José Manuel Trabado Cabado - Intersexiones

JOSÉ MANUEL TRABADO CABADO
Novela gráfica y novela negra
Entre el género narrativo y el formato del cómic
RESUMEN: El presente artículo trata de la dialéctica que se establece entre la creación
y desarrollo del género negro y los diferentes formatos del cómic. Desde el inicio de las
tiras diarias de los años 30 con el caso de Dick Tracy hasta la más reciente novela gráfica
de Hannah Berry titulada Britten and Brulightly, la ficción criminal ha sido remodelada
según las reglas de la narración gráfica. Ha tenido lugar, así, un intercambio productivo
entre estos dos lenguajes: el género narrativo y su realización gráfica.
PALABRAS CLAVE: Género negro, tiras de cómic, comic books, novela gráfica.
Normalmente cuando se caracteriza un género literario se atiende a
cuestiones de índole temático-estructural. Se presta especial atención a su arquitectura
narrativa, a las imposiciones temáticas, a la función de los personajes,
etc. Todas estas cuestiones no hacen sino enfatizar las características intrínsecas
del texto y su adscripción a un modelo formal establecido anteriormente en la
tradición. Parece menos relevante desde un punto de vista genérico, sin embargo,
la importancia del soporte material en el que aparece el texto. Un texto puede ser
impreso con diversos formatos editoriales que alteren su tamaño de página y el
tipo de encuadernación sin que por ello se vean modificadas sus cualidades ni su
condición genérica. Curiosamente la cuestión del formato de publicación es un
aspecto decisivo en el lenguaje de la narración gráfica que está condicionada en
gran medida por el espacio que se le otorga a la historia para desarrollarse (Lefèvre
2000). La evolución del cómic está íntimamente ligada a las posibilidades
que los diferentes formatos brindaban a los creadores para el desarrollo de sus
historias. Cuando se trata de analizar el trasvase temático-genérico de la literatura
al cómic conviene analizar la dialéctica que se establece entre el modelo textual
literario y los condicionamientos propios del medio del cómic como pueden ser
su propia tradición genérica o las restricciones implícitas del formato en el que se
va a desarrollar la historia.
Dentro de la implantación del género negro en el cómic cabría repasar,
siquiera de forma somera, cómo responden los distintos formatos a la adaptación
de un esquema narrativo recibido a un nuevo lenguaje.
InterseXiones 2: 245-275, 2011. ISSN-2171-1879.
RECIBIDO: 30/10/2010 ACEPTADO: 10/02/2011

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LO POLICIACO EN LA PRENSA: LAS TIRAS DIARIAS Y LA PÁGINA
DOMINICAL
En este punto se hace obligado acudir al ejemplo fundacional de Dick
Tracy, detective creado por Chester Gould, cuya publicación comienza en la
prensa en forma de tira diaria el 12 de octubre de 1931. Por esas fechas ya había
publicado Hammett novelas como Red Harvest (1929) o The Maltese Falcon
(1930) pero todavía faltaban ocho años para que se publicara The Big Sleep de
Chandler. Traigo estos datos aquí para mostrar el escaso margen temporal que
existe entre las primeras novelas de Hammett y la creación de Dick Tracy. De
alguna manera, sería injusto afirmar que Gould “traduce” al lenguaje del cómic la
fórmula del género negro. En todo caso, Gould y Hammett están haciendo algo
similar por los mismos años. El propio creador de Dick Tracy no tiene reparos en
declarar cuáles fueron sus referentes en la creación de su detective en una entrevista
con Max Allan Collins, continuador del guión de la serie cuando Gould la
abandona 1 . Su punto de referencia era un serial radiofónico de Sherlock Holmes.
Lo que intenta hacer es una actualización del detective de estirpe literaria a la
realidad de finales de los años 20 e inicios de los 30. La corrupción reinante y
el ambiente de Chicago en esos años en los que Al Capone reinaba en la ciudad
proporcionaban un escenario en el que la remodelación de la narración policiaca
clásica estaba siendo llevada a cabo por Hammett en el campo de lo literario y por
Gould en el terreno del cómic.
Esta simultaneidad en el proceso de creación explica la independencia
temática que experimenta la serie de Dick Tracy con respecto al modelo de
Hammett. En primer lugar, cabe destacar las inercias temáticas que ofrecía la
tradición del cómic dentro del universo gráfico del detective. Si atendemos a las
dos primeras tiras diarias, las pertenecientes al 12 y 13 de octubre de 1931, puede
observarse una fuerte impronta del modelo melodramático. Dick llega a casa de
su prometida para cenar; en el transcurso de la cena –en la tira del 15 de octubre-
anuncian su compromiso Dick y Tess Trueheart a los padres de ésta. El contrapunto
vendrá determinado por la irrupción de unos atracadores que quieren robar
la recaudación de la charcutería del padre de Tess. En la última viñeta de la tira
del 16 de octubre y tras un forcejeo el señor Trueheart muere por un disparo de
los atracadores. Se establecen así los dos motores que generan la intriga narrativa
en los inicios de Dick Tracy: el amoroso familiar y el criminal. De la interferencia
1-
(Collins, Masterson, 2009)

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de uno con el otro se nutre este arranque narrativo hasta tal punto de que ese hecho
es lo que propicia el ingreso de Tracy en la policía. Lo que puede resultar más
llamativo es la aparición de ese orbe familiar en el que está radicado el detective.
Sería algo ajeno a la tradición del género negro pero que tiene su explicación si
se acude a la tradición del cómic en la prensa norteamericana. No hay que olvidar
que el universo familiar y afectivo había sido la seña de identidad en series del
cómic en la prensa, como Gasoline Alley, que originariamente estaba orientada
hacia chistes sobre coches y finalmente acaba adquiriendo un rumbo diferente en
1921 cuando el 14 de febrero abandonan en la puerta del Walt Wallet a un niño
que acabará adoptando. De igual manera cabría recordar el rotundo éxito de una
serie familiar como la de The Gumps de Sidney Smith. De alguna manera estos
inicios de Tracy se nutren de una tradición temática que existía dentro del cómic 2 .
Con ella establece un diálogo en el que se asumen ciertos resortes narrativos y
se incorporan otras nuevas derivas temáticas como la criminal. Lejos estamos de
esa desvinculación emocional de los detectives clásicos del género negro; Tracy
hunde sus raíces en una relación amorosa que, incluso, interfiere en su oficio. El
módulo de lo melodramático es consustancial al detective del cómic en los inicios
de su historia.
También cabría delimitar la profunda influencia que posee la obra de
Chester Gould en la estabilización de una iconografía que caracterice la figura del
detective. La actualización del protagonista no sólo se da en el desarrollo de intrigas
que tienen un profundo anclaje en la época en la que se crea buscando así una
verosimilitud que nunca estuvo presente en la fórmula de lo policiaco clásico,
sino también en la caracterización visual de este detective que, desde Dick Tracy,
asume un aspecto prototípico que lo convierte en un icono del que se valdrán las
sucesivas obras gráficas y cinematográficas. A diferencia de la narración literaria,
la descripción del aspecto de los personajes no es algo optativo y que opera en
momentos puntuales; tiene la obligación de ser omnipresente porque la misma
condición gráfica de su naturaleza obliga a presentar al personaje no sólo como
alguien que actúa sino como una imagen que se perpetúa.
2Dick Tracy
terson,
en cuanto que editor de cómic, quien, de alguna manera, ofrecía indicaciones a los creadores para incorporar
Gasoline Alley, lo
-
249

250 Novela gráfica y novela negra
En el aspecto de los condicionantes propios del formato cabe aludir a
algunas cuestiones de interés. La estructura propia de la tira diaria imponía un
esquema narrativo muy determinado. Eran cuatro las viñetas que se utilizaban
normalmente. En esas cuatro viñetas se debía comprimir la narración de tal manera
que lo que allí se contaba era capaz de retener al lector y emplazarlo hasta
el día siguiente. Cada viñeta se acaba en un momento de máxima tensión que
no se aclarará hasta el día siguiente en el que se habrá de generar otro momento
climático al final de la misma. Existe, así, una suerte de gozo aplazado, de técnica
folletinesca que conlleva la atomización narrativa en unidades mínimas (las tiras
diarias) que buscan generar una expectación en el lector. Esto explica la estructura
narrativa de lo policiaco que debe amoldarse a estos imperativos de la publicación.
En las tiras diarias del 12,13 y 14 de octubre se observa la repetición de una
misma fórmula que prepara el momento del asesinato del Sr. Trueheart. Las tres
primeras viñetas ofrecen el mundo de la felicidad familiar que se ve contrapunteado
por la cuarta y última viñeta en la que aparecen dos figuras siniestras que
atracarán y matarán al padre de Tess, la prometida de Dick. En una situación de
extrema placidez familiar se instaura el asesinato que garantiza una continuidad
narrativa, una intriga a la que se aferre el lector.
Otra imposición del formato del cómic sobre la poética narrativa de
Dick Tracy se observa en las páginas dominicales. Hasta el 29 de mayo estas
páginas dominicales, que se imprimían a color, no se integraron en la continuidad
de las tiras diarias. Poseían una autonomía narrativa que les obligaba a ser autoconclusivas,
es decir, a desarrollar una historia en los límites férreos de una sola
página. No era una tarea fácil y en páginas como las del 11 de octubre de 1931 se
acude al gag como elemento estructurante. Uno de los ayudantes de Dick olvida
su pistola al inicio de la página; también el criminal Big Boy olvida en su huida
que el ascensor no estaba en el piso y acaba cayendo por el hueco que dejaba. Las
palabras finales de Dick Tracy no dejan lugar a dudas sobre el carácter humorístico
de los hechos: “Pat. He aquí un tipo que tiene tan mala memoria como tú”.
Lo que cabe concluir es que, debido a esas restricciones que impone el formato
del cómic, lo detectivesco ha de acomodar una nueva poética narrativa que no
existía en el género literario. La compresión en tiras diarias obligaba a continuos
momentos climáticos que no serían sostenibles de verse publicadas todas de forma
seguida; las páginas dominicales tenían que echar mano de resortes ajenos a
lo estrictamente policiaco como el gag humorístico que, si atendemos a la propia
tradición del cómic, no desentonaban en ese nuevo medio.

LA LLEGADA DEL COMIC-BOOK
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Cuando los cómics fueron saliendo del orbe de la prensa tuvieron que
buscar un formato propio. Si en la tradición franco-belga el formato ideado fue
el del álbum, en la tradición norteamericana éste fue el comic book. Como consecuencia
de plegar las páginas dominicales dos veces se dio con la posibilidad de
publicar unos cuadernillos en color que había que llenar con historias recopiladas
de la prensa pero pronto creadas especialmente para ese nuevo formato. La consolidación
de ese formato coincide también con la creación del género surgido
dentro del lenguaje del cómic como es el del superhéroe. Dentro de este formato
lo criminal posee una gran importancia. La publicación en marzo de 1937 del
primer número de Detective Comics supone la entrada de lo policiaco dentro del
formato del comic-book. En ese primer número llama la atención la diversidad y
dispersión de modelos narrativos y gráficos. Esa variedad impide hablar de una
consolidación del género negro dentro del cómic. No sólo se observa en el nivel
temático sino también en la creación gráfica del detective que muestra un gran
inventario de posibilidades. Desde la estética más cercana al cartoon humorístico
que deforma esa representación gráfica de series como “Gumshoe Gus” o
“Eagle-Eyed Jake” hasta formulaciones más cercanas, al menos en su realización
gráfica, al hard-boiled como “The Claws of the Red Dragon” pasando por las
inmersiones en el western, como las de “Buck Marshall”, o la historia de espías
como la de “Bart Reagan Spy”, realizada por los creadores de Superman –Siegel
y Shuster-, muestran una versatilidad que afecta incluso a las localizaciones de la
trama, como bien muestra la historia de “Bret Lawton” que se ubica en las selvas
del Perú.
Lo que resulta de interés dentro de esta dinámica es el hecho de que
precisamente un superhéroe como Batman surja en el seno de este comic book.
Lo hace en el número 27 de Detective Comics que se publica en mayo de 1939.
Al margen del hecho de que la andadura de Batman esté rodeada de historias de
crímenes y detectives, la propia historia se construye sobre un bastidor que remite
indefectiblemente a los modelos narrativos de la ficción criminal. Incluso el hecho
de que Bruce Wayne visite la escena de un asesinato junto con el comisario
Gordon, además de su aspecto visual, que no dista tanto del de un ayudante del
comisario, sitúa el nacimiento del género de los superhéroes en un terreno que
colinda con el de la narrativa policiaca 3 . Lo que sucede es que Bruce Wayne no
3Dick Tracy
fue el Dick Tracy
número 52 de Detective ComicsThe Maltese Falcon
251

252 Novela gráfica y novela negra
será ya un detective deductivo e intelectual sino que se convertirá en un hombre
de acción transformado en Batman que acabará derrotando a los delincuentes.
No surge todavía en estos primeros compases la figura del supervillano que sin
duda acabará por arrastrar al género de superhéroes hacia una identidad propia
que lo desmarque de esas contaminaciones genéricas iniciales que poseía. Hasta
entonces el género del superhéroe puede entenderse como una evolución de lo
detectivesco. Incluso esta influencia de lo policiaco puede verse en la obra Watchmen
de Alan Moore y Dave Gibbons, cuyo arranque pone sobre la mesa un
asesinato y la indagación por parte de unos de esos vengadores venidos a menos
de quién pudo ser el asesino. Este personaje, Roschach, no deja de poseer un aspecto
gráfico –sombrero de ala flexible y gabardina- que recuerda la iconografía
del detective de la novela negra. Su actitud marginal, los escenarios nocturnos, el
mundo en descomposición ayudan a ver en estos inicios una obra de referencia
dentro del género de los superhéroes y dentro del campo de la novela gráfica la
huella de la tradición del género negro.
Otros cómics books profundizaron en esta línea de la ficción criminal
como son Crime Does Not Pay, que se comienza a publicar en 1942, o Crime
Suspenstories (1950). Ambos desaparecieron en 1955 tras la aparición del libro
de Frederik Wertham, Seduction of the Innocent, en el que alertaba de los peligros
que suponía la lectura de cómics para los jóvenes 4 . En ambas publicaciones
se mostraba el lado oscuro del hombre y una violencia sin tapujos que tenía un
fuerte impacto visual que se acumulaba en las portadas 5 . Ya no importa tanto la
4
tagonist
through ten pages of mayhem and murder, only to see it all end in self-destruction on the last page –and
estas obras explica, quizás, el auge de sus ventas. En 1942 Crime Does Not Pay vendía unas 200.000 copias. Seis
5
Chicago Daily News

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figura detectivesca como la psicología criminal. Parece que también en el terreno
del cómic, al igual que en el terreno literario, se está variando el punto de mira.
Baste recordar cómo en una novela como Extraños en un tren de Patricia Highsmith,
de 1950, importa más el proceso que lleva a alguien a cometer un asesinato
que la indagación por parte de un detective de quién pudo haber cometido ese
crimen. Si sólo hacemos una pequeña cala que muestre las novedades dentro de
la poética narrativa se pueden atisbar algunos logros. Si examinamos las historias
incluidas en el número 13 de Crime Suspenstories, publicado en noviembre de
1952, puede deducirse un denominador común en la presentación narrativa de
cada una de ellas. La primera imagen marca visualmente el relato mostrando una
escena con un cadáver. El asesinato acaba de cometerse. Así sucede en “Hear no
Evil”(Jhonny Criag y Jack Kamen), “First Impulse” (Sid Chick) y “A Question of
Time” (Al Williamson). La continuación de la historia no será otra que explicar
qué motivos llevaron a cometer ese crimen. No se trata tanto de plantear un enigma
como de estudiar la psicología de personajes sometidos a situaciones límite
que les lleva a cometer un crimen. Cabe preguntarse si existe una confluencia en
los modos narrativos, al menos en su inicio, de todos estos autores o si existía una
suerte de imposición editorial en el estilo de historias que se publicaban. A la
hora de reproducir el interior de los personajes, los autores debían marcar gráficamente
las narraciones de éstos en los que aclaraban algo sobre el porqué de su
acción. Surgen así las líneas onduladas que deslindan temporalmente la situación
presente de la cronología del pasado que ahora refiere a modo de confesión ante
un policía o detective. Éste es el caso de “Hear No Evil”. Por otro lado también
ofrece cierto interés la propuesta narrativa de Sid Chick que ofrece una doble versión
de unos hechos: la primera en la que una amante impulsiva se cree engañada
por su amado y acaba por matarlo junto con quien se suponía que era su mejor
amiga. Todo es fruto de un malentendido y de un carácter que tiende al desequilibrio.
Esto se narra en “First Impulse” pero existe una nueva posibilidad en la que
la protagonista no cede a ese impulso de celos desmedidos, aunque finalmente
resulta engañada por su amado y su amiga que se fugan juntos dejándola sola y
triste. En todo caso estas propuestas narrativas ofrecen un énfasis visual en la
violencia y asesinato pero también indagan en nuevas propuestas narrativas que,
dentro del terreno del comic book y la cultura de masas, acaben por hacer progresar
los instrumentos expresivos de la narración gráfica al tiempo que ofrecen al
lector algo con lo que deleitarse.
mayor autocensura dentro de la industria. La primera de las indicaciones del Comic Code de 1954 es bien elocuente:
indirecta del enorme atractivo que planteó este tipo de cómics.
253

254 Novela gráfica y novela negra
LA NOVELA GRÁFICA
Otro de los formatos del cómic es el denominado “novela gráfica”. Al
margen de las distintas visiones y la polémica que pueda generarse en torno al
término, lo cierto es que la novela gráfica ha permitido al cómic ocupar una posición
dentro del sistema cultural que antes no tenía, permitiéndole acceder a
circuitos de distribución y llegar a un público distinto y más amplio de lo que
acostumbraba 6 . Se han roturado campos temáticos inexplorados para el cómic, lo
que ha ocasionado la búsqueda de nuevas posibilidades expresivas. Este formato,
además, ha otorgado al creador una libertad narrativa desconocida al no tener que
adaptar su relato a los formatos creados de antemano por la industria editorial.
El formato no condiciona la historia sino que sucede, quizás por primera vez, lo
contrario: la historia condiciona el formato. El número y tamaño de páginas no
son una cárcel formal en la que desarrollar la historia sino que será ésta la que irá
forjando el molde que le venga más útil para sus propósitos narrativos.
Dentro de los precedentes de la creación de la novela gráfica suelen situarse
algunas obras que se adscriben al género negro. En concreto está la titulada
It Rhymes With Lust publicada en 1950 y cuyos autores eran Drake Waller junto
con los dibujantes Matt Baker y Ray Orsin. En su portada ofrecen elementos que
buscan una distancia con el mundo del comic book. Expresiones como “picture
novels” o “An original Full-length novel” dan buena muestra de que se busca
un puente entre el lenguaje del cómic y el formato editorial y narrativo de las
novelas. Por esta razón, el tamaño se ajusta a los cánones del libro y se aparta del
aspecto formal del comic book. Esa reducción de tamaño de página exige una
composición de página un tanto diferente de la acostumbrada hasta entonces.
Cada página posee entre tres y cuatro viñetas y regularmente se deja una página
viñeta que remarca narrativamente ciertos momentos. No sólo el relato debe
ajustar su distribución visual de la página al nuevo tamaño, sino que también
desarrolla una profunda discursividad narrativa que tiene su expresión formal en
la profusión textual de los globos en los que se muestra el diálogo de los personajes
y en los abundantes cartuchos que enmarcan textos de apoyo que aclaran y
complementan narrativamente las imágenes. Parece como si la disminución del
número de imágenes por página exigiera un contrabalanceo en la textualidad del
6
presentan ideas diferentes. Frente a los recelos que despierta en Spiegelman, otros, como Eddie Campbell (Deppey

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relato que adquiere una gran importancia. Las 125 páginas que ocupa el relato
siguen una estructuración típicamente novelística al dividirse en 6 capítulos que
poseen todos ellos –a excepción del primero- un título propio; cada uno de estos
capítulos ocupa alrededor de unas 20-25 páginas lo que va creando un esqueleto
narrativo perfectamente milimetrado. La pauta no la marcan aquí las necesidades
editoriales como en las tiras diarias de la prensa o el comic book sino que es la
propia lógica narrativa emanada de la historia la que va dosificando el argumento
y modelando la lectura con la aparición titulada de esos capítulos. Lo que ofrece
de interés esta obra es que ajusta el cauce de representación a un estándar típico
de otros discursos. El cómic se apropia del formato libro para desarrollar su historia.
Inevitablemente, podría pensarse en una estrategia editorial pensada para
llegar a un público más amplio pero al margen de lo coyuntural que pueda parecer
esta propuesta, lo cierto es que ese lavado de cara formal repercute de manera
relevante dentro de la mecánica narrativa del cómic.
Otro paso dentro de este afán experimental del cómic, ligado estrechamente
al género negro, es la obra de Jim Steranko, Chandler. Red Tide. Se publica
en 1976 dentro de la colección “Ficcion Illustrated” de la editorial Pyramid
Books. Esta obra supone un profundo homenaje a la tradición del género negro
y se presenta a sí misma como una novela 7 : “A Visual Novel” aparece en la portada.
En la primera página también figura: “An illustrated novel Chandler… a
tough, new detective in a new kind of mystery thriller that explodes with the fury
of a lightning bolt”. En la portada, además, las primeras palabras incidían en el
aspecto genérico: “A hard-boild detective thriller by Steranko in the tradition of
Chinatown and Maltese Falcon”. Con estas credenciales, la obra de Steranko
centra su campo de actuación en el género (novela negra) y en la novedad del lenguaje
utilizado: ficción ilustrada, novela ilustrada, novela visual, etc. En cuanto
a su adscripción genérica no sólo debe pensarse en términos literarios. El género
negro había dejado de ser muy pronto una forma literaria para convertirse en
un productivo género cinematográfico. Así lo reconoce el editor en su prólogo
donde alude a la evocación de los “film noires” de los 40. Esa doble vinculación
genérica (literario-textual e icónico-cinematográfica) ayuda a entender la
escisión de lenguajes que tiene lugar en el seno de esta obra singular. Por un
lado, nos encontramos con una narración que sigue el estilo cortante y visual
tipificado por los clásicos de la novela negra que se encauza textualmente con
cierta independencia sobre las imágenes. Podría hablarse de una pequeña novela
negra que, temáticamente, supone un homenaje, un pastiche de citas y referencias
7
255

256 Novela gráfica y novela negra
de los grandes clásicos del género. Además, sobre esta novela se instala todo un
lenguaje visual que la dota de profunda personalidad formal. Cada página se
compone normalmente de dos columnas textuales de 13 líneas y dos viñetas que
las preceden, en las que no existe diálogo alguno, que sirven como suplemento
visual a la narración. Ese doble esquema constructivo dista de ser sólo una mera
curiosidad formal para constituir una tensión entre imagen y palabra. En primer
lugar, debe existir una sincronización entre lo narrado en el texto y lo mostrado
por las imágenes. También es obvio que esta dualidad presenta una asimetría
innata. Cada imagen refiere parte del texto que acompaña pero no su totalidad
porque la narración fluye en el tiempo y la imagen congela ese momento para
fijar la mirada en un aspecto determinado. Por otro lado, la imagen no sólo muestra
un déficit, en cuanto que le es inviable reproducir todo el contenido narrativo,
sino que también genera un superávit visual modelando ambientalmente una
narración, concretando el aspecto de los personajes y fijándolos en la memoria
del lector. Todavía resulta más claro esto en ciertas composiciones de página que
remiten más a la poética híbrida del cómic que a la estrictamente narrativa de la
novela. Me refiero a aquellas secuencias narrativas que necesitan una doble página
para comprenderse en su totalidad. Sucede esto en las páginas 40-41 [Figura
1] en las que las cuatro viñetas en realidad fragmentan una única imagen. No
poseen autonomía sino que forman parte de una imagen más amplia que necesita
de esa doble página para ser comprensible. Esas cuatro viñetas ofrecen una
descripción del apartamento de Ann, antiguo amor del detective protagonista que
se ve involucrada en el asesinato que investiga Chandler. Al menos esta técnica
vuelve a utilizarse en las páginas 52-53, 90-91 y 116-117, lo que muestra que no
es algo anecdótico sino un ensayo formal plenamente consciente. Este detalle posee
repercusiones notables dentro de la poética narrativa de la obra de Steranko.
Una de ellas es la disparidad de tempos narrativos y temporalidades referidas que
ofrecen los dos códigos utilizados. Mientras que las viñetas generan un remanso
y se demoran en una descripción más detallista del escenario, la narración textual
amplía su temporalidad. En las páginas 40-41 la imagen reproduce un espacio
situado en un tiempo presente. Eso mismo sucede también en el texto pero la
descripción de ese espacio apenas ocupa 6 líneas de una columna. Las imágenes
liberan al texto de esa función descriptiva y le permiten al protagonista poner
en antecedentes al lector sobre quién es Ann y en qué momento se conocieron.
Existe una rememoración (una analepsis temporal) que es imposible de mostrar
a través de la imagen que la acompaña pero que ésta, en cierta manera, permite
al ofrecer un espacio de demora a la narración. Mientras el texto zigzaguea entre
presente y pasado, la imagen persiste tozudamente en el presente. De alguna manera
ese acompañamiento de la imagen al texto no es algo superfluo sino que de

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la interacción entre ambos surge una propuesta narrativa novedosa en lo formal
y deliberadamente clásica en sus referentes temáticos, al concebirse como un
homenaje a los grandes del género negro. Esta muestra narrativa articulada sobre
el concepto de la doble página es algo ajeno al mundo de la novela y propio del
lenguaje del cómic.
Sin embargo, de los cuatro momentos en los que se utiliza esta técnica
podría decirse que existen dos modos narrativos: uno que tiene que ver más con
la necesidad ambiental de crear amplios escenarios en los que situar la narración,
(el apartamento de Ann, la visita del Chandler al club Neptune) y otro que busca
más bien incidir en un momento de máxima tensión: esto sucede cuando la policía
encuentra a Chandler en la escena de un asesinato del que parece culpable
y también cuando Chandler descubre que Bramson Todd era un asesino a sueldo
que trabajaba para su antiguo amor: Ann. Esta doble funcionalidad de estas
secuencias a doble página quizás pueda explicarse en función de su ubicación
narrativa. Las dos primeras, más descriptivas, están situadas en un momento de
presentación del relato e inicio de la indagación detectivesca. Las otras dos restantes,
enmarcadas en la parte final cuando la resolución está próxima, generan
esa tensión narrativa y, en consecuencia, desarrollan esa función climática. Visto
así, no dejan de ofrecer un profundo equilibrio y simetría narrativa que descartaría
ya de por sí la mera función ornamental de la imagen como algo supeditado a
la narración, como un lujo superfluo 8 .
En 1994 se publica otra obra que supone un hito dentro de la historia
del cómic y que también puede verse asociada en cierta manera al género negro.
Me refiero a la “adaptación” que realizan Paul Karasik, como guionista, y David
Mazzuchelli, como dibujante, de una de las primeras novelas de Paul Auster,
Ciudad de Cristal. A diferencia de los casos anteriores, en los que el género negro
funcionaba como esquema abstracto recibido, en este caso los creadores se
enfrentan con una obra concreta que deben traducir a un lenguaje para el que no
estaba pensada. También esta obra se inscribe de un modo diferente dentro de
8
Chandler´s theme
-
lógica articula estas secuencias narrativo-visuales en lo concerniente a los grupos de cuatro viñetas y sus posibles
realizaciones. En este sentido, al huir de apriorismos, sería más rico el análisis de la relación entre texto e imagen.
257

258 Novela gráfica y novela negra
la tradición del cómic. It Rhymes with Lust o Chandler suponían, cada uno a su
manera, formas de acercamiento entre el género literario y el lenguaje del cómic.
De ese diálogo surgía un mutuo enriquecimiento ya que lo literario obligaba al
cómic a moldes editoriales diferentes y lo visual narrativo instauraba también
nuevos ritmos narrativos a la par que buscaba un tipo de lector nuevo que sepa
leer y mirar. Ciudad de cristal se publica ya cuando Eisner había dado forma ya
a la novela gráfica como un programa creativo determinado asociado a una temática
nueva y con una propuesta editorial diferente. Pero también Art Spiegelman,
quien impulsó sobremanera esta adaptación, había situado al cómic en un lugar
central dentro del entramado cultural con su Maus, premio Pulitzer en 1992 9 . El
horizonte de expectativas de los creadores y del público no era el mismo ya que
contaban con precedentes que habían legitimado un lenguaje y un formato.
Llama la atención, entre otras muchas cosas, el desarrollo de un carácter
orgánico para una narración de cierta extensión. Si se comparan el inicio y el
final de la historia se pueden apreciar ciertos paralelismos. La página que abre la
historia está completamente en negro de manera similar a las páginas que la cierran.
Estas últimas muestran una descomposición del lenguaje gráfico-narrativo
hasta la consecución de un nihilismo formal que se concreta en páginas escritas
y dispersas sobre un fondo negro. Se crea, así, un marco en el que la nada acecha
tanto el comienzo de la historia como el final. Ese final supone una traducción al
lenguaje gráfico de ese desvanecimiento de la identidad del protagonista Daniel
Quinn así como de la desmembración del mundo que vive y la narración que lo
refiere. Sin embargo, los autores de la novela gráfica no sólo han buscado soluciones
eficaces para trasladar el texto literario, sino que han sabido buscar nuevas
simetrías que pertenecen a su propio quehacer artístico 10 .
En ese énfasis en el carácter orgánico de la narración gráfica y la búsqueda
de ciertas simetrías que se originan en el cómic cabe señalar el motivo
recurrente de la cara de un niño esbozada con los trazos espontáneos de lo que
parece un dibujo infantil. La aparición intermitente de esa viñeta posee un hondo
calado simbólico y emocional. Se conforma como un leit-motiv que actúa de forma
recurrente en alusión directa a uno de los elementos centrales en la narración:
el hecho de que el protagonista ha perdido en un accidente a su mujer e hijo. Esa
9
10

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viñeta con la cara infantil posee en cierto modo una doble esencia en su primera
aparición (p. 19): actúa como un retrato de la figura de su hijo y posee una función
referencial directa, por un lado, y, por otro, funciona como una metonimia al
ser interpretado como un dibujo realizado por su hijo. En este caso su referencia
es indirecta y despliega un potencial simbólico que se intercala en la narración al
margen de la lógica argumental. Con todo, no agota aquí su valor simbólico sino
que en las posteriores apariciones amplía su abanico semántico. En la página 44-
45 [Figura 2] se observa una nueva adquisición simbólica que va enriqueciendo el
contenido de la imagen representada. En este caso la gramática gráfico-narrativa
urde un haz de relaciones de extremada densidad en el que conviene detenerse un
momento. Tras enterarse Quinn de lo que había hecho Peter Stillman con su hijo
-aislarlo del mundo para estudiar la posibilidad de un lenguaje original que fuera
el lenguaje de la divinidad- comienza a pensar en los relatos de niños abandonados
a lo largo de la historia que le acabarán recordando, como no podía ser de
otra manera, la muerte de su propio hijo. Se genera así un periplo por el cual su
pensamiento establece conexiones entre el trato al que sometió Peter Stillman a
su hijo, las historias de niños salvajes y la desaparición de su propio hijo. Salvar a
Peter Stillman hijo de las atrocidades y venganza de su padre le supone una oportunidad
de salvar vicariamente y de forma también simbólica a su propio hijo.
Conviene ahora examinar cómo se articula gráficamente todo este proceso. En
esas dos páginas se crea lo que en términos cinematográficos podría denominarse
montaje alterno. Por un lado, se representa el deambular de Quinn por las calles
de la ciudad y, por otro y a modo de contrapunto, aparecen sucesivos retratos que
van desde el retrato de Peter Stillman hijo, pasando por la representación de niños
salvajes abandonados para recalar de nuevo en la figura de Peter Stillman hijo a
la que sigue sin solución de continuidad lo que parece una foto del hijo del protagonista
y el dibujo de la cara infantil ya utilizada anteriormente. Se generan así
una duplicidad de modos de representación: uno objetivo-narrativo que muestra
a Quinn en las calles centrado en una temporalidad concreta y otro subjetivosimbólico
por el que se recuperan las asociaciones mentales de personajes que
desdibujan sus referencias temporales y acuden no a una lógica narrativa sino
a una conexión de índole emocional. La síntesis de ese código icónico-realista
y simbólico-emocional está perfectamente calculada en la página 45 donde se
ofrece una transición que permita llegar a un punto de encuentro. Dentro del
código icónico-realista que ofrece el paseo por las calles de Quinn se resalta en
primerísimo plano un semáforo. Algo tomado de esa realidad externa adquiere
progresivamente un valor simbólico emocional cuando acompañando al semáforo
aparecen las palabras: “Quinn quería estar allí para impedírselo”. El semáforo,
señal que detiene a la circulación se convierte ahora en un objeto investido de
259

260 Novela gráfica y novela negra
valores simbólicos. Además, existe una cierta homología icónica entre la cara de
los niños salvajes y las formas de las luces del semáforo que, desde un aspecto
visual, intentan fundir lo objetivo y lo subjetivo, lo narrativo y lo emocional. Ese
punto culminante de fusión de códigos y realidades lo constituirá la viñeta con el
dibujo de la cara infantil que ahora aglutina esa síntesis de identidades (Stillman
hijo, niños salvajes y, también, hijo del protagonista) y de realidades (externo
narrativa e interno afectiva). La imagen simbólica va creciendo en su capacidad
designativa como se verá en los usos posteriores. Más tarde, cuando Quinn acuda
a la estación a la que habrá de llegar Stillman padre tras su larga estancia en la
cárcel, mira un retrato de éste para poder identificarlo. A continuación se sitúa
otra vez la imagen del esbozo de la cara infantil ofreciendo otro perfil semántico
para la imagen que la lleva a identificar esta vez a Stillman padre. Este cambio
en la identificación, que ya no lleva a asociar la imagen con la víctima sino con
el agresor, conlleva un cambio en el gesto que muestra. No se trata de una cara
plácida sino de un rostro con el ceño fruncido, lo que da buena cuenta de cómo
el referente de la imagen influye en la configuración de ésta. Todavía aparece
en una ocasión más: al final de la novela, cuando Paul Auster avisa a Quinn de
que Stillman padre se ha suicidado arrojándose desde el puente de Brooklyn. El
mundo que intenta comprender Quinn se desmorona, es un absurdo y en esa revelación
reaparece otra vez la cara del niño que más bien apunta ahora al propio
protagonista como referente. De todo ello se puede concluir que la aparición de
esta imagen no es algo anecdótico sino perfectamente calculado que sirve para articular
y hacer confluir los dos grandes códigos expresivos que nutren esta novela
gráfica. Esa recurrencia insiste en la capacidad orgánica necesaria en toda narración
y que precisamente la novela gráfica, en cuanto que posibilidad expresiva
dentro del cómic, se esfuerza por incorporar. No vale con ampliar una narración,
es necesario buscar los puntos de apoyo que insistan en esa unidad. De otro lado,
la repetición de esa imagen sirve como estrategia perfecta para ir saturándola de
posibilidades significativas en un alarde técnico y en perfecta consonancia con el
espíritu constructivo de la novela original de Auster, que prescinde de la estabilidad
semántica de los signos dibujando una novela sin centro o cuyo centro, como
la capacidad de designación de esas imágenes, es móvil y escurridizo.
De igual manera se puede apreciar la función estructurante y simbolizadora
que conlleva la recurrencia de otro motivo temático-visual como es la
repetición del “laberinto”. En la página 16 [Figura 3], nada más recibir la llamada
inicial en mitad de la noche que desencadenará toda la peripecia narrativa,
se observa cómo, mientras Quinn acude a contestar al teléfono, el grafismo
desarrolla una propuesta narrativa de gran interés. En la mencionada página se

Jose Manuel Trabado Cabado
observa cómo el paisaje urbano que se puede ver desde la ventana de Quinn
se descompone a través de una simplificación esquematizadora del dibujo para
derivar en la construcción visual de un laberinto; ese laberinto también sufrirá
un proceso de metamorfosis visual que, adoptando la forma de un zoom que
se aleja, convierte el laberinto en una huella que se encuentra en el cristal de la
venta de Quinn. En ese breve viaje nos vemos trasladados de un nivel realista a
un terreno simbólico para regresar otra vez a la realidad. El desmontaje visual de
la realidad consigue imágenes simbólicas que, desmontadas a su vez, nos devuelven
a la realidad. Ese laberinto representa también la ciudad, una ciudad que se
recorre como un vagabundo, sin motivo aparente, porque Quinn quería huir de sí
mismo. De algún modo se trata de convertir la ciudad en un “no-lugar”: “Todos
los lugares se volvían iguales y, en sus mejores paseos, era capaz de sentir que
no estaba en ningún sitio. Era todo cuanto pedía” (p. 16). El laberinto, pensado
como símbolo en el que cristalizar la búsqueda de uno mismo, también puede ser
referido como espacio para la destrucción, la pérdida de esa identidad. Curiosamente
la asociación ciudad-laberinto-huella digital busca desde una secuencia
visual de imágenes ahondar en esas asociaciones conceptuales que, en el plano
gráfico, hacen emerger lo que podría denominarse una serie de metáforas visuales
que sirven para conectar dos realidades muy dispares. A diferencia de las metáforas
puramente textuales, la secuencialidad del cómic permite no sólo mostrar
un puente conceptual o emocional entre dos realidades sino ofrecer también el
proceso de cómo se construye paulatinamente esa conexión. Ello redunda en una
mayor legibilidad y una comprensión más fácil, pues lo abrupto de la metáfora se
diluye en pos de una narración del proceso metamórfico.
Este proceso vuelve a recuperarse en las páginas 96-97, momento en el
que Quinn advierte a Virginia, su clienta, que ha perdido la pista de Peter Stillman
padre. De la huella del cristal de Quinn se pasa de nuevo a un laberinto que
conduce a un pasillo sin salida. Los procedimientos visuales son prácticamente
idénticos pero el valor semántico varía con respecto a la primera aparición ya que
se inscribe en un momento narrativo diferente. Esa pérdida de la pista anticipa
lo que será la resolución narrativa. Se inicia el desvanecimiento del mundo conocido
para Quinn. El sentido de las cosas también acabará por irse dispersando.
La fórmula de lo detectivesco salta por los aires desde el momento en que el
detective se ve destruido en su poder comprensivo de las cosas, las palabras y
la realidad. No sabe cómo es el mundo y comienza, entonces, su desorientación.
Ese arranque, en el aspecto gráfico, de la huella digital para llegar hasta
un laberinto sin salida de alguna forma alude a esa pérdida de identidad (huella
digital) de personaje que juega de detective pero que será incapaz de comprender
261

262 Novela gráfica y novela negra
el mundo y la trama policiaca en la que se ve inmerso (laberinto sin orden, sin
sentido y sin salida). Todo derivará en un absurdo y el protagonista se ve atrapado
en una cárcel de signos sin sentido. Así lo muestra el candado que cierra el final
del laberinto. Se refleja, pues, también desde el código visual la disolución de la
identidad pero también el desvanecimiento de las convenciones genéricas y de las
estructuras narrativas de la novela detectivesca.
Ese laberinto conformado a modo de cárcel permite, por su parte, establecer
una serie de conexiones con otro motivo recurrente dentro de la narración.
Precisamente cuando Quinn trata de reconstruir mentalmente cómo obra Peter
Stillman padre con su hijo cae en la cuenta del valor simbólico del año 1960
en que éste encerró a su vástago. Precisamente la página la cierra una imagen
que funciona como un icono simbólico: una reja. Esa misma imagen ya había
sido utilizada anteriormente con el mismo significado en la página 39 [Figura 4].
Sin embargo, puede irse un poco más lejos en el rendimiento simbólico de esta
imagen. Al final del parlamento en el que Stillman hijo explica en un lenguaje
descoyuntado, lo que su padre hizo con él, existe una imagen muy relevante para
este aspecto que ocupa toda la página. Se trata de unos barrotes y una cerradura
que muestran la puerta de una cárcel cerrada. Con ello se añade un dato de especial
importancia. Existe una traducción simbólica de la estructura narrativa del
cómic. Existe en toda la narración una tendencia a valerse de una planificación
narrativo-visual de la página basada en una retícula de nueve viñetas (3x3). Esa
misma distribución visual de las viñetas es la que se convierte en esa página en un
icono simbólico de la cárcel en la que viven los personajes. Cada personaje vive
en varias cárceles: Stillman hijo vivió en el encierro que su padre planeó para él;
Quinn acabará en otra cárcel, ésta de orden narrativo, que acabará por destruirlo.
Ambos, además, comparten una segunda cárcel: la de pertenecer a un universo
ficticio en la que cada página es una celda que habitan: la relación entre la estructura
narrativo-visual de la página y las rejas, que se realiza de forma explícita, así
nos da pie a pensarlo. No extraña, en consecuencia, que Quinn se muestre en la
página 49 [Figura 4] escribiendo una serie de hipótesis acerca de su investigación
a modo de diario pero lo haga en una página en la que sobre la imagen general
del protagonista en su laberinto de escritos se sobrepone una rejilla de viñetas (estructura
narrativa del cómic) que desarrollan, además, un valor simbólico (cárcel)
que se relacionará, además, con otras redes simbólicas inscritas en la médula del
texto como es el motivo del laberinto.
En el caso de Ciudad de Cristal, Karasik y Mazzucchelli consiguen que
el formato de la novela gráfica enriquezca sustancialmente lo planteado por Aus-

Jose Manuel Trabado Cabado
ter desde la perspectiva de la novela detectivesca metafísica o postmoderna. No
se podría hablar en puridad de una “simple adaptación” sino que más bien se trata
de un diálogo desde los dominios del cómic con los de la novela literaria. Aun
teniendo la novela de Auster ciertos aspectos visuales, no son éstos los más importantes
ni los habituales del género negro clásico. La abstracción y el profundo
substrato teórico sobre temas como el lenguaje, la narración, la identidad, no permitían
un fácil trasvase de lo textual a lo narrativo-visual. Este condicionamiento,
que a priori podría ser un obstáculo, ha sido resuelto con brillantez por Karasik y
Mazzucchelli creando junto con un registro icónico-realista otro de índole simbólico-emocional
en el que el lenguaje del cómic podía actuar como un suplemento
enriquecedor con respecto a lo narrado por Auster. No sólo se conformaron con
esto sino que, además, establecieron una gramática narrativa propia que les llevó
a crear simetrías, relaciones entre símbolos narrativo-visuales, recurrencias
que proponían no sólo una narración más amplia sino profundamente orgánica
y coherente que daba muestras de la madurez de lo denominado como “novela
gráfica”. Ciertamente, existe un trabajo de depuración textual con respecto al
original de Auster. Había que pensar en términos gráfico-narrativos para conformar
el guión. Esa síntesis tiene momentos espléndidos como la página en la que
Quinn camina sobre el mapa de Nueva York para traducir todo ese deambular que
ocupa páginas en la novela de Auster. Sobre ese bastidor narrativo, construyeron
un edificio propio que abría muchas posibilidades para un lenguaje como el del
cómic, que se atrevía con descaro a hablarle a la cara a géneros y formas artísticas
perfectamente consolidados.
LA NOVELA GRÁFICA Y LA DESOLACIÓN DEL DETECTIVE
Otro caso más reciente dentro del campo de la novela gráfica que se puede
adscribir al género negro es la obra de Hannah Berry, Britten and Brülightly.
Si bien es cierto que en alguno de los casos anteriores como It Rhymes with Lust
o Chandler había experimentos formales que afectaban tanto al aspecto editorial
como a la concepción gráfica, no deja de ser menos cierto que en el aspecto que
atañe a las particularidades del género narrativo se movían más bien en terreno
del homenaje. En esto se distancia la poética de Hannah Berry, ya que su propuesta
no trata de ser una remodelación del lenguaje de la narración gráfica con
aspiraciones a acercarla al terreno de la novela literaria sino que tiene que ver más
con el desmontaje de los engranajes narrativos del propio género literario. No hay
esa ansiedad por “parecerse a” entre otras cosas porque el lenguaje del cómic comienza
a ocupar un lugar más relevante dentro de los lenguajes artísticos. No hay
una voluntad deliberada de reivindicación sino de puesta en marcha de un progra-
263

264 Novela gráfica y novela negra
ma narrativo propio. Inscrita como está en el molde de novela negra se desliza
en la obra toda una atmósfera depresiva que acabará derivando en un desaliento
del protagonista para llegar, finalmente, a su propia aniquilación. Las situaciones
inicial y final poseen también una poderosa simetría narrativa y visual. Britten,
el detective protagonista, se encuentra en el inicio tirado sobre la cama. El texto
habla del carácter absurdo de una sucesión de días sin sentido. “As It did every
morning with spitefull inevitability the sun rose”. En la segunda página continúa:
“The view from the window changed so rarely that I didn´t bother to look at it
any more”. El rescate de lo cotidiano dentro de la narración detectivesca no
busca ya una verosimilitud que le faltaba a la narración clásica policiaca. En todo
caso, esa monotonía absurda de los días repetidos vacía de sentido el quehacer
del protagonista. Los ambientes lluviosos y el escenario urbano van más allá de
la recuperación de una iconografía del género negro para construir un escenario
en el que situar la desolación, la soledad e incomunicación del protagonista. En
este sentido, cabe situar la narración bajo una doble posibilidad interpretativa. De
un lado, la novela detectivesca postmoderna o metafísica, del tipo de Beckett,
Borges, Auster o incluso el propio Umberto Eco, habían dinamitado la inteligencia
razonadora del detective no tanto diluyendo su capacidad intelectual como
volviendo más complejo un mundo que se torna incomprensible, en el que no
existe lógica alguna y todo pasa a ser gobernado por el azar (Trabado Cabado
2010). Ese desmoronamiento del mundo y del raciocinio detectivesco puede establecer
ciertas afinidades con lo visto en esta obra. De otro lado, el desarrollo
de la novela gráfica en cuanto que posibilidad expresiva ha sembrado en el cómic
una toma de conciencia exacerbada de la soledad (Trabado Cabado 2006).
Ahí están obras como las de Seth o Chris Ware que ahondan en esa línea y para
ello adecúan un ritmo narrativo basado en la morosidad, utilizan espacios vacíos
como indicadores topográficos de ciertos estados de ánimo. Ese aislamiento intimista
de la novela gráfica que diluye la acción en pos de situaciones con las
que golpear la retina y la fibra emocional del lector dejando un poso de tristeza
quizás ayuden también a entender esa inoperancia del detective en el comienzo
de la narración. Sin embargo, de ese marasmo saldrá el protagonista al recibir el
encargo de investigar la muerte: la del prometido de Charlotte Maughton que, a
pocos días de su boda y teniéndolo todo para ser feliz, aparece ahorcado. La policía
ve en ello un suicidio pero Charlotte se resiste a aceptar esa posibilidad. Para
ello, contrata los servicios del detective Britten. Aquí comienzan a funcionar los
engranajes típicos del género negro. Un detective bucea en la historia familiar y
en esa indagación salen a la luz algunos trapos sucios. Era lo normal cuando de lo
que se trata es de escrutar cada detalle con lupa. Existen escenas que funcionan
como indicadores genéricos y que esbozan una retórica visual tamizada por las

Jose Manuel Trabado Cabado
prácticas cinematográficas. Así por ejemplo la visita a la madre de Charlotte que
se encuentra en ese momento en el invernadero recuerda no poco la escena en la
que Philip Marlow visita al general Sternwood en The Big Sleep. No obstante,
partiendo de esos modelos reconocibles, existen variaciones que evolucionan lo
que se entiende por género negro llevándolo hasta un límite que amenaza con
destruirlo. Las hipótesis trazadas por el detective no serán más que una posible
interpretación de los hechos, interpretación que comunica a Charlotte insinuándole
la posibilidad de que fuese su propio padre el que mandase matar al prometido
de ésta. Sin embargo, averiguaciones posteriores demostrarán la falsedad
de tal explicación. El detective se muestra como alguien falible. Lo que parecía
una solución definitiva no es más que una versión que puede ser, y de hecho lo
es, equivocada. El momento de máxima tensión climática viene dictado por la
averiguación, casi como por casualidad, de lo que pudo haber ocurrido. Dar con
una foto en el hospital levanta una nueva sospecha que confirmará acudiendo
a los archivos de ese mismo hospital. En una doble página muda, Berry utiliza
un procedimiento narrativo muy eficaz. En la sección central de esa doble página
compuesta por dos grupos de seis viñetas que se leen conforme a las pautas
normales en la narración gráfica, existe una reconstrucción de los móviles que
llevaron finalmente al prometido de Charlotte a suicidarse. Son en realidad una
visualización de lo ocurrido pero, sobre todo, de lo que imagina el detective que
ocurrió y supone, desde un punto de vista narrativo, una condensación de toda la
trama: en apenas 16 viñetas [Figura 5] se agolpa, en apretado resumen, todo lo
acontecido. Junto con esta condensación narrativa que posee una gran amplitud
temporal, ya que abarca desde el nacimiento de Charlotte hasta la actualidad,
existe otra narración que se desarrolla en las columnas de los márgenes izquierdo
y derecho. Están situadas temporalmente en el presente inmediato y refieren la
premura con la que Britten sale corriendo del hospital para, tras darse cuenta de
lo sucedido, evitar otras muertes. Son también 16 viñetas de un tamaño menor a
las del cuerpo central y que han de leerse de arriba abajo constituyendo así otra
cadena narrativa que sucede simultáneamente al menos para los ojos del lector.
Se trata de un hallazgo narrativo de indudable valía y que sólo puede tomar forma
explotando las virtualidades expresivas de la narración gráfica.
Finalmente, Britten acabará evitando males mayores pero, tras conocer
la verdad, no será capaz de contársela a su clienta. En su lugar, coloca una versión
cierta a medias, pero edulcorada, que permita a Charlotte seguir viviendo
sin ahondar en la herida que le hubiera ocasionado saber que ella y su prometido
estaban en realidad ligados por un parentesco de primer grado, lo que hacía inviable
el matrimonio. Todo tenía que ver con un cambio de bebés en el hospital.
265

266 Novela gráfica y novela negra
La casualidad cruzó vidas de gente que no tendría que haberse conocido de esa
manera. Con ello Britten, conocido como el “rompecorazones” ya que con la
“verdad” de sus averiguaciones destruía la vida de sus clientes, renuncia a una
verdad más. Renunciar a esa verdad le lleva a destruir el fichero del caso y, luego,
todo su archivo, el trabajo de toda su vida. Es la renuncia de alguien que no
quiere ofrecer más “verdades”. Regresa entonces la decepción que había protagonizado
la historia en sus inicios. Sobre el fondo de la ciudad, otro plano cenital
de Britten tumbado sobre la cama. Los frascos de pastillas a su lado, la despedida
de su socio, indican la resolución final tomada. Sus últimas palabras actúan como
un aldabonazo ante las puertas de la nada: “The grand finale I naïvely waited for
never come, and the absolution I was so desesperate to find has eluded me to the
end. But at least I have saved one person from the truth”.
Otro rasgo no menos importante y que sirve como indicador de la disolución
del género narrativo es el hecho de que el “socio” que el detective Britten
posee –Brulightly-, cuyo nombre rescata el propio título de la novela gráfica, sea
nada más y nada menos que una bolsa de té con la que el protagonista establece
un diálogo. Si los detectives clásicos tenían un compañero de andanzas, incluso el
propio Eisner ofreció a su detective Spirit un compañero como Ebony para verbalizar
todo el pensamiento, podría pensarse que Berry se acoge a esa tradición. Sin
embargo, no parece esa la función principal; la novela negra se había valido perfectamente
del uso de la primera persona narrativa para acceder al pensamiento
del detective y el cine había consagrado la voz en off como un procedimiento que
servía para sacar al exterior los recovecos del personaje. De ambas estrategias se
vale la autora para abrirnos el interior del personaje. La presencia de esa bolsa de
té como socio viene a ser una prerrogativa asumible por la narración gráfica, pero
de difícil justificación literaria y cinematográfica: la idea de los “funnies” y del
“cartoon” actúa como una tradición inscrita en el ADN narrativo del cómic que
es desarrollado por esta novela gráfica insertando un punto de humor, un carácter
más práctico que contrasta con el abatimiento constante del protagonista. No obstante,
es posible ver en este socio tan atípico no sólo los vestigios de la tradición
del cómic, sino también una oportunidad para insistir en la profunda soledad en
la que se encuentra inmerso el detective. Que su único interlocutor sea una bolsa
de té no deja de fortalecer la idea de que Britten se encuentra en un desierto emocional
y también existencial.
Al margen de esa descomposición a la que Hannah Berry somete la
figura del detective y del género, se trenza en esta obra una serie de características
que buscan esbozar una poética narrativa propia como son el uso de páginas

Jose Manuel Trabado Cabado
mudas para ciertos momentos de especial relevancia narrativa. Al menos cabe
destacar tres momentos en los que se usa esta técnica. El primero de ellos tiene
lugar cuando Charlotte encuentra a su prometido Berni ahorcado; un segundo
ejemplo del uso de esta técnica sucede cuando Britten ofrece una primera solución
a Charlotte, momento en que ella queda abatida y deja caer su cigarro y,
finalmente, un tercer momento, ya comentado, que tiene que ver con la súbita
revelación en la que el detective averigua por fin lo que realmente sucedió. Aparte
de presentarse en un momento de máxima tensión narrativa que queda subrayada
formalmente, el primer y tercer momento tienen en común el hecho de que en
esas páginas mudas no se narra algo que esté sucediendo sino algo ya pasado y
que ahora un personaje refiere, caso del relato de Charlotte a Britten en el primer
uso de esta técnica narrativa, o que piensa: caso de la revelación de lo sucedido en
el que accedemos como lectores a la reconstrucción mental que hace el detective
de forma súbita. A diferencia del relato clásico policiaco el detective no cuenta a
un auditorio su solución al enigma sino que, en este caso, la resolución por parte
del detective y su narración son simultáneas ya que asistimos al proceso interno
por el cual toma conciencia de lo sucedido. La novela gráfica, como formato, y
el género negro como género narrativo literario permitían, cada uno desde sus
lindes, profundizar en la mente de los personajes y mostrarnos los entresijos de
su pensamiento. A la hora de desentrañar frustraciones, soledades y otras derrotas
la novela gráfica había creado instrumentos expresivos que son aprovechados por
Hannah Berry para remodelar el género negro llevando al terreno de lo existencial
y lo absurdo.
Otro rasgo formal del lenguaje gráfico-narrativo de la obra de Berry
tiene que ver con la ansiedad por la recuperación de ambientes utilizando lo que
podría denominarse una técnica del plano-detalle. Con ello rescata cosas aparentemente
irrelevantes desde un punto de vista de la lógica argumental pero que
son muy efectivas a la hora de reconstruir una atmósfera en la que el punto de
mira se desplaza y la mirada también se gratifica y satura emocionalmente con
el despliegue de los objetos. En el otro lado de la balanza, los planos generales
urbanos y lluviosos con la recuperación de unas angulaciones espectaculares y
muy cinematográficas buscan un equilibrio y traducir aquella mirada microscópica
a un campo de visión más amplio. Se trataría, así, de una suerte del retrato
de microcosmos en un escenario más vasto que crea un lenguaje a través del cual
habla la historia de Berry.
También resulta de interés constatar los mecanismos de cohesión gráfica
ensayados en las páginas de esta novela gráfica. En dos ocasiones se disecciona
267

268 Novela gráfica y novela negra
una escena general que ocupa toda la página en una parrilla de viñetas: el primer
encuentro en el café de Charlotte y Britten y una escena en la que Britten habla
desde una cabina telefónica con Charlotte. Si bien es cierto que el procedimiento
fue ya usado por Frank King en su Gasoline Alley, hay que reconocer que este
procedimiento encaja perfectamente con lo apuntado en el párrafo anterior. Sirve
para desglosar el plano general en pequeñas parcelas que se recorren secuencialmente,
otorgando una morosidad y un ritmo que nos lleva a fijar visualmente el
detalle. Cabría observar en otras planificaciones de página nuevas fórmulas de
presentar esta fusión entre lo general y el detalle. Así, por ejemplo, se entiende
la página en la que se narra el momento en que Charlotte espera fuera del café
a Britten. Sobre el plano general de Charlotte esperando en la calle lluviosa se
instala una serie de viñetas-detalle en la que se muestra a Charlotte ordenándole
a Britten que la espere fuera, a Britten sentado en el café pensativo y otros primerísimos
planos que destacan ese afán detallista engastado en los planos generales
que modelan los estados de ánimo. Una y otra técnica son soluciones diferentes
de un mismo espíritu narrativo. En este segundo ejemplo se crean dos niveles narrativos
diferentes y la superposición visual de uno sobre otro indican su distinto
funcionamiento.
A modo de balance, podría decirse que el género negro, en particular, y
la ficción criminal, en general, fueron un terreno genérico que el cómic cultivó de
forma asidua. De esa relación surge un intercambio de modos narrativos y formas
de representación gráfica que suponían innovaciones tanto en la tradición literaria
como, ya dentro del terreno del cómic, en la búsqueda de nuevos derroteros visuales,
reformulaciones de la concepción editorial y hallazgos en la poética de la
novela gráfica que se habrán de convertir en hitos insoslayables, caso de Ciudad
de Cristal. Así, en contra de la previsible rémora que podría ser el trasvase de un
género literario fuertemente codificado y con un perímetro de formas narrativas
muy delimitado, la aclimatación de este género al lenguaje gráfico-narrativo ha
actuado como un acicate para ir siempre un poco más allá en un afán perpetuo de
renovación que le permite, aun bajo la alargada sombra de los maestros, empezar
siempre desde cero.
Universidad de León
E-mail:

Jose Manuel Trabado Cabado
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Figura 1
Jose Manuel Trabado Cabado
271

272 Novela gráfica y novela negra
Figura 2

Figura 3
Jose Manuel Trabado Cabado
273

274 Novela gráfica y novela negra
Figura 4

Jose Manuel Trabado Cabado
275

276 Novela gráfica y novela negra

Figura 5
Jose Manuel Trabado Cabado
277