MIXED

Junho 2017 

REAL OU 

IMAGINÁRIO? 

DESCUBRA COMO FUNCIONA 

A REALIDADE AUMENTADA! 

IMPRESSÃO 3D 

O futuro de 34 

anos atrás 

O PODER DA 

FOTOGRAFIA 

FEMININA 

INSPIRE-SE! 

Reutilize e CRIE 

móveis para sua casa 

#5 DICAS 

PARA SEU 

PORTFÓLIO! 

EDIÇÃO 0 R$ 20,00 

REVISTA BOOK.indb 1 07/06/2017 10:20:27


EXPEDIENTE 

Editores 

Bianca Buratim F. dos Santos 

Douglas Messora Marques 

Elen Rosa de Lima 

Flávia Teixeira Nunes 

Gabriele Virginia Silva 

EDITORIAL 

Professores 

Colaboradores 

Guilherme Godoy 

Tathyane Chaves 

Egídio Toda 

Roberto Bispo 

Ela chegou! 

Este exemplar é a primeira edição da revista Mixed, projeto 

editorial resultante dos conhecimentos adquiridos pelos alunos 

do 2º e 3º semestres do curso de Design Gráfico da Universidade 

Paulista (Unip), Campus Marques. 

Impressão 

Agiliga Gráfica Digital 

Tiragem 

1 Exemplar 

Periodicidade mensal 

Tutorial 

Realidade Aumentada 

Créditos: 

https://goo.gl/HdSxrH 

https://goo.gl/0j0wsl 

https://goo.gl/oERH66 

https://goo.gl/V0N8um 

https://goo.gl/o8SSll 

https://goo.gl/2eDVZw 

https://goo.gl/f967c7 

https://goo.gl/5psuAp 

https://goo.gl/5dyCS3 

Design de Produtos 

Design e Tecnologia 

Créditos: 

https://goo.gl/GcDCDT 

https://goo.gl/NV3TGL 

https://goo.gl/F4KYIA 

https://goo.gl/c4b7m 

https://goo.gl/zbDoxn 

https://goo.gl/Wd27S1 

https://goo.gl/VyIhTy 

Ilustração 

Créditos: 

https://goo.gl/JUbflb 

https://goo.gl/RF1j7N 

https://goo.gl/yA815J 

https://goo.gl/UJT00e 

https://goo.gl/Hr3Zkx 

https://goo.gl/uoe5gM 

https://goo.gl/EIh24U 

https://goo.gl/KWZPNA 

https://goo.gl/x2pwS8 

https://goo.gl/nHyogb 

https://goo.gl/OV7Aal 

Design de Interiores 

Créditos: 

https://goo.gl/gGLCCT 

https://goo.gl/375MWB 

https://goo.gl/71tIIo 

https://goo.gl/KD22HG 

https://goo.gl/w18l9Q 

https://goo.gl/4G6d7K 

https://goo.gl/o5gBe6 

https://goo.gl/xQvzRz 

https://goo.gl/8Uowjo 

https://goo.gl/Jh4xef 

https://goo.gl/zPnw1j 

https://goo.gl/mucNTR 

https://goo.gl/yITXcq 

Design Gráfico e Fotografia 

Créditos: 

https://goo.gl/LPhS5c 

https://goo.gl/kOexrt 

https://goo.gl/Rbwqkj 

https://goo.gl/g73Cst 

https://goo.gl/N4mMK6 

https://goo.gl/wP6fWO 

https://goo.gl/IoxFng 

https://goo.gl/BiFapv 

https://goo.gl/ybGRoy 

https://goo.gl/r2Unnt 

https://goo.gl/Ka4VeK 

https://goo.gl/h5vvvi 

https://goo.gl/v6P7bA 

https://goo.gl/bQINpS 

https://goo.gl/g7aFJU 

https://goo.gl/pv6MIS 

https://goo.gl/osLBLj 

https://goo.gl/RroJ2p 

https://goo.gl/UUhaCb 

https://goo.gl/U49C93 

https://goo.gl/MvimNu 

https://goo.gl/1bZK1C 

https://goo.gl/8nCQvW 

A Mixed foi idealizada para ser uma publicação direcionada 

a estudantes, profissionais e amantes das áreas de Design. e 

o esse nome foi escolhido por ser uma alusão à esse mix de 

segmentos do tema. 

Talvez nossa maior inspiração tenha sido o documentário 

Abstract, exibida pela Netflix, onde é apresentado o estilo 

e processo criativo de 8 diferentes artistas (profissionais) de 

uma forma completamente instrutiva e emocionante. Em cada 

episódio é mostrado como eles convivem com seu espaço de 

trabalho, encaram a profissão, os desafios e possíveis barreiras 

para novas idéias. E no nosso caso, claro, uma atenção especial 

para o episódio com a designer gráfica Paula Scher. 

Assim como nós aguardaremos ansiosamente a segunda 

temporada de Abstract, desejamos que os nossos leitores 

também se sintam assim em relação a nossa revista, querendo 

muito mais... 

No projeto houveram desafios e dificuldades, porém, também 

ganhamos a certeza de que podemos sempre melhorar. 

Agradecemos carinhosamente nossos queridos professores 

que possibilitaram este aprendizado. 

Boa leitura! 

Equipe Mixed 


SUMÁRIO 

4 

REAL OU 

IMAGINÁRIO? 

Descubra como funciona 

a Realidade Aumentada 32 

Design de Interiores 

DIFERENÇAS ENTRE DESIGN DE INTERIORES E ARQUITETURA 

CASACOR 2017 

PALETES: REUTILIZE E CRIE LINDOS MÓVEIS PARA CASA 

CRIANDO PAPEL DE PAREDE COM JORNAL 

DICAS DAS ESPECIALISTAS 

06 

10 

12 

14 

16 

18 

22 

GIRL POWER 

5 DICAS PARA O SEU PORTFÓLIO 

Ilustração 

Fotografia 

DE OLHO NAS TENDÊNCIAS 

28 

O PODER DA FOTOGRAFIA FEMININA 


Design Gráfico 

O QUE FAZ UM DESIGNER GRÁFICO? 

DESIGN COM VALOR AGREGADO 

38 

42 

44 

COMO CRIAR UMA ACTION PARA 

EFEITO DE DUPLA EXPOSIÇÃO 

Tutorial 

Design de Produto 

DESIGN DE JOIAS 

A ARTE DA JOALHERIA CONTEMPORÂNEA 

52 

58 

IMPRESSÃO 3D 

O FUTURO DE 34 ANOS ATRÁS 

Design e Tecnologia 


DESIGN DE INTERIORES 

6 

Diferenças 

entre 

Design de 

Interiores 

& Arquitetura 

UNIPÊ 



8 

8 

PORTAL PRA VALER 

NEstá pensando em fazer um desses 

cursos? Já sabe qual é a diferença 

entre Arquitetura e Design de Interiores? 

Confira a nossa explicação! 

a hora de escolher um curso para Como é o curso de Arquitetura? 

o vestibular, os estudantes podem ficar 

confusos com todas as possibi- 

espaços internos e externos de 

Arquitetos projetam e organizam 

lidades oferecidas pelas faculdades. acordo com critérios como conforto, 

estética e funcionalidade. Eles 

Especialmente com cursos que têm 

características parecidas – como pensam na construção e reformas 

Comércio Exterior e Relações Internacionais, 

Química e Engenharia fazem só as plantas, mas também 

de prédios, por exemplo. Eles não 

Química, etc. 

determinam os materiais usados 

Esse é o caso de Arquitetura e nas obras, considerando o uso do 

Design de Interiores, dois cursos imóvel, ventilação, iluminação, etc. 

que exigem criatividade e inovação, Os principais empregadores de arquitetos 

são empresas do setor pú- 

mas que são diferentes e levam a 

carreiras diferentes. 

blico, construtoras e incorporadoras. 

No curso, você vai aprender tanto 

disciplinas de Ciências Humanas 

quanto de Exatas. Enquanto o primeiro 

semestre é mais teórico, a partir 

do segundo tem mais aulas práticas, 

como Desenho Arquitetônico e Construção. 

O curso dura, em média, quatro 

anos, e tem estágio e trabalho de 

conclusão de curso obrigatórios. 

Agora que você já sabe como funciona 

o curso de Arquitetura, quer 

saber qual é a diferença dele para o 

curso de Design de Interiores? 

Como é fazer o curso de Design 

de Interiores? 

Um designer de interiores trabalha 

com o arranjo de ambientes, levando 

em conta a estética, a funciona- 


9 

PORTAL PRA VALER 

lidade e o conforto, como o arquiteto. Ele define revestimentos, 

acabamentos, cores e distribuição de móveis e 

objetos nos ambientes. O trabalho, que exige muita criatividade 

e constante atualização, pode ser feito em casas, lojas, 

apartamentos mobiliados, prédios comerciais, etc. Além disso, 

nos últimos anos, empresas de automóveis estão procurando 

designers de interiores para montar o interior dos novos carros. 

Esse curso pode ser tanto bacharelado quanto tecnólogo. 

O primeiro dura quatro anos, exige apresentação de trabalho 

de conclusão de curso e estágio final. Seu currículo é parecido 

com o da Arquitetura. O segundo dura dois anos e é o mais 

comum no Brasil. As atividades são mais voltadas para decoração, 

paisagismo e design de móveis. Desde o início, o curso 

tem atividades mais práticas e inclui aulas de Gestão Empresarial, 

Administração e outras disciplinas que vão ajudá-lo a ter 

seu próprio negócio. 

A maior diferença entre os dois cursos, portanto, é que a Arquitetura 

lida também com o exterior, o urbanismo e a construção 

civil. O Design de Interiores, por outro lado, é um curso 

mais voltado para a decoração do ambiente, a estética e o 

conforto. Se ainda estiver em dúvidas sobre os cursos, procure 

pelos currículos das faculdades e instituições de seu interesse. 

Analisando os currículos, você vai saber o que é estudado e que 

tipo de profissional o curso pretende formar. É muito importante 

fazer essa pesquisa para não cometer nenhum engano! 

A ARQUITETA 

CASA SHOW 



10 

CASACOR São Paulo 2017 

CASA COR 

Embora diversos, os espaços guardam 

elementos em comum. Um deles, e 

talvez o principal, é o foco no essencial. 

A premissa é traduzida nos materiais 

sem artifícios e nas linhas retas e curvas 

que dispensam qualquer excesso. 

Sem purismos, exibe a beleza natural 

do mármore e de outras pedras, das 

madeiras e do concreto. 

Várias estruturas simplificam a montagem, 

economizando tempo e recursos 

naturais. Economizando tempo e recursos naturais. 

A cartela de cores pode parecer austera, com cores mais 

densas e o preto sem meios-termos, mas ao mesmo tempo 

os tons conquistam a preferência – o greenery e outros 

verdes, o rosa seco e os matizes de azul trazem um quê de 

décadas passadas. 

Aliás, o estilo art déco, que define a arquitetura do Jockey, 

também é celebrado nos grafismos e nos detalhes. 

Data e local: 

De 23 de maio a 23 de julho - terça a domingo, das 12h 

às 21h. 

Jockey Club de São Paulo – Av. Lineu de Paula Machado, nº 

1075 - Cidade Jardim - Sçao Paulo / SP. 

CASA COR 

CASA COR 

Valores: 

De terça a quinta-feira: ingresso inteiro: R$ 56,00 | meia entrada: 

R$ 28,00. Sexta, sábado, domingo e feriados: ingresso 

inteiro: R$ 70,00 | meia entrada: R$ 35,00. Passaporte único: R$ 

165,00 - Valet: R$ 35,00 - www.ingressorapido.com.br 




12 

JEAN CARLO DAL’ALBA 

Paletes: Reutilize e crie 

lindos móveis para casa. 

INSPIRE-SE! 


13 

O 

reaproveitamento ou reciclagem 

de paletes de madeira em mobiliários 

tornou-se muito popular 

no mundo todo. Isso porque 

em vez de gastar dinheiro com 

móveis novos, você pode criar 

um do seu jeito, deixar com as 

características que você precisa, 

e o mais importante, sem gastar 

muito. Se encaixa perfeitamente 

em pequenos orçamentos. 

O que antes era somente utilizado como mecanismos para o 

transporte e armazenamento de itens, hoje os paletes se tornaram 

um recurso útil na decoração e design da casa. 

Ideia sustentável 

Reciclar e reutilizar paletes em móveis ou objetos de decoração 

para casa, evita que novos produtos sejam fabricados e 

reduz a quantidade de árvores sendo cortadas. 

Crie algo totalmente original 

É possível mobiliar uma casa inteira com móveis de paletes. 

Existem diversas opções que podem ser criadas a partir da 

madeira dos paletes, é possível fazer: sofás, mesas, cadeiras, 

prateleiras, soluções de armazenamento, etc. Durante a criação 

do seu móvel de palete vale soltar a imaginação, além de 

se divertir durante o processo. Aposte nas cores de sua preferência 

e imagine como ficará na decoração do seu lar. 





14 

CRIANDO PAPEL 

DE PAREDE COM 

JORNAL 

Sabe quando você tem aquela sensação 

de que falta alguma coisa na 

decoração da sua casa? De que a a 

casa “está pelada”? 

Saiba que fazer pequenas mudanças 

na decoração e inovar na 

personalização da casa não é difícil. 

Veja essa parede de jornal que 

transforma qualquer sala ou quarto. 

PINTEREST 


15 

Paredes peladas nunca mais 

Uma sugestão para dar “aquele” toque especial na decoração 

é trabalhar a personalização das paredes. Você pode fazer isso 

com pinturas especiais (textura, tinta lousa), com pinturas coloridas, 

com grafismos ou desenhos etc. Hoje, nossa dica é sobre 

como fazer uma parede de jornal, como se fosse papel de 

parede, só que mais simples e mais barato. Além de reutilizar 

um material que iria para o lixo, você ainda consegue um efeito 

“exclusivo”. Nós sabemos que para aplicar corretamente o papel 

na parede, a parede deve estar bem lisinha, sem buracos ou 

imperfeições, para a cola fixar bem e não inchar. 

Ao usar esse tipo de revestimento é preciso ter muito cuidado 

para evitar mofo ou bolor na parede, para não danificar o 

papel de parede. 

Passo a passo para colar jornal na sua parede: 

Materiais: Jornal, água, cola branca, pote de plástico ou de 

vidro, pincel e tesoura. 

Mão na massa! 

Corte o jornal em tiras, evitando páginas coloridas, para não 

manchar. Use só preto e branco. Você pode escolher um editorial 

específico, para uma parede mais “temática”, por exemplo, 

cinema ou esporte. Comece a aplicação do sentido do topo 

para baixo, pois é mais fácil cortar e dar o acabamento no rodapé. 

Em seguida, coloque um pouco de cola no pote e dilua 

em um pouco de água, não muito para ela não ficar totalmente 

sem o grude. Essa mistura deve ficar com aparência de leite 

desnatado (essa cola ralinha ainda tem que continuar branca), 

pois se ficar muito aguada (quase transparente), não vai dar 

aderência depois de seco. 

Use o pincel para aplicar essa mistura na parede. 

Depois, coloque a tira de jornal na posição desejada na parede 

e aplique, delicadamente, mais um pouco dessa mistura 

de cola por cima da tira , até o jornal ficar molhado. Vá fazendo 

dessa maneira até completar a área que você deseja cobrir. 

Para dar acabamento, use uma régua e um estilete para cortar 

o jornal rente ao rodapé. 

Se desejar uma parede mais brilhante, você pode finalizar 

aplicando verniz, neste caso, use o pincel limpo e seco. 

VIVA DECORA 

VIVA DECORA 



16 

DICAS DAS 

ESPECIALISTAS 

Ana Moretti 

Profissão: Designer de Interiores 

Teresa Pinho 

Profissão: Decoradora de Interiores 

EU DECORO 

HD WALLPAPER 

EU DECORO 

Quais os aspetos mais importantes de uma decoração? 

A harmonia do espaço, iluminação diferenciada e respeito 

por quem lá vive. 

Inspirações para decorar? 

Normalmente os ambientes falam por si: uma simples peça 

decorativa, um cômodo, a vista de uma janela.... 

Há quanto tempo envolve-se com decoração e como se 

interessou pela área? 

Comecei a envolver-me com decoração ao entrar na Faculdade 

de Arquitetura e foi na prática que percebi que gostava 

mesmo de interiores. 

Acredito que um bom projeto de interiores adaptado às reais 

necessidades de quem lá irá viver, faz toda a diferença... 

“ 

Acredito que um bom projeto de 

interiores adaptado às reais necessidades 

de quem 

” 

lá irá viver, faz toda a diferença. 

O que está in e o que está out em termos de decoração? 

In está a reciclagem com gosto, tecidos com textura e a cor 

branca. Out estão os móveis lacados cheios de brilho, cortinas 

transparentes e cores tristes. 

Com qual estilo de decoração mais se identifica? 

Gosto de misturas, mas identifico-me mais com o estilo contemporâneo. 

Facebook: Ana Moretti Interiores 

Quais os aspetos mais importantes de uma decoração? 

Há dois aspectos importantes numa decoração: o ponto de 

vista estético onde deve prevalecer a coerência do ambiente 

e o ponto de vista do cliente onde deve prevalecer a sua total 

satistação. 

Inspirações para decorar? 

Inspiro-me em livros, filmes, viagens, no quotidiano... em todos 

os tipos de informações e aprendizados possíveis. 

Há também as viagens que me inspiram – África do Sul é o 

país de onde trouxe a riqueza das cores e no Bahrain conheci a 

complexidade da arquitetura islâmica. 

Há quanto tempo envolve-se com decoração e como se 

interessou pela área? 

Estou envolvida com a decoração de interiores desde 1990 

e logo após, troquei o curso de Gestão para envolver-me com 

a loja Luísa Pinho Arte e Decoração que foi um espaço criado 

com uma perspectiva dedicada as coisas de casa e que em 

seguida virou também um ateliê onde passamos a oferecer o 

serviço de projetos de decoração de interiores. 

O que está in e o que está out em termos de decoração? 

In está ambientes elegantes. Out está ambientes escuros e 

sem brilho. 

Com qual estilo de decoração mais se identifica? 

Eu gosto de ambientes com alma! Pode ser qualquer estilo, 

desde que a alma esteja lá identificada. Em todos os detalhes 

decorativos tem de ter uma mensagem! 

Facebook: Teresa Pinho Arte e Decoração 



ILUSTRAÇÃO 

18 

#GIRL 

https://goo.gl/RF1j7N 


POWER! 

QUATRO 

ILUSTRADORAS 

QUE 

ABRA 

ÇAM 

O 

EMPODERAMENTO 

FEMININO NA 

ARTE 


20 

KAOL PORFÍRIO 

https://goo.gl/uoe5gM 

Pense nos jogos digitais. Suas protagonistas mulheres são 

sempre hipersexualizadas, certo? Pois Kaol, que é desenvolvedora 

de games, cansou de não fazer nada quanto a isso e criou 

o projeto Fight Like a Girl, que ilustra heroínas da ficção e da vida 

real. Seus desenhos são postados na página do manifesto no 

Face (+ de 35 mil likes) com textos sobre temáticas feministas, 

como relacionamento abusivo, preconceito e abuso sexual. 

Qual heroína engajou mais? Malala. A ilustração que fiz dela 

estampou um moletom usado por Ariana Grande na manifestação 

contra o Trump, em janeiro. A Feministapparel.com, 

loja nos EUA, entrou em contato comigo pedindo ilustrações. 

Nem acreditei quando a vi com meu desenho no peito! Você 

se sente realizada? Sim, muita coisa incrível aconteceu! No ano 

passado, vendi produtos com ilustras do projeto na Comic Con. 

Lá, uma garota aos prantos me abraçou e disse que conseguiu 

sair de um relacionamento abusivo depois de ver um post 

meu. Me emocionei tanto... E continua a ser desenvolvedora? 

Sim, e torcendo por mudanças na área! Em eventos de jogos, 

é comum as pessoas me ignorarem ou acharem que estou ali 

só para “acompanhar meu namorado”... E quero continuar ilustrando. 

Meu sonho é ter uma lojinha só minha. 

MANU 

CUNHAS 

Manu estudou design gráfico e trabalha como ilustradora. 

A diferença é que ela fez da ilustração um manifesto e 

ganhou os holofotes com o projeto Outras Meninas, que 

retrata a complexa relação das mulheres com seus corpos 

nus. Foram centenas de relatos e fotos de mulheres 

que queriam ser desenhadas por ela... 

O projeto tem muito de você? Super! Sou uma mulher 

segura, mas já tive sérios problemas de autoestima. Ele 

me trouxe autoconhecimento e gratidão. Como tudo 

aconteceu? Tive a ideia em 2014 e fiz as amigas de cobaias. 

Pedi para escreverem sobre seus corpos e as desenhei 

nuas com aquarela. Postei no Face pedindo novos 

relatos e recebi vários. Ilustrei e contei a história de 80! Em 

2016, saiu o livro com financiamento coletivo. Orgulho! 

https://goo.gl/yA815J 


21 

NATH ARAÚJO 

Artista por vocação e publicitária de formação, Nath não 

levava o dom a sério até mudar para São Paulo, em 2009. 

A mineira, natural de Paraguaçú, interior do estado, diz que 

voltou a desenhar por ter se encantado pelo estilo e pela 

personalidade da mulher paulistana. Suas mulheres delicadas 

e poderosas estão em quadros, calendários e peças de 

roupa das mais de dez marcas com que já fez parceria. Seu 

último trabalho, o Quem É Você no Instagram, que retrata 

tribos de mulheres, engajou super: ganha mais de 4 mil 

curtidas nos posts e aplausos de influencers como Camila 

Coelho, Camila Coutinho e Maju Trindade. 

Você se considera uma girl power? Muito! Minhas criações 

falam de empoderamento com bom humor. No 

Quem É Você no Instagram também trabalho a diversidade. 

Ilustro mulheres malhadas, cacheadas, gordas, magras... 

Sempre com delicadeza. Meu objetivo é reforçar o 

amor próprio. Qual o poder do Instagram para você? Gigante. 

Desde 2015, posto sempre e tenho ganhado uma graninha 

com ele. As pessoas fazem pedidos personalizados. 

Já vive só disso? Ainda não. Desenho só à noite durante a 

semana, e o dia todo nos findes. 

JOYCE 

VEIGA 

https://goo.gl/UJT00e 

Foram anos trabalhando como engenheira na Petrobras 

até que, em 2014, Joyce encontrou lápis e papel da filha na 

mesa e começou a desenhar. Simples assim! O dia tinha 

sido megaexaustivo, e aquilo a fez relaxar como não acontecia 

havia muito tempo. No ano seguinte, largou o emprego 

e passou a se dedicar ao hobby. Hoje, faz sucesso 

nas redes com o perfil @desenhosdajoyce, no qual posta 

ilustrações poéticas e femininas que já saíram do feed para 

capinhas de celular, nécessaires, cadernos... 

O que te inspira? Experiências que vivo e já vivi. Gosto de retratar 

a relação da mulher com a maternidade, o casamento, 

a expectativa de trabalhar e continuar presente em casa... As 

mulheres se identificam super, né? Sim! Eu mesma vivi isso, 

me sentia péssima porque chegava estressada e não aproveitava 

minha filha em casa. Quais os planos agora? Quero 

escrever e ilustrar meu próprio livro infantil, com histórias que 

empoderem as crianças. A primeira já está escrita e é inspirada 

na Marina, minha filha de 6 anos. 

https://goo.gl/Hr3Zkx 


PORT F 

ILUSTRAÇÃO 

22 

5 DICAS 

PARA 


IMPORTANTES 

SEU 

FÓLIOhttps://goo.gl/d4HHfT 


24 

Ilustração por Lora Zombie: “Dark Unicorn” 

https://goo.gl/KWZPNA 

oje gostaria falar algumas dicas essências 

para quem está almejando montar 

um portfólio de ilustração, dicas que por 

sinal podem ser aplicadas a outras áreas 

criativas como o Design e a Publicidade. 

Essas dicas foram adquiridas aos longos 

dos anos, assim como muitos de vocês já 

montei e desmontei meu portfólio várias 

vezes (e admito que preciso remontar ele 

novamente o quanto antes), também vi e 

revi diversos portfólios tanto de profissionais 

experientes e bem-sucedidos como de 

amadores e iniciantes na área. 

Portanto, hoje gostaria de dissecar um pouco 

o que faz um portfólio atrativo, tanto para 

criar uma audiência como para vender seu 

portfólio para o mercado, pois jamais devemos 

esquecer que antes de fazer arte, estamos 

vendendo um serviço que precisa ser adquirido, 

logo devemos refletir como tornar ele 

mais atrativo para potenciais compradores. 


25 

#1 

MENOS É MAIS! 

Mesmo os melhores ilustradores do mundo fazem trabalhos 

medianos e trabalhos ruins, é algo inevitável, porém ninguém 

precisa expor isso no seu portfólio, podendo deixar isso para 

um blog ou arquivo pessoal. O problema desse primeiro conceito 

é que muitas vezes temos certo apego a nossas obras e não 

temos o olhar critico de perceber que elas não são todas perfeitas 

e que algumas merecem mais destaque que as outras. 

Bons ilustradores estão sempre insatisfeitos com o seu 

trabalho, muito chegam a afirmar que seu melhor trabalho 

ainda está para ser feito, confirmando a sua busca pela perfeição. 

Tendo isso em mente, na hora de selecionar trabalhos 

para seu portfólio, comece sempre pelos mais antigos, veja 

se eles conseguiram passar o teste do tempo, a maioria das 

vezes não conseguem, por isso é tão comum vermos bons 

portfólios com trabalhos de no máximo 4 anos atrás. 

#2 FOCO 

Falar de foco parece um 

assunto muito próximo do 

item anterior, contudo nesta 

etapa a ideia não é só fazer 

uma curadoria em termos de 

trabalho ou informações que 

irão no portfolio, mas em saber 

qual o foco do seu portfólio. 

Qual o público que você 

quer se dirigir com esse portfólio? 

Você acredita que os 

trabalhos e conteúdos apresentados 

estão alinhados 

com essa fatia do mercado? 

Vamos pensar a seguinte 

situação: Sou um aspirante 

a modelador 3D e estou 

montando meu portfolio, 

faz sentido eu colocar minhas 

ilustrações tradicionais 

em aquarela nele? 

Sim e não. 

Sim, se esse essas ilustrações 

fazem parte da pré- 

-produção de um dos projetos 

de 3D, sendo concepts 

ou roughs. Não, se elas 

tratam apenas de trabalhos 

pessoais desconexos dos 

projetos 3D do portfólio. 

Para iniciantes, é muito tentador 

querer mostrar as mais 

diversas mídias que seu trabalho 

já foi produzido com o 

intuito de abrir novas possibilidades 

de trabalho. No entanto, 

isso pode ser um tiro no pé, 

visto que potenciais clientes 

olharam seu portfólio e poderão 

ficar confusos sobre qual 

é a sua especialidade. 

Não é que você não possa 

ser um ilustrador digital, 

artista de rua, aquarelista e 

modelador 3D, é só que na 

hora de montar seu portfólio 

é necessário focar em alguma 

área ou fazer com que as 

demais trabalhem a favor de 

uma. Existem alguns ilustradores 

que levam essa questão 

do foco tão a sério que 

chegam ao ponto de montar 

vários portfólios com alter 

egos que trabalham cada um 

com uma especialidade, o 

que é uma ideia interessante 

se você tiver tempo e talento 

em mais de uma área. 

Ilustração por Lora Zombie: “True Love” 

https://goo.gl/x2pwS8 


26 

Ilustração por Sabrina Eras: “Cabelo Azul” 

https://goo.gl/nHyogb 

#3 

APRESENTAÇÃO 

Imagine a seguinte situação: Você irá 

realizar uma obra em casa e precisa contratar 

um pedreiro, você liga para dois caras, 

um deles aparece em sua casa com 

um macacão sujo de graxa, de chinelos 

e com uma barba de três dias, já o outro 

aparece com uma calça jeans, uma camisa 

polo, um sapatênis e a barba feira. 

Qual destes você contrataria? 

Pode parecer preconceito da minha 

parte, mas baseado na primeira impressão 

acredito que boa parte das pessoas 

contratariam o segundo (levando apenas 

o fator apresentação, é claro). E não é 

nenhum absurdo fazer isso, visto que o 

julgamento aqui aplicado ao fato de um 

deles ser mais asseado que o outro nos 

faz pensar que seu trabalho também será 

bem acabado. E muitas vezes é realmente 

o caso, embora eu conheça uma centena 

de profissionais da área de ilustração 

que tem um trabalho magnífico, mas a 

apresentação de seu portfólio é terrível. 

Falando de portfólio online, hoje não 

é mais necessário saber programação 

ou web design para ter um site decente, 

plataformas como o Cargo, o Behance, 

WordPress, Tumblr, entre outros, oferecem 

opções bem pensadas e pré-moldadas 

para a criação do seu portfólio. É 

claro, você ainda terá que fazer aquela 

decupagem que falamos no item #1 e 

#2 para pensar na apresentação. 

E quando falamos de apresentação, não 

falamos apenas da cor do fundo ou fonte 

que você está usando em seu site, mas 

pensar a diagramação das informações 

dos trabalhos apresentados, o que é mais 

importante aparecer na pagina inicial? 

Qual será o tamanho dos thumbnails e das 

imagens? Como serão as sessões do site? 

O que você vai colocar nos contatos? 

A página inicial é sempre o maior foco 

de seu portfólio online, ela tem que ser chamativa 

e atraent. Nunca se esqueça: Quanto 

menos opções você dá, mais fácil é de 

conseguir o resultado que quer. Então tente 

minimizar ao máximo o número de sessões 

e links externos, também não faça 

textos homéricos e que possam distrair o 

expectador do que realmente importa. 

Esse tipo de penso também válido 

caso você esteja pensado em fazer 

um .PDF , faça um rascunho das informações 

dos trabalhos apresentados, 

ordem e diagramação do conteúdo, 

pois não tem coisa pior que receber um 

arquivo desses sem identificação alguma 

só com um bando de imagens em 

sequencia, seja minucioso nessa etapa. 


#4 

ESQUEÇA AS FERRAMENTAS 

PENSE NO PROCESSO 

Muitas vezes vemos portfólios em que a divisão de projetos 

ocorre por mídia executada e não por categoria de arte, 

ou seja, temos um botão para pinturas, desenhos, 3D, entre 

outros. Sinceramente, isso só importa se você estiver querendo 

carreira como artista plástico, área em que o corpo de 

trabalho tem seu valor avaliado pela mídia e exposição que foi 

realizado, visto que um artista faz antes de tudo arte para si. 

O ramo da ilustração não está muito preocupado com a 

mídia que você fez um trabalho ou o programa que executou 

ele, mas muito mais preocupado com a razão dele (ilustração 

#5 

SINCERIDADE 

publicitária, editorial, animação, etc) e com o resultado final, 

se ele cumpre com o papel e briefing que foi proposto. 

Para não desanimar, sim, é possível incluir a mídia / programas 

usados, mas nesse caso é legal você fazer um Case 

Studies para tornar essas informações relevantes. Isso é 

algo muito atrativo para certos clientes, visto que muitas 

vezes desmistificar o seu processo facilita a compreensão 

do seu trabalho e prazos necessários para sua execução, 

muitas isso gera certa segurança para o cliente, visto que 

ele compreende como tudo é feito. 

27 

Esse último item pode 

parecer besteira, mas preciso 

enfatizá-lo pois algumas 

pessoas ainda pecam nesse 

quesito. Quando montamos 

um portfólio, não há necessariamente 

problema em se incluir 

trabalhos feitos em colaboração 

com outras pessoas, 

nem em em incluir trabalhos 

“fantasmas” (fictícios para 

marcas), contanto que nestes 

e em outros casos você 

informe o espectador. 

Diversas vezes tive desagradável 

surpresa de ver 

uma ilustração em um portfólio 

de ilustrador para depois 

descobrir que o autor 

dela era outra pessoa e o 

ilustrador havia apenas colorido 

/ feito uma montagem 

em cima / adicionado uma 

tipografia / etc. Não tente enganar 

o seu público, seja sincero 

sobre qual foi seu papel 

no projeto e qual foi o propósito 

dele, pois por mais que 

isso mostre o grau de experiência 

que você se enquadra 

(amador, iniciante, intermediário, 

sênior) enquanto profissional, 

vai te livrar de ter que 

se justificar no futuro e gerar 

mais confiança de quem procura 

seu trabalho. 

Uma ótima maneira prática 

e rápida de treinar a 

criação de seu portfolio é 

através do uso de recursos 

gráficos como templates de 

site, mockups para aplicação 

de seus trabalhos e modelos/aplicações 

que possam 

melhorar mais seus projetos. 

Para uma criação bem feita 

é necessário ter acesso a 

recursos de qualidade como 

texturas, fotos e vídeos. 

Algo que pode facilitar muito 

na sua criação é ter acesso 

a imagens diversas e de boa 

qualidade, um bom lugar para 

encontrar estas para uso em 

sua arte, é o Fotolia da Adobe, 

um banco de imagens líder 

mundial, que dá acesso instantâneo 

a mais de 62 Milhões 

de imagens, vetores, 

ilustrações e videoclipes. 

Ilustração por Sabrina Eras: “Cacto” 

https://goo.gl/OV7Aal 


FOTOGRAFIA 

28 

DE OLHO NAS 

TENDÊNCIAS: 

O PODER DA 

FOTOGRAFIA 

FEMININA 

Ibudowlane24h.pl 



30 

machinerydesign.net 

S 

eguindo o relatório de tendências visuais da para o ano de 2017 

(https://blogs.adobe.com/creativecloud/category/inspiration/ 

2017-visual-trends/), nos deparamos com um tema bastante 

atual e que merece destaque: o poder da fotografia feminina. 

Se antes a presença da mulher em fotografias de bancos 

de imagens se limitava a situações clichês, hoje existe uma 

grande procura por fotografias de mulheres exercendo cargos 

de chefia e em outras situações que antes eram retratadas, 

em sua maioria, somente por homens. 

A tendência reflete a necessidade da visão mais amadurecida 

da sociedade em torno da presença feminina no 

mercado de trabalho e a quebra de estereótipos. 

namasas.com 

lainter.edu.mx 

schwarzwaelder-bote.de 


31 

O OLHAR 

FEMININO 

pcrevue.sk 

Outra grande tendência é o aumento do número de fotógrafas 

e produtoras de conteúdo no mercado de trabalho, compartilhando 

sua visão sobre o mundo. 

Um exemplo disso é Casey Meshbesher, que criou o projeto 

Her Side of the Street (https://medium.com/her-side-of-the-street), 

que tem por foco reunir diversas fotografias urbanas sob 

olhar de diversas fotógrafas. 

Outro projeto que merece destaque é o Women Photograh 

(https://www.womenphotograph.com/), criado por Daniella 

Zalcman. Seu objetivo é promover o trabalho de fotojornalistas 

mulheres, que são a minoria nesse ramo. 

A tendência 

E nítida a preocupação dos bancos de imagens em oferecer 

fotografias que retratem melhor a diversidade que a sociedade 

possui, e em preencher lacunas em branco. 

Se você está trabalhando atualmente em algum projeto que 

envolva uso de imagens, experimente ir além do óbvio e utilizar 

fotografias que fujam de clichês e ideias ultrapassadas. Há um 

potencial enorme nisso. Basta explorar. 

Foto: Elisabeth Schuh 

Foto: Asmaa Waghitt 

Foto: Heidi Levine 

Foto: Birka Wiedmaier 

Foto: Sarah Blesener 

Foto: Sarah Rice 

Matéria: https://www.designerd.com.br/de-olho-nas-tendencias-o-poder-da-fotografia-feminina/ 


OBJETO 

REAL 

com algum tipo de 

marca de referência, que 

possibilite a interpretação 

e criação do objeto virtual; 

Ilustração: Douglas Messora 


CÂMERA OU DISPOSITIVO 

capaz de transmitir a imagem do 

objeto real para a projeção desse item 

no ambiente físico. 

SOFTWARE 

capaz de interpretar o sinal transmitido 

pela câmera ou dispositivo. 

O 

QUE 

PODE 

SER FEITO? 

Muita coisa! 

Como “cria” uma realidade paralela, 

permite que as pessoas tenham 

todo o tipo de experiência como 

viajar para uma praia deserta sem 

sair de casa, andar em montanhas 

russas, apreciar a vista do topo do 

Everest. 

Ajuda na projeção 

de produtos pela 

indústria. 

Aprendizagem 

interativa 

Revolução na 

medicina. 

QUER EXPERIMENTAR? 

1. Baixe o App Aurasma. 

2. Aponte a câmera para nosso QR Code. 

3. Divirta-se! 

Download on the 

App Store 

M 

i 


CURIOSIDADES 

34 

REAL OU 

IMAGINÁRIO? 


Descubra como funciona a 

Realidade 

Aumentada 

URL: https://goo.gl/oERH66 


36Éimpossível que objetos reais interajam 

com objetos virtuais, ou vice-versa, 

certo? Errado! Dê as boas vindas 

a revolucionar a maneira como o ser 

humano interage com as máquinas 

(e as máquinas com o ser humano): 

a Realidade Aumentada, ou (RA). Não 

se preocupe: ainda estamos longe de 

acontecimentos como os ilustrados 

em filmes como Matrix e Exterminador 

do Futuro, se é que eles serão 

possíveis algum dia. No momento, as 

máquinas estão ganhando mais “personalidade”, 

mas isso só significa que 

elas estão cada vez mais cordiais e 

responsivas às ações humanas. 

De uma forma simples, Realidade Aumentada 

é uma tecnologia que permite 

que o mundo virtual seja misturado 

ao real, possibilitando maior interação 

e abrindo uma nova dimensão na maneira 

como nós executamos tarefas, 

ou mesmo as que nós incumbimos às 

máquinas. Assim, se você pensava que 

objetos pulando para fora da tela eram 

elementos de filmes de ficção científica, 

está na hora de mudar seus conceitos. 

Aliás, o que acontece com a Realidade 

Aumentada é o contrário: você pulará 

para dentro do mundo virtual para interagir 

com objetos que só estão limitados 

à sua imaginação. 

Site de Origem: https://www.tecmundo.com.br/realidade-aumentada/2124-como-funciona-a-realidade-aumentada.htm 

De onde veio isso? 

Resumidamente, a Realidade Aumentada 

teve sua origem em algo muito 

simples: etiquetas. Os códigos de barras 

não estavam mais cumprindo com 

perfeição a tarefa de carregar todas as 

informações que se queria obter através 

de sua leitura. Por isso, foram criados 

os códigos 2D (duas dimensões), que 

permitiam o armazenamento de muito 

mais informação do que os códigos de barras. O que isso tem a ver com a Realidade 

Aumentada? Tudo! 

Os códigos bidimensionais são justamente os responsáveis pela possibilidade de 

projetar objetos virtuais em uma filmagem do mundo real, melhorando as informações 

exibidas, expandindo as fronteiras da interatividade e até possibilitando que novas 

tecnologias sejam utilizadas, bem como as atuais se tornem mais precisas. A 

Realidade Aumentada é utilizada combinando-se um código de duas dimensões com 

um programa de computador. 

URL: https://goo.gl/V0N8um 


37 

Diferentes tipos, para diferentes aplicações 

A Realidade Aumentada não está restrita a 

uma única forma de realização. É possível 

utilizá-la tanto com imagens impressas, 

para geração de objetos — interativos ou 

não —, bem como sem qualquer tipo de 

objeto pré-definido 

Aplicações 

A Realidade Aumentada não tem limite 

de aplicações. Ela pode ser usada 

no entretenimento, para criação de jogos 

muito mais interativos do que os 

já existentes; melhoria de processos 

da medicina, como cirurgias remotas, 

nas quais o médico pode estar a 

quilômetros de distância do paciente; 

indústria automobilística, facilitando 

a manutenção do carro pelo próprio 

dono, através de manuais de instrução 

interativos; além de milhares de 

outras alternativas que provavelmente 

ainda veremos serem criadas. 

Você deve se lembrar dos “tamagochis”, 

ou bichinhos virtuais, como 

também eram chamados. Os pequenos 

aparelhos fizeram a cabeça de 

milhões de adolescentes nos anos 

1990. Depois de pouco tempo, eles 

simplesmente desapareceram sem 

URL: https://goo.gl/o8SSll 

dar lugar a um sucessor. Mas os fãs 

desse tipo de brinquedo podem esperar 

um novo lançamento. A Sony, gigante 

do mundo dos eletrônicos e do 

entretenimento, tem o lançamento de 

um bicho virtual chamado EyePet, 

ainda para o ano de 2009. Os donos 

de PlayStation devem conhecer o 

URL:https://goo.gl/2eDVZw 

URL: https://goo.gl/f967c7 

produto EyeToy, que é uma câmera que 

possibilita maior interatividade do jogador 

com o mundo virtual criado pelo console. 

O EyePet utilizará tecnologia de Realidade 

Aumentada para projetar um pequeno 

macaco na tela da televisão. Não há como 

descrever o tamanho da novidade, pois as 

imagens são simplesmente incríveis. 

URL: https://goo.gl/5psuAp 

Existe um desenho animado chamado “Yu-Gi-Oh”, no qual jogadores 

utilizam cartas para criar hologramas de monstros e fazê- 

-los entrar em combate em um jogo extremamente competitivo. 

No PlayStation, temos o Eye of Judgement, um jogo no estilo 

“trading cards”, no qual os jogadores utilizam cartas com personagens 

que possuem atributos, poderes mágicos, habilidades 

de luta e outros. Com a câmera EyeToy, os jogadores não precisarão 

mais ficar só na imaginação, pois os personagens serão 

exibidos na tela da televisão e as batalhas ganharão vida! 

URL: https://goo.gl/5dyCS3 

Mas não pense que somente a indústria do entretenimento 

ganhará com o aperfeiçoamento da tecnologia de Realidade 

Aumentada. Em um próximo estágio no desenvolvimento da 

tecnologia, outras indústrias, e até mesmo o comércio, poderão 

tirar vantagem das facilidades da RA. Se você estiver em uma 

loja qualquer, por exemplo, e uma pessoa passar do lado de fora, 

a vitrine poderá mostrar o modelo, o preço e os tamanhos disponíveis 

da roupa que a pessoa estiver vestindo. 


DESIGN GRÁFICO 

38 

O QUE 

visibilitysign.com/services/graphic-design 

DESIGNER G 


FAZ UM 

GRÁFICO? 


40 

imgur.com/gallery/vd99ZDz 

ocê conhece aquele cara supercriativo? Que sabe desenhar 

e pintar tudo o que o cliente pede? Aquele que está sempre 

ligado ao mundo das artes? Com certeza, estamos falando do 

Designer gráfico. Certo? 

Esse é um tipo de profissional que, com a popularização da 

web, dos aplicativos para celulares e até dos jogos independentes, 

tem sido cada vez mais procurado por grandes e até 

pequenas empresas. 

No entanto, nem todo mundo sabe ao certo o que ele realmente 

faz para ganhar a vida. Não é mesmo? Por isso, preparamos 

esta matéria para explicar melhor o que o Designer gráfico 

faz e quanto ele ganha em média no mercado de trabalho. 

Quer saber mais? Então vamos lá! 

O QUE FAZ UM DESIGNER GRÁFICO 

Ao contrário do que muita gente pensa, apesar de ser muitas 

vezes considerado um artista, o trabalho do Designer gráfico 

é bem diferente do que o senso comum acredita. Artistas 

criam trabalhos pessoais que dependem do olhar da audiência 

para ser interpretados. Já o Designer gráfico não tem essa 

liberdade toda! 

O seu trabalho é criar peças visuais que passem uma determinada 

mensagem e resolvam o problema de seus clientes. 

Ou seja: apesar de também produzirem trabalhos visuais 

V(como os artistas), aqui suas produções são direcionadas pela 


41 

mxcursos.com 

writingfordesigners.com 

perthseowebdesigns.com.au 

intenção do cliente e não apenas por aquilo que eles pensam e 

sentem sobre algo. 

Agora, se ainda ficar com alguma dúvida, lembre-se sempre 

que o Design representa forma e função. Portanto, todo 

trabalho do Designer gráfico deve ser não apenas bonito, 

mas também útil para alguma coisa — seja ela dentro ou 

fora do mundo digital. 

FORA DO MUNDO DIGITAL 

Nessa esfera, podemos destacar os seguintes trabalhos de 

um Designer gráfico: 

•Criação de anúncios para jornais; Criação de anúncios para 

revistas; Editoração de livros; Desenvolvimento de vinhetas 

para TV; Elaboração de identidade visual para empresas; Criação 

da marca e suas aplicações, uniformes, cartões de visitas 

e outros materiais impressos, além de sinalização. 

DENTRO DO MUNDO DIGITAL 

Já no mundo digital, o Designer gráfico pode produzir vários 

outros projetos, como esses: 

•Criação dos layouts para portais, sites e blogs para a internet; 

Criação dos layouts para aplicativos de celulares; Desenvolvimento 

visual de games (dos cenários até os personagens); 

Criação de anúncios para sites e redes sociais; Elaboração de 

campanhas publicitárias para e-mails; Elaboração de animações 

para empresas. 

Para realizar todos esses serviços, o Designer precisa, além 

da criatividade, conhecer as ferramentas para edição de imagens 

e criação de artes gráficas, como o Photoshop, o Illustrator, 

o Fireworks ou qualquer outra ferramenta que o auxilie na 

criação das demandas. 

Uma boa dica para ampliar seus conhecimentos técnicos é 

realizar cursos que te ensinam a lidar com essas ferramentas de 

desenvolvimento de jogos, arte digital, Design e efeitos visuais. 

QUE TIPO DE EMPRESA CONTRATA ESSE PROFISSIONAL? 

Achou bacana o trabalho do Designer gráfico? Ótimo! Agora, 

se você estiver em dúvida sobre qual tipo de empresa costuma 

contratar esse profissional, listamos alguns segmentos 

para você ficar ainda mais por dentro desse universo. 

Aqui, vão alguns: 

•Agências de publicidade; Estúdios de Design; Startups de 

tecnologia; Empresas que precisem de comunicação interna; 

Redes de televisão; Estúdios especializados em vídeos para o 

YouTube; Shoppings; Redes de supermercado; Produtoras de 

games; Produtoras de animações. 

Viu como praticamente todo segmento de mercado pode 

precisar dos trabalhos de um designer gráfico? E olha que ainda 

existem os Designers freelancers que podem trabalhar sem 

vínculo com uma empresa, de projeto em projeto, em um estúdio 

próprio para atender seus clientes. 

QUANTO EM MÉDIA GANHA UM DESIGNER? 

Alguns anos atrás, o pessoal do estúdio Design & Chimarrão 

elaborou uma tabela de preços se baseando no tanto que os 

Designers gráficos poderiam cobrar ou ganhar dependendo de 

seus trabalhos. 

Só que essa tabela acabou gerando muita polêmica, virando 

até mesmo pauta para alguns podcasts por aí, já que 

ela não levava em conta o fato de que, para cada estado, 

cada cidade e até cada empresa, o valor do trabalho pode 

ser diferente. 

OFERTA, DEMANDA E QUALIDADE DO TRABALHO 

Assim como a variação do salário, a oferta e a demanda de 

trabalho para os Designers gráficos também é bem grande, 

no entanto, é bom lembrar que o seu salário normalmente vai 

variar com a sua experiência de mercado e também com qualidade 

do resultado entregue. 

Matéria: https://www.saga.art.br/o-que-faz-um-designer-grafico/ 


DESIGN GRÁFICO 

42 

DESIGN 

betacowork.com 

COM 

uestionamentos nos levam a respostas e essa busca nos fazem 

aprimorar o processo de busca das soluções. No campo 

do Design, agregar valor ao conhecimento é essencialmente 

importante. Proporcionalmente à nossa insistência, a capacitação 

vem com esse empenho em aprimorar aquilo que se sabe. 

Nosso Design tem sido relevante para nossa comunidade? Do 

ponto de vista profissional, temos contribuído para que nossa 

área seja levada mais a sério? 

É muito comum vermos alguém oferecendo serviços (muitas 

vezes até bons) a preço de banana (na maioria das vezes, banana 

bem barata, mesmo). Essa discussão é recorrente e, infelizmente, 

ainda muito necessária. Alguns buscam estabelecer valor a partir 

do ponto do conhecimento, outros carregam uma visão mais 

comercial e visa mensurar o que se faz por meio de horas trabalhadas. 

Ainda outros, fitam-se na ideia de trabalho por empreita, 

ou seja, fecha um valor de acordo com prazo e empenho. E indo 

mais além, há os que solucionam a problemática da precificação 

no Design com o foco no grau de dificuldade do job. 

Questionar custo, preço e valor é essencial. No entanto, a 

valorização na área de Design vai além da questão do preço a 

se cobrar pelos serviços prestados. Envolve até mesmo uma 

questão muito mais filosófica que meramente técnica. Muitos 

dos “profissionais” da área ainda não sabem o que é conceito, 

mas manipulam maravilhosamente alguns programas da 

Adobe, como Ps, Ai e Ae. Nesse campo, a questão de valor vai 

além de “mexer” nos aplicativos. 

Entendendo o Design como um artifício que envolve planejamento, 

desenho (projeto) e conceituação objetiva, facilita a percepção 

de que nossa área está bem aquém de onde deveria. 

Bons designers, escritórios, estúdios e agências estão crescen- 

Qdo cada dia por entenderem bem esses pilares. O Design está 


43 

VALOR 

AGREGADO 

dagensperspektiv.no 

i1.wp.com 

em tudo e não obstante, merece o válido respeito. E obviamente, 

os profissionais da categoria devem ser os primeiros a representarem 

esse peso de valor. Tudo fica mais fácil de resolver quando 

entendemos que “o Design está sempre a tentar ligar a forma 

à função, o plano à inspiração”, como cita o cineasta Morgan Neville, 

da série documental, “Abstract: The Art of Design”. 

Um job de Comunicação e/ou Design deveria ser mensurado 

pelo grau de construção e empenho intelectual que ele exige e não 

apenas pela quantidade de horas trabalhadas. Quando o assunto é 

concepção criativa e planejamento, estratégia ou solução gráfica, 

não tem preço específico que pague por um serviço, tendo em vista 

que este solucione a questão. O pagamento em si, visa amparar o 

empenho e dedicação profissionais direcionados ao projeto. 

Assim, pois, a valorização que tanto almejamos na nossa 

categoria, perpassa pela forma como recebemos o Design 

em nossa cosmologia. O entendimento natural de que desenhar 

um conceito e/ou projetar uma ideia são algo que 

estão além do fato de uma mera mão de obra atrelada a investimento 

em equipamento e outros insumos, adianta em 

muito a responsabilidade posicional que temos em fazer 

com que se entenda o quanto antes a força que o Design 

exerce na sociedade como um todo. Trazer à luz uma solução 

de demanda, seja em visão gráfica, UX/UI, ou mesmo 

em prototipação para resultados (Design Thinking), é 

pensar a vida geral de uma forma otimizada e direcionada 

para soluções práticas e efetivas. E isso é puramente, uma 

questão de Design. 

No fim das contas, tudo parte de um entendimento. E perdoe-me 

o trocadilho, mas depende, ironicamente, de um entendimento amparado 

por um conceito. É bom lembrar que Design é um exercício 

de empatia universal; é o ato de gente pensar como gente. 

Matéria: http://designculture.com.br/design-com-valor-agregado/ 


TUTORIAL 

44 

Imagem: Douglas Messora 


Como criar uma 

ACTION 

para efeito de 

DuplaExposição 

Descrição: Hoje veremos como criar o efeito 

de dupla exposição e ao mesmo tempo criaremos 

uma action para criação do efeito, para isso 

usaremos duas imagens, modos de blend e 

algumas adjustment layers. 

Nível: Intermediário 

Dificuldade: 


46 

1 

Precione Ctrl+O 

e abra a primeira 

imagem. 

Imagem: Léa Dubedout 

2 

Vá em File> Place 

e adicione uma 

segunda imagem. 

Imagem: Life-Of-Pix 


47 

3 

Ajuste a imagem com na foto acima e pressione Enter para finalizar a transformação, 

mude o modo de blend da layer para Overlay. 

4 



Agora vá em Window> Actions, clique no ícone de Create New Action no rodapé 

da paleta de Actions e defina os valores abaixo e clique em Record. 

Name: Dupla Exposição 

Set: Default Actions 

Function Key: None 

Color: None 


48 

5 

Mude o modo de blend da layer para Screen, clique no ícone de Add Layer Mask 

no rodapé da paleta de layers para adicionar uma máscara na layer. 

6 



Pressione Ctrl+J para duplicar a layer, clique na miniatura da máscara aplicada 

na layer e pressione Ctrl+I para inverter a cor da máscara para preto. 


49 

7 

Vá em Layer> New Adjustment Layer> Levels e defina os valores abaixo. 

1: 8 2: 1,15 3: 197 

8 



Vá em Layer> New Adjustment Layer> Brightness/Contrast e defina os valores abaixo. 

Brightness: 0 

Contrast: 100 


50 

9 


Vá em Window> Actions para abrir o painel de actions e clique no botão de Stop 

no rodapé da paleta de actions. 

10 


Clique na miniatura da máscara em branco, pressione a letra D do teclado para 

resetar as cores de Foreground e Background para preto e branco, pressione a letra 

B do teclado para selecionar a Brush Tool, com uma opacidade baixa aplique o brush 

em áreas onde se deseja maiores detalhes da imagem em destaque. 


51 

No final sua imagem ficará como a foto abaixo. 


Site de origem: https://design.tutsplus.com/tutorials/how-to-create-a-double-exposure-action-in-photoshop--cms-27821 


DESIGN DE PRODUTOS 

52 

IMG Stock Studio 


Design 

de 

Joias 

A arte da joalheria 

contemporânea 


54 

Divulgação SJP / Kat Florence 

Apúblico alvo e assim trabalhar para ele, 

deve conhecer os valores da sua marca, 

criar identidade em seu traço despertando 

o desejo de consumo. 

Este novo modelo de trabalhar com 

joalheria envolve o trabalho com planejamento, 

temas, estratégias de produção e 

comercialização, desenvolvendo peças 

bem elaboradas, viáveis ao consumidor 

alvo e encantadoras à todos os olhares. 

Na joalheria, complementam-se os estudos 

de design com a educação artística. 

As teorias dos cursos de artes visuais 

contribuem para a formação da opinião 

que, por sua vez, provém dos processos 

de evolução do homem. Essencial na 

poesia, a metáfora é a linguagem das 

imagens. Símbolos e metáforas diferem, 

mas se interligam, ao evocar e narrar. 

Para se avaliar a estética de uma jóia, 

que lida com as questões das artes liberais, 

considera-se a essência do design, 

buscando por estruturas poéticas tanto 

na concepção, quanto na composição 

da peça, e por elementos metafóricos 

e/ou simbólicos significativos. Na joalheria, 

materiais alternativos são experimentados 

na medida em que reafirmam 

as intenções nas mensagens artísticas. 

Em curto prazo, as múltiplas idéias revolucionárias 

das artes visuais interferiarte 

da joalheria é uma das mais antigas 

artes decorativas existentes: mais de 

sete mil anos se passaram desde que 

um ancestral do homem moderno resolveu 

utilizar conchas e sementes como 

adorno pessoal. 

As joias, os metais preciosos e as gemas 

sempre vieram ao encontro dos 

mais profundos sentimentos humanos: 

a atração por materiais raros e belos, o 

desejo pelo embelezamento do corpo, o 

status e a superstição representada pelo 

poder atribuído a determinadas gemas. 

A história da joalheria no progresso da 

civilização humana compreende o trabalho, 

a criatividade e o talento de sucessivas 

gerações de artesãos ao desafio de transformar 

materiais preciosos em ornamentos 

pessoais de elevado valor artístico. 

Ao longo dos últimos anos, o Brasil 

vem se destacando internacionalmente 

como criador de joias e isto se deve ao 

fato do país ter apostado nesta categoria 

de criadores, o designer de joias. 

Esta profissão tornou-se cada vez 

mais necessária dentro da indústria joalheira, 

quando os empresários passaram 

a perceber que o grande diferencial de 

uma joia está no seu design. 

Mas um designer de joias deve compor 

muito mais do que um desenho. Ele 

deve ser responsável por boas ideias, 

que vendam emoção e facilitem o processo 

produtivo. Deve saber identificar o 

crítica. Já as técnicas de prática são ensinadas 

através das obras dos grandes 

mestres, para que o aprendiz, a partir do 

seu ponto de vista, descubra o próprio 

caminho. O estilo é o modo como cada 

um dispõe elementos formais que criam 

a sintaxe da imagem, ou melhor, seu arranjo 

da linha, forma, cor, luz e sombra, 

textura e espaço. 

Todo profissional deve sempre se 

atualizar, pesquisando novos campos 

ligados à sua área, para aprimorar seus 

conhecimentos. 

A reflexão sobre a arte é filosófica, 

teorizando a experiência do poético na 

criação artística. Analisa-se uma obra de 

qualidade considerando as várias metodologias 

da história de arte: formalismo 

(aspectos formais), iconografia (temas 

da arte figurativa), marxismo (fatores 

econômicos e sociais), feminismo (condição 

da mulher), semiótica (símbolos e 

signos), biografia e autobiografia (vivência 

e expressão do artista), ou psicanalítica 

(inconsciente do autor). 

A joalheria da antigüidade era representada 

por amuletos. A contemporânea 

é orientada por símbolos culturais 

e poéticos, de acordo com os desenvolvimentos 

em todos os setores de arte 


55 

ram, marcando em definitivo, com suas 

novas descobertas, a arte tradicional 

da joalheria. A primeira grande mostra 

de joias contemporâneas foi em 1961 

no Goldsmiths’ Hall de Londres. Essa 

exibição deu impulso ao movimento de 

que o uso de recursos alternativos na joalheria 

não se traduz em insignificância 

artística. Verificava-se na época, quanto 

mais valorosa fosse uma gema, menos 

imaginativa e estética era sua cravação, 

visando fins lucrativos. Falta de ouro e 

outros materiais preciosos na Alemanha 

Oriental, fizeram com que seus artistas 

recorressem aos sintéticos e reciclados 

para compor suas peças, como ocorrera 

no período Art Nouveau e Déco. O surgimento 

de algumas galerias só para joias 

de arte foi oportuno, coincidindo com a 

atribuição de qualidades formais a essa 

joalheria, isto é, o artista-criador passou 

a ter sua autoria reconhecida. Foi inaugurado 

também em 1961 o primeiro museu 

de joalheria de arte em Pforzheim – 

o renomado Schmuckmuseum. 

A Joalheria de Autor, tem como proposta 

a necessidade da própria expressão 

pessoal do artista e o designer, em 

contraposição, adotando a metodologia 

de desenvolvimento de projeto de produtos, 

atua a partir de uma necessidade ou 

demanda específica de outro sujeito que 

não ele mesmo. 

Criação de joias é atividade onde há 

espaço para a produção manual, artesanal 

nas técnicas tradicionais de ourivesaria, 

bem como para a produção 

industrial em grande ou pequena escala, 

desenvolvida com metodologia de projeto 

de design como o de qualquer outro 

produto industrial ou artesanal que 

tenha o objetivo de consumo e não somente 

de fruição pelo público. 

Na joalheria, o desenvolvimento de 

uma coleção é um processo que passa 

por várias etapas. Inicialmente o designer 

precisa observar o “espírito da época”, 

realizando suas pesquisas para a compreensão 

do contexto no qual está 

inserido. Em seguida, avaliam-se as 

tendências observadas, adequando-as 

à realidade da empresa e do mercado 

visado. O próximo passo é a montagem 

de um mood board com o material 

recolhido e previamente selecionado. 

Este material é importante para a 

definição do tema e do conceito a ser 

trabalhado na coleção. Após a definição 

do tema, vem a etapa da pesquisa 

deste tema e montagem de uma ambiência 

específica, formada por uma 

ou mais imagens. As etapas seguintes 

incluem uma análise das tecnologias 

disponíveis, a escolha de materiais e a 

definição dos códigos visuais que serão 

usados na coleção. 

A coleção, assim, estabelece parceria 

com toda a cadeia produtiva, pois 

cada etapa deve ser analisada para 

que a fabricação alcance o máximo 

em seus resultados: beleza, qualidade 

e competitividade. 


56 

Formada em desenho industrial, Anna Isima já fez parte da 

equipe de criação de marcas conceituadas de bijuteria e possui 

em seu currículo cursos focados no segmento da Joalheria. 

Apaixonada por joias desde criança, a designer acredita que o 

adereço possui o poder de transformar a imagem da mulher, 

proporcionando muito mais autoconfiança em seu dia a dia. 

Além de oferecer um atendimento personalizado, para garantir 

a qualidade de suas peças, Anna acompanha de perto todas as 

etapas do processo de fabricação das coleções que desenvolve. 

P: Você se lembra da primeira joia 

que ganhou? 

R: A primeira exatamente não, eu 

era bebê, rs. Foram pulseira e brincos de 

ouro, presente dos meus avós. 

Mas ganhei de 1ª comunhão uma 

correntinha com crucifixo dos meus pais 

e uma Nossa Senhora da minha avó. E 

aos 18 anos, um anel do meu padrinho. 

Foram as que mais marcaram e tenho 

até hoje. 

P: Quando surgiu o interesse na 

criação de joias? 

R: Desde os 10 anos eu montava bijuterias 

com ajuda da minha mãe e tias. 

Coisa de criança e vendia na escola. Aos 

17, voltei a fazer e vender. Foi aí que comecei 

a procurar por cursos universitários, 

pois iria acabar o colégio, e como 

quase todo adolescente, não sabia qual 

carreira seguir. 

Depois de muito conversar, pesquisar 

o que gostava, escolhi Desenho Industrial , 

pois um curso somente de joias era muito 

caro. E aos poucos fui me especializando. 

meus 4 anos de faculdade eu fiz cursos 

livres variados e mais importante ainda é 

nunca deixar de estudar, sempre acompanhar 

as novidades. 

P: Quais suas maiores influências e 

inspirações na Joalheria? 

R: Van Cleef & Arpels é minha maior 

inspiração, eles tem um cuidado e carinho 

pela joia, tudo é mágico e impecável. 

Depois , os tradicionais brilhantes da Tiffany 

e os incríveis leopardos da Cartier. 

P: Qual seria sua principal dica para o 

aspirante na profissão? 

R: Importante a prática no dia a dia. 

Nada mais enriquecedor do que o know 

how de cada um. Meu maior aprendizado 

foi trabalhando. Entender o mercado 

do seu produto. O campo da joalheria é 

enorme e se divide em vários segmentos. 

Porém ele é fechado, fazendo um 

bom trabalho e com bons contatos você 

não fica sem trabalho. E o mais importante, 

seja qual for a escolha, fazer com 

amor e dedicação. 

P: Quanto tempo de estudo é necessário 

para se tornar um designer de joias? 

R: Acho de extrema importância 

um designer conhecer todo o processo 

de produção da joia e não somente desenhar. 

Pois na concepção temos que 

saber o que é viável produzir. Isso leva 

um tempo razóavel, de acordo com a 

disponibilidade de cada um. Durante os 


57 

“Acho de extrema importância 

um designer conhecer todo o 

processo de produção da joia 

e não somente desenhar” 

Fotos de divulgação Anna Isima 


Impre 

DESIGN E TECNOLOGIA 

58 

Kjpargeter / Freepik 


essão 

O futuro de 

34 anos 

atrás 

Kjpargeter / Freepik 


60 

O QUE É IMPRESSÃO 3D? 

HISTÓRICO DA IMPRESSÃO 3D 

Também conhecida como manufatura 

aditiva, a impressão 3D é um termo 

que surgiu no início dos anos 90 que engloba 

a criação de modelos físicos por 

meio de design digital. Se enquadram 

no termo toda tecnologia com capacidade 

de tornar físico modelo por desenho 

assistido por computadores (CAD), 

cada tecnologia tem suas peculiaridades, 

mas todas seguem o mesmo princípio: 

um modelo digital é transformado 

em modelo físico camada por camada. 

Variações da tecnologia podem utilizar 

de termoplásticos à resinas, pó, metal 

e até mesmo materiais compósitos. 

Cada tipo de material tem sua tecnologia 

específica, seus pontos positivos e 

seus pontos negativos, que podem ser 

mensurados de forma diferente dependendo 

de qual segmento é aplicado. 

Apesar de ser até hoje considerado um 

conceito “futurista” e coisa que parece ter 

saído de algum sci-fi, a manufatura aditiva 

começou sua jornada em 1983! 

E o responsável principal pela criação 

desta tecnologia foi Charles W. Hull, também 

conhecido como O Pai da Impressão 

3D e inventor da Estereolitografia. 

Em 1983 foi criada a patente para o 

método ou aparato para criação de objetos 

sólidos por “impressão” sucessiva de 

finas camadas de material curável em 

exposição à luz ultravioleta no topo uma 

da outra. Logo após fundar a 3D Systems, 

Hull percebeu que sua tecnologia 

não era limitada à líquidos e estendeu a 

patente para “qualquer material capaz de 

solidificação ou capaz de alterar seu estado 

físico”. Essa mudança foi a fundação 

para o que passou a ser conhecido como 

Manufatura Aditiva – a impressão 3D. 

COMO FUNCIONA A IMPRESSÃO 

3D? 

O QUE PODE E O QUE NÃO PODE 

SER FEITO COM UMA IMPRESSO- 

RA 3D ATUALMENTE? 

Fotos de divulgação Stratasys 

Tudo começa com um modelo em 

3D (CAD), que deve ser separado em 

camadas que a máquina entenda. Essa 

interpretação de uma geometria tridimensional 

em comandos que a máquina 

pode replicar é feita por um software 

de fatiamento, ou slicer, que consegue 

traduzir os movimentos necessários 

para replicar da geometria à parâmetros 

de diferentes componentes (como temperaturas 

e velocidade de ventoinha na 

tecnologia FDM). 

Por conta de suas grandes diferenças 

em métodos, as tecnologias operam 

com materiais específicos, que podem 

ou não ser utilizados de alguma forma 

em outros dos métodos. Um exemplo 

disso são os termoplásticos utilizados 

na tecnologia FFF/FDM que forma o 

modelo derretendo plástico e depositando 

por caminhos específicos definidos 

pelo slicer. 

Apesar da impressão 3D possuir incontáveis 

aplicações em vasta maioria 

dos segmentos, e ser muitas vezes a 

única/melhor escolha nessas aplicações, 

ela ainda é uma tecnologia, e como 

tal possui suas limitações, que são testadas 

e melhoradas com o tempo. Mas 

então, o que ela pode e o que ela não 

pode fazer atualmente? 

ELA PODE... 

Recriar designs complexos 

A manufatura aditiva permite que se 

crie complexas geometrias e formas, 

inclusive recria fielmente modelos que 

outras formas de fabricação não conseguem, 

como é o caso no modelo abaixo, 

onde uma fresa por exemplo não teria 



61 


como criar a peça de uma só vez. 

Além disso, o custo por complexidade 

não é escalonado da mesma forma 

de outros métodos, pois um modelo 

simples pode consumir o mesmo nível 

de insumo que outro modelo complexo. 

Customizar como nunca antes foi visto 

Por lidar com modelos digitais e um 

número de insumo variável, a impressão 

3D pode tomar qualquer forma que possa 

ser criada em um computador, as tecnologias 

se adaptam a geometrias complexas 

de formas diferentes, podendo se 

dar por suportes sendo acrescentados 

ao projeto como visto nas tecnologias 

FFF/FDM e SLA/DLP ou por meio do 

próprio insumo, como visto em SLS com 

o pó utilizado na câmara de impressão 

já atuando como suporte para a peça e 

sendo retirado para pós-produção. 

Descartar moldes para produção de 

certas peças 

Prototipagem por injeção ou fundição 

envolve a criação de um molde para as 

diferentes peças que compõem o modelo 

final, tais moldes saem a um alto custo de 

tempo e de dinheiro, e em alguns casos 

são custos desnecessários. Enquanto a 

impressão 3D não vai substituir toda a 

cadeia de produção, ela é muitas vezes a 

escolha ideal se tratando de produção em 

escala reduzida para diversas aplicações. 

Consumir menos que outros métodos 

semelhantes de fabricação 

Por se tratar de um método aditivo de 

prototipagem, a impressão 3D só utiliza o 

material necessário para a peça que está 

fazendo. Em fresagem por exemplo, você 

sempre necessita de um bloco inicial do 

material a ser utilizado, perdendo todo o 

material que não for parte da peça final. 

ELA NÃO PODE 

(pelo menos ainda...) 

Substituir uma cadeia de produção 

Apesar de ser uma ótima solução para 

escalas reduzidas como citado acima, 

o tempo que a impressão 3D necessita 

para criar um objeto (apesar de variar 

entre tecnologias) é significativamente 

maior ao que se emprega atualmente nas 

linhas de produção, tornando inviável a 

substituição de uma cadeia de produção. 

Entregar uma peça final sem necessitar 

de pós-produção 

A necessidade de pós-produção varia 

muito entre tecnologias, mas na grande 

maioria das vezes algum passo deve ser 

seguido pós-impressão para alcançar 

um resultado ideal. Existem inúmeros 

métodos para melhorar aparências, simular 

texturas e materiais ou reforçar as 

estruturas de uma impressão. 

Criar peças com resistência industrial 

Apesar dos últimos anos trazerem 

materiais novos como filamentos compósitos 

em FDM ou resinas resistentes 

à impacto/temperaturas em SLA, o fato 

é de que hoje ainda é difícil uma peça alcançar 

resistência igual ou semelhante 

à de uma peça fresada ou fabricada por 

outro método que não envolve camadas 

sendo acrescentadas. 

Alcançar a precisão de um relógio suíço 

Enquanto a maioria das tecnologias 

em manufatura aditiva trabalham com 

resoluções entre 100 à 20µm(mícron), 

equivalente à espessura de uma folha 

de papel, uma precisão além disso ainda 

é difícil de se replicar. Peças que dependam 

de pequenos encaixes e tolerâncias 

mínimas para seu funcionamento ainda 

não são realidade comum para as tecnologias 

englobadas no mercado atual de 

impressão 3D. 


OBJET500 

CONNEX3TM 

A única impressora 3D a oferecer avançadas 

combinações de materiais e cores. 

É hora de desfrutar de uma 

liberdade de design inigualável. 

Graças à capacidade de combinar cores 

vivas e materiais diferentes, a Objet500 

Connex3 TM é a única impressora 3D que 

permite que você simule com precisão a 

aparência e a funcionalidade dos produtos 

de materiais avançados e dezenas de 

combinações possíveis, seus projetos 

ganharão vida na forma de modelos 

realistas logo no início do processo de 

design. 

Cores: Com um grande número de opções 

de cores realistas, você poderá integrar 

cores vibrantes em modelos criados com 

vários materiais diferentes. Nenhuma 

outra impressora 3D oferece esse nível de 

Tipo borracha: A Objet500 Connex3 inclui 

borracha, os quais podem ser combinados 

a materiais rígidos em uma única operação 

de montagem. Você poderá prototipar 

sobremoldagens em borracha e superfícies 

macias e antideslizantes, como botões, 

alças, puxadores e um número ilimitado de 

Transparência: A Objet500 Connex3 

permite construir modelos transparentes 

ou combinações transparentes/opacas 

– inclusive modelos com interior opaco 

e exterior transparente – junto com uma 

grande variedade de cores translúcidas. 

Materiais digitais: Com mais de 180 

opções de materiais – que incluem o Digital 

ABS – você pode imprimir em 3D em todo o 

Com tantas novas opções de cores e 

combinações de materiais para explorar, 

qual será seu próximo design? 

Soluções versáteis, prototipagem 

multifuncional. 

A Objet500 Connex3 é a única impressora 

3D multifuncional que oferece uma 

solução de modelagem abrangente para 

os designers durante todo o ciclo de 

desenvolvimento dos produtos. 

Idealização e concepção: Com uma 

ampla variedade de opções de materiais 

e combinações, as equipes de design 

a imaginação é o único limite. 

Colaboração no design: Com um 

avançado realismo no produto desde os 

primeiros estágios, sua equipe poderá 

colaborar com outros grupos e compartilhar 

ideias para aperfeiçoar ainda mais seu 

design. 

Otimização do design: O aprimoramento 

ser feito antes da usinagem de moldes para 

produção. 

Validação do design: Com um amplo 

espectro de propriedades de materiais – 

da borracha –, as equipes de design 

desempenho e testes intensivos. 

Realismo nos produtos de 

verdade – pré-montados em um 

único trabalho de prototipagem. 

A nova tecnologia da Objet500 Connex3 

de jateamento de três materiais 

automatiza a criação de protótipos 

complexos com propriedades de materiais 

diferentes – sem necessidade de 

montagem. 

Desfrute da criação de protótipos com 

riqueza de recursos – incluindo a alta 

resolução de 16 mícrons – que oferece 

um alto nível de detalhes e superfícies 

suaves para a criação de modelos 3D 

precisos e brilhantes e que deixarão seu 

público de boca aberta. E, com todas as 

opções de cores e materiais disponíveis 

– incluindo a visualização de cores 

brilhantes –, os modelos impressos na 

Objet500 Connex3 serão sempre os mais 

realistas possíveis. 

Saiba mais sobre a 

Objet500 Connex3 

em www.ska.com.br

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