zkm-magazin-2022

2022 No. 1

Liebe ZKM-Besucher:innen, liebe Leser:innen,
mit diesem neuen Magazin möchten wir Sie einladen, sich
dem ZKM über Geschichten, Reportagen, Interviews sowie
der Fotostrecke von Thomas Meyer (Ostkreuz) zu nähern.
Wer, wenn nicht der Journalismus, vermag es am besten, dort
Geschichten zu sehen und zu erzählen, wo Kunst, Wissenschaft
und Forschung stattfinden? Unter dem Titel [ Innensicht ]
bietet Ihnen diese Erstausgabe einen Einstieg in die Arbeit
des ZKM. Wir haben punktuell Themen, Bereiche, Menschen
und Aspekte herausgesucht, die einen Bogen spannen über
allem, was das ZKM auszeichnet
Entstanden ist das Magazin über den Herbst und Winter.
Jetzt im April 2022 blicken wir alle mit Entsetzen auf einen
brutalen Krieg inmitten Europas, der vieles verändern wird.
Das ZKM hat über sein Residenzprogramm ukrainische
Künstlerinnen aufgenommen und engagiert sich im Verbund
mit anderen Museen für die Rettung ukrainischer Kunstwerke
aus den Kriegsgebieten.
Auch unterstützen wir weiterhin die Arbeit der internationalen
Organisation Artists at Risk, mit der wir im Herbst 2021 ver -
sucht haben, Künstler:innen aus Afghanistan nach Deutschland
zu holen. Leider ist uns dies damals nicht gelungen,
was angesichts der Entwicklungen auch in Afghanistan sehr
beunruhigend ist.
Wir leben in einer Zeit der großen Krisen und Umbrüche, in
der auch Museen neue Verantwortungen übernehmen müssen.
Unter dem Titel „Art Institutions in the Age of Existential Risks“
war das ZKM ab Oktober 2021 Gastgeber für eine globale
Debatte zu den neuen Herausforderungen. Ab S. 44 finden Sie
einen Beitrag zur ersten Onlinedikussion, unter anderem
mit Max Hollein, dem Direktor des Metropolitan Museum of Art.
Für das Magazin geht ein großer Dank an die Fördergesellschaft
ZKM / HfG e.V., deren Mitglieder uns großzügig
unterstützt haben. Ebenso danke ich dem gesamten Team
des ZKM für die Offenheit, sich auf ein neues Medium und
die damit verbundene Arbeit eingelassen zu haben, sowie
dem Büro 2xGoldstein für die Gestaltung.
Nun gehört das zkmagazin Ihnen, den Leserinnen und Lesern.
Schreiben Sie uns gerne, was Sie denken. Sie erreichen uns
unter magazin@zkm.de.
Helga Huskamp
Geschäftsführende
Vorständin

Inhalt
Pionier über alle Sparten hinweg
Peter Weibel ist ein unermüdlicher Streiter für
Wandel und humanistischen Universalismus
4
Gestern war hier schon Zukunft
Was es bedeutet, als Kurator:in am ZKM zu
arbeiten, das gesellschaftlich rele vante Themen
an der Schnitt stelle von (Medien)Kunst,
Wissenschaft und Technologie verhandelt
16
Arbeiten am Sound der Gegenwart
Der Giga-Hertz-Preis leistet seit 2007 elektronischer
und elektroakustischer Musik Vorschub
22
Das ZKM und Indien – eine große Liebe
Seit 25 Jahren kooperiert das ZKM erfolgreich
mit Goethe-Instituten aus aller Welt. Ein Interview
mit Amruta Nemivant
28
Moderne Arche Noah für Medienkunst
Im Labor für antiquierte Videosysteme bewahrt
Dorcas Müller Medienkunst und Abspielgeräte
für die Nachwelt
It’s not about Money
32
Was sind Non-Fungible Token (NFTs) – und wie
kommen sie ins Museum? Über ein neues Medium
am Beispiel der Sammlung des ZKM
40

Art Institutions in the Age of
Existential Risks.
What to Do? – Die Kulturbranche in Zeiten globaler
Herausforderungen
44
Er ist Materie, sie Information
ZKM-Residency: Künstler:innen-Paar Katrin
Hochschuh und Adam Donovan im Porträt
50
Das Museum von morgen
In den Forschungsprojekten Beyond Matter
und intelligent.museum lotet das ZKM die
Chancen der Digitalisierung für die Zukunft aus
80
Nach den Sternen greifen
Seit 1988 unterstützt die Fördergesellschaft
das ZKM tatkräftig: Hartmut Graf und Leonie
Kroll sind zwei der rund 450 Mitglieder
86
Zum Anfassen. Zum Mitmachen. Für alle.
Die ZKM Museumskommunikation nutzt innovative
Methoden und setzt Standards in Bildungs-
und Vermittlungsarbeit
KI im Hertzen
58
Alle reden von künstlicher Intelligenz – im
Hertz-Labor wird sie als Werkzeug genutzt, um
Kunstwerke zu schaffen
62
Was braucht man zum Aufbau
einer Ausstellung im ZKM?
Die Museumstechnik des ZKM
Eine Liga für sich
90
Jens Lutz und Miriam Stürner verantworten
die hauseigenen Publikationen des ZKM
96
Im Wettlauf gegen die Zeit
Die Restaurierung von Medienkunst steht vor
ganz besonderen Herausforderungen
66
Wer steckt dahinter?
Die Autor:innen des zkmagazins
102
Interaktion vorprogrammiert
Yasha Jain arbeitet seit 2020 als Programmiererin
im Hertz-Labor an digitalen Kunst werken
76
Fotoessay
Thomas Meyer, Ostkreuz

Pionier über alle Sparten hinweg
Bevor er 2014 mit seiner Wiener Ausstellung
ganz offiziell als Medienrebell präsentiert
wurde, hatte sich Peter Weibel längst schon
durch etliche spartenübergreifende Produktionen
und entsprechende Auftritte einen
Namen gemacht, auch durch unzählige kunsttheoretische
und philosophische Schriften.
Der 1944 in Odessa geborene, in Österreich
aufgewachsene und einflussreiche Künstlerkurator
und Medientheoretiker, der in den
1980er- und 1990er-Jahren neben seinen drei
zeitgleichen Professuren in New York, Kassel
und Wien viermal den Österreichischen Pavillon
auf der Kunstbiennale in Venedig von 1993
bis 1999 kuratierte, konnte schließlich vor
23 Jahren als künstlerisch-wissenschaftlicher
Vorstand des ZKM seine perfekte Wirkungsstätte
finden. Eine Wirkungsstätte, die er
2023 verlassen wird, um sich – davon dürfen
wir alle ausgehen – vielen weiteren Projekten
zu widmen.
4

Peter Weibel ist ein
unermüdlicher
Streiter für Wandel
und humanistischen
Universalismus
Der Name Peter Weibel steht für schier überbordende Energie, für eine
stets grenzüberschreitende Vielseitigkeit, nicht zuletzt für konsequent
politisches Denken – stets gepaart mit einem guten Schuss Humor. Welcher
Künstler hätte sich in den 1960er-Jahren auf allen Vieren an der
Leine von einer Frau durch die Stadt führen lassen? Diese Aktion von
1968 des damals 24-jährigen Künstlers mit seiner Partnerin Valie Export
unter dem Titel Aus der Mappe der Hundigkeit aus Weibels radikalen
Zeiten in der Wiener Avantgarde bleibt als feministisches Mahnmal unvergesslich.
Konzeptkunst vom Feinsten, ebenso wie die Projekte zum
„erweiterten Kino“, welche die filmischen Produktionsbedingungen dekonstruierten.
Der Blick auf die Anfänge von Weibels Vita liest sich fast schon wie die
eines humanistischen Universalisten, mit denen er sich auch in seinen
philosophischen Schriften gerne befasst. Mit ihnen teilt er den schier
unstillbaren Wissensdrang, vor allem die Abneigung gegenüber undemokratischen
Dogmen sowie das Streben nach sozialer Gerechtigkeit
und Harmonie mit der Natur. Nach dem Studium der Literatur in Paris
sowie der Medizin, Mathematik und Logik in Wien widmet sich Weibel
der Medienkunst, wird höchst produktiver Kurator und Autor von kunstgeschichtlichen,
medientheoretischen sowie philosophischen Schriften.
Sein künstlerisches Oeuvre deckt ein breites Spektrum ab: von experimenteller
Literatur über Performance, Experimentalfilm, Video kunst, TV-
Aktionen, Raum- und Objektkunst bis hin zu Musik. So gründete Peter
Weibel 1978 zusammen mit Loys Egg die Punkband Hotel Morphila Orchester.
Mitte der 1980er-Jahre erforscht er die computergestützte Bearbeitung
von Video, eine Dekade danach realisiert er erste interaktive
computerbasierte Installationen. Parallel dazu gründet er 1989 das Institut
für neue Medien an der Frankfurter Städelschule, das er bis 1995 leitet,
ebenso wird er künstlerischer Leiter der Ars Electronica in Linz von
1986 bis 1995. Von 1992 bis 2011 war er Chefkurator der Neuen Galerie
am Landesmuseum Joanneum in Graz.
Angesprochen auf sein Multitasking verweist Peter Weibel auf ein ihm
sehr bedeutendes Gespräch mit dem US-Künstler Donald Judd, der vor
seiner Karriere als Künstler Kunstkritiken schrieb, diese aber zugunsten
der Kunst aufgegeben hatte, weil man ihn sonst als Künstler nicht ernst
genommen hätte. Judds Entscheidung verweist auf eine bis heute allein
in der deutschen Kunstszene immer noch weit verbreitete Auffassung,
dass Künstler:innen mit Nebentätigkeiten das Risiko des Imageverlustes
eingehen. Weibel vergleicht sich in seiner Doppelfunktion als Künstler
und Kurator gerne mit einem Dirigenten. Dessen Werk besteht darin, andere
Werke zur Aufführung zu bringen, was aber ein Leben als Kompo-
5

Pionier über alle Sparten hinweg
nist nicht ausschließt, und nennt Beispiele von Pierre Boulez bis Peter
Ruzicka. Künstler:innen sind für ihn zudem Gelehrte – ganz wie in der
Renaissance. Mit dieser inter- und transdisziplinären Haltung war Weibel
durchaus ein Pionier, seiner Zeit weit voraus.
Der Zeit voraus und seit seinen Anfängen innovationsreich war auch das
1989 gegründete und seit 1997 in einer ehemaligen Waffen- und Munitionsfabrik
beheimatete ZKM – der Hafen, in dem Peter Weibel 1999 anlegte.
Als Nachfolger des Kunsthistorikers Heinrich Klotz, der das ZKM
als Institution erst einmal vorantrieb und es schon früh als „elektronisches
Bauhaus“ bezeichnete, verwandelte Weibel es sodann in ein digitales
Bauhaus, wobei aus seiner Sicht das ZKM nicht wie das Bauhaus
der Weimarer Republik nur mit Gestaltung, sondern vielmehr mit Codierung
beschäftigt ist.
Da das ZKM sich als ein Ort für Experimente, Forschung und Produktion
versteht und nicht als reines Museum, das heißt als Ort für Ausstellungen
und Sammlung, traf Weibel in Karlsruhe auf ideale Bedingungen.
1994 präsentierte dort etwa der australische Medienkünstler Jeffrey
Shaw, der vorher Künstler an Weibels Institut in Frankfurt war, das Goldene
Kalb (The Golden Calf), eine der ersten Augmented-Reality-Installationen,
die ein virtuelles goldenes Kalb auf einem realen Podest zeigte,
wenn man das Podest durch einen speziellen beweglichen Bildschirm
betrachtete. Von Beginn an waren Weibels Ausstellungen innovativ bis
prophetisch, einflussreich bis wegweisend. Seine erste Ausstellung net_
condition (1999–2000) war die weltweit erste dieser Art in einem Museum,
zu einer Zeit, in der die Kunstwelt noch nicht ahnte, wie sehr das
Internet unsere Gesellschaft verändern würde und es daher ablehnte
oder unwichtig fand. Hier bereits zeigt sich deutlich, was die Ära Weibel
am ZKM ausmacht: In seiner Position als Künstler an der Front der
Forschung war es ihm dank seiner universalistischen Bildung und technischer
Kompetenz möglich, soziale und künstlerische Vorhersagen und
Prophezeiungen zu treffen, die von manchen als Provokation empfunden
wurden. Er wusste ein Laboratorium aus neuen Ideen und Kunstwerken
mit großer Publikumsattraktivität zu verbinden.
Spektakulär war beispielsweise 2001 die erste Präsentation eines künstlichen
Wasserfalls und einer Eisfläche zum Schlittschuhlaufen des damals
völlig unbekannten dänischen Künstlers Ólafur Elíasson am ZKM,
in dessen erster musealer Einzelausstellung, bevor er 2003 durch seine
Installation The Weather Project in der Tate Modern in London weltberühmt
wurde. Auch die nicht nur das kunsttheoretische Vokabular bereichernde
Ausstellung Iconoclash von 2002, gemeinsam kuratiert mit
dem damals nur in Fachkreisen als Wissenschaftshistoriker bekannten
Bruno Latour, der zwanzig Jahre später der meistzitierte lebende Philosoph
Frankreichs wurde, war interdisziplinär und aufsehenerregend.
Das Buch zur Ausstellung, ebenso wie der Katalog zu Ólafur Elíassons
Ausstellung, war der Beginn einer erfolgreichen, immer wieder preisgekrönten
Kooperation mit dem besten Wissenschaftsverlag der Welt, der
MIT Press – übrigens als einziges europäisches Museum. Peter Weibel
steht auch als einziger Museumsdirektor auf Platz 95 nach Hermann
Parzinger, dem Vorstand der Preußischen Kulturstiftung (Platz 94), auf
6

[ Nicht nur unser
Wissen wird durch
die Medientechnologie
erweitert,
sondern durch
Medientechnik ist
ein/e Künstler:in
auch im Stande,
Dinge herzustellen,
die es zuvor auf der
Erde nicht gab …
PETER WEIBEL
7

Pionier über alle Sparten hinweg
der Liste der bedeutendsten deutschen öffentlichen Intellektuellen, die
alle drei Jahre von dem Magazin Cicero erstellt wird. Bei MIT Press sind
bis jetzt mehr als fünfzehn Bücher erschienen, deren globaler Vertrieb
wesentlich zur internationalen Reputation des ZKM und seines Rankings
als viertwichtigste Kunstinstitution der Welt nach der Biennale di Venezia,
dem Museum of Modern Art in New York und dem Centre Pompidou
in Paris von artfacts.net, der größten Kunstdatenbank der Welt, beitrug.
Peter Weibel hat es sich zur Aufgabe gemacht, dass das ZKM stets die
aktuellsten medientechnologischen Thesen und deren künstlerischen
wie sozialen Folgen präsentiert. Die Ausstellung Die algorithmische Revolution
(2004–2008) fand zu einer Zeit statt, in der dieses Wort von
Journalist:innen kaum buchstabiert werden konnte, heute aber ein alltäglicher
Begriff geworden ist. Ebenso hat er früh auf globale Überwachungs-
und Kontrollmechanismen durch das Internet hingewiesen, wie
etwa in der Ausstellung CTRL [Space] (2001–2002), die zwanzig Jahre
später zu Themen von Bestsellern avancierten. Bereits seit 15 Jahren
widmet das ZKM ein ganzes Geschoss wechselnden Ausstellungen zu
Computerspielen und digital gaming. Zum Thema künstliche Intelligenz
veranstaltete das ZKM zahlreiche Symposien, Hackathons und Ausstellungen
wie Open Codes I und II (2017–2019) sowie das Forschungsprojekt
intelligent.museum (2020–2024).
Ein zweites wichtiges Ziel war es, in enzyklopädischer Ausstellungen
die Kunstbewegungen des 20. und 21. Jahr hunderts vorzustellen, die
sich von den vorangegangenen Jahrhunderten ästhetisch unterschieden
und die andere Museen aus fehlenden technischen und theoretischen
Kompetenzen nicht machen konnten, so Future Cinema (2002–
2003), Lichtkunst aus Kunstlicht (2005–2006), Sound Art (2012) sowie
unzähligen Ausstellungen zur Performance- und Aktionskunst, abstrakten
Skulptur, zu Film, Videokunst, Computerkunst, feministischer Avantgarde,
zur Infosphäre und Globalisierung. Von 2006 bis 2012 organisierte
das ZKM gemeinsam mit dem bedeutenden Kunsthistoriker Hans Belting
zahlreiche Symposien und Ausstellungen zum Thema Kunstwelt
und Globalisierung (z. B. The Global Contemporary. Kunstwelten nach
1989 im Jahr 2011–2012).
Ein drittes Ziel war, verdrängte und vergessene Künstlerpersönlichkeiten
und Kunstrichtungen ins öffentliche Bewusstsein zurückzubringen und
damit die Kunstgeschichte umzuschreiben, vielmehr neuzuschreiben.
Er hat viele Künstler:innen wiederentdeckt und ihnen zu „career changing
exhibitions“, wie die New York Times seine Aussstellung zu Lynn
Hershman (Lynn Hershman Leeson: Civic Radar, 2014–2015) beschrieb,
verholfen. Unter dem Ausstellungstitel Thinking The Line wurden 2004
die Werke der 1912 in Hamburg geborenen, in Stuttgart studierenden,
deutsch-venezolanischen Bildhauerin Gertrud Louise Goldschmidt, die
Deutschland wegen ihres jüdischen Glaubens 1939 verlassen musste,
und international als Gego bekannt wurde, erstmals in einem Soloauftritt
in Deutschland präsentiert. 2022 wird sie im Kunstmuseum Stuttgart mit
einer Ausstellung und einem Symposium groß zelebriert.
8

Ebenso war Peter Weibel viertens die Überwindung geopolitischer Grenzen
durch die Kunst wichtig (Bit international. [Nove] tendencije. Computer
und visuelle Forschung. Zagreb 1961–1973, 2008–2009), daher
die Einbindung von Kunst aus Osteuropa und Russland, zahlreichen afrikanischen
Ländern wie dem Senegal und Südafrika (Digital Imaginaries:
Africas in Production, 2018–2019), dem Nahem Osten, Indien und
vor allem China, Japan und Korea (Thermocline of Art. New Asian Waves,
2007) in das Ausstellungs- und Diskursprogramm des ZKM. Darüber
hinaus hatte er in zahlreichen hochkarätig besetzten Symposien
und begleitenden kleineren Ausstellungen aktuelle und entscheidende
Theorien aus Philosophie und Naturwissenschaft, die weit über den normalen
Horizont eines Kunstmuseums hinausreichen, von Max Bense bis
Michel Foucault, von Otto Rössler bis zu Benoît Mandelbrot vorgestellt.
Die von ihm gestalteten Projekte haben den Bekanntheitsgrad des ZKM
nicht nur in der breiten Öffentlichkeit, sondern auch in der internationalen
Fachwelt gesteigert, sodass die ebenfalls im Hallenbau mit dem
ZKM ansässige Hochschule für Gestaltung (HfG), die auch von Heinrich
Klotz gegründet wurde, illustre Wissenschaftler:innen und Künstler:innen
als Lehrkräfte gewinnen konnte.
Fünftens war das ZKM erfolgreich und wegweisend bei der Erzeugung
neuer Ausstellungsformate und -typen, wie z. B. der „Gedankenausstellung“,
welche die Partizipation des Publikums in den Mittelpunkt stellten,
also das performative Museum.
Durch seine innovativen Projekte hat das ZKM im Zeitraum von 2014 bis
2019 die meisten Kooperationsprojekte im deutschen Vergleich bewilligt
bekommen laut Mitteilung der Nationalen Kontaktstelle für die Kulturförderung
der Europäischen Union Creative Europe Desk KULTUR und
ist auch einer der meist geförderten Institutionen der Kulturstiftung des
… und dadurch
neue Erfahrungen
und Erkenntnisse
zu ermöglichen. ]
9

Pionier über alle Sparten hinweg
[ Die Kunst hat immer
wieder die
Fähigkeit ge zeigt,
ein seismo -
gra fisches Alarmsystem
zu sein. ]
PETER WEIBEL
Bundes. Während seiner Tätigkeit am ZKM kuratierte Weibel unter anderem
die Biennalen in Sevilla (2008) und in Moskau (2011). Mit Letzterer
verfolgte er seine lange schon reflektierte Idee der Welt als Umschreibeprogramm
und betont in einem Gespräch, dass Krisen nichts
anderes seien als missglückte Umschreibeprogramme. Zwischen 2017
und 2019 realisierte Weibel das außergewöhnliche Ausstellungsprojekt
und Bildungsexperiment Open Codes, ein Synergieprojekt, das Ausstellung,
Wissensplattform, Lebensraum, Treff und Arbeitsstätte zugleich
war, eine Mischung aus intelligentem Klassenzimmer und Club
Méditerranée. Es gab freies WLAN, freien Eintritt, freie Getränke (Kaffee,
Tee, Mineralwasser), freies Obst und komfortable Möbel von Vitra.
Sein Programm für ein Museum der Zukunft lautet: Ein Museum ist nicht
nur eine Sammlung von Objekten, sondern auch eine Versammlung
von Subjekten und zwar von lokalen und nicht-lokalen Besucher:innen.
Das Museum fungiert als Co-Working-Space. Deswegen waren und
sind die Veranstaltungen und Ausstellungen des ZKM seit Jahren eine
„mixed reality“, eine Mischung aus online und offline; real und virtuell.
Diese teilweise Ersetzung von Kunstobjekten durch diskutierende Kollektive
und Gruppen, sei es Künstler-, Wissenschaftler- oder Besuchergruppen,
war eine Vision, die im Jahre 2022 sowohl von der documenta
10

in Kassel wie auch der Biennale di Venezia weitergeführt wird, ebenso
die Verwandlung von einem Ausstellungsgebäude in ein Fernsehstudio.
Daher hat er systematisch und weitblickend das von ihm gegründete
Videostudio im Laufe der Jahre zu einer Sendeanstalt ausgebaut. Als
2020 die Corona-Krise ausbrach, war das ZKM als einziges Museum der
Welt auf deren Effekte vorbereitet und konnte Online-Konferenzen und
Live-Streaming mit eigenen Mitteln außerordentlich erfolgreich durchführen.
Nach den großen kunsthistorischen enzyklopädischen Ausstellungen,
nach den Themenausstellungen zur Wirkung der Medien, zur Digitalisierung
und zur Globalisierung, hat Weibel in den letzten Jahren sich
einem Programm der Biophilie, wie er es nennt, verschrieben, der Liebe
zum Leben in Zeiten der Krise und des Krieges, der Klima- und der
Umweltkrise, mit einem Wort: dem Anthropozän. Damit gibt er dem
Mediendiskurs eine ganz neue Richtung, von der künstlerischen und
sozialen Reflektion zur Biowissenschaft. Wieder mit Bruno Latour entwickelte
er – nach den gemeinsamen Gedankenausstellungen, so der
Name des neuen Ausstellungstypus, Iconoclash (2002), Making Things
Public (2005) und Reset Modernity! (2016) – 2020 die Ausstellung Critical
Zones zum kritischen geophysikalischen Zustand unserer Erde.
Auch diese Ausstellung war trotz der Einschränkungen durch die Covid-
19-Pandemie ein großer Erfolg. Darauf folgte seine Ausstellung BioMedien
(2021–2022) und gemeinsam mit dem Naturkundemuseum Karlsruhe
The Beauty of Early Life (2022).
Der große in Besucherzahlen messbare Zuspruch und die große internationale
mediale Präsenz der zahlreichen weltweit exportierten Ausstellungen
des ZKM zeigen, das ZKM ist lokal verankert und global vernetzt.
Neben all den Ausstellungen und Projekten erfreut sich das ZKM
in den letzten Jahren einiger global aufsehenerregender Innovationen:
2017 gehört das ZKM neben dem Museum für Angewandte Kunst in
Wien und dem Francisco Carolinum in Linz zu den ersten Kunstinstitutionen
weltweit, die ein NFT erwerben. 2021 war das ZKM auch die
erste öffentliche Kunsteinrichtung weltweit, die NFTs ausstellte – unter
dem Titel CryptoArt. It’s Not About Money. Das ZKM ist also ein Museum,
das Kunstwerke sammelt und ausstellt, aber es ist mehr als ein
Museum, weil es auch forscht, entwickelt und produziert. Deswegen
nennt es sich Zentrum. Hunderte akustische und visuelle Installationen
und Inventionen haben das ZKM in die weite Welt verlassen. Darunter
zahlreiche Werke der VR (Virtual Reality) und AR (Augmented Reality),
immersive interaktive Environments und Ideen für „virtuelle Museen“.
2022 bis 2023 wird die erste rein digitale Rekonstruktion von historisch
bedeutenden Ausstellungen Les Immatériaux (1985) und Iconoclash
(2002) gemeinsam mit dem Centre Pompidou in der Ausstellung Matter,
Non-Matter, Anti-Matter. Vergangene Ausstellungen als digitale Erfahrungen
im Internet gezeigt.
Freigeistigkeit, Widerständigkeit sowie Furchtlosigkeit dürfte das Markenzeichen
Peter Weibels sein. Sein Blick in die Zukunft ist daher, wie
er sagt, „leicht optimistisch“. Uta M. Reindl
11

Gestern war hier schon Zukunft
[ Kunst kennt
PETER WEIBEL
kein Wochenende. ]
Was es bedeutet,
als Kurator:in am ZKM
zu arbeiten, das
gesellschaftlich rele -
vante Themen an
der Schnitt stelle von
(Medien)Kunst,
Wissenschaft und
Technologie verhandelt
Avantgarde, was sonst? Das ZKM ist mit
vielen seiner Ausstellungen seiner Zeit
voraus. Wie man als Pionier stets die Nase
vorn hat und welche Art von kuratori -
schem Arbeiten dies erfordert, zeigt ein
Gespräch mit den Kurator:innen des ZKM.
16

„Kunst kennt kein Wochenende.“ Dieser Ausspruch von Peter Weibel,
dem langjährigen künstlerisch-wissenschaftlichen Vorstand des ZKM,
verdeutlicht das Selbstverständnis der Mitarbeiter:innen am ZKM. Weibel,
von Haus aus Medienkünstler und Medientheoretiker und seit 1999
Leiter des ZKM, lebt es selbst vor: Mit dem Kopf steckt er in Büchern
und Fachzeitschriften, sprudelt vor Ideen und Gedanken, saugt stets
neue relevante Theorien und Studien auf, die es zu Kunst, Wissenschaft
und Gesellschaft gibt. Peter Weibel bringt eine Neugierde und einen
Wissensdrang mit, die weit über ein durchschnittliches menschliches
Tagespensum hinausragen. Und wer am ZKM kuratorisch arbeitet, wird
vom ersten Tag an als Universaldenker:in eingebunden. So auch Daria
Mille, die seit 2011 am ZKM ist und mittlerweile viele große Themenausstellungen
wie Critical Zones. Horizonte einer neuen Erdpolitik (2020–
2022) und BioMedien. Das Zeitalter der Medien mit lebensähnlichem
Verhalten (2021–2022) zusammen mit Peter Weibel ko-kuratiert hat.
„Unsere Ausstellungen verschieben stets die Grenzen davon, was man
aktuell als Kunst versteht, und ihre Themen sind oft der Zeit voraus. Das
ist unser Anspruch aus der Tradition heraus. Man denke nur an die Ausstellungen
net_condition 1999–2000, Iconoclash 2002, Making Things
Public 2005, global aCtIVISm 2013–2014 oder Open Codes 2017“, erläutert
Daria Mille den ZKM-Maßstab. Mit ihren eigenen Forschungsschwerpunkten
an der Schnittstelle zwischen Kunst, Wissenschaft, Technologie
und Gesellschaft passt sie perfekt zum Haus. „Die Digitalisierung
war am ZKM längst Thema, bevor eine gesamtgesellschaftliche Diskussion
dazu begonnen hat. Derzeit überspannt die Biophilie leitmotivisch
unsere Themenausstellungen, die am ZKM immer auch aktuell gesellschaftlich
relevant sind.“
Digitalisierung, Globalisierung,
Klimawandel: Im ZKM werden
die relevanten gesellschaft lichen
Fragen behandelt
Neugierig erarbeiten sich kunstinteressierte Kurator:innen weitreichende
Kenntnisse in Kunst und Wissenschaft, schulen sich in differenziertem
Denken in großen Zusammenhängen und erlangen Kompetenz darin,
Strömungen der Gegenwartskunst zu erkennen und sinnstiftende
Querverbindungen zu ziehen. Die Faustregel: Je weiter der intellektuelle
Horizont der Kurator:innen, desto besser für die Ausstellung. Heutzutage
spielen aber nicht nur medientheoretische, künstlerische und
philosophische Diskurse beim kuratorischen Arbeiten im ZKM eine Rolle.
Die Kurator:innen müssen auch ihre eigene Praxis im Zusammenhang
mit solchen gesamtgesellschaftlichen Themen wie Nachhaltigkeit oder
Diversität stets hinterfragen.
17

Gestern war hier schon Zukunft
Am Anfang steht eine Idee
„Aktuelle Metathemen werden oft von Künstler:innen aufgenommen.
Und das ZKM ist spezialisiert darauf, diese Themen sehr früh zu identifizieren
und gemeinsam mit Künstler:innen aus aller Welt in Ausstellungen
zu thematisieren, um einen gesellschaftlichen Diskurs zu eröffnen“,
so erklärt Philipp Ziegler, Leiter des kuratorischen Bereichs, wie
es dazu kommt, dass das ZKM mit seinen großen Themenausstellung
oft die Nase vorn hat und am Puls der Zeit agiert.
Auf diese Weise ist auch die Themenschau Criticial Zones entstanden:
Am Anfang stand eine Idee. Was wäre, wenn man die Erde nicht als
Objekt aus der Ferne, von außen, sondern als ein Netz aus kritischen
Zonen betrachten würde, das von verschiedensten Lebensformen im
Laufe der Zeit erschaffen wurde? Aus diesem Gedanken heraus hat Peter
Weibel gemeinsam mit dem französischen Soziologen Bruno Latour
das umfassende Ausstellungsprojekt Criticial Zones entwickelt und Wissenschaftler:innen
und Künstler:innen aus aller Welt zur Teilnahme online
und vor Ort eingeladen. Beinahe organisch entwickelte sich daraus
die nächste große Themenausstellung: BioMedien. Das Zeitalter der
Medien mit lebensähnlichem Verhalten.
„Häufig entwickeln Künstler:innen zusammen mit dem Hertz-Labor des
ZKM auf der Basis unserer Ausstellungsthese neue künstlerische Arbeiten.
An der Schnittstelle zwischen Kunst, Wissenschaft und Gesellschaft ist
das ZKM so eine Plattform, an der die relevanten Themen unserer Zeit
behandelt werden“, erläutert Philipp Ziegler die ZKM-Methode.
Für Ausstellungen dieser Art ist das kuratorische Team gefordert, weit
über die Grenzen der klassischen Kunst hinaus zu arbeiten. Die internen
PETER WEIBEL
[ Die Aufgabe der
Kunst besteht darin,
Türen zu öffnen,
wo sie keiner sieht. ]
18

und zum Teil auch externen Kurator:innen realisieren Jahr für Jahr zahlreiche
Ausstellungen in unterschiedlichen Größen. Sie stehen im Austausch
mit lokalen, nationalen sowie internationalen Partner:innen, sind
vernetzt mit Künstler:innen auf allen Kontinenten und sind in zahlreichen
nationalen wie auch internationalen Kooperationen und Forschungsverbünden
aktiv.
Über das Hertz-Labor, die transdisziplinäre Forschungs- und Entwicklungsplattform
am ZKM, werden jährlich mehrere Artists-in-Residence-
Programme angeboten, an denen jeweils um die zwanzig Künstler:innen
aus aller Welt die Möglichkeit erhalten, am Haus zu forschen und künstlerische
Arbeiten zu entwickeln. Sie forschen am ZKM mit der Unterstützung
von Softwareentwickler:innen an neuen Entwicklungen der digitalen
Künste – unter anderem über künstliche Intelligenz, Virtual und
Augmented Reality.
Biophilie – die Liebe zum Leben –
ist das Motto des Jahres 2022
„Unser derzeitiges themen- und projektübergreifendes Motto Biophilie
bildet diese Vielfalt sehr gut ab“, erklärt Kuratorin Sarah Donderer, die
aktuell das transdisziplinäre Kooperationsprojekt Driving the Human betreut
und zuletzt die Ausstellung BioMedien ko-kuratiert hat. „Wir zeigen
in 2022 Arbeiten des Künstler:innen-Duos Christa Sommerer und
Laurent Mignonneau in der Einzelausstellung The Artwork as a Living
System, die sich an der Schnittstelle von Kunst, Naturwissenschaft und
Technologie mit der Simulation von Leben auseinandersetzt.“
Die Ausstellung The Beauty of Early Life entsteht in Zusammenarbeit
mit dem Staatlichen Museum für Naturkunde Karlsruhe als Kooperationspartner
und verbindet den wissenschaftlichen Ansatz der Naturkunde
mit zeitgenössischen Positionen der Kunst. In BioMedien wird
ein medientheoretischer Ansatz verfolgt, bei dem in Zusammenarbeit
mit Wissenschaftler:innen und Künstler:innen neue Technologien und
deren Auswirkungen auf das Leben an sich untersucht werden. „Unsere
Präsentation von lebensähnlichem Verhalten durch technische Entitäten
vermittelt eine neue Aussicht auf hybride Ökosysteme, Gesellschaft und
die Zukunft des Lebens auf dem Planeten Erde – und diese muss keineswegs
dystopisch sein. Wir zeigen einen positiven Weg des zukünftigen
Zusammenlebens von künstlichen Intelligenzen, Menschen und Organismen“,
fügt Sarah Donderer hinzu.
Wann ist der Mensch ein Mensch?
Damit sich die Inhalte der Ausstellungen trotz ihrer Komplexität und des
hohen Abstraktionsgrads vermitteln lassen, werden bereits zu Beginn
der Ausstellungskonzeption die Besucher:innen mitgedacht. Wie kann
das vielschichtige, komplexe Thema möglichst nahbar vermittelt und
19

Gestern war hier schon Zukunft
[ Die Präsentation
von lebensähnlichem
Ver halten durch
technische
Entitäten vermittelt
eine neue Aussicht
auf Ökosysteme,
Gesellschaft und
Zukunft. ]
SARAH DONDERER
20

erfahrbar gemacht werden? Wie lässt sich über digitale
und analoge Kanäle ein möglichst vielfältiges
und diverses Publikum erreichen? Meistens gibt es
hierzu nicht die eine Antwort, sondern eine abgestimmte
Mischung aus Instrumenten, die aus einer
Vielzahl an Arbeitstreffen und Ideenrunden mit den
Kolleg:innen der Museumskommunikation, wie der
Bereich der Vermittlung am ZKM heißt, hervorgehen.
Partizipation – Teilhabe lautet hier das Stichwort der
Stunde. Denn die Besucher:innen sollen sich einbringen
können und in Interaktion treten mit der ausgestellten
Kunst. Das kann die Gäste auch mal raus
aus dem ZKM und hinaus auf eine Streuobstwiese
zur Apfelernte führen – wie im Herbst 2021 im Rahmen
der Ausstellung Critical Zones. Auch das ausstellungsübergreifende
Veranstaltungs- und Vermittlungsprogramm
mit dem Titel It’s about Life wird
2022 die biophilen Themen nicht nur in den Ausstellungen,
sondern auch in Workshops, digitalen Lesezirkeln
und in Filmscreenings auf dem Vorplatz des
ZKM mit den Besucher:innen gemeinsam verhandeln.
Umgekehrt gehen viele Ausstellungen nach ihrer
Laufzeit am ZKM international auf Reisen. Immer stärker
in den Fokus rückt auch das Kuratieren rein digitaler
Ausstellungen. Und es geht auch noch auf die
Metaebene: Mit Projekten wie Beyond Matter und
intelligent.museum (siehe Seite 80–85) forscht das
ZKM im Netzwerk mit anderen nationalen und internationalen
Kunstinstitutionen unmittelbar zu Fragen
über das Ausstellen digital generierter Kunst.
Kunst, Medien, Kunst und Gesellschaft, Kunst und
Umwelt, analog und digital, national und international:
Mit derart vielen Parametern entstehen häufig
großangelegte Forschungs- und Ausstellungsprojekte.
Philipp Ziegler resümiert: „Bei uns am ZKM geraten
enzyklopädische Themenausstellungen so groß
und komplex wie anderswo Biennalen.“
Patrick Krause & Tanja Binder
Ikonische
Sonderausstellungen
1999–2000 net_condition
2001–2002 CRTL [Space].
Rhetorik der Überwachung
2002 Iconoclash.
Jenseits der Bilderkriege
in Wissenschaft,
Religion und Kunst
2004 Die Algorithmische
Revolution. Zur Geschichte
der interaktiven Kunst
2005 Making Things Public.
Atmosphären der Demokratie
2007–2009 YOU_ser. Das
Jahrhundert des Kon sumenten
2011–2012 The Global
Contemporary:
Kunstwelten nach 1989
2013–2014 global aCtIVISm
2015–2016 Globale:
Infosphäre // Exo-Evolution
// Reset Modernity!
2017–2019 Open Codes
2019 Negativer Raum.
Skulptur und Installation
im 20./21. Jahrhundert
2020–2022 Critical Zones.
Horizonte einer neuen
Erdpolitik
2021–2022 BioMedien. Das
Zeitalter der Medien mit
lebensähnlichem Verhalten
2023 Renaissance 3.0 –
Neue Allianzen von
Kunst und Wissenschaft
im 21. Jahrhundert
21

Arbeiten am Sound der Gegenwart
Elektronische und elektroakustische Musik,
das war einst wie Musik aus der Zukunft.
Diese Zukunft ist längst im Heute angekommen.
2022 steht die elektronische Musik
zwischen Tradition und neuen Trends. Das
spiegelt auch der Giga-Hertz-Preis wider,
der jedes Jahr im November vom ZKM und
dem SWR Experimentalstudio vergeben
wird. Im Rahmen eines mehrtägigen Festivals
stehen die vielseitigen experimentellen
Formen elektronischer Musik im Mittelpunkt.
Neben dem Hauptpreis, der an eine Person
für ihr Lebenswerk vergeben wird, gehören
zum Giga-Hertz-Preis auch Produktionspreise.
Sie werden an Künstler:innen verliehen,
die mit aktuellen technischen Mitteln
am Sound der Gegenwart arbeiten – und
dabei auch ein mögliches Morgen mitdenken
und mithören.
22

Der Giga-Hertz-Preis leistet
seit 2007 elektronischer
und elektroakustischer Musik
Vorschub
Den Giga-Hertz-Preis ins Leben zu rufen war eine Idee
von Peter Weibel, um elektronische und elektroakustische
Musik bekannter zu machen. Also ging der künstlerische
Leiter des ZKM 2007 auf Armin Köhler, den damaligen
Redaktionsleiter für Neue Musik beim SWR und
künstlerischen Leiter der Donaueschinger Musiktage,
zu und entwickelte mit ihm die Idee eines gemeinsam
veranstalteten Festivals, dessen Höhepunkt die Preisverleihung
sein sollte. Seit 2007 findet es seither jährlich
am ZKM statt. „Der Preis möchte alle fördern, die
Verdienste in der elektronischen Musik haben. Im Zentrum
steht die Frage: Hat diese Person einen wichtigen
Einfluss auf die elektronische Musik gehabt?“, erklärt
Ludger Brümmer, Komponist am ZKM | Hertz-Labor.
Dieser Einfluss muss nicht zwingend bedeuten, ein
Genre erfunden zu haben, dem Unzählige gefolgt
sind, wie etwa bei Brian Eno (Giga-Hertz-Preis 2014)
und „seiner“ Ambient Music. Preisträger:innen wie
Pauline Oliveros (2012), Éliane Radigue (2019) und
Alvin Lucier (2020) haben höchst individuelle musikalische
Stile, ja Philosophien entwickelt, die für viele
andere Musiker:innen bis heute eine wichtige Inspiration
sind.
Andere Preisträger:innen haben technische Innovationen
hervorgebracht, etwa John Chowning (2013), der
mit der Erfindung der FM-Synthese den (Pop-)Sound
der 1980er-Jahre entscheidend geprägt hat. Ebenso
wie Jean-Claude Risset (2009) hat er es geschafft,
Klangfarben aus der „realen“ Welt mit digitaler Synthese
nachzuformen und zu manipulieren. Curtis Roads’
(2016) größte Errungenschaft wiederum ist sein Buch
The Computer Music Tutorial (MIT Press, 1996), das
quasi zur Bibel der Computermusik geworden ist.
Ich bin überrascht, wie sich die elektronische
Musik weiterentwickelt und die
Musiklandschaft verändert hat. Technologie
und elektronische Musik sind so
omnipräsent geworden, sie gehören zur
alltäglichen Hörerfahrung.
Mark Pilkington
(Produktionspreis 2020)
23

Arbeiten am Sound der Gegenwart
Ludger Brümmer über
Hauptpreisträger:innen
des Giga-Hertz-Preises
Trevor Wishart
(2008)
[ Trevor Wishart hat der elektronischen
Musik das Elitäre genommen und sie breiter
verfügbar gemacht. Er hat etwa Phase­
Vocoder-Programme für Atari-Computer
umgeschrieben und sie so nutzbar für
viele gemacht; er hat außerdem das Composers
Desktop Project (CDP) initiiert,
dessen Kompositionssoftware frei verfügbar
ist. Das war revolutionär. ]
Gottfried Michael Koenig
(2010)
[ Hat diese
Person einen
wichtigen
Einfluss
auf die
elektronische
Musik
gehabt? ]
LUDGER BRÜMMER
[ Koenig fanden wir als Komponist stark
unterbewertet. Wir wollten sein Werk und
seine Leistungen mit dem Giga-Hertz­
Preis in die öffentliche Wahrnehmung rücken.
Er steht für keine bestimmte musikalische
Richtung, er hat aber einiges im Bereich der
Noise-Musik oder der maschinenorientierten
Komposition in Bewegung gebracht.
Heute orientieren sich viele Studierende
an Koenigs Aspekten von komplexem, analogem
Noise. Er war außerdem ein Vorreiter
auf dem Gebiet der künstlichen Kreativität. ]
Pierre Boulez
(2011)
[ Pierre Boulez ist eher als Dirigent und als
Komponist instrumentaler Musik bekannt.
Wir haben ihm den Preis vor allem für seine
politischen Bemühungen um die elektronische
Musik verliehen. Boulez hat sich dafür
24

eingesetzt, dass mit dem IRCAM (Institut
de recherche et coordination acoustique/
musique) in Paris das weltweit größte
Zentrum für elektronische Musik gegründet
werden konnte. Damit hat er einen gro ­
ßen Anteil an der Entwicklung bestimmter
musikalischer Richtungen, etwa der Live-
Elektronik. ]
Brian Eno
(2014)
[ Nie wurde eine Entscheidung nur wegen
der Bekanntheit einer Person getroffen –
auch bei Brian Eno nicht. Immer war
ein klarer Aspekt bei der Entscheidungsfindung:
Was hat die Person erreicht?
Bei Brian Eno ist es natürlich das Konzept
der Ambient Music. Er hat Ambient
quasi erfunden, dabei sehr konzeptionell
gedacht und mit Bandschleifen gear ­
beitet, wie auch bereits Karlheinz Stockhausen.
Eno hatte dabei nicht die Ab ­
sicht, damit Geld zu verdienen, er wollte
sich mit neuen Ideen künstlerisch durchsetzen.
]
Laurie Anderson
(2017)
The Hub
(2018)
[ Es gibt Künstler:innen, die ein breites
Publikum erreicht haben, wie Pierre Boulez.
Andere wurden eher von der Fachwelt
wahrgenommen, haben aber dennoch
wichtige Spuren hinterlassen. Die Musik des
Com puter-Netzwerkmusik-Ensembles
The Hub kennt kaum jemand. Auf das musikalische
Denken von heute hatten sie
aber enorme Auswirkungen. Live-Coding,
Circuit-Bending, Netzwerkmusik – The
Hub haben viele heute verbreitete Techniken
schon verwendet, bevor es die Begriffe
dafür überhaupt gab. ]
Christina Kubisch
(2021)
[ Christina Kubisch hat die Artikulationsform
der Klanginstallation entscheidend mitgeprägt.
Als das ZKM 1997 in den Hallenbau
zog, war die Installation noch ein
visuelles Genre, kein klangliches. Mittlerweile
sind Klanginstallationen autonome
musikalische Werke. Daran hat Christina
Kubisch großen Anteil. ]
[ Laurie Anderson kommt ursprünglich aus
der eher konzeptuellen Kunstszene um
Installation und Performance. In die hat sie
eigens gebaute Klangerzeuger eingebracht
und damit eine konzertante Musiksprache
entwickelt, in der Technologie eine
wichtige Rolle spielt. ]
25

Arbeiten am Sound der Gegenwart
Produktionspreise:
Inspiration
und Experiment
Neben dem Hauptpreis gehören zum Giga-Hertz-Preis
auch die Produktionspreise, von denen derzeit zwei
pro Jahr vergeben werden. Zweimal wurde außerdem
ein Preis für Sound Art vergeben – 2012 für das audiovisuelle
Künstlerduo Ryoji Ikeda und Carsten Nicolai
und 2013 für Pierre Henry, den Pionier der Musique
concrète. Anders als beim Hauptpreis, der von einer
Jury vergeben wird, kann man sich auf den Produktionspreis
bewerben. Damit verbunden ist ein Produktionsstipendium
am ZKM oder im SWR Experimentalstudio
in Freiburg. Hier finden die Künstler:innen nicht nur
exzellente technische Bedingungen vor, sondern sie
können sich auch miteinander austauschen.
„Es kann sehr bereichernd sein, eine Institution wie
das ZKM kennenzulernen und sich durch die Ausstellungen
dort inspirieren zu lassen“, bekräftigt Ludger
Brümmer. Manche schätzen die Ruhe und Konzentration
bei der Arbeit als Gast im Studio, einige finden
erst hier einen Raum mit guter Akustik, während sie
zuhause nur mit Kopfhörern Musik machen können.
Der Giga-Hertz-Preis kann Startschuss für eine Karriere
oder für neue Experimente in der künstlerischen
Arbeit sein. André Damiao, Produktionspreisträger
von 2021, wird am ZKM ein Multimediastück
entwickeln, das sich mit der gesellschaftlichen Situation
seiner Heimat Brasilien auseinandersetzt. Dort
sammelt er Interviews, Feldaufnahmen und entwickelt
eine Software zur Analyse dieser Daten. Yvette
Janine Jackson, ebenfalls Produktionspreisträgerin
von 2021, arbeitet im SWR Experimentalstudio an
einer interaktiven „Radiooper“ – einer Mischung aus
elektroakustischer Musik, Soundeffekten, Dialog und
Erzählung.
Der Preis spornt mich wirklich an, in
solch düsteren Zeiten wie den heutigen
weiterzuarbeiten.
André Damiao
(Produktionspreis 2021)
Elektronische Musik geht zurück auf Instrumente wie
das Theremin oder die Ondes Martenot – beide bereits
rund 100 Jahre alt. Nach dem Zweiten Weltkrieg hat
die Entwicklung der elektronischen und elektroakustischen
Musik an Fahrt aufgenommen und sich bis heute
vom akademischen Spezialistentum zu einem Breitenphänomen
entwickelt. Allein in den knapp 15 Jahren,
die der Giga-Hertz-Preis existiert, ist viel geschehen.
Zu klassischen Genres experimenteller elektronischer
Musik wie akusmatischer Musik, Live-Elektronik oder
Soundscape haben sich Strömungen wie Live-Coding,
Künstliche Intelligenz, digitale Interfaces oder Musik
mit Biomedien gesellt. Das spiegelt auch der Giga-
Hertz-Preis wider. In seinen jährlichen Ausschreibungen
setzt er thematische Schwerpunkte – 2021 waren
es Biomedien – wobei nicht alle eingereichten und prämierten
Werke sich auf diesen gesetzten Schwerpunkt
beziehen müssen. Auch Künstler:innen mit popkulturellen
Hintergründen bringen zunehmend neue Klangsprachen
in die experimentelle Elektronik.
Mit dem Begriff „Radiooper“ beschreibe
ich meine elektroakustischen Kompo ­
si tionen, in denen ich Musik, Dialog und
Soundeffekte als Ausgangsmaterial
für serielle Klang-Erzählungen verwende.
Yvette Janine Jackson
(Produktionspreis 2021)
Internationalisierung
und Globalität
Ludger Brümmer verrät, dass die Einreichungen für den
Giga-Hertz-Preis internationaler geworden sind. In den
letzten Jahren sickern immer mehr ästhetische Einflüsse
jenseits der etablierten Szenen Europas und Nordamerikas
in unsere westliche Wahrnehmung von elektronischer
Musik.
„Die elektronische Musik nimmt alles so unheimlich offen
auf“, sagt Brümmer. „Das geschieht ganz von alleine,
selbst wenn wir es hier nicht mitbekommen. Für die
Instrumentalmusik mit ihren vielen Nationalstilen ist das
teils problematischer. Ich halte die elektronische Musik
letztendlich für barrierefreier.“
Zwar ist es in manchen Teilen der Welt nicht einfach, an
ein elektronisches Musikinstrument oder einen Computer
mit Internetanschluss zu kommen. Hat man diese
Hürde aber überwunden, so öffnet sich laut Brümmer
26

ein großer, zugangsfreier Raum. „Diese Ästhetik und
diese Technologien sind sehr offen. Es ist an vielen Orten
einfacher, an einen Computer zum Musik machen
zu gelangen als ein Ensemble mit zehn Instrumentalist:innen
zu gründen.“
Vielfalt in jeglicher Hinsicht beschreibt den Status
quo elektronischer Musik 2022. Der Giga-Hertz-Preis
wird weiter genau hinhorchen.
Friedemann Dupelius
[ Ich halte
die elektronische
Musik
letztendlich
für barrierefreier.
]
LUDGER BRÜMMER
Kleines Begriffslexikon
Akusmatische Musik: Elektronische
Musik, bei deren
Aufführung nur Lautsprecher
zum Einsatz kommen und
zu sehen sind.
Biomedien: Verschiedene
Bedeutungen möglich –
beispielsweise lebensähnliche
Technologien wie Algorithmen,
die nach genetischen
Prinzipien
funktionieren, oder auch
Technik, die mit organischen
Materialien arbeitet
(etwa Bakterien).
Circuit-Bending: Kurzschließen
von Instrumenten
und Elektronikgeräten zur
Gewinnung neuer Sounds.
Live-Coding: Live-Erzeugung
von elektronischer
Musik in Echtzeit mit Programmcode.
Live-Elektronik: Die Verbindung
eines akustischen
Instruments mit Elektronik,
die auf die Instrumentalklänge
reagiert oder
sie erweitert und verändert.
Netzwerkmusik: Gemeinsam
Musikmachen – meist in improvisierter
Form – über
lokale Computernetzwerke
oder das Internet.
Soundscape: Begriff von
R. Murray Schafer, der eine
klingende Umgebung in
ihrer Gesamtheit bezeichnet
(etwa der Soundscape
von Karlsruhe oder des
Schwarzwalds).
27

Das ZKM und Indien – eine große Liebe
Seit 25 Jahren kooperiert das ZKM
erfolgreich mit Goethe-Instituten in aller Welt.
Ein Interview mit Amruta Nemivant
Amruta Nemivant ist Programmmanagerin in
der Kulturabteilung des Goethe-Instituts /
Max Mueller Bhavans in Mumbai. In einem
Online-Videogespräch erzählt sie uns, wie bekannt
das ZKM in Indien ist, warum jede
Ausstellung für Indien neu gedacht werden
muss und wieso 100.000 Besucher:innen
für die ZKM-Ausstellung Open Codes ein außergewöhnlicher
Erfolg sind.
28

Guten Tag Frau Nemivant. Das ZKM
und das Goethe-Institut / Max
Mueller Bhavan in Mumbai arbeiten
seit Jahren erfolgreich zusammen.
Kürzlich haben Sie die Ausstellung
Open Codes gezeigt. Wie kam es zu
dieser Kooperation?
[ Ende 2017 gab es ein kulturelles Austauschprogramm
zwischen Indien und Baden-
Württemberg. Für uns lag eine Kooperation
mit dem ZKM auf der Hand, denn das ZKM
ist in Indien im Kultursektor sehr berühmt.
Wir schätzen das ZKM für seine fantastischen
Ausstellungen und waren sehr gespannt,
was das ZKM für eine Zusammenarbeit
mit uns vorschlagen würde. Es
war dann wirklich ein Zufall, dass mein erstes
gemeinsames Projekt die Ausstellung
Open Codes gewesen ist. Ein Projekt, das
sich unmittelbar auf Coding bezieht –
entsprechend erfolgreich war die Ausstellung
bei uns in Mumbai. Dabei war es
für uns in Indien damals vollkommen neu,
Kunst und Technologie so zu verbinden
und die Besucher:innen aufzufordern, selbst
zu interagieren. ]
Indien gilt in Deutschland als das
„Land der Programmierer“, viele
haben für deutsche Unternehmen
gearbeitet oder sind direkt hierhergekommen
…
[ Ja, man hat es hier als „deutsche Green
Card“ vermarktet. ]
Wie zeigt das Goethe-Institut in
Mumbai eine Ausstellung wie Open
Codes?
[ Das Goethe-Institut hat in Indien eine
große Bedeutung und somit viele Kontakte
in die Kunst- und Kulturszene vor Ort.
Hier in Mumbai haben wir sogar eigene
Räume, in denen wir regelmäßig Ausstellungen
zu zeitgenössischer Kunst aus
Deutschland und Indien zeigen. Das Zusammenführen
beider Kulturen bildet
den Kern unserer Aufgabe. Wir übernehmen
also keine Ausstellungen im Ganzen,
sondern kuratieren sie nochmal eigens für
uns. Natürlich hat das auch mit unseren
finanziellen und logistischen Möglichkeiten
zu tun.
ZKM-Ausstellungen sind oftmals riesig und
wir verfügen vor Ort dann doch nur über
300 Quadratmeter. Das bedeutet, Ausstellungen
auf Objekte einzugrenzen oder
diese kleiner darstellen zu müssen. Dazu
gehört Kreativität. In einem Fall haben wir
eine Installation auf LED-Banner gezeigt,
sonst hätte allein dieses Kunstwerk den
gesamten Raum eingenommen. Auf diese
Weise mussten viele Objekte rekonfiguriert
werden, um in Mumbai zu funktionieren. ]
Wie sieht es inhaltlich aus?
Gibt es Kunstwerke, die
zu sehr ein westliches kulturelles
Verständnis bemühen?
[ Natürlich berücksichtigen wir die unterschiedlichen
kulturellen Kontexte. Wir
können nicht jedes Werk einfach so zeigen
und davon ausgehen, dass die Menschen
hier in Indien den gleichen Zugang zu
der künstlerischen Arbeiten haben wie
deutsche Besucher:innen. Das ist nicht
immer nur eine Frage der Übersetzung in
die Hindi-Sprache. Umso enger arbeiten
wir mit den Kurator:innen des ZKM
zusammen, um für uns in Mumbai eine
Ausstellung zu kuratieren, die auch hier zu
vermitteln ist. ]
Wie werden Ihre Ausstellungen
beim Publikum angenommen?
[ Die Reaktion auf Open Codes war fantastisch.
Zu Beginn waren die Besucher:innen
etwas schüchtern, besonders als sie
29

Das ZKM und Indien – eine große Liebe
[ Open Codes
wurde zu einer
der erfolgreichsten
Ausstellungen
der letzten Jahre
in Mumbai. ]
AMRUTA
NEMIVANT
merkten, dass man interagieren soll, ja
muss, um etwas davon zu haben. Das
Bewusstsein für Kunst ist in Indien anders
gelagert, man hat hohen Respekt
gegenüber den künstlerischen Werken.
In Indien ist es üblich, im Museum nicht zu
sprechen und nichts zu berühren. In
Open Codes ging es ja aber gerade darum,
das Smartphone zu nutzen und mitzumachen,
sich auszutauschen. Das war für
alle zunächst fremd, aber unsere Besucher:innen
haben schnell gelernt und
Open Codes wurde zu einer der erfolgreichsten
Ausstellungen der letzten Jahre
in Mumbai.
Auch die Hackathons, die wir im Rahmen
von Open Codes organisiert haben, waren
extrem beliebt; viele Leute, die vorher nie
mit Kunst in Berührung waren, besuchten
die Veranstaltung. Student:innen und
Kinder kamen und es war für die meisten
eine neue Erfahrung.
Open Codes hatte hier rund 100.000 Besucher.
Zur Ausstellung kamen bis zu 5.000
Menschen pro Tag; das ist nicht schlecht,
aber angesichts einer 20-Millionen-
Stadt in einem Land mit einer Milliarde
Einwohner:innen noch ausbaufähig! ]
Ist Ihr Publikum im Durchschnitt
recht jung?
[ Es ist unterschiedlich. Wir haben junge
und ältere Besucher:innen. Aber natürlich
kommen viele zu den ZKM-Ausstellungen,
weil sie sich für elektronische Gadgets,
Musik oder Gaming interessieren. Wir
haben auch ein älteres Publikum, das sich
zum Beispiel mit Ökologie beschäftigt. ]
30

Das Goethe-Institut
und
das ZKM | Karlsruhe
Die fruchtbare Zusammenarbeit
des ZKM mit dem
Goethe-Institut dauert bereits
seit 1997 an und
hat bisher 20 Ausstellungen,
zehn Projekte, eine
Oper und unzählige Veranstaltungen
hervorgebracht.
Einige der wichtigen
Kooperationen
waren:
2001–2005
Medien-Kunst-Netz,
https://zkm.de/de/projekt/
medien-kunst-netz
2008–2010
Amazonas. Musiktheater
in drei Teilen,
https://zkm.de/de/
projekt/amazonas
2017–2019
Global Control and Censorhship,
https://
zkm.de/en/project/
global-control-andcensorship
2017–2020
Games and Politics,
https://zkm.de/de/projekt/
games-and-politics
2013–2017
AppArtAward auf Reisen,
die Stationen waren
Peking/China, Montréal/
Kanada, Seoul/Südkorea,
Los Angeles/USA, Mexico
City/Mexiko u. a., https://
zkm.de/de/forschungproduktion/awards/
appartaward/der-appartaward-auf-reisen
Was ist Ihr nächstes ZKM-Projekt
in Mumbai?
[ Aktuell arbeiten wir gemeinsam mit dem
kuratorischen Team des ZKM daran, die
Ausstellung Critical Zones ab August 2022
zunächst in Mumbai und anschließend
noch an vier oder fünf weiteren Stationen
in Indien und Sri Lanka zu zeigen. Es
fügt sich mit dem ZKM sehr glücklich, dass
wir oft kontextualisierte Kunst zeigen
können, in der sich globale Themen mit
Kunst verknüpfen. ]
Wie wird Ihrer Meinung nach Critical
Zones angenommen werden – eine
Ausstellung, die weniger spielerisch
ist und die Klimakrise thematisiert?
[ Intellektuelle Debatten über Ökologie
sind in der indischen Gesellschaft
tief verankert. Es gibt bei uns viele Wissenschaftler:innen
und Historiker:innen,
die das Thema auf ein globales Level heben.
Wir veranstalten viele Panels zum Thema
Ökologie, insofern ist eine Kunstausstellung
zu diesem Thema sehr willkommen.
Natürlich gibt es in Indien andere Ansätze
und Perspektiven zur Klimakrise. Aber
das ist ja gerade der Sinn eines Austauschs,
Impulse zu setzen und andere Perspektiven
zu gewinnen! Wir sind sehr zuversichtlich,
dass es da zu einem anregenden
Dialog kommt. Das Interesse an Philosophie
und Wissenschaft ist in Indien groß. Zu
unseren Vorlesungen, die sich überwiegend
der deutschen Philosophie von Kant
bis Habermas widmen, kommen jeden
Samstag rund 150 Studierende und Professor:innen
ins Goethe-Institut. ]
Liebe Frau Nemivant, ich bedanke
mich ganz herzlich für das Gespräch!
Interview: Patrick Krause
31

Moderne Arche Noah für Medienkunst
Im Labor
für antiquierte
Videosysteme
bewahrt
Dorcas Müller
Medienkunst
und Abspielgeräte
für
die Nachwelt
Kulturgut sichern ist die Aufgabe von Dorcas
Müller. Im Labor für antiquierte Video systeme
sorgt sie dafür, dass Medienkunstwerke
und historische Abspielgeräte für die Nachwelt
erhalten werden. Denn die seit Mitte der
1960er-Jahre erschaffenen Videokunstwerke
auf magnetischen Trägermedien sind durch ihre
materielle Alterung akut bedroht und werden
in wenigen Jahren nicht mehr lesbar sein.
32

„Das ist mein Arbeitsplatz“, sagt Dorcas Müller, Leiterin des Labors für
antiquierte Videosysteme. „Antiquierte Videosysteme“, das klingt nach
einer Sammlung musealer Technik. Der erste Blick in den Nebenraum
des Labors fällt auf etwa 2.000 Videokassetten, die zuvor jahrelang unberührt
in Ateliers oder Kellern von Künstler:innen lagerten. Dorcas Müllers
Job besteht unter anderem darin, diese Videowerke zu digitalisieren.
Ein lebensgroßes Foto eines nackten Mannes mit einer eckigen Schultertasche
und einer Kamera hängt am Eingang des Labors. „Das ist Michael
Shamberg mit einem Portapak, das erste tragbare Sony-Videogerät,
das 1967 auf den Markt kam“, klärt Dorcas Müller auf. Shamberg
war in den 1960er-Jahren als Videoaktivist Mitbegründer des berühmten
New Yorker Videokollektivs Raindance Corporation, das Videokunst
als neue Form gegen-kultureller Kommunikation propagierte. „Er wurde
später übrigens Produzent in Hollywood, unter anderem von Tarantino-Filmen“,
weiß Müller. Das Frühwerk der Raindance Corporation zu erhalten,
ist eine der Aufgaben von Dorcas Müller im Labor für antiquierte
Videosysteme. Das Gerät, um das historische Magnetband auslesen
zu können, steht bereit.
Die erste tragbare Videoausrüstung
gibt 1967 den Startschuss
Der Portapak, dieses erste tragbare Videogerät, stellt einen Meilenstein
in der Geschichte der Videokunst dar, weil es die Produktion von Videos
demokratisierte und breite Zugänge schaffte. Entsprechend begeistert
reagierte die Kunstwelt 1967. Dass der Portapak damals den Gegenwert
eines VW-Käfers kostete, hielt die Künstler:innen nicht vom Kauf ab. Sie
schlossen sich kurzerhand zu Kollektiven zusammen und teilten sich
das Equipment.
Doch was faszinierte die Kunstwelt an der Videotechnik? Statt Stunden
oder Tage darauf zu warten, dass der Film in einem Labor entwickelt
wurde, konnten die Aufnahmen direkt betrachtet werden. Die Möglichkeit,
Bänder immer wieder neu zu bespielen, anstatt teures Filmmaterial
zu kaufen, ermutigte die Künstler:innen zu experimentieren.
Mit Videokunst dem
Massenmedium Fernsehen etwas
entgegensetzen
Darüber hinaus zeigten die Bilder, die über die heimischen Fernsehmonitore
flimmerten, einen sehr beschränkten Ausschnitt der Welt. Mit
der Videotechnik konnten die Künstler:innen selbst elektronische Bilder
erzeugen und auch jene Menschen, Ereignisse und Lebensentwürfe
sichtbar machen, die nicht den Normen der großen Fernsehsender
entsprachen. So entstanden Tausende von Videokunstwerken.
33

Moderne Arche Noah für Medienkunst
Videokunst hat jedoch ein Verfallsdatum: Bänder zerfallen, historische
Abspielgeräte werden nicht mehr hergestellt, Ersatzteile werden knapp.
In 15 Jahren sind es rund 15.000 Bänder, die das Labor für antiquierte
Videosysteme der Kunst und der Nachwelt erhalten hat. Das Gesamtvolumen
der Digitalisate beläuft sich mittlerweile auf über ein Petabyte –
das entspricht 1.000 Terrabyte. Die riesigen Datenmengen werden auf
speziellen Magnetbändern gespeichert, die überraschenderweise noch
immer als das sicherste, kostengünstigste und umweltfreundlichste Medium
für die Langzeitarchivierung gelten.
Was im Labor einheitlich wirkt, kam als große Unübersichtlichkeit: Wer
erinnert sich noch an den „Formatkrieg“ zwischen Betamax, VHS und
Video 2000, der Ende der 1970er-Jahre begann? Auch weit vorher gab
es Video und zwar in Form von großen und kleinen Halbzollspulen –
bis die Firmen Grundig und Philips im Jahr 1971 das erste erfolgreiche
Heimvideo in Kassettenform, das VCR-System, vorstellten. Mehr als 100
unterschiedliche Consumer-Formate kamen in den vergangenen 60 Jahren
auf den Markt. Im Labor stehen Geräte bereit, um über 50 dieser
Video formate aus aller Welt abzuspielen und zu digitalisieren.
Wo „Beuys“ draufsteht,
ist auch Beuys drin
Der Bedarf an Restaurierung ist hoch. In der Mitte des Labors steht eine
Kiste mit der schlichten Aufschrift „Beuys“: Videobänder von Performances,
Dokumentationen von Ausstellungen, die aus Mangel an technischem
Equipment seit Jahrzehnten nicht mehr abspielbar waren. Absender:
das Pariser Centre Pompidou. „Eine der Institutionen, die viel
Videokunst haben und nicht mehr über die Abspielgeräte verfügen“, erklärt
Dorcas Müller. Unter ihrer Hand wird das Flimmern auf dem alten
Bildschirm zur konturierten Dokumentation der Ausstellung Richtkräfte
in Berlin 1977, die Joseph Beuys im Begriff ist aufzubauen – und wir sind
die ersten Zuschauer:innen seit Jahrzehnten.
Neben diesem Monitor erstreckt sich eine ganze Landschaft alter Videogeräte
über den Raum: Es ist eben kein Museum, sondern ein Labor.
Fast ständig rotiert einer der silbernen, gut gealterten Apparate, denn
es herrscht ein hohes Arbeitstempo, um dem Verfall der Medien rechtzeitig
begegnen zu können.
Videokunstwerke für die Nachwelt
erhalten
Fast wöchentlich erreichen Lieferungen wie die Beuys-Videos aus Paris
das ZKM-Labor. Absender sind nicht nur Institutionen, sondern auch
Künstler:innen oder ihre Nachkommen, die Werke bewahren wollen.
Nach dem Tod des legendären Krautrock-Musikers Holger Czukay (CAN)
schickte seine Familie Kisten mit Aufzeichnungen seiner Konzertauftritte.
Die übliche Vereinbarung, die mit den Künstler:innen getroffen wird,
34

[ … und nicht
mehr über
die Abspielgeräte
verfügen. ]
DORCAS MÜLLER
ist eine Mischkalkulation: Das Labor digitalisiert, eine
Kopie geht ins eigene Recherchearchiv, um in einer
ZKM-Ausstellung oder für wissenschaftliche Forschungsprojekte
verwendet werden zu können, eine
weitere zurück zu den Auftraggebern, die frei über
sie verfügen können.
Labor für antiquierte
Videosysteme
Das Labor für antiquierte
Videosysteme (im Jahr 2004
gegründet von Christoph
Blase und Peter Weibel) unterhält
eine Sammlung
lauffähiger originaler
Videogeräte
der vergangenen Jahrzehnte:
von den ersten Consumer-
Videosystemen auf offener
Spule bis hin zu heute
noch aktuellen Kassettenformaten.
Mit seinem Maschinenpark
von mehr als 300 Geräten
ist das Labor in der
Lage, fast 50 historische
Videoformate hochwertig
zu digitalisieren und zu
restaurieren.
Aufgrund der großen Fragilität
der im Labor entstehenden
digitalen Daten
gehört deren Spiegelung
zu den zentralen Aufgaben:
Daten werden kopiert und
auf zeitüblichen Datenträgern
an verschiedenen
Orten aufbewahrt.
Das Werk des amerikanisch-italienischen Künstlers
Aldo Tambellini wurde dank der Arbeit des Labors in
der Kunstwelt ebenso wiederentdeckt wie die wegweisenden
Aktivitäten der New Yorker Raindance Corporation.
Und wenn schon das Centre Pompidou oder
das MIT (Massachusetts Institute of Technology, Cambridge,
MA) ihre wertvollen historischen Bänder ans
ZKM schicken, so ist das geradezu eine Verneigung
vor der Karlsruher Kompetenz. „Wieder Werte schaffen“,
umschreibt Dorcas Müller ihre Aufgabe ganz
ohne Pathos. Denn im Labor für antiquierte Videosysteme
werden die Ärmel hochgekrempelt. Es gibt
noch viel zu tun. Patrick Krause
35

It’s not about Money Was sind Non-Fungible Tokens (NFTs) –
und wie kommen sie ins Museum?
Über ein neues Medium am Beispiel der
Sammlung des ZKM
Spätestens seitdem das Auktionshaus Christie’s
im März 2021 das Non-Fungible Token
(NFT) zu einer Digitalcollage des Künstlers
Beeple für 69,35 Millionen US-Dollar versteigert
hat, sind NFTs nicht mehr nur Tech-
Nerds oder Krypto-Begeisterten ein
Be griff, sondern auch im klassischen Kunstbetrieb
in aller Munde – und darüber
hinaus. Das ZKM sammelt seit 2017 als eine
der ersten Kulturinstitutionen NFTs: Die
Sammlung umfasst mittlerweile rund 70 dieser
digitalen Kunstwerke.
40

Was 2014 auf einer Insider-Veranstaltung im New Museum
von New York begann, wo der Künstler Kevin
McCoy das erste, damals noch nicht so genannte NFT
zertifizierte, hat sich zu einem globalen Hype entwickelt.
Das Geschäft mit den Tokens boomt, die Vielfalt
ihrer Formen verwirrt, die künstlerische Nutzung
der Blockchain-Technologie erregt Faszination und
Unbehagen gleichermaßen. Nicht nur Auktionshäuser
interessieren sich für NFTs, auch Galerien – hierzulande
etwa Nagel Draxler und König – nehmen sie ins
Programm. Die Biennale di Venezia wird 2022 erstmals
mit einer NFT-Sektion aufwarten. Und im deutschsprachigen
Raum haben neben dem ZKM in Karlsruhe auch
das Museum für angewandte Kunst in Wien und das
Francisco Carolinum in Linz NFTs in ihre Sammlungen
aufgenommen.
Dabei sind NFTs immer noch erklärungsbedürftig und
die Diskussion darüber, was Token als Kunstwerke interessant
macht, hat gerade erst begonnen. Nicht nur für
Kreative, auch für Händler:innen, die Sammlergemeinde
und Blockchain-Entrepreneure ist die NFT-Szene ein
Experimentierfeld. Museen, die NFTs sammeln, betreten
Neuland.
Ist das ein neues
Konzept von Besitz?
Doch was ist überhaupt das Revolutionäre an NFTs?
NFTs sind Unikate in der digitalen Sphäre, die bislang beherrscht
wird von der unterschiedslosen Kopierbarkeit
von Daten. Um NFTs zu generieren wird die Blockchain-
Technologie genutzt, auf der auch so genannte Kryptowährungen
gründen. Deren Währungseinheiten sind als
austauschbare Tokens zwar nummeriert wie Geldscheine,
doch einander immer gleich im Wert. Non-Fungible
Tokens – nicht austauschbare Vermögenswerte – sind
dagegen einmalig. Als auf einer Blockchain hinterlegte
Eigentumszertifikate können sich NFTs auf virtuelle wie
physische Güter beziehen. Selbst wenn das zugrundeliegende
Werk reproduziert oder gefälscht werden sollte,
bleibt das als NFT registrierte Objekt das einzige Original
– wobei sich dieses Alleinstellungsmerkmal genau
genommen nicht auf das Objekt, sondern das Zertifikat
bezieht. Es vermerkt überdies, wann das NFT „geprägt“
(minted) wurde, in wessen „digitaler Brieftasche“
(wallet) es liegt und durch welche Hände es in seiner
Verkaufsgeschichte gegangen ist. In mit den NFTs verbundenen
„Smart Contracts“ können auch Tantiemen
festgelegt werden: Wer immer das NFT ursprünglich geprägt
hat, profitiert dann von jedem Weiterverkauf.
Die Idee eines
Kunstwerks zertifizieren
Es geht also um ein neues Konzept von Besitz und virtueller
Dinghaftigkeit, um neue Formen der Vermarktung
ohne Intermediäre und eine Technologie, die als
künstlerisches Medium gerade erst erprobt wird. Ein
wiederkehrender Vergleich in diesem Kontext: 2019
verkaufte Maurizio Cattelan auf der Kunstmesse Art Basel
Miami Beach zwei von drei mit Panzerband an die
Wand geklebte Bananen mit dem Werktitel Comedian
für 120.000 respektive 150.000 US-Dollar. Die dritte
verspeiste der Aktionskünstler David Datuna. Dabei
kam es auf die Bananen gar nicht an. Käuflich zu erwerben
war ein „Echtheitszertifikat“ für das Kunstwerk
und das Recht, die Frucht auszutauschen: also eine
zertifizierte Idee des Kunstwerks.
Das kommt dem Konzept von NFT-Kunst ziemlich nahe.
Diese hinterfragt außerdem die autonome Position von
Künstler:innen: Das kryptografisch gesteuerte „Minting“
von algorithmisch kreierten Kunstwerken etwa kann mit
kollektiver Interaktion kurzgeschlossen werden, die
idealerweise aus einer möglichst engagierten digitalen
Fangemeinde kommt. Einige der erfolgreichsten und
wirkmächtigsten Krypto-Kunstprojekte kann man als
kollektiv gestaltete Gesamtkunstwerke interpretieren:
etwa sogenannte „Collectables“.
Zum perfekten Zeitpunkt, nämlich 2017, als sich die
NFT-Welle gerade aufbaute, ließ das ZKM seinen Künstler
und IT-Spezialisten Daniel Heiss für die Ausstellung
Open Codes. Die Welt als Datenfeld ein „Krypto-Lab“
mit Bitcoin-Miner aufbauen. Das Ziel war, dem Publikum
die Blockchain-Technologie näherzubringen. Doch
mit dem in diesem museumspädagogischen Projekt
„geschürften“ Kryptogeld war auch das Kapital da, um
die ersten NFTs für die Sammlung des ZKM zu kaufen.
Ab Ende 2017 wurden CryptoKitties (Dapper Labs,
seit 2017) und CryptoPunks (Larva Labs, 2017) in die
Sammlung des ZKM integriert.
Für immer dem
Markt entzogen
Die CryptoKitties, Schöpfungen von Guile Gaspar und
Dapper Labs, sind Teil eines ungeheuer populär gewordenen
Spiels auf der Blockchain Ethereum, bei dem
in ihren Eigenschaften individuelle virtuelle Katzen
41

It’s not about Money
[ Es geht also um
ein neues Konzept
von Besitz
und virtueller
Dinghaftigkeit …]
URSULA
SCHEER
gekauft, gesammelt, verkauft und „gepaart“ werden
können, um neue zu erzeugen. Weltberühmt sind inzwischen
auch die CryptoPunks der Softwareentwickler
Matt Hall und John Watkinson. 10.000 verschiedene,
von einem Algorithmus kreierte Portraits von Punks mit
24 mal 24 Pixeln, die als NFTs auf Ethereum geprägt
und kostenlos ausgegeben wurden. Inzwischen wird
der günstigste CryptoPunk für derzeit rund 150.000
US-Dollar gehandelt.
Das ZKM konnte sich 2018 vier Exemplare für je um
die 100 Dollar sichern. Der Spekulationswut sind sie
inzwischen entzogen: Statt sie in ein Hardware-Wallet
zu transferieren, hat Daniel Heiss sie versehentlich an
die Smart-Contract-Adresse der Entwickler geschickt –
einen Ort auf der Blockchain, zu dem niemand den
Schlüssel kennt. Dort liegen die NFTs unerreichbar,
was dem Motto der ersten Krypto-Kunstausstellung
CryptoArt entspricht, die das ZKM 2021 mit NFT-Kunst
aus der eigenen Sammlung und von Leihgeber:innen
auf dem Screen des ZKM-Kubus ausrichtete: „It’s not
about Money“.
Ein Algorithmus schafft
ein einmaliges
Digitalkunstwerk
Tatsächlich interessiert sich das ZKM, in dem Daniel
Heiss und die Kuratorin Margit Rosen unter anderem für
NFTs zuständig sind, nicht für den Marktwert, sondern
für das künstlerische Potenzial und die medienhistorische
Stellung der Tokens. In ihrem Fokus sind sogenannte
On-Chain-NFTs – die kein außerhalb der Blockchain
digital gespeichertes oder physisch vorliegendes
Werk repräsentieren, sondern bei denen das Kunstwerk
selbst sich auf der Blockchain befindet. Dort ist es auf
den kleinen Speicherplatz verwiesen, der Tokens zur
Verfügung steht. Besonders raffinierte, selbstreferenzielle
Exemplare initiieren im Moment ihrer Prägung
einen Prozess, bei dem ein Algorithmus ein einmaliges
Digitalkunstwerk schafft. Welche Form genau es annimmt,
ist der menschlichen Kontrolle entzogen. Auch
42

die CryptoPunks gehören dieser Klasse generativer
Krypto-Kunst an, waren als Grafiken aber ursprünglich
jenseits der Blockchain gespeichert, was die Entwickler,
die mit Autoglyphs 2019 das nächste generative
NFT-Projekt vorlegten, inzwischen geändert haben.
Von den CryptoPunks inspiriert ist auch Erick Calderon,
der 2020 noch ein amerikanischer Fliesenhändler
mit einem Faible für Coding war. 2021 gründete er Art
Blocks, eine Onlineplattform für generative NFT-Kunst.
Dort und auch in der Sammlung des ZKM zu finden
sind Exemplare der in einer Serie von 1.000 Exemplaren
geschaffenen Ringers (2021) von Dmitri Cherniak.
Der junge New Yorker lässt seinen Algorithmus Liniengebilde
um ein Raster aus Kreisen legen, mit Primärfarben
sowie Schwarz oder Weiß die umgrenzten Flächen
füllen oder Elemente eliminieren. Die Ergebnisse
sind Beispiele unendlicher Variationsmöglichkeiten,
die Assoziationen an die konstruktivistische russische
Avantgarde wecken, sich konzeptionell aber auf
Pionierleistungen generativer Computerkunst aus den
1960er-Jahren beziehen, wie etwa auf Arbeiten von
Georg Nees und Frieder Nake.
Klimasensibilität vs.
Energieverbrauch
Ein weiterer, noch analog sozialisierter Konzeptkünstler,
der die Blockchain für sich entdeckte, ist der Ire Kevin
Abosch. Aus dem Jahr 2018 stammt sein Projekt I am
a Coin: Auf 100 Papierbögen druckte Abosch mit eigenem
Blut Smart-Contract-Adressen, die mit zehn Millionen
Standard-Tokens auf Ethereum korrespondieren. Ist
dies ein Teufelspakt mit der Technik, den der Künstler
hier einging, oder die maximale Kontrolle über die Kapitalisierung
seiner selbst? Beide Deutungen sind möglich.
Das ZKM hat sich als Sammler an Aboschs NFT-
Projekt 1111 von 2021 beteiligt. Die titelgebende Anzahl
von Digitalkunstwerken aus Code in unterschiedlichen
Kompositionen und Farben versteigerte er als NFT und
bettete sie in eine Dezentrale Anonyme Organisation
(DAO) auf der Blockchain ein. Durch Tweets an seine
Sammlergemeinde hat Abosch immer wieder ihre Neugierde
(und ihren Investitionswillen) angestachelt und
versprochen, dass noch etwas Neues, Interaktives aus
1111 folgen solle. Verkündet hat er schließlich, er wolle
einen Satelliten starten, der Daten über den Klimawandel
sammeln solle als Grundlage für neue Kunstwerke.
Bisher ist aus dem Start von 1111 KOSMOS noch nichts
geworden. Klimasensibilität ist allerdings ein Thema
für die NFT-Gemeinde: Blockchains verbrauchen viel
Energie, weshalb Ethereum seit langem den Umstieg
auf ein stromsparendes Kodierungsverfahren („proof of
stake“ statt „proof of work“) verspricht. Wo es ein NFT-
Projekt erlaubt, präferiert das ZKM daher Arbeiten auf
„grüneren“ Blockchains wie Tezos, wo es mit objkt.com
oder versum.xyz einen wachsenden Marktplatz für NFT-
Kunst gibt.
So faszinierend das Feld ist, es stellt Museen vor viele
neue Herausforderungen. Das fängt bei der Notwendigkeit
einer Multi-Signature-Wallet an, welche zu höheren
Transaktionsgebühren („GAS“) auf der Blockchain
führt. Auch ist mit dem Erwerb eines NFTs grundsätzlich
weder die Übertragung des Urheberrechts noch
ein Nutzungsrecht im Sinne einer Präsentation des
Werks in einer Ausstellung verbunden. Bevor Lizenzen
und Smart Contracts auf die Bedürfnisse öffentlicher
Einrichtungen zugeschnitten sind, müssen Lösungen
zwischen ihnen und Künstler:innen oder Kollektiven
individuell ausgehandelt werden, was geradezu rührend
altmodisch anmutet in der von Pseudonymen, Dezentralisierung
und autonomen Netzwerken geprägten
Blockchain-Welt. Ursula Scheer
[ NFTs sind Uni-
URSULA SCHEER
kate in der
digitalen Sphäre,
die bislang
beherrscht wird
von der unterschiedslosen
Kopierbarkeit
von Daten. ]
43

Art Institutions in the Age of Existential Risks.
Wir leben in kritischen Zeiten, die auch Kulturinstitutionen
vor neue Herausforderungen
stellen. Klimakrise, soziale Ungleichheiten
sowie Konflikte und Katastrophen bergen
existenzielle Risiken. Die Coronapandemie und
aktuell der Krieg in der Ukraine führen uns
dies unmittelbar vor Augen. Das ZKM, seit
jeher eng mit Wissenschaftsbetrieb vernetzt
und technologischen Entwicklungen zugewandt,
thematisiert in seinen Ausstellungen
und Events immer wieder gesell schaftliche
Fragen und liefert so einen Beitrag zu aktuellen
Diskursen. Bei einer zweitägigen Onlinekonferenz
im Oktober 2021 diskutierten
internationale Expert:innen aus Kunst, Gesellschaft
und Wissenschaft darüber, ob Kunst
und Kultur eine Schlüsselrolle bei der Lösung
der globalen Krisen einnehmen können.
44

What to Do? –
Die Kulturbranche in
Zeiten globaler
Herausforderungen
„Art Institutions in the Age of existential Risks. What to do? – Konferenz
zur Zukunft der Museen“, kuratiert von Peter Weibel, beschäftigte sich
mit der Frage, welche Rolle Kunst und Kultur bei der Diskussion und
Bewältigung gesellschaftlicher Krisen spielen können. Wie können Museen
und andere Kultureinrichtungen in diese Rolle hineinwachsen? Die
Kunstszene ist selbst im Umbruch, als Spiegel sozialer Veränderungen
wie der Aufarbeitung von Kolonialismus, Sexismus, Rassismus, Fremdenfeindlichkeit,
der Benachteiligung von Minderheiten und anderer gesellschaftsrelevanter
Themen.
Die versammelten Expert:innen wollten die Menge an Anforderungen
und Perspektiven skizzieren, die sich aus den globalen Risiken für die
Kulturinstitutionen ergeben. Wo genau stehen Kulturinstitutionen in Bezug
auf diese neuen, globalen Herausforderungen? Braucht die Kultur
eine Renaissance? Und was passiert umgekehrt, wenn derartige Krisen
die Existenz von Kultureinrichtungen selbst bedrohen?
Den Auftakt bildete ein Vortrag von Max Hollein, in dem der Direktor des
Metropolitan Museum of Art (Met) in New York, des größten Kunstmuseums
der westlichen Hemisphäre, eindringlich beschreibt, wie innerhalb
der letzten zehn Jahre der öffentliche Druck auf das Met stetig gestiegen
ist. In einem gesellschaftlichen Klima, in dem Fragen wie Repräsentation,
Geschlechtervielfalt und Diversität immer drängender würden,
steht auch für das altehrwürdige Met viel auf dem Spiel, schließlich werden
in den USA kulturelle Einrichtungen nicht staatlich bezuschusst,
sondern ausschließlich durch ihre Besucher:innen und großzügige
Mäzen:innen finanziert. Eine falsche Positionierung zu diesen neuen Fragen
könnte existenzielle Folgen für eine Kultureinrichtung nach sich ziehen.
Raus aus dem Elfenbeinturm
Klar wird in Max Holleins Vortrag: Das Museum von morgen ist eine offene
Diskursplattform, in der eine Vielfalt von Stimmen zusammenfinden
kann – nicht zuletzt auch der künstlerische Aktivismus. Wirklich neutral
könne eine Kultureinrichtung niemals sein. Selbst ein „Universalmuseum“
wie das Met könne niemals dem Anspruch gerecht werden, alle
Kulturen der Welt gleichberechtigt zu repräsentieren. Vielmehr gehe es
darum, den Diskurs über kulturelle Repräsentation offen und transparent
zu führen und dabei zu fragen: Wer trifft hier wirklich die Entscheidungen?
Welche Stimmen bilden und prägen die Institution?
45

Kultureinrichtungen müssen sich stärker öffnen
Praktisch bedeute dies, internationale Vernetzung und Austausch auf
Augenhöhe anzustreben. Ausstellungsräume könnten so gestaltet werden,
dass nicht die Unterschiede zwischen verschiedenen Kulturen,
sondern vielmehr übergreifende Gemeinsamkeiten und Zusammenhänge
herausgestellt würden. Althergebrachte kulturelle Narrative müssten
überdacht und durch Alternativen ergänzt werden. Die Besiedelung
Amerikas durch die Europäer etwa ist im Met keine Geschichte der noblen
weißen Heilsbringer mehr.
Als in New York ansässige Autorin und Kuratorin ist Laura Raicovich eine
Expertin der US-amerikanischen Kulturszene. Und auch sie sieht für die
Zukunft der Branche keinen einseitigen Informationsfluss von der Institution
zu passiven Konsument:innen mehr. Kulturelle Bildungsangebote
müssten vielmehr eine Einladung an unterschiedliche Personengruppen
sein, ihr Wissen zur gegebenen Thematik zu teilen. Dabei komme
es eben nicht auf unbedingte Neutralität an, sondern auf Ehrlichkeit und
Transparenz. Es sei auch wichtig, Einrichtungen räumlich so zu gestalten,
dass sie verschiedene Gruppen von Menschen willkommen heißen.
Im Palais de Lomé in Togo macht Direktorin Sonia Lawson bereits vor,
wie das Publikum einbezogen werden kann. Der ehemalige Kolonialpalast
ist alles andere als ein Elfenbeinturm: Lawson und ihr Team warten
nicht ab, dass die Menschen zum Museum kommen – sie bringen
[ Langfristiges
Überleben ist nur
mithilfe eines
loyalen Publikums
möglich. ]
ILLE GEBESHUBER
46

[ Wirklich neutral
kann eine
Kultureinrichtung
niemals sein. ]
MAX HOLLEIN
die Kunst zu den Menschen. Im umliegenden Stadtraum veranstalten
sie Theaterstücke, Schnitzeljagden oder Umfragen, arbeiten dabei mit
Schulklassen und lokalen Initiativen zusammen. Diese aktive Community-Arbeit
bildet den Kern ihrer Philosophie. Über Togo hinaus setzt sie
auf pan-afrikanische Kooperationen. Lawson ist überzeugt: „Manche
Dinge müssen gefühlt und erlebt werden.“ Denn nur so könne man mittels
Kunst und Kultur einen Umgang mit aktuellen lokalen Herausforderungen
finden – etwa zu Themen wie Migration und Klimawandel. Der
prächtige Garten des Palastes bietet indes die perfekte Grundlage für
die Vermittlung von Biodiversität gerade an die jungen Besucher:innen.
Teile des Gartens bleiben naturbelassen, um die verschiedenen Vegetationen
Togos zu zeigen, während sich in den Innenräumen des Palastes
Designobjekte finden, die von den Pflanzen draußen inspiriert sind.
Dass Kultureinrichtungen sich um proaktive Vernetzung bemühen müssen,
findet auch Irini Mirena Papadimitriou, Creative Director bei FutureEverything
in London, einem Zentrum für Kunst, Kultur und Innovation.
Auch im Vereinigten Königreich herrsche ein konstanter Druck auf Kultureinrichtungen
– wie sie geführt werden, was sie thematisieren und
wie kritisch sie dabei sind. Um dem zu begegnen, müssten die Einrichtungen
sich öffnen und über Grenzen hinweg kooperieren. Neben dem
physischen Stadtraum hat Papadimitriou dabei vor allem die digitalen
Möglichkeiten im Blick, durch die Einrichtungen sich global verbünden
und Herausforderungen gemeinsam angehen könnten. Ferner ist sie
überzeugt: Kultureinrichtungen dürften keine allein auf Profit ausgerichteten
„Moneymaking-Machines“ sein – diesem Druck gelte es standzuhalten.
47

Kultureinrichtungen müssen sich stärker öffnen
Digitalisierung als zweischneidiges
Schwert
Dass sich durch das Digitale weitreichende neue Spielräume der Interaktion
sowohl mit anderen Institutionen wie auch mit dem Publikum eröffnen,
dürfte spätestens seit der Pandemie klar sein. Digitalisierung als
Heilsbringerin für die Kultur also? So einfach ist es dann doch nicht:
Sie ist ein zweischneidiges Schwert, wie die Physikerin Ille Gebeshuber
darlegt. Der digitale Raum eröffnet den Konsument:innen zwar eine viel
größere Auswahl an kulturellen Angeboten aus der ganzen Welt. Aber
wer geht noch in die kleine Galerie vor Ort, wenn so viele berühmte
Kunstwerke und Weltklasse-Performances nur ein paar Klicks entfernt
sind?
Überhaupt digitales Programm anzubieten, könne also allenfalls der erste
Schritt sein. Langfristiges Überleben sei nur mithilfe eines loyalen
Publikums möglich. Besucher:innen müssten zu Freund:innen werden.
Statt sich lediglich auf Steigerung der eigenen Bekanntheit zu konzentrieren,
müssten Einrichtungen ihre potenziellen Besucher:innen ernst
nehmen und sie dazu befähigen, genau das zu finden, wonach sie suchen,
einschließlich weiterer ähnlicher Angebote.
Im gemeinsamen Gespräch sind sich die Physikerin Gebeshuber und die
Kreativdirektorin Papadimitriou jedoch sicher: Durch erfolgreichen Einsatz
digitaler Tools könnten Kultureinrichtungen nicht nur ihre Relevanz
aufrechterhalten, sondern zu Orten der breiteren gesellschaftlichen Diskussion
werden, wo Bürger:innen das Gefühl haben, gehört zu werden.
Kunst kann mehr
Auf eindrucksvolle Weise zeigt der führende globale Strategieberater
Parag Khanna wie kreative Designmethoden auf globale Fragestellungen
angewandt werden können und wie innovative Daten-Landkarten
neue Perspektiven auf Klimawandel, Migration und Globalisierung eröffnen.
Er ist Mitbegründet von FutureMap, einem daten- und szenariobasierten
Strategieberatungsunternehmen. Die Bereicherung empirischwissenschaftlicher
Erkenntnisse durch künstlerisch-kreative Methoden
macht solch komplexe Themen sehr viel greifbarer und hilft damit nicht
zuletzt bei der politischen Meinungsbildung.
Passend dazu macht es der Medientheoretiker Siegfried Zielinski (Universität
der Künste Berlin) zum Abschluss der Konferenz zu seinem Anliegen,
für eine nicht bloß methodische oder institutionelle, sondern
auch thematische Öffnung von Kultureinrichtungen zu werben. Neben
den klassischen Aufgaben müsse ein zukunftsgerichtetes Kunstmuseum
auch neue Medien, wissenschaftliches Denken und innovative
Technologien in sein Konzept integrieren. Das Verständnis von Kunst
müsse um neue Räume für Ideen, Diskurse und Aktivitäten erweitert
werden. Kultureinrichtungen brauchten Mut, um Experimente und radikale
Offenheit zu wagen – abseits reinen Effizienzdenkens.
48

Wie geht es weiter –
What to Do?
Mut zur Offenheit und Transparenz, Vielfalt und Zusammenarbeit,
Experimentierfreude: das sind die roten
Linien entlang derer eine proaktive und lösungsorientierte
Entwicklung der Kulturbranche verläuft.
Statt im traditionellen Bild eines Museums zu verharren
oder sich allein auf Wirtschaftlichkeit auszurichten,
müssen Einrichtungen zu einem Raum für vielfältige
Stimmen, für Teilhabe des Publikums, für transdisziplinäres
Wissen und für globale Kooperationen
werden. Digitale Tools bieten hier enormes Potenzial,
sind aber kein Allheilmittel. Viel wichtiger sind
ein aufrichtiger Umgang mit dem Publikum, Selbstreflexion,
die Einladung zum offenen Diskurs sowie Engagement
über die eigenen vier Wände hinaus. Kultureinrichtungen,
die diese Prinzipien beherzigen,
haben gute Chancen, Teil der Lösung globaler Herausforderungen
zu sein. Lena Schneider
Karlsruhe –
Deutschland –
die Welt:
Im Programm des ZKM nehmen
wir Perspektiven unterschiedlichster
Größenordnung
ein. Mit der dreiteiligen
Veranstaltungsreihe
Art Institutions
in the Age of Existential
Risks widmen wir uns
globalen Diskursen zu den
großen Themen unserer
Zeit. Die Auftaktkonferenz
mit der Leitfrage What
to Do? (www.zkm.de/artexistential-risks)
erhielt
ihre Fortsetzung mit
What Is the Impact of Activism?
(www.zkm.de/art-andactivism)
und schließlich
Institutions and Resistance
– Alliances for Art
at Risk (www.zkm.de/art-at-risk).
Die vollständige Konferenz ist
zu sehen unter www.zkm.de/
art-existential-risks oder auf dem
YouTube-Kanal des ZKM:
www.youtube.com/zkmkarlsruhe.
[ Besucher:innen
ILLE GEBESHUBER
müssen zu
Freund:innen werden.]
49

Er ist Materie, sie Information
ZKM-Residency: Künstler:innen-Paar
Katrin Hochschuh und Adam Donovan im Porträt
Das Visual der aktuellen Ausstellung
BioMedien. Das Zeitalter der Medien mit
lebensähnlichem Verhalten zeigt einen
Ausschnitt mit kleinen, leuchtenden
Robotern, die sich auf dunklem Untergrund
bewegen. Das ist der Empathy Swarm
von Katrin Hochschuh und Adam Donovan,
die sich in ihrer künstlerischen Arbeit
besonders für die Mensch-Maschine-Interaktion
interessieren. Im Vorfeld der Ausstellung
waren sie für eine Residency am
ZKM. Wie lernt die künstliche Intelligenz
des Schwarms und welchen Einfluss haben
die unterschiedlichen Interessen seiner
menschlichen Mentoren?
50

Eine Gruppe kleiner Roboter „umschwänzeln“ die Füße der Besucher:innen
und blinken dabei mal lila, mal türkis auf. Wollen sie etwas mitteilen?
Die autonom über den Fußboden fahrenden Roboter agieren als
Schwarm. Die Anzahl variiert je nach Größe ihres Habitats. Sobald man
seine Schuhe auszieht und eintritt, reagieren sie. Manche nähern sich
interessiert, andere wahren eine gewisse Distanz. Als Besucher:in heißt
es: innehalten, sich nicht zu schnell bewegen und abwarten, was passiert.
Ein fast meditatives Erlebnis. Empathy Swarm heißt das Kunstwerk
von Katrin Hochschuh und Adam Donovan, das in der Ausstellung Bio-
Medien im ZKM zu erleben ist. Ist ein Roboter allein, leuchtet er bläulich,
ist der Schwarm in der Gruppe unterwegs, wechselt er zu Orange.
Je nach Gruppengröße changiert die Farbe und je schneller sie umhersausen,
desto heller leuchten sie.
Studiert hat Katrin Hochschuh ursprünglich Architektur. Doch während
ihres Studiums in Wuppertal und Zürich reifte bereits das Interesse an
der Robotik. „In der Arbeit als Architektin fühlte ich mich selbst wie eine
Maschine“, sagt sie. Es war so weit weg von dem, was sie wirklich interessierte:
Transformationen, die Möglichkeiten des Programmierens, des
Digitalen. Ihre Forschungsarbeit näherte sich dem digitalen parametrischen
Design, indem sie einen Schwarm von Baudrohnen entwickelte, die
temporäre Pavillons errichten können. Wie bei den meisten Architekt:innen
blieben ihre Ideen Entwürfe, die auf ihre Umsetzung warten. Als sie
Adam Donovan begegnete, bündelten sie ihr Wissen und entwickelten
die Idee, einen Schwarm künstlicher Wesen zum Leben zu erwecken.
Katrin wurde die Programmiererin, Adam kümmerte sich um die Hardware.
„Ich bin Materie“, sagt er. „Und ich bin Information“, ergänzt sie.
Im Gleichklang der Gedanken
und Gefühle
Kennengelernt haben sich die beiden in der Schweiz, als Katrin am Museum
für digitale Kunst Zürich an einer Ausstellung arbeitete, an der
auch Adam beteiligt war. Er hatte sich bereits viele Jahre mit Klang und
Robotik beschäftigt, fasziniert davon, wie Klang unsere Wahrnehmung
beeinflusst. Der gebürtige Australier zeigte ihr seine Soundroboter, beeindruckende
Arbeiten. „Nie zuvor hatte ich etwas wie diese gerichteten
Schallwellen gehört“, sagt Katrin. Er wiederum war fasziniert von
ihrer Arbeit für ein Musikvideo, einer Echtzeitsimulation von Magnetfeldlinien.
Beim Versuch, ihre Projektionen mit seinen Soundrobotern zu verbinden,
merkten beide, dass sie gleich ticken – und sie wurden auch privat
ein Paar. Diesen Gleichklang aus gemeinsamen Ideen, ja, auch Empathie,
gossen sie in ihre erste gemeinsame Arbeit Curious Tautophone (2017).
Bereits für ihre Masterarbeit hatte Katrin sich mit Schwarmverhalten beschäftigt.
Sie faszinierte, wie modifizierte Schwarmregeln unterschiedliches
Verhalten erzeugten. So entstand die Idee für Empathy Swarm:
„Zusammen können wir einen echten Roboterschwarm bauen.”
51

Er ist Materie, sie Information
Der Ursprung des Mitgefühls
2017 entstand der erste Prototyp. Es folgten Jahre, in denen sich die
beiden neues Wissen aneigneten – von der Frage, wie viele Datenpakete
man per WiFi verschicken kann über Platinen-Ätzen und Aufschmelzlöten
von SMD-Teilen mit einem selbstgebauten Reflow-Ofen. Adam
entwickelte wesentlich komplexere Schaltkreise, verbesserte das Batteriemanagement
und optimierte die Laufzeit der Roboter. Ihr Elektroniklabor,
das sie während der Residency auch im ZKM einrichteten, ist
beeindruckend. „Die Leute können sich meist nicht vorstellen, dass nur
wir beiden hinter der Arbeit stehen und vermuten das Institut einer Universität
im Hintergrund“, sagt Katrin.
Aus der Faszination für Schwarmverhalten wurde ein Projekt, das sie
ständig weiterentwickeln. Sie suchen „nach Beweisen dafür, dass wir
als Menschen Mitgefühl mit unbelebten Gegenständen haben können“,
so Adam. Ausgangspunkt für ihre Arbeit war ein einfacher Animationsfilm,
mit dem Fritz Heider und Marianne Simmel bereits 1944 gezeigt
hatten, wie leicht es dem menschlichen Gehirn fällt, eine emotionale
Bindung zu einem unbelebten Gegenstand aufzubauen, und wie stark
die Empathie im menschlichen Gehirn verankert ist. „Nachdem wir dieses
Video gesehen hatten, waren wir sicher, dass unsere Idee funktionieren
könnte“, sagt Adam. Den Beweis liefert schon der erste Testlauf
mit ihrem ersten kleinen Schwarm von zehn Robotern: „Sobald sie sich
zu bewegen anfingen, sah ich die Beziehungen zwischen den Robotern.“
Schon in diesem Versuch war zu beobachteten, wie sich Gruppen
bilden. Blieb nur einer außen vor, erledigte das Gehirn den Rest, erklärt
Adam: „Man betrachtet diesen Roboter als Außenseiter.“
Ein ganzes Dorf aus Robotern
Mittlerweile ist der Schwarm auf 50 Roboter angewachsen. Man kann
sich nun größere Gemeinschaften vorstellen wie ein kleines Dorf. Die
Besucher:innen, die sich im ZKM in der Installation bewegen, spüren
etwa, wenn die Roboter nicht genug Platz haben. Die Wirkung des empathischen
Schwarms ist unmittelbarer, da man sich mit der KI einen
Raum teilt. Ein Aspekt, der den Künstler:innen gefällt, er verleiht dieser
neuen Form der KI eine andere Relevanz. In künstlerischen Arbeiten
taucht KI oft nur auf einem Bildschirm auf und die meisten Menschen
kennen Roboter nur aus der Science-Fiction oder der Autoindustrie.
„Sie haben eine falsche Vorstellung davon, wie Roboter sind”, sagt
Adam: „Sie sind nicht der Terminator. Ihnen geht einfach irgendwann der
Saft aus …”
Doch wie kann der Schwarm Gefühle vermitteln? In diesem Zusammenhang
beschäftigen sich die Künstler:innen mit verschiedenen Theorien
wie der Bewegungsanalyse von Rudolf Laban, der die Dynamik der Bewegung
mit verschiedenen objektiven Begriffen beschreibt und es ermöglicht,
Bewegungsdaten zu systematisieren – eine gute Voraussetzung
für Katrins Programmierarbeit. Einer dieser Aspekte ist Geschwin-
52

digkeit. Fährt ein Roboter direkt auf eine Person zu oder mäandert er,
bewegt sich seitwärts? Diese Bewegungen können selbst beim Betrachten
nicht anthropomorpher Roboter das Gefühl erzeugen, sie verfolgten
eine Absicht.
Deshalb ist es wichtig, was Katrin und Adam ihrer KI beibringen, ein System,
das über die Zeit dazulernt. „Wir wollen natürlich nicht die bösen
Wissenschaftler sein“, sagt Katrin. Wie gute Eltern achten sie sehr darauf,
womit sie die KI füttern: „Wir arbeiten mit unserem eigenen Code,
nutzen unsere eigenen Daten. Wir lehren die Roboter sozusagen von
klein auf.“ Und trotzdem bleibt eine Lücke für den Zufall. Damit folgen
die Künstler:innen den Überlegungen von Marie-Luise Angerer, die eindrücklich
davor warnt, ein rigides KI-System zu kreieren. Die Programmierungen
für den Schwarm basieren auf bisherigen Erfahrungen, wie
sich Menschen verhalten.
Von den Besucher:innen erhoffen sich die beiden, dass sie eintauchen,
sich auf ein gemeinschaftliches Erlebnis mit einer anderen Lebensform
einlassen können. Manchmal klappt das überraschend gut, sagt Adam
und denkt dabei an eine ganz besondere Begegnung im Zuge vom
Empathic Swarm: Ein etwa Achtjähriger kam mehrmals in die Ausstellung,
um sicherzugehen, dass es den Robotern gutgeht. Er träumte sogar
von ihnen. „Das fühlt sich wirklich gut an, wenn man sich überlegt,
mit welcher Haltung zu anderen Lebensformen der Junge aufwächst.“
Bis an die Grenzen des Habitats
Interessant für die beiden sind die Assoziationen der Besucher:innen.
Manche erinnern die Roboter an Hühner, andere an ihre Katze. Ihnen
gehe es um einen respektvollen Umgang mit dem Schwarm, betont Katrin:
„Sie sind in ihrem Habitat, das sie nicht verlassen können. Deshalb
ist es wichtig, dass nicht zu viele Menschen gleichzeitig ihren Lebensraum
betreten, denn sie haben nicht so viel Platz.“ Aus diesem „Platzproblem“
lassen sich Fragen ableiten wie etwa: Wo dürfen sich Menschen
aufhalten und wo nicht? Wo sind Grenzen? Für die Künstler:innen
liegen damit auch Gedanken an Flucht nahe. Sie sind überzeugt,
dass der Umgang der Besucher:innen mit den Robotern darauf schließen
lässt, wie sie mit anderen Menschen, anderen Kreaturen umgehen.
Der Schwarm ist ein demokratisches System, in welchem die Bedürfnisse
aller gleichberechtigt ausgehandelt werden. Die Besucher:innen werden
Teil dieses Systems. Wir können vom Schwarm lernen und er von
uns, indem er drei einfachen Prinzipien folgt: Zusammenhalt, Trennung
und Ausrichtung. Dadurch entsteht das, was Katrin und Adam „scheinbares
Verhalten“ nennen. KI spielt in unserem Alltag zunehmend eine
größere Rolle. Und so ist der eigentliche Kunstgriff des empathischen
Schwarms nicht die Frage, ob es irgendwann möglich sein wird, Robotern
beizubringen, echte emotionale Bindungen zu entwickeln. Die
Arbeit gibt vielmehr Aufschluss darüber, wie wir uns gegenseitig mit
mehr Empathie begegnen können. Kathrin Stärk
53

Zum Anfassen.
Zum Mitmachen.
Für alle.
Die ZKM Museumskommunikation
nutzt innovative Methoden
und setzt Standards in Bildungsund
Vermittlungsarbeit
Dialogisch, partizipativ und auf Augenhöhe:
Die Medien- und Kunstvermittlung
des ZKM gilt deutschlandweit als vorbildlich,
wenn es um die interaktive Einbindung
der Besucher:innen geht. Dem demokratischen
Gründungsgedanken von Heinrich
Klotz verpflichtet, bieten Janine Burger und
ihr Team in der Museumskommunikation
dem Publikum ein Programm, das mit seinen
die eigene Kreativität und den gegenseiti -
gen Austausch aktivierenden Methoden weit
über die Vermittlungsarbeit traditioneller
Museen und Kultureinrichtungen hinausgeht.
58

„It’s about life.“ Es geht um das Leben. Nicht mehr und
nicht weniger. An diesem Nachmittag in der Museumskommunikation
ist es das Zentrum, um das sich eine
„Mindcloud“ – eine Wolke aus Begriffen – auf orangenen,
sonnengelben und türkisen Zetteln gruppiert. Um
diesen Kern formiert sich alles. Kreativ-Workshops reihen
sich neben interaktive Führungen, Vorträge stehen
hinter Filmabenden, Aktionen im Kitchen Ferm Lab
folgen auf den Arbeitseinsatz auf der Streuobstwiese.
„Wie leben wir? So lautet eine ganz grundsätzliche Frage,
die unserem Ansatz der Vermittlungsarbeit zugrunde
liegt“, sagt Janine Burger. Als langjährige Leiterin
der Museumskommunikation hat sie die Medien- und
Kunstvermittlung am ZKM maßgeblich geprägt. „Wir
arbeiten dialogisch und auf Augenhöhen mit unseren
Besucher:innen. Kunst zu vermitteln ist aus unserer
Sicht keine kommunikative Einbahnstraße. Stattdessen
animieren wir unsere Besucher:innen auch kritische
Fragen zu stellen.“
Als Janine Burger vor rund 16 Jahren mit dieser Art der
partizipativen Vermittlungsarbeit startete, war ihr Ansatz
deutschlandweit noch einzigartig. Gegenwärtig
entspricht er den Leitlinien für Bildungs- und Vermittlungsarbeit,
wie sie beispielsweise 2020 vom deutschen
Museumsbund veröffentlicht wurden. Es mutet
auch heute noch außergewöhnlich an, dass die Vermittlung
nicht, wie in vielen Museen üblich, fernab des
Besucher:innentreibens in separaten Räumen und unter
Ausschluss der Öffentlichkeit stattfindet. Nein, im ZKM
bespielt die Muskom offene Flächen mitten in der jeweiligen
Ausstellung – in BioMedien etwa erkennbar
am grasgrünen Fußboden.
„Das ZKM ist ohnehin kein White Cube, in dem man andächtig
schweigend Kunst rezipiert. Hier ist es bunt
und laut; es blinkt und piept“, erklärt Barbara Kiolbassa
aus dem Vermittlungsteam.
Damit die Interaktion mit den Besucher:innen gelingen
kann, müssen die oft hochkomplexen und intellektuellen
Themen, die in den Ausstellungen und Projekten
des ZKM verhandelt werden, heruntergebrochen werden
auf eine allgemeinverständliche Ebene. „Es ist
wichtig, dass wir uns eine gewisse Unschuld bewahren
und aus der Perspektive des Nicht-Wissenden nachfragen.
Als Vermittler:in am ZKM geht es nicht darum,
alles zu wissen, sondern zu lernen, wie man sich Themen
erarbeitet“, erklärt Banu Beyer. Die Erziehungswissenschaftlerin
arbeitet seit 25 Jahren als Vermittlerin
mit dem Ziel, möglichst vielen gesellschaftlichen Teilgruppen
– so genannten „Communities“ – Zugänge zu
59

Zum Anfassen. Zum Mitmachen. Für alle.
[ Wir bieten im
JANINE BURGER
wahrsten Sinne des
Wortes Raum
etwas zu machen.
Und so manche/r
Besucher:in
hat hier bei uns
das Löten gelernt. ]
60

Kunst und Medien zu verschaffen. „Die Themen, die
am ZKM verhandelt werden, sind für viele Menschen
aus ganz unterschiedlichen Teilen unserer Gesellschaft
relevant”, sagt Banu Beyer. Wie beispielsweise die Ausstellung
Critical Zones, die von 2020 bis 2022 dazu einlud,
sich mit der kritischen Lage der Erde auseinanderzusetzen
und über neue Formen des Zusammenlebens
aller Lebensformen nachzudenken.
Der zunehmenden Diversität der Gesellschaft trägt das
Team um Janine Burger Rechnung, indem es möglichst
vielen unterschiedlichen Menschen Zugänge zu ermöglichen
sucht. Deshalb regen die Vermittler:innen
auch immer wieder Kooperationen innerhalb der Stadt
an. Im Rahmen von Critical Zones ist in Zusammenarbeit
mit dem Naturschutzzentrum Karlsruhe-Rappenwört
zum Beispiel ein geführter Spaziergang entstanden,
in dem der städtische Raum als kritische Zone
betrachtet wurde. „Dort kamen Menschen miteinander
ins Gespräch, die zuvor noch nie im ZKM waren, sich
aber schon seit Jahren für den Schutz der Umwelt und
nachhaltige Stadtentwicklung einsetzen“, sagt Burger.
Die Kooperationen reichen von Initiativen wie dem
OK Lab Karlsruhe oder Entropia e.V. (Chaos Computer
Club) über kirchliche Organisationen bis zum Nachbarschaftsverein.
Richtig Hand anlegen können Jung und Alt im BÄM.
Seit 2015 öffnet sich dieser „Maker Space“ jeden Freitagnachmittag
für alle Besucher:innen und lädt ein,
kreativ zu werden. Stifte, Buntpapier, Säge, Lötkolben,
Computer – Werkzeuge und Materialien sind vorhanden.
Ein Team vor Ort geht auf das Publikum zu und
macht Angebote, nimmt aber auch die Ideen und Impulse
der Menschen auf, die dort vorbeikommen.
„Wir bieten im wahrsten Sinne des Wortes Raum etwas
zu machen. Und so manche/r Besucher:in hat hier bei
uns das Löten gelernt“, erzählt Janine Burger begeistert.
Die Frage nach den Wünschen und Bedürfnissen der
Besucher:innen führte zum Ausstellungsprojekt Open
Codes, das sich von 2017 bis 2019 mit dem Thema Codierung
und der Welt als Datenfeld beschäftigte. Noch
heute zaubert allein der Ausstellungstitel vielen Karlsruher
Bürger:innen ein Lächeln auf die Lippen. Warum?
Bei freiem Eintritt, WLAN, Trinkwasser und Obst
konnte man die Ausstellung als Workingspace nutzen
oder einfach als Treffpunkt. Start-up-Gründer:innen
kamen zum Arbeiten vorbei, junge Eltern verbrachten
den Tag mit Kleinkind im ZKM. Das Tinder-Date fand
hier ebenso statt wie der ein oder andere Kreativtreff
von Senior:innen. Die Initiativen konnten im ZKM ihren
Projekten nachgehen und ihre Arbeitszeit oder Freizeit
verbringen. „Damit ist es uns gelungen, das ZKM als
sogenannten ‚Dritten Ort‘ in der Stadt zu etablieren“,
fasst Janine Burger zusammen. Der Begriff beschreibt
öffentliche Orte, die allen Bürger:innen frei zugänglich
sind und neben der eigenen Wohnung und der Arbeitsstätte
ein dritter Ort sind, in dem man sich in Gemeinschaft
mit anderen frei bewegen kann – niedrigschwellig
und ohne Konsumzwang.
Immer wieder einen
anderen Blickwinkel
einnehmen
Die Corona-Pandemie und das damit einhergehende
Social Distancing stellten die Vermittlungsarbeit in den
letzten Jahren vor neue Herausforderungen. Wie bricht
man die übliche Internetnutzungsroutine der Menschen
und gewinnt ihre Aufmerksamkeit? Wie schafft
man eine digitale Atmosphäre, die auf allen Endgeräten
funktioniert? Wie gelingt es, die sehr komplexen Inhalte
der Kunstwerke mit kleinen Handlungsimpulsen zu
ergänzen? Auf der Onlineplattform führen Handlungsanweisungen
zu kurzen, positiven Irritationen: „Finde
eine andere Position, setz dich anders hin,“ lautet eine
Einladung. Dem ZKM ist es immer wieder gelungen, die
Notwendigkeiten der Pandemie ins Positive zu wenden:
30.000 Menschen aus aller Welt nahmen beispielsweise
an dem dreitägigen Livestreaming-Festival zur Eröffnung
der digitalen Plattform zur Ausstellung Critical Zones
teil. Dabei entstanden Verbindungen zwischen dem
Karlsruher Publikum und Menschen aus Korea, China,
Brasilien und den USA.
Den Blick öffnen, Zugänge schaffen und die eigene
Lust und Neugier an der Kunst transportieren – das sind
die Triebfedern für Janine Burger und ihre Kolleg:innen:
„Wir wollen zeigen: Das ZKM ist relevant und macht
Spaß. Diesen Funken der Begeisterung tragen alle in
sich, die hier arbeiten. Und diesen Funken wollen wir
überspringen lassen.“ Kathrin Stärk & Tanja Binder
61

KI im Hertzen
Alle reden von künstlicher Intelligenz –
im Hertz-Labor wird sie als Werkzeug
genutzt, um Kunstwerke zu schaffen
TRUST
AI, Empathy Swarm, Infinity – Vertrauen,
Schwarm des Mitgefühls, Unendlichkeit –
lauten die Titel von drei Kunstwerken, die
derzeit im ZKM in der Ausstellung BioMedien
präsentiert werden. Beim Schaffen dieser
Werke kam künstliche Intelligenz zum Einsatz.
Wie Künstler:innen heutzutage diese
sogenannte KI zum Werkzeug ihres Kunstschaffens
machen und dabei die Grenzen des
Möglichen ausloten, erläutern Bernd
Lintermann und Yannick Hofmann. Die beiden
Medienkünstler arbeiten seit vielen Jahren
am Hertz-Labor des ZKM.
62

„Wie heißt Du?“, fragt die attraktive Frau lächelnd auf
dem Bildschirm. „Du bist hübsch!“, behauptet sie –
und verwickelt ihr Gegenüber nach und nach in ein Gespräch.
Sie macht das geschickt. Das Überraschende
daran: Diese Frau ist kein Mensch. Diese Frau ist ein
Computerprogramm. Sie ist Hauptbestandteil des Werkes
TRUST AI (2020), das im ZKM zu sehen und zu erfahren
ist. Wer dem interaktiven Medienkunstwerk von
Bernd Lintermann und Florian Hertweck in der Ausstellung
begegnet, wird sofort in einen Dialog eingebunden.
Die Installation durchleuchtet ihr Gegenüber in
allen Details, saugt alle verfügbaren Daten ab, interpretiert
Sprache, Mimik und Stimmung. TRUST AI wird gespenstisch
übergriffig – bis zu dem Punkt, da es die
Persönlichkeit des Gegenübers übernimmt.
Bernd Lintermann forscht am ZKM als visueller Künstler,
um mit digitalen Techniken eine neue Ästhetik zu generieren.
Mit Xfrog (1996) entwickelte er beispielweise
eine Animationssoftware, die in zahlreichen Hollywoodfilmen
eingesetzt wurde und ihm sogar eine Oscar-Nominierung
einbrachte.
Für Lintermann stellt seine Arbeit TRUST AI – auf Deutsch
„Vertrauen“ – ein künstlerisches Angebot für die Besucher:innen
dar, um die digitalen Welten besser zu
verstehen. Auslöser für die Arbeit waren sogenannte
Deepfake-Videos. „Zu Beginn konnte man damit nur
die Gesichter der Personen ersetzen, sodass man einer
Person etwas in den Mund legen kann, was diese nie
gesagt hat – für jeden mit kleiner technischer Expertise
zuhause realisierbar. Mittlerweile kann man auch die Mimik
etwa eines Politikers durch diejenige eines Schauspielers
ersetzen und dessen Stimme imitieren“, erklärt
Lintermann.
In der großen Ausstellung BioMedien. Das Zeitalter
der Medien mit lebensähnlichem Verhalten begegnet
einem künstliche Intelligenz (KI) in vielen Kunstwerken.
So zum Beispiel auch in Empathy Swarm des Künstlerduos
Katrin Hochschuh und Adam Donovan: 50 Miniroboter
wuseln auf dem Fußboden herum und die
Besucher:innen sind aufgefordert, sich mitten hinein
zu begeben in den Schwarm. Ob ein Lächeln oder ein
gelangweilter Blick – die Roboter in der Ausstellung
nehmen jede Reaktion wahr und entwickeln aus diesen
Erfahrungen ein verändertes Benehmen. „Die Roboter
werden im Laufe der Ausstellung immer smarter, weil
sie immer mehr von Verhaltensweisen der Menschen
lernen. Gleichzeitig wird aber auch ihr eigenes Verhaltensmuster
durch die Reaktion der Menschen bestärkt
oder abgestraft“, erzählt Yannick Hofmann, der
[ Künstler
betrachten
KI wie
ein Werkzeug
–
wie ein
Maler
seinen
Pinsel. ]
YANNICK HOFMANN
63

KI im Hertzen
Reporter:
HAL, haben Sie jemals
darunter gelitten, dass Sie
trotz Ihrer enormen
Intel ligenz von Menschen
abhängig sind, um Ihre
Aufgaben auszuführen?
als Soundkünstler ans ZKM kam und hier die neuesten
Technologien im Bereich von Live-Coding bis zur künstlichen
Intelligenz aus der Perspektive des künstlerischen
Arbeitens erforscht.
„Es gibt nicht DIE eine künstliche Intelligenz, sondern
viele Parameter, aus denen die neuronalen Netze lernen,
was wir nicht mehr erfassen können. Künstler:innen
betrachten KI wie ein Werkzeug – wie ein Maler
seinen Pinsel. Und man würde ja auch nie sagen, dass
Künstler:innen mit ihrem Pinsel in Konkurrenz treten
würde“, betont Hofmann. „Das Tolle an Künstler:innen
ist ja, dass sie nicht einer Technologie ein nettes Gesicht
aufmalen, sondern sie auf eine ruchlose Art und
Weise neue Konfigurationen schaffen.“ Als Beispiel
nennt er den Videokünstler Nam June Paik, der in den
1960er-Jahren in einer Ausstellung ein Mikrofon an
einen Fernseher angeschlossen hat. „Die akustischen
Signale erzeugten auf dem Monitor plötzlich wirre
Grafiken. Vorher wusste niemand, dass das überhaupt
möglich war!“, begeistert sich Hofmann.
Grundvoraussetzung ist die künstlerische Freiheit.
„Über den Künstler:innen hier am ZKM hängt kein Damoklesschwert,
wie in Forschung oder Industrie, wo
alles funktionieren, einem Sachzweck dienen oder
eine Hypothese stützen muss. Die Realisierung digitaler
Kunst ist ein ergebnisoffenes Experiment. Das
bestimmt die Herangehensweise der Künstler:innen.
Technologie wird nicht in blinder Technikgläubigkeit in
die Kunstwerke eingebunden, sondern kritisch reflektiert“,
sagt Yannick Hofmann.
Der Auftrag, das Digitale in der Gesellschaft zu thematisieren,
kam bereits Ende der 1980er-Jahre von den
Gründern des ZKM aus der Stadt heraus. „Mit dem
Gründungsdirektor Heinrich Klotz kam das Vehikel der
Kunst hinzu“, ergänzt Bernd Lintermann.
Seither ist das ZKM, gemeinsam mit seinen Künstler:innen
und Forschenden einen weiten Weg gegangen,
dessen Ende nicht in Sicht ist. Der umfassende Zugang
manifestiert sich beispielsweise in dem Projekt intellligent.museum,
das seit 2020 am ZKM läuft und sich wie
ein Querschnitt durch alle Bereiche des Hauses zieht.
„Es handelt sich um ein künstlerisch-kuratorisches Experimentierfeld
für Deep Learning und Besucher:innenbeteiligung“,
sagt Hofmann. Ziel des vierjährigen
Projekts ist die Umsetzung eines KI-unterstützten Ausstellungskonzepts,
das gemeinsam mit dem Deutschen
Museum erarbeitet wird. Zum Beispiel ist hier eine KI-
Software in Entwicklung, die die Besucher:innen auf-
HAL:
Nicht im Geringsten.
Ich arbeite gerne
mit Menschen.
Dialog aus Stanley Kubricks
2001: Odyssee im Weltraum, 1968
64

fordert, in ihrer Heimatsprache zu sprechen, auf die in
der Folge alle digitalen Wandtexte im Ausstellungsraum
übersetzt werden können.“
Durch das Zusammenwirken von Medien, Technik, Wissenschaft
und Kunst entsteht ein weites Feld für KI-
Kunstwerke. Ähnlich der Zielsetzung von TRUST AI spürt
Gaëtan Robillards Installation Patterns of Heat (2021,
fortlaufend) im Internet Fake News auf, die extrem
polarisierende Falschaussagen treffen. Dafür erstellt
die KI einen auf den wissenschaftlichen Konsens trainierten
Korpus und lernt Wahrheit von Fake News zu
unterscheiden. Deren Summe wird auf eine Hitzequelle
übertragen: Je mehr Fake News, umso wärmer wird es
im Ausstellungsraum. So werden Lügen im Kunstwerk
physisch spürbar – eine Art Topfschlagen nach Wahrheit!
Oder, wieder eher ein warnendes Beispiel: Alexander
Schuberts Bot-Kollektiv Crawlers (2020/21), das
sich als menschliche Entität getarnt mit Social-Media-
Nutzer:innen verknüpft. Die KI schöpft deren Daten
ab und analysiert die Postings, um ähnlich klingende
Posts daraus zu generieren. Yannick Hofmann: „Die
Reproduktion von existierenden Mustern, das kann KI
mittlerweile sehr gut.“
Von Deepfakes,
Fake News
und KI-generierten
Katzen bildern
Künstliche Intelligenz
– was versteht
man darunter?
Als Teilgebiet der Informatik
befasst sich die künstliche
Intelligenz (KI) –
im Englischen artificial
intelligence (AI) genannt –
mit der Automatisierung
intelligenten Verhaltens
und maschinellem Lernen.
Der Begriff wurde 1956 von
dem US-amerikanischen
Informatiker John McCarthy
geprägt und bezeichnet
den Versuch, Entscheidungsstrukturen
des Menschen
nachzubilden, indem z.B. ein
Computer so programmiert
wird, dass er relativ
eigenständig Probleme bearbeiten
kann und menschenähnliche
Verhaltensweisen
zeigt. Je nach Einsatzgebiet
und Perspektive
variieren die Definitionen
des Begriffs.
Was herauskommt, wenn zwei künstliche Intelligenzen
wechselseitig Worte und Bilder generieren, kann man
in der Sammlung des ZKM beispielsweise am Werk
Closed Loop (2017) von Jake Elwes beobachten: Die
Text-KI interpretiert, was die Bild-KI auf ihre Vorgaben
hin kreiert, die Bild-KI baut entsprechende Motive im
Internet zusammen. Formuliert der Text beispielsweise
„Katze auf einem Kissen“, sucht die Bild-KI alles ab, was
danach aussieht, und schichtet aus tausenden von Bildern
ihren Eindruck von einer Katze auf einem Kissen.
Die Text-KI schaut sich das Resultat an und interpretiert
es neu. Wenn man so will, eine Spielart dessen, was
Kant als „das Erhabene“ formulierte: Man kann es in
seinem ganzen Ausmaß dessen betrachten, was mit
künstlicher Intelligenz möglich ist. Aber vor künstlicher
Generierung auf Basis von Katzenbildern muss man
nicht wirklich Angst haben. Patrick Krause
65

Im Wettlauf gegen die Zeit
Die Restaurierung von Medienkunst steht vor
ganz besonderen Herausforderungen
Die Älteren unter uns kennen ihn noch: den
Fernseher mit der Bildröhre. Für Kinder heute
ist er ein Objekt aus alten, vergangenen
Zeiten. Die Mitarbeiter:innen des ZKM können
das Jahr des Wechsels auf die LED-Flatscreens
genau benennen: 2007. Seitdem wird
es zunehmend schwieriger, Ersatzteile für
den Erhalt der Medienkunst des 20. Jahrhunderts
zu erhalten. Inzwischen wird die Bildröhre
industriell nicht mehr gefertigt und das
ZKM hat soeben in Kooperation mit Firma
Colorvac ein Forschungsprojekt begonnen,
bei dem es um die Entwicklung einer Verfahrenstechnik
für die manuelle Herstellung
von Bildröhren und Steuerungssystemen geht.
Das aber ist nur eine Geschichte rund um
den restauratorischen Erhalt der Medienkunst.
66

Über Treppen geht es hinauf in den zweiten Stock. Inmitten der Ausstellungsflächen
des Lichthofs 7+8 hat die Museumstechnik eine große
Restaurierungswerkstatt aufgebaut. In vielen Museen ist es üblich
geworden, die faszinierende Arbeit der Restaurator:innen öffentlich zu
zeigen. Dem Team des ZKM geht es aber noch um mehr: Sie wollen der
Öffentlichkeit vermitteln, dass der Erhalt der Medienkunst ein Wettlauf
gegen die Zeit ist.
Martin Mangold leitet am ZKM die Museumstechnik mit 23 Mitarbeiter:innen,
von Elektriker:innen bis zu Programmierer:innen. Die „gläserne Restaurierungswerkstatt“
ist ein Gemeinschaftsprojekt der Museumstechnik
mit der Abteilung Wissen, in der die Sammlung unter der Leitung von
Margit Rosen betreut wird. Mangold und Rosen schlängeln sich vorbei
an Tischen voller Werkzeuge, elektronischer Geräte und Kunstwerke, die
ihr Innenleben aus Kabeln und Kondensatoren offenbaren. Vieles muss
noch weg- und umgeräumt werden, bevor die Besucher:innen kommen
können. Rosen und Mangold geht es nur um die eine Sache: den Erhalt
der Medienkunst, die längst zum Teil der internationalen Kunstgeschichte
geworden ist. Sie sehen sich im Wettlauf mit der Zeit, wenn
es darum geht, jedes Werk aus der Sammlung in die neueste Technik zu
übersetzen, damit es auch für kommende Generationen erfahrbar bleibt.
Datenträger vor dem Verfall zu retten, Computern aus den frühen
1990er-Jahren neues Leben einzuhauchen oder historische Röhrenmonitore
und Videorekorder aus den 1960er- und 1970er-Jahren funktionsfähig
zu erhalten: Es wird leicht unterschätzt, welche Fläche eigentlich
für die Restaurierung benötigt wird. Gerade bei großen Kunstwerken.
„In den Kreisen der Restaurator:innen hört man immer wieder eine Formulierung:
Man braucht ein ganzes Dorf, um ein Medienkunstwerk zu
retten“, sagt Margit Rosen. Denn das breite Spektrum der Medienkunst,
das von kinetischen Objekten der Lichtkunst über Videobänder und
Multimediainstallationen bis hin zu Computerkunst und aktueller CryptoArt
reicht, erfordert ein ebenso breites Spektrum an Fähigkeiten und
Wissen bei den Restaurator:innen. Martin Mangold weist aber noch auf
ein nicht minder großes Problem hin – der Renteneintritt der Mitarbeiter:innen
aus der Museumstechnik: „Das ZKM ist über 30 Jahre alt. Immer
mehr Kolleg:innen verabschieden wir nun in den Ruhestand, womit
uns unglaublich wertvolles Wissen verloren geht. Eigentlich dürften wir
hier niemanden in die Rente entlassen“, so Mangold.
Digital ist besser
Unter den Mitarbeiter:innen der Abteilung gibt es einen hohen Grad an
Spezialisierung. Ein Mann der ersten Stunde ist Martin Häberle, der die
Abteilung Museumstechnik am ZKM mitbegründet hat. Offiziell längst in
Rente arbeitet der 71-Jährige bis heute noch immer als freier Mitarbeiter
am ZKM. Er ist einer von denen, die eigentlich unverzichtbar sind. Er
war Elektroniker an der Universität Heidelberg und kam schon 1996 bei
der Planung und Realisierung des damaligen Medienmuseums ans Haus.
„Er kann fast alles retten“, sagt seine Kollegin Marlies Peller. Peller ist
Restauratorin für zeitgenössische Kunst, spezialisierte sich schon während
des Studiums in Wien auf Lichtkinetik der 1960er-Jahre. Seit dem
67

Im Wettlauf gegen die Zeit
Ende ihres Volontariats 2019 arbeitet sie als selbstständige Restauratorin
und zusammen mit Häberle als freie Mitarbeiterin vorwiegend an
elektronischen Werken ab den 1960er-Jahren.
Unweit von Peller und Häberle stehen an einem langen Tisch mit historischen
Computern und Bildschirmen Morgane Stricot und Matthieu Vlaminck.
Stricot, die seit 2017 für die Restaurierung digitaler Kunstwerke
verantwortlich ist, hatte sich bereits während ihres Studiums in Avignon
auf dieses Medium spezialisiert. Vlaminck, der ebenfalls in Avignon Restaurierung
studiert hat, aber darüber hinaus auch Informatik, bringt seit
2017 seine Expertise vor allem bei der Programmierung und dem Umgang
mit Computerhardware ein.
Im Wettlauf mit der Zeit
Stricot und Vlaminck sind gerade dabei, Paul Garrins Yuppie Ghetto
with a Watchdog zu untersuchen, ein Werk, bei dem unter anderem Laserdiscs
und ein Röhrenfernseher zum Einsatz kommen. In dieser frühen
interaktiven Rauminstallation – 1990 von Garrin im Berliner Amerika-
Haus eingerichtet – projiziert der Künstler die Szene einer Yuppie-Party
aus seinem Video Free Society auf eine von Gittern und Stacheldraht
gesicherte Wand – zwischen Bild und Gitter kläfft ein Wachhund auf
einem Monitor. Je näher die Betrachter:innen dem Bildschirm kommen,
desto aggressiver reagiert der Hund. Während sich die Besucher:innen
fragen, wie die Installation funktioniert, stellen sich die Restaurator:innen
die Frage, wie man dieses Setup – analoges Video, digitale Steuerung
– gänzlich ins Digitale überführen kann.
„Zunächst reparieren wir das Kunstwerk oder rekonstruieren es mit historischen
Ersatzteilen und erhalten es auf diese Weise in seinem ursprünglichen
technischen Zustand. Dabei lernen wir viel über die Methoden,
mit denen Künstler:innen neue Technologien erprobt haben. Oft
haben sie die Technologien auch weiterentwickelt! Dieses technische
Wissen und tiefe Verständnis des Originals brauchen wir, wenn wir ein
Werk in eine neue Technologie übertragen“, sagt Morgane Stricot.
Der Zeitdruck, frühe computerbasierte Arbeiten zu erhalten, steigt. Landet
ein Objekt aus dem Depot auf dem Tisch der Restaurator:innen, versuchen
sie zuerst einmal, die Arbeit der Medien- und Computerkunstpioniere
zu analysieren und zu sichern. Vlaminck zeigt die Software von
Paul Garrin, die auf dem Originalcomputer, einem Macintosh Quadra 605
läuft: „Ich habe das alte Betriebssystem auf neuen Festplatten installiert
und den alten Computer überholt. Ich muss die ursprüngliche Materialität
erleben, um zu verstehen, wie ich sie am besten auf modernen
Systemen präsentieren kann.“
Medienkünstler:innen sind
keine Elektrotechniker
„Viele Künstler:innen haben einen individuellen, ja oft autodidaktischen
Zugang und arbeiten ganz anders als beispielsweise ein Elektrotechni-
68

[ Wir leben immer
noch in einer
Wegwerfkultur, die
darauf ausgelegt
ist, dass Geräte
rasch verschleißen
oder langfristig
nicht mehr mit
anderen Systemen
kompatibel sind. ]
MARGIT ROSEN
69

Im Wettlauf gegen die Zeit
ker“, erläutert Peller und zeigt auf Gebetsmühle, eine Arbeit von Walter
Giers, Pionier der elektronische Kunst. Rund fünfzig Arbeiten aus dem
Nachlass des 2016 verstorbenen deutschen Medienkünstlers müssen
bis zur Ausstellungseröffnung im Oktober 2022 restauriert werden. In
der Vorbereitung befasst sich die Restauratorin zusammen mit Christian
Nainggolan, einem der Elektrotechniker des ZKM, bereits seit eineinhalb
Jahren intensiv mit Giers und seinem Oeuvre. Wie die abstrakten
Mönchsgesänge des Werks Gebetsmühle einst geklungen haben, weiß
sie nicht: Sie arbeitet anhand der Erinnerungen anderer daran.
Einen Tisch weiter, geschützt von einem weißen Tuch, liegt ein rund
zwei auf zwei Meter großes Objekt. In Lichtwölbung aus dem Jahr 1977
hat Walter Giers 400 Lämpchen verbaut. In dem Werk verschmelzen
Licht und Klang per analogem Zufallsgenerator zu einem meditativen
Erlebnis. „Giers hat für seine Werke keine Schaltpläne erstellt. Das Wissen
der Künstler:innen kann nur schwer rekonstruiert werden“, erklärt
Martin Häberle. „Anders als bei der Gemälderestaurierung kann man bei
Elektronik nicht einfach eine Infrarot- oder Röntgenbildaufnahme machen,
um zum Beispiel eine Vorzeichnung sichtbar zu machen“, ergänzt
Marlies Peller.
Das Innerste ans Licht bringen
Dass Bauteile von damals heute nicht mehr auf dem Markt verfügbar
sind, stellt eine weitere große Herausforderung für die Restaurierung
von Medienkunst dar. Es ist nicht nur ein Kampf gegen den Verfall, sondern
auch gegen die Abhängigkeit von einem Wirtschaftssystem, das
auf den Verschleiß von Ersatzteilen ausgerichtet ist. „Wir leben immer
noch in einer Wegwerfkultur, die darauf ausgelegt ist, dass Geräte rasch
verschleißen oder langfristig nicht mehr mit anderen Systemen kompatibel
sind“, sagt Margit Rosen. Deshalb sammelt das ZKM alte Geräte und
Ersatzteile, die hier in Regalen und Schränken lagern: Glühbirnen, Monitore,
Rechner der ersten Generationen, Nadeldrucker. In unzähligen
Schubladen und Kisten schlummern Ersatzteile, die beim Ausschlachten
alter Geräte oder auf Ebay zusammengetragen wurden und auf ihren
Einsatz warten. Computerchips, Dioden, LEDs, Kondensatoren. Der Zeitgeist
spielt der Restaurierung in die Karten: „Die Nachhaltigkeitsbewegung
kommt uns zugute.“
Wissenstransfer durch alle Zeiten
Während Gemälde im Depot gut erhalten werden, bietet ein lichtgeschützter
Raum keine Garantie für den Erhalt von Medienkunst-Objekten.
„Insofern kann einem Medienkunstwerk eigentlich nichts Besseres
passieren, als ausgestellt zu werden“, betont Margit Rosen. „Das
ist einfach eine Grundregel der Computerforensik: Wenn zwischen zwei
Konservierungsmaßnahmen zu viel Zeit liegt, ist die technologische Lücke
zu groß, um das Kunstwerk wieder funktionsfähig zu machen“, fügt
Morgane Stricot hinzu. Etwa eineinhalb Jahre vor der Ausstellungseröffnung
werden die Arbeiten aus dem Depot geholt und bekommen einen
Check-up. Danach wird entschieden, welche auf dem Restaurierungs-
70

Weltweit einzigartig:
ZKM-Sammlung
von Medienkunst
Die Sammlung des ZKM besteht
seit 1989 und umfasst
insgesamt rund 10.000
Werke des 20. und 21. Jahrhunderts.
Sie enthält Werke
aller Gattungen der
bildenden Kunst – Malerei,
Zeichnung, Druckgrafik,
Skulptur, Fotografie, Film,
Video und Installation.
Der Bestand an computerbasierten
Installationen,
Klangkunst, Videobändern
und Videoinstallationen
ist weltweit einzigartig.
Etwa 26.000 Video- und
Audiobänder sind Teil der
Forschungssammlung des
ZKM, die sowohl Werke
der Videokunst als auch
Dokumentationen zu Künstler:innen,
Kunstwerken,
künstlerischen Veranstaltungen
und Ausstellun -
gen von den 1960er-Jahren
bis heute enthält.
Während man in den Anfängen
noch glaubte, Medienkunst
wäre für die Ewigkeit
geschaffen, wurde nach und
nach die Notwendigkeit
der Restaurierung sichtbar.
Seit 2002 gibt es einen
festangestellten Restaurator
am ZKM. Im Laufe der
Zeit wurde die Abteilung
weiter ausgebaut.
tisch landen. Steht dieser in der gläsernen Werkstatt,
können die Besucher:innen einen Blick in das Innere
dieser Medienkunstwerke werfen.
Damit das Wissen von einer Generation zur nächsten
nicht verloren geht, arbeiten Martin Häberle und
erfahrene Kolleg:innen gemeinsam mit den jüngeren
Mitarbeiter:innen an den Objekten aus der Sammlung.
Es gibt europaweit nur wenige Ausbildungsstätten,
die eine Spezialisierung auf die Konservierung und
Erhaltung von neuen Medien anbieten – wie etwa die
Hochschule der Künste in Bern und die Akademie der
Bildenden Künste in Stuttgart.
Manchmal hilft nur
Hacking
Technische Veränderungen, wie beispielsweise die
Umstellung von Fernsehmonitoren auf das 16:9-Format,
bilden sich auch in der Kunst ab – Künstler:innen
nutzen für ihre Arbeiten in der Regel die in ihrer
Zeit verfügbare Technik. Neben der Hardware kann
freilich auch die Software eine Hürde darstellen. Immer
wieder steht das ZKM beispielsweise vor dem
Problem, dass ein defekter Computer nicht durch
einen neuen ersetzt werden kann, wenn etwa Künstler:innen
eine Einzelplatz-Lizenz eines Programms
nutzten statt Open-Source-Software. „Hacking stellt
in einem solchen Fall häufig die einzige Möglichkeit
dar, um ein Kunstwerk wieder zum Laufen zu bringen.
Ein kleines Programm täuscht vor, der neue Rechner
sei der originale Rechner“, erklärt Vlaminck. „Mein
Appell an die Künstler:innen lautet daher: Nutzt Open
Source, wenn ihr wollt, dass eure Kunst überlebt!“
Die gute Nachricht: Nicht alle Arbeiten sind so
schwer ins Heute zu überführen. Walter Giers zum
Beispiel verwendete gerne Backofenlampen. Die sind
zwar nicht schwer zu bekommen, werden jedoch
wahnsinnig warm, was im Ausstellungsraum und für
die Materialien des Kunstwerks gefährlich sein kann.
Deshalb testen sie in der Restaurierungswerkstatt
gerade LEDs, sagt Marlies Peller. Bisweilen ist das
Problem also banal: „Manchmal ist es nur die Glühlampe.“
Kathrin Stärk
71

Interaktion vorprogrammiert
In der großen Sonderausstellung
BioMedien verzaubert das interaktive
Kunstwerk Agents gleich zu Anfang
des Rundgangs Besucher:innen
jeden Alters und animiert zum Mitmachen.
Programmiert wurde die
Instal lation von Yasha Jain. Sie ist aus
ihrem Heimatland Indien ans ZKM
gekommen und arbeitet als eine von
fünf IT-Programmierer:innen am ZKM.
Yasha Jain
arbeitet
seit 2020
als Programmiererin
im Hertz-
Labor an
digitalen
Kunst werken
76

Yasha Jain, wie kommt eine
Programmiererin aus Indien
an das ZKM in Süddeutschland?
[ Das war purer Zufall: Für die Ausstellung
Open Codes 2019 in Mumbai kam ich
mit Leuten vom ZKM ins Gespräch. Das ZKM-
Team war auf der Suche nach jemandem
mit meinen Fähigkeiten, ich bewarb mich online
und Peter Weibel hat mich eingestellt.
Davor habe ich als Game-Designerin in Indien
gearbeitet. ]
Was ist für Sie das Besondere
am ZKM?
[ Man hat hier eine große Freiheit, über
Konzepte nachzudenken, neue Projekte zu
entwerfen und auszuprobieren. Ich kann
hier meine Ideen entfalten und mich mit
Kolleg:innen darüber austauschen.
Außerdem besteht die Freiheit, Projekte
nicht nur gedanklich im Kopf zu entwickeln,
sondern auch tatsächlich zu realisieren.
Ich bin frei in der Herangehensweise –
ob spielerisch oder konzeptionell, im ZKM
werde ich dabei unterstützt. Darüber
hinaus habe ich Zugang zu den neusten
Technologien und Kontakt zu Experten, die
diese beherrschen. ]
Wie kamen Sie in Kontakt mit
der Kunst?
[ Ich habe während meines Masterstudiums
in den USA Kurse in der Kunst abteilung
der Carnegie Mellon University belegt. In der
Spieldesign-Firma in Indien war ich fasziniert
von der Entwicklung des Spieldesigns
und der Interaktion der Benutzer:innen
mit den Programmen. Auch in Indien haben
wir immersive Kunstinstallationen geschaffen,
wenn auch nicht in der gleichen Größenordnung
wie am ZKM. ]
[ Etwa sechs Monate. ]
Für die Ausstellung Biomedien haben
Sie zusammen mit Ludger
Brümmer, Komponist und Projektleiter
am Hertz-Labor, die Instal -
lation Agents entwickelt. In einem
Raum interagieren fantasievolle
Licht kreise und Klänge mit den
Besucher:innen. Wie lange haben
Sie an der Programmierung
für dieses Kunstwerk gearbeitet?
Wie darf man sich diese
Programmierarbeit vorstellen?
[ Drei Programmierer:innen haben die Software
für diese Installation entwickelt.
Das Tracking wurde von Bernd Lintermann
geschrieben. Die „Verräumlichung“ des
Klangs wurde mit der speziellen Software
Zirkonium MK3 umgesetzt – programmiert
von Dan Wilcox. Ich habe die gesamte
visuelle und interaktive Programmierung
gemacht und mich gefragt, wie die Lichtmuster
wahrgenommen werden und
wie die Lichter auf die Besucher:innen und
ihre Bewegungen reagieren . ]
Verstehen Sie sich als Programmierkünstlerin
oder als
künstlerische Programmiererin?
[ Ich verstehe mich als künstlerische
Programmiererin, die mit anderen Künstler:innen
zusammenarbeitet. ]
Wie sieht diese Zusammenarbeit
aus?
[ Normalerweise bin ich die Programmiererin.
Die Künstler:innen entwickeln in
der Regel das Konzept und ich überlege,
wie man es umsetzen kann. Dann fühle ich
mich auch ein bisschen wie eine Künstle ­
rin – weil ich mit dem Einsatz von Technik
etwas Neues erschaffe. ]
77

Interaktion vorprogrammiert
Haben Sie ein Beispiel für
eine Arbeit, die das Spektrum
erweitert hat?
[ Viele Künstler:innen wollen mit künst ­
licher Intelligenz arbeiten, weil diese voller
neuer Möglichkeiten steckt. ]
Wie beurteilen Sie künstliche
Intelligenz?
[ Es gibt schöne, kreative Arbeiten. Ich persönlich
sehe jedoch durchaus auch Gefahren
– beispielsweise wenn eine KI in die
falschen Hände gerät. Es ist ein wenig
beängstigend, dass es keine angemessenen
Standards für die öffentliche Nutzung
von KIs gibt. ]
Wie ist die öffentliche Meinung
darüber in Indien?
[ In Indien arbeiten sehr viele Menschen im
IT-Sektor, aber im Verhältnis zur Zahl
der Nutzer:innen sind die Diskussionen über
Datenschutz und digitale Rechte ziemlich
spärlich. Da der Schutz der Privatsphäre
ein heißes Thema ist, ist es in den Köpfen
der Menschen präsenter als die Ethik
der KI, die immer noch mit einer eher blauäugigen
Sichtweise betrachtet wird.
Am ZKM habe ich auch an einer Installation
über KI und Fake News gearbeitet.
In Zusammenarbeit mit Yannick Hofmann
haben wir Botcast entwickelt. Es han ­
delt sich um eine Radiosendung, die mit­
[ Dan fühle ich
mich auch
ein bissche
wie ei e
Künstlerin, …]
YASHA JAIN
78

hilfe einer KI spekulative Nachrichten
auf Grundlage realer, alltäglicher Nachrichtenthemen
generiert. Ein künstlicher
Klon unserer beiden Stimmen liest diese
generierten Nachrichten vor. Die Sendung
ist ein Kommentar zu Fake News und
Bots im Internet, die die Grenzen zwischen
echten und gefälschten Nachrichten
fast ununterscheidbar verwischen. Mittlerweile
werden mehr als 17.000 Botcasts im
Jahr produziert. ]
Wie sieht Ihr Job aus, jetzt
wo Sie in Karlsruhe bleiben und
leben wollen?
[ Als Softwareentwicklerin im Hertz-Labor
programmiere ich Kunstwerke. Ich habe das
Gefühl, dass ich immer auf der Suche nach
einem neuen Projekt und neuen Ideen bin. ]
Sind in Ihrem Bereich viele
Innovationen zu erwarten, die
das Spektrum der digitalen
Kunst in Zukunft erweitern werden?
[ Oh ja! Wenn man die aktuellen Studien liest,
kommt fast jeden Tag etwas Neues hinzu.
Ich muss aufpassen, dass ich auf dem
Laufenden bleibe. Es gehört schließlich zu
meinem Job, den Anschluss an das
technische Know-how nicht zu verlieren. ]
Wird es weitere charmante
Kunstwerke wie Agents geben?
[ Ja, auf jeden Fall. Schon allein deshalb,
weil die Menschen gerne und oft mit digitaler
Kunst interagieren und sie nutzen. Und
die Technik kann immer wieder erstaunliche
neue Effekte hervorbringen. Jedes
digitale Kunstwerk ist eine Selbsterfahrung,
aus der man etwas Neues mitnimmt. ]
Interview: Patrick Krause
Yasha Jain
Aktuelle Arbeiten
am ZKM
Agents ZKM | Jan. 2021 — Dez. 2021
Gemeinsam mit Ludger Brümmer
hat Yasha Jain diese
audiovisuelle Installation
geschaffen, die das Verhalten
von Lebewesen anhand
von algorithmisch gesteuerten
digitalen Kreaturen
simuliert. Die Besucher:innen
werden durch ein
Kamerasystem geortet und
können so mit den Medien
interagieren. (https://zkm.
de/de/ausstellung/2021/12/
biomedien)
Botcast ZKM | Jan. 2021 — Dez. 2021
Zusammen mit Yannick Hofmann
hat Yasha Jain diese
KI-generierte Radiosendung
kreiert, die Themen aus
realen Nachrichtenquellen
aufnimmt und sie in Form
von KI-generierter spekulativer
Fiktion fortsetzt
und sie dann auf einer bestimmten
Frequenz ausstrahlt.
Moderiert werden
die Botcasts von einem Computerprogramm,
das die
Stimmen der Künstler:innen
nachahmt. Das Wort „Botcast“
ist eine Kombination
aus den Wörtern „Bot“ und
„Podcast“. (https://zkm.
de/de/ausstellung/2021/12/
biomedien)
ML-Toolkit ZKM | Jan. 2020 — Dez. 2020
Im Rahmen des Fond Digital-
Projekts intelligent.
museum hat Yasha Jain eine
Software für Künstler:innen
entwickelt, um maschinelle
Lernalgorithmen zu
nutzen und damit experimentieren
zu können.
79

Das Museum von morgen
In den Forschungsprojekten
Beyond Matter und intelligent.museum
lotet das ZKM die Chancen der
Digitalisierung für die Zukunft aus
Demografischer Wandel, Klimakrise und Digitalisierung
stellen Museen vor neue Herausforderungen.
Die Gesellschaft verändert sich
und entsprechend die Anforderungen der
Besucher:innen. Diesen zu begegnen und
Zugänge zu schaffen sind Aufgaben, bei
denen die Digitalisierung eine doppelte Rolle
einnimmt: einerseits Treiberin im Paradigmenwechsel,
der die gesamte Kommunikation
erfasst hat, andererseits Tor zu neuen We -
gen. Welche Möglichkeiten sich Ausstellungsmacher:innen
und Kunstvermittler:innen
bieten, erforscht das ZKM in den Projekten
Beyond Matter und intelligent.museum.
80

Wie wird das Museum der Zukunft aussehen? Wo findet es statt? Und
wer wird dorthin kommen? Das sind Fragen, die seit geraumer Zeit von
den Museumsmacher:innen diskutiert werden. Auch das ZKM – ein Museum
plus, wenn man so will – nimmt sich dieser Fragen in den Forschungsprojekten
Beyond Matter und intellligent.museum an, um in
einem nationalen und internationalen Netzwerk mit anderen Häusern,
wie dem Deutschen Museum Nürnberg und dem Centre Pompidou Paris,
Lösungen zu finden.
1989 gegründet als „elektronisches Bauhaus“, aktuell ein „digitales Bauhaus“,
in der Nachfolge des von Walter Gropius 1919 in Weimar gegründeten
Bauhauses, stellt sich das ZKM immer wieder die Frage: Wie leben
wir morgen? Dabei werden die technologischen Entwicklungen an
der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Technologie stets neu in
den Blick genommen.
Auf der Suche nach Antworten initiierte Lívia Nolasco-Rózsás 2019 am
ZKM das EU-Projekt Beyond Matter. Cultural Heritage on the Verge of
Virtual Reality mit fünf weiteren europäischen Institutionen. Im Rahmen
dieses Projekts werden vergangene Ausstellungen im digitalen Raum
inszeniert und so virtuell wieder erlebbar gemacht. Außerdem werden
digitale Kunst- und Archivausstellungen, Konferenzen, Residency-
Programme für Kunstschaffende und eine Online-Plattform umgesetzt.
„Eines der Ziele des Projekts ist es, kulturelles Erbe digital aufzuarbeiten,
beispielsweise durch 3D-Modelling. Digitale Ausstellungsmodelle dienen
der Vermittlung und der wissenschaftlichen Ausarbeitung von vergangenen
Ausstellungen. Die erarbeiteten Methoden der Virtualisierung
und Software dafür stellen wir dann auch anderen Museen und Galerien
zur Verfügung“, sagt die Projektleiterin Lívia Nolasco-Rózsás.
Ausgangspunkt des Projekts sind die zwei ikonischen Ausstellungen
Les Immatériaux 1985 im Pariser Centre Pompidou und Iconoclash von
2002 im ZKM. Zu ihrer Zeit waren sie Gedankenexperimente, die in Form
von Ausstellungen räumlich umgesetzt wurden und die sich mit wissenschaftlichen,
technologischen sowie künstlerischen Praktiken auseinandersetzten.
An ihnen führt das Projektteam exemplarisch die virtuelle
Wiederbelebung vergangener Ausstellungsprojekte durch.
Eintauchen in virtuelle Welten
Um den Betrachter:innen das Erleben so attraktiv und interessant wie
möglich zu gestalten, hat das Projektteam ein elektronisches Display
angefertigt, das aus einem riesigen, gebogenen Monitor und einem
Stuhl besteht, der die Bewegungen der Betrachter:innen aufnimmt und
übermittelt. Auf diese Weise soll die „Immersion“ erleichtert werden,
nach der seit jeher in digitalen Settings gesucht wird: Gemeint ist das
Eintauchen in eine virtuelle Realität bis zu jenem Grad, da diese als real
empfunden wird.
Die entwickelte Hardware heißt Immaterial Display und ist Teil der Wanderausstellung
Matter, Non-Matter, Anti-Matter. Vergangene Ausstellungen
als digitale Erfahrungen, die von Dezember 2022 bis April 2023 vor
Ort im ZKM gastieren wird. So kann eine Museumserfahrung ein ver-
81

Das Museum von morgen
knüpftes Erlebnis werden, das analog beginnt und im Digitalen weitergeführt
wird – oder anders herum.
Künstliche Intelligenz im Museum
Die Möglichkeiten, die sich durch die technologischen Entwicklungen
der künstlichen Intelligenz (KI) eröffnen, untersucht das Netzwerk-Projekt
intelligent.museum (2020–2024), das, von Peter Weibel initiiert, in
Kooperation mit dem Deutschen Museum umgesetzt wird und durch die
Kulturstiftung des Bundes gefördert wird. In Zusammenarbeit mit internationalen
Künstler:innen entstehen funktionale KI-gestützte Anwendungen
und künstlerische Werke, von denen ein Teil bis August 2022 in
der Ausstellung BioMedien im ZKM zu sehen ist.
Welche Sprache die Besucher:innen im Ausstellungsraum sprechen,
kann beispielsweise Spoken Language Identification: An AI-assisted
Museum Label (2020–2021) mit dem Einsatz einer künstlichen Intelligenz
und Sensoren erkennen und daraufhin seine eigene Werkbeschreibung
auf dem elektronischen Display in der jeweiligen Sprache anzeigen.
Entwickelt wurde die Arbeit vom Projektteam intelligent.museum
und findet hier im ZKM ihren ersten Einsatz. „Obwohl im Alltag KI immer
häufiger eingesetzt wird, bleibt den meisten Menschen die zugrundeliegende
Technologie verborgen. Dieser Umstand erschwert die gesellschaftliche
Auseinandersetzung und fördert die Mystifizierung. Deshalb
machen wir KI-Technologie für Künstler:innen und eine interessierte Öffentlichkeit
zugänglich“, erläutert der künstlerische Leiter und Entwickler
des Projekts Yannick Hofmann den Ansatz.
Eine Comicfigur erklärt die Welt
der Datensätze
Auf der Suche nach neuen Wegen musealer Kommunikation und Vermittlung
werden am ZKM die passenden digitalen Werkzeuge entwickelt
und die Programmcodes veröffentlicht. Ganz spielerisch können sich
Besucher:innen an der Station von Eggcelsior an der Entwicklung eines
internationalen Sprachdatensets beteiligen. Die namensgebende, eierförmige
Comicfigur lässt die Interessierten in ihrer Muttersprache Text
einsprechen und führt praktisch vor, wie ein Datensatz zum Training
einer KI aufgebaut wird. Dieser ist die nötige Grundlage, damit unterschiedliche
Sprachen richtig zugeordnet werden können. „Tatsächlich
ist so eine KI recht dumm: Eine KI wird vorab zwar mit vielen Texten gefüttert
und damit trainiert, doch sie kann Sprache nicht im wirklichen
Sinne verstehen“, erklärt Dr. Ralf Eger vom intelligent.museum.
Hör mal, wer da spricht
Eine kritische Betrachtung der künstlichen Intelligenz und ihrer Einsatzgebiete
ist das Ziel, das Yannick Hofmann auch mit der Arbeit Botcast
82

[ Digitale Ausstel-
LÍVIA NOLASCO-RÓZSÁS
lungsmodelle
dienen der
Vermittlung und
der wissen -
schaftlichen Ausarbeitung
von
vergangenen
Ausstellungen. ]
83

Das Museum von morgen
(2021) verfolgt, das er zusammen mit der ZKM-Programmiererin
Yasha Jain erschaffen hat. Hier nutzt
eine KI die Stimmen der beiden Künstler:innen sowie
aktuelle Radiobeiträge, um daraus neue Sendungen
zusammenzusetzen, die von realen „Broadcasts“
nicht zu unterscheiden sind – so genannte Deep
Fakes. Der Krieg in der Ukraine findet sich in den
künstlich erzeugten Programmen mit wenigen Stunden
Verzögerung wieder. Indem das Vorgehen vorgeführt
wird, schärft man das Bewusstsein des Publikums,
wachsam zu bleiben gegenüber solchen durch
Medien vermittelten „Wahrheiten“.
Auf dem Dashboard intelligent.museum werden alle
Daten sichtbar gemacht, die im ZKM personenunabhängig
erhoben werden: Temperaturen, Feuchtigkeitswerte,
Anzahl der Menschen in der Ausstellung.
„Wir wollen alle Daten, die wir zur Verfügung haben,
sichtbar machen. Dabei verzichten wir absichtlich
auf alle personenbezogenen Daten“, so Eger. „Das
ist ein erster Schritt – ein künstlerisches Experiment,
das mich neugierig macht was daraus entstehen
kann.“ Die gesammelten Daten werden beispielsweise
dem Hackathon Coding Da Vinci zur Verfügung
gestellt, der im Mai 2022 im ZKM ausgetragen wird.
„Wir verfolgen einen Ansatz zu KI, der den Menschen
in den Mittelpunkt stellt und nicht allein auf technische
Faktoren abzielt, und orientieren uns an humanistischen
Werten wie der Ethik. Risiken wie beispielsweise
KI-generierte Fake News oder Diskriminierung
beim Einsatz von KI werden beleuchtet“,
betont Yannick Hofmann.
Menschen, denen
diese Ausstellung gefiel,
mochten auch …
Dass man also nach einem Besuch des ZKM eine
Empfehlung via Tripadvisor erhält mit Ausstellungen,
die einem auch gefallen könnten, wird daher ganz
bewusst nicht umgesetzt. Personenbezogene Daten
werden nicht erhoben und genutzt. Dem ZKM ist
eine gesellschaftskritische Haltung seit jeher eigen
und quasi mit dem Gründungsmythos durch Heinrich
Klotz in seine DNA eingeschrieben. Dass man
jedoch personenunabhängige Daten sinnvoll einsetzen
kann, wurde auch in der Pandemie deutlich – um
zum Beispiel alle Besucher:innen durch datenbasierte
Leitsysteme großflächig über alle Ausstellungsräu-
Beyond Matter
Das europäische Forschungsprojekt
Beyond Matter
(2019–2023) hat das Ziel,
das kulturelle Erbe durch
Digitalisierung der
Nachwelt zu erhalten – mit
besonderem Augenmerk
auf räumliche Bezüge, das
Kuratieren und die Kunstvermittlung
bei Ausstellungsprojekten.
Das
Projekt wird von der
Europäischen Union kofinanziert,
die Software- und
Hardwareentwicklung für
die Museen der Zukunft wird
im Rahmen des Projekts
von der Beauftragten der
Bundesregierung für Kultur
und Medien gefördert.
Projektpartner sind:
Centre national d’art et de
culture Georges Pompidou
in Paris/Frankreich,
Tallinn Art Hall/Litauen,
Tirana Art Lab/Albanien,
Ludwig Museum – Museum of
Contemporary Art in
Budapest/Ungarn und Aalto
University, Espoo/Finnland.
www.beyondmatter.eu
84

me zu verteilen, damit diese auf Abstand zu einander
bleiben können.
Wo findet das Museum
in Zukunft statt?
Will man die Zugänge öffnen und neue Communities
ansprechen, muss man als Museum dorthin gehen,
wo sich Besucher:innen und Nicht-Besucher:innen
aufhalten – und das ist in steigendem Maße im Digitalen.
Laut einer Onlinestudie des ARD und ZDF nutzten
in Deutschland 2021 fast 67 Millionen Menschen
das Internet – 100 Prozent der unter 50-Jährigen, 95
Prozent der Gruppe zwischen 50 und 69 Jahren und
77 Prozent der ab 70-Jährigen.
Gerade bei Kindern und Jugendlichen kann man beobachten,
wie sich ihr soziales Leben zu weiten Teilen
in den digitalen Raum verlagert hat – zum Chatten
und Zeitvertreib auf TikTok, Instagram und Messenger-Diensten
wie WhatsApp und Co., verbunden
über WLAN mit anderen Welten von Minecraft, Fortnight
und GT, auf Discord zum Quatschen während
des Spiels – aber eben auch, um ein Referat für die
Schule vorzubereiten. Wie unentbehrlich ein reales
Zusammentreffen mit anderen Menschen ist, die soziale
Interaktion und der Austausch, das wurde spätestens
mit Corona und dem damit einhergehenden
Social Distancing deutlich – und dass Face-to-Face-
Kommunikation nicht ersetzt werden kann.
intelligent.museum
Durch das Programm Kultur
Digital der Kulturstiftung
des Bundes wird das von
Peter Weibel initiierte
Projekt intelligent.museum
(2020–2024) in Kooperation
mit dem Deutschen Museum
Nürnberg und dem Fraunhofer
Institut für Optronik,
Systemtechnik und Bildauswertung
(IOSB), Karlsruhe
realisiert. Das Projekt
will Museumsbesucher:innen
zu einer kritischen Auseinandersetzung
mit künstlicher
Intelligenz anregen
und befähigen. Ziel ist
es, aktuelle Entwicklungen
zu hinterfragen und die
Potenziale des Einsatzes
von KI im Museum zu erkunden.
Inwieweit erlaubt
uns KI die Barrieren im
Ausstellungsraum abzubauen
und das Museumserlebnis
inklusiver zu gestalten?
www.intelligent.museum
Am ZKM stellen wir uns viele Fragen: Vielleicht sollten
wir analog und digital nicht als Gegensatzpaar,
sondern zusammen denken? Wie sieht das Museum
der Zukunft aus? Was wird man dort erleben? Wie
können wir ganz unterschiedliche Communities ansprechen
und für Kunst begeistern? Die beiden Projekte
Beyond Matter und intelligent.museum zeigen,
welche Möglichkeiten sich ergeben, und eröffnen
weitere Handlungsfelder.
Die Antworten sind so vielfältig wie unsere Gesellschaft.
Was bleibt, ist das Museum als Ort der Kommunikation
und des Austauschs der Menschen.
Tanja Binder
85

Nach den Sternen greifen
Seit 1988 unterstützt die Fördergesellschaft
das ZKM tatkräftig: Hartmut Graf und
Leonie Kroll sind zwei der rund 450 Mitglieder
Noch vor dem ZKM selbst wurde in Karlsruhe
im Jahre 1988 die Fördergesellschaft
ZKM / HfG e.V. gegründet – von Bürger:innen
sowie Persönlichkeiten des öffentlichen
Lebens, die seither das Zentrum für Kunst und
Medien und die Staatliche Hochschule für
Gestaltung (HfG) sowohl ideell als auch materiell
unterstützten. Zirka 450 Mitglieder
zählt der Förderverein aktuell. Hartmut Graf ist
seit den Anfängen dabei; jüngstes Mitglied
ist Leonie Kroll.
86

Fünf Milligramm Mond stehen auf seinem Schreibtisch.
Hartmut Graf zählt zu den langjährigsten Mitgliedern in
der Fördergesellschaft des ZKM: Am 22.02.1989 trat er
dem Förderverein bei. Graf, der sich selbst als „pensionierten
Kunst-Oberstudienrat“ definiert und identifiziert,
studierte Kunst an der Staatlichen Akademie
der Bildenden Künste Karlsruhe, wählte jedoch für sich
den Weg des Kunstvermittlers. Vor dem Studium hatte
er indes noch ein anderes Leben: Graf arbeitete als
Chemisch-technischer Assistent am Heidelberger Max-
Planck-Institut für Kernphysik.
Spuren hinterlassen
„Wenn man früh beitritt, kann das keine negativen Spuren
hinterlassen“, dachte er sich, als er vor 33 Jahren
Teil der Fördergesellschaft wurde. Er war bereits im
Schuldienst und verbeamtet und wollte „in der Karlsruher
Kultur wenigstens finanziell etwas hinterlassen“.
In den späten 1980er-Jahren konnte man die Beitrittserklärung
nicht einfach per Mausklick herunterladen,
sondern musste seine Mitgliedschaft bei einer Rechtsanwaltskanzlei
eintragen lassen. Ein Gang, den Graf bis
heute nicht bereut, wie er humorvoll anmerkt: „Wie
heißt es bei den Marx Brothers? ‚Ich möchte nicht Mitglied
sein in einem Verein, der mich aufnimmt.‘ Das ist
hier anders.“
Graf versucht bei den Mitgliederversammlungen immer
dabei zu sein, und meldet sich auch mal zu Wort, wenn
es etwa um die Änderung des Förderverein-Logos geht.
Er ist also kein stilles Mitglied im engeren Sinn. Zuletzt
habe ihn und seine Frau die Führung durch die Ausstellung
Critical Zones begeistert: „Die Kuratorinnen sind
so fantastisch, das genießen wir sehr.“
Eine schöne Bescherung
Auf ihre erste Mitgliederversammlung wartet Leonie
Kroll noch. Die 24-Jährige ist erst im April 2021 wegen
ihres Masterstudiums Wissenschaft – Medien – Kommunikation
nach Karlsruhe gezogen. „Das kann man
hier am Karlsruher Institut für Technologie studieren.
Aus beruflichem Interesse und weil ich generell sehr
kunstinteressiert bin, stand das ZKM ganz oben auf
meiner Liste“, sagt sie. Eine Leidenschaft, die sie mit
ihrer Schwester teilt.
Eine schöne Überraschung gab es am 24. Dezember:
Die Mitgliedschaft im Förderverein war ein Weihnachts-
87
Talentschmiede
der besonderen Art
[MASTERCLASS] am ZKM
Seit 2014 ermöglichen die
Fördergesellschaft ZKM /
HFG e.V. und die Schroff
Stiftung die [MASTERCLASS]
am ZKM. Das Stipendium
ermöglicht bis zu sechs jungen
Menschen, zwischen
15 und 19 Jahren, aktuelle
Kunstströmungen sowie
das Programm des ZKM intensiv
kennen zu lernen.
Im Austausch mit Gleichgesinnten
und professionellen
Kunstschaffenden
erlernen die Nachwuchstalente
in mehrtägigen
Künstler:innen-Workshops,
den Umgang mit neuen
Medien und erhalten eine
umfassende Weiterbildung
in den Bereichen
Werkkonzeption, Videound
Klangkunst sowie Fotografie,
um ihre eigenen
künstlerischen Ideen und
Vorstellungen weiterentwickeln
zu können.
Ziel des Stipendiums ist
die Gestaltung und
Präsentation einer digitalen
Ausstellung. Dabei
stehen den Stipendiat:innen
beratend Künstler:innen
und Kurator:innen als Mentor:innen
zur Seite.
Geleitet wird das Projekt
von Janine Burger und Alexandra
Hermann. Abschluss
und Höhepunkt der [MAS-
TERCLASS] ist die Umsetzung
einer digitalen Ausstellung.
In diesem Jahr findet
die Eröffnung am 29. Juli
2022 statt. Präsentiert
werden digitale Werke von
Hazel Althen, Mehdi Attar,
Laura Sophia Karle, Jannis
Prox, Jasmin Schaller
und Celina Stieber.
Siehe https://zkm.de/de/projekt/
masterclass-am-zkm

Nach den Sternen greifen
[ Ich interessiere
LEONIE KROLL
mich generell
sehr für Medien,
besonders wie hier
am ZKM Kunst
und Wissenschaft
kombiniert
wer den, finde ich
faszinierend. ]
88

geschenk. „Darüber habe ich mich sehr gefreut. Meine
Schwester kennt mich einfach gut“, sagt Leonie Kroll,
die sonst eher in klassische Kunstmuseen geht. Am
ZKM fasziniert sie, wie vielfältig es ist. „Ich interessiere
mich generell sehr für Medien, besonders wie hier am
ZKM Kunst und Wissenschaft kombiniert werden, finde
ich faszinierend.“
Zwischen Kultur und
Gesellschaft vermitteln
Mit der Fördergesellschaft hatte sie bislang noch keine
wirklichen Berührungspunkte und ist bereits gespannt,
was auf sie zukommt. Gerade bei der Ausstellung Critical
Zones habe sie gemerkt, dass einige Exponate
mehr Hintergrundwissen erfordern, „deshalb freue
ich mich besonders auf die Führungen“. Toll findet sie,
dass man Gesellschaft, Kunst und Museum so verbinden
kann und möchte sich auch gerne einbringen. „Der
Austausch zwischen der Gesellschaft und Kulturinstitutionen
wie dem ZKM ist super spannend und wichtig.“
Wie sie da als Mitglied der Fördergesellschaft mitwirken
kann, wird sich zeigen. Kroll ist jedenfalls sehr daran
interessiert, mit anderen Mitgliedern zusammenzukommen.
Nicht nur in einem Text. Kathrin Stärk
Fördergesellschaft
ZKM / HfG e.V.
Dabei sein
und mitmachen
Die Fördergesellschaft
unterstützt das ZKM
und die HfG gleichermaßen
und ist dabei sogar
älter als beide Institutionen.
Ihre Gründung
geht zurück auf die Idee,
in Karlsruhe einen Ort
aufzubauen, an dem Kunst,
Forschung und Lehre
vernetzt stattfinden. Informieren
Sie sich unter
www.zkm.de über die
Vorteile einer Mitgliedschaft.
Fördergesellschaft ZKM / HfG e.V.
T +49 (0) 721/8100-1260
F +49 (0) 721/8100-1269
foerdere@zkm.de
89

Was braucht man zum Aufbau
einer Ausstellung im ZKM?
A Abdeckhauben
Abdeckplane
Absperrband
Adapter
Akkuschrauber
Arbeitsschuhe
Arbeitstisch
Arthandler:in,
Audioplayer
Audiospezialist:in
Aufbau -
anleitung
B Besen
Bilderwagen
Bodenbelag
Bohrer
Brille
Bügelsäge
C Computer
Cutter
D Datenbanken
E Elektro fach kraft
Elko
Entfernungsmesser
F
Farbe
Feile
Fotoapparat
G Gabelstapler
Geduld
Glashauben
Glassauger
Gurte
H Hängewagen
Haken
Halterungen
Hebebühne
Hubwagen
Interesse
I
J
K
L
Japansäge
Kabel
Kabelbinder
Kamera
Kisten
Konstruktionsholz
Konverter
Kunst
Lasermess gerät
Lautsprecher
Leiter
Leimbinder
Leuchten
Liftlux
M Magnete
Manuals
Marker
Möbelroller
Messgeräte
Molton
Monitore
N Netzwerk
Nerven
Netzwerkspezialist:in
O Objektpfleger:in
Organisationstalent
P Packdecken
Paletten
Pausen
Plan
Plattenwagen
Programmierer:in
Prints
Projektoren
90

Projektionsfolie
Prüfgerät
Q Qualifizierte
Arbeitskräfte
R Rahmen
Registrar:in
Reinigungsmittel
Restaurator:in
Rohre
S Schaumstoff
Scheinwerfer
Schere
Schleifgerät
Schrauben
Schraubendreher
Sockel
Stahlseil
Stativ
Staubsauger
Stift
Switch
T Tape
Taschenlampe
Telefon
Teppichboden
Tischlerplatten
Traversen
Tyvek ®
U Umsicht
Unterlagen
V Verlängerungskabel
Verstärker
Videoplayer
Videospezialist:in
Vielfachsteckdosen
Vitrinen
Voltmeter
W Wasserwaage
Wlan
Wolfsburger
System
X
Y
Z
Zange
Zeit
Zurrgurt
Zuspruch
Museumstechnik
Das ZKM
als Ausstellungsbetrieb
Informationstechnik, Restaurierung,
Objektdokumentation,
audio-visuelle
Medientechnik, Arthandling,
Elektrotechnik,
Lichttechnik, Depotverwaltung,
Transportlogistik,
Leihverkehr und technische
Projektleitung bei Ausstellungsproduktionen:
Bei
der Museumstechnik laufen
die Fäden des eng getakteten
Ausstellungsbetriebs
des ZKM zusammen.
Auf kurzem Wege werden
Medienkunstwerke instandgesetzt,
Bilder und Ob -
jekte restauriert und Ausstellungen
medial und
räumlich geplant und umgesetzt.
Installationen
der Sammlung und im Haus
produzierte mediale Kunstwerke
werden in die Museen
in aller Welt transportiert
und dort von den Techniker:innen
des ZKM aufgebaut.
In enger Abstimmung und
Zusammenarbeit mit
Künstler:innen und Kurator:innen
entstehen so pro
Jahr ein Dutzend Ausstellungen,
die das Team der
Museums-und Ausstellungstechnik
auf die Beine
stellt. Mit Einfühlungsvermögen
und professionellem
Know-how wird eine
Qualität erreicht, die den
französischen Philosophen
und Kurator Bruno Latour
2016 zu der Aussage
veranlasste, das Technikteam
des ZKM sei das beste
auf der ganzen Welt.
91

Eine Liga für sich
Die Publikationen des ZKM genießen weltweit
ein ausgezeichnetes Renommee: Was
die Veröffentlichungen so besonders macht,
erläutern Jens Lutz und Miriam Stürner
aus der Publikationsabteilung im Interview.
Herr Lutz, Frau Stürner: Sie kamen
als studentische Hilfskräfte ans
ZKM um Ausstellungskataloge zu
machen. Heute leiten Sie die
Publikationsabteilung. Was macht
Ihre Arbeit aus?
[ Unsere Arbeit ist sehr vielfältig und vielschichtig.
Wie in einem Verlag begleiten wir
die Publikationen des ZKM von der
Idee über die Konzeption bis zur Auslieferung
weltweit. Und dazwischen in allen
Arbeitsschritten auch. Planungsgespräche
mit Herausgeber:innen oder Künstler:innen,
Kontaktaufnahme zu Autor:innen, klären
von Text- und Bildrechten, erarbeiten des
Layouts mit den Grafiker:innen, das Lektorat
und die Redaktionsarbeit. Wir kümmern
uns auch um die Druckabnahme – die
kann bei einem umfangreichen Buch auch
schon einmal 72 Stunden in Anspruch
nehmen – und sorgen dafür, dass die Bücher
an die Verlage ausgeliefert werden. ]
96

Das ZKM publiziert jährlich eine
Reihe an sehr unterschiedlichen
Titeln. Wie lässt sich das
Buchprogramm charakterlich
fassen und beschreiben?
[ Die ZKM-Publikationen sind weltweit
längst eine eigene Marke. Viele unsere Bücher
sind Standardwerke im Umfeld von
Kunst und Gesellschaft. Die Stärke unseres
Programms liegt vor allem darin, dass wir
vielfach über Themen und Künstler:innen
publizieren, die marginalisiert sind.
Trotzdem oder gerade deswegen sind die
Bücher oft schnell ausverkauft und werden
dann zu exorbitanten Preisen auf
diversen Verkaufsplattformen angeboten.
Die Programmplanung folgt der Gründungsmaxime
des ZKM, ein Museum aller Gattungen
und Medien zu sein. Daher umfasst
unser Programm Bücher über Malerei,
über Klangkunst, Film usw. Vor allem präsentieren
wir den Leser:innen die
wichtigsten Kunstströmungen des 20. Jahrhunderts
– von Aktionskunst bis Medienkunst,
von Tanzkunst bis Sound Art
auf wissenschaftliche und enzyklopädische
Weise. ]
Kataloge erscheinen zumeist
weit nach der Ausstellung. Gibt es
einen Grund?
[ Ausstellungen sind am ZKM gewissermaßen
Forschungsprojekte, die in ein Buch
münden. Peter Weibel zitiert immer gerne
Stéphane Mallarmé: „Tout, au monde,
existe pour aboutir à un livre“ – Alles auf
der Welt existiert, um in ein Buch einzugehen.
Viele unserer Publikationen sind also
wissenschaftlich gut recherchiert. Es sind
oftmals Anthologien, in denen Themen
umfangreich und aus mehreren Perspektiven
betrachtet werden. Die Bücher sind
deshalb aber meist auch dick und schwer
und eignen sich nicht sonderlich gut als
Bettlektüre – einschlafen kann man damit
vielleicht schon, nur sollte man tunlichst
das Buch dabei nicht auf den eigenen Kopf
fallen lassen.
Außerdem wird die typische Ausstellungspublikation
mit ein oder zwei Texten
und einem mehr oder weniger umfangreichen
Bildteil, der die Werke der Ausstellung
zeigt, im ZKM nur selten produziert. Uns
ist es immer daran gelegen, Publikationen
zu erstellen, in denen Themen umfangreich
betrachtet und präsentiert werden. Es
sollen auch Erkenntnisse, die während
der Ausstellungsdauer – zum Beispiel in begleitenden
Symposien – erlangt werden,
Eingang in das Buch finden. Dieses Ziel und
die Tatsache, dass für unsere Ausstellungen
auch oft Werke entstehen, die es so vorher
noch nicht gab, führt dazu, dass die Bücher
zu unseren Ausstellungen oft erst
nach Ausstellungsende erscheinen, sie aber
aufgrund ihrer thematischen Relevanz
und Ausführlichkeit viele Jahre lang verkauft
werden. ]
Sie sprachen davon, dass
die ZKM-Publikationen
weltweit sehr renommiert sind.
Woher kommt das?
[ In Europa ist das ZKM sicherlich das einzige
Museum, dessen Kataloge regel mäßig
bei internationalen Wissenschaftsverlagen
erscheinen. Somit geht das weltweite
Renommee des ZKM auch auf die verlegerische
Tätigkeit zurück, denn durch
unsere Verlage haben unsere englischsprachigen
Bücher eine globale Distribution,
sodass sie in Buchhandlungen von Bukarest
bis Washington stehen. Im Grunde
werden die Ausstellungen des ZKM durch
unsere Kataloge weltweit sichtbar, weit
über den Horizont des deutschen Feuilletons
97

Eine Liga für sich
hinaus. Dadurch bekommen wir Rezensionen
und Auszeichnungen aus der
ganzen Welt. Und durch unsere Kooperation
mit englischsprachigen Wissenschafts
verlagen werden wir auch im akademischen
und universitären Bereich
weltweit wahrgenommen. ]
Gibt es Grundanforderungen,
damit aus einer Idee ein Buch wird?
Und wie entscheidet sich, in
welchen Verlagen was erscheint?
[ Grundsätzlich machen wir uns hier im
ZKM natürlich vor Projektbeginn eingehend
Gedanken über die jeweilige Publikation.
Auch ob für das Thema die Buch-Form oder
vielleicht eher eine DVD-, CD-, Video- und
Filmedition oder rein digitale Publikationen
sinnvoll wäre. Es gibt ganze Serien von
multimedialen Editionen, die in Zusammenarbeit
mit Verlagen wie Hatje Cantz entstanden
sind.
Wir sind natürlich stets darauf angewiesen,
dass wir unsere Pläne auch finanzieren
können; die Mittel, die uns zur Verfügung
stehen, haben deshalb Einfluss auf die
jeweilige Publikation. Glücklicherweise finden
wir immer wieder externe finanzielle
Unterstützung für unsere Projekte.
Wir arbeiten aber mit einer ganzen Reihe von
nationalen und internationalen Verlagen
zusammen. Die großen wissenschaftlichen
Publikationen zu unseren Themen- und
Thesenausstellungen erscheinen deshalb
häufig in englischer Sprache bei US-amerikanischen
Wissenschaftsverlagen wie
MIT Press oder der University of Minnesota
Press. Nachdem klar ist, welchen Zuschnitt
die jeweilige Publikation bekommen
soll, fragen wir bei passenden Verlagshäusern
an, ob sie Interesse am jeweiligen
Buch haben. ]
Wir haben Sie gebeten, für
das zkmagazin die wichtigsten
Publikationen der letzten zwei
Jahre zusammenzustellen. Welche
Titel gehören dazu und warum?
[ Auf jeden Fall das große neue Standardwerk
von Peter Weibel zur Skulptur des
20. und 21. Jahrhunderts: Negative Space.
Peter Weibel verfolgt in diesem Buch
eine neue Theorie zur Skulptur, und auf über
700 Seiten bietet das Buch zudem einen
exzellenten Überblick über die Skulptur des
20. und 21. Jahrhunderts. Nebenbei
funktioniert es sogar als richtig schönes
Coffee Table Book.
Ebenso nachdrücklich empfehlen wir die
Publikation Critical Zones. The Science
and Politics of Landing on Earth,
begleitend zur gleichnamigen Ausstellung
bei MIT Press erschienen. Eine Ausstellung,
kuratiert von Peter Weibel und
Bruno Latour, die uns allen hier am
ZKM sehr wichtig ist, weil es um die Zukunft
unserer Erde geht. Das Buch wurde mit
dem Prix Special der Jury des FILAF-Festivals
(Perpignan, Frankreich) ausgezeichnet
und von der New York Times als eines
der wichtigsten Kunstbücher des Jahres
gelistet. Eine gekürzte Fassung des
englischen Buches ist auch auf Deutsch
erschienen.
Eine weitere Publikation, die uns wichtig ist,
trägt den Titel Digital Imaginaries.
Afrikanische Positionen jenseits des Binären.
Das Ausstellungs- und Rechercheprojekt
Digital Imaginaries brachte Kunstschaffende
und Produzent:innen aus Kunst
und Wissenschaft zusammen, um digitale
Entwicklungen auf dem afrikanischen Kontinent
zu untersuchen. Das Buch präsentiert
die überraschenden Ergebnisse dieses
Austauschs und auch eine Vielzahl von
98

künstlerischen Arbeiten. Vor dem Hintergrund
der postkolonialistischen Debatten
und dem immer wieder zu Recht kritisierten
eurozentristischen Blick, den viele westliche
Institutionen auf den Kontinent Afrika
werfen, war diese Publikation eine große
Herausforderungen, die wir Dank eines
versierten Herausgeber:innenteams
und vielen Texten von Künstler:innen und
Wissenschaftler:innen, die auf dem
afrikanischen Kontinent leben, hoffentlich
gut gemeistert haben.
Diese drei Titel sind nur eine winzig kleine
Auswahl unseres Programmes. Gerne
empfehlen wir einen Besuch im ZKM-Shop –
ob online oder hier im ZKM selbst. ]
Ganz herzlichen Dank Ihnen beiden
für den Einblick in Ihre Arbeit
Interview: Helga Huskamp
ZKM-Publikationen
2020–2021 (Auswahl)
• Negative Space.
Trajectories of Sculpture
in the 20th and 21st
Centuries, Englisch, 2021,
Hg.: Peter Weibel, Anett
Holzheid, VK: 60,00 €
• Critical Zones.
The Science and Politics
of Landing on Earth,
Englisch, 2020,
Hg.: Bruno Latour, Peter
Weibel, VK: 49,90 €
• Critical Zones. Die
Wissenschaft und Politik
des Landens auf der Erde,
2021, Hg.: Bruno Latour, Peter
Weibel, VK: 19,90 €
• Digital Imaginaries.
Afrikanische Positionen
jenseits des Binären /
African Positions
Beyond Binaries, Deutsch
und Englisch, 2021,
Hg.: Richard Rottenburg,
Oulimata Gueye,
Julien McHardy, Philipp
Ziegler, VK: 35 €
• Peter Weibel:
Enzyklopädie der Medien,
Band 4: Literatur
und Medien, Deutsch, 2021,
Autor: Peter Weibel,
VK: 40 €
• From Xenakis’s UPIC
to Graphic Notation,
Englisch, 2020, Hg.:
Peter Weibel, Ludger Brümmer,
Sharon Kanach, VK: 48 €
Alle Publikationen finden Sie
auch unter
https://webshop.zkm.de/
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Wer steckt dahinter?
Die Autor:innen
des zkmagazins
Tanja Binder leitet den Bereich Kommunikation und
Marketing am ZKM. Als Journalistin hat sie für die Stuttgarter
Zeitung, dpa, Süddeutsche Zeitung, Die Rheinpfalz,
Allgemeine Zeitung Mainz geschrieben und an
der Kunsthalle Mannheim war sie für die Presse- und
Öffentlichkeitsarbeit verantwortlich.
Friedemann Dupelius untersucht die akustische Gegenwart.
Als Journalist und Musiker ist er in verschiedenen
Bereichen experimenteller und elektronischer Musik
aktiv. Er schreibt Radiofeatures und Essays für u. a.
WDR3, SWR2, BR Klassik, Deutschlandfunk, Neue Zeitschrift
für Musik, Positionen und zweikommasieben.
Helga Huskamp ist seit September 2021 am ZKM geschäftsführende
Vorständin. Zuvor war sie an der Staats -
galerie Stuttgart und an der Stiftung Bauhaus Dessau
als Leiterin Kommunikation tätig sowie als stellvertretende
Geschäftsführerin am Internationalen Dokumentarfilmfestival
München.
Patrick Krause, lebhaft in Köln, hat als promovierter
Geisteswissenschaftler die journalistische Laufbahn
eingeschlagen. Neben freien Beiträgen (u. a. Süddeutsche
Zeitung) im Bereich Kultur und Stil ist sein
Spezialgebiet die Entwicklung von Kundenmagazinen.
Seit 2015 ist er Chefredakteur des Reisemagazins QVEST.
Ute M. Reindl ist Kunstkritikerin, Kuratorin und Übersetzerin.
Sie schreibt unter anderem für den Berliner
Tages spiegel, die Neue Zürcher Zeitung, das Kunstforum
International, die Kunstzeitung, den ArtBlog Cologne,
die Kölner StadtRevue, die TAZ und viele mehr. Sie
ist zudem Vizepräsidentin des AICA Deutschland e.V.
Ursula Scheer ist für das Ressort Kunstmarkt verantwortliche
Redakteurin der Frankfurter Allgemeinen Zeitung
und schreibt immer wieder über Medienthemen und
digitale Kunst. Für die Frankfurter Allgemeine Woche
betreute sie zwei Jahre lang die Kultur- und Gesellschaftsseiten.
Lena Schneider war Volontärin in der Abteilung Kommunikation
und Marketing am ZKM.
Kathrin Stärk ist freie Autorin, Texterin und Konzeptionerin.
Beim Stuttgarter Stadtmagazin LIFT war sie Chefredakteurin
bevor sie im Jahr 2018 die Presse- und
Öffentlichkeitsarbeit des Theater Rampe in Stuttgart
übernahm.
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zkmagazin
Nummer 1, 2022
[ Innensicht ]
Herausgegeben von
ZKM | Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe
Helga Huskamp, geschäftsführende Vorständin
Idee & Konzept Helga Huskamp
Redaktion Tanja Binder
Lektorat Jens Lutz, Miriam Stürner, Patrick Trappendreher
Autor:innen Tanja Binder, Friedemann Dupelius,
Patrick Krause, Helga Huskamp, Uta M. Reindl, Ursula
Scheer, Lena Schneider, Kathrin Stärk
Gestaltung 2xGoldstein (Andrew Goldstein,
Jeffrey Goldstein, Erik Schöfer, Joshua Kaiss)
Fotoessay Thomas Meyer, Ostkreuz
Druck Stober Medien, Eggenstein
Portraits Fotoessay: ZKM-Mitarbeiter:innen Dominik
Kautz, Wolfgang Knapp, Bernd Lintermann, Christian
Lölkes, Felix Mittelberger, Dorcas Müller, Cecilia Preiß,
Jakob Schreiber, Patrick Trappendreher, Peter Weibel,
Desiree Weiler, Beatrice Zaidenberg
Unser Dank gilt der Fördergesellschaft ZKM / HfG e.V.,
die das Magazin großzügig unterstützt hat.
© 2022 ZKM | Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe
© Texte: die Autor:innen
© Fotos: ZKM | Karlsruhe, Fotos: Thomas Meyer, Ostkreuz
Hergestellt in Deutschland.
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ZKM | Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe
Lorenzstr. 19, 76135 Karlsruhe, T +49 (0)721/8100-1200
info@zkm.de, www.zkm.de
Künstlerisch-wissenschaftlicher Vorstand Peter Weibel
Geschäftsführende Vorständin Helga Huskamp
Verwaltungsleitung Boris Kirchner
Stifter des ZKM
Partner des ZKM