Meeting Chuck – Sex & Gewalt - Rosa Design

Rave hinter
geschlossenen Türen
Vom Schwarzwald an die amerikanische
Westküste: Die Musikerin und Künstlerin
michaela melian weiß, dass es
manchmal nur ein kleiner Schritt von
»Baden Baden« nach »Los Angeles« ist
text, interview: nina scholz
Los Angeles ist ein mythischer Ort. Vielleicht wie bei keiner
anderen Stadt, schießen einem sofort Bilder in den
Kopf: glitzernde Metropole, heiße Sonne, braungebrannte
Bikinimädchen, aber auch düstere Motels, alternde Filmstars,
Gangs. Um diese Klischees und Wahrheiten zu kennen,
muss man nicht dort gewesen sein. »Los Angeles«
heißt auch das zweite Album von Michaela Melian, und
das hat mit dem Vorgänger »Baden Baden« mehr gemein
als zwei Städte im Titel, deren offensichtlichste Bilder sich
um Glam und Trash drehen. »Los Angeles« ist kein raues,
hartes, lautes Album geworden. Zwar verhandelt es Orte,
die mit Schmerz, Wissen, Traurigkeit, Exzessen, Versprechungen
und Hoffnungen durchzogen sind, die Tracks
sind aber, selbst dort wo sie tanzbar sind, sanfte Einladungen
zum Zu- und Wiederhören. Das zentrale Stück
»Föhrenwald«, das genau wie alle Musikstücke Michaela
Melians zu ihren Ausstellungsstücken produziert wurde,
loopt ein Stück traditionelle, jüdische Musik, dass sie im
Archiv Föhrenwald bei ihren Recherchen gefunden hatte.
Am Anfang hätte sie gar nicht gewusst, dass »Föhrenwald«
so groß wird, erzählt sie im Gespräch. Aber dann sei ihr die
Monstrosität des Themas immer mehr bewusst geworden.
Föhrenwald, das nah an ihrem Wohnort Wolfratshausen
liegt, ist eine Ende der 1930er gebaute Siedlung, die erst
als Lager für Zwangsarbeiter, nach dem Krieg als exterritoriale
Siedlung für jüdische displaced persons, später
dann zur Unterbringung heimatvertriebener Familien
genutzt wurde. »Ich dachte, ich kenne mich mit Nachkriegsgeschichte
aus, vieles weiß man ja auch, aber da liegt auch
noch einiges vergraben.« Und so begann sie zu suchen,
zu recherchieren und Beteiligte in sensiblen Gesprächen
auf Tonbänder aufzunehmen. Es entstanden die Bilder,
bei denen sie Schemen der Gebäude erst nachzeichnete,
dann abnähte, um diese dann per Projektor an eine Wand
werfen zu lassen. Der gleichförmige Loop des jüdischen
Stückes mit dem ruhigen Basslauf, die beunruhigenden,
sich überlagernden Tonbandstimmen, das Klicken des Diaprojektors
ziehen den Betrachter an, lassen ihn nicht los,
verstören. Die Installation lädt ein, aber erklärt und tröstet
nicht. »›Föhrenwald‹ war das schwierigste Stück. Egal wen
ich gefragt habe – von den Holocaustüberlebenden bis hin zu
den Vertriebenen – alle haben schlimme Geschichten erlebt,
genauso wie die Leute, die dort gelebt haben. Die Tragweiten
kann man natürlich nicht vergleichen, deswegen habe ich die
jüdischen Personen absichtlich ins Zentrum gestellt.« Dass
der Track auf der Platte melancholisch und beruhigend
klingt, einer ihrer schönsten ist, stört sie nicht weiter: Ihre
Musikstücke lässt sie noch viel mehr los als ihre Kunstwerke
in Ausstellungen. Auf der einen Seite sind ihre Arbeiten
Produkte sehr genauer Recherche und Überlegungen, auf
der anderen Seite vertraut sie ihnen und den Freiräumen,
die sie lassen. »Ich finde das macht nichts. Man kann das
Stück ohne das Wissen hören. Vieles kann man trotzdem dadurch
erfahren und vielleicht macht es ja auch neugierig.«
Oft sind die Stücke für das Album von ihr noch einmal
umprogrammiert und neu gestaltet worden. Teilweise, um
die Effekte in den Ausstellungen, ohne deren Exponate die
Tracks auskommen müssen, deutlicher hervorzuheben,
teilweise aber auch einfach, weil sie sonst in dem Konzept
des Albums störend und nicht stimmig gewirkt hätten.
»Convention« war zuerst eine Installation im Hamburger
Club The Better Days Project, wurde dann nachgebaut
und in der Gender-Ausstellung »Das achte Feld« im Kölner
Museum Ludwig gezeigt. Hinter einer Tür hört man
Technomusik, der Pawlow’sche Rave-Effekt ist schon nach
wenigen Sekunden erreicht: Man möchte hinter diese Tür
gelangen und all die Versprechungen einlösen lassen, die
der Club impliziert. Der Track »Convention« erfüllt genau
dies, aber dafür musste er umgeschrieben und aus seiner
Monotonie erlöst werden: Was wie ein klassischer Einspieler
eines Filmsoundtracks beginnt, sich erstmal den
ruhigeren Stücken auf »Los Angeles« anschließt, zieht nach
und nach an, bis das Discoversprechen deutlich hervortritt
und ein Dancefloorstück ausbricht, man das erste und einzige
Mal zu wippen, ja zu tanzen beginnt. »Convention«
ist, genau wie das Nico-Cover »Manifesto«, welches das
Album beschließt, ein Bekenntnis zu Pop, Glam und Disco.
Michaela Melian ist sich der Schönheiten, Abgründe und
Komplexitäten bewusst. Sie verdeutlicht und beleuchtet
die Situation, um im nächsten Augenblick wieder den Vorhang
herunterzulassen. Um all das zu transportieren, muss
Michaela Melian keine schweren Geschütze auffahren. Die
Reduktion der Produktionsmittel reflektieren, kontrastieren
und verdeutlichen das sogar noch. Besonders klar wird
das bei »Stift«, das durch wenige Loops, die übereinander
gelegt wurden, den Hörer in eine positive Gefangenschaft
nimmt, nicht mehr loslässt, aber auch nie in eine Melodie,
einen Refrain entlässt. Die Spannung entsteht durch die
leisen Widersprüche in ihrer Musik, genau wie in ihrer
Kunst gestaltenden Arbeit. So wachsen kleine und große
Fragezeichen, die den Betrachter und Hörer binden. »Es
wird einem ja erstmal nicht viel geboten, es schreit ja keiner
rum, wie das sonst öfter der Fall ist. Aber natürlich soll es
neugierig machen, ohne einen einzulullen.« Das hat sie in
jeder Hinsicht erreicht: »Los Angeles« ist eine komplexes
und großartiges Popalbum.
»Los Angeles« von Michaela Melian ist
bereits bei Monika/Indigo erschienen
Zeit zum Erinnern
Manchmal ist das Paradox nicht weit:
feu thérèse erschaffen Neues aus
ihrer Erinnerung
text, interview: sebastian hinz
Längst ist es so, dass die zeitgenössische Musik in
ihren Grundzügen festgelegt ist: Folk, Rock, Pop,
HipHop, Techno, Jazz. Selbst eine Verfeinerung
dieser Musikstile bis in die kleinsten Differenzierungen
hat stattgefunden. Es gibt scheinbar
nichts mehr, was es nicht gibt. Und wo die Neuerfindung
so schwer fällt, setzt das (meist schlechte) Gedächtnis ein.
Zitat, Sample, Remix oder Coverversion sind wesentlicher
Teil der postmodernen Musikwelt. Doch so wichtig Montage,
Collage und Kopie als Techniken für die Popmusik
sind, ihnen obliegt es durch die kulturelle Revolution der
neuen elektronischen Medien externer Speicherung (also:
des künstlichen Gedächtnisses) stets etwas Vollendetes,
oder eben leicht – per Mausklick – Verfügbares. Allerdings
gibt es zunehmend Künstler, die dieses Zu-Ende-Gekommene
als Gegenstand der Erinnerung und kommentierender
Aufarbeitung weiterleben lassen; auch Feu Thérèse
gehörten dazu.
»To play with static sounds which are deconstructed by
sounds in motion.«
luc ferrari
Die kanadischen Musiker Jonathan Parant, Alexandre St-
Onge, Stephen Oliveira und Luc Paradis erinnerten sich
zunächst an den französischen Komponisten Luc Ferrari,
der am 22. August 200 , unmittelbar vor Beginn der Arbeit
an ihrem selbst betitelten Debütalbum »Feu Thérèse«,
im italienischen Arezzo gestorben ist. Luc Ferrari galt als
einer der wichtigsten Repräsentanten der Musique concrète,
einer Spielart der modernen Komposition, welche
die Manipulation von Geräuschen aus Natur, Umwelt und
Technologie in den Mittelpunkt stellt. Doch für das Quartett
aus Montréal war es weniger Konkretes, nicht das Verwenden
von Arbeitstechniken oder die Neuinterpretation
von Stücken, sondern der Geist der Musik von Luc Ferrari,
der sich dann auf dem Debüt nebst dem Eröffnungsstück
»Ferrari en Feu« wiederfinden ließ. »Für jeden einzelnen
von uns ist die Musik von Luc Ferrari sehr wichtig,
allerdings auf sehr unterschiedliche, individuelle Art
und Weise«, erklärt Schlagzeuger Luc Paradis. »So sehr uns
seine Arbeit auch beeinflusst hat, ist er eher dahingehend eine
Inspiration für uns, wie grenzenlos Musik sein kann.«
»One thing is certain: even if they don’t know where
they’re going they all go the same.«
alexandre st-onge
Aus neurowissenschaftlicher Sicht sei jede Erinnerung nur
Erfindung, sagte der Hirnforscher Wolf Singer einmal,
was auch als Charakterisierung der kreativen Prozesse
von Feu Thérèse gut passen würde. Die vier Musiker, die
auch bei Fly Pan Am, Et Sans oder Shalabi Effect spielen,
beweisen auch auf ihrem zweiten Album »Ça va cogner«
(engl: It’s gonna hit) eine stilistische Breite, die Krautrock
und französischen Chanson, Musique concrète und Vierviertelpop
umfasst. Es ist eine Erinnerung an einen Sound
und eine Zeit, als Pop noch Subkultur war. Doch nicht als
Nostalgie präsentiert, sondern als avancierter Vorschlag
für die Gegenwart. Luc Paradis: »Es gibt eine Menge Bands,
welche die Musik von den 1960er bis zu den 1980er Jahren
recyceln, ohne dieser etwas ihnen Eigenes zu verleihen. Sie
bevorzugen, diese zu imitieren. Feu Thérèse hingegen glauben
an die Kraft der Rockmusik, Hemmnisse und Grenzen
zu überwinden und machen daher Musik, welche bekannte
Klänge in neue Klänge übersetzt. We are not afraid of sound
and music!«
»Ça Va Cogner« von Feu Thérèse ist bereits
bei Constellation/Alive erschienen
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