Magazine Decireves Special Issue 2014

Angel Javier Vázquez
Laiza Onofre
Homero Ontiveros
Laura Cisneros
Arturo Rivero
Alicia Heredia
Miguel Franco Villegas
Álvaro RodrÍguez
Cynthia RodrÍguez
Roger Iván Cámara
Antonio Jesus Reyes
Luis Alberto González

Hacer una lista con los mejores discos de este 2014 es una labor titánica, pero no por ello
divertida y hasta lúdica, con un mar de discos físicos prácticamente imposible de escuchar en un
año y una galaxia de música (hablando de tamaños) que vuela en la red de redes imposible de
ignorar y muchos talentos que rondan en el underground mas los encumbrados en el
mainstream hacen difícil y hasta imposible pero como les decía…se puede hacer y puede
resultar divertido.
Este número especial de Decireves no pretende tirar netas con respecto a que son los mejores
discos de este 2014, simplemente se nos ocurrió invitar a una cantidad considerable de
colaboradores y que hablaran de un disco que les haya llamado la atención de este 2014, es un
ejercicio diferente que muchas de las veces no va a concordar con lo que aparece en las listas
de lo mejor del año y que bueno, esperemos que este número sea de su agrado y que muchos
de los discos presentados en este breve recuento sean vueltos a escuchar o descubiertos entre
tanto material que pulula por muchas latitudes, bienvenida la buena música y pues a disfrutar se
ha dicho.
Nuestros resúmenes y tops del blog Decireves ya están disponibles en
www.bestofdecireves2014.blogspot.com y se cuecen muy aparte de este gran número
especial.

Fue una semana difícil y había mucho tráfico saliendo de la oficina. El caos navideño llega antes cada año, bendita
mercadotecnia o bendita necesidad de sentirnos plenos, comprando.
Después de la carretera llegaste a la cabaña, desde el martes ya pensabas en escapar de la ciudad; al fin el olor a
bosque te rodea y no te deja otra escapatoria más que rendirte a él, tomas el vinyl, tu favorito de este año, y te
desplomas sobre el sillón más cercano, el más cómodo, al menos así parece en ese momento; inicia la música y
generas una sesión espontánea de karaoke empezando a rezar como mantra: "Release your problems", "Release
your problems", "Release your problems" y si, sientes como se va despejando tu mente…
Escapaste por lo mismo de siempre, salieron las palabras correctas pero en el momento indebido. No importa,
las intenciones son buenas, no tienes duda de que deben estar juntos y sabes que al final así será, lo que se diga
sale sobrando ‘cause you know “Talk Is Cheap”.
De su primer EP, a Chet Faker le sobraron texturas en que pensar, “Built On Glass” (#nowplaying) se escucha
bastante la clara la influencia afro, ese famoso sonido Motown pero que ahora se ha hecho de un compañero
millennial que va compartiendo todo en redes sociales.
Descansas, de verdad descansas. Te levantas por algo de vino y “Gold” te recuerda porqué siguen
juntos.
“1998” que año… Las cosas han mejorado desde ese entonces sustancialmente. El pasado esta
mejor en el pasado y darte cuenta que hoy estas en otra etapa completamente diferente te pone más
up-beat high-tempo, como si te dieran un empujoncito optimista para seguir adelante.
No regrets, pace out.
Suena “Cigarettes & Loneliness” y si, enciendes un cigarro para finalmente llegar a una tregua
contigo mismo, por fin comprendes que los sentimientos no son nómadas, que nunca podrás
sacudirte esa melancolía porque se va sola y uno ni se da cuenta, se disipa como el humo en aire.

Decidí hablar de “The Cautionary Tales of Mark Oliver Everett” simple y sencillamente porque
“Eels” es una de mis bandas favoritas y este disco pasó a formar parte de mi patrimonio musical
personal. De esos discos que pongo una ,y otra, y otra vez a lo largo de mi vida.
De entrada, el nombre del disco, sugiere que hay contenido con mucho peso.
Mark Everett (mejor conocido como “Mr. E” o “E” a secas) se caracteriza por tener una lírica
impecable, llena de significado y aprendizajes. No existen letras vacías en las canciones de Eels.
Sus cuentos comienzan con “Where i'm at” una bella y esperanzadora apertura instrumental en pianos y cuerdas.
El albúm lleva su discurso, su hilo conductor, de forma que lo divide en tres partes: “Where i'm
at” (inicio del disco), “Where i'm from”(mediación del disco) y “where i'm going” (final del disco)
Es una creación tan personal y tan entrañable que lo vuelves tuyo inmediatamente. El autor
pone todo, absolutamente todo de él para que aprendas de sus errores y de su vida, que si le
echan un ojo, se darán cuenta de la vida tan peculiar y estremecedora que ha tenido.
“Siento que sacrifiqué mi dignidad al hacer este album, poniendo mi nombre completo y mi
cara en la portada, pero creo que valió la pena” ha declarado “E” en la mayoría de las entrevistas que le han hecho sobre el disco.
Escuchar “Where i'm from” es regresar al pasado de su vida. Contada con una melodía clásica
del folk norteamericano. Habla sobre su familia (ya finada) su relación con ella y esos viejos
días en la casa en Virginia.
Haciendo contraste a las melodías amigables, “Series of misunderstandings” y “Dead
reckoning” entran a mediación para darle ese toque de oscuridad y tenebrosidad a la obra.
Un elemento muy característico de la música de Eels es que escucharán dulzura, pero ambién
mucho dolor que suena y resuena, y que le hace contrapeso a cada uno de sus once discos.
Llega el pico de sus cuentos con “Mistakes of my youth” el primer sencillo y canción clave
para sus relatos planteándose esta pregunta ¿Cómo dejar de repetir el pasado
La obra culmina con “Where i'm going” hermosa canción de principio a fin, con la misma
melodía de “Where i'm at” solo que ésta lleva letra.
Cierra la canción y el disco con esta frase: “But I've got a good feeling 'bout where I'm going”
¿Quién no puede sentirse esperanzado y pasmado de escucharla ¿A quién no se
le llenan los ojos de lágrimas al escuchar este final lleno de luz

Nacidos en Brighton UK, el cuarteto de dream pop Fear of Men hizo el ruido
necesario para darse a conocer a todo el mundo y creo que lo lograron (para
bien o para mal).
Su primer carta fue un puñado de sencillos lanzados en bandcamp y que luego
amarraron en una especie de disco o ep al cual titularon Early Fragments; con
este trabajo empezaron una gira que los llevaría a tocar en el mítico festival
SXSW e incluso en el Festival Nrmal de Monterrey. Al ser una banda
independiente y con recursos limitados pensábamos que se iban a tardar un
buen tiempo en hacer un nuevo material y la sorpresa fue mayúscula ya que
estaban trabajando en un disco que apareció este 2014 y que lleva por título
Loom y que hasta apareció en una pequeña y artesanal disquera (Kanine
Records).
Loom -de brillante portada- tiene unas cuantas canciones originales sumadas a
otras cuantas que ya venían en su ep anterior y que aquí suenan retrabajadas.
No sé si sea yo la persona indicada para decir que por esos detallitos el disco
desmerece ya que uno esperaría material original completo.
Early Fragments resultó una bocanada de aire fresco y Loom abre igual: con
una dupla brillante que tiende un puente entre la preciosa obertura de Alta y
Waterfall. Aquí retrabajan Green sea que no se compara con la que viene en
Early, Vitrine se sostiene y da paso a Tephra. América se amarra en un
arreglo vocal y musical que le debe mucho a unos primeros Smiths y de ahí
nos imaginamos que abre un Lado B con la vaporosa Seer y da paso a la
sentida, monumental y extraordinaria Luna (una de las grandes canciones del
2014). Descent es un pop rápido y vertiginoso cuya marcha prosiguen Inside
y su final que roza los límites del ruido y la discordancia para terminar con
una dulzura casi infantil titulada Atla.
Para mí Loom demuestra en su totalidad lo grande que puede ser este trio, el
problema que se nota es la inestabilidad que hay con los bajistas ya que desde
que comenzó la banda han tenido alta rotación de chavas en este puesto.
Quizás sea el temperamento de Jess Weiss, quizás sea su terrible encanto pop,
quizás sea la combinación de muchas cosas pero este disco -repito- es la
prueba de que esta banda tiene la ambición y un fuego creativo intacto; si lo
logran en discos posteriores se van a comer al mundo.

Morning Phase: Un amanecer, una maquina del tiempo, el ritmo del corazón.
Morning Phase es un disco de folk con canciones llenas de nostalgia sin sobresaltos, temas que deambulan en la frontera entre la nostalgia y el
deseo. Música vestida de melancolía para la ocasión
La melancolía lleva en su definición una tristeza injustificada. La tristeza tiene su rostro alegre en la nostalgia. La añoranza es el tiempo que ha
pasado frente a nuestros ojos, tiempo que solo podría ser evocado a través de canciones, por ende entonces las canciones son una maquina del
tiempo.

Morning Phase es mi maquina del tiempo; una serie de
canciones llenas de melancolía y nostalgia que evocan lo
mismo recuerdos que sueños. Recordar no es vivir en el
pasado, es detenerte un poco y observar el camino detrás de
ti mientras escuchas canciones sin prisa, provistas de un
vestido acústico, canciones cercanas a lo artesanal, sin tanta
joyería aparente, pero labradas con la belleza de la
paciencia.
Me voy, lo escucho y no existe el presente. Entre guitarras
acústicas, pianos, banjos y voces en melodías calidas, voy
abriendo puertas con los ojos cerrados, o abiertos mirando
a la nada. Momento…no soy yo quien abre esas puertas,
son las canciones la llave que abre cada puerta del pasillo
del motel que llevamos por alma.
Leí en alguna publicación que en este disco Beck trató de
buscar un sonido cercano al folk californiano, donde los
coros tienen un particular lugar en la estructura de la
canción y una relevancia sobre la obra. Y sí, en efecto los
coros tienen una resonancia sobre este trabajo, el eco
retumba en nuestras propias paredes, sacude el polvo de la
memoria.
No hay sacudidas estrepitosas de ritmo ni de tiempo, y el
estremecimiento ocurre al escuchar cantar a Beck sin filtros entre
su alma y el oído ajeno. ¿Cómo sé esto No lo sé, pero lo escucho:
Beck no canta para nosotros sino para él mismo.
Si en “Sea Changes” buscaba una tregua personal a la guerra de la
ruptura sentimental a través de canciones, en este “Morning
Phase” se escucha sobreviviente de la tormenta, por eso estas
canciones no tienen urgencia, no son canciones urgentes porque lo
peor, la tromba, la lluvia incesante del desamor ha pasado, el cielo
ha escampado y es un nuevo día.
Un nuevo día comienza, en el imaginario, con la salida del sol,
con ese brillo de luz renovado que nos da la posibilidad de
cambiar nuestro rumbo, aunque tengamos bien claro nuestro
destino. Ese primer atisbo de luz llega por la mañana, in the
morning, dícese en ingles, por eso es este disco comienza con una
apertura instrumental como una forma de darle sonido al alba,
después llega la salida del sol con “Morning” y para entonces
entendemos al tercer tema que el corazón es una batería que marca
el ritmo, y que “Morning Phase” está hecho al ritmo del corazón.

El 2006 parece un año muy lejano. MySpace era la red social, el iPhone no
existía y Obama solo era un senador de Illinois con un nombre chistoso. En
aquella inocente época, Laibach le dio al mundo un disco llamado Volk,
plagado de adaptaciones de himnos nacionales de grandes potencias como
China, Inglaterra, Alemania o EUA pero claro, con un sonido malévolo y
políticamente incorrecto acompañado del sonido industrial característico de la
banda. No debo mencionar la controversia que fue el disco en aquellos tiempos.
Laibach es una agrupación de música industrial que tuvo su creación hace
treinta y cuatro años (1980) en la antigua Yugoslavia donde fueron vetados
porque casualmente, su nombre es el mismo que Hitler le dio a la capital
yugoslava durante la ocupación nazi. A propósito, ellos niegan vestir de manera
militarizada pero su imagen suele dar esa impresión y no están equivocados en
pensar que su música también lo sea. A la fecha, nadie puede asegurar si solo
son una parodia al fascismo o si realmente lo son. Citando, alguna vez
respondieron que "somos tan fascistas como Hitler era pintor", lo que nos da
una idea de que tan en serio están hablando. O no.

Ocho años tuvieron que pasar desde Volk para que Laibach nos entregara un
nuevo disco, Spectre (Mute Records, 03/03/2014). En este álbum, el grupo, que
jamás se había definido así mismo como político, muestra de manera
sobresaliente su lado más dirigente. Compuesto por diez temas más cuatro
bonus tracks en su edición especial, Spectre suena como un manifiesto político
y los títulos y las letras incluidas no podrían ser más directas. Todo salió un
poco embarrado en éste trabajo; desde Chelsea Manning, Edward Snowden y
Julian Assangeen en The Whistleblowers (Los Denunciantes), la Primavera
Árabe (2010- . Una serie de alzamientos populares en los países
árabes) en Koran, y hasta la posición del grupo ante su propia historia y la del
disco mismo en No History.
Lo que hizo de éste álbum mi álbum del año son tres puntos a destacar:
La música: Laibach son conocidos por su
beat agresivo e industrial. Esperábamos -me
incluyo- un sonido similar y no. Solo la
música fue difícil de digerir. Spectre está
lleno de fantarrias, momentos orquestales,
beats menos bélicos en canciones
como Bossanova, Eat Liver! o Resistance is
Futile; influencias dark-wave y avant-garde;
y hasta la risa de un niño y una marcha
militar entonada en un chiflido que parecen
seguir sonando en tus oídos después de
terminado el disco. Quizás la canción más
colérica sea See That My Grave is Kept
Clean, incluida en los bonus tracks. Entre
más tranquilo, más siniestro y si aspiran a
que éste álbum los haga bailar, lamento
decirles que están con la banda equivocada
en su momento más reflexivo e
introspectivo.
La voz: Milan Fras (vocalista principal) no
pudo escoger mejor momento para guardar
su tono gutural en modo secundario y dejarle
casi todo el trabajo vocal de Spectre a Mina
Špiler (líder de Melodrom, 1999- ), cantante
eslovena que trabaja con Laibach desde el
2004. Todo estuvo bien planeado desde el
principio: las canciones solo podrían reflejar
su cometido combinando todas las piezas de
la maquinaria bien aceitada que son Laibach;
Mina incluida más que siempre en éste
trabajo.
El sentimiento: Si bien la que les escribe esta reseña se considera políticamente
neutral, Spectre es un álbum que líricamente me llegó. Pude haber esperado
llorar con cualquier canción de cualquier banda del mundo excepto con Laibach
(I believe in brotherhood, equality and freedom. I believe in happiness for
all —Koran). Las letras logran su objetivo cuando las pones a la par de los
hechos actuales y poco puede importar la posición geográfica de quien lo
escucha; te sacuden y te golpean. Estén listos.
En conclusión, es refrescante tener una agrupación haciendo música
políticamente inteligente estos días y no siempre un disco del año debe ser de
fácil escucha a los oídos. Quizás no tengan y no sean la respuesta pero con
Spectre han dejado en visto que el mundo debe y necesita cambiar. Por otro
lado, es triste que no haya tanta música contestataria con éste nivel de seriedad
y calidad. Al menos es alentador saber que discos como Spectre existen.
Así que para cualquiera que aún no esté del todo seguro si Laibach son un
montón de fascistas o solo están pretendiendo ser un montón de fascistas
mandando un mensaje anti fascista... Bueno, lo más probable es que terminen
debatiendo sobre ello de todas maneras.

La naturaleza nos da una voz y la vida nos hace conocer de todo lo que podemos hablar. De nosotros depende que compartir y que
guardar.
Leonard Cohen entra en ese grupo de personas que parecen tener una voz privilegiada que si bien no ha tenido una educación académica,
ha logrado que sus cuerdas vocales mezclen perfectamente el misterio, la sensualidad y la experiencia con su alma.
A sus ochenta años parece que la vida le ha dado demasiadas cosas de las que pudiera hablar. Escritor de poemas en sus inicios, a sus
treinta empezó una carrera en la música con conocimientos básicos de guitarra, e impulsado por Judy Collins - intérprete de la canción
Suzanne que fue escrita por Cohen - fue como entró en el folk sesentero. Su debut discográfico fue con Songs of Leonard Cohen, una
colección de piezas estupendas donde se habla de amor – desamor y todos los demonios que esto conlleva.
Cuarenta y siete años han pasado desde ese inicio; ha logrado once discos de estudio, seis libros y varios homenajes; ha vivido una
temporada en el Hotel Chelsea de Nueva York y conocido suficientes musas a las que les ha dedicado sus canciones; consiguió ser
nombrado monje budista, además de ser traicionado por su representante Kelley Lynch al vender la concesión de sus canciones sin su
consentimiento.
Después de cuarenta y siete años en la música y ochenta de vida, muchos darían a Cohen por terminado, pero Popular Problems – su disco
número 13 – nos presenta a un hombre sabio que nos trae las enseñanzas adquiridas en todo este tiempo y no las presenta con una música
que cautiva. Lejos de ser un final, pareciera que con su disco anterior – Old Ideas, 2012 – se ha abierto un nuevo ciclo en la carrera del
cantante canadiense.
.

Publicado el 21 de Septiembre, día de su
aniversario, Popular Problems nos puede hacer
caer en el clásico error de juzgar su contenido por
la portada hecha con un diseño que de sencillo
parece infantil. Pero la mejor decisión que
podemos tomar es ignorar ese detalle – hasta el
bookleg se encuentra mejor elaborado - para
adentrarnos a lo que realmente interesa: la música.
El disco está conformado por apenas nueve temas
que parecen ser un catálogo de géneros
primigenios en la música, pues van desde tonadas
country, pasando por sonidos blues, un poco de
pop y sin olvidar su género original, el folk. La
mayoría de los temas están escritos por Patrick
Leonard y el mismo Cohen; el primero hace la
labor de productor – igual que en el mencionado
Old Ideas – manteniendo la música sin cambios
drásticos pero con arreglos discretos que sirven de
ganchos para mantenernos atentos a cada uno de
los sonidos que emiten las bocinas
El tema principal del disco es el quinto track, Did I
Ever Love You que merece todos los galardones
como una de las mejores canciones del 2014. En
esta canción de apenas 4 minutos con 11 segundos
nos traslada a un ambiente campirano donde la
presencia de la voz grave y cansada de Cohen nos
recordará a esa voz de la experiencia, a ese gurú o
chaman que nos quiere guiar por la vida.
“Was I ever someone
Who could love you forever”
El punto más alto es sin duda la voz de Dana
Glover, tan suave y dulce que no queda más
remedio que rendirse ante ella. Realiza primero
coros apacibles y después las voces de apoyo,
repitiendo la letra en un tono distinto a la de
Cohen. Pareciera que nos muestran dos maneras
distintas de ver un adiós.
Pero antes de llegar a ese tema, es necesario pasar
por otros cuatro que tienen una gran calidad. El
primero es Slow y es la encargada de abrir el disco.
Slow es un blues con un teclado que acompaña
toda la canción y sirve de acompañamiento para la
voz profunda de Cohen que a manera de broma nos
canta:
It´s not because i´m old
It´s not because i´m dead
I always liked it slow
That´s what my momma said.
El resto de la primera parte del álbum va desde
Almost like the Blues y esa voz que me recordó a
Tom Waits; el homenaje a la ciudad de New
Orleans en Samson in New Orleans y en A Street
suena una vez más el teclado y Cohen susurrando
la letra:
i´ll be standing on this corner
where there used to be a street.
La segunda mitad del disco abre con My oh My, un
tema recitado que viene compartiendo desde sus
conciertos en el 2010. Nevermind es un poema
musicalizado y nos habla de las situaciones de
algunas parejas. En Born in Chains los coros
brillan nuevamente, esta vez a cargo de Charlean
Carmon y Dana Glover. El disco cierra con You
Got me Singing, una tierna canción con aires
country, un violín campirano y una guitarra
acompañando toda la canción. Una melodía que
pareciera de despedida:
You got me singing
Even thought the world is gone
You got me thinking
I´d like to carry on.
Cuando me pidieron escribir del mejor disco del
2014, pensé en Popular Problems porque es un
álbum en el cual lo verdaderamente importante es
la música y eso algunos artistas actuales lo están
dejando en segundo o tercer término (preocupados
más por la apariencia, videos, mercadotecnia, etc.)
Este disco es un punto más en la excelente carrera
de este escritor/novelista/poeta/cantante que ha
sido el creador de grandiosos temas, siendo de las
pocas figuras vigentes de los años sesenta.
Puede ser la despedida de Cohen en el ámbito
discográfico (este mismo año saco un disco en
vivo) o como se dijo líneas arriba, el inicio de un
nuevo ciclo.

Para hablar de Timber Timbre y específico de Hot Dreams, el álbum que lanzaron este año, quiero comenzar platicando de
Carnival of souls, una película de horror que se estrenó en 1962. Está filmada en blanco y negro, y con un presupuesto muy
bajo. Esto se nota en que tiene muchos detalles que en su momento pudieron ser considerados problemas, como una mala
iluminación. Recordemos que en las películas de antes solían filmar las escenas situadas de noche durante el día. A veces los
vaqueros hablaban de la luna y detrás de ellos estaba una potente sombra proyectada por el sol que los iluminaba de frente.
Carnival of souls no es uno de esos casos. Herk Harvey, su director, insistió en filmar de noche, resultando esto en escenas muy
oscuras, donde no se distingue más allá de la actriz que está en primer plano, dando el efecto aterrador de estar flotando en la
nada.
Casi al principio de la película, la protagonista maneja en carretera por la madrugada, todo está despoblado, a su alrededor sólo
existe la oscuridad característica de los caminos que están rumbo al campo. Se siente nerviosa y observada. Enciende el radio y
en todas las estaciones suena la misma canción, una muy lúgubre, tocada con un órgano de iglesia. Esto la desconcierta y
aterra aún más. Al levantar la vista, en el vidrio de la ventana donde debería estar su reflejo, está la sombra de un hombre que la
observa.

Timber Timbre es una banda canadiense que toca una mezcla extraña
entre blues, alternativo psicodélico, folk y marchas fúnebres. Hot
Dreams es su quinto álbum y está compuesto por diez tracks
dramáticos que sitúan al escucha entro lo macabro y lo sexual. Sí,
justo eso es lo que quise decir. Es una banda de contrastes
magníficos. Taylor Kirk, el vocalista, tiene una voz que parece venir
de ultratumba, es cavernosa y delicada a la vez. Invita y seduce,
como podríamos suponer sólo un hombre que conoce la muerte
sabría hacerlo.
Celebro el uso que dan de los sintetizadores, pianos y saxofón. El
disco podría funcionar a la perfección siendo instrumental, seguiría
siendo bello. Pero hay algo en las letras, que ayuda como la curva
que dan los cuentos de hadas (que en realidad tratan de brujas)
torciendo el camino para que todo se ponga más intenso.
Hot dreams abre con Beat the drum slowly una canción que bien podría situarse a medio cementerio de Hollywood, entre las
glorias pasadas, las joyas de la familia y ataúdes de lujo. Al tiempo, un vibráfono repite una y otra vez una melodía
fantasmagórica, encantadora, que se va transformando en una procesión que escolta un cadáver. Para romper con eso, la banda nos
sorprende con la canción que da nombre al disco Hot dreams, cálida y sensual, nos conduce a sentirnos vulnerables, a evocar
humedades, y lo siniestro sigue ahí, asomándose antes de un solo de saxofón: I wanna follow through, follow through on all my
promises and threats to you, babe. Curtains cambia de nuevo el rumbo del disco, mientras la música es rítmica y alucinante, la
letra te dice que las cortinas son para ocultar lo que no quieres que vean los demás, lo abominable. Cínica y fascinante Bring me
simple men te amenaza entre juegos de palabras: You can tell me I'm a good sport, but that doesn't make me game. Grand canyon
es una de las mejores canciones del disco, le debe tanto a Johnny Cash, tiene arreglos country que enmarcan la voz de Kirk,
evocando de nuevo al Hollywood que parió a los westerns. Meláncolica ruega por la muerte: I pray the Grand Canyon take our
plane inside its mouth. Low Commotion y su I'm just a dog, a machine for your love, es obsesiva, pero también romántica. Run
from me es exquisita, los arreglos que tiene me hacen fantasear con querer escucharla en la voz de Roy Orbison. Y ahí de nuevo
van a los extremos, de fondo hay coros celestiales y en la superficie una súplica: Huye de mí. Porque si te alcanzo…
Las atmosferas que crea el disco dan cabida a un montón de imágenes. Es imposible escucharlo y no formar una película en nuestra
imaginación. No es una cosa fortuita, aman el cine, no sólo se escucha, se ve. En sus videos hay montón de producción y homenajes. Varias
veces me he preguntado si David Lynch gustará de ellos. Elijo creer que sí, porque sus canciones van de lo glorioso a lo perturbador, están
pobladas de deseo y de sombras.
Timber Timbre debe ser lo único que suena en la radio de un pueblo fantasma.
Al final de Carnival of souls la protagonista visita una feria abandonada. Al llegar encuentra un montón de fantasmas bailando abrazados.
Uno de los espíritus llama su atención, después de unos segundos se da cuenta que es ella misma, seducida en los brazos de un muerto.
Maneja escuchando a Timber Timbre, escucha a Timber Timbre viendo por la ventana de un autobús en marcha. Todos son fantasmas.

Pere Ubu no necesita presentación. Pero la merece. Una banda que en plena
explosión punk sonaba al futuro. Nacida del detritus industrial de Cleveland,
Pere Ubu es responsable de música sin cortapisas que mama de lo más podrido
del corazón de la industria estadounidense y escupe su pesadilla americana en
la cara del que se deje.

Sí. Gerard Way es el tipo de My
Chemical Romance.
Y sí, este es un gran disco.
El título del primer álbum solista de
Way (El alien dubitativo, podría
decirse) es una sentencia perfecta para
lo que este álbum y el propio Gerard
representan: personajes multifacéticos
(Gerard es además un reconocido autor
de cómics), genios bastante escondidos
que con comodidad se resisten a
encajar por completo en un lado u otro,
siempre con una dosis de drama y una
sana porción de pretensión auténtica -ni
tan hipster ni tan pop whore-.
Para este disco, Gerard muestra sin
pena su amor al britpop, una influencia
que siempre estuvo escondida entre sus
composiciones para MCR y que sólo se
había visto con un cover a Blur (Song
2) y una excelente interpretación de
Common People de Pulp. Mientras en
EUA, el grunge era la regla absoluta, en
los mixtapes de Way sólo había lugar
para Nirvana, The Smiths, Pulp, Suede,
Blur, Oasis, Queen, Pink Floyd y más
gente de la Cool Britannia.
La influencia del britpop en Hesitant Alien es notoria a lo largo del disco, destacando
“Drugstore Perfume” como una canción romántica y nocturna que recuerda a “Sunrise” de
Pulp. Sin embargo, también pueden notarse trazos de Shoegaze en varios tracks (como en No
Shows), power ballad (Brothers), industrial (Zero Zero y Juarez), pop punk (Action Cat) y
punk en general.
Esta mezcla de géneros se da de forma bastante orgánica, creando canciones con sensibilidad
pop y sustancia, “pegadizas” pero con texturas y caminos insospechados para los que sólo
esperarían otra ópera emo. Pero recordemos que hablamos de un artista que lo mismo canta
Umbrella de Rihanna en un concierto y a la vez pone el Tago Mago de Can mientras maneja
una camioneta llena de niños (creepy but true story).
A lo largo de las letras de este álbum, Gerard muestra una visión más madura de temas
recurrentes en sus canciones como el “us against the world”, la ansiedad, la persecución, el
amor y la nostalgia. Todo con la constante sensación de estar escuchando la versión musical de
una novela gráfica cuyo personaje principal es el propio Way, sin claros alter egos aunque con
la influencia clara de David Bowie en su estilo.
Por 38 minutos, Gerard Way da una muestra de su talento como narrador y compositor,
además de un excelente curador de géneros musicales. De esta forma, puede reconocerse que
artistas como Way representan un puente que mueve a los jóvenes de lo pop hacia lo
underground/artsy y que, especialmente en su caso, es un artista que bien merece el respeto de
los fans y críticos de uno u otro lado de dicho puente.
PS: Otras joyas de este año que frecuentaron mis playlist fueron el Morning Phase de Beck,
Familiars de The Antlers y Weatherhouse de Phil Selway.

El día que entrevisté a Daniel Snaith fue uno de los días
más felices de mi vida. Casi como mi boda, mi
presentación de carrera, el día que México ganó medalla de
oro en Wembley o el día que me dijeron que no tenía
cáncer. Caribou es tan bueno como no tener cáncer. Este
año, con Our Love, no dejan de ser una maravillosa cura
para todos los males del mundo.
Snaith ama la música dance, sumergirse en ella y crear
nuevos sonidos. Lo hizo con Swim – su álbum anterior
como músico/banda – y lo hizo con Daphni, su proyecto de
DJ. La paternidad no lo ha separado del ritmo, sino todo lo
contrario: los temas son de lo más íntimos, hechos
pensando en su pequeña hija sin caer en los cuentos de
cuna.

En Spotify, los primeros cuatro tracks
vienen uno detrás del otro, hechos
sándwich entre “Odessa” y “Sun”, dos de
las piezas más icónicas del Swim. La gente
está escuchando Our Love de principio a
fin, en el orden en que vienen presentes.
Acaso son impacientes con el interludio
“Dive” y brincan hasta la totalmente
inesperada “Second Chance”, ¿pero qué
podías esperar de una generación tan
acostumbrada a la brevedad ¿Al Twitter,
a Snapchat, a los artículos de Internet que
consisten de listas e imágenes animadas
Entrevisté a Snaith cuando se presentó en
el Escénica de Monterrey, a finales de
mayo del 2010. Se me permitió disfrutar
de la prueba de sonido antes de platicar
con él. Fue un concierto en sí, sólo que
detenido en ocasiones casi al azar por el
perfeccionista canadiense y sus
compañeros de banda. Algo “sonaba mal”
para sus agudos sonidos. Si para ellos
sonar “mal” era maravilloso, ya
imaginarán – o recordarán – cómo estuvo
el evento final. Lo que “merecía” el
público.
Su abridor había sido Chaz Bundick, que
tocaba bajo el nombre de Toro y Moi. Era
un chico que había comenzado como fan
de Weezer en la prepa, descubrió a Daft
Punk y a J Dilla, y terminó haciendo cosas
deliciosas. Lo invitaron a abrirle a Caribou
por todo el mundo durante esa larga, larga
gira. De tanto convivir, algo del padaguán
se le pegó al maestro jedi. “Silver” suena
como un tema extra del Anything in Return
que sacó Bundick el año pasado. Es bueno
saber que han seguido en contacto. Hasta
el homónimo de este disco y el sencillo
“Your Love Will Set You Free” tienen ese
aroma y esa sensación de once de la noche
y cuatro de la mañana.
Bien, les decía que “Second Chance” era totalmente inesperada. Rarísima, la
verdad. No recuerdo quién me contaba que la comedia podía situarse en dos
circunstancias: algo común en una situación extraña, o algo extraño en una
situación común. Ctulhu lavándose los dientes, o un oficinista volando al trabajo.
Más que la comedia, cualquier historia digna de contarse. “Second Chance”
comienza como ejemplo de lo primero. El disco hasta ese momento era toda una
rareza, algo que si es entretenido, todavía entra en lo que muchos llaman “indie” o
“alternativo” y que, según los esnobs, “no mucha gente puede comprender”.
¿Entonces que hace una cantante tipo X-Factor o Pop Idol meneando la voz y
moviendo la manita Jessy Lanza es toda una intérprete por su cuenta, pero aquí
para los esnobs habrá sonado a que Caribou se ha vendido. “Si quiero escuchar algo
así, mejor bajo a Jessie J o Mariah Carey”. Pero si te dejas llevar, si te metes a la
canción, el comfort regresa tarde o temprano. Como meter los pies en una tina con
agua caliente o en una alberca con agua fría. Sin embargo, una vez que ya te
sentaste o ya te reclinaste en la mesa de la piscina con una piña colada, alguien
prende las burbujas del jacuzzi. O el efecto de olas. Lo cotidiano es infectado por la
rareza, por los graves y los agudos, el sonido aguándose como cinta de casette, el
solo de sintetizador/trompeta envuelto en ruido blanco.
Pueden respirar, esnobs: a partir de aquí todo vuelve a ser desmadre.
“Julia Brightly” como detonador que te lleva a “Mars”, una exploración más que al
planeta rojo, al sonido de antaño. A los padres del dance, o a lo que bailaban tus
padres si ahora Snapchateas los resultados del examen. Clara referencia a
M.A.R.S., pioneros de la remezcla, aquellos que pedían que le subieras al volumen
a todo lo que daba. Una caminata en tu aparato espacial, entre las dunas y los raves
de bodega. Ya regresarás a casa con “Back Home”, donde sólo encontrarás
conflicto y corazones rotos. De pronto, el frío filtro de la cocina no es tan
encantador. Pero si quieres traer algo de la vida y el multicolor de tus exploraciones
pasadas al día a día de tu existencia, ser el oficinista que vuela al trabajo y también
ser Ctulhu lavándose los dientes, recuerda que tu amor te hará libre.

Si hay algo que se puede identificar inmediatamente al
escuchar toda la música creada hoy en día, en particular
aquella creada por bandas de las nuevas generaciones, es la
homogenización del genero. Lo que antes era un identificador
que distinguía a un artista de otro en tan solo un par de
palabras, hoy es una simple sugerencia de una época distinta.
Esto es algo bueno. Algo bueno que puede ser atribuido a la
persistencia de la música gracias a los medios magnéticos y
digitales.
Sin embargo, esta misma tendencia trae consigo su polaridad
opuesta, donde la composición musical se esta viendo,
igualmente, homogenizada, reducida, simplificada. Donde todo
empieza a sonar, más o menos, igual, porque todo se empieza
a componer, desarrollar, grabar, y estructurar para que suene
igual. Llamémosle la meta-transformación del canon del pop:
En un mundo donde la oferta del medio es quasi-inagotable
¿Por qué no habríamos de intentar hacer que todo suene a
algo fácilmente comerciable

Es en este mismo entorno donde vemos empezar el
primero y terminar el segundo disco de la banda con uno de
los nombres más "de moda" de los últimos 5 años. A pocas
personas les sorprendería que, inicialmente, que no había
una sola gota de interés en mí por escuchar a una banda
que se llama ∆ (se pronuncia Alt-J). Pero es parte de esta
pretensión naïvité lo que hace de su música algo tan
disfrutable en tantos aspectos.
"This Is All Yours" es una amalgama de géneros,
instrumentos, y referencias que suena orgánico y natural.
Pasan de un R&B Garage de los sesentas a un Trip-Hop de
los noventas sin dejar de sonar a una unidad, de melodías a
la Dirty Projectors a juegos vocales tipo The Beta Band
como si fuesen parte de la misma escena musical. Todo
suena un poco diferente y un poco similar a pesar de que
mantienen la composición mucho más alejada del jazz o el
progresivo que del pop: la variación y los tiempos se
mantienen bastante lineal, mientras que la estructura y los
arreglos son los que traen la frescura, la cual siempre le
hace falta a las tendencias de la modernidad.
En particular, el segundo disco de está banda triunfa
porque, de alguna manera, es completamente autoreferencial
sin ser repetitivo. Logra tomar todo lo bueno de
su disco debut, replicarlo, guardarlo, y hacer algo
completamente diferente a partir de lo mismo. No hacen
algo vistoso y reluciente, sino algo que perdura. Canciones
que habitan en el mundo de los "modernos" pero trabajan
duro fuera del mismo escuchando a Los Beatles y
descansando con Radiohead y Dr. Dre.
Lo mejor es que, al terminar de escribir este texto, todas las
referencias que he hecho me parecen injustas. No porque
no sean adecuadas, sino porque son tan solo reductivas.
Un intento por homogenizar algo que claramente vino a
revolver las cosas una vez más.

El álbum debut de esta banda de
oriunda de Brighton, Inglaterra
ha causado revuelo desde su
lanzamiento. Y no es para
menos, Ben Thatcher y Mike
Kerr (batería, bajo y vocales,
respectivamente) son artífices
implacables de cada una de sus
canciones, sacudiéndose todo
aquello que pudiera considerarse
como exceso en su producción,
lo que convierte a este disco en
un ataque despiadado que corta
de tajo toda tentación de
indulgencia.
Sin embargo debo confesarles un
poco sobre cómo descubrí a este
dueto: Fue a través de un sitio
web que filtra discos en formato
mp3 (omitamos nombres), y
éste, era precisamente uno de
los highlights, así que mi
acercamiento a él fue un tanto
escéptico al principio, sobre
todo, porque en la actualidad los
blogs y los medios
especializados tienden a
provocar ese hype, gracias al
cual toda banda emergente es
considerada “la nueva gran
mierda” y demás payasadas por
el estilo. Recordemos que en su
país de origen (Reino Unido) los
medios tienden a inflar cualquier
propuesta que a ellos les parezca
novedosa aunque representen
más forma que fondo (toma eso
NME). Para sorpresa mía, el
impacto fue total, irresistible y
contundente como putazo en la
cara.

Por supuesto, esta no es la primera ocasión (ni la única, ni la última),
en que un dueto le da una sacudida al rock; ya en el pasado (por poner
un ejemplo) Simon & Garfunkelo losEverly Brothers habían
cimentado la tradición. Sin embargo Royal Blood, junto con los
canadienses Death From Above 1979 le han dado una verdadera
vuelta de tuerca al formato del dúo convencional con una propuesta
que irradia osadía y amargura en proporciones equivalentes.
A pesar de tener una duración que apenas rebasa los 30
minutos, el primer LP de Kerr y Thatcher es bastante
digerible que nunca se siente flojo sino todo lo contrario: va
dando paso a un pulso rabioso que pone de manifiesto la
energía que siempre debieran ofrecer los discos debuts
(aunque no siempre resulte así).
Las comparaciones no se han hecho esperar, sobre todo
con The White Stripes, conQueens of The Stone Age,
Arctic Monkeysy hasta con Led Zeppelin. Jack
Whiteacusaba hace unos meses a The Black Keys de
haberle “robado su sonido” y esto bien podría
recriminárselo a Royal Blood, con una salvedad: este dúo
con su arsenal debajo/guitarra/voz y batería incurre menos
en “robar” y mucho más en reinventar esa paridad rockblues
en la que han sido catalogados. Lo cierto es que el
verdadero valor de un artista no radica en la influencia que
ha recibido sino en lo que es capaz de lograr con tal
herencia.
El disco abre con “OutOf The Black” y su espectacular coro,
resaltando el hecho de que una característica definitoria de esta banda
son sus letras y esto se hace patente en temas como “Come on
Over”, “Figure It Out”, “You Can Be So Cruel” y por supuesto, en
la que, en mi opinión, es la mejor del disco, “Little Monster”,donde
no desperdician la oportunidad para la cachondería: “I got love on my
fingers, lust on my tongue. You say you got nothing,so come out and
get some. Heartache to heartache, I’m your wolf, I’m your man.I say
run little monster, before you know who I am”... Como si el mito del
hombre lobo fuese relatado al ritmo de ese bajo endemoniado; “Loose
change” tiene una cadencia seductora, como si invitara a la
desnudez; “Careless” se apega a un sonido garage más
convencional, “Ten Tonne Skeleton” es una súplica al amor
fallido: “Let’s burn the past, forgetthe truth. I’m still more than him,
I’m still loving you…” y el final con “Better Strangers” es
simplemente perfecto para cerrar ese círculo vicioso de querer repetir
la escucha.
Este tremendo debut viene a cambiar las reglas del juego, pues pone en práctica elementos y ejercicios
conocidos a la vez que alumbra regiones de un paraje que, más que desolado, parece haber quedado
huérfano en lo tocante a discos de esta calaña.
Por lo pronto, ese coro de voces fastidiosas que vaticinaba la extinción de la música hecha con guitarras
puede comenzar a prepararse para gimotear acerca de algo más grande: la nueva camada de bandas que
seguramente intentarán replicar a este feroz dúo…

Llamar a Everyday Robots de Damon
Albarn uno de los mejores discos de
este 2014 parece a estas alturas una
obviedad. La crítica se ha rendido
ante este álbum en solitario de aquel
muchacho que apareció en la música
con Blur, el primer o segundo grupo
que se nombra al recordar aquella
etiqueta llamada Britpop. Por si
quedaban dudas de quién mandaba
en Blur, Albarn salió por la puerta
grande con Think Tank (2003),
llevándose así su personal y tranquila
voz a todo tipo de escenas, ópera,
bandas sonoras, colaboraciones de
todo tipo, y los aclamados Gorillaz y
The Good, the Bad & the Queen.

En realidad, en estos once años este no ha sido su
primer trabajo en solitario. Democrazy (2003), un
doble EP grabado en habitaciones de hotel durante la
gira de Think Tank le precede. Paradójicamente, y
teniendo en cuenta la génesis de Democrazy,
Everyday Robots es para Albarn su grabación más
personal. El álbum, melancólico pero sin dramatizar,
lleva como tema, de alguna manera u otra, la vida del
propio Albarn (“cada verso del disco ocurrió”), sus
pensamientos acerca de la vida, incluyendo su
infancia, el amor, y el contraste entre naturaleza y
tecnología; la grabación está plagada de aparatos;
móviles, DVDs, pantallas, CDs, televisiones pero
también aparecen el sol y el mar, siendo, en realidad,
su sonido una mezcla de los dos mundos; los
sintetizadores priman, pero el sonido no es
electrónico, está rodeado guitarras acústicas, y
violines, de modo que el papel de Richard Russell
(propietario de XL Recordings) prevalece más como
coautor de los temas en esta grabación que como
productor. El tono es tranquilo, marcado por un
modesto ritmo de trip-hop, adornado por samplers,
que no llega a ser monótono; la melodía prima.
Everyday Robots está compuesto por diez temas y
dos interludios; la curiosa “Parakeet” y la más acorde
al álbum, “Seven High”. También cuentan, y
positivamente, tres temas adicionales, perdidos entre
caras B y diferentes ediciones, que no chirriarían nada
dentro del álbum, ”Electric Fences”, “Father’s
Daughter’s Son” y “Empty Club”. De estos temas
introspectivos (en el buen sentido), podríamos dar
distinción a dos; la alegre “Mr. Tembo”, cuyo ritmo vivo
y más destacado está dedicada a un elefante
tanzanés huérfano. También al cierre del disco,
“Heavy Seas of Love”, que lleva consigo el coro de
The Leytonstone City Mission y la voz de, ni más ni
menos que Brian Eno. Este es un cierre de álbum que
alivia la desazón que sobrevuela sobre todas las
canciones.
Everyday Robots no significa un sonido radicalmente
nuevo en la trayectoria de Albarn, su logro es ser una
especie de síntesis velada de su trabajo como artista
y su vida, sin decantarse en ninguna época creativa,
con una línea sonora sin muchas alteraciones, que sin
embargo, no hace del álbum una experiencia lineal, tal
es el peso de la composición. Gracias a estos robots
cotidianos, Albarn está viviendo otra cima en su
carrera. No por menos, y para celebrar el éxito de
ventas y crítica, ha añadido algunas de estas gemas a
un repertorio que engloba toda su carrera en Live at
the De De De Der, con nueva banda para la ocasión,
The Heavy Seas. En este repertorio de oro, brilla con
luz propia los temas de este álbum.

En el mundo de la música los sonidos son cíclicos, estos van y vienen y por ejemplo, una banda como
Interpol nos gusta y la alabamos sin detenernos a pensar que mucho de su sonido se lo deben a la banda
inglesa Joy Division.
No es que esto sea malo pero digo que hay que reconocer de donde parten muchos de estos sonidos.

¿A qué se debe esta intro mamoncísima A que en el 2014 estuve
embelesado un disco de una autora independiente llamada Sharon
Van Etten, ¿lo que hace Sharon Van Etten es original Sí y no.
Sí, por que sus composiciones son propias, salen de su inspiración y
pues sí, el origen de sus canciones parte de su cerebro y de su
corazón (no en ese orden precisamente jeje).
No, porque abreva mucho de esa enorme cantautora y pianista
llamada Fiona Apple y de esa enorme mujer llamada Chan Marshall
alias Cat Power. No me refiero tanto a la musicalidad ya que tanto
Fiona como Kate Bush y Tori Amos usan al piano como vehículo
para sus dolorosas composiciones mientras que Sharon tiene un
matiz más dado al blues-pop amarrado a una estrujante guitarra
eléctrica.
Sí, por que le canta al amor de una manera intensa y perturbadora
con un dolor lastimero que no tiene nada que ver con los pajaritos
del amor de Carla Morrison aunque, bueno, eso es otra cosa que no
tiene nada que ver.
El dolor se siente y casi se puede tocar, al parecer no hay
escapatoria. Sharon nos canta casi al oído esta plegaria en Your
love is killing me (una rola masoquista -he de decirlo-):
“Rompo mis piernas por que no puedo caminar
Corto mi lengua por que no puedo hablarte
Quemo mi piel por que no puedo sentirte
Apuñalo mis ojos por que no puedo verte”
Ahora escuche con atención su austero arreglo musical que
parece sacado de ultratumba: una música ominosa, para un
condenado a sufrir por un dolor eterno.
Are We There es el segundo disco de Sharon y es la carta de
un corazón dolido; su música mama mucho del pop barroco,
los arreglos de guitarra y del folk. Técnicamente tiende un
puente con el siglo XXI y sus técnicas de grabación
asombrosas que le proveen nebulosa belleza al disco en sí.
Mientras tanto la voz de Sharon suena frágil mientras nos tira
netas cósmicas del calibre de:
“Dices que soy genuina
y veo de nuevo que escondes la mano
Soy una pecadora, he pecado
Somos una bandera a media asta en el viento
Es nuestro amor”
Sharon creó en el 2014 un disco en cuyas letras puede parecer
algo frágil y a punto de romperse, verse como una mujer
adolorida y hasta mal cogida… Si se leen bien mientras se
disfruta la música, el resultado es un humor perro y negro
que se acopla bien a estos cínicos y modernos tiempos de
desamor.