Programa de mano 22 de abril - Orquesta y Coro de la Comunidad ...

PROGRAMA
Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid
Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid
Cuarteto Bretón
Krzyzstof Wisniewski, violín I
Antonio Cárdenas, violín II
Iván Martín, viola
John Stokes, violonchelo
Pedro Teixeira, director del coro
José Ramón Encinar, director
I
Esteban Benzecry (1970)
De otros cielos, otros mares...* (18’)
Mosaico poético musical latinoamericano para coro y
orquesta
I. En este suelo habitan las estrellas
II. Ecos del Sur
III. Oración de Manco Capac al señor del cielo y tierra
IV. Invocación al dios de las aguas
V. AMÉRICA, no invoco tu nombre en vano
Julián Orbón (1925-1991)
Concerto Grosso para cuarteto de cuerda y orquesta (28’)
I. Moderato
II. Lento
III. Allegro
II
Antonin Dvorák v (1841-1904)
Sinfonía nº 9 “Nuevo Mundo”, Op. 95 (39’)
I. Adagio - Allegro molto
II. Largo
III. Scherzo: Molto Vivace
IV. Allegro con fuoco
*Estreno absoluto. Obra encargo ORCAM-Fundación BBVA.

CANTO A AMÉRICA
La música que suena dentro del continente americano,
de norte a sur y de este a oeste, incluyendo
sus islas, es un ejemplo de riqueza y variedad cultural
que, a pesar del paso del tiempo, sigue conservando
su intrínseca pureza, manifestada en peculiares
ritmos, danzas rituales, color instrumental y articulaciones
vocales que obedecen a lenguas y hablas
que aún perduran en el corazón de la tierra. Del contacto
natural de estos sones y de su unión histórica
con la música llegada de España, Portugal y diversos
rincones europeos a partir del siglo XVI, comenzó a
forjarse la fusión más auténtica que, por encima de
rivalidades políticas, intereses económicos e imposiciones
religiosas –o tal vez por ellas-, ha tenido lugar
en la historia moderna. Sin los antecedentes
quechuas, apaches, cherokes, chipchas, mayas o aztecas,
las prestaciones sonoras de los inmigrantes
procedentes de África, las formaciones autóctonas
como el jazz, la samba o el tango y la gran aportación
del renacimiento y el barroco españoles, es imposible
concebir este milagroso mestizaje. América,
por otra parte, ha sido tema y objeto de culto por
parte de compositores nativos o foráneos que han
optado por rendir tributo a un territorio que su propia
historia ha convertido en mito. El concierto de
hoy es una prueba de tal homenaje, para el que la
Fundación BBVA y la ORCAM han encargado al
compositor argentino Esteban Benzecry, la obra que
inaugura este programa.
De otros cielos, otros mares… está concebida,
según reza en el pórtico de la partitura- como un
“mosaico poético musical latinoamericano para coro
y orquesta”. Mosaico y no mural, porque su conjunto
está formado por pequeñas teselas, brillantes,
telúricas y evocadoras que, como conjuntos celulares
independientes conforman una unidad per-
5

6
fectamente ensamblada . Dividido en cinco movimientos,
cada uno de ellos está sustentado por un
texto literario de distintos autores respectivamente,
que unas veces presta apoyo conceptual al discurso
sonoro que se genera a través de su dicción,
y otras sugiere un espacio musical independiente,
donde la palabra sirve de motor inspirativo. La trayectoria
del autor nos muestra variados ejemplos
de cómo la musicalidad propia del poema, e incluso
la que permanece custodiada en la memoria de los
antiguos pueblos y tribus americanas, es agua limpia
y fresca que perpetuamente emana de la tierra
para transformarse en otras músicas, cercanas al
oyente de hoy, sin perder su esencia original. Obras
como Inti Raymi (La Fiesta del Sol de los Íncas) Rituales
de la Cruz del Sur, Tres mitos andinos o Rituales
amerindios sólo son una prueba mínima de la
persistente tarea de un compositor entregado a la
escucha de cuanto sucede en el fondo de la tierra y
de las palabras.
El ritmo es una constante en su obra y, de hecho, a
la extensa plantilla requerida para componer este mosaico
se añade un amplio despliegue percutivo, entre
cuyos instrumentos podemos distinguir tam-tams,
maracas, güiro y una trompa mapuche, procedentes
de ritos y tradiciones americanas, tal como ha venido
siendo habitual en sus anteriores composiciones, pero
aquí estos timbres adquieren un valor especial, quizás
debido a su tratamiento lírico, que los convierte en
entidades sonoras, no episódicas, sino esenciales del
discurso musical.
El primer movimiento está inspirado en unos versos
de Elicura Chihuailaf, poeta chileno nacido en
1952, escritos en lengua mapuche, de donde toma
su subtítulo, “En este suelo habitan las estrellas”. Se
trata de un bellísimo canto a la tierra, que genera su
propia música y silencio. “Su espíritu –dicen– es la
luna / el silencio: su corazón que late. De hecho, la
palabra “mapuche” signifique en su origen “gente
de la tierra”, también llamado araucanos por los
conquistadores españoles. Aún conservan su propia
lengua en el territorio que habitan, que abarca el sur
de Chile y el suroeste de Argentina. El coro canta en
español, salpicando el texto con algunos nombres y
frases en mapuche para subrayar el carácter autóctono
de esta parte inicial, donde, según palabras del
autor, “se desarrollan giros melódicos sobre la base
de cantos tritonos provenientes de la música mapu-

che, mediante el uso de una orquestación donde se
intenta imitar las sonoridades y ecos de la trutuka o
trompeta tribal, pero usando los instrumentos tradicionales
de la orquesta.”
“Ecos del sur”, es el epígrafe del segundo movimiento,
sugerido a partir del conocido poema “El
Sur”, perteneciente al libro Fervor de Buenos Aires,
del argentino Jorge Luis Borges. Al no haber podido
contar con la autorización de los herederos del poeta
para utilizar el texto entero en esta obra, donde se
evocan los olores, las sombras y los aljibes de la vieja
ciudad porteña, el compositor usa la vocalización de
palabras sueltas que, a su vez, reproducen el ambiente
sonoro del poema, en una difícil y arriesgada recreación
que el oyente puede identificar con la música
desprendida del propio poema, apoyada en cierto aire
de tango. Porque como escribe Borges, tras enumerar
todas las sensaciones –el olor del jazmín, la madreselva,
el círculo del agua–, “esas cosas, acaso, son
el poema.”
El tercer bloque toma su base literaria y su nombre,
de un texto o discurso prehispánico de Cristóbal
de Molina, un cronista y clérigo español nacido
en Baeza, en 1529, apodado el cuzqueño, y que,
más que de un discurso, se trata de un hermoso
poema ritual del pueblo quechua, escrito en 1575:
“Oración de Manco Capac al señor del cielo y la
tierra”. Según el propio autor, se ha intentado resaltar
aquí la atmósfera del mundo precolombino,
del que no tenemos demasiadas noticias musicales,
por medio de “procedimientos multifónicos, armónicos
y cuartos de tonos que imitan las sonoridades
de la quena, zampollas y todo tipo de flautas”,
aunándose con el eco de la naturaleza mágica, ruidos
minerales, cascadas y canto de pájaros exóticos
e imaginarios.
El poeta venezolano Andrés Eloy Blanco, periodista,
político, humorista y uno de los grandes precursores
de la poesía social de índole vernáculo en América,
presta el extracto de un singular poema religioso
para desarrollar el cuerto movimiento, “Invocación al
dios de las aguas”. Hay que recordar, a manera de
anécdota, que el poeta es internacionalmente conocido
por ser el autor del poema “Angelitos negros”, al
que puso música Manuel Álvarez Rentería (“Maciste”),
que fue considerado en principio como un texto clave
y novedoso contra el rascismo. Es precisamente el carácter
multiracial de su poesía el elemento que da pie
7

8
a Esteban Benzecry para eleborar un espacio musical
donde las luces, los cielos, las miradas e incluso los
atributos divinos sean diversos y contrastados, en una
orilla y en la otra, en pueblos y valles alejados y convergentes
a su vez: “…Dios argonauta /que tiendes a
las manos de la Armonía / el río de tu música, largo como
una flauta.”
La última parte de la obra es integradora de todos
los movimientos, otorgando carácter a la forma del
mosaico. “América, no invoco tu nombre en vano”,
uno de los poemas más citados de Canto General, del
chileno Pablo Neruda, le da nombre al movimiento y
también sentido de totalidad. Coro y orquesta se funden
en la palabra “América”, con ritmos dispares y superposiciones,
que comienza por un aire de fanfarria
donde se suceden “ritmos de cueca chilena y carnavalitos”,
poniendo así fin a una obra ambiciosa, donde el
compositor argentino inventa un folclore imaginario a
partir de vitales ingredientes de la tradición americana
para crear su propio lenguaje.
La poesía y el mestizaje están presentes también
en la segunda obra de este concierto, al menos en
la personalidad de su compositor, Julián Orbón, que
aunque nacido en Avilés, en 1925, se le considera un
primordial exponente de la música cubana, tanto
por la trayectoria de su carrera, como por su identificación
cultural. No en vano es llamado el músico
de Orígenes, una revista fundada por Lezama Lima,
que aglutinó a su alrededor a un importante grupo
de poetas integrado por Gastón Baquero, Lorenzo
García Vega, Fina García Marruz, Cintio Vitier o Eliseo
Diego, y si no compuso la célebre Guantanamera,
sí que fue el artífice de adaptar los famosos Versos
sencillos de José Martí, a la preexistente melodía
de José Fernández Díaz (“Joseito”). Con sólo
siete años llegó a La Habana, acompañado por su
padre, el pianista Benjamín Orbón, y su madre, cubana
de nacimiento. Pero, aunque su formación tuvo
lugar en la Isla y sus relaciones profesionales se
desarrollaron dentro del contexto caribeño y americano,
su deuda con la tradición española y su consciente
respeto por sus principios musicales no lograron
desvincularlo de sus raíces para afiliarlo totalmente
al estilo de su tierra adoptiva, lo que hizo lamentarse
a Alejo Carpentier de que, pese a ser “la
figura más singular y prometedora de la nueva escuela
cubana, no le diera a su música más acento
criollo”. Y es que casi toda su obra está trufada de

eferencias españolas, aunque sus estudios con Aaron
Copland o su pertenencia al grupo Renovación
den muestra de su capacidad integradora.
La influencia de Chávez y Villa-Lobos se hace patente
en la obra de Orbón, que se sumerge en las
esencias del folclore iberoamericano, hasta descubrir
sus fuentes más puras, en las que se dan cita aires
antillanos, ritmos africanos y elementos provenientes
de la tradición europea incluidos en el rondó
y el danzón. Célebre es su Cuarteto, escrito en
1951 y concebido bajo una clásica estructura sin,
por otra parte, dejar de rendir tributo a su época y
a su lugar de origen. Con esta experiencia camerística,
Orbón comienza el Concerto grosso para cuarteto
de cuerdas y orquesta, considerada como una
obra de transición en su carrera. El compositor parece
alejarse de los postulados neoclásicos que marcaron
su primera producción para abrazar, desde su
tiempo, ciertos elementos románticos. No deja de
ser interesante y casi paradójico que tal evolución
se encuadre dentro de una forma barroca como es
el "concerto grosso". Nuestro autor agudiza su sentido
de búsqueda personal, aunque siempre está
presente la influencia atmosférica de Manuel de Falla,
figura por la que siempre sintió una admiración
especial. Al personal tratamiento del cuarteto de
cuerda que, por sí mismo, crea una estructura independiente,
se une el arropamiento rítmico y tímbrico
de la orquesta, dando lugar a un espacio complejo
y refinado. Como período "halffteriano" –refiriéndose
a Ernesto y Rodolfo, naturalmente- calificó
Alejo Carpentier a la época en la que el compositor
une la herencia culta de Scarlatti –a través de Fallacon
la tradición popular. A este estadio temporal
pertenece el Concerto grosso junto a la Sinfonía en
do mayor, y las Tres versiones sinfónicas, escrita dos
años más tarde.
Si por antonomasia hay que considerar una obra
de la historia de la música como la más americanista
de todas, esa es sin duda la Sinfonía del Nuevo
Mundo, de Antonin Dvo v rák. El estilo nacionalista
del compositor checo había hecho mella en los rincones
europeos empeñados en demostrar un lenguaje
sonoro lo suficientemente propio como para
sustentar sus nuevas aspiraciones estatales frente
a las dominaciones imperiales y las grandes potencias.
Estaba a punto de conmemorarse el cuarto
centenario del descubrimiento de las tierras ameri-
9

10
canas, cuando Jeanette Thurber, fundadora del
Conservatorio Nacional de Música de América en
Nueva York invitó a Dvo v rák a pasar una temporada
en los Estados Unidos, con el fin de enseñar a los
jóvenes alumnos de composición a utilizar las fuentes
populares, en consonancia con los retos expresivos
que se aventuraban. A la vez, Dvo v rák podría
gozar de tiempo libre, viajar por parajes desconocidos
y, sobre todo, escuchar ritmos, danzas y melodías
autóctonas o provenientes de lugares diversos,
que configuraban un atractivo tejido musical
para un hombre como él, atento a diferentes tradiciones.
Venciendo a su carácter sedentario y desconfiado,
Dvo v rák aceptó la oferta, y en 1892 partió
hacia Nueva York, acompañado de su esposa, sus
dos hijos y su secretario, el joven estudiante Josef
Jan Kovársik, encargado de resolver cualquier problema
administrativo que surgiese. El resultado del
viaje fue tan fructífero que dos años más tarde volvió,
dispuesto ya a escudriñar más a fondo los sones
que surgían de aquellas tierras, mostrando especial
interés en las transformaciones folclóricas
sufridas en el seno de las comunidades checas establecidas
en el Medio Oeste.
La Sinfonía número 9 en Mi menor no es, sin embargo,
el resultado de la asimilación de elementos
originarios de la música americana, sino un proceso
de creación personal inspirado por los impactos
que el autor percibe al enfrentarse a un “mundo
nuevo”. Pero aún usando los procedimientos clásicos
de la sinfonía beethoveniana, sobre todo en su
distribución airosa, consigue evocar un territorio o,
al menos, ilustrar la sorpresa de un artista romántico
europeo ante una naturaleza y un proyecto de vida
inquietantes. Es curioso que Dvo v rák escogiera la
forma de la sinfonía para acometer esta labor, y no
la del poema sinfónico, que le hubiera permitido
una mayor libertad a la hora de “narrar” o expresar
estos acontecimientos. Y es que, en conjunto, la
obra es un ejercicio de libertad, más hacia lo profundo
que hacia la expansión de los límites, y es en
ese coto donde el compositor alcanza el propósito
de su intención. Lo cierto es que, pertenezcan sus
materiales a una tradición o a otra, la Sinfonía se ha
convertido curiosamente en el emblema de todo un
continente, y con más firmeza, de América del Norte.
Además de las variadas adaptaciones de sus temas
a numerosos himnos, canciones, baladas y

composiciones en general, su eco ha influido en
grandes figuras de la música americana, entre las
que podemos mencionar a Charles Ives o Copland.
El empleo de modos menores y pentatónicos, así
como el uso de ritmos sincopados ayuda a reproducir
la atmósfera de una música preexistente, aunque
el propio Dvo v rák escribiera en un artículo aparecido
en el New Herald Tribune, el 15 de diciembre
de 1893, con ocasión del estreno de la obra en
el Carnegie Hall de Nueva York cinco días antes,
que él no usó ninguna melodía india, sino que englobando
las particularidades de esta música y utilizando
sus temas como sujetos, los desarrolló con
los recursos de los ritmos, contrapuntos y colores
orquestales modernos.
La Sinfonía, que en vida del autor ocupaba el
quinto lugar, ya que las cuatro restantes no aparecieron
publicadas sino a título póstumo, se inicia con
una breve introducción en “Adagio” que nos anuncia
en su aparente calma, la vigorosa tensión que va
a tener lugar a lo largo de todo el primer tiempo, en
aire “Allegro molto”, acentuada por el ritmo sincopado
del tema principal. Este va a ser el motivo cíclico
de toda la obra, transformando su carácter épico
–tan frecuentado por el compositor checo– en
momentos elegiacos, descriptivos y hasta intimistas.
El ritmo de polka, que a veces nos recuerda a algunos
pasajes de Smetana, adquiere de pronto una
apariencia americana. El segundo movimiento, “Largo”,
es el más bello de toda la sinfonía, a través del
cual podemos imaginar los amplios paisajes y atardeceres
del otoño indio, aunque su melodía tenga
origen irlandés, entresacada de unos apuntes que
Dvo v rák escribiera anteriormente para una posible
ópera o cantata inspirada en el histórico poema de
Henry Wadsworth Longfellow: El canto de Hiawatha.
Tan extraordinaria fue su acogida que su melodía
fue adaptada a la canción espiritual Goin Home,
por el compositor negro Harry Burleigh, convirtiéndose
desde entonces en una especie de himno americano.
El “Scherzo-Molto vivace” también está inspirado
por el poema de Longfellow, en cuyo ritmo el
autor ha querido establecer cierta similitud con las
danzas rituales de los “Pieles Rojas”, sin acercarse a
su verdadera fuente originaria. El “Allegro con fuoco”
es una síntesis temática y rítmica de toda la
obra, que adquiere en el movimiento final su más
esplendorosa vitalidad. En su desarrollo se entrela-
11

zan elementos de inspiración europea, de clara procedencia
romántica, con otras aportaciones que,
por su tratamiento, parecen anunciar un estilo más
abierto y novedoso. Podría decirse que este tiempo
en sí mismo ya es una obra cerrada, capaz de elevar
el espíritu del oyente y hacerlo meditar a la vez, tornarlo
a la melancolía sugerida por el movimiento largo
y encender su ánimo emprendedor con la esperanza
de descubrir un nuevo mundo por medio de la
música.
José Ramón Ripoll
12

FICHA INFORMATIVA
DE OTROS CIELOS, OTROS MARES……, de Esteban Benzecry
(Lisboa, 13 de abril de 1970)
Textos de Elicura Chihuailaf (1952),
Cristóbal de Molina (1529-1585),
Andrés Eloy Blanco (1897-1955), Pablo Neruda (1904-1973)
y Jorge Luis Borges (1904-1973)
Obra encargo ORCAM-Fundación BBVA
Dedicatoria: A José Ramón Encinar
Estreno absoluto
SINFONÍA Nº 9, “Nuevo Mundo”, Op.95,
de Antonin Dvo v rák
Estreno: Nueva York, Carnegie Hall, 15 de diciembre de 1893
Primeros intérpretes: Orquesta Filarmónica de Nueva York
Director: Anton Seidl
CONCERTO GROSSO, de Julián Orbón
(Avilés, 7 de agosto de 1925 - Miami, 21 de mayo de 1991)
Estreno: Nueva York, 1961
Orquesta de las Américas
Director: Richard Korn
13

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA
CONCERTO GROSSO, de Julián Orbón
Orquesta Sinfónica de Asturias
Director: Maximiano Valdés
Sello: Naxos
CONCERTO GROSSO, de Julián Orbón
Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela
Director: Eduardo Mata
Sello: Dorian
SINFONÍA Nº 9 “NUEVO MUNDO”, de Antonin Dvo v rák
Royal Liverpool Philarmonic Orchestra
Director: Libor Pe v sek
Sello: Virgin Classics
SINFONÍA Nº 9 “NUEVO MUNDO”, de Antonin Dvo v rák
Royal Concertgebouw Orchestra
Director: Sir Colin Davis
Sello: Philips
14
BIBLIOGRAFÍA
estebanbenzecry.com
JULIÁN ORBON:
En la esencia de los estilos y otros ensayos
Editorial Colibrí
ALEJO CARPENTIER:
La Música en Cuba
Círculo de lectores
ALEJO CARPENTIER:
Ese músico que llevo dentro
Alianza Editorial
ADOLFO SALAZAR:
La música en la sociedad europea. Tomos 3 y 4
Alianza Editorial
J.R.E.

DE OTROS CIELOS, OTROS MARES
Movimiento I
En este suelo habitan las estrellas
Elicura Chihuailaf, poeta mapuche (Chile, 1952-)
En este suelo habitan las estrellas.
En este cielo canta el agua
de la imaginación.
Más allá de las nubes que surgen
de estas aguas y estos suelos,
nos sueñan los antepasados.
Su espíritu –dicen– es la luna llena.
El silencio, su corazón que late.
Movimiento II
Ecos del Sur
Vocalización inspirada en el poema “El sur” de Jorge Luís
Borges (Argentina, 1899 - 1986)
Movimiento III
Oración de Manco Capac al señor del cielo y tierra
(en español)
Discurso ritual prehispánico, interpretación del quechua por
Cristóbal de Molina 1575.
¡Oh, Viracocha,
Señor que estas en el cabo del mundo,
Señor que dijiste
“este sea varón,
esta sea mujer”,
Creador de todas las partes del mundo!
¿Dónde estás?
¿No te podré ver?
¿Está arriba, está abajo,
Está en medio tu trono?
Contéstame, te lo ruego,
Creador de la extensión del mar de arriba
Y del mundo en que he de vivir, el mar de abajo,
Hacedor del hombre,
Señor.
Tus siervos
que te buscamos con nuestros ojos nublados
queremos verte.
El sol y la luna,
el día y la noche,
el verano y el invierno,
no existen sin causa
están gobernados,
15

16
caminan según les ha sido medido llegan.
¿Cuál eres, tu que me hiciste llevar el cetro real?
Contéstame, te lo ruego.
Escúchame, te lo ruego,
Antes de que me canse
Y me muera.
Movimiento IV
Invocación al dios de las aguas
Andrés Eloy Blanco (Venezuela, 1897-1955)
(extracto)
¡Dios submarino, Dios lacustre, Dios fluvial,
uno en el tritón y en la garza
y en la dulce corbeta y el áspero crucero,
Dios del agua, Señor de la Casa de Cristal,
Dios Marinero.
Expresión de agua de tus mil expresiones,
río tendido de Volturno a Cristo,
vuelo del ibis que cruza
del mascarón de Argos
al mastelero de la Santa María, Dios argonauta,
que tiendes a las manos de la Armonía
el río de tu música, largo, como una flauta.
Dios infuso en el lago blanco de la nube
alinderada de azul,
Dios de espuma en el crespo del corderillo,
Dios tormentoso en la melena del león,
Dios zahorí, estancado en la pupila del tigre,
Dios del río de estrellas que de Oriente a Occidente
cruza de noche el cielo, …”
Movimiento V
AMÉRICA, no invoco tu nombre en vano
Pablo Neruda (Chile, 1904-1973)
AMÉRICA, no invoco tu nombre en vano.
Cuando sujeto al corazón la espada,
cuando aguanto en el alma la gotera,
cuando por las ventanas
un nuevo día tuyo me penetra,
soy y estoy en la luz que me produce,
vivo en la sombra que me determina,
duermo y despierto en tu esencial aurora:
dulce como las uvas, y terrible,
conductor del azúcar y el castigo,
empapado en esperma de tu especie,
amamantado en sangre de tu herencia.

Cuarteto Bretón
El Cuarteto Bretón se empieza a gestar en 2003, cuando
cuatro músicos con larga experiencia en diversas formaciones
de música de cámara comparten la necesidad de dar
a conocer cuartetos de compositores españoles, desde los
orígenes del género hasta la creación más actual, junto al
gran repertorio de la formación. En ese empeño fueron inspirados
por ilustres predecesores como los Cuartetos Francés,
Vela o Rafael, que un siglo antes iniciaron esa importante
labor en España. Con esas premisas, el Cuarteto Bretón
ha puesto un énfasis especial en la obra de compositores
como Ernesto y Rodolfo Halffter, Jesús Guridi, Julián
Bautista, Jesús García Leóz, Tomás Bretón, Julián Orbón,
Joaquín Turina, Julio Gómez o Conrado del Campo, y por
supuesto en los compositores actuales, como Cristobal
Halffter, Tomás Marco, Alfredo Aracil, José Luis Greco,
Agustín Charles o Mario Carro, sin descuidar el gran repertorio
de todas las épocas, desde Mozart y Haydn a Shostakovich
y Gubaidulina, pasando por Beethoven, Schubert,
Mendelssohn, Schumann, Brahms, Borodin, Debussy, Lalo,
Barber, Ives, etc.
Entre sus actuaciones destacadas se encuentra el estreno
en Madrid de "La Cuzzoni", ópera de cámara de Agustín
Charles para tres voces y cuarteto de cuerda; o la participación
en el Festival Iberoamericano con la interpretación del
“Concerto Grosso” para cuarteto de cuerda y orquesta, de
Julián Orbón, con la Orquesta Sinfónica de Tenerife, en el
Auditorio Nacional de Madrid, además de sus presentaciones
en el Auditorio Reina Sofía, Fundación Canal, Residencia
de Estudiantes, Ciclo de Verano de El Escorial, Teatros del
Canal, Colegio Español de París, Fundación BBVA, Festival
de Música Antigua de Aranjuez o Sendesaal de Bremen.
El Cuarteto Bretón ha protagonizado los estrenos absolutos
de cuartetos dedicados a ellos por Jose Luis Greco,
Alfredo Aracil, Juanjo Colomer o Mario Carro; ha grabado
las Integrales de Cuartetos de Rodolfo Halffter (Naxos), Alfredo
Aracil (Verso), Jesús Guridi (Naxos), Quintetos para
tecla del Padre Soler con Rosa Torres-Pardo (Columna), y
está en curso la de Tomás Bretón, que saldrá también en
Naxos en 2 Cds. En la actualidad el Cuarteto Bretón está realizando
la edición crítica de la integral de cuartetos de
Conrado del Campo para su posterior grabación en disco,
entre otros proyectos, siempre bajo los criterios de responsabilidad
hacia el patrimonio musical español y la creación
actual que guían su trayectoria.
Entre sus compromisos más recientes y futuros destacan
la Fundación March, Música/Musika de Bilbao, Ciclo de
17

18
Música Contemporánea de Córdoba, Festival de Pascua de
El Escorial, Semana de Música Religiosa de Cuenca, Auditorio
Nacional con la ORCAM y José Ramón Encinar, Fundación
BBVA de Madrid, Auditorio del Conde Duque, Festival
de Música Española de León, Festival de Granada, Festival
Internacional de Santander, Quincena de San Sebastián y
Festival Internacional de Cuartetos de Luberon, Francia. En
la temporada 13/14 tendrán lugar nuevos estrenos absolutos
de compositores españoles dentro de la programación
del CNDM.
Los componentes del Cuarteto Bretón son miembros de
la ORCAM y la OCNE.
Pedro Teixeira, director del coro
Pedro Teixeira nació en Lisboa. Inició sus estudios musicales
en la Academia de Amadores de Música en 1981 y
completó los cursos de Teoría musical y Análisis y composición
con el profesor Eurico Carrapatoso. Es licenciado en
dirección coral por la Escola Superior de Música de Lisboa,
donde trabajó con Vasco Pearce de Azevedo y actualmente
está cursando una maestría en Dirección coral en la Escola
Superior de Música de Lisboa, con el director Paulo
Lourenço. También ha sido profesor de la Escola Superior
de Educação de Lisboa hasta 2012, donde impartía Técnica
vocal y Dirección coral.
Ese el año 2000 puso en marcha (y es desde entonces
su director artístico) Officium, un grupo vocal profesional
dedicado a la interpretación de música polifónica portuguesa
de los siglos XVI y XVII.
En 2002 fue galardonado con el premio Director más
Prometedor de Tonen 2002 de los Países Bajos. Ese mismo
certamen adjudicó sendos terceros premios a Officium en
las categorías de música sacra y profana.
Ha sido cantante del Coro Gulbenkian desde 2005 hasta
2012 y continua cantando en el Coro Gregoriano de Lisboa,
en el que también es solista.

En la actualidad, Pedro Teixeira dirige dos coros en Portugal:
Coro Ricercare, que codirigió con Paulo Lourenço durante 4 años
hasta 2002, año en que Pedro se convirtió en único director de
este coro, y el Coro Polifónico Eborae Musica desde 1997. Ha sido
el director del Grupo Coral de Queluz desde 2000 hasta
2012. Es director artístico del taller internacional Escuela de Música
de la Catedral de Évora, que ya va por su 15ª edición anual.
Desde la creación de Officium se dedica a la interpretación
de música vocal renacentista, pero también lo compagina
con la música contemporánea como director del Coro
Ricercare, al que dirigió en varios estrenos mundiales.
Debido a su continuo e intenso trabajo coral, Pedro Teixeira
ha sido reconocido como uno de los principales directores de coro
de Portugal. Como tal, ha sido invitado por la Fundación Gulbenkian
para preparar al Coro Gulbenkian para varios conciertos
desde 2011, y continúa su colaboración con la fundación como
director invitado durante las temporadas actual y próxima.
A nivel internacional, ha actuado en innumerables países,
tanto cantando como dirigiendo. En Barcelona, dirige,
junto con Peter Philips, Ivan Moody y Jordi Abelló, el taller
de canto coral Victoria 400, dedicado al Renacimiento y a la
música contemporánea española, portuguesa y ortodoxa.
Desde noviembre de 2012, Pedro Teixeira es el director
titular del Coro de la Comunidad de Madrid.
José Ramón Encinar, director
Nacido en Madrid en 1954, José Ramón Encinar ha sido
Director Titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria
(1982-1984), Director Titular de la Orquesta Sinfónica
Portuguesa (1999-2001) y actualmente es Director Titular y
Artístico de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid
(desde la temporada 2000/2001).
Como director, ha estado al frente de la mayoría de las
orquestas españolas, así como las orquestas más representativas
del panorama internacional, como la London
Symphony, Orquesta Filarmónica de México, English Bach
Festival, Santa Cecilia de Roma o la Orquesta Arturo Toscanini
de Parma.
Ha dirigido la recuperación de obras poco habituales
del repertorio orquestal, como La Clementina de Luigi Boccherini
o Los amantes de Teruel de Tomás Bretón, así como
un gran número de estrenos absolutos, entre los que destacan
tres de las óperas de Luis de Pablo.
Es Premio Nacional de Música, Académico Correspondiente
de la Academia de Bellas Artes de Granada y Académico
Electo de la Real Academia de Bellas Artes de San
Fernando. Ha recibido numerosas distinciones tanto por su
labor como director como compositor: Premio Ícaro, Pre-
19

20
mio Larios y premios de Composición Polifónica y Composición
de Música de Cámara. También ha recibido el Premio
de la Asociación de Compositores Madrileños y el Premio
de Música de la Comunidad de Madrid.
Su extensa discografía incluye grabaciones para diversos
sellos: Naxos, Stradivarius, Col Legno, Glossa, Verso,
Decca o Deutsche Grammophon. En su catálogo de compositor
destacan obras como Cum plenus forem enthousiasmo,
El aire de saber cerrar los ojos, Almost on stage, Io
la mangio con le mani, Proyecto y Mise-en-scène.

ORQUESTA Y CORO DE LA
COMUNIDAD DE MADRID
Baluarte de la vanguardia y modelo de atención al repertorio
español, desde su creación en 1984 (coro) y 1987 (orquesta),
la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM)
se ha distinguido por presentar unas programaciones innovadoras,
que han combinado lo más destacado de la creación
contemporánea con el repertorio tradicional. Crítica y público
han subrayado con unanimidad el interés y atractivo de las
temporadas de abono de la ORCAM. Su ciclo de conciertos en
el Auditorio Nacional de Música se ha convertido en referencia
imprescindible en la vida musical española y punto de encuentro
de un público variado y dinámico, interesado en conocer
todas las corrientes musicales y los constantes estrenos absolutos
que incluyen sus diferentes ciclos de conciertos.
El sólido aval que representan sus abonados y el respaldo
de los más exigentes medios especializados expresan el
relieve de la actividad de la ORCAM, que ha prolongado el
ámbito de sus actuaciones más allá de la exitosa temporada
de abono madrileña, con la incorporación de forma activa
a las temporadas de otros escenarios de la Comunidad,
como son los Teatros del Canal y el Teatro Auditorio de San
Lorenzo del Escorial.
Su presencia ha sido requerida en las salas y ciclos más
prestigiosos de toda España, así como en temporadas y
festivales internacionales, con visitas en diversas ocasiones
a varios países de Latinoamérica y del continente asiático.
En Europa ha actuado en lugares tan emblemáticos como el
Teatro La Fenice de Venecia, el Lingotto de Turín, el Arsenal
de Metz y la Konzerthaus de Berlín. Italia es un país que
acoge con frecuencia las actuaciones de la ORCAM, señaladamente
la Biennale di Venezia y el Festival MITO (Milán y
Turín). De igual modo hay que señalar la actuación celebrada
en el Carnegie Hall neoyorquino con Plácido Domingo,
a las órdenes del Maestro Miguel Roa.
La estrecha relación de la ORCAM con la lírica viene avalada
por el hecho de que la orquesta es, desde el año 1998,
Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela de Madrid, lo que
le ha situado como máximo exponente del género, llevando
a cabo en sus diferentes temporadas reestrenos, reposiciones,
recuperaciones, grabaciones y encargos de diversa
índole. Asimismo, el Coro de la Comunidad de Madrid es
asiduo partícipe de gran número de producciones operísticas
que han tenido lugar en el Teatro Real de Madrid desde
su reapertura en 1997.
En el ámbito discográfico, cabe destacar los más de
cuarenta registros realizados para sellos nacionales e inter-
21

22
nacionales como Emi, Deutsche Grammophon, Verso, Stradivarius,
Decca, Naxos, etc. junto a artistas de la talla de
Plácido Domingo, Ainhoa Arteta, Carlos Álvarez o Rolando
Villazón, entre otros.
Por el podio de la ORCAM han pasado maestros invitados
tan prestigiosos como Harry Christophers, Eric Ericson,
Jean Jacques Kantorow, Isaac Karabtchevsky, Fabio Biondi,
José Serebrier, Michel Corboz, Lorin Maazel, Paul McCreesh,
Shlomo Mintz, Leopold Hager, Krysztof Penderecki, Alberto
Zedda y Libor Pesek. En la nómina de directores españoles
figuran, entre otros, Edmon Colomer, Rafael Frühbeck
de Burgos, Antoni Ros Marbà, Enrique García Asensio,
Miguel Ángel Gómez Martínez, Cristóbal Halffter, Jesús López
Cobos, Ernest Martínez Izquierdo, Víctor Pablo Pérez,
Josep Pons, Pablo González y Juanjo Mena.
No menos extensa resulta la nómina de solistas, en la
que cabe señalar figuras como Aldo Ciccolini, Shlomo
Mintz, Jennifer Larmore, Hansjörg Schellenberger, Michael
Volle, Nikolai Lugansky, Benjamin Schmidt, Barry Douglas,
Asier Polo, Joaquín Achúcarro, Dietrich Henschel, Dame
Felicity Lott, Akiko Suwanai, Artur Pizarro, Anatol Ugorsky,
Pablo Sáinz Villegas y Gerard Caussé.
El fundador y primer director titular de la ORCAM fue el
Maestro Miguel Groba, a quien sucedió en el puesto, en
septiembre de 2000, José Ramón Encinar, actual director
Titular y Artístico de la Orquesta y Coro de la Comunidad
de Madrid. Jordi Casas Bayer ha sido el director del Coro
de la Comunidad de Madrid desde 2000 hasta 2011 y, en la
actualidad, Pedro Teixeira lo es desde octubre de 2012. Víctor
Pablo Pérez tomará las riendas de la dirección Titular y
Artística de la ORCAM a partir de septiembre de 2013.
La Orquesta de la Comunidad de Madrid es miembro
de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas
(A.E.O.S.).
La ORCAM desarrolla su actividad gracias al apoyo de
la Consejería de Empleo, Turismo y Cultura de la Comunidad
de Madrid.

JOVEN ORQUESTA DE LA
COMUNIDAD DE MADRID
La Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid
(JORCAM), pertenece a la Consejería de Empleo, Turismo y
Cultura de la Comunidad de Madrid y fue creada con el propósito
de contribuir a la formación de los jóvenes músicos madrileños
en un marco de formación profesional de alta calidad técnica
y artística. En esta agrupación conviven la Joven Orquesta,
el Joven Coro y los Pequeños Cantores de la JORCAM.
Su objetivo principal es ampliar y desarrollar los conocimientos
musicales a fin de facilitar y preparar a sus
miembros para un futuro acceso a las agrupaciones profesionales
y a la inserción laboral en el mundo de la música.
Este aprendizaje se realiza a través del conocimiento
y la práctica del repertorio coral y orquestal, de la experiencia
en agrupaciones de cámara, del acercamiento a
los escolares a través de los conciertos didácticos, de la
participación en proyectos artísticos integrales como la
danza, el teatro musical, la ópera, etc. La JORCAM, además,
busca la promoción y el apoyo a sus miembros a través
de concursos internos de solistas, clases magistrales
o líneas de becas y ayudas para la ampliación y perfeccionamiento
de estudios.
La JORCAM se crea en 2009 incorporándose a la Fundación
Orquesta y Coro de Madrid. Es heredera de la antigua
Orquesta Sinfónica de Estudiantes de la Comunidad,
formación que contribuyó durante 18 años a la formación
de los jóvenes músicos madrileños.
Su debut oficial fue en los Teatros del Canal con la gala
Una noche en el Canal, con la dirección de Albert Boadella.
Su programación ha crecido notablemente hasta alcanzar
las 136 actuaciones públicas en el año 2011, contando producciones
propias y colaboraciones con distintas orquestas,
coros y teatros.
En los cuatro años de existencia la JORCAM ha ofrecido
conciertos en el Auditorio Nacional, Teatros del Canal,
Auditorio de Zaragoza, Teatro Auditorio de Soria, Teatro
Arriaga de Bilbao, Palacio de Congresos de Santander,
Auditorio de El Escorial y demás teatros de la Red que posee
la Comunidad de Madrid. Ha participado en conciertos
e intercambios en Francia (Théâtre du Châtelet), El Salvador
(Auditorio de la FEPADE), Rusia (Sala Rachmaninov
del Conservatorio Tchaikovski de Moscú, Auditorios de
Nimzry Novgorod, Cheboksary y Kazán), México (Teatro
de la Ciudad de México, Auditorio de la Universidad de
Puebla, Teatro Principal de Guadalajara) y Vietnam (Ópera
House de Hanoi).
23

24
Ha participado en importantes festivales en España y
México: Festival Internacional de Peralada, Festival de Arte
Sacro de la Comunidad de Madrid, Festival Internacional de
Música Contemporánea de Alicante, Festival Internacional
de Guanajuato (México), Semana de Música Religiosa de
Cuenca, Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial,
Festival Madrid me Suena.
Desde la temporada 2009/10 organiza un ciclo de conciertos
patrocinado por Ibercaja en los Teatros del Canal,
que comenzó con 6 conciertos anuales y que, para la temporada
2012/13, alcanza las 39 actuaciones, entre conciertos
matinales para todo tipo de público, conciertos para escolares,
para niños, para familias, etc.
Por el podio de dirección de la JORCAM han pasado importantes
directores: José Ramón Encinar, Jordi Bernàcer,
Jaime Martín, Roberto Rizzi Brignoli (exdirector de la Scala
de Milán), Xavier Puig, Miguel Romea, Miguel Roa, Manuel
Coves, Alejandro Posada, Carlos Cuesta, Jordi Francés Sanjuán,
David Ethéve, Santiago Serrate, Pablo Mielgo, Vicente
Sempere, Andrés Salado, Sergio Alapont, Anatoli Levin
(catedrático de dirección del Conservatorio Tchaikovsky de
Moscú), etc.
La dirección del Joven Coro es responsabilidad del
Mtro. Félix Redondo, con la colaboración, como profesora
de canto, de la soprano Celia Alcedo. El Joven Coro no solo
participa en las obras sinfónico corales programadas por
la JORCAM (3ª Sinfonía de G. Mahler, Los planetas de G.
Holst, 9ª Sinfonía de Beethoven, Gloria de F. Poulenc, etc.)
sino que ha reforzado al Coro Nacional de España y al Coro
de RTVE en la 8ª Sinfonía de G. Mahler en el Auditorio
Nacional con la grabación de un DVD para la Deustche
Grammophon, además de realizar obras conjuntas con el
Coro de la ORCAM. Ha actuado, también, con programación
propia, en varios conciertos en teatros y auditorios de
Madrid y España, y ha participado en producciones de zarzuela
y teatro (Candide de Bernstein, La Revoltosa, Don Gil
de Alcalá, Amadeu, de A. Boadella, etc.).
En julio de 2010 se ha creado los Pequeños Cantores de
la JORCAM, un grupo de niños que, bajo la dirección de la
profesora Ana González, ya han participado en la producción
de Tosca, de G. Puccini en El Escorial y Peralada, en La
flauta mágica en El Escorial, la zarzuela El gato montés en
el Teatro de la Zarzuela, conciertos en los Teatros del Canal,
y en diversas salas de Madrid, puesta en escena de la ópera
para niños Palabras en la barriga, etc.
Los Pequeños Cantores han actuado, y lo siguen haciendo
en este momento, como coro de niños en las temporadas
2010/2011, 2011/2012 y 2012/2013 del Teatro Real de

Madrid, participando en las producciones de Werther, El
Caballero de la Rosa, Persèphone, Tosca, Wozzeck, Boris
Godunov, Suor Angelica, Parsifal, Kröl Roger y Macbeth.
La JORCAM, además de su programación de conciertos
y su apuesta por la formación, extiende sus objetivos a proyectos
que incorporen la música como vehículo de inclusión
social y de apoyo a colectivos marginados o con necesidades
especiales. En esa línea ha iniciado dos proyectos en el
Hospital Niño Jesús de Madrid, dirigido a niños con parálisis
cerebral y en la Fundación Carmen Pardo-Valcarce, para
personas afectadas por el síndrome de Down.
25

26
JOSÉ RAMÓN ENCINAR,
Director Titular y Artístico
COMPONENTES
DE LA ORQUESTA
Violines primeros
Víctor Arriola (C)
Santiago Juan (C)
Chung Jen Liao (AC)
Ema Alexeeva (AC)
Peter Shutter
Pandeli Gjezi
Alejandro Kreiman
Andras Demeter
Ernesto Wildbaum
Constantin Gîlicel
Reynaldo Maceo
Margarita Buesa
Gladys Silot
Violines segundos
Paulo Vieira (S)
Mariola Shutter (S)
Osmay Torres (AS)
Fernando Rius
Igor Mikhailov
Irune Urrutxurtu
Magaly Baró
Robin Banerjee
Amaya Barrachina
Alexandra
Krivoborodov
Violas
Alexander
Trochtchinsky (S)
Raquel Tavira (AS)
Eva María Martín
Lourdes Moreno
Vessela Tzvetanova
Blanca Esteban
José Antonio Martínez
Dagmara Szydto
Violonchelos
John Stokes (S)
Rafael Domínguez (S)
Nuria Majuelo (AS)
Pablo Borrego
Dagmar Remtova
Edith Saldaña
Benjamín Calderón
Contrabajos
Francisco Ballester (S)
Luis Otero (S)
Manuel Valdés
Eduardo Anoz
Arpa
Laura Hernández (S)
Flautas
Cinta Varea (S)
Mª Teresa Raga (S)
Mª José Muñoz (P)(S)
Oboes
Juan Carlos Báguena (S)
Vicente Fernández (S)
Ana Mª Ruiz
Clarinetes
Justo Sanz (S)
Nerea Meyer (S)
Pablo Fernández
Salvador Salvador
Fagotes
Francisco Más (S)
José Luis Mateo (S)
Eduardo Alaminos
Trompas
Joaquín Talens (S)
Alberto Menéndez (S)
Ángel G. Lechago
José Antonio Sánchez
Trompetas
César Asensi (S)
Eduardo Díaz (S)
Faustí Candel
Óscar Grande

Trombones
José Enrique Cotolí (S)
José Álvaro Martínez (S)
Francisco Sevilla (AS)
Pedro Ortuño
Miguel José
Martínez (TB)(S)
Percusión
Concepción San Gregorio (S)
Oscar Benet (AS)
Alfredo Anaya (AS)
Eloy Lurueña
Jaime Fernández
Piano
Francisco José Segovia (S)
Auxiliares de Orquesta
Adrián Melogno
Jaime López
Inspector
Eduardo Triguero
Archivo
Alaitz Monasterio
COMPONENTES
DEL CORO
Sopranos
Celia Alcedo
(Jefe de Cuerda)
Ada Allende
Carmen Campos
Consuelo Congost
Sandra Cotarelo
Azucena López
Iliana Machado
Victoria Marchante
Mª Jesús Prieto
Contraltos
Ana Isabel Aldalur (Jefe
de Cuerda)
Marta Knörr
Marta Bornaechea
Isabel Egea
Sonia Gancedo
Carmen Haro
Flor Eunice Lago
Teresa López
Ana Cristina Marco
Julieta Navarro
Paz Martínez
Tenores
Javier Martínez
(Jefe de Cuerda)
Luis Amaya
Pedro Camacho
Karim Farhan
Felipe García-Vao
Agustín Gómez
César González
Gerardo López
Felipe Nieto
Bajos
José Ángel Ruíz
(Jefe de Cuerda)
Pedro Adarraga
Simón Andueza
Jorge Argüelles
Alfonso Baruque
Vicente Canseco
Ángel Figueroa
Fernando Rubio
Alberto Solana
Pianista
Karina Azizova
Inspector
Felipe García-Vao
Archivo
Alberto Solana
Subdirector del Coro
Félix Redondo
Director del Coro
Pedro Teixeira
Administración
Cristina Santamaría
Producción
Elena Jerez
Coordinadora de
Producción
Carmen Lope
Gerente
Roberto Ugarte Alvarado
Director Titular
José Ramón Encinar
(C)
(AC)
(S)
(AS)
(TB)
(P)
Concertino
Ayuda de concertino
Solista
Ayuda de solista
Trombón Bajo
Piccolo
27

JOVEN ORQUESTA
Violines primeros
Aberlardo Martín
Gregorio Hervás
Flauta
Ana Estefanía Rodríguez
Oboe
Celia Olivares
Tuba
Diego Valls
Bombardino
Francisco Guardiola
28
Violines segundos
Celia Mateos
Lorenzo Sánchez
Natalia Hernantes
Violas
Pablo Salvá
Iván Bonillo
Abel Nafee
Violonchelos
Ana Camacho
Paula Brizuela
Natalia Lázaro
Clarinete
Francisco Espinosa
Fagot
Borja Ocaña
Trompas
Verónica Escribano
Eduardo Verde
Trompeta
Luis Plata
Percusión
Antonio Martín
Pablo Seri
Joan Salvador Cerveró
Carlos Jiménez
Javier Carralero
Arpas
Helena Garreta
Pilar Gómez
Órgano
Ana Buzón
Contrabajos
Daniel Maestro
Aranxta Múgica
Trombón
Rubén Toribio
Celesta
Alba Herraiz
Trombón bajo
Jaime Paniagua

Ciclo Sala Sinfónica
Ciclo Sala de Cámara
JOSÉ RAMÓN ENCINAR,
Director Titular y Artístico
TEMPORADA 2012/2013
ORQUESTA Y CORO DE LA
COMUNIDAD DE MADRID
C/ Mar Caspio, 4 - 28033 Madrid
Tel. 91 382 06 80 - Fax 91 764 32 36
info@orcam.org
Renovación de abonos en el Auditorio Nacional
de Música
Los abonados de la temporada 2011-2012 podrán
renovar los abonos de la próxima temporada desde
el día 30 de mayo hasta el 23 de junio de 2012.
Los días 25, 26 y 27 de junio estarán reservados
exclusivamente para aquellos abonados que
deseen cambiar la localidad, siempre que haya
disponibilidad.
Dicha renovación deberá realizarse en las taquillas
de la Red de Teatros del INAEM (Auditorio
Nacional de Música, Teatro de La Zarzuela, Teatro
María Guerrero y Teatro Pavón), previa presentación
de la localidad de abono del concierto del día
19 de junio de 2012.
Precio abonos
Zona A - 84 € Zona B - 72 € Zona C - 60 €
Entradas sueltas
A partir del 18 de septiembre de 2012.
Zona A - 17 € Zona C - 14 €
Zona B - 15 € Zona D - 8 €
Precio abonos
Zona A - 30 € Zona B - 20 €
Los abonados que adquieran el abono de la Sala
Sinfónica en periodo de renovación, podrán adquirir
el abono de Cámara con un 20% de descuento,
hasta completar el aforo de la Sala de Cámara.
En caso de que no se hubiese completado el aforo en el
periodo de renovación, los nuevos abonados también
podrán adquirir este abono con el 20% de descuento.
Entradas sueltas
Zona A - 15 € Zona B - 10 €
Todos los programas y artistas son susceptibles de
modificación. No se devolverá el importe de las
entradas una vez adquiridas, salvo cancelación del
concierto. En el caso de los abonos se reintegrará
la parte proporcional del precio total.
Horario de taquillas del Auditorio Nacional de Música
Lunes: 16.00 a 18.00 horas
Martes - Viernes: 10.00 a 17.00 horas
Sábados: 11.00 a 13.00 horas (excepto el mes de julio)
Teléfonos de taquillas: 91 337 03 07 - 91 337 01 34
Venta de localidades: 902 22 49 49
www.entradasinaem.es / www.entradasinaem.com
29

Programación en el Auditorio Nacional de Música.
Ciclo Sala Sinfónica
30
Lunes 27 de mayo de 2013 - 19:30 h.
Orquesta de la Comunidad de Madrid
Roberto Fabbricciani, flauta
José Ramón Encinar, director
Prometheus, Poema Sinfónico nº 5, S. 99,
de Franz Liszt
Concierto para flauta y orquesta en re
mayor, Op. 283, de Carl Reinecke
Sinfonía nº 2 en do mayor, Op. 61,
de Robert Schumann
Martes 11 de junio de 2013 - 19:30 h.
Orquesta de la Comunidad de Madrid
Joven Orquesta de la Comunidad
de Madrid
Asier Polo, violonchelo
Juanjo Mena, director
Don Giovanni: Obertura,
de Wolfgang Amadeus Mozart
La Celestina: Suite*, de Carmelo Bernaola
Don Quijote Op. 35, de Richard Strauss
*Estreno absoluto
Programación en el Auditorio Nacional de Música.
Ciclo Sala de Cámara
Miércoles 19 de junio de 2013
19.30 h.
Coro de la Comunidad de Madrid
Pedro Teixeira, director
Obras de Francisco Guerrero, Tomás Marco,
Eurico Carrapatoso y Duarte Lobo