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Peter Greenaway
“Sería problemático describir a
Botero como un realista mágico,
pero para mí era parte de
un fenómeno que es bastante
interesante desde el punto de
vista de la realización de películas”.
Págs. 6 - 7.
Año 5 # 23. Abril - Junio 2010
25.000 Ejemplares Impresos.
Distribución gratuita
ISSN: 1794-9653
Versión descargable en PDF
www.periodicoarteria.com
“El arte, entre todas las mentiras,
es la menos mentirosa”.
Gustave Flaubert
Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber
sobre el arte en Colombia.
Fotografía: Federico Ruíz. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín Fotografía: Enrique Narváez C.
Ícono Mutable
En la reflexión por el nuevo Museo de Arte Moderno de Medellín hay que plantearse la relación entre ciudadanías culturales y las
reconfiguraciones de lo público. El MAMM tiene en su historia 32 años de plantearse preguntas, hacer esfuerzos por mantener
una agenda cultural unas veces sólida otras veces lánguida y abrir espacios para el arte. Pág. 14.
Cortesía: Miler Lagos
Philagráfika
Resultado de más de cinco años de planeación de un grupo de curadores y bajo la
dirección artística de José Roca, Philagráfika se movilizó en torno a un interés común:
“mirar el rol de la gráfica como una fuerza vital en el arte contemporáneo”. Pág. 5.
Cortesía: Jorge Peñuela
Premio Luis Caballero … y El Señor de la Agonía
Realizado en 2009 y premiado en 2010, este premio no sólo contribuye a la formación
ciudadana. También estimula el trabajo creativo de aquellos que desde ahora se ven
tentados a incursionar en el dificil arte de pensar artísticamente. Págs. 8 - 9
1
Esto no es un Matrimonio
ARTERIA organizó la presentación de el
más reciente performance de la brasilera
Beth Moysés en Bogotá. Pág. 4.

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periodicoarteria.com
Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber
sobre el arte en Colombia.
Directora
Nelly Peñaranda R.
nelly.penaranda@periodicoarteria.com
Asistente
Nathalia Leal Arias.
Coordinador Editorial
Andrés Cabrera Higuita.
andres.cabrera@periodicoarteria.com
Consejo Editorial
Jaime Cerón, Carlos Andrés Hurtado,
José Roca, María Belén Sáez de Ibarra.
Colaboran en esta edición
Johanna Arenas, Valeria Castillo,
Adriana Castro Criales, Analida Cruz,
Ana María Lozano, Juanita Monsalve,
Lucas Ospina, Jorge Peñuela, Lucrecia
Piedrahita, Adriana Ríos, Eduardo
Serrano, Sylvia Súarez, Santiago Toca,
Conrado Uribe.
Asesor financiero
Enrique Narváez Castillo.
kke@periodicoarteria.com
Concepto Editorial
Paulo Ramírez.
Diseño Gráfico
Manuela Calle.
manuela.calle@periodicoarteria.com
Agradecimiento especial
Margarita Castro P.
Fotografía
Óscar Monsalve.
Suscripciones:
$22.000 Bogotá.
$34.000 resto del país.
1 año (4 ejemplares)
Contactos:
info@periodicoarteria.com
periodicoarteria@gmail.com
periodicoarteria@yahoo.com
Las opiniones consignadas en los
artículos y correos en la presente edición
son responsabilidad de cada uno
de los autores y no necesariamente
expresan el punto de vista del
Periódico Arteria.
Periódico Arteria es una publicación de
Colombian Art Crafts Ltda.
Carrera 5 # 14 - 85
Edificio Triana
Tel. 57 (1) 604 6485 / 71
Cel. (317) 638 6108
Bogotá - Colombia
EDITORIAL Por:
Nelly Peñaranda
Entrados en 2010, y fieles a los objetivos que fueron planeados al momento de creación del proyecto Arteria hemos logrado
visualizar y materializar algunos de los propósitos que dieron inicio a nuestra intención de contribuir como facilitadores al desarrollo
de las prácticas artísticas, al tiempo que hiciéramos de Arteria un instrumento útil en el devenir de la actualidad del medio de las
artes nacionales.
Abrimos la presente edición con buenas noticias; de un lado, la apertura de nuestra nueva sede, ubicada en el centro de la
ciudad, antigua administración del que fuera el Teatro Popular de Bogotá TPB, y posteriormente oficina de comunicaciones de
CityTV. Al interior de este espacio de cerca de 600 metros, han comenzado a gestionarse actividades que complementan nuestro
objeto social y de compromiso con la educación; antes de terminar el tiempo de circulación de esta edición, se estarán dictando
los talleres infantiles y gratuitos dirigidos a la niños y niñas habitantes de zonas cercanas a nuestra sede, además de ser lugar de
realización de talleres teóricos y conferencias, dirigidos a estudiantes y profesionales del campo de las artes que nos competen. Ante
las posibilidades que se abren en la ocupación de este nuevo lugar, Arteria reabre su proyecto ‘Estímulo a Jóvenes Curadores´,
iniciado en 2008; la Fundación entrará a la evaluación y estudio de propuestas enviadas por los interesados, antes del 15 de junio,
para su posible puesta en escena al interior de nuestra sala de exhibición temporal “Sótano Arteria”.
De otro lado, y continuando con las buenas noticias, los avances de Arteria y su fundación nos han permitido realizar un convenio
de asociación con el Ministerio de Cultura a través del cual estaremos haciendo las veces de mediadores para algunos de los
proyectos a desarrollarse como parte de las políticas culturales del estado y a beneficio de la comunidad artística durante 2010;
actividades que también nos permitirán convocar a nuevos públicos a acercarse a las manifestaciones actuales de las artes.
El Centro de Documentación Arteria se abre al público luego de años de recolección de títulos nacionales e internacionales, al
igual que de recepción de suscripciones a seis revistas internacionales de arte; hoy día y a través del convenio con el Ministerio
de Cultura, contamos también con buena parte de sus archivos particulares y especializados en arte contemporáneo, incluyendo
todo lo concerniente al Programa Salones de Artistas. Invitamos a todos aquellos interesados en consultar, investigar, o revisar
documentos referentes a las expresiones contemporáneas de las artes plásticas y visuales a acceder sin ningún costo a este nuevo
espacio de encuentro. Adicionalmente la Fundación Arteria ha entrado en los procesos de coordinación de la IV Versión del Premio
Nacional de Crítica; producción y distribución del Catálogo de los 13 Salones Regionales de Artistas; balance y evaluación del
proceso del programa Salones de Artistas; circulación y divulgación de publicaciones y, exposición 70 años Salón Nacional de
Artistas; proyectos liderados por el Ministerio de Cultura y sobre los cuales estaremos informando a todos nuestros lectores acerca
de las actividades que serán desarrolladas durante el presente año.
Invitamos a los interesados en recibir nuestras periódicas comunicaciones digitales, a vincularse a nuestra base de datos a través de
su suscripción en nuestra página web www.periodicoarteria.com, así como al grupo Arteria en Facebook, o seguirnos en Twitter@
periodiarteria; herramientas de comunicación efectivas a través de las cuales hemos incrementado las posibilidades de acceso a
diferentes eventos y proyectos de interés, relacionados con el desarrollo de nuevas actividades alrededor de las artes nacionales y
foráneas.
Terminando con las de buenas noticias, Arteria agradece a la artista Clemencia Echeverri por su vinculación al proyecto ´Colección
de Arte Arteria´, haciendo entrega a nuestros lectores y seguidores la décimo segunda obra coleccionable. Como es habitual, los
interesados en recibir la obra aquí impresa firmada y numerada de manos de la artista, deberán enviar el recorte o la página a
nuestra oficinas (Carrera 5 # 14 - 85) en sobre marcado y sellado antes del próximo 30 de junio, seis semanas después recibirán
por correo su obra y para pago postal contra entrega.
Próximos a la celebración de nuestro quinto año de labores, nos complace poner al conocimiento de nuestros lectores estas buenas
noticias; esperando que sus desarrollos sean parte de los procesos de enriquecimiento y facilitación de actividades alrededor de las
artes y a beneficio de quienes como protagonistas, siguen siendo nuestro estímulo para seguir adelante.
Libros y
publicaciones
En este libro, concebido como ensayo,
Osvaldo Granda revisa las concepciones
culturales que dan forma a las nociones
de otredad en America Latina; y
lleva a cabo una pesquisa para encontrar
sus diferentes fuentes históricas.
Presta atención al carácter intercultural de
la identificación y validación del “otro”,
lo que lo lleva a emplear conceptos y
referencias presentes en la literatura de
autores provenientes de diferentes países
del caribe. Es crucial para este ejercicio
la revisión de lo que denomina “el síndrome
de Montaigne” que tiene que ver
con la fantasía moderna de representar
sus sugerencias y comentarios son importantes
Opine en: www.periodicoarteria.com
al otro, que termina siendo la proyección
fantasmática del propio deseo. En ese
sentido los distintos acercamientos a las
prácticas culturales y experiencias históricas
de las comunidades afrodescendientes
en América Latina, propuestos por un
conjunto de literatos y artistas modernos
y contemporáneos serán el fundamento
de un amplio porcentaje de las valoraciones
estéticas que se promueven en el
libro.
El método empleado suele considerar el
campo literario como fuente de las concepciones
a analizar, que luego relaciona
con las artes visuales, encontrándoles
nuevas dimensiones de sentido. Hubiera
sido interesante que probara una inversión
lógica de esa manera de operar,
porque podrían ampliarse las concepciones
presentes en el libro
Jaime Cerón
Revista Errata
Recientemente lanzada por sus realizadores,
Fundación Gilberto Alzate Avendaño,
Errata# se caracterizará por el tratamiento,
en cada número, de un tema
central abordado desde diferentes perspectivas
que confluyan en una aproximación
desde el arte. Con esta propuesta
se busca poner en diálogo diversos enfoques
y miradas sobre un mismo asunto,
así como congregar voces de distintas
procedencias.
Una línea de Polvo: Arte y
Drogas en Colombia
La Alcaldía Mayor de Bogotá y la Fundación
Gilberto Alzate Avendaño presentaron
recientemente el libro `Una línea
de polvo: Arte y drogas en Colombia´
de Santiago Rueda. Publicación ganadora
en 2008 del concurso distrital ‘En-
sayo histórico o crítico sobre el campo
del arte en Colombia’. En este ensayo,
el autor reflexiona el narcotráfico desde
la perspectiva de los estudios históricos
y críticos sobre las artes y presenta una
breve revisión de la relación entre las artes
visuales y la producción y tráfico de
drogas en Colombia. El estudio, que cubre
desde los inicios del problema hasta
el presente, considera las respuestas,
trabajos, exposiciones y las reacciones
que los artistas del medio han tenido
al respecto. También se incluye una reflexión
en otras áreas del arte, la cultura,
la economía y la vida política con el fin
de ofrecer una visión integral del tema.
Los Lugares Habitados
Escrito por Alberto Saldarriaga, arquitecto
bogotano, el libro ´Lugares
Habitados´está concebido como una
serie de instantáneas con la intención de
realizar un homenaje a una primera cámara
—la “Brownie Fiesta” de Kodak—,
lo más parecido a una cámara oscura
elemental.
Erratas
En la edición 22, páginas 4 y 5,
en el artículo titutado ´13 Salones
Regionales´ se dio a entender que éstos
pertenecen al programa de Laboratorios
de Investigación-Creación. Los Salones
Regionales hacen parte del Programa
Salones de Artistas y los Laboratorios son
un programa más reciente (2004) cuyo
objetivo esencial es consolidar espacios
de formación para los artistas de las
regiones y comunidades interesadas
en procesos creativos desde las artes
plásticas.
Ofrecemos disculpas y lamentamos los
inconvenientes causados por este error
en la información.
Arte Paiz
NOTICIAS
La Bienal de Arte Paiz, que llega este
año a su décimo séptima edición, se
realizará del 17 de abril al 9 de mayo
en Guatemala, bajo la dirección del
curador José Roca y con el apoyo de
un equipo curatorial conformado por
Miguel Flores Castellanos, Marivi Véliz
y Emiliano Valdés. En esta versión, la
Bienal cuenta con la participación de
más de 30 artistas guatemaltecos y siete
artistas internacionales, invitados de
España, Japón, Bélgica, Brasil, Colombia,
Uruguay y Cuba. José Alejandro
Restrepo, representante nacional,
participa con su serie ´Iconomía´
reinterpretando el santoral católico desde
una mirada al papel de las imágenes en
la sociedad contemporánea.
Sistema de Información de Arte
del Caribe
El 21 de abril se inauguró el nuevo
sistema de información de arte del
Caribe, SIAC, que surge como iniciativa
para difundir noticias relacionadas con
los artistas de la región a través de la
internet y de las redes sociales. SIAC
es un escenario virtual que ofrecerá
información sobre becas, convocatorias,
y la programación de exposiciones en
espacios de exhibición como museos,
galerías y centros culturales de la zona.
Esta comunidad está abierta también
para que los artistas de la región puedan
acceder a un directorio diseñado
únicamente para listar artistas plásticos,
habitantes o originarios de la región
Caribe que mantienen un trabajo
permanente.
El SIAC funcionará dentro de la página
web del colectivo Espacios Alternativos:
www.espaciosalternativos.org.
ArteAmericas en su octava
versión
Por ocho años consecutivos fue
realizada a finales del pasado mes de
marzo, ArteAmericas, feria internacional
de arte, con sede en Miami, surgida
con la intención de generar espacios
de acercamiento y exhibición de
artistas latinoamericanos o de galerías
de diferentes países, que han hecho
de la presencia de america latina, su
interés especial de divulgación y apoyo.
Manteniendo la presidencia de Leslie
Pantín y vice presidencia de Emilio
Callejas, ArteAmericas 2010, contó
con la nueva dirección de la feria de
Dora Valdés-Fauli, colaboradora de
pasadas ediciones, así como con la
presencia de María Nápoles como
Directora Ejecutiva y Othon Castañeda
como Director Asociado.
Con intenciones ayuda y responsabilidad
social hacia Haití y que fuera víctima de
terremoto durante el mes de Enero, Arte
Americas incluyó dentro de su actividad
la vinculación de artistas haitianos para
ser parte del proyecto ´Contemporary
Haitian Memory in Motion´, programa
liderado por los organizadores de la Feria
y en colaboración con Haitian Art Relief
Fund, para tras un trabajo en equipo,
recaudar fondos y ayudas para artistas
haitianos víctimas del reciente sismo.
España como país invitado a esta octava
versión, inicia sus preparativos para
conmemorar en 2013 el 500 aniversario
del descubrimiento de la Florida por
Juan Ponce de León. Dentro de las actividades
previas a la celebración, Arte
Americas contó con la muestra ´Reial
Cercle Artístic, Barcelona´procedente de
la institución del mismo nombre y que
fuera fundada en 1988 por artistas que
centran su investigación en la expansión
cultural que se produce desde el Mediterraneo
hacia la cultura latinoamericana.
La muestra, curada por Josep Felix
Bentz, contó con la presencia de los
artistas Pepa Poch, Josep Puigmarti,
Miguel Pujol y Salvador Dalí.
Otros eventos institucionales realizados
en ArteAmericas incluyeron la muestra
´Video Box´, curada por Félix Ángel y
que incluyó una selección de videos de
versiones anteriores de la Bienal Interamericana
de Video Arte, organizada
por el Centro Cultural del Banco Interamericano
de Desarrollo -BID en
Washignton DC. La selección de obras
de Brooke Alfaro, Jorge Alberto Alban
Robles, Zeinab Rebeca Bullhossen
Hernández, Paulina del Paso Gordillo y
Pedro González Deister fueron presentadas
como antesala a la realización de
la quinta versión de la Bienal, y que será
desarrollada en diciembre del presente
año. La Feria, también incluyó las exhibiciones
´Rostros: 100 artistas cubanos´
curada por Jorge Luis Gutiérrez; ´Spontaneous
Alternatives´, ´Art Installations´
y el ciclo de conversatorios ´Art Talks´;
abordando temas en torno a ´La escena
del arte contemporáneo: Video, pintura,
escultura e instalación´, ´La arquitectura
y el diseño de museos´, ´el mercado del
arte´y el ´Impacto de las ferias de arte
en el mundo del arte latinoamericano´.
El grupo de 46 galerías participantes
contó con la presencia colombiana por
parte de las galerías: Arte Consultores
con la exhibición de obras de Pedro
Ruiz, Galería Sextante y la exhibición de
obras de Juan Manuel Echavarria, Luis
Fernando Peláez y Hugo Zapata, y La
Cometa, con obras de Rafael Gómezbarros,
Lina Leal y Pablo Tamayo.
Convocatorias
Laboratorios de Investigacióncreación,
Ministerio de Cultura.
Este programa que busca fomentar
la educación artística basada en la
experiencia y el pensamiento creativo,
abre por primera vez una convocatoria
pública en 31 departamentos del
país. En esta ocasión se esperan
recibir propuestas formativas para ser
desarrolladas durante el presente año,
en los departamentos de San Andrés y
Providencia, Atlántico, Bolívar, Boyacá,
Sucre, Córdoba, Tolima, Eje cafetero
(Caldas, Quindío y Risaralda) , Nariño
y Huila. Las propuestas deben estar
dirigidas a la construcción de espacios
para la investigación, el diálogo y el
pensamiento artístico y creativo dentro de
la comunidad de artistas y docentes de
las artes visuales, y deben ser concebidas
atendiendo las particularidades de los
lugares a los cuales se dirigen y con
una disponibilidad abierta a personas
y artistas con diversos perfiles y niveles
formativos.
Fecha límite: Mayo 24.
Mayores informes:
http://salonesdeartistas.com
Nuevos Espacios
The Warehouse
Inaugurado recientemente en el centro
de Bogotá, The Warehouse se presenta
como un espacio abierto a la creación y
la exposición, buscando descubrir y promover
artistas contemporáneos. “Ideogramas”
evento de apertura, cuenta con
la obra fotográfica, de los artistas Carlos
Alarcón, Mario Arroyave, Leopoldo
Gottfried, César Martínez, Carlos Pérez
y Rey Tuk.
Raúl Álvarez
Escultor
Fotografía: Óscar Monsalve. Sin título, 2010. Lámina de hierro. 171 x 37 x 37 cm.
Hurto de obras
DENUNCIA
Fueron hurtadas en Bogotá las obras descritas a continuación. Se ofrece recompensa
por su recuperación. Favor comunicarse directamente con ARTERIA.
´Argos´, bronce Ed. 228/250,
40 x 26 x 20 cm.
Darío Morales,
´Desnudo en silla´, 1971,
Dibujo sobre papel, 100 x 71 cm.
Igor Mitoraj
´Centurión´, bronce Ed. 244/250,
21 cm de alto aproximadamente.
Carlos Rojas,
De la serie ´Signos y señales´, 1969,
Acrílico sobre tela, 50 x 50 cm.

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Fotografías: Manuela Calle L.
Esto no es un
Matrimonio
El pasado 10 de marzo, en el marco de la conmemoración del “día internacional de
la Mujer”, la artista brasilera Beth Moysés presentó en Bogotá su performance ‘Recuerdos
Velados’, un recorrido de casi cien mujeres vestidas de novia, desde la Zona
Rosa hasta el Parque de Lourdes, que aludía de manera directa a la grave situación
de violencia contra las mujeres. El evento, organizado por la Fundación Arteria, contó
con el apoyo del Programa Integral contra las violencias de Género y el Fondo de
Desarrollo de las Naciones Unidas para la Mujer (UNIFEM) y, la colaboración de la
Mesa de Género de la Cooperación Internacional en Colombia y la Subsecretaría
Mujer, Géneros y Diversidad Sexual de la Alcaldía Mayor de Bogotá.
Desde los años 90, Beth Moysés ha centrado toda su producción artística hacia la
denuncia de la violencia contra las mujeres. Sus objetos, fotografías, instalaciones y
performances, usan el vestido de novia como materia prima al ser contenedores de
una fuerte carga simbólica en el imaginario femenino. En esa época, la artista buscaba
deconstruir la fantasía del matrimonio poniendo el traje al revés para situarlo
en contacto con la intimidad de la mujer; posteriormente y al empezar a trabajar con
colectivos de mujeres, comenzó a emplear trajes viejos y que cargan la memoria de
aquellas que los han utilizado.
En el año 2000, 150 mujeres vestidas de novia, caminaron por la Avenida Paulista
en São Paulo (Brasil), deshojando sus ramos y en palabras de la artista “a modo de
lágrimas blancas”. Al final del trayecto enterraron las partes sobrantes de las flores
como un acto simbólico de despojo que busca el renacimiento de nuevas plantas
o promesas. A partir de entonces, Beth Moysés ha desarrollado performances en
Por: Juanita Monsalve
Fotografía: Enrique Narváez C.
Brasilia (Brasil), en ciudades de España como Madrid, Las Palmas de Gran Canaria,
Sevilla, Cáceres, Salamanca, Zaragoza y Murcia, en Montevideo (Uruguay), Shangai
(China) y recientemente en Bogotá.
Pero ‘Recuerdos Velados’ fue un performance particular. Esta fue una de las pocas
veces que en un trabajo de Beth Moysés las mujeres tuvieron contacto con el público.
Ellas, aunque en silencio ante las preguntas, entregaron sus recuerdos en un
pequeño paquete de tul con almendras endulzadas en su interior y una tarjeta en
forma de libro cerrado que contiene en su intimidad la palabra “miedo” escrita en
color rojo. El miedo representa la autoridad de un sentimiento que hace que muchas
veces las mujeres se congelen y se mantengan presas de situaciones muy complejas.
En esta acción, las mujeres se fundieron con la arquitectura de la Iglesia de Lourdes,
rodeando su fachada como un hilo blanco, para después alejarse de la construcción
como llevándose parte de su memoria y de las promesas allí realizadas. Para Moysés
este fue un performance especial pues asegura que “desde hace diez años que hago
performance por la calle, y es la primera vez que he recibido el apoyo de la ONU; a
través de UNIFEM y de la Campaña del Secretario General “Únete para poner fin a la
Violencia contra las Mujeres”; agradezco a UNIFEM y a la Fundación Arteria porque
trabajaron muchísimo para concretarlo”.
Por medio del rastro que dejó el caminar de las novias a lo largo de más de 20 calles
y aunque en esta ocasión no lo hicieron hacia el altar sino hacia una vida libre de violencias,
se busca recordar a las mujeres que no están solas en la lucha para alcanzar
el derecho a vivir libre de violencias.
Philagrafika
2010
Cortesía: Miler Lagos. Cortesía: Oscar Muñoz.
Abierta al público desde enero 29 y hasta abril 11, Philagrafika 2010 es la primera
versión de lo que será un evento trieneal de la ciudad de Filadelfia, que celebra el
papel de la gráfica en la práctica artística contemporánea.
En su primera edición, y constituido como uno de los eventos de mayor importancia
en los Estados Unidos relacionados con la exhibición de piezas gráficas, Philagrafika
2010 congregó a más de 300 artistas locales e internacionales en 80 lugares de la
ciudad. Importantes museos e instituciones culturales de Filadelfia se vincularon en la
planificación y ejecución de lo que significó una amplia gama de exposiciones, programas
y actos públicos para la ciudad, ofreciendo a distintas audiencias la oportunidad
de ver el arte que hace referencia al grabado de una manera dinámica.
El resultado de más de cinco años de planeación de un grupo de curadores que se movilizó
en torno a un interés común: “mirar el rol de la gráfica como una fuerza vital en
el arte contemporáneo”. Philagrafika 2010 contó con la participación del colombiano
José Roca como Director Artístico y Curador Jefe, quien con los miembros del equipo
curatorial John Caperton (Curador de grabados y fotografías en The Print Center),
Sheryl Conkelton (Curadora independiente), Shelley Langdale (Curadora asociada
de grabados y dibujos del Philadelphia Museum of Art), Lorie Mertes (Directora y Curadora
Jefe de la Galería Moore College of Art & Design) y Julien Robson (Curador de
arte contemporáneo del Pennsylvania Academy of the Fine Arts), viajaron alrededor del
mundo visitando estudios, imprentas, bienales y otros eventos de arte en búsqueda de
los artistas que integraron Philagrafika 2010, bajo tres lineamientos curatoriales:
1. ‘The Graphic Unconscious’ (El inconsciente gráfico): Explora la omnipresencia del
material impreso en nuestra cultura visual, indagando el accionar de conceptos sobre
la accesibilidad, la democratización, la difusión y la transitoriedad por las que atraviesan
las diversas prácticas del arte contemporáneo, al tiempo que amplía el ámbito de
la gráfica en sí. Este componente y que constituyó el núcleo del festival, contó con obras
Por: Andrés Cabrera
de 35 artistas de 18 países que fueron exhibidas en diferentes sedes: Moore College of
Art & Design; Pennsylvania Academy of the Fine Arts (PAFA); Philadelphia Museum of
Art; The Print Center; Temple Gallery, Tyler School of Art y Temple University.
2. ‘Out of Print’ (A partir de la gráfica): Invitación en la que cinco artistas crearon su
propuesta, basada en las colecciones de cinco instituciones históricas en Filadelfia:
The American Philosophical Society (APS) Museum, The Historical Society of Pennsylvania,
The Independence Seaport Museum, The University of Pennsylvania Museum of
Archaeology and Anthropology, y the Rosenbach Museum & Library.
3. ‘Independent Projects’ (Proyectos Independientes): Más de 80 instituciones locales
organizaron exposiciones y eventos relacionados con los temas propuestos en la exposición
central.
Colombia en Philagrafika 2010
Además de la participación en la dirección artística y curatorial de José Roca, la representación
de Colombia en el Festival Philagrafika 2010 también estuvo a cargo de Óscar
Muñoz con su serie ‘Narcisos’ (1994-2010), delicadas obras realizadas mediante
serigrafía sobre agua, y ‘Biografías’ (2002), una instalación que retoma el mismo proceso
de la serie ‘Narcisos’ en la forma de proyecciones de video en el piso.
Como parte de los ‘Proyectos Independientes’, Miler Lagos presentó ‘Silence Dogood’
-uno de los seudónimos de Benjamin Franklin-, una instalación ubicada en la Galería
Arthur Ross. Lagos realizó dos grandes piezas utilizando cuatro toneladas de periódico
reciclados para crear una obra que semejaba el corte transversal de un árbol, y un
sillón en papel que simbolizaba el poder de la prensa. Lagos realizó las piezas en
enero de 2010 durante una residencia de tres semanas como Invitado Internacional
Distinguido de la Universidad de Pennsylvania.

6
Peter
Entrevista**
Greenaway
Por: Conrado Uribe*
narrativo desaparezca del lenguaje cinematográfico. Sin embargo, lo que la mayoría
de la gente busca cuando va a una película es que le cuenten una historia. Yo asumo
que mis películas tratan de educar en el sentido de que eso no es obligatorio.
CU: Cada vez que usted habla sobre Botero y su obra, hace constantes referencias
a la historia del arte. Hay una idea que ha mencionado en otras ocasiones y que me
parece muy provocativa: el “Club mundial de pintores”. Si se considera esta propuesta
como una metáfora de la genealogía de los artistas (principalmente pintores)
levantada por la historia del arte occidental, ¿puede decirse entonces que Botero se
ha insertado en ella?
7
En el marco de los ‘Juegos Suramericanos Medellín 2010’ y como parte de la agenda
cultural paralela a la programación deportiva, la Alcaldía de Medellín presentó, con
el Museo de Antioquia, la obra ‘Greenaway Vs. Botero’. Peter Greenaway, director
de cine británico conocido por películas como ‘Escrito en el cuerpo’ (1995), ha realizado
instalaciones con las que ha re-significado obras como ‘la Ronda Nocturna’ de
Rembrandt (2007) o ‘La última cena’ de Leonardo da Vinci (2008). ‘Greenaway Vs.
Botero’ fue una instalación multimedia abierta al público entre el 18 de marzo y el 6
de abril de 2010 y planteada por el autor como un monumento (memorial), en ella se
reinterpretaron 33 arquetipos de la cultura occidental. Sus fuentes fueron la mitología
grecolatina, los relatos bíblicos, el arte, la literatura, la ciencia, y el mismo cine. Muchos
de estos arquetipos están también presentes en la pintura, el dibujo y la escultura
de Fernando Botero. La intervención en el espacio expositivo escogido (la Sala de
Arte Internacional), requirió su desmontaje temporal. La adecuación museográfica
demandó el cubrimiento de los muros con vinilo de corte, junto a la disposición de
36 pantallas de gran formato y un número semejante de fotografías a color. Estos
dispositivos le permitieron al artista poner en escena sus ideas.
La siguiente, es una versión traducida y editada para ARTERIA de la entrevista realizada
a Peter Greenaway para el programa radial El Citófono.
Conrado Uribe: Asumo que un trabajo de esta naturaleza parte de una cierta
atracción o interés por la obra de Fernando Botero, y en ese sentido formulo mi
primera pregunta. ¿Cuáles son los aspectos de su obra que le interesan?
Peter Greenaway: Según entiendo, la vida pública de Botero inició a comienzos
de la década de 1960, de modo que hacia 1972 o 1973 él era ya una figura internacional.
No lo miro entonces como una figura académica del pasado. Él hace parte
de mi paisaje visual. Me interesa el hecho de que sea suramericano. Eso puede sonar
extraño, pero a finales de los 60 y principios de los 70, había tal vez un interés –que
sin duda estaba de moda– en torno a la cultura suramericana emergente: yo era un
gran admirador de Borges; y estaba fascinado por García Márquez, colombiano
inserto dentro de eso que se ha llamado “Realismo Mágico”. Sería problemático
describir a Botero como un realista mágico, pero para mí era parte de un fenómeno
que es bastante interesante desde el punto de vista de la realización de películas.
Cuando se presentó la oportunidad, recientemente, consideré la posibilidad de invo-
Fotografía: David Estrada Larrañeta.
lucrarme en esta idea de hacer un proyecto que era al mismo tiempo una instalación
y un monumento sobre Botero. Me fascinó tanto la idea de retomar algunos de los
intereses que tuve en el pasado, como la pregunta por el lugar en el que se encuentra
Botero hoy. Considero que él ha sido capaz de establecer, a través de su pintura,
una iconografía que se ha vuelto bastante conocida; que las características de su
lenguaje tienen mucho que ver con la figura humana, particularmente con el hecho
de abordarla con sensualidad y sexualidad: sus figuras son atractivas, especialmente
cuando se las compara con las representaciones pictóricas o performativas (body art)
realizadas con posterioridad a la década del 60. Al mismo tiempo Botero ha estado
interesado en los arquetipos, desarrollando un interés particular por las representaciones
de la figura humana en su totalidad, al punto de interpelar al espectador con su
mirada. Interés que, creo, limita su espectro. Él hace pinturas de contenido narrativo,
aunque predominantemente podríamos decir que él es un pintor de retratos ficticios o
cuasi-ficticios de individuos, a menudo identificables por su vestido, su pose y las otras
situaciones de contexto que existen en cada obra. Basado en estas ideas particulares
y a pesar de mis estudios en pintura, los medios que escojo son fundamentalmente los
del cine y la fotografía, con los cuales propongo una reinterpretación de las obras de
Botero. Esto es lo que hemos hecho.
CU: Botero ha expresado durante mucho tiempo su fascinación por la imagen fija.
Usted se reconoce como un realizador de cine, un productor de la imagen en movimiento.
¿Cómo se pueden reconciliar estas dos cosas?
PG: Uno de mis intereses más permanentes se despliega en torno a la cualidad bidimensional
del cine. Tengo toda una serie de apreciaciones negativas en torno al
cine 3D, el cual ahora está emergiendo con fuerza, ocupando un lugar central en el
escenario. Complementando la primera idea debo decir que me siento primordialmente
atraído por el fenómeno del marco. He hecho muchas exposiciones en las que
me concentro en este artilugio cuadrangular que hemos escogido en occidente para
contener e inventar todas las artes plásticas desde el Renacimiento. Comenzó ciertamente
con la pintura, en el momento en el que esta práctica escogió separarse de la
arquitectura y decidió –por una serie de razones que seguro tienen que ver con la conveniencia-
contener sus representaciones, temas y lenguaje, dentro de cuatro ángulos
rectos. El marco es una cosa que no aparece en la naturaleza; es una preocupación
totalmente artificial, hecha por el hombre en razón de su conveniencia y confort. ¿Y
cuáles son las consecuencias? Que otros lenguajes artísticos, como el teatro, han
copiado a la pintura, influenciando en el camino la ópera y el ballet. El cine también
ha copiado el teatro, y la televisión ha copiado al cine. ¡Estamos aún estancados en el
concepto del marco! ¿Cómo lo utilizamos? ¿Es valioso? Si es un artefacto hecho por
el hombre, ¿por qué no nos podemos deshacer de él? Las poses de las gigantescas
figuras boterianas tienen mucho que ver con esta fijación por el marco, pues parecen
empujar hacia afuera los límites de la obra. En esa medida asumo que su trabajo
tiene que ver con el de pintores como Caravaggio quizás, quien abordó el problema
del marco con particular insistencia. Sólo por el hecho de que uno haga cine, las
películas no tienen que ser necesariamente cinéticas. Creo que hemos visto muchas
películas que sufren de un exceso de vitalidad; y la responsabilidad del director en
ellas parece ser la de mantener todo en movimiento. Hay algo muy interesante en la
contemplación de la vida a través de la imagen enmarcada y limitada. De modo que
lo que puedan decir tanto la pintura como el cine en torno a las nociones del marco,
y a la cantidad de asociaciones y referencias cruzadas que se derivan de esto, serán
asuntos por los cuales seguiré estando interesado.
CU: Usted ha mencionado libros y películas, productos culturales que pueden definirse
como bastante lineales desde el punto de vista narrativo y estructural. A partir de
un análisis de las características formales de la instalación presentada en el Museo de
Antioquia, ¿es posible afirmar que en la obra se identifica una intención deliberada
por deconstruir ese tipo de aproximaciones?
PG: Tiene razón. El formato novela ha dominado la mayoría de los productos basados
en el tiempo desde la primera guerra mundial. Considero que esto es una tristeza
porque es como si las nociones en torno a la plasticidad y lo pictórico pertenecieran
a un mundo diferente. Pero no nos podemos olvidar que la pintura sólo se vino a
separar radicalmente de la literatura hasta la década de 1860 con el impresionismo.
Antes de esa fecha, la mayoría de las pinturas eran ilustraciones de textos. Y la mayoría
de esos textos pertenecían a la tradición greco-latina o se inscribían en la filosofía
judeocristiana, así que de alguna forma hemos visto una gran cantidad de imágenes
que se han creado como ilustraciones de la antigüedad. Los impresionistas señalaron
el hecho de que ya no era necesario proceder de ésta manera, introduciendo de ese
modo a la pintura en la no-figuración, a la abstracción pura. En otras palabras, enseñaron
a privilegiar el lenguaje por sí mismo antes que el contenido, lo cual fue una
de las más importantes características del arte durante el siglo XX. Al mismo tiempo,
es interesante reconocer cómo la música comenzó a considerar que la armonía ya
no era indispensable. En este momento, considero la posibilidad de que el carácter
PG: Considero que sí. Si se mira a la historia general de todas las actividades culturales,
se reconoce que ésta tiende a balancearse, y todo depende de si este movimiento
se produce hacia adelante o hacia atrás. Picasso dijo: “no pinto lo que veo sino lo
que pienso”; aquí se representan los dos movimientos del péndulo. Constantemente
reaparece el interés por representar la realidad: los impresionistas, el realismo del
siglo XIX y la pintura flamenca del XVII son algunos ejemplos. Por momentos es como
si nos cansáramos de eso y nos vamos al otro extremo. Para el caso flamenco, por
ejemplo, se pueden citar a Brueghel y El Bosco, quienes no pintaron lo que vieron
sino lo que imaginaron. Y considero que la mayor parte de la pintura del siglo XX tiene
que ver con la imaginación antes que con la realidad consensual. Pero el péndulo se
mueve, volvemos a interesarnos por la realidad y aparecen tendencias como el superrealismo
o el realismo fotográfico. El péndulo se mueve hacia adelante y hacia atrás.
Es muy seductor considerar estos movimientos de la identidad cultural y la manera en
la que determinan distintos polos de interés.
Una gran cantidad de pintores han trabajado no a partir de la realidad, sino a partir
de lo que hicieron otros artistas antes que ellos. Miguel Ángel, por ejemplo, fue reinterpretado
por Henry Moore, Velázquez por Picasso y El Bosco por Dalí o el mismo
Francis Bacon. Hay un constante fenómeno de referencialidad: los pintores están
siempre mirando lo que otros hicieron. En la literatura y el cine sucede lo mismo. Es
como la membresía a un club muy exclusivo, y al mismo tiempo una de las estrategias
organizativas del mundo del arte. Si se mira la carrera de Botero, puede reconocerse
que él ha hecho una gran cantidad de trabajos en los que se refiere a Piero della
Francesca, Delacroix, Ingres, y casi cualquier pintor que se le ocurra a uno. Es como
si Botero dijera: yo pertenezco al club pictórico del mundo occidental, algo que aceptamos
como legítimo. Es importante reconocer a todas las personas que han hecho
un aporte significativo a la civilización. Esto a mi juicio tiene que ver también con un
fenómeno como el de la globalización, el cual tiende a ser considerado como algo
negativo, pero que es, simplemente, inevitable cuando se tienen grandes poblaciones
humanas. Estas condiciones hacen que sea necesario mirar el panorama. En este
sentido, los artistas siempre han tenido esa actitud.
CU: En la instalación, usted reinterpretó 3 arquetípos por medio de la fotografía y del
video. ¿Este número lo ha elegido a propósito?
PG: El cine es un medio muy pobre como medio narrativo. Yo trato de organizar mis
películas de una manera no narrativa. Por eso me refiero a la pintura. Miro el uso de
lo ortogonal en la pintura del siglo XX con Mondrian y Sol Lewitt. Reviso a Jean-Luc
Godard y su famoso dictamen de que el cine es la verdad en 24 cuadros por segundo.
Miro la teoría del color newtoniana. Constantemente hago películas que intentan
ser no narrativas en algunos aspectos. Hace unos años hice una película llamada
‘Ahogado por los números’ (1988) que era básicamente un conteo. Hice después ‘El
cocinero, el ladrón, su mujer y su amante’ (1989), filme que algunos piensan que es
sobre canibalismo y realmente es sobre la teoría del color. Siempre estoy desarrollando
una noción abstracta que es, a propósito, no narrativa, porque considero que el
cine es un medio tan emocionante que no debe dejarse solo para contar historias.
La narración se hace mejor en los libros y el cine sabe eso. ¿Para qué pasar por el
procedimiento estúpido de ilustrar algo en un medio que puede existir mejor en otro?
Así que considero que el deseo de buscar un vocabulario no narrativo siempre ha
estado en mí.
La vida es como un juego y se organiza por efectos del azar y el destino, y toda clase de
actividades accidentales y efímeras nos empujan de maneras incalculables. Si esa es la
naturaleza de la vida, podemos hacer uso del juego para intentar organizar ese caos.
El cine es un juego, la pintura es un juego. Nos sentamos en la oscuridad mirando en
una dirección y nos quedamos quietos por 120 minutos. ¡Qué absurdo! Nosotros no
somos animales noctámbulos, entonces ¿por qué nos sentamos quietos en la oscuridad?
Esta es una situación muy poco natural para el ser humano. Aún al dormir nos
estamos moviendo constantemente porque el cuerpo es móvil. Sentarse estáticamente
entre 60 y 120 minutos para ver una película, es una situación muy artificial. Pero
Fotografía: Alfonso Posada Lalinde.
todos acordamos jugar el juego porque ganamos placer y fascinación, educación
y comprensión –y uno espera que también profundidad– con eso. Tenemos que ser
conscientes de este tipo de fenómenos en cualquiera que sea la manera en que producimos
y organizamos las obras de arte. En esta obra yo también juego un juego.
San Agustín dijo que no tiene sentido ir al cielo como un bebe en pañales o como un
anciano pecador porque no se va a poder disfrutar: no se podrá ver nada, ni ir a ninguna
parte. Así que decidió que todos los que iban al cielo, lo hacían a los 33 años.
Esa fue la edad en la que Cristo fue crucificado, quien para algunos fue la reencarnación
del mismo Alejandro Magno, considerando que ambos murieron a los 33 años.
Sin embargo, mientras que Alejandro llegó con la espada, Jesús sólo lo hizo con un
beso, situación más o menos decepcionante. El deseo de que se repita la llegada de
un redentor, un mesías que venga a salvar el mundo, está siempre con nosotros. Yo
no tengo tantas esperanzas, pero quiero jugar, aunque no de una manera cabalística.
No creo que los números tengan un misticismo propio, simplemente son convenientes.
Pero hay algo con respecto a la perfección del número 33 y la recurrencia del
número 3: padre, hijo y espíritu santo; es el número que Dante usó una y otra vez en
‘La Divina Comedia’; es casi un número perfecto. Retomando, la selección del número
fue –por un lado– diversión y juego; pero de otro lado, más serio, tiene que ver
con la idea de ir al cielo. Aunque uno no sea cristiano y la mayoría de la generación
contemporánea sea atea, es allá donde todos queremos estar. Derivo un cierto placer
y satisfacción al jugar con los números: ellos parecen indicar la verdad.
CU: Marshall McLuhan solía hablar de medios fríos y cálidos. Quienes visitaron el
proyecto pudieron reconocer que no se trataba de una obra circunscrita, en fin, a un
único medio. En términos de esa temperatura propuesta por el canadiense, ¿cómo
consideraría su obra?
PG: Podemos retomar la noción de lo “cool” porque está asociado con lo gracioso e
ingenioso. Ser cálido es como estar por fuera del tiempo y ser desorganizado. Y lo frío
se puede relacionar con la frigidez polar, lo cual no es una buena idea. En realidad
no lo sé. En el momento específico en que se emitieron dichos conceptos fueron muy
útiles y todavía pueden tener algún tipo de resonancia. Pero yo quiero que la gente se
sienta involucrada, especialmente con las nociones de sensualidad y sexualidad tomadas
del trabajo de Botero. Él tiene una suerte de aproximación carismática, amable
y afectuosa con el cuerpo humano, y siempre está pintando el desnudo femenino. Es
un hombre con un alto sentido de la sensualidad. Yo quisiera que al espectador le
gustara y le atrajera esta gente, del mismo modo en que se pueden sentir atraídos por
los personajes de Botero. Cuando vine al Museo de Antioquia, sentí un gran deseo de
tocar las esculturas. Quería que la gente sintiera ese mismo deseo con los personajes
que creamos.
*Traducción: Conrado Uribe y Adriana Ríos.
**Encuentre la ampliación de esta entrevista en www.periodicoarteria.com

8 9
Premio Luis Caballero
… y El Señor de la Agonía
Por: Jorge Peñuela*
Artista: Mario Opazo. Cortesía: Jorge Peñuela. Artista: Mario Opazo. Cortesía: Jorge Peñuela. Artista: Nelson Vergara. Cortesía: Jorge Peñuela. Artista: Rosario López. Cortesía: Jorge Peñuela. Artista: Fernando Pertuz. Cortesía: Jorge Peñuela . Artista: Catalina Mejía. Cortesía: Jorge Peñuela. Artista: Luis Fernando Ramírez. Cortesía: Jorge Peñuela. Artista: Luis Fernando Ramírez. Cortesía: Jorge Peñuela.
En Colombia los artistas contemporáneos repiten con frecuencia que el Premio Luis
Caballero es el estímulo más importante del arte contemporáneo en nuestro país.
Pocos hemos preguntado por qué lo es. Sería necio, ocioso y mezquino sostener que
la recompensa económica es el indicador que determina la relevancia del evento.
Debemos considerar otros indicadores para conseguir una percepción más amplia al
respecto. Se debe tener en cuenta la posibilidad que tiene el artista de plantear inquietudes
personales por fuera de las presiones artísticas, estéticas, sociales y comerciales
que regulan nuestras prácticas artísticas destinadas a satisfacer las expectativas de un
público que no espera mayor cosa de la vida, que no tolera que ésta sea perturbaba
por la imaginación, que ha perdido la capacidad de comprender -por lo tanto, de
juzgar-, que finalmente ha terminado con éxito su proceso de estupidización, el cual
es propio de una época que fue despojada de la palabra para impedirle construir un
escenario adecuado a las libertades.
En efecto, los artistas nominados reciben un estímulo económico inicial que les permite
abordar con plena libertad la articulación de los signos con los cuales abarcan sus
inquietudes creativas. El pensamiento del artista puede prescindir de las trabas y controles
burocráticos que desaniman a los más optimistas cuando tratan de competir por
los exiguos recursos que el Estado colombiano destina a la conformación y refuerzo
de vínculos éticos y culturales entre una sociedad contemporánea que carece de ellos,
que padece esta carencia, que ha sido educada para no darles importancia, para
“pordebajearlos”.
Mediante la designación de un jurado, la administración del Premio Luis Caballero
ha nominado en las pasadas versiones a ocho artistas quienes previamente han presentado
sus propuestas a consideración. Junto a su pertinencia y viabilidad, el jurado
evalúa la “solidez formal y conceptual” de las ideas del artista, como si se tratara de
una convocatoria para investigadores de Colciencias y no de una convocatoria en la
cual el artista puede garantizar incertidumbres a sus futuros lectores. Adicionalmente,
en la cuarta versión del premio, el jurado consideró oportuno otorgar dos menciones
de honor, una de las cuales fue para Jaime Franco e instalada sin recursos fiscales
en la Galería Santa Fe. En aquella oportunidad el jurado seleccionó diez propuestas
que merecían ser vistas por la ciudadanía bogotana. Tuvimos un panorama amplio de
la realidad artística contemporánea de nuestro país y pudimos evaluar los logros de
los artistas distinguidos en ese momento y la producción en general del pensamiento
artístico colombiano.
No fue este el caso en la quinta versión del premio. El jurado en esta oportunidad se
excedió impunemente en sus funciones y consideró que sólo seis propuestas llenaban
sus expectativas y las condiciones que regulan la participación de los artistas. De un
momento a otro el país se quedó sin artistas creativos: ¿el Premio Luis Caballero perdió
interés para los artistas colombianos? No lo creo. Por su lado, la administración
del premio, la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, tampoco mostró mayor diligencia
para mediar ante las exigencias estéticas del jurado, tampoco procuró que los recursos
de Bogotá destinados a promover una pedagogía artística, se invirtieran a cabalidad
durante esta convocatoria. Como consecuencia, tuvimos unos periodos de exposición
muy largos para cada artista, los cuales resultaron ser demasiado aburridos para las
ciudadanas y ciudadanos interesados en seguir las contingencias y peripecias del arte
contemporáneo en Colombia. Sólo con el propósito de que la sala estuviera ocupada
durante todo el año y así suplir la ausencia de las dos propuestas suprimidas. Esta relentización
se intensificó aún más al destinarse un periodo más largo del acordado al
ejercicio artístico de Rosario López, quien tuvo que dedicar mayor tiempo del previsto
para desmontar su trabajo. Este retraso obligó a modificar el calendario establecido y
a proclamar el nombre del ganador sólo en febrero del año 2010.
Pese a las dificultades técnicas y burocráticas mencionadas, el Premio Luis Caballero
cuenta con una coordinación y unos apoyos pedagógicos que han consolidado este
estímulo ante la opinión pública, instancia que legitima todos los procesos de interés
público. El Premio Luis Caballero se ha institucionalizado, se ha convertido en un referente
artístico, teórico y pedagógico de gran importancia para Colombia, Bogotá y
sus artistas. Las críticas que algunos hemos manifestado tienen que ver con que este
premio podría alcanzar mayor perfil si los administradores fueran más imaginativos, si
lo proyectaran internacionalmente, si aprovecharan positivamente sus relaciones internacionales
y decidieran establecer vínculos con otras capitales para que algún artista
internacional fuera nominado y que tuviera la oportunidad de ganarse el premio. Esto
requeriría confianza en sus artistas e inversión mayor por parte del Distrito Capital,
pues el premio debe ser atractivo para un artista internacional. Estas innovaciones
animarían a muchos artistas importantes que no participan en el evento porque alguna
vez en el pasado ya lo hicieron o porque simplemente no les interesa.
La presencia de un artista internacional obligaría a los o las artistas colombianas a
pellizcarse para que en el futuro ningún otro jurado vuelva a argumentar sofísticamente
que el Luis Caballero se quedó sin pueblo y sin artistas, lo cual en mi opinión no es
cierto. No obstante, en nuestro país la crítica no cuenta, muchos dicen que no existe,
sólo para justificar su sordera. La poca crítica que se da en la actualidad no es escuchada
en las altas esferas burocráticas, por supuesto con la complicidad de los actores
vitalicios del mundo del arte colombiano que defienden en primer lugar sus intereses
comerciales. Sorprende a propios y extraños que cuando un funcionario administrativo
o académico se le pensiona, se le tenga que contratar nuevamente porque se cree
ciegamente que sin él o ella la institución correspondiente entra en hecatombe. La
sentencia popular, “más vale malo conocido que bueno por conocer” es la filosofía
que regula la mayoría de nuestras instituciones.
Académicamente, el Premio Luis Caballero se convirtió en el estímulo más importante
a las artes plásticas en Colombia. La supresión del Premio Botero y los resultados ambiguos
de los Salones Regionales y los Salones Nacionales han contribuido eficazmente
a que se refuerce esta convicción, la cual comparto con algunas reservas.
Desde el portal de Internet www.esferapública.org, durante las dos últimas versiones,
artistas y académicos de trayectoria nos animaron a rescatar el espíritu crítico que debe
acompañar a toda práctica artística; propusieron acompañar al Premio Luis Caballero,
visibilizarlo mediante discursos de ensayos de escrituras por fuera de la constricción
académica que regula “qué y cómo deben ser las cosas” en un mundo que desconoce
y le es indiferente. Finalmente comprendimos que la crítica creativa proporciona formas
alternativas de ver que el artista ha prefigurado o esbozado en su propuesta. La
incertidumbre que gobierna todo proceso de creación encuentra aquí su justificación.
Hoy tenemos claro que sin esta visibilización los signos artísticos nacen muertos. Lucas
Ospina, Jaime Iregui, Ricardo Arcos, Carlos Salazar, Catalina Vaughan, entre otros
agentes independientes del mundo del arte contemporáneo, animaron y apoyaron el
renacer de la nueva crítica de arte en Colombia.
Hemos hablado de una crítica que se realiza en el momento que acontece la propuesta
artística, que marcha hombro a hombro con el artista, que padece con gusto sus
mismas incertidumbres o con disgusto y angustia sus fracasos que tienen aspecto de
certezas. El artista crítico sabe que no existe nada cierto en el mundo. La nueva crítica
de arte en Colombia no toma distancia pero tampoco se identifica con aquello que
es ofrecido a sus ojos. Acompaña creativamente sin tomar las distancias superfluas
que impone el pensamiento objetivista, y sin las identificaciones obsesivas que deslegitimaron
la vieja crítica ante los artistas y la opinión pública. Una crítica tradicional
y reposada, literal y erudita, autónoma y segura de sí misma, objetiva y distante en el
tiempo, aporta poco a la discusión sobre la pertinencia de una determinada práctica
artística contemporánea. El Premio Luis Caballero fue la excusa que tuvimos algunos
incondicionales del arte colombiano para mostrar que en nuestro país aún se puede
pensar mediante signos artísticos, que quizá esta sea la única manera de pensar que
nos queda. Por lo tanto no debemos permitir que esta oportunidad de pensar nos sea
escamoteada.
El Premio Luis Caballero es una institución que debemos defender, que se ha conformado
con el esfuerzo de muchos y muchas artistas y por qué no decirlo, con el empuje
de algunos funcionarios gubernamentales entusiastas. Defender esta institución no
quiere decir que vamos a ignorar las fallas administrativas que han impedido que este
estímulo tenga mayor visibilidad nacional e internacional. Actualmente reconocemos
logros en quienes administran el premio, pero se puede hacer más. Por ejemplo, reconozco
en ellos el esfuerzo realizado por darle contexto histórico y teórico a cada una de
las participaciones en la quinta versión. Sin embargo, considero que no miran en grande,
que no han sabido persuadir a los agentes del Estado para que inviertan mucho
más en este proyecto de Ciudad Capital Internacional. Los administradores del Premio
Luis Caballero se quedaron cortos de imaginación y dicha carencia tiene hoy en entredicho
el futuro de un estímulo para quienes tienen sólo una certeza: pensar con la
imaginación una Bogotá que se encuentre a la altura artística y social de otras capitales
libres y democráticas del mundo. El Premio Luis Caballero tiene su sede; la aventura de
nomadizarlo, de sacarlo de la Galería Santa Fe y llevarlo a lo que promete convertirse
en un buen Bazar, es un asunto que no se debería estar pensando. La responsable de
la presión para que el Luis Caballero salga del Planetario Distrital es la administración
que no defiende con decisión los intereses de las Artes Plásticas y Visuales de nuestra
capital, quizá por la poca ascendencia que tiene en los artistas avanzados.
Mario Opazo fue distinguido con el Premio Luis Caballero en su quinta versión. No
fue el ganador porque en las justas poéticas, al margen de rendimientos económicos,
no suele haber perdedores. Esta jerga economicista de perder o ganar distorsiona
lo que acontece en un Encuentro Artístico: aquí nadie quiere ganar: todos queremos
comprender nuestra época. Sin embargo, a falta de palabras más adecuadas,
debemos decir que todos los participantes ganamos en estos Encuentros. Ganamos
porque es experiencia auténtica, porque adquirimos conocimiento no cuantificable,
no medible, no vendible. Todos ganamos porque comprendimos que pensando juntos
logramos mayores espacios para la libertad de pensar una ciudad que se caracteriza
por su inclemente injusticia y rapaz voracidad. Este tipo de conocimiento permite conformar
comunidades que se reconocen mutuamente mediante el intercambio de signos
diferenciantes, y a través de la elaboración crítica y permanente de las narraciones
heredadas. Rosario López, Catalina Mejía, Mario Opazo, Fernando Pertuz, Luis
Fernando Ramírez, Nelson Vergara, todos aportaron su diferencia para constituir la
experiencia artística que hoy comentamos, condición sin la cual no es posible realizar
un discurso sobre esa realidad que fue cada una de las participaciones entreveradas
en esta versión del premio.
En la quinta versión del Premio Luis Caballero los ciudadanos comprendimos la importancia
de mantener una dimensión cognitiva de la experiencia humana que permanezca
por fuera de los indicadores de eficiencia y eficacia que regulan el conocimiento
instrumental. Esta sensibilidad fue comprendida por los jóvenes que animaron con su
presencia cada uno de estos Encuentros. En especial, por los estudiantes de artes que
siguen con entusiasmo cada una de las salidas a la esfera pública de los maestros de
su predilección, que tuvieron la oportunidad de conversar con aquellos artistas que
están empujando los límites que coartan las libertades del pensamiento colombiano.
El Premio Luis Caballero no solamente contribuye a realizar la formación ciudadana.
También estimula el trabajo creativo de aquellos y aquellas que desde ahora se ven
tentados a incursionar en el difícil arte de pensar artísticamente.
Todos los artistas nominados al quinto Premio Luis Caballero mostraron amplio conocimiento
de las técnicas en que se apoyó su pensamiento. ¿Quién podría dudar
de las destrezas conceptuales de Rosario López, de la sensibilidad de Catalina Mejía
por el color? Pocos pueden razonablemente objetar su trabajo técnico. Nelson Vergara,
Fernando Pertuz o Luis Fernando Ramírez, Mario Opazo, ninguno de ellos
es la excepción del grupo. Otro asunto es el pensamiento. Nelson Vergara llama mi
atención porque da la impresión que la técnica lo domina, que el virtuosismo técnico
se enseñorea en su imaginación, que le impone límites. El pretexto conceptual sólo le
sirvió para mostrar habilidades artesanales. Sin duda, estas destrezas seguirán siendo
importantes para pensar artísticamente, pero este virtuosismo no satisface plenamente
las expectativas de una época que ansía modelar diferencias que amplíen la comprensión
del ser humano en el mundo convulsivamente contemporáneo.
De los artistas contemporáneos hemos aprendido que lo que importa experienciar en el
momento de concebir y juzgar un mundo nuevo, no es un placer vacuamente estético.
Sabemos que el artista encarna su pensamiento en los signos elaborados y puestos a
nuestra consideración, que en sus construcciones nos muestra cómo logró salir airoso
del pretexto y del dominio de la técnica con un solo propósito: parir una idea que dé
forma a un mundo propicio para sembrar libertades inéditas. Así como Pertuz es rehén
de la vida que amenaza disolverlo, Ramírez es prisionero de discursos arquitectónicos
que le impiden pensar e innovar. López sucumbe ante las formas y sentido mínimos,
mientras Mejía divaga bajo los efectos del color. Vergara es esclavo de su virtuosismo
técnico. Al igual que en Mejía, Ramírez y López, en la propuesta de Vergara no vemos
por lugar alguno al hombre que piensa y sufre una realidad en concreto, no sabemos
de qué ignoto territorio procede. Su proyecto trató de pensar el paisaje, pero quedó
atrapado en la unidimensionalidad de las formas digitales.
¿Qué tuvieron en común los artistas que participaron en esta versión del Premio Luis
Caballero? Todos mostraron interés por el paisaje. Los invitados a contextualizar teórica
e históricamente los proyectos en la Sala Oriol Rangel, con frecuencia aludieron
al Romanticismo y al Sentimiento de lo Sublime, el cual fue asociado durante el siglo
XIX con la experiencia extramuros del paisaje, esa experiencia no verbal, primigenia
de los poderes de la naturaleza sobre la fragilidad humana. Como Opazo y López,
Vergara exploró territorios agrestes navegando los ríos de nuestro país, poco importa
saber ahora si fue el Cauca, el Magdalena, o el Tunjuelito. Con sus registros en mano,
procedió a experimentar con las imágenes y logró efectos interesantes para el espectador
masivo, aquel que no tiene mayores expectativas por el arte de hacer pensar rutas
de escape a mayores libertades, el espectador no-ciudadano que ha sido domesticado
por los medios masivos de incomunicación.
La instalación de Nelson Vergara nos ayudó a cerrar esta versión del Premio Luis Caballero
con la siguiente hipótesis: el jurado de selección articuló esta muestra en torno
a una idea romántica: el paisaje. Caballero 2009 es un proyecto curatorial. Develó
los intereses estéticos y teóricos del jurado en detrimento de las ideas de dos artistas
ausentes, e impuso a su arbitrio un determinado orden de cosas. Es responsabilidad
de los curadores el que todas las ideas de los nominados hubiesen sido ingenuamente
románticas y políticamente correctas. Ninguno de los nominados molestó a nadie,
tampoco se plantearon preguntas por lo real o la realidad, en el sentido de Hal Foster
o Hannah Arendt, o cualquier otro teórico. Pertuz fue sin duda alguna el artista que se
identificó como políticamente comprometido. Opazo fue sutil a este respecto, lo cual
le permitió tomar la distancia que abrió su pensamiento a lo poético. En general no
hubo mayores sobresaltos en esta versión del Premio Luis Caballero. En el mejor de los
casos, algunos artistas aprovecharon el Premio para explorar tierras exóticas para la
mirada del artista vulgarmente citadino.
Mario Opazo y Fernando Pertuz, fueron los únicos artistas que lograron esquivar
y superar la estética sublime que rondó esta versión del Premio Luis Caballero. Sus
propuestas superaron la supresión de la palabra que instaura lo sublime e intentaron
crear un espacio de discusión que daba cuenta de la condición que determina la experiencia
del mundo contemporáneo. La supresión de la palabra, menos por cuenta de
la naturaleza que por los excesos del control político sobre la realidad social. A pesar
del esfuerzo realizado por todos los artistas, el jurado tuvo pocas opciones para elegir
a su ganador. Rosario López sin duda mereció una mención por la destreza mostrada
en la intervención de la arquitectura.
Si lo contemporáneo lo entendemos como la necesidad que tiene nuestra época de
recuperar la palabra dialogada como el acontecimiento de lo público, el ganador no
podía ser otro que Mario Opazo. En ninguna otra propuesta fue tan clara la relación
entre poesía silente y pintura parlante. Opazo no movilizó teorías para hablar de sus
inquietudes. Al contrario, las elaboró por medio de signos que ha encontrado a lo largo
de su vida. Opazo no desconoce teorías contemporáneas sobre el arte. Yo estuve
en una presentación que realizó a un grupo de artistas sobre el texto de Toni Negri,
‘Carta a Raúl sobre el cuerpo’. La teoría debe ser sólo una escalera que nos permite
divisar mejor una determinada realidad. No obstante, una vez observada, es necesario
deshacerse de una y otra. Los artistas mediocres, una vez se han sido trepados en la
escalera teórica, se resisten a abandonarla. Sucumben frente a la realidad porque la
verdad no se manifiesta ante el barullo de dicha parafernalia. Mario Opazo justamente
recibió la distinción del quinto Premio Luis Caballero.
*Maestro en Artes Plásticas y Magíster en Filosofía de la Universidad Nacional de
Colombia; profesor de la Facultad de Artes-ASAB y director del grupo de investigación
Malinche de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas.

10 11
Cortesía: Museo de Arte del Tolima.
CALI
Henry Narváez: ‘Adanes’
Universidad del Valle, Sede Melendez
Mayo 20 - Junio 20
IBAGUÉ
Claudio Gallina:
‘Entre la memoria y el olvido’
Museo de Arte del Tolima
Abril 15 – Mayo 9
Por: Santiago Toca
En su segunda exposición individual Henry Narváez,
propone una exhibición de fotografías de gran formato
que abordan la desnudez masculina como dispositivo
estético para evocar mitologías y las crisis del falogocentrismo.
Se propone que el espectador cambie su
rutina cultural de consumir desnudos femeninos y conocimientos
logocentrados, como un ejercicio de poder
androcéntrico, para encontrarse con un cuerpo masculino
“otro” que hablaría de otras formas de pensar la
humanidad.
MEDELLÍN
Crónica: 1995/2005 en la colección Juan Gallo
Museo de Arte Moderno de Medellín - MAMM
Hasta abril 25
“Según Gallina esta obra comenzó con la intención
de hacer una crítica a la educación argentina
que se vio sumamente afectada luego de la crisis
del 2001. A diferencia de la mayoría del arte que
se hace hoy en día, creado por artistas apabullados
por la inmediatez y la velocidad de la vida de la
ciudad, y por la frenética estética de la televisión
y el video, los cuadros de Claudio Gallina sirven
a la memoria como un método del conocimiento,
y de la insinuación y la metáfora como lenguaje
creativo”.
La muestra busca leer una década en Colombia a través de
la prensa y su estrecha relación con las obras de arte de la
colección Juan Gallo. La exposición intenta construir una
relación entre las obras más representativas de la colección
y el contexto sociopolítico bajo el que fue realizada. Muchos
de estos trabajos surgieron como respuesta a las situaciones
de dolor que marcaron una década. Las obras en ‘Crónica’
son hijas de su tiempo: de la fuerte recesión económica y
la violencia, del proceso 8000, del despeje del Caguán y
los enfrentamientos con la guerrilla y paramilitares bajo el
gobierno de Uribe.
Cortesía: Universidad del Valle.
MEDELLÍN
Muestra
colectiva:
‘Lo ambiguo en la
colección MAMM’
Museo de Arte
Moderno de
Medellín
Sede Ciudad del
Río, Sala Norte
Desde mayo 7
MEDELLÍN
’El cielo en la tierra’
Colección de Arte Sacro de la
Arquidiócesis de Medellín
Museo de Antioquia
Hasta julio 12
MEDELLÍN
Etienne de France: ‘Tales of a Sea Cow’
Casa Tres Patios
Desde abril 21
Esta es una obra multimedia (texto, instalación,
video, composición) que busca presentar la primera
traducción de un pensamiento y de un
idioma animal, en el que se presenta el desciframiento
audiovisual de una canción submarina
de 22 minutos, de una especie que se pensaba
desaparecida desde 1768: la Rhytina de Steller
(Hydrodamalis gigas). En esta composición
audiovisual, el sonido y el video son difundidos
en directo durante aproximadamente 25 min. El
video ofrece una estructura narrativa básica modular
y que puede ser improvisada en directo.
Cortesía: Museo de Arte de Medellín.
La muestra reúne doce obras de la colección de arte
religioso de la Arquidiócesis de Medellín. El patrimonio
artístico y religioso, depositado en estas obras, hace
parte de un proyecto expositivo que busca ubicar de
manera terrenal y humana, el mestizaje cultural y la
percepción de la religiosidad europea cuando entró en
contacto con la cultura de los territorios conquistados.
El Cielo, espacio cercano, alcanzado y recorrido, es el
escenario que rodea las advocaciones, santos y personificaciones,
protagonistas de las obras que intentan
ser el reflejo de la naciente espiritualidad americana.
La exhibición intenta dar tres diferentes miradas sobre aspectos de una
historia de historias, construidas con múltiples miradas, voces y razones.
Este formato intenta enseñar y compartir con el público el mayor número de
piezas posibles de la colección. Además de que propone una experiencia
sugestiva donde el mundo de los sueños, la fantasía y la intriga se presentan
a través de pinturas, esculturas y video instalaciones.
Obra: María Jose Arjona. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín.
Virgen apocalíptica, Escuela Quiteña.
Cortesía: Museo de Antioquia.
POPAYÁN
’Abstracción Geométrica en Iberoamericana’
Museo de Arte Moderno de Popayán
Hasta mayo 20
La exposición busca proyectar distintas facetas del museo: su
papel como sede del patrimonio cultural de la región, su aporte
a la historia del arte colombiano y su lugar como legado del
arte moderno. ’Abstracción Geométrica en Iberoamericana’ es
realizada por el grupo de investigación Precolectivo5 de la facultad
de Artes de la Universidad del Cauca, y la Alcaldía de
Popayán.
Cortesía: Casa Tres Patios.
CIRCULAR
Artista: Luis Francisco Pérez. Cortesía: Lalocalidad.
BOGOTÁ
Muestra Colectiva: ’Referentes Arquitectónicos’
Lalocalidad
Hasta junio 20
Por: Eduardo Serrano
“Las obras participantes coinciden en su sintonía con actitudes
y valores de la modernidad, y así lo hace manifiesto la
importancia que conceden a la imagen y el esmero en el oficio
y en la técnica. Simultáneamente, sus obras establecen otra
sintonía, en este caso con propósitos de más reciente aparición
en el horizonte artístico, como pueden ser, el interés por
objetos, circunstancias e inclusive materiales característicos de
la vida actual, y también, su común afán porque el contenido
de sus obras trascienda los límites mismos de la imagen para
inducir a argumentos, análisis y reflexiones acerca de temas
extra-pictóricos pero de manifiesta importancia en el mundo
contemporáneo.”
SANTA MARTA
Beatriz Nogales: ‘Agua Esencial’
Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo
Desde abril 1
En palabras de la artista, “la muestra fue realizada una parte en lino, y otra en
un papel japonés de arroz, que se trabaja con agua en las técnicas orientales
japonesas y chinas. Dejamos escurrir el agua, salir de las primeras manchas
en que dejamos salir formas, riqueza a nivel textural y las tintas cobran ciertas
tonalidades dando calidad y calidez como manifestación”.
Cortesía: Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo.
No.23
Cortesía: Óscar Danilo Vargas.
MONTREAL - CANADÁ
Óscar Danilo Vargas:
’Dedans / Dehors’
Casa Cultural y Comunitaria de Montreal
Desde mayo 6
Por medio de la pintura y el dibujo el artista colombiano
Óscar Danilo Vargas pone en escena la fragilidad
del hombre contemporáneo frente a su entorno, abordando
el choque cultural al que todo inmigrante se
debe afrontar. Entre la figuración y la abstracción, el
artista deja planteado el vacío y su complemento del
“adentro y el afuera”, invitándo a la reflexión sobre el
lugar que se ocupa y del que se es ajeno y el propio
que se contempla desde la lejanía.
CARTAGENA
Adriana Marmorek y
Feliza Bursztyn:
‘Máquinas deseantes’
Centro de Formación de
la Cooperación Española
Desde mayo 6
En la exhibición, curada por Paula
Silva Díaz, se exploran las
relaciones que tejen estas dos
artistas a partir del movimiento
maquinal y el abordaje del tema
del deseo. El proyecto se propone
revisar bajo nueva luz la obra
de Marmorek y Bursztyn, quienes
están separadas por 20 años
de acontecer artístico pero cuyas
prácticas resuenan por preocupaciones
y procedimientos comunes.
La muestra se realiza con
el apoyo de la Universidad Jorge
Tadeo Lozano, seccional Caribe.
BOGOTÁ
Juan Camilo Arango:
´Halo´
Centro Colombo
Americano (Sede Centro)
Hasta mayo 6
Por: Adriana Castro Criales
BOGOTÁ
Verónica Uribe Hanabergh:
‘Firmamentos’
Cámara de Comercio de Bogotá
(Sede Chapinero)
Abril 21 - Mayo 26
La muestra intenta capturar la dimensión
del espacio celestial por medio de
manchas, goteos aleatorios, líneas y frases.
Las obras que buscan ser versiones
diferentes de una carta de navegación
personal, pretenden ser firmas y apropiaciones
de un espacio universal convertido
en la experiencia particular de
navegar por los astros.
Cortesía: Adriana Marmorek.
Cortesía: Precolectivo5.
MONTERÍA
Muestra colectiva:
“Vamos; Arte Contemporáneo de
Argentina y Colombia”
Museo Zenú de Arte Contemporaneo –
MUZAC
Hasta abril 24
‘Vamos’ es un experimento que hace parte de un
proyecto que funciona a modo de un chat polifónico;
la diversidad de voces presentes en la muestra,
materializan una constelación de micro-relatos
que se desarrollan en el presente y pertenecen a
él. Esculturas, pinturas, dibujos, fotografías, videos,
instalaciones, intervenciones e hibridaciones interdisciplinarias
de distintas naturalezas, intentan producir
obras de características autoreferenciales que
inducen a pensar que el trabajo ofrece pistas sobre
las propias biografías.
CALI
’La Tertulia 1956-2010’
Museo de Arte La Tertulia
Desde mayo 27
Esta muestra se plantea como un recorrido histórico por el desarrollo de la institución
museística, sus gestores y protagonistas. Hace énfasis en la formación de su colección,
los diferentes usos y servicios de sus instalaciones y las radicales transformaciones
que ha sufrido a través del tiempo. La exhibición se desarrolla en varios subtemas
planteados cronológicamente acompañados por testimonios gráficos y objetuales de
esta historia, un video homenaje a los fundadores y gestores del museo; una Sala
Didáctica y un capítulo dedicado a la visión de la institución a futuro con su plan de
desarrollo y reformas estructurales planificadas por su actual administración.
“Con la ocasión de esta exposición y tras la vivencia de un acto violento
y su proximidad con la muerte, Juan Camilo Arango ensambla e
instala una estructura para ser congelada. Aquí, se contiene el vacío, y
la frontera del afuera se funde con el adentro para construir un espacio
escultórico que nos enfrenta con nuestra propia naturaleza. Reúne tres
momentos de su obra y de su vida; presenta fotografía, escultura y
performance, para permitirnos ver nuestro reflejo fuera de foco, no en
la superficie sino detrás de ella, escuchar el sonido del frío y los latidos
de un corazón perpetuado”.
Cortesía: Verónica Uribe.
Cortesía: Museo Zenú de Arte Contemporaneo.
Cortesía: Juan Camilo Arango.

12 13
Museo Nacional de Colombia Actualidad de los Museos
Cortesía: Museo Nacional de Colombia.
Desde Adentro: el Museo Nacional de Colombia
y el Virus del Arte
La historia cuenta que en 1979, en Bogotá, Pedro Manrique Figueroa, precursor del
collage en Colombia, tomó una decisión. Abandonó su pieza de hotel y se dirigió al
Museo Nacional de Bogotá.
—Vengo a donar mi obra—
—¿Quién es usted?, ¿cuál es su obra?— dijo el portero que lo detuvo a la entrada.
—Soy Pedro Manrique Figueroa y mi obra soy yo—
El artista no pasó de la puerta y después de este episodio es poco lo que se sabe
de él.
Habrían de pasar más de 20 años para que el nombre de Pedro Manrique Figueroa
volviera a ser recordado en relación al Museo Nacional. En el año 2000 esa institución
hizo una encuesta en la que participaron 1404 colombianos: “¿Qué objetos considera
usted importante incluir en cualquiera de las colecciones del Museo Nacional,
teniendo en cuenta el interés de narrar a través de ellos los distintos períodos y temas
de la historia cultural de la Nación hasta el presente?”. Al ordenar las respuestas por
temas, en el cruce entre “Personajes” y “Arte Nacional”, apareció Pedro Manrique
Figueroa; gracias a la democracia abusiva de la estadística, el artista terminó por ser
acogido en el Museo, así fuera con un voto y en archivo digital.
La situación es alegórica: un artista doblemente “vivo”, o un colombiano que vive en
la actualidad, piensa que al donarse al Museo Nacional la institución será garante
de su conservación: el artista como obra será mantenido en condiciones óptimas de
subsistencia y obtendrá de forma inmediata un reconocimiento que, en el caso del
precursor del collage en Colombia, en vida le resultó siempre esquivo. Pero el infame
artista no pasa de la puerta, su descabellada propuesta pasó desapercibida para la
historia, esa grave y apacible lechuza que sale de noche a mirar el campo de batalla
cuando ya los hechos han sido consumados.
Tal vez para evitar a todos estos artífices de la actualidad, todos esos aparecidos e
interesados que desean usar el aura del museo para adorarse y ser adorados, es que
alguna vez una directora del Museo Nacional decidió inventarse una cláusula que
decía que solo podían entrar a la colección obras de artistas muertos o mayores de
70 años. El colador senil y necrológico propuesto por la aprensiva directora no logró
convertirse en norma pero es síntoma claro de una situación que el Museo Nacional
no ha logrado solucionar: su relación con el arte y los artistas que hacen cosas en
la actualidad. O con el “arte contemporáneo colombiano”, como lo llamó Beatriz
González en su ponencia para el coloquio El arte en el Museo, organizado por el
Museo Nacional en 1999 para definir su Plan Estatégico 2000-2010 y así asumir con
seriedad las funciones propias de la entidad “museo” reconocidas por la Unesco:
“investigar, coleccionar, conservar, comunicar y exhibir”.
En su texto ‘Formación y Trayectoria de las colecciones de arte en el Museo Nacional
de Colombia’, González, la curadora jefe en ese entonces, hacía un detallado análisis
de la historia de la institución y su relación con el arte: señaló cómo el gobierno
en 1864 había acogido la propuesta del pintor Ramón Torres Méndez de crear un
Gabinete Nacional de Pintura con obras de arte de conventos suprimidos por decreto
o cómo a través de las memorias de viajeros estos no veían más que un conjunto de
objetos anecdóticos arrumados “en una sola habitación” que evidenciaban el carácter
triple del Museo Nacional: una entidad científica (había “minerales”), histórica (había
“armas, fetiches y cacharros de los indios primitivos” y “el estandarte del conquistador
Pizarro”) y artística (había “algunos cuadros de Vásquez el pintor de más fama del
país”). La curadora jefe hizo un recuento de cómo habían sido alimentadas las colecciones,
sus distintos guiones y, antes de terminar, en un pequeño aparte, señalaba
que el arte contemporáneo colombiano “es el mayor problema que debe afrontar el
Museo Nacional en la próxima década”.
González no fue la única en ver esto y en el año 2000, a raíz de una insular exposición
hecha en el Museo Nacional por Braco Dimitrijevic, un artista croata, el curador
José Roca escribió un texto titulado “Desde adentro, como un virus...”. Roca describía
como la licencia poética que el museo local le dio al artista extranjero le permitió hacer
“una larga caravana ciclística que atraviesa el espacio de la nave central de una
de las salas -cada una de las bicicletas cargando un retrato de carácter histórico- todo
ello entre un camino de frutas tropicales. La instalación, de marcado esteticismo, hace
coexistir lo valioso y lo banal, la inmortalidad de la obra artística frente a lo perecedero,
la fragilidad del acto artístico contemporáneo frente a la pretensión del Gran
Arte de perpetuarse en la historia”. Al final, Roca concluía, hablando con el deseo:
“esta exposición marca el inicio -que ojalá sea señal de una política continuada- de
la apertura del Museo Nacional hacia el arte contemporáneo, pues la noción de
Nación, entendida de una manera tan amplia e inclusiva como corresponde a un
museo de todos los colombianos, debe incluir también la dimensión de lo temporal
entendida no solamente hacia los vestigios del pasado. Una instalación como la de
Dimitrijevic, haciendo una relectura del patrimonio, existe solamente en el aquí y el
ahora del Museo Nacional: allí radica su importancia.”
Han pasado más de 10 años desde los señalamientos hechos por González y Roca
pero el Museo Nacional continúa siendo un lugar blindado para lo que se entiende
como “arte contemporáneo”. Basta mirar el completo, actualizado y bien diseñado
portal de Internet de la institución para ver con claridad actividades en torno a “investigar,
coleccionar, conservar, comunicar y exhibir”, pero brillan por su ausencia las
iniciativas en torno al arte que se hace en la actualidad.
El vacío de una relación directa con el arte reciente ha sido llenado con algunos
ejercicios de curaduría que han traído un aire de novedad al museo, basta recordar
el montaje de la exposición ‘Carlos Rojas: una visita a sus mundos’ o ‘la sinfonía de
videos, caricaturas, obras de arte y documentos de Tiempos de paz’. Acuerdos en Colombia
1902-1994; dos muestras que en el espacio estrecho de la sala de exposiciones
temporales rompían con las divisiones entre alta y baja cultura, o entre obras de
arte y objetos mundanos, muestras que privilegiaban la experiencia de un espectador
que camina y mira hacia arriba, al frente y abajo, que sopesa diferencias y compara la
escala de las cosas con su propio cuerpo. Estas experiencias marcadamente estéticas,
sin menospreciar el sustrato histórico o los apoyos museográficos, eran concientes de
que el archivo que provee un catálogo y la magnitud de búsqueda que da Internet
liberan a las exposiciones de su onerosa carga pedagógica y les devuelven la posibilidad
de centrar su esfuerzo en el contacto directo con la forma. El resultado ha sido
más que apropiado y le habla tanto a ignorantes como a entendidos: unos pueden
gozar de un sensual flirteo iniciático, los otros volver a ver y cuestionar lo que el prejuicio
académico había convertido en un matrimonio estéril.
A falta de exposiciones de “arte contemporáneo” se podría decir que lo “contemporáneo”
ha entrado al Museo Nacional a partir de la mirada curatorial, de la investigación
y de sus publicaciones -hay que resaltar los Cuadernos de curaduría-. “Desde
adentro” y “como un virus” la actualidad ha permeado algunas de las actividades del
Museo. Es cada vez más frecuente el cambio de fichas técnicas y guiones para evitar
las incorrecciones políticas del pasado y así actualizar la narración al paradójico presente
museal; se privilegia a las historias sobre la Historia, la infamia sobre la fama,
lo vital sobre lo heroico. Es claro que las personas que trabajan ahora en el Museo
conocen bien los discursos del postestructuralismo, del multiculturalismo, del feminismo
radical y tratan en lo posible de liberar a los objetos de sus contratos antiguos,
enfrentan las amalgamas de prejuicios con frases más acordes a la retórica actual.
Sin embargo, es también evidente que por más corrección política que se inocule en
los guiones la experiencia directa con el arte rebasa cualquier marco teórico y es ahí
donde el contrapunto con lo actual es necesario. Se echa en falta la presencia de un
arte que privilegie la ambigüedad entre lo real y lo imaginado, donde la permanencia
de las cosas se revele como transitoria y el valor y sentido de una obra pueda ser interpretado
y releído por la inteligencia oscilante y paranoica de la crítica; un arte que
en vez de generar certezas sobre la identidad nacional produzca cuestionamientos,
una experiencia inestable sobre la naturaleza incierta de las cosas; un arte que en vez
de fabricar verdades lleve a una confrontación veraz y riesgosa con lo que se tiene
enfrente.
Las dos únicas iniciativas consecuentes con esta mirada han sido las exposiciones
‘Voz-resonancias’ de la prisión de Clemencia Echeverri en 2006 y ‘Re-tratos’ de
Libia Posada en 2007. La primera ponía en escena los ecos del pasado carcelario
del Museo Nacional, antigua sede de la Cárcel de Cundinamarca, y a partir de tes- * Profesor, Universidad de los Andes
Por: Lucas Ospina*
timonios en audio de presos construyó la barahúnda opresiva del encierro entre los
arcos de la prisión. La segunda era una serie de seis fotografías de rostros de mujeres
maquilladas con técnicas de arte forense para producir el efecto de ser víctimas de
una golpiza. Las imágenes fueron instaladas entre las piezas de la sala Federalismo y
Centralismo, un espacio dominado por el tufo varonil de los padres de la Patria.
Para finalizar vale mencionar otra obra, ‘Monumentos privados’, de Jaime Iregui, que
narra la historia de una donación “muy especial” que recibió otro museo de la nación:
“se trataba de 60 piezas que una mujer de la alta sociedad había recolectado a lo
largo de cuatro décadas de viajes por Europa, Asia y Latinoamérica (…) La donación
consta de una colección de trozos de monumentos que esta viajera fue acumulando
en el curso del tiempo. Todo parece indicar que en cada museo o lugar de importancia
histórica, ella tomaba un fragmento, ya fuera del mismo edificio, o de alguno de
los objetos expuestos, especialmente cortinas y muebles. Era su forma de poseer el
mundo. Un ritual secreto que privaba a los monumentos de un pequeño fragmento”.
Si la historia de Pedro Manrique Figueroa mostraba el desasosiego del artista y la
aprensión del Museo hacia lo que está vivo, el caso narrado por Iregui muestra el coleccionismo
de una señora “bien”, un ser atrapado en la cárcel de la cultura, un régimen
carcelario de autoperpetuación que rara vez es confrontado por fuerzas capaces
de poner en duda su razón de ser. Basta con leer la lista de objetos coleccionados por
esta cleptómana de alcurnia, esta señora que jugaba al museo, para ver en ellos el
juego lelo de muchos museos que actúan igual de ensimismados a Doña Cultura:
01. Fleco del sillón que se encontraba en la pieza donde murió Víctor Hugo, París. /
02. Trozo de lienzo muy antiguo de la Basílica de la Natividad en Belén. Pertenece a
los Armenios, el cuadro indica un combate entre persas y caldeos. / 03. Fragmento
de la Piscina Probática, Jerusalén. / 04. Fragmento de mármol del Partenón de
Atenas. / 05. Cordón del coche mortuorio de los emperadores en el palacio de
Schoenbrunn, Viena. / 06. Piedra de la Acrópolis, Atenas. / 07. Fragmento de una
capa que sirvió para oficiar el matrimonio de María Estuardo, París. / 08. Piedra
del punto donde se dio la batalla de Saladito contra los Cruzados. / 09. Pedacito de
madera de las prisiones de San Marcos, Italia. / 10. Fleco de la casita del príncipe
Carlos, hijo de Felipe II, El Escorial, Madrid. / 11. Fleco del Panteón. De la corona
de Víctor Hugo, París. / 12. Parte del fleco de la carroza adonde llevan a bautizar
a los infantes de España, Madrid. / 13. Fragmento del Monasterio de las Huelgas,
Burgos. / 14. Fleco de la pieza donde murió Josefina en la Malmaison, Versalles.
/ 15. Placa de piedra del castillo donde vivió Madame Stäel. / 16. Parte de los
gobelinos que cubren el Palacio de los Grandes Maestros, Malta. / 17. Fragmentos
de madera del castillo donde estuvo preso Carlos V, Vincennes. / 18. Fragmento
de la silla de montar de Alfonso XIII, Madrid. / 19. Fleco dorado de la pieza donde
murió la emperatriz Josefina en la Malmaison. / 20. Cordón de una silla de la pieza
donde nació la emperatriz Eugenia, esposa de Napoleón III, Sevilla. / 22. Fragmento
de un naranjo sembrado por Fernando I en el Alcázar, Sevilla. / 23. Trozo de la silla
donde se sentaba Voltaire. Museo de Carnavalet, París. / 24. Cordón de la tumba
de Fray Angelico, Roma. / 26. Borla de la cortina del comedor del palacio que
perteneció a Pedro y Teresa Cristina, Río de Janeiro. / 27. Fragmento de madera
de las prisiones del Palacio de los Dux, Venecia. / 28. Fragmento de la corona de
Sadi Carnot, expresidente de la República Francesa, París. / 29. Dos trozos de la
tumba de Clemente VI, Avignon. / 30. Madera de la mesa de Bolívar, Museo de
Lima. / 31. Cordón de la cama donde murió Napoleón en Santa Helena. / 32.
Cordón de la habitación donde murió el emperador Franciso José en el Palacio
de Schoenbrunn. / 33. Flor de la tumba de Federico I, Berlín. / 34. Piedra del
Panteón Romano. / 35. Fragmento de un ciprés sembrado por el sabio Caldas en la
universidad. Popayán. / 36. Trozo de la cortina del palco de los reyes en el teatro de
la Escala, Milán. / 37. Borla de las cortinas del palacio de Maximiliano y Carlota,
México. / 38. Piedra de la Batalla de Bárbula. / 39. Parte de la tela que cubre la
cama de campaña que perteneció a Bolívar, Lima. / 40. Tres fragmentos de las sillas
de la Catedral de Westminster, Londres. / 41. De la tumba de Luzmila, madre del
rey San Wecenslao, Praga. / 42. Fleco de la cama de Madame Stäel, Suiza. / 43.
Piedra porosa. / 44. Pedazo de pavimento de la Basílica de San Pedro, Roma. / 45.
Piedra del Monte Aventino, lugar de juramento de Bolívar en Roma. / 46. Trozo de
piedra de la sala donde está el cofre del Cid Campeador. / 47. Piedra de las ruinas
del Palacio de Nerón. / 48. Del teatro griego de la Villa Adriana, Tivoli. / 49. Piedra
del Castillo Sforzecio, Milán. / 50. Del puente de los Suspiros, Venecia. / 51. Piedra
Iglesia de la Sagrada Familia, Barcelona. / 52. Piedra de El Escorial. / 53. Piedra
de la Mezquita de Mohamed Ali, El Cairo. / 54. Piedra de sinagoga. / 55. Piedras
del Coliseo, Roma. / 56. Piedra de la Basílica de San Marcos. / 57. De las tumbas
donde están los cuerpos de los Reyes Católicos, Granada. / 58. Piedra del corredor
de la casa de Bolívar. / 59. Piedra de Hattin. / 60. Piedra de columna de iglesia
hecha por San Notingem en Belén.

14 15
Actualidad de los Museos
Ícono Mutable
“De hecho, lo que está sucediendo es que la propia presión
tecnológica está suscitando la necesidad de encontrar y desarrollar
otras racionalidades, otros ritmos de vida y de relaciones tanto en
los objetos como en las personas, en las que la recuperación de la
densidad física y el espesor sensorial son el valor primordial (...)” 1
Abordar una reflexión sobre el papel de los Museos y las prácticas artísticas contemporáneas
implica revisar los conceptos de industrialización, globalización, esfera de lo
público, esfera de lo privado, introducción a la tecnología digital e interacciones entre
comunicación y ciudadanía. El paso del siglo XX al XXI subraya la presencia de una
sociedad posindustrial en la que la vida gira en torno a los servicios y a transmitir y procesar
información. Todo esto conlleva a un cambio cultural y permite el análisis sobre
las nuevas figuras de lo público.
En la reflexión por el nuevo Museo de Arte Moderno de Medellín hay que plantearse la
relación entre ciudadanías culturales y las reconfiguraciones de lo público. Reinaugurado
el 4 de noviembre de 2009, el MAMM tiene en su historia 32 años manteniendo una
agenda cultural unas veces sólida otras veces lánguida, con espacios para el arte joven
como lo fue el extinto Salón Arturo y Rebecca Rabinovich que por muchos años marcó
un escenario de consolidación para nuevos nombres.
Actualmente el Museo conserva dos sedes y se complementará con una tercera: la
ampliación de Ciudad del Río que conformará un complejo museístico interesante, que
se levantará en donde hoy están los parqueaderos de la sede del nuevo Museo y que,
según palabras de su directora, Juliana Restrepo “aun no sé sabe cuanto durará la
construcción por que la contratación con el arquitecto ganador de la convocatoria aún
no se hace”. Esperemos que este nuevo edificio, que plantea un juego de volúmenes,
asimile la consolidación de un nuevo espacio público que entienda la ciudad como
múltiple y expandible. Por lo tanto, los esfuerzos de los Museos actualmente deben
conducirse a estimular el diálogo entre el Museo “interior” y el “exterior” urbano; que
no se asuma como un ente aislado e independiente dentro del desarrollo de la ciudad
sino que entienda la misma como una topografía con una significación que determina
gran parte de su destino. En este caso el Museo trasciende lo arquitectónico y se inserta
en la vida social de la ciudad.
Fotografía: Federico Ruíz. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín.
Así pues, es importante producir una reflexión más allá del Museo. Hoy los límites entre
ciudad y Museo se difuminan. Surgen, entonces, preguntas - ¿Cómo seguir pensando lo
cultural? ¿Cómo romper la liminalidad entre lo público y lo privado? El Museo debe ser
el centro de coordinación y de interpretación bajo una óptica sensible y comunicacional
de aquel organismo mutante que se entiende como una enorme muestra: la ciudad.
Este debe ser el eje sobre el que se mueve la Museología contemporánea.
Formar públicos es una de las funciones principales de todo Museo, a ella se vincula la
educación como el valor intrínseco del espacio que se manifiesta en todas las funciones
y actividades: la institucional, la del equipo curatorial, la del visitante y la mirada de
otras miradas. Estos son argumentos que son necesarios revisar en el momento en que
el MAMM concentra todas sus fuerzas en la nueva sede. La sede de Carlos E. Restrepo,
actualmente castigada con la marginalidad y la precariedad de su actividad cultural, y
la nueva sede de Ciudad del Río conforman el espacio Museográfico del MAMM. Carlos
E. Restrepo ha sido una zona cultural que en compañía de la Universidad Nacional,
la Universidad de Antioquia, Suramericana, la Biblioteca Pública Piloto, estudiantes y
público de la zona han acompañado siempre la historia del Museo.
Por su parte, la nueva sede de Ciudad del Río está enviando información a los públicos
de la ciudad sobre su quehacer a futuro y sus diálogos con el entorno. No es un espacio
MAMMedellín
Por: Lucrecia Piedrahita
predeterminado y fijo sino por el contrario, móvil y mutante. No es un Museo de paredes,
sino de conceptos. Falta ver si el contenido adquiere una fuerza transformadora del
ejercicio cultural de la ciudad y que no corra el riesgo de convertirse en una aula-taller,
no sólo por la significativa inversión económica que tuvo sino por la importancia capital
de revitalizar las zonas que conforman su entorno urbanístico y la carga histórica que
le otorga el instalarse en los antiguos Talleres Robledo, pero ante todo por re-pensarse
para nuevas audiencias y subrayar el impecable trabajo museográfico que realizó el
Grupo Utopía. “Es desgastante pensar en dos sedes, es un tema que va más allá de lo
económico”, afirma la directora del MAMM, Juliana Restrepo. Sin embargo, menciona
unas estrategias que se están definiendo para que la sede de Carlos E. Restrepo comparta
agenda con las dos universidades: de Antioquia y Nacional.
Sabemos que el punto más álgido en la proyección de un centro de arte y cultura es
gestionar los recursos económicos para lograr resultados y consolidarse en el tiempo...
“La mitad de los recursos son gestionados por la dirección, un 25% son aportes de la
Secretaría de Cultura Ciudadana, El Ministerio de Cultura apoya poco y lo hace a través
de proyectos específicos. Igualmente se buscan recursos con la empresa privada y hemos
cambiado el modelo de donación por el de servicios prestados. Para ello abrimos
un abanico cultural, tenemos las visitas guiadas, los recorridos de ciudad”. Trabajo que
se complementa con talleres artísticos, Museo móvil, exposiciones permanentes e itinerantes,
conferencias y seminarios, exposiciones de artes plásticas, arquitectura y diseño,
cine y video, tienda de objetos y café y restaurante... “Sin embargo la empresa privada
no entiende bien el trabajo de la actividad cultural y los problemas económicos son
siempre una preocupación”, concluye la directora, no sin antes valorar los esfuerzos y
logros financieros que presenta en los dos últimos años.
Esto permite referenciar algunos factores que se derivan de una mirada amplia para
la lectura de un Museo que demostró un aletargamiento en la conducción de sus funciones
públicas: indagar sobre los conceptos de colectividad, función pública, difusión
cultural y sentidos de la obra de arte.
Ciudadanías culturales y reconfiguraciones de lo público
En las relaciones existentes entre ciudadanía y comunicación se hace urgente reflexionar
por la circulación planetaria de las imágenes, cuya ubicuidad e instantaneidad ponen
de manifiesto la consolidación de un nuevo espacio público global que se vincula al
nuevo poder de representación. De cara a nuevas manifestaciones y resistencias sociales,
producto de nuevas tendencias basadas en la economía globalizante, la ciudadanía
demanda de la comunicación la elaboración de nuevos modelos de análisis y
de propuestas conceptuales, capaces de superar los acercamientos tradicionales a las
llamadas audiencias o públicos.
Apostando por la idea de un postMuseo que busca que el público cree su propio conocimiento,
el programa ‘Pasaporte al Arte’, que se desarrolla cada martes a manera de
exposición y conversatorio y liderado por el artista, docente y Magister en Artes Plásticas
y Visuales Fredy Alzate está configurándose como un espacio interesante en la ciudad
para la discusión del arte: “buscar un orden contextual, abrir preguntas y activar un
diálogo, son objetivos de este programa que busca formar estudiantes, guías e invitar
al público para así activar una experiencia diferente en relación con el espectador que
visita el Museo. Sabemos que no tenemos un público formado en Medellín, la idea es
buscar estrategias para ese visitante, desde sus conocimientos y en relación con el mediador
que está en las salas y que tiene, entre sus funciones, inquietar al otro”, sostiene
Fredy Alzate.
‘Pasaporte al Arte’ es una buena estrategia que busca nexos entre los generadores del
discurso expositivo y los visitantes. Con un esquema polivocal y dialogante este programa
contribuye a nuevas lecturas dentro de las prácticas artísticas. Es un ejercicio que
permite la interacción entre el espectador y la obra y lo convierte en un proceso público
y de participación abierta.
Mirarse desde el Museo
Por su parte Óscar Roldán, director de curaduría, señala que el MAMM no tiene políticas
curatoriales sino que él las llamaría estrategias de desarrollo y proyección. “El
Museo no defiende la figura de curador sino un cuerpo colegiado que asesora, que
señala unas directrices, que redefine políticas, que está atento a reconocer la memoria
del MAMM, dentro de otras funciones”. En este sentido reconocen que el MAMM no
nació en el 2009 sino en 1978. “El MAMM es un espacio industrial reciclado que tiene
el encanto del tiempo”. “La colección del Museo es de arte moderno, es decir, de arte
convencional, de bulto”. Y continúa “No buscamos ser la meca del arte paisa [pero] en
diez años veo al MAMM como un referente cultural de América Latina”. “Un curador es
el homólogo del editor, es el que sabe cortar, pegar y diagramar”. El director de curaduría
del MAMM es artista y tiene un máster en Ciencias Políticas.
Los retos del MAMM son grandes, sobretodo frente a las múltiples figuras de la diversidad
cultural y la presencia de un nuevo sujeto político y cultural que aprovecha las
mediaciones para lograr mayor identidad y participación.
1. Jesús Martín-Barbero. Des-figuraciones de la política y nuevas figuras de lo público.
Museo de Arte de Pereira
Para dar cuenta de esa actualidad comienzo por un balance general de lo que allí
acontece. El Museo de Arte de Pereira inició el 2009 con las siguientes exposiciones:
febrero - marzo: ‘La Casa Pintada’ de la artista bogotana Vicky Fadul. En abril - mayo:
‘Opus Dey Catedrales de Pereira, Patrimonio Cultural Arquitectónico y Religioso de la
región Eje Cafetero’. En junio y julio: ‘Ferrante - Ferranti - Fotografía y Luces y Sombras’.
En agosto - septiembre: ‘Foto - Urbe y El retrato de mi abuela’. En octubre - noviembre:
‘Mutis 200 años’ y noviembre - diciembre: ‘La Galería 9.80 y Julián Burgos’. El
año 2010 comenzó con la Exposición ontológica de Ofelia Rodríguez y Oro Espíritu
y naturaleza de un territorio de Pedro Ruiz.” 1 . Estas exposiciones fueron acompañadas
en su inauguración con conciertos musicales, conferencias, conversatorios, talleres y
convocatorias públicas.
El Museo de Arte de Pereira a través de estas exposiciones ha tenido como objetivos:
fomentar y divulgar la creación artística en comunidades rurales y urbanas. Contribuir
con el alcance de las metas planteadas por el Plan de Desarrollo ‘Visión Colombia II
centenario: 2019’. Dar inicio a la construcción colectiva de memoria de la ciudad a
partir de imágenes representativas de la cultura e identidad local, e iniciar la fase de
recopilación del Archivo de la Memoria Visual de Pereira. “Reivindicar para la ciudad el
valor de la fotografía como objeto histórico, estético y técnico, y documentar a partir del
propio registro, y de la participación del ciudadano que ve, es visto y se ve”. 2
El Museo de Arte de Pereira para cumplir con sus objetivos ha formalizado convenio con
la Corporación Cine Club Borges y tiene una programación de cine permanente fuera
de los circuitos comerciales y, alianzas con la Corporación Ciudad Latente.
Toda esta actividad cultural, estrategias, alianzas, realizada durante diez meses hablan
muy bien del Museo de Arte de Pereira y sus esfuerzos se valoran aún más, en el contexto
socio-económico por haber cumplido mes a mes con sus objetivos, en una de las
ciudades que, no olvidemos, presenta el índice de desempleo más alto del País, y donde
el apoyo económico para las artes visuales y artistas de la región se dice: escaso. ¿Son
estos los resultados de una buena administración y gestión cultural? Aparentemente sí.
¿Quién dice que no? El Ministerio de Cultura o la Red Nacional de Museos de Colombia,
los colegios y el público en general, felicitan.
Pero ¿qué clase de curaduría está detrás de estas exposiciones y actividades culturales?
En ellas puedo leer dos: una, la labor que corresponde a un curador de un Museo Institucionalizado
diferente a la del curador independiente que puede hilvanar aventura tras
aventura, citando la mítica V Documenta de Kassel y la Bienal de Venecia de 2001. La
otra, donde se podría develar el espíritu de la curaduría, el cual, definida por el curador
Harald Szeemann cuando dice: Uno pone en escena sus propias obsesiones y agregaría:
ambiciones.
Actualidad de los Museos
Actividad Curatorial
Cortesía: Museo de Arte de Pereira.
Por: Analida Cruz
Hasta aquí se ve una cara de la moneda, pero la otra, la de los artistas locales y regionales
está ausente, no tienen lugar en estos espacios. Hay que pensar en las palabras de
José Roca cuando dice: “el curador existe debido a los artistas y no al revés”. 3
El Museo cuenta con una curaduría que ejecuta, y se dirige a un público en general,
pero carece de una curaduría que trabaje con políticas incluyentes, como facilitador de
acciones construidas colectivamente y que recoja la producción de los artistas jóvenes.
Desde esta perspectiva podríamos citar a Harald Szeeman: “Las historias que son narradas
por medio de los trabajos de artistas jóvenes, toca problemas sociales, temas
del medio ambiente, del ritmo de vida cotidiana, de las tecnologías y del mundo de la
información, de los sitios web. También del trabajo deportivo, de la infelicidad y de la
tragedia”. 4
La producción artística actual vive y transcurre en otros espacios que la ciudad ofrece
como laboratorios abiertos de experimentación y de múltiples lecturas, interactuado con
públicos diferentes, creando redes continuas y generando otras dinámicas culturales en
esos espacios. El Museo de Arte de Pereira desvinculado de estas prácticas culturales se
empobrece en el momento de construir, mostrar y vender ciudad.
Para recuperar esa actividad, habría que recordar los intentos de las curadurías anteriores,
la de Adriana Arenas Ilian, que en su tiempo se evidenció por la preocupación por
los artistas del Eje Cafetero; por la invitación a la investigación para mostrar la pluralidad
de lecturas a partir del reconocimiento de la realidad, de mostrar lo local para confluir
con lo global a través de la tecnología y los medios masivos. Adriana Arenas pensaba
el museo como: “un lugar de encuentro, de confrontación, de interrogación y de respuestas,
de interacción, como un espacio donde el museo se convirtiera en un hito socio
cultural y político, como un compromiso de participación colectiva”. 5 A esta iniciativa, se
une la del curador Jorge Jaramillo, quién propuso la curaduría: “Espacio abierto. Estado
del Arte en Pereira, con el objetivo de: estimular el encuentro, promover el diálogo
constructivo, generar y realizar proyectos en común en beneficio del arte y la cultura. 6
Tuvimos y continuamos con el estigma de templo del arte y de la cultura. Parece que
los espacios museales se profanaran los días de la inauguración con la asistencia de los
funcionarios, autoridades y público a las exposiciones y a los conciertos inaugurales.
1. http://www.museodeartedepereira.com
2. http://www.museodeartedepereira.com
3. http://autogiro.cronicaurbana.com/?page_id=318
4. Szeemann Harald. En: El mercurio. Domingo 16 de Septiembre de 2001
5. Arenas Ilian, Adriana. Archivo personal. 1996
6. Catálogo Estado del Arte Espacio Abierto en Pereira 2001
7. Análida Cruz Q. Licenciada en Filosofía y Letras Universidad De Caldas, Artista, Docente Universidad
Tecnológica de Pereira, Curadora 13SRA Zona Centro Occidente. Fundadora de la Fundación Rural
Galerie. Vive y trabaja en Pereira.

16 17
Cortesía: Estuario Galería.
CALI
Galería Jenny Vilà | Arte
Contemporáneo
Juan Mejía: ‘Happy days’
Desde mayo 12
En palabras del artista: “Como la ‘Educación
sentimental’, como la belleza o como
la democracia, ‘Happy Days’ es un concepto,
y como tal, con un alto grado de abstracción,
que hace que cada uno lo entienda a
su manera. Una invitación que hice a varios
amigos a escribir un cuento con este título
para una versión anterior de este proyecto,
llevó a unos resultados muy diversos. Algunos
con tonos nostálgicos, otros irónicos,
otros ilusorios, otros confesionales, otros
políticos y otros poéticos. Pocos, paradójicamente,
eran felices.
En estos tiempos difíciles, pero, qué tiempos
no han sido difíciles, los ‘Happy Days’ parecen
aludir al pasado, o al futuro, o a otro
tiempo. Como si se tratara de una utopía o
de algo que no existe. Para mí, sin embargo,
tienen que ver con los días de creación, los
más difíciles”.
BOGOTÁ
Galería 69 Espacio Flexible
Liliana Durán: ‘Homenaje al
planeta’
Desde abril 22
Cortesía: Galería Jenny Vilà.
La obra pretende invitar a la contemplación
y a la reflexión sobre la naturaleza, en
un contexto marcado por la degradación
del medio ambiente. La exposición se compone
en total por 365 obras realizadas en
óleo, sumi-e y en combinación de ambas
técnicas. A través de la representación del
agua, la tierra, el aire, las plantas y los animales;
se intenta apreciar ese lazo indestructible
que, según Durán, existe entre la
naturaleza y el arte.
Cortesía: Galería La Cometa y Mundo Arte Galería.
BOGOTÁ
Estuario Galería
Henry Villada: ‘Mezzotinto-Grabados’
Hasta mayo 20
En esta muestra se utiliza la técnica del mezzotinto. Este proceso, también llamado manera negra,
se caracteriza por trabajar la imagen partiendo de entintar un fondo negro homogéneo y, en forma
sustractiva llegar a la luminosidad, lo que permite obtener medias tintas. Con este trabajo Villada
pretende reflexionar en los acontecimientos que ocurren en las selvas colombianas. En esta muestra
el dibujo, la perspectiva, el cromatismo y el detalle, las coordenadas de tiempo y espacio intentan
alejarse del mundo real para transportar al espectador a un lugar sin límites.
BOGOTÁ
Galería Davril
Muestra Colectiva: ‘2+2 fusión’
Desde abril 29
Realizada con curaduría de Marco Antonio Vega, quien partió de la premisa que
“en la actualidad las artes plásticas son una experiencia que hace posible plantear
variados ejercicios de convivencia”. Claudia García, Catalina Posada, Germán
Gómez y Alex Franco, dos pintoras y dos escultores de la ciudad de Manizales,
presentan sus más recientes trabajos, compartiendo espacio con la gastronomía, la
música, el mobiliario y las antigüedades en la exposición 2+2 Fusión.
MADRID
Galería Magda Belloti
Luz Ángela Lizarazo: ‘Celosías, estéticas de la paranoia’
Hasta abril 24
En palabras de la artista: “Esta exposición es, además de un pequeño
catálogo de rejas bogotanas, el intento por hacer visible una
imaginería popular en la que convergen temas universales como la
vivencia de lo privado desde la perspectiva que invita a ver lo que
significa vivir detrás de una reja”.
SANTA MARTA
Galería Espacio Abierto
Colectivo de artistas
Taller La Estampa:
‘Prueba de Autor’
Hasta mayo 5
Es una muestra realizada por
una serie de artistas del Taller
de Grabado de Medellín que
inscritos en esta técnica, presentan
un proceso singular
entre las artes de esta época.
La exposición pretende mostrar
que a partir de una matriz
original, se pueden hacer
modificaciones sucesivas a
los consecutivos “estados” de
la imagen.
MEDELLÍN
Galería La Cometa y
Mundo Arte Galería
Edgar Negret: ’Metamorfosis’
Desde marzo 11
La exhibición cuenta con más de 20
piezas de colores mates y formas que
evocan conceptos como metamorfosis,
navegación, laberintos, rituales,
lunas y soles, vigías y flores.
Cortesía: Marco Antonio Vega.
Cortesía: Galería Magda Belloti.
Cortesía: Galería Espacio Abierto.
BOGOTÁ
Galería Mundo
Gonzalo Fuenmayor: ‘Esplendor’
Abril 21- Mayo 4
GALERÍAS
BOGOTÁ
Galería La Cometa
Muestra Colectiva:
’Friends 1’
Hasta mayo 1
La muestra agrupa alrededor de una decena de dibujos en
carboncillo que buscan explorar el vínculo entre lo decorativo
y lo trágico, y su relación con la memoria y la identidad.
El punto de partida de las obras que componen la exposición,
son candelabros victorianos y otros muebles de la
época que se fusionan de manera natural con racimos de
bananos. En este injerto visual, Fuenmayor intenta poner
en diálogo el esplendor de una era colonial, con la decadencia
asociada a un fruto que ha sido protagonista trágico
del conflicto en Colombia.
Cortesía: Galería El Museo.
BOGOTÁ
Galería El Museo
Alejandro Obregón y
Bernardo Salcedo
Hasta mayo 17
La exposición cuenta con alrededor de 20
obras de cada maestro enfocándose en la disciplina
que más los caracterizó. De Obregón
se muestran pinturas de diferentes épocas de
su proceso plástico, mientas que en el caso de
Salcedo la exhibición se enfoca en el trabajo
tridimensional que se caracterizó por la construcción
de ensamblajes a partir de objetos y
fotografías.
Cortesía: Galería La Cometa.
La visibilidad de las redes sociales virtuales, la
agremiación de los grupos humanos alrededor de
sus gustos, lugares de trabajo, de origen o diferentes
agentes que los afectan y dan forma a su
personalidad, son algunas de las reflexiones que
dan lugar a la exhibición ‘Friends 1’, con la que la
Galería La Cometa da inicio a un serie de muestras
que buscan, no sólo impulsar a artistas con
trayectoria, sino también a artistas jóvenes emergentes
cuyas obras giran en torno a nuevos contenidos
y utilizan otras plataformas, entre ellas los
nuevos medios.
Cortesía: Galería Mundo.
Cortesía: Galería Nueveochenta.
BOGOTÁ
Galería Nueveochenta
Esteban Peña: ’Croma’
Desde mayo 6
En esta muestra, Peña extiende la investigación que empezó
hace más de tres años sobre la composición de
imágenes por medio de capas de puntos; elemento fundamental
del dibujo a través de composiciones que utilizan
cuatro colores básicos de impresión CYMK (Ciam,
Amarillo, Magenta y Negro), para crear imágenes donde
la policromía y la forma son resultado de la superposición
de capas de puntos.
El proyecto se divide en tres subseries: la primera, policromías
de retratos familiares, la segunda, monocromas
basadas también en retratos familiares y la tercera una
serie de 300 dibujos que recuerdan un Pantone (guía de
color para impresión).
Cortesía: Galería Baobab.
BOGOTÁ
Galería Casas Riegner
María Fernanda Plata: ‘A ras’
Hasta mayo 15
BOGOTÁ
Galería Baobab
Muestra Colectiva:
’Next Air Fair,
Chicago’
Hasta mayo 3
Abstractus (Steevens & Vélez), representado por Galería Baobab estará
presentando dentro del marco de Next Art Fair, obras de la Serie ‘Naturaleza
Imperceptible de lo Evidente’, que comprende pintura y fotografía
digital, determinadas por imágenes donde se pretende que a través de
la textura de elementos propios de la naturaleza se entrelacen para crear
nuevas composiciones. Abstractus también estará presentando el proyecto
‘Jardín de Sueños Sintéticos’ como parte de los proyectos especiales
de la misma feria, plataforma de arte emergente de Art Chicago.
Cortesía: Galería Casas Riegner.
MEDELLÍN
Galería Naranjo & Velilla
Muestra Colectiva: ‘Arte actual: de lo figurativo
a lo abstracto’
Hasta abril 27
Juan Raúl Hoyos, Luis Fernando Peláez, Johan Barrios,
Alejo Santamaría, Juan David García, Mónica Ramírez,
Leopoldo Combariza, Jaime Mesa, Yosman Botero,
Diego Díaz y Sair García integran este grupo de artistas
cuyo punto de encuentro en la pintura, la fotografía, el
dibujo y la escultura, es el arte actual con una propuesta
que trata de ser novedosa. La exposición se enmarca dentro
de un intento por presentar las artes plásticas colombianas
desde distintos ángulos.
Cortesía: LA Galería.
BOGOTÁ
LA Galería
Lia García, Andrés Felipe Guerrero, Aníbal
Maldonado: ‘Horror Vacui’
Hasta Mayo 10
Por: Sylvia Suarez
“Dibujos suspendidos en el vacío. Dibujos que concretan las
figuras como apariciones; entes que reclaman su existencia
por sí como imágenes. Dibujos que amenazan con salir de
sus márgenes o saltar al vacío de la existencia más allá de la
representación. Dibujos que atrapan sus objetos en el vacío.
Dibujan y enfrentan el horror vacui, lanzándose al vacío.
Pero conservan el vacío como su lugar de origen y su razón
de ser. Estos dibujos nos recuerdan que el vacío no es telón
de fondo ni espejo sino negación: la sustancia misma del
pensamiento y del dibujo”.
Esta exposición busca explorar el concepto de estar “a penas”, a punto o al borde de algo. La
muestra está formada por tres obras cada una compuesta de varias piezas unidas por un elemento
que ha atraído la atención de su autora: la arena. Eso que está presente en el nacimiento y el
fin de una estructura, lo que sobrevive. Haciendo uso de este material, la obra busca poner en
evidencia la fragilidad y el carácter finito de las cosas, y el proceso que las lleva a esa terminación,
concentrándose en las características arquitectónicas y en la naturaleza.
BOGOTÁ
Galería Christopher Paschall s. XXI
Gustavo Vejarano:
‘Planos, Portales, Templos’
Hasta mayo 14
Esta muestra busca enfocarse en el llamado “Arte
Sagrado”, donde las formas geométricas creadas
intentan suscitar una relación con el espectador. En
éstas, el objeto en sí, trata de convertirse de manera
universal, en un instrumento capaz de influenciar la
toma de conciencia del hombre, ahondando en el entendimiento
del individuo y del mundo en que este se
encuentra sumergido. La exposición esta compuesta
por pinturas al óleo, esculturas en hierro, instalaciones
y videos.
BOGOTÁ
Galería Sextante
Catalina Jaramillo
Quijano:
’Bric-À-Brac’
Desde Junio 3
Cortesía: Galería Elida Lara.
Con cada una de las imágenes
presentadas en esta muestra se
intenta protagonizar y narrar
historias propias, aquellas que
pueden ser reconstruidas o inventadas.
Jaramillo colecciona
recuerdos de su vida creando
su propio gabinete. Un Bric-Á-
Brac, que le ayuda a poseerlo
todo, del blanco al negro, de
la violencia y la fantasía y de la
felicidad a la melancolía.
Cortesía: Galería Naranjo & Velilla.
BARRANQUILLA
Galería Elida Lara
Colectiva Plástica: ‘Celebrando el
Bicentenario’
Abril 22 - Junio 25
Con una colectiva de obras de su colección, la Galería
Elida Lara de Barranquilla, se vincula a la celebración y
culminación de los eventos conmemorativos del Bicentenario
de nuestra independencia. Entre otros artistas
integran la muestra: Alvaro Barrios, Enrique Grau,
Omar Rayo, Edgar Negret, Angel Loochkartt, Roberto
Angulo, Mario Volpe, Jaime Correa, Gustavo Zalamea,
Mónica Meira, Fanny Sanin, Saturnino Ramírez,
Juan Cárdenas, Santiago Cárdenas, Alejandro
Obregón, Bernardo Salcedo, Manuel Hernández,
Homero Aguilar, Norman Mejía, Ana Mercedes Hoyos,
Beatriz González, Maripaz Jaramillo, Noé León,
Ever Astudillo, Cristo Hoyos, Arnulfa Luna, Bibiana
Vélez, Leonel Góngora, Gonzalo Endara Crow, Carla
Celia, Picasso y Dalí.
Cortesía: Christopher Paschall s. XXI.
Cortesía: Galería Sextante.

18 19
Cuerpos Expuestos
En la muestra ‘Habeas Corpus’ que se expone en el Museo de Arte del Banco de
la República hasta Junio 22; se producen varios cruces de fronteras: disciplinares,
temporales, espaciales y discursivas. Es una muestra que contradice ordenamientos
convencionales tanto como ofrece aperturas a campos de reflexión dialógico; entre la
historia y la práctica artística, entre el Barroco y el arte contemporáneo, entre el cuerpo
político y el cuerpo social, entre lo que se muestra y lo que se oculta. Lo primero
que se podría identificar es un trabajo en el cual dos ámbitos de conocimiento interactúan,
cruzando información. El de Jaime Borja, historiador, especialista en el Barroco
neogranadino, que tiene cuidosamente pormenorizadas y catalogadas las imágenes
producidas en este periodo, autor de varios textos especializados. Y por otra parte,
José Alejandro Restrepo, videoartista, investigador, grabador y, eventualmente, curador
-esta no es su primera experiencia como tal-. El resultado, una selección heteróloga
de piezas, de obradores neogranadinos, de artistas modernos y contemporáneos,
reliquias, objetos de culto, fotografías, huellas y rastros. Algunas de estas piezas, es el
caso de los relicarios, no se encuentran a la vista del público, algunas de ellas aún son
objeto de culto, otras, se encuentran en depósitos que las evidencian como elementos
ante todo instrumentales y probatorios. La gran pieza de Gregorio Vásquez, en cierta
medida, la pieza central de la exposición, ‘El Juicio final’, está recién restaurada y en
alguna forma, muestra por primera vez al público en general, la curiosa información
que guarda, el doble mapa de la ciudad de Bogotá.
Pero hay algo más en esta composición, común a varias de las obras presentes, el
culto al seno, al intercambio de fluidos, leche por sangre, en este caso María y Cristo
pero por otra parte, el culto al corazón. Un culto al corazón que es característico de
La Nueva Granada, que tiene su manifestación en la consagración del voto nacional
pero que continúa en un relato nacional hasta el logotipo ‘Colombia es pasión’. Uno
de los objetos presentados es la Banda presidencial de Laureano Gómez, que ostenta
el Escudo Nacional con su simbología republicana, y plegado, el espíritu santo y el
corazón sangrante. Es así una doble alianza, con significantes de paradigmas pragmáticos
y laicos por excelencia, con otros, místicos y trascendentalistas.
Una de las apuestas gruesas que propone la curaduría es la indagación a lo largo
de hilos significativos que, en lugar de plantear profundas distancias entre formas de
representación entre periodos dispares, encuentra hilos estructurales que atraviesan,
relacionan e interconectan periodos, en este caso, el Barroco y su manera de reformular
el cuerpo y el mundo tardío moderno y contemporáneo. Aquí y allá, en las distintas
piezas, emerge la locura del ver, la intensificación de la mirada que busca el cuerpo, la
desnudez, la exposición, la fragmentación. Se identifica aquí y allá, la fruición del ver
el cuerpo del otro. El Barroco apuesta por un cuerpo que es manifestación del alma,
que es perfectible, que, desplazando el binarismo platónico agustino, cuerpo-alma,
erotiza a un cuerpo espiritualizado. La relación con la divinidad incluye al cuerpo, por
ejemplo, al cuerpo que se martiriza. La Santa Bárbara de Pedro Laboria, movediza,
danzante, exhibe su seno sangrante, también su axila (algunos textos defienden que la
axila es una representación huidiza de los genitales), en una tensionante exacerbación
de lo erótico entrelazado con la crueldad, del cuerpo sensual con el cuerpo mortificado.
Su cuerpo grácil y sensual se da a la muerte, en la gesticulación que anuncia
el conocimiento de su próxima gloria: brazos, miradas, gesto de la mano. Erotismo y
horror, del Barroco al mundo contemporáneo, el cuerpo del otro se experimenta en
un exceso de realidad que a veces se llama hiperrrealidad y otras pornografía, cuerpos
martirizados, cuerpos que se entregan dóciles al dolor y a la muerte y a los que se
buscará para hallar en los fragmentos, en las reliquias, emanaciones de la sabiduría,
de la espiritualidad que en ellos tuvo residencia.
Marina Abramovich en una de sus piezas más famosas, ‘Ritmo 0’, se ofrece al público,
casi sin restricciones. Ante sí, dispone instrumentos que infligen dolor o que procuran
cura. El resultado es un experimento durante el cual, el público le arranca girones
de ropa, la rasguña, hiere, acaricia, lame, mechonea. El cuerpo mesiánico de la
artista, tanto como sucede con las acciones litúrgico-paganas de Hermann Nitsch, se
inscribe dentro de un acto sacrificial, lleno de signos emancipatorios, de apuestas por
la liberación del cuerpo social. Aquí parece seguir operando el imaginario Barroco
Por: Ana María Lozano
del dolor y de la sangre como limpieza. Es una dramática y efusiva, teatralización del
cuerpo, de sus excrecencias, de sus signos de mortalidad. Según Borja, en el entierro
de la Madre Francisca del Niño Jesús, la gente se abalanza para arrancar o recortar
elementos pertenecientes a la santa. El objeto, el fragmento, el pedazo de tela que
pertenece al cuerpo espiritualizado sana, esparce, comunica parte de esa cercanía
con lo trascendental. El cuerpo expuesto del pop star se ve arrollado por sus fieles,
los fans, que se contentarían con un mechón de su pelo o un girón de la chaqueta.
Algunos privilegiados podrán ostentar en su casa la astilla de la guitarra de Hendrix
después del sacrificio de la guitarra de 1968. Hay nuevas reliquias, las reliquias que
construye el capitalismo tardío. Del valor cultural y sacral al exhibitivo, del objeto de
culto al objeto exhibido, al objeto-mercancia. En un tercer gesto, el mundo actual,
reinventa lo sagrado y posee sus mártires y templos. Nuevos cultos se definen por sus
reliquias, sólo que ahora, estas, se venden a través de las casas de subasta.
Pedro Laboria (c 1700 Sanlúcar de Barrameda, España – c 1784. Santa Fe de Bogotá). Santa Bárbara, Siglo XVIII. Escultura. 2.38 x 0.80 x 0.69 mts. Colección Arquidiócesis de Bogotá – Catedral Primada de Bogotá.
Cortesía: Banco de la República.
Barranquilla
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Hasta mayo 8. ‘Sin_Tesis de la Recta’:
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- Desde abril 12. ‘En cualquier lugar
donde parezca que esto pueda
hallarse’: Armando de la Garza.
“……volviendo sobre ‘Juegos de herencia’, vemos que la posibilidad de un registro sonoro in situ, y su intensificación respectiva a través de un montaje
digital, permite reconocer en un ritual espectros de múltiples voces que difícilmente habríamos capturado desde la perspectiva hegemónica de
la escritura: la voz del machete, de la cabeza que cae al desprenderse de su cuerpo, el de la mano que empuña con fuerza el machete y se mueve
con agresividad, todas ellas apariciones de un mismo espectro, diría Derrida, el espectro de la muerte, de la violencia, o también de la lucha por la
supervivencia, herencia milenaria que pervive y se actualiza tomando formas cada vez más inesperadas“.
Gustavo Gómez
Fragmento del libro “Sin Respuesta” sobre la obra de Clemencia Echeverri.
La obra que ofrece hoy el periódico ARTERIA a sus lectores será firmada y numerada por la artista a todo aquel que la envíe a las oficinas de Arteria
(Carrera 5 # 14 - 85, Bogotá - Colombia) no más tarde del 30 de Junio. El impreso deberá estar debidamente empacado en un sobre con el nombre,
teléfono y dirección del interesado. Las obras se regresarán seis semanas después por correo y el importe deberá ser pagado por el destinatario
contra entrega.