Boris 

Karloff, que atingiria o estrelato com “Frankenstein”, se tornaram de um dia para o 

outro os símbolos máximos do terror em terras norte-americanas. 

Como se sabe, no original de 1841 de Edgar Allan Poe, o essencial é o elogio de uma lógica 

dedutiva e analítica em que o protagonista, o jovem August Dupin, é pródigo. A novela 

vive muito do esclarecimento de um caso, de aparente impossível resolução, ocorrido na 

rua Morgue, de Paris. Duas mulheres, mãe e fi lha, são assassinadas barbaramente, mas o 

mais estranho de tudo, é a forma como os cadáveres de ambas aparecem, um escondido 

no interior de uma chaminé de lareira, o outro, degolado, nas traseiras do prédio. 

A multidão e a polícia que acorreram e subiram escadas acima, impediam a fuga de 

qualquer intruso por essa via, mas dentro de casa, num cenário de dantesca brutalidade, 

as janelas estavam fechadas e trancadas e não havia qualquer outra hipótese de fuga. 

Mas a multidão ouvira vozes masculinas, para lá dos gritos estridentes das mulheres 

assaltadas. Todos afi rmam que uma das vozes era de um francês, mas a outra voz merece 

os mais desencontrados comentários. A polícia investiga, os poderes inquietam-se, os 

cidadãos vivem aterrorizados, mas ninguém parece acertar com a identidade do ou dos 

assassinos. Há mesmo um empregado de banco que é preso, suspeito de se ter servido 

de informações pessoais para certamente extorquir pesada soma às damas em questão, 

mas não há roubo, apesar de existirem quatrocentas moedas de ouro espalhadas pelo 

chão. Pierre Dupin necessita apenas de ler as notícias publicadas nos jornais locais e de 

uma sóbria peritagem no local do crime, para fazer publicar um anúncio num diário 

parisiense e esperar calmamente que o dono do chimpanzé apareça para o reclamar, 

levando-o depois a confessar como tudo se passou. “Elementar, meu caro Watson”, dirá,

anos mais tarde, Conan Doyle, depois de ter lido e relido Poe, que lhe serviu obviamente 

de inspiração para conceber a sua fabulosa fi gura de Sherlock Holmes, com o mesmo 

tipo de faro intuitivo, a mesma dedução, o mesmo cariz analítico. Nada brota do zero, 

tudo se transforma, é conceito comummente sabido e aceite. Se a novela é deste tipo, 

esta versão de Robert Florey, de 1934, exagera nos fl oreados, ainda que se mantenha 

muito perto da atmosfera original, uma brumosa cidade de Paris, no ido ano de 1845, 

carregada de sombras ameaçadoras, de escadas de sinistro traçado, de contrastada 

iluminação de um claro-escuro de franco alento expressionista (podem referir-se como 

fontes de infl uência, mais ou menos directas, obras como “O Gabinete do Dr. Caligary” ou 

“Der Golem”, ambas de 1920, ou “Nosferatu”, de 1922, por exemplo), mas muito distante 

da intriga da novela. Pouco se fala de análise dedutiva, mas entra-se abertamente no 

campo dos sábios loucos e obstinados, das torturas e das experiências científi cas, temas 

igualmente tão do agrado de Poe: Bela Lugosi, aqui na personagem do Dr. Mirakle, que 

não existe na novela, vive obcecado pela teoria darwineana da evolução, na qual o 

homem descende do macaco, e procura demonstrá-la a todo o transe, utilizando um 

gorila como atracção de feira (muito na linha de um “O Gabinete do Dr. Caligary”), que 

atrai jovens donzelas, que o louco rapta para nelas injectar sangue do gorila e descobrir 

os resultados. Que não são brilhantes, nem para a ciência, nem para as incautas jovens 

que sucumbem a tantos maus-tratos. Até que um dia é Camille, a noiva do jovem médico 

Pierre Dupin (Leon Ames), a cair nos braços dos experimentalistas. Obviamente que a 

dedução de Dupin funciona a tempo de evitar maiores danos. A transferência do centro 

de interesse da novela para o fi lme é evidente. Na novela não se sabe, até perto do fi m, 

quem assassina e como o crime é praticado e é nessa investigação puramente dedutiva 

que se materializa a inquietação. No fi lme, desde início que nós, espectadores, sabemos 

quem mata quem e como, resta saber apenas como se descobre o criminoso e se as 

forças do Bem chegam ao local do crime antes de se processar novo crime (agora com 

uma vítima que nós bem conhecemos e por quem nos batemos). Um novo tipo de 



suspense, é certo, introduzindo novas personagens, diferentes intrigas, multiplicidade 

de cenários e a personagem de um sábio louco que, não existindo na novela, não anda 

longe de outras personagens maléfi cas da corte de Edgar Allan Poe. 

Mas o fi lme mostra-se particularmente curioso e interessante, em grande parte 

pela magnífi ca fotografi a de Karl Freund, num preto e branco brumoso, conseguindo 

excelentes sequências, como as que mostram Paris à noite ou a cena passada na 

barraca do Dr. Mirakle. Há mesmo alguns momentos altíssimos de realização, como 

aquele em que Camille evolui num balouço, acompanhada pela câmara que oscila 

segundo os movimentos de um inquietante pêndulo, ou quando percorremos a câmara 

de horrores do malvado cientista. O clima é de série B, o orçamento não era certamente 

elástico (mas nesses anos de grande depressão os estúdios contiveram-se um pouco 

em todos os sentidos), mas o resultado não desmerece e Bela Lugosi brilha num tipo de 

representação amaneirada que o iria tornar célebre (durante uns anos, depois a queda 

foi mais ou menos vertiginosa, acabando nas mãos de Ed Wood!). Curiosamente, para 

se ver como tudo isto anda ligado, não foi só Conan Doyle que foi beber a Edgar Allan 

Poe, também Ernest B. Schoedsack e Merian C. Cooper foram buscar muitas ideias a 

esta obra de Florey para o seu clássico “King Kong” (toda a sequência fi nal do gorila 

fugindo pelos telhado de Paris com a sua amada aos ombros nos faz recordar muito 

do que depois se veria em “King Kong”). 

Esta não foi a primeira vez que “The Murders in the Rue Morgue” foi adaptado ao 

cinema. Tanto esta primeira aventura literária de Dupin, como as duas outras que se 

lhe seguiram (“The Mystery of Marie Roget” e “The Purloined Letter”) conheceram 

várias adaptações. Mantendo-nos apenas no território de “Os Crimes da Rua Morgue” 

há logo a referir, ainda em 1908, uma primeira aproximação, muito curiosa. “Sherlock 

Holmes in the Great Murder Mystery” conta com argumento do próprio Arthur Conan 

Doyle, segundo a obra de Edgar Allan Poe, e é certamente lamentável não haver cópia 

disponível para se poder ver como ambos os mestres da literatura policial coexistiam

numa mesma aventura. Outro fi lme mudo, este de 1914, é “Murders in the Rue Morgue”, 

de que não se possui nenhuma cópia igualmente, sendo portanto esta versão de 

Robert Florey de 1932 a primeira a poder ser vista presentemente. 

Outras se lhe seguiram, a mais famosa das quais (possivelmente) data de 1954. “O 

Fantasma da Rua Morgue” (Phantom of the Rue Morgue), de Roy Del Ruth, com Karl 

Malden (Dr. Marais), Claude Dauphin (Insp. Bonnard), Patricia Medina (Jeanette) e Steve 

Forrest (Prof. Paul Dupin), uma produção da Warner que pretendia objectivamente 

repetir o êxito estrondoso de “Máscaras de Cera”, em 3D. O título de Roy del Ruth é uma 

recuperação do fi lme de Robert Florey, agora em voluptuoso e garrido Warnercolor, com 

um jovem médico acusado de um violento crime na Rue Morgue, em Paris, que não 

cometeu, e um obsessivo Dr. Marais (excelente Karl Malden), que aproveitando-se da 

sua permanência no zoo local, consegue treinar um gorila para efectuar em seu nome 

os crimes que imagina, sempre sobre mulheres indefesas que se encontram fechadas 

no interior de solitários apartamentos. Numa Paris sedutora, onde impera a loucura 

do Can Can, e simultaneamente sombria, como convém, o gorila (interpretado por 

Charles Gemora, um especialista que já interpretara a mesma personagem na versão 

de 1932, e se tornara numa espécie de “must” sempre que havia por essa altura gorila, 

orangotango ou chimpanzé a movimentar) vai estilhaçando corpos com inaudita 

violência, numa versão muito “gore” que, infelizmente, não se encontra disponível 

ainda em DVD. Mais uma vez em lugar de um pobre marinheiro que traz de longe um 

gorila assassino, a loucura de um homem se sobrepõe à da besta inocente que utiliza 

a sua força bruta sob comando à distância. Em vez de um crime duplo cometido numa 

casa, várias sádicas investidas relembram um Jack, o Estripador, que troca Londres 

por Paris. Roy Del Ruth foi um divertido realizador de séries B, e o fi lme adquire essa 

atmosfera de folhetim popular contando crimes do século XIX. Vi esta fi ta há muitos 

anos, retenho boa recordação de adolescente traumatizado (!) pelo seu terror, mas 

precisaria de rever a obra para uma opinião mais segura. Fica a dica. 



Em 1968, surge um episódio de uma série de TV, “Detective”, contando a história de“The 

Murders in the Rue Morgue”, numa realização de James Cellan Jones, com argumento 

de James MacTaggart. Não vi. 

Há muito que não via “Murders in the Rue Morgue”, de Gordon Hessler, com Jason Robards 

(Cesar Charron), Herbert Lom (Rene Marot), Christine Kaufmann (Madeleine Charron), 

Adolfo Celi (Inspector Vidocq) e Maria Perschy (Genevre). Como o próprio Gordon Hessler 

afi rmou, numa entrevista que o DVD recorda, “adaptar “Os Crimes da Rua Morgue” é difícil, 

pois já se lhe conhece o desfecho: foi o macaco que matou.” Este aspecto (que julgo um falso 

problema: quantos fi lmes adaptam obras e situações de que todos sabemos o desfecho, 

basta recordar “Titanic”?) levou Hessler a imaginar algo mais complexo para esta sua versão: 

estamos em pleno século XIX, na Rue Morgue, em Paris (o fi lme foi, porém, integralmente 

rodado em Espanha), onde uma companhia de teatro, especializada em “Grand Guignol” 

sangrento e melodramático, dirigida por um espalhafatoso Cesar Charron (Jason Robards), 

leva a cena uma adaptação de “Murders in the Rue Morgue”, segundo Edgar Allan Poe. Esta 

premissa serve às mil maravilhas para roubar o nome da obra de Poe, e depois associar-lhe 

uma intriga externa, que, muito embora tenha um pouco a ver com o universo Poe, não se 

lhe pode associar de imediato: René Marot, um louco mascarado, apaixonado por uma das 

actrizes da companhia, Madeleine (Christine Kaufmann), vai assassinando, por vingança, um 

a um, os membros do elenco desse teatro, onde se representa uma peça robustecida pela 

presença de um gorila que dá nome à obra, “Erik, o Macaco”. Todos julgavam René Marot 

morto, aquando de um acidente que vitimara a ex-mulher de Marot, mas afi nal este salvarase 

ainda que muito desfi gurado. O fi lme joga com alguma perícia com estes ingredientes, 

com um colorido saturado de tons fortes e uma inquietante direcção artística, que sublinha 

bem algumas das virtudes da realização de Gordon Hessler, um experimentado artesão de 

série B, aqui mobilizando um orçamento favorecido pela sorte (que, todavia, lhe haveria de 

trazer contrariedades, pois a versão estreada era uma montagem do produtor e não a sua, 

que só muito recentemente foi restaurada, aquando do lançamento internacional do DVD).

Um fi lme que se vê com muito agrado, integrado no seu contexto específi co. Estamos, na 

verdade, cada vez mais distantes de Poe e da sua história original e cada vez mais perto de “The 

Phantom of the Opera” (não é por acaso que o louco mascarado é interpretado por Herbert 

Lom que também aparecia na versão da década de 50 de “O Fantasma da Ópera”). Mas há 

indícios de Poe na loucura das personagens, nos sonhos perturbadores, nos assassinatos 

mórbidos (das gargantas friamente cortadas pela lâmina ao ácido vertido em inocentes 

rostos), nos sepultados vivos, numa certa atmosfera tenebrosa de horror psicológico. 

A versão francesa de Jacques Nahum, de “Le Double assassinat de la rue Morgue”, com 

Georges Descrières e Daniel Gélin (Dupin), emitida pela TV em 1973, também é do meu 

desconhecimento, mas revi com agrado uma outra versão televisiva, esta assinada 

por Jeannot Szwarc, e que se chamou “The Murders in the Rue Morgue” ou “Le Tueur 

de la Rue Morgue”, produção norte americana e francesa, rodada em Paris, com 

argumento de David Epstein, que se aproxima um pouco mais da dedução analítica 

da novela, ainda que transforme Dupin num velho polícia francês, reformado a contra 

gosto, por inimizades com o novo director da gendarmerie. Os crimes acontecem 

como Poe imaginou, as investigações fazem apelo amiúde a conjecturas de argúcia 

dedutiva, existe um marinheiro e um gorila que só aparecem no fi nal da história, e as 

liberdades “poéticas” são aqui reduzidas. Procura-se respeitar o tom da obra donde se 

parte, a imaginação visual não é estonteante, tudo se cumpre dentro dos cânones do 

teledramático de sólida construção técnica, as representações são boas por parte de 

um elenco resistente (George C. Scott, Rebecca De Mornay, Ian McShane, Val Kilmer, 

…). Não é Poe de primeira colheita, falta-lhe fantasia e um pouco de fancaria popular, 

esta é uma versão para telespectador bem instalado na vida, que se vê como um 

entretenimento sem mácula. De uma outra versão tenho conhecimento, russa, “Ubitye 

molniey”, de 2002, assinada por Yevgeny Yufi t, com argumento de Vera Novikova. 

Apenas conhecimento, nada mais. Assim se completa o ciclo de “Os Crimes da Rua 

Morgue” no cinema. Mas muitas obras de Edgar Allan Poe requerem a nossa atenção. 



_AS VÁRIAS VERSÕES CINEMATOGRÁFICAS DE “THE RAVEN” 

Um dos poemas mais célebres de Edgar Allan Poe, senão mesmo o mais conhecido e 

citado, é “The Raven” (O Corvo), obviamente uma das suas obras igualmente mais 

adaptadas ao cinema. Sabe-se que, logo em 1912, nos EUA, surgiu uma primeira versão, de 

que se desconhece autor, mas de que se conhecem os intérpretes (Guy Oliver, como Edgar 

Allan Poe e Muriel Ostriche), e que se sabe ter sido uma produção Eclair American. 

A adaptação seguinte data de 1935, novamente americana, uma produção Universal 

Pictures, com realização de Lew Landers. Este “The Raven”, com argumento de David 

Boehm, Florence Enright, Michael L. Simmons, Dore Schary, Guy Endore, Clarence 

Marks, Jim Tully e John Lynch, tinha um elenco de peso na época. Nada menos que os 

dois mais famosos “monstros” da altura, Boris Karloff e Bela Lugosi, respectivamente 

Frankenstein e Drácula dessa década de ouro do fantástico. Lew Landers, nascido em 

Nova Iorque, mas que inicialmente assinava as suas obras com o nome de baptizado, 

Louis Friedlander, foi um dos realizadores mais prolíferos do cinema norte-americano. 

“The Raven”, do início da sua carreira, será mesmo das suas obras de maior qualidade, 

mantendo, tal como muitas outras desses anos, uma larga dependência do cinema 

expressionista alemão da década precedente. 

Tal como muitas outras adaptações de obras de Poe, este “The Raven” contenta-se 

em manter o título, algumas obsessões temáticas e um clima que se poderá dizer ter 

origem no belíssimo poema. Bela Lugosi interpreta a fi gura de um estranho doutor 

Richard Vollin, grande admirador de Poe que, nas horas livres da sua actividade de 

médico, se entretém a reconstituir, na cave da sua casa, uma verdadeira câmara de 

torturas, fabricando ele próprio cada um dos instrumentos de suplício imaginados por 

Edgar Allan Poe. Depois a história vai evoluindo em função de um crescendo de terror 

que conduzirá as vítimas a esse território de horror, encimado pelo célebre pêndulo da 

morte, mas onde não deixa de ter lugar igualmente uma câmara que se fecha sobre si 

própria, após o que as paredes começam a movimentarem-se no sentido de esmagar 

quem esteja aprisionado no seu interior. 

Para introduzir um elemento romântico indispensável ao conforto das plateias, Friedlander 

inventa uma paixão louca de Vollin por uma jovem que ele salva da morte, depois de um 

aparatoso acidente de automóvel, com que abre o fi lme, e que hipnotiza por forma a roubála 

ao seu noivo. A frágil fi gura da mulher perante as arremetidas brutais do sábio louco, eis 

as premissas habituais ao género. Há outras referências ao poema de Poe: a jovem que 

recupera inteiramente do acidente é bailarina e interpreta no teatro uma adaptação de 

“The Raven”. Vollin fi ca defenitivamente apaixonado pela mulher e pela sua interpretação, 

o que agudiza as situações e irá conduzir ao grande clímax. 

Entretanto, pelas ruas da cidade, Edmond Bateman (Boris Karloff, aqui com um 

papel secundário, muito curioso, nitidamente subsidiário do seu “Frankenstein”), um 

conhecido e temido criminoso, esconde-se e bate à porta de Vollin, procurando que este 

o transforme, através de uma operação de plástica estética, numa noutra pessoa, e assim 

passar desapercebido. Mas o resultado não é o melhor. E tudo se conjuga para um fi nal 

em crescendo, na tenebrosa câmara de horrores que o médico criou. O fi lme consegue, 

com simplicidade e efi cácia, na sua modéstia de orçamento, criar um bom clima de 

inquietação e sedução, com planos bem delineados, enquadramentos desassossegados, 

iluminações perturbantes e personagens de algum sadismo, sabiamente aproveitadas. 

O corvo impera ao longo da obra, como presença obsidiante. 

Posteriormente houve muitas outras versões, que desconhecemos (quase todas)

por completo. Um episódio da série televisiva espanhola, “Historias para no dormir”, 

precisamente chamada “El Cuervo” (1967), com realização de Narciso Ibáñez Serrador, 

com Rafael Navarro na fi gura de Edgar Allan Poe; uma adaptação alemã, “Der Wilde 

Rabe”, de Peter Sempel (RFA, 1985); um episódio, “Treehouse of Horror”, da série de TV, 

“The Simpsons”, com direcção de David Silverman; uma outra incursão espanhola, 

desta feita com a assinatura de Tinieblas González; uma curta-metragem com o título 

“The Raven... Nevermore” ou “El Cuervo” e Gary Piquer na personagem de Edgar Allan 

Poe; fi nalmente duas cinematizações americanas, uma nova curta-metragem, desta 

feita com a assinatura de Peter Bradley (EUA, 2003), e uma longa de 2006, dirigida 

por Ulli Lommel, que escreveu também o argumento, e entregou a interpretação a 

Jillian Swanson (Lenore), Victoria Ullmann (Annabel Lee), e Michael Barbour (Edgar 

Allan Poe). Ulli Lommel é conhecido sobretudo por ter assinado “The Boogeyman”, um 

fi lme de terror de culto entre os fanáticos do género, sobretudo os que apreciam obras 

de pequeno orçamento, alguma imaginação e violência a preceito. Este “O Corvo” é, 

de certa forma, uma desilusão, ainda que mantenha algumas dessas características: 

o orçamento deverá ter sido mínimo, os actores são de terceira escolha (se é que 

houve escolha!), os cenários são minimalistas, a estrutura defi ciente, mas bastante 

pretensiosa, o resultado não deixa lugar a muitas dúvidas. 

Como se sabe, o poema de Poe fala da fatal tristeza de alguém que chora uma 

Lenora que partiu, e de um corvo que aparece, vindo da escuridão da noite, trazendo 

a mensagem de um “Nunca Mais”, ou seja da inexorabilidade da morte e da solidão 

que ela deixa nos que fi cam chorosos de saudade. Partindo desta premissa, aberta a 

todas as interpretações, tudo é possível, desde que apareçam dois ou três símbolos 

carismáticos: o corvo, o nome de Lenora, a morte. 

No fi lme de Ulli Lommel, Lenora em criança ouve o avô ler poemas de Edgar Allan 

Poe, o que lhe provoca pesadelos de terror. Mais tarde, encontramo-la, em Los Angeles, 

vocalista de uma banda, e perseguida por um assassino que vai dizimando todos os 



amigos à sua volta até chegar ao confronto fi nal com a própria Lenora. Rara a excitação 

e a inquietação provocada por esta série B que procura elidir a falta de ideias com uma 

montagem modernaça, obcecada por postes e linhas de cabos eléctricos (o que tem a 

sua justifi cação, no argumento). Nada de muito extraordinário, portanto. 

Já no século XXI, na Argentina, em 2007, surgiu “El Cuervo”, uma média metragem de 

30 minutos, dirigida por Richie Ercolalo. No meio destas versões todas tivemos “Der 

Rosenkönig” ou “Le Roi des Roses” (O Rei das Rosas), do alemão Werner Schroeter (RFA, 

França, Portugal, 1986). Filme estranho e invulgar é este, obra romântica e demencial, 

construída em forma de poema, sem obedecer a qualquer tipo de narrativa clássica, sem 

uma intriga exposta de forma linear. Werner Schroeter, um dos chefes de fi la do novo 

cinema alemão surgido nos anos 60-70, procura sobretudo um encadeado de imagens, 

personagens, situações, sons, vozes (em diferentes idiomas), músicas (de origem variada, 

da ópera às ladainhas populares), luzes, que restituam um clima, uma ambiência 

fantástica, onírica. Neste aspecto, esta é uma das obras onde se sente mais a proximidade 

de Edgar Allan Poe, e do seu poema “The Raven”, de que se ouvem, lidos, alguns dos seus 

versos, bem assim como excertos de “City in the Sea” ou “Alone”, do mesmo autor, poesias 

de Pablo Neruda, fragmentos de “Chants de la Vie”, de Abou Kassem Ech’ Chabbi, um 

pedaço de uma peça de rádio, “série negra”, de 1943, dita por Gloria Swanson, além de 

vozes dos padres católicos napolitanos e de alguns contos populares portugueses. 

O fi lme parece ter sido escrito dia a dia, ao longo das fi lmagens, num improviso 

constante ou numa “rêverie” contínua, tanto por Werner Schroeter, como pela sua 

actriz predilecta, Magdalena Montezuma (que se chamava verdadeiramente Erica 

Kruger), e que aqui se despedia do cinema e da vida. 

Rodado no nosso país, pelo produtor Paulo Branco, com vários portugueses na fi cha 

técnica e no elenco, “O Rei das Rosas” fala-nos de uma mulher, Anna, alemã de 

nascimento, a viver em Portugal, num palacete abandonado numa quinta de mau 

augúrio, acompanhada por Albert, um fi lho que cultiva rosas e paixões funestas,

nomeadamente por Fernando, um jovem que apanha um dia a roubar na sua capela, e 

que transforma num prisioneiro da sua sensualidade e ardor. 

Filme de uma perversidade que se instala à medida que o tempo passa, obra sobre o 

amor e morte, por vezes mórbido, de maligna crueldade e de terrível beleza, “Le Roi des 

Roses” joga com um imaginário que tem muito a ver com a obra de um Mishima, de 

“Confi ssões de uma Máscara” a “O Marinheiro que Perdeu as Graças do Mar” (há uma 

concordância temática e de atmosfera quase obsessiva: mãe e fi lho, ausência da fi gura 

do pai, crueldade para com animais, o mar como referência de liberdade, exaltação do 

sofrimento, homossexualismo, imagem de martiriologia, São Sebastião, etc.). 

Celebração, ritualismo, oratória, a simbologia mais forte inscreve-se a cada passo: 

mãe e fi lho na mesma cama numa sugestão de incesto que o fi lho renega, o sangue 

que escorre das rosas e passa ao corpo imolado de Fernando, a lavagem do corpo e a 

dependência de uma sensualidade exarcebada, o gato morto, a rã aprisionada numa 

gaiola dentro de água, o fogo redentor nas imagens fi nais, a morte suspensa de cada 

fotograma… A versão de “The Raven” mais conhecida, porém, é de Roger Corman, 

realizada em 1963, e que é o quinto fi lme da série dedicada a Edgar Allan Poe por este 

cineasta (os anteriores foram “A Queda da Casa Usher”, 1960; “O Fosso e o Pêndulo”, 

1961, “O Sepultado Vivo”, 1962, “A Maldita, o Gato e a Morte”, 1962; a que se seguiram “A 

Máscara da Morte Vermelha”, 1964, e “O Túmulo de Ligeia”, 1964). 

Neste conjunto de títulos, todos eles de forte inspiração fantástica, inscrevendo-se no 

mais puro terror gótico, “O Corvo” faz fi gura de desalinhado, pois, se mantém todas as 

características de série, quanto a valores de produção, equipa técnica e artística, cenários, 

guarda roupa, etc, acrescenta-lhe uma outra que só tinha sido pressentida aqui e ali ao 

longo dos outros fi lmes: o humor. Na verdade pode considerar-se “O Corvo” uma comédia 

fantástica, baseando muito do seu humor na presença de três actores míticos no género 

(Vincent Price, Peter Lorre e Boris Karloff) que aqui se auto parodiam com imensa subtileza 

e graça, criando situações divertidíssimas e saboreando de forma incomparável o seu 



trabalho. Nem o facto de Boris Karloff se encontrar doente, durante as fi lmagens, retirou 

algum encanto ao resultado fi nal, acrescentando-lhe até algum se possível: como Karloff 

estava doente, o duelo fi nal entre ele e Vincent Price efectua-se com os actores sentados 

em enormes poltronas, o que acaba por ampliar o efeito da paródia. De resto, e para 

completar o que deve ser dito sobre o elenco, brilhante, há que referir a presença do então 

muito jovem Jack Nicholson, num papel que prenuncia já as geniais loucuras que se lhe 

seguiram, e ainda a bela Hazel Court, outra presença regular neste conjunto de fi lmes. 

Uma das razões da qualidade desta série, é o facto de ter alguns escritores de grande 

qualidade a adaptarem os contos, e neste caso o poema, do celebrado escritor 

americano. Richard Matheson é um nome grande do romance fantástico e a ele se 

deve a adaptação do poema “O Corvo” de Edgar Allan Poe (outros escritores ao serviço 

de Corman nesta série foram, por exemplo, Charles Beaumont e Robert Towne). 

Tudo se passa entre mágicos: o sorumbático Erasmus Craven (Vicent Price), que vive 

solitário no seu castelo, saudoso da sua Lenora desaparecida, vê inesperadamente 

entrar pela janela dentro um corvo que fala e que lhe confessa ser um antigo mago, 

enfeitiçado durante uma rixa de mágicos, e que lhe pede a salvação, ou seja, uma 

mezinha que o faça regressar à sua antiga forma humana. Craven acaba por reunir os 

condimentos necessários à sopa de pedra que trará Bedlo (Peter Lorre) de novo à sua 

existência normal. Nessa altura, Bedlo confessa a Craven que a mulher deste, a tão 

suspirada Lenora, não se encontra morta e sepultada no esquife que o marido venera, 

mas sim nas mãos do perverso Scarabus (Boris Karloff), que vive por ali perto num 

outro castelo amaldiçoado. Para lá se dirigem, e por lá dirimem o que têm a dirimir. 

Com algum suspense e muita diversão. 

O fi lme volta a mostrar como, com meios reduzidos mas alguma imaginação, muito 

talento e sensibilidade se consegue erguer uma obra particularmente interessante, 

recuperando algo do universo de Poe, e conceber em simultâneo um fi lme esteticamente 

de algum requinte e de assegurado sucesso popular.

_“THE FALL OF HOUSE OF USHER” A VÁRIAS VOZES 

“A Queda da Casa Usher”, que Edgar Allan Poe escreveu em 1839, é um dos seus 

trabalhos mais conhecidos e mais adaptados não só ao cinema como a outras 

formas de expressão e de narrativa. No cinema são inúmeras as versões conhecidas, 

a começar logo pela década de 20, onde surgem duas adaptações vanguardistas, 

uma americana, de 1926-28, da dupla James Sibley Watson e Melville Webber, outra 

francesa, de um dos nomes grandes da vanguarda dessa época, Jean Epstein. A 

primeira é uma curiosa experiência de recorte nitidamente expressionista, filmada 

em Rocheter, Nova Iorque, com uma forte influência de poetas e artistas plásticos, 

expressa aliás na colaboração de Melville Webber, que assegurou o lado plástico, 

procurando recuperar certos aspectos dos frescos medievais, e de James Sibley 

Watson, que se interessou mais pelos efeitos visuais em que o pequeno filme (13 

minutos) é pródigo e que logram resultados muito sugestivos. 

“A Queda da Casa de Usher” (La Chute de la Maison Usher), de 1928, França, tem 

argumento de Jean Epstein e Luis Buñuel (que foi ainda assistente de realização) 

e interpretação de Jean Debucourt (Sir Roderick Usher), Marguerite Gance 

(Madeleine Usher), Charles Lamy (Allan), Fournez-Goffard (médico), Luc Dartagnan, 

Abel Gance, Halma, Pierre Hot, Pierre Kefer, etc. São 63 minutos do melhor que Poe 

inspirou ao cinema, uma verdadeira obra-prima do fantástico e do onírico, logrando 

criar Jean Epstein uma atmosfera poética admirável, através da fabulosa utilização 

da imagem, dos enquadramentos, dos movimentos, do jogo de combinação de 

grandeza de planos, da iluminação, da própria “encenação” dos espaços. 

Por uma terra de ninguém ventosa e lúgubre, solitária e inóspita, avança um 

homem carregando duas malas. Entra numa estalagem e pede para alguém o 

conduzir a casa dos Usher. Olham-no surpresos e com estranheza. Percebe-se a 

razão que leva o desconhecido até ali: uma carta de Roderick Usher convida Allan, 

um velho amigo, a visitá-lo, adiantando que está doente e a mulher também. 



Um saco de moedas na mão de Allan e o aparecimento de alguém numa carroça 

provoca o efeito desejado. Chegado ao palácio, e depois das boas vindas, o jantar 

onde Roderick e Allan recuperam memórias. Mas Roderick está impaciente. Quer 

continuar a trabalhar no retrato da mulher, Madeleine (subtil desvio do conto de 

Poe, Madeleine passa de irmã a mulher). Por isso, Allan é enviado para uma passeata 

pelo campo, enquanto Roderick (magnificamente interpretado por Jean Debucourt, 

num tipo de composição extremamente conseguida, em vigor e subtileza, uma 

mistura invulgar que surpreende e fascina) volta ao quadro e à mulher que posa, 

ameaçada pelo olhar do marido que a consome, a domina, a submete. Há uma cena 

brilhante que confere todas essas sensações: grande plano do rosto de Roderick, o 

seu olhar obsessivo; plano de Madeleine, posando, inscrita num cenário soturno, 

implorando tréguas com o olhar; pormenor das mãos de Roderick apertando-se; 

plano da paleta, do pincel escolhendo as cores e as tintas. 

Madeleine é o modelo, a inspiração; Roderick pinta-a, olha-a, suga-lhe a vida com 

o olhar. Cada nova pincelada no quadro reflecte-se no rosto de Madeleine, que 

se sente atingida, macerada. Roderick pinta à luz de velas que se consomem. A 

imagem desta sequência restitui a tortura, o martírio, a posse, a violação. Súbito 

a câmara afasta-se e descobre-se a grandeza do cenário, um salão enorme, onde 

Roderick dá pasto à sua obsessão. Olha a mulher, olha a paleta, olha o quadro. Está 

obviamente muito mais interessado no quadro do que no modelo. Dirá mais tarde: 

“O quadro é a verdadeira vida”. A mulher jaz no chão, desfalecida. Ele continua a 

pintar sem dar por nada. Madeleine morre. Roderick transporta-a então nos braços, 

horrorizado. Allan, lendo um livro comenta: “Roderick estava possuído pela teoria 

do magnetismo.” (algo que interessava muito Edgar Allan Poe). 

Segue-se toda a sequência da preparação do enterro, as dúvidas (“Ela não está 

talvez morta!?”), Roderick quer impedir o enterro, o quadro toma definitivamente 

o lugar da mulher morta (“Ela não nos abandonará!”), o pintor olha-o, extasiado, 

enquanto o caixão é fechado, perante o horror de Roderick. Sequência que relembra 

em muitos aspectos planos de “Nosferatu”, de Murnau. O enterro inicia-se, passam 

por áleas de jardins, por entre o nevoeiro, vogam ao sabor das águas de um rio, o 

véu branco desta fúnebre noiva deslizando nas águas, erguendo-se no ar, preso 

da barcaça. Descem à cripta, uma boca aberta iluminada do exterior, projectando 

luz. O caixão é fechado, pregado finalmente, o martelo do horror descendo sobre o 

prego, iluminados por velas. Ratos que fogem pelos cantos, um sapo. 

Depois do enterro, o silêncio que tudo envolve. A monotonia. A natureza-morta. Rio, 

serra, palacete, ninguém. Um gato. Roderick olha escadas e corredores desertos, 

os cortinados esvoaçando. O mínimo ruído exaspera-o. A guitarra abandonada. 

As mãos cruzadas. Sonho, pesadelo, imagens deformadas, sobreposições, grandes 

planos de rostos, pormenores ameaçadores. As cordas da guitarra que se soltam, 

sozinhas, “Roderick não volta a proferir o nome de Madeleine”. Parece paralisado 

pela dor. Um relógio. Um pêndulo que se assemelha muito ao pêndulo de “The 

Pit and the Pendulum”. O tempo que passa. A tempestade que avança. Allan lê 

num livro uma passagem sobre uma sepultada viva. Enquanto isso, na cripta, o 

caixão de Madeleine tomba da prateleira onde fora depositado. Roderick, no vasto 

salão, junto ao fogo que crepita na lareira, balouça os pés sentado numa cadeira. 

As velas pegam fogo aos cortinados com a ventania que se abate sobre o palácio, 

que começa também a desmoronar-se. As armaduras metálicas nos corredores

desabam. Roderick olha fascinado a destruição. Será loucura, a que transparece 

deste olhar? Madeleine regressa, de branco, noiva, de véus ao vento, flutuando 

como um fantasma. “Sim, ouço-a, ouço-a desde o primeiro dia!”, grita Roderick. “Nós 

enterrámo-la viva!”. O fogo tudo cobre. Allan afasta-se para o exterior do palácio. 

Madeleine e Roderick abraçam-se, e é assim que tentam fugir das labaredas. Com 

que destino? O quadro representando Madeleine é engolido igualmente por esse 

inferno de chamas. 

Nesta obra que interpreta da melhor forma o universo de Poe, inspirando-se em 

Dreyer (“O Vampiro”), e Murnau, em “O Retrato de Dorian Gray”, na literatura, 

Epstein cria um ambiente de cortar à faca, com uma enorme economia de meios, 

usando uma linguagem vanguardista que vai buscar muito aos expressionistas, 

mas também ao surrealismo e aos vanguardistas franceses dessa época. Um 

grande momento de cinema. 

“The Fall of the House of Usher” regressa aos ecrãs, em 1949, com assinatura de 

Ivan Barnett, numa produção inglesa. Que desconhecemos. 

A partir dos anos 50, a televisão não larga a obra de Poe, com várias versões 

conhecidas. Ainda em 1949, o produtor Fred Coe, na série de TV “Lights Out”, faz uma 

primeira versão televisiva de “The Fall of the House of Usher”. Ainda na América, em 

1956, em “Matinee Theatre”, é Boris Sagal quem dirige o episódio dedicado à “House 

of Usher”. Em Inglaterra, em 1966, Kim Mills volta ao tema, num dos episódios de 

“Mystery and Imagination”, interpretado por Denholm Elliott (Roderick Usher), e 

Susannah York (Madeleine Usher). Em França, em 1981, será Alexandre Astruc quem 

dirigirá Fanny Ardant (Madeleine Usher), Mathieu Carrière (Sir Roderick Usher) e 

Pierre Clémenti, num dos episódios de “Histoires Extraordinaires: La Chute de la 

Maison Usher”. Na Hungria, Attila Apró, em 1982, assina “AzElitélt”, igualmente para 

TV, segundo o mesmo conto. James L. Conway, numa produção norte-americana e 

checoslovaca, no mesmo ano, adapta ao pequeno ecrã o mesmo texto de Poe, com 



um bom elenco: Martin Landau (Roderick Usher), Charlene Tilton e Ray Walston. Em 

1988 é a vez de outro americano, Alan Birkinshaw, se lançar na mesma empreitada, 

com interpretações de Oliver Reed (Roderick Usher), Donald Pleasence e Romy 

Windsor. “La Chute de la Maison Usher” surge na Bélgica, em 1992, com realização 

de Marc Julian Ghens. A série de TV “Tales of Mystery and Imagination”, com 

realização de vários cineastas (James Ryan, Bill Hays, Dejan Sorak, Rod Stewart, Neil 

Hetherington, Hugh Whysall), data de 1995, e volta a penetrar na casa de Usher 

(além de incursões por outros textos de Poe), com resultados nulos. Parece mesmo 

que a série, de tão má, nunca chegou a exibir-se por essa altura na TV, e só agora 

foi posta a circular em DVD. Infelizmente. Trata-se globalmente de um daqueles 

produtos excelentes para mostrar em salas de aula de cinema, para demonstrar o 

que está errado e o que não deve ser feito. Mas há também aquilo que não se ensina, 

nem pelo absurdo: o mau gosto, a falta de sensibilidade, a total inépcia narrativa. 

Em 2002, “Usher”, de Curtis Harrington, poderá ser uma versão a considerar (ainda 

que difícil de encontrar, pelo que ainda não a visionei), com o próprio realizador 

Curtis Harrington a interpretar dois papéis, Roderick Usher e Madeleine Usher. 

Uma investida “queer”, em 40 minutos que gostaríamos certamente de ter visto, 

mas não conseguimos 

Mas a obra mais carismática de entre todas as retiradas deste conto de Poe terá 

sido “House of Usher”, de 1960, com a assinatura de Roger Corman, e argumento 

adaptado por Richard Matheson. Foi o início do ciclo dedicado por Roger Corman 

a Edgar Allan Poe. Com uma equipa que variou muito pouco, produção de Roger 

Corman e James H. Nicholson, música original de Les Baxter, fotografia, de excelente 

colorido, com a assinatura de Floyd Crosby, montagem de Anthony Carras, direcção 

artística de Daniel Haller e um reduzido elenco onde sobressaía Vincent Price 

(Roderick Usher), bem acompanhado por Mark Damon (Philip Winthrop), Myrna 

Fahey (Madeleine Usher) e Harry Ellerbe (Bristol). 

Abordemos então do conto, antes de passarmos à versão cinematográfica. Na obra 

de Poe, o narrador que viaja até casa dos Ushers empreende essa viagem para 

visitar um velho amigo de juventude, Roderick Usher, que não via há muito, e que 

lhe escrevera a solicitar companhia nos momentos difíceis por que passava, por 

motivos de saúde própria e de sua irmã, Madeleine. É deste modo que o cavaleiro 

se aproxima da destroçada casa dos Usher, por caminhos de mau agoiro, como 

que hipnotizado pelo destino que ali o conduz. No filme, Philip Winthrop viaja até 

àquela mansão amaldiçoada porque se encontra noivo de Madeleine, Roderick 

pede-lhe que se afaste, manda-o embora, insiste, exorta-o, mas Philip permanece 

na sua, querendo ir embora apenas se for acompanhado da sua amada. Depois, 

no conto, há várias personagens que se cruzam na casa, no filme quase toda a 

acção roda à volta de Roderick, Madeleine, Philip e um velho criado da casa. Todo o 

conto é muito intimista, referindo-se a pensamentos de Philip e às considerações 

de Roderick, que se voltam muito para ele próprio. Trata-se quase de um confronto 

de duas mentes, de duas vontades, de dois projectos. No filme, obviamente que as 

acções se concretizam mais no plano da realidade. Corman “mostra” onde Poe evoca, 

mas a transposição não deixa de ser não só eficaz como mesmo sugestiva. Corman 

é um cineasta com uma sensibilidade que se coaduna bem com os ambientes e 

as personagens criadas por Poe, desenvolve climas de um fantástico inquietante 

sem jogar no primarismo do sangue a jorros e dos efeitos em catadupa, explora

sobretudo o suspense perturbador, através de efeitos puramente plásticos, a 

duração do plano, O filme baseia-se, sobretudo, em quatro personagens e uma casa, 

um palácio à beira da ruína, atravessado por fendas que, hora a hora, vão criando 

clivagens mais aterrorizadoras, enterrando-se progressivamente num pântano 

onde a natureza fenece e nada se cria. É a maldição dos Usher a estender-se à 

paisagem ou esta a estrangular a família no interior do seu palácio a desmoronarse. 

Casa e família sucumbem ao mesmo mal. Roderick Usher lamenta-se de uma 

absoluta hipersensibilidade, algo que quase não o permite contactar com o mundo 

exterior, uma luz mais intensa violenta-lhe os olhos, qualquer pequeno som 

atravessa-lhe os tímpanos como um trovão, um sabor mais forte atormenta-o, só 

suporta tecidos de uma macieza rara, move-se como que pairando sobre o chão… 

Madeleine parece atreita ao mesmo mal, ambos se declaram, pela voz de Roderick, 

próximos da morte. Por isso Roderick não permite a Philip partir com a sua amada, 

que, no entanto, não parece assumir a mesma atitude. Mas a vontade de Roderick 

é mais forte, e a maldição estende-se sobre o palácio, que no final conhecerá uma 

dupla “morte”, incendiado e submergido nas águas do pântano, enquanto temas 

como o incesto e a catalepsia se assenhoreiam da obra e os sepultados vivos saem 

das criptas com as mãos ensanguentadas e as gargantas roucas de gritarem por 

socorro. Puro terror de criação Edgar Allan Poe muito bem recriado pela fantasia 

e o competente talento de Corman, a sua enorme economia de meios, o seu bom 

gosto visual, o refinamento de um estilo que não pode deixar-se de sublinhar. 

A economia de meios é de tal forma que um fi lme destes é rodado em menos de duas 

semanas, outro se lhe segue de imediato, rodado com a mesma equipa, um elenco 

semelhante, os mesmos cenários, iguais adereços e guarda-roupa, de forma a que 

essa produção contínua embarateça o orçamento. O talento e a habilidade de Corman 

permitem que estas produções de série B sobrevivam como clássicos e fi lmes de culto, 

mantendo toda a sua magia, quase cinquenta anos depois da sua realização. 



Sobre o mesmo tema, Jesus Franco (ou Jess Franco), em Espanha, no ano de 1982, 

recoloca as personagens em cena, numa interessante série B, que conheceu 

diversos títulos: “Revenge in the House of Usher” ou “La Chute de la Maison Usher” 

ou “Los Crímenes de Usher” ou “El Hundimiento de la Casa Usher” ou “Neurosis” ou 

“Nevrose” ou “Revolt of the House of Usher” ou “Zombie 5”. O veterano Jesus Franco 

(mais de 180 títulos na sua filmografia!) nunca foi cineasta para grandes subtilezas, 

mas o seu cinema, muito popular e por vezes excessivamente oportunista no 

namoro ao público (no sexo e no gore), conseguia ter alguma graça, numa 

demonstração de uma certa “inocência” cultural, apesar do realizador manifestar 

alguns conhecimentos sobre literatura e estética cinematográfica. Curiosamente, 

Jesus Franco considera esta sua versão de “A Queda da Casa Usher” uma das 

mais fiéis a Edgar Allan Poe e a sua obra mais pessoal e menos comercial, um 

verdadeiro “filme de autor”. O filme tem momentos fracos, mas ostenta algumas 

sequências bastante bem conseguidas num plano plástico, onde as influências do 

expressionismo são evidentes. Neste aspecto, todas as cenas a preto e branco, que 

remetem para flashbacks, conseguem impressionar pela positiva, muito embora 

a interpretação dos actores não seja das mais convincentes. Mas globalmente é 

um filme interessante, que aproxima a Casa Usher de um covil de vampiros, para 

onde são levadas, depois de raptadas, mulheres de vida fácil, para abastecerem 

de sangue a muito debilitada filha de Usher (para lá de outras personagens com 

gostos afins). Há uma personagem que relembra o velho de “O Coração Revelador”. 

Há sequências que recordam outros filmes de Franco (particularmente “El Secreto 

del Dr. Orloff”). Curioso, tanto mais que o DVD onde se disponibiliza esta pequena 

fita de terror contém uma curiosa entrevista com o cineasta espanhol, personagem 

particularmente singular no universo do cinema fantástico. Nada, porém, que se 

possa comparar com Roger Corman. 

“The House of Usher” volta a interessar os estúdios norte-americanos, uma vez 

em 1988, com realização a cargo de Alan Birkinshaw, argumento de Michael 

J. Murray, e interpretação de Oliver Reed (Roderick Usher), Donald Pleasence 

(Walter Usher) e Romy Windsor; outra já em 2006, numa interessante direcção de 

Hayley Cloake, sobre argumento de Collin Chang que transporta a história para a 

actualidade (o que parece quase impossível é assegurado com alguma coerência 

pelos responsáveis). Uma casa senhorial perdida numa zona rural da província, a 

morte declarada de Madeleine, irmã de Roderick Usher, uma amiga, Jill Michaelson, 

que vem ao funeral, e que fora antiga namorada de Roderick, e uma governanta 

intrigante que relembra a personagem de “Rebecca” e se chama, por alguma razão, 

Mrs. Thatcher. A casa não racha mas assusta, não há incêndio ou descalabro que a 

destrua na derradeira sequência, mas de resto, apesar de passar-se no século XXI, a 

família sofre das mesmas maldições e doenças afins (com modernos tratamentos a 

condizer com a época), o incesto não só paira no ar, como se insinua mesmo de forma 

mais descarada, a danação dos Usher tem razão de ser numa consanguinidade 

que passa de irmãos para irmãos e de pais para filhos, e a loucura dessa herança 

que se quer manter a todo o custo acaba por ter os seus dissabores. O filme é 

discreto, mas mantém um bom clima, uma fotografia aceitável, uma interpretação 

de actores desconhecidos que não comprometem. É uma versão que se vê com 

agrado, numa noite em que não se tiver nada de melhor a fazer (ou se esteja a ver 

– quase - de castigo as obras de Edgar Allan Poe adaptadas ao cinema!).

_OUTROS FILMES DO CICLO CORMAN-POE 

_O FOSSO E O PÊNDULO 

“The Pit and the Pendulum” é uma das obras-primas de Poe no campo do conto. Escrito 

em 1842, trata-se de um monólogo interior de alguém que está preso nas masmorras 

da Inquisição espanhola, precisamente numa cela de Toledo, depois de ter sido preso e 

condenado pelo Santo Ofi cio. O conto evoca o terror sentido por alguém que se encontra 

fechado sem luz, preso na escuridão total, e que tenta perceber quais as torturas a que 

está a ser (e vai ser) sujeito. Desde um poço infestado por ratazanas onde os inquisidores 

esperam que caia, e de que se salva por um fortuito acaso, até às pesadas paredes de 

metal aquecido que se fecham em seu redor, passando pelo pêndulo que corta o ar e se 

apresta a trespassar as suas débeis carnes, de tudo se apercebe de forma tão violenta 

e obsessiva que chega a desejar a tranquilidade da morte, perante tamanhas torturas 

que o ameaçam e tão trágicos pensamentos que o visitam. Claro que ultrapassa a crise, 

salvo pelas tropas do francês general Lassalle que toma Toledo e resgata os prisioneiros. 

O conto é admiravelmente escrito, a sensação de horror e de claustrofobia é imensa, o 

pavor instala-se no leitor de forma progressiva e letal. 

Roger Corman e o seu hábil argumentista Richard Matheson não adaptam o conto, 

como o fi lme afi rma, inspiram-se nele, sobretudo nas máquinas de tortura da diabólica 

Inquisição, nomeadamente nesse exasperante pêndulo mortal, para criar uma história 

totalmente diversa, mas muito bem engendrada. Li há tempos que um dos produtores 

desta série afi rmou sobre a mesma, no que se refere à sua relação com Poe: “Cada 

fi lme tinha um terço, o primeiro ou o último, adaptado de Poe. Os dois restantes terços 

das obras eram totalmente devidos a Cormam e aos argumentistas.” Assim aconteceu 

com este “O Fosso e o Pêndulo”, onde apenas o terço fi nal contempla óbvias ligações 

ao conto de Poe. O próprio Matheson explica: “O método que adoptámos na adaptação 

de “The Pit and the Pendulum” foi usar o clímax do conto de Poe só no terceiro acto 



do fi lme, porque um conto de duas páginas não pode dar-nos um fi lme de noventa 

minutos. Então construímos os dois primeiros actos na esperança de ser fi el ao espírito 

de Poe, e então o clímax apareceria no ecrã no fi nal.” 

Conta-se que no seu argumento Matheson incluía um fl ashback onde Nicholas e 

Elizabeth faziam um piquenique e uma viagem a cavalo pela paisagem, antes de se 

declarar a doença da mulher. Mas Corman cortou esta sequência e não a fi lmou, com 

uma explicação que me parece extremamente inteligente: “Eu tinha várias teorias 

enquanto fi lmava a série Poe. Uma delas era que essas histórias tinham sido criadas 

no subconsciente de Poe e não podiam ter nada de realistas. Assim, até fi lmar “The 

Tomb of Ligeia”, nunca se rodou nada no mundo real. Em “Pit and the Pendulum”, John 

Kerr chega numa carruagem que é fi lmada contra um fundo de oceano. Apesar disso 

creio que é sobretudo representativa do subconsciente.” 

Tendo em conta todas estas condicionantes julgo não errar muito se disser que a versão 

de “The Pit and the Pendulum”, de Roger Corman, de 1961, é uma das mais conseguidas 

obras do fantástico e do terror gótico da vasta galeria de adaptações de Poe e um dos 

grandes momentos do fantástico na década de 60. 

Perante o sucesso comercial e de crítica que constituiu a estreia de “House of Usher” em 

1960, os produtores James H. Nicholson e Samuel Z. Arkoff, da American International 

Productions, anunciaram desde logo um segundo fi lme retirado de Poe. Mas não 

pensaram numa série, como se veio a verifi car depois. “The Pit and the Pendulum”, 

publicitado em Agosto de 1960, foi rodado durante quinze dias, a partir de início de 

Janeiro de 1961, com um orçamento de quase um milhão de dólares. 

Em Espanha, em meados do século XVI (1546, para se ser mais exacto, como se pode ver 

pela datação da morte de Elizabeth), um jovem cavaleiro inglês, Francis Barnard (John 

Kerr) visita o castelo de Nicholas Medina (Vincent Price) para tentar perceber as causas 

da morte da irmã, Elizabeth (Barbara Steele), casada com Nicholas. Encontra a irmã 

deste, Catherine (Luana Anders), que começa por lhe dar exíguas informações, o que

o leva a querer pernoitar para se inteirar melhor dos estranhos acontecimentos. Fala 

então com Nicholas e o seu médico particular, o Dr. Leon (Antony Carbone), e ambos lhe 

confi rmam a morte da irmã com base num ataque de coração provocado pelo medo, 

obcecada pela câmara de torturas que existe no castelo. Fechada nesse espaço de 

loucura e dor, morre proferindo o nome de “Sebastian”. Francis não acredita no que ouve 

e descobre através de Catherine que Nicholas vive traumatizado desde criança pela 

morte da mãe, vítima do pai, Sebastian Medina, membro da Inquisição espanhola, que 

assassina o irmão Bartolome e a mulher, acusando-os a ambos de adultério. Nicholas, 

escondido a um canto da sala , observa toda a cena que o irá perseguir pela vida fora. 

Mas, mais tarde, Francis vem a saber, através do Dr. Leon, que a mãe de Nicholas não 

fora torturada até à morte, mas sim emparedada viva. É esse horror que consome 

Nicholas: o pavor de Elisabeth ter sido igualmente sepultada viva. Mas afi ança sem 

margem para dúvida: “Se Elizabeth Medina caminha por estes corredores, só pode ser 

o seu espírito, nada mais.” Acontece que não é somente o espírito de Elizabeth que 

caminha pelos corredores e atormenta o cada vez mais enlouquecido Nicholas, e o Dr. 

Leon sabe-o bem … 

Segundo título da série dedicada por Roger Corman a adaptações de Edgar Allan 

Poe, “The Pit and the Pendulum” é talvez a sua melhor obra, resultando num fi lme 

que, se se afasta consideravelmente do conto original, consegue criar uma atmosfera 

verdadeiramente digna do universo do escritor e sobretudo uma extraordinária 

reconstituição de época, com uma direcção artística brilhante de Daniel Haller, e 

uma fabulosa fotografi a, em cores vivas e voluptuosas de Floyd Crosby, muito bem 

orquestradas pela música de Les Baxter. 

Como se sabe, Roger Corman tinha sempre reduzidos orçamentos e curtos períodos 

de rodagem (uma semana para realizar um fi lme era vulgar). Mas “O Fosso e o 

Pêndulo” deixa a sensação de uma quase super-produção, com ambientes e cenários 

rigorosamente recriados ao pormenor, um guarda-roupa esplendoroso, e um elenco 



brilhante, onde justo é destacar Vincent Price, numa composição avassaladora, uma 

das mais conseguidas da sua magnífi ca carreira, muito bem acompanhado por toda a 

restante equipa, sendo ainda de sublinhar a presença de uma das divas do terror, por 

essa altura, a italiana Barbara Steele. 

O extraordinário sucesso de bilheteira e de crítica que este fi lme conheceu aquando 

do seu lançamento, levou a American International Productions a prolongar a série 

retirada de contos de Edgar Allan Poe. Seguiram-se “The Premature Burial” (1962), “Tales 

of Terror” (1962), “The Raven” (1963), “The Haunted Palace” (1963, mais H. P. Lovecraft do 

que Poe), “The Masque of the Red Death” (1964), e “The Tomb of Ligeia” (1965). 

Curiosidade adicional: em 1968 o fi lme foi vendido à cadeia de televisão ABC-TV para 

ser emitido. Como, porém, não tinham a metragem ideal para o espaço previsto, o canal 

televisivo sugeriu a rodagem de algumas cenas extra, para conseguirem a metragem 

necessária. Tamara Asseyev, assistente de Roger Corman, rodou cerca de cinco minutos 

que foram acrescentados no fi nal, prolongando a “vida” de Catherine Medina, enviada 

para um manicómio. Razão de ser desta opção? A actriz Luana Anders era a única 

disponível para essas fi lmagens. O fi lme terminava então com uma nova sequência, 

durante a qual Catherine confessa a alguém todo o drama que havia vivido, colocando 

toda a narrativa anterior da obra como um longo fl ashback. Nalgumas edições de DVD 

esta fi lmagem extra aparece como bónus, apresentando-o como “Original theatrical 

prologue” (o que não corresponde à verdade). 

“The Pit and the Pendulum” foi uma das obras de Edgar Allan Poe mais vezes adaptadas 

ao cinema, começando logo por versões mudas, uma de 1913, da americana Alice Guy, 

outra de 1914, com a assinatura de D.W. Griffi th e o título “The Avenging Conscience” 

(que já abordaremos mais à frente). Depois da versão de Roger Corman, de 1961, outras 

se seguiram: “Le Puits et le Pendule”, realizada para a televisão pelo francês Alexandre 

Astruc, em 1964, outra dirigida por Harald Reinl, na Alemanha Federal, em 1967, com a 

designação de “Die Schlangengrube und das Pendel”, outra integrada em “An Evening of

Edgar Allan Poe”, de Kenneth Johnson (EUA, 1972), onde Vincent Price tem uma notável 

leitura dramatizada do texto de Poe. Em 1983, na Checoslováquia, Jan Svankmajer recria 

o tema em animação, em “Kyvadlo, Jáma a Nadeje” e em 1991, Stuart Gordon (EUA, 

1991), volta ao conto em “The Inquisitor”. Na série de televisão “Tales of Mystery and 

Imagination” (1995), vários realizadores rodaram adaptações de contos de Poe, entre os 

quais “The Pit and the Pendulum”. Finalmente, anuncia-se para 2009 uma nova versão 

assinada por David DeCoteau. Mas certamente que muitas outras abordagens foram 

efectuadas ao longo dos anos, como a animação do canadiano Marc Lougee. 

_O SEPULTADO VIVO 

“O Sepultado Vivo” é o terceiro fi lme do ciclo realizado por Corman com base em 

contos e poemas de Edgar Allan Poe, e o único que não tem Vincent Price como 

protagonista, que aqui cede esse lugar a Ray Milland. Este é o inquieto Guy Carrell que 

vive atormentado pela morte do pai, que julga ter sido enterrado vivo, pois pensa-o 

vítima de catalepsia. Esta ameaça do passado, projecta-se sobre o seu presente (ele 

também é cataléptico) e sobretudo sobre o seu futuro (apavorado com a possibilidade 

de também ele ser sepultado vivo). Como em quase todos os fi lmes desta série, que fala 

de pesadelos e maldições que se tornam realidade, o prenúncio que paira sobre Guy 

Carrell concretiza-se e a vingança sobre aqueles que prematuramente o enterraram 

vai prolongar-se inexoravelmente. 

Casado com a bela Emily (Hazel Court), e por esta encorajado a comprovar os seus 

receios quanto à morte do pai, resolve abrir a cripta da família. O espectáculo com que 

depara fá-lo sucumbir de horror. Efectivamente os receios confi rmam-se: o pai morrera 

sufocado vivo no interior do seu túmulo. No transe por que Guy passa, é dado como 

morto por fulminante ataque cardíaco. Mas a verdade é que mais uma vez a catalepsia 

fez das suas. Guy, porém, tivera ao cuidado prévio de mandar construir uma cripta com 

várias saídas de emergência… 



Ray Miland é um também actor de particular estimação de Roger Corman, que com 

ele faz “O Homem com Visão Raio X”, e que se sai bastante bem desta aventura de cariz 

obsessivo. A realização de Corman é, como sempre, muito inteligente e efi caz, num 

voluptuoso colorido, em cenários de um gótico algo estilizado, de efeito seguro e de 

um bom gosto irrepreensível. 

“The Premature Burial” foi várias vezes adaptado ao cinema. Logo em 1927, em 

Inglaterra, Castleton Knight tenta uma primeira aproximação com “Prelude”. John H. 

Auer, nos EUA, em 1935, roda “The Crime of Dr. Crespi”, com base no mesmo texto, e 

o fabuloso Erich von Stroheim em protagonista. Douglas Heyes (EUA, 1961), na série 

de TV, “Thriller”, assina o episódio “The Premature Burial”, com Boris Karloff. Depois da 

versão de Roger Corman, só há notícia de uma nova passagem ao cinema, numa obra 

intitula “Sílení” ou “Lunay”, dirigida por Jan Svankmajer (co-produção da República 

Checa e da Eslováquia, em 2005).

_A MALDITA, O GATO E A MORTE 

Em “A Maldita, o Gato e a Morte” (Tales of Terror), Roger Corman e o seu argumentista 

Richard Matheson, reúnem quatro contos de Poe para comporem três histórias de 

cerca de meia hora cada uma, “Morella”, “The Black Cat”, “The Cask of Amontiallado” e 

“The Case of M. Valdemar”. 

Na primeira história de inequívoco tom gótico, os elementos tradicionais destas 

narrativas estão todos presentes: o castelo no cimo de uma ravina com o mar aos pés, 

a carruagem solitária que atravessa a paisagem inóspita e descarrega uma donzela à 

porta do arruinado edifício, a presença de um ocupante com ar alucinado, a presença 

da morte, perdurando no cadáver embalsamado de Morella, conservado no seu leito 

pelo desesperado marido, Locke (Vincent Price), que vive amargurado por recordações 

do passado. Quem o visita é sua fi lha, Lenore (Maggie Pierce) que regressa após 26 anos 

e desenterra do passado um pesadelo terrível. Morella e Locke acham que foi a fi lha a 

causadora da morte da mãe, que faleceu no parto. Lenora tenta a reconciliação com o 

pai, que acaba por aceitar a versão da fi lha. Morella, porém, não esqueceu e regressa do 

além para se apoderar do corpo da fi lha e vingar-se. O que aproxima muito este conto 

de “A Queda da Casa Usher”, por um lado (através da fi gura de Locke) e de “Ligeia”, 

por outro, sobretudo na vingança fi nal da mulher que ressuscita dos mortos para se 

vingar do marido. Sem ser um exemplo do melhor Corman/Poe, nomeadamente por 

uma certa inefi cácia das actrizes, que nunca se colocam ao nível de um Vincent Price, 

o episódio mantém as características da série (tal como os dois seguintes, ambos 

consideravelmente melhores em todos os aspectos), quer ao nível da fotografi a como 

da direcção artística, dos cenários ao guarda-roupa. 

“The Black Cat”, o conto seguinte, desta feita incorporando certas passagens de um outro 

conto de Poe, “The Cask of Amontiallado”, marca uma curiosa e muito divertida incursão 

de Corman e do seu argumentista no campo da comédia, servida por dois actores 

absolutamente notáveis, o habitual Vincent Price, num registo burlesco, subtil e irónico, e 



Peter Lorre. Este interpreta a fi gura de Montressore, um desmedido apreciador de vinho, 

casado com a sedutora Annabel (Joyce Jameson), que descobre a melhor maneira de dar 

largas ao seu prazer preferido, entrando num duelo de escanções com o perito Fortunato 

Lucresi (Vincent Price). Uma noite, em que Montressore já não se consegue manter de 

pé, Fortunato Lucresi leva-o a casa, conhece Annabel e não resiste aos encantos desta, 

nem ao etilizado estado de coma do marido, e principia aí um idílio adúltero e fatal. 

Quando Montressore se apercebe do que está a acontecer nas suas costas, mata a 

mulher e empareda-a, não se apercebendo que acaba de emparedar igualmente o gato 

que tanto detesta e cujo estridente miar lhe será profundamente nocivo. Esta pequena 

pérola de humor negro vive sobretudo da inexcedível interpretação dos dois actores, 

num duelo particularmente expressivo e diversifi cado quanto a processos. É curioso 

ver o que Corman disse sobre o seu trabalho com Peter Lorre: “Foi fantástico! Devo 

dizer que Peter Lorre era uma das pessoas mais divertidas que me foi dado conhecer. E 

extremamente inteligente e muito culto. Portanto estava a lidar com um homem que 

era capaz de surgir de repente com excelentes ideias para pura farsa e simultaneamente 

justifi cá-las intelectual e tematicamente dentro do contexto de Poe. Era tremendamente 

estimulante. A formação de Peter Lorre era diferente da de Vincent. Vincent frequentara 

a Escola de Teatro de Yale; tinha uma enorme preparação como actor clássico. Peter viera 

da Alemanha, onde trabalhara com Bertol Brecht, e estava muito familiarizado com a 

versão alemã do método de Stanislavsky, que era muito semelhante à alemã. Os estilos 

deles eram completamente diferentes, mas eram ambos actores muito inteligentes e de 

uma grande sensibilidade e fi zeram um excelente trabalho em conjunto, especialmente 

na sequência da prova de vinhos. Nessa cena eu disse: “Peter, tu vais improvisar; vais 

parecer completamente passado. Vincent, tu mantém-te absolutamente clássico.” 

Quando o fi lme foi estreado, essa cena obteve uma grande reacção por parte do público. 

Eu disse ao provador, ou semi-especialista de vinhos – já nem me lembro o que é que ele 

era – “Fala com o Vincent, mas afasta-te do Peter.”

Vincent Price, pelo seu lado, não compreendia a forma de representar de Peter 

Lorre, chama-o “um homenzinho triste”, e acrescentou: “ele não se sentia feliz; tinha 

engordado imenso e não se sentia bem. Na realidade, ele nunca conseguiu decorar o 

guião; sentia que podia improvisar e que conseguiria melhores resultados, o que, em 

muitos casos, se verifi cou. Outrora ele havia sido um actor, mas naquela época era já 

apenas uma caricatura: fazia imitações de si próprio falando com uma voz fanhosa. 

Tinha-se transformado numa personagem chamada Peter Lorre e achava que era o 

que o público queria, e por isso era essa receita que dava ao público.” 

“The Case of M. Valdemar” termina o fi lme com outro duelo de representação, mas 

desta feita mais coerente nos processos. Basil Rathbone (que vinha de interpretar a 

série “Sherlock Holmes” nos anos 40), transportando a sua multicolorida lanterna, é o 

Dr. Carmichael, um fervoroso adepto do hipnotismo, e consegue convencer o Senhor 

Valdemar (Vincent Price) a ser hipnotizado momentos antes da morte, fi cando assim 

suspenso numa terra de ninguém, que dará todas as vantagens ao hipnotizador que 

quer fi car como herdeiro da bela esposa de Valdemar (Debra Paget). O conto fi naliza 

com uma cena macabra que repõe a ordem natural das coisas e a justiça na Terra. 

Sobre Rathbone, Vincent Price afi rmou: “Acho que ele estava muito desiludido, muito 

amargo porque ele tinha sido uma grande estrela. As pessoas haviam esquecido esse 

aspecto porque só o viam como Sherlock Holmes, ou como o vilão da fi ta. Mas ele tinha 

sido um grande actor shakespeariano, uma grande estrela do teatro e do cinema. E de 

repente deu por si – como todos nós quando Jimmy Dean e Marlon Brando e esses 

outros apareceram e se criou uma nova forma de falar e todos nós falávamos com 

sotaques muito trabalhados, num inglês muito trabalhado – quem queria continuar a 

trabalhar não tinha outro remédio senão fazer fi lmes de época. E o Basil ressentia-se 

muito disso.” 

“A Maldita, o Gato e a Morte” tem qualidades inequívocas e pode mesmo dizer-se que 

cada conto por si oferecia uma mais rigorosa aproximação do universo de Poe do que 



as longas-metragens. Mas o resultado fi nanceiro fi nal não foi de molde a entusiasmar 

a produtora a continuar esta via. 

Vincent Price, Peter Lorre e Basil Rathbone, voltariam a encontrar-se todavia em 1963, 

numa nova comédia de terror, “Comedy of Terror”, de novo escrita por Richard Matheson, 

mas desta feita dirigida por Jacques Tourneur. Veremos igualmente que “Two Evil Eyes”, 

de Dario Argento e George Romero, volta à mesma estrutura, oferecendo novas versões 

dos contos “The Case of M. Valdemar” e “The Black Cat”. 

_O PALÁCIO MALDITO 

“O Palácio Maldito”, dirigido por Roger Corman em 1963, não adapta uma obra de Edgar 

Allan Poe, apenas toma alguma infl uência sua, sendo, isso sim, uma adaptação de “The 

Case of Charles Dexter Ward”, de H.P. Lovecraft. Poe serve de abertura e fecho para 

esta história toda ela Lovecraft, ainda que este autor possa manter com Poe algumas 

curiosas afi nidades. De todas as formas, a ambiência e o estilo que Corman utilizou 

em todo o seu ciclo Poe mantêm-se aqui, bem assim como a equipa técnica e até o 

elenco. Este é, aliás, um exemplo bastante típico dos métodos de produção e realização 

de Roger Corman. Rodado quase inteiramente em estúdios, inclusive os exteriores, 

em três semanas de fi lmagens, o que, não sendo um tempo record, demonstra um 

bom aproveitamento de cenários e actores, “The Haunted Palace” prova as virtudes 

e os limites do cinema deste mago da produção de série B que conseguiu uma boa 

aceitação entre os cinéfi los de todo o mundo. A intriga desdobra-se em inquietantes 

profecias e ameaças: há cem anos atrás, os habitantes de uma aldeia tinham queimado 

vivo, sob a acusação de feitiçaria e bruxaria, o sinistro proprietário de um castelo 

local. Agora, como que cumprindo a profecia então lançada pelo martirizado senhor 

do palácio, aparece um novo dono, com a mulher, em tudo semelhante ao anterior. O 

medo instala-se e tudo parece apontar para que se re-edite o ritual. 

Dizia Roger Corman que o que fez o sucesso desta sua série Edgar Allan Poe foi a 

combinação de vários factores que permitiram aos fi lmes terem uma exploração normal 

em circuitos tradicionais do cinema de terror, e, por outro lado, serem muito apreciados 

por públicos mais cultos e exigentes, em virtude da base donde partem, Allan Poe, mas 

também do cuidado posto nas adaptações, quer se fale no rigor na criação dos ambientes, 

como na escolha de alguns intérpretes, como ainda no próprio tom adoptado. 

Veja-se o caso de “O Palácio Maldito”. A acção centraliza-se em três polos essenciais: 

o palácio, a aldeia e alguns exteriores. Tudo fi lmado em estúdio, o que permite uma 

atmosfera brumosa, com muitos fumos sabiamente distribuídos, que não só criam 

um clima propício, como escondem defi ciências de cenários e possíveis anacronismos. 

A técnica de Corman é óbvia: se não pode mostrar-se, esconde-se com fumo. Mas a 

forma como isto é feito, cria uma certa plausibilidade e um efeito plástico bastante 

satisfatório. Muitos dos cenários possuem uma envergadura que não se coaduna com 

as reduzidas verbas dispendidas. O segredo é utilizar cenários de outros fi lmes, antes 

deles serem destruídos. Uns adereços estrategicamente colocados e uns fuminhos 

para disfarçar, eis o palácio transformado por completo. 

O tom adoptado é igualmente muito inteligente. Por um lado, assume-se o fantástico 

e o terror tradicional, dito “gótico” entre os especialistas. Por outro lado, insinuam-se 

anotações culturais evidentes e um humor distanciador. 

Finalmente, para que tudo isto seja possível, era necessário recrutar actores que 

permitissem a façanha. Desde logo, Vincent Price, “the right price in the right place”.

Vincent Price é o protagonista de quase todos os fi lmes desta série: “A Queda da 

Casa Usher”, “O Fosso e o Pêndulo”, “A Maldita, o Gato e a Morte”, “O Corvo”, “O Palácio 

Maldito”, “O Túmulo de Ligeia” e “A Máscara da Morte Vermelha”. De fora fi ca apenas “O 

Sepultado Vivo”, onde Price foi trocado por Ray Milland. 

Por vezes, como no caso de “The Haunted Palace”, Vincent Price dá réplica a outros 

actores de certa qualidade, como Lon Chaney, Jn, Debra Paget ou mesmo Leo Gordon. 

Noutros, é sobre os seus únicos ombros que repousa toda a responsabilidade de 

defender personagens e situações. E Vincent Price fá-lo sempre com uma segurança 

e uma subtileza invulgares. 

Roger Corman, falando do seu actor preferido, disse: “ Vincent é verdadeiramente o 

Mestre nesta matéria. Pessoalmente, estudei como trabalhar com actores tendo como 

base “O Método”, mas nunca encontrei ninguém como Price. Com efeito, ele está de 

acordo com numerosos princípios de “O Método” mas pode interpretar igualmente 

com base no barroco ou no grandiloquente e situar-se nos limites da farsa. Ele sabe 

exactamente onde deve parar, servindo-se do humor e de uma espécie de refl exão 

irónica sobre si próprio e sobre o que está a dizer. Se ele fosse menos grandiloquente, 

mais realista, seria certamente muito menos divertido, e não nos poderia dar os seus 

grandes momentos. E se fosse um pouco mais longe, cairia tudo pela base. Ele sabe, 

com um rigor notável, onde se situar e dali não se afasta nunca.” 

Vincent Price nasceu em St. Louis, no Missouri, a 27 de Maio de 1911. Formado pela 

Universidade de Yale, nos EUA, e de Oxford, em Inglaterra, Vincent Price é um dos 

actores mais cultos da sua geração. Foi o principal responsável, entre 1955 e 1958, 

por um programa sobre arte ($64,000 Questions), na cadeia CBS da televisão norte 

americana. Foi conselheiro artístico de fi rmas comerciais como a Sears Roebuck, e era 

considerado uma das maiores autoridades mundiais em arte mexicana. Neste campo, 

era ainda um dos mais conhecidos coleccionadores de arte índia e pré-colombiana, o 

que fi cou atestado em obras como “The Vincent Price Treasure of American Art” (1972) 



ou “A Treasure of Great Recipes”. Mas era igualmente uma autoridade em culinária e 

gastronomia, tendo mesmo escrito algumas obras, de colaboração com a sua segunda 

mulher, consideradas clássicos, nesta arte, como “The Come Into the Kitchen Cook Book” 

(1969). Por outro lado, os seus conhecimentos da arte de representar, levavam-no a ser 

convidado, com regularidade, pelas universidades americanas, para proferir conferências 

e dar cursos. Registou, em disco, obras de Shakespeare e de Edgar Allan Poe. 

Iniciou a sua carreira de actor no teatro, em 1935, em Londres, e, posteriormente, na 

Broadway, em Nova Iorque, tendo sido primeira fi gura no Mercury Theatre, lendária 

companhia dirigida por Orson Welles. Estreou-se no cinema em 1938 e trabalhou 

em fi lmes de Michael Curtiz, John Stahl, Henry Hathaway, Samuel Fuller, James 

Whale, Henry King, Otto Preminger, Joseph L. Mankiewicz ou Fritz Lang, até que em 

1953 protagoniza “Máscaras de Cera”, de André De Toth, que o lança no campo do 

cinema fantástico, género que nunca mais abandonará, deixando o seu talento bem 

representado num impressionante conjunto de obras que vão desde a primeira versão 

de “A Mosca” até “O Caçador de Bruxas”, de “O Senhor do Mundo” até “Eduardo Mãos de 

Tesoura”, de “O Gato Miou Três Vezes” até “O Abominável Dr. Phibes”. 

Mas a série Edgar Allan Poe-Roger Corman transformou-o numa verdadeira vedeta 

do fi lme fantástico, um autêntico príncipe das trevas, que se afasta radicalmente da 

imagem de muitos outros “monstros” do terror. Vincent Price emprestava sempre às 

personagens que interpretava o fascinante recorte da aristocracia decadente, snobe e 

cínica, atormentada por pesadelos de antanho, como é o caso de Charles Dexter Ward, 

o protagonista deste “Palácio Maldito” que re-encarna a maldição de um antepassado, 

condenado à fogueira pela justiça popular na aldeia de Arkham. Admire-se a 

sonoridade da sua fala, a fi na ironia da sua representação, a aristocrática elegância do 

seu porte. Há, neste aspecto, algumas cenas dignas de referência especial, sobretudo 

as que testemunham o diálogo que Charles Dexter Ward mantém com o retrato do 

seu defunto antepassado.

_A MÁSCARA DA MORTE VERMELHA 

“A Máscara da Morte Vermelha”, de 1963, dirigida por Roger Corman, segundo uma nova 

adaptação de um conto de Edgar Allan Poe, recoloca os problemas deste surto de fi lmes 

da American International Productions. Como ser-se fi el, adaptando um conto de meia 

dúzia de páginas, quase sem intriga, vivendo essencialmente de uma atmosfera criada 

pela subtil utilização das palavras e da sua sugestiva densidade poética. No conto, as 

terras do príncipe Próspero estão fl ageladas pela “peste vermelha”, que num instante, 

desbarata exércitos de pessoas, deixadas com os corpos repletos de chagas por onde brota 

o vermelho do sangue contaminado. Para se furtar a tal sorte, o príncipe Próspero e os seus 

amigos mais chegados barricam-se numa abadia bem abastecida para meses e meses de 

consentido bloqueio, julgando assim esquivarem-se à sorte madrasta. Por festas e bailes, 

em salas de traçado arquitectónico único, julgam enganar o inimigo até este aparecer no 

meio deles, num baile de máscaras, onde a única sem disfarce é a própria morte. No fi lme, 

Corman aproxima-se ao máximo do texto, mas recria intrigas complementares para criar 

enredo e manter os espectadores presos, não só do ambiente obsessivo, mas também das 

próprias peripécias. Uma constante nesta série dedicada a Poe. 

Para quem gosta de cinema fantástico, este é um conjunto de obras de eleição dentro 

do que se pode chamar o terror gótico. Pela qualidade plástica revelada, pela subtileza 

das anotações, pelas referências psicanalíticas e culturais pouco vulgares no género, 

pelo tratamento da narrativa. 

Roger Corman era então um produtor e realizador muito jovem, mas já não um novato 

nestas andanças, pois dirigira anteriormente um volume impressionante de fi lmes de 

série C, daqueles que se destinavam a preencher as sessões duplas dos cinemas de 

bairro e dos “drive-ins” norte-americanos. Passara por todos os géneros, do “western” 

ao policial, do fi lme de denúncia social, à fi cção científi ca, e rodava estas películas em 

meia dúzia de dias, às vezes em dois dias e uma noite, outras vezes dois em simultâneo, 

aproveitando cenários de outros fi lmes, antes de serem destruídos. 



Os orçamentos eram mínimos, e a maioria dos técnicos e actores eram recrutados 

sabiamente entre os alunos da UCLA, Universidade de Cinema de Los Angeles. Foi 

assim que, ainda na American International Pictures, revelou, vejam só, realizadores 

da envergadura de Peter Bogdanovich, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Irving 

Kershner, Richard Rush, Curtis Harrington, Denis Sanders, Bernard Kowalski, Brian De 

Palma, Monte Hellman, Dennis Hopper ou Daniel Haller, para continuar a sua tarefa 

na New World, com o lançamento de uma nova fornada de talentos: Joe Dante, Steve 

Carver, Jonathan Kaplan, Paul Bartel, Jonathan Demme, Lewis Teague, entre muitos 

outros. 

Actores como Jack Nicholson, Robert De Niro, Bruce Dern, Peter Fonda, Ellen Burstyn, 

David Carradine, saíram também da sua “escola”. E mesmo técnicos, como o 

argumentista Robert Towne, os directores de fotografi a Haskell Wexler e John Alonzo 

ou o produtor John Davidson passaram pela “fábrica”. Primeiramente, deu-lhes 

emprego nos seus fi lmes, depois lançou-os em obras por si produzidas. 

Roger Corman marcou, por isso, uma geração de cineastas norte-americanos, e ainda 

hoje é lembrada uma das suas casas, a New World, precisamente como uma mítica 

maternidade de talentos. Para lá disso, distribuiu nos EUA, ao lado de muitos títulos 

de série B e Z, fi lmes europeus de cineastas como Ingmar Bergman, François Truffaut, 

Volker Schlondorff, Joseph Losey, Jeanne Moreau ou Federico Fellini, afi rmando-se 

também neste campo como uma personagem sui generis e lendária. 

As histórias e experiências que se contam à sua volta davam para horas de conversas e 

algumas seriam certamente de algum proveito, como o foram para quem com ele teve 

o privilégio de trabalhar. Não era um produtor fácil. Dizia-se que tinha a mão férrea, 

mas quase todos os seus discípulos desculpam os cortes e remontagens de fi lmes, 

em função do muito que com ele aprenderam. Sobretudo em economia de meios. 

Filme de cowboys e índios com mais de vinte fi gurantes era já superprodução para 

Roger Corman. Ele inventava formas de colocar os vinte disponíveis pelo orçamento 

de tal maneira que pareciam centenas, e eu próprio, quando fi z a “Manhã Submersa”, 

à míngua de fi gurantes seminaristas, que também eram vinte em lugar dos duzentos 

pretendidos, tentei seguir o que com ele aprendera, vendo os seus fi lmes, arranjando 

maneiras de multiplicar os fi gurantes. 

Roger Corman é, pois, uma referência para muita gente do cinema. “The Masque of 

the Red Death” é, no entanto, um fi lme que não revela já a pobreza franciscana de 

produção de outras obras de outrora do mesmo cineasta. Sendo um fi lme de reduzido 

orçamento, ostenta, todavia, uma largueza de meios invulgares em Corman. A base 

é um conto notável de Edgar Allan Poe, adaptado a cinema por Charles Beaumont e 

Wright Campbell. Do tema disse Roger Corman: “A personagem de Próspero coloca o 

fi lme sob o signo da inteligência e da consciência. Uma frase do fi lme resume muito 

bem esta óptica: “Cada homem cria o seu próprio paraíso e o seu próprio inferno.” Eu 

pretendi mostrar que, no essencial, tudo depende da escolha de base”. 

Voluntariamente enclausurado nas salas bizarras de um castelo, o príncipe Próspero 

e os seus convidados entregam-se às mais exóticas práticas, pensando-se a coberto 

da ameaça de uma epidemia de peste (A Morte Vermelha), que grassa na região. Mas 

a devassidão inconsciente deste grupo de privilegiados está longe de estar salva. 

Durante um baile de máscaras, uma fi gura inesperada irá surgir e cortar a respiração 

aos circundantes. Se se disser que esta adaptação de Poe não tem a força lírica nem 

o peso demencial, sombrio e insólito do conto, creio que estaremos inteiramente de

acordo. Corman reduz a dimensão da obra literária, tornando-a talvez mais decorativa, 

mais espectacular, mais vistosa e berrante, concessões evidentes ao grande público 

a que se destinava. Mas se integrarmos este fi lme no conjunto restrito do cinema 

de terror da época, então estamos na presença de uma obra invulgar, pelo requinte 

plástico, pelo bom gosto, pelo rigor da composição, inclusive pela afi rmação cultural 

que obviamente reivindicava. A que não é também alheia a escolha de Vincent Price 

como protagonista. Se há actor de uma cultura invulgar e de uma sensibilidade notável, 

ele é Vincent Price. 

Parece justo e oportuno voltar a sublinhar o extraordinário talento de Vincent Price. 

Vejam-no deambular como uma sombra, falar com aquela voz e aquela fabulosa dicção 

que só ele tinha, insinuar-se com a discreta sedução de uma serpente, deslizar pelo 

palácio envolto em pesadas capas que o cobrem como se fossem a sua própria pele, e 

teremos de concluir que se trata de um actor admirável, tão admirável em obras como 

“Laura”, de Otto Preminger, como neste “A Máscara da Morte Vermelha”, uma viagem 

pelo “reino das trevas, da ruína e da “Morte Vermelha” que impuseram sobre todas as 

coisas o seu império ilimitado”, segundo as palavras de Edgar Allan Poe. À sua volta, 

neste caso, instalou-se o deserto. Não há um único actor à sua altura. Apenas temos 

por detrás da câmara um realizador rendido aos encantos de um autêntico príncipe 

das trevas, no palco ou no ecrã. 

_O TÚMULO DE LIGEIA 

Vincent Price, Edgar Allan Poe e Roger Corman regressam com “O Túmulo de Ligeia”, 

último título desta série fantástica que reuniu estes três expoentes máximos do 

filme de terror dos anos 60, nos EUA. Depois desta nova incursão pelo universo de 

Poe, Corman e Vincent Price, em conjunto e isoladamente, prosseguiriam as suas 

carreiras mas tendo por base textos de outros escritores. 

Rodado em Inglaterra, “The Tomb of Ligeia” apresenta algumas novidades. Desde 



logo, o facto de grande parte da sua acção ser filmada em exteriores naturais, 

numas fabulosas ruínas que Roger Corman aproveita sabiamente, delas retirando 

a expressividade dramática e estilística que melhor se adaptava à história que 

tinha para contar. História de Verden Fell que depois de sepultar Ligeia, a sua 

jovem esposa, no cemitério local, contra a vontade do pároco, irá desencadear 

uma súbita paixão em Lady Rowena com quem se encontra durante uma caçada 

que provoca um acidente. É evidente que depois tudo irá girar à volta de Ligeia 

que repousa no túmulo e a recém chegada Rowena, cada vez mais abandonada 

pelo enigmático marido. Mas, fiquemos por aqui quanto a peripécias. 

Roger Corman afirmou, numa entrevista, que “Ligeia” foi um regresso às origens, 

ao verdadeiro espírito de Poe. Mas, a óptica mudara entretanto. “De início pensava, 

diz Corman, que o mundo onde evoluíam as nossas personagens era uma pura 

criação do espírito de Poe, ilustração de um mundo subconsciente, onde acreditava 

nada ser real. Era por essa razão que eu não rodava os filmes em exteriores. 

Julgava que o menor plano realista não revelaria senão o artifício desse mundo 

que eu criava. Em “Ligeia”, pelo contrário, eu utilizei pela primeira vez na série Poe 

cenários naturais. Estava farto de cenários brumosos e tinha medo de me repetir. 

Com “Ligeia” tentei uma aproximação tipicamente gótica. Encontrei uma velha 

abadia perto de Norfolk e foi aí que rodámos os exteriores, mas tenho dúvidas 

se as minhas teorias estavam certas, se será bom introduzir elementos realistas 

neste tipo de filmes.” 

Corman prosseguiu: “O Túmulo de Ligeia é, de todos os meus filmes, o que se 

encontra mais próximo de uma verdadeira história de amor. Há um aspecto, 

muito importante em Poe, que nós tínhamos trabalhado pouco. É o tema do amor 

perdido: Annabella Lee, Leonora, Morella e Ligeia são bons exemplos. Penso poder 

definir “Ligeia”, dizendo que é uma história de amor gótico.” 

Para quem gosta de encontrar explicações mais ou menos explícitas para este 

tipo de filmes, Roger Corman também acrescenta algo: “É possível que Verden Fell 

tenha recebido da sua mulher uma sugestão hipnótica e que ela tenha morrido 

sem o libertar dessa sugestão. Mas a verdadeira solução, por detrás de tudo isso, é 

que o espírito de Ligeia sobrevive à sua morte. Ela disse que seria a mulher de Fell 

para sempre, e sê-lo-á.” 

Todos os filmes de Roger Corman deste ciclo Poe são exemplos do seu trabalho 

na American International Pictures, empresa de James H. Nicholson e Samuel Z. 

Arkoff, onde trabalhou e deixou marcas profundas na década de 60. Depois, Corman 

fundaria uma empresa própria, primeiramente a Filmgroup, posteriormente a New 

World Pictures, onde concretizou métodos de trabalho e processos de produção. 

Ao contrário de muitos realizadores de filmes de terror, que jogam mão de 

sucessivos golpes de teatro para fustigarem a atenção e a emoção dos espectadores, 

Roger Corman quase não os utiliza nos seus filmes. O efeito criado, por exemplo, 

com o aparecimento de um gato preto em “O Túmulo de Ligeia”, é um efeito raro 

nos seus filmes. O que sobressai é a criação de um ambiente inquietante, mais 

do que a sucessão de momentos fortes. É esse clima que faz algum do fascínio 

deste tipo de filmes, bem assim como a leveza dos movimentos de câmara de 

Corman e a invulgar interpretação de Vincent Price que serve admiravelmente 

essa mesma envolvência pela subtileza da sua representação, mas sobretudo pela 

musicalidade da sua palavra.

_DAVID W. GRIFFITH E EDGAR ALLEN POE (sic) 

David W. Griffi th era um admirador incondicional de Edgar Allan Poe e dedicou-lhe várias 

obras. Uma, datada de 1909, com o título “Edgar Allen Poe” (sic), é um curioso esboço 

biográfi co, composto por seis planos, com um total de pouco mais de sete minutos. 

Primeiro (falso) plano (são dois planos, unidos por uma trucagem): num quarto, uma 

cama onde repousa uma rapariga visivelmente doente, virada para uma longa janela 

que recebe a luz do dia. Entra Edgar Allan Poe que se preocupa com o estado da jovem 

mulher. A um canto, uma pequena mesa, sobre a qual, numa prateleira, repousa um 

busto. Súbito (trucagem, logo um falso plano único), surge nessa mesma prateleira, um 

corvo negro. Poe olha-o, surpreso, sente-se que a inspiração o invade, escrevinha algo 

numa folha de papel que vai mostrando, entusiasticamente, repetidas vezes à mulher. 

Terceiro plano: redacção de um jornal, onde se encontram dois jornalistas, trabalhando. 

Entra Poe, mostra o seu trabalho (obviamente o poema “The Raven”) a um que o rejeita, 

depois ao outro, que o afasta igualmente. Quarto plano: numa redacção de um outro 

jornal, uma mesa, um homem, com o letreiro “Editor” sobre a mesa, conversando com 

uma mulher. Entra Poe, mostra o poema à mulher que o recusa rapidamente, depois de 

ler algumas frases, mas o editor chama Poe, lê agradado o poema e paga a Poe por ele, 

que parte encantado com o dinheiro na mão. Quinto plano: de novo o quarto com a jovem 

doente, mas desta feita com um enquadramento mais fechado (sem se ver a prateleira): 

a mulher sofre, soergue-se, e desfalece. Entra Poe com mantimentos, um cobertor e um 

ar triunfante. Sexto plano (o enquadramento anterior, do primeiro plano, vendo-se a 

prateleira): Poe começa a agasalhar a jovem, mas, ao pegar-lhe no braço, compreende 

que chegou tarde e o corpo não passa de um cadáver. Desespero de Poe. Fim. 

O fi lme é nitidamente uma fi cção sobre um aspecto da vida de EAP, tentando explicar a 

génese de um poema, e estabelecendo uma relação dramática entre a criação literária 

e a vida quotidiana. Um fi lme dos primórdios do cinema que mostra como EAP era já 

mitifi cado como escritor romântico e maldito no início do século XX. 



Ainda em 1909, Griffi th realiza “The Sealed Room”, segundo argumento de Frank E. 

Woods, baseado numa reunião de obras de Honoré de Balzac (“La Grande Breteche”) e 

Edgar Allan Poe (“The Cask of Amontillado”). Estamos em França, durante a monarquia. 

O rei que mantém uma amante, manda construir um ninho de amor que todavia será 

aproveitado pela infi el amante para se encontrar com o romântico baladeiro da corte. 

Um dia, julgando o rei afastado, entregam-se aos jogos do amor. Mas ambos são 

emparedados vivos nesse refúgio voluptuoso, quando o monarca descobre a traição. 

Não se percebe muito bem se um tal fi lme era considerado de horror na época. Hoje 

assemelha-se mais a uma deliciosa comédia, com os pedreiros, dirigidos pela soberana 

fi gura, a construírem um muro em lugar da porta que liga o rei aos amantes em arrufo. 

Construído em quadros, vários planos que se sucedem, num enquadramento teatral, 

sem alteração de grandeza, esta é uma obra apenas curiosa. Arthur V. Johnson (rei), 

Marion Leonard (cortesã), Henry B. Walthall (baladeiro), Linda Arvidson, William J. 

Butler, Verner Clarges, Owen Moore, George Nichols, Anthony O’Sullivan, Mary Pickford, 

Gertrude Robinson, Mack Sennett e George Siegmann são os intérpretes, alguns deles 

em papéis meramente de fi gurante (caso de Mary Pickford ou Mack Sennett). 

Dois anos depois, Griffi th volta a Poe, em “The Two Paths”, onde se sente uma forte 

infl uência da Bíblia e de Edgar Allan Poe. Não é dos fi lmes mais signifi cativos deste 

período de Griffi th (que rodava por ano dezenas e dezenas de pequenos fi lmes de 

duas bobines). Trata-se de um melodrama sobre duas irmãs que tomam diferentes 

direcções nas suas vidas. Uma, Florence, mais irreverente e ambiciosa (Dorothy 

Bernard), vai para a cidade e torna-se amante de um milionário. A outra, Nellie, mais 

calma (Linda Arvidson), fi ca na casa do campo e casa-se por amor. Um belo trabalho 

de Griffi th que imagina diversas cenas particularmente interessantes de um ponto 

de vista de narrativa audiovisual, e de signifi cação imagética, sendo de realçar ainda a 

interpretação, onde fi guram Donald Crisp, Lottie Pickford, Blanche Sweet, Charles West, 

Dorthy West e Wildred Lucas em pequenas aparições.

_ALGUMAS OUTRAS OBRAS DE EDGAR ALLAN POE NO CINEMA 

_CONSCIÊNCIA VINGADORA 

O outro fi lme em que David W. Griffi th se aproximou do universo de Edgar Allan Poe, 

foi “The Avenging Conscience”, rodado em 1914, e que mescla poemas e fi cção, sendo 

que a base são “Annabel Lee” e “The Tell-Tale Heart”, com algumas citações de “The Pit 

and the Pendulum”, “The Black Cat” e “The Conqueror Worm”. 

Uma das personagens chama-se Annabela (Blanche Sweet) e está apaixonada por um 

jovem, que vive com um tio zarolho. O jovem lê poesia de Edgar Allan Poe (precisamente 

“Annabela Lee”) e apresenta ao tio a sua apaixonada. Mas este trata-a de forma grosseira, 

chamando-lhe “uma mulher vulgar”, e expulsando-a de casa. O órfão (Henry B. Walthall) 

não aceita de bom grado o comportamento tirânico do tio (Spottiswoode Aitken), e 

imagina a vingança, no que é auxiliado por algumas situações que observa no seu jardim, 

uma aranha envolvendo uma mosca no seu letal abraço ou uma multidão de formigas 

imobilizando e matando um insecto. Imagina então o assassinato do tio. Mas o crime é visto 

através da vidraça por um brutamontes de origem italiana (George Siegmann) que inicia 

logo ali a chantagem. O fi lme prolonga-se então como um melodrama muito ao estilo de 

Griffi th, com uma ou outra incursão pelo fantástico e o místico (aparições de sobreposições 

da imagem de Cristo), terminando com uma alusão ao deus Pan, e um “happy end” 

escusado. Mas trata-se de uma obra invulgar (não esquecer que é uma realização de 1914, 

com cerca de 80 minutos, antecipando a obra-prima do ano seguinte, “O Nascimento de 

Uma Nação”), com uma construção dramática em muitos momentos admirável, o recurso 

a notas de observação inusitadas (planos de cães, gatos, um sapato tocando a porta de 

casa, tudo anotações de uma elegância e subtileza sem par na época), enquadramentos 

brilhantes, encadeados de imagens que relembram obras vanguardistas (muitas delas 

muito posteriores), e um extraordinário efeito sonoro sugerido pela imagem (num fi lme 

mudo), quando o detective bate com um lápis numa mesa, ao lado de um relógio de parede, 

o que leva o jovem órfão a “ouvir” o coração do tio e a confessar o seu crime. 

_O CORAÇÃO REVELADOR (1941) 

“The Tell-Tale Heart” é um conto de Edgar Allan Poe que serviu de base a numerosas 

adaptações ao cinema. Uma que conhecemos e que nos parece dos melhores trabalhos 

cinematográfi cos saídos de temas poeanos é a versão de 1941, assinada por Jules 

Dassin, que com esta curta-metragem iniciava a sua carreira de realizador. 

Interpretada com brio por Joseph Schildkraut e Roman Bohnen, “The Tell-Tale Heart” 

mantém-se muito próxima da obra literária, ainda que transpondo com felicidade os 

valores literários para valores de imagem (e som, diga-se de passagem, aqui essenciais). 

Um jovem homem vive amedrontado pela prepotência do seu velho amo, zarolho, que 

o trata mal, o esbofeteia, que o amesquinha como se ele fosse uma criança. O jovem 

trabalha num tear, cuida da casa, e sente a revolta crescer dentro de si. Um dia ameaça 

o velho com a fuga, mas este desdenha. Nessa noite, sobe ao quarto do despótico 

patrão, e mata-o, enterrando o corpo por baixo do soalho da casa. Mas a partir daí 

começa a ouvir o coração do velho a bater, como que exigindo vingança. Um coração 

que se tornará “revelador” para algumas visitas. 

A fotografi a é de um excelente preto e branco, a iluminação torna-se um aspecto 

essencial no fi lme, jogando importante papel no acentuar de sombras que se agigantam, 

na forma como é utilizada uma lanterna para criar focos de luz, nomeadamente na 



cena do assassinato, a realização é cuidada, alternando criteriosamente a grandeza 

dos enquadramentos, utilizando sabiamente certos processos simbólicos de narrar 

algumas cenas (o assassinato: o velho arrasta violentamente com uma mão uma 

pequena tapeçaria que tem por cima da cama, e que lhe cobre o rosto, quando morto, 

regressando à parede – e à normalidade reposta - depois do crime escondido), optando 

por uma expressividade sonora muito coerente com o projecto. Desde início que se 

chama a atenção do espectador para a acuidade do ouvido do jovem, que pressente 

a chegada do velho através dos seus passos, o que voltará depois a acontecer após 

o crime, quando o gotejar de uma bica de água ou o tiquetaque de um relógio se 

agigantam e se transformam no latejar de um coração que, apesar de morto, continua 

a trabalhar. Mas o som é talvez o elemento central desta pequena obra, sobretudo 

quando a voz off do velho ensombra a casa e a consciência humilhada do criado. 

Trata-se de um belíssimo trabalho, cerca de vinte minutos que prenunciavam uma 

bela carreira a Jules Dassin. O que veio a acontecer. 

Nota: Esta curta-metragem aparece inscrita no DVD “A Sombra do Homem Sombra”, da série “O 

Homem Sombra”, Ed. Warner em Portugal. 

Em 1953, surgiu outra famosa adaptação de “The Tell-Tale Heart” ao cinema, desta feita 

em animação, com argumento de Fred Gable e Bill Scott e realização de Ted Parmelee. É 

uma excelente versão, produzida pela UPA, muito fi el ao original, que aliás tem alguns 

excertos lidos na voz de James Mason, que funciona como o protagonista-narrador 

(Stanley Baker dá-lhe réplica nalguns momentos). Foi nomeado para Melhor Curtametragem 

de Animação do ano, e em 1994 considerado um dos 50 melhores desenhos 

animados de sempre. Em 2001 foi seleccionado pela United States Library of Congress 

para ser considerado fi lme de relevante signifi cado cultural e assim preservado no 

National Film Registry. 

Nota: apareceu incluído como extra na edição de DVD de “Hellboy”. Pode ser visto no You Tube 

no seguinte endereço: http://br.youtube.com/watch?v=W4s9V8aQu4c&eurl=http://laboratoriode-realizacao-audiovisual.blogspot.com/2008/05/tell-tale-hear.html

_ALONE 

From childhood’s hour I have not been / As others were; I have not seen / As others saw; 

I could not bring / My passions from a common spring. / From the same source I have 

not taken / My sorrow; I could not awaken / My heart to joy at the same tone; / And all 

I loved, I loved alone. / Then- in my childhood, in the dawn / Of a most stormy life- was 

drawn / From every depth of good and ill / The mystery which binds me still: / From the 

torrent, or the fountain, / From the red cliff of the mountain, / From the sun that round 

me rolled / In its autumn tint of gold, / From the lightning in the sky / As it passed me 

fl ying by, / From the thunder and the storm, / And the cloud that took the form / (When 

the rest of Heaven was blue) / Of a demon in my view. 

Edgar Allan Poe 

Este poema aparece publicado no “Scribner’s Monthly Magazine”, de Setembro de 

1875, mas o manuscrito deveria datar de 1829, mais coisa menos coisa, segundo os 

estudiosos da obra de Poe, que detectam nele fortes infl uências de Lord Byron. O 

poema nunca foi titulado por Edgar Allan Poe, e a designação “Alone” é atribuída aos 

editores da sua obra póstuma. É com base neste poema que os argumentistas Paul 

Hart-Wilden, David Ball, Philip Claydon, John P. Davies e Mark Laughman e o realizador 

Philip Claydon constroem o esquema de “Alone”, fi lme de 2001, que assinala a estreia 

na realização deste cineasta inglês (que se prepara para lançar em Londres “Lesbian 

Vampires Killers”). 

Filme de terror ambientado na actualidade, “Alone” não será uma surpresa, mas é uma 

obra que se acompanha com atenção e sem esforço. Vivendo, em certas sequências, 

de uma montagem rápida, e de um encadeado de imagens que relembram os fi lmes 

de vanguarda, com planos muito fechados, câmara desequilibrada, solarizações e 

uma utilização violenta das cores, cenários estranhos e enquadramentos invulgares, 

“Alone” assemelha-se em muito a episódios de séries televisivas de temática policial, 



com uma dupla de detectives, ele mais velho, ela mais nova, que investigam o caso 

de uma mulher que aparece morta, depois de ter descido aos repelões pelas escadas 

abaixo da sua casa. Todos se parecem inclinar para acidente ou suicídio, mas o crime 

transparece nalguns aspectos. O que se torna mais óbvio quando aparecem outros 

casos, não semelhantes, mas que podem ter relação entre si. 

Enquanto a polícia investiga por um lado, nós, espectadores, temos a visão da 

criminosa (não a visão do seu corpo, mas temos literalmente a visão do que ela vai 

vendo, através de câmara subjectiva), e vamos acompanhando os seus pensamentos, 

as suas obsessões, os seus fantasmas. E compreendemos as causas que a levam a 

matar “sem querer” (“O pior criminoso é aquele que não tem a noção do mal que faz”, 

diz a certa altura o detective), que a impelem a procurar alguém a quem ofertar o seu 

amor, das formas mais trágicas. Alex, que quase desde início sabemos ser a criminosa, 

teve uma infância infeliz, os pais morreram quando ela era adolescente, e a partir daí 

vive obcecada por vozes e por uma solidão irremediável que a atormenta. Procura 

amores, cumplicidades. Em mulheres de todos os géneros. Da prostituta de cabaret à 

secretária de uma psiquiatra. 

O fi lme é, pois, uma obra interessante, com muito pouco a ver com Poe, mas uma forte 

dose de pretensões narrativas, ainda assim denotando qualidades que poderão, ou 

não, ser confi rmadas num futuro próximo. Mantendo-se no campo do lesbianismo, aí 

teremos brevemente “Lesbian Vampires Killers” para tirar teimas. 

_THE MANSION OF MADNESS 

Em 1844, Edgar Allan Poe escreveu “The System of Dr. Tarr and Professor Fether”, um 

conto inicialmente aparecido no nº 5 do vol. XXVIII, da revista “Graham’s Magazine” (de 

Novembro), e posteriormente integrado no volume de “Histórias Grotescas e Sérias”. 

Trata-se de uma obra particularmente interessante, parodiando algumas teorias em 

voga na altura sobre o tratamento da loucura. O conto é escrito na primeira pessoa do 

singular por um narrador que visita um castelo isolado, situado numa das províncias 

do extremo sul de França. Esse viajante encontra um estranho Dr. M. Maillard que 

dirige aí um manicómio, e aborda, de forma metafórica e algo satírica, a teoria da cura 

em liberdade, o “sistema da doçura”, no qual os pacientes não são contrariados nas 

suas alucinações e fantasias, mas antes impulsionados a satisfazer os seus instintos, 

procurando “curá-los” pelo absurdo. Se alguém pensa ser um galo, pois que se alimente 

de milho e farináceos, e logo perderá a loucura. O sistema parece, no entanto, não 

funcionar muito bem, apesar da áurea ganha nos meios científi cos, na explicação de 

Maillard, que leva o visitante a percorrer as instalações da instituição, onde aparecem 

estranhas personagens, que se reúnem num jantar pantagruélico. É nessa altura que 

o narrador percebe que, durante a vigência do “sistema da doçura”, os internados se 

tinham revoltado, encarcerado médicos e enfermeiros e tomado conta do castelo que 

agora administravam com “um grão de loucura”. 

Este conto está na base de um fi lme mexicano muito curioso, datado de 1973, que se 

passa em França (como no original de Poe), mas que foi rodado no México, falado em 

inglês, dirigido por um mítico Juan López Moctezuma e que conheceu vários títulos: 

“The Mansion of Madness”, “Dr. Goudron’s System”, “Dr. Tarr’s Pit of Horrors”, “Dr. Tarr’s 

Torture Dungeon”, “Edgar Allan Poe: Dr. Tarr’s Torture Dungeon”, “House of Madness”, 

“La Mansión de la Locura” ou “The System of Dr. Tarr and Professor Feather”. 

Juan López Moctezuma é herdeiro de uma tradição mexicana de fi lmes de terror, que

teve em Luís Buñuel e na sua permanência neste país durante alguns anos, uma forte 

motivação para uma inspiração surrealista e anti-clerical. Moctezuma foi colaborador 

de Alejandro Jodorowsky, conheceu Fernando Arrabal e pode dizer-se que fez parte de 

um grupo que nos anos 60-70 se intitulou “Panic”, onde militava ainda Roland Topor. O 

“Movimento Pânico” tinha como musa a deusa Pã e uma forte infl uência de Buñuel e 

dos surrealistas franceses, bem assim como do teatro da crueldade de Antonin Artaud. 

A proposta era anárquica, surreal, caótica, libertina, fantástica, grotesca, libertadora… 

Durou mais ou menos até 1973. 

Compreende-se assim a aproximação de Juan López Moctezuma da obra de Poe, 

particularmente do conto em questão, onde se defendem teses libertárias em relação 

à psiquiatria e à loucura. Aliás, parece que o próprio Poe se inspirou nos trabalhos de 

Philippe Pinel (1745-1826), o pai da psiquiatria francesa, que iniciou sistemas de cura 

benigna, libertando os doentes das grilhetas e exigindo a sua separação dos presos de 

delito comum e das prostitutas, no manicómio de Salpêtrière. Também William Tuke, 

em Inglaterra, e Dorethea Dix, nos EUA, iniciaram, no fi m do século XVIII, princípios do 

XIX, idênticas lutas a favor de uma maior humanidade do tratamento das doenças 

mentais. Edgar Allan Poe mais não faz do que adaptar a conto as teorias que circulavam 

no seu tempo. Juan López Moctezuma, por seu turno, fará o mesmo, adaptando 

esse conto ao cinema, ainda que com profundas alterações. Enquanto no conto, o 

manicómio é um espaço fechado, limpo e quase sofi sticado, em Moctezuma os loucos 

fazem esperas a visitantes, vestidos de soldados e armados, evoluem livremente pela 

fl oresta circundante, e habitam um palácio em ruínas, completamente deteriorado 

e escalavrado (grande parte do fi lme foi rodado numa fábrica de têxteis há muito 

abandonada). 

Em ambos os casos, porém, o que se condena é a anarquia e o caos a que conduz uma 

liberdade mal entendida, moralidade que se ilustra através de certas situações de 

crítica satírica e de momentos de cruel paródia, dados de forma subtil. Aliás, existe 



como que uma dualidade de olhar, ora crítico, ora complacente para com a loucura 

instalada, o que poderá igualmente ter uma segunda leitura, fazendo equivaler, aos 

olhos do público, loucos e sãos de espírito, sem que se saiba muito bem onde começam 

uns e acabam os outros. O que contém igualmente alguma crítica: muitas vezes são os 

loucos que ocupam os lugares dos ditos sãos de mentes, sem que nada aparentemente 

o faça notar. 

Primeira experiência cinematográfi ca de Juan López Moctezuma, “The Mansion 

of Madness” não é uma obra-prima, mas mostra-se uma surpresa muito curiosa e 

um fi lme de indiscutível interesse, quer como aproximação de um tema querido do 

fantástico, quer como estilo de narrativa, que oscila entre o terror gótico e o humor de 

uns Monty Python, o exacerbamento visual de um Federico Fellini ou de um “Marat- 

Sade”, de Peter Brook. Há uma tendência para uma representação teatral que faz 

lembrar processos do “The Living Theatre” e, simultaneamente, uma enorme cinefi lia 

que não hesita em repescar réplicas de vários clássicos. 

O fi lme é plasticamente muito curioso, acompanhando-se com prazer, muito embora 

não seja uma produção de orçamento elevado. Mas o bom gosto de cenários e guardaroupa 

e a intencionalidade da narrativa remetem esta obra para o nível dos fi lmes não 

muito conhecidos do grande público, mas que merecem seguramente fi gurar na lista 

“de culto” de muitos afi cionados do fantástico. Poe deveria gostar desta obra e sentir 

com ela alguma cumplicidade. 

Anos depois, o checo Jan Svankmajer, partindo deste mesmo conto de Edgar Allan 

Poe (e também de “O Sepultado Vivo”) dirige “Lunacy”, “um fi lme de terror fi losófi co”, 

nas palavras do seu autor. “Uma fantasia transgressora que combina imagem real e 

animação. Nesta delirante alegoria à sociedade contemporânea encontramos o jovem 

Jean Berlot, um rapaz assombrado por terríveis pesadelos. Berlot trava conhecimento 

com Marquiz (inspirado no divino Marquês de Sade), um aristocrata com um glorioso 

apetite por blasfémias e orgias, e inicia uma odisseia “terapêutica”. Como temas 

centrais a liberdade, a manipulação e a repressão exercidas pela civilização.” O fi lme 

passou numa das edições do Indie Lisboa, de onde se retiram os dados. 

_TWO EVIL EYES 

O projecto inicialmente era muito mais ambicioso: quatro realizadores, mestres do 

fantástico, iam adaptar outros tantos contos retirados da obra de Edgar Allan Poe. 

George Romero, Dario Argento, Wes Craven e John Carpenter eram os escolhidos 

e o produtor o primeiro. Mas por razões várias, que se prenderam sobretudo com 

sobreposição de datas, apenas os dois primeiros corresponderam à chamada. Assim 

surgiu “Two Evil Eyes”, onde é possível descortinar dois estilos muito diferentes de 

olhar o fantástico e o cinema, sendo que a diferença entre cinema americano e cinema 

italiano é também visível a olho nu. Um muito mais seco e austero nos processos, 

mais rectilíneo e clássico na planifi cação, o outro mais barroco, de progressão errática, 

menos comedido. 

“The Facts in the Case of M. Valdemar”, de George Romero, é uma curiosa adaptação 

do universo de Poe ao universo de Romero, que, como se sabe, vive há muito obcecado 

pelos mortos-vivos. Transforma assim Valdemar autêntico num morto-vivo (o que não 

anda muito longe da ideia do próprio Poe, já que no seu conto Valdemar sobrevive 

vivo, apesar de morto, mercê da sessão de hipnotismo a que se submete in articulus 

mortis), que regressa do Além para se vingar da sua mulher, Jessica (Adrienne Barbeau),

e do Dr. Robert Hoffman (Ramy Zada), médico que o assistia, depois de ambos terem 

roubado a sua imensa fortuna que pretendiam usufruir num futuro conjunto, mas 

que também não se antevê muito harmonioso. O episódio é narrado com efi cácia e 

economia de meios, justeza de tom, suspense qb, e alguma inquietação extra, com um 

fi nal surpreendente e interpretações aceitáveis que não comprometem o resultado 

fi nal. 

“The Black Cat”, de Dario Argento, tem desde logo um suporte muito bom que é a 

presença de Harvey Keitel na personagem de Usher, um fotógrafo alcoolizado que 

se especializa em foto-reportagem de crimes violentos, tal como o famoso fotógrafo 

norte-americano Weegee (que já deu origem, igualmente, a algumas obras no 

cinema). Casado, Usher prepara um álbum tétrico, “Metropolitan Horrors”, e toda a sua 

vivência é abalada por estranhas visões e perturbantes reacções, que o aproximam da 

loucura. O resto também é mais ou menos previsível para quem conhecer o conto de 

Poe: uma noite mais agitada mata a mulher que pretende abandoná-lo e empareda-a 

num esconderijo laboriosamente forjado, até que o miar do gato que tanto detestara 

em vida o denuncia à polícia. Ao lado de Keitel surge um bom naipe de actores (John 

Amos, Kim Hunter, Sally Kirkland ou Martin Balsam). Mas o sketch é algo arrastado 

e prolongado com sequências deslocadas, como uma incursão de pesadelo por um 

cerimonial medieval. A câmara viaja sem parar e a aparente “intelectualização” do 

projecto acaba por desiludir um pouco. Não o bastante para deixar de ser interessante. 

Coisa que resulta igualmente na globalidade destes “Two Devil Eyes”. 



Entretanto convém lembrar que Edgar Allan Poe se transforma, com o correr 

dos anos, numa forte caução cultural e inclusive comercial para certos projectos 

cinematográfi cos que quase nada lhe fi cam a dever, a não ser uma subtil (e muitas 

vezes injusta e oportunista) referência ao seu nome. Depois do sucesso do ciclo Poe 

realizado por Corman e interpretado quase integralmente por Vincent Price, este volta 

a aparecer em inúmeras obras que se dizem “baseadas” ou “inspiradas” em obras de 

Poe. Algumas delas, sem que exista a mais pequena sombra de parentesco com o 

escritor e os seus textos. A começar, desde logo, por uma que, como já vimos, se integra 

ainda na série Corman, “The Haunted Palace” (O Palácio Maldito), mas que deve quase 

tudo a Lovecraft, e quase nada a Poe. 

Mas há a citar uma película de Jacques Tourneur, de 1965, “City Under The Sea” ou 

“War Gods of the Deep” (A Cidade Submarina), de excelente recordação, mas que não 

revemos desde a data da sua estreia, e ainda duas outras que efectivamente, apesar 

de se dizerem “segundo obras de Poe”, nada tem a ver directamente com obras deste 

autor. Uma delas, de 1968, “Witchifi nder General” ou “The Conqueror Worm” (O Caçador 

de Bruxas), de Michael Reeves, é uma obra notável de um cineasta desaparecido 

precocemente e que nos deixou uma magnifi ca incursão pelo terror de raiz histórica, 

ambientada durante os pesados e tenebrosos tempos das perseguições e das fogueiras 

inquisitoriais. Não sendo Poe numa linha directa, tem todavia muito de Poe nos temas 

e nos ambientes. De 1970, é “Cry of the Banshee” (O Chorar dos Mortos), de Gordon 

Hessler, que, não possuindo a qualidade cinematográfi ca e plástica da anterior, se situa 

num campo ainda bastante interessante, apesar de a referência a Poe ser notoriamente 

abusiva. Esta insistência no nome de Edgar Allan Poe para “abrilhantar” cometimentos 

fantásticos na área do cinema não deixa, no entanto, de ser uma confi rmação da 

perenidade do talento e do universo muito pessoal de um escritor que, com o avançar 

nos anos, se nos apresenta cada vez mais actual e “moderno”.

Vincent Price e Roger Corman em rodagem. 

_ Edgar Allan Poe 

Fichas 

Título original: Sherlock Holmes in the Great Murder 

Mystery (1908) 

Argumento: Arthur Conan Doyle, segundo obra de Edgar 

Allan Poe (“Murders in the Rue Morgue”); Companhia de 

produção: Crescent Film Manufacturing Co. 

Título original: Le Puits et le Pendule ou The Golden Bug 

Realização: Henri Desfontaines (França, 1909) ; 

Argumento: Edgar Allan Poe. 

Título original: Edgar Allen Poe (sic) 

Realização: D.W. Griffi th (EUA, 1909); Argumento: D.W. 

Griffi th e Frank E. Woods, segundo Edgar Allan Poe; 

Fotografi a (p/b): G.W. Bitzer; Companhia de produção: 

Biograph Company; Intérpretes: Herbert Yost, Linda 

Arvidson, etc. Duração: 7 min. 

Título original: The Sealed Room 

Realização: D.W. Griffi th (EUA, 1909); Argumento: Frank 

E. Woods, segundo obra de Honoré de Balzac (“La Grande 

Breteche”), Edgar Allan Poe (“The Cask of Amontillado”); 

Fotografi a (p/b): G.W. Bitzer; Companhia de produção: 

Biograph Company; Intérpretes: Arthur V. Johnson, 

Marion Leonard, Henry B. Walthall, Linda Arvidson, William 

J. Butler, Verner Clarges, Owen Moore, George Nichols, 

Anthony O’Sullivan, Mary Pickford, Gertrude Robinson, 

Mack Sennett, George Siegmann, etc. Duração: 11 min. 

Título original: The pit and the pendulum (Itália, 1910) (1) 

Título original: Hop frog the jester (Itália, 1910) (1) 

Título original: Une Vengeance d’ Edgar Poe 

Realização: Gérard Bourgeois (França, 1912); Argumento: 

Abel Gance, segundo obra de Edgar Allan Poe; Intérpretes: 

Édouard de Max, Jean Worms, Pierre Pradier, Louis Tunc. 

Título original: The Raven 

Argumento: Edgar Allan Poe (poema) (EUA, 1912); 

Intérpretes: Guy Oliver (Edgar Allan Poe), Muriel Ostriche, 

etc. Companhia de produção: Eclair American. 

Título original: The Pit and the Pendulum 

Realização: Alice Guy (EUA, 1913); Argumento: Edgar Allan 

Poe. 

Título original: The Bells 

Realização: Oscar Apfel (EUA, 1913); Argumento: Forrest 

Halsey, segundo peça de Emile Erckmann (Erckmann- 

Chatrian), “Le Juif Polonais” e de Edgar Allan Poe; 

Companhia de produção: Reliance Film Company; 

Intérpretes: Edward P. Sullivan, Irving Cummings, 

Gertrude Robinson, Irene Howley, Oscar Apfel, James 

Ashley, Sue Balfour, Wilbur Hudson, Irving Lewis, George 

Siegmann, Margery Wheeler; Duração: 30 min. 

Título original: The Bells 

Realização: George Lessey (EUA, 1913); Argumento: Sir 

Henry Irving (peça), segundo poema de Edgar Allan Poe; 

Companhia de produção: Edison Company; Intérpretes: 

May Abbey, Robert Brower, Frank McGlynn Sr., Augustus 

Phillips, etc. 

O ESTUDANTE DE PRAGA 

Título original: Der Student von Prag 

Realização: Stellan Rye, Paul Wegener (Alemanha, 1913); 

Argumento: Hanns Heinz Ewers, segundo poema de Alfred 

de Musset e Edgar Allan Poe (“William Wilson”); Música: 

Josef Weiss; Fotografi a (p/b): Guido Seeber; Design de 

Produção: Robert A. Dietrich, Klaus Richter; Guarda-roupa: 

Robert A. Dietrich, Klaus Richter; Companhia de produção: 

Deutsche Bioscop GmbH; Intérpretes: Paul Wegener 

(Balduin), John Gottowt (Scapinelli), Grete Berger 

(Komtesse Margit), Lyda Salmonova (Lyduschka), Lothar 

Körner (Graf von Schwarzenberg), Fritz Weidemann, 

Alexander Moissi, etc. Duração: 85 min. 



Título original: Le Système du Docteur Goudron et du 

Professeur Plume 

Realização: Maurice Tourneur (França, 1913); Argumento: 

André de Lorde, segundo obra de Edgar Allan Poe («The 

System of Doctor Tarr and Professor Fether»); Companhia 

de produção: Société Française des Films Éclair; 

Intérpretes: Henri Gouget, Henry Roussel, Renée Sylvaire, 

Robert Saidreau, etc. Duração: 15 min. 

Título original: Die Braune Bestie 

Realização: Harry Piel (Alemanha, 1914); Argumento: Harry 

Piel, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Jules 

Greenbaum; Fotografi a (p/b): Alfons Hepke; Companhia 

de produção: Vitascope GmbH; Intérpretes: Ludwig 

Trautmann, Hedda Vernon, etc. 

Título original: The Murders in the Rue Morgue (EUA, 1914) 

Argumento: Sol A. Rosenberg, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Companhia de produção: Paragon Photo Plays 

Company. 

CONSCIÊNCIA VINGADORA 

Título original: The Avenging Conscience: or ‘Thou Shalt 

Not Kill’ 

Realização: D.W. Griffi th (EUA, 1914); Argumento: D.W. 

Griffi th, segundo obras de Edgar Allan Poe (“The Tell-Tale 

Heart” e “Annabel Lee” e ainda “The Black Cat”, “The Pit and 

the Pendulum” e “The Conqueror Worm”); Produção: D.W. 

Griffi th; Fotografi a (cor): G.W. Bitzer; Montagem: James 

Smith,Rose Smith; Companhia de produção: Majestic 

Motion Picture Company; Intérpretes: Henry B. Walthall, 

Spottiswoode Aitken, Blanche Sweet, George Siegmann, 

Ralph Lewis, Mae Marsh, Robert Harron, George Beranger, 

Josephine Crowell, Donald Crisp, Walter Long, Wallace 

Reid, etc. Duração: 84 min (DVD). 


Realização: Charles Brabin (EUA, 1915); Argumento: 

Charles Brabin, George Cochran Hazelton, segundo “The 

Raven: The Love Story of Edgar Allan Poe”; Intérpretes: 

Henry B. Walthall (Edgar Allan Poe), Warda Howard 

(Virginia Clemm, Helen Whitman, Lenore, um espírito), 

Ernest Maupain (John Allan), Eleanor Thompson (Mrs. 

Allan), Marian Skinner, Harry Dunkinson, Grant Foreman, 

Hugh Thompson, Peggy Meredith, Frank Hamilton, Billy 

Robinson, Bert Weston, Charles Harris, etc. Duração: 57 

min; 45 min (DVD). 

Título original: Freitag, der 13. - Das unheimliche Haus, 2. Teil 

Realização: Richard Oswald (Alemanha, 1916); 

Argumento: Richard Oswald, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Produção: Richard Oswald; Fotografi a (p/ 

b): Max Fassbender; Direcção artística: Manfred Noa; 

Departamento de arte: Alfred Dahlheim; Companhias de 

produção: Richard-Oswald-Produktion; Intérpretes: Ernst 

Ludwig, Hans Marton, Franz Ramharter, Werner Krauss, 

Rose Lichtenstein, Emil Rameau, Nelly Lagarst, Kissa von 

Sievers, Reinhold Schünzel, Max Gülstorff, Lupu Pick, etc. 

Título original: Ostrov zabenya ou Isle of Oblivision 

Realização: Viktor Tourjansky (Rússia, 1917); Argumento: 

Lev Nikulin, segundo obra de Edgar Allan Poe; Fotografi a 

(p/b): F. Verigo-Darovsky; Intérpretes: Yelena Chaika, V. 

Elsky, Viktor Tourjansky, etc. 

Título original: Die Pest in Florenz 

Realização: Otto Rippert (Alemanha, 1919); Argumento: Fritz 

Lang, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Masque of the 

Red Death”); Produção: Erich Pommer; Fotografi a (p/b): Willy 

Hameister, Carl Hoffmann, Emil Schünemann; Direcção 

artística: Franz Jaffe, Walter Reimann, Walter Röhrig, 

Hermann Warm; Companhia de produção: Decla-Bioscop 

AG; Intérpretes: Theodor Becker, Karl Bernhard, Julietta 

Brandt, Erner Huebsch, Franz Knaak, Otto Mannstaedt, 

Auguste Prasch-Grevenberg, Marga von Kierska, Hans 

Walter, Anders Wikman, etc. Duração: 92 min. 

Título original: Unheimliche Geschichten ou Eerie Tales 

ou Five Sinister Stories ou Tales of Horror ou Tales of the 

Uncanny 

Realização: Richard Oswald (Alemanha, 1919); Argumento: 

Anselma Heine, Robert Liebmann; Intérpretes: Anita 

Berber, Conrad Veidt, Reinhold Schünzel, Hugo Döblin, 

Paul Morgan, Georg John, etc. Duração: 112 min. 

Título original: La Notte romantica di Dolly 

Realização: Arnaldo Fratelli (Itália, 1920); Argumento: 

Edgar Allan Poe; Fotografi a (cor): Gioacchino Gengarelli; 

Companhia de produção: Tespi Film; Intérpretes: Rina 

Calabria, Luciano Molinari, Dolly Morgan, Romano 

Zampieri, etc. 

Título original: Annabel Lee 

Realização: William J. Scully (EUA, 1921); Argumento: 

Arthur Brilliant, segundo poema de Edgar Allan Poe; 

Companhias de produção: American Motion Picture 

Corporation, Joe Mitchell Chopple; Intérpretes: John B. 

O’Brien, Lorraine Harding, Florida Kingsley, Louis Stern, 

Arline Blackburn, Ernest Hilliard, Ben Grauer, etc. 

Título original: Edgar Allan Poe 

Realização: James A. FitzPatrick (EUA, 1922); Argumento: 

segundo poema de Edgar Allan Poe (“Annabel Lee”); 

Companhia de produção: Kineto Films. 

Título original: Prizrak brodit po Yevrope ou A Specter 

Haunts Europe ou A Spectre Haunts Europe 

Realização: Vladimir Gardin (URSS, 1923); Argumento: 

Georgi Tasin, segundo obra de Edgar Allan Poe («The 

Masque of the Red Death»); Fotografi a (p/b): Boris 

Savelyev; Design de Produção: Vladimir Yegorov; 

Intérpretes: Zoya Barantsevich, Oleg Frelikh, Vasili 

Kovrigin, Iona Talanov, etc. 


Título original: Der Student von Prag 

Realização: Henrik Galeen (Áustria, Alemanha, 1926); 

Argumento: Hanns Heinz Ewers, segundo romance de 

Henrik Galeen e conto de Edgar Allan Poe (“William 

Wilson”); Intérpretes: Fritz Alberti (Graf Schwarzenberg), 

Agnes Esterhazy (Condesa Margit), Ferdinand von Alten 

(Barão Waldis-Schwarzenberg), Conrad Veidt (Balduin), 

Elizza La Porta (Liduschka), Werner Krauss, Erich Kober, 

Max Maximilian, etc. Duração: 91 min (DVD). 

Título original: Prelude 

Realização: Castleton Knight (Inglaterra, 1927); Argumento: 

Castleton Knight, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The 

Premature Burial”); Companhia de produção: Castleton 

Knight; Intérpretes: Castleton Knight, etc.

Título original: The Tell-Tale Heart 

Realização: Leon Shamroy (EUA, 1928); Argumento: Charles 

Klein, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Tell-Tale 

Heart”); Produção: Maurice Barber; Fotografi a (p/b): Leon 

Shamroy; Companhias de produção: Klein & Shamroy; 

Intérpretes: Otto Matieson, etc. Duração: 24 min. 

Título original: The Fall of the House of Usher 

Realização: James Sibley Watson, Melville Webber (EUA, 

1928); Argumento: Edgar Allan Poe; Música: Alec Wilder; 

Fotografi a (cor): James Sibley Watson, Melville Webber; 

Direcção artística: James Sibley Watson, Melville Webber; 

Intérpretes: Herbert Stern (Roderick Usher), Hildegarde 

Watson (Madeline Usher), Melville Webber, Friedrich 

Haak, Dorthea House, etc. Duração: 13 min. 

A QUEDA DA CASA USHER 

Título original: La Chute de la Maison Usher ou The Fall of 

the House of Usher 

Realização: Jean Epstein (França, 1928); Argumento: Luis 

Buñuel, Jean Epstein, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Jean Epstein; Fotografi a (p/b): Georges Lucas, 

Jean Lucas; Direcção artística: Pierre Kefer; Guardaroupa: 

Oclise; Assistentes de realização: Luis Buñuel; 

Companhias de produção: Films Jean Epstein; Intérpretes: 

Jean Debucourt (Sir Roderick Usher), Marguerite Gance 

(Madeleine Usher), Charles Lamy (Allan), Fournez-Goffard 

(médico), Luc Dartagnan, Abel Gance, Halma, Pierre Hot, 

Pierre Kefer, etc. Duração: 63 min. 

Título original: L’ Étrange Fiancée 

Realização: George Pallu (França, 1930) ; Argumento: 

Dimitri Fexis, George Pallu, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Música: Eman Fiala; Fotografi a (cor): Karol 

Kopriva, Jan Stallich; supervisão de direcção: Leo Marten; 

Intérpretes: Henri Baudin (Médico), Lilian Constantini 

(Cléopâtre), Frédéric Mariotti (motorista), Jirí Hron, Jan W. 

Speerger, etc. 

Título original: Operené stíny 

Realização: Leo Marten (Checoslováquia, 1931); 

Argumento: Frantisek Hork , segundo obra de Edgar Allan 

Poe; Fotografi a (p/b): Karol Kopriva, Jan Stallich; Direcção 

artística: Bohumil Hes; Companhias de produção: 

Frantisek Hork ; Intérpretes: Jan W. Speerger (Petr Leroy), 

Milada Matysova (Milada Leroyová), Jirí Hron (Jan), Erna 

Zenísková (Olga), Eduard Simácek, Theodor Pistek, Henri 

Baudin, Václav Mlckovsk , Josef Belsk , Karel Schleichert, 

Eman Fiala, Ruzena Hofmanová, Robert Guttmann, 

Eduard Slégl, Ferry Seidl, etc. 

O CRIME DA RUA MORGUE 

Título original: Murders in the Rue Morgue 

Realização: Robert Florey (EUA, 1932); Argumento: Robert 

Florey, Tom Reed, Dale Van Every, John Huston, Ethel M. 

Kelly, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: E.M. 

Asher, Carl Laemmle Jr.; Fotografi a (p/b): Karl Freund; 

Montagem: Milton Carruth; Direcção artística: Charles 

D. Hall; Maquilhagem: Jack P. Pierce; Assistentes de 

realização: Scott R. Beal, Charles S. Gould, Joseph A. 

McDonough; Departamento de arte: Herman Rosse; Som: 

C. Roy Hunter; Efeitos Especiais: John P. Fulton; Companhias 

de produção: Universal Pictures; Intérpretes: Sidney Fox 

(Mlle. Camille L’Espanaye), Bela Lugosi (Dr. Mirakle), Leon 

Ames (Pierre Dupin), Bert Roach (Paul), Betty Ross Clarke, 

Brandon Hurst, D’Arcy Corrigan, Noble Johnson, Arlene 

Francis, Ted Billings, Herman Bing, Agostino Borgato, 

Christian J. Frank, Charles Gemora, Harrison Greene, 

Charlotte Henry, etc. Duração: 61 min. 



O CLUBE DOS SUICIDAS 

Título original: Unheimliche Geschichten ou Fünf 

unheimliche Geschichten ou Five Sinister Stories ou 

Ghastly Tales ou Tales of the Uncanny ou The Living Dead 

ou Unholy Tales 

Realização: Richard Oswald (Alemanha, 1932); 

Argumento: Heinz Goldberg, Richard Oswald, Eugen 

Szatmari, segundo obras de Edgar Allan Poe (“The Black 

Cat”, “The System of Doctor Tarr” e “Professor Fether”) e 

Robert Louis Stevenson (“The Suicide Club”); Produção: 

Richard Oswald, Gabriel Pascal; Música: Rolf Marbot, Bert 

Reisfeld; Fotografi a (p/b): Heinrich Gärtner; Montagem: 

Max Brenner, Friedel Buckow; Direcção artística: Walter 

Reimann, Franz Schroedter; Direcção de produção: Walter 

Zeiske; Som: Fritz Seeger; Companhias de produção: 

G.P. Film GmbH, Roto Film, Süd-Film; Intérpretes: Paul 

Wegener, Harald Paulsen, Roma Bahn, Mary Parker, 

Gerhard Bienert, Paul Henckels, John Gottowt, Eugen 

Klöpfer, Maria Koppenhöfer, Erwin Kalser, Franz Stein, 

Gretel Berndt, Carl Heinz Charrell, Ilse Fürstenberg, Fred 

Goebel, Natascha Silvia, etc. Duração: 89 min. 

MAGIA NEGRA 

Título original: The Black Cat ou The House of Doom ou 

The Vanishing Body 

Realização: Edgar G. Ulmer (EUA, 1934); Argumento: Edgar 

G. Ulmer, Peter Ruric, Tom Kilpatrick, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Produção: E.M. Asher; Música: Heinz Roemheld; 

Fotografi a (p/b): John J. Mescall; Montagem: Ray Curtiss; 

Direcção artística: Charles D. Hall; Guarda-roupa: Edgar G. 

Ulmer; Maquilhagem: Jack P. Pierce; Direcção de produção: 

M.F. Murphy; Assistentes de realização: William J. Reiter, 

Sam Weisenthal; Departamento de arte: Edgar G. Ulmer; 

Som: Gilbert Kurland; Efeitos Especiais: John P. Fulton; 

Efeitos visuais: Russell Lawson; Companhias de produção: 

Universal Pictures; Intérpretes: Boris Karloff (Hjalmar 

Poelzig), Bela Lugosi (Dr. Vitus Werdegast), David Manners 

(Peter Alison), Julie Bishop (Joan Alison), Egon Brecher 

(Mordomo), Harry Cording, Lucille Lund, Henry Armetta, 

Albert Conti, Virginia Ainsworth, Luis Alberni, King Baggot, 

Herman Bing, Symona Boniface, John Carradine, André 

Cheron, George Davis, etc. Duração: 65 min.


Realização: Brian Desmond Hurst (Inglaterra, 1934); 

Argumento: David Plunkett Greene, segundo obra de Edgar 

Allan Poe (“The Tell-Tale Heart”); Produção: Harry Clifton; 

Intérpretes: Norman Dryden (rapaz), John Kelt (velho), 

Yolande Terrell (rapariga), Thomas Shenton, James Fleck, 

Colonel Cameron, Tom Shenton, etc. Duração: 55 min. 

Título original: Maniac 

Realização: Dwain Esper (EUA, 1934); Argumento: Hildegarde 

Stadie, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Black Cat”); 

Produção: Dwain Esper, Louis Sonney, Hildegarde Stadie; 

Fotografi a (p/b): William C. Thompson; Assistentes de 

realização: J. Stuart Blackton Jr.; Departamento de arte: Dan 

Sonney; Companhias de produção: Roadshow Attractions; 

Intérpretes: William Woods (Don Maxwell), Horace B. 

Carpenter (Dr. Meirschultz), Ted Edwards (Buckley), Phyllis 

Diller (Mrs. Buckley), Thea Ramsey (Alice Maxwell), Jenny 

Dark, Marvelle Andre, Celia McCann, John P. Wade, Marian 

Constance Blackton, Umberto Guarracino, Bartolomeo 

Pagano, etc. Duração: 51 min. 


Realização: Lew Landers (EUA, 1935); Argumento: David 

Boehm, Florence Enright, Michael L. Simmons, Dore Schary, 

Guy Endore, Clarence Marks, Jim Tully, John Lynch, segundo 

obra de Edgar Allan Poe; Produção: David Diamond, 

Stanley Bergerman; Música: Clifford Vaughan; Fotografi a 

(p/b): Charles J. Stumar; Montagem: Albert Akst; Direcção 

artística: Albert S. D’Agostino; Maquilhagem: Otto Lederer, 

Jack P. Pierce, Hazel Rogers; Assistentes de realização: Scott 

R. Beal, Victor Noerdlinger; Efeitos Especiais: John P. Fulton; 

Companhias de produção: Universal Pictures; Intérpretes: 

Boris Karloff (Edmond Bateman), Bela Lugosi (Dr. Richard 

Vollin), Lester Matthews (Dr. Jerry Holden), Irene Ware 

(Jean Thatcher), Samuel S. Hinds, Spencer Charters, Inez 

Courtney, Ian Wolfe, Maidel Turner, etc. Duração: 61 min. 

O CRIME DO DR. CRESPI 

Título original: The Crime of Dr. Crespi 

Realização: John H. Auer (EUA, 1935); Argumento: John H. 

Auer, Lewis Graham, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The 

Premature Burial”); Produção: John H. Auer, Herb Hayman; 

Fotografi a (p/b): Larry Williams; Montagem: Leonard Wheeler; 

Direcção artística: William Saulter; Maquilhagem: Fred C. 

Ryle; Direcção de produção: W.J. O’Connor; Som: Clarence R. 

Wall; Companhias de produção: Liberty Pictures; Intérpretes: 

Erich von Stroheim (Dr. Andre Crespi), Harriet Russell (Estelle 

Gorham Ross), Dwight Frye (Dr. Thomas), Paul Guilfoyle (Dr. 

John Arnold), John Bohn, Geraldine Kay, Jean Brooks, Patsy 

Berlin, Joe Verdi, Dean Raymond, etc. Duração: 63 min. 


Título original: Der Student von Prag ou The Student of 

Prague 

Realização: Arthur Robison (Alemanha, 1935); Argumento: 

Hanns Heinz Ewers, Hans Kyser, Arthur Robison, segundo 

romance de Henrik Galeen e conto de Edgar Allan Poe 

(“William Wilson”); Produção: Fritz Klotsch; Música: Theo 

Mackeben; Fotografi a (p/b): Bruno Mondi; Montagem: 

Roger von Norman; Direcção artística: Karl Haacker; Guardaroupa: 

Edward Suhr; Maquilhagem: Martin Gericke, Willi 

Grabow, Bruno Heckmann; Assistentes de realização: C.W. 

Tetting; Som: Fritz Seeger; Intérpretes: Anton Walbrook 

(Balduin), Theodor Loos (Dr. Carpis), Dorothea Wieck (Julia), 

Erich Fiedler (Baron Waldis), Edna Greyff (Lydia), Karl Hellmer 

(Krebs), Volker von Collande, Fritz Genschow, Elsa Wagner, 

Miliza Korjus, Kurt Getke, Fred Goebel, Kurt Herfuth, Heinz 

Herkommer, Franz List, Paul Rehkopf, etc. Duração: 87 min 

Título original: Le Joueur d’ Échecs 

Realização: Jean Dréville (França, 1938); Argumento: André 

Doderet, Jean Dréville, Albert Guyot, Roger Vitrac, Bernard 

Zimmer, segundo romance de Henry Dupuis-Mazuel; 

Música: Jean Lenoir; Fotografi a (p/b): René Gaveau, André 

Thomas; Montagem: Raymond Leboursier; Intérpretes: 

Françoise Rosay (Catherine II da Russia), Conrad Veidt 

(Barão de Kempelen), Paul Cambo (Boleslas), Delphin 

(Yegor), Micheline Francey (Sonia), Manuel Gary, Jacques 

Grétillat, Edmonde Guy, Bernard Lancret, Gaston Modot, 

Jean Témerson, etc. Duração: 70 min. (Este título aparece 

citado como tendo a ver com Poe, em “The Cinema Poe”, 

mas não conseguimos estabelecer a ligação). 

Título original: The Tell-Tale Heart (TV) 

Realização: Frank Wisbar (Inglaterra, 1939); Argumento: 

Michael Hogan, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Dallas Bower; Música: James Hartley; Direcção 

artística: Edmund Hogan; Companhias de produção: 

British Broadcasting Corporation (BBC); Intérpretes: Basil 

Cunard, Stuart Latham, Ernest Milton, Olaf Olsen, Esme 

Percy, A. Harding Steerman,etc. Duração: 25 min; Data de 

emissão: 4 de Janeiro de 1939. 

O GATO PRETO 

Título original: The Black Cat 

Realização: Albert S. Rogell (EUA, 1941); Argumento: Robert 

Lee, Robert Neville, Frederic I. Rinaldo, Eric Taylor, segundo 

obra de Edgar Allan Poe; Produção: Burt Kelly; Música: 

Hans J. Salter; Fotografi a (p/b): Stanley Cortez; Montagem: 

Ted J. Kent; Guarda-roupa: Vera West; Companhias de 

produção: Universal Pictures; Intérpretes: Basil Rathbone 

(Montague Hartley), Hugh Herbert (Mr. Penny), Broderick 

Crawford (Hubert A. Gilmore ‘Gil’ Smith), Bela Lugosi 

(Eduardo), Anne Gwynne (Elaine Winslow), Gladys Cooper 

(Myrna Hartley), Gale Sondergaard, Cecilia Loftus, Claire 

Dodd, John Eldredge, Alan Ladd, Erville Alderson, Harry C. 

Bradley, Jack Cheatham, etc. Duração: 70 min. 


Realização: Jules Dassin (EUA, 1941); Argumento: Doane 

R. Hoag, segundo obra de Edgar Allan Poe; Música: Sol 

Kaplan; Fotografi a (p/b): Paul Vogel; Montagem: Adrienne 

Fazan; Direcção artística: Richard Duce; Companhias de 



produção: Loew’s, Metro-Goldwyn-Mayer; Intérpretes: 

Joseph Schildkraut (jovem), Roman Bohnen (velho), Oscar 

O’Shea, Will Wright, etc. Duração: 20 min; Distribuição em 

Portugal: curta metragem incluída no pack de DVDs “The 

Complete Thin Man Collection”, da Warner Home Vídeo; 

Classifi cação etária: M/ 12 anos. 

Título original: Mystery of Marie Roget ou Phantom of 

Paris 

Realização: Phil Rosen (EUA, 1942); Argumento: Michael 

Jacoby, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Paul 

Malvern; Fotografi a (cor): Elwood Bredell; Montagem: 

Milton Carruth; Direcção artística: Jack Otterson; 

Decoração: Russell A. Gausman; Guarda-roupa: Vera West; 

Departamento de arte: Richard H. Riedel; Som: Bernard 

B. Brown, Robert Pritchard; Companhias de produção: 

Universal Pictures; Intérpretes: Patric Knowles (Dr. Paul 

Dupin), Maria Montez (Marie Roget), Maria Ouspenskaya 

(Madame Cecile Roget), John Litel (M. Henri Beauvais), 

Edward Norris (Marcel Vigneaux), Lloyd Corrigan, Nell 

O’Day, Frank Reicher, Clyde Fillmore, Paul E. Burns, Norma 

Drury Boleslavsky, Charles Middleton, William Ruhl, Reed 

Hadley,etc. Duração: 61 min. 

OS AMORES DE EDGAR POE 

Título original: The Loves of Edgar Allan Poe 

Realização: Harry Lachman (EUA, 1942); Argumento: 

Samuel Hoffenstein, Tom Reed, Arthur Caesar, Bryan 

Foy, segundo história “Annabel Lee”; Intérpretes: Linda 

Darnell (Virginia Clemm), Shepperd Strudwick (Edgar 

Allan Poe), Virginia Gilmore (Elmira Royster), Jane Darwell 

(Mrs. Mariah Clemm), Mary Howard (Frances Allan), 

Frank Conroy (John Allan), Harry Morgan (Ebenezer 

Burling), Walter Kingsford (T.W. White), Morris Ankrum 

(Mr. Graham), Skippy Wanders, Freddie Mercer, Erville 

Alderson, Peggy McIntyre, William Bakewell, Frank Melton, 

etc. Duração: 67 min. 

Título original: The Fall of the House of Usher 

Realização: Ivan Barnett (Inglaterra, 1949); Argumento: 

Dorothy Catt, Kenneth Thompson, segundo obra de 

Edgar Allan Poe; Produção: Ivan Barnett; Música: W.L. 

Trytel; Fotografi a (cor): Ivan Barnett; Companhias de 

produção: G.I.B., Vigilant; Intérpretes: Gwen Watford 

(Lady Usher), Kay Tendeter (Lord Roderick Usher), Irving 

Steen (Jonathan), Vernon Charles (Dr. Cordwall), Connie 

Goodwin (Louise), Gavin Lee, Keith Lorraine, Lucy Pavey, 

Tony Powell-Bristow, Robert Wolard, etc. Duração: 70 min. 

Título original: série de TV “Actor’s Studio” - episódio 

“The Tell-Tale Heart” (EUA, 1949) 

Argumento: George Batson, Mary Eleanor Freeman, 

Charles Granillo, Richard McCracken, William MacLeod 

Raine, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Hume 

Cronyn; Intérpretes: Warren Stevens, Russell Collins: Data 

de emissão: 20 de Fevereiro de 1949. 

Título original: série de TV “Suspense” A Cask of 

Amontillado 

Realização: Robert Stevens (EUA, 1949); Argumento: 

Halsted Welles, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Robert Stevens; Intérpretes: Bela Lugosi (Gen. 

Fortunato), Romney Brent, Rex Marshall, Frank Marth, 

Ray Walston, etc. Data de emissão: 11 de Outubro de 1949 

(Temporada 2, Episódio 6). 

Título original: Histoires extraordinaires à faire peur ou à 

faire rire... ou Unusual Tales 

Realização: Jean Faurez (França, 1949); Argumento: 

segundo obras de Thomas De Quincey (“Murder 

Considered as One of the Fine Arts”) e Edgar Allan Poe (“The 

Tell-Tale Heart” e “The Cask of Amontillado”); Intérpretes: 

Fernand Ledoux (Montrésor), Suzy Carrier (Léontine), 

Jules Berry (Fortunato), Paul Frankeur (Dugelay), Olivier 

Hussenot, Marina de Berg, Roger Rafal, Jean-François 

Laley, Pierre Collet, Jandeline, Fernand Gilbert, Henri San 

Juan, Jacques Dufi lho, Martial Rèbe, Barbara Val, etc. Data 

de emissão: 27 de Outubro de 1949. 

Título original: série de TV “Lights Out” The Fall of the 

House of Usher (EUA, 1949) 

Argumento: segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: 

Fred Coe; Intérpretes: Stephen Courtleigh, Helmut 

Dantine, Jack La Rue, etc. Data de emissão: 21 de Novembro 

de 1949 (Temporada 2, Episódio 11). 

Título original: The Cuckoo Clock 

Realização: Tex Avery (EUA, 1950); Argumento: Rich Hogan, 

segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Fred Quimby; 

Música: Scott Bradley; Animação: Walt Clinton, Michael 

Lah, Grant Simmons; Companhias de produção: Metro- 

Goldwyn-Mayer (MGM); Duração: 6 min. 

O HOMEM DAS SOMBRAS 

Título original: The Man with a Cloak 

Realização: Fletcher Markle (EUA, 1951); Argumento: 

Frank Fenton, segundo história de John Dickson Carr; 

Intérpretes: Joseph Cotten (Dupin), Barbara Stanwyck 

(Lorna Bounty), Louis Calhern (Charles Theverner), 

Leslie Caron (Madeline Minot), Joe De Santis (Martin), 

Jim Backus (Flaherty), Margaret Wycherly (Mrs. Flynn), 

Richard Hale, Nicholas Joy, Roy Roberts, Mitchell Lewis, 

etc. Duração: 84 min. (A relação com Poe, advém do facto 

do detective Dupin se inspirar no inspector de “Os Crimes 

da Rua Morgue”). 

Título original: Der Rabe 

Realização: Kurt Steinwendner (Alemanha, 1951); 

Argumento: Kurt Steinwendner, Wolfgang Kudrnofsky, 

segundo poema de Edgar Allan Poe; produção: Wolfgang 

Kudrnofsky, Kurt Steinwendner; Música: Paul Kont ; 

Fotografi a (p/b): Wolfgang Kudrnofsky; Direcção de 

produção: Pepino Wieternik ; Intérpretes: Leopold Rudolf, 

Margit Jergins (Leonore), etc. Duração: Austria: 14 min. 

Título original: The Assignation 

Realização: Curtis Harrington (EUA, 1952); Argumento: Curtis 

Harrington, segundo “The Assignation”, de Edgar Allan Poe; 

Duração: 8 min. (Filme experimental, vanguardista, julgado 

perdido e recuperado recentemente). 

Título original: série de TV “Coração Delator” 

Realização: Chianca de Garcia (Brasil, 1953); Argumento: 

segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Tell-Tale Heart”); 

Intérpretes: Avalone Filho, Fregolente, Ida Gomes, Lourdes 

Mayer, Paulo Porto, etc. 

Título original: La Résurrection de Barnabé 

Realização: Jean Faurez (França, 1953); Argumento: Jean 

Faurez, segundo obra de Edgar Allan Poe; Fotografi a (cor): 

Louis Page; Intérpretes: Olivier Hussenot, Martial Rèbe, 

etc.

Título original: série de TV “Your Favorite Story” - episódio 

The Gold Bug 

Realização: Robert Florey (EUA, 1953); Argumento: 

segundo obras de Edgar Allan Poe e Leo Tolstoy; Produção: 

Herbert L. Strock, Frederick W. Ziv; Música: Jack Shaindlin; 

Intérpretes: Adolphe Menjou, etc. Data de emissão: 1 de 

Fevereiro de 1953 (Temporada 1, Episódio 4). 

Título original: série de TV “Your Favorite Story” - episódio 

God Sees the Truth 

Realização: Lewis Allen (EUA, 1953); Argumento: Robert 

Libott, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: 

Herbert L. Strock, Frederick W. Ziv; Música: Jack Shaindlin; 

Intérpretes: ???: Data de emissão: 26 de Outubro de 1953 



Realização: Ted Parmelee (EUA, 1953): Argumento: Bill Scott, 

Fred Grable, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: 

Stephen Bosustow; Música: Boris Kremenliev; Direcção 

de produção: Herbert Klynn; Departamento de arte: Paul 

Julian; Animação: Paul Julian, Pat Matthews; Companhias 

de produção: United Productions of America (UPA); 

Intérpretes: James Mason (Narrador); Duração: 8 min. 


Realização: J.B. Williams (Inglaterra, 1953); Argumento: 

J.B. Williams, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Tell- 

Tale Heart”); Produção: Isadore Goldsmith; Música: Hans 

May; Companhias de produção: Alliance Productions Ltd.; 

Intérpretes: Stanley Baker (Edgar Allan Poe), etc. Duração: 

20 min. 

Título original: Bérénice 

Realização: Eric Rohmer (França, 1954); Argumento: Eric 

Rohmer, segundo obra de Edgar Allan Poe; Fotografi a (cor): 

Jacques Rivette; Intérpretes: Teresa Gratia (Bérénice), Eric 

Rohmer (Aegeus), etc. Duração: 15 min. 

Título original: Manicomio 

Realização: Luis María Delgado, Fernando Fernán Gómez 

(Espanha, 1954); Argumento: Fernando Fernán Gómez, 

F. Tomás Comes, segundo obras de Leonid Andreyev (“El 

médico loco”), Ramón Gómez de la Serna (“La mona 

de imitación”), Aleksandr Kuprin (“Una equivocación”) 

e Edgar Allan Poe (“The System of Doctor Tarr and 

Professor Fether”); Música: Manuel Parada; Fotografi a 

(p/b): Cecilio Paniagua, Sebastián Perera; Montagem: 

Félix Suárez Inclán; Companhias de produção: Helenia 

Films; Intérpretes: José Alburquerque, Manuel Alexandre, 

José Altabella, María Asquerino, María Baus, Rafael Calvo 

Revilla, Susana Canales, Camilo José Cela, Aurora de 

Alba, Carlos Díaz de Mendoza, Fernando Fernán Gómez, 

Gabilán, Jesús Juan Garcés, José María Lado, Ana de Leyva, 

Concha López Silva, Margarita Lozano, Alfredo Marqueríe, 

Vicente Parra, Julio Peña, Elvira Quintillá, María Rivas, 

Manuel San Román, Ernestina Siria, Cayetano Torregrosa, 

Antonio Vico, etc. Duração: 80 min. 

O FANTASMA DA RUA MORGUE 

Título original: Phantom of the Rue Morgue 

Realização: Roy Del Ruth (EUA, 1954); Argumento: Harold 

Medford, James R. Webb, segundo obra de Edgar Allan 

Poe (“The Murders in the Rue Morgue”); Produção: 

Henry Blanke; Música: David Buttolph; Fotografi a (cor): 

J. Peverell Marley; Montagem: James Moore; Direcção 

artística: Bernard Tuttle; Decoração: William L. Kuehl; 

Maquilhagem: Gordon Baú; Assistentes de realização: 

Frank Mattison; Som: Stanley Jones; Guarda-roupa: Moss 

Mabry; Companhias de produção: Warner Bros. Pictures; 

Intérpretes: Karl Malden (Dr. Marais), Claude Dauphin 

(Insp. Bonnard), Patricia Medina (Jeanette, Steve Forrest 

(Prof. Paul Dupin), Allyn Ann McLerie (Yvonne), Anthony 

Caruso (Jacques the One-Eyed), Veola Vonn (Arlette), 

Dolores Dorn, Merv Griffi n, Paul Richards, Rolfe Sedan, 

Erin O’Brien-Moore, The Flying Zacchinis, Richard Avonde, 

Chuck Couch, Claire Du Brey, Charles Gemora, Mary Lou 

Holloway, Frank Lackteen, Louis Merrill, John Parrish, Ruth 

Swanson,l etc. Duração: 83 min 

Título original: série de TV “Die Galerie der großen 

Detektive” - episódio Auguste Dupin fi ndet den 

entwendeten Brief 

Realização: Peter A. Horn (RFA, 1954); Argumento: Peter A. 

Horn, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Purloined 

Letter”); Intérpretes: Walter Andreas Schwarz (Auguste 

Dupin), Heinz Schimmelpfennig (Elmer Arthur Pym), 

Alfred Schnös, Gert Michenfelder, etc. Duração: 40 min; 

Data de emissão: 8 de Dezembro de1954 (Temporada 1, 

Episódio 2). 

Título original: “Hallmark Hall of Fame”; episódio “Cadet 

Poe” Série de TV 

Realização: Albert McCleery (EUA, 1955); Argumento: 

Marcia Dealy, Will Price, Peter Kortner 

Intérpretes: John Carlyle (Edgar Allan Poe), Carolyn 

Craig (Virginia Clemm), Harvey Daniels (Jack Hume), Gil 

Harman (Ten. Joseph Locke), Ian Keith (John Allan), Robert 



King, Tyler McVey, Charles Meredith, Robert Sampson, etc. 

Data de emissão: 12 de Junho de 1955 

Título original: Manfi sh 

Realização: W. Lee Wilder (EUA, 1956); Argumento: Myles 

Wilder, Joel Murcott, segundo obras de Edgar Allan Poe 

(“The Gold Bug” e “The Tell-Tale Heart”); Produção: W. 

Lee Wilder; Música: Albert Elms; Fotografi a (cor): Scotty 

Welbourne; Montagem: Gerald Turney-Smith; Companhias 

de produção: W. Lee Wilder Productions (Planet Filmplays); 

Intérpretes: John Bromfi eld (Capt. Brannigan), Lon Chaney 

Jr. (Swede), Victor Jory (‘Professor’), Tessa Prendergast, 

Barbara Nichols, Vincent Chang, Theodore Purcell, John 

Vere, Arnold Shanks, Eric Coverly, Clyde Hoyte, Jack Lewis, 

etc. Duração: 76 min | 87 min (DVD). 

Título original: série de TV “Matinee Theatre” - episódio 

The Fall of the House of Usher 

Realização: Boris Sagal (EUA, 1956); Argumento deste 

episódio: Robert Esson, segundo obra de Edgar Allan 

Poe; Produção: George Lowther; Intérpretes: Eduardo 

Ciannelli, Marshall Thompson, Tom Tryon, etc.; Realização 

(da série de TV): John Drew Barrymore, Lawrence Menkin, 

Pace Woods, Walter Grauman (80 Episódios) e Lamont 

Johnson; Argumento (da série de TV): Marjorie Duhan 

Adler (Episódio “But When She Was Bad” e “The Story 

of Marcia Gordon”); George Sumner Albee (Episódio 

“Mysterious Mr. Todd”); Theodore Apstein (Episódio “The 

Quiet Street”); Theodore Apstein (Episódio “The Century 

Plant”); Newt Arnold (Episódio “The 65th Floor”); Kay 

Arthur (Episódio “Big-Hearted Herbert”); Nicholas E. 

Baehr (Episódio “The Road to Recovery”); Philip Barry Jr. 

(Episódio “Black Chiffon”); Peter Barry (Episódio “Voyage 

to Mandok”); George Bradshaw (Episódio “The Phony 

Venus”); George Bruce (Episódio “The Red Sanders Story”); 

Elizabeth Cadell (Episódio “The Lark Shall Sing”); Joseph 

Caldwell (Episódio “The Bridge”); Stephen R. Callahan 

(Episódio “The Declaration”); Harold Callen (Episódio 

“The Last Battlefi eld”); Dorothy Canfi eld (Episódio 

“Temporadaed Timber”); Burnham Carter (Episódio “Town 

in Turmoil”); Rosemary Casey (Episódio “Velvet Glove”); 

Alan Cooke (Episódio “Much Ado About Nothing - Part I”) 

(Episódio”Much Ado About Nothing - Part II”); Alan Cooke 

(Episódio “Dandy Dick”); Jim Davis (Episódio “A Light in 

the Sky”); Honoré de Balzac (Episódio “Eugenie Grandet”); 

Michael Dyne (Episódios “Queen of Spades”, “The Green 

Shores” e “Temptation for a King”); Robert Esson (Episódio 

“The Alleyway”); Roger Garis (Episódio “High Places”); 

Harold Gast (Episódios “A Light in the Sky”, “Design for 

Glory”, “The Gift and the Giver” e “Threat That Runs True”); 

Nikolai Gogol story (Episódio “The Inspector General”); 

Herman Goldberg (Episódio “Cadenza”); Jess Gregg 

(Episódio “In Dread of Winter”); Arthur Hailey (Episódio 

“Course for Collison”); Sam Hall (Episódio “The 10th 

Muse”); Helene Hanff (Episódios “The Brass Ring” e “The 

Remarkable Mr. Jerome”); Roy Hargrave (Episódio “The 

Brat’s House”); Elizabeth Hart (Episódio “Dispossessed” 

e “Summer Cannot Last”); H.R. Hays (Episódio “Roman 

Fever” e “Without Fear or Favor”); Greer Johnson (Episódio 

“Eden End”); Edmond Kelso (Episódio “Progress and 

Minnie Sweeney”); Sophie Kerr (Episódio “Big-Hearted 

Herbert”); Bruce Kimes (Episódio “The Hollow Man”); 

Mary George Kochos (Episódio “Thursday’s Child”); David 

Lamson (Episódio “Anxious Night”); Warner Law (Episódio 

“The 19th Hole” e “The Inspector General”); Anita Leslie 

(Episódio “The Remarkable Mr. Jerome”); Jack Lewis 

(Episódio “Son of 37 Different Fathers”); George Lowther 

(Episódios “Anxious Night”, “The Gentleman Caller”, 

“Town in Turmoil” e “Webster and the Sea Serpent”); 

Ellen McCracken (Episódios “The Shuttered Heart” e 

“Thursday’s Child”); Henry Misrock (Episódio “The First 

Captain”); N. Richard Nash (Episódio “The Young and 

the Fair”); Peggy Phillips (Episódio “The Lark Shall Sing”, 

“Her Son’s Wife” e “The Shining Palace”); Arthur Wing 

Pinero (Episódio “Dandy Dick”); Zelda Popkin (Episódio 

“The Quiet Street”); J.B. Priestley (Episódio “Eden End”); 

Alexander Pushkin (Episódio “Queen of Spades”); Samson 

Raphaelson (Episódio “Stopover”); Jacqueline Rhodes 

(Episódio “The Brass Ring”); A.J. Richardson (Episódio “Big- 

Hearted Herbert”); Anna Steese Richardson (Episódio 

“Big Hearted Herbert”); Meade Roberts (Episódio “The 

Hickory Limb”); Jerome Ross (Episódio “A Case of Pure 

Fiction”); Will Schneider (Episódio “Cadenza”); Gertrude 

Schweitzer (Episódio “The Charmer”); Robert J. Shaw 

(Episódios “The Catbird Seat”, e “The Tender Leaves”); 

A.B. Shiffrin (Episódio “Prominent Citizens”); Mac Shoub 

(Episódio “Hush, Mahala, Hush”); Dodie Smith (Episódio 

“Call It a Day”); Anthony Spinner (Episódio “Barricade at 

the Big Black”) (Episódio “The Day Before the Wedding”); 

Sheldon Stark (Episódio “Day of Discoveries”); Lesley 

Storm (Episódio “Black Chiffon”); Helen Taini (Episódio 

“Velvet Glove”); Betty Ulius (Episódio “Eugenie Grandet”); 

John Van Druten (Episódios “The Hickory Limb” e “There’s 

Always Juliet”); John Vlahos (Episódio “The Declaration”); 

Mary Jane Waldo story (Episódio “The Shuttered Heart”); 

Claire Wallis (Episódio “Her Son’s Wife”); Robert Wallstens 

(Episódios “The Phony Venus” e “The Silver Spider”); Dale 

Wasserman (Episódio “Fiddlin’ Man”, “The Man That 

Corrupted Hadleyburg” e “The Milwaukee Rocket”); H.G. 

Wells (Episódio “The Invisible Man”); Richard Wendley 

(Episódio “Stopover”); Edith Wharton (Episódio “Roman 

Fever”); Elihu Winer (Episódio “Temporadaed Timber”); 

Produção: George Cahan, Frank Price; Data de emissão: 6 

de Agosto de 1956 (Temporada 1, Episódio 198). 

Título original: série de TV “Armchair Theatre” - episódio 

The Cash of Amontillado 

Realização: John Knight (EUA, 1957); Argumento: Juan 

Cortés, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Dennis 

Vance; Intérpretes: Janet Barrow, Lorenza Colville, Adrienne 

Corri, Raymond Huntley, Paul Stassino, etc. Data de emissão: 

17 de Março de 1957 (Temporada 1, Episódio 25). 


Realização: Joseph Marzano (EUA, 1958); Argumento: 

Edgar Allan Poe; Fotografi a (cor): Bob James; Design 

de Produção: Joseph G. Pacelli Jr.; Intérpretes: Joseph 

Marzano, etc. 

Título original: El Grito de la Muerte ou Scream of Death 

ou The Living Coffi n 

Realização: Fernando Méndez (México, 1959); Argumento: 

Ramón Obón, sugerido por “The Permature Burial”, de 

Edgar Allan Poe; Intérpretes: Gastón Santos (Gastón), María 

Duval (María Elena García), Pedro de Aguillón (Coyote Loco), 

Carlos Ancira (Felipe), Carolina Barret (Clotilde), Antonio

Raxel, Hortensia Santoveña, Quintín Bulnes, etc. Duração: 

72 min. (O argumento deste western mexicano contém 

elementos de terror sugeridos por Poe). 

Título original: Ligeia (TV) 

Realização: Marta Reguera (Argentina, 1959); Argumento: 

Narciso Ibáñez Serrador, segundo obra de Edgar Allan 

Poe; Companhias de produção: Canal 7 Buenos Aires; 

Intérpretes: Narciso Ibáñez Menta, Myriam de Urquijo, etc. 

Título original: El Corazón delator (TV) 


segundo obra de Edgar Allan Poe; Companhias de 

produção: Canal 7 Buenos Aires; Intérpretes: Narciso 

Ibáñez Menta, Narciso Ibáñez Serrador. 

Título original: Berenice (1959) (TV) 


Narciso Ibáñez Serrador, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Direcção artística: Narciso Ibáñez Menta; Companhias 

de produção: Canal 7 Buenos Aires; Intérpretes: Narciso 

Ibáñez Menta, Narciso Ibáñez Serrador, etc. 

A QUEDA DA CASA USHER 

Título original: House of Usher ou The Fall of the House of 

Usher ou The Mysterious House of Usher 

Realização: Roger Corman (EUA, 1960); Argumento: Richard 

Matheson, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Fall of 

The House of Usher”); Produção: Roger Corman, James 

H. Nicholson; Música: Les Baxter; Fotografi a (cor): Floyd 

Crosby; Montagem: Anthony Carras; Design de Produção: 

Daniel Haller; Maquilhagem: Fred B. Phillips; Assistentes de 

realização: Jack Bohrer; Departamento de arte: Richard M. 

Rubin, Burt Shonberg; Som: Alfred R. Bird, Philip Mitchell; 

Efeitos Especiais: Lawrence W. Butler, Pat Dinga, Ray Mercer; 

Guarda-roupa: Marjorie Corso; Companhias de produção: 

Alta Vista Productions; Intérpretes: Vincent Price (Roderick 

Usher), Mark Damon (Philip Winthrop), Myrna Fahey 

(Madeline Usher), Harry Ellerbe (Bristol), Eleanor LeFaber, 

Ruth Oklander, Géraldine Paulette, David Andar, Bill 

Borzage, Mike Jordan, Nadajan, George Paul, Phil Sulvestre, 

John Zimeas, etc. Duração: 79 min. 

Título original: Obras Maestras del Terror ou Master 

of Horror ou Masterworks of Terror ou Short Stories of 

Terror 

Realização: Enrique Carreras (Argentina, 1960); 

Argumento: Narciso Ibáñez Serrador (Luis Peñafi el), 

Rodolfo M. Taboada, segundo obras de Edgar Allan Poe 

(“The Facts in the Case of M. Valdemar”, “The Cask of 

Amontillado”, e “The Tell-Tale Heart”); Produção: Nicolás 

Carreras, Jaime Gates, Jack H. Harris, Enrique Torres 

Tudela; Música: Víctor Slister; Fotografi a (cor): Américo 

Hoss; Montagem: José Gallego; Design de Produção: 

Mario Vanarelli; Maquilhagem: Narciso Ibáñez Menta, 

Blanca Olavego; Assistentes de realização: Angel 

Acciaresi; Som: Mario Fezia; Companhias de produção: 

Argentina Sono Film S.A.C.I.; Intérpretes: Narciso Ibáñez 

Menta (Dr. Eckstrom), Manuel Alcón, Alberto Barcel, 

Francisco Cárdenas, Mercedes Carreras, Rafael Diserio, 

Carlos Estrada, Roberto Germán, Narciso Ibáñez Serrador, 

Adolfo Linvel, Armando Lopardo, Silvia Montanari, Inés 

Moreno, Luis Orbegozo, Osvaldo Pacheco, Jesús Pampín, 

Miguel Paparelli, Gilberto Peyret, Luis Sorel, Lilian Valmar, 

etc. Duração: 115 min | 61 min (EUA). 

Título original: The Tell-Tale Heart ou The Hidden Room 

of 1,000 Horrors ou The Horror Man 

Realização: Ernest Morris (Inglaterra, 1960); Argumento: 

Brian Clemens, Eldon Howard, segundo obra de Edgar 

Allan Poe (“The Tell-Tale Heart”); Produção: Edward J. 

Danziger, Harry Lee Danziger; Música: Tony Crombie, 

Bill LeSage; Fotografi a (cor): James Wilson; Montagem: 

Derek Parsons; Direcção artística: Norman G. Arnold, 

Peter Russell; Maquilhagem: Aldo Manganaro; Direcção 

de produção: John Draper, Brian Taylor; Assistentes de 

realização: Geoffrey Holman; Som: George Adams, W. 

Anson Howell, John Smith; Guarda-roupa: Rene Coke; 

Companhias de produção: Danziger Productions Ltd. 

Intérpretes: Laurence Payne (Edgar Marsh), Adrienne 

Corri (Betty Clare), Dermot Walsh (Carl Loomis), Selma Vaz 

Dias, John Scott, John Martin, Annette Carell, David Lander, 

Rosemary Rotheray, Suzanne Fuller, Yvonne Buckingham, 

David Courtney, Richard Bennett, Joan Peart, etc. Duração: 

78 min. 

Título original: The Pit 

Realização: Edward Abraham (Inglaterra, 1960); 

Argumento: Edward Abraham, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Intérpretes: Brian Peck, etc. Duração: curtametragem 

(?). 

Título original: Le Scarabée d’ Or 

Realização: Robert Lachenay (França, 1961); Argumento: 

Robert Lachenay, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: François Truffaut; Música: Geoffroy Dechaume; 

Fotografi a (cor): André Mrugalski; Montagem: Hélène 

Plemiannikov; Companhias de produção: Les Films du 

Carrosse; Intérpretes: Didier Pontet, Odile Geoffroy, Karim 

Seck, etc. Duração: 24 min. 



Título original: série de TV “Great Ghost Tales” 

Realização: Ron Winston (EUA, 1961); Realização da série: 

Lewis Freedman, Karl Genus, William A. Graham, Daniel 

Petrie, Allen Reisner, Seymour Robbie, Ron Winston (cada 

um, um episódio, em 1961); Argumento: Audrey Gellen, 

Algernon Blackwood, Irving Gaynor, Hector Hugh Munro, 

Edgar Allan Poe, Gordon Russell; Intérpretes da série: 

John Abbott, R.G. Armstrong, Cynthia Baxter, Eric Berry, 

Peter Brandon, James Broderick, Roger C. Carmel, Clifford 

David, Mildred Dunnock, Robert Duvall (William Wilson), 

Alvin Epstein, Judith Evelyn, Vincent Gardenia, Lee Grant, 

William Hansen, James Hickman, Arthur Hill, Salome 

Jens, Virginia Leith, Joanne Linville, Laurie Main, Kevin 

McCarthy, Harry Millard, Dan Morgan, Lois Nettleton, 

Collin Wilcox Paxton, William Redfi eld, Edmon Ryan, Gene 

Saks, David J. Stewart, Richard Thomas, Diana Van der 

Vlis, Herb Voland, Janet Ward, Ruth White, Ann Williams, 

Blanche Yurka, etc. Duração: 30 min (12 Episódios); Data 

de emissão: 6 de Julho de 1961. 

O FOSSO E O PÊNDULO 

Título original: Pit and the Pendulum 

Realização: Roger Corman (EUA, 1961); Argumento: Richard 

Matheson, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: 

Samuel Z. Arkoff, Roger Corman, James H. Nicholson; 

Música: Les Baxter; Fotografi a (cor): Floyd Crosby; 

Montagem: Anthony Carras; Design de Produção: Daniel 

Haller; Direcção artística: Daniel Haller; Decoração: Harry 

Reif; Maquilhagem: Ted Coodley; Direcção de produção: 

Robert Agnew, Bartlett A. Carre; Assistentes de realização: 

Jack Bohrer, Paul Rapp; Departamento de arte: Ross Hahn, 

Tom Matsumoto, Richard M. Rubin; Som: Roy Meadows, 

Kay Rose; Efeitos Especiais: Pat Dinga; Efeitos visuais: Ray 

Mercer; Guarda-roupa: Marjorie Corso; Companhias de 

produção: Alta Vista Productions; Intérpretes: Vincent 

Price (Nicholas / Sebastian Medina), John Kerr (Francis), 

Barbara Steele (Elizabeth), Luana Anders (Catherine), 

Antony Carbone (Doctor Leon), Patrick Westwood, Lynette 

Bernay, Larry Turner, Mary Menzies, Charles Victor, Randee 

Lynne Jensen, etc. Duração: 80 min. 

Título original: série de TV “Thriller” - episódio The 

Premature Burial 

Realização: Douglas Heyes (EUA, 1961); Argumento: 

William D. Gordon, Douglas Heyes, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Produção: Hubbell Robinson, Douglas Benton, 

William Frye; Música: Morton Stevens; Fotografi a (cor): 

Bud Thackery; Montagem: Danny B. Landres; Direcção 

artística: George Patrick; Decoração: Julia Heron, John 

McCarthy Jr.; Maquilhagem: Jack Barron, Florence 

Bush; Assistentes de realização: John Clarke Bowman; 

Departamento de arte: Jerome Gould; Som: David H.; 

Guarda-roupa: Vincent Dee; Companhias de produção: 

Hubbell Robinson Productions, National Broadcasting 

Company (NBC); Intérpretes: Sidney Blackmer (Edward 

Stapleton), Boris Karloff (Dr. Thorne), Richard Flato, 

William D. Gordon, Scott Marlowe, Patricia Medina, J. 

Pat O’Malley, Lillian O’Malley, etc. Data de emissão: 2 de 

Outubro de 1961 (Temporada 2, Episódio 3). 

O SEPULTADO VIVO 

Título original: Premature Burial 

Realização: Roger Corman (EUA, 1962); Argumento: 

Charles Beaumont, Ray Russell segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Produção: Samuel Z. Arkoff, Gene Corman, Roger 

Corman; Música: Ronald Stein, Les Baxter; Fotografi a 

(cor): Floyd Crosby; Montagem: Ronald Sinclair; Direcção 

artística: Daniel Haller; Guarda-roupa: Marjorie Corso; 

Maquilhagem: Lou Lacava; Direcção de produção: Jack 

Bohrer; Assistentes de realização: Francis Ford Coppola; 

Departamento de arte: Richard M. Rubin, Burt Shonberg; 

Som: John Bury Jr.; Companhias de produção: American 

International Pictures (AIP), Santa Clara Productions; 

Intérpretes: Ray Milland (Guy Carrell), Hazel Court (Emily 

Gault), Richard Ney (Miles Archer), Heather Angel (Kate 

Carrell), Alan Napier (Dr. Gideon Gault), John Dierkes

(Sweeney), Dick Miller, Clive Halliday, Brendan Dillon, etc. 

Duração: 81 min. 

A MALDITA, O GATO E A MORTE 

Título original: Tales of Terror ou Edgar Allan Poe’s Tales 

of Terror ou Poe’s Tales of Terror 


Richard Matheson segundo obras de Edgar Allan Poe 

(“Morella”, “The Black Cat”, “The Facts in the Case of M. 

Valdemar”, e “A Cask of Amontillado”); Produção: Samuel 

Z. Arkoff, Roger Corman, James H. Nicholson; Música: 

Les Baxter; Fotografi a (cor): Floyd Crosby; Montagem: 

Anthony Carras; Design de Produção: Bartlett A. Carre, 

Daniel Haller; Decoração: Harry Reif; Maquilhagem: 

Ray Forman, Lou LaCava; Direcção de produção: Robert 

Agnew, Bartlett A. Carre; Assistentes de realização: Jack 

Bohrer; Departamento de arte: Richard M. Rubin; Som: 

Jack Woods; Efeitos Especiais: Pat Dinga; Efeitos visuais: 

Ray Mercer; Guarda-roupa: Marjorie Corso; Companhias 

de produção: Alta Vista Productions; Intérpretes: Vincent 

Price (Fortunato / Valdemar / Locke), Maggie Pierce (Lenora 

Locke (episódio “Morella”), Leona Gage (Morella Locke 

(episódio “Morella”), Edmund Cobb (conductor) (episódio 

“Morella”), Peter Lorre (Montresor Herringbone) (episódio 

“The Black Cat”), Joyce Jameson (Annabel Herringbone) 

(episódio “The Black Cat”), John Hackett (Policia) (episódio 

“The Black Cat”), Lennie Weinrib (Policia) (episódio “The 

Black Cat”), Wally Campo (Barman Wilkins) (episódio “The 

Black Cat”), Alan DeWitt, Basil Rathbone (Carmichael) 

(episódio “The Facts in the Case of M. Valdemar”), Debra 

Paget (Helene Valdemar) (episódio “The Facts in the 

Case of M. Valdemar”), David Frankham (Dr. Elliot James) 

(episódio “The Facts in the Case of M. Valdemar”), Scott 

Brown, etc. Duração: 89 min. 

O CORVO 



Richard Matheson segundo poema de Edgar Allan Poe; 

Produção: Samuel Z. Arkoff, Roger Corman, James H. 

Nicholson; Música: Les Baxter; Fotografi a (cor): Floyd 

Crosby; Montagem: Ronald Sinclair; Design de Produção: 

Daniel Haller; Direcção artística: Daniel Haller; Decoração: 

Harry Reif; Maquilhagem: Ted Coodley, Betty Pedretti; 

Direcção de produção: Robert Agnew, Bartlett A. Carre; 

Assistentes de realização: Jack Bohrer; Departamento 

de arte: Karl Brainard, Ross Hahn; Som: John Bury Jr., 

Gene Corso; Efeitos Especiais: Pat Dinga; Guarda-roupa: 

Marjorie Corso; Companhias de produção: Alta Vista 

Productions; Intérpretes: Vincent Price (Dr. Erasmus 

Craven), Peter Lorre (Dr. Adolphus Bedlo), Boris Karloff (Dr. 

Scarabus), Hazel Court (Lenore Craven), Olive Sturgess 

(Estelle Craven), Jack Nicholson (Rexford Bedlo), Connie 

Wallace, William Baskin, Aaron Saxon, John Dierkes, etc. 


Título original: Horror 

Realização: Alberto De Martino (Itália, Espanha, 1963); 

Argumento: Bruno Corbucci, Sergio Corbucci, Giovanni 

Grimaldi, Natividad Zaro, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Alberto Aguilera, Natividad Zaro, Italo Zingarelli; 

Música: Carlo Franci, Giuseppe Piccillo; Fotografi a (cor): 

Alejandro Ulloa; Montagem: Otello Colangeli; Direcção 

artística: Leonard Bubleg; Decoração: Antonio Simont; 

Maquilhagem: Shirley Dryant, Artur Grunher; Direcção 

de produção: Robert Palace; Assistentes de realização: 

Bruce Stevenson; Efeitos Especiais: Emilio Ruiz del Rio; 

Guarda-roupa: Henzy Stecklar; Companhias de produção: 

Film Columbus, Llama Films; Intérpretes: Gérard Tichy 

(Rodrigue De Blancheville), Leo Anchóriz (Dr. Lerouge), 

Ombretta Colli (Emily De Blancheville), Helga Liné 

(Miss Eleonore), Irán Eory (Alice Taylor), Vanni Materassi, 

Francisco Morán, Emilia Wolkowicz, Harry Winter, etc. 

Duração: 90 min | EUA:87 min (DVD). 



O PALÁCIO MALDITO 

Título original: The Haunted Palace ou Edgar Allan Poe’s 

The Haunted Palace ou The Case of Charles Dexter Ward 

ou The Haunted Village 

Realização: Roger Corman (EUA, 1963); Argumento: Charles 

Beaumont, Francis Ford Coppola (diálogos), segundo obra 

de H.P. Lovecraft (“The Case of Charles Dexter Ward”) 

e inspiração de Edgar Allan Poe; Produção: Samuel 

Z. Arkoff, Roger Corman, James H. Nicholson, Ronald 

Sinclair; Música: Ronald Stein; Fotografi a (cor): Floyd 

Crosby; Montagem: Ronald Sinclair; Direcção artística: 

Daniel Haller; Maquilhagem: Ted Coodley, Verne Langdon, 

Lorraine Roberson; Direcção de Produção: Jack Bohrer; 

Assistentes de realização: Paul Rapp; Departamento 

de arte: Harry Reif; Som: John L. Bury; Companhias de 

produção: American International Pictures (AIP), La 

Honda Productions; Intérpretes: Vincent Price (Charles 

Dexter Ward), Debra Paget (Ann Ward), Lon Chaney Jr. 

(Simon Orne), Frank Maxwell (Dr. Willet / Priam Willet), 

Leo Gordon (Edgar Weeden / Ezra Weeden), Elisha Cook 

Jr. (Gideon Smith / Micah Smith), John Dierkes, Milton 

Parsons, Cathie Merchant, Guy Wilkerson, I. Stanford 

Jolley, Harry Ellerbe, Barboura Morris, Darlene Lucht, 

Bruno VeSota, etc. Duração: 87 min 

Título original: Le Puits et le Pendule (TV) 

Realização: Alexandre Astruc (França, 1964); Argumento: 

Alexandre Astruc, segundo obra de Edgar Allan Poe («The 

Pit and the Pendulum»); Música: Antoine Duhamel; 

Fotografi a (cor): Nicolas Hayer; Montagem: Sophie Bhaud, 

Monique Chalmandrier; Decoração: André Bakst ; Guardaroupa: 

Marie-Thérèse Respens; Assistentes de realização: 

Pierre-André Boutang, Yves Kovacs; Departamento de arte: 

Jean-Louis Crozet ; Som: Paul Bonnefond, Daniel Couteau; 

Intérpretes: Maurice Ronet (Condenado à morte), etc. 

Duração: 37 min ; Data de emissão: 9 de Janeiro de 1964 

(França). 

A MÁSCARA DA MORTE VERMELHA 

Título original: The Masque of the Red Death 

Realização: Roger Corman (Inglaterra, EUA, 1964); 

Argumento: Charles Beaumont, R. Wright Campbell, 

segundo obras de Edgar Allan Poe (“The Masque of the 

Red Death” e “Hop-Frog”); Produção: Roger Corman, 

George Willoughby; Música: David Lee; Fotografi a (cor): 

Nicolas Roeg; Montagem: Ann Chegwidden; Casting: 

G.B. Walker; Design de Produção: Daniel Haller; Direcção 

artística: Robert Jones; Decoração: Colin Southcott; 

Maquilhagem: Elsie Alder, George Partleton; Assistentes 

de realização: Peter Price, Julio Sempere, Mike Gowans; 

Departamento de arte: Ray Frift; Som: Len Abbott, Richard 

Bird; Efeitos Especiais: George Blackwell; Guarda-roupa: 

Laura Nightingale; Companhias de produção: Alta Vista 

Productions; 

Intérpretes: Vincent Price (Prince Prospero), Hazel Court 

(Juliana), Jane Asher (Francesca), David Weston (Gino), 

Nigel Green (Ludovico), Patrick Magee (Alfredo), Paul 

Whitsun-Jones, Robert Brown, Julian Burton, David 

Davies, Skip Martin, Gaye Brown, Verina Greenlaw, Doreen 

Dawn, Brian Hewlett, Sarah Brackett, David Allen, Dorothy 

Anelay, Gerry Atkins, Jill Bathurst, Julian Bolt, Norris Boyd, 

Ricky Clarke, Ronald Curran, Alan Dalton, Gladys Davison, 

Fred Peters, Maureen Sims, etc. Duração: 89 min. 

O TÚMULO DE LIGEIA 

Título original: The Tomb of Ligeia ou Edgar Allan Poe’s 

The Tomb of Ligeia ou Last Tomb of Ligeia ou Ligeia ou 

Tomb of the Cat 

Realização: Roger Corman (Inglaterra, EUA, 1964); 

Argumento: Robert Towne, segundo obra de Edgar Allan 

Poe; Produção: Pat Green, Samuel Z. Arkoff; Música: Kenneth 

V. Jones; Fotografi a (cor): Arthur Grant; Montagem: Alfred 

Cox; Direcção artística: Colin Southcott, Daniel Haller; 

Maquilhagem: George Blackler, Pearl Orton; Assistentes 

de realização: David Tringham; Som: John Aldred, Don

Ranasinghe, Bert Ross, Les Wiggins; Efeitos Especiais: Ted 

Samuels; Guarda-roupa: Mary Gibson; Companhias de 

produção: Alta Vista Film Production; Intérpretes: Vincent 

Price (Verden Fell), Elizabeth Shepherd (The Lady Rowena 

Trevanion / The Lady Ligeia), John Westbrook (Christopher 

Gough), Derek Francis (Lord Trevanion), Oliver Johnston, 

Richard Vernon, Frank Thornton, Ronald Adam, Denis 

Gilmore, Penelope Lee, etc. Duração: 81 min. 

A LONGA NOITE DO TERROR 

Título original: Danza Macabra ou Castle of Blood ou Coffi n 

of Terror ou La Danse macabre ou Dimensions in Death 

ou Edgar Allan Poe’s Castle of Blood ou La Lunga Notte 

de Terrore ou Terrore ou The Castle of Terror ou The Long 

Night of Terror ou Tombs of Horror ou Tombs of Terror 

Realização: Antonio Margheriti (Anthony M. Dawson) 

(Itália, França, 1964); Argumento: Sergio Corbucci (Gordon 

Wilson Jr.), Giovanni Grimaldi (Jean Grimaud) (nalguma 

publicidade, o fi lme aparece como inspirado numa obra 

de Edgar Allan Poe, “Dance Macabre”, mas tal informação 

é errada. Poe surge sim como personagem); Produção: Leo 

Lax, Marco Vicario; Música: Riz Ortolani; Fotografi a (cor): 

Riccardo Pallottini; Montagem: Otello Colangeli; Design de 

produção: Ottavio Scotti; Assistentes de realização: Ruggero 

Deodato; Efeitos especiais: Enrico Catalucci; Companhias de 

produção: Giovanni Addessi Produzione Cinematografi ca, 

Ulysse Productions, Vulsinia Films; Intérpretes: Barbara 

Steele (Elisabeth Blackwood), Georges Rivière (Alan Foster), 

Margarete Robsahm (Júlia), Arturo Dominici (Dr. Carmus), 

Silvano Tranquilli (Edgar Allan Poe), Sylvia Sorrente (Elsi), 

Giovanni Cianfriglia, etc. Duração: 87 min. 

Título original: El Demonio en la Sangre 

Realização: René Múgica (Argentina, 1964); Argumento: 

Tomás Eloy Martínez, René Múgica, Augusto Roa Bastos, 

parcialmente baseado no conto de Edgar Allan Poe, “The 

Tell-Tale Heart”; Música: Rodolfo Arizaga; Fotografi a (cor): 

Oscar Melli, Ricardo Younis; Montagem: Gerardo Rinaldi, 

Antonio Ripoll; Design de produção: Germán Gelpi; 

Intérpretes: Rosita Quintana, Ubaldo Martínez, Ernesto 

Bianco, Arturo García Buhr, Wolf Ruvinskis, Lydia Lamaison, 

Graciela Dufau, Jorge De La Riestra, Pinky, Mario Savino, 

etc. Duração: ??? 

Título original: El Trapero (TV) 

Realização: Narciso Ibáñez Serrador (Espanha, 1965); 

Argumento: Narciso Ibáñez Serrador, segundo obra de 

Edgar Allan Poe; Música: Waldo de los Rios; Companhias 

de produção: Televisión Española (TVE); Intérpretes: 

Narciso Ibáñez Menta (Edmund); Duração: 70 min. 

A CIDADE SUBMARINA 

Título original: The City Under the Sea ou City in the Sea 

ou War-Gods of the Deep 

Realização: Jacques Tourneur (Inglaterra, 1965); 

Argumento: Charles Bennett, Louis M. Heyward, David 

Whitaker, segundo obra de Edgar Allan Poe (“City in the 

Sea”); Produção: George Willoughby, Samuel Z. Arkoff, 

Daniel Haller; Música: Stanley Black; Fotografi a (cor): 

Stephen Dade; Montagem: Gordon Hales; Casting: Harvey 

Woods; Direcção artística: Frank White; Maquilhagem: 

Elsie Alder, W.T. Partleton, Geoffrey Rodway; Direcção de 

produção: Pat Green; Assistentes de realização: David 

Tringham; Departamento de arte: Leon Davis, Colin 

Southcott, Peter Wood; Som: C. Le Mesurier, Ken Rawkins; 

Efeitos Especiais: Les Bowie, Frank George, Eiji Tsuburaya; 

Guarda-roupa: Ernie Farrer; Companhias de produção: 

Bruton Film Productions; Intérpretes: Vincent Price (Sir 

Hugh, The Captain), David Tomlinson (Harold Tufnell- 

Jones), Tab Hunter (Ben Harris), Susan Hart (Jill Tregillis), 

John Le Mesurier, Henry Oscar, Derek Newark, Roy Patrick, 

Bart Allison, Dennis Blake, Steven Brooke, Hilda Campbell- 

Russell, Herbert the Rooster, Arthur Hewlett, Michael 

Heyland, William Hurndell, George Ricarde, Tony Selby, Jim 

Spearman, etc. Duração: 84 min. 

Título original: 5 tombe per un medium ou Cemetery 

of the Living Dead ou Cinque tombe per un medium ou 

Coffi n of Terror ou Five Graves for a Medium ou Terror- 

Creatures from the Grave ou Tombs of Horror 

Realização: Ralph Zucker (Massimo Pupillo) (Itália, 

1965); Argumento: Ruth Carter, Cesare Mancini, Romano 

Migliorini, Roberto Natale, segundo obra de Edgar Allan 

Poe; Produção: Francesco Merli, Massimo Pupillo, Ralph 

Zucker; Música: Aldo Piga; Fotografi a (cor): Carlo Di 

Palma; Montagem: Mariano Arditi; Decoração: Frank 

Small; Guarda-roupa: Serge Selig; Maquilhagem: Bud 

Dexter; Assistentes de realização: Nick Berger; Som: 

Goffredo Salvatori; Companhias de produção: G.I.A. 

Cinematográfi ca, International Entertainment Corp., 

M.B.S. Cinematografi ca; Intérpretes: Walter Brandi (Albert 

Kovac), Mirella Maravidi (Corinne Hauff), Barbara Steele 

(Cleo Hauff), Alfredo Rizzo (Dr. Nemek), Riccardo Garrone 

(Joseph Morgan), Luciano Pigozzi, Tilde Till, Ennio Balbo, 

Steve Robinson, René Wolf, etc. Duração: 87 min. 

Título original: The Black Cat ou Edgar Allen Poe’s The 

Black Cat 

Realização: Harold Hoffman (EUA, 1966); Argumento: 

Harold Hoffman, segundo obra de Edgar Allan Poe; 



Argumento: Harold Hoffman, Segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Produção: Patrick Sims; Fotografi a (cor): Walter 

Schenk; Montagem: Charles G. Schelling; Direcção 

artística: Robert Dracup; Maquilhagem: Beverly Gilbert; 

Assistentes de realização: George Costello; Som: Charles 

G. Schelling; Efeitos Especiais: Manel De Aumente, Sheilds 

Mitchell; Companhias de produção: Falcon International 

Corp.,Hemisphere Pictures; Intérpretes: Robert Frost 

(Lou), Robyn Baker (Diana), Sadie French (Lillian), Scotty 

McKay, George Russell, George Edgley, Annabelle Weenick, 

Jeff Alexander, Tommie Russell, Scott Shewmake, Bill 

Thurman, Nelson Spencer, etc. Duração: 73 min. 

O JARDIM DA TORTURA 

Título original: Torture Garden 

Realização: Freddie Francis (Inglaterra, 1967); Argumento: 

Robert Bloch; Intérpretes: Jack Palance (Ronald Wyatt), 

Burgess Meredith (Dr. Diabolo), Beverly Adams (Carla 

Hayes), Peter Cushing (Lancelot Canning), Michael Bryant 

(Colin Williams), John Standing, Robert Hutton, John 

Phillips, Michael Ripper, Bernard Kay, Catherine Finn, 

Maurice Denham, Ursula Howells, David Bauer, Niall 

MacGinnis, etc. Duração: 93 min. (O fi lme aborda o caso 

de coleccionadores de obras de Edgar Allan Poe). 

Título original: Historias para no Dormir - episódio El 

cuervo (1964 - ?) 


Argumento: Luis Peñafi el (Narciso Ibáñez Serrador), 

segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Raven”); Fotografi a 

(cor): Ricardo Torres; Decoração: Fernando Sáenz; Design 

de Produção: Antonio Mingote; Maquilhagem: Narciso 

Ibáñez Menta; Intérpretes: Rafael Navarro (Edgar Allan 

Poe), Luis Peña, Paloma Valdés (Virginia Poe), Nélida 

Quiroga, Javier Loyola, Emilio Gutiérrez Caba (Emilio 

Sheldon), Estanis González (Doctor), José Franco, Joaquín 

Escola, Lola Lemos, Mary Delgado, Alberto Fernández, 

Álvaro de Luna, José Luis Lespe, Héctor Quiroga, Maite 

Brit, Isabel Braos, Mari González, Fernando Lewis, Ricardo 

G. Lilló, Agustín Bescos, etc. Data de emissão: 1967. 

Título original: série de TV “Historias para no dormir” - 

episódio El Pacto (1964 - ?) 


Argumento: segundo obra de Edgar Allan Poe; Fotografi a 

(cor): Federico G. Larraya; Design de Produção: Antonio 

Mingote; Maquilhagem: Narciso Ibáñez Menta; Intérpretes: 

Montserrat Carulla, Félix Dafauce, Joaquín Escola, Manuel 

Galiana, Estanis González, Narciso Ibáñez Menta, Roberto 

Llamas, etc. Data de emissão: 25 de Março de 1966. 

Título original: Die Schlangengrube und das Pendel ou 

Blood of the Virgins ou Castle of the Walking Dead ou 

Pendulum ou The Blood Demon ou The Snake Pit ou The 

Snake Pit and the Pendulum ou The Torture Chamber of 

Dr. Sadism ou The Torture Room ou Torture Chamber 

Realização: Harald Reinl (RFA, 1967); Argumento: Manfred 

R. Köhler, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Pit and 

the Pendulum”); Produção: Erwin Gitt, Wolfgang Kühnlenz; 

Música: Peter Thomas; Fotografi a (cor): Ernst W. Kalinke, 

Dieter Liphardt; Montagem: Hermann Haller; Direcção 

artística: Will Achtmann; Gabriel Pellon; Decoração: 

Gabriel Pellon; Guarda-roupa: Irms Pauli; Maquilhagem: 

Erich L. Schunckel; Direcção de produção: Erwin Gitt, 

Wolfgang Kühnlenz; Assistentes de realização: Charles 

Wakefi eld; Som: Hans Joachim Richter; Efeitos Especiais: 

Erwin Lange, Theo Nischwitz; Guarda-roupa: Irms Pauli; 

Companhias de produção: Constantin Film Produktion; 

Intérpretes: Lex Barker (Roger Mont Elise / Roger von 

Marienberg), Christopher Lee (conde Frederic Regula, Graf 

von Andomai), Karin Dor (baronesa Lilian von Brabant), 

Carl Lange (Anathol), Vladimir Medar, Christiane Rücker, 

Dieter Eppler, Horst Naumann, etc. Duração: 85 min. 

Título original: House of Evil ou Dance of Death ou 

Macabre Serenade 

Realização: Jack Hill, Juan Ibáñez (México, EUA, 1968); 

Argumento: Jack Hill, Luis Enrique Vergara, segundo obra 

de Edgar Allan Poe; Produção: Juan Ibáñez, Luis Enrique 

Vergara; Música: Enrico C. Cabiati, Alice Uretta; Fotografi a 

(cor): Raúl Domínguez, Austin McKinney; Assistentes de 

realização: Barry Langley; Companhias de produção: Azteca 

Films; Intérpretes: Boris Karloff (Matthias Morteval), Julissa 

(Lucy Durant), Andrés García (Beasley), José Ángel Espinosa 

‘Ferrusquilla’, Beatriz Baz, Quintín Bulnes, Manuel Alvarado, 

Arturo Fernández, Carmen Velez, Felipe de Flores, Fernando 

Saucedo, Estuardo Mora, José Luis G. de León, Victor Jordan, 

José Antonio Garcia, etc. Duração: 89 min 

HISTÓRIAS EXTRAORDIONÁRIAS 

Título original: Histoires extraordinaires ou Spirits of 

the Dead ou Tales of Mystery ou Tales of Mystery and 

Imagination ou Tre passi nel delirio ou Trois histoires 

extraordinaires d’Edgar Poe 

Realização: Federico Fellini (episódio “Toby Dammit”), 

Louis Malle (episódio “William Wilson”), Roger Vadim 

(episódio “Metzengerstein”) (Itália, França, 1968); 

Argumento: Edgar Allan Poe (story “Metzengerstein”) 

(episódio “Metzengerstein”) (as Edgar Allan Poë); Roger 

Vadim, Pascal Cousin, segundo obra de Edgar Allan Poe 

(episódio “Metzengerstein”); Louis Malle, Clement Biddle 

Wood, Daniel Boulanger, segundo obra de Edgar Allan Poe 

(episódio “William Wilson” e “Metzengerstein”); Federico 

Fellini, Bernardino Zapponi, segundo obra de Edgar Allan 

Poe (“Ne pariez jamais votre tête avec le Diable” (Never Bet 

the Devil Your Head)) (episódio “Toby Dammit”); Produção: 

Raymond Eger, Alberto Grimaldi; Música: Diego Masson 

(episódio “William Wilson”); Jean Prodromidès (episódio 

“Metzengerstein”); Nino Rota (episódio “Toby Dammit”); 

Fotografi a (cor): Tonino Delli Colli (episódio “William 

Wilson”); Claude Renoir (episódio “Metzengerstein”); 

Giuseppe Rotunno (episódio “Toby Dammit”); Montagem: 

Franco Arcalli e Suzanne Baron (episódio “William Wilson”); 

Ruggero Mastroianni (episódio “Toby Dammit”); Helène 

Plemiannikov (episódio “Metzengerstein”); Design de 

Produção: Jean André (episódio “Metzengerstein”); Piero 

Tosi (supervising production designer) (episódio “Toby 

Dammit”); Ghislain Uhry (episódio “William Wilson”); 

Direcção artística: Fabrizio Clerici (episódio “Toby 

Dammit”); Carlo Leva (episódio “William Wilson”); Direcção 

de produção: André Cultet e Ludmilla Goulian (episódio 

“Metzengerstein”), Thomas Sagone (episódios “William 

Wilson” e “Toby Dammit”), Enzo Provenzale (episódio 

“Toby Dammit”); Assistentes de realização: Vana Caruso 

(episódio “William Wilson”), Michel Clément, Serge Vallin 

e Jean-Michel Lacor (episódio “Metzengerstein”), Eschilo

Tarquini, Francesco Aluigi e Liliane Betti (episódio “Toby 

Dammit”); Efeitos visuais: Joseph Nathanson (episódio 

“Toby Dammit”); Guarda-roupa: Jacques Fonteray 

episódio (“Metzengerstein”), Piero Tosi (episódio “Toby 

Dammit”), Ghislain Uhry e Carlo Leva (episódio “William 

Wilson”); Companhias de produção: Les Films Marceau 

(Paris), Produzioni Europee Associati (PEA), Cocinor, Les 

Films Marceau; Intérpretes: Brigitte Bardot (Giuseppina 

- episódio “William Wilson”), Alain Delon (William Wilson), 

Katia Christine (jovem), Umberto D’Orsi (Hans), Renzo 

Palmer (padre), Marco Stefanelli, Daniele Vargas, John 

Karlsen (episódio “William Wilson”); Jane Fonda (Condessa 

Frederica ), James Robertson Justice (conselheiro), Françoise 

Prévost (amigo da condessa), Peter Fonda (Barão Wilhelm), 

Marlène Alexandre, Marie-Ange Aniès, David Bresson, 

Peter Dane, Georges Douking, Philippe Lemaire, Carla 

Marlier, Serge Marquand, Audoin de Bardot, Anny Duperey, 

Andréas Voutsinas (episódio “Metzengerstein”); Terence 

Stamp (Toby Dammit), Salvo Randone (padre), Monica 

Pardo, Anne Tonietti, Marina Yaru, Fabrizio Angeli, Franco 

Arcalli, Federico Boido, Ernesto Colli, Paul Cooper, Dakar, 

Gabriel Lagay, Irina Maleeva, Antonia Pietrosi, Polidor, 

Mimmo Poli, Alfredo Rizzo, Marisa Traversi, Milena Vukotic, 

Aleardo Ward (episódio “Toby Dammit”) e ainda Clement 

Biddle Wood, Vincent Price e Maurice Ronet (narradores); 


Título original: Witchfi nder General ou Edgar Allan Poe’s 

Conqueror Worm ou Matthew Hopkins: Conqueror 

Worm ou Matthew Hopkins: Witchfi nder General ou The 

Conqueror Worm 

Realização: Michael Reeves (Inglaterra, 1968); Argumento: 

Tom Baker, Michael Reeves, Louis M. Heyward, segundo 

romance de Ronald Bassett e poema de Edgar Allan Poe 

(“The Conqueror Worm”); Produção: Louis M. Heyward, 

Arnold L. Miller, Tony Tenser, Philip Waddilove; Música: Paul 

Ferris, Kendall Schmidt; Fotografi a (cor): John Coquillon; 

Montagem: Howard Lanning; Casting: Freddie Vale; 

Direcção artística: Jim Morahan; Maquilhagem: Dorrie 

Hamilton, Henry Montsash; Direcção de produção: Ricky 

Howard; Assistentes de realização: Ian Goddard, Iain 

Lawrence; Departamento de arte: Dennis Cantrell, Jimmy 

James, Andrew Low; Som: Paul Le Mare, Hugh Strain; Efeitos 

Especiais: Roger Dicken; Guarda-roupa: Jill Thompson; 

Companhias de produção: Tigon British Film Productions, 

American International Productions; Intérpretes: Vincent 

Price (Matthew Hopkins), Ian Ogilvy (Richard Marshall), 

Rupert Davies (John Lowes), Hilary Heath (Sarah Lowes), 

Robert Russell (John Stearne), Nicky Henson (Trooper 

Robert Swallow), Tony Selby, Bernard Kay, Godfrey James, 

Michael Beint, John Trenaman, Bill Maxwell, Paul Ferris, 

Maggie Kimberly, Peter Haigh, Hira Talfrey, Anne Tirard, 

Peter Thomas, Edward Palmer, David Webb, Lee Peters, 

David Lyell, Alf Joint, Martin Terry, Jack Lynn, Beaufoy Milton, 

Dennis Thorne, Michael Segal, Toby Lennon, Margaret 

Nolan, Sally Douglas, Donna Reading, Patrick Wymark (Gen. 

Oliver Cromwell), Wilfrid Brambell, etc. Duração: 86 min. 

Título original: série de TV “Mystery and Imagination” 

– episódio “The Fall of the House of Usher” 

Realização: Kim Mills (Inglaterra, 1966); Argumento: 

segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Jonathan 

Alwyn, Raymond Collier; Companhias de produção: 

Independent Television (ITV); Intérpretes: David Buck 

(Richard Beckett), Denholm Elliott (Roderick Usher), 

Dudley Jones (médico), Oliver MacGreevy (Finn), Mary 

Miller (Lucy), Susannah York (Madeleine Usher), etc. 

Duração: 50 min; Data de emissão: 12 de Fevereiro de 1966 


Título original: série de TV “Mystery and Imagination” 

– episódio The Tell-tale Heart 

Realização: Robert Tronson (Inglaterra, 1968); Argumento: 

Peter Van Greenaway segundo obra de Edgar Allan Poe; 



Produção: Jonathan Alwyn; Companhias de produção: 

Independent Television (ITV); Intérpretes: Norman Eshley 

(Jean Lemaistre), Sandra Fehr (Martine), Gillian French, 

Leslie French, Bob Hornery, Freddie Jones (Vaudin), Kenneth 

J. Warren, Antony Webb, Avril Yarrow, etc. Duração: 50 min; 

Data de emissão: 20 June 1968 (Temporada 3, Episódio 5). 

Título original: “Detective” – episódio “The Murders in 

the Rue Morgue” 

Realização: James Cellan Jones (EUA, 1968); Argumento: 

James MacTaggart, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Verity Lambert; Design de produção Tim 

Gleeson; Intérpretes: Guido Adorni (Mentoni), Philip 

Anthony (Beloir), Christopher Benjamin (Rodier), Ray 

Callaghan (Le Bon), John DeVaut (Bird), Dennis Edwards 

(Dumas), Jimmy Gardner (Muset), Beatrice Greek 

(Madame Douterc), James Hall, Walter Horsbrugh (Duval), 

Charles Kay (Edgar Allan Poe), Charles Kinross, Anthony 

Langdon, Kevork Malikyan, Geoffrey Rose, Edward 

Woodward, Marguerite Young, etc. Data de emissão: 1 de 

Setembro de 1968 (Temporada 2, Episódio 17). 

Título original: Masca crvene smrti 

Realização: Branko Ranitovic, Pavao Stalter (Jugoslávia, 

1969); Argumento: Zdenko Gasparovic, Branko Ranitovic, 

segundo obra de Edgar Allan Poe; Animação; Companhias 

de produção: Zagreb Film; Duração: 10 min. 

Título original: The Oblong Box ou Dance, Mephisto ou 

Edgar Allan Poe’s The Oblong Box 

Realização: Gordon Hessler (EUA, 1969); Argumento: 

Lawrence Huntington, Christopher Wicking, segundo obra 

de Edgar Allan Poe; Produção: Pat Green, Gordon Hessler, 

Louis M. Heyward; Música: Harry Robertson; Fotografi a 

(cor): John Coquillon; Montagem: Max Benedict; Design 

de Produção: George Provis; Guarda-roupa: Kay Gilbert; 

Maquilhagem: Jimmy Evans, Bobbie Smith; Assistentes 

de realização: Derek Whitehurst; Departamento de arte: 

Terence Morgan, W. Simpson Robinson; Som: Bob Jones, 

Bob Peck; Guarda-roupa: Kay Gilbert; Companhias de 

produção: American International Productions; Intérpretes: 

Vincent Price (Sir Julian Markham), Christopher Lee (Dr. J. 

Neuhart), Rupert Davies (Joshua Kemp), Uta Levka (Heidi), 

Sally Geeson, Alister Williamson, Peter Arne, Hilary Heath, 

Maxwell Shaw, Carl Rigg, Harry Baird, Godfrey James, James 

Mellor, John Barrie, Ivor Dean, Danny Daniels, Michael 

Balfour, Hira Talfrey, etc. Duração: 97 min (DVD). 

O CHORAR DOS MORTOS 

Título original: Cry of the Banshee 

Realização: Gordon Hessler (Inglaterra, 1970); Argumento: 

Tim Kelly, Christopher Wicking (aparece no início do fi lme 

uma citação de Poe retirada do poema “The Bells”); 

Intérpretes: Vincent Price (Lord Edward Whitman), Hilar 

y Heath (Maureen Whitman), Carl Rigg (Harry Whitman), 

Patrick Mower (Roderick), Essy Persson (Lady Patricia 

Whitman), Marshall Jones (Father Tom), Elisabeth 

Bergner, Stephan Chase, Sally Geeson, Hugh Griffi th, 

Robert Hutton, Andrew McCulloch, Pamela Fairbrother, 

Quinn O’Hara, Jan Rossini, etc. Duração: 91 min. 

Título original: Nella Stretta Morsa del Ragno ou And 

Comes the Dawn... But Colored Red ou Dracula im Schloß 

des Schreckens ou Dracula in the Castle of Blood ou E venne 

l’alba... ma tinto di rosse ou Edgar Poe chez les morts vivants 

ou Les Fantômes de Hurlevent ou In the Grip of the Spider 

ou Le Prisonnier de l’araignée ou Web of the Spider 

Realização: Antonio Margheriti (Anthony M. Dawson) 

(Itália,França, RFA, 1971); Argumento: Giovanni Addessi, 

Bruno Corbucci, Giovanni Grimaldi, Antonio Margheriti, 

afi rma-se “baseado em Edgar Allan Poe, “Night of the 

Living Dead” (?);Produção: Giovanni Addessi; Música: Riz 

Ortolani; Fotografi a (cor): Guglielmo, Sandro Mancori, 

Silvano Spagnoli; Montagem: Otello Colangeli, Fima 

Noveck; Design de produção: Ottavio Scotti; Decoração: 

Camillo Del Signore; Guarda-roupa: Mario Giorsi; 

Maquilhagem: Maria Luisa Jilli, Nicla Palombi, Marisa Tilly; 

Direcção de Produção: Franco Caruso, Salvatore De Rosa, 

Ennio Di Meo; Assistentes de Realização; Ignazio Dolce; 

Som: Pietro Spadoni; Efeitos especiais: Cataldo Galliano; 

Companhias de produção: Paris-Cannes Productions, 

Produzione DC7, Terra-Filmkunst; Intérpretes: Anthony 

Franciosa (Alan Foster), Michèle Mercier (Elisabeth 

Blackwood), Klaus Kinski (Edgar Allan Poe), Peter Carsten 

(Dr. Carmus), Silvano Tranquilli (William Perkins), Karin 

Field (Julia), Raf Baldassarre, Irina Maleeva, Enrico 

Osterman, Marco Bonetti, Vittorio Fanfoni, Carla Mancini, 

Paolo Gozlino, etc. Duração: 109 min. 

Título original: série de TV “Hora once” – episódio 

“Eleonora” 

Realização: Josefi na Molina (Espanha, 1971); Argumento: 

José María Fernández, segundo obra de Edgar Allan 

Poe; Intérpretes: Ana Belén (Eleonora / Ligeia), Eusebio 

Poncela (Edgar), Mary Delgado (Tía Frances), etc. Duração: 

64 min. 


Realização: Steve Carver (EUA, 1971); Argumento: 

segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Steve Carver; 

Música: Elmer Bernstein; Fotografi a (cor): Irv Goodnoff; 

Maquilhagem: Doug Kelly; Bob Stein; Intérpretes: Sam 

Jaffe (velho), Alex Cord (assassino), Ed Binns, Dennis Cross, 

Dan Desmond, etc. 

Título original: Murders in the Rue Morgue ou Edgar 

Allan Poe’s Murders in the Rue Morgue 

Realização: Gordon Hessler (EUA, 1971); Argumento: 

Christopher Wicking, Henry Slesar, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Produção: Samuel Z. Arkoff, Louis M. Heyward, 

James H. Nicholson, Clifford Parkes; Música: Waldo de los 

Ríos; Fotografi a (cor): Manuel Berenguer; Montagem: Max 

Benedict; Design de Produção: José Luis Galicia; Guardaroupa: 

Tony Pueo; Maquilhagem: Francisco Ramón 

Ferrer, Carmen Martín, Carmen Sánchez, Jack H. Young; 

Direcção de produção: Luis Hernanz, Roberto Roberts; 

Assistentes de realização: Kuki López Rodero; Som: Wally 

Milner, Enrique Molinero, Anne Parsons; Companhias 

de produção: American International Pictures (AIP); 

Intérpretes: Jason Robards (Cesar Charron), Herbert Lom 

(Rene Marot), Christine Kaufmann (Madeleine Charron), 

Adolfo Celi (Inspector Vidocq), Maria Perschy (Genevre), 

Michael Dunn (Pierre Triboulet, Lilli Palmer (Mrs. Charron), 

Peter Arne, Rosalind Elliot, Marshall Jones, María Martín, 

Ruth Plattes, Rafael Hernández, Pamela McInnes, Sally 

Longley, Luis Rivera, Dean Selmier, Virginia Stach, Werner 

Umberg, Xan das Bolas, Brooke Adams, José Calvo, Víctor 

Israel, etc. Duração: 87 min | 98 min.

Título original: Hjertet, der sladrede (TV) 

Realização: Jørgen Vestergaard (Dinamarca, 1971); 

Argumento: Jørgen Vestergaard, segundo obra de Edgar 

Allan Poe (“The Tell-Tale Heart”); Design de Produção: 

Per Tønnes Nielsen; Animação: Per Tønnes Nielsen; 

Companhias de produção: Danmarks Radio (DR); 

Intérpretes: Erik Mørk (voz); Duração: 25 min. 

Título original: Legend of Horror 

Realização: Enrique Carreras, Bill Davies (EUA,1972); 

Argumento: segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Tell- 

Tale Heart”); Produção: Enrique Torres Tudela; Companhias 

de produção: General Film Corporation; Intérpretes: 

William Bates, Karin Field, Fawn Silver, Narciso Ibáñez 

Menta, Narciso Ibáñez Serrador, etc. 

Título original: An Evening of Edgar Allan Poe 

Realização: Kenneth Johnson (EUA, 1972); Argumento: 

Kenneth Johnson, David Welch, segundo obras de Edgar 

Allan Poe (“The Tell-Tale Heart”, “The Sphinx”, “The Cask of 

Amontillado” e “The Pit and the Pendulum”); Produção: 

Samuel Z. Arkoff, Kenneth Johnson, Dan Kibbie, James H. 

Nicholson; Música: Les Baxter; Montagem: Jerry Greene; 

Direcção artística: Henry Lickel; Guarda-roupa: Mary 

Grant; Maquilhagem: Joe DiBella; Direcção de produção: 

Tim Steele; Som: Norm Schwartz, Bill Smay; Companhias 

de produção: American-International Television (AIP-TV); 

Intérpretes: Vincent Price (Narrador); Duração: 53 min. 

Título original: One Minute Before Death ou Edgar Allan 

Poe’s One Minute Before Midnight ou El Retrato Ovalado 

ou The Oval Portrait 

Realização: Rogelio A. González (EUA, México, 1972); 

Argumento: Enrique Torres Tudela, segundo obra de 

Edgar Allan Poe (“The Oval Portrait”); Produção: Enrique 

Torres Tudela; Música: Les Baxter; Fotografi a (cor): León 

Sánchez; Montagem: Sigfrido Garcia; Som: Larry Sutton; 

Intérpretes: Wanda Hendrix (Genevieve Howard), Barry 

Coe (Paul Howard), Gisele MacKenzie (Agatha), Maray 

Ayres, Ty Haller, Pia Shandel, D. Goldrick, Terence Kelly, 

Doris Buckinham, Leanna Heckey, Pamela Allen, Jack 

Ammon, Dax Logan, Ivor Harries, George Spracklin, 

Shanna Dickson, Allan Anderson, Barney O’Sullivan, etc. 


Título original: Il Tuo vizio è una stanza chiusa e solo io 

ne ho la chiave ou Excite Me ou Eye of the Black Cat ou 

Gently Before She Dies ou Your Vice Is a Closed Room and 

Only I Have the Key ou Your Vice Is a Locked Room and 

Only I Have the Key (DVD) 

Realização: Sergio Martino (Itália, 1972); Argumento: 

Adriano Bolzoni, Ernesto Gastaldi, Luciano Martino, 

Sauro Scavolini, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The 

Black Cat”); Produção: Luciano Martino; Música: Bruno 

Nicolai; Fotografi a (cor): Giancarlo Ferrando; Montagem: 

Attilio Vincioni; Design de Produção: Giorgio Bertolini; 

Guarda-roupa: Oscar Capponi; Maquilhagem: Iolanda 

Conti, Giulio Natalucci; Direcção de produção: Lamberto 

Palmieri, Furio Rocchi; Assistentes de realização: 

Vittorio Caronia; Som: Bruno Moreal, Roberto Moreal; 

Companhias de produção: Lea Film; Intérpretes: Edwige 

Fenech (Floriana), Anita Strindberg (Irina Rouvigny), Luigi 

Pistilli (Oliviero Rouvigny), Ivan Rassimov (Walter), Franco 

Nebbia (Inspector), Riccardo Salvino (Dario), Angela La 

Vorgna (Brenda), Enrica Bonaccorti, Daniela Giordano, 

Ermelinda De Felice, Marco Mariani, Nerina Montagnani, 

Carla Mancini, Bruno Boschetti, Dalila Di Lazzaro, etc. 


Título original: The Sabbat of the Black Cat 

Realização: Ralph Lawrence Marsden (Austrália, 1973); 

Argumento: Ralph Lawrence Mariden, segundo obra 

de Edgar Allan Poe (“The Black Cat”); Produção: Ralph 

Lawrence Marsden; Fotografi a (cor): Ralph Lawrence 

Marsden; Companhias de produção: Ralph Lawrence 



Marsden; Intérpretes: Ralph Lawrence Marsden (Edward 

Alden), Barbara Brighton (Virginia Alden), Babylon, Tracey 

Tombs, David Bingham, Jim Fitch, etc. Duração: 80 min. 

Título original: Le Double Assassinat de la Rue Morgue ou 

The Murders in the Rue Morgue (TV) 

Realização: Jacques Nahum (França, 1973); Argumento: 

Jacques Nahum, Albert Simonin, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Fotografi a (cor): Jean Limousin; Intérpretes: 

Georges Descrières (Le Dandy), Daniel Gélin (Dupin), 

Jean Danet, Philippe Ogouz, Nadine Alari, Catherine Rich, 

Jacques Duby, Henri Gilabert, Edmond Tamiz, Eva Damien, 

Evelyne Ker, Tony Rödel, Jean Lepage, César Torres, Paul 

Pavel, Jacques Faber, Jacques Marin, etc. Data de emissão: 

2 de Junho de 1973 (França). 

Título original: The Mansion of Madness ou Dr. Goudron’s 

System ou Dr. Tarr’s Pit of Horrors ou Dr. Tarr’s Torture 

Dungeon ou Edgar Allan Poe: Dr. Tarr’s Torture Dungeon 

ou House of Madness ou La Mansión de la Locura ou The 

System of Dr. Tarr and Professor Feather 

Realização: Juan López Moctezuma (México, 1973); 

Argumento: Carlos Illescas, Juan López Moctezuma 

segundo obra de Edgar Allan Poe: Intérpretes: Claudio 

Brook (Dr. Maillard / Raoul Fragonard), Arthur Hansel 

(Gaston LeBlanc), Ellen Sherman (Eugénie), Martin LaSalle 

(Julien Couvier), David Silva, Mónica Serna, Max Kerlow, 

Susana Kamini, Pancho Córdova, Roberto Dumont, Henry 

West, Jorge Bekris, René Alís, Mario Castillón Bracho, Oscar 

Saro, etc. Duração: 99 min | EUA : 88 min. 

Título original: Hilda Muramer (TV) 

Realização: Jacques Trébouta (França, 1973); Argumento: 

Loys Masson, segundo obra de Edgar Allan Poe 

(«Metzengerstein»); Fotografi a (cor): André Diot, Georges 

Leclerc; Decoração: Georges Wakhévitch; Guarda-roupa: 

Georges Wakhévitch; Intérpretes: Loumi Iacobesco (Helda 

Muramer), Jacques Weber (Frédérick von Glauda), Paul 

Crauchet (Wolfgang), Tony Taffi n (Frédérick von glauda, 

velho), Dominique Toussaint, Hervé Jolly, etc. Duração: 65 

min; Data de emissão: 12 de Setembro de 1973 (França). 

Título original: The Spectre of Edgar Allan Poe 

Realização: Mohy Quandour (EUA, 1974); Argumento: 

Denton Foxx, Kenneth Hartford; Intérpretes: Robert 

Walker Jr. (Edgar Allan Poe), Cesar Romero (Dr. Richard 

Grimaldi), Tom Drake (Dr. Adam Forrest), Carol Ohmart 

(Lisa Grimaldi), Mary Grover (Lenore), Mario Milano, Karen 

Hartford, Frank Packard, Marcia Mae Jones, Dennis Fimple, 

Paul Bryar, etc. Duração: 89 min. 

Título original: Satanás de todos los Horrores 

Realização: Julián Soler (México, 1974); Argumento: 

Alfredo Ruanova, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The 

Fall of The House of Usher”); Produção: Alfredo Ruanova; 

Música: Ernesto Cortázar Filho; Fotografi a (cor): Xavier 

Cruz; Montagem: Raul J. Casso; Casting: Guillermo 

Díaz; Maquilhagem: Virgínia Campos, Antonio Ramírez; 

Direcção de produção: Daniel Bautista; Assistentes 

de realização: Fernando Durán Rojas; Som: Consuelo 

Jaramillo, Jorge Mayorga; Efeitos Especiais: Ricardo Sáinz; 

Companhias de produção: Estudios América; Intérpretes: 

Enrique Lizalde (Roberto Ortiz), Enrique Rocha (Eric 

Gerard), Carlos López Moctezuma (Manuel), Illya Shanell, 

Jesús Gómez, etc. Duração: 73 min. 


Realização: Narciso Ibáñez Serrador (Argentina, 1974); 

Argumento: Narciso Ibáñez Serrador segundo obra de 

Edgar Allan Poe; Produção: Rodolfo Vivas; Companhias 

de produção: Teleonce; Intérpretes: Narciso Ibáñez 

Menta (Edmond), Aída Luz (Berenice), Luis Medina Castro 

(Bernard), Beto Gianola, Noemí Laserre, Adolfo Linvel, etc. 

Título original: série de TV “El Quinto Jinete” – episódio 

El gato negro 

Realização: José Antonio Páramo (??); Argumento: José 

Antonio Páramo segundo obra de Edgar Allan Poe (“The 

Black Cat”); Produção: Fernando Moreno; Fotografi a 

(cor): Rafael de Casenave; Montagem: José Luis Gil; 

Design de Produção: Rafael Borqué; Decoração: Fernando 

Sáenz; Guarda-roupa: Javier Artiñano; Maquilhagem: 

Gloria Castellanos, Fernando Martínez, Francisco Puyol; 

Assistentes de realização: Luis Ligero; Departamento 

de arte: Fernando Quejido; Juan Francisco Rodríguez; 

Intérpretes: José Vivó (Crane), Lola Gaos (Drusila), Ana del 

Arco (Vecina), etc. 

Título original: série de TV “Les Grands Détectives” 

(França, 1975) 

Realização: Jean Herman (França, 1975); Argumento da 

série: Pierre Chevalier, Jacques Nahum, Michel Andrieu, 

François Chevallier, Peter Cheyney, Arthur Conan Doyle, 

Jean Ferry, Émile Gaboriau, Edgar Allan Poe, Stanislas- 

André Steeman; Música: Vladimir Cosma; Companhias 

de produção: Antenne-2, Bavaria-Filmkunst Verleih, Mars 

International Productions, Technisonor; Intérpretes: Roger 

Van Hool (L’inspecteur Wens), Laurent Terzieff (Auguste 

Dupin), Pierre Vernier (Santerre), Corinne Marchand, 

Claude Degliame, François Simon, Bernard Rousselet, etc. 

Duração: 52 min (6 Episódios).

Título original: Het Testament van Edgar Allan Poe: De 

onrust van het graf (TV) 

Realização: Emanuel Boeck (Bélgica, Holanda, 1975); 

Argumento: Emanuel Boeck, Hugo Heinen; Companhias 

de produção: Belgische Radio en Televisie (BRT); 

Intérpretes: Henk van Ulsen (Edgar Allan Poe), etc. 

Título original: Testament van Edgar Allan Poe: De doem 

van het bloed (TV) 

Realização: Emanuel Boeck (Bélgica, Holanda, 1975); 

Argumento: Emanuel Boeck, Hugo Heinen; Companhias 

de produção: Belgische Radio en Televisie (BRT); 

Intérpretes: Henk van Ulsen (Edgar Allan Poe), Marielle 

Fiolet, Caro Van Eyck, etc. 

Título original: El Acomodador 

Realização: Edgardo Rosso (Argentina, 1975); Argumento: 

Enrique Butti, Estela Figueroa, Edgardo Rosso, segundo 

obra de Edgar Allan Poe; Fotografi a (cor): Esteban 

Courtalon; Montagem: Enrique Butti, Edgardo Rosso; 

Som: Enrique Butti, Edgardo Rosso; Intérpretes: Irma de 

Auquín, Martha Barros, Armonía Bugueiro, Raúl Cerda, 

Ana Cohen, Coco Di Paola, Alicia Dolinski, Alicia Figueroa, 

Estela Figueroa, Lechuga, Roberto Maurer, Chela Mengui, 

Oscar Meyer, Susana Paradot, Ramón Pati, Chiry Rodríguez, 

Juan Carlos Rodríguez, Estela Torti, Juan Vergel, Leticia 

Villamea, etc. Duração: 70 min. 

Título original: La Noche de los Asesinos ou Night of the 

Assassins ou Night of the Skull oui Suspiri 

Realização: Jesus Franco (Espanha, 1976); Argumento: 

Jesus Franco (com o pseudónimo James P. Johnson), 

segundo obras de Edgar Allan Poe (“The Cat and the 

Canary”) e Edgar Wallace; Produção: Arturo Marcos; 

Música: Carlo Savina; Fotografi a (cor): Javier Pérez Zofi o; 

Montagem: Antonio Gimeno; Companhias de produção: 

Copercines, Cooperativa Cinematográfi ca, Fénix 

Cooperativa Cinematográfi ca; Intérpretes: Alberto Dalbés 

(Major Oliver Brooks), Evelyne Scott (Lady Marta Tobias), 

William Berger (Barão Simon Tobias), Maribel Hidalgo 

(Lady Cecilia Marian), Lina Romay, Vicente Roca. Yelena 

Sacarina, Antonio Mayans, Ángel Menéndez, Luis Barboo, 

Swan Heinze, José María Palácios, P. Martínez, Eduardo 

Puceiro, Ricardo Vázquez, Jesus Franco, Dan van Husen, 


Título original: série de TV “Centre Play” William Wilson 

Realização: James Ormerod (Inglaterra, 1976); Argumento: 

Hugh Whitemore, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Louis Marks; Companhias de produção: British 

Broadcasting Corporation (BBC); Intérpretes: Norman 

Eshley (William Wilson), Stephen Murray (Dr. Bransby), 

Matthew Stones (William Wilson, jovem), Charles Spicer 

(William Wilson), Thomas Bulman, Peter Demin, Anthony 

Daniels, Robert Tayman, Nigel Bowden, Anthony Herrick, 

Ludmilla Nova, etc. Data de emissão: 19 de Dezembro de 

1976 (Temporada 6, Episódio 1). 

Título original: série de TV “Centre Play” - episódio The 

Imp of the Perverse 

(Inglaterra, 1975); Argumento: Andrew Davies, segundo 

obra de Edgar Allan Poe; Companhias de produção: British 

Broadcasting Corporation (BBC); Intérprete: Michael 

Kitchen; Data de emissão: 20 de Dezembro de 1975 


Título original: Valdemar, el Homonculus Dormido 

Realização: Tomás Muñoz Torres (Espanha, 1977); 

Argumento: Tomás Muñoz Torres, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Fotografi a (p/b): Carles Gusi; Montagem: José 

María Aragonês; Companhias de produção: Sebastián 

Dan Producciones Cinematográfi cas; Intérpretes: Carlos 

Bernabeu Sender, Juan Manuel García, Luis Pinto Rey, José 

Reig, Juan Reverte, José Siles, etc. Duração: 29 min. 

Título original: Das Verräterische Herz (TV) 

Realização: Karl-Heinz Kramberg (RFA, 1979); Argumento: 

segundo obra de Edgar Allan Poe; Intérpretes: Hans 

Clarin, Ferdy Mayne, etc. Duração: 60 min. 

Título original: série de TV I Racconti fantastici di Edgar 

Allan Poe 

Realização: Daniele D’Anza (Itália, 1979); Argumento: 

Daniele D’Anza, Biagio Proietti, segundo obras de Edgar 

Allan Poe; Produção: Arturo La Pegna; Companhias de 

produção: CEP, Produzioni Cinematografi che C.E.P. S.r.l.; 

Intérpretes: Nino Castelnuovo (William Wilson), Silvia 

Dionisio (Morella), Dagmar Lassander (Ligeia), Maria 

Rosaria Omaggio, Philippe Leroy (Roderick Usher), Vittorio 

Mezzogiorno, Gastone Moschin, Umberto Orsini (Robert 

Usher), Janet Agren (Eleanor), Paola Gassman, Giorgio 

Biavati, Christina Businari, Sergio Doria, Margherita 

Guzzinati, Licinia Lentini, Giancarlo Maestri, Dario 

Mazzoli, Sergio Nicolai, Giuseppe Pertile, Victoria Zinny, 

etc; Duração: 240 min (4 Episódios); Data de emissão: 11 

de Março de 1979 (Itália). 

Título original: Die Schwarze Katze (TV) 

Realização: Karl-Heinz Kramberg (RFA, 1980); Argumento: 

segundo obra de Edgar Allan Poe; Intérpretes: Anita Mally, 

Rainer Rudolph, etc.; Duração: 60 min. 

Título original: série de TV - ABC Weekend Specials - 

episódio The Gold Bug 

Realização: Robert Fuest (EUA, 1980); Argumento: Edward 

Pomerantz, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: 

Don Bachrach, Linda Gottlieb; Música: Charles Gross; 

Fotografi a (cor): Alex Thomson; Montagem: Dennis M. 

O’Connor; Casting: Isabel Halliburton; Design de Produção: 

Charles C. Bennett; Decoração: J. Edward Hudson; Guardaroupa: 

Dorothy Weaver; Maquilhagem: Steve Atha; 

Assistentes de realização: Robert Barth, Walter Rearick; 

Departamento de arte: Harry Drennan, Denny Mooradian; 

Som: Al Nahmias, Nigel Noble; Companhias de produção: 

Learning Corporation of América; Intérpretes: Roberts 

Blossom (Mr. LeGrand), Geoffrey Holder (Jupiter), Anthony 

Michael Hall, Robert Moberly, Sudie Bond, Anne Haney, 

Alix Elias, Philip Bruns, etc. Duração: 45 min; Data de 

emissão:2 de Fevereiro de 1980 (Temporada 3, Episódio 7). 

O NEVOEIRO 

Título original: The Fog ou John Carpenter’s The Fog 

Realização: John Carpenter (EUA; 1980); Argumento: 

John Carpenter & Debra Hill; Música: John Carpenter; 

Fotografi a (cor): Dean Cundey; Montagem: Charles 

Bornstein, Tommy Lee Wallace; Design de produção: 

Tommy Lee Wallace; Direcção artística: Craig Stearns; 



Guarda roupa: Stephen Loomis, Bill Whittens; 

Maquilhagem: Rob Bottin, Tina Cassady, Steve Johnson, 

Dante Palmiere, Edward Ternes, Erica Ulland; Direcção 

de produção: Don Behrns; Assistentes de realização: 

Larry J. Franco; Departamento de arte: Kathleen Hughes, 

Charles Moore, Randy Moore; Som: Craig Felburg, Ron 

Horwitz, Frank Serafi ne, William L. Stevenson, Elliot 

Tyson; Efeitos Especiais: Richard Albain; Produção: Barry 

Bernardi, Charles B. Bloch, Pegi Brotman, Debra Hill; 

Companhias de produção: AVCO Embassy Pictures; EDI; 

Intérpretes: Adrienne Barbeau (Stevie Wayne), Jamie Lee 

Curtis (Elizabeth Solley), Janet Leigh (Kathy Williams), 

John Houseman (Mr. Machen), Tom Atkins (Nick Castle), 

James Canning (Dick Baxter), Charles Cyphers (Dan 

O’Bannon), Nancy Kyes (Sandy Fadel), Ty Mitchell (Andy 

Wayne), Hal Holbrook (Padre Malone), John F. Goff, 

George ‘Buck’ Flower, Regina Waldon, Jim Haynie, Darrow 

Igus, John Vick, Jim Jacobus, Fred Franklyn, Ric Moreno, 

Lee Socks, Tommy Lee Wallace, Bill Taylor, Rob Bottin, 

Charles Nicklin, Darwin Joston, Laurie Arent, Lindsey 

Arent, Shari Jacoby, Christopher Cundey, John Strobel, 

John Carpenter (Bennett), etc. Duração: 89 minutos; 

Distribuição em Portugal: Filmes Castello Lopes; Edição 

vídeo: Costa do Castelo; Classifi cação: M/ 16 anos. 

Título original: Histoires extraordinaires: La chute de la 

maison Usher ou The Fall of the House of Usher (TV) 

Realização: Alexandre Astruc (França, 1981); Argumento: 

Pierre Pelegri, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Música: Georges Delerue; Design de Produção: Pierre 

Cadiou; Guarda-roupa: Jacques Fonteray; Intérpretes: 

Fanny Ardant (Madeline Usher), Mathieu Carrière 

(Sir Roderick Usher), Pierre Clémenti (Allan), Jacques 

Dacqmine, Fernand Guiot, Jean Rupert, Georges Lucas, 

Michel Tugot-Doris, France Anerfo, Joël Duigou, Raphaël 

Maykowski, etc. 

Título original: Le Système du Docteur Goudron et du 

Professeur Plume (TV) 

Realização: Claude Chabrol (França, 1981); Argumento: 

Paul Gégauff, segundo obra de Edgar Allan Poe; Música: 

Gérard Anfosso; Fotografi a (cor): Jean Rabier; Montagem: 

Monique Fardoulis; Design de Produção: Hilton 

McConnico; Departamento de arte: Gérard Marcireau; 

Som: Pierre Lenoir; Intérpretes: Ginette Leclerc, Pierre Le 

Rumeur, Jean-François Garreaud, Coco Ducados, Vincent 

Gauthier, Sacha Briquet, Henri Attal, Noëlle Noblecourt, 

Pierre Risch, Arthur Denberg, Charles Charras, Jacques 

Galland, Michel Delahaye, Jean-François Dupas, Pierrette 

Dupoyet, Elisabeth Kaza, Christian Le Hémonet, etc. 


Título original: Zánik domu Usheru 

Realização: Jan Svankmajer (Checoslováquia, 1981); 

Argumento: Jan Svankmajer, segundo obra de Edgar Allan 

Poe; Produção: Viktor Mayer; Música: Jan Klusák; Design 

de Produção: Jan Svankmajer; Animação: Bedrich Glaser, 

Jan Svankmajer; Intérpretes: Petr Cepek (Narrador); 


Título original: Ligeia (TV) 

Realização: Maurice Ronet (França, 1981); Argumento: 

Napoléon Murat, Maurice Ronet, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Música: Gérard Anfosso; Design de Produção: 

Jean Thomen; Intérpretes: Josephine Chaplin (Lady Rowena 

Trevanion), Georges Claisse (Verden Fell), Arielle Dombasle, 

Arlette Balkis, Albert Michel, Hervé Le Boterf, etc. 

Título original: Histoires extraordinaires: Le joueur 

d’échecs de Maelzel (TV) 

Realização: Juan Luis Buñuel (França, 1981); Argumento: 

Juan Luis Buñuel, Hélène Peychayrand, segundo obra de 

Edgar Allan Poe; Música: Gérard Anfosso; Intérpretes: 

Jean-Claude Drouot (Maelzel), Diana Bracho (Éléonore), 

Martin LaSalle (Schlumberger), Julio Lucena (Don Lope), 

Santanón, Eduardo Alcaraz, Pablo Mandoki, Ely Menz, 

Alfonso Meza, Beatriz Sheridan, etc. Duração: 60 min; 

Data de emissão: 7 de Febereiro de 1981 (França). 

Título original: Histoires extraordinaires: Le Scarabée 

d’Or (TV) 

Realização: Maurice Ronet (México, França, 1981); 

Argumento: Claudine Reinach, Maurice Ronet, segundo 

obra de Edgar Allan Poe; Música: Gérard Anfosso; 

Intérpretes: Vittorio Caprioli (M. Ulysse), Dominique Zardi 

(Edmond), Leopoldo Francés (Jupiter), Martin LaSalle 

(Legrand), Humberto Gurza, Miguel Gurza, etc. Duração: 

60 min; Data de emissão: 21 de Fevereiro de 1981 (França). 

Título original: Black Cat ou Gatto Nero 

Realização: Lucio Fulci (Itália, 1981); Argumento: Lucio 

Fulci, Biagio Proietti, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Giulio Sbarigia; Música: Pino Donaggio; 

Fotografi a (cor): Sergio Salvati; Montagem: Vincenzo 

Tomassi; Design de Produção: Franco Calabrese; Direcção 

artística: Massimo Antonello Geleng; Guarda-roupa: 

Massimo Lentini; Maquilhagem: Maria Pia Crapanzano, 

Franco Di Girolamo; Direcção de produção: Renato 

Angiolini, Antonio Da Padova, Ennio Onorati; Tommaso 

Pantano; Assistentes de realização: David Del Bufalo,

Roberto Giandalia, Victor Tourjansky; Departamento de 

arte: Alfredo D’Angelo; Som: Fernando Caso, Ugo Celani, 

Alvaro Gramigna; Efeitos Especiais: Paolo Ricci; Guardaroupa: 

Mina Tacconi; Companhias de produção: Italian 

International Film, Selenia Cinematográfi ca; Intérpretes: 

Patrick Magee (Professor Robert Miles), Mimsy Farmer 

(Jill Trevers), David Warbeck (Inspector Gorley), Al Cliver, 

Dagmar Lassander, Bruno Corazzari, Geoffrey Copleston, 

Daniela Doria, Lucio Fulci, etc. Duração: 92 min. 

Título original: Histoires Extraordinaires: La Lettre Volée (TV) 

Realização: Ruy Guerra (França, 1981); Argumento: Ruy 

Guerra, Gérard Zingg, Viviane Zingg, segundo obra de 

Edgar Allan Poe; Companhias de produção: France 3 (FR 3); 

Intérpretes: Pierre Vaneck (Dupin), Michel Pilorgé (Duval), 

Henrique Viana (Director da polícia), Rui Mendes (Primeiro 

Ministro), Maria do Céu Guerra (Rainha), Agostinho Alves, 

Amílcar Botica, Johnny David, José Gomes (Rei), Pedro 

Pinheiro, etc. Duração: 60 min; Data de emissão: 4 de Abril 

de 1981 (França). 

Título original: El Jugador de Ajedrez 

Realização: Juan Luis Buñuel (México, 1981); Argumento: 

segundo obra de Edgar Allan Poe; Fotografi a (cor): Gabriel 

Figueroa; Intérpretes: Jean-Claude Drouot (Maelzel), 

Diana Bracho, Julio Lucena, Santanón, Martin LaSalle, 

Elpidia Carrillo, Beatriz Sheridan, Eduardo Alcaraz, Alfonso 

Meza, etc. Duração: 50 min. 



Argumento: Narciso Ibáñez Serrador, segundo obra de 

Edgar Allan Poe; Música: Waldo de los Ríos; Companhias 

de produção: Televisión Española (TVE); Intérpretes: 

Narciso Ibáñez Menta (Edmond), Daniel Dicenta (Bernard), 

Amparo Baró (Berenice), Javier Loyola, Aurora Redondo, 

José Albert, Luisa Fernanda Gaona, etc. Duração: 74 min. 

Título original: Revenge in the House of Usher ou La 

Chute de la Maison Usher ou Los Crímenes de Usher ou El 

Hundimiento de la casa Usher ou Neurosis ou Nevrose ou 

Revolt of the House of Usher ou Zombie 5 


Jesus Franco, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Argumento: Jesus Franco, segundo obra de Edgar Allan 

Poe (“The Fall of the House of Usher”); Produção: Jesus 

Franco, Daniel Lesoeur, Marius Lesoeur; Música: Jesus 

Franco, Daniel White; Fotografi a (cor): Jesus Franco, Alain 

Hardy; Montagem: Laura Árias; Companhias de produção: 

Elite Films; Intérpretes: Howard Vernon (Roderic Usher), 

Antonio Mayans (Alan Harker), Lina Romay (Helen), Fata 

Morgana, Ana Galán, Antonio Marín, Daniel White, José 

Llamas, Françoise Blanchard, Analía Ivars, Olivier Mathot, 

Valerie Russel, Jean Tolzac, etc. Duração: 93 min. 

Título original: AzElitélt (TV) 

Realização: Attila Apró (Hungria, 1982); Argumento: Edgar 

Allan Poe (“The Fall of the House of Usher”); Produção: 

György Lakatos; Música: Tamás Deák; Fotografi a (cor): 

Iván Márk; Montagem: Anikó Almási; Design de Produção: 

Lajos Jánosa; Guarda-roupa: Barna Tóth; Companhias de 

produção: Music Television (MTV); Intérpretes: György 

Emõd, István Rozsos, etc. Duração: 36 min; Data de 

emissão: 18 de Janeiro de 1982 (Hungria). 

Título original: The Fall of the House of Usher (TV) 

Realização: James L. Conway (EUA, Checoslováquia, 

1982); Argumento: Stephen Lord, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Produção: James L. Conway, Charles E. Sellier 

Jr.; Música: Bob Summers; Fotografi a (cor): Paul Hipp; 

Montagem: Trevor Jolly; Direcção artística: Paul Staheli; 

Direcção de produção: James Bryan; Departamento de 

arte: Douglas Vandegrift; Som: Dale Angell, Jonathon 

‘Earl’ Stein, Douglas Vaughan; Guarda-roupa: Laurie 

Young; Companhias de produção: Krátk Film Praha, Sunn 

Classic Pictures; Intérpretes: Martin Landau (Roderick 

Usher), Charlene Tilton (Jennifer Cresswell), Ray Walston 

(Thaddeus), Robert Hays, Dimitra Arliss, Peggy Stewart, 

Michael Ruud, H.E.D. Redford, etc. Duração: 101 min. 

Título original: En Busca del Dragón Dorado 


Jesus Franco, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The 

Golden Beetle”); Música: Jesus Franco; Fotografi a 

(cor): Juan Soler; Montagem: Jesus Franco; Direcção de 

produção: Antonio Mayans; Assistentes de realização: 

Lina Romay; Companhias de produção: Golden Films 

Internacional S.A.; Intérpretes: Jesus Franco, Flavia Hervás, 

Ivana Mayans, Rosa Maria Minumer, Luis Rodríguez, César 

Antonio Serrano, Trino Trives, etc. Duração: 83 min. 

Título original: Kyvadlo, Jáma a Nadeje 

Realização: Jan Svankmajer (Checoslováquia, 1983); 

Argumento: Jan Svankmajer, segundo obra de Edgar 

Allan Poe (“The Pit and the Pendulum” ); Produção: Klára 

Stoklasová; Fotografi a (cor): Miloslav Spála; Montagem: 

Helena Lebdusková; Design de Produção: Jan Svankmajer, 

Eva Svankmajerová; Som: Ivo Spalj; Animação: Bedrich 

Glaser; Companhias de produção: Krátk Film Praha; 

Intérprete: Jan Zácek; Duração: 15 min. 

Título original: Berenice 

Realização: Juan Manuel Chumilla (Espanha, 1985); 

Argumento: Juan Manuel Chumilla, Edi Liccioli, segundo 

obra de Edgar Allan Poe; Fotografi a (cor): Fabio Zamarion; 

Montagem: Michael Esser, Annalisa Forgione, Diego Tapia 

Figueroa; Design de Produção: Giacomo Caló Carducci, 

Michele Della Cioppa; Guarda-roupa: Luigi Bonanno, 

Marina Roberti; Direcção de produção: Agnese Fontana; 

Assistentes de realização: Ezio Tarantino; Som: Davide 

Castrati; Intérpretes: Luigi Di Gianni (Professor), Alberto 

Di Stasio (Matteo), Francesca Giordani (Berenice), etc. 


Título original: Der Wilde Rabe ou The Wild Raven 

Realização: Peter Sempel (RFA, 1985); Argumento: Peter 

Sempel, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Peter 

Sempel; Música: Einstürzende Neubauten, Mona Mur; 

Fotografi a (cor): Peter Sempel; Companhias de produção: 

Blitze im Eierbecher; Intérpretes: Jochen Abegg, Marion 

Buchmann, Hellena Stemm, Gitta Luckau, Yves Musard, 


Título original: El Hombre de la Multitud 

Realização: Juan Manuel Chumilla (Espanha, 1986); 

Argumento: Juan Manuel Chumilla, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Produção: Juan Manuel Chumilla; Fotografi a (cor): 

Arnaldo Catinari; Montagem: Annalisa Forgione; Design de 



Produção: Marta Maffucci; Guarda-roupa: Marina Roberti; 

Direcção de produção: Gianluca Arcopinto; Assistentes 

de realização: Leopoldo Santovicenzo; Intérpretes: Cesare 

Apolito (Vagabundo), Juan Manuel Chumilla (Jovem), Pino 

Locchi (Narrador), etc.; Duração: 17 min. 


Realização: Joseph Marzano (EUA, 1986); Argumento: 

Joseph Marzano, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Fotografi a (cor): Nathan Schiff; Assistentes de realização: 

Joseph Cacace, Joseph F. Parda; Companhias de produção: 

JM Pictures; Intérpretes: Joseph Marzano, Joseph F. Parda, 

Joseph Cacace, Nathan Schiff. 

O REI DAS ROSAS 

Título original: Der Rosenkönig ou Le Roi des Roses ou 

The Rose King 

Realização: Werner Schroeter (RFA, França, Portugal, 1986); 

Argumento: Magdalena Montezuma, Werner Schroeter, 

segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Raven”); Produção: 

Paulo Branco, Udo Heiland; Fotografi a (cor): Elfi Mikesch, 

Wolfgang Pilgrim; Montagem: Juliane Lorenz; Design de 

Produção: Caritas de Witt; Decoração: Isabel Branco, Rita 

Azevedo Gomes; Assistentes de realização: João Canijo, 

Corita de Witt, Pedro M. Ruivo, Rainer Will; Som: Vasco 

Pimentel, Joaquim Pinto; Companhias de produção: Udo 

Heiland Filmproduktion, Les Films du Passage, Road 

Movies Filmproduktion, Thomas Harlan, Filmverlag der 

Autoren, Rotterdam Film Festival, António Vaz da Silva, 

Futra Film, Gémini Films, Metro Filmes, Werner Schroeter 

Filmproduktion; Intérpretes: Magdalena Montezuma 

(Anna, a mãe), Mostefa Djadjam (Albert), Antonio Orlando 

(Fernando), Karina Fallenstein, etc. Duração: 110 min. 

OS CRIMES DA RUA MORGUE 

Título original: The Murders in the Rue Morgue ou Le 

Tueur de la Rue Morgue (TV) 

Realização: Jeannot Szwarc (EUA, França, 1986); 

Argumento: David Epstein, segundo obra de Edgar 

Allan Poe (“The Murders in the Rue Morgue”); Produção: 

David Epstein, Robert Halmi Jr., Edward J. Pope, David L. 

Watters; Música: Charles Gross; Fotografi a (cor): Bruno 

de Keyzer; Montagem: Eric Albertson; Direcção artística: 

André Guérin; Decoração: Nady Chauviret; Guarda-roupa: 

Christiane Coste; Maquilhagem: Del Acevedo, Patrick 

Archambault, Stuart Artingstall, Eric Muller; Direcção de 

produção: Jean-Pierre Spiri-Mercanton, Daniel Szuster; 

Assistentes de realização: Francis De Gueltz, Dominique 

Talmon; Departamento de arte: Yves Seigneuret ; Som: 

Daniel Brisseau, Jack Cooley, Jess Soraci; Efeitos Especiais: 

Lyle Conway; Efeitos visuais: Moses Weitzman; Guardaroupa: 

Michèle Richer; Companhias de produção: 

International Film Productions S.A., Robert Halmi; 

Intérpretes: George C. Scott (Auguste Dupin), Rebecca De 

Mornay (Claire Dupin), Ian McShane (Prefect of Police), 

Neil Dickson (Adolphe Le Bon), Val Kilmer (Phillipe Huron), 

Maud Rayer (Melle L’Espanaye), Maxence Mailfort, 

Fernand Guiot, Patrick Floersheim, Roger Lumont, Erick 

Desmarestz, Yvette Petit, Serge Ridoux, Mak Wilson, 

Sebastian Roché, etc. Duração: 100 min | 92 min (TV); Data 

de emissão: 7 de Dezembro de 1986 (EUA). Distribuição 

em Portugal (DVD): Filmes UNimundos, SA; Classifi cação 

etária: M/ 12 anos. 

Título original: The House of Usher ou The Fall of the 

House of Usher 

Realização: Alan Birkinshaw (EUA, 1988); Argumento: 

Michael J. Murray, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Avi Lerner, John Stodel, Harry Alan Towers; 

Música: Gary Chang, George S. Clinton; Fotografi a (cor): 

Yossi Wein; Montagem: Michael J. Duthie; Design de 

Produção: Leonardo Coen Cagli; Guarda-roupa: Dianna 

Cilliers; Maquilhagem: Scott Wheeler; Som: Jerry Jacobson;

Efeitos Especiais: Greg Pitts; Companhias de produção: 

Breton Film Productions; Intérpretes: Oliver Reed (Roderick 

Usher), Donald Pleasence (Walter Usher), Romy Windsor 

(Molly McNulty), Rufus Swart (Ryan Usher), Norman 

Coombes, Anne Stradi, Philip Godawa, Lenorah Ince, 

Jonathan Fairbirn, Carole Farquhar, etc. Duração: 92 min. 

Título original: Il Gatto Nero ou Demons 6 ou Demons 6: 

De Profundis ou Edgar Allan Poe’s The Black Cat ou The 

Black Cat 

Realização: Luigi Cozzi (Itália, 1989); Argumento: Luigi 

Cozzi, Daria Nicolodi, segundo obras de Edgar Allan Poe 

(“The Black Cat”) e de Thomas De Quincey (“Suspiria de 

Profundis”); Produção: Lucio Lucidi; Música: Vince Tempera; 

Fotografi a (cor): Pasquale Rachini; Montagem: Piero Bozza; 

Direcção artística: Marina Pinzuti Anzolini; Guarda-roupa: 

Donatella Cazzola; Maquilhagem: Franco Casagni, Franco 

Casagni, Piero Cucchi, Rosario Prestopino; Direcção de 

produção: Piero Amati, Lillo Capoano, Giovanni Mongini; 

Assistentes de realização: Fabio Di Biagio, Stefano Oddi; 

Departamento de arte: Osvaldo Monaco; Som: Benito 

Alchimede, Fulgenzio Ceccon; Efeitos Especiais: Antonio 

Corridori; Efeitos visuais: Armando Valcauda; Guardaroupa: 

Silvana Cocuccione; Companhias de produção: 

21st Century Film Corporation, World Picture; Intérpretes: 

Florence Guérin (Anne Ravenna), Urbano Barberini (Marc 

Ravenna), Caroline Munro (Nora McJudge), Brett Halsey 

(Leonard Levin), Luisa Maneri (Sara), Karina Huff, Alessandra 

Acciai, Giada Cozzi, Michele Marsina, Jasmine Maimone, 

Maurizio Fardo, Michele Soavi,etc. Duração: 89 min. 

Título original: Masque of the Red Death ou Edgar Allan 

Poe’s Masque of the Red Death 

Realização: Larry Brand (EUA, 1989); Argumento: Daryl 

Haney, Larry Brand, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Roger Corman, Sally Mattison, Adam Moos; 

Música: Mark Governor; Fotografi a (cor): Edward J. Pei; 

Montagem: Stephen Mark; Casting: Al Guarino; Design 

de Produção: Stephen Greenberg; Guarda-roupa: Sanja 

Milkovic Hays; Maquilhagem: Dean Jones, Robin Slater; 

Assistentes de realização: Jeffrey Delman; Departamento de 

arte: Alexandra Buresch, Mark Richardson, Richard K. Wright; 

Som: Bill V. Robbins, Cathie Speakman; Efeitos visuais: Pony 

R. Horton; Guarda-roupa: Greg Hildreth; Companhias de 

produção: Concorde Pictures; Intérpretes: Patrick Macnee 

(Machiavel), Adrian Paul (Prospero), Clare Hoak (Julietta), 

Jeff Osterhage (Claudio), Tracy Reiner (Lucrecia), Kelly Ann 

Sabatasso (Ornelia), Maria Ford (Isabella), Paul Michael, 

Michael Leopard, Daryl Haney, Gregory P. Alcus, Richard Keats, 

Marcelo Tubert, Charles Zucker, Patrick McCord, George 

Derby, Nicholas Rapattoni, Mel M. Metcalfe III, Dean Jones, 

Gil Christner, Michael Vlastas, Victoria Sloan, Bill Dunnam, 

Jan Bina, etc. Duração: 85 min. 

Título original: Due occhi diabolici ou Two Evil Eyes 

Realização: Dario Argento (Episódio “The Black Cat”), 

George A. Romero (Episódio “The Facts in the Case of Mr. 

Valdemar”) (Itália, EUA, 1990); Argumento: Dario Argento, 

Franco Ferrini, Peter Koper, segundo obra de Edgar Allan 

Poe (“The Black Cat”), George A. Romero, segundo obra de 

Edgar Allan Poe ( “The Facts in the Case of Mr. Valdemar”); 

Produção: Claudio Argento, Dario Argento, Achille 

Manzotti; Música: Pino Donaggio; Fotografi a (cor): Peter 

Reniers; Montagem: Pasquale Buba; Design de Produção: 

Cletus Anderson; Decoração: Diana Stoughton; Guardaroupa: 

Barbara Anderson; Maquilhagem: Everett Burrell, 

Will Huff, Jeannee Josefczyk, Tom Savini, John Vulich; 

Direcção de produção: Carol Cuddy, Fabrizio Diaz, Fernando 

Franchi, Andrea Tinnirello; Assistentes de realização: Luigi 

Cozzi, Fred ‘Fredo’ Donatelli, Nicholas Mastandrea, Maria 

L. Melograne, Nicola Pecorini; Departamento de arte: 

Eloise Albrecht, Francine Byrne, Gary Kosko; Som: Luciano 

Anzellotti, Massimo Anzellotti; Efeitos Especiais: J.C. 

Brotherhood, Tom Savini; Guarda-roupa: Kathy Borland, 

Nancy Palmentier; Companhias de produção: ADC Films, 

Gruppo Bema; Intérpretes: Adrienne Barbeau (Jessica 

Valdemar), Ramy Zada (Dr. Robert Hoffman), Bingo 

O’Malley (Ernest Valdemar), Jeff Howell (polícia), E.G. 

Marshall (Steven Pike), Chuck Aber, Jonathan Adams, 

Tom Atkins, Mitchell Baseman (episódio “The Facts in the 

Case of Mr. Valdemar”); Harvey Keitel (Roderick Usher), 

Madeleine Potter (Annabel), John Amos (Det. Legrand), 

Sally Kirkland (Eleonora), Kim Hunter (Mrs. Pym), Holter 

Graham (Christian), Martin Balsam (Mr. Pym), Julie Benz, 

Barbara Bryne, Lanene Charters (episódio “The Black 

Cat”) e ainda Mario Caputo, Bill Dalzell, Anthony Dileo Jr., 

Christine Forrest, J.R. Hall, Scott House, James MacDonald, 

Charles McPherson, Larry John Meyers, Jeff Monahan, 

Fred Moore, Christina Romero, Peggy McIntaggart, Ben 

Tatar, Lou Valenzi, Jeffrey Wild, Ted Worsley, Jonathan 

Sachar, Tom Savini, etc. Duração: 120 min. 

Título original: “Alien Nation” – episódio Gimme, Gimme (TV) 

Realização: David Carson (EUA, 1990); Argumento: Rockne 

S. O’Bannon, Diane Frolov, Kenneth Johnson, Andrew 

Schneider; Produção: Tom Chehak, Diane Frolov, Kenneth 

Johnson, Andrew Schneider, Art Seidel; Música: Kenneth 

Johnson, David Kurtz; Fotografi a (cor): Roland ‘Ozzie’ 

Smith; Montagem: Alan C. Marks; Casting: Irene Cagen; 

Design de produção: Ira Diamond; Decoração: Sam Gross; 

Guarda-roupa: Brienne Glyttov; Maquilhagem: Michèle 

Burke, William Howard; Direcção de Produção: John Liberti; 

Assistentes de realização: Alice Blanchard, Ken Stringer; 

Departamento de arte: Craig Binkley; Som: Charles 

Bruce, Claude Riggins; Efeitos especiais: Burt Dalton, Rick 

Stratton; Intérpretes: Gary Graham (Detective Matthew 

Sikes), Eric Pierpoint (Detective George Francisco), Michele 

Scarabelli (Susan Francisco), Sean Six (Buck Francisco), 

Terri Treas, Jeff Marcus, Ron Fassler, Kim Braden, Joseph 

Cali, Alan Fudge, Jenny Gago, Beverly Leech (Rita Allan 

Poe), Bob Minor, Charles Howerton, Lance E. Nichols, 

Michele Lamar Richards, David Selburg (Edgar Allan Poe), 

Armin Shimerman, Michael Zand, etc. 

Título original: The Haunting of Morella 

Realização: Jim Wynorski (EUA, 1990); Argumento: R.J. 

Robertson, Jim Wynorski, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Alida Camp, Roger Corman, Rodman Flender, 

Sally Mattison; Música: Chuck Cirino, Fredric Ensign 

Teetsel; Fotografi a (cor): Zoran Hochstätter; Montagem: 

Diane Fingado; Casting: Kevin Reidy; Design de Produção: 

Gary Randall; Maquilhagem: Dean Jones; Direcção de 

produção: Jonathan Winfrey; Departamento de arte: 

Richard K. Wright; Som: Bill V. Robbins; Companhias de 

produção: Concorde-New Horizons; Intérpretes: David 

McCallum (Gideon), Nicole Eggert (Morella / Lenora), 



Christopher Halsted (Guy), Lana Clarkson (Coel), Maria 

Ford, Jonathan Farwell, John O’Leary, Brewster Gould, 

Gail Harris, Clement von Franckenstein, R.J. Robertson, 

Deborah Dutch, Sandra Knight, etc. Duração: 82 min. 

Título original: Buried Alive ou Edgar Allan Poe’s Buried 

Realização: Gérard Kikoïne (EUA, África do Sul, 1990); 

Argumento: Jake Chesi, Stuart Lee, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Produção: Avi Lerner, John Stodel, Harry Alan 

Towers; Música: Frédéric Talgorn; Fotografi a (cor): Gérard 

Loubeau; Montagem: Gilbert Kikoïne; Casting: Jane Warren; 

Design de Produção: Leonardo Coen Cagli; Maquilhagem: 

William Butler, Cleone Johnson, Dave Murat, Scott Wheeler; 

Direcção de produção: K.C. Jones, Danny Lerner; Assistentes 

de realização: Dominique Combe, Mark Gilbert, Melody 

Wernick; Departamento de arte: Lisa Hart, Henrietta 

Potgieter, Leith Ridley; Som: John Murray, Stewart Nelson, 

Marva Zand; Efeitos Especiais: Tony de Groot, Maxine 

Lourens, Greg Pitts; Guarda-roupa: Ruy Filipe; Companhias 

de produção: Breton Film Productions; Intérpretes: Robert 

Vaughn (Gary), Donald Pleasence (Dr. Schaeffer), Karen 

Witter (Janet), John Carradine (Jacob), Ginger Lynn Allen, 

Nia Long, William Butler, Janine Denison, Arnold Vosloo, 

Ashley Hayden, Stefa Popic, Hayley Dorskey, Roslynn 

Farrell, Dee Dee Eybers, Isabel Kastrikis, Sharlene Benn, etc. 


Título original: série de TV - “The Simpsons” – episódio 

“Treehouse of Horror” 

Realização: David Silverman (episódio “The Raven”) 

(EUA, 1990); Argumento: Sam Simon (episódio The 

Raven), segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Raven”); 

Produção: Larina Adamson, James L. Brooks, Gabor Csupo, 

Matt Groening, Sherry Gunther, Al Jean, Jay Kogen, J. 

Michael Mendel, George Meyer, Mike Reiss, Richard Sakai, 

Sam Simon, Wallace Wolodarsky; Música: Alf Clausen; 

Montagem: Don Barrozo, Brian K. Roberts; Casting: Bonita 

Pietila; Direcção de produção: Joseph A. Boucher, Maria 

Elena Rodriguez, Michael Stanislavsky, Pamela Kleibrink 

Thompson, Ken Tsumura; Departamento de arte: Jeffrey 

Lynch, David Silverman (episódio “The Raven”); Som: Brad 

Brock, Travis Powers, Brian K. Roberts; Departamento 

de arte: Jeff ‘Swampy’ Marsh, Chris Reccardi, Lance 

Wilder; Som: John Rotondi, Wade Wilson; Efeitos visuais: 

Simon de Jong, Adam Howard, Andy Jolliff, Steven J. 

Scott; Animação: Lolee Áries, Julie Forte, Nollan Obena, 

William Powloski, Gary Yap; Companhias de produção: 

20th Century Fox Television, Gracie Films; Intérpretes: 

Dan Castellaneta (Homer Simpson), Julie Kavner (Marge 

Simpson), Nancy Cartwright (Bart Simpson), Yeardley 

Smith (Lisa Simpson), Harry Shearer, James Earl Jones, etc. 

Duração: 30 min; Data de emissão: 25 de Outubro de 1990 



Realização: John Carlaw (Inglaterra, 1991); Argumento: 

Steven Berkoff, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Intérpretes: Steven Berkoff (homem), Peter Brennan 

(magistrado), Neil Caplan (medico), etc. Duração: 30 min. 


Realização: Scott Mansfi eld (EUA, 1991); Argumento: Scott 

Mansfi eld, segundo obra de Edgar Allan Poe; Companhias 

de produção: Monterey Media; Intérpretes: Robert E. 

Reynolds, Michael Sollazzo; Duração: 25 min. 

Título original: The Pit and the Pendulum ou The 

Inquisitor 

Realização: Stuart Gordon (EUA, 1991); Argumento: Dennis 

Paoli, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Albert 

Band, Charles Band; Música: Richard Band; Fotografi a 

(cor): Adolfo Bartoli; Montagem: Andy Horvitch; Casting: 

Perry Bullington, Robert MacDonald; Design de Produção: 

Giovanni Natalucci; Direcção artística: Giovanni Natalucci; 

Decoração: Maurizio Garrone; Guarda-roupa: Michaela 

Gisotti; Maquilhagem: Roland Blancafl or, Adriana Sforza, 

Pietro Tenoglio; Direcção de produção: Angelo D’Antoni, 

Remo Lombardo, Gretchen G. Wieland; Assistentes de 

realização: David Ambrosi, Carlos Hansen; Departamento 

de arte: David Zen Mansley, David Russell; Som: John 

Brasher, Adriane Marfi ak, Giuseppe Muratori; Efeitos 

Especiais: Giovanni Corridori; Companhias de produção: 

Empire Picturesm, Full Moon Entertainment; Intérpretes: 

Lance Henriksen (Torquemada), Stephen Lee (Gomez), 

William J. Norris (Dr. Huesos), Mark Margolis (Mendoza), 

Carolyn Purdy-Gordon, Barbara Bocci, Benito Stefanelli, 

Jeffrey Combs, Oliver Reed, Tom Towles, Rona De Ricci, 

Jonathan Fuller, Geoffrey Copleston, Larry Dolgin, Tunny 

Piras, Fabio Carfora, etc. Duração: 97 min. 

Título original: Haunting Fear 

Realização: Fred Olen Ray (EUA, 1991); Argumento: Fred 

Olen Ray, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: 

Diana Jaffe, Fred Olen Ray; Música: Chuck Cirino; 

Fotografi a (cor): Gary Graver; Montagem: Christopher 

Roth; Guarda-roupa: Jill Conners; Assistentes de 

realização: John T. Melick, Joe Zimmerman; Efeitos 

visuais: Bret Mixon; Companhias de produção: American 

Independent Productions; Intérpretes: Brinke Stevens 

(Victoria Munroe), Jan-Michael Vincent (Detective James 

Trent), Jay Richardson (Terry Munroe), Delia Sheppard 

(Lisa), Karen Black (Dr. Julia Harcourt), Robert Clarke (Dr. 

Carlton), Robert Quarry (Visconti), Michael Berryman, 

Hoke Howell, Greta Carlson, Mark Thomas McGee, Jeff 

Yesko, etc. Duração: 88 min. 

Título original: La Chute de la Maison Usher 

Realização: Marc Julian Ghens (Bélgica, 1992); Argumento: 

Marc Julian Ghens, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Arnaud Demuynck; Música: Guy Drieghe; 

Montagem: Henri Erismann; Assistentes de realização: 

Bert Beyens; Som: Françoise Hivelin, Michel Mondo; 

Companhias de produção: Lux Fugit Film; Intérpretes: 

Carine François, Isabelle Hubert, Claudine Laroche, etc. 


Título original: Fool’s Fire (TV) 

Realização: Julie Taymor (EUA, 1992); Argumento: segundo 

obra de Edgar Allan Poe; Produção: Kerry Orent, Julie Taymor; 

Música: Elliot Goldenthal; Fotografi a (cor): Bobby Bukowski; 

Montagem: Alan Miller; Casting: Judy Dennis; Design 

de Produção: G.W. Mercier; Guarda-roupa: Julie Taymor; 

Assistentes de realização: Steve Apicella; Som: Laurel 

Bridges; Efeitos Especiais: Mark O. Forker, Neil Smith; Efeitos 

visuais: Mark O. Forker, Neil Smith; Intérpretes: Michael J. 

Anderson (Hopfrog), Mireille Mossé, Tom Hewitt, Paul

Kandel, Reg E. Cathey, Kelly Walters, Thomas Derrah, Patrick 

Breen, Glenn Santiago, Patrick O’Connell, Robert Dorfman, 

Joan MacIntosh, Cynthia Darlow, Pippa Pearthree, Betsy 

Aidem, Harriet Sansom Harris, Norma Pratt, Christopher 

Medina, Andrew Asnes, Kathleen Kane, etc. 

Título original: Tale of a Vampire 

Realização: Shimako Sato (Inglaterra, 1992); Argumento: 

Shimako Sato, Jane Corbett, segundo obra de Edgar Allan 

Poe; Produção: Simon Johnson, Stephen Margolis, Noriko 

Shishikura; Música: Julian Joseph; Fotografi a (cor): Zubin 

Mistry; Design de Produção: Alice Normington; Direcção 

artística: Tom Burton; Som: Ronald Bailey, Jaime Estrada 

Torres, Andy Kennedy; Efeitos Especiais: David H. Watkins; 

Intérpretes: Julian Sands (Alex), Suzanna Hamilton (Anne 

/ Virginia), Kenneth Cranham (Edgar), Marion Diamond, 

Michael Kenton, Catherine Blake, Mark Kempner, Nik 

Myers, Ken Pritchard, Ian Rollison, David King, Adrianne 

Alexander, etc. Duração: 93 min. 

Título original: The Mummy Lives 

Realização: Gerry O’Hara (EUA, 1993); Argumento: Nelson 

Gidding, segundo obra de Edgar Allan Poe (“Some 

Words with A Mummy”); Produção: Harry Alan Towers, 

Yoram Globus, Anita Hope, Christopher Pearce; Música: 

Dov Seltzer; Fotografi a (cor): Avi Koren; Montagem: 

Danny Shick; Design de Produção: Kuli Sander; Direcção 

artística: Yoram Shayer; Guarda-roupa: Laura Dinolesko; 

Maquilhagem: Scott Wheeler; Assistentes de realização: 

Adi Arbel, Michal Engel; Departamento de arte: Ze’ev 

Aloni, Ornit Shanit; Som: Yann Delpuech, Shabtai Sarig; 

Companhias de produção: Global Pictures; Intérpretes: 

Tony Curtis (Aziru / Dr. Mohassid), Leslie Hardy (Sandra 

Barnes / Kia), Greg Wrangler (Dr. Carey Williams), Jack 

Cohen (Lord Maxton), Mohammed Bakri, Mosko Alkalai, 

Moshe Ivgy, Joseph Shiloach, Uri Gavriel, Yigal Naor, Eli 

Danker, Yossi Graber, Charlie Buzaglo, Rafi Weinstock, etc. 


Título original: Drug-Taking and the Arts 

Realização: Storm Thorgerson (Inglaterra, 1994); 

Argumento: David Galo, segundo obra de Edgar Allan Poe 

(cartas), Charles Baudelaire (On Wine and Hashish), Paul 

Bowles (“Let It Come Down”), Elizabeth Barrett Browning 

(“Aurora Leigh”), William S. Burroughs (“The Naked Lunch”), 

Jean Cocteau (“Opium”), Samuel Taylor Coleridge (“Kubla 

Khan” e “The Rime of the Ancient Mariner”), Thomas 

De Quincey (“Confessions of an English Opium Eater”), 

Philip K. Dick (“A Scanner Darkly”), Théophile Gautier - 

“The Hashish Club”), Allen Ginsberg (poema “Laughing 

Gas”), Robert Graves (carta Between Moon and Moon), 

Aldous Huxley (“Moksha”), Anna Kavan novel “Ice”), Jack 

Kerouac (“On The Road”), Ken Kesey (notas), Jay McInerney 

(“Bright Lights, Big City”), Gérard de Nerval (“Voyage to 

the Orient”), Anaïs Nin (Diário), Arthur Rimbaud (cartas 

“Letters of the Visionary”); Produção: Jon Blair; Música: 

David Gilmour; Documentário. Intérpretes: Bernard Hill 

(apresentador), Phil Daniels (Thomas De Quincey), Jon 

Finch (Gérard de Nerval), Danny Webb (Jean Cocteau), 

Brian Aldiss, J.G. Ballard, Virginia Berridge, Paul Bowles, 

Todd Boyco, Robin Buss, Carolyn Cassady, Ann Charters, 

E.M.R. Critchley, Margaret Crosland, Tony Dickenson, 

Annette Dolphin, David Gascoyne, Allen Ginsberg, Ronald 

Hayman, John Hemmings, Bernard Howells, Francis 

Huxley, Laura Archera Huxley, Oscar Janiger, Marek Kohn, 

Malcolm Lader, Timothy Leary, Grevel Lindop, George Melly, 

Eric Mottram, Paul O’Prey, Diana Quick, Peggy Reynolds, 

John Richardson, Avital Ronell, June Rose, Hubert Selby Jr., 

John Sessions, Harry Shapiro, Jay Stevens, Robert Stone, 

Lawrence Sutin, Ian Walker, etc. 

Título original: “Biography” - Edgar Allan Poe: The 

Mystery of Edgar Allan Poe 

Argumento: Agnes Nixon (EUA, 1994); Intérpretes: Paul 

Clemens, Norman George (Edgar Allan Poe) 

Título original: Série de TV “Tales of Mystery and 

Imagination” 

Realização: James Ryan, Bill Hays, Dejan Sorak, Rod Stewart, 

Neil Hetherington, Hugh Whysall (1995); Argumento: 

Hugh Whysall, segundo obras de Edgar Allan Poe (The 

Fall of the House of Usher, The Oval Portrait, Berenice, The 

Black Cat, Ligeia, The cask of Amontillado, Mr. Valdemar, 

The Tell-Tale Heart, Morella, The Pit and the Pendulum e 

The Masque of the Red Death); Produção: Carrie Dempsey, 

Terry Dempsey, Neil Hetherington, Zdravko Mihalic; 

Assistentes de realização: Anthony Himbs; Companhia 

de produção: BFS; Intérpretes: Jeremy Crutchley, Graham 

Hopkins, Kruno Simon, Christopher Lee (Apresentador), 


Título original: The Dark Eye 

Realização: Russel Lees (Canadá, Japão, EUA, 1995); 

Argumento: Russel Lees, segundo obra de Edgar Allan 

Poe; Produção: Michael Nash; Música: Thomas Dolby; 

Fotografi a (cor): Jim Aupperle; Guarda-roupa: Ariel Jones; 

Efeitos visuais: Don Waller; Animação: Joel Fletcher; 

Intérpretes: William S. Burroughs, Jack Angel, Ryan 

Cutrona, Roberta Farkas, Jennifer Hale, Jessica Hecht, Tom 

Kane, Robert Machray, David Purdham, etc. 

Título original: série de TV “American Masters” – episódio 

“Edgar Allan Poe: Terror of the Soul” 

Realização: Joyce Chopra, Karen Thomas (EUA, 1995); 

Argumento: Joyce Chopra, Kenneth Silverman, Daniel Blake 

Smith, Karen Thomas, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Karen Thomas, Elizabeth Keyishian, Susan Lacy, 

Robert J. Sloane, Cindy E. Vaughn; Música: Peter Rodgers 

Melnick; Fotografi a (cor): James Glennon; Montagem: 

Joseph Gutowski, Mark Muheim, Mark Mulheim; Design 

de Produção: David Wasco; Direcção artística: Bernardo 

F. Munoz; Decoração: Sandy Reynolds-Wasco; Guardaroupa: 

Hilary Wright; Maquilhagem: Felicity Bowring, Karl 

Wessen; Assistentes de realização: Robert Leveen, Timothy 

Marx; Departamento de arte: Emily Ferry; Som: David 

Kirschner; Efeitos Especiais: Paul Staples; Companhias de 

produção: Film Odyssey Inc., WNET Channel 13 New York; 

Intérpretes: Eric Christmas (velho), Sky Rumph (Edgar, 

jovem), Michelle Joyner (Eliza Poe), Pam Van Sant (Kind 

Lady), Devyn Puett (Virginia Poe), Marianne Muellerleile, 

Robert Dowdell, Val Bettin, Rene Auberjonois (Fortunata, 

episódio “The Cask of Amontillado”), Ruby Dee (Narrador), 

Philip Glass, John Heard (Montresor, episódio “The Cask 

of Amontillado”), Alfred Kazin, Anthony Maggio (Edgar 

Allan Poe), Patrick Quinn, etc. Duração: 60 min: Data de 

emissão: 22 de Março de 1995. 



Título original: The Black Cat 

Realização: Rob Green (Inglaterra, 1995); Argumento: 

Rob Green, Clive Perrott, segundo obra de Edgar Allan 

Poe; Produção: Rob Green, Clive Perrott; Música: Russell 

Currie; Fotografi a (cor): Simon Margetts; Montagem: Tina 

Hetherington; Design de Produção: Tricia Stephenson; 

Direcção artística: Richard Campling; Maquilhagem: 

Patti Harrison; Direcção de produção: Sarah Lane; Som: 

Michael A. Cárter, Les Derby, Nick Pocock; Efeitos visuais: 

Clive Dawson; Animação: Clive Dawson; Companhias de 

produção: Black Cat Productions Ltd.; Intérpretes: David 

Kincaid, Alison Morrow, Clive Perrott; Duração: 18 min. 

Título original: “A.J.’s Time Travelers” – episódio Edgar 

Allan Poe – série de TV 

Realização: Mike Finney (EUA, 1995); Argumento: Barry 

Friedman; Produção: Gianni Russo; Fotografi a (cor): Steve 

Priola; Casting: Eric Dawson; Animação: Keith Alcorn, 

Paul Claerhout; Intérpretes: Jeremiah Birkett, Larry Cedar 

(Ollie), Teresa Jones (Mrs. Malloy), Richard Lewis (Edgar 

Allan Poe), Patty Maloney (B.I.T.), Julie St. Claire (Maria), 

John Patrick White (A.J. Malloy), Wayne Thomas Yorke 

(Izzy / Mr. Malloy), etc. Data de emissão: 1995 (Temporada 

1, Episódio 21). 

Título original: “Bone Chillers” – episódio Edgar Allan 

Poe-Session – série de TV 

Realização: Christopher Coppola (EUA, 1996); 

Argumento: Carl V. Dupré; Produção: Fred Silverman, 

John A. Smith; Música: Christopher Hoag; Fotografi a 

(cor): Howard Wexler; Guarda-roupa: Rosanna Norton; 

Maquilhagem: Tony Gardner; Direcção de Produção: Les 

Nordhauser; Assistentes de realização: Laurence Barbera; 

Departamento de arte: Flora Carnevale, Leslie Lawson; 

Som: Ricardo Broadus; Efeitos especiais: Tony Gardner, 

Rodd Matsui; Efeitos visuais: Tony Gardner, Scott Ramsey; 

Intérpretes: Trey Alexander (Kirk), Jim Beaver (Edgar Allan 

Poe), Linda Cardellini (Sarah), Saadia Persad (Lexi), Esteban 

Powell (Brian Holsapple), John Patrick White (Fitzgerald 

Crump), etc. Data de emissão: 16 de Novembro de 1996 


Título original: Het Verraderlijke Hart 

Realização: Bert Lemmens (1996); Argumento: Bert 

Lemmens, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Tell- 

Tale Heart”); Intérpretes: Ben Bellekens, Garin Cael, Bart 

Vandersmissen, etc. Duração: 15 min. 

Título original: Morella 

Realização: James Glenn Dudelson (EUA, 1997); 

Argumento: Ana Clavell, segundo obra de Edgar Allan 

Poe; Produção: James Glenn Dudelson, Robert Franklin 

Dudelson, Stanley Dudelson; Música: Chris Anderson, 

Carl Schurtz; Fotografi a (cor): Jesse Weathington; Casting: 

Pamela Guest; Design de Produção: William ‘Jamaal’ Fort; 

Direcção artística: Beat Frutiger; Guarda-roupa: Nanette 

M. Acosta; Direcção de produção: Alicia Valdez; Assistentes 

de realização: Sam Hill, Chad Rosen; Som: Randall Lawson; 

Companhias de produção: Allott Productions; Intérpretes: 

Lisa Blair (Jovem Sarah), Lisa Darr (Jenny Lynden), Nicholas 

Guest (Dr. Edgar Lynden), Khrystyne Haje (Inspector 

Farrow), Angela Jones (Dr.Patricia Morella / Sarah Lynden), 

David Kirkwood, Robert Lipton, Lou Rawls, Darlene Vogel, 


Título original: Der Rabe 

Realização: Hannes Rall (Alemanha, 1998); Argumento: 

Hannes Rall, segundo obra de Edgar Allan Poe; Música: 

Eckart Gadow; Som: Eckart Gadow; Philip Ulikowski; 

Animação: Hannes Rall; Companhias de produção: Meier & 

Rall Animation; Intérpretes: Hans Paetsch; Duração: 8 min. 

Título original: Mind’s Eye 

Realização: Kristian Fraga (EUA, 1998); Argumento: Kristian 

Fraga, Kimberly Ruane, segundo obra de Edgar Allan Poe 

(“The Tell-Tale Heart”); Produção: Karli Bardosh, Kristian 

Fraga, Marc Perez, Kimberly Ruane; Fotografi a (cor): Yurgi 

Ganter; Montagem: Kristian Fraga; Maquilhagem: Voki 

Kalfi yan; Som: James Lefkowitz; Efeitos visuais: Chris 

Haak; Intérpretes: Christopher Sutherland (Narrador), 

Nicol Paone, Carlos Molina IV, Pete Fokas, etc. 

Título original: Corazón Delator 

Realização: Facundo De Rosas (Argentina, 1999); 

Argumento: Facundo De Rosas, Adrián Manetti, segundo 

obra de Edgar Allan Poe; Música: Litto Nebbia, Gustavo 

Peña; Fotografi a (cor): Andrés Fontana; Montagem: 

Facundo De Rosas, Marcelo Riveros; Direcção artística: 

Máximo Becci; Duração: 15 min. 

Título original: Corazón Delator 

Realização: Alex Stilman (Argentina, 1999); Argumento: 

segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Tell-Tale Heart”); 

Fotografi a (cor): Carlos Zanzottera; Montagem: Carlos 

Zanzottera; Direcção artística: Alex Stilman; Duração: 12 min. 


(EUA, 1999); Argumento: Wayne A. Hazle, segundo obra 

de Edgar Allan Poe; Produção: Wayne A. Hazle, Velvet 

Marshall; Fotografi a (cor): John Rhode; Direcção de 

produção: Cameron McIntyre; Companhias de produção: 

Jaguar Productions; Intérpretes: Kim Delgado (Detective), 

Jeff Ricketts, Kristen Shaw, Kristabelle Skyy, Barbara 

Stolzoff, etc. 

Título original: William Wilson 

Realização: Jorge Dayas (com o pseudónimo William 

Wilson) (Espanha, 1999); Argumento: segundo obra 

de Edgar Allan Poe; Produção: María Carmen Dayas; 

Animação; Companhias de produção: Maria Carmen 

Dayas; Duração: 10 min. 

Título original: El Escarabajo de Oro 

Realização: Vicente J. Martín (Espanha, 1999); Argumento: 

Juan Piquer Simón, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: José Ortega, Primitivo Rodríguez; Fotografi a (cor): 

Tomás Mas; Som: Manuel Carrión, José Manuel Sospedra; 

Companhias de produção: Grup Somni; Intérpretes: Andrés 

Alexis, Frank Braña, Stephen Charlwood, Tsung Cheng, Juan 

Carlos Gabarda, Rubén Gálvez, Juan Carlos Lee, John Legget, 

Manuel Máñez, Antonio Mayans, Germán Montaner, Alicia 

Ramirez, Alicia Ramírez, José Antonio Sánchez, Francisco 

Sanchís, Mónica Valero, etc. 

Título original: The Raven... Nevermore ou El Cuervo 

Realização: Tinieblas González (Espanha, 1999); 

Argumento: Karra Elejalde, Tinieblas González, segundo 

obra de Edgar Allan Poe (“The Raven”); Produção: Tinieblas

González; Fotografi a (cor): Unax Mendía; Efeitos visuais: 

Úrsula garcia; Companhias de produção: Tinieblas Films; 

Intérpretes: Gary Piquer (Edgar Allan Poe), Savitri Ceballos 

(Leonor), etc. Duração: 16 min. 

Título original: “Sabrina, the Teenage Witch” – episódio 

LXXXI: The Phantom Menace - Série de TV (EUA, 1996-2001) 

Realização: Paul Hoen, Mark Cendrowski (EUA, 1999); 

Argumento: John Hoberg, Nell Scovell; Produção: Nick 

Bakay; Música: Derek Syverud; Maquilhagem: Eryn Krueger 

Mekash, Colleen LaBaff; Casting: Kimberly Nordlinger; 

Assistentes de realização: Ellen Rosentreter; Som: James 

M. McCann, Wilson Dyer; Efeitos especiais: Jim Greenall; 

Efeitos visuais: David Carriker (1996-1997), Rick Cortes 

(1997-2003), Mark Spatny (1998-2003); Companhias de 

produção: Warner Bros. Television; Intérpretes: Melissa 

Joan Hart (Sabrina Spellman), Caroline Rhea (Hilda 

Spellman), Beth Broderick (Zelda Spellman), Nick Bakay 

(Salem Saberhagen), Nate Richert (Harvey Kinkle), 

Gabriel Carpenter, Jon Huertas, David Lascher, Tom Novak, 

Edgar Allan Poe IV (Edgar Allan Poe), China Shavers, etc. 

Duração: 30 min; Data de emissão: 29 de Outubro de 1999 


Título original: “Mentors” – episódio The Raven - Série de TV 

Realização: Gil Cardinal (EUA, 2000); Argumento: Greg 

Kennedy; Produção: Will Dixon; Música: Bruce Leitl; 

Casting: Bette Chadwick, Candice Elzinga; Design de 

produção: Ken Rempel; Assistentes de realização: Greg 

Fawcett, Victor Landrie, Craig Wallace; Som: Jeff Hamon, 

Evan Rust; Efeitos especiais: Robert Sheridan; Intérpretes: 

Michael Sarrazin (Edgar Allan Poe), Belinda Metz, Brian 

Martell, Jane Sowerby, Daryl Shuttleworth, Samantha 

Krutzfeldt, Davina Stewart, etc. Data de emissão: 5 de 

Março de 2000 (Temporada 1, Episódio 10). 

Título original: Scary Tales 

Realização: Michael Hoffman Jr. (EUA, 2001); Argumento: 

Bill Cassinelli, Michael Hoffman Jr.; Produção: Bill 

Cassinelli, Michael Hoffman Jr., Tim Ritter; Música: 

Orange Nightmare, Duane Peery; Fotografi a (cor): Michael 

Hoffman Jr.; Montagem: Michael Hoffman Jr.; Som: 

Michael Hoffman Jr.; Efeitos especiais: Michael Hoffman 

Jr.; Efeitos visuais: Michael Hoffman Jr.; Companhias 

de produção: Twisted Illusions, Wet Floor Productions; 

Intérpretes: Bill Cassinelli (Dennis Frye), Ria Rampersad, 

Joel D. Wynkoop (episódio “Terminally Unemployed”); 

Chelsea Opolin, Eileen Opolin, Michael Hoffman Jr. 

(episódio “Hit And Run”); Joe Mengotti, Lindsay Horgan, 

Maggie Kennedy (episódio “I Ain’t Got No Body”); Kevin 

Bangos, Thorin Taylor Hannah, Tina Frankl, Shannon 

Semler, Gus Perez, Mark A. Nash, Lee Pinder (Edgar Allan 

Poe), David McGowan, Phil Dejesus (episódio “The Death 

Of...”), Richard Cecere, etc. Duração: 76 min. 

Título original: Monkeybone 

Realização: Henry Selick (EUA, 2001); Argumento: Sam 

Hamm, segundo banda desenhada de Kaja Blackley (“Dark 

Town”); Produção: Michael Barnathan, Chris Columbus, 

Paula DuPré Pesman, Sam Hamm, Mark Radcliffe, Lata 

Ryan, Henry Selick; Música: Anne Dudley; Fotografi a (cor): 

Andrew Dunn; Montagem: Jon Poll, Nicholas C. Smith, 

Mark Warner; Casting: Sheila Jaffe, Georgianne Walken; 

Design de produção: Bill Boes; Direcção artística: John 

Chichester, Bruce Robert Hill Decoração: Jackie Carr; 

Guarda-roupa: Beatrix Aruna Pasztor; Maquilhagem: 

Thomas Floutz, Robert Hallowell II, Michael Mills, 

Mark Nieman, Ben Nye Jr., Danny Valencia; Direcção de 

Produção: Doris Donnenberg, Paul Moen; Assistentes 

de realização: Dan Bradley, Pamela Cederquist, Peter 

Crosman, Valerie Finkel, Michael McCue, Lisa C. Satriano, 

Gregory Kent Simmons, Mike Topoozian, Bob Wagner; 

Departamento de arte: Martin Charles, Everett Chase, 

Jann K. Engel, A. Todd Holland, Martin Roy Mervel, Jeff 

Ozimek, Hugo Santiago; Som: Steve Boeddeker; Efeitos 

especiais: Paul J. Lombardi, Frank W. Tarantino, Dick Wood; 

Efeitos visuais: Terry Clotiaux, Buckley Collum, Peter 

Crosman, Adam Howard, Pete Kozachik, Brad Kuehn, 

Charles Lem, Rodney Montague, Tricia Mulgrew, Jaime 

Norman, Peter Oberdorfer, Mike Schmitt, Laura Schultz; 

Animação: Damon Bard, Paul Berry, Gisela Hermeling; 

Companhias de produção: Twentieth Century-Fox Film 

Corporation, 1492 Pictures, Twitching Image Studio; 

Intérpretes: Brendan Fraser (Stu Miley), Bridget Fonda (Dr. 

Julie McElroy), John Turturro (Monkeybone) (voz), Chris 

Kattan (Organ Donor Stu), Giancarlo Esposito (Hypnos), 

Rose McGowan (Miss Kitty), Dave Foley, Megan Mullally, 

Bob Odenkirk, Pat Kilbane, Lisa Zane, Whoopi Goldberg, 

Sandra Thigpen, Wayne Wilderson, Amy Higgins, Alan 

Gelfant, Kristin Norton, Chris Hogan, Lucy Butler, John 

Sylvain, Lou Romano, Leon Laderach, Edgar Allan Poe IV 

(Edgar Allan Poe), etc. Duração: 93 min. 

Título original: Le Portrait Ovale 

Realização: Marc Julian Ghens (Bélgica, 2001); Argumento: 

Marc Julian Ghens, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Patrice Bauduinet; Música: Marc Geonet; 

Fotografi a (cor): Federico D’Ambrosio, Jean Christophe 

Delinaoumis, Michel Mondo; Montagem: Nathalie 

Julien; Som: Cyrille Carillon; Companhias de produção: 

Ambiances, PBC Pictures; Intérpretes: Sandrine Blancke, 

Bernard Breuse, Annemiek Coenen, Claudine Laroche, 

Pierre Laroche, Véronique Lemaire; Duração: 20 min. 

Título original: “The Fear” 

Realização: Blake Bedford, Luke Watson, Konika Shankar 

(Inglaterra, 2001); Argumento: segundo obras de Edgar Allan 

Poe, Honoré de Balzac e Arthur Conan Doyle; Produção: Anne 

Mensah; Montagem: Tania Reddin; Design de Produção: 

David Hill; Companhias de produção: British Broadcasting 

Corporation (BBC); Intérpretes: Jason Flemyng, Anna Friel, 

Sadie Frost, David Harewood, Marianne Jean-Baptiste, Kelly 

Macdonald, Neve McIntosh, Nick Moran, Sean Pertwee, Ray 

Winstone, etc. Duração: 15 min. 

Título original: Usher 

Realização: Curtis Harrington (EUA, 2002); Argumento: 

Curtis Harrington, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Música: Dan Schmeidler; Fotografi a (cor): Gary Graver; 

Montagem: Tyler Hubby, Jeffrey Schwarz; Guarda-roupa: 

Shura Reininger; Departamento de arte: Sue Slutzky; 

Som: Maui Holcomb; Intérpretes: Curtis Harrington 

(Roderick Usher / Madeline Usher), Sean Nepita (Truman 

Jones), Fabrice Uzan (Pierre), Renate Druke, Robert Mundy, 

Nicholas Schreck, Ruth-Ellen Taylor, Zeena Taylor, etc. 




Título original: Silencio 

Realização: Alonso Filomeno Mayo (Peru, 2002); Argumento: 

Alonso Filomeno Mayo, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Melina León; Música: Darko Saric; Fotografi a 

(cor): Michel Barbachan; Montagem: Alonso Filomeno 

Mayo; Design de Produção: Marco Melgar, Giuliana Torres; 

Guarda-roupa: María del Carmen Herrera; Maquilhagem: 

María del Carmen Herrera; Direcção de produção: Romina 

Cruz, Jimena Mora; Assistentes de realização: Gabriela 

Yepes; Som: Guillermo Palácios, Ricardo Vidal; Efeitos 

visuais: Carlos Chuquisengo; Companhias de produção: 

Manzana Azul; Intérpretes: Kareen Spano (Marta), Enrique 

Victoria, Oriana Cicconi, Sergio Galliani, Paco Varela, etc. 


Título original: Hatred of a Minute 

Realização: Michael Kallio (EUA, 2002); Argumento: Lisa 

Jesswein, Michael Kallio, segundo obra de Edgar Allan 

Poe (“To-”); Produção: Bruce Campbell; Música: Dan 

Kolton; Fotografi a (cor): George Lieber; Montagem: Paul 

Hart, Michael Kallio, John W. Walter; Casting: Christine 

Claussen, Kathy Mooney; Design de Produção: Michael 

Kallio; Direcção artística: Matt Cantu, Arthur Clark; 

Guarda-roupa: Scarlett Jade; Maquilhagem: Kimberley 

Kirkpatrick, James Korloch, Jacki Ramsey; Direcção de 

produção: Michelle Kuhl; Assistentes de realização: Paul 

Domick, Michelle Kuhl, Jen Losey, Kurt Rauf; Departamento 

de arte: Michael Kallio, John Ray; Som: Joel H. Newport; 

Efeitos Especiais: Roger White; Companhias de produção: 

Campbell Productions, Darkart Entertainment, End of my 

Rope Limited Partnership; Intérpretes: Gunnar Hansen 

(Barry), Michael Kallio (Eric Seaver), Tracee Newberry 

(Jamie), Tim Lovelace (Detective Glenn Usher), Lisa 

Jesswein (Sarah Usher), Michael Robert Brandon, Jeffery 

Steiger, June Munger, Matthew Fennelly, Colleen Nash, 

Michelle Kuhl, Rebecka Read, John F. Gray, John Reneaud, 

Steve Dixon, Michael Jarema, etc. Duração: 83 min. 

Título original: Alone 

Realização: Phil Claydon (Inglaterra, 2002); Argumento: 

Paul Hart-Wilden, segundo obra de Edgar Allan Poe 

(“Alone”); Produção: David Ball, John P. Davies; Música: 

Jim Betteridge, Carver, Phil Claydon, Jonathan Rudd; 

Fotografi a (cor): Peter Thornton; Montagem: Jonathan 

Rudd; Casting: Lucy Jenkins; Design de Produção: Keith 

Maxwell; Guarda-roupa: Leila Ransley; Maquilhagem: 

Carole Williams; Direcção de produção: Ray Adams, Jon 

Wilkins; Assistentes de realização: Richard Bird, Chris Hill, 

Bob Wright; Departamento de arte: Dave Feeney, Hannah 

Nicholson, Yvonne Toner; Som: Ian ‘Spike’ Banks; Efeitos 

visuais: Craig Chandler, Alan Church, Diane Kingston; 

Companhias de produção: CF1 Cyf, Evolution Films, Vine 

International Pictures; Intérpretes: Miriam Margolyes, 

John Shrapnel, Laurel Holloman, Isabel Brook, Caroline 

Carver, Claire Goose, Susan Vidler, Claudia Harrison, Phil 

Claydon, Kate Crowther, Stephanie Shaw, Gwen Vaughan, 

Rick Wakeman, Rachel Woodeson, etc. Duração: 110 min. 

Título original: Ubitye molniey 

Realização: Yevgeny Yufi t (Rússia, Holanda, Suíça, 2002); 

Argumento: Vera Novikova, Natalya Skorokhod, Yevgeny 

Yufi t, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The Murders in 

the Rue Morgue”); Produção: Sergei Selyanov; Fotografi a 

(cor): Yevgeny Yufi t; Design de Produção: Yevgeny Yufi t; 

Companhias de produção: Direktion für Entwicklung und 

Zusammenarbeit (DEZA), Fondazione MonteCinemaVerità 

Locarno, Hubert Bals Fund, Kinokompaniya CTB, Nikola 

Film; Intérpretes: Aleksandr Anikeyenko, Aleksandr 

Maskalin, Vera Novikova, Olga Semyonova, Yelena 

Simonova, etc. 

Título original: “Creepy Canada” - episódio The Grave of 

Edgar Allan Poe/The Ghost of the Silver Run Tunnel/Isle 

of Demons Série de TV (Canadá, 2002) 

Música: Mark Dwyer, Martin Deller, Tony Tosti; Som: Jeff 

McCormack, Russ Mackay; Fotografi a (cor): Roger Singh, 

Eli M. Yonova; Intérpretes: Dave Ehrman, Ashley Hall, 

Deborah L. Murphy, Sandra Lynn O’Brien, Mark Redfi eld 

(Edgar Allan Poe), Jennifer Rouse, Tony Tsendeas, etc. Data 

de emissão:??? (Temporada 3, Episódio 2). 

Título original: Das Verräterische Herz 

Realização: Marc Malze (Alemanha, 2003); Argumento: 

Marc Malze, segundo obra de Edgar Allan Poe (“The 

Tell-Tale Heart”); Produção: Fabian Massah, Masud Rajai; 

Música: Lars Löhn; Fotografi a (cor): Florian Schilling; 

Montagem: Piet Schmelz; Casting: Suse Marquardt; 

Design de Produção: Sebastian T. Krawinkel; Direcção 

artística: Bülent Akgün, Lea Bohm, Axel Weller; Guardaroupa: 

Senay Ay, Kirstin Groppe, Inga Kusche, Beate 

Scheel; Maquilhagem: Ariane Kohlheim; Direcção de 

produção: André Cerbe, Ricarda Hibbeln, Fabian Massah; 

Assistentes de realização: Katrin Goetter; Som: Stefan 

Soltau; Companhias de produção: Cinex Film- und 

Fernsehproduktion, Deutsche Film- und Fernsehakademie 

Berlin (DFFB), Malze Massah Joint Film Production; 

Intérpretes: Nicolas von Wackerbarth (Edgar), Martin 

Eckermann, Hansgeorg Gantert, Detlef Bierstedt, Ilona 

Schulz, Alexander Wikarski, Maximilian Schierstädt, etc. 

Duração: 15 min.


Realização: Peter Bradley (EUA, 2003); Argumento: Peter 

Bradley, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: 

Peter Bradley; Música: Steven Lovelace; Fotografi a (cor): 

Christopher Webb; Montagem: Peter Bradley; Direcção 

artística: John Jerard; Maquilhagem: Rachel C. Hunter; 

Departamento de arte: Mary Creede, John Jerard; Som: 

Mike Arafeh, Steven Lovelace; Efeitos visuais: David Fino, 

Dan LeRoy; Companhias de produção: Trilobite Pictures; 

Intérpretes: Jenny Guy (Lenore), Louis Morabito, Michael 

G. Sayers (Narrador), etc. Duração: 11 min. 


Realização: Jeff Hoffman (EUA, 2003); Argumento: 

segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Jeff Hoffman, 

Terry McCoy; Fotografi a (cor): Eric Leach; Montagem: 

Yusaku Mizoguchi; Guarda-roupa: Stacy Stagnaro; 

Assistentes de realização: Roy Maurer; Companhias de 

produção: Button Pictures; Intérpretes: John Fava, James 

R. Taber, Ronald Roberts, Bob Peterson, Steven Stedman; 


Título original: El Barril del amontillado 

Realização: Alexis Puig (Argentina, 2003); Argumento: 

Alexis Puig, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: 

María Rosa Grandinetti; Fotografi a (cor): Hugo Ponce; 

Montagem: Ernesto Zabatarelli; Direcção de produção: 

Nene Vidal; Assistentes de realização: Marina Ferrari; Som: 

Diego Dománico; Efeitos Especiais: Rolo Villar; Intérpretes: 

Lola Cordero (Ana), Gaia Rosviar (Rafaela), Nicolás Scarpino 

(Fortunato), Jorge Schubert (Monterrey), etc. 

Título original: El Corazón Delator 

Realização: Alfonso S. Suárez (Espanha, 2003); Argumento: 

Alfonso S. Suárez, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Carlos Espina, Alfonso S. Suárez; Música: 

Juan Carlos Casimiro; Fotografi a (cor): Gregorio Torre; 

Montagem: Fernando Rodríguez; Direcção de produção: 

José Luis Martínez Díaz; Companhias de produção: Verité 

de Cinematgrafía; Intérpretes: Paul Naschy (Louco), Eladio 

Sánchez, Paco Hernández, Javier Franquelo, etc. Duração: 

9 min. 

Título original: Il Gatto Nero 

Realização: Lucrezia Le Moli (Itália, 2003); Argumento: 

Lucrezia Le Moli, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Lucrezia Le Moli, Luca Magri; Música: Klaverna; 

Fotografi a (cor): Francesco Campanini; Montagem: Ash 

Campbell, Lucrezia Le Moli; Design de Produção: Johanna 

Munck; Guarda-roupa: Johanna Munck; Direcção de 

produção: Andrea Zannoni; Assistentes de realização: 

Federica Faroldi; Som: Ash Campbell; Intérpretes: 

Elisabetta Pozzi, Roberto Abbati, Luca Magri, Primo 

Giroldini, Adriano Guareschi, etc. Duração: 12 min. 

Título original: Descendant 

Realização: Kermit Christman, Del Tenney (EUA, 2003); 

Argumento: Kermit Christman, Margot Hartman, William 

Katt, Del Tenney; Produção: Kermit Christman, Joseph 

Dickstein, Joyce North, Del Tenney; Música: Timothy 

Wynn; Fotografi a (cor): D. Alan Newman; Montagem: Ted 

Thompson; Casting: Katy Wallin; Direcção artística: Robert 

La Liberte; Decoração: Marisa Vargo; Guarda-roupa: 

Bernie White; Maquilhagem: Rick Bongiovanni, Tanya 

Cookingham, Lorraine Martin; Direcção de Produção: 

Sirad Balducci, Lionel Ball; Assistentes de realização: Craig 

Borden, Alfi e Kiernan, Aaron Walters; Som: Lionel Ball, 

Woody Stubblefi eld; Efeitos especiais: Rick Bongiovanni; 

Companhias de produção: Mainline Releasing, Del Mar 

Productions; Intérpretes: Jeremy London (Ethan Poe / 

Frederick Usher), Katherine Heigl (Ann Hedgerow / Emily 

Hedgerow), Arie Verveen (Edgar Allan Poe), Nick Stabile 

(John Burns), William Katt (Dr. Tom Murray), Whitney 

Dylan (Lisa), Matt Farnsworth, Margot Hartman, Cheryl 

Dent, Lissa Pallo, Jodi Stevens, Jenna Bodnar, Craig Patton, 

Diane Foster, Amy Lindsay, Bryan Crump, Val Tasso, etc. 


Realização: Stephanie Sinclaire (Inglaterra, 2004); 

Argumento: Stephanie Sinclaire, segundo obra de Edgar 

Allan Poe; Produção: Brian Freeston, Stephanie Sinclaire, 

Nigel Wooll; Fotografi a (cor): Jack Cardiff; Montagem: 

Jack Cardiff; Direcção de produção: Jo Harrop; Assistentes 

de realização: Steve Newton; Companhias de produção: 

Dragonfl y Films, Silk Road Productions; Intérpretes: Oliver 

Bradshaw, Stephen Lord (Ed Poe), Michael Roberts, Mark 

White, etc. 


Realização: Geoffrey Ciani, Christian Twiste (EUA, 2004); 

Argumento: Geoffrey Ciani, Christian Twiste, segundo 

obra de Edgar Allan Poe; Produção: Geoffrey Ciani, S.E. 

Hackett, Christian Twiste; Música: Ariel Ramos, Gama 

Viesca; Fotografi a (cor): Christian Twiste; Montagem: 

Geoffrey Ciani, Christian Twiste; Casting: Toni Cusumano; 

Companhias de produção: Mushroom Cloud Productions 

LLC; Intérpretes: Paul Boccadoro, David F. Cressman, John 

Cusumano, Billy Ehrlacher, Trisha Hershberger (Berenice), 

Dick Nepon, Tesia Nicoli, Dan Quigley, Christian Twiste, 

Robert Twiste, Bob Weick, etc. Duração: 58 min | 60 min 

(DVD). 

Título original: El Hombre Largo 

Realização: Hernán Sáez (Argentina, 2004); Argumento: 

Paulo Soria, segundo obra de Edgar Allan Poe; Montagem: 

Hernán Sáez, Ernesto Zavatarelli; Companhias de 

produção: Canal 7, Instituto Nacional de Cine y Artes 

Audiovisuales (INCAA); Intérpretes: Carlos Belloso, Walter 

Cornás, Enrique Liporace, Bárbara Lombardo, Hernán 

Salinas, Paulo Soria, etc. Duração: 60 min. 


Realização: Raúl Garcia (Luxemburgo, Espanha, EUA, 

2005); Argumento: Raul Garcia, Raúl García, segundo obra 

de Edgar Allan Poe; Produção: Rocío Ayuso, Raul Garcia, 

Raúl García, Catherine Knott, Stéphane Roelants, Manuel 

Sicilia, Craig Standen; Música: Javier López de Guereña, 

Erik Matro; Montagem: Raul Garcia; Direcção artística: 

Manuel Sicília; Direcção de produção: Miguel A.S. 

Cogolludo; Som: Mike Butcher; Intérpretes: Bela Lugosi 

(Narrador); Duração: 10 min. 

Título original: Sílení ou Lunay 

Realização: Jan Svankmajer (República Checa, Eslováquia, 

2005); Argumento: Jan Svankmajer, segundo obras de 

Edgar Allan Poe (“The Premature Burial” e “The System of 



Dr. Tarr and Professor Fether”) e Marquês de Sade; Produção: 

Juraj Galvánek, Jaromír Kallista, Jaroslav Kucera, Dusan 

Kukal, Helena Uldrichová; Fotografi a (cor): Juraj Galvánek; 

Montagem: Marie Zemanová; Casting: Radek Hruska; 

Design de Produção: Jan Svankmajer, Eva Svankmajerová; 

Guarda-roupa: Veronika Hrubá, Eva Svankmajerová; 

Direcção de produção: Vera Ferdová; Assistentes de 

realização: Mendel Hardeman, Martin Kublák, Marketa 

Tom; Departamento de arte: Daniel Bird, Karel Vanásek; 

Som: Ivo Spalj; Companhias de produção: Athanor, Ceská 

Televize; Intérpretes: Pavel Liska, Jan Triska, Anna Geislerová, 

Jaroslav Dusek, Martin Huba, Pavel Nov , Stano Danciak, Jirí 

Krytinár, Jan Svankmajer, etc. Duração: 118 min. 


Realização: Bruno Duarte, Luciana Penna (Brasil, 2005); 

Argumento: Anna Karinne Ballalai, Augusto Dos Anjos, Bruno 

Duarte, Luciana Penna, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Bruno Duarte, Luciana Penna; Música: Marcelo 

Neves; Fotografi a (cor): Thiago Lima Silva; Montagem: 

Marina Meliande; Companhias de produção: Bruno 

Duarte, Luciana Penna, Universidade Federal Fluminense; 

Intérpretes: Fernando Eiras (Egeu), Cristina Flores (Berenice), 

Afonso Henriques Neto (Doorman), etc. Duração: 24 min. 

Título original: Der Verrückte, das Herz und das Auge 

Realização: Gregor Dashuber, Annette Jung (Alemanha, 

2006); Argumento: segundo obra de Edgar Allan 

Poe; Produção: Fabian Gasmia; Música: Max Knoth; 

Companhias de produção: Hochschule für Film und 

Fernsehen ‘Konrad Wolf’; Intérpretes: Andreas Fröhlich, 

Tom Strauss, etc. Animação; Duração: 8 min. 

Título original: The House of Usher 

Realização: Hayley Cloake (EUA, 2006); Argumento: Collin 

Chang, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Boyd 

Hancock, Alyssa Weisberg; Fotografi a (cor): Eric Trageser; 

Montagem: Jo Francis; Casting: Alyssa Weisberg; Design 

de Produção: Lawrence Sampson; Guarda-roupa: Candice 

Carella; Maquilhagem: Christina LaPointe; Assistentes 

de realização: Melissa DeSimone, Roy Holt, Karlina Lyons; 

Departamento de arte: Kurt Bergeron, Susan Haynes Davis, 

Allison Morrissette; Som: Jeffery Alan Jones; Companhias 

de produção: Abernathy Productions; Intérpretes: Austin 

Nichols (Roderick Usher), Izabella Miko (Jill Michaelson), 

Beth Grant (Mrs. Thatcher), Stephen Fischer (Rupert 

Johnson), Danielle McCarthy, Elizabeth Duff, Robin Kurian, 

Jason Fields, Jamey Jasta, Ann Howland, Henry Ebinger, 

Chris Eagan, Tim Hancock, etc. Duração: 81 min. 


Realização: Michael Swertfager, Lawrence ‘Law’ Watford 

(EUA, 2006); Argumento: segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Lawrence ‘Law’ Watford, Tiffany Wilson; Música: 

Nick Bagg; Fotografi a (cor): Lawrence ‘Law’ Watford; 

Montagem: Lawrence ‘Law’ Watford; Companhias de 

produção: Lawville Solutions; Intérpretes: Dave Hobbs, 

Antwon Smallwood, etc. Duração: 15 min. 

Título original: Nightmares from the Mind of Poe 

Realização: Ric White (EUA, 2006); Argumento: Ric 

White, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Linda 

Thornton, Ric White; Música: Joe Riley; Fotografi a (cor): 

John Gerhart; Companhias de produção: Willing Hearts 

Productions; Intérpretes: James Anderson, David Ballasso, 

David Bayer, Dave Bielawski, Emma Cardosi, David 

Chattam, Clayton Laurence Cheek, Deanne Collins, Ron 

Cushman, Retika Dial, Tom Dolan, Kenneth Dozier, Judith 

Draper, William Hendry, etc. Duração: 93 min. 

O CORVO 


Realização: Ulli Lommel (EUA, 2006); Argumento: Ulli 

Lommel, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: 

Jeff Frentzen, Ulli Lommel, Nola Roeper; Música: Robert 

J. Walsh; Fotografi a (cor): Bianco Pacelli; Montagem: 

Christian Behm, Brian Lancaster; Casting: Rachael Devlin; 

Design de Produção: Patricia Devereaux; Maquilhagem: 

Aimee Galicia Torres; Direcção de produção: Trista Beard, 

Howard Berstein; Departamento de arte: Jim Swain; Som: 

Larry Bryanston, Derek Frentzen; Efeitos Especiais: Aimee 

Galicia Torres; Guarda-roupa: Jimmy Williams; Companhias 

de produção: Hollywood House of Horror, The Shadow 

Factory Inc.; Intérpretes: Jillian Swanson (Lenore), Jack 

Quinn (Skinner), Victoria Ullmann (Annabel Lee), Michelle 

Guest (Doree), Sharon Senina (Jackie), Jaquelyn Aurora 

(Shannon), Michael Barbour (Edgar Allan Poe), Trista Beard, 

Ernest Borneo, Nicole Cooke, Janelle Dote, Carsten Frank, 

Tisha Franklin, Jeff Frentzen, Laura Hofrichter, Ulli Lommel, 

etc. Duração: 81 min; Classifi cação etária: M/ 16 anos; 

Disribuição em Portugal (DVD): Prisvideo. 


Realização: Brett Kelly (Canadá, 2006); Argumento: 

segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Anne-Marie 

Frigon; Música: Chris Nickel; Companhias de produção: 

Dudez Productions; Intérpretes: Brett Kelly (Narrador). 

Título original: “The Venture Bros.” Escape to the House 

of Mummies, Part II 

Realização: Christopher McCulloch (EUA, 2006); Argumento: 

Doc Hammer, Christopher McCulloch; Produção: Nathan

Graf, Christopher McCulloch, Jeremy Rosenberg, Rachel 

Simon, Steven S.H. Yoon; Música: J.G. Thirlwell; Montagem: 

Doc Hammer; Direcção de Produção: Nisa Contreras, Keith 

Crofford, Michael Lazzo; Departamento de arte: Liz Artinian, 

Peter Brown, Marina Dominis-Dunnigan, Siobhan Mullen; 

Som: Rachel Chancey, Dave Paterson; Efeitos visuais: Luciano 

DiGeronimo, Doc Hammer; Animação: Kimson Albert, 

Jennifer Batinich, Tom Bayne, Nick DeMayo, Chris George, 

Matthew I. Jenkins, Agatha Sarim Kim, Sadie Y.E. Lee, Miguel 

Martinez-Joffre, Martin Wittig; Companhias de produção: 

Williams Street; Intérpretes (vozes): James Urbaniak, Patrick 

Warburton, Michael Sinterniklaas, Christopher McCulloch, 

Steven Rattazzi, Doc Hammer, H. Jon Benjamin, Lisa Hammer, 

etc. Duração: 22 min. Data de emissão: 16 de Julho de 2006 


Título original: The Death of Poe 

Realização: Mark Redfi eld (EUA, 2006); Argumento: 

Mark Redfi eld, Stuart Voytilla; Produção: Tom Brandau, 

Wesley Nolan, Mark Redfi eld, Jennifer Rouse, Robert 

Sprowls, Stuart Voytilla, J.J. Weber; Música: Jennifer Rouse; 

Fotografi a (cor): Jeff Herberger; Montagem: Jay Carroll, 

Sean Paul Murphy; Maquilhagem: Mary ‘Dugan’ Buono, 

Eric Supensky; Assistentes de realização: Thomas Brandau; 

Departamento de arte: William Kelley, Clay Supensky; 

Companhias de produção: Redfi eld Arts; Intérpretes: 

Mark Redfi eld (Edgar Allan Poe), Kevin G. Shinnick (Dr. 

John Moran), Jennifer Rouse (Mrs. Moran), Tony Tsendeas 

(Neilson Poe), Kimberly Hannold (Virginia Clemm), Wayne 

Shipley, Jonathon Ruckman, George Stover, J.R. Lyston, Curt 

Boushel, Sandra Lynn O’Brien, Chuck Richards, Deborah 

L. Murphy, Dave Ellis, Jimmyo Burril, Thomas E. Cole, Erik 

DeVito, Pete Karas, Andrew Ready, Tom Brandau, Holly 

Huff, T.B. Griffi th, Douglas Spence, Shawn Jones, Johanna 

Supensky, Josh Metz, Samuel DiBlasi Jr., Richard Arnold, 

Michael H. Alban, etc. Duração: 80 min. 

Título original: Nightmares from the Mind of Poe 

Realização: Ric White (EUA, 2006); Argumento: Ric White, 

Edgar Allan Poe; Produção: Clayton Laurence Cheek, Tom 

Dolan, Toni Sowell, Linda Thornton, Tom Varenchick, Ric 

White; Música: Joe Riley; Fotografi a (cor): John Gerhart; 

Companhias de produção: Willing Hearts Productions; 

Intérpretes: James Anderson, David Ballasso, David Bayer, 

Dave Bielawski, Emma Cardosi, David Chattam, Clayton 

Laurence Cheek, Deanne Collins, Ron Cushman, Retika Dial, 

Tom Dolan, Kenneth Dozier, Judith Draper, William Hendry, 

John Huber, Steve Jarrell, Stephen Jerrell Jr., Carey Kotsionis, 

Mickey Love, Stephanie Love, Jay McMahon, Doug Moore, 

Lisa Parham, Michael Roark, Cole Schaefer, Ricky Smith, Toni 

Sowell, Linda Thornton, Tom Varenchick, Jamie Vincent, Ric 

White (Edgar Allan Poe), etc. Duração: 93 min. 

Título original: E.A.P. 

Realização: Bradford R. Youngs (EUA, 2007); Argumento: 

Bradford R. Youngs; Produção: Bradford R. Youngs, Gina 

Youngs; Fotografi a (cor): John Darbonne, Bradford R. Youngs; 

Montagem: Robert Dias, Allen Kaufman; Som: Allen Kaufman; 

Companhias de produção: Twilight Entertainment, Twilight 

Studios; Intérpretes: Colin Branca (Edgar Allan Poe), Elwood 

Carlisle (Velho), etc. Duração: 8 min. 

Título original: El Cuervo 

Realização: Richie Ercolalo (Argentina, 2007); Argumento: 

Richie Ercolalo, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Cristian De Ricci, José Ercolado, Richie Ercolalo; 

Música: Pablo Borghi; Fotografi a (cor): Malco Alonso; 

Montagem: Richie Ercolalo; Direcção artística: Richie 

Ercolalo; Maquilhagem: Mariana Rosselli, Mariana Talta; 

Assistentes de realização: Camila Rossi; Departamento 

de arte: Patricia Gallardo; Som: Alejandro G. Ludueña; 

Animação: Marcos Ilari; Intérpretes: Pascual Aldana, Javier 

Darío Alfonso, José Andrada, María Victoria Baldomir, 

Verónica Belloni, Fernando A. Beracochea, Daniel 

Bonapartian, Eduardo Bonapartian, Santiago Cadenas, 

Belén Céspedes, Néstor Cunzo, etc. Duração: 30 min. 

Título original: série de TV “Masters of Horror” – episódio 

“The Black Cat” 

Realização: Stuart Gordon (EUA, Canadá, 2007); Argumento: 

Dennis Paoli, Stuart Gordon segundo obra de Edgar 

Allan Poe (“The Black Cat”); Produção: Ken Abraham, 

Ben Browning, Adam Goldworm, Lisa Richardson, Tom 

Rowe; Música: Rich Ragsdale; Fotografi a (cor): Jon Joffi n; 

Montagem: Marshall Harvey; Casting: Stuart Aikins, Sean 

Cossey, Lindsey Hayes Kroeger, David Rapaport; Design 

de Produção: Don Macaulay; Direcção artística: Margot 

Ready; Guarda-roupa: Lyn Kelly; Maquilhagem: Sarah 

Graham, Adina Shore, Margaret Solomon; Assistentes de 

realização: Alexia S. Droz, Rob Duncan, David Markowitz, 

Ania Musiatowicz; Departamento de arte: Jean Brophey, 

Nick Dibley, John Wilcox; Som: Anke Bakker, Kris Fenske; 

Efeitos Especiais: Howard Berger, Gregory Nicotero, Chris 

Sturges; Efeitos visuais: Julie Bergman; Guarda-roupa: Debra 

Torpe; Companhias de produção: Starz Productions, Nice 

Guy Productions, Industry Entertainment, Reunion Pictures; 

Intérpretes: Jeffrey Combs (Edgar Allan Poe), Elyse Levesque 

(Virginia Poe), Aron Tager (George Graham), Eric Keenleyside, 

Patrick Gallagher, Christopher Heyerdahl, Ken Kramer, Ian 

Alexander Martin, Ryan Crocker, etc. Duração: 58 min. 


Realização: Alejandro Aguilera (México, 2007); Argumento: 

segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Alejandro 

Aguiler; Fotografi a (cor): Alejandro Aguilera; Companhias 

de produção: Ultima Realidad Films; Intérpretes: David 

Nava; Duração: 10 min. 

Título original: The Raven (TV) 

Realização: David DeCoteau (EUA, 2007); Argumento: 

Matthew Jason Walsh segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: Paul Colichman, David DeCoteau, Stephen 

P. Jarchow; Música: Richard Band, Joe Silva; Fotografi a 

(cor): Vincent G. Cox; Montagem: Christopher Bavota; 

Efeitos visuais: Sergey Musin; Guarda-roupa: Gitta Cox; 

Companhias de produção: Rapid Heart Pictures; Intérpretes: 

Rick Armando (Roderick), Litha Booi (Pembroke), Ivan 

Botha (Greg), Joy Lucelle De Gee (Helen), Richard Johnson 

(narrador), John Jordan, Traverse Le Goff; Justin Mancer, 

Justin McGibbon, Brian Mitchell, Graeme Richards, Andre 

Velts, Nicholas Wickstrom, etc. Duração: 96 min. 

Título original: Edgar Allan Poe’s Ligeia 

Realização: Michael Staininger (EUA, 2008); Argumento: 

John Shirley, segundo obra de Edgar Allan Poe (“Ligeia”); 



Produção: Chris Benson, Wes Bentley, Donald P. Borchers, 

Robert Crombie, Randall Emmett, George Furla, Van 

Johnson, Jeff Most, Artur Novikov, Jeff Rice, Sergei 

Veremeenko; Música: Patrick Cassidy, Michael Edwards; 

Fotografi a (cor): Chris Benson; Montagem: Danny 

Saphire, Michal Shemesh; Casting: Shannon Makhanian, 

Rosemary Welden; Design de Produção: Cat Cacciatore; 

Direcção artística: Jim Tudor; Guarda-roupa: Mandi 

Line; Maquilhagem: Lisa Brockman-Kalz; Direcção de 

produção: Matt Corrado, Jeff Most, Jeff Most; Assistentes 

de realização: Aaron Crozier, Brent Jaimes, Charles Leslie, 

Jeff Most ; Departamento de arte: Chris Shader, Flynn 

Smith; Som: Steven Avila, Peter D. Lago, Steven Utt; 

Efeitos Especiais: Greg Goad; Efeitos visuais: David A. 

Davidson, Joseph Emerling; Companhias de produção: 

Yalta-Film, Jeff Most Productions, Poe Vision; Intérpretes: 

Wes Bentley (Jonathan), Kaitlin Doubleday (Rowena), 

Mackenzie Rosman (Loreli), Michael Madsen (George), Eric 

Roberts (Vaslov), Cary-Hiroyuki Tagawa, Sofya Skya (Ligeia 

Romanova), Joel Lewis, Christa Campbell, Lydia Hull, Jeff 

Most, Susan L. Fry, Matthew Gowan, Ryan O’Quinn, etc. 

Título original: Morella 

Realização: Jeff Ferrell (EUA, 2008); Argumento: Jeff 

A. Ferrell, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: 

Jeff Ferrell; Música: Semih Tareen; Fotografi a (cor): Jeff 

Vigil; Montagem: Jeremy Schmidt; Intérpretes: Dennis 

Kleinsmith (homem, narrador), Lisa Coronado (Morella), 

Hannah Morwell, etc. Duração: 10 min. 

Título original: The Horror Vault 2 

Realização: Henric Brandt (episódio “The Dead Chick 

In The Closet”), Lars Gustavsson (episódio “Restroom”), 

Oscar Malm (episódio “Restroom”), Martin Vrede 

Nielsen (episódio “Repugnant”), Michael Vrede Nielsen 

(episódio “Repugnant”), Guy Pearson (episódio “Mr. 

Happy Sunshine”), Kim Sønderholm (episódio “Invasion 

of Privacy”), Ben Wydeven (episódio “The Medium”) (EUA, 

Suécia, Dinamarca, 2008); Argumento: Stefan Bommelin, 

Henric Brandt, Lars Gustavsson, H.P. Lovecraft, Oscar 

Malm, Paul Meagher, Andreas Rylander, Kim Sønderholm, 

Rasmus Tirzitis, Ben Wydeven, Martin Vrede Nielsen, 

Michael Vrede Nielsen, segundo obra de Edgar Allan 

Poe (episódio “Repugnant”); Produção: Adrian Alfonso, 

David Ballerstein, Henric Brandt, Jarrod Crooks, Lars 

Gustavsson, Jan T. Jensen, Kelly Karnetsky, Oscar Malm, 

Gunnel Neltzen, Guy Pearson, Jim Pedersen, Jason 

Perlzweig, Joseph Pozo, Kim Sønderholm, Melanie Sparks, 

Scott Christian Spencer, Jeff Stoll, Fabrizio Wiederkehr; 

Música: Samir El Alaoui (episódio: “The Dead Chick In The 

Closet”), Just J. (episódio “The Medium”), Michael Ohlsson 

(episódio: ‘Restroom’); Carl Sharrocks (episódio “Mr. Happy 

Sunshine”); Fotografi a (cor): Stefan Bommelin (episódio: 

“The Dead Chick In The Closet”), Lars Gustavsson (episódio: 

‘Restroom’), Joachim Johansen (episódio “Invasion of 

Privacy”), Oscar Malm (episódio: ‘Restroom’), Guy Pearson 

(episódio “Mr. Happy Sunshine”); Montagem: Krede 

Andersen, Henric Brandt (episódio “The Dead Chick In The 

Closet”), Oscar Malm (episódio: ‘Restroom’), Guy Pearson 

(episódio “Mr. Happy Sunshine”), Kim Sønderholm 

(episódio “Invasion of Privacy”), Ben Wydeven (episódio 

“The Medium”); Maquilhagem: Ulla Glud (episódio 

“Repugnant”), Lars Gustavsson (episódio: ‘Restroom’), 

Oscar Malm (episódio: ‘Restroom’), Lisa Stenlid (episódio 

“The Dead Chick In The Closet”); Direcção de produção: 

James Rubino (episódio “The Medium”); Assistentes de 

realização: Rasmus Tirzitis (episódio “The Dead Chick 

In The Closet”); Som: Becky Kostlevy, Paul Meagher, Guy 

Pearson, Yia Xiong; Efeitos visuais: Andreas Feix, Oscar 

Malm; Companhias de produção: Cetus Productions; 

Intérpretes: Kim Sønderholm (Dennis), Ditte U. (Laura), 

Vibeke Zeuthen (Rebecca), Lars Bjarke (Reuben) (episódio 

‘Invasion of Privacy’); Dennis Haladyn (homem), Michael 

Vrede Nielsen (animal) (episódio ‘Repugnant’), Dan 

Burger (Joe Valentino), Jarrod Crooks (corvo), Jeffrey 

Glenn (Tom Geideman), Jessica Heyel (Lenore Derry), 

Jon Lipscomb (Rodriguez), Jessie Mueller (Jenny Cavoto) 

(episódio “The Medium”); Yohanna Idha (galinha 

morta), Anders Menzinsky (Ben), Pontus Olgrim (John), 

Penelope Papakonstantinou (Sandra), Andreas Rylander 

(Phillip) (episódio ‘The Dead Chick In The Closet’); Mark 

Baker (Steven), Daniel Garthwright (Lee), Paul Meagher 

(Saul), Gary Wall (segunda vítima) (episódio “Mr. Happy 

Sunshine”); Christoffer Jonsson (homem que grita) 

(episódio “Restroom”), etc. Duração: 90 min. 


Realização: Robert Eggers (EUA, 2008); Argumento: Robert 

Eggers, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: Maura 

Anderson, Michael Neal; Música: Johann Sebastian Bach, 

Thomas Ulrich; Fotografi a (cor): Jarin Blaschke; Montagem: 

Louise Aldersay; Design de produção: Robert Eggers; 

Guarda-roupa: Robert Eggers; Assistentes de realização: 

Amanda Michaels; Departamento de arte: Jennie Green, 

Edouard Langlois; Som: Dave Groman, Matt Rocker, Damian 

Volpe; Efeitos visuais: Gordon Arkenberg; Companhias de 

produção: Palehorse Productions; Intérpretes: Carrington 

Vilmont, Richard Easton, Dan Charlton, Nathan Allison, Dan 

Murphy, etc. Duração: 21 min. 

Título original: “Muchachada nui” – episódio 2.10 - Série 

de TV (2008) 

Realização: Joaquín Reyes (Espanha, 2008); Argumento: 

Joaquín Reyes, Carlos Areces, Ernesto Sevilla, Raúl Cimas, 

Julián López; Produção: Flipy; Música: Enrique Borrajeros; 

Montagem: Juanma Ibáñez, Rebeca Saenz de Jubera; 

Decoração: Noe Cabañas; Maquilhagem: Oscar del Monte, 

Nacho Díaz, Antonio Hortas, Cristina Malillos; Direcção de 

Produção: Manuel Sánchez, Jorge Torrens ; Assistentes de 

realização: Paula Palmero, Ernesto Sevilla; Departamento 

de arte: Rafael Sanz; Som: Miguel Angel Walter, Roberto 

Fernández; Animação: Joaquín Reyes; Intérpretes: Joaquín 

Reyes, Ernesto Sevilla, Raúl Cimas (Edgar Allan Poe), Julián 

López, Carlos Areces, Mercedes Navarro, Jesús Reyes, Mark 

García, Jesús Herrero, Duane Jones, Judith O’Dea, etc. Data 

de emissão: 11 de Junho de 2008 (Temporada 2, Episódio 10). 



Simon Savory, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: 

Paul Colichman, Stephen P. Jarchow, John Schouweiler; 

Música: Jerry Lambert, Fotografi a (cor): Howard Wexler; 

Montagem: Jack Harkness; Assistentes de realização: 

Wise Lee; Som: David Tarango; Companhias de produção: 

Rapid Heart Pictures; Intérpretes: Lorielle New (JB Divay), 

Stephen Hansen (Jason), Bart Voitila (Kyle), Danielle

Demski (Alicia), Amy Paffrath (Gemma), Tom Sandoval 

(Vinnie), Michael King, Jason-Shane Scott, Andrew Bowen, 

Jason Stuart, Greg Sestero, etc. Duração: 86 min. 

Título original: Tell-Tale 

Realização: Michael Cuesta (EUA, 2009); Argumento: 

Dave Callaham, segundo obra de Edgar Allan Poe; 

Produção: John Baca, Dave Callaham, Matthew E. 

Chausse, Michael Costigan, Michael Ellenberg, Myles 

Nestel, Malcolm Reeve, Robert Salerno, Ridley Scott, Tony 

Scott, Martin Shore, Gordon Steel, Christopher Tuffi n, 

Patrick Wabl; Música: Pierre Földes; Fotografi a (cor): Terry 

Stacey; Montagem: Kane Platt; Casting: Beth Bowling, 

Kim Miscia; Design de Produção: Patti Podesta; Direcção 

artística: Jordan Jacobs; Decoração: Anuradha Mehta; 

Guarda-roupa: Mary Claire Hannan; Maquilhagem: 

Frank Barbosa, Kate Biscoe, Cheryl Daniels, Paula Dion; 

Direcção de produção: Craig Ayers, Jonathan Ferrantelli, 

Chris Ward; Assistentes de realização: Ivan J. Fonseca, 

Elizabeth MacSwan, Adam T. Weisinger; Departamento 

de arte: Dawson Nolley; Som: Drazen Bosnjak; Efeitos 

visuais: Seb Caudron; Companhias de produção: Artina 

Films, Oceana Media Finance, Poe Boy Productions, Scott 

Free Productions, Social Capital, The Steel Company, 

Tax Credit Finance; Intérpretes: Josh Lucas (Ferry), Lena 

Headey (Elizabeth), Brian Cox (Van Doren), Beatrice Miller 

(Angela), Dallas Roberts, Ulrich Thomsen, Pablo Schreiber, 

Jamie Harrold, Tom Riis Farrell, Michael K. Williams, Scott 

Winters, Tom Kemp, Cassandre Fiering, Kara Lund, Desiree 

April Connolly, Roger Dillingham Jr., Alba Albanese, Darya 

Zabinski, Susan Farese, Albert Gornie, etc. Distribuição em 

Portugal: Filmes Lusomundo (2009) (Portugal). 



Simon Savory, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: 

Paul Colichman, Stephen P. Jarchow, John Schouweiler; 

Fotografi a (cor): Howard Wexler; Montagem: Jack 

Harkness; Assistentes de realização: Wise Lee; Som: 

David Tarango; Companhias de produção: Rapid Heart 

Pictures; Intérpretes: Lorielle New (J.B.), Stephen Hansen 

(Jason), Bart Voitila (Kyle), Danielle Demski (Alicia), Amy 

Paffrath (Gemma), Tom Sandoval (Vinnie), Michael King 

(Trevor), Jason-Shane Scott, Greg Sestero, Jason Stuart, 

etc. Duração: 86 min; em produção. 

Título original: Lighthouse 

(EUA, 2008); Argumento: Richard Selzer, segundo obras de 

A.W. Knuudsen e Edgar Allan Poe; Produção: Tom O’Brien; 

Caroline Stern; Casting: Mary Vernieu; Companhias de 

produção: Irreverent Media; Intérpretes: Kevin Zegers 

(John Jacob Moran), Saul Rubinek (DeGrat), etc. Duração: 

104 min; em produção. 


Realização: Ryan Shovey (EUA, 2008); Argumento: Ryan 

Shovey, segundo obra de Edgar Allan Poe; Produção: 

Ryan Shovey; Música: Vaughn Morris; Fotografi a (cor): 

Chris Tharp; Montagem: Ryan Shovey; Companhias de 

produção: Freak Daddy Productions; Intérpretes: Glenn 

Bain, John Archer Lundgren, Sebastian Montoya, John 

Salamone, C.J. Smith, etc. Duração: 26 min. 

Título original: Poe: Last Days of the Raven 

Realização: Brent Fidler (Canadá, 2008); Argumento: Brent 

Fidler; Produção: Barry Backus; Bob Bottieri, Brent Fidler, 

Mackenzie Gray; Música: Tuomas Kantelinen; Fotografi a 

(cor): Eric J. Goldstein; Montagem: Barry Backus; Design 

de produção: Bob Bottieri; Direcção artística: Phil Trumbo; 

Decoração: Sebastian Bruski; Guarda-roupa: Sandra J. 

Blackie; Maquilhagem: Stacey Butterworth, Courtney 

Frey; Assistentes de realização: Laurent Piche; Som: 

Benjamin MacDonald; Efeitos especiais: Sebastian Bruski; 

Efeitos visuais: Ted Gervan; Intérpretes: Brent Fidler (Edgar 

Allan Poe), Mackenzie Gray (John Allan), Richard Keats (Dr. 

Moran), Emily Tennant (Virginia Poe), Lisa Langlois (Jane 

Stanard), Alex Diakun (Joseph Snodgrass), Alec Willows 

(Neilson Poe), Jerry Rector, Shannon Jardine, Sarah 

Deakins, Irina Fidler, Stanley Katz, Dave Newham, Olivia 

Rameau, Jeff Sarsfi eld, Janaki Singh, Michael Sunczyk, 

Elizabeth Volpe, etc. Duração: 80 min. 

Título original: Lives and Deaths of the Poets 

Realização: Leland Steigs (EUA, 2009); Argumento: 

Leland Steigs; Produção: Sydney-Chanele R. Dawkins, 

Leland Steigs; Maquilhagem: Laurie Freedman; Eve Yiotis; 

Som: Doris Baker, Steven P. Bryant, Erik Dunbar, Laurie 

Freedman, Bronson Hall, Derek Axel Rose, Cory Siansky, 

David Steiger, Leslie Steiger, David Tong; Companhias de 

produção: One Of A Kind Company; Intérpretes: Edward 

Robert Bach (Wendell Kennedy), Jonah Baker (Ernest 

Hemingway / Elvis Presley), Rob Stull (Joseph Kennedy 

- Jr.), Savannah Costello, Tom Townsend, Patrick Michael 

Strange (Jose Feliciano / Salvador Dali), Sharon Carpenter- 

Rose (Virginia Woolf / Kick Kennedy / Anne Hathaway / 

Miz Compson), Sam Navarro, Chelsea Connell, Larry 

Carter (Lord FitzWilliam / Jackson’s Manager), Kit Farrell 

(Teddy Kennedy), Kevin Tan (Samurai de Mishima), Gayle 

Yiotis (Yoko Ono), Bruce Allen Dawson (Jimi Hendrix 

/ Ralph Ellison / Leroy), Nora Bauer (Colette / Marie / 

Hendrix), Steven A. Webb, Terry Ward (Ed Wood), Rockzana 

Flores, Joseph Thornhill (Ritchie Valens), Lou Zammichieli 

(Jim Morrison / Lord Byron), Tiffany Ariany, Greg Coale 

(Edgar Allan Poe / Woody Allen / Snopes / Imperador 

Nero), Laura J. Scott, Amanda O’Connor (Mary Jo), Phil 

Filsoof (Hugh Hefner / Gustave Flaubert), Brandon 

Waite (Stephen King), Abraham Askew, Terria Monay 

(Janis Joplin), David Seemiller (Quentin Tarantino), Taylor 

Campbell, Raja Deka (Pablo Picasso), Erin Kaufman 

(Emily Bronte), Michelle Trout (Agatha Christie / Rose 

Kennedy), Karn Henderson (Charlotte Bronte), Gerald 

B. Browning (Percy Shelley), Frank Mancino (William 

Faulkner / Marcel Proust), Matt de Nesnera (Branwell 

Bronte), Ashley Edmiston (Mary Shelley), Brady Kirchberg 

(Nathaniel Hawthorne), Samantha Merrick (Mona Lisa 

/ Joan Vollmer), Steve Leventhal (Victor Hugo / Joseph 

Kennedy Sr.), Boris Alexander (F. Scott Fitzgerald), John 

Geoffrion (William Shakespeare / James Joyce), Bronson 

Hall, Jacob Canon (John F. Kennedy), Annalisa Pitman, 

Bill Jones (Leo Tolstoy), Peggy Swails, Peter Yiotis (Yukio 

Mishima), Erica Leigh Clare, Leo Reynolds (Michael 

Jackson), Benjamin Kingsland (Jack Kerouac), Jimmy Day, 

Kat Schadt (Marilyn Monroe), Carlyn Paschall (Aaliyah 

/ Fanny Ellison), Alexis Barone, Alistair Faghani, Cary 

Meltzer (Henry Miller), Sheri Cohen (Alice B. Toklas), Louis 

Bullock, Ginger Moss, Brian Mac Ian (William Wordsworth 



/ Ted Hughes), Belinda Fadlelmola (Kaisha), Jean Burgess 

(Gertrude Stein), Victoria Fraser (Anne Bronte), Terrell 

Jenkins, Michael Shawn Montgomery (Robert F. Kennedy), 

Ed Swails, Gordon Gantt (Buddy Holly), Lydia Carroll 

(Kennedy Daughter), Luca Ducceschi (D.H. Lawrence), 

Rebecca A. Herron (Frieda Lawrence), Lenny Levy (Stanley 

Kubrick), Brandon Dawson, Lanny Slusher (W.C. Fields), 

Cory Siansky, Errol Sperling (Isaac Singer, Russten Motes, 

Ted Culler (James Whale), Jerry Stough, Matthew Bullock, 

Brian Sparrow, Bianca Roberts, Thomas Rotella (Leonardo 

Da Vinci), Josh Anderson (William Burroughs / Gavin 

Stevens), Carol Goldstone, etc. 

Título original: Poe 

Realização: Michael Sporn (EUA, 2009); Argumento: 

Maxine Fisher; Filme de animação, em rodagem; Biografi a 

de Edgar Allan Poe, com referência a cinco contos do 

autor; Produção: Philip Erdoes, Daria Jovicic, Michael 

Sporn; Montagem: Paul Carrillo; Animação: Matthew 

Clinton, Tissa David; Companhias de produção: Michael 

Sporn Animation, Wild Bear Films; Intérpretes: Hugh 

Dancy (Edgar Allan Poe) (voz), Alfred Molina (“The Black 

Cat”), Dianne Wiest, Joanna Scanlan, Mark Somen, etc. 


Realização: Marc Lougee (Canadá, 200?); Produção: Ray 

Harryhausen & Fred Fuchs, Susan Ma e Marc Lougee; 

Animação; Duração: 7 min. 

Título original: The Horror Vault 3 

Realização: James Barclay (episódio “Unchangeable”), 

Henric Brandt (episódio “I Watch You Die”), Lars Gustavsson 

(episódio “The Sinister”), Dave Holt (episódio “The 

Psychomanteum”), Oscar Malm (episódio “The Sinister”), 

Kim Sønderholm (episódio “Little Big Boy”) (EUA, Suécia, 

Dinamarca, 2010); Argumento: James Barclay (episódio 

“Unchangeable”), Henric Brandt (episódio “I Watch You 

Die”), Lars Gustavsson (episódio “The Sinister”), Kim 

Sønderholm (episódio “Little Big Boy”), Dave Holt (episódio 

“The Psychomanteum”), segundo obras de H.P. Lovecraft e 

Edgar Allan Poe; Produção: James Barclay, Henric Brandt, 

Dave Holt, Jan T. Jensen, Jim Pedersen, Kim Sønderholm; 

Música: Samir El Alaoui (episódio “I Watch You Die”), 

Martin Kaufmann (episódio “Unchangeable”), Adam 

Sandberg (episódio “The Psychomanteum”), Palle Schultz 

(episódio “Unchangeable”); Fotografi a (cor): James Barclay 

(episódio “Unchangeable”), Stefan Bommelin (episódio 

“I Watch You Die”), Lars Gustavsson (episódio “The 

Sinister”), Dave Holt (episódio “The Psychomanteum”), 

Oscar Malm (episódio “The Sinister”); Montagem: James 

Barclay, Jonas Dahl (episódio “Unchangeable”), Stefan 

Bommelin, Henric Brandt (episódio “I Watch You Die”), 

Dave Holt (episódio “The Psychomanteum”), Oscar Malm 

(episódio “The Sinister”); Guarda-roupa: Camilla Kjær 

(episódio “Unchangeable”); Assistentes de realização: 

Shanon Briles, Leslie Hinge; Som: Jon Andersen, Buster 

Jensen, Peter Thorneman (episódio “Unchangeable”); 

Efeitos especiais: Lars Gustavsson, Oscar Malm (episódio 

“The Sinister”); Efeitos visuais: Jonas Dahl (episódio 

“Unchangeable”), Antonio de Jesus Jimenez Orozco; 

Companhias de produção: Cetus Productions, Branbomm; 

Intérpretes: Urban Bergsten, Christian Magdu (episódio 

“I Watch You Die”); Sofi a Brattwall, Lars Gustavsson 

(Narrador) (voz), Stefan Öhrn (episódio “The Sinister”); 

James Barclay, Kim Sønderholm, Lene Storgaard, André 

Babikian, Thomas Biehl, Leslie Hinge, Anders Brink, 

Madsen Henrik, Vestergaard Nielsen, Jesper Vidkjær 

(episódio “Unchangeable”); Julia Bogen, Delbert Briones, 

Don Fuller, Megon Kirkpatrick, Colleen O’Donnell, Jonas 

Sandberg, Helen Sanger Pierce, David Staley, etc. Duração: 

90 min. (em produção). 

(1) Títulos que aparecem referidos no livro “The Poe 

Cinema (A Critical Filmography)”, mas de que não 

conseguimos obter qualquer outra referência.

_Edgar Allan Poe 

Bibliografi a 

Contos: 

1833 - Message Found In A Bottle 

1834 - The Assignation 

1835 - Berenice 

1835 - King Pest - A Tale Containing An Allegory 

1835 - Scenes From Politian 

1837 - Silence - A Fable 

1838 - Ligeia 

1839 - The Fall Of The House Of Usher 

1839 - William Wilson 

1841 - A Descent Into The Maelstrom 

1841 - The Murders In The Rue Morgue 

1842 - The Masque Of The Red Death 

1842 - The Pit And The Pendulum 

1843 - The Black Cat 

1843 - The Gold-Bug 

1843 - The Tell-Tale Heart 

1845 - The Facts In The Case Of M. Valdemar 

1845 - The Purloined Letter 

1846 - The Cask Of Amontillado 

1850 - A Tale Of The Ragged Mountains 

1850 - Bon-Bon 

1850 - Diddling - Considered As One Of The Exact 

Sciences 

1850 - Eleonora 

1850 - Four Beasts In One- The Homo-Cameleopard 

1850 - Hans Phaall 

1850 - Hop-Frog Or The Eight Chained Ourang-Outangs 

1850 - Landor’s Cottage - A Pendant To “The Domain Of 

Arnheim” 

1850 - Lionizing 

1850 - Mellonta Tauta 

1850 - Mesmeric Revelation 

1850 - Metzengerstein 

1850 - Morella 

1850 - Morning On The Wissahiccon 

1850 - Mystifi cation 

1850 - Never Bet The Devil Your Head - A Tale With A 

Moral 

1850 - Shadow- A Parable 

1850 - Some Words With A Mummy 

1850 - Tale Of Jerusalem 

1850 - The Angel Of The Odd- An Extravaganza 

1850 - The Balloon-Hoax 

1850 - The Business Man 

1850 - The Colloquy Of Monos And Una 

1850 - The Conversation Of Eiros And Charmion 

1850 - The Devil In The Belfry 

1850 - The Domain Of Arnheim 

1850 - The Duc De l’Omlette 

1850 - The Imp Of The Perverse 

1850 - The Island Of The Fay 

1850 - The Landscape Garden 

1850 - The Man Of The Crowd 

1850 - The Man That Was Used Up - A Tale Of The Late 

Bugaboo And Kickapoo Campaign 

1850 - The Mystery Of Marie Roget - A Sequel To “The 

Murder In The Rue Morgue” 

1850 - The Narrative Of Arthur Gordon Pym Of 

Nantucket 

1850 - The Oblong Box 

1850 - The Oval Portrait 

1850 - The Power Of Words 

1850 - The Premature Burial 

1850 - The Spectacles 

1850 - The Sphinx 

1850 - The System Of Dr. Tarr And Prof. Fether 

1850 - The Thousand-And-Second Tale Of Scheherazade 

1850 - Thou Art The Man 

1850 - Three Sundays In A Week 

1850 - Von Kempelen And His Discovery 

1850 - Why The Little Frenchman Wears His Hand In A 

Sling 

1850 - X-Ing A Paragrab 

Outras obras: 

1835 - Politian – única peça de teatro 

1838 - The Narrative of Arthur Gordon Pym of Nantucket 

1838 - The Balloon-Hoax 

1846 - The Philosophy of Composition” – ensaio 

1848 - Eureka: A Prose Poem – ensaio 

1848 - The Poetic Principle – ensaio 

1849 - The Light-House – obra incompleta 

Poesia: 

“Al Aaraaf” 

“Annabel Lee” 

“The Bells” 

“The City in the Sea” 

“The Conqueror Worm” 

“A Dream Within A Dream” 

“Eldorado” 

“Eulalie” 

“The Haunted Palace” 

“To Helen” 

“Lenore” 

“Tamerlane” 

“The Raven” 

“Ulalume” 



_OS FILMES APRESENTADOS NO CICLO DEDICADO 

A EDGAR ALLAN POE NO CINEMA 

“Edgar Allen Poe”, de D.W. Griffi th (EUA, 1908) 7’ (V.O. inglesa, mudo) 

“The Avenging Conscience”, de D.W. Griffi th (EUA, 1914) 84’ (V.O. inglesa, mudo) 

“The Fall of the House of Usher”, de J. S. Watson e Melville Webber (EU, 1926) 13’ 

(V.O. inglesa, mudo) 

“The Tell-Tale Heart”, de Jules Dassin (EUA, 1941) 20’ (V.O. leg. português) 

“La Chute de la Maison Usher”, de Jean Epstein (França, 1928) 66’ (V.O. inglesa, 

mudo) 

“Murders in the Rue Morgue”, de Robert Florey (EUA, 1932) 61’ (V.O. inglesa, leg. 

espanhol) 

“The Raven”, de Lew Landers (EUA, 1934) 61’ (V.O. inglesa, leg. Espanhol) 

“House of Usher”, de Roger Corman (EUA, 1960) 76’ (V.O.Inglesa, leg.francês) 

“The Pit and the Pendulum”, de Roger Corman (EUA, 1961) 78’ (V.O.Inglesa, leg. 

português) 

“Tales of Terror”, de Roger Corman (EUA, 1962) 90’ (V.O.Inglesa, leg.francês) 

“Edgar Allan Poe, a Concise Biography”, de Malcolm Hossick (The Famous Authors) 

(EUA, 1993) 30’ (V.O. inglesa) 

“The Masque of the Red Death”, de Roger Corman (EUA, 1964) 85’ (V.O.Inglesa, leg. 

francês) 

“The Raven” (O Corvo), de Roger Corman, (EUA, 1963) 75’ (V.O.Inglesa, leg. 

português) 

“The Tomb of Ligeia”, de Roger Corman (EUA, 1965) 78’ (V.O.Inglesa, leg.francês) 

“Witchfi nder General”, de Michael Reeves (Inglaterra, 1968) 82’ (V.O. inglesa) 

“Cry of the Bush”, de Gordon Hessler (EUA, 1970) 91’ (V.O. inglesa, leg. espanhol) 

“Murders in the Rue Morgue”, de Gordon Hessler (EUA, 1971) 98’ (V.O. inglesa, leg. 

espanhol) 

“The Mansion of Madness”, de Juan López Moctezuma (México, 1973) 85’ (V.O. 

espanhol, leg. Inglês) 

“Two Evil Eyes”, de George Romero e Dario Argento 120’ (EUA, Itália, 1990) (V.O. 

inglesa) 

“Revenge in the House of Usher”, de Jesus Franco (Espanha, 1982) 99’ 

(V.francesa) 

“The Murders in the Rue Morgue”, de Jeannot Szwarc (França, EUA, 1986) 90’ (Leg. 

português) 

“Der Rosenkönig / Le Roi des Roses”, de Werner Schroeter (RFA, França, Portugal, 

1986) 103’ (Leg. português) 

“Alone”, de Philip Claydon (EUA, 2001) 110’ (V.O. inglesa) 

“The Raven”, de Ulli Lommel (EUA, 2006) 81’ (V. O. Inglesa. Leg. português) 

“The House of Usher”, de Hayley Cloake (EUA, 2006) 81’ (V.O. inglesa, leg.francês) 

“The Haunted Palace”, de Roger Corman (EUA, 1963) (V.O.Inglesa, leg.francês)

FAMAFEST 

2009 

MACHADO DE ASSIS NO CINEMA

218 | Machado de Assis no Cinema 

_MACHADO DE ASSIS NO CINEMA 

Quando se procura relacionar o universo fi ccional de Machado de Assis com o cinema, 

poder falar-se de “Machado de Assis e o Cinema” ou de “Machado de Assis no Cinema”. 

Ao tentar esta breve aproximação optei pela segunda designação, porque a primeira 

implicava reconhecer que existira algures no tempo uma relação do escritor com o 

cinema, o que nada me leva a supor ter acontecido. Machado de Assis quanto muito 

poderá ter assistido, nos derradeiros anos da sua vida, a alguma sessão de cinema mudo 

numa das várias salas que se inauguraram no Rio de Janeiro, e de que Daniel Piza dá 

conta na sua biografi a “Machado de Assis, Um Génio Brasileiro”. Mas este autor, ao 

referir-se ao aparecimento destas salas, em data próxima da morte do escritor (1908) 

cita precisamente: “Os primeiros cinemas, como o Grande Cinematógrafo Parisiense e o 

Palace, na avenida Central, exibiam fi lmetes.” E como legenda de uma fotografi a refere” 

O Cine Pathé, fundado por Marc Ferrez, na avenida Central, c. 1908.” Como se vê, surgiam 

as primeiras salas quando Machado de Assis agonizava nos derradeiros anos da sua 

vida. Saia pouco, e não consta que frequentasse o cinematógrafo. Mesmo que o tivesse 

feito, uma ou duas vezes, para matar a curiosidade da novidade, nunca o poderia ter feito 

muito antes, logo nunca antes de escrever o conjunto das suas obras-mestras, que se 

situam entre “Memórias Póstumas de Braz Cubas” (1881) e “Dom Casmurro” (1899). 

Mas há uma ou outra referência curiosa e de reter. Veja-se, por exemplo, a que aparece 

num site da Internet, “Memórias Cinematográfi cas de Machado de Assis”, onde se lê: 

“Entretanto, se a ascensão de uma sociedade moderna o interessou à medida que 

alterava o modo como as pessoas pensavam e se relacionavam, os aspectos exteriores, 

mais visíveis, não foram objecto de sua excitação, ao contrário do que aconteceu a 

outros cronistas da época. Machado conviveu, em seus últimos doze anos de vida, com 

a existência do cinema na cidade do Rio de Janeiro, mas a sétima arte não lhe despertou 

qualquer interesse.” Isso mesmo parece ser confi rmado, e ampliado, no estudo “O Cinema 

Sónia Braga em "Memórias Póstumas" de André Klotzel, 2001.

e Machado”, de Hernani Heffner, de que cito as seguintes passagens que começam por 

situar Machado de Assis como cronista: “ É sabido que Machado de Assis tratou tudo 

com fi na e ferina ironia. É menos comentado que sempre considerou algo bem menor as 

atracções de feira, os espectáculos de lazer eventual, os maquinismos destinados à mera 

distracção, espaço onde, em princípio, deveria se encaixar o cinema. Tais experiências 

– ele parecia se referir a elas mais como teratologias – estavam destinadas a enganar o 

vulgo e a revelar seus baixos instintos. Na verdade, a caracterizar o povo como crédulo 

em excesso, para além da desprezível ignorância habitual. 

O cinema não se tornou uma novidade passageira, mas Machado assim parece tê-lo 

tratado até o fi m da vida. Diga-se a seu favor que sua carreira de cronista se encerrou 

antes que as imagens em movimento tivessem uma presença mais destacada na 

vida da cidade: em 1897, de forma mais quotidiana, e, por volta de 1904, de forma mais 

defi nitiva, quando Carolina morreu. Mesmo assim, como artista sensível e como bom 

leitor, sabia que a novidade tinha vindo para fi car. Assim, seu interesse episódico e lateral 

pelo cinema não parece caracterizar só o desprezo pelas engenhocas que constituíam o 

tímido panis et circenses local.” Hernani Heffner sugere então que o escritor brasileiro 

não desconfi ava apenas de mais um logro técnico, mas sobretudo “de uma ameaça à 

hegemonia da literatura no comércio das ideias e das emoções”, (…) “pelo impacto da 

imagem em movimento como expressão de verdade do mundo, associada justamente 

a esta origem pouco nobre.” 

“Um conhecedor de Shakespeare como Machado sabia que o cinema não alteraria 

signifi cativamente o sentido da vida. O cinema como forma de expressão talvez tivesse 

acuado um pouco o escritor em seus temores não revelados, mas não a ponto de 

empanar seus vaticínios. Daí talvez seu desprezo displicente. Uma atitude cobrada por 

Paulo Emílio Sales Gomes em sua crítica aos intelectuais brasileiros por ignorarem o 

cinema brasileiro por décadas e décadas, desde o começo.” 

"Azyllo Muito Louco" de Nelson Perreira dos Santos, 1971. 

219 | Machado de Assis no Cinema


Fica assim bem provado que as relações de Machado de Assis com as salas de cinema, 

foram nulas, ou quase e, se existiram, não terão sido propriamente de cumplicidade 

e encantamento, como um pouco mais tarde iria acontecer com os surrealistas. 

Confi rmámos portanto que não houve nenhuma infl uência possível do cinema na 

escrita de Machado de Assis, mas apenas “premonições”, se assim se podem chamar. 

Mas notam-se outras “premonições” na arte deste escritor enorme. Atrevendo-me a 

entrar por território alheio, apenas com um olhar de leitor interessado, não com o do 

crítico ou ensaísta literário, interrogo-me sobre onde pára a infl uência romântica do 

autor de “Helena” e onde começa a opção realista do escritor de “Memórias Póstumas 

de Brás Cubas”. Acontece que esta descontinuidade estilística entre estes dois romances 

é evidente, como também é clara a continuidade entre ambas. Nem Machado de Assis 

deixou de ser “romântico” de um dia para o outro, nem passou a ser um “realista” 

exemplar. O que mais me espanta, hoje em dia, na escrita de Machado de Assis, sobretudo 

a partir de “Memórias Póstumas”, é a multiplicidade de registos que o colocam como um 

ainda romântico nalguns aspectos, um realista em plena maturidade, mas igualmente 

um modernista “avant-la-letre”, um surrealista, um concretista, um vanguardista, enfi m, 

também um homem que alguns cuidam ser um irremediável moralista conservador, 

mas que eu sinto mais um militante de valores morais caídos em desuso, ou um critico 

da condição humana que não é tão elogiável na sua totalidade como seria de desejar, 

corrompida pela eterna hipocrisia, pela omnipresente corrupção, pelo viciante carreirismo, 

pela falta de verdade e de hombridade. Para Machado de Assis a Humanidade é, sempre 

o foi para trás, e não parece mudar muito no futuro, uma realidade que merece não 

muita credibilidade, pouca simpatia e muita desconfi ança quanto aos seus propósitos 

mais íntimos. Céptico, pessimista, escritor de uma sibilina ironia, extremamente subtil, 

mas ferozmente observadora, Machado de Assis capta aí muita da simpatia do público 

do século XXI. Igualmente descrente e pessimista quanto ao futuro da espécie. 

Mas, atenção, a existência é uma contradição insistente: lendo Machado de Assis percebese 

que, para lá do seu ingénito pessimismo e cepticismo, há uma devoradora vontade de 

viver, um gosto pelos prazeres da vida que é visível em qualquer das suas páginas. Podemos 

estar muito incrédulos em relação ao Homem, mas lendo Machado de Assis não podemos 

deixar de glorifi car a sua arte, afi nal resultado de um “humano”. Lendo as suas descrições, 

não deixaremos de nos seduzir pelo olhar “obliquo e dissimulado” de Capitu, pelas ruas 

do Rio de Janeiro, entre as quais a de Matacavalos, pelas jantaradas, pelos bailes, pelas 

travessias das noites e dos dias tropicais, pelo urbanismo de metrópole, pela densidades 

das personagens que se não esquecem. Afi nal por esta Humanidade frágil que, não sendo 

perfeita, longe disso, não deixa de ser sedutoramente apetecível. Ler Machado de Assis é 

ler alguém que nos dá ganas de viver, mas muita vontade de lutar contra o que está mal, e 

tentar modifi car, pouco que seja, o que estiver ao nosso alcance. 

Posto isto, se alguma relação existe entre a narrativa literária de Machado de Assis e 

a cinematográfi ca, será pura coincidência, ou premonição, como o escrevi atrás. Logo, 

as afi nidades de “Machado de Assis e o Cinema” só poderão ser de sentido único: ser 

a escrita do escritor a infl uenciar o cinema, ou algum cinema. O que, a acontecer, só se 

verifi caria muito mais tarde. 

Mas há aspectos muito curiosos a salientar neste aspecto. Na verdade, sobretudo desde 

“Memórias Póstumas de Braz Cubas”, o tal romance que introduziu uma ruptura na 

literatura brasileira (e não só), rompendo com o romantismo e introduzindo um realismo 

de sabor muito próprio, onde se descobrem já indícios de algum modernismo, prenúncios

Reginaldo Faria em "Memórias Póstumas" de André Klotzel, 2001. 

de um certo surrealismo, sólidos apontamentos de um romance moderno, surgem na 

prosa de Machado de Assis algumas novidades estilísticas que devem muito a uma 

escrita realista, concreta, de descrição sucinta, que quase se pode associar à chamada 

“sequência literária”, “planifi cação”, “guião” (ou “roteiro”, na terminologia brasileira) de 

um fi lme. Abraça-se o capítulo 45, de “Memórias Póstumas de Braz Cubas”, que tem por 

título “Notas” e leia-se: 

“Soluços, lágrimas, casa armada, veludo preto nos portais, um homem que veio vestir o 

cadáver, outro que tomou a medida do caixão, caixão, essa, tocheiros, convites, convidados 

que entravam. Lentamente, a passo surdo, e apertavam a mão à família, alguns tristes, 

todos sérios e calados, padre e sacristão, rezas, aspersões d’água benta, o fechar do caixão 

a prego e martelo, seis pessoas que o tomam da essa, e o levantam, e o descem a custo 

pela escada, não obstante os gritos, soluços e novas lágrimas da família, e vão até o coche 

fúnebre, e o colocam em cima e traspassam e apertam as correias, o rodar do coche, o 

rodar dos carros, um a um... Isto que parece um simples inventário, eram notas que eu 

havia tomado para um capítulo triste e vulgar que não escrevo.” 

O escritor tem a noção de que não escreveu “um capítulo”, mas que tomou notas, “um 

simples inventário”. “Notas para um capítulo”. Que outra coisa é um guião cinematográfi co 

senão notas para um fi lme? Mas um “inventário” que é uma sucessão de imagens de tal 

forma forte que todo o velório e sucessivo enterro nos é dado numa sequência que é ela 

própria uma montagem cinematográfi ca. 

Há muito de cinematográfi co na escrita de Machado de Assis. Se tempo houvera para tal 

aqui vos poderia trazer exemplos de “fl ash backs”, de “montages” (aquelas sequências de 

montagem muito rápida, que dão a passagem do tempo e do espaço: uma companhia 

de circo ou de teatro em itinerância, rolando por diversas localidades), de vários tipos de 

montagem literária que remetem para montagens cinematográfi cas, por ruptura, pela 

súbita introdução de uma narrador que se dirige ao leitor/espectador, pela acumulação de 



sons, pela justaposição de ideias, de situações, idênticas, contrárias, enfi m um não acabar 

de sugestões imagéticas que Machado de Assis usa magistralmente na sua literatura e 

que anos depois muitos, senão todos, de uma maneira ou de outra, utilizaram nos seus 

fi lmes. Infl uência directa? Não creio, obviamente. Apenas é interessante referir que muito 

do que hoje se chama “narrativa cinematográfi ca” já pré-existia à invenção do cinema 

e que Machado da Assis foi decisivamente um dos seus mais criativos cultores. O que 

torna não apenas provável, mas absolutamente credível, uma infl uência indirecta deste 

escritor em cineastas que o leram e o admiram. Ao ler Machado de Assis é impossível 

não se fi car impregnado pela sua criatividade estilística, pela sua modernidade de 

recursos, pela liberdade total da sua escrita. Fatal é que essa construção fi que a larvar no 

cérebro e se refl icta em futuras obras. Afi nal nada de novo existe. A criação artística não 

é mais do que baralhar e dar de novo o que previamente absorvemos, com resultados 

mais ou menos brilhantes consoante a força da personalidade que o restitui aos leitores, 

ouvintes ou espectadores. 

Neste aspecto acho que todos os que passaram pelas páginas de Machado de Assis são 

seus devedores. Que o diga Woody Allen, quando em 1996, questionado por um jornalista 

brasileiro, sobre “se já tivera algum ídolo brasileiro, na área do futebol?”, respondeu, 

depois de uma pausa para pensar, - “Ídolo brasileiro? Há pouco tempo, li Machado de 

Assis. Achei que é um escritor excepcional. Uma amiga ofereceu-me um livro de Machado 

de Assis- “Epitaph for a Small Winner” (tradução em inglês de “Memórias Póstumas 

de Brás Cubas’). Fiquei muito, muito impressionado. (…) Achei Machado de Assis 

excepcionalmente espirituoso, dono de uma perspectiva sofi sticada e contemporânea, 

o que é não é comum, já que o livro foi escrito há tantos anos. Fiquei muito surpreso. É 

muito sofi sticado, divertido, irónico. Alguns dirão: ele é cínico. Eu diria que Machado de 

Assis é realista.” O jornalista, patrioticamente entusiasmado, pergunta-lhe logo se estava 

a pensar adaptar o romance, ao que Woody Allen, inteligentemente, responde: “Gosto de 

escrever os meus próprios fi lmes. Mas Machado de Assis é um momento maravilhoso na 

literatura. Dei cópias do livro para a minha fi lha e para os meus amigos.” 

Este “fait divert”, citado quase sempre que se fala de “Machado de Assis no Cinema”, tem 

duas interpretações mais ou menos lógicas. A primeira, de que a qualidade de escrita 

deste escritor de meados-fi ns do século XIX, continua viva e a entusiasmar muita gente. 

A segunda, que a arte de Machado de Assis é muito difícil de adaptar ao cinema, o que, 

não desculpa, mas atenua, o falhanço de boa parte das adaptações cinematográfi cas de 

obras suas conhecidas. 

Mas então digo-me e desdigo-me? Afi rmo-o muito cinematográfi co no estilo, e depois 

digo-o difícil de adaptar. Aparentemente poderá haver uma incompatibilidade, mas creio 

não existir. Há muito de cinematográfi co na escrita e nos recursos estilísticos de Machado 

de Assis, é verdade. Mas o seu húmus não é muito facilmente adaptável. Machado de 

Assis é um pessimista, um céptico, um moralista desiludido, um fi lósofo que fi cciona 

situações para sobre elas discorrer. As situações são facilmente adaptáveis. A ironia, o 

cepticismo, a fi losofi a (quer seja o “Humanitismo”, de Quincas Borba, quer o próprio 

pensamento de Machado de Assis e o seu frequente apelo a uma análise psicológica das 

personagens), difi cilmente o são. 

Muitas foram as abordagens cinematográfi cas da obra de Machado de Assis, mas poucas 

as eleitas. A maioria são falhanços, alguns imensos. Há mesmo, machadistas radicais 

que, por causa deles, recusam toda a tentativa de adaptação à nova arte das imagens e 

dos sons.

Reginaldo Faria em "Memórias Póstumas" de André Klotzel, 2001. 

Mas concretizemos algumas refereências:. 

Parece que a primeira adaptação de uma obra de Machado de Assis data de 1937, 

chamava-se “A Agulha e a Linha” e resumia-se á fi lmagem de uma peça pelo Instituto 

Nacional do Cinema Educativo do Brasil. A primeira obra realmente interessante terá 

sido a do mestre brasileiro do cinema mudo, Humberto Mauro, “Um Apólogo - Machado 

de Assis”, realizado por ocasião do centenário de nascimento de Machado de Assis, em 

1939, misturando biografi a e uma nova adaptação de “A Agulha e a Linha”. 

Recorde-se que existe uma interpretação da fi gura de Machado de Assis num fi lme de 

um cineasta português, Leitão de Barros, numa co-produção luso-brasileira de 1949, 

chamada “Vendaval Maravilhoso”, contando “a vida agitada e trágica de Castro Alves, 

desde o seu nascimento, em 1847, à luta contra a escravatura como estudante de Direito 

e como poeta, mostrando, também, como o sua relação com a actriz Eugénia Câmara, 

grande amor de sua vida, que acaba por o levar à ruína. Neste enredo romântico mal 

recebido na época por crítica e público, e quase desconhecida em Portugal, surge 

Machado de Assis, numa interpretação de Jaime Santos. Com música de João Nobre, 

Eugénia Câmara e Raul Ferrão, “Vendaval Maravilhoso” contava no elenco com Paulo 

Maurício (Castro Alves) e Amália Rodrigues (Eugénia Câmara), além de Barreto Poeira, 

Edmundo Lopes, Maria Albertina e do já referido Jaime Santos. 

Há depois a referir muitos documentários sobre a vida do escritor, a sua obra e inclusive 

sobre o Rio de Machado de Assis. Neste mesmo Encontro passaram hoje de manhã 

dois títulos produzidos por instituições prestigiadas, o Senado Brasileiro e a Academia 

Brasileiras das Letras, que permitem uma boa aproximação do universo machadiano, 

respectivamente “Alma Curiosa de Perfeição”, de Maria Maia, e “Machado de Assis – o 

Filme”, de Luelane Corrêa, onde se cruzaram imagens do tempo e do lugar de Machado 

de Assis com depoimentos de estudiosos e especialistas da personalidade e da obra do 

escritor. Houve mesmo a oportunidade, no primeiro destes títulos, de ver e ouvir trechos 



do autor na voz clara e apaixonada do nosso anfi trião neste Encontro, o embaixador 

Lauro Moreira. 

Um projecto interessante, rodado para televisão, é “O Rio de Machado de Assis”, de 1990, 

produção de Norma Bengell, numa realização de Sónia Nercessian e Kika Lopes, com 

Paulo José, Fernanda Torres, José de Abreu, Tonico Pereira. É uma série de três fi lmes que 

procuram apresentar o Rio de Janeiro sob a perspectiva das obras e dos personagens de 

Machado de Assis. As fi lmagens decorreram em construções históricas do Rio de Janeiro, 

como a Casa de Osório, na Rua Riachuelo (antiga Rua Mata-Cavalos), e o casario da Av. 

Mem de Sá. Curiosamente já em 1965 “O Rio de Machado de Assis” fora nome de fi lme, 

desta vez escrito e realizado por Nelson Pereira dos Santos. 

Obviamente que a televisão não podia fi car arredada da obra daquele que é considerado 

um dos, ou mesmo o maior escritor de toda a literatura brasileira. Mas não foram muitas 

as versões televisivas, apesar de tudo. 

A romântica “Helena” foi adaptada a novela por Gilberto Braga, com direcção de Herval 

Rossano, e um elenco numeroso, Lúcia Alves, Osmar Prado, Ida Gomes, Rogério Fróes, Ruth de 

Sousa, Sidney Marques,Regina Vianna, Gilberto Salvio, Ângela Valério, José Augusto Branco. 

“O Alienista” serviu para mini-série da rede Globo,em 1993, interpretada por Marco 

Nanini, Giulia Gam, Milton Gonçalves, Cláudio Correa e Castro, Antônio Calloni, Marisa 

Orth, Sérgio Manberti, e Luís Fernando Guimarães. Outra mini-série, seria “Trio em Lá 

Menor” (segundo conto homónimo), produzida em 1999 por Wolf Maia e realizada por 

Luciano Sabino, com adaptação de Geraldo Carneiro para a Central Globo de Produção. 

No elenco contam-se os nomes de Elenco: Letícia Sabatella, Leonardo Brício, Marco Ricca, 

Laura Cardoso, Bel Kutner. 

Voltando ao cinema e às adaptações de obras, há a considerar dezenas de fi lmes, mas 

só alguns merecem ser recordados. Pelo menos bem recordados. Nas fi cções de longametragem, 

surgem a valer a pena ser mencionados: 

“Noite de Almirante” (1961), de Carlos Hugo Christiansen, segundo o conto homónimo, 

episódio de “Esse Rio que eu Amo”, 

“Viagem ao Fim do Mundo” (1967), de Fernando Cony Campos, baseado em “Memórias 

Póstumas de Brás Cubas”, 

“Capitu” (1967), de Paulo Cesar Saraceni, conforme o romance “Dom Casmurro”, 

“Azyllo Muito Louco” (1969), do excelente Nelson Pereira dos Santos, colocando em 

imagens “O Alienista”, 

“A Cartomante” (1974), de Marcos Farias, baseado no conto homónimo, 

“O Homem Célebre” (1974), de Miguel Faria Jr, apoiado no conto homónimo, 

“Confi ssões de uma Viúva Moça” (1976), de Adnor Pitanga, 

“Iaiá Garcia” (1977), de Geraldo Vietri, baseado no romance homónimo, 

“Missa do Galo” (1982), de Nelson Pereira dos Santos, igualmente retirado de um conto 

homónimo, 

“Brás Cubas” (1985), do polémico Júlio Bressane, um grande admirador de Machado 

de Assis, que, aliás, prepara neste momento uma nova adaptação de um outra obra de 

Machado de Assis, 

“Quincas Borba” (1986), de Roberto Santos, 

“A Causa Secreta” (1995), de Sergio Bianchi, baseado no conto homónimo, 

“Memórias Póstumas” (2001), de André Klotzel, que irão ver seguidamente, com um 

elenco desigual de que fazem parte Reginaldo Faria, Sônia Braga, Walmor Chagas, Stepan 

Nercessian, Petrônio Gontijo, Viétia Rocha.

"A Erva do Rato" de Júlio Bressane, 2008. 

As duas mais recentes adaptações, “Dom” (2003), de Moacyr Góes, e “A Cartomante” 

(2004), de Wagner de Assis e Pablo Uranga, fi cam muito longe do sofrível. 

Finalmente umas rápidas palavras sobre o fi lme que irão ver já de seguida. “Memórias 

Póstumas”, de André Klotzel, aceita-se como uma adaptação digna e inteligente do 

torrencial fabulário de Machado de Assis. Estas “Memórias”, não “de um defunto escritor, 

mas de um escritor defunto” são objectivamente difíceis de adaptar, já por serem 

recordadas na primeira pessoa do singular, já por conterem muito de intimista e de 

secreto que coloca delicados problemas de transposição, já ainda por se expressarem 

em discursos descontínuos, em estilos diversos, introduzindo constantes rupturas, 

remetendo para uma ironia fi na e subtil. Mas André Klotzel consegue dar uns laivos 

da arte de Machado, ou, pelo menos, consegue transmitir ao espectador o desejo de 

ler o original. A reconstituição de época assegura alguma verosimilhança ainda que 

não raro se fi que pelo decorativismo. Falta alguma densidade “vivida” aos “quadros” 

apresentados. Mais defi ciente é a representação, onde apenas Sónia Braga, numa 

pequena aparição, e Reginaldo Faria, na composição de Brás Cubas, “defunto escritor”, se 

impõem num elenco não muito entusiasmante. Obviamente que, não sendo um fi lme 

desdenhável, não é ainda a obra que Machado de Assis justifi ca. Mas é, ainda assim, 

uma das melhores aproximações do universo deste caminhante que atravessou o século 

XIX brasileiro atravessando almas e palmilhando ruas com uma argúcia de psicólogo e 

uma atenção voraz de caçador de borboletas. Delicado, mágico, expectante, directo e 

decisivo na estocada. O Brasil deve-lhe a perpetuação da sua alma, a língua portuguesa 

coloca-o entre os seus maiores cultores, a Humanidade fi cou defi nitivamente muito 

mais rica, e mais apetecível, com as suas introspecções e as agudas dissecações das suas 

personagens. O seu cepticismo é a nossa esperança. 

Lauro António, texto escrito para o “Encontro Internacional sobre Machado de Assis”, 

Lisboa, Fundação Gulbenkian, 30 de Setembro de 2008. 



_MACHADO DE ASSIS 

CRONOLOGIA 

1839 - Nasce a 21 de Junho, no Rio de Janeiro, Joaquim Maria Machado de Assis, fi lho 

legítimo de Francisco José de Assis e Maria Leopoldina Machado de Assis, moradores 

no morro do Livramento, ele brasileiro, da mesma cidade, ela portuguesa, da Ilha de 

São Miguel. Pelo pai, descendia de pardos forros. Pouco se sabe de sua infância: cedo 

perdeu a mãe e a única irmã; foi amparado, até o segundo casamento do pai, pela 

madrinha, senhora abastada. Morto Francisco José, fi cou em companhia da madrasta, 

Maria Inês. Quer a tradição que tenha sido auxiliar do culto na igreja da Lampadosa. 

1855 - De 12 de Janeiro desse ano, data da publicação de seu primeiro poema, “Ela”, até 

3 de Maio de 1861, colabora na Marmota Fluminense de Paula Brito. 

1856 - Admitido como aprendiz de tipógrafo na Tipografi a Nacional, exerce o ofício até 

1858. 

1858 - Encontra no Padre António José da Silveira Sarmento, cura da Capela de S. João 

Batista, do palácio imperial de São Cristóvão, um professor gratuito. Passa a revisor 

de provas de Paula Brito, em cuja livraria terá servido também como caixeiro. De 11 de 

Abril desse ano até, pelo menos, 26 de Junho do seguinte, escreve em “O Paraíba”, de 

Petrópolis. Por esse tempo auxilia o escritor francês Charles de Ribeyrolles na tradução 

de “O Brasil Pitoresco”. De 25 de Outubro desse ano até, pelo menos, 1 de Março de 1868, 

colabora, com bastante irregularidade, no “Correio Mercantil”, do qual fora revisor de 

provas. 

1859 - Estreia como crítico teatral na revista “O Espelho”; nela fi gura, com produções 

várias, do n.1, de 4 de Setembro desse ano, ao n.18, provavelmente o último, de 1 de 

Janeiro de 1860. 

1860 - Convidado para redactor do “Diário do Rio de Janeiro”, que, em segunda fase, 

reaparece em 25 de Março, exerce o lugar até Março de 1867. Esporadicamente, escreve 

ainda no “Diário” até 30 de Julho de 1869. De 16 de Dezembro desse ano até, pelo 

menos 4 de Julho de 1875, inclui-se entre os redactores de “A Semana Ilustrada”, que 

surge naquela data. 

1861 - Publica “Desencantos” (comédia) e “Queda que as Mulheres tem para os Tolos” 

(sátira em prosa). 

1862 - Admitido, a 31 de Dezembro, como sócio do Conservatório Dramático Brasileiro, 

exerce as funções de auxiliar da censura. De 15 de Setembro desse ano até 1 de Julho do 

seguinte, fi gura em todos os números da revista “O Futuro”. 

1863 - Publica o “Teatro de Machado de Assis”, volume que se compõe de duas comédias, 

“O Protocolo” e “O Caminho da Porta”. De Julho desse ano a Dezembro de 1878, com 

interrupção em 1867 e 1868, é constante a sua colaboração no “Jornal das Famílias”, ao 

qual dá de preferência contos. 

1864 - Vai até a Barra do Piraí, trecho então recente da Estrada de Ferro D. Pedro II. 

Publica seu primeiro livro de versos, “Crisálidas”.

1866 - Publica “Os Deuses de Casaca” (comédia). Publica no “Diário do Rio de Janeiro” a 

sua tradução do romance “Os Trabalhadores do Mar”, de Victor Hugo, que aparece em 

volume no mesmo ano. 

1867 - Agraciado com a Ordem da Rosa, no grau de cavaleiro. Nomeado, a 8 de Abril, 

ajudante do director do “Diário Ofi cial”, exerce o cargo até 6 de Janeiro de 1874. 

1868 - Em carta de 18 de Fevereiro, José de Alencar apresenta-lhe o jovem Castro Alves. 

1869 - Casa-se, a 12 de Novembro, com Carolina Augusta Xavier de Novais, moça 

portuguesa havia pouco chegada ao Brasil, onde residiam seus irmãos. 

1870 - Começa, a 23 de Abril, a publicar no “Jornal da Tarde” uma tradução, logo 

interrompida, do romance “Olivier Twist”, de Dickens. Publica “Falenas” (versos) e 

“Contos Fluminenses”. 

1871 - É nomeado, a 4 de Janeiro, membro do Conservatório Dramático, recentemente 

reorganizado. 

1872 - Publica “Ressurreição” (romance). Faz parte do Comissão do Dicionário Marítimo 

Brasileiro 

1873 - Publica “Histórias da Meia-Noite” e a tradução de “Higiene para uso dos Mestres- 

Escolas”, do Dr. Gallard. É nomeado, a 31 de Dezembro, primeiro-ofi cial da Secretaria de 

Agricultura, Comércio e Obras Públicas. 

1874 - De 26 de Setembro a 3 de Novembro, publica, em “O Globo”, o romance “A Mão e 

a Luva”, editado no mesmo ano. 

1875 - Publica “Americanas” (versos) 

1876 - De Julho desse ano a Abril de 1878, escreve em todos os números da revista 

“Ilustração Brasileira”. De 6 de Agosto a 11 de Setembro, publica em “O Globo” o romance 

“Helena”, editado no mesmo ano. É promovido, em 7 de Dezembro, a chefe de secção da 

Secretaria de Agricultura. 

1878 - De 1 de Janeiro a 2 de Março publica, em “O Cruzeiro”, o romance “Iaiá Garcia”, 

editado no mesmo ano. Sua colaboração nesse jornal continua até 1 de Setembro. 

Entra, a 27 de Dezembro, em licença, e segue, doente, para Friburgo, onde fi ca até Março 

de 1879. 

1879 - De Junho desse ano a Dezembro do seguinte, escreve na “Revista Brasileira” (fase 

Midosi), e nela publica, entre outros trabalhos, o romance “Memórias Póstumas de 

Brás Cubas” (15 de Março a 15 de Dezembro de 1880). De 15 de Julho desse ano até, pelo 

menos, 31 de Março de 1898, escreve na revista “A Estação”, onde publica, entre outros 

trabalhos, o romance “Quincas Borba” (15 de Junho de 1886 a 15 de Setembro de 1891). 

1880 - Entra, a 6 de Fevereiro, em licença de um mês, por estar sofrendo dos olhos. 

Designado, a 28 de Março, ofi cial-de-gabinete do Ministro da Agricultura, Manuel 

Buarque de Macedo, exerce as mesmas funções com o sucessor deste, Pedro Luís 

Pereira de Sousa. É representada, no teatro de D. Pedro II, a comédia “Tu só, tu, Puro 

Amor...”, por ocasião das festas organizadas pelo Real Gabinete Português de Leitura 



para comemorar o tricentenário de Camões, e para essa celebração especialmente 

escrita. Foi publicada, em volume, no ano seguinte. 

1881 - Publica em volume as “Memórias Póstumas de Brás Cubas”. De 18 de Dezembro 

desse ano até 28 de Fevereiro de 1897, escreve com assiduidade na “Gazeta de Notícias”; 

esporádica, a sua colaboração alcança o número de 2 de Junho de 1904. Entre outras 

secções, redige “A Semana” (crónicas). 

1882 - Publica “Papéis Avulsos” (contos). Entra, a 5 de Janeiro, em licença de três meses, 

para tratar-se fora do Rio. 

1884 - Publica “Histórias sem Data”. 

1886 - Sai o volume “Terras, Compilação para Estudo”, por ele redigido. 

1888 - É elevado a ofi cial da Ordem da Rosa. Desfi la, a 20 de Maio, no préstito organizado 

para celebrar a Abolição. 

1889 - É promovido, em 30 de Março, a director da Directoria de Comércio, na Secretaria 

da Agricultura. 

1890 - Vai, em companhia de Carolina e dos Barões de Vasconcelos, visitar as fazendas 

da Companhia Pastoril Mineira, em Sítio e Três Corações. De carta sua depreende-se 

não ter sido esta a única viagem que fez a Minas. 

1891 - Publica em volume o “Quincas Borba”. 

1892 - Passa, em 3 de Dezembro, a director-geral do Ministério da Viação. 

1895 - De Dezembro desse ano a Outubro de 1898, escreve na “Revista Brasileira” (fase 

Veríssimo). 

1896 - Publica “Várias Histórias”. Aclamado, em 15 de Dezembro, para dirigir a primeira 

sessão preparatória da fundação da Academia Brasileira de Letras, tem parte 

preponderante na criação desse instituto que preside até morrer. 

1898 - É posto em disponibilidade, no dia 1 de Janeiro, em virtude da reforma no 

Ministério da Viação. Volta ao Ministério, como secretário do Ministro Severino Vieira. 

Exerce depois as mesmas funções com Epitácio Pessoa e Alfredo Maia. 

1899 - Publica “Dom Casmurro” (romance) e “Páginas Recolhidas” (contos, ensaios, teatro). 

1901 - Publica “Poesias Completas”. 

1902 - Volta à actividade, em 18 de Novembro, como director da Secretaria da Indústria, 

no Ministério da Viação. É transferido, a 18 de Dezembro, para director-geral de 

Contabilidade do mesmo Ministério. 

1904 - Publica “Esaú e Jacob” (romance). Segue em Janeiro para Friburgo, com a esposa 

enferma. A 20 de Outubro morre Carolina, dias antes de completarem 35 anos de 

casados. 

1906 - Publica “Relíquias de Casa Velha” (contos, crítica, teatro).

1908 - Publica o “Memorial de Aires” (romance). Entra, a 1 de Junho, em licença para 

tratamento de saúde. Na madrugada de 29 de Setembro, ás 3 h. 20 m, morre em sua 

casa, a Rua Cosme Velho, 18; é enterrado, segundo determinação sua, na sepultura de 

Carolina, jazigo perpétuo 1359, Cemitério de São João Batista. 


Bibliografi a 

Romances 

Ressurreição - 1872 | A mão e a luva - 1874 | Helena - 1876 | Iaiá Garcia - 1878 | Memórias 

Póstumas de Brás Cubas - 1881 | Quincas Borba - 1891 | Dom Casmurro - 1899 | Esaú e 

Jacó - 1904 | Memorial de Aires - 1908 

Poesia 

Crisálidas - 1864 | Falenas - 1870 | Americanas - 1875 | Ocidentais - 1880 | Poesias 

completas - 1901 

Livros de contos 

Contos Fluminenses, 1870 | Histórias da Meia-Noite, 1873 | Papéis Avulsos, 1882 | 

Histórias sem Data, 1884 | Várias Histórias, 1896 | Páginas Recolhidas, 1899 | Relíquias 

da Casa Velha, 1906 | 

Alguns contos 

A Carteira e Miss Dollar (contos do livro “Contos Fluminenses”) | O Alienista, A Sereníssima 

República, O Segredo do Bonzo, Teoria do Medalhão, Uma Visita de Alcibíades e O Espelho 

(conto do livro “Papéis Avulsos”) | Noite de Almirante (conto do livro “Histórias sem 

Data”) | Um Homem Célebre, Conto da Escola, Uns Braços, A Cartomante, O Enfermeiro 

e Trio em Lá Menor (contos do livro “Várias Histórias”) | O Caso da Vara e Missa do Galo 

(conto do livro “Páginas Recolhidas”) | Almas Agradecidas 

Teatro 

Hoje avental, amanhã luva - 1860 | Queda que as mulheres têm para os tolos, 1861 | 

Desencantos - 1861 | O caminho da porta, 1863 | O protocolo, 1863 | Quase ministro - 

1864 | Os deuses de casaca - 1866 | Tu, só tu, puro amor - 1880 | Não consultes médico, 

1896 | Lição de botânica - 1906 | 




NO CINEMA E NA TELEVISÃO 

Cinema 

Título original: A Agulha e a Linha (1937) 

Peça fi lmada no Instituto Nacional do Cinema 

Educativo. Em duas partes: a) Planos fi lmados no 

Morro do Livramento (texto de Lúcia Miguel Pereira, 

dito pelo director daquele Instituto, Roquette Pinto); b) 

Dramatização da peça 

Título original: Um Apólogo - Machado de Assis. 

Realização: Humberto Mauro; Fotografi a: Manuel Ribeiro; 

Comentário: Lúcia Miguel Pereira; Locução: Roquette 

Pinto; Intérpretes: Gracie Moema, Júlia Dias, Déa Selva, 

Nelma Costa, Darcy Cazarré. 

Título original: O Rio de Machado de Assis. 

Realização: Sónia Nercessian e Kika Lopes; Produção: 

Norma Bengell/ NB Produções e Globosat; Intérpretes: 

Paulo José, Fernanda Torres, José de Abreu, Tonico Pereira. 

Título original: Alma Curiosa de Perfeição - Machado de 

Assis. 

Produção: José Maria Ulles, Marcos Brochado e Raquel 

Madeira; Locução: Lauro Moreira e Myriam Violeta; 

Documentário. 

Título original: Esse Rio que eu Amo - Episódio Noite de 

Almirante (1961) 

Realização: Carlos Hugo Christensen; Baseado no conto 

“Noite de Almirante”, em “Hisórias sem Data”; Intérpretes: 

Tonia Carrero, Agildo Ribeiro, Monah Delacy 

Título original: O Rio de Machado de Assis (1965) 

Realização e argumento: Nelson Pereira dos Santos; 

Locução: Paulo Mendes Campos. Documentário. 

Título original: Capitu (1968) 

Realização, argumento e produção: Paulo César Saraceni; 

Baseado no romance “Dom Casmurro”; Adaptação: Lygia 

Fagundes Telles, Paulo Emílio Salles Gomes e Paulo César 

Saraceni; Intérpretes: Othon Bastos, Raul Cortez, Marília 

Carneiro. 

Título original: Viagem ao Fim do Mundo (1968) 

Realização, argumento e produção: Fernando Cony 

Campos; Baseado nos capítulos “O Delírio” e “O Sermão 

do Livro” do romance “Memórias Póstumas de Brás 

Cubas”; Intérpretes: Jofre Soares, Annik Malvil, Talula 

Campos, Karin Rodrigues. 

Título original: “Azyllo muito Louco” (1971) 

Realização e argumento: Nelson Pereira dos Santos; 

Baseado no conto “O Alienista”; Intérpretes: Nildo Parente, 

Isabel Ribeiro, Arduíno Colasanti, Irene Stefânia, Leila 

Diniz. 

Título original: A Causa Secreta (1972) 

Realização e adaptação: José Américo Ribeiro; Baseado 

no conto homónimo, em “Várias Histórias”; Intérpretes: 

Milton Gontijo, Ricardo T. Salles, Walkiria Lacerda 

Título original: A Cartomante (1974) 

Realização e argumento: Marco Farias; Baseado no 

conto homónimo, em “Várias Histórias”; Adaptação: 

Marco Farias, Salim Miguel, Eglê Malheiros; Intérpretes: 

Maurício do Valle, Ítala Nandi, Ivan Cândido. 

Título original: Um Homem Célebre (1974) 

Realização: Miguel Faria Júnior; Baseado no conto 

homónimo, em “Várias Histórias”; Adaptação: Miguel 

Faria Junior e Jorge Laclette; Intérpretes: Walmor Chagas, 

Darlene Glória, Bibi Vogel 

Título original: Confi ssões de uma Viúva Moça (1975) 

Realização e argumento: Adnor Pitanga; Baseado no 

conto homónimo, em “Contos Fluminenses”; Intérpretes: 

Sandra Barsotti, José Wilker, Celso Faria, Myriam Pérsia. 

Título original: Que Estranha Forma de Amar (1978) 

Realização e argumento: Geraldo Vietri; Baseado no 

romance “Iaiá Garcia”; Intérpretes: Solange Machado, 

Wilson Fragoso, Márcia Maria 

Título original: Missa do Galo (1982) 

Realização e argumento: Nelson Pereira dos Santos: 

Baseado no conto homónimo, em “Páginas Recolhidas”; 

Intérpretes: Isabel Ribeiro, Nildo Parente, Olney São 

Paulo 


Realização: Alexander Vancellote; Baseado no conto 

homónimo em “Várias Histórias”; Intérpretes: Ricardo 

Sabença, Roberta Guariento, Yeda Hamilin. 

Título original: Brás Cubas (1985) 

Realização: Julio Bressane; Baseado no romance 

“Memórias Póstumas de Brás Cubas”; Adaptação: António 

Medina e Julio Bressane; Intérpretes: Luiz Fernando 

Guimarães, Renato Borghi, Bia Nunes, Regina Casé. 

Título original: Quincas Borba (1987) 

Realização, adaptação e produção: Roberto Santos; 

Baseado no romance homónimo; Intérpretes: Helber 

Rangel, Brigitte Broder, Fulvio Stefanini. 

Título original: Memórias Póstumas (2001) 

Realização de André Klotzel; Adaptação: José Roberto 

Torero; Baseado no romance “Memórias Póstumas de 

Brás Cubas”; Intérpretes: Reginaldo Faria, Sônia Braga, 

Walmor Chagas, Stepan Nercessian, Petrônio Gontijo, 

Viétia Rocha. 

Título original: Dom (2003) 

Realização: Moacyr Góes: Intérpretes: Marcos Palmeira, 

Maria Fernanda Cândido, Bruno Garcia, Luciana Braga, 

Malu Galli, Walter Rosa e Leon Góes. 


Realização: Wagner de Assis e Pablo Uranga; Intérpretes: 

Deborah Secco, Luigi Baricelli, Sívia Pfeifer, Christiane 

Alves, Giovanna Antonelli, Mel Lisboa, Sílvio Guindane. 

Título original: Quanto Vale ou é por Quilo? (2005) 

Realização: Sergio Bianchi; Argumento: Sabina Anzuategui,

Eduardo Benain, segundo Machado de Assis (“Pai Contra 

Mãe”); Intérpretes: Antonio Abujamra, Caio Blat, Herson 

Capri, Ana Carbatti, Marcelia Cartaxo, Clara Carvalho, 

Leona Cavalli, José Rubens Chachá, Caco Ciocler, Joana 

Fomm, Ênio Gonçalves, Silvio Guindane, Umberto 

Magnani, Noemi Marinho, Leonardo Medeiros, Cláudia 

Mello, Danton Mello, Zezé Motta, Bárbara Paz, Teca Pereira, 

Ariclê Perez, Míriam Pires, Lázaro Ramos, Odelair Rodrigues, 

Lena Roque, Ana Lúcia Torre 

Título original: A Erva do Rato (2008) 

Realização: Júlio Bressane, Rosa Dias; Argumento: Júlio 

Bressane, segundo Machado de Assis; Intérpretes: Selton 

Mello, Alessandra Negrini. 

Televisão 

Título original: Helena - Série de TV (1952) 

Intérpretes: Jane Batista, Paulo Goulart, Vera Nunes, 

Hélio Souto 

Título original: Iaiá Garcia - Série de TV (1953) 

Título original: Your Favorite Story - episódio “The 

Attendant’s Confession” - Série de TV (1954); Argumento: 

Jack Rock, sobre Machado de Assis. 

Título original: Helena - Adaptação de obra de Machado 

de Assis. Telenovela: Capítulos 1 e 28. 

Realização: Herval Rossano; Adaptação: Gilberto Braga; 

Intérpretes: Lúcia Alves, Osmar Prado, Ida Gomes, Rogério 

Fróes, Ruth de Sousa, Sidney Marques,Regina Vianna, 

Gilberto Salvio, Ângela Valério, José Augusto Branco. 

Título original: Vila do Arco - Série de TV (1975) 

Realização: Luiz Gallon; Argumento: Sérgio Jockyman, 

segundo Machado de Assis (“O Alienista”); Intérpretes: 

Laerte Morrone, Maria Isabel de Lizandra, Rodrigo Santiago, 

Célia Helena, Elias Gleizer, Liana Duval, Herson Capri, Nize 

Silva, Geraldo Del Rey, Isadora de Farias, Kleber Afonso, 

Edwin Luisi, Rogério Márcico, Ivete Bonfá, Older Cazarré 

Título original: Iaiá Garcia - Série de TV (1982) 

Argumento: Rubens Ewald Filho, segundo Machado de 

Assis; Intérpretes: Elaine Cristina, Dênis Derkian, Patrícia 

Godoy, Amilton Monteiro, Arlete Montenegro, Alceu 

Nunes, Geraldo Rosa, Fúlvio Stefanini, Silvana Teixeira. 

Título original: Helena - Série de TV (1987) 

Realização: Luiz Fernando Carvalho, Denise Saraceni; 

Argumento: Dagomir Marquezi, Reinaldo Moraes, 

segundo Machado de Assis; Intérpretes: Luciana Braga, 

Thales Pan Chacon, Elias Andreato, Othon Bastos, Ivan 

de Albuquerque, Mayara Magri, Aracy Balabanian, Isabel 

Ribeiro, Yara Amaral, Paulo Villaça, Sérgio Mamberti, 

Walter Forster, Eliane Giardini, Buza Ferraz, Luiz Maçãs. 

Título original: O Alienista - Adaptação da obra de 

Machado de Assis. Mini-série (1993). 

Produção: TV Globo; Intérpretes: Marco Nanini, Giulia Gam, 

Milton Gonçalves, Cláudio Correa e Castro, Antônio Calloni, 

Marisa Orth, Sérgio Manberti, e Luís Fernando Guimarães. 

Título original: Trio em Lá Menor (baseado no conto 

homónimo de Machado de Assis). Mini-série. (1999). 

Realização: Luciano Sabino; Produção: Wolf Maia / Central 

Globo de Produção; ; Adaptação: Geraldo Carneiro; 

Intérpretes: Letícia Sabatella, Leonardo Brício, Marco 

Ricca, Laura Cardoso, Bel Kutner. 

Título original: Capitu (2008) 

Argumento: Luiz Fernando Carvalho, Edna Palatinik, 

segundo Machado de Assis; Intérpretes: Maria Fernanda 

Cândido, Michel Melamed, Eliane Giardini, Letícia Persiles, 

César Cardadeiro, Pierre Baitelli, Rita Elmor, Sandro 

Christopher, Charles Fricks, Izabella Bicalho, Antônio 

Karnewale, Jacy Marques, Gabriela Luiz. 

Título original: Machado de Assis - sua Vida e Obra (dez 

programas) (1999) 

1 - Machado de Assis em canto e prosa; 2 - Machado 

de Assis - o ano em que nasceu; 3 - Machado de Assis 

- A restauração do mobiliário; 4 - Machado de Assis e a 

fundação da Academia; 5 - Machado de Assis e seu patrono 

na Academia; 6 - Machado de Assis - A morada fi nal; 7 - O 

Rio de Janeiro de Machado de Assis I; 8 - O Rio de Janeiro de 

Machado de Assis II; 9 - Machado de Assis – Cronologia; 10 

- Machado de Assis - o ano em que morreu. 


FAMAFEST 

2009 

YUKIO MISHIMA NO CINEMA

234 | Yukio Mishima no Cinema 

_NOTAS SOBRE MISHIMA, O ESCRITOR, O CINEMA, O TEATRO 

_YUKIO MISHIMA NO CINEMA 

Yukio Mishima, escritor brilhante e personalidade polémica e conturbada, teve uma intensa 

actividade cinematográfi ca, quer como autor de várias obras adaptadas ao cinema e como 

argumentista, quer ainda como realizador e actor. Nada de espantar num homem que era 

notoriamente um exibicionista, que fazia da sua vida e do seu corpo espectáculo, levando 

esta ritualização ao extremo, quando “encenou” publicamente o seu próprio suicídio. 

Entre as múltiplas obras cinematográfi cas, japonesas e ocidentais, que tiveram na base 

romances e peças teatrais suas, creio que a mais importante será uma média metragem 

de 30 minutos, de título original japonês “Yûkoku” (traduzida por “Patriotismo” ou “Ritos 

de Amor e Morte”). É uma realização conjunta de Yukio Mishima e Domoto Masaki, 

de 1966, partindo de uma história do próprio Mishima, com produção sua e design de 

produção, para lá de ser interpretada igualmente pelo escritor, ao lado de Yoshiko Tsuruoka 

(Reiko), que encarna a mulher do protagonista, Shinji Takeyama, tenente do Batalhão de 

Transportes, que, no dia 28 de Fevereiro de 1936, terceiro dia depois do incidente de 26 de 

Fevereiro, resolve, “profundamente perturbado ao saber que os seus colegas mais próximos 

eram coniventes com os amotinados, e indignado ante a iminente perspectiva do ataque 

das tropas imperiais, tomar a sua espada de ofi cial e, cerimoniosamente, esventrar as suas 

entranhas no quarto de oito tatamis da sua residência privada, a Residência Yotsuya, na sexta 

rua de Aoba-Cho, no Distrito de Iotsuya. Seguiu-se-lhe Reiko, a sua mulher, que se matou, 

apunhalando-se” (palavras de Mishima). O fi lme, num sóbrio preto e branco, encena, com 

um rigor e uma austeridade invulgares, todo o cerimonial “de amor e morte” que preside a 

este acto, que se quer de “patriotismo” extremo e de total devoção a uma causa. 

Outro grande fi lme inspirado no universo de Mishima, tanto na sua vida, quanto na sua 

obra, é “Mishima”, do norte-americano Paul Schrader, datado de 1985. “Mishima: A Life in 

Four Chapters” é precisamente isto: Mishima em quatro capítulos, com uma reconstituição 

em estúdio (solução muito inteligente para uma vida que esteve sempre em palco. Leiamse 

as palavras do próprio escritor: “Todos dizem que a vida é um palco de teatro, mas

poucos são os que fi cam obcecados com esta ideia, pelo menos tão precocemente como 

eu fi quei. Desde os últimos anos da infância que eu estava fi rmemente convencido de 

que assim era e que eu próprio teria um papel a desempenhar nesse palco, sem nunca ser 

obrigado a revelar o meu verdadeiro eu.” (in “Confi ssões de uma Máscara”.) 

Os quatro capítulos são “Beauty”, “Art”, “Action” e “Fusion of Pen and Sword”. No primeiro, 

adaptam-se excertos de “The Temple of the Golden Pavilion”, história de um jovem 

gago e não muito dado à beleza, que, por vingança contra a formosura do templo que 

não consegue suportar, o incendeia. Em “Art”, Paul Schrader e o irmão Leonard Schrader 

adaptam cenas de “Kyoko´s House”, romance dividido por quatro personagens que 

encarnam aspectos distintos da personalidade de Mishima. “Runaway Horses” está na 

base do terceiro momento, “Action” e prepara a eclosão fi nal, essa “Fusion of Pen and 

Sword”, com que termina a obra e a vida do escritor. Excelente a realização de Schrader, 

inventiva e sóbria, teatral e voluptuosa, bem como a partitura musical de Philip Glass. 

Não foi nada fácil a produção desta obra que ocupou dez anos a Schrader. Muitas foram 

as difi culdades criadas, sobretudo pelas autoridades japonesas e a família do escritor. 

Dois ou três temas sobretudo se mostravam tabu. 

Um americano a recriar a vida e a obra de um escritor, que detestava a América e o muito 

que representava (muito embora Mishima considerasse que uma visita à Disneylandia 

era das suas melhores recordações), parecia algo de chocante para os japoneses. Mas as 

duas razões principais eram de outra índole. Desde a sua morte que Mishima é erguido 

pela extrema-direita japonesa como o seu herói nacionalista e um símbolo político que 

o próprio governo teme. Segundo Paul Schrader, “só um ocidental poderia ter realizado 

este fi lme, pelo motivo que muitos japoneses preferem esquecer que Mishima existiu.” 

A outra razão foi a difi culdade em conseguir da família do escritor os direitos para a 

adaptação, dado que a viúva se opunha terminantemente a qualquer referência à 

homossexualidade do escritor. Acabou por ceder nos direitos, com a excepção do romance 

“Cores Interditas”, onde é feita alusão directa à homossexualidade. Mas apesar disso o 

fi lme nunca foi exibido comercialmente no Japão, a não ser pela televisão (censurado na 

cena do bar gay, que desapareceu) e em DVD. 

235 | Yukio Mishima no Cinema


_“O MARINHEIRO QUE PERDEU AS GRAÇAS DO MAR” 

1. 1977 (17 de Junho), na crítica cinematográfi ca diária do “DN”, sobre “Os Dias Impuros 

de um Marinheiro”, escrevi (o que transcrevo apenas com uma ou outra rectifi cação de 

somenos importância): 

O universo infantil, o seu mundo de perversidade e inocência, cujos limites perigosamente 

se esfumam, tem justifi cado diversas aproximações por parte do cinema, por vezes com 

resultados notáveis. “Os Dias Impuros de um Marinheiro” (The Sailar who Fell from Grase into 

The Sea), de Lewis John Carlino, recoloca o tema na ordem do dia, nada lhe acrescentando, 

todavia, em relação a obras como “Os Inocentes” ou “Todas as Noites às Nove”, ambos de 

Jack Clayton, ou, num outro sentido, “O Jovem Toerless”, de Volker Schlondoerf. 

Uma viúva, Anne Qsborne (Sarah Miles} e o seu fi lho, Jonathan, vivem numa pequena cidade 

irlandesa, à beira de uma baia de fraco tráfego marítimo. Jonathan e quatro colegas de colégio 

formam uma seita iniciática, cujo “chefe” não deixa de debitar algumas máximas, que se 

aproximam directamente de uma mentalidade com algo de nazi. Um dia, um marinheiro, 

Jim (Kriss Kristofferson) refugia-se naquele porto, depois de se ter apaixonado por Anne. 

Jonathan, que espreita os amores clandestinos da progenitora através de um orifício que 

descobre na parede que liga o seu quarto ao da mãe, reconhece no marinheiro o apelo da 

aventura, do desconhecido, do ignoto, até que Jim aceita abandonar o mar, casar com a 

viúva, despir a farda do risco quotidiano, trocando-a pelo conforto burguês das núpcias, da 

família, do lar. O que ultrapassa os esquemas mentais de Jonathan, que não permite uma 

tal “deserção”. Para Jonathan, Jim traíra o código do mar, tal como o velho felino que deixara 

de ser caçador, envelhecera e se transformara num gato de sala, domesticado e medroso. 

Em nome de uma pureza de comportamento que se não pode renegar, de uma aventura 

que se não aceita ver suspensa, o clã decreta o ritual de imolação. 

“Os Dias Impuros de um Marinheiro” parte de um romance do japonês Yukio Mishima (cujo 

título original, “O Marinheiro que Perdeu as Graças do Mar”, se encontrava, obviamente, muito 

mais de acordo com o signifi cado da obra, do que a sua adulterada tradução para português), 

adaptado ao cinema pelo próprio realizador. Se bem que desconhecendo o romance - que 

nos afi ançam de grande qualidade -, pode dizer-se que o trabalho de adaptação não terá 

sido muito fi el, tendo em conta, somente os resultamos fi nais. A transferência da acção do 

Japão para a Irlanda, na actualidade, não terá sido a mais indicada, dado que o romance 

se refere seguramente a uma mentalidade e a uma psicologia orientais que encontram 

defi cientes equivalências quando transpostas à letra para o Ocidente. A ambiência ritualista 

que sobrevive no fi lme encontra-se algo desenquadrada, desde que retirada do seu cenário 

natural, e a ausência de talento por parte de John Carlino acentua defi ciências e agrava essa 

clamorosa falta de um clima fantástico onde se reúna a poesia e a violência, o erotismo e o 

sonho, a aventura e o drama. Tudo isso, que deveria ser a essência de “Os Dias Impuros de 

um Marinheiro”, se esbate por detrás de um clima meramente decorativo, sobrecarregado 

de efeitos visuais fáceis (desde os contínuos encadeados e sobreposições, até ao rodriguinho 

fotográfi co, que não recua perante um pôr-do-sol amaneirado, uma praia dourada pelo sol 

de fi m de tarde, as ondas investindo, etc.). Em lugar de uma atmosfera densa de presságios 

e ameaças latentes, fi ca o gosto duvidoso de um álbum fotográfi co e a utilização simplista 

do símbolo que, em lugar de valorizar o signifi cado global do fi lme, o esvazia de sentido. 

Mesmo a interpretação não muito brilhante de Sarah Miles (rememorando “A Filha de 

Ryan”, para pior) e a um pouco cabotina do fotogénico Kris Kristofferson demonstram 

bem a incapacidade real de John Carlino, que assim desbarata uma incursão pelo universo 

perverso da criança, que poderia ser inquietante e nunca o é.

2. Em 1985, a Assírio e Alvim edita a excelente tradução portuguesa (de Carlos Leite) de 

“O Marinheiro que Perdeu as Graças do Mar” e, posteriormente, surgem no mercado 

nacional muitos outros títulos de Yukio Mishima, o que permite ter-se uma ideia mais 

aproximada da importância da obra deste escritor japonês que, a 25 de Novembro 

de 1970, com apenas 45 anos de idade e uma já vasta produção literária publicada, se 

suicida, de forma espectacular, segundo o ritual nipónico do “seppuku”. 

Basta ler-se “Confi ssões de uma Máscara” ou “O Marinheiro que Perdeu as Graças do Mar” 

para se ter a noção da força da personalidade de Mishima, que rapidamente se torna 

um escritor de culto. Vários aspectos da sua vida e obra (que se interligam dramática 

e harmoniosamente) concorrem para este facto. Primeiramente a qualidade impar da 

sua escrita que alia uma elegância e subtileza invulgares com um vigor impositivo e 

uma temática obsessiva. É neste universo de fantasmas e máscaras, de fi delidade a 

um conservadorismo tradicional e de abertura a rupturas extremas, que se opera 

todo o drama da confl itualidade de Mishima. Ele que é um dos mais ocidentalizados 

dos artistas japoneses, suicida-se por que sente que os valores tradicionais do Japão 

se deterioram e enfraquecem. Homossexual confesso (“Confi ssões de uma Máscara” 

é uma das mais brilhantes confi ssões de um prazer “proibido”que se assume como 

prioritário), casa-se, tem fi lhos, ostenta uma vida familiar “normalizada”. Homem de 

uma sensibilidade decantada, atento ao mais íntimo e secreto dos sentimentos, afi rmase 

defensor de organizações paramilitares, apela à violência e à revolta sangrenta, em 

nomes de princípios que se aproximam muito dos ideais fascistas. Dividido dentro de 

si, divide quem o lê. Não só em grupos de entusiastas seguidores e de críticos radicais, 

como divide na sua consciência mais profunda cada leitor seu. Sinto-me dividido entre 

a beleza de uma escrita que investiga com argúcia e inteligência a natureza humana, 

e a violência panfl etária de algumas das suas propostas e de muitas das suas acções, 

encenações de uma violência sem recuo que vão até ao seu próprio suicídio, mas que 

passam igualmente por situações de livros seus insustentáveis (veja-se, em “O Marinheiro 



que Perdeu as Graças do Mar”, a prova de virilidade e de lealdade ao “chefe”, imposta a 

Noboru, a criança que é o centro do romance, que observa e é observada, e que a seita 

a que pertence obriga a matar e a esfolar um gatinho, para assim demonstrar a sua 

vontade e força: “Fui eu que o matei. Posso fazer tudo por mais terrível que seja!”). 

3. 2008: vendo o fi lme hoje, agora que já conheço o livro, e muita da obra literária e 

cinematográfi ca de Mishima, acrescentaria alguma coisa ao comentário, não à opinião 

dominante. Ou melhor: seria mais negativo em relação ao resultado fi nal e à adaptação. 

Começando por este último aspecto: transladar a acção do Japão para a Irlanda, retira 

à obra toda a dimensão simbólica, todo o seu signifi cado mais profundo. Este é um 

tema que julgo só ter completa compreensão se defi nido no interior de uma paisagem 

humana e geográfi ca precisa. Como sempre a enorme universalidade de “O Marinheiro 

que Perdeu as Graças do Mar” vem-lhe do facto da obra ser genuinamente japonesa 

e profundamente mishimeana. Só se compreende integralmente referindo-se àquela 

latitude e longitude, mais ainda, ao universo daquele escritor. 

A relação com a mãe, o espírito do grupo, a reverência em relação ao “chefe”, o tipo de 

iniciação praticada, a decepção para com o comportamento de demissão do marinheiro, 

a veneração pelo mar, pela viagem, pela aventura, tudo isto pode existir em qualquer 

lugar, mas “sentida” daquela só existe no Japão e mais precisamente e Mishima. O que 

Lewis John Carlino consegue com o seu fi lme é tornar banal o que não o é, à partida, 

oferecer um olhar rasteiro sobre o que é único, pessoal, privado. 

_“COM OS MEUS RESPEITOSOS CUMPRIMENTOS…” 

Correspondência entre Yukio Mishima e Yasunari Kawabata 

No dia 25 de Novembro de 2008, no pequeno auditório do CCB, decorreu, em sessão 

única, para raros eleitos, um espectáculo invulgar. Uma leitura encenada de alguma da 

correspondência que, ao longo de décadas (de 1945 a 1970), se estabeleceu entre Yukio 

Mishima e Yasunari Kawabata, indiscutivelmente dois dos maiores escritores japoneses 

do século XX. Yasunari Kawabata (1899-1972), único Nobel japonês, de que conheço apenas 

“Terra de Neve”, “Chá e Amor”, “A Dançarina de Izu” e “A Casa das Belas Adormecidas”, é 

um escritor de palavra fi na e delicada, um observador atento da psicologia humana, que 

retrata de forma miniaturista, discreta, secreta, intimista. Era muito admirado por Yukio 

Mishima (1925-1970), defensor das tradições e da obediência ao Imperador, um autor 

de escrita delicada é certo, mas abrasante, sensual e voluptuosa, arrogante e ostensiva, 

impositiva mesmo. Dele retenho livros admiráveis como “Confi ssões de uma Máscara” ou 

“O Marinheiro que Perdeu as Graças do Mar”, “Morte no Verão” ou “O Tumulto das Ondas”, 

“O Templo da Aurora" ou “A Ruína do Anjo”. Ambos mantiveram correspondência regular 

onde demonstravam mutuamente enorme respeito e estima. Uma troca de cartas que 

refl ecte não só pontos de vista políticos, sociais, literários, humanos, como sobretudo 

um enorme afecto pessoal. Num palco despojado, numa encenação minimalista que 

conferia sobretudo importância à palavra, Luís Madureira e José Manuel Mendes 

encheram o espaço com a recatada magia de um texto delicadamente trabalhado sem 

afecção, que se ouvia com prazer e se entendia por vezes com paixão. A descoberta da 

relação de amizade e assombro que existiu entre dois escritores e dois homens com 

tanto de diferente entre si. A leitura foi encenada por António Mega Ferreira, um dos 

especialistas em Mishima em Portugal. Muito pouco público para uma hora de bailado 

de palavras. A repor?

_ YUKIO MISHIMA 

Filmografi a 

Título original: Shiosai ou The Sound of Surf ou The Sound 

of Waves ou The Surf 

Realização: Senkichi Taniguchi (Japão, 1954); Argumento: 

Shinichirô Nakamura, Senkichi Taniguchi, segundo romance 

de Yukio Mishima; Produção: Tomoyuki Tanaka; Música: 

Toshirô Mayuzumi; Fotografi a (p/b): Taiichi Kankura; 

Design de produção: So Matsuyama; Som: Ariaki Hosaka; 

Companhias de produção: Toho Company; Intérpretes: Akira 

Kubo (Shinji), Sadako Sawamura (Tomi), Minoru Takashima 

(Hiroshi), Kyôko Aoyama (Hatsue), Kichijiro Ueda, Keiko Miya, 

Daisuke Katô, Sue Mitobe, Hiroshi Tachikawa, Wataru Omae, 

Yoshio Kosugi, Ikichi Ishii, Toshirô Mifune, Fumiko Honma, 

Eijirô Tôno, Noboru Akao, Yu Yamazaki, Eitarô Ozawa, etc. 


Título original: Nagasugita haru 

Realização: Shigeo Tanaka (Japão, 1957); Argumento: Yoshio 

Shirasaka, segundo romance de Yukio Mishima; Produção: 

Hiroaki Fujii, Masaichi Nagata; Música: Yuji Koseki; Fotografi a 

(cor): Kimio Watanabe; Direcção artística: Atsuji Shibata; 

Companhias de produção: Daiei Studios; Intérpretes: 

Ayako Wakao (Momoko Kida), Hiroshi Kawaguchi (Ikuo 

Takarabe), Eiji Funakoshi (Toichiro Kida), Yuzo Hayakawa, 

Keizo Kawasaki, Yoshiro Kitahara, Bontarô Miyake, Chieko 

Murata, Sadako Sawamura, Rieko Sumi, Hisako Takihana, 


Título original: Bitoku no yoromeki 

Realização: Kô Nakahira (Japão, 1957); Argumento: Kaneto 

Shindô, segundo romance de Yukio Mishima; Produção: 

Kazu Otsuka; Música: Toshirô Mayuzumi; Fotografi a (p/b): 

Kazumi Iwasa; Montagem: Masanori Tsujii; Companhias 

de produção: Nikkatsu; Intérpretes: Yumeji Tsukioka 

(Sestuko Kurakoshi), Rentaro Mikuni (Ichiro Kurakoshi), Ryoji 

Hayama (Tsuchiya), Shinsuke Ashida, Tanie Kitabayashi, Yôko 

Minamida, Chikako Miyagi, Koreya Senda, Kinzo Shin, Misako 

Watanabe, etc. Duração: 96 min. 

Título original: Enjo ou Confl agration ou Flame of Torment 

ou The Temple of the Golden Pavilion 

Realização: Kon Ichikawa (Japão, 1958); Argumento: Keiji 

Hasebe, Kon Ichikawa, Natto Wada, segundo romance de 

Yukio Mishima; Produção: Hiroaki Fujii, Masaichi Nagata; 

Música: Toshirô Mayuzumi; Fotografi a (p/b): Kazuo Miyagawa; 

Montagem: Shigeo Nishida; Direcção artística: Yoshinobu 

Nishioka; Som: Masao Okada; Companhias de produção: 

Daiei Kyoto, Daiei Motion Picture Company; Intérpretes: Raizô 

Ichikawa (Goichi Mizoguchi), Tatsuya Nakadai (Tokari), Ganjiro 

Nakamura (Tayama Dosen), Yoichi Funaki (Tsurukawa), Tamao 

Nakamura, Jun Hamamura, Tanie Kitabayashi, Michiyo 

Aratama, Kinzo Shin, Yôko Uraji, Saburo Date, Ryosuke Kagawa, 

Keiko Koyanagi, etc. Duração: 99 min. 

Título original: Ojôsan 

Realização:Taro Yuge (Japão, 1961); Argumento: Kimiyuki 

Hasegawa, segundo romance de Yukio Mishima; 

Produção: Hiroaki Fujii; Música: Sei Ikeno; Fotografi a 

(cor): Setsuo Kobayashi; Companhias de produção: Daiei 

Studios; Intérpretes: Ayako Wakao (Kasumi Fujisawa), 

Hiroshi Kawaguchi (Keiichi Sawai), Hitomi Nozoe (Chieko 

Hanamura), Jiro Tamiya, Yoshiro Kitahara, Kuniko Miyake, 

Yasuko Nakata, Masao Shimizu, etc. Duração: 79 min. 

Título original: Kurotokage ou Black Lizard 

Realização: Umetsugu Inoue (Japão, 1962); Argumento: 

Yukio Mishima, Kaneto Shindô, segundo romance de Rampo 

Edogawa; Produção: Itsuo Dói, Masaichi Nagata; Música: 

Toshirô Mayuzumi; Fotografi a (cor): Yoshihisa Nakagawa; 

Direcção artística: Shigeo Mano; Companhias de produção: 

Daiei Studios; Intérpretes: Machiko Kyô (Mrs. Midorikawa), 

Minoru Ohki (Kogoro Akechi), Junko Kano (Sanae Iwase), 

Hiroshi Kawaguchi, Masao Mishima, Sachiko Meguro, 

Chiharu Kuri, Shizuo Nakajo, etc. Duração: 101 min. 

Título original: Shiosai ou The Sound of the Waves 

Realização: Kenjiro Morinaga (Japão, 1964); Argumento: Goro 

Tanada, segundo romance de Yukio Mishima; Produção: 

Hideo Sasai; Fotografi a (cor): Umeyo Matsuzaki; Companhias 

de produção: Nikkatsu; Intérpretes: Sayuri Yoshinaga (Hatsue 

Miyata), Mitsuo Hamada (Shinji Kubo), Nijiko Kiyokawa 

(Tomi Kubo), Kenjiro Ishiyama (Terukichi Miyata), Ichirô Sugai, 

Daizaburo Hirata, Toyoko Takahashi, Masao Shimizu, Keiko 

Hara, Kayo Matsuo, etc. Duração: 82 min. 

Título original: Ken 

Realização: Kenji Misumi (Japão, 1964); Argumento: Kazuro 

Funabashi, segundo romance de Yukio Mishima; Produção: 

Hiroaki Fujii; Música: Sei Ikeno; Fotografi a (p/b): Chishi Makiura; 

Direcção artística: Akira Naito; Som: Masahiko Okumura; 

Companhias de produção: Daiei Studios; Intérpretes: Raizô 

Ichikawa (Jiro Kokubun), Yusuke Kawazu (Kagawa), Hisaya 

Morishige (Mibu), Akio Hasegawa (Mibu), Noriko Sengoku 

(Kiuchi), Keiju Kobayashi, Yuka Konno, Junko Kozakura, Yoshio 

Inaba, Rieko Sumi, Kunîchi Takami, etc. Duração: 94 min. 

Título original: Kemono no tawamure 

Realização: Sokichi Tomimoto (Japão, 1964); Argumento: 

Kazuro Funabashi, segundo romance de Yukio Mishima; 

Produção: Hiroaki Fujii; Fotografi a (p/b): Nobuo Munekawa; 

Direcção artística: Shigeo Mano; Companhias de produção: 

Daiei Studios; Intérpretes: Ayako Wakao (Yuko Kusakado), 

Seizaburô Kawazu (Ippei Kusakado), Takao Ito (Koji Umemiya), 

Masao Mishima, Yoshi Kato, etc. Duração: 94 min. 



Título original: Nikutai no gakko ou School for Sex ou School 

of Love ou School of Sex 

Realização: Ryo Kinoshita (Japão, 1965); Argumento: Toshirô 

Ide, segundo história de Yukio Mishima; Produção: Masakatsu 

Kaneko; Música: Sei Ikeno; Fotografi a (p/b e cor): Yuzuru 

Aizawa; Montagem: Yoshitami Kuroiwa; Design de produção: 

Kazuo Takenaka; Som: Hisashi Shimonaga, Norio Tone; 

Companhias de produção: Toho Company; Intérpretes: Kyôko 

Kishida (Taeko Asano), Tsutomu Yamazaki (Senkichi Sato), Yuki 

Nakagawa (Satoko Muromachi), Sô Yamamura (Toshinobu 

Hira), Masahiko Arima, Emiko Azuma, Kazuko Ezaki, Shigeru 

Kôyama, Akira Kubo, Senshô Matsumoto, Haruo Nakajima, 

Tadashi Okabe, Ernest Richter, Marjorie Richter, Kazuo Suzuki, 

Akio Tanaka, Keisuke Yamada, etc. Duração: 92 min. 

Título original: Yûkoku ou Patriotism ou The Rite of Love 

and Death 

Realização: Domoto Masaki, Yukio Mishima (Japão, 

1966); Argumento: segundo história de Yukio Mishima; 

Produção: Hiroaki Fujii, Yukio Mishima; Fotografi a (p/b): 

Kimio Watanabe; Design de produção: Yukio Mishima; 

Companhias de produção: Toho Company; Intérpretes: 

Yukio Mishima (Shinji Takeyama), Yoshiko Tsuruoka (Reiko), 


Título original: Die Hundertste Nacht (TV) 

Realização: Frank Guthke (Alemanha, 1966); Argumento: 

Eckart Stein, segundo peça de Yukio Mishima; Companhias de 

produção: Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF); Intérpretes: 

Hela Gruel, Michael Maien, Dorit Amann, Irmgard Först, Curt 

Bois, Friedrich Schütter, Karl Merkatz, Thomas Reiner, Gerda- 

Maria Jürgens, etc. Duração: 95 min. 

Título original: Ai no kawaki ou Longing for Love ou The 

Thirst for Love 

Realização: Koreyoshi Kurahara (Japão, 1966); Argumento: 

Toshiya Fujita, Koreyoshi Kurahara, segundo romance de 

Yukio Mishima; Produção: Kazu Otsuka; Música: Toshirô 

Mayuzumi; Fotografi a (cor): Yoshio Miyajima; Design de 

produção: Kazuhiko Chiba; Companhias de produção: 

Nikkatsu; Intérpretes: Ruriko Asaoka (Etsuko), Nobuo 

Nakamura, Tetsuo Ishidate, Akira Yamanouchi, Chitose 

Kurenai, Yûko Kusunoki, Yoko Ozono, etc. Duração: 105 min. 

Título original: Kurotokage ou Black Lizard 

Realização: Kinji Fukasaku (Japão, 1968); Argumento: 

Masashige Narusawa, Yukio Mishima, segundo romance de 

Rampo Edogawa; Produção: Akira Oda; Música: Isao Tomita; 

Fotografi a (cor): Hiroshi Dowaki; Montagem: Keiichi Uraoka; 

Direcção artística: Kyohei Morita, Keinosuke Ishiwatari; 

Guarda-roupa: Masako Watanabe; Som: Hirobumi Sato, 

Toshio Tanaka; Companhias de produção: Shochiku 

Company, Shochiku Kinema Kenkyû-jo; Intérpretes: Akihiro 

Miwa (Black Lizard), Isao Kimura (Detective Akechi), Kikko 

Matsuoka (Sanaye), Junya Usami (Shobei Iwasa), Yusuke 

Kawazu, Kô Nishimura, Toshiko Kobayashi, Sonosuke Oda, 

Kinji Hattori, Koichi Sato, Jun Kato, Ryuji Funakoshi, Mitsuko 

Takara, Tetsuro Tamba, Yukio Mishima, etc. Duração: 86 min. 

Título original: Kuro bara no yakata ou Black Rose ou Black 

Rose Mansion ou Mansion of the Black Rose 

Realização: Kinji Fukasaku (Japão, 1969); Argumento: Kinji 

Fukasaku, Hirô Matsuda, segundo peça de Yukio Mishima; 

Produção: Akira Oda; Música: Hajime Kaburagi; Fotografi a 

(cor): Takashi Kawamata; Direcção artística: Kumagai Masao; 

Companhias de produção: Shochiku Company; Intérpretes: 

Akihiro Miwa (Ryuko), Eitarô Ozawa (Kyohei), Masakazu 

Tamura (Wataru), Ayako Hosho, Kô Nishimura, Kikko Matsuoka, 

Ryohei Uchida, Akira Jo, Hideo Murota, etc. Duração: 91 min. 


Realização: Shirô Moritani (Japão, 1971); Argumento: Toshirô 

Ide, segundo romance de Yukio Mishima; Produção: Osamu 

Tanaka; Música: Takeshi Shibuya; Fotografi a (cor): Asakazu 

Nakai; Montagem: Michiko Ikeda; Design de produção: Iwao 

Akune; Som: Toshiya Ban; Companhias de produção: Toho 

Company; Intérpretes: Katsuhiko Sasaki, Midori Kiuchi, Miki 

Odagiri, Susumu Fujita, Noboru Mitani, etc. Duração: 88 min. 

Título original: Ongaku 

Realização: Yasuzo Masumura (Japão, 1972); Argumento: 

Yasuzo Masumura, segundo romance de Yukio Mishima; 

Produção: Hiroaki Fujii, Kinshirô Kuzui; Música: Hikaru 

Hayashi; Fotografi a (cor): Setsuo Kobayashi; Montagem: 

Tatsuji Nakashizu; Direcção artística: Shigeo Mano; Som: 

Mutsutoshi Ohta; Companhias de produção: Art Theatre 

Guild, Koudousha; Intérpretes: Noriko Kurosawa (Reiko), 

Toshiyuki Hosokawa (Shiomi), Choei Takahashi, Koji 

Moritsugu, Noboru Mitani, etc. Duração: 104 min. 


Realização: Katsumi Nishikawa (Japão, 1975); Argumento: 

Katsuya Susaki, segundo romance de Yukio Mishima; 

Produção: Takeo Hori, Hideo Sasai; Fotografi a (cor): Kenji 

Hagiwara; Montagem: Akira Suzuki; Design de produção: 

Teruyoshi Satani; Companhias de produção: Hori Production, 

Toho Company; Intérpretes: Momoe Yamaguchi (Hatsue 

Miyata), Tomokazu Miura (Shinji Kubo), Ichirô Arishima, 

Keiko Tsushima, Yoshio Aoki, Tokue Hanazawa, Kotoe Hatsui, 

Atsushi Kawaguchi, Mihoko Nakagawa, Hisayuki Nakajima, 

Takeya Nakamura, Haruo Tanaka, Kiyoko Tange, etc. Duração: 

93 min. 

Título original: Kinkakuji ou Temple of the Golden Pavillion 

Realização: Yoichi Takabayashi (Japão, 1976); Argumento: 

Yukio Mishima, segundo romance do próprio (“Temple of 

the Golden Pavilion”); Companhias de produção: Art Theatre 

Guild, Kosha Ltd.; 

OS DIAS IMPUROS DE UM MARINHEIRO 

Título original: The Sailor Who Fell from Grace with the Sea 

Realização: Lewis John Carlino (Inglaterra, 1976); Argumento: 

Lewis John Carlino, segundo romance de Yukio Mishima 

(“Gogo no eiko”); Produção: Martin Poll, David White; 

Música: Johnny Mandel; Fotografi a (cor): Douglas Slocombe; 

Montagem: Antony Gibbs; Casting: Miriam Brickman, 

Joyce Selznick; Design de produção: Ted Haworth; Direcção 

artística: Brian Ackland-Snow, Lee Poll; Guarda-roupa: Lee 

Poll; Som: David Hildyard, Peter Horrocks, John Stevenson; 

Companhias de produção: AVCO Embassy Pictures, Martin 

Poll-Lewis John Carlino Production, Sailor Company; 

Intérpretes: Sarah Miles (Anne Osborne), Kris Kristofferson 

(Jim Cameron), Jonathan Kahn (Jonathan Osborne), Margo 

Cunningham (Mrs. Elizabeth Palmer), Earl Rhodes, Paul 

Tropea, Gary Lock, Stephen Black, Peter Clapham, Jennifer 

Tolman, etc. Duração: 105 min.

MISHIMA 

Título original: Mishima: A Life in Four Chapters ou 

Mishima 

Realização: Paul Schrader (EUA, 1985); Argumento: Chieko 

Schrader, Leonard Schrader, Paul Schrader, segundo vida e 

romances de Yukio Mishima; Produção: Francis Ford Coppola, 

George Lucas, Tom Luddy, Leonard Schrader, Mataichiro 

Yamamoto; Música: Philip Glass; Fotografi a (cor): John 

Bailey; Montagem: Michael Chandler; Design de produção: 

Eiko Ishioka; Guarda-roupa: Eiko Ishioka; Som: Leslie Shatz; 

Companhias de produção: American Zoetrope, Lucasfi lm, 

M Company, Tristone Entertainment Inc.; Intérpretes: 

Ken Ogata (Yukio Mishima), Masayuki Shionoya (Morita), 

Hiroshi Mikami (Cadete), Junya Fukuda (Cadete 2), Shigeto 

Tachihara (Cadete 3), Junkichi Orimoto (General Mashita), 

Naoko Otani, Gô Rijû, Masato Aizawa, Yuki Nagahara, Kyuzo 

Kobayashi, Yuki Kitazume, Haruko Kato, Yasosuke Bando, 

Hisako Manda, Naomi Oki, Miki Takakura, Imari Tsujikoichi 

Sato, Kenji Sawada, Reisen Lee, Setsuko Karasuma, Tadanori 

Yokoo, Yasuaki murata, Mitsuru Hirata, Toshiyuki Nagashima, 

Hiroshi Katsuno, Naoya Makoto, Hiroki Ida, Jun Negami, Ryo 

Ikebe, Toshio Hosokawa, Hideo Fukuhara, Yosuke Mizuno, 

Eimei Ezumi, Roy Scheider (Narrador), etc. Duração: 121 min. 


Realização: Shusei Kotani (Japão, 1985); Argumento: segundo 

romance de Yukio Mishima; Produção: Hideo Koi, Masakatsu 

Saito; Música: Kentaro Haneda; Fotografi a (cor): Kenji 

Hagiwara; Montagem: Osamu Inoue; Design de produção: 

Yoshie Kikukawa; Som: Nobuo Fukushima; Companhias de 

produção: Hori Production; Intérpretes: Chiemi Hori, Shingo 

Tsurumi, Hitomi Takahashi, Takayuki Godai, Hideo Murota, 

Natsuko Kahara, Jiro Sakagami, Tetsuro Tamba; Duração: 101 

min. 

Título original: Rokumeikan ou The Hall of the Crying Deer 

Realização: Kon Ichikawa (Japão, 1986); Argumento: Shinya 

Hidaka, Kon Ichikawa, segundo peça de Yukio Mishima; 

Produção: Kazuo Baba, Hiroaki Fujii; Fotografi a (cor): Setsuo 

Kobayashi; Design de produção: Shinobu Muraki; Guardaroupa: 

Emi Wada; Som: Tetsuya Ohashi; Companhias de 

produção: Marugen Company Ltd., High Society of Meiji; 

Intérpretes: Bunta Sugawara (Conde Kageyama), Ruriko 

Asaoka (Condessa Asako), Koji Ishizaka (Einosuke Shimizu), 

Kiichi Nakai (Hisao), Toshinori Omi (Kenjiro), Kyôko Kishida, 

Yasuko Sawaguchi, Kazuyo Asari, Seiji Endô, Jun Hamamura, 

Hisashi Igawa, Shigeru Kôyama, Tatsuya Mihashi, Miki Sanjo, 

Katsuhiko Sasaki, Atsushi Watanabe, Michino Yokoyama, etc. 


Título original: Markisinnan de Sade (TV) 

Realização: Ingmar Bergman (Suécia, 1992); Argumento: 

Ingmar Bergman, segundo peça de Yukio Mishima; tradução 

de Gunilla Lindberg-Wada, Per Erik Wahlund; Produção: 

Måns Reuterswärd, Katarina Sjöberg; Música: Ingrid Yoda; 

Montagem: Sylvia Ingemarsson; Design de produção: 

Charles Koroly, Mette Möller; Guarda-roupa: Charles Koroly, 

Maggie Strindberg, Helvi Treffner; Som: Roland Engström, 

Curre Forsmark, Göran Örjeheim; Companhias de produção: 

SVT Drama; Intérpretes: Stina Ekblad (Renee), Anita Björk 

(Madame de Monteuil), Marie Richardson (Anne), Margareta 

Byström (de Simiane), Agneta Ekmanner (Condessa de Saint- 

Fond), Helena Brodin (Charlotte), etc. Duração: 104 min. 

Título original: L’ École de la Chair ou The School of Flesh 

Realização: Benoît Jacquot (França, Luxemburgo, Bélgica, 

1998); Argumento: Jacques Fieschi, segundo romance de 

Yukio Mishima; Produção: Zakaria Alaoui, Vincent Malle, 

Patrick Quinet, Fabienne Tsaï, Fabienne Vonier, Claude 

Waringo, Arlette Zylberberg; Fotografi a (cor): Caroline 

Champetier; Montagem: Luc Barnier; Casting: Stéphane 

Foenkinos, Frédérique Moidon; Design de produção: Katia 

Wyszkop, Gérard Marcireau; Guarda-roupa: Corinne Jorry; 

Som: Jean-Claude Laureux ; Companhias de produção: 

Artémis Productions, Bel Age Distribution, La Sept Cinéma, 

Orsans Productions, Samsa Film, V.M.P. ; Intérpretes: Isabelle 

Huppert (Dominique), Vincent Martinez (Quentin), Vincent 

Lindon (Chris), Marthe Keller (Madame Thorpe), François 

Berléand (Soukaz), Danièle Dubroux, Bernard Le Coq, 

Roxane Mesquida, Jean-Louis Richard, Jean-Claude Dauphin, 

Michelle Goddet, Laurent Jumeaucourt, Pierre Laroche, 

Richard Schroeder, Jonathan Ubrette, Nicolas Pignon, 

Jean-Pierre Barbou, Richard Dieux, Alain Figlarz, Stéphane 

Foenkinos, Margaret Grassone, Roger To Thanh Hien, Marja- 

Leena Junker, Rebecca Pinette, etc. Duração: 110 min. 

Título original: Haru no yuki ou Snowy Love Fall in Spring 

ou Spring Snow 

Realização: Isao Yukisada (Japão, 2005); Argumento: Chihiro 

Itou, Shinsuke Sato, segundo romance de Yukio Mishima; 

Produção: Kei Haruna; Música: Tarô Iwashiro, Hikaru Utada 

(“Be My Last”); Fotografi a (cor): Pin Bing Lee; Montagem: 

Takeshi Imai; Direcção artística: Osamu Yamaguchi; Som: 

Hiroki Ito; Companhias de produção: Cine Bazar, Fuji 

Television Network, Hakuhodo DY Media Partners, Horipro, 

S.D.P., Toho Company; Intérpretes: Satoshi Tsumabuki (Kiyoaki 

Matsugae), Yuko Takeuchi (Satoko Ayakura), Sosuke Takaoka 

(Shigekuni Honda), Mitsuhiro Oikawa, Tomorowo Taguchi, 

Atsuko Takahata, Kenjiro Ishimaru, Yoshiko Miyazaki, Kyôko 

Kishida, Kyôko Maya, Takaaki Enoki, etc. Duração: 150 min. 

Título original: Rokumeikan (TV). 

Realização: Akiji Fujita (Japão, 2008); Argumento: Toshio 

Kamata, segundo peça de Yukio Mishima; Música: Iwao 

Furusawa; Companhias de produção: TV Asahi; Intérpretes: 

Yumi Asou, Tomoko Fujita, Cleve Gray, Isao Hashizume, 

Satomi Ishihara, Morio Kazama, Hitomi Kuroki, Kôhei Majima, 

Shota Matsuda, Yôko Nogiwa, Christopher Pellegrini, Kyohei 

Shibata, Kazuma Suzuki, Junko Takahata, Masakazu Tamura, 

Mariko Tsutsui, Mirai Yamamoto; Duração: 120 min. 



_DUAS CARTAS DE MISHIMA A KAWABATA 

Estou há uma semana em Nova Iorque. 

O Sr. e a Sr.ª Strauss têm tratado muito bem de mim. Especialmente a Sr.ª Strauss, 

que sob o seu aspecto um pouco intimidante, esconde uma personalidade amável e 

simpática. No sábado passado levaram-me à moradia deles no Connecticut, de onde 

regressei esta manhã. Aí travei conhecimento, entre outras pessoas, com Norman 

Mailer (autor de Os Nus e os Mortos). Com o Sr. Strauss falo muitas vezes de si. Como a 

moradia dele fi ca num lugar que se parece muito com Karuizawa, onde fi ca a sua casa, 

já comentámos que se sentiria aqui certamente muito bem. 

Em Nova Iorque, como tenho difi culdade em compreender o teatro, comecei pelas 

comédias musicais. Nas cenas de dança, entre outras, as raparigas são todas 

deslumbrantes, os trajos magnífi cos, e comparativamente o “novo teatro” japonês tem 

um aspecto tão miserável que até faz dó. 

É falso dizer-se que a comida nos Estados Unidos é má. Não é de todo verdade. Desde 

que se coma caro ou que se seja convidado para casas particulares, onde nos oferecem 

comida familiar tradicional. 

De um modo geral vivo a um ritmo muito tranquilo. E não se passa nada digno de 

menção. Mas o fundamental é que as relações entre as pessoas não são complicadas 

como no Japão. Imagino que nesta estação dos calores sufocantes esteja muito 

ocupado com o seu trabalho no Pen Club. Acima de tudo, tenha cuidado com a saúde. 

No dia 31, Donald Keee, o perito em literatura japonesa, vai abandonar Nova Iorque 

para ir para o Japão. Vou sentir-me muito só, quando ele não estiver aqui, mas enfi m, 

é a vida. Estou quase todos os dias com ele e ele toma conta de mim de uma forma 

verdadeiramente afável. Nas recepções, quando já estou cansado de falar inglês, o meu 

maior prazer é trocar umas palavras com ele em japonês: dizemos mal dos presentes, 

mesmo debaixo dos narizes deles, o que nos faz rir a bandeiras despregadas. 

Apresente os meus cumprimentos à sua esposa e fi lha. (29 de Julho de 1957). 

Peço desculpa por ainda não lhe ter enviado notícias depois da minha partida. Em 

Honolulu passámos quatro dias bem descansados, e descontraí o mais possível. 

Depois fi cámos dois dias em São Francisco, em que andámos na rua de manhã à noite, 

a minha mulher excitadíssima, tendo por fi m a sensação de se encontra efectivamente 

no Ocidente. Em Los Angeles tivemos a pouca sorte de fi car no mesmo hotel onde 

estava o Nixon e que funcionava como quartel-general do partido conservador para 

as eleições presidenciais, o que nos trouxe, por arrasto, uma data de inconvenientes: 

lentidão inacreditável no serviço de restaurante e um ambiente de febre eleitoral em 

todo o estabelecimento. Em contrapartida, divertimo-nos imenso na Disneylândia, 

não creio que exista lugar mais divertido em todo o mundo. Agora estamos em Nova 

Iorque, já desde há duas semanas, mas aqui – como sabe – os encontros encadeiam-se 

uns nos outros, e nem sequer me fi ca tempo para dormir a sesta. […] 

Imagine que o nosso hotel, o Astor, fi ca em pleno coração de Times Square e mesmo 

quando à noite regressamos tarde, há sempre uma multidão na rua, e nestas condições, 

dormir é quase uma perda de tempo. Um dia destes, em casa do Faubion Bowers, 

encontrámos a Greta Garbo, o que foi para nós uma enorme emoção. Partimos para a 

Europa no dia 2 de Dezembro mas, na realidade, penso que é em Nova Iorque que eu 

me sinto mais à vontade. (24 de Novembro de 1960). 

Tradução de Maria Eduarda Colares

FAMAFEST 

2009 

HOMENAGEM A ALEXANDRE SOLJENITSIN

244 | Homenagem a Alexandre Soljenitsin 

_ALEXANDRE SOLJENITSIN 

Alexandre Soljenitsin, 89 anos, Nobel da Literatura, símbolo da dissidência soviética, morreu 

em Moscovo (4 de Agosto de 20008), pouco antes da meia-noite, de “insufi ciência cardíaca 

aguda”. Raros escritores tiveram tão grande impacto em vida. Mudou a percepção da tragédia 

russa e do terror estalinista, de forma quase absoluta, em poucos anos e por todo o mundo. 

Morreu feliz, disse sua mulher, Natalia: “Queria morrer no Verão e morreu no Verão. Queria 

morrer em casa e morreu em casa.” A primeira parte da sua obra não pode ser circunscrita à 

narração da barbárie. Diz também respeito à irredutibilidade da condição humana, resumida 

numa frase do livro O Primeiro Círculo (1968) sobre o Gulag: “Quando privais alguém de tudo, 

ele deixa de estar sob o vosso poder. Ele volta a ser inteiramente livre.” 

Soljenitsin tornou-se célebre em 1962, ao publicar na revista literária russa Novi Mir uma 

curta narrativa, Um Dia na Vida de Ivan Denisovitch, sobre um prisioneiro num campo de 

trabalhos forçados na Sibéria, imediatamente traduzido em todo o mundo e celebrado 

inclusive por escritores comunistas ocidentais. No campo, sem passado nem futuro, Ivan não 

se deixa desapossar do que lhe resta de humanidade, “capaz de experimentar algumas das 

grandes alegrias prometidas ao homem na terra: matar a sua fome, acabar um trabalho, 

contemplar um céu”, escreveu o seu tradutor Georges Nivat. 

Depois de outras obras marcantes, como A Casa de Matriona, a primeira bomba explode em 

1968, com a tradução francesa de O Primeiro Círculo, em que descreve o horror dos campos 

destinados a intelectuais e cientistas e a demência do estalinismo do pós-guerra. Publica ao 

mesmo tempo, no Ocidente, o Pavilhão dos Cancerosos (proibido na União Soviética, onde 

circula em edições clandestinas). É-lhe atribuído o Nobel em 1970, mas não o recebe, pois 

teme não poder regressar à Rússia. 

Em 1973, o KGB interroga a sua dactilógrafa – que depois se enforcará – e apodera-se de uma 

cópia de O Arquipélago do Gulag, que vinha escrevendo há anos, tendo já mandado um 

microfi lme para a Europa. Ordena a imediata tradução em francês. Torna-se subitamente, à 

direita e à esquerda, o testemunho da falência política e da catástrofe humana do comunismo 

soviético. É um livro que combina romance, autobiografi a, testemunhos e refl exão fi losófi ca, 

na senda de escritores russos, como Tolstoi. O seu pressuposto é: o arquipélago grego foi o 

berço da nossa civilização, o arquipélago dos campos é a nossa nova civilização do século XX. 

“A fábrica da desumanização.” 

É sobre ele que se vai desenvolver um novo tipo de crítica radical do sistema. Foi defi nido 

pelo diplomata e sovietólogo americano George Kennan como “a maior e mais poderosa 

acusação isolada contra um regime político nos tempos modernos”. O Times, de Londres, 

escreveu que “virá o tempo em que situaremos o princípio do colapso do sistema soviético 

na data de publicação do Gulag”. 

Preso e despojado da cidadania soviética, é metido num avião para a Alemanha em 12 

de Fevereiro de 1974. Moscovo acabava de cometer mais um erro. Em vez de o condenar 

ao silêncio, deu-lhe uma tribuna e uma projecção universais. É um romance peculiar, 

rigorosamente documentado, com testemunhos e análises que permitem compreender, 

de uma forma radicalmente nova, a engrenagem do sistema concentracionário soviético, 

rompendo os quadros tradicionais da historiografi a e impondo uma releitura não só do 

estalinismo como da Revolução de 1917. “Gulag” (acrónimo de “Direcção principal dos campos 

de trabalho”) passa a ser sinónimo da barbárie soviética. 

O dissidente Alexandre Soljenitsin nasceu a 11 de Dezembro de 1918 em Kislovodosk, no 

Cáucaso, originário de famílias camponesas abastadas, já depois da morte do pai. A família

muda-se para Rostov. Acompanha a mãe à igreja, que para sempre o marcará. Cedo se increve 

nas juventudes comunistas. Na Universidade de Rostov, faz o curso de Matemática e Física, 

começando a ensinar. É infl uenciado pela cultura alemã e não c o n c e b e viver sem a sua 

música. Passa ao lado das “grandes purgas” estalinistas de 1936-37, reconhecerá mais tarde 

numa carta a um amigo “que lhe tentou abrir os olhos”. Casa-se com uma colega 

e conclui estudos complementares em Literatura. É mobilizado em 1941, combatendo como 

capitão de artilharia na Prússia Orientel. Recebe duas condecorações. A sua vida muda 

em 9 de Fevereiro de 1945, quando a polícia secreta (NKVD) o detém no gabinete do seu 

comandante. A polícia vigiava a correspondência que livremente trocava com um amigo, 

em que manifestava dúvidas sobre o génio militar de Estaline. Interrogado na prisão 

Lubianka de Moscovo, é condenado a oito anos de trabalhos forçados, passando por vários 

campos. Começa a escrever em restos de papel, que esconde e que, dirá mais tarde, fi xará 

rigorosamente na memória. 

Em 1952, é operado a um tumor maligno no pescoço. É libertado no dia da morte de Estaline, 

5 de Março de 1953. Será reabilitado três anos depois, durante a desestalinização de Nikita 

Khrutchov. Volta ao ensino e começa a escrever. Propõe à revista Novi Mir, de orientação 

renovadora, a publicação de Um Dia na Vida de Ivan Denisovitch. O director obtém a 

aprovação de Khrutchov e Soljenitsin torna-se célebre. A lua-de-mel termina com a queda de 

Khrutchov, em 1964, e a ascensão o poder de Brejnev. Começa a perseguição aos escritores 

dissidentes. Apesar de autocensura, é recusada a publicação do Pavilhão dos Cancerosos. 

Entra em confronto aberto com o regime. Após a edição do Pavilhão dos Cancerosos e de 

O Primeiro Círculo no estrangeiro, é expulso da União dos Escritores. Passa a viver com 

Natália Svetlova. Encontra refúgio na casa do violencelista Rostropovitch. Dá sucessivas 

entrevistas à imprensa internacional, em que denuncia as perseguições e as calúnias de que 

é alvo na imprensa ofi cial. Numa “Carta Aberta” ao ministro do Interior explica a recusa de 

ir a Estocolmo receber o Nobel e protesta contra as restrições que lhe são impostas, como a 

probição de residir em Moscovo com Natalia. “Aproveito a ocasião para lhe lembrar que a 

servidão foi abolida no nosso país há 112 anos. E diz-se que a Revolução de Outubro suprimiu 

os seus derradeiros vestígios.” 

Obceca-o a conclusão do Gulag. Cortadas as pontes, publicado o livro no Ocidente, é preso e 

metido num avião para Berlim, onde é recebido pelo escritor alemão Heinrich Böll. Instala-se 

em Zurique, tal como Lenine, viaja frequentemente até Paris. 

Em 1976, muda-se defi nitivamente para os Estados Unidos, passando a viver numa mansão 

isolada em Cavendish, Vermont. O equívoco cedo se revela. Soljenitsin é acolhido como um 

paladino da democratização da URSS. Ora, ele começa a falar obsessivamente da Rússia 

vítima duma ideologia nascida no Ocidente. Acusa a ocidentalização da Rússia e demarca-se 

do modelo liberal do Ocidente. Ataca as Luzes e a Revolução Francesa. Defende a Vendeia. 

Condena a retirada americana do Vietname e a Revolução dos Cravos em Portugal. 

Em 1978, fez em Harvard um discurso célebre sobre o declínio do Ocidente. “O declínio da 

coragem é hoje o traço mais saliente do Oeste para um observador externo. O mundo 

ocidental perdeu a sua coragem cívica, no conjunto e individualmente, em cada país, em 

cada governo e, certamente, nas Nações Unidas.” 

“Vivi toda a minha vida num regime comunista, e posso dizer-vos que uma sociedade sem 

referências legais é terrível. Mas uma sociedade baseada na letra da lei, e não indo mais longe, 

fracassa em desenvolver em seu proveito o largo campo das possibilidades humanas. A letra 

da lei é demasiado fria e formal para ter uma infl uência benéfi ca sobre a sociedade. Quando 

toda a vida se tece através de relações legalistas, resulta uma atmosfera de mediocridade 

245 | Homenagem a Alexandre Soljenitsin


espiritual que paralisa as tendências mais nobres do homem.” “Como pôde o Ocidente 

declinar, da sua marcha triunfal até à sua debilidade presente?” 

Soljenitsin centra-se então na escrita daquela que considerará a sua obra máxima, A Roda 

Vermelha, 6600 páginas, concluída em 1990, a mais amada e a menos lida. Composta 

num estilo aparentemente caótico, combinando fi cção, documentos e longas dissertações 

históricas e fi losófi cas, é a narração do desastre histórico da Rússia, do princípio do século e 

das reformas de Stolipin, à catástrofe da guerra de 1914 e à instauração da ordem comunista. 

Mais do que a vitória de Lenine, é a crónica do fracasso do liberalismo russo e da Revolução de 

Fevereiro, “que só podia levar à anarquia”. Acusou os historiadores ocidentais de andarem a 

reboque da historiografi a soviética. Organizou-a em diferentes “nós”: é no nó que se constrói 

a orientação dos ramos. Assim aconteceu na revolução, “esta roda que marcha”, “esta mó que 

tritura as nossas almas” e se torna sangue. Daí o título. 

Só regressará à Rússia em 1994. Em 1990 publica um longo artigo, uma espécie de “encíclica” 

com uma tiragem de 28 milhões de exemplares: Como ordenar a nossa Rússia? Opõese 

a uma organização do Estado em moldes ocidentais. Um parlamentarismo partidário 

fracassará, a organização política deve ser construída a partir da base, dos conselhos de aldeia 

(zemstvos). Defendeu a “descolonização” dos povos não russos, mas dilacerou-o a separação 

dos eslavos, a perda da Ucrânia e da Bieolorrússia. Doravante, fala como um profeta que os 

compatriotas não escutam. Acusa de novo os liberais russos. “É um mundo estranho e de 

ilusões o que nasceu na Rússia nos anos 90”, disse numa entrevista de 1988. “Somos uma 

República de eleições livres, com uma imprensa na aparência livre. Todavia, as personalidades 

mais corruptas mantiveram os seus lugares e é em vão que se procuram os assassinos. Por 

causa da cínica crueldade dos bandidos, o preço da vida humana está reduzido a um zero. (...) 

É a oligarquia que governa e tanto lhe faz que o povo sobreviva ou não.” 

Em 2007, aceitou o Prémio do Estado, concedido por Vladimir Putin, a quem dava o benefício 

da dúvida. Eslavófi lo e partidário de um “Estado forte” e dos valores tradicionais russos, 

saudou a sua política de resistência ao “cerco da Rússia”, que já “não representa nenhum 

perigo”, pelas potências da NATO – da Ucrânia ao Cáucaso e à Ásia Central. Soljenitsin “já 

entrou no Panteão da literatura russa”, dizem em Moscovo. Mas um panteão muito especial. 

Ele pertence àquela espécie de romancistas que são os grandes sociólogos de uma época, 

a que só através deles podemos aceder. Neste caso, um sociólogo daquela Rússia que ele 

amava: a que já não existe. 

Jorge Almeida Fernandes, in Público, de 5 de Agosto de 2008 

_OBRAS EM PORTUGUÊS 

A lista das obras traduzidas: 

Um Dia na Vida de Ivan Denisovitch; 

Europa América 

O Pavilhão dos Cancerosos; Dom 

Quixote/Círculo de Leitores 

Arquipélago Gulag; Bertrand 

O Declínio da Coragem; Rolim 

O Erro do Ocidente; Europa--América 

Os Direitos do Escritor; Brasília 

Agosto, 1914: Primeiro Nó; Dom Quixote 

O Primeiro Círculo; Íbis 

O Carvalho e o Bezerro: Esboços da Vida 

Literária; Bertrand 

A Casa de Matriona; Arcádia 

Venho Dizer-vos a Verdade; Coopertipo 

Paz e Violência: a Hipocrisia do Ocidente; 

Liber 

Como Reordenar a Nossa Rússia?: 

Refl exões...; Livros do Brasil 

Carta aos Governantes Soviéticos: Apelodenúncia 

Feito por Um Homem Livre; 

Resistência 

Carta aos Governantes Soviéticos; 

Resistência

_O PROFESSOR SEM DISCÍPULOS OU UM GRANDE ESCRITOR RUSSO? 

Uns comparam-no a Tolstoi, Dostoievski. Outros vêem-no como mestre de coragem 

moral, um escritor fechado nas tradições do século XIX 

Em 1962, quando um até aí desconhecido professor de liceu russo chamado Alexandre 

Soljenitsin publica Um Dia na Vida de Ivan Denisovitch torna-se, subitamente, um 

fenómeno no mundo literário. Mas o impacto político da sua obra – sobretudo depois 

da publicação de Arquipélago Gulag – foi tão grande, tornando-se indissociável da sua 

obra, que torna difícil avaliar o seu real peso literário. 

José Saramago acredita que foi a pátria de Soljenitsin que acabou por “dar razão” 

ao escritor — foi quando o mundo descobriu “o que estava por baixo dessa manta 

infecta que foi a aceitação passiva do que se estava a passar no país” durante o período 

estalinista. “Não havia apenas um fundo de verdade: era a autêntica verdade.” A 

denúncia dos “crimes de um sistema supostamente soviético”, nos livros de Soljenitsin, 

não poderia “cair bem nos ânimos da hierarquia do Governo e do partido [PCUS]”, 

diz. Por isso, o ostracismo a que foi votado e a proibição de viajar até Estocolmo para 

receber o Prémio Nobel da Literatura (1970) suscitam a Saramago este comentário: 

“Isto é triste, se não desolador.” 



Em Soljenistin, ou melhor, na sua bibliografi a, as identidades de escritor e de político 

confundem-se. 

“Afortunadamente, ele foi ao mesmo tempo um escritor e um político”, aponta 

Saramago, aproveitando para criticar aqueles que julgam que os literatos devem 

afastar-se da política. “Um escritor é um cidadão e como tal tem todo o direito e o 

dever de opinar sobre aquilo que se passa no seu país e no mundo. E foi isso que 

Soljenitsin fez”, diz, recordando que, quando o escritor regressou à sua terra natal, em 

1994, “denunciou com a mesma veemência aquilo que era a suposta democratização 

da Rússia e que deu os resultados que todos conhecemos”. 

“É muito russo a escrever” Zita Seabra, que só começou a ler Soljenitsin quando se 

afastou do Partido Comunista — “a esquerda não o lia” —, não tem dúvidas de que 

ele “é um grande escritor, na linha dos grandes russos do século XIX”. Para a editora da 

Alêtheia, o impacto que Arquipélago 

Gulag teve em todo o mundo não se fi cou a dever tanto à denúncia do sistema 

prisional soviético mas sim à forma como Soljenitsin escreveu sobre ele. “A grande 

denúncia do gulag já vinha de antes, o que ele fez foi transformá-la em literatura. 

Panfl etos há muitos, literatura há pouca. Ele tem a força da literatura.” José Pacheco 

Pereira é da mesma opinião. “Ele é um grande escritor russo do século XX, na linha 

do grande romance histórico, uma literatura quase épica.” Para o historiador, há 

em Soljenitsin “um grande investimento histórico para tentar, no fundo, perceber 

a Rússia” e os seus livros são “o retrato de uma certa perplexidade russa perante a 

história trágica do país, um perguntar: ‘Porque é que nos acontece isto?’” “Não é tanto 

um romancista das relações interpessoais”, mas sim um escritor preocupado com as 

questões da identidade nacional e, ao mesmo tempo, “muito meticuloso do ponto de 

vista histórico”. Há na sua escrita “um fôlego do espaço e do tempo” que o integra 

claramente na tradição russa. “É muito russo a escrever”, sublinha 

Zita Seabra. E os seus livros, sobretudo Um Dia na Vida..., “têm a força da vivência 

pessoal”. Não hesita, por isso, em situá-lo na tradição de escritores como Turgueniev, 

Tolstoi e Dostoievski, “em contraponto a autores menores, como Gorki, que é um 

escritor militante”. 

António Pescada, tradutor para português de alguns destes gigantes da literatura 

russa, confessa ser um “fraco conhecedor” da obra de Soljenitsin, tendo lido apenas 

Um Dia na Vida... e O Pavilhão dos Cancerosos, e ter adiado a leitura de Arquipélago 

Gulag por querer fazê-lo na língua original. Mas o que conhece permitelhe confi rmar 

que “é um estilo que se enquadra na literatura russa”, 

embora, na sua opinião, num patamar abaixo de Turgueniev, Tolstoi e Dostoievski. 

Sente-se na escrita dele “uma urgência de dizer as coisas”, sobretudo em Um Dia na 

Vida... “Em O Pavilhão dos Cancerosos há um maior cuidado com a linguagem.” 

No blogue de livros do diário britânico The Guardian, Donald Rayfi eld, professor de 

Russo na Universidade Queen Mary é bastante mais duro, considerando que “a 

infl uência de Soljenitsin residirá exclusivamente na sua coragem moral, que inspirou 

dissidentes mais jovens a prosseguir a luta, tanto na literatura como na defesa dos 

direitos humanos”. Como escritor, Rayfi eld descreve-o como “totalmente fechado nas 

tradições do século XIX”. Por isso, conclui: “Em termos puramente literários, Soljenitsin 

é um professor sem discípulos.” 

Alexandra Prado Coelho e Maria José Oliveira, in Público, de 5 de Agosto de 2008.

Soljenitsin usou a literatura como arma política, denunciando as atrocidades do regime 

soviético. As reacções à sua morte são consensuais em valorizar o seu papel político, mas 

há quem recorde que teve dois pesos e duas medidas para os ditadores e que estendeu a 

mão a Vladimir Putin. 

Grande parte das reacções à sua morte não foram além do elogio. “Patriota” (Presidente 

russo, Dmitri Medvedev); “a consciência da humanidade face ao totalitarismo” (chefe da 

diplomacia francesa, Bernard Kouchner); “uma fi gura romanesca, herdeira de Dostoiévski” 

(Presidente francês, Nicolas Sarkozy); “contribuiu para mudar o curso da história” (chefe da 

diplomacia da União Europeia, Javier Solana). O primeiro-ministro russo, Vladimir Putin, 

lembrou-o como “um exemplo de autêntica abnegação”. O escritor chegou a receber Putin 

e elogiou o seu papel na “reconstrução” da Rússia. “Putin recebeu em herança um país 

pilhado e de rastos, com a maioria da população desmoralizada e na miséria. E começou 

a sua reconstrução, pouco a pouco, lentamente. Os seus esforços não foram apreciados 

desde logo”, declarou num encontro. Esta indulgência para com Putin gerou controvérsia 

nos meios intelectuais russos. O escritor Viktor Erofeiev fala de uma fi gura “contraditória”, 

que manteve o silêncio sobre acontecimentos da era moderna russa, como a guerra na 

Tchetchénia e a tomada de reféns em Beslan. A visão que Soljenitsin tinha do futuro 

era “muito conservadora”, disse à AFP. “Era um conservador ortodoxo russo e não um 

democrata”, corroborou o politólogo Boris Kagarlitski. Já o dissidente soviético Alexander 

Podrabinek diz que Soljenitsin “nunca apoiou Putin”. “Putin visitou-o como uma nulidade 

que se encontra com a grandeza para obter valor”, ironizou. O fundador da Renovação 

Comunista Carlos Brito falou ao PÚBLICO das contradições de Soljenitsin. “Ao mesmo tempo 

que denunciava a brutal injustiça dos campos de concentração soviéticos, elogiava outros 

torturadores”, como Franco e Pinochet. Já o deputado do Bloco de Esquerda João Semedo 

recorda Soljenitsin por ter mostrado que “não há socialismo sem liberdades”. “Para a minha 

geração, teve o mérito de acordar muitas consciências para a natureza antidemocrática 

do sistema soviético. Olhávamos para a União Soviética como um farol, uma sociedade 

de progresso e bem-estar, mais evoluída”, conta. Sofi a Branco 



_ ALEXANDER SOLJENITSIN 

NO CINEMA 

Título original: Série de TV: “Bob Hope Presents the Chrysler Theatre” episódio One Day in the Life of Ivan Denisovich 

Realização: Daniel Petrie (EUA, 1963); Argumento: Mark Rodgers, segundo obra de Alexander Soljenitsin; Intérpretes: Jason 

Robards (Ivan Denisovich), eorge Kennedy, Albert Paulsen, John Abbott, Rodolfo Acosta, Andy Albin, Curt Conway, Henry Corden, 

John Fiedler, Hurd Hatfi eld, Anthony Jochim, Mike Kellin, Peter Mamakos, Harold J. Stone, Torin Thatcher, Peter J. Votrian, etc. 


Título original: Ett Möte på Kretjetovkastationen 

Argumento: segundo obra de Alexander Soljenitsin (Suécia, 1970); Intérpretes: Christian Berling, Dennis Dahlsten, Mona Dan- 

Bergman, Göthe Grefbo, Maud Hansson, Sven-Olof Hultgren, Ulf Johanson, Tommy Johnson, Gunnar Olsson, Tord Peterson, etc. 

Título original: Krebsstation (TV) 

Realização: Heinz Schirk (RFA, 1970); Argumento: Karl Wittlinger, segundo obra de Alexander Soljenitsin; Intérpretes: Martin 

Benrath (Oleg Kostoglotow), Siegfried Lowitz (Pawel Rusanow), Vera Tschechowa (Dr. Wera), Ruth Hausmeister (Dr. Ljudmila 

Afanassjewna), Anneliese Römer, Nora Minor, Dieter Borsche, Alfred Balthoff, Dagmar Bienerm, etc. Duração: 150 min. 

UM DIA NA VIDA DE IVAN DENISOVICH 

Título original: One Day in the Life of Ivan Denisovich ou En Dag i Ivan Denisovitsj’ liv 

Realização: Caspar Wrede (Inglaterra, Noruega, 1970); Argumento: Ronald Harwood, segundo obra de Alexander Soljenitsin 

(“Odin den iz zhizni Ivana Denisovicha”); Produção: Howard O. Barnes, Erik Borge, Richard M. Pack, Caspar Wrede; Música: 

Arne Nordheim; Fotografi a (cor): Sven Nykvist; Montagem: Thelma Connell; Direcção artística: Per Schwab; Guarda roupa: Ada 

Skolmen; Maquilhagem: Nurven Bredangen; Companhias de produção: Group W Films LLC, Leontes, Norsk Film; Intérpretes: 

Tom Courtenay (Ivan Denisovich), Espen Skjønberg (Tiurin), Alf Malland (Fetiukov), Frimann Falck Clausen (Senka), Jo Skønberg 

(Gopchik), Odd Jan Sandsdalen, Torstein Rustdal, James Maxwell, Alfred Burke, Eric Thompson, John Cording, Matthew Guinness, 

Roy Bjørnstad, Paul Connell, Sverre Hansen, Wolfe Morris, Kjell Stormoen, Caspar Wrede, etc. Duração: 105 min. 

Título original: Den Foerste Kreds ou Den Första kretsen ou The First Circle 

Realização: Aleksander Ford (Dinamarca, Suécia, 1973); Argumento: Aleksander Ford, segundo obra de Alexander Soljenitsin; 

Produção:Artur Brauner, Mogens Skot-Hansen; Música: Roman Palester; Fotografi a (cor): Wladyslaw Forbert; Montagem: 

Carl Lerner; Companhias de produção: Laterna Film, Tele Cine Film; Intérpretes: Gunther Malzacher (Gleb Nerzhin), Elzbieta 

Czyzewska (Simochka), Peter Steen (Volodin), Vera Tschechowa (Clara), Ole Ernst, Ingolf David, Preben Neergaard, Preben Lerdorff 

Rye, etc. Duração: 98 min. 

Título original: Série de TV: “BBC Play of the Month” episódio The Love Girl and the Innocent 

Realização: Alan Clarke (Inglaterra, 1973); Argumento: segundo obra de Alexander Soljenitsin; Intérpretes: David Leland (Nemov), 

Gabrielle Lloyd (Lyuba), Richard Durden (Khomich), Patrick Stewart (Gurvich), Allan Surtees (Brylov), Michael Poole, Barry Jackson, 

John Kane, Barbara Hickmott, Theresa Watson, Alan Gerrard, Terence Davies, John Quarmby, Jan Conrad, Forbes Collins, etc. 

Título original: Petite Flamme dans la Tourmente (TV) 

Realização: Michel Wyn (França, 1973); Argumento: Alfreda Aucouturier, segundo obra de Alexander Soljenitsin; Intérpretes: 

Louis Velle (Alex), Sarah Sanders (Alda), Judith Magre (Tilia), Maurice Barrier (Philippe), Roland Armontel, Claudia Morin, François 

Timmerman, Hervé Sand, Tola Koukoui, Charles Millot, Jean-Claude Magret, etc. 

Título original: The First Circle ou Le Premier Cercle (TV) 

Realização: Sheldon Larry (EUA, França, 1992); Argumento: segundo obra de Alexander Soljenitsin; Música: Gabriel Yared; 

Fotografi a (cor): Ron Orieux ; Som: Eric Rophe; Intérpretes: Robert Powell (Gleb Nershin), Victor Garber (Lew Rubin), Dominic 

Raacke (Nikolaj Schtschagow), Günther Maria Halmer (Wladimir Tschelnow), F. Murray Abraham (Estaline), David Hemblen, 

David Hewlett, Heath Lamberts, Laurent Malet, Alexandra Stewart (Aletvina Makaraguine), Raf Vallone (Pyotr Makaraguine), 

Coraly Zahonero, Vernon Dobtcheff, Daniel Emilfork, Corinne Touzet, Danute Kristo, Jennifer Morehouse, Christopher Plummer 

(Victor Abakumov), Rebecca Potok, Delphine Rich, André Rouyer, Michel Voletti, etc. Duração: 180 min. 

Título original: Uzel ou The Dialogues with Solzhenitsyn 

Realização: Aleksandr Sokurov (Russia, 1999); Produção: Svetlana Voloshina; Fotografi a (cor): Aleksandr Degtyaryov, Aleksandr 

Fyodorov; Montagem: Konstantin Stafeyev; Som: Sergei Moshkov, Vladimir Persov; Companhias de produção: Studio Nadezhda; 

Intérpretes: Aleksandr Sokurov, Alexander Soljenitsin; Duração: 91 min. 

Título original: Série de TV: “The Power of Nightmares: The Rise of the Politics of Fear” 

Argumento: Adam Curtis (Inglaterra, 2004); Intérpretes: Adam Curtis (Narrador); Duração: 180 min. 

Título original: V Kruge Pervom ou The First Circle 

Realização: Gleb Panfi lov (Rússia, 2006); Argumento: segundo obra de Alexander Soljenitsin; Intérpretes: Yevgeni Mironov (Gleb 

Nerzhin), Dmitri Pevtsov (Innokenti Volodin), Sergei Kariakin (Dmitry Sologdin), Aleksei Kolubkov (Lev Rubin), Yana Yesipovich, 

Yevgeni Stychkin, Igor Kvasha, Roman Madyanov, Aleksandr Tyutin, Vladimir Konkin, Igor Ugolnikov, Vyacheslav Bogachyov, etc. 

Duração: 440 min (45 min, em 10 partes). 

Título original: Elegiya zhizni. Rostropovich. Vishnevskaya. ou Rostropovich, Vishnevskaya 

Realização: Aleksandr Sokurov (Rússia, 2006); Argumento: Aleksandr Sokurov; Intérpretes: Mstislav Rostropovich, Galina 

Vishnevskaya, Aleksandr Sokurov, Krzysztof Penderecki, Seiji Ozawa, Alexander Soljenitsin, Boris Yeltsin, etc. Duração: 101 min.

MOSTRA FICAP 

FAMAFEST 

2009 

ROBERT 

WILSON 

PETER 

BROOK

252 | Robert Wilson | Peter Brook Mostra FICAP 

_ROBERT WILSON 

Durante a adolescência, Robert Wilson participa em vários espectáculos no Teatro 

Infantil de Waco e no Grupo de Teatro Juvenil da Academia de Baylor. Em 1959 termina 

o Liceu em Waco e inscreve-se na Universidade do Texas em Austin. Enquanto estuda 

Gestão, organiza workshops para crianças com defi ciências mentais e trabalha 

também noutros grupos de teatro infantil. Em 1962 muda-se para Nova York onde 

estuda Arquitectura e Design de Interiores no Pratt Institute em Brooklyn, que 

termina em 1965 (B.F.A.). 

Em Nova York descobre o trabalho de Merce Cunningham e de Martha Graham, 

que o convida a assistir às suas aulas. É ainda convidado para trabalhar com Alwin 

Nikolais e com Murray Louis, onde começa a criar fi gurinos e cenários para eventos 

multidisciplinares. Em 1963 concebe “Slant”, para a WNET-TV, um fi lme experimental 

de dez minutos. Em 1964 viaja para Paris onde estuda Pintura com o pintor 

abstraccionista americano George McNeil. No mesmo ano, regressa a Nova York e 

concebe ainda alguns espectáculos que misturam e se baseiam em movimento, luz, 

cinema, fi gurinos e som. Concebe ainda o cenário para o espectáculo “Landscapes 

and Junk Dances” de Murray Louis. Em 1965 apresenta o evento de Teatro – Dança 

“Duricglte & Tomorrow” para a exposição Universal de Nova York. Concebe o cenário 

e os fi gurinos para o “América Hurrah!” de Jean-Claude Van Itallie. Mantem o trabalho 

com crianças defi cientes. 

Durante o verão lecciona o curso de Pintura e Movimento na Universidade San 

Antonio Trinity, de onde surgem duas performances apresentadas em Waco, incluindo 

“Modern Dance”, uma paródia à Miss América. 

Em 1966 concebe em Nova York dois espectáculos de Ballet (Clorox, Opus 2) e lecciona 

no American Theater Laboratory. Com o arquitecto visionário Paolo Soleri, participa 

no projecto de construcção de uma comunidade utópica do Arizona. Regressa a Nova 

York em 1967 e aluga o sótão onde antes funcionara a Joseph Cakin’s Open Theater. 

Rapidamente junta um grupo de trabalho a quem dá workshops de Performance. 

Nesta altura vive das aulas de professor especializado no departamento de saúde 

e no departamento de apoio à educação, onde lecciona, tanto em Nova York como 

em New Jersey. Robert Wilson mistura o trabalho que desenvolve nas suas aulas, 

com o trabalho que desenvolve com defi cientes mentais e ainda com os seus 

conhecimentos de dança, teatro e artes plásticas. A partir destas referências e do 

trabalho desenvolvido nos workshops do sótão, surge um grupo muito heterogéneo, 

a que dá o nome “Byrd Hoffman”. (Nome do bailarino que libertou o pequeno Robert 

Wilson de um distúrbio na fala). Foi este o grupo que o acompanhou nos primeiros 

trabalhos. 

Em 1968, em Ohio, concebe “The Poles”, uma instalação com oito metros quadrados 

onde alinha postes de telecomunicações. Em Nova York forma um dueto e apresenta 

“Alley Cats” com a coreografa e compositora Meredith Monk. No mesmo ano cria 

“Byrd Woman” e apresenta o espectáculo “Byrd WoMAN” em Nova York. 

Em 1969 apresenta o espectáculo “Le Roi D’Espagne” com a companhia Byrd Hoffam. 

O cenário é composto por três grandes palcos que representam uma praia, uma sala 

Vitoriana desenhada e uma cave. A partir deste espectáculo Robert Wilson centra a 

exploração do seu trabalho na composição de imagens teatrais que exploram a luz 

e o tempo como elementos vitais. Rapidamente concebe e apresenta “The Life Times

of Sigmund Freud”, um espectáculo de quatro horas onde cruza a dança com o teatro 

e as artes plásticas. Desde “Le Roi D’Espagne” que o desenho se apresenta como o 

elemento principal da sua cenografi a. Os objectos e a mobília são criados pelo próprio 

Robert Wilson e ocupam um lugar essencial no seu trabalho. Estas esculturas são 

apresentadas pela primeira vez no espectáculo “The Life Time of Sigmund Freud”. 

Em 1970 no Teatro Universitário da cidade de Iowa, concebe “Deafman Glance”, que 

é reposto mais tarde em Nancy, Roma, Paris e Amesterdão. Com este espectáculo, 

Robert Wilson alcança reconhecimento internacional recebendo o Drama Desk 

Award (1970) e o prémio da Critica Francesa para o Melhor Espectáculo Estrangeiro. 

Dirige ainda o épico com duração de sete dias: “KA Mountain AND GUARDenia 

TERRACE”. Em 1973 apresenta em Nova York, no Byrd Hoffman Studio,” King Lyre and 

Lady in the Wasteland” com Elanie Luthy. Produz depois “The Life and Times of Joseph 

Stalin”, apresentado em Copenhaga, Nova York e São Paulo. Em 1974 o Museu Galliéra 

de Paris organiza a exposição “Robert Wilson: Dessins et Sculptures”. Em Roma, 

Washington DC, Milão, Irão e outros locais apresenta o espectáculo em colaboração 

com Christopher Knowles, “Dia Log / A Mad Man A Mad Giant A Mad Dog A Mad 

Urge A Mad Face. Apresentam de seguida “A Letter From Queen Victoria. Em 1975, em 

Nova York apresentam a leitura a solo “The $ Value of Man” e o espectáculo “Dia Log”. 

Termina o ano em Bona com o espectáculo “To Street”, novamente a solo. 

No início de 1976 cria “Spaceman”, em colaboração com o escultor Ralph Hilton 

apresentada na “The Kitchen”. Uma estrutura em forma de paralelepípedo 

transparente no seu todo, construída em madeira e plástico transparente, com os 

performers e os objectos no interior, incluindo um vídeo-wall. Esta performance 

foi reposta em 1984 no Museu Stedelijk em Amesterdão, incluída na exposição “A 

Imagem Luminosa”. 

Em 1977 juntamente com Lucinda Childs, encena “I Was Sitting On My Patio This 

Guy Appeared I Thought I Was Allucinating”. No ano seguinte apresenta “Death 

253 | Robert Wilson | Peter Brook Mostra FICAP


Destruction and Detriot”, uma peça musicada em dois actos / uma história de amor 

em dezasseis cenas, com músicas de Alan Lloyd, Keith Jarret e Randy Newman. Em 

1979 apresenta “Edison”, com música de Michael Riesman. Desde 1976 que Robert 

Wilson expõe com frequência, os seus desenhos e esculturas em várias galerias. 

Em 1980, Robert Stearns organiza uma exposição sobre o trabalho de Robert Wilson 

no Centro de Arte Contemporânea de Cincinnati, Ohio. A exposição chama-se “De 

um Teatro de Imagens” e reúne esculturas, projectos cenográfi cos, desenhos e “Vídeo 

50” que acabara de ser produzida pelo Centro Georges Pompidou. 

O seu trabalho em vídeo continuou: “Deafman Glance” (1981), Stations (1982), “Mr. 

Bojangles’ Memory (1991), e numerosas produções como: “La Femme à la Cafetière” 

(1989), “The Death of King Lear”, para a televisão espanhola (1989), “Don Juan Ultimo” 

(1992), “The Tragedy of Hamlet, Prince of Denmark” (1994). 

De 1981 a 1998, Robert Wilson apresenta no mundo inteiro, um vasto número de 

peças de teatro e de óperas, paralelamente com algumas reposições do seu próprio 

trabalho: 

“A Tree is Best Measured When i tis Down” (1981), “Great Day in the Morning” (1982)”, 

com Jessy Norman, “Medeia” (1984), Rei Lear (1985), Alceste de Euripedes (1986) e 

“Hamletmachine” (1986) de Heiner Muller, “The Man in the Raincoat”, com música 

de Laurie Anderson, “Salomé” de Strauss (1987), “Cosmopolitan Greetings” (1988), 

com texto de Allan Ginsberg, “Orlondo” (1989), “Frederich Laun et Thomas Quincey” 

(1990), com texto de W.S. Burrought e música de Tom Waits, “La Maladie de la Mort” 

(1991) de Marguerite Duras, “A Flauta Encantada” de Mozart (1991), “Alice” de Lewis 

Carrol, com música de Tom Waits. “Dr. Faustus Lights the Lights” de Gertrud Stein 

(1992), “Time Rocker” (1996) com música de Lou Reed, “White Raven” com música de 

Philip Glass (1998). 

Robert Wilson é igualmente prolífero em exibições de artes plásticas. Em 1987, 

“Memory of a Revolution” corresponde a uma comissão de um museu em Estugarda 

para as comemorações da Revolução Francesa. Em 1991, “Robert Wilson’s Vision”, em 

Boston, uma segunda retrospectiva do seu trabalho em artes plásticas. Projecta 

toda a exposição e concebe o percurso teatralizado que guia o espectador ao 

longo da exposição. No fi nal do mesmo ano, o Centro Georges Pompidou apresenta 

“Mr. Bojangles Memory: og son of Fire”, um projecto sobre as múltiplas facetas do 

seu trabalho, onde o espectador é conduzido de forma extravagante ao longo da 

exposição. Em 1992, é instalada em Hamburgo uma escultura monumental de sua 

autoria. Em 1993, depois de Harald Szeemann e de Peter Greenaway, é escolhido para 

organizar a terceira apresentação da colecção permanente do Museu Boymansvan 

Beuningen em Roterdão. Para a Bienal de Veneza de 1993, cria “Memory/Loss”, 

com que ganha o Leão de Ouro para a escultura. Na galeria Akira Ikeda, em Nova 

York, apresenta “Three Rooms”, três espaços dedicados aos quatros elementos. Em 

1995, numa velha prisão de Londres, constrói juntamente com Hans Peter Kuhn e 

Michael Howells, uma série de “Tableuxs” denominadas “H.G.”. Em 1997, produz uma 

instalação para o centenário da Villa Stuck, em Munique. 

Em 1992 dá inicio ao Watermill Center num enorme edifício industrial, adquirido 

em 1980. Dedica-se desde então a este centro de desenvolvimento de estudos de 

estética e criação artística. 

Dominique Garrigues in Encyclopédie Nouveaux Médias du Centre Georges Pompidou

_ROBERT WILSON, UM OLHAR 

O que é que estará ainda por dizer acerca de Robert Wilson? Existem já tantos retratos, 

tantas anedotas, tantos registos. E o que é que estará ainda por dizer acerca da sua forma 

de entender o teatro? Que palavras falta ainda dizer para o defi nir? O que é que estará 

ainda por dizer acerca desse seu olhar enigmático? 

Sabemos que Wilson nasceu em Waco, Texas, no dia 4 de Outubro de 1941, no seio de 

uma família branca, protestante e de classe média. O pai era advogado e foi presidente 

da câmara e gerente municipal da cidade. A mãe fora criada num orfanato. Segundo o 

próprio Wilson, nenhum deles se interessava por arte. 

Em 1958, tendo terminado os estudos secundários na sua cidade natal, frequentou as 

aulas de dança da senhora Byrd Hoffman, uma bailarina clássica então com cerca de 

setenta anos, onde aconteceu a sua lendária cura dos problemas de fala. Wilson recorda 

assim o episódio: “Ela ensinava dança e compreendia o corpo de uma forma excepcional. 

Disse-me: Podes perfeitamente aprender a falar. Sei que consegues. E após uns três 

meses de trabalho com ela, aprendendo a descontrair e dando ao processo o tempo 

necessário, acabei por aprender a pronunciar, a conseguir falar… não sou um grande 

dançarino, mas aprendi a lidar com o meu corpo e consegui reduzir a tensão, consegui, 

diga-se em abono da verdade, com todo o meu esforço… Aprender a falar foi para mim 

uma enorme aventura.” [Brecht, 1994, p. 14)]. Apesar de este episódio ter sido desmentido 

por algumas testemunhas oculares bastante dignas de crédito, ele não perde, mesmo 

assim a sua aura de lenda. 

Entre 1959 e 1962, estuda na Universidade do Texas, que abandonará pouco antes de se formar, 

na época em que começou a trabalhar para o grupo de teatro infantil da Universidade de 

Baylor. Em 1963 encontramo-lo em Paris, onde estuda pintura com um tal George McNeil. No 

ano seguinte regressa aos Estados Unidos, a Nova Iorque, como estudante de arquitectura 

no Pratt Institute, de Brooklin, tendo-se formado em 1966. Enquanto frequenta o curso 



em Nova Iorque, continua com o seu trabalho no teatro infantil, com crianças com lesões 

cerebrais e, durante o Verão, em Waco, com o seu grupo de sempre. A partir de 1967 têm 

início as suas primeiras performances em Manhattan. Contabilizam-se quatro, anteriores, 

e de certo modo preparatórias de The King of Spain (1969) – segundo parece tratava-se de 

peças muito dispersas, infl uenciadas, entre outras coisas, pelos concertos de Cage: Baby 

Blood (1967), Theatre Activity I e II, ByrdwoMAN e Alley Catos (1968). 

1967 será também o ano de Poles, uma instalação em plena natureza (em Grail Retreat, 

Loveland, Ohio), marcada contudo por uma certa utopia própria da época, que Wilson 

evoca nos seguintes termos: “Em 1968, numa seara do Ohio, fi z uma escultura com 676 

postes telefónicos; a estrutura era a de uma vedação, mas era possível subir por ela, como 

pelos fl ancos de uma montanha, até ao alto. Os agricultores da zona chamaram-me louco 

porque aquilo não parecia nada, no meio da seara. Depois, quando chegou o momento 

de manter os postes em pé e agrupá-los, interessaram-se pela construção que, pouco 

a pouco se transformou na nossa obra colectiva, uma obra de que estão orgulhosos. É 

um lugar de festa, de reunião, de conferências, uma tribuna para se assistir a um jogo 

de futebol, ou um espaço lúdico, pois é possível trepar por ele ou até mesmo passear 

pelo seu interior. Uma experiência desta índole é sempre uma fonte de contactos: foram 

tantas as coisas que aconteceram enquanto trabalhámos juntos… na actualidade, nas 

cidades, já ninguém cuida das construções, por todos os lados se vêem imóveis com 

andares que são destruídos porque não existe qualquer sentimento ou relação entre o 

habitante e o lugar. É importante recuperar o contacto.” [Brunel, 1971]. 

Durante esta época, o seu nome encontra-se associado a trabalhos de terapia teatral, 

psicossomática e de desenvolvimento pessoal, embora Wilson se tenha sempre recusado 

a ser considerado um guru, ou a deixar catalogar o seu trabalho sob a designação do 

termo terapia, seja em que sentido for que seja utilizado. 

Em 1968, cria a Byrd Hoffmam School of Byrds, da qual se torna director artístico. Segundo 

consta nos documentos de inscrição desta como Fundação (4 de Maio de 1970), os seus 

objectivos são: “1. Dirigir ofi cinas de dança, teatro, cinema e artes afi ns para crianças e 

adultos. 2. Preparar pessoas como chefes de grupo de dança como actividade teatral. 

3. Realizar um programa de Verão para crianças e adultos nas zonas de Nova Iorque e 

New Jersey e num rancho do Texas. 4. Realizar representações públicas de dança como 

actividade teatral como resultado dos vários seminários.” [Brecht, 1994, pg. 31.] Com a 

Byrd Hoffman, Wilson percorrerá o espaço que medeia entre as suas primeiras tentativas, 

happenings e performances, até à sua profi ssionalização defi nitiva, cujo ponto de 

infl exão é marcado por Einstein on the Beach, onde profi ssionais já de reputação feita 

como Lucinda Childs, partilhavam o cenário com actores não profi ssionais. 

Destes primeiros anos, Wilson costuma recordar com especial prazer os ensinamentos 

de alguns professores. Em primeiro lugar, Sybil Moholy-Nagy, com vínculo à Bauhaus, 

sua professora de História da Arquitectura em Nova Iorque: “A forma como ela tinha 

estruturado o curso agradava-me muito, porque utilizava uma iconografi a sem relação 

directa com o que dizia. Bem, quer dizer, havia efectivamente uma relação, mas quase 

por coincidência, por acaso. Às vezes tinha por trás até três projecções de diapositivos em 

3D. As imagens sucediam-se rapidamente enquanto ela falava com muita calma, num 

tom muito relaxado, de coisas diferentes, dos “antídotos”, poder-se-á dizer, daquelas 

coisas que os livros de história nunca conseguem ensinar. E depois, aí uns cinco anos 

mais tarde, começavam a surgir associações de ideias, e então era possível associar o 

texto às imagens… ao princípio tive difi culdade em assimilá-lo, mas depois foi sempre

uma coisa em que eu pensava como tendo tido grande importância para mim, e era 

o curso de História da Arquitectura. Uma vez disse-nos: “Bom! Têm três minutos para 

desenhar uma cidade!” e tínhamos de raciocinar sobre o que fazer para se conseguir 

desenhar uma cidade em três minutos. Então eu pensei numa maçã com um cubo de 

cristal no interior, e pensei que esse cristal podia ser o osso, o núcleo da maçã, o centro da 

aldeia, um pouco como… uma catedral da época medieval, um centro de estudos, uma 

concentração de pessoas de todos os tipos e classes, um lugar onde o artista tivesse o 

seu sítio” [Grillet, 1992] 

E, em segundo lugar, Paolo Soleri, cujos ensinamentos seguirá em 1966, durante uma 

temporada em Phoenix, Arizona. “No princípio dos anos 60 fi z um curso com Soleri. Naquele 

tempo interessavam-me mais as ideias que estavam subjacentes na sua arquitectura do 

que as suas criações arquitectónicas em si. Fascinava-me a escala do seu pensamento. Era 

um sonhador. Construía cidades debaixo de água, sobre a água ou no céu. Era o meu último 

ano do curso e os outros alunos estavam ocupados a desenhar imóveis de escritórios para 

conseguirem a licenciatura. Eu não era capaz. Aquilo não me interessava absolutamente 

nada. Soleri fazia desenhos de arquitectura na areia, com um pauzinho. Não se sabia o que 

é que ia sair dali, um casino, uma sala de espectáculos, ou o que quer que fosse. Punha-se 

simplesmente a desenhar. E era assim que ele concebia os imóveis. Era espantoso ver um 

arquitecto a trabalhar assim. Aquilo marcou-me profundamente. O mesmo se pode dizer 

de Einstein. Einstein também era um sonhador. Na época em que estava para terminar 

os meus estudos, sentia-me completamente perdido, e estes homens ajudaram-me a ver 

claro porque também eu era um sonhador. Para o trabalho de fi m de curso desenhei uma 

maçã com um cubo de cristal no centro. O cubo de cristal pretendia ser uma janela aberta 

para o mundo. Podia refl ectir todo o universo. [Eco, 1991] 

Uma maçã com um cubo de cristal no interior, coração transparente, janela ou catedral 

da rate, Guckkastenbühne, símbolo que prenuncia já o destino teatral que o aguardava. 

Miguel Morey e Carmen Pardo in Robert Wilson 



_ Robert Wilson 

Trabalhos teatrais 

1964 

“Dance Event at New York Horld’s Fair” 

“Dance Pieces at Peerless Movie House” 

“Junk Dances” de Murray Louis; Cenografía: Robert Wilson 

“Landscapes” de Murray Louis; Cenografía: Robert Wilson 

1965 

“Modern Dance” (quatro danças) de Robert Wilson. 

“[Silent Play]“ Interpretação: Robert Wilson e outros 

“America Hurrah” de Jean-Claude van Itallie; Encenação: 

Robert Wilson 

“Duricglte & Tomorrow” de Robent Wilson 

1966 

“Clorox y Opus 2” [danças] 

1967 

“Baby Blood” [Evening with Baby Byrd Johnson and Baby 

Blood] Interpretação: Robert Wilson 

“Poles” [escultura ao ar livre, com performances de Robert 

Wilson e outros]. 

1968 

“Alley Cats” Interpretação: Robert Wilson e Menedith Monk 

“ByrdwoMAN” Interpretação: Robert Wilson, S.k. Dunn, 

Kikuo Saito, Raymond Andrews, Hope Kondnat, Robyn 

Brentano, Meredith Monk, y outros 

“Theater Activity [2]” Textos escritos e gravados de 

Buckminster Fuller; Interpretação: Robert Wilson, Devora 

Bornír, Kenneth King e Hope kondrat. American Theatne 

Laboratory, Nueva York, 19 abril . 

“Theatre Activity [1]” Interpretação: Robert Wilson, Andrew 

de Groat, Kenneth King, e outros. 

1969 

“The King of Spain” de Byrd Hoffman; Interpretação: Robert 

Wilson e Byrd Hoffman School of Byrds. 

“Hauco – 1941” [performance/conferencia /demonstração]; 

Interpretação: Robert Wilson e Byrd Hoffman School of Byrds. 

“The Life and Times of Sigmund Freud” de Robert Wilson 

Interpretação: Robert Wilson e Byrd Hoffman School of 

Byrds; Brooklyn Academy of Music, Opera House 

1970 

“George School Activity” [performance/demonstração]. 

Encenação/Interpretação: Robert Wilson; George School, 

New Hope 

“Handbill” de Robert Wilson; Texto: Kenneth King; Música: 

Alan Lloyd e Julie Weber; Interpretação: Robert Wilson e 

outros. 

“Deafman Glance” de Robert Wilson; Música: Alan Lloyd, 

Igor Demjen y outros; Interpretação: Robert Wilson, 

Raymond Andrews, Sheryl Sutton e Byrd Hoffman School of 

Byrds; Brooklyn Academy of Music 

1971 

“Watermill” [performance/demonstração]. Música/som: 

Melvin Andringa, Igor Demjen, Alan Lloyd e Pierre Ruiz; 

Interpretação: Robert Wilson, Andrew de Groat, Cynthia 

Lubar e outros. 

“Program Prologue Now.: Overture for a Deafman” de 

Robert Wilson 

“[Demonstration/Lecture/ Press Conference]” 

Interpretación: Robert Wilson 

1972 

Overture [New York (Overture for KA MOUNTain AND 

GUARDenia TERRACE)] de Robert Wilson e Byrd Hoffman 

School of Byrds 

Overture [Shiraz (Overture for KA MOUNTain AND 

GUARDenia TERRACE)] Interpretação: Robert Wilson e Byrd 

Hoffman School of Byrds. Narenjestan 

KA MOUNTain AND GUARDenia TERRACE: a story about 

a family and some people changing; Encenação: Robert 

Wilson, Andrew de Groat, Cynthia Lubar, James Neu, Ann 

Wilson, Mel Andringa, S.K. Dunn e outros; Textos: Robert 

Wilson, Andrew de Groat, Jessie Dunn Gilbert, Kikuo Saito, 

Cynthia Lubar, Susan Sheehy e Ann Wilson; Música/som: 

Igor Demjen; Interpretação: Robert Wilson e Byrd Hoffman 

School of Byrds. 

Overture [París (Overture for KA MOUNTain AND 

GUARDenia TERRACE)] Cenografi a: Robert Wilson, Melvin 

Andringa, Kathryn Kean, Kikuo Saito, Ann Wilson e outros; 

música/som: Igor Demjen; Interpretação: Robert Wilson y 

Byrd Hoffman School of Byrds. [24 horas de performance 

continua]). 

1973 

“Workshop/Performance” Interpretação: Robert Wilson e 

Byrd Hoffman School of Byrds. 

“The Byrd Hoffman School of Byrds Spring Student 

Concerts” 

“King Lyre and Lady in the Wasteland” Interpretação: 

Robert Wilson e Elaine Luthy. 

“The Life and Times of Joseph Stalin”de Robert Wilson. 

Música: Alan Lloyd, Igor Demjen, Juli e Weber e Michael 

Galasso; Textos: Robert Wilson, Cynthia Lubar, Christopher 

Knowles e Ann Wilson; coreografi a: Andrew de Groat; 

Interpretação: Robert Wilson e Byrd Hoffman School of 

Byrds. 

1974 

“DiaLog A Mad Man A Mad Giant A Mad Dog A Mad Urge 

A Mad Face” de Robert Wilson e Christopher Knowles. 

Interpretação: Robert Wilson, Christopher Knowles e outros. 

“Prologue to A Letter for Queen Victoria” [apresentação 

numa galeria] de Robert Wilson 

“A Letter for Queen Victoria” de Robert Wilson. Textos 

adicionais: Christopher Knowles, Cynthia Lubar, Stefan 

Brecht e James Neu; música: Alan Lloyd e Michael Galasso; 

coreografía: Andrew de Groat, Interpretação: Robert Wilson 

e Byrd Hoffman School of Byrds. 

1975 

“Dialog of the Sundance Kid” de Christopher Knowles e 

Robert Wilson [leitura]; Interpretação: Christopher Knowles 

e Robert Wilson. 

“A Solo Reading” Voz e desenhos: Robert Wilson 

“The $ Value of Man” de Robert Wilson e Christopher 

Knowles 

“DiaLog [2]” de Robert Wilson e Christopher Knowles. 

Interpretação: Robert Wilson e Christopher Knowles. 

“To Street: One Man Show” Interpretação: Robert Wilson 

1976 

“DiaLog [3]” de Robert Wilson e Christopher Knowles; 

Interpretação: Robert Uilson, Christopher Knowles e 

Lucinda ChiIds 

“Einstein on the Beach” de Robert Wilson e Philip Glass 

Música: Philip Glass; Textos: Christopher Knowles, Samuel 

M. Johnson e Lucinda Childs; Coreografía: Andrew de Groat. 

“Bob Wilson Solo” [inclue extractos de “Deafman Glance”,

“A Letter for Queen Victoria” e “The King of Spain”] 

“reconfi rmation of reservations” [sólo Robert Wilson] 

1977 

“I was sitting on my patio this guy appeared I thought 

I was hallucinating” de Robert Wilson. Co-encenação: 

Lucinda Childs; música: Alan Lloyd, Interpretação: Robert 

Wilson e Lucinda Childs. 

“Dialog/Network” de Christopher Knowles e Robert Wilson. 

1978 

“Prologue to Deafman Glance” de Robert Wilson. 

1979 

“Death, Destruction, and Detroit: a play with music 

in 2 acts / a love story in 16 scenes” de Robert Wilson. 

Música: Alan Lloyd, Keith Jarrett e Randy Newman; textos 

adicionais: Maita de Niscemi 

“Edison” de Robert Wilson 

1980 

“Overture to the Fourth Act of Deafman Glance” de Robert 

Wilson., Interpretação: Robert Wilson 

“DiaLog/Curious George” de Robert Wilson e Christopher 

Knowles 

1981 

“Medea” de Robert Wilson e Gavin Bryars 

“Shirley, Keep Off” (apresentação por alunos de um atlier 

de uma semana) 

“The Man in the Raincoat” de Robert Wilson. Música: Hans 

Peter Kuhn; Interpretação: Robert Wilson. 

“the CIVIL warS: a tree is best measured when it is down” 

[primeiro atelier de trabalho] 

“Relative Calm” de Lucinda Childs; Encenação: Lucinda 

Childs; desenho de luz e desenhos: Robert Wilson: 

1982 

“The Golden Windows” [Die Goldenen Fenster] de Robert 

Wilson [versão alemã - versão americana 1985; versão de 

Montreal 1988]. Música: Tania León, Gavin Bryars e Johann 

Pepusch 


[segundo] workshop 

“Great Day in the Morning” de Robert Wilson e Jessye 

Norman 


Wilson. Interpretação: Robert Wilson, Carol Miles e Chizuko 

Sugiura 

1983 

“the CIVIL warS: a tree is best measured when it is down. 

Rotterdam Section” [Acto I, Cena B] de Robert Wilson. 

Música: Nicolás Economou; coreografía: Jim Self; texto 

adicional: Maita di Niscemi. 

1984 

“The Knee Plays [de CIVIL warS]“ de Robert Wilson y David 

Byrne. Música y textos: David Byrne; coreografía: Suzushi 

Hanayagi. 


Colonia Section” [Acto I, Cena A; Acto III. Cena E; Acto IV, 

Cena A e Epilogo] de Robert Wilson e Heiner Müller. Música: 

Philip Glass, David Byrne, Hans Peter Kuhn, Frederick the 

Great, Thomas Tallis e Franz Schubert. 


Rome Section” [Prólogo y Acto V - véase 1995] 

de Robert Wilson e Philip Glass. Música: Philip Glass; texto; 

Maita di Niscemi; Coreografía: Jim Self. 

“the CIVIL warS: a tree is best measured when it is down.” 

Workshop Marselha [Acto II, Cenas A e B; Acto III, Cenas A e 

B]. Texto: Etel Adnan; música: Gavin Bryars. 

“the CIVIL warS: a tree is best measured when it is down.” 

Workshop de Tóquio [Acto I, Cena C; Acto II, Cena C; Acto III, 

Cenas C e D]. 

“Medea” de Robert Wilson e Gavin Bryars; Baseado na obra 

de Eurípides. Música: Gavin Bryars; textos adicionais: Heiner 

Müller e Vladimir Mayakovsky. 


[nova representação]. 

“King Lear” de William Shakespeare 

“Reading/Performance 1969-1984” Textos: Robert Wilson, 

Christopher Knowles, Ben Halley, Chris Moore e David 

Byrne; Interpretação: Robert Wilson 

“The Golden Windows” de Robert Wilson [versão 

americana] 

1986 

“Alcestis” de Eurípides [versão americana –versão alemã, 

1987]. Adaptação: Robert Wilson; tradução: Dudley Fitts e 

Robert Fitzgerald, textos adicionais: Heiner Müller; Música/ 

som: Hans Peten Kuhn e Laurie Anderson; coreografía: 

Suzushi Hanayagi 

“Hamletmachine” de Heiner Müller [versão americana]. 

Tradução: Cari Weber; música: Jerry Leiber e Mike Stoller. 

“Hamletmaschine” de Heiner Mullen [Versão alemã] 


Wilson. Interpretação: Robert Wilson e outros. 

“Alceste” de Christoph Willibald Gluck Baseado na obra de 

Eurípides. Coreografía: Suzushi Hanayagi. 

1987 

“Parzival: Auf der anderen Seite des Sees” de Robert 

Wilson e Tankred Dorst. Texto: Tankred Dorst e Christopher 

Knowles; música: Tassilo Jelde. 

“Quartett” [versão alemã - 1988 versão americana]. Basado 

em “Les Liaisons Dangereuses” de Choderlos de Lados. 

Texto: Heiner Müller; música: Christoph Eschenbach. 

SchloBtheater Ludwigsburg 


Wilson. Interpretação: Robert Wilson e Sheryl Sutton. 

Ancient Stadium of Delphi (International Meeting of 

Ancient Greek Drama), 

“The Man in the Raincoat” de Robert Wilson. Música: 

Laurie Anderson; Interpretação: Michael Matthews. Het 

Muziektheater, 

“Alkestis” de Eurípides [versão alemã]. 

“Death, Destruction, and Detroit II” de Robert Wilson. 

Textos: Franz Kafka, Heiner Müller, Robert Wilson, Malta di 

Niscemi y Cynthia Lubar 

“Salomé” de Richard Strauss. Basado na obra de Oscar 

Wilde. Guarda-Roupa: Gianni Versace. 

1988 

“The Forest” Texto: Heiner Müller e Darryl Pinckney; música: 

David Byrne 


[nova representação]. Cenografía e encenação: Achim 

Freyer; música: Philip Glass 

“Cosmopolitan Greetings” Texto: Alien Ginsberg; música: 

Rolf Liebermann e George Gruntz. 

“Le Martyre de Saint Sébastien” de Gabriele d’Annunzio. 

Música: Claude Debussy; coreografía: Robert Wilson e 

Suzushi Hanayagi. 



“The Golden Windows” de Robert Wilson [representação 

Universidad de Montreal]. 

“Quartet” [versão americana] 

1989 

“Swan Song” de Antón Chéjov. 

“Orlando” Do romance de Virginia Woolf [versão alemã, 

versão inglesa (1996)]. Adaptação: Robert Wilson e Darryl 

Pinckney; texto: Darryl Pinckney; Interpretação: Jutta 

Lampe. 

“La Nuít d’Avant le Jour” (Inauguração da Opera Bastille, 

Paris). 

“De Materie” de Robert Wil son. Música: Louis Andreissen. 

“Doctor Faustus” Basado na novela de Thomas Mann. 

Música: Giacomo Manzoni ; Guarda Roupa: Gianni Versace 

1990 

“Alceste” Música: Christophe Willibald Gluck 


Wilson 

“What Room: A Play for 3 Minutes” de Robert Wilson 

“The Black Rider: The Casting of the Magic Bullets” 

Baseado en “Der Freischütz” de August Apel e Friedrich 

Laun e em “The Fatal Marksman” de Thomas de Quincey. 

Adaptação: Robert Wilson, Tom Waits (música/letras) e 

William S. Burroughs (texto). 

“King Lear” de William Shakespeare 

1991 

“The Malady of Death” de Marguerite Duras Música: 

Hans Peten Kuhn 

“Grace for Grace” de Robert Wilson 

“The Magic Flute” Música: Wolfgang Amadeus Mozart 

“Parsifal” de Richard Wagner. 

“When We Dead Awaken” de Henrik Ibsen Adapção: 

Robert Wilson; música: Charles “Honi” Coles. 

1992 

“Alice” Baseado em “Alice in Wonderland” de Lewis Carrol 

Texto: Paul Schmidt, música y letras: Tom Waits e Kathleen 

Brennan; Estreou em Portugal no Centro Cultural de Belém 

“Danton’s Death” de Georg Büchner 

“Don Juan Último” de Vicente Molina Foix. Música: 

Mariano Díaz 

“Dr. Faustus Lights the Lights” de Gertrude Stein. Música: 

Hans Peter Kuhn 

1993 

“Madame Butterfl y” de Giacomo Puccini . Música: Giacomo 

Puccini; 

“Alice in Bed” de Susan Sontag. Música: Hans Peter Kuhn. 

“Orlando” [versão francesa]. Basado no romance de 

Virginia Woolf. Adaptação: Robert Wilson e Darryl Pinckney; 

música: Hans Peter Kuhn; Interpretação: Isabelle Huppert. 

Estreou em Portugal na Culturgest 

1994 

“Der Mond im Gras: einmal keininal immer” de Robert 

Wilson. Baseado em relatos dos irmãos Grimm e Georg 

Büchner. Música: Robyn Schulkowsky 

“Hanjo/Hagoromo: Dittico Giapponese” de Yukio Mishima 

(Hanjo) e Zeami (Hagoromo). Música e libreto: MarceHo 

Panni (Hanjo) e Jo Kondo (Hagoromo). 

“T.S.E.: “come in under the shadow of this red rock”” de 

Robert Wilson. Música: Philip Glass; texto: T. S. Eliot e outros. 

“The Meek Girl” Baseado num conto de Fiódor Dostoievski. 

Adaptação: Robert Wilson e Wolfgang Wiens: música: 

Stephan Kurt e Gerd Bessler; Interpretação: Robert Wilson, 

Charles Chemin, Marianna Kavallieratos e Thomas 

Lehmann 

“Skin, Meat, Bone: The Wesleyan Project” de Robert Wilson 

e Alvin Lucier. Música: Alvin Lucier 

1995 


Rome Section [versão para concerto 1984]. Carnegie Hall 

“Snow on the Mesa” [peça para dança]. Texto: Paul 

Schmidt; guarda-roupa: Donna Karan; Interpretação: 

Martha Graham Dance Company. 

“The Golden Windows” [Die Goldenen Fenster] de Robert 

Wilson 

“Bluebeard’ s Castle/Erwartung” de Bela Bartók 

(Bluebeard’s Castle) e Arnold Schónberg (Erwartung) 

“Persephone” Textos: Homer, Brad Gooch, Malta di 

Niscemi; Música: Gioachino Rossini e Philip Glass; desenho 

de luz: A. J. Weisbard e Robert Wilson. 

“HAMLET: a monologue” Basado na obra de William 

Shakespeare. Adaptação: Robert Wilson e Wolfgang Wiens. 

Música: Hans Peter Kuhn. Interpretação: Robert Wilson. 

“The Magic Flute” Música: Wolfgang Amadeus 

“Knee Plays and Other Acts: A Gala Benefi t for The Kitchen” 

[versão de “Skin, Meat, Bones: The Wesleyan Project”, 1994] 

de Robert Wilson e Alvin Lucier. Música: Alvin Lucier 

1996 

“Jessye Norman Sings for the Healing of AIDS” [concerto 

de benefeciencia]. Direcção: George C. Wolfe; Cenografi a: 

Robert Wilson. 

“Oedipus Rex” de Igor Stravinsky, com “Silent Prologue” de 

Robert Wilson. Música: Igor Stravinsky; texto: Jean Cocteau. 

Orlando de Virginia Woolf [versão inglesa] Interpretação: 

Miranda Ríchardson 

“G.A. Story : Giorgio Armani: la sua storia, la sua moda” de 

Robert Wilson 

“Time Rocker” de Robert Wilson, Darryl Pinckney (texto) e 

Lou Reed (música e letras) 

“La Maladie de la Mort” (The Malady of Death) de 

Marguerite Duras. [versão em francês]. Interpretação: 

Lucinda Childs e Michel Piccoli 

“Four Saints in Three Acts” de Virgil Thomson (música) e 

Gertrude Stein (texto). 

1998 

“70 ANGELS ON THE FACADE: Domus 1928-1998” Textos: 

Lisa Ponti e Christopher Knowles 

“Ett DrSmspel” [Dream Play] Texto: August Strindberg; 

música: Michael Galasso 

“White Raven” [O Corvo Branco] de Robert Wilson e Philip 

Glass. Música: Philip Glass; direcção musical: Dennis Russell 

Davies; texto: Luisa Costa Gomes; fi gurinos: Moidele Bickel 

; desenho de luz: Heinrich Brunke. Estreia na Sala Julio 

Verne, Teatro Camoes (Expo ‘98), Lisboa, 26, 28, 29 Setembro. 

Seguindo depois para o Teatro Real, Madrid, Carnegie Hall 

(American Composers Orchestra), Nova Iorque York. 2000 

[Acto V, concerto, com narração de Robert Wilson]. New York 

State Theater (Lincoln Center Festival), Nova Iorque, 10-14 

Julho 2001. 

“The Wind” [leitura de Robert Wilson e Christopher 

Knowles] Textos: Christopher Knowles 

“Dantons Tod” (Danton’s Death) de Georg Büchner 

[reestreno - véase representación de Houston, 1992] Texto: 

Georg Büchner; música: Thierry de Mey 

“Donna del mare” (The Lady from the Sea) de Henrik Ibsen. 

Texto adaptado por Susan Sontag; fi gurinos de Giorgio

Armani; música: Michael Galasso; desenho de luz: A.J. 

Weissbard e Robert Wilson; 

“Wings on Rock” Baseado em “The Little Prince” de 

Antoine de Saint-Exupery. Interpretação: Francois Chat e 

Marianna Kavallieratos; música: Pascal Comelade; fi gurinos: 

Kenzo Takada. 

“Monsters of Grace: A Digital Opera in Three Dimensions” 

de Philip Glass e Robert Wilson; desenho e conceito visual: 

Robert Wilson; música: Philip Glass; letras: Rumi; desenho 

de som: Kurt Munkacsi; direcção musical: Michael Riesman; 

“Lohengrin” de Richard Wagner Música e texto: Richard 

Wagner; iluminação: Heinrich Brunke; fi gurinos: Frida 

Parmeggiani 

“Der Ozeanfl ug” [Oceanfl ight] de Bertolt Brecht. Texto: 

Bertolt Brecht; música: Hans Peten Kuhn; fi gurinos: Jacques 

Reynaud. Berliner Ensemble 

“Saints and Singing” de Robert Wilson e Hans Peter Kuhn, 

segundo Gertrude Stein. Texto: Gertrude Stein; música: 

Hans Peter Kuhn, 

“Rescue” (parte do espectáculo de Laurie Anderson 

no Meltdown Festival de South Bank) Direcção: Laurie 

Anderson. Com Laurie Anderson, Christopher Knowles, Lou 

Reed, Robert Wilson e otros. 

“Prometeo: Tragedia dell’asco!to” de Luigi Nono. Música: 

Luigi Nono; texto: Massimo Cacciari; 

“Pelléas et Mélisande” de Claude Debussy. Música: Claude 

Debussy; texto: Maurice Maeterlinck; fi gurinos: Frida 

Parmeggiani; iluminación: Heinrich Brunke e Robert Wilson. 

1999 

“Orphée et Euridice” de Christoph Willibald Gluck. Música: 

Christoph Willibald Gluck: Texto: Pierre-Louis Moline 

segundo Ranieri de’ Calzabigi 

“THE DAYS BEFORE: death, destruction and detroit III” de 

Robert Wilson. Textos: Umberto Eco e Christopher Knowles; 

música: Ryuichi Sakamoto; vestuario: Jacques Reynaud. 

Estreia em Portugal no Rivolí Teatro Municipal (Porto Natal 

Teatro Internacional) 

“Scourge of Hyacinths” de Tania León. Música: Tania León; 

texto: Tania León e Mole Soyinka segundo a obra de Wole 

Soyinka; fi gurinos: Susanne Raschig; desenho de luz: 

Andreas Fuchs e Robert Wilson. 

2000 

“Woyzeck” de Georg Büchner. Adaptação de Wolfgang 

Wiens e Ann-Christin Rommen da obra de Georg Büchner. 

Música e letras: Tom Waits e Kathleen Brennan; fi gurinos: 

Jacques Reynaud 

“Relative Light de Robert Wilson. Música: Johann Sebastian 

Bach e John Cage; 

“Das Rheingold” de Richard Wagner. Música e libreto: 

Richard Wagner; fi gurinos: Frida Parmeggiani; desenho de 

luz: Robert Wilson e Andreas Fuchs. 

“Hot Water” de Robert Wilson. Interpretação: BARTO; 

fi gurinos: Susanne Rauschig, Dorothée Uhrmacher; 

desenho de luz: Urs Schonebaum; video: Chris Kondek; 

“POEtry” de Robert Wilson e Lou Reed. Basado nas obras de 

Edgar Allan Poe. Texto, letras e música: Lou Reed; fi gurinos e 

maquilhagem: Jacques Reynaud 

2001 

“Die Walküre” de Richard Wagner. Música e libreto: Richard 

Wagner; fi gurinos: Frida Parmeggiani; desenho de luz: 

Robert Wilson e Andreas Fuchs. 

“Prometheus” de Robert Wilson. Música: lannis Xenakis; 

desenho de luz: A. J. Weissbard e Robert Wilson; 

“Three Sisters” de Antón Chéjov. Co-direcção: Ann-Christin 

Rommen; fi gurinos e maquilhagem: Jacques Reynaud; 

música: Michael Galasso; desenho de luz: Andreas Fuchs e 

Robert Wilson 

“Winterreise” Música: Franz Schubert; fi gurinos: Yves Saint 

Laurent; Interpretação: Jessye Norman e Mark Markham. 

“Siegfred” de Richard Wagner. Música e texto: Richard 

Wagner; direcção musical: Franz Ueiser-Most; desenho 

de luz: Robert Wilson e Andreas Fuchs; fi gurinos: Frida 

Parmeggiani 

2002 

“Aída” de Giuseppe Verdi. Música: Giuseppe Verdi; libreto: 

Antonio Ghislanzoni ; direcção musical: Antonio Pappano; 

fi gurinos: Jacques Reynaud; direcção de coros: Renato 

Balsadonna. La Monnaie / De Munt, Bruxelas 

“Doctor Caligari” de Robert Wilson, basado no fi lme “Das 

Kabinett des Dr. Caligari” de Carl Mayer, Hans Janowitz e 

Robert Wiene. Música: Michael Galasso; fi gurinos: Jacques 

Reynaud; desenho de luz: Urs Schonebaum e Robert Wilson 

“Osud” de Leos Janácek. Música: Leos Janácek; libreto: Leos 

Janácek e Fedora Bartosová; fi gurinos: Jacques Reynaud; 

desenho de luz: A. J. Weissbard 

in Dossier Robert Wilson organizado por Frederico Corado 

para o FICAP 2008. 



_CONVERSAS COM PETER BROOK 1970 – 2000 

Peter Brook, cujas produções têm cativado pessoas por todo o mundo, tem muitas 

vezes sido referido como o mais importante encenador contemporâneo do Oeste. O 

seu revolucionário “Marat/Sade” e “King Lear”, o seu “A Midsummer Night’s Dream” 

aéreo e a muito pouco tradicional “La Tragedie de Carmen”, o seu “The Man Who” e “The 

Tragedy of Hamlet”, e a sua obra-prima, a produção de nove horas do mito indiano, “The 

Mahabharata”, colocaram-no na linha da frente dos artistas que conseguem chegar a 

vários públicos independentemente das barreiras culturais. 

Numa época em que o interesse pelas artes cénicas se virou do palco para o ecrã, quando 

o trabalho de actualmente famosos realizadores, em vez de peças, parece oferecer 

vitalidade, Peter Brook continua a encontrar o seu fórum de expressão primordialmente 

no teatro, através da interacção de actores e público em espectáculos ao vivo. 

Para expandir a area de actuação da suas actividades, criou (nos anos 70) com grande 

sucesso uma companhia fl exível, não institucionalizada no seu International Center 

of Theatre Research em Paris, que oferecia uma fusão de culturas, temperamentos e 

estilos, um teatro que expressava uma certa variedade, uma mistura de tradições e uma 

sensibilidade universal. Durante os anos que passou em Paris com o seu grupo, e mesmo 

antes disso, Brook tornou-se um símbolo da constante criatividade dos artistas de teatro, 

mostrou o que era possível um artista conseguir atingir com coragem, integridade, e 

acreditando no valor da arte que defi ne a própria vida de Brook e o seu trabalho. 

Hoje, depois de mais de quarenta anos no teatro e de ter dirigido mais de oitenta 

produções, muitas visto em todo o mundo, Brook não abrandou. A sua assinatura continua 

a ser a abordagem iconoclasta e a crença no poder e no valor da arte em todas as culturas. 

Possivelmente nenhum outro encenador, no Ocidente tem tido a confi ança e a ousadia de 

desafi ar as convenções, Brook tem, e no processo infl uenciou várias gerações de artistas e 

público de teatro em todo o lado. Sua é uma induvidavel busca de novos signifi cados, para 

uma maior visão, e para aquilo que pode ser visto fora das linhas do que alcança o olho 

nu. Mesmo antes do multiculturalismo entrar na moda no Ocidente, Brook viajou para a 

África e para a Ásia para explorar as tradições culturais locais não-ocidentais e alcançar 

audiências. Sempre que se esforça para encontrar uma forma estética mais refi nada para 

expressar os mistérios do espírito humano, Brook é enfrentado por desafi os e difi culdades. 

Na verdade ele gosta bastante de difi culdades, pois tem uma visão clara, uma forte crença 

no que está a fazer, e o génio para cumprir o seu objectivo. 

Desde a sua juventude, Brook procura novas formas. Um bem sucedido encenador aos 

vinte anos, foi nomeado diretor de Covent Garden aos vinte e quatro, quando criou o 

que foi considerado um escândalosa Salomé e uma inovadora Boris Godunov. Mais 

tarde dirigiu todos os tipo de peças, ido de Arthur Miller às obras de Jean-Paul Sartre 

e Jean Genet, Tennessee Williams a Shakespeare e George Bernard Shaw, para não 

falar nos musicais da Broadway, a programas de televisão e fi lmes. Quando se tornou 

um dos encenadores da recém-organizada Royal Shakespeare Company na década de 

1960, Brook revolucionou as encenações de Shakespeare com um audacioso e austero 

Rei Lear, que serviu de modelo para voltar a analisar os conceitos convencionais da 

encenação Shakespeareana. Foi também o primeiro encenador de Londres a trabalhar 

experimentalmente com um grupo de actores da RSC que estava interessada em explorar 

as técnicas de Brecht e Artaud. Depois veio a conhecida produção de Marat/Sade, um 

estudo sobre a revolução e a loucura, um marco artístico que integrava conceitos radicais

de interagir com o público, encenação e espaço, seguido por Sonho de uma Noite de 

Verão, que cativou os críticos e o público também. 

Em 1968, depois de embarcar num projeto experimental em Paris com uma companhia 

internacional (interrompido pela revolta dos estudantes), Brook decidiu formar um 

grupo próprio. Foi um tempo para a aventura, para uma ruptura com o passado, não 

só politicamente, mas artisticamente. Grupos radicais estavam-se a organizar: o Living 

Theatre e o Open Theatre, em Nova Iorque atraiam audiências de todo o lado, e o 

fenómeno de Jerzy Grotowski e as suas brilhantes produções não lineares solicitavam 

uma reavaliação da base do teatro. Alguma coisa estava a acontecer e Peter Brook estava 

no meio de tudo. 

Animado por todos os novos desenvolvimentos, Brook voltou para Paris, em 1970, para 

organizar o seu grupo permanente: o Centro Internacional de Teatro de Investigação, 

uma organização que se concentrará tanto em investigação como em produção. A 

guerra do Vietnam tinha atingido uma fase crítica, rebeldes e jovens artistas estavam 

fartos dos conceitos tradicionais, com aquilo que consideravam conversa dupla, e com 

tudo o estabelecimento representava. Vários grupos teatrais deram voz a este desagrado 

com a corrupção política e social. Assim, dois campos foram-se formando no teatro: a do 

naturalismo tradicional, representada pela dominância do dramaturgo e na encenação 

de produções tradicionais, bem como o teatro experimental não literal de imagens e 

de comportamento não verbal, representados por grupos da contracultura que foram 

fl orescendo em caves , estúdios, e lojas. Apesar de alguns dos últimos grupos terem 

acabado em fi nais dos anos 70, Brook e sua companhia recém-formada permaneceram 

e fl oresceram. Qual foi o segredo deste sucesso? 

Desde o início, Peter Brook teve sempre um pensamento quase revolucionária. Quando 

ele estava a encenar, no West End, nos seus vinte anos, ele era um Enfant Terrible, sem 

medo de tentar todos os tipos de peças. O seu fervor revolucionário, no entanto, não vem 

inteiramente a partir da teoria política ou das convulsões sociais, embora ele tenha sido 



por ela algumas vezes infl uenciado e ainda é, em vez disso, é o resultado de uma extrema 

singularidade, uma sensibilidade especial que permite que ele continue a ser aberto a 

todas as possibilidades, aberto às implicações de acontecimentos contemporâneos que 

faz com que não se amarre apenas por necessidades comerciais. É esse entusiasmo para 

a criação e a sua capacidade para viver, combinada com uma energia extraordinária, que 

defi ne a individualidade de Brook. Por conseguinte, era lógico que ele organizasse um 

grupo seu, para ser dono de si próprio, para poder largar o mundo comercial, no qual ele 

tinha sido extremamente bem sucedido, de modo a que possa emergir como um artista 

verdadeiramente original e independente. 

Na construção de seu Centro Internacional de Teatro de Investigação, Brook foi capaz 

de estabelecer uma plateia de estudantes, intelectuais, de vizinhança e as pessoas que 

apoiaram as suas produções, independentemente da crítica ou polémica. Um grande 

pedaço de sorte foi a descoberta de um local ideal para a sua obra - Les Bouffes du Nord, 

uma velha casa de vaudeville degradada que tinha mantido alguma da sua beleza 

original apesar da sua crescente decadência; desde então tem permanecido a casa de 

todas as produções de Brook. A sobrevivência de Brook também foi ligada ao facto de já 

ter construído uma reputação internacional, que o seu prestígio reforçado e tornandoo 

atraente para o francês. Os parisienses fi caram felizes em o apoiar a ele e aos seus 

esforços criativos, para eles é considerado um privilégio fazê-lo. Também foi sem dúvida 

uma fonte de orgulho que a França tenha sido fundamental no apoio a alguns dos mais 

brilhantes espectáculos vistos no continente. 

O aspecto mais importante de Brook do personagem e da sua obra é que ele é um buscador, 

um fenómeno raro no teatro. Encenadores de teatro encenam peças; são contratados por 

várias semanas e depois saem para outro emprego, não existe continuidade e ensaiam 

muito pouco tempo. A maioria dos encenadores têm pouca noção de trabalho conjunto, 

tendo tido poucas oportunidades de trabalhar com uma companhia permanente. Nem 

muitos encenadores têm oportunidade de mostrar um ponto de vista ou expressar-se 

através da peça que encenam. Brook, pelo contrário, tem uma assinatura, uma fi losofi a, 

uma razão de ser. Ele escolhe o material porque ele quer dizer alguma coisa através do 

trabalho - ele é um au-teur, embora poucos que são chamados auteurs realmente são. 

E, como um auteur, Brook é um perguntador, um professor, ele está sempre a colocar 

problemas. Em Mahabharata, por exemplo, uma questão essencial é levantada sobre as 

forças de destruição e do papel da batalha entre o bem e o mal. Que posição deverá 

tomar uma? Na A Conferência das Aves, uma pergunta semelhante se coloca: Será que 

um tem a força de fazer sacrifícios para atingir iluminação, ou deverse-ia viver sem a 

experiência? Em La Tragedie de Carmen, diversas questões se colocam: Qual é a natureza 

do amor obsessional? E qual é o preço a pagar por isso? 

Depois, há o poder da sua personalidade, o seu enorme conhecimento, e a sua energia 

sem limites. Ele olha sempre para o mundo com olhos frescos, quase como uma criança 

teria, mas as suas percepções são altamente sofi sticadas. Quando ele fala, é totalmente 

envolvido com o que está a dizer e com quem está a falar. O seu foco parece nunca vacilar. 

O olhar dos seus olhos azuis incandescente é ferozmente penetrante e atento. E tem 

um dom brilhante para a conversa, para explicações, para contar histórias a qualquer 

momento do dia ou da noite, e pode falar em grande pormenor, como esta compilação 

das nossas muitas conversas com o passar dos anos vai mostrar. Embora muitas vezes 

eu não concorde com ele sobre muitas das suas explorações, ele permaneceu, defendeu 

o seu terreno, e ofereceu mais explicações, ele gosta de ser contestado.

Na minha correspondência a partir de Brook 1970 a 2000, falou livremente sobre a sua 

grande obra, como Sonho de uma Noite de Verão, a criação do Observatório de Paris; seu 

persa Africano e experiências; sua incursão na ópera com La Tragedie de Carmen; seu 

retorno para a Royal Shakespeare Company por Anthony e Cleópatra; a sua monumental 

Mahabharata, assim como A Tempestade, The Man Who, e A Tragédia de Hamlet, e seu 

fi lmagens de Encontros com Homens Notáveis. Também estão incluídas conversas 

aleatórias, reminiscências e bocados e partes díspares sobre tais assuntos como sexo, 

política, pais, e fi losofi a. 

Em cada segmento, Brook discute os seus objectivos artísticos e conceitos, assim como 

o seu teatro e a razão por detrás das suas escolhas. No decurso das conversas, uma 

pode facilmente rastrear seu desenvolvimento artístico e a sua direcção ir ter a várias 

produções. Na qualidade de buscador, ele fala sobre o que isso signifi ca e os seus efeitos 

sobre o seu estilo de vida e busca artística. Ele defi ne as suas técnicas de encenação, 

o que ele espera de actores, e seu antigo esforço para forjar uma verdadeira relação 

entre actores e plateia. Contar histórias e a sua relação com as culturas étnicas tem sido 

sempre de interesse fundamental para ele, e fala sobre a importância de suas viagens a 

Pérsia, África, Índia e, a este respeito. Mas é o seu amor de Shakespeare, que, afi rma ele, 

tem sido sempre o seu modelo, que está no centro do seu trabalho. A sua construção 

do Centro Internacional de Teatro de Investigação e de uma companhia veio a partir da 

idéia, disse ele, de produzir teatro que fosse cómico e trágico, político e frívolo, agreste e 

santo - a exemplo do que foi alcançado na época Isabelina. 

Os meus encontros com o notável Peter Brook e conhecê-lo todos estes anos tem 

sido uma gratifi cante e signifi cativa experiência. Ele tem sido um querido amigo, um 

mentor, e um guia, um ser humano verdadeiramente invulgar, e, para mim, um artista 

consumado. 

Margaret Croyden, Nova Iorque, Maio 2002 



_PETER BROOK 

Peter Stephen Paul Brook nasceu em Londres a 21 de Março de 1925 e estudou 

em Oxford. Mundialmente famoso pelo seu trabalho pioneiro no teatro, numa 

espectacular carreira que acompanhou mais de metade do século XX, Brook realizou 

também alguns fi lmes signifi cativos na cinematografi a mundial tanto no Reino Unido 

como em França. 

Fez a sua estreia no cinema inglês com a adaptação da sátira de John Gay “The 

Beggar’s Opera” (1953), com Laurence Olivier no papel de “MacHeath”. O seguinte fi lme 

inglês de Brook, “Lord of the Flies” (1963), é uma adaptação do clássico da literatura de 

William Golding, uma parábola da decadência da sociedade. O fi lme, feito muito au 

naturelle, com não só actores amadores mas também director de fotografi a amador, 

leva-nos até um grupo de crianças de uma escola pública, perdidos numa ilha tropical 

deserta. A sua luta inicial pela sobrevivência em breve se tornará numa desesperada e 

mortífera luta de poder entre dois grupos, um humanista e civilizado, o outro selvagem 

e militarista. Apesar do fi lme ter tido um impacto limitado quando foi inicialmente 

lançado, foi gradualmente atingindo o grau de fi lme de culto pelo seu naturalismo, a 

sua inventiva montagem e a sua sensível interpretação cinematográfi ca do romance 

de Golding. 

Duas das mais famosas produções teatrais de Brook para a Royal Shakespeare 

Company no anos 60, o “Marat-Sade” do modernista alemão Peter Weiss e “King Lear” 

de Shakespeare, acabaram por se tornar em fi lme com o mesmo elenco das produções 

teatrais. Destes, King Lear (1970) é indubitavelmente o melhor trabalho de Brook 

dentro do cinema britânico. A sua produção teatral for a infl uenciada pelo teatro épico 

de Bertolt Brecht e pela negra visão política do estudioso de Shakespeare Jan Kott. 

Estas eram agora complementadas com as técnicas da nouvelle vague francesa, a 

descontinuidade da montagem, os pouco convencionais ângulos de câmara, a fotografi a 

a preto e branco com grão e a estéril paisagem do Norte da Jutlândia na Dinamarca 

onde o fi lme foi rodado. Muitos críticos na altura acharam o fi lme desolador, mas agora 

é visto como um grande acontecimento cinematográfi co: uma brilhante investigação 

no meta-cinema, que testa os limites entre o teatral e o cinematográfi co, sendo a cena 

mais famosa quando Paul Scofi eld, enquanto o Lear moribundo, literalmente cai para 

fora do enquadramento. 

Brook também realizou dois documentários dramáticos no Reino Unido: “Tell me 

Lies” (1968), sobre o sentimento inglês anti-Guerra do Vietnam do fi m dos anos 60, e 

“Meetings with Remarkable Men” (1979), a história de Gurdjieff, um fi lósofo Asiático. 

Desde a conclusão desse fi lme em 1979, Brook tem continuado a sua carreira como 

realizador em França. 

Erik Hedling, in “Reference Guide to British and Irish Film Directors”

_ PETER BROOK 

TEATRO 

1943 - “Dr. Faustus”, de C.Marlowe - Torch Theatre, Londres 

1945 - “Man and Superman”, de B. Shaw, “King John” de 

W. Shakespeare e “The Lady from the Sea” de H. Ibsen 

- Birmingham Repertory Theatre; “The Infernal Machine” 

(“La Machine Infernale”) de J.Cocteau - Chanticlear Theatre 

Club, Londres 

1946 - “Love’s Labour’s Lost” de W. Shakespeare - Stratford 

upon Avon; “The Brothers Karamazov”, adaptado por A. 

Guinness - Lyric Theatre, Londres; “Vicious Circle” (“Huit- 

Clos”) de J.P Sartre - Arts Theatre, Londres 

1947 - “Romeo and Juliet” de W. Shakespeare - Stratford 

upon Avon; “The Respectful P…”, (“La P…Respecteuse”) de 

J.P Sartre - Lyric Theatre, Londres 

1949 - “Dark of the Moon”, de H.Richardson & W.Berney 

- Ambassador’s Theatre, Londres 

1950 - “Ring Round the Moon” (“L’invitation au cháteau”) 

de J. Anouilh - Globe Theatre, Londres; “Measure for 

Measure”, de W. Shakespeare - Stratford upon Avon; “The 

Little Hut” (“La Petite Hutte”) 

1951 - “Death of a Salesman”, de A. Miller - Théâtre National, 

Bruxelas; “Penny for a Song”, de J. Whiting - Haymarket 

Theatre, Londres; “A Winter’s Tale” de W. Shakespeare 

- Phoenix Theatre, Londres 

1952 - “Colombe”, de J. Anouilh - New Theatre, Londres 

1953 - “Venice Preserved” de T. Otway - Lyric Theatre, 

Londres 

1954 - “The Dark is Light Enough”, de C. Fry - Aldwych 

Theatre, Londres; “House of Fowers” de Truman Capote, 

musica de Harold Arlen – Nova Iorque 

1955 - “The Lark” (“L’Aloutte”) de J. Anouilh - Londres; “Titus 

Andronicus”, de W.Shakespeare - Stratford upon Avon; 

“Hamlet”, de W.Shakespeare - Phoenix Theatre, Londres 

1956 - “A View from the Bridge”, de A. Miller - Comedy 

Theatre, Londres; “Cat on a Hot Tin Roof”, de T. Williams 

- Théâtre Antoine, Paris; “The Power and the Glory” 

adaptado de G.Green - Phoenix Theatre, Londres; “The 

Family Reunion”, de T.S Elliot - Phoenix Theatre, Londres 

1957 - “The Tempest”, de W.Shakespeare - Stratford upon 

Avon; “Both Ends Meet” - Apollo Theatre, Londres 

1958 - “Vue du Pont” (“A view from the Bridge”) de A. Miller 

- Théâtre Antoine, Paris; “The Visit”, de F.Dürrenmatt – Nova 

Iorque e Londres 

1959 - “Irma la Douce”, musical - Lyric Theatre, Londres; “The 

Fighting Cock” (“L’Hurluberlu”), de J. Anouilh – Nova Iorque 

1960 - “The Balcony” (“Le Balcon”), de J. Genet - Théâtre du 

Gymnase, Paris. 

1962 - “King Lear”, de W. Shakespeare - Stratford upon Avon, 

Londres e Nova Iorque 

1963 - “Sergeant Musgrave’s Dance”, de J.Arden - Théâtre 

de l’Athénée, Paris; “The Physicists” de F.Dürrenmatt 

- RST, Aldwych Theatre, Londres; “The Representative” de 

R.Hochhuth - Théâtre de l’Athénée, Paris 

1964 - “Marat/Sade” de P.Weiss - RST, Aldwych Theatre, 

Londres e Nova Iorque; “The Screens” (“Les Paravents”) de 

J.Genet - Donmar Theatre, Londres 

1965 - “The Investigation”, de P.Weiss - RST, Aldwych 

Theatre, Londres 

1966 - “U S”, RST - Aldwych Theatre, Londres 

1968 - “Oedipus”, de Séneca - National Theatre, Londres; 

“The Tempest” de W.Shakespeare, RST - Aldwych Theatre, 

Londres 

1970 - “A Midsummer Night’s Dream”, de W.Shakespeare 

- Stratford upon Avon 

1972 - “A Midsummer Night’s Dream” – Nova Iorque e 

Tournée Mundial 

1971 - Inicio do International Centre of Theatre Research 

(CIRT); “Orghast”, de T.Hughes - Festival de Persépolis, Irão; 

Viagem a África 

1972 - Viagem ao EUA 

1974 - Inicio do International Centre of Theatre Creations 

(CICT) Paris. Abertura do Le Théâtre des Bouffes du Nord. 

1974 - “Timon of Athens”, de W. Shakespeare 

1975 - “The Iks” 

1977 - “Ubu aux Bouffes” adaptado de A.Jarry 

1978 - “Measure for Measure” de W. Shakespeare 

1979 - “Conference of the Birds”, adaptado de F. Uddin Attar, 

Festival d’Avignon; “L’Os” de B. Diop 

1981 - “The Cherry Orchard” de A.Tchekhov. 

1985 - “The Mahabharata” – criação para o 39º Festival 

d’Avignon. 

1989 - “Woza Albert!”, de P.Mtwa, M.Ngema e B.Simon 

1990 - “The Tempest”, de W.Shakespeare 

1993 - “The Man Who…”, adaptado de “The man who took 

his wife for a hat”, de Oliver Sacks 

1995 - “Qui est l’à?”; “Happy Days”, de S.Beckett - coproducção 

Vidy- Lausanne, ETE. 

1997 - “The Man Who…” (reposição) 

1998 - “Je Suis un phénomène” adaptado de «Une 

Prodigieuse Mémoire», de A. Luria 

1999 - “Le Costume”, de Can Themba 

2000 - “The Tragedy of Hamlet”, de W. Shakespeare (Versão 

inglesa) 

2003 - “Le Costume”, de Can Themba; Adaptado por 

Mothobi Mutloatse e Barney Simon; Adaptação francesa de 

Marie-Helene Estienne 

_CINEMA 

1943 - “Sentimental Journey” realização, montagem e 

argumento 



1953 - “The Beggar’s Opera” realização 

1960 - “Moderato Cantabile” ou “Seven Days... Seven 

Nights” realização, adaptação e diálogos 

1963 - “Lord Of The Flies” realização, montagem e 

argumento 

1966 - “The Persecution And Assassination Of Jean-Paul 

Marat As Performed By The Inmates Of The Asylum Of 

Charenton Under The Direction Of The Marquis De Sade” 

ou “The Marat/Sade” realização 

1967 - “Ride Of The Valkyrie” realização 

1967 - “Tell Me Lies” realização, produção, argumento 

1968 - “The Tempest” produção sob a sua direcção 

1970 - “King Lear” realização 

1975 - “Empty Space” participação 

1978 - “Meetings With Remarkable Men” realização, 

argumento 

1983 - “Tadada” ou “Peter Brook’s Paris Cabaret” (França) 

realização 

1983 - “Amour De Swann” ou “Swann In Love” (França/ 

Alemanha) argumento 

1983 - “Tragédie De Carmen” ou “The Tragedy Of Carmen” 

(França) realização e adaptação 





1984 - “Jean-Louis Barrault - A Man Of The Theatre”, de 

Muriel Balash (EUA) elenco 

1989 - “The Mahabharata” (França) realização e argumento 

1996 - Looking For Richard”, de Al Pacino (EUA) entrevistado 

2001 - “The Tragedy Of Hamlet” (França/Reino Unido/ 

Japão) realização 

_LIVROS 

1968 – “The Empty Space” (traduzido em mais de 15 línguas) 

1987 – “Shifting Point” (traduzido em mais de 19 línguas) 

1991 – “Le Diable c’est l’ennui” 

1993 – “The Open Door, There Are No Secrets” 

1998 – “Avec Shakespeare”, “Threads of Time”, 

“L’homme qui”, “Je suis un phénomène” 

1999 – “Forget Shakespeare”, Nick Hern Books, Londres 

2003 – “Oublier le temps”, Editions du Seuil, Paris 

_TELEVISÃO 

1949 - “Box For One” para a BBC (argumento) 

1953 - “Box For One” para a BBC (argumento) 

1953 - “King Lear” para a CBS (encenador) 

1955 - “The Red Carpet” para a ITV (produtor) 

1955 - “Appointment With Drama: The Birthday Present” 

para a BBC (argumento) 

1955 – “Celebrity Spot” para a ITV (entrevistado) 

1955 – “Christmas Afternoon” para a ITV(entrevistado) 

1957 – “Heaven And Earth” para a ITV (realização e 

argumento) 

1958 – “Monitor: Peter Brook” para a BBC (entrevistado) 

1958 - “Sir Thomas At Lincoln’s Inn” para a ITV (entrevistado) 

1963 – “Stanislavsky’s Spell” para a BBC (participação em 

ecrãn) 

1964 – “Meeting Point: Lord of the Flies” para a BBC 

(entrevistado) 

1964 – “Monitor: Peter Brook” para a BBC(entrevistado) 

1966 – “New Release: Theatre Laboritorium” para a 

BBC(entrevistado) 

1968 – “Actor Abc” (participação em ecrãn) 

1968 – “Late Night Line-Up” para a BBC2 (entrevistado) 

1970 – “A Midsummer Night’s Dream” (realização) 

1971 – “Review” para a BBC2 (entrevistado) 

1976 – “Aquarius: Brook in Paris” para a ITV (entrevistado) 

1976 – “Arena” para a BBC2 (entrevistado) 

1976 – “2nd House: The Ik” para a BBC2 (produção) 

1977 – “Arena: Hands off the Classics” para a BBC2 


1978 - “Omnibus: After the Dream” para a BBC1 (tema) 

1979 – “Tonight - In Town” para a BBC1 (entrevistado) 

1979 – “Tonight - In Town” para a BBC1 (entrevistado) 

1981 – “Arena: Stages” para BBC2 (elenco) 

1982 – “The Levin Interviews: Peter Brook” para a 

BBC2(entrevistado) 

1983 – “The South Bank Show: Peter Brook and the Tragedy 

of Carmen” (entrevistado) 

1984 – “All The World’s A Stage: Makers of Magic” para a 

BBC2 (participação) 

1984 - “All The World’s A Stage: Muse of Fire” para a BBC2 

(participação) 

1987 – “The South Bank Show: King Lear” para a ITV 


1988 – “Reporting Scotland” para a BBC1 (entrevistado) 

1988 – “Newsnight” para a BBC2 (entrevistado) 

1988 – “Review” para a BBC2 (entrevistado) 

1989 – “A South Bank Show Special: Peter Brook” para a 

ITV (tema) 

1989 – “Signals: Greatest Story” para o Channel 4 


1990 – “The Late Show” para a BBC2 (entrevistado) 

1990 – “Reporting Scotland” para a BBC1 (entrevistado) 

1994 – “The South Bank Show: Jean-Claude Carrière” para a 

ITV (entrevistado) 

1994 – “Look North” para a BBC1 (entrevistado) 

1994 – “Omnibus: Gielgud: Scenes from Nine Decades” para 

a BBC1 (entrevistado) 

1996 – “TX: Time Flies” para a BBC2 (participação) 

2000 – “The South Bank Show: Carmen” para a ITV 


2000 – “Changing Stages: Between Brecht and Beckett” 

para a BBC2 (entrevistado) 

2000 – “Changing Stages: The Law of Gravity” para a BBC2 


2001 – “Brief Encounters: Peter Brook” para a ITV 


2002 – “Peter Brook On Hamlet” para a BBC4 (entrevistado) 

2002 – “Peter Brook’s Hamlet” para a BBC4 (adaptação) 

2003 – “Don Giovanni” para a BBC2 (adaptação) 

Este levantamento de participações televisivas foi feito 

pelo British Film Institute, logo trata primordialmente 

do panorama da televisão inglesa, deixando de fora uma 

grande parte das colaborações de Peter Brook em canais 

televisivos de outros países, como será o caso da França.

FAMAFEST 

2009 

HOMENAGEM A CARMEN MIRANDA

270 | Homenagem a Carmen Miranda 

_HOMENAGEM A CARMEN MIRANDA 

Tem muito a ver com cinema, quase nada a ver com literatura, mas este é um festival 

de cinema, e fi ca bem não esquecer uma mulher que, por acaso nasceu portuguesa, 

mas rapidamente se transformou numa vedeta do mundo e sobretudo num símbolo 

de uma certa lusofonia, ainda que genuinamente brasileira. Carmen Miranda foi 

indiscutivelmente uma das grandes estrelas internacionais da música, do teatro, do 

cinema dos anos 30 e 40, numa altura em que a sétima arte tinha aprendido a falar 

(e a cantar) não há muito e o musical era uma das suas grandes conquistas. Foram os 

anos de ouro das comédias musicais e Carmen Miranda, primeiro no Brasil, depois em 

Hollywood, estabeleceu records de popularidade difíceis de imaginar hoje em dia. Por 

isso, recordá-la agora que se perfaz um século sobre a data do seu nascimento, é um acto 

de mera justiça e uma forma de ajudar a perpetuar a sua imagem, a sua graça natural, 

o seu ritmo inebriante, o colorido das suas apresentações, a raça invulgar do seu talento, 

a explosiva entrega à sua arte. No palco, ou no ecrã, Carmen Miranda foi uma das mais 

fortes representantes da língua portuguesa, ainda que a sua principal magia fosse o 

samba bem brasileiro, mas um samba que é também arrevesada criação de portugueses 

que misturaram raças e cruzaram genes por esse mundo fora, mas particularmente no 

Brasil. Sem nunca ter renunciado à nacionalidade portuguesa, e às suas origens marco 

canaviesas, Carmen Miranda foi desde sempre um produto e um refl exo da cultura 

popular brasileira, urbana, sambista, garrida, exultante de vida, de comunicação, de arrojo 

e irreverência. Os seus fi lmes, alguns muito medíocres como argumento e realização, são 

pérolas que resistem ao tempo mercê unicamente da sua presença esfusiante, dos seus 

turbantes de uma inexcedível originalidade, das suas sandálias de plataforma, dos seus 

vestidos espampanantes, do seu sorriso atrevido e doce. 

“O que é que a baiana tem?” Tem esse talento inqualifi cável que torna uma mulher de 

um metro e cinquenta e um corpinho frágil num mito que os anos não apagam. Tem esse 

toque de génio que transforma em ouro puro os pechisbeques onde aparece. Tem essa 

magia que faz de alguém vulgar, nascida modista ou tamanqueira, um ser muito especial 

que foge às classifi cações e às defi nições e ultrapassa todas as previsões. 

Para Carmen Miranda o aplauso do Famafest. Ela estaria, e está, no nosso “Passeio do 

Famafest” de pleno direito. Num “Passeio do Famafest” que recorda infi nitamente (ainda 

que de forma não visível) os maiores na glória do espectáculo. 

A 5 de Agosto de 1955, morre Carmen Miranda em sua casa (Los Angeles, Beverly Hills, 

Bedford Drive, 616), aos 46 anos de idade, vítima de um colapso cardíaco, após fi lmar com 

Jimmy Durante um programa para a televisão. A 12 de Agosto, o corpo embalsamado 

chega ao Brasil, para ser velado na antiga Câmara de Vereadores do Rio. Das 13 horas 

desse dia até às 13 horas do dia 13, mais de 60.000 pessoas desfi laram em preito de 

gratidão e homenagem. No dia seguinte, Carmen Miranda seria sepultada no Cemitério 

de São João Batista, num lote cedido pela Santa Casa de Misericórdia. Fala-se que entre 

500.000 e um milhão de pessoas acompanhou o enterro, que foi considerado o mais 

concorrido de toda a história do Rio de Janeiro. O Brasil chorava a diva que Portugal tinha 

oferecido ao mundo. 

Foi a 9 de Fevereiro de 1909 que nasceu na Freguesia da Várzea da Ovelha, Concelho de 

Marco de Canavezes, antiga São Martinho da Aliviada, no Distrito do Porto, em Portugal, 

uma menina de nome Maria do Carmo Miranda da Cunha. Filha de José Maria Pinto da


Cunha (17-2-1887 / 21-6-1938) e de Maria Emília Miranda da Cunha (10-3-1886 / 9-11-1971), 

foi baptizada na Igreja de São Martinho da Aliviada. Logo no ano seguinte a família parte 

para o Brasil, primeiro o pai, depois a mãe e a irmã Olinda. O pai estabeleceu-se como 

barbeiro, no “Salão Sacadura”, à Rua da Misericórdia nº 70, no Rio. Em 1919, matriculase 

na Escola Santa Tereza, à Rua da Lapa nº 24, no Rio. Em 1925, mudam-se para o nº 

13 da Travessa do Comércio, no centro comercial do Rio, onde instalaram uma pensão, 

para fazer face às despesas com o tratamento pulmonar de Olinda em Portugal, num 

sanatório do Caramulo. Carmen Miranda, com 14 anos, deixa a escola e emprega-se 

numa loja de gravatas. Em 26 de Setembro de 1926, a revista “Selecta” publica o retrato 

de CM, na secção de cinema do jornalista Pedro Lima, sem citação de seu nome. Três anos 

depois canta num festival, organizado pelo baiano Aníbal Duarte, no Instituto Nacional 

de Música no centro do Rio. Josué de Barros, compositor e violonista baiano, interessa-se 

por esta voz e promove-a junto de estações de rádio, clubes e discográfi cas. No mesmo 

ano, canta na Rádio Educadora e na Rádio Sociedade. Em Setembro, grava o seu primeiro 

disco na Brunswick (Lado A: “Não Vá Sim’bora”, samba, Lado B: “Se O Samba É Moda”, 

chôro), lançado no fi m do ano, e, em Dezembro, volta a gravar, pela etiqueta “Victor”, com 

“Triste Jandaia” e “Dona Balbina”. 

Em Fevereiro de 1930, o lançamento de “Tá hi”, consagra-a durante o ano. Participa em 

vários espectáculos, “Noite Brasileira de Francisco Alves”, “Monroe”, “Tarde da Alma 

Brasileira”, “Miss Rio de Janeiro”, “Tarde do Folclore Brasileiro”, até organizar o seu 

próprio, Festival Carmen Miranda, no Teatro Lírico. “O País” publica uma entrevista com 

CM, considerando-a a maior cantora popular brasileira. De 13 a 21 de Setembro, canta 

na revista musical “Vai Dar o que Falar”, no Teatro João Caetano. É um fenómeno de 

popularidade. Requisitada internacionalmente: em Outubro de 1931 embarca com 

Francisco Alves e Mário Reis, e outros artistas, para Buenos Aires, com contrato de um 

mês no Cine Broadway. Voltam pelo “Astúrias” a 8-11-1931. Continua a gravar com êxito 

redobrado pela “Victor”. Sucedem-se espectáculos por todo o Brasil. Em 1933, estreia-se 

no cinema com “A Voz do Carnaval”, no Cine Odeon. Em Agosto, assina contrato de 2 anos 

com a Rádio Mayrink Veiga, ganhando 2 contos de réis mensais. Foi a primeira cantora de 

rádio a merecer contrato. César Ladeira, director desta rádio, chamou-a de “Cantora do It”, 

e depois de “Ditadora Risonha do Samba” e, em 1934 ou 1935, de “Pequena Notável”. 

Embarca para Buenos Aires com outros artistas, para cantar na L.R.-5. Volta a 5 de 

dezembro de 1933. Começa a ser conhecida como a “Embaixatriz do Samba”. É eleita 

“Rainha do Broadcasting Carioca”, em concurso do jornal “A Hora”. Em Julho de 1934, de 

visita ao Brasil, para promoção do fi lme “Voando para o Rio”, Ramon Novarro encontra 

CM numa recepção. Começa a falar-se na sua provável ida para Hollywood. Passa por 

São Paulo com sucesso louco, embarca para Buenos Aires, com Aurora Miranda, sua irmã, 

e o “Bando da Lua”, contratados por Jaime Yankelevisch, da Rádio Belgrano, para uma 

temporada de um mês. Em 1935, estreia “Alô, Alô Brasil”, primeiro fi lme brasileiro com som 

directo na película. Inicia as gravações na Odeon, com contratos milionários. Estreia novo 

fi lme, “Estudantes”, no Cine Alhambra. Em 1936, actua no Cassino Copacabana, estreia 

“Alô, Alô Carnaval” no Cine Alhambra, exibe-se no Teatro Coliseu de Santos e, nesse ano, 

fala-se na vinda das irmãs Miranda para Portugal. CM recusa outro vantajoso contrato 

da Rádio El Mundo, de Buenos Aires, e rejeita a participação num fi lme argentino em que 

faria o segundo papel. Surge na Rádio Tupi, que a roubou à rádio Mayrink Veiga, mercê 

de um fabuloso contrato de 5 contos de réis por mês, para 4 horas mensais, isto é, dois 

programas semanais de meia hora. Triunfa no Cassino da Urca.


Viagens e sucessivos êxitos no Brasil e no mundo. A 21 de Junho de 1938, morre o pai. 

Em Dezembro, Tyrone Power e a noiva Annabella visitam o Rio e tornam-se amigos de 

CM, a quem convencem a rumar aos Estados Unidos prometendo-lhe triunfo certo em 

Hollywood. 1939, de novo no ecrã, com “Banana da Terra”, onde assume a personagem de 

“baiana”. Grava com Dorival Caymmí “O Que É Que a Baiana Tem”. A 3 de Maio de 1939, 

parte para os Estados Unidos, onde à chegada afi rma: “Vocês verão principalmente que 

sou cantora e tenho ritmo”. Estreia-se na revista “Streets of Paris”, em Boston, com êxito 

estrondoso. Depois, em Nova Iorque, com o “Bando da Lua”, revoluciona a Broadway, a “Feira 

Mundial” e toda a metrópole se lhe rende. Grava os seus primeiros discos na Decca. Em 

Fevereiro de 1940, canta nas fi lmagens de “Serenata Tropical”. Volta ao Brasil, triunfal. Mas, 

entre 2 e 27 de Setembro de 1940, grava as últimas músicas no Brasil, tentando reagir às 

críticas que a viam “americanizada”. A 3 de Outubro de 1940, regressa aos Estados Unidos. 

No ano seguinte, suprema honra: Imprime mãos e sapatos no cimento do passeio do Teatro 

Chinês de Los Angeles, até aí primeira e única sul-americana a receber tal honraria. Integra 

o elenco da revista de Schubert “Sons O’ Fun”, no Teatro Winter Garden de Nova Iorque. 

Entre 1941 a 1953, intervém em 13 fi lmes em Hollywood, para lá de se tornar presença 

assídua nos mais importantes programas de rádio, televisão, “night-clubs”, casinos e 

teatros. Em 1946 é tida como a mulher que mais impostos paga nos E.U.A. Casa-se com o 

americano David Sebastian. Em Abril de 1948, estreia-se no Teatro Palladium, de Londres, 

onde esperava fazer 4 semanas, e teve de fi car 6, ganhando 100.000 dólares. Em Agosto de 

1948, perde um fi lho que esperava. Em 1951, é a artista de show que mais dinheiro ganha 

nos E.U.A. Visita o Havai. Excursão por vários países da Europa. Em Dezembro de 1954, 

depois de 14 anos de ausência, volta ao Brasil, traz consigo um profundo esgotamento 

nervoso. Matou saudades, compareceu a homenagens em teatros e festas, e a 4 de Abril 

de 1955, aparentemente restabelecida, volta aos E.U.A. Trabalha em Las Vegas, em Havana, 

em Cuba e na televisão. Não dura muito. 

A 5 de Dezembro de 1956, o prefeito Negrão de Lima assina a Lei nº 886, que cria o Museu 

Carmen Miranda, para guardar, conservar e expor o acervo da artista, doado pelo marido, 

que reúne sapatos, roupas, jóias e troféus. A 5 de Agosto de 1976, é inaugurado o “Museu 

Carmen Miranda”, em frente ao número 560 da Avenida Rui Barbosa, no Aterro do 

Flamengo, Rio de Janeiro. 

Carmen Miranda: “Nasci em Portugal, mas me criei no Brasil e, portanto, considero-me 

brasileira. O local do nascimento não importa, nem sequer o sangue. O que importa é 

o que os americanos chamam de “environment”, a infl uência do país e dos costumes 

em que vivemos, se bem que sempre existe um grau de gratidão e fi delidade aos pais 

que nos geraram. Da minha parte, sou mais carioca, mais sambista de favela, mais 

carnavalesca do que cantora de fados. O sangue tem uma certa importância, mas só no 

temperamento, não na maneira de sentir as coisas.” 

Heitor Villa Lobos, compositor: “Nenhum brasileiro pode ignorar o que Carmen fez por 

nós lá fora. Ela espalhou nossa língua, ensinou pessoas que nunca ouviram falar da 

gente a cantar nossas músicas e a amar nossos ritmos. Ela irá sempre signifi car muito 

para nós.” 

Kevin Stayton, vice-director do Brooklyn Museum: “Carmen Miranda era uma portuguesa 

que virou brasileira e levou a sua música e as suas fantasias - temperadas com elementos 

e ritmos dos escravos - para os Estados Unidos, e ainda conquistou a América através do 

cinema. E tudo isso em plena Segunda Guerra Mundial.”


Filmografi a: 

No Brasil: 

1932 - O Carnaval Cantado no Rio, de Ademar Gonzaga e Humberto Mauro 

1933 - A Voz do Carnaval, de Ademar Gonzaga e Humberto Mauro 

1935 - Alô, Alô Brasil!, de Wallance Downey, João de Barro e Alberto Ribeiro 

1935 – Estudantes, de Wallace Downey 

1936 - Alô, Alô Carnaval, de Adhemar Gonzaga 

1939 - Banana da Terra, de João de Barro 

Nos EUA: 

1940 – Sinfonia dos Trópicos (Pt) Serenata Tropical (Br) (Down Argentine Way), de Irving 

Cummings; 

1941 – Uma Noite no Rio (Pt e Br) (That Night in Rio), de Irving Cummings; 

1941 – Férias em Havana (Pt) Aconteceu em Havana (Br) (Weekend in Havana), de Walter 

Lang; 

1942 – Primavera nas Montanhas (Pt) Minha Secretária Brasileira (Br) (Springtime in the 

Rockies), de Irving Cummings; 

1943 – Sinfonia de Estrelas (Pt) Entre a Loira e Morena (Br) (The Gang´S All Here), de Busby 

Berkeley; 

1944 – Quatro Raparigas Encantadoras (Pt) Quatro Moças num Jeep (Br) (Four Jills in A 

Jeep), de William A. Seiter; 

1944 – Serenata Boémia (Pt e Br) (Greenwich Village), de Walter Lang; 

1944 – Alegria Rapazes! (Pt e Br) (Something For the Boys), de Lewis Seiler; 

1945 – Sonhos de Estrelas (Pt e Br) (Doll Face), de Lewis Seiler; 

1945 – A Canção da Felicidade (Pt) Se eu Fosse Feliz (Br) (If I´M Lucky), de Lewis Seiler; 

1947 – Copacabana, de Alfred E. Green 

1948 – A Professora de Rumba (Pt) O Príncipe Encantado (Br) (A Date with Judy), de 

Richard Thorpe; 

1950 – Festa no Brasil (Pt) Romance Carioca (Br.) (Nancy Goes To Rio), de Robert Z. 

Leonard; 

1953 – O Castelo das Surpresas (Pt) Morrendo de Medo (Br) (Scared Stiff), de George 

Marshall.

FAMAFEST 

2008 

80 ANOS DE TINTIM 

277 | Kafka no cinema

278 | 80 Anos de Tintim 

_OS 80 ANOS DE TINTIM 

AS AVENTURAS DE TINTIM 

“No fundo, vocês sabem, o meu único rival internacional é Tintim”. 

Charles de Gaulle 

“Sou eu, eu sob todas as formas! 

Tintim, sou eu quando gostaria de ser heróico, perfeito; 

os Dupondt, sou eu quando sou estúpido; 

Haddock, sou eu quando tenho vontade de me exteriorizar.” 

Hergé 

“As Aventuras de Tintim” (“Les Aventures de Tintin”, em francês) é o título de uma série 

de histórias em quadradinhos, ou banda desenhada, criada pelo autor belga Georges 

Prosper Remi, mais conhecido como Hergé. Localizadas num mundo meticulosamente 

examinado que muito tem em comum com o nosso, “As Aventuras de Tintim” 

apresentam vários personagens em cenários distintos. As séries foram as favoritas dos 

leitores e também dos críticos por mais de 70 anos. 

O herói das séries é o personagem epónimo Tintim, um jovem repórter e viajante belga. Ele 

é auxiliado nas suas aventuras desde o começo por seu fi el cão Milu (Milou, em francês). 

Os dois apareceram pela primeira vez em 10 de Janeiro de 1929, no “Le Petit Vingtième”, um 

suplemento do jornal “Le Vingtième Siècle” destinado aos jovens. Mais tarde, o elenco foi 

expandido com a adição do Capitão Haddock e outros personagens pitorescos. 

Esta série de sucesso foi publicada em semanários e, no fi m de cada história, os 

quadradinhos eram reunidos em livros (23 no total, em 2008). Tintim passou a uma 

revista própria de grande tiragem (“Le Journal de Tintin”) e foi adaptado para versões 

animadas, para o teatro e para o cinema. As séries são uma das histórias em europeias 

de banda desenhada mais populares do século XX, traduzidas para mais de 50 línguas 

e tendo mais de 200 milhões de cópias vendidas. 

As séries de banda desenhada são há muito admiradas pelos desenhos claros e 

expressivos, com o estilo ligne claire, típico de Hergé. O autor emprega enredos bem 

elaborados de géneros variados: aventuras Swashbuckler com elementos de fantasia; 

mistério; espionagem; e fi cção científi ca. As histórias nas séries de Tintim caracterizamse 

tradicionalmente pelo humor, o que se prolonga depois em álbuns posteriores com 

a sofi sticada sátira e comentários político-culturais. 

Tintim é apresentado como um repórter: Hergé usa tal artifício para exibir o personagem 

numa série de aventuras ambientadas em períodos contemporâneos àquele em que 

ele estava trabalhando (mais precisamente, a revolução bolchevique na Rússia, a 

Segunda Guerra Mundial ou a chegada do homem à Lua). Hergé criou também um 

mundo de Tintim, que conseguiu reduzir a um simples detalhe, mas reconhecível e 

com representação realista, um efeito que Hergé foi capaz de alcançar com referência 

a um bem mantido arquivo de imagens. 

Apesar de as “Aventuras de Tintim” serem padronizadas - apresentando um mistério, 

que é, então, logicamente resolvido - Hergé encheu-as com o seu próprio senso de 

humor, e criou personagens de apoio que, embora sejam previsíveis, apresentaram-se 

com um certo encanto que permitiu ao leitor criar uma enorme empatia com eles. 

Esta fórmula de uma confortável e bem–humorada previsibilidade é semelhante a

da apresentação do elenco de “Peanuts” ou em “Three Stooges”. Hergé também teve 

um grande entendimento da mecânica da banda desenhada, especialmente de seu 

andamento, uma habilidade demonstrada em “As Jóias de Castafi ore”, um trabalho 

que pretende ser envolvido com a tensão de que nada realmente acontece. 

Hergé inicialmente improvisou na criação das aventuras de Tintim, excepto como 

Tintim iria escapar de qualquer situação que aparecia. Somente após a conclusão 

de “Os Charutos do Faraó”, Hergé foi incentivado a reformular e a planifi car as suas 

histórias. O impulso veio de Zhang Chongren, um estudante chinês que, sabendo 

que Hergé iria mandar Tintim à China na sua próxima aventura, o instou a evitar que 

perpetuassem a visão que europeus tinham da China no momento. Hergé e Zhang 

trabalharam juntos na série seguinte, “O Lótus Azul”, que foi citado pelos críticos como 

a primeira obra-prima de Hergé. 

Outras alterações à mecânica de Hergè criar as suas histórias deram-se a partir de 

infl uências por parte de acontecimentos externos. A Segunda Guerra Mundial e a 

invasão da Bélgica pelos exércitos de Hitler determinaram o encerramento do jornal no 

qual Tintim era republicado. Os trabalhos foram interrompidos em “Tintim no País do 

Ouro Negro”, e os já publicados “Tintim na América” e “A Ilha Negra” foram proibidas pela 

censura nazi, que não concordou com sua apresentação da América e da Grã-Bretanha. 

No entanto, Hergé foi capaz de continuar com “As Aventuras Tintim”, publicando quatro 

livros e relançando mais duas aventuras no “Le Soir2, jornal licenciado pelos alemães. 

Durante e após a ocupação alemã, Hergé foi acusado de ser um colaboracionista, por 

causa do controle nazi do jornal, sendo detido brevemente após a guerra. Alegou que 

estava simplesmente realizando um trabalho sob a ocupação, como um canalizador ou 

carpinteiro. Sua obra desse período, ao contrário do seu trabalho anterior e posterior, é 

politicamente neutra e resultou nas aventuras histórias clássicas, como “O Segredo do 

Licorne” e “O Tesouro de Rackham o Terrível”, mas a apocalíptica “A Estrela Misteriosa” 

refl ecte o sentimento de Hergé durante esse período político incerto. 

279 | 80 Anos de Tintim


A escassez de papel no pós-guerra exigiu mudanças no formato dos livros. Hergé 

geralmente desenvolvia suas histórias de forma que o tamanho fosse adequado à 

história, mas agora com o papel de dimensão reduzida, os editores Casterman pediram 

a Hergé para ele considerar a utilização de menores dimensões e adoptar um tamanho 

estipulado de 62 páginas. Hergé continuou e aumentou sua equipe (os dez primeiros 

livros foram feitos por ele e sua esposa), surgindo assim os Studios Hergé. 

A adopção da cor permitiu que Hergé expandisse o alcance das suas obras. Sua 

utilização da cor era mais avançada do que a dos quadradinhos norte-americanos da 

época, com valores que permitiam uma melhor combinação das quatro impressões 

tons e, consequentemente uma abordagem cinematográfi ca em relação à iluminação 

e sombreamento. Hergé e seu estúdio permitiriam que as imagens enchessem meia 

página ou, mais simplesmente, mostrassem detalhadamente e acentuassem a cena, 

usando cores para realçar pontos importantes. Hergé cita este facto, declarando que 

“Considero as minhas histórias como se fossem fi lmes. Sem narração, sem descrições, a 

ênfase é dada às imagens.” A vida pessoal de Hergé também afectou a série, com “Tintim 

no Tibete” a ser fortemente infl uenciada pelo seu colapso nervoso. Os seus pesadelos, 

descritos por ele como sendo “todos em branco”, refl ectem-se em paisagens cheias de 

neve. O enredo tem Tintim patinando em busca de Tchang Chong-Chen, previamente 

encontrado em “O Lótus Azul”, e a peça não tem vilões e uma pequena lição de moral, 

com Hergé a recusar-se a referir o Homem das Neves do Himalaia como “abominável”. 

A conclusão das aventuras de Tintim fi cou incompleta. Hergé morreu em 3 de Março 

de 1983 e deixou a 24ª aventura, “Tintim e a Alph-Art”, inacabada. O enredo viu Tintim 

embrenhar-se no mundo da arte moderna, e a história é interrompida no momento 

em que Tintim está aparentemente prestes a ser assassinado para ser transformado 

em uma estátua de acrílico a ser vendida.

_Personagens 

Tintim é um jovem repórter que se envolve em casos perigosos e realiza acções 

heróicas para salvar o dia. Quase todas as aventuras retratam Tintim trabalhando, 

empenhado nas suas investigações jornalísticas. Ele é um jovem de atitudes mais ou 

menos neutras e é menos pitoresco que o elenco secundário. 

Milu é um cão “terrier” branco, o companheiro insearável de Tintim. Eles salvam-se 

regularmente um ao outro de situações perigosas. Milu frequentemente “fala” com o 

leitor por meio de seus pensamentos (muitas vezes mostrando um humor um tanto 

seco), que supostamente não são ouvidos pelos personagens da história. 

Como o Capitão Haddock, Milu tem gosto pelo uísque Loch Lomond, e suas ocasionais 

“bebedeiras” tendem a colocá-lo em problemas, assim como sua intensa aracnofobia. 

O nome francês “Milou” foi largamente atribuído como uma referência indirecta a 

uma namorada da juventude de Hergé, Marie-Louise Van Cutsem, que tinha o apelido 

de “Milou”. 

Existe outra explicação para as origens dos dois personagens. Explicam que Robert 

Sexé, um fotógrafo-repórter, cujas proezas eram recordadas na imprensa belga entre a 

metade e o fi nal da década de 1920, foi uma inspiração para o personagem Tintim. Sexé 

tinha uma aparência similar à de Tintim, e a Fundação Hergé na Bélgica admitiu que 

não é difícil imaginar como Hergé poderia ter sido infl uenciado pelas proezas de Sexé. 

Naquele tempo, Sexé viajara pelo mundo numa motocicleta feita por Gillet de Herstal. 

René Milhoux era um campeão do Grand-Prix e detinha o recorde de motocicleta da 

época, e, em 1928, enquanto Sexé estava em Herstal falando com Leon Gillet sobre 

seus projectos futuros, o Sr. Gillet colocou-o em contrato com seu novo campeão, 

Milhoux, que acabara de deixar as motocicletas prontas para Gillet de Herstal. Os dois 

rapidamente iniciaram uma amizade, e passavam horas falando sobre motocicletas e 

viagens; Sexé explica suas difi culdades e Milhoux oferece o seu conhecimento sobre 

mecânica e motocicletas pequenas trabalhando acima de seus limites. Graças a essa 

união de conhecimento e experiência, Sexé partiria em numerosas viagens por todo 

o mundo, escrevendo incontáveis relatos jornalísticos. O secretário geral da Fundação 

Hergé na Bélgica admitiu que não é difícil imaginar como o jovem George Rémi, mais 

conhecido como Hergé, poderia ter sido inspirado pelas proezas publicadas desses 

dois amigos, 

Capitão Archibald Haddock, um capitão navegador de origem discutível (pode ser 

de origem inglesa, francesa ou belga), é o melhor amigo de Tintim, e apareceu pela 

primeira vez em “O Caranguejo das Tenazes de Ouro”. Haddock foi inicialmente descrito 

como um personagem fraco e alcoólatra, tendo-se tornado mais tarde mais respeitável. 

Evoluiu para se tornar genuinamente heróico e até mesmo da alta sociedade, depois 

de encontrar um tesouro de seu ancestral Sir Francis Haddock (François de Hadoque 

em francês), no episódio “O Tesouro de Rackham, o Terrível”. A natureza rude do capitão 

e seu sarcasmo representam uma contradição ao frequente e improvável heroísmo 

de Tintim; ele sempre rompe com um comentário seco ou satírico quando o repórter 

parece demasiado idealista. O Capitão Haddock vive em sua luxuosa mansão chamada 

Moulinsart. Haddock usa uma série de pitorescos insultos e maldições para expressar 

os seus sentimentos: “com mil milhões de mil macacos”, “com mil raios e trovões”, 



“trogloditas”, “cleptomaníaco”, “anacoluto”, “iconoclasta”, mas nada que seja realmente 

considerado uma grosseria. Haddock é um beberrão, particularmente chegado ao 

uísque Loch Lomond, e sua embriaguez é frequentemente usada para propósitos 

cómicos. Hergé afi rmou que o sobrenome de Haddock deriva de um “peixe inglês triste 

que bebe muito”. Haddock permaneceu sem um nome próprio até a última história 

completa, “Tintim e os Tímpanos” (1976), quando o nome Archibald foi sugerido. 

Personagens secundários 

As personagens secundárias de Hergé já foram mencionadas como muito mais 

desenvolvidas que os principais, cada um imbuído de força de temperamento e 

personalidade que se comparam às personagens de Charles Dickens. Hergé usava os 

personagens secundários para criar um mundo realista onde colocar os protagonistas 

das aventuras. Para mais realismo e continuidade, as personagens voltariam às 

séries. Foi conjecturado que a ocupação da Bélgica e as restrições impostas a Hergé 

forçaram-no a focar-se na caracterização para evitar o surgimento de situações 

políticas incómodas. A maior parte das personagens secundárias foi desenvolvida 

nesse período. 

Dupond e Dupont 

São dois detectives desajeitados que, mesmo não tendo nenhum parentesco, parecem 

ser gémeos, tendo uma única diferença física: a forma de seus bigodes. Eles contribuem 

em muito para o humor da série, devido às suas antístrofes e incompetência. Os 

detectives foram, em parte, baseados no pai e no tio de Hergé, gémeos idênticos. 

Trifólio Girassol 

O Professor Trifólio Girassol é um cientista quase surdo, que entende e age diante 

de tudo de maneira equivocada como resultado de sua defi ciência auditiva. É um 

personagem menor mas que aparece regularmente nas aventuras de Tintim. Estreouse 

em “O Tesouro de Rackham o Terrível”, sendo baseado, parcialmente, em Auguste 

Piccard. 

Bianca Castafi ore 

Bianca Castafi ore é uma cantora de ópera, que o capitão Haddock despreza. Contudo, 

ela aparece de súbito constantemente onde quer que eles estivessem, junto com a sua 

criada Irma e o pianista Igor Wagner. Seu nome signifi ca “fl or branca e pura”, algo que 

o Professor Girassol entende quando oferece uma rosa branca à cantora pela qual é 

secretamente apaixonado em “As Jóias de Castafi ore”. Inspirada nas grandes cantoras 

de ópera em geral (de acordo com a percepção de Hergé), tanto na tia de Hergé, Ninie, 

como na célebre Maria Callas. 

Outros personagens secundários: o General Alcazar, um ditador sul-americano; 

Mohammed Ben Kalish Ezab, um emir, e seu fi lho Abdallah; Serafi m Lampião, um 

vendedor de seguros; Tchang Chong-Chen, um menino chinês; o Doutor J.W. Müller, um 

maléfi co médico alemão; Nestor, o mordomo; Roberto Rastapopoulos, o responsável 

pelos crimes; Oliveira da Figueira; o Coronel Sponsz; Piotr Szut; Allan Thompson; além 

do açougue Sanzot, que é um local recorrente na série.

_Hergé 

Georges Prosper Remi Remi nasceu em Etterbeek, Bruxelas, a 22 de Maio de 1907, 

festejaria hoje o centenário se fosse vivo. Assistiu-se, nos dias precedentes, a um 

inusitado interesse dos média pelo criador de Tintin e várias outras personagens - 

entrevistas na televisão e na rádio, e artigos nos jornais. Curiosamente, nota-se nos 

entrevistadores (que, regra quase geral, conhecem muito pouco do autor e da obra) 

uma insistência obsessiva pelo facto de Hergé ter sido acusado de colaboracionismo 

com os nazis que invadiram a Bélgica. 

Ora esta ideia que, a certa altura, começou a espalhar-se, é injusta, com raízes geradas 

pela posição conservadora inicial, detectável nos primeiros episódios de Tintin. Com 

efeito, Remi começou a trabalhar no diário “XXe Siècle”, um jornal católico de direita, 

portanto conservador, onde, no suplemento semanal “Le Petit Vingtième”, destinado 

à juventude, apareceu pela primeira vez Tintin, a sua personagem mais carismática, 

no episódio “Les Aventures de Tintin, Reporter du Petit Vingtième, au Pays des Soviets”, 

publicação iniciada em Janeiro de 1929, e onde se refl ectiam os pontos de vista do 

patrão, o abade Wallez, que lhe passou para as mãos um livro ostensivamente sectário, 

onde, por exemplo, uma cena de votação na Rússia era decidida sob ameaça de 

pistola. 

O director do jornal, e do “Le Petit Vingtième”, depois da aventura que lhe encomendara 

com cenário na Rússia bolchevista, decidiu que Tintin iria viajar até ao Congo (“Tintin 

au Congo”), então uma colónia belga. E as cenas racistas e xenófobas sucedem-se, 

bem ao espírito da época (e será que esse espírito já se alterou?), com os nativos a 

falarem “à preto” - passe a expressão, inequivocamente racista, ao tempo muito usada, 

e que servia para fazer humor, tanto na BD como nos fi lmes ou nas anedotas... Claro 

que estes dois primeiros episódios nunca foram esquecidos, nem pelos detractores de 

Hergé, nem pelo próprio autor. 

Como ele disse a Numa Sadoul, em 1983, no livro “Entretiens avec Hergé”: 

“Para o “Le Congo”, tal como para o “Tintin au Pays des Soviets”, eu estava infl uenciado 

pelos preconceitos do meio burguês a que pertencia... Estava-se em 1930. Eu apenas 

conhecia daquele país aquilo que as pessoas diziam na época: «Os negros são crianças 

grandes... Felizmente para eles que nós [belgas] estamos lá! etc.». E eu desenhei os 

africanos segundo esses critérios, no puro espírito paternalista que era o da época, na 

Bélgica.” 

Estas palavras demonstram que Hergé já está longe daquela fase, e olha para ela com 

olhar crítico e distanciado. 

Mas até muitos anos antes, em “Le Sceptre d’Ottokar” - iniciado no “Le Petit Vingtième” 

em 4 de Agosto de 1938, terminado a 10 de Agosto do ano seguinte, um tempo 

conturbado pela inicialmente previsível e posterior defl agração do confl ito mundial -, 

ele criara uma personagem sinistra que baptizara por Musstler, cruzamento óbvio dos 

nomes dos ditadores Mussolini e Hitler, já nessa altura não restariam dúvidas de que a 

posição política de Hergé se modifi cara no sentido progressista. 

Por conseguinte, pode classifi car-se de abusivo o carimbo-chavão que alguns 

apressados e radicais comentadores portugueses lhe continuam a aplicar, muito 

infl uenciados pelo facto de ele ter sido preso em 1944 (embora libertado logo no dia 

seguinte), acusado de colaboracionismo. Isto porque, durante a ocupação da Bélgica 

pelos nazis, Remi tinha continuado a trabalhar na publicação das aventuras de Tintin 

no jornal “Le Soir”. Por exemplo, estava a ser reproduzido o episódio “Les Septes Boules 



de Cristal” quando, em 3 de Setembro de 1944, a publicação foi interrompida pela 

libertação de Bruxelas. E logo no dia 8, o “Haute Commandemement Allié” deu ordens 

para que todos os jornalistas que tivessem trabalhado na redacção dos jornais durante 

a ocupação, fossem interditados de exercer a profi ssão. 

O que quer dizer que, tal como Hergé, toda a gente que escrevia (ou desenhava) 

nos jornais para se sustentar estava nas mesmas circunstâncias. Mas tal como os 

jornalistas, também médicos, professores, arquitectos, autores de banda desenhada, 

operários e agricultores, tinham continuado a labutar, para subsistirem. O que 

signifi caria, em última análise, que todos eles, todos os belgas, devido a esse facto, 

podem ser acusados de colaboracionistas... 

Geraldes Lino, in blogue “Divulgando Banda Desenhada” Hergé (1907/1989) - 

Centenário de Hergé - Maio 22, 2007 

_Tintim, a personagem 

A 10 de Janeiro de 1929 “nasceu” Tintim (aportuguesamento de Tintin, nome original), 

no episódio Les Aventures de Tintin, Reporter au pays des soviets. 

Perfazem-se hoje 80 anos, conta redonda propícia a considerar-se efeméride. E é devido 

a esse hoje tão badalado acontecimento nos média, que estou aqui a postar o presente 

texto (…). 

Convém acrescentar já (a paciência dos leitores na internet é escassa) que a 16 de 

Abril de 1936, tínhamos em Portugal a presença da iniciante personagem, na revista O 

Papagaio. E vem “a talhe de foice” (esta “frase feita”, ou “chavão” da língua portuguesa, 

parece ter sido criada de propósito para se encaixar no episódio) dizer que a publicação 

entre nós foi feita a cores, coisa inédita em toda a Europa. 

Vamos lá então por partes: 

1) Les Aventures de Tintin, Reporter au Pays des Soviets é, apenas assim, o título do 

primeiro episódio - impresso a preto e branco -protagonizado pelo jovem repórter. 

2) Em 1930 é editado o primeiro álbum, de capa colorida, mas igualmente com o 

episódio impresso a preto e branco, com o título (ligeiramente diferente do que tinha 

sido escrito por Hergé) Les Aventures de Tintin, reporter du “Petit Vingtième” au Pays 

des Soviets, sob chancela de Les Editions du Petit “Vingtième” , e assim se percebe 

a alteração feita ao título com que o episódio tinha sido originalmente publicado 

naquele suplemento editado pelo jornal Le XXe Siècle, editado em Bruxelas. 

Ainda mais um pormenor: como se pode ver, ao ampliar-se a imagem da capa, sob 

o nome da editora (criada, quiçá, de propósito para a edição do álbum...), aparece o 

respectivo endereço: 11, Boulevard Bischoffsheim, Bruxelles, local que suscitará romaria 

obrigatória aos tintinófi los ferrenhos e amantes desse tipo de folclore; até não 

estranharia que a associação Les Amis de Hergé já lá tivesse afi xado uma placa... 

3) Em 1973, a editora Casterman cria a colecção Archives Hergé, em cujo volume de 

estreia é feita a reedição deste episódio inicial das aventuras de Tintim. 

4) Em 1981, a mesma Casterman começa a editar uma colecção de álbuns em facsimile, 

igualmente iniciada pela aventura de estreia do “herói” localizada no país dos 

sovietes (embora dele pouco se visse, o que seria impensável anos mais tarde, quando 

o autor-artista se documentava exaustivamente, por fotografi as, acerca dos locais da 

acção das posteriores aventuras). 

5) Registe-se, por mera curiosidade, que este episódio foi o único que manteve sempre 

a impressão a preto e branco. Isto porque Hergé nunca o redesenhou, contrariamente

ao que fez com os outros vinte e dois completos (fi ca de fora o “Alph’Art”), a que além 

disso acrescentou cor aos que, inicialmente, também tinham sido impressos apenas 

a preto e branco. 

6) A 31 de Julho de 1982, a edição portuguesa da revista Tintin iniciava a publicação 

desse episódio no seu nº 12 (15º Ano), em versão fi el à original - obviamente a preto e 

branco. Todavia, não seria ainda dessa vez que os bedéfi los portugueses iriam conhecer 

a história na totalidade, visto que a citada revista deixaria de ser editada, em defi nitivo, 

no seu nº 21 - 15º Ano, a 2 de Outubro de 1982. 

Ficaram publicadas apenas 20 páginas, de um total de 138, tantas quantas tem a 

edição original. 

Hergé, o autor 

1) Hergé, como sabem todos os amantes da BD, é um pseudónimo baseado no som das 

letras iniciais do nome do autor belga Georges Remi, por ordem inversa (R, G). 

Também já há muitos bedéfi los que sabem da existência do intercalar apelido 

Prosper. 

Todavia, graças ao estudo editado em Abril de 1999, intitulado Tracé RG - Le Phenomène 

HERGÉ, da autoria de H. van Opstal, fi cou a saber-se o que o autor belga sempre tinha 

calado: o seu nome completo, Georges Prosper Remi Remi. 

Assim mesmo, com o apelido fi nal duplicado. 

2) Georges Remi fez os seus estudos secundários num colégio religioso. Enquanto 

adolescente, fez algumas histórias para a revista Le Boy-Scout belge. Foi aí que, em 

Dezembro de 1924, apareceu pela primeira vez o seu pseudónimo, o tal Hergé que para 

sempre passaria a usar. 

3) Georges Remi, aliás Hergé, nasceu a 22 de Maio de 1907 em Etterbeek, e faleceu a 3 

de Maio de 1983. 

Geraldes Lino, in blogue “Divulgando Banda Desenhada” 



_Álbuns originais de Hergé 

Tintin au pays des Soviets (Tintim no País dos Sovietes) 1930 

Tintin au Congo (Tintim na África ou Tintim no Congo) 1931 

Tintin en Amérique (Tintim na América) 1932 

Les cigares du pharaon (Os Charutos do Faraó) 1934 

Le lotus bleu (O Lótus Azul) 1936 

L’oreille cassée (O Ídolo Roubado ou A Orelha Quebrada) 1937 

L’île noire (A Ilha Negra) 1938 

Le sceptre d’Ottokar (O Ceptro de Ottokar ou O Cetro de Ottokar) 1939 

Le crabe aux pinces d’or (O Caranguejo das Tenazes de Ouro ou O Caranguejo das 

Pinças de Ouro) 1941 

L’étoile mysterieuse (A Estrela Misteriosa) 1942 

Le secret de la Licorne (O Segredo do Licorne ou O Segredo do Unicórnio) 1943 

Le trésor de Rackham le Rouge (O Tesouro de Rackham o Terrível ou O Tesouro de 

Rackham o Vermelho) 1944 

Les sept boules de cristal (As Sete Bolas de Cristal) 1948 

Le temple du soleil (O Templo do Sol) 1949 

Tintin au pays de l’or noir (Tintim no País do Ouro Negro) 1950 

Objectif Lune (Rumo à Lua ou Objectivo Lua) 1953 

On a marché sur la Lune (Explorando a Lua ou Pisando a Lua) 1954 

L’affaire Tournesol (O Caso Girassol) 1956 

Coke en stock (Perdidos no Mar ou Carvão no Porão) 1958 

Tintin au Tibet (Tintim no Tibete) 1960 

Les bijoux de la Castafi ore (As Jóias de Castafi ore) 1963 

Vol 714 pour Sydney (Vôo 714 para Sydney) 1968 

Tintin et les picaros (Tintim e os Tímpanos ou Tintim e os Pícaros) 1976 

Tintin et l’Alph-Art (Tintim e a Alph-Art) 1986, reeditado em 2004 (incompleto) 

_Projetos inacabados e nunca editados 

“La Piste Indienne” (1958) - Projeto inacabado no qual Hergé desejava tratar da 

problemática dos ameríndios com mais seriedade do que em “Tintim na América”. 

“Nestor et la Justice” (1958) - Projeto de aventura na qual Nestor é acusado de morte. 

“Les Pilules” (1960) - Com pouca inspiração, Hergé pede para Greg lhe escrever um 

roteiro. Este foi abandonado, pois Hergé decidira ter a liberdade de criar sozinho suas 

histórias. 

“Tintin et le Thermozéro” (1960) - Continuação, novamente com Greg, do projeto 

“Pilules”, retomando a trama deste último. Igualmente abandonado pelas mesmas 

razões. Um pouco menos de dez pranchas esboçadas foram desenhadas. 

“Un Jour d’Hiver, dans un Aéroport” (1976 - 1980 - data desconhecida) - Projeto de 

aventura que se desenrolaria unicamente em um aeroporto, frequentado por vários 

personagens pitorescos. Abandonado em proveito de “Tintim e a Alph-Art”. 

_Tintim no cinema 

Foram realizados cinco fi lmes baseados em “As Aventuras de Tintim”. O primeiro, “Le 

Crabe aux Pinces d’Or” de 1947, teve roteiro escrito pelo próprio Hergé baseado no álbum 

“O Carangueijo das Tenazes de Ouro”. É um fi lme de animação com marionetas, e foi 

dirigido por Claude Misonne. Durante certo tempo a versão em francês foi considerada

perdida, restando apenas a versão dobrada em inglês. Porém, actualmente, no site ofi cial, 

os membros pagantes do clube de Tintim têm acesso a uma cópia do fi lme em francês. 

O segundo fi lme, “Tintin et le Mystère de la Toison d’Or” (Tintim e o Mistério do Tosão 

de Ouro), de 1961, com cenários e actores reais, foi dirigido por Jean-Jacques Vierne. É 

considerado pelos fãs como um dos melhores fi lmes com o personagem. 

O terceiro, “Tintin et les Oranges Bleues” (Tintim e as Laranjas Azuis), de 1964, também 

contou com actores reais, e foi dirigido por Philippe Condroyer. Não teve o mesmo 

sucesso que o fi lme que o antecedeu. 

O quarto, “Tintin et le Temple du Soleil” (Tintim e o Templo do Sol), de 1971, é um fi lme 

de animação dirigido por Eddie Lateste e com argumento baseado em “Les Sept Boules 

de Cristal” e “Le Temple du Soleil”. 

O quinto e último fi lme, “Tintin et le Lac aux Requins” (Tintim e o Lago dos Tubarões), de 

1972, também um fi lme de animação, foi dirigido por Raymond Leblanc, e o argumento 

não se baseou em nenhuma história original de Hergé. 

_Filmes previstos: Trilogia Tintim 

Steven Spielberg comprou uma opção sobre os direitos autorais de Tintim pouco antes 

da morte de Hergé, em 1983. Entretanto, naquele momento era incerta uma adaptação 

de Tintim para o cinema, já que Hergé recusara a assinar qualquer contrato. Finalmente, 

em Novembro de 2002, a Dreamworks comprou os direitos cinematográfi cos de 

toda a série. Em 15 de Maio de 2007, Steven Spielberg e Peter Jackson ofi cializaram 

a realização de uma trilogia adaptada das histórias, a ser realizada em computação 

gráfi ca e “motion capture”. O director do terceiro fi lme ainda não foi anunciado. De 

acordo com a revista “Variety”, a equipe de Jackson já produziu um fi lme piloto de vinte 

minutos como demonstração. Para Spielberg e Jackson, um fi lme com actores reais 

não faria jus às histórias em banda desenhada de Tintim. 



_Televisão 

Após uma primeira tentativa em semi-animação não colorida, feita por Jeah Nohain, surgiram: 

“Les Aventures de Tintin, d’après Hergé“, de 1961, série da Belvision dirigida por Ray Goossens; 

“As Aventuras de Tintim”, de 1991, série da Nelvana dirigida por Stéphane Bernasconi. 

_Série de 1991 para televisão 

“Objectivo Lua” (Objectif Lune) (1991) 45’ ; 

“Pisando a Lua” (On a Marche sur la Lune) (1991) 45’ 

“A Ilha Negra” (L’Ile Noire) (1990) 45’ 

“O Ceptro de Ottokar” (Sceptre d’ Ottokar) (1990) 45’ 

“As Jóias de Castafi ore” (Les Bijoux de la Castafi ore) (1991) 45’ 

“A Estrela Misteriosa” (L’Etoile Mysterieuse) (1990) 25’ 

“O Segredo do Licorne” (Le Secret de la Licorne) (1991) 

“O Tesouro de Rackham, o Terrível” (Le Tresor de Rackham le Rouge) (1990) 25’ 

“Os Charutos do Faraó” (Cigare du Pharaon) (1990) 45’ 

“O Lotus Azul” (Le Lotus Bleu) (1991) 45’ 

“O Voo 714 para Sidney” (Vol 714 pour Sydney) (1991) 45’ 

“Tintim na América” (Tintin en Amerique) (1990) 25’ 

“Carvão no Porão” (Coke en stock) (1991) 45’ 

“Tintim no Tibete” (Tintin au Tibet) (1991) 45’ 

“O Ídolo Roubado” (L’Oreille Cassée) (1990) 45’ 

“O Caranguejo das Tenazes de Ouro” (Crabe aux Pinces d’Or) (1990) 45’ 

“O Caso Girassol” (L’Affoir Tournesol) (1991) 45’ 

“Tintim no País do Ouro Negro” (Tintin au Pays de L’Or Noir) (1991) 45’ 

“As 7 Bolas de Cristal” (Les 7 Boules de Cristal) (1990) 45’ 

“O Templo do Sol” (Le Temple du Soleil) (1991) 45’ 

“Tintim e os Pícaros” (Tintin et les picaros) 45’ 

_Teatro 

“Tintin aux Indes”, ou “Le Mystère du Diamant Bleu”, de 1941, peça escrita por Hergé e 

Jacques Van Melkebeke, não adaptada de nenhum álbum em particular. Existe ainda a 

comédia musical, “Kuifje - De Zonnetempel”, de 2001, com música de Dirk Brossé. 

Esta recolha de informações baseou-se na Wikipédia, versão brasileira, e no blogue de 

Geraldes Lino.

FAMAFEST 

2009 

CINEMA PORTUGUÊS

290 | Cinema Português 

_AMÁLIA 

“Amália”, de Carlos Coelho da Silva, coloca velhas questões. O cinema é arte e indústria, 

sempre. Tal como a literatura, a música, a pintura, o teatro, todas as formas de manifestação 

artística, comporta uma base industrial óbvia. Apenas nalguns casos, o factor artístico 

ultrapassa o lado industrial e comercial da questão. No caso de “Amália” esta dicotomia 

é gritante. Industrialmente este fi lme é um sucesso. Anunciado o projecto, programadas 

as fi lmagens, montado e sonorizado em tempo record, assume a estreia em 66 salas 

em Portugal no dia programado, tem prevista venda para diversos países. A produção é 

boa, a reconstituição formal dos espaços e do tempo em que decorreu a vida de Amália 

é cuidada, procura-se não haver anacronismos, o guarda-roupa respeita as épocas e as 

classes sociais, os adereços funcionam, os cenários estão certos. Parece que o orçamento 

foi o maior de sempre no cinema português. Dinheiro que procura multiplicar-se em 

vendas. Tudo certo segundo as regras do mercado. Nada a apontar. 

Artisticamente o caso muda diametralmente de fi gura. “Amália” é, na minha opinião, 

um completo fracasso. Não há quase nada a sublinhar nesta obra sem respiração, 

sem fôlego, sem nervo, sem vibração. Dir-se-ia uma viagem por um (medíocre) museu 

de máscaras de cera (o que chega a ser afl itivo, nas sequências de Amália em Nova 

Iorque). Mas se falamos em máscaras de cera não é só pela perturbante caracterização 

de algumas fi guras (particularmente Amália), mas sobretudo porque o que vemos 

são manequins vestidos à época, sem qualquer densidade humana, sem nenhuma 

verdade. São títeres que evoluem, debitando um diálogo, movimentando-se, mas sem 

um sopro de existência plena. Uma vez ou outra o talento de alguns actores oferece um 

lampejo. Sandra Barata, na personagem de Amália na idade adulta, consegue defender 

bem a personagem (esqueça-se a Amália em Nova Iorque, de fugir! Não por culpa da 

actriz, diga-se). Carla Chambel não destoa em Celeste Rodrigues. Ricardo Carriço é 

um aceitável César Seabra. António Pedro Cerdeira é um bom Ricardo Espírito Santo. 

António Montez mostra que um actor é logo outra coisa. Maria João Abreu, Lourdes 

Norberto, Ana Padrão, Pedro Pinheiro não se pode dizer que vão mal, como alguns mais. 

Apenas lhes falta personagens. 

Comecemos pelo argumento, assinado por Pedro Marta Santos e João Tordo. O que de 

melhor surge parece inspirado no musical “Amália”, de Filipe La Féria. Se os diálogos são 

fl uentes e se ouvem bem, a estrutura da narrativa é de tal forma artifi cial e descosida 

que chega a irritar. A realização nada faz para a tornar plausível. Frenética, sincopada, 

não dando tréguas ao espectador, numa montagem com um ritmo vertiginoso 

transforma o fi lme em duas horas e meia de Le Mans. Nada é olhado com respeito, 

com atenção, com delicadeza. O resultado é uma estrutura de telenovela mexicana 

de terceira categoria, fi lmada com um olhar de abutre que não se cansa de espiar as 

personagens e os acontecimentos em picados de mau agoiro. Imensos planos são 

fi lmados de cima para baixo, sem qualquer tipo de intencionalidade. Faz-se assim, 

porque faz efeito, mostram que têm gruas e as utilizam. Os actores são os principais 

prejudicados com esta estética de maratona: não conseguem impor uma presença, 

não têm tempo para respirar, mal esboçam um gesto ou um olhar, corta e estamos já 

no plano seguinte. 

De resto, este não é um fi lme que procure aprofundar nada. Apenas rentabilizar o 

nome de “Amália”. Vender bilhetes e cópias. Suporta-se porque há na banda sonora 

uns tantos fados cantados por Amália Rodrigues e vistos em “playback”. Mas o mito 

maior da música portuguesa merecia melhor sorte.

_AMÁLIA 

Título original: Amália 

Realização: Carlos Coelho da Silva (Portugal, 2008); Argumento: Pedro Marta Santos, João Tordo; Produção: Manuel 

S. Fonseca, Ana Torres; Música (original): Nuno Malo (The Budapest Symphony Orchestra); Fotografi a (cor): Carlos 

Santana; Direcção artística: Augusto Mayer; Maquilhagem: Aracelli Fuente; Direcção de produção : Gerardo Fernandes; 

Assistentes de realização: César Fernandes, Guilherme Pinto; Guarda-roupa: Silvia Meireles; Companhia produtora: VC 

Filmes; Intérpretes: Sandra Barata (Amália), Carla Chambel (Celeste Rodrigues), Ricardo Carriço (César Seabra), José 

Fidalgo (Francisco da Cruz), António Pedro Cerdeira (Ricardo Espírito Santo), Ricardo Pereira (Eduardo Ricciardi), António 

Montez (Avô António), Maria João Abreu (Ercília Costa), Tina Barbosa, Adriano Carvalho (Sebastião Lima), Ana Marta 

Contente (Amália, jovem), Maria Emília Correia (Casimira), Beatriz Costa (Aninhas), Matilde Coelho da Silva (Detinha - 13 

anos), Carla de Sá (Natália Correia), João Didelet (Ary dos Santos), Licinio França (Barman), Sofi a Grilo (Mulher de Ricardo 

Espírito Santo), Philippe Leroux (Bruno Coquatrix), Eurico Lopes (Pai de Amália), Natália Luísa (Leonor), André Maia 

(Alain Oulman), Luís Mascarenhas (Martins), Susana Mendes (Filipina), Mariana Monteiro (Yoshabel), Miguel Monteiro 

(Jornalista RTP), Lourdes Norberto (Mãe de Ricciardi), Ana Padrão (Mãe de Amália), Carlos Pimenta (Rei Humberto), Pedro 

Pinheiro (Sr. Alfredo), Mário Redondo (Rui Valentim de Carvalho), Carla Salgueiro (Viscondessa Asseca), Janita Salomé 

(Alberto Janes), Carlos Sebastião (Médico), Leonor Seixas (Detinha), Jorge Sequerra (Agostinho Barbieri), Amélia Videira 

(Avó Amália), Carlos Vieira (Frederico Valério), etc. Duração: 127 minutos; Distribuição em Portugal: Valentim de Carvalho 

- VC Multimedia; Classifi cação etária: M/12 anos; Data de estreia: 4 de Dezembro de 2008 (Portugal) 

291 | Cinema Português

FAMAFEST 

2009 

SÓ ANIMAÇÃO

294 | só Animação 

_BOLT 

Para o super-cão Bolt, todos os dias são de aventura, perigo e intriga – pelo menos 

até as câmaras do seu programa de televisão se desligarem. Quando a estrela canina 

do programa de TV de maior sucesso é acidentalmente enviada, do seu palco em 

Hollywood, para a cidade de Nova York, Bolt inicia a sua maior aventura de sempre 

– uma viagem pelo país real até reencontrar a sua dona e co-protagonista, Penny. 

Armado apenas com a ilusão de que os seus feitos e poderes são reais, e com a ajuda 

dos dois mais improváveis companheiros de viagem – um aborrecido e abandonado 

gato doméstico chamado Mittens, e um hamster - numa bola de plástico - obcecado 

por TV chamado Rhino – Bolt descobre que ele não precisa de super-poderes para ser 

um herói. (notas de produção). 

_BOLT 

Título original: Bolt 

Realização: Byron Howard, Chris Williams (EUA, 2008); Argumento: Dan Fogelman, Chris Williams; Produção: John 

Lasseter, Lisa M. Poole, Clark Spencer, Makul Wigert; Música: John Powell; Montagem: Tim Mertens; Casting: Curtis 

A. Koller; Direcção artística: Paul A. Félix; Decoração: Thomas Baker; Direcção de produção: Jason Hintz-Llopis, Tom 

Meredith, Troy Nethercott; Departamento de arte: Laurent Ben-Mimoun, Jim Martin, Bill Perkins, Gil Zimmerman; Som: 

Frank E. Eulner, Randy Thom; Efeitos visuais: Brett Boggs, Kevin Lee, Dale Mayeda, John Murrah; Animação: Doug Bennett, 

Nathan Greno, Sang-Jin Kim, John Yoon; Companhias de produção: Walt Disney Animation Studios, Walt Disney Pictures; 

Intérpretes (vozes): John Travolta (Bolt), Miley Cyrus (Penny), Susie Essman (Mittens), Mark Walton (Rhino), Malcolm 

McDowell (Dr. Calico), James Lipton, Greg Germann, Diedrich Bader, Nick Swardson, J.P. Manoux, Dan Fogelman, Kari 

Wahlgren, Chloe Moretz, Randy Savage, Ronn Moss, Grey DeLisle, Sean Donnellan, etc. Duração: 103 minutos; Distribuição 

em Portugal: Zon-Lusomundo; Classifi cação etária: M/ 6 anos; Estreia em Portugal: 11 de Dezembro de 2008.

_A LENDA DE DESPEREAUX 

Era uma vez... no reino distante de Dor - havia magia no ar, riso com fartura e litros 

e litros de sopa de fazer crescer água na boca. Mas um acidente partiu o coração do 

Rei, deixou a Princesa cheia de saudades e as pessoas da cidade sem a sua sopa. A luz 

do sol desapareceu. O mundo fi cou cinzento. Toda a esperança se desvaneceu nesta 

terra... até Despereaux nascer. Um conto de fadas com heróis improváveis: Despereaux, 

um valente ratinho com umas grandes orelhas, que prefere ler livros a comê-los; 

Roscuro, uma ratazana infeliz exilada na escuridão; e Mig, uma criada com couves-fl or 

no lugar das orelhas. Quando a princesa Pea é raptada, Despereaux, que descobriu 

nos livros histórias de cavaleiros, dragões e donzelas, resolve salvá-la. Mesmo sendo 

tão pequenino, ele está determinado a provar que pode ter a coragem de um bravo 

cavaleiro. Porque a aparência nem sempre equivale ao que se é. (notas de produção). 

_A LENDA DE DESPEREAUX 

Título original: The Tale of Despereaux 

Realização: Sam Fell, Robert Stevenhagen (EUA, Inglaterra, 2008); Argumento: Will McRobb, Gary Ross, Chris Viscardi, 

segundo livro de Kate DiCamillo; Produção: Robin Bissell, Celia Boydell, Casey Crowe, Peiyu H. Foley, Ryan Kavanaugh, David 

Lipman, Jamal McLemore, Gary Ross, William Sargent, Tracy Shaw, Allison Thomas; Música: William Ross; Fotografi a (cor): 

Brad Blackbourn; Montagem: Mark Solomon; Casting: Debra Zane; Design de produção: Evgeni Tomov; Direcção artística: 

Olivier Adam; Direcção de produção: Lizi Bedford, Amanda Davison, Kacy Durbridge, Tripp Hudson, Danielle Legovich, 

Frederick Lissau, Cheryl Murphy; Departamento de arte: Olivier Adam; Som: Jon Title; Efeitos visuais: Paulina Kuszta, 

Soeren Bendt Pedersen; Animação: Melanie Byrne, Andres Puente, Tim Watts, Gabriele Zucchelli; Companhias de produção: 

Universal Pictures, Relativity Media, Larger Than Life Productions, Framestore Feature Animation, Universal Animation 

Studios; Intérpretes: Matthew Broderick (Despereaux), Dustin Hoffman (Roscuro), Emma Watson (Princesa Pea), Tracey 

Ullman (Miggery Sow), Kevin Kline (Andre), William H. Macy (Lester), Stanley Tucci (Boldo), Ciarán Hinds (Botticelli), Robbie 

Coltrane (Gregory), Tony Hale, Frances Conroy, Frank Langella, Richard Jenkins, Christopher Lloyd, Charles Shaughnessy, 

Sigourney Weaver (Narradora), Patricia Cullen, Sam Fell, Jane Karen, Bronson Pinchot, McNally Sagal, Robin Atkin Downes, 

etc. Duração: 93 minutos; Distribuição em Portugal: Zon-Lusomundo; Classifi cação etária: M/ 6 anos; 

295 | só Animação


_MADAGASCAR 2 

Na sequela altamente antecipada de “Madagáscar,” Alex, Marty, Melman, Glória, o 

Rei Juliano, Maurício e os pinguins e os chimpanzés encontram-se abandonados nas 

costas distantes de Madagáscar. Perante este obstáculo, os nova-iorquinos elaboraram 

um plano tão maluco que talvez até resulte. Com precisão militar, os pinguins 

repararam um velho avião despenhado – mais ou menos. Assim que estão nos céus, 

esta inesperada tripulação fi ca no ar o tempo sufi ciente para chegarem ao lugar mais 

selvagem de todos - as vastas planícies de África, onde os nossos amigos criados no 

Zoo encontram pela primeira vez animais da sua própria espécie. África parece ser um 

lugar espantoso…mas será que é melhor do que a sua casa em Central Park? (notas de 

produção). 

_MADAGASCAR 2 

Título original: Madagascar: Escape 2 Africa 

Realização: Eric Darnell, Tom McGrath (EUA, 2008); Argumento: Etan Cohen; Produção: Mireille Soria, Mark Swift; 

Música: Hans Zimmer; Montagem: Mark A. Hester, H. Lee Peterson; Direcção de produção: Wendy Berry, Jason Bertsch, 

Alison Fedrick Donahue, Jannette Eng, Ryan Harris, Christopher Leahy, Diana K. Lee, Robyn Mesher, Craig Rittenbaum, Erik 

Vignau; Departamento de arte: Jessie Carbonaro; Som: Will Files; Efeitos especiais: Stephanie Siebert; Efeitos visuais: Jeff 

Budsberg, Lindsey Caplan, Greg Gladstone, Tobin Jones, Alex Patanjo, Jason Rickwald, Scott Singer, Ji Hyun Yoon, Alfred 

Young, Melva Young; Animação: Denis Couchon, Cassidy Curtis, Craig Kellman, Sean Mahoney, Carlos M. Rosas, Jason 

Schleifer; Companhias de produção: DreamWorks Animation, Pacifi c Data Images (PDI); Intérpretes: Ben Stiller (Alex), 

Chris Rock (Marty / Zebras), David Schwimmer (Melman), Jada Pinkett Smith (Gloria), Sacha Baron Cohen (Julien), Cedric 

the Entertainer (Maurice), Andy Richter (Mort), Bernie Mac (Zuba), Alec Baldwin (Makunga), Sherri Shepherd, Will i Am, 

Elisa Gabrielli, Tom McGrath, Chris Miller, Christopher Knights, Conrad Vernon, Quinn Dempsey Stiller, Conner Rayburn, 

Lynnanne Zager, etc. Duração: 89 minutos; Distribuição em Portugal: Zon-Lusomundo; Classifi cação etária: M/ 6 anos; 

Country:USA Estreia em Portugal: 27 de Novembro de 2008

_WALL•E 

Surpreendente fi lme de animação, que trás a assinatura de Andrew Stanton, numa 

produção da Pixar (“Toy Story”, “Monstros e Companhia”, “À Procura de Nemo”, “Uma Vida 

de Insecto”, “The Incredibles: os Super-Heróis” ou “Ratatui”), agora aliada à Disney. Não 

que a animação não tenha dado um grande salto quantitativo (e qualitativo também, 

em muitos e honrosos casos) nos últimos anos, devido sobretudo às novas tecnologias. 

Muitos têm sido os fi lmes que continuamente nos surpreendem, mas este contém 

outros ingredientes para a surpresa ser maior e o resultado mais “surpreendente”. 

Estamos na presença de um grande fi lme, é certo, de um fi lme para a família, como é 

norma nos fi lmes de animação (isto é: fi lmes que têm em conta todas as faixas etárias, 

apesar de especialmente concebidos para um público infantil), mas há sobretudo duas 

“novidades”: uma obra que aborda temas “adultos”, ainda que as crianças a eles tenham 

acesso pela forma como os mesmos são colocados, e uma narrativa algo contemplativa 

e raramente dada a grandes e frenéticos desenvolvimentos, privilegiando a poesia e 

a ternura, impondo personagens de forma discreta (e secreta), deixando respirar as 

situações. Enfi m, um fi lme que não trata as crianças como defi cientes. 

Situe-se o tema: na Terra, num futuro certamente longínquo (setecentos anos, será?), 

deserta de humanos e envolvida numa camada de lixo indescritível, que levou os seus 

derradeiros habitantes a exilarem-se numa estação espacial, continua a funcionar 

placidamente um robot de nome Wall.E. Executa as tarefas para que foi programado 

sem hesitar. Persiste na inglória (será mesmo?) tarefa de reunir montanhas de lixo 

no seu interior e a compactá-las, colocando depois o metálico e agressivo rectângulo 

assim produzido no cima de resmas e resmas de outros idênticos rectângulos de lixo 

de igual modo comprimido. Visto através de algumas panorâmicas aéreas dir-se-ia que 



estamos na presença de uma grande metrópole, com os seus arranhas céus (lembramse 

de “West Side Story”, planos iniciais?) a serem sobrevoados pela câmara. Mas cedo 

se percebe que tudo aquilo são arranha-céus de lixo, de consumismo desmedido e 

desenfreado que acabou com a vida no planeta. Sobrevive um robot. Que organizou 

a sua existência de forma muito monótona, mas com alguns momentos de relaxe e 

de prazer. Ver um excerto de um musical (“Hello, Dolly”), num antiquado gravador de 

cassetes é uma delas. Sempre a mesma sequência (a belíssima “Put On Your Sunday 

Clothes”). Mas o cantinho onde se refugia depois de um dia de trabalho também tem 

os seus encantos, umas luzinhas escrupulosamente repescadas do lixo, algum conforto, 

mesmo para um metálico e insensível robot. Aí é que todos vossências se enganam, 

se assim pensarem. A Terra pode ter afastado os humanos, mas alguns dos seus mais 

delicados sentimentos permaneceram no interior de um robot que cria amizades (com 

uma baratinha de antenas no ar que não o larga), e que “sente” defi nitivamente como 

anteriormente alguns humanos sentiam (não muitos é certo, senão a coisa não tinha 

chegado ao descalabro que se vê). 

Enfi m, Wall.E é defi nitivamente um sentimental, o que se comprova logo que aterra no 

solo terrestre uma nave vinda, nessa altura não se sabe de onde, que larga um esférico 

e muito bem lançado robot branco metalizado, que por sinal é “uma” robot de nome 

Eve. Eve desconfi a inicialmente de tudo e todos, envia raios poderosos que desfazem 

as ameaças, possíveis e improváveis, mas tomba de amores por Wall-E, depois de um 

início de romance não muito prometedor. Acontece nos fi lmes, dizem. Nos românticos, 

em que é preciso acreditar para se manter a saúde, física e psíquica. Daí em diante o 

que temos é uma história de amor, contrariada pelas circunstâncias, mas que acabará 

como culminam todas as histórias de fadas. 

Importante a reter: a qualidade da planifi cação da obra, a descrição do planeta Terra 

fatalmente devastado, a admirável direcção artística, com cenários fabulosos, mas 

profundamente efi cazes, a antropomorfi zação dos robots que é magnifi ca e nos 

permite uma identifi cação total com as duas personagens centrais, que conseguem 

durante muito tempo monopolizar a acção do fi lme sempre com um interesse notável, 

a excelente partitura musical de Thomas Newman que não procura o rodriguinho fácil 

mas a grande composição sinfónica, emparelhando com clássicos como o “número” já 

citado de “Hello, Dolly”, uma versão de “La Vie em Rose” (cantada por Louis Armstrong) 

ou os acordes de “Assim Falou Zaratustra” (utilizado no mítico “2001: Uma Odisseia no 

Espaço”, de Kubrick, outra referência óbvia quando da relação das citações cinéfi las, 

que são muitas e boas). 

Um “coup de force” é toda a primeira parte do fi lme sem diálogos, em que o empenhado 

trabalho de Wall.E ultrapassa, ou torna estimulante, a concepção de quase fi lme 

mudo. Aliás este tom de “fi lme mudo” acaba por resultar ao tornar mais efi caz o lado 

catastrófi co das sequências iniciais, onde a ausência de fi guras humanas cria uma 

paisagem particularmente estranha, o que se acentua com a falta de diálogo, com a 

incomunicabilidade do robot, a solidão e o “silêncio de vozes”, opressivo e ameaçador. 

Uma planta, germinando numa bota escalavrada, é o fi o de esperança que resta aos 

humanos que vivem numa estação espacial, com todas as comodidades, mas obesos 

e presos a ecrãs de televisão que repetem publicidade e imagens idílicas e que os 

afastam da realidade primordial e da comunicação. Uma vida que pode bem ser 

a dos humanos daqui a pouco, não num fi lme de animação e antecipação, mas no 

concreto da existência. Outra das profecias que cai bem num fi lme visto por milhões

de jovens, quando se agiganta, perante eles, a ameaça de futuras gerações de seres 

descompensados pela má alimentação, pela inactividade, pela solidão, pela alienação 

perante a realidade, trocada por essa outra “realidade virtual” que ganha terreno a 

cada dia. 

Fica a promessa de que o amor triunfa e a revolta de alguns acaba por ser a felicidade 

de muitos. O que, num fi lme americano da Disney-Pixar, não deixa de ser uma 

surpreendente novidade. Um belíssimo fi lme, uma das grandes certezas de 2008. 

Imaginem os “blockbusters” e a animação a fi gurarem entre os 10 melhores do ano. 

De certeza. 

_WALL•E 

Título original: WALL•E 

Realização: Andrew Stanton (EUA, 2008); Argumento: Andrew Stanton, Pete Docter, Jim Reardon; Produção: Lindsey Collins, 

John Lasseter, Jim Morris, Thomas Porter; Música: Thomas Newman; Montagem: Stephen Schaffer; Casting: Natalie Lyon, Kevin 

Reher; Direcção de produção: Ralph Eggleston; Maquilhagem: Gretchen Davis; Direcção de produção: Joshua Hollander, Andrea 

Warren; Departamento de arte: James S. Baker, Anthony B. Christov, Jason Deamer, Angus MacLane, Kevin O’Brien, Justin Wright; 

Som: Ben Burtt; Efeitos visuais: Chris Chapman, David MacCarthy, Carlos Monzon, David Munier, etc.; Direcção de produção: Pixar 

Animation Studios, Walt Disney Pictures. Intérpretes (vozes): Ben Burtt (WALL•E / M-O); Elissa Knight (EVE), Jeff Garlin (Capttão), 

Fred Willard (Shelby Forthright - BnL CEO), MacInTalk (AUTO), John Ratzenberger (John), Kathy Najimy (Mary), Sigourney Weaver 

(computador), Kim Kopf, Garrett Palmer, etc. Duração: 98 minutos; Distribuição em Portugal: Lusomundo; Classifi cação etária: 

M/ 6 anos; Data de estreia: 14 de Agosto de 2008 (Portugal); 


FAMAFEST 

2009 

HOMENAGENS

302 | Homenagens 

_O PASSEIO DO FAMAFEST 

Há já alguns anos que o Famafest, Festival Internacional de Cinema 

e Vídeo de Famalicão, dedicado às complexas e fascinantes relações 

do Cinema com a Literatura, homenageia de forma discreta, mas 

sincera, aqueles que acha que se tornaram um exemplo nacional no 

campo da cultura, da arte e do espectáculo, em particular no que se 

refere ao cinema e à literatura, quer seja como escritores, realizadores, 

actores, compositores… São vidas dedicadas a uma causa, são carreiras 

carregadas de triunfos, mas também de luta, persistência, coragem, 

são nomes que evocam talentos inequívocos, são portugueses que se 

notabilizaram por uma total entrega a um difícil, intenso, abnegado 

diálogo com outros homens e mulheres, portugueses ou não, 

permitindo-lhes conhecerem-se melhor, apelando a uma sensibilidade 

mais generosa, sendo mais cúmplices na forma de entender o que há 

de mais humano em todos nós, na sua complexidade, na sua aparente 

contradição, na alegria e na dor, da exaltação da excepção ou na 

serenidade do dia a dia. 

Por aqui já passaram nomes grandes da cultura e da arte portuguesa, 

a começar por Virgílio Teixeira, o nosso primeiro homenageado com a 

Pena de Camilo, em 2001, a que se seguiram Camacho Costa, Ruy de 

Carvalho e José Pinto, Raul Solnado, António Vitorino D’ Almeida, Carlos 

Mendes, Agustina Bessa Luís, Lia Gama, Eunice Muñoz, Lurdes Norberto, 

Lídia Jorge, Maria do Céu Guerra, Manoel de Oliveira, Nicolau Breyner, 

Maria Barroso, Teolinda Gersão, Graça Lobo, Artur Agostinho, Carmen 

Dolores, Eduardo Prado Coelho, Joaquim Rosa, Fernando Dacosta, 

Rita Ribeiro, Simone de Oliveira, Mariza, Carlos do Carmo, Fernando 

Lopes, Adelaide João e Camilo de Oliveira. Não faltam candidatos no 

futuro, porque grande é o engenho e a arte de tantos portugueses 

que anualmente elevam o nome do nosso país, através de obras de 

reconhecida grandeza e inspiração. 

No “Passeio do Famafest”, num dos acessos que conduzem à Casa das 

Artes, um “Passeio” que se inspira directamente no “Passeio da Fama” 

de Hollywood Boulevard, acrescentam-se este ano mais cinco nomes, 

mais cinco carreiras inesquecíveis que merecem ser recordadas, 

quando por elas passamos na lufa-lufa do dia a dia. São elas Laura 

Soveral, Luís Miguel Cintra, Mário Claudio, Susana Borges eUrbano 

Tavares Rodrigues. A todos eles continuamos a agradecer o facto de 

existirem e serem portugueses. 

Lauro António

Nasceu em Madrid, a 29.IV.1949. Filho do fi lólogo Luís Filipe Lindley Cintra, inicia-se 

no teatro, em 1968, no Grupo de Teatro da Faculdade de Letras de Lisboa, enquanto 

frequenta o Curso de Filologia Românica. Entre 1970 e 1972 frequenta a Bristol 

Old Vic Theatre School, bolseiro da Fundação Gulbenkian. Em 1973 funda o Teatro 

da Cornucópia, com Jorge Silva Melo. Faz críticas de teatro em O Tempo e o Modo; 

dirige a Colecção de Teatro Seara Nova (ed. Estampa) e a Colecção de Teatro (ed. 

Ulmeiro); é professor do Conservatório Nacional. Declamador de poesia. Director 

e fundador da Cornucópia, onde dirigiu peças de dos mais importantes autores 

clássicos e modernos. Actor em quase todos os espectáculos por si encenados. 

Encenou ópera no Teatro S. Carlos, em Lisboa. Encenações nos mais prestigiados 

teatros de Portugal e estrangeiro. Em 1984 participa na Bienal de Veneza. Em 

1988 encenou no Festival de Avignon, “La Mort du Prince et Autres Fragments”, 

de Fernando Pessoa, que esteve ainda no Festival de Outono de Paris. Em Itália 

(Udine), o Teatro da Cornucópia leva a cena “L’École des Maitres”. Em 1991 esteve 

em Bruxelas durante a Europália. Foi dirigido em 1997 por Brigite Jacques, no 

Théâtre de la Commune-Pandora, em Paris, em “Sertório”, de Corneille e encenou 

“Comedia sin Titulo”, de F. García Lorca para o Teatro de La Abadia em Madrid 

(2005). No cinema apareceu em fi lmes de João César Monteiro, Paulo Rocha, Luís 

Filipe Rocha, Solveig Nordlund, Jorge Silva Melo, Manoel de Oliveira, José Álvaro 

de Morais, Pedro Costa, Joaquim Pinto, Maria de Medeiros, Teresa Villaverde, João 

Botelho, John Malkovich, Raquel Freire ou Catarina Ruivo, entre outros. Prémio 

Bordalo da Casa da Imprensa em 1995 (cinema) e 1997 (teatro); Globo de Ouro em 

1999 para a Personalidade do Ano; Globo de Ouro para Melhor Actor de Teatro, 

em “Esopaida”, de António José da Silva, O Judeu (2003); Prémio Universidade de 

Coimbra (2005); Prémio Pessoa, atribuído pelo Jornal Expresso(2005); Recebeu o 

grau de Grande-Ofi cial da Ordem de Sant’Iago da Espada em 1998. 

LUIS MIGUEL CINTRA 

303 | Homenagens


LAURA SOVERAL 

Nasceu em Benguela, Angola, a 23 de Março de 1933. Com inúmeros trabalhos em 

teatro, Laura Soveral foi também reconhecida pela sua actividade cinematográfi ca, 

salientando “Uma Abelha na Chuva”, de Fernando Lopes (1972) como um dos 

seus primeiros trabalhos. Depois de trabalhar em Benguela como educadora de 

infância, vem para Lisboa onde cursa Filologia Germânica e se começa a interessar 

por teatro. Estreia-se em 1964 no Grupo Fernando Pessoa, dirigido por João d’Ávila. 

Foi no Conservatório Nacional, com professores como Henriette Morineau, que 

desenvolveu a arte de representar. E em 1968 recebeu o Prémio de Melhor Actriz de 

Cinema pelo SNI e pela Casa da Imprensa. Ao mesmo tempo, na televisão, ía sendo 

chamada para fazer teatro ou para declamar poemas no programa Hospital das 

Letras de David Mourão-Ferreira.Na temporada de 1970/1971 tem uma das suas mais 

importante época, fazendo “O Processo de Kafka” e “Depois da Queda”, de Arthur 

Miller. Representou textos de Fernando Pessoa, José Saramago, Almada Negreiros, 

Ferenc Molnar, Moliére, Kafka, Yves Jamiacque, entre outros. Esteve em cena no 

Teatro D. Maria II, Teatro São Luíz, Teatro da Cornucópia, Teatro da Comuna, Teatro 

Aberto, Teatro Sá da Bandeira, Teatro Maria Matos, Teatro Villaret, onde trabalhou 

com Gracindo Júnior, Adolfo Marsillach, Carlos Avillez, Fernando Amado, João D’Ávila, 

Norberto Barroca, Maria do Céu Guerra, Diogo Infante e Christine Laurent. 

A sua longa experiência cinematográfi ca passa por fi lmes como Vale Abraão, 

A Divina Comédia e Francisca de Manoel de Oliveira, Terra Sonâmbula de Teresa 

Prata, O Fatalista e Tráfi co de João Botelho, Quaresma de João Álvaro Morais, Uma 

Abelha na Chuva e O Delfi m de Fernando Lopes, Encontros Imperfeitos de Jorge 

Marecos Duarte, entre muitos outros. 

Pontualmente continuou a aparecer na televisão. Em 1976 actuou na novela Duas 

Vidas, da Rede Globo de Televisão, no papel de Leonor. Mais tarde, integrou o elenco 

da novela Tempo de Viver (2006), e participou na série O Testamento para a RTP.

Mário Cláudio, pseudónimo de Rui Manuel Pinto Barbot Costa, nasceu no 

Porto em 1941. Frequentou o curso de Direito em Lisboa, tendo-o terminado na 

Universidade de Coimbra. Frequentou a Universidade de Londres, graduando-se 

como Master of Arts. De regresso a Portugal, tem exercido funções como técnico 

do Museu Nacional de Literatura e como professor universitário. Ganhou o 

prémio APE de Romance e Novela em 1984 com a obra Amadeo. 

É considerado um dos mais importantes autores portugueses das últimas duas 

décadas. Embora se tenha dedicado à poesia, ao teatro e ao ensaio, é no romance 

que Mário Cláudio mais se tem destacado. Em 2004 foi agraciado com o Prémio 

Fernando Pessoa. 

Obras de fi cção: Um Verão Assim (1974), As Máscaras de Sábado (1976), Damascena 

(1983), Amadeo (1984), Guilhermina (1986), A Fuga para o Egipto (1987), Rosa 

(1988), A Quinta das Virtudes (1990), Tocata para Dois Clarins (1992), Trilogia da 

Mão (1993), Itinerários (contos, 1993), As Batalhas do Caia (1995), Dois Equinócios 

(contos, 1996), O Pórtico da Glória (1997), O Último Faroleiro de Muckle Flugga 

(1998), Peregrinação de Barnabé das Índias (1998), Ursamaior (2000), O Anel de 

Basalto e Outras Narrativas (narrativas, 2002), Oríon (romance, 2003), Gémeos 

(romance, 2004), Camilo Broca (romance, 2006), Boa Noite, Senhor Soares 

(romance, 2008). 

Obras poéticas: Ciclo de Cypris (1969), Sete Solstícios (1972), A Voz e as Vozes 

(1977), Estâncias (1980), Terra Sigillata (1982), Dois Equinócios (1996). 

Teatro: Noites de Anto (1988), A Ilha de Oriente (1989), Henriqueta Emília da 

Conceição (1997) e O Estranho Caso do Trapezista Azul (1998), Medeia (2008). 

Outras obras: Fotobiografi a de António Nobre (2001), Meu Porto (2001), Triunfo 

do Amor Português (2004). 

MÁRIO CLÁUDIO 

305 | Homenagens


SUZANA BORGES 

Suzana Borges, nasceu em Lisboa, 7 de Julho de 1956. Licenciada em Filosofi a e 

Pós-graduada em Filosofi a Contemporânea. Estagiou Formação Teatral com Rudy 

Shelley e Lin Britt, do Old Vic Bristol School; Prof. Markert e Eva Winkler, do RDA 

de Berlim; Marcia Haufrecht do Lee Strasberg Theatre Institute de Nova Iorque; 

entre outros. 

Intérprete em inúmeras peças, salienta autores como Bertolt Brecht, Samuel 

Beckett, Tennessee Williams, Wedekind, Whitehead, Beth Henley, J. B. Priestley, José 

Luís Peixoto, Irene Lisboa ou Cecília Meireles. Foi dirigida por encenadores como 

João Canijo, Caldeira Pires, Osório Mateus, Rui Madeira, João Lagarto, Fernando 

Heitor, Fernanda Lapa, Manuel Cintra, João Lourenço ou Diogo Dória. 

Encenou Uale – Não Posso Encontrar, de José Luís Peixoto e Adília Lopes; fez a 

concepção de diversos espectáculos, entre os quais A Vida Não é Literatura, de 

Irene Lisboa. Criou e encenou espectáculos de poesia onde também participou, 

tendo trabalhado a partir de autores como Emily Dicknson, Eça de Queirós, 

Fernando Pessoa, Álvaro de Campos, Luís de Camões, Sophia de Mello Breyner. 

Em ópera, trabalhou a partir de José Saramago e A. Corghi, sob a direcção de João 

Paulo Santos e Jerôme Savari. 

No cinema participou em fi lmes de Ana Luísa Guimarães, José Nascimento 

(Repórter X e Tarde Demais), Jean Pierre Grasset, Rosa Coutinho Cabral, Benoit 

Jacquot, Luís Vidal Lopes, António de Macedo (Emissários de Khalom), João Mário 

Grilo (O Processo do Rei e A Falha), Daniel Schmid, Raoul Ruiz, Mário Gamus, João 

Botelho (Quem és Tu?, Tráfi co, A Mulher Que Acreditava Ser A Presidente dos EUA 

e O Fatalista), Maurizio Sciarra, Fernando Matos Silva, Fernando Lopes (Lá Fora), 

Rui Simões, João César Monteiro (Vai e Vem), entre outros. Trabalhou em televisão, 

a nível nacional e internacional, nomeadamente em telefi lmes e séries.

Urbano Augusto Tavares Rodrigues, nasceu em Lisboa, em 1923. Filho do escritor 

e jornalista Urbano Rodrigues. Passou grande parte da sua infância em Moura. 

Licenciou-se em Filologia Românica na Universidade de Lisboa, doutorando-se 

em 1984 com uma tese sobre o escritor Manuel Teixeira Gomes. 

Foi leitor de português em várias Universidades estrangeiras - Montpellier, Aix 

e Paris - entre os anos de 1949 e 1955, época em que se encontrava impedido 

de exercer docência universitária em Portugal por motivos políticos. Depois da 

Revolução de 1974 retoma, em Portugal, a actividade docente. Em 1993, jubilase 

como Professor Catedrático da Faculdade de Letras de Lisboa, continuando 

a exercer a docência na Universidade Autónoma de Lisboa. Membro efectivo 

da Academia de Ciências de Lisboa e membro correspondente da Academia 

Brasileira de Letras. Tem colaboração dispersa por publicações variadas, entre as 

quais o Bulletin des Études Portugaises, Colóquio-Letras, Jornal de Letras, Artes e 

Ideias, Vértice, Nouvel Observateur, etc. Foi director da revista Europa e jornalista 

de O Século e de O Diário de Lisboa. Prémios Ricardo Malheiros, da Academia das 

Ciências de Lisboa, da Associação Internacional de Críticos Literários, da Imprensa 

Cultural, Prémio Vida Literária, da Associação Portuguesa de Escritores, Grande 

Prémio de Conto Camilo Castelo Branco. 

Bibliografi a principal, entre viagens, ensaios, romances, contos, crónicas, teatro: 

1960; 1981 - O Mito de Don Juan; 1981 - Um Novo Olhar sobre o Neo-Realismo; 1984 

- Manuel Teixeira Gomes: O Discurso do Desejo; 1959; 1994 - Bastardos do Sol; 1957; 

1998 - Uma Pedrada no Charco; 1960; 1978 - Nus e Suplicantes; 2008 - A Última 

Colina; 1961; 2003 - Os Insubmissos; 1966; 1988 - Imitação da Felicidade; 1967; 1974 - 

Despedidas de Verão; 1968 - Tempo de Cinzas; 1974; 1999 – Dissolução; 1991 - Violeta 

e a Noite; 1993 – Deriva; 1995 - A Hora da Incerteza; 2005 - O Eterno Efémero; 2006 

- Ao contrário das Ondas; 2007 - Os Cadernos Secretos do Prior do Crato. 

URBANO TAVARES RODRIGUES 

307 | Homenagens


Vírgilio 

Teixeira 

Camacho 

Costa 

José Pinto 

Ruy de 

Carvalho 

António 

Vitorino 

D’ Almeida 

Carlos 

Mendes 

Raul 

Solnado 

Lia Gama 

Eunice 

Muñoz 

Agustina 

Bessa Luís 

Lurdes 

Norberto 

Lídia Jorge 

Manoel 

de Oliveira 

Maria do 

Céu Guerra 

Nicolau 

Breyner

Maria 

Barroso 

Teolinda 

Gersão 

Graça Lobo 

Artur 

Agostinho 

Carmen 

Dolores 

Eduardo 

Prado Coelho 

Joaquim Rosa 

Fernando 

Dacosta 

Rita Ribeiro 

Simone 

de Oliveira 

Adelaide 

João 

Mariza 

Camilo 

de Oliveira 

Fernando 

Lopes 

Carlos 

do Carmo 

309 | Homenagens

FAMAFEST 

2009 

ACTIVIDADES PARALELAS

312 | Actividades Paralelas_Casa das Artes 

_CARLOS DO CARMO 

Casa das Artes 14 de Março | 21h30

Numa altura em que o fado regressa em força ao coração dos portugueses, numa 

época em que surgem regularmente novas vozes, e quase todas com algo de novo a 

acrescentar a uma história já de si inquestionável, ouvir Carlos do Carmo reconduznos 

ao que de mais autêntico tem o fado, e também à sua renovação mais genuína 

e legítima. Sempre que o pudemos ver e ouvir ressalta uma realidade insofi smável: 

estamos na presença de um dos maiores valores da nossa cultura contemporânea 

e sabe bem recordar uma vez por outra que Portugal não é só este país de apagada 

e vil tristeza a que muitos nos tentam reduzir, mas que esse mesmo país já nos deu 

talentos dos maiores que o mundo conheceu. No fado, Amália é uma referência, 

mas num outro registo Zeca Afonso e Adriano Correia de Oliveira também o são, tal 

como o é Carlos do Carmo. 

Ele próprio diz que nunca escreveu poesia ou compôs música. Basta-lhe emprestar 

a voz, esta voz quente e macia, por onde escorregam docemente as palavras de 

poetas como Alexandre O’ Neil ou Ary dos Santos. 

O espectáculo do Coliseu pode constituir-se como uma lição. Um palco deserto, 

uma luz ou outra, músicos de primeiríssima água, e Carlos do Carmo munido 

de um reportório feito de exigência e rigor. A melhor poesia e a melhor música, 

executada pelos melhores intérpretes. Nada mais. Nenhum preciosismo de vedeta. 

Nenhum piscar de olho oportunista a modernices pindéricas. Uma forma clássica 

de cantar o fado, a que o espírito irrequieto de Carlos do Carmo (e moderno, 

revolucionário na sua simplicidade) empresta variações de insuspeitado alcance: 

um fado acompanhado unicamente por contrabaixo (fabuloso Carlos Bica em “Teu 

Nome Lisboa”) ou por um cavaquinho de que se desistiu até das cordas (magnífi co 

Júlio Pereira em “O Homem das Castanhas”). Mas também acompanhado por 

uma orquestra (a Sinfonietta de Lisboa, dirigida por Vasco Pearce do Amaral, com 

notáveis arranjos de Bernardo Sasseti, veja-se a frescura arrancada a “Por Morrer 

uma Andorinha”) Carlos do Carmo demonstra que tudo é possível ao fado, até 

dialogar com o tango de Piazola (um incrível duelo entre o novo fenómeno da 

guitarra portuguesa, Ricardo Rocha, e Walter Idalgo, no “bandoneon”, em “Dois 

Portos”). 

O que traz de verdadeiramente didáctico este espectáculo é mostrar de que forma 

se pode re-inventar o fado, já que é dele que estamos a falar. Não é necessário, é 

sobretudo evitável, gritar a modernice a sete ventos e destruir, com espaventos sem 

nexo, o fado. A melhor forma de re-inventar o que já existe é preservar o existente 

com o respeito do amor que merece e subtilmente, com a ternura de quem 

amamenta um fi lho, dar-lhe novo alento com delicadeza e sobriedade. O espavento 

não cobre, a não ser para inglês ver. O novo-riquismo nunca fi cou na história, a não 

ser como exemplo de mau gosto e de ostentação sem critério. Carlos do Carmo, 

para lá da “voz”, dá-nos o exemplo de como revolucionar por dentro uma canção 

que ama. Basta cantá-la como só ele sabe e respeitosamente arranjar-lhe novos 

pretendentes para acasalamentos de amor. O resto virá com a serenidade das coisas 

certas e das renovações que se fazem com seiva nova de sedentas raízes. 

Depois, há a magia sem paralelo de ouvir a música das palavras de Ary na voz 

única de Carlos do Carmo – e as lágrimas descem alegres e felizes pelos rostos dos 

ouvintes. O prazer do prazer. 

Lauro António (Jornal do Fundão, 2004) 

313 | Actividades Paralelas_Casa das Artes


_CORVOS 

Casa das Artes 21 de Março | 21h30 

Exímios executantes, todos eles de sólida formação clássica, com passagem por inúmeras 

bandas (Ornatos Violeta, Mafalda Veiga, Santos e Pecadores, Jorge Palma, Titãs, Jethro Tull 

e algumas mais), admiradores incondicionais dos “Xutos e Pontapés” (a quem dedicaram 

o primeiro álbum, “Corvos Visitam Xutos”, que funcionou como um magnifi co cartão-devisita 

para o grupo), “Corvos” vão agora no seu quarto álbum, recentemente saído, “The 

Jinx”, depois de “Post Scriptum” (evocando Kurt Weill, Jim Morrison, Kurt Cobain. Para lá 

dos sempre presentes Xutos e Pontapés), e de “Corvos 3”. 

Tocar rock como se fosse Mozart ou Ravel, tocar Bach ou Mahler como se fosse rock não 

é crime de lesa música, mas uma forma de tornar viva e actual a música que se ama. Os 

“Corvos”, vestidos de preto e com os rostos rasgados por uma maquilhagem “gótica”, levam 

mais longe a aposta, criando uma sonoridade que é só deles, que passa pela noite brumosa 

dos fi lmes fantásticos de antanho, pela vibração céltica, pelos sons medievais da gesta 

portucalense, assim como pelas fl orestas de Siegfried, pelo terror intimista de Edgar Allan 

Poe, pelas inquietações mais profundas da alma humana. Temos aqui seguramente um 

dos grandes grupos musicais portugueses da actualidade. A seguir com o maior interesse. 

Para já, ia 21 de Março, encerram o Famafest, por mérito próprio, associando-se assim às 

comemorações do segundo centenário sobre o nascimento de Edgar Allan Poe, o autor 

de “O Corvo”, um dos poemas mais célebres da literatura mundial. LA 

PEDRO TEIXEIRA DA SILVA violino Terminou o Curso Superior do Conservatório Nacional de Lisboa 

com 20 valores. É pós-graduado pelo Conservatório de Roterdão e frequentou a Mason Gross School 

of the Arts (Nova Iorque) e a Dartington International School (Inglaterra). Recebeu numerosos 

primeiros prémios: Juventude Musical Portuguesa, Juventude Nacional Portuguesa, Prémios Jovens 

Músicos, Fundação Eng.º António de Almeida e Jovens da Cultura. Tem vindo a apresentar-se como 

solista com as Orquestras RDP Lisboa e Porto e a participar, como músico convidado, em numerosos 

registos discográfi cos. É primeiro violino na Orquestra Sinfónica Portuguesa. 

TIAGO FLORES violino É diplomado pelo Conservatório Nacional de Lisboa em violino. Integrou, como 

músico convidado, a Orquestra Gulbenkian e a Orquestra Metropolitana de Lisboa. Foi membro da 

Orquestra Sinfónica Juvenil. Participou em vários espectáculos do cantor Paulo Bragança. 

NUNO FLORES viola d'arco É formado pelo Conservatório Nacional de Lisboa e em Ciências Musicais 

na Universidade Nova de Lisboa. Integrou, entre outras, a Orquestra Sinfónica Juvenil, Orquestra 

da Juventude Musical Portuguesa, Orquestra Calouste Gulbenkian e Orquestra Metropolitana de 

Lisboa. De entre as suas colaborações, contam-se a participação no segundo trabalho discográfi co 

do grupo Entre Aspas e em «Mysterium» de Rodrigo Leão/Vox Ensemble. Efectuou várias digressões 

e gravações com o cantor Paulo Bragança e tem-se apresentado, como violinista, em numerosos 

locais. É violonista do grupo Quinta do Bill. 

CARLOS COSTA violoncelo Iniciou os seus estudos musicais aos 6 anos e terminou o Curso Superior 

do Conservatório Nacional de Música de Lisboa com 19 valores. Foi solista da Orquestra Sinfónica 

Juvenil e músico convidado da Orquestra de Câmara Robert Schumann, de Dusseldorf. Colaborou, 

como instrumentista, no trabalho discográfi co «Mysterium» de Rodrigo Leão/Vox Ensemble. 

Apresenta-se regularmente, como músico convidado, com a Orquestra Sinfónica Portuguesa e com 

a Orquestra Gulbenkian. 


ª 

12edição 

V I L A N O V A D E F A M A L I C Ã O 

FAMAFEST 

2010 

14.03 a 22.03 

CINEMA E LITERATURA

FAMAFEST 

2009 

ÍNDICE

318 | Índice 

Apresentação . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 03 

Armindo Costa, Presidente da Câmara . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 03 

Lauro António, Director do Famafest . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 05 

Organização . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 08 

Agradecimentos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 09 

Júri . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .11 

Júri Internacional . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12 

Júri Juventude . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 29 

Programação Geral . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 21 

Obras a Concurso . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 29 

12=Amo-te, de Connie Walther (Alemanha, 2007) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 30 

O Adeus à Brisa, de Possidónio Cachapa (Portugal, 2009) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 30 

Andre Gide, Um Pequeno Ar de Família, de Jean- Pierre Prevost (Suiça, 2007) . . . . . . . . . . . . . . . 31 

Os Anjos de Welles, de Jean-Jacques Bernard (França) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 31 

O Caçador, de Ángel Santos Touza (Espanha, 2007) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .32 

Caminho para Meca, de Georg Misch (Áustria, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .32 

A Canção de Mim Próprio, de William Farley (Estado Unidos da America, 2007) . . . . . . . . . . . . .33 

Cântico Negro, de Helder João Lopes Magalhães (Portugal, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .33 

O Clube da Calceta, de Antón Dobao (Espanha, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .34 

Contrato, de Nicolau Breyner (Portugal, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .34 

Discorama, por Glaser, de Esther Hoffenberg (França, 2007) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .35 

Divórcio ao Estilo Albanês, de Adela Peeva (Bulgária, 2007) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .35 

A Dupla Inconstância, de Carole Giacobbi (França, 2007) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 36 

Fernando Lopes Graça, de Graça Castanheira (Portugal, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 36 

Godard, Amor e Poesia, de Luc Lagier (França, 2007) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .37 

Grandes Livros – Os Maias, de João Osório (Portugal, 2008-2009) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .37 

Guarda Livros, de Eduardo Adelino (Portugal, 2008-2009) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 38 

Histórias: Primeiras Ajudas, de María Suárez e Esteban Varadé (Espanha, 2009) . . . . . . . . . . . 38 

Hitchcock e a “Nouvelle Vague”, de Jean-Jacques Bernard (França, 2007) . . . . . . . . . . . . . . . . . . 39 

O Julgamento Kravchenko, de Bernard George (França, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 39 

Levantado do Chão, de Alberto Serra (Portugal, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 40 

Mestre-Cantor de Wagner, Siegfred de Hitler – A Vida e o Tempo de Max Lorenz, 

de Eric Schulz, Wischmann Claus (Alemanha, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 40 

O Mistério Segundo Clarice Lispector, de Patrícia Lino (Portugal, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 41 

Nome de Código Melville, de Oliver Bohler (França, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 41 

A Paixão “Bolero”, de Michel Follin (França, 2007) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 42 

Pequenos Cabos Brancos, de Massimo Amici (Itália, 2007) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 42 

A Rainha Morta, de Pierre Boutron (França, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .43 

Re-Leituras para Todos, de Robert Bober (França, 2007). . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .43 

O Rei Não Morre, de Lucia Hossu Longin, Dan Necsulea (Roménia, 2007) . . . . . . . . . . . . . . . . . . 44 

Revendo “Lire c’est Vivre”, de Robert Bober (França, 2007) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 44 

O Senhor X, de Jean-Phillippe Puymartin & Marianne Basler (França, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . 45 

Simone de Beauvoir, Uma Mulher Actual, de Dominique Gros (França, 2007) . . . . . . . . . . . . . . 45 

O Triângulo Imperfeito, de Jorge Bompart (Argentina, 2009) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 46 

Laura Soveral, de Graça Castanheira (Portugal, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .47 

Humberto Delgado, Obviamente Demito-o!, de Lauro António (Portugal, 2008) . . . . . . . . . . . .47 

Pessoalmente Maria do Céu Guerra, de Frederico Corado (Portugal, 2008) . . . . . . . . . . . . . . . . 48

Da Palavra à Imagem . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .49 

Austrália . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 50 

O Cavaleiro das Trevas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 54 

Corações . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 58 

Destruir Depois de Ler . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 60 

O Dia em Que a Terra Parou . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 62 

Ensaio Sobre a Cegueira . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 64 

Este País Não É Para Velhos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 68 

O Estranho Caso de Benjamin Button . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .72 

Frost/Nixon . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .77 

Gomorra . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .81 

Haverá Sangue . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 83 

Revoltionary Road . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 86 

Sedução, Conspiração . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 90 

A Troca . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 93 

Tropa de Elite . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 97 

A Turma . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 101 

A Valsa com Bashir . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .105 

A Viagem ao Centro da Terra . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 108 

Virtude Fácil . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 109 

Homenagem a Edgar Allan Poe . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .113 

The Raven, 1 Versão e 3 Traduções . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 114 

Edgar Allan Poe no Cinema . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 127 

Notas Sobre Edgar Allan Poe no Cinema . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .128 

Outros Filmes do Ciclo Corman-Poe . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 155 

Algumas Outras Obras de Edgar Allan Poe no Cinema . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 173 

Edgar Allan Poe – Fichas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 181 

Edgar Allan Poe – Bibliografia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 215 

Os Filmes Apresentados no Ciclo Dedicado a Edgar Allan Poe . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .216 

Machado de Assis no Cinema . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 217 

Machado de Assis no Cinema . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .218 

Machado de Assis – Cronologia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 226 

Machado de Assis – Bibliografi a . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 229 

Machado de Assis – no Cinema e na Televisão . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 230 

Yukio Mishima no Cinema . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 233 

Notas Sobre Mishima, o Escritor, o Cinema, o Teatro . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 234 

Yukio Mishima – Filmografi a . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 239 

Duas Cartas de Mishima a Kawabata . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 242 

Homenagem a Alexandre Soljenitsin . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 243 

Alexandre Soljenitsin . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 244 

Alexandre Soljenitsin – Filmografi a . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 250 

Robert Wilson/Peter Brook – Mostra FICAP . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 251 

Robert Wilson . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 252 

Robert Wilson, Um Olhar . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .255 

Robert Wilson – Trabalhos Teatrais . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 258 

Conversas com Peter Brook 1970-2000 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 262 

Peter Brook . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 266 

Peter Brook – Teatro, Livros e Televisão . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 267 

319 | Índice

320 | Índice 

Homenagem a Carmen Miranda . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .269 

Homenagem A Carmen Miranda . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 270 

Filmografi a . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 276 

80 Anos de Tintim . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 277 

Os 80 Anos de Tintim – As Aventura de Tintim . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 278 

Cinema Português . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .289 

Amália . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 290 

Só Animação . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 293 

Bolt . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 294 

A Lenda de Despereaux . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 295 

Madagascar 2 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 296 

Wall•E . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 297 

Homenagens . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 301 

O Passeio do Famafest . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 302 

Luis Miguel Cintra . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 303 

Laura Soveral . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 304 

Mário Cláudio . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 305 

Suzana Borges . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 306 

Urbano Tavares Rodrigues . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 307 

Actividades Paralelas . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .311 

Carlos do Carmo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 312 

Corvos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .314

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