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modern artists
STRICTLY CONTEMPORARY
modern präsentiert bis zum 17. April 2010 neue Arbeiten von Künstlern, die die Besucher von modern in der
Vergangenheit begeisterten sowie bemerkenswerte neue Künstler.
… mit Arbeiten von
• Josep Bofill
• Jan Davidoff
• John Gerrard
• Davide LaRocca
• Harding Meyer
• Matthias Meyer
• Yigal Ozeri
• Julio Rondo
Di - Fr 16 - 19 Uhr
Sa 12 - 15 Uhr
und nach Vereinbarung
• Salustiano
• Masaharu Sato
• Martin Schnur
• David Smyth
• Hans Staudacher
• Thomas Stimm
• Andy Warhol
• Kate Waters
• Michael Wolf

JOSEP BOFILL
Biographische Daten 1942 geboren in Barcelona.
1958 Beginn des Studiums an der Escuela de Artes y
Oficios.
Der Künstler lebt und arbeitet in Barcelona, Spanien.
Kontext der Arbeiten In der Krippenwerkstatt seines Großvaters lernte Josep
Bofill schon früh mit den unterschiedlichen Materialien
umzugehen. Dieser Einfluss ist auch in seinem Werk
unschwer zu erkennen: Seine Plastiken und Skulpturen
sind aus Stein, Eisen, Gips, Holz oder Bronze und
faszinieren den Betrachter durch ihre Präzision und
Perfektion.
Ausstellungen
(Auswahl)
In den Arbeiten Bofills steht stets der Mensch im
Vordergrund, der überwiegend in den Kontext
sozialkritischer Themen der heutigen Zeit gesetzt wird.
Zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland haben Josep
Bofill weit über die Grenzen Europas bekannt gemacht.
2006 Absolute Art, Knokke, Belgien.
Galerie Liehrmann, Liège, Belgien.
Galerie de l’Olympe, Perpignan, Frankreich.
Kunstrai 2006, amb Galerie Anderwereld/Katuin,
Amsterdam, Niederlande.
AB, Galeria d’Art, Granollers, Barcelona, Spanien.
“Sculptures Monumentales” Campo Santo et
Funéraria Perpignan, Frankreich.
2005 Het Cleyne Huys, Den Haag, Niederlande.
Group exhibition in the Solterra Palace of Torroella
de Montgrí, Girona, Spanien.
VDK Art Gallery, Brussels, Belgien.
Special guest to “Bipolar Disorder”, in
Coldcreation, Barcelona, Spanien.
2004 PAN Amsterdam, with Galerie Hüsstege,
Amsterdam, Niederlande.
“Homage to Pessoa”, group exhibition in Galerie
Anderwereld/Katuin, Groningen, Niederlande.
Coldcreation, Barcelona, Spanien.
“Boulevard des Sculptures”, Kijkduin, Niederland
JOSEP BOFILL
Galerie de l’Olympe, Perpignan, Frankreich.
Art 4, Galerie de l’Olympe, Perpignan, Frankreich.
COFA-Claire Oliver Fine Art, New York, USA.
Galerie Anderwereld/Katuin, Groningen,
Niederlande
2003 Group exhibition in Claire Oliver Fine Art, New
York, USA.
PAN Amsterdam, with Galerie Hüsstege,
Amsterdam, Niederlande.
“Exposiçâo Desenho 1983-2003”, Centro de Arte
Contemporânea, Casa da Cerca, Almada,
Portugal.
Group exhibition with Polígrafa, from Barcelona in
ARCO, Madrid, Spanien.
2002 “La Realidad y el Deseo”, group exhibition in
honour to the poet Luís Cernuda, Galeria d’Art
Òpera, Sitges, Spanien.
Galería Mário Sequeira, Braga, Portugal.
“Light is Life”, group exhibition in “Arte Santander”,
Santander, Spanien.
2001 Galerie d’Art La Tour des Cardinaux, Marseille,
Frankreich.
Group exhibition in honour to the cinema director
Luis Buñuel, “L’age d’Or”,Museo de Calanda,
Teruel, Spanien.
Galería Dos Coimbras, Braga, Portugal.
2000 Art Paris 2000, with Galerie d’Art La Tour des
Cardinaux, París, Frankreich.
Centro de Arte Contemporáneo, Casa Da Cerca
en Almada, Lisboa, Portugal.
“Maneu” Galeria d´Art , Palma Mallorca, Spanien
Arte Fiera 2000 with Gallery Pari & Dispari from
Reggio Emilia, Bologna, Italy.
1999 Galería Dos Coimbras, Braga, Portugal.
“The End of the Beginning”. Group exhibition in
Galeria d’Art Horizon, Colera, Girona, Spanien.
1998 AB Galeria d’Art, Granollers, Barcelona, Spanien.
Galerie La Tour des Cardinaux, L’Isle–sur-la-
Sorgue, Frankreich.
Galería Cuatro Diecisiete, Madrid, Spanien.
1997 Kwai Fung Hin Art Gallery, Hong Kong, China.
Feria de Lisboa, con Galería Mário Sequeira de
Braga, Lisboa, Portugal.
Galeria d’Art Arcadi Calzada, Olot, Girona,
Spanien.
1996 Galería Mário Sequeira, Braga, Portugal.
Festival d’Avignon, amb Galerie La Tour des
Cardinaux, Frankreich.
Auszeichnungen 1982 Ausgezeichnet vom “Cercle Artístic de Sant Lluc”,
Barcelona
2001 International Contemporary Art Award von Monte-
Carlo

JAN DAVIDOFF
Biographische Daten 1976 Geboren in Norden
1998-2000 Fachoberschule für Gestaltung - München
2000-2001 Fachhochschule für Architektur - München
2002-2008 Akademie der Bildenden Künste München,
Studium der Malerei bei Prof. Förg
Studienaufenthalte und Reisen:
2006-2007 Hamburg
2000-2008 Studienreisen in Amerika, Afrika, China,
Indien,Thailand
Der Künstler lebt und arbeitet in München.
Kontext der Arbeiten Jan Davidoffs Inspiration für seine Arbeiten ist die
Faszination, die ihm immer wieder neue Sujets liefert und
unterschiedlichste Quellen haben kann: Menschen in ihrem
Umfeld, Situationen oder auch Gegenstände. Dabei geht er
aber nicht auf die Suche nach Sensationen, sondern
interessiert sich viel mehr für das Gegenteil. Alltägliches,
das scheinbar unbedeutend ist, aber immer auch
Besonderes in sich birgt, weckt sein Interesse und Neugier
und wird zum Motiv einer seiner Arbeiten. Diese sind
jedoch weit davon entfernt, bloßen Banalitäten einen Auftritt
zu schenken: jegliche Banalität wird den Motiven
genommen, indem sie zentrale Momente aufdecken, in den
Fokus rücken und festhalten.
Das Typische an jeder einzelnen Alltagsszene evoziert das
Erinnerungsvermögen des Betrachters, bis sie/er ihre ganz
persönlich gelebte Szene vor Augen hat. Das konkrete wo
spielt dabei keine Rolle, der Mechanismus der Erinnerung
ist das Faszinierende. Jan Davidoff reduziert diese zum Teil
überfordernden Gesamteindrücke auf ein Minimum –
inhaltlich wie formal. Was bleibt sind aus zahlreichen
Lasurschichten zusammengetragene fast scherenschnittartige
Konzentrate auf das Wesentliche.
Davidoff arbeitet zudem an Szenenbildern für TV, Theater
und Kino.
Als Künstlertipp von WELTKUNST steht er gerade am
Anfang einer viel versprechenden Entwicklung.
JAN DAVIDOFF
Ausstellungen 2009 Frankfurter Kunstkabinett - „Architekturen“ -
Frankfurt
Aando fine art - „ glare“ - Berlin
Galerie Maurer - Frankfurt
Galerie Schöneck - Basel- Riehen /
Schweiz
Galerie Terminus - „Crossing“- München
2008 Galerie artMbassy - „Künstler der Galerie“ -
Berlin
Galerie Biedermann - Künstler der Galerie -
München
Galerie Maurer - „black ‘n‘ gold“ - Frankfurt
Galerie Maurer - “One Artist Show“ - Art
Karlsruhe
2007 Galerie Biedermann - München
Galerie Maurer „way in way out“ - Frankfurt
M.O.M.A. Eidelstedt - Hamburg
Allianz/Mondial - München
Schütz und Staby - München
2006 Galerie artMbassy - Rom
Sammlung Stankiewicz - Burg Raabs
Österreich
Galerie 18 m “Terminal 2” - Berlin
2005 Msf Kunstverein Freising “Line up“
Auswärtiges Amt “Virtuelle Galerie“ - Berlin
Rodenstock - München
2004 Hotel Maritim “Auktion“ - Köln
Bundesgartenschau „evergreen“ - München
2003 Galerie Thomas - Art Cologne - Köln
Galerie Thomas - Kunstmesse München
Säulenhalle Landsberg am Lech
Adac Skulpturen zum 50. Jubiläum
Förderpreis der Bayrischen Landeszentrale
für neue Medien
Förderpreis Adac
1998 Eröffnung der Kulisse Waschbar –
München
Auszeichnungen
2003 Förderpreis der Bayrischen Landeszentrale für
neue Medien
2003 Förderpreis ADAC

HADRIEN DUSSOIX
Biographische Daten 1975 geboren in der Schweiz
1996-99 Diplom an der Ecole Supérieure des Arts
Appliqués (communication visuelle), Genf
2000-03 Diplom an der ’Ecole Supérieure des Beaux-Arts,
Genf
Der Künstler lebt und arbeitet in der Nähe von Genf.
Kontext der Arbeit Inspirationsquellen für die Kunst des Schweizer Künstlers
Hadrien Dussoix sind Pop und Punk, urbane Street Art
sowie afrikanische Kunst.
In seiner Malerei setzt sich Dussoix mit Grenzen,
Widersprüchen und Poesie auseinander, indem er aus
seiner Umwelt, Film und Fernsehen plakative Sätze mit
aussagekräftigem, provozierendem und lyrischem Gehalt
aufschnappt und verarbeitet. Großflächige
Buchstabenformationen über die gesamte Größe der
Leinwand werden zum autonomen Hauptsujet und gehen
über den reinen Wortgehalt hinaus.
Durch die Materialität der zu Schrift gewordenen Malerei
aus Lack, in der sich der Betrachter widergespiegelt sieht,
nimmt das Werk den Dialog mit dem Betrachter auf und
macht diesen damit zum Teil seiner selbst.
Ausstellungen 2009 The Word Is Mine, Lange&Pult, Zürich
Bologna Art First, Lange&Pult
2008 Ich möchte ein Eisbär sein, Forde, Genf
Bourses Lissignols, Centre d'art contemporain,
Genf
Blackout, art en île, Genf
Artcologne08, Projektraum, Wien
Wienfair08, Projektraum, Wien
2007 Laurin, with Andreas Döbler, Zürich
Sonicdays, Fri-Art, Fribourg
Artcologne, Projektraum, Wien
Wienfair, Projektraum Wien
Une saison suisse, Arras, France
Punks in the Beerlight, Fribourg
HADRIEN DUSSOIX
Auszeichnungen 2008 Swiss Art Award
2006 Palais de l'Athénée, Genf
Artcologne, Projektraum, Wien
Wienfair, Projektraum, Wien
Swiss Art Awards, Bâle
Peinture à perte de vue, Belgrad, Serbien
Hadrien Dussoix, Galerie Une, Neuchâtel
2005 FIAC, galerie une, Paris
Bourses Lissignols, Centre d'art contemporain,
Genf
Swiss Art Awards, Bâle
Galerie Basta, Lausanne
2004 Kunst Zürich, Galerie Une, Zürich
hide your ugly face, l’Etage, Genf
sticky story, Duplex, Genf
designare, IUFM, Lyon
flon street painting, Le Flon, Lausanne
jet d’eau, Palazzo, Liesta
Lasko, CAN, Neuchâtel
Hadrien Dussoix - Christian Robert- Tissot, Galerie
Une, Neuchâtel
à suivre, Les Halles, Porrentruy
hide your ugly face, Cube Jaune, Genf
view from hotel, Galerie Artone, Zürich
2003 cowboys and kisses, Kunstpanorama, Luzern
für dich, BH9, Genf
ich weiss was du diesen Sommer gemalt hast,
Kunstpanorama, Luzern
objectif une, Galerie Une, Neuchâtel
2007 Swiss Art Award
2006 Swiss Art Award

JOHN GERRARD
Biographische Daten 1974 geboren in Dublin, Irland
1994-1997 BFA Sculpture, The Ruskin School of Fine
Art and Drawing, Oxford University, Oxford
1998-2000 MFA The School of the Art Institute of
Chicago, Chicago, USA
2000-2001 MSc Trinity College, Dublin, Irland
Der Künstler lebt und arbeitet in Dublin (Irland) und Wien
(Österreich)
Kontext der Arbeiten Schon während seiner Zeit an der Ruskin School of Fine
Art and Drawing in Oxford machte Gerrard seine ersten
Experimente mit mit 3D-Scans als Form skulpturaler
Photographie. Im Rahmen seines Stipendien-Aufenthaltes
2002 entwickelte er dann seine erste 3D-Arbeit in Echtzeit.
Ausstellungen
(Auswahl)
2006 entdeckte der Künstler ein einzelnes Archivbild der
nordamerikanischen Dust Bowl, welches ihn ab diesem
Zeitpunkt zu vielen seiner Recherchen angeregt hat.
Gerrards Meisterhaftigkeit in dem neuen Medium der 3D-
Animation in Echtzeit realisiert sich unzweifelhaft in der
Fähigkeit seiner Arbeiten, sofort ihre eigene Natur hinter
sich zu lassen. Die Kombination des Zeit-Faktors mit
zufälligen Begebenheiten und nicht vorstellbarer Dauer
verleiht seinen arbeiten einen futuristischen Hauch.
Die Einflussnahme des Betrachters durch Bewegen der
Arbeiten in deren augenblickliche Ausgestaltung ist
einzigartig und beeindruckend.
In seinen neuesten Arbeiten aus der Reihe “Grow Finish
Unit“ und „Oil Stick Work“ bezieht sich Gerrard auch auf die
Photographie von Bernd und Hilla Becher.
2009 Animated Scene, 53. Biennale von
Venedig, Isola di Certosa
Oil Stick Work, Simon Preston Gallery,
New York
JOHN GERRARD
2008 John Gerrard / Joy Gerrard, Temple Bar
Gallery and studios, Dublin, Irland
2007 Dark Portraits, Hilger Contemporary, Wien
2003 New Work, The Gallery of Photography,
Dublin, Irland
2000 30 Seconds of Desire, Zolla Lieberman
Gallery, Chicago, ILL
2008 Academia, La Chapelle de l’Ecole des
Beaux-Arts, Paris, Frankreich
10,000 to 50, Irish Museum of Modern Art,
Dublin, Irland
On a Clear Day You Can See Forever,
Hilger Contemporary, Wien, Österreich
Into the Ether, Bryce Wolkowitz Gallery, New York
2007 Are We There Yet, Elizabeth Foundation
Gallery, NY
Singing the Real, Iziko-SA National Gallery,
Kapstadt, Südafrika
Equal, That Is, To The Real Itself, curated by
Linda Norden, Marian Goodman Gallery,
New York, NY
Landscapism, curated by Joseph Wolin,
The Islip Art Museum, East Islip, NY
2006 Digital Tales, Centro Galego de Arte
Contemporáneo de Santiago de
Compostela, Spanien
Heavy Light, Quint Contemporary, California
4th Seoul International Media Art Biennale, Seoul
Code Blue, Millenium Art Museum, Beijing, China
2005 Climax, National Taiwan Museum of Fine
Arts, Taichung, Taiwan
Eurojet Futures Anthology, RHA, Dublin, Irland
Bring on the Clones, Vertex List, New York
2004 Liverpool Biennial, Liverpool, UK
Eurojet Futures, RHA, Dublin, Irland
Selections from the New York Digital Salon,
Kendall College of Art Gallery, Michigan
Passage of Mirage, Chelsea Art Museum,
New York
Auszeichnungen 2005 Co-production Award, Banff Centre or the
Arts, Banff, Kanada
2004 Siemens Artist in Residence Award
Irish Arts Council visual Artists Bursary
Projects Award, Irish Arts Council
2003 Irish Arts Council Residency to Banff
Centre for the Arts, Banff, Kanada
Projects Grant, Irish Arts Council
2002 Pepinieres Scholarship
2001 Development Grant, The Gallery of
Photography, Dublin
2000 Irish Arts Council Postgraduate Art
Scolarship

DAVIDE LAROCCA
Biographische Daten
1970 geboren in Catania, Italien
Lebt und arbeitet in Mailand, Italien
Kontext der Arbeiten Davide La Rocca befragt auf die ihm spezifische Weise die
Möglichkeiten der Malerei im Dialog mit den Techniken des
fotografischen, elektronischen und digitalen Bildes.
Tatsächlich materialisiert La Rocca diese an sich
immateriellen Bilder in Gemälden, die im Ganzen oder in
Teilen durch den Farbauftrag eine reliefierte Oberfläche
erhalten, die wiederum zusätzliche Wirkung im Licht des
Ausstellungsraums entfaltet. Wesentlich für seine Bilder ist
der Aufbau aus systematisch aufgetragenen Punkten, die in
ihrer präzisen Diktion an Paul Signac und Georges Seurat
erinnern.
Die Nähe zum Pointillismus, respektive Divisionismus,
resultiert aus dem technischen Verfahren, mit dem La
Rocca Fotografien, Standbilder aus Filmen und Video oder
fotografische Collagen in Malerei überträgt. Ein Teil seiner
Bildvorlagen wird am Computer mit Hilfe eines Programms
gerastert und anschließend von einem Farbbild in ein Bild
mit 20 Graustufen übertragen. Minutiös werden diese
Rasterpunkte in einem aufwändigen Prozess über Wochen
hinweg auf die Leinwand übertragen. In der Nahsicht
erscheint das Bild in der Folge abstrakt, die einzelnen
Bildpunkte sind was sie sind: Bildpunkte.
Erst mit einem gewissen Abstand stellt sich jener vom
Divisionismus aber auch von Fernseh- und
Computerbildschirmen her bekannte Effekt ein, dass sich
die Punkte im Wahrnehmungsprozess von Auge und
Gehirn zu einer bildlichen Gestalt fügen.
Dieses Verfahren entspricht strukturell der Bildauswahl La
Roccas in den Fällen, in denen er auf Standbilder aus
Filmen und Videos zurückgreift. La Rocca stoppt den
kontinuierlichen Fluss der Bilder und untersucht Bild für Bild
hinsichtlich seiner Verwendbarkeit – auch der Film wird
quasi gerastert.
(zitiert aus Strange Objects von Thomas W. Kuhn)
DAVIDE LAROCCA
Ausstellungen 2009 "Collector's Choice II", ZKM Museum für Neue
Kunst, Karlsruhe
2008 "Strange Object", Galerie Voss, Düsseldorf
"VIAGGIO IN ITALIA", Neue Galerie Graz am
Landesmuseum Joanneum
2006 “Faster! Bigger! Better!”, ZKM Karlsruhe
2005 Biennale di Roma (I)
2003 “Schwarzweiß” aus Italien, Galerie Davide Di
Maggio Mudimadue, Berlin
“Futuro italiano”, curated by Lorenzo Canova,
Bruxelles (B)
2002 “Ungenioingenuo", curated by G. Del Vecchio,
Studio d'Arte Cannaviello, Milano
2001 “Exempla, un percorso nella pittura”, Museo
dell’Arredo Contemporaneo, Ravenna (I)
"Nuova Pittura Figurativa", Galerie
A&O+Cannaviello, Berlin
"Il Furore dei Novanta", Kunsthaus Tacheles,
Berlin
2000 MAPP (Museo d’arte Paolo Pini)
"Sguardi a corte", Corte delle Giare, Parma (I)
"15° triennale internazionale d'arte sacra" city of
Celano, L'Aquila, Castello Piccolomini (I)
"3° Convocatoria internacional de jovenas
artistas", Galerìa Luis Adelantado, Valencia, (E)
Publikationen Strange Objects
von Thomas W. Kuhn

HARDING MEYER
Biographische Daten 1964 geboren in Porto Alegre, Brasilien
1987-93 Studium an der Kunstakademie Karlsruhe bei Prof.
Max Kaminski und Prof. Helmut Dorner
1993 Meisterschüler
1999 Helmut-Stober-Preis
Der Künstler lebt und arbeitet in Karlsruhe und Berlin,
Deutschland.
Kontext der Arbeiten Meyers Vorlagen für die Gesichter seiner Bilder stammen
aus der medialen Welt, dem Fernsehen und dem Internet.
So fotografiert der Künstler einzelne Motive vom Bildschirm
ab und nimmt sie als Ausgangspunkt für seine in mehreren
Schichten aufgetragene Malerei. Aus der mehrfachen
medialen Transformation des menschlichen Antlitzes geht
ein typisiertes Abbild hervor. Meyer malt mitunter auch
Menschen aus seiner unmittelbaren Lebenswirklichkeit. In
diesen Fällen werden die Gesichter den Bedingungen der
Vorlagen, die mittels Medientechnologie erstellt wurden und
einen mehrstufigen Prozess des Filmens, Fotografierens,
Schneidens, Speichern etc durchlaufen haben,
angeglichen.
Ein nicht einmal postkartengroßer C-Print, den Meyer vor
Beginn des Malvorgangs anfertigt, dient ihm während des
Malens als Modell. Die zumeist jungen und schönen
Gesichter, die aus Harding Meyers Arbeiten blicken,
erscheinen trotz ihres malerischen Realismus seltsam
unwirklich. Der Betrachter fühlt sich angezogen - die Augen
sind groß, der Mund ideal. Hinzu kommt eine Art Schleier,
der sich in Streifen über die Bilder zieht und eine weitere
Entrückung der Gesichter bewirkt. Gleichzeitig scheinen die
Abgebildeten Distanz zu waren.
Handwerklich folgt Meyer einem über Jahrhunderte
entwickelten, tradierten und variierten Verfahren. In
mehreren Arbeitsgängen werden separate Farbschichten
übereinander gelegt, aus denen am Ende des
Malprozesses ein - scheinbar einheitliches -Bild resultiert.
Die Streifenstrukturen der Bildoberflächen erzeugt Meyer
am Ende des Malvorgangs, indem er die Oberfläche leicht
mit einer Rakel entfernt.
HARDING MEYER
Ausstellungen
(Auswahl)
In diesem Moment ergreift Meyer endgültig von dem
Bildgegenstand Besitz. Denn er zieht der Malerei
metaphorisch gesprochen die Epidermis ab und entledigt
sie gewissermaßen ihrer Äußerlichkeit, indem er eine
tiefere Bildschicht frei legt. Er bewirkt so auch ein
Sichtbarwerden des Materials selbst. Der Illusionismus der
Darstellung wird damit in ein abstraktes Bildobjekt
überführt.
2000 Badischer Kunstverein, Karlsruhe
Galerie Voss, Düsseldorf
2001 Galerie Damasquine & Aeroplastics, Brüssel (B)
Galerie Burger, München
2002 Galerie Voss, Düsseldorf
Galerie für Zeitgenössische Kunst, Krefeld
James Colman Gallery, London (GB)
2003 Galleria Mario Sequeira (zusammen mit Kate
Waters), Braga (P)
2004 „Bildstörung“, Galerie Voss, Düsseldorf (D)
„Face to face“, Galerie Judith Walker,
Weizelsdorf/Rosental
2005 „(in)direct”, Galerie Voss, Düsseldorf
2006 Galerie Jarmuschek & Partner, Berlin
Ober Gallery, Kent (USA)
Galleria Roberta Lietti, Como (I)
2007 Galerie Voss, Düsseldorf Lausberg Contemporary,
Toronto (CAN)
Ober Gallery, Kent (USA)
"Premio Michetti", Museo Michetti, Francavilla
al Mare - Chieti (I)
2008 "New Portraits", Lausberg Contemporary, Toronto
(CAN)
"about-face", Galerie Jarmuschek & Partner, Berlin
2009 "blind date", Galerie Voss, Düsseldorf
Voltashow, Basel (CH)

MATTHIAS MEYER
Biographische Daten 1969 geboren in Göttingen
1991-94 Studium bei Prof. Gerhard Richter,
Kunstakademie Düsseldorf
1994 Ernennung zum Meisterschüler von
Gerhard Richter
1994 April-Juni: Gaststudent in der Abschlussklasse des
Chelsea College of Art, London, England
1994-1995 Studium der Malerei bei Prof. Dieter Krieg,
Kunstakademie Düsseldorf
Lebt und arbeitet in Mülheim an der Ruhr und Neuss.
Kontext der Arbeiten Grundlage der Ideen und Skizzen von Matthias Meyer sind
von ihm auf Reisen selbst gemachte Aufnahmen.
Meyer verwendet in seinen Bildern eine aquarellartige
Technik, die von laufender Farbe und damit auch von
Zufällen bestimmt ist. Dieses Vorgehen lässt ihm kaum
Spielraum für Korrekturen. Die vom Künstler verwendete
Farbpalette ist weder rein noch leuchtend, sondern
reduziert und gedeckt. Durch diese Farbigkeit erschafft
Meyer in seinen Bildern eine melancholische Grundstimmung,
die verhindert, dass man an idyllische Szenerien
erinnert wird, aber die Bilder auch eine kompakte Dichte
gewinnen lässt. Die fließende und schillernde Oberfläche
des Wassers, die er in seinen Malereien thematisierte,
erscheint wie eine Metapher, um über den Vorgang des
Malens, die Beschaffenheit von Bildoberflächen und deren
malerische Tiefe nachzudenken. Die geometrischen
Formen, die als monochrome Farbfelder in die Gesamtkomposition
eingebettet sind, bedeuten einen Bruch in
Meyers Malerei, die ihn von der Figürlichkeit zur Abstraktion
pendeln lässt. Es sind gerade diese Irritationen, die sein
Werk so faszinierend machen. Obwohl die Landschafts-
und Stadtarchitekturbilder durch diese Malweise immer
wieder einen hohen Grad an Abstraktion erhalten, führt sie
erstaunlicherweise nie dazu, dass der Betrachter nicht sehr
genau „zu erkennen vermag“, was dort dargestellt wird.
Diese Spannung zwischen eigentlich abstrakt gemalten
Flächenformen und einem präzise erkennbaren Ort und
Raum macht den besonderen Reiz dieser Bilder aus.
MATTHIAS MEYER
Ausstellungen 2007 Galerie Andreas Binder, München
Gallery Danese, New York
Junge Kunst e.V:, Wolfsburg
2005 Galerie Andreas Binder, München
Galerie Robert Drees, Hannover
2004 Galerie Hof en Huyser, Amsterdam
Galerie Brennecke, Berlin
Galerie Jürgen Kalthoff, Essen
2003 Galerie Andreas Binder, München
Galerija Contra, Koper / Slowenien
Galerie Peter Tedden, Düsseldorf
2002 Galerie Robert Drees, Hannover
Galerie Hof en Huyser, Amsterdam
Galerie Brennecke, Berlin
Galerie Jürgen Kalthoff, Essen (Katalog)
2001 Galerie Peter Tedden, Düsseldorf
Galerie Jürgen Kalthoff, Essen
2000 Galerie Brennecke, Berlin
1999 Galerie Hof en Huyser, Amsterdam (K)
1996-97 Galerie Hof en Huyser, Amsterdam
1995-96 Jasim Gallery, Düsseldorf
1994 Ausstellung Max Ernst Stipendium, Galerie am
Schloß, Brühl
Publikationen 1996 Friedhelm Hütte (Hrsg.), Contemporary Art at
Deutsche Bank London/ Ostfildern: Hatje Cantz
1998 Vlasta Cihakova ? Noshiro (Hrsg.), Sklizen II -
Harvest II, Prag
1999 Kulturstiftung Sparkasse Moers (Hrsg.), Malerei,
Moerser Kunstpreis 1999, Moers
Galerie Hof & Huyser (Hrsg), Matthias Meyer,
Amsterdam
2000 Caroline Denniger-Schreuder, Schilders van
Amsterdam vier eeuwen tadsgezichten,
Amsterdam: Thoth
Auszeichnungen 1995 Preisträger Deutschland, SBC European Art
Competition, Schweizerischer Bankverein, London
1994 Max Ernst Stipendium, Stadt Brühl
1993 Reisestipendium der Gesellschaft von Freunden
und Förderern der Kunstverein, Düsseldorf

YIGAL OZERI
Biographische Daten 1958 geboren in Israel
Lebt und arbeitet in New York
Kontext der Arbeiten Gezeigt werden neue Werke des israelischen Künstlers
Yigal Ozeri. In seinen Ölgemälden und Zeichnungen malt
Yigal Ozeri junge Frauen oder Paare umrahmt von
Landschaften. Zurück zur Romantik? „I´m not afraid of the
word romanticism. This is what I bring back to the art world.
The art world is so full of violence, of death, of disgusting
stuff and I […] I show people living in nature without malice,
people who need nothing besides love […].”
Die Malerei zeigt einen fassbaren Realismus, der nicht
selten mit der Direktheit der Fotografie konkurriert. Dies
resultiert nicht zuletzt aufgrund Ozeris intensiver
Auseinandersetzung mit den Mitteln der Fotografie und den
Vorlagen aus der Videotechnik. So beginnt der
Schaffensprozess damit, dass sich der Künstler mit seinen
jungen Frauen in eine grüne Landschaft begibt. Darin
arrangiert er sie so lange bis er zu seiner gewünschten,
finalen Bildkomposition findet. Sein inszeniertes
Ausgangsmotiv überträgt er dann in einem minutiösen
malerischen Prozess mit Pinsel auf Leinwand oder Papier.
„This is reality. You cannot get that if you go to the studio
and manipulate what you have. I don´t manipulate. I tell
reality as it is. In my paintings you feel the moment, the
smell, the breath.” (Zitate aus Yigal Ozeri im Gespräch mit
Robert Ayers: Desire for Anima, in ARTFORUM, 7. Oktober
2009)
Yigal Ozeri hat vielfach in Israel, Europa und den
Vereinigten Staaten ausgestellt. Seine Werke sind Teil
zahlreicher prominenter Sammlungen wie der des
Albertina-Museums in Wien, des Hudson Valley Center for
Contemporary Art in Westchester, des Kennedy Center for
the Arts in Washington DC, des McNay Art Museum in San
Antonio, des Nerman Museum in Kansas City, des
Scheringa Museum voor Realisme in Spanbroek
(Niederlande), des Tel Aviv Museum of Art in Israel und des
Jewish Museum in New York. Der Künstler lebt und arbeitet
in New York City.
YIGAL OZERI
Ausstellungen
(Auswahl)
2009 The Return of the Horse, The Subject Matters,
Slought Foundation, Philadelphia, PA (solo)
Recent Acquisitions: Moderm and Contemporary
Art, McNay Art Museum, San Antonio
The Old Masters: Re-Mastered, Fort Collins
Museum of Contemporary Art, Fort Collins, CO
2006 Long Island City, Musée de Lodève, Lodève,
France (solo)
2000 90th Anniversary of Tel Aviv-Yafo Contemporary
Cityscapes-Israeli & American Artists, Tel Aviv
Museum of Art, Tel Aviv, Israel. Curated by Prof.
Mordechai Omer
Place Mark Person Mark, The Israel Museum,
Jerusalem, Israel. Curated by Meira Lehman-Perry
The Vera, Silva and Arturo Schwartz Collection of
Contemporary Art, The Tel Aviv Museum of Art,
Tel Aviv, Israel

JULIO RONDO
Biographische Daten 1952 geboren in Sotrondio, Spanien
1962 Umzug nach Deutschland
1974-80 Studium an der Staatlichen Akademie der
Bildenden Künste Stuttgart (Fachklasse bei Prof.
KRH Sonderborg)
ab 1983 hauptamtlicher Professor
ab 1989 Professur, Merz Akademie Stuttgart
1998, 2002 Dekan, Merz Akademie Stuttgart
1997-98 Aufenthalt in den USA
Lebt und arbeitet in Stuttgart und Berlin, Deutschland
Kontext der Arbeiten Typisch für das Werk von Rondo ist die Acrylmalerei hinter
Glas - bei der er mit der vordersten Bildebene beginnt und
auf diese Weise das übliche malerische Vorgehen
umkehrt.
In seinen neueren Arbeiten wird die Farbe dabei nicht
mehr mit dem Pinsel, sondern mit einer Airbrushpistole auf
das Glas gebracht.
Ausstellungen seit 1995
(Auswahl)
Die vielschichtigen aleatorischen Gitter- und
Linienstrukturen seiner Arbeiten haben Ihren Ursprung in
Erinnerungsbildern, Aufzeichnungen, alten Skizzen und
Zeichnungen, die über die Jahre hinweg häufig nebenbei
entstandenen sind. Mit dem Rückgriff auf diese
„Nebenprodukte“ setzt sich Rondo weiter mit Fragen des
Erinnerns und Vergessens auseinander. In seinem Werk
haben das Erinnerte und Atmosphäre des emotional
Gefilterten stets eine zentrale Rolle gespielt.
In dem Bildebene für Bildebene aufgetragen wird, wird
gleichsam das Erinnerte ans Tageslicht gebracht und in
nach und nach zu neuem Leben mit neuer Spannung
erweckt.
2009 Amp., Adam Gallery, London
Buy A Bigger House, Galerie Stefan Röpke, Köln
2008 "rented rooms", Galerie Reinhard Hauff, Stuttgart
2007 Galerie Sala Pelaires, Palma de Mallorca
JULIO RONDO
2006 Galerie Thomas Schulte, Berlin
Galerieverein Leonberg
2005 Galerie Stefan Röpke, Köln
Galerie Reinhard Hauff, Stuttgart 2005 (Katalog)
2004 Galeria Arnés + Röpke, Madrid
2003 Galerie Stefan Röpke, Köln
2002 Galerie Thomas Schulte, Berlin (Katalog)
2001 Galerie Reinhard Hauff, Stuttgart
Galerie Arnes+Röpke, Madrid
Galerie Andreas Binder, München
2000 Galerie Frank und Schulte, Berlin
Galerie Eva Mack, Stuttgart
1999 Gasser & Grunert Gallery, New York (Katalog)
Galerie Andreas Binder, München
1998 Galerie Andreas Binder, München
Galerie Reinhard Hauff, Stuttgart
1997 Galerie Reinhard Hauff, Stuttgart
1996 Galerie Tanja Grunert, Köln
1995 Galerie Klaus Peter Göbel, Stuttgart (Katalog)

SALUSTIANO
Biographische Daten 1965 geboren in Sevilla, Spanien
Studium an der Universität von Sevilla, Spanien
Lebt und arbeitet in Sevilla, Spanien
Kontext der Arbeiten Meisterliche Darstellung von Menschen auf monochromem
rotem Hintergrund sind typisch für Salustianos Werk.
Salustianos Bilder sind bestimmt von dem menschlichen
Körper. Er zeigt ihn, auf seine Umrisse und auf hingehauchte
Binnenformen reduziert, als ephemere Erscheinung.
Die Form des Körpers löst sich auf dem Weiß des
Papiers langsam auf und übrig bleibt meist nur der Blick.
Doch gerade dieser ist es, der eine Verbindung zum Betrachter
aufbaut, die an suggestiver Sogwirkung kaum zu
überbieten ist.
Die graphisch modulierten Figuren oder Köpfe scheinen
aus dem flächigen Hintergrund hervorgehoben zu sein.
Die Beherrschung der altmeisterlichen Malweise und die
Verwendung reiner Farbe erinnern an die florentinische
Frührenaissance, vor allem an Portraits von Piero della
Francesco.
Die zarte Erscheinung der Figur wird durch die Kontrastierung
mit dem abstrakten Grund und durch das monumentale
Format betont. Die realistische Darstellung und
die rote Farbe sollen den Betrachter anziehen und fesseln.
Dann erst kommen die subtilen Oberflächen und die damit
verbundenen Gefühle zum Vorschein.
Salustianos Zeichnungen führen dem Betrachter eine Isolation
vor Augen, die den Zugriff auf die Personen erschwert,
wenn nicht gar unmöglich macht. Ihre auratische
Erscheinungsform hebt sie aus einem identifizierbaren
Wirkungsbereich heraus und distanziert sie von der harten
Materialität der Wirklichkeit. Obschon die Arbeiten einen
Zugriff verwehren, fordern Sie den Betrachter zur ständigen
Auseinandersetzung auf, da sie in ihrer Reduktion
eine Aneignung im Betrachter in dem Maße provozieren,
wie sie sich ihm entziehen.
Die greifbaren Blicke der Augen währen stets nur
Augenblicke.
SALUSTIANO
Ausstellungen
(Auswahl)
2008 THE MISSING PEACE. Hillside Gallery. Tokyo,
Japan
BRIDGE NEW YORK ART FAIR. C5
Colección. New York, USA
2007 ART MIAMI. Apama Mackey Gallery. Miami.
USA
LISTE KOELN. C5 Colección. Cologne.
Deutschland
2006 THE MISSING PEACE. Loyola University
Museum of Art. Chicago, USA
2005 SCOPE MIAMI. International Art Fair. Miami,
USA.
MOSCOW INTERNATIONAL ART FAIR´05.
Leonhard Ruethmueller Gallery. Moskau,
Russland
2004 ART ROTTERDAM. International Art Fair.
Rotterdam, Niederland
THE HORIZON COMES TO MEET THE TRAIN
– Solo Show- Janos Gat Gallery. New York, USA
ART FAIR´04. International Art Fair. Cologne,
Germany
2003 ART FAIR´03. International Art Fair. Colonia,
Deutschland
2001 EL DEBER ME RETIENE EN ESTA ISLA –
Solo Show- Madrid. Spanien
1999 CUANDO LAS MÁQUINAS TRABAJEN A
MANO -Solo –Show- Quattro Galería, Lisbon.
Portugal
1996 SÍNDROME DE ESTOCOLMO. – Solo Show-
Sala Gaudí. Barcelona. Spanien
1994 HOMBRE DEL FUTURO -Solo Show-
Museo Provincial de Huelva. Huelva,
Spanien

MASAHARU SATO
Biographische Daten 1973 geboren in Oita, Japan
1996-99 Studium der Ölmalerei an der Tokyo
University of Fine Arts and music, Japan
2000-02 Studium der Bildhauerei an der
Kunstakademie Düsseldorf bei Prof.
Magdalena Jetelova
Kontext der Arbeiten Die Arbeiten Masaharu Satos wurden bereits mehrfach
ausgestellt und prämiert. Sie zeigen alltägliche Situationen,
die durch surreale Details in ihrer Glaubhaftigkeit gezielt
gemindert werden.
Ausstellungen
(Auswahl)
Die Grundlage seiner Bilder sind Fotografien, die er am
Computer prägnant nachzeichnet, wodurch er seine
klassische Ausbildung in Ölmalerei durch digitale
Techniken ersetzt. Dass dabei nicht mehr zwischen den
verschiedenen Techniken differenziert werden kann, ist
beabsichtigt und unterstützt das Schweben zwischen
Realem und Surrealem seiner Werke. Durch pointierte
Animationen bewegen sich seine Bilder außerdem
zwischen Zeichnung und Film und wecken eine unwirkliche
Lebendigkeit.
Herauszuheben ist die Serie „Avatar“, die sich auf die
hinduistische Mythologie bezieht. Hier steht die Inkarnation
von Gottheiten im Mittelpunkt, die Sato unabhängig von
Herkunft und Kontext in jedem Menschen erkennt.
2009 "Signs", Galerie Voss, Düsseldorf
"City_Net Asia 2009", Seoul Museum of Art, Seoul
Korea
Solo show at Gallery Jin, Tokyo, Japan
101 Tokyo art fair
"The 12th Exhibition of the Taro Okamoto Award
for contemporary art", Taro Okamoto Museum of
Art, Kawasaki, Japan
"No. 341 digital stadium", TV Programm/ NHK,
Tokyo, Japan
"digital stadium" TV program /NHK, Tokyo, Japan
MASAHARU SATO
2008 "Animation Festival 2008" Nagoya, Japan
"The 4th Dan/Dans Exhibition / The house " Tokyo,
Japan
2006 "Merry go down" tanzhaus NRW, Düsseldorf
2004 "Japanimprov#5: The Ramyun Soup Connection"
Belgie Kunstzentrum, Hasselt, Belgien
"Haunted Folklore" Recyclart, Brussels, Belgien
2002 "Internationales Bochumer Video Festival #12"
Bochum
2001 "Internationales Bochumer Video Festival #11"
Bochum
Auszeichnungen 2008 Taro Okamoto Award for contemporary art, Taro
Okamoto Museum of Art

MARTIN SCHNUR
Biographische Daten 1964 geboren in Vorau, Österreich.
1982-85 Kunstgewerbeschule in Graz, Bildhauerei
1985-90 Aufnahme in die Akademie der bild. Künste, Wien
Meisterschule Avramidis, Bildhauerei
Kontext der Arbeiten Ausstellungsgespräch mit Dr. Rainer Fuchs, MMKSLW
(Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien):
In Schnurs Arbeiten erkennt man sofort Parallelen zum
Film; sowohl formal als auch inhaltlich weisen seine teils
sehr großformatigen Bilder auf die besondere Ästhetik und
unklare narrative Zusammenhänge zufälliger Kino-
Standbilder hin. Wie jedes Medium, so bedienen sich auch
Film und Malerei eines unterschiedlichen Vokabulars,
dessen Durchdringung, bzw. daraus entstehende
Schnittstellen Martin Schnur bereits seit mehreren Jahren
faszinieren.
Auffällig ist in seinen neuen Arbeiten eine stärkere
malerische Ausformulierung.
Einzelne Figuren scheinen sich auf einer cinemascopeähnlichen,
perlmuttartig glänzenden Leinwand zu bewegen,
innezuhalten, um kurz darauf das Bild zu verlassen.
Auch seine Fähigkeit Raum und Zeit bzw. ihre gegenseitige
Bedingtheit anhand dieser seltsam vagen und dadurch
umso spannenderen Momentaufnahmen zu thematisieren,
ist bemerkenswert.
2006 Konfrontation und Kontinuitäten; 1900 – 2000,
Sammlung Essl, Österreich
Süsser Schlummer - Der Schlaf in der bildenden
Kunst des 15. Jahrhunderts bis zur Gegenwart,
Residenzgalerie Salzburg
2005 Martin Schnur, Kunsthaus Muerz, Mürzzuschlag,
Steiermark
Kunst im T-Center, T-Mobile Sammlung, Wien
natur-raum-kunst, Museum der Moderne Salzburg
HangART-7, Red Bull Hangar-7, Salzburg
Coming Out Real . Thing, Kunstverein Kärnten
Day Sleeper, BA-CA Kunstforum, Wien
MARTIN SCHNUR
Freiraum Malerei – Österreichische Positionen,
Schloss Ulmerfeld, Niederösterreich
sometimes lovers, sometimes friends,
Zeitgenössische Kunst aus der Sammlung des
Lentos, Linz
vom bild // zum bild . metamorphose, Rupertinum,
Museum der Moderne, Salzburg, Katalog
Figur und Wirklichkeit, Tiroler Landesmuseum
Ferdinandeum, Innsbruck, Katalog
2003 Playcing Shadows, Museum der Moderne,
Rupertinum, Salzburg
2002 Heliogravuren der Serie „playcing shadows“,
Kupferstichkabinett der bildenden Künste, Wien
2001 Die Cabinette des Dr. Czerny, Neue Galerie Graz,
Katalog
2000 T19 Galerie für zeitgenössische Kunst, Wien
Die Bewegung am Rande eines Horizonts als
Beginn möglicher Angriffe, Neue Galerie (Studio),
Graz, Katalog

DAVID SMYTH
Kontext der Arbeiten Die Bilder der Meister-Serie gehören zu Smyths
aufregendsten Werken. Indem er Ikonographie und
unverwechselbaren Malstil vereint, beweist er seine
Meisterhaftigkeit im Umgang mit Farbe und Komposition.
Seine Arbeiten sind teils politisch, teils humorvoll, niemals
enttäuschen oder vergessen sie den Betrachter. Es ist
unmöglich, an diesen hypnotisierenden Bildern
vorbeizugehen ohne stehen zu bleiben.
Ausstellungen
(Auswahl)
Smyths' Werke werden weltweit gesammelt und sind im
Museum of Modern Art in New York ebenso wie im Whitney
Museum, im Brooklyn Museum, im Museum of Modern Art
in Washington D. C., oder im Museum of Modern Art in
Mailand zu sehen.
2002 Zeitkunst Galerie, Kitzbühel
2001 MAK Art Fair, Wien
Feichtner & Mizrahi, Wien
Galerie Catherine F. Clerc, Lausanne
2000 Galerie im Stadthaus, Klagenfurt
Galerie 3, Klagenfurt
1999 Zeitkunst Galerie, Kitzbühel
Museum für Angewandte Kunst, Wien
1998 Galerija Murska Sobota
Mestna Galerija Ljubljana
Kunstraum Buchberg
Galerie Catherine F. Clerc, Lausanne
1997 Magidson Fine Art, New York
1996 Galerie Slama, Klagenfurt
Feichtner & Mizrahi, Wien
Kass/Meridian Gallery, Chicago
Magidson Fine Art, New York
Museum für Angewandte Kunst, Wien
1995 Magidson Fine Art, Aspen
Georgetown Fine Arts Gallery, Washington
1994 Willow Gallery, New York
Galerie Slama, Klagenfurt
1993 Robert Morrison Gallery, New York
1992 Alan Brown Gallery, Hartsdale
DAVID SMYTH
Robert Morrison Gallery, New York
1991 New York Academy of Sciences, New York
1990 Alan Brown Gallery, Hartsdale
1989 Robert Martin Gallery, New York
1988 Alan Brown Gallery, Hartsdale
1987 Rhode Island Fine Arts Gallery, Kingston
Genesis Center, New York
Keith Green Gallery, New York
1986 Alan Brown Gallery, Hartsdale
1985 Marianne Deson, Chicago
1984 Castle Bogner, Wien
Kunstraum Buchberg
1983 Ithaca House Gallery, Ithaca
1982 Herbert F. Johnson Museum, Ithaca
The Tate Gallery, London
1981 Ronald Feldman Fine Arts, New York
1980 Ithaca House Gallery, Ithaca
1979 Ronald Feldman Fine Arts, New York
1978 Ithaca College, New York
Marianne Deson, Chicago
1977 Ronald Feldman Fine Arts, New York
Torue Gallery, Santa Monica
1976 Barbara Fendrick Gallery, Washington
Marianne Deson, Chicago
National Gallery, Washington
1975 Max Protech, Washington
Berry College, Mt. Berry
Ronald Feldman Fine Arts, New York
1974 LoGiudice, New York
Ronald Feldman Fine Arts, New York
1973 Ronald Feldman Fine Arts, New York
Whitney Museum of American Art, New
York
1972 Museum of Contemporary Art, Chicago
1969 Art Institute of Chicago
1968 Allan Frumkin Gallery, Chicago
Publikationen David R. Smyth, Dieter Bogner, Marc Le Bot und Lily Wei,
2000, Acatos, Schweiz

KATE WATERS
Biographische Daten 1964 geboren in Vallee Lourdes, Kanada
1983-87 Bath Academy of Art, England
1988-91 Central Saint Martins School of Art, London, UK
Slade School of Art, London,UK
Kontext der Arbeiten Vorlagen für die Bilder von Kate Waters sind
Photographien. Deren Gebrauch als Vorlage für die Malerei
ist in der Kunst nichts Neues und gab es schon bei Franz
von Lenbach (1836-1904) oder Franz von Stuck (1863-
1928). Die Kamera bekommt damit die Funktion eines
Skizzenbuchs, was der Schnelligkeit der heutigen Zeit
entspricht, in der das Einfangen von Momenten kaum mehr
anders möglich ist.
Für Kate Waters sind Photographien nur das: Skizzen von
Situationen, die dann zu Gemälden umgeformt werden.
Grisaillen der photographischen Skizzen sind der
Ausgangspunkt bei der Entscheidung, was im späteren
Gemälde hervorgehoben oder in den Hintergrund gerückt
sein wird. Über die Grisaille wird dann Farbe gemalt und in
diesem Prozess weitere Entscheidungen über die
Bildkomposition getroffen.
Das Ergebnis dieser Arbeit sind Bilder, die Photographien
extrem ähnlich sind. Damit entsteht ein erster, uns
bekannter visueller Eindruck, der erst nach einem zweiten
Blick und durch Auseinandersetzung mit dem Bild den
Irrtum des Betrachters erkennen lässt. Dieser wird dadurch
gezwungen, sich der Arbeit nochmals von einem anderen
Ausgangspunkt zu nähern.
Ausstellungen 2009 Solo project, Basel, Schweiz
2008 “Midnight Oil” Institute Francais, Köln
"Getting Used to the 21st Century", Galerie Voss,
Düsseldorf
2007 “Neue Malerei. Aus dem Museum Frieder Burda,
Baden-Baden”, Museum und Galerie im Prediger,
Schwäbisch Gmünd
2006 “Killing Time”, Galerie Voss, Düsseldorf
Ober Gallery, Kent, USA
KATE WATERS
2005 Gallery Thomas Cohn, Sao Paulo, Brasilien
Guidi & Schoen arte contemporanea, Genua,
Italien
“Dreams are my Reality”, La B.A.N.K., Paris,
Frankreich
“Pencil”, Carter Presents, London, England
2004 Guidi & Schoen, Genua, Italien
Gallery Thomas Cohn, Sao Paulo, Brasilien
2003 Art Brussels (Galerie Voss), Brüssel, Belgien
Art Frankfurt (Galerie Voss), Frankfurt a. M.
Galeria Mario Sequeira (zusammen mit Harding
Meyer), Brago, Polen
Galerie Jahn, Landshut
Galerie Voss, Düsseldorf
Centrum für Kunstlicht in de Kunst, Eindhoven,
Niederlande
Art Cologne (Galerie Voss), Köln
2002 Art Brussels (Galerie Voss), Brüssel, Belgien
Art Frankfurt (Galerie Voss), Frankfurt a. M.
Airport Gallery, Frankfurt a. M:
Art Cologne (Galerie Voss), Köln
2001 Art Brussels (Galerie Voss), Brüssel, Belgien
Galerie Voss, Düsseldorf
Galerie Jahn, Landshut
Art Cologne (Galerie Voss), Köln
2000 „Friends & Relations“ Galerie Hohmann, Hamburg
„Malerei und Photography“, Gütersloher
Kunstverein
„Crossing“, Galerie Herzzentrum, Völklingen
1999 „One Woman Show“, Kunstmesse Düsseldorf
„Gibt es eine weibliche Ästhetik?“,
Kulturförderverein Hirschberg
Galerie Jasim, Düsseldorf
Goethe Museum, Düsseldorf
Exneuron, Malkasten Düsseldorf
1998 „Far too close“, Leimener Kunstverein (mit N.
Nüssle)
1997 „Junge englische Kunst“, Ascherslebener
Kunstverein
Publikationen Kate Waters: Absolute Tourism
Kate Waters: twentyfourseven
Kate Waters - Killing Time
Getting Used to the 21st Century

MICHAEL WOLF
Biographische Daten 1954 geboren in München
Studium in Berkeley, CA, Universität Essen, Klasse
Prof. Otto Steinert
Lebt und arbeitet in China seit 1994
Kontext der Arbeiten Die Ausschnitte unendlicher Dichte machen die Fotografien
Wolfs so besonders.
Unzählige Fenster reihen sich aneinander. Ohne
Abgrenzung zu Himmel oder Boden komprimieren sich bis
hin zur Abstraktion. Diese Ausschnitte von Fensterfronten
verlieren sich in einer anonymen Leere, wirken verlassen
und werden zu Spuren der dahinter lebenden Menschen –
ein romatisches Element in Wolfs Bildsprache. Damit
stehen diese Bilder im krassen Gegensatz zu der
komplexen urbanen Dynamik der Stadt Hong Kong, wo
diese Aufnahmen innerhalb der Serie "architecture of
density" entstanden sind.
Ausstellungen
(Auswahl)
2009 AIPAD: The Photography Show New York, March
26-29, New York City, USA
2008 "Transparent City" Museum for Contemporary
Photography" Chicago. November 14 – jan. 31
2008 "The Real Toy Story" and "Architecture of Density"
China Design Now, London, March 15 – May 23
2008 "Eastern Standard, Western Artists in China"
Mass. MoCA, U.S.A. (Group)
2008 "Heritage" Hong Kong Corner Houses. 25.1 –
16.2, Goethe Institute, Hong Kong
2007 "Pieces of China" – A Retrospective of Michael
Wolf's China Projects," Museum Center Vapriikki.
Tampere, Finnland. June 15, 2007 – January 6,
2008. Catalogue
2006 "The Real Toy Story" – group show, Museum of
Contemporary Photography, Chicago, USA. Jan.
12 – March 4
2005 Group Show "Useful, Cute and Collected. The
Photographed Animal." Museum Folkwang, Essen,
Germany, October 22, 2005 - January 15, 2006
2005 "Architecure of Density" Sept. 16 – 22, Ping Yao
Photography Festival, in Ping Yao, China
MICHAEL WOLF
2004 Group Show: "Truth! - Photography's Promise of
Reality." Ruhrland Museum, Essen, Germany.
June 6 - September 26, 2004
2003 "Sitting in China" Sept. 6 – Nov. 16, Kestner
Museum, Hannover, Germany)
2000 Peking Shanghai Shenzhen: Cities of the 21st
century. Bauhausmuseum, Dessau, Germany
(Group)
Literatur 2006 Hong Kong Front Door/Back Door, Michael Wolf
(Thames and Hudson and Steidl)
2002 Sitting in China, Michael Wolf (Steidl)
2001 China im Wandel, Michael Wolf (Frederking und
Thaler)
Auszeichnungen 2005 World Press Photo Award in der Kategorie
„Contemporary Issues Stories“

modern
Briennerstr. 1
80333 München
T +49 89 25558-147
F +49 89 25558-100
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