Blu-ray Sonderheft "Regie-Special zu Oliver Stone, Woody Allen, J. J. Abrams, Christopher Nolan u.v.a." Regie-Special zu Oliver Stone, Woody Allen, J. J. Abrams, Christopher Nolan u.v.a. (Vorschau)

Regisseure im Spotlight
DAS MAGAZIN FÜR
HÖCHSTEN FILMGENUSS
Bilder: 20th Century Fox, Oliver Stone, „Savages“ auf Blu-ray erhältlich
Regisseure
im Spotlight
Vol. 1
Oliver Stone & Co.
im Interview

Film Anspruch
Nicolas
Nicolas WiNdiNg RefN
im Spotlight
oNlY god foRgiVes Walhalla RisiNg
38
L’Enfant Sauvage, das wilde Kind – so nennen die Dänen ihren aufstrebenden Arthaus-Regisseur Nicolas Winding
Refn. Wenn man seine Filme sieht, lässt sich tatsächlich eine latente Gewalt erkennen, die nur darauf wartet, sich in
einem neuen Meisterwerk zu entladen.
Spätestens seit dem spektakulär stylischen
Arthaus-Drama „Drive“ ist Winding Refns unkonventioneller,
vorrangig visueller Erzählstil bekannt
wie ein bunter Hund. Seine Filme sind für
den heutigen Hollywood-Apparat im Prinzip das,
was Sergio Leones Spaghetti-Western in den
1960ern waren. Ohne viele Worte zu verlieren,
geht es um die Blicke, die Körpersprache und
die inneren Prozesse, die der Zuschauer nur vermuten
kann. Refns Helden sind also mindestens
so cool wie Clint Eastwood. Und wenn sie doch
einmal ein paar Worte verlieren, dann hallen diese
wider, wie ein Donnerschlag. Auch das Stilmittel
der expliziten Gewalt wird quantitativ sparsam
gesät. Wenn sie jedoch ausbricht, dann in einer
kurzen, unästhetisch nüchternen Szene, die stets
einen faden Beigeschmack hinterlässt. Die Macht
eafeaR X
der Worte nutzt der Drehbuchautor, Produzent
und Regisseur als punktuell eingesetzte Waffen.
Beispielsweise gibt es in seinem Wikinger-Epos
„Walhalla Rising“ (2009) gerade einmal 120
Dialo gzeilen. Dem von Mads Mikkelsen gespielten
Protagonisten kommt hierbei kein einziges Wort
über die Lippen.
Der Berserker
Ursprünglich standen die Weichen für Refns
Filmkarriere nicht so gut. Beschaut man sich den
extrem ruhigen Kopfmenschen in persona, mag
man kaum glauben, dass er in jungen Jahren wegen
eines Wutanfalls (er schleuderte einen Tisch
gegen die Wand) von der American Academy Of
Dramatic Arts flog. Und auch die Ausbildung an
der Danish Film School war nur von geringer Dauer.
Erst die Ausstrahlung einer seiner Kurzfilme
lenkte die Aufmerksamkeit einiger Produzenten
auf ihn, was ihm das Budget für seinen ersten
Kinofilm einbrachte. „Pusher“ (1996) war in vielerlei
Hinsicht ein Sprungbrett für den zu dem
Zeitpunkt gerade einmal 26-jährigen Winding
Refn. Das schonungslose Drogendrama über die
Kopenhagener Unterwelt kam bei der Kritik und
auch beim Publikum gleichermaßen gut an und
gilt heute zusammen mit seinen zwei Fortsetzungen
als Kultwerk schlechthin. In Teil zwei spielt
übrigens ein bis dato noch recht unbekannter
Mads Mikkelsen die Hauptrolle, der sich während
des Drehs mit dem Regisseur anfreundete. Nach
dem medienkritischen „Bleeder“ (1999) und
einer TV-Miniserie, widmete er sich einem seiner
intensivsten, introvertiertesten Psychothriller.
„Fear X“ gehört zu den weniger bekannten Werken
des Regisseurs, trägt aber alle Ingredienzen
eines echten Winding Refn. John Turturro spielt
hier einen traumatisierten Kaufhauswächter, der
unermüdlich nach dem Mörder seiner Frau sucht.
Unzählige Abende schaut er alte Überwachungsvideos
durch. Auf einigen von ihnen macht er Personen
ausfindig, die ihm verdächtig erscheinen.
Während des Schlafs suchen ihn zudem immer
dieselben seltsamen Visionen heim, in denen er
der verborgenen Wahrheit hinterherjagd. Als ihm
eines Tages die verpixelte Aufnahme des wahren
Täters gezeigt wird, beginnt für ihn eine stille, nervenaufreibende
Reise zur Antwort auf die Frage
nach dem „Warum?“.
Mit „Bronson“ (siehe Ausgabe 2/2010) schuf
Refn ein Bühnenstück, das sich locker mit Stanley
Kubricks Beatnik-Meisterwerk „Uhrwerk Orange“
(1971) vergleichen lässt. Dieser und die beiden
folgenden Filme „Walhalla Rising“ (siehe Ausgabe
01/11) und „Drive“ (siehe Ausgabe 03/12)
feierten kompromisslose Kritikererfolge und markieren
den Beginn von Nicolas Winding Refns Höhepunkt
seiner Schaffensphase. Doch mit gerade
einmal 41 Jahren hat er noch viel Zeit, seine außergewöhnliche
Filmkunst zu betreiben. So hält er
mit seinem Nachfolgeprojekt „Only God Forgives“
(2012) an seinem derzeitigen Lieblingsdarsteller
Ryan Gosling fest.
FAlko Theuner
Bilder: Sunfilm, Universum, Studiocanal, Porträt-Foto: (c) Filmfest München/Volker Rebhan

WiNdiNg Ref
Anspruch
im Spotlight
Film
dRiVe BRoNsoN
„schWeigeN ist immeR iNteRessaNteR“
Dass Nicolas Winding Refn kein Mann vieler Worte ist, bewies der Regisseur
im Gespräch mit uns auf dem diesjährigen Münchener Filmfest. Was er auf
seine ganz eigene ruhige Art sagte, erscheint jedoch intelligent, durchdacht
und vollkommen ehrlich.
Herr Winding Refn, während Ihre ganzen
anderen Filme explizite Gewalt zeigen,
arbeitet „Fear X“ ausschließlich mit Albträumen
und abstrakten Bildern. Warum?
Ich dachte wohl, dass dies sehr gut zum Film
passen würde. Es ist nicht so, dass ich ständig
Gründe für alles habe, was ich tue. Ich mache
es einfach, solange es sich zu dem Zeitpunkt
richtig anfühlt (lacht). Manchmal denke ich dann
im Nachhinein darüber nach. Es gab viele Dinge
bei „Fear X”, die mit Schwierigkeiten verbunden
waren. Dennoch denke ich, dass es dem Film
sehr gut tut, ganz ohne physische Handlungen
auszukommen.
Ihre letzten beiden Filme „Walhalla Rising”
und „Drive” besitzen scheinbar den selben
Typ von Anti-Held. Wieso sind beide Protagonisten
so schweigsam?
Weil Schweigen oftmals viel interessanter ist. Die
Zuschauer werden auf diese Weise gezwungen,
den Charakter wesentlich stärker zu interpretieren.
Dadurch wird er zum „Enigma“, zum Mysterium.
Es gibt viele Parallelen zwischen Einauge
und dem Driver, weil sie beide Mysterien desselben
Typus von Heldentum darstellen. Sie
sind wie ultimative Formen der menschlichen
Existenz.
Sind Ihre Filme eine Antwort auf all jene
Filme, die Worte und Gewalt inflationär
verwenden?
Ich bin in keinster Weise ein politischer Filmemacher,
daher würde ich das verneinen. Aber ich
überlasse diese Entscheidung den Filmexperten.
Wie können Sie trotz Ihrer Farbenblindheit
die Farben intentional in ihren Filmen einsetzen?
Wenn man farbenblind ist, kann man nur spezifische
Dinge sehen. Daher kann man nur mit
einer blassen Farbpalette arbeiten. Und damit
komme ich zurecht.
Und was bedeutet Rot in Ihren Werken?
Sie ist eine meiner Lieblingsfarben. Und sie ist
sehr cinematisch.
WiNdiNg Ref
Nicolas WiNdiNg RefN
Nach „Drive“ ist „Only God Forgives“ Ihre
zweite Zusammenarbeit mit Ryan Gosling.
Was ist so speziell an ihm?
Er ist ein großartiges Ultra-Ego.
Blu
WeiteRe Blu-RaYs
BRoNsoN
dRiVe
Stimmt es, dass Sie in der „Barbarella“-
TV-Serie Regie führen werden?
Das stimmt!
Und was erwarten Sie sich von diesem
Projekt?
Ich habe noch nicht damit angefangen und muss
es zuerst noch schreiben.
Na gut, dann habe ich jetzt keine weiteren
Fragen mehr.
Cool! Ich bin übrigens ein riesiger Blu-ray-Fan
und denke, Blu-ray ist die beste Sache der Welt.
Und warum?
Es ist einfach nur die coolste Sache. Ich habe
vor kurzem meine erste Blu-ray veröffentlicht.
Interessant, welcher Film ist es denn?
Ich hatte mir ein altes Filmarchiv auf ebay ersteigert,
weil ich so von Andy Milligan besessen war.
Und ich fand darin einen Film, der nie von jemand
anderem publiziert wurde. Ich ging also zu
British Films und veröffentlichte und produzierte
meine erste Blu-ray in Zusammenarbeit mit dem
BFI (British Film Institute). Jetzt ist es das Projekt
in meiner Laufbahn, auf das ich am meisten
stolz bin. Und das gibt es nur auf Blu-ray. Es heißt
„Nightbirds“ (1970) und wurde im Flipside-Label
(Dualformat: Blu-ray/DVD, Anm. d. Red.) veröffentlicht,
was richtig cool ist.
Vielen Dank für das Gespräch!
Walhalla
RisiNg
Film | www.bluray-vision.de | 5.2012 39

Aktuelles Regisseur des monats
WOODY ALLEN
im Spotlight
WOODY
DEr stADtNEurOtikEr mANHAttAN
Zum Auftakt unserer neuen Reihe, in der wir Ihnen ab jetzt regelmäßig die größten und interessantesten Regisseure
der Kinogeschichte vorstellen wollen, haben wir uns mit Woody Allen einen Filmemacher herausgesucht, der seit
bald einem halben Jahrhundert und in mittlerweile unglaublichen 45 Filmen bewiesen hat, dass er einer der Großen
seiner Zunft ist. Entdecken Sie mit uns den Großstadtneurotiker und Psychoanalytiker unter den Filmemachern!
Es gibt wohl keinen anderen Regisseur, dessen
Name und Schaffen so eng mit seiner
Heimatstadt verzahnt ist, wie Woody Allen mit
seiner ewigen Liebe New York City. Vor 77 Jahren
erblickte er dort das Licht der Welt, und trotz heftiger
Flirts mit so einigen anderen verlockenden
Metropolen ist er seinem „Big Apple“ doch
immer treu geblieben. Das 1,65 Meter kleine
Genie aus Brooklyn bereichert nun schon seit
WOODY ALLEN
fürs HEimkiNO
Eine breite Auswahl des Œuvres von Woody Allen
liegt bei 20th Century Fox, Universal und Paramount
auf Blu-ray und DVD vor. Hier einige der
wichtigsten Veröffentlichungen aus der Frühphase
und dem Spätwerk:
− Der Stadtneurotiker (1977)
− Manhattan (1979)
− Match Point (2005)
− Midnight In Paris (2011)
1966 die Kinolandschaft mit seinem ureigenen
und unverwechselbaren Stil. Es vergeht kaum ein
Jahr, in dem er nicht einen neuen Film an den
Start bringt: Sein unglaublicher Output an neuen
Drehbüchern und Produktionen lässt auch in
einem Alter, da Otto Normalbürger längst seinen
wohlverdienten Ruhestand genießt, einfach nicht
nach. Mit schöner Regelmäßigkeit versammelt er
in den letzten Jahren die größten und gefragtesten
Namen der Schauspielbranche um sich –
wenn Woody Allen ruft, dann kommen sie alle,
und zwar mit Kusshand!
Glanzvolle Karriere
Insgesamt 23 Oscar®-Nominierungen im Laufe
seiner einmaligen Karriere sprechen aber auch
eine ziemlich deutliche Sprache. Obwohl ihm die
Regeln und Beschränkungen der Hollywood-Maschinerie
immer suspekt waren und er bei den
Preisverleihungen meistens gar nicht auftauchte,
wurde er viermal mit dem glänzenden Goldjungen
ausgezeichnet. Für „Der Stadtneurotiker“ aus
dem Jahre 1977, mit dem er erstmals voll zu
seinem typischen Stil fand, wurde er als bester
Regisseur und für das beste Drehbuch geehrt.
Mit diesem Film und dem nur zwei Jahre später
entstandenen „Manhattan“ (eine bittersüße Ode
an seine Heimatstadt, gedreht in poetischen
Schwarz-Weiß-Einstellungen) befand er sich
sicherlich auf dem frühen Höhepunkt seines
Schaffens. Nachdem er sich jahrelang an amerikanischen
Themen und Problemen abgearbeitet
hatte, ging er zu Beginn des neuen Jahrtausend
so langsam in seine „europäische Phase“
über. „Match Point“ war dann der erste in einer
Reihe von Filmen, die komplett auf dem alten
Kontinent entstanden. Dies war auch die erste
Zusammenarbeit mit Scarlett Johanssen, seiner
aktuellen Muse, die übrigens ebenfalls aus New
York stammt. Mit London, Barcelona, Paris und
Rom widmete er in den Folgejahren den schönsten
europäischen Zentren jeweils eigene Filme.
Sehr schade, dass Berlin nicht mit in die engere
Auswahl gefallen ist – Allens Blick auf typisch
deutsche Eigenheiten und Befindlichkeiten hätte
uns dann doch brennend interessiert!
Einfach unverkennbar!
Doch was macht einen Woody-Allen-Film eigentlich
aus? Da wäre zuallererst natürlich die
(pseudo-)intellektuelle Redseligkeit seiner Protagonisten,
die fröhlich wechselnd zwischen feiner
Ironie, gewitztem Zynismus und beißendem Sarkasmus
die ganze Bandbreite der hohen Kunst
des eloquenten Verbalgefechts abdeckt. Der
kopfgesteuerte Intellektuelle, der sich in seiner
Intelligenz sonnt, gleichzeitig aber auch mit ihr
hadert und sich nach unbekümmerter Natürlichkeit
sehnt, ist einer der entscheidenden Archetypen
in Allens charakteristischem Figurenarsenal.
Bilder: 20th Century Fox, Paramount Home, Universal Pictures Home
14

ALLEN
Regisseur des monats
Aktuelles
im Spotligh
stArDust mEmOriEs
Dabei sollte man allerdings nicht übersehen,
dass zeitpolitisch und gesellschaftlich relevante
Themen hier nicht nur auf doppeldeutig-humorvolle,
sondern durchaus auch auf überraschend
tiefsinnige Weise durchexerziert werden. Zudem
werden die typischen Wohlstandswehwehchen
einer bildungsbürgerlich geprägten Großstadtklientel
mit fast schon psychoanalytischer
Präzision bloßgestellt. Woody Allen legt den Finger
in die Wunde und hat dabei doch immer
ein süffisantes bis gespielt-unschuldiges Lächeln
auf den Lippen.
Der Duft der Frauen
Starke Frauen, die den Männern oftmals zeigen,
wo es langgeht, sind ein weiteres Markenzeichen
eines guten Woody-Allen-Streifens. Dazu passt
natürlich ausgezeichnet, dass sich der Meister
in den verschiedenen Phasen seines filmischen
Schaffens immer wieder neue weibliche Inspirationsquellen
gesucht hat. Von Diane Keaton über
Mia Farrow bis hin zu Penélope Cruz und Scarlett
Johanssen (um nur die wichtigsten zu nennen):
Die Liste ist lang und wunderschön, und bei so
manchem Film wurde die innige Beziehung zu
Obwohl Allen nur mit den Besten arbeitet, würde
er gern jeden Aspekt seiner Filme übernehmen
seinen weiblichen Stars auch über die Grenzen
des Sets und den Zeitraum des Drehs hinaus
ausgedehnt.
Die zwar dynamischen, aber anfangs noch recht
eingeschränkten Mann-Frau-Konstellationen
wichen später immer öfter einem großen Reichtum
an Figuren, der Stoffe und Ideen in offenere
und variablere Richtungen erweiterte. Oftmals
finden sich in Allens Drehbüchern eindeutige
Merkmale des Episodenfilms, der eher markante
Schlaglichter auf die Charaktere, den Schauplatz
oder bestimmte leitmotivische Themen wirft,
und dem keine umfassende und bis ins letzte
Detail ausgearbeitete Handlung im herkömmlichen
Sinne zugrunde liegen muss.
Schöngeist mit vielen Facetten
Seine umfassenden Fähigkeiten, was das Kino
betrifft, sind unbestritten: Als Drehbuchautor, Regisseur,
Schauspieler und Produzent hat Woody
Allen die Zügel bei all seinen Projekten immer
fest in der Hand. Doch auch ansonsten ist er ein
regelrechtes Allroundtalent: Er schrieb Stücke für
den Broadway und verfasste bissige Kolumnen
für die großen amerikanischen Tageszeitungen;
die pointierten Kurzgeschichten, für die er bekannt
ist, liest er neuerdings auch in Hörbuchmanier
ein. Seine Liebe zur Musik reicht von der
großen Vielfalt des Jazz bis zu den Sphären der
großen Meister der Klassik – Jam-Sessions mit
Jazzlegenden stehen ebenso in seiner Vita wie
eine umjubelte Arbeit als Opernregisseur.
Für alle, die nun auf den Geschmack gekommen
sind: Ende des letzten Jahres ist bei Eurovideo
die ausführliche und sehr empfehlenswerte
Doku „Woody Allen: A Documentary“ des amerikanischen
Filmemachers Robert B. Weide erschienen,
mit der er dem weltbekannten New
Yorker Urgestein schon zu Lebzeiten ein ausführliches
und gelungenes filmisches Denkmal setzt.
Bücher, Bildbände und Biographien gibt es ohnehin
in rauen Mengen.
WAs siE scHON immEr
übEr sEx WissEN WOLLtEN
TiEmo WEisEnsEEl
WOODY ALLENs
NEuEstEr strEicH:
„tO rOmE WitH LOvE“
Mit dieser lebenslustigen Ensemblekomödie,
die seit dem 10. Januar auf Blu-ray zu haben ist,
gelingt Woody Allen eine in warme Farben und
reinste Wohlfühlatmosphäre getauchte Liebeserklärung
an die Ewige Stadt Rom. Mit dabei unter
anderem: Penélope Cruz, Roberto Benigni, Alec
Baldwin, Jesse Eisenberg und Ellen Page. Und natürlich
… Woody Allen! Der in unglaublich schönen
Bildern eingefangene Streifen geriet ihm vielleicht
ein bisschen lang, vielleicht ein wenig zu klischeehaft,
um neben der unterhaltsamen auch eine
wirklich wahrhaftige Ebene zu erreichen – aber
letzten Endes ist es doch ein enorm amüsanter
Spaß rund um die Irrungen und Wirrungen der
Liebe. Und das alles vor der unglaublichen Kulisse
einer Stadt, die unzweifelhaft zu den schönsten
und romantischsten Orten der Welt gehört!
Der nächste Allen ist übrigens auch schon wieder
im Kasten: Der noch in diesem Jahr in den Kinos
anlaufende „Blue Jasmine“ (u.a. mit Cate Blanchett
und Alec Baldwin) befindet sich gerade in der Postproduktion
und markiert mit den Drehorten New
York und San Francisco auch so etwas wie eine
Rückkehr des Filmemachers zu seinen Wurzeln.
Aktuelles | www.bluray-vision.de | 2.2013 15

Aktuelles Regisseur des Monats
OLIVER STONE
im Spotlight
OLIVER
Einer der schillerndsten, streitbarsten und definitiv interessantesten Regisseure unserer Zeit ist nach wie vor Oliver
Stone. Seine Filme sind in den unterschiedlichsten Genres zu Hause und tragen doch immer einen unverkennbaren
Kern aus provokanten politischen und gesellschaftskritischen Ansätzen in sich. Zur Deutschlandpremiere seines aktuellen
Filmes „Savages“ (Test auf Seite 30) trafen wir den charismatischen New Yorker vergangenen Herbst in Berlin.
Mister Stone, geht Ihnen so ein Stoff wie
in Ihrem neuesten Film „Savages“ eigentlich
leichter von der Hand als ihre anderen,
stark politisch geprägten Filme?
So sehe ich das gar nicht. Ich bin Dramatiker, es
geht mir vor allem darum, eine gute Geschichte
zu erzählen! Ob es nun um Nixon oder Bush
geht: Es ist immer eine Herausforderung, es unterhaltsam
zu machen. Und mit „Savages“ ist
es genauso, diese komplizierte Geschichte im
OLIVER STONE auf BLu-Ray
Viele von Oliver Stones heiß diskutierten Werken
liegen inzwischen auf Blu-ray vor, unter anderem
bei Universal, Studiocanal und Fox. Dabei reicht
die Auswahl von den frühen Hits wie
„Wall Street“ über die mittlere Phase
(„The Doors“) bis hin zu seinem neuesten
Streifen, dem kompromisslosintensiven
Drogenthriller „Savages“:
− Wall Street 1 & 2 (1987 & 2010)
− The Doors (1991)
− Savages (2012)
Drogenkriegsmilieu muss glaubhaft sein, was
ein enormes Maß an Recherche erfordert. Und
zwar auf beiden Seiten: Sowohl was die Dealer,
als auch was die Polizei betrifft.
Was denken Sie, wie nahe dran an der
Realität sind Sie mit Ihrem Film?
Nun, es ist immer noch Fiktion. Don Winslow
hat vor ein paar Jahren einen fantastischen Roman
geschrieben („The Power Of The Dog“ –
„Tage der Toten“, Anm. d. Red.), eine verrückte
und ziemlich ausufernde Fantasie darüber, was
wohl passieren würde, wenn zwei völlig unterschiedliche
Welten aufeinanderprallen. Das war
natürlich auch eine großartige Idee für einen
Film. Die ganze Welt ist inzwischen leider noch
viel barbarischer geworden – denken Sie nur
an die grausamen Szenen aus dem Irak – auch
das haben wir bewusst in unseren Film mit einfließen
lassen.
Glauben Sie, dass man die ausufernde
Gewalt zwischen den Kartellen und der
Polizei durch eine schrittweise Legalisierung
von Marihuana in den Griff bekommen
könnte?
Nun, wir hatten in unserer Geschichte schon
einmal die Chance dazu, aber Nixon entschied
sich dagegen, und das ist jetzt vierzig Jahre her.
Inzwischen hat sich das Ausmaß dieses Konfliktes
zu einem regelrechten Krieg ausgeweitet,
einem erbarmungslosen Kreislauf, den keiner
mehr aufhalten kann. Es gibt da Parallelen zum
Krieg gegen den Terror, zum Krieg im Irak oder
in Afghanistan. Es geht um das ganz große Geld
und keiner wird es jemals freiwillig hinnehmen,
wenn ihm ein Stück vom großen Kuchen weggenommen
werden soll. Das ist absolut hoffnungslos,
glauben Sie mir!
Bilder: 20th Century Fox, Oliver Stone, Studiocanal, Universal (Pictures Home)
16

STONE
Regisseur des Monats
Aktuelles
im Spotligh
Es wurden ja so einige Parallelen zwischen
„Savages“ und „Pulp Fiction“ gezogen –
können Sie mit diesem Vergleich eigentlich
etwas anfangen?
Ich würde die beiden nicht vergleichen – welchen
Sinn hätte das auch? „Pulp Fiction“ hatte
einen anderen Stil...aber ich mochte den Film!
Vielleicht geht „Savages“ eher in Richtung „U-
Turn“ – mein Humor war ja schon immer ein
wenig von der bösen Sorte, und so ist es auch
diesmal wieder!
Sie sagten vor einiger Zeit einmal, dass
Marihuana eine Gabe der Götter sei.
Es heißt nicht Marihuana, sondern „Mariuannahhh“
(lacht)! Es ist keine Droge, es ist ein
Heilkraut, eine Pflanze. Sie hat starke medizinische
Eigenschaften, was von Wissenschaftlern
und Ärzten wieder und wieder nachgewiesen
wurde. Sie hilft den Menschen bei Schmerzen
und in vielen anderen Bereichen – es ist ein-
fach ein spirituelles Geschenk. Es liegt natürlich
immer an einem selbst: Manche Leute können
einfach alles ins Gegenteil verdrehen, es missbrauchen
– manche schnappen sich ein Fahrrad
und rauschen irgendwo rein (lacht) – es
kommt also immer darauf an, was man aus den
Dingen macht, die einem gegeben werden.
Vielen Dank für das Gespräch!
Es ist ja kein Geheimnis, dass Sie auch
persönlich so einige Erfahrungen mit
Drogen gesammelt haben – bereuen Sie
irgendetwas davon?
Schauen Sie: Ich weiß nicht, ob ich etwas bereue,
ich habe jedenfalls viel gelernt dabei.
Na klar, ich hab meine Erfahrungen gemacht;
nach dem Vietnam-Krieg, das war schon ein
ziemlicher Kampf, damit klarzukommen. Aber
man lernt dazu im Leben und ich bin nun frei
von diesen Dämonen, würde ich sagen. Ich
habe nie einen Film über einen Drogenabhängigen
gemacht – wenn man Al Pacino als „Scarface“
nicht als solchen ansieht – für mich waren
die Drogen immer nur das Mittel zum Zweck,
das den eigentlichen Plot ins Rollen brachte.
Ich mag Themen wie „Macht“ und „Geld“, da
drängt sich das Milieu förmlich auf!
Es gibt ja das Gerücht, dass Sie bei den
Dreharbeiten zu „Platoon“ mit ihren Darstellern
geraucht hätten...
...Nein, da ist nichts dran, ich würde niemals auf
einem Set rauchen, das ist Arbeit und jeder reagiert
auch ganz unterschiedlich darauf. Ich wäre
niemals so dumm, so etwas zu tun. Wenn ich
Lust auf Party hätte, dann würde ich das ganz
privat für mich machen – und ich wäre sehr
wählerisch, was für eine Art von Party das dann
werden würde!
Smart, selbstbewusst und nie um eine schlagfertige
Antwort verlegen: Ein Mann mit Charisma
Aktuelles | www.bluray-vision.de | 3.2013 17

Aktuelles Regisseur des monats
J. J. AbrAms
im Spotlight
J. J. Abr
im
Für unsere Rubrik „Regisseur des Monats“ kam in dieser Ausgabe nur ein Kandidat in Frage: Der gebürtige New
Yorker J. J. Abrams ist derzeit vor allem bei den Freunden der unendlichen Weiten des Weltraums in aller Munde,
kommt er doch am 9. Mai mit „Into Darkness“, dem heiß ersehnten zweiten Teil seines stylishen „Star Trek“-
Reboots, in die Kinos. Außerdem ist er bereits fleißig am Werkeln, um in gut zwei Jahren Episode VII der legendären
„Star Wars“-Saga zu einem unvergesslichen weltweiten Kinoereignis zu machen.
Diese plötzliche Spezialisierung auf die beiden
wichtigsten Franchises der Science-Fiction
mag angesichts der bisherigen beruflichen Laufbahn
von J(effrey) J(acob) Abrams etwas überraschend
kommen – doch schaut man sich die
Qualitäten, die seine Serien und Filme seit Beginn
seiner Karriere ausmachen, etwas genauer
an, dann kommt man schnell zu dem Schluss,
dass es kaum einen besseren Mann geben
stAr trek: Into DArkness
Nur noch ein paar mal schlafen, dann ist es so weit:
Am 9. Mai startet der unter strengster Geheimhaltung
entstandene zweite Teil von J.J. Abrams spektakulärer
„Star Trek“-Wiederbelebung endlich in den
deutschen Kinos. Auch wenn bis zur Premiere von
„Into Darkness“ keinerlei Informationen über den
Plot des Films an die Öffentlichkeit gelangen sollten
(Abrams weiß genau um die unwiderstehliche Anziehungskraft,
die ein gut gehütetes Geheimnis hat):
Die ersten Plakate und Trailer haben bestätigt, was seit
Monaten vermutet wurde – es gibt ein Wiedersehen
mit den übermenschlichen „Augments“, von denen
einer (Benedict Cumberbatch ist schlichtweg genial
in seiner Rolle!) zur existenziellen Bedrohung für
die Sternenflotte und die gesamte Menschheit wird.
könnte, um diese (mit Verlaub) leicht angestaubten
Galionsfiguren des Genres erfolgreich in die
Zukunft zu führen.
Beste Voraussetzungen
Aufgewachsen in der „Haupstadt des Films“
Los Angeles – inmitten einer Produzentenfamilie,
die tagtäglich mit dem Film- und Fernsehgeschäft
zu tun hatte – scheint der Weg von
Abrams bis an die absolute Spitze der Branche
beinahe folgerichtig zu sein. Dass viele andere
es trotz bester Voraussetzungen nicht schaffen,
zeugt andererseits für das außergewöhnliche
Talent, den unermüdlichen Arbeitseifer und die
unbedingte Durchsetzungskraft, die Abrams von
Beginn an auszeichnete. Mittlerweile hat er sich
zu einem höchst erfolgreichen und bemerkenswert
innovativen Film- und Fernsehproduzenten
gemausert, ist ganz nebenbei auch noch kreativer
Drehbuchautor, begabter Hobby-Komponist
und aktuell einer der gefragtesten und bestbezahlten
Regisseure auf diesem Planeten. Das Label
„Bad Robot Productions“ (seine eigene Produktionsfirma)
am Ende so vieler erfolgreicher
Serien bürgt gleichzeitig für ungewöhnlich hohe
inhaltliche wie auch produktionstechnische Qualität.
Dabei ist so gut wie all seinen Projekten
dieses typische J. J. Abrams-Gen eingepflanzt,
das mit Worten nur schwer zu greifen, beim Anschauen
der Folgen jedoch jederzeit zu spüren
ist. Schlagworte wie „mysteriös“, „faszinierend“
und „außergewöhnlich“ kommen einem nur allzu
leicht in den Sinn.
Serien-Highlights wie am Fließband
Bestes Beispiel hierfür ist natürlich „LOST“, das
„Twin Peaks“ unserer Zeit, eine jener seltenen
Bilder: Paramount Pictures, Paramount Home
14

Ams
Spotlight
Regisseur des monats
Aktuelles
Serien, über deren neueste Folgen nach der
Erstausstrahlung leidenschaftlich diskutiert wird,
über deren Fortgang die wildesten Spekulationen
und Gerüchte im Internet und der Fachpresse
kreisen, und um die sich ein regelrechter
Fankult in der Popkultur bildet, der über die
Reichweite einer gewöhnlichen Fernsehsendung
weit hinausgeht. Eine Serie, die selbst drei Jahre
nach ihrem Ende noch kontinuierlich neue Fans
hinzugewinnt, ist zweifellos etwas Besonderes
und in seiner Gesamtheit war und ist „LOST“
einfach ein Serienphänomen, das sich so bald
sicher nicht wiederholen wird – eben „Must-See-
TV“, im allerbesten Sinne!
Auch „Fringe“, der anfangs sehr kritisch beäugte
nächste Streich aus dem Hause Abrams
und „Bad Robot“, fand nach leichten Anfangsschwierigkeiten
bald seinen eigenen Weg abseits
der ausgetretenen „Akte X“-Pfade und
entwickelte sich im Laufe der Jahre zu einer
der mutigsten und interessantesten Mystery-
Serien überhaupt.
Von der Mattscheibe zur Leinwand
Der Start in die Blockbuster-Regionen des Kinogeschäfts
erfolgte für J.J. Abrams im Jahr 2006:
Und zwar mit Pauken und Trompeten, als er
den dritten Teil der prestigeträchtigen „Mission
Impossible“-Reihe inszenierte und die Reihe
nach dem etwas abgehobenen zweiten Part
von John Woo wieder auf den richtigen Kurs
brachte. Seine jahrelangen Erfahrungen im Geheimagenten-Genre
bei den Dreharbeiten zu
„Alias“ kamen ihm hier natürlich zupass. Mit einer
genial inszenierten cross-medialen Werbekampagne
zu seinem modernen Mystery-und-
Monster-Mix „Cloverfield“ bewies er dann 2008,
dass er auch in Sachen Promotion und Marketing
zu völlig neuen Wegen bereit ist. Vorläufiger
Höhepunkt seiner Filmographie waren dann
sicher die letzten beiden Großproduktionen
„Super 8“ (übrigens eine schöne Hommage an
Steven Spielberg, eines seiner großen Vorbilder,
mit dem er bei dieser Produktion auch eng zusammenarbeitete)
und natürlich vor allem der
umjubelte Neustart der „Star Trek“-Kinoreihe.
Dem schon bald anlaufenden zweiten Teil dieses
Reboots widmen wir uns im Extra-Kasten
unten noch einmal etwas genauer.
Tiemo Weisenseel
Selbstbewusst, entschlossen und zuversichtlich:
J. J. Abrams gehört die Zukunft im Filmgeschäft
Anzeige
Aktuelles | www.bluray-vision.de | 4.2013 15

Aktuelles Regisseur des Monats
Julian Pölsler
im Spotlight
Julian
Als Regisseur und Drehbuchschreiber war er bis vor kurzem für seine Fernsehfilme wie etwa die “Inspektor Simon
Polt“-Reihe bekannt. Er unterrichtet an der Filmakademie in Wien und hat nun mit der Verfilmung von Marlen
Haushofers „Die Wand“ ein kleines, intensives Meisterwerk vorgelegt, das viele Fragen aufwirft. Fragen, die wir unter
anderem im kleinen Kreise bereits auf der Berlinale 2012 an ihn stellen durften.
Die WanD
Marlen Haushofers Roman „Die Wand“ von 1963 galt für lange Zeit
aufgrund seiner Vielschichtigkeit als nur schwer verfilmbar. Durch den
unerklärten Fakt, dass die namenlose Protagonistin während einer Wandertour
in den Bergen komplett von der Zivilisation abgeschnitten wird
und auch durch eine unsichtbare Wand daran gehindert wird, ins alte
Leben zurück zu finden, ergeben sich viele verschiedene Lesarten. Nummer
eins wäre zum Beispiel, darin eine Metapher auf eine psychische
Weiterentwicklung zu sehen. Oder ist es doch eher ein Sinnbild für die
Einsamkeit eines jeden Menschen? Ist es Zivilisationskritik? Gar eine
Natur-Utopie, in der die Protagonistin ihren Frieden im Zusammenleben
mit den Tieren findet? Den Blu-ray Test zu Julian Pölslers aktuellem Film
lesen Sie auf Seite 41.
Herr Pölsler, Sie sind sehr behütet auf
dem Lande aufgewachsen, können Sie
ein bisschen über Ihre Kindheit in dieser
Abgeschiedenheit erzählen?
Ich bin ein begeisterter Fernseher geworden.
Unten im Tale, im Extrazimmer vom Kirchenwirt
stand unter dem Herrgottswinkel nach einiger
Zeit nicht mehr das Bild der heiligen Anna,
sondern ein Fernsehgerät. Und diese Welt,
die da hereingekommen ist, die hat mich sehr
fasziniert. Ich wollte am Anfang Schauspieler
werden, weil ich geglaubt hab, das sind die,
welche die Geschichten erzählen. Irgendwann
hab ich dann bemerkt, dass es die Regisseure
sind. Und dann hab ich mich für Regie interessiert
und in Wien an der Filmakademie studiert.
Dort hab ich dann Axel Corti kennen gelernt
und der hat mich sehr gefördert, dass ich das
machen darf/kann, was ich jetzt mache.
Ihr Film „Die Wand“ lebt von Stimmungen.
Wie hat das mit den sieben
Kameraleuten funktioniert, die diese
Stimmungen einfangen sollten?
Es war so, dass ich den Supervisor der Kameramänner
gemacht habe. Ich habe den Kameramännern
der einzelnen Drehblöcke genau
gesagt, was ich will. Ich bring mich immer sehr
stark in die Kameraarbeit ein, das war auch bei
den „Polt“-Filmen so. Ich hatte einen wunderbaren
Kameramann, mit dem ich immer in
einem heftigen Austausch war. Hier war es ja
so, dass ich 14 Monate gedreht habe. Sie können
einen Kameramann von der Klasse eines
Martin Gschlacht nicht 14 Monate blockieren.
Das würde ich gern tun, aber das geht nicht.
Und so habe ich für jeden Drehblock einen
eigenen Kameramann gehabt. Und ich habe
als Supervisor drüber geschaut, dass der Atem
nicht verloren geht und hab auch viel Kraft in
diese Kamera-Arbeit gelegt. Neben der Tiertrainer-Arbeit
war das meine zweitwichtigste
Arbeit und irgendwo hab ich dann auch Regie
geführt. Es gibt ja nur eine Schauspielerin und
die ist so großartig, dass sie nicht viel Regie
gebraucht hat.
War Martina Gedeck Ihre erste Idee als
Besetzung?
Es war so: Ich wollte ursprünglich eine österreichische
Schauspielerin haben, weil das als
rein österreichische Produktion gedacht war
und da wäre es die Julia Stemberger oder die
Birgit Minichmeyer gewesen. Dann gab es
kurzzeitig eine österreichisch-französische Koproduktion.
Da hab ich in Paris Juliette Binoche
getroffen, die ich gestern übrigens auch in
Berlin getroffen habe, das war sehr schön, das
Wiedersehen. Aber schließlich wurde es eine
Bilder: Studiocanal, Starhaus
14

Pölsler
Regisseur des Monats
Aktuelles
im Spotligh
österreichisch-deutsche Koproduktion. Und
dann war klar, das muss Martina Gedeck sein.
Und nach den 70 Drehtagen muss ich sagen:
Ich bin sehr, sehr glücklich, dass Martina Gedeck
die Hauptrolle spielt, weil ich glaube, das
Ergebnis kann sich sehen lassen und vor allem
die Arbeit mit ihr war sehr intensiv und sehr
beglückend. Das habe ich vorher eben nur von
der Zusammenarbeit mit Julia Stemberger und
Hannelore Hoger gekannt.
Wie habe Sie ihr die Regie-Anweisungen
gegeben? Wie haben Sie sie gefördert
und gefordert?
Also ich unterrichte ja an der Universität in
Wien und habe ein paar Studenten von mir
eingeladen, die gerne mit dabei sein wollten.
Und die waren dabei und haben zugeschaut
und haben dann irgendwann gesagt, „Sind Sie
böse auf die Frau Gedeck oder die Frau Gedeck
auf Sie? Sie reden ja gar nix mit ihr.“ Und
es war auch so. Mit der Fortdauer des Drehs,
und Sie dürfen nicht vergessen, bei 70 Drehtagen,
das ist lang, war es plötzlich so, dass wir
uns nur noch angeschaut haben und manchmal
war es nur ein „Kopf zur Seite neigen“ oder
ein Nicken oder ein Lächeln – und wir haben
beide gewusst, was es ist. Die Studenten waren
wirklich ganz überrascht.
Zum Thema des Films: Haben Sie sich
schon selber einmal isoliert gefühlt?
Ich glaube wir alle fühlen uns zeitweise einsam.
Es war natürlich so, als ich den Hund
gekriegt habe für die Dreharbeiten. Für sein
Training bin ich auf eine Hütte gegangen. Sie
haben den Film ja gesehen, wo diese zwei
Alten sitzen, diese kleine Hütte. Und dort war
ich fünf Wochen mit dem Hund oben und bin
nie ins Tal gegangen. Und das war schon sehr
beeindruckend, wie stark man dann Isolation
empfindet. Es gibt kein Fernsehen, das man
aufdrehen kann. Es gibt niemanden, mit dem
man schimpfen könnte. Oder auch mit dem
man nur murmeln könnte. Es war auch im
Herbst und diese Hütte ist so über Hallstatt, sie
werden’s kennen. Das ist ein Nebelloch und da
ist dann immer um fünf Uhr am Abend Nebel
gekommen. Und da habe ich geglaubt zu verstehen,
was Marlene Haushofer gemeint hat,
wenn sie schreibt: Von allen Seiten kriecht die
Angst auf mich zu. Und ich will nicht warten,
bis sie mich erreicht und überwältigt. Da bin
ich ein bisschen in Gefahr geraten, selbst in
eine Depression zu rutschen. Aber ich hatte ja
zum Glück keine Wand auf dem Weg ins Tal.
Und nach fünf Wochen bin ich dann … aber
da war der Zustand auch schon wieder vorbei.
Aber ich bin dann doch gerne hinunter.
Isolation ist heute Gang und Gäbe. Denken
Sie, dass der Film deshalb so gut in
diese Zeit passt?
Die große Frage war ja, siedeln wir den Film
in den 60er Jahren an? Oder in der Jetzt-Zeit?
Und ich hab gesagt, warum nicht in der Zukunft?
Weil ich glaube, dass dieser Text und
die Themen, die in diesem Text angesprochen
werden, zeitlos sind. Und mit der Isolation, da
haben Sie natürlich recht, aber es ist nur dann
leicht, wenn Sie auch Kraft haben, in dieser
selbst gewählten Isolation zu bestehen. Was
wir jetzt haben, ist ja die Möglichkeit, in die Isolation
zu gehen und jederzeit wieder heraus.
Wenn wir nicht in eine Depression rutschen,
geht das schon relativ leicht. Sie brauchen ja
nur die Fernbedienung nahe genug legen und
dann haben Sie schon ein Tor …
Aber das ist ja dann eher künstlich …
Ja, wir leben ja ohnehin sehr künstlich. Das ist
ja das, warum ich sage, diese Demut vor der
Schöpfung. Also ich finde, dass jeder Architekt
und jeder Städteplaner zuerst „Die Wand“ lesen
muss, bevor er den ersten Plan zeichnet.
Das Schreiben als Mittel zur Lebensbewältigung
– Ist das ein Gedanke, den Sie
nachvollziehen können?
Absolut. Also ich denk mir manchmal, für mich
ist Filmemachen ein Weg um zu überleben.
Weil ich zu wenig gut schreiben kann. Wenn ich
so Texte lese wie z. B. den von Marlene Haushofer,
dann denk ich mir immer, es ist besser
ich mach Filme, als dass ich schreibe. Man
muss sich ja immer am Besten orientieren.
Und ich kenne es nur gut. Ich führe Tagebuch
seit 1986 und das ist lustigerweise das Jahr
in dem ich „Die Wand“ gelesen habe. Und ich
hab begonnen, jede Tagebucheintragung mit
der Beschreibung des Himmels zu beginnen.
Und seltsamerweise, wenn ich jetzt 15 Jahre
zurück liegende Aufzeichnungen lese und ich
lese nur die Beschreibung des Himmels, weiß
ich sofort, wie es mir da ergangen ist. Insofern
ist das Schreiben auch für mich so eine Lebensbewältigung
– weil das Filmen halt viel,
viel länger dauert und viel mehr Geld kostet.
Vielen Dank für das Gespräch!
Ruhig, intelligent und gewissenhaft beantwortet
Julian Roman Pölsler die Fragen zu „Die Wand“
Aktuelles | www.bluray-vision.de | 5.2013 15

Aktuelles Regisseur des Monats
Danny Boyle
im Spotlight
Danny
Normalerweise ist der letzte Slot an einem langen Interview- und Pressetag ja gefürchtet bei uns Journalisten.
Doch Mister Danny Boyle sprühte auch nach einem wahren Interviewmarathon noch vor Energie und Auskunftsfreude
und gab uns an einem sonnigen Berliner Freitagabend kürzlich in aller Ausführlichkeit Auskunft über
seinen neuesten Kinofilm. Vorhang auf und Bühne frei für „Trance“!
Mister Boyle, mit jedem Ihrer Projekte
probieren Sie ja etwas völlig Neues aus –
ist „Trance“ ihre Version des „Film Noir“?
Er hat auf jeden Fall etwas von diesem Genre,
ja! Die Geschichte hat jede Menge Crime in
sich, was ja einer der Hauptbestandteile des
Film Noir ist. Die drei Hauptcharaktere sind –
wenn sie denn mal Mitgefühl zeigen – nur zum
Schein freundlich. Das eindeutigste Zeichen ist
natürlich Rosario Dawsons Charakter, der sich
ganz als Femme Fatale gibt. Der Grund, warum
sie diese Züge so offen auslebt, ist allerdings
nicht die klassisch-männliche Fantasie
von der Femme Fatale. Ihre Geschichte, die
sich nach und nach entfaltet, ist tatsächlich viel
Danny Boyle aUF BlU-Ray
Inzwischen ist beinahe das gesamte Kinoschaffen
von Danny Boyle auf Blu-ray verfügbar, wenn
auch – wie im Falle seines Debüts „Shallow Grave“
(„Kleine Morde unter Freunden“) – teilweise nur als
Import. Wer also Lust auf eine kleine Retrospektive
hat, der kann sich am unglaublich vielseitigen
und abwechslungsreichen Œu v re des genialen
Briten sogar in feinstem HD sattsehen. Empfehlen
möchten wir vor allem die Wiederentdeckung des
Kultstreifens „Trainspotting“ aus dem Jahre 1996,
dessen Fortsetzung „Porno“ kurz bevorsteht.
gebrochener, gefährlicher, leidenschaftlicher
und vor allem wichtiger als die typischen Noir-
Stoffe das der Frauenrolle normalerweise zugestehen.
Ihre Story dreht sich im Grunde um
häusliche Gewalt und wie schwierig es ist, sich
dagegen zu wehren. Sie weigert sich, weiterhin
das Opfer zu sein – sie wehrt sich: zuerst
nur gegen einen Gewalttäter, dann gegen fünf
professionelle Killer, die ihr ans Leben wollen!
Doch sie läuft nicht davon, sondern nimmt den
Kampf an.
Also dreht sich der ganze Film letzten
Endes vor allem um sie?
Ja, absolut! Man denkt ja zuerst, dass es um
James McAvoy geht: Er ist schließlich ein
„X-Man“, sieht umwerfend aus, er hat die Erzählerstimme
und gerät sofort in die Bredouille,
sodass man mit ihm mitfiebert. Aber eigentlich
geht es um ihre Geschichte, und wenn Sie
den Film in der chronologischen Schnittfolge
gesehen hätten – auf der Blu-ray wird es diese
Version übrigens geben! – dann wäre das von
Anfang an klar geworden.
Wie haben Sie sich auf „Trance“ vorbereitet
– haben Sie sich intensiv mit dieser
Art von Suggestion beschäftigt?
Ja, wir hatten sogar einen Professor der
Hypnotherapie, das ist ein ganz ernstzunehmender
Wissenschaftszweig. Sie sind ehrlich
gesagt nicht so furchtbar versessen darauf,
zuzugeben, dass nur fünf bis zehn Prozent
der Menschen wirklich empfänglich sind für
echte Suggestionen. Der Rest von uns lässt
das alles gern mit sich geschehen, wird ruhig
und entspannt, verliert aber nie die Kontrolle
über die eigenen Gedanken oder gar den eigenen
Körper: Man weiß immer noch genau,
wo man sich befindet, dass man nur auf einer
gedanklichen Reise ist. Wenn man zur Show
eines Hypnotiseurs geht, dann suchen die
sich die wirklich Empfänglichen – die, die sich
ganz auf dieses Experiment einlassen wollen –
Bilder: 20th Century Fox (Home), Eurovideo, Fox Searchlight, Universal Pict.
14

Boyle
Regisseur des Monats
Aktuelles
im Spotligh
ganz bewusst heraus, und diese „geeigneten“
Menschen holen sie dann zu sich auf die Bühne.
Und haben Sie die Hypnose denn eigentlich
selbst einmal ausprobiert?
Nein...habe ich nicht. Aber die Schauspieler haben
es versucht: Bei Vincent und James war es
so was von langweilig, es hat einfach ewig gedauert!
Das ist extrem unspektakulär und alles
andere als filmisch, völlig statisch und alle sind
fast am Eindösen. Rosario hat aber wirklich
viel in der Richtung gemacht und bei verschiedenen
Spezialisten auch tatsächlich gelernt,
wie man das Ganze richtig angeht.
Ihre Filme scheinen auf den ersten Blick
alle völlig unterschiedlich – und doch stellt
sich stets dieses gewisse „Danny Boyle“-
Feeling ein. Woran liegt das?
Wissen Sie: Viele meiner Kollegen mögen so
eine Interviewsituation wie diese hier nicht
besonders – aber bei mir ist das anders! Seltsamerweise
findet man bei solch einem Gespräch
jede Menge über den eigenen Film
heraus, wo man doch normalerweise denken
würde: ‚Was für ein Unsinn, ich hab doch den
Film längst gemacht und er ist endlich fertig!‘
Aber man lernt da nie aus. Dieser eine Journalist
sagte mal zu mir: ‚Im Grunde erzählen
Sie in ihren Filmen immer wieder die gleiche
Geschichte: Es ist die Story von jemandem,
der vor geradezu unüberwindbar scheinenden
Hindernissen steht – doch derjenige bewältigt
diese Schwierigkeiten, und daher kommt auch
dieses überwältigende Glücksgefühl am Ende.‘
Als ich darüber nachdachte, stellte ich fest:
‚Verdammt, das stimmt tatsächlich!‘ Es gibt ja
dieses Modell, dass man eigentlich nur sieben
verschiedene Geschichten erzählen kann –
und genaugenommen hab ich exakt eine davon
neun mal erzählt! Bei „Trance“ ist es diesmal
eben eine Frau, die vor dieser gewaltigen
Aufgabe steht. Hoffentlich ist aber das Gefühl,
das man bei jedem Film bekommt, ein völlig
anderes – denn ansonsten hätten die Leute
sicherlich schon vor einer ganzen Weile genug
von mir gehabt!
Vielen Dank für das Gespräch!
Der Film lebt ja von seinen großartigen
Schauspielern und seinem stylishen Look
– was war Ihnen eigentlich wichtiger?
Schauen Sie: Ich komme ja ursprünglich vom
Theater, deshalb gehe ich immer zuerst von
den Schauspielern aus. Der Cast muss einfach
stimmen, das ist das Allerwichtigste – da
kann der Style noch so genial sein: Sobald die
Schauspieler nicht gut sind, verliert man nach
ungefähr drei Minuten jegliches Interesse. Erst
danach erschafft man etwas um sie herum,
das dem Ganzen auch eine besondere visuelle
Faszination verleiht. Bei diesem Film haben wir
versucht, dass einfach alles den Zuschauer verführt:
Die Kleidung, die sie tragen; die Orte, an
denen sie leben – das sind keine realistischen
Abbildungen, aber sie erzeugen dieses besondere
Gefühl beim Zuschauer: ‚Ja, das könnte
mir auch gefallen!‘ Wir verwenden auch speziell
die Farben, um die Leute regelrecht in den
Film hineinzusaugen. Das war auch der Trick
mit McAvoy, der ja eigentlich ein wahnsinnig
sympathischer Kerl ist: Ihn benutzen wir auch,
um das Publikum erst einmal so richtig einzulullen
und in falscher Sicherheit zu wiegen.
Danny Boyle (rechts) mit seinem „Traum-Cast“
auf dem roten Teppich der Premiere von „Trance“
Aktuelles | www.bluray-vision.de | 6.2013 15

aktuelles
regisseur des monats
Christopher
Christopher NolaN
im Spotlight
Wenn man über die wichtigsten und einflussreichsten Regisseure unserer Zeit nachdenkt, dann darf ein Name
nicht fehlen: Christopher Nolan. Sein Aufstieg vom experimentellen Low-Budget-Tüftler aus England zum Großmeister
des anspruchsvollen US-Blockbuster-Kinos ist beispiellos. Wir schauen zurück und nach vorn, beleuchten
sein bisheriges Werk und den nächsten ganz großen Streich: „Interstellar“.
Stellt man Nolans schwarzweißes Regiedebüt
„Following“ und das hyperstylishe Science-
Fiction-Kunstwerk „Inception“ nebeneinander,
dann mag man kaum glauben, dass es sich um
zwei Filme von ein- und demselben, kreativen
Kopf handelt. Bedenkt man dann noch, dass
nicht viel mehr als eine Dekade zwischen ihrer
Entstehung liegt, mutet die immense handwerkliche
Entwicklung, die der smarte Brite in jenen
Jahren durchgemacht hat, gar noch furioser
an. In diesem Zeitraum entstanden Filme von
einer enormen Bandbreite. „Der Revolutionär
des anspruchsvollen Mainstream-Kinos“: Diesen
Titel hat er sich nach der absolut erfolgreichen
„The Dark Knight“-Trilogie sowie nach
Christopher NolaN aUF BlU-raY
Neben der Einzel-Blu-ray von „Memento“ gibt es
auch noch die „Christopher Nolan Collection“, eine
Gesamtbox mit den Filmen „Insomnia – Schlaflos“,
„Batman Begins“, „Prestige – Meister der Magie“,
„The Dark Knight“ und „Inception“. „The Dark
Knight Rises“ ist in diesem Paket nicht enthalten,
ebensowenig Nolans Erstling „Following“, den es
derzeit leider nur auf DVD gibt.
all seinen anderen, sowohl von den Kritikern
als auch vom Kinopublikum gefeierten, Thrillern
vollkommen verdient.
Steiler Aufstieg
Es ist schon Wahnsinn, wie groß die Abstände
der Sprossen von Nolans steiler Karriere-Leiter
sind: „Following“ (1998) drehte er noch mit ein
paar Freunden und fast ohne Budget an den
arbeitsfreien Wochenenden. Für „Memento“
(2000) standen ihm schon einige (Geld-)Mittel
und eine Handvoll großartiger Schauspieler zur
Verfügung. Nach diesem Indie-Hit führte er im
mit Hollywoodgrößen wie Al Pacino und Robin
Willimas besetzten Remake „Insomnia – Schlaflos“
(2002) die Regie, woraufhin das Vertrauen
der großen Studios in das „Wunderkind“ so groß
wurde, dass er mit dem Projekt „Batman Begins“
(2005) die Chance seines Lebens bekam … die
er auch nutzte. Der Rest ist Geschichte, wie es so
schön heißt. Im ständigen Wechsel produzierte
er seine eigenen Traumprojekte („Prestige“, „Inception“)
sowie die weiteren Teile der „The Dark
Knight“-Trilogie, die ihn in kürzester Zeit an die
Spitze des Regie-Olymps katapultierten. An seiner
Seite befinden sich stets sein jüngerer Bruder
Jonathan Nolan, der mit ihm die anspruchsvollen
Drehbuchideen ausarbeitet, sowie seine Ehefrau
Emma Thomas, die bislang all seine Filme produzierte.
Inzwischen gehört der 43-jährige Brite
quasi fest zur „Hollywoodfamilie“ und sitzt bei
den großen Drahtziehern der Filmindustrie am
gleichen Tisch wie Steven Spielberg, James Cameron,
Peter Jackson und J. J. Abrams.
Der nächste Blockbuster: „Interstellar“
Das kommende Science-Fiction-Projekt von Christopher
Nolan nennt sich „Interstellar“, startet voraussichtlich
im November 2014 in den Kinos
und basiert auf den hochinteressanten, physikalischen
Hypothesen des Naturwissenschaftlers
Kip Thorne. Thornes Spezialgebiet liegt hauptsächlich
in der Astrophysik und konzentriert sich
auf die Eigenschaften von sogenannten Wurm-
Bilder: Warner Home Video
20

NolaN
im Spotlight
löchern, die in vielen Science-Fiction-Werken
als Abkürzungen durch Raum und Zeit herhalten,
was sehr dramatische Nebeneffekte haben
kann. Bereits seit 2006 spielt Produzent Steven
Spielberg mit dem Gedanken, aus diesem Stoff
einen Film zu machen. Jonathan Nolan stieß nur
ein Jahr später als Drehbuchschreiber zum Projekt
und entwickelte für Paramount den ersten
Entwurf eines Science-Fiction-Skripts. Von da an
war es nur noch eine Frage der Zeit, bis auch
dessen Bruder Christopher hinzukommen würde,
was nach der Veröffentlichung von „The Dark
Knight Rises“ dann auch tatsächlich geschah.
Dieser überarbeitete das Skript seines Bruders
bzw. erweiterte es um seine eigenen Ideen – ein
Erfolgsrezept, das auch schon bei den vorherigen
gemeinsamen Filmen hervorragend funktionierte.
Ob die Geschichte um eine Gruppe
von Sternenreisenden an die Grenzen des wissenschaftlich
Vorstellbaren nun auch Zeitreisen
enthalten wird, ist bislang noch Geheimsache.
Aber schon allein das an „2001 – Odyssee im
Weltraum“ erinnernde Thema verspricht ein aufsehenerregendes
Kinospektakel.
Gute, alte Nolan-Familie
Der Dreh von „Interstellar“ begann im August in
Kanada und die Produktion läuft auf Hochtouren,
wobei sich die Besetzungsliste wirklich sehen
lassen kann: Neben Nolans Dauercast Michael
Caine tummeln sich auch namhafte Schauspieler
wie Anne Hathaway (zuletzt als Catwoman zu
sehen), Jessica Chastain, Matt Damon, Matthew
McConaughey, Topher Grace („Spider-Man 3“),
Ben Afflecks Bruder Casey und David Oyelowo
(„Planet der Affen: Prevolution“) auf der Kinoleinwand.
Der Dreh findet erstmals ohne Kameramann
Wally Pfister statt, mit dem Christopher
Nolan all seine bisherigen Filme produzierte.
Der Grund: Pfister arbeitet derzeit selbst als Regisseur
an einem eigenen Science-Fiction-Film
namens „Transcendence“ (April 2014), der von
Christopher Nolan produziert wird und Stars wie
Johnny Depp, Morgan Freeman und Rebecca
Hall in den Hauptrollen zeigt. Die Rolle des Kameramanns
für „Interstellar“ übernimmt daher
der Schweizer Hoyte Van Hoytema („Dame, König,
As, Spion“, „The Fighter“), der sich unter der
Nolanschen Flagge mit der großen und zugleich
sperrigen Imax-Kamera-Technologie auseinandersetzen
muss. Ähnlich wie in den „The Dark
Knight“-Filmen wird es also auch hier wieder
Wechsel zwischen den Standard-35-Millimeter-
Anamorph-Aufnahmen und den visuell hochkarätigen
Imax-Aufnahmen geben.
Die Musik stammt wie gewohnt vom „Herrn
der bombastischen Blockbuster-Klänge“: Hans
Zimmer höchstpersönlich. Und auch die visuellen
Effekte werden wieder von Paul J. Franklin
überwacht. Es bleibt also ein eingespieltes Produktionsteam,
das den Zuschauern ohne Frage
wieder einen extrem hohen Qualitätsstandard
bieten wird.
Tiemo WeiSenSeel, Falko Theuner
Er ist das „Wunderkind“ Hollywoods und begeistert
Kritiker, Publikum und Studio gleichermaßen
Anzeige

Aktuelles
Regisseur des Monats
Radu Mih
Radu Mihaileanu
im Spotlight
Im Interview berichtet Radu Mihaileanu über seine Arbeit als Regisseur, darüber, welchen Stellenwert der
Humor in seinen Filmen einnimmt, und über seinen neuesten Film „Quelle der Frauen“, der seit dem
2. Oktober auf Blu-ray erhältlich ist.
Was sind Ihrer Meinung nach die Hauptthemen
Ihrer Filme?
Vielleicht bin ich nicht der perfekte Ansprechpartner,
um meine Filme zu analysieren, aber
ich glaube, dass es in nahezu allen meinen Filmen
um die Situation des Menschen geht, der
für Demokratie kämpft, für Freiheit und dafür,
jeden Tag besser durchhalten zu können. Dabei
spreche ich von durchhalten in einer spirituellen
Hinsicht. Jeder Charakter meiner Filme möchte
sich selbst erreichen und durchhalten, frei
sein. Darum geht es auch in „Zug des Lebens“
(1998). Es lässt mich etwas versuchen zu erreichen,
von dem ich denke, dass es etwas Großartiges
am Menschsein ist. Vielleicht entspringt
genau das in all meinen Filmen meiner eigenen
Erfahrung mit einer Diktatur. Ich selbst lebte ja
Radu Mihaileanu
auF Blu-RaY
Seit dem 2. Oktober ist
„Quelle der Frauen“ auf
Blu-ray erhältlich. In
dem Drama kämpfen
arabische Frauen für
einen Brunnen und für
die Liebe.
in Rumänien unter Ceauşescu, und so sage ich
in all meinen Filmen: „Sei frei!“ Der Mensch ist
zu vielen wundervollen Dingen fähig und ich
versuche jeden Tag, glücklich über die grenzenlose
Kapazität an Menschlichkeit zu sein.
Wie viel von Ihrer eigenen Person ist in
den Charakteren Ihrer Filme wiederzufinden?
Ich glaube, eine ganze Menge, auch wenn
ich versuche, das zu verstecken. Ich glaube,
ich erscheine ziemlich oft in jedem Charakter,
sogar in den bösen. Ich fühle mich sehr mit
Schlomo verbunden („Geh und lebe“, 2005),
aber auch mit denen, die etwas verrückt sind
und fanatisch werden. Manchmal werde ich
auch nicht einig mit Menschen und werde
selbst ein wenig fanatisch, da versuche ich vorsichtig
zu sein. Ich fühle mich natürlich sehr mit
dem afrikanischen Jungen verbunden, der nach
Israel geht und allein ist, weil ich als Immigrant
ja selbst allein war, weit weg von meiner Familie.
Und ich fühle mich sehr mit den Frauen
in den arabischen Ländern verbunden, die für
ihre Freiheit kämpfen und dafür, als Menschen
beachtet zu werden, in gleicher Weise wie die
Männer. Ich fühle mich dahingehend verbunden,
weil ich selbst dafür kämpfen musste.
Der Humor ist einer der zentralen Aspekte
Ihrer Filme. Ist er eine direkte Metapher
für Ihre Arbeit als Regisseur?
Ja, für mich macht er das Leben erst lebenswert.
Ich bin so und die Menschen, die mir
nahe stehen, sind ebenfalls so. Wir leben alle
nur ein Leben, wir leben Tragödie, Drama, aber
auch den Humor, die Komödie. Das ist auch
ein Weg, frei zu sein, weil jeder von uns weiß,
dass wir eine Art Gefangene sind, wir wissen,
dass das Leben sehr kurz ist und dass wir aus
der Dunkelheit kommen und wieder dahin
zurückgehen. Humor ist also der Weg auszudrücken,
dass wir aus diesem Gefängnis entkommen
wollen. Ein Gefängnis des Verurteilt-
Seins. Und es ist sehr wichtig für mich, niemals
im Drama, der Tragödie festzustecken. Es ist
wichtig, dem Tod zu sagen: Mich kümmert es
nicht, ich bin am Leben und du machst mir keine
Angst! Und ich glaube, das ist das schönste
Geschenk an die Menschen, dass wir diese
Gabe haben. Wir haben die Gabe des Humors,
um unsere Angst, davor, dass wir nur menschlich
sind und nur ein kurzes Leben haben
zu besiegen.
Wie schaffen Sie diese Brücke zwischen
Humor und Drama?
Ich weiß es nicht, ich analysiere das nicht so.
Wenn ich schreibe, schreibe ich und ich schreibe
so, wie mein Leben ist. Wenn ich Zeitung
lese oder fernsehe und ich jede Tragödie sehe,
die in der Welt passiert, weiß ich, dass mein
einziges Werkzeug, meine einzige Waffe der
Humor ist. Es ist meine einzige Waffe, weil ich
Bilder: Tiberius Film
14

aileanu
Regisseur des Monats
Aktuelles
im Spotligh
nie in der Lage sein werde, eine richtige Waffe
zu benutzen. Und Humor ist die einzige Waffe,
um am Leben zu bleiben. Das setze ich in
meinem Leben um und auch, wenn ich das
Drehbuch meiner Filme schreibe. Ich weiß
nicht, wie ich das mache, aber ich brauche das
nach jeder tragischen Szene oder währenddessen,
dass der Charakter trotzdem fröhlich
wird. Denn das ist das Leben. Leben ist nicht
nur eine Farbe, es hat alle Farben.
In Ihrem neuesten Film „Quelle der
Frauen“ erzählen Sie von den Rechten der
muslimischen Frauen. Woher bekamen Sie
die Inspiration dafür?
Für mich ist es nicht nur ein Film über die
Rechte der muslimischen Frauen, ich glaube,
in einem gewissen Grad handelt er von der
Situation aller Frauen auf der Welt. Natürlich ist
es nicht überall dasselbe. Es ist das Märchen
vom Wasser, was man wirklich braucht, um
zu leben. Ich hatte die Gelegenheit, 1985 oft
in Marokko und in einigen ähnlichen Ländern
unterwegs zu sein, und ich habe mich in diese
Länder verliebt. Vor allem in das Landleben. Ich
weiß nicht genau wie, denn es ist dort eigentlich
sehr schwierig, aber ich sprach viel und ich
hörte viele Geschichten von Frauen. Es ist nicht
leicht, mit Frauen auf dem Land zu sprechen
und einen Dialog zu führen, gerade wenn man
aus Europa, aus dem Westen kommt. Dabei
spreche ich nicht von den Städten, dort ist es
leichter, ins Gespräch zu kommen. Ich entdeckte
viele wundervolle Menschen, eben
vor allem Frauen, großartige Geschichten und
großartigen Humor, auch wenn wir inmitten
von Leid miteinander sprachen. Ich entschied
eines Tages, dass ich diese Geschichte erzählen
muss. Ich musste diese Geschichte über
die Frauen erzählen, auch wenn das Bild von
den muslimischen Frauen zu der Zeit sehr vereinfacht
und karikativ war. Ich wollte deutlich
machen, dass sie viel kultivierter sind und –
was wir nicht wissen – dass sie kämpfen.
In „Quelle der Frauen“ geht es um den
Brunnen als zentralen Konflikt. Bald ist
aber klar, dass das Problem viel tiefer
liegt. Was ist also für Sie die wahre Quelle
der Frauen?
Ich glaube, das eigentliche Problem ist das
Wasser auf der einen Seite als reales Problem,
etwas, was wirklich passiert ist. Auf der anderen
Seite ist es, wie Sie sagten, metaphorisch.
Wasser ist der Regen, Leben, es gibt so viele
Bilder und Metaphern von Wasser. Aber für
mich ist es Liebe, der Respekt und wie man
mit anderen umgeht. Mit Männern, mit Frauen,
Kindern, alten Leuten. Es gibt eine schöne Metapher
dafür in den arabischen Ländern, die
besagt, dass wenn man einer Blume kein Was-
ser gibt, diese stirbt. Ich glaube, darum geht es
in dem Film. Es geht darum, wie man mit anderen
umgeht, ob man sie mit Respekt behandelt.
Das ist es, wofür sie kämpfen. Wenn man
liebt, wenn man wirklich die Probleme erkennt,
dann teilt man das Wasser. Wenn nicht, wenn
man das Wasser nicht zuführt, stirbt auch die
Liebe. Und wenn die Liebe stirbt, muss alles
wieder aufgebaut werden. Darum geht es für
mich in dem Film. Die Frauen kämpfen nicht
nur für Wasser, sie kämpfen für wahre Liebe,
für Respekt. Ich glaube auch, dass das nicht
nur ein Problem in den arabischen Ländern ist.
Für mich ist es ein weltweites Problem. Überall
auf der Welt haben wir etwas abgebrochen
und haben deswegen keine echte Liebe mehr.
Vielen Dank für das Gespräch!
Radu Mihaileanu mit Leila Bekhti, der Hauptdarstellerin
aus „Quelle der Frauen“
Aktuelles | www.bluray-vision.de | 8.2013 15

aktuelles
regisseur des Monats
ZiAd doue
ZiAd doueiri
im Spotlight
Sein brillantes Drama „The Attack“ gewann aus gutem Grund den Preis für die beste internationale Literaturverfilmung
auf der Frankfurter Buchmesse. Wir sprachen mit Regisseur Ziad Doueiri über die Liebe, Vorurteile und
die Fassungslosigkeit, die ein Terroranschlag hinterlässt.
IntervIew: Falko theuner
Herr Doueiri, Sie haben zuvor bereits als
Kameramann u. a. an diversen Tarantino-
Filmen gearbeitet. Wann entschieden Sie
sich dafür, Regisseur zu werden?
Die Idee schwebte schon lange durch meine
Gedanken. Als ich in Los Angeles lebte und an
Filmen als Kamera-Assistent und Kameramann
arbeitete, fühlte ich, dass mich dies nicht mehr
ausfüllte. Nicht dass es keine gute Zeit war, es
war eine großartige Erfahrung. Aber ich hatte
das Gefühl, mich weiterentwickeln zu müssen.
Ich hatte bereits viele Jahre Set-Erfahrungen
und fühlte mich nun bereit, mit dem Schreiben
und Regieführen zu beginnen. Das war
der Punkt, an dem ich die Richtung änderte.
Ich ging zurück zu den Wurzeln und schrieb ein
Skript, so als wäre es die frühe Biografie meiner
Auf Blu-rAy:
„The ATTAck“
Ein Bombenanschlag
erschüttert Tel Aviv.
Als unter den Toten Dr.
Jaafaris Frau entdeckt
und als Selbstmordattentäterin
beschuldigt
wird, beginnt für ihn
eine schmerzhafte Suche
nach der Wahrheit.
Kindheit und Teenager-Tage in Beirut. Daraus entstand
mein erster Film „West Beyrouth“ (1998).
Und wie entdeckten Sie dann Yasmina
Khadras Roman „Die Attentäterin“?
Ich wurde von dem amerikanischen Filmstudio
Focus Features angerufen. Sie kannten meine
bisherigen Filme und fragten, ob ich an dem
Material interessiert wäre? Ich hatte zuvor noch
nie etwas von Yasmina Khadras Buch gehört. Die
Thematik des mittleren Ostens widerstrebte mir
ein bisschen. Ich versuchte zu dem Zeitpunkt,
etwas Abstand dazu zu gewinnen. Aber meine
Agentin in New York riet mir: „Lies das Skript! Lies
es, und entscheide später.“ Ich las es also und
dachte mir: „Was für ein fantastisches Buch!“ Es
handelt von wirklich menschlichen Problemen.
Es ist nicht nur der Konflikt zwischen den Palästinensern
und den Israelis. Es hat eine größere
Dimension und eine gewisse Allgemeingültigkeit.
Ich traf mich mit dem Produzenten und wir
beschlossen, den Film zusammen zu machen.
Ich flog also wieder nach Beirut zurück, um mit
der Koautorin des Drehbuchs Joelle Touma (die
Ehefrau Ziad Doueiris, Anm. d. Red.) das Buch für
die Leinwand zu adaptieren. Über einen Monat
später begann der Krieg zwischen den Israelis
und den Hisbollah in Beirut, während ich vor Ort
noch an dem Skript schrieb. Zu dieser Zeit fragte
ich mich, ob die Fortsetzung meiner Arbeit noch
Sinn hatte. Es wurde nach 2006 so viel über die
Hisbollah, Israel und den Krieg berichtet, dass
möglicherweise niemand den Film als Fiktion
ansehen würde. Ich hegte Zweifel am ganzen
Produktionsprozess, befürchtete, dass wir einen
Film produzierten, den möglicherweise niemand
sehen wollte. Doch dann fühlte es sich richtig an,
die Arbeit fortzuführen, und wir beendeten das
Skript zum vorliegenden Film „The Attack“.
Haben Sie die Handlung verändert?
Wir veränderten insbesondere den dritten Teil
des Buches, also das gesamte Ende. Das Ende
des Originals ist ebenfalls sehr gut. Beim Schreiben
fiel mir aber auf, dass ich mehr auf das verbleibende
Gefühl des Doktors eingehen wollte.
Ich wollte, dass Dr. Jaafari in einem größeren
Dilemma verweilt, als im Buch. Als der Autor des
Buches den Film sah, war er zunächst geschockt,
weil wir das Ende komplett geändert hatten. Es
dauerte eine Weile, bis er damit klar kam.
Welchen Stellenwert nimmt die Liebe zwischen
Amin und Siham für diesen Film ein?
Das Buch und der Film wollen die Liebesstory
betonen, weil sich die Handlung eher um die
Beziehung dreht, als um den isralisch-palästinensischen
Konflikt. Wir wollten uns der Frage widmen,
wie ein Mann über so lange Zeit eine Frau
lieben und mit ihr verheiratet sein kann, ohne jemals
etwas zu ahnen. Es geht um die persönliche
Nachforschung, die Reise, die der Protagonist
riskiert. Es geht darum, die größere Wahrheit zu
entdecken. Es ist gleichermaßen eine Geschichte
Bilder: Senator
14

iri
im Spotlight
über Betrug wie über Verständnis. Was motiviert
einen zu solch einer dummen Tat? Er ist nicht
damit einverstanden. Weil er ein Arzt ist, der Leben
rettet. Was seine Frau tat, ist das komplette
Gegenteil von seinem Glauben. Aber am Ende
kommt er damit zurecht. Er befürwortet es nicht,
aber seine Liebe zu ihr bleibt sehr stark.
Es ist also kein Film über den Anschlag,
sondern über das, was zurückbleibt.
Ganz genau! Man kann es in vielerlei Hinsicht so
sehen. Es kommt auf mehreren Ebenen zur Geltung,
dass der Doktor am Ende von jedem verstoßen
wird. Er befindet sich im Niemandsland und
wird nirgendwo akzeptiert. Das ist eine der Szenen,
in der wir genau das zeigen. Aber es gibt auch noch
weitere Filmmomente dieser Art. Damit wollten wir
eine Vielschichtigkeit erreichen und zeigen, dass
es immer mindestens zwei Perspektiven auf jeden
Konflikt gibt. Es gibt kein Gut-gegen-Böse, das ist
nicht der Fall. Es gibt so viele Filme, die so etwas
vereinfachen. Aber hier haben wir einen Konflikt,
der schon so tief verwurzelt und alt ist, dass man
nicht mehr so einfach sagen kann, die eine Partei
hat vollkommen recht und die andere liegt vollkommen
falsch. Natürlich gibt es eine Besetzung.
Und natürlich gibt es eine Bevölkerung, die unter
der militärischen Führung einer größeren, stärkeren
Nation lebt. Dennoch gibt es zwei Perspektiven,
weshalb ich auch so interessiert am Buch war. Es ist
einfach nicht didaktisch. Es ist nicht schwarz-weiß.
Wo haben Sie den Film gedreht?
Wir haben an den Orten gedreht, an denen
die Filmhandlung stattfindet. Einen Teil davon
in Tel Aviv, einen Teil in Palästina. Wir mussten
aufgrund der Produktionskosten einige Krankenhaus-Szenen
in Belgien drehen.
Gab es irgendwo Probleme?
Nein, es gab absolut keine Probleme, weder mit
den israelischen noch mit den palästinensischen
Behörden. Im Gegenteil: Beide halfen beim Dreh.
Die palästinensischen Behörden waren unglaublich
zuvorkommend. Als wir zum Bürgermeister
von Nablus gingen, fragten wir ihn, ob wir in der
Moschee drehen dürften. Normalerweise ist es
nicht erlaubt, dort zu filmen. Es ist noch nie zuvor
geschehen. Aber ich denke die Stadt Nablus
wollte ihre Aufgeschlossenheit demonstrieren
und ein anderes Bild von Nablus geben. Wie Sie
wissen hat sie seit der „Intifada“ einen schwierigen
Ruf. Und sie wollten zeigen, dass die Stadt
Touristen und Filmemacher willkommen heißt.
Sie traten also aus dem Weg und ließen uns in
der Moschee filmen.
Wurde der Film in Israel und Arabien
gezeigt? Wie reagierten die Zuschauer?
Der Film wurde in der gesamten arabischen
Welt verboten. Die Arabische Liga, die eine Art
Pendant zur Europäischen Union ist, beschloss,
den Film zu verbieten, weil jüdische Schauspieler
darin vorkommen. Ich dachte, es wäre
erschreckend und eine Schande so etwas zu
tun. Sie wollten den Film nicht, weil wir in Israel
drehten. Und die Araber boykottieren Israel, was
auch immer das bedeutet. Aber der Film wurde
in Israel gezeigt und war dort ein sehr großer
Erfolg. Und er wurde auf vielen jüdischen Filmfestivals
gezeigt in New York, Los Angeles, San
Francisco. Er wurde sehr gut von der jüdischen
Gesellschaft aufgenommen. Leider kann ich
Ihnen nicht erzählen, ob die arabische Gesellschaft
den Film akzeptierte, weil die meisten ihn
nicht sehen konnten. Ich wollte ihn unbedingt in
meiner Heimat, Libanon, zeigen. Jedoch wurde
er auch dort verboten. Ich dachte, gerade dort
wäre es wichtig, den Film zu zeigen, aber der libanesische
Innenminister sagte, er könne solch
einen Film nicht erlauben, weil Juden im Film
mitspielen bzw. als Techniker an dem Film mitarbeiteten.
Und weil ich in Tel Aviv drehte. So ist
das passiert.
Vielen Dank für das Gespräch!
Anzeige

aktuelles
regisseur des Monats
arnaud d
arnaud des Pallières
im Spotlight
Zur deutschen Filmpremiere seines neusten Films „Michael Kohlhaas“ saß uns in Leipzig Arnaud Des Pallières
gegenüber und sprach mit uns über seine Herangehensweise bei der Kleist-Verfilmung. Die Antworten des
französischen Regisseurs sind die eines nachdenklichen, humorvollen Kopfmenschen.
IntervIew: Falko theuner
Bald auf Blu-ray:
„Michael Kohlhaas“
Ich habe gelesen, dass Sie am Anfang der
Produktion viel mit Mads Mikkelsen über
seinen Filmcharakter Michael Kohlhaas
diskutiert haben. Was waren denn da so
die größten Reibungspunkte?
Der große Unterschied zwischen Mads Mikkelsen
und mir besteht einfach darin, dass
ein Schauspieler immer alles verstehen muss.
Er will immer Gründe haben, warum er etwas
spielt. Er will auch immer die Figur, die er ver-
Am 28. März erscheint die
neue Kleist-Verfilmung
„Michael Kohlhaas“ auf
Blu-ray. Sie beschreibt
die himmelschreiende
Ungerechtigkeit, die dem
Pferdehändler Kohlhaas
widerfährt, sowie dessen
anschließenden Rachefeldzug.
Herr Des Pallières, Sie verwendeten ausschließlich
natürliches Licht und hauptsächlich
Originaltöne. Warum wählten Sie
einen dokumentarischen Stil für den Film?
Was mir wichtig ist, ist dass es innerhalb eines
Dokumentarfilms auch eine Art von narrativer
Struktur gibt und umgekehrt in einem Spielfilm
ebenso eine dokumentarische Wahrheit existiert.
Am wichtigsten ist für mich immer, dass
der Zuschauer an die Geschichte glaubt, die ich
ihm erzähle. Ich glaube auch überhaupt nicht
an Special Effects oder an irgendwelche Dinge,
die dem Kino künstlich hinzugefügt werden. Mir
geht es immer darum: Wenn es geht, alles vor
der Kamera geschehen zu lassen. Und so war
das eben auch hier. Das heißt einfach, dass es
für sehr viele Leute sehr, sehr viel Arbeit bedeutet
hat und man muss so etwas sehr lange im
Voraus sagen, damit das überhaupt funktionieren
kann.
Demnach ist die gezeigte Pferdegeburt
tatsächlich echt?
In dem Fall war es so, dass Frederic Sanabra, der
Pferdezüchter und -experte, den Schauspielern das
Reiten beigebracht und sich um die Pferde gekümmert
hat. Er sagte mir: „Ich habe eine Stute, die
ist trächtig und wird im September ein Fohlen zur
Welt bringen.“ Und das hat er natürlich erwähnt,
um mich zu überzeugen, mit ihm zusammenzuarbeiten,
was er dann auch geschafft hat. Daher
war klar, dass der September der erste Drehmonat
werden würde. Wir haben dann in den ersten drei
Wochen mit Mads Mikkelsen alle diese Szenen gedreht,
die von Michael Kohlhaas in seinem Haus,
um sein Haus herum und die bei seiner täglichen
Arbeit. Es war klar, dass die Stute eben Tag und
Nacht in der Lage gewesen wäre, das Fohlen zu
werfen. Wir waren also per Handy permanent in
Alarmbereitschaft und hätten die Geburtsszene
egal zu welcher Tageszeit gedreht. Wir haben auch
mit einem Tierarzt zusammengearbeitet, weil man,
kurz bevor es soweit ist, so ein bisschen nachhelfen
muss, damit es zur Geburt kommt.
Und wie hat sich Mads Mikkelsen als
Geburtshelfer geschlagen?
Mads Mikkelsen hatte natürlich noch niemals
bei der Geburt eines Fohlens assistiert und
Frederic Sanabra hat also versucht, ihm alles
zu sagen, was es da zu erklären gibt und ihn
auf diese Art und Weise vorzubereiten. Als die
Szene dann gedreht wurde, war Frederic Sanabra
hinter einer Tür, die man nicht sehen
kann, und hat ihm immer mal wieder ganz
kurze Anweisungen gegeben – hat ihm gesagt:
„Jetzt zieh!“ oder „Jetzt musst du sie
an den Läufen festhalten!“, damit Mikkelsen
wusste, was er zu tun hat. Aber im Prinzip
hat er da wirklich alles allein gemacht. Und
das Schwierige für ihn war natürlich, dass
es so wirken musste, als sei das ganz alltäglich
für ihn. Für ihn war das eine hochemotionale
Szene, weil er das erste Mal bei
einer Geburt eines Fohlens dabei war. Die
Schwierigkeit bestand natürlich darin, seine
Emotionen zurückzuhalten, weil eben diese
Figur so wirken muss, als wäre das eine ganz
alltägliche Sache. Er musste praktisch seine
Gefühle maskieren.
Bilder: Studiocanal, © Severine Goupil, © Nicolas Guerin
16

es Pallières
regisseur des Monats
aktuelles
im Spotligh
körpert, verteidigen können. Normalerweise
neige ich auch dazu, so weit wie möglich
den Schauspielern das zu erklären, ihnen gute
Gründe zu geben. Und wenn es auch irgendwie
geht, ihnen ihre Fragen zu beantworten, so weit
mir das möglich ist. In dem Fall ist es aber so,
dass sowohl bei Kleist als auch bei mir selbst
diese Figur von Kohlhaas immer wieder irgendwelche
Logiksprünge macht. Und einfach auch
unerklärliche Entscheidungen trifft, die auch ich
nicht verstehe. Um Ihnen ein Beispiel zu geben:
Als die ganze Situation noch nicht so eskaliert
ist, noch lange vor dem Tod seiner Frau, verkauft
Kohlhaas sein gesamtes Anwesen. Das ist eine
für mich vollkommen unverständliche Entscheidung,
ebenso wie für Mads Mikkelsen. Viele
haben auch zu mir gesagt, dies wäre natürlich,
wenn er das nach dem Tod seiner Frau macht,
dann hat das Leben für ihn keinen Sinn mehr.
Und ich hab eine Weile mit dem Gedanken
geliebäugelt, das zu verändern, habe mir dann
aber gesagt: „Nein, dieses Irrationale ist genau
das, was Kleist wollte.“ Das verbindet diese Figur
mit Kleist, das drückt das Kleistsche Denken
letztendlich aus. Und dann dürfen wir eins auch
nicht vergessen: Dass wir heute sehr viel rationaler
sind und sehr viel rationaler agieren als es
im 16. Jahrhundert der Fall war. Die Historiker
neigen dazu, alles zu psychologisieren und aus
der Psychologie heraus zu erklären. Aber man
wäre erstaunt, wenn man einer Unterhaltung
aus dem 16. Jahrhundert beiwohnen würde.
Die war überhaupt nicht so rational aufgebaut,
sondern funktionierte vielmehr mit Assoziationen
und auch mit Logiksprüngen. Wir dürfen
auch nicht vergessen, dass Descartes der erste
Philosoph war, der das Begründen eingeführt
hat, dass er zwischen uns heute und dem 16.
Jahrhundert steht. Wir leben heutzutage in dieser
Tradition des Denkens von Descartes. Aber
das ist etwas relativ Neues und das war eben
letztendlich auch das Problem zwischen Mads
Mikkelsen und der Figur, die er zu spielen hatte,
dass ich ihm dann irgendwann auch gesagt
habe: „Ich habe nicht auf all deine Fragen eine
Antwort. Du musst es einfach akzeptieren und
du musst in dir selbst diese Löcher, die es gibt,
irgendwie füllen.“ Das war dann die Arbeit, die
er machen musste, weil ich ihm sagte, ich kann
ihm eben nicht alles erklären, ich habe nicht
immer die Gründe und er muss diese Gründe
irgendwo in sich selbst finden.
Der Film war schon lange ein Wunschprojekt
von Ihnen. Nun ist er fertig. Sind Sie
zufrieden? Oder gibt es einige Stellen, die
Sie gerne noch verändern würden?
Ich werde noch einmal darauf zurückkommen,
dass ein Film bzw. die Filme, die ich mache,
absolut etwas mit der gegenwärtigen Zeit zu
tun haben, mit dem Hier und Jetzt. Man muss
praktisch den Film machen, den man machen
muss. Filme zu erstellen, ist ein Beruf, eine
künstlerische Tätigkeit, die letztlich sehr stark
mit dem Material zusammenhängt, mit dem
es entsteht. Ich kann schon sagen, dass dieser
Film, den ich jetzt gemacht habe, sich natürlich
von einem Film unterscheidet, den ich vor 25
Jahren gedreht hätte oder den ich in zehn Jahren
drehen würde. Das wären dann immer andere
Versionen, immer andere Vorschläge, die
ich unterbreite. Letztendlich ist ein Film nicht
nur das Produkt des reinen Wunschdenkens,
sondern etwas, das durch die Drehorte existiert,
durch die Pferde, die dort eine Rolle spielen. Er
existiert durch die Ökonomie der Mittel und alles,
was ich dazu sagen kann, ist, dass ich, wenn
ich all diese Elemente, die mir zur Verfügung
gestanden haben, in Erwägung ziehe, dass ich
dann das Beste daraus gemacht habe.
Jetzt ist es natürlich so, dass es ganz klar ist,
dass ich mit einem anderen Schauspieler oder
mit mehr Geld oder an einem anderen Ort
einen ganz anderen Film gemacht hätte. Das
ist ganz sicher. Ich wiederum kann einfach nur
sagen, dass ich gleichermaßen sehr, sehr stolz
bin und mir aber auch darüber im Klaren bin,
dass jemand anderes wiederum einen ganz
anderen Film gemacht hätte. Das wäre vielleicht
ein Film gewesen, der noch interessanter
gewesen oder notwendiger gewesen wäre, als
meiner. Aber ich will Ihnen noch etwas sagen:
Mads Mikkelsen war nicht meine erste Wahl.
Ich wollte ursprünglich diesen Film mit einem
italienischen Schauspieler drehen, den ich auch
getroffen habe. Ich war felsenfest davon überzeugt,
dass dieser Schauspieler meine richtige
Wahl sei und war verzweifelt, als dieser Schauspieler
dann abgelehnt hat. Daraufhin hat meine
Casting-Frau mir Mads Mikkelsen vorgeschlagen
und jetzt ist Mikkelsen so zentral in diesem
Film, er ist so präsent – und letztendlich ist er
doch nur die Frucht eines Zufalls. Und das ist
genau das, was ich meine: Das Beste, was man
macht, ist letztendlich das Beste, das man aus
all diesen Zufällen hervorbringt, die während
eines Drehs letztendlich entstehen. Daher ist
der Film so wie er ist. Es ist einfach das, was
dabei herausgekommen ist.
Vielen Dank für das Gespräch!
Arnaud Des Pallières beim Filmen des epischen
Aufgebots der Reiter.
Aktuelles | www.bluray-vision.de | 2.2014 17

Aktuelles
Regisseur des monats
Lars von
Lars von Trier
im Spotlight
Lars von Trier: Ein Filmemacher, der keinen kalt lässt. Wer erst einmal einen seiner Filme gesehen hat, wird
unweigerlich neugierig werden auf den Mann hinter den Bildern, hinter diesen so beunruhigenden Figuren
und Geschichten. Dies ist eine Annäherung, nichts weiter – denn um sein Werk einzuordnen, braucht es viel
Zeit und Geduld, und vor allem eigenes Engagement.
Geboren wurde Lars Trier am 30. April 1956 in
der dänischen Hauptstadt Kopenhagen. Das
adlige „von“ schummelte er später einfach hinzu:
Ein augenzwinkerndes Spiel mit seinem (Künstler-)
Namen und schon ein erster Hinweis auf seine
omnipräsente Extravaganz. Nach frühen Versuchen
mit dem Medium Film (erste kleine Kurzfilme mit
primitiven Heimkameras entstanden schon im
Kindesalter; in einer dänischen Kinderserie stand
er als Darsteller vor der Kamera) schien sein Weg
in die Welt des Films vorprogrammiert. Die logische
Konsequenz war das Studium der Filmwissenschaften
in Kopenhagen. Erste Auszeichnungen für seine
Projekte ließen nicht lange auf sich warten, so gewann
er mit seiner Filmhochschul-Abschlussarbeit
Lars von Trier
im Kino
Aktuell haben viele
Programmkinos den
zweiten Part von
„Nymphomaniac“ im
Programm. Ein starker,
gewagter, expliziter und
mitreißender Film, der
das Krankheitsbild Nymphomanie
ernst nimmt.
Pornographie sieht aber
definitiv anders aus.
aus dem Jahre 1982 („Bilder der Befreiung“) gleich
auf Anhieb den Preis für den besten Film des Jahres
auf dem Filmfest München.
Das Dogma-Manifest
Mit radikalen filmästhetischen Ideen wie „Dogma
95“ sorgte von Trier immer wieder für Aufsehen
in der Branche. Gemeinsam mit einigen
befreundeten dänischen Regie-Kollegen
propagierte er 1995 – 100 Jahre, nachdem die
Bilder dank der Brüder Lumière laufen lernten –
plötzlich die völlige Abkehr von allem bisher Erreichten.
Die „Dogma-Filme“ legten sich selbst ein
komplexes Korsett von Regeln und Beschränkungen
auf (ausschließlich Handkameras, kein Kunstlicht,
keine Spezialeffekte, keine Nennung des
Regisseurs uswusf...), durch das man sich erhoffte,
endlich wieder zum Kern des Filmemachens, dem
Geschichtenerzählen und einer gewissen Nähe zur
Lebenswirklichkeit der Menschen, vordringen zu
können. Ironischerweise begriffen die Initiatoren
ihre Bewegung auch als Gegenentwurf zum klassischen
Autorenkino – als dessen wichtigster europäischer
Vertreter von Trier inzwischen gilt.
Enfant terrible
Heute ist Lars von Trier eine der schillerndsten
Regie-Persönlichkeiten überhaupt. Jeder neue Film
wird von den Kritikern und einem interessierten
Arthouse- und Festival-Publikum mit Spannung
erwartet. Doch nicht nur seine kaum zu kategorisierenden
Filme machen das Phänomen Lars von
Trier aus. Mit grenzüberschreitenden Auftritten wie
auf der legendären Pressekonferenz in Cannes
2011, wo er seine jahrelang gepflegte Koketterie
mit der NS-Vergangenheit deutlich zu weit trieb,
bringt er die Öffentlichkeit scheinbar ganz bewusst
gegen sich auf. Was bei solchen Skandalen mit
Ansage Kalkül, was „spontanes Missgeschick“ oder
was einfach nur Dummheit ist, lässt sich im Nachhinein
oftmals nur schwer beurteilen. In seinen
wenigen Interviews widerspricht er sich oft selber,
wettert heute gegen das, was er vor Jahren noch
vehement verteidigt hat, inszeniert sich mal als leidenden
Depressiven, dann wieder als clownesken
Spaßmacher hinter der Kamera. Vielleicht sollte
man ihn ebenso als Kunstfigur begreifen wie all die
verschrobenen, kranken, leidenden Grenzgänger,
die er in seinen Drehbüchern erfindet und auf der
Leinwand zu beeindruckendem Leben erweckt.
Die Trilogien
Charakteristisch für sein Werk erweist sich immer
wieder eine gewisse inhaltliche und/oder formale
Zusammengehörigkeit mehrerer Filme einer gewissen
Phase seines Schaffens. Als Autorenfilmer
hat er die Zügel bei seinen Projekten fest in der
Hand: Wenn man Drehbuchautor, Regisseur und
oft auch Produzent in Personalunion ist, dann kann
man die Ausrichtung seiner Filme zumindest so
Bilder: Concorde (Home)
16

Trier
Regisseur des monats Aktuelles
im Spotlight
stark beeinflussen, wie es in der „Teamkunst“ Kino
normalerweise eigentlich gar nicht möglich ist. So
lassen sich denn auch mehrere Trilogien im Werk
von Lars von Trier ausmachen, beispielsweise die
„Amerika-Trilogie“, die Elemente der US-Filmkultur
aufgreift, umgehend ad absurdum führt und natürlich
auch konsequent in Amerika angesiedelt ist. Zu
dieser Reihe zählen „Dancer In The Dark“ (2000),
„Dogville“ (2003) sowie „Manderlay“ (2005).
Aktuell kristallisiert sich mit „Antichrist“ (2009),
„Melancholia“ (2011) und „Nymphomaniac“
(2013) gerade ein weiterer filmischer Dreierpack
heraus. Epizentrum dieser Werke ist eindeutig die
Französin Charlotte Gainsbourg, die in den letzten
Jahren zu von Triers Muse geworden ist und
diesen drei Filmen mit bewundernswertem Mut
und unerschöpflicher Ausdruckskraft ihren Stempel
aufdrückt. Themen wie
die Abgründe der Sexualität, der Teufelskreis der
Depression und der Todestrieb werden hier auf
bildmächtige Weise in modernes Kino übersetzt.
Eine Werkschau
Die Frage, wo man angesichts des beträchtlichen
Umfangs und der erschlagenden thematischen
Vielfalt dieses Œuvres anfangen soll, ist angesichts
der nur sehr eingeschränkten Verfügbarkeit der frühen
Filme gar nicht so schwer zu beantworten. Ab
Mitte der 1990er Jahre ist – zumindest auf DVD –
alles käuflich zu erwerben, sodass einer Werkschau,
wenn man denn einmal Blut geleckt hat,
nichts im Wege steht. Auf Blu-ray sind bisher leider
nur „Antichrist“ und „Melancholia“ erhältlich. „Nymphomaniac“
wird Anfang September erscheinen,
sodass zumindest die letzte Trilogie dann komplett
in HD vorliegt.
Tiemo Weisenseel
Stacy Martin ist die Entdeckung aus „Nymphomaniac,
Vol. I“, hier in einer Szene mit Shia LaBeouf.
Anzeige
Aktuelles | www.bluray-vision.de | 4.2014 17