PC Games Hardware Spezial: Der ultimative Guide der Porträt- und Landschafts-Fotografie Der ultimative Guide der Porträt- und Landschafts-Fotografie (Vorschau)

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DAS HARDWARE-MAGAZIN FÜR PC-SPIELER 

PC Games Hardware Spezial präsentiert: 

Der ultimative Guide für perfekte Porträtfotos 

Das große Buch der 

Wende- 

Bookazine 

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Porträt- 

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Fotografie 

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Willkommen 


Porträt- 


F 

otos von Menschen sind aus einem simplen Grund eines der beliebtesten 

Motive in der Fotografie – die Personen werden in einem ganz 

bestimmten Moment festgehalten, ihr Leben dokumentiert und auf 

diese Weise werden sie Teil unserer Erinnerung. Aber ein wirklich 

gutes Porträtfoto aufzunehmen ist wesentlich schwieriger, als mancher 

meinen mag. Das große Buch der Porträtfotografie mit seinen Tipps & Tricks 

sowie Anleitungen will Ihnen dabei zur Seite stehen, bessere Porträtfotos zu 

machen. In unserer Einsteiger-Rubrik führen wir Sie durch die Grundlagen und 

frischen Ihr Wissen in einigen Bereichen wieder auf. Die Experten-Sparte wiederum 

macht Sie mit allen wichtigen Methoden für gelungene Porträtfotos vertraut – 

angefangen vom Arbeiten mit Licht bis hin zum erfolgreichen Umgang mit Ihren 

Models. Unsere Technik-Rubrik bietet Ihnen schließlich eine noch tiefer gehende 

Anleitung mit zahlreichen Tipps von Profis zum Beispiel für Porträts auf Reisen 

in fremde Länder oder für das Fotografieren von Kindern und Babys. Am Ende 

der Lektüre des großen Handbuchs für Porträt-Fotografie werden Sie in jedem Fall 

um viele Kenntnisse reicher sein und tolle Fotos von Menschen schießen können. 

Wir wünschen Ihnen dabei viel Freude und Erfolg!

Inhalt 

26 

GRUNDLAGEN 

FÜR EINSTEIGER 

10 Perfekte Porträts 

Geben Sie Ihren Portraits den richtigen Kick. 

18 Großartige Selbstporträts 

Drehen Sie Ihre Kamera doch auch einmal um. 

20 Die 20 besten Tipps für 

Ihre Porträt-Fotos 

So einfach verbessern Sie Ihre Aufnahmen. 

22 Übliche Fehler bei Porträts 

Vermeiden Sie diese typischen Fallstricke. 

„Profitipps, die Ihr 

Fotografie-Können 

schnell verbessern.“ 

So gelingen 

bessere Porträts 

– mit unseren detaillierten Anleitungen ab Seite 26. 

FÜR EXPERTEN 

26 Bessere Porträts schießen 

Das Porträtieren ist eine der beliebtesten 

Fotoarbeiten – hier erfahren Sie warum. 

34 Mit Licht arbeiten 

So machen Sie sich unterschiedliche Lichtverhältnisse 

für beste Bildergebnisse zunutze. 

42 Den Blitz kreativ 

einsetzen 

Auch mit dem eingebauten Blitz lassen 

sich großartige Ergebnisse erzielen. 

44 Der Einsatz des 

entfesselten Blitzes 

Die Nutzung eines entfesselten Blitzgeräts 

bringt noch mehr kreativen Spielraum. 

50 Mit Models arbeiten 

Für erfolgreiche Fotosessions ist es wichtig, 

gute Models zu finden und sie richtig zu führen. 

22 

4 PORTRÄTFOTOGRAFIE

© James Nader 

CONTENTS 

© Gavin Gough 

78 

70 20 

62 

TECHNIKEN 

58 Location-Porträts 

Porträt-Fotos außerhalb des Studios 

70 Porträts in Schwarz-Weiß 

Auf Farben verzichten – monochrom arbeiten 

78 Die Gesichter der Welt 

Die wichtigsten Tipps für Sie, um auf Reisen 

authentische Porträts zu erhalten. 

90 Fashion-Porträts 

Mit Models umgehen – einen Stil entwickeln 

34 

102 Fotografie mit Kindern 

und Neugeborenen 

Profi-Tipps für tolle Kinder-Fotos 

„Kreieren Sie 

ganz persönliche 

Aufnahmen.“ 

PORTRAITFOTOGRAFIE 5

dAS Kult-MAgAzIn füR gAMeR 

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eDge is the trademark of future Publishing limited, a future plc group company, 

uk 2013. used under licence. all rights reserved. 

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Porträt- & 

Landschafts- 


Ein Unternehmen der MARQUARD MEDIA INTERNATIONAL AG 

Verleger Jürg Marquard 

Verlag 

Vorstand 

Computec Media AG 

Dr.-Mack-Straße 83, 90762 Fürth 

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Albrecht Hengstenberg (Vorsitzender), 

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Chefredakteur PCGH SPEZIAL (V.i.S.d.P.) Christian Müller, verantwortlich für den redaktionellen Inhalt, Adresse siehe Verlagsanschrift 

Redakteur für besondere Aufgaben PCGH SPEZIAL Lars Craemer 

Layoutkoordination PCGH SPEZIAL Albert Kraus 

Mitarbeiter dieser Ausgabe Emanuel Bergmann, Susanne Möllendorf, Daniel-André Reinelt, Moritz Treutwein 

Ina Hulm (Lektorat), Christiane Scholz (Layout) 

Chefredakteur PC Games Hardware Thilo Bayer (tb) 

Product Manager Daniel Waadt (dw) 

COO Hans Ippisch 

Vertrieb, Abonnement Werner Spachmüller (Ltg.), Nikolaus Krier 

Marketing Jeanette Haag 

Produktion Martin Closmann (Ltg.), Jörg Gleichmar 

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Chefredakteur Online Thilo Bayer 

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www.imagine-publishing.co.uk 

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Internationale Zeitschriften: Polen: COSMOPOLITAN, JOY, SHAPE, HOT, PLAYBOY, CKM, VOYAGE Ungarn: JOY, SHAPE, ÉVA, IN STYLE, PLAYBOY, CKM

GrunDlAGen 

Für Einsteiger 

Alles, was Sie wissen müssen, 

um gute Porträts zu erstellen. 

10 Perfekte Porträts 

Geben Sie Ihren Porträts den richtigen Kick. 

18 Großartige Selbstporträts 

Drehen Sie Ihre Kamera doch auch einmal um. 

20 Die 20 besten Tipps für 

Ihre Porträtfotos 

So einfach verbessern Sie Ihre Aufnahmen. 

22 Typische Fehler bei Porträts 

Vermeiden Sie diese typischen Fallstricke. 

8 PorTräTFoToGrAFIe

gruNdlagEN 

„Schon mit diesen Einsteiger- 

Tipps gelingen Ihnen die 

besten Porträts, die Sie 

je gemacht haben.“ 

© James Nader 

PorTräTfoTografIE 9

GRUNDLAGEN 

Versuchen Sie, mit einer 

Requisite – wie diesem Regenschirm 

– interessante Farben zu 

Ihren Porträts hinzuzufügen. 


PERFEKTE PORTRÄTS 

Porträts 

meistern 

Wenn Sie unsere fünf Grundlagen- 

Lektionen befolgen, verbessern sich 

Ihre Porträtaufnahmen. 

E 

gal ob Sie sich als Fotograf bezeichnen 

oder nicht, Sie haben in Ihrem 

Leben bestimmt schon einige 

Porträtfotos erstellt. 

Oft handelt es sich dabei nur um 

einen Schnappschuss von Freunden oder Verwandten, 

um sich an ein bestimmtes Ereignis 

zu erinnern. Aber einige dieser Aufnahmen 

werden dem Moment einfach nicht gerecht oder 

bringen die Persönlichkeit der fotografierten Personen 

nicht richtig zum Ausdruck. Manchmal 

müssen Aufnahmen auch mit Photoshop bearbeitet 

werden, um rote Augen zu entfernen oder 

um eine bessere Bildkomposition zu erreichen. 

Auf den kommenden Seiten teilen wir mit 

Ihnen Expertenwissen und grundlegende 

Techniken, um perfekte Porträtergebnisse zu 

bekommen. Wenn Sie diese Grundlagen erlernen, 

bevor Sie die Vorgehensweisen für Fortgeschrittene 

einsetzen, besitzen Sie eine solide 

Basis, auf der Sie aufbauen können. Wir werden 

Ihnen zeigen, wie Sie schlechte Fotografieangewohnheiten 

zum Bessern ändern – mithilfe 

von inspirierenden Bildern und Erläuterungen 

zu Aufnahmemodi und -Techniken. 

Dabei ist es wichtig, nicht zu vergessen, dass 

ein Porträt nicht gestellt sein muss. Es geht 

darum, entspannte und fröhliche Menschen einzufangen. 

Bei warmem Wetter kann man dafür 

zum Beispiel hinausgehen. Wenn Sie sich mit 

Ihrer Kamera kreativ auseinandersetzen, finden 

Sie neue Wege, Ihre Liebsten zu fotografieren. 

Auf den kommenden Seiten: Porträt-Ratschläge für jeden 

Fotografen und jede Art von Kamera 

AUFGENOMMEN MIT … 

DSLR 

Vorteile: 

Eine DSLR bietet einen großen Sensor, 

✔ mit dem Sie größere und qualitativ bessere 

Fotos aufnehmen können. 

Nachteile: 

Wenn Sie sich als Anfänger mit den 

✗ DSLR-Einstellungen nicht so gut auskennen, 

ist die Bedienung schwierig. 


SMARTPHONE 

Vorteile: 

Man hat es immer dabei, weshalb es 

✔ sich für spontane Porträtmomente 

perfekt eignet. 

Nachteile: 

Die Belichtung kann nicht angepasst 

✗ werden und Bildgröße sowie 

Bildqualität sind nicht so gut. 


KOMPAKTKAMERA 

Vorteile: 

Leicht zu transportieren und einsetzbar. 

Bietet Auto-Einstellungen 

✔ 

und verschiedene Porträtmodi. 

Nachteile: 

Das meist weitwinkelige Objektiv 

✗ kann nicht gewechselt werden, 

sodass Porträts unvorteilhaft aussehen. 


KOMPAKTER SYSTEMKAMERA 

Vorteile: 

Das Objektiv lässt sich austauschen 

✔ und die viele Aufnahmemodi können 

angepasst werden. 

Nachteile: 

Der Sensor ist kleiner als bei einer 

✗ DSLR, weshalb die Bildqualität 

weniger gut ist. 

PORTRÄTFOTOGRAFIE 11

GRUNDLAGEN 

Fünf Wege zu … 

perfekten 


Die fünf Top-Tipps, um 

Porträts zu perfektionieren. 

STARTEN SIE MIT EINEM 

SCHNAPPSCHUSS ... 

Stellen Sie vor dem Abdrücken sicher, 

dass Ihrem Modell keine Haare in die 

Augen fallen. Platzieren Sie es zudem 

nicht direkt in der Mitte des Bildes und 

benutzen Sie eine große Blende (zum 

Beispiel f2), um den Hintergrund 

unscharf zu stellen. 

... UND GELANGEN SIE ZUM 

PERFEKTEN PORTRÄT! 

Dieses Foto wurde nur einige Minuten 

später als das obere erstellt, nachdem 

alle rechts beschriebenen Tipps befolgt 

wurden. Das Ergebnis ist deutlich besser. 

BLENDE 

Beim Erstellen von Porträtfotos ist 

die Blende wichtig. Sofern vorhanden, 

stellen Sie die Zeitautomatik (A) 

ein und versuchen Sie, das gleiche 

Foto mit unterschiedlichen Blenden 

aufzunehmen. Niedrige Werte (wie 

f2) verursachen verschwommene 

Hintergründe, während höhere 

Werte (wie f22) die gesamte 

Aufnahme scharf halten. 


01 

Nicht zu 

tief gehen 

Vermeiden Sie es, von einem zu niedrigen 

Winkel aus zu fotografieren, 

das kann unvorteilhafte Ergebnisse 

produzieren. Positionieren Sie sich 

ein wenig über Ihrem Modell und 

fotografieren Sie nach unten. 

02 Attraktive 

Hintergründe 

Platzieren Sie Ihr Modell vor schönen 

Hintergründen. Vermeiden Sie Orte, in 

denen zu viel los ist, das lenkt ab. 

03 

Vorsicht, 

Haare 

Stellen Sie sicher, dass dem Modell 

keine Haare in die Augen hängen, 

damit man die Gesichtszüge genau 

erkennen kann. 

04 Richtig 

komponieren 

Achten Sie darauf, dass ein Stück der 

Schultern zu sehen ist, sonst wirken 

auch gute Porträtfotos unausgeglichen. 

05 

Fokus auf 

die Augen 

Legen Sie den Fokus auf die Augen 

und vermeiden Sie es, dem Modell zu 

nahe zu kommen. Ansonsten kann 

es zu unvorteilhaften Objektivverzerrungen 

kommen. 

Die erweiterten 

Porträtmodi nutzen 

Einstellen 


Veschiedene Porträtmodi können Ihnen dabei 

helfen, tolle Ergebnisse zu erzielen. 

Die meisten Kompaktkameras und 

aktuellen kompakten Systemkameras 

bieten erweitere Porträtmodi an. Diese 

beinhalten zum Beispiel automatisches 

Auslösen bei Gesichts- oder Lächelerkennung. 

Damit ist es wirklich 

einfach, sich auf die Automatik zu verlassen. 

Anfänger können auch Schönheitsmodi 

nutzen, die so gestaltet sind, 

dass sie Gesichtsfarben verbessern und 

Schönheitsfehler kaschieren. Einige 

01 02 

03 04 

Kameras bieten sogar an, die Unschärfe 

des Hintergrunds anzupassen. Das 

hilft Ihnen dabei, professionelle Fotos 

zu erstellen, ohne die Blendenkontrollen 

bedienen zu müssen. Bei der 

Benutzung der automatischen Porträtmodi 

müssen Sie sich zudem keine 

Sorgen um die Belichtungseinstellungen 

machen und können sich komplett 

auf die richtige Positionierung des 

Modells konzentrieren. 

01 Porträtmodi 

Porträtmodi helfen Ihnen dabei, die besten Ergebnisse zu 

erzielen, indem sie die Belichtung an die Person anpassen. 

Zudem werden Hintergründe damit zurückhaltender 

abgebildet. 

02 Schönheitsmodi 

Diese Modi sorgen für weichere Gesichtsfarben und 

kaschieren Schönheitsfehler. Einstellbare Schönheitsmodi 

erlauben es zudem, die Intensität der Effekte während der 

Aufnahme zu verändern. 

03 Schwarz-Weiß-Modi 

Eingebaute Filter, wie zum Beispiel für Schwarz-Weiß-Aufnahmen, 

ermöglichen kunstvollere Ergebnisse, ohne später 

zur Bildbearbeitung greifen zu müssen. 

04 Autofokus-Einstellungen (AF) 

Damit sucht die Kamera selbstständig einen Bereich 

innerhalb der Bildkomposition aus, der fokussiert wird, 

sodass sie nicht manuell danach suchen müssen. 

Kann Ihre Kamera das? 

✔ DSLR 

✔ kompakte 

Systemkamera 

✔ Kompaktkamera 

✗ Smartphone 


✔ DSLR 

✔ kompakte 

Systemkamera, 




✔ DSLR 

✔ kompakte 

Systemkamera, 




✔ DSLR 

✔ kompakte 

Systemkamera, 


✔ Smartphone 


gRundlagen 

Gruppenporträts 

fotografieren 

Es gibt viele spaßige Wege, mehr als 

eine Person zu fotografieren. 

gruppenfotos 

Familientreffen und Wochenendurlaube mit Freunden stellen tolle 

Gelegenheiten dar, mal alle vor der Kamera einzufangen. Solche 

Bilder sind perfekt für Weihnachtskarten und Familienfotoalben 

geeignet. Holen Sie also alles aus der gemeinsamen Zeit heraus 

und erstellen Sie fröhliche Aufnahmen. 

Bedenken Sie, dass nicht alle Familienporträts formell sein 

müssen. Versuchen Sie, stattdessen ungewöhnliche und kreative 

Wege zu finden, um Ihre Liebsten zu fotografieren. Aufnahmen, 

auf denen gesprungen wird, wirken zum Beispiel sehr energetisch 

und sind gerade bei Kindern beliebt. Sie können das Ganze zudem 

von ganz unten oder oben angehen und sich mal ins Gras legen 

oder auf eine Leiter steigen, um neue Perspektiven zu entdecken. 

Am wichtigsten ist es aber, entspannt zu bleiben und zu versuchen, 

die Persönlichkeit jeder aufgenommenen Person richtig zur 

Geltung zu bringen. 

Modelle 

abstiMMen 

Versuchen sie, ihre 

Modelle dazu zu 

bekommen, ähnliche 

Posen einzunehmen und in die 

gleiche Richtung zu schauen. 

Für so eine aufnahme brauchen 

sie wahrscheinlich mehrere 

Versuche, bis sie es richtig hinbekommen. 

auF gleicheR 

höhe sein 

gerade wenn man 

Kinder fotografiert, ist 

es besser, auf deren Kopfhöhe 

zu knipsen. Manchmal ist es 

aber auch gut, von weit oben 

aufzunehmen, um geringe 

größe und Kindlichkeit 

einzufangen. 

auFnahMen MaRKieRen 

Viele bildbearbeitungsprogramme und Fotowebsiten 

erlauben inzwischen das Markieren (taggen) von 

Fotos mit namen, orten und weiteren informationen. 

damit kann man zu einem späteren Zeitpunkt schnell 

nach bestimmten bildern suchen. Versuches sie es 

zum beispiel mit Facebooks Markierfunktion, wenn 

sie dort das nächste Mal Fotos hochladen. 

14 PoRtRätFotogRaFie 

14 Photography for Beginners


✘ Blinken 

✘ Schlechte Bildkomposition 

Setzen Sie den 

Serienbildmodus 

für Action- 

Aufnahmen wie 

diese hier ein. 

✘ Haare über den Augen 

✘ Unscharf 

✘ Rote Augen 

✘ Falscher Weißabgleich 

FARBIGE REQUISITEN 

FÜR INTERESSANTERE 

BILDER EINSETZEN 

Versuchen Sie, eine Requisite für 

Farbakzente einzusetzen. Ballons, 

Bälle und Blumen funktionieren 

zum Beispiel immer gut. 

Häufige Fehler 

erkennen 

Verbessern Sie Ihre Porträts, indem Sie Flüchtigkeitsfehler vermeiden. 

Fehler vermeiden 

Von schiefen Horizonten bis zu roten Augen – vieles kann 

ein Porträtfoto ruinieren. Darum ist es wichtig zu wissen, 

worauf man achten muss, um nicht immer wieder die gleichen 

Fehler beim Drücken des Auslösers zu begehen. 

Einer der häufigsten, aber auch am einfachsten zu vermeidende 

Fehler ist das Arbeiten mit falschen Einstellungen. 

Egal ob Sie manuell oder mit der Automatik fotografieren, 

es ist wichtig, dass die Kameraeinstellungen korrekt 

sind, damit die bestmögliche Belichtung erreicht wird. 

Zudem müssen Sie sorgfältig über die Bildkomposition 

nachdenken. Ein Porträt muss weder den ganzen Körper 

noch nur den Kopf zeigen. Versuchen Sie, das Motiv also 

durch Bewegen der Kamera anders einzufangen. Am wichtigsten 

ist es, dass Sie keine Angst davor haben, mehr als 

ein Foto zu machen, denn nur dann haben Sie eine Chance, 

die richtige Aufnahme hinzubekommen. 

Die drei besten 

Wege, Fotos 

zu markieren 

Facebook 

Facebook erlaubt Ihnen, Freunde 

und Familie zu markieren, indem 

Sie nach dem Hochladen auf „Das 

Foto markieren“ tippen. 

Flickr 

Markieren Sie Ihre Flickr-Fotos, 

um diese einfacher durchsuchen 

zu können. Sie dürfen Namen und 

Beschreibungen hinzufügen. 

iPhoto 

Markieren Sie Aufnahmen in 

iPhoto durch Schlüsselwörter, die 

dabei helfen, nach Kategorien zu 

sortieren und zu suchen. 


GRUNDLAGEN 

Versuchen Sie, mit 

einem Reflektor oder 

einem weißen Karton 

Licht auf das Motiv 

umzuleiten. 

MIT LICHT AUFHELLEN 

Auch wenn Sie in Räumen fotografieren, ist es 

nicht unbedingt notwendig, Blitzlicht einzusetzen 

– besonders wenn es draußen hell ist 

und Sie sich in der Nähe eines großen Fensters 

befinden. Nutzen Sie einen Reflektor oder ein 

großes, weißes Blatt Papier, um das Licht in die 

Aufnahme umzulenken und größere Schatten 

aufzuhellen. Sie können den ISO-Wert etwas 

nach oben korrigieren, um zu wenig Licht zu 

kompensieren. 

Die manuellen 

Einstellungen meistern 

Verzichten Sie für professionellere Porträts auf die Automatik. 

Manuelle Einstellungen 

Fortgeschrittene Benutzer einer Kamera bekommen 

bei einem Ausflug in den manuellen Modus mehr Flexibilität 

bei der Belichtung und mehr kreative Freiheit 

geboten. Hierbei ist es entscheidend, dass Sie die Blendenfunktion 

verstehen. Eine Kamera, die einen großen 

Blendenbereich anbietet, ist wichtig, um dem Bild Tiefe 

zu geben, indem der Hintergrund unscharf aufgenommen 

wird. Wenn Sie den ISO-Wert sowie den Weißabgleich 

Ihrer Kamera anpassen können, ist das ebenfalls 

praktisch für Porträtaufnahmen, die bei schlechtem 

oder schwierigem Licht erstellt werden. Haben Sie keine 

Angst vor Experimenten – selbst wenn Sie mit den 

manuellen Einstellungen noch nicht so geübt sind. So 

bekommen Sie Erfahrung mit den Belichtungseinstellungen 

und können dadurch herausfinden, wie sich die 

einzelnen Optionenim Bild auswirken. 

✔ DANACH 

Wir haben das Foto 

zugeschnitten, die 

roten Augen und 

Schönheitsfehler 

entfernt. Zum 

Schluss haben 

wir es noch in 

Schwarz-Weiß 

umgewandelt. 

✘ VORHER 

Hier ist zu viel 

Hintergrund 

sichtbar und 

das Modell hat 

rote Augen. 

16 PORTRÄTFOTOGRAFIE 

Grundlegende 

Schritte 

Nutzen Sie Bildbearbeitungssoftware, 

um Ihren Porträts den letzten Schliff 

zu verpassen. 

Bearbeiten 

Bildbearbeitung ist ein wesentlicher Bestandteil der Fotografie 

– egal ob Sie nur kleine Korrekturen vornehmen oder 

Elemente entfernen. Programme wie Photoshop sind ideal, 

um Bilder zu optimieren – zum Beispiel durch das Korrigieren 

von Verzerrungen. Laien sind oft von den vielen Menüs 

abgeschreckt, aber es lohnt sich, zumindestens die grundlegenden 

Optionen zu beherrschen. Damit werten Sie Ihre 

Porträt aufnahmen ganz schnell auf. Folgen Sie diesen einfachen 

Schritten und Sie werden schnell bemerken, dass es 

ganz einfach ist, das Beste aus Ihren Porträts herauszuholen. 

Fotos zuschneiden 

01 

Wählen Sie das Schneidewerkzeug 

in der linken Leiste 

aus. Klicken Sie in eine oder oberen 

Ecken des Bildes und ziehen Sie den 

Zeiger auf die gegenüberliegende 

untere Ecke. Halten Sie UMSCHALT 

auf Ihrer Tastatur gedrückt, um die 

Proportionen des Bildes beizubehalten, 

und wählen Sie einen der kleinen 

Quadrate in den Ecken an. Ziehen 

Sie daran, bis Sie zufrieden sind, 

und doppelklicken Sie in das Bild.

FOKUS AUF DIE AUGEN 

Setzen Sie den Fokuspunkt immer auf 

die Augen. Der Betrachter wird als Erstes zu ihnen 

hingezogen, darum sollte dieser Bereich unbedingt 

scharf aufgenommen sein. 


TIEFENSCHÄRFE 

Mit einer großen Blendenöffnung 

können Sie künstlerische Ergebnisse erreichen. 

Eine geringe Tiefenschärfe stellt den 

Hintergrund unscharf dar und legt den Fokus 

auf das Hauptmotiv. Denken Sie daran, dass 

Sie eine schnellere Verschlusszeit für eine 

große Blendenöffnung brauchen. 

Fotografieren, 

bearbeiten 

und teilen 

mit Android 

Die drei besten ... 

... Foto-Apps 

Camera Fun Pro 

Mit dieser tollen Android-App können 

Sie bereits vor der Aufnahme die 

Fotoeffekte auf Ihrem Bildschirm 

bewundern. 

Fast Burst Camera 

Toll für schnelle Action-Porträts – zum 

Beispiel mit Kindern. Die App kann 

zwischen 5 und 10 Aufnahmen pro 

Sekunde machen. 

Uva Silent Widget 

Camera Free 

Diese App erlaubt es Ihnen, 

Schnappschüsse ohne Auslösergeräusch 

und mit Fokus aufzunehmen. 

... Editing-Apps 

Colour Touch Effects 

Eine tolle Farbbearbeitungs-App, 

die es Ihnen ermöglicht, punktuell 

Schwarz-Weiß- oder Sepia-Aufnahmen 

mit Farbe zu versehen. 

TouchRetouch 

Diese fantastische App eignet 

sich perfekt dazu, ungewollte 

Objekte und Fehler aus Ihren 

Smartphone-Fotos zu entfernen. 

Little Photo 

Diese App erlaubt es Ihnen, tolle 

Retro-Filter auf Ihre Smartphone- 

Fotos anzuwenden. 

Rote Augen 

entfernen 

02 

Rote Augen können Sie 

mit dem gleichnamigen 

Werkzeug aus dem linken 

Menü entfernen. Sie können 

die Pupillengröße und den Verdunklungsbetrag 

prozentual 

einstellen. Setzen Sie den 

Mauszeiger über dem Auge an 

und ziehen Sie den entstehenden 

Kasten diagonal über das 

ganze Auge nach unten. 

Kopierstempel 

03 

Hiermit können Sie Flecken 

entfernen. Wählen 

Sie den Kopierstempel aus und 

zoomen Sie in den betroffenen 

Bereich. Passen Sie die Pinselgröße 

dem Fleck an und wählen Sie 

eine weiche Spitze mit einer Deckkraft 

von 85 bis 100 Prozent. Halten 

Sie ALT gedrückt und wählen 

Sie einen fleckfreien Bereich aus, 

der sich zum Kopieren eignet. 

Starten Sie den Kopiervorgang. 

Schwarz-Weiß 

04 

Für zeitlos wirkende 

Porträts empfiehlt sich 

eine monochrome Konvertierung. 

Öffnen Sie Bild > Korrekturen 

> Schwarz-Weiß, um alle 

Farben zu entfernen. Mit den 

Schiebereglern können Sie nun 

den Kontrast herausarbeiten. 

Setzen Sie das Vorschau-Häkchen, 

damit Sie direkt sehen 

können, wie die Anpassungen 

das Bild beeinflussen. 

... Teilen-Apps 

Photobucket Mobile 

Eine kostenlose App, mit der Sie 

Fotos und Videos hochladen und 

mit jedem in Ihrem Netzwerk 

teilen können. 

Plixi for Android 

Mit Plixi können Sie Ihre Fotos auf 

Twitter und Facebook teilen – entweder 

bereits aufgenommene oder soeben mit 

dem Smartphone erstellte. 

Instagram 

Eine der beliebtesten Foto-Community - 

-Anwendungen auf Smartphones. Sie 

können hier schicke Filter hinzufügen 

und alles ganz leicht teilen. 


GRUNDLAGEN 

Großartige 

Selbstporträts 

VORHER 

Ohne den Einsatz des 

Blitzlichtes wirft die Sonne 

dunkle Schatten auf das 

Gesicht. 

Keiner will sich fotografieren lassen will? Richten 

Sie die Kamera doch einmal auf sich selbst! 

Sie brauchen … 

... eine Digitalkamera 

Wir verwendeten … 

… Samsung WB700 

und iPhone 4S 

Man kann es auch 

versuchen mit … 

… jeder Kamera mit 

zwei Displays oder 

dreh- und neigbarem 

Bildschirm. 

... jeder Kamera mit 

einem Selbstauslöser 

oder Szenenmodus für 

Selbstporträts. 

Sie lernen, wie ... 

... Sie Selbstporträts vorbereiten 

und erstellen. 

Selbstporträts können in vielen 

Formen, Kulissen und Szenarien 

umgesetzt werden. Zum Beispiel 

wenn Sie alleine Urlaub machen 

oder wenn Sie es leid sind, dass Sie 

nie auf Ihren eigenen Aufnahmen erscheinen. 

Oder vielleicht finden Sie einfach niemanden, 

der Modell stehen will, damit Sie Ihr Porträtfoto-Know-how 

verbessern können – warum also 

nicht mit sich selbst üben? Ganze gleich, warum 

Sie Selbstporträts erstellen wollen, wenn 

Sie auf das Display Ihrer Kamera schauen, ist 

das alles andere als einfach. Das Hauptproblem 

stellt der Winkel dar, aus dem Sie fotografieren. 

Die Kamera ist wahrscheinlich deutlich näher 

an Ihrem Kopf, als der Abstand für ein Foto 

eigentlich sein müsste. Das kann zu räumlichen 

Verzerrungen der Gesichtszüge führen. 

Dadurch wirkt die Nase eventuell größer, als 

Los geht’s! Die Kamera auf sich selber richten. 

sie ist, oder das Kinn sieht wie ein Doppelkinn 

aus, da Sie mit ausgestrecktem Arm versuchen, 

Abstand zur Kamera zu gewinnen. Zudem 

werden Sie wahrscheinlich eine Stück Ihres 

Arms auf dem Foto sehen. Es ist sehr schwer, 

die richtige Bildkomposition hinzubekommen. 

Doch diese Probleme sind zu bewältigen, 

indem Sie Kamera nicht selbst halten. Stattdessen 

kommen tolle, neue Innovationen zum 

Einsatz. Kamera-Hersteller bieten clevere 

Lösungen an, die dabei helfen sollen, bessere 

Selbstporträts zu erstellen. Diese reichen von 

Selbstauslösern bis hin zu Szenenmodi, Kameras 

mit zwei Displays, intelligenten Filtern, 

Fernauslösern und Bildschirmen, deren Winkel 

man so verstellen kann, dass man sich darauf 

selbst im Blick hat. Egal welche Methode Sie 

nutzen, um Selbstporträts aufzunehmen, sie 

helfen Ihnen bessere Ergebnisse zu bekommen! 

Eine Geschichte erzählen 

01 

Entscheiden Sie sich zuerst, was das 

Bild aussagen soll. Wird es verspielt 

oder werden Sie das Foto später als Schwarz- 

Weiß-Aufnahme bearbeiten? Wir versuchen es 

mit einem Landschaftsmotiv. Darum liegt der 

Hauptfokus auf dem Motiv und der Landschaft. 


Winkel beachten 

02 

Experimentieren Sie mit Winkeln. 

Wenn Sie die Kamera höher halten, 

heben Sie die Wangenknochen hervor, während 

ein niedriger Winkel eventuell unschöne 

Schatten verursacht. Versuchen Sie es mit 

einem 45-Grad-Winkel für beste Ergebnisse. 

Einstellungen beachten 

03 

Diese Aufnahmen werden mit einer 

Kompaktkamera erstellt, während 

unserem Modell die sehr helle Mittagssonne 

direkt auf die eine Gesichtshälfte scheint. 

Benutzen Sie in solchen Fällen den Kamerablitz, 

um bessere Ergebnisse zu bekommen.

SELBSTPORTRÄTS 

Komponieren Sie Ihre Bilder nach 

der Drittel-Regel, sodass Sie 

selber nicht mittig im Bild stehen. 

DIE SMARTPHONE-KAMERA NUTZEN 

Warum erstellen Sie nicht einfach ein Selbstporträt mit Ihrem 

Smartphone? Wechseln Sie dafür einfach zur Frontkamera 

und nutzen Sie den großen Bildschirm für die Bildkomposition. 

Drücken Sie auf den Auslöser und fertig! 

Manuelle Einstellungen 

04 

Wenn Sie etwas kreativer sein wollen, 

setzen Sie die Zeitautomatik ein und 

wählen Sie einen geringen Blendenwert (f2.8) 

aus. Das verursacht eine geringe Schärfentiefe, 

weswegen Sie fokussiert dargestellt werden, 

der Hintergrund aber verschwommen. 

Bildbearbeitung lohnt sich 

05 

Für noch bessere Ergebnisse können Sie 

Ihr Foto zum Beispiel mit iPhoto auf dem 

iPhone bearbeiten. Mit dieser App können Sie 

jegliche Fehler entfernen und die Farben richtig 

zum Leuchten bringen. Damit gibt es noch mehr 

Grund, auf das Endergebnis stolz zu sein. 

Die drei besten 

Features für 

Selbstporträts 

Front-Display 

Einige Kameras wie die Samsung 

PL120 (oben, ca. 100 Euro) haben für 

einfachere Selbstporträts einen Bildschirm 

auf der Vorderseite. 

Szenenmodi 

Halten Sie Ausschau nach Kameramodellen 

mit Selbstporträt-Modus 

– wie ihn zum Beispiel die Panasonic 

TZ10 (ab 150 Euro) besitzt. 

Selbstauslöser 

Wenn eine Kamera einen Selbstauslöser 

besitzt – wie die Fujifilm S4000 (250 Euro) 

–, können Sie diesen nutzen, um in die 

Aufnahme hineinzurennen. 


GRUNDLAGEN 

Die 20 besten Tipps für 

Porträtfotos 

Verbessern Sie Porträts 

mit diesen 20 tollen Tipps 

Unvorteilhafte Winkel vermeiden 

Machen Sie keine Aufnahmen von unten – versuchen Sie, immer 

auf einer Augenhöhe mit Ihrem Modell zu sein oder ganz leicht von 

oben herab zu fotografieren. Wenn Sie Aufnahmen von Kindern 

erstellen, begeben Sie sich auf die gleiche Höhe wie diese. 

Anweisungen geben 

Wenn Sie ruhig bleiben, hilft das Ihrem Modell, sich vor der Kamera 

zu entspannen. Das macht es auch für Sie einfacher, Anweisungen zu 

geben. Passen Sie auf, dass Ihr Modell nicht in die Sonne blickt oder ihm 

der Wind ins Gesicht bläst, damit es auf den Aufnahmen nicht blinzelt. 

„Aus der Hüfte schießen“ 

Wenn Sie authentische Straßenporträts erstellen wollen, benutzen Sie dafür 

eine kleinere, unauffälligere Kamera oder versuchen Sie, beläufig zu fotografieren, 

um nicht zu viel Aufmerksamkeit auf sich und die Kamera zu lenken. Man 

braucht eine Weile und viel Geduld, bis man diese Technik beherrscht, aber sie 

ist hilfreich, um spannende Straßenmomente aufzunehmen. 

Augenkontakt 

Ungestellte Aufnahmen erlauben 

Ihnen, spontane Momente 

besser festzuhalten, die dann 

einen künstlerischeren Eindruck 

vermitteln. Dabei ist es egal, ob Ihr 

Modell in die Kamera schaut oder 

nicht. Ein Blick vorbei kann dem 

Bild Entspannung hinzufügen. 

Es ist daher sinnvoll, das Modell 

zwischendurch zu bitten, wegzuschauen, 

um unterschiedliche 

Atmosphären zu erzeugen. 

Langsamere 

Verschlusszeit 

Sie können Bewegung festhalten, 

indem Sie längere Verschlusszeiten 

und Belichtungen für einen 

Bewegungsunschärfe-Effekt oder 

Doppelbilder verwenden. Dies kann 

sehr kreative Aufnahmen ergeben. 

Allerdings braucht man viel Zeit 

und Übung, um diese Technik zu 

meistern – besonders wenn man 

Personen fotografiert. 

Silhouetten 

Ein Porträt muss nicht immer ein ganzes Gesicht 

zeigen. Versuchen Sie einmal, nur die Augen oder 

den Mund aufzunehmen. Silhouetten eignen sich 

sehr gut, um künstlerische Porträtaufnahmen 

zu erstellen. Stellen Sie dafür sicher, dass hinter 

dem Modell ausreichend Licht vorhanden ist, 

sodass auch der Hintergrund belichtet wird. 

Das richtige Objektiv 

Nutzen Sie die richtigen Objektive. Weitwinkelobjektive 

können unattraktive Verzerrungen im 

Gesicht verursachen und Teleobjektive kreieren 

einen flach wirkenden Effekt. Versuchen Sie es 

mit einem Objektiv, das einen Fokusbereich von 

50–135 mm bietet, um die besten Resultate zu 

erzielen. 

Kreativ komponieren 

Werden Sie kreativ bei Ihren Bildkompositionen 

und halten Sie sich nicht immer an die Regeln. 

Versuchen Sie, kleinere Bereiche aufzunehmen oder 

Motive am Rand zu platzieren. Ein Porträt muss 

nicht notgedrungen traditionell Kopf und Schulter 

zeigen. Zoomen Sie heraus und füllen Sie das Bild 

entweder mit mehr Hintergrund oder Ihrem Modell. 


20 TIPPS FÜR PORTRÄTS 

Schwarz-Weiß-Aufnahmen 

Versuchen Sie, die Farben einheitlich zu halten, 

um Ablenkungen im Hintergrund zu vermeiden 

und den Fokus auf dem Motiv zu behalten. 

Denken Sie auch mal darüber nach, Aufnahmen 

in Schwarz-Weiß in der Nachbearbeitung umzuwandeln, 

um herauszufinden, ob dies das Foto 

verbessert. Das funktioniert besonders gut bei 

authentischen Straßenporträtaufnahmen. 

Inspiration finden 

Schauen Sie sich die Werke anderer Fotografen 

zur Inspiration an. Versuchen Sie, berühmte 

Aufnahmen nachzustellen und dann Ihren 

eigenen Stil einzubringen. Das Analysieren 

von Bildern und der Versuch, diese selbst zu 

reproduzieren, eignet sich hervorragend zur 

Verbesserung der eigenen Technik. 

Fokus 

Stellen Sie sicher, dass Ihr Motiv scharf und 

im Fokus ist. Am wichtigsten ist es aber, die 

Kamera auf die Augen des Modells zu fokussieren, 

da der Betrachter auf ganz natürliche Art 

und Weise dort hingezogen wird, während er 

sich die Porträtaufnahme anschaut. 

Straßenaufnahmen 

Stellen Sie sich der Herausforderung, einen 

Fremden auf der Straße anzusprechen und ihn 

zu bitten, für ein Foto zu posieren. Damit testen 

Sie Ihre fotografischen Kompetenzen unter 

Druck und es hilft dabei, das Vertrauen in sich 

selbst und die eigenen Fotografie-Fähigkeiten 

zu stärken. 

Kameraeinstellungen treffen 

Stellen Sie bei Straßenaufnahmen sicher, 

dass Sie Ihre Kamera mit den richtigen 

Belichtungseinstellungen und einem 

Weißabgleich vorbereitet haben. So können Sie 

stets spontan zur Kamera greifen. 

Eine Studio-Softbox einsetzen 

Vermeiden Sie zu hartes, in eine Richtung 

leuchtendes Licht, wenn Sie Studiobeleuchtung 

einsetzen. Benutzen Sie eine Softbox für weichere 

Blitzeffekte und experimentieren Sie mit der 

Position der Lampen. Versuchen Sie es erst mit 

einem simplen Aufbau, bei dem Sie das Gesicht 

des Modells von oben beleuchten. Das erzeugt 

gleichmäßiges Licht und einen schmetterlingsförmigen 

Schatten unter der Nase. 

Die Umgebung 

mit einbeziehen 

Denken Sie darüber nach, Ihr 

Modell in einer Umgebung zu fotografieren, 

in der es sich wohlfühlt. 

Wenn Sie an Orten fotografieren, 

an denen Personen etwas tun, 

das sie mögen, fügen Sie den 

Aufnahmen Persönlichkeit hinzu. 

Licht reflektieren 

Nutzen Sie Reflektoren, um die 

Schatten im Gesicht des Modells 

mit Licht aufzuhellen – sowohl 

im Studio als auch unterwegs. 

Draußen ist ein Reflektor besonders 

nützlich, da er Ihnen erlaubt, 

natürliches Licht umzuleiten, ohne 

dass sich das Modell neu positionieren 

muss. 

Requisiten nutzen 

Denken Sie über den Einsatz von 

Requisiten während der Aufnahmen 

nach. Diese eignen sich hervorragend, 

um den Porträtfotos interessante 

Elemente hinzuzufügen. 

Versuchen Sie, Dinge zu benutzen, 

die die Persönlichkeit des Modells 

widerspiegeln, oder die Stimmung 

verstärken, die Sie versuchen zu 

vermitteln. 

Mehrere Aufnahmen 

erstellen 

Versuchen Sie sich an einem 

Porträtprojekt, bei dem Sie eine 

Serie von Fotos vom gleichen 

Modell kreieren. Dabei handelt 

es sich um eine gute Übung 

und gleichzeitig bauen Sie Ihr 

Portfolio aus. 

Die Perspektive ändern 

Verändern Sie Ihre eigene 

Perspektive, um dynamischere 

und kreativere Aufnahmen zu 

bekommen. Versuchen Sie für 

einige lustige und experimentelle 

Aufnahmen, von oben zu fotografieren 

oder die Kamera zur Seite 

zu kippen. 

Geringe Tiefenschärfe nutzen 

Nutzen Sie eine weite Blendenöffnung, die 

Ihnen geringe Tiefenschärfe gibt, um die 

Aufmerksamkeit des Betrachters in das 

Bild und auf das Modell zu lenken. Das verleiht 

dem Bild einen künstlerischen Effekt 

und verhindert, dass der Betrachter von 

unruhigen Hintergründen abgelenkt wird. 


grundlagen 

Typische 

Fehler bei 


Profi-Fotograf James Nader spricht über die häufigsten Fauxpas 

bei der Aufnahme von Porträtbildern und wie man diese umgeht. 

James Nader 

Website: www. 

jamesnader.co.uk 

Biografie: James Nader 

ist kreativer Mode- und 

Anzeigenfotograf 

sowie ausgebildeter 

Photoshop-Experte. Er 

besitzt klassische Dunkelkammer- 

und Druckvorstufen-Erfahrungen, 

hat sich aber inzwischen 

den digitalen Technologien 

verschrieben. Ein 

schneller Blick auf die 

Modefotografien von 

James deutet an, dass 

es sich bei ihm um einen 

einzigartigen Fotografen 

des 21. Jahrhunderts 

mit außergewöhnlichem 

Verständnis für sein 

Handwerk handelt. Seine 

Konzepte und Designs 

sowie seine ungewöhnliche 

redaktionelle 

Gestaltung erlauben es 

James, meisterhafte Bilder 

zu konzipieren und 

zu gestalten, weshalb ihn 

Redakteure und Künstler 

gleichermaßen respektieren. 

Zudem ist er in 

der Lage, seine Fotos in 

der Nachbearbeitung auf 

einem besonders hohen 

Niveau zu verändern, 

was ihm einen Vorteil 

gegenüber anderen 

Profi- Fotografen verschafft. 

James wurde 

außerdem als Fotograf 

bei den englischen TV- 

Programmen How to 

Look Good Naked und 

The Gadget Show vorgestellt. 

Verkaufsfördernd 

ein modisches 

anzeigenmotiv für 

einen kunden, der das 

Bild für die Bewerbung 

seiner Marke in den 

Verkaufsstellen einsetzte. 

Bilddetails: Nikon d3X mit 

24–75mm-Objektiv bei f11, 

1/60 sekunden, IsO 400 

22 POrträtfOtOgrafIe

01 

Vorsicht beim Zuschneiden 

Besonders für Kunden ist es wichtig, die Aufnahme schon 

vor dem Öffnen am Computer auf der Kamera zuzuschneiden. 

Bedenken Sie dabei immer, dass das Bild besser ankommt, wenn 

es richtig zugeschnitten wurde. Lassen Sie ausreichend Platz an 

allen relevanten Seiten, sonst schneiden Sie aber alles weg. 

Wie man damit umgeht 

Während der Aufnahme lässt man meistens mehr Platz um das 

Modell herum als notwendig. Ich bekomme von Auftraggebern 

immer wieder die Frage gestellt, ob es genug Platz für Text im 

Motiv geben wird. Es ist wichtig, so viel Bildbearbeitung wie möglich 

direkt auf der Kamera zu erledigen, denn manchmal will der 

Kunde die RAW-Dateien für die eigene Layout-Abteilung haben. Oft 

wird man an den Dateien gemessen, die man abgibt. Darum ist es 

wichtig, Platz zu lassen, aber nur so viel wie nötig. 

02 

Auf den Autofokus verlassen 

Es ist verlockend, sich immer auf Autofokus & Co. zu verlassen. 

Wenn man der Kamera allerdings die Kontrolle über die Aufnahme überlässt, 

kann es zu Problemen kommen. Wenn dann noch zeitlicher Druck vom Kunden 

dazukommt, steuert man direkt auf eine Katastrophe zu. Machen Sie 

sich nicht zu abhängig von der Technologie. 


Bei diesem Foto (unten) forderte der Kunde, dass ich eine weitere Session in 

viel zu wenig Zeit durchführen sollte. Ich dachte der Autofokus könne helfen. 

Meine Tests sahen gut aus und ich machte mit fünf Outfits weiter, ohne Fokus 

und Belichtung zu überprüfen. Die Belichtung ist in den RAW-Dateien kein 

Problem, da man viel Spielraum hat, aber unfokussiert bleibt unfokussiert. Ich 

musste die Bilder gründlich bearbeiten. Zum Einsatz kamen Hochpassfilter, 

Schärfe-Effekte sowie Kontrast- und Helligkeitsanpassungen. Dann habe ich 

einen Tilt-Shift-Fokus-Effekt hinzugefügt, um einige Bereiche glaubhafter zu 

gestalten. Zum Glück war der Kunde mit dem Ergebnis zufrieden. 

SO SOLLtE ES 

AuSSEhEn 

Das fertige Foto sieht 

gut aus und ist auch in hoher 

Auflösung absolut akzeptabel. 

Die Bereiche mit einem weichen 

Fokus waren ursprünglich 

unscharf (das sieht man 

am besten am kleid) 

Bilddetails: nikon D3X mit 

70–200mm-Objektiv bei f3.5, 

1/60 Sek., iSO 400 

unFOkuSSiErt 

Diese Aufnahme war 

für einen kleidungshersteller, 

der sie für eine 

Messe benutzen wollte. Simpel 

ausgeleuchtet und eine einfache 

Pose. Was kann da schon 

schiefgehen? 


70–200mm-Objektiv bei f3.5, 

1/60 Sek., iSO 400 

Licht An 

Das endgültige 

Ergebnis bietet gute 

Belichtung für das Oberteil 

und das Gesicht und wenig 

Aufmerksamkeit für die 

hose. Die letzte Aufnahme 

ist ein Erfolg. 


24–70mm-Objektiv bei 

48mm und f5, 1/25 Sek 

Zu DunkEL 

Das Modell verliert 

sich in dem Bild, was total 

stumpf wirkt 


24–70mm-Objektiv bei 

48mm und f5, 1/25 Sek 

FEhLEr VErMEiDEn 

03 Messfehler 

Besonders bei automatischen 

Einstellungen ist es nicht 

immer eine gute Idee, sich auf die 

Lichtmessung zu verlassen. 

nOrMALE POSE 

Eine nette Aufnahme von 

dem posierenden Modell, 

aber zu viel Ablenkung 

für den Betrachter durch 

die hand 

Bilddetails: nikon D3X 

mit 70–200mm-Objektiv, 

iSO 400 

POWEr-POSE 

hier wurde die 

Zuschneidefunktion 

der kamera und ein Stativ 

zur Vermeidung von rucklern 

benutzt 


70–200mm-Objektiv, 

iSO 400 

„An den Dateien, die man 

abgibt, wird man beurteilt.“ 


Blitzlicht ist für die Belichtung nicht 

schlimm und im RAW-Format aufzunehmen 

ist immer gut, da man hier 

in der Bildbearbeitung viel herausholen 

kann. Allerdings wird die Beleuchtung 

gerade beim Einsatz von Daueroder 

Filmlicht sehr wichtig – besonders 

in den hervorzuhebenden 

Bereichen. Dieses Bild wurde mit 

rotem Kopffilmlicht beleuchtet. Der 

Auto-Modus der Kamera gab die 

nötige Belichtung vor, die für Gesicht 

und feine Details des Outfits eingestellt 

wurde. Als Resultat war der 

Rest unterbelichtet. Ich stellte in Drittel-Blendenstufen 

herunter, bis ich 

mit der Belichtung zufrieden war und 

die Aufnahme lebendig wurde. Ich 

unterbelichte immer um eine Drittelblende, 

um sicherzugehen, dass in 

der RAW-Datei die Glanzlichter und 

Schatten erhalten bleiben. 

POrträtFOtOGrAFiE 23

Für ExPErTEn 

Für Experten 

Verbessern Sie Ihre Fähigkeiten, 

um erstaunliche Porträts zu schießen. 

26 Bessere Porträts schießen 

Das Porträtieren ist eine der beliebtesten 

Fotoarbeiten – hier erfahren Sie warum. 

34 Mit Licht arbeiten 

So machen Sie sich unterschiedliche Lichtverhältnisse 

für beste Bildergebnisse zunutze. 

42 Den Blitz kreativ einsetzen 

Mit dem eingebauten Blitz lassen 

sich großartige Ergebnisse erzielen. 

44 Der Einsatz des 

entfesselten Blitzes 

Die Nutzung eines entfesselten Blitzgeräts 

bringt noch mehr kreativen Spielraum. 

50 Mit Models arbeiten 

Für erfolgreiche Fotosessions ist es wichtig, gute 

Models zu finden und sie richtig anzuleiten. 

„Mit diesen Tipps 

verwandeln Sie 

Ihre Fotos in 

professionelle 

Aufnahmen.“ 

24 PorTräTFoTogrAFIE

für experten 

© Karl Shaw 

porträtfotografie 25

FÜR EXPERTEN 

KRAFTVOLLE PORTRÄTS 

An der Porträtfotografie reizt viele das 

mögliche Ergebnis und der Spaß bei 

der Erstellung. Diese Vielfältigkeit von 

Technik und Motiv gibt es kein 

zweites Mal. 


essere porträtfotos 

Bessere 

Porträtfotos 

Die Porträtfotografie ist ein beliebtes Genre, 

doch es gibt mehr als das oft zitierte Auge für 

das richtige Motiv. Auch die Technik muss 

stimmen. Finden Sie heraus, wie Sie Ihre 

Porträts verbessern können. 

Egal wohin man sieht: Kaum eine Fotoplattform 

kommt ohne Tausende 

von Porträtfotos aus – hochgeladen 

von unzähligen Nutzern. Nur die 

Kategorie Landschaftsfotos ist ähnlich 

populär. Das Anfertigen von wirklichkeitsgetreuen 

Abbildern seines Gegenübers hat jahrtausendelange 

Tradition. Daher ist es auch nicht gerade erstaunlich, 

dass sich schon in den Anfängen der Fotografie 

verstärkt darauf konzentriert wurde. Zu jener Zeit 

gab es noch einige technische Hindernisse, wie zum 

Beispiel das Überwinden der benötigten langen Belichtungszeit, 

und alleine aufgrund des anderen Stils 

erscheinen Aufnahmen aus der Anfangszeit der Fotografie 

für uns heutzutage ungewohnt und können 

kaum jemanden mehr beeindrucken. 

Vielleicht rührt das daher, dass wir inzwischen an 

den Stil unserer Zeit gewöhnt sind. Entspannte Posen 

und breites Grinsen erscheint im starken Kontrast zu 

ernst dreinblickenden Personen mit starrer Haltung. 

Fakt ist: Die moderne Porträtfotografie, wie wir sie 

heute kennen, wurde maßgeblich von der Arbeit der 

im 19. Jahrhundert tätigen Fotografin Julia Margaret 

Cameron geprägt. Man muss wissen, dass für die 

Porträtfotografie merklich weniger strenge Regeln 

existieren als für andere Gebiete der Fotografie. Das 

mag zum einen erklären, wieso sich derart viele Stile 

entwickelt haben, auf der anderen Seite können gut 

gemachte Porträtfotos so immer wieder aufs Neue 

erstaunen und neugierig machen. Der Hauptgrund 

für die starke Interessenausprägung hin zur Porträtfotografie 

mag jedoch unser Drang zu sozialen 

Kontakten sein. Auf den nächsten Seiten werden wir 

Ihnen einen kleinen Einblick in die unserer Meinung 

nach wichtigsten Ausprägungen und Stile der Porträtfotografie 

verschaffen und die Prozesse und Techniken 

dahinter beleuchten. 

Top-FoTo- 

TippS & -HinweiSe 

• Modelauswahl 

• Kreativität 

• Requisiten 

• Straßenporträts 


für experten 

Ein Konzept erstellen 

Wählen Sie Ihr Model aus und welche Art Porträt Sie anfertigen möchten. Beginnen Sie mit der Komposition. 

Sehr oft verbinden wir die Porträtfotografie mit der 

Abbildung jüngerer Frauen. Vielleicht, weil wir von 

dieser Art Fotos aus den Massenmedien als Ideal bombadiert 

werden. Wir verbinden damit, dass es erstrebenswert 

ist, Jugend und Schönheit abzubilden. Das 

resultiert dann in vielen Fällen darin, dass Fotografen 

in ihrem Portfolio jeder anderen Form der Porträtfotografie 

so weit wie möglich aus dem Wege gehen. Was 

viele vergessen, ist, dass es durchaus interessant sein 

kann, sich abzuheben, seinen fotografischen Horizont 

zu erweitern und sich mit einem kleinen Ruck selbst 

dazu zu bringen, auch ältere Personen oder männliche 

Models abzulichten. Das wusste schon Julia Margaret 

Cameron mit ihrem bekannten Porträt von Sir 

John Herschel. Man muss zugeben: Um 1860 herum 

blieb ihr nicht viel mehr übrig, als in Schwarz-Weiß 

zu porträtieren, doch offensichtlich hat dieser Stil 

besonders bei der Abbildung älterer Menschen seinen 

Reiz. Gut inszeniert kommen so die Besonderheiten 

der Haut besonders zur Geltung und das Bild vermag 

beinahe den Eindruck zu erwecken, die komplette 

© Adrian Dewey 

Geschichte des Menschen aus seinem Gesicht lesen 

zu können. Auf der anderen Seite der Altersskala 

sind Kinder interessante und herausfordernde Motive. 

Doch herausfordernd ist das Stichwort: Ein Porträt- 

Shooting benötigt Zeit für gute Ergebnisse – haben 

Sie schon einmal versucht, ein Kind längere Zeit für 

eine Sache zu motivieren, bei der es oftmals an einer 

Stelle sitzen muss und stets einen positiven Eindruck 

hinterlassen soll? Das ist nicht immer einfach. Auch 

müssen Sie bezüglich der Beleuchtung flexibler sein. 

Kleinkinder und Nachwuchs im Kindergartenalter neigen 

dazu, sich ständig zu bewegen. Daher können Sie 

hier nicht mit einer großen Studioblitzinstallation und 

einem verhältnismäßig geringen Sweetspot arbeiten. 

Ein gutes Porträtfoto muss übrigens nicht immer 

aus einer einzigen Person bestehen. Ein Foto mit 

Freunden oder der Familie hat auf der einen Seite 

einen besonderen Erinnerungswert für alle Beteiligten, 

auf der anderen Seite entsteht quasi automatisch 

eine entspannte Atmosphäre. Sie als Fotograf müssen 

nicht mehr so viel Kraft aufwenden, Ihr Motiv zu 

Mit farben 

arbeiten 

Schwarz-Weiß ist ein 

beliebtes Stilmittel in der 

porträtfotografie, doch 

auch farben können 

richtig eingesetzt 

ein sehr effektiver 

blickfang 

werden. 

einem bestimmten Gesichtsausdruck zu bringen. Für 

die meisten Porträt- und Hochzeitsfotografen sind 

Gruppenfotos der wichtigste Bestandteil eines Auftrags. 

Nicht zuletzt, weil diese immer gut bei Kunden 

ankommen und mit hoher Wahrscheinlichkeit verkauft 

werden können. Denn egal wie kreativ Sie als 

Fotograf sind, egal wie spektakulär Ihr Portfolio ist: Im 

Gegensatz zum Einzelshooting setzen viele Kunden 

bei Gruppenfotos immer noch auf das klassische Bild 

mit glücklichen Gesichtern, in Reih und Glied angeordnet. 

Die größten Probleme beim Gruppenporträt 

sind bekannt: Irgendwer verpasst immer den Moment 

des Auslösens und lächelt nicht oder guckt gar in 

eine völlig andere Richtung. Außerdem ist es ab einer 

bestimmten Anzahl an Personen sehr schwierig eine 

perfekte Ausleuchtung zu erhalten, ohne dass sich die 

Teilnehmer wortwörtlich gegenseitig in den Schatten 

stellen. Solche Situationen zu vermeiden kennzeichnet 

einen guten Fotografen – das ist nicht immer eine 

einfache Aufgabe. Sie sollten dennoch lernen, sie zu 

meistern, denn minderwertige Fotos gehen einher mit 

unzufriedenen Kunden. Daher sollten Sie sich stets 

gut vorbereiten. Organisieren Sie sich gut, versuchen 

Sie, Ihre Motive mit Namen anzusprechen, um die 

Aufmerksamkeit in Ihre Richtung zu lenken. 

Arbeiten Sie zügig und haben Sie 

stets die Bildkomposition vor 

dem inneren Auge. Nicht 

Mit Kindern 

arbeiten 

Das Fotografieren von Kindern ist 

eine der größten Herausforderungen, 

die ein gewöhnlicher Fotograf zu 

meistern hat. Sie können ihnen 

schwer sagen, wie sie sich zu 

verhalten haben. Dennoch können 

Sie den Studioaufenthalt spaßig und 

interessant gestalten, um zum 

Erfolg zu gelangen. 

zuletzt sollten Sie stets 

einen freundlichen und 

lockeren Eindruck hinterlassen. 

Auch wenn 

Sie sich gestresst 

fühlen: Das darf 

nicht nach außen 

umschlagen, um die 

Situation nicht unnötig 

anzuspannen. 

gruppenfotoS 

gerade eine große gruppe Kinder kann sehr herausfordernd 

sein – richtig durchgeführt ist so ein foto aber 

ein bild fürs Leben. 

© Katrina Christ 

28 porträtfotografie


Hauttexturen 

Schwarz-Weiß-fotos mit einer guten 

feinzeichnung von Hautdetails sind nahezu ideal zur 

abbildung älterer, männlicher personen – vorausgesetzt, 

Sie möchten dieses Bildelement besonders betonen. 

nicHt auf regeln BeHarren 

Das Mädchen lacht mit geschlossenen augen, 

in den nacken geworfenem Kopf und offenem Mund. 

Manch einer mag das als regelbruch ansehen, doch das 

Bild eignet sich perfekt zur abbildung des charakters. 

© Richard Mayfield 


„Eine gleichmäßige Beleuchtung oder 

der Blick in die Kamera sind zwei große 

Herausforderungen bei Gruppenfotos.“ 

Porträtieren älterer Menschen 

Profi-Fotograf Richard Mayfield über die 

Zusammenarbeit mit Menschen jeder Altersklasse 


richardmayfield.co.uk 

Richard Mayfield ist als professioneller 

Porträt- und 

Modefotograf sowie als 

kreativer Kopf von Venture 

Photography bekannt. 

2012 wurde er „Fotograf 

des Jahres“ des Britischen 

Instituts der professionellen 

Fotografie. 

Welche Besodnerheiten 

stellen Sie beim Porträtieren 

älterer Menschen fest? 

Mich fasziniert die Zusammenarbeit mit Personen, 

denen man die Lebenserfahrung ansieht, immer wieder. 

Sie besitzen das Wissen einiger Jahrzehnte und haben 

fest verankerte Ansichten. Das macht es in vielen Fällen 

einfacher, eine Bindung zu ihnen aufzubauen und dementsprechend 

ihren Charakter möglichst real abzubilden. 

Nutzen Sie bei der Arbeit mit älteren Menschen 

Techniken, die Sie sind nicht verwenden? 

Jeder Mensch hat andere Erfahrungen gemacht und 

nimmt Situtationen unterschiedlich wahr. Ich versuche 

mich stets in jeden einzelnen hineinzuversetzen, das 

erfordert Wandlungsfähigkeit. Diese Fähigkeit muss 

man als professioneller Porträtfotograf zweifelsfrei mitbringen, 

um am Markt bestehen zu können. Gerade bei 

älteren Menschen versuche ich, ein Thema zu finden, 

von dem sie schwärmen oder das sie besonders interessiert, 

um eine Bindung zu ihnen aufzubauen. Das entspannt 

die Situation im Studio um einiges. 

Kommt dabei andere Beleuchtung zum Einsatz? 

Gerade bei älteren Mitmenschen gibt es hier eine Menge 

Potenzial. Allerdings setze ich bei Frauen auf diffuses 

Licht, um nicht jede Falte extra zu betonen. Bei Männern 

hingegen kann das genaue Gegenteil eine besondere 

Wirkung erzielen. Richtig eingesetzt kann man aus dem 

Gesicht so ganze Geschichten herauslesen. 

Welche Tricks nutzen Sie bei der Arbeit mit 

kamerascheuen Models? 

Als Fotograf muss man natürlich sein Equipment beherrschen. 

Doch genauso müssen wir eine Bindung zu unserem 

Modell aufbauen, um eine entspannte Atmosphäre 

zu schaffen. Meist sind die Menschen dann sehr kooperativ 

und anfängliche Ängste sind verflogen. 

Haben Sie drei Tipps für ein perfektes Porträtfoto? 

Zuerst sollte man sich nicht verstellen und natürlich sein. 

Daneben muss die Fähigkeit bestehen, sich mit dem 

Modell auf einer kommunikativen Ebene zu bewegen. Zu 

guter Letzt hilft aber nur eines: Übung, Übung, Übung! 

Gibt es etwas, was man als angehender Porträtfotograf 

unbedingt vermeiden sollte? 

Verlassen Sie sich nicht zu sehr auf die Technik und überschätzen 

Sie sich nicht selbst. Aber verstecken Sie sich 

auch nicht hinter der Kamera. Seien Sie kommunikativ 

und arbeiten Sie mit dem Modell zusammen – nicht mit 

BearBeitung 

gutes ausgangsmaterial können Sie fast immer durch 

eine gelungene Bearbeitung verbessern. Versuchen Sie 

sich an tonwertreglern oder der gezielten entsättigung. 

dem Display Ihrer Kamera. Als letzter Tipp sollte gesagt 

sein, dass man das Modell niemals demotivieren sollte. 

Auch wenn er oder sie einen schlechten Tag hat und 

unkooperativ zu sein scheint: Es ist der Job des Fotografen, 

das Beste aus der Situation zu machen! 


FÜR EXPERTEN 

In Pose setzen 

Erreichen Sie eine gelungene 

Bildkomposition mit dem Mix 

aus Pose, Beleuchtung 

und Hintergrund. 

ACHTEN SIE AUF DIE AUGEN 

Direkter Blickkontakt lässt den 

Betrachter ein Teil der Szene werden. 

Ihr Model muss nicht immer direkt in 

das Objektiv blicken, der Blick oder 

die Blickrichtung sollten aber eines 

der Hauptbestandteile des Fotos 

darstellen. 

PLATZIEREN DER HÄNDE 

Die Form, die durch das Platzieren 

der Hände kreiert wird, fügt dem Bild 

interessante Kurven hinzu, die den 

Blick leiten. Hier folgen die Hände zum 

Beispiel dem Verlauf der Haare und der 

Gesichtsform des Models. Meistens 

müssen Sie das Model anweisen, was er 

oder sie mit den Händen tun soll. 

EINE FRAGE DER 

KOMPOSITION 

Wie viel Körper Sie in 

das Porträt einbeziehen, 

bleibt Ihnen überlassen 

und ist sehr oft von der 

jeweiligen Pose abhängig. 

Hier ist zum Beispiel nur 

die Abbildung bis auf 

Schulterhöhe sinnvoll. 

DAS 

RICHTIGE LICHT 

Das richtige Licht-Setup ist essenziell, 

um eine bestimmte Wirkung 

eines Porträts zu erreichen. Erst 

wenn die Beleuchtung stimmt 

können Sie sich über die anderen 

Punkte Gedanken machen. 

ACHTEN SIE AUF DEN HINTERGRUND 

Die warmen Farbtöne von Haut und Haaren bieten 

sich quasi an, einen blaugrauen Hintergrund zu 

wählen. Wie so oft in der Fotografie können Sie 

sich hier in vielen Fällen auf die Anwendung der 

Komplementärfarben konzentrieren. Das funktioniert 

meistens gut und sieht ansprechend aus. 


BESSERE PORTRÄTFOTOS 

Requisiten 

Betonen Sie den Charakter Ihres 

Motivs mithilfe von Requisiten. 

Kein Genre in der Fotografie ist einfach zu meistern. 

Doch Porträtfotografen werden früher oder später 

mit derselben Art Mensch zu tun bekommen wie 

ein Lehrer: die Art Mensch, die sich strikt weigert zu 

tun, was ihr oder ihm nahegelegt wird. Ob es nun 

Lernverweigerer sind oder Personen, die sich nicht 

fotografieren lassen wollen, ist dabei egal – beides 

sind eine große Herausforderungen. 

Bei Kleinkindern ist dies besonders ausgeprägt, 

doch es sind nicht nur die Jüngeren, die in dieser 

Hinsicht problematisch sind. Beim Anfertigen von 

Familienfotos fällt immer wieder auf, dass manche 

Väter eine wie auch immer begründete Abneigung 

haben, fotografiert zu werden, andere haben 

einfach nur Angst, wie sie auf dem Foto 

aussehen mögen. 

Im Laufe der Zeit haben sich 

verschiedene Ansätze etabliert, 

um mit solchen Situationen 

klarzukommen und um das 

Eis zu brechen. Einer davon 

ist der Einsatz von Requisiten. 

Sie sind nicht nur ein 

interessanter Blickfang im 

Bild, sondern können auch 

entspannend auf die Personen 

im Bild wirken, da sie sich 

zum Beispiel daran festhalten 

können. Ein kamerascheues Kind 

kann plötzlich eine Menge Enthusiasmus zeigen, 

wenn es sein Lieblingsspielzeug in den Händen hält. 

Weiter kann eine lachende Person bei einem Familienshooting 

den Rest der Familie quasi anstecken. 

adriandewey.com 

Adrian Dewey ist etablierter 

freiberuflicher Fotograf, 

Grafiker und Designer. Seine 

Arbeiten wurden bereits 

mehrfach in Magazinen 

veröffentlicht. 

Welche Vorteile sehen 

Sie beim Einsatz von 

Requisiten in der 

Porträtfotografie? 

Der Einsatz von Requisiten 

in Einzel- und Gruppenporträts hilft oft, eine optische Balance 

in das Bild hineinzubringen, und dient gleichzeitig 

als Auflockerung durch ein anderes Objekt im Bild. Bei 

einem Gruppenfoto kann es beispielsweise viele verschiedene 

Personen geben, die miteinander in einen Kontext 

Nutzen eines 

Triflectors 

Ein Triflector ist ein einfach gehaltenes Stück 

Equipment, das in keiner Studioausrüstung 

fehlen sollte. Durch die Anordnung von drei 

in verschiedene Richtungen reflektierenden 

Flächen vor dem Model, die von einem 

Blitz beleuchtet werden, entsteht ein 

interessanter Beleuchtungseffekt. 

REQUISITEN IM BILD 

Requisiten im Bild bringen einige Vorteile mit 

sich: Sie bieten dem Hauptmotiv einen Fixpunkt und 

sie lockern die Bildwirkung auf. 

„Es gibt keinerlei Einschränkung, welche Art 

Requisite im Studio erlaubt ist oder nicht.“ 

Requisiten effektiv nutzen 

Profi-Fotograf Adrian Dewey spricht über seine 

Tricks beim Einsatz von Requisiten in Porträts 

gebracht werden müssen. Dort können Requisiten nützlich 

sein. Bei kleineren Kindern dienen Requisiten hingegen 

eher als Beschäftigung, um sie von der eher langweiligen 

Atmosphäre im Studio zu abzulenken. Außerdem 

können Bauklötze und Kuscheltiere zusätzliche Farbe ins 

Bild bringen. 

Was müssen Fotografen beim Einsatz von Requisiten 

besonders beachten? 

Requisiten müssen intelligent ausgewählt werden. Übertreiben 

Sie es bei der Auswahl des Typs oder der Menge, 

geht das Hauptmotiv schnell im Gesamtwerk unter. Das 

ist ja genau das, was Sie nicht möchten. Auch sollten Sie 

beachten, wie und ob die Farben miteinander wirken oder 

ob das Größenverhältnis passt. Dort gibt es aber auch 

nicht unbedingt eine Faustformel. Manchmal ist es sogar 

sehr interessant, wenn man sich mit Gegensätzen konfrontiert 

sieht. 

© Adrian Dewey 

Manche Porträtstudios besitzen gar ein ganzes 

Lager voll Requisiten. So ist der Fotograf für jede 

Situation gewappnet und erreicht damit das bestmögliche 

Ergebnis ohne großen Stress und ohne 

große Kosten – das ist immer von Vorteil, wenn der 

Tag im Studio einmal anders verlaufen sollte als 

geplant. 

Der Einsatz von Requisiten kann aber auch 

Nachteile mit sich bringen. Benutzen Sie zum 

Beispiel ständig die gleichen Hilfsmittel, so gibt es 

kaum Abwechslung in Ihren Werken und die Bilder 

wirken austauschbar. Das kann so weit gehen, 

dass sogar die persönliche Note eines Porträtfotos 

überdeckt wird. Es ist schließlich unwahrscheinlich, 

dass sich mehrere Personen mit ein und demselben 

Gegenstand identifizieren. Daher sollten Sie stets 

Requisiten einsetzen, die die Persönlichkeit der zu 

porträtierenden Personen widerspiegelt. Ein guter 

Trick, um keinen Fehlgriff zu landen, ist es, wenn 

Sie das Modell darum bitten, doch selber einen 

Gegenstand mitzubringen. Das bringt auch den Vorteil 

mit sich, dass Sie ein Gespräch über den Gegenstand 

und die dazugehörigen Assoziationen führen 

können, um – sofern noch nicht geschehen – das 

Eis zu brechen. So wird der Aufenthalt im Studio 

meist um einiges entspannter. Es ist deshalb eigentlich 

völlig egal, welche Art von Requisite Sie verwenden. 

Je ausgefallener das Stück, desto kreativer 

können Sie wirken und desto interessanter wird das 

Ergebnis. Allerdings sollten Sie gerade bei Kindern 

darauf achten, dass Sie den Studioaufenthalt um 

die selbst mitgebrachten Requisite herum planen. 

Handelt es sich dabei um Lieblingsspielzeuge, so 

kann der Requisitenwechsel schnell ins Auge gehen 

und die Stimmung kippt in Sekundenschnelle. 


für experten 

BildzusaMMenhang 

auch wenn dieses Bild zunächst ein produkt 

des zufalls zu sein scheint: Viele fotografen 

achten gezielt auf elemente, die ihre 

Bildelemente miteinander verknüpfen. 

© David Gibson 

Ungestellte Fotos 

Spontaneität zahlt sich aus. 

Längst nicht alle Porträtfotos müssen unter den 

fast schon klinischen Bedingungen in einem 

Fotostudio und mit professionellen Models 

entstehen. Sehr oft kommen die deutlich 

interessanteren Bilder beim spontanen Ablichten 

auf der Straße heraus. Solange Sie etwas 

Fingerspitzengefühl zeigen und sich selbst 

Grenzen auferlegen, müssen Sie sich auch keine 

Sorgen über die Legalität dieses Vorgehens 

machen. Niemand hat auf öffentlichen Plätzen 

mit dem Luxus einer Privatsphäre zu rechnen. 

Allerdings können Sie in Schwierigkeiten geraten, 

sobald Sie jemanden gezielt verfolgen oder 

anderweitig dessen Persönlichkeitsrechte verletzen. 

In diesem Fall besitzt Ihr Motiv das Recht, Ihnen 

dies mitzuteilen oder je nach Situation auch 

mit polizeilichen Konsequenzen 

aufzuwarten. Ebenfalls sollten 

Sie bei Kindern oder Beamten 

Vorsicht walten lassen. 

Behalten Sie auch im 

Hinterkopf, dass Sie mit 

den Bildern auch nicht 

wie gewohnt arbeiten 

können. Das fängt 

schon damit an, dass 

Sie diese Fotos nicht für 

kommerzielle Zwecke 

benutzen dürfen. Für 

solche Fälle brauchen Sie 

stets eine unterschriebene 

Einverständniserklärung 

Festbrennweiten 

Festbrennweiten-Objektive besitzen einige 

Vorteile gegenüber Zoomobjektiven 

und nicht wenige Fotografen schwören 

auf diese Vorteile. Unbestreitbar ist, dass 

Festbrennweiten oftmals lichtstärker sind 

und so gleichzeitig ein größeres 

Freistellungspotenzial bieten. 

oder Model-Freigabe Ihres Motivs. Eine 

Verbreitung auf frei zugänglichen Websites ist 

ebenfalls problematisch. Doch beachtet man 

sämtliche Regeln und Fallstricke, so eröffnet sich 

Ihnen mit der Straßenfotografie ein ungeahntes 

Feld für Vielfalt und Kreativität, das nur darauf 

wartet, von Ihnen beackert zu werden. 

Nebenbei besitzt dieses Sujet selbstverständlich 

auch den Reiz, seine Technik weiter zu verfeinern, 

sodass Sie beim Fotografieren nicht mehr weiter 

auffallen und einfach in der Menge untergehen – 

Bilder mit natürlichen Gesichtsausdrücken und 

ungestellten Posen sind die Folge. 

Bei der Straßenfotografie gibt es verschiedene 

Ansätze. Manche einer bevorzugt den Schuss 

aus der Hüfte, andere komponieren klassisch mit 

dem Blick durch den Sucher. Genauso 

verschieden wie die Ansätze der 

Durchführung sind auch die 

Ansichten darüber, ob man 

so entstandene Bilder 

nachträglich zuschneiden 

und bearbeiten sollte 

oder ob dadurch die 

Bildaussage verfälscht 

werden könnte. 

Viele Fotografen 

meiden den Bereich 

des Porträtierens auf 

offener Straße aus 

Angst vor den möglichen 

Konsequenzen. Doch wenn 

© David Gibson 

Möge die Macht Mit dir sein 

so manches foto benötigt auch eine gewisse 

portion glück und eine schnelle reaktion, um den Moment 

einzufangen, bevor er wieder vorbei ist. 

Sie mit etwas Verstand und Fingerspitzengefühl an 

die Sache herangehen, haben Sie kaum Probleme 

zu erwarten, meint David Gibson – seines 

Zeichens seit 25 Jahren praktizierender Fotograf 

mit Schwerpunkt auf der Straßenfotografie. Einem 

großen Teil des Ärgers gehen Sie bereits aus dem 

Weg, indem Sie keine Situationen ablichten, die für 

Ihre Motive unvorteilhaft sein könnten oder deren 

Abbildung negative Folgen mit sich bringen könnte. 



© Loïc Brohard 

grauzone 

recht und unrecht 

gehen in der Straßenfotografie 

quasi nahtlos 

ineinander über. Überlegen 

Sie also genau, was Sie tun. 

Viele Wege 

zum ziel 

Kaum ein fotograf aus 

dem genre der Straßenfotografie 

kommt mit der 

gleichen technik zum 

gewünschten ergebnis. 

lassen Sie sich nicht verwirren 

und finden Sie ihre eigene 

taktik heraus. 

porträts 

in der 

Öffentlichkeit 

Wir fragten Loic Brohard nach seiner 

Vorgehensweise für gelungene Porträts 

brohardphotography.blogspot.com 

Einer der höchst frequentiertesten 

Flickr-Accounts und ein erfolgreicher 

Blog sind die Markenzeichen von Loic 

Brohard. Aufgrund seiner Erfahrung in 

der Straßenfotografie eignet er sich 

perfekt für unsere Fragen zu dem Thema. 

Welche Orte bevorzugen Sie? 

Ich halte mich meistens auf öffentlichen 

Veranstaltungen oder Plätzen mit 

starkem Touristenaufkommen auf. Das 

hat den Vorteil, dass man dort nicht der Einzige mit einer Kamera ist. 

Die wenigsten Leute interessiert es dann, ob man Fotos macht. 

Welche Techniken setzen Sie ein? 

Ich fotografiere nicht aus der Hüfte oder einer anderen ungewöhnlichen 

Position, da ich dem einfach nichts abgewinnen kann. Für 

gewöhnlich sehe ich ein Motiv, komponiere den Bildausschnitt, 

fokussiere und drücke ab. Das geht meist schnell und erfordert kein 

heimliches Getue. Zwar könnte so das ein oder andere Motiv entgehen, 

aber die Ausschussrate ist geringer als beim Blind-Fotografieren. 

Möchte man einen bestimmten Hintergrund als Aussage im Bild 

haben, so muss man sich wohl auf die Lauer legen und abwarten. 

Gibt es regelmäßig auftretende Probleme bei Ihrer Arbeit? 

Manchmal scheint man mit seinem Equipment unter einer Art 

Generalverdacht zu stehen, dabei ist es selten illegal, an öffentlichen 

Orten zu fotografieren. Das Wetter ist da schon das größere Hindernis, 

da man ausschließlich mit dem vorhandenen Licht arbeiten muss. 

Worauf achten Sie besonders bei der Auswahl Ihres Motivs? 

Man versucht, sich auf eine Person zu konzentrieren und den 

besonderen Moment, der diese zu charakterisieren scheint, zu 

erwischen. Ich versuche, den Moment so abzupassen, dass der 

Mensch selbst stolz wäre, sich exakt so irgendwo abgebildet zu sehen. 

Das kann durch vieles begünstigt werden: ein Gesichtsausdruck, ein 

Lächeln, die Darstellung eines besonderen Typus usw. 

Was machen Sie, wenn Sie gefragt werden, was Sie machen? 

Ich habe noch nie negative Reaktionen erlebt. Meistens kümmert es 

die Leute nicht , wenn sie erkennen, dass sie im Bild sind. Manchmal 

entschuldigen sie sich sogar, weil sie dachten, sie hätten im Bild gestanden. 

Personen, die es aber realisieren, lassen sich übrigens zu sehr 

interessanten Gesichtsausdrücken hinreißen. 

unauffällig geschossene 

fotos mit guter 

Bildkomposition besitzen 

eine angenehme 

natürlichkeit, die nur 

sehr schwer im Studio 

nachzubilden ist. 

© Loïc Brohard 


FÜR EXPERTEN 

Mit Licht 

arbeiten 

Erfahren Sie, wie Sie die unterschiedlichen Arten 

von Licht zu Ihrem Vorteil einsetzen, um die 

besten Porträtaufnahmen zu erstellen. 

In der Fotografie dreht sich alles um das 

Licht. Das Wort „Fotografie“ selbst bedeutet 

sow viel wie „mit Licht malen“. 

Die Art des Lichtes, nach dem der Fotograf 

sucht oder das er versucht zu kreieren, ist 

oft der Grundpfeiler des zu erstellenden Bildes. 

Den von der Beleuchtung hängen alle anderen 

Hauptmerkmale des Fotos ab. Die Beleuchtung 

beeinflusst sogar das zu benutzende Objektiv und 

die Filter sowie die Bildkomposition. Dabei ist es 

wichtig, sich darüber im Klaren zu sein, dass gutes 

Licht noch lange nicht zu einem erfolgreichen 

Bild führt. Andererseits braucht man auch nicht 

immer dramatisch hervorstechendes Licht, um 

tolle Aufnahmen zu erhalten. Nicht jedes gute Foto 

ist ausschließlich von der Beleuchtung abhängig. 

Wichtig ist, zu verstehen, wie sich die Zutat Licht 

auf die Stimmung eines Bildes auswirkt. Ansonsten 

können Sie, was Ihre Aufnahmen angeht, vieles 

auch dem Zufall überlassen. Es gibt drei Arten von 

Licht, die das meiste aus Ihren Fotos rausholen: 

natürliches Licht, künstlich erzeugtes Licht und 

eine Kombination aus beidem. Auf den folgenden 

Seiten decken wir alle drei Szenarien ab. 

Die Art des einzusetzenden Lichtes wird größtenteils 

von der aufzunehmenden Szene oder dem 

Motiv abhängen. Landschaftsfotografen arbeiten 

fast nur mit natürlichem Licht. Selten bis nie wird 

das Licht verändert – höchstens mit einem Filter, 

der dabei hilft, den Weg, wie das Licht auf das 

Objektiv trifft, zu beeinflussen. Porträtfotografen 

auf der anderen Seite kreieren ihr Licht fast immer 

mit Blitzgeräten und Lichtumwandlern wie Softboxen. 

In dieser Meisterlektion decken wir beide 

Ansätze ab und geben Ihnen dabei jede Menge 

praktische Tipps und Hinweise mit auf den Weg, 

um dabei zu helfen, die unterschiedlichen Einflüsse 

der Beleuchtung besser zu verstehen. 


MIT LICHT ARBEITEN 

ERLEUCHTUNG 

Wenn Sie wissen, wie man das 

Licht manipuliert, besitzen Sie eine 

Grundfertigkeit, mit der Sie Ihre Fotos 

maßgeblich verbessern können. 


FÜR EXPERTEN 

High-Key- 


Helle und luftige Aufnahmen für 

frische Porträt- und Produktfotos 

Bei High-Key handelt es sich um eine beliebte Art 

der Belichtung bei Studiofotografen. Wie bei vielen 

fotografischen Techniken gibt es auch hier verschiedene 

Wege, ihren Stil auszulegen. Der eine Weg 

bringt sehr helle Bilder mit wenigen Schatten, während 

andere Herangehensweisen sehr helle Bilder 

mit überbelichteten Glanzlichtern ergeben. Weiße 

Hintergründe sind eine Grundvoraussetzung und 

ausdrucksstarke, überdrehte Farben werden oft eingesetzt, 

um die Wirkung noch zu verstärken. In der 

High-Key-Fotografie werden manchmal absichtlich 

einige Details durch bloße Helligkeit und absichtliche 

Überbelichtung verschleiert. Dadurch entsteht 

oft ein leichter Weichzeichner-Effekt. 

Um diesen Effekt in einem Studio zu erreichen, 

werden mindestens drei Lichtquellen und sehr 

leistungsfähige Blitzgeräte benötigt. Der Effekt wird 

am meisten mit modernen Porträtaufnahmen und 

Produktfotos in Verbindung gebracht. 

LECKERE AUFNAHMEN 

High-Key-Fotografie funktioniert besonders 

gut für die Erstellung moderner Porträts 

und Produktfotos. Perfekt eignet sie sich für 

Lebensmittelaufnahmen. 

LICHT 

LICH MIT 

ROTEM GEL 

WEISSER HINTERGRUND 

MOTIV 

KAMERA 

WEISSER HINTERGRUND 

SOFTBOX 

LICHT 

High-Key-Fotografie macht sich hervorragend bei 

Porträtaufnahmen, die ein Gefühl von Spaß und 

Vitalität vermitteln sollen. Darum bevorzugen Studiofotografen 

diese Art der Belichtung, um Bildern 

den Anschein von Bewegung und Spontanität zu 

verleihen. Aus gleichem Grund funktioniert High- 

Key-Fotografie auch gut für Porträts von Kindern. 

Die Produktfotografie setzt High-Key-Fotografie 

ebenfalls ein, da die allgemeine Helligkeit und die 

kräftigen Farbpaletten lebendig wirken. Darum wird 

diese Art der Beleuchtung gerne in der Lebensmittelfotografie 

eingesetzt, da die Helligkeit Frische und 

die kräftigen Farben ein volles Aroma vermitteln. 

Zudem wird das Produkt sehr deutlich dargestellt 

und kein Detail versteckt oder verdeckt. 

Denken Sie aber daran, dass Sie bei der High- 

Key-Fotografie keine wichtigen Details durch Überbelichtung 

verlieren. Wenn Sie sich unsicher sind, 

ist es besser, zurückhaltend zu sein. Sie können 

Aufnahmen später immer per Bildbearbeitung noch 

aufhellen, aber wenn Details einmal verloren sind, 

ist es viel schwieriger, sie wiederherzustellen. 

MIT FILTERN EXPERIMENTIEREN 

Mit Gel-Filtern kann man die Optik der Aufnahme 

schnell ändern und dem Porträt das gewisse Extra verleihen. 

MOTIV 

KAMERA 

SOFTBOX 

LICHT 

Die drei besten Studioprodukte für die Beleuchtung 

Lastolite 1,8 m x 2,15 m 

Zusammenklappbarer Hintergrund 

Web: www.lastolite.com 

Dieser beidseitig nutzbare Schwarz-Weiß-Hintergrund 

ist ideal für High-Key-Porträts, die im 

Studio aufgenommen werden. Man kann ihn 

zudem waschen, was sehr praktisch ist, da 

weiße Hintergründe schnell schmutzig werden, 

was dann zur Nachbearbeitung führt. 

Interfit RSBR1014 

100 x 140cm Softbox 

Web: www.interfitphotographic.com 

Eine Softbox gehört zur Grundausstattung 

für jedes Porträtstudio, da sie ein diffuses 

und weiches Licht erzeugt. Es gibt sie in den 

unterschiedlichsten Größen und Formen. 

Überlegen Sie sich also vor dem Kauf, was 

Sie genau brauchen. 

Bowens Streamlite 

330 Kit 

Web: www.bowensdirect.com 

Zu diesem Kit gehören zwei Streamlite -330- 

Lampen, zwei Dreifachständer und zwei 

Lampen mit Leuchtstoffröhren, die Tageslicht 

imitieren, ein Cocoon 70-Lichtzelt sowie der 

dazugehörige Cocoon-Ständer. Dieses Zubehör 

ist ideal für Produktaufnahmen im Studio. 


MIT lIcHT ArBeITen 

Heller und scHöner 

Mit nur wenig equipment ist 

High-Key-Fotografie in einer 

studio-umgebung einfach 

umzusetzen. 

POrTräTFOTOGrAFIe 37

FÜR EXPERTEN 

Low-Key-Fotografie 

Finden Sie mit unserer Anleitung heraus, wie Sie mit nur einer 

Lichtquelle atmosphärische, dunkle Bilder im Studio erstellen. 

Low-Key-Fotografie ist das Gegenteil von High-Key- 

Fotografie und eine beliebte Wahl für Porträtaufnahmen 

im Studio. Im Gegensatz zur High-Key-Fotografie 

gibt es hier viel Schatten und es werden schwarze 

oder sehr dunkle Hintergründe verwendet. In der 

Low-Key-Fotografie ist es am wichtigsten, den Lichtschein 

gut zu kontrollieren. Um das zu erreichen, 

benutzt man meistens nur eine einzige Lichtquelle. 

Wenn doch mal ein zweites Licht gebraucht wird – 

zum Beispiel als Füllicht –, wird dieses gedimmt und 

nur ganz vorsichtig eingesetzt, damit keine Schatten 

verschwinden, die vom Hauptlicht erzeugt werden. 

Für Low-Key-Porträts werden oft Kopflichter eingesetzt, 

aber nur zusammen mit einem Vorsatz oder 

einem Wabenraster, um sicherzugehen, dass die 

Lichtquelle nicht über einen bestimmten, begrenzten 

Bereich des Motivs hinaus leuchtet. 

Low-Key-Fotografie verleiht dem Modell eine 

mystische Ausstrahlung und ist daher ein Mittel des 

klassischen Hollywood-Porträtstils. Low-Key-Porträtfotografie 

wird oft mit geheimnisvoller Pose und 

düsterer Mimik sowie dunkler Kleidung verbunden, 

um Ernsthaftigkeit und Seriosität zu vermitteln. 

Am wichtigsten ist es, nicht zu vergessen, dass bei 

Low-Key-Fotografie die Schatten entscheidend sind. 

Man könnte auch sagen, dass es dabei eher um das 

geht, was man nicht erkennt, als um das, was man 

sehen kann. Wenn Sie Ihr Motiv zeigen, wie es gerade 

aus dem Schatten heraustritt, lässt es das besonders 

hintergründig erscheinen. Obwohl wir Low-Key- 

Fotos oft mit Porträts in Verbindung bringen, eignen 

sie sich auch gut für Stillleben. 

Das Beste an der Low-Key-Fotografie ist der 

Umstand, dass man dafür im Allgemeinen nicht 

viele Lampen und auch kein sehr kräftiges Licht 

braucht. Tatsächlich benötigen Sie für das ideale 

Licht nur einen Blitzschuh, den Sie neben die Kamera 

stellen und kabellos auslösen. Die wahre Kunst ist 

es, das Licht davon abzuhalten, sich zu vermehren 

– also von Wänden, der Decke oder reflektierenden 

Oberflächen zurückzustrahlen. Dieses Problem kann 

man lösen, indem man an den richtigen Stellen 

schwarze Kartons aufstellt, die das Licht absorbieren. 

Diese kann man auch gut als Hintergrund benutzen. 

Der alleinige Einsatz von Fensterlicht kann ebenfalls 

zu schönen Low-Key-Porträts führen. Helles Sonnenlicht 

bringt zwar einen hohen Kontrast, aber dem 

kann man mit einer Streuscheibe entgegenwirken, 

die die Intensität des Lichts reduziert. Alternativ können 

Sie das zu Motiv auch einfach weiter weg vom 

Fenster platzieren und mit den unterschiedlichen 

Lichtstärken experimentieren. 

Low-Key-Fotografie eignet sich hervorragend für 

Schwarz-Weiß-Aufnahmen. Wenn Sie online nach 

Low-Key-Bildern suchen, werden Sie viel mehr 

monochrome Fotos als Farbfotos finden. Es gibt aber 

keine Regel, die besagt, dass Sie Low-Key-Fotos nicht 

in Farbe schießen dürfen, also experimentieren Sie 

ruhig mit unterschiedlichen Einstellungen während 

der Bildbearbeitung. 

SCHWARZER HINTERGRUND 

MOTIV 

KAMERA 

SOFTBOX 

LICHT 

DUNKEL UND STIMMUNGSVOLL 

Für Low-Key-Porträts braucht man meistens nur 

eine Hauptlichtquelle. Wie Sie diese im Verhältnis zu Ihrem 

Motiv positionieren, beeinflusst den Lichteinfall und wie die 

Schatten entstehen. 

Vier Porträt-Beleuchtungseinstellungen 

Eine schnelle Anleitung zu den wichtigsten Konfigurationen für temperamentvolle Bilder 

Enggebündeltes Licht 

01 

Hier ist es wichtig, dass der 

Kopf des Modells ein wenig 

zur der Schulter gedreht wird, die 

dem Licht am nächsten ist. Dadurch 

wird der sichtbare Schatten 

verstärkt und das Gesicht der Person 

erscheint generell schmaler. 


Geteiltes Licht 

02 

Bei vielen Porträtaufnahmen 

wird das Hauptlicht in 

einem Winkel von 45 Grad positioniert. 

Um geteiltes Licht zu erreichen, 

muss man es in einem Winkel 

von 90 Grad relativ zum Motiv umstellen 

– ohne Fülllicht –, damit nur 

die Hälfte angeleuchtet wird. 

Mid-Key-Fotografie 

03 

Diese Art der Beleuchtung 

ist zwischen Low Key und 

High Key anzusiedeln. Man braucht 

nur ein Licht, um den Effekt zu produzieren, 

und der allgemeine Farbton 

entspricht einem Mittelton. Ein 

grauer Hintergrund ist allerdings 

nicht unbedingt Voraussetzung. 

Breitgefächertes Licht 

04 

Bei dieser Art der Beleuchtung 

muss der Kopf des Modells 

von der Schulter, die dem Licht 

am nächsten ist, weggedreht sein. 

Das reduziert die Sichtbarkeit der 

Schattenseite im Gesicht der Person 

und lässt es dadurch breiter 

erscheinen.


WANDLUNGSFÄHIGES LICHT 

Low-Key-Porträts wirken elegant, zeitlos 

und anspruchsvoll. Sie passen zu Personen 

jeden Alters, aber ganz besonders gut, wenn 

man ein Gefühl von Autorität oder etwas 

Geheimnisvollem vermitteln möchte. 


FÜR EXPERTEN 

Natürliches Licht kontrollieren 

Das Beste aus dem vorhandenen Licht herausholen. 

Manchmal kommt man nicht darum herum, während 

einer Aufnahme mit natürlichem Licht zu 

arbeiten. Oft passt diese Art der Beleuchtung aber 

einfach nicht und Sie brauchen etwas, das Ihnen 

hilft, das Licht zu verändern oder mehr davon 

zu erzeugen. Generell ist es besser, die Menge an 

natürlichem Licht beizubehalten, anstatt noch mehr 

hinzuzufügen. Zum Glück gibt es einige Accessoires, 

die Ihnen dabei einfach helfen können. 

Die zwei nützlichsten und beliebtesten Wege, um 

natürliches Licht zu kontrollieren, sind der Einsatz 

eines Aufhellblitzes oder eines Reflektors. Das Tolle 

an beiden Techniken ist, dass diese unglaublich 

subtil eingesetzt werden können, sodass Betrachter 

Ihrer Fotos gar nicht merken werden, dass noch 

etwas anderes als natürliches Licht anwesend war. 

Wenn Ihnen das besonders wichtig ist, eignet sich 

ein Reflektor am besten, aber damit schafft man es 

eventuell nicht, die dunklen Schatten aufzuhellen. 

Der Aufhellblitz hat seinen Namen bekommen, weil 

er einfach nur die unterbelichteten Bereiche aufhellen 

soll. 

In der Theorie machen es moderne DLSRs einfach, 

den Aufhellblitz einzusetzen, da sie mit Eigenschaften 

wie TTL-Messung bestimmen können, wie 

stark der Blitz sein muss, um gegen das Tageslicht 

ausbalanciert zu werden. Manchmal müssen Sie 

aber vielleicht trotzdem die Belichtungskorrektur 

Ihrer Kamera und/oder des Blitzes einsetzen, um 

den gewünschten Effekt zu erzielen. 

Es gibt aber inzwischen auch jede Menge kabelloser 

Blitzgeräte, die Sie unabhängig von der Kamera 

positionieren und mithilfe derer Sie trotzdem noch 

die Vorteile einer TTL-Messung nutzen können. Der 

einzige Nachteil bei der Verwendung eines Aufhellblitzes 

ist, dass sein Einsatz meist offensichtlich 

im Bild zu erkennen ist. Für dieses Problem gibt es 

Reflektoren. 

Reflektoren sind unersetzlich, wenn Sie mit natürlichem 

Licht arbeiten wollen. Es gibt sie in Weiß, 

Silber und Gold. Alle Variationen werden benutzt, 

um der Szene mehr Licht zu geben. Weiße Reflektoren 

führen zu den natürlichsten und unauffälligsten 

Resultaten, während silberne Reflektoren ein leicht 

schärferes Licht produzieren. Ein goldener Reflektor 

fügt Dramatik hinzu, da dieser ein warmes Leuchten 

auf das Motiv wirft. Darum wird der Einsatz 

eines goldenen Reflektors auch am ehesten auffallen. 

Eigentlich können Sie alles, was Sie wollen, als 

Reflektor benutzen. Sie müssen nicht unbedingt ein 

maßgeschneidertes Produkt dafür kaufen. Ein Stück 

weißes Papier oder ein weißes auf einen Rahmen 

gespanntes T-Shirt eignen sich genauso gut für die 

Kontrolle von natürlichem Licht. 

„Wenn besonders subtiles Zusatzlicht gefragt 

ist, kann ein Reflektor Wunder vollbringen.“ 

Zubehör-Überblick 

Nikon SB-700 

Blitzgerät 

Web: www.nikon.de 

Dieses Blitzgerät bietet einen 

Aufhellblitz mit natürlichem 

Licht und ausreichend Leuchtstärke 

und lässt sich zudem 

gut transportieren. Außerdem 

ist es komplett kompatibel 

mit dem kabellosen Creative 

Lighting System von Nikon. 

Lastolite 

EzyBalance-Graukarte 

Web: www.lastolite.de 

Wenn sich das natürliche 

Licht als schwierig rausstellt, 

kann es passieren, dass 

Beleuchtungsmessung und 

Weißabgleich nicht richtig 

funktionieren. Mit einer von 

diesen kleinen faltbaren Karten 

haben Sie die perfekte Lösung 

zur Hand, um die Einstellungen 

schnell hinzubekommen. 

Diese Ausstattung 

brauchen Sie zum Erfolg: 

Lastolite 

Diffuser 


Ideal, wenn das Licht zu scharf 

ist und sich kein richtiger Lichtschutz 

findet. Nutzen Sie in 

solchen Situationen diesen 

Diffuser von Lastolite, mit dem 

Sie schnell und einfach die 

Stärke des Lichtes abschwächen 

können. 

10 Tipps für 

die Arbeit mit 

natürlichem Licht 

NACH SCHATTEN SUCHEN 

01 Halten Sie draußen nach schattigen 

Bereichen Ausschau, um die Vorteile eines weicheren, 

gleichmäßigeren Lichtes und damit einen 

geringeren Dynamikbereich nutzen zu können. 

REFLEKTOR NUTZEN 

02 Ein Reflektor ist sehr praktisch, um 

etwas Licht in die Szene zurückzuwerfen und 

Schattenbereiche aufzuhellen. 

03 AUFHELLBLITZ 

Wo der Reflektor nicht ausreicht, 

kommt der Aufhellblitz zum Einsatz. Die TTL- 

Messung wird dem Blitz mitteilen, wie stark er sein 

soll, und Belichtungskorrektur einsetzen, um den 

Blitz etwas herunterzuregeln. 

GOLDENE STUNDEN 

04 NUTZEN 

Diese Regel gilt nicht nur für Landschaftsaufnahmen. 

Nutzen Sie das natürliche Licht am Anfang 

oder am Ende des Tages wenn die Sonne tief steht 

und warmes, goldenes Licht verbreitet. 

DIFFUSOR EINSETZEN 

05 Ein Diffusor kann ähnlich wie eine Softbox 

dabei helfen, ein Licht zu schaffen. 

BLINZELN VERMEIDEN 

06 Fotografen versuchen im Allgemeinen, 

nie direkt in die Sonne zu fotografieren, aber 

manchmal ist das besser, als dass das Modell die 

Augen zusammen kneift. 

07 LICHTREFLEXE 

Viele Fotografen versuchen absichtlich, 

Lichtreflexe zu kreieren, die entstehen, wenn 

gegen die Sonne fotografiert wird. Das passt nicht 

zu jedem Bild und man muss aufpassen, dass es 

die Aufnahme nicht ruiniert – aber generell können 

Lichtreflexe ein Foto modern wirken lassen. 

MUSTER EINBEZIEHEN 

08 Schauen Sie sich die Art und Weise an, 

wie das Licht durch Blätter, Äste oder durch Fenster 

fällt, um interessante Muster zu finden. 

ENTFERNUNG BEACHTEN 

09 Wenn Sie mit Fensterlicht arbeiten, können 

Sie den Kontrast Ihrer Aufnahmen dadurch 

reduzieren, dass Sie Ihr Motiv weiter weg vom 

Fenster platzieren. Dadurch wird es weniger hell 

dargestellt und die Schatten sind nicht so dunkel. 

BEDECKT GEHT AUCH 

10 Lassen Sie sich von einer dichten Wolkendecke 

nicht abschrecken. Diese wirkt wie eine 

riesige Softbox und stellt sicher, dass das Licht 

gleichmäßig und einfacher nutzbar ist. Sie könnten 

einen goldenen Reflektor nutzen, um wärmeres 

Licht auf das Motiv zu werfen. 



NATÜRLICHKEIT 

BEWAHREN 

Der vorsichtige Einsatz eines 

Aufhellblitzes ist eine gute Lösung, 

wenn Sie etwas Licht in schattige 

Bereiche werfen wollen, während 

Sie in erster Linie mit natürlichem 

Licht arbeiten. Dadurch verbessern 

Sie das Foto, ohne dass es gleich 

zu hell wird. 

BLITZ 

NUTZEN 

Blitzgeräte, die Sie 

unabhängig von 

der Kamera kabellos 

einsetzen können, 

helfen Ihnen dabei, 

merkwürdige, 

Schatten aufzuhellen, 

während Sie 

mit natürlichem 

Licht arbeiten. 


FÜR EXPERTEN 

Blitz kreativ 

einsetzen 

Wir zeigen Ihnen, wie Sie auch mit Ihrem 

Einbaublitz bessere Porträts machen können. 

Sie brauchen ... 

... eine Digitalkamera 

mit Blitz. 

... eine weiße Visitenkarte 

und ein Modell. 

Wir verwendeten ... 

... Samsung NX200 mit 

Blitz und Blitzschuh. 

Man kann es auch 

versuchen mit … 

... einem externen 

Blitzgerät. 

... einem Diffusor. 

Sie lernen wie, … 

... man den Blitz 

einstellt. 

... man das Licht 

reflektiert. 

OHNE BLITZ 

Wenn die Sonne direkt 

hinter der Person ist, 

kann die Kamera das 

Gesicht nicht korrekt 

belichten. Das Bild 

wird unterbelichtet. 

AUFHELLBLITZ 

Wenn Sie Ihren Blitz verwenden, wird sowohl die 

Person als auch der Hintergrund perfekt. 

So machen Sie ein tolles Porträt. 


KREATIVE BLITZTECHNIKEN 

Mitunter reicht es, die Kamera auf 

Automatik zu stellen und einfach 

loszufotografieren. Auch so 

gelingen Ihnen oft Fotos, auf die 

Sie stolz sein können. Aber wenn 

Sie Porträts der Spitzenklasse machen wollen, 

ist die richtige Beleuchtung unerlässlich – also 

schalten Sie die Automatik ab und stellen Sie Ihre 

Kamera selbst ein. 

Wenn Sie ein Porträt machen, wird Ihr Können 

bezüglich des Lichts die Ästhetik des Bildes 

entscheidend verbessern. Sie können Ihr Modell 

gleichmäßiger ausleuchten, das Licht weicher 

gestalten und kreativer werden. Das Licht Ihres 

Einbaublitzes ist mit das schlechteste, das Ihnen 

zur Verfügung steht. Ein handelsüblicher LED- 

Blitz ist sehr stark, der Lichteinfall ist direkt, 

Ihr Porträtpartner wird von einem Lichtstrahl 

getroffen. In einer größeren und offenen Umgebung 

mag das akzeptabel sein und manchmal 

geht es auch nicht anders. Doch in den meisten 

Situationen ist der Blitz einfach zu stark, das Foto 

wird überbelichtet und wirkt verwaschen. Ganz 

abgesehen davon, dass die Personen auf dem 

Foto mitunter rote Augen haben! 

Obwohl so ein Einbaublitz allerlei Nachteile 

hat, kann man diese problemlos entschärfen und 

daraus ein wichtiges und hilfreiches Beleuchtungswerkzeug 

machen. Wenn Sie darauf achten, 

in welchem Winkel der Blitz auf Ihr Motiv trifft, 

können Sie das Licht gleichmäßiger verteilen. Ihr 

Modell sieht so einfach besser aus. Die Hauttöne 

stimmen und harte Schatten werden vermieden. 

So können Sie auch Bewegungsunschärfen 

bei der Porträtfotografie 

vermeiden. Und Sie müssen 

außerdem nicht warten, bis das 

Wetter draußen wieder besser 

wird. Halten Sie sich einfach an 

die unten aufgeführten Tipps und 

machen Sie das Beste aus Ihrem 

Einbaublitz. 

Wann Sie den Blitz 

vermeiden sollten 

Manchmal kann ein Blitz eine Aufnahme, 

die ansonsten gelungen wäre, ruinieren. 

Denn mitunter macht das natürliche Licht 

den Reiz aus, zum Beispiel bei Kerzenlicht 

oder einem Konzert. In solchen Fällen ist 

es besser, den Blitz abzuschalten und mit 

höheren ISO-Werten und langsameren 

Verschlusszeiten zu arbeiten. 

Blitzporträts So holen Sie alles aus Ihrem Einbaublitz heraus. 

Blitz vorgeben 

01 

Den Blitz vorzugeben ist eine Einstellung, 

die man bei allen Digitalkameras findet. 

In der Regel steckt sie im Blitzmenü. Stellt man 

den Blitz auf „vorgegeben“ ein, so blitzt die 

Kamera bei jedem Foto automatisch mit, unabhängig 

von den anderen Einstellungen. 

Blitz im Freien 

02 

Sie können Ihren Blitz auch als Aufhellblitz 

einsetzen, was besonders im 

Freien und bei Tageslicht nützlich ist. Aufgrund 

des natürlichen Lichts um Sie herum 

fällt genügend Licht in die Kamera ein, der 

Blitz „füllt“ lediglich die Schatten auf. 

2. Verschlussvorhang 

03 

Der 2. Verschlussvorhang ist eine Einstellung, 

die man kreativ einsetzen 

kann. Damit wird am Ende der Belichtung geblitzt 

und nicht am Anfang. Diese Einstellung 

wird in der Regel bei längeren Belichtungszeiten 

von 1/30 Sekunde oder mehr benutzt. 

Bewegungsunschärfe 

04 

Beim 2. Verschlussvorhang geht der 

Blitz erst am Ende der Belichtung los, 

so kann man Bewegung im Bild zeigen. Wenn 

sich die Person im Porträt bewegt, kann es dabei 

zu Unschärfen kommen. Doch der Blitz am 

Ende lässt die Bewegungen erstarren, was zu 

sehr kreativen Ergebnissen führen kann. 

Den Blitz reflektieren 

05 

Sie können den Blitz auf verschiedene 

Arten reflektieren. Wenn Sie ein externes 

Blitzgerät verwenden, können Sie es einfach 

auf die Decke richten. Falls sich aber der 

Blitzwinkel am Gerät nicht verändern lässt, 

können Sie einfach eine weiße Visitenkarte vor 

den Blitz anbringen, um das Licht zu streuen. 

Innenporträts 

06 

Indirekt zu blitzen ist besonders bei 

Innenporträts eine gute Idee, denn 

dadurch wird der harte Effekt eines direkten 

Blitzes abgemildert. Das Licht kann verstreut 

oder an einer weißen Oberfläche reflektiert 

werden und so wird Ihr Modell gleichmäßiger 

ausgeleuchtet. 


für experten 

Entfesselt 

blitzen 

Den Blitz der Kamera zu nutzen bringt bereits 

Vorteile, doch erst abseits des Blitzschuhs 

entstehen Ergebnisse mit Wow-Faktor. 


entfesselt blitzen 


Für experten 

T 

ageslicht ist die günstigste 

Art der Beleuchtung und 

beeinflusst das Aussehen 

vieler Aufnahmen positiv. 

Leider ist es in der Regel 

viel zu schwach, um stets eine perfekte 

Ausleuchtung erzeugen zu können, was 

aber nicht heißt, dass Sie nicht trotzdem 

gute Fotos schießen können. Dazu brauchen 

Sie auch kein teures und sperriges 

Studio-Equipment – ein simples Blitzgerät 

reicht in den meisten Fällen schon aus, 

um Lichtakzente zu setzen. 

Die meisten Fotografen nutzen ihr 

Blitzgerät dabei fest installiert auf dem 

Blitzschuh der Kamera. Das reicht für 

Schnappschüsse oder den Einsatz als 

schwachen Füllblitz, produziert jedoch 

harte Schlagschatten und einen zu 

zweidimensionalen Eindruck. So richtig 

profitieren Sie von einem Blitzgerät erst, 

wenn Sie es außerhalb des Blitzschuhs 

nutzen. Das tun Sie entweder durch das 

herstellereigene Kommunikationssystem, 

ein TTL-Kabel, einem Funkkit oder einen 

slavefähigen Blitz. Dabei gibt es keine 

bessere Zeit, um das Blitzen zu lernen, als 

die der dunklen, bewölkten Herbst- und 

Wintertage, an denen die Natur dramatische 

Bilder malt und sich die ohnehin 

schon schwache Sonne hinter dichten 

Wolken versteckt. 

Während viele Geräte es erlauben, 

ihren Blitzkopf an die Decke oder zur 

Seite zu richten, um das Licht indirekt 

auf das Motiv treffen zu lassen und es so 

weicher zu machen, bleibt Ihnen die volle 

Kontrolle über diese Art Beleuchtung nur 

beim entfesselten Blitzen vorbehalten. 

Einerseits können Sie so Bilder entstehen 

lassen, die in Art und Form der Beleuchtung 

an das erinnern, was sonst nur mit 

keine 

Bewegung 

ein Blitz gibt zusätzliches 

Fülllicht bei actionbildern und 

friert Bewegungen ein. 

Bilddetails Sony a900 mit 

16–35-mm-Objektiv bei 16mm, 

f/8 und 1/800 Sek. 

Dramatik 

Belichten Sie leicht 

unter und beleuchten Sie das 

Hauptmotiv per Blitz, um eine 

bedrohliche Stimmung wie 

hier zu erzeugen. 

Bilddetails: Sony a900 

mit 24–70-mm-Objektiv bei 

24mm, f/8 und 1/200sek, 

iSO200, Sony HVL-FL58-Blitz 

„Mit den meisten Blitzgeräten lässt 

sich die Lichtrichtung frei bestimmen.“ 

natürlichem Licht möglich wäre. Andererseits 

können Sie mit dieser Technik auch 

das komplett gegenteilige Ergebnis erzielen 

– gezielt harte Schatten erzeugen und 

Strukturen zeichnungslos blitzen. Systemblitze 

haben gegenüber ausgewachsenen 

Studioanlagen zudem den Vorteil, dass 

Sie nicht auf eine Synchronzeit von maximal 

1/250 Sek. angewiesen sind, da viele 

Geräte auch kürzere Zeiten erlauben. Das 

ermöglicht mehr Kontrolle über das künstliche 

Licht und erleichtert das Einfrieren 

von Bewegungen. 

Allerdings gibt es ein Problem, sobald 

Sie den Blitz vom Blitzschuh entfernen: 

Wie beziehungsweise wo befestigen Sie 

ihn? Natürlich können Sie Kamera und 

Blitz mit etwas Übung beim Fotografieren 

in der Hand halten, was schon einmal 

leichte Vorteile mit sich bringt. Allerdings 

müssen Sie sich so auf mehrere Sachen 

gleichzeitig konzentrieren, was selten 

zufriedenstellend funktioniert. Besser geht 

es, wenn Sie die Kamera mit Ihrem linken 

Arm quasi umarmen und das Gewicht auf 

den Oberarm verlagern, während sich der 

Blitz in Ihrer rechten Hand befindet. Der 

46 pOrträtFOtOgraFie

EntfESSELt BLitzEn 

mehrere Blitze 

nutzen 

Wenn Sie nicht darauf beschränkt sind, 

einen Blitz auf der Kamera zu nutzen, stehen 

Ihnen viele Wege offen, um Ihre kreative 

Ader auszuleben – erst recht wenn Sie 

mehrere Blitze zur effektvollen Beleuchtung 

verwenden. Für einige Kamerasysteme 

stehen daher Funkmodule zur Verfügung, 

um mit mehreren Blitzen zu kommunizieren. 

Ansonsten verwenden Sie einfach 

ein E-TTL-Kabel. 

Platzieren Sie den ersten Blitz nach 

Ihrem Geschmack, um ihn als Hauptlichtquelle 

zu nutzen. Nun können Sie einen 

oder mehrere Blitze dazu nutzen, um 

Schatten aufzufüllen. Die Blitze sollten 

untereinander „Sichtkontakt“ haben, da es 

sonst zu Störungen in der Kommunikation 

kommen kann. Sie können dabei auch den 

um mehrere Achsen drehbaren Blitzkopf 

zu Ihrem Vorteil einsetzen. Natürlich sind 

Sie nicht auf zwei Blitze wie in unserem Beispiel 

beschränkt, das Limit besteht lediglich 

im Volumen Ihrer Kameratasche. 

Um sicherzustellen, dass jeder Blitz 

korrekt funktioniert, können Sie den Test- 

Knopf am ersten Blitz verwenden. Für weitere 

interessante Effekte können Sie auch 

mit farbigen Vorsätze experimentieren, um 

die Lichtfarbe zu verändern. 

© nick Webster 

© nick Webster © nick Webster 

EinzigartigkEit 

nutzen Sie den Blitz abseits 

der kamera, um solche 

einzigartigen Lichteffekte zu 

erreichen, die ansonsten nicht 

möglich wären. 

Bilddetails: Sony a900 mit 

85-mm-Objektiv, f/8 und 1/250 Sek. 

zOOmrEfLEktOr 

Verändern Sie die Position des 

integrierten reflektors des Blitzes, um die 

beleuchteten Bereiche genau zu definieren. 

Bilddetails: Sony a900 mit 24–70-mm-Objektiv 

bei 35mm, f/14 und 1/125 Sek., iSO200, 

Sony HVL-fL58-Blitz 

POrträtfOtOgrafiE 47

Fotos mit Biss 

Belichten sie dieses 

Bild nach messung unter und 

stellen sie einen Blitz links 

neben sich auf, um das model 

zu beleuchten, so wird die 

stimmung nicht zerstört. 

Bilddetails: sony A900 

mit 24–70-mm-objektiv bei 

24mm, f/8 und 1/200sek, 

iso200, sony HVL-FL58-Blitz 

© Nick Webster 

Blitz im 

Alltag 

• Blitzen am Tage 

Vergessen Sie die irrtümliche 

Regel, dass Blitz nur 

bei wenig Licht verwendet 

werden sollte. Auch bei 

Sonnenschein entstehen 

mit Blitzeinsatz sehr gute 

Ergebnisse. Je nach 

Geschmack können Sie die 

Sonne auch vollständig zur 

Sekundärlichtquelle 

degradieren. 

• Mischen Sie Licht 

Mischen Sie verschiedene 

Farben und Farbtemperaturen. 

Flureszierendes 

Licht in Kombination mit 

einem Blitz bringt Farbe ins 

Bild. 

• Abstand halten 

Vermeiden Sie geringe 

Abstände zwischen Motiv 

und Lichtquelle. Die Belichtungsmessung 

geht 

stets vom selben Abstand 

aus wie dem zwischen 

Kamera und Motiv. Befindet 

sich der Blitz näher an 

diesem, entstehen Überbelichtungen. 

• Bewegungen einfrieren 

Ein Blitz kann Bewegungen 

einfrieren, während die 

Belichtungszeit dennoch 

lang genug bleibt, um den 

Hintergrund unscharf zu 

halten. 

• Blitzen Sie indirekt 

Wann immer es möglich ist, 

sollten Sie darauf verzichten, 

den Blitz direkt auf Ihr 

Motiv zu richten. Nutzen 

Sie stattdessen Flächen, 

über die Sie das Licht 

reflektieren können, um es 

weicher zu machen. Niedrige 

Zimmerdecken oder ein 

kleiner Reflektor bieten 

sich dafür an. 

• Schatten beachten 

Beachten Sie, dass sich mit 

anderem Winkel der Lichtquelle 

auch der Schattenwurf 

verändert. 

48 porträtFotogrAFie

entFesseLt BLitzen 

„Der Einsatz 

eines entfesselten 

Blitzes 

muss gut 

geplant sein.“ 

© nick Webster 

Andere Ansicht 

Abseits der Kamera kann ein Blitz details ans Licht 

bringen, die normal verwehrt geblieben wären.“ 

Bilddetails: sony A900 mit 24–70-mm-Objektiv bei 24mm, 

f/16 und 1/200 sek., isO200, sony hVL-FL58-Blitz 

KinderFOtO 

Bei diesem high-Key-Porträt wurde ein 

Blitz zur Ausleuchtung genutzt. 

Bilddetails: canon eOs 1ds mit 70–200-mm- 

Objektiv bei 140mm, f/4 , 1/500 sek., isO100 

Königsweg wäre selbstverständlich, den 

Blitz von einem Assistenten halten zu 

lassen. Aber auch ein günstiges Stativ tut 

hier seinen Dienst. Vielen Blitzgeräten liegen 

entsprechende Adapter bei, mit denen 

Sie den Blitzschuh auf die Stativplatte 

montieren können. Ansonsten gibt es 

Adapterplatten für wenig Geld im Handel. 

Die Anwendung der Belichtungsmessung 

mit Blitzeinsatz ist sehr anspruchsvoll, 

doch in vielen Fällen arbeitet die Kommunikation 

zwischen Blitzgerät und Kamera 

dermaßen problemlos, dass oftmals ein 

brauchbares Ergebnis erreicht wird – auch 

wenn der Blitz nicht auf der Kamera 

befestigt ist. Das spart eine Menge Zeit 

und Nerven. Zeit, die Sie wunderbar 

in die Komposition und Motivwahl 

investieren können.Die besten Resultate 

erreichen Sie jedoch nach wie vor im 

manuellen Modus. Damit erhalten Sie die 

volle Kontrolle über alle Parameter und 

können selbst bestimmen, wie viel Umgebungs- 

und wie viel Blitzlicht auf den 

Sensor fallen soll. Je nach ausgewählter 

Messmethode können Sie so beispielsweise 

bei einer Messung der Belichtungsautomatik 

von 1/90 Sek. bei f/8.0 und einer 

anschließenden Änderung auf 1/250 Sek. 

bei f/8.0 eine bedeutende Veränderung 

erreichen: Vom Ausfransen bedrohte 

Himmelspartien bekommen wieder Struktur 

und der Blitz kann noch immer als 

Fülllicht dienen und gibt Ihrem Bild das 

gewisse Etwas – ganz automatisch. Im 

manuellen Modus errechnet die Kamera 

die benötigte Blitzstärke für eine korrekte 

Belichtung. Ein Beispiel, das übrigens 

gut zeigt, wie stark eine Platzierung des 

Blitzes außerhalb des optischen Zentrums 

in der Bildwirkung resultiert. Blitzen Sie 

leicht seitlich von unten, um eine dramatische 

Stimmung zu verstärken.Den 

Blitz außerhalb des Blitzschuhs zu nutzen 

benötigt etwas mehr Aufwand für gute 

Ergebnisse als die Verwendung auf der 

Kamera. Doch wenn Sie sich mit dieser 

Technik vertraut gemacht haben, werden 

Sie sich an besseren Bildergebnisse erfreuen 

können. Sie erhalten mehr Kontrolle 

über Lichtmenge und Einfallwinkel der 

Beleuchtung, um völlig neue Resultate zu 

zielen, die vorher nie möglich gewesen 

wären. Das tröstet schnell über die zusätzliche 

Anschaffung eines Blitzkabels und 

eines kleinen Stativs hinweg. 

POrträtFOtOgrAFie 49

für ExpErTEN 

Mit Models 

arbeiten 

Ein gutes Model zu finden und es richtig zu koordinieren 

ist maßgeblich für den Erfolg eines Shootings. Hier sind 

unsere Tipps für maximalen Erfolg 

und Top-Ergebnisse. 

TagTraum 

mithilfe von Blitz oder reflektor 

können Sie das model vom 

Hintergrund hervorheben und 

mit der Lichtstimmung spielen. 

Bilddetails: Nikon D3s, 70–200- 

mm-f2.8-Objektiv bei 70mm und 

f/7.1, 1/320 Sek., ISO200 

50 pOrTräTfOTOgrafIE

Mit ModelS ArBeiten 

© Alle Arbeiten und Bilder von Karl Shaw, falls nicht anders vermerkt 

PorträtfotogrAfie 51

Für experten 

Geblendet 

eine gleichmäßige und 

effektvolle Ausleuchtung und 

verschiedene Hintergründe sind 

nur zwei der unzähligen Vorteile 

eines Studios. 

Bilddetails: nikon d3s, 50mm, 

f/13, 1/120 Sek., ISO200 

S 

ie fotografieren gerne Menschen, 

haben aber Ihre Freunde 

und Familie schon abgelichtet? 

Dann wird es Zeit, einen 

Schritt weiter zu gehen! 

Denn nichts ist schlimmer als fehlende 

Abwechslung in diesem Genre – Frustration 

und Demotivation ist die Folge. Die Zusammenarbeit 

mit einem professionellen oder 

semiprofessionellen Model scheint jedoch 

ein Schritt zu sein, den sich viele nicht 

zutrauen. Wie soll ich mich verhalten? Wie 

teuer wird die ganze Sache? Was benötige 

ich? Das sind nur einige wenige der Fragen, 

die in dem Kontext immer wieder auftauchen. 

Als Erstes sollten Sie sich Informationen 

beschaffen und sich nach Models umsehen. 

Für diesen Zweck gibt es je nach Region 

verschieden stark frequentierte Model-Plattformen 

im Internet, auf der Fotografen und 

Models verschiedener Erfahrungsstufen aufeinandertreffen. 

Dabei ist eines sehr wichtig: 

Ehrlichkeit. Haben Sie keinerlei Erfahrung 

mit der Zusammenarbeit mit einem Model, 

so sagen Sie das auch. Erklären Sie Ihre 

Ideen und was Sie bisher gemacht haben. 

Vielleicht mag das zunächst für das ein oder 

andere Model abschreckend wirken, doch 

sobald Sie einen Anfang gemacht haben, 

können Sie dies ebenfalls in Ihr Profil einpflegen. 

So erarbeiten Sie sich Referenzen. 

Um sich selbst und dem Model ein Gefühl 

der Sicherheit zu bieten, können Sie einen 

Freund zum ersten Termin mit dem Model 

mitnehmen – bieten Sie dies auch umgekehrt 

an. Das lässt Sie schon einmal nicht 

als schwarzes Schaf dastehen. 

Einige Shootings basieren auf dem sogenannten 

TFP-Prinzip. Die Bezeichnung 

stammt noch aus der analogen Zeit der Fotografie 

und bedeutet ausgeschrieben „Time 

for prints“ – zwar passt zur digitalen Fotografie 

eher die Bezeichnung „TFJ“ (Time for 

JPEGs), aber das Prinzip dahinter bleibt das 

gleiche. Das Model erhält Bildmaterial dafür, 

dass er oder sie sich Ihnen zur Verfügung 

stellt. Eine Win-win-Situation. 

Auch die Auswahl der Location ist ein 

wichtiger Punkt in der Planung, den es zu 

berücksichtigen gilt. Möchten Sie für viel 

Geld einige Stunden im Studio verbringen 

oder möchten Sie sich von Wind und Wetter 

abhängig machen und selbst einen Ort in 

freier Natur suchen? Doch auch bei unserem 

Shooting für das Bild auf der vorherigen Seite 

brauchten wir mehrere Anläufe, bis wir 

perfekte Bedingungen vorfanden. 

Die ersten beiden Termine wurden von 

einsetzendem Starkregen zunichtegemacht. 

52 pOrträtFOtOGrAFIe

Mit MOdelS arBeiteN 

BOHeMe-cHic 

Kleidung, Schmuck, Haare, 

Make-up und die location 

sind allesamt wichtige 

elemente, um ihr Model in 

Szene zu setzen. ein gezieltes 

entsättigen gab diesem 

Bild das besondere etwas. 

Bilddetails: Nikon d3s, 50mm, 

f/13, 1/120 Sek., iSO200 

Wir hatten keine andere Wahl, als das 

schon gemietete Lichtequipment ungenutzt 

zu lassen und die Shootings abzusagen 

– mitten im Sommer, wohlgemerkt. 

Gut ausgestattete Studios bieten verschiedene 

Hintergrundsysteme, Requisiten und 

Umkleideräume – all das gibt es nicht in 

der freien Natur. 

Die meisten Schwierigkeiten bereiten 

dem Einsteiger in die professionelle 

Porträt fotografie jedoch das Interagieren 

mit dem Model und das Anleiten zur richtigen 

Pose. Leider haben wir hier nicht 

genug Zeilen zur Verfügung, um uns über 

die Unterschiede zwischen gelungenen 

Posen und Missgeschicken auszulassen. 

Vertrauen Sie dabei einfach auf Ihren 

Geschmack und durchforsten Sie auch 

einmal Bilder-Communitys nach Ihrem 

Vorhaben. Orientieren Sie sich an Ihren 

Lieblingsfotos von anderen Fotografen 

und aus Zeitschriften. Als Gedächtnisstütze 

können Sie diese natürlich auch mit 

zum Fototermin nehmen. Es ist ebenfalls 

empfehlenswert, dem Model regelmäßig 

einen Blick auf das Kameradisplay zu 

gewähren. Vielleicht hat er oder sie ja 

Verbesserungsvorschläge oder Ideen für 

andere Posen oder Ähnliches. 

Verschwenden Sie nicht zu viele Gedanken 

an teures Kamera-Equipment – der 

Fotograf mitsamt seinem Blick ist bedeutend 

entscheidender für gute Fotos. Es ist 

leicht, der Faszination für die aktuellste 

„Bringen Sie Abzüge 

Ihrer Lieblingsfotos mit 

zu einem Shooting.“ 

auF drei … 

Wenige augenblicke 

vor dem 

auslösen befand sich 

das Model noch mit dem 

rücken zur Kamera. der 

Blitz fror einen Großteil 

der Bewegung ein, die 

Bewegung ist im Kleid noch 

zu erkennen. Bilddetails: 

Nikon d300, 17–50mm, 

f/14, 1/60 Sek., iSO200 

Fotografieren 

ohne Studio 

Wenn Sie über eine Location nachdenken, 

ist es sinnvoll, sich mehrere Orte herauszusuchen, 

die jeweils nicht weit entfernt voneinander 

sind. So vermeiden Sie eine lange 

Anreise und verlängern automatisch die Zeit, 

die zum Fotografieren übrig bleibt. Sprechen 

Sie sich mit Ihrem Model ab, welche Orte Sie 

bevorzugen und welche Art Foto Sie dort 

anfertigen möchten. Vielleicht kommen 

Ihrem Model ja auch Ideen, die sich fotografisch 

gut umsetzen lassen. Geben Sie Ihrem 

Model ein paar Stichworte, notieren Sie Ideen 

in einer Liste und planen Sie gemeinsam 

weiter. Gerade bei der Bekleidung und den 

Accessoires gibt es in vielen Fällen Ideen, die 

dem Fotograf nie gekommen wären. Genau 

so etwas macht übrigens ein gutes Model 

aus: nicht nur stur auf die Anweisungen des 

Fotografen zu reagieren, sondern auch eigene 

Vorschläge einzubringen. Diese Eigenschaft 

in Kombination mit einer guten Location 

– und ein Großteil des Weges zu guten 

Fotos ist geschafft. Kleiner Tipp am Rande: 

Denken Sie daran, dass ein Model vermutlich 

auch einmal die Kleidung wechseln 

möchte. Nehmen Sie darauf Rücksicht und 

bereiten Sie beispielsweise das Auto entsprechend 

vor. 

BildauFBau 

das Model muss nicht immer den 

kompletten Bildausschnitt ausfüllen. 

Bilddetails: Nikon d3s, 50mm, f/5.6, 

1/250 Sek., iSO200 

Hilfe im Studio 

Beleuchtungstechniken und andere Stolperfallen 

im Studio können sehr kompliziert 

sein und überfordern Einsteiger nicht selten 

komplett. Daher ist es eine gute Idee, vor 

dem Studioaufenthalt ein klärendes 

Gespräch mit dem Eigentümer zu führen 

und sich die Grundzüge erklären zu lassen. 

In vielen Fällen bieten diese auch Kurse an, 

um in die im Studio vorhandene Technik 

einzuweisen. Dabei werden auch vermeintliche 

Selbstverständlichkeiten aufgegriffen. 

Etwa der Hinweis, dass sich die Kamera im 

Studio immer im voll manuellen Modus 

befinden sollte. 

Es gibt keinen besseren Ort zum Anfertigen 

qualitativ hochwertiger Fotos als ein gut 

ausgestattetes Studio mit verschiedenen 

Hintergründen, guter Beleuchtung, viel 

Platz und Spielereien wie zum Beispiel einer 

Nebelmaschine. Um das Potenzial zu nutzen, 

kommt wieder Ihre Planungsfähigkeit 

ins Spiel. Holen Sie das Beste aus dem 

gegebenen Umfeld heraus! 

POrträtFOtOGraFie 53

für ExpErtEn 

54 porträtfotografiE

Mit MODelS Arbeiten 

Planung ist alles 

„Stellen Sie sicher, dass Ihr Model zuverlässig 

ist und auch pünktlich erscheint.“ 

PuPPenähnlich 

experimente mit einem Makro- 

Objektiv erlauben nahaufnahmen. 

nachträgliches Glätten der haut führt 

zu einem puppenähnlichen Aussehen. 

Bilddetails: nikon D3s, 90mm, f/7.1, 

1/125 Sek., iSO200 

Technik zu verfallen, doch bessere Ergebnisse 

erhalten Sie dadurch nicht. Eine 

DSLR samt Kitobjektiv ist alles, was Sie 

benötigen. Je nach Lichtbedingungen 

können Faltrefektoren und ein Systemblitz 

samt Funksystem sinnvolle Ergänzungen 

sein. Allerdings ist zusätzliches Equipment 

auch immer ein weiterer Faktor, den Sie 

Es gibt ein englisches Sprichwort, das sinngemäß besagt: 

„Schlägt die Planung fehl, so plant man den Fehlschlag.“ Das gilt 

nicht zuletzt bei der zugegeben doch kostspieligen Anmietung 

eines Studios. Stellen Sie sicher, dass Ihr Model zuverlässig ist 

und auch pünktlich erscheint. Ansonsten ist nicht nur Ihre Zeit 

dahin – die Studiomiete muss trotzdem bezahlt werden. Mit 

oder ohne Model. Eine gute Idee, um solche Fehlschläge zu vermeiden, 

ist es, sich mit einem anderen gleichgesinnten Fotografen 

zusammenzutun. So können Sie die Kosten untereinander 

aufteilen und mehrere Models einladen, was nebenbei auch den 

Vorteil von mehr Abwechslung mit sich bringt. Bitten Sie die 

Models, eigene Kleidung mitzubringen, um noch mehr Variation 

in den Bildern zu haben. Machen Sie sich Gedanken, was Sie 

genau ablichten möchten. Glamour, Mode oder ein ganz anderes 

Genre? Diese Frage ist für beide Seiten essenziell. Am allerwichtigsten 

ist aber der Spaß an der Zeit im Studio. Denken Sie immer 

daran: Beide Parteien ziehen ihren Vorteil aus dem Shooting. 

bedienen und auf den Sie aufpassen müssen. 

Es ist daher anzuraten, mit einem 

Assistenten zu arbeiten, der solche Arbeiten 

übernimmt. Entscheiden Sie sich dafür, 

sich für einige Stunden in einem Studio 

einzumieten, dann existiert in den meisten 

Fällen schon ein umfangreicher Bestand 

an Lichtformern und anderen Beleuchtungsutensilien 

samt einer Einweisung 

durch den Studioeigentümer. So können 

Sie unbesorgt Ihre Kreativität ausleben 

und ungestört mit Ihrem Model arbeiten. 

Eine erfolgreiche Zusammenarbeit mit 

einem Model bedeutet deutlich mehr, als 

nur seine Kamera beherrschen zu können. 

Genauso stark sind Ihre sozialen Fähigkeiten 

gefragt. Seien Sie freundlich und 

offen, sagen Sie direkt, was Sie möchten 

– und die Zusammenarbeit wird ein Erfolg 

werden. 

POrträtfOtOGrAfie 55

tEchNiKEN 

Techniken 

Diese detaillierten Anleitungen machen 

Sie zum Experten für Porträts aller Art. 

58 Location-Porträts 

Porträtfotos außerhalb eines Studios 

70 Porträts in Schwarz-Weiß 

Auf Farben verzichten – monochrom arbeiten 

78 Die Gesichter der Welt 

Die wichtigsten Tipps für Sie, um auf Reisen 

authentische Porträts zu erhalten. 

90 Fashion-Porträts 

Mit Models umgehen – einen Stil entwickeln 

102 Fotografie mit Kindern 

und Neugeborenen 

Profi-Tipps für tolle Kinderfotos 

56 PorträtFotoGrAFiE

TechnIken 

„Mit diesen 

Profi-Tipps 

gelingen Ihnen 

faszinierende 

Porträts und 

tolle Fotos.“ 

© gavin gough 

PorTräTFoTograFIe 57

TECHNIKEN 

NelsoN MaNdela 

Nelson Mandela im Dorchester Hotel, 

London: Es war lediglich erlaubt, ein 

Foto zu schießen, daher musste alles 

sofort stimmen. 

Bilddetails: Canon EOS-1Ds Mark 

II bei 40mm, f/16 und 1/125 Sek., 

ISO100 

© Will Amlot 

58 POrTräTFOTOgrAFIE

LOCATION-PORTRÄTS 


vor Ort 

Perfekte Bilder außerhalb des Studios bedeuten meist 

eines: einen hohen logistischen Aufwand. Doch die 

Ergebnisse wissen danach zu überzeugen. 

Gemeinsam mit Profis ermitteln wir die größten Fehlerquellen 

und die besten Tipps für dieses Sujet. 

D 

as Porträtieren vor Ort – on location –, ganz 

ohne die komfortablen Vorzüge eines Studios, 

benötigt eine Menge Kreativität. Dabei kann 

der Drang nach einem guten Ergebnis unter 

vergleichsweise schwierigen Bedingungen 

ein nicht zu unterschätzender Ansporn sein. Egal wie viele 

Klippen man umschifft, egal wie viel Zeit Sie in Planung 

investieren: Es wird fast ausnahmslos zu Situationen kommen, 

die Sie in dieser Form nicht bedacht haben. Das Wetter 

kann zum Beispiel noch immer nicht beeinflusst werden und 

auch bei plötzlichen Defekten der Blitzanlage ist Improvisationstalent 

gefragt. Nichtsdestotrotz schwören viele Fotografen 

darauf, Porträts außerhalb des Studios anzufertigen. Gerade 

wegen der nicht vorhersehbaren Bedingungen und der daraus 

entstehenden Einzigartigkeit der Bilder. 

So spricht Starfotograf James Eckersley wie folgt über 

seinen Weg zum Erfolg und den Reiz seiner Arbeit: „Der 

beste Weg zur Bekanntheit ist die Abwechslung in puncto 

Menschen und Location. Meine Arbeit brachte mich bereits 

an Filmsets im Gebirge und unter Wasser, hinter die Kulissen 

des Theaters, in das Zuhause von Superstars oder in den Kensington 

Palace. Kein Tag ist wie der andere.“ 

Vor einiger Zeit fand sich Eckersley in der Situation, Michael 

Sheen mitten im Gebirge irgendwo in Wales fotografieren 

zu können. „Er war gerade mit seinem Drehtag für The 

Passion fertig geworden und wollte die Nacht in der Stille 

der Berge verbringen. Dieser Auftrag ließ ihn mir als den 

wahrscheinlich freundlichsten und offensten Menschen 

erscheinen, den man sich vorstellen kann. Das einzige Problem 

war eines der logistischen Sorte: Wie sollte ich das ganze 

Equipment auf den Berg hinauf bekommen?“ Momentan 

arbeitet James Eckersley an einem neuen Fotobuch über die 

bekanntesten Stuntmen und -women. „Dabei verschlägt es 

einen in die spektakulärsten Gegenden der Erde und das Beste: 

Ich darf meine Models in Brand setzen!“ So viel ist klar: 

Das kann nicht jeder Fotograf von sich behaupten. 

Ebenfalls kein unbekanntes Gesicht auf dem Terrain ist 

Will Amlot. Er arbeitet seit über 15 Jahren in der kommerziellen 

Fotografie und begann seine Kariere im Umfeld der 

Musikindustrie. „Ich deckte mit meiner Arbeit hauptsächlich 

Rave-Veranstaltungen und die Nachtclubkultur ab. Es war 

ein hartes Geschäft und ich brauchte einige Zeit, bis ich 

die nötigen Kontakte geknüpft hatte und mir ein Portfolio 

aufbauen durfte, um an mehr Aufträge zu gelangen. In den 

Neunzigerjahren konnte ich mir keinen besseren Platz zum 

Arbeiten vorstellen als die Locations, die mit der Rave-Szene 

zu dieser Zeit immer bekannter wurden. Es war nicht immer 

ein leichtes Arbeitsumfeld, das muss man zugeben. Zeitweise 

hatte man das Gefühl, dass alles gegen einen ist: Man 

arbeitet nachts, wodurch man müde wird, es ist laut, was 

die Kommunikation mit deinem Gegenüber erschwert. Man 

kann sich kaum konzentrieren und dazu kommt noch das 

Problem des quasi nicht vorhandenen Lichts und des Nebels 

– eine sehr feindliche Umgebung für Fotografen. Eines Tages 

arbeitete ich an einem Auftrag bei einer Rave-Veranstaltung 

in der Wembley Arena. Versehentlich stieß ich an die Sounddecks 

des DJs und für ein paar verdammt lange Sekunden 

hörten Tausende Raver aufgrund der einsetzenden Stille auf 

zu tanzen.“ Will Amlot hat sich mittlerweile auf die Arbeit 

mit Werbeagenturen und Redaktionen spezialisiert. 


teCHnIKen 

© mark Johnson 

Heston 

BlumentHal 

Heston Blumenthal in 

der Cineworld Fulham, 

london. auftragsarbeit 

des senders Channel 4 für 

die serie Heston’s mission 

Impossible 

Bilddetails: Canon eos 5D 

mark II bei 50mm, f/11 und 

1/125 sek., Iso100 

„Sofern möglich versuche ich, immer das 

Tageslicht in meinen Porträts zu benutzen.“ 

Mark Johnson ist ebenfalls einer der Fotografen, der sich 

seinen Platz unter den Topverdienern der Branche gesichert 

hat. Er arbeitet unter anderem im Auftrag von Channel 

4, The Gurdian, Next und British Airways und war nicht 

zuletzt Finalist im „Taylor Wessing Photographic Portrait“- 

Wettbewerb 2008. „Ich begann damit, als Assistent in das 

Genre einzusteigen, meiner Meinung nach der beste Weg, 

um sich einen Namen zu machen. 2005 machte ich mich 

schließlich selbstständig. Ich erzielte den großen Durchbruch 

bei Channel 4 und habe seither keinen Blick zurück 

verschwendet.“ Ein Großteil von Marks Aufträgen stammt 

von dem populären Fernsehsender und lebt von den verschiedenen, 

individuellen Orten. Er arbeitet sehr oft Hand in 

Hand mit den Film-Crews und fertigt dabei seine Bilder an: 

„Man muss die relativ kleinen Zeitfenster, in denen sich die 

wichtigen Szenen abspielen, ausnutzen. Die meisten Aufträge 

bekomme ich, weil ich genau das kann. Man bekommt nur 

eine bestimmte Zeit zugewiesen, in der aber alle erforderlichen 

Fotos geschossen sein müssen. Manchmal sitzt man 

aber auch 16 Stunden am Filmset und bekommt nur für fünf 

Minuten die Möglichkeit, seine Arbeit zu erledigen. Das ist 

zeitweise etwas langweilig, aber gehört auch dazu.“ In manchen 

Fällen ist Vorwissen aus dem Studioalltag übrigens gar 

nicht schlecht. So nutzt James Eckersley beispielsweise sehr 

oft eine ausgewachsene Blitzanlage – egal wo er seine Fotos 

schießt. Das erfordert natürlich auch ein gewisses Maß an 

Planungstalent. „Sofern möglich versuche ich, immer das 

Tageslicht in meinen Porträts zu benutzen, dabei verwende 

ich aber auch sehr oft weiches Blitzlicht zum Aufhellen und 

zum Setzen von Akzenten“, erklärt er. „Das ist eine Technik, 

die ich mir selber jahrelang erarbeitet und immer weiter 

verfeinert habe. So entstehen in meinen Augen sehr atmosphärische 

Porträts. Auch außerhalb des Studios sollten Sie 

die Grundlagen nicht vergessen, aber übertreiben Sie es nicht 

mit deren Durchführung, um die Besonderheit des Orts nicht 

untergehen zu lassen.“ Sie sollten auch beachten, dass der 

Aufbau von Studio-Equipment außerhalb viel logistischen 

Extraaufwand bedeutet, den es nicht zu unterschätzen gilt. 

Wenn Sie darauf angewiesen sind, sollten Sie sich besser 

nach einem oder mehreren Assistenten umsehen, um die Aufund 

Abbauzeiten zu verkürzen. 

Wie immer in der Fotografie ist eine gelungene Vorberei- 

60 PorträtFotograFIe

locatIoNPorträts 

© James eckersley 

tung das A und O. Bereiten Sie jedes Bild vor Ihrem inneren 

Auge vor und fertigen Sie sich eine Liste mit benötigtem 

Equipment an. Auch für jenes, um das Model vorzubereiten. 

Berücksichtigen Sie auch das farbliche Zusammenspiel zwischen 

Kleidung, Haarstyling und der Location. 

Gelingt Ihnen keine umfassende Planung und vergessen 

Sie wichtige Teile Ihrer Ausrüstung, so wird der Auftrag mindestens 

schwieriger, wenn nicht sogar unmöglich zu bewältigen. 

Viele professionelle Fotografen verlassen das Haus daher 

nicht ohne eine Ersatzkamera. Will Amlot vertritt diese 

Ansicht ebenfalls: „Jeder Auftrag kann desaströs enden, doch 

es ist die Sache des Fotografen, die größten Gefahrenstellen 

zu eliminieren, bevor sie auftreten können. Verlassen Sie sich 

nie auf eine einzige Kamera – ein Ersatzgerät ist essenziell. 

Die meisten Probleme können Sie nicht vorhersehen, bei 

anderen wiederum müssen Sie improvisieren. So war ich 

einmal in Sibirien und habe ein Shooting in der Nähe einer 

Eisenschmelze durchgeführt. Plötzlich gaben meine Blitzköpfe 

der Hitze nach. Nachdem ich sie mithilfe von Wasser 

heruntergekühlt hatte, musste ich sie mit großzügigem Einsatz 

von Klebeband wieder herrichten.” 

Denken Sie vor allem an die Stromversorgung für Ihre 

Blitzanlage. Will Amlot beschreibt seinen Arbeitsablauf wie 

folgt: „Ich fotografiere mit Canon-Equipment. Dazu kommen 

immer zwei Elinchrome-Ranger-Packs mit vier Blitzköpfen 

als noch kompakteres Starterset. Für den Fall, dass ich 

wider Erwarten einmal zu wenig Akkukapazität für einen 

ordnungsgemäßen Betrieb haben sollte, schaffe ich mir 

Alternativen, um dennoch genügend unterschiedliche Set-ups 

nutzen zu können. So kommt bei meinen Shootings immer 

mindestens einmal das Canon-Objektiv mit 85mm f/1.2 zum 

Einsatz. Der Schärfentiefenbereich ist atemberaubend, was 

den Hintergrund quasi zur Nebensache macht. Ebenfalls von 

der Partie ist eine Octabox, die eine großartige Ausleuchtung 

Jack 

Docherty 

entstanden im Fernsehstudio 

von channel 4, 

später von der National 

Portrait Gallery aufgekauft 

Bilddetails: Mamiya c330 

mit Ilford FP4Film 

PorträtFotoGraFIe 61

TECHNIKEN 

Kleine Beleuchtungsschule 

Je nach Umgebungsbedingungen verändern sich die Anforderungen 

an die Beleuchtung. Doch keine Angst: Dazu gibt es ein paar 

Regeln, die Ihnen – richtig angewendet – das Leben um einiges 

erleichtern. Mischen Sie zum Beispiel Tageslicht und künstliches 

Licht, so können Sie beeindruckende Ergebnisse erhalten oder 

störende Schatten ohne aufwendige Nachbearbeitung entfernen. 

In unserer ersten Grafik befindet sich die Hauptlichtquelle hinter 

dem Motiv – normal können Sie hier nicht mehr als die Umrisse 

des Models abbilden. Mithilfe eines starken Blitzes oder eines 

Reflektors können Sie jedoch auch die der Kamera zugewandten 

Seite des Models beleuchten. 

Im zweiten Beispiel werden zwei Blitze zur Beleuchtung der 

Hauptmotive und einer zum In-Szene-Setzen des Hintergrunds 

verwendet. Machen Sie hier getrennten Gebrauch von der Belichtungsmessung, 

um die perfekten Einstellungen zu ermitteln. 

NATÜRLICHE LICHTQUELLE 

KAMERA MIT BLITZ 

MOTIV 

Lichtaufbau 1 

DUNKLER HINTERGRUND 

MOTIV 

MOTIV 

Lichtaufbau 2 

JOHN HURT 

Fotografiert in seiner Londoner 

Wohnung mit einer Wista 

5x4-Kamera und Cross 

Processed Fuji Provia 100-Film, 

Beleuchtet mit zwei Metz- 

60-Blitzen. 

© James Eckersley 

Das Mischen von Tageslicht und Blitzlicht 

kann interessante Ergebnisse erzeugen. 

© Mark Johnson 


lOCATiOn-PORTRäTS 

Schmied 

fotografiert an seinem 

Arbeitsplatz in Henley 

Bilddetails: Canon eOS- 

1Ds Mark ii bei 28mm, 

f/5.6 und 1/250 Sek., 

iSO160 

© Mark Johnson © Will Amlot 

Jeff Quinn 

Der Dekan der 

Carlisle Missionary Baptist 

Church, Carlisle, Tennessee, 

uSA aus der Serie 

God&Guns 

Bilddetails: Mamiya 

RZ67 Pro 11D mit 100 mm 

festbrennweite, f/11 und 

1/60 Sek., iSO100 

ReifenfliCkeR 

Reifenflicker in Havana, 

kuba. Aus der Serie 

Workers 

Bilddetails: Canon eOS 5D mit 


f/5.6 und 1/30 Sek., iSO200 

„Verlassen Sie sich niemlas nur auf ein 

Kamera – Back-ups sind essenziell.“ 

mit hoher Lichtqualität liefert.“ Zur weiteren Durchführung 

führt er fort: „Es ist wichtig, dass Sie genügend Energie für 

die Versorgung der Blitzanlage mitführen. Ich setze mindestens 

auf 1.200 Watt, um mich dem Umgebungslicht anzupassen. 

Für gewöhnlich verwende ich zwei Lichtquellen. Eines 

als Hauptlicht und den anderen Blitz als Fülllicht. Je nach 

Geschmack nutze ich auch mal einen weiteren Blitz, um den 

Hintergrund auszuleuchten oder um die Zeichnung in Haaren 

oder Gesicht zu verstärken.“ 

James Eckersley ist ebenfalls stets auf alle Eventualitäten 

vorbereitet. Er erklärt uns, dass er immer mehr Equipment 

dabeihat, als er normal brauchen würde. „Ich gehe für 

gewöhnlich mit zwei Kameras, drei tragbaren Studioblitzen 

samt zugehöriger Stromversorgung, Funkempfängern, Softboxen 

und Reflektoren aus dem Haus. Öfter nehme ich auch 

mobile Hintergrundsysteme mit, um einen studioähnlichen 

Effekt zu haben oder um unerwünschtes Licht abzuhalten. 

Das ist meiner Meinung nach sehr sinnvolles Zubehör für 

jeden ambitionierten Fotografen.“ Doch nicht nur die Planung 

von Ausrüstung und Location fordert das Organisationstalent 

des Fotografen. Auch eine enge Zeitplanung gehört beinahe 

zum Alltag, wie Mark Johnson uns erklärt. Bei einigen 

Aufträgen hatte er nur wenige Tage vom Auftragseingang 

bis zur Abgabe der fertigen Fotos. Auch er hat ständig seine 

Ausrüstung – bestehend aus einem Bowens-Beleuchtungskit, 

zwei Blitzen, zwei Softboxen, zwei Kameras und fünf bis 

sechs Objektiven – parat. „Wenn ich die Möglichkeit habe, 

informiere ich mich stets über die Location mithilfe von Google 

Maps, um einen Parkplatz zu finden, von dem ich schnell 

zum Ort des Geschehens gelange“, erklärt er uns. Bei den 

Objektiven schwört Mark üblicherweise auf Festbrennweiten 

wie dem 100-mm-Objektiv von Canon, doch seine Sammlung 

umfasst auch die klassischen Zoomobjektive 24–70mm und 

70–200mm aus der L-Serie. Auch das 17–40-mm-Objektiv 

findet öfter den Weg in seine Fototasche – für den Fall, dass 

ihm nur wenig Platz bleibt. „Es ist nicht besonders lichtstark, 

doch die Qualität stimmt.“ 

Natürlich benötigt man nicht jedes Mal, wenn man sich 

außerhalb eines Studios bewegt, Unmengen an Ausrüstung. 

Bei vielen setzt schon das Budget Grenzen. Ist zum Beispiel 

kein Geld für eine ausgewachsene Blitzanlage vorhanden, so 

können Sie zur Hilfenahme von Reflektoren auch das vorhandene 

natürliche Licht ausnutzen und sehr gute Ergebnisse 

erhalten. Besichtigen Sie den Ort vorher, um die Bilder schon 

PORTRäTfOTOGRAfie 63

TECHNIKEN 

Top-Tipps von den 

Experten 


James Eckersley empfiehlt: „Entwickeln Sie einen eigenen Stil, 

der Ihnen wenig Probleme bereitet. Es ist wichtig, dass Sie unter 

jeder Bedingung arbeiten können, und Sie müssen Ihr Equipment 

in- und auswendig kennen. Nehmen Sie sich Zeit, Ihre Fähigkeiten 

zu verbessern, und lassen Sie Ihrer Kreativität freien Lauf.“ 

Will Amlot merkt an: „Machen Sie sich nicht zu viele Gedanken 

über Ihr Equipment oder den Hintergrund. Viel wichtiger ist es, 

eine Beziehung zu Ihrem Gegenüber aufzubauen und eine entspannte 

Atmosphäre zwischen Ihnen zu schaffen. Lassen Sie es 

sich nicht anmerken, wenn etwas schiefgeht, um die Stimmung 

nicht kippen zu lassen, und seien Sie stets selbstbewusst – auch 

wenn Ihnen gerade gar nicht danach ist. Das meiste eignen Sie 

sich mit zunehmender Routine an. Also analysieren Sie Ihre Fehler 

und überlegen Sie, was Sie hätten tun können, um diese zu 

vermeiden.“ 

Mark Johnson denkt, dass die beste Methode des Lernens die 

stetige, tagtägliche ist. „Manchmal können Sie sich den Luxus der 

Arbeit ohne Zeitdruck gönnen, doch ich bevorzuge die Arbeit 

unter Druck. Viele meiner Lieblingsbilder aus Kuba oder den USA 

mussten schnell entstehen, um die Situation festzuhalten. Wenn 

Sie einen Ort sehen, haben Sie nur wenige Minuten Zeit zu entscheiden, 

wie Sie ihn in das Foto einbeziehen möchten. Zudem 

zeige ich meinem Gegenüber niemals Bilder, während ich noch an 

ihnen arbeite. Menschen versuchen sich sonst immer zu verstellen, 

um einen anderen Eindruck auf den Bildern zu hinterlassen.“ 

tent versuchte, sie zum Aufbruch zu bewegen. Obwohl Johnson 

bereits die vom Sender geforderten Setbilder geschossen 

hatte, wollte er noch einige Porträtfotos außerhalb des 

Umfelds eines Fernsehstudios anfertigen. Daher ging er mit 

ihr in ein Cafe und setzte sie an einen Tisch mit metallischsilberner 

Tischplatte, die ihm in diesem Fall als Reflektor 

diente. „Ich benötigte rund eine halbe Stunde und fertigte an 

die 50 Bilder an. Die Atmosphäre war selbstverständlich eine 

völlig andere, als noch kurz zuvor im Fernsehstudio, was 

man den Bildern sofort ansehen konnte. Das zeigt erneut, 

wie wichtig die Location für ein gelungenes Foto sein kann“, 

erklärt Mark. 

Wie man daran sieht, ist ein entspanntes Umfeld sehr 

wichtig und kann entscheidend für die Bildwirkung und die 

Ausstrahlung Ihres Gegenübers sein. Auch die Zusammenarbeit 

zwischen Fotograf und dem Model ist wichtig, um das 

gewünschte Ergebnis zu erhalten. „Immer wenn ich für mein 

persönliches Portfolio fotografiere, rennt mir die Zeit davon“, 

erzählt Mark. „Ich verbringe ungefähr 85 Prozent der Zeit 

damit, mit meinem Gegenüber zu kommunizieren, eine Bindung 

aufzubauen – damit er oder sie versteht, was ich überhaupt 

vorhabe. Die restlichen 15 Prozent der Zeit investiere 

ich dann am Ende ins Fotografieren.“ 

Bei der Auswahl der richtigen Location ist ein Blick auf die 

Wettervorhersage nie verkehrt. Dadurch werden die Lichtbedingungen 

bestimmt und mögliche Problemquellen offengelegt. 

Zu viel Wind oder gar strömender Regen wirken selten 

positiv auf Stimmung und Bildergebnis. Aber egal wie viel 

Sie vorbereiten: Es wird fast immer zu Situationen kommen, 

„Ich war 16 Stunden am Set gesessen und 

fotografierte nur fünf Minuten – frustrierend.“ 

64 PorTräTfoTografIE 

einmal zu planen, und informieren Sie sich über die Zeiten 

des Sonnenauf- und -untergangs, um diese Szenarien als 

besonderen Effekt in die Bilder einfließen zu lassen. Auch 

Mark ist derselben Meinung: „Ich liebe es, das Tageslicht zu 

nutzen, einige meiner besten Porträts sind so entstanden. 

Haben Sie einmal verstanden, es korrekt zu Ihren Gunsten 

zu nutzen, kann eigentlich nichts mehr schiefgehen.“ 

Eines der besten Beispiele, wie flexibel man als Fotograf 

sein muss, liefert Mark Johnson uns sofort. Er hatte den Auftrag 

des Senders Channel 4, einige Bilder der Designerin Vivienne 

Westwood anzufertigen. Sie war müde und ihr Assisroy 

ford 

Pilot der britischen 

Luftwaffe. fotografiert in 

seinem Zuhause mit drei 

mobilen Blitzen und einer 

Wista field Camera mit 

6x6"-filmrückplatte 

(Ilford fP4) 


PETEr 

PEdrEro 

Stuntmen-foto hinter den 

Kulissen der Pinewood 

Studios. Ein Video zur 

Entstehung dieses fotos 

finden Sie unter 

www.jameseckersley.co.uk 

unter full Burn Photo Shot 1.


location-porträts 

porträtFotograFiE 65

teCHniKen 


ViVienne 

WestWood 

Fotografiert in London 

außerhalb des studios von 

Channel 4 

Bilddetails: Mamiya 

RZ67 Pro 11d mit 100 mm 

Festbrennweite, f/5.6 und 1/30 

sek., iso160 


in denen Sie improvisieren müssen. 

„Recherchen, Ortskenntnis und Google Maps sind sinnvolle 

Ansätze, um die perfekte Location zu entdecken“, erklärt 

uns James Eckersley. „Wenn ich einen Auftrag an einem Ort 

erledigen soll, den ich nicht kenne, so versuche ich mir im 

Voraus so viele Informationen wie möglich zu beschaffen. 

Dazu gehört auch, dass ich ortskundige Personen befrage. 

Das bringt in manchen Fällen wirklich interessante Ergebnisse 

zutage und wundervolle Orte, die man sonst nie entdeckt 

hätte.“ 

Flexibilität, Improvisation und das Beste aus dem Gegebenen 

zu machen sind essenzielle Fähigkeiten, die ein Fotograf 

außerhalb des Studios besitzen muss, um konkurrenzfähige 

Ergebnisse zu erhalten. Der Ort sollte am besten den Charakter 

des Porträtierten widerspiegeln und gleichzeitig das 

gewisse Etwas zum Bild beisteuern. Zu dem Zeitpunkt, als 

Mark Johnson an seinem „God and Guns“-Projekt arbeitete, 

musste er sich viele Gedanken machen, um eine dieser 

besonderen Wirkungen zu erzielen: „Man möchte den Ort 

finden, der am besten zur Person passt, ihren Charakter 

abbildet und sich in den Kontext fügt. Genau das ist mir 

mit meinen Bildern aus den USA gelungen. Ich war auf der 

Suche nach einer Szenerie vor religiösem Hintergrund, um 

die Gedanken des Betrachters in die richtige Richtung zu 

lenken. Manchmal fällt einem solch ein Ort sofort ins Auge, 

in anderen Situationen half es, sich zu einem geeigneten Ort 

66 PoRtRätFotogRaFie

LOCATION-PORTRÄTS 

„Der Ort sollte den 

Charakter einer 

Person widerspiegeln.“ 

Perfekte Porträts 

Vier Schritte zum perfekten Porträt mit natürlichem Licht und Reflektor 

durchzufragen. Das geht besonders unter Zeitdruck bedeutend 

schneller als eine zeitraubende Recherche im Internet.“ 

Leider geht auch den Profis längst nicht jedes Bild so schnell 

von der Hand, wie man es gerne hätte, und fast jeder Fotograf 

weiß von beinahe katastrophalen Aufträgen zu berichten – so 

auch Will Amlot: „Einst sollte eine alte Farm als atmosphärischer 

Ort für ein Shooting herhalten. Alles verlief problemlos 

– bis zu dem Zeitpunkt, als ich den Stecker meiner Blitzanlage in 

die Steckdose steckte und sofort die Sicherungen heraussprangen. 

Ärgerlicherweise waren das noch alte Schmelzsicherungen 

und kein Laden in der Umgebung hatte diesen Typ noch auf 

Lager. Also musste eine vorübergehende Behelfslösung herhalten 

und ich überbrückte die Sicherungen mit dem Aluminiumpapier 

eines Schokoriegels.” 

Auch Mark Johnson hat eine Story parat: „Ich hatte den Auftrag, 

einen Minister in London in seinem Büro zu fotografieren. 

Es war der erste Auftrag für einen neuen Auftraggeber. Entstehen 

sollte das Titelbild für ein Magazin – entsprechend hoch 

bezahlt wurde der Job. Es war stressig und die Person hatte nur 

wenig Zeit. Geplant war, dass der Minister erst von einem Journalisten 

interviewt werden sollte, ich sollte mich hingegen um 

die Fotos kümmern. Für den gesamten Termin waren 45 Minuten 

eingeplant, von denen der Journalist bereits 42 Minuten für 

sein Interview benötigte. Da ich während des Interviews nicht in 

das Zimmer durfte, musste also alles schnell gehen. Ich fertigte 

einige Testfotos an, um die Lichtbedingungen einschätzen zu 

können, und der Minister verließ den Raum. Er dachte, dass ich 

fertig gewesen sei, und flog zu seinem nächsten Termin nach 

New York. Auch wenn Zeitdruck zum Alltag gehört, benötige 

ich doch mehr als nur ein paar Sekunden, um ein ansprechendes 

Foto zu schießen.” 

Von Problemen bleibt man nicht verschont, James Eckersley 

kann genauso davon erzählen wie seine Kollegen: „Ich hatte 

bereits einige herausfordernde Porträtshootings, bei denen die 

abzubildenden Personen einfach einen viel zu eng gestrickten 

Terminplan mitbrachten oder bei denen mir die Location, 

beziehungsweise das Wetter einen Strich durch die Rechnung 

machten. Wenn man vor Ort eintrifft und ein trostloses Fleckchen 

Erde vorfindet, dass kein bisschen inspiriert, muss man 

dennoch versuchen, das Beste aus der Sache zu machen. Egal 

wie die Bedingungen sind: Man sollte immer mindestens zwei 

Ansätze im Voraus planen, die sich auch unabhängig von Ort 

und Wetter durchziehen lassen. Darauf kann man dann zurückgreifen, 

wenn alles andere zu scheitern droht. Außerdem lässt 

sich immer die Tiefe der Schärfenebene verringern, um den Hintergrund 

auszublenden.“ 

Trotz der vielen Problemquellen wird die Arbeit außerhalb 

des Studios bei vielen Fotografen favorisiert. Mark Johnson 

erzählte uns von einem seiner Lieblingsprojekte in Russland: 

„Nicht nur die Orte und deren Umgebung faszinierte mich, auch 

die Art der Beziehung, die sich zu den Menschen in dieser 

Gegend aufbauen ließ, beeindruckte mich sehr. Auch wenn wir 

nicht dieselbe Sprache gesprochen haben, wurde ich regelmäßig 

eingeladen, um die Familien kennenzulernen und etwas mit 

ihnen zu trinken.“ 

Noch beeindruckender für James war hingegen eines seiner 

kommerziellen Projekte: „The Last Few ist ein Buch mit Porträts 

der Piloten, die an der Schlacht um Großbritannien mitwirkten 

– wirklich beeindruckende Menschen. Alle wurden in ihrem 

Zuhause mit einer mobilen Studioausstattung fotografiert. Mit 

dem Buch möchte ich betonen, welche Leistungen diese Men- 

Suchen Sie sich eine Location: Es ist vorteilhaft, 

einen Ort zu wählen, an dem es keine 

1 

direkte Sonneneinstrahlung gibt, wie hier unterhalb 

einer Anlegestelle. Ansonsten entstehen 

hässliche und harte Schatten. Außerdem steuern 

Sie durch einen Platz im Schatten einem 

angestrengten Blick des Models entgegen. 

Machen Sie einige Testaufnahmen, um 

3 das richtige Belichtungsverhältnis zwischen 

Model und Hintergrund herzustellen. Solange 

keine Schatten absaufen und keine Lichter ausbrennen, 

können Sie das Material ohne Probleme 

nachbearbeiten. Wir stellten fest, dass eine 

Gesichtshälfte dunkler ist als die andere und 

wirkten dem mit einem Reflektor entgegen. 

DUNKLER HINTERGRUND 

MOTIV 

NATÜRLICHE LICHTQUELLE 

REFLEKTOR 

Lichtaufbau 3 

Einstellungen an der Kamera vornehmen: 

2 Auch unter der Anlegestelle gibt es noch 

genügend Licht, um die Empfindlichkeit gering 

zu halten. Hier können wir mit ISO200 noch 

eine akzeptable Belichtungszeit von 1/200sek 

bei f/4 erreichen. Je nach Hintergrund können 

Sie vor allem mit der Blende spielen. 

Unterhalten Sie sich mit Ihrem Model, 

4 um die besten Ergebnisse zu erhalten. Ein 

Gespräch entspannt die Situation. Zudem 

können Sie währenddessen viel leichter 

Anweisungen geben, ohne dass Sie einen 

unfreundlichen Eindruck hinterlassen und die 

Stimmung drücken. 

FARBE 

Nachbearbeitung 

verbessert in vielen 

Fällen das Ergebnis 

Bilddetails: Nikon 

D5100 mit 12–24-mm- 

Objektiv bei 24mm, f/4 

und 1/200 Sek., ISO200 

MONO 

Konvertieren in Schwarz- 

Weiß ist ein gerne genutzter 

Effekt und bringt den 

Tonus der Haut sehr gut 

zur Geltung. 

Bilddetails: Nikon D5100 

mit 12–24-mm-Objektiv 

bei 24mm, f/4 und 1/200 

Sek., ISO200 


TECHNIKEN 

© Will Amlot 

ARBEITERIN 

Ein Arbeiterin fotografiert 

in Suffolk. Die 

Sonne wurde effektvoll als 

Hintergrundlicht genutzt. 

Bilddetails: Canon EOS- 

1Ds Mark III bei 28mm, f/11 

und 1/200 Sek., ISO160 

„Es ist einfach unglaublich, wie einem die 

Fotografie Tür und Tor öffnen kann!“ 

schen für ihr Land vollbracht haben.” 

Genauso wie Beinahe-Katastrophen gehören aber auch 

Glücksmomente zum Fotografenleben. Daher erstaunt uns 

nicht, dass auch Will Amlot eine entsprechende Geschichte 

zu erzählen hat: „Mein persönliches Highlight ist das 

Porträtieren von Nelson Mandela gewesen“, erzählte er 

uns. „Ich war sehr aufgeregt und musste einige Probleme 

bewältigen. Durch Kommunikationsschwierigkeiten 

erfuhr ich erst zehn Minuten vor dem Termin, dass es mir 

aufgrund seiner gesundheitlichen Probelme erlaubt wurde, 

lediglich nur ein einziges Bild zu machen, bei dem wiederum 

nur der Einsatz eines einzigen Blitzes gestattet war. 

Also hatte ich nur eine Chance, bei der alles perfekt laufen 

musste. Natürlich fühlte ich mich deswegen unter Druck 

gesetzt. Dazu kommt, dass man eine solche Persönlichkeit, 

die die Geschichte veränderte und ein großes Idol von mir 

selbst ist, nicht jeden Tag trifft – geschweige denn fotografieren 

kann. Glücklicherweise gelang der eine Versuch und 

der Termin brannte sich fest in mein Bewusstsein ein – als 

unvergessliches Erlebnis. Es ist einfach unglaublich, wie 

einem die Fotografie die Tore öffnet, solch bedeutenden 

Menschen in die Augen zu blicken!“ 

Ausrüstung Unsere Empfehlungen für gute Fotografie-Ergebnisse außerhalb des Studios 

Reflektor 

Empfohlen: Lastolite 7231 

6x4ft Silver/White reflectors 

Preis: ca. € 100 


Ein vielseitiger Reflektor wie der 

Lastolite 7231 ist ideal für den 

Außeneinsatz in der Porträtfotografie. 

Eine große Oberfläche 

ermöglicht es, viel Licht zu 

reflektieren – egal ob als Fülllicht 

oder um Hintergründe 

auszuleuchten. 

Mobile Blitzanlage 

Empfohlen: Elinchrom Ranger 

Quadra RX Set A 

Preis: Ca. € 2.500 

Web: www.profot.de 

Für alle, die unabhängig von 

Steckdosen sein möchten, ist ein 

mobiles Blitzsystem unverzichtbar. 

Das Elinchrome Ranger Quadra 

RX Set besitzt eine Leistung 

von 400 Watt, verfügt über zwei 

Köpfe mit Halterung, zwei Batterien, 

ein Universalladegerät und 

Verbindungskabel. 

Batteriepack 

Empfohlen: Bowens Travelpack 

(klein) 

Price: Ca. €650 

Web: www.bowensdirect.com 

Manchmal benötigen Sie auch 

unterwegs Strom. Dafür ist 

das Bowens Travelpack ideal. 

Es stellt Ihnen bis zu 3.000 

Watt zur Verfügung, eine 

Akkuladung hält im Schnitt 

350 Auslösungen durch. 

Hochauflösende 

Kamera 

Empfohlen: Pentax 645D 

Price: Ca. € 6.000 (Body) 

Web: www.pentax.de 

Für die bestmögliche Bildqualität 

benötigen Sie eine Kamera, 

die auch feinste Details auflösen 

kann. Die Pentax 645D ist 

eine noch kompakte Mittelformatkamera 

mit 40 Megapixeln 

und der Fähigkeit, auch kleinste 

Details abzubilden. 

Systemblitz 

Empfohlen: Canon Speedlite 

430EX II 

Preis: Ca. € 220 

Web: www.canon.de 

Ein Systemblitz ist die einfachste 

Möglichkeit für ein schnell zu 

konfigurierendes Fülllicht. Der 

Canon Speedlite 430EX II 

besitzt genügend Leistung und 

eine schnelle Regenerationszeit 

bei geringen 

Abmessungen. 

Der 

Speedlite 

430EX II 

kann auch 

als kabelloser 

Slave-Blitz 

genutzt werden. 


loCation-Porträts 

von diesen fantastischen 

Inspiriert sein Location-Porträts! 

emma 

GoulDer 

emma zur 

entstehung dieses 

Fotos: „Die Kleidung 

sollte möglichst 

nicht in farblicher 

Konkurrenz zum 

starken Gelb des 

rapsfeldes stehen. 

Zudem benutzte 

ich einen externen 

blitz und einen 

reflektor, um die 

lichtbedingungen 

meinen Wünschen 

anzupassen.“ 

Bilddetails: Canon 

eos 40D mit 

17–85-mm-objektiv 

bei 28mm, f/13 und 

1/125 sek., iso100 

© emma Goulder 

© David Constable 

DaviD Constable 

entstanden in Dungeness, Kent 

an einem späten sommerabend. David 

zur entstehung: „Wir waren zunächst an 

einem anderen ort und fuhren schnell nach 

Dungeness, um das letzte sonnenlicht des 

tages für dieses effektvolle Foto zu nutzen.“ 

Bilddetails: nikon D300 mit 24-70mm-objektiv 

bei 24mm, f/2.8 und 1/1200 sek., 

iso200 

DereK smith 

Derek wollte sein neues 50-mmf/1.8-objektiv 

ausprobieren – und welches 

motiv würde da besser passen als die kleine 

tochter seines Freundes, die vorher noch 

nie modell für ein Foto stehen musste. er 

erklärt: „ich mag die natürlichkeit in diesem 

Foto. Der Garten stellt eine menge Farben 

im hintergrund zur verfügung. Zur besseren 

ausleuchtung versuchte meine Frau, mithilfe 

eines weißen blatts Papier etwas licht 

von der linken seite aus zu reflektieren.“ 

Bilddetails: Canon eos 500D bei 50mm, 

f/4.5 und 1/640 sek., iso100 

© Derek smith 

PorträtFotoGraFie 69

TECHNIKEN 

Graustufen 

meistern 

Es ist an der Zeit, die Farben für einen Moment 

zu vergessen und sich der zeitlosen Wirkung der 

Schwarz-Weiß-Fotografie zu widmen. 

Model Gina Godfrey 

Styling by Sian Stone www.sianstone.co.uk 

Viel zu oft im digitalen Zeitalter wird 

das Konvertieren in Graustufen als 

Notlösung für Problembilder betrachtet; 

einige wenige Klicks und das 

farbliche Unvermögen des Fotografen 

ist ausgebügelt. 

Zu Zeiten der analogen Fotografie hingegen war 

es noch anders. Kein Fotograf wäre damals je auf die 

Idee gekommen, ein Schwarz-Weiß-Foto aus Sicherheitsgründen 

zu machen – wohl auch, weil man sich 

bereits im Voraus darüber im Klaren sein musste, ob 

man in Farbe oder in Graustufen fotografieren möchte. 

Je nach Genre gab es auch unterschiedliche Vorlieben. 

So schwörten viele Landschaftsfotografen auf 

das legendäre Filmmaterial des Fujichrome Velvia 

50, während in der Kamera von Reportagefotografen 

meist ein Kodak Tri-X oder ein ähnlicher Schwarz- 

Weiß-Film schlummerte. 

Die Idee, ein Farbfoto durch Umwandeln retten zu 

wollen, war den meisten Fotografen zu dieser Zeit 

noch komplett fremd, da kaum jemand in die Nachbearbeitung 

seiner eigenen Bilder involviert gewesen 

war. Für viele bedeutete die Bezeichnung „post 

production” nicht mehr, als die Fotos im eigenen 

Bildarchiv abzulegen. 

Der einsetzende Siegeszug von Programmen wie 

Photoshop veränderte die Situation jedoch. Haben 

Sie den falschen Weißabgleich genutzt, falsch 

belichtet oder war die Beleuchtung suboptimal? Kein 

Problem: Wandeln Sie das Farbfoto in ein Schwarz- 

Weiß-Bild um! 

Manchmal mag das sogar wie gewünscht funktionieren, 

doch zu viele Fotografen vertrauen darauf. 

Dabei denken diese aber zu selten daran, dass ein 

Umwandeln in Graustufen eine andere Sichtweise 

benötigt, als es bei Farbfotos der Fall ist. Gerade bei 

Porträts ist ein solches Denken jedoch wichtig. Auf 

den folgenden Seiten zeigen wir Ihnen die Vorteile 

eines Schwarz-Weiß-Porträts und was Sie dabei 

beachten sollten. 

70 PorTräTFoToGraFIE

SCHWARZ-WEISS 

MONOMAGIE 

Trainieren Sie Ihr Auge darauf, 

schon vor dem Auslösen 

in Schwarz-Weiß zu sehen, 

um bessere Ergebnisse zu 

erhalten. 

Gründe für 

Fotos in 

5Schwarz-Weiß 

Reduzierung auf das Wesentliche 

01 Durch den Verzicht auf Farben muss sich das Auge 

des Betrachters auf andere Dinge konzentrieren. 

02 Zeitlosigkeit 

Ein Schwarz-Weiß-Porträt besitzt ein klassisches 

Aussehen, dass nur sehr schwer in Farbe zu reproduzieren ist. 

03 Textur 

Im Gegensatz zu einem Farbfoto rückt in Schwarz- 

Weiß die Textur des Motivs in den Vordergrund. 

04 Kontrast 

Entdecken Sie die Welt des Kontrasts – der 

Unterschied zwischen hell und dunkel ist hier stilprägend. 

Formen nutzen 

05 Formen und Umrisse sind bei der Schwarz-Weiß- 

Fotografie sehr wichtig, um den Blick des Betrachters zu 

lenken. In Farbe ist dies schwieriger. 


TECHNIKEN 

Die Lichtanlage 

richtig einstellen 

Kann man für High- und Low-Key-Fotografien 

dasselbe Lichtsetup nutzen? 

Ja und so stellen Sie Ihre Lichtanlage 

richtig auf und ein. 

Den Hintergrund ausleuchten 

Mithilfe von Flügelblenden können Sie die Licht 

menge und den Ausleuchtungswinkel kontrollieren. 

Für High-Key-Porträts nutzen wir einen weiten Winkel mit 

großer Ausleuchtungsfläche. Verringern Sie den Winkel 

und die Leistung des Hauptblitzes für Low-Key-Porträts. 

AUSSTRAHLUNG 

Schwarz-Weiß-Porträts sind 

ideal für männliche Models, 

um eine Hauch von Autorität 

abzubilden 

Das Reduzieren auf Graustufen bedeutet auch 

gleichzeitig eine Reduzierung unserer Wahrnehmung 

auf das Wesentliche. Wir begegnen tagtäg- 

lich Tausenden Farben und unser Gehirn verbindet 

mit jeder einzelnen Farbe etwas – mit besonders 

intensiven Farben wie Rot, Grün oder Blau verbinden 

wir sogar oft Emotionen. 

Fotografen machen davon sehr oft Gebrauch 

in ihren Werken – natürlich mit dem Blick darauf, 

dass die Farben miteinander harmonieren. Viele 

der bekanntesten Landschaftsaufnahmen erhielten 

die Erfolg bringende Aufmerksamkeit nur, weil 

die in der Szene präsenten Farben eine instinktive 

Reaktion in den Betrachtern auslösten und perfekt 

miteinander harmonierten. 

Dennoch sollten wir unsere Umgebung nicht 

ausschließlich auf Farben reduzieren. Die nicht auf 

den ersten Blick erkennbaren Reize von Kontrast, 

Feinzeichnung und Umrissen gehen viel zu oft im 

Rausch der Farben unter – genau hier kommt die 

Schwarz-Weiß-Fotografie ins Spiel. 

Entfernt man die Farben aus der Wahrnehmung, 

bleibt uns nichts andere übrig, als uns auf den 

Rest des Bildes zu konzentrieren. Jetzt rücken 

Kontrast und Umrisse in den Vordergrund und wir 

nehmen dieses verstärkt wahr. Anders als bei 

der Landschaftsfotografie können Farben beim 

Porträtieren schnell zum Problem werden. Die 

falsche Auswahl der Kleidung kann die komplette 

Bildwirkung zerstören. Auch Hauttöne sind selten 

perfekt harmonisch, dasselbe Problem gibt es oft 

auch zwischen Haarfarbe und Augenfarbe. 

In dem Genre der Porträtfotografie wurde die 

Arbeit ohne Farbe daher schon lange dann praktiziert, 

wenn sich der Betrachter voll und ganz 

auf den Ausdruck, die Struktur und damit auch 

auf den Charakter des Abgebildeten konzentrieren 

sollte. Während unsaubere, faltige Haut auf 

einem Farbfoto fast immer abstoßend und unattraktiv 

empfunden wird, kehrt sich die Wirkung 

in Schwarz-Weiß beinahe komplett um. Das 

bedeutet aber nicht, dass Sie mit ein wenig Nachbearbeitung 

aus jedem misslungenen Bild ein 

geniales Werk machen können. Um das Beste aus 

der Technik herauszuholen, müssen Sie abseits 

der klassischen Komposition vor allem bei der 

Beleuchtung einige Regeln beachten. Auch bei 

der Kleidung sollten Sie bereits vorher in Graustufen 

denken, um nicht vom Ergebnis enttäuscht 

zu werden. 

Das Model ausleuchten 

All unsere Graustufenporträts wurden mit einer Softbox 

ausgeleuchtet. Eine Positionierung seitlich oberhalb 

des Models sorgt für interessanten Schattenwurf, der sich 

schon durch leichte Positionsveränderung variieren lässt. 

Flexibel sein 

Wir tauschten beim Wechsel zwischen High- und 

Low-Key-Porträts den Hintergrund aus. Nutzten wir bei 

High-Key-Aufnahmen noch einen hellen Hintergrund, so 

setzten wir beim Low-Key-Pendant auf einen schwarzen 

Hintergrund, um einen größeren Kontrast zwischen 

Gesicht und dem übrigen Bildinhalt zu schaffen. 


Schwarz-weiSS 

Wie funktioniert das? 

Chiaroscuro 

Dieses Wort stammt aus dem Italienischen und bedeutet so viel wie die gleichzeitige 

Präsentation von Hell und Dunkel. Das Zusammenspiel von hellen und 

dunklen Bildbereichen erinnert je nach Bildaufbau an eine spärliche Beleuchtung 

wie durch Kerzenschein. Dadurch kann der Vintage-Eindruck eines 

Schwarz-Weiß-Porträts zusätzlich verstärkt werden. 

PorträtFotograFie 73

TecHnIKen 

Einer der Gründe, warum Fotografen immer wieder 

gerne auf die Schwarz-Weiß-Technik zurückgreifen, 

ist der dem Auge schmeichelnde Effekt, alles andere 

als perfekte Strukturen und Töne auf interessante Art 

und Weise abzubilden. Ein ähnlicher Weg wird auch 

bei Low-Key-Porträts bestritten, bei denen ein starker 

Kontrast zwischen beleuchteten und im Dunkel 

liegenden Szenen des Bildes verwendet wird. Früher 

wäre das eine relativ wirklichkeitsgetreue Abbildung 

der Beleuchtung in einem durchschnittlichen Wohn- 

raum. Diese Annahme zeigt wieder, wie wichtig eine 

sorgfältige Ausleuchtung ist. Der einfachste Weg, um 

einen solchen Effekt zu erreichen, ist, nur eine Lichtquelle 

zu nutzen. Achten Sie darauf, dass Ihr Modell 

dunkle Kleidung trägt. So ist sichergestellt, dass kein 

weiterer heller Bildbestandteil existiert und vom 

Gesicht ablenkt. Einen Blitz sollten Sie mit reduzierter 

Leistung nutzen oder eine größere Blendenzahl an 

der Kamera einstellen. Manch ein Fotograf würde 

eine High-Key-Ausleuchtung nicht als Erstes mit 

einem Schwarz-Weiß-Porträt in Verbindung bringen, 

da die Gefahr des Zulaufens der Schatten besteht. Es 

wird dennoch immer wieder bewiesen, dass auch so 

sehr ansehnliche Ergebnisse entstehen können. Sehr 

nützlich ist es übrigens, seine Kamera im RAW-Modus 

zu betreiben und die Bildvorschau auf Graustufen 

umzustellen. So können Sie viel genauer einschätzen, 

an welchen Stellen es zu Problemen kommen 

könnte und welche Einstellungen die richtigen für die 

jeweilige Szene sind. 

Schwarz-Weiß-Profis ausgefragt 

Wir sprachen mit Profi-Fotograf Ian Hearnshaw darüber, warum Schwarz- 

Weiß-Porträts auch bei Kindern und Säuglingen ansprechend aussehen. 

Name: Ian Hearnshaw 

Bio: Ian ist freiberuflicher 

Porträt- und Hochzeitsfotograf 

und arbeitet in Kooperation 

mit seinem Kollegen Pippa 

Mackenzie. Neben dem 

Fotografieren von Menschen 

besitzt er auch die Vorliebe 

der Autofotografie. 

www.pippamackenzieportraits.com 

www.twistedvintageportraits.com 

Warum genießt Schwarz-Weiß so große Popularität 

für Porträts? 

Es ist ein klassischer, zeitloser Stil, der eine Qualität besitzt, 

den man mit Farbfotos schlecht nachahmen kann. 

Modeerscheinungen kommen und gehen, doch 

Schwarz-Weiß-Porträts werden immer ihre Berechtigung 

haben. Meine Kunden fühlen sich nach wie vor zu 

Schwarz-Weiß-Fotos hingezogen – da liegt die Vermutung 

doch nahe, dass vielen etwas an Farbfotos fehlt. 

Was bedeutet das für Fotos von Kindern? 

Die Schwarz-Weiß-Fotografie trägt einen quasi zurück zu 

den Grundlagen. Auf Farbfotos werden wir von einer 

Armada von Farben bombardiert, die unsere Wahrnehmung 

einschränkt. Beschränken wir uns nun auf Graustufen, 

so bleibt dem Betrachter nichts andere übrig, als 

auf Licht, Textur, Komposition und Emotionen zu achten. 

Manch einer ist der Meinung, Schwarz-Weiß sei nur 

noch eine Notlösung für misslungene Fotos. Was 

halten Sie von dieser Ansicht? 

Ein Farbfoto mit schlechter Beleuchtung und schrecklicher 

Komposition ist auch in Schwarz-Weiß noch schlecht 

beleuchtet und schrecklich komponiert. 

Was muss beim Fotografieren in Schwarz-Weiß 

beachtet werden? 

Sie müssen in Schwarz-Weiß denken. Ohne Farbe besteht 

Ihr Foto nur noch aus Licht, Textur und Schemen. Licht 

und Schatten erhalten nun eine ganz neue, wichtigere 

Bedeutung. Licht von der Seite oder eine Lichtreflexion im 

Auge können über Gelingen oder Misslingen des Fotos 

entscheiden. Kreativität bei der Beleuchtung macht ein 

gutes Schwarz-Weiß-Porträt aus. 

Welche Methode der Umwandlung bevorzugen Sie? 

Benutzen Sie stets dieselbe oder variiert das von 

Bild zu Bild? 

Es gibt keine Methode, die mit jedem Bild funktioniert. 

Jedes Foto muss anders bearbeitet werden, um das Maximum 

herauszuholen. Ich nutze dafür Lightroom, da der 

Workflow sehr an die analoge Arbeit in der Dunkelkammer 

angelehnt ist. Das muss aber jeder für sich selbst entscheiden. 

© Ian Hearnshaw 


KInder In ScHwarz-weISS 

Ian Hearnshaw verzichtet regelmäßig auf 

Farben, wenn er Kinder fotografiert. 


74 PorTräTFoTograFIe

schwarz-weiss 

Kontrast 

Dieses Foto lebt von der 

art Kontrast, die mit einem 

Farbfoto nicht zu vermitteln 

gewesen wäre. Die Kleidung 

des Models ist ein wichtiger 

Bildbestandteil dabei. 

Wie 

funktioniert 

das? 

Herausstechende Texturen 

Dieses High-Key-Schwarz-Weiß-Porträt 

zeigt, wie wichtig Texturen in der Schwarz- 

Weiß-Fotografie sind. Die Feinheiten in 

den Haaren und dem Oberteil des Models 

werden deutlich stärker herausgearbeitet, 

als es mit einem Farbfoto der Fall wäre. Mit 

gelungener Nachbearbeitung wird dieser 

Effekt noch weiter verstärkt. 


TECHNIKEN 

ÄLTERE MENSCHEN 

Porträts älterer Menschen sind das 

perfekte Anwendungsgebiet für die 

Umwandlung in Graustufen, um den 

Charakter, transportiert durch die 

Gesichtszüge, hervorzuheben. 


Schwarz-weiSS 

Während es ganz nützlich sein kann, die Bildvorschau 

auf Graustufen umzustellen, sollten Sie 

eines vermeiden: die in der Kamera integrierten 

und somit auf das JPEG-Format eingeschränkten 

Schwarz-Weiß-Programme zu nutzen. Sie erreichen 

ein wesentlich besseres Ergebnis, wenn Sie 

das RAW-Format einsetzen und das Umwandeln 

später in Photoshop, Lightroom oder Nik Silver 

Efex Pro 2 manuell durchführen. Verlassen Sie sich 

außerdem nicht vollständig auf das Display Ihrer 

Kamera. Zwar sind diese qualitativ schon deutlich 

besser geworden, doch die hohe Pixeldichte lässt 

die Vorschau in vielen Fällen besser aussehen, 

als das Bild letzten Endes am Computermonitor 

aussieht. Übrigens ist das RAW-Format generell zu 

bevorzugen. Schränken Sie sich selbst und Ihre 

Kamera ein, indem Sie ausschließlich JPEG-Dateien 

speichern, so sind Sie zu 100 Prozent an die 

Algorithmen der Kamera gebunden. Eine nachträgliche 

Bearbeitung der RAW-Dateien besitzt 

nicht nur einen größeren Tonwertumfang, auch 

die Algorithmen von Lightroom und Co. sind leistungsstärker 

– zudem steht mehr Rechenleistung 

für aufwendigere Bearbeitungen zur Verfügung. 

Das wichtigste bei Schwarz-Weiß-Fotos ist die 

Balance zwischen Lichtern und Schatten. Daher 

Texturen in Porträts betonen 

sollten Sie immer den größten Dynamikumfang 

des Sensors zur Weiterverarbeitung nutzen. Gerade 

das Kontrastverhältnis kann dadurch stark 

profitieren, für die Mikrokontraste steht in Adobe 

Camera RAW der Regler „Klarheit” zur Verfügung 

– sehr nützlich für Schwarz-Weiß-Porträts. Mit 

etwas Erfahrung werden Sie die für Sie wichtigen 

Einstellungen herausfinden. Letztlich ist es immer 

eine Sache des Geschmacks, welche Einstellung 

um welchen Wert verändert werden muss. Nehmen 

Sie sich dennoch stets die Zeit und verarbeiten 

Sie jedes Bild einzeln, statt die Stapelverarbeitung 

zu benutzen. 

01 kLarheitSreGLer 

Öffnen Sie das Foto in Photoshop, erstellen Sie 

eine Schwarz-Weiß-Ebene und ziehen Sie den Klarheitsregler 

ganz nach rechts. 

bLaukanaL betonen 

02 Öffnen Sie die Eigenschaften der Farbkanäle und 

ziehen Sie den Regler der Blautöne ebenfalls nach rechts, 

um die Nuancen der Hautoberfläche hervorzuheben. 

kontraSt erhöhen 

03 Erstellen Sie zwei identische Ebenen des Fotos 

und definieren Sie eine als Hintergrund, die andere als 

Anzeigeebene. Verändern Sie mit Rechtsklick und gedrückter 

Alt-Taste die Deckung nach Ihrem Geschmack. 

Schatten und Lichter 

04 Erstellen Sie eine neue Ebene und wählen Sie 

mit gedrückter Alt-Taste „Sichtbare zusammenfügen“ aus 

dem Ebenenmenü. Klicken Sie danach auf Bild -> Korrekturen 

-> Tiefen/Lichter und passen Sie die Einstellungen 

nach Ihren Vorstellungen an. 

aufheLLen und abdunkeLn 

05 Setzen Sie den Modus einer neuen Ebene auf 

„Soft Light“ und füllen Sie diese mit 50 Prozent Grau. Nutzen 

Sie das Pinselwerkzeug mit geringer Deckkraft und 

füllen Sie Bildbereiche mit Schwarz oder Weiß, um diesen 

Bereich abzudunkeln oder aufzuhellen. Ideal, um Struktur in 

der Haut hervorzuheben. 

06 GauSSScher 

unSchärfefiLter 

Erstellen Sie eine neue Ebene mit denselben Eigenschaften 

wie in Schritt 4. Definieren Sie sie als Anzeigeebene und 

fügen Sie einen Gaußschen Unschärfeeffekt unter Filter -> 

Unschärfefilter hinzu. In einer Ebenenmaske kennzeichnen 

Sie die Bereiche, die Sie aufhellen und ausbrennen wollen. 

fiLmkorn hinzufüGen 

07 Erstellen Sie eine neue Ebene mit den Eigenschaften 

aus Schritt 5. Unter Filter -> Rauschfilter -> Rauschen 

hinzufügen fügen Sie nun Rauschen mit der Option Gaußsche 

Normalverteilung hinzu. Arbeiten Sie erneut mit der 

Ebenenmaske, markieren Sie gewünschte Bildbereiche. 

ViGnette hinzufüGen 

08 Markieren Sie den vollen Umfang des Fotos und 

dunkeln Sie mit einer neuen Ebene die Ecken ab. 

09 feintuninG 

Nutzen Sie die Gradationskurve für letzte feine 

Veränderungen an den Kontrasten. Mit den Ankerpunkten 

können Sie viel kleinere Abstufungen benutzen als mit den 

Reglern unterhalb des Graphen. 


TEChnikEn 

China 

Während eines 

gemeinsamen 

Mittagessens war das 

Eis zwischen Modell und 

Fotograf schnell gebrochen. 

Bilddetails: Canon EOS 

5D Mark ii mit 16–35-mmf2.8-Objektiv 

bei 35 mm 

und f2.8, 1/100 Sek., 

iSO 100 


78 pOrTräTFOTOGraFiE

Gesichter der Welt 

Gesichter 

derWelt 

Wir erklären, warum 

Zwischenmenschlichkeit 

genauso wichtig für gute 

Porträtfotos ist wie das 

Beherrschen der Technik. 

porträtfotoGrafie 79

TEchNIKEN 

Kambodscha 

Wie dieses 

mädchen beweist, helfen 

kleine Geschenke, um die 

stimmung zu lockern. die in 

der Nähe stehende Familie 

war so begeistert vom ersten 

Foto, dass sie darum bat, ein 

weiteres Foto zu schießen. 

Bilddetails: canon Eos 

5d mark II mit 85-mm-f1.2- 

objektiv bei 85 mm und f1.2, 

1/8000 sek., Iso 100 

W 

enn es darum geht, beeindruckende Porträtfotos 

von Ihren Reisen nach Hause 

zu bringen, kommt es selten alleine auf 

den Ort oder die technische Kontrolle 

Ihres Equipments an. Die wohl am häufigsten 

auftretende Frage in Fotografieworkshops dreht sich 

nicht etwa um die Schärfenebene oder technische Aspekte der 

Fotografie. Es ist viel mehr die, wie man am besten Bilder von 

Menschen in ihrer natürlichen Umgebung anfertigt. 

Unabhängig vom Reiseziel ist es immer wieder auffällig, 

dass die Fotos, denen wir die meiste Aufmerksamkeit schenken, 

nicht etwa aus eindrucksvollen Gebäuden als Motiv 

bestehen. Die einheimischen Menschen in ihrer Umgebung 

sind für Betrachter viel interessanter. Natürlich ist beispielsweise 

ein Foto des Taj Mahal ein eindrucksvoller Anblick, 

doch wenn Sie dieses Ihren Freunden und Bekannten präsentieren, 

so werden unter Garantie nicht die gleichen Anmerkungen 

und Nachfragen für das eingefangene Tageslicht kommen 

wie beim Foto eines Postkarten verkaufenden Jungen 

auf der belebten Agra Street. Genauso wie die Khmar-Tempel 

von Ankgor Wat zwar für viele Fotografen ein Traummotiv 

darstellt, der Rikschafahrer, der sie zum Ziel der Begierde 

quer durch den Dschungel transportiert, die durch Tourismus 

geprägte Kultur des Landes aber viel besser widerspiegelt. 

Es liegt nun mal in der Natur des Menschen, sich für das 

Leben anderer zu interessieren. Wo leben sie? Haben sie eine 

Familie? Was essen sie? Wo arbeiten sie? Welche Kleidung ist 

üblich? Wir möchten einfach wissen, wie verschieden – oder 

auch wie identisch – unser eigenes Leben verglichen mit dem 

am Urlaubsort ist. Also ist es nur natürlich, dass reiselustige 

Fotografen mit vielen Alltagseindrücken aus dem Urlaubsland 

nach Hause kommen möchten. 

Dennoch kann das Fotografieren uns komplett unbekannter 

Menschen eine Herausforderung sein. Schließlich wird 

eine solche Begegnung in den seltensten Fällen durch die 

Reiseagentur bereit organisiert – ganz im Gegensatz zu den 

Reisen nach Taj Mahal oder Angkor Wat. Man kann keine 

Eintrittskarten kaufen, die einem automatisch das Recht 

geben, die Menschen zu fotografieren und so in ihre Privatsphäre 

eintauchen zu dürfen. Historische Tempelanlagen und 

Touristenwahrzeichen interessiert unser Verhalten nicht – bei 

Menschen sieht das gänzlich anders aus. Der Grund ist wenig 

überraschend: Anders als Gebäude besitzt Ihr Gegenüber 

eben auch Gefühle – ist demnach menschlich. 

80 porTräTFoToGraFIE

GESIChtEr DEr WELt 


Bhutan 

Objektive mit 

großer Blendenöffnung 

erlauben es Ihnen, 

unter schlechten 

Lichtbedingungen zu 

arbeiten und Motive 

vom hintergrund freizustellen. 


EOS 5D Mark II mit 

24–70-mm-f2.8Objektiv 

bei 70mm und f2.8, 

1/60 Sek., ISO 200 

pOrträtfOtOGrafIE 81 

© Gavin Gough

teCHNIKeN 

© ami Vitale 

Budapest 

es benötigte etwas 

Menschenkenntnis und 

zwischenmenschliche 

erfahrung, um diese beiden 

personen dazu zu bringen, 

sich fotografieren zu lassen. 

Bilddetails: Nikon d3 

mit 17–35-mm-f2.8- 

Objektiv bei 17 mm und f7.1, 

1/250 sek., IsO 200 

Nepal 

Nepalesische 

dorfbewohner bestaunen 

das Kamera-equipment 

von Gavin Gough. solche 

Momente sorgen für eine 

aufgelockerte stimmung 

und tiefere einblicke in die 

Kultur. 

Bilddetails: Canon eOs 

5d Mark II mit 85-mm-f1.2- 


1/1000 sek., IsO 100 

© lesley Fisher 

82 pOrträtFOtOGraFIe

GEsiChtEr dEr WElt 

Sie werden es während der letzten Zeilen schon gemerkt 

haben: Fotografieren von Menschen erfordert eine gänzlich 

andere Vorgehensweise, als es beim schnellen Ablichten 

einer Sehenswürdigkeit der Fall ist. Der erste Fehler, den viele 

begehen, ist, die einheimischen Menschen selbst als Touristenattraktion 

anzusehen – als existierten sie nur, um von 

uns fotografiert zu werden, damit wir schließlich das Lob 

des dorfeigenen Fotoclubs einheimsen können. Auch wenn 

dies offensichtlich Unsinn ist, ist es immer wieder erschreckend, 

wie viele Urlauber so denken und wie schwer sie sich 

von diesem Gedanken abbringen lassen. Zum Glück ist der 

Weg zu beeindruckenden Urlaubsporträts einfacher, als viele 

vermuten würden. Zwar mögen unsere Tipps auf den ersten 

Blick wenig intuitiv wirken, doch die Ergebnisse werden Sie 

– einmal verinnerlicht – überzeugen. Hier kommen unsere 

Top-Ratschläge für gelungene Porträts der lokalen Bevölkerung 

im Urlaub: 

Als Erstes packen Sie Ihre Kamera ein. Keine Angst, wir 

möchten Ihnen nicht von Beginn an die Fähigkeit an guten 

Fotos absprechen, doch einfach wahllos alles zu fotografieren, 

was einem vor die Linse kommt, hat noch nie das gewünschte 

Ergebnis gebracht. Fangen Sie lieber damit an, einen 

Kontakt zu den Einheimischen aufzubauen, seien Sie offen, 

freundlich und respektvoll. 

Erfolgreiche Reiseporträts bestehen schließlich nicht nur 

aus Menschen, die anders gekleidet sind als wir. Während 

ein Mann mit Turban oder eine Frau in einem bunten Sari 

vielleicht auf den ersten Blick interessant erscheinen, ist 

es doch viel erstrebenswerter, diese Personen gemeinsam 

lachend mit ihren Freunden oder ihrer Familie beziehungsweise 

beim alltäglichen Leben auf dem dicht belebten 

Markt abzulichten. Es gibt einen simplen Trick, um Fotos 

von wirklichem Wert und gewöhnliche Schnappschüsse zu 

unterscheiden: Nehmen Sie sich die Person und verfrachten 

Sie diese gedanklich in Ihre Heimatstadt und ersetzen Sie 

die Kleidung durch eine bei Ihnen zu Hause übliche. Ist das 

Motiv immer noch so interessant? Nein? Dann sollten Sie sich 

Gedanken machen wieso! Das nützlichste Werkzeug in der 

Kameratasche eines Reisenden ist nicht etwa ein Objektiv mit 

möglichst viel oder wenig Brennweite. Vielmehr ist es Einfühlungsvermögen 

– eine Eigenschaft, die Sie näher an die 

Menschen heranbringt als das teuerste Teleobjektiv. 

Schließlich sind lange Brennweiten ein Mittel zur Bildkomposition, 

zur Freistellung vom Hintergrund und der optischen 

Komprimierung – kein Mittel eines Geheimdienstes, um 

heimlich Leute auszuspionieren. Da Sie im Urlaub selten in 

eine Situation kommen sollten, die eine lange Brennweite 

erfordert, sollten Sie so ein Objektiv am besten sofort im 

Hotel oder ganz zu Hause lassen. Konzentrieren Sie sich 

lieber darauf, die Menschen in Ihrer Umgebung kennenzulernen. 

Dann braucht es keinen Abstand beim Fotografieren 

mehr. 

Werfen Sie doch einmal ein Blick auf das Vokabular, das 

für gewöhnlich genutzt wird, wenn sich über die Fotografie 

unterhalten wird: Wir „nehmen“ Fotos auf, „fangen“ Bilder 

ein und „erhaschen“ den Moment eines Schnappschusses. 

Erfolgereiche Reisefotografie benötigt eine gewissen Zeit, in 

der Sie Ihre Umgebung erfassen müssen. Viele Fotografen 

fühlen sich in einem fremden Land, als seien sie zu aufdringlich. 

Die Wahrheit ist banal und erschreckend zugleich: 

Wenn Sie denken, dass Sie zu aufdringlich sind, so ist das 

wahrscheinlich der Fall. Wie vorher schon gesagt: Knüpfen 

„Merken Sie sich: Dem Gespräch folgt meist 

auch die Situation des Fotografierens.“ 


Varanasi, 

indiEn 

die goldene regel, nicht 

gegen die sonne zu fotografieren, 

kann manchmal 

getrost vergessen werden 

– wie bei diesem Bild, bei 

dem der farbenfrohe 

sonnenschirm besondere 

akzente setzt. 

Bilddetails: Canon EOs 

5d Mark ii mit 16–35mmf2.8Objektiv 

mit 26 mm 

und f4.5, 1/3200 sek., 

isO 400 

ExpErtEnrAtSCHLAG 

Ami Vitale 

Website: www.amivitale.com 

Info: Ami Vitale ist mehr als eine Reisefotografin und Fotojournalistin 

– sie ist eine visuelle Geschichtenerzählerin. Ihre Arbeiten heben 

sich von der typischen Schönwetter-Reisefotografie ab und setzen 

dort an, wo sich der Betrachter sofort in die Kultur und die Lebensumstände 

des Landes hineinversetzen kann. Ami Vitale erreicht 

diesen Grad der Annährung an die verschiedensten Kulturen ausschließlich 

dadurch, dass sie Zeit mit den Menschen der Gegend verbringt und deren Alltag 

kennenlernt – bevor sie die Kamera ansetzt. Ihre Motivation besteht nicht darin, 

schnelle Bilder zu machen, sondern darin, die fremden Kulturen zu erleben und wirklichkeitsgetreu 

abzubilden und zu dokumentieren. 

Ami Vitales Arbeiten wurden bereits mehrfach ausgezeichnet. Unter anderem mit dem 

World Press Photo Awards, dem Lowell Thomas Award für Reisejournalismus, Lucie 

Awards, dem Daniel Pearl Award for Outstanding Reporting und dem Magazine Photographer 

of the Year Award. Ihre Arbeiten wurden weltweit in Galerien ausgestellt und in namhaften 

Magazinen wie zum Beispiel National Geographic, Adventure, Geo, Newsweek, 

Time und The Smithsonian veröffentlicht. 

Zurzeit lebt sie in Montana, führt ihre Berufung weiter fort und reist weiter quer über den 

Globus, um zu dokumentieren und Gesichten zu erzählen, die Menschen in unseren Breitengraden 

sonst nie zu Gesicht bekommen würden. 

Amis top Five für den Einstieg in das Genre der reiseporträts 

1 reiseziel oder Kulturerlebnis? Entscheiden Sie sich dazu, Ihre Umgebung im 

Urlaubsland anhand von Porträts festzuhalten, so müssen Sie sich komplett auf die Kultur 

konzentrieren. Versuchen Sie, so viel wie möglich über die Menschen und ihre Lebensweise 

herauszufinden – bevor Sie Ihre Kamera auspacken. Sie sollten zuerst herausfinden, was es 

ist, was Sie festhalten möchten. 

2 Erst zuhören, dann fotografieren Legen Sie Ihre Kamera zur Seite und sprechen 

Sie mit den Menschen in Ihrer Umgebung. Kündigen Sie vorsichtig an, dass Sie vorhaben 

zu fotografieren. Erklären Sie Ihre Intention und hören Sie dem Gesprächspartner zu, 

beachten und respektieren Sie Einwände. Vielleicht hat er oder sie noch etwas vor, was ein 

interessanteres Motiv darstellen würde. 

3 Qualität statt Quantität Entschleunigen Sie sich und verbringen Sie mehr Zeit mit 

einer Person, statt so viele wie möglich fotografieren zu wollen. Die Qualität Ihrer Arbeit verbessert 

sich automatisch, wenn Sie sich in die Umgebung einleben, statt nur durchzuhetzen. 

4 Achten Sie auf das Licht Stehen Sie mindestens eine Stunde vor Sonnenaufgang 

auf und gehen Sie erst nach Sonnenuntergang zurück in das Hotel, um die perfekten Lichtverhältnisse 

für atemberaubende Aufnahmen zu erhalten. Versuchen Sie, die Orte für Ihre 

Porträts bereits vorher festzulegen, um weniger Zeit zu verlieren. 

5 Gegenleistung Geben Sie Ihren Models ein Exemplar Ihres Fotos von ihnen oder schicken 

Sie es ihnen zu. Das ist das Mindeste, was Sie tun können, nachdem diese Ihnen einen 

Einblick in ihre Kultur gewährt haben. 

pOrträtfOtOGrafiE 83

TECHNIKEN 

ExpErtEnratschlag 

Gavin Gough 

Website: gavingough.com 

Info: Gavin Gough ist ein in 

Bangkok ansässiger, freiberuflicher 

Fotograf. Er fertigt Auftragsarbeiten 

an, erstellt Fotografien 

für Agenturen und leitet 

Workshops an der Bangkok 

Photo School, die er gründete. 

Großartige Reisefotos sind seiner Meinung nach ein 

Produkt guter Kommunikation. So wird dafür gesorgt, 

dass Sie einen Kontakt aufbauen und den Weg zu einzigartigen 

Fotogelegenheiten ebnen. Trotzdem sollte 

der Austausch verantwortungsvoll geschehen und 

nicht nur aus einem Geben – egal von welcher Seite 

aus – bestehen. 

Fünf Dinge, die sie auf reisen 

mit anderen teilen können 

1 ausdrucke 

Früher konnte man Polaroids ausgeben, auch heute 

besteht die Möglichkeit, den Menschen, die Sie treffen, 

ein Dankeschön zu überreichen. So baut Fujifilm beispielsweise 

immer noch eine Sorte von Sofortbildkamera 

und auch kleine 6x4-Drucker, die in jeden Rucksack 

passen, reichen für eine schnelles Foto. Haben Sie 

nichts in der Art dabei, suchen Sie den nächsten 

Kopiershop auf oder tauschen Sie Adressdaten aus. 

Denken Sie daran: Versprechen Sie eine Gegenleistung, 

so müssen Sie dieses Versprechen auch einhalten. 

2 postkarten 

Die Menschen, die Sie treffen, sind wahrscheinlich 

genauso an Ihrer Herkunft interessiert wie Sie an deren. 

Daher ist es immer eine gute Idee, Postkarten Ihrer 

Heimatstadt mit sich zu führen. 

3 Bargeld 

Vermeiden Sie es, sich Fotos zu erkaufen. Das Geld 

sollten Sie stattdessen bei sich haben, um sich zwischendurch 

etwas an den Marktständen zu holen oder 

um per Rikscha oder Tuk Tuk von A nach B zu gelangen. 

Das Kaufen von Fotogelegenheiten schafft gefährliche 

Abhängigkeiten und vergrößert die Distanz zwischen 

Ihnen und Ihrem Gegenüber. Lassen Sie es sein. 

4 Kamera-Equipment 

Ihre Kamera mag für viele so interessant sein wie für 

Sie selbst. Seien Sie also darauf vorbereitet, auch einmal 

die Funktion und Bedienung Ihres Equipments 

vorzuführen oder die Kamera aus der Hand zu geben, 

um von Ihrem Modell ein Foto schießen zu lassen. Das 

verringert die Distanz zwischen Ihnen und den Einheimischen 

und vielleicht erhalten Sie ja auch ein paar 

interessante Fotos von sich selbst. 

5 Zeit 

Es gibt kein besseres Geschenk, mit dem Sie Ihr Interesse 

und die Zuneigung zur fremden Kultur äußern können, 

als Ihre Zeit, die Sie mit den Menschen teilen. Zeigen 

Sie, dass Sie sich wirklich für die Kultur und die 

Lebensweise interessieren, und bauen Sie langsam, 

aber stetig eine Beziehung zwischen Ihnen und den 

Einheimischen auf. Einige meiner besten Fotos sind am 

Ende einer Woche entstanden, im Verlauf derer ich die 

Personen immer wieder besucht habe und wirklich viel 

Zeit mit ihnen verbracht habe. 

„Zollen Sie den 

Menschen 

Respekt, die Sie 

fotografieren.“ 


84 porTräTfoToGrafIE

GESIChtEr dEr WElt 

IndIEn 

Berücksichtigen Sie die 

Umgebung, um diese 

in den Gedankengang 

des Betrachters mit 

einzubeziehen. 


5d Mark II mit 16-35mmf2.8-Objektiv 

bei 25mm und 

f8, 1/20 Sek., ISO 200 

pOrträtfOtOGrafIE 85

TeCHnIKen 

© Matt Brandon 

IndIen 

nutzen Sie ein 

Weitwinkelobjektiv, um 

wichtige Bestandteile 

der Umgebung in der 

Komposition zu beachten - 

auch bei wenig Platz. 

Bilddetails: Canon eOS 

5d Mark II mit 

17–40mm-f4-Objektiv bei 

17 mm und f4, 

1/30 Sek., ISO 320 

Sie zuerst Ihre Kontakte in dem Land, seien Sie offen und 

freundlich. Die Fotos kommen mit der Zeit von ganz alleine. 

Gute Porträts sind immer das Produkt aus einer guten Beziehung 

zum Modell – das ist bei Reiseporträts nicht anders. 

Eigenbrötlerisches Vorgehen wirkt auch in der Fotografie 

nicht befriedigend. Machen Sie einfach im Vorbeigehen ein 

Foto von einem Menschen auf der Straße, wird dieser nie die 

sichtbare Offenheit besitzen, die sich viele als Bildaussage 

wünschen. 

Also packen Sie Ihre Kamera zur Seite und verbringen Sie 

Zeit mit den Menschen, denen Sie begegnen. Auch wenn Sie 

nicht dieselbe Sprache sprechen, kann ein Lächeln schon ein 

bedeutendes Zeichen zur Kontaktaufnahme sein. Körpersprache 

ist universell und für jedermann verständlich. Es 

ist schließlich auch nicht schwierig, sich auf dem Markt zu 

verständigen, um zu fragen, wie teuer die Äpfel sind oder ob 

die Chillies zu scharf für Ihren Gaumen sind. Schon aus solch 

alltäglichen Situationen kann sich ein Gespräch ergeben, dass 

Ihnen Ihr Ziel näherbringt. Behalten Sie im Hinterkopf: Sie 

können für Ihr Gegenüber genauso interessant sein wie er 

oder sie für Sie ist. Haben Sie immer etwas bei sich, was Sie 

Fremden zeigen können, um mit wenigen Worten zu erklären, 

woher Sie stammen. Es sind die Dinge, die beide Seiten interessieren, 

die vereinen. Daher sind Postkarten mit Motiven 

Ihrer Heimatstadt oder Familienfotos ein guter Ansatz. Darüber 

können Sie sich austauschen und das Gespräch weiter 

fortsetzen. Einmal so Kontakte geknüpft, ist es für die folgenden 

Male viel angenehmer, als am anderen Ende der Gasse 

mit einem 300-mm-Objektiv zu stehen und agentenähnlich 

Menschen abzulichten. Und wer weiß: Vielleicht kommt es im 

Gesprächsverlauf zu dem Punkt, an dem Sie sich mit Ihrem 

Gegenüber so gut verstehen, dass Sie beide den Moment dokumentieren 

wollen. Da ist es doch praktisch, dass Sie genau 

jetzt eine Kamera zur Hand haben. Denn jetzt wird aus dem 

Fotografieren eines Fremden eine freundschaftliche Geste und 

der Markthändler oder Rikschafahrer wird wahrscheinlich 

wenig gegen ein Foto einzuwenden haben. 

Erst jetzt sind Ihre Talente als Fotograf gefragt, um das 

Beste aus die Situation zu machen. Vergessen Sie aber nicht, 

dass eine große Kamera auch eine Barriere darstellen kann. 

Der Augenkontakt geht verloren und beide Beteiligten gehen 

in eine Art „Foto-Modus“. Kümmern Sie sich um die Bildkomposition, 

fokussieren Sie, halten Sie die Kamera abschussbereit, 

aber blicken Sie noch einmal hinter der Kamera hervor, um 

den Augenkontakt unter Aufsetzen Ihres breitesten Grinsens 

wiederherzustellen. Der plötzliche Wechsel des Gesichtsausdrucks 

springt für gewöhnlich über und die Situation ist wieder 

entspannter. Die Geste erinnert Ihr Gegenüber daran, dass 

Sie immer noch dieselbe Person sind – auch wenn Sie hinter 

der Kamera vermutlich nicht mehr zu erkennen sind. 

Das Schlechteste, was Sie nach dem Abdrücken tun können, 

wäre übrigens, sofort zu verschwinden. Machen Sie das Beste 

aus dem Moment und zeigen Sie ihm oder ihr die Bilder, die 

Sie gemacht haben. Vielleicht bekommen Sie noch weitere 

Chancen und können noch bessere Fotos schießen. 

Bei der Fotografie auf Reisen und im Urlaub ist weniger 

mehr. Behängt mit einen schweren Rucksack voll mit 

Equipment sind Sie natürlich in Ihrer Bewegungsfreiheit 

und Flexibilität eingeschränkt. Empfehlenswert ist sehr oft 

eine Kombination aus Weitwinkelzoomobjektiv und einer 

Festbrennweite mit großer Offenblende zur Freistellung vom 

Hintergrund oder zum Arbeiten bei schlechten Lichtbedingungen. 

Tragen Sie so viel herum, dass Sie eher den Eindruck 

hinterlassen, ein wandernder Elektronikmarkt statt ein Fotograf 

zu sein, hinterlassen Sie einen völlig anderen Eindruck 

bei Ihren Mitmenschen. Die Kontaktaufnahme wird deutlich 

schwieriger, da Sie mit Equipment bepackt für Menschen, die 

diesen Anblick nicht gewohnt sind, bedrohlich wirken kön- 

ExpErtrAtschlAg 

Matt Brandon 

Website: www.thedigitaltrekker.com 

Info: Man sagt, dass sich der Charakter eines Fotografen in seinen 

Bildern widerspiegelt. Bei Matt Branden besteht kein Zweifel daran. 

Seine Werke repräsentieren die Lebensweise der Menschen verschiedenster Kulturen, 

wie es kaum eine zweite Kollektion vermag. 

Sein Portfolio strahlt seine Liebe und Zuneigung zu fremden Kulturen aus aller Welt aus. 

Dazu gehören Orte wie Indien, Tibet, Indonesien, Thailand und Malaysia. Auch wenn sich 

unter seinen Werken auch immer wieder Objekte befinden, die hinlänglich als Touristenakttraktion 

bekannt sind, so versucht er stets, die Kultur des Landes in seine Fotos einfließen 

zu lassen. Darin lässt sich erkennen, dass Matt Brandon die Interaktion mit den 

Menschen so sehr genießt, wie die Fotografie an sich. 

Matt beherrscht es, stets positive und aufbauende Aspekte in seine Geschichten einzubringen, 

was es ihm bereits einige Male ermöglichte, seine Reportagen im Rahmen 

werblicher Nutzung zu veröffentlichen. Er arbeitete bereits an Werbekampagnen für 

Organisationen wie Aid International, Neighbourworks, BBC, Honda und der Bombadier 

Transport Corporation. Sein Portfolio ist immer eine umfangreiche Anlaufstelle für Reisefotografen, 

die Inspiration benötigen. 

Matts Vorschläge für perfekte porträtfotos im Urlaub 

1 Nähern sie sich an Nutzen Sie ein 16–35-mm-Objektiv oder Ähnliches, jedoch 

keinesfalls mehr als 85 mm Brennweite. Ich komme mir wie ein Störenfried vor, wenn ich 

auf Reisen mit längeren Brennweiten arbeiten muss. Ich verliere den Bezug zu den 

Menschen und fühle mich, als würde ich den Personen den Moment entwenden. Ich bin 

sicher: Hält man Abstand, so empfindet Ihr Gegenüber dieselbe Art von Distanz zu Ihnen. 

2 lächeln Es ist erstaunlich, wie weit man kommen kann, wenn man nur öfter ein 

Lächeln aufsetzt und anderen Menschen gegenüber freundlich auftritt. Ein Lächeln öffnet 

Tür und Tor – auch zu mancher Geschichte, die ein Mensch zu erzählen hat. 

3 respekt Zollen Sie Ihrem Gegenüber stets Respekt. Besonders, wenn er oder sie 

kamerascheu ist und nicht fotografiert werden möchte. Respektieren Sie dies – vielleicht 

ist der Zeitpunkt nur noch nicht gekommen. 

4 lassen sie sich Zeit Hetzen Sie sich nicht ab. Nehmen Sie sich Zeit und Sie 

werden nicht nur dazu kommen, sämtliche Blickwinkel und Perspektiven auszunutzen. 

Reden Sie mit Ihrem Modell und helfen Sie, die Situation zu entspannen. So entstehen die 

besten – weil natürlichsten – Fotos. 

5 Erkennen sie, wann es Zeit ist aufzuhören Das Fehlen dieser Fähigkeit ist 

eine verbreitete Eigenschaft unter Anfängern. Auch wenn Sie wissen, dass Sie sich Ihre Zeit 

nehmen müssen, um gute Ergebnisse zu erhalten: Sie müssen erkennen, wann die Zeit 

gekommen ist, sich auf den Rückweg zu machen, um den Alltag der Menschen nicht zu 

beeinträchtigen. Achten Sie auf die Körpersprache der Einheimischen. Sie wird Ihnen den 

Zeitpunkt verraten – ohne dass Sie in Verlegenheit geraten, hinausgeworfen zu werden. 

86 POrTräTfOTOgrafIe

GeSiChTer Der WelT 

„Kümmern Sie 

sich um die 

Bildkomposition, 

fokussieren 

Sie, halten Sie 

die Kamera 

abschussbereit.“ 

TibeT 

Augenkontakt kurz vor dem Auslösen 

vermeidet steife Posen und sorgt 

für einen entspannten, freundlichen 

Gesichtsausdruck. 

Bilddetails: Canon eOS 5D Mark 

ii mit 85-mm-f1.2-Objektiv bei 85 mm 

und f1.6, 1/1250 Sek., iSO 200 

© Matt brandon 

POrTräTfOTOGrAfie 87

TeCHnIKen 

BalI, IndOneSIa 

„Trinken Sie einen Tee“, empfiehlt Gavin Gough. „er ist in 

nahezu jeder Kultur verbreitet und der beste Weg, um 

Kontakt aufzunehmen.“ 

Bilddetails: Canon eOS 5d Mark II mit 70–200-mm-f2.8-Objektiv 

bei 125 mm und f2.8, 1/125 Sek., ISO 100 


IndIen 

ein täglicher Besuch 

bei diesem Händler lockerte 

die Beziehung zwischen ihm 

und Fotograf Gavin Gough 

so weit, dass dieses Foto 

möglich wurde. 

Bilddetails: Canon eOS- 

1ds Mark II mit 70–200-mmf2.8-Objektiv 

bei 150 mm 

und f2.8, 1/60 Sek., ISO 400 


nen. Tätigen Sie bereits im Voraus die groben Einstellungen, 

damit Sie nicht viel Zeit verlieren und nehmen Sie nur leichtes 

Gepäck mit. Der Trick ist es, mit den Menschen zu interagieren 

– und nicht mit Ihrer Kamera. Lassen Sie sich nicht von 

der weitverbreiteten Behauptung anstecken, dass die Bilder 

besser werden, je schwerer Ihre auf dem Rücken transportierte 

Ausrüstung ist. Hier und in vielen anderen Situationen ist 

exakt das Gegenteil der Fall. Machen Sie sich das Leben nicht 

unnötig schwer – in diesem Fall sprichwörtlich. 

Lernen Sie über das ideale Licht nachzudenken. Selbst das 

spektakulärste Modell kann langweilig und eintönig wirken, 

wenn es unter dem harten Sonnenlicht der Mittagsstunden 

fotografiert wird. Vermeiden Sie diese Zeiten oder suchen 

Sie um die Mittagszeit andere Orte auf, an denen das Licht 

gedämpfter und diffuser ist. Denken Sie zudem immer daran: 

Ihre Kamera besitzt bei Weitem nicht den Dynamikumfang 

Ihrer Augen. Was für Sie vielleicht noch gut aussehen mag, 

„Halten Sie mittags nach Orten 

mit diffusem Licht Ausschau.“ 

88 pOrTräTFOTOGraFIe 

ist für die Kamera eventuell eine unlösbare Herausforderung. 

Wenn Sie die Gelegenheit für eine tolle Aufnahme haben, so 

beschränken Sie sich nicht nur auf ein Bild. Versuchen Sie 

auch anhand der Belichtungsmessung eine um eine Blendenstufe 

über- und unterbelichtete Aufnahme anzufertigen. 

Das eröffnet Ihnen mehr Potenzial bei der Auswahl und 

Bearbeitung. Machen Sie sich mit den verschiedenen Modi der 

Belichtungsmessung vertraut und lernen Sie mit der Spot- und 

Bereichsmessung umzugehen, um grobe Fehler zu vermeiden 

und die Ergebnisse weiter zu optimieren. 

Mindestens ebenso wichtig ist natürlich die Bildkomposition. 

Porträts mit der klassischen Kopf-Schulter-Ansicht mögen 

uns vielleicht etwas über den Menschen an sich verraten, 

doch nur selten lässt sich so auf sein Umfeld schließen. Ist 

dieser Rückschluss nicht zweifelsfrei möglich und könnte 

das Foto auch im Hinterhof Ihrer Lieblingskneipe entstanden 

sein. Ziehen Sie in Betracht, die Person einmal mit weniger 

Brennweite auf das Bild zu bannen. So fangen Sie mehr von 

der Umgebung ein. Das kann den Bildeindruck sofort in eine 

ganz andere Richtung lenken. 

Porträtieren – speziell das Porträtieren auf Reisen – ist eines 

der anspruchsvollsten Genres der Fotografie. Vielleicht ist das 

der Grund, warum es sich auch um eines der Sujets handelt, 

dem die meiste Beachtung geschenkt wird. Das Kontakteknüpfen 

mit den Einheimischen macht Spaß und erlaubt es 

Ihnen, viel tiefer in die Kultur des Landes einzutauchen, als 

es vielen anderen Touristen gegönnt ist. Mit etwas Übung, 

genügend Zeit und Geduld kehren Sie mit vielen wertvollen 

Erinnerungen zurück. Erinnerungen, die wirklich einzigartig 

sind und die es an keinem Laden an der Ecke zu kaufen gib. 

Lassen Sie die langen Brennweiten also direkt zu Hause und 

stürzen Sie sich hinein in das Leben Ihres Urlaubslandes!

GESIChTER DER wElT 

Inspiriert sein 

Fantastische 

Reiseporträts 

© Zaw Zaw Tun 

Zaw Zaw 

Tun 

In einer Kultur in Myanmar 

sind rauchende und im 

Gesicht tätowierte Frauen 

keine Seltenheit. 


5D Mark II bei 145 mm und 

f2.8, 1/640 Sek., ISO 200 

RuSSEll 

ClaRKE 

„Diese Mädchen saßen 

außerhalb eines ladens 

in Kenia. Ich fühlte mit 

ihnen, kaufte ihnen etwas 

zu essen und fragte, ob ich 

ein Foto von ihnen machen 

dürfe.“ 

Bilddetails: nikon D200 


bei f4.2, ISO 200 

ROBERTO 

OjEDa 

„Ich lief durch Quito und 

entdeckte diese indigene 

Frau an einer Bushaltestelle. 

Ich fühlte mich von der 

Farbkombination ihrer 

Kleidung inspiriert.“ 

Bilddetails: nikon D5000 


bei 300 mm und f5.6, 

1/160 Sek., ISO 200 

© Roberto Ojeda 

© Russell Clarke 

BRETT FORD 

„Dieses Foto wurde in 

ambalavao, Madagaskar 

aufgenommen. Die 

Kinder fragten mich, ob ich 

Fotos von ihnen machen 

würde, also tat ich das. 

Ich wollte ihnen die Bilder 

zeigen, doch sie liefen 

lachend davon.“ 


5D Mark II mit 70–200-mm- 

Objektiv bei 200 mm und 

f5.6, 1/200 Sek., ISO 200 

© Brett Ford 

pORTRäTFOTOGRaFIE 89

TECHNIKEN 

DIE FASHION-FORMEL 

Ein Hauch von Exklusivität und Erotik machen aus 

klassischer Porträtfotografie etwas, das näher an der 

High-End-Modefotografie liegt. 

Bilddetails: Canon EOS 1Ds Mark II mit einem 

70–200-mm-Objektiv bei 70 mm und f6.3, 

1/125 Sek., ISO 125 

© Yanick Déry 

Modefotog 

ra fie 

Wir werfen einen Blick auf die exklusive Welt der 

High-End-Modefotografie und sprechen mit den 

Profis, für die das alles nur ein ganz normaler Job ist. 

Das Genre der High-End-Modefotografie 

lässt sich nur schwer definieren, 

was an sich gut zu der etwas 

undurchsichtigen Welt der Mode 

passt. Was genau unterscheidet aber 

normale Mode- und Porträtfotografie? Für manche 

ist es eine Frage der Produktion und des Budgets: 

je höher es ist, desto besser. „Bei High-End-Modefotografie 

hat das Produkt in der Regel einen 

höheren Wert. Dementsprechend höher sind auch 

die Budgets, die Produktion, die Wertigkeit und 

die Fähigkeiten des Teams. Die Fotos haben am 

Ende ein hohes Niveau“, erklärt Profi-Fotograf und 

Regisseur Kevin Michael Reed. Für den Beauty- und 

Lifestyle-Fotografen Yanick Déry geht es bei der 

High-End Modefotografie um mehr, als nur Kleider 

zu verkaufen. „Bei der Modefotografie fotografiert 

man Klamotten“, erklärt er. „Der große Unterschied 

zu High-End Fotografie ist ein künstlerischer Aspekt. 

Das eigentliche Ziel ist es, ein Gefühl zu vermitteln, 

und dafür müssen Sie mehr im Sinn haben, als nur 

Kleidung zu zeigen. Es ist eine echte Herausforderung, 

das zu vermitteln, was Sie fotografieren sollen, 

und obendrein noch Ihre Gefühle und Ihre Vision 

zu integrieren. Normale Modefotografie ist rein technisch, 

High-End-Modefotografie ist zudem emotional.“ 

Ishmil Waterman stimmt zu. Er ist Mode- und 

Beauty-Fotograf in Toronto. „Bei der High-End-Modefotografie 

geht es nicht nur um die Schöpfungen des 

Designers, es geht auch um die Kunst des Fotografen. 

Es geht um ein Gefühl, eine Stimmung. Die kann 

elitär sein, schrullig, lustig, oder exotisch – und alles 

extrem verzerrt. Man vermittelt eine Fantasievorstellung.“ 

Begleiten Sie uns in die glamouröse Welt der 

Fashion-Elite. Wir erklären Ihnen, worauf es bei der 

High-End-Modefotografie wirklich ankommt. 


fashion-porträts 

Profiratschläge 

• Der Umgang mit Models 

• Wie man seinen Stil 

entwickelt 

• Studio-Shootings 

• Arbeit am Motiv 


TECHNIKEN 

GLITZERNDE MODE 

Mit diesem Foto, so Kevin Michael 

Reed, sollte der sehr kurze Blitz 

von Broncolor getestet werden, der 

verschiedenen Optionen hat, unter 

anderem Blitzverzögerungen. Das 

Model wurde von allen Seiten mit 

lauwarmen Wasser bespritzt, da war 

es nicht leicht, stillzuhalten 

Bilddetails: Phaseone 645DF plus 

P40+ Digitalrückteil mit einem an 

80-mm-Objektiv bei f5.6, 

1/320 Sek, ISO 100 

© Kevin Michael Reed 

Zusammenarbeit zählt 

Natürlich ist Kreativität und eine künstlerische 

Ader gefragt, aber Sie müssen auch in der Lage 

sein, auf die Anweisungen der Kunden einzugehen. 

Es ist wichtig, dass Sie gut mit Leuten zusammen 

arbeiten können, denn das Team kann mitunter 

recht groß sein. Sollten Sie ein unabhängiger 

Mensch sein, der es bevorzugt, alleine zu arbeiten, 

dann passt vielleicht die Landschaftsfotografie 

eher zu Ihnen als High-End-Modefotografie. Man 

muss auf Menschen eingehen können. „Das, was 

mir am meisten Spaß an der Arbeit macht sind die 

Leute“, sagt Kevin Michael Reed. „Die Modeindustrie 

besteht aus vielen verschiedenen talentierten, 

kreativen Menschen aus aller Welt, und alle haben 

sehr unterschiedliche Hintergründe. Wenn diese 

Menschen auf ein gemeinsames Ziel hinarbeiten, 

geschehen Wunder. Wie viele Leute am Set 

sind ist immer unterschiedlich. Aber bei einem 

typischen Shooting gibt es ein Model, einen Visagisten, 

einen Friseur, eine Stylistin, zwei oder drei 

Assistenten und einen Produktionsleiter. Darüber 

hinaus sind da natürlich auch die Kunden, die 

Mitarbeiter der Werbeagentur und ihr Gefolge. Bei 

größeren Sets sieht man auch Requisiteure, Motivaufnahmeleiter, 

Nagelpfleger und deren Assistenten. 

Ich habe mal in New York ein Shooting 

für einen Katalog gemacht, bei dem insgesamt 35 

Leute am Set waren!“ Yanick Déry schlägt vor, als 

Fotograf solle man sich vorstellen, man sei der 

„Regisseur“. „Wir sind diejenigen, die sagen, so 

ist es okay, wir machen das Foto“, sagt er. „Und 

wenn nicht alles perfekt ist, dann kann man das 

„Die Kunden wählen Fotografen aufgrund 

seines speziellen künstlerischen Stils aus.“ 

92 PORTRäTFOTOGRaFIE 

Foto nicht machen. Wenn es Details zu verhandeln 

gibt, dann vor dem Shooting. Wenn Sie auf 

einem bestimmten Niveau arbeiten, dann kommen 

die Kunden aufgrund Ihres speziellen künstlerischen 

Stils, wegen Ihres Know-hows und Ihrer 

Erfahrung auf Sie zu. Die Kunden vertrauen Ihrem 

Urteilsvermögen und hören genau zu, was Sie zu 

sagen haben.“ Kevin Michael Reed sieht das Endergebnis 

immer als eine Teamleistung an. „Es ist 

alles eine Frage der Zusammenarbeit. Der Fotograf 

ist zwar der Kapitän am Set, aber er muss auch 

auf die Wünsche des Kunden eingehen. Dazu 

tragen alle bei, die an der Produktion beteiligt 

sind. Man weiß ja nie, wo die nächste gute Idee 

herkommt.“ Ein High-End-Modefotograf kann die 

Vorgaben der Kunden nicht erfüllen, wenn er nicht 

genau versteht, was der Kunde eigentlich will. 

„Diesen Fehler machen viele Fotografen“, sagt 

Kevin Michael Reed. „Sie wollen einfach nur schöne 

Bilder machen. Aber ein Projekt ist nur dann 

gelungen, wenn es den Bedürfnissen des Kunden

FASHION-PORTRÄTS 

Inspirierende 

Webseiten 

Wenn Ihnen die Bilder auf diesen Seiten 

gefallen, dann interessieren Sie sich sicher für 

die Webseiten, auf denen atemberaubende 

High-End-Modefotos zu sehen sind. Obwohl es 

auf lange Sicht wichtig ist, Ihren eigenen Stil zu 

finden, ist es auch nützlich, sich mit der Arbeit 

anderer Fotografen vertraut zu machen. 

www.chrisyphotography.com • 

www.zuzanabreznanikova.co.uk • 

www.ishmilwaterman.com • 

www.alexogundiran.com • 

www.yanickdery.com • 

www.kevinreed.com • 

DIE PRÄZISE POSE 

Die Posen, die das Model einnimmt, 

müssen perfekt zur Stimmung und 

zum Stil des Fotos passen. 

entspricht. Sie brauchen uns, um effektiv mit ihrer 

Zielgruppe zu kommunizieren.“ Ishmil Waterman 

hat einen Tipp, wie man am Set für zufriedene 

Kunden sorgt. „Die Kunden wollen etwas sehen, 

was ihren Vorstellungen sehr nahekommt. Ich will 

so wenig wie möglich in der Nachbearbeitung 

machen, denn die meisten Menschen haben keine 

visuelle Vorstellungskraft. Man sollte die Bilder als 

RAW-Daten anfertigen, deswegen fotografiere ich 

immer in Einbindung an Capture One. Overlays 

und Farbkorrekturen werden automatisch geladen 

– ich mache sogar Ausdrucke für die Kunden. Sie 

erwarten Input und Liebe zum Detail, also müssen 

Sie die Probleme finden, bevor der Kunde es tut.“ 


FOTOS MIT 

CHARISMA 

High-End-Modefotos haben 

etwas Verführerisches und 

Mysteriöses. Die besten 

Fotografen wissen, wie man 

diesen Effekt hinkriegt. 

Bilddetails: CanonEOS1Ds 

Mark III mit einem 

50-mm-Objektiv bei f5, 1/160 

Sek., ISO 160 

Fragen an den 

Assistenten 

Ein Gespräch mit 

Tom Fewell, Assistent 

bei High-End-Shootings. 

Wie lange waren Sie Fotoassistent? Mit 

wem haben Sie gearbeitet? 

Zwei Jahre lang, hauptsächlich für den Fotografen 

Marcus Perkins. Aber ich habe auch bei 

Shootings für Marie Claire und Elle assistiert, 

mit den Fotografen Elin Hörnfeldt und Dan 

Smith. 

Was ist nötig, um als Assistent bei High- 

End-Shootings zu arbeiten? Was muss 

man alles können? 

Mir machen High-End-Modeshootings großen 

Spaß, aber oft verlangen Modefotografen, dass 

Ihre Assistenten die meiste Arbeit tun. Deshalb 

muss man eigentlich alles können, von Studiobeleuchtung 

bis hin zum Tee- und Kaffeekochen. 

Ich habe mal gehört, dass ein Assistent schon wissen sollte, was der Fotograf 

braucht, bevor der überhaupt danach fragt. Das war ein guter Tipp. Der Tag beginnt 

in der Regel mit dem Aufbau vor Ort. Dann begrüßt man die Kunden. Beim Shooting 

muss der Assistent dem Fotografen zur Hand gehen. Oder er prüft und redigiert die 

Aufnahmen auf einem Laptop. Wenn das Shooting vorbei ist, muss der Assistent 

noch alles einpacken und die Ausrüstung aufräumen. 

Viele Assistenten werden später selbst Fotografen. Wie geht das, 

wie wird aus einem Assistenten ein Fotograf? 

Als Fotoassistent, egal in welchem Bereich, lernt man sehr viel darüber, wie Profis 

arbeiten. Aber egal wie lange man assistiert, man muss auch immer eigene Fotos 

machen. Das ist sehr wichtig. Und weil Modefotografie so hart umkämpft ist, sollte 

man nicht nur die Fotografie, sondern auch die Mode lieben. 

Was für Ratschläge können Sie denjenigen geben, die Assistent bei Fashion-Shootings 

werden wollen? Worauf sollte man achten? 

Sie sollten sich fragen, mit wem Sie arbeiten wollen. Gehen Sie auf diejenigen Fotografen 

zu, deren Arbeit Sie inspiriert. Jeden Tag kommen Menschen auf Fotografen 

zu und bitten um Arbeit. Sie müssen sich von der Masse abheben. Ich habe 

statt E-Mails lieber Briefe geschrieben. Das ist persönlicher. Ich habe ihnen erklärt, 

warum ich für sie arbeiten wollte. Es klingt glamourös, aber bei der Modefotografie 

sind die Arbeitstage sehr lang und sie fangen früh an. Und man muss immer warten, 

bis die Models fertig sind. 


TECHNIKEN 

TESTAUFNAHMEN 

Models müssen bei einem 

Shooting oft unbequeme 

Stellungen einnehmen. 

Fotografen sollten darauf 

achten, diese so weit nur irgend 

möglich zu minimieren. 

Das richtige Model 

Wenn Sie Ihre Fotos fürs Portfolio machen, 

brauchen Sie zuallererst Models. Und falls Ihre 

Freunde und Bekannten mal nicht einspringen können, 

ist es vielleicht keine schlechte Idee, bei einer 

Agentur anzufragen. 

• www.fotocommunity.de 

Dies ist eine der beliebtesten Seiten. Hier schauen viele 

Fotografen und Models als Erstes nach. 

• www.model-kartei.de und www.14model.de 

Diese Seiten sind ähnlich wie fotocommunity.de, 

werden aber nicht so stark frequentiert. 

„Wie die Models im Bild aussehen, 

das unterliegt allein der 

Verantwortung des Fotografen.“ 



So managt man Models 

© Alle Bilder oben von Kevin Michael Reed 

Eines der wichtigsten Elemente der High-End- 

Modefotografie ist die Fähigkeit des Fotografen, mit 

Models zu arbeiten. Das ist bei Porträts schon sehr 

wichtig, aber im High-End-Bereich ist es unerlässlich. 

Denn hier muss man dem Model komplexe 

und spezifische Visualisierungen vermitteln. Wie 

auch ein Regisseur, der mit seinen Darstellern 

redet, so muss der Modefotograf sicherstellen, 

dass die Models die Zielsetzung verstanden haben. 

Idealerweise fängt der Fotograf damit an, dass 

er den Models das Konzept und das Feeling der 

Aufnahmen vermittelt und ihnen dann die Freiheit 

lässt, diese auf ihre Weise zu interpretieren, so wie 

Schauspieler. „Ich denke, gute Models haben die 

Fähigkeit, die Vorgaben des Fotografen anzunehmen 

und darauf aufzubauen“, erklärt Kevin Michael 

Reed. „Ich gebe den Models absichtlich nicht zu 

viele Anweisungen, außer sie tun etwas, was ich 

sehr mag oder gar nicht mag. Ich gebe ihnen positives 

Feedback, weil es ihnen bei der Arbeit hilft, 

FLEXIBLE 

FASHION MAL 5 

High-End Fotografen müssen 

in der Lage sein, mit ihren 

Bildern viele verschiedene 

Stimmungen auszudrücken, 

wie diese Fotos aus dem 

Portfolio von Profi-Fotograf 

Kevin Michael Reed zeigen. 

FASHION 

FREAK-OUT 

In vielen High-End- 

Fashion-Fotos wirkt das 

Model, als ob es kalt und 

ungemütlich ist. Die Posen 

sollen das Bild ergänzen. 

Wenn das Umfeld subtil 

ist, können die Posen hart 

sein und der Stimmung der 

Szene widersprechen. Das 

ist wichtig, denn vielleicht 

wollen Sie noch ein oder zwei 

Aufnahmen machen, solange 

das Model zur Verfügung 

steht. Es gibt nichts 

Schlimmeres, als wenn am 

Ende des Tages ein wichtiges 

Bild fehlt. 


5D Mark III mit einem 

70–200-mm-Objektiv bei 115 

mm und f8, 

1/125 Sek., ISO 100 

aber im Grunde vermittle 

ich eher eine allgemeine 

Vorstellung von dem, 

was ich suche, und 

lasse sie selbst damit 

arbeiten.“ Wenn man 

sich als Fotograf einmal 

etabliert ist, kann man sich 

aussuchen, mit wem man am 

liebsten arbeitet. Mit genügend 

Erfahrung weiß man, wonach man 

Ausschau halten soll. „Ich caste am liebsten Models, 

die wissen, wie sie sich zu bewegen haben“, 

erklärt Reed. „Das kann ich in der Regel an ihrem 

Portfolio erkennen. Stehen sie steif da oder nehmen 

sie viele verschiedene Posen ein? Bei größeren 

Projekten haben wir beim Casting in der Regel eine 

Kamera und etwas Beleuchtung und ich mache so 

10 bis15 Fotos, um zu sehen, was das Model kann.“ 

Neben der Beleuchtung sind die Models und ihre 

© Chris Yates 

Kevin Michael Reed 

Reed ist ein international renommierter 

Mode- und Beauty-Fotograf, der hauptsächlich 

in New York und Los Angeles 

arbeitet. Er hält regelmäßig Seminare bei 

Mode- und Foto-Events. 2011 gründete 

er Passion Of Photography Inc. mit 

dem Ziel, Fotografen auszubilden 

und zu motivieren. 

Posen am Tag des Shootings für den Fotografen 

sicherlich das Hauptaugenmerk. 

Für Make-up, Haare und Kleidung gibt es 

andere Profis, aber wie die Models im Bild 

aussehen, das unterliegt allein der Verantwortung 

des Fotografen. Dessen Fähigkeit, 

aus den Models das Beste rauszuholen, ist 

absolut essenziell. „Die High-End-Modefotografie 

ist an sich sehr künstlerisch und lässt 

einem die Freiheit, auf kreative und fantasievolle 

Weise zu arbeiten,“ schwärmt Kevin Michael Reed. 

„Wenn man Fotos für einen Katalog macht, muss 

man alle Details der Kleider zeigen und das heißt, 

dass die Models meist gerade dastehen müssen. 

Bei High-End-Modefotos können Regeln gebrochen 

werden. Manchmal geht es mehr um eine 

Stimmung oder ein Gefühl. Man hat bei den Posen 

dann viel kreative Freiheit. Bei der High-End-Modefotografie 

sieht man oft auch verzerrte oder unnatürlichen 

Posen.“ 

Power-Posen 

Wir befragten den Fotografen 

Chris Yates zu seinen Ratschlägen 

über Models und ihre Posen. 

Welche Tipps haben Sie für uns, um das Eis mit 

Models zu brechen und sicherzustellen, dass sie 

die erforderlich Posen verstanden haben? 

In den ersten 5 bis 10 Minuten kann ich ein paar 

Testfotos mit dem Model machen. Unterteilen Sie die 

Posen in verschiedene Phasen und reden Sie dabei die 

ganze Zeit mit Ihrem Model. Das ist sehr nützlich und 

hilft Ihnen auch, den Look zu definieren. Vergessen Sie 

nicht, dass ein Model nicht lange in allzu unbequemen 

Posen bleiben kann, also müssen Sie die Aufnahme 

vorher vielleicht ein paarmal proben. 

Haben Sie bei der High-End-Fotografie einen 

anderen Ansatz als bei anderen Arten von Fotos? 

Die Pose ist der wichtigste Aspekt der High-End-Fotografie. Sie sollte dynamisch und 

ausdrucksvoll sein – nicht nur die Hände auf der Hüfte, mit einem gequälten Lächeln. 

Die Posen sollen das Bild ergänzen. Wenn das Umfeld subtil ist, können die Posen hart 

sein und der Stimmung der Szene widersprechen. Checken Sie dabei immer wieder 

Bilder. Auch am Ende jeder Sequenz, bevor Sie zur nächsten übergehen. Das ist 

wichtig, denn vielleicht wollen Sie noch ein oder zwei Aufnahmen machen, solange das 

Model zur Verfügung steht. Es gibt nichts Schlimmeres, als wenn am Ende des Tages, 

wenn alle heimgehen, ein wichtiges Bild fehlt. 


TECHNIKEN 

Privat 

Im Studio haben Ihre Models 

mehr Privatsphäre als an 

einer Location. Außerdem 

ist es durchaus möglich, 

dass Sie während eines 

Shootings außerhalb 

von völlig Fremden, die 

nicht zum Team gehören, 

unterbrochen werden. 

HINTER GESCHLOSSENEN TÜREN 

Ein Fotostudio ist ein privates, kontrollierbares Umfeld, 

in dem Sie sich um das Wetter keine Sorgen machen müssen. 

Ausstattung 

• ZUBEHÖR 

Bei Porträtaufnahmen jeder Art 

gehört der Reflektor zum wesentlichen 

Zubehör. Kevin Michael 

Reed benutzt sogar Styroporplatten 

als behelfsmäßige Reflektoren. 

• MODIFIKATOREN 

Ein Beauty Dish ist einer der beliebtesten 

und am meisten verwendeten Modifikatoren 

in der High-End-Fotografie. Der 

Effekt ist ähnlich wie bei einer Softbox, 

aber das Resultat ist ausgefallener. 

• FOLIEN 

Die Verwendung von Farbfolien 

ist Geschmackssache. Einige 

High-End-Modefotografen 

benutzen sie so gut wir gar 

nicht, andere wiederum 

sehr oft. 

• OBJEKTIVE 

Bei der Wahl ihres Objektives richten 

sich High-End-Fotografen nach der 

Brennweite und der Qualität. Ob es 

eine Zoomlinse ist oder eine feste 

Brennweite, ist nebensächlich. Große 

Öffnungen werden selten verwendet, 

denn man arbeitet viel mit Blitz. 


Mode im Studio 

Eine der ersten Entscheidungen, die Sie als Fotograf 

treffen müssen, ist der Ort, an dem das Shooting 

stattfindet. „Die Vorbereitung ist wahrscheinlich 

das Wichtigste“, sagt Kevin Michael Reed. „Um das 

richtige Motiv zu finden, muss man verschiedene 

Plätze besichtigen.“ Vergessen Sie nie, dass das 

Motiv zum Look Ihres Shootings passen muss – und 

nicht umgekehrt. Manche Shootings funktionieren 

vor Ort am besten, für andere wiederum sollte man 

ins Studio gehen. Ein Studio bietet den Vorteil eines 

kontrollierten Umfelds. In der Regel haben Studios 

Garderoben, Klimaanlage oder Heizung, ein Luxus, 

den Sie an anderen Orten nicht unbedingt haben 

– und im Freien gewiss nicht. Wenn Sie einen 

Studioraum mieten, dürfen Sie nicht vergessen, 

dass damit erhebliche Kosten verbunden sind, die 

Sie in Ihrem Budget und Ihrem Honorar für das 

Shooting mit einkalkulieren müssen. Dennoch 

beschreibt Kevin Michael Reed das Studio als die 

„kostengünstigere“ Option. Am besten recherchieren 

Sie gründlich, um sicherzustellen, dass der Raum 

auch den Anforderungen des Shootings – und 

denen der Kunden – gerecht wird. Wenn Sie Ihr 

eigenes Studio haben, sollten Sie alles, was Sie 

für das Shooting brauchen, stets bereithalten. Ihr 

Studio ist Ihre Visitenkarte, also müssen Sie auf so 

viele Details wie möglich achten, bevor Sie einen 

wichtigen Kunden und ein großes Team zu einem 

High-End-Fotoshooting einladen. Ein großer Vorteil 

von Studios und Ateliers ist, dass Sie sich keine 

Sorgen ums Wetter machen müssen und dass 

alle grundlegenden Einrichtungen frei verfügbar 

sind. Auch die Tatsache, dass ein Studio einen 

zentralen, sicheren und privaten Treffpunkt für das 

gesamte Team bietet, ist ein entscheidender Vorteil. 

Kevin Michael Reed ist der Meinung, dass „bei 

Studioscheinwerfern die Sonne nie untergeht“. Man 

kann so lange wie nötig arbeiten. Doch Reed weist 

auch auf einen Nachteil hin, den die Leute bei der 

Planung oft übersehen. „Nach einigen Tagen fühlt 

es sich etwas klaustrophobisch an“, erklärt er. Das 

sollten Sie nicht vergessen und dementsprechend 

sollten Sie bei Ihrer Vorbereitung mit einplanen, 

dass Sie die Zeit effizient nutzen und auch 

genügend Pausen machen, damit die Leute auch 

mal durchatmen können. 

„Manche Shootings funktionieren vor Ort, 

für andere sollte man ins Studio gehen.“


Die Vorteile eines 

Studio-Shootings 

Garderoben 

Natürlich ziehen Models es vor, 

einen eigenen Raum zu haben, 

in dem sie sich umziehen können. 

Auch die Stylisten brauchen 

einen Ort, wo sie ihre Arbeit 

verrichten können. 

Viele Studios haben dafür 

vorgesehene Räume. 

01 KOSTENGÜNSTIG 

Es hängt natürlich von den Anforderungen 

des konkreten Projekts ab, aber 

bei Shootings in einem Studio oder Atelier 

kann man oftmals Kosten sparen, da 

mehr Möglichkeiten zur Verfügung stehen 

– und potenzielle Probleme von vorneherein 

gar nicht auftauchen. 

KEINE PROBLEME MIT 

02 DEM WETTER 

Im sicheren Studio muss man sich keine 

Sorgen um das Wetter mehr machen, und 

ob es nach der Mittagspause regnen könnte. 

Man kann auch dann in Ruhe arbeiten, 

wenn es wie aus Eimern schüttet. 

03 KAFFEEPAUSEN 

Wenn das Team mal eine Pause 

braucht, um eine Tasse Kaffee zu trinken 

oder auf Toilette zu gehen, ist das im Studio 

sehr viel einfacher als am Motiv. 

04 SICHERHEIT 

Man muss sich um die Sicherheit 

seines Teams – und der Ausrüstung 

– bei Shootings im Studio viel weniger Sorgen 

machen. Türen können abgeschlossen 

und Fenster zugemacht werden. 

KLEINERES TEAM 

05 Auch das hängt wieder vom 

Projekt ab, aber im Studio werden oft 

weniger Leute benötigt, weil das Umfeld 

sicherer und kalkulierbarer ist. 

06 LICHT 

Im Studio reicht ein normaler 

Blitz, aber vor Ort an einer Location 

braucht man oft gesonderte Beleuchtung 

mit zusätzlichen Batterien. 

TREFFPUNKT FÜRS 

07 TEAM 

Es ist für alle viel angenehmer, wenn das 

Team sich im Studio treffen soll, anstatt 

irgendwo draußen unter freiem Himmel. 

08 TEMPERATUR 

Die Scheinwerfer können 

ungemütlich heiß werden, aber wenn es 

im Studio eine Klimaanlage gibt, kann 

man das besser ertragen. Vor Ort ist den 

leicht bekleideten Models oft kalt, aber 

in einem beheizten Studio ist das kein 

Problem. 

© Ishmil Waterman 

HAAR UND 

MASKE 

Bei High-End- 

Shootings kümmern 

sich Experten um 

die Frisuren und das 

Make-up der Models. 

BLAUE FOLIE 

(UNTEN LINKS) 

ORANGEFARBIGE 

FOLIE 

(OBEN RECHTS) 

BEAUTY 

DISH 

MOTIV 

HINTERGRUND 

ARBEITEN MIT 

FOLIEN 

„Dieses Bild war ein Test, 

wir haben an dem Tag mit 

Folien experimentiert“, 

erklärt Ishmil Waterman. 

Mit Folien kann man 

einen ausgefallenen und 

ungewöhnlichen Look 

erreichen, der für High-End- 

Fotos ideal ist. 

SIMPLER AUFBAU 

Ishmil hat eine blaue 

Folie über die linke 

Seite des Objektivs 

angebracht und eine 

Warmtonfolie oben rechts. 

Die Hauptlichtquelle ist ein 

Beauty Dish. 


TECHNIKEN 

Was man vor Ort 

– on location – 

bedenken sollte 

TOLLE HINTERGRÜNDE 

01 Vor Ort kann man sich schöner Hintergründe 

und traumhafter Gebäude bedienen, die man in 

einem Studio unmöglich aufbauen kann. 

INSPIRIERENDE ORTE 

02 Ein Fotostudio kann erdrückend sein. Die 

Suche nach inspirierenden Locations, an denen 

man das Shooting macht, kann für Ideen förderlich 

sein. Man kann dabei gut durchatmen. 

ZUSCHAUER UND 

03 PASSANTEN 

On location kann es immer passieren, dass Passanten 

stehen bleiben und zuschauen. Die Menschen 

sind von professionellen Mode-Fotoshootings 

fasziniert, insbesondere wenn auch noch schöne 

Models dabei sind. 

04 AUSRÜSTUNG 

Sie müssen die Ausrüstung sicher an 

die Location und wieder zurückbringen. Zudem ist 

die Gefahr vorhanden, dass etwas beschädigt oder 

gestohlen wird. 

05 GEBÜHREN 

Viele der beliebtesten Standorte verlangen 

eine Gebühr dafür, dass Sie, Ihre Models und Stylisten 

einen Tag lang Fotos machen dürfen. Das muss 

bei Ihrer Kalkulation berücksichtigt werden. 

06 ORGANISATION 

Beim Shooting vor Ort müssen Sie sicherstellen, 

dass alles sehr gut organisiert ist, insbesondere 

wenn teure Gebühren anstehen. Falls das 

übersehen wird und die Fotos ruiniert sind, erstattet 

der Kunde nichts zurück. 

VORSICHT MIT DEM WETTER 

07 „Man muss extrem flexibel bleiben“,so Chris 

Yates. „Man hat seinen Tag geplant, die Location gefunden, 

die Zeit festgelegt – und dann macht einem 

das Wetter einen Strich durch die Rechnung.“ 

Auf den richtigen Ort kommt es an 

Viele High-End-Fotoshootings finden vor Ort 

– „on location“ – statt, sowohl innen als auch draußen, 

weil es schlicht und einfach nicht möglich ist, 

jedes Foto im Studio zu machen. Das Setting ist 

ein integraler Bestandteil. Dazu Chris Yates: „On 

Location zu arbeiten ist etwas ganz anderes als 

im Studio. Es stehen einem viel mehr Optionen 

offen. Aber bei der Planung gehört ebenfalls viel 

mehr dazu.“ Obwohl also Kulissen aufgrund ihres 

Settings erhebliche Vorteile mit sich bringen, kann 

bei Shootings vor Ort auch ein größeres Team 

notwendig sein. Es gibt vor dem Shooting viel zu 

arrangieren und zu organisieren. An vielen Plätzen 

ist eine Genehmigung erforderlich – und seien Sie 

nicht überrascht, wenn die Gebühr nicht immer 

günstig ist. Zudem kann es sein, dass man kaum 

Privatsphäre hat. Auch muss man eventuell einen 

Wachdienst mit der 

Sonnen 

aufgang und 

-untergang 

Selbst wenn das Shooting nachts 

stattfindet, sind Sie immer noch an 

die Zeiten gebunden, an denen die 

Sonne aufund untergeht. Wenn 

Sie im Winter arbeiten, hält das 

Tageslicht nicht lange an. 

Sicherheit beauftragen, 

wie 

Kevin Michael 

Reed sagt, 

meistens 

dann, 

wenn man 

an dicht 

besiedelten 

oder stark 

frequentierten 

Orten arbeitet. Vergessen Sie auch nicht, dass 

Ihre Models Toiletten und Garderoben brauchen, 

immerhin müssen sie sich zwischen den Aufnahmen 

umziehen oder umstylen. Auch Transportkosten 

können schnell explodieren, denn häufig 

müssen eine Menge teurer und schwerer Geräte 

sicher zur Location gelangen. Dazu muss man oft 

Fahrzeuge und Fahrer mieten. Doch das größte 

Problem ist zweifelsohne das Wetter. Wenn ein 

unvorhergesehener Platzregen aufkommt, war die 

ganze Planung und Organisation umsonst. Dann 

muss man umdisponieren. Auch wenn sich das 

Wetter brav an die Vorhersagen hält, können die 

Außentemperaturen den Models und dem ganzen 

Team schwer zu schaffen machen. An warmen 

Tagen können die Hitze der Sonne und auch die 

Abstrahlungen der Scheinwerfer unangenehm 

werden und an kühlen Tagen kann es vorkommen, 

dass den Models in ihren modischen Kleidern 

schlicht und einfach zu kalt ist. Darüber hinaus 

müssen Sie immer die Uhr im Auge behalten, denn 

wenn die Sonne untergeht, ist das Shooting in der 

Regel beendet. „Man ist wirklich von der Gnade 

der Natur abhängig“, sagt Kevin Michael Reed, 

aber er merkt auch an, dass es einen Vorteil gibt. 

Shootings vor Ort, insbesondere Außenmotive, 

haben in der Regel eine geräumiger wirkende 

Atmosphäre. „Vor Ort hat man viel Platz und 

kann sich auch mal zurückziehen.“ 

„Das größte Problem bei einer On-Location- 

Produktion ist zweifelsohne das Wetter.“ 

© Chris Yates 

REFLEKTOREN AM MOTIV 

Der Fotograf Chris Yates hat dieses eindrucksvolle 

und klassisch wirkende Bild (rechts) gemacht, mit einem 

Reflektoraufbau (unten) am Motiv. 

MÄNNLICHES MODEL 

WEIBLICHES MODEL 

REFLEKTOR 

REFLEKTORÜBUNG 

„Diese Aufnahme entstand an einem sonnigen Tag“, erklärt 

Chris Yates. „Mit dem Reflektor hatte das Model einen etwas 

sanfteren Lichteffekt.“ Bilddetails: Canon EOS 5D Mark III mit 

einem 70-200mm-Objektiv bei 110 mm und f8, 1/125 Sek, ISO 100 

Privatsphäre 

Sie müssen darauf achten, 

dass die Models einen Ort haben, 

an dem sie sich umziehen 

können, und dass die Stylisten 

einen geeigneten Arbeitsplatz 

haben. Im Notfall müssen Sie 

WoMos mieten. 


FashiOn-POrtrÄts 

Ein Kuss in Paris? 

„nein, das ist nicht Paris. Die 

Frage stellt jeder“, sagt Kevin 

Michael reed. „Es ist Coney 

island in Brooklyn. außer der 

sonne haben wir noch einen 

Beauty Dish für das Licht 

verwendet. Die Farbtöne 

wurden später abgestimmt.“ 

Bilddetails: PhaseOne 645DF 

plus P40+ digital back mit 

einem 80-mm-Objektiv bei f8, 

1/400 sek., isO 50 

© Kevin Michael reed 

Besorgen 

Sie sich eine 

Versicherung 

Es ist unklug, ohne eine gültige 

Haftpflichtversicherung zu 

arbeiten. Auch die teure Ausrüstung 

sollte versichert sein. 

On Location kann vieles 

schiefgehen. 

POrtrÄtFOtOgraFiE 99

TECHNIKEN 

So kommt man in Mode 

AVEDON-EXPERIMENT 

„Das ist das einzige Foto von mir, von 

dem ich noch nicht die Nase voll habe“, 

erklärt Ishmil Waterman. „Es wurde 

direkt von Richard Avedon inspiriert. 

Ich erinnere mich nicht mehr genau an 

die Beleuchtung, aber die Mutationen 

entstanden in Photoshop.“ 

© Ishmil Waterman 

Wie bei den meisten Bereichen der 

Fotografie gibt es für High-End-Modefotografen 

mehr als nur einen Karrierepfad. 

Für Kevin Michael Reed war 

es ein „glücklicher Zufall“, dass er 

Fotograf wurde. „Ich war für eine 

Werbeagentur in New Haven tätig, wir 

arbeiteten an einem Projekt für einen 

Kunden und der Fotograf zeigte sich 

nicht. Und wir hatten einen strikten 

Abgabetermin. Ich hatte zufällig meine 

Kamera dabei. Es war kein riesiges 

Projekt, aber als ich meine Bilder 

gedruckt vor mir sah, wurde meine 

Leidenschaft entfacht.“ Schließlich 

entschloss Kevin sich, am Fashion 

Institute of Technology in New York 

zu studieren. 2007 machte er sein eigenes 

Studio auf, ebenfalls in New York. 

Jungen Fotografen rät er, sich nicht 

zu sehr mit Ausrüstung zu verzetteln. 

„Gerade am Anfang sollte 

man sein Geld für sein Portfolio 

und fürs Marketing ausgeben 

– nicht für teures Spielzeug“, 

sagt er. „Ausrüstung kann 

man mieten, wenn man 

einen Job hat. Aber ohne 

ein gutes Portfolio kriegt 

man keinen Job. Also muss 

man sein Portfolio gut vermarkten.“ 

Darüber hinaus 

rät er, so viel wie möglich 

zu fotografieren.„Machen 

Sie so viele Shootings wie 

möglich. Wenn Sie keinen 

Online-Portfolios 

Wenn Sie größere Bekanntheit als 

High-End-Modefotograf wollen, ist es unbedingt 

erforderlich, auch online präsent zu sein. 

Hier sind einige der besten Webseiten, auf 

denen Sie Ihre Fotos zeigen können. 

www.flickr.com • 

www.photo.net • 

www.fotocommunity.de • 

Sie können auch Ihre eigene 

Webseite bauen. Die folgenden 

Seiten können Ihnen dabei helfen:. 

www.photoshelter.com • 

www.portfoliobox.net • 

www.smugmug.com • 

www.zenfolio.com • 

„Machen Sie so viele Shootings 

wie möglich. Wenn Sie keinen Kunden haben, 

stellen Sie sich selbst Herausforderungen.“ 

Ishmil Waterman 

Ishmil ist erst seit zwei Jahren 

Modefotograf, zuvor hat er sich auf 

Lifestylefotos und Porträts spezialisiert. 

Für die Gründung seiner eigenen 

Produktionsfirma im Jahr 2013 hat er 

ein überzeugendes Portfolio 

zusammengestellt, das aus 

Mode-, Beauty- und Werbefotos 

besteht. 


FasHion-porträts 

High-end fashion photography 

Die KlassiKer 

auf diesem Bild sieht man die 

klassischen elemente der High-end. 

Fotografie. ein distanziertes Model, 

das die Kamera ignoriert und ein 

geschmackvoller schuss sexappeal. 


Kunden haben, dann stellen Sie sich selber 

eine Herausforderung.“ Ishmil Waterman hält 

es für unerlässlich, sich auch über das Internet 

weiterzubilden. „Youtube und das Internet sind 

Ihre besten Freunde. Dort erfahren Sie viel über 

neue Techniken, die Sie vielleicht interessieren. 

Wichtig ist, dass Sie stets hartnäckig bleiben und 

es in der Fotografie immer wieder von Neuem 

versuchen. Auch sollten Sie ständig dazulernen 

und Ihr Portfolio erweitern. Sie sollten bei sozialen 

Netzwerken aktiv sein und Ihre Fotos auch 

online vorweisen können.“ Ishmil Waterman 

rät, Fotos freizügig zu teilen, statt diese hinterm 

Berg zu halten. So erlangt man mehr Bekanntheit 

und gilt als offen und zugänglich. „Mein 

Wissen kann sich jeder aneignen. Und wenn 

jemand meine Methoden verwendet, dann denkt 

er trotzdem nicht wie ich. Das Ergebnis wird 

immer anders sein. Also teilen Sie am besten 

alles. Wenn man denkt, man sei der Einzige in 

der Welt, der weiß, wie etwas geht, und es mit 

niemandem teilen will, dann wirkt man nur 

unangenehm und arrogant.“ 

Wie sind Sie zur High-End- 

Mode-Fotografie gekommen? 

In meinem dritten Studienjahr 

habe ich als Pressefotograf für 

zwei Lokalzeitungen gearbeitet, 

um Geld für die Studiengebühren 

der Fotokurse zu 

verdienen. Modefotografie war 

Teil des Curriculums und einer 

der Agenturen gefielen meine Bilder – und meine 

Preise. Also habe ich Portfolio-Bilder für ihre Models 

gemacht. Ich bekam tolles Feedback und fing an, für 

verschiedene Agenturen in Montreal zu arbeiten. Ein 

Jahr später bin ich nach Paris gegangen, um mich in 

der Modewelt umzusehen. 

Der Weg zur Mode 

Wir sprachen mit Yanick Déry über seinen Weg in 

die High-End-Modefotografie und seine Ratschläge 

für die junge Generation. 

Warum entscheidet sich ein Kunde für einen 

bestimmten Fotografen für ein Shooting? 

Der Kunde will einen bestimmten Fotografen, weil er 

dessen Vision und künstlerischen Stil schätzt. 

Welchen Ratschlag würden Sie jungen Fotografen 

geben, die in dem Bereich arbeiten wollen? 

Halten Sie es möglichst einfach. Und Sie sollten keine 

anderen Fotografen imitieren. Machen Sie jede Woche 

neue Fotos. Schauen Sie nicht in Modezeitschriften 

oder Kunstmagazine. Entwickeln Sie Geschichten, die 

aus zehn Bildern oder noch mehr bestehen, zehn 

verschiedene Kleider und Situationen. Seien Sie bei 

dem, was Sie zeigen, wählerisch und beständig. Sie 

sollten auf Ihre Arbeit stolz sein, aber auch die 

Bodenhaftung nicht verlieren. Es sind ja nur Fotos. 

porträtFotograFie 101

TECHNIKEN 

Babys & Kinder 

Die Schönheit eines Neugeborenen 

oder die Persönlichkeit eines Kindes 

auf einem Foto festzuhalten ist 

etwas, was sich alle wünschen. 

Wir interviewen einige Profis, und 

erklären, wie auch Ihnen solche 

Aufnahmen gelingen. 

E 

s ist mehr als nur ein „normales“ Foto, wenn 

man die Zartheit eines Neugeborenen oder das 

freche Grinsen eines Kleinkindes mit der 

Kamera einfängt. Da solche Bilder sehr persönlich 

sind, gehören sie wahrscheinlich zu den 

denkwürdigsten Erinnerungstücken der Eltern. Das ist der 

Grund, warum der Markt für die Porträts Neugeborener und 

Kleinkinder so schnell wächst. Doch nur wenigen Fotografen 

ist dabei Erfolg beschieden. Die Besten der Besten heben sich 

von Imitatoren dadurch ab, dass sie einen individuellen Stil 

entwickelt haben, der dann auch noch attraktiv ist. Carrie 

Sandoval aus San Diego und Brittany Woodall aus Atlanta 

kannten sich nur über das Internet, aber beide interessierten 

sich leidenschaftlich für Babys und Fotografie. Heute leiten 

sie zusammen das wohl coolste Studio für Babyfotografie in 

Amerika, Baby As Art. Ihren Erfolg verdanken Sie ihrem 

gefragten Look. Sie haben in ganz Südkalifornien dankbare 

Kunden, auch in den von Fotografen heiß umkämpften Bal- 

102 PorTräTFoTograFIE

KInder FOtOgraFIeren 

fotografieren 

lungsgebieten wie Orange County und Los Angeles. Allein 

dieses Jahr haben sie Flüge nach Hawaii, Colorado, Washington, 

New York, Tennessee und Montana gebucht, um 

vor Ort Babys zu fotografieren. Zu ihren zufriedenen Kunden 

zählen bekannte Namen wie beispielsweise NASCAR- 

Rennfahrer Jeff Gordon und seine Familie. Ihre Bilder erinnern 

eher an Gemälde als an Fotos, mit diesem Stil wurden 

Carrie und Brittany schnell bekannt. Seit 2008 arbeiten sie 

in San Diego und Kunden wie Kollegen bewundern ihre 

Fähigkeit, fröhlich wirkende Baby in friedlichen Innen- und 

Außenmotiven abzulichten. „Ich wollte schon frühzeitig in 

meiner Karriere meinen Stil mit einem Wort beschreiben. 

Und zwar ‚natürlich’“, erklärt Brittany. „Meine Fotos sollen 

die natürliche Schönheit eines Neugeborenen zeigen, ohne 

dass dabei andere Elemente ablenken.“ Ihre Partnerin 

stimmt zu: „Britt und ich sind natürlich immer an neuen 

Posen und Requisiten für die Babys interessiert, aber es ist 

wichtig, dass das Baby dabei immer im Vordergrund steht. 

Wir achten sehr auf die Bildkomposition. Wir bevorzugen 

eine geringe Tiefenschärfe und sorgen dafür, dass die Texturen 

nicht im Kontrast miteinander stehen. Und noch etwas: 

Wir besorgen viele unserer Requisiten in Antiquitätenhandlungen 

oder auf Flohmärkten. Wir arbeiten oft mit Künstlern 

wie Holzschnitzern oder Strickern. Und wir bedienen uns bei 

Mutter Natur. Baumstümpfe und Äste sind zum Beispiel sehr 

schön.“ Da der Wettbewerb in diesem Mark stetig zunimmt, 

wissen die beiden nur zu gut, wie wichtig es ist, einen eigenen 

Stil zu erschaffen und diesen so zu formen, dass daraus 

ein greifbares Markenimage wird. „Leider geht der Trend 

neuer Fotografen eher zum Kopieren, statt selbstständig zu 

denken. Unsere Fotos werden oft nachgeahmt, sodass es 

innerhalb der Babyfotografie weniger Vielfalt gibt“, so Brittany 

weiter. „Aber das beeinträchtigt unsere Kreativität nicht 

– ganz im Gegenteil, es spornt uns an. Wir überlegen uns 

immer neue, noch nie da gewesene Fotoideen. In letzter Zeit 

gehe ich auch öfter aus dem Studio heraus und suche mir 

Strahlende 

augen 

„ein Schwarz-Weiß-Foto von 

einem Jungen, entspannt 

und aufmerksam.“ 

Bilddetails: nikon d3S mit 

einem 50-mm-Objektiv bei 50 

mm und f2.5, 1/320 Sekunden, 

ISO 500 1/320 Sek., ISO 500 

© Carrie Sandoval, Baby as art 2010 

POrträtFOtOgraFIe 103

TECHNIKEN 

„Die Qualität zeigt sich, wenn technische Komponenten 

wie Belichtungszeit und Weißabgleich gemeistert sind.“ 

WIE EIN PFIRSICH 

„Das Mädchen hängt vom 

Ast eines Pfirsichbaums, der 

später eingefügt wurde.“ 

Bilddetails: Nikon D3S mit 50mm 

Objektiv bei 50mm und f2, 1/320 

Sek., ISO 160 

© Carrie Sandoval | Baby as Art 2010 

schöne Motive im Freien, um aus den Fotos von Neugeborenen 

etwas Besonderes zu machen. Babys mit den Wundern 

der Natur zu kombinieren ist eine der reinsten und natürlichsten 

Kunstformen und ich finde es sehr inspirierend.“ Das 

Image einer sanften, üppigen und natürlichen Fotografie, das 

das Team genießt, hat viel Aufmerksamkeit auf sich gezogen. 

Darauf kann Baby As Art durchaus bauen, denn ihre Arbeit 

ist besser als die der meisten ihrer Kollegen und die feinen 

Unterschiede lassen sie aus der Menge „traditioneller“ Babyfotografen 

hervorstechen. Das Team ist eine zukunftsweisende 

Kraft in dieser Branche. „Die allererste Phase bei Neugeborenen 

ist etwas Besonderes“, meint Carrie. „Sie dauert nur ein 

paar Wochen und ich bin voller Bewunderung für diese winzigen 

Wesen! Ich wusste von meiner allerersten Session an, 

dass ich mich darauf spezialisieren will. Ich liebe die kreative 

Herausforderung die man hat, wenn die Person, die man porträtiert, 

90 Prozent der Zeit schläft!“ Die beiden sind für ihre 

natürlichen Fotos berühmt und sie haben Dutzende von 

Babys in der freien Natur fotografiert, von den Hügeln Hawaiis 

zum Glacier National Park in Montana. Trotzdem, und das 

gibt das Duo unumwunden zu, entstehen die meisten Fotos 

im Studio. „85 Prozent unserer Fotoshootings finden in meinem 

Studio bei Tageslicht statt“, erklärt Carrie. „Es ist ein 

kleines, bescheidenes Zimmer, das leicht zu heizen ist, perfektes 

Licht hat und uns problemlos Zugriff auf all unsere 

Decken und Requisiten ermöglicht. Die restlichen 15 Prozent 

entstehen beim Kunden zu Hause. Es ist spannend, ihr 

Zuhause als Kulisse zu verwenden und mit dem Licht dort zu 

arbeiten, aber es macht viel mehr Arbeit! Wir überraschen 

viele Kunden mit den Fleckchen, die wir zum Fotografieren 

auswählen. Oft sind es winzige Ecken eines Raumes. Wir 

suchen immer nach natürlichem Licht. Idealerweise wollen 

wir ein Fenster, das vom Boden bis zur Decke reicht und das 

indirekt vom Sonnenlicht erhellt wird. Ich mag Fenster, die in 

einem 90°-Winkel zu einer Wand sind, so etwas können wir 

als Kulisse für ein Familienfoto verwenden. Wir sind dafür 

bekannt, dass wir ab und zu Möbel für ein Foto neu anordnen 

und Fliegengitter von den Fenstern entfernen, um ein 

wenig mehr Licht hereinzulassen. Niedrige Fenster oder Glastüren 

sind für uns die besten Fenster, weil wir dann das Baby 

für das Foto auf einem weichen Sitzkissen auf dem Boden 

platzieren können.“ Um die Zeit für das Setup zu minimieren, 

erklärt Brittany, dass das Team die Wohnung gerne am Tag 

vor dem Shooting inspiziert: „Manchmal bitten wir den Kunden 

sogar, uns vor der Session Bilder von den hellsten Fleckchen 

im Haus zu schicken. Wenn das Licht nicht ausreicht, 

schlagen wir vor, das Shooting bei uns zu machen.“ Neben 

der Babyfotografie leiten die beiden Damen auch Fotografie-Workshops 

in einem schönen Strandhaus in ihrem Heimatstaat 

Kalifornien. Sie sind gerne bereit, ihr Wissen zu teilen: 

„Das Ziel beim Fotografieren von Babys ist im Grunde 

ganz einfach, nämlich das Bild mit der Kamera festzuhalten“, 

so Brittany. „Ich möchte die Fotos in der Nachbearbeitung 

nur so wenig wie möglich verändern, daher muss alles vor 

der Kamera perfekt sein: die Beleuchtung, die Einstellungen, 

das Setup, wie das Baby liegt oder sitzt, der Weißabgleich – 

wir versuchen sogar, den Bildrahmen vorher festzulegen! Ich 

benutze sehr große Blendenöffnungen wie f1.4-1.6, dadurch 

104 PORTRäTFOTOgRAFIE

KINDER FOtOGRAFIEREN 

ALLEIN 

„Das Mädchen war drei Jahre alt. Ich 

wollte zeigen, das sie eigentlich nur 

allein gelassen werden wollte. Sie 

hat das perfekt geschafft. 

Bilddetails: Hasselblad H3DII 31 mit 

einem 80-mm-Objektiv bei 80 mm 

und f8, 1/125 Sek., ISO 100 

© Lisa Visser 

entsteht der weiche Look. Die meisten Fotografen finden es 

schwierig, die korrekte Beleuchtung für ein Neugeborenes 

richtig zu setzen. Das liegt daran, dass bei Porträts die meisten 

Personen im Verhältnis zur Lichtquelle aufrecht sitzen 

oder stehen, anstatt horizontal im Licht zu liegen. Wir finden, 

die Beleuchtung hat einen enormen Einfluss auf den endgültigen 

Look.“ Carrie führt den Gedanken weiter: „Die Beleuchtung 

ist extrem wichtig. Bei unseren Workshops legen wir 

auf diesen Aspekt sehr viel Wert. Ich werde oft gefragt, ob ich 

die Bilder später in Schwarz-Weiß konvertiere und meine 

Antwort ist immer dieselbe. Es fängt alles mit einem ordentlich 

ausgeleuchteten Foto an und es endet mit einigen wenigen, 

sehr simplen Veränderungen in Photoshop. Wir greifen 

auch gerne auf außergewöhnliche Requisiten und Bildkompositionen 

zurück. Ich liebe besonders Nahaufnahmen mit meinem 

105-mm-2.8G-Micro-Objektiv. Viele unserer Lieblingsbilder 

sind extreme Nahaufnahmen von den Lippen, Wimpern, 

Ohren, Zehen und Fingern. Daran sieht man immer, wie 

unfassbar jung und zart so ein Baby ist.“ Den Schwerpunkt 

legen sie meist auf die untere Bildhälfte. „Wenn man die 

untere Bildhälfte stärker betont, findet das Auge leichter 

Zugang zum Foto. So hat das Bild mehr Wirkung. Anders 

ausgedrückt: Die Augen müssen nicht erst das Bild nach dem 

eigentlichen Motiv absuchen“, erklärt Brittany. Was die Technik 

angeht, beschreibt Carrie ihren bevorzugten Ansatz: „Die 

Blende ist meist bei über 1/320 Sekunden, um Erschütterungen 

zu vermeiden. Lieber greife ich auf höhere ISOs zurück 

als auf eine langsamere Belichtungszeit, denn die D3S kommt 

mit hohen ISOs gut zurecht. Die Blende für ein Einzelmotiv 

ist in der Regel zwischen f1.4-f2.8, weil ich sanfte Schärfentiefe 

sehr mag. Bei Familienporträts mache ich die Blende 

etwas kleiner, etwa f3.2, damit jeder scharf im Bild zu sehen 

ist. Ich halte die ISOs so niedrig wie möglich, was im Studio 

so zwischen 100–600 ist, aber in den Wohnungen unserer 

Kunden greifen wir auch mal auf ISO 2000 zurück.“ Beide 

Frauen sind der Marke Nikon gegenüber loyal, Brittanys 

Favorit ist die D3 und Carrie hat sich sich für die neuere D3S 

entschieden. Gemeinsam besitzen die Frauen ein bescheidenes, 

aber gut sortiertes Arsenal an Ausrüstung: Nikon D700 

DSLR, Nikkor 50mm 1.4 G, Nikkor 105mm G 2.8 Mikro, ein 

© Jo Frances 

Mac Pro mit Cinema Display, Adobe Photoshop CS5, ein 

Weißrausch-Klanggerät, Raumheizung, zzgl. viele Requisiten 

wie Körbe, Kisten, Holzschalen, Sitzsäcke, Decken und Kissen 

etc. Carrie beschreibt einen typischen Arbeitstag: „Wir 

beginnen immer auf die gleiche Weise und fragen die Eltern, 

ob sie irgendwelche besonderen Wünsche haben. Denen versuchen 

wir natürlich nachzukommen, aber die meisten Kunden 

geben uns freie Hand, das ist super. Kein Shooting ist wie 

das andere. Wir würde es hassen, wenn wir uns langweilen! 

Wir beginnen in der Regel um 11 Uhr, wenn Eltern und Baby 

kommen. Wir entkleiden es und wickeln das Kind in eine 

weiche Decke. Die Mutter füttert das Baby und dann fotografieren 

wir das Kind etwa eine Stunde lang im Sitzsack, in einfachen 

Kringelposen. Dann werden wir kreativer und probieren 

ein paar Requisiten oder andere Posen aus. Wenn es sein 

muss, wird das Baby wieder gefüttert, dann machen wir Aufnahmen 

mit den Eltern. Nach dem Füttern ist die beste Zeit 

SCHWANGERES 

PAAR 

„Ein tolles Beispiel für die Dynamik 

zwischen Paaren: Er betete sie 

an! Man sieht, was sie aneinander 

lieben. Mit nur wenigen Requisiten 

wirkt die werdende Mutter noch 

viel schöner.“ 

Bilddetails: Canon EOS 5D Mark 

II mit einem 24–70-mm Objektiv 

bei 58 mm und f7.1, 1/125 Sek., 

ISO 125 

PORtRätFOtOGRAFIE 105

TECHNIKEN 

© Brittany Woodall | Baby as Art 2010 

„Das Besondere bei meinen 

Porträts ist, dass ich die Kinder 

oft in ihrer Zartheit zeige.“ 


KINDER fOTOGRAfIEREN 

EXPERTENRATSCHLAG 

Brittany Woodall and Carrie Sandoval: Baby As Art 

Web: www.babyasart.com Email: workshop@babyasart.com 

Anfangs hat Carrie Sandoval (rechts) die 

Fotografie nie ernsthaft in Betracht gezogen. 

Doch das änderte sich, als sie 2003 Mutter 

wurde und eine DSLR kaufte. Nach der 

Geburt ihres vierten Kindes spezialisierte sie 

sich auf Babys. Brittany Woodall (links) hingegen, die jetzt auch in San Diego lebt, war 

von Kindheit an von Fotografie begeistert. „Ich habe mit meinem kleinen Bruder geübt, 

den Haustieren und den Kindern, auf die ich als Babysitterin aufgepasst habe. Ich habe 

Bücher über Fotografie aus der Bücherei ausgeliehen und im Laufe der Zeit fing ich an, 

die technischen Aspekte besser zu verstehen. Ich habe mir alles selbst beigebracht! Ich 

habe auch nie wirklich daran gedacht, die Fotografie irgendwann zu meinem Geschäft 

zu machen. Das kam einfach so. Die Familien der Kinder, für die ich als Babysitterin gearbeitet 

habe, haben die Fotos gepostet. So kam eins zum anderen und meine Karriere als 

Fotografin nahm ihren Anfang, als ich gerade mal 17 Jahre alt war.“ Heute sind die beiden 

jungen Frauen so gefragt, dass sie sich entschieden haben, nur noch eine oder zwei 

Foto-Sessions pro Woche zu machen. So bleiben sie auch weiterhin kreativ. Zusätzlich 

bieten sich noch Workshops an, wie man mit natürlichem Licht Babys fotografiert. Weitere 

Informationen finden Sie auf www.babyasart.com. 

1 Das Fotozimmer sollte warm sein 

Nicht vergessen, im Bauch der Mutter ist Babys immer schön warm. Verwenden Sie 

reichlich Requisiten, die auch warm halten – wie Kuscheldecken und Sitzsäcke. 

2 Sicherheit geht über alles 

Tun Sie nie etwas, wenn Sie sich nicht hundertprozentig sicher sind, dass das Baby 

dadurch nicht gefährdet werden könnte. Bitten Sie um Hilfe. Es ist gut, wenn jemand die 

Decken hält, das Baby tätschelt und stets die Sicherheit im Blick hat. 

3 Üben Sie an Ihren Freunden 

Mit den Babys Ihrer Freunde und Freundinnen übt es sich leichte. Babys sind sehr 

sensibel, sie spüren, wenn Sie entspannt sind. Stressfrei üben macht sich bezahlt. 

4 Denken Sie kreativ 

Seien Sie originell, aber behalten Sie das Baby dabei immer im Blick. „Keep it simple!“ 

5 Nehmen Sie an unserem Workshop teil 

In den letzten zwei Jahren haben wir mit Hunderten von Fotografen aus aller Welt 

Workshops gemacht. Alle haben davon profitiert, die Kollegen haben danach viel 

bessere Bilder gemacht. 

für Fotos, damit das Baby nicht vom Duft der Mutter abgelenkt 

wird.“ Ein Shooting dauert etwa drei Stunden. Brittany 

erklärt, dass sie dabei die ganze Zeit Fragen stellen, um Fehler 

zu vermeiden und möglichst viele gute Aufnahmen zu zu 

bekommen. „Ich frage mich immer: Fühlt sich das Baby 

wohl? Stimmt das Setup? Sind die Decken glatt, hält das Baby 

die Finger richtig, stimmt die Beleuchtung, stimmen die Einstellungen? 

Gibt es etwas, was ich verändern sollte? Ist dieses 

Setup anders als die vorherigen? Wie kann ich mehr Vielfalt 

in die Session einbringen? Auf die Bitte, den Lesern einen 

guten Ratschlag mit auf den Weg zu geben, betont Carrie die 

Bedeutung der richtigen Atmosphäre: „Das Baby sollte 

schläfrig sein. Das Zimmer sollte geheizt sein, so um die 

30°C. Sorgen Sie dafür, dass im Hintergrund ein leises Rauschen 

zu hören ist, gehen Sie sanft und zärtlich, aber auch 

bestimmt mit dem Baby um und am wichtigsten: Bleiben Sie 

geduldig.“ In Brittanys Ratschlag schwingt ihr Perfektionismus 

mit. „Der beste Rat, den ich geben kann, ist, es vor der 

Kamera richtig zu machen“, schlägt sie vor. „Die Qualität 

zeigt sich erst dann, wenn Sie die technischen Komponenten 

wie die richtige Belichtungszeit und den Weißabgleich 

gemeistert haben. Gerade bei Neugeborenen ist die Belichtungszeit 

wichtig, weil sie meist einen etwas dunkleren und 

rötlicheren Teint haben. Wenn das Bild unterbelichtet ist, tritt 

die rötliche Haut nur noch stärker hervor. Babyhaut hat verschiedene 

farbliche Untertöne, das macht den Weißabgleich 

sehr wichtig. Bei älteren Babys und Kindern kann man gerne 

sattere Farben anstreben, aber bei Neugeborenen ist ein sanfter 

Look sehr wichtig. Vermeiden Sie zu große Farbkontraste.“ 

Auch die britische Fotografin Lisa Visser weiß, wie wichtig 

ein eigener Stil ist, ein Stil, den die Kunden ausschließlich ihr 

und ihrem Studio zuordnen. Im Gegensatz zu den fröhlichen 

und niedlichen Bildern, die ihre amerikanischen Kollegen 

machen, ist Lisas Bilderwelt eher düster, mitreißend und 

emotional bedrohlich. „Ich würde meine Art der Fotografie 

als klassisch, zum Nachdenken anregend und zeitlos 

beschreiben“, so die in Sussex lebende Fotografin. „Daher 

steht Lisa Visser in dem Ruf, künstlerisch anspruchsvolle 

Kinderporträts zu machen. Die schlichten Schwarz-Weiß-Fotos 

sind bei Kunden sehr beliebt. „Viele der Porträts, die ich 

mache, sind von Kindern im Alter von zwei Jahren oder älter. 

Manche sind recht eindringlich. Ich will, dass jedes Kind auf 

schlichte Weise schön aussieht.“ Das war nicht immer so. Vor 

nur vier Jahren machte Lisa die gleichen spaßigen High-Key- 

Fotos wie ihre Zeitgenossen. „Ich habe eines Tages beschlossen, 

dass ich etwas anderes will“, erklärt sie. „Mir wurde klar, 

dass ich etwas tun wollte, was mir näherliegt, also mache 

ich jetzt Bilder, die sehr emotional sind. Ich denke, es ist sehr 

schwierig, anders zu sein – und wenn man einmal einen Stil 

hat, werden viele Fotografen diesen zu imitieren versuchen. 

Man bleibt also nicht lange anders. Der Unterschied bei meinen 

Porträts ist, dass ich die Kinder verwundbar zeige und 

nicht nur immer ihr Lächeln in den Vordergrund rücke. Ich 

war mir nicht sicher, wie die Eltern darauf reagieren würden, 

aber diese Bilder verkaufen sich sehr gut.“ Im Gegensatz zu 

Baby As Art, wo der Schwerpunkt fast ausschließlich auf 

Neugeborenen liegt, arbeitet Lisa lieber mit Größeren. „Kinder 

sind so unvorhersehbar, so entstehen die besten Fotos. Ich 

finde, meine besten Bilder sind von sehr jungen Kindern. Sie 

sind so natürlich und es macht sehr viel Spaß, mit ihnen zu 

arbeiten, aber man muss sehr geduldig sein. Ich bin sehr gerne 

Kinderfotografin – jedes Kind ist anders und ich möchte 

ihre Unschuld zeigen. Manchmal ist es sehr schwierig, aber 

ich bin immer wieder begeistert, wenn ich etwas Besonderes 

festhalten konnte.“ Lisa arbeitet seit 1988 als Fotografin. Sie 

hat viel Erfahrung mit schwierigen Situationen und Menschen: 

„Kinder sind so unterschiedlich – einige sind sehr 

schüchtern, andere haben viel Selbstvertrauen und sitzen 

keine Minute still da. Mittlerweile weiß ich, was funktioniert 

und was nicht. Man muss einfühlsam sein, um zu wissen, 

wie man das Beste aus einem Kind herausholt, und vor 

DORNRÖSCHEN 

„Wir sehen nicht viele 

Neugeborene mit solchen 

Wimpern. Das Baby war bereits 

acht Monate alt und ist beim 

Shooting eingeschlafen. Es macht 

Spaß, ältere Babys so zu inszenieren 

wie Neugeborene, aber bei 

ihnen muss man sehr viel langsamer 

vorgehen.“ 

Bilddetails: Nikon D3 mit einem 

60-mm-Objektiv bei 60 mm und 

f3.5, 1/320 Sek., ISO 1000 

KLEINE 

SCHWESTER, 

GROSSE LIEBE 

„In meinem Studio, natürliches 

Licht und eine Kulisse aus 

Naturholz.“ 

Bilddetails: Nikon D3S mit 


f3.2, 1/320 Sek., ISO 320 

© Brittany Woodall | Baby as Art 2010 

PORTRäTfOTOGRAfIE 107

TECHNIKEN 

© lisa Visser 

VERWIRRUNG 

„Als ich diesem vierjährigen 

Jungen erklärt habe, was 

ich wollte, hat er mich 

so verwirrt angeschaut, 

dass ich das einfach 

fotografieren musste.“ 

Bilddetails: Hasselblad 

503cw mit „Phase one 

P20“-Rückteil und 80-mmobjektiv 

bei 80 mm, f8, 

1/125 Sek., ISo 100 

TANZEN 

„Das Mädchen ist fünf. Ich 

konnte eine symmetrische Pose 

vorschlagen. Ein eindringliches 

Bild, das durch den Blickkontakt 

noch verstärkt wird.“ 

Bilddetails: Hasselblad 503cw 

mit „Phase one P20“-Rückteil und 

80-mm-objektiv bei 80 mm, f8, 

1/125 Sek., ISo 100 

allem braucht man Geduld. Man sollte von jeder Art Verhalten 

unbeeindruckt bleiben und immer die Ruhe bewahren. Wenn 

Eltern mit einem 18 Monate alten Kind kommen, das dann 

einen Wutanfall kriegt, sollte man es am besten ablenken. Für 

jede Altersgruppe gibt es verschiedene Tricks, die ich benutze. 

Bei einer solchen Situation würde ich wahrscheinlich anfangen, 

Seifenblasen zu pusten und versuchen, sie mit meiner Nase zum 

Platzen zu bringen. Dann würde ich das Kind bitten, dasselbe 

zu tun. Dann dauert es meist nicht lange, bis die Tränen versiegen 

und das Lächeln wieder da ist. Bei einem schüchternen und 

zurückgezogenen Kind neige ich dazu, mehr zu sprechen, meistens 

über ihre Lieblingsfernsehsendungen oder die Namen ihrer 

Freunde. Einfach alles, was mir in den Sinn kommt.“ 

Im fotografischen Arsenal des Hamilton Studio fanden wir 

einen reichen Schatz an Objektiven, darunter auch ein 80-mmund 

ein 50-mm-Objektiv, ein Manfrotto-Stativ, Bowens Esprit 

250/500 Stativköpfe, eine 1,2 m große Wafer-Softbox, einen 15- 

cm-Reflektor mit engem Wabengitter, einen Triflektor, schwarze 

Molltonflaggen und eine Bowens-Windmaschine. Wenn es um 

die Kameras ihrer Wahl geht, zeigt sich Lisas teurer Geschmack: 

eine Hasselblad H3DII-31 und eine Hasselblad 503CW mit Phase 

One P20-Rückteil. „Bevor ich mit dem Shooting anfange, ist es 

wichtig, dass ich alles griffbereit haben. Bei einem typischen 

Shooting neige ich zu einer Verschlusszeit von 1/125 Sekunden 

und einer Blende zwischen f8 und f11“, verrät die Fotografin. 

Um ihren einfühlsamen Stil zu erreichen, setzt Lisa schwarze, 

dunkelgraue oder hellgraue Papierkulissen ein. Eine Ecke ihres 

Ateliers hat sie dunkelbraun angemalt und eine Wand hat eine 

interessante antik wirkende graue Tapete „Ich habe immer 

eine klare Vorstellung von dem, was ich erreichen möchte“, 

fährt sie fort. „Ich weiß nie, wie viel Zeit ich mit jedem 

Kind habe, bevor es zappelig wird, daher habe ich alle 

Requisiten, Kleidung, Spielzeug etc. immer griffbereit. Ich 

arbeite immer im Studio, ich wurde im Studio ausgebildet 

und hier habe ich die größte Kontrolle über das Licht.“ 

Lisa geht mit einer Softbox nah an die Person heran und 

setzt üblicherweise Lichtakzente im Haar. Um das Licht 

besser zu kontrollieren, arbeitet sie mit einem silbernen 

Reflektor. Wenn es weniger Licht sein soll, setzt sie 

schwarzen Mollton ein. „Ich will beim Ausleuchten immer 

Aufmerksamkeit auf das Gesicht und auf die Augen ziehen, 

weil ich immer auf Nahaufnahmen aus bin. Ich liebe 

eng gefasste Nahaufnahmen, meist im Querformat. Ich 

muss mich immer wieder daran erinnern, auch mal einen 

Schritt zurückzugehen.“ Wie bei jeder Art von Porträts, 

schlägt Lisa vor, die Person ein wenig kennenzulernen, 

bevor man zur Kamera greift. „Ich versuche vor der Arbeit 

immer, die Persönlichkeit des Kindes zu verstehen und 

diejenigen Aufnahmen zu kriegen, die möglich sind“, sagte 

sie. „Ich habe immer eine ungefähre Vorstellung von 

dem, was ich erreichen möchte, aber es hängt alles vom 

Kind ab. Ich fange immer einfach an, mit Halbnahem aus 

verschiedenen Winkeln, also Kopf und Schultern. Obwohl 

ich ernsthafte Aufnahmen liebe, mache ich auch immer 

ein paar Fotos, wo gelächelt wird. Sobald ich weiß, dass 

ich das alles habe, probiere ich andere Ideen aus. Wie 

Polly 

„Polly war damals 20 Monate 

alt, aber schon sehr erwachsen, 

sie wollte ihre Handtasche selbst 

halten!“ 

Bilddetails: Hasselblad 503cw 

mit „Phase one P20“-Rückteil und 

80-mm-objektiv bei 80 mm, f8, 

1/125 Sek., ISo 100 

108 PoRTRäTFoToGRAFIE

KINDeR fOtOGRafIeReN 


BaBy 

„Dieses Baby ist 

zehn Monate alt. Ich 

benutze gerne Hüte, 

weil sie das Gesicht 

gut einrahmen. Das 

hier ist eine klassische 

Nahaufnahme. 

Mindestens so eine 

versuche ich bei jeder 

Session zu kriegen.“ 

Bilddetails: 

Hasselblad 503cw 

mit „Phase One P20“- 

Rückteil und 80-mm- 

Objektiv bei 80 mm, 

f8, 1/125 Sekunden, 

ISO 100 1/125 Sek., 

ISO 100 


„Ich versuche, die Persönlichkeit des Kindes zu verstehen 

und die Aufnahmen zu kriegen, die möglich sind.“ 

gesagt, es hängt alles vom Alter ab und davon, ob ich der Meinung 

bin, dass es mit diesem Kind funktioniert. Ich passe immer 

gut auf und wäge ab, wie sich das Kind verhält. Ich versuche, 

ein paar emotionale, direkte Kopfaufnahmen zu machen, wenn 

das Kind in die Kamera schaut. Und auch ein Dreiviertelprofil 

– beides sind Bilder, die sich immer gut verkaufen. Man muss lernen, 

sich an das Kind, mit dem man arbeitet, anzupassen und 

immer gut hinzuschauen. Man sollte sich nicht so sehr auf seine 

eigenen Ideen fixieren, dann kann es nämlich passieren, dass 

eine gute Aufnahme flöten geht. Ich habe schon oft das Studio 

mit gewissen Ideen betreten und es hat dann einfach nicht 

geklappt. Aber dann sieht man einen bestimmten Blick, einen 

Ausdruck. Oder einfach nur etwas, was Kinder mit ihren Händen 

tun. Und man muss bereit sein, den richtigen Moment einzufangen.“ 

Obwohl für Lisa Stil, Ausrüstung, Konzentration und 

kreatives Denken bei der Schaffung einzigartiger Aufnahmen 

eine Rolle spielen, birgt die digitale Nachbearbeitung für sie das 

meiste Potenzial. „Ich fotografiere alles als RAW-Datei. Sobald 

das Shooting vorbei ist – je nachdem welche Kamera ich verwendet 

habe –, importiere ich die Bilder entweder in Capture One 

Pro oder Phocus. Ich gleiche dann die Farben aus und fange mit 

der Bearbeitung an. Dann stelle ich die Dichte ein und wandele 

in Photoshop das Bild in Schwarz-Weiß um. Ich bin ein Perfektionist 

und obwohl es länger dauert, konvertiere ich jedes Bild 

einzeln. Es ist mir einfach lieber, jede Datei separat zu behandeln 

und gegebenenfalls verschiedene Effekte auszuprobieren. 

Ich persönlich entsättige gerne das Bild und passe es in Tonwerten 

an. Dann habe ich ein sehr schönes Schwarz-Weiß-Foto. Ich 

füge auch manchmal einen Warmtonfilter hinzu, damit es einen 

schönen Grundton hat und manchmal eine strukturierte Schicht 

für den Hintergrund. Dann wird jedes Bild grundlegend gesäubert, 

ich will Flecken, Hautausschläge von Kinderkrankheiten 

oder dunkle Schatten unter den Augen loswerden. Das mache 


Lisa Visser: 

Lisa Visser Fine Art at Hamilton Studios 

Web: www.lisavisserfineart.co.uk 

Email: lisavisser@mac.com 

Lisa Visser ist schon seit der Schulzeit von der Fotografie begeistert. Sie 

ist die Inhaberin von Lisa Visser Fine Art at Hamilton Studios und ist seit 

1988 professionelle Fotografin. „Ich wollte Fotografie studieren, aber 

aus finanziellen Gründen musste ich mir einen Arbeitsplatz suchen. Ich bekam eine Stelle als 

Lehrling bei einer Fotokette in einem Kaufhaus. Das war für mich eine große Chance. Aber für wenig 

Geld massenhaft Fotos zu machen war nicht sehr kreativ. Trotzdem, dadurch habe ich solide 

Grundlagen der Porträtfotografie lernen können. Und ich habe gelernt, wie ich an Gesichtsausdrücke 

komme, die sich verkaufen, und wie man zeitsparend mit Kindern arbeitet.“ Nach sechs 

Jahren kündigte Lisa die Stelle, um selbst Kinder zu bekommen. Später kehrte sie zur 

Kinderfotografie zurück, diesmal als Fotografin bei den Hamilton Studios in East Grinstead in Sussex. 

„Hier erwachte meine Leidenschaft für Fotografie und meine Karriere ging los“, erklärt sie. „Ich 

konnte endlich die Porträts machen, die ich wollte, und mit verschiedenen Stilmitteln 

experimentieren.“ Später übernahmen Lisa und ihr Mann, der ebenfalls Fotograf bei der Firma war, 

das Geschäft. Jetzt ist es eines der erfolgreichsten Fotostudios in England. 


1 Blickkontakt 

Den Augenkontakt herzustellen ist der Schlüssel für schöne Bilder. 

2 KISS 

Keep it simple! Einfaches, weiches Licht ist immer vorteilhaft. 

3 Geduld ist eine Tugend 

Haben Sie Geduld, Geduld und noch mal Geduld. 

4 Behalten Sie immer die Zielperson im Blick 

Sorgen Sie dafür, dass der Kamerawinkel schmeichelhaft ist. 

5 Gesichtsausdruck 

Ein guter Gesichtsausdruck ist das Wichtigste – tun Sie alles dafür. 

PORtRätfOtOGRafIe 109

TECHNIKEN 

© Jo Frances 

110 PorTräTFoTograFIE

ich mit dem Reparaturpinsel und dem Pinsel-Tool, damit wird 

auch der Teint ein wenig sanfter. Um bei der Nachbearbeitung 

Zeit zu sparen, gibt uns Lisa noch einen praktischen Ratschlag: 

„Achten Sie immer darauf, dass das Gesicht des Kindes sauber 

ist, besonders die Nase. Bei Babys muss man immer mit Speicheltropfen 

rechnen! Wenn man gut aufpasst, muss man nicht 

stundenlang am Computer nachretouchieren.“ Im Gegensatz 

zu Lisa Visser etwas kühlerem Stil spezialisiert sich die neuseeländische 

Baby- und Kinderfotografin Jo Frances auf Fotos, die 

ein warmes, intimes Bild vermitteln. „Ich mag Fotos, die die 

Bindung von Menschen zueinander zeigen. Ich bin dafür 

bekannt, dass ich die Leute dazu animiere, sich zu berühren. 

In meinen Gruppenfotos ordne ich die Menschen oft im Dreieck 

an und bitte sie, die Köpfe eng zusammenzuhalten, um ein 

Gefühl von Nähe zu vermitteln. Ich mache keine Aufnahmen, 

in denen die Menschen getrennt voneinander stehen – außer es 

ist für einen bestimmten Zweck.“ Die Neuseeländerin ist für 

ihre herzerwärmenden Bilder junger und werdender Familien 

bekannt. „Sich um ein Kind zu kümmern ist so intim, dass es 

ein Privileg ist, das für jemanden festzuhalten. Ich fotografiere 

gerne Familien, weil ich eine starke Bindung und viel Mitgefühl 

für Menschen in dieser Phase ihres Lebens empfinde. Elternsein 

ist hart, es ist wichtig, sich täglich die schönen Seiten vor 

Augen zu halten, und das kann man mit tollen Fotos tun.“ Ein 

typisches Fotoshooting dauert knapp drei Stunden und fängt 

mit einem Gespräch an. Die Eltern sollen sich entspannen und 

sich darüber im Klaren sein, was sie sich von dem Shooting 

erhoffen. „Ich fange mit Familienfotos in drei oder vier verschiedenen 

Setups an. Dann ist meist kurz Pause, um das Baby 

zu füttern und die Windeln zu wechseln. Dann mache ich Einzelaufnahmen 

von jedem Elternteil mit dem Kind und dann 

von dem Kind allein, in der Regel sowohl als normales Porträt 

als auch – etwas komplizierter – mit Requisiten.“ Interessant 

ist auch ihr Einsatz kunstvoller Materialien, mit denen sie 

eine Geschichte erzählt. „Momentan bin ich gerade in einer 

mädchenhaften Secondhand-Phase. Ich kaufe breite Röcke mit 

Rüschen und mache kleine Halsketten für meine Sessions mit 

kleinen Mädchen“, merkt sie an. „Ich liebe es, Requisiten zu 

kaufen oder zu basteln – sie inspirieren mich und meine Mitarbeiter 

und dadurch bleibt unsere Arbeit frisch und unverbraucht. 

Ich habe auch eine Menge Kunden, die mehrmals 

gekommen sind, und ich will sicherstellen, dass ich ihnen 

etwas Neues bieten kann. Ich schaue mir die Fotos an, die ich 

bereits für sie gemacht habe, und dann kommen mir neue 

Ideen.“ Im Gegensatz zu den anderen Profis in diesem Artikel 

gesteht Jo, dass sie sich als Fotografin nicht sonderlich für die 

Technik interessiert. Stattdessen liegen ihre Talente in ihrer fürsorglichen 

Persönlichkeit und ihrer Art, schnell und kreativ zu 

denken. „Ich interessiere mich überhaupt nicht für die Technik 

dahinter. Sie soll ihre Aufgabe erfüllen. Ich plane auch nicht 

viel, meistens denke ich mir nur: ‚Oh, dieses Requisit will ich 

mal ausprobieren.‘ Aber was ich gut kann, ist auf Menschen 

einzugehen, damit sich sie wohlfühlen. Wenn man ein gemütliches 

Umfeld geschaffen hat und sich auf den Kunden einlässt, 

dann geht die Arbeit wie von selbst. Bei jungen Familien ist es 

wichtig, dass sie sich wie zu Hause fühlen. Mamas mit kleinen 

Babys sind sehr verletzlich und müssen betreut werden. Einfache 

Dinge, wie zu fragen, wie es ihnen geht, sind sehr wichtig, 

besonders wenn sie dann unangenehme Posen einnehmen sollen.“ 

Wie viele ihrer Kollegen fotografiert Jo im RAW-Format. 

Für ihre intimen Aufnahmen bevorzugt sie eine Canon EOS 5D 

Mark II mit einem 24-70mm-2.8-Objektiv. „Für meine Babys 

„Sich um ein Kind zu kümmern ist intim – 

es ist ein Privileg ist, das festzuhalten.“ 

kINDER FOTOgRAFIEREN 

FRANZÖSISCHE 

LIEBE 

„Das ist meine Tochter, Tess, 

zweieinhalb Jahre alt. Vor zehn 

Jahren habe ich diesen Mantel für 

meine Nichte gekauft, als ich mit 

meinem Freund auf Reisen war. 

Der Mantel blieb in der Familie und 

ging dann an Tess, der er sehr gut 

gestanden hat. Er erinnert mich 

daran, wie ich mich in meinen 

Mann verliebt habe, wie sehr ich 

Tess’ Verschmitztheit liebe und wie 

wichtig mir meine Familie ist.“ 

Bilddetails: CANON EOS 5D Mark 

II mit einen 24–70-mm-Objektiv 

bei 43 mm und f5.6, 1/125 Sek., 

ISO 125 

ENgELSkINDER 

„Das war ein Test, wir hatten 

drei Stunden Zeit dafür. Ich habe 

jeden Zwilling so lange gewiegt, 

bis er eingeschlafen ist, und beide 

dann vorsichtig positioniert. Das 

Originalfoto entstand vor Chiffon, 

und später haben wir Schafsfell 

eingefügt, um einen anderen Look 

zu erhalten. Die Mutter hat das 

Mädchen rechts als ‚Mutterhenne‘ 

beschrieben, und die Position soll 

das widerspiegeln.“ 

Bilddetails: CANON EOS 5D Mark 

II mit einem 24–70-mm-Objektiv 

bei 45mm und f7.1, 1/125 Sek., 

ISO 125 

© Jo Frances 


Jo Frances: Jo Frances Photography 

Web: www.jofrancesphotography.com 

Email: jo@ jofrancesphotography.com 

Eigentlich strebte Jo Frances eine Karriere als Psychologin an. Doch die 

Verlockung der Fotografie war zu stark. „Ich bin als Fotografin viel besser, 

als ich als Psychologin je hätte sein können.“ Jo Frances lebt in Wellington, 

Neuseeland, wo sie bereits seit einem Jahrzehnt erfolgreich als 

Fotografin arbeitet. Ein weiteres Studio gründete sie in Auckland. „Als ich 

in dem Geschäft angefangen habe, hat mein Mann mich finanziell unterstützt. 

Er hat mir geraten, meinen alten Job an den Nagel zu hängen und 

meinem Traum zu folgen. Im ersten Jahr habe ich Verlust gemacht, im 

zweiten Jahr hat mein Kindermädchen mehr verdient als ich, aber im 

dritten Jahr ging es los. Ich arbeitete sehr hart, um mir meinen Kundenstamm 

aufzubauen. Ich wollte, dass meine Kunden sich ernst genommen 

fühlen. Es war ein Vorteil, Mutter zu sein, weil ich gut auf Babys eingehen 

konnte. Anfangs haben mich die Kunden nicht immer nett behandelt, 

besonders nicht die älteren Männer. Sie wollten immer Gratis-Leistungen 

und ich habe nachgegeben. Allmählich begann ich an meine 

eigenen Fähigkeiten zu glauben, ich wurde selbstbewusster und da 

durch hatten sie mehr Respekt für mich. Heute sind die meisten unserer 

Kunden ganz wunderbar und ein guter Ruf eilt uns voraus.” 

PORTRäTFOTOgRAFIE 111

TECHNIKEN 

VERLOREN 

„Das Mädchen ist acht 

Jahre alt. Der Schal 

umgibt ihr Gesicht und 

wurde dann so beschnitten, 

dass er das Auge des 

Betrachters auf ihr Gesicht 

und ihre Augen lenkt.“ 

Bilddetails: Hasselblad 

H3DII-31 mit einem 80-mm- 

Objektiv bei 80 mm und f8, 

1/125 Sek., ISO 100 


MUTTER UND 

TOCHTER 

„Das Foto zeigt eine wunderschöne 

Mutter mit ihrer Tochter. Mir 

gefällt, wie sich die Haut berührt. 

Wie Pfirsische und Sahne!“ 

Bilddetails: Nikon D3S Mit einem 


f2.8, 1/320 Sek., ISO 800 © Carrie 

Sandoval, Baby as Art 2010 

TIPPS: 

1 Gemütlichkeit 

Ist alles komfortabel? 

2 Verbindung 

Sieht man den Motiven Bindungen 

an – bleibt jemand außen vor? 

3 Alle Bereiche 

Was machen die Schultern, 

Hände und das Kinn? 

4 Licht 

Ist das Licht schmeichelhaft. 

Steht jemand im Schatten? 

5 Ausdruck 

Bringen Sie das Bild durch ein 

Lachen oder Lächeln zum Leben. 

Ein Spiezug ist dafür ideal. 

benutze ich auch ein 50-mm-1.4-Sigma-Objektiv“, erklärt sie. 

„Wir fotografieren mit einem Bowens-Kit, einer großen Softbox 

und einem weißen Schirm. Wir haben einen Goldreflektor, 

den wir oft benutzen, und ein Lichtband für Haarakzente. 

Beim Fotografieren mit Kindern ist es wichtig, dass die Ausrüstung 

nicht im Weg ist. Man muss sich ganz auf das Kind 

konzentrieren. Bei kleinen Kindern ist alles eine Frage des 

Timings. Man muss den Job so schnell wie möglich durchziehen. 

Ein Baby ist manchmal nur 20 Minuten lang guter 

Laune, aber wenn das Timing stimmt, kann ich in dieser Zeit 

alles hinkriegen. Ich habe auch ein ‚Kitzelstöckchen‘, eigentlich 

ein Staubwedel, mit dem ich die Kinder zum Lachen 

bringe. Ich lasse sie Wörter wie ‚Furz‘ sagen, um das Eis zu 

brechen.“ Anschließend widmet sich Jo der Nachbearbeitung. 

In der Regel geht es darum, das Bild zu beschneiden, es in 

Schwarz-Weiß zu konvertieren, die Belichtung zu justieren 

und die Farben zu korrigieren. Um Geld zu verdienen, verkauft 

Jo gerahmte und ungerahmte Fotos sowie Leinwände 

und Alben, aber sie ist keine besonders aufdringliche Verkäuferin. 

„Wir sind zurückhaltend. Manchmal verlassen wir für 

zehn Minuten das Zimmer, damit die Kunden unter sich ihre 

eigenen Entscheidungen treffen können. Uns ist es wichtig, 

dass sie wiederkommen und uns ihren Freunden empfehlen. 

Deswegen legen wir auf Service großen Wert und haben es 

nicht so sehr auf das Geld abgesehen. Ich habe vier Mitarbeiter 

und ein wesentlicher Teil ihrer Ausbildung war, ihnen zu 

erklären, wie sie die Kunden dazu bringen, sich wohlzufühlen. 

Wenn die Leute selbst entscheiden können und sie nicht 

das Gefühl haben, manipuliert zu werden, dann geben sie 

gerne auch mehr Geld für Fotos ihrer Liebsten aus. Es ist für 

unser Geschäft wichtig, dass man den Leuten einen Anreiz 

gibt, mehr zu zahlen. Wir bieten Extras an, die über den 

Grundpreis hinausgehen. Ein weiterer Aspekt unseres Erfolgs 

ist, dass die Preise von Anfang an klar sind. Nur 1 bis 2 Prozent 

unserer Kunden kaufen am Ende gar nichts. Viele Fotografen 

wollen die Leute nur locken und hoffen dann, dass die 

Fotos den Rest erledigen. Ich habe schon von Kollegen gehört, 

bei denen nur 50 Prozent der Kunden etwas kaufen. Das 

kann als Geschäftsmodell nur funktionieren, wenn man jede 

Woche sehr viele Leute abfotografiert und seine Angestellten 

nicht gut bezahlt, aber ich fände das frustrierend. Die bessere 

Strategie ist, sich auf ein Thema zu spezialisieren – in 

unserem Falle junge Familien –, statt von allem etwas zu 

machen. Unsere Kunden haben das Gefühl, dass sie das Beste 

bekommen – und nicht irgendeinen wahllosen Fotografen.“ 

Die Schönheit und Individualität von Kindern festzuhalten ist 

eine Fertigkeit, die gelernt werden will. In diesem Artikel 

sind einige Profis zu Wort gekommen und hoffentlich haben 

Sie sich inspirieren lassen, unvergessliche Aufnahmen zu 

machen, die für immer geschätzt werden. 

Ausrüstung 

MAKRO-OBJEKTIV 

Empfohlen: Canon EF 100mm 

F2.8L Macro IS USM 



Ein stabiles, leistungsstarkes 

Objektiv, das sich hervorragend 

für Nahaufnahmen von Details wie 

die Hände oder Augen eines Babys 

eignet. Das Objektiv ermöglicht 

es, Nahaufnahmen ohne Stativ zu 

machen. 

Mit diesem Equipment sind Sie bestens für Ihre Babyfotos gerüstet. 

SOFTWARE 

Empfohlen: Photoshop CS6 


Web: www.adobe.com 

Eine Software, die für ambitionierte 

Kinderfotografen unerlässlich 

ist. Sie können Bilder damit nach 

Belieben justieren und verändern. 

COMPUTER UND 

BILDSCHIRM 

Empfohlen: Mac Pro und Cinema 

Display 

Preis: ca. € 4.000 

Web: www.apple.de/macpro 

Ein topmoderner Computer und 

Monitor werden Ihnen gute Dienste 

leisten. 

FESTBRENNWEITE 

Empfohlen: Nikkor 35 mm F1.4G 

Lens 

Preis: ca. € 1.600 

Web: www.nikon.de 

Ein Objektiv mit fester Brennweite 

ist für Porträts ideal. Die großen 

Blendenöffnungen bieten sich für 

sanfte Tiefenschärfe an. 

SITZSACK 

Empfohlen: John Lewis trinidad 

Beanbag 


Web: www.johnlewis.com 

Ihre Bildkompositionen werden sehr 

viel besser werden, wenn Sie viele 

Sitzsäcke in verschiedenen 

Farben 

und mit verschiedenen 

Tex 

turen haben. 

Sie sehen gut 

aus und sind 

für schlafende 

Babys bequem. 


KinDer FotograFieren 

Lassen Sie sich von diesen 

Inspiriert sein Babyfotos anregen 

© natalie johnson 

natalie 

johnson 

„Mit dem 35-mm-objektiv 

lassen sich gut Porträts 

machen, besonders mit 

Babys. Feste Brennweiten 

sind schnell, scharf und 

weit offen. Das Baby war im 

schatten im Kinderwagen, 

damit das licht besser ist, 

und es hat seine Mutter frech 

angegrinst.“ 

Bilddetails: nikon D40 mit 

einem 35-mm-objektiv bei 

35 mm und f4, 1/250 sek., 

iso 400 

www.dphotographer.co.uk/ 

user/natalie 

scott Mawson 

„Das Foto entstand 

bei indirektem licht 

abends am Fenster. Daher 

brauchte ich viel iso. Das 

Kind lag auf dem rücken, 

mit seinem „Mr. Beanteddy“ 

und ich stand über 

ihm und habe es direkt 

fotografiert. ich wollte die 

augen hervorheben. Der 

rest durfte ein klein wenig 

unscharf sein. 

Bilddetails: canon eos7D 

mit einem 100-mm-Macroobjektiv 

bei 100 mm und 

f2.8, 1/20 sek., iso 2500 

www.dphotographer.co.uk/ 

user/scottM 

© richard hampton 

richarD haMPton 

„Unser sohn fand es lustig, dass er voll sand war! ich habe ihn kurz 

angeschaut und beschlossen, die Farben des t-shirts hervorzuheben.“ 

Bilddetails: sony a230, 18–55mm-objektiv bei 35 mm, f8, 1/160 sek., iso 

100, www.dphotographer.co.uk/user/richampton 

© scott Mawson 


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Der ultimative Guide für perfekte Landschaftsfotos 

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Willkommen 




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andschaftsaufnahmen wie ein Profi zu machen ist keine unlösbare 

Aufgabe, denn es gibt einige einfache Methoden, die Ihre 

Landschaftsfotos gleich viel atemberaubender aussehen lassen. 

Verabschieden Sie sich von schiefen Horizonten, langweiligen 

Perspektiven und unterbelichteten Dämmerlicht-Aufnahmen – das 

große Handbuch der Landschaftsfotografie hilft Ihnen dabei. In unserer Einsteiger-Rubrik 

erlernen Sie das nötige Grundwissen, während die Experten-Sparte 

Ihnen alle relevanten Fototechniken vermittelt – vom Einsatz spezieller Filter bis 

hin zur Berücksichtigung des Histogramms für perfekte Panoramen. Mit weiteren 

tief gehenden Anleitungen und Tipps von Profi-Fotografen im Technik-Abschnitt 

werden Sie schließlich schon bald in der Lage sein, Ihr Umfeld mit außergewöhnlichen 

Landschaftsfotos zu begeistern. Nach der Lektüre des großen Handbuchs 

für Landschaftsfotografie kennen Sie alle wichtigen Methoden und Kniffe für 

faszinierende Abbilder unserer schönen Welt. Wir wünschen Ihnen dabei viel 

Freude und Erfolg!

Inhalt 

10 Perfekte 

Landschaftsbilder 

Die wichtigsten Grundlagen-Tipps für bessere Landschaftsfotos 

GRUNDLAGEN 

FÜR EINSTEIGER 

10 Perfekte Landschaftsbilder 

Geben Sie Ihren Landschaftsfotos den richtigen Kick. 

16 Die 20 besten Foto-Tipps 

So machen Sie preisverdächtige Landschaftsfotos. 

18 Fehler bei Landschaftsfotos 

Vermeiden Sie die häufigsten Bildkompositionsfehler. 

4 LANDSCHAFTSFOTOGRAFIE 

FÜR EXPERTEN 

22 Der ultimative Guide 

für den Einsatz von Filtern 

Die Verwendung von Filtern ist auch im 

digitalen Zeitalter nicht überflüssig. 

30 Sich an das Licht anpassen 

Reagieren Sie auf veränderte 

Bedingungen für die perfekte Belichtung. 

42 Arbeiten Sie mit der 

hyperfokalen Distanz 

Schönere Ergebnisse dank Spezialtechniken 

46 Beherrschen Sie HDR 

Mit unserer Schritt-für-Schritt-Anleitung 

schießen und erstellen Sie tolle HDR-Fotos. 

52 Atemberaubende Bilder 

dank Histogramm-Einsatz 

Nutzen Sie die Histogramm-Funktion der 

Kamera und in der Bildnachbearbeitung. 

18

© David Clapp 

CONTENTS 

70 

22 

38 

120 

104 

62 

94 

13 


TECHNIKEN 

58 Kreative Landschaften 

Entdecken Sie, was gute Landschaftsfotos ausmacht. 

70 Großartige Welten – 

faszinierende Aufnahmen 

Machen Sie mehr aus Ihren Landschaftsfotos. 

82 Low-Light-Landschaften 

Die besten Tipps für Aufnahmen im Dämmerlicht 

94 Die Besonderheiten von 

Küstenlandschaften 

Erfahren Sie mehr über die Geheimnisse 

perfekter Küstenpanoramen und Meeresfotos. 

102 Extreme Landschaften 

Profi-Tipps auch für die härtesten Bedingungen 

„Kapitel für Kapitel 

optimieren Sie Ihre 

Landschaftsfotos.“ 

LANDSCHAFTSFOTOGRAFIE 5

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grunDLAgen 

Für Einsteiger 

Alles, was Sie für bessere Landschaftsfotos wissen müssen. 

10 Perfekte Landschaftsbilder 

Geben Sie Ihren Landschaftsfotos den richtigen Kick. 

16 Die 20 besten Foto-Tipps 

So machen Sie preisverdächtige Landschaftsfotos. 

18 Fehler bei Landschaftsfotos 

Vermeiden Sie die häufigsten Bildkompositionsfehler. 

8 LAnDSchAFTSFoTogrAFie

GrundLaGEn 

„Mit diesen Einsteiger- 

Tipps gelingen Ihnen 

die besten Landschaftsaufnahmen, 

die Sie je 

gemacht haben.“ 

© Mark Bauer 

LandSchafTSfoToGrafIE 9

grundlAgen 

Perfekte 

Landschaftsaufnahmen 

Mit unseren Lektionen erstellen Sie bald 

inspirierende Landschaftsaufnahmen. 

Landschaften ändern sich ständig: 

über den Tag hinweg, den Monat 

und das Jahr – trotzdem geben 

sie jedem die Chance, großartige 

und malerische Fotografien 

aufzunehmen. Obwohl Landschaften zu den 

beliebtesten Motiven unter Fotografen gehören, 

stellen sie oft schwierigere Motive dar, als man 

glauben möchte. Denn bevor man losschießt, gibt 

es einige wichtige Dinge zu beachten. 

Die Art und Weise, wie Sie fotografieren und 

Ihren Bildausschnitt komponieren, wird die 

Ergebnisse Ihrer Landschaftsaufnahmen drastisch 

ändern. Mit durchdachten Kompositionen schaffen 

Sie es, von einfachen Schnappschüssen hin zu 

eindrucksvollen Ausblicken zu gelangen. Des 

Weiteren sind Landschaften unberechenbar und 

können ihr Antlitz von einer Minute auf die andere 

wechseln, darum sollten Sie auch lernen, wie Sie 

sich am besten vorbereiten, und wissen, was Ihre 

Kamera und Sie selbst leisten können. 

In diesem Artikel zeigen wir Ihnen, wie Sie Ihre 

Erfolgsrate verbessern: mit Tipps zur richtigen 

Bildkomposition, den richtigen Einstellungen an 

der Kamera sowie der anschließenden Aufnahme 

und Nachbearbeitung. 

Ganz egal mit welcher Kamera Sie fotografieren: 

Sie können diese Tipps und Techniken an jeder 

Szene ausprobieren und bekommen so auf jeden 

Fall eine eindrucksvolle Landschaftsaufnahme. 

„Wenn Sie die Komposition verändern, 

werden Ihre Fotos anders aussehen.“ 

Auf den nächsten Seiten: Lektionen für Landschaftsaufnahmen 

für jeden Fotografen und jede Art von Kamera 

Aufgenommen mit … 

Smartphone 

Vorteile: 

Oft haben Smartphones Foto-Einstellungen 

wie HDR oder fotospezifische Apps. 

4 


KompaKtKamera 

Vorteile: 

nachteile: 

nachteile: 

Durch das nicht auswechselbare Objektiv Das Objektiv kann nicht ausgetauscht 

7 und die niedrige Auflösung ist die Qualität 7 werden und es fehlen professionelle 

der Bilder nicht berauschend. 

manuelle Einstellungsoptionen. 

4 

Tolle kreative Einstellungsmöglichkeiten 

und meistens gute Qualität. 


SyStemKamera 

Vorteile: 

Tolle Qualität und hohe Auflösung, die 

sich auch für große Ausdrucke eignet. 

4 

nachteile: 

Für Anfänger manchmal ein wenig 

schwierig zu handhaben 

7 

Aufgenommen mit… 

dSlr 

Vorteile: 

Exzellente Bildqualität, austauschbare Objektive 

4 und viele manuelle Einstellungsoptionen für 

bessere Kontrolle und mehr Kreativität. 

nachteile: 

Kamera und Objektive sind sehr teuer und 

schwer und oft schwierig zu benutzen. 

7 

10 lAndSCHAftSfotogrAfie

Perfekte LAndschAften 

LAndschAftsfotogrAfie 11

GRUNDLAGEN 

Nehmen Sie sich Zeit für die richtige Bildkomposition 

Lernen Sie, wie Sie Ihre Bilder während der Aufnahme richtig in Szene setzen und komponieren. 

Bildkomposition 

Bei der Bildkomposition handelt es sich um eine Grundvoraussetzung 

für gelungene Aufnahmen, denn der richtige Ausschnitt der 

aufzunehmenden Szene kann einen Riesenunterschied machen. 

Versuchen Sie eine kreative Herangehensweise und wählen Sie 

neue Blickwinkel, aus denen Sie die Aufnahmen erstellen, um 

neue Perspektiven zu finden. Suchen Sie nach hineinführenden 

Linien oder Hinguckern wie Steinformationen, Gebäuden oder 

Bäumen, um den Ausschnitt zu füllen. Sie können zudem auch 

Bildkompositionsregeln folgen. Da wäre zum Beispiel die Drittel-Regel, 

mit der man darauf achtet, dass der Horizont das obere 

Drittel einnimmt und die Aufnahme so harmonischer wirkt. 

„Denken Sie darüber 

nach, wie Sie an die 

Szene herangehen.“ 

KNIEN SIE SICH FÜR 

EINEN INTERESSANTEN 

VORDERGRUND HIN 

Die zweite Aufnahme von der gleichen 

Szene wurde in der Hocke aufgenommen 

und bringt daher etwas 

Vordergrund mit, der interessant wirkt 

und zudem ein Gefühl von Tiefe vermittelt. 

Das macht die Aufnahme sofort 

dynamischer. 

EINFACH NUR ZIELEN 

UND AUSLÖSEN ERGIBT 

LANGWEILIGE BILDER 

Diese Aufnahme wurde stehend 

erstellt und ihr fehlt ein interessantes 

Objekt oder Vordergrund, um den 

Betrachter hineinzuziehen. Viele neue 

Fotografen fangen mit dieser Art zu 

fotografieren an. 

GANZ UNTEN GIBT ES 

UNGEWÖHNLICHE UND 

KREATIVE BLICKWINKEL 

Die letzte Aufnahme wurde im 

Liegen erstellt und zeigt noch mehr 

Vordergrund, sodass der Hintergrund 

fast aus dem Fokus rückt. Versuchen 

Sie, die Szene auch im Hochformat 

aufzunehmen, um noch mehr 

Resultate für Ihr Landschaftsportfolio 

zu bekommen. 

Versuchen Sie, 

interessante Objekte 

im Vordergrund 

einzufangen wie 

Blumen oder 

Steinformationen. 

12 LANDSCHAFTSFOTOGRAFIE 

THE LANDSCAPE PORTRAIT PHOTOGRAPHY BOOK

PErfEKtE LAndschAftEn 

Holen Sie alles aus den Kamera-Modi heraus 

Werden Sie kreativ mit Ihrer Kamera und experimentieren Sie mit unterschiedlichen Einstellungen. 

Einstellungen 

Aktuelle Kameramodelle – inklusive kompakte Systemkameras, Kompaktkameras 

und Smartphones – bieten inzwischen eine Reihe von cleveren 

Optionen an. Diese reichen von intelligenten Automatikeinstellungen 

zu experimentellen und fortgeschrittenen manuellen Modi. Einfach 

zu nutzende Auto- und Szenen-Modi eignen sich bestens für alle, die sich 

auf die Bildkomposition konzentrieren wollen, denn damit übernimmt 

die Kamera alle Belichtungsentscheidungen. Mit den vielfältigen Effekten 

wie HDR oder diversen Filtern kann man eindrucksvolle Landschaftsaufnahmen 

erstellen. Manuelle Modi sind eher für fortgeschrittene Fotografen 

geeignet, da sie die komplette, kreative Kontrolle über die Kameraeinstellungen 

zulassen. Haben Sie keine Angst davor, mit Ihrer Kamera 

zu experimentieren, um herauszufinden, was sich für die aktuelle Szene 

und für Ihren eigenen Stil am besten eignet. 

„Haben Sie keine 

Angst davor, zu 

experimentieren.“ 

Auto- und 

Szenen- 

Modi 

Für alle, die die Kunst der 

Bildkomposition noch 

üben, eignet sich der Auto-Modus, 

da er es erlaubt, 

dass man einfach 

nur zielt, den richten Ausschnitt 

findet und schießt. 

Währenddessen wählt die 

Kamera automatisch die 

richtigen Einstellungen für 

die Szene. 

Manuelle 

Einstellung 

Die manuellen Modi 

(meist P, A, S und M) 

sind komplexer einzusetzen, 

aber sehr beliebt bei 

geübten Fotografen. Sie 

geben einem Kontrolle 

über Einstellungen wie 

die Verschlusszeit und 

die Blende. Versuchen 

Sie es mit einem hohen 

Blendenwert (f) für 

scharfe Aufnahmen. 

HDR und 

kreative 

Filter 

HDR und kreative Filter 

sind in den meisten Kameras 

und Smartphones 

verfügbar, nicht 

aber in allen DSLRs. 

Filter, die über das Bild 

gelegt werden, eignen 

sich für kreativere Aufnahmen, 

während HDR 

sehr realitätsnahe 

Fotos erstellt. 

Die drei häufigsten Fehler bei 

Landschaftsaufnahmen 

01 Zu wenig oder zu viel Himmel 

oder Vordergrundelemente 

Dieser Himmel ist wolkenlos und daher langweilig, 

warum also so viel davon aufnehmen? Stattdessen 

packt man besser mehr Landschaft in die Aufnahme. 

Kann es Ihre Kamera? 

4 DSLR 

4 Kompaktsystemkamera 

4 Kompaktkamera, 

7 Smartphone 


4 DSLR 



7 Smartphone 


7 DSLR 



4 Smartphone 

02 Ungerader Horizont 

Stellen Sie immer sicher, dass der Horizont gerade ist 

– nutzen Sie zur Not ein Stativ. Nichts lenkt mehr vom 

übrigen Bildinhalt ab als ein schiefer Horizont. 

03 Lichtreflexe 

Die Kamera ist in Richtung Sonne gerichtet, was hässliche 

Lichtreflexe erzeugt. Halten Sie die Kamera eher 

leicht nach unten geneigt, um das zu vermeiden. 

LAndschAftsfotogrAfIE 13

GRUNDLAGEN 

Mit natürlichem 

Licht arbeiten 

Eine Anleitung für Sonnenjäger 

Landschaftsfotografen zielen darauf ab, nur mit 

natürlichem Licht zu arbeiten. Dafür warten sie 

auf das richtige Wetter, die richtige Tageszeit und 

sogar auf die passende Jahreszeit. Wenn man 

Landschaftsfotografen fragt, was ihnen am besten 

an ihrer Arbeit gefällt, werden viele begeistert vom 

Warten auf das richtige Licht erzählen. 

Aber welches Licht ist eigentlich das Beste? Eingefleischte 

Landschaftsfotografen weisen hier oft 

auf die Goldene Stunde um den Sonnenauf- oder 

-untergang hin. Zu beiden Tageszeiten steht die 

Sonne sehr tief, nahe am Horizont. Mit den richtigen 

Wetterbedingungen ergibt das ein weiches und 

warmes Licht. 

Wie lange diese mystische „Stunde“ genau 

anhält, hängt von der Jahreszeit und dem geografischen 

Standort (in Relation zum Äquator zum 

Beispiel) ab. Die Dauer kann zwischen wenigen 

Minuten und mehreren Stunden liegen. 

MORGEN- 

LANDSCHAFTEN 

Das Glühen der Farbe, 

die am Himmel glitzert, 

kurz bevor die Sonne über 

dem Horizont erscheint, fügt dem 

Bild Dramatik hinzu und erhellt die 

komplette Landschaft. 

Licht in der Landschaft 

Profi-Landschaftsfotograf Mark Bauer erklärt uns, wie er mit Licht arbeitet, um seine 

wunderschönen Landschaftsaufnahmen zu erstellen. 

Name: Mark Bauer 

Bio: Profi-Landschaftsfotograf 

Mark aus Dorset, 

versteht und schätzt die Art, 

wie eine Szene mit dem 

richtigen Licht lebendig 

werden kann. Zusammen 

mit seinem Kollegen Ross 

Hoddinott gibt er Fotografie-Kurse 

(dawn2duskphotgraphy. 

co.uk) . 

Website: www.markbauerphotography.com 

Welchen Unterschied kann Beleuchtung in Fotos 

machen? 

Bei Landschaftsaufnahmen kann Licht zum Erfolg oder 

zur Katastrophe führen, da es ein wesentlicher Bestandteil 

der Bildkomposition ist, das wichtige Elemente hervorhebt, 

Texturen verdeutlicht oder Tiefe erzeugt. Einige 

Aufnahmen werden durch Licht von einem banalen Foto 

zu einem besonderen Bild. 

Was sind die Anzeichen eines guten Lichtes? 

Allgemein kann man sagen, dass tief stehendes, warmes 

Licht bevorzugt von Landschaftsfotografen benutzt 

wird. Es offenbart Formen und Texturen in einer sehr 

vorteilhaften Art und Weise und Menschen reagieren 

generell sehr positiv auf warme Farbpaletten. 

Was sind die Anzeichen eines schlechten Lichtes? 

Auch wenn einige der Meinung sind, es gäbe kein 

schlechtes Licht, finde ich, dass flache, graue, langweilige 

Beleuchtung sehr uninspirierten wirkt. Die Landschaft 

sieht dann zweidimensional aus, wenn kein Licht hereinfällt, 

um Schatten zu werfen und Formen zu definieren. 

Ist es möglich, gute Aufnahmen zu bekommen, 

auch wenn das Licht nicht ideal ist? 

Ja, aber man muss viel härter dafür arbeiten. Es funk- 

tioniert nicht immer, aber wenn man kontrastreiche 

Fotos anpeilt, die in Schwarz-Weiß umgewandelt 

werden sollen, dann ist es möglich, echte Hingucker 

selbst bei schlechtem Wetter und flauem Licht zu 

erstellen. Ein beliebter Trick umfasst das Einsetzen von 

Neutralgraufiltern wie dem Lee Big Stopper. Mit denen 

kann man die Verschlusszeit künstlich verlängern und 

so auch bei hohem Lichtniveau lange Belichtungszeiten 

generieren. Das funktioniert gut, wenn sich bewegende 

Elemente wie Wasser oder Wolken in der Bildkomposition 

befinden. Besonders effektiv ist das für eine minimalistische 

Herangehensweise, bei der ein einziges, 

solides Objekt gegen sich bewegende Elemente hervorgehoben 

werden soll. 

© Mark Bauer 

DÄMMRIGES GLÜHEN 

Wenig Licht benötigt oft lange 

Belichtungszeiten, was zu ruhigen Himmeln und 

Gewässern führt. 

Welche Art von Licht setzen Sie für Ihre eigenen 

Aufnahmen ein und wie wichtig ist die Tageszeit? 

Ich liebe das Licht vor dem Sonnaufgang und nach dem 

Sonnenuntergang. Die weichen Pastellfarben des ersten 

Lichts verleihen dem Bild Romantik und etwas Geheimnisvolles. 

Das Licht am Ende des Tages hingegen kann 

sehr dramatisch wirken. Die langen Belichtungszeiten, 

die bei dieser geringen Beleuchtung wichtig sind, fügen 

noch mehr Atmosphäre ein. Ich habe zudem auch eine 

Vorliebe für stürmisches, sich veränderndes Licht. 

14 LANDSCHAFTSFOTOGRAFIE

PErfEKTE LAnDSchAfTEn 

Mittagslandschaft 

Tagsüber ist das Licht oft 

langweilig im Vergleich zum 

warmen Licht, das man oft am Anfang 

oder Ende des Tages sieht. Im Winter 

kann es sein, dass das Licht mittags 

einigermaßen weich daherkommt. 

abendlandschaft 

Das Licht wird besser, 

je tiefer die Sonne sinkt, 

obwohl der Sonnenuntergang hinter 

der Kamera statt findet. 

„Es dreht 

sich alles 

darum, auf 

das richtige 

Wetter und 

die richtige 

Zeit zu 

warten.“ 

Der australische Inselstaat Tasmanien liegt zum 

Beispiel 42 Breitengerade südlich vom Äquator und 

ist bei australischen Landschaftsfotografen wegen 

seines spürbar weicheren Lichts beliebt. Bei Wilsons 

Promontory in Victoria (der südlichste Punkt 

Australiens) sind die goldenen Stunden sehr lang. 

Wenn ein australischer Fotograf für Aufnahmen an 

die Jurassic Coast in Dorset, Großbritannien reist, 

wird er hier die Vorteile des 50.6-Breitengrades 

nördlich vom Äquator zu spüren bekommen, der 

zu einem noch weicheren Licht und einer längeren 

goldenen Stunde als in Tasmanien führt. Natürlich 

wirkt die goldene Stunde in Dorset nur bei gutem 

Wetter. Wenn der Wetterbericht Wolken, Regen und 

keinen Sonnenschein verspricht, wird es auch keine 

goldene Stunde geben. Es kann auch vorkommen, 

dass man diese magische Zeit verpasst, selbst 

wenn der Himmel klar ist. Wolken, sofern es nicht 

zu viele oder sie zu dick sind, helfen, das Sonnenlicht 

zu verteilen, und fügen dem Himmel interessante 

Formen hinzu. Es ist wichtig, gut vorbereitet 

und früh dran zu sein, um das beste Licht im 

Sonnenaufgang einzufangen. Wenn Sie den Namen 

des Ortes, den Sie fotografieren wollen, zusammen 

mit dem Wort „Sonnenaufgang“ in Google eingeben, 

bekommen Sie eine genaue Zeitangabe. Im 

Winter kommt die Sonne gegen 8 Uhr raus. Gegen 

7 Uhr ist es dann noch dunkel und man merkt 

keine große Farbveränderung bis ca. 7.30 Uhr. Es 

ist aber trotzdem wichtig, schon vor Ort bereit zu 

sein, denn die beste Zeit für schöne Farben beginnt 

gegen 7.45 Uhr und hält nur so lange an, bis die 

Sonne über dem Horizont erscheint. 

LAnDSchAfTSfoTogrAfIE 15

GRUNDLAGEN 

20 tolle Tipps für ... 

Landschaften 

Einige grundlegende Tipps und Techniken, um 

preisverdächtige Landschaftsaufnahmen zu schießen 

Leitlinien 

Suchen Sie nach Leitlinien, die potenziell 

die Aufmerksamkeit des Betrachters 

in das Foto ziehen können. Sie 

können Ihre Bildkompositionen 

noch verbessern, indem Sie die 

Linienführung von der Ecke ausgehend 

oder direkt aus der Mitte heraus 

platzieren. 

In die Sonne fotografieren 

Benutzen Sie eine kleine Blendenöffnung, 

um Lichtmuster zu 

bekommen und Lichtreflexe zu 

verhindern. Die Sonne wird den 

Belichtungsmesser dazu veranlassen 

unterzubelichten. Erstellen Sie eine 

Belichtungsreihe in unterschiedlichen 

Blendenstufen und fügen Sie die 

Bilder später zusammen. 

HDR 

Einige Landschaften eignen sich 

perfekt für HDR. Wenn man es hier 

übertreibt, sieht das Ergebnis aber 

oft ein wenig merkwürdig aus. Halten 

Sie sich also zurück und nutzen Sie 

eine Graukarte, um den Weißabgleich 

richtig hinzubekommen, wenn Sie die 

Bilder später bearbeiten. 

Panorama 

Panoramaaufnahmen machen sich 

besonders gut, wenn im normalen 

Format zu viel Vordergrund oder 

Himmel zu sehen ist. Nehmen Sie 

entweder eine ganze Serie von 

Fotos auf oder überlegen Sie bereits 

während der Aufnahme, wie das Bild 

aussehen könnte, wenn man es als 

Panorama zurechschneidet. 

Details suchen 

Beim Fotografieren dreht sich nicht 

immer alles um tolle Szenerien. 

Halten Sie Ausschau nach spannenden 

Details und experimentieren 

Sie mit Fokuspunkten und 

Blendeeinstellungen. 

Lange Belichtungszeiten 

Nutzen Sie lange Verschlusszeiten 

für Bewegungsunschärfe. Wenn 

Sie ein bis zwei Sekunden belichten, 

bleiben Details erhalten. 

Bei längeren Belichtungszeiten 

wird das Ergebnis ein langweiliger 

Einheitsbrei. Nutzen Sie bei 

Tageslicht einen Neutraldichtefilter 

mit 6 oder 10 Blendenstufen. 

Farbtemperatur 

Diese Einstellungen können die Bildatmosphäre 

stark beeinflussen, 

entscheiden Sie vorher, was Sie 

mit der Aufnahme sagen wollen. 

Sie können zum Beispiel bei RAW- 

Dateien mit den Weißpunkten und 

Farbtonwerten experimentieren. 

Vordergrund einfügen 

Versuchen Sie, einen interessanten Vordergrund 

in die Aufnahme zu integrieren, der das 

Auge des Betrachters in das Bild führt und 

die dargestellten Objekte für eine stärkere 

Bildkomposition besser hervorhebt. 


20 TIPPS FÜR LANDSCHAFTEN 

Einen Pier finden 

Piers eignen sich hervorragend 

als Leitlinien in einem Bild. 

Experimentieren Sie ein wenig, 

indem Sie ihn erst mittig und 

dann an der Seite in der 

Bildkomposition platzieren. 

Grauverlauffilter nutzen 

Setzen Sie einen Grauverlauf 

filter ein, um das Licht, das vom 

Himmel kommt, gegen den Vordergrund 

auszubalancieren. Filter 

mit harten Verläufen eignen 

sich am besten für deutliche 

Horizontlinien. 

Auf zur Küste 

Küstenaufnahmen können sich 

dank wechselhaftem Wetter dynamisch 

gestalten. Raue Wellen 

und große Wolken sind hier die 

Zutaten für bessere Fotos. 

Einen Fokuspunkt 

einbinden 

Indem man ein interessantes 

Objekt zum Fokuspunkt der 

Aufnahme macht, wird diese 

viel eindrücklicher. Weite, offene 

Felder eignen sich selten für 

aussagekräftige Fotos. 

Lange Brennweiten 

Setzen Sie ein Objektiv mit 

einer langen Brennweite ein, um 

Perspektiven zu stauchen und 

Sichten zu verkürzen. Das kann 

dabei helfen, Muster in einer 

Szene deutlicher hervorzuheben. 

Winterküste 

Egal ob Sie Strände und Küsten im Zwielicht bevorzugen oder 

hohe Wellen, achten Sie immer auf das Wetter und reagieren Sie 

entsprechend. Im Winter ist es ist einfacher, zu Hause zu bleiben, 

statt sich den Elementen zu stellen, aber die Ergebnisse können 

herausragend sein. Hohe Ausblickpunkte an der Küste in der 

Nähe von Felswänden eignen sich hierfür besonders gut. 

Nahaufnahmen von Eis und Schnee 

Es ist verlockend, immer wieder großartige Landschaftsszenen zu fotografieren, 

aber Eisformationen und andere Details können sich genauso 

lohnen – besonders wenn der Himmel bewölkt ist. Dafür haben Sie am 

besten immer ein Makro-Objektiv und einige Zwischenringe dabei, um 

mit der Kamera ganz nah an das Motiv herangehen zu können. 

Das Equipment säubern 

Wenn man an der Küste fotografiert, gelangt 

Salzwasserdunst schnell in die Ritzen der 

Ausstattung und kann zu Rost führen – besonders 

wenn man dann wieder im warmen Zuhause 

ist. Nutzen Sie feuchtes Küchenpapier zur 

Reinigung und lassen Sie die Geräte trocknen. 

Regenschutz 

Lassen Sie sich von ein wenig Regen nicht abhalten! 

Schon eine dursichtige Plastktüte und ein 

Gummiband eignen sich ideal als Regenschutz. 

Schneiden Sie ein Loch für das Objektiv und eines 

für den Bildsucher aus. Befestigen Sie die Tüte am 

Objektiv mit dem Gummiband und darunter haben 

Sie dann vollen Zugriff auf die Knöpfe der Kamera. 

In Schwarz-Weiß 

umwandeln 

Wenn die Farben in einer 

Aufnahme nicht so spannend 

sind, versuchen Sie, diese in der 

Nachbearbeitung in Schwarz- 

Weiß umzuwandeln. Das gibt 

Ihnen die volle Kontrolle über 

Tonwerte und Kontrast. 

Fester Boden 

Bei viel Wind kann es passieren, 

dass durch Vibrationen 

unscharfe Bilder entstehen. 

Sie können das vermeiden, 

indem Sie die Kamera vom 

Stativ nehmen und auf ein 

formbares, stabiles Kissen 

(Beanbag) setzen. Wenn Sie 

doch ein Stativ nutzen, fahren 

Sie dessen Beine nicht aus und 

setzen Sie sich daneben auf 

den Boden. 

Die Kameratasche 

akklimatisieren 

Stellen Sie sicher, dass Sie Ihre 

Kamera nicht von einer sehr 

warmen Umgebung in eine extrem 

kalte nehmen. Ansonsten 

kann es passieren, dass das 

Objektiv von innen beschlägt 

und damit unbrauchbar wird, 

bis es wieder wärmer ist. 

Darum empfiehlt es sich, die 

Autoheizung nicht zu hoch zu 

drehen, wenn Sie von zu Hause 

aus in die Kälte fahren. 

Seien Sie originell 

Aufnahmen, die Preise gewinnen, 

haben immer das gewisse 

Extra. Suchen Sie darum 

nach originellen Elementen 

oder abstrakten Mustern. 


GRUNDLAGEN 

Häufige Fehler bei 

Landschaften 

Finden Sie heraus, wie Sie Ihre Bilder verbessern 

können, in dem Sie weniger Fehler machen. 

POSITIONIERUNG 

Die Bildkomposition ist am wichtigsten. 

Ob ein Bild ein Erfolg wird oder nicht, 

hängt von der Position der Kamera ab. 

Kontrollieren Sie die Einrahmung des 

Motivs, verfeinern Sie die Komposition 

und drücken Sie im richtigen Moment ab. 

Bilddetails: Canon EOS-1Ds Mark III mit 

35–70-mm-Objektiv und f11, 1/40 Sek. 

David Clapp 

Website: www. 

davidclapp.co.uk 

Bio: David Clapp ist 

einer der führenden 

Landschafts-, Reiseund 

Architektur-Fotografen, 

der unter anderem 

für Getty Images 

tätig ist und für Light & 

Land, einem Anbieter 

von Landschaftsfotografie-Workshops. 

Außerdem ist er ein 

unerschrockener Weltreisender 

und bekennender 

Objektiv-Süchtiger, 

der unkoventionelles 

Arbeiten liebt. Als 

gelernter Ausbilder gibt 

er zudem private Kurse. 

Über-Polarisation 

01 

Hierbei handelt es sich um ein gängiges Problem für 

Fotografen. Obwohl es sehr offensichtlich zu sein 

scheint, sofern man das Prinzip einmal verstanden hat, 

vergessen viele Fotografen, dass der Effekt beim Einsatz von 

Weitwinkelobjektiven zu stark werden kann. Wenn die oberen 

Ecken dunkel sind, werden weiche Blautöne in unschöne 

blaue Halbkreise verwandelt, besonders wenn zusätzlich ein 

Verlaufsfilter eingesetzt wird. 

Wie Sie es vermeiden 

Am einfachsten umgeht man eine Über-Polarisation, indem 

man sich gut umschaut und dann den ungefähren Winkel 

festlegt, in dem die Kamera relativ zur Sonne aufgestellt wird. 

Polarisation entsteht am besten bei einem Winkel von 90 Grad 

zur Sonne. Erwarten Sie also extreme Polarisation, wenn die 

Bildkomposition in diese Richtung zeigt und ein Weitwinkelobjekt 

benutzt wird. Drehen Sie den Polarisator langsam, während 

Sie durch den Bildsucher schauen, und setzen Sie ihn dorthin, 

wo der Effekt schwächer wirkt. Erstellen Sie die Aufnahme und 

untersuchen Sie diese auf dem LCD der Kamera sowohl als 

Vollbild als auch als Miniatur zur einfacheren Identifizierung. 

UNSCHÖNE FARBEN 

Die linke obere Ecke wirkt sich 

negativ auf die blaue Färbung aus, was 

die Aufnahme unausgeglichen erscheinen 

lässt – besonders wenn man sie 

sich als Miniatur anschaut 


17–40-mm-Objektiv bei 20mm und f11, 

0,6 Sek., ISO 100 

© All images by David Clapp 

PERFEKTE 

MISCHUNG 

Durch sorgfältiges Verstellen des Polarisators 

wird der Effekt deutlich schwächer 


17–40-mm-Objektiv bei 20mm und f11, 

0,6 Sek., ISO 100 


Fehler vermeIDen 

ungleIchgewIcht 

Baum und stein sind nicht im 

gleichgewicht, da der Baum 

dominiert und daher in der 

aufnahme zu groß wirkt. 

Bilddetails: canon eOs-1Ds 

mark III mit 35–70-mm-Objektiv 

bei 60mm und f11, 1/50 

sek., IsO 100 

PlatZ Zum 

atmen 

Der stein wird nicht vom Baum 

„erschlagen“ und zieht die 

aufmerksamkeit des 

Betrachters in das Bild. 

Bilddetails: canon 

eOs-1Ds mark III mit 


f11, 1/50 sekunden, IsO 100 

vollgepackte Bildkompositionen 

03 

Eine ausgeglichene Bildkomposition ist schwer zu meistern. 

Auf den ersten Blick scheint die Beziehung zwischen 

den Elementen konstant gleich zu bleiben. Aber umso 

mehr man sich einem Objekt nähert, desto mehr ändert sich 

auch die Balance zusammen mit der emotionalen Auswirkung. 

Untersuchen Sie die Bildkomposition ausgiebig, indem Sie hineinzoomen 

und einen Schritt zurücktreten und herauszoomen 

und einen Schritt vorwärts machen, um Harmonie zu finden. 

wie sie es vermeiden 

Stecken Sie die Kamera nicht auf ein Stativ, sobald Sie ein Motiv 

haben. Nehmen Sie sie in die Hand und schauen Sie durch den 

Sucher, um Winkel und Höhe für die Aufnahme passend zu 

ermitteln. Legen Sie die Brennweite fest, indem Sie sich auf das 

Motiv zubewegen und herauszoomen oder wegbewegen und 

hineinzoomen. Die Beziehung zwischen den Objekten wird sich 

spürbar ändern. Lassen Sie sich hier von Ihrer Intuition leiten. 

Danach können Sie die Kamera auf das Stativ packen. 

weniger ist mehr 

02 

Versuchen Sie, die Bildkomposition einfach zu halten, und denken 

Sie gut darüber nach, was funktioniert. Wenn die Komposition auch 

nur ein wenig danebenliegt, z. B. mit abgeschnittenen Elementen oder durch 

schlechte Positionierung, verringert sich der Effekt eines Fotos dramatisch. 

wie sie es vermeiden 

In der Aufnahme weiter unten ist es das letzte Haus, das sich gegen die 

Blickführung dreht und das Auge aus dem Bild ins Leere führt. Der 

Autorück spiegel ganz unten links geht dadurch, dass er dunkler ist als alles 

andere, komplett unter und kann genauso gut rausgeschnitten werden. 

Zerstückelter 

rahmen 

Das auto ist unwichtig, aber sobald 

man es entdeckt, ist es schwer zu 

ignorieren. Das schiefe haus am 

ende der reihe schadet komposition 

Bilddetails: canon eOs-1Ds markIII 

70–200-mm-Objektiv, 80mm und 

f11, 1/60 sek., IsO 100 

mehr wIrkung 

Ohne das auto und das 

letzte haus im Bild ist die wirkung 

der aufnahme stärker und vermittelt 

ein abstraktes gefühl. 

Bilddetails: canon eOs-1Ds mark III 

mit 70–200-mm-Objektiv bei 80mm, 

f11, 1/60 sek., IsO 100 

„Auch kleinste Details 

können stören, nehmen 

Sie sich also Zeit!“ 

lanDschaFtsFOtOgraFIe 19

FüR ExpERtEn 

Für Experten 

Verbessern Sie Ihre Fähigkeiten, 

um tolle Landschaftsforos zu schießen. 

22 Der ultimative Guide 

für den Einsatz von Filtern 

Die Verwendung von Filtern ist auch im digitalen 

Zeitalter nicht überflüssig. 

30 Sich an das Licht anpassen 

Reagieren Sie auf veränderte 

Bedingungen für die perfekte Belichtung. 

42 Arbeiten Sie mit der 

hyperfokalen Distanz 

Schönere Ergebnisse dank Spezialtechniken 

46 Beherrschen Sie HDR 

Mit unserer Schritt-für-Schritt-Anleitung schießen 

und erstellen Sie tolle HDR-Fotos. 

52 Atemberaubende Bilder 

dank Histogramm-Einsatz 

Nutzen Sie die Histogramm-Funktion der 

Kamera und in der Bildnachbearbeitung. 

20 LAnDScHAFtSFotoGRAFIE

FÜR EXPERTEN 

„Mit diesen Profi- 

Tipps gelingen 

Ihnen perfekte 

Landschaftsaufnahmen.“ 

© Simon Butterworth 


Für experteN 

SCHRITT- 

FÜR-SCHRITT- 

RATGEBER 

• So funktionieren Filter 

• Landschaftsfilter 

• Bewegte Aufnahmen 

• Lees „Big Stopper“ 

Nachher 

Mit Filtern bewahren Sie 

mehr Details in 

markierten Flächen, 

die Sie kreativ 

bearbeiten können. 

22 LaNDSchaFtSFotograFie

Filter einSetzen 

Alles über Filter 

Wenn Sie glauben, in der digitalen Welt könnten Sie Filter 

vernachlässigen, irren Sie sich! Auf den folgenden Seiten werden 

wir Ihnen zeigen, was Sie mit Filtern alles erreichen können. 

Vorher 

Wenn Sie den Vordergrund 

belichten, kann dabei leicht der 

Himmel verwaschen wirken. 

Vielen Dank an SRB Photographic (www.srbfilm.co.uk) für die Lee-Filter, die in diesem Artikel verwendet wurden. 

Ebenso ein großes Dankeschön an Peter Sturt bei Lee Filters (www.leefilters.com) für den Big Stopper. 

Vor dem Aufkommen der digitalen 

Fotografie trug jeder anständige Fotograf 

ein ganzes Arsenal von Filtern mit sich 

herum. Denn neben der Auswahl des 

Films konnte man eigentlich nicht viel tun, um 

die genauen Charakteristiken der Aufnahmen zu 

beeinflussen. Nur wenige Fotografen entwickelten 

ihre Schwarz-Weiß-Aufnahmen im eigenen Labor 

oder machten gar die Abzüge selbst, von der Entwicklung 

von Farbfotos ganz zu schweigen. Doch 

als Fotograf konnte man zumindest auf diverse Filter 

zurückgreifen, um die Aufnahme bei der Belichtung 

zu verändern. Dazu zählten Polarisationsfilter, 

Warm- und Kalttonfilter, Farbverlaufsfilter, Grauverlaufsfilter, 

Neutralfilter (ND) und Rotverstärker. 

Filter waren wichtiges Zubehör und für viele 

Fotografen war das Sammeln von Filtern ein reines 

Vergnügen. Die richtige Verwendung war eine Kunst 

für sich, Filter galten als wertvoll. 

Heutzutage fotografieren die meisten von uns 

digital und bearbeiten die Bilder später mit Software 

wie Lightroom und Photoshop nach. Das führte 

dazu, dass viele der Filter von damals heutzutage 

auf Ebay erhältlich sind, oftmals für einen Bruchteil 

des ursprünglichen Kaufpreises. Farbtemperaturfilter, 

wie die Klassiker 81B- und 81C-Warmtonfilter werden 

einfach nicht mehr gebraucht, schließlich kann 

jeder Fotograf die Weißabgleicheinstellungen in der 

Kamera beliebig anpassen. Aufgrund von Tools wie 

Einstellungsebenen in Photoshop oder 

der Möglichkeit, eine RAW-Daten-Konvertierungs-Software 

äußert exakt und präzise 

einzustellen, scheinen 

Filter wie manche Verlaufsfilter 

oder Rotverstärker 

mehr und mehr 

Vergangenheit zu 

sein. Denn die Effekte 

solcher Filter lassen 

sich schnell und 

präzise mit der entsprechenden 

Software 

in der Nachbearbeitung 

erzeugen. Gehören Filter 

aber wirklich der Vergan- 

landScHaFtSFotograFie 23

Für experten 

genheit an? Sind sie Reliquien der Fotografie, die 

wir heutzutage weder brauchen noch wollen? Nicht 

ganz. Es gibt immer noch einige Filter, die für viele 

Fotografen äußerst nützlich, ja geradezu essenziell 

sind. Denn trotz der Möglichkeiten, die digitale 

Technik und moderne Software bieten, gibt es noch 

immer gewisse Effekte, die man in Photoshop nur 

schwer erzeugen kann – und die mit den richtigen 

Filtern geradezu ein Kinderspiel sind. Zu den 

wesentlichsten Filtern zählen sicherlich die UV-Filter. 

Denn wie der Name schon sagt, kann man mit deren 

Hilfe das ultraviolette Licht begrenzen, das auf den 

Film trifft, ansonsten kann ein Dunsteffekt verursacht 

werden. Mit digitalen Sensoren ist das nicht so 

problematisch, denn auf sie hat ultraviolettes Licht 

weitaus weniger Wirkung. Da also UV-Filter in der 

Anschaffung relativ kostengünstig sind und die Ästhetik 

der Aufnahme nicht beeinträchtigen, werden 

sie noch immer als Schutzzubehör verwendet. Fotografen 

bringen den UV-Filter einfach am Objektiv an 

und lassen ihn dann dort, denn so lassen sich teure 

Schäden leicht vermeiden. Ein UV-Filter ist schneller 

und kostengünstiger zu ersetzen als ein Objektiv. 

Die meisten UV-Filter haben spezielle optische 

Beschichtungen, aber bei billigeren Filtern kann es 

mitunter zu Lichtreflexen im Objektiv kommen. Es 

kann auch zu Vignettierung kommen, falls weitere 

Filter oder Filterhalterungen angebracht werden, 

besonders bei Weitwinkelobjektiven. In manchen 

Fällen kann dies sogar zu Qualitätsverlusten im Bild 

führen. Daher verzichten manche Fotografen auf 

einen schützenden UV-Filter und passen einfach gut 

auf, dass sie ihr Objektiv nicht beschädigen. Doch 

die Hersteller gehen bereits auf diese Bedenken 

„Es gibt noch immer gewisse Effekte, die man in 

Photoshop nur schwer erzeugen kann – und die mit 

den richtigen Filtern geradezu ein Kinderspiel sind.“ 

ein. Es gibt mittlerweile vollkommen neutrale und 

optisch getestete UV-Filter auf dem Markt, die ausschließlich 

zum Schutz des Objektives gedacht sind. 

Ein weiterer fest etablierter und sehr beliebter Filter 

ist der runde Polarisationsfilter. Damit lassen sich 

das Blau im Himmel anreichern, Spiegelungen im 

Wasser vermeiden und Farbsättigung und Kontrast 

erhöhen. Man dreht den Filter einfach so lange, bis 

der gewünschte Effekt eintritt. Die Wirkung des 

Filters hängt vom Winkel des einfallenden Lichts 

ab. Runde Polarisationsfilter sind in verschiedenen 

Varianten erhältlich, man kann sie unter anderem 

direkt aufs Objektiv schrauben oder als Teil eines 

Filtersystems verwenden, in dem der Polarisationsfilter 

entweder ganz hinten steckt oder in einem vom 

Hersteller vorgesehenen Filterhalter. Allerdings sollte 

man darauf achten, dass man bei Polarisationsfiltern 

bis zu zwei Blendenstufen einbüßt. Ein Foto, das 

also bei f8 mit 1/125-Sekunde belichtet wurde, wird 

entweder zu einem Foto von 1/30-Sekunde bei f8 

oder 1/125 -Sekunde bei f4. Es wird auf jeden Fall 

entweder die Verschlusszeit oder die Tiefenschärfe 

beeinträchtigt. Doch das kann auch von Vorteil sein, 

wenn man beispielsweise einen Wasserfall oder ein 

Danach 

Bei diesem Foto hat ein 

Grauverlaufsfilter einen 

großen Unterschied 

gemacht und das Bild 

musste später nicht mehr 

bearbeitet werden. 

24 LanDschaFtsFotoGraFie

Filter einsetzen 

FelsenböGen 

sehenswürdigkeiten am Meer sind 

der ideale Ort, um mit Filtern zu 

experimentieren und überflüssige 

bewegungen aus dem Foto zu filtern. 

Vorher 

Ohne Graustufenfilter ist 

der Himmel überbelichtet 

und büßt an Details ein. 

Wesentliche Filter für Landschaftsfotos 

1.2-ND-Filter 

ND-Filter reduzieren die Lichtmenge, die 

den Sensor durch das Objektiv erreicht. 

Sie sind in verschiedenen Stärken 

erhältlich, mit zwei, drei und vier 

Blendenstufen (mit einer optischen 

Dichte von 0,6, 0,9 und 1,2) 

ND- 

ND-Grauverlaufsfilter 

Diese rechteckigen Filter sind den ND-Filtern 

recht ähnlich, aber sie haben eine Gradierung, 

sodass etwa die Hälfte des Filters völlig 

klar ist. So können Sie die neutrale Hälfte des 

Filters über eine Bildhälfte positionieren 

–in der Regel einen zu hellen Himmel 

– und so die Belichtung ausgleichen. 

Polfilter 

Ein Polarisationsfilter hat einen ähnlichen 

Effekt wie eine Sonnenbrille. Die Farben 

werden reicher und der Kontrast zwischen 

Himmel und Wolken verschärft. Auch Spiegelungen 

können damit reduziert oder 

ganz vermieden werden. Sie funktionieren 

meist nur in bestimmten Winkeln und zu 

bestimmten Tageszeiten gut. 

Der Big Stopper 

Lees Big Stopper, ein Favorit unter den 

Landschaftsfotografen, erweitert die Belichtungszeit 

um zehn Blendenstufen. 

Durch diesen Effekt können Sie bei fast allen 

Lichtverhältnissen sehr lange Belichtungszeiten 

erreichen, nur nicht wenn es allzu hell 

ist. Natürlich brauchen Sie ein stabiles Stativ 

und die richtige Landschaft! 

lanDscHaFtsFOtOGraFie 25

FÜR EXPERTEN 

Bächlein im Wald fotografiert. In solchen Fällen 

kann man mithilfe des Filters die Spiegelungen 

reduzieren, er dient dann als ein ND-Ersatz und 

ermöglicht längere Verschlusszeiten, mit denen man 

das Fließen des Wassers besser einfangen kann. 

Obwohl ein Polarisationsfilter in der Handhabung 

kleine Herausforderungen mit sich bringt, lässt sich 

der Effekt, den er auf Farbe, Farbsättigung und Farbkontrast 

hat, nur schwer in Photoshop erzeugen. 

Zudem ist es fast unmöglich, diverse Spiegelungen 

loszuwerden. Daher haben die meisten Landschaftsfotografen 

und Reisefotografen immer einen 

Polarisationsfilter im Gepäck. Grauverlaufsfilter 

waren bei Fotogra fen schon immer beliebt. Trotz 

der digitalen Revolution bleiben sie auch weiterhin 

ein gern gesehenes Hilfsmittel. ND-Filter sind sehr 

nützlich wenn man die Belichtung eines Fotos mit 

großem Kontrastbereich ausbalancieren möchte. 

Am nützlichsten ist diese Art von Filter, wie so oft, 

in der Landschaftsfotografie. Das naheliegendste 

Beispiel ist, wenn der Vordergrund relativ dunkel 

ist (was eine längere Belichtungszeit voraussetzt), 

aber der Himmel ziemlich hell ist (was wiederum 

eine kürzere Belichtungszeit notwendig macht). 

Ein Grauverlaufsfilter mit zwei oder drei Blendenstufen 

erlaubt es Ihnen, die Belichtungszeit auf den 

Vordergrund passend einzustellen, ohne dabei den 

Himmel überzubelichten. Es gehen keine Details 

verloren. Natürlich kann man auch zwei separate 

Fotos machen und diese in der Nachbearbeitung 

zusammenfügen, aber das ist sehr viel 

zeitaufwendiger und kann in manchen Fällen 

ziemlich knifflig sein. Ein Grauverlaufsfilter 

bietet hier erhebliche Vorteile. Grauverlaufsfilter 

gibt es mit harten oder weichen „Übergangsrändern“ 

und man kann den jeweils 

für das Bild angemessensten wählen. Zur 

Benutzung eines Grauverlaufsfilters müssen 

Sie nur den Filter in die passende Filterhaltung 

schieben und ihn so positionieren, wie 

Sie ihn brauchen. Das geht am besten, wenn 

Sie die Kamera auf Live-Ansicht schalten oder 

KIMMERIDGE BAY 

Die wilde Schönheit der Jurassic Coast 

in Dorset bietet sich für Aufnahmen mit Filtern 

geradezu an. 

„ND-Filter sind sehr nützlich wenn man 

die Belichtung eines Fotos mit großem 

Kontrastbereich ausbalancieren möchte.“ 

1 

2 

3 

4 

5 

Filter Power 

Kontrollieren Sie den Dynamikbereich 

für gleichmäßige Aufnahmen. 

Schnell vorbeiziehende Wolken 

sind kein Problem mehr. 

Menschen, Vögel und Verkehr sind 

leicht aus Ihrem Foto zu entfernen. 

Wasserfälle, Brandungen und Flüsse 

werden zu glatten Oberflächen. 

Aufnahmen müssen in der Nachbearbeitung 

nur minimal verändert 

werden. 

Vorher 

Ohne ND-Filter sieht der Wasserfall ganz 

gut aus, aber eine Belichtungszeit von 1/60 

Sek. bei f16 ist für das Wasser nicht gerade 

ideal. Das Bild wirkt etwas unschön. 

Nachher 

Ein 1.2-ND-Filter, der die 

Belichtungszeit um vier 

Blendenstufen erweitert, ergab 

eine Belichtungszeit von 1/4 Sek. 

bei f16. Der Wasserfall wirkt jetzt 

glatt und gleichmäßig. 


FILTER EINSETZEN 

Alles über Lees berühmten „Big Stopper“-Filter 

Das richtige Motiv. Um aus dem Big 

1 Stopper das Beste rauszuholen, brauchen 

Sie ein Motiv mit viel Bewegung. Bei 

rein statischen Aufnahmen erweitert der 

Filter Ihre Belichtungszeit, aber Sie haben 

keinen richtigen Vorteil davon. 

Langzeitbelichtungsmodus. Benutzen 

2 Sie den Langzeitbelichtungsmodus 

Ihrer Kamera, bei einer Blendenöffnung 

von f11 oder noch weniger. Wir empfehlen 

einen Fernauslöser, damit Sie nicht die 

Belichtung mit dem Auslöser Ihrer Kamera 

beenden müssen. Denn dabei könnte das 

Bild verwackeln. 

Aufs Stativ kommt es an! Sorgen 

3 Sie dafür, dass Ihr Stativ so stabil 

wie nur möglich aufgebaut ist. Wenn Sie 

eine Wasserwaage haben, empfiehlt es 

sich, diese im Blitzschuh der Kamera zu 

platzieren und auf mögliche Bewegungen 

und Vibrationen während der Belichtung 

zu achten. 

Checken Sie die Aufnahme. Hier lohnt 

4 sich die Digitalkamera, denn Sie können 

Ihre Aufnahme umgehend überprüfen. 

Wundern Sie sich nicht, wenn Ihr erster 

Versuch etwas zu dunkel geraten ist und Sie 

eine zweite Aufnahme mit einer noch längeren 

Belichtungszeit brauchen. 

Danach 

Mit Lees Big Stopper wurde 

die Belichtungszeit auf 

zweieinhalb Minuten erhöht. 

Die Farben sind viel besser 

erkennbar und das Meer im 

Vordergrund ist makellos 

glatt. 

Vorher 

In diesem Küstenfoto sind die Wellen im 

Vordergrund unsauber. So etwas lenkt 

vom eigentlichen Foto ab. Doch Sie können 

das leicht mit einem ND-Filter mit zehn 

Beleuchtungsstufen wie Lees 

„Big Stopper“ korrigieren. 


FÜR EXPERTEN 

ND-Filter-Effekte So entfernen Sie Leute aus Ihrem Bild. 

Die richtige Stelle Suchen Sie sich die richtige Stelle 

1 aus. Achten Sie darauf, dass Sie niemandem im Weg 

sind, denn Sie wollen verhindern, dass Leute direkt vor der 

Kamera ins Bild laufen oder gar gegen das Stativ stoßen. 

Die Bildkomposition Bevor Sie den Big Stopper anbringen, 

müssen Sie den Bildausschnitt wählen und die 

2 

Schärfe justieren, denn danach werden Sie weder durch das 

LCD-Display noch den Sucher etwas sehen. 

Der Fernauslöser. Wählen Sie eine kleine Blendenöffnung 

(f11 oder kleiner) und schalten Sie den Lang- 

3 

zeitbelichtungsmodus ein. Ein Fernauslöser ist hier sehr zu 

empfehlen, damit Sie nicht Ihren Auslöser berühren müssen, 

um die Belichtung zu beenden. 

Danach 

Mit dem Big Stopper wird die Belichtungszeit erheblich verlängert. 

Der Sensor nimmt den Verkehr auf der Straße als eine kleine Unschärfe 

wahr. Und da die Menschen zu Fuß unterwegs waren und nicht statisch 

an einer Stelle standen, sind sie im fertigen Bild nicht zu sehen. 

Vorher 

Auf einer belebten Straße voller Menschen Fotos zu 

machen ist nicht so einfach. Die Leute lenken vom 

fertigen Bild ab und lassen Ihre Aufnahme 

wie einen Schnappschuss wirken. 


FILTER EINSETZEN 

OLD HARRY ROCKS 

Diese dramatischen Kreidefelsen im Meer 

sind das perfekte Motiv. Hier können Sie 

mit Filtern experimentieren, um ein 

dramatisches Foto zu machen. 

„Mit Filtern verbringen 

Sie mehr Zeit 

hinter der Kamera 

und sitzen weniger 

am Computer.“ 

2 

3 

5 Expertentipps 

für Filter 

Halten Sie Ihre Filter so sauber 

1 wie nur möglich. 

Bewahren Sie Ihre empfindlichen 

Filter unterwegs vorsichtig auf. 

Kaufen Sie die hochwertigsten Filter, 

die Sie sich leisten können. 

Ein zehnstufiger ND-Filter kann 

4 teuer sein und ist nicht für alle 

ideal – probieren Sie ihn vor 

dem Kauf aus! 

Testen Sie Ihre Filter für 

5 bestmöglichen Fotos. 

die Tiefenschärfe-Vorschau gedrückt halten. Diese 

Filter gibt es in verschiedenen Stärken, angefangen 

bei ND-Filtern mit nur einer Belichtungsstufe mit 

einer optischen Dichte von 0,3, bis hin zu zehn 

Belichtungsstufen, die eine optische Dichte von 

3,0 haben und sehr kreativ eingesetzt werden 

können. Besonders bei Küstenmotiven sind diese 

Filter sehr beliebt, denn mit ihnen lassen sich das 

Meer und die Wolken erheblich glätten. Aber auch 

bei Architekturfotografie und Städtebildern sind 

sie nützlich, denn man kann damit Menschen und 

Straßenverkehr im Bild bei Belichtungszeiten von 

zwanzig Sekunden oder mehr erheblich reduzieren. 

Wenn jemand nicht länger irgendwo steht, nimmt 

der Sensor ihn nicht auf. Extreme ND-Filter, wie 

Lees Big Stopper mit zehn Beleuchtungsstufen, können 

einen Farbstich verursachen und den Weißabgleich 

der Kamera stören. Am besten probieren Sie 

aus, wie der Sensor Ihrer DSLR-Kamera reagiert, 

damit Sie den Weißabgleich anpassen können. Bei 

RAW-Aufnahmen ist das weniger problematisch, da 

Sie den Weißabgleich mit Ihrer Konvertierungssoftware 

verändern können. Der Big Stopper (und 

andere zehnstufige ND-Filter) sind in erster Linie bei 

Fotos mit viel Bewegung zu empfehlen, ansonsten 

würden Sie nur grundlos Ihre Belichtungszeit erweitern. 

Mit Filtern verbringen Sie mehr Zeit hinter 

der Kamera und sitzen weniger am Computer, Sie 

müssen sich nicht so viel mit dem Nachbearbeiten 

der Bilder abplagen. Und die richtige Verwendung 

von Filtern spornt an, methodisch mit der Kamera 

zu arbeiten, was für viele ein Vergnügen ist. 

© Mark Bauer 

Filter- 

Tricks 

Wir sprechen mit Mark 

Bauer über Filter. 

Website: markbauerphotography.com 

Bio: Seit den 90ern interessiert sich Mark für Fotografie. 

Seither hat er sich den Ruf als einen der besten Landschaftsfotografen 

in England erworben. Mark leitet die 

„Dawn 2 Dusk”-Training-Workshops zusammen mit seinem 

Kollegen Ross Hoddinott. Weitere Informationen 

finden Sie auf dawn2duskphotography.co.uk. 

Welche Filter haben Sie in Ihrer Fototasche? 

Ich habe ein Set mit harten Grauverlaufsfiltern, eines 

mit weichen Grauverlaufsfiltern, einen Polarisierungsfilter 

und solide NDs mit einer, zwei, drei, vier und zehn 

Blendenstufen – alle von Lee. Und ich habe einen runden 

B+W-105mm-Polarisator. 

Wie unterscheidet sich Ihre jetzige Filtersammlung 

von damals, als es noch keine Digitalphotografie 

gab? 

Ich brauche keine Warmton- und Kalttonfilter mehr, 

weil ich die Farbtemperatur bei der RAW-Konvertierung 

anpasse. Ich benutze sehr viel mehr ND-Filter, 

weil meine Kamera auf ISO 100 eingestellt ist, also sehr 

viel schneller als die Filme, mit denen ich zuvor gearbeitet 

habe. Ich brauche daher mehr Belichtungszeit. 

Welche Vorteile bieten Filter, die das digitale Retuschieren 

nicht bietet? 

Es gibt Effekte, wie lange Belichtungszeiten, die man 

am Computer nicht erreichen kann. Außerdem: Wenn 

man eine Belichtungsreihe macht, statt Grauverlaufsfilter 

zu verwenden, besteht immer die Gefahr, dass 

zwischen den Aufnahmen Licht einfällt, besonders bei 

längeren Belichtungszeiten. Und schließlich verbringt 

man weniger Zeit am Computer und mehr Zeit draußen 

mit der Kamera. 

Was würden Sie Leuten empfehlen, die sich Filter 

kaufen möchten? 

Kaufen Sie sich das Beste. Filter von Lee sind die besten, 

die es gibt, aber das merkt man auch beim Preis. 

Man muss ja nicht gleich alle kaufen. In den meisten 

Situationen reichen ein harter Grauverlaufsfilter mit 

zwei oder drei Blendenstufen, ein weicher, dreistufiger 

Grauverlaufsfilter, ein solider ND mit vier Blendenstufen 

und ein Polarisationsfilter. 

Was muss man wissen, wenn man Filter benutzt? 

Welche Herausforderungen gibt es? 

Die größten Schwierigkeiten scheinen die Leute mit 

Grauverlaufsfilter zu haben. Es ist nicht leicht, sie korrekt 

aufzureihen, es gibt die Tendenz, sie zu weit herunterzuziehen, 

und so „schneiden“ sie das Bild in zwei 

Hälften. Das andere Problem ist, die richtige Stärke zu 

finden. Die Himmel sollten nicht zu dunkel wirken, das 

sieht unnatürlich aus. 

SUNSET, GODREVY 

Mit einem ND-Filter können Sie die Belichtungszeit 

erhöhen und so einen kreativen Wischeffekt im 

Wasser und in den Wolken erreichen. 


Für exPerten 

Sonnenuntergang 

Bei dieser aufnahme scheint die Sonne durch 

die Wolken und die Farben sind sehr intensiv. Bei 

Sonnenuntergängen fällt diffuses Licht durch die 

Wolken, das unterbelichtet wird. In diesem Falle 

wurde das sich ändernde Licht direkt beeinflusst. 

Bilddetails: Canon eoS-1Ds Mark III mit einem 

70–200-mm objektiv bei 80 mm und f11, 1.3Sek, 

ISo 100 mit einem Polarisationsfilter 

30 LanDSChaFtSFotograFIe

siCh An DAs LiChT AnpAssen 

Folgen Sie 

dem Licht 

Wer sich den äußeren Bedingungen anpasst, 

lernt das nötige Know-how für perfekte Bilder. 

W 

as ist das Geheimnis einer überwältigenden Landschaftsaufnahme? 

Die Antwort ist natürlich subjektiv 

und wird schon seit geraumer Zeit diskutiert, aber wie 

bei jedem Rezept gibt es auch hier gewisse Zutaten, 

auf die man sich einigen kann. Das Magische an der 

Fotografie ist das Licht, denn nur Licht verwandelt das Gewöhnliche in etwas 

Ungewöhnliches. Bedrohliche Wolken, die den schwülen Nachmittagshimmel 

verdunkeln und das Blau des Sommers verdecken, können aus dem 

© Bilder und Text von David Clapp 

täglichen Einerlei wie einem Stau auf der Autobahn einen wunderbar himmlischen 

Moment machen. Selbst Laien greifen dann zu ihren Handykameras. 

Ungewöhnliche Wetterbedingungen sind für Fotografen pure Lebensfreude. 

Spektakuläre Beleuchtung verändert unsere Wertschätzung der Welt um uns 

herum und Schnappschüsse solcher Art treiben uns bei jedem Schritt unserer 

fotografischen Reise weiter voran. Es ist wichtig, die Grundsätze guten Lichts 

zu verstehen und diese zu erkennen. Die Kunst des Sehens und der Einschätzung 

sich ändernder Wetterbedingungen will gelernt sein. Es braucht Übung, 

LAnDsChAfTsfoTogrAfie 31

Für ExpErTEn 

Callanish 

Das shooting am 

Callanish stone 

Circle hat den ganzen 

Tag gedauert und endete 

mit einem fantastischen 

sonnenuntergang, der die 

Gewitterwolke von hinten 

anstrahlte. Das Wetter war 

sehr wechselhaft und die 

arbeit anstrengend. acht 

stunden lang hat es geregnet, 

doch dieser Moment hat alles 

wieder wettgemacht. 

Bilddetails: Canon EOs-1Ds 

Mark iii mit einem Contax 

35–70 f3.4 bei 35 mm, isO 

100, zwei aufnahmen 

„Die Essenz eines jeden Dramas 

– ob sichtbar oder kontextuell – 

ist der Kontrast.“ 

bis man weiß, wann man reagieren sollte, wann nicht und 

vor allem in welche Richtung sich Bedingungen verändern. 

Die erfolgreichsten Landschaftsfotografen haben gelernt, 

sich der Witterung anzupassen. Sitzenbleiben und hoffen, 

dass das Wetter besser wird, führt selten zum Erfolg. Doch 

genauso wenig hilft es, sofort woandershin aufzubrechen. Sie 

können Ihre Chancen auf bessere Bedingungen durch die 

Beachtung wichtiger Faktoren erheblich verbessern. Aber 

wie bei jedem kreativen Unterfangen sollten Sie auch immer 

der Inspiration folgen. Wenn Sie mit der Fotografie beginnen, 

können die Feinheiten des Lichts erst einmal verwirrend sein. 

Wir alle wissen einen wunderschönen Sonnenuntergang 

und dessen interessante Lichteffekte zu schätzen, aber es gibt 

auch vieles, was das ungeübte Auge übersieht. Gutes Licht 

kann zu jeder Tages- und Jahreszeit auftreten. Es ist ganz 

normal, sich besonders am Morgen und am Abend dem Licht 

nähern zu wollen, aber das Auge wird durch Erfahrungen 

aller Art geschult. Wenn die Sonne aufgeht und über den 

Himmel zieht, ändern sich auch die Winkel des Lichteinfalls. 

Farbenfroheres Licht wird aufkommen, wenn die Dämmerung 

nachlässt oder der Morgen kommt, die Helligkeit 

nimmt ab oder zu und die Landschaften verändern sich. Die 

Schatten werden kürzer oder länger und somit scheinen 

sich auch die Dimensionen zu ändern. Tiefe und Dimension 

sind wesentliche Faktoren bei einem guten Landschaftsbild 

und diese Qualitäten reduzieren sich drastisch, während die 

Sonne am Himmel immer höher klettert. Täler und Hänge 

verlieren ihre Formen, Bäume werden in Schatten getaucht, 

der Lichtwurf wird härter. Gegenstände verlieren ihre Dichte, 

sodass die einst stimmungsvollen Bedingungen scheinbar 

verloren gehen. Heißt das, die Kamera sollte mittags in der 

Tasche bleiben? Weit gefehlt. Wichtig ist, dass man sich 

anpasst. Bei unterschiedlichen Tageszeiten ist auch die Intensität 

des Lichts immer anders. Wenn die Sonne auf- oder 

untergeht, wird ihr Licht in der Erdatmosphäre zerstreut. Das 

Licht wird weicher, die Farben ändern sich. Diese Änderung 

kann die Landschaft in verführerischen Farben erscheinen 

lassen. Je weniger Licht von der Atmosphäre zerstreut wird, 

desto heller und intensiver wird das Licht. Die Sonne wird zu 

einem grellen, weißen Punkt, den man kaum direkt anschauen 

kann. Schatten und Spiegelungen treten verstärkt hervor. 

Stellen Sie sich einen regnerischen Tag vor – nicht etwa Nieselregen, 

sondern dicke Gewitterwolken mit Form und Struktur. 

Jetzt stellen Sie sich eine Lücke in den Wolken vor, durch 

die ein starker Lichtstrahl dringt. Die Essenz eines jeden 

Dramas – ob sichtbar oder kontextuell – ist der Kontrast. Je 

größer die Dramatik ist, desto fesselnder wird das Foto. Nun 

stellen Sie sich die gleichen Bedingungen vor, aber dieses Mal 

ist die Lücke in den Wolken im Westen zu sehen. Wenn die 

32 lanDsChaFTsFOTOGraFiE

sICH an das LICHt anpassEn 

Wie der Weißabgleich 

das 

Bild verändert 

Bei einem gelungenen Bild ist der 

Weißabgleich fundamental wichtig. 

Daher ist es überraschend, wie oft er 

bei der Fotografie übersehen wird. Bei 

den meisten Fotos muss er angeglichen 

werden, entweder um das Bild 

exakt darzustellen oder um einen 

künstlerischen Effekt zu erreichen. 

Deswegen ist es wichtig, im Rohbildformat 

zu arbeiten. Der automatische 

Weißabgleich, genau wie die Lichtmessung, 

geht von einer Annahme 

aus. 

Wenn das Bild blaustichig ist, wird 

die Kamera dagegen angehen, indem 

die Farbtemperatur ins wärmere 

Spektrum angehoben wird. Bei einem 

orangefarbigem Sonnenuntergang ist 

das Gegenteil der Fall, denn die Kamera 

will das Rot abkühlen. Selbst wenn 

der Weißabgleich konsistent eingestellt 

ist und sich nicht automatisch 

anpasst, kann noch einiges schiefgehen. 

Wenn man das Wolken- oder 

Tageslichtsymbol auf der Kamera 

auswählt, kann sie sich Veränderungen 

nicht anpassen. Wenn sich die 

Lichtverhältnisse stark ändern, wird 

das Bild verfremdet. 

Machen Sie sich mit dem Weißabgleich 

und Farbänderungen vertraut, 

das Bild kann dadurch drastisch besser 

werden. 

Beim automatischen Weißabgleich 

wird bei roten Motiven 

Blau hinzugefügt 

Mit der korrekten Einstellung behält 

der Himmel seinen warmen Farbton 

Land’s End 

durch eine Belichtungsreihe 

bleiben die details in den Felsen sichtbar. 

als die sonne unterging, schien es 

unwahrscheinlich, dass die Wolke weitere 

Farben zuließ, aber dennoch wurde ein 

zartes Rosa sichtbar. noch vor einer 

stunde war der Himmel grau gewesen. 

Bilddetails: Canon EOs-1ds Mark III 

mit einem 24-mm-Objektiv bei f16, 

3 sek., IsO 100 

LandsCHaFtsFOtOgRaFIE 33

Für experten 

Gruinard, 

WeSter roSS 

„ich bin gefahren wie ein irrer, sprang 

aus dem auto und habe noch sechs 

Bilder gemacht, bevor der 

regenbogen weg war.“ 

Bilddetails: Canon eo S-1ds Mark iii mit 

einem 24–105-mm-objektiv bei 32 mm 

und f16, 1/25 Sek., iSo 200 


Simon Butterworth 

So geht der Landschaftsfotograf mit schwierigen Bedingungen um 


Was für Bedingungen wünschen Sie 

sich für eine gute Aufnahme? 

SB: Ideale Bedingungen, das ist schräges 

Sonnenlicht unter schweren Gewitterwolken 

(eines von diesem apokalyptischen 

pechschwarzen Himmelblau, 

vor man sich eigentlich verstecken will), 

dazu schneebedeckte Berge und kristallklares Wasser. 

So ein Himmel ist sehr selten und oft nur schwer zu fotografieren. 

Wenn ich einen guten Himmel am Horizont 

aufkommen sehe, überlege ich mir sofort, wie ich ihn 

fotografiere. Wenn er dann da ist, bin ich bereit. 

Wie gehen Sie damit um, wenn sich die Bedingungen 

ändern? Was geht Ihnen beim Fotografieren durch 

den Kopf? 

SB: Man muss auf alles vorbereitet sein. Wenn man ein 

Motiv sieht, ist es bei schwierigen Bedingungen vielleicht 

schon zu spät. Ich passe immer auf, was um mich herum 

geschieht, insbesondere achte ich auf die Richtung, aus 

der der Wind kommt. Ich bin immer begeistert, wenn ich 

Schatten über Berghängen oder schimmernden Seen 

sehe. Ich halte nach vereinzelten Lichtstrahlen Ausschau, 

die spezielle Punkte in der Landschaft erleuchten, z. B. 

Bergkuppen oder kleine Inseln. Solche Lichtstrahlen tun 

einem Bild immer sehr gut, deswegen bin ich immer auf 

der Suche nach so etwas. 

Sie machen hervorragende Fotos mit Regenbogen. 

Wie geht das? 

SB: Regenbogen erscheinen bei 42 Grad zum Sonnengegenpunkt, 

man weiß also immer, wo sie sind. Aber wann, 

das ist die Frage! Idealerweise stehe ich mit dem Rücken 

zum Wind und zur Sonne. Dann ist die Sonne zu sehen 

während die Regenwolken noch über mir sind, aber der 

Wind schlägt mir nicht gegen das Objektiv. Das Hauptproblem 

ist, einen guten Hintergrund zu finden. Wir alle haben 

Regenbögen über Supermarktparkplätzen gesehen, aber 

wie oft sieht man einen über einem schottischen Bergsee? 

Welche Ausrüstung bevorzugen Sie? Irgendwelche 

Filter oder Methoden mit der Kamera? 

SB: Wenn ich bei unsteten Wetterbedingungen unterwegs 

bin, muss ich auf alles gefasst sein. Meine Kamera 

ist immer eingeschaltet und einsatzbereit. Mit ISO 200, 

f11 und einem 24–105-mm-Objektiv mit Regenschutz 

bin ich für fast alle Situationen gerüstet, ich kann dann 

fast sofort eine Aufnahme machen. Nach Jahren bitterer 

Erfahrung gehe ich immer davon aus, dass das Licht in 

ein paar Sekunden weg ist. Ich muss zuerst mal die Aufnahme 

machen, dann kann ich mit der Bildkomposition 

experimentieren, am besten mit einem Stativ und einem 

Polarisationsfilter, wenn genug Zeit ist. 

Haben Sie Ratschläge, wie man Fotos mit hervorragendem 

Licht hinkriegt? 

SB: Das Wichtigste ist, bei jedem Wetter loszuziehen. 

Leider sind die Tage, an denen man vielleicht dramatisches 

Licht hat, auch die Tage, an denen man oft mit leeren 

Händen zurückkommt – und nass! Man muss viel 

Anstrengungen in Kauf nehmen und oftmals kommt 

nichts dabei heraus. Aber ab und zu ist es sensationell 

und man macht ein wirklich besonderes Bild. Bei fliehendem 

Licht ist Geduld wirklich eine Tugend. Ich mag gar 

nicht daran denken, wie viele Stunden ich auf einer einsamen 

Landspitze oder an einer Bergwand zugebracht 

habe und dabei in den Himmel gestarrt und auf ein Loch 

in den Wolken gehofft habe. 

däMMerunG, an teallaCh 

Simon ist früh losgezogen und lange gewandert. 

Seine Belohnung war dieses licht Bilddetails: Canon eo 

S-1ds Mark iii mit einem 16–35-mm-objektiv bei 17 mm 



Suilven, Sutherland 

„ich kam eine Stunde vor Sonnenuntergang bei 

einem üblen Sturm an. er war so heftig, dass ich iSo 200 

benutzt habe, damit man die vibration der Kamera nicht 

bemerkt.” Bilddetails: Canon eo S-1ds Mark iii mit einem 

16–35-mm-objektiv bei 26 mm und f18, 1/13 Sek., iSo 200 

34 landSChaFtSFotoGraFie

sICh an Das lICht anPassen 

Sonne untergeht, wird die Lücke heller, bis schließlich 

herrliches Seitenlicht durchdringt. Die Welt wird erhellt, 

als würde man einen Lichtstrahl durch einen Türspalt 

wahrnehmen. Wesentlich ist hierbei der Kontrast. Wer 

solche Bedingungen einmal erlebt hat, kann danach 

süchtig werden. 

Betrachten wir nun das Gegenteil – diffuses Licht. 

Auch ein Mangel an Licht kann eine Landschaft stimmungsvoll 

beeinflussen. Atmosphärische Zustände 

können wie eine Softbox wirken und die Intensität der 

Sonne abschwächen. Auch hier tun sich wunderbare 

Bilder auf. Diffuses Licht kann sehr nützlich sein, nicht 

nur bei Landschaften, wie beispielsweise dunstige 

Sonnenaufgänge oder nebelige Berge, sondern auch bei 

Detailaufnahmen. Bei Fotos von Blumen ist gestreutes 

Licht absolut notwendig. Es ist also kein Wunder, dass 

gute Outdoor-Fotografen ein solches Licht zu schätzen 

wissen. 

Wetter ist an sich komplex und unberechenbar, 

aber wenn Sie sich mit Wolken und Wettermustern 

ein wenig auskennen, können Sie sich anpassen und 

Ihre Motive entsprechend aussuchen. Wechselhaftes 

Wetter bietet mit die aufregendsten Bedingungen für 

eine Aufnahme, aber leider bringt es auch Winde 

und Regen mit sich. Sehr beliebt ist auch stürmisches 

Wetter – große Wolken, Regengüsse, Brüche in der 

Wolkendecke und starke Luftbewegungen sorgen für 

eine Landschaft mit ständig wechselndem Licht. So 

eine Vielfalt ist nie langweilig. Solche Landschaften zu 

fotografieren kann sehr spannend sein, selbst mitten 

am Tag, wenn der Himmel Licht und Schatten über 

das hügelige Land wirft. Wer keine Wetterkarten lesen 

kann, sollte die Wolken und den Himmel verstehen, 

um sich dem Licht anzupassen. Der Himmel besteht oft 

aus einer einzigen Wolkenart oder mehreren Schichten, 

die alle in verschiedenen Höhen sind. Wenn man nur 

die weiße Masse anstarrt, wird man leicht frustriert – 

sind da nun Wolkenlücken oder nicht? Lücken können 

oftmals von mehreren Schichten verborgen werden. 

Man sieht sie nur, wenn man im Flugzeug sitzt. Doch 

nur weil die Wolkendecke kompakt erscheint, heißt 

das nicht, dass die Sonne nicht in der Lage ist, sie zu 

durchbrechen. Höhere Wolken bewegen sich langsamer, 

was den unteren einen silbrigen Schimmer verleiht. 

Obwohl ein Himmel voller Wolken interessante 

Muster und Formen im tiefen Himmelsblau aufzeigen 

kann, wird der volle Effekt einer Bewölkung erst dann 

klar, wenn die Wolken an einem vorüberziehen. Wolken 

haben unterschiedliche Dichten und zerstreuen bei 

ihrer Bewegung das Licht. Wenn die Wolken dichter 

werden, nehmen die Lichtverhältnisse merklich ab. 

Diese natürliche Schwarzblende kann sehr nützlich 

sein. Die Landschaftselemente werden nicht durch das 

Licht voneinander abgeschnitten, stattdessen ist ein 

Übergang bemerkbar. Bei dieser Veränderung kann 

man enorm vielfältige Bilder machen. Stellen Sie sich 

Brandungspfeiler vor, die vom Schatten nahe liegender 

Klippen halbiert werden. Die hellen und dunklen 

Flächen stehen in starkem Kontrast. Eine Wolke geht 

darüber hinweg und die Trennlinie des Schattens wird 

zuerst diffus, dann verschwindet sie fast völlig. Bei 

dieser Sequenz zeigt vielleicht eines der Bilder einen 

perfekten Ausgleich ohne Schattenlinien, aber mit 

gutem Licht. 

Nichts verleiht einem Bild so viel geheimnisvolle 

Dramatik wie Nebel und Dunst. Früh am Morgen, 

wenn im Frühling und im Herbst die Tag-Nacht-Gleiche 

kommt, lassen kalte Nächte und warme Tage die 

Luft kondensieren, vorwiegend in Tälern und im Tiefland. 

Nebel ist das Resultat niedrig liegender Wolken. 

BauBles 

Das licht von der seite kam durch 

eine Wolke, erhöhte den Kontrast und verlieh 

dem see seine Farbenpracht. Die hohen 

lichtwerte haben das seeufer und die Bäume 

außerordentlich intensiv wirken lassen 

Bilddetails: Canon eOs-1Ds Mark III mit einem 

35–70-mm-Objektiv bei f11, 1/2 sek., IsO 100, 

Polarisationsfilter 

„Nichts verleiht 

einem 

Bild eine so 

magische 

Stimmung 

wie Nebel 

und Dunst.“ 

lanDsChaFtsFOtOgraFIe 35

Für ExpErtEn 

Kaum noch 

Licht 

Der tag fing eher unspektakulär 

an, doch dann wurden 

die Bedingungen wunderbar. 

Die Sonne zog sich hinter die 

Wolken zurück und erhellte in 

schrägem Winkel das Land. 

Die Kontraste waren enorm. 

Je weniger Sonne zu sehen 

war, desto dramatischer 

wirkte es. 

Bilddetails: canon EoS1Ds 

mark iii mit einem contax 

35–70mmobjektiv bei 50 

mm und f3.4, zwei aufnahmen 

Wie alle Wetterphänomene sind Nebel und Dunst anfällig 

für Luftströmungen und ständigen Veränderungen unterworfen. 

Im Grunde sind Nebel und Dunst wie Wellen auf dem 

Meer, abhängig von Ebbe und Flut und von unterschiedlicher 

Dichte. Wenn sich die Dichte ändert, ändert sich auch 

das Licht. Besonders im Wald können Sie mit Ihrer Kamera 

spektakuläre Aufnahmen von Lichtstrahlen im Morgennebel 

machen. Die Dicke des Nebels muss stimmen – ist er zu 

dünn, kann man ihn kaum sehen, aber wenn er zu dicht ist, 

nimmt man die Sonne nur noch als einen weißen Ball wahr. 

Sie werden vermutlich viel laufen müssen, besonders wenn 

Sie in einem nebeligen Wald sind. Die Intensität des Nebels 

ist von Veränderungen im Licht abhängig, es können also 

allerorts Lichtstrahlen zu sehen sein. Wechselhaftes Wetter 

kann sehr dramatisch sein, besonders wenn man einen 

Regenbogen sieht. Wenn der Regen gegen die Fenster prasselt, 

ist die Versuchung groß, zu Hause zu bleiben, aber es lohnt 

sich dennoch, den Elementen zu trotzen. Dafür hat man ja 

seinen Regenmantel und die Gummistiefel. Man kann allerdings 

nicht vorhersagen, was passieren wird. Regenbögen 

sind in kontrastreichen Momenten zu sehen, wenn helles 

Licht die Wolkendecke durchdringt. Der Wechsel der Jahreszeiten 

bringt Veränderungen im Licht mit sich. Wenn die 

Erde sich dreht, bewegt sich ihre Achse, wodurch es längere 

und kürzere Tage gibt. Das liegt am Azimut der Sonne, also 

wie hoch sie über dem Horizont steht. Im Sommer gibt es in 

Sylt länger Tageslicht als in Berchtesgaden, die Sonne bleibt 

im Hochsommer nur knapp unter dem Horizont. Die Dämmerung 

dauert immer länger und eine richtig dunkle Nacht 

kommt nur kurz auf. Die Wintermonate sind das komplette 

Gegenteil, mit kürzeren Tagen und längeren Nächten. Das 

bedeutet, dass die Bahn der Sonne weit tiefer im Himmel ist. 

Die tieferen Einfallswinkel des Lichts lassen das Licht fast 

den ganzen Tag über schmeichelhaft erscheinen. Die Sonne 

ist etwas farbenfroher, die Schatten sind länger und die ganze 

Landschaft gibt für Bilder mehr her als im Sommer. Wenn 

die Sonne längere Zeit unterhalb des Horizonts verschwindet, 

wird der Himmel dunkler. Von den atmosphärischen 

36 LanDSchaFtSFotograFiE

SiCh an daS LiCht anPaSSEn 

So kontrollieren Sie das Licht in Photoshop 

Obwohl viele Fotografen der Meinung sind, ein gutes Bild entstehe 

allein in der Kamera, so ist es doch sehr hilfreich, wenn 

man ein gutes Verständnis für Photoshop hat. Man muss die 

Wetterbedingungen immer respektieren, denn wenn das Foto 

nicht die richtigen Zutaten enthält, dann hat auch der beste 

Computer nichts zu bearbeiten. Obwohl es viele Arten gibt, 

die Lichtwerte beim Auslösen des Bildes zu kontrollieren, 

kann es sich als schwierig gestalten, alles zusammenzufügen. 

Mit Belichtungsreihen und ND-Gradierungsfiltern kann man 

sicher sein, dass man das ganze Lichtspektrum abfotografiert 

hat, aber die Teile zusammenzufügen kann knifflig werden. 

Allzu oft wird der Kontrast in der Nachbearbeitung zu aggressiv 

erhöht. Es ist besser, schrittweise vorzugehen. Subtile 

Tonjustierungen in den RAW-Dateien ist nur der Anfang. 

Wenn das Bild einmal in Photoshop importiert wurde, geht die 

Arbeit weiter. Wählen Sie Tonwertkorrektur und Kurven mit 

kleinen Änderungen und denken Sie immer an das Endresultat. 

Wir empfehlen, dem Computer kurz den Rücken zu kehren 

und ein paar Minuten später wiederzukommen, um zu 

sehen, ob die Änderungen zu auffällig sind. 

Beim Bearbeiten von kontrastreichen 

Fotos ist Vorsicht geboten. 

„Auch schlechte Luft kann für Landschaftsfotografen 

von Vorteil sein“ 

Bedingungen hängt auch die Sichtweite ab, auch diese ändert 

sich im Verlauf der Jahreszeiten. Die Klarheit eines Bildes 

wird stark von der Luftfeuchtigkeit beeinflusst. Wenn man 

keine klare Sicht hat, ist weniger Kontrast nötig. Aber wenn 

die Luftfeuchtigkeit gering ist, hat man klare Tage mit guter 

Fernsicht, die Farben und Formen der Landschaft sind klar 

zu sehen. All das hängt auch von der Temperatur ab und 

obwohl durchaus Tendenzen erkennbar sind, kann man 

eigentlich zu jeder Jahreszeit solche Bedingungen vorfinden. 

Auch schlechte Luft kann für Landschaftsfotografen von Vorteil 

sein. Erinnern Sie sich noch an die Aschewolken im April 

2010? Die Sonnenuntergänge waren spektakulär. Die Luftqualität 

nimmt ab, wenn Staub- oder Rauchpartikel in der Luft 

zurückbleiben. Dadurch nimmt auch die Klarheit ab, aber 

im Sonnenuntergang fangen die Partikel zu leuchten an. Die 

Farben werde reflektiert. Obwohl Smog ungesund ist, kann er 

interessante visuelle Effekte erzeugen. In den Städten wirken 

die Häuser wie Silhouetten und Verkehrsströme sehen aus 

wie eine Schicht aus Grafit. Wenn man das sich verändernde 

Licht fotografiert, stehen einem diverse Werkzeuge und 

Methoden zur Verfügung. So zum Beispiel Filter, die bei 

Landschaftsaufnahmen sehr effektiv eingesetzt werden können. 

Wenn viel Kontrast vorhanden ist, können die Veränderungen 

im Licht Probleme mit sich bringen, aber mit genug 

Können ist es möglich, diese präzise und kreativ zu lösen. 

Wenn sich die Lichtbedingungen schnell ändern, muss 

man sofort reagieren. Ohne etwas Fachwissen wird das Bild 

schnell über- oder unterbelichtetet. Dazu ein paar Ratschläge: 

Die meisten Kameras haben drei oder vier Messmethoden, 

aber wenn sich das Licht schnell verändert, können einige 

davon problematisch sein. In den meisten Fällen ist die Mehrfeldmessung 

oder Matrixmessung am geeignetsten. Da die 

Kamera das Licht in Segmenten misst, werden alle Bereiche, 

helle und dunkle, bei der Berechnung der Belichtung mit 

einkalkuliert. Man kann aber auch die mittenbetonte Selektivmessung 

verwenden, solange die Lichtverhältnisse relativ 

konstant sind. Allerdings liegt hier der Messschwerpunkt im 

zentralen Bereich. Die äußeren Bereiche werden ignoriert. 

EinE andErE 

BrEnnwEitE 

dieses Foto entstand zur selben 

Zeit wie das Bild zu Beginn 

dieses artikels. Langsam sind 

die Schatten der Berge zu 

sehen. durch eine Veränderung 

der Brennweite und einen 

klaren Blick auf die umliegende 

Landschaft wurde aus diesem 

Moment das Beste rausgeholt. 

das Licht von der Seite 

akzentuierte die Kuppel und 

gab so dem Berg mehr Kontur. 

die Schatten haben das 

tonwertspektrum vertieft. 

Bilddetails: Canon EO 

S-1ds Mark iii mit einem 

70–200-mm-Objektiv bei 200 

mm und f11, 1.3Sek, iSO 100 

mit einem Polarisationsfilter 

LandSChaFtSFOtOgraFiE 37

für ExPErtEn 

Ein Motiv, fünf 

BElEuchtungEn 

Diese fünf Bilder zeigen, wie unterschiedliches 

licht das gleiche Motiv beeinflussen 

kann und wie subtil die Anpassungen sein 

können. von links nach rechts: 

Bilddetails: canon EoS 5D bei 35 mm und 

f11, iSo 100, zwei Aufnahmen 


f11, iSo 100, zwei Aufnahmen 


f16, iSo 100 


f11, iSo 100 

Bilddetails: canon EoS -1Ds Mark iii bei 24 

mm und f11, iSo 400 

Wie Jahreszeiten 

das licht 

verändern 

Die Jahreszeiten haben einen drastischen 

Effekt darauf, wie das Licht die 

Landschaft verändert. Der Winkel der 

Sonne und ihre Position zur Kamera 

haben ebenso eine große Auswirkung. 

Die Jahreszeiten spielen auch eine Rolle 

bei der Luftqualität und dem Licht. 

Natürlich macht es mehr Spaß, bei warmem 

Wetter Fotos zu machen, nur fehlt 

solchen Fotos oft die Dramatik, die man 

bei anderen Jahreszeiten hat. 

Für Landschaftsfotografen ist der 

Sommer eine frustrierende Zeit. Nachdem 

sich die Ungezügeltheit des Frühlings 

gelegt hat und der Sommer kommt, 

verlieren die Grüntöne an Intensität, 

ebenso wie das Licht. Bei hohen Temperaturen 

kann es zu Dunst kommen und 

der Azimut der Sonne scheint vertikal im 

Himmel zu liegen, was zu harter 

Beleuchtung und unvorteilhaftem Lichteinfall 

führt. Der Winter ist trotz des 

schlechten Wetters eine sehr viel lohnendere 

Zeit, weil die Sonne niedriger steht. 

Benutzen Sie tools wie the Photographer’s 

Ephemeris, um die beste Zeit 

für gutes licht herauszufinden. 

38 lAnDSchAftSfotogrAfiE

Sich an DaS Licht anPaSSen 

Schichten 

eine längere 

Brennweite flacht die 

Perspektive in Schichten ab 

und betont den Dunst durch 

Seitenlicht. Lange Schatten 

sind zu sehen, aber die 

Schatten unten im Bild lassen 

vermuten, dass der effekt 

nicht lange andauern wird. 

Bilddetails: canon eOS- 

1Ds Mark iii mit einem 

300-mm-Objektiv bei f11, 

1/160 Sek., iSO 100 

UngLaUBLicheS 

SeitenLicht 

Die atemberaubenden Bedingungen 

bei castlerigg waren einem 

Riss im himmel und hoher Sichtbarkeit 

zu verdanken. Dank der 

sauberen Luft war das Sonnenlicht 

sehr intensiv und hat dem Bild 

Farbe und Dimension verliehen. 

Bilddetails: canon eOS-1Ds 

Mark iii mit einem 17–40-mm- 

Objektiv bei 33 mm und f11, 

1.7 Sek. 

Die Spotmessung kann sehr komplex werden, weil sie 95 

Prozent der Bildkomposition ignoriert. Der manuelle Modus 

ist die akkurateste Methode zum Lichtmessen, aber trotzdem 

sollten Sie auf Probleme vorbereitet sein, wenn sich das Licht 

schnell verändert. Stellen Sie die Blende so ein, dass sie die 

für die Bildkomposition notwendige Tiefenschärfe kontrolliert, 

dann stellen sie die Belichtungszeit ein, indem Sie die 

Belichtungsnadel in der Mitte (bei Null) halten. Bei den meisten 

Kameras wird die Belichtung in Abstufungen von 1/3 

Blendenstufen berechnet. Wenn Sie also das Verschlusszeiten-Einstellrad 

bewegen, ist jede Kerbe eine Drittel Blendenstufe. 

Man kann also die Kamera auf die sich verändernden 

Lichtverhältnisse anpassen, jeweils auf der Lichtmessung 

basierend. Das erfordert etwas Können, kann aber durchgängig 

gute Resultate haben. Die Einstellung Blendenpriorität 

gibt der Kamera die Kontrolle über die Verschlusszeit, um bei 

sich änderndem Licht die Belichtung zu beeinflussen. Das 

kann sehr nützlich sein, wenn sich das Licht schnell ändert. 

Die Kamera reagiert auf die Lichtmessung und passt die 

Verschlusszeit an. Dieser Modus ist nur bei extremen Kontrasten 

problematisch. In hellen Bereichen kann die Kamera 

die Aufnahme sehr unterbelichten, was bei der manuellen 

Einstellung nicht passieren würde. Polarisationsfilter sind 

hervorragend geeignet, um den Himmel dramatischer zu 

„Polarisationsfilter 

sind hervorragend 

geeignet, um den 

Himmel dramatischer 

zu gestalten.“ 

gestalten, und sind auch bei Landschaften vielseitig nützlich. 

Sie reduzieren das reflektierte Licht der Luftpartikel 

und dadurch verringert sich die Helligkeit des Himmels im 

Verhältnis zu den Wolken. Das Weiß wird auf diese Weise 

betont, sodass die Blautöne dunkler werden, was nicht nur 

den Kontrast erhöht, sondern auch die Dramatik. Gerade bei 

Regenbögen sind Polarisationsfilter nützlich. Wenn sich das 

Licht bricht, können die Farben vor dem Hintergrund mit 

Polarisationsfiltern betont werden. Obwohl es eine Reduzierung 

von nur einer Blendenstufe ist, kann der Unterschied 

bei Dämmerung erheblich sein. Eine Verschlusszeit von 15 

Sekunden wird verdoppelt. Eine gute Methode, um Motive 

bei sich änderndem Licht zu fotografieren, ist der Einsatz von 

ND-Filtern. Wenn sich das Licht schnell verändert, können 

die Lichtverhältnisse in den Wolken und der Landschaft zur 

Überbelichtung führen. Ein Filter kann das gut ausgleichen. 

So kann man in einer Aufnahme gleichmäßige Belichtungen 

erreichen. Wenn der Filter korrekt angebracht ist, stellen Sie 

die Blende und die gewünschte Messmethode (Manuell oder 

Blendenpriorität) ein und machen Sie ein Testfoto, um zu 

sehen, ob der Filter nicht zu extrem wirkt. Als Faustregel gilt, 

dass der Abdunkelungseffekt des Filters nicht ungleichmäßig 

im Bild verteilt sein darf. 

An sich können Ihnen Filter gute Dienste leisten, aber es 

kann auch gut passieren, dass Dinge wie Klippen, Brandungspfeiler 

und Bäume zu dunkel sind. Dann bietet sich 

eine Belichtungsreihe an, die Sie zu Hause am Computer 

zusammensetzen können. Die automatische Belichtungskorrektor 

ist eine gute Methode. Die Kamera macht eine Reihe 

von Aufnahmen oberhalb und unterhalb der Messwerte der 

Kamera. So erhält man eine Bildersequenz, ein Bild nach 

dem anderen, mit dem sich das volle Spektrum in wenigstens 

drei Bildern festhalten lässt. Bei einigen Kameras sind es 

mehr, manchmal bis zu sieben. Zum Glück ist das voll automatisch, 

ein Knopfdruck löst die gesamte Sequenz aus. Bei 

der Nachbearbeitung ist die größte Frage, wie kontrastreich 

man das Bild gestalten sollte. Man ist versucht, die Schwarz- 

LanDSchaFtSFOtOgRaFie 39

für exPerteN 

ausrüstung 

Obwohl es immer besser ist, seine Fototasche 

mit Optimismus und Motivation als mit voller 

Technik zu packen, gibt es einige nützliche Dinge, 

die Kameras und Speicherkarten komplettieren. 

ND Gradierungsfilter 

Preis: € 30–90 pro Stück oder auch 

als Set erhältlich 

Typ: Lee Filters, Hi-tech, Cokin 

Mit diesen leistungsstarken Hilfsmitteln 

lassen sich die Lichtpegel in 

der Bildkomposition komprimieren. 

Ein Set mit Grauverlaufsfiltern ist sehr nützlich, sowohl weich- als 

auch hartkantig, also ein weicher oder ein hart abgestufter Grauverlauf. 

Damit ist man auf alle Eventualitäten vorbereitet. 

Polarisierungsfilter 

Preis: € 30–200 je nach Größe 

und Hersteller 

Typ: Heliopan, Hi-tech, Cokin, 

Lee Filters 

Suchen Sie sich einen oder zwei für Ihre Objektive aus. Die 

meisten sind 77 mm, aber wenn Ihr Objektiv ein anderes Gewinde 

hat, kann man immer noch auf einen Adapter zurückgreifen. So 

lässt sich der Kontrast zwischen Himmel und Wolken reduzieren. 

Küchenpapier 

Es gibt nichts Besseres, um Regenwasser zu trocknen und Filter zu 

säubern. Achten Sie darauf, dass das Küchentuch keine Partikel 

hinterlässt. Am besten legen Sie sie bereits zuvor ordentlich 

gefaltet in einen kleinen Plastikbeutel, damit sie trocken bleiben. 

regenschutz 

Allwetterzubehör für Taschen ist in Camping-Geschäften 

problemlos erhältlich. Ein leichter Regen ist für die meisten 

Taschen kein Problem, aber eine feuchte Kameratasche kann zu 

Problemen mit der Kondensation führen. Wenn das Wasser 

verdampft, kann die Optik beschädigt werden. Bei schwerem 

Regen sollte man sich am besten unterstellen. Und obwohl man 

nicht übermäßig viel Ausrüstung braucht, gibt es einige 

wesentliche Dinge, die für die Kamera unerlässlich sind. 

Isle of HarrIs 

Diese tollen Klippen 

wurden von der sonne erleuchtet, 

die hinter den Wolken hervorkam. 

Die Brandungspfeiler 

wurden angestrahlt. Kurz bevor 

sich harte schatten zeigten, 

wurde der auslöser betätigt 

Bilddetails: Canon eos -1Ds 

Mark III mit einem Contax 

35–70-mm-objektiv bei f11, 

3 sek., Iso 100 mit einem 

ND-filter mit 6 Blendenstufen 

KINGs CaNyoN 

Durch den Dunst war die 

sichtweite reduziert, aber das 

war für die aufnahme nicht 

schlecht, ganz im Gegenteil. so 

ein foto muss man vorsichtig 

nachbearbeiten, damit das 

feeling nicht verloren geht. 

Bilddetails: Canon eos -1Ds 

Mark III mit einem 24–105-mmobjektiv 

bei 40 mm und f16, 

1/40 sek., Iso 100 

und Weißtöne zu sehr zu betonen, um ein ordentliches Histogramm 

zu erhalten, aber man sollte nicht vergessen, dass es 

dem ursprünglichen Bild eventuell an Tiefe fehlt. Den Fehler 

macht man besonders leicht im Dunst. Bei diesen Bedingungen 

sind die Schatten nicht sonderlich dunkel und die Lichtpunkte 

nicht allzu hell. Wenn man das Bild zu sehr mit Tonwertkorrektur 

und Kurven bearbeitet, ist das destruktiv. Vergessen Sie 

nicht: Kamerahersteller bauen Produkte, mit denen man Fotos 

so akkurat wie möglich machen kann. Wer vorsichtig arbeitet, 

übergibt die Kontrolle nicht so leicht dem Computer. Das 

Schlimmste, was man als Fotograf tun kann, ist, die Chancen 

auf spektakuläres Licht ungenutzt verstreichen zu lassen. Wenn 

Sie bei perfektem Wetter im Haus bleiben, nützt das Ihrem 

Portfolio wenig. Das dramatische Licht und die wunderbaren 

Wetterbedingungen, die man in Outdoor-Fotos sieht, verbergen 

meist die komplizierte Geschichte von Enttäuschung und Freude, 

die zu der Aufnahme geführt hat. Doch ohne all das kann 

man nur schwer seine Kraft und Motivation hinter der Kamera 

aufbauen. Wenn Sie das im Herzen mit sich tragen, werden die 

endlosen Möglichkeiten Sie stets weiter nach vorne bringen. 

40 laNDsCHaftsfotoGrafIe

SiCH an DaS liCHt anpaSSen 


Inspiration Lichtspielen anstecken. 

© Christian lim 

© Simon Stanley 

Simon Stanley 

„ich fotografierte den 

Schnee auf dem Heimweg und 

sah Dunst in der Ferne. ich 

rannte durch knietiefen Schnee 

und habe die aufnahme aus der 

Hand gemacht.“ Bilddetails: 

nikon D300 mit einem 17–70- 

mm- objektiv bei 60 mm und f4.2, 

1/8000 Sek., iSo 200 

CHriStian lim 

„Die Wanderung nach 

Hooker Glacier hat drei Stunden 

gedauert. Um 19 Uhr erreichten 

wir den Gletscher und warteten 

darauf, dass das licht den mount 

Cook erhellt.“ Bilddetails: Canon 

eo S 5D mark ii Kamera mit 

einem 17–40-mm-objektiv bei 35 

mm und f16, 4 Sek., iSo 50 

JameS enriqUez 

„Um eine Geschichte zu 

erzählen, braucht man 

unbedingt das richtige licht. ich 

musste warten, bis die Wolken 

die Sonne verdecken, weil ich 

die richtigen Filter nicht dahatte.“ 

Bilddetails: nikon D90 mit einem 

12–24-mm-objektiv bei 16 mm 


© James enriquez 

lanDSCHaFtSFotoGraFie 41

füR ExpERtEN 

NACHHER 

Was Sie brauchen: 

Stativ 

Hyperfokale Distanztabelle 

Was wir benutzt 

haben, ist … 

... eine selbst gemachte 

Tabelle. 

Versuchen Sie’s mit … 

... einer iPhone-App. 

... einem Maßband. 

Sie lernen, … 

... wie man hyperfokale 

Distanz berechnet. 

42 LANdSCHAftSfotogRAfiE

hypErfokalE DiStanz 

Hyperfokale 

Distanz nutzen 

Wir erklären, was es mit dieser Methode auf sich hat 

und wie Sie Ihre Landschaftsfotos damit verbessern. 

VorhEr 

Erstellen Sie eine 

Distanztabelle 

Sie können Ihre eigene hyperfokale Distanztabelle 

erstellen oder eine aus dem Internet herunterladen. 

Es gibt auch geeignete Apps. Oder Sie besorgen sich 

Objektive, auf denen hyperfokale Distanzen markiert 

sind. 

Um eine hyperfokale Distanz zu verwenden, 

müssen wir erst verstehen, 

was sie ist, wovon sie abhängig ist, 

was sie beeinflusst und wie wir sie 

praktisch anwenden können. Kurz 

gesagt ist es ein Punkt, auf den bei egal welcher 

Blende scharfgestellt wird und bei dem alles von 

der Hälfte der Entfernung bis zur Unendlichkeit 

annehmbar scharf ist. Besondere Betonung liegt 

auf „annehmbar“. Denken Sie an die Schulzeit 

zurück, in der Sie eine einfache Linse skizziert 

haben, durch die Lichtstrahlen in einem einzigen 

Brennpunkt gebündelt werden, wodurch die Brennweite 

bestimmt wird. Das ist der einzige Punkt, 

an dem die Linse wirklich scharf abbildet. Es gibt 

jedoch Bereiche neben dem eigentlichen Brennpunkt, 

die noch annehmbar scharf sind. Genau 

diese Bereiche bescheren uns die Tiefenschärfe 

auf der Seite des Sensors in der Kamera und die 

Schärfentiefe auf der Motivseite. Durch komplexe 

Objektive mit mehreren Linsen-Elementen wird der 

Brennpunkt zu einem prinzipiellen Brennpunkt. 

Die meisten von uns wissen, dass die Schärfentiefe 

von der Blende abhängt, durch die wir bei 

größeren Blenden weniger Schärfentiefe als bei der 

kleinen bekommen. Die „effektive“ Schärfentiefe 

hängt weiterhin von der Sensorgröße der Kamera, 

der Brennweite des verwendeten Objektives und 

der Einstellentfernung zum Objekt ab. Auch die 

hyperfokale Distanz ist von den gleichen Faktoren 

abhängig, man spricht von Zerstreuungskreisen. 

Objektivhersteller bauen ihre Produkte auf Basis 

der Größe des Zerstreuungskreises, der nötig ist, 

um einen bestimmten Punkt als scharf zu empfinden. 

Allerdings gibt es hier weitere Variablen wie 

unsere Sehkraft oder die Größe und den Betrachtungsabstand 

zum Objekt. Wie bei jeder Art der 

Fotografie auch, sollten wir das Bild schon vor 

unserem geistigen Auge haben, bevor wir beginnen, 

das Foto umzusetzen. Wenn wir dann wissen, 

welche Teile des Motivs scharf erscheinen sollen, 

ergibt sich zwangsläufig die Schärfentiefe, die nötig 

ist, und daraus folgend die hyperfokale Distanz. 

Folgen Sie uns Schritt für Schritt ... 

Die perfekte Schärfe Berechnen Sie die Distanz 

Die Formel lautet: 

Hyperfokale Distanz = f² 

d x F 

f = Brennweite d = Streuungskreis 

F = Blendenstufe 

Mit einer Tabellenkalkulation können Sie Tabellen für 

beliebig viele Brennweiten und Blendenstufen 

erstellen. Ein guter Anfang für akzeptable Streuungskreise 

sind 0,03 mm für Vollformat-Sensoren und 

0,022 mm für Halbformat-Sensoren bei einem 

Abzug von 20,32 x 25,4 cm. 

Beispiel: 

50mm Objektiv mit einem Halbformat-Sensor bei f11 

Hyperfokale Distanz = 50² 

0,022 x 11 

Hyperfokale Distanz = 10,33m (1033mm) 

Brennweite 

01 

Überlegen Sie, 

welchen Teil des 

Bildes Sie in akzeptablem 

Fokus wollen. 

Suchen Sie sich für den 

gewünschten Blickwinkel 

und Ihre Bildkompostion 

das richtige Objektiv aus. 

Wenn Sie eine Zoom-Linse 

benutzen, lesen Sie 

die Brennweite ab. In 

diesem Falle liegt die 

Brennweite bei 28 mm. 

lanDSchaftSfotografiE 43

für experten 

Hyperfokal ist 

nicht leicht ... 

Auf den meisten Festbrennweiten sind 

die hyperfokalen Distanzen und die Skala 

der Schärfentiefe aufgedruckt. Sie können 

Ihre Blendenöffnung festlegen, den 

unendlichen Fokus auf die Markierung 

der Blendenöffnung einstellen und die 

Distanzen einfach ablesen. Aber da sich 

mit der Brennweite die hyperfokalen Distanzen 

ändern, passen bei Zoom-Objektiven 

nicht alle Brennweiten in eine 

Schärfentiefe-Skala. Daher sind sie auch 

nicht aufgedruckt. Wir müssen also auf 

selbst gemachte oder heruntergeladene 

Charts oder Apps zurückgreifen. Aber 

warum integrieren die Kamerahersteller 

sie nicht einfach in die Speicherkarte 

unserer Kamera oder in ein Menü? 

Wählen Sie die Blende 

02 

Eine kleine Öffnung hat mehr Schärfentiefe 

als eine größere – in diesem Fall ist eine 

Blende von f11 perfekt. So erreicht man eine 

anständige Klarheit, sowohl im Vordergrund als 

auch dem Hintergrund. 

Zahlenspiele 

03 

Lesen Sie auf dem Diagramm oder Ihrer App 

die hyperfokale Distanz für die Öffnung und 

die Brennweite des Objektives ab, zusammen mit der 

Sensorgröße, falls zutreffend. Wir hatten eine eigene 

Tabelle, wie Sie hier sehen. 

Welche Blendenöffnung 

sollte ich 

benutzen? 

Schärfentiefe festlegen 

Wenn man die größtmögliche Tiefenschärfe 

erhalten will, entscheidet man 

sich meist für eine kleine Blende, in der 

Regel f22. Aber das ist nicht immer die 

klügste Wahl. Die Diffraktion, also wenn 

sich das Licht um scharfe Objekte biegt, 

kann bei Blenden, die kleiner als f11 

sind, Details verschwimmen lassen. Dazu 

kommt, dass einige Objektive Details besser 

anzeigen als andere. Auch wenn man 

die maximale Tiefenschärfe hat, kann das 

Bild leicht verschwommen sein. Bei den 

meisten Objektiven lässt die Leistung am 

Ende ihres Blendenbereichs nach. Am 

besten funktionieren Blenden zwischen 

f8–f11. Vergessen Sie auch nicht die 

Belichtungszeit. Ist es windig? Bei einer 

kleinen Blendenöffnung brauchen Sie 

eine längere Belichtungszeit, wodurch es 

zu unerwünschten Kamerabewegungen 

kommen kann. Möchten Sie einen Effekt, 

der die Belichtungszeit beeinträchtigt? All 

das muss berücksichtigt werden, bevor 

Sie einfach so auf f22 schalten. 

Alles gut vermessen 

04 

Es ist vielleicht etwas extrem, mit dem Maßband die Entfernung zwischen Ihrem Verschluss und der 

hyperfokalen Distanz zu messen, aber wenn Sie wollen, können Sie das tun. Sie können auch einfach 

die Schritte von Ihrem Ausgangspunkt messen. Markieren Sie die Stelle mit einer Tasche! 

44 LAndScHAftSfotogrAfie

hyPerfokAle DiStANz 

Distanz einschätzen 

05 

Stellen Sie die Bildschärfe auf die hyperfokale Distanz ein – Sie werden staunen, wie nah sie ist. Die 

alte Faustregel, man solle „etwa ein Drittel ins Bild“ fokussieren, ist problematisch, denn das geht hier 

über die hyperfokale Distanz hinaus. 

Prüfen Sie die 

hyperfokale 

Distanz 

Wenn das Licht um Sie herum gut ist, können 

Sie eventuell den Tiefenschärfe-Vorschauknopf 

benutzen. Dadurch wird das 

Objektiv auf die Öffnung, die Sie gewählt 

haben, angepasst, sodass Sie die Tiefenschärfe 

sehen. Sie können auch die 

Live-Ansicht nutzen, um ausgewählte 

Bereiche zu vergrößern und zu überprüfen. 

Falls Sie keine Live-Ansicht haben und 

es für den Schärfentiefenknopf zu dunkel 

ist, dann machen Sie einfach das Foto und 

überprüfen es auf Ihrem Monitor. Dies ist 

etwas gewöhnungsbedürftig, je nachdem 

wie gut Ihr Monitor ist, aber mit ein wenig 

Übung ist das eine Methode, mit der man 

gut arbeiten kann. 

Machen Sie Anpassungen 

06 

Falls es für die Schärfentiefe erforderlich ist, 

können Sie Anpassungen machen. Sie können 

Ihre Öffnung oder Ihre Brennweite ändern oder 

sich ein wenig vom Motiv wegbewegen, bis die Brennschärfe 

akzeptabel ist. Sie können mit der Feineinstellung 

des Fokuspunkts so lange experimentieren, 

bis Sie die gewünschte Brennschärfe haben. 

Nicht wackeln 

07 

Reduzieren Sie die Bewegungen auf ein Minimum, 

zum Beispiel mit einem Stativ, einer 

Spiegelvorauslösung und einem Fernauslöser. Dann 

kommt die übliche Checkliste ... Schärfe, Belichtung, 

Histogramm ... und die Arbeit ist getan! 

Weniger rechnen, mehr knipsen 

08 

Lassen Sie sich nicht zu sehr von den vielen Ziffern entmutigen. Beim Fotografieren ist 

Übung das Wichtigste. Und bei so vielen Variablen kann man leicht den Überblick verlieren 

und zu viel Zeit mit Rechnen verbringen. Ja, in Chatrooms und Foren wird so etwas gerne 

gesehen, aber den echten Fotograf zieht es in die Welt hinaus! 

lANDSchAftSfotogrAfie 45

für experten 

Alles über hdr 

Haben Sie je durch Ihren Sucher 

geschaut, eine packende Landschaft 

gesehen und sich auf ein 

preisgekröntes Foto gefreut, nur 

um dann nach dem Drücken des 

Auslösers enttäuscht zu werden? 

das fertige Foto sah nämlich gar nicht gut aus. 

Selbst teure Mittelformatkameras haben im Vergleich 

zum menschlichen Auge ein relativ enges 

dynamikspektrum und können nur begrenzt daten 

lesen und verarbeiten. Manche high-End- 

Kameras erlauben es Ihnen, die Aufnahme bewusst 

unterzubelichten und in der Bearbeitung viele 

details aus den Schatten zu ziehen. doch das 

führt oft zu verrauschten Ergebnissen ohne exakte 

Farbwiedergabe. hier kommt hdr ins Spiel. Mit 

der high-dynamic-range-Technik kann man verschiedene 

Aufnahmen zu einem zusammengesetzten 

Vollbild verbinden. damit kann man ein viel 

größeres Lichtspektrum wiedergeben, als dies mit 

nur einer Aufnahme möglich wäre. diese Methode 

wird seit vielen Jahren verwendet und wird immer 

wieder kontrovers diskutiert – ist das noch „echte“ 

Fotografie? doch wenn man hdr vorsichtig 

verwendet, kann man damit bestechende Bilder 

machen, die das Originalmotiv sehr genau abbilden. 

Auf den nächsten Seiten erfahren Sie, wie Sie solche 

Bilder aufnehmen und mit welcher hdr-Software 

Sie sie bearbeiten können. Außerdem schauen wir 

uns auch die beste Ausrüstung an. 

46 Landschaftsfotografie

HDR beHeRRscHen 

Ein Überblick über die richtige 

Ausrüstung sowie Tipps zur 

Nachbearbeitung von HDR-Bildern 

Das 

Wesentliche 

• HDR vorbereiten 

• Das Bild machen 

• Korrekt belichten 

• Hyperreale Fotos 

LanDscHaftsfotogRafie 47

FüR ExpERtEN 

So nehmen Sie Ihr HDR-Bild auf 

Die Aufnahmen für ein HDR-Bild sind nur der 

Anfang, denn das Endresultat sieht man nur dann, 

wenn man am Computer sitzt. Es empfiehlt sich, 

Notizen zu machen. Ist das Licht warm oder kalt? 

Wie viele Details können Sie in den Schatten sehen, 

wie lebendig wirken die Farben? All das ist wichtig. 

Sie brauchen ein stabiles Stativ und einen Fernauslöser, 

damit die Aufnahmen richtig ausgerichtet 

sind und das Bild bei längeren Belichtungen nicht 

verwackelt. Die grundlegenden Kameraeinstellungen 

sind immer gleich, egal ob Sie eine Landschaft 

oder ein Stadtbild fotografieren. Die ISO-Werte sollten 

so niedrig wie möglich sein (etwa ISO 100–200) 

und Sie sollten eine kleine Blendenöffnung verwenden, 

damit das Bild in seiner gesamten Tiefe 

scharf bleibt (zwischen f11 und f16). Fotografieren 

Sie in RAW, um die bestmöglichen Daten für die 

Arbeit mit der Software zu erhalten. Bevor Sie die 

Kamera auf das Stativ setzen, machen Sie von der 

Zeitautomatik und Spotmessung Gebrauch, richten 

Sie dabei die Kamera auf den dunkelsten Teil des 

Motivs und notieren Sie sich die Verschlusszeit. 

Dann tun Sie das Gleiche beim hellsten Teil (aber 

nicht direkt in die Sonne). Notieren Sie sich auch 

hier die Verschlusszeit. Stellen Sie die Kamera auf 

das Stativ und wechseln Sie in den manuellen 

Modus, stellen Sie Ihre Öffnung ein wie zuvor und 

passen Sie Ihre Verschlusszeit an die Schatten an. 

Wenn die Differenz zwischen der Verschlusszeit 

der Schatten und der Verschlusszeit der hellen 

Bereiche zehn Blendenstufen beträgt, fangen Sie 

bei zwei Blendenstufen an und steigern Sie die 

Verschlusszeit schrittweise, bis Sie bei den hellen 

Bereichen sind (sechs Aufnahmen). Wenn Sie 

wenig Zeit haben, messen Sie das Licht für eine 

einzelne, gut belichtete Aufnahme, schalten Sie 

die Belichtungsreihenfunktion ein und machen Sie 

Fotos mit zwei Blendenstufen in beide Richtungen. 

Drei bis vier Aufnahmen sollten genügen. Für ein 

gutes HDR-Bild gibt es keine empfohlene Anzahl 

von Quellfotos, es hängt vom Motiv ab. Gut sind 

drei bis neun Stück. Bei zu wenigen Bildern 

begrenzen Sie den Dynamikbereich, aber bei zu 

vielen Aufnahmen, kann es passieren, dass die 

Bilder nicht ordentlich zusammenpassen und Sie 

Geisterbilder erhalten. Achten Sie darauf, dass die 

Kamera bei den Aufnahmen nicht wackelt. Warten 

Sie zwischen den Fotos ein oder zwei Sekunden, 

um Schwingungen abklingen zu lassen. Überprüfen 

Sie schließlich die Belichtungen für Schatten 

und helle Bereiche, um sicherzustellen, dass die 

Histogramme korrekt gelesen werden (siehe Kasten 

auf der rechten Seite über Histogramme). Sie 

können jetzt die Fotos auf Ihrem Computer in das 

von Ihnen gewünschten HDR-Programm importieren. 

Bearbeiten Sie Ihr Bild so schnell wie möglich, 

solange Sie sich noch gut an das Motiv und die 

Atmosphäre erinnern können. 

Das Histogramm 

Ein Histogramm zeigt auf, wie die Luminanz- und Farbdaten 

über das Spektrum des Bildes verteilt sind. Die 

linke Seite der Grafik stellt die Schatten dar und die rechte 

Seite die hellsten Bildteile. Die Grafik zeigt, wo die 

meisten Daten angeordnet ist. Bei einer HDR-Aufnahme 

erreichen Sie in der Regel eine klassische Kurve, die sich 

bis zu den mittleren Bereichen wölbt und dann wieder 

nach unten zu den hellen Bildteilen geht. Aber dies ist 

nicht immer der Fall. 

Ein Foto von einem 

weißen Raum sollte 

im Histogramm die 

Daten an der rechten 

Seite bündeln. Nutzen 

Sie für HDR-Aufnahmen 

das Histogramm, 

um sicherzugehen, 

dass die 

Belichtung der 

Schatten zur linken 

Hälfte der Grafik tendiert 

und die Belichtung 

der hellen Bildflächen 

rechts ist, 

aber ohne Aussetzer, 

also Daten, die 

aus dem Spektrum 

fallen. 

„Für ein gutes HDR-Bild gibt es keine empfohlene 

Anzahl von Quellfotos, es hängt vom Motiv ab.“ 

Das ist das 

Histogramm 

eines weißen Raumes 

mit dunklem Boden. 

Beachten Sie, wie die 

Daten angeordnet sind. 

EINE HDR-AUFNAHME 

Auf einer kalten Brücke in Edinburgh. Das 

Stativ ist am Geländer festgekeilt. Auf 

dem LC-Display kann das Histogramm 

eingesehen werden. 

48 LANDSCHAFtSFotoGRAFIE

HDR BEHERRScHEn 

Helle Bildbereiche belichten 

Diese Aufnahme wurde mit -2EV unterbelichtet, damit die Details 

des Himmels nicht verloren gehen. Der größte Ausschlag im 

Histogramm (der Himmel) ist innerhalb des Spektrums und zeigt 

keine verlorenen Daten auf. So kann man später die Details und 

Farben des Himmels verwenden. 

unterbelichtet 

Mittlere Bildbereiche belichten 

Diese Aufnahme wurde korrekt mit 0EV belichtet. Hier sollen die 

Details des mittleren Bildbereichs bewahrt werden. Der Himmel ist 

hier weniger von Interesse, er wird nach rechts verschoben und zeigt 

verlorene Daten auf. Die Schatten sind noch zu tief und wenig detailliert. 

korrekt belichtet 

Schatten belichten 

Diese Aufnahme wurde mit +2EV belichtet, um die Details in den 

Schatten zu betonen. Die Daten des Himmels sind aus der rechten 

Seite der Grafik verdrängt worden. Die Datenansammlung des 

Schattens ist nach rechts gerückt und liegt nun etwa mittig. 

überbelichtet 

LAnDScHAFtSFotoGRAFIE 49

FÜR EXPERTEN 

So erstellen Sie Ihr HDR-Bild 

Es stehen Ihnen einige Programmen zur Verfügung, mit denen Sie Ihre Fotos zu 

einem HDR-Bild zusammenfügen können. Einige der beliebtesten sind Photomatix, 

Photoshop und HDR Efex. Sie alle haben ähnliche Funktionen, benutzen aber unterschiedliche 

Algorithmen, daher variieren die Endresultate. Jede HDR-Software extrahiert 

die besten Daten aus den hellen Bereichen, den mittlere Bereichen und den 

Schatten und kombiniert sie in unterschiedlicher Weise, um die gewünschte Wirkung 

zu erzielen. Wir werfen einen Blick auf HDR Efex Pro 2 von Nik Software. 

Weiterer 

Einsatz von HDR 

HDR kann in fast jeder Situation benutzt werden, 

in der ein breites Dynamikspektrum nötig 

ist. Manche Bereiche, wie zum Beispiel Porträts, 

bieten sich für HDR nur an, wenn man 

einen surrealen Effekt will. HDR wird oft in der 

Werbung verwendet, wo verschiedene Teile 

eines Bilds und verschiedene Lichtsituationen 

ganz normal sind. Auch bei Architekturfotografie 

wird HDR oft subtil verwendet. 

„Jede HDR-Software extrahiert die besten Daten aus 

den hellen, mittleren und dunklen Bereichen.“ 

Quellbilder laden Der erste Schritt ist, die Quellbilder 

1 zu laden. Je nach Programm lassen sich eventuell auch 

RAW-Dateien laden. Bei HDR Efex Pro müssen Sie diese 

erst in TIFFs umwandeln. Behalten Sie dabei das 16-Bit- 

Format bei, damit keine Details verloren gehen. 

Geisterbilder reduzieren In der Dialogbox „Merge Image“ 

2 haben wir die Option, „Ghosting“ zu reduzieren, um Fehler 

zu eliminieren, wenn wir Bilder mit sich bewegenden Objekten 

zusammensetzen. Hier nehmen wir das überbelichtete Bild, 

weil wir die Bewegung des Riesenrades behalten wollen. 

Chromatische Aberration Vielleicht haben Sie chromatische 

Aberrationen in der RAW-Konvertierung reduziert oder 

3 

eliminiert, aber hier kann man es mit der Lupenfunktion machen. 

Mit dieser Funktion können Sie den ausgewählten Bereich vergrößern 

und die Schieberegler entsprechend anpassen. 


HDR BEHERRScHEn 

Anpassungswerkzeuge Es dauert ein klein wenig, bis 

4 HDR Efex die Bilder verarbeitet und Ihre Einstellungen 

angewendet hat. Dann sehen Sie dieses Interface, hier 

können Sie sich auf der linken Seite einige nützliche 

Anpassungswerkzeuge aussuchen. 

Nicht übertreiben Einige der Einstellungen unter 

5 „Künstlerisch“ oder „Surreal“ können bemerkenswerte, 

aber unrealistische Bilder erzeugen. Generell werden 

Sie sich vermutlich für eine der Voreinstellungen unter 

„Realistisch“ als Grundlage entscheiden. 

Tonkomprimierung Die Tonkomprimierung hat den 

6 größten Einfluss darauf, wie natürlich oder surreal Ihr 

HDR-Bild aussehen wird. Beginnen Sie mit dem Standard, 

oder mit einer der realistischen Voreinstellungen und schieben 

Sie den Schieberegler nach oben, um rund 20 Prozent. 

Tonkorrektur Unter dem Abschnitt Tonalität können Sie 

7 die allgemeine Belichtung justieren, die Schatten steigern, 

die hellen Bereiche erhöhen oder reduzieren sowie Kontraste 

hinzufügen. Generell sollten Ihnen diese Einstellungen von 

der normalen Bildbearbeitung recht vertraut sein. 

DAS FERTIGE FOTO 

Unser fertiges HDR-Bild hat einen natürlichen Look 

und eine gesunden Farbskala, die der Tiefenwahrnehmung 

zugutekommt. Die Details und das Farbspektrum wurden 

subtil verstärkt. 

Struktur hinzufügen Der Schieberegler „Struktur“ 

8 verleiht Ihrem Bild Mikrokontraste. Auch diesen 

Schieberegler sollte man nur vorsichtig einsetzen, wenn 

man einen natürlichen Look wünscht. Mit der Zoom- 

Funktion können Sie einen Teil des Bilds vergrößern und die 

Details bearbeiten. 

Farbanpassung Der nächste Abschnitt ermöglicht 

9 die globale Einstellung der Farbtemperatur und des 

Farbtons. Dieses Bild hat jedoch ein Problem, denn wenn 

man den Vordergrund erwärmt, so erwärmt sich auch der 

Himmel, was wir nicht wollen. Hier kommen wir zu den 

Kontrollpunkten. 

Kontrollpunkte Sie erlauben uns, bestimmte Teile 

10 des Bildes zu verändern, ohne die anderen zu verstellen. 

Hier sind fast die gleichen Optionen wie bei den 

globalen Einstellungen verfügbar. Dies ermöglicht es, die 

Farbtemperatur und die Details des Vordergrunds lokalisiert 

anzupassen. 

Feinregulierung Wählt man einen Kontrollpunkt 

11 aus, kann man die Größe des Bereichs verändern. Der 

Kontrollpunkt versucht, Bereiche mit Tönen und Farben zu 

finden, die dem ausgewählten Bereich ähneln. Die Auswahl 

kann bei Feinregulierung angezeigt oder verborgen werden. 

Das fertige Foto Unser fertiges HDR-Bild (links oben 

12 in Groß) hat einen natürlichen Look und eine gesunden 

Farbskala, die der Tiefenwahrnehmung zugutekommt. 

Die Details und das Farbspektrum wurden subtil verstärkt. 

LAnDScHAFTSFOTOGRAFIE 51

FÜR EXPERTEN 

Gute Fotos 

mit Ihrem 

Histogramm 

So nutzen Sie Ihr Histogramm 

in der Kamera und in Photoshop. 

Was Sie brauchen: 

Kamera 

Stativ 

Software 

Was wir benutzt 

haben: 

Canon DSLR und 

Adobe Camera Raw 

Versuchen Sie’s mit … 

... einer beliebigen Kamera 

mit Histogramm und 

Software mit Histogramm-Funktion. 

Sie lernen, … 

... wie Sie Ihre Bilder 

korrekt belichten. 

A 

ls man noch mit Film 

gearbeitet hat, wurde ein 

unglücklich belichtetes 

Bild fest auf das Negativ 

gebannt und erst zu spät 

bemerkt. Glücklicherweise gibt es 

heute eine digitales Vorschaubild, so 

können Sie Probleme schon beim Fotografieren 

lösen. Ein guter Ausgangspunkt 

ist Ihr LC-Display, das aber bei 

hellen Lichtverhältnissen nur schwer 

zu erkennen ist. Das Histogramm 

ist ein kleines Diagramm auf dem 

Kameradisplay, das die Tonalität Ihres 

Bildes grafisch darstellt. Der dunkelste 

Bereich ist ganz links, der hellste 

rechts. Die Höhe eines jeden Wertes 

gibt an, wie viel von diesem Tonwert 

im Bild vorhanden ist. Somit können 

Sie erkennen, wie gut die Belichtung 

gelungen ist. Die Datenansammlungen 

sollten gegen Ende der beiden 

Achsen abnehmen. Wenn also der 

linke Endpunkt noch eine Informationsballung 

aufweist, kann das Unterbelichtung 

bedeuten, an der rechten 

Seite bedeutet es Überbelichtung. Das 

kann schlecht sein, denn eine solche 

Informationsballung kann auf Ausfälle 

hinweisen. Schatten werden zu reinem 

Schwarz, helle Bereiche werden 

weiß. Wenn man im Rohbildformat 

fotografiert, hat man die Möglichkeit, 

mehr Details zu retten, aber es ist besser, 

die Tonalität mithilfe des Histogramms 

gleich richtig zu treffen. Auch 

weniger ernste Belichtungsprobleme 

können damit gelöst werden. Schauen 

Sie sich Ihr Bild an und beurteilen Sie 

die Tonwerte. Wenn es eher helle Töne 

sind, findet man die Informationen auf 

der rechten Seite des Histogramms. 

Sollte das nicht der Fall sein, können 

Sie die Belichtung optimieren, um eine 

exaktere Wiedergabe zu erhalten. Wir 

zeigen Ihnen, wie Sie das Histogramm 

bei der Belichtung eines Landschaftsbildes 

einsetzen. Alles, was Sie brauchen, 

ist eine Kamera mit manuellen 

Belichtungseinstellungen und einer 

Belichtungskorrekturfunktion. 


HISTOGRAMM NUTZEN 

Belichtungseinsicht 

Die Sensoren von Digitalkameras verzeichnen in 

den hellsten Bereichen des Bilds mehr Details. 

Daher sind unterbelichtete Bilder eher für Sensorrauschen 

anfällig. Wenn man ein unterbelichtetes 

Bild erhellt, können die Störfaktoren in den Schatten 

sichtbar werden. Um die Bildqualität zu maximieren, 

fotografieren Profis vorzugsweise auf der 

rechten Seite des Histogramms. Es ist besser, ein 

Bild ein wenig überzubelichten und es in der Rohbildverarbeitungsphase 

etwas abzudunklen. 

Wenn man es nicht übertreibt und Ausfälle im 

hellen Spektrum vermeidet, erhält man so noch 

am ehesten rauschfreie Resultate. Die neuesten 

Generationen von Digitalkameras kommen mit 

Rauschen besser zurecht, daher ist das Problem 

nicht mehr so akut. Aber man sollte nicht vergessen, 

dass Unterbelichtung an sich problematischer 

ist als Überbelichtung, außer man verliert 

Details in den hellen Bildbereichen. Bei stark kontrastreichen 

Bildern können Ausfälle unvermeidlich 

sein. In dem Fall ist es besser, beim Belichten 

auf die hellen Stellen zu achten und Ausfälle bei 

den Schatten in Kauf zu nehmen. 

So benutzen Sie Ihr Histogramm 

Suchen Sie Ihr Motiv 

01 

Suchen Sie mit Ihrer Kamera und Ihrem 

Stativ ein passendes Landschaftsmotiv. 

Achten Sie auf interessante Merkmale im Vordergrund, 

einen zentralen Schwerpunkt oder 

Linien, die die Aufmerksamkeit des Betrachters 

lenken. 

Bildausschnitt 

02 

Halten Sie Ihre Kamera in der Hand und 

wählen Sie den Bildausschnitt. Testen 

Sie verschiedene Höhen und bewegen Sie die 

horizontale Achse. Statt zu zoomen, gehen Sie 

lieber näher an das Motiv heran. 

Fixieren Sie das Stativ 

03 

Wenn Sie den idealen Bildausschnitt 

haben, stellen Sie Ihr Stativ der Position 

entsprechend auf und fixieren Sie Ihre Kamera. 

Schauen Sie durch das Objektiv und justieren 

Sie das Bild. Achten Sie darauf, dass der 

Horizont gerade ist. 

Belichtungseinstellungen 

04 

Stellen Sie Ihre Kamera auf Blendenpriorität 

(Aperture Priority, meist als A 

oder Av markiert). Jetzt können Sie die Blendenöffnung 

einstellen, die Kamera passt die 

Verschlusszeit an. Langsame Zeiten sind mit 

einem Stativ kein Problem. 

Blende und Fokus 

05 

Stellen Sie die Blende auf f16 – mehr kann zu Problemen mit der Beugung der Linse führen. 

F16 ist völlig ausreichend für durchgehende Schärfe mit einem Weitwinkelobjektiv. Stellen 

Sie die Schärfe manuell auf etwa ein Drittel ins Bild hinein ein. 


für ExpErtEn 

Die erste Aufnahme 

06 

Wenn Ihre Kamera Lichtmessungsoptionen 

hat, wählen Sie die Mehrfeldmessung. 

So haben Sie die beste Chance, die 

Belichtung beim ersten Mal richtig hinzukriegen. 

Machen Sie das erste Bild, dann schauen 

Sie sich das Histogramm an. 

Das Histogramm 

07 

Schauen Sie sich die Darstellung gut 

an. Wenn das Bild aus hellen Tönen 

besteht, sollten sich die Daten rechts bündeln. 

Bei dunklen Fotos ist es das Gegenteil. Das Bild 

kann als Referenz für die Genauigkeit der 

Belichtung verwendet werden. 

Gibt es Ausfälle? 

08 

Die Datenbündel sollten sich zu jedem 

Ende hin verjüngen. Wenn nicht, ist 

das ein Zeichen für Ausfälle: Die Informationen 

sind so stark über- oder unterbelichtet, dass die 

hellen Stellen als Weiß und die Schatten als 

Schwarz registriert werden. 

Belichtung anpassen 

09 

Mit der Belichtungskorrektur der Kamera können Sie die Belichtung 

einstellen. Verwenden Sie etwa eine Blendenstufe mehr oder weniger 

für eine leichte Unterbelichtung oder Überbelichtung. Wenn Sie im Histogramm 

Ausfälle sehen, versuchen Sie es mit zwei oder drei Blendenstufen. 

Letzte Kontrolle 

10 

Nachdem Sie die Einstellungen vorgenommen und das Histogramm 

überprüft haben, machen Sie ein weiteres Bild. Stellen Sie sicher, 

dass die Daten erwartungsgemäß sind und es keine Ausfälle gibt. Falls nötig, 

passen Sie die Belichtung erneut an und wiederholen Sie den Vorgang. 

Bilder öffnen 

11 

Laden Sie die Bilder auf Ihren Computer. 

Wenn Sie im RAW-Format fotografiert 

haben, wird die Datei in Adobe Camera Raw 

geöffnet. Öffnen Sie Ihr Bild in Photoshop mit 

den Standardeinstellungen für Rohbilddateien. 

54 LAnDscHAftsfotoGrAfiE 

Gradationskurven-Ebene 

12 

Bisher sind keine Details in hellen oder 

den dunklen Bereichen des Piers verloren 

gegangen, aber wir wollen die Tonalität ausgleichen. 

Fügen Sie eine Gradationskurven-Einstellungsebene 

in der Ebenen-Palette hinzu. 

Verlauf einrichten 

13 

Drücken Sie die Kurve mit einem Punkt 

hoch, um das Bild aufzuhellen. Drücken 

Sie [G] für Verlaufswerkzeug, [D], um die Farbpalette 

zurückzusetzen. Klicken Sie auf Verlaufswerkzeug 

in der Tool-Bar. Wählen Sie die Option 

Vordergrund bis Hintergrund (erstes Farbfeld).

Histogramm nutzEn 

Himmel verdunkeln 

15 

Klicken Sie mit CTRL-Taste auf die Kurven-Ebenenmaske, 

um eine Auswahl zu 

erstellen. Dann Auswahl mit Strg+Shift+I umkehren, 

Gradationskurve einfügen. Ziehen Sie die 

Kurve nach unten, um den Himmel zu verdunkeln. 

Verlauf zeichnen 

14 

Wählen Sie die erste von fünf Tasten auf der Optionsleiste für lineare Verläufe, ziehen Sie eine 

Linie vom Horizont bis zum oberen Rand des Piers, um einen reibungslosen Übergang zu 

gewährleisten. Der Himmel ist weitgehend abgedeckt. 

Farben betonen 

16 

Fügen Sie eine Farbton/Sättigung-Einstellungsebene 

mit der Taste auf der 

Ebenenpalette ein. Gehen Sie bei der Sättigung 

bis +60, um die Farbe zu verbessern. Als 

Nächstes fügen Sie eine Helligkeit/Kontrast-Einstellungsebene 

ein. 

Kontrast betonen 

17 

Stellen Sie Kontrast auf +30. Wählen Sie die 

oberste Ebene an, drücken Sie Strg+Alt+Shift+E 

und führen Sie die Ebenen zusammen. In 

Filter> Scharfzeichnungsfilter> Unscharf maskieren 

stellen Sie Stärke auf 30 und Radius auf 80. 

Ecken abdunkeln 

18 

Duplizieren Sie die oberste Ebene 

(Strg+J) und wählen Sie Filter>Objektivkorrektur. 

Benutzerdefiniert>Vignette auf -100 

verringern, um die Ecken zu verdunkeln und den 

Blick in die Mitte zu lenken. Mittenwert bei +50. 

Farben anpassen 

19 

Für interessantere Farben fügen Sie eine 

Farbton/Sättigung-Einstellungsebene 

hinzu und bewegen Sie den Helligkeits-Schieberegler 

bis -15. So wird das Gelb ein wenig orange 

und die Blautöne eher türkis. 

LandscHaFtsFotograFiE 55

TECHNIKEN 

Techniken 

Diese detaillierten Anleitungen machen 

Sie zum Experten für Landschaftsfotos. 

58 Kreative Landschaften 

Entdecken Sie, was gute Landschaftsfotos ausmacht. 

70 Großartige Welten – 

faszinierende Aufnahmen 

Machen Sie mehr aus Ihren Landschaftsfotos. 

82 Low-Light-Landschaften 

Die besten Tipps für Aufnahmen im Dämmerlicht 

94 Die Besonderheiten von 

Küstenlandschaften 

Erfahren Sie mehr über die Geheimnisse 

perfekter Küstenpanoramen und Meeresfotos. 

102 Extrem-Landschaften 

Profi-Tipps auch für die härtesten Bedingungen 

„Mit diesen 

Profi-Tipps 

gelingen Ihnen 

atemberaubende 

Landschaftsaufnahmen.“ 


Techniken 

© david clapp 

LandschafTsfoTografie 57

TECHNIKEN 

Kreative 

Landschaften 


KREATIVE LANDSCHAFTEN 

Wir erkunden die Mentalität, das Potenzial und die Freude 

der Landschaftsfotografie und suchen für das perfekte Bild 

die kreativsten Landschaften. 

Die Landschaftsfotografie zählt zweifellos 

zu den lohnendsten Arten der 

Fotografie. Es ist durchaus angemessen 

zu sagen, dass es nichts Einfacheres 

und zugleich Aufregenderes gibt, 

als tolle Landschaften zu fotografieren. Machen Sie 

sich keine Gedanken um schwierige Studiobelichtungen, 

Requisiten oder Equipment-Probleme; lassen 

sie uns die Schönheit der Welt um uns herum 

erkunden und dabei einen komplett neuen Blick 

auf sie erhalten. Landschaftsfotografie ist aufgrund 

des Zusammenspiels von temperamentvollen Abenteuern, 

technischem Können und kreativem Ausdruck 

hoch angesehen. Würden Sie sagen, dass Sie 

eher eine technische Person sind, die die Kunst für 

unergründlich hält? Oder sind Sie künstlerisch veranlagt, 

können aber nicht gut zeichnen und malen? 

Um ehrlich zu sein, hat die Landschaftsfotografie 

so viele Facetten, dass Sie nichts von beidem sein 

müssen. Da die Technologie die unergründliche 

Form der Kunst vereinfacht, war es selten leichter, 

das Genre der kreativen Landschaften zu erkunden. 

All das klingt aufregend und ziemlich simpel – müssen 

Sie nur einen schönen Ort finden, warten bis 

die Sonne untergeht und dann den Auslöser drücken? 

Nicht ganz. Die Bilder, die Sie durch diese 

Vorgehensweise erhalten, werden Sie vielleicht 

zunächst zufriedenstellen, doch Ihre Begeisterung 

wird nicht allzu lange anhalten. Bald werden Ihre 

Bilder Sie nicht mehr überzeugen, was zu einer Art 

Blockade führen kann. Das beste Mittel dagegen ist, 

durch zahlreiche Aufnahmen Erfahrung zu sammeln 

und viel zu üben. Wenn Sie sich sicher sind, 

dass Sie sich an der Herrlichkeit der Landschaftsfotografie 

beteiligen wollen, sollten Sie viel dafür 

geben, das zu erreichen. Obwohl ortsbasierte Aus- 


TecHniken 

blicke einen großen Prozentteil der Bilder der Landschaftsfotografie 

ausmachen, gibt es viele Wege, die 

natürliche Welt um Sie herum zu interpretieren. 

Landschaften müssen nicht vom Gipfel eines Berges 

oder unter riskanten Wetterverhältnissen an einer 

stürmischen Küste fotografiert werden. Sie können 

auch minimalistisch, vertraut, vereinfacht, abstrakt, 

unorthodox oder auch gleichförmig festgehalten werden. 

Landschaftsfotografie ist spaßig und aufregend 

zugleich. Schon mit ein wenig Recherche und Elan 

erhalten Sie aufregende Resultate. Sobald Ihre Kameraausrüstung 

gepackt ist, sollten Sie sich noch einmal 

klarmachen, dass das Fotografieren eines tollen Ausblicks 

nicht kompliziert sein muss. Oft reicht es, sich 

nur an ein paar grundlegende Regeln zu halten. 

Suchen Sie sich zunächst eine schon unzählige Male 

fotografierte Landschaft aus und experimentieren Sie 

mit verschiedenen Kamermodi, Blenden und Verschlusszeiten. 

Der Vorteil dieses Verfahrens ist, dass 

Sie sich keine Gedanken um die Bildkomposition 

machen müssen, welche anfangs unter Umständen 

Probleme bereiten kann. Nehmen wir beispielsweise 

eine Szene mit einem mittelalterlichen Schloss. Die 

Form des Schlosses und die Umgebung machen es 

sehenswert. Die kreativen Aspekte beziehen sich auf 

tolles beziehungsweise ungewöhnliches Licht – die 

technischen Regeln auf die Kameratechnik und das 

Timing. Die Bildkomposition und Bildgestaltung 

übertragen sich von Fotograf zu Fotograf – machen 

Sie sich darüber keine Gedanken. Es ist keine Schande, 

an genau demselben Platz zu stehen, an dem ein 

Fotograf ein berühmtes Bild aufgenommen hat – vergleichbar 

ist das mit der Situation, wenn Sie auf einer 

neuen Gitarre einen Song nachspielen. Es ist zu früh, 

die Integrität eines Bildes zu hinterfragen, im Wesentlichen 

kommt es aber darauf an, ein Gefühl für den 

„Rhythmus“ zu finden. Die Vertrautheit mit Ihrer Ausrüstung, 

die Sie beim Nachstellen eines Fotos sammeln, 

lässt sich gut auf neue Bilder anwenden – bei 

denen Sie womöglich die Bildkomposition schon 

selbst festlegen. Das neue Wissen sollten Sie an einigen 

unterschiedlichen Locations gebrauchen, 

wodurch Sie nach und nach auch Ihren eigenen Stil 

entwickeln. Machen Sie dann einen kleinen Sprung 

und beschäftigen Sie sich mit neuen und unbekannten 

Locations. Nutzen Sie Ihre Fähigkeiten, um Landschaften 

mit Küsten, Wäldern und in Nationalparks 

neu zu interpretieren. Bauen Sie sich zunächst ein 

Portfolio mit „Klassikern“ auf und seien Sie stolz auf 

dieses – es wird sich ganz automatisch nach und 

nach erweitern. Viele Landschaften beinhalten störende 

Bildelemente, die für Unordnung sorgen. Rufen 

Sie sich während des Fotografierens ins Gedächtnis, 

dass Ihre Landschaften nicht immer Texturen, Dichte 

und Dimensionen beinhalten müssen. Oft genießen 

Bildbetrachter eine vereinfachte Ansicht, wo sozusagen 

„Platz zum Atmen“ ist. Beginnen Sie mit natürlichen 

Objekten, beispielsweise einzeln stehenden 

Bäumen. Ein Baum auf der Spitze eines Hügels und 

ein paar Wolken – mehr braucht es für eine tolle 

Landschaft gar nicht. Diese Szene könnten Sie beispielsweise 

mit einem Teleobjektiv aus einiger Entfernung 

fotografieren, sodass der Baum komplett iso- 

Blea Tarn, lake DisTricT 

es ist schwer, einen ruhigen und stillen see zu finden 

– doch obwohl dieses Motiv schon oft fotografiert wurde, 

sind die tollen Wetterbedingungen ein weiteres Bild wert. 

Bilddetails: canon eOs-1Ds Mark iii mit 35–70mm, F11, 

10 sek., isO 100 

60 lanDscHaFTsFOTOgraFie


Elemente 

für ein 

großartiges 

Bild: 

■ Dieses Foto überzeugt durch seine einfache 

Farbgestaltung – weiß, sanfte Grautöne 

und ein leicht blauer Teint. Diese Komplementärfarben 

sind wunderbar ausgeglichen. 

■ Die Töne im Bild sind sehr einfach: 

leichte Verläufe beim Schnee und im Himmel 

und schwache Texturen beim Raureif 

und dem darunterliegenden Schnee. 

■ Die teilweise nicht von Schnee bedeckten 

Baumstämme sorgen für schöne Akzente, 

ohne dass sie die gesamte Aufmerksamkeit 

des Betrachters auf sich ziehen. 

■ Die leichte Verdunklung zum unteren 

Bildrand hin schafft eine Art Rahmen, der 

die Aufmerksamkeit in die Mitte des Bildes 

lenkt. Das Bild wirkt dadurch sehr 

ausgeglichen. 

FROST IN VITTANGI, 

SCHWEDEN 

Bei diesem Bild kommt es weniger auf 

den Fokuspunkt als vielmehr auf die 

ausgeglichenen Linien und Farbtöne an. 

Durch diese wirkt das Foto sehr elegant. 

Bilddetails: Canon EOS-1DX mit 35–70 mm, 

F8, 8 Sek., ISO 100 

Polfilter kreativ 

nutzen: 

Wenn Sie sich erstmalig mit Landschaftsfotografie beschäftigen, 

haben Filter meist eine verwirrende Wirkung. Polfilter 

zählen vermutlich zu den stärksten und kreativsten Filtern 

zugleich, da sie auf die Landschaft und vor allem auf den 

Himmel einen großen Einfluss haben. Viele Fotografen 

missverstehen Polfilter und meinen, dass diese die Sättigung 

verstärken – eigentlich vermindert ein Polfilter aber die 

Reflektionen und erlaubt so, dass die „tatsächlichen“ Farben 

zum Vorschein kommen. Stellen Sie sich wachsartige 

Baumblätter vor; diese reflektieren so viel Tageslicht, dass 

das Grün der Blätter sehr verwaschen aussieht. Der Polfilter 

entfernt diese Reflektion, woraufhin die Blätter in einem 

kräftigen Grün leuchten. Bei Himmelsfotos spielt dieser 

Effekt eine noch größere Rolle. Hier wird das reflektierende 

Licht, das von Luftfeuchtigkeitspartikeln ausgeht, entfernt, 

wodurch sich die Leuchtkraft des Himmels verringert – 

dadurch treten die Wolken stärker hervor. Natürlich lassen 

sich Polfilter auch auf kreativere Art und Weise anwenden, 

das ist jedoch mit Tücken verbunden, besonders bei 

Weitwinkelobjektiven. Mit ein bisschen Übung werden Sie 

dank Polfiltern aber bald eine „zweite Natur“ wahrnehmen, 

mit wunderschönen Farben, die nur selten gesehen werden. 

Übrigens ist die Anwendung von Polfiltern auch nach 

Sonnenuntergang, bei Schwarz-Weiß-Aufnahmen und auch 

bei Infrarot-Aufnahmen sinnvoll. 

Dieses Bild wurde mit einem Polfilter aufgenommen. 

Die Reflektionen wurden nahezu 

entfernt, wodurch die echten, kräftigen Farben 

dieser Szene zum Vorschein kommen. 

Dieses Bild wurde ohne den Polfilter aufgenommen. 

Die Farben wirken, da das 

Tageslicht stark reflektiert wird, ziemlich 

ausgewaschen. 


tECHNIkEN 

Haytor-tal, Dartmoor 

Dunst und Nebel fotografieren Sie am besten 

frühmorgens. Sobald die Sonne aufgeht, 

erwärmt sich die luft und verdichtet den Nebel 

weiter. Sekunden nach unserer aufnahme war 

die Szene dank des Nebels komplett verhüllt. 


35–70 mm, F11, 1/20 Sek., ISO 200 

62 laNDSCHaftSfotografIE

Kreative Landschaften 

liert wird. Nach Wintereinbruch, wenn der Winter 

die Landschaft unter eine Decke aus Schnee hüllt, 

vereinfacht die Natur die Darstellung der Szene noch 

weiter. Mithilfe von den sanften Formen einer Windböe 

entstehen oft bemerkenswerte Bilder. Ein interessantes 

Foto darf auch sehr einfache Bildelemente enthalten 

– solche einfachen Szenen findet man häufig 

auch an Küsten. Dort lässt sich das Bild durch den 

Sand, das Meer und den Himmel leicht in Bereiche 

unterteilen. Experimentieren Sie darüber hinaus beispielsweise 

mit leichten Kamerabewegungen. Ein 

weiterer, sehr beeindruckender Effekt entsteht, wenn 

Sie in Ihren Bildern einfache und wenige Farben nutzen. 

Bei so einem Verfahren denken viele sofort an 

Makros oder Blumenfotografie, doch auch Landschaften 

lassen sich toll in vereinfachten Farben fotografieren. 

Eine ausgewogene Balance, bildkompositorische 

Elemente und auch die Platzierung der einzelnen 

Farben sind für ein Bild wichtig. Fotografieren 

Sie beispielsweise eine kalte Winterszene: Die Farben 

wirken fast monochrom – Schwarz- und Weißtöne 

heben sich gegeneinander auf. Doch auch Sonnenaufund 

Sonnenuntergänge sorgen hin und wieder für 

einfache Farben. Ockerfarbener, roter oder gelber 

Sand erzeugt eine warme Bildstimmung, sodass keine 

aufwendige Bildkomposition notwendig ist. Denken 

Sie jetzt an einen wolkenlosen, dämmernden 

Himmel, mit einem geringen Farbspektrum – blau, 

orange und etwas lila. Die Ausgewogenheit der Komplementärfarben 

macht unter Umständen die gesamte 

Bildstimmung aus. Im Frühling beinhalten Land- 

Abstrakte 

Reflektionen 

fotografieren 

Es gibt unzählige Möglichkeiten, die Landschaft 

abstrakt zu fotografieren – eine davon ist mithilfe 

von Spiegelungen. Reflektionen benötigen windstille 

Wetterverhältnisse – je ruhiger das Wasser, desto besser. 

Am einfachsten lassen sich Reflektionen noch vor 

Sonnenaufgang fotografieren, bevor die Sonne die Luft 

erwärmt. Das Tolle am Fotografieren von Spiegelungen 

ist, dass diese eine andere Bildkomposition erfordern. 

Am besten funktionieren die Bilder, wenn sowohl 

Spiegelung als auch die restliche Landschaft etwa 

50 Prozent des Bildes einnehmen. Bei Spiegelungen 

ist eine Bildkomposition mit nahezu mathematischer 

Genauigkeit durchaus sinnvoll. 

1 Nahe am Boden arbeiten Öffnen Sie die 

Beine Ihres Stativs so weit wie möglich und stellen 

Sie diese in dieser Position fest. Platzieren Sie 

Ihre Kamera so nahe wie möglich an der oberen 

Wasserkante. 

2 Kamera gerade halten Stellen Sie jetzt 

mithilfe einer separaten oder einer elektronischen 

Wasserwaage sicher, dass Ihre Kamera gerade ausgerichtet 

ist. Nehmen Sie dann die Bildkomposition 

vor und achten Sie auf die Farbtonalität. 

Landschaftsfotografie 63

TECHNIkEN 

schaften viele Primärfarben. Ein Feld aus Glockenblumen, 

Raps oder Mohn – überall sind zarte Farben 

zu finden, Kontraste bilden oft grüne Felder oder ein 

wunderschöner blauer Himmel. Das Auge liebt es, 

einfache, miteinander harmonierende Farben zu 

sehen, da diese auf Fotos einen malerischen Effekt 

erzeugen. Ebenso interessant sind Dunst und Nebel, 

die eine sehr atmosphärische Stimmung schaffen. 

Diese meteorologischen Einflüsse eröffnen Ihnen 

zahlreiche Möglichkeiten – Ihrer Kreativität sind 

dann keine Grenzen mehr gesetzt. Es gibt kaum ein 

magischeres und himmlischeres Foto als eine Aufnahme 

in der Dämmerung, in der aus einem unterhalb 

liegenden Tal Nebel und Dunst aufsteigen – die 

Möglichkeiten enden hier natürlich noch nicht. Sie 

müssen nicht immer von hohen Positionen aus fotografieren. 

Nebel und Dunst sind zudem tolle Bedingungen, 

um in Wäldern zu fotografieren. Die Diffusion 

des Lichts sorgt dann für die magische Wirkung; 

die Details verlieren sich langsam mit zunehmender 

Distanz. Dunst entsteht, wenn kalte Luft in wärmerer 

Luft kondensiert – oft zu finden ist er in Tälern. 

Besonders während der Frühlings- und Herbstmonate 

fallen die Temperaturen nachts sehr tief, sodass 

am nächsten Tag oft mit Nebel und Dunst zu rechnen 

ist. Vorhersagen lassen sich treffen, indem Sie 

den Taupunkt und die Luftfeuchtigkeit im Auge 

behalten. Ansonsten halten auch lokale Wetterdienste 

und Internetseiten viele Informationen zu den 

aktuellen und kommenden Wetterverhältnissen 

bereit. Der ideale Punkt, um solche Wetterbedingungen 

zu fotografieren, ist ein etwas erhobener Ort, an 

dem der Blick nach Osten gerichtet ist und einige Felder 

und Abhänge zu sehen sind. Wenn Sie statt mit 

eines Weitwinkelobjektivs mit einem Teleobjektiv 

fotografieren, erhalten Sie eine vertraute Bildkomposition. 

Nebel ist oft bei klarem Himmel anzutreffen, 

weshalb der Sonnenaufgang dann für ein wunderschönes, 

goldenes Licht sorgt – dieses wird unter 

Umständen nur von einem zu starken Nebel verdeckt. 

Wenn die Landschaft regelrecht verschlungen 

wird, ist es besser, den Ort zu wechseln und beispielsweise 

in Wäldern zu fotografieren. Hier sind die 

schwierigen Lichtverhältnisse – wenn aufgrund des 

Nebels nur sehr wenig Licht durch die Bäume 

scheint – von Vorteil und sorgen für eben beschriebene, 

magische Bildstimmungen. Denken Sie daran, 

dass bei Nebel keine Schatten entstehen. Der höchste 

Punkt des Histogramms sollte relativ weit rechts liegen, 

um die Farben richtig abzubilden. Zudem ist es 

gut, früh aufzustehen – denn viele der magischen 

Momente finden noch vor dem Sonnenaufgang statt. 

Je öfter Sie unter derartigen Bedingungen fotografieren, 

desto schneller merken Sie, dass Landschaftsfotografie 

nicht immer von der Magie des vorhandenen 

Lichts, sondern auch vom Fehlen des Lichts lebt. Tolles 

Licht muss nicht immer farbig sein; es kann sich 

auch durch Kontrast auszeichnen. Für Landschaftsfotografen 

ist schlechtes Wetter oft der perfekte Zeitpunkt, 

um zu fotografieren. Besonders in den Bergen 

werden Sie zudem immer weitere, neuartige Lichtverhältnisse 

kennenlernen. Darüber hinaus kann 

Licht aber auch für Muster sorgen. Wir alle haben 

schon Muster im Sand an Küsten gesehen, doch 

Muster sind auch in Landschaften zu finden. Durch 

die Eingriffe des Menschen entstehen auch in Landschaften 

tolle Muster, beispielsweise auf gepflügten 

Feldern oder gemähten Wiesen. Fotografieren Sie 

Orte, bei denen die Natur selbst wundersame Muster 

hinterlässt – beispielsweise im Sand bei Ebbe. Sobald 

das Wasser im Sand versickert, hinterlässt es ein 

Muster, das an Äste erinnert. Wechseln Sie auch ein- 

64 LANdsCHAfTsfoTogrAfIE


PORTHCURNO, CORNWALL 

Bilder mit nur zwei oder drei Farben rufen eine 

Harmonie und gewisse Einfachheit hervor. 

Farben mit ähnlichen Farbtönen, wie hier das 

grüne Meer und der blaue Himmel, ergänzen 

sich wunderbar. 

Bilddetails: Canon Canon EOS-1Ds Mark III 

mit 35–70 mm, F8, 30 Sek., ISO 100 

In Schwarz- 

Weiß denken 

Fotografie bei Mondschein, Astrofotografie, 

Infrarot- und Schwarz-Weiß-Fotografie – es 

gibt viele Möglichkeiten, mit der Kamera 

tolle, ungesehene Interpretationen festzuhalten. 

Für Schwarz-Weiß-Aufnahmen benötigen 

Sie kein teures Equipment; zugleich 

ist diese Art der Fotografie aber eine tolle 

Möglichkeit, um andere fotografische Ansätze 

kennenzulernen. Sehen Sie sich nach interessanten 

Texturen um und beziehen Sie in den 

Vordergrund beispielsweise Ihrer Küstenbilder 

Felsformationen mit ein. Ausgewaschene 

Farben bei Sonnenuntergängen sorgen oft für 

überzeugende Monochrom-Bilder, wenn Himmel 

und Wolken ganz andere Dimensionen 

annehmen. Experimentieren Sie auch mit dem 

Schwarz-Weiß-Modus Ihrer Kamera; bei diesem 

sehen Sie die Schwarz-Weiß-Umsetzung 

schon vor dem Auslösen. 

Das Bild wirkt etwas flau. Die 

Farben sind gedämpft und werden 

der Szene nicht gerecht. 

Als Schwarz-Weiß-Aufnahme werden 

die Texturen im Sand hervorgehoben, 

ebenso der stimmungsvolle, 

atmosphärische Himmel. 


TECHnikEn 

mal zu einem Makroobjektiv. Für diese Objektive 

gibt es auch in der Natur viele Anwendungsmöglichkeiten, 

beispielsweise bei solchen Mustern. Frost, 

Schnee und Eis sorgen für bemerkenswerte Formen, 

die sich ideal mit einem Makro festhalten lassen. 

Auch Steine bieten tolle Möglichkeiten für eine Nahaufnahme. 

Ist das dann eigentlich noch Landschaftsfotografie? 

Vielleicht nicht, aber es ist definitiv ein 

Teil des Landschaftsportfolios. Bevor Sie sich jetzt 

auf der Suche nach fotografischer Perfektion in die 

Natur stürzen, überlegen Sie sich, was Sie brauchen. 

Grundsätzlich eignen sich drei Brennweiten-Bereiche 

sehr gut für die Landschaftsfotografie. Sie sollten 

zum einen ein Weitwinkelobjektiv mit einer 

Brennweite von circa 17–30 mm, ein Objektiv mit 

einer Brennweite von 30–70 mm und ein Tele- 

Zoom-Objektiv mit einer Brennweite von circa 

70–300 mm besitzen. Jedes dieser Objektive hat seinen 

eigenen Anwendungsbereich. Weitwinkelobjektive 

eignen sich exzellent, um Dimensionen im Bild 

zu zeigen. Mithilfe einer mittleren Brennweite halten 

Sie ein Motiv sehr realitätsnah fest – wie es das 

menschliche Auge sieht. Mit einem Teleobjektiv lassen 

sich tolle Details in Landschaften herausarbeiten. 

Bevor Sie den Auslöser drücken, stellen Sie sicher, 

dass Sie Ihren Bildbereich sorgfältig und genau 

gewählt haben. Lassen Sie Ihren Blick über die Szene 

schweifen, um durch den richtigen Einsatz von 

Licht, Tonalität und verschiedenen Bildelementen 

tolle Ergebnisse zu erhalten. Lassen Sie während der 

Bildkomposition die Farben einfach wirken. Grundsätzlich 

existieren drei Arten von Farbpaletten – 

sogenannte Farbskalen, die sich für die Landschaftsfotografie 

nutzen lassen. Am naheliegendsten ist der 

Gebrauch einer natürlichen Farbharmonie, die auf 

den Farbkombinationen, die wir in der Natur sehen, 

basiert – mit vielen Farbtönen und Grünschattierungen, 

Blauverläufen und vereinzelt helleren Farben. 

Diese Farbharmonie ist besonders für Bilder, die die 

Natur realitätsnah darstellen sollen, geeignet. Auch 

die Komplementärfarbenlehre ist für Fotografen relevant. 

Diese kommt zur Anwendung, wenn Filter 

oder elektronische Bildbearbeitung genutzt werden, 

um Farben, die auf dem Farbkreis auf der jeweils 

entgegengesetzten Seite stehen, gegenüberzustellen. 

Die geläufigste Kombination von Komplementärfarben 

ist die einer Primär- und einer Sekundärfarbe. 

Tertiäre Farben, wie Blau-Grün oder Rot-Orange, 

führen in vielen Fällen zu einer satteren Komplementärfarbenharmonie. 

Damit kommen wir zu den 

Analogfarben, also den auf dem Farbkreis aneinander 

angrenzenden Farben. Ein Farbfilter oder eine 

Schwarz -Weiß-Bearbeitung erzeugen derartige analoge 

Farben. Egal auf welchem Level Sie fotografieren, 

Sie können jederzeit experimentieren. Zum 

Fotografieren von kreativen Landschaften gehört 

auch das wachsende Verständnis für Landschaften 

und ein Blicks für das Wetter. Schnappen Sie sich 

Ihre Kamera, erkunden Sie neue Landschaften und 

halten Sie magische Momente fest. 

LandmannaLuagar, isLand 

Eine vulkanische Landschaft im süden von island mit kräftigen Farben 

und tollen Texturen Bilddetails: Canon EOs 5d mark ii mit 70–300 mm, 300 

mm, F16, 0.6s, isO 100and f16, 0.6 sek., isO 100 

Ausrüstung 

Gitzo SYSTEMATIC Series 3 

Web: www.gitzo.de Preis: ab € 600 

Ein gutes Stativ ist für kreative Fotografie unerlässlich. 

Gitzo-Stative lassen sich schnell und einfach 

bedienen und zeichnen sich durch Stabilität 

und Langlebigkeit aus. Bei essenziellem Landschaftsfotografie-Zubehör 

wie einem Stativ sollten 

Sie nicht sparen. 

© Lee Pengelly © Lee Pengelly 

Lee Grauverlaufsfilter 

Web: www.leefilters.com Preis: ca. € 70 

Die Filter von Lee sind mitunter die hochwertigsten 

Filter am Markt, sie sind einzeln und in Sets 

erhältlich. Die Lee-Filter sind hervorragend geeignet, 

um unterschiedliche Lichtverhältnisse auf 

einem Foto auszugleichen, ohne die Farbwerte zu 

beeinflussen. 

Canon Kabelauslöser RC80N3 

Web: www.canon.de Preis: ca. € 50 

Dieser robuste Kabelauslöser vereinfacht das 

Timen von Verschlusszeiten und ist mit den meisten 

Canon-Kameras kompatibel. Für Langzeitbelichtungen 

im Bulb-Modus lässt sich der Verschluss 

feststellen. 

Heliopan Polfilter 

Web: www.teamworkphoto.com Preis: ca. € 100 

Es sind unzählige Filter auf dem Markt verfügbar, 

doch die Filter von Heliopan zeichnen sich durch ein 

gutes Preis-Leistungs-Verhältnis aus. Bei Weitwinkelobjektiven 

sollten Sie zu den Slim-Versionen greifen. 

Thinktank Streetwalker Pro 

Web: www.thinktankphoto.com 

Preis: 170€ 

Auch wenn Ihnen dieser Rucksack klein und 

kompakt erscheint – er nimmt bei genauer Planung 

bis zu zwei Kamera-Bodies mit bis zu sechs 

(kleinen) Objektive auf. Der Streetwalker Pro 

verfügt zudem über einen Hüftgurt. 

66 LandsCHaFTsFOTOgraFiE


© Lee Pengelly 


teChNIKeN 

Coyote Buttes, utah 

Die orangefarbigen, wellenförmigen Felsformationen 

sind zusammen mit dem hellen, blauen himmel ein tolles 

Beispiel für Komplementärfarben bei Landschaftsbildern. 

© Corbis 

68 LaNDsChaFtsFotograFIe


Top-10-Tipps für 

Landschaften 

01 

Mittagsschatten 

Shootings am Mittag sind bei 

vielen verpönt, doch zu dieser 

Zeit entstehen dramatische 

Schatten, gerade bei Landschaften. 

Halten Sie nach unüblichen 

Formen und Mustern Ausschau, 

die von Gebäuden, Menschen 

oder Steinen erzeugt werden. 

Skurrile Winkel 

02 Fürchten Sie sich nicht vor seltsamen Winkeln. 

Mithilfe von skurrilen Aufnahmewinkeln lassen sich auch 

„normale“ Objekte aufregend darstellen. Suchen Sie beispielsweise 

nach natürlichen Linien und lassen Sie diese 

diagonal durch Ihr Bild verlaufen 

PerSPektiven kürzen 

03 Mithilfe von hohen Brennweiten von Teleobjektiven 

lassen sich interessante Muster in Landschaften 

leicht hervorheben. 

reflektoren nutzen 

04 Besonders bei der Makro-Fotografie mangelt 

es oft an Licht. Nutzen Sie einen Reflektor, um die Menge 

des verfügbaren Lichts zu vergrößern. 

05 Stative 

Stative sind nützlich, um die Kamera zu stabilisieren 

und die Hände freizuhaben. Sobald Sie den Bildbereich 

ausgewählt haben, sichern Sie Ihr Stativ und 

achten auf Belichtung, Komposition und Verschlusszeit. 

Manueller ModuS 

06 Legen Sie den Fokuspunkt manuell fest, um 

Fehlfokussierungen auszuschließen. So arbeiten Sie 

auch kreativer. Nutzen Sie für optimale Resultate zudem 

die Spot-Messung Ihrer Kamera. 

klaMMern und Stative 

07 Gorillapods, Mini-Dreibeinstative und Klammern 

sind tolles Zubehör und bei der Landschaftsfotografie oft 

nützlich. Mithilfe von Klammern lässt sich beispielsweise 

ein Reflektor an einem Zweig befestigen. 

Blende öffnen 

08 Bei Blendenwerten von f2.8-5.6 wird der Hintergrund 

leicht unscharf dargestellt und lenkt den Blick 

auf den Fokuspunkt. Bei geöffneter Blende erhalten Sie 

zudem kürzere Verschlusszeiten und minimieren das 

Risiko von Verwacklungen. 

09 live-vieW-ModuS 

Dieser Modus hilft bei der Bildkomposition. Oft 

lassen sich auf Histogramme anzeigen. 

10 zooM-BurSting 

Zoomen Sie, während Ihre Kamera auf dem Stativ 

befestigt ist, in das Bild. Nutzen Sie eine Verschlusszeit 

von 1/8-1/30 Sek. und zoomen Sie, sobald Sie auslösen, 

wieder aus dem Bild heraus. Dadurch wird Ihr Bild zu 

einem echten Hingucker. Experimentieren Sie damit. 

Words by Lee Pengelly 


TeCHniKen 

Auf dem QuirAing 1 

in den Bergen ist das Wetter stets unvorhersehbar, 

doch in diesem foto spürt man die überwältigende 

Kraft der natur. eine Stunde nach Sonnenaufgang 

herrschen hier optimale Wetterbedingungen, die die 

formen der natur besonders prägnant erscheinen 

lassen. die niedrige Wolkendecke und der leichte 

nebel machen dieses foto unvergesslich. 

Anfangs war die Sonne nicht zu sehen, doch dann 

durchbrach sie die graue Wolkendecke und verlieh 

der Szenerie ein einzigartiges Licht. die formen und 

Texturen der Landschaft treten gut hervor. 

Bilddetails: Canon eOS 1ds mark iii, mit einem 

Contax-35-70-mm-Objektiv, 

40 mm, f11, 1/5 Sek, iSO 100 

© david Clapp 

70 LAndSCHAfTSfOTOgrAfie

GROSSARTIGE WELTEN 

Erforschen und 

fotog rafierenSie 

die wilde Natur 

Unsere Experten geben Ratschläge, wie Sie Ihre 

Outdoor-Fotos zu etwas Besonderem machen. 


TecHniken 

© david clapp 

„Macht Spaß, kostet nichts und ist gesund – 

Outdoor-Fotografie ist Balsam für die Seele.“ 

E 

s ist schwer zu vermitteln, was für eine 

wunderbare Erfahrung das Fotografieren in freier 

Natur ist. Ohne Zweifel ist das der Grund, warum 

Sie diesen Artikel lesen, und möglicherweise 

auch der Grund, warum es Sie in die Wildnis 

treibt. Unsere Welt ist nahezu unerklärlich schön und unsere 

Zeit sehr begrenzt, daher genießen wir es, unsere Reisen zu 

dokumentieren und uns dabei kreativ auszudrücken. Die Höhen 

und Tiefen der Natur – egal ob groß und gewaltig oder eng und 

geborgen –, zu denen wir vordringen und die wir mit unserer 

Kamera erforschen können, lösen bei uns allen kreative Ideen 

aus. Denn allzu oft sitzen wir von der Außenwelt abgeschnitten 

da, schauen aus dem Fenster unseres Büros, Träumen von der 

Freiheit und malen uns große Abenteuer aus – zu Recht! Für 

viele ist die Fotografie nicht etwa eine Ausrede, um sich in 

die Welt zu stürzen, sondern sie ist der Grund dafür, das zu 

tun. Was genau fasziniert uns am Fotografieren in der Natur? 

Zunächst einmal ist keine spezielle Ausrüstung erforderlich, 

ganz im Gegensatz zu anderen Arten der Fotografie. Man 

braucht kein Studio, keine Models, und keine Beleuchtung … 

zumindest keine künstliche. Landschaftsfotografie fühlt sich 

einfach simpler an, man muss sich nicht mit Komplexität 

herumschlagen. Man braucht nur eine Kameratasche, ein paar 

Objektive, ein Stativ, eine Karte, ein wenig Durchhaltevermögen 

und viel Kreativität. Man will einfach zur rechten Zeit am 

rechten Ort sein und überlässt den Rest der Natur. Es macht 

Spaß, kostet nichts und ist gesund – Outdoor-Fotografie 

ist Balsam für Körper und Seele. Und sie kann mitunter 

spektakulär sein. Die wahre Schönheit der Welt enthüllt 

sich denen, die sie suchen. Egal ob es ein Sonnenaufgang im 

Winter ist oder eine spektakuläre Gebirgskette: Wenn man 

die idealen Bedingungen vorfindet, kann das leicht süchtig 

machen. Wer es einmal erlebt hat, der wird immer wieder 

daran denken müssen und sich selbst in der S-Bahn auf dem 

Weg zur Arbeit überwältigende Foto-Szenarien ausdenken, die 

ihren Lockruf ausüben. Ein Schlüsselfaktor ist das Wetter und 

die Unvorhersehbarkeit der Natur. Sie bietet uns nie zweimal 

denselben Blick und die Brillanz einer überwältigenden 

Aufnahme liegt nur zum Teil in unseren Händen. Ob tobende 

Winde oder stille Wasser, man muss die Wetterbedingungen 

verstehen lernen, denn von ihnen hängt das Foto ab. Bei der 

Outdoor-Fotografie geht es um nicht weniger als ein besseres 

Verständnis für die Facetten unserer Welt. Es macht auch viel 

Spaß, diese Erfahrung zu teilen. Wer einen Kameraclub voller 

Haine und 

Wälder – 

ivingHoe 

Woods, Bucks 

dieses scheinbar schlichte 

Foto eines Waldes lebt vom 

seiteneinfall des lichts, 

das das Frühlingsgras 

aufblühen lässt. um im 

Wald zu fotografieren, zieht 

man am besten im Frühling 

oder Herbst los, denn dann 

bieten sich die besten 

Möglichkeiten. doch in der 

vielfalt des Waldes, ohne 

dass man einen Blick auf 

eine freie landschaft hat, 

lassen sich bei fast jedem 

Wetter gute Fotos machen. 


eos-1ds Mark iii, 35–70 

mm, f11, 1/10 sek., iso 100 

72 landscHaFTsFoTograFie

grossartige WeLteN 

ExPERtENRat 

Lee Pengelly 

Web: www.silverscenephoto.co.uk 

Email: Leepengelly@aol.com 

Lighthouse, 

st Mary’s 

Das ist ein Foto von 

st. Mary’s Leuchtturm 

bei sonnenaufgang. er 

befindet sich in Whitely Bay, 

Northumberland, england. 

es ist der ideale ort, um 

Felsen und Brandung in 

den Vordergrund zu rücken, 

wobei der Leuchtturm als 

zentraler schwerpunkt 

dient. gummistiefel nicht 

vergessen! 


eos 5D mit einem 

24–105-mm-objektiv, 35 

mm, f22, 1.3 sek., iso 50 


motivierter Mitglieder aufsucht, dem wird es nicht schwerfallen, 

deren Enthusiasmus zu teilen. Doch viele brauchen den Anstoß 

eines Klubtreffens oder Ähnlichem gar nicht. Für manche reicht 

die Online-Community völlig aus, um die Werke anderer zu 

genießen und von ihnen zu lernen. Millionen von Fotografen 

tauschen weltweit ihre Bilder aus, da fällt es leichter als je zuvor, 

sich mit Gleichgesinnten verbunden und von ihnen verstanden 

zu fühlen. Um das Wunder des Lichts und die Kunst, dieses zu 

sehen, besser zu verstehen, ist es wichtig, darauf einzugehen, 

wie wir die Welt um uns herum wahrnehmen und wie die 

Eigenschaften des Lichts die Outdoor-Fotografie beeinflussen. 

Wie man die Wunder des Lichts versteht 

Die meisten von uns haben sicher schon erstaunliche 

Sonnenuntergänge oder etwas ähnlich aufregendes erlebt, 

und zwar meistens dann, wenn wir es am wenigsten 

erwartet haben. Gutes Licht hüllt unsere Welt in ästhetische 

Formen und kann das Alltägliche zu etwas Besonderem 

machen. Daher auch der Satz, man solle etwas „in einem 

besseren Licht“ betrachten. Gutes Licht formt unser Umfeld, 

indem es den ästhetischen Schwerpunkten mehr Dimension 

verleiht. Es ist nicht unüblich, dass Fotografen von „goldenen“ 

oder „magischen“ Stunden sprechen. Gemeint ist damit die 

Tageszeit, zu der sich das Fotografieren besonders lohnt. Die 

Lichtintensität ist geringer und der Einfallswinkel für ein 

Bild vorteilhafter. Interessante Wetterbedingungen kann 

man jederzeit vorfinden, nicht nur zu einer vermeintlich 

günstigen Stunde. So zum Beispiel Sonnenstrahlen, die durch 

Lee ist professioneller Fotograf in 

Devon. Zu seinen Schwerpunkten 

zählen Reise-, Landschafts- und 

Architektur- sowie Food-Fotografie. Seine Bilder werden in der 

Werbung, in Magazinen und von Privatkunden genutzt. Er beliefert 

fünf Fotoagenturen und verwaltet seine eigene Bildbibliothek. 

„Ich habe eine Leidenschaft für gute Landschaften, das ist der 

Grund, warum ich überhaupt die Kamera in die Hand nehme. Ich 

bin noch immer von der Outdoor-Fotografie begeistert. Ich liebe 

es, bei jedem Wetter in der freien Natur zu sein und die Veränderungen 

des Lichts festzuhalten. Besonders gerne mache ich bei 

Sonnenauf- und Sonnenuntergang meine Fotos, dann ist das 

Licht am besten und die Atmosphäre einfach unvergleichlich.“ 

1 Früh aufstehen und lange draußen bleiben 

Kein Zweifel, die besten Bilder macht man bei Sonnenaufgang und 

bei Sonnenuntergang. Wenn man frühzeitig aufsteht, hat man die 

besten Chancen auf gute Bilder. 

2 Nicht zu früh einpacken 

Auch wenn die Sonne untergegangen ist, sollte man nicht zu 

schnell einpacken, sondern weiter Fotos machen. Zu dieser Tageszeit 

kann sich das Licht noch dramatisch ändern – oftmals hat 

man noch eine halbe Stunde Abendröte, in der sich das Fotografieren 

lohnt. 

3 Planung ist alles 

Gute Planung führt oft zu guten Fotos – Landkarten, Gezeitentabellen, 

Testfotos und eine vorausdenkende Herangehensweise 

sind unerlässlich, wenn man zur rechten Zeit am rechten Ort sein 

will. Es reicht nicht, einfach nur bei gutem Licht abzudrücken. 

4 Immer mit der Ruhe 

Es ist besser, bedächtig vorzugehen und dann das richtige Foto zu 

machen – wenn man es einmal hat, muss man nicht hundert weitere 

knipsen. 

5 Kippen 

Bei Weitwinkelobjektiven lohnt es sich, die Kamera leicht nach 

unten zu kippen. Dadurch wird das jeweilige Objekt im Vordergrund 

betont, als würde der Betrachter darauf „zugehen“. 

schwere Sturmwolken hindurchdringen, oder Regenbogen, 

oder der Zauber eines düsteren Himmels. Auch bei solchen 

Bedingungen lassen sich hervorragende Fotos machen und 

so etwas kann zu jeder Tageszeit geschehen. Haben Sie sich 

beim Lesen des letzten Abschnittes ein spektakuläres Bild 

vorgestellt? Dann wenden Sie Ihre Fantasie auf eine Gegend 

an, die Sie kennen – in der Branche ist das Modewort dafür 

„Prävisualisierung“. Dies ist eine wunderbare Übung und 

spornt Ihre Kreativität als Fotograf an. Das Träumen von 

spektakulären Bedingungen ist die treibende Kraft. All die 

Spaziergänge im Dunkeln, die bittere Kälte auf windigen 

Hügeln und das zermürbende Warten an der Küste, wenn 

man das Licht herbeisehnt ... all das entspringt einem solchen 

Traum, und dem festen Glauben, dass sich einem früher oder 

später ein episches Bild bietet. 

Besonders am Anfang sollte man sich immer wieder 

daran erinnern, dass es Zeit braucht, bis man ein gutes Foto 

erkennt. Die größten Herausforderungen sind das Motiv und 

das richtige Objektiv. Nur allzu leicht lässt man sich von 

Eindrücken faszinieren, die sich nicht unbedingt als Foto 

eignen. Doch das ist kein Fehler, denn daran erkennt man 

Entschlossenheit des Fotografen. Die seltsame Faszination, die 

von einem gewundenen Baum, einer komplizierten Bewegung 

oder einer verschlungenen Küste ausgeht, mag vielleicht nicht 

immer zu einem großartigen Foto führen, aber die Fähigkeit, 

derartige Wunder der Natur zu erkennen – und die Reife, sich 

nicht immer davon in den Bann schlagen zu lassen, führt zu 

einer starken künstlerischen Prägung. 

LaNDsChaFtsFotograFie 73

TechnIken 

Die Jahreszeiten nutzen 

Im Laufe des Jahres verändert sich das Wetter. Die Temperaturen, 

die Wetterbedingungen und das Licht variieren stark. 

Die Jahreszeiten können Ihr Umfeld sehr beeinflussen, je 

nachdem wo Sie Ihre Fotos machen, und es scheint, dass 

das Wetter im Laufe der Jahre immer extremer wird. Die 

verschiedenen Jahreszeiten bieten unterschiedliche Farbpaletten. 

Diese Veränderung können Sie sich zunutze machen. 

Sie sollten bei jeder Jahreszeit in die Natur gehen, um 

Fotos zu schießen und so viel wie möglich dabei zu lernen. 

In Deutschland kommt der Frühling meist Anfang Mai. 

Anfangs scheint es sich ewig hinzuziehen, doch dann geht es 

immer schneller und überall sieht man austreibendes Grün. 

Diese Veränderung ist auch den Küsten zu sehen. Oftmals 

sind beispielsweise Klippen von einer Reihe wunderschöner, 

bunter Blumen eingerahmt. Der Sommer bietet in der Regel 

weniger Möglichkeiten. Die Tage sind lang, die Temperaturen 

steigen, das Grün der Pflanzen lässt nach. Aber es gibt noch 

immer scheinbar unendlich viele Blumen, die in den Sommermonaten 

blühen und in der Landschaft hervortreten. 

Lassen Sie sich Chancen wie die Erntezeit nicht entgehen, 

denn frisch gemähte Felder und goldfarbener Weizen haben 

auch einen subtilen Reiz. Gegen Oktober beginnt effektiv der 

Herbst, der wiederum Fotografen viele neue Gelegenheiten 

bietet. Wenn die Blätter bunt werden, lohnt sich der Ausflug 

in den Wald, an die Flüsse und in die Berge – aber auch Parks 

und Heckenlandschaften können auf ihre Art sehr reizvoll 

sein. Wenn die Temperaturen sinken, kann es immer wieder 

mal zu Nebel kommen, der dramatische Bildeffekte mit sich 

bringt. Für diejenigen, die sich wirklich spektakuläre Bilder 

wünschen, hat der Winter seinen eigenen Zauber, der nicht 

zu schlagen ist. Die Sonne steht tiefer, dadurch ist der Einfallswinkel 

des Lichts vorteilhafter. Man kann den ganzen 

Tag über fotografieren. Der Sonnenaufgang ist nicht so früh 

und obwohl die Sonne auch früher untergeht, hat man als 

Fotograf auch danach noch reichlich Gelegenheiten für gute 

Bilder. An den Küsten sind die Wellen unberechenbarer, der 

Himmel ist dramatischer und die Luft ist reiner, was wiederum 

bessere Sicht und größere Klarheit gibt. Am besten 

recherchieren Sie die Gegend, die Sie bereisen wollen, und 

schauen nach, wie das Wetter zum Zeitpunkt Ihrer Reise ist. 

Landschaftsfotografie 

Egal wo Sie sich befinden, in der Regel gibt es in der Nähe 

immer interessante Landschaften. Obwohl sich die meisten 

traumhaften Plätze nicht in der Nähe von Städten befinden, 

heißt das noch lange nicht, dass sich die Landschaftsfotografie 

nur an unberührten Orten lohnt. Es ist eben nicht nur 

eine Frage großer Panoramen. Auch mit kleineren, intimeren 

Motiven lassen sich gute Bilder machen. Denken Sie nur nicht, 

das alles, was schön ist, zwangsläufig auch weit weg sein 

muss. Nur wer die Möglichkeiten vor Ort auch auszuschöpfen 

weiß, kann als Landschaftsfotograf dazulernen. Aber was 

lohnt sich? Die Antwort darauf ist vielschichtig, aber hier sind 

ein paar Möglichkeiten … 

Waldgebiete 

Das Fotografieren in Wäldern kann auch Profis schwerfallen, 

denn die Bildkomposition ist hier besonders anspruchsvoll. 

Manchmal sieht im wahrsten Sinne des Wortes den Wald vor 

lauter Bäumen nicht. Es gibt zwei Arten von Wäldern: solche, 

die von Menschen bepflanzt wurden – oftmals Kiefernwälder – 

und natürliche Mischwälder. Beide können aus verschiedenen 

Gründen sehr vorteilhaft sein, aber in beiden können auch herumliegende 

Baumstämme, Büsche und Äste den Zauber stören. 

Der WechseL Der JahreszeITen 

Diese relative simple Landschaftsaufnahme wurde an der straße 

gemacht, nicht weit weg von einem hauseingang. Die große Buche scheint 

etwas weiter weg von den nadelbäumen am linken Bildrand zu stehen. 

Bilddetails: canon eOs 5D, 17–40-mm-Objektiv, 32 mm, f8, 1/15 sek., IsO 100 

Ideen für 

trübe Tage 

Endlose trübe Tage sind die Hölle für 

Fotografen, daher sucht man sich am 

besten ein anderes Motiv und wahrt 

dabei die gute Laune, besonders wenn 

man auf Reisen ist. 

Wasserfälle und Flüsse – Harte 

Schatten sind bei solchen Bildern ohnehin 

nicht gut. Wenn also die Wolkendecke 

das Sonnenlicht zerstreut, suchen 

Sie Binnengewässer – und dort ein fotogenes 

Motiv – auf. 

Pflanzen – An leicht bewölkten Tagen 

tut man gut daran, sich von Panoramafotos 

zu verabschieden und sich nach 

kleineren Motiven umzuschauen. Wer 

lernt, wie man Pflanzen gut fotografiert, 

wird auch bei schlechtem Wetter nicht 

die Laune verlieren. 

Küstendetails – Suchen Sie nach 

seltsamen Mustern im Sand, eigenartig 

geformten Felsen oder Ähnlichem. Lassen 

Sie sich auf intime Detailaufnahmen 

der Landschaft ein. Die Küste bietet viele 

Möglichkeiten, man muss sie nur 

suchen. 

Versuchen Sie es mit sehr langen 

Belichtungszeiten – Trübe Tage können 

für Fotografen auch ein Traum sein. 

Denn mit einem ND-Filter mit zehn 

Blendenstufen kann man sogar Meeresflächen 

etwas Malerisches verleihen. 

Gehen sIe unTer DIe erDe 

Wenn das Wetter nicht gut ist, lohnt es sich, unterirdisch 

zu arbeiten. Wenn Wasser von der Decke tropft 

werden die spiegelungen nie perfekt sein, aber bei langen 

Belichtungszeiten verstärkt sich der effekt merklich. 

Bilddetails: canon eOs1Ds Mark III, 17–40-mm Objektiv, 

50 mm, f11, 30 sek, IsO 400 

74 LanDschaFTsFOTOGraFIe

GroSSarTiGE WElTEn 

Wetterwebseiten 

Schauen Sie frühzeitig auf Wetterwebseiten nach, so können Sie 

sich eine bessere Vorstellung der nächsten Tage machen. Doch 

wenn sich das Wetter dramatisch verändert, ist bei Wettervorhersagen 

Vorsicht geboten. In Bergregionen wird die Luft nach 

oben gedrückt, so können sich Wolken bilden. Seien Sie nicht 

überrascht, wenn sich das Wetter unerwartet ändert. Dasselbe 

gilt für Küstengegenden, deren Wetter plötzlichen Schwankungen 

unterworfen ist, die sich teilweise erheblich von den Vorhersagen 

unterscheiden können. Doch nur wenige Kilometer tiefer 

im Landesinneren können die Vorhersagen stimmen. Und nur 

weil es über dem Land Wolken gibt, heißt das noch lange nicht, 

dass es über dem Meer genau so ist. Bei Sonnenauf- und Sonnenuntergang 

kann es zu spektakulären Lichteffekten kommen. 

MyWeather2 

www.myweather2.com 

Obwohl die Resultate und Symbole auf den ersten Blick unscheinbar 

erscheinen, hat MyWeather2 gute und zuverlässige 

Vorhersagen über Nebel, schon aus diesem Grunde lohnt sich 

der Besuch auf der Webseite. Aber auch auf den zweiten Blick 

finden sich sehr nützliche Informationen über Regenfall, Wolken, 

Wind und noch dazu Isobar-Karten, die das Wetter der letzten 

paar Tage zeigen. Man kann also Wetterfronten und ähnliche 

Bewegungen über dem Atlantik sehen. 



Magic Seaweed 

magicseaweed.com 

Die besten Webseiten für Wind und Wellen sind natürlich im 

Surf-Bereich anzufinden, aber eine sticht für Küstenfotografen 

besonders hervor. Magic Seaweed ist eine brillante Webseite, die 

längerfristige Vorhersagen über Winde macht und auch Wellenhöhen 

nicht ignoriert. So kann man sehr gut auf Stürme achten, 

die vom Atlantik kommen. Die Daten werden von Bojen im Meer 

gesammelt und die Ergebnisse sind auch längerfristig korrekt 

– bis hin zu einer Woche. 

Da Kiefernwälder relativ gleichmäßig bepflanzt sind, bietet 

die symmetrische Anordnung der Bäume interessante Kompositionsmöglichkeiten. 

Doch alte, natürliche Waldgebiete 

haben das ganze Jahr über spannende Ansätze. Buchen und 

Eichen findet man in den meisten Wäldern. Und es lohnt sich, 

nach besonderen Bäumen Ausschau zu halten und deren Formen 

zu betrachten. Ein gutes Waldfoto muss nicht zwangsläufig 

einen ganzen Baum abbilden, es kann genauso gut ein 

Ausschnitt sein. Und vergessen Sie nicht die Wildblumen und 

Pilze, die zu verschiedenen Jahreszeiten im Wald wachsen. 

moorland 

Offene Weiten aller Art können zu stimmungsvollen Bildern 

inspirieren und es lohnt sich, hier große Panoramafotos zu 

machen. Moore wie der englische Peak District oder die 

Lüneburger Heide bieten viele Möglichkeiten, denn es gibt 

eine große natürliche Vielfalt – man muss sie nur suchen. Die 


Ein Bild vom land 

das landleben lässt sich oft mit so einfachen Bildern wie einem 

Flussufer oder einer Kuh an der Tränke beschreiben. Ein Spaziergang 

auf dem lande lässt sich gut für eine kleine Fotosafari zweckentfremden, 

insbesondere mit einem Polarisierungsfilter, der die Grüntöne 

hervorhebt und Spiegelungen in Grenzen hält. Es ist ganz normal, sich 

nach gutem licht zu sehnen, aber vergessen Sie nicht den Geruch der 

landluft und die ruhige Sommerstille. auch das sind lohnende motive. 

Bilddetails: Canon EoS-1dS mark iii, 24–105-mm-objektiv, 35 mm, f8, 

1/125 Sek., iSo 400 

landSCHaFTSFoToGraFiE 75

tECHNikEN 

Außenaufnahmen 

planen 

Bei der Landschaftsfotografie fängt man am besten mit dem 

Sonnenaufgang und Sonnenuntergang an. Dadurch bekommt 

man einen guten Eindruck der Wetterbedingungen, bis zu einer 

halben Stunde vor dem Sonnenaufgang und Sonnenuntergang. 

Auf den Wetterwebseiten finden Sie viele Informationen, aber 

wenn Sie ein Android-Phone oder ein iPhone haben, gibt es zahllose 

Gratis-Apps, die dabei sehr hilfreich sind. Wir empfehlen 

Software wie The Photographers Ephemeris (TPE), eine kostenlose 

Desktop-App, die alle möglichen Varianten im Laufe des Jahres 

anzeigt. Mithilfe von Google Maps können Sie auf TPE sehen, 

wann die Sonne von bestimmten geographischen Punkten aus 

zu sehen ist. So können Sie virtuell überall in Position gehen und 

die Winkel der Sonne begutachten. 

Versuchen Sie, sich über das Wetter der nächsten 24 Stunden 

ein gutes Bild zu machen, und passen Sie sich im Notfall an. Hier 

ist eine essenzielle Liste von Dingen, die Sie brauchen werden: 

Checkliste fürs Auto 

• Kameraausrüstung 

• Bekleidung für Regen und gute Schuhe 

• Gummistiefel – man weiß nie, wann man sie braucht 

• Landkarten und die notwendigen Computerausdrucke 

• Ein voll aufgeladenes Handy 

• Essen und eine Wasserflasche 

Kommen Sie rechtzeitig an 

Sicherlich haben Sie in Fotomagazinen Artikel über Leute gelesen, 

die zu spät zu einem wunderbaren Sonnenaufgang kamen. 

Also ist bei der Vorbereitung auch Vorlauf angesagt. Rechnen Sie 

aus, wie lange Sie bis zu Ihrem Ziel brauchen werden, und planen 

Sie mindestens eine weitere halbe Stunde ein. 

Keiner hat behauptet, Landschaftsfotografie sei einfach! 

Besonders nicht bei Sonnenaufgang! 

Wenn man am Motiv oder in der freien Natur ist, ist es wichtig, 

auf alle Eventualitäten vorbereitet zu sein. 

AusdAuEr ist AllEs 

dieses Bild wurde an einem bewölkten tag im regen gemacht 

und entstand bis zu einem gewissen Grad aus Verzweiflung, 

denn die Wolkendecke hat Panoramafotos unmöglich gemacht. da 

viel Zeit war, wurden die steine in eine günstige Position gebracht. 

Ein Polarisationsfilter erlaubt es, durch das Wasser zu sehen und 

spiegelungen zu vermeiden. 

Bilddetails: Canon EOs 5d, 17–40 mm, 17 mm and f22, 6 sek., isO 100 

76 lANdsCHAFtsFOtOGrAFiE

GRoSSARtiGe WelteN 


„Im Moor gibt es überall Gräben, Kanten, 

Mulden, Bäche oder historische Stätten.“ 

Annahme, man könne vom Auto aus auf gute Motive stoßen, 

ist ein Trugschluss. Man muss schon aussteigen und losziehen. 

Auf den Hügeln finden sich oft Granitformationen, die 

spektakuläre Bilder bieten und sich aufgrund ihrer Lage aus 

sehr vielen verschiedenen Blickwinkeln fotografieren lassen. 

Wenn man dasselbe Motiv bei Sonnenaufgang und Sonnenuntergang 

besucht oder sich einfach nur umdreht, bieten sich 

einem vollkommen andere Facetten. Im Moor gibt es überall 

Gräben, Kanten, Mulden, Bäche oder historische Stätten. Hier 

lohnt sich die Schwarz-Weiß-Fotografie, Hochkontrastbilder 

und andere stilisierte Arten der Fotografie. Die Fülle an Pflanzen 

macht Moore auch zu ökologischen Goldgruben. Die 

Flora im Moor scheint immer ein paar Wochen später als in 

anderen Gegenden zu blühen, aber dafür blüht sie länger. 

Nationalparks 

In England gibt es 15 Nationalparks, in Deutschland immerhin 

14. Sie alle bieten atemberaubende Szenerien. In den USA 

gibt es 58 Nationalparks und in Australien unfassbare 516! 

In der ganzen Welt bieten Nationalparks detaillierte Möglichkeiten 

für gute Fotos. Kein Wunder, dass sie bei Outdoor-Fotografen 

so beliebt sind. Man kann leicht dem Irrglauben 

unterliegen, alle Nationalparks seien bergig, doch es gibt 

auch viele wellige und dezentere Landschaften. Weltweit gibt 

es enorme Unterschiede. Sie bieten mitunter atemberaubende 

Ausblicke, die sich für Ihre Fotos perfekt eignen. Es lohnt sich, 

die Nationalparks in Ihrer Nähe mal zu besuchen. Achten 

Sie gut auf die Monate und Gezeiten und suchen Sie sich eine 

lohnende Woche, in der Sie sich in der Landschaft verlieren. 

Schlösser,und Ruinen 

Eine von Menschenhand erschaffene Struktur kann einem 

Bild einen unterschiedlichen Kontext verleihen. Puristen 

der Landschaftsfotografie versuchen oft, alle menschliche 

Spuren aus ihren Fotos fernzuhalten, aber Schlösser oder 

Ruinen können notwendige Akzente setzen und den Blick 

auf sich lenken. Zu den lohnendsten Motiven zählen Schlösser. 

Schlösser finden sich auf der ganzen Welt, aber England 

hat einige besonders lohnenswerte Prachtexemplare vorzuweisen. 

Gute Fotos lassen sich auch in Ruinen und anderen 

zerfallenen Gebäuden machen. Im Inneren einer Ruine bieten 

sich einem tolle Ansichten, zum Beispiel dunkle Torbögen, 

Durchgänge, Fenster und Innenhöfe, die man in Farbe und 

Schwarz-Weiß fotografieren kann und die wenig mit dem natürlichen 

Umfeld, in dem sie existieren, zu tun haben. Auch 

Hügelgräber oder Findlinge finden sich in Mooren und sind 

dankbare Motive. 

Aussichtspunkte 

Besonders inspirierend ist es, einen Aussichtspunkt zu besteigen. 

Es ist ein unvergleichliches Gefühl, die wunderbare 

Natur in sich aufzunehmen stundenlang über das Land zu 

blicken und dabei die Stille zu genießen. Die Möglichkeiten, 

die sich dem Landschaftsfotografen bieten, werden nur 

durch das Objektiv eingeschränkt. Sie können die gesamte 

Landschaft fotografieren oder nur einen Ausschnitt. Je mehr 

Sie sich umschauen, desto mehr Möglichkeiten tun sich auf. 

Längere Brennweiten haben einen Teleskopeffekt, so lassen 

sich große Entfernungen komprimieren. Wenn Sie Glück 

haben und Ihr Aussichtspunkt nach Osten schaut, achten 

Sie bei Sonnenaufgang auf Dunst oder Nebel. So wird eine 

alltägliche Landschaft atemberaubend. 

Berge und Seen 

Berge sind das wohl beliebteste Motiv in der Landschaftsfotografie, 

aber sie zu fotografieren kann recht schwierig 

und kompliziert sein. Genau wie Moore und andere höher 

gelegene Plätze, scheinen Sie ihr eigenes Wetter zu haben, 

das zudem noch recht wechselhaft ist. Es gibt zweifellos 

viele Bergfotos, die etwas klischeebeladen sind, aber dieses 

Problem hat man bei beliebten und günstigen Motiven für 

gute Fotos ohnehin. Um einem Aussichtspunkt, von dem 

aus bereits zahllose Bilder entstanden sind, noch etwas 

Einzigartiges abzugewinnen, benötigt man eine außergewöhnliche 

Beleuchtung oder interessantes Wetter. Wer 

etwas Neues sucht, braucht als Fotograf Selbstvertrauen und 

Hingabe. Von solider Recherchearbeit ganz zu schweigen. 

Aber wenn man einen schönen Bildband durchblättert, wird 

einem anfangs nicht immer klar, wie viel Anstrengung hinter 

jedem Foto steckt. Und es geht nicht immer zwangsläufig 

um die Höhe, denn im Gebirge gibt es oftmals auch lohnende 

Bergseen. Einige Fotos kann man sogar vom Auto aus 

machen. Wenn das Motiv dann auch noch in einem stillen 

Bergsee reflektiert wird, ist das Resultat unvergesslich. Doch 

ein plötzlicher Windstoß kann alles ruinieren. Breite Wasseroberflächen 

reagieren auf Luftströmungen, die kurz nach 

Sonnenaufgang einsetzen können, sehr sensibel. Innerhalb 

von wenigen Minuten nach Sonnenaufgang können die Spiegelungen 

verloren gehen. Also sollte man Seen am besten 

direkt bei Sonnenaufgang fotografieren, dann sind die Chancen 

am größten, eine hervorragende und abstrakt wirkende 

Aufnahme zu machen. 

Flüsse und Wasserfälle 

Für Landschaftsfotografen sind Wasserfälle und Flüsse lohnende 

Motive, denn die Bewegungen des Wassers können 

künstlerisch vielfältig wiedergegeben werden. Wenn man 

von einem Flussufer aus fotografiert, sind Wasserfälle sehr 

gut geeignete Schwerpunkte, aber auch ohne Wasserfall 

können Flüsse viel hergeben. Wer Verschlusszeiten besser 

verstehen will, kann am Wasser hervorragend üben. Flüsse 


CAeRNARFoN CAStle, SNoWdoNiA, 

NoRdWAleS 

dieses Foto entstand bei Sonnenaufgang an Weihnachten und 

ist ein gutes Beispiel dafür, wie man eine Struktur effektiv im Kontext 

eines outdoor-Fotos einbauen kann. es müssen nicht immer weit 

entfernte Motive sein, die nur schwer zu erreichen sind. Manchmal 

findet man auch nahe der Zivilisation kleine Schätze. das Bild wurde 

mit wenig licht aufgenommen, der Himmel vor Sonnenaufgang 

war purpurfarben und die Kombination aus natürlichem licht und 

Kunstlicht gleicht sich harmonisch aus. 

Bilddetails: Canon eoS-1ds Mark iii, Contax 35-70, f3.4, f11, 30 Sek., 

iSo 400 

lANdSCHAFtSFotoGRAFie 77

techniKen 

findet man oft in Tälern, Schluchten und Wäldern, wo das 

Lichtniveau niedriger ist. Das bedeutet, dass man mit längeren 

Belichtungszeiten arbeiten muss, was die Bewegungen 

des Wassers malerischer erscheinen lässt. Es gibt auf der ganzen 

Welt viele wunderbare Flüsse und Wasserfälle, kleine 

und große. Es lohnt sich, in Ihrer Nähe nach solchen Motiven 

zu suchen. 

Meeresansichten 

Haben Sie das Bedürfnis, an der Küste zu stehen und die 

Wellen zu fotografieren, wie sie an den Klippen zerbrechen, 

oder die satten Farben der Dämmerung über dem Atlantik 

abzubilden? Dann sind Meeresansichten für Sie genau das 

Richtige. Landspitzen, Brandungspfeiler, nasse Felsen, Dünen 

und Muster im Sand sind wunderbare Motive, mit denen 

Sie Ihr Fotoportfolio erweitern können. 

Das Gute an der Küstenfotografie ist, dass man nicht 

zwangsläufig vom Wechsel der Jahreszeiten abhängig ist, um 

gute Bilder zu machen. Abgesehen vom Mai, wenn auch an 

Küstenfelsen Blumen sprießen, ändert sich nur der Winkel 

des Lichts, im Gegenteil zur komplexen und sich verändernden 

Flora im Landesinneren. Das heißt, dass die Küste das 

ganze Jahr über eine produktive Gegend für Ihre Fotos ist. 

Bei Winterstürmen wird die Dramatik noch erhöht und so 

wird aus schlechtem Wetter die ideale Voraussetzung für hervorragende 

Fotos. Das Landesinnere ist zu dieser Jahreszeit 

relativ nichtssagend. 

am rand des wassers 

Die dynamischsten Blicke aufs Meer finden Sie am Rand 

des Wassers. Stellen Sie sich eine zurückweichend Welle 

vor, die das Auge des Betrachters in ihren Bann schlägt – 

die Felsen glitzern im goldenen Licht und enthüllen einen 

epischen Himmel. Die Nähe zum Wasser ist für Fotografen 

außerordentlich fesselnd, denn man findet nicht nur gute 

Kombinationen von Farben und Texturen vor, sondern es 

geht auch um Bewegungen und Timing. Ein gutes Bild zu 

machen erfordert viel Übung und Geduld, aber das Resultat 

kann atemberaubend sein. Es lohnt sich, am Ball zu bleiben. 

Sie werden merken, dass diese Art von Fotografie Sie bald in 

ihren Bann ziehen wird. Halten Sie Kamera tief und schießen 

Sie weitwinkelig, so kommen die Details im Vordergrund 

stark zur Geltung. Selbst subtile Muster im goldenen Sand 

können das Interesse des Betrachters wecken und für ungewöhnliche 

Bilder sorgen. Kein Wunder, dass diese Art von 

Fotos so beliebt ist. 

Klippen 

Aussichtspunkte, die sich ganz oben auf Klippen und Felsvorsprüngen 

befinden und eine gute Sicht auf die darunterliegende 

Bucht erlauben, sind ebenso Teil eines guten Küstenbildes 

wie die dynamischen Ansichten unten am Wasserrand. 

Positionieren Sie Ihre Kamera so, dass Sie die widersprüchlichen 

Texturen und Farbtöne vollständig einfangen können. 

Auf Klippen ist die Sicht meist dramatisch, aber im Frühling, 

wenn die Blumen blühen, findet man auch ruhige und stille 

Momente vor. Blumen wie Sandglöckchen, Klippen-Leimkraut, 

Glöckchen-Lauch, Schabziegerklee und Grasglockenblumen 

findet man im Mai überall vor. Zu dieser Zeit blühen 

auch Orchideen und andere vielfältige Pflanzen. Vergessen 

Sie auch die Brandungspfeiler nicht, sie eignen sich sehr gut 

als Schwerpunkt in Fotos, ebenso wie Landzungen. Halten 

Sie nach starken Formen Ausschau sowie Felsbögen und anderen 

vorteilhaften geologischen Besonderheiten. 

Besonderheiten der Küste 

In Leuchtturmbildern kommt die Kraft des Menschen im Gegenspiel 

zu den Kräften der Natur bestens zur Geltung. Die 

Schönheit dieser einzigartigen Gebäude liegt in erster Linie 

an ihrem Standort. Oftmals sind es gefährlich anmutende 

Felsen oder Landzungen. Das weiche Licht des Leuchtturms 

weckt in uns eine Sehnsucht nach Romantik, ein Gespür für 

Gefahr, aber auch ein Gefühl von Sicherheit. Einige Leuchttürme 

haben wunderbare Farben, andere sind wiederum 

extrem robust. Vielleicht gibt es auch bei Ihnen in der Nähe 

einen Leuchtturm, den Sie fotografisch wunderschön in 

Szene setzen können. Der Ansatz ist derselbe wie bei der 

Landschaftsfotografie, aber es gibt noch weitere Erwägungen, 

die Sie in Betracht ziehen sollten. Zuallererst müssen Sie sich 

um die Gezeiten Gedanken machen. Wann kommen Ebbe 

und Flut? Auch die Höhe des Wasserpegels ist wichtig. Wenn 

Sie die Hochwassermarke und den Niedrigwasserstand kennen, 

sind Sie besser über die Wellen im Bilde. Das dient nicht 

nur der Ästhetik, sondern auch Ihrer eigenen Sicherheit. Es 

müssen nicht immer große Gebäude sein. Es lohnt sich, auch 

kleine Piere, Stege, Geländer, Treppen und Wellenbrecher zu 

fotografieren. Sie können die Bewegungen des Wassers zu 

Ihrem Vorteil nutzen, oder die Textur mit Filtern reduzieren. 

So können aus Alltagsgegenständen an der Küste einzigartige 

Objekte werden. 

sandbänke und Pfützen 

Auch Besonderheiten wie Sandbänke und Pfützen sollten bei 

Küstenfotos nicht vernachlässigt werden, sie können einem 

Foto mit ihren richtunggebenden Linien und Mustern den 

letzten Schliff verpassen. Es ist allzu leicht, sofort zu den Felsen 

zu gehen, denn diese bieten an der Küste die größte visuelle 

Vielfalt. Aber auch wenn ein Strand scheinbar leer wirkt, 

können sich oftmals gute Perspektiven auftun. Man muss 

Gefährliche 

Küste – 

trevose head, 

cornwall 

Bei extremem wetter an der 

Küste kann man mitunter 

dramatische fotos machen. 

wenn noch ein menschliches 

element hinzukommt, hat 

das Bild nicht nur einen 

schwerpunkt, sondern auch 

einen bedeutsamen Kontext. 

die verschlusszeit fängt die 

wütende intensität der wellen 

ein und vermittelt ein Gefühl des 

verzweifelten Kampfs der natur 

– im Gegensatz zu einer längeren 

und malerischen Belichtungszeit. 

Bilddetails: canon eos 5d, 

28–75 mm, 32 mm, f4, 1/200 

sek., iso 400 

isle of harris 

es müssen nicht immer 

felsen und kantige 

formen sein – auch subtile 

texturen lohnen sich, die mit der 

entsprechenden Belichtungszeit 

perfekt eingefangen werden 

können. Probieren sie es nur aus, 

denn so können auch scheinbar 

karge Bildkompositionen sehr 

effektiv werden. 

Bilddetails: canon eos-1ds Mk 

iii, 17–40 f4l 32 mm, f11, 5 sek., 

iso 100 

78 landschaftsfotoGrafie

GroSSartIGe Welten 


So planen Sie Ihre Küstenfotos 

Der Ansatz ist der gleiche wie bei der Landschaftsfotografie, aber 

es gibt noch weitere Erwägungen, die Sie in Betracht ziehen sollten. 

Zuallererst müssen Sie sich um die Gezeiten Gedanken machen. 

Wann kommen Ebbe und Flut? Auch die Höhe des Wasserpegels 

ist wichtig. Wenn Sie die Hochwassermarke und den Niedrigwasserstand 

kennen, sind Sie besser über die Wellen im Bilde. 

Das dient nicht nur der Ästhetik sondern auch Ihrer eigenen 

Sicherheit. 

Gezeitenprognose 

www.bsh.de 

Die Webseite des Bundesamts 

für Seeschiffahrt prognostiziert 

Gezeiten bis zu sieben Tage im 

Voraus, sowohl numerisch als 

auch als Grafik. Geographische 

Besonderheiten, die sich auf die 

Gezeiten an bestimmten Punkten 

gesondert auswirken, werden 

ebenfalls nicht vernachlässigt. 

Extras 

Zu Ihrer Checkliste für das Auto sollten noch ein paar Extras hinzugefügt 

werden: 

Handfeger und Schaufel – Vermeiden Sie es, Stiefel und Kamerataschen, 

die mit Sand bedeckt sind, in den Kofferraum zu 

legen. Und falls doch, können Sie sie mit einem Handfeger 

schnell sauber machen. 

Müllbeutel – Packen Sie die Kameratasche einfach in den Müllsack, 

wenn Sie sie am Strand abstellen. Das geschlossene Ende 

sollte gegen den Wind gerichtet sein. Wenn Sie fertig sind, können 

Sie auch Ihre Stiefel in den Müllbeutel tun, dann wird das Auto 

nicht so schmutzig. 

Stirnlampe – Achten Sie darauf, dass die Batterien geladen sind. 

Sie können damit besser sehen, geben immer ein Lichtsignal ab 

und können das Licht kreativ einsetzen. 

Sagen Sie anderen, wo Sie hingehen –Selbst wenn Sie mit 

einem Freund oder Bekannten unterwegs sind, ist es besser, wenn 

andere Bescheid wissen. Im Falle eine Planänderung – falls Sie in 

eine weiter entfernte Gegend fahren – schicken Sie Ihrer Kontaktperson 

eine SMS. Davon kann Ihr Leben abhängen. 


lanDSCHaFtSFotoGraFIe 79

TECHnikEn 


Ausrüstung 

Was Sie bei Ihrer Fotosafari 

alles brauchen. 

sie nur suchen – aber es gibt sie. Am besten folgt man den 

zurückweichenden Wellen, so werden Fußstapfen überspült 

und der Sand bleibt glatt. In der Feuchtigkeit werden 

die Farben des Himmels reflektiert. An manchen Stränden 

gibt es wunderbare Sandbänke, zerfurchte Kämme, die 

in einem starken dynamischen Kontext in Szene gesetzt 

werden können und so das Auge des Betrachters auf sich 

ziehen. Sie treten besonders bei größeren Brennweiten gut 

hervor, also müssen sie auch gar nicht so lang sein. Es ist 

alles eine Frage der Brennweite, der Position und wie hoch 

die Kamera steht. Üben Sie so lange, bis Sie dabei präziser 

werden, dann werden gute Fotos sich von selbst ergeben. 

Es ist immer eine Frage des Wetters 

Vergessen Sie nicht: Es gibt keine schlechten Wetterbedingungen, 

nur schlechte Entscheidungen. Passen Sie Ihre 

fotografischen Entscheidungen dem jeweiligen Moment 

an, denn so können Sie fast jede Situation zu Ihrem Vorteil 

wenden. In den Zeiten der digitalen Retusche gehört es mittlerweile 

einfach dazu, dass man die Wirklichkeit ein wenig 

entfremdet. Doch so etwas fällt leicht auf. Wer eine starke 

Bildsprache beherrschen will, setzt auf einzigartige Bedingungen. 

Es ist eine Frage des Respekts vor der Natur und 

der Kunst und dieser will im Laufe der eigenen Entwicklung 

als Fotograf gelernt sein. Herrliche, orangefarbige Sonnenuntergänge 

sind in der Regel dünn gesät – vielleicht nur ein 

paarmal im Jahr – aber der Zufall begünstigt die, die besser 

vorbereitet sind. Je mehr Sie fotografieren, desto mehr glückliche 

Momente werden Sie haben. 

Auch die besten Wetterbedingungen ändern sich schnell. 

Outdoor-Fotografen bevorzugen Wolken, die vom Licht 

durchbrochen werden, also sollten Sie lernen, Wolken besser 

zu verstehen. Schwerere Wolken wie Cumuluswolken bringen 

meist Regen, aber Altocumuluswolken, Altostratuswolken 

und die viel höheren Zirruswolken (die für das Abendglühen 

sorgen) können in Fotos oft erfolgreich inszeniert 

werden. Denken Sie daran, diese Wolken können sich auch 

in mehreren Schichten mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten 

bewegen, was wiederum die Chancen auf direktes 

Licht drastisch senkt. Aber auch ein Mangel an Licht kann 

AuF dEm QuirAinG 2 

Je nachdem wie das Licht ist, kann dieses motiv eine ganz 

andere Atmosphäre haben. Vergleichen Sie dieses Bild mit dem am 

Anfang des Artikels – es ist derselbe Ort, aber die Stimmung ist hier 

sehr viel fröhlicher und weniger dramatisch. 

Bilddetails: Canon EOS-1ds mark iii, 35–70 mm, 40 mm, f11, 

1/5 Sek., iSO 100 

nützlich sein. Bei großen Bildern und Detailaufnahmen ist 

der direkte Lichteinfall unvorteilhaft. Wenn also Wolken 

aufziehen, haben Sie mehrere Möglichkeiten. Wenn Panoramafotos 

nicht mehr machbar sind, können Sie immer noch 

Detailaufnahmen von kleineren Motiven machen. Holen 

Sie auch aus schlechtem Wetter das Beste heraus. Nichts ist 

dramatischer als eine Küste bei wilder See, auch wenn das 

Wetter farblos ist. Wenn Sie konzentriert bleiben und angemessen 

reagieren, können Sie jede Situation zu Ihrem Vorteil 

wenden. Aber wenn Sie auf Fotos in bestimmten Wetterbedingungen 

Wert legen, lohnt sich vielleicht eine Auslandsreise. 

Schauen Sie nach, in welchen Ländern das von Ihnen 

bevorzugte Wetter am meisten herrscht und suchen Sie sich 

den günstigsten Zeitpunkt für Ihre Reise aus. 

Abschließende Gedanken 

Bei der Outdoor-Fotografie ist es wichtig, das Fotografieren 

unter vielen verschiedenen Bedingungen zu lernen – die 

sehr guten, die guten, und die weniger guten. Nur so können 

Sie Ihre Fähigkeiten verbessern und auf Situationen 

reagieren. Aus diesem Grund ist die Outdoor-Fotografie zum 

Lernen so gut geeignet. Vergessen Sie nicht, es ist wichtig, 

immer einen Plan B zu haben. Falls sich das Wetter ändert, 

können Sie Ihre Bildsprache anpassen. Das funktioniert 

nicht immer, aber lassen Sie sich nicht zu sehr entmutigen 

– bleiben Sie positiv und bald wird Ihr fotografisches Auge 

immer schärfer werden. Selbst mit nur wenig Fotoausrüstung 

ist es möglich, eine breite Auswahl an Bildern zu 

machen und dabei immer die Schönheit der freien Natur zu 

genießen. 

Wetterfeste, großzügige 

Fototasche 

In der freien Natur 

ist es immer wichtig, 

die richtige 

Ausrüstung dabeizuhaben. 

Am 

besten besorgen 

Sie sich eine Tasche, 

in die alles Wesentliche 

passt und gut geschützt ist. 

Wenn Sie oft draußen sind, lohnt 

sich die Anschaffung einer wasserdichten 

Tasche. Am besten 

eine mit vielen Fächern, damit 

alles seinen Platz hat. 

Gummistiefel 

Diese Stiefel sind 

aus Neopren gefertigt. 

Sie wiegen 

kaum etwas und 

man kann den 

ganzen Tag damit 

gut laufen. Sie sind 

auch für die Küste gut geeignet. 

Dank Profilsohlen können Sie 

damit nämlich leicht auch auf 

Felsen klettern. 


Web: www.globetrotter.de 

Pfeifen Sie nur! 

Kleinigkeiten wie 

Warnpfeifen sind 

absolut essenziell, 

besonders an 

der Küste, wo es 

oft keinen Handyempfang 

gibt. 

Beutel im Beutel 

Ein Müllbeutel 

schützt Ihre Fototasche 

vor Sand 

und Feuchtigkeit 

am Strand. So 

halten Sie Ihre 

Tasche sauber 

und vermeiden, dass beim Öffnen 

Sand in die Ausrüstung 

kommt. 

Handfeger und 

Schaufel 

Mit Handfeger 

und Schaufel 

vermeiden Sie, 

dass Sie allzu viel 

Sand und 

Schlamm in Ihr 

Auto schleppen. 

Behalten Sie diese einfach im 

Auto, putzen Sie vor dem Einsteigen 

Ihre Stiefel und bürsten 

Sie Ihre Ausrüstung kurz ab. 

80 LAndSCHAFTSFOTOGrAFiE


grOSSartigE WELtEn 


Outdoor-Fotos anstecken. 

Patrick Ong 

„Ein majestätischer Ort ganz 

weit im norden der Philippinen – 

Batanes. auf dieser insel findet man 

satte, grüne Berge und eine schöne 

Hügellandschaft. Besonders pittoresk 

ist das bei Sonnenuntergang. aber 

in den Hügeln gibt es auch starke 

Winde von bis zu 50 kmh. als das Licht 

Batanes erhellt hat, habe ich mich für 

eine lange Belichtungszeit entschieden, 

um die Bewegung der Wolken einzufangen 

und dem Bild etwas Dramatik zu 

verleihen. Das Foto wurde mit einem 

B+W-nD-Filter mit drei Blendenstufen 

und mit einem Daryl Benson reverse 

gnD mit ebenfalls drei Blendenstufen 

gemacht.“ 

Bilddetails: canon EOS 5D Mark ii, 

17–40 mm, 21 mm, f18, 30 Sek., iSO 50 

www.dphotographer.co.uk/user/ 

Patrick_Ong 

© Patrick Ong 

nicOLaS OriLLarD 

„Der Strand ist unter Fotografen 

sehr beliebt, aber ich dachte, es wäre 

interessant, ihn in den Vordergrund 

zu stellen und nicht nur als eine kleine 

Linie zu zeigen, die die aufmerksamkeit 

auf den Pier lenkt. Die Wellen, die lange 

Belichtungszeit und die Pastellfarben 

im Februar erledigen den rest.“ 

Bilddetails: canon EOS 5D Mark ii, 

17–40 mm, 17 mm, f22, 20 Sek., iSO 50 

www.dphotographer.co.uk/user/pablo 

rED EyES 

„Dieses Foto wurde bei reculver in kent gemacht. 

Ursprünglich war die Burg knapp über drei Meilen von der 

küste entfernt, aber aufgrund von Erosion steht sie jetzt 

fast am Wasser.“ 

Bilddetails: nikon D300, Sigma 10-20mm, F14, 63 Sek., 

B+W 10-stop Filter, iSO 200 

www.dphotographer.co.uk/user/redeyes 

© nicolas Orillard 

© David constable 

LanDScHaFtSFOtOgraFiE 81

TECHNIKEN 

GoDafoss – 

WassERfaLL DER 

GÖTTER 

„Dieser schöne 

ort ist perfekt für 

Mittsommernächte, denn 

die sonne scheint durch den 

Canyon auf den Wasserfall. 

Das foto entstand etwa 

eine halbe stunde vorher. 

Ich bin mit Wathosen ins 

Wasser, damit der fels in der 

Bildkomposition gut zu sehen 

ist. Nach der aufnahme hat 

es mir nicht gefallen, aber 

nun ist mir das Bild ans Herz 

gewachsen. Mit Photomatix 

habe ich die farben des 

Himmels verstärkt.“ 

Bilddetails: Canon Eos 5D 

Mark II mit einem 24-mmobjektiv 

bei 24mm und f9, 

120 sek, Iso 50 

© Tony Prower 

82 LaNDsCHafTsfoToGRafIE

Low-Light-LAndschAften 

Landschaften 

bei wenig Licht 

Wenn Licht so wichtig ist, warum arbeiten 

viele Landschaftsfotografen frühmorgens 

oder spätabends? Drei Profis erzählen, was 

sie an schwierigen Lichtverhältnissen reizt. 

LAndschAftsfotogrAfie 83

TECHNIKEN 

FROST IN 

NORFOLK 

„Das kleine Gebäude rechts 

fing an zu glühen als ich 

wartete, bis die Sonne hinter 

den Wolken verschwand. Bis 

dahin hatte ich nur wenig 

erreicht. Wenn ich nach Hause 

gegangen wäre, hätte ich die 

Lichtströme verpasst, die man 

‚Himmelsleiter‘ nennt.“ 

Bilddetails: Canon EOS 5D 

mit einem 24–105-mm-Objektiv 

bei 105 mm und f16, 5 Sek, 

ISO 50 (Grauverlaufsfilter) 

© Barrie Tumbridge 

VERGANGENE 

ZEITEN 

„Dieses Bild entstand am Ende 

eines Shootings am Abend in 

St. Agnes, Cornwall. Von dem 

Haus war nur wenig übrig und 

mir gefiel, wie das Licht durch 

die Fenster der Ruine fiel. Ich 

fand es besser in Schwarz-Weiß. 

Es war nicht die Farbe, die mich 

interessiert hat, das Abwedeln 

und Nachbelichten funktioniert 

genauso gut in Schwarz-Weiß.“ 

Bilddetails: Canon EOS 5D mit 

einem 16–35-mm-Objektiv bei 

16mm und f16, 1/3 Sek, ISO 100 


LOW-LIgHT-LANDSCHAFTEN 

IM SCHATTEN 

VON ST. MICHAEL 

„Als ich beim Einsetzen der 

Ebbe die Dammstraße 

fotografierte, die zu St. 

Michael’s Mount führt, wollte 

ich, dass die Steine noch 

nass sind und man Pfützen 

sieht. Ich sah das ein paar 

Minuten zu spät, als die 

Sonne über den Horizont 

kam. Dadurch war es 

schwer, die kalten Blautöne 

und die Warmtöne zu 

kontrollieren, aber es hat 

geklappt.“ 


mit einem 16–35-mm-Objektiv 

bei 16 mm und f16, 10 

Sek, ISO 50 (ND-Filter mit 

vier Blendenstufen 

und Polarisator) 


F 

ür Fotografen, die sich auf geringe Lichtverhältnisse 

spezialisieren, gibt es nichts Wundersameres 

als die goldene Stunde der Dämmerung, 

wenn der Tag langsam verblasst oder das Morgengrauen, 

wenn die Welt erwacht. Ein sanftes 

und subtiles Licht hüllt alle Landschaften und Meeresansichten 

in ätherische Formen. Seit eh und je sind Fotografen vom 

Zwielicht fasziniert. Doch es ist nicht leicht, diese Atmosphäre 

einzufangen und ihre dynamische Farbpalette – von 

pastellzartem Rosa bis zu dunklem Blau – korrekt wiederzugeben. 

Die Landschaftsfotografie ist an sich schon eine 

schwierige und fesselnde Disziplin, aber wenn sich dann 

noch das Licht schnell ändert, je nach Ort, Zeit, Jahreszeit 

und Wetter, kann sie durchaus süchtig machen. Barrie Tumbridge 

ist einer der besten LowLightFotografen Englands – 

und dabei ging er einen ganz eigenen Weg. Barries erste Liebe 

war die Porträtfotografie, für die er zahlreiche Auszeichnungen 

gewann und sogar mit dem Titel „President of the 

Master Photographers Association“ geehrt wurde. Doch Ende 

der Achtziger zwang ihn die Wirtschaftskrise, sein Atelier 

dichtzumachen und die Fotografie an den Nagel zu hängen. 

Für immer, wie er dachte. Doch nach zehn Jahren Auszeit 

widmete sich Barrie im neuen Jahrtausend den Anfängen der 

digitalen Fotografie. So begann er eine neue Karriere, doch 

dieses Mal wollte er das anspruchsvolle Gebiet der Landschaftsfotografie 

meistern. „Ich habe viele Jahre als Porträtist 

und Hochzeitsfotograf gearbeitet. Das meiste davon war Auftragsarbeit 

und das war mitunter stressig. Besonders bei 

Hochzeiten gab es Druck von allen Seiten. Landschaftsfotografie 

ist das Gegenteil. Ich kann im Morgengrauen anfangen, 

den Sonnenaufgang genießen und den ganzen Tag an Küstenpfaden 

entlangwandern. Am Ende des Tages warte ich, 

bis die Sonne untergeht. Ich schieße noch ein paar weitere 

Fotos, bis es dann zu spät wird. Selbst wenn es regnet, lasse 

ich den Tag ganz entspannt ausklingen und hoffe, dass mir 

ein paar gute Bilder gelungen sind.“ Wie so viele andere 

Landschaftsfotografen auch ist Barrie von den Veränderungen 

einer Landschaft im Laufe des Tages fasziniert. Am meisten 

verzaubern ihn die sehr frühen und späten Stunden. 

„LowLightLandschaftsfotografie ist eine Herausforderung, 

man kann sich nie sicher sein, was man bekommt, egal wie 

erfahren man ist“, schwärmt er. „Die Ergebnisse sind immer 

spannend, weil sich intensive Farben und Details offenbaren 

können. Manchmal sehe ich die Farben bei der Aufnahme 

gar nicht. Wie bei jeder Art der Landschaftsfotografie sollte 

man hier nichts überstürzen – aber Geduld wird belohnt.“ 

Barrie ist überzeugt davon, dass das Schlüsselement für gute 

LowLightFotografie nicht das ist, was man sieht, sondern 

das, was man nicht sieht. „LowLightMotive finden sich 

überall. Es müssen nicht immer malerische, wunderschöne 

Landschaften sein. Man muss lernen, die Welt nach Einbruch 

der Dunkelheit zu sehen oder sich Gebäude anzuschauen, die 

man normalerweise ignorieren würde, weil einfach nicht genug 

Licht da ist. Bei Stadtbildern suche ich nach interessanten 

Häusern, die kreativ beleuchtet sind. Wenn so ein Gebäude 

beleuchtet ist, dann meist sorgfältig. Gehen Sie nachts 

durch eine Großstadt und Sie werden auf Hunderte von Möglichkeiten 

stoßen. Bei Küstenlandschaften schaue ich nur in 

Richtung der Sonne oder des Mondes und wie sich das auf 

die Textur der Felsen und des Wassers auswirkt. Das Wichtigste 

ist gutes Licht.“ Bevor Barrie für ein LowLightShooting 

das Haus verlässt, schaut er immer zum Himmel. „Wenn 

ich Sterne sehe, dann weiß ich, dass eine Chance habe. Aber 

ich würde auch bei Regen losziehen, weil sich das Wetter immer 

ändern kann. Am Abend vorher überprüfe ich meine 

Ausrüstung, um sicherzustellen, dass ich alles habe. Abgesehen 

von meinen Kameras, brauche ich ein Stativ, Fernauslöser 

und Filter. Ich will immer etwa eine Stunde vor Sonnen 


EXPERTEnRaTschlag 

Barrie Tumbridge 

Web: www.tumbridge-photography. 

co.uk 

Barrie Tumbridge hat über 30 Jahre 

Erfahrung, aber seine Karriere als 

Fotograf verdankt er einem Irrtum. 

„Ich hatte mich nicht bewusst für Fotografie 

entschieden. Mit 17 bewarb ich 

mich um einen Job als Chemiker bei Ilford. Ich bekam ihn zwar, 

aber es gab eine Verwechslung und ich war dem fotografischen 

Forschungslabor statt dem Chemie-Labor zugeteilt. Sechs Monate 

später war ich immer noch da, aber ich interessierte mich jetzt 

so sehr für Fotografie, dass ich die Chemie vergaß. In den nächsten 

zehn Jahren ging ich aufs College, nahm Jobs bei Fotostudios an 

und jobbte an Wochenenden als Hochzeitsfotograf. 1977 verließ 

ich einen Job als Manager für eine Druckerei und gründete mein 

eigenes Porträtstudio in Romford. Das Geschäft lief gut und ich 

zog in größere Räumlichkeiten um. Die Rezession in den späten 

Achtzigern hat mich schwer getroffen und ich beschloss, das Studio 

zu schließen und der professionellen Fotografie den Rücken zu 

kehren. Nach einer Pause von fast zehn Jahren kaufte ich mir eine 

digitale Kamera und wandte mich der Landschaftsfotografie zu.“ 

1 Gewöhnen Sie sich ans Licht 

Ihre Augen müssen sich dem Licht anpassen, bevor Sie anfangen. 

2 Ein gutes Stativ 

Benutzen Sie ein stabiles Stativ, nur so werden Ihre Aufnahmen 

auch richtig scharf. 

3 Niedrig und lang 

Niedrige ISO-Einstellungen und lange Blendenzeiten 

4 Spiegelvorauslösung 

Wenn möglich, benutzen Sie eine Spiegelvorauslösung. 

5 Filter 

Benutzen Sie Graufilter, um den Himmel und den Vordergrund 

auszugleichen. 

LANDSCHAFTSFOTOgrAFIE 85

TecHniKen 


„Bei sehr schlechten Lichtverhältnissen kann man die 

Belichtung nicht genau einschätzen, also ist es ein Ratespiel.“ 

Brindley 

Place 

„Brindley Place ist eine 

Gegend voller Kanäle 

in Birmingham, wo 

ich an einem Seminar 

teilgenommen habe. als 

ich das gesehen habe, 

wollte ich da unbedingt 

mehr Zeit verbringen. das 

sind vier aufnahmen mit 

Belichtungszeiten von 

zwei bis 30 Sekunden, die 

ich dann in Photoshop 

zusammengefügt habe. die 

Farbe des Himmels liegt 

an der luftverschmutzung. 

Mir gefallen die Farben und 

die details in den Fenstern.“ 


eOS 5d mit einem 

24–105-mm-Objektiv 

bei 24 mm und 

f22, verschiedene 

Belichtungszeiten 

(2–30 Sek.), iSO100 

aufgang am Motiv sein, dann bleibt mir genug Zeit, um alles 

aufzubauen. Aber noch wichtiger ist, dass sich meine Augen 

an das Licht gewöhnen. Ich gehe vorher immer auch bei Tageslicht 

ans Motiv, daher bin ich mit der Umgebung vertraut 

und weiß, welche Fotos ich machen will.“ Wenn er vor Ort ist, 

lässt sich Barrie Zeit, um sich umzusehen und die richtige 

Stelle zu finden. Dann holt er die Kamera heraus und experimentiert 

mit verschiedenen Winkeln und Höhen, um sich 

über die Bildkomposition klarenzuwerden. Anschließend 

macht er seine DSLR in der richtigen Höhe am Stativ fest, in 

der Regel mit einem 16–35mm-Objektiv oder eine 

24–105-mm-Linse. Dann wartet er, bis das Licht günstig ist. 

„Ich fange vor Sonnenaufgang an, sobald ich am Horizont genügend 

Details und Farbe erkennen kann. Das Gute an einer 

Digitalkamera ist, dass man sofort das Ergebnis sieht. Ich 

fange einfach mit einer Belichtungszeit an, die mir günstig 

erscheint. Bei sehr schlechten Lichtverhältnissen kann man 

die Belichtung nicht genau einschätzen, also ist es ein Ratespiel 

oder zumindest eine wohlbegründete Vermutung. Ich 

arbeite mit Verschlusszeiten von Sekunden und Minuten anstatt 

mit Sekundenbruchteilen – meine längste Belichtungszeit 

war 15 Minuten, aber meistens sind es zwischen 10 Sekunden 

und zwei Minuten. Die Blendenöffnung ist meist f16, 

weil das für meine Objektive optimal ist, und ich versuche, 

ISO 50 bis 100 zu verwenden, das reduziert das Rauschen, 

das bei wenig Licht auftreten kann.“ Wenn sich das Licht 

langsam entfaltet, wechselt er den Standort und zieht dabei 

Schwerpunkte in Betracht, die von den Farben des Himmels 

betroffen sind, beispielsweise Felsen, Reflexionen, Sand, 

Wasser, Bäume etc. „Wenn die Sonne aufgeht, ändert sich alles. 

Wenn ich zur Sonne hin fotografiere, kann ich meinen 

Standort wechseln oder ND-Filter verwenden, um das 

Lichtspektrum auszugleichen. Dann habe ich nur etwa zehn 

Minuten, weil Sonnenlicht schnell anders wird. Aus warmem 

Rot wird ein Gelb, dann ein Weiß, und dann ist es bald nicht 

mehr geeignet für die Low-Light-Aufnahmen, die ich will. Einige 

der Bilder sind mit einer einzigen Belichtung nicht zu 

machen. Das Lichtspektrum wird einfach zu intensiv. Wenn 

das geschieht, kann ich mehrere Aufnahmen eines Motivs 

machen und sie dann mit Photoshop und Photomatix zu 

HDR-Bildern kombinieren.“ In der Abenddämmerung ist die 

Arbeit nicht viel anders, außer dass Barrie vor Ort ist, wenn 

noch viel Licht am Himmel steht und er vor Sonnenuntergang 

zu fotografieren beginnt. Da er über drei Jahrzehnte Berufserfahrung 

hat, doziert Barrie am South East Essex College, 

auch Thurrock Learning Campus genannt. Zudem leitet 

er Wochenendkurse – entweder als Einzelunterricht oder in 

Gruppen – in verschiedenen Städten Englands. „Wie bei jeder 

86 landScHaFTSFOTOGraFie

LOw-LIGHT-LANDSCHAfTEN 


POLARLICHT ÜBER DEM GLETSCHER 

„Hier sieht man eine Gletscherlagune. Ich habe in der Nacht einige 

tolle Bilder geschossen, aber an das hier erinnere ich mich noch. Ich 

habe Tone-Mapping benutzt und das Bild in Photoshop klarer gemacht.“ 

Bilddetails: Canon 40D mit einem 17–40-mm-Objektiv bei 24 mm und 

f5.6, 87 Sek., ISO 500 

Art der Landschaftsfotografie muss alles im Voraus geplant 

werden. Wenn Sie an der Küste Fotos machen, müssen Sie 

sich entscheiden, ob Sie die die Flut wollen oder nicht. Und 

Sie müssen wissen, wo die Sonne in Bezug auf Ihren Standort 

und die wichtigsten Schwerpunkte Ihres Bild aufgeht. Bei 

Aufnahmen in der Stadt sollten Sie nicht vergessen, dass bei 

Nacht mehr Gebäude beleuchtet sind als am frühen Morgen. 

Allerdings sind in Städten nachts auch mehr Menschen unterwegs 

als morgens. Bei Fotos von einem Hafen oder anderen 

Stellen mit Booten und Wasser denken Sie daran, dass Ihre 

Verschlusszeit wahrscheinlich Sekunden oder sogar Minuten 

betragen können. Boote bewegen sich im Wasser und so 

könnten sie in Ihrem Bild verwischt auftauchen – das muss 

nicht unbedingt schlecht sein, aber manchmal kann es 

furchtbar aussehen. Gleiches gilt für einen sehr windigen 

Morgen, wenn sich Bäume oder Sträucher bewegen. Bei der 

Bildkomposition von Low-Light-Fotos sollten Sie helle Objekte 

im Vordergrund vermeiden. Sie können als störend empfunden 

werden, besonders wenn sie unscharf sind. Verwenden 

Sie Licht und Schatten, um den Betrachter durch das Bild zu 

führen. Die meisten Regeln der Bildkomposition treffen auch 

auf Low-Light-Fotografie zu. Ihre besten Werkzeuge sind 

Licht, Schatten, Farbtemperatur und Geduld ... viel Geduld. 

Man muss lange warten, bis das Licht stimmt, vor allem am 

EXPERTEnRaTschlag 

Tony Prower 

Web: www.icelandaurora.com/www.tonyprower.com 

Der Isländer Tony Prower fotografiert seit fünf Jahren Low-Light-Landschaften 

und ist einer der beliebtestem Fotografen seines Landes. Wie auch Barrie 

Tumbridge kam Tony durch Zufall zur Fotografie. „Ich habe einfach meine 

Bilder im Internet hochgeladen und plötzlich fragten Dutzende von Verlagen 

und Fotoarchivaren bei mir an. Ich hatte nicht geplant, professioneller 

Fotograf zu werden, ich habe nur immer sehr bewusst an der Verbesserung 

meiner Methoden und der Qualität meiner Bilder gearbeitet. Auf gewisse Weise hat die professionelle 

Seite mich gefunden.“ Da er im sensationell malerischen Island lebt, fühlt sich Tony von den Nordlichtern 

und den langen Stunden der Morgen- und Abenddämmerung inspiriert. Er steht in dem Ruf, ein Experte 

für schöne Aufnahmen mit wenig Licht zu sein. „Ich fotografiere hauptsächlich Landschaften und ich 

nutze immer das weiche Licht am Abend und am Morgen und das Potenzial für Langzeitbelichtungen 

bei Nacht. Die größte Veränderung war, dass ich den Dynamikbereichs erhöhen kann. Ich experimentiere 

viele Jahre mit HDR, aber jetzt benutze ich auch Filter und meine eigene Methode, die ich das ‚magische 

Tuch‘ nenne.“ Heutzutage leitet Tony private Foto-Safaris und Workshops in Island – für weitere 

Informationen, besuchen Sie www.icelandaurora.com/tours. 

1 Recherche 

Finden Sie heraus, wann die Sonne wo steht. Bei Küstenbildern sollten Sie wissen, wann die Flut kommt. 

Ein Plan B ist immer gut, falls das Wetter schlecht ist. 

2 Vorbereitung 

Seien Sie vorbereitet – Sie brauchen genug Speicherplatz und Batterien. 

3 Experimente 

Experimentieren Sie mit der Bildkomposition und den Einstellungen. 

4 Belichtungsreihen 

Benutzen Sie das Belichtungsreihenverfahren, so werden die Fotos perfekt. 

5 Location 

Achten Sie auf Ihr Umfeld – bei wenig Licht sollten Sie aufpassen, wo Sie hintreten. 

LANDSCHAfTSfOTOGRAfIE 87

TECHnIKEn 

Fjallsárlón 

sOnnEnsTraHlEn 

„Hier habe ich drei 

Belichtungen in Photomatix 

zusammengefügt. Dann habe 

ich in Photoshop Teile jedes 

Originalbilds vermischt, weil 

es hier viele störelemente gibt. 

Das Wasser ist oft braun, also 

habe ich es dunkler gemacht.“ 

Bilddetails: Canon EOs 5D 

Mark II mit einem sigma-DG- 

50-mm-Makro-Objektiv bei 

50 mm und f14, verschiedene 

Belichtungszeiten (1/101/40 

sek.), IsO 50 

BlaUEs 

WassEr 

„Ich habe noch nie 

eine aufnahme gemacht 

wie diese, bei der ich mich 

so gut wie nicht auf die 

Technik verließ. Die beste 

Belichtung für den Himmel 

war auch für das Blau 

im Wasser sehr gut, also 

habe ich die Farben nicht 

verändert. Mit Photomatix 

habe ich die Farben des 

Himmels justiert und den 

Vordergrund am Wasser 

entsättigt.“ 

Bilddetails: Canon EOs 

5D Mark II mit einem 

24-mm-Objektiv bei 24 mm 

und f14, 1/10 sek., IsO 50 

Abend. Verlassen Sie Ihr Motiv erst, wenn das Licht restlos 

weg ist. Denn manchmal, wenn man schon meint, es sei alles 

vorbei, kann einen die Natur immer noch überraschen. Und 

hier ist noch ein guter Ratschlag: Kaufen Sie sich warme 

Thermounterwäsche! Meine besten Bilder habe ich im Winter 

oder Spätherbst gemacht, nichts ist für Ihre Kreativität 

schlimmer als Kälte! Dann wünscht man sich, man wäre bei 

einer warmen Tasse Kaffee zu Hause.“ Obwohl sich in 

Deutschland zweifellos viele Möglichkeiten für die 

Low-Light-Enthusiasten bieten, reisen viele nach Skandinavien, 

denn weiter nördlich scheint die Dämmerung scheinbar 

endlos zu sein. Der Isländer Tony Prower ist ebenfalls ein 

Low-Light-Profi. Obwohl er erst seit fünf Jahren professionell 

arbeitet, stehen seine fesselnden Bilder denen von anderen, 

die dies schon ihr ganzes Leben tun, in nichts nach. Darüber 

hinaus spielt er gern nach seinen eigenen Regeln und bricht 

mit Traditionen. Bei Filtern ist er eher zurückhaltend, stattdessen 

hat er eine eigene Methode entwickelt und fotografiert 

gern mit größeren Blendenöffnungen. Zudem legt er sehr viel 

Wert auf die Nachbearbeitung. „Der Ausdruck ‚Low Light‘ 

beschreibt meine Arbeit am besten“, erklärt Tony. „Ich fotografiere 

hauptsächlich Landschaften und ich profitiere gern 

vom weichen Licht am Morgen und am Abend. Ich liebe 

Langzeitbelichtungen bei Nacht. Meine Methoden haben sich 

im Laufe der Jahre verändert und heute versuche ich, das volle 

Lichtspektrum auszuschöpfen. Ich experimentiere seit Jahren 

mit HDR. Ich weiß, dass viele Landschaftsfotografen dagegen 

sind. Aber ich habe auch meine eigene Methode entwickelt, 

das ‚Magische Tuch‘.“ So viel ist klar, Tony, der im 

schönen Reykjavik lebt, ist innovativ und originell. Der Isländer 

konnte es kaum erwarten, uns von seiner heiß geliebten, 

aber etwas seltsamen Methode zu erzählen. „Die Idee mit 

dem ‚magischen Tuch‘ kam mir, als ich in Erwägung zog, mir 

ein Set mit Grauverlaufsfiltern zu kaufen, was sehr teuer ist. 

Im Grunde hält man nur ein Stück Stoff, zum Beispiel eine 

Socke oder eine Mütze, über einen Teil des Bilds, um so die 

Belichtungszeit für diesen Bildausschnitt zu reduzieren. 

Wenn ich z. B bei Tag fotografiere, brauche ich einen Graufilter, 

um die Belichtungszeit zu vergrößern. Also nehme ich 

einen mit acht Blendenstufen sowie einen Polarisationsfilter. 

Den Himmel belichte ich halb so lange wie den Vordergrund. 

Das Prinzip ist genau das gleiche wie bei einem Verlaufsfilter, 

nur manipuliert man nicht die Zeit, sondern die Lichtdurchlässigkeit. 

Grauverlaufsfilter gibt es mit weichen und harten 

Abstufungen und das kann man mit dem magischen Tuch 

imitieren. Es gibt Grauverlaufsfilter in verschiedenen Abstufungen 

– beispielsweise eine oder zwei Blendenstufen – und 

auch das kann man mit dem Tuch nachahmen, und zwar indem 

man zählt. Wenn man nur den Himmel zwei Sekunden 

lang belichtet –bei einer gesamten Belichtungszeit von vier 

Sekunden –, dann sind das etwa zwei Blendenstufen. Andere 

Methoden können eine Belichtungsreihe beinhalten, um auszurechnen, 

wie viel Zeit mit dem Tuch benötigt wird. Man 

kann dann auf zwei Arten weitermachen. Man kann die Belichtung 

des Himmels für die berechnete Dauer vornehmen 

und sie dann für den Rest der Zeit abdecken (bis der Vordergrund 

belichtet ist). Oder man kann beim Belichten des Himmels 

zeitweise aussetzen. Bei der ersten Methode bewegen 

sich die Wolken sanfter, bei der zweiten heftiger.“ Es klingt 

vielleicht verwirrend oder als ob es reine Glückssache sei, 

aber Tony besteht darauf, dass die Methode gut funktioniert. 

„Ich bin sehr zufrieden mit dieser Idee, denn ich belichte 


88 lanDsCHaFTsFOTOGraFIE

LOW-LIGHT-LANDSCHAFTEN 


Ausrüstung 

Achten Sie darauf, 

dass Sie die richtige 

Ausrüstung haben. 

STABILES STATIV 

Empfohlen: Manfrotto 725B 


Web: www.manfrotto. 

com 

Einer der wichtigsten 

Gebrauchsgegenstände 

für Low-Light- 

Fotografen. Ein stabiles 

Stativ, das nicht zu 

leicht ist, spart Zeit, so 

können Sie sich auf 

die Momente in schwierigem Licht 

konzentrieren. 

FERNAUSLÖSER 

Empfohlen: Canon RS60-E3 



Bei langen Belichtungen 

ist ein Fernauslöser 

unerlässlich. Dadurch 

machen Sie schärfere 

Bilder und müssen 

nicht immer mit dem 

Finger am Auslöser 

rumstehen. 

„Suchen Sie sich einen Ort, an dem der 

Himmel interessant ist.“ 

buchstäblich mit der Hand. Mehr Handarbeit geht nicht! Die 

Leute in meinen Workshops sind begeistert. Die meisten fangen 

sofort an, mit Stoff zu arbeiten, andere experimentieren 

erst zu Hause damit. Es gibt viele Vorteile. Es ist billig, denn 

alles, was Sie brauchen, ist ein Stück Tuch und ein preiswerter 

ND-Filter. Man kann den Dynamikbereich manipulieren 

und die Stärke des Effekts bei der Aufnahme verändern. Wasser 

ist auch kein Problem, die Methode ist ideal bei Regen 

oder Fotos unter Wasserfällen. Und ich kann mit dem Tuch 

die Linse sauber machen.“ Doch Tony gibt auch zu, dass sich 

Nachteile auftun: „Natürlich ist es nicht sehr zuverlässig, 

man kann nicht mit jeder Aufnahme das exakt gleiche Bild 

bekommen. Die Methode erfordert auch eine lange Belichtungszeit, 

mindestens zwei Sekunden, und man muss sehr 

viel üben.“ Tony hat auch keine Skrupel, mit ungeschriebenen 

Gesetzen zu brechen. „Wenn es bei Ihnen in der Nähe 

keine Lagune mit perfekten Spiegelungen und Eisformen gibt 

oder der Sonnenaufgang keine vier Stunden dauert, so wie 

bei uns in Island, dann suchen Sie sich einen Ort, an dem der 

Himmel bei Sonnenaufgang oder Sonnenuntergang interessant 

ist, und halten Sie Ausschau nach reflektierenden Oberflächen, 

z. B. Wasser und nasse Felsen. Oder vielleicht einen 

Platz, an dem es interessante, langen Schatten gibt. Es ist immer 

gut, einen Plan B oder sogar einen Plan C zu haben, falls 

das Wetter mal nicht mitspielt. Wenn Sie in der Nähe des 

Meeres Fotos machen, notieren Sie, wann die Sonne untergeht 

und wann die Flut kommt, und überlegen Sie, wie der 

Wind lange Belichtungszeiten beeinflusst.“ Wenn es nur wenig 

Licht gibt, bevorzugt Tony hohe ISO-Werte. Je nachdem 

was er fotografiert und wie er das Bild zusammenstellt, entscheidet 

er sich für eine Blendenöffnung von F9 oder F11, also 

deutlich mehr als die meisten Landschaftsprofis. Im Gegensatz 

zu Barrie vermeidet Tony in der Regel Blendenöffnungen, 

die kleiner als F14 sind. „Wenn ich die Sterne oder 

das Nordlicht fotografiere, dann brauche ich den besten Himmel 

mit der kürzesten Belichtungszeit. Dabei experimentiere 

ich mit ISO 400 oder 800 und belichte für rund eine Minute. 

Hier funktioniert das magische Tuch auch sehr gut, obwohl 

man sehr geduldig sein und Fehler akzeptieren muss.“ Ein 

weiterer Bereich, in dem sich Tony von seinen Kollegen unterscheidet, 

ist der der Nachbearbeitung. „Ich denke, jeder sieht 

ein Bild anders, und wenn es um die Nachbearbeitung geht, 

hat jeder seine eigenen Vorlieben. Ich bemühe mich, meine 

Bildkomposition zu verbessern, denn ich finde, dass die Originalität 

eines Fotografen in der Komposition liegt. Bei jedem 

Bild gibt es nur eine Handvoll Möglichkeiten, wie man es mit 

Filtern und Objektiven ablichtet, aber bei der Bildkomposition 

gibt es unendlich viele Möglichkeiten.“ Mit Lightroom 2 

verarbeitet Tony seine RAW-Dateien und passt Weißabgleich, 

Kurven und Belichtung an. Außerdem entfernt er chromatische 

Aberrationen. „Im nächsten Schritt wird die TIFF-Datei 

in Photomatix bearbeitet, hier verbessere ich die Details, 

dann importiere ich das Bild in Photoshop für die Feinabstimmung. 

Normalerweise fange ich mit der unveränderten 

TIFF-Datei und der tongemappten Version zweier Schichten 

an. Ich nehme die Stärken und Schwächen aus beiden Versionen 

und versuche, die besten Aspekte zu vermischen. Vielleicht 

ändere ich in einer Ebene die Farben oder ich erstelle 

eine kontrastreiche Schwarz-Weiß-Version, indem ich die entsättigten 

Teile des Bildes dazumische. Schließlich entfernte 

ich noch das Rauschen und passe die Schärfen an.“ Um auf 

sich aufmerksam zu machen, bediente sich Tony am Anfang 

SMARTPHONE 

Empfohlen: iPhone 

Preis: modellabhängig 

WEITWINKELOBJEKTIV 

Empfohlen: Sigma 17–70mm 


Web: www.sigma-foto. 

de 

Ein Weitwinkelobjektiv 

braucht jeder gestan 

dene Landschaftsfotograf. 

Wenn Sie sich für 

Küsten, Landschaften 

und Stadtbilder interessieren, ist eine 

Zoom-Linse zu empfehlen, wie das 

17–70-mm-Objektiv von Sigma. 

KAMERA 

Web: www.apple.de 

Das Handy ist nicht 

nur wegen der vielen 

Apps gut. Sie können 

Sonnenaufgang und 

Sonnenuntergang 

nachschauen, den 

Mondaufgang und die 

Gezeiten. Zudem kann 

es als Taschenlampe 

fungieren und Ihr Bild erhellen. 

Empfohlen: Canon 5D Mark II 

Preis: ca. € 2.700 (Body) 

Web: www.canon. 

de 

Wir behaupten 

nicht, dass man 

Landschaften 

ausschließlich 

mit teuren Vollformat-DSLRs 

fotografieren muss, aber sie ist bei 

Profis die erste Wahl. 


TECHNIKEN 

ESTLAND – 

MONDAUF- 

GANG IN KÄSMU AM 

GOLF VON FINNLAND 

„Der lahemaa-Nationalpark 

ist der älteste und größte 

Nationalpark Estlands, er 

befindet sich auf der Käsmu- 

Halbinsel. Ein Paradies für 

Landschaftsfotografen: Man 

kann den Sonnenaufgang, 

Sonnenuntergang oder 

Mondaufgang von derselben 

Stelle fotografieren. Im flachen 

Wasser sind haufenweise 

Felsen.“ 


Mark II mit einem 17–40-mm- 


32 Sek, ISO12 

© Lucie Debelkova 

„Nehmen Sie auch an Wettbewerben teil 

– man wird so auf Sie aufmerksam.“ 

des Internets und ermutigt andere Low-Light-Enthusiasten, 

es ihm gleichzutun. „Ich fand es einfach, weil mich alle ermutigt 

haben, aber am schwierigsten ist es, seinen eigenen 

Fähigkeiten zu vertrauen. Stellen Sie Ihre Bilder überall ins 

Internet. Sie müssen hart arbeiten, um aufzufallen. Versuchen 

Sie, Ihre Fotos bei ein paar Agenturen unterzukriegen 

und stellen Sie exakte Keywords zusammen. Nehmen Sie 

auch an Wettbewerben teil – auch wenn Sie nicht gewinnen, 

immerhin wird man Sie bemerken.“ Im Gegensatz zu Tony 

und Barrie, hat Lucie Debelkova – eine internationale 

Jet-Set-Fotografin und versierter Low-Light-Profi aus der 


Lucie Debelkova 

Web: www.luciedebelkova.com 

Lucie Debelkova, in Prag geboren, ist eine freier Reise-und Landschaftfotografin, 

die bei knappen Lichtverhältnissen weltweit schöne Landschaften 

fotografiert. „Ich nahm die Schönheit Prags als gegeben hin und versuche 

jetzt, mehr Schönheit in der ganzen Welt zu finden. Meine ersten Reisen 

führten mich an die Orte alter Zivilisationen wie Indien, Ägypten und den 

Nahen Osten, aber seitdem habe ich es bis in die Mongolei, nach Neuseeland 

und Alaska geschafft. Ich will immer neue Orte entdecken und mit etwas Glück dahin zurückkehren. 

Wo immer ich hinkam, hatte ich eine Kamera in der Hand, um Schnappschüsse zu machen und meine 

Erfahrungen und Erkundungen zu dokumentieren. Im Laufe der Zeit änderte sich mein Schwerpunkt. 

Ich habe mich gefragt: ‚Wie kann ich die Essenz und das Gefühl , lebendig zu sein, besser erfassen und 

mich in der Welt engagieren?‘“ So kam sie auf die Fotografie. Heute hat Lucie 81 Länder bereist und 

dokumentiert regelmäßig ihre Abenteuer auf ihrer Webseite sowie ihre beliebten Facebook-Seite: www. 

facebook.com/lucie.debelkova.photography 

1 Stativ 

Ohne Stativ kann man bei wenig Licht keine Aufnahmen machen. 

2 Fernauslöser 

Benutzen Sie entweder einen Fernauslöser oder einen Timer. Für Belichtungszeiten von 30 Sekunden 

oder mehr brauchen Sie einen verriegelbaren Auslöser mit Kabel. 

3 Filter 

Lernen Sie alles über Grauverlaufsfilter und ND-Filter und nehmen Sie sie immer mit. 

4 Apps 

Ich habe ein iPhone mit verschiedenen Apps, wie z. B. den Zeiten für den Sonnenuntergang, Sonnenaufgang 

und Mondaufgang überall in der Welt. Dann habe ich auch eine App für Gezeiten. Solche Informationen 

sind wesentlich. 

5 Übung 

Übung macht den Meister. Ziehen Sie los und fotografieren Sie ohne Unterlass. 

Tschechischen Republik – keine Vorlieben, was die Blendenöffnung 

angeht. Sie arbeitet zwischen f4 f22, je nachdem was 

sie braucht. Lucie reist um die ganze Welt, von Island in die 

Niederlande, von Kuwait nach Portugal, von Estland nach 

Bulgarien. So hat sie an beeindruckenden Orten in über achtzig 

Ländern die „goldene Stunde“ abgelichtet. „Ich ändere 

meine Blende, Verschlusszeit und ISO-Kombinationen ständig, 

um mich den immer wechselnden Lichtverhältnissen anzupassen. 

Wenn ich abends ein Bild mache, fange ich ich in 

der Regel mit sehr niedrigen ISOs an, bei meiner Kamera ist 

das 50. Dann nehme ich f22 und eine lange Belichtungszeit. 

Das ist auch ideal, wenn ich ein Bild mit Wasser oder bewegenden 

Wolken machen will und die Bewegungen glätten 

möchte. Wenn es ein Stadtbild oder eine einfache Aufnahme 

ohne Bewegung ist, bleibe ich bei niedrigen ISOs und fange 

mit f11 an. Die Belichtungszeiten variieren je nach Bedarf. 

Wenn das Licht abnimmt, verringere ich die Blende schrittweise 

von f22 bis f9 und dann – und nur dann – erhöhe ich 

die ISO-Einstellungen.“ Lucies Low-Light-Landschaften werden 

regelmäßig in Zeitschriften und Broschüren veröffentlicht, 

sie sind in Webdesigns und auf Buchumschlägen zu 

finden, in Kalendern und in Ausstellungen. Lucie ist eine Fotografin 

von Weltformat. „Ich hätte nie gedacht, dass ich jemals 

ein Profi werden würde. Ich reise liebend gerne, und ich 

habe dabei immer fotografiert. Vielleicht habe ich mir gewünscht, 

es professionell zu machen, aber es stand keine 

konkrete Absicht dahinter, deswegen ging es eher schrittweise 

voran. Irgendwann war ich an einem Punkt, wo ich die 

Welt bereiste, Fotos von Orten machte, die ich mochte, und 

die Leute haben mir meine Bilder abgekauft.“ Auf die Frage, 

was ihre Arbeit von anderen unterscheidet, bleibt sie bescheiden: 

„Ich bin nicht sicher, ob ein Fotograf das Recht hat, zu 

sagen, dass seine Arbeit ganz anders ist als die der anderen, 

immerhin gibt es Hunderte von Fotografen. Klar, jeder denkt, 

dass seine Bilder etwas Besonderes sind, egal ob er eine DSLR 

oder eine Point-and-Shoot-Kamera hat. Ich bin da keine Ausnahme. 

Aber dann haben mir so viele Menschen gesagt, wie 

sehr sie meine Bilder lieben, vielleicht habe ich wohl doch 

einen Stil, der aus der Menge hervorsticht. Es ist wohl das Ergebnis 

schlafloser Nächte beim Reisen, wenn man bis spät in 

die Nacht und dann wieder am frühen Morgen Fotos macht. 

Ich informiere mich immer ausgiebig über Sonnenauf- und 

-untergang und bin eigentlich niemals zufällig an einem Ort. 

Und man sieht meinen Bildern an, dass ich bewusst nach 

Schönheit suche. Es gibt bereits genug Hässliches in unserer 

Welt – ich muss das nicht noch betonen. Ich versuche immer, 

den schönsten Ort einzufangen und im besten Licht zu zeigen.“ 

Auf die Frage, was sie an Low-Light-Aufnahmen so fesselnd 

findet, antwortet Lucie: „Ich liebe einfach diese Tageszeiten, 

das Licht ist etwas Besonders, die Farben sind einzigartig 

und weich. Wir alle suchen nach einzigartigen und 

seltenen Momenten. Je nachdem welche Jahreszeit es ist und 

wo man sich befindet, ist so ein Moment schnell vorbei, aber 

er kann auch länger dauern, zwischen 15 Minuten bis hin zu 

einigen Stunden.“ Ihre Nachtlandschaften haben die Aufmerksamkeit 

von Verlegern, Redakteuren und Fotofreunden 

auf sich gezogen. „Bei Nachtlandschaften will ich vor allem 

die Bewegung der Sterne fotografieren. Ich suche nach einem 

geeigneten Ort, wo keine Stadtlichter in der Nähe sind und 

wo es einen interessanten Vordergrund gibt. Ich suche den 

Polarstern und dann ist es ziemlich einfach. Ich baue die Kamera 

auf einem stabilen Stativ auf, wähle die richtige Einstellungen, 

in der Regel rund f4, ISO 400, und dann habe ich 

zwei Entscheidungen – ich kann ein durchgehendes Foto ma- 

90 LANDSCHAFTSFOTOGrAFIE

LOW-LIGHT-LANDSCHAFTEN 

KUWAIT – EIN SCHÖNER MORGEN AM 

STRAND VON ENJEFA IN MASEELA 

„Das Foto entstand am Strand von Enjefa an einem wunderbaren 

Morgen, nachdem ich um 4 Uhr morgens aufgestanden bin. Enjefa 

ist gut für Fotos, weil man noch das alte Kuwait sieht: Sand, Felsen 

und Muscheln. Die Ebbe gibt den Blick auf interessante Felsen und 

Korallen frei. Dieser hier sieht aus wie Finger, die aufs Meer zeigen.“ 

Bilddetails: Canon EOS 5D Mark II mit einem 17–40-mm-Objektiv 

bei 40 mm und f22, 25 Sek., ISO 50 



TECHNIKEN 



BULGARIA – 

MONDAUF- 

GANG ÜBER 

TOTEN BÄUMEN 

„Eines Abends suchte ich 

mir einen See aus der Karte 

aus. Ich habe nicht geahnt, 

dass er so interessant sein 

würde, im Wasser standen 

tote Bäume. Der Mond 

verleiht dem Ganzen ein 

ätherisches Gefühl. Es ist 

eines meiner Lieblingsfotos 

von der Reise.“ 


Mark II mit 17–40-mm- 

Objektiv bei 40 mm und 

f22, 13 Sek., ISO 50 

chen, mit einer Belichtungszeit von über einer Stunde, oder 

ich mache mehrere Aufnahmen von je 30 Sekunden, die ich 

später mit Software kombiniere. Den Vordergrund muss ich 

meistens beleuchten, mit einer Taschenlampe, einem Blitz, 

oder einem Autoscheinwerfer etc. Mit Licht zu malen funktioniert 

auch dann gut, wenn man bei dunkelblauem Dämmerlicht 

fotografiert und ein Objekt im Vordergrund betonen 

will.“ Dann geht es in die digitale Nachbearbeitung. Hier benutzt 

sie eine Software namens Zoner zur Bearbeitung, zum 

Organisieren und zum Hinzufügen von Keywords. „Manchmal 

stelle ich die Sättigung und den Kontrast ein und reduziere 

das Rauschen. Ich arbeite nicht mit Photoshop, obwohl 

es natürlich ein besseres Programm als Zoner ist. Aber ich 

versuche immer, das Foto so perfekt wie möglich zu machen, 

damit ich ich nicht stundenlang in der Nachbearbeitung bin. 

KUWAIT – STERNSPUREN ÜBER ZWEI 

PALMEN IN DER WÜSTE 

„Von rechts kam Licht, deshalb haben die Palmen einen hübschen 

Akzent. Das Licht, das von vorne auf die Bäume und den Sand fällt, war 

ein reiner Zufall. Es fuhren ein paar SUVs durch die Wüste und ihre 

Entfernung war perfekt.“ 

Bilddetails: Canon EOS 5D Mark II mit einem 17–40-mm-Objektiv bei 

22 mm und f4, 13 Sek., ISO 50 

Deshalb benutze ich Neutralgraufilter. Viele Fotografen glauben, 

dass man alles in Photoshop verändern kann – dem 

würde ich nur zustimmen, wenn man nur den blauen Himmel 

fotografiert und keine Lichtquelle hat. Wenn man Fotos 

von einem dunklen Vordergrund und Wolken am Himmel 

ohne Filter macht, gehen die Details der Wolken verloren. 

Wenn man gegen die untergehende Sonne fotografiert, hat 

man immer einen sehr dunklen Vordergrund oder überbelichteten 

Himmel.“ Man denkt immer, dass Reisefotografen 

nicht viel Gepäck haben, aber Lucie ist anderer Meinung: 

„Ich habe meine Canon EOS 5D Mark II, eine Vollformat-DSLR, 

zusammen mit meinen Objektiven Canon EF 17–40mm f4L 

USM, Canon EF 24–105mm f4L IS USM, Canon EF 70–200mm 

f4L IS USM und Tamron AF 28–300mm f3.5-6.3 XR Di VC. 

Und ich benutze ein Set mit Filtern von Lee: GND 0.3, 0.6, 0.9 

– weich und hartkantig – und einen B+ND 1.8 & 3.0. Auch 

ohne mein Stativ, den Fernauslöser, GPS und iPhone kann ich 

nirgendwohin. Das iPhone benutze ich ständig, weil es viele 

nützliche Apps hat.“ Lucie weiter: „Ich informiere mich vor 

Ort ausgiebig und überlege mir, welche Winkel ich nutzen 

will. Wenn man in der Dämmerung fotografiert, muss man 

immer bereit sein, weil nur wenig Zeit zum Experimentieren 

bleibt. Wenn man sich die Bilder anderer Leute anschaut, bildet 

man sich eine Meinung, wie man sich selber dem Motiv 

nähern will. Das heißt nicht, dass man andere imitiert, sondern 

dass man seine eigene Stimme sucht. Wenn’s geht, sollten 

Sie vorher ans Motiv gehen und sich schon mal die besten 

Blickwinkel aussuchen, sich ausrechnen, wo der Mond und 

die Sonne stehen werden und Ihr Foto planen.“ 


Low-LIgHt-LAnDSCHAFtEn 

Inspiration 

Traumhafte Aufnahmen 

in der Dämmerung 

© Scott Mawson 

SCott 

MAwSon 

„Das Foto wurde mit einer 

Canon 7D aufgenommen, 

und ich war hellauf 

begeistert. Die Stadt sieht 

in dem nebel aus, als sei 

sie unter wasser. nur die 

Spitze der Skyline schaut 

durch.“ 

Bilddetails: Canon EoS 7D 

mit einem 70–200-mm-- 

objektiv bei 155 mm und f11, 

30 Sek., ISo 400 

Galerie: www.dphoto 

grapher.co.uk/user/scottm 

Ron Sutton 

„Ich habe bei 

Sonnenaufgang Fotos 

vom ufer des River Dee in 

Cheshire gemacht und als 

ich wegging, sah ich das 

Sonnenlicht, das durch den 

nebel schien. Ich habe die 

Kamera so aufgebaut, dass 

die Sonne hinterm Baum 

ist, und gerade noch drei 

Fotos geschafft, bevor es 

zu spät war. Ich finde, die 

Lichtreflexe machen es 

noch atmosphärischer, 

aber mancher ist vielleicht 

anderer Meinung.“ 

Bilddetails: Sony A700 mit 

einem Sigma 17–70-mmobjektiv 

bei 24 mm und f7.1, 

1/160 Sek., ISo 100 

Galerie: www.dphoto 

grapher.co.uk/user/ 

RonSutton 

© Dean Cobin 

© Ron Sutton 

DEAn CoBIn 

„Dieses Foto entstand bei Vollmond in der 

Sonora-wüste in Arizona. Der Mond lässt den 

Kaktus in genau dem richtigen Licht erscheinen. 

Im Hintergrund sind Sterne.“ 

Bilddetails: Canon EoS 7D mit einem 

17–55-mm-objektiv bei 17 mm und f2.8, 20 Sek., 

ISo 320 

Galerie: www.dphotographer.co.uk/user/DSC 

LAnDSCHAFtSFotogRAFIE 93

TECHNIKEN 

FELSIGER 

SONNENUNTERGANG 

Die letzten Lichtstrahlen des Tages 

am Clavell Pier an der Jurassic Coast. 

Bilddetails: Canon EOS 5D Mark II 

mit 18 mm, F16, 2.5s Sek., ISO 100 

PLÄTZE ZUM FOTOGRAFIEREN Jede Küste eignet sich 

zum Fotografieren – die besten Resultate erhalten Sie 

jedoch, wenn Sie beispielsweise Felsformationen oder 

Piers in den Bildvordergrund miteinbeziehen. 


KüStenLandSchaFten 

Lernen Sie, Küstenlandschaften 

zu 

fotografieren 

Professionelle Fotografen geben Ihnen Tipps für das 

Fotografieren traumhafter Küstenlandschaften. 

Für außergewöhnliche Landschaftsaufnahmen 

benötigen Sie das passende Licht – 

dafür müssen Sie meist sehr früh aufstehen. 

K 

üsten sind zweifellos einer der 

weltweit am häufigsten aufgesuchten 

Orte von Landschaftsfotografen. 

Raue Schönheit, Naturgewalten und 

das Gefühl der Einsamkeit werden 

dem Fotografen in Küstengebieten gleichermaßen 

vermittelt. Die Liebe zum Meeresufer wird von vielen 

Fotografen geteilt, was in zahllosen Galerien resultiert, 

die allesamt der Kunst der Küstenfotografie gewidmet 

sind. Die Meere sind sowohl Freund als auch Feind 

der Menschheit und haben in Jahrhunderten maritimer 

Geschichte Felswände und Klippen geformt. Der 

Blick auf die Weitläufigkeit des Meeres bei einem 

Aufenthalt an der See vermittelt das Gefühl von 

SCHRITT 

FÜR SCHRITT 

• Benutzung von Filtern 

• Den Himmel deuten 

• Kompositionsideen 

• Fokus-Tipps 

Freiheit und lässt die wahre Größe der Erde erahnen. 

Dieses Gefühl wird in einer riesigen Anzahl an stimmungsvollen 

und inspirierenden Fotos von Profis und 

Enthusiasten gleichermaßen festgehalten. Um Küsten 

optimal in Szene zu setzen, benötigt es viel Hingabe 

und Ausdauer – die Bereitschaft, sich kalten und nassen 

Wetterverhältnissen auszusetzen, ist förderlich. 

LandSchaFtSFotograFie 95

TECHNIKEN 

MORGENDLICHE FARBEN 

Wir haben den Sonnenaufgang 

am Hafen von Swanage in Dorset 

bewundert 

Bilddetails: Nikon D700 mit 11–16 mm, 

16 mm, F11, 1 Sek., ISO 100 

TIMING IST WICHTIG Informieren Sie sich aus 

fotografischen und Sicherheitsgründen über die Gezeiten – 

manche Locations wirken bei Flut, andere bei Ebbe besser. 

Die erste Hürde, die es für tolle Küstenfotos zu 

überwinden gilt, ist laut Mark, „gut gelaunt und 

früh“ aufzustehen. Unser Tag mit dem Landschaftsfotografen 

Mark Bauer beginnt um 4:50 Uhr morgens. 

Früh aufzustehen ist zwangläufig notwendig, 

wenn Sie die ersten Strahlen des Sonnenaufgangs 

fotografieren möchten. Sobald die Sonne über den 

Horizont blickt, verändern sich die Farben sehr 

schnell und drastisch, sodass es keine gute Idee ist, 

das Haus erst zu diesem Zeitpunkt zu verlassen. 

Wir hatten extremes Glück, dass wir nach wochenlangem 

grauenhaften Wetter einen sehr freundlichen 

Tag erwischt haben. Grundsätzlich können Sie Küstenlandschaften 

bei jedem Wetter fotografieren – das 

Meer muss nicht immer ruhig aussehen. Zweifelsohne 

ist es aber für einen Fotografen angenehmer, 

wenn er nicht mit starken Regengüssen zu kämpfen 

hat. Wir hatten in unserem Fall aber fast ein entgegengesetztes 

Problem: Wir haben immer wieder 

zum Himmel geschaut, um festzustellen, ob genug 

Wolken vorhanden sind. In unserer ersten Übung 

hat uns Mark dann gezeigt, wie wir mithilfe von 

Grauverlaufsfiltern eine ausgeglichene Belichtung 

unserer Fotos erhalten. Grauverlaufsfilter machen es 

möglich, ein Bild so zu belichten, dass im Anschluss 

kaum oder nur noch wenig Photoshop-Bearbeitung 

notwendig ist. Wenn Sie keine Grauverlaufsfilter 

besitzen, gibt es eine einfache Alternative: Nehmen 

Sie Ihr Motiv mit zwei verschiedenen Belichtungszeiten 

auf und führen Sie diese Einzelbilder im Nachhinein 

zu einem Bild zusammen. Ein kleiner Vorteil 

bei der Benutzung eines Grauverlaufsfilters ist, dass 

sich Bewegungen (unter anderem von schnell ziehenden 

Wolken) etwas detaillierter einfangen lassen. 

Mark hat uns auch Regeln für die Bildkomposition 

erklärt und sichergestellt, dass unsere Fokus-Fähigkeiten 

den Anforderungen entsprechen. Wenn Sie 

Objekte in den Bildvordergrund miteinbeziehen, ist 

es sehr wichtig, dass sowohl Vorder- als auch Hintergrund 

scharf abgebildet werden. Darüber hinaus 

hat uns Mark auch erklärt, wie wir die hyperfokale 

Distanz richtig nutzen. Anschließend haben wir 

Hyperfokale Distanz 

Mithilfe der Endlosfokussierung erhalten Sie maximale 

Schärfentiefe. Für jede Kombination aus Sensorgröße, 

Brennweite und Blende gibt es genau 

eine Entfernung – die sogenannte hyperfokale Entfernung 

oder auch hyperfokale Distanz –, bei der 

Elemente, die im 

Unendlichen liegen, 

scharf abgebildet werden. 

Mit Apps wie beispielsweise 

HyperfocalCalc 

von Venkatramanan 

Krishnamani 

lässt sich die hyperfokale 

Distanz berechnen, 

als Alternative 

gibt es im Internet 

zahlreiche Chart- 

Tabellen zum Ausdrucken, 

beispielsweise 

auf www.johnhendry. 

com/gadget/hf.php. 


KÜSTENLANDSCHAFTEN 

Mithilfe von Neutralgrauverlaufsfiltern 

lässt sich 

die Bewegung der Wolken 

einfangen. 

AUF DEM PIER 

Der menschenleere Pier wirkt als Schwarz-Weiß-Foto besonders eindrucksvoll. 

Bilddetails: Nikon D7000 mit 11–16 mm, 12 mm, F16, 25 Sek., ISO 100 


TECHNIKEN 

 

KONZENTRIEREN SIE SICH AUF EIN THEMA Nutzen Sie 

beispielsweise Felsformationen, um den Blick des Betrachters 

in das Bild hineinzuführen. Die Auswahl des richtigen 

Fokusbereichs ist schwierig, da Sie ausreichend Schärfentiefe 

benötigen – lernen Sie am besten, mit der hyperfokalen 

Distanz zu arbeiten. 

ALTE VERWITTERTE STEINE 

Diese aufragenden weißen Steine an der 

Dorset-Küste geben ein tolles Bild ab. 

Bilddetails: Nikon D7000 mit 11-16mm, 

11mm, F11, 30 Sek., ISO 100 

Drei Filtertypen 

Polfilter Bei der Nutzung eines Polfilters werden 

Reflektionen vermindert. Außerdem wirken Farben 

ausdrucksstärker – am stärksten ist der Effekt bei 

blauen Himmeln. Vorsicht ist aufgrund von Vignettierungen 

bei Weitwinkel-Objektiven geboten. 

Graufilter Ein Graufilter (Neutral-Density; kurz 

ND-Filter) verringert die Menge des Lichts, das auf 

den Sensor fällt. Dadurch verlängert er die Belichtungszeiten 

je nach Stärke erheblich. Für die Bildkomposition 

und das Festlegen des Fokuspunktes 

sollte sich der Filter nicht an der Kamera befinden. 

Grauverlaufsfilter Diese Filter sind mit starken und 

weichen Verläufen verfügbar. Grauverlaufsfilter eignen 

sich dafür, um einzelne Bildelemente unterschiedlich 

zu belichten – beispielsweise einen sehr 

hellen Himmel und einen nur schwach belichteten 

Bildvordergrund. 

Die Telefonzelle am Studland-Strand 

Bilddetails: Nikon D7000 mit 11–16 mm, 15 

mm, F11, 1/60 Sek., ISO 100 


KÜSTENLANDSCHAFTEN 

Lulworth Cove sonnt sich in der späten Nachmittagssonne. 

Bilddetails: Nikon D7000 mit 11–16 mm, 12 mm, 

F11, 1/30 Sek., ISO 100 

Behalten Sie die Bewölkung und die Bewegung der Sonne im 

Auge, um die beste Position zum Fotografieren zu finden. 

angefangen, mithilfe eines Big-Stopper-Filters (der 

die benötigte Blende um elf volle Stufen erhöht) mit 

Langzeitbelichtungen zu experimentieren. Solche 

Filter sind wichtig, da es dank des Filters möglich 

wird, „glatte“ Wellen und die Bewegung der Wolken 

einzufangen. 

Die ersten Stunden nach dem Sonnenaufgang 

eignen sich mitunter am besten zum Fotografieren. 

Zu dieser Zeit ist das Licht oft magisch. Sobald 

diese Phase vorbei ist, werden Sie merken, dass die 

Farben weniger dramatisch wirken. Das ist dann 

die perfekte Gelegenheit, um eine kleine Pause zu 

machen und vielleicht zu frühstücken, wie wir es 

gemacht haben. Danach ist es aber nicht nötig, die 

Kamera für den restlichen Tag einzupacken – es 

gibt genügend Motive, die Sie den ganzen Tag über 

fotografieren können. Statt die Aufmerksamkeit nur 

auf die Lichtverhältnisse zu richten, unternehmen 

Sie einen Spaziergang und schauen Sie sich die 

Umgebung näher an. Sie werden schnell merken, 

dass es überall viele Punkte gibt, die sich für tolle 

Fotos eignen. Ein solcher Ort, den uns Mark gezeigt 

hat, war ein Pier. Hier haben wir dank der blickführenden 

Linien und Elemente, die sich perfekt für 

die Gestaltung eines interessanten Bildvordergrunds 

anbieten, zahlreiche ansprechende Fotos aufgenommen. 

Halten Sie während des Tages auch stets nach 

Schwarz-Weiß-Gelegenheiten Ausschau. Küstenlandschaften 

bieten oft eine Kulisse mit klar definierten 

Linien und verwitterten Objekten mit tollen Texturen. 

All diese Dinge eignen sich hervorragend für 

NEUE SETUPS Experimentieren Sie mit Minimalismus. 

Suchen Sie sich ein einziges Element aus und isolieren Sie es 

aus seiner Umgebung. Steine und Boote eignen sich dafür sehr 

gut, auch wenn es eigentlich keine klaren Regeln gibt. Am besten 

funktioniert diese Methode mit Langzeitbelichtungen. 

 

Halten Sie nach Bildelementen Ausschau, die den Vordergrund 

interessant gestalten und den Blick des Betrachters ins Bild führen. 


TECHNIKEN 

ZEITPUNKT ZUM AUFBRUCH 

Fotografieren Sie zur Goldenen Stunde, 

entweder bei Sonnenauf- oder -untergang. 

Dann erhalten Sie warmes Licht, 

das die besonderen Texturen von 

Sand und Steinen in Szene setzt. 

WIRKUNG DES 

LICHTS 

Die Kimmeridge-Bucht wird 

von der Sonne in ein tolles 

Licht getaucht. 

Bilddetails: Nikon D7000 

mit 11–16mm, 11 mm, F11, 

79 Sek., ISO 100 


KüStEnLandSchaftEn 

Mark Bauer wohnt an der 

Südküste von England 

und arbeitet viel mit seiner 

idealen Strand-Location. 

© Mark Bauer 

Über Mark Bauer 

Mark Bauer wohnt in Dorset, England und zählt zu den besten 

Landschaftsfotografen Englands. Er gibt stark frequentierte 

Workshops mit seinem Fotografen-Kollegen Ross Hoddinott 

– beispielsweise einen Dawn-to-Dusk-Workshop. Die Kurse 

dauern zwischen ein und drei Tagen, finden überwiegend im 

Südwesten von England statt und beinhalten Tipps zur 

richtigen Belichtung, Bildkomposition und der Anwendung von 

Filtern. Diese Kniffe helfen den Teilnehmern später, Küstenlandschaften 

selbst richtig in Szene zu setzen. 

Für weitere Informationen besuchen Sie die Webseiten: 

www.dawn2duskphotography.co.uk und 

www.markbauerphotography.com 

Sobald die Sonne langsam 

untergeht, erwecken die 

vollen farben Landschaften 

zum Leben. 

Schwarz-Weiß-Aufnahmen. Während wir auf dem Pier entlanggelaufen 

sind, ist uns aufgefallen, dass der Bohlenweg zusammen 

mit der Laterne einen tollen Bildvordergrund abgibt. Grundsätzlich 

sollten Sie über den Tag hinweg auch die Position der Sonne im 

Blick haben. Sobald die Sonne am höchsten Punkt steht, ist der 

perfekte Zeitpunkt gekommen, um eine ein- oder zweistündige 

Mittagspause einzulegen. Wenn der Himmel bewölkt genug ist 

und das grelle Sonnenlicht verdeckt, entsteht ein toller Himmel 

und Sie können auch zur Mittagszeit fotografieren. Trotzdem ist 

es angenehm, sich zur Mittagshitze eine Fotopause zu gönnen. 

Mark hat uns empfohlen, dass wir diese am sinnvollsten nutzen, 

indem wir uns die Bilder, die wir am Morgen aufgenommen 

haben, schon einmal anschauen. So konnte er uns Tipps geben, 

die am Nachmittag bereits zur Anwendung kamen. Die Mittagspause 

ist auch nützlich, um Kamera-Akkus aufzuladen. Gerade 

Langzeitbelichtungen und der Live-View-Modus benötigen viel 

Energie. Es wird daher empfohlen, immer mindestens einen komplett 

aufgeladenen Ersatzakku bei sich zu haben. Sollten Sie nur 

einen Akku besitzen, nehmen Sie zumindest Ihr Aufladegerät mit, 

sodass Sie Ihre Batterie an Steckdosen in der Nähe aufladen können. 

Sobald die Sonne wieder langsam abtaucht, wird das Licht 

weicher und wärmer. Dieses Licht eignet sich bestens für Küstenbilder. 

Wenn Sie bis zum Sonnenaufgang fotografieren möchten, 

sollten Sie außerdem ein Auge auf die Wolkensituation haben. 

Die Bewölkung ist bei der Küstenfotografie wirklich der Schlüssel 

zum Erfolg. Bei zu wenigen Wolken wirkt der Horizont leblos und 

flach. Zu starke Bewölkung führt dazu, dass der Himmel sehr 

farblos scheint. An unserem Tag waren am Nachmittag zu Marks 

Verärgerung etwas zu wenige Wolken am Himmel. Der Vorteil 

dieser Situation war, dass nach dem Sonnenuntergang ein tolles, 

unglaublich farbiges Abendrot zum Vorschein kam, was wir für 

viele weitere geniale Fotos genutzt haben. Über den Tag hinweg ist 

uns klargeworden, dass sich ein ganztägiges Landschafts-Shooting 

fast nur in den Sommermonaten umsetzen lässt. Als wir unsere 

Sachen packten, war es nach 21 Uhr und wir waren mehr als 16 

Stunden unterwegs – zweifelsohne ein Ausdauertest. Die vielen 

tollen Fotos der umwerfenden Landschaft waren es aber definitiv 

wert, so früh aufzustehen. 

LandSchaftSfotografiE 101

TECHNIKEN 

Extreme 

Landschaften 

Viele Fotografen suchen bei extremen Bedingungen 

das Weite – wir haben mehrere Profis getroffen, die 

gerade besondere Herausforderungen lieben. 

102 laNdsCHafTsfoTografIE

extreme lanDSChaften 

Iglu am VermIlIon lake, Banff 

natIonal Park, alBerta 

„Während der Weihnachtsferien hat in Banff jemand 

ein Iglu gebaut. Ich kam dann auf die Idee, das Iglu bei 

nebel mit einer taschenlampe zu beleuchten. für das 

foto habe ich eine Belichtungszeit von 238 Sekunden 

gewählt, die die Bewegung der Wolken unter den 

windigen Verhältnissen schön einfängt“. 

Bilddetails: Canon eoS-1Ds mark III mit Canon tS-e 45 

mm f2.8, f6.3, 238 Sek., ISo 100 

© Darwin Wiggett 

lanDSChaftSfotografIe 103

techNiKeN 

AurorA, 

KArAsjoK, 

Norwegische 

ArKtis 

„Das ist eins meiner liebsten 

Polarlichter-Bilder. An diesem 

Abend war der himmel 

klar und viele sterne am 

himmel zu sehen. wir 

konnten die Polarlichter 

insgesamt sechs stunden 

lang bewundern. wir hatten 

für dieses spektakel die perfekte 

Location ausgewählt. 

um sie zu finden, bin ich viel 

herumgerannt – bei einer 

temperatur von minus 10 

grad ist es nicht einfach, im 

knietiefen schnee zu laufen 

und dabei noch die gesamte 

Kameraausstattung herumzutragen. 

Zufällig habe 

ich diese hütte entdeckt 

und konnte sie perfekt in 

meinem Foto einfangen. 

ich habe mich besonders 

über die Klarheit – trotz der 

einminütigen Belichtung 

– gefreut. Das weitwinkelobjektiv 

war perfekt, um die 

hütte zusammen mit dem 

himmel zu fotografieren.“ 

Bilddetails: olympus e3 

mit 7–14 mm F4.5, 60 sek., 

iso 100 

© Mark Humpage 

„Auf Tuchfühlung mit Mutter Natur – 

ihren Atem und ihre ganze Kraft spüren“ 

T 

sunamis, Tornados, Erdbeben oder Hurrikans 

– es scheint, als würde Mutter Natur etliche 

Signale aussenden, um auf die Verschmutzung 

unseres Planeten aufmerksam zu 

machen. Unter derartigen Bedingungen 

suchen selbst die mutigsten Männer Schutz, doch es gibt 

Landschaftsfotografen, die genau solche Situationen lieben. 

„Zusammen mit ein paar Kollegen habe ich in den USA einmal 

einen Tornado verfolgt, als sich der Himmel plötzlich 

komplett grün färbte. Das war ziemlich Furcht einflößend,“ 

erinnert sich der Fotograf Mark Humpage. „Das Blatt wendete 

sich und der Tornado kam auf uns zu, sodass wir Schutz 

im Keller einer kleinen Tankstelle in Missouri-Stadt suchen 

mussten. Die Tornadosirenen heulten und einer meiner Kollegen 

kämpfte mit den Tränen. Die Einheimischen hielten uns 

für verrückt, als wir erzählten, dass wir extra von England 

angereist sind, um ein paar Stürme zu jagen …“ Als Abenteurer 

und Sturm-Fotograf haben sich Marks Arbeitsplätze 

inzwischen auf der ganzen Welt verteilt. Doch was bewegt 

einen dazu, sein Leben für die Arbeit aufs Spiel zu setzen? 

„Mutter Natur so nahe wie möglich kommen und ihren Atem 

und ihre ganze Kraft zu spüren“, erklärt Mark. „Vergessen 

Sie die üblichen Regeln – das Equipment, die Planung und 

Ihre Reaktion sind die Bestandteile für ein tolles Foto. Ich bin 

bekennender Perfektionist und möchte jeden Winkel, jedes 

Objektiv und sämtliches Zubehör testen, um das ‚perfekte‘ 

Bild zu erhalten.“ Früher nutzte Mark eine Olympus E-3, 

inzwischen hat er sich ein Upgrade auf die E-5 gegönnt. 

„Mein Kamerasystem hat sich bereits unter Wasser, in Sandstürmen, 

bei Temperaturen unter minus 36 Grad Celsius und 

in Stürmen mit Geschwindigkeiten von bis zu 190 km/h 

bewährt. Was kann ich von einer Kamera mehr erwarten?“ 

Mark plant sein gesamtes Jahr nach den Gegebenheiten der 

Natur: „Ich fülle meine Kalender mithilfe von Vorhersagen 

nach den immer wiederkehrenden Events – wie die Tornado-Saison 

in den USA oder der Phase der Polarlichter. Natürlich 

gibt es aber auch unvorhersehbare Ereignisse wie beispielsweise 

Vulkanausbrüche oder Fluten.“ In seinen Fototaschen 

finden wir zahlreiche Weitwinkelobjektive, mithilfe 

derer man die Dimension eines Sturms am besten einfangen 

kann. Mark favorisiert die 8-mm-Fischaugen-Linse von 

Olympus, mit der es möglich ist, „die Struktur eines ganzes 

Sturms in nur einem Bild“ festzuhalten. Darüber hinaus 

nutzt er oft die Panorama-Technik, um einen Sturm zusammen 

mit der Landschaft abzubilden. „Ich nehme das 12–16mm- 

Objektiv, da ich mit diesem näher das Ereignis heranzoomen 

104 LANDschAFtsFotogrAFie

EXTREME LANDSCHAFTEN 

KENT COUNTY 

SUPERCELL 

TORNADO ALLEY, USA 

„Das war ein wirklich gewaltiger 

Sturm, der mir mit rotierenden und 

aufbrausenden Winden eine tolle 

Fotogelegenheit geboten hat. Der 

Sturm bewegte sich kaum, wodurch 

ich mich voll und ganz auf mein 

Panorama konzentrieren konnte.“ 

Bilddetails: Olympus E-1 mit 14–45 

mm, F5.6, 1/200 Sek., ISO 100 


Tagebuch eines Fotografen 

Mark Humpage in Tromso, Norwegen 

Ich hatte noch nie zuvor Polarlichter 

fotografiert, deshalb wusste 

ich nicht, was mich erwartet. Die 

geomagnetische Sturmprognose 

war jedoch perfekt für meinen Trip 

und so bin ich mit hohen Erwartungen 

in Tromso, Norwegen angekommen. 

Zunächst war ich frustriert, 

da der Himmel komplett 

bewölkt war. Also bin ich erst 

etwas essen gegangen und wollte 

einen Plan ausarbeiten. Während des Essens habe ich nach 

draußen geschaut und auf einmal klaren Himmel gesehen. 

Daraufhin bin ich sofort zum Hotel gerannt, habe die Kamera 

gepackt und bin aus der Stadt gefahren. Ich habe mich dann 

positioniert und gewartet, bis endlich einige grüne Streifen am 

Horizont auftauchten. Bald wurde daraus ein wahres 

Lichtspektakel. Ich war total geplättet und konnte es nicht 

erwarten, die Kamera auf mein Stativ zu setzen. Schon am 

ersten Tag war ich total begeistert. Das war jedoch gerade mal 

der Anfang. Innerhalb der nächsten Tage habe ich so viele 

Polarlichter über den Himmel fliegen sehen, von Horizont zu 

Horizont. Es begann mit grünem Schimmern, dann kam nach 

und nach das gesamte Farbspektrum zum Vorschein: rot, pink, 

gelb und orange. Der Himmel hat mit den Farben getanzt, war 

lebendig. Etwas Derartiges habe ich nie wieder erlebt. Kein 

Stift kann diese wunderschöne Szene zeichnen, keine Farben 

können sie malen und keine Wörter sie beschreiben.“ 

kann. Dann bewege ich mich viel, um genug Bilder für ein 

180-Grad-Panorama zu bekommen. Zu Hause verarbeite ich 

die Fotos dann mit dem Tool Panorama Maker.“ Für Blitze 

hat Mark stets einen Lightning Trigger dabei, der beim Auftreten 

von Blitzen automatisch auslöst. „Eines der ultimativen 

Ziele für jeden Landschaftsfotografen sollte sein, Bilder 

von Blitzen zu fotografieren. Meine Erfolgsrate beim Einfangen 

von Blitzen hat sich, seitdem ich den Lightning Trigger 

besitze, verzehnfacht. Außerdem ist es mit ihm möglich, 

auch bei Tag Bilder von Blitzen aufzunehmen.“ Mit dem 

Modus Blendenvorwahl versucht Mark, mit Blende f8 ein 

Objekt in den Bildvordergrund zu setzen, das die Dimensionen 

des riesigen Sturms verdeutlicht. „Beziehen Sie ein Fahrzeug, 

eine Person oder einen Baum in Ihr Bild mit ein, ist der 

Aha-Effekt größer, da erst dadurch die tatsächliche Größe des 

Sturms deutlich wird“, erklärt Mark. Die Belichtung wird entsprechend 

der neutralen Farben im Bildvordergrund angepasst 

und häufig bleibt keine Zeit für eine Belichtungsreihe. 

Auf der Homepage von Mark (www.markhumpage.com) werden 

Sie bei den Bildern in der Galerie schnell feststellen, dass 

die Landschaft meist nur ein Drittel des Bildes in Anspruch 

nimmt. Die restlichen zwei Drittel gehören den Naturspektakeln, 

die die Intensität des Bildes vermitteln. Jede „Landschaftsjagd“ 

kostet viel Zeit (unter anderem für die Anreise) 

und erfordert spezielles Equipment. Fotografen, die sich auf 

dieses Gebiet spezialisiert haben, müssen auch stets Sponsoren 

für ihre Projekte suchen – einer dieser Sponsoren ist beispielsweise 

das National Geographic Magazine. „National 

Geographic veröffentlicht regelmäßig Storys, die uns an unübliche 

und aufregende Plätze führen“, erzählt Sadie Quarrier, 

Senior Photo Editor des Magazins in Washington. „Es gibt 

inzwischen nur noch wenige Locations, von denen die Leser 

überhaupt nichts wissen, und so ist es jedes Mal eine Herausforderung, 

eine Story zu veröffentlichen, die eine neue Entdeckung 

beinhaltet.“ Sadie wählt zusammen mit ihrem Team 

die Fotografen für Projekte aus und entscheidet danach, welche 

Fotos im Magazin veröffentlicht werden. „Ich suche stets 

nach neuen Fotografen, die zu uns passen könnten. Es ist 

sehr schwierig, einen Fotografen zu finden, der zum einen 

physisch fit und zum anderen erfahren genug ist, um eine 

Expedition durchzuführen. Wir suchen nach Fotografen mit 

dem Blick für das Einzigartige – jemanden, der Fotos macht, 

die eine Geschichte erzählen und zugleich atemberaubend 

sind.“ Üblicherweise beauftragt National Geographic einen 

Fotografen mit einer Story und bezahlt ihm dann einen täglichen 

Betrag. Gelegentlich kommt es jedoch vor, dass die fertige 

Story eines Fotografen eingekauft wird – in diesem Fall 

wird dann ein Fixpreis vereinbart. Im Magazin findet sich 


BLITZE IN 

TUCSON 

„Bei diesem Foto habe 

ich eine Olympus E-3 

zusammen mit einem 

12–60-mm-SWD-Objektiv 

und einem Dreibeinstativ 

genutzt. Nachdem ich den 

Bildbereich ausgewählt 

hatte, stellte ich den 

Kameramodus auf manuell 

und experimentierte 

bei mittlerer Blende mit 

Belichtungszeiten zwischen 

5 und 20 Sekunden. 

Den Rest hat der Lightning 

Trigger für mich erledigt: 

Sobald der Trigger einen 

Blitz erkannt hatte, löste 

er aus. Dieses Verfahren 

habe ich während des 

gesamten Sturms immer 

wieder wiederholt. Das 

oben gezeigte Bild ist aus 

insgesamt fünf einzelnen 

Bildern mit den unterschiedlichen, 

oben genannten 

Belichtungszeiten 

entstanden.“ 

Bilddetails: Olympus E-3 

mit 50–200 mm WD, F7.1, 

5–20 Sek., ISO 100 


TeCHnIKen 

eine Rubrik mit dem Namen „Visions of Earth“, in der überraschende 

und unwirkliche Bilder gezeigt werden, unter anderem 

Landschaftsfotos. Diese Bilder senden Fotografen an visions@ngs.org 

und werden mit einem Standardpreis vergütet. 

Aber was muss ein Bild haben, damit es veröffentlicht wird? 

„Ich suche nach starken Kompositionen, die die Einzigartigkeit 

und Schönheit der jeweiligen Location am besten darstellen.“ 

Der World-Press-Photo-Award-Gewinner Carsten Peter 

sendet seit 1996 regelmäßig Bilder ein. Als studierter Biologe 

und bekennender Adrenalin-Junkie liebt Carsten die Natur in 

ihren Extremen. Todesmutige Bilder von Gletschern, Tornados 

und auch Vulkanen sind in seinem Portfolio enthalten. 

„Er ist furchtlos und sehr leidenschaftlich, was sich in seinen 

Bildern, die die Umwelt mit Geologie und Wissenschaft verbinden, 

zeigt“, erzählt Sandie. Carstens letzte Veröffentlichungen 

im National Geographic Magazin zeigen Bilder der 

weltweit größten Höhle, die in Vietnam liegt und mehr als 

© Carsten Peter/National Geographic 

Hang-Ken-HöHle 

„ein riesiger Höhlenpfeiler, bestehend aus Tropfsteinsäulen, schwebt 

über den Forschern in den Tiefen von Hang Ken, einer von 20 in den 

letzten Jahren neu entdeckten Höhlen in Vietnam.“ 

Bilddetails: nikon D3 mit 16 mm F2.6, 5.6, 6 Sek., ISO 400 

106 lanDSCHaFTSFOTOgraFIe

ExtrEME lanDScHaFtEn 

Pu’u O’O Vulkan 

„Ein Schweißschlackenkegel 

speit genug lava, um die krater mit 

Magma zu füllen.“ 

Bilddetails: Pentax 67II mit 45 mm, 

F5.6, 30 Sek. 

VIEtnaM 

HöHlEnPaSSaGE 

„In dieser Passage der Hang- 

Son-Doong-Höhle, (womöglich 

eine der größten unterirdischen 

ausdehnungen) könnte ein 

Häuserblock, der sich über eine 

halbe Meile und 40 Häuser erstreckt, 

Platz finden.“ 

Bilddetails: nikon D3 mit 14–24 mm 

F2.8, 18 mm, F6.3, 1/4 Sek., ISO 400 

© G. Brad Lewis 

© G. Brad Lewis 

© Carsten Peter/National Geographic 

GEStaltunG 

Heiße Pahoehoe-lava- 

Ströme fließen in den 

pazifischen Ozean.“ 

Bilddetails: nikon F100 mit nikkor 

80–20, F8, 3 Sek. 

vier Kilometer lang und mehr als 180 Meter tief ist. „Die größte 

Herausforderung war das schwache Licht“, berichtet Carsten. 

„Ich habe die größten Blitze, die ich finden konnte, 

genutzt und darüber hinaus spezielle Auslöser gebastelt. Das 

Team hat so viel Equipment wie möglich mit in die Höhle 

genommen.“ Carsten Peter hat für Filme von der Innenseite 

eines Vulkans im Südpazifik auch bereits einen Emmy 

Award gewonnen und genießt solche Motivsituationen – auch 

wenn er sich in unmittelbarer Nähe von Lava befindet. „Vulkane 

sind sehr individuell, wie Menschen. Ich habe die Ausbrüche 

des Ätna im Jahr 2000 und 2001 gesehen und diese 

waren sehr unterschiedlich. Es schien so, als ob der Ätna seinen 

Charakter verändert hätte.“ Carsten zufolge sind die vulkanischen 

Gase bei einer solchen Expedition die gefährlichste 

Komponente, da sie gefährlich für Menschen und auch für 

das Equipment sind. „Ich nutze Gasmasken und auch spezielle 

Schutzgläser, da es immer sehr staubig ist und bestimmte 

Säuren die Objektive angreifen können. Das ist mir einmal 

passiert“, erzählt Carsten beiläufig. Die beste Position ist die, 

an der am meisten Wind herrscht. Carsten beobachtet dafür 

aktuelle Windströme und sucht seinen Ort danach aus. 

Sobald Magma durch die Luft wirbelt, ist es laut Carsten das 

Beste, an Ort und Stelle zu bleiben. Viel sinnvoller, als dem 

lanDScHaFtSFOtOGraFIE 107

techniken 

aFrikahöhLe 

„die höhle befindet sich circa 300 meter 

über dem Boden. der einzige Weg, dorthin 

zu gelangen, war Freeclimbing. aufgrund 

des brüchigen Steins war es sehr schwierig, 

festen halt zu finden. es hat über eine Stunde 

gedauert, dort hochzukommen.“ 

Bilddetails: canon eOS 5d mark ii mit 24–70 

mm F2.8L, 40 mm, F22, 1/40 Sek. iSO 50 

© Marco Ryan 

Wie Sie die hitze überleben Marco Ryans Top-Tipps 

GOLdene Stunde 

Wenn die Sonne in der Goldenen 

Stunde bei Morgen- oder Abenddämmerung 

tief steht, sorgt sie für warme 

Farbtöne, lange Schatten und wenige 

Details. Fotografieren Sie in dieser Zeit, 

um mehr Tiefe und einen weicheren 

Farbtonbereich zu erhalten. 

näher kOmmen 

Ein Weitwinkelobjektiv führt dazu, dass 

Sie sich Ihrem Motiv stark nähern müssen, 

was zu einer kreativen Wirkung führen 

kann. Beispielsweise wird das Zusammensetzungsverhältnis 

von Linien 

und Mustern überhöht dargestellt, 

wodurch ein Bild große Wirkung erzielt. 

raW-hiGhLiGhtS 

Wenn Sie im RAW-Format fotografieren, 

sollten Sie immer entsprechend der 

Bild-Highlights belichten, da diese über 

wesentlich mehr Details als Schatten 

verfügen. Überprüfen Sie stets das Histogramm 

und verlassen Sie sich nicht 

nur auf die Bildanzeige, bei der das Bild 

teilweise schon verarbeitet wurde. 

neBeL und Licht 

Manchmal sind Nebel, Sand oder 

Rauch Ihre Freunde, da Sie helfen, 

das Licht und seine Herkunft gut 

darzustellen. Suchen Sie nach 

Motiven, bei denen Nebel oder Rauch 

durch Bewegung aufgewirbelt wird, 

und nutzen Sie diese Situation, um 

Lichtstrahlen einzufangen. Dadurch 

erhält Ihr Bild Gewicht und einen Hauch 

Bewegung. Das ist meist zu Beginn und 

zum Ende eines Tages effektiv einzusetzen, 

wenn das Licht weicher ist. 

© Marco Ryan 

Instinkt zu folgen und zu fliehen, ist es, die fliegenden Magma-Klumpen 

und deren Flugbahnen im Auge zu behalten 

und unter Umständen auszuweichen. Ein anderer Fotograf, 

der mit Bildern von speienden Vulkanen großen Erfolg hat, 

ist Brad Lewis. Seine Bilder waren schon auf den Titelblättern 

zahlreicher Magazine zu sehen. Brad lebt auf dem Gipfel des 

Kilauea-Vulkans in Hawaii. Mit mehr als 20 Jahren Erfahrung 

ist Brad von der unerbittlichen Entwicklung der Digitalfotografie 

angespornt. „Wenn ich etwas sehe, was es meiner 

Ansicht nach wert ist, die Kamera auszupacken, fotografiere 

ich meist mit der HDR-Technik. Bei den meisten Aufnahmen 

nutze ich die Blendenvorwahl und nehme in diesem Modus 

viele Langzeitbelichtungen auf.“ Brads Bilder finden Sie auf 

seiner Homepage (www.volcanoman.com) – sein Portfolio 

beinhaltet unter anderem Aufnahmen von neonfarbener 

Lava, die in den Ozean stürzt. Doch das Fotografieren solcher 

Naturspektakel hat seinen Preis: „Ich nutze grundsätzlich ein 

Atemschutzgerät, sodass ich keine giftigen Dämpfe einatme. 

Meine Kameras aber werden ganz langsam zerstört …“ Carsten 

und auch Brad nutzen Nikon-Kameras, Brad favorisiert 

eine D3S, Carsten greift meist zur D300 und zur neueren 

D7000. Der Wüstenbewohner Marco Ryan hingegen fotografiert 

mit einem Canon-System, seine Kamera ist die EOS 5D 

Mark II. Er selbst bezeichnet sich als Reisefotograf, hat in 

letzter Zeit aber vermehrt Landschaften an unüblichen und 

unbewohnbaren Orten aufgenommen. „Seit ich in Ägypten 

lebe, habe ich die Weitläufigkeit von verschiedene Wüsten 

erfahren und es wird immer mehr und mehr – vom Great 

Sand Sea an der Grenze zwischen Libyen und Sudan bis hin 

zur Sinai-Wüste an der Grenze zu Israel.“ An einer Location 

trägt Marco immer einen Kopfschutz, Sonnenbrille und ein 

langärmliges Shirt. „Im heißen Sand herumzuwühlen kann 

schmerzen“, warnt Marco. „Auch gute Wanderschuhe sind 

essenziell.“ Um nicht zu dehydrieren, empfiehlt Marco außerdem 

Tee und Wasser statt Kaffee und kohlensäurehaltiger 

Getränke. Aber was ist mit der Kamera? Der feine Sand 

gelangt in jede Ritze und kann das Equipment so leicht 

beschädigen. „Ich entferne den Objektivschutz und die 

Gegenlichtblende nur für die Zeit, in der ich ein Foto aufnehme. 

Am wichtigsten ist es, die richtige Tasche zu haben. Und 

für solche Umgebungen führt kein Weg an einer Think Tank 

Photo vorbei. Meine Objektive und Kamera-Bodys trage ich 

zudem oft an einem modularen Gürtelsystem, durch das ich 

mich frei bewegen kann und mein Equipment zugleich vor 

Sand geschützt ist.“ Um seine Ausstattung zu säubern, hat 

Pemaquid-Leuchtturm, maine, (uSa) 

„Fotografiert während der morgendämmerung nach einer nacht 

mit atlantischen Stürmen. aufgenommen vom Wasserrand. 

Bilddetails: canon eOS 5d mark ii mit 24–70-mm-f2.8L-Objektiv bei 24 

mm und f14, 1/60 Sek., iSO 100 

© Marco Ryan 

108 LandSchaFtSFOtOGraFie

eXtreMe LAndschAften 

nOrdLAnd 

der abseits gelegene stein macht den Bildvordergrund in dieser 

weitläufigen und leeren seelandschaft interessanter. die blauen 

farbtöne vermitteln zum einen das Gefühl von Verlassenheit und zum 

anderen das kalte klima. „die stille und einsamkeit, die beim Arbeiten – 

mehrere Meilen von den nächsten Menschen entfernt – herrscht, macht 

es mir möglich, mich komplett auf meine Arbeit zu konzentrieren“, 

erklärt Anders nymoen. 

Bilddetails: nikon d2X mit 10 mm, f14, 1.6s, isO 100 

© Bjørn Anders Nymoen 

Marco einen Giotto Air Blower und eine Objektivreinigungsflüssigkeit 

immer dabei. Nicht fehlen dürfen natürlich mehrere 

aufgeladene Akkus. Darüber hinaus nutzt Marco eine App 

namens LightTrac auf seinem iPad: „Die App zeigt mir Satellitenbilder 

von meinen Locations, und zwar vom Morgengrauen 

bis zur Abenddämmerung. Das hilft mir, Winkel, Perspektiven 

und die optimale Aufnahmezeit zu planen.“ Da in 

Wüsten viele tödliche Insekten wie Spinnen und Skorpione 

leben, prüft der Fotograf jeden Morgen seine Schuhe auf 

Löcher und recherchiert im Voraus, was im Falle eines Bisses 

zu tun ist. „Die Wüste ist voller Überraschungen, die immer 

unerwartet auftreten“, warnt Marco. „Begeben Sie sich nur 

mit einem Ortskundigen in solche Gebiete, der auch die dortige 

Sprache spricht. Darüber hinaus habe ich immer das Dreifache 

an Verpflegung, Medizintasche, Schlafsack, Zelt und 

spezielle Decken dabei.“ Marco zufolge liegt der Schlüssel 

zur Landschaftsfotografie zu 90 Prozent in der Vorbereitung 

und zu 10 Prozent im Glück. Den Auslöser zu drücken ist der 

einzige einfache Teil. Marco nutzt, wann immer es geht, ein 

Dreibein-Stativ. Dadurch hat er Zeit, die Landschaft in sich 

aufzunehmen und eine Idee zu entwickeln. „Das Stativ ist 

außerdem für die Stabilität förderlich, so kann ich beispielsweise 

den bestmöglichen ISO-Wert (bei mir ISO 50) nutzen 

und muss mir keine Sorgen um längere Verschlusszeiten 

machen. Mit einer Spiegelvorauslösung und einem Fernauslöser 

verhindern Sie Vibrationen der Kamera, die – auch bei 

Verwendung eines Stativs – zu verwackelten Resultaten führen 

können. Sollten Sie keinen Fernauslöser haben, arbeiten 

Sie am besten mit dem Selbstauslöser.“ Bei der Komposition 

verfolgt Marco typische Regeln: den Blick des Betrachters 

durch klare Linien lenken; nach interessanten Texturen Ausschau 

halten. Viele seiner Bilder verdeutlichen sein Auge für 

das Ungewöhnliche; ein Bild zeigt beispielsweise einen Höhleneingang, 

der die Form von Afrika hat. „Die Höhle war 

ungefähr 300 Meter über der nächsten erreichbaren Plattform 

gelegen. Die einzige Möglichkeit, dorthin zu gelangen, war 

© Bjørn Anders Nymoen 

Freeclimbing. Da das Gestein brüchig war, war es schwierig, 

festen Halt zu finden. Ich habe dafür fast zwei Stunden 

gebraucht und hatte diverse Schwierigkeiten: Meine Füße 

sind mehrmals abgerutscht und meine Kameratasche ist 

gegen den Felsen gestoßen. Da überlegt man sich zweimal, 

was man gerade tut.“ Während Marco in heißen Gebieten 

unterwegs ist, bevorzugen andere Fotografen eisige Regionen. 

Bjorn Anders Nymoen lebt auf Spitzbergen, zusammen mit 

Gletschern und Eisbären. Bei der Bildgestaltung hört Bjorn oft 

klassische Musik: „Ich glaube, Musik ist für mich wichtiger 

als für die meisten anderen Fotografen.“ Dadurch, dass er sich 

oft nur auf das Fotografieren und die Musik konzentriert, ist 

er schon in gefährliche Situationen geraten. „Einmal habe ich 

Arktische 

LAndschAft 

dieser große eisberg, fotografiert 

an der Ostküste 

von svalbard, wirkt in einer 

schwarz-Weiß-Umsetzung 

noch dramatischer. „Mich 

fasziniert die tatsache, 

dass ich 100 Bilder vom 

gleichen Motiv aufnehme, 

und letzten endes nur 

einen favoriten habe. Alle 

anderen Bilder lösche ich“, 

erzählt der fotograf. 

Bilddetails: nikon f4e, 20 

mm, f2.8, isO 400 

LAndschAftsfOtOGrAfie 109

TeCHnIKen 

© Ian Robbins 

eine Landschaft zusammen mit Eisbären fotografiert, mich 

dabei aber so auf die Bildkomposition konzentriert, dass ich 

die Eisbären ganz vergaß. Einer hat mich daraufhin angegriffen 

und seinen Angriff nur abgebrochen, weil ich im letzten 

Moment von der Kamera hochgeschaut habe. Ich liebe das 

dazugehörige Bild, weil es eine Story erzählt, die glücklicherweise 

noch gut ausgegangen ist. Da Bjorn derzeit ein 

Time-Lapse-Projekt koordiniert, lernt er zahlreiche Landschaften 

von Norwegen kennen. Bei einem Time-Lapse-Film 

werden viele Einzelbilder vom gleichen Motiv aneinandergefügt 

und mit erhöhter Geschwindigkeit abgespielt. „Im Mai 

werde ich sieben Tage lang in einem Segelboot zwischen Norwegen 

und Spitzbergen sein. Mich erwarten dort Wale, eine 

raue See und viel Eis.“ Bjorn will Wollkleidung tragen, die 

einen auch unter nassen Bedingungen warm hält: „Wasserdichte 

Kleidung und warme Stiefel sind auch sehr wichtig – 

sobald die Füße anfangen, zu frieren, friert bald der ganze 

Körper.“ Fotograf und Tour-Führer Ian Robins lebt ebenfalls 

in Norwegen, Vesterålen: „Bei Dunkelheit, Temperaturen von 

minus 10 Grad und rauen Winden einen Berg zu besteigen, 

klingt extrem – doch es ist nur extrem, wenn man nicht gut 

genug vorbereitet ist.“ Einmal, erinnert sich Ian, haben sich 

die Polarlichter noch vor der Nacht gezeigt, weswegen er mit 

seiner Kamera samt Stativ schnell einen Berg bestieg. „Ich 

hatte nicht genug Schichten Kleidung an und der Schweiß 

vom Bergaufstieg hatte einen kühlenden Effekt. Schon bei 

einer leichten Brise nimmt die Körpertemperatur so rapide ab, 

ohne dass man merkt, was passiert, bis es schon zu spät ist.“ 

Mit seiner Fotografie möchte Ian auf seltene und unberührte 

Schönheiten der Natur aufmerksam machen. Adler, Otter und 

Robben können in endlosen Landschaften fotografiert wer- 

rundwanderung 

„dieses Foto zeigt die umgebung unserer unterbringung (die 

kleine Häusergruppe, die oberhalb der kleineren Spitze zu sehen ist). die 

herbstlichen Farben machen sich hier bestens. Ich habe diesen Spaziergang 

mit meiner Freundin gemacht, die für dieses Bild ihre Höhenangst 

überwunden hat – respekt!“ 

Bilddetails: nikon d300 mit Tokina 12–24 mm, 24 mm, f9, 1/200 Sek., ISO 200 

wie Sie die Kälte überleben 

Darwin Wiggetts Top-Tipps 

Darwin Wiggetts Tipps finden Sie 

auch auf www.darwinwigget.com 

oder seinem Blog darwinwiggett. 

wordpress.com. Er ist kanadischer 

Fotograf und Autor von elf Fotografiebüchern. 

Da Kanadier die Hälfte 

des Jahres in winterlichen Bedingungen 

leben, hat er sich im Laufe 

der Zeit auf Bilder mit winterlichen 

Szenen spezialisiert. 

1 Kleidungsschichten 

Ziehen Sie mehrere Schichten Kleidung an, sodass Sie während 

einer Wanderung mit dem Equipment Schichten ablegen und 

– sobald Sie frieren – wieder anziehen können. 

2 Vermeiden Sie Metall: 

Ich wickle meine Stativbeine immer mit Stoff ein, sodass meine 

Hände nicht die Kälte des Metalls annehmen. 

3 Backups 

Wenn der Akku kalt wird, reagiert die Kamera langsamer. Nehmen 

Sie deshalb Ersatzakkus mit, die Sie nahe am Körper tragen. 

„Schon durch einen kleinen Windstoß 

kann dein Körper rapide abkühlen.“ 

110 landSCHaFTSFOTOgraFIe

extreMe lanDSCHaften 

Unterer WaterfoWl-See, 

nationalpark Banff, alBerta 

„ich habe mein kanu mit meinem auto stabilisiert, 

um eine Stütze für ein Bild des Sonnenuntergangs 

am Waterfowl-See zu haben. Glücklicherweise sind 

auch einige verwirbelte Wolken aufgezogen, die einen 

schönen akzent setzen. ich habe für die Bilder mein 

24-mm-tilt-Shift-objektiv genutzt und insgesamt 

zwei aufnahmen angefertigt. Beim ersten Bild habe 

ich die kamera auf den Himmel und die Berge gerichtet, 

beim zweiten Bild auf das kanu und die reflektion.“ 

Bilddetails: Canon eoS-1Ds Mark ii mit Canon tS-e 

24 mm f3.5l, f13, 1.3 Sek., iSo 100 

© Darwin Wiggett 

lanDSCHaftSfotoGrafie 111

techniken 

Ausrüstungs- 

Guide 

Damit ist manches 

weniger extrem. 

© Tony Bynum 

Blitz-Auslöser 

Empfohlen: 

Lightning Trigger TM 

Preis: ca. €300 

Website: www. 

lightning 

trigger.com 

Mithilfe des 

Lightning Triggers ist es einfach, 

eines der dynamischsten 

Naturspektakel zu jeder Tageszeit 

aufzunehmen. Der 

Lightning Trigger ist mit mehr 

als 150 Kameramodellen kompatibel. 

Wetterfeste Jacke 

Empfohlen: 

M’s Mentor Jacket TM 

Price: ca. € 400 

Website: 

outdoorresearch.com 

Ein umfassender 

Schutz vor 

Stürmen ist bei 

Bergtouren ein 

Muss. Die Gore- 

Tex-Jacke von 

Outdoor Research 

bietet neben einem 

Abnutzungsschutz auch eine 

helmkompatible Mütze. Seitliche 

Reißverschlüsse sorgen 

bei Bedarf für Durchlüftung. 

„Das Wichtigste für einen Landschaftsfotografen 

ist Vorbereitung und Übung.“ 

Die UnberührbAren 

„Zwei bergziegen bewundern von einer klippe aus ihr Domizil im 

östlichen Gebiet des Glacier national Park.“ 

Bilddetails: nikon D300 mit 70–200 mm F2.8, 70 mm, F11, 1/250 Sek. 

© Tony Bynum 

Hüftgurt 

Empfohlen: 

Pro Speed Belt 


Website: thinktankphoto.com 

Befestigen 

Sie Ihre 

DSLR und 

Zubehör an 

einem voll gepolsterten Hüftgurt. 

Der Pro Speed Belt ist 

komfortabel, er lässt sich beispielsweise 

drehen, um das 

Gewicht zu verlagern. 

Staubentferner 

Empfohlen: Artic Butterfly 724 

(Super Bright) 


Website: www.visibledust.com 

Durch das sich drehende Gerät 

ist die Staubentfernung sehr 

einfach, die integrierte 

LED des Artic Butterfly 

724 (Super Bright) 

erleichtert zudem das 

Aufspüren von Staub 

erheblich. 

LAke McDonALD, GLAcier nAtionAL PArk 

„Dickes eis auf dem Lake McDonald im Glacier national Park 

zeigt das Muster des gefrorenen Wassers nahe dem Ufer eines ebenso 

gefrorenen Sees.“ 

Bilddetails: nikon D300 mit 12–24 mm, 12 mm, F16, 1/30 Sek. 

den – Ian befürchtet jedoch, dass diese Umwelt in Gefahr ist. 

„Hier wurde Öl gefunden. Vesterålen ist eine der letzten großen, 

paradiesischen Locations in Europa und sie wird 

womöglich zerstört.“ Ians Bilder enthalten die beeindruckende 

Ästhetik der Arktis, indem sie ein genaues Bild davon 

zeichnen, was der Fotograf im Moment des Auslösens gesehen 

hat. „Die Bewegung des Wetters, den von der Sonne 

beleuchteten Schnee oder auch simpler Regen geben tolle 

Motive ab.“ Zum Morgengrauen und zur Abenddämmerung 

sind viele Fotografen unterwegs und das ist auch bei den 

Extrem-Fotografen nicht anders. Darwin Wiggett ist einer 

der bekanntesten Fotografen Kanadas und campt oft an seiner 

Location, um frühmorgens magische Momente einzufangen. 

„Ich schnappe mir ein paar Energieriegel zum Frühstück 

und rolle mich noch vor dem Morgengrauen aus meinem 

Schlafsack. Nach dem Shoot gehe ich wandern oder 

fahre an andere Plätze, um einen guten Ort für den Sonnenuntergang 

zu finden.“ Darüber hinaus experimentiert er viel 

in der Nacht, wenn er mithilfe einer Taschenlampe Striche in 

die Landschaften zeichnet. „Ich greife auch oft auf 

Tilt-Shift-Objektive zurück, um die Perspektive und die 

Schärfentiefe zu kontrollieren.“ Darüber hinaus kommen bei 

Darwin polarisierende und ND-Filter zum Einsatz, um den 

hohen Kontrast bei Schneebildern zu bändigen. „Für eine 

hohe Schärfentiefe fotografiere ich fast ausschließlich im 

Blendenvorwahl-Modus. Bei Bedarf passe ich dann die 

Belichtung an, um das bestmögliche Histogramm-Ergebnis 

zu erhalten. Zur Landschaftsfotografie gehört schließlich 

mehr als die Auswahl von Blende und Verschlusszeit.“ Die 

Schlüsselkompetenzen für einen erfolgreichen Landschaftsfotografen 

sind zum einen Vorbereitung und zum anderen 

Übung. Es ist wichtig, im Morgengrauen zu fotografieren 

und erst spät in der Nacht die Kamera das letzte Mal für diesen 

Tag einzupacken. Tony Bynum, Fotograf vom East Glacier 

Park in Montana hat noch praktische Tipps: „Fotografen 

sollten sich mit ihrer Kamera und deren Funktionen auskennen. 

Sie sollten sie so gut kennen wie Tiger Woods seine 

Golfschläger oder David Beckham seinen Fußball. Wenn Sie 

das können, sind Sie auf einem guten Weg, durchweg tolle 

Bilder zu fotografieren.“ 

112 LAnDSchAFtSFotoGrAFie

ExtREmE LAnDSChAFtEn 


Atemberaubende Landschaften 

für eigene Ideen 

ALEx ALCAntARA 

„Dieses Foto habe ich während einer Reise 

nach Luzern, Schweiz aufgenommen. Ich 

habe speziell dieses Bild ausgewählt, weil 

es die natur so toll darstellt. Ich mag die 

Art und Weise, auf die der hang ins Bild 

integriert ist; er durchbricht die Ruhe der 

übrigen umgebung. Das timing hat glücklicherweise 

genau gestimmt, sodass das Bild 

einen tollen Kontrast und eine gelungene 

Farbintensität aufweist.“ 

Bilddetails: nikon D3000 mit 18–55 mm, 

55 mm, F18, 1/2000 Sek., ISo 400. 

Galerie: www.dphotographer.co.uk/user/ 

trigger_man 

© Alex Alcantara 

© Mark Sykes 

mARK SyKES 

„objektiv gesehen ist das eigentlich keine höhle – es wirkt jedoch wie eine sehr 

enge höhle ohne Dach. Dieses Foto zeigt den Eingang davon. Das Innere des Canyons ist 

sehr schmal und die engen Windungen sorgen dafür, dass an manchen Stellen nur eine 

Person zur gleichen Zeit durch kann.“ 

Bilddetails: nikon D700 mit 24–70 mm, 50 mm, F8, 1/250 Sek., ISo 200. 

Galerie: www.dphotographer.co.uk/user/mark Sykes 

© Ron Sutton 

© Christian Lim 

Ron Sutton 

„Dieses Bild habe ich am Chuzenji-See in 

Japan aufgenommen. Das war mein erster 

Spaziergang mit einer DSLR, die temperatur lag bei 

minus zehn Grad Celsius. Ein 50 Kilometer schneller 

Sturm hat zudem Dunst an den Bäume gefrieren 

lassen, der Boden war mit solidem Eis überzogen. Ich 

habe mich so positioniert, dass ich das Gegenlicht 

durch die Bäume nutzen konnte.“ 

Bilddetails: Sony A100 mit 18–70 mm, F10, 

1/80 Sek., ISo 100 

Galerie: www.dphotographer.co.uk/user/RonSutton 

ChRIStIAn LIm 

„Ein Panoramafoto von einigen Bergen in 

Dingalan, Philippinen. Die Wellen bewegten 

sich schnell und auch an meiner erhöht gewählten 

Position war ich nicht komplett sicher. Ich habe 

nach einem Aufnahmewinkel gesucht, bei dem es so 

aussieht, als ob das Wasser in die Wolken übergeht. 

Auf dem Bild wirkt es, als ob das tobende Wasser aus 

den Bergen kommt.“ 

Bilddetails: Canon EoS 5D mark II mit 17–40 mm, 17 

mm, F11, 0,5 Sek., ISo 200 

Galerie: www.dphotographer.co.uk/user/ctlim76 

LAnDSChAFtSFotoGRAFIE 113

Das große Buch der Landschaftsfotografie 

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