PORTFÓLIO MÓNICA CAPUCHO

MÓNICA CAPUCHO

Durante o Verão de 1947, Yves Klein
olhou para o céu e, contemplando a infinitude,
usou-o como exemplo para pensar sobre as
amplas possibilidades criativas da cor azul,
declarando: “O azul do céu é a minha primeira
obra de arte” 1 . Mais tarde esclareceria: “o azul
não tem dimensões; está para além destas,
enquanto que nas outras cores não é assim. Todas
as cores despertam ideias associativas específicas
enquanto que o azul sugere no máximo o mar e o
céu, e estes, afinal, são, dentro da natureza real e
visível, o que é de mais abstrato” 2 . Em 1947, Klein
começou a produzir peças pintadas de uma só
cor, chegando às quase duzentas peças, tendo
registado a autoria do pigmento que se
popularizou mais tarde como o IKB International
Klein Blue. Acreditando que a cor era energia
pura, adoptou o monocromatismo porque
entendia-o como um caminho para a total
rejeição da representação na obra e, por isso, um
modo de atingir um nível máximo de liberdade
criativa. Portanto, aplicou o azul em esponjas
coladas em tela, em performances no corpo de
modelos ou em esculturas, destacando-se as
conhecidas representações do globo terrestre ou
da Vitória de Samotrácia.
Esta terceira exposição individual de
Mónica Capucho na galeria Carlos Carvalho é
composta por três núcleos distintos, agrupados
por organizações formais similares entre si: de
um lado as pinturas de vários formatos de outro
as peças de parede e as peças de chão. Mais
uma vez, a palavra cria um efeito de equilíbrio
desafiando o papel que a mancha e a textura de
cor adquirem na obra. A artista inscreve
indicações, ora tautológicas, como por exemplo
em “Interconnection of blue sequences”, ora
confrontando o observador com uma suposta
objectividade mostrando as frases: “Peculiar,
indicações, ora tautológicas, como por exemplo
em “Interconnection of blue sequences”, ora
confrontando o observador com uma suposta
objectividade mostrando as frases: “Peculiar,
Unfaked and Honest Blue” ou “Pure, Elegant and
Sincere Blue” e quase dando ao azul uma
dimensão afectiva, descrevendo o objecto
criado e jogando com os significados e
desenhos das palavras.
Aparentemente objetivos e não
referenciais, os trabalhos exibem um amplo
mostruário de texturas, brilhos, pinceladas e
matizes subtis que encerram em si próprios uma
linguagem visível apenas quando detectada
numa análise mais profunda. Mónica Capucho
motiva-nos a observar mais além da aparência
colocando jogos de ocultação do material,
usando por exemplo superfícies com resultado
visual semelhante, misturando inclusive
pigmentos para o efeito, mas que se
diferenciam na essência e na percepção ao
toque. O espaço de decisão da artista está
nas composições de materiais, nas texturas,
na sua articulação com o significado ou com o
desenho da palavra. A materialidade é
interpretada e compreendida em todas as
suas dimensões: a artista mistura betão,
madeira, pedra ou silicone, controlando os
seus efeitos e a forma como se apresentam
ao observador pensando na temperatura, no
brilho ou na textura, na atração ou frieza, na
dureza ou na maciez da matéria.
Para Yves Klein, a adopção da cor
única traz à obra um sentido de dissolução
das diferenças dos materiais com vista à
abstração total. No trabalho de Mónica
Capucho, pelo contrário, a opção pela
prevalência da cor única segue um caminho
inverso convidando o observador a focar-se
quase exclusivamente sobre as qualidades
materiais do objecto. O cinzento e branco são
cores auxiliares que agem para dar expressão
ao azul porque tudo funciona em direcção à
cor única. A escolha pelo quase
monocromatismo permite ao observador ver
o desenho formado pela composição dos
materiais, texturas, consciencializando-o para
o modo como estes afectam a nossa
percepção da cor. As obras apresentam uma
multiplicidade de variáveis em torno do azul
seja este mate ou luminoso, com diferentes

materiais.
Mónica Capucho pensa também na obra
enquanto objecto que funciona como parte
estruturante de um todo, não descurando o seu
valor singular. A pintura-instalação torna-se
fisicamente activa: a artista explora propriedades
da obra no espaço analisando peso, estabilidade e
densidade. Os trabalhos, de configuração
puramente geométrica, expandem-se na
visualidade da galeria, ora isolando-se em
algumas instalações, ora fazendo parte de um
todo global. Sendo uma exposição site specific, é
no espaço que as obras se apresentam, pelas
relações criadas entre cada uma e numa instalação
que se coloca em diálogo com as linhas
arquitectónicas das duas salas. A exigência no
observador da propriedade física do objecto,
designadamente a escala e a presença, fá-lo
assumir um papel crucial, a par da importância da
obra e do espaço. A opção pelo quase
monocromatismo também confere à exposição
essa densidade imersiva. O uso da cor
predominante desmaterializa a obra, criando
maior permeabilidade na sua relação com espaço
de exposição. O foco, por isso, está na totalidade -
a cor autonomiza-se, sai da pintura e liberta-se no
vazio.
Da mesma forma que Yves Klein inventou
o pigmento IKB, tornando-se um químico em
laboratório, a artista dirige o seu trabalho para a
análise quase laboratorial da percepção da cor,
dos materiais e das formas em articulação com o
observador e com o espaço, convertendo esta
exposição numa obra total com dimensão
corpórea e sensitiva.
1 Alastair Sooke - “Yves Klein: The man who invented a
colour" (28/08/14 http://www.bbc.com/culture/story/
20140828-the-man-who-invented-a-colour
2 “Studio International”, Vol. 186 (1973), p. 43.

During the summer of 1947 Yves Klein
looked at the sky and gazing at the infinitude
used it as an example of thinking about the
limitless creative possibilities of the colour
blue, declaring: “The blue sky is my first
artwork“ 1 . Later he would explain “Blue has no
dimensions; it goes beyond them, while the
same doesn’t happen with the other colours.
All colours stir up specific associative ideas,
whereas blue suggests mostly the sea and the
sky and these are, after all, in nature that is real
and visible, completely abstract” 2 . In 1947
Klein started presenting works painted in one
colour only, reaching almost two hundred
pieces, having registered the authorship of the
pigment, which later become popular as IKB,
the International Klein Blue.
Believing that colour was pure energy,
he adopted monochromatism, for he
understood it as a way of totally rejecting
representation in his work: he saw it as a
means to get to creative freedom. Therefore
he applied blue in sponges glued on canvas,
in performances on the body of models or on
sculptures, from which stand out the well
known representations of the globe or of the
“Victory of Samothrace”.
This third solo exhibition of Mónica
Capucho in the gallery Carlos Carvalho is
composed of three distinctive nuclei, grouped
according to formal similar organizations; on
one hand the paintings of different sizes; on
the other the wall and the floor pieces. Once
more the work creates a balance, challenging
the role that both the colouring and the texture
acquire in the work.
The artist writes indications either
tautological, as, for instance, in
“Interconnection of blue sequences” or
confronting the viewer with the meanings and
drawings of the words.
Apparently objective and nonreferential,
the works display a large show-case
of textures, sparkles, brushstrokes and subtle
hues, containing in themselves a language only
understood in a deeper analysis.
Mónica Capucho motivates us to
observe beyond the outlook, playing hyding
games, using for instance, surfaces with a
similar visual result, mixing pigments for the
effect, but which are different both in essence
and perception to touch.
The artist’ s decision capacity dwells in
the composition of materials, in the textures, in
their articulation with the meaning or the
drawing of the word.
Materiality is interpreted and
understood in all its dimensions: the artist
mixes concrete, wood, stone or silicone
controlling their effects and the way in which
they present themselves to the viewer,
thinking about the temperature, the sparkle
or the texture, about the attraction or
coldness, the harshness or softness of the
matter.
For Yves Klein the adoption of one
only colour brings to the work a feeling of
dissolution of the differences in various
materials, leading to complete abstraction.
In Mónica Capucho’s work, on the
other hand, the option of the predominance
of just one colour follows a different path,
inviting the viewer to focus almost
exclusively on the material choice for the
near monochromatism allows the viewer to
see the drawing formed by the composition
of the materials and the textures,
qualities of the work. Gray and white work as
auxiliary colours acting to give expression to
blue, so that everything works towards one
colour. The making him conscious of the way
in which these influence his perception of
the colour.
The works show a multiplicity of
variables around blue, dull or shiny, with
different shapes and intensities, analysing
the strength of amplification in the space of
the gallery. The artist makes us, therefore,
plunge in the multiple, infinite and complex
blue, altering according to different

materials.
Mónica Capucho also thinks about
the work as an object that functions as a
structural part of a whole, not dismissing its
singular value. The painting-installation
becomes physically active: the artist explores
properties of the work in space, analysing
weight, stability and density. The works in
pure geometrical shapes, expand
themselves through the gallery, either
isolated, as is the case of some installations,
or being part of a whole.
Being a “site specific” exhibition, it is in the
space where the woks are displayed and
through the relations created among them
and each installation, that a dialogue is
established with the architectural lines of the
two rooms.
The demand on the observer of the physical
property of the object, namely the scale and
the presence, makes him play a crucial part,
along with the importance of the work and
the space. The option for the almost
monochromatism also gives the display that
immersive density. The use of a predominant
colour dematerializes the work, creating
more permeability in its relation with the
display space. the pigment IKB, becoming a
chemist in a laboratory, the artist directs her
work towards the analysis almost laboratorial
of the perception of colour, of the materials
and the forms in articulation with the viewer
and the space, covering this display in a
whole work with a corporeal and sensitive
dimension.
1 Alastair Sooke - “Yves Klein: The man who invented a
colour" (28/08/14 http://www.bbc.com/culture/story/
20140828-the-man-who-invented-a-colour
2 “Studio International”, Vol. 186 (1973), p. 43.

Balance Created between Difficult Choices, 2020, Técnica mista s/ tela Mixed media on canvas, 120 x 175 x 4 cm

Asymmetrical Assemblage of Blue Thoughts, 2020
Técnica mista sobre tela Mixed media on canvas, 183 x 183 cm

Asymmetric Blue, 2019
Técnica mista s/ tela, 183 x 183 x 4 cm (detalhe detail)

Imaginary Blue System, 2020
Técnica mista sobre MDF, pedra, madeira, cimento e gesso Mixed media on MDF, stone, wood, concrete and plaster, 15 x 120 x 4 cm (detalhe detail)

Real, 2019
Técnica mista s/ tela Mixed media on canvas,, 50 x 50 x 4 cm

Concrete, 2019
Técnica mista s/ tela Mixed media on canvas,, 50 x 50 x 4 cm

Ultramarine Deep, 2019
Técnica mista s/linho cru Mixed media on raw linen, 30 x 20 x 4 cm

Cerulean Blue Hue, 2019
Técnica mista s/linho cru Mixed media on raw linen, 30 x 20 x 4 cm

Sévres Blue, 2020
Técnica mista s/ mármore Mixed media on marble, 115 x 19 x 3 cm

Cobalt Blue, 2020
Técnica mista s/ mármore Mixed media on marble, 12 x 12 x 3 cm

Imagens da exposição Exhibition views | Uneven Order, Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa Lisbon, 2020

Imagens da exposição Exhibition views | Uneven Order, Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa Lisbon, 2020

Imagens da exposição Exhibition views | Uneven Order, Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa Lisbon, 2020

Imagens da exposição Exhibition views | Uneven Order, Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa Lisbon, 2020

MÓNICA CAPUCHO, NEW ORDER, 2018, Técnica mista s/ tela Mixed media on canvas, 110 x 200 cm

MÓNICA CAPUCHO, INNER VISION, 2018, Técnica mista s/ tela Mixed media on canvas, 110 x 200 cm

MÓNICA CAPUCHO, ABSENT LIGHT, 2018, Técnica mista s/ tela Mixed media on canvas, 25 x 67 cm

MÓNICA CAPUCHO, EQUAL PARTS, 2018, Técnica mista s/ tela Mixed media on canvas, 25 x 67 cm

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Equal Parts, Galeria da Região Sul da Ordem dos Médicos, Lisboa Lisbon, 2019

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Equal Parts, Galeria da Região Sul da Ordem dos Médicos, Lisboa Lisbon, 2019

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Equal Parts, Galeria da Região Sul da Ordem dos Médicos, Lisboa Lisbon, 2019

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Solid Matter, Galeria Municipal Vieira da Silva, Loures, 2019

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Solid Matter, Galeria Municipal Vieira da Silva, Loures, 2019

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Solid Matter, Galeria Municipal Vieira da Silva, Loures, 2019

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Solid Matter, Galeria Municipal Vieira da Silva, Loures, 2019

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Solid Matter, Galeria Municipal Vieira da Silva, Loures, 2019

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Solid Matter, Galeria Municipal Vieira da Silva, Loures, 2019

Solid Matter
Sérgio Fazenda Rodrigues
Solid Matter é uma exposição que Mónica Capucho
apresenta na Sala Multiusos e na Galeria Municipal
Vieira da Silva, no Parque Adão Barata, em Loures.
Mónica Capucho intervém em dois espaços
contíguos, de carácter oposto mas complementar.
Dois locais que se separam pela presença de um
pátio exterior, mas que se ligam pela natureza do
trabalho exposto.
A primeira sala (Sala Multiusos) afirma-se como um
espaço ainda inacabado, onde a expressão dos
materiais e a sua lógica construtiva é fortemente
vincada. Enquanto espaço aberto, esta sala
caracteriza-se pela sua extensão e marca-se pela
presença do tijolo e da estrutura metálica, que surge
de forma assumida. A segunda sala (sala de
exposições da Galeria Municipal Vieira da Silva)
aproxima-se ao ambiente anónimo de um vulgar
White Cube, mas detém uma compartimentação
menos evidente e algumas janelas sobre a
dominante paisagem suburbana.
A exposição trabalha entre estes dois tipos de
ambientes, contraditórios e marcantes do decurso
da história da arte. Entre o estaleiro e a galeria,
entre o espaço único e a compartimentação, entre a
crueza do espaço frontal e a encenação do espaço
branco.
I
Mónica Capucho aborda a palavra escrita e gere
uma ideia que se forma em torno de uma lógica
construtiva e, simultaneamente, constitutiva. Nas
suas obras existem dois pontos que se distinguem,
complementam e ganham expressão – a presença
da palavra e a marcação de uma norma.
Na primeira sala, todo o espaço é ocupado por uma
instalação composta por duas fileiras de objectos
que se encadeiam para formar uma perspectiva. A
perspectiva marca um ponto que existe para lá das
paredes e define um caminho que nos convida a
rodear o trabalho, levando-nos ao fundo da sala.
As palavras surgem pintadas sobre materiais de
construção civil e a norma é ditada pela composição
ordenada que estes elementos definem. Estes
elementos dão corpo a uma base que, ao mesmo
tempo, se torna princípio ordenador e elemento
discursivo. Como nas páginas de um caderno
pautado, as vigotas de betão ordenam duas linhas,
com fiadas paralelas, onde se pousam placas de
betão, madeira, cerâmica e vidro. Sobre estas placas,
que detêm sempre o mesmo tamanho e são a
planimetria de um tijolo, existem palavras que
reflectem ou contradizem a natureza do sistema
criado.
As obras trabalham com a força da gravidade,
constroem-se por sobreposição, e dispõem-se no
pavimento. Nessa articulação, as palavras ligam-se, os
materiais cruzam-se, as frases emergem, os objectos
ganham forma e os sentidos encadeiam-se. A palavra
que surge em cada elemento é lida como afirmação
e o vazio que fica entre cada parte, é lido como
silêncio. Funcionando como pequenos Haikus, cada
obra é feita do diálogo que se gera entre a matéria,
a palavra, o espaço e o silêncio. Aqui, todas as obras
são iguais no princípio ou na norma que os delineia,
e diferentes naquilo que comunicam. Assim, a
relação entre duas ou mais placas e a sua
proximidade aos limites da base, acompanham a
natureza do material e o sentido das palavras que
sobre elas se inscrevem. Mónica Capucho cria um
sistema de ordenação que cruza a natureza do que
está fisicamente presente, ou do que se manifesta
como matéria, com o carácter do que
imaterialmente se invoca, ou do que se manifesta
como palavra. A articulação entre estes elementos
produz uma interlocução que funciona isoladamente
para cada obra, mas que também relaciona as
diferentes obras, o todo da instalação e o espaço
envolvente.
Dir-se-ia que a artista ensaia uma lógica gramatical
para algo que é intuído, procurando, no fundo, uma
expansão do seu sentido. Cruzando algo físico,
tangível e mensurável, com algo imaterial, invocatório
e especulativo. Ou, como a própria refere, gerindo a
obra com “um instinto racional”.
II
A sala de exposições recebe um conjunto de obras
que ocupam as paredes e acompanham a
compartimentação do espaço existente. Na sua
maioria tratam-se de pinturas sobre tela que
definem vários grupos de acordo com uma
dimensão tipo. No total existem três grupos, com
escalas e formatos diferentes, acrescidos de um
outro, autónomo, no final da sala.
Nesta sala dá-se sentido a um diálogo entre a
palavra e a geometria ou, predominantemente, entre
a pintura e o seu suporte. Esse diálogo, que assenta
numa concordância entre a ordem e a variação, ou
entre o encaixe modular e a mudança de
composição é, aqui, contrariamente à sala anterior,
de ordem pictórica. Assim, se no outro espaço essa
relação detém um vigor objectual, resultando num
conjunto de esculturas que dão corpo a uma
instalação, aqui essa relação tem uma leitura
tendencialmente gráfica, que unifica a intervenção
sem a moldar à existência de uma obra única.
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MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Solid Matter, Galeria Municipal Vieira da Silva, Loures, 2019

Solid Matter
Sérgio Fazenda Rodrigues
Solid Matter is an exhibition staged by Mónica
Capucho in the Multipurpose Room [Sala Multiusos]
and at the Vieira da Silva Municipal Gallery, in Parque
Adão Barata, Loures. Mónica Capucho intervenes in
two adjoining spaces, opposite but complementary
in nature. Two sites separated by the presence of an
outside courtyard albeit connected by the character
of the work on show.
The first room (the Multipurpose Room) is set up
as a yet unfinished space, where the expression of
the materials and their constructive approach is
strongly inscribed. As an open space, this room is
characterized by its length and stands out due to the
presence of brick and a metallic structure which
emerges very plainly. The second room (the
exhibition room at the Vieira da Silva Municipal
Gallery) draws closer to the anonymous
atmosphere of a common White Cube, while still
displaying a less evident compartmentalization and
some windows overlooking the suburban landscape.
The exhibition takes shape between these two kinds
of atmospheres, both contradictory and pivotal in
the path of art history. Between the studio and the
gallery, between single space and
compartmentalization, between the rawness of the
frontal space and the staging of the white space.
I
Mónica Capucho addresses the written word and
generates an idea which is formed around a
constructive and, at the same time, constitutive logic.
In her pieces there are two elements that stand out,
complement each other and become notable – the
presence of the word and the establishment of a
norm. In the first room, the whole space is taken up
by an installation made up of two rows of objects
that link up to form a perspective. The perspective
sets a point which exists beyond the walls and
defines a path that invites us to circumvent the
work, taking us to the end of the room.
The words emerge painted on construction
materials and the norm is prescribed by the ordered
composition defined by these elements. They
embody a base which becomes, simultaneously,
ordering principle and discourse element. As on the
pages of a ruled notebook, the concrete beams
compose two lines, with parallel rows, where
concrete, wood, ceramic and glass slabs come to
rest. On these slabs, which are all the same size and
constitute the planimetry of a brick, there are words
that reflect or contradict the nature of the system
created.
The artworks team up with the force of gravity, are
constructed by overlap,
and are laid out on the pavement. In this articulation,
the words connect, the materials intersect, the
statements emerge, the objects are shaped, and the
senses link up. The word that emerges in each
element is read as a statement and the void which
remains between each part is read as silence. Acting
as small Haikus, each work is produced by the
exchange it generates between matter, word, space
and silence. Here, all the artworks are alike in the
principle or in the norm which shapes them, and
different in what they communicate. Thus, the
relation between two or more slabs and their
proximity to the limits of the base match the nature
of the material and the meaning of the words
inscribed on then. Mónica Capucho creates an
ordering system which intersects the nature of what
is physically present, or what manifests itself as
matter, with the nature of what is immaterially
evoked, or what manifests itself as word. The
articulation between these elements produces a
dialogue which functions in isolation for each
artwork, but which also connects the different
pieces, the whole installation and the surrounding
space.
One might say that the artist is testing a grammatical
logic for something which is intuitively perceived,
deep down seeking an expansion of its meaning. By
intersecting something physical, tangible and
measurable with something immaterial, recollective
and speculative. Or, as the artist herself puts it, by
managing the work with “a rational instinct”.
II
The exhibition room houses a set of artworks which
fill the walls and follow the compartmentalization of
the existing space. For the most part, they are
paintings on canvas defining various groups
according to a standard size. Overall, there are three
groups, featuring different scales and formats, plus
another one, autonomous, at the end of the room.
In this room, meaning is given to a dialogue between
the word and geometry or, predominantly, between
the painting and its stand. This dialogue, which is
based on an agreement between order and
variation, or between the modular fitting and the
change in composition, is here, contrarily to what
happens in the previous room, pictorial in nature.
Thus, whereas in the previous space this relation
displays an object-based vigour, resulting in a range
of sculptures which constitute an installation, here
that relation has a reading that tends to be graphic,
unifying the intervention without shaping it to the
existence of a single artwork.
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MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Solid Matter, Galeria Municipal Vieira da Silva, Loures, 2019

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Solid Matter, Galeria Municipal Vieira da Silva, Loures, 2019

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Solid Matter, Galeria Municipal Vieira da Silva, Loures, 2019

MÓNICA CAPUCHO, Series of Non-existent issues 2008, Técnica mista s/ MDF mixed media on MDF, 16 (30 x 50 x 4 cm)

MÓNICA CAPUCHO, Basic Units of a System 2008, Técnica mista s/ MDF mixed media on MDF, 16 (30 x 50 x 4 cm)

MÓNICA CAPUCHO, Unpredictable Result | Reduction of a complex existence, 2009, Técnica mista s/ tela Mixed media on canvas, 110 x 200 x 4 cm

MÓNICA CAPUCHO, Detail of a Mental Reaction | Expression of some disorder, 2009, Técnica mista s/ tela Mixed media on canvas, 110 x 200 x 4 cm

MÓNICA CAPUCHO, Looking for intensity, something, tranquility, tomorrow, 2015, Óleo s/ madeira Oil on wood 100 x 5 x 4 cm

MÓNICA CAPUCHO, Looking for reality, visibility 2015, Óleo s/ madeira Oil on wood 100 x 5 x 4 cm

MÓNICA CAPUCHO, Reason from within, 2009, Técnica mista s/ tela Mixed media on canvas, 100 x 100 x 4 cm

MÓNICA CAPUCHO, Looking for something, 2015, Técnica mista s/ madeira Mixed media on wood, 185 x 200 cm

MÓNICA CAPUCHO, Looking for something, 2015, Técnica mista s/ madeira Mixed media on wood, 5 x 100 cm (cada each)

MÓNICA CAPUCHO,Crisscross, 2017, Técnica mista s/ tela Mixed media on canvas, 50 x 100 cm

MÓNICA CAPUCHO, Looking for something, 2015, Técnica mista s/ madeira Mixed media on wood, 5 x 100 cm (cada each)

MÓNICA CAPUCHO, Looking for something, 2015, Betão e gesso concrete and plaster, 5 x 100 cm (cada each)

A possible image for the words
By Martim Dias
Every word has the power of building mental
pictures, in the same way as images show the need
for finding verbal justifications, integrating them at
determined moments, defining them or simply
offering them an approach to the temporality
belonging to the scope of the word. We live sunk
in a world of images and words, elements that
often cross each other.
The deepening over the features inherent to the
dialogue between word and image was always a
prolific field of discussion, as Simonides1 states. He
denominates painting as silent poetry and, on the
other hand, poetry as talking painting. The 20th
century is rich in declarations searching for a
bigger relation among different language codes.
From René Magritte, who tried to prove that
words and images differ in how they are
understood, to Christopher Wool, who, trough a
process of taking texts of different sources, used
the repetition and space between words and
letters to break their primary meaning. In spite of
the large scope of research developed around this
subject, in the context of contemporary art there
are several open lines of investigation following this
discussion between two fields, considered
complementary.
What does this mean? How is this defined? What
can be seen? What can be drawn out of a word or
of a text? These are some of the fundamental
questions in an attempt of reading the work of
Mónica Capucho. These are doubts that take
shape in her way of understanding the ideas
enclosed in verbal codes, far from the imagetic
materialization, familiar to the onlooker, a way that
goes beyond any verbal barrier.
The comprehension of a work undergoes a series
of six steps- look, observe, see, describe, analyse
and interpret. Because we are living the moment,
sunk in a continuous present, as Jameson2 states,
Under Pressure invites us to withdraw from the
pressure inherent to the reversal of our own time.
This exhibition seeks to go beyond what is
captured at first sight, what can be taken from the
first viewing. Here the onlooker is given an
approach through a number of mechanisms that
connect human learning and human understanding,
in the knowledge that each person is made of a
complex texture.
In Under Pressure the process of converging the
visible and the imagined is very clear, based on a
triad that includes the word, the colour and the
texture. This exhibition is directed by the search of
stylistic resources, beneath an idea of replacement
and visual reinvention based on contiguity and
similarity.
So, clearly, mechanisms of metaphor and
metonymy, common elements in the field of the
word come up, but here they are drawn to the
visual field. With this in mind Mónica Capucho
tries to establish a relation of complicity between
word and image. So the word becomes visible
and the image becomes textualized in a
connection that wears out logic and becomes an
improbable trap for the onlooker.
This connection between word and image, either
bi or tridimensional, asks for an effort of
interpretation by the onlooker. Each work
exhibited here has the capacity of existing on its
own, in its unity. However it tries to establish new
and unexpected readings starting from the
complex relation between the onlooker and the
whole.
Under Pressure seeks to write and rewrite the
aura of the words, proposing a reflection about
their ability to enlarge, distort, translate or amplify
the meaning underlying a set of works ordered in
an unbroken form. This project is composed of a
selection of words in which everything is imagetic,
material, visible, making it essential to observe the
whole set, cleansing each part with the purpose of
establishing the appropriate articulation among the
various elements. In some of the works an excess
of meaning, of comprehension, can occur, based on
what is not written, on what cannot be said,
cannot be thought, can only be suggested.
And if at the beginning of this project we meet the
word, at the end an image comes up, an object or
perhaps even a new source of inspiration for the
linguistic creation.
1 PLUTARCO. De gloria Atheniensium 3.346f. citado por CAMPBELL, David A
- Greek Lyric, Volume III, Stesichorus, Ibycus,. Simonides, and Others. Cambridge:
Loeb Classical Library. 1991. p. 363.2 JAMESON, Frederic. El giro cultural:
Escritos seleccionados sobre el posmodernismo 1983-1998. Buenos Aires:
Manantial. 2010. p. 37.

MÓNICA CAPUCHO, Grey | Neutral Field, 2017,Técnica mista s/ tela mixed media on canvas, 50 x 50 cm (cada each)

Uma imagem possível para as
palavras.
By Martim Dias
Toda a palavra tem a capacidade de construir
imagens mentais, assim como as imagens
demonstram, em determinados momentos, a
necessidade de encontrar justificações verbais que
as integrem, as definam, ou simplesmente lhes
ofereçam uma aproximação à temporalidade
pertencente ao campo da palavra. Vivemos
submergidos num universo de imagens e palavras,
elementos cujos limites se cruzam com frequência.
O aprofundamento sobre as características
intrínsecas ao diálogo estabelecido entre palavra e
imagem foi, desde sempre, um fértil campo de
debate, como afirma Simónides1, o qual denomina
a pintura como poesia muda e, por outro lado, a
poesia como pintura falante. O século XX é rico
em manifestações que procuram uma maior
relação entre distintos códigos de linguagens. De
René Magritte, que procurou comprovar como as
palavras e as imagens diferem nos seus modos de
compreensão, a Christopher Wool que, através de
um processo de apropriação de textos
provenientes das mais diversas fontes, utilizou a
repetição e o intervalo entre palavras e letras para
romper o seu significado primário. Apesar da
abrangência das investigações desenvolvidas em
torno deste tema, prevalecem no contexto da
arte contemporânea múltiplas linhas de
investigação abertas que procuram prosseguir este
debate entre dois campos tidos como
complementares.
O que significa? Como se define? O que se vê? O
que se pode extrair de uma palavra ou texto?
Estas são algumas das questões basilares numa
tentativa de leitura do trabalho de Mónica
Capucho. São dúvidas que se formam a partir do
seu modo de compreender as ideias contidas sob
códigos verbais, longe da materialização imagética
que é familiar ao observador e que ultrapassa
qualquer barreira verbal.
A compreensão de uma obra está composta por
uma série de seis passos – olhar, observar, ver,
descrever, analisar e interpretar. Num momento
como o que se atravessa, mergulhados num
presente contínuo como afirma Jameson2, Under
Pressure convida-nos a um afastamento da
pressão inerente à inversão que fazemos do nosso
próprio tempo. Esta exposição procura ir além do
que é capturado num primeiro olhar, o que é
extraído à primeira vista. Aqui propõe-se ao
espectador uma aproximação através de um
conjunto de mecanismos que relacionam a
aprendizagem humana e a compreensão humana,
sabendo que cada indivíduo está constituído como
uma textura complexa.
Em Under Pressure é evidente o processo de
aproximação entre o visível e o imaginado, com
base numa tríade onde se inclui a palavra, a cor e a
textura. Esta exposição está orientada pela
exploração de figuras de estilo, sob uma ideia de
substituição e reinvenção visual, fundamentadas na
contiguidade e semelhança. Com isto surgem, de
forma clara, mecanismos próprios da metáfora e
da metonímia, elementos comuns no território da
palavra, mas que aqui se estendem ao campo
visual. Com isto, Mónica Capucho procura
estabelecer um nexo de cumplicidade entre
palavra e imagem, no qual a palavra se visualiza e a
imagem se textualiza numa relação que esgota a
lógica e se transforma numa improvável armadilha
para o espectador.
Esta relação estabelecida entre palavra e imagem,
seja a mesma bi ou tridimensional, demanda um
esforço interpretativo por parte do espectador.
Cada trabalho que aqui se apresenta tem a
capacidade de existir por si só, na sua unidade,
sem deixar, contudo, de procurar estabelecer
novas e inesperadas leituras a partir da complexa
relação que se gera entre espectador e conjunto.
Under Pressure procura rever e reescrever a aura
das palavras, propondo uma reflexão sobre a sua
capacidade de ampliar, distorcer, traduzir ou
amplificar o significado que serve de base a um
conjunto de palavras ordenadas de forma
contínua. Na seleção de obras que compõem este
projeto tudo é imagético, matérico, visível, sendo
necessário observar o conjunto, depurar as partes,
com a finalidade de estabelecer uma articulação
adequada entre os diversos elementos. No caso
de algumas das obras apresentadas pode ocorrer
um excedente de sentido, de compreensão, com
base no que não está escrito, no indizível, no que
não é pensado mas sugerido.
E se no início deste projeto nos encontramos com
a palavra, no final surge uma imagem, um objeto,
ou talvez uma nova fonte de inspiração para a
criação linguística.
1 PLUTARCO. De gloria Atheniensium 3.346f. citado por
CAMPBELL, David A - Greek Lyric, Volume III, Stesichorus,
Ibycus,. Simonides, and Others. Cambridge: Loeb Classical
Library. 1991. p. 363.2 JAMESON, Frederic. El giro cultural:
Escritos seleccionados sobre el posmodernismo 1983-1998.
Buenos Aires: Manantial. 2010. p. 37.

MÓNICA CAPUCHO, Unacademic | Black, 2017,Técnica mista s/ tela mixed media on canvas, 50 x 50 cm (cada each)

MÓNICA CAPUCHO, Colours, 2017, Técnica mista s/ tela mixed media on canvas 50 x 100 cm

MÓNICA CAPUCHO, Oblique, 2017, Técnica mista s/ tela mixed media on canvas 50 x 100 cm

MÓNICA CAPUCHO, Looking for Wholeness, 2015, Óleo s/ madeira Oil on wood, 30 x 50 x 4 cm

MÓNICA CAPUCHO, Intuitive tridimensional form, 2015, Óleo s/ madeira Oil on wood, 30 x 50 x 4 cm

MÓNICA CAPUCHO, Too much contrast for you?, 2015, Óleo s/ madeira Oil on wood, 30 x 50 x 4 cm

MÓNICA CAPUCHO, Looking for reality, 2015, Óleo s/ madeira Oil on wood, 30 x 50 x 4 cm

MÓNICA CAPUCHO, Color Paintings (blue/black), 2015, Papel reciclado feito à mão Hand made recycled paper, 17 x 25 cm

MÓNICA CAPUCHO, Color Paintings (blue/black), 2015, Papel reciclado feito à mão Hand made recycled paper, 17 x 25 cm

MÓNICA CAPUCHO, WORDS HAVE FORMS, FEELINGS HAVE SENSES, 2015, Técnica mista sobre pedra Mixed media on stone, 5 x 100 x 4 cm

MÓNICA CAPUCHO, FUN FOR THE PEOPLE, REALITIES HAVE PATTERNS, 2015, Técnica mista sobre pedra Mixed media on stone, 5 x 100 x 4 cm

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Deconstructive Blocks, Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa Lisbon, 2012

MÓNICA CAPUCHO, Shapes of Inner Sight, 2008, Técnica mista s/ MDF Mixed media on MDF, 16 (30x50x4 cm)

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Deconstructive Blocks, Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa Lisbon, 2012

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Deconstructive Blocks, Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa Lisbon, 2012

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Deconstructive Blocks, Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa Lisbon, 2012

MÓNICA CAPUCHO, Vista da exposição Views from the exhibition Deconstructive Blocks, Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa Lisbon, 2012

Mónica Capucho
Lisboa, 1971. Vive e trabalha em Cascais.
Mónica Capucho
Lisbon, 1971. Lives and works in Cascais, Portugal
EXPOSIÇÕES INDIVIDUAIS (SELEÇÃO)
Unever Order (2020, Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa)
Equal Parts (2019, Galeria da Região Sul da Ordem dos Médicos, Lisboa)
Solid Matter (2018, Galeria Municipal Vieira da Silva. Loures, Portugal)
Still Under Pressure (2018, Galeria Siboney. Santander, Espanha)
Under Pressure (2017, Centro de Artes e Cultura de Ponte de Sor. Ponte de Sor,
Portugal)
Units of Order (2016, Biblioteca José Saramago. Loures, Portugal)
Looking for Something (2015, Fundação D. Luís I. Cascais, Portugal)
Deconstructive Blocks (Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisboa)
Banded Apparatus e Paperwork (2012, Paços Galeria Municipal: sala 1 e 3, Torres
Vedras)
Possessive Statement (2010, galeria Quadrado Azul. Porto, Portugal)
Under Deconstruction (2009, IVAM. Valência, Espanha)
Clean Approach (2007, Carlos Carvalho Arte Contemporânea. Lisboa, Portugal)
SOLO SHOWS (SELECTION)
Unever Order (2020, Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisbon)
Equal Parts (2019, Order of Physicians gallery, Lisbon)
Solid Matter (2018, Vieira da Silva Municipal Gallery. Loures, Portugal)
Still Under Pressure (2018, Siboney Gallery. Santander, Spain)
Under Pressure (2017, Centro de Artes e Cultura de Ponte de Sor. Ponte de Sor,
Portugal)
Units of Order (2016, Biblioteca José Saramago. Loures, Portugal)
Looking for Something (2015, Fundação D. Luís I. Cascais, Portugal)
Deconstructive Blocks (Carlos Carvalho Arte Contemporânea, Lisbon)
Banded Apparatus e Paperwork (2012, Paços Galeria Municipal: sala 1 e 3,
Torres Vedras)
Possessive Statement (2010, galeria Quadrado Azul. Porto, Portugal)
Under Deconstruction (2009, IVAM. Valência, Spain)
Clean Approach (2007, Carlos Carvalho Arte Contemporânea. Lisbon, Portugal)
EXPOSIÇÕES COLETIVAS (SELEÇÃO)
Périclos / Arte Portugués de Hoy (2016, CAC Málaga . Málaga, Espanha)
Anatomia da Palavra (2015, Casa da Escrita, Coimbra. Portugal)
Párergon (2013, comissariada por José Maria Parreño, Galeria e Auditório
Municipal de Torres Vedras . Bogotá, Colômbia)
Identidad Femenina (2013 IVAM . Valência, Espanha Spain 2012 Museu de Arte
Contemporânea de Santiago de Chile, Chile 2011; Memorial da América Latina,
Galeria Marta Traba . São Paulo, Brasil)
IVAM Donaciones (2010, IVAM . Valência, Espanha)
3 PT (2010, Galeria Full_art . Sevilha, Espanha)
GROUP SHOWS (SELECTION)
Périclos / Arte Portugués de Hoy (2016, CAC Málaga . Málaga, Spain)
Anatomia da Palavra (2015, Casa da Escrita, Coimbra. Portugal)
Párergon (2013, comissariada por José Maria Parreño, Galeria e Auditório
Municipal de Torres Vedras . Bogotá, Colômbia)
Identidad Femenina (2013 IVAM . Valência, Spain 2012; Museu de Arte
Contemporânea de Santiago de Chile, Chile 2011; Memorial da América Latina,
Galeria Marta Traba . São Paulo, Brazil)
IVAM Donaciones (2010, IVAM . Valência, Spain)
3 PT (2010, Galeria Full_art . Sevilha, Spain)
COLEÇÕES
Francisco Pimentel & Associados SADV
Eastécnica, Lisboa
Ministério dos Negócios Estrangeiros, Lisboa
Embaixada de Portugal em Buenos Aires, Argentina
Embaixada de Portugal em Atenas, Grécia
Embaixada de Portugal em Copenhaga, Dinamarca
Embaixada de Portugal em Pretória, África do Sul
COLECTIONS
Francisco Pimentel & Associados SADV
Eastécnica, Lisbon
Ministry of Foreign Affairs, Lisbon
Portuguese Embassy in Buenos Aires, Argentina
Portuguese Embassy in Athens, Greece
Portuguese Embassy in Copenhaga, Denmark
Portuguese Embassy in Pretória, South Africa

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