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Contenido<br />
Visita al museo <strong>del</strong> <strong>Prado</strong>. COMENIUS. 2010-12 ....................................................................................................... 2<br />
Formación ............................................................................................................................................................ 3<br />
La monarquía .................................................................................................................................................. 3<br />
<strong>El</strong> <strong>Museo</strong> de la Trinidad ................................................................................................................................. 3<br />
<strong>El</strong> <strong>Museo</strong> de Arte Moderno ............................................................................................................................ 3<br />
Secciones ............................................................................................................................................................. 4<br />
Las sedes: ............................................................................................................................................................ 5<br />
Algunas curiosidades .............................................................................................................................. 5<br />
Goya ......................................................................................................................................................................... 6<br />
<strong>El</strong> resguardo de tabacos ................................................................................................................................ 7<br />
<strong>El</strong> cacharrero ................................................................................................................................................... 7<br />
<strong>El</strong> invierno ........................................................................................................................................................ 8<br />
<strong>El</strong> verano ............................................................................................................................................................ 8<br />
La boda ............................................................................................................................................................. 9<br />
Baile a orillas <strong>del</strong> Manzanares ...................................................................................................................... 9<br />
La condesa de Chinchón .................................................................................................................................. 10<br />
La maja desnuda .............................................................................................................................................. 10<br />
Cristo crucificado ............................................................................................................................................. 11<br />
Los duques de Osuna y sus hijos ..................................................................................................................... 11<br />
La familia de Carlos IV...................................................................................................................................... 12<br />
Velázquez .............................................................................................................................................................. 13<br />
Las meninas ..................................................................................................................................................... 13<br />
Las Hilanderas .................................................................................................................................................. 14<br />
Cristo crucificado ............................................................................................................................................. 15<br />
La fragua de Vulcano ....................................................................................................................................... 15<br />
Vista <strong>del</strong> jardín de la Villa Medicis, en Roma ................................................................................................... 16<br />
<strong>El</strong> triunfo de Baco ............................................................................................................................................ 16<br />
La rendición de Breda ...................................................................................................................................... 16<br />
<strong>El</strong> Greco ................................................................................................................................................................. 17<br />
<strong>El</strong> caballero de la mano en el pecho ................................................................................................................ 17<br />
Retablo mayor <strong>del</strong> colegio de Doña María de Aragón .................................................................................... 18<br />
La Adoración de los Magos .............................................................................................................................. 18<br />
Carlos y el Furor de Leone y Pompeo Leoni ................................................................................................... 19<br />
Louis- Michel Van Loo. La familia de Felipe V ................................................................................................. 19<br />
<strong>El</strong> Trienio Liberal y las Pinturas negras (1820–1824) Goya ..................................................................................... 20<br />
Aquelarre ......................................................................................................................................................... 21<br />
Saturno devorando a uno de sus hijos ............................................................................................................ 21<br />
La lechera de Burdeos ..................................................................................................................................... 21<br />
<strong>El</strong> dos de mayo de 1808 ................................................................................................................................... 21<br />
<strong>El</strong> tres de mayo de 1808 .................................................................................................................................. 22<br />
Sorolla ..................................................................................................................................................................... 22<br />
EL GRECO/VELÁZQUEZ/GOYA CUESTIONARIO ................................................................................. 23
Visita al museo <strong>del</strong> <strong>Prado</strong>. COMENIUS. 2010-12<br />
<strong>El</strong> edificio que alberga el <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> fue concebido inicialmente por el conde de<br />
Floridablanca, como Real Gabinete de Historia Natural, en el marco de una serie de instituciones de<br />
carácter científico (pensadas según la nueva mentalidad de la Ilustración) para la reurbanización <strong>del</strong><br />
paseo llamado Salón <strong>del</strong> <strong>Prado</strong>. Con este fin, Carlos III contó con uno de sus arquitectos predilectos,<br />
Juan de Villanueva, autor también de los vecinos Real Jardín Botánico y Real Observatorio<br />
Astronómico, con los que formaba un conjunto conocido como la Colina de las Ciencias.<br />
<strong>El</strong> proyecto arquitectónico fue aprobado por Carlos III en 1786, quedando el edificio<br />
prácticamente finalizado a principios <strong>del</strong> siglo XIX.<br />
Durante la guerra de la Independencia se destinó a fines militares (cuartel de caballería) y cayó<br />
en un estado casi de ruina total.<br />
<strong>El</strong> 19 de noviembre de 1819 se inauguraba discretamente el <strong>Museo</strong> Real de Pinturas (primera<br />
denominación <strong>del</strong> museo), que mostraba algunas de las mejores piezas de las Colecciones Reales<br />
Españolas, trasladadas desde los distintos Reales sitios.<br />
Es desde 1920 que por real decreto recibió oficialmente su denominación actual de <strong>Museo</strong><br />
Nacional <strong>del</strong> <strong>Prado</strong>, que era de hecho como se lo conocía habitualmente ya con anterioridad.<br />
Durante el siglo XIX y buena parte <strong>del</strong> XX el <strong>Prado</strong> vivió una situación de cierta precariedad,<br />
pues el Estado no le brindó un apoyo y unos recursos suficientes hasta 1995.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 2
Formación<br />
La monarquía<br />
<strong>El</strong> núcleo original de las colecciones <strong>del</strong> <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> procede de la monarquía española.<br />
Los reyes de España fueron coleccionistas de arte durante siglos, y repartieron sus adquisiciones y<br />
encargos por las numerosas residencias que acumularon en toda la Península Ibérica: el Alcázar de<br />
Madrid, el Palacio de <strong>El</strong> Pardo, la Torre de la Parada, el Buen Retiro, La Granja de San Ildefonso,<br />
Aranjuez, así como los monasterios de Yuste y <strong>El</strong> Escorial.<br />
La Colección Real de pinturas tal como hoy se conoce se cimentó en tiempos de Felipe II.<br />
Los principales artífices de la colección real de pintura<br />
Carlos I (1500-<br />
1558)por Tiziano<br />
Comenzó la<br />
colección y tuvo<br />
predilección por<br />
Tiziano.<br />
<strong>El</strong> <strong>Museo</strong> de la Trinidad<br />
Felipe II (1527-1598) por<br />
Sofonisba Anguissola<br />
Continuó con Tiziano y<br />
cimentó la colección de<br />
pintura flamenca <strong>del</strong> siglo<br />
XVI, especialmente <strong>El</strong><br />
Bosco y Moro.<br />
Felipe IV (1605-1665) por<br />
Velázquez<br />
Enriqueció<br />
considerablemente la<br />
colección, sobre todo con<br />
Velázquez, Rubens y<br />
pintura italiana.<br />
Isabel de Farnesio (1692-<br />
1766) por Jean Ranc<br />
Formó la colección de<br />
Murillo, compró las<br />
esculturas de Cristina de<br />
Suecia y hasta 351 de sus<br />
pinturas ingresaron en el<br />
<strong>Prado</strong>.<br />
En la formación de las colecciones <strong>del</strong> <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong>, el antiguo <strong>Museo</strong> de la Trinidad<br />
representa el segundo gran núcleo, aunque la extensión, variedad y calidad de sus fondos fueran<br />
mucho menores que los de la Colección Real.<br />
<strong>El</strong> <strong>Museo</strong> de Arte Moderno<br />
<strong>El</strong> <strong>Museo</strong> de Arte Moderno (M.A.M.) fue un <strong>Museo</strong> Nacional dedicado al arte de los siglos XIX y<br />
XX que existió de 1894 a 1971, año en que sus colecciones de arte decimonónico fueron absorbidas<br />
por el <strong>Prado</strong>, mientras que las <strong>del</strong> siglo XX permanecieron en el <strong>Museo</strong> Español de Arte<br />
Contemporáneo, antecesor <strong>del</strong> actual <strong>Museo</strong> Reina Sofía.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 3
Secciones<br />
Pintura española<br />
Con casi 4.900 piezas, la sección de pintura española es la más completa y nutrida <strong>del</strong> <strong>Museo</strong>,<br />
constituyendo el núcleo central de sus fondos.<br />
Pintura italiana<br />
La colección de pintura italiana consta de más de mil obras y es sin duda uno de los grandes atractivos<br />
<strong>del</strong> <strong>Museo</strong>.<br />
Están representados en el museo:<br />
Fra Angelico, Mantegna, Botticelli, Antonello da Messina o Giovanni Bellini, Rafael, Correggio,<br />
Broncino, Tiziano, Tintoretto, Veronese, Jacopo Bassano, Caravaggio, Luca Giordano, Giovanni<br />
Battista Caracciolo, Bernardo Cavallino, Giambattista Tiepolo…<br />
Pintura flamenca<br />
La sección de pintura flamenca es la tercera <strong>del</strong> <strong>Museo</strong>, tanto por cantidad (más de mil obras), como<br />
por calidad, sólo por detrás de la española y casi al nivel de la italiana.<br />
Están representados en el museo:<br />
Robert Campin, Weyden, Dieric Bouts, Petrus Christus, Hans Memling, <strong>El</strong> Bosco, Joachim Patinir, Jan<br />
Gossaert, Ambrosius Benson, Jan van Scorel, Pieter Brueghel el Viejo, Quentin Metsys, Pieter Coecke<br />
van Aelst, Rubens, van Dyck, Jacob Jordaens…<br />
Pintura francesa<br />
Es la cuarta escuela nacional más extensamente representada, con más de trescientas pinturas de<br />
Poussin, Claudio de Lorena, Sébastien Bourdon, Georges de la Tour, Valentin de Boulogne, Jean<br />
Ranc, Louis-Michel van Loo, Michel-Ange Houasse, Watteau, Ernest Meissonier, Paul Baudry…<br />
Pintura alemana<br />
Pocas son las obras de pintura alemana conservadas en <strong>El</strong> <strong>Prado</strong>, pero están presentes:<br />
Alberto Durero, Lucas Cranach el Viejo, Hans Baldung Grien, Adam <strong>El</strong>sheimer, Anton Raphael Mengs,<br />
que fue nombrado primer pintor <strong>del</strong> rey Carlos III, Franz von Lenbach…<br />
Pintura holandesa<br />
La continua hostilidad (en muchas ocasiones guerra abierta) entre España y las Provincias Unidas tras<br />
la separación de éstas en 1581 dificultó extraordinariamente la llegada a España de pintura <strong>del</strong> siglo<br />
XVII de dicho país.<br />
La presencia de la pintura holandesa se limita a cien obras, todas <strong>del</strong> XVII si bien incluye un<br />
importante cuadro de Rembrandt, Pieter Claesz, obras <strong>del</strong> también bodegonista Jan Davidszoon de<br />
Heem, un retrato de Gerard ter Borch el Joven, varias obras <strong>del</strong> costumbrista Adriaen van Ostade, el<br />
claroscurista Mathias Stomer, los paisajistas Herman van Swanevelt y Jacob van Ruysdael, el pintor<br />
de animales Paulus Potter, y una importante serie de Philips Wouwerman.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 4
Pintura británica<br />
La histórica rivalidad entre España y el Reino Unido, que arranca en el siglo XVI con la subida al trono<br />
de Isabel I de Inglaterra y su definitiva separación de la Iglesia de Roma, no contribuyó precisamente a<br />
facilitar la adquisición de obras de arte británicas por la Monarquía española, lo que redundó en que la<br />
sección de pintura inglesa <strong>del</strong> <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> no sea demasiado extensa. Cuenta el museo con<br />
obras de:<br />
Thomas Gainsborough, Joshua Reynolds, Thomas Lawrence, George Romney, Francis Cotes o <strong>del</strong><br />
pintor <strong>del</strong> romanticismo David Roberts.<br />
Las sedes:<br />
Edificio Villanueva<br />
<strong>El</strong> edificio diseñado por Juan de Villanueva.<br />
Edificio Jerónimos<br />
Siguiendo el proyecto de Rafael Moneo, en 2007.<br />
Casón <strong>del</strong> Buen Retiro<br />
<strong>El</strong> hoy conocido como Casón.<br />
Otras sedes<br />
Salón de Reinos<br />
<strong>El</strong> Salón de Reinos, que, tras acoger durante décadas al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> Ejército, será reformado en los<br />
próximos años para su uso por el <strong>Prado</strong>.<br />
Edificio Aldeasa<br />
<strong>El</strong> Edificio Aldeasa, sede de las oficinas <strong>del</strong> <strong>Museo</strong>.<br />
Palacio de los Águila (Ávila)<br />
Palacio de los Águila, en Ávila, futuro Centro de Gestión de Depósitos <strong>del</strong> <strong>Museo</strong>.<br />
Algunas curiosidades<br />
Ningún museo o colección en el mundo supera al <strong>Prado</strong> en cuanto a la representación de los<br />
siguientes artistas:<br />
<strong>El</strong> Greco (36 pinturas y dos esculturas).<br />
Velázquez (48 pinturas, de las poco más de 120 catalogadas, entre ellas casi todas sus<br />
obras capitales).<br />
Goya (133 pinturas, incluyendo casi todos sus cartones para tapices). Es el artista <strong>del</strong><br />
que posee un mayor número de obras.<br />
Eduardo Rosales (casi 200 obras, entre pinturas y dibujos).<br />
Tiziano (40 pinturas).<br />
<strong>El</strong> Bosco (6 obras seguras y varias más atribuidas).<br />
Patinir (varias de sus obras maestras, de su cortísima producción).<br />
Rubens (casi cien obras, algunas pintadas a dúo con otros artistas).<br />
Ribera<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 5
Goya<br />
Sala<br />
85<br />
Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30<br />
de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828) fue<br />
un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de<br />
caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas<br />
desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. <strong>El</strong> arte<br />
goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura<br />
contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias<br />
pictóricas <strong>del</strong> siglo XX.<br />
Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito<br />
estilístico <strong>del</strong> barroco tardío y las estampas devotas, viaja a<br />
Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente<br />
neoclasicismo.<br />
<strong>El</strong> magisterio en la pintura de cartones para los tapices de la<br />
manufactura real de Santa Bárbara y en otras relacionadas con<br />
la pintura de corte lo imponía Mengs, y el pintor español más<br />
reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.<br />
Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a<br />
acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa<br />
temáticas menos amables que los mo<strong>del</strong>os que había pintado<br />
para la decoración de los palacios reales.<br />
Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que<br />
vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que<br />
la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un<br />
reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen<br />
una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre<br />
los individuos de cualquier clase y condición.<br />
Pero su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el<br />
muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta <strong>del</strong><br />
Sordo), las Pinturas negras. En ellas Goya anticipa la pintura<br />
contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que<br />
marcarían el siglo XX.<br />
Cartones para tapices<br />
Todas las obras que encontramos en esta planta se destinarían<br />
a la confección de tapices que decorarían las dependencias<br />
reales<br />
La confección de tapices para las dependencias de la realeza<br />
española había sido un empeño de los Borbones que se<br />
ajustaba al espíritu de la Ilustración, pues se trataba de una<br />
empresa que fomentaba la industria de calidad.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 6
Sala<br />
90<br />
Sala<br />
91-<br />
92<br />
Primera serie<br />
Realizada en 1775, consta de nueve cuadros de tema cinegético realizados para la decoración<br />
<strong>del</strong> comedor de los Príncipes de Asturias —los futuros Carlos IV y María Luisa de Parma—<br />
en <strong>El</strong> Escorial. Aún muy influido por las maneras de los hermanos Bayeu.<br />
Segunda serie<br />
Se pueden distinguir dos grupos de encargos cuyo tema es la representación de diversiones<br />
populares, generalmente de ocio campestre, como correspondía a la ubicación <strong>del</strong> Palacio de<br />
<strong>El</strong> Pardo. Por ello se insiste en localizar las escenas en la ribera <strong>del</strong> Manzanares. Los<br />
ejecutados entre 1776 y 1778, destinados al comedor de los Príncipes en el Palacio, y los<br />
realizados en 1778 y 1780 para la antecámara el dormitorio de dicho palacio.<br />
S.91 <strong>El</strong> resguardo de tabacos<br />
Varios guardas, uno de ellos en evidente actitud chulesca, vigilan el<br />
camino para evitar el paso de mercancías de contrabando. Junto a<br />
la patrulla se encuentran otras tres figuras, probablemente vecinos<br />
de un pueblo cercano.<br />
<strong>El</strong> precio <strong>del</strong> tabaco en el siglo XVIII y el monopolio estatal sobre<br />
su venta provocó numerosas críticas por parte de los intelectuales<br />
ilustrados a la existencia de contrabando de este producto, pero<br />
también a la ineficacia de la justicia. La sierra <strong>del</strong> fondo, de clara<br />
inspiración velazqueña, es el marco en que Goya sitúa a estos<br />
guardianes de la ley, cuya posición desafiante pretende<br />
presentarlos como héroes opuestos al contrabandista, ensalzado<br />
por la literatura popular.<br />
S.92 <strong>El</strong> cacharrero<br />
Goya capta con una técnica magistral un sencillo momento de la<br />
vida cotidiana madrileña, que supone una de las más bellas y<br />
elaboradas escenas de toda su producción. Un puesto de loza<br />
valenciana que el comerciante expone a una pareja de damas,<br />
acompañadas de una anciana. Tras ellas dos caballeros de<br />
espaldas, observan cómo se aleja un coche en el que viaja una<br />
dama que mira al espectador.<br />
La quietud de la representación de los cacharros contrasta con el<br />
movimiento <strong>del</strong> coche, que ha de desaparecer de la escena de<br />
inmediato. Goya se beneficia <strong>del</strong> dinamismo de la composición en<br />
diagonal, marcado por la posición de las figuras desde la <strong>del</strong><br />
vendedor hasta el cochero.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 7
Sala<br />
94<br />
Tercera serie<br />
Tras un periodo (1780-1786) en el que Goya emprendió otros trabajos, cuales fueron su<br />
dedicación a ejercer de retratista de moda de la clase pudiente madrileña y la recepción <strong>del</strong><br />
encargo de pintar un cuadro para San Francisco el Grande de Madrid y una de las cúpulas de<br />
<strong>El</strong> Pilar, retoma su trabajo como oficial de la fábrica de tapices en 1786 con una serie dedicada<br />
a la ornamentación <strong>del</strong> comedor <strong>del</strong> Palacio de <strong>El</strong> Pardo.<br />
<strong>El</strong> programa decorativo comienza con un grupo de cuatro cuadros alegóricos a las estaciones<br />
<strong>del</strong> año, para continuar con otras escenas de alcance social, como Los pobres en la fuente o <strong>El</strong><br />
albañil herido.<br />
<strong>El</strong> invierno<br />
Una intensa nevada sirve a Goya para realizar su interpretación <strong>del</strong><br />
invierno, tema de esta composición. Sin embargo, además de una<br />
representación cotidiana, Goya introduce, como es habitual en muchos<br />
de sus cartones para tapices, un tema social. Tres campesinos<br />
regresan cubiertos con sus mantas de lo que parece un infructuoso<br />
intento de comprar un cerdo, pues van de vacío y con miradas<br />
sombrías debidas al frío y al hambre. Otros dos, mejor vestidos,<br />
probables sirvientes de alguna rica casa, cargan con un enorme cerdo<br />
abierto en canal. <strong>El</strong> famélico perro de los campesinos, humilde él<br />
también, retraído y con el rabo entre las patas, advierte de antemano<br />
el encontronazo entre ambos grupos.<br />
<strong>El</strong> verano<br />
Goya interpreta la visión de esta estación, a través de una escena de<br />
segadores que se reponen <strong>del</strong> calor veraniego sentados junto a un<br />
montón de gavillas <strong>del</strong> trigo recién cosechado. Algunos continúan su<br />
esforzado trabajo, como la figura de la derecha, mientras que a la<br />
izquierda un grupo de campesinos intenta emborrachar a otro infeliz,<br />
cuyo atuendo y actitud le definiría como un tipo común: el llamado<br />
bobo <strong>del</strong> pueblo.<br />
Goya utiliza tipos populares para su representación, evitando recurrir a<br />
la habitual representación de la diosa Ceres coronada de espigas,<br />
tradicional emblema <strong>del</strong> verano. <strong>El</strong> ambiente de siesta logrado<br />
magistralmente por el artista completa la sabia composición de este<br />
enorme cuadro.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 8
Sala<br />
93<br />
Sala<br />
85<br />
Cuarta serie<br />
Con destino al despacho <strong>del</strong> recién proclamado rey Carlos IV en <strong>El</strong> Escorial emprende la<br />
ejecución de otra serie de cartones entre 1788 y 1792 cuyos temas adquieren matices satíricos,<br />
aunque siguen dando cuenta de aspectos alegres de la sociedad española de su tiempo. Así<br />
aparecen de nuevo juegos al aire libre protagonizados por jóvenes, como en Los zancos,<br />
muchachos (Las gigantillas) o las mujeres que en <strong>El</strong> pelele parecen regocijarse en el desquite<br />
de la dominante posición social <strong>del</strong> hombre, manteando a un muñeco grotesco.<br />
Comienzan con esta serie a aparecer los comentarios críticos hacia la sociedad de su tiempo<br />
que se desarrollarán más a<strong>del</strong>ante, especialmente en su obra gráfica, cuyo ejemplo más<br />
temprano es la serie de Los caprichos. Aparecen ya en estos cartones rostros que anuncian las<br />
caricaturas de su obra posterior, como puede apreciarse en la cara de facciones simiescas <strong>del</strong><br />
novio de La boda (1792).<br />
En esta sala encontramos también La pradera de San Isidro. Observar este cuadro<br />
porque lo veremos más a<strong>del</strong>ante en otras dos versiones<br />
La boda<br />
Una bella jovencita acaba de casarse con un hombre gordo y feo, cuyo<br />
perfil asemeja el hocico de un cerdo, pero que es evidentemente rico. <strong>El</strong><br />
padre de la novia, con una casaca algo raída, sigue a la comitiva con<br />
gesto entre resignado y complaciente. Las mozas, quizá amigas de la<br />
novia, se ríen, y el cura parece hacer lo <strong>del</strong> padre.<br />
La historia, que se repite en otras composiciones de Goya, como en la<br />
serie de los Caprichos, denuncia una situación frecuente en la época, la<br />
de los matrimonios de conveniencia, arreglados generalmente por los<br />
padres en beneficio propio.<br />
Se trata de una de las composiciones más elaboradas por parte de<br />
Goya. La magistral situación de la comitiva bajo un arco, consigue que<br />
arquitectura enmarque el grupo, resaltando las figuras sobre el luminoso<br />
fondo, especialmente la <strong>del</strong> grotesco novio.<br />
Segunda serie<br />
<strong>El</strong> tema es la representación de diversiones populares, generalmente de ocio campestre,. Los<br />
ejecutados entre 1776 y 1778, destinados al comedor de los Príncipes en el Palacio <strong>del</strong><br />
Pardo<br />
Baile a orillas <strong>del</strong> Manzanares<br />
Cartón para tapiz con la representación de una escena popular de<br />
majos y majas bailando las seguidillas a orillas <strong>del</strong> río Manzanares en<br />
Madrid. Al fondo Goya pinta una zona cercana al río, sobre el Puente<br />
de los Pontones, próxima a las tierras y casa que compró en 1819, la<br />
conocida como “Quinta <strong>del</strong> Sordo”.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 9
BAJAMOS A LA 1ª PLANTA<br />
Los cuadros circulares de 227cm de diámetro, pintados al temple, representan las alegorías de:<br />
La industria, <strong>El</strong> comercio, La ciencia, y La agricultura<br />
Retratista y académico<br />
Desde su llegada a Madrid para trabajar en la corte, Goya tiene acceso a las colecciones de pintura<br />
de los reyes, y el arte <strong>del</strong> aragonés tendrá en la segunda mitad de la década de 1770 un referente en<br />
Velázquez.<br />
A lo largo de toda la década de 1780 entra en contacto con la alta sociedad madrileña, que solicita<br />
ser inmortalizada por sus pinceles, convirtiéndose en su retratista de moda.<br />
S.37<br />
S.36<br />
La condesa de Chinchón<br />
Es una de las últimas adquisiciones <strong>del</strong> <strong>Museo</strong>.<br />
Era hija <strong>del</strong> infante don Luis Antonio de Borbón.<br />
<strong>El</strong> retrato se hizo a los tres años <strong>del</strong> matrimonio, en abril de<br />
1800, cuando la joven, a los diecinueve años de edad, esperaba<br />
a su primogénita. La Condesa va a la moda, con un vestido de<br />
gasa blanca decorada con pequeñas flores; sus abundantes<br />
rizos están recogidos en un tocado adornado por espigas de<br />
trigo, símbolo de fecundidad, promesa de la futura niña. Sentada<br />
en un elegante sillón, sus dulces ojos claros se vuelven hacia la<br />
derecha, esbozando una fugitiva sonrisa, que rehúye la mirada<br />
<strong>del</strong> espectador. Resalta el artista la actitud desvalida <strong>del</strong> gesto<br />
de las manos, que la joven cruza tímidamente sobre el regazo, y<br />
en la derecha lleva una gran sortija con el retrato de un<br />
caballero, sin duda Godoy, en cuyo pecho luce la banda de la<br />
Orden de Carlos III.<br />
Es una obra de arte excepcional, quintaesencia <strong>del</strong> retrato<br />
cortesano, interpretado por Goya con la natural agudeza<br />
psicológica y cercanía al mo<strong>del</strong>o que caracterizó sus obras.<br />
La maja desnuda<br />
Encargada seguramente por Godoy, que desde 1795 se había<br />
convertido en decidido mecenas de Goya, esta singular obra, es<br />
el único desnudo femenino <strong>del</strong> autor en un tiempo en que este<br />
género estaba prohibido por la Inquisición.<br />
La obra estuvo instalada en un lugar reservado de su palacio<br />
junto a otros lienzos de desnudos, como la Venus <strong>del</strong> espejo de<br />
Velázquez.<br />
Pocos desnudos femeninos han dado lugar a tanta literatura<br />
como este, a lo que ha contribuido la leyenda romántica sobre la<br />
identidad de la mo<strong>del</strong>o, ya que se identificó durante un tiempo<br />
con la Duquesa de Alba, y también con Pepita Tudó, amante de<br />
Godoy. La gran modernidad de esta obra se revela en la<br />
ausencia de cualquier intención alegórica, pues aunque Goya<br />
representó en esta obra a Venus, según testimonio de su hijo<br />
Javier, la presentó de un modo realista y directo, sin alusión<br />
alguna a la mitología y mirando sin recato al espectador.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 10
S.<br />
35<br />
S.<br />
34<br />
Cristo crucificado<br />
Veremos otro muy relacionado con este<br />
Cristo en la Cruz sobre fondo oscuro, con cuatro clavos y<br />
supedáneo, que continúa la tradición de la pintura española <strong>del</strong><br />
siglo XVII, aunque es perceptible el concepto clásico de belleza,<br />
difundido en España por Mengs y Bayeu. Además Goya suaviza<br />
los factores más sangrientos y dramáticos <strong>del</strong> tema, resaltando<br />
la belleza <strong>del</strong> cuerpo desnudo.<br />
Presentado por Goya a la Real Academia de Bellas Artes de<br />
San Fernando en mayo de 1780, el pintor alcanza con esta obra<br />
el rango de Académico de Mérito. <strong>El</strong> lienzo es enviado a la<br />
Iglesia de San Francisco el Grande, cuya decoración impulsa el<br />
propio Monarca. Con ello, la Academia reconocía la calidad<br />
técnica <strong>del</strong> cuadro, así como la ortodoxia de la imagen.<br />
Los duques de Osuna y sus hijos<br />
Retrato <strong>del</strong> duque de Osuna don Pedro Téllez Girón, su mujer la<br />
condesa-duquesa de Benavente doña Josefa Alonso de<br />
Pimentel y sus cuatro hijos: don Francisco de Borja, próximo<br />
duque de Osuna, don Pedro de Alcántara futuro príncipe de<br />
Anglona y director <strong>del</strong> <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> durante el trienio<br />
liberal, doña María Manuela y doña Joaquina, futura marquesa<br />
de Santa Cruz.<br />
Ejemplo de la aristocracia ilustrada de la época, los duques de<br />
Osuna se cuentan entre los primeros protectores de Goya. Esta<br />
proximidad con el pintor se revela en la cercanía de cada uno<br />
de los retratados, cuya personalidad ha quedado perfectamente<br />
individualizada dentro <strong>del</strong> conjunto familiar. <strong>El</strong> pintor emplea<br />
tonalidades grisáceas y verdosas, realzadas por la técnica<br />
ligera, sutil y precisa, que describe con maestría telas, encajes y<br />
objetos.<br />
<strong>El</strong> retrato familiar apenas era conocido en la España <strong>del</strong><br />
momento, por lo que se cree que Goya pudo tomar los mo<strong>del</strong>os<br />
compositivos de ejemplos flamencos o ingleses.<br />
También se detecta la influencia de Velázquez en la creación<br />
<strong>del</strong> espacio por medio de luces y sombras. Resalta la<br />
<strong>del</strong>icadeza y simpatía con que retrata a los niños y la sutil paleta<br />
cromática.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 11
S.<br />
32<br />
En esta sala encontramos dos retratos de la reina, otros dos<br />
retratos <strong>del</strong> rey y tres bocetos preparatorios para el conjunto<br />
familiar.<br />
La familia de Carlos IV<br />
Realizado entre Aranjuez y Madrid en la primavera y verano<br />
de 1800, poco tiempo después de ser nombrado Goya<br />
primer pintor de cámara, en el que resalta la maestría <strong>del</strong><br />
pintor para individualizar caracteres.<br />
Los precedentes de esta compleja composición son el<br />
Retrato de Felipe V con su familia de Louis-Michel van<br />
Loo y Las Meninas de Velázquez, ambas obras en las<br />
colecciones <strong>del</strong> <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong>.<br />
Los personajes retratados están presididos por los reyes en el<br />
centro, María Luisa de Parma y Carlos IV, junto a sus hijos el<br />
infante don Francisco de Paula y la infanta doña María Isabel.<br />
En el grupo de la izquierda, el príncipe de Asturias y futuro<br />
Fernando VII, vestido de azul, el infante don Carlos María de<br />
Isidro, segundo en la sucesión al trono…<br />
Destaca el cuidado en el diseño de los trajes, a la última<br />
moda, de las joyas, posiblemente creaciones <strong>del</strong> joyero de la<br />
corte y de las condecoraciones, como la banda de la Orden de<br />
Carlos III, el Toisón de Oro y las cruces de la Inmaculada y de<br />
San Jenaro.<br />
La armoniosa, clara y a un tiempo compleja composición,<br />
revela la maestría <strong>del</strong> artista. La sutil definición de los<br />
caracteres atestigua la capacidad <strong>del</strong> pintor para analizar al<br />
ser humano.<br />
Salimos a la galería central y vemos obras de Rubens, La adoración de los Magos, Las tres gracias,<br />
de Van Dyck et …<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 12
Velázquez<br />
S.12<br />
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, hacia el 5 de<br />
junio de 1599 – Madrid, 6 de agosto de 1660), conocido como<br />
Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los<br />
máximos exponentes de la pintura española y maestro de la<br />
pintura universal.<br />
Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un estilo<br />
naturalista de iluminación tenebrista, por influencia de<br />
Caravaggio y sus seguidores. A los 24 años se trasladó a<br />
Madrid, donde fue nombrado pintor <strong>del</strong> rey Felipe IV y cuatro<br />
años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más<br />
importante entre los pintores de la corte. A esta labor dedicó el<br />
resto de su vida. Su trabajo consistía en pintar retratos <strong>del</strong> rey y<br />
de su familia, así como otros cuadros destinados a decorar las<br />
mansiones reales. La presencia en la corte le permitió estudiar<br />
la colección real de pintura que, junto con las enseñanzas de<br />
su primer viaje a Italia, donde conoció tanto la pintura antigua<br />
como la que se hacía en su tiempo, fueron influencias<br />
determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad,<br />
con pinceladas rápidas y sueltas. En su madurez, a partir de<br />
1631, pintó de esta forma grandes obras como La rendición de<br />
Breda. En su última década su estilo se hizo más esquemático y<br />
abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este<br />
periodo se inauguró con el Retrato <strong>del</strong> papa Inocencio X,<br />
pintado en su segundo viaje a Italia, y a él pertenecen sus dos<br />
últimas obras maestras: Las Meninas y Las hilanderas.<br />
Su catálogo consta de unas 120 o 125 obras. <strong>El</strong> reconocimiento<br />
como pintor universal se produjo tardíamente, hacia<br />
1850.Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo<br />
con los pintores impresionistas franceses, para los que fue un<br />
referente. Manet se sintió maravillado con su pintura y lo calificó<br />
como «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha<br />
existido».<br />
La parte fundamental de sus cuadros que integraban la<br />
colección real se conserva en el <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> en Madrid.<br />
En esta sala vemos 6 magníficos retratos ecuestres y otros<br />
retratos de menor tamaño, pero destaca la obra que<br />
encontramos en el centro titulada:<br />
Las meninas<br />
Retrato de la infanta Margarita, hija de Felipe IV (1605-1665),<br />
rodeada de su servicio o “familia” en una sala <strong>del</strong> Alcázar de<br />
Madrid.<br />
<strong>El</strong> cuadro más famoso de Velázquez encierra una compleja<br />
composición construida a partir de una admirable habilidad para<br />
el uso de la perspectiva, de la plasmación de la luz y de la<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 13
S.15A<br />
representación de la atmósfera.<br />
Las interpretaciones sobre el tema y la plasmación <strong>del</strong> mismo<br />
han sido múltiples. Las más numerosas subrayan la<br />
reivindicación de la nobleza de la pintura frente a las prácticas<br />
artesanales. Velázquez se autorretrata pintando el propio<br />
cuadro a la izquierda <strong>del</strong> lienzo, afirmando así la supremacía <strong>del</strong><br />
arte de la pintura. La infanta Margarita (1651-1673), vestida de<br />
blanco, aparece rodeada en el centro de la composición por sus<br />
damas de compañía, las “meninas”, dos bufones de la corte, y<br />
un perro mastín. Detrás de ella, aparecen conversando un<br />
guardadamas y la dueña, y, en la puerta, al aposentador.<br />
Los reyes, Felipe IV y Mariana de Austria (1634-1696), se<br />
reflejan en el espejo <strong>del</strong> fondo, dando lugar a un juego espacial<br />
de extraordinaria complejidad.<br />
En esta sala vemos algunos motivos recogidos de la mitología,<br />
de entre los que destaca<br />
Las Hilanderas<br />
Representación compleja y altamente intelectual <strong>del</strong> mito<br />
clásico de Aracne.<br />
Aracne era una joven lidia (Asia Menor) maestra en el arte de<br />
tejer, que retó a Atenea, diosa de la Sabiduría, a superarla en<br />
habilidad. Ésta, consciente durante la competición de la<br />
supremacía de la mortal y viendo su burla al representar en su<br />
tapiz la infi<strong>del</strong>idad conyugal de su padre Zeus, convirtiéndose<br />
en toro y raptando a la ninfa Europa, convirtió a Aracne en<br />
araña.<br />
<strong>El</strong> mito aparece representado en dos planos bajo la apariencia<br />
de un día cotidiano en la Fábrica de Tapices de Santa Isabel.<br />
Al fondo de la escena el rapto de Europa aparece hilado en el<br />
tapiz que cuelga de la pared y, ante él Atenea, vestida con<br />
armadura, castiga a Aracne. Las mujeres que observan el<br />
suceso, y que podríamos confundir con clientas de la fábrica,<br />
serían en realidad las jóvenes lidias testigos <strong>del</strong> momento. En<br />
primer término, las hilanderas representarían el desarrollo <strong>del</strong><br />
concurso. Atenea, hilando en la rueda y Aracne devanando<br />
una madeja.<br />
Esta obra ha sido interpretada por los estudiosos como una<br />
alegoría a la nobleza <strong>del</strong> arte de la pintura y una afirmación de<br />
la supremacía <strong>del</strong> propio Velázquez. La complejidad<br />
iconográfica elevaría la creación pictórica a la altura de otras<br />
artes mejor consideradas en el siglo XVII, como la poesía o la<br />
música, y las referencias a grandes pintores, como Tiziano y<br />
Rubens elevarían a Velázquez a la altura de los grandes<br />
genios de la Historia <strong>del</strong> Arte.<br />
Tiziano pintó el rapto de Europa que aparece aquí, y<br />
posteriormente lo copió Rubens.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 14
S.15<br />
Enanos y bufones<br />
S.14 Cristo crucificado<br />
Es uno de los más grandes iconos devocionales de la cultura<br />
española.<br />
Representación serena de un Cristo inerte, apolíneo en sus<br />
proporciones y clavado con cuatro clavos, según aconseja el<br />
maestro y suegro <strong>del</strong> pintor, Francisco Pacheco, que pinta en<br />
1614 de modo semejante el mismo tema. Al apoyar los pies en<br />
un supedáneo y eliminarse cualquier referencia espacial, se<br />
acentúa la sensación de soledad, silencio y reposo, frente a la<br />
idea de tormento de la Pasión.<br />
Las influencias de la escultura grecorromana en la anatomía de<br />
Cristo apuntan a su realización en los primeros años <strong>del</strong> regreso<br />
de Velázquez de su primer viaje a Italia, hacia 1631-32.<br />
<strong>El</strong> cuadro procede de la sacristía <strong>del</strong> convento madrileño de<br />
monjas benedictinas de la Encarnación de San Plácido. La<br />
leyenda dice que es pintado a instancias de Felipe IV para<br />
expiar su enamoramiento sacrílego de una joven religiosa.<br />
S.11 La fragua de Vulcano<br />
<strong>El</strong> dios Apolo, coronado de laurel y vestido con túnica<br />
anaranjada, entra en la fragua de Vulcano para avisarle <strong>del</strong><br />
adulterio de su esposa Venus, diosa de la belleza, con Marte,<br />
dios de la guerra.<br />
Apolo, dios de la poesía y de la música, conocedor de la verdad<br />
representa la superioridad de las Artes frente a la Artesanía,<br />
representada en Vulcano, dios romano <strong>del</strong> fuego y protector de<br />
los herreros. Esta obra, ideada totalmente por Velázquez sin<br />
mediación de encargo alguno, encierra una alabanza a su<br />
profesión de artista elevando la pintura al nivel de la poesía y la<br />
música, y distanciándola de la práctica artesana.<br />
Destacan en esta obra, realizada en Roma durante el primer<br />
viaje de Velázquez a Italia, las referencias a la estatuaria<br />
grecorromana en el tratamiento de los desnudos y al barroco<br />
clasicista italiano. La composición está basada, aunque<br />
ampliamente modificada, en un grabado de Antonio Tempesta.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 15
S.<br />
10<br />
S.9A<br />
Vista <strong>del</strong> jardín de la Villa Medicis, en Roma<br />
Estas dos vistas romanas son obras de gran singularidad tanto<br />
dentro de la producción <strong>del</strong> artista como de la de los pintores de<br />
su tiempo. Las razones son tanto su carencia de tema<br />
reconocible -pues se estimaba entonces que el paisaje<br />
necesitaba de una apoyatura narrativa- como su técnica de<br />
toques ligeros y vibrantes, posteriormente vistos como<br />
precedentes de la pintura impresionista. En este sentido se ha<br />
insistido también en la modernidad de su aparente intención de<br />
pintar la naturaleza no en cuanto tiene de inmutable sino de<br />
cambiante, reflejando dos instantes definidos por diferentes<br />
condiciones atmosféricas.<br />
<strong>El</strong> triunfo de Baco<br />
Velázquez gran renovador de los géneros pictóricos, aborda<br />
aquí el tema mitológico, poco habitual en la pintura española, y<br />
lo trata de un modo realista. Acercándolo a lo cotidiano,<br />
representa al dios <strong>del</strong> vino, Baco, y a su corte, con los rasgos<br />
de los parroquianos de las tabernas de Madrid, de manera<br />
similar a lo realizado por Caravaggio en sus escenas religiosas,<br />
o por Ribera en sus cuadros de filósofos, pero lejos de la<br />
idealización de las obras de Rubens quien pudo influir en la<br />
elección de este tema.<br />
La rendición de Breda<br />
Ambrosio Spínola, general genovés al mando de los tercios de<br />
Flandes, recibe <strong>del</strong> gobernador holandés, Justino de Nassau,<br />
las llaves de la ciudad de Breda, rendida tras un largo asedio. <strong>El</strong><br />
hecho, acaecido el 5 de junio de 1625, se consideró en su<br />
momento un episodio clave de la larga guerra que mantuvieron<br />
los españoles para evitar la independencia holandesa.<br />
La obra, con clara finalidad de propaganda política, insiste en el<br />
concepto de clemencia de la monarquía hispánica. A diferencia<br />
de otros cuadros de historia contemporánea, Velázquez no se<br />
recrea en la victoria, y la batalla tan solo está presente en el<br />
fondo humeante. <strong>El</strong> pintor centra la atención en el primer plano<br />
en el que se desarrolla no tanto el final de la guerra como el<br />
principio de la paz.<br />
<strong>El</strong> cuadro es una excelente muestra <strong>del</strong> dominio de todos los<br />
recursos pictóricos por parte <strong>del</strong> autor: habilidad para introducir<br />
la atmósfera, la luz y el paisaje en sus lienzos, maestría<br />
retratística y conocimiento profundo de la perspectiva aérea.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 16
<strong>El</strong> Greco<br />
S 8<br />
B<br />
Considerado ya en su tiempo como un artista singular,<br />
Domenicos Theotocopoulos, el Greco, fue admirado por unos y<br />
denostado por otros por sus extravagancias formales y su<br />
particular modo de representar la religiosidad. Por ello su obra<br />
fue claramente relegada durante los siglos XVIII y parte <strong>del</strong> XIX,<br />
y pese a ser el más antiguo de la tríada por excelencia de la<br />
escuela española, que forma junto a Velázquez y Goya, fue<br />
también el que más tardíamente se redescubrió. Formado en la<br />
tradición de los pintores bizantinos de iconos, el Greco viajó a<br />
Venecia, y posteriormente por toda Italia, para asimilar el<br />
estilo de la pintura occidental. Lo logró a la perfección pero, al<br />
no obtener en Roma el reconocimiento que creía merecer, viajó<br />
a España en busca de una corte en la que ser el artista<br />
principal. Tampoco en este país lo consiguió, dado que Felipe II<br />
no juzgó adecuados para <strong>El</strong> Escorial ni su Martirio de San<br />
Lázaro ni su Alegoría de Santa Liga. A cambio encontró un<br />
lugar, Toledo, donde asentarse y crear una obra marcada de<br />
personalidad y donde podrán apreciar una de sus más famosas<br />
obras, en su próximo viaje, <strong>El</strong> entierro <strong>del</strong> conde de Orgaz.<br />
<strong>El</strong> Greco se ha explicado de muchos modos: como un extraño<br />
pintor griego discípulo de Tiziano, como el que mejor ha<br />
reflejado en sus obras el espíritu religioso y los valores<br />
puramente hispanos de la sociedad de Felipe II, pero también<br />
como artista filósofo e intelectual, como un pintor esteticista<br />
que, con gran libertad, creó un estilo personalísimo cuya<br />
peculiaridad tiene más que ver con el formalismo manierista que<br />
con lo hispano. Un estilo tan singular que, que por su<br />
expresionismo y subjetivismo, quisieron tomar como precedente<br />
algunas corrientes pictóricas vanguardistas <strong>del</strong> siglo XX.<br />
<strong>El</strong> caballero de la mano en el pecho<br />
<strong>El</strong> Greco consiguió con sus retratos un reconocimiento que no<br />
logró con el resto de su obra. Hasta sus detractores le<br />
concedían haber realizado buenas obras en este género. Esto<br />
se debe en buena parte a su capacidad para asimilar la<br />
tradición <strong>del</strong> retrato español, combinando sobriedad, distancia y<br />
cierto detallismo, con una factura pictórica veneciana.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 17
S.9.B Retablo mayor <strong>del</strong> colegio de Doña María de Aragón<br />
S.10B<br />
Uno de los mayores encargos recibidos por el Greco.<br />
Seis obras que formarían parte <strong>del</strong> mencionado retablo y cuyos<br />
títulos y temáticas son:<br />
La Adoración de los pastores, que está en Bucarest,<br />
La Anunciación y el Bautismo, que están en el <strong>Prado</strong>,<br />
Y posiblemente formaron parte <strong>del</strong> retablo: La crucifixión, La<br />
Resurrección y Pentecostés, también en el <strong>Prado</strong>.<br />
Cuando se contempla una pintura para retablo es importante<br />
tener en cuenta que fue hecha para formar parte de un<br />
conjunto, que alcanza su significado al contemplarse como tal, y<br />
que parte de su sentido se pierde al verla de forma aislada.<br />
En estas obras podemos advertir algunas de las peculiaridades<br />
plásticas <strong>del</strong> artista. Obsérvese:<br />
*<strong>El</strong> gran contraste tonal.<br />
*La representación en un solo espacio, de dos mundos, el<br />
terrenal y el celestial, en una relación tan íntima que parecen<br />
ser diferentes lugares de una misma realidad.<br />
*Contraste entre la neutralidad <strong>del</strong> color y los golpes visuales<br />
producidos por su empleo de los colores primarios, amarillo,<br />
magenta y cian y el verde.<br />
*La distorsión de las figuras. Verticalismo. Estiramiento vertical<br />
que adquiere un sentido práctico en el caso de las pinturas para<br />
retablos.<br />
*Composición envolvente.<br />
*Conocimiento de la anatomía.<br />
*Coreografía y teatralización.<br />
*Imágenes de gran fuerza expresiva y espiritual.<br />
La Adoración de los Magos<br />
Es una de las obras más importantes de la producción tardía<br />
<strong>del</strong> pintor; destinada al que iba a ser el panteón familiar dentro<br />
de la Iglesia Conventual de Santo Domingo el Antiguo, en<br />
Toledo. Para tal efecto, el artista recuperó un tema que había<br />
tratado en diversos momentos de su carrera, un símbolo de<br />
resurrección y eternidad que acompañaría los restos <strong>del</strong> pintor,<br />
probablemente autorretratado en el pastor <strong>del</strong> primer término.<br />
Se ha pensado que escogió este episodio por el significado de<br />
su apellido (Theotocopoulus) y la palabra griega Theotokos<br />
(Madre de Dios).<br />
Salimos a la galería central y podemos reparar en …<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 18
Carlos y el Furor de Leone y Pompeo Leoni (escultura de<br />
bronce)<br />
<strong>El</strong> emperador está pisando sobre otra figura desnuda que<br />
encarna el Furor, representado mediante un hombre maduro<br />
encadenado en actitud colérica y de odio, quien en su mano<br />
derecha sostiene una tea encendida. <strong>El</strong> grupo reposa sobre una<br />
base recubierta de armas y trofeos militares, trabajados con<br />
detallismo de orfebre: un tridente, una trompeta, una maza, un<br />
carcaj e incluso un haz de lictor romano con el hacha,<br />
potenciando el efecto de escultura de la antigüedad que tiene el<br />
grupo.<br />
Esta idea está en relación con la mentalidad <strong>del</strong> Renacimiento,<br />
cuando se vinculaba el poder imperial al pasado romano, tanto<br />
política como estéticamente. Congruente con esta tendencia<br />
está el hecho de que los autores representaran al emperador<br />
desnudo como una escultura antigua a la que se añadió la<br />
coraza, que todavía hoy puede ser retirada.<br />
Paseamos por la galería central viendo al menos:<br />
Tintoreto: <strong>El</strong> Lavatorio<br />
Tiziano: <strong>El</strong> emperador Carlos V<br />
Carlos V en la batalla de Mühlberg<br />
Felipe II<br />
Rubens: Vulcano forjando los rayos de Júpiter<br />
Saturno devorando a su hijo<br />
Pasamos por Goya: La familia de Carlos IV y vamos a la sala 39<br />
S.<br />
39<br />
Louis- Michel Van Loo. La familia de Felipe V<br />
Retrato de los miembros de la familia real en 1743. Los reyes<br />
Felipe V e Isabel de Farnesio, su segunda mujer, ocupan el<br />
lugar central y los hijos de los dos matrimonios <strong>del</strong> rey aparecen<br />
representados rodeando a los monarcas. Las actitudes de cada<br />
uno de los personajes son muy distintas, presentando el<br />
conjunto una diversidad de caracteres psicológicos, en un<br />
ambiente solemne como corresponde a un retrato oficial. Se<br />
busca la representación de la majestad regia con los atributos<br />
que le pertenecen, el sentido de continuidad dinástica y la<br />
pompa que rodea su poderío.<br />
Y bajamos por las escaleras a la sala 67 y siguientes: Las pinturas negras.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 19
<strong>El</strong> Trienio Liberal y las Pinturas negras (1820–1824) Goya<br />
S.67<br />
Con el nombre de Pinturas negras se conoce la serie de catorce cuadros que pinta<br />
Goya entre 1819 y 1823 con la técnica de óleo al seco sobre la superficie de revoco de la<br />
pared de la Quinta <strong>del</strong> Sordo. Estos cuadros suponen, posiblemente, la obra cumbre de<br />
Goya, tanto por su modernidad como por la fuerza de su expresión. Una obra como Perro<br />
semihundido se acerca incluso a la abstracción; muchas otras son precursoras <strong>del</strong><br />
expresionismo pictórico y otras vanguardias <strong>del</strong> siglo XX.<br />
Las pinturas murales fueron trasladadas a lienzo proceso que causó un gravísimo daño<br />
a las obras, que perdieron gran cantidad de materia pictórica.<br />
Hay consenso entre la crítica especializada en proponer causas psicológicas y sociales<br />
para la realización de las Pinturas negras. Entre las primeras estarían la conciencia de<br />
decadencia física <strong>del</strong> pintor, y sobre todo las consecuencias de la grave enfermedad de<br />
1819, que postró a Goya en un estado de debilidad y cercanía a la muerte que refleja el<br />
cromatismo y el asunto de estas obras.<br />
Desde el punto de vista sociológico, todo apunta a que Goya pintó sus cuadros a tras<br />
reponerse de su dolencia. La sátira de la religión —romerías, procesiones, la Inquisición—<br />
o los enfrentamientos civiles —el Duelo a garrotazos, las tertulias y conspiraciones que<br />
podría reflejar Hombres leyendo, una interpretación en clave política que podría<br />
desprenderse <strong>del</strong> Saturno: el Estado devorando a sus súbditos o ciudadanos—,<br />
concuerdan con la situación de inestabilidad que se produjo en España durante el Trienio<br />
Liberal. Estos sucesos coinciden cronológicamente con las fechas de realización de estas<br />
pinturas. Por otro lado, muchos de los personajes de las Pinturas negras (duelistas,<br />
frailes, monjas, familiares de la Inquisición) representan el mundo caduco anterior a los<br />
ideales de la Revolución francesa.<br />
Goya en Burdeos (octubre de 1824–1828)<br />
En mayo de 1823, las tropas <strong>del</strong> duque de Angulema toman Madrid con objeto de<br />
restaurar la monarquía absoluta de Fernando VII y se produce una inmediata represión de<br />
los liberales que habían apoyado la constitución de 1812, vigente de nuevo durante el<br />
Trienio Liberal. Goya temió los efectos de esta persecución y marchó a refugiarse a casa<br />
de un amigo. Al año siguiente solicita al rey un permiso para convalecer en el balneario de<br />
Plombières que le fue concedido.<br />
Goya llega a mediados de 1824 a Burdeos y aún tiene energía para marchar a París en<br />
verano, volviendo a Burdeos en septiembre donde residiría hasta su muerte.<br />
Muere el 15 de abril de 1828. Sus restos descansan hoy en la ermita de San Antonio<br />
de la Florida de Madrid.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 20
S.67<br />
S.<br />
66<br />
S.65<br />
Aquelarre<br />
<strong>El</strong> título dado a esta composición fue <strong>El</strong> gran cabrón, alusiva al<br />
demonio como macho cabrío, al que sirven las brujas en los<br />
aquelarres. Aparece aquél a la izquierda y frente a él está<br />
reunida, sentada en el suelo, la muchedumbre de hombres y<br />
mujeres de rasgos animalescos, brujas y brujos reunidos en<br />
aquelarre. A la derecha una joven sentada, tal vez para ser<br />
iniciada en los ritos de aquéllas. <strong>El</strong> mundo de las brujas le sirvió<br />
a Goya para denunciar la degradación <strong>del</strong> ser humano.<br />
Al ser arrancada <strong>del</strong> muro, la composición fue cortada por la<br />
derecha en más de 1.40 m, lo que hizo que la joven sentada<br />
fuese desplazada <strong>del</strong> centro de la composición.<br />
Saturno devorando a uno de sus hijos<br />
Saturno, en el momento de devorar a uno de sus hijos, es una<br />
de las imágenes más expresivas de las Pinturas Negras.<br />
Se representa un horroroso capítulo de canibalismo incestuoso.<br />
<strong>El</strong> dios romano <strong>del</strong> tiempo, Saturno, reinaba sobre el mundo,<br />
pero un oráculo le había advertido que sería destronado por uno<br />
de sus hijos, para evitarlo, Saturno los iba devorando a medida<br />
que nacían, solo el último, Júpiter pudo salvarse y quitar el<br />
poder a su padre.<br />
<strong>El</strong> dios de la mitología podría ser la personificación de un<br />
sentimiento tan humano como el miedo a perder el poder.<br />
La lechera de Burdeos<br />
<strong>El</strong> tema, una joven lechera, posiblemente montada sobre un<br />
burro, se relaciona con los oficios callejeros, de larga tradición<br />
en el arte.<br />
Presenta un colorido claro, de tonos azules, iluminados con<br />
gruesas y separadas pinceladas blancas, tonalidades que se<br />
han explicado como un rebote de optimismo en la vida <strong>del</strong> viejo<br />
pintor.<br />
Es una de sus últimas obras ya que se pintó en 1828.<br />
<strong>El</strong> dos de mayo de 1808<br />
En 1814 Goya, propone la realización de obras que<br />
rememoraran hechos de la Guerra de la Independencia (1808-<br />
1812): "....para perpetuar por medio <strong>del</strong> pincel las más notables<br />
y heroicas acciones o escenas de nuestra gloriosa insurrección<br />
contra el tirano de Europa". Se representa aquí la revuelta <strong>del</strong><br />
pueblo de Madrid el 2 de mayo de 1808, que atacó con navajas<br />
y cuchillos a los mamelucos, soldados turcos <strong>del</strong> ejército francés<br />
de Napoleón, que se llevaban a Francia a los hijos menores de<br />
Carlos IV y María Luisa, lo que determinó el comienzo de la<br />
Guerra de Independencia ese mismo día.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 21
S.65<br />
<strong>El</strong> tres de mayo de 1808<br />
La misma tarde <strong>del</strong> dos de mayo y durante esa noche <strong>del</strong><br />
alzamiento popular representado en el cuadro anterior el ejército<br />
francés fusiló a muchos de los sublevados en varios lugares de<br />
Madrid. Se acabó así con el levantamiento en Madrid.<br />
Los atacantes de la mañana son ahora las víctimas, que<br />
aparecen muertas en primer plano, o a punto de ser fusiladas,<br />
pidiendo clemencia, con varias expresiones de miedo,<br />
resignación y desesperación.<br />
La luz <strong>del</strong> potente farol traspasa el aire húmedo de la noche y<br />
deja ver los dertalles pavorosos de la muerte en un lugar<br />
inhóspito, que sitúa la escena ante una de las puertas de<br />
Madrid.<br />
Vamos a la sala 75 donde se expone una maqueta <strong>del</strong> <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong>, perteneciente al segundo y<br />
esta vez sí, exitoso proyecto de Villanueva para la construcción <strong>del</strong> edificio en el que nos encontramos<br />
y que como veíamos al principio debía ser el Real Gabinete de Historia Natural.<br />
Ubicaremos las tres puertas, de Goya, de Velázquez y de Murillo, por la que hemos entrado e<br />
intentaremos averiguar dónde nos encontramos ahora.<br />
Salimos nuevamente para dirigirnos a la sala 60, en ella hay obras de Sorolla y de Aureliano<br />
Berruete.<br />
Sorolla<br />
Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia 1.860 - Cercedilla 1.923 ) fue un pintor español cultivador<br />
de ese género tan famoso y apreciado que llamamos impresionismo. Si bien nació cuando el<br />
movimiento en Francia estaba ya en pleno apogeo, por tanto sus pinturas son tardías, reúne<br />
todas las características que conocemos bien: gusto por el aire libre, búsqueda de lo<br />
momentáneo y fugaz, captación de los efectos de la luz, ausencia <strong>del</strong> negro y de los contornos,<br />
pinceladas pequeñas, sueltas e independientes. .<br />
La temática de Sorolla es variada pero dos temas son muy reiterativos: las playas y las<br />
costumbres y trajes populares.<br />
Fue un pintor muy reconocido y respetado en vida.<br />
Algunos críticos de arte han llegado a llamar a su impresionismo "luminismo" debido a la<br />
extraordinaria presencia de la potente luz mediterránea en sus obras.<br />
En la misma sala se expone una obra cuya temática hemos<br />
visto en dos ocasiones más: de Aureliano Berruete. Llamar la<br />
atención de ella.<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 22
EL GRECO/VELÁZQUEZ/GOYA CUESTIONARIO<br />
¿Cuál es el artista en el que se observa una evolución más radical?<br />
¿Qué dos géneros o temáticas son trabajados por los tres artistas con<br />
gran éxito?<br />
Ordena cronológicamente a Velázquez, Goya y el Greco.<br />
Habiendo sido los tres pintores grandes referentes para los artistas de<br />
las vanguardias de principios <strong>del</strong> siglo XX, ¿ cuál es en tu opinión el<br />
que produce más clara influencia?<br />
¿Cuál de los tres artistas es más monotemático?<br />
¿Qué pintor no nació en España?<br />
¿A qué país europeo viajaron los tres pintores en busca de<br />
aprendizaje?<br />
Al menos hemos visto estos cuatro temas repetidos a lo largo de nuestra visita. Cada pintor tiene un número a su<br />
izquierda.<br />
Haz corresponder su número con su obra señalándolo en la columna R<br />
PINTORES R 4 TEMAS<br />
1 Goya<br />
La pradera de San Isidro<br />
2 Goya<br />
3 Goya<br />
4 Goya<br />
5 Goya<br />
6 Velázquez<br />
7 Velázquez<br />
8 Rubens<br />
9 Louis- Michel Van Loo<br />
10 Aureliano Berruete<br />
Visita al <strong>Museo</strong> <strong>del</strong> <strong>Prado</strong> Página 23<br />
A<br />
B<br />
1º<br />
2º<br />
3º<br />
La romería de San Isidro<br />
Afueras de Madrid ( Pradera de San Isidro)<br />
Saturno devorando a uno de sus hijos<br />
Saturno devorando a uno de sus hijos<br />
(Familia real)La familia de Carlos IV<br />
(Familia real)La familia de Felipe V<br />
(Familia real)La familia de Felipe IV (Las meninas)<br />
Cristo crucificado<br />
Cristo crucificado