EL IMPERECEDERO ARTE DE LA DANZA EN MEXICO

EL IMPERECEDERO ARTE DE LA DANZA EN MEXICO
EL IMPERECEDERO ARTE DE LA
DANZA EN MEXICO
YOLANDA FUENTES
Yolanda Fuentes Página 1

EL IMPERECEDERO ARTE DE LA DANZA EN MEXICO
ÍNDICE
Prefacio 3
Prólogo 6
Desarrollo de la Danza en México 16
Vestuario 30
Antiguos mexicanos 31
Jalisco 37
Ranchera del sur 40
Ranchera norteña 43
Contradanza 44
Tamaulipas 46
Guerrero 49
Oaxaca 56
Guiones escénicos 63
Feria en Jalisco 66
Interpretación Coreográfica 74
Notación, Coreografía, Música 111
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PREFACIO
Obra conceptuosa de ejemplar didáctico que expone, con
particular estilo las profundas observaciones de la autora, sobre las
tradiciones folklóricas del mexicano; plasma sus profesionales
experiencias e impulsa al estudioso a practicar con ella,
apasionadamente, la subyugante técnica de la didáctica en la
Danza Mexicana.
Sobre la personalidad de Yolanda Fuentes podrían dar
testimonios cientos de individualidades que ha formado en las
aulas, con su paciente y tenaz labor de maestra. Los que fuimos
guiados por su rectitud y responsabilidad intelectual conocemos su
variada, fecunda y creciente actividad.
La obra que hoy tienen en sus manos es una aportación
fabulosa, que fue concebida por la autora hace varios años,
durante los cuales no ha escatimado esfuerzo para lograr recabar
la música, bailes y danzas más típicos y folklóricos de las diferentes
regiones en que se divide La República Mexicana.
La profesora Fuentes es una de las personas más competentes
conocedoras y versátiles de las materias que esta primera edición
encierra. En ella encontramos datos históricos desconocidos para
muchas personas, vestuario de diversas regiones, música original y
coreografías y monografías de las diferentes danzas.
Su sensibilidad y sentido de responsabilidad profesional, ha
llevado a la maestra Yolanda Fuentes a dirigir la sección de Danza
de La Dirección General no. 4, de educación primaria en el D.F., y
ser la coordinadora general de Cursos de Verano en la prestigiada
Academia de La Danza Mexicana del I.N.B.A., durante varios años;
tiempo en el cual ha logrado crear y adaptar una simbología
llamada “Notación”, por medio de la cual unifica la escritura de las
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danzas y bailes regionales, provocando así una nueva era
revolucionaria dentro de la enseñanza folklórica nacional.
Realizó sus estudios profesionales en La Escuela Nacional de
Danza y posteriormente en La Academia de La Danza Mexicana, en
donde presta sus servicios desde 1957 capacitándose para la
interpretación y la enseñanza de las danzas y bailes regionales
mexicanos, prosiguiendo sus estudios en forma particular como
investigadora.
Dentro de la academia inicia su fecunda labor en los grupos
infantiles, responsabilidad otorgada por ser además poseedora del
título profesional de maestra normalista.
Agrupación de maestros foráneos.
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Historia
Vestuario
Monografías
Coreografías
Notación
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PROLOGO
Los niños son el tesoro más preciado de la creación, tanto
porque su existencia representa la esperanza de realizaciones
universales superiores, como porque su impotencia en la lucha con
el medio despierta nuestra ternura animándonos a prestar
servicios utilitarios que den una finalidad a nuestra vida y hagan
que perduren nuestras obras: por eso, sobre ellos debe tenderse la
sombra protectora de los mayores, ofreciendo a su servicio la
experiencia y los medios que hagan posible el desarrollo de las
generaciones en condiciones que el progreso y el bien produzcan
mayor felicidad humana.
La destacada preocupación actual por amparar a la niñez y a
la juventud, se caracteriza esencialmente por el desarrollo de
campañas de salubridad y asistencia que tratan a toda costa de
corregir las deficiencias biológicas y proporcionan el medio de
prevenir las enfermedades, estudiando además la manera de
obtener los medios por el sostenimiento y protección de los
débiles, ya sea mentales, físicos o sociales.
Se lucha tanto en el territorio médico, como porque el
interés social auxilie a la niñez en el aspecto educativo. Con el
esfuerzo moralizador y de seguridad que han iniciado las
autoridades, han logrado posiciones ventajosas dentro de la
campaña pues su acción no sólo ataca la pobreza e insalubridad,
enfermedades o falta de instrucción, sino también las condiciones
morales del medio en que se vive y se desarrollan ya que los
centros de vicio constituyen especialmente un atractivo para los
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menores de inmorales, cuyo ejemplo familiariza a las generaciones
jóvenes, induciéndolos a su degradación, ocasionando daños
incalculables a los que pudiera ser la más bella esperanza de un
pueblo que surge hacia una vida nueva.
Está en nuestro alcance lo que podría constituir un arma
poderosa en la lucha por la protección y encauzamiento de los
infantes y ella es la tradición que es la base en que se sustenta la
riqueza moral de las naciones, si algún pueblo careciere de
tradición, sería un pueblo sin vida, ya que es ella la que hace que se
conserven, pasando de generación en generación lasta llegar a
nuestros días, las más hermosas leyendas y manifestaciones
costumbristas, que por razón natural al paso del tiempo han
sufrido algunas modificaciones, pero no ha sido alterada su
esencia, que llega a nosotros tal como era en su origen.
Es tal la fuerza de la tradición que en nuestro país la primera
leyenda de que tenemos noticia, nos relata la peregrinación del
pueblo azteca buscando el lugar donde habría de encontrarse una
águila devorando a una serpiente, para fundar su imperio; no solo
nadie ha dudado del contenido tradicional de esta leyenda, sino
que su símbolo ha sido colocado en el centro de nuestro lábaro
patrio recibiendo los honores a que es acreedor de su carácter de
escudo nacional.
La cultura del presente, como todos lo sabemos, no es
simple improvisación de valores y hallazgos, si el progreso de la
cultura se basa de una manera indudable en el poder creativo de
sus representantes de cada época no es menos indudable el papel
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fundamental que como productora de un ambiente nutricio de
cultura desempeña la tradición en todos los tiempos.
Desentenderse de la tradición y sus valores es tanto como
desconocer o desenterrar la atmósfera cultural en la que se
alimenta el desarrollo de la actividad presente.
El verdadero sentido de lo que podríamos llamar la cultura
nacional reside tal vez en la preocupación por recoger la
experiencia histórica de nuestra cultura, desarrollarla y
desenvolverla en la actividad presente.
La tradición artística y cultural de un pueblo determinado,
significa un factor inmediato en su desarrollo actual. Pero si esta
tradición se desconoce, difícilmente será posible aprovechar los
frutos que como toda experiencia humana, la tradición arroja.
La responsabilidad que implica rescatar la tradición dispersa
en los monumentos y zonas arqueológicas de nuestro país pesa
sobre los mexicanos de hoy, que para reafirmar en su espíritu la
vitalidad y los aciertos de esa tradición, no tiene mejor medio que
seguir el rastro de esas huellas suyas que nos han quedado.
Al pesar sobre ellos esa responsabilidad, es necesario
comprender que el conocimiento tradicional debe iniciarse
precisamente en la niñez, labor encomendable a los maestros que
son guías de la infancia.
México es un país rico en tradición, sin embargo está
recibiendo fuerte influencia extranjera consistente en diversos
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elementos costumbristas que han sido aceptados sin resistencia,
aún a costa de la pérdida y el olvido de nuestras tradiciones, que
deberían ser consideradas como un patrimonio nacional y así
mismo conservadas y defendidas.
Es fácil observar la gran diferencia que existe en el promedio
de cultura de la capital o las grandes ciudades y el de las pequeñas
poblaciones cuyos habitantes son indígenas.
En no pocos de estos pueblos apenas si se habla el español,
pero en cambio son muy escasas las personas que carecen del
dominio del idioma inglés, indispensable para trabajar con los
turistas, que en algunos lugares representan la principal fuente de
ingresos económicos para el pueblo.
Esta diferencia cultural da por resultado la necesidad de
dividir en dos la tarea de defender nuestra tradición, según se trate
del medio urbano o rural.
En su carácter de guía el maestro parece ser el indicado para
contrarrestar la influencia extranjera que pueda resultar perjudicial
para nuestra sociedad, creando en la juventud y en la infancia el
cariño y arraigo a la patria a través de sus manifestaciones
folklóricas.
El maestro rural puede ayudar a esta idea, luchando por
conservar la tradición libre de las impurezas que la afluencia
turística provoca con frecuencia en ella, esto resulta bastante
difícil, debido a que pocos son los maestros que llegan a ejercer
una influencia decisiva en la población en que trabajan sin
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embargo puede colaborar también recopilando la música, los
bailes, las costumbres, leyendas y manifestaciones del arte y
artesanía características de la región. En tanto que en el medio
urbano la labor del maestro consistiría en la divulgación de las
tradiciones tanto las actuales como las pretéritas.
De llevarse esto a efecto, el pueblo mexicano conocería y
estaría familiarizado con sus propias manifestaciones
costumbristas, por que estaría en situación de poder amarlas,
haciéndose factible la selección razonada de las prácticas y
costumbres procedentes del extranjero antes de darlas por
aceptadas, en esta forma el magisterio habría dado un paso más,
hacia el logro de un mejor desarrollo cultural y educacional del
pueblo mexicano. Esto no quiere decir que no deban aceptarse los
adelantos logrados en el proceso evolutivo de la humanidad
sumiendo a los pueblos en la conservación primitiva de sus
costumbres, sino que al aceptar el bienestar práctico que nos
proporciona el modernismo procuremos darle el sentido al buen
vivir conservando el sentimentalismo espiritual de nuestras
tradiciones.
Para desarrollar cualquier actividad es indispensable crear
automatismos, estos se forman cuando se ha logrado realizar los
movimientos que lo componen con el ritmo necesario para cada
actividad. Sin embargo hay personas a quienes se les dificulta más
que a otras, el aprendizaje de algún movimiento, la razón es que
los primeros poseen un sentido rítmico innato, en tanto que los
otros carecen de él y por ello tropiezan con dificultades para
realizar aún los movimientos más elementales de su ocupación.
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Una persona esta acostumbrada a ligar sus movimientos
estando éstos rígidos por un ritmo, con mayor facilidad podrá
adaptarse a cualquier actividad desconocida para ella, no
solamente por su mayor habilidad muscular, sino por la mayor
rapidez de las órdenes del cerebro a los miembros. Por lo tanto
enseñar al niño a dominar el ritmo incluyendo esta práctica en su
educación, lo ayudará eficientemente a adaptarse más tarde a
cualquier actividad.
La forma en que se es más accesible la enseñanza del ritmo,
es la de realizar series de gestos plásticos tanto estáticos como
dinámicos siguiendo un ritmo, esto se hace más agradable y fácil
para su enseñanza si va acompañada de una melodía.
La danza nos presenta una melodía y una serie de gestos
plásticos que son acordes, tanto uno como los otros, a un ritmo
que los combinan.
Por lo tanto, la danza es una actividad que reúne en sí todos
los elementos necesarios para crear en los educandos el sentido
del ritmo desarrollando este y llegando a un dominio completo de
él. Adquiriendo a la vez habilidad y coordinación neuro muscular
que el proporcionará descanso a las facultades mentales.
Antes de tratar en forma particular la danza y sus relaciones
con las otras artes como con el medio social y la educación, cabe
hacer algunas consideraciones sobre la categoría del arte en la
jerarquía de los valores humanos.
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Al igual que todos los casos trascendentales, el definir el arte
y situarlo en la tabla de los valores, resulta un problema
sumamente difícil. Ya lo han intentado con anterioridad
pensadores y filósofos, desde distintos ángulos y con diversidad de
criterios habiendo obtenido por ende muy diversos resultados.
“Unos dicen que es el espejo de la vida, otros que es la
naturaleza a través de un temperamento, hay quien lo considera
un lujo, quien un ornato y recreo del espíritu, gozo de creación,
desinterés, finalidad sin fin, liberación del afán cotidiano, intuición
de la esencia del mundo, etc. Y es sin duda, que el arte es todo eso
y mucho más que podría añadirse”.
Sin embargo, coinciden en afirmar y asignar el arte un rango
elevado, parejo al de la ética o inmediato a ella, así como también
una misión noble de liberación y purificación de las almas.
Por lo que se refiere a la danza en particular, desde decirse
que en la historia del ate, el ciclo estético se inicia y se cierra con la
danza, que en un aspecto primitivo resulta la manifestación más
instintiva y espontánea del superávit vital; gozo de movimiento por
el movimiento mismo, salud, euforia, plenitud fisiológica que cobra
un primer sentido propiamente humano en la plástica y en la
rítmica.
Tal como se habla de la época prehistórica, también de la
época del pre-arte, en la cual se fija como única manifestación la
danza. Pero el caso es que el pre-arte sigue existiendo haciéndonos
sentir su presencia con bastante frecuencia; con este término se
denomina todo aquello que no ha llegado a ser arte todavía sino
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que es solamente una base, un sustento en el que deberá apoyarse
el arte en su nacimiento, pero que carece del elemento que
constituye la esencia misma del propio arte, sentido estético.
Según la miología griega, el pre-arte proviene de Dionisio
(Dios orgiástico) por lo que se dijo que un elemento Dionisiaco no
era más que una exteriorización violenta y brutal de las fuerzas
psicofísicas. Así fue hasta la unión del ardiente Dionisios con el
sabio Apolo quien al sellar su unión se convirtió en el Dios de las
artes, llegando así a conocer a Melpómene y Terpsícore.
El elemento dionisiaco representa la base sobre la cual el
artista edifica su obra, la que moriría sin ella. En otras palabras el
artista debe tomar de la vida la fuerza creadora para convertirla en
fenómeno estético.
Quien no logra destruir en sí el elemento puramente
humano, no es artista, como tampoco lo es quien solo planea en
sublimes pero frías alturas.
El ritmo es inseparable de la danza, es la danza misma en su
momento más antiguo, ya que el hombre ha bailado, antes aún de
haber aprendido a servirse de la palabra y antes de haber conocido
el elemento con intención melódica.
De lo anterior se desprende que tanto el ritmo del pre-arte
como el del arte mismo, provienen de la danza primitiva ya que del
mismo modo que la música comunica su ritmo a la poesía, la danza
comunica el suyo a la música.
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La danza original se acompañaba de golpes rítmicos, por lo
tanto puede decirse que el ritmo musical ha nacido del ritmo
danzante.
Difícil es bailar sin acompañamiento musical, pero cabe
aclarar que no es precisamente la melodía lo que bailamos sino
solamente el plan rítmico que constituye la base de la música.
En su principio la danza tiene su carácter simbólico, al correr
del tiempo, el símbolo desaparece, pero el gesto estilizado
perdura.
La coordinación de los movimientos corporales puede
considerarse como danza rudimentaria, desde los primeros
testimonios gráficos de que tenemos noticia.
En el paleolítico superior, la danza empieza a tomar
características diferenciales en dos tipos, una de ellas a base de
conjuntos caracterizados por disfraces de animales usados por los
ejecutantes y el otro unipersonal, con una técnica inferior a base
de movimientos convulsivos y desordenados.
La observación de los fenómenos meteorológicos, las
mudanzas de la luna, el alejamiento y acercamiento del sol en las
diversas estaciones traen nuevos tipos de danza en honor de éstos.
Así mismo el imitar la menuda agitación de la lluvia
fecundante o al traer a ésta por medio de la magia. También se
hace necesario en ocasiones aplacar la ira de los dioses por medio
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del sacrificio y todo sacrificio supone un rito y finalmente una
danza alrededor del ara del sacrificio o del árbol simbólico.
En el Neolítico la danza toma un aspecto social,
intensificándose ciertos efectos como la atracción sexual. En los
pueblos totémicos las danzas de carácter sexual nunca son
individuales, son siempre de conjunto, en estos mismos pueblos
tuvieron más tarde origen las danza de enmascarados.
En la edad de los metales se manifiesta la separación de la
sociedad, unos tienen el metal y por lo tanto el poder, el mando,
otros realizan trabajos de minería de agricultura o de servidumbre.
La danza representa dos aspectos distintos según se trate de danza
señorial o proletaria. Las danzas por pareja ya sea sueltos o
abrazados tienen un simbolismo cada vez más abstracto y
finalmente viene el dominio de la técnica que las convierte en
danzas de exhibición.
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DESARROLLO DE LA DANZA EN MEXICO
CAPITULO I
México es uno de los países más hermosos del mundo, ha
visto nacer en su vasto territorio las más bellas manifestaciones
folklóricas, que por la elocuencia de sus gestos plásticos son
símbolo de una raza pura, que dio origen a nuestra nación. En
todas sus regiones existen lugares maravillosos en donde han
surgido alegres bailes y suntuosas danzas.
El pueblo mexicano ha gustado de exteriorizar sus
sentimientos y así mismo hacerlos sentir a los demás, por medio
del baile; esta forma de expresión ha reinado en nuestro medio
desde los remotos tiempos en que los jóvenes aztecas ingresaban a
los colegios sostenidos por el Estado correspondiendo al Calmecac,
institución que fue destinada a preparar a los futuros funcionarios,
así como a los altos dignatarios de la región y el ejército, fue
esencialmente religiosa.
Al Telpochcalli ingresaban los jóvenes pertenecientes a la
clase media. Además de los dos institutos educativas mencionadas
existía una dedicada exclusivamente a la enseñanza del canto y la
danza, ésta era Cuicoyang, situada en donde ahora forman la
esquina las calles de 16 de septiembre, plaza de la Constitución y 5
de febrero, también existían una serie de escuelas similares
llamadas Cuicalli o Cuicacuilli, al director de este establecimiento se
le daba el nombre de Unitochtzín y se le concedía gran estima, ya
que la danza era una actividad considerada de importancia capital.
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Para la enseñanza se acompañaban con instrumentos de
aliento y percusión, bailando cada ritmo al principio en su ligar y
después en movimiento realizando algunas evoluciones pero
siempre conservando su formación en hilera.
A los alumnos más aventajados se les colocaba a la cabeza
de las hileras y éstos se sentían sumamente honrados de actuar
como guías de los demás. Las danzas pre-cortesianas pueden ser
divididas por su carácter interpretativo en: rituales, festivas y
guerreras. La más importante es la ritual (mecavaliztli) por ser
dirigida a los dioses, era tal la trascendencia de este tipo de danza
que, afirma Sahagún un error de los músicos o de los danzantes era
motivo para condenarlos a muerte.
Las formaciones que se usaban eran cerradas en circuitos o
en cuadro y derredor de una pirámide, de un templo o piedra de
sacrificio.
En la antigüedad las tribus primitivas de México practicaron
la adoración de los dioses con ceremonias particulares a cada uno
de ellos mismos en las que participaba todo el pueblo, eran tres los
tipos de danza que se practicaba en Tenochtitlán como medio de
expresión más completo, bailaban para recibir el astro rey y
manifestarle júbilo por su llegada, bailaban para despedirle en el
ocaso y lo mismo hacían en relación con la luna cuando sustituían
al sol, bailaban para despedir a la lluvia y para agradecerla cuando
llegaba, igualmente para celebrar el nacimiento de un personaje
encumbrado, para conmemorar una victoria militar halagar a las
deidades o simplemente por manifestar alegría.
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Cada barrio de Tenochtitlán, tenía un Cuicalli o escuela de
danza, los mejores exponentes de éstos, eran concentrados en el
Cuicoyang que era una escuela superior donde se rendía especial
culto a Macuilxóchitl diosa de la danza.
De los tres tipos de danza que se practicaban en
Tenochtitlán el Mecavaliztli, el Netotiliztli y el Macehualiztli. El
Mecavaliztli era una danza ritual, de carácter eminentemente
religioso y que se ejecutaba siempre en formaciones de
circunferencia, triángulo o cuadrado alrededor de un templo, un
ídolo o algún otro símbolo religioso.
El Netotiliztli o danza guerrera formaba parte del
entrenamiento para el combate y consistía en series de
movimientos de lucha ejecutados rítmicamente, aunque el
adiestramiento militar era privado con frecuencia mostraban al
pueblo, la forma en que habían logrado un triunfo por medio de la
llamada Danza de La Victoria.
El Macehualiztli se bailaba en dos formas que eran llamadas
baile grande y baile pequeño, el baile pequeño se llamaba así por
realizarse en fiestas particulares colocándose los participantes en
dos filas una frente a otra, describiendo figuras y evoluciones
considerándose este estilo como el actual baile de salón.
El baile grande tenía efecto en la plaza mayor y se reservaba
para las grandes celebraciones, se formaba todo el pueblo en
círculos concéntricos, alrededor de los instrumentos musicales, en
los círculos cercanos al centro se colocaban las personas de mayor
edad y rango en tanto que en los exteriores, los más jóvenes y de
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menor categoría social, todos los círculos tenían el mismo número
de integrantes de tal manera que estas formaban filas que
semejaban los rayos de una gran rueda, mientras los ocupantes del
centro se movían en forma grave y ceremoniosa los del exterior
bailaban a grandes saltos y cabriolas para poder mantenerse en la
formación.
Entre Los Mayas el director de las danzas era llamado Holppop;
entre sus danzas más famosas está la de las cañas, conocidas
como, Colomchom y la de las banderas, conocida como Colomche,
que era de carácter guerrero.
La danza de carácter guerrero era manifestada por
movimientos que expresaban una lucha, ya fuera simulacro de
combate, para celebrar una victoria o antes de partir a un
encuentro bélico, para implorar protección de sus dioses y ayuda
para lograr un triunfo que llena de orgullo y gloria a su pueblo.
Al consumarse la conquista hubo tres personajes hispanos
que intervinieron en la evolución de nuestra danza, estos fueron el
conquistador, el misionero y el colonizador. El primero de ellos
destacó por su incultura ya que no se trataba de españoles de
educación media ni de soldados sino de aventureros atraídos por el
cebo del enriquecimiento rápido y su actuación se limitó a prohibir
la danza por considerarla una manifestación pagana y a despojar al
danzante de su rica ornamenta. Esta actuación fue importante
pues aún cuando no representó ninguna aportación preparó el
camino al segundo personaje pues los indios nunca dejaron de
bailar aún cuando para ello tuvieran que esconderse.
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El misionero usó la danza como un poderosos instrumento
de catequización, para ello trató primero de granjearse la confianza
del danzante y consiguió permiso del conquistador para que el
indígena bailara libremente, escribió la música de las danzas
gracias a lo cual ésta ha llegado a nuestros días, les dio a conocer la
manufactura de los instrumentos de cuerda así como su uso, tales
como la guitarra, la vihuela, el violín y la mandolina, de donde
derivaron de acuerdo con la interpretación indígena la concha y la
jarana, volvió a adornar al danzante, no devolviéndole su oro y
pedrería, sino a base de plumas pintadas, papeles brillantes y
espejos; mismos ornamentos que hasta la fecha siguen usando
nuestros danzantes, finalmente el misionero fue aceptado para
formar parte de los grupos de danza; ya dentro de ellos hizo ver al
indígena que existían personajes más poderosos que sus dioses
que trataban siempre de perjudicarlo, siempre que sufría una
enfermedad o una desgracia, es que sus dioses habían sido
derrotados por éstos, el indio se sintió desamparado ante esto, y
su temor se refleja en la danza, cuando empiezan a aparecer en
ella representaciones de los vicios, las enfermedades, el demonio,
los pecados, etc. Más tarde pone al alcance de su mano la solución
a sus problemas, y esta es, pedir ayuda a quien sea más poderoso
aun que sus enemigos, y así es como aparecen danzando los
ángeles, los santos, la virgen y hasta Dios mismo, cosa que no ha
dejado de hacer hasta la fecha. En otras palabras, la danza
representó en México el mismo papel que en Europa desempeñó el
teatro litúrgico durante la edad media. El gran triunfo del
misionero, se manifiesta como logra arrancar la danza del templo
pagano para llevarla, primero a la plaza pública, y más tarde al atrio
de la iglesia, de donde aún no ha salido.
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El clero en La Nueva España ejerce una gran influencia desde
los primeros momentos de la dominación española y puede
afirmarse que durante el coloniaje constituyo una fuerza poderosa
en toda La Nueva España.
La influencia española no sólo se percibió en la música, sino
también en la danza, en la indumentaria y evoluciones así como en
la introducción de nuevos personajes a usanza del teatro litúrgico.
El colonizador, vino a establecerse y a resolver sus
necesidades de manera que le importaba poco o nada que los
indios bailaran o dejaran de hacerlo, tomó a su servicio a los que le
fueron precisos y se olvidó de los demás. Los que formaron parte
de la servidumbre, presenciaban las fiestas en las que los españoles
bailaban lo que estaba entonces de moda no sólo en España, sino
en toda Europa, destacando, naturalmente, el zapateado. De este,
llamó poderosamente la atención de los mestizos el hecho de
bailar por parejas sin contacto personal, y que fuera a base de
taconeo, punteo y apoyo, lo que hizo que los mestizos empezaran
a bailar sus propios zapateados, al principio, a imitación del
español, y poco a poco intercalándose el estilo del Macehualiztli.
De 1521 a 1821, transcurrieron tres siglos que corresponden
al tiempo en que México fue una dependencia de la colonia
española, puede considerarse la primera etapa de la educación
colonial del siglo XVI, el resto corresponde a la segunda etapa.
En la primera etapa, la educación colonial fue de tipo feudal
dogmática, y por lo mismo anticientífica. Durante esta época no
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hubo manifestaciones al respecto sino hasta que a la nueva
España vino un renacimiento.
También por primera vez el indígena presenció las danzas de
moros y cristianos, entonces en boga en España en las que
escenificaban las luchas que habían tenido entre ellos, lo que
motivó que los indios tratando de imitar en cierta forma algunos
elementos de los tratados en las danzas y fiestas españolas que le
fueron poco a poco conocidos, tales como algunas prendas de
vestir, las espuelas o su tintineo después provocado con diferentes
accesorios. Las danzas de los Moros, los Espueleros y los Santiagos
y algunas otras son derivadas de Moros y Cristianos. Gustándoles
también el efecto que produjera el choque de las espadas, sables y
cimitarras o alfanjes lo adoptaron sustituyendo aquellas armas por
el machete naciendo en esta forma las morismas, siendo una de
ellas el Potorrico procedente del Bajío, a la que ha dado en
llamársele Danza de los Machetes.
En los territorios que actualmente ocupan los Estados de
Jalisco, Nayarit y Colima, se encontraban la intendencia de La
Nueva Galicia, en cuyas rancherías se empezó a desarrollar el baile
mestizo. Los troveros cantaban coplas, así siempre improvisadas,
relatando las hazañas de algún personaje, alguna anécdota del
pueblo, o bien declarándose a una dama por encargo de alguien,
criticando a las autoridades, etc., por regla general, el trovero
recibía propinas por sus improvisaciones cuando lograba que éstas
agradaran al público; mientras, en el tablado, las parejas trataban
de interpretar, bailando al nuevo estilo, a base de movimientos y
actitudes, lo que el trovero decía en su copla. Al conjunto de varias
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coplas del mismo tema y siguiendo una unidad musical, se le dio el
nombre de son.
El son se bailaba en los fijones, en reuniones que recibían el
nombre de “Jarabes”, debido a la bebida de ese nombre que se
servía en ellas, cuando el conjunto musical ligaba el tema de varios
sones a manera de popurrí, estas combinaciones también fueron
llamadas “jarabe”.
El jarabe de Galicia se popularizó rápidamente y llegó a
presentarse con gran éxito, en el coliseo de la ciudad de México en
el año de 1909. Sin embargo, los temas de las coplas fueron cada
vez más picantes y los versos de doble sentido menudeaban, con la
consabida interpretación por parte de los bailadores, provocando
esto que el Gobierno virreinal declarara el jarabe como baile
inmoral y prohibiera su ejecución pública o privada. Esta
prohibición fue por medio de un edicto publicado en todo el reino,
provocado en todas las regiones ajenas a Nueva Galicia, la natural
curiosidad por conocer aquello que se les prohibía por lo que
algunos viajeros que conocían el jarabe comenzaron a ganarse la
vida enseñando a bailarlo, negocio al que también entraron
muchos que no sabían nada acerca del jarabe ni lo conocían, pero
lo enseñaban.
Cuando don Miguel Hidalgo y Costilla sufrió la derrota de
Aculco, fue a refugiarse a la ciudad de Guadalajara, donde
encontró que toda la región se encontraba en poder del insurgente
José Antonio Torres, quien, a pesar de estar en pleno triunfo y
venir Hidalgo en completa derrota, lo reconoció como jefe de su
movimiento, poniendo a sus órdenes sus armas y sus hombres. En
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la batalla de Puente de Calderón. Las fuerzas de Hidalgo fueron
definitivamente destruidas, principiando entonces una difícil etapa
de reorganización.
Al salir de Nueva Galicia, las tropas insurgentes llevaban
consigo el jarabe, pues todos los hombres del amo torres los
bailaban así es que, a partir de ese momento, cada triunfo, grande
o pequeño, era celebrado con el jarabe jalisciense, al que se unía
todo el pueblo en una explosión de alegría. A imitación de este
jarabe, nacieron sones y jarabes en todo el país, cada uno con las
características propias de cada región, pero el jalisciense, por ser la
bandera que portaba el ejército insurgente, fue visto por el pueblo
como símbolo de la nacionalidad naciente, bailándolo al principio,
con el apetito que despierta lo prohibido y después como una
expresión de libertad.
Más tarde el conjunto de coplas recibió el nombre de son y
al agrupamiento de sones se le denominó jarabe. Habiéndose
obtenido combinaciones musicales y bailables que por costumbre
se siguen divulgando hasta llegar a nuestros días.
Después de algunos años de independencia nuestro país
sufrió otra intervención extranjera, la francesa que entre otras
cosas proporcionó al pueblo mexicano al conocimiento del baile de
salón de esa época en Europa. Este era por cuadrillas, movimientos
diferentes al visto anteriormente por el mestizo mismo que fue
asimilado hasta dar origen a la creación de danzas como Las
Mascaritas del Estado de Oaxaca y los Mudos del Estado de
guerrero, cuya organización es a base de evoluciones en las que
intervienen los bailadores formando grupos de cuatro personas.
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Durante los primeros años del siglos actual, dándose cuenta
de que el jarabe, como todos los ritmos bailables, había pasado de
moda, el gobierno federal trató de conservarlo al comprender su
importancia como símbolo; para ello dispuso la elaboración de un
jarabe estándar, es decir, que se tocaran siempre los mismos sones
y estos fueran interpretados siempre con las mismas pisadas y
actitudes, de manera que fuera fácil su difusión por medio de su
enseñanza y práctica en todas las escuelas del país. Los sones que
resultaron más a gusto del comité seleccionador, fueron: un jarabe
inicial, El Atole, El Perico, El Palomo y para cerrar, La Diana, que
aunque es netamente española, era la culminación tradicional,
como explosión de alegría, en todos los jarabes jaliscienses. A este
jarabe se dio el titulo de “Tapatío” debido al origen de todos los
sones que lo integraron.
La idea de que todos los mexicanos supieran bailar el jarabe
no llegó a realizarse, pues la revolución interrumpió este programa,
sin embargo, aunque pocos lo bailaban, todos lo conocían, y al
permanecer en la mente de todos estos sones, quedaron los demás
en el más completo olvido. Tratando de revivir esos sones
olvidados, en 1930, el gobernador del Estado de Jalisco, Gral.
Guadalupe Zuno, lanzó una convocatoria para la recopilación de
coplas antiguas; después de muchos estudios y selecciones, la
demostración final se efectuó en una velada inolvidable para
quienes la presenciaron, en la que un nutrido grupo de ancianos se
presentó a tocar y hasta bailar los sones de su época, de los que
fueron escogidos El borracho, El Picadito, El Paseo, La Botella, El
Limón y El burro, para ser agregados a los que ya formaban el
jarabe tapatío, integrando un nuevo jarabe denominado “Ranchero
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Jalisciense”, pero que, por su prolongada duración, ha tenido que
cargar con el apodo de “Jarabe Largo”.
En la actualidad, el jarabe nacional es bailado luciendo la
indumentaria de charro y china poblana, que son los típicos
representativos del hombre y la mujer de nuestra patria; el charro,
es un descendiente directo del chinaco, que fue indiscutiblemente
reconocido con la figura nacional, por haber sido él quien sostuvo
la lucha por la libertad, y fue él quien preconizó el jarabe, al
cambiar la moda, alarga su chaquetilla, cierra la calzonera y cambia
su sombrero por el de ranchero, para convertirse en el actual
charro. Mucho se ha escrito acerca de la relación del charro
mexicano con el charro español, pero en realidad, lo único que éste
legó al primero, fue el nombre, ya que en España se llamaba
charros a los campesinos, de tal manera que en cada región de la
península ibérica, el charro tiene diferentes costumbres y
vestuario, además de que no fueron precisamente charros quienes
vinieron a colonizar La Nueva España, y los que pudieron haberse
colado, ni vistieron aquí de charro ni enseñaron a los mestizos a
vestirse. Claro que podrán encontrarse muchos puntos de
contacto, puesto que la indumentaria chinaca presenta indudable
influencia española, debido a la moda que privaba en la sociedad
de la colonia, que fue mezclada por el mestizo con la de sus
ascendientes maternos.
Por lo que respecta a la china poblana, hay a su alrededor
una hermosa y enternecedora leyenda que nos relata cómo un
pirata raptó a una hermosa princesa china a quien vendió como
esclava en Acapulco y su nuevo dueño la trasladó a Puebla, donde
trató de imitar el vestuario de las lugareñas con las telas chinas de
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su equipaje, resultando un traje tan vistoso que las poblanas lo
adoptaron como una nueva moda.
Se ha escrito poemas y se han filmado películas con este
tema, pero si reflexionamos sobre el particular, encontraremos que
la potencia militar española no era poco importante y en particular
la guarnición de Acapulco no era despreciable, por lo que resulta
difícil pensar que un pirata haya llegado hasta el puerto a vender
esclavos, pudiendo hacerlo en sus mercados propios, ya que el
poderío de los piratas tuvo su sede en el Atlántico y no en el
Pacífico, donde su importancia fue manifiesta ante las fuertes
escoltas de la Nao de China.
Tampoco es probable que un comerciante poblano haya
vencido las serias dificultades de transporte propias de la época
para ir a Acapulco a comprar esclavos, pudiendo hacerlo en
Veracruz, donde el mercado español era más importante y le
presentaba la facilidad de la cercanías, pero aun dado por posibles
estas dos improbables suposiciones, resulta inexplicable que ni el
pirata ni el traficante ni el comprado, hayan despojado a la chinita
de su equipaje, dado el valor que siempre mantenido las telas
orientales.
La realidad es que en Iberoamérica había tres razas: la
blanca, la negra y la cobriza. Al mezclarse entre sí éstas, produjeron
las llamadas castas, y los innumerables cruces entre éstas dieron
origen a un gran número de subcastas. Así, la cruza de español con
negra, se llamó mulato, mulata con español, zambo, zambo con
español, salto atrás y salto atrás con india, chino.
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Hubo chinos y chinas en toda la América española y así
como hay china poblana, la hay oaxaqueña y veracruzana, las hubo
guerrerenses, chiapanecas, colombianas, hondureñas y muchos
mas.
El chinaco, que bailó jarabe en todo el país, hizo pareja con
la chinaca, la ranchera, la india, la citadina y, naturalmente, la
china. De entre las muchas parejas que aparecieron junto al
chinaco, destacó la china poblana por su sencillez y belleza, aun
cuando originalmente no llevaba ni lentejuela ni bordado, y poco a
poco se fue imponiendo sobre las demás al aparecer, cada vez con
más frecuencia, al lado del chinaco y después del charro hasta ser
unánimemente reconocida como la figura nacional.
Así es como el charro y la china, figuras representativas de
nuestra nacionalidad, bailan el jarabe jalisciense, típico símbolo de
nuestro fervor patrio.
Basta ver las litografías de la época para cerciorarse de lo
antes dicho, así como para comprender que de los trajes en uso,
los más vistosos eran; el de china para mujer y el de chinaco para el
hombre. Razones que justifican el porqué de la elección de esta
indumentaria para los ejecutantes del baile nacional.
En México podemos distinguir dos clases de manifestaciones
bailables, se les conoce para distinguirlas, con los términos de
danza y baile, palabras que en todos los idiomas, incluyendo el
español son sinónimas, pero en este caso una gran mayoría de los
folkloristas está de acuerdo en esta diferenciación.
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Así consideramos que la danza en su música es pentafónica,
monorítmica, en la que se utilizan instrumentos rudimentarios
como la chirimía, el teponachtli, la jarana. Siendo en el baile las
características diferentes y contrarias, como: alcanza toda la escala
musical, contiene gran variedad de ritmos, los instrumentos para
su ejecución son de construcción complicada (trompeta, tambor,
arpa, marimba, etc.).
En la danza el número de participantes es en grupos siempre
con el mismo número de personas para cada danza. Sus
movimientos son a base de pasos en apoyo y brincos, siendo la
interpretación colectiva a base de evoluciones.
En el baile el número de participantes es ilimitado,
formándose parejas de hombre y mujer y su interpretación es a
base de zapateados, taconeos, y en apoyo así como deslizados,
siendo su interpretación individual y libre.
La danza presenta características étnicas, pudiendo
identificarse las producidas por la misma raza aunque procedan de
diferente lugar; en tanto que el baile tiene límites geográficos y
contiene en sí la expresión del sentir de una comunidad
concentrada en determinada localidad, por lo que todos los bailes
procedentes de la misma región presentan características similares
que los diferencian de aquellos que han tenido su origen en
diferente zona del país.
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¿QUÉ ES EL FOLKLORE?
VESTUARIO
CAPITULO II
Es el saber del pueblo, la cultura que éste obtiene
transmitida de generación en generación por medio de mitos,
leyendas, cuentos, canciones, tradiciones (religiosas o no) bailes y
danzas. La cultura del pueblo se convierte en joya aún cuando ha
sido inventada por alguien o sea que tiene autor pero que a lo
largo del tiempo se pierde el conocimiento de quien lo origine,
siendo absorbido sin importar el quién.
Cuando el pueblo participa de una costumbre convertida en
tradición y ha olvidado quién ha sido el autor, ejemplo, las piñatas
usadas en la época de navidad, motivo por el que nadie se
preocupaba por averiguar quién fue el primer piñatero. Las coplas
que siempre fueron inventadas por los trovadores o cantadores a
quienes podemos juzgar como de actitud similar al juglar europeo,
ya que siempre son alusivas a personas o personajes de quienes se
habla de cualquier tema, ya sea alabanza o de otras cosas.
Estas coplas forman parte de los sones que son también del
dominio público, existiendo sones en toda la República, muchos de
ellos con nombres populares como el palomo que siempre significa
el enamoramiento del palomo a la paloma, pero dando la
interpretación propia de cada región. Folklore es todo lo que
estudia la vida popular, pero en la vida civilizada supone un
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derecho crítico separándose en esta forma el saber de las clases
instruidas y el saber de la clase popular. De lo que podemos saber
en lo que respecta a danza de origen prehispánico consideremos la
gran influencia española. En cuando a la confección en esta época,
pero con base en los trajes utilizados en sus primitivas
características base de la cual podemos partir para saber con
exactitud cuál era el esplendor del traje de los antiguos mexicanos.
Esto podemos comprobarlo en los códices (tiras de papel que
hacían con la fibra y pulpa de maguey o con la corteza del árbol
llamado “amatl”. A veces en pieles de venado convenientemente
preparadas que pintaban los tecuiles hombres diestros en la
pintura y en la escritura). Entre las prendas que han llegado a
nuestros días encontramos el ayatl que se conoce como el Ayate,
antiguamente en su época primitiva en forma de una manta
finalmente tejida con filamento de maguey con la que cubrían sus
hombros, siendo después de la época colonizadora formada o
tejida por hilos de algodón. Entre ellos existían varias formas
utilizando diferentes colores y colocaciones en su cuerpo para
distinguir rangos o clases, encontrando ente ellos ayatla-cuicolli
manta o ayate de lujo; xiuhayatl, manta de henequén azul en el
que pintaban un sol y era para uso exclusivo de los máximos
gobernantes, cuau-tilmatli eran las mantas que usaban los
caballeros águilas de la segunda orden militar Ocelo, Tilmatli eran
las mantas de color del tigre y la usaban los guerreros, Coa-xayacayo-tilmatli
era la capa toda leonada con una cara de monstruo
dentro de un círculo plateado tenía una franja alrededor del
rectángulo, eran mantos para los señores y guerreros notables,
derivándose esta palabra de coatl que quiere decir culebra y
xayacatl que quiere decir máscara.
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Tlacuaz-Tilmatli eran las mantas usadas para cubrirse del sol.
Otra de las prendas usadas por ellos era el mástil o maztlatl
manta que cruzaba entre las piernas y caderas en forma de
taparrabo.
Usaban también el vestido de telar llamado xicoli siendo
éste de algodón, usado por los sacerdotes; como calzado usaban el
cactli, huaraches que dejaban al descubierto el dorso del pie,
cubriendo solamente el talón y de la suela, suspendidas correas
que eran atadas de diferentes maneras, siendo éstas
confeccionadas con cuero de tigre y las suelas con cuero de siervo
en varios dobleces y cosidos como las alpargatas españolas.
El cacle era confeccionado con piel de zorra y los usaban en
las fiestas. Estos también eran conocidos como pozolcactli. El uso
de las mantas y los cacles establecían inmensa separación entre los
personajes y los macehaules entre la nobleza y el pueblo.
Según Tezozomoc la nobleza podría traer mantas largas y
labradas y los macehuales debían usar las cortas hechas de lana,
algodón o henequén. Así los indios sin algún grado de nobleza no
podían usar ninguna especie de cacles. Las mujeres usaban varios
huipiles siempre diferentes los adornos y muchas veces usados uno
sobre otro, siendo unos más largos que otros, para enseñar el
adorno de los mismos, como enagua usaban tiras de algodón que
enredaban a su cuerpo llegándoles a los tobillos; el nombre usado
para esta prenda era huipilli que quiere decir camisa, y el nombre
de la enagua era cueitl. Algunos usaban tilmatl o sea una capa
amarrada al cuello que les llegaba a la pantorrilla, pudiendo ser
ésta con o sin adornos.
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Los materiales empleados para la confección de estas
prendas eran las fibras de maguey, palmas silvestres y de algodón.
Y para los vestidos de la nobleza el tochnetl tejido de pelo de
conejo. La nobleza podía usar lo que se conocía como chicón-cueitl
y tenango-cueitl, siete enaguas de confección fina y ricamente
adornados.
Otras de las prendas utilizadas por la mujer era el Quechmitl
o Tlaquemitl derivados de los mismos y el Quechquemetl, abrigo
con el que cubrían sus cuerpos pasando por la cabeza y hombros
llegando a cubrir el pecho y la espalda por su construcción
triangular estas eran adornadas por una cinta de color pintado con
tierras de color o tintas de cochinilla que daba un tono rojizo.
Estas prendas reminiscencia de época antigua, han quedado
como piezas o prendas del vestido de la mujer indígena, sufriendo
algunas variantes en su ornamentación según la cultura tribu o
época a la cual pertenecieron.
Una de las características, de esta época de lo que se refiere
a la danza ya que no había baile es el de ser ejecutada siempre por
un número fijo de participantes de un solo sexo acompañados
musicalmente por instrumentos de aliento y percusión no
alcanzando toda la escala musical sino que son considerados como
pentafónicos y monorítmicos su interpretación es ya señalada para
que la ejecución sea uniforme. Con la influencia española durante
la época de la conquista sus instrumentos aumentaron, no
sustituyendo a los anteriores, sino enriqueciendo sus melodías al
tener instrumentos de cuerda que a semejanza de la guitarra
construyeron la concha de armadillo con cuerdas. Uno de los
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instrumentos utilizados también por el danzante fue la sonaja
originalmente formada por un guaje conocido como cirián de
forma redonda esférico al que hacían una perforación para meter
un mango de madera después de llenarlas de semillas, este guaje
cortado en dos también eran usadas estas mitades chocando una
con la otra para llevar el ritmo. De los instrumentos precortesianos,
están el huehuetl, el “Tlapahuehuetl”, el “Teponachtli”, la
“Chirimía”, flautillas de carrizo con diferentes perforaciones y
hechas de barro.
De la vestimenta que perdura hasta nuestros días en
diferentes regiones del país está el “hupilli”, el “quezquemetl” y el
“cueitl” o enredo.
“NOMBRE DE LOS DIOSES”
Las más importantes divinidades aztecas a quienes siempre
rendían culto como dioses presentaban los adornos y esos mismos
emblemas se utilizan actualmente como motivos entre los
danzantes, ya sea colcándolos como en altar o simbolizándolos en
sus ornamentos.
XOCHIPILLI (Diosa de la música, danza y poesía)
Era representado sentado sin ningún movimiento, con
expresión apacible como si estuviera escuchando.
XIPE-TOTEC (nuestro señor desollado)
Representado todo en un solo color, rojo y a veces vestido
con una faldita roja y amarilla adornado con caracoles, era de la
costa y por eso mismo la adornaban con caracoles.
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MACUITL-XOCHITL (Dios de las Flores)
Adornada con cinco flores, una de ellas en la boca y la
representaban con las otras cuatro en cabeza o alrededor del
cuello.
HUITZILOPOCHTLI (Dios Guerrero, principal dios entre las
divinidades aztecas)
Era representado con un escudo y una macana.
QUETZALCOATL (Dios bueno)
Era adornado con plumas hermosas.
TEZCATLIPOCA (representado en cuatro colores, rojo de
barro, azul, verde y amarillo).
Representado con un espejo de pinito para contemplarse.
HUEHUETEOTL (Dios viejo)
Era representado agachado como si le pesaran los años.
HEXECOTL (Dios del aire)
Tiene un pico sobre la nariz de Dios.
TLALOC (Dios del agua)
Representado sentado como si estuviera llorando.
CUATLICUE (Diosa de la Tierra)
Representado con serpientes encontradas.
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Los danzantes de esta época, hasta la actualidad se
dedicaban a bailar con diferentes motivos durante el año.
La entrada de las estaciones adornando en primavera al Dios
Desollado, representado como Dios de la primavera, Xipetotec.
Cuando la tierra se viste de nuevo, a su fiesta se le ponían al Dios
Tlacaxipehualixtli que consistía en el descollamiento de hombres.
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“JALISCO”
La ranchera jalisciense usa como traje tradicional el vestido
con falda amplia, ya sea de lienzos, circular plegada, doble circular
o de piezas, pero siempre tratando de dar gran amplitud a la falda
que va rematada por un olán con cabeza, pudiendo ser este
plegado o tableado, adornándolo igual que la falda con encajes,
listones, espiguillas, cintas de color, galones o diferentes materiales
mezclados entre sí, siempre en contraste, no importando la
cantidad de colores utilizados para dar forma a los dibujos, que
cada persona sugiere, puede utilizarse, encaje de bolillo con punta
de color, espiguillas diferentes en colorido y galones ú otros
materiales mezclados, pero siempre dando un motivo de
repetición, la blusa es ceñida al cuerpo de cuello alto, manga
amplia hasta el puño pudiendo ser adornado en lugar de olán de la
misma tela, adornado con los mismos materiales utilizados para la
falda, generalmente la bata va rematada por uno a dos olanes de
diferentes materiales pero de los mismos empleados en la
confección del traje, la forma de esta bata puede ser redonda en V,
o siguiendo diferentes figuras caprichosas, pero siempre partiendo
de la unión del hombro y manga, muchas ocasiones lo utilizan con
cinturón ancho de la misma tela o contrastante para formar un
gran moño atrás, el largo de esta falda es a media pantorrilla o más
abajo sin llegar al empeine.
El vestido se puede hacer de tafeta, tela de algodón o
popelina de color, o chermesse. La manga es de 3/4 ó 6/8.
Esta ranchera igual que todas las rancheras de la república
usa enagua blanca de algodón pudiendo ser esta de 2 o 3 olanes
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siendo de mayor amplitud los de abajo hasta dar el mismo ancho
que la falda del vestido lleva pretina y puede ser adornada en su
orilla, con una orilla de encaje también blanco, cuando la enagua
lleva un solo olán abajo, este puede ser con cabeza, los calzones
largos que usa son debajo de la rodilla amplios y rematados con un
olán de la misma tela que puede ser adornado con encajes también
blancos, estos calzones pueden ser con pretina y poco pliegue y
con jareta, usa botas de botón o de agujetas (blancas o negras). La
enagua va del mismo ancho que la falda.
Su peinado consta de dos trenzas generalmente dobladas y
adornadas cada una con dos moños grandes iguales, ya sea del
mismo color o de dos colores diferentes.
Se adornan con aretes largos o arracadas, peden o no usar
collares y pulseras pero siempre largos, siempre lleva rebozo pero
no rayado, su pareja puede usar cualquiera de las siguientes
combinaciones.
Estas combinaciones siempre van acompañadas por un
ceñidor, paliacate, botín y sombrero de ala ancha, colocando el
barboquejo (cinta con que se detiene el sombrero a la cabeza), en
la nuca y parte más alta del sombrero, en su dobles en el ala
también atrás, sombrero de paja o de palma encolado.
COMBINACIONES:
Pantalón de sarga a raya (lana ligera), negro con blanco, rojo
con negro, café con negro o azul marino con negro, camisa de color
liso de manga con puño, cuello sport y paliacate al cuello y sobre
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está o sin ella la camisa llamada guayabera caporal o pachuqueña
(esta con gabardina en color crudo).
También pueden usar el calzón de manta con pliegue y
cintas en los tobillos que amarran sobre el botín usando para éste
camisa de color liso, manga larga, cuello sport, o sobre ésta la
guayabera charra que es siempre en gabardina ligera en beige,
blanco (no recomendable), o ligeramente café adornada con hilos
de artisela en la parte de enfrente donde termina la bata, en los
puños, en las bolsas que son de forma redonda y en la espalda
siempre llevan una águila. Los botones que lleva los llaman
tarugos.
Pantalón negro con botonadura plateada de la cintura hacia
abajo a lo largo del pantalón, o con dibujo ya sea en metal o en
sutach sobre la costura y al costado.
Ese pantalón puede usarse con camisa de color liso de tela
de algodón gruesa en diferentes colores con vivo en contraste a la
orilla de la bata o sin él, llega a la cintura, es de mangas largas con
puño y cuello alto ideal para usarse con corbata de moño de un
solo color. Otro traje para Jalisco es el de charro o el de chinaco, si
ella va vestida de tela de algodón floreada o en tela lisa sin muchos
adornos.
Dentro de estas características de la descripción del traje de
Jalisco existen gran variedad en cuanto a la textura de la tela o
material empleado para la confección de las prendas femeninas
sobre todo, ya que varía desde la manta o cambaya de algodón
satinado, el chermesse, la tafeta y hasta la organza,
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ornamentándolos a capricho con diferentes materiales que
enriquecen a la iniciativa del portador del traje o de quien lo
confecciona; algunas ocasiones hacen variantes saliéndose de las
características esenciales como ponerles manga corta al vestido,
hacer la falda y blusa separadas, poner varios olanes al vestido,
escotar el cuello, acortar la falda, etc., pero éstos deben
considerarse como estilizaciones del traje de la región, nunca como
muestra del traje tradicional.
RANCHERA DEL SUR
La ranchera sureña tiene como características principales en
su indumentaria que usan la falda muy amplia, ya sea formada de 3
olanes unidos sin cabeza muy plegados en tela floreada o en tela
lisa brillante, solamente con un olán con cabeza en la parte de
abajo, cortada de forma circular plegada, o de 3 olanes también en
tela brillante siendo el de abajo con cabeza y adornado con punta
de encaje blanco, estas 3 faldas pueden usarse con blusa blanca de
escote redondo con manga ligeramente aglobada corta, unidos
solamente del cuello, este puede formarse con varias tiras de
encaje unidas entre sí sin cabeza y con pretina, procurando que de
la misma amplitud que la falda, lo largo de ésta varía entre media
pantorrilla y el tobillo y el calzado para unos bailes usan huaraches
ligeros o zapatilla lisa de tacón ancho.
Este traje tradicional conocido como de chiapaneca no es
usado en todos los bailes de tipo mestizo, está confeccionado en
varios olanes (5 o 6), de aproximadamente 20 a 25 cms. De ancho
en tul generalmente negro sobre el cual bordan con hilos de
articela grandes flores un poco estilizadas de colores abiertos y en
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diferentes colores contrastantes, algunas veces matizados, estos
olanes se unen entre sí sin cabeza y separados de lo que viene
formando el fondo que siempre va de tafeta del mismo color del
tul para hacer resaltar el colorido de las flores, como usan varias
enaguas de algodón, o una sola muy amplia de largo total, debe
medirse aumentando 5 cms. A la medida a la de la cintura del piso.
La blusa va del mismo color y telas usadas para esta falda, ya
que el olán es bordado sin forro y la blusa sin manga, de la misma
tela usada para el fondo de la falda. Este olán de tul lleva en su
orilla un remate de hilo de articela con punto hojal para rematar la
orilla. Adorna su pelo con flores a un lado de la cara ya que
generalmente lo lleva suelto.
El hombre de esta región usa generalmente pantalón
blanco, camisa de manga largas y doblada, en color liso, el algodón
contrastando los colores usados en ellas para su mayor lucimiento
en presentaciones (cuello sport). Como calzado según los bailes
usan huaraches o botín y en ocasiones especiales, según la región,
el sombrero usado en ella, ejem. :
En Guerrero el tipo tlapehuala.
El calzado en Yucatán es la alpargata.
En la misma región del sur, varios tipos se distinguen por sus
características particulares a su Estado. En el sureste la mestiza usa
en Yucatán una gran variedad de ternos de diario y el lujo usado
para las fiestas; este está formado por una enagua blanca en
chermesse, o tela de seda conocida como refajo, largo hasta el
empeine y adornada por varias alforzas horizontales juntas
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seguidas por una franja bordada con flores de diferentes colores en
hilos de encaje entre dos y una punta de encaje ancho siempre en
articela, este refajo es derecho recogido en la cintura por una
pretina que forma pequeños tablones para dar la medida de la
cintura, que lleva pretina con dos tiras largas para ajustar la
cintura, el largo de ésta es al tobillo.
El huipil de este terno de lujo también es blanco, de la
misma tela de forma rectangular tomando como base para su
amplitud, la medida que da los brazos colocados a los lados con los
codos hacia fuera en forma horizontal, se mide la distancia que hay
entre hombro y codo, y el largo hasta la rodilla, los hombros se
forman con tres alforzas de aproximadamente 5 cms. De largo a
cada lado del cuello que tiene escote cuadrado bordado en su orilla
con punto de cordón del que parte en una tira sobrepuesta
bordada de flores de colores con hilos de articela o seda, esta va
rematada con un olán de encaje de articela en blanco que cae
sobre los hombros y frente, igual es la espalda, en la parte de abajo
también va adornado como el refajo con alforzas horizontales
alternadas con encajes entre dos una tira bordada con flores igual
que la del olán en el cuello, rematando este hipil con otro olán de
encaje de articela como punta en el olán del cuello y en la parte de
abajo del refajo, la forma de la manga no existe, se da abriendo la
distancia necesaria para sacar los brazos partiendo el hombro hacia
abajo, considerando que quien lo use pueda abrir los brazos con
cierta holgura, este vestido usa como complemento rebozo de
color liso, de preferencia para mayor lucimiento y por costumbre
rojo, igual que el moño del listón ancho y varios gajos que se
prenden en la nuca después de tejer con su pelo un moño, usa
zapatilla cerrada de un solo color y no lleva medias.
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RANCHERA NORTEÑA
Las características principales del traje de la ranchera
norteña son:
El ser generalmente falda y blusa aún cuando es aceptable el
vestido completo, siempre la blusa es de cuello alto, a veces con
pasalistón, o de la misma tela empleada en la blusa o del mismo
encaje utilizado para la pechera que por costumbre ha sido usada
en forma de V, o pico saliendo esta desde la unión del hombro y
manga pasando por la siza y uniéndose las dos rectas a la mitad del
delantero, abajo del busto, o en la cintura esta bata va rematada
por un pequeño olán que puede ser adornad por un encaje de
pasalistón si se usa decorado por un moño de terciopelo, listón o
camafeo.
Antiguamente esta blusa terminaba con un olán sobre la
falda que caía sobre la cadera y era adornada en su orilla con un
punta de encaje que era ceñida con jareta o elástico en la cintura.
La manga es la llamada jamona, por tener ésta, la forma de
una pierna de jamón, aglobada en su parte superior y ceñida al
antebrazo adornando ésta con alforzas o encajes de pasalistón, la
falda es muy amplia y puede ser confeccionada en tela de color
lisa, adornada con encaje o tela con dibujo utilizando contraste con
la blusa y sobre fondo blanco, dibujo de color de la blusa. La falda
siempre es a media pantorrilla terminada con un olán con cabeza
que puede ser tableado o plegado y adornado en su orilla con un
apunta de encaje. Otra combinación usada en esta misma región
es la confeccionada con blusa blanca siempre de tela transparente
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y la falda en tela a cuadros o lisa de algodón estampada, ya sea con
dibujos o a cuadros, también confeccionan la misma falda con olán
abajo en su orilla, más otro olán que colocan a manera de polizón,
dando la impresión de llevar un delantal al frente subiendo hacia
los costados en redondo y uniéndose atrás en la cintura y
adornándolo con una banda a manera de cinturón de una tela
diferente de un solo color de los usados o como fondo o como
dibujo de la falda.
La blusa para este vestido puede ser de la misma tela
adornando las mangas y la bata con encaje blanco.
“CONTRADANZA”
Para bailar contradanza la falda lleva un detalle especial en
su confección y es el de tener el olán sin cabeza en tela de color
liso gruesa, un espacio sezgado de 5 cms. Aproximadamente a 8
cms. máximo en tela transparente y la blusa además de las mangas
y cuello alto igual al descrito anteriormente, rematan su bata con
pequeñas ondas que salen de media siza hacia el centro del
delantero.
Usa banda de color transparente o de la misma tela
contrastante, haciendo un gran moño atrás, el centro de la bata es
alforzado.
El hombre usa para bailar el traje de diario que usa para el
campo, y consta de pantalón tipo vaquero en negro, azul marino o
café, en cualquier tono desde el beige, camisa de color liso con la
bata en contraste, también los vivos (se hace en tela de algodón),
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la manga es larga y el puño del mismo color que la bata, el cuello
es sport y abotonado hasta arriba del mismo color de la camisa y
como corbata usan una mascada delgada, un paliacate o corbata
de cordón, no usan el amarillo para contrastar.
Usan bolsa del lado izquierdo (son dos tipos de bolsa, una
cuadrada y otra un poco redonda).
Sombrero tipo tejano y botín o bota tejana, cinturón ancho
con una o dos hebillas.
El hombre para bailar contradanza usa también pantalón
ceñido con aletilla a los lados con costura, la camisa es de
gabardina y la usan como chaquetilla (pantalón de gabardina), pero
nunca va del mismo tono que el pantalón, la chaquetilla por lo
general es beige.
La chaquetilla es a la cintura y lleva en la orilla de la bata las
mismas ondas que el vestido de la mujer, con vivos de un tono más
oscuro o más claro, igual que en la orilla del puño, en la parte de
abajo lleva un adorno sobre puesto que termina en dos picos y
abotona al frente y atrás para ajustarla al cuerpo.
Los señores grandes de la región usan el traje de su época,
siendo siempre en negro y de casimir, llamado “traje de catrín”,
siendo el pantalón igual al descrito anteriormente y en el lugar de
la chaquetilla usan un saco corto a la cintura de mangas más cortas
que la manga de la camisa para que salga el puño de la camisa y
terminado en onda los delanteros (camisa blanca), y su mascada
delgada con un nudo y siempre negra, para bailarse la contradanza
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se usan dos pañuelos siempre blancos, uno en cada mano para no
manchar el vestido de la compañera, ni humedecerle la mano, los
jóvenes que actualmente usan este modelo, usan telas de cuadros
o rayas en contraste (en el traje de pantalón y saco), el botín
siempre negro y para bailar no usan sombrero.
TAMAULIPAS
En el Estado de Tamaulipas hay una gran variedad de trajes,
ya que son usados en formas diferentes para sus distintas
manifestaciones folklóricas bailables como son: La Picota, La
Redoba, El Chotis, La Polka, y el Son Huasteco.
Para la Picota usan trajes de manta, de falda muy amplia
circular con flores o grecas siendo éstas las que dominan en el uso
del estampado para adornarlas en la parte baja y alrededor de la
misma falda y en el escote cuadrado de la blusa o redonda, casi
siempre también de manta, el largo de la falda es al tobillo, pueden
usar o no huaraches, bailan descalzas, usan enagua blanca, lisa y
trusa.
El hombre usa calzón de manta recto o ligeramente
aglobado y lo amarran al tobillo, la camisa también es de manta,
suelta por encima del pantalón y sobre las caderas, cuello alto, con
bata y ligero pliegue, la manga larga con puño, también puede usar
o no huarache, la tradición es que todos bailen descalzos.
Como instrumentos musicales para acompañar estas
melodías usan una flauta y un tambor de doble parche.
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Para bailar Polka, redonda o chotis usan un traje de
características similares a la ranchera norteña pero en tela floreada
y los adornos son de encajes blancos, la manga es corta aglobada,
termina con olancitos de encaje o pasalistón y moñitos a los lados,
es vestido completo en tela de algodón floreada en pequeño, muy
amplia y con un solo olán, con cabeza de la misma tela y remate de
encaje blanco en su orilla, igual que en las mangas y en la pechera,
usa banda de color liso con moño atrás en la cintura en color
contrastante o semejante al de las flores, usan enagua blanca de
olanes y encaje blanco (con un solo olán, dos o tres).
Todos llevan botas de cualquier color (preferentemente
negras o blancas). No usan rebozo, sino chalina cuando para un
baile la necesitan, pero es más frecuente su uso en el Estado de
Coahuila.
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El hombre usa pantalón tipo vaquero, en azul marino, o
color caqui, camisa a cuadros, cinturón ancho con estoperoles,
paliacate en el cuello o abajo del cuello de la camisa, amarrado al
frente o al lado, cuello sport, botín y sombrero tejano.
El traje utilizado para huapango en Tamaulipas, está
formado por tres piezas para la mujer, se confecciona en gamuza
con aplicaciones de piel blanca de cabritilla en diferentes formas
caprichosas, pero siempre siguiendo la línea curva para darle
mayor realce a la forma, la falda es en línea A, a media rodilla, o
debajo de la misma con el largo de los flecos que remata esta falda
en lugar de dobladillo, la blusa es siempre blanca en tela de
algodón de manga larga con puño y cuello sport abotonado hasta
arriba, usa una mascada roja que anuda el centro del cuello de la
camisa.
A veces usa chaleco redondeado en sus frentes hasta un
poquito debajo de la cintura la terminación de los flecos y también
adornado al frente y en la espalda con los mismos motivos de
aplicación de piel realmente lo que debe usarse, utiliza la cuera
que es un saco o chamarra con mangas adornadas en su unión
también con fleco en la parte de abajo en la orilla de la bata del
frente en forma de pico y recto en la espalda, toda la bata va
adornada con las mismas aplicaciones de piel en algunas ocasiones
la bota tipo tejana pero ya no es costumbre, trenza su pelo atrás
arriba (cola de caballo) y lo adorna con un listón rojo como la
mascada, pero algunos bailes como el caballito en especial utiliza
fusta (látigo con que se le pega a los caballos).
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El hombre usa pantalón ceñido también de gamuza de color
liso, sin aplicaciones, camisa blanca de manga larga, mascada en el
cuello puede ser también paliacate rojo y cuera, como sombrero el
tipo tejano, botín café ya sea en gamuza o piel y en algunas
ocasiones (depende del bailador) usa chavinda (reata con la que se
florea) con la que encierra a su pareja al bailar con ella y termina
floreando y bailando con ella dentro del círculo formado por la
chavinda.
De estos tres trajes descritos, el de picota corresponde a la
región de la Sierra, la Redoba y el chotis al norte de Tamaulipas a la
zona fronteriza y al huapango a la zona tropical de la Huasteca.
GUERRERO
En el Estado de Guerrero aún cuando el folklore bailable es
muy extenso solamente mencionaremos algunos de sus bailes y
vestuario utilizados para unas danzas y bailes característicos de la
región.
El más conocido entre los trajes de la costa es el de
“Acateca”, es azul marino generalmente con franjas horizontales
de color más claro rematados en su orilla a lo largo por unos
cuantos hilos de color amarillo con lo que se marca una cenefa que
limita el color gris claro o azul (sin llegar al tono celeste) del azul
marino, el bordado que va en las franjas claras siempre es una
articela en colores fuertes contrastantes y por su material de gran
estilo, los motivos ornamentales que usan en estos bordados son
siempre flores de corolas abiertas presentándolas de frente, hojas
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verdes matizadas oro y animales como: borregos, águilas de alas
abiertas en las que estampan los colores de la bandera nacional
mexicana en sus alas leones amarillos casi naranjas, tigres
manchados y pájaros, todos estos conservan en su silueta una
forma de expresión primitiva rústica ya que sus lineamientos no
son proporcionales.
La falda está formada por dos tiras largas de telar de mano
que unen entre sí, quedando la franja más angosta hacia la cintura
y la más ancha hacia abajo.
Esta falda la cierran a un solo lado y tablean sobre el cuerpo
a un solo lado también y ciñen con una cinta roja o ceñidos
amarrando del lado derecho, hay quien le pone jareta y cordones
pero no es aconsejable esta forma de uso porque aumenta en
exceso el volumen del cuerpo, es preferible hacer las tablas y
coserlas por encima para ajustarlas después con el ceñidor.
La blusa es blanca en algodón o en chermesse y los dibujos van
colocados siguiendo la forma del rectángulo que forma éste, el
centro formado por un círculo entre los lados más angostos (que
forman los hombros). La orilla del cuello y de la zona ocupada para
los hombros va rematada con punto de ojal también en articela en
colores fuertes y contrastantes como los usados en los dibujos, en
el rectángulo está colocado el círculo del centro para formar el
cuello y en las regiones bordadas sobre los hombros quedando un
dibujo pequeño al frente y algunas veces otra igual o de tamaño
más reducido en la espalda, la orilla del frente se enrolla hacia
arriba hasta la cintura y se amarra hacia atrás sobre lo que cuelga
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de la espalda sobre las caderas quedando esta parte sobre la falda
atrás.
Sobre la cabeza usan una jicarita roja floreada con flores
chicas, laqueada y con diferentes colores.
Este traje es propio para bailar chilena, gusto y sones de
Tierra Caliente; aunque también es aceptable para los de artesa, el
bailarse con la falda amplia a media pantorrilla adornada con un
olán, ya sea toda de color liso y con adornos de espiguilla o cintas
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en formas de zig-zag encontrados o en tela de algodón floreada,
más angosta y de largo hasta el tobillo, usadas estas 2 faldas con
enagua blanca de 2 o 3 olanes, una blusa blanca escotada en
redondo y de olán en toda la orilla cerrándolo con un listón, mismo
adorno que coloca en la orilla de las mangas que son pequeñas y
amplias, cuando la falda es de color liso pueden adornarlas
colocando el rebozo en la cintura con una lazada del lado izquierdo
por la que pasan las dos puntas. Puede usar huaraches, o
descalzas, o con zapatillas cerradas de tacón ancho. Su peinado es
de dos trenzas ya sea de columpio, sueltas o amarradas, dobladas,
la orilla en el nacimiento de la misma trenza y adornadas con
moños o flores naturales.
Para algunas fiestas de fin de año se hacen collares de flores
de zempasuchitl que colocan como la liana de Hawai.
El hombre va vestido igual que el ranchero del sur, con
huarache o botín.
Otro traje de esta región es el de Amuzga, que es de manta y
está formado por un huipil ancho y largo, hasta media pantorrilla,
con bordados en franjas horizontales, generalmente combinado el
color rojo sobre la manta. Como enredo, lleva una tira larga a la
que da un poco pliegue a la cintura y adorna con una cinta de
color, contrastante usando diferentes formas o dejándolo en
franjas horizontales dando un largo total al tobillo, para bailar usan
huaraches y llevan una mascada de material delgado de un solo
color, trenza su pelo y lo coloca alrededor de la cabeza, adornando
las trenzas con listón planchado sin moños.
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Las danzas más conocidas en el Estado de Guerrero son:
“Los Tlacololeros” quienes representan a los hombres que cuidan
el tlacolol, (lugar donde guardan el maíz) para que el tigre animal
pendenciero del rumbo no haga fechorías. Estos tlacololeros bailan
acompañados por 4 perros, un maizo, un salvador o sea el fuereño
que les ofrece ayuda para la caza del tigre y un huesquiscle que es
el payaso de la danza y el tigre que se pasa merodeando a los
corrales, la siembre y la cosecha de los tlacololeros y guiados por el
maizo y el salvador y haciendo travesuras con el huesquiscle, la
ropa usada para esta danza está formada por un pantalón blanco
de algodón o un overol de dril, camisa de color, siendo ésta de
manga larga y encima lleva un cotón cerrado, de forma rectangular
a los lados con una manga completamente recta formado con tela
de costal burdo (lazo o yute grueso) para protegerse de las garras
de los tigres y de los chirrionazos que se dan entre cada uno de los
mismos tlacololeros, usan enredada en el brazo izquierdo una tira
de la misma tela de costal amarrada con lazo; la cara la cubren con
una máscara de madera de zompantle, madera blanca que permite
que se talle a mano, ésta tiene facciones bruscas y un tanto
grotescas del hombre del campo con bigote, ojos grandes
desorbitados, boca grande de labios gruesos y aparenta tener la
piel sumamente tostada por el sol, usa sombrero muy grande en
proporción a su cabeza resultando un tanto ridículo por su tamaño
ya que a veces los usan de copa muy alta y delgada; como calzado
llevan el botín y un paliacate anudado al cuello para evitar el roce
del ixtle del cotón y cubrirse el cuello del sol y este material.
El maizo no lleva sobre la unión, el cotón de ixtle y en lugar
de chirrión lleva una botella con la que se anima y envalentona, el
salvador quien es fuereño y va vestido como si fuera cacería con
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rifle y casco, botas de tipo minero, el huesquiscle de la danza, va
lleno de remiendos, con ropa vieja, aguda, peluca mechuda y un
sombrerito pequeño con el que asusta el tigre pasándose toda la
danza haciendo movimientos chuscos a veces; y siguiendo el paso
de los tlacololeros en algunas frases musicales.
El tigre todo el tiempo de la danza se la pasa asustando al
huesquiscle haciéndose el que no ve cuando este se mete a los
corrales, formados por los danzantes para ejecutar algunos pasos.
Durante la parte de la danza en que se efectúa la caza del
tigre, éste queda rodeado por los danzantes hasta que lo matan y
lo destazan terminando en los hombros de los tlacololeros para
hacer su salida.
Otra danza tradicional en Guerrero es la de los diablos y van
vestidos con pantalón de chermesse abombado hasta debajo de la
rodilla, medias de hilo, huaraches, camisa de chermesse de manga
larga y en sus espaldas una capa corta de chermesse con una cara
pintada al centro con expresión grotesca y ribeteada con fleco,
llevan una máscara de madera blanca con cuernos y formando sus
fracciones diferentes animales como arañas en los pómulos,
viborillas en los ojos una lagartija en la nariz.
Uno de los personajes principales de la danza es la muerte y
el otro es Luzbel acompañando a todos los diablos; suelen llevar
algunos grupos un tridente, (forma de tenedor, con un pico largo al
centro, terminados en forma de punta de flecha cada uno de sus
picos).
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El acompañamiento musical está formado por una guitarra,
una caja que abren y cierran golpeándola y una quijada de burro
que raspan con una madera redonda.
Luzbel lleva falda en lugar de pantalón y la muerte usa una
unión negra con los huesos del esqueleto pintados en blanco, lleva
la cabeza completa de la muerte y en lugar del tridente lleva
guadaña.
La danza de los Santiagos o Santiagueros, también conocida
en esta región, es bailada también por hombres solamente unos
usan unos vestidos largos hasta media pantorrilla en chermesse
blanco bordando toda la parte superior del delantero y los puños
de las mangas largas, este vestido lo usan sobre el pantalón,
algunos llevan capa también blanca, larga, rectangular o
ligeramente redonda, bordada en toda su orilla y adornándola con
flecos; otros usan pantalón largo o pantalón a la rodilla abombado.
Usan tocado alto adornado con plumas largas como avestruz
en diferentes colores y se acompañan musicalmente con una
guitarra, concha, flauta y tambor.
Algunos danzantes colocan con el pantalón a la rodilla
medias de algodón y también huaraches. En su grupo incluyen a un
payaso vestido en forma ridícula no como payaso de circo, sino
como persona sumamente humilde. (Pordiosero) que trae un
animal muerto sostenido por la cola y una botella a medias de
aguardiente, con lo que se pasa haciendo bromas y ridiculizando a
quienes bailan.
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Sus figuras coreográficas son por parejas, partiendo siempre
de 2 hileras en cuartas y parejas, diagonales con las personas de la
otra hilera.
OAXACA
De esta región su folklore es tan variado que solamente
citaremos lo más conocido en sus trajes y en sus ejecuciones
bailables, iniciando con los trajes de Tehuana: el de Mareña y el de
Lujo, siendo éste en terciopelo negro bordado a mano, con hilos
brillantes de diferentes colores, para bordar siempre flores y hojas
más pequeñas en distintos tonos de verde, esta falda va rematada
con un olán de encaje, generalmente de algodón o algodón y
articela almidonado y plisado y siempre blanco, de un tamaño
aproximado de 30 cms. Cuyo largo total da al tobillo, como es recta
la falda y no muy amplia, lleva jareta o cintas con pliegue en la
cintura que cubre el huipil también de terciopelo negro, en forma
rectangular, cuyo largo es a la cadera abierto a los lados para
formar la manga con cuello redondo y bordado con los mismos
motivos que la falda; este huipil es amplio, no lleva pinzas, ni
costura en los hombros, bajo la falda lleva una enagua blanca
almidonada, de tela de algodón con un olán de encaje abajo
también blanco y el largo es casi a la altura de la falda, siendo éste
un poco más corto; el huipil grande es de encaje, tiene la forma de
un ropón o vestido de bebé de forma rectangular, ligeramente más
amplio abajo, de escote redondo igual al frente y atrás con la siza
recta de la que salen dos manguitas rectangulares largas adornadas
con un olán de encaje de punta en la orilla, mismo que se coloca
alrededor del cuello (por donde sacan la cara las Tehuanas cuando
se lo ponen para ir a misa) también lleva olán pero más ancho, de
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encaje tableado almidonado y planchadas las tablas en la parte
inferior del vestidito y éste lo colocan en la cabeza abierto,
cayendo una parte sobre los hombros y la espalda haciendo que se
levante hacia arriba como resplandor, con el peinado de dos
trenzas entrelazadas con listón, con las que rodean la cabeza y
adornan en ocasiones con flores naturales o artificiales y un moño
grande de listón ancho del no. 10, planchando en sus gajos, sobre
los hombros usan una prenda de forma triangular, hacia la cintura
el pico corto, de encaje, igual al frente que atrás con fleco es de
hilo de oro torcido de un largo aproximado de 10 cms. Cada hilo
pero no es indispensable ya que sólo lo tiene un porcentaje muy
reducido de monedas de oro de dos pesos $2.50, $5.00, monedas
nacionales, dólares o extranjeras y las rematan con una moneda
más grande de la que cuelgan dos pequeñas cadenas y otra
moneda más pequeña que la anterior, adornadas con rositas de
oro, les llaman canastas.
Otro traje también de tehuana es el conocido como de
mareña o de enredo, éste consta de una tela larga en su ancho con
una pequeña franja de otro color que corresponde a la altura de la
cadera, siendo casi siempre de color naranja o amarillo, sobre el
fondo de un tono entre lila y morado rojizo con la que envuelven
su cuerpo como enredo terminando sobre la cadera del lado
izquierdo, la ciñen con una faja de cualquier color pero nunca
bordada y complementan su traje con un huipil también
rectangular de cuello redondo ancho, con sisas rectas que caen
sobre el brazo dando forma de manga y con un largo este huipil
hasta la cadera, suelen hacerlo en terciopelo negro o cualquier
color en chermesse y adornarlo con franjas en amarillo del trabajo
conocido como cadeneta con el que forman rombos, rellenos por
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EL IMPERECEDERO ARTE DE LA DANZA EN MEXICO
ser el hilo trabajado en líneas diagonales, generalmente usan para
su confección dos franjas.
Con este traje van descalzas y para bailar usan una
mascada de cualquier color, cualquier material y dibujo,
misma que prenden a la cintura de una de sus esquinas a
uno y otro lado de la cintura como si fuera la falda. El
hombre usa pantalón oscuro, camisa blanca de cuello y
manga larga, con puño, suelta por fuera del pantalón, a
veces amarrada al frente y zapatos de calle o su traje de
calle.
VESTUARIO DE LA REGION DE LA SIERRA
En esta región están los mixes quienes visten: la mujer con
una falda amplia y larga de manga en lienzos plegados y pasados
por un hilo a través de cada pliegue que mide aproximadamente
medio centímetro, encima usan un huipil blanco tejido en telar de
mano con entresacado de rombos que bordan en su orilla con
cordón o puntada de ojal, a donde regresan las 2 puntas tejidas
con motas de los mismos hilos sodejando abajo una tela
transparente para después sacar la manta (magenta), mismo
motivo que repiten en el otro hombro que caen sobre el antebrazo
ya que el huipil es ancho de cuello de ojal y largo hasta debajo de la
cadera, se corta de una sola pieza sin costura en los hombros,
uniéndose de abajo hacia arriba, dejando el espacio sin costura
para sacar los brazos, este huipil va metido dentro de la falda que
ciñen con un ceñidor siempre en color magenta o sea rosa muy
fuerte, ancho y grueso que doblan en 2 o 3 y amarran del lado
izquierdo después de darse una vuelta completa, colocando la
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mitad del lado izquierdo a donde regresan las dos puntas tejidas
con motas de los mismos hilos sobrantes que quedan como fleco,
su rebozo es blanco (en hilo de algodón), y lo usan con hoyitos
calados en el mismo dibujos del tejido y lo usan doblado en 4
partes a lo largo o en 3 para quedar más ancho sobre la cabeza con
puntas hacia atrás sobre la espalda y sus 2 trenzas tejidas sin
moños amarradas solamente con cordones oscuros (comités),
colgando hacia el frente, este rebozo también es tejido en telar de
mano, usan huaraches y no lleva collares.
Este traje se usa para bailar los sones de Betaza.
Otro traje de la Sierra de Oaxaca es el Yalalag.
La Yalalteca viste una falda de tela de algodón de telar de
mano, con franjas horizontales de color ligeramente mostaza sobre
fondo (beige), angostas, aproximadamente de ½ cm. Cada una,
siendo el rayado horizontal en un solo lienzo largo con que
envuelven su cuerpo una vez, y tablean en forma ancha quedando
las tablas encontradas y grandes al frente, al centro del cuerpo o
colocando las tablas abiertas hacia los dos lados, también anchas
hasta formar el ancho de la cintura, ésta va ceñida y como camisa
usan un huipil de una sola pieza en hilo de algodón con cuello de
ojal (del frente hacia atrás), largo hasta media pantorrilla, con la
orilla de abajo bordada en tramos cortos con hilos de articela de
colores abiertas, sobre puesta, cosida a lo largo del huipil, lleva un
trabajo especial de acordando más grueso en la parte que
corresponde a los hombros, siendo en forma horizontal y también
va adornado con una trenza de hilo brillante en un solo color o en
diferentes, con puntas en sus extremos y la cosen horizontalmente
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a la orilla del cuello dejando colgadas las puntas, igual colocan otra
en la espalda.
El ancho de este huipil aproximadamente con los brazos
extendidos, la medida de codo a codo.
En la cabeza usa un tocado grande abultado, redondo y
tejido entrelazado, con cordones siempre negros, con unas puntas
colgando de la misma lana negra y se llaman tlacoyales. Usa
huaraches de dos trabas.
El hombre usa calzón blanco de manta, amarrado en el
tobillo y camisa de manga larga, de cuello alto, amplia y suelta
sobre el calzón también de manta, con puño, un sombrero chiquito
de ala ancha y levantada alrededor de la copa que parte como
pilchillo (es negro, llamado panza de burro).
Usa huaraches y ceñidor generalmente en rosa magenta
(mexicano), algunas veces coloca un zarape de lana a la usanza de
la región mixteca, a lo largo y sobre el hombro derecho con las
puntas hacia atrás, una sobre la espalda y otra bajo el brazo
derecho.
“REGION DE LA CAÑADA”
Uno de los trajes de esta región es el de Huautla de Jiménez,
este traje está confeccionado en tela de otamirca o cuadrillé, en
blancos, formando con un rectángulo largo y ancho un huipil de
una sola pieza, sin costuras en los hombros, al centro va sacando el
cuello redondo y adornado en su orilla por una tela de color fuerte
sobre la que colocan también en tela de encaje y ribetean en el
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círculo de afuera, con un pequeño olán de encaje, casi sin pliegue y
dos cintas como bies con una tela de color fuerte angosta.
Unidos listones de tres en tres, quedando al centro rosa
mexicano y a las orillas azul agua, siendo de tres centímetros o dos
y medio de ancho cada listón, se colocan cosidos a lo largo del
huipil en forma vertical, partiendo de la unión del cuello y hombros
hacia abajo, igual al frente que atrás y formando cuadros, se cosen
listones de los mismos colores, unidos entre sí alternando sus
colores un rosa, azul, rosa, azul y rosa de cinco a siete, quedando
una tira horizontal en donde termina el huipil abajo y otra a la
mitad del largo pero cosida solamente del primero de arriba al
huipil.
Los flores son de diferentes colores bordadas con punto de
cruz y cuando bordan pájaros es al pasado (puntadas largas,
grandes) abajo lleva una enagua blanca de algodón hecha en tela
de mano con una franja de manta en la parte superior donde
colocan el ceñido después de tablearla para un solo lado alrededor
de la cintura, el largo total es arriba del tobillo y este orilla va
bordado con una cenefa de aproximadamente 5 cms. De ancho en
lana rojo vino en hilo delgado en pequeñas franjas horizontales;
sobre esta, van dibujados y bordados pequeños muñequitos
alterando una figura de un hombre y una mujer con los brazos
abiertos y doblados hacia arriba, o animalitos, no usa huaraches, ni
zapatos y su peinado es de dos trenzas sueltas sin moño.
Para los sones de Pochutla la mujer usa una falda amplia en
color de chermesse con 3 olanes adornados con encaje entre ellos,
siempre en blanco el encaje, incluyendo el de la orilla del último
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olán que llega hasta media pantorrilla, usa blusa blanca escotada y
manga corta, zapatos de tacón generalmente negro y se peina con
dos trenzas sueltas colocando sobre su cabeza para bailar algunos
sones sombrero de petate de los de ranura, cuando usa rebozo la
coloca como carrillera cruzándolo al frente pasando por atrás en la
cintura las puntas pasan por los hombros a la espalda y este le sirve
para tratar de tirar a su compañero, bailando pasando el rebozo
que coge de la pintas, por la espalda del compañero hasta llegarle
a las corbas o a los tobillos con un movimiento es rápido sin perder
el paso de su ejecución tratando el de impedir que lo tiren. Él viste
pantalón oscuro, zapato de calle o botín y camisa banca o de
chermesse de color, amarrada a la cintura, con el cuello sport
abierto y un sombrero igual al de su pareja sobre la cabeza.
REGION DE LA MIXTECA
En La Mixteca se usa para su jarabe tradicional una falda
larga amplia de tela floreada de algodón con 3 olanes sin cabeza
unidos entre si y de la misma construcción, la enagua de tela de
algodón blanca, la blusa es blanca escotada en redondo con manga
corta ligeramente aglobada y una mascada de color cuelga de la
pretina de su falda, usa huarache y peina sus cabellos en dos
trenzas que puede adornar con chomites o listones angostos, su
pareja viste calzón de manta, camisa del mismo material suelta con
bata plegada y sobre su hombro derecho coloca un zapare de lana
oscura que sujeta atrás, usa huarache y paliacate en el cuello, el
sombrero es el charrito antiguo de capa alta y ala recogida en
fieltro casi siempre de color oscuro.
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CAPITULO III
GUIONES ESCENICOS
Es indispensable para todo maestro conocer varias
indicaciones previas a la realización de un festival para poder
conseguir el resultado apetecido, estos lineamientos podrán
ayudarle a explorar el medio y lugar en donde se llevará a cabo la
presentación.
I.- tipo de festival:
a) Diurno, vespertino, o nocturno.
b) Unidad o programa variado.
c) Popular o literario.
II.- Que clase de participantes:
a) Estudiantes u otros elementos.
III.- Que tipo de música:
a) Con banda.
b) Con orquesta.
c) Con grabaciones.
d) Con piano u otros instrumentos.
IV.- Vestuario y utilería:
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Si lo van a alquilar y se cuenta con partida para ello, o se va a
confeccionar y por quién, para poder hacer las indicaciones
necesarias para lograr igualdad en colorido y confección.
Si hay material aprovechable o utilería que se elabore como
trabajo manual.
V.- Escenario:
a) Sobre cemento, tierra o algún otro material.
b) ¿Se colocará algún tablado?
c) Habrá escenografía o algún ornato fijo.
d) Hay lugar específico para entradas y salidas de los
contingentes.
e) Dimensiones.
VI.- Espectadores:
a) Situación del público en relación con el escenario,
b) Situación del presidium.
1- a) Servirá para saber si pueden aprovechar los efectos de
luz naturales o artificiales en caso necesario.
b) Si es una unidad, deberá relacionarse con el tema,
habrá que adaptarse a él para lograr un buen efecto con la
escenografía u ornamentación natural o elaborada con el fin de dar
ambiente, si es programa variado habrá que colocar los motivos
ornamentales que se presten a la interpretación de los números
que se ejecuten.
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c) Si es de tipo popular o literario deberá considerarse la
colocación del micrófono en el lugar de ejecución.
2- Considerar si los participantes necesitan espacio
determinado para sus movimientos de entradas, salidas, cambios
de ropa o entrega de material de utilería.
Si son otros elementos los participantes en combinación
con los alumnos deberá asignárseles espacio para evitar “lagunas”
y lograr con ello continuidad.
3- Si el acompañamiento musical debe estar incluido como
parte de la escenografía o en un lugar específico cuidando de la
colocación de las bocinas previo ensayo para lograr un buen efecto
de sonido.
4- Revisar con anterioridad y de ser posible hacer un ensayo
con ello.
5- Considerar el piso para la ejecución de los movimientos
evitando así molestias al espectador.
6- Procurar que la coreografía de los bailes o danzas
presentados cubran todos los frentes.
Tomando en consideración el tiempo por transcurrir
para la presentación se procurará dar tiempo de ensayo con
horario a los grupos participantes.
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A continuación se presenta una sugerencia para la
presentación de un cuadro costumbrista.
FERIA EN JALISCO
El mariachi inicia Guadalajara y se hace su entrada al
escenario siguiendo el ritmo de la música surgen parejas que
cruzan la escena de diferentes direcciones (caminando despacio)
algunos para colocarse a los puestos de vendimia colocados
estratégicamente y otros para efectuar el tradicional paseo
alrededor del jardín.
Al acercarse unos al puesto de lotería en donde ya habrá
colocados otros, pequeños artistas se acomodan con sus tablas y se
empieza a gritar la lotería.
“La que vendrá por ti mañana”
LA MUERTE CON SU GUADAÑA.
“Ya te vi pescuezo de hule”
LA GARCITA ENTRE EL TULE.
“El abrigo de los pobres”
EL SOL.
¡LOTERIA!
Fue buena, jugadores, si hay otra se paga.
Cuando se oye el grito de lotería y las exclamaciones de
gusto de los concurrentes el mariachi toca “El jarabe”
(participación de un grupo) quienes son aplaudidos y seguidos por
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un grupo para que bailen un son jalisciense acompañados por el
mariachi.
Al terminar la ejecución bailable, el mariachi interpreta una
canción popular mientas la gente se mezcla entre sí, (el mariachi
pasa al frente del escenario, cuando estos terminan, se escuchan
las voces de los vendedores de algodones y aguas frescas y a
quienes ofrecen suerte en los juegos de azahar).
1- algodones de azúcar (grito largo)
2- frescas y heladas el agua… hay guananas.
3- Palomitas de dulce y de sal cuantas le damos güerita.
4- Pásale señorita, prueben su suerte señores.
Uno de los participantes al paseo pide a los concurrentes
dejen espacio para que un grupo de bailadores interprete “EL
Caballito” quienes son seguidos al terminar por un grupo que
interpreta otro son jalisciense. Al terminar está interpretación se
oye entre la gente de un extremo:
SILENCIO SEÑORES… (Grito fuerte, fraseado).
Cierren las puertas.
Pelea de compromiso.
“El Pinto” de San Juan de Analco de 2 kilos 300 gramos con
navaja larga.
“El Colorado” del Barrio del Santuario de 2 kilos 200 gramos
con navaja larga.
Hagan su apuesta señores.
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Interrumpe el mariachi tocando una canción popular dando
oportunidad a los vendedores de ofrecer su vendimia (mímica), se
retiran estos al ver que los bailadores se disponen a interpretar “La
Culebra”, quienes invitan a todos los concurrentes a bailar “EL
Jarabe Tapatío” dando por terminada la presentación con “LA
NEGRA”; interpretada por el mariachi mientras los participantes
sueltan globos y serpentinas.
BODA RANCHERA
Al levantarse el telón ya deberán estar colocados los grupos
que esperan el momento en que la pareja haga su entrada a la casa
acompañada por sus invitados, la escenografía deberá presentar
una mesa, sillas y un lugar para que esté la pareja debiendo estar
éste adornado, a un lado deberá estar un bracero alto con papel
que simula ladrillo y arriba colocadas cazuelas de las que simulen
servir la comida en honor de los festejados.
Al hacer su entrada la pareja se escucha la música del
mariachi que toca el pasajero en sus últimos acordes los reciben
con vivas y aplausos y empieza la música de un son jalisciense El
Triste, este es seguido por la jota tapatía sin hacer caravana de
gracias entre ellos, la gente se mueve de sus lugares al compás de
la música haciendo mímica de felicitaciones y brindis para la pareja
y otras de las participantes distribuyen entre los concurrentes
platos servidos, mientras esto sucede se agrupan para bailar el
pasacalle y El Gusto al terminar la ejecución se escucha el mariachi
que toca el Huerfanito, momento en que aprovechan para hacer la
entrega de sus presentes y hacer un brindis a coro de Vivian los
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novios, vivan. Se bailan El Zihualteco y El Jabalí, Guadalajara y la
Zamba, al terminar a coros gritan La culebra, bailan la Culebra, y se
escuchan los primeros acordes de la misma, que aplauden y entre
estos por grupos y saliendo del escenario agradecen para bailar El
Jarabe Tapatío.
DIA DE PESCA EN SANTA FE
Es el atardecer, los tarascos han ido a la iglesia para pedir
por la temporada de pesca que se inicia, hacen su entrada al
escenario con una música de fondo michoacana Flor de Canela,
portando velas encendidas que van a depositar a un pequeño altar
colocado en un ángulo del escenario, quienes llevan sus productos
para la vendimia se pasean por el escenario ofreciendo su
mercancía, la vendedora de flores se sienta en el piso y las ofrece
desde su lugar las mujeres y hombres jalan las redes y las
acomodan colgadas unas y en el piso otras. Los participantes se
sientan unos en el piso y otros en cuclillas. Algunos simulando estar
arreglando sus redes y otros por grupos, mientras esto sucede se
preparan quienes bailan La Sonaja y la bailan seguida de Región
Anap y Quiringua. Los pescadores hacen su entrada a quitar a las
bailadoras para anunciar que ellos bailarán el pescadito quienes al
terminar jalan a los bailadoras de las magdalenitas, cuando estás
terminan se ve movimiento escénico de quienes están tomando y
comiendo y de quienes arropados por el frío se acurrucan con su
gabán. La fiesta se reanima y se oye la costilla en la que a medida
que se baila se oyen vivas de quienes ven la ejecución y se
adelantan entre los vivas a bailar el jarabillo para dejar al terminar
su ejecución que participen los viejos del pueblo que presentan la
Danza de los viejitos y terminan con el jarabe Michoacano, al
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terminar salen cargando sus redes y sus pescados simbólicos, sus
velas y lo que quedara de su vendimia.
FIESTAS EN SAN CARLOS
Hacen su entrada al escenario todos los participantes
guiados por la picota, se acomodan en diferentes lugares y
actitudes escuchando la música de la picota, aplauden la ejecución
y se preparan para bailar la picota San Carlos y El Cañón seguidos
un grupo de otro, se retiran a los lugares en donde estaban
colocados en pequeños grupos y los demás participantes participan
de la vendimia de los lugareños haciendo mímica de esta tomando
y comiendo o comprando, para los ejecutantes de la polka se les
hace un espacio que van agrandando a medida que estos se
presentan bailando y se presentará a China a Braco, lo que provoca
aplausos pero su agradecimiento no deberá prolongarse,
haciéndolo unos al público y otros a los grupos que se encuentran
en el escenario, se presentará Dedos Ágiles seguido por la Florecita
y con unos compases de huapango se retirarán los grupos que
bailaron haciendo la mímica otros de participar en juegos como la
lotería y el juego de los aros que provoca algarabía y entra varias
personas retiran los animales de barro y los aros para dar entrada a
los bailadores de Huapango. Estos se presentarán en el siguiente
orden La Presumida, El querreque y El Tamaulipeco.
Al terminar este último en pequeños grupos darán las
gracias al público y regresarán a su lugar para cerrar el telón, en el
menor tiempo posible y sin lagunas de espacio se hará este
movimiento.
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Lineamientos que servirán para la preparación de otros
cuadros costumbristas.
“TAMAULIPAS”
Clima tropical, región denominada Huasteca, Tamaulipas
significa lugar donde abunda la flor tamaulipa y según su
etimología Tam-lugar uli-movimiento pa-agua “lugar de aguas en
movimiento”.
El sur del Estado lo poblaron los mayas y el centro y norte de
la entidad los Mayas que dieron origen con otras tribus
(trashumantes) tribus bárbaras a los huastecos o a los Huextecos
reducidos a la región huasteca con capital en China, situada en la
orilla del lago Chairel, comprende el Estado tres regiones muy
marcadas en sus manifestaciones folklóricas y son la serranía de
San Carlos de donde es originaria la Picota, la Región del Norte
donde se baila la Polka (origen polaco) la Redoba, El Chotis y la
Región Huasteca de donde son los Huapangos.
La región noroeste es una superficie plana con ligera
inclinación al mar, las aguas de la comarca van hacia el golfo y el río
Bravo sirve de límite entre este Estado y los Estados Unidos.
El Estado por su situación fronteriza recibe gran influencia y
estímulo notables principalmente entre la ganadería, siendo sus
principales municipios ganaderos, Abasolo, Aldana, Altamira, Llera,
San Fernando, Ocampo, Burgos, Niquhuana.
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La agricultura fue formada por el gobierno local en
diferentes municipios en donde han colocado granjas
principalmente en Tula, la caza la practican todos los campesinos
tan sólo como deporte y entre los animales cazados están el
Castos, el gato montes, el zorrillo listado, el puma, el pato, el ganso
migratorio, la paloma montareña, el venado cola blanca, el tejón, el
oso negro, el tlacoyote, el coyote, la chachalaca, el guajolote, el
pato real, la codorniz, la zorra gris y la garza.
Entre sus artesanías están la manufactura de sillas y piezas
de mueblería en alambrón, vara y tule, trabajan la concha de mar,
también elaboran cotones y colchas de lana, entre sus comidas
regionales tradicionales, están la machaca, la carne a la
Tampiqueña, los tamales, el cabrito y las empanadas de camarón.
“GUERRERO”
Estuvo poblado por varios grupos indígenas, Los Aztecas,
Mixtecas, Tlapanecas, Amuzgos, Chontales y Tarascos, entre los
aztecas comprendían las tribus Cohuixsa, Cuitlateca y Xope.
Los Cahuixscas comprendían las regiones del norte y del
centro, los Cuitlatecos los municipios de Atoyac, Tuxpan,
Totolapan, Ajuchitlán y los Xopes el reino de Zacatollan que se
entendía desde Petatlán hasta los límites con Colima.
Los límites con Oaxaca fueron asiento de los Mixtecos,
Tlapanecos y Amuzgos. Los Chontales procedentes del Sur se
establecieron en la región norte del río Balsas hasta Ixcateopan e
Iguala, los tarascos habitaron lo que son las municipalidades de
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Coyuca de Catalán, Zirángaro, Pungarabato, Cutzmala y parte de
Coahuallutla.
La Costa Chica formaba la providencia de Ayacaxtla y tenían
como cabeza la población de Igualapa, de todos estos grupos
indígenas subsistentes actualmente los Aztecas, Tlapanecos y
Amuzgos, el Estado está dividido en diez distritos y 75 municipios;
los Distritos son:
Iguala, Coyuca de Catalán, Tlapa, Chilapa, Tuxtla, Ometepec,
Ayutla, Acapulco, Tuxpan y Teloloapan.
Guerrero colinda al norte con el Estado de México, al norte y
noroeste con Morelos y Puebla al este y sureste con Oaxaca, al
oeste y norte con Michoacán y al sur y oeste con el Océano
Pacífico, se aprecian 4 zonas: La Sierra, La Montaña, Tierra Caliente
y La Costa.
En la sierra hay abundancia de bosques (Pino, Oyamel,
Ocote) abundad también los Tlacololes (sembradíos de Maíz).
En La montaña tienen tierras de labor de pastos y riegos
también bosques de coníferas y maderas preciosas, abunda la
palma con la que fabrican sombreros y petates, Tlapan es el centro
comercial de la serranía.
La Región de Tierra Caliente son tierras de labor propicia en
el cultivo de ajonjolí, fríjol, caña de azúcar y maíz, esto mismo, más
café y cacao se cultivan en la Costa Chica. Entre sus artesanías
están los sombreros de palma, los petates, las cajas de madera y
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los muebles conocidos como de olinalá así como las jícaras
bruñidas con pintura y pedernal preparadas, más pinturas de tierra
y aceites de Chia o linaza, las cajitas se hacen de madera de pino o
de linalóe y las máscaras para sus danzas de madera de zonpantle,
también tienen la industria de la plata.
CAPITULO IV
INTERPRETACIÓN COREOGRAFÍCA
SONES JALISCIENSES
Los sones son propios de las costas y se fueron formando
lentamente durante la época colonial a medida que se mezclaban
las razas españolas e indígenas, fijándose definitivamente con
caracteres hacia la mitad del siglo XIX. Son melodías populares,
espontáneas, contables y bailables que se originan en la fusión de
la música española con la indígena. Su armonía rítmica, ruidosa y a
contratiempo expresa con vigor indiscutible las características de
nuestra raza.
Literalmente los sones encierran a veces un pensamiento
amoroso, lleno de melancolía que se entremezcla con lo irónico y
jocoso, cuajado de ingenio. Se bailan en diversas regiones del país,
con variantes según el medio; los del Estado de Jalisco son
innumerables, pero también se bailan en otras poblaciones del
Estado, especialmente en las del sur.
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EL BAILADOR: usa camisa y calzón de manta, huaraches o
botín, ancho ceñidor rojo y vistoso paliacate. El sombrero ancho de
palma con toquilla, completa el vestuario.
LA MUJER: viste amplia falda de colores vivos adornada con
olán, cintas y encajes o espiguillas, la blusa de manga ¾ con olán
adornada en la orilla igual que la falda, cuello alto y pechera
adornada. La enagua interior es blanca amplísima adornada con
encajes y olán. Calza botas negras con tacón carrete y se cubre con
rebozo y bolita.
El pelo va peinado con dos trenzas que se atan dobladas y se
adornan con listones de color brillante para terminarlos en un
moño, completando su atavío con collares y arracadas.
EL CABALLITO
LA COREOGRAFIA DEL CABALLITO nos permite interpretarla
como sigue: un coro de ladridos de perros hace notar la presencia
del ranchero enamorado que en su caballo retinto lleva a su
ranchera envuelta en su gabán y a carrera tendida se alejan del
poblado.
El padre de la moza, enojado por el rapto la reclama y da
órdenes a sus peones para que persigan al raptor y se lo presenten
vivo o muerto, así surge el gentío, crecen los gritos y la polvareda, y
en la carrera la joven cae de la montura; el enamorado valiente,
recoge a su amada y azuzando a su caballo que relincha
fogosamente, se aleja de la polvareda y del grupo enemigo.
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Entre los altos jarales aparece el caserío de su rancho y el
enamorado galán entrega el ancho sombrero a su ranchera quien
radiante de felicidad, serena y confiada lo sostiene bajo su rebozo
como prenda de valor inapreciable.
LA OFRENDA
DANZA
Esta danza es de origen huichol y se baila en la región de
Colotlán Jalisco – en las fiestas patronales religiosas del día de San
Pedro y el jueves de la Ascensión.
El nombre de La Ofrenda se debe a que con ella propiciaban
los indígenas a sus dioses cuando se les destinaba al sacrificio.
Ya designada las víctimas, éstas practicaban una danza con
expresión muy acentuada de dolor con todo el arte de que es capaz
el ser humano cuando anhela conservar la vida. Los destinados al
sacrificio bailaban está danza ritual para desagraviar a la divinidad
y obtener el perdón si la ofrenda le era grata.
En la mano derecha lleva una sonaja de guaje cirián que
produce un sonido de timbre sombrío con el que marca el ritmo.
En la mano izquierda mantiene lo que llaman “palma”
compuesta de una palmeta de madera con plumeros colocados en
forma de abanicos; está palma la mueve graciosamente con el
ritmo de la música.
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La danza está compuesta por pasos, evoluciones y redobles
acompañados con música intensamente dinámica con expresión
espiritual y muy fuerte en casi todos sus temas, estableciéndose un
equilibrio armónico entre los diversos elementos rítmicos que a la
vez ejecutan las sonajas combinadas hábilmente con el ritmo de las
pisadas y la música de los violines.
LA CULEBRA
SON JALISCIENSE
Algunos sones tienen una leyenda especial como ésta.
En un maizal un grupo de campesinos cosecha el fruto. A sus
oídos llegan canciones y risas de sus amantes esposas que vienen
de la aldea a hacerles compañía. Entre el césped aparecen culebras
horrorosas. Las mujeres las ven y llenas de espanto se estremeces y
gritan juntándose en un grupo.
Los hombres valientemente y sin vacilaciones arrancan de su
cabeza el sombrero y golpeando una y muchas veces el reptil
monstruoso para salvar de la mordedura a sus compañeras que
espantadas y obedeciendo al instinto de conservación permanecen
lejos esperando el final de la lucha que pronto se presenta, pues
los bravos hombres sucumben al mortal veneno inyectado en sus
morenas carnes por los colmillos de los repugnantes reptiles y caen
agónicos en los brazos de sus amadas.
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JARABE TAPATIO
-Jarabe Nacional-
Ya dijimos, que dentro de nuestras formas musicales
vernáculas, se llama JARABE al engarzamiento de una serie de
sones; estos pueden ser de un solo Estado o comunes a varios,
sobre todo, tratándose de Estados limítrofes, cosa que sucede con
el jarabe de que nos ocupamos, el cual, habiendo tenido su cuna
en el Estado de Jalisco, la mayoría de los sones que lo integran son
comunes a la región del Bajío, que abarca los Estados de
Guanajuato, Michoacán, Jalisco, Aguascalientes y Querétaro.
El jarabe se acompaña de cualquier conjunto musical.
Refiriéndose en particular a cada uno de los sones que lo
integran diremos lo siguiente:
El número uno es un son jalisciense. En su primera parte, se
manifiestan claramente las características del zapateado español,
pero en el acompañamiento hay una ligera reminiscencia de la
WALONA que heredáramos de los belgas. La segunda parte, es
exactamente un zapateado.
En su origen este son tenía coplas muy especiales, como la
siguiente y que corresponde a la primera parte:
Allá viene mi suegra enojada
Con un palo queriéndome dar;
Qué demonio de vieja “fregada”
Que pensaba que m’iba a dejar!
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El profesor Higinio Vázquez Santana compuso para este
jarabe unos versos, que no consignamos por no considerarlos
dentro de nuestras manifestaciones artísticas tradicionales.
El número dos se conoce con el nombre de “EL TAPATIO” y
tiene todo el sabor de los sones de Jalisco; damos a conocer a
continuación una de sus coplas:
Si quieres vámonos te llevaré
Si quieres vámonos te llevaré
A ver un amor que tengo
A ver un amor que tengo;
¿Qué dices “mamá, me dejas ir?
- no me dilato y “orita” vengo.
Es este un zapateado en ritmo ternario, de los más
característicos dentro de su estilo.
El número tres, que lleva por nombre “EL ATOLE” (bebida
alimenticia hecha de maíz semi-cocido), es también un zapateado
como el anterior. Presentamos una de sus coplas en la que también
se revela, como en las anteriores, el sentido humorístico de
nuestro pueblo:
Pasen a tomar atole
Todos los que van pasando,
Si el atole esta muy bueno
La atolera se está agriando.
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El número, 4 es un son originario en mi concepto del Estado
de Guanajuato (centro de la Región del Bajío); tiene ritmo de danza
(semejante a la habanera) y su letra es no menos jocosa que la del
número anterior:
Si por que le pedí un beso
Su mamá se me enojó,
Que me lo pida ella a mí
Haber si me enojo yo.
Viene luego el número cinco, el cual tiene aire de
pasa-calle, sólo que en tal forma simulando por nuestro
pueblo, que de la forma de origen apenas si le quedan
ligeras reminiscencias. Presentamos dos coplas:
I
Palomita que haces hay
Sentadita en la ventana?
- esperando a mi palomo
Que me traiga la mañana.
II
En las torres de Morelia
Anda un gavilán volando;
No se asusten palomitas
Pichones ando buscando,
Para darles de comer
A los que se andan paseando
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Número seis y final, que lleva por nombre “DIANA”, es una
música alegre, en movimiento vivo, que se usa en los fines de fiesta
en homenaje a los actores artistas o bien para alargar o festejar a
alguna persona en particular.
En nuestro JARABE y como número final, se ha incluido para
demostrar el maximún de alegría que sentimos al ejecutar este
baile.
En el léxico de nuestra clase popular, hacer la mañana o
tomarse la mañana, significa tomarse una copa de vino del
desayuno o al almuerzo.
LA JARANA
La península de Yucatán, la tierra rica y legendaria de la
indígena maya de hondas emociones tradicionales se expresa
jubilosa a través de su baile típico y característico.
La Jarana”, manifestación que es explosión eufórica de un
pueblo que asimiló la vibración inquietante de las notas moriscas,
el cascabeleo de los aires andaluces y el agitado ritmo de la jota
aragonesa, conservando para su orgullo el historial de sus
remembranzas y el alma de su estirpe.
“La Jarana” es un baile regional que al igual que el jarabe o el
huapango tiene como éstos un sello indefinido e inconfundible por
su música, su indumentaria y si coreografía, en las que vibra la
alma mestiza que se gestó en el convivio del hidalgo español con la
doncella maya.
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Cuentan los relatos que los peones nativos de las fincas
ganaderas solían distraerse reuniéndose bajo la sombra de una
enramada en las plazoletas, para entonces cuando se ejecutaba el
“Guachapeo”, es decir, el zapateado de los vaqueros que con el
tiempo y la habilidad de los mestizos dio origen a la conocida
“jarana”.
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En las “vaquerías” que siguen siendo las fiestas populares
por excelencia, las mujeres lucen con garbo sin igual su “terno”
como llaman al albo traje que usan y que como en todas partes se
hace según la condición económica de quien lo viste. El terno está
compuesto de tres piezas; la primera es un huipil o hipil largo hasta
debajo de la rodilla con olán de encaje y cenefas bordadas, tiene el
escote cuadrado y en general su corte es igual al que todavía usa el
indígena maya.
La segunda prenda el “jubón o sayuela” que cae
naturalmente sobre el huipil para adornarlos en la parte superior
con cenefas bordadas con punto de cruz en varias formas y con
gran colorido, orlando el jubón con encajes finos. La tercera prenda
es un fustán, especie de falda de pretina caída a la cintura que baja
hasta los tobillos en la parte que sale del huipil, también luce
cenefas bordadas y encajes, completan el vestido, el rebozo de
seda y la zapatilla de raso.
El peinado consiste en un chongo bajo o d’tuch en lengua
maya, adornado con un moño grande de listón rojo, lleva un largo
rosario de filigrana adornado con coral, pendientes del mismo
estilo y joyas que la adornan.
MICHOACAN
La simpática figura de los viejitos es inconfundible y siempre
son recibidos con agrado cuando se les ve aparecer con los rostros
cubiertos con máscaras de expresión alegre, confeccionadas con
barro, en madera o en cartón, pintadas en un color rosa encendido
y coronando la cabeza con lacias pelucas de ixtle.
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El tocado lo hace un sombrero de palma de ala ancha,
adornado con listones de colores chillantes.
Camina con dificultad como si sufrieran los tormentos de la
gota o el reuma.
Sus hombros parecen estar abatidos por el paso de los años
y sus manos oprimen con energía el rústico bordón que les sirve de
apoyo. Toda su actitud revela una aparente senectud que resulta
contradictoria con la vigorosa ejecución de los diferentes pasos de
la danza que ejecutan, apenas se escucha el rasquido de la
pequeña “jaranita” único instrumento musical con que se
acompaña y que es tocada por el director de las evoluciones del
conjunto, quien a su vez, trata de colocarse de tal manera que su
posición remate la figura formada por el resto del grupo.
El vestuario en sí es sencillo, pero muy vistoso.
Usan camisa blanca de manta bastante amplia y larga y sin
cuello algunas veces con bordados en el extremo inferior y en los
costados.
Llevan pantalón o calzón de indio, es blanco de manta, largo
y bastante amplio con bordados en el extremo inferior de las
piernas, en franjas horizontales y una vertical al lado.
También llevan una faja bordada con la cual sostienen el
calzón y la camisa.
Generalmente se cubren la cabeza con un paliacate rojo.
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El calzado es recio y de cuero, lo cual permite hacer el ruido
necesario para los zapateados, pudiéndose usar también
huaraches.
Comúnmente llevan vistosos jorongos sobre los hombros
aunque algunas ocasiones bailan sin ellos.
Como utilería, se podría poner el bastón y la máscara que
emplean en la danza, pero estos objetos vienen a ser parte
indispensable del vestuario, así como el sombrero ya descrito
anteriormente y la jaranita, por la utilería se podría considerar
nula.
La música es pentafónica y tiene un ritmo de 6/8, siendo
algunas veces lenta y otras rápida (allegros).
La versión más conocida y más empleada aquí es la del
maestro Carlos Robledo.
EL JABALI
Baile del sureste de la República en el se interpretaba a las
mujeres del pueblo que se reúnen con sus canastas de ropa, para
realizar sus tareas domésticas.
Los hombres del pueblo se van a cortar leña mientras ellas
van rumbo al río. En una parte del bosque les sale el encuentro el
jabalí, quien empieza a bailar con las mujeres incitándolas a
olvidarse de sus obligaciones entregándose al baile.
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Así transcurre el tiempo hasta que los hombres regresan del
bosque, y al no encontrarlas en sus casas, van a buscarlas dando
muerte al jabalí, al que lloran ellas viéndose así obligadas a
retornar a sus quehaceres rutinarios y a olvidarse de los momentos
de alegría y despreocupación que les hiciera pasar el jabalí.
La mujer viste falda de color, amplia al tobillo, plegada de la
cintura en lienzos rectos o circular, con pretina. Puede llevar un
olán sin cabeza y adornarse con encaje banco de bolillo. La blusa es
blanca sin manga o con manga corta, escotada y con un olán o sin
el; éste puede ser de encaje o de la misma tela. Llevan de adorno
en la cabeza pequeño ramo de flores o una guía, van descalzas o
con huaraches de pocas correas.
El hombre viste pantalón blanco o calzón de manta
amarrada al tobillo, camisa de color liso en algodón, ceñidor,
sombreros costeños y machete, huaraches o botín.
DANZA XOCHIPITZAHUA DEL EDO. DE PUEBLA
Esta danza de tipo ritual: por la forma especial de su actitud
y la naturaleza de los pasos, se le llama Huapango y se ejecuta por
costumbre en los pueblos indígenas de la sierra poblana.
XOCHIPITZAHUA, quiere decir flor delgadita. Esta danza es
ejecutada generalmente en las fiestas hogareñas que celebran los
grupos indígenas de la Sierra Norte del Estado de Puebla, con
motivo de la entrega de novias, de imágenes de Santos y muchas
veces que simple deseo de alegrar sus hogares y reunir familiares,
compadres y amigos.
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Visten falda oscura, azul marino o negra, larga, ligeramente
tableada. Quechquemetl del mismo color de la falda y en algunas
ocasiones adornados con estambres de color rojo en forma de bies,
usa los huaraches propios de la región y como complemento de la
danza, llevan guías con hojas adornadas con flores naturales o
artificiales, usan coronas de flores para la cabeza que colocan
sobre sus sienes.
OFRENDA OTOMI O DANZA DE LOS INDITOS
DEL EDO. DE MEXICO
Esta danza indígena originaria del Estado de México es
propia para aplicarla a la expresión artística del niño, permite su
aplicación con niños menores y se compone de danza y coro lo cual
la hace más atractiva en su interpretación.
Es una danza de procedencia otomí, tiene todas las
características de la música indígena.
Es una danza religiosa, posiblemente de origen colonial, que
bailan los vecinos del Estado de México, durante las festividades
que anualmente celebran en el santuario del Señor de Chalma, el
primer viernes de cuaresma y en el mes de mayo.
Sus evoluciones son muy bellas y sencillas, y su letra es de
gran ingenuidad; acusa una mezcla de castellano importado por los
frailes misioneros, con el idioma y expresión de los naturales.
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OFRENDA OTOMÍ
CANTO
1ª. PARTE
Buenas tardes pagresito
Hoy te vengo a saludar.
Ya vinimos un ratito
Por ser día de tu natal.
2ª. PARTE
Y santo señor de Chalma
Petitún, petitún, tun, tun.
3ª PARTE
Agulica ni canca sonaja
Agulica ni canca cantara.
Mi tonche, mi lonche,
Mi malacatachi,
Mi tanche, mi lonche
Con la melcochera.
El hombre viste calzón de manta con cintas amarradas abajo
en los tobillos, la camisa es de manta con cuello alto, algunos la
usan en telas brillantes, pero no debe ser, llevan paliacate al cuello
y faja o ceñidor de color rojo, huaraches de una suela y sombrero
de palma. La mujer viste blusa o camisa de manta con escote
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cuadrado adornado en su orilla con cinta bordada en colores o en
punto de cruz, la falda es de lana negra con una tira de manta en la
parte superior (horizontal) y amarra en la cintura un ceñidor, usa
huaraches y teja en la cabeza (rectángulo de la misma tela de lana
que colocan sobre la cabeza con la parte angosta al frente y atrás).
En su danza usan un mástil de 3 m. de altura
aproximadamente y un cilindro en un extremo del que sostienen
listones de colores fuertes, con los que tejen diferentes figuras
entrelazándolas, mismas que festejen bailando sin perder el ritmo
musical.
LA DANZA DE LOS VIEJITOS
El espíritu de esta danza es sumamente religioso; sin
embargo, durante toda la ejecución el gran sentido humorístico de
los indígenas tarascos se percibe, además, hacen ala de precisión
rítmica, de destreza y agilidad.
Se baila con motivo de las celebraciones religiosas del Santo
Patrono, de la Santa Cruz, en la navidad para celebrar el aniversario
del nacimiento del Niño Jesús, y el 8 de diciembre en homenaje a la
Virgen de la salud, Patrona de la región.
Los principales lugares donde se baila son: NAHUATZEN,
CHERAN, LA SEBINA, LA SIERRA DE PATZCUARO, TZINTZUNTZAN,
JANITZIO y en la RIBERA DEL LAGO DE PATZCUARO.
En lo que respecta a la interpretación del contenido de la
danza, no hay un criterio unificado; pues en tanto que unos dicen
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que se trata de los ancianos consejeros mostrando sus energías
ante la comunidad, otros aseguran que su origen data de las
festividades carnavalescas durante el entierro del mal humor, y
otros más, inspirados por Frazer, la catalogan como una danza al
sol de carácter mágico, como las que se usan en los pueblos de tipo
primitivo para obligar al astro proyectarse con mayor brillantez. La
máscara roja y el aspecto de los rostros de los danzantes se cree
que simbolizan al astro luminoso, y las cintas que adornan los
sombreros son como los rayos solares, en tanto que los bastones
se toman como sostén del Sol cuando se oculta.
LA DANZA DE MICHOACAN
El Estado de Michoacán está saturado de música, danza y
leyenda.
Posiblemente la zona más rica en folklore es el Bajío con sus
sones tan hermosos, también la zona lacustre donde se formó el
Jarabe Michoacano, y por último la zona montañosa.
Al igual que en otras regiones de México las danzas de este
Estado son en su mayoría zapateados de tipo español, en
Michoacán se bailan sones y jarabes de nombres especiales, como
por ejemplo: Los Viejitos, Las Canacuas, Las Iguiris, Los Moros, Los
Apaches, Región Anap, Jarabillo, Arenita de Oro, Pirecuas, etc.
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DANZA DE LOS PALOTES
Hubo en Michoacán una danza llamada de los “palotes”,
formada por paloteadotes y que consistía en una comparsa
enmascarada en trajes de calzón corto rojo, máscara hecha de
bule, de la corteza del guaje cirián, que a veces toma figuras raras
prolongándose en forma de una nariz, con cara de viejo, con barba
puntiaguda y nariz de hueso de mango como la de los loros.
Estos danzantes llevaban dos palillos sonoros de tepehuaje,
(son de madera como las maracas de Venezuela) y producían
sonidos secos de xilófono llevando el ritmo del son de la chirimía y
el tambor, mientras que alargaban el pescuezo haciendo muecas a
los concurrentes y levantando acompasadamente uno y otro pie
con aire de bufón. Estos danzantes iban precedidos de los grandes
maniquíes de carrizo forrados de papel con rostro vuelto al cielo
que danzaban torpemente con los brazos caídos. Los gigantes
alternaban sus danzas con las de los enanos los cuales llevaban
metida la cabeza dentro de una enorme calabaza hueca y grande.
Traen un látigo en la mano para asustar a los niños detrás de
los cuales corrían y movían la cabeza y saltaban en cuclillas
alargándose como los sapos para volver a caer en cuclillas al son de
la música.
LOS MACHETEROS
Es una danza originaria de Huacao, del Municipio de Sana
Ana Maya, Michoacán, que es bailada el 14 de julio en la fiesta de
San Buenaventura, patrón del lugar.
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La danza es de origen religioso y se ejecuta en diferentes
figuras, tiene un fuerte sabor festivo y se entabla un reñido
combate, en el que el danzante hace alarde de su maestría.
La música que se presenta es la más usual y conocida en el
lugar y que consta de tres partes:
La indumentaria consiste en un penacho forrado de seda en
vivo color del cual penden vistosos hilos de cuentas de papelillo, de
lentejuela y chaquira; colocados alrededor bonitos espejillos en
forma de lunas y estrellas, al frente un prendedor con luminosas
piedras, rematando todo esto con un plumaje de avestruz y pavo
real. La camisa de mangas amplias y puño, es de seda de color,
calzón, recios zapatos, una amplia capa de colores vivos adornada
con singulares grecas.
En la mano lleva un machete, con el que ejecutan diversas
filigranas.
LOS NEGRITOS
Entre las danzas de “Los Negritos”, que corresponden a las
regiones Serrana, Abajeña y Lacustre, hemos escogido la que
corresponde a este última, por considerarla la de mayor interés
coreográfico.
La danza de “Los Negritos” es bailada por indígenas
“purépechas” en la antigua ciudad de Tzintzuntzan, en las riberas
del Lago de Pátzcuaro, especialmente el día 2 de febrero de cada
año; también el jueves de corpus, pero por ser muy gustada por los
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habitantes de aquella región, la ejecutan también durante las
principales festividades religiosas que se celebran en el lugar.
El día de la fiesta, ejecutan por primera vez la danza en el
atrio de la iglesia, repitiéndola después frente a cada una de las
casas donde habitan los danzantes, músicos que los acompañan,
lugares donde son obsequiados, según la hora, con alimentos
regionales.
A pesar de ser bailada en el atrio de la iglesia y únicamente
durante las fiestas religiosas, esta danza no tiene ningún carácter
místico; su argumento es una réplica de la ceremonia que
practicaban los pueblos indígenas, cuando entregaban el
encomendero español el tributo que tenían asignado, motivo que
nos hace suponer su origen colonial. Se compone de: 12 “negros”
encabezados por un jefe y 3 “Frachicos”, palabra tarasca que
significa “cuidadores”.
El vestuario de los “negros” se adornan con un pañuelo rojo,
en forma de capucha, que recibe el nombre de montera, la cual va
echada hacía atrás y de la que cuelgan hasta un poco más debajo
de la nuca y de ella salen unos listones angostos y bastante largos,
de distintos colores, dominado el azul, blanco, rojo, amarillo y
verde. El filo de la capucha está bordado con una cinta dorada.
Llevan los danzantes camisas rosa de lino, con pechera
tableada, cuello y puños almidonados, usan en el cuello y en el
pecho largos collares de coral, con bolitas de plata y figuras
cinceladas con pescados y “milagritos”. En la cintura usan faja roja,
de seda y algunos de ellos, una pequeña red hecha con hilos de
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colores. El calzón blanco, muy ajustado hasta la rodilla, en donde
se amplía, forma hasta el zapato una gran cantidad de tablitas
almidonadas. Se colocan encima, de ese calzón, un pantalón
abierto en forma de triángulo que sujetan por detrás, y que está
hecho de pañuelo ancho en la orilla, se abrochan afuera por los
lados, con cabecitas de león y pescaditos de plata que forman una
especie de botonadura a la manera de nuestros trajes “charros”.
Estas pantaloneras dejan ver el calzón tableado, descrito
anteriormente. Usan por delante y en la cintura, una gran mascada
blanca o verde pálido doblada en forma de triángulo y sujeta por la
faja. En la mano izquierda llevan otra fina mascada, para limpiarse
el sudor, y sobre su hombro izquierdo dos enaguas en colores
vivos, dinas amponas y adornadas con olancitos. Se calzan con
zapatos de oreja de color negro.
El traje que usan los flachicos o cuidadores, es muy parecido,
diferenciándose de los “negros” en que el pantalón es negro y sin
adornos, y en que se tocan con un gorro redondo de piel, en lugar
de la capucha anteriormente descrita. Llevan en la mano derecha
una varita adornada, de cuya extremidad cuelgan listones de
colores.
En las tres primeras partes de la danza, aparece un
personaje a quien llaman “siñor” o “Amo”, y en la tercera parte de
la danza toma también este nombre. Es un “charro” que viste traje
negro sin adornos y se toca con un gran sombrero de fieltro
igualmente negro del que cuelga por atrás, a manera de paño de
sol, un gran lienzo de lino lleno de calados, semejantes a los que se
usan en las iglesias. Se cubre con una gran capa negra, de hule o de
paño y en los pies, sobre los zapatos trae enormes espuelas.
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Cubren su cara con una gran máscara de madera, parecida a
las caras de santos y monta una mulita de madera blanca.
La música se compone de ocho sonecitos acompañados cada
uno de ocho introducciones, los cuales nos revelan las
manifestaciones musicales más exquisitas, expresivas y
características del sentido indígena “purépecha”.
Esta música inspirada en el ambiente lacustre, refleja la
belleza y alegría del maravilloso Lago de Pátzcuaro, la cual es
tocada por una pequeña bandita de música de la región.
La coreografía se compone de cinco partes y 10 evoluciones,
en el curso de las cuales los danzantes ejecutan toda suerte de
movimientos, finalizando la danza con obsequios para los
participantes.
INDIOS AZTECAS DE QUIROGA
En el pueblo de Teocaltiche, del hoy Estado de Jalisco, se
practicaba desde tiempos prehispánicos esta danza que era
ejecutada en honor de los dioses y también para que los danzantes
demostraran sus habilidades guerreras.
Cuando llegaron los misioneros cristianos e iniciaron su
labor de evangelización, hicieron que ya no se bailara a los dioses
de la idolatría indígena, sino en homenaje a la Virgen María. Desde
entonces sólo se practicó en las fiestas religiosas cristianas.
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De Teocaltiche se desprendieron grupos de gentes hacia
Quiroga en calidad de emigrantes llevando consigo esta danza, que
cambió su nombre de “Indios Aztecas de Quiroga”. De la música los
inmigrados sólo conservaron el ritmo, que se continuó marcando
con instrumentos de percusión. Las melodías que ahora se utilizan,
así como los instrumentos de cuerda que se emplean, son
producto del ingenio y del gran sentido artístico de los indígenas
purépechas.
La cabeza de los danzantes va adornada con un penacho de
hermosas plumas que ostentan los colores de la bandera nacional
mexicana, el cual va adornado a los lados con chaquira, lentejuela,
espejos y vistosas cuentas de vidrio. Completan el adorno del
tocado, tiras de carricillo. Sobre una sudadera roja usan un
chaquetín sin mangas, de color guinda, sujeta a la cintura, llevan
una faldilla tapizada de adornos, que les llega a media pierna,
debajo de la faldilla, va un pantalón corto que permite el manejo
del cuchillo. Calzan fuertes huaraches sujetos al pie por una correa
que pasa junto al dedo gordo.
Lleva cada danzante, en la mano izquierda, un arco dotado
de flecha y en la derecha, un guaje que utilizan a modo de sonaja
con el que marcan el compás. Un par de cuchillos, que los
danzantes manejan con extremada habilidad, complementan su
atavío.
“Los indios Aztecas de Quiroga” se baila, preferentemente
en las siguientes festividades religiosas. El Día de la Preciosa
Sangre, en Quiroga; el día del señor del perdón en Tzintzuntzan y el
día de la virgen de la salud, en Pátzcuaro. También y desde fecha
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reciente, se baila en Pátzcuaro el día 1º. De septiembre en honor
de Tata Vasco.
El número de danzantes es indefinido. La danza se compone
de 86 sones, los que a su vez se dividen en corridos y movimientos.
LOS MOROS
En varias regiones del país bailan los indígenas la danza que
llaman de “Los Moros y Cristianos” o simplemente de “Los Moros”.
Es indudable que estos bailes son de origen postcortesiano, el
nombre indica que evocan hechos ocurridos durante la larga lucha
que sostuvieron los españoles para sacudir el yugo mahometano.
La intervención legendaria de Santiago perdura aquí y el
apóstol guerrero es el principal personaje, como si se quisiera
rendir perpetuo homenaje al que en muchas ocasiones decidió, así
reza la leyenda, la suerte de aquellas batallas a favor de sus
protegidos.
Santiago es caracterizado algunas veces con una máscara de
recias facciones y retorcidas barbas; otras, jinete en brioso caballo,
armado de tajante machete o simplemente llevando debajo del
brazo un pacífico caballo de palo y un inofensivo bastoncito de
madera y en otras ocasiones portando un distintivo cualquiera que
destaque su jerarquía, como la que se ejecuta en la región lacustre
de Pátzcuaro; “El Moro Michoacano” sentimentalmente religioso
acude al atrio del templo, en donde baila con devota unción y con
religioso entusiasmo, hasta que Santiago siente satisfecho el fervor
de la cuadrilla.
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El tocado que lucen es un extremo curioso. Cubren su
cabeza con un pañuelo rojo, ponen encima un turbante de seda
cuajado de perlas de papelillo y cuentas de vidrio de diversos
colores; llevan al cuello collares que forman con sartas de
pescaditos de metal y en el centro una medalla o un espejo.
Esta indumentaria en parte profana y en parte religiosa,
resulta provista de origen belleza.
Los hombres de Pátzcuaro desde sus frágiles canoas
escuchan extasiados la interminable melodía que tocan sus
músicos isleños con la chirimía, el violín y el arpa, que hacen un
bello conjunto.
LOS CHINCHILIES
Se baila en muchos pueblos de Michoacán una de las más
interesantes es la que ejecutan los indígenas tarascos de
Caltzontzín.
El nombre le viene de la voz tarasca Chinchilíes, que significa
cascabeles, que se usan con profusión por los danzantes, quienes
los colocan en la pierna arriba del tobillo, y su sonido les sirve para
llevar el ritmo de la danza.
La música es pentáfona, muy sencilla, dulce y monótona,
pero agradable. En ella predominan los instrumentos de cuerda, sin
embargo se utilizan algunos metales y maderas. El número de los
músicos es comúnmente de 10. Son tan simples sus movimientos
de la danza que la primera impresión es que se puede ejecutar con
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suma facilidad; sin embargo, sus pasos deben ser tan precisos, que
lograrlos es difícil. Las figuras que hacen los danzantes son también
sencillas; haciendo un verdadero rito de la danza. El número de
danzantes es corto, pues varía de 4 a 8; entre ellos no hay jefe ni
guía.
El vestuario consiste en una camisa de manta con adornos
en el pecho; un calzón largo que se sujeta arriba del pie y una
especie de pantalonera de la cintura a la rodilla y un gabán que los
nativos denominan “encima”; llevan sandalia de piel, y el tocado
está formado con un penacho de plumas que pueden ser de
guajolote o de cualquier ave, hasta llegar al avestruz; en cada mano
llevan cogollos de palma, cortados en forma triangular.
Entre la sandalia y el calzón se ponen cintas bordadas y
cascabeles.
CANACUAS
Canacuas en idioma tarasco significa coronas. Es un baile
típico, su origen es remotísimo; hay quien suponga de data de los
comienzos de la dominación española y que los religiosos
evangelizadores de aquella región, al introducir algunos
pasatiempos para deleite, les enseñaron este baile, que sin duda
con el correr del tiempo ha sufrido muchas modificaciones como
ha acontecido con casi todos los bailes nacionales.
El vestuario es también regional y los grupos que integran el
conjunto, son generalmente mujeres, llevan un traje que consiste
en la camisa de manga corta y escotada, con adornos hechos por
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los mismos indígenas de los lugares en donde se ejecutaban estas
danzas y una falda corta que a veces es de tablones, hechos de una
sola pieza, de color oscuro con listas blancas.
Últimamente este vestuario ha sufrido modificaciones como
por ejemplo el delantal o mandil que a veces tiene también
motivos decorativos de grecas o flores; usan dos trenzas con
listones o cordones con flecos y motas de remate.
Hay varias versiones sobre la danza, la siguiente es de don
Mariano Torres: Dice que los danzantes llevan unos “bules” o
guajes decorados y hacen varias evoluciones; generalmente
aparecen en dos hileras colocadas una enfrente de la otra; después
cambian de posición formándose de cuatro, haciendo movimientos
a la derecha y a la izquierda, colocándose, muchas veces los bules o
guajes en la cabeza.
Y al ejecutor del baile, todo a ritmo y compás, sueltan los
guajes o bules, sosteniéndose perfectamente por el equilibrio. Los
bules están llenos de agua florida y al final del baile, arrojan el agua
a los espectadores formándose después algunas figuras de estrellas
con los mismos bules, en el centro del baile.
En las mismas Canacuas hay una parte en que las mujeres
llevan en las manos unos ramilletes de flores amarillas, de
ordinario zempatzúchitl; de ahí que se designe con el nombre de
zúchitl a este baile. Era una ofrenda que se hacía a una deidad
imaginaria.
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También las canacuas han sido destinadas a celebrar los
desposorios de los indígenas teniendo primero una arenga que
pronunciaba un anciano del grupo que iba delante de las mujeres
danzarinas, en la cual, además de indicar sus obligaciones a los que
iban a contraer matrimonio, pedía al Supremo nuevo hogar. A
continuación había un baile con zempatzúchitl y después de
cantaba la canción “Flor de Canela”; canto y zapateado.
DANZA DEL SEÑOR
Es una combinación de las expresiones religiosas y
humorísticas de nuestro pueblo, que fiel a la tradición, ha
conservado con toda su pureza, la indumentaria, evoluciones,
música, pasos y simbolismos; por los que se puede juzgar como
una de las danzas autóctonas que no han desmerecido al paso de
los años.
Su simbolismo es el ferviente culto a las imágenes y la
adoración reverentes al “Señor”. Su música es una auténtica
creación purépecha que desde tiempos remotos ejecutan los
indígenas de este grupo.
Esta danza la bailan los indígenas “Purépechas”, de Naranja,
uno de los primeros pueblos fundados por ellos y la ejecutan
especialmente el 1º. De octubre en la fiesta de “La Ascensión de la
Virgen María al Calvario”, así como en los primeros días del mes de
marzo en la festividad de nuestro Padre Jesús.
La danza consiste de dos partes: grande y chica. Consta la
primera de 12 partes y la chica de 11.
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Intervienen en la danza; el Monarca, dos comparsas o
“malinches”, 14 danzantes encabezados por dos jefes o capitanes y
dos flachicas. Es tradicional el uso de zapatos de oreja en los
danzantes.
El monarca, figura principal de la danza, coloca sobre la
cabeza un velo transparente, por lo regular de seda, echado hacia
atrás, que le cae hasta un poco más debajo de los hombros. Se
cubre la cara con una gran máscara que simula el rostro del señor
de la cual penden unos listones anchos de diferentes colores que
llegan más debajo de la cintura; lleva una camisa blanca de seda,
mantilla roja al cuello, pantaloncito rosa de seda a las rodillas; se
ciñe con faja verde y usa zapatos de oreja.
Sobre los hombros se coloca una elegante casulla, lleva en la
mano derecha una sonaja y en la izquierda una palma de flores. Las
malinches, que siempre van junto al monarca, se visten con bata
blanca, ceñidor azul de seda, zapatos blancos, coronita de flores
sobre la cabeza, en la mano derecha una palmita de flores y en la
izquierda una cruz de madera. Los danzantes usan camisa blanca
de seda, llevan al cuello un pañuelo rojo también de seda, ceñidor
ancho color azul, pantaloncito amplio azul de seda a la rodilla,
medias de color rosa, zapatos de oreja de color amarillo; sobre la
cabeza, una mantilla blanca que les cubre hasta las cejas y encima
una diadema de hojalata. Una capa de seda que cuelga hasta la
rodilla completa la indumentaria, portan una palma de flores en
color rosa, una sonaja y un machete. El traje que usan los
“flachicos” es n pantalón negros sin adornos, camisa negra de
mangas largas, llevan cruzado el cuerpo con tres bandas de color
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verde, rojo y amarillo, se tocan con anchos sombreros y se cubren
la cara con una máscara de madera en color negro, resaltando en
forma especial los ojos y la boca, completan su vestuario, los
zapatos de oreja, negros. En la mano llevan un chicote.
LAS SEMBRADORAS
Los indígenas “purépechas” hacen esta danza para festejar
los días de la cosecha.
Las “guares” y los peones entran escoltando las yuntas.
Un hombre a caballo dirige las evoluciones gritando
solamente.
El “pajarero” es un personaje que trae un chicote el cual
suena al son de la música.
Al llegar al lugar designado se detienen las yuntas, las cuales
están ya adornadas, una detrás de la otra, en medio del campo. Los
arados quedan pegados a ellas y resguardados por dos hombres.
Los bailadores se forman en dos hileras saliendo primero los
hombres y luego las “guarecitas”. Un zapateado elemental inicia el
baile de los hombres, marcando y cambiando. Los “guares” sólo
hacen un paso más natural girando tres veces alrededor de las
yuntas y lanzando gritos de alegría en tarasco (venimos de la
cosecha).
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Terminan haciendo un semicírculo los hombres frente al que
forman las mujeres, en esta posición bailan los hombres un
zapateado en su lugar; las mujeres sólo van de izquierda a derecha
sin perder el ritmo, ni su colocación. En esta parte del baile es
cuando tienen encerradas las yuntas con los semicírculos.
La danza se compone de tres partes, las segundas son los
semicírculos y la tercera es el jarabe. Al sacar las yuntas los
hombres y mujeres quedan frente a frente, “las guares” inician el
baile yendo de derecha a izquierda y sin salir de su colocación.
Los hombres zapatean en su lugar y cambian varias veces
según la música indique.
Los jóvenes en la primera parte de la danza han arrojado
pétalos y flores sobre las yuntas y los arados.
LA JARANA
Lo que se dice de ella. – la Jarana es un baile que trae mucho
del mestizaje, es decir de las danzas indígenas de Yucatán, por otro
lado tiene mucha influencia española, se baila muy parecido a la
“seguidillas españolas”, llevando un ritmo sumamente parecido.
La Jarana es una especie de jota, pero la ejecutan llevando el
cuerpo bien derecho con los antebrazos levantados y marcando a
ratos el compás con un sonido de los dedos, probablemente
imitación de la castañuela española. Así bailan un rato, saludan
luego las muchachas a su pareja con la cabeza y se sientan. Si los
hombres son en menor número a las mujeres, tendrán que bailar
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con todas, y los músicos repetirán la pieza hasta que todas las
muchachas hayan bailado. Cuando alguna se distingue
especialmente, el hombre siembre bailando le pone su sombrero.
Existen dos ritmos en la jarana, los cuales se marcan con los
compases de 3/4 y de 6/8; pero, se dice generalmente jarana a la
3/4 y guachapeo a la 6/8.
En el típico baile llamado vaquería las muchachas se
presentan con sombreros y cruzadas, sus trajes con anchos listones
de variados colores.
El mozo de más desplante y de más gracejo hace el papel de
“chik”, especie de bufón, y se presenta con la pierna de uno de los
calzones arrollada más arriba de la rodilla, un lazo en el brazo, y a
veces, con algún adorno ridículo. Su papel es decir chistes y hacer
piruetas como si estuviera ebrio.
Al comenzar la primera jarana el director del baile para en
fila a los hombres y luego levanta a las muchachas de dos en dos,
ofreciéndoles la punta de sus dedos, a los que ellas se hacen con
las de los suyos, y las va colocando a la vez frente a los hombres.
La jarana se baila por parejas y el número de éstas puede ser
muy variable, desde una hasta de cien en los grandes bailes.
Para bailar la jarana las mestizas llevan un traje llamado
“terno”, este es de finísima seda con encajes y blondas, por demás
ricas y llevan el cuello largos collares o rosarios de filigrana de oro,
de los que cuelgan monedas o medallas de oro también, todas las
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mestizas calzan finos zapatos de seda, el color de estos varía según
el color predominante en el bordado del traje. El terno consta de
tres partes esenciales: “el hipil” que llega hasta media pierna, “el
Fustán”, falda que llega hasta los tobillos y por último “la enagua”
del mismo largo que el anterior. Llevan también un fino rebozo
pasado por la espalda y con las puntas arrolladas en el antebrazo y
cayendo al frente. En la cabeza llevan un peinado de chongo con
un gran moño de color chillante y a los lados unas peinetas.
Los hombres vestidos también de tela blanca, lucen camisas
de rara forma con pecheras en la que la luz calrillea con sobre una
plancha de mármol pulido o sobre un espejo y algunos llevan
botonadura de oro.
Bien adornado con palmas de coco y banderolas el lugar que
hará de salón de baile, se procede al abastecimiento de todo lo
necesario para ofrecer a las señoras un buen chocolate y refrescos,
y a los hombres licores fuertes.
Las bailadoras van llegando muy atildadas, luciendo sus
preciosos ternos blancos, todas se sientan en fila y si alguna
chiquilla quiere bailar se sienta también entre ellas y baila como
todas, portando en miniatura el mismo traje.
Existe una parte de la jarana denominada “torito”, en la cual
el hombre sacará paliacate y hará de torero, mientras la mujer con
graciosos y marcados pasos hará la vez de toro.
En un momento dado se suspende la música y el que hace
papel de “chik” dirá una “bomba” verso jocoso y gracioso en son
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de burla, mofa o piropo a algún personaje, a su pareja o
recordando algún acontecimiento chusco.
Para dar una idea diremos unas bombas:
“Quisiera ser zapatito
De tu diminuto pie
Para ver de vez en cuando
Lo que el zapatito ve”
DURANGO
El Estado de Durango situado al norte de nuestra República,
está considerado en 4º. Lugar por su extensión territorial por lo
que para su mejor organización se ha dividido en 38 municipios;
muchos de los cuales, surten los mercados nacionales de frutas;
como la manzana y el membrillo que se cultivan en el municipio de
Canaltán, las nueces en San Juan del Río, así como también el oro y
la plata y la gran mina de hierro que constituye el cerro del
mercado que se localiza en la hermosa capital del Estado:
¡Durango!
En uno de sus 38 municipios “El Mezquital” situado al sur del
Estado, se localiza un pintoresco pueblo: Huazamota; en ese lugar
pueblan los huicholes, los que dentro de su sencilla vida
acostumbran bailar con motivo de las cosechas el “Neca” palabra
que significa “baile”, en su idioma.
Significa para ellos un gran acontecimiento, todo es jubilo y
el pueblo completo acude a presenciar la ejecución de la danza
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tradicional, en ella intervienen parejas de hombres y mujeres
haciendo unas evoluciones muy sencillas con pasos, en que el pie
izquierdo marca el ritmo, mientras con el derecho ejecutan un
zapateado, de acuerdo con el son que se está interpretando, para
terminar bailando sobre un tronco hueco cortado a manera de
tarima. El vestuario que se utiliza en esta danza consiste, en el
hombre, calzón corto atado bajo la rodilla, camisa larga ceñida a la
cintura con una faja bordada con estambres de diversos colores; en
la cabeza lleva un sombrero de palma, que adornado de plumas de
guajolote lo hacen muy vistoso, lleva huaraches.
La india lleva una amplia falda plegada, un saco corto de
franela que cubre con un huipil; el peinado consiste en una o dos
trenzas; va descalza.
El adorno de las prendas de vestir que usan las mujeres
demuestra la habilidad para manejar la aguja y su buen gusto para
combinar los colores que en esta ocasión ponen de manifiesto su
laboriosidad en los complicado del bordado en punta de cruz, y los
hilvanes con que adornan las faldas y costalitos de diferentes
tamaños que ellas llaman “currira”, “jeiame”, “quitchui” y
“uaicuri”. Los motivos empleados en sus bordados son de
preferencia, para el hombre, animalitos y grecas, y para la mujer
grecas o figuras de hombre o mujer. Usan collares y pulseras, así
como anillos confeccionados en chaquira de dos colores
contrastantes formando con ellos grecas o trenzado; también
acostumbran llevar hilos de cuentas de papelillos. Los colores que
más utilizan son: rojo, negro, amarillo, verde, azul oscuro, solferino
y blanco. También el traje del hombre como de la mujer están
confeccionados en manta. Es de notarse que el adorno del hombre
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es mucho más recargado que el de la mujer; ella es modesta,
sencilla y humilde reserva lo mejor y más vistos para su hombre el
que las luce con más arrogante orgullo. Los músicos visten en la
misma forma que los danzantes y acompañan el baile con unos
pequeños violines y guitarritas que los mismos indígenas fabrican.
Es así como esta danza junto con la del “Metate”, la “Danza del
Indio” y las “Cuadrillas” que tanto se bailaron a principios del siglo
forman parte del folklore duranguense.
LA PASCOLA
Danza originaria de Sonora y Sur del Estado de Chihuahua o
en las partes de la sierra donde habitan los tarahumaras.
El o los que lo desempeñan se visten de una manera ridícula
con una máscara muy deforme de madera decorada en blanco y
negro con barbas y bigotes y cejas de ixtle, la traen atrás de la
cabeza y se la colocan en la cara cuando bailan determinados
pasos. En el cuello traen collares de chaquira blanca y negra con
medallas.
De la cintura para abajo usan un pantalón de manta y sobre
él lían un sarape gris o café de lana, se lo sujetan en la cintura con
una larga faja de lana azul o roja y los extremos de ésta los amarran
arriba de la rodilla dándole al sarape el aspecto de pantalones de
montar, sobre la faja de la cintura usan cascabeles llamados
tenavaris, sonajas en pies y manos y una suelta entre las manos
con que se acompañan a llevar el compás.
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El pascol por lo regular es un hombre vivo y de ingenio para
forjar anécdotas o cuentos morales o satíricos que refiere a su
auditorio en tono muy agradable haciendo variar la diversión que
de otro modo sería monótona y fastidiosa.
Cuando los violines y el arpa lo acompañan los tonos no
carecen de armonía y grado, prueba del gusto de los indígenas por
la música. Lo que más ridiculiza este baile son las costumbres,
trajes y figuras de los Yoris. Cuando algún yori se acerca a la
enramada donde baila el pascola se acerca a él para que le
obsequie algunas momeadas después simulando que da las gracias,
ridiculizando ante los demás con algún chiste oportuno que los
espectadores no comprenden y que causa la risa de los indios.
La danza se baila con pasos complicados y hábiles y a ratos
araña casi con los pulgares el suelo mientras el busto musculoso se
cimbra modulando mímica animal con la cabeza cuya cara cubre la
máscara. Sonando al compás las dos tiras de tenavaris que llevan
en los pies.
Al terminar los bailadores reparten cigarros baratos entre el
público, descansan un momento y mientras lo hacen, comienzan
diálogo gracioso en el que dicen chistes originales y subidos de
color mientras la multitud ríe.
Los pascola empiezan a aprender los pasos de sus bailes
desde pequeños, a eso es debida la asombrosa destreza variedad y
fuerza de sus bailes.
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CAPITULO V
NOTACION
COREOGRAFIA
MUSICA
NOTACION
Al no encontrar una forma práctica y generalizada para
transcribir al papel la descripción de los pasos y evoluciones
ejecutados en la práctica de las danzas y los bailes regionales
mexicanos y viendo la necesidad que ello representaba para
quienes como yo, nos dedicamos a la práctica de su ejecución y a la
enseñanza, reuní varios signos convencionales que puse en
práctica con los grupos interesados en aprender esta forma de
notación, siendo el resultado satisfactorio por su sencillez ya que
varias generaciones lo han trabajado, lo incluyo en este libro con el
deseo de facilitar la comunicación entre el expositor y el receptor y
así hacer posible la difusión y conservación a salvo de distorsiones
del material que se logre recopilar.
En época muy remota, el hombre buscó el procedimiento
que le permitiera transmitir sus ideas y hacerlas perdurar, los
primeros intentos fueron a base de pinturas rupestres por medio
de las cuales se requerían dibujos muy laboriosos para expresar
una idea, al paso del tiempo los dibujos representaba una palabra,
más tarde se practicó la escritura simbólica por medio de la cual
cada sílaba era representada por un signo, todos estos sistemas
requerían al aprendizaje de la gran cantidad de signos que sólo los
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eruditos podían alcanzar la escritura. El alfabeto vino a solucionar
el problema, pues con un número muy reducido de signos, pero
con infinitas posibilidades de combinación, al ser representado
cada sonido individual por un signo, pone la escritura al alcance de
toda la humanidad.
Esta situación se repite en lo referente a la descripción de
las danzas y bailes, las dificultades que esto ha presentado facilitan
la mistificación y la promiscuidad en que tienen que debatirse
nuestras más hermosas manifestaciones tradicionales, sumergidas
en la imaginación de los coreógrafos e investigadores.
Es indudable que este sistema de notación será mejorando
en épocas futuras, pero también es indudable que su práctica ha
empezado a resolver los problemas de comunicación entre el
informador y el informado, teniendo entre estos un puente que
evita todos los obstáculos representados por los elementos
“extraños”.
Encontraremos que después se indicarán algunas
abreviaturas, simples de comprender después de aclaradas, entre
estas se encuentran: línea direccional, siendo: al frente, hacia atrás
y sin cambiar de frente, hacia la derecha y hacia la izquierda. Con
esto se indica que el movimiento descrito se ejecutará hacia donde
la línea indique.
Apoyo completo pie derecho, nos indica que el pie se apoya
con toda la planta, con la punta si así se indica o con talón,
encontraremos que los movimientos se inician siempre con la
pierna derecha a menos que debajo de la primera figura esté una
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que nos indicará que deberá iniciarse con la izquierda. El acento
sobre una de las líneas de apoyo nos indica que el apoyo es más
fuerte en esa parte y si el movimiento se repite siempre se marcará
fuerte el tiempo acentuado.
Algunas ocasiones el movimiento necesario es solamente
con cambio de peso (pasar el peso del cuerpo a la otra pierna sin
brincar) eso se marca inmediatamente después de descrito el paso,
pero si este resulta muy largo en su escritura después del
momento indicado para el cambio de peso, esta marca se escribe
debajo de la pierna que lo efectúa siendo el signo así: c/p.
Los movimientos de faldeo serán descritos considerando la
actitud postural propia de cada región, así la falda extendida,
brazos abiertos a los lados, nos indicará que sin exagerar los brazos
se deben colocar ligeramente arqueados con los codos hacia atrás
(sin colgarlos) y las manos ligeramente arriba de la altura de la
cintura. Si la falda lleva movimiento alternado nos indica que
mientras una mano está colocada al lado, la otra estará al frente y
cuando esta regresa al lado colocando la palma hacia arriba para
regresar, la que va al frente en su recorrido lleva la palma hacia
abajo (movimiento continuado y alternado que inicia casi siempre
con la mano al frente de lado contrario que la primera pisada
quedando la pierna derecha con el primer apoyo y la mano
izquierda al frente, y viceversa).
Mano arriba a la derecha y diagonal al frente, la izquierda
coloca una mano a la altura del hombro y la otra a la altura de la
cintura al frente entre el centro del cuerpo y el costado colocado
en forma diagonal.
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Para los bailes jaliscienses estas posiciones son las más
usadas, para los michoacanos, el colocar las manos casi juntas al
frente con los brazos ligeramente arqueados con los codos hacia
fuera y a la altura de la cintura, tomando la falda del frente.
En Yucatán se toma el hipil del frente y se sube ligeramente
para ejecutar sus jaranas y se colocan los brazos laterales, a la
altura de los hombros con las manos arriba tomando el rebozo al
valsar, tronando los dedos medio y pulgar al compás de la música.
En la región norteña, usan la falda abierta a los lados, a la
cintura con las manos sobre las caderas con el puño cerrado o
sueltas si se baila picota o sones huastecos en Tamaulipas.
Algunas ocasiones por la reducida amplitud de la falda,
como por ejemplo la de acateca en Guerrero solamente se
toman de un lado y ligeramente al frente y con la otra mano
se usa una mascada o pañuelo para la ejecución de sus
sones.
Así nos encontramos que también la falda tiene
movimientos específicos y característicos en cada zona de
nuestra república para la ejecución de sus manifestaciones
populares bailables.
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