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Colección II
Artistas:
Nick Quijano
Diógenes Ballester
Liliana Porter
Ellen Harvey
Julio Micheli
Marta Mabel Pérez
Zilia Sánchez
Ana Rosa Rivera
Carlos Cancio
Víctor Vázquez

Nick Quijano
Nueva York, NY, 1953
Naturaleza caribeña
2009
Monotipo
Impresión giclée intervenida a mano con variaciones cromáticas
10 x 10” (imagen) 13 x 12” (papel)
A principios de la década de los noventa, las pinturas estilo Naíf de Nick Quijano, evocaban
un no muy distante, aunque mítico, pasado de Puerto Rico, abriendo paso a una serie de
dibujos titulada Naturaleza caribeña. Esta serie se enfocó en tres elementos clave que
ilustran el paisaje caribeño – el cielo, las palmeras y los cocos. Caracterizados por su estética,
algo barroca, estos elementos nos fueron entregados por Quijano en todo su esplendor
tropical – una paleta saturada y rotunda; frutas maduras y suculentas, y radiantes palmeras.
Esta serie condujo a Quijano a pintar Sueño del trópico en 1991, pintura que ahora es parte
de la colección del Museo de Arte de Ponce – obra culminante que transformaría el enfoque
del artista sobre este tema en subsecuentes series de trabajos. La propuesta de Quijano
para el programa Círculo del Arte fue inspirada por Sueño del trópico y representa un
diálogo con su poderosa obra. Producida como una impresión giclée (impresión digital,
producto de un escaneo en muy alta resolución) intervenida a mano, la imagen está basada,
también, en el gouache de 1991-92 de la serie Naturaleza caribeña. Aquí el coco se

encuentra en el frente y al centro de la composición, su tamaño y su escala revelan su
importancia. Éste se balancea precariamente sobre una pequeña mesa circular, mientras
una fila de palmeras salpica alegremente el trasfondo de la composición. Vistas a escala
(igual que la mesa), las palmeras son minúsculas en comparación con el protagonista
principal.
Como es el caso en la mayoría de los trabajos de Quijano, la belleza seductora de sus
exuberantes imágenes yace sobre significados más profundos y ocultos. La mesa nos
sugiere el interés del artista en explorar la idea de soporte o estructura como estrategia para
comentar sobre el debate político actual en Puerto Rico, cara a cara con su estatus, la
dependencia de sistemas foráneos y problemas de auto-definición. Mientras que en otras
obras, como Sueño del trópico, hay una ausencia de estructura, en Naturaleza Caribeña la
presencia de un soporte es contrastada por la relación desproporcionada con el coco-un
símbolo de afirmación de cultura local y tradición. Quijano formalmente subraya la
elasticidad de estos valores a través de sutiles marcas y variaciones cromáticas que
transforman de manera efectiva cada impresión en una obra única que celebra la vitalidad
del Caribe y por otro lado sugiere una metáfora punzante para la naturaleza dinámica de las
identidades individuales y colectivas, fluidas y en constante cambio.

Diógenes Ballester
Ponce, Puerto Rico, 1956
Los gemelos
2009
Buril y mezzotinta
11 x 9 3/8” (imagen) 15 x 14 ½” (papel)
La obra Los gemelos encarna estos esfuerzos a través de una serie de circunstancias fortuitas
que sugieren el impacto de la globalización, el poder de la síntesis cultural y la potencia
espiritual y eterna de estos significantes. La curiosa trayectoria de Los gemelos comenzó con
la meticulosa producción de una placa de cobre grabada en Guanlan, China durante la
residencia del artista en 2009 en la Bienal Internacional de Grabado de Guanlan, seguida por
su distribución en Puerto Rico a los miembros del programa Círculo del Arte del Museo de
Arte de Ponce, así como su inclusión en la colección permanente de la base de grabados de
Guanlan.
Los gemelos, lleva las huellas de este viaje multicultural a través de la inteligente
reinterpretación hecha por Ballester de uno de los símbolos más reconocidos de la
cosmología de África Occidental, Eleguá, quien de acuerdo a la mitología Yoruba es el
protector de los caminos. Eleguá es la deidad encargada de guiar por los senderos,
generalmente está relacionada con la oportunidad y la posibilidad. Así como las

comunidades de raíz africana en las Américas aprendieron a equiparar o a fusionar sus
deidades con figuras de la tradición judeo-cristiana como estrategia de preservación.
Ballester hábilmente sintetiza representaciones chinas y africanas presentando a Eleguá
como un dios bicéfalo cuyo rostro es adornado con conchas cauri tradicionales sirviendo de
ojos y boca. Utilizadas como moneda en culturas del África Occidental, estas conchas son
consideradas prendas de buena suerte y Ballester compara sus propiedades mágicas con las
de las oraciones a los dioses chinos de la prosperidad, representando al dios de la riqueza,
típicamente retratado como una taza de oro. Ballester entonces fusiona ambos conceptos
de buena fortuna incorporando la “copa de oro” en el centro de la composición con
montones de concha cauri.

Liliana Porter
Buenos Aires, Argentina, 1941
Pájaro azul
2009
Fotografía digital a color
11 x 8 ½”
A lo largo de su extraordinaria carrera, Liliana Porter ha utilizado la fotografía como
herramienta para explorar preocupaciones sobre el tema de la representación, así como los
desafíos filosóficos que presentan las técnicas de reproducción con respecto a las
percepciones y a lo verdadero. Desde finales de la década de los ochenta, Porter se ha
apoyado en una variedad de íconos arrancados de su contexto original, el cual ella recicla
repetidamente como una estrategia para recrear impactos visuales de la memoria. Sin
embargo, a principios de los noventa, Porter bajó la posición de sus composiciones dejando
expuestos grandes espacios semejantes a escenografías montadas para fotografía o para
cine, pobladas con un puñado de personajes un tanto incongruentes de su extensa
colección de muñecas, figuras y adornos kitsch. Su obra más reciente tiene un marcado
interés en el potencial afectivo de estos diálogos y su capacidad de provocar respuestas

emotivas en el observador. En obras como Pájaro azul, creada para el programa Círculo del
Arte, Porter yuxtapone aparentemente de manera casual, dos objetos de su extensa
colección – un soldadito de metal y una figura de cristal en forma de pájaro. El elemento
crítico de este reparto de personajes es su habilidad de parecer animados y de emitir una
cierta mirada, un sentimiento, que inevitablemente dirige la vista del observador hacia
adentro de la hermosa ave, pero Porter frustra nuestras expectativas intercambiando la
escala y las relaciones de poder entra las dos figuras. Al ser dirigidos hacia el drama
desencadenado, el delicado balance entre la realidad y ficción es desafiado tanto como
nosotros – en virtud de nuestra empatía e identificación – convirtiéndonos en actores
voluntarios en la producción de Porter.

Ellen Harvey
Kent, Inglaterra, 1967
Árbol con bolsa plástica
2009
Espejo de plexiglás con impresión láser
(fotografiada por Johnny Betancourt)
8.75 x 8.75”
Como pintora y al mismo tiempo abogada, Ellen Harvey nos trae una sensibilidad dual a
través de su arte, haciéndose esto más evidente en su aprecio genuino por el oficio y la
historia del a pintura; teñido a menudo por su tendencia como abogada a pensar
críticamente y con escepticismo. Al desarrollar el concepto para CDA 2009, Harvey continua
explorando nociones del deseo, convencionalismos y junto a la historia del paisaje, nos
ofrece una imagen irresistible que satisface y a la vez frustra nuestras expectativas. En Árbol
con bolsa plástica, una representación engañosamente simple de un viejo árbol adornado
con solamente un escaso moteado de hojas sugiere la nostalgia de un pasado sereno no
muy diferente al de las creaciones melancólicas de los pintores de la época Romántica. Pero
esta viñeta construida cuidadosamente se ve alterada por la presencia de una pequeña bolsa
plástica barrida por el viento y posando precariamente en una de las ramas frágiles del árbol
–un recordatorio inquietante de nuestra realidad presente y de los vestigios de nuestra
cultura consumista contemporánea. Además, Harvey al representar su dibujo sobre un
espejo de plexiglás, integra al espectador en su paisaje virtual mientras que refleja los
alrededores del espectador en la composición. Y, por lo tanto a pesar de la aparente aire de
cinismo que persiste en esta imagen, como en otras partes de la obra de Harvey, prevalece
el optimismo mientras la artista nos recuerda que tal vez nuestros deseos ocultos para volver
a conectar con la naturaleza como fuente de consuelo y comodidad de nuestro ritmo rápido
de vida no tiene que ser una fantasía remota, sino que está totalmente a nuestro alcance si
nos detenemos sólo por un segundo y miramos el mundo a nuestro alrededor.

Julio Micheli
Ponce, Puerto Rico, 1937
Disparates
2009
Impresión digital con tinta pigmentada sobre papel de acuarela
4 unidades, 11 x 8 1/2”
La producción artística de Julio Micheli, desarrollada a lo largo de cuarenta prolíferos años
de carrera, es ecléctica y enigmática. Incluye tallados en madera de varias especies de aves
autóctonas de Puerto Rico, experimentos en video y de imágenes por computadora,
ilustraciones científicas de insectos de la Isla, dibujos y pinturas abstractas, y por supuesto,
sus famosas cajas (collages de medios mixtos, acuarelas, objetos y otras construcciones
ubicadas en pequeñas cajas de madera con cubiertas transparentes de cristal) las cuales se
considera como su aportación artística más significativa. Y aunque Micheli está muy
consciente y versado sobre el lenguaje del arte moderno y contemporáneo, su obra revela

una visión ferozmente personal, alimentada por un legado artístico compartido pero
liberado de sus restricciones. La variada producción del artista se resiste a ser encasillada o
rotulada fácilmente – no tanto porque esté en contra de la corriente- sino que aparenta
funcionar moviéndose por un camino paralelo, generando chispazos entre ambas a medida
que se interceptan a lo largo del camino.
Quizás las grietas más visibles provocadas por estos puntos de intersección las encontremos
en los trabajos más experimentales del artista, tales como sus cajas y sus obras abstractas.
Ambas son marcadas con un profundo sentido de introspección, poesía y experimentación.
De la misma manera ambos escapan a definiciones y retan al observador a mirar más allá de
sus preconceptos sobre el arte. La ambiciosa colección de Micheli de cuatro impresiones
digitales a color titulado Disparates creada para el programa del Círculo del Arte 2009 refleja
dichos valores. Basados en una reciente serie de acuarelas, estas obras de profunda
intimidad pero de gran potencia, son consistentes con el enfoque particular del artista sobre
la abstracción a la vez expresionista, pura y lírica. Micheli ve a sus acuarelas como
experimentos visuales o “disparates” – accidentes espontáneos elocuentes y al mismo tiempo
con un grado de humor y confusión. Al igual que “Disparates” sus impresos y acuarelas
desafían las normas aceptadas; operan en aquellas fronteras – donde los caminos se cruzan y
las chispas vuelan. Líneas sinuosas convergen con planos traslúcidos de color generando
una sutil interacción entre elementos negativos y positivos, lineales y curvilíneos, figurativos y
abstractos, viscerales y cerebrales. Los Disparates de Julio Micheli no ofrecen respuestas a
nuestras preguntas, más bien se encuentran en los límites donde las posibilidades merodean
y la creatividad fluye.

Marta Mabel Pérez
Lares, Puerto Rico, 1968
White Puerto Rican Flag Kit
2009
Polyester, hilo de coser, apliques bordados, aguja de coser, caja de archivo y papel
Bandera: 8 x 11”, caja: 12 3/8 x 9 1/8 x 11/4”
The Wihte Puerto Rican Flag abarca una serie en proceso de las obras inicialmente
presentadas durante la primavera pasada en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) en
San Juan, y que comprendían un video y dos instalaciones. Colectivamente estos trabajos
trastocan una gama de emociones: desde la pérdida y el dolor hasta la esperanza y
redención, mientras que servían como una ventana para el espectador (o quizás un espejo)
desde la cual ver la vida contemporánea de la isla. Así la propuesta de Pérez de presentar la
bandera de Puerto Rico blanca, desprovista de sus colores tradicionales es, inevitablemente,
una acción simbólica, aunque una no guiada por la retórica o la demagogia, sino por un
sincero deseo de proponer una alternativa a un nuevo paradigma, de la cual construir las
nociones de identidad, nacionalidad y solidaridad. Para el programa del Círculo del Arte,
Pérez amplía este concepto de provocación a través del White Puerto Rican Flag Kit y ofrece
una obra que está basada en “hágalo usted mismo”, estética de la década del 1960 del
movimiento Fluxus, mientras provee al espectador de un regalo inesperado – la oportunidad
de hacer su propia obra de arte. Las instrucciones son simples – complete la bandera como
lo desee y cuando termine enmárquela y cuélguela en su casa.

Zilia Sánchez
La Habana, Cuba, 1928
El silencio del silencio
2009
Serigrafía
11 x 15”
Para una artista acostumbrada a trabajar en tres dimensiones, la invitación del Museo de Arte
de Ponce a participar en el Círculo del Arte fue un bienvenido desafío para esta artista
veterana entrenada en desarrollar sus conceptos sobre el papel y por medio de maquetas
antes de ejecutarlas en un lienzo o escultura. Basado en un dibujo de 1960 de la serie del
silencio, la serigrafía el Silencio del silencio sugiere la estética minimalista de Sánchez, así
como sus repetidas referencias a lo corporal y la figura mitológica de Eros – conocida no sólo
como el dios del amor erótico, la belleza y la fertilidad, pero también un símbolo constante
de la corriente creativa de la naturaleza. Este último sirve como metáfora conmovedora de
un enfoque propio de la elaboración artística de Sánchez y, sin duda una clave para librear el
significado de esta obra engañosamente simple, pero en realidad compleja. Dos
aparentemente idénticas, pero opuestas formas geométricas o cuerpos, puestos contra el
papel en blanco están unidos por la trayectoria continua de una línea que pone de
manifiesto la tensión entre ellos, al mismo tiempo señala su inevitable dependencia. Aquí
Sánchez hábilmente expresa los fundamentos conceptuales de su obra – la poética de las
oposiciones binarias como un catalizador para la creatividad persistentes de la vida, la
naturaleza y el arte.

Ana Rosa Rivera Marrero
Morovis, Puerto Rico, 1967
Dama a caballo: Yo soy parte de la obra
2009-2010
Fotografía a color sobre papel de acuarela
16 x 11”
Rivera Marrero navega hábilmente varias de estas preocupaciones, mientras críticamente se
enfrenta con uno de los trabajos más icónicos y reconocibles del Museo – Dama a caballo
(1785) del notable pintor puertorriqueño del siglo dieciocho, José Campeche y Jordán.
Ejecutada con el rubrico estilo inspirado del Rococó de Campeche, de formas ornamentales
tratadas con una paleta delicada y exuberante, Dama a caballo o “amazona”, como también
se le conoce, es una de las cinco versiones que el artista hizo de este tema, que combinan los
géneros tradicionales del retrato y del paisaje.
La engañosamente sencill a escena celebra el esplendor bucólico de la isla, la tradición
popular de caballos de paso fino, competiciones y ferias que continúan hasta hoy en día, así
como ofrece una mirada poco común de la privilegiada clase alta de Puerto Rico durante el
siglo dieciocho, sus costumbres sociales y convenciones. En Dama a caballo: Yo soy parte de
la obra (2009-10), Rivera Marrero se apropia de este significante con fuerza y al mismo
tiempo rinde homenaje a la amazona de Campeche, mientras que hábilmente desmantela su

importancia simbólica. Al igual que su trabajo fotográfico del año 2000, La historia de ELA
(Dama a caballo), Rivera Marrero regresa a su polémica relación con la “dama” de
Campeche, pero a diferencia de esa primera interpretación, más abiertamente sexual y
políticamente cargada, la composición actual es mucho menos sensual y comparte mayor
afinidad visual y tamaño con la pintura original, aunque completamente re-contextualizada.
Tal vez una de las transformaciones más notables en Dama a caballo: Yo soy parte de la obra
es el cambio de un escenario histórico pastoral al de un lugar contemporáneo, un parque de
atracciones o feria en la ciudad costera sureña de Guayanilla. Aquí a bordo del carrusel –
similar a un pica gigante – luciendo un vestido de princesa de hadas al estilo “Disney” creado
en colaboración con la diseñadora de moda Lisa Cappalli, Rivera Marrero se retrata a sí
misma montada en una de las rígidas esculturas ecuestres de madera. Así como su mirada
segura de sí misma observa al espectador, compartiendo un guiño irónico, su postura es a la
vez caprichosa y sin embargo seria. A diferencia de la delicada dama de Campeche en lo
alto de un musculoso caballo andaluz, Rivera Marrero surge aquí como una verdadera
amazona domando a su “bestia” ya no encumbrada por las tradicionales estructuras de
poder y las normas sociales. Atravesando los límites entre realidad y ficción, la cultura
popular y la alta sociedad, el pasado y el presente, la fotografía, la estabilidad y el
movimiento, la escultura y la representación en vivo, la artista de manera efectiva re-imagina
y refuerza Dama a caballo de Campeche de una manera que no sólo pone de relieve la
preeminencia de la pintura original, pero ofrece un espacio de investigación para examinar
la historia de Puerto Rico y el legado de ese pasado en un contexto contemporáneo.

Carlos Cancio
San Juan, Puerto Rico, 1961
La ofrenda
2006
Escultura en fibra de vidrio y base en piedra volcánica
15 x 12 x 4”
Desde sus comienzos la obra de Carlos Cancio se ha inspirado en el misticismo de las
culturas del mundo. Trabaja en series, cada una dedicada a culturas diferentes o
exploraciones místicas. Dioses, budas, divinidades, arlequines, faunos, efebos, entes y
majestades pululan en sus obras. En el 2001 incluyó los plátanos entre otras frutas caribeñas,
en la serie titulada Vereda Tropical, desde entonces el fabuloso fruto continúa apareciendo
en sus coloridas composiciones.
Con esta pequeña escultura de un plátano amarillo, Carlos Cancio nos ofrenda el fruto que
simboliza la cultura puertorriqueña. Y nos recuerda que a los dioses se les ponen frutos para
saciar su apetito y mantenerlos contentos. El plátano conocido científicamente como Musa
Paradisíaca ha sido inspiración para la mayoría de los artistas de nuestro país. Desde Oller
hasta muchos de los jóvenes creadores han realizado obras inspiradas en el plátano.
También, ha sido el principal alimento de muchos. Para Cancio, como para la mayoría de
nosotros, los tostones o el mofongo son el alimento añorado cuando estamos fuera del
terruño. La escultura de tamaño natural de un plátano, está realizada en fibra de vidrio color

amarillo. La base es de piedra volcánica. Lo más importante de este plátano amarillo es que
dentro de él habita una diosa o musa que nos inspirará y cuidará.

Víctor Vázquez
San Juan, Puerto Rico, 1948
Homenaje a Ana Mendieta
2003 (impresión 2006)
Fotografía a color impresión papel Lamda
15 x 15”
Víctor Vázquez ha sido pionero en lograr, en el campo de la fotografía, lo que en otros
campos se llama el crossover. Sus fotografías se han mostrado tanto en Puerto Rico como en
varios países de Europa y las Américas. Actualmente vive y trabaja en París y el Viejo San
Juan. Sus estudios, donde integra la fotografía, la psicología y las religiones comparadas, lo
llevan a crear una obra sincrética en la cual concilia costumbres caribeñas, rituales de la
santería y el erotismo. ES una obra dual, híbrida o travestida plagada de simbolismos y
mensajes. Para el Círculo del Arte se seleccionó la impresionante fotografía titulada
Homenaje a Ana Mendieta, 2003. Esta foto formó parte de la exhibición Liquids-Signs-
Objects que se presentó en Seraphin Gallery en Philadelphia. Daniel Azoulay Gallery en
Miami y Walter Otero Gallery en San Juan.

Ana Mendieta (1948-1985) malograda artista cubana, murió a los 37 años tras caerse de un
piso 34, mientras se encontraba con su esposo el escultor minimalista Carl André en su
apartamento de Nueva York. Mendieta fue pionera del Arte Corporal [body art] y del Arte de
la tierra [land art]. Para sus obras creó una serie de símbolos que tenían referencias a la vida,
la naturaleza y su cuerpo, basados en la Santería Cubana. En la foto Vázquez utiliza a una
joven modelo, muy parecida a Mendieta. Vázquez viste el cuerpo desnudo de la joven con
papeles engomados a los que les dibujó emblemas inspirados en la simbología creada por
Mendieta. El fondo totalmente negro hace resaltar la figura y crea un impresionante
dramatismo.