De:Bug 177

11.2013 

Elektronische Lebensaspekte 

Musik, Medien, Kultur & Selbstbeherrschung 

#freshdeepsupersounds 

Jonsson & Alter, Omar 

Souleyman, Gesaffelstein, M.I.A. 

Netzkritik 

Warum das Internet 

lieber doch anbleiben soll 

Das Breakbeat-Revival 

Nostalgie mit Amen-Break: Om Unit, 

Special Request, Tessela, Pangaea 

177 

D 4,- € 

AUT 4,- € 

CH 8,20 SFR 

B 4,40 € 

LUX 4,40 € 

E 5,10 € 

P (CONT) 5,10 € 

COVER: christian werner 

bring 

the 

toys! 

Spielzeug wird lebendig

ild casey richardson 

177 — bug1 

LIEBE USERINNEN, 

LIEBE USER, 

in diesem Herbst haben wir gespielt. Ohne Pause, die 

ganze Zeit. Zwischendurch blickten wir auf, brüllten 

ein lautes "Uugah" mit Gesaffelstein. Oder folgten den 

steinalten Fährten der Drums. Wie immer eigentlich. 

Nur einer fragte sich: Was soll der ganze Scheiß eigentlich!? 

Der Kampf gegen die Hochkultur, das Nachdenken, 

die ewige Reflexion, die Suche nach dem tieferen Sinn 

und die verrückte Idee dem Contemporary auch heute 

wieder einen Schritt voraus zu sein. Die selbstausgebeutete 

Putzkolonne richtet nun einen mehr als zehn Jahre 

ver- und belebten Redaktionsschreibtisch neu her. Das 

Personalkarussell dreht sich und Thaddeus Herrmann 

sucht nach 88.873 Reviews und vielen tollen Texten das 

bessere Morgen an anderer Stelle. Wir verneigen uns 

und sagen Ahoi. 

Die Welt ist eine Scheibe, 

die Redaktion 

cargocollective.com/caseyrichardson 3

177 — index 

Spielzeug 

10 

Spielen ist totale Freiheit. Das Playhard/Work-hard-Diktum 

haben wir 

beiseite geschoben, um klare Sicht 

auf das Spielzeug der Zukunft zu 

haben. Zwischen Konsole, Theorie 

und Gadget-News daddeln wir uns 

den Weg frei. 

28 Jonsson 

/Alter: 

Weitsicht, 

die zweite 

30 Omar 

Souleyman: 

syrien auf acid 

26 Computer 

Chess: 

check mate, 

du schaltkreis! 

Die Schweden haben endlich den Nachfolger zu ihrem 

fantastischen ersten Album fertig. Im Portrait geben 

Jonsson/Alter klarsichtige Statements zur Authentizitätsfalle 

in der elektronischen Musik. 

Der syrische Volkssänger als Hipster-Posterboy der 

Revolution? No way. Anlässlich Souleymans neuer Platte, 

die vom Engländer Four Tet produziert wurde, erzählen 

wir seine Geschichte. 

Kriegsschauplatz Schachbrett: Ein außergewöhnlicher 

Dokumentarfilm über den Kampf zwischen 

Mensch und Maschine. Nebenbei eine Charakterstudie 

des Nerds an sich. 

4


index 

STARTUP 

03 − Bug One: Editorial 

KRITIK 

08 − Zoff um Morozov: Mal wieder die Netzkritik 

SPIELZEUG 

12 − Claus Richter: "Supertoys" 

14 − Zwischen den Welten: Runter vom iPad! 

16 − Science-Fiction des Spielzeugs: Zukunft ohne Lego 

20 − Spielzeugsammlung: Gadget-Grabbel 

24 − Die neuen Konsolen: PS4 vs Xbox One 

FILM 

26 − Computer Chess: David Levy gegen CDC Cyber-176 

32 Re:BREAK 

Drums sind eine Urkraft der Menschheit. Grund genug 2013 das Breakbeat Revival 

Revue passieren zu lassen. Mit Om Unit, Special Request, Tessela, Pangaea und 

Zomby stellen wir wichtige Protagonisten vor und drehen Footwork, Trap, Jungle, 

Drum and Bass, HipHop, Dub, Step und Detroit Techno durch die Zeitschleife. 

»Morozov spielt 

sich als der einzige 

Weise des Internets 

auf. Als ein 

Erleuchteter, der 

einem endlich erklÄrt, 

warum alle 

anderen unrecht 

haben.« 

Sascha Kösch, Seite 8 

RE:BREAK 

32 − Breakbeat Revival: Nostalgische Dekonstruktion 

36 − Special Request: Paul Woolford im Breakbeat-Kontinuum 

40 − Om Unit: Drums sind Nahrung 

MUSIK 

28 − Jonsson/Alter: Heimbesuch 

30 − Omar Souleyman: Das syrische Phantom 

42 − Kommentar: Gesaffelstein & M.I.A. 

68 − Mooryc: Kontrolliertes Fallen 

70 − Clara Moto: Melancholische Distanz 

80 − Musikhören mit: Múm 

BUCH 

44 − Jürgen Teipel: Techno-O-Ton 

45 − Literatur-Lizenzen: Fan-Fiction & Vampire 

58 − Berlinbücher: Sven Regener, Bettina Uzler und Ju Innerhofer waren dabei 

MODE 

46 − Digitaldruck: Inkjet ist der neue Standard 

48 − Modestrecke: Play Hard 

WARENKORB 

54 − Läuft: Nike Fuelband & Onitsuka 

56 − DVD & Buch: I Dream Of Wires, Dietmar Dath & Swantje Karich 

57 − Keyboard & Lautsprecher: Microsoft Sculpt, Jawone Mini Jambox 

MUSIKTECHNIK 

60 − NI Maschine Studio: Hardware neu, Software neu 

62 − Tracktion 4: Einsteiger-DAW frisch aufgelegt 

63 − Touchable 2: Neuer Controller-Standard auf dem iPad 

64 − Traktor S4 MK2: NIs endgültiger DJ-Controller-Wahnsinn 

SERVICE & REVIEWS 

68 − Reviews: Neue Alben und 12“s 

78 − Abo, Vorschau, Impressum 

79 − DE:BUG präsentiert: Die besten Events im November 

82 − A Better Tomorrow: Echtzeitverblödung ist der neue Normalfall 

5

6 

177 — stream


Consollection / Digitalzocker-Porno 

Das sind 140 Spielkonsolen. Von prähistorisch bis neulich erst, akribisch zusammengefasst. 

Allerdings ist dieses Poster, die Essenz eines Bildbandes von 2010, aktuell ausverkauft. Aus gutem Grund. 

Der Fotograf Patrick Molnar und Sammler Phil (einfach nur Phil) arbeiten an einer neuen Version dieser 

"Consollection". Mit noch mehr Gear-Porno: Knöpfe, Schalter, Träume. Anfang 2014 kommt das Poster 

2.0 in den Handel. Und der Wälzer für den Coffee Table wird auch neu aufgelegt. 

www.consollection.de 

7

177 — Netzkritik 

Text Sascha Kösch 

Befreit uns 

von Morozov 

Netzkritik 2013 

Evgeny Morozov hat sich in den letzten Jahre 

den Titel Netzchefkritiker in den deutschen 

Feuilletons erspielt. Kaum ein Internet- 

Erklärbär, der von ihm nicht ordentlich 

in der Zeit, der FAZ, der Süddeutschen 

abgewatscht werden darf (Ausnahme: Morozov-Fan Schirrmacher). Da bleibt kein Technik- 

Gigant verschont, keine miese Praxis der Silicon-Valley-Verbrecher unaufgedeckt. Und 

Morozov hat Fans. Kulturpessimisten sind dabei ebenso herzlich willkommen wie Ludditen 

aller Couleur. Und nicht selten muss man sich von einem neugeborenen Morozov-Fan Dinge 

anhören wie: Endlich traut sich mal einer was gegen die da oben im Technotopia zu sagen. 

Diesen Monat erscheint nun sein Buch "To Save Everything, Click Here: Technology, 

Solutionism, and the Urge to Fix Problems that Don't Exist" auf Deutsch unter dem wuschig 

paraphrasierenden Titel "Smarte neue Welt: Digitale Technik und die Freiheit des Menschen". 

Mit dem Buch schwappt eine Welle von Interviews mit dem "Netz-Vordenker" über die 

Feuilletons. Aber wir lesen lieber Bücher, also ran an den Schinken. 

Nach circa 25 Seiten "Smarte neue Welt" denkt man sich: Gut, ich habe jetzt wirklich 

verstanden, worum es dir geht. Komm zur Sache, Evgeny! In Kürze: Laut Morozov werde 

dem Internet ständig unterstellt, dass es eine Essenz habe, eine wesentliche Eigenschaft. 

Diese gedachte Essenz (Freiheit, Gleichheit etc.) führe dazu, dass man mit dem Internet 

die Probleme der Welt lösen will (solutionism), und behauptet, es wäre unveränderlich. 

Diesen Gedanken sollten wir in bold setzen, er steht auch nach 50 Seiten im Zentrum des 

Buches und wird von Morozov mit immer neuen Beispielen und Variationen erklärt. An 

immer noch depperteren Aussagen von Leuten wie Carr oder Halbsätzen von Eric Schmidt 

nimmt Mozorov genüsslich eine gefährliche Ideologie "auseinander", man sollte eher sagen: 

Er zerrupft sie willenlos. Nach hundert Seiten denkt man sich: Gehirnwäsche? 

Keine Netzkritik 

Morovoz betreibt vielmehr eine Art uferlose Kritik an jedem, der etwas Gutes am Netz findet. 

Langatmig vielleicht, sicherlich legitim. Trotzdem überkommt einen nach einer ziellosen 

Litanei des Niedermachens irgendwann das Gefühl (nein, kaum ein Zitat wird mal mit einer 

Fußnote für die Herkunft bedacht), Morozov dreht auch Leuten, die man selbst noch nie 

leiden konnte, vielleicht das Wort im Mund herum. 

Die schwierige Aufgabe, an der Morozov scheitern muss, ist die Kritik an einem 

Gegenstand (das Internet), das kein Wesen haben darf. Morozovs Gegenstand sind 

also in Wirklichkeit die Leute, die das kritisieren, was ihm zufolge unkritisierbar ist. Eine 

leichtere Aufgabe wäre gewesen, Diskursanalyse zu betreiben, etwa anhand der vielen 

widersprüchlichen Aussagen zum Internet in Zeitraum X, Beobachtung globaler Tendenzen 

und Ideologien, die Rolle des Netzes als Machtinstrument, also eine Bestandaufnahme 

der dominanten Diskursströme, und wie man gegen sie vorgehen könnte. Stattdessen: 

Witze über die Befreiung durch Katzenbildchen und nahezu keinerlei konkrete Erwähnung 

anderer Aussagen über das Netz als diejenigen, die sein Gegenargument stützen. Das 

Buch ist ein Essay, der die Verve auf endlosen Seiten des Widerkäuens gnadenlos verliert. 

Wenn das alles wäre, man würde das Buch einfach irgendwann erschöpft beiseite legen. 

Aber man spürt hinter all dem irgendwie mehr. Morozov spielt sich als der einzige Weise 

Der Tod des Internets ist für Chef-Netzkritiker Evgeny Morozov 

beschlossene Sache. Je früher, desto besser. 

DE:BUG-Chef-Netzkritiker Sascha Kösch sieht das anders und 

hat sich auf die Suche nach Halbwahrheiten 

in Morozovs aktuellem Buch "Smarte neue Welt" gemacht. 

des Internets auf. Als jemand, der einem 

endlich erklärt, warum alle anderen 

Unrecht haben. Diese "alle anderen" 

existieren aber erstens nicht, zweitens sind 

die Aussagen von Morozov alles andere als 

neu. Wir blicken kurz zurück in die Geschichte der Netzkritik: 1996 kam mit "The Californian 

Ideology" der erste große Schwung an Kritik an den Utopisten, den Yuppie-Grundlagen, 

dem Neoliberalismus, der Idee, das Internet würde alle unsere Probleme lösen können und 

eine Welle der Befreiung und Demokratisierung durch die Welt schicken. Es bildeten sich 

Mailinglisten, die den kritischen Diskurs des Netzes sehr stark beeinflussten. Eine davon 

war Nettime, deren Protagonisten endlose Konferenzen gefüllt haben. Die Internet-Kritik, 

Netzkritik, war geboren; Gingrich, Wired mitsamt seiner Long-Boom-Idee etc. standen da 

schon auf der intellektuellen Abschussliste. 

Science and Technology Studies, Actor Network Theory, die Medien-Theoretiker und 

Klassiker der Postmoderne wurden zu komplexeren Theorien des Netzes herbeigezogen. 

Theorien, die längst das Soziale, das Politische, das Netzwerk Internet und die in diesem 

komplexen Amalgam handelnden Akteure (selbst jenseits klassischer Handlungstheorien) 

unter die Lupe nahmen. Gleichzeitig entwickelte sich eine endlose Reihe semiwissenschaftlicher 

Abhandlungen über Potentiale und Gefahren des Digitalen. Die 

Sekundärliteratur zum Internet füllt (gefühlt) mittlerweile ganze Bibliotheken. 

Solution gegen Solutionism 

Eine der Hauptthesen des Buches von Morozov - das gibt er an einer der wenigen Stellen en 

passant mal zu - ist, dass das Netz nicht essentialistisch zu betrachten ist, kein Wesen hat. 

Diese These stammt aus Lawrence Lessigs Buch "Code Is Law" von 1999, der diesem Thema 

damals ein ganzes Kapitel widmete. Lessig führte damals schon zum gleichen Schluss: "If 

there is any place that is constructed, cyberspace is it... the rhetoric of 'essence' hides this 

constructedness. It misleads our intuitions in dangerous ways." Nur machte Lessig damals 

nicht den Fehler, sämtlichen Diskurs über das Netz unter diesem Teilaspekt zu subsumieren, 

nur um eine größere Angriffsfläche zu haben. 

Dass man sich nicht leicht von beherrschenden diskursiven Grundzügen lösen kann, 

würde man gerne als Rechtfertigung des Morozov-Rundumschlags anführen. Der kämpft 

halt so lange gegen die Windmühlen, bis einem so schwindlig ist, dass das Argument zu 

Brain-Body-Memory geworden ist. Lassen wir einmal beiseite, dass es möglicherweise 

Episteme nach Foucault'scher Definition geben könnte, aus denen man sich eh nicht 

herausbewegen könne. Dann würde man zumindest von Morozov erwarten, dass er sich 

von diesem verfluchten Essentialismus selber reingewaschen hat. Mitnichten. 

Geht Morozov nun eigentlich wenigstens den Auswirkungen dieser einen These im 

Detail nach? Es ist jedenfalls keine Entwicklung einer Begrifflichkeit zu entdecken, die 

zum Beispiel die unterschiedlichen Facetten von "solutionism" (auch das ein geborgtes 

Konzept) fassbar macht oder erklären würde. Es gibt auch keine Untersuchung (jenseits 

von endlosen Anekdoten), die einem die Wirkungsweise dieser Ideologie auf Bereiche der 

Politik, der Lobbyarbeit, technologischer Entwicklung etc. näher erklären würde, geschweige 

denn eine Struktur sichtbar machen würde, die eine Solution gegen Solutionism erahnen 

8


lassen könnte. Auch wenn Morozov dafür 

natürlich eine Lösung parat hat. Doch einen 

Schritt zurück. Es gibt in philosophischen 

Archiven meterweise Bände über Teleologie 

(das letztlich beschreibt die Haltung von 

Solutionism), das Verhältnis von Teleologie 

zu den Wissenschaften, zur Technik, zum 

Diskurs, zur Aporie, Apokalypse, etc. Nein, 

wie erwartet tauchen die nicht auf bei 

Morozov. Es ist nahezu ein Grundcharakter 

des Buches, für nichts eine Basis, 

Vorgänger, wissenschaftliche Grundlagen 

oder ähnliches zu bieten. Bodenlose 

Schwammigkeit als Unterstützung der 

eigenen These ist hier Programm. 

Zukunft? Unklar. 

Sehr deutlich wird das zum Beispiel 

beim gerne seitenweise ausgebreiteten 

Topos "Gibt es ein Nach-dem-Internet?" 

Denjenigen, die Dinge sagen wie "Das 

Internet wird bleiben" wird nahezu 

Hirnlosigkeit vorgeworfen. Da es aber 

keinerlei Definition des Internets gibt, auf 

die sich diese oft eher vermutete Ewigkeit 

des Netzes stützen könnte, wird die Kritik 

zum Scheindiskurs. Weder Morozov noch 

die von ihm Kritisierten sagen eigentlich 

genau, was sie damit meinen. Wird es auch in Zukunft ein Netzwerk geben, auf dem Daten 

verbreitet werden? Unwahrscheinlich ist das nicht, aber wir wissen ja nicht einmal, von 

welchem Zeitraum wir da reden, geschweige denn von welcher Welt. 

Zur Unterfütterung für die Hirnlosigkeit der vermeintlichen These der Ewigkeit des 

Netzes (die sich manchmal in sicherlich quietschigen, oft auch substanzlosen Reden vom 

neuem Zeitalter etc. ausdrückt) begeht Morozov dann, wie an anderen Stellen auch gerne, 

den Kardinalfehler: Er stellt das Internet in eine Reihe von Medien und schreibt damit dem 

Internet trotz vermeintlicher Essenzlosigkeit ganz natürlich die Essenz eines Mediums zu, 

statt es zum Beispiel mit dem Strom- oder Gasnetz zu vergleichen. In aller Banalität geht 

das Argument wirklich so: Man hätte sich damals auch nicht vorstellen können, dass das 

Radio abgelöst werden könnte, also müsste man es beim Internet eigentlich besser wissen. 

Und wer das nicht so sieht, ist schon verblendet von der Internet-Ideologie. Der Tod des 

Internets (das er aus Ekel vor dem Begriff durchgängig in Anführungszeichen setzt) ist für 

Morozov eigentlich beschlossene Sache. Wer das nicht sehen kann, gehört dem Club der 

Internet-Zentristen an. Deren perfide Agenda sei laut Morozov die Unveränderbarkeit und 

Unantastbarkeit des Netzes, das an sich für die Essentialisten ja befreiend ist, so dass 

Welche Lösung schlägt Morozov für das 

Problem der Totalverblödung, wenn nicht gar 

der Versklavung der Menschheit durch die 

Internet-Halbgötter vor? Bugs. 

jeder Eingriff ein Eingriff in die Freiheit der 

Menschheit und letztendlich die Lösung all 

unserer Probleme wäre. Dass das Gespür 

für die ständige Veränderung des Netzes 

geradezu ein Einstellungskriterium für 

Tech-Firmen ist, beziehungsweise die 

oberheiligste Aufgabe eines CEOs, der 

seine Firma länger als eine Welle bis zum 

nächsten Dotcom-Crash melken will, 

entgeht ihm dabei vermutlich nicht einmal. 

Er lässt es einfach unter den Tisch fallen, 

weil es - wie so viele andere - nicht in sein 

Argumentationsschema passt. 

Future-Shock-Starre 

Welche Lösung schlägt Morozov 

nun für dieses dämliche Problem 

der Totalverblödung, wenn nicht gar 

Versklavung der Menschheit durch 

die Internet-Halbgötter vor? Bugs. 

Konsequente Fehler in Technik, die Technik 

immer wieder mit Brüchen versieht, 

an deren Aufscheinen den Menschen 

bewusst wird, dass sie Bürger sind, denen 

Gesellschaftspolitik wichtiger ist, als das 

neuste Gadget, die Totaldurchleuchtung 

jeder noch so minimalen menschlichen 

Ausdrucks- oder Handlungsweise. Und 

wenn Bugs nicht helfen, dann Technik, die die Bösheit von Technologie vermittelt. All das 

übrigens ein in Netart-Kreisen absolut beliebtes Thema seit nun fast zwei Jahrzehnten. 

Nur jetzt ganz neu. Weil: Morozov. 

Gefährlich an Morozov ist - solange man glauben mag, dass ein Feuilleton-Hype 

gefährlich sein kann - aber genau das: Viele Dinge im Netz sind das reine Grauen, für all 

diese Dinge gibt es komplexe Lösungen, teils im Netz, teils von "außen" (wenn man das 

Netz wirklich mal provisorisch zur Vereinfachung auf einen Raum beschränken will, der es 

eigentlich längst nicht mehr ist). Nach der Lektüre von "Smarte neue Welt" ist man aber 

entweder so einäugig voll des Hasses auf die Internet-Verbrecher, oder so ermüdet von 

den Argumenten, schlimmstenfalls so plattgeredet von deren Eindimensionalität, dass 

man sich die Mühe schon gar nicht mehr machen möchte, nach ernsthafter Netzkritik zu 

suchen. Geschweige denn, sie selbst zu entwickeln, ihre Notwendigkeit in den Momenten 

zu erkennen, in denen man vielleicht wieder ein Mal vom Netz manipuliert wird - und dort, 

wo man es nicht wird, nicht gleich in Future-Shock-Starre zu hyperventilieren. 

Evgeny Morozov, 

Smarte neue Welt - Digitale Technik 

und die Freiheit des Menschen, 

ist im Karl Blessing Verlag erschienen. 

9

177 — spielzeug 

Special 

Spielzeugtheorie von Claus 

Richter, rasende Roboter, klobige 

Konsolen, ganz viel Science- 

Fiction und der Kampf zwischen 

Mensch und Maschine am 

Schachbrett 

10

text & bild claus richter 177 

Super 

-Toys 

spIElzeug 

dER zukunft 

"Es gibt kaum einen 

köstlicheren Freiraum als das 

Spielen. Wer spielt, tritt aus 

der konsensuellen Realität 

heraus und erschafft für sich 

eine Welt voller Möglichkeitsformen. 

In einer Spielwelt 

kann erst einmal Alles mit 

Allem kombiniert werden 

und, noch besser." 

Alles kann Alles. 

11


w 

Wie oft fragt man sich in Anbetracht eines neuen 

Geräts: "Was kann das denn?" Im Spiel stellt sich 

diese Frage nicht. Steine können sprechen, Häuser 

können fliegen, ein Stock ist ein Löwe und kann unter 

Wasser atmen solange er will. Kein Problem. Alles 

geht im freien Spiel ohne feste Regeln. Das sind die 

Basics. Man braucht dafür nicht einmal eine PS3-3D- 

Holodeck-Supercloud-Konsole und muss auch nicht 

zum Toys"R"Us. Diese ursprüngliche Form des Spiels 

kann man immer und überall betreiben. Sie lässt sich 

zudem nur schwer verbieten und regulieren. Denn 

zumindest gedanklich kann man auch dann spielen, 

wenn man eigentlich so aussehen sollte als bearbeite 

man eine unheimlich erwachsene Excel-Datei. 

Kinder haben es leichter mit dem Spielen. J.M. Barrie 

schreibt in "Peter Pan", dass mit dem beginnenden Wissen 

über die Zwangsläufigkeit des Erwachsen-werden-Müssens 

ab dem zweiten Lebensjahr das Leben mehr oder minder 

fix den Bach runter geht. "You always know after you are 

two. Two is the beginning of the end", heißt es dort. Da ist 

was dran. Kinder haben eine andere Wahrnehmung als 

Erwachsene. Sie erleben wahnsinnig viel zum ersten Mal, 

sind ziemlich egozentrisch und empfinden die Welt als 

grundlegend beseelt. Ein Kindergehirn lebt in einem bedeutend 

intensiveren Gegenwartsfenster als das von uns 

Erwachsenen. Kinder sind ständig im "Jetzt". Ziemlich toll 

sowas. Und so können Kinder wirklich gut im Spiel versinken, 

"Polarisation der Aufmerksamkeit" nannte die legendäre 

Pädagogin Maria Montessori das. 

Bis die Pizza kommt 

Wer seine Kindheit nicht in der Hölle verbracht hat, wird 

sich vage und wahrscheinlich nostalgisch verklärt an diese 

seltsam magische Dauergegenwart voller belebter Dinge 

erinnern können. Als ich ein Kind war, war mein größter 

Traum, einen Roboter zum Freund zu haben. Die 1970er 

waren voll von Raumschiffen und Robotern, in jeder zweiten 

Kindersendung gab es einen freundlichen Roboter, nur 

nicht in meinem Kinderzimmer. Seit die Mikroelektronik und 

Claus Richter (*1971) lebt und 

arbeitet in Köln. Als Künstler und Autor 

beschäftigt er sich mit Fluchtwelten, 

Kulissen, Themeparks und den köstlichen 

Versprechungen der Konsumkultur. 

Seine umfangreiche Spielzeugsammlung 

ist vom 31.10.2013 bis zum 19.1.2014 in 

der Ausstellung "Forever Young" in der 

Kunsthalle Nürnberg zu sehen. 

12


Spielzeughersteller und Entwickler 

versuchen die "Willing 

Suspension of Disbelieve" unnötig 

werden zu lassen. Das Spielzeug 

soll nun endlich lebendig 

werden. 

Elektromechanik Einzug in die Spielzeugproduktion gefunden 

hat, hat sich einiges getan. Mark Tilden von Wowwee 

brachte beispielsweise mit dem Robosapien und seinen unzähligen 

Varianten in den frühen 2000ern einen Roboter in 

die Kinderzimmer, der auf den ersten Blick ein bisschen mehr 

kann als die Anstoß-Wendeautomatik-Roboterchen meiner 

Kindheit. Schade nur, dass Wowwee unter "Persönlichkeit" 

hauptsächlich eine unangenehm übergriffige Mischung 

aus Castingshow-Tanzvorführung und Sprücheklopfer- 

Idiotie versteht. Rülps, Furz, Schlapplach. Caleb Chung, der 

uns schon die herrlich nervigen Furbys brachte, entwickelte 

2007 für Ugobe das elektromechanische Dinosaurierbaby 

"Pleo", voll mit Sensoren und Servos, doch der recht steile 

Preis und der weiterhin begrenzte Aktionsradius des kleinen 

Dinos ließ Pleo floppen. Tomy, ein Hersteller der schon 

in den 1980er-Jahren mit seiner Linie von Omnibot-Robotern 

futuristische Spielzeugträume in die Kinderzimmer brachte, 

entwickelte ebenfalls 2007 mit dem "I Sobot" einen winzigen 

aber fast vollprogrammierbaren Roboter, der dieses Jahr 

mit dem "I Sodog" einen Sonys "Aibo" nicht unähnlichen 

Hund als Kollegen bekommt. Doch all diese Roboter sind 

empfindliche, fragile Kunstwerke, man kann mit ihnen nicht 

durch Wälder streifen, in Pfützen spielen oder Plätzchen backen. 

Ein Roboterspielzeug, dass mir gefiele, wäre "Teddy" 

aus Steven Spielbergs "A.I.": voller Güte, leicht naiv und immer 

für einen da. Ein real existierender imaginärer Freund. 

Wird es das jemals geben? Braucht es eine K.I.? Wie viele 

Servos und Algorithmen braucht ein Roboter-Teddy um lebendig 

zu werden? Wie viel Rechenpower und Fotorealismus 

braucht ein Videospiel, um über die übliche Immersion hinaus 

wirklich real zu werden? Spielen findet immer in einem 

unsichtbaren Zwischenraum statt, den der Psychoanalytiker 

Donald Winnicott als "Intermediären Raum" bezeichnete. 

Wie aber könnte man all die Dinge, die dort geschehen in die 

Welt treten lassen? Es ist der alte und wundervolle Traum, 

die Fiktion in die Realität zu holen. Samuel Taylor Coleridge 

schrieb schon 1817 von der "Willing suspension of disbelief" 

um zu erklären, wie wir Menschen das machen, dieses 

Abtauchen in die fiktive Welt der Prosa, der Poesie, des 

Theaters, des Films, des Spielens. Man lässt sich ein, begibt 

sich in eine Zwischenwelt, in der man willentlich jeden 

Zweifel am Fantastischen ausblendet. Klingelt es an der Tür, 

ist der Film zu Ende, man verlässt diesen flirrenden Zustand 

und nimmt doch immer etwas daraus mit. Manchmal ist es 

auch der eigene Körper, der einem die Grenzen der Welten 

deutlich macht. Wer jemals stundenlang in einem Videospiel 

abtauchte, merkt spätestens wenn der Magen knurrt, dass 

es Zeit ist, wenigstens für zehn Minuten "auszusteigen" 

und den Pizzadienst zu rufen. Was Spielzeughersteller und 

Entwickler nun seit einiger Zeit versuchen, ist diese "Willing 

Suspension of Disbelieve" unnötig werden zu lassen. Das 

Spielzeug soll nun endlich lebendig werden. 

Lebendige Toys 

Wenn eine Spielwelt wirklich die Grenze übertreten soll, 

müssen die Charaktere ein eigenes, autonomes Leben 

haben, sie müssen in unserer komplett irren Welt überleben 

können. Und das ist schwer. Siehe "Pinocchio", siehe 

auch "David" in Spielbergs "A.I.". In Neal Stephensons 

Buch "Diamond Age" wird die elektronische "illustrierte 

Fibel für die junge Dame" daher auch trotz vorherrschender 

Nanotechnologie von einem ganzen ausgelagerten 

Team aus Erzählern, Pädagogen und Fachleuten gesteuert. 

Nur so ist es möglich, ein wirklich kommunizierendes 

Buch zu erschaffen, dem es dann sogar gelingt die kleine 

unterprivilegierte Nell, der diese Fibel in die Hände fällt, zu 

einer selbstbestimmten jungen Frau werden zu lassen. Und 

doch sagt meine eigene Spielerfahrung mir, dass so etwas 

auch mit einem "normalen" Buch geht, dass jemand, der 

ganz im Spiel mit einem geliebten Stofftier versinkt, durch 

sein eigenes Zutun eine lebendigere Figur erschafft als jedes 

noch so advancte Spielzeug und Videogame es heute 

beherrscht. Ich spreche viel mit Stofftieren, ich weiß in diesem 

Fall wirklich, wovon ich rede. 

Aber die Entwicklung ist und bleibt spannend. 

Spielzeuge sind wundervolle Dinge, und Spielen vielleicht 

der schönste Freiraum im Leben. Ich bin nun fast 

100 Jahre alt, habe von Bauklötzen, Lego, Playmobil, YPS- 

Gimmicks, absurden Brettspielen, dem ersten mit Datasette 

hochgeladenen "Frogger" auf dem ZX 81 über all die gerippten 

C64-Spiele, die langen Atari-Pitfall-Tage mit Chips 

und Cola bei Doerings im Keller und die sehnsüchtig in 

der Spielzeugladenvitrine begafften Game&Watch-Spiele 

den Aufbruch des elektronischen Spielzeugs tatsächlich 

und leibhaftig als Kind erlebt. Und immer noch sehne ich 

mich nach einem kleinen freundlichen Roboter, der mit mir 

durch Wälder streift und in Pfützen springt. Also bitte: Go, 

Spielzeugindustrie, Go! 

13


Zwischen 

den Welten 

14

Text Sascha Kösch 177 

d 

Die Videospiele entgleiten ihren 

Behältern. Sie kriechen in die Realtwelt 

hinein, beseelen totes Spielzeug 

und lösen Versprechen ein, die kein 

Heimautomations-Kühlschrank bisher 

zu erfüllen vermochte: die vom entgrenzten 

Zusammenspiel. Ich gegen 

den Computer gegen die Welt. 

Minicomputer. Das Spiel dabei ist so offen 

wie nur möglich. Egal ob einem Sphero einfach 

nur hinterherläuft, Lichtspiele mit einem 

veranstaltet, Bowling oder Bürogolf amüsanter 

macht, oder auf dem Screen in virtuelle 

Spiele eingebettet wird: Der Bildschirm ist 

nur noch ein Teil der digitalen Realität. Wir 

haben sie in die reale Welt entlassen. 

Anki machte das auf der iOS-Präsentation 

noch klarer: Eine Art Carrerabahn mit Freilauf, 

auf der nicht nur das iPad im Hintergrund 

mitdenkt, sondern auch die Autos selber, 

die mit Sensoren für Unfallvermeidung und 

Positionsbestimmung, Kameras und so weiter 

ausgestattet sind. Das sind Videogames 

in der realen Welt. Nicht nur mit überlagerten 

Screens, sondern mit nichtmenschlichen 

Mitspielern, Gegenständen, die eigenständig 

ins Spiel eingebunden werden können. 

Am Ende ist für Anki eine neumodische 

Spielzeug-Rennbahn herausgekommen, bei 

der man eben auch gegen autonome Autos 

spielen und unsichtbare Waffen einsetzen 

kann, die in der realen Welt Auswirkungen 

haben. Wer hätte gedacht, dass sich eine 

AI- und Robotics-Firma irgendwann als der 

hippste Scheiß unter dem Weihnachtsbaum 

als ausgerechnet Autorennen entpuppt? 

Die Ansätze dafür sind noch 

älter. Sie folgen alle einer klaren Leerstelle 

in der Spieleindustrie: Videogame- und 

Filmemarken überfluten mit Merchandise 

schon lange den Spielzeugmarkt. Allein die 

"Star Wars"-Lizenzen füllen mit unzähligen 

Branding-Produkten ganze Regale. Aber dieses 

Spielzeug ist dumm wie 'ne Socke. Ihnen 

entgegen stehen Spielzeug-Electronics, 

die im schlimmsten Fall Lerncomputer 

mit Grusel-LEDs sind, im besten Fall Lego 

Mindstorm. Nicht selten landen solche Spiele 

nach einer Woche Begeisterung über die 

erfüllten Markenwünsche dann irgendwo 

in der Ecke, weil die Versprechen (z.B. 

Laserschwert-Kämpfe wie im Film) nicht 

eingelöst werden. 

Die Verschmelzung von Mobiles und realen 

Dingen aus der Spielzeug-Welt ist hingegen 

noch sehr neu und dürfte diese beiden 

Märkte - Mobiles & Toys - dennoch in Kürze 

unter sich begraben. Nicht, weil Videogames 

eh längst der größte Entertainment-Faktor 

unter der Sonne sind, oder Kids alle zu digitalen 

Junkies geworden sind. Sondern weil 

dieses Zusammenwachsen in den Köpfen 

der Kinder eh längst als Fantasie stattgefunden 

hat und an dieser Fantasie sich 

die Industrie wird messen müssen. Viele 

Produkte dieser Umbruchsgeneration sind 

banal. Bestseller Angry Bird hat die Zeichen 

der Zeit schnell erkannt und für seine "Star 

Wars 2"-Edition Telepods eingeführt. Das 

sind reale Spielfiguren, die man - denkbar 

mono-interaktiv eigentlich - ins Spiel teleportieren 

kann. Das stärkt natürlich die AddOn- 

Verkäufe, auch wenn es dem Spiel nichts 

wesentliches hinzuzufügen hat, ist aber über 

die Beamen-Metapher ganz gut integriert. 

Die Richtung ist klar: 

weg von der Simulation 

von Spielen auf iPads, 

weg von exotischen 

Game-Controllern für 

Tablets, hin zur umfassenden 

Integration der 

Sensoren, mit denen 

ein mobiles Gerät 

vollgepfropft ist. 

Lego hatte mit "Life Of George" auch schon 

sehr früh eine einfache Kombination von 

Tablet und Real-Life im Portfolio, bei der die 

App aber eher instruktives Begleitmaterial 

und Gamification-Kontrolle war. Zunächst 

für Ältere gedacht, musste Lego das aber 

dennoch schnell für Kids umbranden. 

Natürlich wird es noch eine Weile dauern, 

bis wir Konzepte wie BotSee von Wowwee 

überwinden. Das Spiel als Tablet-Dock, das 

in einen putzigen Roboter integriert wird 

und mit kleinen Klötzen interagiert, die auf 

dem Screen irgendwelche Aktionen auslösen. 

Oder GameChanger Board-Games 

mit Tablet-Dock in der Mitte. Aber die 

Richtung ist klar: weg von der Simulation 

von Spielen auf iPads, weg von exotischen 

Game-Controllern für Tablets, weg von dem 

Screen als Zusatz und Bonusanimation 

für Spiele hin zu einer tiefen Integration 

der Sensoren, mit denen ein Mobile heutzutage 

vollgepfropft ist. Also genau den 

Sensoren, über die intelligentes Spielzeug 

in eine Interaktion treten können, bei denen 

die Welt da draußen nicht mehr länger der 

dumpfe Gegenpart ursprünglicher Haptik 

ist, sondern ebenso "intelligent" auf die 

Geheimnisse hinter dem Screen antwortet. 

Und nicht ohne Grund sind die letzten 

Projekte des Massachusetts Institute of 

Technology (MIT) zur Entwicklung modularer 

Roboter kleine Würfelchen, die aussehen, 

als wären sie Spielzeug. Sie in die 

gleiche, neue Richtung: weg vom Roboter 

in seinen diversen anthropomorphen oder 

tierischen Fantasien, hin zu den "building 

blocks" von Spielen. Intelligente Dinge für 

Kids werden wohl längst Alltag sein, wenn 

irgendwelche intelligente Kühlschränke 

sich heimautomatisiert im Internet Brause 

kaufen gehen. 

Wer sich noch an die Vorstellung von iOS 7 

erinnert, genauer an die Demonstration von 

Anki mit ferngesteuerten Autos, der hat einen 

Eindruck davon, wohin die Verschmelzung 

von Tablets mit Spielzeug führt. Robotics, 

Artificial Intelligence, Tablet-Kollaboration 

von Hardware und Software. 

Doch einen Schritt zurück. Wir hören 

schon lange, dass Tablets etablierte Hardware 

verdrängen wird. Die PC-Verkäufe schlummern 

langsam ein, Tablets und Steve Jobs 

Post-PC-Generation haben übernommen. 

Doch warum sollte man einen kleineren 

Screen gegen einen größeren mit obendrein 

freierer Software und halb so knebelndem 

Ökosystem eintauschen wollen? Die 

Antwort, fürchten wir, ist komplex - und da 

kommen endlich auch die Spiele ins Spiel. 

Die Grenze zwischen dem Screen und 

der Realität droht nicht nur für Unkenrufer 

aus dem digitalen Kulturpessimismus zu 

verschwinden, oder den nie ganz aus dem 

Sonderling-Status herauswachsenden AR- 

Welten, sondern ganz banal bei den Kids. 

Die sehen nämlich konzeptionell erst mal keinen 

Unterschied zwischen einem normalen 

Spielzeug und einem iPad. Die Konzentration 

liegt auf dem Spiel. Nicht auf der Gadget- 

Gattung. Und Aufgabe der intelligenten Spiele 

in diesem Zwischenraum wird vor allem sein, 

diese Grenzen verschwimmen zu lassen. 

Eines der ersten Produkte dieser 

Generation ist dabei so enigmatisch wie 

es aussieht: Sphero, ein kleiner Ball, durch 

ein Smartphone oder Tablet ferngesteuert. 

Ein kleiner Roboter ist das Teil obendrein. 

Leuchtend, perfekt um Katzen zu 

ärgern, ein erster, runder Ausblick auf die 

Steuerung der Welt durch die selbst zum intelligenten 

Controller gewordenen tragbaren 15


Text Felix Knoke 

bild b flickr.com/dinkydivas, lord_dane 

d 

Das Spielzeug der Zukunft, wie es derzeit auf 

Messen und Konferenzen vorgeführt wird, besteht 

aus exotischen Materialien, ist programmierbar oder 

verbindet mediale Ebenen. Was hingegen fehlt, sind 

echte Visionen, wie wir in 20, 30 Jahren, geschweige 

denn in 5.000 spielen werden. Aber wie könnte so 

eine Science-Fiction des Spielzeugs aussehen - und 

warum gibt es sie nicht längst? Wir sprachen mit dem 

Scifi-Experten Bernd Flessner. 

Spiel ist das Gegenteil von Arbeit, Spielzeug das Gegenteil 

von Werkzeug. Waffen jedoch sind Zwischenwesen. Sie erfüllen 

einen Zweck, aber den mit einer geradezu naturalistischen 

Vehemenz. Sie sind ein mörderischer, spielerischer 

Ausdruck der natürlichen Grundlage des Menschseins. 

Waffentechnik spielt in den Zukunftsentwürfen der 

Science-Fiction-Literatur eine wichtige Rolle. Sie ist eine 

Technik, die ganz einfach in die Zukunft extrapoliert werden 

kann, immerhin steht ihr Zweck ja fest: Vernichtung, möglichst 

effektiv und effektvoll. Spielzeug ist in der Science- 

Fiction hingegen reichlich unterrepräsentiert. Dabei müssten 

sich diese "Grundlagen eines Spiels" doch wie auch 

Waffentechnik hervorragend weiterspinnen lassen. Wenn 

Spielzeug in der Science-Fiction auftaucht, dann als Trope. 

Sie sind nicht Selbstzweck, sondern sollen "Freizeit" 

signalisieren: Hier lässt es sich gerade jemand gutgehen; 

ein Protagonist existiert nicht nur als Funktion ("Captain 

Picard"), sondern auch als Privatperson ("Jean-Luc"). 

Dass aber Spiele und Spielzeug eine eigene Rolle spielen, 

dass an dieser Hardware die Zukunft entwickelt wird, 

ist reichlich selten. Ian Banks schrieb mit "The Player of 

Games" zwar einen ganzen Roman über einen intergalaktischen 

Zocker, der in einem aufwändigen Brettspiel zwei 

Gesellschaftssysteme kollidieren lässt. Das Spiel an sich 

und sein Spielzeug, die Figuren und Spielfelder aber, sind 

reichlich analog. "Risiko" in riesig. 

Beliebt ist auch eine Gesellschaftskritik anhand 

von "Lebensspielen", bei denen Kandidaten 

ihr Leben vor Kameras in einem Wettkampf auf dem 

Spielplatz Welt auf's Spiel setzen. "Battle Royal", 

"The Hunger Games" oder "Das Millionenspiel" machen 

damit nichts anderes, als aktuelle Normen der 

Gesellschaft in Spielregeln zu übersetzen und diese 

16 

dort quasi als Idealtypus vorzuführen. Einer der spannenderen 

Ansätze ist da noch Hannu Rajaniemis 

"The Quantum Thief", in dem sich eine Gesellschaft 

selbst als Spiel gebiert. Gamification-Blödsinn als 

Gesellschaftsgrundlage. 

Lego der Zukunft? Fehlanzeige! 

Aber Spielzeug, die Essenz von Spiel, das Zusammenfallen 

von Regelsystem und Werkzeug? Da sieht es düster aus. 

Es gibt animierte Kuscheltiere, beseelte Puppen und 

Zukunftsversionen von Druckern, die Lebewesen und 

Gegenstände "backen" können. Es gibt Waffen, unendlich 

viele Scifi-Waffen und passende Schutzsysteme, es 

gibt Unsichtbarkeits-Gadgets und seltsame Hyperräume. 

Und es gibt Sexspielzeug, das Konventionen umwirft, unterläuft 

oder ersetzt. Aber was es nicht gibt, ist das Lego, 

der Kreisel, der Stock der Zukunft. Und die Frage ist natürlich, 

ob es das überhaupt geben könnte. 

Die Zukunft des Spiels passiert derzeit im 

Computerspiel. Die Vorstellung ist, dass im Computer 

Dinge jenseits dieser Welt entstehen können und - quasi 

durch Bildschirm und Controller übersetzt - manipuliert 

und also auch gespielt werden können. Aber das 

Computerspiel an sich ist kein Spielzeug, und erst recht 

nicht eine Spielkonsole oder Computer. Mithilfe des 

Computers können Spielzeuge erschaffen werden, die 

aber nur innerhalb des Computers mit Computermitteln 

benutzt werden können. Das Computerspiel wiederum 

ist so ein System, ein Meta-Spielzeug, innerhalb dessen 

"virtuelle" Spielzeuge benutzt werden können. 

Solche Beschreibung sind freilich unbefriedigend. Aber 

sie machen klar, warum eine theoretische Entwicklung von 

Spielzeugen der Zukunft so schwierig ist: Was ein Spielzeug 

ist, ist einfach schwer zu fassen. Wichtige Kennzeichen 

sind Reduktion und Abstraktion. Eine Puppe ist ein 

reduzierter, abstrahierter Mensch. Alle Gegenstände 

können ein Spielzeug werden, wenn man ihnen eine 

reduzierte, abstrahierte Funktion gibt: Aus einem Stock 

wird ein Schwert oder ein Pferd, aus einem Stein ein 

Berg oder Teil eines Musters. Spielzeuge entstehen durch 

diese Funktionszuweisung und spiegeln damit - in ihrer 

Verwendung, nicht in sich! - immer gesellschaftliche 

Zustände wieder. Eine Waffe kann ein Spielzeug sein, eine 

Gesellschaft kann ein Spielzeug sein. Mit Spielzeug kann 

man Spiele spielen, also Regelsysteme ausspielen - aber 

sie funktionieren auch nach viel einfacheren Mustern: als 

Balanceakt, als Hindernis, als Stellvertreter. Dieses Prinzip 

nun in die Zukunft zu holen, ist nicht sonderlich spannend 

Roboter sind in der Science- 

Fiction ein Universalspielzeug, 

das alle anderen ersetzt, ein finales 

Spielzeug. Soziale Prothese und 

Spielzeug in einem. Ein Trend, der 

längst auch in der Gegenwart zu 

beobachten ist. 

- es zu erkennen sogar schwer, erklärt der Erlanger 

Science-Fiction-Experte Bernd Flessner: "Die Zukunft ist 

von verschiedenen Konvergenzen geprägt, etwa der von 

Mensch und Maschine. Spielzeug ist in der Science-Fiction 

kaum oder gar nicht von anderen sozialen/kulturellen 

Errungenschaften zu unterscheiden. Auch die Übergänge 

zwischen Kinder- und Erwachsenenspielzeug sind ausgesprochen 

fließend. Man könnte auch sagen, das Spielzeug 

emanzipiert sich in der Science-Fiction von seiner klassischen 

Funktion, ähnlich, wie sich die Kindheit emanzipiert." 

Diese These kann Flessner mit einer der spannendsten und 

ältesten Science-Fiction-Figuren untermauern: Pinocchio, 

dem Spielzeug, das keines mehr sein will. Die moderne 

Fassung des Pinocchios ist der Enterprise-Androide Data: 

"Data ist Spielzeug, Spieler, Puppe und Offizier in einem 

und definiert so das Spielzeug neu" - irgendwo zwischen 

Mensch, Spielzeug und Werkzeug, eine Parabel auf den 

modernen Menschen. Klar ist: was Spielzeug, was Kreatur 

ist, bestimmt der Mensch, Data/Pinocchio bleibt nur die 

Strategie des Sich-möglichst-menschlich-Gebens - und 

so Verdächtig-Bleibens. 

Für Zukunftsforscher Flessner zählt der Roboter zu den 

beliebtesten Spielzeugen für Kinder und Erwachsene in 

der Science-Fiction - ein Spielzeug, das mehr ist, wie Ray 

Bradbury in "Ich singe den Leib, den elektrischen" eine 

Roboter-Oma bewerben lässt. "Das trifft den Nagel auf den 

Kopf," sagt Flessner, "denn auch in unzähligen Science- 

Fiction-Storys sind Roboter und Androiden nichts anderes 

als humanoide Kinder- und Erwachsenenspielzeuge. 

Roboter sind gewissermaßen das Universalspielzeug, das 

alle anderen ersetzt, also ein finales Spielzeug. In fast allen 

Storys sind Roboter soziale Prothesen und Spielzeug 

in einem. Ein Trend, der längst auch in der Gegenwart zu 

beobachten ist."


Zukunft 

ohne Spielzeug 

17


Das Computerspiel an sich ist 

kein Spielzeug. Spielkonsolen und 

Computer können jedoch Spielzeuge 

erschaffen, die aber nur innerhalb 

des Computers mit Computermitteln 

benutzt werden können. 

Das Computerspiel wiederum ist 

so ein System, ein Meta-Spielzeug, 

innerhalb dessen "virtuelle" Spielzeuge 

benutzt werden können. 

Fremde Planeten, alte Bekannte 

In der Gegenwart heißt der Roboter noch Computer: eine 

Hülle, die mit Geist gefüllt werden kann, oder zumindest 

mit Sinn. Dieser Sinn kann auch einfach ein Mensch 

sein - die Hülle heißt dann Cyberspace, Virtual Reality, 

Holodeck. "Die erste Schilderung so eines Holodecks findet 

sich in dem Roman 'Ich lebte im Jahr 3000', den Werner 

Wehr (Heinz Gartmann) 1959 veröffentlichte. Dort heißt es 

'Cinerama', ähnliche Einrichtungen gibt es auch bei Lem 

('Transfer') und anderen Autoren; meist werden in ihnen 

Rollenspieler aller Art in realistischer Umgebung veranstaltet"; 

bei Crichton in Form eines magischen Erlebnisparks 

voller Dinosaurier. "Die umfassendste Form dieses Spiels 

und eines der größten Spielzeuge der Science-Fiction ist der 

Synchronstrahl aus dem Roman 'Der Orchideenkäfig' von 

Herbert W. Franke", sagt Flessner. "Mit Hilfe dieses Strahls 

können sich die Teilnehmer des Spiels als Avatare auf andere 

Planeten versetzen lassen. Der fremde Planet mit der 

dortigen Zivilisation wird so zum Riesenspielzeug. Ein anderes 

Interesse an fremden Kulturen haben die Menschen 

18 

dieser Zukunft übrigens nicht. Sie forschen also nicht oder 

suchen den Kontakt. Sie wollen nur spielen, die fremden 

Kulturen sind nur Schauplatz und Kulisse. Gewissermaßen 

die reale Variante des Computerspiels." 

Aber Spielzeug im herkömmlichen Sinne? Magische 

Gegenstände? Davon hat auch der Experte nur selten gelesen. 

"Entweder ist das Spielzeug ein weitgehend bedeutungsloses 

Accessoire - oder es hat eine bestimmte 

Aufgabe. Zum Beispiel in Philip K. Dicks 'Zur Zeit der 

Perky Pat'. Ferne Zukunft, zerstörte Erde. Es gibt nur noch 

einige unterirdische Siedlungen. Doch statt sich mit wirklich 

relevanten Dingen und Zielen zu befassen, spielen die 

Menschen mit einer Art Barbie-Puppe, der Perky Pat. Die 

verschiedenen Siedlungen wetteifern untereinander, wer 

die beste Puppe und die beste dazugehörige Puppenstube 

hat. Für diesen Wettbewerb opfern sie fast alles und setzen 

ihr Leben aufs Spiel. Zwar versuchen intelligente 

Marsianer, den Menschen zu helfen, aber bei dieser Denke 

der Menschen haben sie keine Chance." 

Sich die Zukunft verdaddeln, für solche Dystopien 

braucht es keine Marsianer. Spielen ist immer auch die 

Abwesenheit von Arbeit, "gamifizierte" Arbeit noch immer 

Arbeit. In einer Zeit aber, in der die Arbeit knapp wird, wird 

sich das Spielen verbreiten. In der Zukunft wird man sich 

noch ordentlich die Zeit vertreiben müssen, hoffentlich 

nicht nur mit nach Selbstoptimierungsnormen gestrickter 

Spiel-Pädagogik. Dann wird auch die Pinocchio- 

Fantasie des Computerspiel-Designers Peter Molyneux 

aus DE:BUG 79 nicht mehr fern sein: "Ich wage die kühne 

Behauptung – und dabei müssen Sie berücksichtigen, 

dass ich der Geek der Geeks bin, ich liebe Computerspiele 

über alles –, dass mein bester Freund ein KI-Charakter sein 

wird, den ich in einem Spiel treffe. Dieser beste Freund 

wird wissen, was ich mag, wir werden gemeinsame 

Interessen haben. Ich werde mit ihm reden können, er wird 

von meinem Leben fasziniert sein. Wenn wir ein paar Jahre 

in die Zukunft blicken, dann sollte man in der Lage sein, 

einen persönlichen Freund innerhalb des Computerspiels 

zu haben. Er wird etwas ganz Besonderes sein, ein Freund, 

der einen durch viele Spiele begleiten wird." Doch je weiter 

so eine künstliche Intelligenz reift, desto mehr wird sie die 

Eigenschaften eines Spielzeugs abstreifen und sich so fast 

zwangsläufig emanzipieren. Das Spielzeug könnte sich gegen 

den Spieler stellen, verrückt werden, krank sein - und 

dem Spieler eine Entscheidung aufdrängen: Will ich spielen, 

oder erwachsen werden? In so einer Zukunft wird es 

keine Spielzeuge der Zukunft geben. Das Spielzeug wäre 

die Vergangenheit, eine Erinnerung an eine un-smarte 

Zeit, in der die Funktion eines Gegenstandes nur von dem 

Benutzer, dem Spieler festgelegt wurde.

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Der Geist und 

die Maschine 

Smarte Würfel: Für sich 

allein sind sie bessere 

Pokemons, bringt man sie 

zusammen, entwickeln sie 

ein Eigenleben. 

sifteo.com 

Es gibt eine neue Art von Spielzeug: programmierbare 

Roboter & Drag-'n'-Drop-Bots. Die Idee ist ganz 

einfach: Das Spielzeug ist eine leere Hülle, ein Haufen 

Sensoren, eine Schublade voller Aktore. 

Wie die zusammenarbeiten, aufeinander und auf die 

Welt reagieren, das bestimmen die Spieler durch etwas 

Programmierarbeit. Das Spiel ist das Basteln mit diesen 

Regeln - und der Moment, wenn man die Kreatur auf die 

Welt oder andere Roboter loslässt. "Wenn du vor dir Licht 

siehst, dreh dich nach links" lauten solche Regeln. Oder: 

"Fahr im Zufallsmuster durch's Zimmer, bis du an ein 

Hindernis stößt. Dann rufe um Hilfe." Oder: "Wenn du einen 

Hilferuf eines anderen Roboters hörst, fahre dem Ruf 

hinterher." 

Dieser Ansatz ist natürlich nicht neu. Mit den Tit-for- 

Tat-Experimenten der frühen Spieltheorie, Conways Game 

of Life, den "AI Challenge"-Programmierspielen und den 

Konfliktsimulationen im Kalten Krieg hat die Akademia 

schon lange mit einfachen Regeln komplexes Verhalten 

simuliert. Doch als Spielzeug steht ihm nun eine neue 

Zukunft bevor. Einfache Regeln beherrschen auch Kinder. 

Durch ihre Kombination entstehen "emergente" Muster, 

so etwas wie Leben. Mit einfacher Drag-'n'-Drop-Arbeit 

kann blechernen Hüllen ein Geist eingehaucht werden, 

die Puppe erwacht. Kinder sollen programmieren lernen, 

das kann man so gelten lassen. Tatsächlich dürften viele 

Aspekte der zukünftigen Welt wohl durch verschleierte 

Kommandozeilen ("Siri") gesteuert werden, also durch 

Aneinanderreihung und Verknüpfung von Befehlen, 

Auslösern und Bedingungen. Für so einen Umgang mit der 

kybernetischen Welt soll das Spiel mit den Regeln ausbilden. 

Aber es funktioniert eben auch einfach als Spiel - weil 

solche Roboter viel mehr mit herkömmlichem Spielzeug gemein 

haben, als etwa mit Computerspielen. Die Spieler weisen 

einem Gegenstand eine abstrakte, reduzierte Funktion 

zu und machen es so erst zum Spielzeug. Und so, wie ein 

Stück Plastik in der Fantasie zum Raumschiff wird, wird ein 

Stück Schaltkreis mit Rädern durch Code zur Puppe. Die 

Zuschreibung "das lebt, das reagiert", entsteht im Kopf der 

Spieler. Der Geist in der Maschine ist in einem wie im anderen 

Fall die kreative Schöpfung jenseits der Vorgaben des 

Spielzeugs. Das Spiel entsteht im Geist - und durch Geist. 

Kinetisches Spielzeug mit Modul-Funktion: 

Die Apparate von Yuichiro Katsumoto loten 

die Grenze zwischen einfach und komplex, 

intelligent und primitiv.haptisch aus. 

yuichirock.com 

20


Klassiker der Heimrobotik: Lego-Mindstorms 

zur Verteidigung des Kinderzimmers 

mindstorms.lego.com 

Plug & Play aus dem Elektro-Baukasten. 

Vom Putzroboter bis zum Erdbebenlausche ist 

damit all das denkbar, was auf Sensoren und 

Aktoren angewiesen ist. 

atoms-express.com 

Diese Gelenke haben ein kinetisches 

Gedächtnis und sind programmierbar. 

Sie zeichen Bewegungen auf und führen 

sie danach immer wieder aus. 

topobo.com 

Zwischen Spielzeug und Musikinstrument 

schweben viele Projekte von Yuri Suzuki, hier 

beim Töne zum Auf-den-Tisch-Malen. 

yurisuzuki.com/works/looks-like-music 

21


Tablet & Spielbrett, die neuste Form von 

transmedialem Spielzeug 

hasbrozapped.de 

2013 kehrte mit der Oculus-Rift-Datenbrille 

das VR-Versprechen zurück. 

oculusvr.com 

Game-Controller zum Selberbasteln 

arduino.cc/en/Main/ArduinoBoardEsplora 

Alte Formen und neue Inhalte: Elektrifiziertes 

Holzspielzeug reizt ganz clever Anachronismusund 

Ökotrigger gegeneinander aus. 

hikaruimamura.sakura.ne.jp/watashi/novel-toys-2 

22


Dieses Schaltkreis-Puzzle ist nur eine der 

vielen tollen Ideen von Yuri Suzuki. 

yurisuzuki.com/works/denki-puzzle 

Erst basteln, dann 

Spielen mit dem Open- 

Source-Baukasten 

littlebits.com 

Mini-Trend Custom-Spielzeug: Makies sind 

Wunschpuppen aus dem Internet-Baukasten. 

makie.me 

23


Text Florian Brauer 

Battle unterm 

WeihnachTsbaum 

Die neuen Spielmaschinen 

m 

Microsoft und Sony aktualisieren Ende November 

ihre Spielkonsolen Xbox und PlayStation. Wer am 

ersten Verkaufstag eine ergattern will, wird vorm 

Elektrosupermarkt Schlange stehen müssen - die 

Vorbestellungskontingente sind längst ausverkauft. 

Aber muss das überhaupt sein, Xbox One oder 

PlayStation 4? 

24 

Der Begriff Spielkonsole trifft die Sache ja längst nicht 

mehr: Wer sich zwischen Xbox und PlayStation entscheidet, 

entscheidet sich für ein ganzes Ökosystem mit 

Entertainment-Kanälen, Community, Video-Streaming, 

Musik, einem Bezahl- und Belohnungssystem, Basis- und 

Exklusivangeboten und nicht zuletzt den "perfektesten 

Videogames", die es "je zu spielen gab". 

Man muss hervorheben, dass für Sony und Microsoft 

einiges auf den Spiel steht, denn der geneigte Konsument 

entscheidet sich zunächst nur für ein Gerät und damit sind 

die Anteile des Kuchens vorerst klar verteilt. Fehltritte im heiß 

umkämpften Marktsegment der Videospielkonsolen und den 

inzwischen zugehörigen Anteilen der digitalen Unterhaltung 

hätten für beide Konzerne schwerwiegende Folgen. 

Selbst bei Nintendo, wo man sich bisher immer eindeutig 

als Spielzeughersteller definiert hat, ist man mit der Wii 

U, die seit etwa einem Jahr auf dem Markt ist, mit verbesserten 

Grafikprozessoren und einer Öffnung für Spiele von 

Dritthersteller einen weiteren Schritt in Richtung Konsolen- 

Mainstream gegangen. Hier verhält man sich aber antizyklisch 

und hofft, im richtigen Moment mit einem genialen 

Coup die Branche umzukrempeln, wie damals, mit der 

Wii und den inzwischen überall standardmäßig zugehörigen 

Motion Controllern. 

Im Vorfeld des fast gleichzeitigen Launch von Xbox One 

und PS4 analysierte die Games-Szene jede Pressemitteilung 

kritisch, um herauszufinden, auf welches Pferd man 

setzen sollte. Einige Ankündigungen Microsofts zu strengerem 

DRM von gebrauchten Spielen und die Diskussion 

um den Online-Zwang der Xbox One sind inzwischen vom 

Tisch, wohl auch, weil diese Themen bei Sony ganz ähnlich 

gehandhabt werden. Auch in Fragen der monatlich gebührenpflichtigen 

Mitgliedschaft im Playstation-Plus-Netzwerk, 

beziehungsweise bei Xbox Live Gold, verfolgen beide die 

gleiche Preis-Leistungs-Politik. Überhaupt ist es schwierig, 

grundsätzliche Unterscheidungen der beiden Konsolen herauszustellen. 

Beide nutzen gleiche Prozessoren, haben die 

selben Festplatten und auch sonst bezüglich der Leistung 

und unterstützten Formate keine endgültig überzeugenden 

Kaufargumente.


ElEctronic BEats 

FEstival 

Xbox und Playstation nutzen gleiche Prozessoren, haben die selben Festplatten 

und auch sonst bezüglich der Leistung und unterstützten Formate 

keine endgültig überzeugenden Alleinstellungsmerkmale. Das Ökosystem 

und dessen Flair entscheidet - und der Preis. 

Das Ökosystem entscheidet 

Community vorgestellt werden. Diese Möglichkeit der 

Und der Preis: Die PS4 wird 400 Euro kosten, die Xbox Teilhabe anderer am eigenen Spiel könnte vor allem 

Trends wie Machinimas, Alternative-Gaming und 

One hundert Euro mehr. Dafür ist bei Microsoft der Kinect- 

Sensor enthalten, die technisch beeindruckende Gesten- Challenge Runs verstärken und Wege aufzeigen, auf 

und Sprachsteuerung, mit der sich viele Funktionen der welche Arten sich die Grenzen von Spielwelten ausloten 

lassen und wie mit User Generated Content die 

Konsole bedienen lassen und in die man bei Microsoft 

große Hoffnungen setzt. Außer Tanz- und Sportspielen Spiele-Communities lebendig bleiben. Für den wichtigen 

Impuls frischer und innovativer Spielkonzepte soll 

sind aber innovative Konzepte für Kinect wegen spürbarer 

Latenz immer noch rar gesät. Das Sony-Äquivalent, das die von allen Konsolenherstellern betonte Öffnung für 

Playstation Eye, kann separat erworben werden. 

unabhängige Entwickler sein. Wie genau aber eine solche 

Implementierung in die ansonsten hermetisch abge- 

Neue Horizonte in Hinsicht auf Hardware eröffnen 

vor allem die Möglichkeiten des Cross Plattform Gaming schlossenen Systeme vonstatten gehen soll und welche 

und der "Companion-Apps". Auch das hat sich in der Werkzeuge unabhängigen Entwicklern an die Hand gegeben 

werden, darüber ist noch nichts bekannt. 

Vergangenheit mit der PS Vita und Nintendos Tablet- 

Controller, wo man von asynchronem Gameplay spricht, 

Welche Konsole soll es also sein? Auch die 

schon angedeutet. Die Spiele und Anwendungen verlassen 

die Konsole als stationäres Games-Center und Entscheidungshilfe. Weiß man doch schon länger, dass 

Exklusivtitel zum Launch geben hier keine eindeutige 

können jetzt mitgenommen werden. Vor allem verspricht 

Microsofts Smart-Glass-Applikation für mobile Entwickler die gegebenen Möglichkeiten besser nut- 

sich die Qualität einer neuen Konsole erst zeigt, wenn 

Geräte interessante Erweiterungen der Spielperspektiven zen können. Zwar gibt es die altbekannten Namen, wie 

und Bedienmöglichkeiten. Ein gutes Beispiel für eine 

Companion-App liefert der Überwachungs-Thriller One, aber die echten Gewinner im Battle der Konsolen 

Killzone bei Sony und auch eine neues Halo für die Xbox 

Watchdogs, bei dem Mitspieler von außen über ihr sind erstmal die großen Publisher Ubisoft, Activision oder 

Tablet mit der zugehörigen App ins Spiel von Freunden EA, die entweder mit Exklusivverträgen oder sowieso 

eingreifen können und beispielsweise Kameras und plattformübergreifend ihre Dauerbrenner FIFA, Call of 

Hubschrauber ansteuern. Ein anderes Beispiel sieht man Duty, oder Assassins Creed herausbringen. 

bei Sony in der plattformübergreifenden Marke Invizimals, 

Für mich klingt das trotzdem nach einem vielversprechenden 

Konsolen-Zyklus. Wahrscheinlich macht 

einer sammel- und erweiterbaren Figurenwelt, die sowohl 

im Kinderzimmer, als auch auf Handheld, Konsole und man mit keiner der beiden Konsolen irgendwas falsch. 

über eine Fernsehserie transmedial miteinander verknüpft Es bietet sich aber gerade ein Wechsel des Ökosystems 

wird. 

an, um das Gefühl der freien Entscheidung genießen zu 

Aufgrund größerer Leistung und verbesserter Online- können. Auch wenn man auf seiner bisherigen Konsole 

Funktionalitäten werden die Spielwelten komplexer und schon Community- und Spielerfolge gesammelt hat, bietet 

sich nun eine Gelegenheit die Konkurrenz anzutesten, 

noch mehr auf Multiplayer ausgerichtet sein. Die sogenannten 

Massive Multiplayer Online Games (MMOG), um dann beim nächsten Mal sagen zu können, wo es einem 

besser gefallen hat. 

die bisher hauptsächlich über PC gespielt wurden, finden 

ihren Platz nun auf den Konsolen und entwickeln 

da ein Eigenleben, auch wenn man selbst gerade nicht 

mitspielt. Viele dieser Welten sind free to play, also erstmal 

umsonst, bis man tiefer einsteigen will. Mit dem 

Trend der nachhaltigeren Spielwelten werden wir wohl 

Xbox One erscheint am 22. November, 

auch das bereits prophezeite Verschwinden des physischen 

Datenträgers erleben. Zukünftig werden Spiele ge- 

für ca 500 respektive 400 Euro. 

PlayStation 4 am 29. November 

streamt, in der Cloud gespielt und mit ständigen Updates 

erweitert. 

Ein sehr positiv aufgenommenes Feature der neuen 

Konsolen betrifft das Gameplay-Recording. Interessante 

Spielszenen können jetzt aufgezeichnet und in der 25 

DrEsDEn 

Alter 

SChlAChthof 

10.11.2013 

WooDkiD 

Mount KiMbie 

sizarr 

ElEctronicBEats.nEt

177 — film 

bild b flickr.com/jdhancock 

Computer 

Chess 

Die Welt ist kein 

Schachbrett 

26

text Christian Blumberg 177 

i 

Indie-Filmemacher Andrew Bujalski 

beobachtet Nerds, die in den frühen 

Achtzigerjahren ein Schachcomputer-Turnier 

ausrichten. "Computer Chess" stellt in erster 

Linie die eigenen technischen Parameter aus, 

erzählt deshalb aber umso subtiler von ganz 

menschlichen Angelegenheiten. 

1979 übertrug das ZDF eine Schachpartie zwischen dem 

schottischen Meister David Levy und dem Großrechner 

CDC Cyber-176. Die Partie endete unentschieden. Levy 

e rneuerte danach ein Wette um einen mittleren Geldbetrag: 

Für zehn weitere Jahren erklärte er sich im Duell gegen einen 

Computer für unschlagbar. Die Wette ging selbstverständlich 

verloren, wenn auch nur knapp: Erst 1988 unterlag 

Levy einer Software. 

Ein ähnlicher Wettabschluss steht am Beginn von 

Andrew Bujalskis "Computer Chess". Das Ausmessen 

der Kräfteverhältnisse zwischen Mensch und Maschine 

soll im Film der Höhepunkt einer Konferenz werden, die 

in erster Linie aus einem Turnier besteht, auf dem zuvor 

der beste Schachcomputer der USA ausgespielt wird. 

Programmierer, Experimentalpsychologen, Nerds sowie 

das universitäre Informatik-Team des MIT haben deshalb 

unförmige Rechner in ein Hotel verfrachtet, es ist ungefähr 

1980. Eine der partizipierenden Crews tritt mit dem neuesten 

Modell aus Compaqs PDP-11-Reihe an. Stolz verweist 

man auf die Portabilität des Geräts: bei ebenerdigen 

Verhältnissen lässt es sich auf einem Rolltisch von nur zwei 

Personen herumschieben. 

Die Abdrücke, die ein solcher Transport im flauschigen 

70er-Jahre-Teppich der Mittelklasse-Hotelanlage 

hinterlässt, kann man nur erahnen. 

Denn Bujalski nimmt seinen Retro- 

Auftrag überaus ernst. Waren seine 

bisherigen Filme auf 16mm gedreht, 

der Kamera des amerikanischen 

Underground-Kinos, hat er 

für "Computer Chess" alte, analoge 

Videokameras benutzt. Deren 

schwarzweiße Bilder sind nicht 

bloß kontrastarm, sondern von 

einer regelrechten flatness. Der 

Einsatz von Video birgt im Kino 

gewisse Gefahren, bleibt doch ein 

Versprechen der Leinwand unerfüllt, 

die Detailfülle. Bujalkis Film 

bedient sich daher eines einfachen 

Kniffs: Er macht die Videokamera 

zu einem seiner Hauptdarsteller. 

Sie bekommt eine eigene Einführungsszene, und die von ihr 

produzierten Bildfehler – das Einbrennen heller Bildpunkte, 

durchlaufende Störstreifen etc. – sind die optischen 

Attraktionen von "Computer Chess". Visuelles Rauschen 

soll im Kino meistens einen ästhetischen Bruch herbei - 

führen. Bei Bujalski hingegen ist der Einsatz von Video keine 

bloße Retrostrategie, sondern die mediale Beglaubigung 

des historischen Kosmos. Seit Videokassetten o utmodet 

sind, wirkt die feh lende Taktilität ihrer Bilder ein wenig unheimlich. 

Es ist ganz s icher kein Zufall, dass gerade der 

fantastische Film oft auf VHS zurückgriff, wenn er vom 

Auftauchen geisterhafter Existenzen erzählte. Von den 

Gesichtern der Protagonisten in "Computer Chess" bleiben 

oft nur Schemen, weshalb sie mitunter eben auch ganz 

geisterhaft anmuten. Vielleicht so, wie Programmierer vor 

mehr als 30 Jahren wohl auch auf Teile ihrer Mitmenschen 

gewirkt haben müssen. 

Als Nerds noch Nerds waren 

Oder wie Aliens mit naturwissenschaftlichem Diplom, einer 

geheimen Sprache und Gadgets aus der Zukunft. Bujalskis 

period piece versteht sich in erster Linie als ver gnügliches 

Stück Zeitgeschichte, wobei das Vergnügen anfangs aus 

Stereotypen gezogen wird: ein sa me Typen mit schweren 

Hornbrillen und äußerst ungelenkem Auftreten bei der 

Partnersuche, diskutieren über die Grenzen der künstlichen 

Intelligenz und vermuten hinter dem Versagen eines 

Schachcomputers mindestens das Pentagon, beziehungsweise 

den "militärisch-industriellen Komplex". 

Bipolare Welt, Binärcodes, Schachbretter: Zunächst inszeniert 

Bujalski dies unter Zuhilfenahme authentischer 

Strategien, etwa solchen der Mockumentary und des 

Von den Gesichtern der 

Protagonisten bleiben oft 

nur Schemen. Fast geisterhaft 

muten sie an. So wie 

Programmierer vor 

30 Jahren auf ihre 

Mitmenschen wirkten. 

Cinéma Vérité – die Bilder des 

Films werden i mmer an die diegetische 

Anwesenheit dokumentierender 

Kameramänner zurückgebunden. 

Nun verfügt Bujalski 

2013 über einen Blick der technologischen 

Überlegenheit. Doch 

dankenswerterweise, sonst wäre 

Computer Chess wohl recht 

stumpfe Comedy geworden, spielt 

er diese Position nicht gegen seine 

Figuren aus. Stattdessen kippt 

der Film nicht nur formal in einen 

zunehmend erzählenden 

Modus, fortlaufend werden kleine 

Nebenschauplätze eröffnet: 

Eine Gruppe Esoteriker trifft sich 

zu einer Art Erkenntnistherapie 

im Hotel. Von den Programmierern werden sie zunächst 

argwöhnisch begutachtet, die Unterschiede scheinen zumindest 

in Fragen von Ideologie und Gebaren (sie wühlen 

ihre Hände in Weißbrotlaiben und stöhnen vor Wonne) unüberwindbar. 

Später checkt, noch myste riöser!, eine Horde 

Katzen ein. Und natürlich entwickelt einer der Computer ein 

widerspenstiges Eigenleben. Es verwundert kaum, dass 

das Mensch-Maschine-Duell, auf das hier doch alles hinauslaufen 

sollte, weder den Erwartungen der Figuren, 

noch denen des Zuschauers entsprechen wird. "Computer 

Chess" ist kein Film über Nerds und ihre Computer, eher 

einer über Kommunikationsprobleme. Über das Handeln 

und Nichthandeln in Situationen, in denen die eigenen 

Strategien nicht weiterhelfen. Die Welt ist kein Schachbrett 

– wäre dies allein Bujalskis menschelnde Lektion, die beleidigte 

Zuschauerintelligenz würde ihm eine kleben wollen. 

Sein zeit- und ideengeschichtliches Spiel aber ist zu 

kontrastarm und zu klug zum Moralisieren, auch zu leise. 

Es wird derzeit viel von einer Renaissance des USamerikanischen 

Indie-Kinos gesprochen. "Computer 

Chess" darf als weiterer Zeuge dafür gelten. Auch weil den 

Film eine Aura des Glaubhaften umgibt, was weniger mit 

dem Videomaterial als mit der Tatsache zu tun hat, dass 

Bujalski beispielsweise einen Informatikprofessor einfach 

von einem Informatikprofessor spielen lässt. So schön und 

einfach ist es. 

COMPUTER CHESS (USA, 2013) 

Regie: Andrew Bujalski 

Kinostart: 07.11.2013 

Verleih: Rapid Eye Movies 

piano+ konzerte 

27.–29.II. täglich ab 20 uhr 

27.ll.—30.ll. 20l3 

festival elektronischer musik 

www.zkm.de/musik 

giga-hertz-preis für 

– elektronische musik 

– sound art 

preisverleihung mit konzerten 

30.II. ab 19 uhr 30 

kooperationspartner von giga-hertz-preis: 

medienpartner:

Text Thaddeus Herrmann 

Jonsson 

/Alter 

"Das Echte liegt in der 

Zukunft und nicht im Kauf 

einer überteuerten Drum 

Machine von 1982" 

Die beste HiHat der Welt klingt exakt wie 

das Schnarren einer Fahrradkette, die an der 

Abdeckung schleift, meinen Jonsson/Alter. 

Zum lang erwarteten zweiten Album stellen 

wir mit den Schweden die dringlichen Fragen 

nach der Authentizität. 

Bei Joel Alter brummt es. Laut und ausdauernd. Die 

Gegensprechanlage bespielt das frühabendliche Chaos 

in Berlin-Neukölln; die Eckfrequenz ist deep. Sanft blendet 

sich der Wahnsinn aus. Wir steigen hinauf gen nicht-ausgebautes 

Dachgeschoss; hinter der Wohnungstür ist sein 

Studio im Auto-Modus. Dort, wo andere Mieter ihre Mäntel 

aufhängen würden, in der Diele ganz rechts, ist das spärliche 

Equipment verkabelt. Alter schaltet um, beugt sich 

über die Plattenkiste, greift blind hinein, legt auf und drückt 

auf Play. Es duftet nach Abendessen, Henrik Jonsson positioniert 

die Weingläser, gießt ein. Alter nimmt Platz, steht 

sofort wieder auf und holt ein paar Pflanzen vom Balkon 

ins Warme: jetzt aber. 

"Das neue Album ist ein pulsierendes Rechteck", sagt 

Jonsson. So hätte ihm ein Bekannter "2" beschrieben, nachdem 

er ihm es vorgespielt habe, und da habe er dann doch 

die Basecap abnehmen und sich am Kopf kratzen müssen. 

Aber, erläuterte der Bekannte weiter, rechteckig im Sinne 

von klar strukturiert und sehr funktional. Und innerhalb der 

definierten Fläche, da vibriere es. Wir stoßen an. Auf den 

g efundenen Dancefloor. Denn ihr gemeinsames Debüt, 

"Mod" von 2011, beschrieb eine Graswurzel-Tanzfläche, die 

verteidigt werden will, die genau das behandelt, worum es 

in der Dancemusic immer ging: um die dire kte und kompromisslose 

Konfrontation von Maschinen und den Händen, 

die sie bedienen. Es war aber auch eine LP, die vor allem 

zu Hause die Diskokugel anknippste, die jenen Rumms 

feierte und perfektionierte, den kaum jemand mehr wagt 

aufzulegen. Von dem man träumt, der aber vielleicht doch 

zu persönlich und ursprünglich spröde daherkommt. "2" 

klingt anders. Ist direkter. Steigt schneller ein. Und stellt 

die Kickdrum auf einen Thron, den man bei Jonsson/Alter 

zwar immer erahnte, den die beiden Berliner Schweden so 

aber noch nie in Tracks gegossen haben. "Live natürlich 

schon", sagt Alter. "Aber die Produktion der neuen Platte 

28 

lief anders ab. Wir haben mehr Zeit damit verbracht, in die 

Tracks hineinzuhören, versucht, die Essenz auszumachen. 

Was ist die beste Richtung, die die Skizze nehmen könnte?" 

"Shaking out the kicks!", sagt Jonsson und lacht. "Ist das 

Drumprogramming der wichtigste Faktor in diesem Track? 

Dann haben wir daran gefeilt. Und wenn es eher die Chords 

und Flächen waren, die die Grundidee ausmachten, dann 

haben wir uns darauf konzentriert", fährt Alter fort. "Dadurch 

sind die Stücke für sich genommen besser ausbalanciert 

und haben einen schärferen Fokus." 

Synth. Kick. HiHat. Fertig. 

Es ist immer noch ein sanftes Herantasten aneinander. 

Irgendwann sind Jonsson und Alter in Berlin übereinander 

gestolpert. Alter der DJ und Produzent, Jonsson der, 

der vor allem mit seinen Releases als Porn Sword Tobacco 

Eindruck hinterlassen hat, einem Projekt, das eine Art 

Ventil bildete, um mehr als zehn Jahre erfolgreiche Arbeit 

in der Techno-Welt abzustreifen. "Ich hatte wirklich vergessen, 

welche Dynamiken den Club bestimmen. Was wie 

funktioniert und was eben auch nicht. Als wir dann nach 

der ersten LP anfingen, live zu spielen, kam das schrittweise 

zurück. So bin ich auch die Produktion von '2' angegangen. 

Raus mit dem ganzen Ballast, dem Rauschen, 

das ja auch auf der ersten LP ein tragender Bestandteil war. 

Komplette Reduktion. Synth. Kick. HiHat. Fertig." 

Die beste HiHat der Welt klingt laut Jonsson dann 

auch nicht einfach wie eine HiHat, sondern eher wie das 

Schnarren einer Fahrradkette, die an der Abdeckung schleift. 

Auf "Tribunen", einem darken Einton-Monster der neuen 

LP, kann man das exakt nachhören. Dabei ist die Platte 

überhaupt alles andere als eine berechenbare und exakte 

Wissenschaft, ein kalkulierter Kontrapunkt zum frei schwebenden 

und doch dringlichen Erstling. Denn "2" verbindet 

zwei Welten, die heute selten, viel zu selten auf Produktionen 

zusammen gedacht werden. Da ist das klar definierte, anschlussfähige 

Beat-Skelett, das überdeckt wird von einem so 

noch nie umgesetzten kompositorischen Feingefühl. Arsch 

auf Eimer? Eher Rose in der perfekten Vase. 

"Ich empfinde die Arbeit an unserem Projekt eher als 

Songwriting und nicht als Produktion von Tracks", sagt 

Alter. "Und es ist doch ein großes Missverständnis, dass 

Songs sich über Vocals definieren. Eine kleine Melodie 

kann das Persönliche, das Wiedererkennbare genau so 

gut widerspiegeln, wie Gesang. So entstehen in der Regel 

auch die Stücke. Wir sprechen miteinander. Über Bücher, 

Filme, Erinnerungen, die wir beide an Schweden haben

» 

Jonsson/Alter, 

das ist etwas sehr 

persönliches. Ich brauche 

keine komplexen 

Beat-Arrangements, 

um anders 

zu sein. Ich bin 

einfach ich. 

« 

und dann fängt einer von uns beiden einfach an. Jonsson/ 

Alter, das ist etwas sehr Persönliches. Ich brauche keine 

komplexen Beat-Arrangements, um anders zu sein. Ich bin 

einfach ich." "Das entwickelt sich auch stetig weiter", sagt 

Jonsson, "der Prozess ist noch längst nicht beendet." 

Ne touche pas mon 808 

Ganz ohne Vocals kommt "2" dann aber doch nicht aus. 

"Brevet Hem" ist mit der japanischen Sängerin Kazumi entstanden, 

die sich nur alle paar Jahre wirklich dazu überreden 

lässt, ihren einzigartigen Gesang aus erfundenen Lauten 

und Versatzstücken gleich mehrerer Sprachen freizugeben. 

Ein Track, pardon, Song, der auch von Trevor Horn stammen 

könnte. Mit fokussiertem Slap Bass wie aus einem 12"- 

Mix von Art Of Noise, weichen Chords und "diesem gewissen 

Extra an Emotion, was ich in Musik immer suche", sagt 

Jonsson. "Das ist natürlich vermessen, so etwas über ein 

eigenes Stück zu sagen, aber es sticht heraus". "Wir haben 

sogar einen Radio Edit davon gemacht. Mein erster überhaupt", 

sagt Alter. "Der erscheint 

als 7." Haben Radiosender heute 

überhaupt noch Plattenspieler? 

Heutzutage ist sowieso 

alles anders. In den Clubs haben 

Jonsson/Alter bislang eher 

indirekt Spuren hinterlassen. 

"Mod" ist eine der wichtigsten 

Inspirationsquellen der letzten 

zwei Jahre. Ideen und Sounds 

dieser Platte wurden von vielen 

Produzenten aufgegriffen und in 

ihren eigenen Tracks verarbeitet. 

Ein unbeachteter Ritterschlag in 

einem Business, "in dem immer 

weniger gewagt wird. So empfinde 

ich das jedenfalls", sagt Alter. 

Und plötzlich sind wir mittendrin 

in der alten Diskussion über 

oldschool und newschool, Laptop 

vs. Hardware, die überrissenen 

Preise für Rolands alte Maschinen- 

Garde und der auch 2013 noch 

dringlichen Frage nach Authentizität. "Die liegt doch in der 

Zukunft und nicht im Kauf einer überteuerten Drum Machine 

von 1982", sagt Alter. "Ich muss meine 808 jetzt wirklich in 

Schutz nehmen", sagt Jonsson. "Die kann nämlich rein 

gar nichts für die Gebrauchtmarktpreise." "Es geht doch 

auch darum, so viel unterschiedliche Einflüsse in sich 

aufzusaugen wie möglich, wenn man selber Musik macht", 

setzt Alter fort. "Deshalb finde ich es auch überhaupt nicht 

schlimm, wenn Produzenten unsere Idee weiterentwickeln. 

Ich lebe jetzt schon eine ganze Weile in Berlin. Hier gibt es 

eine ganze Generation, die ausschließlich mit Techno und 

House aufgewachsen ist. Ich finde das problematisch, zu 

eingleisig. Aber es ist möglich, weil es die Clubszene gibt. In 

Schweden wäre das vollkommen undenkbar. Die paar Partys 

am Wochenende, die nimmt man zwar dankbar auf und mit. 

Man ist aber immer auch mit anderer Musik konfrontiert, die 

dann auch eine Rolle spielt. Je mehr Musik man hört, desto 

besser und einzigartiger wird man selbst. Wie man das dann 

produziert, ist vollkommen egal." 

"2" erzählt genau diese Geschichte in den schillernsten 

Farben. 

Jonsson/Alter, 2, 

ist auf Kontra-Musik Records/ 

Clone erschienen. 

177 — musik 

29 

NILS PETTER MOLVAER 

MORITZ VON OSWALD 

1/1 

Nils Petter Molvaer - trumpet 

Moritz von Oswald - electronics 

„Fantastisch unkonventionell“ 

DIE ZEIT 

„Hier haben sich zwei Künstler gefunden“ 

JAZZPODIUM 

„Diese Musik hat Kraftwerk genauso viel zu 

verdanken wie Miles Davis“ 

FAZ 

„Molvaer als lyrisches Element und von Oswald 

als Architekt synthetisch-dissonanter Stimmungen 

addieren sich zu einem überzeugenden Ganzen“ 

NEWS.CH 

Emarcy 06025 3743670 

Auch als Download 

und Doppel-Vinyl 

www.nils-petter-molvaer.de 

www.jazzecho.de 

www.facebook.com/jazzecho

Text Jan Wehn 

Syrischer Volksheld, Hochzeits- 

Sänger in traditioneller Kutte! 

Hipper Gegenentwurf zum 

verwestlichten Ethno-Pop? 

Wir fragen uns: Wie sollen wir 

eigentlich den hiesigen Hype um 

jemanden werten, dem Michael 

Jackson und die Beatles angeblich 

unbekannt sind und dessen neue 

Platte von Four Tet produziert 

wurde? Was steckt hinter Omar 

Souleyman? 

Durchsucht man das Internet nach Videos 

von Omar Souleymans Auftritten, sieht 

man zweierlei. Einmal sind es Aufnahmen 

vom Glastonbury Festival aus dem Jahr 

2011. Der Sänger schreitet von links nach 

rechts und wieder zurück über die Bühne, 

auf der Oberlippe einen Schnurrbart, 

auf der Nase eine Sonnenbrille wie sie 

Kampfpiloten tragen und auf dem Kopf eine 

mit Kordeln fixierte Kufiya, die traditionelle 

arabisch e Kopfbedeckung. Die Besucher 

kreischen frenetisch und versuchen sich 

im Ausdruckstanz. Die anderen Bilder sind 

verwackelte Aufnahmen von Hobbyfilmern. 

Sie zeigen prunkvoll geschmückte Räume, 

in denen Hochzeitsgesellschaften 

Kreistänze vollführen. In ihrer Mitte: Omar 

Souleyman, der andächtig umherschreitet 

und zur Melodie der hypnotisch hin- und 

herhüpfenden Zithern klagend ins Mikrofon 

singt. Zwischen den Aufnahmen liegen nur 

ein paar Wochen. 

Kassetten-Shop 

Wenn man das Phänomen Omar 

Souleyman verstehen will, muss man sich 

zuerst mit Mark Gergis beschäftigten. Unter 

dem Namen Porest ist der Amerikaner 

eine multimedial werkelnde Ein-Mann- 

Armee, als hyperaktiver Collagist der 

Popkultur und als Mitgründer des Labels 

Sublime Frequencies. Hier sammelt und 

veröffentlicht er - genau wie bei seiner 

eigenen kleinen Plattenfirma Sham Palace 

- Musik, Film und Field Recordings, die 

er auf ausgedehnten Reisen durch Asien 

und den Nahen Osten entdeckte. "Choubi 

Choubi! Folk & Pop Songs from Iraq" oder 

"Shadow Music from Thailand" sind nur 

einige von Gergis zahlreichen Compilations 

und Reissues. 

Während der stundenlangen Autofahrten 

auf seiner ersten Reise nach Syrien im Jahr 

1997 lauschte Gergis ständig der gleichen, 

treibenden traditionellen syrischen Musik, 

die immer wieder in Richtung Elektronika 

ausschritt. Auf Nachfrage verwiesen die 

Syrer ihm zufolge stets auf das Werk 

von Omar Souleyman: einem 1966 in der 

nordsyrischen Stadt Ra's al-'Ayn geborenen 

30 

Sänger, der mit seiner Musik in seinem 

Heimatland und der gesamten arabischen 

Welt Heldenstatus erlangte - angeblich. 

Für Souleymans Ruhm gibt es im Netz 

nur wenige Beweise, aber so geht nun mal 

die Geschichte, die Mark Gergis erzählt: 

Er kaufte so viele Kassetten und CDs von 

Souleyman zusammen wie er nur konnte. 

Wieder daheim reifte mit seinem Label- 

Partner Alan Bishop die Idee, dem syrischen 

Superstar auch in Amerika und Europa ein 

Outlet zu bieten. 2006 fand der Sublime- 

Frequencies-Gesandte in einem Kassetten- 

Shop in der Stadt Aleppo endlich jemanden, 

der die Nummer von jemandem besaß, 

der wiederum die Nummer von Omar 

Souleyman hatte. 

Fremdartiger Kitsch 

Nach einem Treffen unterbreitete Gergis 

Souleyman das Angebot, seine Musik zu 

veröffentlichten. Trotz der vergleichsweise 

bescheidenen Reichweite eines auf 

Nischenmusik spezialisierten Labels machte 

das erste Release "Highway To Hassake" 

bald die Runde. Es folgte "I Remember 

Syria", die Videos griffen ordentlich YouTube- 

Klicks ab, Björk listete zwei Songs von 

Souleyman in ihrer NPR-Playlist für das 

Jahr 2012, orderte Remixe für ihre Serie 

von "Crystaline"-Neuinterpretationen und 

die Kollaboration mit Blur verpasste laut 

Frontmann Damon Albarn nur knapp eine 

Platzierung auf deren Album "Plastic Beach". 

Der Hype kommt nicht von ungefähr. 

Mit seinen rumpelnden und rauschenden 

Lo-Fi-Aufnahmen, den flimmernden 

Konzertmitschnitten von syrischen 

Hochzeiten und seinem Kleidungsstil 

fernab vom Urban-Outfitters-Diktum 

passt Souleyman, der Orient und Okzident 

mithilfe von arabisch interpretierter New- 

Wave-Musik einander näher bringt, ganz 

wunderbar ins Bild der Weltmusik-Jünger 

zwischen Leipzig und London - liefert er 

mit ungekannter Theatralik, fremdartigem 

Kitsch und einer Affinität zum "westlichen" 

Rhythmus doch eine willkommene 

Alternative zum inflationären Aufkommen 

von Mottoparty-tauglich getrimmten 

Ethnomusik-Trends wie Gipsy Jazz, Klezmer 

Pop oder Balkanbeats. 

Das minutenlange Scheppern 

Denn es ist doch leider nun mal so: Egal, 

ob es sich um die Bhangra-Blödeleien von 

Panjabi MC oder die Tamil-Tigers-Koketterie 

einer M.I.A handelt: Jede Abweichung 

(die gerade genau richtig eben auch nicht 

abweicht) von der Mainstream-Norm 

wird als eierlegende Wollmilchsau durchs 

Dorf getrieben. Freilich hat Souleyman 

Mit seinen rumpelnden und 

rauschenden Lo-Fi-Aufnahmen, 

den flimmernden Konzertmitschnitten 

von syrischen Hochzeiten und 

seinem Kleidungsstil fernab vom 

Urban-Outfitters-Diktum passt 

Souleyman ganz wunderbar ins Bild 

der Weltmusik-Jünger zwischen 

Leipzig und London. 

in den letzten Jahren erfolgreich die 

großen Hipster-Symposien von SXSW 

bis Glastonbury abgeklappert. Aber 

Souleymans Siegeszug wurde auch 

kritisch beäugt, ist er doch weit mehr als 

jemand, der mit unkundigen Folklorezitaten 

herumhantiert. 

Die Musik, die er gemeinsam mit 

seinem Keyboarder Rizan Sa’id macht, 

ist die Begleitung zu dem orientalischen 

Reihentanz Dabke, der auf Hochzeiten und 

Festen im arabischen Raum getanzt wird. 

Der Sound von Souleyman lebt von der 

Präzision ebenso wie von sympathischen 

Schlampereien. Das minutenlange 

Scheppern von akzentuierten Flöten und 

gezupften Saiten verquirlt sich mit der 

Schmerzenslyrik Souleymans zu einem 

hypnotischen Strudel futuristischer 

Folkmusik. 

Den treibenden Tanzrhythmus versieht 

Souleyman mit Texten über gebrochene 

Herzen, Liebeserklärungen an die eigene 

Mutter und Zwangsehen. Die zum 

konkreten Verständnis von der Plattenfirma 

ausgehändigten Übersetzungen kann man 

getrost beiseite legen. Souleymans Stimme, 

die mal voller Schmerz, mal beinahe in 

flachsender MC-Manier daherkommt, 

sagt mit ihrem schwülstig-opulenten 

Subtext immer genau das Richtige. Zu 

der Andersartigkeit gesellt sich auch eine 

Einzigartigkeit: Omar Souleyman hat nie von 

einem Michael Jackson gehört, die Beatles 

oder Elvis Presley sind ihm ebenso fremd, 

hat Mark Gergis einmal in einem Interview 

erzählt. Und als er Souleyman die Musik 

von Porest vorspielte, brach der Sänger in 

schallendes Gelächter aus, erinnerte sie 

ihn doch an die Geräusche von Insekten. 

Dann aber kommt Produzent Four Tet. 

Gemeinsam mit dem Folktronic-Vielwerker 

hat Souleyman in einer gemeinsamen, nur 

vierstündigen Session in Brooklyn sein 

erstes Studioalbum aufgenommen. Es heißt 

"Wenu Wenu", was so viel wie "Wo ist sie?" 

bedeutet. Schön: Four Tet hat in keinem 

Moment auch nur daran gedacht, in das 

Souleyman’sche Handwerk einzugreifen. Es 

gibt keine durch den Kompressor gejagte 

Kickdrum, keine zurechtgesampleten 

Library-Music-Extrakte. Natürlich klingt 

alles etwas klarer, ausproduzierter. 

Ansonsten ist jedoch alles wie immer: 

untenherum schnurgerade Vierviertel- 

Didaktik, nur von ein paar Trommeln 

unterbrochen, obenrum Trance evozierende 

Freidreher aus rhythmisch gezupften Lauten 

und geflöteten Kapriolen. Es liegt nahe, 

die Musik eines syrischen Musikers mit 

Monopol auf dem westlichen Markt als 

rebellischen Report aus krisengeschüttelten 

Gebieten, als eine Art hochkulturelle 

Kriegsaufbereitung zu deuten. Souleyman 

hat in Interviews aber immer wieder betont, 

kein politischer Musiker zu sein. Wenngleich 

er mit seiner Familie mittlerweile im 

türkischen Şanlıurfa lebt, sind weder seine 

blümeranten Texte als codierte Botschaften 

aus dem Epizentrum des Konfliktes zu 

verstehen, noch machen die ungelenken 

Versuche mancher Journalisten Sinn, 

Souleymans Band als multiethnisches und 

–religiöses Konglomerat und somit eine 

gelungene Form der Völkerverständigung 

und Forschungsprojekt für langfristige 

Konfliktlösungen im nahen Osten zu 

interpretieren. 

Tausende bejubeln den syrischen 

Sänger bei seinen Konzerten, die 

arabischen Communities hüben wie drüben 

freuen sich über hiesige Auftritte ihres 

Helden. All das hat nichts mit Politik zu 

tun. Oder anders und ganz platt gesagt: 

Omar Souleyman unterscheidet sich rein 

äußerlich nicht groß von Yassir Arafat oder 

Saddam Hussein. Man muss so dumm 

denken, um im Umkehrschluss festhalten 

zu können: Dass Omar Souleyman mit 

Hilfe von Mark Gergis die syrische und 

arabische Kultur und ihre Erscheinung in 

der sogenannten westlichen Welt in ein 

gutes Licht rückt, ist viel wert.

177 — musik 

Omar 

sOuleyman 

Hochzeit in Syrien 

Omar Souleyman & Four Tet, Wenu Wenu, 

ist auf Domino/Good To Go erschienen. 31

177 — breakbeat revival 

re: 

break 

Nostalgische 

Dekonstruktionen 

32 

"Hast du jemals 

zwischen Stroboskop- 

Strahlen und dichtem 

orangefarbenen Dunst 

gestanden, auf einer 

endlosen Welle von 

Musik dahintreibend? 

Auf der es für einen 

kurzen Moment ganz 

egal ist, wer du bist, 

was du machst oder 

wie du aussiehst?"

Text Philipp Rhensius 177 

Tessela 

A 

Die Sehnsucht nach einer vergangenen 

Clubmusik-Ära, die im Soundcloud- 

Auftritt des Produzentenkollektivs R-Zone 

anklingt, erzählt von einer neuen Tendenz 

in der aktuellen Dancemusic: dem Trend, 

beziehungsweise weniger hochstapelnd, 

dem Comeback des Breakbeats. Eine 

Renaissance von Samples aus dem 

Archiv des britischen Hardcore und 

Jungle: retrofuturistische Alarmsirenen, 

schrille Klangfarben, hochgepitchte 

Vocals, 808-Sounds und immer wieder der 

Amen-Break. Klänge und Beats, die in den 

90ern einst die Körper hunderttausender 

Clubgänger umprogrammierten. 

Während die akustischen Referenzen 

von Künstlern wie R-Zone ("Romijn 

Ravine"), Special Request ("Lockjaw"), 

Pangaea ("Hex") oder Tessela ("Helter 

Skelter") sehr direkt sind, werden sie bei 

Om Unit ("Governer's Bay"), dem Bristoler 

Kollektiv Livity Sound oder in der jüngst 

erschienenen "Test Pressings"-Reihe von 

Demdike Stare eher subtil eingesetzt. 

Besonders populär ist dabei der Amen- Der neue Breakbeat-Sound ist mal 

Break, der sich als sechssekündiges Drum- 

Sample aus dem Song "Amen, Brother" der 

ideologiefreies Recycling zur Erschaffung 

Soulband The Winstons von 1969 zunächst einer Retro-Atmosphäre, mal kulturkritische 

über amerikanischen HipHop und dann 

durch den britischen Jungle ins kollektive Spiegelung einer Utopie-losen Gegenwart, 

Hörbewusstsein einprägte. Heute ist der 

Amen-Break das akustische Totem einer 

mal das Füllen einer kreativen Leerstelle. 

gealterten Subkultur, das zersetzend auf die 

ohnehin brüchig gewordenen Stilgrenzen 

wirkt. Während es bei Special Request oder 

Tessela im Zentrum der Komposition steht, 

unterwirft Andy Stott es in "Up The Box" 

einer radikalen Zeitraffung und entzieht 

ihm damit jegliche Energie. 

Tessela - dessen in britischen Clubs hoch 

gehandelter Hit "Hackney Parrot" mit 

seinen überdrehten Diven-Vocals und dem 

gecutteten Amen-Break klingt wie eine 

verhalf. Zwei Jahre später setzte Zomby 

mit dem Album "Where were you in 

1992?" einen Meilenstein auf dem Gebiet 

der retrospektiven Aneignung eines 

Dass bestimmte Klänge zu Track-gewordene Verdichtung der frühen zwanzig Jahre alten Lebensgefühls. 

unterschiedlichen Zeiten neu aufgegriffen 

werden, ist eine Konstante der 

Musikgeschichte. So wurde das aus der 

Barockmusik stam mende Seufzermotiv 

besonders in der Klassik neu entdeckt, um 

etwa Trauer darzustellen. Was sich heute 

jedoch grundlegend geändert hat, sind, 

neben dem hohen Tempo, in dem sich neue 

Ideen verbreiten, die Aneignungsstrategien. 

So scheint der neue Breakbeat-Sound 

zwischen verschiedenen Modi zu 

changieren: dem ideologiefreien Recycling 

zur Erschaffung einer Retro-Atmosphäre, 

der kulturkritischen Spiegelung einer 

Utopie-losen Gegenwart oder schlicht dem 

Füllen einer kreativen Leerstelle, die heute 

aufgrund der unendlichen Möglichkeiten 

der digitalen Musikproduktion besteht. 

britischen Clubmusikgeschichte - geht es 

vor allem darum, ein verloren geglaubtes 

Gefühl zu konservieren: "Nostalgie hin oder 

her: Wenn ich mir die Dokumentationen aus 

der Rave-Zeit anschaue, vermisse ich diese 

Zeit", erzählt er im Interview mit Resident 

Advisor, bevor der nächste Satz alles auf 

den Kopf stellt: "Auch wenn ich damals erst 

ein oder zwei Jahre alt war." Eine Tatsache, 

die er mit vielen Protagonisten der Post- 

Jungle-Welle teilt und die man bereits aus 

dem legendären Gespräch zwischen dem 

Musikjournalisten Martin Clark und Burial 

kennt, in dem letzterer von den alten Jungle- 

Tapes des älteren Bruders schwärmt, die er 

im Londoner Kinderzimmer hörte. 

Burial war es dann auch, der 2006 dem 

Mythos Jungle zur neuen Salonfähigkeit 

Doch der wahre Ursprung der heutigen 

Breakbeat-Renaissance liegt im London 

der frühen 2000er-Jahre, als Drum and 

Bass längst zu einer Testosteron-geladenen 

Karikatur seiner selbst und UK Garage zum 

Soundtrack für Champagner trinkende 

Wohlstands-Clubber verkam. Mit Dubstep 

entstand ein Stil, der dem Bedürfnis nach 

rhythmischer Komplexität und kathartischen 

Subbässen vorausging und sich mit seiner 

radikalen Entschleunigung bei einer maximal 

reduzierten Ereignisdichte als akustische 

Opposition gegen eine übersättigte 

33


und daueraffirmative Popmusik 

positionierte. Kurz danach folgten UK Funky, 

die technoideren Dubstep-Hybride der 

Bristol-Berlin-Achse und nicht zuletzt das 

aus den USA importierte Footwork. So war 

Dubstep wie ein transzendentales sonisches 

Tor in die Vergangenheit, durch das junge 

Produzenten und Clubgänger retrospektiv 

die Ursprünge des Stils kennenlernten 

und neue Labels gründeten, wie etwa 

Pearson Sound, Pangaea und Ben UFO 

mit ihrem Label Hessle Audio. Aktuell sind 

das 2012 gestartete Houndstooth (Special 

Request, Akkord), aber auch das Drumand-Bass-Flaggschiff 

Metalheadz wichtige 

Petrischalen eines neuen Breakbeat- 

Verständnisses, indem sie einen hybriden 

Sound zwischen Techno, Jungle und frühem 

Dubstep prägen. 

Als zentrale Kompositionspraxis 

hat sich das Prinzip der Gleichzeitigkeit 

verschiedener Geschwindigkeiten innerhalb 

eines Tracks durchgesetzt, die durch einen 

im halben Tempo stehenden Backbeat 

(Bassdrum und Snare) und in doppelter 

Geschwindigkeit stehende Percussion 

erzeugt werden. Die Dubstep-typischen 

70 beziehungsweise 140 Bpm haben 

sich inzwischen bei 80 beziehungsweise 

160 eingependelt, wobei Künstler wie 

Pangaea, Akkord und Tessela mit Tracks 

rund um 130 Bpm die Anschlussfähigkeit 

an House- oder Technosets bewahren und 

so ein größeres Publikum erreichen. Die 

wichtigste Eigenschaft dieses Slowfast- 

Prinzips besteht in der Wirkung auf den 

Körper. Durch die Parallelität zweier 

rhythmischer Muster, also der Betonung 

auf der zweiten und vierten Zählzeit und 

des darüber liegenden, doppelt oder sogar 

viermal so schnellen Beats, entsteht eine 

Spannung, die, mithilfe der von reduzierten 

Klangereignisse erzeugten Leerstellen, zum 

körperlichen Mitvollzug geradezu auffordert. 

Die neuen Breakbeat-Vertreter liefern 

also keine Kopien, sondern zeitgemäße 

Updates aus der Vergangenheit. Letztere 

bleibt dennoch relevant. Während es Tessela 

oder Special Request auch um die, durch 

nostalgische Flashbacks erzeugte Euphorie 

geht, betreiben Andy Stott oder Demdike 

Stare eine akustische Dekonstruktion 

von Jungle, indem sie die kathartische 

Düsterheit und Entfremdung, die der Musik 

seit jeher innewohnt, priorisieren. 

Neben einer gestiegenen Akzeptanz 

für eine größere rhythmische Vielfalt auf 

den Tanzflächen dieser Welt geht es also 

auch um die Faszination für eine Ära, in der 

die Zukunft noch mit der Hoffnung auf eine 

bessere Welt verbunden war. Ob man 

sich 1992 auf einer mit Kunstnebel verhangenen 

Tanzfläche, im Kinderzimmer oder 

gar im Mutterbauch befand, scheint dabei 

egal zu sein. In einer Zeit, in der die Zukunft 

nur noch eine "optimierte Gegenwart" ist, 

wie es der Philosoph Byung-Chul Han beschreibt, 

geht auch der Vergangenheit ihre 

einstige Lebendigkeit verloren. 

Doch die neuen Breakbeats sind 

das perfekte Gegenmittel für so einen 

Kulturpessimismus. Denn nichts könnte 

dem Jetzt-und-Hier stärker zu einer 

unmittelbaren Präsenz verhelfen als die 

durch Amen-Breaks und grelle Alarmsirenen 

erzeugte akustische Überwältigung. So 

lassen nostalgische 

Samples die 

Utopie einer durch 

Clubkultur emanzipierten 

Gesellschaft 

wiederauferstehen, 

nicht ohne gleichzeitig 

Soundtrack 

der Gegenwart 

zu sein. Es ist 

kein Geheimniss, 

dass die stetige 

Innovation, ob mit 

"neuen" oder alten 

Mitteln, kaum 

aufzuhalten ist. So 

beantwortete der 

Clubmusik-Avantgardist Zomby die Frage, 

ob ihn Nostalgie antreibe: "I don’t want to 

end up in an antique shop for music. We 

should try to keep it moving forward.” 

Die neuen Breakbeats sind das perfekte Gegenmittel 

für den Kulturpessimismus. Nichts könnte dem Jetztund-Hier 

stärker zu einer unmittelbaren Präsenz verhelfen 

als die durch Amen-Breaks und grelle Alarmsirenen 

erzeugte akustische Überwältigung. 

Pangaea 

34

BEAT THESE. 

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36

Text Sebastian Eberhard 177 

'Ardcore 

Special 

Request 

Paul Woolford wühlt als Special Request Dancefloors und Musikverständnisse 

auf: So hörte sich Breakbeat also neulich an, kein Wunder: alles wie 

von vorn, noch elegantere Ambosse. Unser Autor hat sich mit Woolford 

verabredet, um über Hier und Jetzt von Breakbeat zu reden: Ist das die 

Musik der Krise oder der Besinnung? 

Herbst 2012. Gerade hatte Lana Del Ray 

noch für eine große Modekette anklagend 

von den Werbeflächen der Stadt geblickt. 

Dann hatte irgendwer wieder mal Vocals 

von ihr benutzt. Benutzt, um damit diesen 

einen Jungle-Breakbeat-Track zu bauen. 

Neuartig, und doch mit allem, was 

früher schon dazu gehört hatte. Ein halbes 

Dutzend trocken und flott gechoppte 

Breaks, eine tiefer gelegte Reese Bassline, 

Gunshots, und dann geloopt und dann 

wieder geradeaus Lana, gesamplet darüber 

gelegt, unverkennbar leicht nörgelnd 

singend, ein Mal, zwei Mal: "Big dreams, 

Gangster, said you had to leave to start 

your life over." BOW. So schön kann Pop 

manchmal sein, wenn er ohne Emphase 

gemacht wird. Zusammen genommen eine 

kleine Detonation und umwerfend, weil 

es jemanden mit dem Track gelungen war, 

Breakbeat in einer neuen Art und Weise 

zurück an die eigenen Wurzeln zu führen. 

Dem Weg des immer weiter und schneller 

der Breaks, dem zu oft gewählten, auswegslosen 

Heavy-Metal-Subkontext von 

Drum and Bass einen Haken zu schlagen, 

das Tempo runter oder auch zurück auf die 

leicht erhöhte House-Geschwindigkeit der 

Anfänge zu ziehen, und trotzdem mit den 

Beats und Sounds pure Magie eleganter 

Tanzmusik zu offenbaren. Der posthumane 

Drummer, er lebt. 

Ride V.I.P. 

"Ride", der Remix des Stücks von Lana Del 

Ray, der im letzten Herbst seine Runden 

zog, befand sich auf einer 12" mit Aufdruck 

"Special Request". Zwei Vinyl-Vorgänger 

hatte es schon gegeben, und so, als ob jemand 

die Gemeinde der Four-to-the-Floor- 

Fraktion auf dem Dancefloor gemächlich 

und historisch korrekt an das Thema Rave, 

Breakbeat und Jungle, oder vielleicht besser 

einfach HARDCORE heranführen wollte, 

hatte sich ihr Produzent auf ihnen mit 

vielen atemberaubenden Akzenten noch 

mehr an der technoiden Seite der britischen 

Tradition abgearbeitet. Schnell 

war zu erfahren, dass hinter dieser Serie 

Paul Woolford stand. Erstaunlich eigentlich. 

Woolford: einer der großen Techno- 

DJs Britanniens, Headliner riesiger Raves, 

Resident auf Ibiza und Gewinner zahlreicher 

britischer DJ-Leserpolls. Einer, der mit seinem 

Alias Bobby Peru als Producer sehr 

erfolgreich und als Remixer so gefragt war, 

dass er noch Amy Winehouse auf Elektronik 

trimmen durfte. Der seinen Adelsschlag 

spätestens vom Techno-Don Carl Craig bekam, 

der auf Planet E veröffentlichen konnte 

und gemeinsam anlässlich des zwanzigjährigen 

Jubiläums mit eben jener Posse durch 

die Staaten tourte. Der aber offensichtlich 

immer auch seinen eigenen musikalischen 

Plan verfolgte, danach zwei weitere 12"s 

"Soul Music" ist eine Art Best-Of aus 

über 70 Tracks. Woolford schmiss das Album 

zwei Mal komplett über den Haufen, bevor 

er zufrieden war. 

der "Special Request"-Serie veröffentlichte, 

um auf ihnen wieder die ganz eigene 

Verbindung zwischen heute und den 

Stilmitteln britischer Breakbeatmusic der 

ersten Hälfte der Neunzigerjahre zu knüpfen. 

Woolford, der nun mit "Soul Music" 

seine moderne Vision von basslastiger 

Dancemusic mit ihren zahleichen Verweisen 

zwischen Techno, UK Hardcore und Jungle 

auf Albumlänge veröffentlicht. 

Ein lang gehegter Plan 

Auf die Frage, wie es überhaupt zu seinem 

"Special Request"-Projekt kam, erfahren 

wir, dass er diese Idee schon ziemlich lange 

mit sich herumgetragen hatte und dann 

vor ein paar Jahren anfing, die ersten Tracks 

im Studio zusammen zu bauen. Zunächst 

habe er ein wenig Zeit gebraucht, um die 

passende Sound-Ästhetik zu finden, aber 

dann hätten sich die Tracks fast wie von 

selbst ergeben. Für ihn wären das einige 

sehr große Momente gewesen, Momente 

der künstlerischen Freiheit, weil er ohne 

lange zu überlegen, fast unbewusst und 

beinahe instinktiv seine Tracks machen 

konnte. Zwei Mal hatte er vorher schon ein 

ganzes Album zusammengestellt, um diese 

Versionen doch wieder zu verwerfen. 

So kommt es, dass er mittlerweile ungefähr 

70 Tracks auf Tasche hat, einen komfortablen 

Materialberg, aus dem er unbeschwert 

die passenden Tracks für "Soul 

Music" auswählen konnte. Trotzdem bleibt 

bei uns etwas Verwunderung darüber, wie 

es dazu kommen konnte, dass ein arrivierter 

Techno-DJ ein so umfassendes, so viele 

Einflüsse bündelndes Album veröffentlicht. 

Nein, entgegnet Woolford, die Musik 

37


sei genau die, die er gerade machen 

möchte, es wäre immer nur ein Problem 

der Medien, die einen in eine bestimmte 

Ecke stellen und mit einem bestimmten 

Label abstempeln. Es wäre deswegen für 

Künstler oft schwer zu zeigen, gerade wenn 

sie davon leben möchten, woher sie wirklich 

kommen und was sie gerade bewegt. 

Und daher wäre es umso wichtiger, hartnäckig 

an der eigenen Vision festzuhalten 

und die Dinge klarzustellen. Für ihn, der in 

Leeds im Norden Englands groß geworden 

ist, dort seine DJ- Karriere gestartet 

hat und dort auch immer noch lebt, waren 

die damaligen lokalen Piratensender Ende 

der Achtziger, Anfang der Neunziger der eine 

große, vieles bestimmende Einfluss auf 

sein Kunstschaffen. "Schon als Teenager 

habe ich die hiesigen Piratensender gehört, 

auf denen ich Musik von Labels wie 

NuGroove, Network, R&S, Bonesbreaks, 

DFC und hunderten von White Labels gehört 

habe. Musik, die so neu und verboten 

klang, dass sie mich für den Rest meines 

Lebens inspiriert." 

Forget back in the days 

Wir fragen daraufhin, ob er denn, wenn die 

Zeiten der Piratenstationen für ihn und auch 

das Album so einschneidend gewesen ist, 

gerne etwas an der heutigen Situation der 

Musikszene ändern möchte. "Überhaupt 

nichts", sagt Woolford, "ich möchte nichts 

ändern. Leute, die sich der Idee verschrieben 

haben, irgendwas wäre früher besser 

gewesen, führen sich doch selbst an der 

Nase herum. Die Zeit schreitet voran, wir 

existieren im Hier und Jetzt." Sein Album 

habe deswegen auch absolut nichts mit 

einem Hang zur Vergangenheit zu tun: 

"Vergiss das Gerede von den alten Zeiten. 

Die Jungle-Produzenten wie Dillinja, Photek, 

Goldie, Source Direct, 4 Hero, Doc Scott 

oder Bizzy B. sind immer noch meine absoluten 

All-Time-Favoriten. Genauso wie Shep 

Pettibone, Teddy Riley, Carl Craig, Trevor 

Horn, Derrick May, Anthony Shakir, Matt 

Cogger, Baby Ford - es ist eine niemals endende 

Liste." Und damit wird die simple aber 

großartige Idee hinter dem Album deutlich, 

auf dem sich zusätzlich auch gleich eine 

Handvoll großartiger Remixe von Kassem 

»Dillinja, Photek, Goldie, Source Direct, Doc 

Scott und Bizzy B: Das sind noch immer 

meine Helden.« 

Mosse, Anthony Shakir oder Hieroglyphic 

Being finden. Für Woolford geht es einfach 

um die Musik, um die, die man selber spürt: 

"Es gibt diesen Moment, in dem man versteht, 

dass bestimmte Sounds in einem 

viel größeren Kontext stehen als im zyklischen 

Wesen der Kultur. Sich genau das 

klarzumachen ist für jeden Künstler sehr 

wichtig. Wichtiger ist aber noch, dass man 

wirklich macht, was man fühlt." 

Culture reflects the times 

Einer der ausschlaggebenden Gründe 

für die einmalige Entwicklung britischer 

Ravemusic in ihrer Verschmelzung von 

jamaikanischen und anderen kulturellen 

Einflüssen war sicherlich die offene britische 

Immigrationspolitik. Ein anderer der düstere 

Humor und der Gemeinschaftsgedanke, 

mit dem sich die Szene in ihren Ursprüngen 

und vielleicht bis Mitte der 90er-Jahre gegen 

die unerbittlichen Härten der unsäglichen, 

bis heute nicht wieder reparierten, 

neoliberalen Politik Thatchers zu Wehr 

setzte. Musikalisch reagierte man auf die 

damals von der Politik so bewusst in Kauf 

genommenen Kollateralschäden mit überspitzter, 

abstrakter Härte und düsteren, 

spukhaften Jungletracks mit der nächsten 

beeindruckenden Bassline. Auch beim 

Hören von "Soul Music" trifft man an einigen 

Stellen auf kompromisslose Härte, die 

vielleicht zum Teil auf die Anlehnung der 

Tracks an die frühere Ravemusic zurückzuführen 

ist, aber auch auf eine sehr saubere 

Produktionsästhetik. Den besonderen Kniff 

machen aber auch die – ohne wuchtig zu 

klingen - in ihrer Geschwindigkeit zurückgenommenen 

Drumbreaks, die dadurch eine 

fast schon geisterhafte Wirkung erzielen, 

die so vielleicht auch den Ausnahmestatus 

von "Soul Music" erzielen. Auf den Eindruck 

einer ziemlich düsteren Atmosphäre angesprochen 

und die Frage, ob der Sound 

auch eine Antwort auf krisengeschüttelte 

Zeiten in England und Europa sind, antwortet 

Woolford: "Mach keinen Fehler: 

Wir leben in düsteren Zeiten. Schnapp 

dir eine Zeitung und lese zwischen den 

Zeilen. Analysiere den Subtext von dem, 

was uns jeden Tag erklärt wird. Kultur 

reflektiert die Zeit." 

Special Request, Soul Music, 

ist auf Houndstooth erschienen. 

38

istock 

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(Director Creative Content, Getty Images), Nico 

Damm (Redakteur, Pictures Magazin), Hagen 

Klie (Geschäftsführer Photopresse), Dr. Stefan 

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(Mode- und Lifestyle Redakteur DE:BUG) 

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Wettbewerb: 28.10. bis 28.11 

Jury-Entscheidung: 1. Dezemberwoche 

Ausstellung der Gewinnerarbeiten im Januar

Text Wenzel Burmeier 

Om 

Unit 

Trommeln ist 

wie Essen 

"Slow on the bottom, fast on the top." Der 33-jährige Jim Coles ist ein Kind 

des Breakbeat-Kontinuums. Mit seinem Debütalbum als Om Unit gelingt 

ihm eine Synthese aus schleppenden, Bass-schwangeren Backbeats 

und hyperaktiver Percussion. Umhüllt von düsteren Synth-Flächen, die 

retrofuturistisch den Visionen des Drum and Bass früher Tage frönen. 

Hardcore und Jungle liegen während seiner 

Jugend auf den Plattentellern, die 

mit Anbruch der 2000er plötzlich dem 

Turntablism dienen. Im Handumdrehen 

werden die Breaks entschleunigt und Coles 

produziert drei ganze HipHop-Platten unter 

dem Pseudonym 2Tall. Bis 2010 die spirituelle 

Sinneswandlung einsetzt: Aus 2Tall 

wird Om Unit, langsame und schnelle Breaks 

verlaufen ab sofort parallel zueinander. Als 

"slow-fast" bezeichnet Coles seine Musik: 

Damit ist aber kein Genre gemeint, mehr 

ein Produktionsstil. Kategorien strich Jim 

eh längst aus seinem Regelwerk. Seine 

Releases auf Metalheadz, Exit Records, 

All City, Planet Mu und dem eigenen Label 

Cosmic Bridge bewegen sich spielerisch 

zwischen HipHop, Jungle und Dubstep. Mit 

seinem Philip-D.-Kick-Alias und der anschließenden 

Machinedrum-Kollaboration 

Dream Continuum löste er vor zwei Jahren 

schließlich auch die Grenzen zwischen 

Jungle und Footwork auf. "Threads", das 

neue Album, fasst diese Entwicklung kongenial 

zusammen. 

Du hast als 2Tall HipHop produziert und 

früher auch Jungle aufgelegt. Diese beiden 

Phänomene, die man auch auf deinem 

Album wiederfindet, haben den gleichen 

Ursprung, nämlich Breaks von Funk- 

Platten. Trotzdem sind sie in UK eher parallel 

zueinander verlaufen. Es gab da nie 

wirklich viel Berührungen, oder? 

Nicht wirklich. Es stimmt schon, dass die 

Wurzeln die selben sind, gerade wenn wir 

40 

über die Produktionen sprechen. Es wurden 

ja bei Jungle die gleichen Breaks benutzt, 

nur enorm beschleunigt. Und mit Sicherheit 

haben die ersten Jungle-Produzenten 

früher auch Rap gehört. HipHop war Ende 

der 80er schließlich auch in England 

ziemlich erfolgreich. Hey, es gab sogar 

Breakdance-Battles auf dem Leicester 

Square! Allerdings muss man in England 

dann den direkten Einfluss von westindischer 

und karibischer Kultur berücksichtigen. 

Rap in den USA war natürlich auch 

beeinflusst von DJs, die auf Dancehall- 

Partys getostet haben. Aber in England 

gab es eine Generation, die den direkten 

Einfluss von Reggae und Ragga mitgebracht 

hat. Das war also bei uns noch viel näher 

an der karibischen Kultur als in Amerika. 

Und Jungle hat sich schließlich auch als 

Ausdruck einer britischen Identität entwickelt, 

das konnte HipHop in England so 

nicht erfüllen, weil das schon immer ein 

amerikanisches Ding war. 

Es ging um eine britische Identität? 

Jungle wird oft als "London Thing" 

beschrieben, aber da wäre ich vorsichtig. 

Es gab ja auch Anfang der Neunziger schon 

Leute in Leeds, zum Beispiel DJ SS und 

Formation Records. Aber ja, es ging damals 

definitiv um eine britische Identität ... (denkt 

nach) ..., die natürlich total hybrid war. Die ersten 

Produzenten waren offensichtlich beeinflusst 

von ihrem familiären Background, der 

karibischen Kultur, gleichzeitig reagierten sie 

aber auch auf das, was um sie herum passierte. 

Detroit-Techno spielt da eine große 

Rolle, das hört man in vielen frühen Jungle- 

Tracks. Von Ragga bis Techno hat Jungle also 

diese ganzen verschiedenen Einflüsse in 

einem Entwurf von britischer Kultur vereint.


Om Unit, Threads, 

ist auf Civil Music erschienen. 

Gibt es ein Breakbeat-Kontinuum? 

Meinst du im Reynold'schen Sinne, so 

wie das Hardcore-Kontinuum? Definitiv. 

Breakbeats sind natürlich ein wesentlicher 

Bestandteil dessen. Aber ich glaube, 

das geht auch noch viel weiter zurück 

in der Geschichte. Die Idee von Breakbeats 

beruht ja letztlich auf Drums. Und Drums 

sind eine Urkraft der Menschheit - die erste 

Musik überhaupt basierte mit Sicherheit auf 

Drums. Rhythmus ist ein Grundbedürfnis 

des Menschen, so wie Essen. 

Siehst du denn gerade so etwas wie ein 

Breakbeat-Comeback? 

Jungle und Drum and Bass waren für 

mich immer präsent. Das ist doch genauso 

»Drum and Bass, Footwork, HipHop, Dub, 

Ambient, Breakbeats, Dubstep, Detroit 

Techno. Aus diesen Einflüssen fädele ich 

meine persönliche Story zusammen.« 

wie mit Dubstep. Als das neu war, haben 

alle davon geredet und plötzlich kommt der 

big money sound auf. Dann wird es schnell 

langweilig und das große Geld zieht weiter 

- heute liegt es bei Trap, Jersey-Club-Musik 

oder sonst wo. Aber dieser Entwicklung liegen 

großteils mediale Trends zugrunde. Die 

eigentlichen musikalischen Bewegungen 

waren immer schon da und das sind sie 

auch heute noch. Sie sind nur nicht mehr 

so eine Geldmaschine. Als Comeback kann 

man es heute bezeichnen, weil Künstler auf 

Jungle und Drum and Bass zurückblicken 

und die Musik als Einfluss in ihrem eigenen 

Sound aufgreifen. Da hat mit Sicherheit 

auch Footwork zu beigetragen. Ich glaube, 

dass Footwork eine neue Sensibilisierung 

für komplexere Rhythmik geschaffen hat. 

Apropos Footwork: Als Phillip D. Kick 

hast du britische Jungle-Klassiker in 

Chicago'scher Footwork-Ästhetik geremixt. 

Wie kam es dazu? 

Ich habe Footwork durch Mike Paradinas 

von Planet Mu entdeckt und war total fasziniert 

von dieser Polyrhythmik. Das ist 

fast schon ein "tribal thing", unglaublich 

raw. Außerdem wurde die 808 zum ersten 

Mal ganz anders programmiert als im 

gewohnten 4/4-Schema, das war völlig irre. 

Dieses Drum-Programming hat sich ja 

auch in der ganzen UK-Bass-Musik - oder 

wie man die nennen möchte - niedergeschlagen. 

Da braucht man sich nur einmal 

ein paar Night-Slugs-Releases anhören. 

Mein Phillip-D.-Kick-Projekt ist eigentlich 

durchs Auflegen entstanden. Tempo 

und Kadenz von Footwork erinnern stark 

an Jungle, also habe ich in einem Set damit 

experimentiert und bin bei diesen Edits 

von Jungle- und Drum-and-Bass-Klassikern 

gelandet. Als DJ-Tool scheint das für viele 

funktioniert zu haben, ich kriege jedenfalls 

heute noch Anfragen für Phillip-D.- 

Kick-Remixe. Dabei war das wirklich als 

einmaliges Experiment gedacht, ich habe 

die Tracks ja am Anfang auch nur anonym 

und als kostenlosen Download hochgeladen. 

Sprechen wir also lieber über dein aktuelles 

Projekt: "Threads" ist dein 

Albumdebüt als Om Unit. 

"Threads" ist quasi das Follow-up zu 

meinen EPs auf Civil Music. Eine Sammlung 

von Tracks, die als Reise funktionieren sollen. 

Eine Reise durch meine bisherigen 

HipHop-Produktionen als 2Tall, durch 

Veröffentlichungen auf meinem Label 

Cosmic Bridge und jede Menge Musik, 

die mich persönlich interessiert: Drum and 

Bass, Footwork, HipHop, Dub, Ambient 

Synthies, Breakbeats, Dubstep, Detroit 

Techno und so weiter. Ich versuche aus 

diesen verschiedenen Einflüssen meine 

persönliche Story zusammen zu fädeln. 

Daher auch der Albumtitel. I'm weaving 

threads together. 

Womit wir wieder bei Jungle wären, oder? 

Ganz genau. Letztlich ist doch eh alle 

originelle Musik eine Synthese verschiedener 

Einflüsse. Das zeigt sich bei Jungle 

eben ziemlich deutlich. Und in dem Sinne 

spiegelt das Album auch diesen offensichtlich 

hybriden Charakter von Jungle wider. 

Zum Ende des Albums wird es ziemlich 

düster. Da baut sich meh rere Tracks lang 

eine dystopische Stimmung auf, die im 

letzten Titel, "The Road", ihren Höhepunkt 

erreicht, einer Kollaboration mit dem 

Blacktronica-Veranstalter Charlie Dark. 

Ich musste an Science-Fiction denken. 

Ich lebe im Süden von London, in der 

Nähe von Brixton, da hat man die Dystopie 

direkt vor sich, jeden Tag. Science-Fiction 

braucht man da kaum noch, um auf dystopische 

Gedanken zu kommen. Das spiegelt 

sich auch auf dem Album wider. Was natürlich 

wieder Assoziationen zu Drum and 

Bass weckt, wo Science-Fiction ja ein zentrales 

Motiv ist. Vielleicht liegt diese düstere 

Stimmung aber auch generell in elektronischer 

Musik. Vieles wird schließlich im 

Alleingang produziert und die Musik scheint 

dadurch oft so einen einsamen, introspektiven 

Charakter zu haben. Ich würde "Threads" 

jedenfalls nicht als politische Platte bezeichnen. 

Mit Sicherheit hat sie aber einen soziologischen 

Aspekt. 

41

177 — Kommentar — Christian Blumberg 

Gesaffelstein 

Schwarz ist das neue 

sChwarz 

Fick dich, Skrillex, Gesaffelstein ist viel geiler. Komprimiertes 

Testosteron mit einer gigantischen lila Moschuswolke muss man eben 

wollen. 

"Ich finde es zugleich scheiße und toll, es ist wie eine richtig gute Werbung für Männerparfum, das 

mag man an dem Gesaffelstein." So sucht Kollege Timo Feldhaus der glamourösen Entdeckung 

beizukommen. Gesaffelstein, das klingt so schön teutonisch, nach einer Burg im Rheinischen oder 

wenigstens nach deutschem Bier. Ist aber der Künstlername des jungen französischen Produzenten 

Mike Levy. Fun Fact: Gesaffelstein ist eine Wortschöpfung aus Gesamtkunstwerk und Einstein. 

Fact: Der Mann hat an Kanye Wests Album mitgeschraubt und noch populärer als seine Maxis 

auf Tigas Turbo-Label sind seine Remixe für Lana Del Rey oder Moby. Gesaffelstein ist ein elektronischer 

Lebensaspekt. Oder er wird jetzt zumindest einer, vorgenommen hat er sich das wohl, 

sonst würde er sein Album ja kaum "Aleph" nennen. Wo anfangen? Bei den Bildern natürlich. 

Im Video zu "Pursuit" morphen Rokoko-Schlösser zu Hangars, in denen Wissenschaftler an 

einem in der Luft hängenden, schwarz glänzenden Kampfjet bauen. Asiatische Paramilitärs 

laufen auf, anämische Kinder tragen Hemden, so weiß wie ihre Gesichter. Wie ein gefrorener 

Meteoritenregen schwebt eine Wolke aus Maschinenpistolen vorbei. Irgendwann fährt die 

Kamera durch den Innenraum eines Jaguars, ein aufgebrachtes Model läuft in den Bildausschnitt, 

der Kamera hinterher, sie spuckt in ihre (also in unsere) Richtung. Die Kamera ist das gesamte 

Video über in einer steten Rückfahrt, als sei sie auf dem Rückzug. Das ist eine verwirrende 

Bewegung, schließlich läuft dazu gewaltige Musik, angereichert mit seltsam martialischem 

Kriegsgebrüll. Man kann die Musik gar nicht anders als mit diesem militärischen Techno- 

Vokabular beschreiben: Die Beats marschieren, alles will "nach vorne". Killertracks und so fort. 

"Aleph" ist nur bedingt die Fortführung des fröhlich eklektischen Ed-Banger/New-Rave- 

Kosmos, der vor ein paar Jahren auch Indie-Floors in hedonistisches Neon tauchte. Die Tanzfläche, 

für die "Aleph" geschaffen scheint, ist eher eine filmische: Denk an Clubszenen aus 90er-Jahre- 

Blockbustern, riesige Technohallen, die sich US-Regisseure ausdachten, als es in den USA eigentlich 

nur HipHop gab; wo sich Goth-Kids mit Stachelfrisuren in industriellen Anlagen zu ebenso 

industriellen Rhythmen in Trance tanzten. So einen Club müsste man dem Gesaffelstein eigentlich 

errichten, einen dunklen Großraum mit monolithischem DJ-Pult und Pyrotechnik. 

Gesaffelsteins Album ist selbst ein Blockbuster: Jeden Sound auf "Aleph" hat man schon gehört. 

Auf Platten aus den Achtzigern, auf Platten aus den mittleren 00ern, in irgendwelchen Sound- 

Librarys. Aber eben noch nicht so. Hier knallt immer auch eine gewisse Eleganz, selbst noch 

aus den Laptop-Speakern. Aber Gesaffelstein ist auch ein Freund des Stumpfen: Er betitelt einen 

Track "Hellifornia" und erklärt, es ginge in seiner Musik um die "schwarze Seite des Daseins". 

Er sagt dann Sachen wie: "Erst ist es schwarz. Und dann wird es noch schwärzer." Seine Musik 

nennt er "Dance Metal". Aua. Er sagt aber auch, er mache Electronic Body Music. Das brutalistisch-monotone 

von DAF oder Nitzer Ebb, das in diesem Album tatsächlich drinsteckt – aber nur 

als Soundsignatur, als "Zeichen eines Zeichens" – das wird bei Gesaffelstein in etwas technoides, 

zugleich super-poppiges kanalisiert. Da funktioniert er mehr wie Skrillex: von EBM zu EDM. 

Gesaffelsteins hochglänzende Brachialität tut weder weh noch ist sie ungestüm. "Aleph" ist 

geil kalkulierte Pubertätsrockmusik mit unerhört viel Feinschliff und Gesaffelstein so eine Art Trent 

Reznor für 2013. Auf den stilisierten Pressefotos schaut er aus traurigen, lidschattierten Augen. 

Bei Reznor war das Androgyne immer nur ein Bild, nur ein Teil einer Pose, musikalisch blieben die 

Nine Inch Nails hetero-hetero. Das ist bei Gesaffelstein genauso, seine Sounds sind komprimiertes 

Testosteron. Reznor schrie "Kill Me!", meinte aber das Gegenteil: Reznor wollte lieber selbst killen. 

Dafür ist Gesaffelstein viel zu fein. Sein düster eingefärbter Überwältigungssound adressiert nichts 

Existentielles, dafür dunstet über jeder Spur eine lila Moschuswolke. 

42 

Gesaffelstein, Aleph, 

ist auf Warner erschienen.

177 — Kommentar — Bianca Heuser 

M.I.A. 

und die Terroristen 

Am fünften November erscheint M.I.A.s viertes Studioalbum 

"Matangi". Die Künstlerin hat derweil ganz andere Probleme. 

"You need to darken it up a bit." Und wie die Rapperin weiter paraphrasiert: "We just built 

you up as the Public Enemy No. 1, and now you’re coming out with all this positive stuff." Das 

klingt erst absurd und dann nach Kalkül. Besonders im Zusammenhang mit Interscopes 

Umgang mit dem Dokumentarfilm, an dem M.I.A. mit dem Regisseur Steve Loveridge arbeitet: 

In dem Film, der "Maganti" begleiten sollte, geht es um sie als Künstlerin, ihr politisches 

Engagement, den Bürgerkrieg in Sri Lanka, die Rolle ihres Vaters darin als Mitglied 

der Rebellengruppe Tamil Tigers und die Auswirkungen auf das Familienleben. Den 

Trailer leakte der Regisseur aus Frustration über den lahmen Verlauf der Produktion und 

Veröffentlichung. Das Plattenlabel zog ihn umgehend mit einem Copyright-Claim wieder zurück. 

In dem Film soll es vor allem auch um Zensur und M.I.A.s Verhältnis zu den Medien gehen. 

Im Trailer sagt sie: "Wo ist die Meinungsfreiheit? Wo ist die Demokratie? Wenn es die gibt, 

will ich das sehen. Bei mir angefangen." In der Vergangenheit weigerte sich MTV ihr Video zu 

"Sunshowers" zu zeigen, solang es die Textzeile "You wanna go? You wanna win a war? Like 

the PLO, I don’t surrender" enthielt (2004). Der Sender editierte außerdem die Gewehrschüsse 

aus dem Refrain ihres Charterfolgs "Paper Planes" (2007); YouTube sperrte Romain Gavras 

Video zu "Born Free" vom letzten Album der Sängerin (2010). Seit ihrem Auftritt mit Madonna 

und Nicki Minaj in der Halbzeitpause des Superbowl 2012 hat die Sängerin außerdem eine 

1,5-Millionen-Dollar-Klage der NFL am Hals wegen ihres unerwünschten Mittelfingers. 

So wie ihr Dasein als Künstlerin und Privatperson engst verknüpft sind, bewegen sich M.I.A.s 

Tiraden, ob es um die NFL oder Sri Lanka geht, vom Politischen ins Private und wieder zurück. 

Um Neutralität bemüht sich die Britin dabei nicht: "Ich möchte keine Politikerin sein. Ich 

möchte die Leute ermutigen, sie selbst zu sein und Dinge in Frage zu stellen", erklärt sie im 

Trailer des aufgeschobenen Films. Obwohl drastische Formulierungen - wie die Geschehnisse 

in Sri Lanka einen Genozid zu nennen - mit Sicherheit Aufmerksamkeit erregen und polarisieren 

(und damit ihr Ziel ja schon halbwegs erreichen), macht ihre Rhetorik M.I.A. angreifbar. Ihr 

ehemaliger Freund und Produzent Diplo warf ihr vor, auf dem Album "Maya" den Terrorismus 

zu verherrlichen. Die Journalistin Lynn Hirschberg machte in ihrem extensiven Portrait im 

New York Times Magazine 2010 klar, für wie fake sie den Popstar hielt. Zu dieser Kritik an der 

Glaubwürdigkeit des Popstars trägt ihr mit der Zeit erworbener Wohlstand genauso bei wie ihr 

ausgeprägtes Modebewusstsein. Laut Hirschberg nutzt die Britin ihren ethnischen Hintergrund 

für ihren Erfolg aus und steckt sich den sogenannten Radical Chic an wie eine Feder an den Hut. 

So unproduktiv und banal diese Kritik ist, adressiert sie doch die Bildsprache, derer sich M.I.A. 

beständig bedient. Das Video ihrer aktuellen Single "Bring The Noize" adaptiert in einer einzigen 

Clubszene den Trend Seapunk lässiger als der durchschnittliche Tumblr-User, durchsprenkelt mit 

hinduistischen Symbolen: Das Aum-Symbol leuchtet an der Wand, eine Kuh stolpert auf die Party. 

Deren Besucher tragen ausschließlich strahlendes Weiß im Schwarzlicht und vollziehen ihre rituelle 

Reinigung über Diskonebel. Das sieht alles recht kultisch aus und ist damit auch typisch M.I.A.: 

Seit Beginn ihrer Karriere weiß sie die Coolness von Subversion für sich zu nutzen. Subversion ist 

sexy, verkauft sich und Provokation garantiert maximale Aufmerksamkeit. Ihre Glaubwürdigkeit 

scheint der Sängerin dabei erst mal Schnuppe zu sein. Um des Pops Willen. Zum Glück. Im eingangs 

erwähnten Trailer bringt sie es wie gewohnt nonchalant auf den Punkt: "I could be a genius. 

I could be a cheat. It’s a thin line, and I’m fucking with it." 

M.I.A., Matangi, 

ist auf Universal erschienen. 

43

177 — buch 

Text Lea Becker 

Lasst uns 

Über Parties 

reden 

Techno-Geschichte 

im O-Ton 

bild b flickr.com/seeminglee, scragz, pagedooley 

Jürgen Teipel, Autor von "Verschwende deine Jugend", hat ein 

neues Buch geschrieben. In "Mehr als laut" plaudern Techno-Größen 

aus dem Nähkästchen. Das ist mitunter sehr lustig, muss am Ende aber 

scheitern. 

Deutschland, Mitte der Achtzigerjahre: In 

Mannheim, Köln und München richten die 

Clubs, die damals noch Discos heißen, die 

ersten kleinen Slots für elektronische Musik 

ein, vornehmlich Italo-Disco. Hier beginnen 

nicht nur die Karrieren von Michael Mayer, 

DJ Hell und dem Party-Veranstalter Dirk 

Mantei, hier beginnt auch Jürgen Teipels 

neues Buch "Mehr als laut". 

Formell knüpft Teipel damit an seinen 

vor zwölf Jahren erschienenen Oral-History- 

Klassiker "Verschwende deine Jugend" an. 

Zitate der einzelnen Protagonisten werden 

hintereinander montiert, um so ein 

Gesamtbild zu erzeugen. Bei "Verschwende 

deine Jugend" war das die Geschichte von 

Punk in Deutschland. In "Mehr als laut" 

nimmt sich Teipel nun den Techno vor. Es 

sei diesmal, so schreibt er im Vorwort, nicht 

sein Anspruch gewesen, die Geschichte einer 

Generation zu erzählen. Dennoch sei 

diese "zumindest im Ansatz und wie nebenbei" 

entstanden. 

Neben Mayer, Hell und Mantei erinnern 

sich im ersten Kapitel auch Inga Humpe, 

Hans Nieswandt, Acid Maria und Kristian 

Beyer an ihre ersten Begegnungen mit elektronischer 

Musik und Clubkultur. "Es war 

einfach nur laut, massiv, Nebel, Strobo. Und 

alle voll oberkörperfrei und am Tanzen. Nach 

einer Stunde habe ich gedacht: 'Vergiss die 

andere Musik! Die ist scheiße!' Mir war klar, 

dass ich alle meine Indie-Platten verkaufe 

und ich das nicht mehr hören will", erinnert 

sich Kristian Beyer an seinen ersten 

Besuch im Mannheimer Club milk!. 

Milk!-Besitzer Dirk Mantei beschreibt 

seine Stammkundschaft Anfang der 

Neunziger: "Ein Typ zum Beispiel kam immer 

in gelbem Ölzeug – auf allen Vieren. Der ist 

44 

auf allen Vieren die Treppe runter und die 

ganze Nacht auf allen Vieren gegangen. Ein 

anderer Typ ist fast nackig, Kung-Fu-mäßig, 

in die Auslage der Kaufhaus-Passage oben 

gesprungen. Einfach durch die Scheibe. 

Und stand da blutend im Schaufenster drin. 

Neben den Schaufensterpuppen. Nur in 

der Unterhose. Und total so: 'Hach! Geil!'" 

Geschichte einer Generation? 

So beginnt das Buch als unterhaltsame 

Anekdotensammlung aus der deutschen 

Techno-Vorzeit. Dabei bleibt es allerdings 

nicht. Die Gespräche, aus denen "Mehr als 

laut" zusammengesetzt ist, führte Teipel 

zur Vorbereitung für seinen DJ-Roman 

"Ich weiß nicht". Über zwei Jahre hinweg 

traf er dafür auch internationale Größen 

wie DJ Koze, Richie Hawtin, Miss Kittin, 

Lawrence, Andi Teichmann, Corvin Dalek 

und Mark Reeder. Da er letztlich jedoch nur 

einen Bruchteil dieser Gespräche in seinen 

Roman einfließen ließ, entschloss er sich, 

sie gesondert als Buch zu veröffentlichen. 

Dass diese Idee erst nachträglich 

entstand und die Interviews lediglich 

Abfallprodukte einer gänzlich anders 

motivierten Recherche sind, merkt man 

dem Buch deutlich an. Nach dem kurzen 

Abriss über die Frühphase von Techno in der 

BRD geht es vor allem um den DJ-Alltag zur 

Jahrtausendwende. Auch hier gibt es einige 

lesenswerte Anekdoten und aufschlussreiche 

Einblicke. Häufig jedoch werden die 

Interviewten allzu persönlich, erzählen von 

Trennungsschmerz, Beziehungsalltag und 

Partnerschaftsidealen. Auch Leben und Tod 

werden abgehandelt, neben Plattenläden, 

Geschlechterrollen, Drogen, Jetset-Leben, 

Utopien, Parties in der Panoramabar und 

in Mexiko. Das mag zur Recherche für einen 

Roman durchaus dienlich sein, lässt 

die Lektüre jedoch mit der Zeit immer zäher 

werden. Alle paar Seiten drängt sich die 

Frage auf, was Teipel da eigentlich wissen 

will – und warum. 

Dass "Mehr als laut" mehr sein will 

als ein Geschichtsbuch, dass der Versuch 

unternommen wird, das Phänomen Techno, 

die Musik und die vornehmlich physischen 

Erfahrungen mit dieser zu verbalisieren, 

lässt das Buch notwendigerweise scheitern. 

Im Gegensatz zu "Verschwende deine 

Jugend" vermag "Mehr als laut" es nicht, 

»Es war einfach nur 

laut, massiv, Nebel, 

Strobo. Und alle voll 

oberkörperfrei und 

am Tanzen. Nach 

einer Stunde habe 

ich gedacht: 'Vergiss 

die andere Musik! 

Die ist scheiße!'« 

ein stimmiges Gesamtbild zu erzeugen, 

das über die bloße Aneinanderreihung von 

Anekdoten hinausgeht. Die Geschichte 

einer Generation lässt sich eben nicht bloß 

im Ansatz erzählen. Und schon gar nicht 

nebenbei. 

Jürgen Teipel, Mehr als laut, 

ist bei Suhrkamp erschienen.

Text Sascha Kösch 177 

Fan-Fiction 

Ich schreib' mir die Welt 

so wie sie mir gefällt 

In der Musikwelt gelten Remixe als oft teuer bezahlte Prestige- 

Projekte, in der Literatur übernehmen die Fans den Job gleich selbst. 

E-Books machen es möglich. Und Amazon und Co. lassen alle daran 

mitverdienen. 

Bei Büchern denkt man zunächst mal an statische 

Klötze von Text. Das letzte Bollwerk 

gegen den Wahn des schnellen Slogans, 

gegen die Welt im digitalen Remix-Tsunami 

von Memes und Viralem. Egal wie sehr die 

Branche auch im Umbruch steckt und wie 

oft man sich selbst auf der Buchmesse 

über die neuen Businessmodelle, die 

Disruption, die Zukunft der Distribution und 

des Schreibens unterhält, am Ende geht es 

immer um Text, Autoren, Werke. Die werden 

lizenziert, raubkopiert, kompiliert, in DRM- 

Distributionskanäle von E-Book-Readern 

gepfropft. Aber das Produkt am Ende, bei 

allem Krampf zwischen den Zeilen, bleibt 

gleich: die Story. Daran ändern auch Kindle 

Singles nichts. 

Amazon - ein 

Monster, aber alles 

andere als blöd. 

Welten ihrer Bücher, Filme und so weiter und 

machen aus den Charakteren die Storys, die 

sie immer schon lesen wollten. Sie beleben 

die Stars mit eigenen Geschichten, trennen 

säuberlich die Fiktion der Fiktion von dem 

Skelett einer ihrer Strukturen und patchen 

sich so eine Frankensteinstory zusammen. 

Amazon - ein Monster, aber alles andere 

als blöd - hat diesen Wildwuchs losgelöster 

Plots als erstes begriffen und fängt 

den Strom der "freien" Kreativität von Fans 

in neuen Lizenzmodellen auf. Kindle Worlds 

heißt das Kind und lässt Fans jetzt nicht 

nur neue Episoden der CW-Serien (Pretty 

Little Liars, Vampire Diaries, Gossip Girl etc.) 

schreiben und (Win-Win statt Fair-Use) sowohl 

die Fan-Fiction-SchreiberInnen als 

auch die AutorInnen (vermutlich eher die 

Verlage) der Ur-Welten daran mitverdienen. 

Und natürlich sind auch Comics im 

Boot (Valiant mit Bloodshot, Shadowmen, 

etc.) aber auch Sci-Fi-Autoren (Stephenson, 

Bear mit ihrer Foreworld-Saga) und folgerichtig 

auch verstorbene Autoren werden als 

Fan-Untote wiederbelebt, zum Beispiel Kurt 

Vonnegut. Der Plot, der Ur-Text, wird, wie 

schon zu Zeiten vor dem Buchdruck plötzlich 

wieder flüssig - und geht auf im Meer 

der derivativ wuselnden fiktiven Add-Ons, 

PlugIns. Natürlich legt Amazon der Fan- 

Fiction neue Fesseln an. Pornography, nope! 

Böse, fiese, miese, brutale Sprache, 

nope! Crossbreeding von Welten, nene! 

Und ein Cameo von Stephenson in einer 

Foreworld-Saga ist natürlich auch nicht 

drin. Sind die Fans mit der Verlockung des 

Geldes jetzt schon von Amazon in einer restriktiven 

Kindle World gebändigt? 

Alle Marketing-Buzzwords 

Das noch etwas wackelige Format steht 

erst am Anfang und Amazon sind nicht 

die Einzigen. Beispielsweise Stan Lee 

(Macher von Spiderman, Hulk, Iron 

Man, X-Men etc.) verkauft seine neuen 

Superhelden gleich komplett ohne Story. 

Eine Welt aus leeren Seiten. Er liefert das 

Design, die schwedische Firma Plotagon 

die Software, mit der man aus den neuen 

blanken Helden dann Videos zaubern 

kann. Vorausgesetzt, man hat das Stan- 

Lee-Helden-Erweiterungspaket gekauft. 

Und als nächsten Dreh verkauft Skit (eine 

Animations-App) jetzt die Fan-Fiction- 

Rechte von Pacific Rim, mit denen man 

sich selbst auch noch als Charakter in 

die eigene Version der persönlichen 

Dystopie einbauen kann. Als Opfer oder 

Held? Die Grenze ist längst verschwommen. 

Fan-Fiction in all seinen Facetten 

neuer Lizenzierungen jedenfalls verspricht 

der neue heilige Gral des Merchandising 

zu werden, indem es aus jedem Herzblut 

der Fan-Kreativität eine Tupperware- 

Party mit vergoldeten Strömen viraler 

Mitverdiener macht. Mitverdiener, die, 

wie Vampire mit umgekehrten Vorzeichen, 

aus den Herzblutströmen kübelweise 

Geschäftsmodelle in die Öffentlichkeit 

spritzen. Alle Marketing-Buzzwords der 

Stunde sind eh mit im Boot. Activation? 

Aber wie! Content-Marketing? Sogar ohne 

selbst den Finger zu krümmen! Wann 

und ob eins dieser Modelle den Durchbruch 

erlebt, steht noch aus. Die schöne neue 

Welt der Remixe ist aber definitiv schon 

jetzt ein paar Ecken komplexer geworden. 

Von der Kindle World 

gebändigt? 

Aber einen Umbruch gibt es, der die Welt der 

Bücher - und auch des Films, der Comics 

und so weiter - dann doch wieder radikal verändern 

könnte. Fan-Fiction. Irgendwem ist 

aufgefallen: Das boomt, das wuchert. Völlig 

unkontrolliert in den Grauzonen von Fair-Use 

rhizomisieren tippend-hyperaktive Kids die 45

177 — mode 

Text Oliver Tepel 

Tinte 

auf 

Textil 

digitaldruck 2013 

Wer Inkjet-Printer für längst vergangene Relikte 

hält, sollte mal in der Modeindustrie nachfragen. 

Nach Anläufen kleinerer Labels greift mittlerweile 

auch die Haute Couture neben Digitalauch 

auf klassischen Tintenstrahldruck zurück. 

Unser Autor spekuliert über das ästhetische 

Resultat des Textildrucks der Zukunft. 

Gezeitenrechenmaschine, Thomsonsche Lotmaschine, 

Trockenkompass, Spiegel-Galvanometer - Lord Kelvin war 

nicht nur ein epochaler Theoretiker, sondern auch unentwegter 

Erfinder. Ein Aufzeichnungsgerät, das Linien und 

Kurven mittels aus einer Hohlnadel tropfenden Tinte auf 

Papierstreifen zeichnete, war eines seiner Patente im Jahr 

1867. Die Geburt des Inkjet-Druckers. Zugegeben, es dauerte 

noch ein wenig bis zu den rappelnden Plastikkisten, die 

sich in einer zusehends papierlosen Welt nun auch langsam 

wieder aus dem Alltag verabschieden. Wobei, verschwinden 

sie wirklich? Was macht der Inkjet, wenn er 

nicht Papier bedruckt? 

2004 zeigen der Brasilianer Bruno Basso und sein 

britischer Companion Chris Brooke in London die erste 

46 

Modekollektion aus komplett digital bedruckten Stoffen. 

Enorm primärfarbenreiche Muster, die von Jahr zu Jahr 

verschlungenere und wagemutigere Strukturen ergaben. 

2010 sampleten sie Jeff Koons Arbeiten und machten sie 

zu Mustern. Diese Muster verhalten sich ganz analog zum 

Track: Weit wichtiger als das Zitat ist der Effekt, der durchaus 

enorm formverliebt und vielfältig sein kann. Tatsächlich 

ist das Kreieren von Stoffmotiven und Mustern weit näher 

an der Entwicklung eines Tracks als an Zeichnung und 

Malerei. Zuerst griffen weitere britische Designer die Inkjet- 

Idee auf, dann brachen die Dämme zur Haute Couture 

bei Valentino und Givenchy, wo Riccardo Tiscis digitale 

Malerei eines Dobermanns in der aktuellen Kollektion für 

Aufsehen sorgte. Seine Koketterie mit Airbrush-Ästhetik 

erinnert an die Currywust mit Blattgold: ein dekadenter 

Spannungseffekt zwischen ultrasophisticated Druck und 

Motiv. Mary Katrantzou, Star der zweiten Generation, die 

längst unter ihrem "Queen of Prints"-Titel ächzt, präsentierte 

für ihre aktuelle Herbst/Winter-Kollektion Fotoprints als 

Gegenthese in schimmerndem schwarz und grau mit metallischen 

Tönen und nur schemenhaft gesprühten Farben. 

Wir sind nun also mitten in der Verfeinerungsstufe des Hypes 

um Inkjet- und Digitaldruck. Im Rennen um Ideen und technische 

Neuerungen gilt es genauer hinzusehen: Während 

viele der Printexperimente, die technisch erst ab 2009 und 

dann auch nur bei wirklich teurer Kleidung überzeugten, an 

späte Realisationen von Trash-Pop-Träumen der Achtziger 

Übergroße Motive 

und farbintensive Drucke 

berühren Geschmacksgrenzen 

und kreieren eine 

Ästhetik, von der man 

schon beobachten kann, 

wie sie über Desigual bald 

die Kaufhäuser füllt. 

Bis vor kurzem füllten diese virtuellen Sweater die tumblr-Blogs, 

mittlerweile gibt es sie auch IRL zu kaufen. Dem neuen 

Digitaldruckern sei dank. sexy-sweaters.com


und Neunziger erinnerten, werden die Drucke nun nicht nur 

dunkler, sondern auch kleinteiliger und noch filigraner. So 

zeigt Valentino seit drei Kollektionen ein Reenactment antiker, 

medialer und barocker Elemente. 

In der kommenden Sommerkollektion des Berliner 

Teams Vonschwanenflügelpupke wird hingegen ein 

Problem großflächiger Prints thematisiert. Sie begrenzen 

die Möglichkeiten der Silhouette, Abnäher können kaum 

gesetzt werden ohne das Muster zu irritieren, verschiedene 

Lagen von Stoff funktionieren ebenfalls schwerlich. Warum 

also nicht gleich den Klassiker des Aufdrucks, das T-Shirt, 

bemühen? Dass Christopher Kane mit Shirts begann, spürt 

man auch noch in seiner aktuellen Winterkollektion. Dabei 

scheinen seine Muster reduzierter, überzeugen mit einem 

3D-Effekt aus parallelen Linien. Doch auch im aktuellen, 

dunklen Blumentrend spielt er mit, ebenso wie Thakoon 

oder N21 in morbidem Schwarz-Weiß. Diese beiden Farben 

weisen aber unmittelbar auf ein weiteres Inkjet-Problem: 

Wer auf Schwarz drucken will, kommt nicht mit den üblichen 

vier Farbpatronen (Cyan, Magenta, Yellow und 

Schwarz) aus, sondern benötigt eine weitere in Weiß. 

Jenseits der High Fashion erreichen die Fünfton- 

Drucker nun auch den Direct-to-Garment-Bereich (DTG). 

Der boomt im Internet, seit er vor gut zehn Jahren mit 

den entsprechenden Druckern von Mimaki & U.S. Screen 

begann. "Design Dir Dein Shirt" birgt zwar unendliche 

Ressourcen kommender Tristesse durch mitteleinfallsreiche 

Eigenentwürfe auf genormten Schnitten, aber sicher auch 

weit bessere Band-T-Shirts als gewohnt. Doch nicht nur 

die Kleinstserienproduktion profitiert von der Entwicklung 

der Drucker, sondern insbesondere der Massenmarkt. 

Zwischen 2011 und 2012 erreichten Geräte wie Stork Prints 

Sphene, Reggiani ReNOIR oder MS JPK den Markt. Sie 

arbeiten mit bis zu 24 Farbköpfen und vier verschiedenen 

Tropfengrößen und sollen bis 7200 qm in der Stunde bei 

300 x 600 DPI bedrucken, im Topmodus von 1200 x 2400 

DPI immer noch so viel wie frühere Topgeräte in der gröbsten 

Auflösung. Diese Möglichkeiten erreichten dieses Jahr 

die Kollektionen, insbesondere die für den Massenmarkt. 

Übergroße Motive und farbintensive Drucke berühren 

Geschmacksgrenzen und schaffen eine Ästhetik, von der 

man schon beobachten kann, wie sie über Desigual den 

breiten Markt erobert und in verwässerter Form, sprich geringster 

DPI-Auflösung, bald die Kaufhäuser füllt. Doch das 

futuristische Element dieser Drucke, jene seltsam technoide 

Psychedelia, verführt nun umso mehr zu einem genauen 

Blick oder dem Gespür alternder Stofffreunde, welche die 

Textilien prüfend durch die Hand gleiten lassen. 

Erkenne die feinen Unterschiede 

Interessanterweise haben diese Innovationen auch einen 

Einfluss auf die Weiterentwicklung konventioneller 

Textildruck-Techniken. Insbesondere der Laserdruck erzielt 

dabei noch weit präzisere Ergebnisse, ist aber auch teurer. 

Es sind zwar die ultrafeinen Linien und Farbverläufe der 

"laser exposing technology", die die Farbpunkte, anders 

als ein Inkjet, mit grafischer Präzision aneinanderreihen 

und den eingewöhnten Blick am nachhaltigsten zu beeindrucken 

verstehen. Gleichzeitig ist der entsprechende 

Prozess des Druckens vom Einfärben, über das Abtragen 

der Farbschichten mit dem extrem schwachen und präzisen 

Laser sowie dem Auswaschen der überschüssigen 

Farbe sehr aufwändig. 

Und der nächste Schritt? Auf der Paris Fashion Week 

debütierte Iris van Herpen in ihrer "Voltage"-Collection 

mit 3D-Prints. Eigentümlich plastische Outfits, ein an 

ein Gigersches Geschöpf oder Art-Nouveau-Linien erinnerndes 

Kleid und eine Kombination aus Rock und Stola, 

gleich einem Vorhang aus Muscheln oder rundgewaschenen 

Kieseln. Kreationen, die in Zusammenarbeit mit dem 

3D-Druckerhersteller Stratasys der jungen Technik huldigten. 

Noch scheinen es mehr Skulpturen als tragbare 

Kleider, doch ihr beeindruckendes Aussehen weist in die 

Zukunft. 

47


48


linke Seite: 

Aanisa: 

Beanie und Steppjacke_ Carhartt / 

Tribal-Shirt_ Nhu Duong 

Jeanne-Salomé: 

Jacke_ adidas Originals 

by Jeremy Scott 

diese Seite: 

Kind: 

Shirt_ adidas Originals 

by Opening Ceremony 

Mascha: 

Jacke_ Adidas Slvr / 

Rock_ Nhu Duong / 

Slipper_ adidas by Tom Dixon 

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Anna: 

Jacke_ Nhu Duong / 

Leggins_ Nike / 

Chelsea Boots_ Pointer 

Ellie: 

Top und Leggins_ Puma / 

Sneaker_ adidas Slvr 

Aanisa: 

Top_ Nhu Duong / 

Hose_ Weekday 


Top_ Model's own / 

Hosen_ Nhu Duong 

über adidas Originals 

by Jeremy Scott 

50


Vater: 

Hose & Weste_ Hien Le / 

Jacke_ Nhu Duong 

Mutter: 

Jacke_ Nhu Duong 

Kind: 

Kids own 

Sofa: 

Redesign Mikael Mikael 

für RLF 

51


Pablo: 

Sweater_ NX-2 by Nik Kosmas / 

Hose_ adidas Y-3 / 

Sneaker_ New Balance 


Overall_ Kostas Murkudis 

für RLF / 

Schuhe_ adidas Y-3 

52


Mascha: 

Sweater und Trainingshose_ NX-2 

by Nik Kosmas / 

Schuhe_ Boxfresh 

Katzenbaum: 

blaue Schuhe_ adidas 

by Tom Dixon / 

Chelsea Boots_ Pointer / 

Bernhard Wilhelm für Camper 

Fotografie: Maja Cule 

Styling: Timo Feldhaus 

Braids: Sara Mathiasson 

Make Up: Franka Frankenstein 

Produktion: Maja Cule & Timo Feldhaus 

Vielen Dank an Mascha, Aanisa, 

Lars, Jeanne-Salomé, Nina, Mila, 

Pablo, Ellie, Anna, Silke, Manon, 

Judith, Tom, Christoph, R50, 

Winston Chmielinski, Nhu Duong, 

Nik Kosmas und Jan Joswig 

53

177 — warenkorb 

Neue Standfestigkeit 

Onitsuka Tiger 

COLORADO EIGHTY-FIVE 

Nike+ FuelBand SE 

Update & erstmals in 

Deutschland 

Nach der großen Geschichte zum "Quantified 

Self“-Movement im letzten Heft 

kommt nun passend die Antwort von 

Nike. Die zweite Version des NikeFuel. 

Die erste Version, die im Januar 2012 in 

den USA (ein bisschen später in England) 

präsentiert wurde, markierte im Blick auf 

Vermessung des Körpers einen Wendepunkt 

im Denken der Selbstoptimierer. 

Hier in Deutschland musste man bisher 

mit dem Jawbone Up vorlieb nehmen - 

was bis heute keine schlechte Wahl ist - 

aber das tolle Digitaluhr-Feature des Nike- 

Fuel vermisste man doch. Killerfeatures? 

Das neue Fuelband SE integriert einen 

Bluetooth-4.0-Sensor, der den Energieverbrauch 

des Armbandes und vor allem 

des Smartphones reduziert und dadurch 

die Lebensdauer der Akkus verlängert. 

Neben dem gewohnten Schwarz wird es 

die Auswahl von mehreren Farben (z.B. 

Rot, Pink, oder auch Gelb) geben. Darüber 

hinaus wird es dauerhaft mit dem Smartphone 

verbunden, Synchronisierung ist 

nicht mehr nötig. Außerdem versprechen 

die Macher, das FuelBand SE solle die Bewegungen 

von unterschiedlichen Sportarten 

noch besser tracken. Natürlich auch 

drin: Ihr könnt Gruppen von Freunden 

kreieren, um sich gemeinsam zu fordern 

und dazu zu motivieren, gegeneinander 

und miteinander Ziele zu erreichen. Abgeschaut: 

Vom Jawbone Up haben sie den 

"Schlaf-Sensor“ geklaut - guter Klau, so 

kann auch im Schlaf mitgezählt werden. 

Nicht gut: Die entsprechende App gibt es 

nur für iOS. 

Es wird jetzt wieder brutaler, brachialer, 

bolleriger. Die Zeit der eleganten, freien 

Barfuss-Sneaker ist vorbei, der Lauf 

der Mode will es so. Uns dürstet (zumal 

im Herbst und Winter) nun wieder nach 

Standfestigkeit, etwas mehr Rahmung, 

letztlich: Umarmung. Onitsuka Tiger 

geht einen Schritt in die richtige Richtung. 

Zwar immer noch leicht und relativ 

schmal den Fuß umfassend, sorgt besonders 

die charakteristisch grob profilierten 

Stollensohle für ein gut austariertes Outdoorfeeling 

auf der Straße. Das Original 

entsprang dem Jogging- und Fitnesshype 

der 80er-Jahre, geschaffen als leichtgewichtiger 

Trailrunningschuh für ausgedehnte 

Draußenaktivitäten. Der Suede/ 

Nylon-Tec-Allrounder verstärkt das Gefühl 

des Haltes und des Schutzes noch in der 

Midcut-Version, durch ausgeprägte Flexkerben 

sowie das nach oben gezogene 

Profil an der Schuhspitze. 

Colorado Eighty-Five 

Kostet: 100 € 

Das Band ist ab dem 6. November im Handel 

und kann bereits auf Nike.com vorbestellt 

werden. Kosten: 139 € 

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177 — warenkorb 

DVD: I Dream Of Wires 

Modularsynthies, 

inside out 

Kann jemand bitte mal das Gefiepe ausmachen? 

Nach vier Stunden "I Dream Of 

Wires" - so lang dauert der Director's Cut 

der Dokumentation zur Geschichte der 

modularen Synthesizer - wünscht man 

sich zunächst ganz schnell einen digitalen 

Preset-Sound. Für ganz doll lange. Es 

fiept. Andauernd. Und knirscht und wobbelt. 

Filter auf, Filter zu. Resonanz rein, Resonanz 

raus. Das ist dann aber auch schon 

das einzige, was man dem Film vorwerfen 

kann. Die Gespräche mit Musikern, Technikern 

und Sammlern stehen im Mittelpunkt 

des Films von Robert Fantinatto 

und Jason Amm, den wir seit langem von 

seinem eigenen Projekt Solvent kennen. 

Daniel Miller, John Foxx, Vince Clarke, Carl 

Craig, Trent Reznor, Morton Subotnick und 

Chris Carter kommen genauso zu Wort, 

wie Techniker und generelle Auskenner. 

Denn neben einem sehr fein aufbereiteten 

historischen Teil, der die technische 

Entwicklung im Allgemeinen und die ganz 

unterschiedlichen Ansätze in der Entwicklung 

der modularen Synthesizer an Ost- 

(Moog) und Westküste (Buchla) der USA 

skizziert, widmet sich die Dokumentation 

vor allem der Jetztzeit. Den Nerds, die die 

wachsende Szene von Liebhabern der 

Steckverbindungen mit neuen Modulen 

und Ideen versorgen. 

"I Dream Of Wires" ist auch für Nicht- 

Synth-Fans eine Augen öffnende Freude. 

Es ist den beiden Machern des Films 

hoch anzurechnen, dass es eben nicht 

ausschließlich um die "reine Lehre" der 

Schaltkreise geht. Man lernt auch einfach 

unglaublich skurrile und interessante 

Menschen und ihre Projekte kennen. Etwa 

das Mädchen aus Brooklyn, das in jahrelanger 

Arbeit einen Synth in einer alten 

Telefonvermittlungsanlage einbaut. Und 

wir steigen hinab in die Untiefen der NYU- 

Keller, wo immer noch der RCA MKII, der 

erste echte Synth der Welt, vor sich hinrostet. 

Was man immer sieht, ist der Glanz 

in den Augen der Interviewten, wenn es 

um Synthesizer geht. Und dieser Glanz 

inspiriert so sehr, dass man den Wunsch 

nach dem digitalen Preset ganz schnell 

wieder vergisst. 

56 

Lichtmächte 

Dietmar Dath & Swantje 

Karich zu den neuen 

Machtverhältnissen 

der Bilderwelten 

Crashkurs in visueller Mündigkeit: Die 

Beschreibung ist recht plump, zugegeben 

- im Gegensatz zur Poesie der 

Lichtmächte. Vor einem solchen Bild 

lassen sich die 270 vorliegenden Seiten 

immerhin aber im Ansatz durchdringen. 

Swantje Karich (u.a. Feuilleton FAZ) und 

Dietmar Dath schreiben eine “Kritik an 

den Bildregimes der Gegenwart“, fordern 

auf zu einem “neuen“ Sehen, und 

überfordern mit einem Referenzrahmen, 

der von Guy Debord bis Marina 

Abramović reicht, von Identitätsfindung 

durch Selfies bis zum Fantastischen 

in der Science-Fiction, von Netflix bis 

zur Bundeskulturstiftung. In all den 

Essays, Anekdoten, Parabeln (Karich 

fährt scheinbar viel mit dem Zug), 

Dialogen, lauten und wilden Monologen, 

und immer wieder Analysen von Film, 

Fotografie, Malerei, Kino und Museum, 

geht es aber doch grundsätzlich um 

Phänomene, die noch mitten in ihrem 

eigenen Umbruch stecken, in einer pubertären 

Phase der Orientierung beziehungsweise 

der Orientierungslosigkeit. 

Projekt: kritisches Sehen, visuelle Mündigkeit, 

informationelle Selbstverwaltung 

(“eine enteignete Instagram- oder 

Flickr-Nutzerin fühlt sich so schlecht 

behandelt wie der ungerecht besteuerte 

Kleinproduzent im Ständestaat.“), ein 

Sich-Behaupten und Nicht-Untergehen 

im trüben Bilderfluss. Weil sich Karich 

und Dath aber ihrer vagen Gegenstände 

bewusst sind, wird statt aufklärerischer 

Analyse “lediglich“ ein erstes reflexives 

Fährtenlesen skizziert. Die gesellschaftlichen 

Umbrüche zeigen sich in ihrer 

historischen Dimension an den Veränderungen 

im Kino und Museum: “Die Kunst 

flimmert, wo der Gegenstand sich noch 

sucht, den das Bild feiern oder bannen 

soll.“ Dieses Buch ist gleichzeitig Beobachtung 

gegenwärtiger Machtverschiebungen, 

Medien- und Kunsttheorie, 

Gesellschaftskritik, Institutionskritik, politisches 

Manifest, Hoffnung auf gerechtere 

und selbstbestimmte Orte. 

MALTE KOBEL 

Dietmar Dath / Swantje Karich, 

Lichtmächte, ist im diaphanes Verlag 

erschienen.


Jawbox Mini Jambox 

Bluetooth strikes back 

Microsoft Sculpt 

Comfort & Ergonomic 

Das "Natural Ergonomic Keyboard 

4000" war lange eines der wenigen wirklich 

praktischen Keyboards für beschädigte 

Handgelenke. Jetzt legt Microsoft 

mit der "ergonomisch" geschwungenen 

Sculpt-Reihe nach. Ich habe beide Modelle 

ausprobiert, die "Comfort" und 

die "Ergonomic" - mit gemischten Gefühlen. 

Das eine ist ein grundsätzliches 

Problem: Microsofts Tastaturen arbeiten 

nicht sauber mit OS X zusammen, 

manche Sondertasten wollen nicht, wie 

ich will. Programmierbar ist hier gar nix. 

Dann der USB-Dongle-Zwang, keine 

Hintergrundbeleuchtung - und nicht einmal 

ein USB-Hub! Dann sind die Sculpts, 

wie schon ihr Vorgänger, noch immer arg 

Plastik, für 80 respektive 130 Euro erwarte 

ich mir mehr (auch wenn eine Plastik- 

Funkmaus dabei liegt). Die "Ergonomic" 

wackelt auf einer glatten Oberfläche 

sogar ein wenig. Hervorragend hingegen 

ist das Schreibgefühl, ein knuspriger Anschlag 

fast ohne Klick, butterweich und 

trotzdem präzise. Die Tasten selbst sind 

griffig, leicht konkav. Die ergonomische 

Variante macht einen solideren, wertigeren 

Eindruck. Kleine Innovation der 

"Comfort": Ihre Leertaste ist zweigeteilt, 

die linke Seite funktioniert auf Wunsch 

auch als Backspace-Taste. 

Ob man nun eine "Ergonomic" haben 

will, muss jeder selbst herausfinden. 

Ich habe auch durch herbe Ganglion- 

Probleme zu dieser letzten Maßnahme 

gegriffen. Ohne klassisches Zehnfinger- 

System schreibt es sich auf so einer Tastatur 

aber ungelenk. Da die "Comfort" 

aber auch recht Handgelenks-schonend 

ausgelegt ist, werde ich zu ihr wechseln. 

Wer keine ergonomische Tastatur 

braucht, sondern ein massives Schreibwerkzeug, 

soll sich bei Ebay eine alte 

IBM Model M holen, etwas besseres gibt 

es eh nicht. Wer eine kleine, elegante, 

nicht sonderlich robuste Bürotastatur 

braucht, liegt bei einer der Sculpts richtig. 

Für mich sind sie hervorragende 

Weiterentwicklungen des alten "Natural 

Ergonomic Keyboard 4000" - übrigens 

auch was die Gaga-Namensgebung angeht. 

Das Thema des Sommers wird das Thema 

des Herbstes: Aber wenn Jawbone 

mit einem neuen Schalldruckhandschmeichler 

an den Start geht, lohnt ein 

Blick allemal. Denn da draußen an der 

Bluetooth-Front herrscht Krieg. Klein, 

groß, leicht, schwer, rund, eckig: Praktisch 

jede Firma, die auch nur im entferntesten 

etwas mit Audio zu tun hat, 

macht Bluetooth-Lautsprecher. Und die 

neue Mini Jambox ist Jawbones D-Day. 

Denn die Mini Jambox ist nicht nur 

irre klein und leicht. In dem Unibody 

aus Aluminium (ein first für Jawbone) 

stecken zwei Neodym-Treiber und ein 

passiver Bassreflektor, die den anderen 

Mini-Lautsprechern erst in die Fresse 

hauen und dann Yeah! brüllen. Das 

Brüllen ist dabei dank kalifornischer 

Raketentechnik extrem fein austariert, 

sanft und doch druckvoll, fulminant und 

in allen Frequenzbereichen präsent. So 

klein und doch so groß. Der erste wirklich 

Handtaschen-kompatible Lautsprecher 

von Jawbone füllt mit seinem Output 

locker ein mittelgroßes Zimmer. Fühlt 

sich im Regal genauso wohl, wie auf 

dem Tisch. Dort kann man dann auch 

das Feature nutzen, mit dem Jawbone 

ebenfalls vorne dran war: den Freisprecher; 

jetzt auch in HD. Dank neuem 

Mikro und Bluetooth 4.0 LE klingen Konferenz-Telefonate 

noch klarer. Und auch 

auf andere gelernte Vorteile muss man 

nicht verzichten, etwa Software-Updates 

für neue Features und LiveAudio-Technik 

für mehr Räumlichkeit im Sound. Mit 

der Mini Jambox ist aber auch die App 

für iOS und Android endlich in Deutschland 

erhältlich. Die hilft nicht nur beim 

Einrichten des Lautsprechers, sondern 

aggregiert auch sämtliche Musik-Apps 

auf dem Smartphone. Erst Rdio, dann 

iTunes und Spotify zwischendrin? Dass 

da noch niemand vorher dran gedacht 

hat! In gleich neun Farben kommt sie 

dieser Tage in den Handel. Das sind 180 

gut angelegte Euro. 

57

177 — bücher 

Text Gerlinde Lang 

bassdrumschreiberei 

2 BerlinbÜcher 

Am Abgrund 

Sven Regener, 

Magical Mystery oder: 

Die Rückkehr des Karl Schmidt 

(Galiani-Berlin) 

Ju Innerhofer, 

Die Bar 

(Metrolit) 

Plötzlich will jeder dabei gewesen sein, als die Wessis den Ossis für ein paar 

Glasperlen Berlin abkauften, um darin Party zu machen. Oder, später, als man 

hinter dem Holzzaun der Bar 25 in der Sonne tanzte. Jetzt kommen die Nachzügler. 

Haben die uns gerade noch gefehlt? 

"Etwa so musste Bielefeld kurz nach dem Krieg ausgesehen 

haben. (...) Und eins war mal klar: Hier konnte jeder mitmachen. 

Sogar ein alter Psychozausel wie ich, der seit fünf Jahren 

im Trockendock lag und bis eben noch Hilfshausmeister gewesen 

war." Ausgerechnet "Element of Crime"-Gitarrenballadeur 

Sven Regener will in "Magical Mystery. Die Rückkehr des 

Karl Schmidt" vom Techno Mitte der 90er in Berlin erzählen. 

Seiner Ehefrau Charlotte Goltermann ist das Buch gewidmet, 

sie war damals u.a. für das Ladomat-Label zuständig 

(Whirlpool Productions, Egoexpress, Commercial Breakup, 

Lawrence). Aber es ist nicht die Story von Ladomat, die hier 

bis zur Unkenntlichkeit entstellt wird. Regener spinnt sein 

erfolgreiches "Herr Lehmann"-Universum weiter, charmant 

vertrottelte Markenzeichen-Dauerdialoge eingeschlossen. 

Oppa erzählt hier nicht einfach nur vom Krieg, er erlebt 

gleich einen ausgewachsenen Laberflash. Erstmals 

mit anwesendem Weibsvolk, nach frauenlosen Kasernen, 

Kneipen und besetzten Häusern in den vorigen Bänden. 

Die Crew des fiktiven Berlin-Mitte-Technolabels "BumBum 

Records" ist kommerziell erfolgreich, und hat dabei unversehens 

"faceless Techno" und andere Wertekinkerlitzchen 

geopfert. "BumBum" mit seinen Acts Frankie Highnoise, 

AFX & MFX und "Belinda mit dem Schlagerding" ist jedenfalls 

losest angelehnt an das deutsche Label Urban mit 

Signings wie Charlie Lownoise (& Mental Theo), 2XLC und 

Marusha. Jeden Freitag kommen die Charts per Fax, 5.000 

verkaufte Maxi-CDs!, und der Kühlschrank voll Champagner 

geht auf. Ins Zentrum stellt Regener den Sohn der Freien 

Hansestadt Bremen, Metallskulpturenzusammenschweißer 

und Ex-Speedfreak Karl. Nach fünf Jahren in der (natürlich 

charmant vertrottelten) Multitox-Drogenentwöhnungs-WG 

soll Karl nun als Nüchterner vom Dienst die (ebenfalls charmant 

vertrottelt angelegten) VertreterInnen von BumBum 

auf "Magical Mystery Tour" durch die deutsche Provinz 

chauffieren. Ziel der Reise: der Groß-Rave "Springtime", 

mit einem raren philosophischen Moment vom BumBum- 

Labelchef: "Ich will nicht, dass das irgendwann aufhört und 

dann bleibt nichts übrig, außer dass die sagen, das wäre 

so, was weiß ich, Hedonismus oder so ein Scheiß gewesen 

und das ist so sicher wie das Amen in der Kirche, dass das 

irgendwann aufhört, weil demnächst kommt dann der neue 

heiße Scheiß um die Ecke und dann sind wir alle nur noch 

58 

Veteranen wie die ganzen Achtundsechziger, ich meine, 

guck dir die doch mal an, die sind alle in meinem Alter, und 

die tun schon so wie früher die alten Säcke, die immer die 

Hosen hochgekrempelt und ihren Knieschuss aus Stalingrad 

hergezeigt haben. Für die ist das Leben doch schon vorbei! 

Die erzählen doch nur noch von früher!" (...) Ferdi seufzte. 

"Ich will, dass irgendwas bleibt." Dabei bleibt's dann auch 

an Reflexion. Fazit: 500 Seiten und ein totes Meerschwein 

später ist es dann auch endlich gut. 

"Es wird der letzte Sommer." Auch Mia aus München 

ruft in "Die Bar. Eine Erzählung" von Ju Innerhofer die Arbeit. 

Nicht als ausgebildete Ärztin, sondern immer wieder Sonntags 

hinter die Backstage-Bar und Montags auch noch privat 

an die frische Luft der kaum verschleierten Berliner Bar 

25. 2010 läuft der Countdown über der Tanzfläche. Hat 

da eine mitgeschrieben, um eines Tages bei der Berliner 

Fremdenverkehrswerbung unterzukommen? "Berlin ist eine 

unfertige Stadt. Sie kann einen aber fertigmachen. Und 

trotzdem ist Berlin wohl einer der größten Sehnsuchtsorte 

für Kreative, Suchende und Abenteuerhungrige." Verhandelt 

werden dieselben Topoi wie bei "Party am Abgrund": Freiheit. 

Einsamkeit. Loslassen. Dazugehören. Sowas wie Sex. 

Rastlosigkeit. Lines. Comedown. Unspießigkeit. Ketamin. 

Egofickereien, kaputte Mägen, keine Krankenversicherung. 

Gier, Rastlosigkeit, Jägermeister. Das Beschwören einer hierarchielosen 

Situation mit gleichzeitiger "Zwei-Klassen-Rave- 

Gesellschaft" und strengem Ablauf hinter den Kulissen. Was ist 

anders? Die Clubschließfächer mit den Raver-Zahnbürsten und 

frischen Klamotten. Und: Willkommen im Kommerzparadies. 

"Wie kommen die Leute auf die Idee, dass die Drinks hier 

kostenlos sind, nur weil sie sich backstage befinden?" Mia, 

die Bar-Tussi mit der "Tom-Ford-Brille", dem "Diesel-Pulli", 

dem "Vuitton-Schal, ein Geschenk eines Freundes, Haute 

Couture in der Bar" - hat DJ und Booker als beste Freunde. 

"Wir fühlen uns jung, frei, mit einer kleinen Portion 'w asted', 

die aber durchaus als schick bezeichnet werden kann." 

Aber die Partyfreude ist gestört, "Endzeitstimmung" macht 

sich breit, und Freund Jan hustet Blut. Kaum droht etwas 

Wichtiges gesagt zu werden, flieht Innerhofer in alberne 

englische Halbsätze. Und die besten Phrasen werden 

an den Zeilenrändern noch mal zusammengefasst. VON 

DER TANZFLÄCHE HÖRE ICH DIE BEATS! Hedonismus! 

Erwachsenenspielplatz! Hey! Fazit: Für die, denen Regener 

noch zu wenig Kalauer bietet: "Das wohlige Gefühl, dass wir 

im Grunde doch alle eine Family sind, macht sich breit. Im 

wahrsten Sinne des Wortes." Geschichte? Vermächtnis? 

Frag mich nicht, I'm a princess.

warenkorb 177 

G-Sessions Finale 

30 Jahre G-SHOCK 

Die unverwüstliche G-SHOCK ist 30 

Jahre alt. In schier endlosen Variationen 

hat der Armbanduhr-Klassiker einen 

weltweiten Eroberungszug angetreten, 

unaufhaltsam und mit immer neuen 

und faszinierenderen Modellen ständig 

erneuert. Zuletzt wurde die Serie mit 

Gold gekrönt und zeigte noch ein Mal 

deutlich den Wert, den G-SHOCK auch 

als urbaner Mythos erreicht hat. Zu den 

Feiern zum Dreißigsten gehört aber auch 

ein europaweiter Kreativwettbewerb 

(mit den Stationen Mailand, Barcelona, 

Paris, Amsterdam, St. Petersburg und 

Manchester), der am 28. November sein 

Finale in Berlin feiert. Nicht nur Eminem 

soll in den Genuss kommen, seine eigene 

G-SHOCK zu designen. 

Ausgeschrieben wurden auf 

g-sessions.eu aber nicht nur neue Uhren-Designs, 

sondern auch die kreative 

Präsentation der Uhr in Videos, Songs 

oder Kunstwerken. Vom 28. Oktober an 

kann man auf der Webseite abstimmen, 

welcher der von Modedesigner Patrick 

Mohr und den anderen internationalen 

Kuratoren vorausgewählten Entwürfe 

das Rennen macht und am Ende in einer 

limitierten Version den Traum aller 

G-SHOCK Fans erfüllen wird: die selbst 

designte G-SHOCK. 

Die Abschlussparty am 28. November 

im Berliner Kraftwerk Mitte trägt den 

Namen Spirit of Toughness Award und 

Kikuo Ibe, der Erfinder der G-SHOCK 

wird den Preis an den Gewinner höchstpersönlich 

verleihen. Natürlich folgt eine 

Monsterparty im Anschluss mit einem 

bis zum letzten Moment geheimgehaltenen 

Live-Act. Das Geburtstagsjahr für 

G-SHOCK wird hier seinen gebührenden 

Abschluss feiern. 

g-sessions.de 

59

177 — musiktechnik Text & bild Benjamin Weiss 

Maschine Studio: 999 Euro 

Software als Update:: 99 Euro (auf neuen Maschinen vorinstalliert) 

Maschine 

Studio& 

Software 

2.0 

60 

Neue HighEnd-Hardware und komplett 

renovierte Software: Native 

Instruments arbeitet mit Hochdruck 

an der Weiterentwicklung der 

Maschine. Das Ergebnis kann sich 

mehr als sehen lassen. 

Die neue Maschine Studio ist deutlich größer als die 

Maschine MK2, aber immer noch leicht genug, um sie 

eben Mal mitzunehmen. An der Unterseite hat sie zwei 

ausklappbare Stützen, mit der sie sich in bequemem 

Winkel aufbocken lässt. Auf der Rückseite gibt es neben 

dem Anschluss fürs Netzteil, dem USB-Anschluss 

und dem MIDI-Eingang gleich drei MIDI-Ausgänge sowie 

Anschlüsse für zwei Fußpedale, mit denen sich Start/Stop 

und das Aufnehmen beim Samplen steuern lässt. 

Oberfläche 

Die Grundelemente entsprechen denen der MK2: zwei 

Displays mit jeweils acht Buttons darüber und acht 

Endlos-Potis darunter, die Pad-Sektion und die Group- 

Buttons sind ebenfalls gleich. Was bei der MK2 über 

Doppelbelegungen der Pads funktioniert, bekommt bei 

der Studio aber jeweils einen eigenen Button. Dazu gibt 

es ein großes Jogshuttle und eine Master-Sektion mit 

dem Multifunktions-Poti für die verschiedenen Ein- und 

Ausgangslautstärken. 

Große Farbdisplays 

Eye Candy mit satten Farben: Der Neuling kommt mit zwei 

Farbdisplays, die bei einer Auflösung von 480 x 272 Pixeln 

jedes Detail mit sehr guter Blickwinkelunabhängigkeit 

und Helligkeit mit gutem Kontrast anzeigen. Das ist vor 

allem im Arranger, beim Editieren von Samples und für die 

Darstellung des neuen Mixers (der nur auf der Studio sichtbar 

ist) enorm praktisch. 

Eingangs- und Ausgangspegel 

Rechts oben in der Master-Sektion gibt es eine umschaltbare 

Pegelanzeige, die endlich eine übergreifende Pegelkontrolle 

auf allen Ebenen erlaubt: Master, Group und Sound sowie 

der neue Cue-Bus können so schnell und direkt gepegelt 

werden, auf der linken Seite lassen sich auch die Pegel von 

vier definierten Eingängen anzeigen, was für schnelles und 

unkompliziertes Sampling sehr praktisch ist. Darüber sitzen 

noch vier Aktivitätsanzeigen für die MIDI-Anschlüsse. 

Ein kleines, aber nicht unwichtiges Detail, wenn man beim 

MIDI-Troubleshooting keine Zeit verlieren will.

Bedienung und Haptik 

Die Bedienung ist bei der großen Oberfläche mit reichlich 

Platz zwischen Pads, Buttons und Jogshuttle sehr angenehm 

und übersichtlich. Die solide Verarbeitung, die griffigen 

Regler und das flotte Ansprechverhalten der Pads machen 

sofort Spaß, der Blick auf das Rechner-Display wird 

tatsächlich zur absoluten Ausnahme. Den flotten Workflow 

unterstützt auch die Tatsache, dass beinahe jede Funktion 

ihren eigenen Button bekommen hat. Wo bei der kleineren 

Maschine immer noch eine Tastenkombination dazwischen 

liegt, reicht hier ein Tastendruck. 

Für den mobilen Einsatz ist die Studio nur bedingt geeignet: 

Schwer ist sie zwar nicht und robust auch, aber fürs 

Handgepäck mit Rechner oder einen Standard-Rucksack im 

Alltag dann doch das entscheidende Quentchen zu groß. 

Im Studio spielt sie dagegen alle ihre Stärken aus: viel 

Platz, Übersicht und direkter Zugang zu allen Funktionen, 

präzises Editieren auf den eingebauten Displays und drei 

MIDI-Ausgänge machen sie zur zentralen, intuitiv nutzbaren 

Workstation. Dabei ist die Maschine Software 2.0 mit dem 

neuen Mixer sichtbar auf die Maschine Studio ausgerichtet. 

Der vergleichsweise hohe Preis liegt laut Native 

Instruments vor allem an den beiden großen Farbdisplays; 

meiner Meinung nach wäre dafür noch ein integriertes 

Audio-Interface drin gewesen, aber das ist tatsächlich auch 

der einzige Kritikpunkt. 

Maschine, runderneuert 

Zeitgleich mit der neuen Hardware wurde auch die Software 

gründlich überarbeitet, beziehungsweise komplett neu 

programmiert: Laut den Entwicklern ist keine einzige 

Zeile Code gleich geblieben. Das macht sich direkt beim 

ersten Ausprobieren bemerkbar, denn die jetzt endlich 

Multiprozessor-optimierte Software ist wesentlich genügsamer 

und lädt Files und Projekte deutlich schneller. 

Neue Oberfläche, neuer Browser 

Die komplette Oberfläche ist in zurückhaltendem dunklen 

Grau gehalten und ähnelt vom Aufbau her zunächst älteren 

Versionen; links der Browser, rechts oben der Arranger 

mit den Scenes und rechts unten die gerade ausgewählte 

Group mit ihren Patterns beziehungsweise der Sampling- 

Sektion. Auf den zweiten Blick wird aber klar, dass sich eine 

Menge getan hat, denn es ist eine Mixer-Sektion hinzugekommen 

und das ganze UI wurde glattgezogen. Viele Details 

haben sich zugunsten von mehr Übersichtlichkeit leicht geändert: 

Einige nicht so oft genutzte Parameter lassen sich 

wegklappen. So sind etwa die Slots für Sounds auf die linke 

Seite gewandert. Eine sehr sinnvolle Erweiterung gibt es 

für Undo. Zusätzlich zur bisherigen Funktionalität, die auch 

Viel Platz, Übersicht 

und direkter Zugang zu 

allen Funktionen, präzises 

Editieren auf den eingebauten 

Displays und drei 

MIDI-Ausgänge machen 

Maschine zur zentralen, 

intuitiv nutzbaren Workstation. 

jede allerkleinste Reglerbewegung in Einzelschritten rückgängig 

macht, gibt es nun auch ein Take-basiertes Undo. 

Der Browser funktioniert nun über Tags und zeigt alle NIeigenen 

Instrumente und Sounds mit farbenfrohen Icons an. 

Unendliche Groups und Effektslots, 

Side-Chaining 

War man mit Maschine 1.x wegen der Begrenzung auf 

acht Groups pro Projekt bisher eigentlich gezwungen, für 

das Liveset einen anderen Host mit mehreren Maschine- 

Instanzen zu nutzen, lassen sich jetzt theoretisch unendlich 

viele Groups nutzen. Die ersten 64 davon können auf allen 

Maschinen über die Group-Buttons mit Shift erreicht werden. 

Das Gleiche gilt auch für die Anzahl der Effekte in den 

Effekt-Slots, die nicht mehr auf vier beschränkt sind. Auch 

Side-Chaining ist jetzt möglich und funktioniert nicht nur 

mit den internen Effekten, sondern auch mit PlugIns von 

Drittanbietern. 

Neuer Mixer mit Cue-Ausgang 

Der neue dezidierte Mixer zeigt in der Software auf allen 

Ebenen den Pegel an, bietet direkten Zugriff auf 

Grundfeatures wie Pan, Mute, Solo und zwei Aux-Sends, 

aber auch einen vereinheitlichten Überblick über das Routing 

von Sounds und Groups und die I/Os für Audio und MIDI. 

Der Mixer ist vor allem auf der Maschine Studio eine willkommene 

Erweiterung, denn nur auf ihr wird er auf den großen 

Farbdisplays angezeigt. Die anderen Maschinen folgen 

weiterhin dem alten Konzept, das leider auf deren Hardware 

keinen Hinweis darauf gibt, ob das Signal irgendwo verzerrt 

wird. Zumindest eine abgespeckte Pegelanzeige für den 

Master-Ausgang wäre hier wünschenswert und wahrscheinlich 

auch mit den gröber aufgelösten monochromen Displays 


möglich. Der Cue-Ausgang ermöglicht das Vorhören von 

Sounds und Samples, ohne dass sie über die Anlage zu hören 

sind. 

Arranger 

Mit einer richtigen Timeline werden Patterns in den Scenes 

in ihrer tatsächlichen Länge angezeigt: Alle Patterns, die 

wiederholt werden, bekommen etwas dunklere Ghost- 

Parts, um die Übersicht zu verbessern. Sonst hat sich 

in diesem Abschnitt nicht viel getan, hier gibt es noch 

Erweiterungsbedarf. 

Drum Synth 

Mit Maschine 2.0 führt NI einen eigenen Drum Synth ein, der 

fünf verschiedene Module bietet: Kick, Snare, HiHat, Tom 

und Percussion. Alle kommen mit angepassten Sound- 

Engines und liefern sowohl diverse akustische als auch elektronische 

Engines, mit denen sich eine große Bandbreite 

abdecken lässt. Sie klingen allesamt ziemlich überzeugend 

und machen den Griff zu Samples oft unnötig. 

Macros und MIDI 

Macros gibt es nun auch für die Masterebene, außerdem lassen 

sie sich mit MIDI Learn über externe MIDI CCs steuern. 

Dieses Feature lässt sich mit einem Workaround auch zur 

Fernsteuerung externer MIDI-Devices nutzen, denn einmal 

gelernt, gibt Maschine die CCs auch wieder raus. So lassen 

sich externe Geräte steuern, ohne dass in den Controller- 

Modus gewechselt werden muss. Die Macros können jeweils 

alle Parameter ihrer eigenen und der darunterliegenden 

Ebenen steuern, Mehrfachbelegungen sind auch 

möglich. Mit Program Change können jetzt auch die Presets 

von VST- und AU-PlugIns gewechselt werden. MIDI-Noten 

schicken außerdem auch die einzelnen Sounds, selbst wenn 

sie schon ein Sampler-Modul oder ein Instrument beinhalten; 

in Verbindung mit den neuen Pad-Link Features ergibt 

das vielfältige Layer-Möglichkeiten. 

Die neue Maschine-Software lohnt sich für die User 

aller Hardware-Generationen: Neben den vielen kleinen 

neuen Funktionen und Detailverbesserungen und dem fett 

klingenden Drumsynth ist vor allem die hinzugewonnene 

Prozessorleistung durch die Multicore-Unterstützung und 

die unbegrenzte Anzahl an Groups sehr befreiend, so dass 

man auch mit älteren Rechnern viel komplexere Projekte 

als zuvor umsetzen kann. Dazu ist die mitgelieferte Library 

noch mal um zwei Gigabyte gewachsen, hat mit dem Plate 

Reverb einen neuen internen Effekt bekommen und kommt 

mit Prism, Sccarbee Mark 1 und dem Solid Bus Compressor. 

Viele Features deuten außerdem darauf hin, dass mit den 

nächsten Updates noch Einiges nachkommt. 

Monophoner Analog-Synthesizer 

USB-, MIDI-, CV/Gate Interface 

stufenlos umblendbares 

Multimode-Filter (L-N-H-B) 

Doepfer.de

177 — musiktechnik Text Benjamin Weiss 

Tracktion 4 

Die Einsteiger- 

DAW ist zurück 

Tracktion, da war doch was? 

Genau: Mackies kleine, übersichtliche 

Ein-Fenster-DAW ohne viel 

Schnickschnack. Länger nichts 

mehr von gehört. Nach sechs 

Jahren Partnerschaft haben sich 

die Entwickler wieder ausgegründet 

und schwuppdiwupp gibt es die 

neue Version 4.0. Erstmals auch für 

Linux. 

Wer Tracktion noch von früher kennt, wird sich schnell 

zurechtfinden. Die Oberfläche ist großzügig und aufgeräumt, 

zwischen den einzelnen Fenstern wechselt man 

per Tab und der Work- und Signalflow läuft grundsätzlich 

von links nach rechts. Die Entwickler verzichten 

bei Tracktion auf jegliche naturidentische Oberflächen, 

stattdessen sieht man immer nur die gerade nützlichen 

Informationen. Die integrierte In-App-Hilfe ist sehr ausführlich 

und gut verständlich, so dass sich Tracktion tatsächlich 

auch ohne Manual relativ schnell erschließt. 

Wer die Hintergrundfarbe vom gewöhnungsbedürftigen 

Blaubeerjoghurt auf etwas Verträglicheres umstellen will, 

kann dies tun: die Tracktion-Oberfläche kann weitgehend 

auf die eigenen Bedürfnisse angepasst werden. 

Editing, Routing und Effekte 

Jeder Track fängt in Tracktion mit einem Filter an - wobei 

Tracktion darunter etwas versteht, was man herkömmlich 

vielleicht nicht damit assoziieren würde. Je nachdem, was 

man nach dem Default-Filter (einem Lautstärke/Panning- 

Modul) einsetzt, kann der Track ein MIDI-, ein Audio-Track 

oder etwa ein Aux-Send werden. Dabei lassen sich auch 

Drittanbieter-PlugIns einbinden. Eigenkonstruktionen 

aus verschiedenen Filtern/PlugIns werden als Racks abgespeichert: 

Das erlaubt unerwartet komplexe Kombi- 

Patches. Ungewohnt ist zunächst das Audio-Editing, da 

hier auf übliche Konventionen und bekannte Keyboard- 

Shortcuts verzichtet wurde. Einsteigern dürfte das aber 

egal sein. Sehr gelungen und eingängig ist der Umgang 

und die Erzeugung von Automationen; auch das Time- und 

Pitch-Shifting ist nicht nur sehr übersichtlich gestaltet, 

sondern klingt auch noch gut. Anders als der Rest der 

DAW-Riege trumpft Tracktion nicht mit einer Gigabyteschweren 

Library auf. Stattdessen gibt es eine kleine 

Auswahl von gut klingenden Standard-Effekten und einen 

Loop-Browser mit Standards aus allen Bereichen. 

Tracktion ist insgesamt eine gute und stabil laufende 

DAW für Einsteiger. Die App bietet viele Features, gleichzeitig 

werden Newbies nicht von zu vielen Möglichkeiten 

erschlagen. Dabei ist sie eine der wenigen DAWs, die neben 

Mac und PC auch Linux in 64 Bit unterstützt. Das 

Bedienkonzept ist wirklich sehr direkt und spart auch auf 

kleinen Bildschirmen Platz, so dass keine Zeit damit verschwendet 

wird, Fenster zu sortieren oder Funktionen in 

Untermenüs aufzuspüren. Die mitgelieferte Effektauswahl 

ist vielleicht etwas arg sparsam geraten, klingt aber durchweg 

solide. Außerdem lassen sich sowohl VSTs und unter 

OS X auch Audio Units einbinden. Eine Demoversion steht 

zur Verfügung. 

Preis: 59 Dollar Vollversion, 

29 Dollar Upgrade von alten Versionen 

Plattformen: OS X, Windows 7 & 8, 

Linux (Ubuntu 12) 

62

Text Benjamin Weiss 


Preis: 21,99 Euro 

Touchable 2.0 

Neue Runde für 

die iPad-Remote 

Das iPad ist immer öfter der 

bessere Controller für Software auf 

dem Rechner. Das neue Touchable 

2.0 beweist das eindrücklich. 

In der Entwicklung neuer App-Versionen gibt es 

zwei grundlegende Ansätze: entweder auf der alten 

Codebasis aufbauen, oder alles komplett neu 

programmieren. Das Aufbauen auf dem alten Code 

geht zwar in den meisten Fällen schneller, aber es sammeln 

sich über die Jahre auch unschöne alte Bugs und 

Workarounds an, die sich irgendwann nicht mehr beheben 

lassen, weil sonst der Rest des Programms in 

sich zusammenfällt. Der andere Ansatz ist gründlicher, 

aber wesentlich arbeitsaufwendiger: jedes Mal komplett 

neu anfangen. Genau das haben touchAble mit 

Touchable 2.0 getan. 

Alt plus neu 

Touchable bietet auch in der Version 2.0 eine komplette 

Fernsteuerung für Live, die wesentlich weiter geht als eine 

schlichte Clip-Schleuder mit Mixer; wurde jedoch Featureseitig 

ordentlich aufgestockt. Damit man dennoch nicht die 

Übersicht verliert sind auf dem iPad-Display viele Funktionen 

ein- und ausklappbar, so dass immer nur das zu sehen ist, 

was gerade gebraucht wird. Daran muss man sich zwar 

zunächst gewöhnen, im alltäglichen Gebrauch wird aber 

schnell klar, dass das eine große Erleichterung ist. Neu ist 

in der Version 2.0, dass so gut wie alle frischen Features der 

aktuellen Ableton-Version integriert sind. Angefangen beim 

Browser mit Drag-&-Drop-Unterstützung, einem Pattern- 

Sequenzer mit Fold und Drum-Pads, klassischem Keyboard 

oder isomorpher Variante für den Push-Controller, Session 

Record bis zu Automation Arm. Gerade im Sequenzer wird 

der Einfluss von Push deutlich: Auf einem Touchstrip lässt 

sich schnell zwischen den Oktaven wechseln, kleine blaue 

Punkte zeigen an, auf welcher Oktave schon Noten sind, 

daneben kann ein Pitchbend-Wheel, Note Repeat und der 

Velocity-Bereich der gespielten Noten eingeblendet werden. 

Dazu kommen, ebenfalls wie bei Push, 25 verschiedene 

Skalen und das Fixed/In Key-Feature, bei dem nur die Töne 

der jeweiligen Skalen auf dem Keyboard liegen beziehungsweise 

spielbar sind. Da ein großer Teil der Live-9-Features 

selbst programmiert wurde, lassen sie sich praktischerweise 

auch mit Live 8 nutzen: Ausnahmen sind nur der Browser, 

Session Record und die Automation. Alle Sequenzer- 

Features funktionieren auch in 8. 

Alles auch modular 

Zusätzlich zu all den oben genannten Möglichkeiten lassen 

sich aber auch eigene Templates erstellen, was ähnlich 

funktioniert wie bei touchAbles DJ App d:b. Dazu kann 

man sich aus einer Reihe frei skalierbarer UI-Elemente wie 

Fader, Knobs, Buttons, X/Y-Pads und Labels bedienen, die 

Parameter aller fernsteuerbaren Bereiche aus Live steuern 

können, quasi Macros auf Programmebene. 

Einen externen Editor gibt es dafür zwar nicht, aber der ist 

auch gar nicht nötig, denn das Setup lässt sich bequem auf 

dem iPad einrichten und abspeichern. Ziemlich praktisch 

nicht nur für ein Master-Rig für den Live-Gig, auch zum 

auf die eigenen Bedürfnisse ausgerichteten Spielen von 

Instrumenten oder Effekten sehr ergiebig. Überhaupt lädt 

die neue Version dazu ein, einfach nur übers iPad Tracks zu 

basteln, denn es kommt äußerst selten zu der Situation, dass 

ein Feature nur direkt über den Rechner erreichbar ist, mal 

abgesehen vom Audio-Editing. 

Mit touchAble 2.0 ist die Live-Remote endgültig zur beinahe 

allumfassenden Oberfläche geworden und stellt nicht 

nur die App-Konkurrenz weitestgehend in den Schatten 

(auch das ebenfalls sehr umfangreiche Lemur-Patch 

LiveControl 2), sondern lässt auch den einen oder anderen 

Hardware-Controller reichlich altbacken aussehen. Die hier 

getestete späte Beta lief dabei sehr stabil und reagierte direkt 

und ohne Verzögerung auf alle Eingaben. 

Touchable 2.0 ist ab dem 7. November im AppStore zu haben, 

für User der Vorversion ist das Update kostenlos. 

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177 — musiktechnik Text Sascha Kösch 

Nicht nur durch die massenhafte Abwanderung von erklärten 

Vinyl-Junkies zu CD-Playern, auch in der Software und 

bei den Controllern hat sich in den letzten Jahren für DJs 

viel getan - die 1210er sind als DJ-Symbol längst verdrängt. 

Native Instruments hat diesen Wandel mit immer neuer 

Hard- und Software begleitet und geformt. Angefangen 

von Remix-Decks und dem Flux-Modus - der Traktor in 

eine große Spielwiese verwandelt und eher in Richtung 

64 

Traktor 

Kontrol 

S4 MK2 

Es ist schon fast drei Jahre her, dass 

Native Instruments mit seinen S4- und 

S2-Controllern an den Start ging. Drei 

Jahre, in denen sich das Auflegen massiv 

verändert hat. Wie passt da Native 

Instruments neuer Supercontroller 

rein? 

Produzenten-Tool verändert hat - bis hin zu den passenden 

Controllern für jedes Einsatz-Szenario: F1, X1 und Z1, die 

Mischpulte wie das Z2 und die wiederum in eigener Weise 

grandiose Umsetzung von Traktor auf iOS. Als Traktor-DJ 

hat man heute die Qual der Wahl. Mit dem S4 hatte NI zum 

ersten Mal einen Controller entwickelt, der die Software 

komplett in Hardware goss. Erstere wurde seither fundamental 

erweitert: Wie bekommt man all die neuen Features 

in eine Kiste? Der S4 MK2 (und der S2, der auch neu aufgelegt 

wurde) hat es insofern leicht, als dass er einfach 

alles an Neuerungen von der restlichen NI DJ-Hardware 

übernehmen kann, muss sich aber andererseits auch davon 

absetzen können. 

Die Mixer-Sektion wurde vor allem durch einen dezidierten 

Filter-Knopf (wie beim Z1 und typischen DJ- 

Mischpulten) erweitert, der jetzt zusätzlich zu den 

Effekten zur Verfügung steht. Die Fader und Knöpfe sind 

in der klassischen Qualität, jedes Deck hat wie gewohnt 

zwei Effektkanäle und in der Mitte sitzt immer noch der 

Loop-Recorder. 

Übernommen wurden auch die transparenten, mehrfarbigen 

Buttons, die den Controller erstmal ungewohnt 

bunt statt klassisch dark erscheinen lassen. Damit liefern 

die Tasten zusätzlich Information über ihre Funktionsweise, 

denn es wird ganz schön eng und komplex im Kopf mit acht 

Cue/Flux/Freeze/Remix-Knöpfen und vier für die Transport- 

Funktionen. Wer ein wenig an Traktor gewöhnt ist, wird sich 

aber dennoch schnell zurechtfinden. 

Hier verstecken sich auch viele der Erweiterungen, die 

die Anpassung an iOS mit sich bringt. Der Loop-Slicer aus 

dem Freeze-Modus zum Beispiel, der einzelne Loops in 

acht Segmente zerlegt, die über die Buttons dann wie integrierte 

Samples abgespielt werden können. Außerhalb 

von Freeze sind es natürlich die klassischen Cue-Punkte 

in blau, in einem Remix-Deck die einzelnen Samples. Die 

Farben halten einen hier glücklicherweise intuitiv auf dem 

Laufenden. 

Die Aktivierung des Controllers auf dem iPad läuft 

automatisch. Beim Einstecken des Tablets startet 

Traktor DJ und alles ist sofort startklar. Die zweidimensionalen 

Effekte lassen sich etwas umständlicher als auf 

dem Pad selbst (das man aber natürlich trotzdem weiter 

als Controller nutzen kann) über den Dry/Wet-Regler 

in Verbindung mit den drei Effektreglern nutzen, die 

Steuerung funktioniert wie gewohnt über den Browse- 

Regler und das iPad passt sich natürlich automatisch im 

Layout der jeweiligen Benutzung an. Die Effekt-Tasten blenden 

so zum Beispiel die Effekte ein (die zweite überflüssigerweise 

die Gain- und EQ-Regler). Den Beatgrid editieren, 

im Track zu anderen Positionen springen, on the fly Freeze- 

Mode, alles lässt sich mit dem S4 in einfachster Weise realisieren. 

S4 und iPad, Check! Das könnte einfacher kaum 

sein und klingt in Zusammenarbeit mit der gewohnt wuchtig 

klaren Soundkarte des S4 umso besser. 

Neu am S4 MK2 sind obendrein der dezidierte Flux- 

Button über dem Pitch-Regler und der Mode-Button bei 

den Effekten, der vom Single- in den Group-Modus umschaltet, 

sowie die metallenen Jog-Wheels, die einen 

Hauch leichtgängiger sind als beim Vormodell, dafür aber 

auch etwas präziser reagieren. Hier hat man sich im Design 

und dem Handling den gewohnteren CDJs angepasst. 

Der Rest ist dem Vorgänger sehr ähnlich. Es lassen sich 

Plattenspieler oder andere Live-Inputs einschleifen, egal ob 

mit Control-Vinyl/CD oder in "echt", die Zusammenarbeit 

mit CDJs funktioniert tadellos, der Sound ist ausgewogen 

wie immer, die Bedienung ein Klacks und auch der 

MIDI-In/Out-Modus wurde nicht eingespart. Wer entweder 

auf sein iPad, den Flux-Modus, die Remix-Decks, oder 

Plattenspieler und sonstige Inputs nicht verzichten kann, 

für den ist der S4-MK2-Controller (sofern die kleineren 

Einzel-Controller nicht ausreichen) perfekt. Und genau hier 

ist vielleicht auch das Problem, denn NI stellt mittlerweile 

so viele Controller für spezifische Einsätze bereit, dass eben 

nicht wenigen die tragbareren kleinen, gegenüber der All- 

In-One-Version die der S4 MK2 darstellt, reichen dürften. 

PS: Achtung übrigens beim Netzteil: Die alten funktionieren 

hier nämlich nicht wirklich. 

Preis: 799 Euro

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Four Tet - 

Beautiful Rewind 

[Text Records] 

RECONDITE - 

HINTERLAND 

[Ghosty International] 

01 Four Tet 

Beautiful Rewind 

Text Records 

02 Recondite 

Hinterland 

Ghostly International 

03 Tim Hecker 

Virgins 

Kranky 

04 Snuff Crew 

Behind The Masks 

Bpitch 

05 Wasserfall 

Travelling While Sleeping 

Greta Cottage Workshop 

06 Felix Lenferink 

Forlane II 

Shipwreck 

07 Thorsteinssøn 

They Don’t Know 

Legendary Sound Research 

08 Palms Trax 

Equation EP 

Lobster Theremin 

09 Clara Moto 

Blue Distance 

Infiné 

10 Kettel 

ibb & obb OST 

Sending Orbs 

11 Me Succeeds 

Rongorongo Remixe 

Ki Records 

12 Geiger & Lafelt 

Walking In The Rain 

Nylon Trax 

13 Kerem Akdag 

A Good Play EP 

Apparel Music 

14 Benjamin Damage 

4600 EP 

50 Weapons 

15 Oleg Poliakov 

Random Is A Pattern 

Circus Company 

16 Jerome 

4B 

CGI 

17 My Panda Shall Fly 

Tape Tekkno 

Gang Of Ducks 

18 Objekt 

Agnes Demise / Fishbone 

Objekt 

19 Pink Skull 

Pink Game EP 

Days Of Being Wild 

20 Simian Mobile Disco 

Ton Zi Dan 

Delicacies 

21 Ambassadeurs 

Alone In The Light EP 

Pilot Records 

22 NSDOS 

Lazer Connect EP 

Clek Clek Boom 

23 Hooved 

Timeless 

Amam 

24 Deo & Z-Man 

XTC 

Hafendisko 

25 Finest Wear 

Distant Memories 

Colour And Pitch 

www.fourtet.net 

Man weiß einfach nicht so recht, was man zu diesem "Beautiful Rewind" sagen 

soll. Vielleicht, dass Kieran Hebden viel zu viele Ideen hat. Kein Wunder, 

wenn man gerade erst ein Album für Omar Souleyman und eine Kollabo mit 

Rocketnumbernine produziert, sowie eine Free-LP mit Staubfängern aus den 

Zip-Drives von 1997-2001 rausgehauen hat. Im Workflow wird postwendend 

Four-Tet-LP Nr.8 nachgelegt. Zum ersten Mal über den eigenen Betrieb Text 

Records wohlgemerkt und das gleich ohne Promo, wie Hebden im Voraus via 

Twitter verkündete: "no pre order, no youtube trailers, no itunes stream, no spotify, 

no amazon deal, no charts, no bit coin deal, no last minute rick rubin." Da 

ist sich jemand seiner Arbeit wirklich sicher. Und eben diese Entschlossenheit 

vermisst man auf "Beautiful Rewind" zu oft. Leicht diffus wandert Four Tet zwischen 

diversen Ansätzen hin und her. Als hätte sich Captain Hebden mit seiner 

Zeitmaschine auf den Weg der umfassenden Reminiszenz begeben und 

wäre nun zwischen den Stühlen stecken geblieben. Einmal mal kurz am Frequenz-Regler 

gedreht, um sich quer durch die Historie von Englands Piraten- 

Radio zu streamen, hängt er nun irgendwo zwischen UK-Garage, Grime und 

House, sowie seiner alten Liebe Elektronika fest. Dabei kommt durchaus die 

ein oder andere unangestrengte Aufarbeitung zustande. Wie der Opener etwa, 

das slow-fast-Gewitter "Gong", in dem mit Four-Tet-typischer Staubigkeit Jungle 

erkundet wird - quasi das Äquivalent zu Burials Garage-Entwurf. Auch für 

"Kool FM" wurden Breakbeats ausgegraben und in ein 4/4-Gerüst gequetscht, 

auf dem schließlich eine unverkennbar britische, grimey Bassline einfach nur 

ganz laut "massive" schreien will. Sick. Dazwischen dann aber diese unschlüssigen 

Momente wie "Ba Teaches Yoga" oder "Unicorn", in denen Hebden an 

seiner Leidenschaft für Elektronika-Arpeggios und -Flächen festhält und die 

man einfach nicht so recht in diesen Rahmen einordnen kann. Gefolgt von "Aerial“, 

bei dem man dann irgendwie gar nicht mehr weiß, wo es eigentlich hingehen 

soll. Mit Four Tet’scher Ethno-Polyrhythmik geht’s los, mit Ambient-Arpeggios 

und Garage-Vibes weiter, mit schizophren gecutteten Grime-Vocals 

und äquivalenter Bassline schließlich zu Ende. Alles in einem Track. Auf dass 

der Groove in Unentschlossenheit ersticke. Womöglich muss man "Beautiful 

Rewind" als fragile Sound-Skizze wahrnehmen. Als Four Tets assoziative Reise 

durch die ehemaligen britischen Piraten-Frequenzen und weniger als Sammlung 

alleinstehender Tracks, die in sich schlüssig wären. Der Gegenentwurf zu 

"Pink" also, der im vergangenen Jahr erschienenen Single-Anthologie. In dem 

Sinne wäre "Beautiful Rewind" der konsequente nächste Schritt im Schaffen 

des K. Hebden. Schade nur, dass "Pink" einfach wirklich so viel besser funktioniert 

hat. 

wzl 

www.ghostly.com 

Geschichte kann gnadenlos sein. Gleich zwei LPs mit dem Namen "Hinterland" 

sind dieser Tage erschienen. Caspars schwülstiges Etwas, eine Platte, 

die nur wie Naidoo sein will, und Recondites zweites Album. Bei Google verliert 

man so ganz automatisch, unsere Herzen jedoch lachen. Man hätte es ja 

ahnen können. Lorenz Brunners Sound atmete schon immer tiefe Melancholie, 

so etwas wie helle Dunkelheit. Die Tracks auf seinem eigenen Label "Plangent" 

deuteten die Richtung an, die sich nun manifestiert, radikal verdichtet. Das begann 

in den Arrangements, in der Auswahl der Töne und setzte sich beim Artwork 

fort. Rauhe Papphüllen mit gestempelter Natur-Abstraktion. Ja, es war 

die alte Leier der Verschleierung. Es war aber auch eine Erleuchtung. Und 

"Hinterland" leuchtet heller als alles andere zur Zeit. In einer der ersten textlichen 

Annäherungen mit Recondite in diesem Magazin, im Dezember 2011, 

hieß es: "Es ist kein Geheimnis, dass die Welt etwas schöner wird, wenn man 

ihre Konturen nur leicht verwischt." Genau das ist der Dreh- und Angelpunkt 

des Albums. Die Lernkurve ist alles andere als steil und doch ist alles anders. 

Ein bisschen wie auf Kodein, wenn sich Dinge von einander entkoppeln, nicht 

mehr vollständig synchron laufen. Wenn der Autofokus lahmt, immer wieder 

versucht, scharf zu stellen und doch nur weiche Flächen produziert. Recondite 

gelingt es, dieses Konzept der Unschärfe auf Albumlänge zu perfektionieren. 

Die Beats sitzen. Sind klar und kräftig, verbinden gelebte Modernität mit 

kleinen Reminiszenzen an die Vergangenheit, leben vorbildliche Reduktion, bilden 

ein Fundament, wie es heutzutage im Häuserbau schon längst nicht mehr 

zum Einsatz kommt. Recondite jedoch baut für die Ewigkeit. Denn der Rest ist 

fluide. Richtet sich nicht nach den Vorgaben der Schlagwerk-Kellergeschosse, 

sondern nach der Umgebung, in die er seine Gebilde setzt. Minimale Eingriffe 

in die Natur. Sobald die Oberfläche erreicht ist, wird in die Natur hineingebaut. 

Und die will mal links, mal rechts, mal hoch, mal seitlich. Durch das Geäst der 

natürlich gewachsenen Deepness. Mit seinen Melodien hätte Recondite auch 

die Elektronika revolutionieren können. Er ist der Pate des Waldes, nicht Voigt. 

Ein mystisches Plinkern. Es windet. Hört man Recondite zu, kann man die 

Farne förmlich anfassen. Und auf denen ist ordentlich was los. Es sprießt, es 

krabbelt und grabbelt, es pulsiert, es lebt. Und doch bleibt es zu großen Teilen 

unscharf. Neblig. Weit weg. Recondite spendiert die Entwürfe, große, hallige 

Skizzen, der Rest passiert im Kopf, sobald der mitwippt, man sich fallen lässt. 

Recondite hat genau das, was alle anderen nicht haben und doch haben wollen. 

Style. Mut. Die Darkness so bunt anzumalen, dass sie bei aller Übermacht 

in tiefem Purpur glüht. Bayreuth in 4/4. Götterdammerung in 808. 

THADDI 

66

SNUFF CREW - 

BEHIND THE MASKS 

[Bpitch] 

www.bpitchcontrol.de 

WASSERFALL - 

Travelling While 

Sleeping 

[Greta Cottage 

Workshop] 

gretacottageworkshop.co.uk 

TIM HECKER - 

VIRGINS 

[Kranky] 

www.kranky.net 

Die Snuff Crew stand schon immer für Acid. Für Oldschool. 

Für Drummachines, Synths, die reine Lehre. Damit sind sie 

weiß Gott nicht alleine. Warum auch. Aber ihr Album geht 

über ihre bisherigen Produktionen noch ein Mal weit hinaus. 

Es steigt vom ersten Moment ein, wie ein Popalbum. 

Wie dieser große Entwurf eines Glücksmoments, in dem 

man sich selber bestimmt. Es wird mit Melodien um sich 

geworfen wie im ersten Frühling. Es blüht an allen Ecke 

vor lauter Leichtigkeit. Die Maske ist gefallen. Snuff Crew 

sind nicht mehr die Kämpfer hinter den Maschinen, deren 

Beats, Grooves und Basslines alles sagen müssen, sie 

sind das Orchester eines ewigen Summer Of Love geworden. 

Egal ob sie Rachel Row, Kim Ann Foxman oder Tyree 

Cooper ins Studio geladen haben, alle haben dieses Ding im 

Blick. Tage des Schwärmens. Eine Zeit, in der sich alles in 

einer neuen Liebe für die Welt auflöst. Diesen Moment, in 

dem eine Generation zusammenkommt und auf einer Party 

einen Zusammenschluss feiert, der so unwahrscheinlich 

ist wie er unauslöschlich bleiben wird. Musik, die nicht sich 

selbst feiert, nicht die schönen Zeiten von damals, sondern 

dieses Gefühl, dass es im gemeinsam gefundenen Groove 

eine Welt gibt, in der es sich lohnt zu verharren und neuen 

Funk zu tanzen. 

bleed 

THORSTEINSSøN - 

THEY DON'T KNOW 

[Legendary Sound 

Research] 

Deephouse ist auf dem besten Weg das neuste Schimpfwort 

für EDM zu werden, das hält Deephouse-Platten aber 

nicht davon ab, von Woche zu Woche großartiger zu werden. 

Diese Platte ist ein perfektes Beispiel dafür warum. Thorsteinssøn 

kümmert sich um nix außer der Musik. Die Chords, 

der Groove, die Bässe, der Sound. "They Don't Know" ist keine 

Klage darüber, dass die anderen Deephouse nun wirklich 

nicht verstanden haben, sondern die lapidare Erkenntnis, 

dass Musik wie ein Achselzucken sein kann. Ein Hauch 

von Wahrheit, der völlig losgelöst von allen Definitionen eine 

Sicherheit erzeugt, die kein draußen braucht. Thorsteinssøn 

hat diese Unschuld der ersten Theo-Parrish- Tracks, aber 

auch die Unbekümmertheit plinkernd schnatternder Melodien, 

diesen Soul der Deepness, die sich nicht sonderlich 

ernst nimmt, weil sie einfach der Grund ist, warum man 

überhaupt in diese Welt abtaucht. Die EP feiert sich selbst, 

feiert die Legenden um sich herum, feiert diese Bekenntnis 

zu einem Sound, der sich in unwahrscheinlicherweise 

bei aller Nähe zu den Vorbildern, den Legenden und der 

Geschichte doch ständig erneuert, so als wäre Deephouse 

nicht ein Stil, sondern ein endloses Ufer, an dem es ständig 

etwas Neues zu entdecken gäbe, das nichts ändert, außer 

der Erkenntnis, dass es ewig so weitergehen könnte. 

bleed 

Greta Cottage Workshop ist immer eine Reise wert. Hier 

werden die Schafe noch von Hand geschert. Die Musik 

so lange geknuddelt und getätschelt, bis sie am Ende 

glänzt und säuselt, gluckst und sprudelt, bis sie vor Glück 

quietscht. Wasserfall ist ein Projekt, das bis zur Besinnungslosigkeit 

eine Sanftheit verströmt, die einem wie ein lauwarmer 

Gebirgsbach im Hochsommer durch die Finger rinnt. 

Es ist eine Ode an die Biegsamkeit der Gefühle, die immer 

einen Weg finden, sich durch nichts eingrenzen zu lassen. 

Eine Feier der kleinen sanften Töne, die in alle Richtungen 

strömen und sich doch irgendwie in einem Fluss befinden. 

Durch die Musik von Wasserfall hindurch sieht man diese 

traumwandlerischen Bewegungen der scheinbar zufällig 

hingworfenen Perfektion einer Welt wie sie sein sollte. Keine 

verborgenen Schätze, sondern offen vor einem liegendes 

Glück und das Versprechen des Moments. "Travelling While 

Sleeping" ist der auf fünf Stücke komprimierte Powernap, 

bei dem man nicht die Augen schließt, sondern weit öffnet. 

Keine Reise ins Innere, sondern ein Sprung nach draußen in 

die Innerlichkeit der Welt. Es gibt viel zu viele Metaphern um 

Schönheit zu beschreiben. Wasserfall gehört für mich definitiv 

zu den klarsten. Jetzt müsste diese Welt nur noch wirklich 

sein. 

bleed 

FELIX LENFERINK - 

FORLANE II 

[SHIPWRECK] 

www.shipwreck.org 

In der Welt zwischen House und Bass ist noch viel zu viel 

ungesagt. Die Tracks von Felix Lenferink steppen, kicken 

wild um sich, sind so heiter, dass man fast lachen möchte, 

aber können auch mal eine Acidline durchknödeln. Während 

nicht selten die Synthese aus Kindersoul und hibbeligen 

Grooves irgendwann in Trance endet, oder der Nabelschau 

verknoteter Basslines und schnippischer Beats, flattern die 

Tracks von Lenferink eher von einem Höhepunkt zum nächsten, 

halten sich nie lange damit auf, sondern genießen dieses 

Verbrennen im aufblitzenden Moment. Eine EP voller 

Flausen, klingelnd überzogener Melodien, Stimmen, die 

aus allen Richtungen hereinwehen und schon wieder weg 

sind. Alles lässt sich kurz nieder, zeigt sich von seiner besten 

Seite, ist wieder woanders. Dabei wirkt die Musik aber 

alles andere als sprunghaft oder hecktisch, sondern säuselt 

lieber voller offener Geheimnisse. Gelegentlich ist das 

wie Filmmusik zu einem Märchen, das noch nie von Kitsch 

gehört hat, oder auch einem ersten Blick durch ein Kaleidoskop, 

das man so lange an die Augen presst, bis es fast 

weh tut, weil die Klarheit der Strukturen irgendwie die notorische 

Verwirrung völlig ausblendet. Die perfekte Synthese 

aus komplex verdichteter Konstruktion und dem Genuß einfachster 

Berührung durch Musik. 

bleed 

Es kann nur einen geben. Tim Hecker war schon immer unglaublich. 

Von seinen ersten Platten an stach er heraus duch 

diese eisig warme digitale Ästhetik, die seine Stücke durchzieht, 

wie ein glasklarer Schnitt. Konzentriert bis ins letzte aber 

doch so voller Nähe. Virgins ist für mich schon jetzt eins der 

Alben des Jahres. Weil es Träume erfüllt. Weil es mich in die 

Zeit purer aufwühlender Experimente zurückversetzt. Die Zeit, 

als Sounds aus dem digitalen Eis gebrochen werden mussten. 

Als man neue Klänge entdeckte, erfand, konstruierte, zu einer 

Architektur zusammenbaute, die völlig neue Landschaften 

entstehen ließ. Es ist keine Nostalgie für Clicks and Cuts, die 

diese Platte prägt. Es sind die vielen akustischen Instrumente, 

die Harfen, die Klaviere, die Streicher. Traumwandlerisch 

im Einklang mit den wehenden digitalen Sounds, den kleinen 

perfekt sitzenden Effekten und dieser großen Geste, dass Musik 

über sich selbst hinaus wachsen muss. Es ist immer blöd, 

Musik irgendwie als natürlich zu bezeichnen, nichts könnte 

ferner liegen, wenn man sich den Produktionsprozess ansieht. 

Aber "Virgins" wächst. Hat ein eigenes Leben. Es wuchert vor 

dem inneren Auge und fühlt sich mehr und mehr an wie das 

My-Bloody-Valentine-Album, das man machen würde, wenn 

man diesen Aufbruch in eine neue schwankende Zeit, neu erfinden 

könnte. Es ist kein Album der Hypothesen. Es ist eins 

der Erfüllung. Musik, die in jedem Moment in sich selbst hinabstürzt, 

ihre Melodien vor dem inneren Auge zerschmettert, 

die großen tiefen Basswellen anzerrt und in eine Schräglage 

versetzt, die Welt durchleuchtet mit dieser anderen Perspektive, 

die uns erst in die Lage versetzt etwas neues wahrnehmen 

zu können. "Virgins" ist wie sein Titel, wenn man ihn entkernt 

von jeder Mystik, jeder Geschlechterzuschreibung lesen könnte. 

Es ist Musik, die erwacht, auf etwas hindeutet, dass man 

nicht begreifen kann, aber längst versteht. Eine Verheißung, 

eine Unschuld, ein Neuanfang noch vor dem Neuanfang. Mit 

jedem der Stücke scheint das Album ein Licht auf etwas, das 

man wie zum ersten Mal sieht, nicht weil es neu wäre, sondern 

weil es in diesem Moment erst eine Bedeutung bekommt. Es 

kreist um diesen blinden Fleck der Unmöglichkeit einer neuen 

Welt, in der doch alles neu erscheint, einfach weil es durch und 

durch verrückt wurde, durch ein neues Zentrum eine andere 

Dimension erreicht, deren Mittelpunkt, Richtung, Begierden 

oder Erfahrungen noch keine Sprache kennen, aber ein Wort. 

Es gibt keinen Grund sich nicht in dieses Album zu verlieben. 

Für immer . 

BLEED 

67

177 — reviews 

Mooryc 

KONTROLLIERT Fallen 

T Helena Lingor 

Die alten polnischen Geigenbauer seien sehr verschlossene Menschen. Sie würden ihre letzten 

Geheimnisse niemals preisgeben, sagt Maurycy "Mooryc" Zimmermann und muss gleichzeitig 

über diese Verschrobenheit lachen. Dass ein gewisser, streng konzentrierter, introvertierter Zug 

in seiner Musik von dieser polnischen Verschlossenheit und Melancholie geprägt ist, will er aber 

nicht bestreiten. Es gebe nur wenige Geigenbauer in Polen und auf eine Schule zu kommen, sei 

nicht einfach. Zwei Violinen habe er schon gebaut, bevor er aufgenommen wurde. 

Dass eine Art strenger Baumeister in die Konstruktion seiner Tracks verwickelt ist, das lag schon 

vor Mooryc' Debütalbum "Roofs" nahe. Es muss ein Fachmann des orchestrierten Schwermutes 

gewesen sein, dessen melodische Texturen über die harmonisch strenge Form verfügen, die vielleicht 

nur in dem Holzschliff eines alten Instruments zu finden ist. Was sich vor "Roofs", im Jahr 

2009 mit zwei EPs noch als verträumter Indie-IDM präsentierte, entwickelte sich mit den nächsten 

Tracks schnell zu epischer Auteur-Elektronika – einer Art kontrolliertes Fallen aus den Höhen einer 

melodramatisch arrangierten Klangarchitektur. "Fallin’ freely" lautet somit nicht umsonst ein Titel 

auf dem aktuellen Album. 

Mal über verklärt angebrannte Synth-Arpeggios, mal durch den kalten Nebel verhallter EBM- 

Floors, mal in der konzentrierten Entfaltung einer Harmonik über einen polyphonen Platzregen aus 

Strings: Mooryc' Tracks ist eine quasi sinfonische Entschiedenheit eigen, mit der sie sich auf einen 

bestimmten Moment melodramatischer Verdichtung hinbewegen. Auch auf "Roofs" finden sich mit 

"Powerless", "Jupiter" und "Say No More" erwartungsgemäß gleich mehrere Hymnen, auf denen sich 

irgendwo zwischen Pop und Elektronika konzentrierter Weltschmerz ereignet: "Es ist vielleicht die Erinnerung 

an eine musikalische Form oder ein Stück, wenn ich an einem Track arbeite", sagt Mooryc. 

"Mir fällt es leicht, eine Idee oder ein Arrangement schnell umzusetzen." "Roofs" wären dann vielleicht 

die Dächer seiner musikalischen Erinnerung - eine Schule alter, dunkler Meister. Bach und Arvo Pärt, 

Depeche Mode, Boards of Canada und Burial, aber auch Peter Gabriel und der zeitgenössische polnische 

Komponiste Pawel Mykietyn, von dem er, wie er sagt, vor allem seinen Zugang zu atonaler Musik 

und bestimmten kompositorischen Elementen hat. 

In einem Lokal in Berlin-Moabit entspannt in seinem Stuhl sitzend und angenehm unverkopft 

kommunizierend, glaubt man Maurycy Zimmermann ohne Weiteres, wenn er nun aber behauptet, 

dass er eigentlich gar kein trauriger Mensch sei: "Bei 'Communication Breakdown' [auf "All those 

things" FaT 004, Anm. d. Red.] zum Beispiel, hab ich versucht, etwas eher Albernes zu machen. 

Das war als Witz gemeint. So nach dem Motto: Oh c'mon, lebst du eigentlich noch, oder bist du 

vielleicht schon tot. Im Produktionsprozess hat das aber eine bestimmte Realität angenommen. Es 

hat mich selbst schockiert, wie real traurig das klang. Das ist für mich der entscheidende Moment, 

wenn ich im Studio sitze und der gesamte Klang mich umhaut. Aber das bin nicht ich. Ich habe nur 

die einzelnen Stimmen geliefert." 

Dass Mooryc’ Gesang aus einer Art Kokon stammt, an dessen Innenwänden sich wohl erst das Kondensat 

dieses musikalischen Destillationsprozesses sammeln muss, macht deutlich, warum er sagt, 

dass Bands nicht sein Ding seien. Er brauche seine Studioumgebung, um zu singen, das könne er 

auch nicht, wenn andere dabei sind. Immerhin hätte er es letztens endlich einmal geschafft, zu singen, 

als sein Label-Buddy und bisher einziger Kollaborationspartner Douglas Greed dabei war. 

Mooryc, Roofs, ist auf Freude am Tanzen/Kompakt erschienen. 

Alben 

Ulrich Troyer - Songs for William 2 

[4Bit Productions - Hardwax] 

Irgendwo in Innsbruck gibts einen Brunnen, der geht ganz tief 

runter. Bis nach Jamaika. Sein Wasser 

schmeckt den Kindern auf beiden Seiten 

ganz besonders, und der Hall, wenn 

man hineingrüßt… tja. Der Dub, der 

steckt für Ulrich Troyer vor allem in den 

kleinen Stompboxen, Tretminen, dem 

Fußvolk sozusagen. In seinen Dub- 

Songs, erst recht, wenn man sich die 

zugehörigen Comic-Geschichten durchliest, sieht man die Effekt-Kistchen 

beim Zuhören förmlich kreuz und quer durchs 

Studio spazieren. "Songs for William 2", der zweite Teil einer 

Trilogie, kommt so niedlich und liebevoll daher wie vor zwei 

Jahren der erste; aber der Ton hat sich gewandelt. An die Stelle 

eines sommerlich-eingängigen Reisetagebuchs treten gedeckte 

Farben, dekonstruktive Explorationen, Melancholie 

zwischen Zwitscherknurpstierchen und Glockenspiel. Die 

Grooves pulsieren und schieben Herbstnebel über leere Landstraßen, 

der Wind pustet Dub-Blips drüber, plötzlich findet sich 

alles zu Pop zusammen ("Cable Loss"), dann arbeiten wir uns 

Fuß vor Fuß den ganzen Brunnen hinunter, in "Hardwired" erwartet 

uns die Schreckharmonica, vor der sich die kleine 

Drumbox erstmal raustrauen muss, aber dann sind auch 

schon alle fleißig am Steppen, schließlich am anderen Ende: 

weich schimmriger Drone-Ambient, das Fenster geht zum 

Knisterregen von Pyrolators "Inland" auf, und das Sandmännchen 

kommt im Gewand eines Beats. Das Highlight also wieder 

am Schluss, aber es ist dieser durchgehende, basteligpoetische 

Ansatz, der das Gesamtpaket von Troyers Dub 

auszeichnet. 

www.4bitproductions.com 

multipara 

Håkon Stene - Etude Begone Badum 

[Ahornfelder - A-Musik] 

Den nonchalantesten Quasi-Re-Start des Jahres legt hier das 

Hamburger Label Ahornfelder hin mit 

einem Doppelschlag des norwegischen 

Schlagzeugers Håkon Stene. Auf zwei 

gleichzeitige Releases verteilt erscheinen 

sechs Einspielungen von Werken 

zeitgenössischer Komponisten: auf diesem 

Album vier, auf einer CD-EP zwei 

weitere. Nonchalant, weil schick, sehr 

knapp an Info, und inhaltlich erste Kajüte. Schlagzeug: da geht 

ja eigentlich alles. Im Duo mit Marko Ciciliani bespielt er auf 

dessen "Black Horizon" E-Gitarren – verzaubert wäre der passendere 

Ausdruck, denn man traut seinen Ohren nicht. Was 

bei Michael Pisaros "Ricefall" geschieht, ist dagegen klar, und 

dabei nicht weniger unheimlich. Geradezu als Einsteiger dazwischen: 

die Dreingabe von Luciers Triangel-Stück "Silver 

Streetcar for the Orchestra", die sich in einer ordentlich klangintensiven 

Aufnahme ihren Platz verdient. Garniert von drei 

Vignetten ("Studies in Self-Imposed Tristesse") von Lars Petter 

Hagen, auf denen der Sound von Percussion und Elektronik ins 

Uncanny Valley taucht. Ein Fest für die Ohren, von Anfang bis 

Ende. 

www.ahornfelder.de 

multipara 

Gherkin Jerks - The Gherkin Jerks 

[Alleviated] 

Nach den beiden EPs kommt hier dann auch noch das Album 

dieser aus der Tiefe der Technogeschichte 

ausgegrabenen Tracks, und in 

ihrem spartanisch absurden Sound 

klingt das als Album irgendwie noch 

mehr so wie eine Welt, in der die frühen 

80er wiedererfunden wurden. Manchmal 

könnte das auch der Plan sein, so 

sehr eiern und quietschen die Sounds, 

manchmal ist es natürlich der perfekte Protoacid, den man in 

den reduziertesten Versionen später dann im Traum buchstabieren 

lernte. Ein Album, das einem aber vor allem zeigt, dass 

Oldschool eine ganz andere, breitere Geschichte hat, als diese 

bereinigte Version, die man so oft hört. Ist das futuristisch? 

Gewesen? Vermutlich, aber irgendwie doch in einer so verwirrten 

Kellerästhetik, dass die Träume vom roten Planeten definitiv 

aus der Werkzeugkiste eines Bastlers stammen. Für 

Genießer. 

bleed 

Bartmes - Flow Motion 

[Blisstone] 

Pianist und Keyboarder Joe Bartmes aus Heidelberg lässt es 

fließen. Elektronik hilft hier nur selten 

aus, wenn er seine Kompositionen veredelt, 

die sich im groovenden Souljazz 

bewegen. Statt einer Gitarre als Soloinstrument 

ist eine verfremdete Bassklarinette 

im Einsatz, die von Frank Spaniol 

gespielt wird. Am Mikro ist Fola Dada 

dabei, und insgesamt drei Schlagezuger 

haben das Album mit eingespielt. Neben Oli Rudow und 

John Bollinger ist das der langjährige Kompagnon Sebastian 

Merk. Herausgekommen ist ein intelligent geschriebenes Album, 

dass den Groove dezent abfeiert und dabei die Konzentration 

aufs Wesentliche nicht vergisst. Trotz des Namens 

kommt Bartmes letztendlich gut auf den Punkt und verliert 

den roten Faden nicht. 

tobi 

Toshimaru Nakamura + Ken Ikeda + Tomoyoshi Date 

Green Heights 

[Baskaru - A-Musik] 

Wie man lärmhaftes Geräusch und kindliche Klänge von Spielzeugklavier 

oder ähnlichem Gerät in einen 

sinnstiftenden Zusammenhang 

bringt, kann man beim Trio Toshimaru 

Nakamura, Ken Ikeda und Tomoyoshi 

Date, einer Art japanischen Improv-Supergroup, 

wie spielerisch lernen. Die 

drei Individuen mit ihren recht unterschiedlichen 

Herangehensweisen bei 

der Abstraktion von elektronischen Konventionen, bestellen 

gemeinsam eine Fläche, die an eine postindustrielle Brache 

und zugleich an idyllisch-karges, unberührtes Bergland denken 

lässt. Es ist eine offene Szenerie, in der Menschen nicht 

mehr oder noch nicht anwesend zu sein scheinen, und in der 

das Staunen über das Neue und eine leicht wehmütige Nostalgie 

wie selbstverständlich Hand in Hand gehen. Die Balance 

von leicht schmerzenden Frequenzen und fast zu lieblichen 

Tönen gelingt den dreien so lässig, dass man sich nur ehrfürchtig 

verneigen kann. 

www.baskaru.com 

tcb 

Oleg Poliakov - Random Is A Pattern 

[Circus Company/CCCD014 - WAS] 

Das neue Album von Oleg Poliakov ist massiv. Schüchtern. 

Dicht, zurückhaltend, pathetisch, zögerlich, 

smooth und natürlich funky wie 

immer. Seine Tracks haben auf der 

Oberfläche erst mal immer etwas Gewohntes, 

man scheint sich ins gemachte 

Nest zu legen, die Housewelten sind 

bekannt und sehr angenehm, dann aber 

kribbelt es in den Untertönen doch immer 

verwirrend und verdreht, es zuckt einem unter den Ohren 

weg, es sucht diese leichten Verschiebungen im Sound, die 

mal pure breit harmonische Euphorie sind, mal in sich versunkene 

Konzentration auf die dichten Dubs und den zischelnden 

Motor hinter all den Grooves. Eine Platte, die ihren Funk wie ein 

kleines zu pflegendes Kaminfeuer erst nach und nach entwickelt, 

dann aber immer betörender wird. 

www.circuscompany.com 

bleed 

Pick A Piper - s/t 

[City Slang - Rough Trade] 

Brad Weber, der Schlagzeuger von Caribou, ist sozusagen die 

kanadische Mischung aus Wolf Biermann 

und Lars Ullrich, verbindet er 

doch unter seinem Alias Pick a Piper 

(zusammen mit Angus Fraser und Dan 

Roberts) Schlagzeug sowie Liedermachen 

und präpariert das ganze clubtauglich. 

Angenehm auch, weil hier kein 

"Liedermaching"-Konzept auf Beats 

übertragen wird, sondern die Beats die Grundlage für die Vocals 

bilden, die ganz zum Schluss kommen. So entstanden 

sieben großartige Miniaturen, Soundscapes zum Schlagzeug; 

Vocals, die nicht überkandidelt wirken, und eine Grundstimmung, 

die es nicht nötig hat, auf Hit-Kompatibilität zu setzen. 

Bis im neuen Jahr wieder die Festivals losgehen, ist "Pick a 

Piper" das Überbrückungswerk - rhythmusbasierte Liedermacher-Indietronica 

vom Besten. 

www.cityslang.com 

bth 

Esmerine - Dalmak 

[Constellation - Cargo] 

Esmerine ist ein Projekt zweier "Godspeed You! Black Emperor"- 

und "A Silver Mt. Zion"-Musiker. 

Anstatt auf Gitarren setzt die Band allerdings 

eher auf Marimba, Banjo, Cello, 

Kornett, Perkussion und Bass. Auf ihrem 

mittlerweile vierten Album, dass in 

Istanbul entstanden ist, arbeitet die 

Band zusätzlich mit einheimischen Musikern 

und erweitert das Instrumentarium 

dadurch zusätzlich um eine Geige und verschiedene türkische 

Rahmentrommeln und Saiteninstrumente. Das gibt der 

Musik natürlich eine starke orientalische Anmutung. Die 

Tracks sind mal flächig, ambient, meditativ und dronig und oft 

auch furios treibend uptempo angelegt. Ziemlich klasse! 

www.cstrecords.com 

asb 

Juana Molina - Wed 21 

[Crammed Discs - Indigo] 

Vorweg eine Entschuldigung: Das tolle Album "Un Día" von 

2008 habe ich irgendwie erst überhört. 

Erst Jahre später so wirklich entdeckt. 

Dieses sei also nachträglich empfohlen. 

Denn Molinas neues Album ist genauso 

schön, strahlt, ist fast noch etwas poppiger. 

Der "Rolling Stone" hat die Argentinierin 

sogar mit den Pop-Forschenden 

Brian Wilson und Kevin Shields verglichen. 

Nicht ganz zu unrecht. Denn Molina sucht. Sie bringt 

Unerwartetes in ihren klanglichen Rahmen. Wiedererkennbarkeit 

mischt sich mit Neuem. Minimales vermengt sich mit 

durchaus Luzidem. Molina produziert einen elektronischen 

Folk, den sie hier deutlich erweitert um einen Haufen Instrumente 

und Ideen. Das klingt dann manchmal bewusst funkytrocken, 

manchmal fast schon indietronics-niedlich. Mit jedem 

neuen Hören entdeckt man mehr. 

www.crammed.be 

cj 

68


ALBEN 

Brown Reininger Bodson - Clear Tears / Troubled Waters 

[Crammed Discs - Indigo] 

Die legendäre Ambient und Soundtrack Serie "Made To Measure" 

wird vom belgischen Label Crammed 

Discs wiederaufgelegt; zwischen 

1983 und 1995 veröffentlichten hier so 

edle Herren wie Arto Lindsay, John Lurie 

und Harold Budd ihre Kompositionen 

für Film, Theater oder Video. Darüberhinaus 

ist Crammed Tuxedomoons 

Stammlabel mit sämtlichen Re- und 

Re-Re-Releases der Band, alle Solo- und Seitprojekte sind 

ebenfalls vertreten, voilà ... Bühne frei für Tuxedomoons Frontmänner 

Steven Brown und Blaine Reininger, die mit dem belgischen 

Musiker und Sounddesigner Maxime Bodson die Musik 

für ein Stück mit sieben Tänzern und drei Musikern schrieben. 

Choreografiert von Thierry Smits, ist "Clear Tears / Troubled 

Waters" eine durchwachsene Mischung aus Elektronik und 

Musik der klassischen Moderne, deren Genuss live und mit 

den dazugehörigen Bewegungen eher zu empfehlen wäre. Der 

visuelle Aspekt der Zusammenarbeit, die Interaktion fehlt. 

Schade eigentlich, der 1982 für Maurice Béjart geschriebene 

und separat veröffentlichte Tuxedomoon-Soundtrack für dessen 

Ballet "Divine" hatte eine klare musikalische Eigenständigkeit, 

dem dieses Werk völlig abgeht, leider. 

www.crammed.be 

raabenstein 

Arturas Bumšteinas - Meubles 

[Crónica - A-Musik] 

Bei einem Titel wie "Meubles" fällt es schwer, nicht an Erik 

Satie und seine "musique 

d'ameublement" zu denken, also Gebrauchsmusik 

für den Hintergrund, 

Proto-Ambient im Sinne Brian Enos. 

Der litauische Komponist Arturas 

Bumšteinas nennt Satie zwar nicht als 

direkte Referenz, doch die programmatische 

Möbelmusik, die man auf "Meubles" 

hören kann, knüpft in ihrer Statik recht frei an ihr historisches 

Vorbild an. Bei Bumšteinas werden die Töne wie 

Bauteile oder Muster eingesetzt, sie verteilen sich als punktartige 

Strukturen in der Luft. Das nach einem Gedicht des antiken 

Dichters Hesiod benannte, von Bumšteinas gegründet 

Works and Days Ensemble spielt die einzelnen Elemente so 

stoisch, als kämen sie gleich aus einem Computer. Manche 

Parts haben durchaus schroffen Charakter – hier sollte man 

sich besser nicht hinsetzen –, alles in allem verbreiten die Instrumente 

aber eine nur mählich fremdartige "wohnliche" Atmosphäre: 

Mit diesen Tönen kann man es eine Weile aushalten. 

www.cronicaelectronica.org 

tcb 

Piano Interrupted - The Unified Field 

[Denovali - Cargo] 

Zweiter Release des Londoner Pianisten und Komponisten 

Tom Hodge sowie des französischen 

Electronic Producers Franz Kirmann. 

Klassische Einflüsse gemischt mit Electronica 

und Pop; eine eifrig bewanderte 

Straße dieser Tage. Zusammen mit den 

Gastmusikern Greg Hall am Cello und 

Tim Fairhall, Kontrabass, schlendern die 

vier Musiker unbeschwert durch schöne 

und bekannte Landschaften, die Sonne wärmt das letzte 

fallende Blatt. Die ab und an eingeworfenen, muffigen 4/4-Attacken 

werden auch sogleich wieder verworfen, man lagert 

vespernd am Wegesrand und verträumt die Wolken zu sehnsüchtigen 

Bildern. Steve-Reich-Minimalismus blinzelt freundlich 

unter den Semmeln hervor und - nein!!! - da kommt sie 

wieder, die technische, äh tecky Störung. Hach, könnte so ein 

gerader Beat nur romantisch sein, oder anders gesagt, hier 

fehlt so eine deepe, klärende Hand eines Andy Stott, dann hätte 

der Hund auch Eier, die er sich dann lecken könnte. 

www.denovali.com 

raabenstein 

Booka Shade - Eve 

[Embassy One - Warner] 

Die bisherigen Platten von Booka Shade "funktionierten in Diskotheken 

auf Ibiza genauso wie in englischen 

Konzerthallen", ist im Info zum 

neuen Album zu lesen. So soll es bleiben. 

Dieses Bügeleisen möchte ich mal 

sehen, das über die Tracks gefahren ist. 

Und wo bitte kann kann diese Bass 

drum-Politur kaufen? Großer Sound, 

leider nichts dahinter. In Manchester in 

einem Vintage-Studio sei das Album eingespielt. Mit sagenhaften 

Uralt-Geräten. Hört man alles nicht. Dafür einen Fritz 

Kalkbrenner auf "Crossing Borders", der wahnsinnig mumpfig 

klingt. Der arme Kerl. Seid ihr eigentlich Facebook-Freunde 

von Moby, ihr Bookas? Dem entgleist der gute Geschmack 

auch immer wieder. Aber Moby haben wir lieb. Und somit auch 

sein Großraumdisco-Spülwasser. Gut zugehört haben Booka 

Shade aber allemal. Bei so hippen Themen wie Moderat zum 

Beispiel. Und jetzt sind wir auf dem richtigen Weg. Das sind 

gar keine Tracks hier, das sind Remixe von den vermuteten 

Gefühlen einer Generation, die es so gar nicht gibt. Ist nämlich 

nicht eure Generation. Aber keine Sorge. Das Goethe-Institut 

macht euch bestimmt ein paar Workshops in Thailand klar und 

Heineken zahlt dann gleich noch die Gage hinterher auf dem 

Rave. Viel Glück und viel Segen. Don't call us, we call you. 

thaddi 

Ricardo Tobar - Treillis 

[Desire] 

Eigentümlich verwaschen, aus der hintersten Ecke des Eises, 

kommt das Album von Ricardo Tobar 

hereingerauscht. Lofi, zerrig, verliebt in 

das Unterkühlte, wirkt hier jeder Sound, 

als wäre er aus dem Lot geraten, leicht 

daneben, leicht angematscht, aber dennoch 

genau darin das Glück findend. 

Eine höchst eigenwillige Soundästhetik, 

die manchmal klingt, als sei Kaffee über 

das Tape gelaufen. Bummige Platte voller Anwandlungen an 

die ersten analogen Zeiten, an die Keller, die die Welt bedeuteten, 

die Labore der Kabel und wild übernächtigten Dunkelheiten. 

Irgendwie hätte das auch eine Rush-Hour-EP sein können, 

oder ein Album, das man nach Jahrzehnten erst wieder aus 

der Versenkung geholt hat. Dennoch schafft es Tobar, in diesem 

Sound einen so frischen optimistisch klingelnden Sound 

zu erzeugen, dass man Stück für Stück mit ihm mitfeiert. 

bleed 

Claude VonStroke - Urban Animal 

[Dirty Bird/100] 

Ich muss zugeben, Claude VonStroke ist mir immer mehr zum 

Rätsel geworden. Mal perfekt und deep, 

mal dreist und überzogen, wie sein Label 

auch. Und das macht er hier auf dem 

Album dann gerne auch noch in einem 

Track. Der Opener und Titeltrack z.B. 

rockt besinnlich und melodisch los, bis 

er dann in DJ-Stakkatos kulminiert, die 

irgendwo in ihren Basswelten hängengeblieben 

scheinen. "Clapping Track" kennt man ja schon, das 

ist Blockparty und Orgelfeast in einem. Dreist und doch irgendwie 

richtig und funky. "Dood" ist auch irgendwo Schweinerock 

und Funk zugleich. Und genau so geht es immer weiter. 

Stücke zwischen einem überdrehten Funkverständnis, dem 

Willen gnadenlos durchzurocken, aber dabei doch irgendwie 

voller Ideen und lässiger Eleganz zu bleiben. Auf dem fast kindlichen 

"The Bridge" zeigt sich diese Verwirrung am deutlichsten. 

VonStroke will zurück zu den ersten Erfahrungen und die 

dürfen auch mal zu dreist sein. Ein skurriles Album für alle, die 

ihren Bass sehr poppig mögen, und dennoch auf blöde idiotische 

EDM-Phantasien ganz und gar verzichten können. 

bleed 

Omar Souleyman - Wenu Wenu 

[Domino - Good to Go] 

Omar Souleyman, der vermutlich bekannteste Hochzeitssänger 

der Welt, momentan aus politischen 

Gründen von Syrien in die Türkei gezogen, 

hat sein erstes Studioalbum aufgenommen. 

Wenn man bedenkt, dass im 

arabischen Raum rund 500 Bootlegs im 

Umlauf sind, ist das eigentlich nur eine 

Meldung von minderem Interesse. Dem 

Westen ist Souleymans sehr energetischer 

Dabke aber auch längst bekannt. Neu ist, dass Souleyman 

nun auch auf Kurdisch und Türkisch singt, dass er Traditionals 

aus dem Irak mit seinem formal recht offenen 

Dabke-Sound adaptiert. Produziert hat Four Tet – und in der 

Folge klingt "Wenu Wenu", obschon das Album unter simulierten 

Live-Bedingungen aufgenommen wurde, etwas kompakter. 

Auf Souleymans Konzerten scheppern die Keyboards, Four 

Tets Produktion ist da natürlich auch eine Zähmung: Die Bassdrums 

sind runder, es gibt mehr analoge Klänge. Halbstündige 

Edits wie das legendäre "Leh Jani" findet man hier freilich auch 

nicht. "Wenu Wenu" ist Souleyman für den Hausgebrauch. 

www.dominorecordco.com 

blumberg 

My Panda Shall Fly - Tape Tekkno 

[Gang Of Ducks/GOD002] 

Und noch so ein phantastisches Oldschool-Album, in dem alles 

klingt, als sei es ausgegraben worden. 

Eine Zeitreise durch breite Synths, 

kleinkomprimierte Beats, durch Tapes 

zusammengeschredderte Atmosphäre 

einer undurchdringlichen Dichte, zauselige 

Spinnersounds der gelegentlich 

angestrengt wirkenden, aber immer 

genüsslich zelebrierten Art. Warum nur 

hat sich in diesen Jahren immer mehr ein Sound entwickelt, 

der sich durch und durch weigert, so klingen zu wollen, als 

wäre er von jetzt. Vielleicht, weil das Spiel mit der Zeit, mit den 

Parametern der Vergangenheit, die sich zitieren lassen, wie 

Passagen aus einer Sprache, die in elektronische Konstellationen 

gegossen ist, und als Labor immer wieder bereit ist, wiederaufzuerstehen, 

genau das ist, was die Zeit am Ende dann 

doch bestimmen könnte, weil sie sie durchkreuzt. Die Stücke 

von My Panda Shall Fly jedenfalls sind vom ersten Moment an 

Killertracks und so voller deep verschrobenem Gefühl, dass 

man sich in dieser Zeit längst aufgelöst hat, noch bevor einem 

der Faktor des Widerborstigen irgendwie auf den Nerv gehen 

könnte. 

bleed 

Felix Kubin - Zemsta Plutona 

[Gagarin - Indigo] 

"Spät-Europa", so der Titel eines 1982er Albums von Asmus 

Tietchens, einem der musikalischen Väter, später Kollaborateure 

Kubins (herauszuhören in "Nachts im Park" oder 

"Restez en ligne"), ist im Grunde der Ort, den seine Musik 

beschreibt, und wenn man ihr glaubt, dann leben wir dort 

alle. Der Retro-Charme seiner stilistische Sprache, von "Filmmusik" 

an, seinem Debutalbum auf Gagarin vor 15 Jahren, ist 

abgestreift: Heute beschreibt sie das Jetzt, mehr denn je, eine 

technologisch fortgeschrittene Welt, die kraftwerksche Utopien 

längst hinter sich gelassen hat und die geistig immer noch 

im TV-Krimi und Robo-Sex der Sechziger verharrt. Das kühle, 

perfektionierte Pop-Format von "Zemsta Plutona" braucht et- 

was Gewöhnung, denn ihm scheint das anarchische Flanieren, 

der poetische Hörspiel-Flow zum Opfer zu fallen, der seine 

Werke immer zu Abenteuern gemacht hat. Die Stücke selbst, 

mit Gastmusikern (Drums, Bläser und nicht zuletzt Vocals) 

und allen liebgewonnenen Sounds und zickzackigem Funk auf 

Sonntagsstaat gebracht, können nichts dafür: die sind das, 

was man sich immer von einer Felix-Kubin-Party-Compilation 

gewünscht hat, bis hin zum klaustrophobischen "Der Kaiser 

ist gestorben". Und dann wird es doch noch locker: Samplecollagen, 

ein Rhythm Modulator als ominöser Mad-Science- 

Cartoon, schließlich ein Jam mit dem Grünen Winkelkanu. 

Spät-Australien: Wir kommen. 

www.gagarinrecords.com 

multipara 

Stefan Litwin / Frederic Rzewski - El Once 

[Gligg - Amazon] 

Das eigenwillige Saarländer Label, sonst zwischen Jazz und 

Kunst operierend, macht seinem dem 

Bergbau entlehnten Namen hier eine 

besondere Ehre. "El Once" gräbt unter 

den Trümmern von 2001 den elften 

September 1973 aus, den Tag des Putsches 

gegen den demokratischen Sozialismus 

in Chile. Pianist Stefan Litwin 

spielte zum Jahrestag einen Klassiker 

ein, Frederic Rzewskis 36 Variationen über die Quasi-Hymne 

der Republik, "The People United Will Never Be Defeated". 

Rzewskis Stück – er selbst ebenso Pianist, vor allem bekannt 

als Interpret neuer, postserieller Musik – war 1975 seiner Zeit 

weit voraus, vielleicht mehr als mit "Attica", das Minimal-Music-Kennern 

ein Begriff sein wird. Vor Ideen sprühend, rasant 

und mit Humor, virtuos ohne elitär zu sein, setzt es in seiner 

Stilgrenzen ausradierenden Art Schubert und Ligeti, Serialismus 

und Improvisation nebeneinander. Wie Rzewski ist aber 

auch Stefan Litwin politisch engagierter Komponist und liefert 

zwei eigene Stücke für kleine Piano-Ensembles ab, die sich 

unmittelbar mit "dem Elften" befassen: Eine sehr farbenreiche 

und poetische Vertonung eines Gedichts von Gonzalo Millán, 

sowie eine von Präsident Allendes letzten Ansprachen, die in 

einer etwas zeremoniellen Schwere, aber schlüssig auf eine 

besondere Kräftespannung abhebt zwischen Gewalt und 

Ruhe. Zwischen den beiden CDs liegen dann aber auch noch 

170 Seiten Lesestoff, herausgegeben von Heike Hoffmann und 

Martin Schmidt, auf denen, ja, Dutzende Autoren das Thema 

auf verschiedenerlei Art beleuchten: Rückblenden, Analysen, 

Persönliches, immer wieder auch die Reaktion auf politische 

Verhältnisse mittels Kultur-/Musikproduktion umkreisend und 

reflektierend, und in Kürze und Prägnanz vom ersten Text an 

fesselnd. 

www.gligg-records.com 

multipara 

Ron Morelli - Spit 

[Hospital Productions] 

Ein Album, das von Stress handelt. So will L.I.E.S.-Gründer 

Ron Morelli sein Debüt auf Hospital Productions 

verstanden wissen – es ist übrigens 

das erste von gleich drei lose zusammenhängenden 

Alben. Und 

vielleicht ist der Begriff des Albums hier 

auch gar nicht angebracht, denn hinter 

dem punkigen Titel verbirgt sich gewissermassen 

auch Punk: Acht mit offensichtlich 

heißer Nadel gestrickte Tracks, ohne übergeordnete 

Dramaturgie oder ähnlichen Album-Firlefanz. Allesamt Rohbauten, 

denen man mitunter einen gewissen Live-Charakter 

anhören kann. Bloß keinen ausgefeilten Industrial-Techno abliefern: 

Morelli setzt auf spröde Sounds und manchmal stört 

die Bassdrum da nur. Ein bisschen dreckig soll es sein, ein 

bisschen fies, die Samples wirken oftmals wie eine Verbeugung 

vor Throbbing Gristle. Ein echter Stresstest ist "Spit" 

nicht, dafür ist es zu kompakt. Aber wenn die Analogie erlaubt 

ist, ist das hier sehr gelungenes Genrekino. 

hospitalproductions.net 

blumberg 

Clara Moto - Blue Distance 

[Infiné - Rough Trade] 

Clara Moto versinkt auf dem zweiten Album weitestgehend in 

diesen pathetisch breiten Stimmungen 

aus tiefen Bässen, knuffigen Melodien, 

ruhig bestimmten Stimmen bis zum 

Säuseln und immer weiter aufgefächerten 

Harmonien. Etwas sprunghaft bewegt 

sich das Album dabei vom fast 

esoterischen Moment mit rollenden Pianos 

und Schleiern aus Stimmen, die 

nicht selten an die großen Damen der Gruftimusik erinnern, 

über orchestrales Pathos der glücklichsten Art, bis man sich 

plötzlich fast grundlos im Club wiederfindet, schließlich im 

säuselnden Popsong für frisch Verliebte. Eine Platte, die sich 

nicht auf einen Sound einigen will, aber dabei merkwürdigerweise 

auch nicht verliert, denn Clara Moto macht einfach jeden 

Track zu einem Hit eigener Art und verliert nie das perfekte 

Gespür, aus jedem Stück eine eigene Stimme zu machen. 

www.infine-music.com 

bleed 

Hans Castrup - Shadowplay 

[Karlrecords - Broken Silence] 

"...eine vibrierende Kombination aus Kalkül und Zufall", so benennt 

die Presse die Leinwandarbeiten 

Hans Castrups, Grenzgänger zwischen 

Malerei, Fotografie, Videokunst und 

Musik. Der Künstler vermengt Techniken 

unterschiedlicher Medien miteinander 

und kreiert damit spannungsgeladene 

Collagen, so auch auf 

"Shadowplay", eine experimentelle Melange 

aus Field Recordings, elektronischen Tongebern und Ef- 

69 

RECORD STORE • MAIL ORDER • DISTRIBUTION 

Paul-Lincke-Ufer 44a • 10999 Berlin 

fon +49 -30 -611 301 11 

Mo-Sa 12.00-20.00 

hardwax.com/downloads


Clara Moto 

Wie weit ist es noch? 

T Julia Kausch 

Herbstlich ist es und irgendwie ausgestorben, als wir uns an diesem graubedeckten Nachmittag 

in Kreuzberg treffen. Ganz passend zu Clara Motos neuer Platte "Blue Distance", die 

von zarter Tristesse lebt und dabei so vielschichtig ist, wie man es sich bei manch einer anderen 

nur wünschen kann. Sie dabei auf einem Genre festzunageln, erweist sich schwieriger 

als gedacht: Ihre Musik schwebt irgendwo zwischen Ambient, Techno und House. Sie stimmt 

melancholisch schon mal die kommenden Wintertage an, ohne sich dabei in der Darkness zu 

verheddern. "Es wäre ohne die Aufhellung ein ziemlich düsteres Album geworden. Was auch 

okay ist, aber ich dachte mir, ich will es nicht zu schwer machen." 

Vor vier Jahren ist Clara Prettenhofer, so heißt sie bürgerlich, von Graz nach Berlin gezogen. Ihr erstes 

Album hatte sie schon während des Studiums in Österreich produziert, erzählt sie, als wir durch 

die bereits blätterbedeckten Straßen laufen. "Für mich war klar, dass ich nicht in Graz bleibe, es ist 

einfach eine Kleinstadt. Irgendwie ist es schon nett und lebenswert, aber ich wollte einfach mal raus." 

Sie lebte ein Jahr in Barcelona, bewarb sich dann bei der Red Bull Music Academy in Australien, wo 

sie zum französischen Label InFiné fand. Die internationale Verkettung macht das Leben in Distanzlosigkeit 

unmöglich. Auf dem Weg zum Dance-Album hat Clara nun das Tempo heruntergedreht. "Blue 

Distance" - der Titel ist eine Anspielung auf ein Gedicht von Sylvia Platz - ist leichte Melancholie. Es 

beschreibt auch Distanzen, die sie selbst überwinden musste, sagt Clara. Inzwischen sitzen wir in einem 

kleinen Café im Herzen von Kreuzberg. Gleich nebenan hatte sie früher einmal gewohnt. "Kurz 

nach dem Release meines ersten Albums war ich zeitweise gar nicht in Berlin, sondern nur in Frankreich. 

Ich war dann mal hier, mal dort. Das war schon ein bisschen schwierig, aber eben auch ganz 

spannend. Daraus ergab sich automatisch eine räumliche Distanz zu Familie und Freunden." 

Sie macht Musik, in der der Hörer eine essentielle Rolle spielt und stellt sich damit die alte Frage: 

Gibt es Sound ohne Hörer? "Das interessante bei einer Platte ist, dass es eben eine zeitliche und räumliche 

Distanz gibt und sie nicht so unmittelbar ist, wie beispielsweise ein Live-Auftritt." Entstanden ist 

ein sehr persönliches Album, das eine Geschichte aus ihrem Leben erzählt. Das Produzieren ist ihr jedoch 

schwer gefallen, jetzt, wo sie von ihrer Musik leben will. Im Kreuzberger Kämmerlein tüftelte sie 

rund zwei Jahre an der neuen Platte, die, wie sie selbst findet, eher zu Hause funktioniert. Das Leitmotiv 

findet sich auch in der Musik wieder; Hall und Echos verklanglichen die Distanz im Raum. 

Persönlich ist es aber nicht nur durch die in der Musik immanente Tiefgründigkeit, erstmals hat 

sie auch selbst gesungen: "Ich habe meine Stimme als Instrument benutzt und einfach Sachen dazu 

gesungen und dann repetiert oder nur als Fläche eingesetzt", erklärt sie als sie an ihrem Tee nippt. In 

ihrer Musik schafft sie Atmosphären und geht gleichzeitig darüber hinaus. Clara Moto weist ein tiefgründiges 

Verständnis für Beats auf, die hier und da auch gerne einmal brechen. Auch mit dabei ist 

Vocalist Mimu, die auf dem Track "Lyra" leise im Hintergrund trällert. "Trotzdem bildet meine Stimme 

den roten Faden. Das war eine neue Herausforderung. Auch meine Stimme selbst zu hören war am 

Anfang schwierig. Es war faszinierend, sich dieser Angst zu stellen", sagt Clara. Trotzdem entstanden 

letztlich zu viele Titel, die sie in der gerade erschienenen EP "Joy Departed" als Teaser angelegt hat. 

Eine Trennung, die nicht in Distanzierung mündet: "Es ist alles aus der selben Zeit. Die EP gehört irgendwie 

schon zum Album dazu, obwohl die Tracks nicht direkt auf dem Album erschienen sind. Die 

Musik beschreibt eben eine Phase in meinem Leben, die 'Blue Distance'." 

Clara Moto, Blue Distance, ist auf Infiné/Rough Trade erschienen. 

Alben 

fektgeräten. Castrups Lieblingstool ist die Schleifmaschine 

und so editiert er auch seine musikalischen Fundstücke, das 

Arbeitsprinzip ist der Taktgeber, nicht die Attitüde. Auf Youtube 

darf man sich zu allen zwölf Stücken noch die entsprechenden 

Videos betrachten und eigenartigerweise gelingt es Castrup, 

hier nicht zu vibrieren, der kalkulierte Zufall formuliert sich besser 

in der Abwesenheit einer parallelen Bildwelt. 

www.karlrecords.net 

raabenstein 

Justus Köhncke - Justus Köhncke & The Wonderful 

Frequency Band 

[Kompakt - Kompakt] 

Gleich und ganz glasklar: Justus Köhncke hat für mich hier 

sein Opus Magnum vorgelegt. Was ist 

nicht alles seit den wunderbaren "Spiralen 

der Erinnerung" geschehen? Musik 

als Träger von Ideen. Doch irgendwie 

findet Köhncke bei allen tollen anderen 

Releases hier erst so richtig seinen funky, 

shaky Disco-Weg, schmeißt Kitsch, 

Referenz und eben die verdammte Erinnerung 

(nicht komplett) über Bord und legt los. "A New Direction" 

ist eigentlich nicht vollkommen korrekt: Köhncke hat viele 

kongeniale Freunde an Bord geholt (u.a. Andi Toma, Eric D. 

Clark) und bleibt sich schon treu: Tanz, Tanz und Tanz. "Wonderful 

Frequency Band" als Track sagt und singt es alles, und 

zwar the easy listening way. Kurz vor "Sunshine Reggae", aber 

eben nur kurz. Köhncke hat für mich sein oder besser mein 

Endlos-Repeat-Album aufgenommen. Disco 2013 kann so 

schön sein. 

www.kompakt.fm 

cj 

Jonsson/Alter - 2 

[Kontra-Musik Records/KM032 - Clone] 

Die beiden haben ihr zweites Album fertig und es klingt noch 

einen Hauch deeper und lässiger als 

beim ersten Mal. Jeder Track ein Killer 

auf dem Deephousefloor, immer wieder 

voller dichter Melodien und slammender 

Grundideen, die dennoch in dem 

breiten harmonischen Gewebe der 

Songs aufgefangen werden, und am 

Ende klingt das Album einfach wie eine 

perfekte Clubnacht in der jedes Stück genau das war, das man 

immer genau in diesem Moment gebraucht hat. Sehr deep 

und verführerisch. 

www.kontra-musik.com 

bleed 

Olaf Stuut - Equilibre 

[Manual Music] 

Olaf Stuut versteht sich perfekt darauf, zerrissene Melodien 

mit kantigen Grooves zu etwas harmonisch 

Überdrehtem zu machen, das einen 

immer am Rand von Trance ganz 

selig mitswingen lässt. Zerhackte Vocals, 

Chords, immer mit einem gewissen 

Indiegefühl unterlegt, lassen seine 

Tracks oft so klingen wie eine dieser 

Bands, die man sich auf einem Festival 

als Höhepunkt wünscht, weil sie einfach nur euphorisierende 

Hits kennt, die aber dennoch alles andere als banal sind. Gelegentlich 

mag der Sound von Stuut fast überladen wirken, obwohl 

die Melodien so direkt sind, aber am Ende erwischen sie 

einen doch mit ihrer naiv glücklich trällernden Stimmung. 

bleed 

Lee Ranaldo and The Dust - Last Night On Earth 

[Matador - Indigo] 

Neben seiner leider mittlerweile Ex-Band Sonic Youth und einer 

Menge eher klangkünstlerischer 

Experimente hat Lee Ranaldo letztes 

Jahr mit "Between The Times And The 

Tides" ein unglaublich feines Pop-Album 

veröffentlicht, was alle spannenden 

Seiten der Sonic Youth durch Ranaldos 

Brille nochmal poppig 

aufgearbeitet hat und schon auch eine 

Art Trauergesang auf die legendäre und wichtige Band war. 

Ranaldo hat sich Steve Shelley, ebenfalls Ex-SY, dazu geholt, 

der schon auf dem Vorgänger den Eindruck verstärkt hat. Die 

neuen Songs sind nunmehr epischer, gerne auch mal sieben, 

neun oder elf Minuten lang und irgendwie noch persönlicher 

und entspannter. Ranaldo wirkt so langsam wie eine ruppigere, 

einfach besseere Ausgabe von Michael Stipe, der seinerzeit ja 

auch samt R.E.M. als SY-Fan angefangen hatte. 

www.matadorrecords.com 

cj 

Kadebostany - Pop Collection 

[Mental Groove - Groove Attack] 

Ich mag außergewöhnliche Kombinationen und so rennen Kadebostany 

offene Türen ein, wenn sie 

souligen Gesang, Housebeats, Blasmusik 

und Rap vermengen und dennoch 

den Blick auf ein stringentes Songwriting 

nicht vergessen. Sängerin Amina 

hat eine Stimmlage wie die Berlinerin 

Bajka, kann aber auch rappen. Schön 

finde ich den Titel, denn Popmusik im 

eigentlichen Sinn findet sich hier nicht. Aber es spricht für ein 

gesundes Selbstbewußtsein, dieses Nebeneinander der verschiedenen 

Stile und Einflüsse dem Pop zuzuordnen. Kadebostan 

als Kopf der Gruppe schreibt mitreißende Arrangements, 

die schwer zu vergleichen sind. Gerade deshalb ist 

dieses Album in seiner Vielfalt so charmant. Über dreizehn 

Stücke wird klar aufgezeigt, wie man neue Wege beschreiten 

kann und dennoch für den Pophörer zugänglich bleibt. 

www.mentalgroove.ch 

tobi 

Mi - One On The Way 

[Mesa Recordings] 

Endlich mal wieder ein Album, das es ernst meint mit den digitalen 

Restgeräuschen, dem geflunkert 

gebrochenen Sound unwahrscheinlich 

direkter Samples und dem Funk der 

zauselig direkten analogen Klänge in 

zerrupften Konstellationen. Mi kann 

das. Jedes Stück klingt wie ein Kleinod 

des Sample-Kubismus, überdreht 

glücklich glucksend und dabei doch nie 

komplex zerschrotet, sondern immer ganz nah und fast poppig 

durch die vielen Gitarren, Streicher und Pianos. Hitzig, funky, 

manchmal fast bluesig, aber am Ende doch irgendwie mit einem 

technoiden Backdrop. Aus Santa Fe kommt Ben Wright. 

Manchmal hört man das deutlich. 

bleed 

Super-Flu - Halle Saale 

[Monaberry - Intergroove] 

Der Ruf Halles als Stadt rangiert meist in den Regionen, in denen 

sich auch Hoyerswerda oder Bitterfeld 

befinden. Dabei hat Halle nicht nur 

das größte Ensemble an zusammenhängenden 

Gründerzeithäusern, sondern 

wirkt an manchen Ecken wie die 

amerikanische Insolvenz-Konklave am 

Michigan Sea. Etwa die Schnellstraße 

nach Halle-Neustadt, die zwischen die 

Altbauten gequetscht wurde und das perfekte Bild einer nachhaltig 

zerpflückten Stadt abgibt. Super-Flu schätzen ihre Heimatstadt 

ebenso und widmen ihr ein ganzes House-Album, 

das aber eher einem Zirkus gleicht. Open-Air-House mit Einschüben 

akustischer Instrumente pittiplatschert es sanft dahin, 

lässt hier und da ein wenig Akrobatenromantik aufblitzen 

und ist so nachhaltig wie eine der unzähligen Partys, die man 

nach kurzer Zeit vergisst. Mit ein wenig mehr Haltung hätte 

das sicherlich einen größeren Nachhaltigkeitswert. Schließlich 

stimmen die Grundkonstanten und gut produziert ist es auch. 

Also weiterhin alles im Fluss an der Saale. 

www.monaberry.de 

bth 

Looper - Matter 

[Monotype] 

Das norwegisch-schwedisch-griechische Trio Looper spielt 

Improv, der oft an Ambient in der Tradition 

Thomas Köners denken lässt – dargeboten 

in der Besetzung Schlagzeug, 

Saxofon und Cello. Auf ihrem dritten Album 

"Matter" jedenfalls liegt der Fokus 

auf unterbödigen Basswellen, über denen 

kaum definierte, fast gehauchte 

Geräusch-Schichten aufgebracht werden 

– Töne im landläufigen Sinne sind eindeutig in der Minderheit. 

Der Vergleich mit Köner ist keinesfalls an den Haaren 

herbeigezogen, da Percussionist und Komponist Ingar Zach 

unter anderem mit Gongs arbeitet, denen er sehr ähnliche Frequenzen 

entlockt wie der Dark-Ambient-Pionier. Im letzten 

Stück "Our Meal" steigern sich die drei Musiker dann zu einer 

Drone-Orgie, die noch einmal in ganz andere Richtungen 

weist. 

www.monotyperecords.com 

tcb 

Strike - Wood, Wire & Sparks 

[Monotype] 

Drei Australier an den Saiten mit starkem Berlinbezug: Die 

Bassisten Clayton Thomas und Mike 

Majkowski zogen vor einigen Jahren 

von Sydney nach Berlin, wo sie aus der 

Echtzeitmusikszene längst nicht mehr 

wegzudenken sind, während der Geiger 

Jon Rose ebenfalls lange Zeit in Berlin 

lebte, bevor der gebürtige Brite Australien 

zu seiner neuen Wahlheimat erklärte. 

Unter dem Namen Strike missbrauchen sie ihre Instrumente 

sehr eindrucksvoll als Schlagwerk: "Wood, Wire & Sparks", 

der Titel ihres in Teilen live entstandenen Albums, fasst den 

Ansatz der Improv-Virtuosen konzise zusammen. Das Trio 

schraubt mit scheinbar unerschöpflichen Energiereserven die 

Spannung in die Höhe und lässt nur selten Luft zum Atmen – 

ohne zu ermüden. Stets meint man, vor der nächsten Attacke 

eines Bogens auf der Hut sein zu müssen, aber am Ende ist es 

dann doch "nur" von kluger Dramaturgie vorangetriebene Musik, 

die einen gebannt hält. 


tcb 

CMKK - Gau 

[Monotype] 

Eine der schönsten Winterplatten der letzten Jahre war das 

2010er Debut von Piiptsjilling, das fröstelnde 

friesische Lyrik mit sanften Drones 

und Geräuschspuren zum Knistern 

brachte. "Gau", aufgenommen im gleichen 

Studio am gleichnamigen Ort im 

Südwesten Frieslands, ist eine Gelegenheitsarbeit: 

Zum Abschluss einer 

gemeinsamen Tour mit Will Long, a.k.a. 

Celer, trafen sich die drei männlichen Viertel der Band (die 

Kleefstra-Brüder an Vocals und Gitarre, sowie Machinefabriek) 

70


ALBEN 

mit ihm zu einer improvisierten Session, aus der diese Dreiviertelstunde 

destilliert wurde. So erklärt sich der Name des 

Projekts, der zuerst wie eine extra finstere Variante des Vierfarbdrucks 

daherkommt, womit man auch nicht ganz falsch 

liegt, denn in Jan Kleefstras Texten treffen erneut scharfe Naturbilder 

auf stumme, zartbittere Melancholie, geben den locker 

und breit arrangierten Drones aus Gitarren, Tapes, Samples 

und Effekten Struktur. So locker, dass sich darin auch mal 

eine Einführung in heiße Quellen auf japanisch verirrt. Schön 

– aber ob es am mäßigen Fokus liegt oder daran, dass ihre 

Charaktere einander etwas im Weg stehen: ihren langen Diskografien 

fügen Machinefabriek und Celer hier nicht den großen 

Wurf hinzu, den das Projekt verspricht. 


multipara 

Simon Fisher Turner - The Epic Of Everest 

[Mute - Good To Go] 

Der Mythos darum, ob der englische Bergsteiger George Mallory 

1924 der erste Bezwinger des 

Mount Everest war, will nicht enden. 

Zumindest lässt sich nicht eindeutig 

nachweisen, ob er mit seinem Partner 

Andrew Irvine am 8. Juni den Gipfel erreichte, 

wiewohl seine 75 Jahre nach 

dem vermutlichen Absturz gefundene 

Leiche Indizien aufwies, dass er es geschaft 

haben könnte. Das Archiv des BFI veröffentlicht nun die 

restaurierte Neufassung des Originalfilms zur gescheiterten 

Expedition. Simon Fisher Turner, Musiker, Komponist, Schauspieler 

und Scoreschreiber von Derek Jarman, wagt sich vorsichtig, 

präzise und begeisternd an die musikalische Interpretation 

einer 90 Jahre alten Katastrophe. Der Artist vertonte 

schon einmal eine BFI-Restaurierung, "The Great White Silence", 

ebenfalls eine tödlich endende Expedition, bei der der 

englische Forscher Robert Scott als Zweiter nach Amundsen 

den Südpol 1912 erreichte um dann auf dem Rückweg zu verenden. 

Im Gegensatz dazu zieht es Fisher Turner bei "The Epic 

Of The Everest" vor, nicht nur mit authentischen Materialien zu 

arbeiten. Auf allen möglichen Wegen, auch aus dem Internet, 

sammelte er Sounds zusammen, um mit einer Handvoll wohlbekannter 

Freunde (Cosey Fanni Tutti, Andrew Blick und Peter 

Gregson) das Scheitern am Berg nachzustellen. Das Ergebnis 

lässt einen die Heizung höher stellen, zwischendurch, der Einsamkeit 

entrinnend ein paar gute Freunde anrufen, um dann 

nach 16 Tracks wieder auf Anfang zu gehen ... wohlig. 

www.mute.com 

raabenstein 

L.B. Dub Corp - Unknown Origin 

[Ostgut Ton - Kompakt] 

Luke Slater mal nicht als Planetary Assault Systems, seinem 

Alter Ego, das er in letzter Zeit fast bis 

zur Langeweile durchgezogen hat. Mit 

seinem neuen Projekt L.B. Dub Corp 

bringt er frischen Wind in die Spree- 

Kathedrale. Statt Industriehall-Stakkato 

nun afrikanisches Flair und mehr warme 

Bässe und Flächen. "I have a Dream", 

von Benjamin Zephaniah in Anlehnung 

an Martin Luther Kings Rede vor 50 Jahren getextet, bringt es 

auf den Punkt: den alten Traum einer music nation, unterlegt 

mit optimistischen Flächen. Mit housigem Piano schreitet 

"Generation to Generation" voran, "Nearly Africa" nimmt afrikanische 

Gesangsamples in jackende Basslines mit, "Ever and 

forever" sorgt für den Thrill-Moment und "L.B´s Dub" weckt 

Erinnerung an ein metallisches Pendant zu Bandulu/Space 

DJz. "Turners House" und " No Trouble in Paradise" sind perfekte 

Clubtracks, und mit "Roller feat. Function" werden die 

PAS-Freunde versöhnt. Oder ist das ein Ausblick auf Neues? 

Jedenfall hat Luke Slater selten so zuversichtlich geklungen. 

Abwechslungsreich mit Gespür für Techno, aber auch dem 

Mehr als nur 4/4. 

www.ostgut.de/ton 

bth 

Emptyset - Recur 

[Raster-Noton - Kompakt] 

Emptyset: Nach Kleinfrickelei hört sich dieser Name nicht an, 

eher nach Nagel mit Kopf. Oder auch: 

im Kopf. James Ginzburgs Duoprojekt 

mit Paul Purgas macht nach seiner 

letztjährigen EP für Raster-Noton mit 

diesem Album eine Punktlandung. 

Nicht nur, weil sie mit ihrem Pan-Sonichaften 

Maschinenkörper, mit ihrer Alva- 

Noto-esken rhythmischen Dynamik besonders 

in den rahmenden Tracks ("Fragment", "Recur", 

"Limit") hier nach Hause kommen. Sondern weil sie es hier 

schaffen, eine eigentlich geläufige Studiotechnik in etwas Absolutes 

zu verdichten: der Tonraum als Druckkammer, in dem 

brummende, flatternde, pressende, prügelnde Frequenzbänder 

zwischen Feedback und Kompression in musikalische Oszillation 

versetzt werden, wo die Zeitachse nurmehr Projektionsfläche 

von Kräfteverhältnissen wird, deren Abbild sie nicht 

nur optimal skalieren aufs menschliche Vermögen, sondern 

umwerfend lecker servieren. Herausragendes Beispiel dafür, 

dass aus einer guten, klaren Idee immer noch am meisten 

Energie zu holen ist. Rhythmic Noise erster Güte. 

www.raster-noton.net 

multipara 

Miracle - Mercury 

[Planet Mu - Cargo] 

Wie von Planet Mu bestellt, natürlich, kommt dieses Synth- 

Pop-Album reinsten Wassers. Dabei 

haben die beiden seit Ewigkeiten an 

diesem Debut gebastelt. Dan O'Sullivan, 

in mindestens einem Dutzend Art- 

Rock-Bands unterwegs, traf 2006 auf 

Zombi-Hälfte Steve Moore, als jene mit 

seiner Band Guapo tourten. Als Keyboarder 

entwickelten sie Miracle, der 

Soundtrack zu Joel Schumachers "The Lost Boys" soll den 

Anstoß gegeben haben, schon seit 2010. Getragen von weich 

pulsierenden Strobo-Arpeggien (Italien grüßt) gleiten jetzt 

O'Sullivans Vocals durch hymnische Balladen, der junge Dave 

Gahan guckt über die Schulterpolster. Überhaupt: Ultravox, 

ABC, im Titelstück dann 808-State, in "Wild Nights" wird es 

nochmal krautig… man kennt das ja alles, und wundert sich 

nur, wie schön und natürlich sie das für sich bündeln. Kein Ausstellen 

von Studiovirtuosen- oder Kennertum, es geht immer 

ums Gefühl, und ihre Treffsicherheit dabei macht sie von Stück 

zu Stück sympathischer. Eine Unscheinbarkeit, die rein wirkt, 

kein Versuch, irgendwas besonders clever zu machen, schon 

gar nicht die Beats. Die erhabenen, universalen Dimensionen 

gehen im abschließenden, strömenden Mantra von "Organon" 

dann mit ihnen durch: sei's drum. Bis dahin gibt es genau die 

Melodien, zu denen man sich damals verliebt hat, und man 

erinnert sich, warum. 

www.planet.mu 

multipara 

Sebastien Tellier - Confection 

[Record Makers - Alive] 

In Zeiten der Ganzkörperschur scheint so ein dicht durchsaftetes 

Brusthaartoupet eine klärende Alternative 

zur bleich gewachsten Einerleihaut 

der Massen zu sein, oder um es 

mit John Clute zu sagen, die Aliens 

wenden sich pikiert ab, weil des Menschen 

wahrer USP sein Geruch ist... er 

stinkt. Wer dem ungekrönten Superstar 

der französisch-dunklen Siebziger Michel 

Piccoli einmal ein Autogramm abluchsen wollte, weiß, 

wovon ich rede: dieses konzentrierte anti-bourgeoise Odeur, 

destilliert aus einem Lastwagen voll ungewaschener Fernfahrer... 

Zigarettenasche und Schuppen der letzten durchsoffenen 

Wochen auf dem Nadelstreifenrevers. Sehr handfestes Restflackern 

längst vergangener Revolutionen um Liebe und Freiheit. 

Feucht, derb, schön. 

www.recordmakers.com 

raabenstein 

Gardland - Syndrome Syndrome 

[RVNG intl. - Cargo] 

Gar nicht lange her, da wurde in jedem zweiten Pressezettel 

noch die Zukunft beschworen. Heutzutage 

steht da stattdessen: informiert. 

Elektronische Musik, so das Versprechen, 

transportiere nicht das musikalische, 

sondern auch das "coole Wissen" 

der Vergangenheit. Solch Informiertheit 

meint mehr als bloß klangliche Verfahren 

der Nachahmung – und es schwirren 

geradezu medientheoretische Erklärungen herum, wie genau 

es zu dieser Wissensgenese kommt. In Falle des 

australischen Duos Gardland, deren Debütalbum man durchaus 

eine Breitband-Informiertheit attestieren könnte (Post- 

Punk, Acid, Industrial, Kosmisches), gibt es eine erfrischend 

unkomplizierte Erklärung: Die künstlerische Praxis des Duos 

enthalte mitnichten das Versinken in Archiven, stattdessen sei 

"Syndrome Syndrome" auf einer psychedelischen Wüstenexkursion 

entstanden. Der Erfahrungs-Klassiker. Aber Techno in 

die Wüste schicken? Mesmerisierend ist "Syndrome Syndrome" 

durchaus, aber nur im Detail. Das Fundament des Albums 

bilden eher stumpf-störrische Beats. Vertrackt ist hier erstmal 

gar nichts. Gottseidank. Gardland sind trotzdem immer dann 

am stärksten, wenn sie ihre Gerüste mit einer geilen Opakness 

zukleistern. Es entsteht dann eine sehr eigentümliche Form 

der Euphorie, die irgendwie wichtiger ist als das Ziehen von 

Referenzen. Zu "Syndrome Syndrome" kann man sich hervorragend 

den Kopf zerbrechen, bis einem irgendwann dämmert: 

Die wollen ja meinen Körper! 

igetrvng.com 

blumberg 

Kettel - ibb & obb OST 

[Sending Orbs - Clone] 

Verwundert auf der Suche, ob ich einen Film verpasst habe, 

kam ich auf eine Videodemo des Computerspiels, 

das ibb & obb ist. Ein 

Jump´N´Run – sweet und cute zugleich. 

Anders lässt sich das nicht umschreiben 

und wo früher hektisches 

8-Bit-Gedudel oft nervte, wurde dieses 

Spiel, das wohl zwei bis vier zusammenagierende 

Mitspieler benötigt, von 

Kettel vertont, der sich bereits mit Myam James I und II einen 

Namen machte. Damals war das melodische elektronischbreakige 

Musik im Stile der Warp-Artists, die er mit einer sanften 

303 unterfütterte. Für ibb & obb ließ er die 303 weg und 

gibt sich noch mehr den kleinen Spielereien hin. Das hat 

manchmal etwas kammermusikartiges und gibt den perfekten 

counterpart für das räumlich offene Spiel ab. Ob Zuhause voll 

konzentriert oder nebenbei beim Arbeiten, wird es das Album 

für den Herbst und WInter sein. Fehlt nur noch ein klassischer 

ChillOut-Room mit in Leuchtfarben bemalten Bauschaumfiguren, 

Schwarzlicht, weißen Netzen und noch mehr Schwarzlicht. 

Sehr gelungen. 

www.sendingorbs.com 

bth 

Dean Wareham - Emancipated Hearts 

[Sonic Cathedral - Alive] 

Dean Wareham hat mit Galaxie 500 und Luna Popmusikgeschichte 

in Sachen Dream Pop geschrieben. 

Wo Galaxie 500 immer ganz 

weit draußen waren und uns mit hohen 

Stimmen und großer Entrücktheit begeisterten, 

waren Luna besser produziert, 

insgesamt nicht mehr ganz so 

schuhglotzend, irgendwie auch konsequent 

einen Schritt weiter in Richtung 

Major. Doch Luna blieb der ganz große Erfolg verwehrt, und so 

lösten sie sich auf (siehe die schöne Musik-Doku "Tell Me Do 

You Miss Me"). Dean & Britta, die sich in der Band Luna lieben 

lernten, verschrieben sich fortan einer Art abgespeckter Version 

von Luna, Warehams rundum gelungenes Mini-Album-Solo-Debüt 

(nach so vielen Jahren) schließt dort an und zeigt zudem 

offenhörbar Einflüsse von Spacemen 3's Sonic Boom und 

Cheval Sombre, mit denen Wareham in letzter Zeit immer 

wieder, so auch hier, kooperiert hat. Nun ist er (wieder) eine 

deutliche Spur psychedelischer geworden. Ziemlich toll. 

www.soniccathedral.co.uk 

cj 

Black Hearted Brother - Stars Are Our Home 

[Sonic Cathedral - Alive] 

Ganz groß. Neil Halstead (Slowdive, Mojave 3), Mark van Hoen 

(Seefeel, Locust) und Nick Holton (Coley 

Park, Holton's Opulent Oog) haben uns 

mit ihren genannten Bands und Projekten 

schon immens erfreut. Als Black 

Hearted Brother nun packen sie alle ihre 

Ansätze zusammen und entwickeln einen 

neuen Versuch, Dream Pop, 

Shoegazing, Indie und das kleine Experiment 

zusammenzufügen. Auch wenn Halstead solo etwa 

immer und insbesondere live zu begeistern wusste, tut es auch 

ihm gut, wieder ein klein wenig weg vom Traditionellen zu kommen 

und spaciger zu klingen. Zwölf Songs, die einen mitnehmen, 

im wahrsten Sinne des Wortes. Und spätestens wenn sie 

auf "(I Don't Mean To) Wonder" die Gitarren rauschen und 

schreien lassen, winken, ganz unnostalgisch, Slowdive, von 

vorne sozusagen. Wow. 

www.soniccathedral.co.uk 

cj 

V.A. - Studio One – Ska Fever! 

[Soul Jazz - Indigo] 

Die Zeitreise in die Archive des Studio One konzentriert sich 

diesmal auf die Mitte der Sechziger, um 

den Jamaican Ska der Jahre 1964- 

1967 abzubilden. Bei dieser Vorstufe 

des Reggae gibt es Wiederbegegnungen 

mit einer Reihe von Helden des 

Genres, angefangen bei den Skatalites, 

den Ethiopians, den Wailers, dem frühen 

Lee Perry oder Don Drummond 

über Sologänge des Skatalites-Organisten Jackie Mittoo bis 

hin zu raren Gestalten wie dem ominösen Sänger Hugh Godfrey. 

Eine besondere Entdeckung sind die Clarendonians – bei 

denen Freddie McGregor schon als Kind zu singen begann – 

mit ihrer Coverversion des Beatles-Klassikers "You Won't See 

Me", in der sich sehr anschaulich nachvollziehen lässt, wie 

man aus einem Northern-Soul-lastigen Beat-Song mittels 

Offbeat, d.h. Verschiebung des Akzents um exakt ein Achtel, 

sehr elegant eine Ska-Nummer macht. Von den wunderbar 

traurigen Stimmen ganz zu schweigen. Sehr schön! Auch der 

angemessen rumpelige Klang. 

www.souljazzrecords.co.uk 

tcb 

Boardwalk - Boardwalk 

[Stones Throw - Groove Attack] 

Mike Edge und Amber Q aus Los Angeles erinnern stark an 

verträumt abgedriftete Satelliten. Und 

kultürlich klingen bei sowas dann auch 

immer die Großmeister dieses Sounds 

Velvet Underground, Spacemen 3, hier 

aber noch deutlicher Galaxie 500, Mazzy 

Star und Beach House durch. Irgendwie 

kann es für mich von dieser Musik 

einfach nicht genug geben. Boardwalk 

scheinen die intendiert bescheidene Homerecording-Variante 

dieses Ansatzes zu sein. Genau dieses Reduzierte tut ihren 

Songs sehr gut. In einen Song wie "I'm Not Myself" kann man 

sich förmlich hineinsetzen und zum nächsten Märchenpark 

fahren lassen. "What's Love" ist der erste Stopp, bei dem man, 

durchaus mal nach hinten schauend, an verflossene Lieben, 

Freunde und Lebensphasen denkt. Inne halten halt. Und dann 

weiter, aber ganz langsam, mit Boardwalk an Bord. Seufz. 

www.stonesthrow.com 

cj 

Vex Ruffin - s/t 

[Stones Throw - Groove Attack] 

Der Philippinen-Amerikaner Vex Ruffin selbst nennt Cabaret 

Voltaire und PIL als Einflüsse, seine 

Songs lassen aber auch durchaus noch 

härtere Gangarten wie Throbbing Gristle 

(in ihren eingägigen Momenten) oder 

Suicide (generell) erkennen. Alles wahrlich 

weder vom Image noch vom Sound 

her Leichtgewichte. Nein, manchmal 

sogar außerordentlich schwere Kost. 

Das klingt hier alles mit, man meint Vex Ruffin förmlich in die 

Vergangenheit schlendern zu sehen, als die Drum Machines 

erst mit Synthesizern begannen, Gitarren- und Punk-Bands 

eine neue Perspektive zu eröffnen. Meistens endete das in einem 

desolaten Electro-Blues wie bei einigen oben Genannten. 

Auch Vex Ruffin setzt hier an, streut aber auch schonmal Hip- 

Hop-Beats ein und wirkt wie ein durchgeknallter Beck ("It Will 

Come"). Echt keine Musik fürs sonnige Frühstück, eher schon 

für den früh dunkel werdenden Tag und ersten Gin Tonic. Kann 

Nachbarn ganz schön ärgern. 

www.stonesthrow.com 

cj 

Mr. C - The Future 

[Superfreq] 

Manchmal macht man alles falsch, wenn man denkt, alles 

richtig zu machen. Oldschool, check, 

Acid, Check, darke Vocals, check, wummernd 

cooler Sound, check, aber dann 

geht es bergab. Die Vocals haben etwas 

zu bodymusicmäßiges, zuviel Leder, zuwenig 

Funk, die Acidlines klingen wie 

hängengeblieben und selbst die Snarestakkatos 

können einen hier ernüchtern. 

Puh. Einfach alles zu düster und selbst in den Remixen auf 

Dauer kaum zu ertragen. 

bleed 

John Heckle - Desolate Figures 

[Tabernacle Records] 

Heckle zögert nicht einen Moment sondern stürzt sich lieber 

gleich in einen Track voller schillernder 

HiHats und Acidgewitter, lässt Stringberge 

zu grandiosen Weiten auflaufen, 

die aus der Welt eine einzige Hymne 

machen und hat schon mal geklärt, 

dass Euphorie keine Grenzen kennen 

darf. Das Album swingt in seinem leicht 

atavistisch anachronen Sound zwischen 

Oldschool und purer Analogphantasie aller möglichen 

Konstellationen und ufert auch schon mal in verspielt fusseligem 

Jazzfunk aus oder überdrehten Chicagomelodien frisch 

aus dem Drumcomputer geschossen. Eine Tour de Force in 

analogen Welten die dennoch immer eine sehr getragene 

Stimmung vermittelt und den Funk eher in den verrückten 

Geistesblitzen zwischendurch aufleben lässt, als im Groove, 

der ganz und gar auf die Tiefe Substanz der mächtigen geraden 

Bassdrum aufgebaut ist. Brilliant durch und durch. 

bleed 

Clara Hill - Walk The Distance 

[Tapete - Indigo] 

Was für ein Anfang! Wenn im Film "Prometheus" auch sehr 

viele Anschlussfehler und Hollywood- 

Kompromisse zu entdecken bzw. bedauern 

waren, die ersten Minuten, die 

waren es wert. Was kann Film alles an 

anderen Welten entwerfen! Und hier 

und jetzt: Was kann Musik alles an Utopien 

liefern! "Konkav" ist ein anderer 

Planet, auf dem alles gut wird, ihn zu 

erreichen allerdings ist nicht ganz einfach. Die Sängerin Clara 

Hill kann einen an die Hand und mit nehmen. Sie ließ sich unterstützen 

von erfahrenen Piloten wie Schneider, Hanno 

Leichtmann, Simon Whetham oder Thomas Bücker. Letzterer, 

sonst Mann hinter Bersarin Quartett, Jean-Michel und und 

und, hat eben auch "Konkav" skizziert, das minimal-bombastisch 

schillerndste Stück von Hills Album. Hill probiert aus, 

diese zehn Songtracks klingen, als hätte sie kompromisslos 

erschaffen, was sie schon immer wollte. Wenn man Ridley 

Scott nur so (weitermachen) lassen würde wie die wissende 

Reisende Clara Hill, ja dann... 

www.tapeterecords.de 

cj 

Banabila & Machinefabriek - Travelog 

[Tapu Records] 

Neulich im Stau, der Typ im Mercedes nebenan ein vermeintlich 

typischer BWLer, Zwirnmensch unter 

Fleischkappe, die Unterlippe nahtlos 

in den Hals übergehend. Jacket und 

Schlips offensichtlich auf dem Rücksitz. 

Der Türrahmen in dieser ruckelndschleichenden 

Fortbewegungsart verdeckt 

hinterlistig den genaueren Einblick 

ins Fahrzeuginnere. 

Bemerkenswert an der Szene: das hartnäckig wiederkehrende 

dreifache Zucken des Herren; hier wird also Härteres dem Ohr 

zugeführt. Nichts an dem Bild passt so richtig zueinander und 

gerade deshalb muss man weiter hinstarren. Der Stau löst sich 

auf und der Mercedes entschwindet... Ende. Die beiden äußerst 

umtriebigen holländischen Produzenten Michel Banabila 

und Rutger Zuydervelt aka Machinefabriek könnten mit "Travelog" 

den Soundtrack zu der Szene geliefert haben, Minimal, 

Kraut, Ambient und Noise hüpfen übereinander, das Banale 

und Kleine ist der ungelenkte Held der Geschichte, Strandgut 

an einem kalten aber sonnigen Herbstnachmittag am Meer. 

Kater... 

www.tapurecords.bigcartel.com 

raabenstein 

Kid606 - Happiness 

[Tigerbeat6 - Cargo] 

Post aus Los Angeles und sie sagt: Mir gehts hier prima. Nun 

muss die Münze, mit der unser virtuoser 

Genrejongleur bezahlt, ja immer erstmal 

gewechselt werden. Die eher abgestandene 

Electronica seines letzten Albums: 

Abgesang auf Berlin, dem er 

dann entfloh. Und was passiert hier? 

Laut Presseinfo standen hier allen Ernstes 

u.a. Yacht-Rock-Bands (Christopher 

Cross, Toto, Doobie Brothers) Pate. Ich erhöhe: "Smooth Sailing", 

das ist doch Philip Glass. Aber alles halb so schlimm. 

Spätestens wenn auf "Cloud Sculpting" sich für den Rest des 

Albums der Knuddelbass als schnurrende Katze auf den 

Bauch legt, darf das Kleinhirn ans Steuer, das uns auf "Party 

Gambas" zu einem alten Kraftwerk-Tune fährt, dann "Corona- 

71


Alben 

do Bay Breezin'" entlang durch die frische Feuchte sägt, und 

die Downtempo-Entspanntheit des ewigen Sommers, die jungen 

Damen in strahlenden Hänger-Loops, die sich wiegenden 

Orgelpads, schließlich das Ausrollen zwischen Spectrum 

Spools und Cluster+Eno, das ist einfach nur wunderbarer, 

transatlantischer, elektronischer Instrumentalpop mit warmem 

Bauch und weiten Armen, der keine Dechiffrierung 

braucht. 

multipara 

Burkhard Stangl - Unfinished. For William Turner, painter. 

[Touch - Cargo] 

Musik, die fast zum Stehen kommt. Der österreichische Improv-Musiker 

Burkhard Stangl hat sich 

für sein erstes Touch-Album vom englischen 

Maler William Turner zu einer 

ganz eigenen Form von Impressionismus 

inspirieren lassen. Stangls Gitarren-Improvisationen 

evozieren eine präzise 

Flächigkeit mit sehr feinem Strich, 

kosten mikroskopische Motive und 

Klänge mit größter Disziplin und Ruhe aus und halten die Musik 

dabei stets elastisch. Hier geht es nicht um klangliche Abstraktion 

mittels Fixierung auf das Geräuschhafte der Tonerzeugung, 

wie es von Stangl an anderer Stelle ausgiebig erprobt 

wurde, sondern um weitgehend klassische Töne, die jedoch so 

konsequent aus jeglichem konventionellen Kontext herausgelöst 

wurden, dass sie eine abstrahierte Form annehmen. Gelegentliche 

field recordings – man hört fließendes Wasser, Stimmen 

oder nicht näher definierte Geräusche – und vereinzelte 

Elektronik setzen weitere Akzente, erschließen den Stücken 

zusätzliche Dimensionen. Auf perfekte Weise unvollendet, um 

es paradox zu sagen. 

www.touchmusic.org.uk 

tcb 

Phill Niblock - Touch Five [Touch - Cargo] 

Drone-Meister Phill Niblock setzt seine "Touch"-Reihe beim 

gleichnamigen Label fort und knüpft inhaltlich 

direkt an den Vorgänger "Touch 

Strings" an – auch auf "Touch Five" 

kommen ausschließlich Saiteninstrumente 

zum Einsatz. Majestätisch gleich 

der Anfang: "CornFeed Ear", interpretiert 

vom belgischen Cellisten Arne 

Derforce, der eine Reihe von Niblocks 

Kompositionen eingespielt hat, bringt das Prinzip der Obertonvariation 

über liegendem Grundton mit einem ganzen 

Spektrum an Mikrotönen zum Flirren. Ähnlich der Brite Rhodri 

Davies an der elektronischen Harfe mit dem Stück "A Cage of 

Stars". Unmerklich die Wechsel und Übergänge, wird hier 

stets auf Neue verdeutlicht, dass es keine Wiederholung desselben 

gibt – selbst ein gehaltener Ton verändert sich in der 

Zeit. Dass eine Komposition sich nur begrenzt von ihren Interpreten 

losgelöst betrachten lässt, demonstrieren die drei Versionen 

von "Two Lips" für Gitarrenquartett, die auf der zweiten 

CD versammelt sind. Das im Vergleich zu den beiden Solostücken 

weit dissonantere Werk lässt dabei von Besetzung zu 

Besetzung immer wieder neue Facetten und Klangfarben aufschimmern, 

als würde ein Text von verschiedenen Sprechern 

vorgetragen. Groß. 

www.touchmusic.org.uk 

tcb 

Wareika - Wternal [Visionquest - WAS] 

Das dritte Werk von Wareika umarmt einen quasi mit seinem 

warmen und organischen Sound, und 

Florian Schirrmacher singt nicht selten 

dazu. Zusammen mit Henrik Raabe und 

Jakob Seidensticker lotet er die Möglichkeiten 

eines deepen Livesets aus, 

dass ihnen Housemusik gestattet. Die 

sanften Steigerungen im Tempo und die 

gut gesetzen Vocalparts zeigen, dass 

die drei genau wissen, wie man Tanzflächen zu bedienen hat. 

Es ist diese Mischung aus Verspieltheit und straighten Beats, 

die das Trio so charmant und einzigartig machen. Die dubbigen 

Rhythmen haben die beiden ehemaligen Havana Boys 

auch weiter im Gepäck. Etwas grenzwertig ist die Coverversion 

von "La Paloma", aber nach mehrmaligem Hören gewinnt 

die Sympathie für das Housegerüst auch bei mir die Oberhand 

und es ist ziemlich sicher, dass die Nummer ein ziemlicher Hit 

in den Sets werden wird. 

tobi 

Leon Vynehall - Open EP 

[3024 - S.T. Holdings] 

Nach Piano-House im großen Stil auf Aus, wird nun auf Martyns 

Label das Großraum-Feuer am 

Laufen gehalten. "I Get Mine You Get 

Yours" jacked, was das Zeug hält. 

Hauptsache, die HiHat schön offen und 

die Synth-Line maximal catchy, ganz 

nach britischem Selbstbewusstsein. 

Soll hängen bleiben und tut genau das, 

nicht weniger, allerdings auch nicht viel 

mehr. Die B-Seite will mit der großflächigen Euphorie mithalten, 

fährt das selbe Konzept nochmal und hängt in Sachen 

Catchiness auch kaum hinterher. Nur das Drum-lose "I Know 

You Face Heroine" tanzt aus der Reihe. Soll irgendwie durchdachter 

daherkommen als der Rest, bleibt aber zu flach. Ein 

bisschen viel 0815 auf 3024. 

www.3024world.com 

wzl 

SINGLES 

Anstam - The Remixes 

[50 Weapons/50WEAPONSRMX07 - Rough Trade] 

Die Familienbande remixt sich weiter gegenseitig. Jetzt dran: 

Anstam. Moderats aktuelle Single 

"Gita" und Siriusmos "Stinky Wig" werden 

hier durch die Mangel gedreht. Mit 

viel quäkender Dringlichkeit, einer Prise 

Chaos über der Durchsicht durch jedes 

Soundpartikel. Besser als die Originale? 

Zumindest ebenbürtig. Und ein remixender 

Händedruck tut immer gut. 

www.50weapons.com 

thaddi 

Benjamin Damage - 4600 EP 

[50 Weapons/50WEAPONS031 - Rough Trade] 

30 Jahre lang hat der kleine ETI 4600 in einer abgelegenen 

Garage, irgendwo nördlich von London 

geschlummert. Als einer der wenigen 

seiner Art, die wohl überhaupt jemals 

richtig funktioniert haben. Und gäbe es 

nicht noch diese Menschen mit Herz für 

Maschinen, wie den Benjamin, wäre der 

putzige Synth, Geburtsjahr 1973, doch 

glatt seinem rostigen Schicksal überlassen 

worden. Frisch genährt mit neuen Befehlen, schnurrt der 

Kleine nun aber endlich wieder wie wild. Nach vorne will er, auf 

den großen Floor, da, wo es sich doch am besten wild herumspringen 

lässt. Herrchen Damage steht am anderen Ende der 

Leine und liefert nach seiner großen "Heliosphere"-LP drei 

technoide Sureshots, die sich ihrer repititiven Stärke mehr als 

bewusst sind. Ohne viel Schnörkel, genau so, wie wir die dunklen 

Momente lieben. Als Belohnung für den kleinen Wilden 

gibt's dann noch das Leckerli "Nebula" oben drauf, den kicklosen 

Flächen-Exzess, das Highlight in spe. 

www.50weapons.com 

wzl 

A Made Up Sound - After Hours 

[A Made Up Sound/AMS006 - Clone] 

Au weia, was ist denn hier los? Dave Huismans verabschiedet 

sich vom Dancefloor. Endlich, werden 

da einige sagen. Nicht, weil sie ihn loswerden 

wollen, sondern weil immer klar 

war, das mehr in ihm steckt. Dieses 

"After Hours" - episch und endlos - hätte 

in den 80ern auch von Dirk Ivens sein 

können. Die Drums haben den gleichen 

Punch und dabei auch die selbe digitale 

Ruppigkeit. Der Rest scheint improvisiert, aus der blutigen 

Nase gezogen, ein Bandwurm der Konfusion, der nur noch zittert, 

aber nicht mehr tanzt. Ein wirklich unfassbares Stück 

Musik. "What Preset", die B-Seite, feiert dann genau diese 

Abkehr von gelernten Sounds und wenn 4Hero damals bei 

Throbbing Gristle gewesen wären, hätten wir den Track schon 

seit 1979 in der Kiste. Runtergespielt klingt das bestimmt ohnehin 

besser. Wow. 

soundcloud.com/2562amadeupsound 

thaddi 

Monomood - Analog Threesome 

[Abstract Animal/003 - Decks] 

Schön auf der Bassdrum hängengeblieben. Etwas Bassline 

dazu. Etwas pathetische Sounds und 

irgendwann ist man - ohne das man es 

bemerkt hätte - mitten in einem 

Schranzinferno. Huch. Da lob ich mir 

den Mike-Dehnert-Mix, der in seiner 

feinen funkigen Art aus "Vault" alles herausholt, 

was man so als Ravesüchtiger 

der ersten Stunde von seinen slammendsten 

UR-Platten braucht. "The Siren" zum Abschluss ist 

kaputt. Aber sowas von. Scheppernd, aus dem Lot, knatternd 

und mit der zerbrechlichen Gewalt eines Hammers ohne Hals. 

bleed 

Dresvn 

[Acido/14 - Hardwax] 

Der Ameisenstamm trifft sich zum Trommeln. Nicht üben für 

die Toskana, sondern für den Club. Ach, zur Hölle mit dem Ethno-Scheiß, 

bzw. den schwachbrüstigen Interpretationen aus 

japanischen Schaltkreisen der Kaiserzeit. Einfach mitmachen. 

Eh gut, eh besser. Dresvn? Immer über alle Zweifel erhaben. 

Das zeigen die drei neuen Tracks nur zu deutlich. Nicht für jeden, 

aber wenn, dann richtig. 

thaddi 

Kotelett & Zadak 

Schleuderganz EP 

[Acker Dub/023] 

Ein perfekter Popsong mit leicht kitschig smoothem Gesang 

ist das upliftend dubbige "Hello Species" 

geworden. Einfacher Chord, statisch 

klassischer Groove, Sounds, die 

nach Sommerelegie klingen und dann 

dieser kitschig gesäuselte Vocodergesang 

dazu. Alles perfekt. "Aimless" ist 

ein ähnlich sanft kitschiges Stück mit 

Gitarre und Gesang und "Tizia" voll mit 

Grufitpathos, während der Mollono-Bass-Remix dem "Hello 

Species" Track noch einen Hauch Trance verpasst. 

bleed 

Gab Rhome - Sometimes It Goes That Way 

[All Day I Dream/004] 

Der klingelnd schöne Track von Gab Rhome steht hier im Zentrum 

mit seinen Xylophonsounds und 

der warmen weichen Bassline, die alles 

in dieser sommerlich duftenden Stimmung 

einfängt. Kitsch für die nächsten 

Open Airs, egal wie lange die noch hin 

sein mögen. Flausige Beats, sehr schöner 

Gesang mit sanftem Indieflair und 

dieses atmende Gefühl in den Sounds, 

das so elegisch klingt wie man es braucht für diese endlosen 

Tage. Die Rückseite von ihm mit Maher Daniel ist ähnlich sanft, 

aber einen Hauch zu flauschig dabei und wirkt auf die Dauer 

so, als hätte das Butterschiff nie abgelegt. 

bleed 

Hooved - Timeless 

[Amam] 

Hooved ist dafür bekannt, dass seine Stücke immer ein wenig 

ausgehöhlt klingen. Etwas zu trocken, 

dafür aber mit einer geisternhaft schwebenden 

Stimmung, die einen in eine 

völlig eigene Welt entlockt. Und das zelebriert 

Hooved hier auf allen drei Tracks 

so lässig mit leicht um die Ecke träufelnden 

Grooves, kurz eingestreuten leicht 

melancholischen Elementen, diesen 

trocken warmen Basslines die alles in Swing halten und dem 

träumerischen Stil eines zu sich zurückfindenden Minimalismus 

der immer zwischen den Zeilen seines eigenen Sounds 

eine Welt hinter der Welt vorfindet, die verführerisch unentdeckt 

bleibt. Der Thomas Brinkmann Remix wirkt gegen diese 

filigran funkenden Stücke fast schon brachial. 

www.am-am.org 

bleed 

Nadia Popoff - Black Jack 

[Amam Extra/019] 

Der Track von Nadia Popoff aus Argentinien ist voller dunkler 

Spannung und Intensität und rockt mit 

dieser perfekten Konstellation aus darker 

Bassline und trockenen Sounds, 

magischen Hintergründen und schleichend 

dichtem Grundgefühl das sich 

auf "My Friend Sebastian" sogar in jazzigere 

Gefilde ausbreitet, aber dennoch 

seiner Deepness treu bleibt. Die Remixer 

Alessio Mereu und Hooved bleiben dem spartanisch gefühlvollen 

Sound treu und kicken einen Hauch mehr um die 

Ecke. 

bleed 

Tom Demac & Will Samson - It Grows Again EP 

[Aus Music/053 - WAS] 

Genaugenommen liebe ich Tom Demac. Hier noch einen Dreh 

poppiger mit den Vocals von Will Samson, 

der wirklich am letzten Zipfel seiner 

Fistelstimme hängt, aber im Hintergrund 

wühlt sich Demac so genüsslich 

durch die Bässe und macht aus allem so 

ein dicht gebratenes Fest aus Sounds, 

die völlig in sich verschliffen sind, dass 

ich selbst die Vocals hier als Sound hören 

kann. Soul in dieser pergamentartigen Dürre kann einen ja 

manchmal ganz schön überfordern, aber irgendwie schaffen 

es die drei Tracks, aus ihrem Popprojekt doch etwas zu machen, 

das einem ans Herz geht und so phantastisch überarrangiert, 

aber dennoch flockig leicht bleibt, dass man es einfach 

genießt wie die frühen Soulplatten von Vladislav Delay. 

www.ausmusic.co.uk 

bleed 

Sei A - Wants EP 

[Aus Music/1352 - WAS] 

Sei A ist eigentlich immer am besten, wenn der die Harmonien 

frei durch den Raum schweben lässt 

und der Rest des Tracks dem säuselnden 

Grundton den richtigen Backdrop 

vermittelt. Das gelingt ihm hier vor allem 

auf "10" und "Promises", die beide 

sehr charmante Epen aus melodisch 

deepen Basslines und breiten Flächen 

sind und einen extrem lässigen Swing 

dabei entwickeln. Die funkigere Seite ist auf "Promises" auch 

irgendwie klarer als auf dem Titeltrack "Wants", der irgendwie 

sexy wirken will, aber dabei ein wenig zu sehr auf die Verlockung 

durch Hall auf den Vocals schielt. 

www.ausmusic.co.uk 

bleed 

V.A. 

[Big Doint/001] 

Was für ein Monster. Chicagobassline mäandert durch den 

Untergrund von FIOs "Take No Time", 

die Discosamples könnten auch ein obskurer 

Killersoul aus einem vergessenen 

UK-Underground sein, alles wuchtet 

und bollert ausgelassen zwischen 

den Filtern und dem zertrümmert 

glücklichen Groove und klingt völlig 

überdreht. BD mit "Big Doint" räumt mit 

ähnlich obskuren Soulsamples und schleppenderem Groove 

genau so auf und lässt alles in perfekter Konzentration über 

den Floor schluffen. Disco für Verwunschene. Auch auf dem 

letzten Track hält sich dieser Sound zwischen Underground 

und purer Euphorie, dieser leicht französische Sound überglücklicher 

Discoloops in kaputten Konstellationen der unwahrscheinlichsten 

Art. Eine Platte, die Big Doint definitiv einen 

Platz unter den kommenden Kultlabeln sichern dürfte. 

bleed 

Tal M. Klein - Exhaustasaurus 

[Aniligital Music] 

Merkwürdiger Titel. Trockener Groove. Tal M. Klein sonst eher 

bekannt für seine SlowMo-Housetracks kickt auf "Exhaustasaurus" 

spartanisch und mit ultradeepem Subbass los und 

wälzt sich gerade zu in den Basswellen, hechelt eine Stimme 

hinterher, die fast tribal wirkt und landet am Ende dann in einer 

stachelnden Synthstimmung die fast nach Rave klingt. Mit 

"Perforated" geht es dann tiefer in die Knie und zaubert eine 

elegische Discostimmung aus der 303, während "The Consequence" 

die Synths etwas weit über die Grenze von Kitsch aufdreht 

und dabei wirkt wie ein runtergepitchter Trancetrack. Die 

Remixe von Casbah 73 und Spitmilk schwanken zwischen jazzigem 

Swingsound und etwas fusseligem Kirmeshousesound. 

bleed 

Renaissance Man - Kama EP 

[Black Ocean/003] 

Und wieder zwei sehr wirre und phantastische Tracks von Renaissance 

Man. Kama rockt mit seinen 

tribalen Grooves mitten ins Herz der 

verzückten Raver der ersten Stunde, 

legt eine verheißungsvolle Stimme 

drauf und das Tänzeln leicht tranciger 

breiter Synths, und schon ist man mitten 

im Wald aus Strobos und Nebel. Die 

Rückseite mit seinen verknuffelten Vocals 

abstraktester Art bringt dieses überdrehte Zuckeln der 

Melodien zurück, die schon seine letzte EP hatte und bleibt 

dennoch immer auf den Floor konzentriert. Purer abstrakter 

Funk der oldschoolig verdrehten Art, die sich im Break dann 

noch in ganz säuselnd dreisten 70er-Jahre-Synths auflösen 

darf. 

bleed 

Duke Slammer - Snorkel Zone 

[Bonus Round Records/020] 

Manchmal verliebt man sich einfach sofort in einen Track. 

"Snorkel Zone" ist so einer. Klingelnd 

voller Melodien, leicht überdreht bleepig 

und doch mit einem gewissen Unterton 

früher Aphex-Twin-Momente. 

Zuckersüß und mit diesem wehenden 

Gefühl eines ersten Sommers mit einer 

völlig unwahrscheinlichen Begleitautomatikorgel. 

Der Rest der EP ist etwas 

näher an Disco, wenn auch stellenweise auf absurde Weise, 

klingelt natürlich in den Sounds ähnlich überzogen und erinnert 

mit manchmal auch ein wenig an die verdrehteren Momente 

von Luke Vibert. Eine Platte, die vom ersten Moment an 

kleine blubbernde Herzchen des Glücks verstreut. 

bleed 

Shanti Celeste - Need Your Lovin' (Baby) 

[brstl/005 - Hardwax] 

Keine falschen Hoffnungen. Es ist nicht DER Track. Der hier ist 

aber auch gut. Atmet New York. Finde 

ich. Mit dieser perfiden EQ-Einstellung 

auf der HiHat der 909, der federnden 

Bassdrum und dem überdrehten Soul in 

den Vocals. Und auch die B-Seite 

slammt. Mit Tieftöner-Deepness auf der 

Bassdrum, ganz einfachen Chords und 

Stabs und diesem wolldeckigen Gefühl 

der Vertrautheit des Schnees im Sommer. Herrlich. 

thaddi 

Marlowe - Moonshine Heater 

[Cadenza/090 - WAS] 

Laurent Bovey aka Laps kommt hier mit einem perfekt auf Cadenza 

passenden Stück. Glucksend latin, 

flausig überdreht in den knuffig 

knisternd dichten Grooves und das alles 

mit einer gewissen gejammten Endlosigkeit, 

ist auch der Rest der EP ähnlich, 

hier aber steht die Melodie nicht ganz 

so im Zentrum und lässt die Grooves 

dann eher einen Hauch zu wissenschaftlich 

wirken. 

www.cadenzarecords.com 

bleed 

Vereker / Kupfer 

[CCCP/04 - Clone] 

Hinten anfangen lohnt. Denn "Radiosity" gibt einem all die 

Wärme zurück, die man vorher bei drei 

mumpfigen LoFi-Sumpfnattern des 

Oldschool-Techno ausschwitzen musste, 

um wenigstens irgendwie aktiv zu 

sein. Vereker und Florain Kupfer? Ach 

nee. Bestimmt toll für die, die auch im 

Winter noch im T-Shirt rumlaufen, aber 

ich habe diesen Sound so derartig satt, 

dass ich glatt nach CCCP auswandern würde. Da ist wenigstens 

der Wodka gut. Aber die B2, die braucht man dann eben 

doch. 

thaddi 

Bjorn Wolf & Youri Donatz - Put Your Mind On Zero EP 

[Cellaa Music/010] 

Was genau es mit diesem dark gepressten "Before Singing We 

Must Leave The Church" auf sich hat, ist 

mir nicht ganz klar. Ein mitreißender 

Technotrack für den dark konzentrierten 

Trip eben, der immer mehr ins Trudeln 

gerät. "Bred" mit seinen verwässerten 

Sounds, die klingen, als hätte man sie in 

einem Tümpel Alka Seltzer aufgelöst, 

gefällt mir aber um Längen besser, weil 

es so schön abstrakt knatternd auf eine flausig wirre Kinderstimme 

mit Basslinegewobble und abenteuerlichen Orches- 

72


singles 

terstabs hinausläuft. Rave für die Kleinsten. "Put Your Mind On 

Zero" ist ein abstrakt knatternder Minimaltrack mit viel Funk, 

und der Basti-Grub-Remix will den Funk noch klarer herausschälen. 

bleed 

CC / Golden Donna 

[CGI/CGI001] 

Extrem trockene Tracks, die auf der A-Seite von CC manchmal 

so wirken, als hätte jemand seinen ersten 

Versuch gemacht, Acid zu produzieren, 

aber leider keine 303 zur Hand gehabt. 

Kantig und abstrakt in den 

Grooves, verwirrt in den Sounds und 

sehr spröde, aber mit so viel Charakter, 

dass man die Tracks einfach lieben 

muss, vor allem wenn es bei dem Funky- 

Track "Shackles" dann eher ravig knatternd als poppig bleibt. 

Golden Donna beginnt die Rückseite mit einem Feuerwerk aus 

breitwandigem Souldubopus, das völlig für sich steht, und 

säuselt mit "Soft Escape II" dann am Ende noch eine Hymne 

für die Letzten, die den Club einfach nie mehr verlassen wollen. 

Wunderschöne und sehr frische EP. 

bleed 

Jerome - 4B / 5 

[CGI/CGI002] 

Die zweite EP des neuen Labels rockt auf dem ersten Track mit 

einer so unverschämt kickenden Orgel, 

dass man sofort weiß, es gibt hier kein 

Zurück mehr. Dann einfach eine Duborgie 

hinterher, kantige Beats, merkwürdig 

gestaute Sounds, holzig breite Kompressionen, 

ein magisches Stück. Die 

Version auf der Rückseite dreht sich 

mehr um den ausufernd schnell peitschenden 

Bass und wuchert immer mehr zu einem alles mitreißenden 

Ravetrack aus. 

bleed 

Chicago Damn - Experiments Must Continue 

[Chicago Damn/001] 

Irgendwie eigenwillige Acid-Platte, die in ihrer Überfrachtung 

mit Synthsounds und einem irgendwie sehr klaren, überhaupt 

nicht oldschooligen Sound manchmal so wirkt wie frühe italienische 

Acidexperimente. Sympathisch, verwirrt, gerne bereit 

hier noch mal ein neues knödeliges Moment einzuflechten, da 

noch eine Szenerie der Verwirrung mehr anzusteuern und am 

Ende dann ganz blauäugig doch vor allem loszurocken, aber 

irgendwie gefallen mir hier die wenigen Momente, an denen es 

nicht so auf Stakkato getrimmt ist, besser. Der smoothe klingelnde 

Groove von "Sleaze" oder der einfach hymnisch housig 

chordversessene "Strawberries and Kream"-Track. 

bleed 

Andy Vaz - I'm Not From Detroit 

[Chiwax/002LTD - DBH] 

Hätte man ja auch selber drauf kommen können. Wobei der 

Weltenbürger von heute eh überall dort 

zu Hause ist, wo es Strom für die Maschinen 

gibt. Der Titeltrack ist eine 

pointierte Medidation, ein großzügig 

angelegter Loop, der sich so sanft immer 

wieder verschiebt, dass man das 

Sample am Ende selber glaubt. Ganz 

und gar klassich. Mit angetäuschter 

Darkness, leise flüsterndem Acid und immer wieder dieser 

Stimme. Don't tell me he's from Detroit. Ein Mini-Hörspiel für 

die Backstreet. "Alternative State Of Insanity" schlängelt sich 

die Serpentinen der improvisierten Unendlichkeit hinauf, die 

303 spielt Gitarre und irgendwie scheint das Portamento kaputt. 

Genau richtig also. "Deutz Motorcity" dann öffnet mit alter 

Wochenschau, preist die industrielle Brücke zwischen Köln 

und Detroit in Sachen Autobau und technologischem Fortschritt. 

Der Rest: butterweich. Sounds, wie es sie nur noch auf 

Platten gibt, die im Laden die teuersten Preisschilder haben. 

Irre gute EP. 

thaddi 

Seb Wildblood - Feel 

[Church White/001] 

Ein sehr soulig überdrehter warmer Housetrack mit nur dezenten 

Raveerinnerungen in der Struktur 

und der Bassline. Sehr zart und jaulend 

zugleich ist der Track einer dieser eleganten 

Hits, der einem lange genug im 

Ohr bleibt, um auch in den kältesten 

Nächten des Jahres noch weiter zu 

glimmen. Der Apes 5 am Remix kontert 

mit einem schreddernden Technobilderbuchtrack, 

der mir allerdings viel zu beliebig wirkt. 

bleed 

Oleg Poliakov - C.A.V.O.K. 

[Circus Company/082 - WAS] 

Zwei der Tracks, für die man Poliakov einfach lieben muss. In 

sich verschlungene Melodien, die sich 

um den Hals fallen, lässig swingende 

Grooves dazu, treibend getriebene 

Sphären überall, und schon ist man von 

den Stücken bis ins Letzte aufgesogen 

und fiebert mit jedem noch so kleinen 

schimmernden Detail der Tracks mit. 

Wunderschön und immer leicht aus 

dem Gleichgewicht geraten, eiern die Stücke von Poliakov immer 

einen Hauch, aber genau das macht irgendwie auch ihre 

Faszination aus. 

www.circuscompany.com 

bleed 

Om Unit - Threads 

[Civil Music/058 - S.T. Holdings] 

Grandioser Kitsch macht hier den Anfang. Breite pathetische 

Synths, dann ein Stück, das klingt wie 

eine Grufti-Version der Pet Shop Boys 

und ein Stück verrückter Downtempo- 

Raveerinnerung, plötzlich dann Harfenklänge 

und Rap... Om Unit hat sein Album 

wirklich inszeniert wie ein Kino, 

das einen durch alle Gefühlslagen treiben 

will. Das merkwürdige daran, es 

passt nicht wirklich, aber wenn es aufgeht, vor allem auf den 

kürzeren melancholischeren Momenten und den abstrakten 

Drum-and-Bass-Tracks, ist es unschlagbar gut. Wenn es nur 

gelegentlich einen Hauch Pathos weniger hätte, dann könnte 

Om Unit wirklich alles erreichen. 

www.civilmusic.com 

bleed 

NSDOS - Lazer Connect EP 

[Clek Clek Boom/012] 

Clek Clek Boom ist immer gut für eine Überraschung. Die 

Tracks von NSDOS sind natürlich auch 

irgendwie oldschool, aber so flink und 

biegsam in ihren analogen Sounds, so 

kribbelig angezerrt, so aufgedreht lässig 

in den Modulationen, so smooth in ihrem 

abstrakten Funk, dass man das 

schon nach den ersten paar Takten vergessen 

hat. Zeitloser Funk zwischen 

abstrakter Chicago-FM-Synthese, flausigen Drummachines 

im Zusammenspiel mit Synths auf dem verwegenen Kurs 

durch die Milchstraße und kurzen augenzwinkernden Reminiszenzen 

an die frühen Stunden von Detroit-Electro. Eine Platte 

mit drei völlig verschiedenen Tracks, die dennoch eine gemeinsame 

Stimme und ein Ziel haben. Den Kick unter den Daten 

ausgraben. 

bleed 

Jovonn 

House A La Carte 

[Clone Classic Cuts/026] 

Das Original ist von 1992 und zeigt diesen swingenden discoangehauchten 

Houseslammerstil von 

Jovonn in perfekter Art. Die Tracks noch 

in den Urzeiten festgezurrt, die Beats 

locker und mit einer eigenwilligen Intimität 

durchsetzt, die selbst ein peinliches 

Saxophon perfekt funky und verspielt 

glücklich klingen lassen kann. Der 

deepere "I Can't Make Up My Mind" 

klingt wie ein Track, der die Clubszenierie bis in die alltäglichsten 

Momente ausleuchtet mit seinen albernen Drinkempfehlungen 

und ist pure Clubnaivität vom Feinsten. Und auch das 

süßlich alberne "This Thing Is Jammin" zeugt von diesem 

kindlichen Charme der wie von selbst aufscheinenden Perfektion. 

Eine putzige EP, die irgendwie auch ein wenig so klingt, 

als wäre sie sich bewusst, dass die goldenen Zeiten gleich 

vorbei sind. 

www.clone.nl 

bleed 

Martinez 

Hollow EP 

[Concealed Sounds/CCLD001] 

Martinez war eine Zeit lang einer der ganz sicheren Fälle auf 

dem Floor. Jede Platte ein Hit für sich. 

Ruhiger ist er geworden, versponnener, 

fast so, als hätte er wie so viele aus dem 

Cadenza Umfeld die Wissenschaftlichkeit 

der Grooves und den Funks gesucht. 

Auf den beiden Tracks dieser EP 

wird den leicht verwegen im Untergrund 

brodelnden Synths viel Auslauf gelassen, 

der knochentrocken rubbelnde Groove immer wieder neu 

angefacht, und erst auf der Rückseite löst sich das in einer 

breiten alles überschummernden Melodie wieder auf. Eine 

Platte, die fast schüchtern wirkt, aber dennoch einen ganz eigenen 

ruhigen Glanz entwickelt, der von der Verzauberung der 

zurückgezogenen Welt des Grooves lebt. 

bleed 

Finest Wear - Distant Memories 

[Colour And Pitch/002] 

"The Tribute" ist genau das. Ein Tribut. Eine Hymne für alle die 

einfach nie genug von diesen klassischen Detroit-Flächen bekommen 

können. Und darauf konzentriert sich der Track nicht 

nur, er lässt es einfach nicht mehr los. Er beharrt drauf. Er zieht 

die Fläche nimmer breiter auf, lässt sich ganz in diesem Gefühl 

aufgehen, dass einfach nur noch mehr Strings und Melodien 

in sich aufsaugt, je höher es hinaufsteigt. So schön die beiden 

anderen Deephousetracks der EP auch sein mögen, über diesen 

Track kommen sie nicht mehr hinaus. Definitiv aber eine 

EP für die ganz großen Gefühle, die irgendwie nie alt werden. 

bleed 

Mefjus - Contemporary EP 

[Critical Music/CRIT073 - S.T. Holdings] 

Mefjus erbarmungslos wie eh und je. Die Grenzen des Neurofunk 

hin und her verschiebend setzt der 

Österreicher auch bei seiner neuen und 

ersten EP für Critical neue Maßstäbe 

der Bösartigkeit. Sein unverkennbares, 

soundästhetisches Trademark aus 

holpriger Percussion, Reizhusten-Basslines 

und aufscheuernder Midranges 

scheint bei der "Contemporary"-EP 

noch deutlicher auf den Punkt gebracht zu sein, als bei seinen 

vorigen Releases. Detailverliebt sitzt hier jedes Element genau 

dort, wo es hin gehört. Dazwischen immer wieder verschrobene 

Electronika-Elemente, die sich am Warp-Katalog zu orientieren 

versuchen, verschachtelt retardierende Drum-Patterns 

und abreißende Melodiestränge. Auf der zeitlichen Ebene lässt 

Mefjus seine Sounds reifen und sich entwickeln. So werden die 

Tracks nicht langweilig, sondern überraschen immer wieder 

mit neuen Spielereien, Air-Breaks und Referenz-Einschüben 

der Drum & Bass-Historie. Oft imitiert aber bisher unerreicht, 

sitzt Mefjus auf seinem Neuro-Thron und braucht sich vor keiner 

Revolution zu fürchten. 

www.criticalmusic.com 

ck 

Pink Skull - Pink Game EP 

[Days Of Being Wild] 

Ich stehe auf dieses Label. Und "Skin Game" überzeugt mich 

auch durch und durch wieder davon. 

Der Track mit seiner extrem biegsamen 

Acidbassline, den Preacher-Vocals und 

dem reduzierten Drumtrack ist einfach 

ein Killer, auch wenn die Konstellation 

solcher Elemente erst Mal beliebig 

klingt, schafft Pink Skull es, daraus ein 

Meisterwerk Oldschool zu machen, das 

völlig frisch und aufrührerisch klingt. "Only You" ist ein satter 

krabbelnd aufgeheizter Acidtrack mit Discounterton, "Slave" 

ein Kellerkind der verwirrten betörenden Art und "Frottage Industry" 

am Ende noch ein süsslicher Ausklang für den nächsten 

Frühling der endlosen Retrobewegung. Eine Platte die bei 

aller Oldschool doch nie nach Bilderbuch klingt. 

bleed 

Simian Mobile Disco 

[Delicacies/010 - Rough Trade] 

Ich muss zugeben, diese Simian Mobile Disco ist die erste seit 

einer ganzen Weile, die mich vom ersten 

Sound an überzeugt. Reduziert im Tempo, 

warm und ausgewogen in den 

Sounds, spielerisch in den Melodien 

und mit einem gewissen lässigen Chicagoflair 

im Hintergrund, rollt "Escamoles" 

immer mehr in eine sehr zischelnd 

hitzige Welt aus treibend tänzelnden 

kleinen Chords und lässt einen glücklich mitgrinsen bei jeder 

kleinen Wendung. Und auch das magisch smoothe "Smalahove" 

ist ein bezaubernd funkig kompaktes Deephousestück der 

lässigsten Art. Musik die sich so sehr auf ihr Innerstes konzentriert, 

dass man sich einfach bis ins letzte Detail auf sie einlässt. 

Der etwas ravigere aber irgendwie sanft oldschoolige 

Track "Ton Zi Dan" wird von Mike Dehnert dann mit dem Holzschuh 

ausgetreten aber es bleiben die beiden eher blumig ruhigen 

Tracks, die die EP hier ganz und gar ausmachen. 

www.simianmobiledisco.co.uk 

bleed 

Tuff City Kids - Roby Tease EP 

[Delsin/dsr-h7 - Rushhour] 

Kein Wunder eigentlich, dass Janson und Lauer quer durch die 

Welt releasen und remixen. Der Schedule 

auf Jansons Running Back ist tight. 

Dabei wünschen wir uns bei jedem Takt 

Musik der beiden immer nur wieder das 

Album. Vier neue Tracks in der Zwischenzeit 

werden mit Kusshand genommen 

und bei "HFS" stehen dann 

auch gleich die Münder offen. Ob der 

Modernität. Zwingendes Rave-Zwinkern, Drei-Ton-Hook. Der 

Rest: schon jetzt Legende. Und wenn dann bei "Wendy" die 

Toms der 909 den Berg erkraxeln, um die Ableton-Fahne zu 

verbrennen, ärgert man sich zwar kurz, dass man auf diesem 

Ausflug nicht das sonische Tagebuch geführt hat, tanzt jedoch 

zumindest im Kopf den Berg schon wieder runter. "Reeze" ist 

dann 707-Platzregen und so landen wir doch wieder in Chicago 

und weil eh grad Wochenende ist, ist der Rest irgendwie 

leicht unscharf und umso nebliger. "Wendy" im zweiten Mix 

blubbert dann kongenial um die Welt und spuckt uns dort wieder 

aus, wo wir eh hinwollten. Hat man auch nicht alle Tage. 

www.delsinrecords.com 

thaddi 

Bookworms & Steve Summers - Hidden Portal 

[Confused House/CH 003 - Rush Hour] 

Hmmm. Irgendwie dann doch sehr dark und unscharf. Das 

können alle Beteiligten besser. Viel besser. Warum das Scharren 

mit den Hufen, wenn doch heutzutage alle Bus fahren? 

Auch gut Knarzen will gelernt sein. Irgendwie leer und verloren. 

www.confusedhouse.org 

thaddi 

Annie Hall - Random Paraphilia 

[Detroit Underground/DU021] 

Knautschig verdreht sind die Beats von Annie Hall, digital angeschliffen, 

aber doch mit einem warmen 

Hintergrund aus Harmonien und 

leisen Stimmen. Musik, die klingt wie 

die aus dem Grab von Illbient auferstandene 

Welt von Detroit und Bass, die in 

völlig unerwarteter Frische zu fünf unerwarteten 

Meisterleistungen zerknufft, 

knotiger Beats findet, in denen einem 

die Ohren weit aufgerissen werden. Perfekt auch die Kollaboration 

mit Shadow Huntaz. Und die Remixe von Richard Devine, 

E.R.P. und Valance Drakes passen natürlich durch und 

durch, auch wenn mir der ruffe digital verdrehte Sound der 

Originale irgendwie lieber ist. 

bleed 

Eddie Fowlkes - Special EP 

[Detroit Wax/DW 006 - Rush Hour] 

Neue Tracks von Eddie? Immer her. Vor allem, wenn der "War 

On Dance" alles andere ist, als der Titel 

vermuten lässt, sondern vielmehr eine 

am mit Gasherd befeuerten Sampler 

hergestellte Reduktion des Funks. Und 

natürlich mit dieser markengeschützten 

Armada von Future-Chords. "Something 

Special E" auf der B-Seite wirkt 

die Live-Schalte in den Club zur Peak 

Time. Konzentriert und loopig, mit verhuschtem Acid und einem 

Ozeandampfer-Horn, das sich über den Besuch eines 

Kinderchores freut, der den Gospel studiert. Bon voyage! 

thaddi 

John Barera & Matt Gavris - Passenger EP 

[Dirt Crew Recordings/074 - WAS] 

In "Galaxy No.1" löst sich hier alles auf. Klassische Detroitpianostabs, 

säuselnde Synths im Hintergrund, 

krabbelige Basslines und ein 

statisch direkter klassischer Groove 

sind manchmal einfach genug, um einen 

in den Himmel zu katapultieren. 

Das säuselndere "Individualist" ist mir 

wie ein paar andere Tracks der EP allerdings 

einen Hauch zu tänzelnd in den 

fast schon kitschigen Melodien, und erst auf "Watch" findet 

sich dieses direkte slammende Gefühl einer perfekten Mischung 

aus breiten Chords und klassischem Funk wieder. 

www.dirtcrew.net 

bleed 

ZDS - Hands 

[Dirtybird/101 - WAS] 

Man mag dieses "Bang The Box" ja schon fast nicht mehr hören 

können, so klassisch oldschool ist 

das Sample, aber der Track, den ZDS 

daraus machen, ist irgendwie doch unverschämt 

rockend genug, um sich 

schnell damit anzufreunden. Trocken, 

bassversessen, leicht verdreht in säuselnd 

ulkigen Melodien, die man nur auf 

Dirty Bird findet. Mit "Hands" legen sie 

noch einen drauf in dem unnachahmlich heiteren klingelnden 

Stil der schunkelnd plätschernden Deepness. Sehr sympathische, 

sehr einfache EP, die dennoch zwischen ihren poppigen 

Momenten und dem leicht übertrieben sich glücklich in Oldschool 

suhlenden Sound perfekt ist. 

www.dirtybirdrecords.com 

bleed 

Halvtrak - Dust Under Bridges EP 

[Don't Be Afraid/DBA013 - Clone] 

Großartige EP vom ersten Track an. Klapprige Beats, eigenwillige 

Strings und Flöten, scheppernde 

Drummachines, Oldschool mit einem 

Hauch Kitsch der abstraktesten Art, 

wühlende Basslines, klimpernde 

Kleinstpianos, breite Flächen. Alles will 

hier auf einen Sound hinaus, der 

manchmal klingt wie die ersten Chicagoexperimente, 

überglücklich und verdreht 

die Möglichkeiten des elektronischen Equipments in einer 

Naivität testend, die man erstaunlicherweise auch jetzt 

noch nachempfinden kann, und dabei kicken die Tracks völlig 

BORN TO RAVE 

FORCED TO WORK 

DONNERSTAGS 

AB 20 H 

HARRYKLEIN 

HOUSE & TECHNO 

SONNENSTR. 8 · MÜNCHEN 

WWW.HARRYKLEINCLUB.DE


SINGLES 

unbefangen trotz aller Klassik der Oldschool 

in den Sounds dennoch so frei 

und lässig, als wäre in der Zwischenzeit 

nicht eine Revolution im Sound nach 

der anderen über uns hereingebrochen. 

Wer auf der Suche nach einer Platte ist, 

die wie eine frühe Saber klingt, aber 

doch im Sound wuchtig und neu, der 

braucht diese Platte. 

bleed 

Bell Boys - Hotel Game EP 

[Discovery Recordings/006] 

Elegant schwummrige EP aus Chicago 

mit sanften Discountertönen, leicht 

kratzigem Sound und einem guten 

Gespür für den leicht verrufenen Kitsch, 

der dem Namen der EP sehr gut steht. 

Feine schillernde Chords und gelegentlich 

auch mal einen Hang zu etwas zu 

poppigen Momenten, ist es für mich 

vor allem das zarte säuselnde "Prayer 

Furnace", dass die EP zu einem Muss 

macht. 

bleed 

STL / L'estasi Dell'Oro - Einig Eins 

[Flaneur Audio/FA 07 - Rush Hour] 

Hit & Miss bei STL: "Satisfied Bit" will 

einfach anders 

sein und genau 

deshalb auch 

keine Freunde, 

geschweige 

denn Likes auf 

Facebook. Das 

ist bei "Hometown" 

schon ganz anders. Mit Zeitlupen-Break, 

schwerem Traditions-Acid 

und dem Fauchen des mechanischen 

Tigers. Sehr, sehr gut. L'estasi Dell'Oro 

will mir mit seinen sägenden Klöppel- 

Epen dann die ganze Zeit was sagen, 

das mir beim besten Willen nicht einleuchtet. 

thaddi 

Kry Wolf - Nightmode EP [Food Music] 

Die beiden Tracks von Kry Wolf sind ein 

wenig überfrachtet 

im Sound und 

kitschig in den 

Melodien und 

wirken manchmal, 

als hätte jemand 

versucht 

aus Bass dufte 

Deephouse-Pop zu machen. Ist ja nicht 

selten. Der Pedestrian-Mix aber, mit 

seinen rotzigen Acidbassline und dem 

kantigeren Groove, den unterschwellig 

eingeschleusten Vocals und verdrehten 

Breaks, macht daraus trotzdem einen 

Killer. 

bleed 

Jimpster - Porchlight 

& Rocking Chair Remixes Pt. 2 

[Freerange Records - WAS] 

Tanner Ross ist immer gut. In seinem 

Remix für Jimpster 

schafft er es 

locker seine 

spartanischen 

Beats und die 

säuselnde Melodie 

von "Brought 

To Bear" in einen 

eigenwilligen Einklang zu bringen und 

so die einfache poppige Melodie irgendwie 

um Längen zu erhöhen. Deetron 

hingegen klingt so, als habe er auf zwei 

Versionen den Dreh nicht so ganz gefunden, 

was mit der Stimme anzufangen 

wäre. Zweischneidig. 

www.freerangerecords.co.uk 

bleed 

Lukas - Back To Boogie EP 

[Futureboogie Records/021] 

Endlich mal eine entspanntere Platte 

auf Futureboogie. 

Lukas legt 

sich gerne breit 

in die Pianos, 

den etwas übertrieben 

direkten 

Funkysound von 

kurzen Gitarrenlicks 

und Orchesterhits, aber findet auf 

den vier Tracks dennoch eine gute Gewichtung 

zwischen Popmomenten und 

sympathisch deepem Soul. Vier einfache, 

aber durch und durch sympathisch 

kickende Housetracks der alten Schule. 

bleed 

Topper - Slot Machine 

[Goodvibe Records/015] 

Sehr schöner Track mit diesem warmen 

alles unterfütternden 

Grundchord 

der sich 

wie ein roter Faden 

durch das 

gesamte Stück 

zieht und eine 

Stimmung erzeugt 

in der der Track einfach nur noch 

einer nie kommenden Auflösung zustreben 

muss. Spannung ohne Auflösung 

ist schon immer eine der besten 

Methoden gewesen, um einen Track 

zeitlos dahingleiten zu lassen. Der Rest 

der EP ist leider eher klassisch bumpender 

Minimalsound, mal jazzig angehaucht, 

mal eher typisch abstrakt als 

purer Groove mit ein paar Nebengeräuschen 

und auch der Remix ist nicht 

wirklich herausragend. 

bleed 

Ghost Mutt - Rumble Pak 

[Donky Pitch/DKY13 - Kudos] 

Keine leichte Kost hat Ghost Mutt mit 

seiner neuen Single bei Donky Pitch 

zu präsentieren. Seine mannigfaltigen 

Einflüsse aus Grime, Jungle und R&B- 

Produktionen werden hier zu einer 

abwechslungsreichen Melange vereint. 

Das ist heftiger Stoff, der Tänzer im 

Club vor einige Herausforderungen 

stellt. Spannende Brüche, verfremdete 

Vocals treffen auf Synthielinien, die mit 

trockenen Beats kombiniert werden. 

Das Titelstück gönnt einem nur kurze 

Pausen und ist vollgepackt bis obenhin. 

In einem DJ Set der progressive Beats- 

Fraktion erfüllt es sicher seine Funktion. 

Die drei anderen Produktionen gehen 

nicht ganz so hektisch zu Werke. 

www.donkypitch.com 

tobi 

Kyle Watson - Throwback EP 

[Gruuv/027] 

"Throwback" ist ein elegant flausiger 

zerrissener 

Deehousebasstrack 

mit einem 

guten Gefühl für 

die Andeutungen, 

die früher 

mal Microhouse 

hießen. Poppig, 

aber irgendwie charmant und definitiv 

ein perfekter Sommersound. Der 

deepere Black-Loops-Remix ist auch 

sehr funky, und wenn man den inneren 

2Step-Freund nicht etwas mehr im Griff 

hätte, dann würde man die komplette 

EP durchfeiern, so ausgelassen kitschig 

duftet das hier vor sich hin. 

www.gruuv.net 

bleed 

Dosem - Atica Remixes 

[Halocyan Records/PHC019] 

Joey Beltram und DJ Pierre. Schon eine 

krude Klassikermischung 

die 

hier als Remixer 

ausgesucht wurden. 

Beide hämmern, 

beide kennen 

keine Gnade 

und geniessen es 

sichtlich mal wieder den Technohammer 

rauszuholen, aber nur beim Pierre 

"Hey Wildpitch" Mix kommt diese grollende 

Gewitterstimmung voller Explosionen 

und berstender Energie auf, die so 

ein Track braucht. Auch wenn die Fussballchöre 

natürlich übertrieben sind, für 

einen Moment ist das Pathos früher 

Ravetracks aus Belgien doch wieder 

ganz da. 

bleed 

Deo & Z-Man - XTC 

[Hafendisko/008] 

Klassiker. Deo & Z-Man machen gerne 

Hymnen. "XTC" 

jubelt zu klassischen 

Electrogrooves 

der 

feinsten Art von 

unser aller Lieblingsdroge. 

Und 

der Gott des 

Funk spielt mit. Was auch sonst. Lässig 

wie immer stöhnen sie sich an die Spitze 

der Euphorie mit Orchester- und 

Stimm-Stakkatos und der Dancefloor 

singt mit. Wir brauchen viel mehr Hits 

auf die sich alle einigen können. Egal 

wie dreißt das Thema. Deo & Z-Man 

haben Großes vor. Das merkt man diesem 

Track hier überdeutlich an und 

deshalb schicken sie ihn auch gleich in 

die Remix-Runde mit Erobique und Till 

von Sein. Erobique erfindet sich eine eigene 

Elephanten-Disco mit Vocoder, 

säuselnden Zwergen, Cheapo-Strings 

und glitschig gleitendem Popflair. Till 

von Sein hält sich eher zurück und verlegt 

die Extase auf die späten Stunden 

des Abends. Aber sind wir mal ehrlich. 

Es kann nur einen geben. 

bleed 

Headless Horseman - Midnight Ride 

[Headless Horseman/003] 

Muss zugeben, diese EP der sonst immer 

ganz großen 

Headless Horseman 

ist ein wenig 

zu dark geraten. 

Auf "Midnight 

Ride" jedenfalls 

kommt der 

schleppende 

Groove kaum aus sich raus und johlt im 

Hintergrund mit immer darkeren Phantasien 

einer panisch ausweglosen Welt 

kaputter Dubs. Die Rückseite beginnt 

ähnlich, fängt sich aber ein wenig mehr 

und entwickelt nach und nach einen 

betörend säuselnd darken Funk in den 

Harmonien und glitzernden Nebenräumen 

der Flächen. 

bleed 

Pearson Sound - Lola 

[Hessle Audio/026 - S.T. Holdings] 

Etwas elegisch schleicht sich die EP mit 

"Lola" heran, und 

will irgendwie 

nicht so ganz in 

Gang kommen, 

egal wie ausgewogen 

der 

Groove sein mag. 

Es fehlt einem 

etwas. Und "Starburst" überfrachtet 

sich dann mit Raveerinnerungen und 

angedeuteten Breaks zu den wummrigen 

Basslines, die am Ende auch eher 

wie ein Intro wirken. Am besten ist dieser 

Sound, der eigentlich vor allem ein 

Killergroove sein will, dann auf dem reduzierten 

"Power Drumsss" realisiert, 

das nur Dummachine, Phaser und Verzerrung 

kennt und damit dennoch kickt 

ohne Ende. 

www.hessleaudio.com 

bleed 

Trikk - Midnight Sequence EP 

[HypeLTD/HYPELTD013] 

Folgende Wette: Wer schafft es über 

vier Stücke möglichst viele britische 

Spielarten unterzubringen? Und 

der Gewinner heißt: Trikk. Dubstep- 

Bassline? Check. Garage-Groove? 

Check. Breakbeat? Zaghaft, trotzdem 

check. Schade nur, dass diese ganzen 

wunderbaren Nuancen in zeitgemäße 

4/4-Konvention gepresst werden. 

Führt irgendwie zu unentschlossenem 

Durchschnitts-(Tech-)House, der eher 

so vor sich hin plätschert, als dass er 

voller Tatendrang wüsste wann, wie, 

wohin. Habt ihr die auch noch ohne 

Gleichschritt-Kick da? Danke. 

wzl 

Joe - Slope / Maximum Busy Muscle 

[Hessle Audio/025 - S.T. Holdings] 

Funky und voller mystischer Untertöne 

gräbt sich "Slope" 

durch seine 

warme Bassline 

und die knatternd 

säuselnd 

nervtötenden 

Sounds, die sich 

in einer breiten 

Harmonie auflösen, die dem Stück das 

Gefühl geben, eins dieser Epen für ferne 

Planeten zu sein, die dennoch irgendwie 

im Partykeller mit Freunden am 

besten funktionieren. "Maximum Busy 

Muscle" ist ein komplexer um die Ecke 

gegroovter Track mit scheppernd unterkühltem 

Slamfaktor einer durchgedrehten 

Jazzband, die den Orinoko in einem 

Speedboat runterjagt. Grandios irgendwie. 

www.hessleaudio.com 

bleed 

Kodiak - Dragon Drop 

[Hot House Rec/HOTSHIT002] 

"Egyptian King" ist mit seinem breiten 

Ravepiano und 

dem übertrieben 

klappernden 

Drumsound zu 

Vocalstakkato 

schon ganz 

schön frech. Bis 

in die Samples 

hinein eine Oldschool-Ravenummer 

aus dem Bilderbuch, die dennoch irgendwie 

amüsant und locker genug 

bleibt, um einem nicht mit ihrer dreisten 

Attitude auf die Nerven zu gehen. Der 

Titeltrack ist eine überwuschige Bass- 

Nummer mit hängengebliebenen Vocals 

in purer Boygroupsoulphantasie für 

Dropssüchtige und mit seinen Mickey- 

Mouse-Stimmen auch ähnlich ravig 

überzogen. Stilübungen halt. Der Eliphino-Remix 

geht mir allerdings auf die 

Nerven, weil er einfach nicht peinlich 

genug unbekümmert dreist ist. 

bleed 

Trikk - Midnight Sequence EP 

[Hype Ltd./013] 

Ich kann die Uhr danach stellen, dass 

EPs eigentlich erst nach dem Titeltrack 

interessant werden. Wobbelnde Basslines 

und tolle Soundeffekte sind wirklich 

nicht alles. Auf dem housigeren Stück 

mit albernen Raggasampleeffekten 

zieht einen diese Stimmung wenigstens 

in die heiligen Hallen des Breakbeatwahnsinns 

in Slowmotion, der rubbelige 

Technotrack "Labour 91" wummert 

voller Klassik mit seinen hymnischen 

Stabs und frech eingeworfenen Divenvocals 

und "Prime Time" lässt der 909 

weiter freien Auslauf und knackt den 

Floor mit einer breiten trancigen Fläche. 

bleed 

Dense & Pika - Colt EP 

[Hotflush Recordings/HF041 - S.T. 

Holdings] 

Eigenwillig vollmundiges Piano für Hotflush. 

Dense & 

Pika lassen es 

auf dem wuchtigen 

"Colt" erst 

mal ganz lässig 

angehen und 

überzeugen mit 

einer ausgelassen 

angekratzten Hands-In-The-Air- 

Stimmung, die vielleicht etwas ravender 

geklungen hätte, wenn das Piano nicht 

ganz so die Drama-Queen wäre. "Black 

Deep" ist ein grollend böses Stück, das 

einen wieder auf den Boden der harschen 

Realität zurückbringt, in denen 

wohl die Eingeweide einer Kakerlake zu 

Summen scheinen. "Vomee" ist das etwas 

überfrachtet flausige Dubstück der 

EP, und mit dem Congadings am Ende 

überzeugen sie mich auch nicht wirklich. 

www.hotflushrecordings.com 

bleed 

Aufgang - Ellenroutir Remixes 

[Infiné - Rough Trade] 

Midnight HipHop erinnert mich stärker 

als alles an die 

frühen Zeiten von 

MoWax. Schleppende 

dunkle 

Beats, Piano, 

eine übernächtigte 

Stimmung, 

dieses leicht Darke 

der Verlassenheit, kantig und dennoch 

voller Funk. Eigentlich aber soll es 

ja um die "Ellenroutir"-Remixe gehen. 

Arnaud Rebotini macht einen süßlich 

schimmernden funkigen Poptrack für 

den Floor draus, Anton Zap ein sich 

überdreht in den weiten Flächen der 

Synths suhlendes Stück Begeisterung 

für die Grenze des smoothen Sounds 

und Leem ein Funkstück für Kleinkinder 

mit leichter Messie-Tendenz. Vom Original 

ist kaum etwas wiederzuentdecken. 

Nirgendwo. Dennoch aber sehr unterhaltend 

als Ganzes. 

www.infine-music.com 

bleed 

TRAPEZ 148 

NICOLAS BOUGAÏEFF 

DECOMPRESS EP 

TRAUM V169 

RYAN DAVIS 

STATE OF MIND 

TRAUM V168 

EXTRAWELT 

THE INKLING 

TRAPEZ 147 

ALEX UNDER 

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74


singles 

Dominic Petrie - Tomorrow Now EP 

[Ingredients Records/RECIPE038] 

Wie die erste Schall schluckende 

Schneedecke 

des Winters legt 

sich Dominic Petries 

Debüt-EP 

"Tomorrow Now" 

über das hektische 

Treiben der 

Großstadt. Ganz 

geheimnisvoll schwoft sie durch die 

frostigen Nächte. Alleine, aber nicht 

einsam. Sie lädt zum Durchatmen ein 

wie eine rote Ampel. Regt zum Nachdenken 

an wie eine Arte-Dokumentation. 

Ganz sanft tröpfelnder Drum & 

Bass, der aber nicht versucht, keiner zu 

sein. Liquid jazzig und reduziert soulig 

legt Petrie Fährten zu den Boards Of 

Canada und LTJ Bukem gleichermaßen. 

Ingredients Records wird seiner Rolle 

als seismographische Talentschmiede 

wieder einmal gerecht und gräbt für uns 

diesen jungen Schotten aus. Dabei war 

eigentlich nur eine Single geplant. Doch 

die Demos begeisterten im Hause Ingredients 

so sehr, dass das Motto der 

EP missbraucht wurde und nun prompt 

für alle sieben Stücke herhalten muss, 

die Petrie einschickte. Gut so! 

ingredientsrecords.blogspot.de 

ck 

Kirk Degiorgio - 

Unreleased 1991-1992 

[Indigo Aera/009 - Rush Hour] 

Gerade eben erst hat Degiorgio ja mit 

seinem Album 

"Sambatek" ordentlich 

und das 

erste Mal seit 

langem wieder 

auf die Bassdrum 

gesetzt. Da 

bietet es sich an, 

den einen oder anderen Track aus den 

guten alten Zeiten gleich noch hinterher 

zu releasen, wo man doch gerade ein 

Sekündchen Aufmerksamkeit hat. 91, 

92: Das war ja eh die perfekte Zeit. Und 

so zeigen sich die vier Stücke hier als 

genau die Portion Deepness, die man 

sich erhofft hatte. Immer zackig in den 

Beats, immer unendlich in allem anderen. 

Ganz und gar fantastisch und natürlich 

um Meilen besser als alles der 

Retro-Krabbelgruppe 2013. 

thaddi 

Close - Wallflower 

[!K7 - Alive] 

Ich muss zugeben, das Close-Album 

ging völlig an mir vorbei. Dieser Track 

hier ist mir einfach auch viel zu kitschig. 

Aber es geht ja um die Remixe und 

Kyle Hall macht seine Sache mit dem 

schluffig fein ziselierten Oldschoolgroove 

voller warmer Chords und leicht 

brüchiger Hintergründe einfach perfekt. 

Extrem schimmernd süßlicher Housetrack, 

der die Vocals zurückgenommen 

aber perfekt einsetzt. Huxley und Deetron 

kommen aber um das eher darke 

Pathos des Originals nicht herum. 

www.k7.com 

bleed 

Massprod & Herva - Technology Fail 

as a Birth Control for Unnecessary 

Recordings 

[Kontra-Musik/kmwl006 - Clone] 

Das italienische Gespann kann ja den 

Stab ganz entspannt 

übernehmen, 

so wie Frak 

auf den bisherigen 

KMWL vorgelegt 

hat. Dass 

das neue Team 

nicht aus minder 

knorrigem Holz geschnitzt ist, verraten 

schon die Tracktitel, und es erweist sich 

gleich als Meister kunstvoll verdreckter 

Soundästhetik- und Arrangement-Attitüde. 

Die zwei A-Seiten-Tracks verführen 

mit jazzigem Electrofunk respektive 

federnd steppendem House, und kaum 

schaut man sich zwischen den Loops 

ein bisschen um, sondiert die Percussion, 

die als exotischer Kerschel noch 

aus der Kolonialzeit rumliegt, etwas genauer, 

wechselt das Licht, ein Geheimgang 

geht auf, eine Falltür, schon sind 

wir mitten in einer abseitigen Giallo- 

Episode, in der nichts mehr ist, was es 

scheint. Auf der B verstecken wir uns 

dann in zwei feuchten Kellern, in denen 

in den Neunzigern mal Cheap Records 

zu Hause waren, wo wir uns mit einem 

minimalen Drum-Workout sammeln, 

um uns danach hinzulegen und gehörig 

im Acid-Wald zu verlaufen. Bitte genau 

so weitermachen. 

www.kontra-musik.com 

multipara 

Matt Tolfrey feat. 

Marshall Jefferson - The Truth 

[Leftroom/042] 

Keine Frage, Geeeman rockt hier alles 

in Grund und Boden. 

Irgendwie 

klingt seine Version 

des Tracks 

aber auch verdächtig 

nach 

Arttu. Sind sich 

aber eh sehr nah. 

Die Deep-Vox-Voyage jedenfalls hat alles, 

was ein knallig bassiger Killeroldschooltrack 

so braucht. Und die Vocals 

von Marshall Jefferson könnten keine 

bessere Umgebung bekommen. Das 

Original ist dagegen irre gestelzt blumiger 

Durchschnittsbummeldeephouse. 

bleed 

Land Shark - Tie Me Up 

[Leftroom Limited/034] 

Jetzt noch mehr Remixe? 8? Vielleicht 

etwas viel. Vor 

allem weil der 

einzige Remix 

hier, der am Ende 

doch über sich 

hinauswächst, 

der Chicken- 

Lips-Mix ist und 

auch der natürlich schon draußen war. 

Wenn ich es richtig sehe, sind die neuen 

Mixe hier die von der PBR Streetgang 

und Yousef Circus, aber irgendwie sind 

die völlig überfrachtet. 

bleed 

Vessel - Misery Is 

A Communicable Disease 

[Liberation Technologies/006 - Good 

To Go] 

Na dann hoffen wir mal, dass sie uns 

das nicht übertragen 

wollen. 

Der Titeltrack 

knattert mit seiner 

brachial 

deepen Maschinengewehrästhetik 

allem voran 

und braucht eine Weile, bis er sich in 

den breiten Chords und Harmonien ergeht, 

die aus dem kämpferischen Hintergrund 

der hämmernden Grooves 

eine Beschwörung machen. Kaputter 

noch das abenteuerliche "VMI", das mit 

quietschigen Trümmersounds aufwartet, 

die klingen, als hätte man gerade 

erst seinen ersten Synth zusammengeschraubt 

und wäre jetzt mitten in den 

experimentellsten Phasen der frühen 

80er-Exploration gelandet. "Not For Design" 

rundet die EP dann mit einem Kaputtnik-Dub 

ab, der schleppend und 

böse in sich selbst versumpft. 

liberationtechnologi.es 

bleed 

Palms Trax - Equation EP 

[Lobster Theremin/LT 001 

- Rush Hour] 

One for the watchlist. Palms Trax legt 

auf dem neuen 

Label beeindruckend 

vor und 

verzaubert vor 

allem mit den 

beiden Stücken 

der A-Seite. Der 

"Late Jam" ist 

mindestens so weich wie das Schnuffeltuch 

von Linus, dabei aber eigentlich in 

beinhart triolisches 707-Beton gegossen. 

Und dass mir niemand mit Darkness 

kommt, wenn es um den Titeltrack 

geht. Der ist einfach nur rot. Und somit 

perfekt. "Houses In Motion" ist mir mit 

seinen Digitalsounds und vor allem der 

großindustriellen Kuhglocken dann 

doch arg heftig homogenisiert. Willie 

Burns macht das in seinem Remix vom 

"Late Jam" dann aber wieder weg. Und 

wett. Killer-EP! 

thaddi 

Le Vinyl & Javi Bora - We Are Back EP 

[Liebe * Detail/026] 

Die vier Tracks der beiden schwanken 

zwischen smoothem Housesound mit 

Popgesang und latinartigen Perkussiontracks 

die schon mal etwas überzogen 

in den Samples wirken können. 

Klassisch durch und durch wummst das 

in den manchmal überdrehten Breaks 

doch zu sehr nach einem Schema, dass 

man eigentlich überhört hat, aber gerade 

auf dem poppigsten Track "True" 

überzeugt einen das Vocal einfach so 

sehr, dass klar ist, der Track wird ein Hit. 

Egal ob die "what you gonna do when 

they come for you"-Zeile geklaut ist. 

bleed 

Jimmy Edgar - Mercurio EP 

[LVX003/LVX003] 

Die Tracks klingen manchmal wie eine 

Mischung aus 

solidem Chicagobrachialsound 

der ersten Stunde 

und einem etwas 

versponnen 

flausigen Experiment 

mit zirpenden 

Klängen. Wir stellen uns vor, jemand 

hätte "The Original Videoclash" 

mit digitalem Voodoo aufgeblasen und 

wäre am Ende dennoch bei einem ravenden 

Monstertrack gelandet. So ähnlich 

funktioniert der "Ultraviolet", während 

"Qlinda" eher ein housig orgelndes 

Stakkato für Freunde eines frühen New- 

York-Sounds ist und der Titeltrack fast 

schon booty an seine Reminiszenzen in 

digitaler Flausigkeit heran geht. Sehr 

sympathisch. 

bleed 

Anja Schneider - Hey / Rio 

[Mobilee - WAS] 

Tja. Hm. Warum grüßt Anja Schneider 

Ron Hardy? Warum 

Chicago? 

Sonst nicht ihre 

Stärke. Der 

Groove von 

"Hey" ist einfach, 

schnippisch, direkt 

und funky 

und wie erwartet oldschool bis hin zur 

Acidbassline. Ein kleiner Oldschoolhit 

für zwischendurch. "Rio" geht einen 

ähnlich gedämpften ruhigen Weg mit 

etwas mehr Melodie im Hintergrund 

und rundet die Platte gut ab. Fast 

schüchternes Release zur Besinnung. 

www.mobilee-records.de 

bleed 

Katzuma/Souleance - Zoooriginals#2 

[Original Culture/OSZOO002] 

Ein einfaches Konzept fährt die Non- 

Profit-Organisation Original Cultures 

hier: 2 Originale von unveröffentlichten 

Tunes, eine limitierte 7" und ein visueller 

Künstler. In dieser Ausgabe dürfen 

Katzuma und das gemeinsame Projekt 

von Soulist und Fulgeance ran. Der Italiener 

gibt uns klassischen House mit 

"Hände in die Luft"-Attitüde. Ein Gute- 

Laune-Tune mit ordentlich Percussion, 

souligen Vocals, treibendem Groove 

und schönen Keys. Nichts Neues, aber 

bewährte Qualität. Die B-Seite der 

beiden Franzosen ist da etwas diffiziler, 

aber geht auch ordentlich in die Beine. 

Nur eben nicht so gerade, sondern mit 

gebrochenen Beats und einer fetten 

Bassline. Eine Extended Version des 

Katzuma Tunes gibt es im Netz für lau. 

www.originalcultures.org 

tobi 

Drum Talk - Face Like Thunder 

[MoreMusic/018] 

Sehr trocken im Sound, geht es auf dem 

Titeltrack vor allem 

um die locker 

rollende 

Bassline, die 

Claps, den ausgewogen 

klaren 

Killersound aus 

Bassline, Stabs 

und purer Technoideologie der ersten 

Stunde. Ein Fest auch die Bleeps und 

der unerwartet poppig überzogene 

Donner im Track. "Ratio" ist ein tragisches 

Stück verwirrter Orgel in schwankenden 

Harmonien mit einem fast paukenartigen 

Groove, der in seinen 

schmorenden Basslines perfekt aufgeht. 

Eine fast albern überdreht lässige 

EP, auf der nur der Remix von XXXY irgendwie 

banal wirkt. 

bleed 

Adham Zahran 

Spacebound 

[Neovinyl Recordings/034] 

Einfach und klassisch schleppend in 

seinem deepen 

Housesound mit 

Orgeln, Bässen 

bis an die Belastungsgrenze, 

Soulvocals und 

einem todsicheren 

Gespür für 

einen sehr langsam lethargisch verführerischen 

Aufbau. "Spacebound" ist 

natürlich auf die breite detroitige Fläche 

aus, "Back To Ryhthm" auf den Funk der 

zischelnd verliebten Intensität auf dem 

Floor, die ebenso alles aus der ersten 

tiefsten Detroiterinnerung zieht, aber 

dennoch gefällt mir das dunkle klappernde 

"On My Own" am besten, das 

mich bis in die Rimshots und Flächen 

an die frühen Fragile-Releases erinnert. 

Ein Fest für alle, die klassische 

Detroitsounds immer noch wie am ersten 

Tag lieben. 

bleed 

Myles Serge / Whim-ee - You Like It D 

[Night Drive Music/030 - Decks] 

Myles Serge und Whim-ee teilen sich 

diese wundervoll 

harmonische 

House-EP mit 4 

Tracks, die vom 

ersten Moment 

an in diesem 

warmem smooth 

gleitenden 

Sound gefangen sind, der einen auf den 

Floor mehr noch entführt als zwingt. 

Beide Tracks mit diesem sicheren Gefühl 

immer genau den richtigen Ton zu 

treffen und bei aller Sanftheit dennoch 

zu slammen, und die gegenseitigen Remixe 

sind ebenso bezaubernd. Schlichte 

und durch und durch schöne Platte. 

www.night-drive-music.com 

bleed 

Objekt - Agnes Demise / Fishbone 

[Objekt/003] 

Was für ein Irrsinnssound. Zerrig spröde 

Bassdrums, 

sphärische Hintergründe, 

klassische 

frühe 

Post-Aphex- 

Schule könnte 

man denken, 

aber dann wird 

das Geschnatter immer wilder, die 

Sounds sehr verdreht und gespenstisch 

und der Groove am Ende doch purer 

Funk. Zwei abenteuerliche Tracks aus 

den Tiefen einer Szene, die wir schon 

fast vergessen hatten. 

bleed 

Limo - My Sunday EP 

[Out-Er/009] 

Limo beginnt seine EP sehr zuckrig, mit 

einem fast ambienten 

Stück und 

lässt sich erst 

danach auf die 

treibend kickenden 

Bässe und 

Chords ein, die 

seinen Sound 

sonst so ausmachen, und sich hier auf 

"Based" noch mit perfekt gebogenen 

Acidlines paren. Treibende trockene 

Grooves mit satten brilliant rockenden 

Bässen und darken Vocals bestimmen 

auch den Roman-Lindau-Remix, der 

dieses treibend massive Gefühl, dass es 

hier um nichts weiter geht, als die Konzentration 

auf diesen einmal gefundenen 

Groove, auf die Spitze treibt. 

bleed 

North Lakes - Moonwalker EP 

[Phonica/009 - WAS] 

Mir ist nicht so ganz klar, warum diesen 

Monat alle beschlossen haben, die alten 

Synths der 70er wieder herauszuholen 

und in den Hooklines die merkwürdigsten 

Progressive Rock Epigonen 

übertreffen zu wollen. Ist aber so. Auch 

75


Singles 

hier. North Lakes "Marlborol Noir" genießt seine Arps bis zum 

Umfallen und säuselt in breitem Kitsch zu einem eher nebensächlichen 

Groove. "Suomi Kutsuu" ist ähnlich verträumt und 

kitschig und auch "Moonwalker" könnte für einen blumigen 

SciFi aus den 70ern als Titelmelodie herhalten, selbst die 

Drummachines mit ihren Voreinstellungspatterns passen hier 

perfekt. 

www.phonicarecords.com 

bleed 

Ambassadeurs - Alone In The Light EP 

[Pilot Records] 

Ziemlich grandiose quietschiger Wahnsinn den dieses "Ardour" 

da anzettelt. Smoothe Basswelten 

mit eirigen Melodien und einer 

Grundstimmung und Vocals die klingen 

als hätte jemand auf Breakbeatbasis die 

Cocteau Twins neuerfinden wollen. Mit 

aller Süße und allem Glanz, dieser Naivität 

der leicht esoterischen Begeisterung 

und den noch einem etwas überzogen 

orchestralen Funk. Die EP geht auch weiter in diese 

Richtung, lässt die Stimmen ganz dünn säuseln und unterfüttert 

sie mit zu viel harmonischem Bass, lässt alles ganz groß 

inszenieren, nähert sich dabei aber oft einen Schritt zu sehr 

einem etwas willentlich aufgenommenen Popgestus, der den 

Stücken viel von ihrer Intensität entzieht. 

bleed 

Daso - Awake At Night EP 

[Private Gold/006 - WAS] 

Daso kann Kitsch. Immer wieder schleicht er sich von einer 

anderen Seite an die Harmonien heran, 

lässt sie wie Butter zergehen und scheut 

selbst vor einem zarten Hauch Autotune 

nicht zurück. Während der Titeltrack 

sich diesem Zuckersüßen widmet, wird 

es auf der Rückseite aber einen satten 

Hauch zu trancig. Wirklich. 

bleed 

Daze Maxim - drf 

[Randform/003 - Intergroove] 

Eigentümlich erstickt wirken die abstrakten Grooves von Daze 

Maxim hier. Schnippisch gegen den 

Strom geschwommen. Lange Exkursionen 

in Konzentration auf diesen einen 

Loop voller kantigem Swing. Zwei Stücke 

die egal ob auf den Funk oder die 

Harmonie konzentriert, sehr in sich verschlossen 

bleiben, aber doch einen unausweichlichen 

Charme vermitteln. 

bleed 

Rhythmic Theory - Siren Song 

[Rhythmic Theory/002 - Hardwax] 

Mit ordentlich Distortion schunkelt es sich doch einfach besser. 

Oder? Wer nein sagt, muss nicht 

weiterlesen. Bristol auf Overdrive. Dabei 

aber gar nicht so trocken, wie man jetzt 

vielleicht vermuten könnte. Zumindest 

die A-Seite, vielleicht inspiriert vom fast 

gleichnamigen Buckley-Song, kuschelt 

mit einem digitalen Etwas ziemlich verfiltert 

ganz nah ran an die Essenz. Und 

"Genesis" ist der Urknall, den der Titel verspricht. Sehr gut! 

thaddi 

The Revenge - Bugles Of Truth EP 

[Roar Groove/004] 

The Revenge stehen ja immer für sehr synthbeladene Downtempotracks, 

die in schleppender 

Glückseeligkeit das perfekte Gefühl 

zwischen Oldschool und Reminiszenzkitsch 

ausloten und dabei dennoch nie 

peinlich sind. Das geschieht auch auf 

den 4 Tracks der EP immer wieder und 

schwingt sich lässig mit warmen melodischen 

Basslines schnell in himmlische 

Höhen auf. "Close Encounters Of The Casual Kind" ist so 

etwas wie das Motto. Nähe, Lässigkeit, Wärme, alles wie zufällig, 

alles wie in einem Glücksfall des Moments eingefangen 

und die Euphorie so breit und zeitlos wie man es sich auf dem 

ruhigsten Floor wünscht. Ein Traum der sich selbst erfüllt. 

"MDMF" ist mir einen Hauch zu nah an frühen wavigen Discoabwegen 

aber mit "Oot Yer Nut" und dem mythischen "Can't 

Get You Out Of My Mind" Sample zu knuffig knorrigen Funkgrooves 

der ersten Chicagozeiten die nicht weit von DBX entfernt 

sind, rockt sich das alles wieder gerade. Den blumigen 

Abschluss findet die EP dann auf dem Track mit Jesse Rennix 

der geradezu in sanften Housechords zerfliesst. 

bleed 

Alci - Early Beginnings Part 3 

[Robsoul/128] 

Die Tracks von Alci sind immer perfekt ausgelotete Deephouse 

Swinger mit extrem smoothen Grooves und einem Hang ein 

zentrales Sample fast in Wildpitch-Art durchzuschleifen und 

dabei dennoch nicht auf der Stelle zu bleiben. Lässige Beats, 

dezente Jazzanklänge, diskreter Funk. Manchmal ist das mehr 

als genug und flattert so überragend schlicht, aber dennoch 

voller Intensität über den Floor, dass es immer stimmt. 

www.robsoulrecordings.com 

bleed 

Cosmin TRG - Panoramic EP 

[Running Back/RBTRG-1 - WAS] 

Ein perfekt arrangiertes Handausrutschen. Cosmin lässt 

flattern. Auf dem Titeltrack mit Restgeräusch unten und pointierten 

Verschiebungen oben. Eine ausgesprochen trockene 

Angelegenheit, bei der nur die HiHats die adäquate Portion 

Nässe ausschütten und einen rundum zufriedenen Bounce 

zurücklassen. "Belvedere" rauscht an uns vorbei wie ein ICE 

an der wartenden Regionalbahn in Kleinkleckerdorf. Nächster 

Halt: Peak! Später landet dann noch eine Boeing auf der Hochgeschwindigkeitstraße, 

aber da sind die meisten DJs schon 

beim nächsten Track. "Aurora" leuchtet hell, kultiviert das 

Schnarren der Unendlichkeit und presst es praktischerweise 

gleich noch in die kleinsten Getränkedosen der Weltgeschichte. 

Ein Mal deepness on the rocks? Und bitte. 

www.running-back.com 

thaddi 

Rodney Barkerr - Rockin' House 

[Rushhour/RH 019 - Rush Hour] 

Vier Mal blubbernder Oldschool aus Chicago. Ein "lost gem", 

wie man so sagt, Tracks, die es nie über ein paar White Labels 

hinaus geschafft haben. Und die waren teuer. Dann doch lieber 

richtig releasen. So ein Sound, der wird nie alt. Jackt, rockt und 

Herr Barkerr (wofür das zweite R steht, bleibt unklar) hat ein 

derartig sicheres Händchen für die Filtersweeps, dass es eine 

reine Freude ist. Jackt. Rockt. Funkt. Aber, und das ist das Tolle, 

nie in die Tiefe, sondern immer nur nach vorn. Und vielleicht 

auch ein bisschen in die Breite. 

www.rushhour.nl 

thaddi 

Indigo - The Storm 

[Samurai Red Seal/REDSEAL022] 

Ein Hoch auf die Geschichte. Während sich Liam Blackburn 

ruhig und überlegt auf Apollo austobt, geht es hier um reine 

Oldschool-Energie. D&B, Half-Step, nennt es wie ihr wollt. 

"Spirit Of The Winds" (mit Versa) ist soweit draußen wie der 

Teil des Universums, aus dem Source Direct nie zurückgekehrt 

sind. Und funktioniert doch eben komplett anders. Zum Glück. 

Das liegt nicht nur daran, dass falsches Timestretching heute 

einfach immer noch besser klingt als 1995. Der Titeltrack dann 

ist ganz nah dran am reduzierten Zeitgeschehen des Post-Everything. 

Und "Condition" ist ein Hilferuf der besonderen Art. 

Lieber Sven Weisemann, komm nach Manchester und mach 

mit mir Musik. Unsere vier Hände können die Welt verändern. 

Da warte ich jetzt mal drauf. 

www.surus.co.uk/samurai-music 

thaddi 

Manuel Belgrano - Stoned In Tandil Ep 

[Savordigital/009] 

Funky wie ein Bremsstreifen auf der Autobahn. Der Titeltrack 

rollt und rollt, lässt seinen Bass und den 

wuscheligen Congas viel Auslauf, sammelt 

sich in einem Energiebündel aus 

purem Flow, und genau diesen Sound 

zieht die EP auch weiter durch. Bollernd, 

leicht plastilinartig, schwergewichtig, 

aber mit Finesse und immer bedacht 

auf dieses dunkle Rollen der Beats, die 

hier einfach alles sind. Musik wie aus der Wüste der endlosen 

Fahrten durch den einzigen Tunnel. 

bleed 

Samuli Kemppi - A Last Day On Earth 

[SCR Dark Series/004] 

3 darke in sich verschlossene Technomonster mit leichten 

Acidanklängen, die perfekt gewesen 

wären für die Zeit, als man Techno noch 

in verlassenen Warehouses mit viel 

Strobo und Nebel gefeiert hat. Nicht 

stampfig, sondern sequentiell vielseitig, 

schleichend und immer eher auf die 

abseitig außerweltliche Stimmung geeicht, 

nie zu dark oder willentlich depressiv, 

sondern eher von diesem dunklen inneren Funk beseelt, 

der solche Tracks immer wieder zeitlos machen kann. 

bleed 

Skirt - Wish In The Maze 

[Semantica/SEMANTICA28] 

Eine eingängige, verheißungsvolle Grundrhythmik, eine graudunkle, 

intensive Grundstimmung. 

Dazu eine tiefenlastige Avant-Techno/ 

Computer-Music-Bassdrum, besonders 

langsam schlagend, perfekt in den 

größeren Kontext des Stücks eingesetzt, 

sowie eine schnell pulsierende, 

unnachgiebig nach vorne drängende 

und doch eher dezente HiHat. So lässt 

sich Skirts Stück "Wish In The Maze" in Kürze zusammenfassen. 

Besonders gelungen sind zudem die beiden Remixversionen 

von Inigo Kennedy bzw. Ancient Methods, die die "Ambivalenz“ 

der Tempi der Bassdrum bzw. Hi-Hat, die einander 

jedoch gut ergänzen, ja sogar befruchten, ausdeuten, weiterdenken 

und in ihrer jeweiligen Form überspitzen. So wird der 

Ancient-Methods-Remix – natürlich - ein Stück zerstörter, 

schneller und härter als die Ursprungsversion. Die Grundidee 

– die Grundrhythmik – bleibt aber bei allen Stücken erhalten. 

Eine EP mit hohem Wiedererkennungswert. 

jonas 

&ME - Blitz / Number 9 

[Saved/009] 

Die neue &ME ist extrem konzentriert. Wogende Bässe, die 

fast entkernt wirken, schwere stapfige Grooves, die noch tiefer 

in den Sound hineinsteigen, knarrige Basslines ganz weit 

unten. Alles wirkt hier, als wolle es sich vom ersten Moment 

an ganz in diesem Phantasma aus krabbelnd warm versponnenem 

Sound einsinken lassen, der am Ende irgendwie immer 

experimenteller wirkt, so, als hätte wer einen Blick zu tief in 

die Chips gemacht, wäre dabei dennoch voller Eleganz und 

Spannung auf die Huldigung der Elektrizität konzentriert. Ein 

Monster in tiefster Konzentration. "Number 9" führt diesen 

groovend abstrakten Sound dann mit tänzelnderer Grundstimmung 

weiter aus, schwebt erhaben, wie es nur &ME kann, auf 

diesem Gewebe aus Groove und Sound, das immer verrückter 

wird, auch wenn man es gar nicht merkt, und am Ende hat 

man das Gefühl, &ME moduliere den Klang eher, töpferte ihn, 

greife tief in den Sound und gebe ihm eine unwahrscheinliche 

Gestalt. Gespenstische Platte. Gespenstisch gut und in einer 

ganz eigenen Welt angekommen. 

bleed 

Cesare vs. Disorder - Wide Close Ep 

[Serialism/021] 

Funky und ausgelassen ravend legt die EP mit "Karaoke Tokyo" 

erst mal ganz unbefangen los und bewegt 

sich Stück für Stück in immer 

abenteuerlichere Melodien und Syntheskapaden 

die klingen, als hätte jemand 

einen Soundtrack für "The Blade 

Runner" schreiben wollen, aber den 

Film in ein Feld von Gänseblümchen 

versetzt. "Running Late" ist ähnlich 

überdreht in den Melodien, aber knatterig funkiger und rast 

eher auf sein Ziel zu. Der Track mit Quenum, "Just For Fun", ist 

ein pulsierend flackernder Soultrack wider Willen, der ein Mal 

mehr zeigt, dass hier die Idee im Vordergrund steht. "Devils 

Lettuce" rundet dieses EP voller überfrachtet spleeniger Synthideen 

perfekt ab. Dazu noch ein slammender Remix von 

Maayan Nidam für "Karaoke Tokyo", der auf seine ganz eigene 

Weise verdreht und kaputt ist. 

bleed 

Bimas, Mennie, Ghengis Khan & Bill Kill - Raw Cuts Vol. 1 

[Snatch Records] 

Drei dreist unverschämte Tracks mit überzogenenen Beats, 

bollernden Basslines, stampfigen Grooves, dreckigen Vocals 

und dieser Wand aus Bass, die alles klingen lässt, als wäre 

es so angezurrt überfettet, dass man sich die Bassbins am 

liebsten um die Ohren hauen möchte. Prollig und irgendwie in 

seiner Dreistigkeit verflixt gut. 

bleed 

Chris Page - Pronic EP 

[Sonntag Morgen/030] 

Sonntag Morgen ist immer wieder ein Garant für kompromisslos 

darke aber doch solide treibende 

Technotracks und hier kommt Chris 

Page mit zwei wallenden Monstern in 

denen sich die Bassdrums überschlagen 

und die Tiefen mit einem satten 

Wummern ausgelotet werden. Stellenweise 

ist der Sound wie auf "Slug Cherry" 

fast erstickend dicht und der Kampf 

um die Techno-Krieger wirkt wie fast in den letzten Zügen, aber 

die Tragik ist durchaus etwas, das man genießen kann. Dennoch 

gefällt mir der funkig zischelnde Remix von Jay Clarke am 

besten, der aus "The Last Mrs Tanqueray" einen Sound macht, 

der in seiner Intensität manchen frühen Robert Hood Tracks 

nahe kommt. 

bleed 

Christian Burkhardt - Sent The Money Back 

[Souvenir/059 - WAS] 

Eigenwillig, wie sich Christian Burkhardt immer mehr zu jemand 

entwickelt hat, der vor allem mit 

unterschwellig melodisch glücklichen 

Tracks abräumt. Der Titeltrack mit seinen 

verwuselten Vocals und der unverschämt 

poppigen Bassline z.B. genießt 

diese Stimmung einfach, und auch das 

zögerlichere "Grace" ist von diesem 

knuffig klingelnden Sound ganz gefangen. 

"Keep It Dirty" ist irgendwie noch in einem Sound gefangen, 

in dem es vor allem darum geht, die Beats so richtig fett zu 

machen und wirkt etwas unentschlossen, ob es damit nun 

dark losraven soll, oder eher sanft pathetisch dahindriften. 

www.souvenir-music.com 

bleed 

V.A. 

[Studio R/002] 

Die scheinen das ernst zu meinen. Alles andere wäre auch eine 

Katastrophe gewesen. Nach dem fulminanten 

ersten Teil der Compilation-Serie. 

Während das Kerngeschäft, der 

Stream im Netz, uns von der echten 

Welt entkoppelt, setzen die R-Macher 

hier auf Vinyl. Thankfully. Dieses Mal 

dabei: Soulphiction, der, nicht nur wegen 

der französischen Sprache, irgendwie 

die Geschichte von Fnac Dance Division endlich weiterdenkt. 

Oder einfach nur zu viel Navarre gehört hat in letzter 

Zeit: nie verkehrt. Es folgt Daniel Stefanik mit seiner Ode "studio 

r", an die Originators also. Mit viel Wind in den Chords und 

einer entspannten Hektik, wie sie nur die 909 produzieren 

kann, wenn die alte Maschine einfach zu viel auf ein Mal spielen 

muss. Genial und latent slammend. Dann: Freund der Familie. 

Die treten mit "Kantine" endgültig das Erbe von Chain 

Reaction an, bringen gleich Zitronenkuchen mit, um Missverständnisse 

zu vermeiden, entlauben die Dubs und vergewissern 

sich dabei immer, dass das Agent Orange auch ordentlich 

recycled wird. Schließlich kommt noch Doyek mit dem "Night 

Park" zum Zuge, einem freundlich und dunkel-schimmernden 

Klopfer, der seine Sweeps wie eine Achterbahnfahrt in Zeitlupe 

arrangiert und ab sofort auf dem Zettel der Unendlichkeit 

steht. 

thaddi 

DJ Spider & Marshallito - Propaganda For The Devil 

[Subbass/003] 

Wenn das Kind im Echo verschwindet, hat die Bombe schon 

ihren Job erledigt. Kalt und öde liegt die 

Welt da, nur noch bespielt von einem 

Bass, der weit und breit keine Magengrube 

mehr findet, die er grummeln 

lassen kann. Früher gingen EBM-Konzerte 

so los. Dunkel, Nebel, Samples. 

Das war meist besser als die Gigs 

selbst. Gilt auch für "Wordly Suffering". 

Der "Enemy Of God" ist da schon fast gewöhnlich, auch wenn 

der Dub ähnlich tapeszenig schlackert. Die B-Seite dann bietet 

ein ganz anderes Raumklima. Krude, aber freundlich, fast 

schon deep auf die Nachmittagstour. Am besten dann sicherlich 

die B2 "Fallen Angel". Aus echtem Move-D-Klopapier. 

thaddi 

Einstürzende Neubauten & Perc - Stahldub Interpretations 

[Submit/001] 

Ulkige Idee. Diese Stahldub-Versionen waren mir völlig entgangen. 

Damals. Ach. Kollaps reichte 

aber auch schon, um einem die Welt zu 

zertrümmern. Dennoch. Perc hat sie 

ausgegraben und macht nun wiederum 

4 eigene Versionen daraus, die natürlich 

vom ersten Moment an leicht stählern, 

aber auch etwas verzückter glitzern und 

mit einer abenteuerlichen Wucht lostrümmern. 

Hart. Industriell ohne Ende, aber irgendwie auch 

durch und durch phantastisch in der gelegentliche Größe, zu 

der sich die Stücke mittendrin schon mal aufschwingen können. 

bleed 

Headless Ghost - 77 EP 

[Tamed Musiq/TMQ 006 - Clone] 

Ripperton allein zu Haus. Nach den Slammern auf Clone - 

neulich erst - jetzt wieder auf dem eigenen Label. Und die drei 

Tracks ("11", "22" und "44") wirken wie eine Abrechnung mit 

der ausufernden Welt. Konzentriert auf die Basics, rockt sich 

der Schweizer von A nach C über D und lässt B eben ganz bewusst 

aus. Das merkt man erst Schritt für Schritt, wenn man 

die einfachen Konstrukte im Kopf immer schon einen Schritt 

weiterdenkt und dann plötzlich auf dem Abstellgleis steht. 

Niemand da. Ripperton auf jeden Fall nicht. Der ist ganz woanders 

abgebogen und genau das macht diese EP so groß. Unerwartete 

Einfachheit. Molekulare Durchdringung. 10 - Hello, 

Ripperton. 20 - goto 10. Run. 

thaddi 

Zoé Zoe - Twista EP 

[Telefonplan Records/001] 

Das Debut des Labels kommt mit drei verdrehten Technotracks 

der außergewöhnlichen Art. Knochig aber nie scheppernd 

treiben die Grooves die leicht panischen aber doch mit 

vielen Melodien durchsetzten Stücke voran und führen in eine 

ausweglose aber doch mit Humor genommene Darkness, die 

ihren klapprigen Funk sichtlich genießt. 

bleed 

Stello Gala 

Body Rock Ep 

[Tenampa Recordings] 

Ich muss zugeben, der Titeltrack der EP reizt mich überhaupt 

nicht, aber dafür gibt es mit "Love and Sound" einen brilliant 

stampfig smoothen Killertrack, der sich ganz auf eine feine 

Melodie konzentriert und rings herum mit kleinen Geräuschen 

und Hallräumen spielt, die so elegant auf und ab ebben, dass 

es eine reine Freude ist. Und auch der grandiose ravende 

Stabtechno-Track "Stabtech" ist nicht mehr als er verspricht, 

macht das aber einfach ebenso lässig und direkt, dass man 

den Floor förmlich unter der ausgelassenen Wucht des Stücks 

explodieren sieht. 

bleed 

Paul Mac 

Grand Statement EP 

[Teng/011] 

Teng ist ein ulkiges Label. Von Nubian Mindz bis Paul Mac ist 

es ein weiter Weg. "92 Ways Of Acid" ist natürlich auch Oldschool, 

erinnert sich an die Zeit so rings um 1992, als Breaks 

und Techno noch nicht so ganz auseinandergedriftet waren 

und kickt mit wilden Acidbasslines und funky Breaks der einfachsten 

Art, ist aber doch eher einen Hauch stampfig. Gut. 

Auch das gehört zu Rave. Der Rest der EP wuchert dann aus 

in tiefe Basslinetrance der lässig wummernden Art, das einen 

selbst noch an frühe erste härtere Acidtracks aus den USA 

erinnert. Der Jorge Zamacona Remix passt in dieses Bild allerdings 

überhaupt nicht hinein. 

bleed 

Mgun - Some Tracks 

[Third Ear Recordings/3EEP] 

Mgun kann ganz schön böse loskicken. Stur fast schon. Maschinen 

an und losgefeuert, hier und da 

moduliert und schon ist das Stampfen 

eine Offenbarung. Das beherrscht er. 

Lapidar wie es auf den ersten Blick 

klingt, verwandelt sich die EP aber nach 

und nach in ein versponnenes Synthkleinod, 

in dem es vor allem um die 

süßlich zauseligen Melodien im Einklang 

mit kaputt gezerrten Beats geht, und da wirkt Mgun 

dann auf ein Mal so, als wäre er einer dieser vergessenen Helden 

aus den Urzeiten der Elektronik, die man gerade erst wiederentdeckt 

hat. Eigenwillige Zusammenstellung von Tracks, 

bei der man sich vielleicht etwas mehr Konzentration gewünscht 

hätte, am Ende aber doch vor Glück mitstrahlt. 

bleed 

76


singles 

Carter Bros - Run 

[The Classic Music Company/166D] 

Der Track erschien schon ein Mal auf einer EP von Monty Lukes 

Black Catalogue Label, deshalb 

wundert es auch nicht, dass Monty hier 

einen eigenen Remix beisteuert. Und 

der ist auch der Killer der EP. Die Raggaehousenummer 

bekommt in seinem 

endlosen Wildpitch das dubbigeste und 

weitläufigste Flair, im Solomon Remix 

ist etwas viel Synthgefussel, aber das 

Orginal mit seinen explodierenden kurzen Vocals ist irgendwie 

immer noch ein sehr eigenwilliger Burner für alle die jamaicanische 

Vocals einfach über alles lieben. 

bleed 

The Transhumans - Pleasure And Pain Theory And Practice 

Of Domination Vol II 

[Transhuman/TH 005 - Rush Hour] 

Ha, der Titel ist länger als die Review. Wer noch mal "Industrial 

Techno" sagt, bekommt aufs Maul. Was ein Scheiß. 

thaddi 

Quantic/Nidia Gongora - Muevelo Negro/Nangita 

[Truthoughts/TRU283 - Groove Attack] 

Will Holland alias Quantic meldet sich solo zurück und hat eine 

Weggefährtin der letzten Jahre im Gepäck. Nidia Gongora aus 

Timbiquí in Kolumbien, die Insider aus der Combo Bárbaro und 

Ondatropica kennen, singt auf den beiden Tunes dieser Singleauskopplung. 

Der Produzent wohnt ja inzwischen in Bogota 

und hat die lokalen Musiktraditionen in sich aufgesogen. Hier 

entfernt er sich ein Stück weit vom organischen Sound der vorherigen 

Produktionen, baut aber auf die Rhythmik pazifischer 

Musik in Kolumbien, die Curulao genannt wird. Dazu gehört 

auch ein Chor mit weiblichen Stimmen und Percussion aus 

der Region. Die Tunes hat Mister Holland in DJ-Sets getestet 

und veröffentlichenswert gefunden. Die 6/8-Rhythmen sind ja 

auch nicht so einfach mit Elektronik zu kombinieren. Funktioniert 

aber, als Bonus gibt es die Instrumentals und Accapellas 

obendrauf. 

www.tru-thoughts.co.uk 

tobi 

Cuthead - Everlasting Sunday 

[Uncanny Valley/UV019 - Clone] 

Es geht um Glitter. Einzig und ausschließlich. Verkleidet als 

House auf der A-Seite, als HipHop auf 

der B-Seite. Eine EP, neun Tracks. Und 

würde Cuthead singen, gäbe es reichlich 

Instrumentals. So nah dran, so oldschool 

ist die neue EP. Glitter also. Nicht 

am Baum, sondern im Flirren. An der 

emulierten Harfe, im Sample des achtsamen 

Herunterschreitens der gewundenen 

Panorama-Treppe, in wunderschönen Schuhen mit 

noch schönerem Lächeln. Wie das eben so ist an diesen nicht 

enden wollenden Sonntagen. An denen Mark Pritchard kurz 

reinschaut, um endlich den Speak&Spell zurückzubringen, 

den er sich seit der ersten Harmonic-313-EP gemopst hatte. 

Wenn Bassdrums mit den getupften Chords tanzen. Wenn der 

Kakao besser schmeckt denn je und die Plattennadel entstaubt 

wird und wieder glasklar durch den Groove fährt. So 

klingt Cuthead 2013. Nicht wie "Vibratin'", aber irgendwie 

dann doch und immer sowieso viel mehr. 

www.uncannyvalley.de 

thaddi 

Satoshi Fumi - Open Sesame 

[Unknown Season/003] 

Die Tracks von Satoshi Fumi haben öfter etwas von Designer- 

Detroit. Hier jedenfalls durch und durch. 

Sehr klar in den Sounds summen sich 

die beiden Stücke direkt auf den Höhepunkt 

ein, bleiben dort hängen und verströmen 

vor allem dieses Licht der 

schönen Harmonien und Melodien, das 

solche Tracks immer wieder zu einem 

perfekten Highlight machen kann. 

Selbst das kleine kitschig trällernde Piano als Tupfer ganz oben 

fehlt hier nicht. Musik für Melancholiker, die ihren Detroitsound 

bunt und blumig lieben. 

bleed 

Mark Pritchard - Lock Off EP 

[Warp/WAP349 - Rough Trade] 

Mark Pritchard war in den frühen 90er Jahren zusammen mit 

Tom Middleton "Reload", "Global Communication" 

und "Jedi Knights", mit 

Steve White "Africa Hi Tech", und solo 

"Harmonic 313". Jetzt veröffentlicht er 

unter seinem Geburtsnamen den zweiten 

Teil einer Trilogie bei Warp. Stilistisch 

geht er es hier recht breit gefächert 

an. Der Jungle-Eröffnungstrack 

präsentiert die beiden Altvorderen Ragga Twins und trabt 

mächtig vorwärts. Danach gibt’s feinen Hip-Hop-Trap samt 

Dancehallsirene und Ghetto-Atmo, rappelig Footwork-artiges 

und mit dem Titeltrack einen wirklich großartigen Junglegrimefootwork-Rundumschlag. 

Teil drei kann kommen! 

www.warp.net 

asb 

Volta Cab - I Cannot Sleep 

[Voyeurhythm/VR 013 - Rush Hour] 

Ganz arg viele Bekannte in diesen Tracks. Also: Sounds. Snippets, 

Loops, Gefühle. Und natürlich 

Samples als Grundgerüst von allem. So 

geht Russland. Wenn die besseren 

Holzbläser aus Plastik sind, lacht die 

Sonne und der Floor brummt. Hier mal 

reingebissen, Faithless? 

thaddi 

House Reverends - Drivetime EP 

[Well Rounded Individuals/007] 

Was für ein grandioser Kitsch. Der Titeltrack der EP klingt wie 

eine schmachtende 70er-Band in 

durchweichtem Soundbrei einer wuscheligen 

Houseband auf Retrooverdrive, 

und auch das Material Girl auf 

"Girl I Know" kennt keine Furcht vor 

dem flapsigen Orchestersound in brüchig 

knuffigem Hallwahn. Diese Vocals, 

runtergredeht und mit dem Soul einer 

kaputten Autotunewaschanlage versetzt, machen das ganze 

auch nur noch merkwürdiger. Schräg, sehr schräg. Für kaputte 

Discoafficionados. 

bleed 

Cormac - Is This Love EP 

[Wetyourself!/019] 

Cormac singt etwas zu gerne. Die Tracks bekommen durch die 

leicht abwegig darken Vocals immer etwas 

von Grace-Jones-Disco, auch 

wenn sie im Sound eher abstrakt und 

funky sind und die wenigen Elemente 

eigentlich perfekt konstruiert losgrooven. 

Verlassen wirkt das, tragisch, aber 

die Sounds sind so gut und perlend 

konkret tuschelnd, dass man da gerne 

drüber hinwegsieht und sich nach und nach immer tiefer in die 

Stücke einkuschelt. Am besten mit dem eher auf Stimmfragmente 

und Spoken Word basierenden Dubmonster "Tone Alone", 

das dem Stück durch die Stimmen eine breitere Dimension 

gibt und dem phantastischen Oldschool-Slammer "Who 

Funk". Knatternd und überschwänglich mit einem so sicher in 

der Vergangenheit aufgehobenen Groove, dass man einfach 

besinnungslos mitgeht. 

bleed 

Akabu & Giom feat. Kadija Kimara - Again 

[Z Records/12197] 

Irgendwie am sympathischsten im Dub, der mit seinen Soulvocals 

und dem tänzelnd dichten Groove vom ersten Moment an 

flausig und leicht überdreht auf einen so gut gelaunten Groove 

zusteuert, dass man die Sonne über der Bronx aufgehen hört. 

Der Giom-Mix übertreibt es dann etwas mit der discoiden 

Poppigkeit, auch der wummernde Joey-Negro-Strip-Mix ist 

einen Hauch zu sehr Handtasche. Sehr abstrakte Disco aber 

bleiben alle. 

bleed 

Mak & Pasteman - Brown Bread / Drowning 

[Naked Naked/006] 

Was genau mag in den beiden vorgehen. Diese darken abgehackten 

Stimmen, die kurz anreißen 

was nicht ist. Diese stapfigen Grooves 

und Beats, die zwischen den tragend 

schwärmerischen Sphären wie kämpfend 

losstapfen. Diese Verlassenheit der 

Stimmung, die sich selbst unter der 

Lupe hat, aber mit einem klinisch klaren 

Funk doch irgendwie im Einklang ist. 

Killertracks der dunklen Art, die sich selbst zum Gefangenen 

machen, dabei aber doch voller Stolz und ungebrochen selbst 

das übertriebenste Trancemoment noch in eine Extase verwandeln 

kann, die sich selbst überrascht. 

bleed 

Hakim Murphy - Chiffre 

[Mindshift Records/TOUBLE09] 

Detroit. Klar. Die Sounds allein. Dieser Klang der so gebrochen 

und aus einer anderen Zeit hereingewht 

kommt. Diese subtilen Nuancen von 

himmlischen Flächen und kaputten 

Grooves, dieser unbändige Funk der 

unter allem bebt. Hakim Murphy geht 

hier stellenweise fast einen Schritt zu 

weit um auf dem Floor noch mitspielen 

zu können, aber es kann ihm auch egal 

sein, denn natürlich ist das Musik für The Mind. Musik die sich 

in verkatert glückliche Eskapaden eines Sounds begibt, der 

ganz für sich mit einer Geschichte gefüllt ist, die keine Grenzen 

kennt, schon gar nicht die von Oldschool. Die Tracks von Murphy 

wirken mal durcharrangiert, mal wie aus der Hüfte geschossen, 

sie gehen ihren unbeirrbaren einzigartigen Weg und 

den geht man immer gerne mit ihnen, denn es lohnt sich einfach 

mit jedem Stück etwas ganz eigenes entdecken zu können. 

Remixe kommen vom unnachahmlichen Spider in seiner 

futurististischsten Jazzkonstellation und Murdoc mit einem 

fast erstickt deepen Kellerhouse-Swinggroove. 

bleed 

Morgan Alexander - The Scripted Infirm EP 

[Jacksloot Records/003] 

Brutzelnd, aufgeladen, statisch und doch so soulig wie ein 

Stück sein muss, das eine so zerbrechlich verheissungsvolle 

Jazzstimme ins Zentrum nimmt. Der Remix von "Just Checkin" 

ist in seinen Grooves fast übergrade, fast kalt, die Chords das 

Gegenteil, die Stimme flüstert vom ersten Moment an Verführung. 

So sehr dieses Stück auch auf der Stelle zu stehen 

scheint, so es sich selbst und sein Thema bewundert, es reicht 

schon diese Differenz zu sich selbst um einen in jeder Sekunde 

davon zu überzeugen, dass dieser Track einfach ein Killer ist. 

Und diese bratzelnd zurückhaltend monströse Bassline dazu 

macht ihn einfach nur noch unglaublicher. Ein Stück das klingt 

als hätte man eine vergessene Detroit-Hymne gerade frisch 

entstaubt. "Tilton's Place" mit seinen klapprigen Vocals, seinem 

ironischen "Really" Sample, den flatternden Synths und 

der zeitlos pumpenden Bassdrum ist eine ähnlich verrückte 

Hymne die davon handelt, dass man sich selbst selbst unter 

dem kritischsten Blick auf dem Floor immer noch völlig wandeln 

kann, weil man sich mit Tracks wie diesem einfach so 

konzentriert, dass man am Ende sogar wieder weiß warum es 

noch mal Work-It hieß. 

bleed 

Leif - Dinas Oleu 

[Fear Of Flying/FOFLP02] 

Leif ist unglaublich. Ein Album so voller sprudelnd warmer Ideen 

und Grooves, voller geheimnisvoller 

Momente purer Stimmungen in schlendernden 

Grooves, sanften Stimmen, 

verzückten Klängen und summenden 

Momenten, dass man sich ein Paddelboot 

wünscht, mit dem man auf dem 

Album baden gehen kann. Sommerlich 

bis ins letzte sind die Tracks in ihrem inneren 

Swing fast klassisch, man ist wirklich versucht Oldschool 

zu sagen, auch wenn sie nie so klingen. Aber es geht nie 

um den Floor oder die Rückbesinnung, sondern um diesen 

Versuch Musik zu berühren, wohl wissend, dass das nicht 

geht. Jeder Track beginnt wie ein Glühen, nimmt einen auf eine 

Reise mit, erzählt mit dieser direkten aber doch blumigen 

Stimme von einer Welt die man erst entdecken muss in der 

Stimme der Musik, die einem aber schnell so vorkommt, wie 

eine Heimat in der man sein Leben schon lange verbracht hat. 

Ein Album das mehr wie ein impressionistischer Roman wirkt, 

dabei aber nie in purer Ästhetik verweilt, sondern immer herzzerreißende 

Momente beschreibt, deren Nachwirkungen einen 

auch Tage später noch wie auf Wolken schweben lassen in 

dem sicheren Gefühl, man kann genau dahin immer wieder 

zurückkehren. 

bleed 

Kerem Akdag - A Good Play EP 

[Apparel Music/085] 

Apparel Music entdeckt immer wieder Künstler von denen 

man bei der ersten EP schon weiß, dass man ihnen treu bleiben 

muss. Die Tracks von Kerem Akdag sind bei aller swingend 

smoothen Deephouse-Attitude einfach zu lässig und humorvoll. 

Berichten mitten in den süsslichst funkigen String und 

Groove-Wirbeln von verlorenen Projekten, Dingen die man 

verpasst hat, Sachen die man einfach wieder neu erfinden 

kann und diesem absurd deepen Soul der alltäglichen Arbeit, 

der auf ein Mal genau so relevant ist, wie die Weisheiten der 

Liebe und Revolution. Allen Tracks gemeinsam sind diese unglaublichen 

Vocals, die dem stellenweise fast albern smoothen 

Sound der Tracks eine Ebene der unmittelbarkeit geben, die 

hier wie erkämpft wirkt, aber doch voller Leichtigkeit kickt. 

Stellenweise unheimlich, magisch, dann wieder voller Witz, 

dabei aber im Sound ungebrochen deep und voller klassischer 

Momente in neuem Licht. Eine der Deephouse EPs des Monats 

und das auch weil es das Genre gleichzeitig zu ernst und 

zum rumalbern nimmt . 

bleed 

Fjaak - Mind Games EP [Baalsaal Records] 

Nicht mehr der überdreht klare Funk der letzten EP sondern 

über Nach gereift steigt diese Platte von 

Fjaak ein. Deep und mit einem leicht 

überzogenen Soul der tragischen Nuancen 

ist das aber nur der Ausgangspunkt 

für die brilliant funkenden Basslines, 

diese smooth um die Ecke wedelnden 

Harmonien, die schwer auf der Seele 

liegenden Stimmen, die immer - wie 

z.B. im "I Can't Get No Satisfaction" Vocal - hintergründig in die 

Irre leiten. Und dann kommt mit "Don't Cry" doch noch eins 

dieser verdreht kantigen Stücke mit einem so deepen Chicagohintergrund, 

dass man Bandbreite von Fjaak sofort wieder 

entdeckt. Wir würden uns am liebsten jetzt schon ein Album 

von ihm wünschen, aber die nächste EP kann nicht weit sein. 

Eine der ganz großen Deephouse-Hoffnungen des Landes, der 

hier zeigt, dass selbst bei smootheren Tracks noch so viel Energie 

in allem steckt, dass sie wie von selbst über sich hinauswachsen. 

bleed 

Detroit Swindle - Unfinished Business EP 

[Freerange Records/170] 

Detroit Swindle. Ich komme immer noch nicht über diesen 

Namen hinweg. Der allein würde fast schon reichen um mich 

aufhören zu lassen. Und ihre Tracks bislang waren immer 

so voller ravigiger Housekiller, dass ich sowieso längst Fan 

bin. Die EP auf Freerange muss man wie alles am besten 

von hinten hören. "Woman" mit seinen überzogen eiernden 

Strings, dem grandios um die Ecke soulenden Divengesang, 

den Rhodes und Grooves, dem nicht ganz unerwarteten Moment 

in dem ein ganzes Stadion vor Glück aufschreit, dieses 

überall durchscheindene Gefühl, dass man ganz oben steht, 

an der Spitze der Welt, aber es trotzdem nicht ausnutzt, das 

macht die Größe der beiden aus. Auch hier. So viel im Zaum 

gehaltene aber dennoch überbordende Euphorie ist schwer 

zu halten. Weshalb der Titeltrack zwar trotz ähnlicher Sounds 

etwas direkter losfunkt und nicht ganz diesen Punkt findet, an 

dem das Feuer der Begeisterung über die vielen anderen der in 

diesem Umfeld herumschwirrenden Tracks hinausgeht. Trotzdem 

können sie es einfach. Spannungsvoller ist da "Under The 

Spell" das mit seinen sprunghaften Grooves eher in die Welt 

von Garage mit allen seinen Verlockungen eintaucht. 

bleed 

Carloscres & Gusher 

The Future Tan 

[Society 3.0 Records/077] 

Manchmal sonnt sich House in dieser Tiefe der eigenen Geschichte 

mit einem Blick auf vergessene 

Momente, die einem schon wieder wie 

die Zukunft vorkommen. So etwas in der 

Art müssen sich die beiden gedacht 

haben, als sie auf "The Pop Kit" diese 

kurzen Bu-bu-bup Vocals im Duett entdeckt 

haben und daraus die tragende 

Melodie des Stücks mit all seiner Albernheit 

fertig hatten. Puh. Klingt wie Tricky Disco für Träumer. 

Und so trudelt der Track dann auch vor sich hin. Blubbernd, 

schmunzelnd, und mit einer Popästhetik, die so einfach wie 

überzeugend ist. "Future Tan" sagt auch ständig "Du", aber 

vermutlich haben die beiden nicht daran gedacht, dass uns 

hier das irgendwie etwas zu kuschelig rüberkommt, vor allem 

wenn es in einen so schwärmerisch flausigen Housetrack verpackt 

ist. Kann man das irgendwie anders hören, dann ist es 

einfach ein charmantest Stück smoother Housemusik für den 

lauen Sommerabend. 

bleed 

V.A. - Stiff Little Spinners Vol. 4 

[Audiolith] 

Auf der Compilation-Serie übertreffen sie sich gerne selbst. 

Oder probieren etwas ganz neues. Und selbst Leute wie Joney, 

eh schon ein durch und durch überdrehter Experiment-Popper 

(im besten Sinn) rockt dann mit einem so monströs stoisch 

smoothen Stück wie "It's Braining Schnaps and Frogs" alles an 

die Wand. Stolzierend, erhaben, mächtig und doch so unnahbar. 

Aber auch Kalipo mit seinem trancig sommerlichen "Perspicientia" 

findet eine Lücke zwischen Popmusik und Groove, 

der früher immer nur Kompakt so süsslich und überglücklich 

gelungen ist, so weltumarmend, naiv und doch fundamental 

zugleich. Kring räumt dann mit einem klassisch monströsen 

Deephousetracks voller geschwungener Chords ab, Rampue 

gönnt sich einen trunkenen Urlaub in der Kneipe nebenan und 

Torsun Teichgräber zeigt den französischen Chansonetten wie 

man darauf Ravemusik stricken könnte, während Gimmix voller 

glücklichem Basskitsch den Housetrack für frisch verliebte 

hinterher schiebt. Sehr sympathisch poppige aber auch deepe 

EP. 

bleed 

Divvorce 

Vanessa (A Dreamer) EP 

[Fifth Wall/009] 

Aus Brooklyn? Da schreibt man offensichtlich die besten Promotexte. 

Ich lese die sonst nicht. Aber 

hier steht wesentliches drin, und die 

Genreangabe (existential) hat mich eh 

schon neugierig gemacht. Inspiration 

für Divvorce kommt von Franz Kafka 

und einem einsamen Spaziergang 

durch Paris während der Fashion Week. 

Das macht doch alles klar. Techno 

schreibt Divvorce mit Fragezeichen. Und die Platte hat bei aller 

Deepness irgendwie dann auch Humor. Wummernde Bässe, 

Breaks wenn es sein muss, kompromisslose Härte mit subtiler 

Eleganz in den Sounds, aber auch schwärmerisch warme Eskapaden 

mit sehr eigenwilligen Stimmen. Techno wie es sein 

muss. Wagemutig aber doch so nah. Und die Remixe von Physical 

Therapy und Unklone legen noch einen drauf. Mal schepperndst 

verzerrte Breaks in smoothem Soundgewitter, mal eisig 

verliebt untergründig tranciges Glühen. Eine sehr 

vielseitige Platte auf der jeder Track ganz für sich schon ein Hit 

ist. 

bleed 

Geiger und Lafelt - Walking In The Rain EP 

[Nylon Tracks/016] 

Überragend lässige manchmal auch völlig abseitige Housetracks 

der deepesten Art bestimmen 

diese EP. Vom klapprig kaputten Kitsch 

des Titeltracks, der die Reminiszenz auf 

der Kuhglocke nachspielt, über das unnachahmliche 

"Trying To Say" das mit 

einer verzerrten Stimme und einem 

Groove der so um die Ecke shuffelt, 

dass man das Gefühl hat, der Loop ist 

kapuut, dennoch eine so grandios deepe Stimmung erzeugt, 

die selbst von dem "Party People" Sample nicht gebrochen, 

sondern eher verstärkt wird, bis zum ultrafunkig direkten "Midnight 

Drive" ein Fest. 

bleed 

Me Succeeds - Rongorongo Remixes 

[Ki Records/019] 

Eine bessere Sammlung an Remixern hätte man für das wunderschöne 

Rongorongo gar nicht auftreiben 

können. Alle sind voller Huldigung 

für Me Succeeds. Und die ganze 

Houseposse ist dabei. Iron Curtis, 

Christian Löffler, Tilman Tausendfreund, 

und alle Tracks sind Killer. Die süsslichen 

Vocals sind perfekt integriert, die 

euphorisierenden Melodien klingen 

überall durch, die Basslines rocken, die Beats kicken. "Rongorongo", 

"Seventeen" und "That's Why I Cast A Shadow" bekommen 

eine noch klarere Bestimmung für die deepesten 

Dancefloors dieser Erde und wir können es kaum erwarten bis 

die ersten Partys diese Momente puren Glücks in den Vocals 

und Stimmungen entdecken. Egal ob es funkig verrückt, oldschoolig 

hymnisch oder auch nur säuselnd verliebt zugeht, die 

Stücke sind immer so voller Herz und Dichte, dass man schon 

jetzt die Augen schliessen möchte um dieses Gefühl nu ja nicht 

zu verlieren. 

bleed 

77

DE BUG ABO 

Hier die Fakten zum DE:BUG Abo: 10 Hefte direkt in den 

Briefkasten, d.h. ca. 500.000 Zeichen pro Ausgabe plus 

Bilder, dazu eine CD als Prämie. Die Prämie gibt es immer 

solange der Vorrat reicht, wobei der Zahlungseingang für 

das Abo entscheidet. Noch Fragen? 

UNSER PRÄMIENPROGRAMM 

Clara Moto - Blue Distance 

(Infiné) 

Zarte Tristesse, vielschichtig arrangiert: Das 

neue Album von Clara Moto verbindet Ambient 

und Songwriting mit der erprobten Basis 

aus Techno und House. Und zeigt damit, wie 

vielschichtig unsere Dancefloor-Welt 2013 sein 

muss, um den Winter zu überstehen. 

Om Unit - Threads 

(Civil Music) 

"Slow on the bottom, fast on the top." Jim 

Coles ist ein Kind des Breakbeat-Kontinuums. 

Mit seinem Debütalbum gelingt ihm eine Synthese 

aus schleppenden, Bass-schwangeren 

Backbeats im 70-80-Bpm-Spektrum und 

hyperaktiver Percussion im doppelten Tempo. 

Special Request - Soul Music 

(Houndstooth) 

Scheiß drauf, lass rollen. Paul Woolford löst als 

Special Request das ein, was der gefragte DJ 

schon immer machen wollte: Eine direkte Auseinandersetzung 

mit der Musik, die ihn so nachhaltig 

prägte. Also Breakbeats, Jungle und alles, 

was dazugehört. 

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Mooryc - Roofs 

(Freude am Tanzen) 

Die Musik von Maurycy Zimmermann ist wie ein 

Flügelschlag, das volle Tonlinien, satte Rhythmik 

und Tiefe ans Licht treibt. Sagt sein Label. 

Und wir können nur freudig zustimmen. Langsam, 

schnell, mit Emphase oder zurückhaltend: 

Mooryc hat den elektronischen Kosmos fest im 

Griff. 

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E-Mail, Telefon 

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PLZ, Ort, Land 

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Omar Souleyman - Wenu Wenu 

(Domino) 

Ein syrisches Phänomen, Hochzeitssänger in 

traditioneller Kutte! Hipper Gegenentwurf zum 

verwestlichten Ethno-Pop? Wie kann man den 

hiesigen Hype um jemanden werten, für den 

Michael Jackson und die Beatles Fremdworte 

sind und dessen neue Platte von Four Tet 

produziert wurde? 

nächste Ausgabe: 

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verlängert sich automatisch um ein Jahr, wenn es nicht 8 Wochen vor Ablauf gekündigt wird. 

DE:BUG 178 ist ab dem 29. November am Kiosk erhältlich / u.a. mit unserem großen Jahresrückblick, einem 

Studiobesuch bei Nils Frahm und einem epochalen Label-Feature zu Dekmantel, dem Alleskönner-Hub aus Holland. 

im pressum 177 

DE:BUG Magazin 

für elektronische Lebensaspekte 

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Texte: 

Anton Waldt (anton.waldt@de-bug.de), 

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Christian Werner, Claus Richter, Benjamin 

Weiss, Elena Peters-Arnolds, Maya Cule, 


Illustrationen: 

Casey Richardson, Harthorst 

Reviews: 

Sascha Kösch as bleed, Thaddeus Herrmann 

as thaddi, Andreas Brüning as asb, Christoph 

Jacke as cj, Tobi Kirsch as tobi, Multipara as 

multipara, Bastian Thüne as bth, Tim Caspar 

Boehme as tcb, Martin Raabenstein as raabenstein, 

Christian Blumberg as blumberg, 

Christian Kinkel as ck, Sebastian Weiß as 

weiß, Wenzel Burmeier as wzl 

Artdirektion: 


(lars.hammerschmidt@de-bug.de) 

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UStID Nr.: DE190887749 

Dank an 

Typefoundry OurType 

und Thomas Thiemich 

für den Font Fakt, zu beziehen 

unter ourtype.be 

78

177 — de:bug präsentiert 

28.11. – 01.12. 

Haus der Kulturen der Welt, Berlin 

WORLDTRONICS 

Teams & Tools 

Es gibt eine Weltmusik, die nicht postkolonial 

verzerrt ist, beziehungsweise 

deren entsprechende Verzerrungen klar 

zu Tage treten oder sogar deren Inhalt 

sind. Das Worldtronics-Festival versucht 

nun schon seit sieben Jahren diese alternative, 

emanzipatorische Weltmusik 

zu ergründen und zu feiern. Motto der 

diesjährigen Ausgabe: Teams & Tools, 

die "weltweiten Phänomene wuchernder 

Musikszenen". Das Internet, so der 

Worldtronics-Ansatz, vernetzt auch 

Musikszenen und setzt sie zueinander in 

Beziehung. Neue Parallelen entlegener 

Musikentwicklungen treten hervor, Stile 

finden zusammen und alte Amalgame 

werden aufgeschmolzen. Diese neue 

Weltmusik ist dekonstruktivistisch - 

und gerade deswegen lässt sich auf 

sie so gut feiern. Und das geht im Haus 

der Kulturen der Welt dieses Jahr so: 

Mit ihren Projekten Bordermovement 

und Soundcamp klinken sich Gerriet 

Schulz und die Gebrüder Teichmann 

in die südasiatischen DIY-Netzwerke 

ein. Der Londoner Talvin Singh zeigt 

Gemeinsamkeiten zwischen klassischer 

indischer Musik und früher "westlicher" 

elektronischer Musik auf. Der Franko- 

Niederländer Pierre Bastien baut charmante 

Musikmaschinen mit Humor und 

Seele, die Katalanin Eli Grass macht 

experimentelle Musik mit Spielzeug und 

Fundsachen, die aus Kairo angereisten 

Sadat & Alaa Fifty kreuzen HipHop und 

Kairoer Straßenmusik. Die Berliner 

Avantgarde-Bigband Zeitkratzer präsentiert 

ein Projekt zu den elektronischen 

Musikstudios von Radiostationen 

vor allem in Osteuropa; Felix Kubin 

und die polnische Bigband Mitch & 

Mitch spielen verstörenden Avant-Pop 

und die Band Frikstailers aus Buenos 

Aires, so die Worldtronics-Veranstalter, 

schöpft "aus dem globalen, kollektiven 

Unterbewusstsein des Pop." Das 

Musikprogramm begleitet der Elektro- 

Fachmarkt, auf dem sich die Berliner 

Elektronikszene zum Schwofen bei 

Minikonzerten und DJ-Sets trifft. Denn 

was die Musikszenen der Welt können, 

das können sie auch im Haus der 

Kulturen der Welt. 

www.hkw.de 

14.–20.11. 

Festspielhaus Hellerau, Dresden 

CYNETART 

Das CYNETART ist ein Verbinder der 

Welten. Auch in diesem Jahr bietet es ein 

kontrastreiches Programm aus technologisch 

unterstützten Tanzaufführungen, 

international besetzten Workshops in den 

Bereichen Tanz, Medienkunst, Technik, 

außerdem einen aktuellen Schwerpunkt 

auf Biohacking und Bioart. Das versierte 

Rahmenprogramm aus Vorträgen, 

Demonstrationen und Workshops findet 

seine hedonistische Spiegelung in 

Form von A/V-Performances, Konzerten 

und Clubabenden. Hier mit dabei: Kuedo 

(Planet Mu), Sensate Focus, Grischa 

Lichtenberger (Raster-Noton), Ryoichi 

Kurokawa, Assimilation Process (sub urban 

trash), Ulf Langheinrich (Epidemic), 

Zilinsky und Arpanet: das mysteriöse 

Duo um Frontmann Gerald Donald (aka 

Heinrich Müller / Der Zyklus, Japanese 

Telecom, Dopplereffekt, sowie eine Hälfte 

von Drexciya). Top-Notch-Sound- und 

Bildwelten werden dabei auf exzellenten 

technischen Anlagen im übergroßen Saal 

des Festspielhauses präsentiert. 

Foto: David Pinzer 

www.cynetart.de 

8.-10.11. 

Zollverein, Essen 

C3 FESTIVAL 

C3? Das steht für Club Contemporary 

Classical, den drei Cs also, die die 

musikalische Berichterstattung dieses 

Magazins seit Jahr und Tag immer 

wieder begleiten. So ist es keine 

Überraschung, dass die Protagonisten 

der zweiten Auflage des Festivals alte 

Bekannte sind. Matthew Herbert, 

Murcof und das US-amerikanische 

Kollektiv "Bang On A Can All-Stars" bilden 

das Headliner-Dreigestirn in diesem 

Herbst: ein dichtes Programm. 

Mr. Herbert kommt nicht allein nach 

Essen. In Quartett-Besetzung präsentiert 

er sein aktuelles Album "The End Of 

Silence": Deutschlandpremiere! Murcof 

hat mit der Pianistin Vanessa Wagner 

ebenfalls Unterstützung auf der Bühne 

und die Bang On A Can Crew kommen 

eh immer reichlich. Dabei ist ihre 

geplante Performance von Brian Enos 

"Music For Airports" ja eher für ganz 

kleine Besetzung konzipiert: wird spannend! 

Außerdem im Programm: Macro- 

Boss Stefan Goldmann, die Denovali- 

Darlings von Piano Interrupted, Tesla 

Mode und Rotterdam. Herbert packt 

derweil im Hotel Shanghai noch die 

Platten aus. Beim C3 geht es aber nicht 

nur um das Zuhören, sondern auch 

um das Ausprobieren. Schülerinnen 

und Schüler können sich während des 

Festivals dem Phänomen Ambient nähern, 

mit den Musikern vor Ort diskutieren 

und schließlich die akzentuierte Stille 

selbst umsetzen. 

Foto: Helen Woods 

www.c3festival.com 

10.11. 

Alter Schlachthof, Dresden 

ELECTRONIC BEATS 

Sommer gerade überstanden, leutet die 

Telekom direkt die nächste Festival-Saison 

ein. Dass das Electronic Beats Festival 

bei seiner jährlichen Europa-Reise im 

Frühling und Herbst jeweils eine Handvoll 

Hochkaräter einpackt, scheint mittlerweile 

sicherer als die Jahreszeiten selbst. So soll 

es denn auch in diesem Herbst sein, wenn 

Electronic Beats zum ersten Mal in Dresden 

Halt macht. Neben Sizarr, dem neuen Indie- 

Maßstab aus der Pfalz, wird unter anderem 

der Franzose mit den Riesentrommeln und 

dem Hang zum Pathos, alias Woodkid, 

in den Alten Schlachthof geladen. Als 

Gegenpol zum orchestral-cinematischem 

Epos des Musikers und Regisseurs 

aus Lyon, treten die Post-Whatsoever- 

Lieblinge von Mount Kimbie an, die sich 

mit "Cold Spring Fault Less Youth" in diesem 

Sommer nicht nur ein feines Nest 

bei Warp eingerichtet haben, sondern mit 

eben jenem Album wieder einmal gezeigt 

haben, zu welcher Intensität die Reduktion 

doch im Stande ist. Ein Album, dessen 

Produktionsprozess stark von der Live- 

Umsetzung ihrer ersten Platte beeinflusst 

wurde, wie sie uns im Interview erzählten. 

Ihre Live-Sets, in denen das Duo die konstante 

Re-Interpretationen ihrer eigenen 

Stücke verfolgt, geben im Umkehrschluss 

tiefe Einblicke in die Entstehung ihres unverwechselbar 

intensiven Sounds, der 

Ambient, Postrock, Electro, House und 

HipHop gleichermaßen unter seine Fittiche 

nimmt. 

Die preiswerten Tickets lassen sich seit 

kurzem über die EB Apps sichern und 

sind natürlich auch über den klassischen 

Online-Weg zu haben: 

www.electronicbeats.net 

79

177 — musik hören mit: 

interview Bianca Heuser 

bild Elena Peters-Arnolds 

Backstage bei unseren Lieblings- 

Isländern. Während eines Tour- 

Stops in Berlin erzählen Gunnar 

Örn Tynes und Örvar Þóreyjarson 

Smárason von der Stripclub- 

Schwemme in Portland, der Arbeit 

mit Kylie Minogue und ihrer Liebe 

zu Twin Peaks. 

Dr. Buzzard’s 

Original Savannah Band – 

Sunshower (RCA, 1976) 

Gunnar: Das gefällt mir! Das ist sehr schön. 

Örvar: Und komisch psychedelisch. 

Eigentlich ist das ein super süßer Song für 

die ganze Familie, aber irgendwas ist doch 

80 

ein bisschen neben der Spur. 

De:Bug: Ich spiele euch das eigentlich wegen 

des tollen Bandnamens vor. Ihr habt 

ja einen ganzen Tumblr-Blog schlechten 

Bandnamen wie Dreadlock Comb-Over 

oder Sylvester Alone gewidmet. 

Örvar: Wie hast du den denn gefunden? Das 

hatte ich fast vergessen. Wir denken uns auf 

Tour ständig bescheuerte Bandnamen aus 

und haben sie irgendwann mal alle auf diesem 

Blog gepostet. 

Gunnar: Aber wie hieß diese Band noch 

mal? Das muss ich mir unbedingt aufschreiben. 

(pfeift) 

The Magnetic Fields – 

A Chicken With Its Head Cut Off 

(Merge, 1999) 

De:Bug: Für mich verbindet die Magnetic 

Fields und Múm eine bestimmte Romantik. 

Örvar: Das ist interessant. Wir selbst haben 

ja keinen Schimmer, was unsere Musik eigentlich 

ist. Besonders nach einer Tour ist die 

Vorstellung, die man vom aktuellen Album 

hat, komplett durcheinander gewirbelt. Dann 

bin ich vollkommen ahnungslos. 

Gunnar: Auf Tour ändert sich meine 

Vorstellung von unserer Musik tagtäglich. 

Örvar: Ich glaube eh, dass man die Vision 

seiner eigenen Musik erst nach ein paar 

Jahren ganz versteht, der Abstand hilft. 

Gunnar: Man würde natürlich alles ganz anders 

machen. Man bekommt sonst ja nicht 

so mit, wie man sich verändert. Aber beim 

Anhören der eigenen Musik von vor ein paar 

Jahren wird es einem plötzlich ganz deutlich. 

Örvar: Oft ist es als hätte jemand anders 

dieses Album gemacht. Aber das ist ein 

gutes Gefühl. Man kommt einer vergangenen, 

überholten Version von sich selbst 

wieder näher. 

Gunnar: Ich gehe mal Kaffee holen. 

Badalamenti Explains 

Twin Peaks Love Theme 

(YouTube-Upload, 2008) 

Örvar: Das muss Gunnar unbedingt von 

Anfang an hören. Gunnar, komm' mal! 

Gunnar: Oh, Twin Peaks! 

Örvar: Ja, aber hier erklärt Angelo 

Badalamenti wie er und David Lynch die 

Musik zusammen geschrieben haben. 

(Das Video endet: "He said: 'Angelo, don’t 

do a thing and don’t change a single note. 

I see Twin Peaks.' That’s how it was done.") 

Gunnar: Verrückt! Das ist so schön, fast 

besser als der eigentliche Song. Ich habe 

überall Gänsehaut! 

Örvar: Es ist toll, wie er beim Erzählen der 

Geschichte aufblüht. Und es ist eine großartige 

Art, Filmmusik zusammen zu schreiben. 

Das passiert vermutlich fast nie so. 

Gunnar: Ich glaube nicht, dass viele 

Regisseure ihre Vision so kommunizieren


»Wir selbst haben ja 

keinen Schimmer, 

was unsere Musik 

eigentlich ist. Besonders 

nach einer Tour 

ist die Vorstellung, 

die man vom aktuellen 

Album hat, komplett 

durcheinander 

gewirbelt.« 

können. Die meisten sprechen gar nicht 

dieselbe Sprache wie Musiker, sind nicht 

Teil des gleichen Dialogs. 

De:Bug: Wie war es für euch, den 

Soundtrack für "Jack und Diane" zu 

schreiben? 

Gunnar: Wir hätten natürlich gern genau 

so gearbeitet. 

Örvar: Wir haben schon oft Musik für Film 

oder Theater geschrieben, aber so wie Lynch 

und Badalamenti ist es uns noch nie ergangen. 

Aber offenbar geht das doch! 

Gunnar: Klar, wir haben ja gerade den 

Beweis gehört! Einen sehr schönen Beweis. 

Örvar: Es ist wichtig, dass der Regisseur 

loslässt und uns genauso vertraut wie sich 

selbst. In der Regel stehen sie aber unter 

starkem Druck und sind gestresst wegen 

der Produktion und des Budgets. Sie können 

sich nicht entspannen und möchten 

etwas möglichst Umgängliches. Darum 

ersetzen sie oft die eigentliche Filmmusik 

mit irgendwelchem Singer/Songwriter- 

Folk-Zeug. Das ist leichter verdaubar. Dieser 

Videoclip hat mich aber auch so berührt, 

weil Twin Peaks einer der wichtigsten popkulturellen 

Einflüsse auf unsere Generation 

war. Ich weiß noch, wie ich die Serie als 

Kind das erste Mal im Fernsehen sah. Ich 

wusste nicht, was mich getroffen hatte. 

Ich verstand kein bisschen von dem, was 

da vor sich ging. 

Gunnar: Und heute, mit einem Abschluss 

in Filmwissenschaft, versteht man immer 

noch nicht alles. 

Örvar: Ganz genau. Ich habe erst kürzlich 

wieder alle Folgen geschaut. 

De:Bug: Wenn man David Lynch vollkommen 

versteht, sollte man sich sowieso 

Sorgen machen. 

Kylie Minogue – 

Love At First Sight 

(Parlophone, 2002) 

Örvar: Ist das Kylie? 

De:Bug: Das konnte ich mir nicht verkneifen, 

nachdem ich ihr Feature auf eurem 

neuen Album entdeckt habe. 

Örvar: Der Song war eigentlich für eine 

Clubszene in "Jack und Diane" gedacht. 

Aber als mich der Regisseur in Spanien 

anrief war die Verbindung so schlecht, 

dass ich ihn nicht genau verstehen konnte. 

Der Track war dann schon längst fertig 

als wir das nächste Mal in Kontakt traten. 

Er wunderte sich: "Was ist das denn?!" 

und fand den Song eine Woche später aber 

doch ziemlich toll. Für die entsprechende 

Szene im Film hat er dann trotzdem etwas 

anderes verwendet. 

De:Bug: Habt ihr Kylie getroffen? 

Gunnar: Ja, ich. Örvar war mit FM Belfast 

auf Tour. Sie war super cool. Eine sehr 

bodenständige und feine Person. Ich glaube 

nicht, dass sie je einen Fuß in ein derartig 

kleines Studio gesetzt hat, aber das störte 

sie gar nicht. Anfangs befürchtete ich, 

dass wir das nicht in einem Tag schaffen 

würden, manche Leute brauchen ja doch 

recht lang im Studio. Aber sie war super professionell 

und traf den Nagel auf den Kopf. 

Örvar: Der Regisseur versuchte im Studio 

noch den Text zu ändern, aber Gunnar konnte 

zum Glück die Originalversion aufnehmen. 

Der Text ist ziemlich heftig. Die erste 

Zeile wollte komischerweise niemand ändern: 

"I bleed like a pig". Ich wollte das unbedingt 

aus Kylies Mund hören. Das war 

ein kleiner Sieg. 

De:Bug: Habt ihr etwas übrig für diese Art 

von Popmusik? 

Örvar: Ich weiß nicht. So richtig entkommen 

kann man dem Ganzen ja nicht. Aber 

vor fünf Jahren war das alles noch spannender. 

Derzeit klingt alles so flach. 

Gunnar: Wir haben uns mal über "Toxic" 

gestritten, weißt du noch? 

Örvar: Was soll ich sagen, mich hat die 

Produktion einfach nicht so beeindruckt. 

Lawrence – 

In Patagonia 

(Dial, 2013) 

Örvar: Was ist das? 

De:Bug: Das ist von Lawrences neuem 

Album "Films & Windows". 

Gunnar: Das ist richtig gut. 

Örvar: Und so zeitlos! 

De:Bug: Er sagt, er produziert die meisten 

Sachen unterwegs. Schreibt ihr auch 

auf Tour neue Musik? 

Gunnar: Wir machen das als erstes, wenn 

eine Tour vorbeigeht. Man ist so vollgesogen 

mit neuen Eindrücken, die etwas in einem 

auslösen. 

Övar: Während einer Tour machen wir aber 

eher keine Musik. Dafür habe zumindest 

ich dann keinen Kopf. Ich kann mich nicht 

einfach hinsetzen und anfangen. Ich brauche 

viel Zeit für Spaziergänge und so. Aber 

Reisen wirkt sich auf jeden Fall auf unsere 

Musik aus, vor allem die Menschen, 

die wir treffen. 

Team Dresch – 

Fagetarian And Dyke 

(Chainsaw und Candy 

Ass Records, 1995) 

De:Bug: Team Dresch war eine lesbische 

Punkband aus Portland, Oregon. 

Örvar: Solche Sachen haben wir in den 

Neunzigern auch gehört. Als Teenager ist 

man so empfänglich für alles Mögliche. Es 

gibt überhaupt keine Wand zwischen sich 

und einer lesbischen Punkband niederzureißen. 

Wir haben damals unsere erste 

Band wegen Slint gegründet. Wusstest du, 

dass Portland die Stadt mit der höchsten 

Dichte an Stripclubs weltweit ist? Das hat 

mir jemand erzählt, als wir in Portland in 

einem auftraten. 

Gunnar: Die nannten das eine "Burlesque 

Show". Ich erfuhr erst, was das für ein 

Etablissement war, als sich nach dem 

Konzert backstage so viele nackte Mädchen 

aufhielten. 

Örvar: Ich kam nach einer Autofahrt von 

San Francisco so müde in Portland an, 

dass ich backstage auf dem Fußboden 

einschlief. Als ich aufwachte, stand direkt 

neben mir eine halbnackte Frau, die sich 

im Spiegel betrachtete. 

Gunnar: Die Räumlichkeiten waren aber 

toll. Nach dem Konzert gab es auch eine 

Show, inklusive Rotkäppchen. Das war 

wirklich merkwürdig. 

Le1f – Swerve 

[Prod. The-Drum] 

(Self-released, 2013) 

De:Bug: Das ist von "Tree House", dem 

aktuellen Mixtape des New Yorker Rappers 

Le1f. 

Gunnar: Sin Fang, der gerade mit uns 

tourt, hockt den ganzen Tag backstage und 

hört sich solche Musik auf YouTube an. Es 

ist gut, einen Teenager dabei zu haben. 

De:Bug: Le1fs Homosexualität ist ein 

prominentes Thema in seinen Texten. 

Reykjaviks Bürgermeister schrieb letztens 

dem Moskauer Bürgermeister einen 

Brief, in dem er ankündigte, jegliche 

Zusammenarbeit wegen des verabschiedeten 

Anti-Homosexuellen-Gesetzes einzustellen. 

Gunnar: Ich glaube leider nicht, dass er die 

politische Macht hat, das durchzusetzen. 

Aber es ist toll, dass er sich dazu äußert. 

Örvar: Ja, Jon Gnarr ist toll im Umgang 

mit diesen Dingen. Die Gay Pride Parade 

ist eines der wichtigsten Feste in Island. 

Alle kommen downtown und er ist immer 

in Drag auf einem der Wagen dabei. Letztes 

Jahr durfte ich mit FM Belfast auf der großen 

Bühne spielen, das war fantastisch. 

Gunnar: In Island gibt es wirklich kaum 

Homophobie. 

Örvar: Normalerweise ist die Parade ein 

sehr buntes und lustiges Fest, aber dieses 

Mal war es sehr politisch. Zum einen 

wegen Russland und zum anderen wegen 

Bradley beziehungsweise Chelsea 

Manning. Um etwa diese Zeit kündigte er 

auch seine Geschlechtsumwandlung an. 

Wir haben in letzter Zeit öfter diskutiert, 

ob wir überhaupt in Russland spielen sollten 

und sind uns immer noch nicht sicher, 

was richtig ist. Wir haben vorerst aber beschlossen, 

dass es wenig sinnvoll ist, unsere 

Fans für die Politik ihrer Heimat zu 

bestrafen. Die haben damit sicher schon 

genug zu kämpfen. 

Múm, Smilewound, 

ist auf Morr Music/Indigo erschienen. 

81

177 — Für ein besseres Morgen — text & illu harthorst.de 

Echtzeitverblödung 

ist der neue Normalfall 

Kopf rein, Arsch raus, auf sie mit Gebrüll! Und nachher wundern sich alle, dass immer noch 

Papstwochen bei McDonalds sind, aber der Lifestyleissimo kranker Katholiban soll heute 

nicht Thema sein. Sache ist: Die Deutsche Content Allianz hat einen "Inhalte-Gipfel" 

gefordert, weil "Inhalte-Politik Chefsache" werden soll, beziehungsweise was heißt soll? 

Muss! Was man sich dann am besten häppchenweise auf dem Hirn zergehen lassen sollte: 

Deutsche Content Allianz? Gibt es tatsächlich, soll das gemeinsame Sprachrohr der 

Breitarschplayer des heimischen Medienbetriebs sein: ARD, ZDF, Privat-TV, Musikindustrie, 

GEMA, Großverlage. Aha, OK, aber: Deutsche Content Allianz? Mit ein bisschen bekifftem 

Anstandsabstand besehen circa so sinnig wie die Herdprämie für Haare auf Emanzenzähnen. 

Oder, besser: das Oktoberfest München Miami Beach. German Rechtschreibreform, you 

know schon! Also warum gibt ausgerechnet die Aristokratie deutscher Medienapparatschiks 

ihrem Club einen so topverstrahlt denglischen Namen? Und begibt sich damit auch noch in 

die übelste Verwechselungsgefahr mit der Deutsche Kontinenz Gesellschaft? Die es übrigens 

nicht nur wirklich gibt, sie ist ausgerechnet auch noch beispielhaft vorbildlich in Sachen 

Wahlspruchgebung: Müssen Wollen Können. Hammer! Oder? Würde da der Kumpel aus der 

Werbung sagen, aber das sagt er eigentlich dauernd zu allem möglichen, meistens beim 

Coffee oder Bier und auf Koks oder Facebook aber auch sonst mal zwischendurch. Nur: 

In diesem Fall hat Werbekumpel tatsächlich recht, weil Müssen Wollen Können ist doch 

wirklich Hammer! Oder? Die Deutsche Content Allianz hat gar keinen Claim, aber Inhalt 

First! würde prima passen, oder, noch besser: Content is König! Weil "Inhalt" und "Content" 

eben nur theoretisch Synonyme sind, aber praktisch ganz verschiedene Duftstoffe freisetzen: 

"Inhalt" riecht nach Spaßbremsertum und Hausaufgaben, "Content" nach angesagtestem 

Fun und heißer Marketingluft. Durch ihre Namenswahl hält sich die Allianz auf der Soll-Seite 

also schon mal geschickt den Rücken frei, weil übertriebene Erwartungshaltungen in puncto 

Qualität gleich am Empfang bodennah zurechtgestutzt werden und man alle Energien 

nach vorne richten kann, auf die Haben-Seite, die man dann ja im Rahmen des Inhalte- 

Gipfels als "Chefsache" zu besprechen gedenkt, genauer gesagt sogar als "Chefsache im 

Bundeskanzleramt", heißt: ARD, GEMA und VDZ wollen ihre Angelegenheiten mit Merkel 

unter sich ausmachen, derweil sich die Medienzwergmassen im Begleitprogramm gegenseitig 

auf die kleinen Eier gehen können, da sind sie schön beschäftigt und nerven nicht die 

Chefs, aber vor allem verleihen sie der Berichterstattung diesen authentischen Graswurzel- 

Flair, der sogar die Planwirtschaftskonspiration im Kanzleramt in dieses weiche, verzeihende 

Soft-Porno-Licht taucht - dann doch lieber weiter zum Begleitprogramm des Inhalte-Gipfels: 

Radikale Inhaltsschützer gehen auf die Nerven und fallen ins Wort, Contentmanager verteilen 

Gratispröbchen und militante Copyrightfighter demonstrieren für ein uneingeschränktes 

Kopierverbot. Die Deutsche Interessengemeinschaft Inhaltsverzeichnis (DIGI) und der 

Zentralverein Deutscher Inhaltsangaben (ZDI) werfen sich wechselseitig "vollinhaltliches 

Versagen" vor, der Verein Deutscher Inhaltsfälscher und Contentverdreher (VDIuC) wirbt mit 

niveauvollen Getränken um Verständnis und die Nörglergemeinschaft Deutscher Inhalt (NDI) 

richtet sich mit einem dramatischen Appell an "alle Inhaltefreundinnen und Inhaltsfreunde: 

Wenn es so weitergeht, wird die Zukunft inhaltsleer!" Raubdiskutierer, Fressesprecher und 

Inhalteversteher: volle Dröhnung Echtzeitverblödung! Nach diesem Inhalte-Gipfel bleibt nur 

noch festzustellen: Inhalte sind wirklich der letzte Dreck! Für ein besseres Morgen: Blitzkrieg 

on Bullshit! Kein Pardon! Keine Gefangenen! Aber macht euch trotzdem keine Sorgen, früher 

oder später niest das Hirn alles wieder raus, vor allem jetzt im Herbst und erst recht später 

im Winter - Endlich wieder keine Zeit zum Kochen! 

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Die Stunde der Städte 

Tanzen in Bamako, Zelten in Ulan-Bator, 

Sparen in Las Vegas, Planen in Peking, 

Opernarien in der Pariser Metro – die Städte 

der Welt regen uns auf und ziehen uns an. 

Edition Le Monde diplomatique, Heft 14 »Moloch, Kiez & Boulevard. 

Die Welt der Städte«, broschiert, 112 Seiten, ISBN 978-3-937683-45-4 

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Der etwas andere 

Städteführer 

mit Beiträgen von 

Sieglinde Geisel, 

Philippe Rekacewicz, 

Rebecca Solnit, 

Charlotte Wiedemann 

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© 2013 Nintendo. Wii U is a trademark of Nintendo. © 2013 Nintendo. 

* Einlösung des Download-Codes im Nintendo eShop. Um den Nintendo eShopnutzen zu können, musst du 

den NINTENDO NETWORK VERTRAG und die NINTENDONETWORK DATENSCHUTZRICHTLINIE akzeptieren. 

Für den drahtlosen Internetzugang können unter Umständen Gebühren anfallen.

De:Bug 177

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